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EDITORIAL

JULIO | AGOSTO | 2018

Y de repente esperamos los viernes las decisiones del Consejo de Ministras

P Carlos Gil Zamora Director editorial

odría parecer una obsesión, un desvío de la atención, pero desde la última vez que nos leímos hasta hoy han pasado demasiadas cosas en la vida política española como para no atenderlas. Una moción de censura ha cambiado el gobierno de las manos de un sospechoso Mariano Rajoy del PP, a las de Pedro Sánchez del PSOE, con el apoyo de otras fuerzas políticas de izquierda, nacionalistas e incluso independentistas. La sociedad en general ha respirado. Lo que era todo pesadumbre, son ahora resquicios de esperanza.

Sin necesidad de lanzar todos los cohetes para celebrarlo, debemos constatar un desacierto absoluto: se nombró en primera instancia a un ministro de Cultura proveniente del mundo de la televisión, sin antecedentes en cuestiones de rango importante, y tuvo que ser dimitido a la semana por un asunto viejo con Hacienda. Mal comienzo. Pero el remedio fue mucho mejor que la enfermedad. Se ha nombrado a un gestor cultural de amplio recorrido, colocado en las vanguardias más importantes de los últimos años, y con él han llegado las ganas de que todo vaya mejor. Las primeras declaraciones de José Guirao han estado cargadas de sentido común y de saber en qué punto histórico nos encontramos.

Y su primera decisión ha sido suspender o anular la criticada fusión entre el Teatro Real y el Teatro de La Zarzuela, algo que solamente interesaba a ciertos sectores de la gestión privada de los bienes públicos.

Por eso andamos tan interesados todos los viernes esperando las decisiones fundamentales del Consejo de Ministras (hay más mujeres que hombres, lo que se aplaude), porque hay que remover el escalafón en el Ministerio de Cultura y en los asuntos que nos interesan, el INAEM, del que se ha oído decir al actual ministro que es el momento de remodelarlo, asunto con lo que estamos totalmente de acuerdo, pero que creemos que debe ser un proceso de consultas, ideas y decisiones que quizás no se puedan tomar con la premura de tiempo que le queda a esta legislatura y con la debilidad parlamentaria de este gobierno. Pero el simple enunciado de la necesidad de pensar qué hacer con esta institución tan coaccionada por las leyes, ya nos alegra. Somos así de conformistas.

Estamos en esos meses veraniegos en donde la actividad teatral se saca a la calle, el teatro clásico ocupa lugares extraordinarios, edificios culturalmente significantes, se inventan espacios, se hacen programaciones que buscan a los veraneantes, incluso a los turistas, y en lo más local, en sus fiestas patronales, las actuaciones más de entretenimiento, –4–

sin cuidar mucho la calidad, que entretengan a los niños y niñas y que hagan reír a los adultos. Un vicio que arrastramos desde hace décadas y que no parece se pueda variar. Probablemente ni sea necesario ni oportuno cambiarlo porque forma ya parte de una cierta tradición, simplemente hacerlo mejor, volver a buscar el rigor, la calidad, no la cantidad. Lo mejor, no lo más barato. En todos los niveles de la programación.

Acostumbrados a convertir la acción cultural es un subgénero de la estadística y la contabilidad, abandonar esta contaminación y volver a la valoración cultural de las artes escénicas y no la de ventas de entrada, récords de asistencia, cantidades de dinero gastado, sería entrar en un tiempo de renovación de todos los conceptos actualmente colocados como mayoritarios en el mundo en el que nos movemos y en donde mandan los más mercantilistas, los que menos aportan para el desarrollo cultural y artístico de las artes escénicas en todos sus rubros y categorías. Y es demostrable con datos.

Varían los impulsos, los hábitos, la manera de afrontar el trabajo, los objetivos básicos, pero sigue habiendo creación, siguen existiendo proyectos, ganas de abrirse camino en una frondosa selva de leyes, reglamentos, convocatorias, esperanzas que se fraguan en la necesidad de reafirmarse en la posibilidad de hacer de una vocación que arrebata una profesión que puede llegar a lastrar todas las expectativas.

Porque seguimos con un porcentaje ridículo de profesionales de la interpretación que pueden vivir dignamente de su trabajo. Una situación que probablemente no se resuelva desde las instituciones con decretos, que

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índice

43º 15’ 19.417’’ N | 2º 55’ 34.997’’ E

Opinión Editorial Cronicón de Villán… y corte | Javier Villán Desde la caverna | David Ladra Luz Negra | Josu Montero Vivir para contarlo | Virginia Imaz Postales argentinas | Jorge Dubatti Piedra de sacrificio | Jaime Chabaud El lado oscuro | Jaume Colomer Noticias desde los Fiordos | Víctor Criado requiere de un plan de arraigo de amplio aliento, de difusión en otros ámbitos, empezando por la enseñanza y acabando por la dignificación misma de la información sobre las Artes Escénicas, tanto en los medios generalistas como en los especializados, tan tendentes al halago y la servidumbre y que, en primera estancia, se sitúa en sacarlas del entretenimiento banal, para colocarlas en el espacio de la cultura necesaria, divertida, inseparable de la constitución misma del ser humano y de la sociedad en la que vive. Colocadas en ese lugar, con convicción y tiempo, se pasará de buscar a clientes para encontrar a ciudadanas ávidas de sensaciones artísticas que las complementen. Y en esta labor, las gestoras forman parte fundamental de este futuro esperanzador.

Así que disfrutaremos de lo que se nos ofrece en tantos festivales, algunos con una programación “de gira”, lógica, de aquellos espectáculos que están pensados para cubrir precisamente esas citas, además de los que son de producción propia y después tendrán vida por los escenarios del oligopolio. Pero también podremos disfrutar de auténticos trabajos creativos, de joyas, hay que buscarlas entre tanto producto, pero existen. No hay que desesperar.

Están a nuestro alcance.

Quienes tenemos la suerte de haber recuperado el tono físico y mental tras unos meses de vicisitudes médicas encadenadas, vamos cada día al teatro, emprendemos de nuevo nuestros viajes a festivales que mantienen todavía el espíritu de indagación y de ofrecer lo mejor de lo mejor, lo que nos apunta a lo que va a venir, los lenguajes que consiguen acoplarse con los nuevos tiempos, las formas que nos definen los movimientos sociales y políticos de manera estética. Es decir, lo que escapa del mercantilismo feroz. Lo que se hace desde la impronta de la mirada artística, trascendente, de diálogo entre seres humanos para encontrar algún sentido más a la vida, que nos ayuda a hacernos mejores, más humanos, más rebeldes con lo que se nos propone para mantenernos en la idocia social, amenazante por su intrascendencia, alienante por su banalidad estética y su impostura ética. Y pagada con dineros públicos, que es lo peor de todo. Esa falta del mínimo rigor, la confusión bien agitada entre lo público y lo privado, esa desgraciada idea de que lo privado funciona mejor que lo público. Una mentira, una maldad interesada, difundida con cinismo absoluto por quienes se enriquecen haciendo privado lo público. Una ideología anaranjada, azulona, reaccionaria. Y ya me entienden. — –5–

Estrenos Festivales En gira Zona abierta

Portada

Fotografía del espectáculo ‘La Gioia’ de ‘Pippo Delbono’

Número: 223 - año 22 | Julio / Agosto 2018 Depósito Legal: SS-1154/97 Edita: Artez Blai Aretxaga, 8 - bajo, 48003 · Bilbao Tlf: 944 795 287 | email: artez@artezblai.com

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CRONICÓN DE VILLÁN... Y CORTE

Elogio del flamenco

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Javier Villán

n Madrid de está celebrando Suma Flamenca que va ya por su decimotercera edición. Si hablo de Flamenco, antes de nada una declaración de principios y cartel: “al cante Camarón de la Isla”, un maldito verdadero; “al toque, Paco de Lucía” que, para ser genial, no necesitó del malditismo.

Madrid sigue siendo rompeolas de todas la Españas, como certificó don Antonio Machado; en tiempos fue ciudad de tablaos y cantaores. No sé si queda algún tablao que incendie la noche madrileña que hace tiempo dejé de alborotar. Yo era asiduo de El Corral de la Momería y de Torres Bermejas y de cualquier sitio sagrado donde cantara Terremoto de Jerez, que nunca, creo, cantó en el Corral. A algún desesperado y sin expectativas en la vida, los cantaores y cantaoras salvaron de tirase por el viaducto que está al lado.

El flamenco es dolor (la soleá, la seguiriya) y es fiesta como la bulería o las alegrías de Cádiz. Las colombianas, cantes de ida y vuelta. El flamenco es dolor y la patria de muchos nombres grandes, de los que solo quiero citar tres: Antonio Mairena, un gran teórico e historiador además, Terremoto de Jerez y Camarón de la Isla. Citar a todos que admiré me llenaría la página.

Rancapino es otro grande y en la Maestranza le he escuchado cantar a su ídolo Curro Romero por seguiriyas y soleá. Curro no se rasgó la camisa, máximo gesto de emoción de los flamencos, porque con el traje de luces quedaba mal. Terminada la corrida, Rancapino y yo seguimos la fiesta por Triana. De vez en cuando Rancapino llamaba a Romero y le decía “cucha maestro”. Y le cantaba una soleá. Romero acabó por no coger el teléfono. También me gusta María Vargas, Bernarda y Fernanda de Utrera, entera.

Lo toros y el flamenco van siempre unidos. Por eso los detestaba, en igual medida, el desdichado Eugenio Noel, que se llevó un sofoco de muerte cuando en una barrera o contrabarrera de Valencia, Rafael el Gallo, el divino calvo, le brindó un toro ¿qué coños hacía en una plaza de toros Eugenio Noel? Entre toros y flamenco hay cierta hermandad; y entre teatro y toros también. Conocida es la anécdota entre el actor Julián Romea amigo de un torero famoso, Cúchares acaso, que desde la barrera reprochaba su miedo al torero.

Este le respondió; “es que aquí se muere de verdad, no como en el escenario”. En Los cuernos –6–

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de don Friolera, Valle pide para el teatro la pasión del mundo de los toros. Del cante hondo no dice nada, quizá porque como gallego desconocía el flamenco, cuya tristeza y lamento son más intensos que la saudade.

Carlos Gil, director de esta revista que nos da cobijo, y algún ágape muy de vez en cuando, firmaba sus artículos de toros en Egin, como Laurelito Txiqui, homenaje a su padre que fue no sé si novillero o banderillero. De esos que a Manuel Machado, “antes que un tal poeta” le hubiera gustado ser.

Toros y Flamenco eran para Lorca la cultura de la sangre, la no aprendida, y de los siglos.

Pepe de La Matrona aseguraba que en Madrid habían estado los mejores tablaos cuando el flamenco, sin abandonar del todo el cuarto de los cabales, había decidido hacerse espectáculo.

Hoy quedan Casa Patas y la Quimera, de Antorrín Heredia, por donde aparece de vez en cuando su padre, el Yunque para bordar el martinete.

Y no sé si Los Gabrieles. El llanto escondido es dolor y no hay mayor expresión que rasgarse la camisa cuando el dolor ya no se soporta más.

Yo como palentino, como El Pescao, uno de los pocos genios que queda del cante hondo, soy más sobrio. No me rasgo la camisa pero lloro.

He llorado varias veces con el cante, por seguiriyas, de Fernando Terremoto a cuya tumba le llevo claveles cuando bajo por Jerez; he llorado dos veces con el salvaje y telúrico Agujetas, las dos que le escuché, diciendo además barbaridades de escándalo en el desaparecido Gayango.

También se me cayeron las lágrimas escuchado a Rafael Romero, el Gallina, en el desaparecido Zambra, tablao del Ministerio de Cultura, detrás de Correos, Cibeles. Allí cantaba también Juanito Varea, muy bueno aunque le faltara el desgarro gitano. Romero en Zambra nos dedicó a mí y a su “hermano”, Atahualpa Yupanqui, un polo que decía “aquel que tiene tres viñas y el pueblo le quita dos, que se conforme con una y le dé gracias a dios”. La versión genuina es “y el tiempo le quita dos”. Pero Rafael prefería pueblo.

Con Manolo Caracol me emocioné pero sin pasarme de la raya. Y me descolgué del todo de su figura cuando presencié una escena memorable entre él y Terremoto, no recuerdo ahora donde.

Cantaba Fernando una seguidilla, y apareció Caracol un poco achispado y al punto le hizo una objeción a la seguidilla de Fernando. Este mandó callar al guitarrista y dijo: “Tú va ponele pega a una seguidilla mía?; tú que no sabe canta má que zambras?” Se puso una copa de manzanilla, a rebosar, que se bebió de un trago y alzándose la chaqueta por encima de la cintura zapateó una bulería como sólo él sabia hacerlo en momentos de iluminación. La gente animaba a Caracol a darle réplica, pero este prefirió seguir callado. El flamenco es dolor, es interpretación, es alegría, es un relato. O sea, es teatro del mejor. —

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DESDE LA CAVERNA

Cuando se pierde un zapato…

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David Ladra

o que era una crisis migratoria provocada por las guerras civiles que promovió Occidente pronto se convirtió en un círculo infernal. En el Oriente Medio, cientos de miles de fugitivos abandonaron sus países y se echaron al mar.

Muchos de ellos perecieron y el Mediterráneo los devoró. Sus restos vinieron a engrosar los sedimentos que desde hace ya siglos se acumulan en los fondos marinos. Los otros, los que llegaron a poner de nuevo pie en tierra, se lo agradecieron a Alá y, creyendo estar ya en refugio seguro, juntaron sus familias y escasas pertenencias y se dispusieron a caminar. Poco trayecto hicieron: las barreras de las fuerzas armadas les detuvieron de inmediato y fueron internados en campos de concentración. Cerrada por cientos de fronteras formando una tupida red de araña, Europa se había convertido en una verdadera fortaleza.

Intramuros, business as usual. Indiferente e insensible, cada ciudadano europeo cumple con la obligación que le han impuesto: se levanta, se atilda, desayuna, sale a la calle y se dirige hacia el trabajo. Y así lo haría Z (mira que me suena esa letra) si no viese un zapato de mujer en lo alto de un contenedor. Un cúmulo de preguntas le asalta que se resume en un solo mandato: y es que tiene que dar con el compañero del par. ¿Qué sería, si no, de un continente tan bien dispuesto y ordenado si todo anduviese al buen tuntún? Poco importa que sean planos o de tacón, de vestir o casuales, de baile o de salón, o incluso unas zapatillas o unos Blahnik, pero al derecho corresponde el izquierdo y viceversa como tiene que ser. Así que Z no lo piensa dos veces y arranca sus pesquisas.

Un viaje que, una vez recorrida la diagonal ibérica Lisboa-Barcelona y adoptando el sentido contrario al que pretendían seguir los refugiados, le va a llevar, además de al aeropuerto de Frankfürt, centro neurálgico de Europa, por varias ciudades del continente –Calais, Lampedusa, Röszke, Mitilene– bien conocidas todas ellas por haber sido los puntos abisales del exilio oriental. Por fin, tras cruzar el Bósforo en Estambul, Z llegará a la ciudad de Tiro donde todo empezó. Porque a decir verdad, la indagación de Z no sólo se refiere a un sencillo zapato femenino sino también a ELLA, la mu–7–

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jer que sospecha que en tiempos lo calzó. Reportera gráfica de renombre, está haciendo el mismo recorrido que hace Z aunque sin coincidir con él. Y sin embargo, en las paradas de sus viajes, Z percibe su presencia (“me pareció oír el obturador de tu cámara y algo… algo se me movió por dentro”).

