1 Director: Gustavo A. Ortiz + Investigación: Carlos E. Pérez + Bogotá, Mayo 18 de 2004
“CUSTODIA”
El artista presentó inicialmente una maqueta en lámina de madera y luego fue construida en lámina de hierro soldada que es una de las características de la escultura del siglo XX. Se instaló en la capilla de la adoración adyacente al templo parroquial de Sn. Juan Eudes y permaneció allí hasta 1996, actualmente está situada sobre un pedestal de hiero oxidado a la entrada principal del teatro Minuto de Dios donde puede ser apreciada desde diversos ángulos como la plaza de banderas, el colegio y la parroquia.
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n el año 1964 regresa de Nueva York, donde residía habitualmente el Maestro Ramírez Villamizar y comienza a desarrollar una serie de obras en las que se destacan los relieves policromados, estas propuestas son casi bidi-mensionales matizadas con tres colores, el blanco que es el que más juega con la luz, el rojo para aumentar la expresión y el negro que agrega contraste y austeridad. LA CUSTODIA es una de las primeras obras donadas al Padre Rafael GarcíaHerreros para la colección del Museo de Arte Contemporáneo; un trabajo de carácter intimista con gran simplicidad geométrica siguiendo los lineamientos de la abstracción . Es una composición plana de formato rectangular que se divide verticalmente en dos módulos donde se encuentra un vacío circular que forma una especie de péndulo estático en su cara frontal, está soportada por una forma trapezoidal que descansa en una base rectangular plana.
La obra de Ramírez Villamizar se encuentra en colecciones privadas y públicas como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Museo del Banco de la República y Museo de Arte Moderno en Bogotá y por supuesto en el Museo de Arte Contemporáneo donde además están en la colección las esculturas “Catedral Policromada” y “Aerolito”, junto con una serigrafía prueba de artista. Ramírez Villamizar ha fundado su propio museo en una hermosa casa colonial en la ciudad de Pamplona donde nació en 1922, allí se realizan numerosas actividades relacionadas con el arte y la cultura en beneficio de ésta región. El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene los siguientes libros “Ramírez Villamizar, Pintor” catálogo del museo nacional 1999,“Ramírez Villamizar, obra reciente” catálogo Centro Colombo Americano 1987, “Feliza, Negret, Ramírez Villamizar” catálogo museo de arte universidad nacional 1989, Historia del Arte en Colombia Salvat , Tomo V donde puede encontrar más información.
EDUARDO RAMÍREZ VILLAMIZAR
Nacido en la ciudad de Pamplona, en 1923, Ramírez Villamizar parecía estar destinado a la arquitectura, carrera que inició en 1940 en la Universidad Nacional, en Santafé de Bogotá. Después de algunos semestres, el artista eligió el camino de las Bellas Artes y comenzó a participar con regularidad en la actividad artística de la capital de Colombia. El inicio de la década, un momento importante para su desarrollo, lo representa el viaje a Francia efectuado en 1950. Allí permanece hasta 1952. Tienen lugar continuos viajes a Nueva York, París, Madrid y Roma, hasta que en 1957 acepta dictar clases en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá. En este mismo año aparecen los primeros relieves, usualmente blancos, algunos de ellos con reminiscencias de la obra de Anthnoy Caro, pero también con una marcada orientación arquitectónica espacial. En general la obra de Ramírez Villamizar exuda un carácter arquitectónico inconfundible
FICHA TÉCNICA Titulo: CUSTODIA Autor: Eduardo Ramírez Villamizar (1922- 2004 ) Técnica: Escultura en lámina de hierro soldada Dimensiones 70 x 60 x 20 cms Año 1964 www.uniminuto.edu/mac
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Director: Gustavo A. Ortiz + Investigación: Carlos E. Pérez + Bogotá, Mayo 25 de 2004
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a obra de Carlos Rojas en general emerge de las grandes corrientes abstraccionistas del siglo XX. Su interés estético reside en el estudio de la geometría sintética. En su obra inicial la línea jugaba un papel de límite que marcaba territorios de color y atmósferas de carácter racional. A finales de los 50's comienza su periodo con papeles pegados en los cuales la línea desaparece, así como la perspectiva y el espacio formal al estilo cubista, utilizando materiales como el hule, el plástico adhesivo y papeles de colores, continuando con una obra con marcado carácter pop, en el que utiliza objetos de uso cotidiano como ropa interior femenina además del uso de colores fuertes propios del campo publicitario y del diseño comercial. Es relevante su inclinación por las síntesis de las formas y el manejo de planos tonales que privan sobre lo anecdótico. En los años 60's elimina la línea curva y se decide por los formatos cuadrados, perdiendo el interés en el color y sus preferencias se dirigen hacia las composiciones monocromas, se interesa por la ciencia y reduce sus obras a formulas matemáticas. Se hace evidente su interés por el hombre Americano y su relación con su entorno simbólico expresivo llenos de tradiciones y elementos populares. En su serie “Horizontes” llega a conceptos genéricos y matemáticos en donde utiliza en forma radical la organización virtual del mundo circundante y consigue un refinamiento extremo en el plano sensible y reflexivo. Pasa luego a “Cruzados” en donde evoca el cristianismo y toda su vivencia religiosa, la cruz significaría un cuadrante, un punto en el espacio... En los años 70´s con su serie “El dorado” la concepción religiosa sigue siendo puntual y enfatiza el tema de la conquista española y la época de la colonia, utiliza elementos encontrados en demoliciones y el interés por una perfección formal desaparece. El país social y político ejercen una gran
influencia en su arte, pues su obra esta muy ligada a la vida y a la tierra.
