Catálogo TESIS by Gustavo ortiz

TESIS PRESENTADAS ENTRE EL 2007 Y EL 2008 Septiembre 2008 Bogotá

Pontiﬁcia Universidad

JAVERIANA

CORPORACIÓN UNIVERSITARIA MINUTO DE DIOS Rector General Padre Camilo Bernal Hadad Rector Sede Principal Alonso Ortiz Serrano

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO Director Gustavo A. Ortiz S. Coordinador General Carlos E. Pérez Diseño Gráfico Martha Carrizosa Impresión Qprint Ltda. Montaje Carlos E. Pérez Hernando Espinoza Equipo de pasantes Secretaria Lady Pinilla Rodríguez

Esta publicación forma parte del grupo de investigación de Uniminuto - CEIHS

Este proyecto forma parte del programa de apoyos concertados 2008 del SCRD

INVESTIGACIÓN Y CREACIÓN El <proyecto> TESIS se configura como un proceso de construcción colectiva donde las universidades a través de sus directores de carrera y sus estudiantes aportan insumos y contenidos que estructuran diversos niveles de conocimiento. En varias reuniones previas se analizaron las bondades y debilidades del trabajo realizado en estos últimos cuatro años con miras a planear la versión que hoy presentamos y que incluye acertadamente los trabajos de investigación de los docentes, los grupos y semilleros investigativos de estudiantes y docentes. La investigación en arte en nuestro país ha seguido un camino arduo; en sus inicios contó con la oposición de otras ramas del conocimiento los cuales poco a poco perdieron sus argumentos ante el desarrollo de los sistemas de pensamiento complejo y cuando se hicieron evidentes las falencias de la ciencia para explicar la realidad. Es indudable que al investigar nos encontramos con elementos que cuestionan nuestros comportamientos, creencias y costumbres a la vez que descubrimos procesos, significados, contenidos y sistemas que amplifican las fronteras a las que estábamos acostumbrados y nos obligan a repensar, reestructurar y cambiar modelos a nivel personal, social, académico, político, cognitivo, vivencial. El arte no investiga para establecer leyes inmutables, investiga para ampliar el significado, para complejizar la identidad, para resimbolizar los procesos sociales, para crear memoria. Los trabajos de grado y de investigación aquí presentados dan cuenta de las transformaciones conceptuales y formales que han tenido las prácticas artísticas en las dos últimas décadas: por un lado un gran giro a lo no objetual a lo inmaterial con toda lo que implica el concepto de lo efímero y por otro lado el auge creciente de los nuevos medios que facilitan el acceso rápido y líquido en los diversos dispositivos tecnológicos. Podemos afirmar que investigación y creación son cual rieles de una compleja vía al conocimiento, en la cual se entrecruzan constantemente multitud de variables que le dan solidez pero que también la modifican y transforman, que la hacen cambiar de rumbo, que la interrogan sobre si y sus influencias. Una vía con múltiples destinos, con diversidad de paisajes, con infinidad de conexiones en la que los pasajeros pueden adquirir cualquier identidad menos la de simples turistas. Gustavo A. Ortiz Director MAC

El doce Este trabajo es una aproximación al Barrio Doce de Octubre de la cuidad de Bogota, a través de los relatos familiares. La escogencia de este sector no fue en vano, pues es un lugar que conserva en sus calles y sus casas los secretos de mi familia, además da fe de las transformaciones de identidad que han venido sufriendo los barrios bogotanos y así mismo la ciudad. Con este acercamiento mi intención no es la de reconstruir el barrio de los años 40s. Si no reflejar lo pasado y lo presente, vislumbrar y valorar sus orígenes, conocer el por qué de sus dinámicas y de esta manera comprender su metamorfosis.

Andrea Paola Alarc贸n El doce Video instalaci贸n

(::) -¿Estoy adentro? -Mis ojos, ¿están afuera? Penetran ese vidrio transparente que me transporta al otro lado de la pared. -Me siento adentro, -Pero también, afuera. -No Soy más real desde acá. -Ni tampoco desde el otro lado del vidrio que nos separa. -El plano que duplica el espacio que se refleja, no es penetrable. -Con suerte, la que viene hacia mí, tampoco puede salir.

María Alejandra Martín (::) Video - Proyección

Dibujos Dibujos fue un proyecto elaborado durante un año de trabajo, conformado por diferentes series de imágenes que venía trabajando sobre la ansiedad que me producía pensar mi propia muerte. Nunca se aclaró si los cuentos que escribí acompañaban a las imágenes o viceversa, pero finalmente pude ver que había realizado y logrado imágenes en los cuentos y dibujos que en cierto modo resumían simplemente el tiempo invertido, y de la misma manera, el tiempo de vida ido en hacer dibujos como proyectos de grado. Bella paradoja que en lugar de aliviar la ansiedad de morir algún día, aumentó la misma. Este interés nacía como una manera de proponer la ficción y la especulación como una fuerte herramienta del arte actualmente. El Tema de la muerte en Colombia es tratado por muchos artistas en el país desde el punto de vista de las víctimas de la guerra Colombiana, y desde la problemática social en las ciudades. Yo quería plantear la problemática de la muerte en el arte colombiano desde mi propia vida y desde mi propia ansiedad frente a ella; no usando historias que hubiera vivido cercanas al tema, o escuchadas en mi niñez en una zona de continuos combates en medio de la selva, sino sobre lo que se me podría presentar de ahora en adelante, es decir el futuro, lleno de posibilidades. El Título finalmente de este proyecto fue Dibujos puesto que experimenté ampliamente con el medio y sentí que este prevalecía sobre el tema inicial, y que le daba cierta sutileza a la manera como se habla sobre el mismo tan comúnmente en el arte Colombiano.

Juan Carlos Osorio Dibujos Dibujo

Cuantos cuentos cuento Me sitúo ante una memoria colectiva como un asiento de cultura, y para ello me apropio del concepto universal de cuento, proclamando su alusión a través de una acción en donde yo encarno y asumo el título de infanta, doncella o princesa, llevando la narración de papel a un lugar existente y a un tiempo real, para así revivificar los bríos creativos y enfrentar el exiguo esquema de posibilidades representativas que ofrecen los paradigmas culturales contemporáneos.

De este lado del espejo Lindy María Márquez se ha encargado de revivir la historia de algunos personajes de cuento para constatar que, de este lado del espejo, no ha sucedido nada que pueda estimular su estadía. Las ingenuas, puras y tiernas vidas que han llevado del otro lado, son encarnadas por la artista en un mundo de miseria, temor y miedo. En sus performances, Lindy interrelaciona asuntos de su propia intimidad, tamizados en una narrativa infantil que ha sido reinterpretada por ella. De su acción, solo nos quedan algunos testimonios de su paso furtivo: una capa, un vestido, una casa, una trenza de cabello… Ella de alguna manera nos dice que estos personajes aún nos quieren habitar. Armando Montoya Docente de Planta Universidad de Antioquia