Mientras ambos prosiguen su periplo, van atravesando los países causantes del desastre: ELLA reflexionando en los moteles en los que se aloja; Z cruzándose fugazmente con los personajes de las escenas que atisba al pasar. Escenas dispersas, aparentemente cotidianas, que no parecen ser gran cosa ni exhalar un hálito patético si no es el de estar relacionadas (a veces, sacamos la impresión que “de pasada”) con esa expatriación de los países musulmanes que, al pie de las murallas, no dejan de asediar el continente: un arreglo de cuentas en Lisboa, una versión inversa de Casa de muñecas que más parecería escrita por Jelinek, dos francotiradores tumbados al sol en una azotea de Calais, una excursión fallida al faro de Lampione, una disputa por unas zapatillas en el aeropuerto de Frankfürt, dos mujeres-soldado en Röszke, una conversación en Mitilene, un reencuentro en Tiro…

Son pequeñas historias que están entresacadas de la vida común del continente pero que, a pesar de ser habituales, se nos aparecen como enigmas. Siempre hay algo por parte del lector que se echa en falta para que la escena se cierre comme il faut. O, ¿a qué viene tanta acumulación de zapatos? Sin duda, se trata de un recurso para indicarnos que la situación no es tan “habitual” como parece, que existe un pequeño “detalle” que no encaja. O por decirlo con la cita de Beckett que abre la obra: “He ahí al hombre íntegro arremetiendo contra su calzado cuando el culpable es el pie”. Lo de menos es escandalizarse leyendo los periódicos o escuchando la radio; lo importante es conocer la situación real de la emigración y ponerle remedio (aunque no, como se dispone a hacer la UE, siempre tan aficionada a los campos, trasladándolos a terceros países).

Que Z es Zeus y ELLA Europa se veía venir desde el principio. Pero ¡qué diferencia con el mito! Agotados por tan largo camino, él ya no es el dandy que antes era y ella no piensa más que en morir. Cuando Z la arropa por última vez, le retira el único zapato que ELLA lleva y luego lo compara con el que se encontró: no son del mismo par. El Olimpo y la Tierra ya no casan, les sustituyen los cazabombarderos en el cielo.

(Cuando se pierde un zapato se pierde una batalla de la actriz y dramaturga Laura Aparicio ganó el IV Certamen Nacional de Textos Teatrales 2018 “Cuenca a Escena”). —

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ESTRENOS

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Morfeo Teatro estrena Cómicos, a donde el viento nos lleve

Morfeo Teatro rinde homenaje al oficio de los cómicos itinerantes La obra se presenta como un recorrido vivencial y literario en el que dos cómicos buscan la provocación

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“Todos fingimos lo que somos para acabar siendo lo que fingimos”

a compañía burgalesa Morfeo Teatro presenta su nuevo espectáculo, ‘Cómicos, a donde el viento nos lleve’, en colaboración con Montse Lozano y Gloria Muñoz. Recién estrenada en el Teatro Principal de Burgos, la pieza cuenta con la dramaturgia de Miguel Murillo (Premio Lope de Vega de Teatro 2012) y Francisco Negro. Es precisamente éste último quien se encarga de la dirección del espectáculo, interpretado también por él junto con Mayte Bona.

“Dos cómicos errantes, maltratados por el azote del viento, llegan a un teatro. El viento se calma, la representación debe comenzar cueste lo que cueste, el público espera y quiere reírse...”. Así comienza ‘Cómicos, a donde el viento nos lleve’, un homenaje al oficio de los cómicos itinerantes. Se trata de un texto que recoge un repertorio de piezas burlescas, en su larga evolución de cuatro siglos, como el que ofrecían los pioneros cómicos de la legua del Siglo de Oro, hasta las compañías cómicas de la Ilustración española, y ya en su ocaso, compañías de repertorio de finales del XX. La obra presenta a dos cómicos, don Pinto Cruceiro y doña Sota de Bastos “y por la noche de copas”, que se presentan al espectador para hacer su repertorio cómico de romances, fábulas y burlas, con los mismos desasosiegos y penurias que sus antepasados. Haciendo un recorrido sentimental, a veces autopsia, del oficio de los cómicos y de la vida misma como teatro de mentiras.

El montaje supone un recorrido vivencial y literario donde los cómicos buscan la provocación, la risotada y la algarada digna; defendiendo, frente al patetismo de su vida, la mirada lúdica e irreverente que

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les da el camino, como diría el clásico, las más de las veces a ninguna parte. Pero, según afirman desde la compañía, lo importante no es sólo el repertorio, sino la íntima relación que consiguen con el público, con sus reflexiones sobre el teatro como forma de vida, y la vida como un viaje errante en el que, como diría Calderón: “todos fingimos lo que somos para acabar siendo lo que fingimos”.

MORFEO TEATRO Reconocida por la singularidad y fuerte personali-

dad de sus propuestas, en su filosofía está el afán de adaptar o rescatar piezas poco habituales en el repertorio tanto clásico como contemporáneo, asumiendo un provocador sentido de la puesta en escena y una marcada cercanía con el espectador. La compañía ha participado en conferencias, foros teatrales y festivales internacionales de numerosos países, habiendo estrenado hasta la fecha una quincena de puestas en escena sobre autores como Cervantes, Quevedo, Molière, Voltaire o Valle-Inclán. —

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Teatro Avante estrena En ningún lugar del mundo

Teatro Avante reflexiona sobre el exilio y el concepto de patria La nueva pieza de la emblemática compañía se estrena en el Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami

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Asela Torres

eatro Avante estrena ‘En ningún lugar del mundo’,

pieza de Abel González Melo que dirige Mario Ernesto Sánchez y que se podrá disfrutar del 26 al 29 de julio en el Carnival Studio Theater, dentro de la programación del 33º Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami, organizado por la propia compañía. “¿Son las fronteras visibles de un país las que definen el concepto de patria? El exilio fractura la familia y los años de lejanía propician el espejismo del reencuentro. Obligado a abandonar la isla que lo vio nacer, Ángel ha tenido que reinventarse en otra tierra que es ahora también la suya: un espacio vital

que le ha dado muchas oportunidades y que, sobre todo, le ha permitido construir un nuevo hogar junto a su hijo, le ha hecho descubrir el amor. Porque sin amor no tendríamos patria. En ningún lugar del mundo cabríamos, salvo allí donde él está”.

Así se presenta ‘En ningún lugar del mundo’, nuevo espectáculo de la compañía de Miami que cuenta con la interpretación de Alina Interián, Gerardo Riverón, Yani Martín, Julio Rodríguez y Ariel Texidó. Forman también parte del equipo artístico Pedro Balmaseda y Jorge Noa (escenografía y vestuario), Ernesto Padilla (iluminación) y Mike Porcel (música), entre otros. —

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Atalaya estrena Rey Lear

Atalaya evidencia el caos creado por una ambición desmedida

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ATALAYA

Ha participado en más de 170 festivales estatales e internacionales de 39 países y ha recibido más de 50 galardones, entre los que destaca el Premio Nacional de Teatro en 2008

a compañía Atalaya, que cumple 35 años de trayectoria, estrena ‘Rey Lear’, su segunda propuesta sobre un texto de Shakespeare que supone el vigésimo cuarto espectáculo del grupo teatral sevillano. Carmen Gallardo protagoniza esta pieza que cuenta con la dramaturgia y dirección de Ricardo Iniesta y en la que la interpretación coral vuelve a cobrar una gran relevancia. Nueve actores y actrices están presentes en escena a lo largo de todo el montaje, interpretando una trepidante coreografía y más de una decena de cánticos en directo.

Para Ricardo Iniesta, “Shakespeare representa el corazón y las arterias de nuestro organismo vivo”.

La puesta en escena de Atalaya presenta una dramaturgia que no prioriza los conflictos familiares que plantea la obra, sino la búsqueda de la “condición humana desnuda”, aquella que descarta lo banal, se conecta con lo esencial y busca la empatía hacia el resto de la humanidad. “La dramaturgia resaltará el desastre que supone para el mundo en que vivimos la ambición desmedida, el apego a lo material y a las apariencias, la ausencia de empatía y el individualismo.

Al tiempo se enfatiza la enorme capacidad de transformación que posee el ser humano cuando conecta con lo más profundo de su esencia y con la Naturaleza misma. La idea del caos que sobreviene en la obra por la ambición de poder que no repara en medios, representa el epicentro de la misma. El caos como desasosiego y laberinto de atroces calamidades… como desorden cósmico”, explican desde la compañía. ‘Rey Lear’ se estrenará el 20 de julio en Olmedo, y se podrá ver también el 11 de agosto en Niebla. —

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Teatro del Norte estrena La Gaviota

Teatro del Norte se enfrenta a un texto realista

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Rafa Pérez

eatro del Norte estrena ‘La

“El texto nos permite hablar de esa especie de tapón que ejercen los que están arriba sobre los que están abajo”

Gaviota’, montaje que relaciona el texto de Antón Chéjov con el ‘Hamlet’ de Shakespeare a través del trabajo dramatúrgico realizado por Etelvino Vázquez, que se encarga también de la dirección del espectáculo. La obra, que se presentará el 13 de julio en la Semana del Teatro de Pola de Siero (Asturias), está interpretada por el propio Etelvino Vázquez junto con Cristina Lorenzo, David González y Cristina Alonso. “La Gaviota propone una reflexión sobre el arte y el artista, sobre el teatro y la literatura. Una reflexión de total actualidad en los tiempos que corren”, afirman.

Teatro del Norte, compañía que cuenta ya con 33 años de trayectoria, decide enfrentarse esta vez a un texto realista, con el reto que supone para ellos

transitar por esta corriente tan alejada de la farsa o del expresionismo, según explican. En su opinión, este proyecto ha supuesto también un reto dramatúrgico por el hecho de tener que condensar todos los personajes de la obra en los cuatro protagonistas -Arkadina, Trigorin Nina y Kóstya-, sin que se pierda nada del sentido y significado de la obra.

En palabras de Etelvino Vázquez, “el objetivo de montar La Gaviota es que el texto de Chéjov nos permite hablar de un tema de total actualidad: la relación de los padres con los hijos y, en el tema del arte, la relación de los artistas consagrados con los artistas que empiezan. Esa especie de tapón que ejercen los que están arriba sobre los que están abajo. Esa frontera invisible tan difícil de traspasar para todo artista que comienza. Una profunda reflexión sobre el presente del artista y sobre su oscuro porvenir. Pero no solo del artista. Chéjov nos habla de jóvenes que no pueden marchar de casa de sus padres porque ante ellos no tienen ningún futuro, ninguna esperanza. Jóvenes que saben que nunca se podrán realizar como personas.

Un panorama desolador y actual. Una problemática en la que se sienten reflejados muchos jóvenes de hoy en día, en la que también nos sentimos reflejados todos los que nos dedicamos a alguna parcela del arte”. —

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XXXV Festival de Almada

Almada convoca a los mejores creadores contemporáneos Espectáculos de Pippo Delbono, Pascal Rambert, Jean Bellorini, Jan Lawers, Serge Aimé Coulibaly, entre otros

Jean Louis Fernandez

FOTOGRAFÍAS

Estado de sitio A Sonâmbula

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el 4 al 18 de julio se celebrará en Almada la edición trigésima quinta de su reconocido festival, que cuenta, como es habitual, con una amplia oferta de espectáculos de primer nivel. Se abrirá con el montaje elegido por el público el año anterior, el delirante y fantástico ‘Apre, melodrama burlesco’ a cargo de los franceses de la

Compagnie le Fils du Grand Réseau.

Se podrán ver textos de Jean Genet, ‘Colónia penal’ a cargo de Teatro do Barrio y dirección de António Pires.

El Teatro Nacional Sâo Joâo ofrecerá ‘Lulu’ de Frank Wedekink con dirección de Nuno M. Cardoso.

El autor argentino Rafael Spregelburd llegará con su obra ‘Phiplip Seymor Hoffman, por ejemplo’ de la mano de la compañía belga Transquinquennal. Un texto del autor francés Joël Pommerat, ‘A reunificaçao das duas Coreias’, con dirección de Paolo Magneli, se verá en producción de los croatas de Gavella Drama Theatre.

Pascal Ramber, llega con dos obras, una de la que es autor del texto, ‘Final do amor’, dirigido por Ivica Buljan y que ofrecerá la compañía eslovena Mini Teater. Y el segundo dirigido por el propio Rambert, ‘Actriz’, en producción del parisino Théâtre des Bouffes du Nord.

Un texto de Ferenc Molnár, ‘Liliom ou a vida e a morte

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FESTIVALES

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Gabriela Neeb

de um vagabundo’, con dirección de Jean Bellorini, es la propuesta del Théâtre Gérard Philipe y el Centre Dramatique National de Saint-Demis. También se podrá disfrutar del texto de Albert Camus ‘Estado de sítio’ con dirección de Emmanuel Demarcy-Mota y producido por el Théâtre de la Ville.

Bélgica, además de lo anteriormente señalado, llegará con la Needcompany y su ‘O quarto de Isabella’, con dirección de Jan Lauwers. Y con guión, dirección y coreografía de Michèle Noiret, que da nombre a su propia compañía, llega ‘Fora de campo’. Por otra parte, ‘Kalakuta Republik’ de Serge Aimé Coulibaly es una producción entre Bélgica y Burquina Faso.

Dos serán las propuestas alemanas: ‘Dr. Nest’ de la peculiar y magnífica Familie Flöz y la Münchner Kammerspiele con ‘A Sonâmbula’ a partir de la ópera de Vincenzo Bellini dirigida por David Marton.

El último trabajo de Pippo Delbono, ‘La Gioia’, coproducida por Emilia Romagna Teatro Fondazione, es la propuesta italiana de esta edición. Del Estado español llega en producción del Teatro de Babel de México la obra ‘Arizona’ de Juan Carlos Rubio con dirección de Ignacio García, y el espectáculo ‘Federico García’ a partir de la vida y la obra del poeta granadino con dramaturgia de Evelyn Arévalo y dirección de Pep Tosar.

La Companhia de Teatro de Almada ofrecerá’ Bonecos de luz ‘a partir de Romeu Correia, con dirección de Rodrigo Francisco. Otras producciones portuguesas que se podrán ver son: ‘Nada de mim’ de Arne Lygre por Artistas Unidos; ‘Melodramas de horror’ de varios autores; Teatro da Trinidade Inatel con ‘Carmen’, dramaturgia y dirección de Diogo Infante; ‘A última estaçao’ de Emano Sancho; y la Companhia Nacional de Bailado, que presentará ‘A tercedura do caos’ con dirección y coreografía de Tània Carvalho. —

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FESTIVALES

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XIII Olmedo Clásico

La variedad, protagonista en la Villa del Caballero Se presentan una docena de selectas piezas clásicas, entre ellas, dos estrenos

FOTOGRAFÍAS

‘Traidor’ ‘El caballero de Olmedo’ ‘El criticón’

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el 13 al 22 de julio la localidad vallisoletana de Olmedo albergará la décimotercera edición de Olmedo Clásico, que en su programa central se ha previsto un total de 12 espectáculos, dos de los cuales serán estrenos.