CARLOS ROJAS GONZÁLEZ
Sus dos últimas series “Mutantes” y “por pintar” están llenas de un regreso al color con el que de nuevo intenta la búsqueda de un ser superior que lo ha motivado a lo largo de su extensa producción. En cuanto a la escultura, la cual pertenece la obra “Columna”, Carlos Rojas explora las posibilidades geométricas subyacentes al mundo orgánico, desde donde realmente había ido dando forma a toda su creación. Estas obras se consideran como un intento de liberación de la ortodoxia constructivista liderada por el neoplasticismo. Carlos Rojas siempre tuvo una preocupación tridimensional acentuada por un gusto hacia la arquitectura, no obstante los dobleces en sus láminas de hierro el relieve bidimensional es predominante, en los años 60´s sus trabajos se basaron en estructuras elaboradas en una franja de hierro armada con base en cuatro ángulos rectos, que se erigen como poéticos dibujos espaciales, la perspectiva desaparece mediante la interrelación de formatos y distancias. Constantemente se apoya en lo arquitectónico y en el diseño, su juego en últimas va entre la forma (objeto) y la no forma (espacio), conceptos que Rojas ha asimilado de la arquitectura japonesa. El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: - Catálogo Museo de Arte Moderno de Bogotá, Carlos Rojas,1984. - Catálogo Centro Colombo Americano, Carlos Rojas años 1953-1983, 1983. - Libro Carlos Rojas, Carmen Mejía Jaramillo, Galería el Museo 1995. - Video: La fe en el arte, Carlos Rojas.12 minutos Datos biográficos tomados del libro: Segunda Bienal de Arte de Bogotá . Septiembre 1990.
CARLOS ROJAS En 1933 nació Carlos Rojas en Facatativá, Cundinamarca. Adelantó estudios de Arquitectura en la Universidad Javeriana y de Arte en la Universidad Nacional de Bogotá. Se especializó en la Escuela de Bellas Artes de Roma y en Diseño Aplicado en el Instituto de Artes de la misma ciudad. Colaboró en la fundación de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Los Andes y la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Participó en más de un centenar de exposiciones individuales y colectivas, realizadas en diversas ciudades de Colombia y en otros países como Estados Unidos, Japón, Ecuador, Argentina, Suiza, Venezuela, Brasil, Italia y Cuba. Rojas ganó el Primer Premio del XX Salón Nacional de Artistas, realizado en 1969, en la Biblioteca Luis Angel Arango, y el Tercer Premio del XIV Salón de Artistas Nacionales, realizado en 1973 en el Museo Nacional de Bogotá. La crítica y la prensa coincidió en considerarlo el artista de la década del 80 en Colombia, período durante el cual realizó numerosas muestras. Falleció en Bogotá en 1997.
FICHA TÉCNICA OBELISCO Carlos Rojas (1933-1997) Escultura en lámina de hierro soldada 535 x 60 x 54 cms 1974
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Director: Gustavo A. Ortiz + Investigación: Carlos E. Pérez + Bogotá, Junio 1 de 2004
MURAL “SIGNO ENCUENTRO” MANUEL HERNÁNDEZ
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anuel Hernández pertenece a ese pequeño grupo de artistas que se han logrado mantener dentro de una línea muy continua de expresividad plástica. Realmente es así, cuando Manuel Hernández estaba en la ciudad de Ibagué donde fue profesor y director de la escuela de arte en la Universidad del Tolima, abordó elementos característicos en el desarrollo de su obra que muy poco han cambiado, han evolucionado hacía la excelencia en la calidad de sus propuestas, llenas de significación tanto ideológica como artística. Podemos asegurar sin lugar a duda que Hernández es actualmente una de las figuras de el arte abstracto colombiano más destacada a nivel internacional, según la crítica él ha logrado esto gracias a un rigor conceptual y por su puesto a una imaginación rica y fecunda. Su lenguaje lleno de atmósferas, formas y colores se ha instalado en las referencias del arte latinoamericano dentro del ámbito de la plástica mundial. Desde sus primeras épocas como estudiante en la Universidad Nacional de Colombia y sus cursos de pintura en la Academia de Bellas Artes de Santiago de Chile, Hernández se ha destacado por su productividad con la que ha participado en numerosas exposiciones, obteniendo premios y menciones. Podemos destacar la el primer en el salón de artistas jóvenes en Santiago de Chile (1951) el primer premio en el salón Lara y el primer premio en el salón de la asociación de escritores y artistas de Colombia (1955), en el año de 1960 obtiene el primer premio en el primer salón de artistas de Ibagué y en 1961 obtiene el primer premio del XIII salón de artistas colombianos. En 1967 y 1968 también es premiado con sendas menciones en la primera Bienal Iberoamericana de pintura de Medellín y en la segunda bienal de Lima, Perú.
