Obra de la Semana by Gustavo ortiz

131 Director: Gustavo A. Ortiz ? Investigación: Yolanda Duarte ? Bogotá, Marzo 2009

“GAVIOTA”

LEONARDO NIERMAN

nscrito en el expresionismo mágico Leonardo Nierman es considerado como uno de los principales creadores del arte moderno mexicano. Con una producción distribuida en entre América, Asia y Europa; en universidades, galerías , colecciones particulares y museos, entre esos espacios el Museo de Arte Contemporáneo de Bogota.

Como parte de su relación naturalezaintelecto se encuentra un trabajo pictórico escultórico sumamente interesante donde se deja ver esa relación entre lo humano y lo sideral, esta es expresada a través de la metáfora del vuelo.

El Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá cuenta en su colección con dos obras que hacen referencia al vuelo , en la pintura se mezclan cromatismos cálidos y Es uno de los artistas vivos con mayor presencia universal con una obra basada en simbologías misteriosas, a través del color crea trazos vibrantes iluminados y casi la pintura , escultura , el tapiz, vitral y grabado describe paisajes de fuerza efímeros, los cuales a través de su superposición de tonos marrones, ocres, cósmica. Ese interés por los cuerpos naranjas y amarillos apuntan sin duda a la celestiales parten de una subjetividad y su sensación del vuelo. En el caso de la experiencia personal con la escultura su pieza alada contienen un fisicomatemáticas, así como también la identidad colectiva mexicana y su amor por indudable componente lírico, usando un la música; Llegando a relacionar de forma material tan pesado como el bronce surgen equilibrada el arte abstracto y el fenómeno alas que se elevan al cielo elemento de gran sutileza y gestualidad lineal. del cosmos. Representado la capacidad de ascensión, En la obra de Nierman, se conjugan el de alejarse de lo terrenal pero orden y caos en una serie de fuerzas o aproximándose a lo espacial, lo sublime. elementos que van desde lo mas intimo a lo mas universal. Entre las abstracciones de la naturaleza que el artista retrata encontramos visiones primigenias del El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde paisaje, como imágenes de la tierra en puede encontrar más información: formación , extractos de sonidos y la melodía del universo, sus estructuras l consultado en www-leonardonierman.net complejas aluden a la energía turbulenta de l Pérez, Carlos. Varios, La contemporaneidad en la naturaleza, y estas formas se convierten Colombia, MAC 40 años, Pág.146. Uniminuto-MAC, Bogotá 2006. yen una expresión visible de ciertos elementos minerales.

eonardo Nierman nace en Ciudad de México, México en 1932, Bachiller en ciencias fisicomatemáticas, UNAM, 1951. En 1953 realizó estudios acerca de la psicología del color y la forma de los cuerpos estáticos y en movimiento.: Dichos estudios le permiten fundamentar su búsqueda y su propuesta de la relación entre el arte abstracto y el fenómeno cósmico. A partir de 1960 participa en diversas exposiciones alrededor del mundo, incluyendo el Museo de Arte Contemporáneo de Bogota en 1974 . Entre los reconocimientos mas importantes se encuentran: Mención honorífica en las artes plásticas por parte de la UNAM, México 1960. Miembro del Instituto de Artes, México, 1964. Miembro vitalicio de la Royal Society of the Arts, Londres, 1965. Palma de Oro de las Bellas Artes" Mónaco, 1969. Medalla "Royce", Nueva York, EUA, 1970. Ganador del concurso mundial de escultura para la Universidad Central de Orlando Florida, USA 1980. Medalla de oro de la liga de arte de Chicago , Ilinois, USA 1980. Centauro de Oro y diploma "Maestro de Pintura Honoris Causa" de la Academia de Italia, 1982. Es nombrado Académico de Europa por el Centro Studi Di Recerch L Accademia D Europa, Italia, 1984. Honoris causa en letras de la universidad de concordia en Irvine, California , USA 1995.

FICHA TÉCNICA GAVIOTA Leonardo Nierman Bronce 28x84x115 cm 1976 C-074

132 Director: Gustavo A. Ortiz ~ Investigación: Juan D. Quintero ~ Bogotá, Septiembre de 2009

“SIN TÍTULO” RAÚL ÁLVAREZ

aúl Álvarez es un artista autodidacta. Empero, aparte de hacer innumerables ensayos escultóricos desde finales de los cincuenta, ha estudiado la historia de la escultura moderna y en sus viajes al exterior se ha aproximado a las obras de notables artistas. Álvarez se encarga de trabajar dentro de la abstracción pura a diferencia de otros escultores como lo son Negret y Ramírez Villamizar, quienes realizan una producción abstracta siempre enfocada en recordar muy precisamente sus fuentes de inspiración como lo son: la alta tecnología, la ingeniería, la arquitectura, la cultura y el arte precolombinos, el trabajo de Álvarez es totalmente abstracto, puro. Sus mentores fueron artistas como Malevch y Mondrian, quienes se encargaron de crear y aplicar al arte el concepto de que este debería alejarse de todas las apariencias y buscar la creación no figurativa. Al trabajar dentro de la abstracción pura, no le ha puesto nombre a sus esculturas, todas las llama “sin titulo”. “Al repasar el conjunto de su producción puede observarse que hay una gran unidad, que desde sus comienzos no tuvo ninguna proclividad figurativa, y que la presencia de estructuras modulares con planos, al principio, circulares y cuadrados, luego triangulares y últimamente paralelepípedos en su principal característica.” ( Rubiano Caballero, Germán 2006) Este escultor de láminas de metal, sobre todo de hierro oxidado o pintado, aunque también tiene algunos trabajos en acero inoxidable. Son una