Lindy María Márquez Cuantos cuentos cuento Cuadros fotos

Fronteras: unseen landscapes: no árbol, no río, no mar Río Árbol – Río Mar es una instalación compuesta por tres partes, como si fuesen tres actos en una obra de teatro: Primer Acto, intervención sobre muro: La silueta de un árbol pintado en caucho líquido a partir de goteras, como si aquél árbol se estuviese derritiendo. Vista con detenimiento, aquella silueta se entiende como un híbrido entre un árbol y un río: un árbol cuyas ramas son vertientes. Segundo Acto, intervención sobre piso: Inmediatamente en frente, desde la raíz del árbol, se extiende su imagen reflejada, envuelta en pequeños trozos de madera, como trazando una vista aérea, una topografía de árboles talados. Tercer Acto, instalación del texto: Acompaña la leyenda indígena que habla de aquel árbol de la abundancia, que fue tumbado por la gente para poder “coger pepas ricas” y cuyo tronco al caer, se convirtió en el Amazonas, conocido como el Río Mar, y sus ramas, en los ríos que desembocan en él: el Putumayo, el Caquetá, el Igaraparaná, el Apaporis... La alegoría de la obra de teatro, compuesta por una serie de actos que se extienden en el espacio y en el tiempo, sirve para entender la manera en la cual esta instalación y sobre todo su proceso de montaje, implica un de-morarse en el lugar, un diálogo con el espacio, pues debe transformarse levemente para acomodarse al lugar específico, y la necesidad de un esfuerzo colectivo. Es una obra que apunta al hecho de que los límites, las preferencias de consumo y comercio de materias primas, la historia… todo se vuelve transitorio. En la obra, más que un objeto o imagen, queda la conciencia de un proceso, de una acción colectiva. En las palabras de Beatriz Sarlo, apunta quizás a “una teoría de la memoria donde el olvido es mas vasto y mas estructural que el recuerdo, donde el recuerdo es solo una aventura excepcional del olvido” (Sarlo, 49). El Río Árbol Río Mar, como apunta su título, es una forma híbrida entre el árbol de caucho, el río Amazonas y sus vertientes. El Amazonas ha sido una zona de explotación y transito de materias primas. El observador mira un pasado en la pared, un pasado salpicado por el boom del caucho en los años treinta, y se encuentra parado en un presente, en el cual la tala de árboles, la minería y la ganadería están compitiendo por espacio en el lugar. Es así como el árbol en espejo nos habla del estar repitiendo el pasado en el presente, extendiendo la mala utilización de la naturaleza por el hombre.

Viviana Palacio Fronteras: unseen landscapes: no árbol, no río, no mar Instalación

El emigrante De un viaje con la memoria a la realidad. …al buscar mis sueños abandoné el nido, vivo sin lugar, vivo del recuerdo, y con esperanza del volver… Partiendo de la experiencia personal de migración, comienzo una indagación que articula emociones como la ausencia, el desarraigo, la nostalgia, y duelo; y que me permite la creación de un territorio simbólico definible tan sólo en el espacio fluctuante y limítrofe que existe entre lo permanente y lo etéreo. En un afán por reconstruir la memoria, me apoyo en la utilización de objetos y referencias familiares para generar una poética silenciosa y sutil que refleja la tensión propia y arquetípica del emigrante.

Mauricio Rodr铆guez El emigrante Instalaci贸n

Santos óleos Santos Óleos es el resultado donde convergen una serie de instalaciones cuyas obras en óleo sobre tela, retablo, grabado, intervención de figura tridimensional y talla en madera, propinan una reflexión de temas sociales y culturales a propósito de una hibridación en el campo de la imagen constante en nuestra temporalidad contemporánea. A partir de imágenes de la iconografía religiosa que reviste los recintos litúrgicos del centro de Bogotá, las iglesias† propiamente, asi como de referentes de «lo popular» y su lenguaje, se buscó hacer una propuesta de hibridación entre estos tres. Experiencias, recorridos y actividades de la gente común del sector centro de la capital colombiana son los motivos que circundan las obras que aquí confluyen. Es una propuesta cuya originalidad está focalizada en una reaprehensión de lo que ya está hecho, objetos artísticos que permitan a partir de la intervención del artista, una hibridación cuyo proceso de construcción entrevea la exploración de cada imagen integrante, técnica a técnica, la confrontación entre imágenes al mezclarse para generar una nueva. El lugar en el que se pretende sea la instalación de las mismas, por tanto, deberá ser en un espacio rectangular que proponga una mímesis del orden jerárquico de las imágenes que se encuentran «exhibidas» en las iglesias.

Jimmy Espinoza Porras Santos 贸leos Mixta

Pinturas Pese a los grandes avances que representan el cine y la televisión para la imagen, ésta continúa siendo un importante elemento para los medios impresos. Es ésta la razón por la cual el perfeccionamiento de los soportes de la imagen fija, la mantienen en vigencia y más aún, ha permitido una mayor difusión de los medios que las contienen. Ésta fuerte difusión podría explicar, el hecho que las imágenes fijas, como la fotografía, son asumidas por quienes las capturan y conservan, como un equivalente de la realidad, aunque éstas, no sean más que una forma de representación de la realidad. Contrario a lo que se podría pensar al ver mi proyecto, no pretendo empatar con la pretensión de la fotografía por lograr esa representación de la realidad, puesto que hago mis pinturas partiendo de esas imágenes fijas que aspiran al reflejo de la realidad. Por ello, considero que mi pintura es “abstracta”, no en el sentido que cobra la palabra dentro de un movimiento artístico, sino en el sentido literal de la palabra; es decir, al elaborar mis pinturas, hago un proceso de abstracción de la fotografía, y de ella extraigo lo más significativo, con el fin de generar entre el espectador y la pintura un vínculo afectivo, de asociación o, en algunos casos, de imaginación. Lo que asegura ese vínculo, es que todas las imágenes fotografiadas de las que abstraigo mis pinturas, son tan diversas entre sí, que posibilitan el encuentro con una u otra pintura, a esto se le suma el hecho de que las imágenes tomadas de las fotografías no son cargadas con una re – interpretación, simplemente, a lo esencial de la fotografía se le añaden objetos dispares que permiten hallar la imagen en una nueva dimensión. De esta manera, la fotografía, que es notoriamente una fotografía en el cuadro, deviene tan real como el contexto ilusorio en que la sitúo. Cuadros de cuadros, abstracciones de la realidad situadas en un contexto que las restituye a un mundo donde ningún objeto es más real que otro, donde todo es ilusión.

Alejandro Sรกnchez Pinturas Pintura

Pintura prefabricada PINTURA PREFABRICADA es, estructuras urbanas y pinturas de artistas. Modos de producci贸n y construcci贸n de pintura y pinturas. PINTURA PREFABRICADA es la copia del modelo original y la copia del acto pict贸rico. En definitiva, es modelo urbano, referente art铆stico y medio industrial, conjugados para hablar de los problemas de la pintura.

