TSR 2015 - Exhibitions' Catalogue by Hélder Beja

震 • Ge Zhen 范文德 • João Fazenda 欣莎 • Xyza Cruz Bacani 歐陽永鋒 • Mike Ao Ieong 夏天翔 • Summer Ha

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澳門文學節 F E S T I VA L L I T E R Á R I O D E M AC AU M AC AU L I T E R A RY F E S T I VA L

展覽 • EXPOSIÇÕES • EXHIBITIONS

總監 • Director 白嘉度 • Ricardo Pinto 副總監 • Sub Directores • Vice-Directors 姚京明 • Yao Jing Ming 白艾德 • Hélder Beja 展覽總監 • Coordenação de Exposições • Exhibitions Co-ordinator 郭恬熙 • Alice Kok 編輯組總監 • Coordenação de Conteúdos • Contents Co-ordinator 白艾德 • Hélder Beja 設計師 • Designer 麥安德 • André Mergulhão 翻譯與校對 • Tradução e Revisão • Translation and Proofreading 宋文娣 • Wendi Song 威光良 • Ray Garnlund 馬密玲 • Melanie Ma 支持單位 • Apoio • Supporters 澳門文化局 • Instituto Cultural de Macau • Macau Cultural Affairs Bureau 匯展廊 • Galeria Macpro • Macpro Gallery

目錄 • Índice • Index 葛震 • Ge Zhen

范文德 • João Fazenda

欣莎 • Xyza Cruz Bacani

歐陽永鋒 • Mike Ao Ieong 夏天翔 • Summer Ha

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澳門文學節 • F E S T I VA L L I T E R Á R I O D E M A C A U • M A C A U L I T E R A RY F E S T I VA L

葛震

Ge Zhen

文本之外 • Fora do Texto • Outside the Text 匯展廊 GALERIA MACPRO MACPRO GALLERY 雋文不朽

• rota das letras • the script road

葛震 • Ge Zhen

文本是我們感知世界，洞悉彼此，悟化觸及未知的橋樑，同時也是建立自我意識的高牆。我們創造著物化文本的同時，也束縛著我們的想像。我在創作《文本之外》系列時一直試圖忘卻既有文本中的文字，只取其形，讓空無的文本與可見之物彼此交融，相互映照，祈望能依此生長出一種有你我，有萬物，異樣的，不朽的「本本」。

• Tentei esquecer todas as palavras quando estava a criar a série Fora do Texto, apenas extraindo a forma e deixando os caracteres ausentes de sentido misturaram--se com objectos visíveis – reflectindo-se uns aos outros, esperando criar um texto imortal e peculiar que abarque todas as coisas da Terra, incluindo eu e vocês. • When I was creating the series Outside the Text, I tried to forget all the words in the text itself and just extract the form and let the meaningless characters mingle with the visible objects, reflecting one another, in the hope of creating an immortal and peculiar text that embraces all the things on Earth, including you and me.

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簡介 • Biografia • Biography

葛震，1965年9月生於南京，1984年畢業于南京曉莊師範（現曉莊學院），現居南京。曾獲「CCTV中國當代油畫作品展播」優秀作品獎、「首屆美術文獻提名展」提名獎、「中國第三屆油畫展」中國油畫藝術獎等

獎項，並曾於北京、上海、南京等全國各地多次舉辦個人展覽，其作品

亦經常於全國各類大型藝術展覽中展出。其藝術圖式獨特，具有深刻思想內涵，充滿人文格調。

• Ge Zhen nasceu em Nanjing, província de Jiangsu, em 1965, e licenciou-se em 1984 pela Escola de Xiaozhuang. Com um estilo único, carregado de expressão profunda e de pensamento humanístico, o trabalho de Ge Zhen recebeu vários louvores, entre eles o Prémio de Excelência da Exposição de Pintura Chinesa Contemporânea a Óleo da estação televisiva CCTV; uma distinção na 1ª Exposição de Nomeados para Belas-Artes e Literatura; e um prémio na 3ª Exposição de Pintura Chinesa a Óleo. O trabalho de Ge Zhen é habitualmente mostrado em exposições individuais e colectivas em várias cidades chinesas, incluindo Pequim, Xangai e Hong Kong. Actualmente, o artista vive e trabalha em Nanjing. • Born in Nanjing in China’s Jiangsu Province in 1965, Ge Zhen graduated from the Xiaozhuang Normal School of Nanjing (now Xiaozhuang College) in 1984. His unique painting style, full of humanistic thinking and profound expression, has earned him accolades at numerous exhibitions, among them the CCTV Chinese Contemporary Oil Painting Exhibition (Award for Excellence), the 1st Nominative Exhibition for Fine Arts and Literature and the 3rd Chinese Oil Painting Exhibition (Chinese Oil Painting Prize). Ge’s works are also frequently seen in solo and group exhibitions in major cities across China, including Beijing, Shanghai and Hong Kong. He currently lives and works in Nanjing.