excepción algunas piezas en las que combina la lámina de hierro con la lámina de acero. En estos casos el artista se encarga de quebrar la unidad clásica del material único. Algo que no es un defecto, sino que se señala para detectar el rigor que impera en las obras del artista. “De estos dos metales es una llamativa construcción en la que sobre una base cilíndrica de acero se levantan unas láminas de hierro de perfiles curvos, que adelantan dos dobleces terminados en punta, destacando así un espacio central paralelepípedo. Un buen ejemplo de la simetría y de la frontalidad que predominan en muchos trabajos de Álvarez.” (Caballero, Rubiano. Germán 2006) En los espacios creados por el escultor se destacan los elementos opacos o materiales entrelazados. Muchas de las obras del escultor llaman la atención por la sucesión de sus elementos constitutivos y por la combinación armoniosa de los mismos. El ritmo acompasado le da un particular dinamismo a sus mejores construcciones. Es innegable que Álvarez esta realizando una obra cada vez mas firme y creativa, lastima, eso si, que otros trabajos públicos no tengan la escala necesaria para llamar la atención y para convertirse en hechos plásticos sobresalientes.” (Caballero, Rubiano. Germán 2006) Su obra Sin Titulo, de seis piezas muestra la sencillez, pero a la vez la estética de la estructura modular, y en donde se puede ver clara mente el color gris grafito, que comienza a emplear a partir del 2003.

El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: l Caballero,

Rubiano. Germán. Esculturas. Panamericana Formas e Impresiones. Bogota, 2006.

n 1935, nace en Cartago Valle. Después de vivir toda su niñez y juventud en las ciudades de Pereira y Medellín, comienza a trabajan bajo la influencia del maestro José Horacio Betancur. En 1959 llega a Bogotá donde se radica y realiza pequeñas esculturas en madera y hierro, en estas se comienza haber reflejado la abstracción. Ya para la década de los 60`S conoce a Jaime Gutiérrez Lega, con quien hace una fuerte amistad y entablan diferente tipo de discusiones sobre la escultura que será de gran significado para el. También conoce a Carlos Rojas, de quien será su admirador. Para esta época emprende una serie de viajes a Europa y Estados Unidos. A mediados de los 80`S comienza a exhibir en lugares públicos sus esculturas, y en los 90`S lleva a cabo sus primeras intervenciones en el espacio publico. Una de ellas, es la obra, Sin Título, ubicada en el separador de la Avenida 82 con 11, en Bogotá. En el 2000 y 2002 los museos Schcknow en Plantation y El Cornell Museum of Art & History de Florida, incluyen en su colección esculturas del el. Ya para el 2003 y 2006 se encarga de simplificar la estructura de sus esculturas adoptando ciertos colores como el gris grafito y el blanco.

FICHA TÉCNICA SIN TITULO Raúl Álvarez Lamina de hierro pintado Módulo: 120 x 26 x 45 cm 2004 C-124

133 Director: Gustavo A. Ortiz ~ Investigación: Carlos E. Pérez ~ Bogotá, Septiembre de 2009

“ABSTRACCIÓN”

n 1963 aterriza en la ciudad e Bogotá un singular artista procedente de Albania quien al llegar traía en su mano un catálogo producto de su más reciente exposición llevada a cabo en la ciudad de Madrid, España. Durante los siguientes 30 años pasaría casi inadvertido en un país que lo acogió cálidamente y en el que iniciaría una vida más bien familiar continuando con la aplicación de sus talentos, dedicados estos a la pintura primordialmente y a la música como deleite personal. Poseedor de un carácter un poco retraído, algo introvertido, enemigo del ambiente publicitario y de los exhibicionismos propios del medio, poco partidario de pertenecer a agrupaciones o realizar acciones de promoción que lo catapultaran al prestigio y la fama, su línea pictórica ya bien definida y alejado de las dinámicas vanguardistas , con una obra madura continúa con el ejercicio de su oficio y sin preocupaciones relacionadas al ritmo competitivo de la plástica nacional. Tasko con un historial interesante, surgido de los movimientos de comienzos del siglo XX , con un sentido pictórico devenido de los procedimientos cubistas con cuyos pioneros mantuvo una estrecha relación, artistas de la talla de Picasso, Braque, Gleizes, Menzinger entre otros estuvieron muy cercano suyo y lo acompañaron en numerosas exhibiciones y amistosos encuentros. Después de los años 50s, se acercó al constructivismo y a través del mismo se relaciona con el connotado pintor