A partir de los años 70 la obra de Hernández ya esta instalada en el imaginario de las artes plásticas colombianas. Su obra empieza a ser declarada fuera de concurso y es invitado a participar en la mayoría de las exposiciones organizadas por los entes más importantes a nivel de galerías e institutos de dentro y fuera del país. Hay que destacar su participación en 1983 en la feria exposición Arco 83, en Madrid España y en la subasta Pintura Latinoamericana en la galería Sotheby`s de Nueva York. En términos generales la obra de Manuel Hernández ha madurado a fuerza de persistencia y un quehacer conciente, extremadamente riguroso y racional. Su obra en últimas es netamente plástica, visual y sugerente, el signo se ha impuesto. En los años sesenta cuando el MAC estaba en sus inicios, Manuel Hernández estuvo muy cerca de este proceso, lo que lo incluye dentro del rango de los artistas que aportaron a la consolidación de este proyecto. Dos de los trabajos más destacados de Hernández son murales, uno realizado en el Congreso Nacional de Colombia por un proyecto de la Universidad Nacional y otro realizado para el MAC en conmemoración de sus primeros 20 años de labores y encargado por el entonces director Germán Páez, situado al costado sur de la entrada principal del museo. Este trabajo, en el cual Hernández hizo partícipe a otros artistas, consistió básicamente en el descubrimiento parcial del muro de ladrillo original basándose en un diseño de Hernández que luego fue cubierto con ladrillo recocido . El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: ! Libro Catálogo: Banco Ganadero1998 ! Catálogo Museo de Arte Moderno Bogotá 1983 ! Catálogo MAC 20 años 1986 ! CD Homenaje Nacional a Manuel Hernández,
Ministerio de Cultura.
Nace el 20 de octubre de 1928 en Bogotá. Becado por el Gobierno chileno, estudia de 1948 a 1951 en la Academia de Bellas Artes de Santiago de Chile. En 1956 ingresa como profesor en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional en Bogotá. Tres años después asume la dirección de la Escuela de Bellas Artes de Ibagué, Colombia. Luego de perfeccionar sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Roma en 1961, el bienio siguiente frecuenta en Nueva York la Art Students League. En 1964 es nombrado director en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional, Bogotá. Es designado representante de su país en la XXXIX Bienal de Venecia de 1958 y (junto con Carlos Rojas y Edgar Negret) en la XXI Bienal de Sao Paulo de 1991. Otras obras en la colección del MAC > Forma y Acento, Mixta, 36 x 46 cms, 1989 > Símbolo armas, Mixta, 137 x 147 cms, 1965 > Formas superpuestas, acrílico, 190 x 170 cms, 1969
FICHA TÉCNICA SIGNO ENCUENTRO Manuel Hernández (1928 - ) Mural en ladrillo recocido 270 x 252 cms 1986
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Director: Gustavo A. Ortiz + Investigación: Carlos E. Pérez + Bogotá, Junio 8 de 2004
“PIEDAD BAREQUERA”
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a historia nos relata que hacía finales de los años 40´s en la plástica nacional colombiana se presentaba una puja entre los artistas practicantes de las “nuevas formas” con características abstraccionistas, y un número de otros artistas pertenecientes a un movimiento denominado por algunos “El bachueismo”. Los cultores de este último prependían por desarrollar un arte propio liberado de presiones de carácter académico. Los gestores principales del movimiento “Bachue” pertenecían a un grupo generacional denominado “Los nuevos”, quienes se dedicaron a escandalizar al público en las primeras décadas del siglo XX. Sus valores imperantes estaban sustentados en el factor “lugar” es decir, el medio geográfico, el ambiente tropical y las circunstancias étnicas e históricas de un país en pleno despegue económico político y social. Pretendían los integrantes del grupo comprometerse con su tierra nativa y sentir en carne propia todo lo concerniente a las incidencias y problemáticas relativas a su generación. La generación que estamos mencionando se diferencia básicamente de las demás en su contexto temporal ya que se trataba de un único grupo de artistas que ha buscado en lenguaje artístico lejos de la influencia europea y que exalta sólo valores nacionalistas. Los “Bachues” demostraron verdadero interés en hacer en arte para el pueblo y fueron fuertes abanderados del muralismo con temas indigenista y “pueblerino”, temas estos que fueron reforzados por un comentario de Pablo Picasso quien se preguntaba el porqué las obras de los colombianos no presentaban una influencia aborigen sino que, por el contrario, se aproximaban demasiado al arte moderno europeo, dicho esto en el marco de la exposición iberoamericana de Sevilla en 1929. A partir de ahí, se considera que los artistas colombianos se preocuparon por conocer a fondo las culturas prehispánicas y trataron de aprovechar, sus mitos