Jimena Zambrano Pintura Prefabricada Pintura

Lienzos de la calle Este proyecto es una composición(fotografía- ensamblaje) que hace referencia a un recorrido de Cartagena de Indias desde lo “marginal-sucio”(indigencia) reconociendo en su cotidianidad, un espacio(anden), unos elementos(vestimenta-cartón)y un cuerpo(piel), huellas que plasman una memoria. Esta composición reúne 4 cuadros (150X150 c/u) bidimensionales y cada uno de ellos contiene 25 piezas de 30 x30; específicamente con estos elementos. Allí en estos elementos encontramos la capacidad de recordar, en una impresión o vestigio que queda de un suceso, una acción pasada en la vida de estos personajes que a diario tienen que soportar el desprecio de lo “social-pulcro” (sociedad). Se descubre en los Andenes otra ciudad con viviendas invisibles que cualquier ser puede habitar, viviendas que en pocos centímetros se dividen en habitación, baños, comedor, camas y salas de risas confusas de conversaciones incoherentes. El Cartón es para ellos totalmente funcional, en el día su medio trabajo, en la noche su cama. En su piel se encuentran los desechos de una “sociedad cruel” los contaminantes del día, los maltratos físicos y psicológicos que dejan cicatrices por riñas, enfermedades y por abandono. Su vestimenta es la que se encarga de proteger una parte del cuerpo, pero en un determinado momento ésta se llena de tanta mugre que obligatoriamente pide un cambio. En el estado físico de la vestimenta se concentra un olor fétido que actualmente ya se identifica como “olor a gamín”. Para hacer posible esta composición hice un trueque, termine cambiando un cartón nuevo por uno utilizados por ellos, una camisa sucia por una limpia, inclusive para poder obtener las fotos les entregué ropa limpia. La acción del intercambio se estaba convirtiendo en un performance donde el arte trascendía por el contacto directo donde los sentidos como el tacto, la vista y el olfato configuraban la composición del resultado de la propuesta.

Shyrlis Maite Guerra Lienzos de la calle FotografĂa - esamblaje

Cajitas de la fantasía/ del alma Cajitas de la fantasía/ del alma, es un proyecto que muestra una serie de imágenes eróticas y que relacionan los elementos de un baño con las partes íntimas y de placer del cuerpo. La finalidad es mostrar imágenes que tengan una lectura ambigua, consta desde imágenes enteras hasta sólo partes de los elementos del baño, las imágenes muestran mi intimidad, mis rutinas dentro un baño o de mi diario vivir. Cajitas de la fantasía/ del alma, consta de una serie de imágenes que buscan ambientar un lugar, apoyándose en la técnica de fotoinstalación y cambiar la atmósfera de un espacio para jugar con la imaginación de los espectadores. Se busca estructurar las formas de los fluidos del cuerpo con relación al sexo y al placer, utilizando el concepto de cajitas como un elemento para guardar secretos y la caja como algo personal del ser y del alma. El proyecto subyace de las experiencias vividas dentro de un baño y muestra el baño como un lugar de refugio para hallar el placer ante la soledad, además como un rincón que guarda los secretos más profundo de la personalidad. Cada imagen es una lectura, una escena prolongada expuesta como obra de arte en un espacio museal.

Rafael Marimon Cajitas de la fantasĂa/ del alma FotografĂa Digital

Mi caza tu casa “La casa es de papel” es el resultado de la propuesta Mi caza tu casa, se apropia de la intimidad de una casa-hogar para construir productos a partir de datos visuales y conceptuales engendrados entre sujeto-familia-vivienda en el rescate de una historia. La Cosa creativa de este proceso de taller es la fachada en papel rasgado con los escritos de la historia, que se escribe a pulso en un soporte de papel, que cuenta el caso de una familia que sufre la perdida de su casa. El valor de la acción de rasgar no se centra en un solo significado, lo que hace es separar una experiencia de vida que aleja la realidad de sus interpretaciones. El ejercicio de la caza se fundamenta en una táctica (estrategia) un procedimiento y un sistema como plan de contingencia para encontrar herramientas que argumenten, como desde nuestra vida diaria, (nuestra historia y en la cotidianidad) podemos construir un lenguaje, usando como pretexto una narración que se sintetiza, para crear desde nuestras percepciones un producto artístico. Donde el contenido estético automáticamente se presta para identificar elementos que involucran el imaginario urbano con una situación, con un color, con el espacio, con textura. A través de todos nuestros sentidos podemos percibir que una historia en una casa de familia da pie para una cacería. Relacionar el hacer con el sentir en el momento de la creación revela casos y cosas donde la recursividad y la circunstancia son factores que construyen la expectativa de la casa. Construir, reconstruir, armar desarmar y secuencialmente generar ideas que no solo sale del artista, se da en la configuración de la casa, de la caza del caso y de la cosa. La cosa Tiene una perspectiva que está lejos de una realidad y ésta sólo se convierte en rumores de los que nuestros ojos pueden interpretar.

Silena Patricia Martínez Mi caza tu casa, “la casa es de papel” Instalación

Corrompiendo la visión del cuerpo “Corrompiendo la visión del cuerpo” es una serie de pinturas y fotografías que invitan a pensar en lo que somos, a admitir la belleza que contiene cada milímetro del cuerpo, pues no tengo necesidad de decir que es equiparable a paisajes con los que nos deleitamos cuando salimos al campo; sería como hablar de cosas distintas con algo en común, y no es así, porque somos la misma naturaleza, en la cual nos extasiamos al contemplarla. Pero así como en la naturaleza hay momentos de sublime belleza, de parejas de inconmensurable paz y tranquilidad, se esconde en ella una fuerza violenta, una furia incontenible a la cual el hombre siempre el hombre le ha temido. Este temor es la causa principal por la cual la belleza interna del cuerpo ha sido velada, pues generalmente cuando se habla de un cuerpo bello lo asumimos desde su apariencia externa, medidas y cánones que han ido cambiando a la par con las transformaciones sociales. Pero, lo que no ha cambiado, no a menos en miles de años, es la composición matérica de los cuerpos. Exponer el interior de un cuerpo presupone el sometimiento de este a la violencia, una violencia inherente a la condición humana, a la naturaleza a la que pertenecemos, a la naturaleza que somos, pero en la cual no nos reconocemos, pues es también propio de la razón humana separase de lo que no puede o no quiere comprender.

William Dar铆o Bahos Corrompiendo la visi贸n del cuerpo Fotografia

Memorias dislocadas, RMN cerebral con galodino La producción de esta investigación se acerca al dibujo y se divide en dos: la primera es la parte clínica que evoca el problema mental, el diagnóstico, la evolución y el tratamiento de la paciente Pía Guevara, está acompañado por dibujos con cabellos sobre cajas metálicas como las de lectura de los exámenes computarizados. La segunda parte tiene que ver con la producción esquiza realizada en 10 semanas durante tratamiento psiquiátrico, la constituye una serie de dibujos en papel en pequeños formatos y una instalación con cabello aglutinado y objetos cerámicos que evocan la corteza cerebral de Pía, su miedo al contagio y su obsesión de la hospitalización psiquiátrica. RMN CEREBRAL CON GALODINO, es un examen realizado a la paciente Pia Guevara durante su internamiento psiquiátrico para detectar el origen de su enfermedad. Son 350 dibujos con pluma y tinta china de supuestos cortes cerebrales del cerebro. Esta acompañado de esta cita obtenida en una entrevista con el psiquiatra del día 07/06/07. “Estoy más tranquila, ya puedo dibujar (Silencio). El TAC fue hermoso , de pequeña quería ser médica, quizás cirujana, abrir y ver el cuerpo por dentro, (Silencio). He realizado unos cuantos dibujos del TAC, se convierten algunos en otras cosas, (Silencio). Yo quisiera ser otra cosa, una neurona y morir en alcohol, (Silencio). Tengo 250 constelaciones del cerebro como viajes intergalácticos a mi mente, (Silencio). Puedo contar también las horas dibujando pero es mejor sentir el dolor cuando me arranco el pelo y observar después su crecimiento, (Silencio). Todo vuelve a crecer…”

Sandra Patricia Navia Memorias dislocadas, RMN Cerebral con galodino 350 Dibujos a tinta

Descongelación álbum de familia El presente trabajo surge a partir de una exploración con mi álbum familiar y la historia que se construye detrás de las imágenes fotográficas dispuestas en él. Yo me reencuentro con dichas imágenes que aluden a mi pasado familiar, me cuestiono la forma en que se concibieron, su construcción dada en instantes personales, en imaginarios colectivos. Busco hacer visibles esos pequeños momentos que llegaron a ser importantes en la creación de este álbum familiar, en la construcción consciente e inconsciente de recrear una historia en imágenes. Descongelación hace referencia a mi memoria personal y familiar, el álbum se vuelve un archivo de dicha memoria, de momentos que habitan entre un pasado y un presente. La forma en que se desarrolla este proyecto es a partir de esos instantes que se reescriben en las voces de sus protagonistas, los relatos que se producen en la interacción de este álbum familiar con el otro muestran a los recuerdos como historias no acabadas, sino mas bien expuestas a ser trasformadas en todo momento.