ARTHUR TASKO

uruguayo Joaquín Torres García con quien organiza varias muestras. La educación musical del artista fue muy importante a la hora de entregarse a complicadas composiciones de corte geométrico y exuberante color. Con una cultura general bastante refinada, sustentada en sus constantes viajes y el conocimiento de por lo menos ocho idiomas, se convertía en actor universal en los ámbitos sociales que pernoctaba. El movimiento del arte moderno en el país se ha enriquecido bastante con el aporte de estos actores llenos de experiencia y que han dejado un enorme legado a las nuevas generaciones. El MAC cuenta en su colección permanente con una obra del maestro Tasko. “Abstracción” óleo sobre tela del año 1988 en el que se aplica con un sentido biomórfico, dibujos con grandes pinceladas, manchas oscuras sobre colores puros en armonías contrastantes. Nunca olvida las estructuras musicales a la hora de plantear

El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: l Gil, Tovar.

Folleto, exposición antológica Arthur Tasko. ICDT, Galería Santafé, Planetario Distrital de Bogotá, 1994. l Pérez, Carlos.Varios, La contemporaneidad en Colombia, MAC 40 años. Uniminuto-MAC, Bogotá 2006.

Korca, Albania 1901. Siente el llamado del arte desde muy joven y no obstante haber realizado la carrera de Derecho fue la pintura la que al final lo atrajo. Decidiéndose por el arte, a la par se interesó bastante por la música la cual aprendió y se especializo en la flauta. En su primer viaje a los Estados Unidos realizó cursos de arte en el “The Museum School of Fine Arts” en Boston. El Impresionismo ejerció bastante influencia en su trabajo en las primeras épocas pero pronto optó por el Cubismo, sobre el que estructuró casi toda su obra futura. Con la nacionalidad norteamericana viajó por todo el mundo en exposiciones y visitando a sus amigos, hasta que, un día del año 1963 aparece en la escena colombiana en donde se radica definitivamente y toma a Bogotá como residencia fija en compañía de su esposa la pianista Rosa Álvarez de nacionalidad colombiana. De su cronología expositiva lo más importante puede evocarse en los años 50s cuando realiza colectivas en Europa al lado de Picasso, Braque, Leger, Metzinger, Vander Velde y Delaunay entre otros de esta talla en el WIENER SECESSIÓN club en Viena, Austria. En Colombia expone en la Galería Tai- Chi al lado de los pintores Omar Rayo, Manuel Estrada y Jorge Riveros. Se recuerda la última exposición que realizó en la Galería Casa Negret en Bogotá 1989.

FICHA TÉCNICA Abstracción Arthur Tasko Óleo sobre tela 40 X 50 1988 A-241

134 Director: Gustavo A. Ortiz ~ Investigación: Carlos E. Pérez~ Bogotá, 2009

HOMBRE QUE MIRA AL INFINITO CELSO ROMÁN Se descubren en esta obra los caracteres de-constructivos del hombre contemporáneo, lo inacabado en su presentación formal, la complejidad de los planos constitutivos que corrompen en cierta sentido el aspecto de lo liso y lo llano, acentos unívocos de la modernidad del siglo XX. Tras las huellas plásticas narrativas del propio Rodin, o, contra la placidez de un Moore, nuestro artista exhibe una notoria dolencia, una fuerte angulosidad propia de una textura ruda metálica, se trasciende a una poética formal áspera que enfocada a lo visual y a partir del quehacer artístico personifica un concepto profundo y recalcitrante.

e los pocos escultores con tendencias modernas que ha producido el país, con un trabajo direccionado hacia la elaboración de formas que hacen referencia explícita a figuras trastocadas del cuerpo humano. Con un notorio acento expresionista, devenido del conocimiento pleno de los aportes plásticos del gran Rodin, en una exaltación de los signos que expresan la deformidad del cuerpo y sus efectos emotivos. El interés de Román es presentar un cuerpo doliente , masculino, altamente sensible que se va transfigurando en medio del proceso plástico que pretende ir más allá de la posición pasiva de la acción normal en equilibrio. Su trabajo en bronce se destaca por lo abrupto en lo superficial, a la manera expresionista en donde lo entrañable de las sensaciones pretende el abordaje de un ser ambiguo y multidiseccionado. Se descubren en esta obra los caracteres deconstructivos del hombre contemporáneo, lo inacabado en su presentación formal, la

Paradójicamente Celso Román es reconocido en el medio por su extensa obra literaria infantil, en esta actividad paralela se puede observar el gran esfuerzo que realiza para lograr relacionar sus personajes, tanto escultóricos como literarios, en ese hilo invisible que ata los sueños de esas corporeidades inquietantes y los seres inanimados que se convierten en tejados, mesas, ladrillos, ventanas...en la propuesta de un mundo alterno que cuestiona las relaciones entre el ser humano y lo material que le rodea. La obra “Hombre que mira al Infinito” de Celso Román en la colección del Museo de Arte Contemporáneo es una escultura en lámina de hierro, modela la figura de un hombre en tensa situación, de pié con todo su ser corpóreo conformado por múltiples añadiduras en forma de remiendos cuadrados , como si se tratara de un enorme rompecabezas y con un gesto notablemente dirigido hacia arriba. Un nuevo hombre inserto en los avatares de la pos-modernidad.