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姚風 • Yao Feng 策展人 • Curador • Curator

用自由的翅膀丈量天空在策劃這次展覽之前，我與葛震並不相識，至今也沒見過面。2008年，我準備出版一本題為《遠方之歌》的詩集，偶然在黃梵主編的《南京評

論》中看到葛震的油畫，一見鍾情，便通過朋友征得他的同意，選了幾

幅畫作為封面和插圖。用於封面的畫是一只用頭撞破籠子而死的飛鳥，鳥只留下了零落的骸骨，但眼睛還圓圓地睜著，死不瞑目地眺望向著遠方。

在葛震的繪畫語言中，飛鳥、籠子、翼人等是重要的關鍵字。他筆下的

飛鳥，並非翱翔雲天的那一類，而是在禁錮之下，只剩下了凋敝的翅膀

和支離的骸骨，它們或許曾用自由的翅膀丈量過天空，但最終被禁錮，不過它們死活都要衝破牢籠，而通常的結局是，它們與籠子同歸於盡。其實，籠子裡的日子可以是很舒適的，不用勞碌奔波即可得到食糧，因

此籠子可以養活許多鳥，甚至許多人，但有的鳥和人寧死也不願失去自

由，不吃嗟來之食。葛震畫的就是這種鳥，這種人，或者說這種精神。因

此，鳥和籠子構成了葛震獨有的象徵物，它們曾在一段時間內反復呈現

著這樣的主題——限制與解放。或許，這一宏大的命題並非有意為之，更多的是一個藝術家在艱辛的藝術創作中心路歷程的滄桑寫照。

在“飛鳥”系列中，葛震喜歡用偏灰冷的色彩，刪繁至簡的筆觸，並時常有

意在油彩上留下劃痕，從而塗抹出一種蕭索荒寒的畫面：荒冷的空濛，腐爛的鳥籠，枯禿的樹枝…… 儘管這些畫使用的是油畫技法，卻滲透

著濃郁的東方情境，不禁令人想起倪瓚的空寂山水或者八大山人的黑白枯枝。毫無疑問，這是一個悲觀主義者的圖景，然而，悲涼之中卻不乏悲壯，你看那些飛鳥，哪怕形銷骨立，還依舊保留著飛翔的意志與姿態。

葛震的繪畫中的另一個關鍵字是翼人，他們並非宗教神話意義上的天

使，而是那些為自己裝上翅膀的人。人類很早就開始向飛鳥學習飛翔了，

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但始終沒有在天空中生長出翅膀，直到發明了飛機。如果沒有早期翼人

的異想天開的狂想和血肉模糊的死亡試驗，也就不會有今天的飛機。從

這個角度來看，這些翼人其實是與他筆下的飛鳥有一脈相承的精神氣質，即都是為了擺脫局限，嚮往更廣闊的空間。不過，他筆下的翼人沒有一個處於飛翔狀態的，他們只是攜帶著翅膀存於大地，在人間行走、困

坐、躺臥、甚至蕩秋千，還有的翼人甚至被戴上了氧氣面罩，是高空缺氧還是霧霾肆虐？

葛震為澳門的這次展覽帶來一些新作，比如“後園”和“文本之外”兩個系

列中的一些作品。 “後園”系列可被視作葛震以往繪畫主旨的延伸，看來 “限制與解放”

這一命題已然成為一種宿命，在無盡的畫布上揮之不去。

那些在陽光中綻放豔麗的盆栽，其實完全無法主宰自己命運，只能無關

痛癢地裝飾著別人的 “後園”，因此它們在本質上和籠中鳥有著同樣的命

運。而 “文本之外” 則凝結著畫家新的思考：文本與不朽，或者與死亡；文本與罌粟，或者與毒藥；文本與文本，或者它們之間的互文性，如此等等，都是觀者在畫面之前可以思索的問題。

藝術發展至今，已不再僅僅是審美和賞玩的對象，而是與社會發展有著

必然的聯繫，它既可以彰顯自由與個性，也可以去懷疑與批判，對束縛自

身的生存現實提出反省和質疑，因此，一個優秀的藝術家除了嫺熟的繪畫技巧和屬於自己的藝術風格之外，還必須擁有質疑現實和想像未來的能力，而葛震正大步走在這樣的一條路上，這條路的終點不是鳥籠，也不是後園，而是大地與天空。

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Medir o Céu com as Asas da Liberdade

Antes de organizar esta exposição, Ge Zhen e eu não nos conhecíamos e até hoje ainda não nos encontrámos. Quando me estava a preparar para a publicação da minha colectânea poética Distant Songs, em 2008, vi as pinturas de Ge Zhen por acaso na Nanjing Reviews, cujo chefe-de-redacção era Huang Fan. Foi amor à primeira vista e, após ter obtido a sua aprovação através de alguns amigos comuns, seleccionei um conjunto dos seus trabalhos para ilustrar a minha colectânea de poesia. Para a capa, escolhi a imagem de um pássaro que se tinha sacrificado esmagando a cabeça de encontro à gaiola, deixando apenas um parco esqueleto e olhos que fitavam o céu. Pássaros, gaiolas e homens alados são os símbolos-chave na obra de Ge Zhen. Os pássaros, no seu trabalho, não são aqueles que voam e pairam no céu, mas os que estão presos, com asas pendentes e estrutura esquelética. Talvez em tempos tenham medido o céu com as suas asas de liberdade. Não obstante, o cativeiro é o seu derradeiro destino. Não querendo prescindir do direito a esticar as asas, eles acabarão por morrer na gaiola. Na realidade, poderiam ter uma vida fácil e confortável ali. Não necessitariam de procurar comida, já que uma gaiola pode alimentar um grande número de pássaros, até um humano. Contudo, há sempre pássaros e pessoas que se recusam a trocar a sua liberdade pelo alimento que é distribuído com desdém. São estes os pássaros – ou, deveríamos dizer, as pessoas ou o espírito – na obra de Ge Zhen. Assim, pássaros e gaiolas são os elementos simbólicos nas suas pinturas. Foram usados repetidamente para expressar o tema da limitação de uma antiga liberdade. Ou talvez esta grande proposta não seja intencional, mas antes o reflexo da vida difícil de um artista que caminha para o núcleo da sua criação artística. Na série Os Pássaros, Ge Zhen tende a usar uma cor fria, cinzenta e pinceladas simples. Ele também imprime intencionalmente uma marca na pintura a óleo que deixa um travo de desolação: um fundo deprimente, uma gaiola podre, ramos secos… Mesmo usando pinceladas a óleo, há sempre indícios de um cenário oriental reminiscente das paisagens de Ni Zan ou os ramos secos, monocromáticos, de Bada Shanren. Não há dúvida de que isto é um reflexo de pessimismo. Ainda assim, há uma coexistência entre a desolação miserável e o profundo sacrifício. Olhemos para os pássaros – mesmo que não tenham mais do que um esqueleto descarnado, eles permanecem de pé, com dignidade, e conservam o espírito imponente. 10