Asimismo, se llevarán a cabo las secciones ‘Olmedo Clásico en familia’ el día 15 de la mano de Tropos y Tirita de Teatro, y ‘De aperitivo un clásico’, donde el 21 y 22 de julio la compañía Los números imaginarios escenificará ‘Hamlet entre todos’. Entre las actividades paralelas cabe destacar las Jornadas sobre Teatro Clásico, que este año se celebran bajo el lema “Clásicos y ciberclásicos. El teatro del Siglo de Oro en la era digital”, así como el Curso de análisis e interpretación actoral

‘Fernando Urdiales’.

El estreno de Vértice Producciones, ‘Las mjueres sabias’, adaptada y dirigida por Andrés Alemán, será la encargada de iniciar la programación el día 13 en la Corrala del Palacio del Caballero, espacio habitual donde tienen lugar la mayor parte de funciones junto con el Centro de Artes Escénicas San Pedro. Se trata de la versión musical de una las grandes comedias de Molière, donde se retrata un mundo de mujeres obsesionadas por los avances de las ciencias que se jactan de conocer en profundidad, pero del que nada entienden. El segundo estreno se llevará a cabo casi al final de la programación, el día 20. Se trata de la obra de Shakespeare ‘Rey Lear’ de Atalaya Teatro, dirigida por Ricardo Iniesta (más información en la página 13).

El día 14, Clásicos Contemporáneos escenificará su adaptación del ‘Otelo’ de Shakespeare, y el 15 de julio, a Daniel Albadalejo lo veremos en la piel de ‘El caballero de Olmedo’, creación propuesta por Noviembre Teatro y dirigida por Eduardo Vasco en la que presentan “la historia de un hombre joven, guapo y capaz, un tipo que se distingue por su nobleza y

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valentía y que es asesinado por envidia, muerto como un perro por la pura desesperación de un incapaz. La envidia, esa lacra tan española, y tan atemporal”.

El 16 de julio está previsto ‘De fuera vendrá quien de casa nos echará’ de Morboria Teatro, dirigido por Eva del Palacio partiendo de la versión de Agustín Moreto. Una sucesión de engaños, mentiras, celos y pasiones desatadas se dan cita en esta pieza en la que la comedia será el hilo conductor.

El 17 de julio se espera la ‘Comedia Aquilana’ del dramaturgo extremeño Bartolomé Torres Naharro, un espectáculo coproducido por Nao d´amores y la Compañía Nacional de Teatro Clásico, considerada la primera obra romántica del teatro español. La obra gira en torno a los amores del caballero Aquilano y la princesa Felicina, hija del rey Bermudo. Esta es una de las nueve obras dramáticas que escribió Torres Naharro, y la denominó “a fantasía”, un grupo de textos de costumbres urbanas donde el principal motor es el amor. Es una obra de madurez que debió ser escrita hacia 1520, para ser representada en el contexto de la celebración de una boda.

Por su parte, Teatro del Temple pondrá sobre las tablas el día 18 una adaptación de ‘El criticón’, la obra más celebrada de

Baltasar Gracián. Se considera como la obra cumbre del conceptismo barroco español y adopta la forma de una gran alegoría, una gran epopeya moral, en la que se unen desengaño, sátira social y una visión pesimista del mundo.

El día 19 regresará Carlo Goldoni a Olmedo de la mano de la compañía Contraproducións y el espectáculo ‘Commedia’. Entre las últimas obras de la programación se encuentran la ya mencionada ‘Rey Lear’, así como ‘Traidor’ de José Zorrilla, que representará Teatro Corsario, ambas el día 20.

Esta vez la compañía vallisoletana opta por un autor del siglo XIX y una pieza con trama policiaca escrita en verso en la que se habla de amores prohibidos y de política en un proceso que sería declarado “secreto de estado” durante trescientos años.

Por último, la compañía Ron Lalá se encargará de concluir la programación del festival con ‘Crimen y Telón’, un homenaje al teatro universal en forma de thriller de género negro, ambientado en un cercano futuro en que las artes están prohibidas y nuestro planeta, convertido en Ciudad Tierra, es liderado por una inteligencia artificial con un ejército de drones. —

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XXXIII Festival de Teatro Hispano de Miami

El mejor teatro en español Nueve espectáculos de calidad de seis países

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urante tres fines de semana, del 12 al 29 de julio, se celebrará la trigésimo tercera edición del Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami, con una completa programación de teatro para adultos, así como el Día Internacional del Niño el domingo 22 de julio, con diversas actividades y la presentación de ‘El Gato y la Gaviota’, adaptación de Neher Jaqueline Briceño de la novela ‘La historia de la gaviota y el gato que le enseñó a volar’ de Luis Sepúlveda. La propia Neher Jaqueline Criceño presentará ‘Éramos cuatro’, que es un juego tentador para adentrarse sin mentiras en las relaciones maritales, obra escrita y dirigida por ella misma para Adriana Barraza Veritatem Theater & Nobarte de Miami, y ‘La última felicidad’ con Teatro Avante, una creación colectiva con dramaturgia de la propia Briceño, donde se produce un reencuentro que desata viejas rencillas.

El Festival entregará el Premio a Una Vida de Dedicacción a las Artes Escénicas a la profesora de teatro, directora, actriz, productora y dramaturga portorriqueña Rosa Luisa Márquez, posteriormente a la representación de ‘Hij@s de la Bernarda’, escrita y dirigida por la homenajeada con la Compañia Tojunto el día de la inauguración del Festival, que es una versión libre de la obra de Federico García Lorca, ‘La casa de Bernarda Alba’.

COART+E y el Centro Dramático Nacional de España presentarán ‘#malditos16’, escrita por Nando López y dirigida por Quino Falero, un camino de vuelta a la adolesencia. De Buenos Aires llega Teatro del Abasto, que presentará ‘Unos dos’, escrita y dirigida por Carolina Tejeda y José Mehrez, un hombre y una mujer con un pasado común y un presente distante. Fueron pareja y ahora son recuerdo uno de otro. Y de Montevideo es ‘La incapaz’ de la compañía homónina, obra de Carlos María Domínguez dirigida por Cecilia Baranda. Una mujer privada de libertad y en soledad se prepara para defender un juicio que fue una burla. En su estado de delirio cuenta su historia, que sucede en el Uruguay del siglo XIX entre guerras políticas y familiares.

Los mexicanos de Los Tristes Tigres ofrecerán ‘Wenses y Lala’, escrita y dirigida por Adrián Vásquez, que habla del amor y la lealtad. Una búsqueda que resulta muy per– 20 –

tinente en los tiempos que nos ha tocado vivir.

El estreno anual de Teatro Avante, del que se puede ver un desarrollo exhaustivo en la página 12 de esta revista, es ‘En ningún lugar del mundo’, un texto del cubano Abel González Melo que trata de la fractura que produce todo exilio, dirigida por Mario Ernesto Sánchez.

El Programa Educativo del festival, bajo la dirección de Beatriz J. Risk, incluye talleres de teatro, así como un coloquio inmediatamente después de cada estreno.

El cartel anunciador del Festival ha sido diseñado por Antonio Martorell, pintor, dibujante, escultor, grabador, comunicador, teatrero, periodista de prensa, radio, televisión y escritor portorriqueño. El del Día Internacional del Niño fue diseñado por Jennifer de 11 años, una agradecida paciente del Nicklaus Children’s Hospital. —

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Wenses y Lala

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XIX Festival de Teatro de Olite

Olite, teatro al abrazo del Palacio Real Esta edición ofrece una revisión contemporánea de clásicos como Shakespeare, Cervantes o Molière

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‘Comedia Aquilana’ ‘Hamlet’

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l Festival de Teatro de Olite / Erriberriko Antzerki Jaialdia apuesta este año por “una programación inspirada en el teatro clásico para abrirse en el tiempo a todos los períodos y tendencias escénicas, y convertirse en un festival internacional de referencia, con identidad propia, en el que también encuentran su espacio los autores y grupos europeos y latinoamericanos”. Toda una declaración de intenciones la que expresa la organización de cara a la XIX edición del festival, que tendrá lugar entre el 20 de julio y 4 de agosto en torno al Castillo Real de la localidad navarra.

Bajo la dirección artística de Luis Jiménez, la presente edición cuenta con la presencia de un director invitado, que en esta ocasión es el dramaturgo, director y profesor de la ESAD de Sevilla, Alfonso Zurro, que pondrá en escena dos propuestas muy diferentes entre sí, su visión de ‘Luces de Bohemia’ de Ramón María del Valle Inclán y su creación más premiada, el universal ‘Hamlet’, ambas producciones de Teatro Clásico de Sevilla. De otro Shakespeare, en este caso ‘Macbeth’, y del universo de Juan Rulfo, surge ‘Mendoza’ de la compañía mexicana Los Colochos, mientras que la argentina Índigo Producciones parte de ‘El rey Lear’ en su ‘La fiesta del viejo’, con dramaturgia y dirección de Fernando Ferrer.

MÁS UNIVERSALES Dos universales franceses estarán presentes en Olite. Se trata de Marivaux, de la mano del joven director Thomas

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Jolly, que presenta la obra ‘Arlequin poli par l´amour’ con su propia compañía La Piccola Familia, y ‘Tartufo, el impostor’ de Molière en versión de Pedro Víllora y a cargo de la compañía madrileña Venezia Teatro.

La reconocida compañía Nao d´Amores llevará al público a los orígenes del teatro español con ‘Comedia Aquilana’ de Torres de Naharro, considerada como la primera obra romántica del teatro español en una coproducción con la CNTC y bajo la dirección de Ana Zamora. Cervantes estará presente en el festival de la mano de Laurentzi Producciones con ‘El hermano de Sancho’, una propuesta dirigida a todos los públicos y, al igual que los espectáculos hasta ahora mencionados, La Cava será también el lugar donde disfrutar con un espectáculo de danza flamenca, ‘Fandango Street’ de Sara Calero.

Pero el festival ocupará también otras estancias del Palacio Real y diversos espacios de Olite, con propuestas como ‘Gris/Mar’, inspirado en el monólogo de la pastora Marcela, personaje de El Quijote bajo la dirección de José Padilla.

Además, cuatro grupos navarros presentarán sus montajes bajo el lema “De autores españoles, de los juglares a la ge-

neración del 98’: ‘La Trovairitz’ de Montse Zabalza y Peio Otano; ‘Como las cenizas por el fuego’ de Iralei Teatro; ‘Polvo serán… mas polvo enamorado’ de La Nave Teatro y ‘Tres tristes tigresas’ de Atikus.

PARTICIPACIÓN VECINAL Esta edición dará la posibilidad a los vecinos de Olite de participar en dos experiencias teatrales, ‘Negua’, propuesta de calle en el que las danzas y rituales del folclore vasco se funden con el carnaval rural de Olite, y ‘Vecindarios’, una residencia de la clown Candelita. A su vez, el festival acoge la presentación de los trabajos de fin de estudios de tres escuelas de arte dramático: la Escuela Navarra de Teatro/ Nafarroako Antzerki Eskola con ‘Eché mi corazón a freír en la sartén’ de Angélica Liddell, la Escuela de Teatro Nacional de Burdeos con los actores de La Joven Compañía de Teatro Clásico que presentan ‘La vida es sueño’ de Calderón de la Barca, y la Escuela Superior de Arte Dramático de Sevilla, que hará lo propio con ‘Así que pasen cinco años’ de Federico García Lorca. Las tres representaciones se llevarán a cabo en el Centro Cultural de Tafalla. —

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IL Festival Internacional de Teatro, Música y Danza de San Javier

Todos los géneros escénicos para acercarse a los 50

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‘Sombras’ ‘Crimen y telón’ ‘La Valentía’

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na nueva mirada sobre el mítico personaje ‘Ben-Hur’ es la obra que levanta el telón de la 49ª edición del Festival Internacional de Teatro, Música y Danza de San Javier, que se celebrará del 1 al 24 de agosto en el Auditorio Parque Almansa del municipio murciano. Dirigida por David Ottone y Juan Ramos Toro, esta coproducción del Festival de Mérida, Focus e Yllana parte de una versión de Nacho Novo en la que se ofrece un juego entre el lenguaje cinematográfico y el teatral. También son coproducciones del Festival de Mérida los espectáculos ‘Filoctetes’ y ‘Las Amazonas’. El primero es una versión de Jordi Casanovas sobre la última tragedia de Sófocles dirigida por Antonio Simón y coproducida con Bitó Producciones con un reparto formado por Pedro Casablanc, Pepe Viyuela, Félix Gómez y Samuel Viyuela. Y ‘Las Amazonas’ cuenta con la versión y dirección

de Magüi Mira, y es una coproducción realizada junto con Pentación a partir del texto de Heinrich von Kleist.

COPRODUCCIÓN DEL FESTIVAL Paco Maciá se ha encargado de la versión y dirección de ‘Antígona’, obra que parte de textos de Sófocles, Brecht yAnouill, entre otros autores, y que pone en escena Compañía Ferroviaria en coproducción con el Festival de San Javier. Otra coproducción en este caso de Lazona y El Pavón Teatro Kamikaze es ‘La Valentía’, obra con texto y dirección de Alfredo Sanzol (Premio Valle-Inclán 2018), quien afirma que este montaje es “un regalo para los que han sufrido las heridas que deja el progreso”.

Barco Pirata, por su parte, realizará en San Javier el preestreno de ‘Lehman trilogy’, montaje que parte del texto de Stefano Massini con el que se ofrece una crónica de nuestro tiempo que ayuda a reflexionar sobre el sistema.

Sergio Peris-Mencheta se ha encargado de la versión y dirección de esta historia que realiza un recorrido por últimos 160 años de la historia de los Estados Unidos a través de tres generaciones de una familia judía. Pepe Lorente, Víctor Clavijo, Dario Paso, Litus, Aitor Beltrán y Leo Rivera dan vida a más de 120 personajes para mostrar la deriva del capitalismo.

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“El teatro ha muerto y el detective Noir tiene que descubrir al asesino antes de que la Agencia Anti Arte desvele el secreto de su oscuro pasado”. Esta es la sinopsis de ‘Crimen y telón’, un homenaje al teatro envuelto en aroma del género negro dirigida por Yayo Cáceres y con la inconfundible marca de Ron Lalá. Considerada como un clásico del teatro andaluz, ‘Quejío’, ópera prima de Salvador Távora, ha vuelto a los escenarios de la mano de su compañía La Cuadra de Sevilla, un espectáculo de teatro y flamenco. Y el flamenco es también el lenguaje de la coreógrafa y bailarina Sara Baras, que pondrá en escena ‘Sombras’ para celebrar los 20 años de su compañía.

Compagnie Marie Chouinard presenta ‘El jardín de las

delicias’, danza contemporánea a partir del tríptico de El Bosco con música del compositor Louis Dufort.