y leyendas en aras de lograr la realización de un arte más cercano a su entorno y a sus vivencias. Rodrigo Arenas Betancourt es considerado uno de los mayores cultores del arte nacionalista con sus enormes esculturas con carácter conmemorativo e histórico. Se destaca por la reiteración de algunas formulas o maneras y la desarticulación en la composición. Su obra Prometeo en la ciudad universitaria de México (1951) es considerada la más interesante dentro de su vasta producción, también se destacan Bolivar desnudo, en Pereira, Homenaje a la vida en Medellín, José María Córdoba en Ríonegro, El hombre cóndor de Manizales, Monumento a los Lanceros en el pantano de Vargas, Paipa y Cacica Gaitana en Neiva. La escultura Piedad barequera fue donada por el artista al Padre Rafael García Herreros a principios del año 1988 y colocada a la entrada de una rotonda de la plaza de banderas, posteriormente se trasladó al jardín aledaño al despacho parroquial en donde se encuentra actualmente. Es un conjunto escultórico formado por dos figuras abrazadas en donde se exaltan anatomías de marcado estilo, el cuerpo inerte de un minero recogido por una mujer y completado por una batea y una pica, herramientas típicas de los mineros antioqueños, realizado en fibra de vidrio y resina poliestérica, presenta un acabado en tono verde oliva que refuerza la angustia conceptual del conjunto alegórico. El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: ! Historia del arte colombiano Salval tomo 5 pg 1380-1381; German Rubiano, 1976 ! Arte colombiano 3.000 años, Villegas editores pag 242, 244; 2001
RODRIGO ARENAS BETANCOURT Escultor de fama continental; humanista y escritor. Además de Crónicas de la errancia, del amor y de la muerte (Ensayo autobiográfico), el maestro Arenas Betancourt publicó Los pasos del condenado (Bogotá, 1988) y Memorias de Lázaro, Instituto Caro y Cuervo (Bogotá, 1994), prólogo de Vicente Pérez Silva; obras, estas últimas, que contienen conmovedoras revelaciones del secuestro padecido por su autor entre el 18 de octubre de 1987 y el 22 de enero de 1988; al igual que reflexiones sobre el amor, el arte y la muerte. Nací en el cerro del Uvital, al norte de Fredonia, en el suroeste de Antioquia, el 24 de octubre de 1919, como primogénito de una de esas ejemplares, irracionales, religiosas y prolíficas familias antioqueñas. El Uvital es un cerro de formación geográfica agresiva, como todo Fredonia, igual que Antioquia. La vida allí es penosa y miserable porque la tierra está negada para la agricultura. No se consigue nada para comer. La tierra está repartida entre pocos propietarios que no siembran sino café en unas parte y en otras dejan pastar sus ganados. Todos trabajábamos con ellos, en sus fincas, como peones, por unos salarios misérrimos. En aquel lugar la naturaleza es bella, armoniosa, solemne y de una luminosidad cegadora. El espectáculo conmueve y a simple vista la vida parece que también es bella y tranquila.
FICHA TÉCNICA PIEDAD BAREQUERA Rodrigo Arenas B. (1928 - 1995) Escultura en resina y fibra de vidrio 300 x 150 x 113 cms 1987 No. C-016
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Director: Gustavo A. Ortiz + Investigación: Carlos E. Pérez + Bogotá, Junio 15 de 2004 + www.uniminuto.edu
“VENTANA AL INFINITO” La obra de Urueta puede considerarse dentro de las expresiones del “Nuevo Realismo” internacional, movimiento de los sesentas que vuelca su mirada hacia los elementos prefabricados corroídos por el tiempo y el uso, siendo rescatados del olvido y el desprecio pero revalorados en sus aspectos meramente formales y visuales. El artista Urueta va más allá pues del trance de la chatarra a la valoración estética, el hace un proceso de “embellecimiento” con mucha disciplina, organización, planeación y técnica, asuntos que se fueron convirtiendo en parte vital de su obra.
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En 1975 y 1977 obtuvo menciones en el noveno y décimo primer salones internacional de Agosto en el MAC, la obra ventana al infinito ubicada actualmente en las inmediaciones de la parroquia San Juan Eudes y frente al colegio del Minuto de Dios, consiste en una composición construida en metal de forma rectangular laminar en sentido espiral y guardando todas las características que desde el principio Urueta dio a su obra.
duardo Urueta aparece en el ámbito de las artes plásticas bogotanas hacia el año 1963. fue a raíz de sus estudios de metalmecánica que realizó en el SENA que el artista se interesó por los temas de carácter espacial y formal que abordó hasta acercase plenamente a un concepto Eduardo Urueta ha desarrollado su obra con escultórico. bastante éxito en términos generales. Debemos mencionar la importancia de su Urueta cobró vigencia en el año 1974 cuando trabajo de acuerdo a la aceptación y tuvo la plena seguridad de estar realizando una distinción que en diversos eventos ha tenido. obra importante para su carrera y bien comentada Urueta cosechó innumerables premios y por la crítica de la época. Lo anterior como el reconocimientos en el Museo de Arte mismo lo aseveraba, se reducía a ejercicios y Contemporáneo de Bogotá con sus ensayos en aras de resolver problemas puramente menciones en diversos salones durante los formales de espacio, movimiento y materia. años 1975, 1977, 1978, 1979, 1981 y 1983, además de un premio de televisión para las La aparición de una figura, dentro del campo de la artes plásticas en los Estados Unidos y de escultura, con altas significaciones e impecable ganar el concurso para una escenografía en técnica acusó admiración en la época, pues eran un Reinado Nacional. Ramírez Villamizar y Edgar Negret los que cubrían totalmente las aspiraciones nacionales al respecto. Un detalle importante en la obra de Urueta fue la utilización que él hizo con toda confianza y expresión de un material como la chatarra a la que devuelve, con maestría técnica, su estado original, desarrollando nuevas apreciaciones estéticas. Se le consideró a partir de este momento el pionero en la utilización de estos materiales en Colombia.