elso Román nace en la ciudad de Bogotá, estudia medicina veterinaria en la Universidad Nacional pero, para sorpresas de su entorno familiar, recién graduado optó por el camino dela literatura y el arte. Reinicia una nueva carrera en la misma universidad y unos años después se convierte en Maestro en Artes Plásticas con especialización en Escultura . Realizó estudios de postgrado en el Pratt Institute de la ciudad de New York y ha exhibido sus obras escultóricas en salas como la del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, la Galería San Diego y el Museo de Arte de la Universidad Nacional de Bogotá. Fue becario de la comisión Fullbright; becario internacional Writing workshop (Taller internacional de escritores) Universidad de Iowa, Estados Unidos; también gana la beca Francisco de Paula Santander para Bellas Artes, Colcultura, Colombia. Combina sus labores como escultor y escultor con la docencia; es profesor de Bellas Artes en la Universidad Pedagógica y en la Universidad Jorge Tadeo Lozano

FICHA TÉCNICA El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: !

Elger, Dietmar. Expresionismo, una revolución artística alemana. Taschen.

HOMBRE QUE MIRA AL INFINITO

Celso Román (1947 ) Lamina de hierro soldada 137 X 48 X 40 cms. 1985 No. C-089

135 Director: Gustavo A. Ortiz ~ Investigación: Carlos E. Pérez ~ Bogotá, Septiembre de 2009

“LA ESCALA DE JACOB”

s 1975, el año exacto en el que este artista en ciernes se apuntaba como un alumno nuevo en la academia del conocido pintor manizalita, David Manzur. Un naciente escultor empezaría a surgir en el ambiente del arte plástico en la ciudad de Bogotá. Pero hay que remontarse a su previa vida, antes de decidirse a tomar las armas del arte, cuando se dedicaba a los estudios teológicos y pernoctaba en el seminario San Carlos, a la par de entregarse a la filosofía en las aulas de la universidad Javeriana de Bogotá. Una primera etapa en su vida desarrollada en medio de Biblias, pasajes de los evangelios del antiguo y nuevo testamentos desde donde quizás, sintió el llamado del arte y sin más lindes con las disertaciones humanistas ni las razones de Hegel, Marx o Kant, más bien con un experimental pensar sereno, aborda el quehacer artístico con mística y entrega total. Hasta 1978 se destaca como un excelente alumno del taller. Ya en 1979 es vinculado como profesor de planta pues es reconocida su experiencia y así toma el mando de la academia hasta 1987 que es cuando decide crear su propia escuela taller de arte y la que continúa actualmente con la formación de un sin número de aficionados amantes de las técnicas de la pintura, la escultura y las expresiones contemporáneas.

Ardila se ha destacado, en cuanto se refiere a su producción artística, por una marcada austeridad y parquedad en la representación formal. De la experiencia y fortaleza intelectual surge tal vez su condición metodológica para la construcción. El descubrimiento de lo abstracto como expresión lo ha fascinado desde el principio, siente que el hecho de la composición-descomposición como un asunto celestial lo ha acercado nuevamente a las ideas de Dios. Sin acentos ni adornos, su trabajo presenta un rigor conceptual que , a través de la utilización de módulos sencillos, encajados de forma misteriosa, logra sugerir sutiles movimientos a partir de ejes invisibles y desplazamiento volumétrico. El artista juega a eliminar significados, símbolos o metáforas en aras de estimular la concepción de las formas que logren una lectura visual absoluta cercana a lo puro y a lo concreto. En la obra “La escala de Jacob” (Así bautizada por el padre Rafael García-Herreros) y perteneciente a la colección permanente del MAC, se puede leer con claridad un asunto íntimo de la propia obra; es como una “Ascensión” recurriendo a un estado filosófico muy interior que, a partir de una materia inerte plantea un hecho espiritual con un alto grado de abstraccionismo geométrico y claro.

El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: l Varios. Biblioteca

Luis Ángel Arango, Bogotá. Artistas santandereanos en la década de los ochentas. l Pérez, Carlos. Varios, La contemporaneidad en Colombia, MAC 40 años, Pág.66. Uniminuto-MAC, Bogotá 2006.

AUGUSTO ARDILA

an Gil, Santander en 1940. Desde su juventud se sintió llamado por los temas religiosos a los que se entregó con profundidad y disciplina. Se podría afirmar que entra a las artes plásticas de una forma un poco tardía pero su rigor y seriedad lo hacen emerger para instalarse como una figura de importante referencia en el arte nacional. Desde 1980 cuando participa en una exposición colectiva en el Art Cultural Center en California, USA, su nombre es pertinente en numerosas exposiciones. La primera muestra individual la lleva a cabo en la Galería Marlene Hoffman también en 1980; en 1981 presenta varios trabajos en la Galería Cuadros de Bogotá que realiza el I Salón de Escultura con el patrocinio de la Caja Agraria. La Casa de La Cultura de Socorro, Santander, le organiza una individual, y así sucesivamente el artista se compromete con varias entidades culturales de su tierra natal que lo llevan a estar presente en pueblos entre ellos San Gil y por supuesto Bucaramanga. Junto a otros artistas santandereanos participa en el III Salón Nacional de Artes Plásticas en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá. Con importantes premios y menciones el trabajo del maestro Ardila se destaca tanto a nivel nacional como internacional.