Como es tradición, el festival incluye el último trabajo del Grupo de Teatro de San Javier, que en esta ocasión pondrán en escena ‘Orquesta de señoritas’ de Jean Aniouill con versión y dirección de Orlando Gabriel Panizzoli. Y también habrá tiempo para la improvisación con ‘A nadie se le dio veneno’ de Impromadrid Teatro, o el circo de la mano de Atirofijo Circ y su ‘A´Sombra’. El teatro familiar correrá a cargo del musical ‘La loca historia de Bella Durmiente’ de La Ratonera Teatro. Y además, habrá dos conciertos: por un lado Martirio y Javier Ruibal y por otro Jordi Savall y Carlos Núñez. —

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XII Festival de Verano de Clunia

Propuestas de teatro, circo y flamenco en Clunia

Amazonas

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ste año se celebra la duodécima edición del Festival de Verano de Clunia, organizado por la Diputación Provincial de Burgos, que centrará su programación en los dos últimos fines de semana de agosto. Las funciones tendrán lugar en el Teatro Romano, edificio monumental que data del siglo I d.C. en la antigua ciudad de Clunia, situada entre las actuales poblaciones de Coruña del Conde y Peñalba de Castro.

La variedad de géneros incluye propuestas de teatro, flamenco y circo.

‘Naufragata’ de la compañía francoitaliana Circo Zoe será la encargada de iniciar la programación el 17 de agosto. La pieza combina música en directo, teatro y números de circo (acrobacia, mano a mano, rueda cyr, cable o mástil) dando paso a un viaje al Mediterráneo de la mano de unos náufragos que sueñan con islas imposibles.

‘Amazonas’ ha obtenido el Premio Lorca de Teatro Andaluz al Mejor Espectáculo Flamenco

Ramón López

El día 18 la compañía AndanZas, agrupación de danza adscrita al Centro TNT en Sevilla, escenificará su adaptación de ‘Amazonas’, propuesta que reivindica el papel de la mujer en la sociedad, que recientemente ha obtenido el Premio Lorca de Teatro Andaluz al Mejor Espectáculo Flamenco. Diez mujeres en escena dan paso a esta pieza que aúna teatro, flamenco, danza y música al servicio de una leyenda universal como es el pueblo mítico de las guerreras amazonas.

El segundo fin de semana arrancará el día 24 con ‘Otelo’ de William Shakespeare dirigido por Julio Fraga y con la dramaturgia de Sergio Rodríguez. Chete Lara y Josu Eguskitza, de la Compañía Clásicos Contemporáneos, están al frente del reparto de esta tragedia universal sobre el amor, los celos y la desconfianza. El montaje se presenta como una crítica al poder, la corrupción y el machismo, combinando la palabra y la acción dramática con la imagen, el silencio y las nuevas tecnologías.

La comedia ‘El eunuco’, escenificada también por Clásicos Contemporáneos, se encargará de cerrar la programación el día 25. Esta pieza se trata de la obra cumbre de Terencio, escrita en el Siglo II antes de Cristo, que encarna el espíritu de la comedia latina. El enredo parte de una puesta en escena clásica a través de elementos que van desde la Commedia dell´Arte al vodevil, al bufón, al clown y al juego, dentro de una construcción farsesca de los personajes. —

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II MAPAS - Mercado de las artes performativas del Atlántico sur

Artes creativas del Atlántico Sur

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apas, el Mercado de las Artes Performativas del Atlántico Sur, está organizado por el Cabildo de Tenerife, Unahoramenos y Circulart, con la colaboración del Auditorio de Tenerife, TEA Tenerife Espacio de las Artes, Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife y Gobierno de Canarias. La cita tiene como objetivos “hacer posible un ecosistema de encuentro e intercambio cultural que convierta a la isla en eje vertebrador de las industrias culturales y creativas del At-

lántico Sur, promoviendo al mismo tiempo la internacionalización de los artistas locales y erigiendo a la isla como un destino de calidad, competitivo y a la vanguardia cultural”.

La segunda edición de esta cita con las artes escénicas y la música tendrá lugar del 11 al 15 de julio en Santa Cruz de Tenerife, una edición para la que ya han sido seleccionados 220 proyectos musicales y escénicos de casi 40 países de África, América y el sur de Europa de entre los más de 1.300 artistas y proyectos de artes en vivo inscritos. Un comité asesor ha sido el encargado de realizar la selección en la que “ha primado el criterio de la calidad de las propuestas presentadas, que se han incrementado con respecto a la edición anterior”, tal y como explica su director y responsable de Circulart, Octavio Arbélaez.

Respecto a las propuestas escénicas, han sido seleccionadas 114 para participar en las sesiones de pitch, sesiones breves de 7 minutos con las que darán visibilidad a sus creaciones ante los profesionales participantes. A su vez, de las mencionadas compañías, 33 participarán en las exhibiciones en vivo por la ciudad. Entre otros, se podrá disfrutar con los montajes teatrales de compañías como Abubukaka, El Teatre de l´home dibuixat, Companhia do Chapitô, Los Colochos, Teatro La República, Teatro Petra o Théâtre National Tunisiens. Los espectáculos de danza llegarán de la mano de compañías como Ertza, Kukai Dantza, Amaia Elizaran, Paula Quintana o Provisional Danza. —

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XXI Feria de Teatro de Castilla y León - Ciudad Rodrigo

El occidente peninsular en el centro del mapa teatral Hasta el 3 de agosto está abierto el plazo de inscripción para profesionales de la Feria

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‘Elisa y Marcela’ ‘Fémina’ ‘Felicidad’ ‘Adiós, Peter Pan’ ‘¿Qué pasó con Michael Jackson?’

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a Junta de Castilla y León en colaboración con el Ayuntamiento de Ciudad Rodrigo, la Diputación de Salamanca y la Asociación Cultural CIVITAS A.T organiza la 21ª edición de la Feria de Teatro de Castilla y León, que se celebrará del 21 al 25 de agosto en Ciudad Rodrigo, convirtiendo a la localidad salmantina en punto de encuentro fundamental para el sector de las artes escénicas y generando un escaparate que contribuye a la dinamización del mercado escénico prioritariamente en el occidente peninsular.

Son 44 las compañías que conforman

la programación de esta edición, que un año más se configura como la Feria del Occidente, pues la mitad de las producciones que acoge proceden de territorios del occidente peninsular. La inauguración correrá a cargo de ‘La Cueva de Salamanca’, coproducción de la Universidad de Salamanca, el Centro Dramático Nacional y la compañía Euroescena con motivo del 800 aniversario de la fundación de la Universidad de Salamanca; un espectáculo de metateatro sobre una pieza del mexicano Ruiz de Alarcón, dirigido por Emilio Gutiérrez Caba.

El teatro de texto es uno de los elementos protagonistas de esta edición, con espectáculos de corte clásico como ‘Comedia Aquilana’ de Nao d´Amores en coproducción con CNTC, ‘Traidor’ de Teatro Corsario, ‘Memorias de ceniza’, primera producción para público adulto de Bambalúa Teatro, ‘Viriato’ de Verbo Producciones y el montaje de teatro

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y títeres de gran formato ‘No hay burlas con el amor’ de Producciones Esquivas. Los textos contemporáneos tendrán una importante presencia con propuestas como ‘Felicidad’ de Tenemos Gato, ‘Cuando caiga la nieve’ de La Belloch Teatro, o la última producción de La Teta Calva, titulada ‘¿Qué pasó con Michael Jackson?’.

IMPLICACIÓN SOCIAL Destacan a su vez varias obras que son reflejo de las preocupaciones de la sociedad actual, una edición donde la mujer y el empoderamiento femenino tiene un protagonismo especial como ‘Elisa y Marcela’ de A Panadería, ‘Fémina, la mujer mueve el mundo’ de Maracaibo Teatro, ‘Violeta’ de Teatrapo, o ‘Desaparezca aquí’ de Patricia Sornosa; así como muchas producciones dirigidas y/o protagonizadas por elencos mayoritariamente femeninos como las de The

Bag Lady, De Vacas o la compañía Malicia!.

Los espectáculos dirigidos al público infantil y familiar tendrán lugar por las mañanas; un total de once propuestas, como las producciones para la primera infancia ‘La luna en el jardín’, estreno de Teatro Silfo, ‘La Granja’ de Teloncillo, o ‘Ninhos’ de los lusos Aqui há gato. Y Ruido Interno presentará una propuesta de teatro, danza, magia y mapping titulada ‘Hoy me siento...’, Teatro Che y Moche hará lo propio con ‘Las cuatro estaciones ya no son lo que eran’, Festuc Teatre estrenará en castellano ‘Adiós, Peter Pan’ y la compañía hispano canadiense Claroscuro mostrará ‘Perdida en el Bosco’. A su vez, habrá montajes de compañías de Castilla y León como ‘Clownbatientes’ de Imaginart, ‘Agallas’ de Kamaru Teatro, ‘De la punta a la tuerca’ del Ballet Contemporáneo de Burgos y ‘Cuentos en verso para niños perversos’ de Baychimo Teatro. —

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XIX Cena Contemporânea

Brasilia recibe espectáculos internacionales de alto nivel Ocho montajes internacionales, catorce brasileños y diez producciones brasilienses complementan la oferta

Manuel G. Vicente

Paula Prieto

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Todo lo que necesita una gran actriz Tijuana Shakespeare inédito Casco azul Alicia después de Alicia

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on espectáculos provenientes de Canadá, México, Chile, Argentina, Estado español y Brasil se celebrará en Brasilia, del 21 de agosto al 2 de setiembre, el Festival Internacional de Teatro Cena Contemporânea, que convierte a la capital federal en una magnífica vitrina de las artes escénicas más actuales.

La programación busca la reafirmación de la libertad expresión y de pensamiento como derecho básico. En este sentido se enmarca el espectáculo inaugural, ‘La Putain de Babylone’, a cargo del Grupo Nadere Arts Vivants, considerado como una celebración de la libertad y de la alteridad. Una renterpretación del Génesis y del Libro del Apocalipsis.

Gustavo Gavotti

De Francia se presentará ‘A Bergman Affair’, con Serge Nicolaï. Los mexicanos de Lagartijas tiradas al sol vuelven a Brasilia, con ‘Tijuana’, una reflexión sobre la democracia en México. Vaca 35 Teatro, otra compalñía mexicana, presentará la delirante versión de ‘Las Criadas’ de Jean Genet, titulada ‘Todo lo que necesita una gran actriz.’

Los chilenos Teatro Amplio presentarán ‘Capacete azul’, un texto del uruguayo Santiago Sanguinetti dirigido por el chileno Antonio Altamirano. Los argentinos de la Liga Profesional de Improvisación acuden con un trabajo de investigación que desembocó en ‘Shakespeare inédito’, escrito y dirigido por Ricardo Behrens.

Dos espectáculos vascos acuden este año a Brasilia: Cielo RasO con su ‘Jardín de invierno’, espectáculo de danza dirigido por Igor Calonge, y ‘Alicia después de Alicia’ de Kabia Teatro, una adaptación libre de ‘Alicia en la país de las maravillas’ dirigida por Borja Ruiz.

La programación brasileña se compone de ‘Tom na Fazenda’, un texto del canadiense Michel Marc Blouchard dirigido por Rodrigo Portella; ‘Dinamarca’, una dramatur-

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Juanma Aparicio

gia de Giordano Castro que presentará la Cia Magiluth de Pernambuco; ‘Ícaro’ de Luciano Mallmann con dirección de Liane Venturella; el Colectivo Errática de Rio Grande do Sul, que presentará seis historias bajo el título ‘Ramal 340: sobre a migraçao das sardinhas ou porque as pessoas simplesmente vao embora’, una dramaturgia de Francisco Gick dirigida por Jezebel de Carli; Fause Haten de Sâo Paulo, presentrá ‘Lili Marlen, um musical’, con texto y letras de Fausen Haten y música de André Cortada; Inquieta Cia ofrecerá la creación colectiva ‘Pra Frente o pior’; Dimas Mendoça adapta ‘Tartufo me’ con dirección de Tércio Silva; Soraya Ravenle llega con ‘Instabilidade perpétua’; Agon Teatro, presentará ‘Ovo’ de Renato Forin Jr.; Cia La Leche representará ‘Salve, malala!’ con dirección de Cris Lozano; ‘Domínio Público’ es una performance de Elisabete Finger, Maikon K, Renata Carvalho y Magner Schwarts; ‘Buda’ de Banda Mirim con dramaturgia de Marcelo Romagnoli; ‘Eu é outro: emnsaio sobre fronteiras’ de la Cia Coato; y la ‘Performance Ouvidoria’ de Luciana Paz. Diez espectáculos brasilienses completan la programación, que cuenta además con actividades docentes diversas, mesas redondas, talleres, debates, encuentros con las compañías, rondas de negocios... que convierten esos días en una agitación teatral constante para disfrute del público general y los profesionales. — – 33 –

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XXIV ARCA Encuentro Internacional de Artistas Callejeros

Aguilar de Campoo se convierte en un gran escenario callejero

‘Mur’

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lo largo de cuatro jornadas, del 16 al 19 de agosto, el municipio palentino de Aguilar de Campoo se convierte en un improvisado escenario para dar paso a ARCA, Encuentro Internacional de Artistas Callejeros que en esta ocasión celebra nada menos que su 24ª edición con la participación de una decena de compañías llegadas de diversos puntos del mundo, tales como Egipto, Bélgica, Francia y distintas partes de la península ibérica.

El patio de la compasión, la Plaza de España y el Polideportivo serán los espacios escogidos para acoger las propuestas. En el polideportivo tendrán lugar los espectáculos de mayor envergadura, como ‘Fuegos’, una intervención escénica escrita en el proyecto La Nave del Teatro Calderón a partir de una investigación desarrollada sobre el concepto del éxodo, que será la encargada de inaugurar los Encuentros el día 16. En este mismo espacio, el día 17 se podrá disfrutar de ‘Mur’ de la compañía catalana (Cia) 3, una performance circense con ritmos del sur en directo y

Xavier Valls

‘Naufragata’

C. Chaumanet

mucho humor. El 18 será el turno de la compañía francoitaliana Circo Zoe, El patio de la compasión, que escenificará ‘Naufragata’, y el 19 la Plaza de España y el de la compañía belga D´ Irque and Polideportivo serán los Fien, con su espectáculo poético y espacios escogidos para emocionante ‘Sol Bémol’. Asimismo, acoger las propuestas se podrá disfrutar de ‘Calor’, montaje creado por Jean Philippe Kikolas en coproducción con ARCA que se podrá ver los días 17, 18 y 19 en el Patio de la compasión. La pieza se inspira en la situación en la que viven muchas personas carentes de hogar, viajeros involuntarios que se vieron forzados a dejar sus casas.