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Outro símbolo-chave é o homem alado – não o anjo das lendas religiosas, mas o humano que amarrou um par de asas a si mesmo. A história humana de aprender a voar com os pássaros é longa mas, até ter sido inventado o avião, não ganhámos asas durante essa ascensão. Se o homem alado não tivesse essa fantasia e a experiência sangrenta, mortal, hoje não haveria aviões. Deste ponto de vista, estes homens alados partilham características e um espírito com os pássaros. Ambos desejam libertar-se da estrutura e anseiam por um espaço mais amplo. No entanto, nenhum dos homens alados nas suas obras é retratado em voo. Todos apenas transportam as asas, estão ligados à terra, caminham, estão sentados, deitados ou até a balançar. Alguns usam inclusivamente máscaras, sejam de oxigénio a grandes altitudes ou para se protegerem dos fumos da poluição. Ge Zhen trouxe algum do seu trabalho mais recente para esta exposição em Macau, que inclui pinturas das séries O Quintal e Fora do Texto. O Quintal pode ser visto como uma extensão do trabalho anterior de Ge Zhen, e parece que o tema da “limitação e libertação” se tornou uma inevitabilidade na sua tela, algo que não pode ser apagado. Aquelas plantas em vasos parecem estar a florescer de forma arrebatadora sob o sol mas, lá no fundo, partilham o mesmo destino que os pássaros presos nas gaiolas. Fora do Texto, por outro lado, é uma destilação dos pensamentos do artista: texto com imortalidade ou com morte, texto com papoila de ópio ou com veneno, texto com texto ou a intertextualidade entre eles, e por aí adiante. Tudo isto são questões colocadas aos visitantes. A arte, tendo experimentado tantos anos de desenvolvimento, já não existe simplesmente por motivos estéticos e para ser admirada. Ao invés, está intimamente ligada ao desenvolvimento da sociedade. A arte é uma forma de exprimir liberdade e individualidade mas, ao mesmo tempo, pode ser usada para duvidar e julgar, aplicando introspecção e cepticismo ao agrilhoar da sobrevivência à realidade. Afinal, para se ser um grande artista é preciso não só possuir um estilo próprio e um talento maravilhoso para a pintura, como também ter a capacidade de questionar a realidade e imaginar o futuro. Ge Zhen está no seu caminho. E o seu destino não é uma gaiola nem um quintal, mas um plateau espaçoso e o vasto céu azul.

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Gauge the Sky with the Wings of Freedom

Before organising this exhibition, Ge Zhen and I were not acquainted, and still to this day we have not yet met. When I was preparing for the publication of my poetry collection Distant Songs in 2008, I saw Ge Zhen’s paintings by chance in Nanjing Reviews, of which Huang Fan was Editor-in-Chief. It was love at first sight, and, after gaining his approval through some mutual friends, I selected a number of his works to serve as the illustrations for my poetry collection. To feature on the cover I chose an image of a bird that had sacrificed itself, crushing its head against its cage, leaving only a sparse skeleton and eyes staring at the sky. Birds, cages and the winged man are the key symbols in Ge Zhen’s work. The birds in his work are not those that soar and hover in the sky, but rather the ones imprisoned, with drooping wings and skeletal frame. Perhaps they once did gauge the sky with their wings of freedom. Nevertheless, captivity is their denouement. Unwilling to forfeit the right to stretch their wings, they will perish in the cage at the end of the day. In point of fact they could have an easy, comfortable life in the cage. There is no need to search for food, so a cage might feed a large number of birds, even a human. However, there are always birds and people who refuse to trade their liberty for the feed that is doled out in contempt. These are the birds – or, we ought to say, the people or the spirit – in Ge Zhen’s work. So, the birds and cages are the symbolic elements in his paintings. They have been used repeatedly to express the theme of limitation of a former liberty. Or perhaps this grand proposition was not intentional but rather the reflection of an artist’s difficult life en route to the core of his artistic creation. In the series The Birds, Ge Zhen tends to use cold, greyish colour and simple brushwork. He also intentionally leaves a symbol in the oil painting that gives a taste of the desolate: a desolate background, a rotten birdcage, withered branches…. Despite the fact that he has used the brushwork of oil painting, there is always a hint of oriental scenery reminiscent of Ni Zan’s landscape painting or the monochrome, withered branches in Bada Shanren. There is no doubt this is a reflection of pessimism. Nevertheless, there is a co-existence between miserable desolation and profound sacrifice. Look at the birds, even if all they have is their own gaunt skeleton, they still stand tall, with dignity, and retain their soaring spirit. 12