FICHA TÉCNICA LA ESCALA DE JACOB Augusto Ardila Metal oxidado 128 x 92 x 21 1987 C-086

136 Director: Gustavo A. Ortiz ~ Investigación: Carlos E. Pérez ~ Bogotá, Septiembre de 2009

“FORMA”

CARMEN WENZEL

on formas estructuradas a partir de un núcleo movible, con un acabado enigmático y si se quiere perfecto, esta artista juega al movimiento perpetuo, se degusta con eternos y silenciosos eslabones caligráficos que moldea dentro de un ambiente sintético. Es el dibujo espontáneo y repentino desplegado en una suerte de espirales que saltan de un punto a otro con sinuosas líneas en una generación de enmarañados espacios interiores. De características transparentes, la obra de Wenzel descansa en una aparente volumetría generada por una especie de trazo orgánico, una geometría aleatoria libre y arriesgada. Podría pensarse en un hecho propio del azar si no tuviera una experiencia bastante sólida en los lenguajes constructivistas. Su método yace en una constante reiterada , en un juego de líneas de interminable continuidad, obsesivo y variado. "La gracia de los motivos resultantes, la fuerza que hace que se vayan uniendo estas piezas derivadas de la belleza, son muestras de la observación de la escultura para haberlas creado; sugerirle al individuo que todo lo que nos circunda es sólo un fragmento de la línea del cuerpo geométrico, del número cabalístico, de la espiral sin ruido, del serpentín obsesivo, de la idea básica de que somos un punto en el infinito y no lo contrario" comenta Alfonso de Neuvillate, crítico de arte.

Wenzel utiliza el bronce como materia prima para desarrollar sus composiciones, lo trabaja cromado o patinado, explotando sus posibilidades en búsqueda de nuevos efectos basados en el contraste y la brillantez. La exquisita libertad y gracia con la que crea sus objetos posibilita un nuevo espacio saturado éste de movimientos dinámicos, ondulatorios y conceptualmente aéreos. Con una impronta de características dadaístas, lo temperamental fluye en un monólogo silente a través de una escritura automática en tres dimensiones. La obra "Forma" de Carmen Wenzel en la colección permanente del Museo de Arte Contemporáneo, pieza típica de su trabajo escultórico, recoge esa concepción básica del movimiento orgánico, con una línea volumétrica espaciada, ritmo aleatorio siguiendo una geometría irregular. Así mismo plantea su característico universo atrapado, líneas "enjauladas" que generan una zona profunda y limitada. El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: l Ferrer Barrera,

Germán. Carmen Wenzel, esculturas, folleto. Medellín 1976 l De Neuvillate, Alfonso. Carmen Wenzel, folleto. Mexico. .

uebla, México en 1949. De padres alemanes, des de muy pequeña se vio inmersa en innumerables viajes debido al trabajo diplomático que ellos ejercían. En 1969 se radica casi por completo en la ciudad de Puebla. Es en la universidad de Las Américas de esta ciudad en donde empieza a tomar sus cursos de pintura. En 1971 viaja a Londres, Inglaterra y continúa sus estudios en el Royal College of Arts. Al regresar a su ciudad natal se interesa por las técnicas escultóricas, por el bronce específicamente, éste que elaboró bajo el tutelaje del profesor Juan Luis Díaz en la ciudad de México y sustentado por investigaciones llevadas a cabo en la Universidad de Las Américas. Desde 1972 se embarca en una actividad permanente de producción de obra y participación en exposiciones. Salas institucionales y Galerías comerciales de ciudad de México, Puebla, Guadalajara Toluca, San Luis , etc. Han tenido la oportunidad de exponer su obra también Estados Unidos , Francia y Alemania. El Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá realizó una muestra de Wenzel, obra que fue llevada posteriormente al Museo de Arte de la Universidad de Antioquia en Medellín.

FICHA TÉCNICA FORMA Carmen Wenzel Escultura en bronce 41x71x41 1973 C-118

137 Director: Gustavo A. Ortiz ~ Investigación: Carlos E. Pérez ~ Bogotá, 2009

“COMPOSICIÓN”

orre el año de 1994, el escultor Eduardo Urueta es el invitado especial del Salón de Artes del Fuego que organiza la fundación Gilberto Alzate Avendaño, en este mismo año y con la misma institución participa en el Salón de Agosto. Son dos eventos que pertenecían al Museo de Arte Contemporáneo pero que por razones logísticas han pasado a la organización de la fundación mencionada. La obra del artista está de todas formas incluida en la extensa colección permanente del museo, restaurada y reubicada en la plaza de Banderas del barrio Minuto de Dios como parte de la celebración del centenario del nacimiento del padre Rafael García Herreros. El artista, un incipiente escultor surgido de los talleres de metal-mecánica del Servicio Nacional de aprendizaje (SENA), moldeado en el taller de investigaciones técnicas del artista Rodolfo Levy, desarrolla un estilo particular en el manejo de la lámina metálica que con unos cursos de Artes Plásticas bien aplicados logra consolidarse como uno de los más prometedores escultores del país en los años setentas, época en la que Urueta plantea un trabajo formal surgido del manejo de puertas de automóviles en desuso y que con la práctica de la latonería, la soldadura y acabados de gran calidad diseña un ingenioso paquete de piezas escultóricas que se han expuesto en el país y en salones internacionales.