En la Plaza de España se llevarán a cabo varios montajes, entre tanto, ‘Aukerak’ de la compañía The funes troup el día 17, donde hablan sobre las elecciones de la vida y los caminos que elegimos para un viaje que sólo es de ida, a través de una sucesión de escenas que nos muestran este conflicto en situaciones tan cotidianas como lo son la paternidad, la amistad, el éxito o el hogar. Por su parte, el artista catalán Leandre escenificará ‘Rien à dire’ el día 18, y el 19 la compañía etíope Fekat Circus mostrará su pieza dinámica llena de acrobacias, malabares y manipulación de objetos, ‘Move in’, donde recrean el viaje de los migrantes; utópico, agotador y lleno de expectativas. Por último, cabe destacar la participación de la compañía Txifladuras y su ‘Fusion and Fusion’ el día 18 y de la compañía belga Petits Miracles con ‘El Circo de las pulgas’, que realizará diversos pases a lo largo de la jornada del 19 . — – 35 –

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LXIV Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida

El Festival de Mérida, lleno de estrenos

Rafael Álvarez “El Brujo”

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l Ballet Nacional de España inaugura la 64ª edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida con ‘Electra’, pieza con dramaturgia de Alberto Conejero y bajo la dirección de Antonio Najarro en una puesta en escena que contará con la Orquesta de Extremadura. Del 29 de junio al 26 de agosto el Teatro Romano acoge además un total de ocho montajes, todos ellos teatrales, en calidad de estrenos y realizados en coproducción por el festival. La primera de las propuestas tras el espectáculo inaugural es ‘BenHur’, obra de Lewis Wallace adaptada por Nancho Novo que ofrece una visión cómica del mítico personaje y ha sido producida junto con Focus e Yllana. Le seguirá ‘Nerón’, un texto de Eduardo Galán inspirado en ‘Quo Vadis’ de Henryk Sienkiewicz, y textos de Petronio y Suetonio, dirigida por Alberto Castrillo-Ferrer y coproduci-

da por Secuencia 3. Rafael Álvarez ‘El Brujo’, viejo conocido del festival, vuelve para presentar ‘Esquilo. Nacimiento y muerte de la tragedia’, unipersonal en el que el intéprete y director reflexionan sobre el arte clásico.

Antonio Simón dirige el ‘Filoctetes’ de Sófocles en una versión de Jordi Casanovas coproducida con Bitó Producciones, y Paco Bezerra revisa el mito de ‘Fedra’ junto con el director Luis Luque en la coproducción con Pentación Espectáculos, empresa que también coproduce ‘Las Amazonas’, basada en la ‘Pentesilea’ de Von Kleist con versión y dirección de Magüi Mira. Completan la programación de las coproducciones que se representarán en el Teatro Romano ‘La comedia del fantasma’, versión libre de Miguel Murillo sobre los textos de Plauto dirigida por el propio Murillo y llevada a escena por Teatrapo, e ‘Hipólito’ de Eurípides en versión de Isidro Timón y Emilio del Valle a cargo de las compañías Maltravieso Teatro, La Almena Producciones y el propio festival.

Como es ya habitual, el festival cuenta además con el Programa Off y diversas actividades paralelas, además de las extensiones en los municipios de Cáparra, Medellín y Regina, y llegando este año también a Tarragona, donde se representarán ‘Calígula’ y ‘Edipo Rey’ en el marco de los Juegos Mediterráneos 2018. —

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Festival de Almagro

MISCELÁNEA

Andrés Gómez

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Me vuelves Lorca

La 41ª edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro se desarrollará del 5 al 29 de julio. Con el lema “Soñemos, alma, soñemos otra vez”, la cita inicia una nueva etapa bajo la dirección de Ignacio García. Colombia es el País Invitado de Honor, que presentará entre otros ‘Macbeth’ del Teatro Colón y la Compañía Estable con dirección de Pedro Salazar, y ‘Quijote, espejo del hombre’ de La Tropa Teatro. La Compañía Nacional de Teatro Clásico ofrecerá cinco piezas dentro de una programación que incluye 19 estrenos, entre los que están ‘Fray Luis de León’ con dirección de Emilio Gutiérrez Caba y ‘Casa con dos puertas mala es de guardar’ con Verónica Forqué, además de 13 obras que se verán por primera vez en el Estado español, como ‘La vida es sueño’ del francés Théâtre de la Tempéte y ‘Divino pastor, Góngora’ del mexicano Jaime Chabaud. Además, se podrá disfrutar de los ciclos Almagro Off, Teatro Clásico en los Barrios y Barroco Infantil.

El festival celebra su 4ª edición en Laroles del 27 de julio al 11 de agosto con una programa inspirado en el viaje de García Lorca a Nueva York y Cuba en 1929 y en su fascinación con la música de Harlem y La Habana. El cubano Pancho Amaty ofrecerá un concierto con su banda el Cabildo del Son. Alberto San Juan estrenará ‘Lorca’, monólogo creado especialmente para la ocasión. Se podrá ver ‘¡Ele! Lorca y Lauaxeta; dialogo entre poetas’ de Karabansarai, un espectáculo bilingüe de poesía, música y danza que celebra la influencia del poeta andaluz en la obra del icónico poeta vasco. Como novedad llega la primera colaboración artística promovida por el festival: un encuentro entre la bailaora de flamenco Belén Maya y la bailarina de danza Kathak del Reino Unido, Amina Khayyam. El swing llegará de la mano de Big South y la comedia con Teatro en Vilo. Las propuestas tienen lugar en un anfiteatro al aire libre construído en 2013 por los propios vecinos de La Alpujarra granadina.

Festival Castillo de Niebla

Festival de Alcántara

El XXXIV Festival de Teatro y Danza ‘Castillo de Niebla’ tendrá lugar del 14 de julio al 18 de agosto con una programación principal formada por seis espectáculos, a los que se suman otros seis del nuevo programa ‘Atr3vete’, además de dos actividades complementarias del apartado ‘A Escena!’. Así, forman las propuestas centrales ‘Crimen y telón’ de Ron Lalá; ‘El caballero de Olmedo’ de Lope de Vega por Noviembre Teatro; ‘Nacida sombra’ de Rafaela Carrasco y Álvaro Tato; ‘Nerón’ de Eduardo Galán, con Raúl Arévalo y dirección de Alberto Castrillo-Ferrer; ‘Rey Lear’ de Shakespeare por Atalaya; y ‘La vida es sueño’ de Calderón de la Barca por Teatro del Temple. Además, se podrá disfrutar de las piezas ‘A cuadros’ de Vagalume Teatro, ‘Cortejo’ de Baldo Ruiz y Paloma Calderón, ‘Música para castillos’ de Artefactum, ‘Sinergia 3.0’ de Nueveuno, ‘ADM’ de Molinero en compañía y ‘Don Quijote, una comedia gastronómica’ de Limiar Teatro.

El XXXIV Festival de Teatro Clásico de Alcántara, que se celebrará del 2 al 8 de agosto, estrena equipo, La Tropa Produce, que organiza el certamen bajo la dirección de Fernando de Luis-Orueta, con César David Carrón como programador. Inaugurará la cita ‘Mestiza’, texto de Julieta Soria que dirige Yayo Cáceres e interpretan Gloria Muñoz y Julián Ortega junto con la cantante Silvina Tabbush y el músico Manuel Lavandera. Entre otros, Vértice presentará la comedia musical ‘Las mujeres sabias’ de Molière, adaptada y dirigida por Andrés Alemán con música original de Manuel Soler Tenorio. Se podrá ver también el ‘Cyrano de Bergerac’ de Edmond Rostand dirigido por Alberto Castrillo-Ferrer y protagonizado por José Luis Gil. Será el montaje ‘Casa O’Rei’ de Ibuprofeno Teatro el que clausure el festival, una pieza escrita y dirigida por Santiago Cortegoso que propone un juego escénico y dramatúrgico a partir de ‘Rey Lear’, ambientado en una típica Casa de comidas gallega.

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MISCELÁNEA

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Feria de Teatro de Palma del Río

Muestra Internacional de Teatro de Ribadavia

La Feria de Palma celebrará su 35ª edición del 3 al 6 de julio con 30 propuestas, entre las que destacan cinco estrenos de compañías andaluzas y un pre-estreno. Entre las cías están Atalaya, Teatro Clásico de Sevilla, Acuario Teatro, Clásicos Contemporáneos, A la Sombrita, Las Niñas de Cádiz, LaMedina, Lapso Producciones o Gloria López. También se podrá disfrutar de los títeres de Caracartón, y de la danza de Baldo Ruiz&Paloma Calderón, Fernando Hurtado, Marcat Dance o Danza Mobile. El circo llegará de la mano de Vol’E Temps, Aimar&Cia, Punto Cero o Alas Circo. Otras obras incluyen las de Teatro del Gallinero, Familia Canini o Club Caníbal. La oferta infantil estará a cargo de Escenoteca y Proyecto Nana. Otros estilos serán representados por Varuma, La Casquería, Marco Vargas& Chole Brüle o Sofía Aguilar/Sala Cero. Y obras reivindicativas alrededor de la mujer son ‘Las dependientas’ de Teatro A Pelo/La Ejecutora y ‘Playoff’ de La Joven Compañía.

La MIT de Ribadavia ofrecerá 21 espectáculos en su 34ª edición, que se extenderá del 14 al 22 de julio, y contará también con actuaciones de calle, talleres y encuentros con artistas. Destaca el estreno en el Estado español de la última creación de Pippo Delbono, ‘La Gioia’, un espectáculo de exaltación absoluta sobre la alegría. También se podrán ver montajes como ‘The Table’ de Blind Summit Theatre; ‘Ragazzo’, protagonizada por Oriol Pla; ‘Tebas Land’, dirigida por Natalia Menéndez; ‘Mendoza’ de Los Colochos; ‘Donde el bosque se espesa’ de Laila Ripoll; o ‘Ella sobre ella’, de la dramaturga y directora uruguaya Marianella Morena.

Además, se prestará especial atención a las artes escénicas creadas en Galicia, con la presencia de compañías y artistas como A Panadería, De Vacas, Inventi Teatro o la formación de nuevo circo IO. Inaugurará el festival ‘Commedia, un xoguete para Goldoni’, un estreno coproducido por la MIT y la compañía de Cándido Pazó.

Asier Camacho

Davide Garrone

Festival de Teatro de Calle de Zarautz

Festival Al Carrer de Viladecans

El festival Kalerki Zarautz alcanza este año su 25ª edición, que tendrá lugar del 4 al 7 de julio con una programación formada por los espectáculos ‘Óxido: Umore garratza/Humor corrosivo’ de Pez Limbo, ‘Hetsiak’ de Trapu Zaharra; ‘Baldin bada’ de Shakti Olaizola, quien impartirá además un taller de acrobacia; ‘Revolución’ de Anezka; la premiada ‘Mulïer’ de Maduixa; ‘Transhumancia’ de Xip Xap Teatre; ‘Babo Royal’ de Ganso y Cia.; ‘Kale gorrian’ de Barsanti Teatroa; ‘Topa’ de Kukai Dantza y Brodas Bros; ‘El mundo por montera’ de Rodrigo Cuevas; ‘Dira dira zezenak dira’ de Recortauro; ‘Chef Nature’ de Markeliñe; ‘Erraia’ de Garazi&Cia.; ‘Music on cycles’ de La Dinamo-Funky Bike Band; y ‘Entre cuatro tiempos’ de La Glo Dantza. Además, el Ayuntamiento de Zarautz producirá un montaje con motivo del 25º aniversario del festival. Se trata de ‘A lurpean’, espectáculo que cuenta con el texto y la dirección Amancay Gaztañaga.

El festival de teatro de calle de Viladecans celebrará su 29ª edición del 6 al 8 de julio ofreciendo una programación en la que tienen cabida todo tipo de actuaciones, desde teatro hasta música o danza, pasando por circo, magia, clown, pirotecnia o instalaciones lúdicas. Entre las propuestas de danza que acogerá la cita se encuentran ‘We Ding!’ de Los Moñekos y ‘Mulïer’ de Maduixa. El circo estará representado por montajes como ‘Envà’ de Amer i Àfrica, ganador del Premio al Mejor espectáculo callejero en la presente edición de la Umore Azoka de Leioa. Tampoco faltarán espectáculos de clown como ‘Babo Royal’ de Ganso & Cia. y ‘Wet floor’, interpretado por Cristina Soler. También se podrá disfrutar de propuestas de teatro de calle como ‘Odisea’80’ de Nacho Vilar Producciones, piezas itinerantes como ‘SUB’ de Proyecto EZ, espectáculos de títeres como ‘Haciendo el indio’ de Galitoon, y propuestas musicales como la de la Balkan Paradise Orchestra.

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Teatro de verano donostiarra

Paganini

Tomas Kusa

Cinco horas con Mario

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Daniel Dicenta

a cartelera teatral donostia- Back’ (del 12 al 15 de julio), en el que una banda en directo rra ofrece una amplia progra- reproduce el repertorio del artista con un cuerpo de baile en mación de espectáculos para homenaje al conocido como Rey del Pop. Y para disfrutar de los meses de julio y agosto y, Mercury habrá que esperar a agosto, ya que del 14 al 19 llecomo es ya tradición, gran parte de las ga ‘We love Queen’, una producción de Barabu-Extresound & propuestas programadas están prota- Yllana, un show cargado de buena música, energía y divergonizadas por reconocidas figuras de sión. Días antes (8 y 9) Yllana presentará, en esta ocasión los escenarios, a las que se añaden pro- junto al virtuoso violinista Ara Malikian, ‘Pagagnini’, repaducciones más comerciales en las que sando algunos de los grandes momentos de la música clásica no faltan el enredo, el humor y las his- junto a otros estilos más contemporáneos y reinventando la torias interpretamanera de concebir un concierto. Y la música das por caras conoes también el hilo conductor de ‘Ez dok hiru Las propuestas cidas del teatro, el (akustikoa)’ de Tartean Teatroa (del 8 al 11 programadas están cine y la televisión. en la Sala Club), un espectáculo de humor protagonizadas por La programación que sumergirá al público en el imaginario coreconocidas figuras del Teatro Victoria lectivo de la música vasca. de los escenarios Eugenia comienza con el nuevo ESTRENO DE VAIVÉN PRODUCCIONES trabajo de Rafael Días antes, del 18 al 22 de julio, y en la misma sala, Vaivén Producciones estrena ‘Erlauntza’ Álvarez ‘El Brujo’, denominado ‘¡Cómico!’ (del 5 al 8 de en coproducción con el Teatro Victoria Eugenia, el Teatro julio) y que el intérprete explica como Principal de Vitoria-Gasteiz y el Teatro Arriaga de Bilbao, “lo que significan para mí esos mo- en el marco del programa Nuevas Dramaturgias. Mireia mentos de risa, cómo hice algunos es- Gabilondo dirige a Itziar Atienza, Aitziber Garmendia, Sara pectáculos, para qué y por qué los hice, Cozar, Itziar Urretabizkaia, Getari Etxegarai y Leire Ruiz, y recordaré algunos de los fragmentos que dan vida a un grupo de amigas de la infancia que se rede estos últimos diez años” para añadir únen en una casa rural para celebrar la despedida de soltera que, “si antes escribía las obras, ahora de una de ellas. Las amigas sienten un fuerte vínculo entre voy a mostrar el andamiaje con el que ellas pero el paso de los años no ha sido en balde y nada es lo que era, por lo que el que iba a ser un fin de semana loco de se montan y se hacen”.

Grandes de la música como Michael diversión, se enloquecerá más si cabe, y nada será igual. La Jackson o Freddy Mercury llegan a versión en castellano de esta obra se estrenará entre el 7 y 9 Donostia de la mano de sendos espec- de septiembre. táculos. Los grandes éxitos del prime- Julio finaliza y agosto comienza con ‘NOE’ (31 de julio y 1 ro conforman el musical ‘I Want You de agosto), coproducción de Teatro Victoria Eugenia de – 42 –

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NOE

Donostia, Ballet T, Théàtre National de Chaillot, Opéra de Saint-Etienne, DSS2016EU y CCN Malandain Ballet Biarritz,

nueva coreografía de Thierry Malandain que parte del mito del Diluvio como ruptura de la historia de la humanidad.