El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: ! 10 esculturas Eduardo Urueta.
Catálogo MAC 1975.
! Eduardo Urueta, Catálogo MAC 1977. ! Libro forma y color Colombia 1992
pag. 276 forma y color.
LUIS EDUARDO URUETA
Nace en Bogotá en 1940, a los veinte años inicia una serie de ensayos escultóricos en metal con el apoyo del Taller de Rodolfo Levy en Bogotá; en 1963 inicia estudios de metalmecánica en el centro nacional de aprendizaje SENA y diez años mas tarde los estudios de artes pláticas. Su participación en el Salón de Agosto y el Salón del Fuego organizados por el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá le abrieron las puertas del reconocimiento público y el inicio de su carrera como escultor que lo ha llevado a realizar muestras nacionales e internacionales donde ha obtenido reconocimientos por sus propuestas tridimensionales.
FICHA TÉCNICA VENTANA AL INFINITO Luis Eduardo Urueta. (1940 - ) Escultura en lámina de hierro 220 x 210 x 130 cms 1977 No. C-106
Director: Gustavo A. Ortiz + Investigación: Carlos E. Pérez + Bogotá, Junio 22 de 2004 + www.uniminuto.edu
“PERFILES INTERIORES”
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roveniente de una zona geográfica colombiana, marcada fuertemente por el carácter de sus pobladores, en el que el tesón, la fortaleza, el espíritu emprendedor y pujante fueron sus ingredientes principales, Duván López se encontró muy temprano inmerso en el mundo del arte y llevado casi de la mano por su señora madre quien siempre le brindó incondicional apoyo a sus virtudes. En sus comienzos fue la pintura de paisajes quindianos lo que lo ocupó, esta preocupación lo llevó luego a radicarse durante 10 años a la orilla del mar en la población de Urabá. Allí vivió de la docencia y permaneció mas bien retirado de la agitación mundana y citadina, lo único que le preocupaba realmente era leer, pintar y en términos generales vivir en forma tranquila. Hacia 1985 regresó a su tierra natal, el viejo Caldas, en donde con su producción artística bastante abundante realizó una exposición en el edificio de la cámara de comercio de Armenia. Hacia la misma época entró en contacto y expuso en las galerías Pluma y Arte 19 de la ciudad de Bogotá. En el año 1988 Duván considerando que su obra estaba ya en su madurez, no paró de trabajar ni de mostrar su trabajo hasta lograr llegar a espacios de renombre tanto nacionales como internacionales. El material en sus obras que siempre predominó fue el óleo, técnica con la cual
desarrolló toda una serie de diálogos con la naturaleza , manteniendo entonces, una figuración permanente de aspectos colorísticos fuertes y muchas de las veces crudos. En los años 1991-92 tuvo la oportunidad de hacer un viaje a Europa mas exactamente a París, realizó cursos de grabado artístico y conoció la obra de los grandes maestros que le causaron enorme impresión entre los que destacó a Matisse, Picasso y Dufy. También fue una época influenciada por Andy Warhol pionero del llamado arte Pop. El artista ha presentado en los años recientes cambios casi radicales en la consecución de su obra , esto producto tal vez de sus innumerables viajes y a sus transformaciones personales debido a las experiencias directas en diversos ámbitos sociales. Por otro lado y pese a su gusto por la poesía y el silencio son famosas sus ``rumbas´´ en el medio bohemio e intelectual. Los trabajos escultóricos de Duván son realmente extensiones de sus presentaciones bidimensionales y en donde lo importante reside en un cierto aire de cubista en el manejo del plano y la línea para resaltar las formas y expresiones. Sus figuras dentro del concepto de desdoblamiento posan solas o acompañadas de naturalezas muertas y se reclinan, parecen estar en un eterno diálogo y en juego con el espacio dándole al vació una participación activa. Duván siempre ha distorsionado la perspectiva utilizando una interrelación entre plano positivo-negativo que da cierto realce a la obra en si. El artista plástico Duván López expuso en el Museo de Arte Contemporáneo en el 2001 una serie de pinturas y esculturas y donó para la colección esta obra situada en un costado de la plaza de banderas del barrio “Minuto de Dios.” El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: ! Hoja didáctica MAC 1999 La creatividad es un proceso de paz. ! Hoja didáctica MAC 2001 Duván López Yépes.
DUVÁN LÓPEZ YÉPEZ Artista plástico autodidacta nacido en 1954 en Quimbaya, Quindio. Ha realizado numerosas exposiciones tanto individuales como colectivas en galerías y consulados de Colombia y el extranjero. Su vinculación con el Museo de Arte Contemporáneo viene desde la subasta del millón para ayudar a los damnificados del terremoto del eje cafetero, luego participó en la muestra Epifanía en 1999 y en una exposición individual de esculturas en el 2001.