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Another key symbol is the winged man, not the angel of religious legends, but the human who strapped a pair of wings on, himself. The human story of learning to soar with the birds is a long one, but we did not grow wings through all that soaring until the airplane was invented. If the winged man had not had that fantasy and the bloody, deadly experience, there would be no airplane today. From this point of view these winged men share traits and a spirit in common with the birds. They both desire to free themselves from the frame and yearn for a wider space. However, not one of the winged men in his works is portrayed in flight. They all just carry the wings, earthbound, walking, sitting, lying or even swinging. Some of them even wear masks, whether for oxygen at high altitudes or to protect from the poison of smog. Ge Zhen has brought some of his latest work to Macau for this exhibition including paintings from the series The Backyard and Outside the Text. The Backyard can be viewed as an extension of Ge Zhen’s previous work, and it seems the theme of “limitation and liberation” has now become an inevitability on his canvas, one that cannot be wiped away. Those potted plants seem to be ravishingly in bloom under the sun, but deep inside they share the same fate as the birds trapped in their cages. Outside the Text, on the other hand, is a distillation of the artist’s thoughts: text with immortality or with death, text with opium poppy or with poison, text with text or the intertextuality between them, and so on. All these are questions posed to the viewers. Art, having undergone so many years of development, no longer simply exists for aesthetic purposes and to be admired. Rather, it is closely connected to the development of society. Art is a way to express liberty and individuality, but at the same time it can be used to doubt and judge, applying introspection and scepticism to the shackling of survival to reality. All in all, to be a great artist one not only needs to possess an individual style and wonderful painting skills, but also the ability to question reality and imagine the future. Ge Zhen is on his way, and his destination is neither a birdcage nor a backyard, but a spacious plateau and the vast blue sky.

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葛震 • Ge Zhen

公園 • O Parque • The Park 40 x 56 cm, 2014

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文本之外 • Fora do Texto • Outside the Text

後園之火 • Fogo no quintal • The Fire in the Backyard 40 x 30 cm, 2014

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葛震 • Ge Zhen

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文本之外 • Fora do Texto • Outside the Text

文本之外（之六）• Fora do Texto (Seis) • Outside the Text (Six) 90 x 100 cm, 2014

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葛震 • Ge Zhen

文本之外 • Fora do Texto • Outside the Text 50 x 60 cm, 2014

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文本之外 • Fora do Texto • Outside the Text

文本之外（四）no.1 • Fora do Texto (Quatro), Nº 1 • Outside the Text (Four) no. 1 50 x 60 cm, 2011

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葛震 • Ge Zhen

文本之外（四）no. 2 • Fora do Texto (Quatro), Nº 2 • Outside the Text (Four) no. 2 50 x 60 cm, 2014

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文本之外 • Fora do Texto • Outside the Text

文本之外（之三）no.1 • Fora do Texto (Três), Nº 1 • Outside the Text (Three) no. 1 60 x 70 cm, 2011

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葛震 • Ge Zhen

文本之外（之三）no. 2 • Fora do Texto (Três), Nº 2 • Outside the Text (Three) no. 2 60 x 70 cm, 2011

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文本之外 • Fora do Texto • Outside the Text

文本之外（之三）no. 3 • Fora do Texto (Três), Nº 3 • Outside the Text (Three) no. 3 60 x 70 cm, 2011

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葛震 • Ge Zhen

文本之外（之三）no. 4 • Fora do Texto (Três), Nº 4 • Outside the Text (Three) no. 4 60 x 70 cm, 2014

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文本之外（之三）no. 5 • Fora do Texto (Três), Nº 5 • Outside the Text (Three) no. 5 60 x 70 cm, 2011

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文本之外（之三）no. 6 • Fora do Texto (Três), Nº 6 • Outside the Text (Three) no. 6 60 x 70 cm, 2014

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葛震 • Ge Zhen

文本之外（之三）no. 7 • Fora do Texto (Três), Nº 7 • Outside the Text (Three) no. 7 60 x 50 cm, 2011

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不朽 • Imortal • Immortal 60 x 50 cm, 2014

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葛震 • Ge Zhen

文本之外（之五）• Fora do Texto (Cinco) • Outside the Text (Five) 80 x 100 cm, 2014

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假山 • Jardim de Pedra • The Rockery 56 x 42 cm, 2014

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葛震 • Ge Zhen

後園 • O Quintal • The Backyard 45.6 x 40 cm, 2013

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文本之外 • Fora do Texto • Outside the Text

依偎 • Aconchego • Cuddling 40 x 40 cm, 2010

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葛震 • Ge Zhen

胖翼人之一 • O Homem Rechonchudo com Asas (Um) • The Plumped Winged Man (One) 56 x 42 cm, 2013

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文本之外 • Fora do Texto • Outside the Text

胖翼人之二 • O Homem Rechonchudo com Asas (Dois) • The Plumped Winged Man (Two) 40 x 40 cm, 2010

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范文德

João Fazenda

字裡行間 • Entre Palavras • Between Words 舊法院大樓 EDIFÍCIO DO ANTIGO TRIBUNAL OLD COURT BUILDING 雋文不朽