Agosto comienza con uno de los platos fuertes de la programación estival, el unipersonal ‘Cinco horas con Mario’ de Miguel Delibes que interpretara en 1979 Lola Herrera y que cuarenta años después vuelve a los escenarios para su despedida bajo la dirección de Josefina Molina en una producción de Pentación Espectáculos y Sabre Producciones. Otra de las grandes del escenario, Concha Velasco, llega a Donostia acompañada de Antonio Resines para poner en escena ‘El funeral’ (del 22 al 26), y días antes, Paz Padilla, Natalie Pinot y Rocío Marín interpretan ‘Desatadas’, una comedia ácida de Félix Sabroso (del 10 al 12), mientras que Kiti Mánver, Melani Olivares, Gorka Otxoa e Inés Sánchez harán lo propio en ‘Juntos’, una comedia sobre la familia que se pondrá en escena el 30 y 31 de agosto y 1 y 2 de septiembre.

Las propuestas del Teatro Principal o Antzoki Zaharra darán comienzo los días 5, 6, 7 y 8 de julio con la puesta en escena de ‘Jokoz kanpo’, comedia ambientada en el mundo del fútbol a cargo de Borobil Teatroa, que dará paso del 12 al 15 a una comedia nostálgica y canalla sobre la infancia y las pequeñas cosas que han marcado a varias generaciones,

VAIVÉN PRODUCIONES

Estrena ‘Erlauntza’ bajo la dirección de Mireia Gabilondo

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Olivier Houeix

‘Espinete no existe’ de Eduardo Galán.

Agosto comienza en el Principal con ‘Camioneta y manta’ (del 1 al 5), obra protagonizada por Andoni Ferreño y Carla Hidalgo en la que se muestra la vida de unos artistas menores al tiempo que repasa distintos estilos de comedia. Y comedia es también ‘Conversaciones con mamá’, con Luisa Merlo y Jesús Cisneros sobre las tablas (del 6 al 12), y el unipersonal ‘Sólo Fabiolo Glam Slam’ (13 y 14), una propuesta de humor diferente. El humor es el principal ingrediente de ‘Zoaz pake santuan’ (16-19), estreno de Txalo Produkzioak protagonizado por dos conocidos de la escena vasca: Mikel Laskurain y Ane Gabarain. Y Txalo Produkzioak es también la encargada de llevar a escena la obra ‘Mandíbula afilada’ (del 23 al 26).

Toni Bright cierra la programación del mes de agosto (del 29 al 31 y 1 y 2 de septiembre) con su nuevo espectáculo de magia ‘No te creas la verdad’. —

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Lluvia de humor en Bizkaia

‘Adiós Arturo’

‘The Primitals’

L

‘La ternura’

a programación escénica de los teatros de Bizkaia los meses de verano se concentra principalmente en torno a las fiestas patronales. Es el caso del Teatro Barakaldo, que ha programado dos espectáculos durante sus fiestas. Para el 15 de julio llega Yllana con ‘The Primitals’, divertida comedia musical a capela protagonizada por cuatro aborígenes que pondrán escena una exraña y surrealista historia. El 21 llega una coproducción de Teatro de la Ciudad y Teatro de La Abadía, ‘La ternura’, con texto y dirección de Alfredo Sanzol. Una obra en la que Sanzol se ha inspirado en el universo de las comedias de Shakespeare y en la que a través de una comedia de leñadores y princesas, “intenta trasladar la imposibilidad de protegernos del daño que produce el amor, porque si queremos amar nos tenemos que arriesgar a sufrir”.

El Teatro Arriaga por su parte cierra durante el mes de julio para volver a abrir sus puertas días antes de Aste

Nagusia, con una única propuesta escénica que La Cubana pondrá en escena del 9 de agosto al 11 de septiembre, ‘Adiós Arturo’, una comedia loca, con toques surrealistas que hará disfrutar al público bilbaíno. Con guión y dirección de Jordi Millán, este montaje es “un canto a la vida y una apelación a vivirla intensamente”, una comedia aliñada con los ingredientes que caracterizan a La Cubana, con su habitual e inimitable estilo repleto de sorpresas y humor, y en la que no falta la participación del público.

‘Adiós Arturo’ habla de teatro, del teatro que hacemos en nuestra vida cotidiana; el teatro que hay en la calle, en nuestros trabajos, en la familia, con nuestras amistades y cómo no, socialmente. Y para ello ponen en escena una historia que arranca tras la muerte, a los 101 años, del polifacético artista internacional Arturo Cirera Mompou. Y ahí comenzará una fiesta con el teatro para el público. —

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MISCELÁNEA

VIII Ciclo Teatro Hoy - Chile Creado con el objetivo de potenciar el teatro chileno contemporáneo, Teatro Hoy se ha convertido en un referente de y para la nueva escena local, programando a artistas que destacan por sus provocativas y contingentes temáticas, además de originales puestas en escena. Este año se presentarán seis trabajos -tres estrenos y tres reposiciones- entre el 31 de mayo y el 11 de agosto en distintos espacios de la capital, insistiendo en generar un momento para la reflexión y el encuentro, mediante problemáticas necesarias para entender el Chile de hoy. De esta forma, e inspirados por distintas motivaciones, el ciclo se moverá en torno a temas que trascienden, como la dictadura militar, pero desde el relato popular y el imaginario colectivo, para luego indagar en la crisis de la representatividad, la discriminación, la violencia y las nuevas tecnologías. Así, se podrá disfrutar de ‘El Golpe’, un relato de memoria con autoría de Roberto Parra; ‘Representar’, lo más reciente de Sebastián Squella y su compañía Perro Muerto; ‘#LaConquista’ a cargo de Trinidad Piriz y María José Contreras; ‘Tú Amarás’, dramaturgia de Pablo Manzi y dirección conjunta con Andreina Olivari; ‘Carnaval’, la nueva obra de Trinidad González; y ‘Democracia’, pieza dirigida por el destacado cineasta brasilero Felipe Hirsch.

Celeste Urreaga

III Ciclo de Teatro Argentino - Madrid

La sala madrileña El Umbral de Primavera organiza la 3ª edición del Ciclo de Teatro Argentino, que se llevará a cabo del 27 de junio al 18 de julio. La programación está formada por los montajes: ‘La canción del camino viejo’ de Línea de 3; ‘Brasita, Perro Chagualo’ de La Joda Teatro, creación colectiva que aborda los temas de la inmigración y el trabajo esclavo; ‘En el fondo’, de la dramaturga y directora Pilar Ruiz sobre la violencia de género; y ‘La fiesta del viejo’ del dramaturgo y director Fernando Ferrer, un drama grotesco sobre las relaciones familiares a partir de ‘El rey Lear’ de Shakespeare que fue seleccionado para participar en el Festival Internacional Shakespeare 2017 y en el XXVI Congreso Internacional de Teatro Iberoamericano y Argentino. Además y como novedad, la sala cuenta este año con la participación de la portuguesa Compañía D. Mona, que representará ‘No Kahlo’, una obra sobre la figura de la reconocida artista mexicana Frida Kahlo. El Umbral de Primavera busca así que el ciclo siga creciendo y que los espectadores madrileños puedan descubrir nuevas realidades escénicas del panorama internacional. Jorge Eiro, Juan Isola, Patricio Ruíz, Georgina Rey, Pablo Razuk, Lisandro Fiks, Carlos Correa, Rubén Sabadini o Gonzalo Facundo López son algunos de los nombres que ya han pasado por este certamen.

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LUZ NEGRA

Un Cervantes en las tablas

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Josu Montero

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Poco después Rosa Novell le pidió que le escribiera una obra; el resultado fue “Restauración”, estrenada en el Romea de Barcelona en 1990 con dirección de Ariel García Valdés. Y a esta le siguieron “Gloria” –cuyo estreno se frustró– y “Grandes preguntas”, estrenada en 2004 en el Teatro Salt de Girona con dirección de Rosa Novell. Éstas son las tres obras que contiene este recomendable “Teatro Reunido”. Aunque sólo ha escrito estas tres comedias, Mendoza es un bregadísimo traductor y adaptador teatral. o nací en un teatro, pero nací con el teatro pues- Y el caso es que el teatro de Eduardo Mendoza to”, ha afirmado el premio Cervantes 2016 Eduar- tiene mucho que ver con todo esto que estamos do Mendoza (Barcelona, 1943). Y es que su padre contando. En cierto modo homenajea ese teatro había sido actor en su juventud, “sin llegar a ser que veía de crío con su padre: el drama histórico profesional, tampoco fue un actor aficionado”, romántico, el melodrama o la comedia de enrey aunque las circunstancias le llevaron a renun- do; les rinde homenaje y, sobre todo, claro, las ciar a su vocación, el teatro siguió siendo su pa- parodia, lleva sus estrategias al extremo de la sásión: iba a ver todas las funciones que se hacían tira, eso sí, amable, traviesa, risueña. Y además en Barcelona, y casi siempre llevaba con él a su en las dos primeras piezas opta –como en sus hijo desde que éste tuvo uso de razón. Aunque modelos–, insólitamente hoy, por el verso, eso sí, le gustaba casi todo, su teatro preferido era aquél por el verso blanco, pero verso bien rítmico. “El que había hecho de joven, teatro de texto y casi verso habita una tierra de nadie en la que quedan siempre en verso: los clásicos del Siglo de Oro, parcialmente suspendidas las convenciones del el teatro romántico (Zorrilla, el Duque de Rivas, habla común”, escribe en el prólogo el autor; y en García Gutiérrez), y también ese teatro en verso efecto, “Restauración” y “Gloria” exploran los líde principios del siglo XX (Eduardo Marquina, mites entre o coloquial y lo lírico. Hay que decir los Machado e incluso Muñoz Seca). Y eso no le también que “Restauración” fue el primer texto impedía apreciar a Sartre, Tennesliterario que Mendoza escribió en see Williams o Beckett). “En este catalán; lo propio hizo luego con las ambiente crecí. Entre mis lecturas otras dos, y él mismo traduce las tres abundaban las obras de teatro, tanal castellano. to clásico como moderno”.

“Restauración” es un melodrama hisHizo Mendoza, como no podía tórico ciertamente descacharrante. ser de otra forma, sus pinitos de En los estertores de la última guerra juventud en el teatro aficionado y carlista, y en una noche de tormenta, comprobó que “no estaba dotado van llegando a la casa de Mallenca, ni siquiera para hacerlo mal”. Eso en el campo y cercana a Barcelona, sí, vivió entonces, según cuenta, cuatro personajes que van dibujando una magnífica iluminadora expeuna trama de amores extremos y de riencia. Iban a hacer “Esperando a honor y de principios y de ideales y Godot”, pero sólo tenían un ejemde moral traicionados siempre por TEATRO REUNIDO plar de la obra, así que para ahosus adalides y seguidos sólo finalmenEduardo Mendoza rrarse las onerosas copias, el joven te por los incautos. A medida que los SEIX BARRAL Mendoza se ofreció a mecanogracuatro actos se suceden, el melodrafiarla en su viejísima máquina con ma va in crescendo en gozoso humor tres copias en papel carbón: “Al y en sutil y divertidísima sátira. El acabar había aprendido casi todo lo que sé sobre sanguinario general carlista Llorens es de traca, escritura teatral. Copiar a los clásicos es un ejerci- sus diálogos y monólogos no tienen desperdicio. cio que deberían practicar todos los que quieren ¡¡Y qué decir de la breve pero jugosísima apariescribir. No basta con leer. Hay que poner aten- ción del joven rey restaurado Alfonso XII!! ción en cada palabra”.

“Gloria” es una modélica comedia de enredo y La tercera experiencia teatral formativa la vivió también, claro, parodia cruel del género. Estamos Mendoza cuando a mediados de los 80 Miguel en la Barcelona de hoy, en la casa de unos editores Narros le propuso traducir y adaptar “El sueño en horas bajas que necesitan la inyección de un de una noche de verano”. Le fascinó el contac- socio capitalista, con el que han quedado la noche to directo con las tablas: los actores, los ensayos, de autos. Un salón y las inevitables cuatro puertas ver cómo las palabras escritas en un papel se van por las que entran y salen los seis personajes de transformando en voz, movimiento y expresión: este melodrama de equívocos, pasiones y separael veneno del teatro. ciones. malas conciencias y remordimientos.

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VIVIR PARA CONTARLO

Lo que cuentan nuestras calles

U

Virginia Imaz

n vecino de Chiclana, en Cádiz, publicó en las redes una fotografía de una de sus calles. El nombre llamó su atención ya que parecía que le invitara a callarse: “Calle la Boca”. Rápidamente su mensaje obtuvo decenas de respuestas con casos similares.

Y es que los pueblos, las ciudades, tienen en las placas de sus calles una variada representación del imaginario colectivo. Hay bromas y refranes, por ejemplo en Madrid parece que hay calles que te ordenan a salir: “Sal”. Y otras que te retan a conseguirlo: “Salsipuedes”. También este nombre al menos, en Jaén. En ubicación desconocida hay una placa con el nombre “ Calle del Negro de Watsapp” (sic), en Fresnedilla de la Oliva “Carrera del Pito del Alcalde”, en Arroyo de la Encomienda (Valladolid) calle de “Me falta un tornillo”, en Pastrana (Guadalajara) una Plaza del Moco. También en Guadalajara, en Cifuentes, calle del Cristo de la Repolla. En Huelva, en Arroche la Calle Cilla. ¿Quién no ha paseado alguna vez por la calle de “La Amargura”? Hay al menos en Zamora, en A Coruña, en los municipios madrileños de Colmenar de Oreja y El Molar, y en Abertura (Cáceres), entre otros sitios. En Zamora está la calle Abrazamozas y en Salamanca las Bientocadas, que parece que no hace referencia a salmantinas satisfechas sino que se refiere a las tocas que llevaban las monjas de un desaparecido convento de la zona. En Madrid, la calle “Válgame Diós” se lleva casi todas las miradas, con permiso de su otra calle “La alegría de la huerta” que también encontramos en la capital. En Prádena (Segovia) hay una calle” de Los Gorrones” y una Plaza “del Tieso” En Valencia hay una calle “de las Impertinencias” y en Barcelona una “de las moscas”.

Incluso se puede encontrar un famoso refrán popular, que invita a detenerse si no se desea contraer matrimonio: “Calle de la pasa”. Allí se encontraba el arzobispado, al que tenían que acudir los prometidos antes de contraer matrimonio.

En Zamora se encuenta la “Calle Buscarruidos”, se trata de una callejuela estrecha y empedrada de origen medieval, como todas las de la zona, en la que parece que el tiempo no ha pasado tanto por su aspecto como por su nombre. El diccionario ofrece dos definiciones para la palabra, pero dado que Zamora no está precisamente en la – 49 –

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costa, entiendo que la definición que se refiere a un tipo de barco no es el origen de esta calle. Un buscarruidos es también una “persona inquieta, provocativa, que anda moviendo alborotos, pendencias y discordias”. En la época no era inusual dar a las calles más populares el nombre de apodos y apelativos satíricos, aunque con el tiempo las autoridades fueron suavizándolos o cambiándolos por completo por considerar que no eran adecuados, especialmente si se encontraban cerca de monasterios importantes o de la residencia de personajes de la aristocracia.