FICHA TÉCNICA PERFILES INTERIORES Duván López Yépez (1954 - ) Escultura en lámina de hierro oxidado 197 x 100 x 100 cms 1997 No. C-059
Director: Gustavo A. Ortiz + Investigación: Carlos E. Pérez + Bogotá, Junio 27 de 2004 + www.uniminuto.edu
“EL ESTUDIANTE” EMIRO GARZÓN CORREA Dadas sus condiciones humildes y sus intereses por las clases menos favorecidas el artista incursionó de manera profunda en las ideas y acciones emanadas de los movimientos sociales con tendencias izquierdistas. Se destacó por su apoyo incondicional a todo lo referente al sindicalismo y a las luchas proletarias contra el capitalismo e imperialismo liderado por las grandes potencias. Todo esto lo llevó a realizar una obra bastante comprometida con el activismo político y que plasmaba su inconformidad y rebeldía hacia el establecimiento decadente motivado por el hecho intelectual y la lucha comunista liderada por el activista argentino Ernesto “Ché” Guevara quien participara en forma clave dentro de la revolución cubana al lado del comandante Fidel Castro. Emiro Garzón entonces se entregó fervientemente a toda esa lúdica efervescente socialista que renovó las manifestaciones culturales tales como el teatro, la música protesta y el discurso ecológico que lo llevó a realizar obras con miro Garzón Correa, artista caqueteño, alto contenido dramático en donde marcaba principalmente escultor, instaló en el año principalmente el dolor y la angustia. Se 1980 en los perímetros del antiguo parque observa en su trabajo un nivel muy alto de de el barrio El minuto de Dios, un conjunto expresionismo orgánico seguramente escultórico dedicado a la vida , al estudio, al queriendo remarcar su relación cotidiana trabajo y al amor, conjunto que en su totalidad con los elementos de más raigambre y como sumaba ocho obras con sus figuras en tamaño un canto en homenaje a la vida de los seres natural y realizadas en ferroplast. más sencillos e indefensos.
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Proveniente de Belén de los Andaquíes, Caquetá, Emiro Garzón se domicilió en la ciudad de Neiva, en donde inició sus estudios artísticos en el Instituto de Cultura y Turismo . A partir de su primera muestra precisamente en la ciudad de Neiva, empezó su trasegar por diversos salones y galerías en distintas ciudades colombianas.
Aunque el artista en sus etapas posteriores y debido a consecuentes cambios conceptuales y de oficio que él mismo reconoce, sus temas un poco frívolos y realizados en bronce no debilitan su producción más representativa realizada en material ferroso con el que su obra más comprometida siempre tuvo enorme fuerza y Muy tempranamente Garzón se interesó por el profundidad y que iba más de acuerdo con diseño y construcción de monumentos Públicos y sus búsquedas y propuestas. con temas de mucho raigambre nacional entre los que preferiblemente manejaba entre otros, los comuneros, la vaquería, el campesino raso, los El centro de documentación del Museo de Arte colonos, el hombre y la selva, temas en donde se Contemporáneo tiene las siguientes referencias presenta la lucha del ser humano tratando de donde puede encontrar más información: vencer los obstáculos que aparecen cuando se ! Archivo de prensa enfrenta a la naturaleza. ! Forma y Color 1992, Editorial ártico
Nace en Belén de los Andaquíes, Caquetá en 1950, realizó estudios de Bellas Artes en el Instituto de Cultura de Neiva. Expone de manera individual y colectiva desde 1974 en diferentes galerías, museos y salones nacionales. Sus esculturas se encuentran en plazas y sitios públicos de Neiva, Florencia, Yagua, El hobo y Bogotá, donde hace homenaje los trabajadores de la construcción, el campo, la vaquería, la selva así como a la vida, la música, el estudio, el amor y la oración. Además de la técnica del ferroconcreto ha incursionado también en la fundición a la cera perdida donde ha obtenido trabajos de buena factura.