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范文德 • João Fazenda

在插畫當中有著許多不同的領域。在無形中我曾為其作畫及閱讀的書籍大部份都是關於葡萄牙作家、音樂家、甚至是一些偉大的葡語作家。這一系列是從三本無論從形式火內容都不相同的書籍選取出來的插畫畫作，唯一相同的是他們都是關於甚至是由一些代表葡萄牙文化的重要人物，如費爾南多 · 佩索阿、阿瑪莉亞· 德里格斯及賈梅士。

• Os territórios da ilustração são muitos e variados. Entre os vários livros que ilustrei e visitei, calhou, entre a sorte e a vontade, alguns falarem sobre escritores e músicos portugueses, ou serem eles mesmo assinados por autores maiores da língua portuguesa. Esta mostra de trabalhos resulta da selecção de ilustrações de três desses livros. Todos bastante diferentes entre si, quer na forma quer no conteúdo, mas com a característica comum de serem obras de ou sobre figuras importantes da cultura portuguesa: Fernando Pessoa, Amália Rodrigues e Camões. • The territories within illustration are many and varied. Amongst the many books I’ve illustrated and perused, it happened that some of them, partly by chance and partly intentionally, were about Portuguese writers and musicians or even written by some of the greatest Portuguese-language authors. The collection of work on display is a selection of illustrations from three such books, each of them quite different from the others, both in form and content, but having in common that they are by, or about, important figures of Portuguese culture: Fernando Pessoa, Amália Rodrigues and Camões. 38

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簡介 • Biografia • Biography 范文德，出生於葡萄牙里斯本，曾在 António Arroio藝術學院學習繪

圖藝術，畢業於里斯本大學藝術學系，主修繪畫。他的作品範圍包括插畫、動畫、漫畫、繪畫及少數油畫。他是葡萄牙國內外知名的插畫家，作

品常見於葡萄牙《公共報》《紐約時報》及葡國雜誌《Visão》等；曾獲得「報紙設計協會獎」、「3x3 Proshow競賽及交流藝術獎」及於2007年獲得

「Stuart / El Corte Inglês 工藝設計大獎」。曾在多個國家舉辦過個展

及群展。他與別人合著的兒童劇《畫像說》最近剛於里斯本的瑪利亞·馬托斯劇院進行首演。

•

João Fazenda nasceu em Lisboa, onde estudou Artes Gráficas na António Arroio e se licenciou em Pintura pela Faculdade de Belas-Artes. O seu trabalho divide-se entre a ilustração, a animação, a banda-desenhada, o desenho e ocasionalmente a pintura. Tem desenvolvido uma longa actividade como ilustrador editorial para a imprensa portuguesa e estrangeira, colaborando regularmente com publicações como o Público, o The New York Times ou a Visão. O seu trabalho foi premiado pela Society of Newspapers Design, 3x3 Proshow Competition e Communication Arts; e em 2007 recebeu o Grande Prémio Stuart / El Corte Inglês de Desenho de Imprensa. Fazenda já expôs em mostras colectivas e individuais em diversos países. Recentemente foi co-autor com Pedro da Silva Martins do espectáculo para crianças Retrato Falado, que teve estreia em Outubro de 2014 no Teatro Maria Matos. • João Fazenda was born in Lisbon, where he studied Graphic Arts at the António Arroio Arts School and graduated from the Fine Arts Department of the University of Lisbon with a degree in Painting. His work is divided between illustration, animation, comics, drawing and, occasionally, painting. He’s long been an illustrator for publications both at home and abroad, contributing regularly to Público, The New York Times and the Portuguese magazine Visão. His work was awarded by the Society of Newspaper Design, the 3x3 Proshow Competition and Communication Arts, and in 2007 he received the Stuart/ El Corte Inglês Press Design Grand Prize. Fazenda has exhibited solo and in group shows in many countries. Recently, he co-authored the children’s show Retrato Falado which debuted at the Maria Matos Theatre in Lisbon. 雋文不朽

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白艾德 • Hélder Beja 策展人 • Curador • Curator 繪圖敘事對於讀者而言，書是活的：它開放自己，呈現自己，告訴我們那些已知或未知的事情。書是朋友，也需要交朋友──那些翻開它、關注它、閱讀它的朋友。

範文德的插畫不光進一步詮釋了書籍的內容，更增加了書籍的可看性，亦是另一個可以吸引年輕讀者拿起書來享受閱讀私密時光的一個理由。範文德將幾何線條融入畫風，他常常為那些寫作的那男女女插畫。他熱愛文學──我永遠記得在葡國《Ler》雜誌上為博拉尼奧和其他人的文學作品所配之插畫，而這些作品也將於本次展覽上呈現。

在《字裡行間》裡，詩人佩索阿和賈梅士被這位才華橫溢的年輕藝術家以一種輕鬆地方式呈現出來，並使用了極其獨特的配色。而另一位葡萄牙文藝圈名字如雷貫耳的人物著名法朵歌手阿瑪莉亞·德里格斯不能在獲