Andrea Carolina B谩cares Descongelaci贸n 谩lbum de familia Proyecci贸n - Hielo

Cuerpo ½ cocina Este proyecto comprende diferentes situaciones generadas a través de la provocación, uniendo y explorando dos oficios que hacen parte del lenguaje del arte contemporáneo donde los límites entre las disciplinas se entrelazan: El arte y la comida. La propuesta incluye el cuerpo, el espacio, el espectador y lo que le acción misma genere en entorno a este.

Ana MarĂa Helo Cuerpo 1/2 cocina Performance

Baño de luz Baño de luz es una exploración fotográfica del desnudo femenino no posado, en la cual se toma como referencia los principios y limites que definen a la imagen erótica. Se trata de un estudio del desnudo habitual, libre de cualquier pose premeditada y en un entorno cotidiano e íntimo, directamente ligado a la vida diaria de cada una de sus protagonistas.

Juan Miguel Páez Baño de luz Fotografía

¿Jugando con las especies? El propósito de este trabajo es sensibilizar al espectador y hacerlo participe de una reflexión mediante una instalación, mostrando cómo la interferencia del Ser Humano en los ecosistemas naturales está afectando la diversidad de la fauna colombiana, en especial las especies de aves y anfibios (sabiendo que Colombia ocupa el primer lugar mundial en diversidad de estas dos clases de animales), generando así una extensa lista de especies animales en peligro de extinción. También busco destacar en la obra artística la belleza y riqueza de la fauna colombiana, plasmar mediante una metáfora que la situación de la fauna colombiana está en juego y la solución está en nuestras manos, además, crear un espacio para que el espectador interactué de forma dinámica con la naturaleza colombiana. El trabajo e investigación lo base en los libros rojos de aves y anfibios de Colombia de dónde tome como referencia imágenes y datos sobre las especies en peligro de extinción. Esta fuente fue muy importante en el desarrollo del trabajo pues me brindo 2 tipos de información valiosa para realizarlo, primero el texto que me facilito la elaboración de una síntesis en cuadros en donde se pueden encontrar las especies y las causa por la cuales se extinguen cada una. Y además, en el campo visual, me fue de mucha ayuda ya que me brindo la imagen de cada especie en vía de extinción. Al realizar la obra utilice la metáfora como un recurso para lograr versatilidad en el lenguaje artístico y así poder comunicar adecuadamente mi manera particular de ver las cosas. Entonces, apliqué una palabra o una expresión a un objeto o a un concepto, al cual no denota literalmente, con el fin de sugerir una comparación (con otro objeto o concepto) y facilitar su comprensión. En este caso tomé la situación de las especies de aves y anfibios como un juego; en el que el hombre es el que determina quien gana o quien pierde. Es decir que la vida de las especies esta en nuestras manos como lo están las fichas en los juegos; solo hay que saber moverlas para jugar y ganar. En este caso, se representa el juego del hombre con la naturaleza, pero debemos concientizarnos de no tomarlo como un simple juego, es un juego real, y están muchas cosas en riesgo. Por otro lado, la obra consiste en una instalación conformada por tres juegos: un ajedrez, un juego de pirinola y un rompecabezas; cada uno representando una de las principales causas de la extinción: la fragmentación - deforestación, la sobreexplotación y la contaminación, conclusión a la que llegue después del análisis de datos.

Adriana Lucía Galeano Alonso ¿Jugando con las especies? Instalación

Camino de sueños Viendo estas fotos amarillentas por el tiempo, que muestran el ayer, al volver a recordar lo que en ellas se encierra, se llenan de nostalgia las almas de los viejos, al traer a sus memorias las personas de aquellas épocas, así como su niñez lejana, su juventud y lozanía debilitada, que se compara con un muro viejo lleno de grietas y ajado por el paso de los años. El muro esconde recuerdos en sus grietas y sombras y trae a la memoria aquella canción que dice: “vieja pared del arrabal……” cantada por la artista argentina, Libertad Lamarque, o como aquella otra canción de Carlos Gardel “Caminito amigo” que menciona el camino otrora recorrido, al vacío que ha dejado el tiempo, la huella del mismo al paso de los años y el abandono y soledad del anciano que evoca esas épocas. Estas fotos que se toman de cosas viejas o que se guardan en un álbum de familia y que se comparan con la actualidad, o se rememora en relación con el pasado, llenan de nostalgia al viejo que las mira y vuelven a su mente los recuerdos de los tiempos vividos y de rostros ya casi borrados por los años. Si bien se dice que el viejo es un baúl de recuerdos, las fotos al volverlas a ver, y las canciones al volverlas a escuchar, reviven las épocas dichosas y las dolorosas y se viven en el presente. Aquí puedo hacer reminiscencia de aquellos versos que dicen “Qué es el recuerdo, música lejana, que escuchamos en horas dolorosas, y que a veces en las tardes silenciosas, retorna en el doblar de las campanas……”. Escuchando esos cassettes de música de antaño que hacen vibrar el alma y que en la vida moderna las personas de alma sensible oyen y piensan épocas románticas pasadas y añoradas por los viejos, que las guardan y conservan como reliquias y que de vez en cuando se escuchan haciendo brotar lágrimas de alegría recordando épocas dichosas.