FICHA TÉCNICA EL ESTUDIANTE Emiro Garzón. (1950 - ) Escultura en ferroconcreto 159 x 92 x 99 cms 1980 No. C-044
Director: Gustavo A. Ortiz + Investigación: Carlos E. Pérez + Bogotá, Julio 14 de 2004
“CRISTO DESNUDO”
inmenso, lleno de ternura. La inmensidad de su rostro cubre totalmente su virilidad...no se parece a ninguno de los de pacotilla, inexpresivos sin fuerza que hay en las iglesias...” El sacerdote pamplonés Grillo Martínez recitó un poema dedicado a ese Cristo de chatarra: Lo entenderán los niños, que ven con ojos puros lo entenderán los místicos que saben Que por tu encarnación dolorosísima Nos descubres y enseñas, Dios desnudo La fuerza espiritual de la materia
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l 4 de noviembre de 1971 llegó desde El Poblado, cerca de Medellín hasta el barrio el Minuto de Dios el regalo prometido al padre García-Herreros por el escultor Justo Arosemena quien en Agosto de 1970 había participado en el cuarto salón de arte joven o rg a n i z a d o p o r e l Museo de Arte Contemporáneo. Tal regalo consistía en una enorme composición metálica que representaba a Cristo en completa desnudez. Su rostro maravilloso e inmenso con las cuencas de los ojos vacías daban una idea de inmensidad y de sumersión en lo eterno. De 3 metros de alto con 27 cms. de ancho la imagen fue erigida el mismo día de su llegada entre aclamaciones y protestas en el templo parroquial justamente en el lugar que el padre meses atrás le había sugerido al artista. La exposición de este Cristo causó polémica en los medios de comunicación de la ciudad durante varios meses, unos ponderaban el asunto artístico, otros criticaban su exposición a la veneración pública. Buena cantidad de turistas visitaron el barrio tomando partido en pro o en contra de la enorme escultura en chatarra que sostenida con cadenas colgaba del techo justo en el centro del templo. El sábado 6 de noviembre fue la solemne ceremonia que presentaba e inauguraba el nuevo aspecto del templo, pero en el ambiente se presentía y se rumoraba una noticia triste; un día más tarde el Cristo sería retirado del templo. No obstante lo anterior el padre García-Herreros presentó a su feligresía el “Cristo cósmico,
El maestro Justo Arosemena concluyó el asunto diciendo: “Me siento muy honrado de dejar mi obra en esta cultísima comunidad del Minuto de Dios. Ahí se los dejo; ámenlo o crucifíquenlo de nuevo”. La crítica se mostró favorable en cuanto a la obra en sí. Se reconocía en ella una majestuosidad y una serenidad fuera de lo común. Su rostro inmenso atraía todas las miradas , sus cuencas vacías le daban una sobrecogedora dimensión de eternidad. Cinco años después de estos sucesos , en septiembre de 1977,cuando ya se hubo acabado toda discusión , llegó al minuto de Dios una carta , firmada por un grupo de sacerdotes, y apoyada por el entonces obispo auxiliar Mario Rebollo. Esta carta movió al padre García-Herreros a hacer vestir la desnudez del Cristo con una lámina de chatarra. Pareció que la polémica iba a recomenzar. Sólo unos comentarios de prensa y todo se silenció. Ya sin el taparrabo de hojalata, al crucificado de Arosemena la gente lo admira llamándolo “El Cristo Desnudo” Adaptación del capítulo EL CRISTO DESNUDO del libro “Rafael García-Herreros UNA VIDA UNA OBRA” por el padre Diego Jaramillo Cuartas.
El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: ! Jaramillo, Diego. Una vida y una obra. Centro Carismático, 1984 ! Archivo de prensa, MAC
JUSTO AROSEMENA Nació en Ciudad de Panamá en 1929; inició sus estudios de arte en la escuela de bellas artes de Montreal. Tiempo después estudió en al ciudad de Nueva York en el Art Center School en donde tuvo de profesos a Víctor Candeli, artista famoso de la época. Regresó a panamá y continuó sus estudios de pintura en la escuela de bellas artes de Panamá. Se interesó en la técnica del fresco y realizo una exposición con el profesor español Daniel Vásquez. En el año 1955 visitó Colombia y expuso en el club de profesionales de Medellín. A partir del año 1959 cuando participó en el salón de arte contemporáneo que tuvo lugar en el museo de Zea en Medellín empezó su estadía permanente en Colombia, en la ciudad de Medellín y desde donde dirigió su extensa participación en numerosos eventos de carácter artístico lo que le dio amplio renombre en el medio. Se destaca su participación en el XVI y XVIII salón nacional de artistas colombianos, la II Bienal de arte Coltejer y en 1971 la polémica instalación de su obra “Cristo Desnudo” en la iglesia del conocido barrio de Bogotá El Minuto de Dios. Posteriormente, en el año de 1977, emprende la realización de 13 murales, donde la participación de un gran grupo de niños Antioqueños fue importante. Justo Arosemena desarrolló una obra pictórica con tendencias abstractas mientras que, en sus esculturas predominó la presencia de la figura humana. Diccionario de artistas Colombianos. Carmen Ortega Ricaurte
FICHA TÉCNICA CRISTO DESNUDO Justo Arosemena (1929 -2000) Escultura en lámina de hierro soldada 300 x 120 x 27 cms 1971
9 Director: Gustavo A. Ortiz + Investigación: Carlos E. Pérez + Bogotá, Agosto 3 de 2004
“PERDIDAS EN EL RECUERDO” CLAUDIA CASTIBLANCO performancia desentrañan preocupaciones de un individuo puesto en escena ante un colectivo con posturas muy radicales y opuestas al manejo crítico y utilitario del arte tradicional. Entonces, la estética de lo sublime hace su aparición con el acto del cuerpo y se fenomeniza para quedarse en el ambiente y así conformar un cúmulo de hechos artísticos heterogéneos pero todos relativos a la particularización de problemáticas y conductas del ser humano. Todas las novedosas propuestas de estas características han venido acompañadas de elementos relativo a la psiquis en su relación con el exterior. Claudia propone en su obra “Perdidas en el recuerdo “ asociaciones mentales que parten de lo evocativo, recuerdos instalados en nichos de la memoria que eventualmente retrotraen para sublimar momentos reales “desaparecidos”, en los que el cuerpo dejó una “huella” indeleble en la conciencia cósmica.