Por suerte nos han quedado joyas del español medieval como esta. También hay calle Buscarruidos en Toro, Tábara y Pereruela (las tres en Zamora) y en Nava del Rey (Valladolid).

En Granada, tenemos “el Paseo de los Tristes”, que se llama en realidad Paseo del Padre Manjón.

Su nombre popular, se debe a que por aquel lugar pasaban los cortejos fúnebres que se encaminaban al cementerio ubicado junto a la Alhambra, dando lugar a tristes y melancólicos pasos de los familiares de los difuntos.

Algunas calles homenajean el mundo de la literatura como la pintoresca calle en Málaga “del Séptimo Miau” que lleva el nombre de un personaje de la novela Divinas Palabras del escritor gallego Ramón María del Valle-Inclán. Tradicionalmente, el personaje del Séptimo Miau se ha asociado con el demonio; a lo largo de la novela también recibe el nombre de Lucero (Lucifer, luz...) y cerca de esta calle se encuentra la calle Mefistófeles, así como otras dedicadas a más personajes de la literatura universal tan emblemáticos como Hamlet, Pierrot o Max Estrella, también nacido de la pluma de Valle-Inclán.

Otras calles, hacen referencia al mundo del cine, de los cuentos, del cómic o de los videojuegos : así puedes pasear por la calle de “La Cenicienta” en Madrid, por “Volver a Empezar” en Vallecas, o hasta por “Cantando bajo la lluvia” en Zaragoza, donde hay un barrio en el que todas las vías tienen el título de una película. También homenajean a personajes de cómics “Calle Pepe Gotera y Otilio” en Rivas-Vaciamadrid, calle de Tintín y Milú también en Madrid, o a los videojuegos, en Zaragoza “Avenida Super Mario Bros”. El Payaso Fofó tiene una calle en Madrid, Héroes del Silencio en Zaragoza, AC/DC en Leganés y Celtas Cortos en Valladolid.

En numerosos lugares las calles recuerdan antiguos oficios (Carnicería, Cinturería…), acontecimientos históricos (Dos de mayo…), cambios en la geografía urbana, ciudadanos ilustres (Miguel de Unamuno, Manuel Losada, Felipe Uhagón…)

Así, aunque la Ley de la Memoria Histórica señala que “las Administraciones públicas tomarán las medidas oportunas para la retirada de escudos, insignias, placas y otros objetos o menciones conmemorativas de exaltación personal . —

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POSTALES ARGENTINAS

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Reescrituras escénicas y políticas de la diferencia

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Jorge Dubatti

ay que insistir en la necesidad de analizar las reescrituras argentinas de la dramaturgia universal (Shakespeare, Ibsen, Brian Friel) y de la literatura universal como parte de la literatura y el teatro nacionales. Se trata de considerar cierto tipo específico de intervención sobre esos textos-fuente para la composición de nuevos textos-destino.

Llamamos reescritura a la intervención teatral (dramática y/o escénica) sobre un textofuente (teatral o no) previo, reconocible y declarado, elaborada con la voluntad de aprovechar la entidad poética del texto-fuente para implementar sobre ella cambios de diferente calidad y cantidad, es decir, para implementar sobre esos textos una deliberada política de la diferencia, de la que se genera un nuevo texto-destino.

Se trata de un ejercicio de territorialidad: los nuevos contextos geográfico-histórico-culturales se apropian y reescriben esos textos, provenientes de otros contextos geográficoshistóricos-culturales, implementando sobre ellos diferentes transformaciones.

Este concepto de reescritura de la dramaturgia y la literatura universal en los teatros nacionales es operativo en tanto configura un instrumento para los estudios de historia del teatro.

A través de los siglos comprobamos la presencia de las obras de Shakespeare en los escenarios argentinos, sin embargo no sabemos exactamente cómo esas obras han sido reescritas.

No es un dato menor que podamos ignorar, o frente al que podamos permanecer indiferentes. ¿Cómo fueron las versiones de Hamlet en la Argentina a través de las décadas? Debemos descartar que hayan podido ser hechas “a la isabelina”, por estrictas cuestiones de territorialidad (en la Argentina no hay una tradición de puesta en escena arqueológica isabelina, y si la hubiese, sería territorialmente diversa a la escena de los siglos XVI-XVII en Inglaterra).

Surge entonces la pregunta fundamental, que se articula con diferentes respuestas a través de la historia: ¿qué hacen los teatros argentinos con los textos de Shakespeare, de Ibsen, de Joyce, etc., tanto con las piezas dramáticas como con los poemas no-teatrales, frecuentemente escenificados?

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Incluso esto se observa cuando se trabaja interculturalmente. La británica Penny Cherns dirige en Buenos Aires un elenco argentino de primer nivel en la versión de La tempestad (que data de 1611) que se presenta en el Teatro San Martín en “Temporada Internacional”.

Los actores que encarnan un solo personaje son Osqui Guzmán (Próspero), Malena Solda (Ariel) y Alexia Moyano (Miranda); Martín Slipak, Gustavo Pardi, Marcelo Xicarts e Iván Moschner componen dos cada uno de ellos, lo que permite el juego con la convención teatral consciente. Se trata de una reescritura singular, de la que interesa disfrutar los cambios respecto del texto de Shakespeare. En original inversión decolonial, Cherns propone un Próspero latinoamericano y un Calibán europeo: esto se logra especialmente a través de los cuerpos de los actores Guzmán y Pardi, de los que despliega un semidesnudo. Próspero parece además un derviche girador, en correlación con la presencia de trompos en escena, y Guzmán se vale de técnicas físicas del kung fu para la composición de la dinámica corporal y espacial del mago. Cherns abre y cierra con un marco nuevo, en el que Miranda (la hija de Próspero) aparece transformada en madre (con un bebé en sus brazos) y Reina de Nápoles, buena gobernante heredera de su padre, el buen gobernante que ha sabido perdonar y aprender de los errores. Miranda celebra con su mirada de asombro el espectáculo de la humanidad: “Magnífico mundo nuevo que tiene tales habitantes”. Cherns transforma La tempestad en un espectáculo musical, a través de canciones y de la presencia de una violocenlista y percusionista, Belén Echeveste.

Otro caso es la adaptación de Un enemigo del pueblo, el clásico de Henrik Ibsen cuyo estreno mundial se realizó en Noruega en 1883, y que actualmente se presenta en el Teatro Regio del Complejo Teatral de Buenos Aires, bajo la dirección de Lisandro Fiks. Con un elenco encabezado por Juan Leyrado (Dr. Stockmann) y Raúl Rizzo (el Intendente), Fiks transforma el texto de Ibsen en una problem-play, en una pieza dilemática en la que el médico es un “villano idealista” (como señaló George Bernard Shaw en La quintaesencia del ibsenismo). Le

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POSTALES ARGENTINAS

incorpora música de claro intertexto de Astor Piazzolla (el “enemigo del tango”) y profundiza además la muy argentina oposición políticos / apolíticos (o extrapartidarios), así como las referencias a la teatralidad del poder.

Lo mismo puede decirse de las reescrituras implementadas sobre textos extranjeros contemporáneos, como Ver y no ver, del dramaturgo irlandés Brian Friel, con dirección de Hugo Urquijo (circuito comercial de arte, Teatro La Comedia). Basada en un caso real estudiado por el neurólogo Oliver Sacks, Ver y no ver cuenta la historia de una mujer ciega (desde los diez meses de vida) que, ya adulta, a través de una operación, “recupera” la vista. La tesis de la pieza sostiene la diferencia entre visión y conocimiento: se puede ver físicamente y no comprender; se puede estar ciego (no ver) y comprender. La tesis vale no solo para el caso clínico, sino que se convierte en metáfora existencial. Vemos y no vemos, vemos y no comprendemos lo que pasa a nuestro alrededor, lo que le sucede a nuestros seres queridos, a nuestra sociedad, a nosotros mismos. Necesitamos conceptos para movernos en el mundo, si no estamos como ciegos en el laberinto de la realidad. La pieza de Friel es una fascinante combinación de teatro, ciencia y humanismo, y el director Urquijo, así como los actores Graciela Dufau, Arturo Bonín y Nelson Rueda, operan sobre el texto una reescritura relevante, desde el título de la pieza original a los matices de composición de cada personaje. Es parte esencial de esa reescritura la escenografía digital de Eugenio Zanetti, quien trabaja con proyecciones no ilustrativas.

Un ejemplo de reescritura literaria: El dulce amargo, en el circuito independiente (El Extranjero). En este unipersonal brilla la cantante y actriz Daniela Horovitz, quien regresa al mundo de la poeta griega Safo de Lesbos y sus bellos versos en la Antigüedad clásica (siglos VIIVI a.C.). Como afirma en el mismo espectáculo, Horovitz parte de los 126 fragmentos conservados de la obra de Safo para traerlos “de Lesbos al Abasto” (el barrio porteño donde vivió Carlos Gardel). Los musicaliza con ritmos contemporáneos y latinoamericanos (milonga, ranchera, bolero, etc.) y los inserta en una pieza teatral, casi a la manera de una conferencia performativa, con muchos pasajes cómicos (como el de la ruptura de los platos). Interpreta en escena lira (que se hizo construir especialmente por un luthier cordobés), guitarra y piano. Tematiza además el problema de las traducciones, e incluye en las canciones las diferentes formas en que se ha traducido un mismo verso. Hace cantar al público y juega incluso teatralmente con los famosos tres puntos (…) con los que, en las ediciones de Safo, se indica que se han perdido versos. Horovitz invoca a Safo, que sale del Hades y a él regresa concluido el espectáculo. El dulce amargo es una verdadera invocación a los muertos, en la que Safo se hace presente. A través de Safo, propone un rescate de la relevancia de la mujer. Se disfruta por la excelente interpretación de Daniela Horovitz, por la belleza de los versos de Safo, por la nueva música (compuesta por Horovitz) que los acompaña y resignifica, por el inteligente concepto de reescritura. ¿Cómo reescribe el acontecimiento teatral las dramaturgias? Podemos pensar como una reescritura ya el trasva-

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samiento inter-lingüístico (la traducción) regido por la búsqueda de una equivalencia aproximada. Ya en el pasaje de una lengua a otra se modifica la estructura verbal del texto-fuente en todos sus aspectos, en mayor o menor grado: sonoridad, estructura, sentido. En la traducción literaria y artística la equivalencia absoluta es imposible, y aunque se busque una equivalencia aproximada y se establezcan regímenes de coincidencias, el textofuente y el texto-destino se manifiestan diferentes, incluso en la producción de sentido. Basta confrontar las elecciones de cada traductor de Hamlet para concluir que se trata de textos muy diferentes.

También hay una reescritura verbal del texto-fuente cuando se le implementan (como en La tempestad, Un enemigo del pueblo y Ver y no ver comentados) cambios de diferente grado en calidad y cantidad que no siguen las instrucciones del texto-fuente sino parcialmente. Es lo que solemos llamar adaptación. No hay voluntad de equivalencia aproximada, sino voluntad de diferenciación.

También pueden advertirse reescrituras escénicas, aquellas que se componen y existen en el acontecimiento teatral, mientras este acontece: se mantiene el textofuente (incluso en su lengua original) pero se lo atraviesa con un nuevo texto escénico, que lo modifica. Toda puesta en escena, todo acontecimiento teatral es, en suma, una reescritura.

Sea cual sea el tipo de reescritura y sus casos, hay que indagarlas, no para ver cuánto se acercan a los textosfuente, sino más bien para describir e interpretar sus políticas de la diferencia. El análisis de las reescrituras es también una herramienta para la percepción del presente, con vistas al diseño de políticas culturales y teatrales y gestión para el presente. Se trata de reconocer y disfrutar estos fenómenos como no se lo ha hecho hasta ahora, venciendo una gran resistencia arraigada en las prácticas del análisis y la historización. Cuando estamos ante el dato de una edición o una puesta de Hamlet, tendemos a creer que se trata del texto-fuente o de los textos de traducción que conocemos o tenemos en nuestras bibliotecas. Contra esa tendencia, debemos preguntarnos qué claves territoriales encerraban esas reescrituras, qué modificaciones tenían sus textos. Por otra parte, debemos dejar de negar las reescrituras porque se “alejan” de los textos-fuente: lamentablemente todavía sigue siendo demasiado frecuente la actitud del especialista que sostiene que “Esto no es Shakespeare”. Hay que aceptar que el tesoro cultural radica en ese desvío, en esa política de la diferencia, que se trata de un “Shakespeare argentino”, des-territorializado de su contexto isabelino-jacobino y re-territorializado en nuestro país, ciudad, región, etc. En los teatros argentinos Shakespeare es y no es Shakespeare al mismo tiempo. Se trata de preocuparnos, además, como no lo hemos hecho hasta hoy, por conservar, archivar, publicar, analizar y componer una historia y una cartografía de las reescrituras.

Por otra parte, la percepción del valor de la reescritura exige una nueva política para la recepción, un cambio en la formación de los espectadores, sobre el que también debemos trabajar desde la crítica y las Escuelas de Espectadores. —

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PIEDRA DE SACRIFICIO

Futuro y cultura para México

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Jaime Chabaud

ara cuando este texto esté publicado en España, en México tendremos nuevo Presidente electo y también nuevo Gobernador de la Ciudad de México (CDMX). El país no será el mismo después del 1º de julio y, a pesar de las campañas de derecha para infundir miedo, todo pinta para que la izquierda (esa rara y autofágica especie) arrase en las elecciones. Doce años de guerra no declarada (ni reconocida) que han dejado cerca de un cuarto de millón de personas asesinadas y más de medio centenar de miles desaparecidas de manera forzada, llevaron a la sociedad mexicana a un hartazgo enorme.

Y la violencia y la guerra han de seguir, gane quien gane, pero un cambio de timón puede hacer que cese y recuperemos la calma. Eso esperamos los mexicanos.

Y en el marco de las turbulentas elecciones, un fenómeno completamente inédito se ha producido: el asunto de la cultura ha aparecido en boca de los políticos como estandarte y promesa de cambio. Tanto los candidatos a Presidente como Gobernador, sacaron a colación agendas para la cultura insistiendo en su urgencia y en la necesidad de promoverla y protegerla como factor de la transformación que México requiere. Ejercicio interesante el que realizaron semanas atrás los candidatos (de los candidatos) a comandar la cultura del país.

El evento, realizado en el Centro Cultural Cantoral, convocó a un variado abanico de creadores, gestores y agentes de la cultura. Más que un debate se trató de que cada aspirante a Secretario de Cultura Federal expusiera lo que su candidato presidencial trae bajo la manga para el sector. Así, Alejandra Frausto (Andrés Manuel López Obrador), Raúl Padilla (Ricardo Anaya), Consuelo Sáizar (Margarita Zavala, quien finalmente desistió en su intento) y Beatriz Paredes (José Antonio Meade). Quizá el único pez fuera del agua fue la Paredes que del sector cultura entiende poco aunque demostró un colmillo político indudable. Sin embargo, ayuna de propuestas, atinó a coincidir con que el presupuesto para cultura es claramente precario y urge ser reconsiderado en el presupuesto federal para tener una dignidad a la altura de una Secretaría de estado.