得比這更大致敬──範文德的畫搭配瑪利亞·佩德雷拉的文字共同譜寫出書籍《我最初的阿瑪利亞》。

• Desenhando histórias O livro é, para os que lemos, um objecto vivo: abre-se, revela-se, conta-nos aquilo que não sabíamos e aquilo que já sabíamos. O livro é um amigo e precisa de amigos – que o folheiem, que lhe dêem atenção, que olhem para ele. As ilustrações de João Fazenda têm esse condão de dar aos livros aquilo que às vezes tanto lhes falta, esse empurrão para serem lidos, outra razão que não as palavras miúdas para que miúdos e graúdos peguem neles e desfrutem dessa relação que é também física e visual. Com um traço em que as formas geométricas se imiscuem no registo caricatural, Fazenda está habituado a desenhar histórias e mulheres e homens que escrevem 40

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histórias. A sua proximidade com a literatura – inesquecível a ilustração de Roberto Bolaño e tantas outras que fez para a revista Ler – está bem patente nesta exposição. Em Entre Palavras, Fernando Pessoa e Luís Vaz de Camões passeiam alegremente pela mão deste ainda jovem artista que tem no uso da cor uma assinatura reconhecível. Amália Rodrigues, a outra grande figura da cultura portuguesa representada nesta mostra, não poderia ter recebido melhor homenagem: as ilustrações de João Fazenda ao lado das palavras de Maria do Rosário Pedreira no livro que publicaram juntos, A Minha Primeira Amália. • Drawing Stories Books, to those of us that read them, are living objects. Opened and exposed, they tell us what we never knew and what we knew already. A book is a friend, and it needs friends – friends to flip through it, to pay attention to it, to look at it. João Fazenda’s illustrations have the ability to give books what they so often lack, that little push they need to be read, that extra reason, rather than simple words, for both young and adult readers to pick them up and enjoy a relationship with them that is also visual and physical. Possessing a style blending caricature and geometric form, Fazenda is accustomed to illustrating both stories and the men and women who write them. His proximity to the literary – who can forget his portraits of Roberto Bolaño and so many others, penned for the Portuguese magazine Ler – is well documented in this exhibition. In Between Words, the writers Fernando Pessoa and Luís Vaz de Camões emerge happily from the hand of this still young artist, whose trademark use of colour is instantly recognisable, and what better homage to fado singer Amália Rodrigues than his illustrations alongside Maria do Rosário Pedreira’s words in their book A Minha Primeira Amália (My First Amália). Pessoa, Camões and Rodrigues, three luminaries of Portuguese culture, are exquisitely remembered in this exhibition of João Fazenda’s art. 雋文不朽

• rota das letras • the script road

范文德 • João Fazenda

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字裡行間 • Entre Palavras • Between Words

時尚進行曲 • Marcha Popular • Folk Parade 30 x 80 cm

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• rota das letras • the script road

范文德 • João Fazenda

里斯本 • Lisboa • Lisbon 55 x 55 cm

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字裡行間 • Entre Palavras • Between Words

阿瑪利亞 • Amália 40 x 50 cm

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范文德 • João Fazenda

阿瑪利亞在奧林匹亞劇場 Amália no Olympia Amália at the Olympia 60 x 55 cm

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字裡行間 • Entre Palavras • Between Words

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• rota das letras • the script road

范文德 • João Fazenda

法朵歌手 • A Fadista • The Fado Singer 55 x 55 cm

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字裡行間 • Entre Palavras • Between Words

阿瑪利亞與詩人們 • Amália e os Poetas • Amália and the Poets 50 x 40 cm

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范文德 • João Fazenda

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字裡行間 • Entre Palavras • Between Words

名人 • Fama • Celebrity 30 x 80 cm

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范文德 • João Fazenda

瑪麗沁雅之家 • Casa da Mariquinhas • Mariquinhas House 40 x 40 cm

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法朵之家 • Casa de Fado • Fado House 55 x 60 cm

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范文德 • João Fazenda

河 • Rio • River 50 x 40 cm

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囚徒• Prisioneiro • Prisioner 40 x 50 cm

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范文德 • João Fazenda

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字裡行間 • Entre Palavras • Between Words

誘惑 • Tentações • Temptations 40 x 50 cm

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范文德 • João Fazenda

賈梅士 • Camões 40 x 50 cm

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字裡行間 • Entre Palavras • Between Words

繆斯女神 • Musa • Muse 40 x 50 cm

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范文德 • João Fazenda

島 • Ilha • Isle 40 x 50 cm

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風暴 • Tempestade • Storm 40 x 50 cm

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范文德 • João Fazenda

地平線 • Horizonte • Horizon 40 x 50 cm

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范文德 • João Fazenda

漂浮 • À Deriva • Adrift 59.4 x 42 cm

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女士們 • Mulheres • Women 40 x 50 cm

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范文德 • João Fazenda

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愛呀 • Amores • Loves 50 x 60 cm

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范文德 • João Fazenda

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詩人的發明者 Inventor de Poetas Inventor of Poets 30 x 42 cm

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范文德 • João Fazenda

指揮 • O Maestro • The Maestro 42 x 30 cm

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字裡行間 • Entre Palavras • Between Words

信息 • Mensagem • Message 42 x 30 cm

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范文德 • João Fazenda

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字裡行間 • Entre Palavras • Between Words

家 • Casa • Home 30 x 42 cm

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范文德 • João Fazenda

繁星 • Constelações • Constellations 42 x 30 cm

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字裡行間 • Entre Palavras • Between Words

馬蒂尼奧·達·阿爾卡達咖啡館 • Martinho da Arcada 42 x 30 cm

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范文德 • João Fazenda

詩人們 • Os Poetas • The Poets 42 x 59.4 cm

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字裡行間 • Entre Palavras • Between Words