María Eulalia Salek George Camino de sueños Instalación

Cordón umbilical Vientre 2 mujer en espera En el arte contemporáneo se encuentran muchos artistas que abordan la maternidad desde un punto de vista que privilegio de la fecundidad del vientre, ponderando la etapa de la concepción y del nacimiento como hechos fundamentales que realizan a la mujer por el acto de originar la vida. Nos encontramos con representaciones donde los artistas afrontan esta temática de forma esporádica y no como tema central de una propuesta plástica como obra. Entre los artistas citare algunos como ejemplo: Gustav klimt y su cuadro “Maternidad”; cuando observamos la obra de este artista nos encontramos que aborda la maternidad de forma esporádica en sus cuadros y donde se representa a la madre con el hijo en comunión. Otro artista que citare es Marc Chagall y su cuadro “Maternidad” su representación es igual temáticamente a la anterior, la madre con su hijo en brazos, idealizada. Y es la idealización de la maternidad la que es recurrente en la representación artística, y es que tradicionalmente la mujer esta designada a esta labor, la de dar vida, tener hijos, amamantarlos, y criarlos; pero dejamos de lado el hecho de, que para muchas mujeres no es opción esta función, no se sienten interesadas y capacitadas para ser madres o lo que es peor aun, las que aceptan el echo de engendrar hijos pero que por algún inconveniente no pueden llegar a criarlos, teniendo que desprenderse de ellos. Pero si analizamos un poco el acto del alumbramiento, podemos entender que el desprendimiento de la madre con su hijo se da desde el momento del corte del cordón umbilical, es este momento en donde vemos de manera racional esta separacion a la que madre e hijo deben ser sometidos. Nueve meses de ser uno solo para llegar, luego, a ser dos seres desligados biológicamente pero unidos por un cordón filial, imaginario. Mi obra y mi trabajo, buscando un nuevo sentido de este hecho, fundamentado en mi propia experiencia como madre, busca poner en evidencia una lectura alterna del alumbramiento que se asemeja más a la obra “mi nacimiento” de Frida Kahlo, en donde se visualiza la representación de un nacimiento desde un punto de vista, si se quiere, negativo. El cuadro destaca lo repugnante, el dolor, la negación. Abordar la maternidad en el arte desde mi experiencia desde el desprendimiento, de la ruptura, de la separacion, del dolor.

Sandra Patricia V谩squez Cord贸n Umbilical Vientre 2 mujer en espera Instalaci贸n

Pontiﬁcia Universidad

JAVERIANA

La repetición acostumbra, la costumbre se repite El lugar de una cosa puede ser cualquier lugar, mientras la cosa sea cualquier cosa. Una cosa como una ‘herramienta martillo’ tiene como lugar la ‘caja de herramientas’, siempre y cuando el uso que se le dé sea el de herramienta. Este lugar -‘caja de herramientas’- resalta la pragmaticidad del martillo-herramienta, a la vez que él, -el martillo-, resalta a la caja como el lugar del martillo. En principio, parece que el uso (herramienta) define esta relación lugar-cosa en tanto que la cosa es útil. La correspondencia de la caja y el martillo se hace práctica, normal, no interviene discursivamente en nuestra vida cotidiana: martillo es a caja como caja es a martillo, sin más, así es. Fuera de una cuestión de elegancia o gusto, el lugar de una o de las cosas está rígidamente adherido al pensamiento, quiero decir, al no-pensamiento. ¿Qué hace que esta situación sea axiomática? La caja de herramientas es el lugar del martillo, el cuarto de herramientas es el lugar de la caja, la casa es el lugar del cuarto de herramientas, etc. Hay un orden de sucesión y correspondencia entre los lugares y las cosas, orden que, en el caso de un hogar familiar se ha determinado por razones tanto de costumbres como de practicidad y limpieza. Sin embargo, la correspondencia entre los lugares y las cosas no es solamente útil y beneficiosa para la vida práctica, sino que también en ocasiones oculta hábitos que puestos en cuestión podrían resultar absurdos y develar estructuras arbitrarias potencialmente alterables. ¿Qué sucede con la relación ‘lugar-museo cosa-arte’? La obra de arte es como las cosas en tanto que perceptible por los sentidos y en tanto que materia formada (Heidegger, 1958) pero lo otro de la cosa-arte es lo artístico. La artisticidad no esta en el lugar-museo en sí, ni en la cosa-arte en sí, sino que se encuentra en la actividad de la obra como suceso desocultador de algo y este desocultar no es simplemente mostrar o tapar algo, sino alterar, cambiar, ese algo.

Sandra L贸pez La repetici贸n acostumbra, la costumbre se repite Instalaci贸n

Manos Que Ven, Más Allá de la Imagen :: Entre las artes visuales y la limitación visual :: “La mejor manera de acceder a un lugar a oscuras, si se quiere ver inmediatamente lo de dentro, es cerrar los ojos antes de entrar” José Saramago, “La Caverna” El proyecto “Manos que ven, más allá de la imagen”, nace de varios cuestionamientos sobre la “Imagen”: ¿En dónde surge?, ¿Sólo los ojos pueden verla?, ¿Existen imágenes no visuales? ::IMÁGENES INTERNAS:: / El primer impulso hacia éste proceso de descubrimiento fue el trabajo social que se realizó en el Centro de Rehabilitación para Adultos Ciegos “CRAC”, donde entre otras cosas, se concluyó que cada persona ciega tiene su imaginario, tiene sus propias imágenes y éstas siguen haciendo parte de su vida; que la ceguera no es una comunidad sino una condición de vida, por eso apuntamos a desarrollar desde el lenguaje Plástico y el lenguaje Audiovisual una manera de adentrarnos en cada persona y no únicamente en el concepto de invidencia. ::PERSONAJES:: / Nelson Villamizar, Marlon Mont y María Yamile León (Mayalesu), son tres personas con diferente limitación visual que además de ser los personajes principales del proyecto, se convirtieron en colaboradores activos durante el proceso; ellos nos permitieron indagar en su cotidianidad y la relación de ésta con el arte; fue así como poco a poco se fue construyendo un puente entre lo no visual y lo visual, dándole un giro al concepto de inclusión que es entendido como el hecho de integrar a nuestra cultura aquellos que son “diferentes”. ::LA METÁFORA:: / El principio básico de la fotografía: la cámara oscura, se convirtió en la metáfora más apropiada para describir esa noción de imagen que tiene cada uno de ellos, ésta metáfora tuvo lugar dentro de la Plástica a través de un espacio de creación, llamado “Manos a la Obra”, donde las manos sobre la arcilla son la luz que hace visible aquellas imágenes invisibles. “Manos a la Obra” estuvo ubicado durante 6 meses en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá: un lugar para el arte visual, donde quienes entran buscan imágenes externas, y de alguna manera está restringido para personas con limitación visual. Quisimos resignificar la función de éste espacio para el arte, en la medida en que se convirtió en un espacio-taller de interacción, reflexión y creación.

Pontiﬁcia Universidad

JAVERIANA

Sofía Toro Michel Pinzón Manos Que Ven Mas Allá de la Imagen Taller, instalación y video

De puerta en Puerta El principal interés de este proyecto es documentar las fachadas de vivienda del barrio Bosa La Estación, un barrio popular de Bogotá. Planos que separan lo público de lo privado y que contienen una riqueza gráfica inmensa, donde se presentan intereses personales, información que nos sitúa en el contexto y que siendo objeto de estudio desde el diseño gráfico, promueve una revisión hacia lo cotidiano, hacia lo que vemos a diario. El tema central son las formas de apropiación de la fachada a través de los elementos gráficos que la componen y se van vislumbrando mediante la observación y el registro fotográfico; el tema se nutre a partir de las experiencias en la recopilación de la información y en el desarrollo y fases del proyecto, de esta manera se pretende un acercamiento desde la mirada personal, que en lo posible resulte libre de interpretaciones y donde se pueda discutir abiertamente. Palabras clave Fachada, registro, fotografía documental, barrio popular, apropiación.