LUIS EDUARDO URUETA

Ha sido en Norteamérica en donde la obra de Urueta ha recibido una gran acogida, situación que le ha permitido residir sin mucho contratiempo en los Estados Unidos y reelaborar su producción sin perder el contacto con el país en el que está en constante movimiento. Hacia los años ochenta el artista aborda el tema del cuerpo femenino y compone varios torsos en los que intenta dar una impronta sensual, así mismo elabora piezas estilizadas de objetos propios del erotismo femenino como corsés, ligueros , zapatillas, etc., es en términos generales un acercamiento a los volúmenes redondos que le permitan abordar la clásica sensualidad del variado y expresivo movimiento corporal del modelo vivo. De la primera etapa del artista y tal vez de las más consolidadas a nivel formal y técnico el Museo de Arte Contemporáneo cuenta con dos piezas de ésta época. "Composición" en particular es una obra compuesta por la unión de dos puertas de Renault-4 que han sido soldadas en su parte inferior previo doblamiento en curva y luego soldadas por sus extremos. Un sutil giro hacia la parte superior le imprime un sentido aerodinámico muy personal; el trabajo de latonería, el color marfilino y la alta calidad en la aplicabilidad de la pintura de esmalte le hacen una pieza de plena luminosidad y resistencia.

El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: l Catálogo,

MAC 10 esculturas de Eduardo Urueta. 1975. l Catálogo, MAC. Eduardo Urueta, 1977 l Pérez, Carlos. Varios, La contemporaneidad en Colombia, MAC 40 años, Pág.183. Uniminuto-MAC, Bogotá 2006.

ace en Bogotá en 1940, a los veinte años inicia una serie de ensayos escultóricos en metal con el apoyo del Taller de Rodolfo Levy en Bogotá; en 1963 inicia estudios de metalmecanica en el centro nacional de aprendizaje SENA y diez años mas tarde los estudios de artes pláticas. Su participación en el Salón de Agosto y el Salón del Fuego organizados por el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá le abrieron las puertas del reconocimiento público y el inicio de su carrera como escultor que lo ha llevado a realizar muestras nacionales e internacionales donde ha obtenido reconocimientos por sus propuestas tridimensionales.

FICHA TÉCNICA COMPOSICIÓN Luis Eduardo Urueta Lámina de hierro pintado 76 x127 x 40 1986 C-104

138 Director: Gustavo A. Ortiz ~ Investigación: Carlos E. Pérez ~ Bogotá, 2009

“SIGNO CENTENARIO”

ajo aspectos rigurosos en los que definitivamente no caben alusiones a imágenes de la realidad circundante, el trabajo de Hernández no le queda debiendo nada a la pintura del signo moderno. El gran misterio radica en la busqueda incesante de una abstracción basada en un cromatismo personal que emana de una estructura sígnica reposada y contundente. Con una pintura luminosa en donde paradógicamente la solidez adquiere su cuerpo por medio de insistentes veladuras y cromáticas conversiones. Muy cercano al Museo de Arte Contemporáneo en los años setentas, y con un recorrido ya considerable, brindó apoyo importante al entonces director del mismo Germán Ferrer, junto a los también ya reconocidos por el medio, Germán Rubiano Caballero (escritor y crítico de arte) y Eduardo Serrano (curador y crítico de arte), quienes participaron como curadores y jurados de diversos Salones y convocatorias durante varios años. A parte de ser artífice clave en algunas épocas, el artista plasmó en uno de los muros exteriores del museo un mural con ladrillo recocido que con el tie La obra "Signo Centenario" donada por el artista y que forma parte de la renovación del parque escultórico en la Plaza de Banderas del Minuto de Dios, conserva la intención estructural, se configura como una especie de busqueda tardía del artista por liberarse de las