“
Una visión dada desde el cuerpo, sobre el cuerpo y con el cuerpo, conforma la mirada de un todo particular único irrepetible e irremplazable, diferente a todo lo demás existente.”
En términos generales su parte investigativa ha estado dirigida hacia los hechos resultantes entre la amalgama del espacio y la materia, presentes estos en el cuerpo como soporte de un contexto evolutivo en donde la naturaleza del ser humano revalora y revitaliza en la existencia del otro, cuyo descubrimiento aboca una apertura de los “ojos” de la percepción a través de la activa participación y voluntad en la conceptualización de la actualidad artística cargada de nuevas visiones y valores.
Claudia Castiblanco, joven artista de la plástica, reciente ganadora del Salón de Agosto 2004, plantea con su obra la problemáticas existentes en la relación del cuerpo y sus valores intrínsecos y la parte externa del mismo bombardeado por el ambiente exterior cargado también de significaciones ambivalentes y coercitivas. La preocupación básica reside en el tema de la percepción que el ser como cuerpo, debe desarrollar para la aprehensión del entorno para una profundización en el conocimiento de si El centro de documentación del Museo de Arte mismo. Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: En la gran variedad de las corrientes postmodernas se puede observar una estela dejada por ! Catálogo: Salón de Agosto 2004 los conceptos filosóficos de tipo modernista tardío, es así como los practicantes de actos corporales tales como el happening, el bodyart y la
Nacida en Bogotá, con formación artística en la escuela de bellas artes de la Universidad Nacional de Colombia donde obtuvo el título de maestría en escultura en 1999. También ha recibido formación en telares, cerámica, esmaltes y fotografía. Ha participado en exposiciones universitarias y didácticas y ha sido tallerista en eventos distritales y museales.
FICHA TÉCNICA PERDIDAS EN EL RECUERDO Claudia Castiblanco. (1974 - ) Instalación 170 x 110 x 150 cms. aprox. 2004
10 Director: Gustavo A. Ortiz + Investigación: Carlos E. Pérez + Bogotá, Agosto 10 de 2004
“CHOCO BREAK TALLA 4” CAROLINA RODRÍGUEZ
E
l Salón de Agosto de 2004 organizado por el Museo de Arte Contemporáneo ha hecho un reconocimiento especial a la obra ``Chocobreak`, realizada por la artista Carolina Rodríguez. Se trata de un trabajo realizado con envolturas desechables del conocido confite de chocolate tan apreciado por el gran sector infantil. En el arte contemporáneo ya es muy frecuente observar a los artistas apropiarse de estos elementos para resignificarlos, una vez hallan cumplido con su labor determinada por la sociedad de consumo. Realmente se trata de una especie de reciclamiento de materiales en desuso, convertidos en basura pero que son susceptibles para un manejo de carácter lúdico y provocativo ya no en el sentido del gusto sino en el aspecto de concepto. La magia de manos creadoras subvierte los designios industriales, recodificando elementos de extrema sencillez y permitiendo una nueva simbolización que llega cargada de propuestas. La obra “Chocobreak” se puede inscribir dentro del ámbito de las vanguardias de los 90s, no quiere decir esto que la obra por si misma se considere algo revaluada, por el contrario juega a la actualidad, presentando un compromiso de tipo social, nos
acerca a elementos despreciados, referencia aspectos consumistas hasta tal punto de personificar su conjunto compositivo y hacer relaciones de tipo imaginativo que el espectador completa con sus asociaciones. La vida cotidiana es la fuente inmediata en donde beben los artistas jóvenes que ya no pretenden lo ilusorio más bien buscan en la pluralidad de los elementos del día que aparecen como partes aleatorias para componer la nueva estética. No obstante se debe reconocer que el arte no vive sin ilusión y que sigue siendo la gran aventura de la mente.
El centro de documentación del Museo de Arte Contemporáneo tiene las siguientes referencias donde puede encontrar más información: ! Catálogo Salón de Agosto 2004
Natural de Bogotá, a los 17 años ya estaba experimentando con el arte en la Academia Charlot, para el año 2002 recibía su título de Maestría en Bellas Artes en la Universidad Jorge Tadeo Lozano, más recientemente a viajado a Francia en donde hizo los talleres ``Cómo montar una exposición`` y un taller de ``Escenografía`` en el Museo del Louvre en Paris. También ha cursado el primer periodo de licenciatura en artes plásticas en dicha ciudad. Sus exposiciones recientes : Salón de Agosto, Museo de arte contemporáneo, Bogotá. 2004 Cuatro dibujos con ganas de m o s t r a r s e . Ru e L o u i s e We i s s . Parìs.Francia. 2004. Maestros por los niños . Embajada de Canadá. Bogotá. 2002 A r b o r i z a r t e . Tr a b a j o c o l e c t i v o UJTL,Plaza de Bolivar. Bogotá.2001 Sala X. Teatro Bogotá. 2001 Imágenes que navegan. Galería Espacio Alterno. Bogotá. 2000.
FICHA TÉCNICA CHOCO BREAK TALLA 4 Carolina Rodríguez.1980Envolturas de chocolate , zapatos y cremallera Dimensiones variables 2002