Liliana Ahumada CastaĂąeda De puerta en Puerta FotografĂa

Inventarios Inventarios es un proyecto de creación en dibujo, que surge de un interés personal por la belleza de los objetos industriales, y las relaciones que se establecen entre ellos. Lo decepcionante de la realidad se vuelve un hilo que teje una nueva estructura visual, conectando todos estos objetos en un nuevo “ecosistema”, atribuyendo a los objetos una vida propia, una personalidad. La pregunta inicial, es, sin duda: ¿Por qué esos objetos y no otros? El alma del coleccionista no tiene una razón para escoger un objeto por encima de otro, que en apariencia podría resultar más interesante. Simplemente se deja llevar por el alma del objeto y su intención siempre utópica de ordenar el desorden del mundo. Estas nuevas uniones y clasificaciones, son inventarios de una vida independiente de cada objeto en el papel. Es una red que se expande. Cada partícula, cada detalle, es un punto en un mapa imaginario en donde cualquier cosa es susceptible de ser conectada con cualquier otra.

Teresa Currea Inventarios Dibujos con instalaci贸n

012345 Pequeños episodios contenidos en un libro, libro hecho de libros que a su vez fueron digresiones. Un recorrido contemplativo sin intervenirse, es la memoria transcrita que no busca interpretaciones. Estos libros son una persona, soy yo misma. Así como no existe una separación entre el ser y sus vivencias, lo habitado en palabras, son acciones y dibujos, me esfuerzo por recordar detalles precisos, archivar la memoria. El recuerdo también se impone como fuente de bienestar, en él persiste la belleza de la fugacidad. La infancia transcurrida en un bosque, el tiempo detenido y la memoria menguada, nunca salí realmente de allí, es la permanente introducción a la edad adulta. Detenerme ante mi existencia en actitud contemplativa del que reconoce en sí lo familiar y se inquieta ante el propio retrato infantil, como queriéndole consolar o sacar de su extrema timidez. El libro es un riesgo, expuesta en papel sin oportunidad de justificarme, quedo ante quien decide recibirlo como un ser sumamente desprotegido que no puede verificarse. El tiempo presente de mi instinto busca la felicidad y decide satisfacer pequeños goces para lograrla; lo asumo con modestia, no hago grandes planes, sólo los que se presenten con tranquilidad.

Catalina Jaramillo 012345 Libro arte -instalaci贸n

Dice Mi pintura busca problemas fotográficos (mediáticos), la huella que deja el medio en la imagen, quiero dejar claro el origen de mis imágenes, ese origen fotográfico, el ver el mundo a través de la máquina, instantes de tiempo que finalmente se perpetúen en la pintura. Si bien la pintura es tiempo por sí misma, me inquieta su posibilidad de experimentar transformaciones en el tiempo; la animación no es otra cosa que la sucesión de planos fijos uno tras otro que da la impresión del movimiento. Detenerse y yuxtaponer los problemas del video-animación y la pintura me conduce al dilema de la pintura en movimiento, la pintura viva, elástica. Sensible al paso del tiempo. Y la pertinencia de la pintura en los tiempos modernos sobre cargados de imágenes fotográficas y digitales. Tomo la cámara y me miro, dejo que su lente me descubra, me limite, me encuadre y me grabo en algunos movimientos. Me miro y me reproduzco, me reconozco leído en ese lenguaje. Detengo el video y se convierte en fotografía, induciendo sus códigos y su particular forma de fraccionar el tiempo. Ahora me pinto convierto el pixel en mancha de oleo, lo copio directo de la pantalla, no quiero más intermediarios. La pintura, es fotografiada y de nuevo convertida a pixeles, vuelvo a agregar color, ya no es oleo, es lápiz óptico y Photoshop. Empiezo a darle movimiento, un ligero soplo de vida, fotograma a fotograma, y ese nuevo yo respira y se contiene al otro lado de la pantalla. Cada secuencia de video, cada jadeo, respiración o mirar están regulados al azar; de esta manera se hace impredecible lo que sucederá con esta imagen, entonces será un personaje autónomo que a su vez se enfrentara a otros personajes en las mismas condiciones, llevando a cabo una conversación que jamás llega a concretarse y nunca llega a tener sentido del todo. De esta manera el espectador descubrirá un cuarto con imágenes solitarias, en esencia, en una interacción que nunca llega a culminarse entre conversaciones como monólogos. Entonces, allí sucede el Acroaterium contemporáneo.

Juan Camilo Salamanca Dice Pintura con animaci贸n

Olvidando a Sancho Esta es una de las historias que empiezan con: “todo comenzó…”; pero antes debo decir que ya por mi cabeza rondaba la preocupación de la falta de memoria, creo que Colombia es un pueblo sin memoria ¿cómo es posible que olvidemos? Volviendo a mi relato; todo empezó cuando estaba hablando con una amiga, ella me contaba su “mal de amor” y al finalizar su historia dijo: “ ah! pero es mejor estar solo que mal acompañado” y mi respuesta inmediata fue: “No, un clavo saca a otro clavo”. Y me pregunté ¿por qué sabemos esas frases? ¿Por qué las recordamos? Y cuando algo ronda por la cabeza se empieza hacer evidente en las cosas que lo rodean. Desde la charla con mi amiga, note que en las novelas cada noche decían al menos uno, que las amigas de mi mamá en sus reuniones también los usaban. Me di cuenta que siempre han estado presentes en lo colectivo, que hacen parte de la memoria popular y que su uso en la actualidad ha disminuido y también que se han vuelto una broma y bueno, tendría su lógica, pues se originaron de un chascarrillo. -Todo vuelva a donde empiezaLos refranes son el personaje típico del pueblo, como el chapulín colorado, que se originó como burla a los héroes, es el estereotipo del anti-héroe (en versión cómica) y gracias a sus características simples y a su forma de transmisión masiva (TV), se fue transformando en un personaje típico y ya hace parte de la historia popular. Quien no ha tenido que ver con su frase “como dice el viejo y conocido refrán...” Es que hasta mi abuela de 90 años lo conoce Yo diría que todos tenemos un poco de chapulín colorado. Y también de Sancho Panza, un personaje muy popular, que representa lo coloquial del pueblo

Constanza Caro Olvidando a Sancho Video

Duermes, Espacio abierto al Ocio, Ven a pensar Como habitantes y agentes sociales insertas en diversos espacios institucionales, hemos fijado la atención en una estructura social para desarrollar el Proyecto Duermes Espacio Abierto al Ocio ¡Ven a pensar en nada!. Dicho proyecto se origina en las relaciones y observaciones hechas a estos espacios y hace referencia al usuario que habita una estructura espacial que lo lleva a estar en continuo movimiento; lo que hace que el practicante del espacio, basado en su experiencia y necesidades, genere trayectorias y apropiaciones no planificadas en el diseño del mismo, resistiéndose a seguir lo que éste le indica. “…si es cierto que un orden espacial organiza un conjunto de posibilidades (por ejemplo, mediante un sitio donde se puede circular) y de prohibiciones (por ejemplo, a consecuencia del muro que impide avanzar), el caminante actualiza algunas de ellas. De este modo, las hace ser tanto como parecer. Pero también las desplaza e inventa otras por los atajos, desviaciones o improvisaciones del andar, privilegian, cambian, abandonan elementos espaciales.” Michel Certeau

Martha Castillo Patricia G贸mez Duermes, Espacio abierto al Ocio, Ven a pensar Instalaci贸n

Yo conectado “Yo conectado” es un video que muestra la posibilidad del cambio parcial de la identidad por medio de alteraciones de la personalidad, teniendo como punto de partida el texto y la narrativa que se produce entre los usuarios conectados al Chat a través de la Internet. Tres personalidades son la evidencia de la multiplicidad y de la imagen mental que se produce en una conversación de Chat a la hora de simular ser otra persona, tres personajes con características particulares: Narciso, Icaro y Mr. Hyde, todos interpretados por un mismo usuario, y para cada uno un hábitat creado escenográficamente con elementos que se entrelazan y nos cuentan acerca de la personalidad que recorre ese lugar, por otra parte esta un ratón que permanece en el umbral de los dos lados de la pantalla, este es la extensión virtual del usuario que se percibe pero no se ve, solo se escucha el sonido del teclado, el clic del Mouse y un timbre que avisa cuando se da la conexión. El tiempo en el video se plantea en términos de la simultaneidad, esa misma que se produce al abrir varias ventanas en la pantalla del computador, cuando el “yo” del usuario decide fragmentarse y conectarse.