dos dimensiones y salir de la linealidad para acometer el espacio con enormes masas, buscar el paisaje natural como su nuevo telón en donde cada contorno y cada línea halle su justificación en el diálogo de los contrastes. Hernández repica entonces su juego colorístico con un trabajo tridimensional que se antoja bastante fidedigno con su historia y estilo que reclama una persistente autonomía, una razón de ser sustentada en una alta capacidad de resolver composiciones y conquistar espacios. Una escultura resuelta en granito y cemento, con un alma de varilla de hierro "vigila" un costado de la Plaza de banderas, como solía hacerlo el recordado fundador de la misma, quien en costantes atardeceres se reunía con sus jóvenes, para planear el futuro y avisorar los devenires de su imaginada comunidad. No fue en vano pues el alma creativa de sus queridos artistas han respondido y con crese de generosidad al hacerse partífices de su recuerdo en esta celebración del centenario de su nacimiento. El maestro Manuel Hernández hace entrega de su obra "Signo Centenario" al Museo de Arte Contemporáneo, como una muestra indeleble del compromiso adquirido con la institución que siempre ha creído en sus procesos pictóricos y en sus importantes aportes al arte colombiano y latinoamericano. Desde diversos campos de trabajo se destaca Hernández para llevar la riqueza estética a variados sectores en los que cuenta las opciones expositivas tanto como la docencia en universidades y centros culturales. El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: l Varios. Banco Ganadero libro catálogo 1998 l CD, Homenaje Nacional. Ministerio de Cultura. 1998 l Mac, Catálogo 20 años de fundación. 1986

Pérez, Carlos. Varios, La contemporaneidad en Colombia, MAC 40 años, Pág.66. Uniminuto-MAC, Bogotá 2006.

MANUEL HERNÁNDEZ

ace el 20 de octubre de 1928 en Bogotá. Becado por el Gobierno chileno, estudia de 1948 a 1951 en la Academia de Bellas Artes de Santiago de Chile. En 1956 ingresa como profesor en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional en Bogotá. Tres años después asume la dirección de la Escuela de Bellas Artes de Ibagué, Colombia. Luego de perfeccionar sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Roma en 1961, el bienio siguiente frecuenta en Nueva York la Art Students League. En 1964 es nombrado director en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional, Bogotá. Es designado representante de su país en la XXXIX Bienal de Venecia de 1958 y (junto con Carlos Rojas y Edgar Negret) en la XXI Bienal de Sao Paulo de 1991. En 1998 el Ministerio de Cultura la gran Orden al Mérito y le realiza un homenaje nacional; en el 2006 con motivo de los 40 años de fundación del Museo de Arte Contemporáneo, recibe el reconocimiento por su aporte al arte nacional.

FICHA TÉCNICA SIGNO CENTENARIO Manuel Hernández Cemento y granito 1140 x 140 x 40 2009 C-135

139 Director: Gustavo A. Ortiz ~ Investigación: Carlos E. Pérez ~ Bogotá, 2009

“CATEDRAL POLICROMADA” EDUARDO RAMÍREZ VILLAMIZAR

esde el año 1964 fija el artista su residencia en forma permanente en el país. Con obras desarrolladas a partir de iniciativas bidimensionales las cuales hace destacar principalmente por sus acabados policromados jugando con tres colores primordialmente; el blanco relacionado con la luminosidad, el rojo que le sirve para aumentar la expresión y el negro que provee contraste, fuerza y austeridad. El primer enlace de la importante vinculación de Villamizar al Museo de Arte Contemporáneo se realiza en este mismo año cuando hace la primera donación de una obra suya al padre Rafael García Herreros con su pieza "Custodia" un trabajo de carácter intimista, de gran sencillez y geometria abstracta. Presentada inicialmente como una maqueta de madera que posteriormente se realizó como obra terminada en lámina de hierro, que es utilizada por el padre en la capilla de la adoración adyacente al templo parroquial de San Juan Eudes. Después de esta primera obra llegan otras más, incluídas dos serigrafias prueba de artista y dos esculturas en lámina de hierro, una titulada "Aerolito" y otra "Catedral policromada". Este conjunto de obras de Villamizar recoge todos aquellos aspectos formales de una modernidad que se entronizaba en el arte plástico de la Colombia de los años sesenta del siglo XX, en palabras de Casimiro Eiger; "Al lado de los artistas (Acuña, Pedro Nel, Ignacio Gómez Jaramillo), vemos a otros (Villamizar, Obregón, …), cuya preocupación radica en la elaboración de una personalidad propia y en la máxima busqueda de los valores plásticos,

desprendidos, y casi podría decirse independientes, de todas las demás inquietudes. El cuidado principal de tales creadores es la representación apropiada de la realidad plasmada siempre dentro de un conjunto arquitectónico, formado por figuras, por líneas y por colores y su estructuración definitiva, en vista de un efecto de naturaleza puramente estética...". "Catedral policromada" es una escultura típica de las producidas por el artista en donde lo importante se centra en el manejo del espacio interior, la rendición al equilibrio formal dentro de una composición arquitectónica nítida y monumental. Instalada en la plaza de banderas en 1986 y retirada en 1998, permaneció en espacios interiores hasta que definitivamente volvió a la plaza en el 2008 como parte del proyecto de renovación del parque escultórico del museo de Arte contemporáneo. Cabe resaltar en esta pieza el planteamiento cromático "bicolor", sustentado en una fuerte presencia del negro como un misterioso absoluto con acentos encarnados en amarillos vivos y rojos neutros, dentro de una severidad calculada con una geometría musical y primitiva, llevada al máximo a través de múltiples puntos de vista en donde la unidad de sus partes confirma una contenida energía que emana de la virtud de la vida y de la virtud de

El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: l Varios. Ramírez

Villamizar, Pintor, Museo Nacional.