Si bien no ausentes de ocurrencias, los aspi– 52 –

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rantes, contaron con poco tiempo para exponer sus propuestas para dirigir el sector cultura. La propuesta de Raúl Padilla, el más sólido quizá, en torno a reducir los gastos de operación de las instituciones para ponderar la producción de bienes culturales me parece un acierto. Citó la distribución de los presupuestos como se realiza en Canadá y Francia que son modelos ideales. Para ello planteó el incremento en 300% el presupuesto federal anual, tema en el que coincidieron Sáizar y Frausto.

También fue el único que planteó la activación y articulación a nivel municipal de los dineros de cultura que suelen usarse en cualquier cosa excepto en su objeto natural.

Al transcurrir las semanas, Alejandra Frausto se reunió con más agentes del sector cultura y fue consolidando un proyecto que suena a todas luces atractivo por proponer una transversalidad entre las Secretarías de Relaciones Exteriores, Economía, Turismo y Desarrollo Social. Quizá aún falta madurar algunas cosas que hoy suenan asistencialistas más que un proyecto para dinamizar al país a través de la cultura. Se cita, por ejemplo, el modelo de las Misiones Culturales que en los años 20s y 30s del siglo xx resultó revolucionario y alcanzó a buena parte de la población rural del México bronco (al que hemos regresado, en muchos sentidos). La operación de algo semejante puede ser un desastre que engorde una burocracia atroz o bien un ejercicio de horizontalidad en donde los gremios del sector cultura se conviertan en los engranajes de una poderosa maquinaria. En fin, todo está aún a nivel de discurso y poco claros resultan los cómos.

Los candidatos de los candidatos, han abierto una puerta que la gente de la cultura –esperamos– no les permitirá cerrar. Aparentemente existe la voluntad de poner al sector en la agenda política del país. Sin embargo, algo que me llamó poderosamente la atención fue la falta de entendimiento entre lo que es el mecenazgo, la IP y los emprendimientos autogestivos de cultura desde la sociedad civil. Ninguno de los candidatos tiene claro que éstos últimos realizan y ejecutan a matacaballo, dejando la piel sobre el asfalto, jugándose patrimonio y arriesgándolo todo, el 60% de los bienes culturales que el Estado no alcanza a producir. Y, por supuesto, no cuentan con un proyecto al respecto. Error grande que debieran meditar. Porque las microempresas culturales (si no se les entiende como emprendimientos autogestivos desde la sociedad civil) son los brazos y los dedos que atienden a los ciudadanos ahí donde el Estado no llega. Incentivarlos y protegerlos es la mejor (si no única) manera de hacer efectivo el mandato constitucional de acceso a la cultura de todos nuestros conciudadanos. —

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EL LADO OSCURO

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La política teatral del nuevo gobierno

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Jaume Colomer

ermino de escribir este artículo el mismo día que José Guirao toma posesión como ministro de cultura y deportes de España. Le espera, probablemente, un mandato breve y, aunque ya ha manifestado que su prioridad es la reducción del IVA cultural y que asume los compromisos del programa electoral del PSOE, no sabemos aún cuáles serán sus prioridades en política teatral. A través de estas líneas aporto mi grano de arena.

El punto de partida es la labor que realizaron los poderes públicos, especialmente en la década de los ochenta y en los noventa, partiendo de la convicción de que el teatro es un servicio público invirtiendo en infraestructuras, gestionando y financiando programaciones de proximidad y aportando recursos a los operadores privados para fomentar el desarrollo de la producción teatral.

En el Plan General del Teatro (2007) se reflexiona sobre la condición de bien o servicio que debe tener el teatro1. Concluye que “el teatro debe ser considerado, desde el punto de vista económico, como un servicio cultural debido al interés general de las necesidades sociales que cubre (…) y por el hecho de que el mero juego de las reglas de mercado no conduce a un correcto equilibrio entre oferta y demanda”. La condición de servicio público obliga a los poderes a garantizar la existencia de oferta suficiente y el acceso a la misma por parte de todos los ciudadanos que lo deseen.

Sin embargo, también hay quien argumenta que el teatro debe ser considerado un bien de experiencia producido y comercializado por las industrias culturales y creativas2 con lógica de mercado. En esta concepción, las industrias culturales y creativas producen y proveen a los ciudadanos experiencias teatrales a las que pueden acceder como consumidores. El Estado ya no debe intervenir como productor y proveedor de programaciones y pasa a ser un regulador para garantizar el equilibrio entre oferta y demanda.

Como dice Jeremy Rifkin3, “el capitalismo industrial está culminando su transición hacia un capi-

talismo cultural plenamente desarrollado, apropiándose no sólo de los significados de la vida cultural y de las formas de comunicación artística que las interpretan, sino también de sus experiencias de vida”. Para Rifkin, “en el futuro, un número cada vez mayor de parcelas del comercio estarán relacionadas con la comercialización de una amplia gama de experiencias culturales en vez de con los bienes y servicios basados en la industria tradicional, los mercados irán dejando sitio a las redes, los vendedores y compradores se sustituirán por proveedores y usuarios y cada vez más el acceso sustituirá a la propiedad”.

Tenemos, pues, sobre la mesa dos discursos sobre el teatro: el que lo considera un servicio público y el que lo considera un bien de mercado.

Cada uno lleva a una política cultural determinada: el primero a la intervención del Estado como proveedor de contenidos teatrales, el segundo como regulador del mercado teatral. ¿Son incompatibles estos discursos?

Desde mi punto de vista, pueden ser complementarios si los focalizamos en distintas prácticas teatrales.

• El discurso del teatro como servicio público lo podemos aplicar a las prácticas de formación.

En este caso, los poderes públicos deben garantizar el acceso de todos los ciudadanos que lo deseen a prácticas que les permitan formar valores e intereses teatrales, ser capaces de analizar críticamente la oferta del entorno y aprender los distintos lenguajes escénicos para comprenderlos como consumidores o aplicarlos como creadores.

• El discurso del teatro como bien de mercado lo podemos aplicar a las prácticas de producción y exhibición. En este caso, los poderes públicos deben promover el desarrollo de tejido empresarial, fomentar la producción teatral y la existencia de programaciones estables, así como facilitar el acceso de los ciudadanos a la oferta teatral de su entorno, dejando de ser proveedores directos de programaciones. —

1.- La reflexión se incluye en el anexo elaborado por Alberto Fernández Torres.

2.- Según la UNESCO son aquellos sectores de actividad organizada que tienen como objeto principal la producción o la reproducción, la promoción, la difusión y/o la comercialización de bienes, servicios y actividades de contenido cultural, artístico o patrimonial.

3.- Rifkin, Jeremy (2013). La era del acceso. La revolución de la nueva economía. Ed. Paidós.

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NOTICIAS DESDE LOS FIORDOS

Pequeños detalles

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Victor Criado

urante estas dos últimas semanas han pasado muchas cosas en el estado español. Algunas más trascendentes que otras, pero cosas han pasado, muchas.

El parlamento español ha sido testigo de varias de esas circunstancias que, por impredecibles, han generado tensión y una inquietud que ha traspasado las barreras de los informativos para convertirse en un drama con incierto desenlace pero lleno de interrogantes y esperanza. ¿Se puede?

Haber estado escuchando parte de las intervenciones en el parlamento me ha llevado a preguntarme por el valor que las artes escénicas tienen en todo ese escenario con público fijo y donde se improvisa menos de lo que uno cree. Y la respuesta me apena. Ninguno. Bueno quizás el hecho de que un partido político de reciente creación haya sido fundado en un teatro es, de alguna manera, un valor. Pero minúsculo.

No puedo evitar comparar desde mi balcón sueco, el valor residual que las artes escénicas tienen en la vida cotidiana, confinadas sus representaciones a esos recintos preestablecidos llamados teatros. O programados en eventos al aire libre, para acercarse a un público que de otro modo ni siquiera se plantearía acercarse a un teatro.

Es una dificultad entroncar el teatro en la sociedad, que creo tiene su origen en la composición de la sociedad española dividida en clases sociales muy marcadas durante demasiadas generaciones.

Algo que si bien estos últimos años de innegable progreso en muchos aspectos ha disminuido, no ha logrado borrar. Y el teatro, como expresión cultural, no ha escapado a esos efectos.

Cuántas veces habré escuchado eso de “yo no entiendo de teatro” por parte de personas que ni siquiera han acudido a una representación.

Como si el teatro fuese un arte inaccesible que exige un acervo cultural solo al alcance de unos privilegiados.

En Suecia, también como consecuencia de su evolución social, el teatro pertenece, de un modo mucho más evidente, a toda la sociedad. Es cierto que hay un Dramaten con sus doradas columnas a la entrada y ese cierto aire de “elevada cultura” que impregna los telones y elegantes asientos. Pero el teatro sale de sus espacios convencionales y se acerca a la sociedad con mucho más dinamismo que el que yo percibo en el estado español.

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Un ejemplo de este dinamismo es el espacio que el teatro ocupa en el parlamento sueco. Algo impensable en las cortes españolas.

Me explico.

Supongamos que uno de esos emigrantes a bordo del Aquarius se instala en, pongamos, Asturias. Su hijo, con quien ha hecho ese arriesgado e incierto viaje crece y decide ser actor. En el último año de su formación, como ejercicio de fin de carrera, tiene que escribir un monólogo sobre un tema libre y presentarlo, bajo su propia dirección.

Decide, después de muchas dudas e inseguridades, contar la historia de ese incierto viaje y, como he leído en un artículo, lo titula Ulises XXI. Además de la peripecia de ese viaje, nos cuenta su propia historia en el país de acogida: su integración en la sociedad española, las dificultades, el choque cultural con respecto a su país de origen que, sigamos poniendo, se llama Afganistán. Hay humor, dolor, miedo, esperanza, denuncia, agradecimiento, dudas. Vamos, lo que nos sucede a todos, solo que aumentado por la lupa de la amenaza de una apuesta con la muerte al 50%..

El trabajo resulta brillante, el público lo acoge con entusiasmo y sobrecogimiento. Entonces se corre la voz y alguien, quizás un miembro lectivo de la RESAD, quizás un entusiasta del teatro que además es político decide que ese texto debe representarse en el congreso de los diputados, también en el senado. Y el actor se presenta en el hemiciclo, prepara su atrezzo y sonido para representarlo, para que los diputados y senadores tomen el pulso, envuelto con la magia del teatro, de la actualidad del país que representan.

Bien, este sueño utópico situado en un futuro no demasiado lejano, es una realidad en el año 2018.

El parlamento sueco acoge determinados espectáculos que, por su contenido, se consideran merecedores de ser representados en el Riksdag (el parlamento sueco). Un compañero con el que he trabajado lo hizo. Hijo de una familia que, hace ya unos cuantos años, inició el viaje sin regreso desde Irán. Su texto cuenta esa historia, la de ese viaje en el espacio y la del otro viaje, en el alma, de ese niño que crece en un país en principio extraño y que se convierte en su casa. No es un cuento con final feliz, tampoco una tragedia. Sí un testimonio cargado de verdad y belleza teatral.

No es el único texto que se ha representado en el parlamento sueco. No olvidemos que en el mismo se sientan miembros del partido conservador y xenófobo que, de este modo, ven la realidad bajo un prisma diferente. Los resultados… Nadie los conoce a ciencia cierta. Pero lo que sí es cierto es que el teatro cumple una función política.

Y lo más curioso del caso es que el autor del texto, ese alumno a punto de ser egresado, en ningún momento se ha planteado hacer teatro político.

Ha hablado de lo que siente y piensa, y lo ha hecho utilizando el lenguaje teatral. Sin más. —

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ESCAPARATE L

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Donde el bosque se espesa/...

La hora del lince

Artezblai ha publicado dos libros con sendas obras de Laila Ripoll y Mariano Lorente ‘El triángulo azul’ y ‘ Donde el bosque se espesa’. La primera, llevada a escena en una producción del CDN bajo la dirección de la propia Ripoll, fue Premio Nacional de Literatura Dramática 2015; una obra sobre las personas que tuvieron que huir empujados por el golpe de estado y la guerra civil, todas atravesaron los Pirineos con la esperanza de regresar pronto sin esperar que Francia, paraíso de la Libertad, la Igualdad y la Fraternidad, les hacinara en campos de refugiados insalubres e inhumanos... ‘Donde el bosque se espesa’ por su parte ha sido llevada a escena por Micomicón Teatro y “posa su mirada en el siglo XX en Europa. Y lo hace con todo el armamento del que dispone el teatro para entender cómo podemos llegar a despreciar y a matar a nuestros congéneres”.

ADE ha publicado dos obras de Per Olov Enquist, considerado el escritor sueco contemporáneo vivo más importante, ‘La hora del lince’ un drama conmovedor sobre la culpa, y ‘Los fabricantes de imágenes’ donde fabula el encuentro entre Selma Lagerlöf, Viktor Sjöström y Tora Teje.

Siemprevivas María Nieto es la autora de las dos obras que incluye el presente volumen: ‘El holocausto de las flores’ y ‘Nora, sin Helmer’ dos obras que reflejan la realidad social de las mujeres que muestran la valentía feminista. Una publicación de la editorial Ya lo dijo Casimiro Parker.

La geometría del trigo

Teatro croata contemporáneo

Alberto Conejero acaba de publicar ‘La geometría del trigo’ con la editorial Dosbigotes, una obra de teatro sobre la necesidad de cuidar nuestros vínculos con el pasado y evitar que la herencia recibida caiga en el olvido. Joan y Laia, una joven pareja de arquitectos en crisis, son los personajes que protagonizan esta nueva obra de Conejero, que comienza con el viaje que realiza la pareja desde Barcelona hasta un pequeño pueblo del sur para asistir al entierro del padre de el, del que nada ha sabido en toda su vida. En esta obra “ pervive este enigma (quizá el germen de toda fundación humana, también origen de la familia, acaso otra manifestación de la duplicidad de los deseos), el de entregarnos en el amor para no morir; el de trascender en algún sitio, en algún otro o de algún modo, a pesar del fin de todo” afirma Daniel López García, autor del prólogo que acompaña a esta edición.

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Ediciones Antígona ha publicado las obras de Lada Kastelan, Vedrana Klepica, Ivor Martinic, Nina Mitrovic, Mate Matisic, Tomislav Zajec. ‘Teatro croata contemporáneo’ fruto de la colaboración de la editorial madrileña junto con la Asociación de Autores de Teatro y Croatian I.T.I. Centre.

Taxi Girl María Velasco ha ganado el Premio Max Aub de Teatro en Castellano de la Ciutat de Valéncia 2017 con ‘Taxi Girl’, un texto explícito y poético a la vez, como lo son sus protagonistas, el trío amoroso más famoso de la literatura, a saber Anaïs Nin, June Mansfield y Henry... Miller.

S T A

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Primer Acto

Artescénicas

El número 354 de ‘Primer Acto’ destaca por publicar los textos teatrales siguientes: ‘Éramos tres hermanas’ de José Sanchis Sinisterra, ‘Esto no es Dinamarca’ de Edgar Chías, ‘El árbol’ de Odin Teatret y ‘Me llamo Suleimán’ de Antonio Lázaro previo a diversos artículos sobre los autores y las obras.

Una entrevista y un reportaje sobre José Luis Alonso de Santos preceden a diversos artículos como el realizado sobre la Jornada de Teatro Clásico de Murcia o la entrevista con el nuevo director del Festival de Teatro Clásico de Almagro. Todo esto en el número 9 de Artesescénicas.

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