Carlos Iv谩n Jaimes Becerra Yo conectado Video instalaci贸n

Gracia y Donaire Este proyecto se fundamenta en el cuerpo como tema, donde el ser humano pertenece a un contexto social, cultural, relacional y personal, influenciado por el entorno y la historia personal. En cierto sentido el cuerpo puede concebirse como un elemento que interactúa con el espacio donde se convierte en un lugar de comunicación colectiva entre el sujeto y el mundo exterior. Asimismo haciendo un énfasis especial en el cuerpo femenino orientado solo a las extremidades inferiores, se puede establecer una enorme diversidad de significaciones, que pueden ser interpretadas desde el lenguaje corporal. Por consiguiente desde un enfoque artístico, se pueden resaltar los aspectos sensuales o eróticos a través de la realidad o fantasía. Esta propuesta fotográfica pretende escudriñar los secretos del cuerpo femenino en su misterio, a partir de la propia experiencia de la autora por medio del lenguaje corporal. No obstante el cuerpo femenino recibe una atención especial como soporte de gran variedad de actitudes e identidades, pues dependiendo de la diversidad de movimientos se puede llegar a entablar un dialogo entre individuos mediante la gestualidad. Entre tanto el arte también esta a la vanguardia en la realización expresiva de modalidades corporales, para extraer formas y significaciones por medio de las diferentes técnicas artísticas, pues el análisis entre grupos y etnias culturales favorecen la diversidad de gestos, y practicas físicas como modelo de representaciones e imaginarios corporales, en un universo social y cultural. Finalmente abordar el cuerpo femenino como expresión de lenguaje artístico desde la propia experiencia, sirve como medio para explorar la corporeidad ya que esta es la vida misma en transcurso, donde se puede extraer infinidad de connotaciones que favorece el reconocimiento del propio espacio que habita, no sólo como saber personal sino como ente que participa activamente en los cambios culturales en medio de una sociedad.

Nancy Yakeline Latorre G贸mez Gracia y Donaire Fotograf铆a

Variaciones tipográficas del Graffiti Las maneras de llegar a un objetivo visual son muy distintas a las maneras de llegar a un objetivo verbal. Si así fuera, se podría traducir casi sintácticamente una composición visual en una poesía verbal, simplemente habría que remplazar las figuras semánticas de un medio a las del otro, respetando las relaciones connotativas de las palabras o las imágenes. La reacción del espectador debería de ser la misma ante esta traducción, sin duda ante lenguajes (visuales o verbales) de poca flexibilidad, seria perfectamente posible, como el de un infograma, que se puede traducir a una hoja de calculo; adaptar la figuras del pensamiento, de la significación, de la expresión, de la dicción, de la elocución y del estilo al lenguaje visual es una tarea de un lado cuestionable y del otro bastante compleja, aunque las figuras de significación sean la excepción. La anterior apreciación ofrece un problema de dicción, que si bien en lo académico establece principios metodológicos tiene un enorme contraste el valor persuasivo en los imaginarios de la gráfica urbana. La lógica de consumo de las calles es muy diferente al de las galerías de arte o espacios comerciales. De ninguna manera lo que se ve en ellas pueda ser connotado de “arte” (por lo menos en el sentido restricto de que es arte todo lo que se ve expuesto en las galerías). En la calle predomina la comunicación social y, lo que define o no al valor estético de lo que se ve, lo determina su funcionalidad “comunicativa”, es decir, su facultad retórica para establecer un rápido nexo entre su expresión y el transitorio espectador. Esto es, la obra de arte debe salir de la órbita del “valor de cambio” y recuperar su “valor de uso”. Lo que se juzga en la calles es su “comunicabilidad” y no su índole objetual con un precio en dinero (que en casi todos los casos no concuerda con su verdadero valor). Esa recuperación de la finalidad esencial del arte (ser instrumentos de comunicación) sólo es posible en las calles. Entendido “calles” como extensión metonímica de “vida urbana”, un canon social se define en el espacio de la comunicación y de los verdaderos cambios.

Juan Carlos Peña Orozco Variaciones tipográficas del Graffiti Video

Deidades Juego de mesa educativo para el incremento del conocimiento de las comunidades aborígenes colombianas En Colombia el área de las ciencias sociales y en particular lo referente a la historia de sus antepasados se limita a todo lo acontecido durante y después de la llegada de los Españoles y la posterior independencia Colombiana, pero, ¿Acaso no había una historia y muchas culturas antes de la colonización? Deidades surge entonces como un proyecto de grado que tiene como objetivo principal rescatar del olvido todas las historias, las leyendas, los mitos y la forma de vivir de nuestros antepasados, todo dentro de un contexto lúdico transmitido a través de un juego de mesa didáctico que a la vez enseña, divierte y genera una nueva herramienta de aprendizaje dentro de la metodología que cualquier docente encargado del área de ciencias sociales pueda tener como apoyo. El juego destaca 4 de las más características comunidades aborígenes precolombinas Colombianas, entre ellas: Huitoto, Emberá, Wayú y Muisca, sin desconocer el resto de comunidades aborígenes precolombinas existentes, las cuales se tendrán en cuenta para futuras ediciones del mismo. Deidades tiene como trasfondo una historia ficticia basada en las creencias de cada comunidad en donde el respeto e irrespeto a sus respectivos dioses puede llevarlos a obtener sus favores o a soportar sus castigos, de esta forma el jugador emprende la aventura a través del juego donde a cargo de un chaman irá recorriendo cada obstáculo para obtener el perdón de los dioses y así regresar la tranquilidad a su pueblo. Cada elemento que hace parte del juego está cargado de útil información acerca de nuestros antepasados, desde el mismo tablero, hasta las cartas donde están representadas las acciones que se llevarán a cabo, y el cual se ha puesto a prueba en la Institución Antonio Van Uden de la localidad de Fontibón en la ciudad de Bogotá, donde la originalidad del mismo, su diseño, los colores, las ilustraciones, su jugabilidad y por supuesto sus enseñanzas fueron del agrado de los estudiantes del curso 702 quienes fueron propuestos para esta investigación.