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范文德 • João Fazenda

佩索阿 • Pessoa 29.7 x 21 cm

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字裡行間 • Entre Palavras • Between Words

詩人 • O Poeta • The Poet 42 x 30 cm

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欣莎

Xyza Cruz Bacani

生活片段 • Pedaços de Vida • Slices of Life 舊法院大樓 EDIFÍCIO DO ANTIGO TRIBUNAL OLD COURT BUILDING 雋文不朽

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欣莎 • Xyza Cruz Bacani

常說孤獨是一份禮物，而能找到與你有著同樣心跳的那個他／她更是無價的。常說成雙是最好的而人生中總有需要成對的時候。當我正在享受成雙成對的時候，我常思考愛與寂寞兩者之間的分別。這個街頭攝影展正正是展現人生中愛與寂寞的對比。

• Dizem que a solidão é uma dádiva e que encontrar alguém cujo coração bate ao mesmo ritmo que o nosso é qualquer coisa que não tem preço. Dizem que ambos os cenários são bons e que por vezes precisamos dos dois na nossa vida. Questiono-me sempre sobre as diferenças entre amor e solidão quando experiencio ambos. Esta colecção de fotografias de rua é sobre o contraste do amor e da solidão nas nossas vidas. • They say solitude is a gift and finding someone whose heart beats to the same rhythm as yours is priceless. They say both are fine and sometimes you need both in this life. I always wonder about the difference between love and loneliness, when I enjoy both. This collection of street images is about the contrast between love and loneliness in a human being’s life. 82

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簡介 • Biografia • Biography

欣莎，一名來自菲律賓的街頭及紀實攝影師。作品曾刊登於紐約時報的攝影部落格、CNN及其他傳媒刊物。在香港作為一名家庭傭工，她期望

能把她那些被虧待的同工的生活紀錄下來並成為一名攝影記者。她曾拍攝香港的佔中運動，把那些撼動她靈魂的街頭影響拍攝下來，並在 2015年獲得紐約攝影學會MAGNUM基金會的人權獎學金。

• Xyza Cruz Bacani é uma artista filipina que faz fotografia de rua e fotografia documental. O seu trabalho recebeu cobertura internacional no The New York Times Lens Blog, na CNN e em muitos outros meios de comunicação. A trabalhar como empregada doméstica em Hong Kong, Xyza ambiciona ser fotojornalista e documenta a vida das suas colegas de profissão que têm sido vítimas de vários abusos em Hong Kong. Também acompanhou o movimento Occupy Central, com fotografias de rua que capturam a alma e a essência do acontecimento. Já este ano, Xyza Bacani foi seleccionada como uma das vencedoras da Magnum Foundation Fellowship for Human Rights, em Nova Iorque. • Xyza Cruz Bacani is a Filipina street and documentary photographer who has been featured in Lens, the photojournalism blog of The New York Times, on CNN and in various other media publications. Labouring as a domestic worker in Hong Kong during the day, she aspires to be a photojournalist and documents the life of her fellow domestic workers who are abused in Hong Kong. She covered the Occupy Central protests and shoots street photography to nourish her soul. She has been selected as one of the Magnum Fellows in the 2015 Magnum Foundation Fellowship for Human Rights in New York. 雋文不朽

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郭恬熙 • Alice Kok 策展人 • Curadora • Curator

都市傳奇紅塵都市裡的芸芸眾生及其生活百態總是攝影師們孜孜以求的絕佳創作題材。而欣莎並非以局外人身份來做此事，而更像是一個深扎其中的臥底。欣莎曾是香港眾多菲律賓勞工的一員，從事全職家庭傭工的

工作，跟許多同鄉一樣，每天日出而作日落而息來賺取並不豐厚的收入。但她的不同之處，在於讓自己的獨特觀察視角引領著走上攝影師之路，並且舉辦了個人展。

欣莎的獨特視角和風格是相輔相成的，全然坦誠而未加修飾。她信步走入都市的孤獨，感受著都市人對愛的尋覓。她的作品就像覆蓋著斑駁水藻重重外殼之下的明珠，從固有的社會秩序的狹縫中中綻放出耀

眼光芒。在隱藏與發現之間，在黑白相紙之上，欣莎帶著她的照相機，堅定的走著。

• Lenda Urbana A natureza anónima da vida na cidade foi sempre um tema fascinante para os fotógrafos. Xyza Bacani, no entanto, está a trabalhar sobre ele não tanto com uma outsider mas como alguém que o investiga disfarçadamente. Empregada doméstica em Hong Kong, Xyza era uma entre as centenas de milhares de trabalhadoras filipinas a viver na região vizinha. Como muitas outras mulheres, trabalhava de sol a sol naquela metrópole para conseguir um salário modesto. Porém, a sua capacidade de observação única transportou-a para uma jornada fotográfica da qual resultou esta mostra individual.