1999 Pérez, Carlos. Varios, La contemporaneidad en Colombia, MAC 40 años, Pág.161. Uniminuto-MAC, Bogotá 2006. l Catálogo, Ramírez Villamizar, obra reciente. Centro Colombo Americano. 1987 l

acido en la ciudad de Pamplona, en 1923, Ramírez Villamizar parecía estar destinado a la arquitectura, carrera que inició en 1940 en la Universidad Nacional, en Santafé de Bogotá. Después de algunos semestres, el artista eligió el camino de las Bellas Artes y comenzó a participar con regularidad en la actividad artística de la capital de Colombia. El inicio de la década, un momento importante para su desarrollo, lo representa el viaje a Francia efectuado en 1950. Allí permanece hasta 1952. Tienen lugar continuos viajes a Nueva York, París, Madrid y Roma, hasta que en 1957 acepta dictar clases en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá. En este mismo año aparecen los primeros relieves, usualmente blancos, algunos de ellos con reminiscencias de la obra de Anthony Caro, pero también con una marcada orientación arquitectónica espacial. En general la obra de Ramírez Villamizar exuda un carácter arquitectónico inconfundible

FICHA TÉCNICA CATEDRAL POLICROMADA Eduardo Ramírez Villamizar Metal pintado 70 x 126 x 60 1984 C-082

140 Director: Gustavo A. Ortiz ~ Investigación: Carlos E. Pérez ~ Bogotá, 2009

“ORIENTE”

JOHN CASTLES

n constante búsqueda, profunda coherencia y un gran afán por la sutileza estética, este artista barranquillero irrumpe en la escena plástica del país desde 1967 cuando presenta su obra “Varios” que instala en un conjunto multifamiliar en la ciudad de Medellín. Es ahí precisamente cuando comienza su actividad artística, sustentada en la carrera de arquitectura que realizó en la parte académica y en los conocimientos de metalmecánica apoyado por especialistas. Castles inicia cada una de sus esculturas apoyado de toda suerte de bocetos, fotografías y maquetas de todos los tamaños, elementos estos que le ayudan metodológicamente para lograr su producción de una manera rigurosa y controlada. Son sus trabajos diseñados para el espacio público los que más cuidado requieren y para los cuales realiza un estricto seguimiento en los aspectos técnicos que son de su mayor interés y cuidado. Las primeras apariciones del artista en su carrera como escultor se remontan al año 1972, año en el que participa en la Tercera Bienal de Medellín, con una obra que, según los entendidos, podría estar inaugurando el movimiento minimalista en Colombia, movimiento este en boga en los escenarios internacionales. Con una aplicación precisa de la matemática lógica y a través de la subdivisión exacta de espacios geométricos,

sus obras en aluminio presentaban protuberancias y vacíos que poco a poco iba decantando en aras de una consecuente disminución de planos en búsqueda de una mayor exactitud. El aluminio fue reemplazado por el hierro en los años 80s, así mismo resuelve utilizar el óxido propio de este metal como un elemento propicio “cromático” para las nuevas superficies completamente planas y desprovistas de elementos distractores, aquellos como tornillos y remaches de su anterior obra. El buscado equilibrio se logra con apoyos, dobleces y contactos sutiles dentro de la propia obra.

El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: l Jaramillo,

Carmen María. “Una estética del ascetismo”. Folleto, John Castles. MAMBO, Bogotá, 1991. l Panesso, Fausto. Artículo, revista Diners No. 241, Bogotá 1990

ohn castles nace en la ciudad de Barranquilla en el año de 1946. Durante los años 1966-1969 realiza estudios de arquitectura en la Universidad Javeriana de Bogotá, viaja a Medellín en donde completa sus estudios en la Universidad Nacional en 1972. A partir de 1974 después de unos pinitos se dedica por tiempo completo a la producción escultórica y realiza su primera exposición en la Galería El Parque de Medellín. Continúa con su producción con obras cada vez más serias y a enviar sus piezas a ciudades como Bogotá, Cali, Caracas, Buenos Aires, San Juan y Nueva York. En 1974 recibe Premio en Escultura en el marco de XXV Salón Nacional de Artistas, posteriormente en el Museo de Arte Moderno de Bogotá recibe el Premio LEON DOBRZINSKY en 1980. Participa en “Diez años de arte, diez años de historia” en la Galería el Museo, 1999; en 1986 gana el premio “Arte para El Dorado” MAM, Bogotá y obtiene Mención de Honor en el XXX salón Nacional de artistas. En 1990 Premio concurso TRISESQUICENTENARIO CIUDAD DE BOGOTÁ de la sociedad colombiana de arquitectos; en 1995 recibe Honor al Mérito Artístico de la Alcaldía de Bogotá y en el mismo año Premio ARTE PARA BOGOTÁ del Instituto Distrital de Cultura y turismo.

FICHA TÉCNICA ORIENTE John Castles Lamina de hierro 65 x 220 x 124 2001 C-132