Javier Aurelio Rodriguez Edson Julian Quintero Deidades Juego didรกctico

INVESTIGACIONES INVESTIGACIONES INVESTIGACIONES INVESTIGACIONES INVESTIGACIONES

En un lugar de la plástica Como parte de las políticas de apoyo a la investigación de la Universidad de los Andes, estamos orgullosos de presentar el proyecto de recuperación de la obra pictórica de Judith Márquez y la revisión de la revista Plática, creada y dirigida por esta artista. Para llevar a cabo la investigación, la muestra y la publicación, hicimos un convenio con la Fundación Gilberto Alzate Avendaño, de manera que aunamos esfuerzos y recursos que permitieron rescatar la memoria de una significativa artista colombiana cuyos aportes principales fueron la promoción de un contexto favorable al surgimiento de la abstracción en Colombia y la realización de la primera revista especializada en arte que tuvo una continuidad sostenida en el ámbito local. Carolina Franco Directora del Departamento de Arte Universidad de los Andes

Grupo de investigación En un lugar de la plástica Co-investigadores: Nicolás Gómez Felipe González Carmen María Jaramillo Jorge Jaramillo Luz Eliana Márquez María Natalia Paillie Julian Serna Guillermo Vanegas Investigación Plástica Dieciocho

Las historias mínimas del ánonimo transeúnte Tras la invención, los usos que se le han dado a la cámara fotográfica han sido infinitos. Consideradas las cualidades de registro de este instrumento tecnológico, condicionadas además por la expectativa de la verosimilitud –y en su forma más tendenciosa de la objetividad-, la fotografía ha colonizado espacios que podían parecer contradictorios. Por un lado se habla de imagen fotográfica como un instrumento perfectamente cualificado para servir como herramienta de investigación científica. Por otro, sabemos que su uso más popular, la imagen fotográfica se utiliza a la manera de un contenedor de emociones. Y contenedor es una expresión que funciona adecuadamente, ya que a la vez que almacena, lo hace de un modo tal que los márgenes de la foto funcionan como un dique de retención, solo hace falta el gatillo que detone toda la energía explosiva contenida en el encuadre. La colección de fotos que solemos llamar álbum de familia, es un conjunto de imágenes cargadas de dicho potencial cinético que probablemente guardamos con esa intención. Está claro que podemos extraer de ellas todo tipo de informaciones valiosas para un desciframiento de costumbres, modos, usos sociales, políticos o económicos, pero en estos ámbitos, casi podríamos afirmar que se esteriliza de lo que realmente significa: un vehículo para la emoción. Se trata del asalto de la imagen. Un gesto de ataque que todos hemos experimentado y que Ronald Barthes ha descrito muy bien en su célebre libro “La cámara Lúcida”.

Gabriel Mario Vélez Investigación Las historias mínimas del anónimo transeúnte

Análisis de cien trabajos de grado del Proyecto Curricular de Artes Plásticas y Visuales En este texto se presenta algunos de los resultados del Proyecto de investigación “Análisis de cien trabajos de grado del Proyecto Curricular de Artes Plásticas y Visuales” de la Facultad de Artes ASAB de Universidad Distrital Francisco José de Caldas, realizado entre 2004 y 2006. El proyecto toma como punto de partida la hipótesis que afirma la existencia de actividades investigativas propias del campo del arte, las cuales son susceptibles de ser reconocidas a partir del análisis de los proyectos de grado. De acuerdo con lo anterior, se afirma que la investigación formativa se da en la formación artística y que ésta se objetiva en diferentes productos; uno de ellos, quizá el más importante, los trabajos de grado. Pero no basta con saber que la investigación artística existe, se trata de conocer en qué consiste este tipo de investigación, cuáles son sus cualidades, debilidades, sus contingencias, y sobre todo su valor para la proyección de las prácticas investigativas y creativas de la comunidad artística.

Pedro Pablo Gómez Analisis de 100 proyectos de grado

MarĂa Isabel Duque Cuentos infantiles ilustrados por mujeres colombianas

Cuentos infantiles ilustrados por mujeres colombianas María Isabel Duque aborda en su investigación el importante desempeño que ha tenido la mujer en el desarrollo de la ilustración pedagógica infantil en nuestro país con valiosos paralelos tomados de la historia del arte donde a pesar del marginamiento se destacan importantes ilustradoras que abren el camino llegando a través de los libros a expresar y darle significado a la fantasía, la ternura, los valores humanos y todas aquellas historias que contadas de madre a hijo se convierten en un valioso patrimonio cultural.

MarĂa Isabel Duque Cuentos infantiles ilustrados por mujeres colombianas

Percepto del monotipo como expresión urbana en la ciudad de Bogotá Es sabido que en el arte urbano las diferentes técnicas se hacen permisivas como medio de expresión, representa ello, que el ejercicio de la fáctica no justifica elementos formales en el lenguaje, la economía de sus materiales, lo primitivo del recurso y la readaptación de los medios provocan resultados plenos de gestualidad e identidad grafica. Para nuestra investigación, hablar del paisaje urbano o callejero como un lienzo es bastante redundante y romántico, las variadas expresiones caracterizan a una Bogotá plena de individualidades y protagonismo, que si bien desde el ángulo ambiental es un caos, logra desde lo artístico un verdadero sentido plástico. El uso del “Pegote”, (termino criollo para el engrudo de harina) adhesivo domestico que se utiliza para fijar papelones en muros y paredes como publicidad informal, evoca el valor del collage, técnica artística que designada desde lo académico, ha determinado en lo urbano un proceder desabrido y tosco de la imagen, pues sus impresiones en serigrafía y monotipia han identificado por generaciones los avisos funerarios y publicidad de conciertos musicales y ferias taurinas, piezas graficas que desde lo objetual son desgastadas en la intemperie a costa de su corta temporalidad en el mensaje. Bogotá disfruta de este anónimo personaje, lo es en campañas de expectativa, de vital información en misceláneas y eventos de acciones comunales, un recurso de costo ínfimo que representa al diseño grafico de garaje y a la publicidad emergente. Nuestro proyecto enfoca el estudio desde lo formal del aglutinante, las variables que se proponen en su imagen y vínculo con los entornos sociales que lo disponen, no es el rescate de lo expresivo, por ende ya se establece, pero no se le provoca ese valor que como elemento hace parte de una cultura urbana típicamente bogotana. La razón es la misma que en el arte se establece por antonomasia, la de cuestionamiento y reflexión, apropiar estos medios permite la visión de otra Bogotá, aquella ajena pero viva y alterna a los sentidos hegemónicos de la imagen. En esta temática, la ausencia del rigor académico no invalida su valor estético.

Francy Monroy Hernando Torres Grupo Novo Semillero Percepto del monotipo como expresi贸n urbana en la ciudad de Bogot谩

Horarios Lunes a viernes: 9 am a 1pm. 2 a 6 pm. Sábados: 10 am. a 4 pm. Último Domingo del mes 10 am. a 4 pm. Entrada Niños $1.000 Estudiantes $1.500 Adultos $2.500 Tienda Encontrará artesanías, tejidos, cerámicas y objetos utilitarios. Web http://mac.org.co E-mail: ccultural@uniminuto.edu Medios de transporte Transmilenio: Zona D Calle 80 : 3, 10, 20,21, 22, 26, 50, 51, 60, 70, 94, 95 Vehículos: Av. Cll.80, Av. Boyacá y Av. Ciudad de Cali Cicloruta: Calle 80 y Alameda Parqueaderos: Librería y Universidad Visitas El museo ofrece visitas didácticas a grupos escolares, universitarios y adultos. Solicítelas telefónicamente. Cesión de espacios El atrio, la rotonda central, la sala virtual y el teatro con capacidad para 650 personas, pueden ser alquilados para la celebración de actividades y eventos de carácter privado.