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A visão de Xyza e o seu caminho estão intimamente ligados, de um modo profundamente honesto e cru. Sem quaisquer pretensões, Xyza vagueia pela solidão da cidade e das pessoas em busca de amor. Como a pérola coberta por uma concha entre as algas do mar, o seu trabalho irradia através de uma pequena brecha na ordem social estabelecida. A ambiguidade entre o que está escondido e o que é encontrado, bem como a melancolia do preto-e-branco – é por aí que Xyza caminha com a sua câmara. • The Urban Legend The anonymous nature of city life has always been a fascinating subject for photographers to explore. Xyza Bacani is not researching it from the outside, however. Instead, she is investigating it from within, like an undercover operative. Working as a full time domestic helper in Hong Kong, Xyza is one of the hundreds of thousands of Filipino workers currently residing in the metropolis, and like many others, she toils there day after day, earning a modest income. Yet, unlike any of her peers, Bacani’s unique observations have led her onto a photographic journey, the results of which she shares with the world in this solo exhibition. Xyza’s vision and her path are one and the same: spartan and utterly honest. Without pretense whatsoever, Xyza wanders into the loneliness of the city and its people in search of love. Like the pearl half-enclosed in a shell among the seaweed, her work’s brilliance escapes through a very narrow window in our well-established social order. The ambiguity between the hidden and the found, the melancholy of the black and the white, these are the realms Bacani explores with her camera.

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欣莎 • Xyza Cruz Bacani

無名一 • Sem Título 1 • Untitled 1 58 x 39 cm

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生活片段 • Pedaços de Vida • Slices of Life

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欣莎 • Xyza Cruz Bacani

無名二 • Sem Título 2 • Untitled 2 58 x 39 cm

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生活片段 • Pedaços de Vida • Slices of Life

無名三 • Sem Título 3 • Untitled 3 58 x 39 cm

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欣莎 • Xyza Cruz Bacani

無名四 • Sem Título 4 • Untitled 4 58 x 38 cm

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生活片段 • Pedaços de Vida • Slices of Life

無名五 • Sem Título 5 • Untitled 5 58 x 39 cm

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欣莎 • Xyza Cruz Bacani

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生活片段 • Pedaços de Vida • Slices of Life

無名六 • Sem Título 6 • Untitled 6 58 x 37 cm

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欣莎 • Xyza Cruz Bacani

無名七 • Sem Título 7 • Untitled 7 58 x 39 cm

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生活片段 • Pedaços de Vida • Slices of Life

無名八 • Sem Título 8 • Untitled 8 58 x 41 cm

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欣莎 • Xyza Cruz Bacani

無名九 • Sem Título 9 • Untitled 9 58 x 41 cm

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生活片段 • Pedaços de Vida • Slices of Life

無名十 • Sem Título 10 • Untitled 10 58 x 39 cm

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欣莎 • Xyza Cruz Bacani

無名十一 • Sem Título 11 • Untitled 11 58 x 41 cm

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生活片段 • Pedaços de Vida • Slices of Life

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欣莎 • Xyza Cruz Bacani

無名十二 • Sem Título 12 • Untitled 12 58 x 41 cm

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生活片段 • Pedaços de Vida • Slices of Life

無名十三 • Sem Título 13 • Untitled 13 58 x 42 cm

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欣莎 • Xyza Cruz Bacani

無名十四 • Sem Título 14 • Untitled 14 58 x 39 cm

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生活片段 • Pedaços de Vida • Slices of Life

無名十五 • Sem Título 15 • Untitled 15 58 x 39 cm

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欣莎 • Xyza Cruz Bacani

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生活片段 • Pedaços de Vida • Slices of Life

無名十六 • Sem Título 16 • Untitled 16 58 x 41 cm

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歐陽永鋒

Mike Ao Ieong

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歐陽永鋒 • Mike Ao Ieong

歐陽永鋒 , 廣告導演及攝影師。畢業於台灣雲科大（NYUST）視覺傳達設計研究所，專攻影像創作與平面設計。實驗短片《屬於染色體紅的突

變》，曾獲「澳門國際電影及錄像展 - 澳門製造」的評審團推介獎。攝影集《關於女孩的投幣照相機》，曾獲日本Epson百萬影像大賞佳作。於傳說中的2012年世界末日的晚上，辦了首個個人攝影展《無聊戲》。

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簡介 • Biografia • Biography

Nascido em Macau, Mike Ao Ieong trabalha como realizador de vídeos de publicidade e fotógrafo. Formou--se pela Universidade Nacional de Ciência e Tecnologia de Yunlin, em Taiwan, especializando-se em Design de Comunicação Visual. O seu filme experimental The Mutation recebeu uma Menção Honrosa no Festival Internacional de Cinema e Vídeo de Macau, em 2008. A colecção fotográfica About The Girl’s Coin Camera foi premiada no EPSON Color Imaging Contest, em 2006. A sua primeira exposição individual, Silly Goods, abriu no alegado “dia do apocalipse”, em 2012. • Born in Macau, Mike Ao Ieong is an advertising director and photographer. He graduated from Taiwan’s National Yunlin University of Science and Technology with a degree in Visual Communication Design. His experimental film The Mutation was honoured with the Jury’s Recommendation Award at the 2008 Macau International Film and Video Festival. His photographic collection About The Girl’s Coin Camera was awarded in the 2006 EPSON Color Imaging Contest. He presented his first solo exhibition, Silly Goods, on the alleged “day of the apocalypse” in 2012.

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郭恬熙 • Alice Kok 策展人 • Curadora • Curator

影像的呢喃歐陽永鋒常以潛意識主導他的影像創作，他特別擅長把難以用筆墨形

容的東西以影像藝術的方式表達出來，彷如以他的鏡頭書寫詩歌一樣。無常的念想都以實驗性藝術的名義被一個又一個的拍攝下來。歐陽永鋒的影像常以不規的姿態給人一種惴惴不安的感覺。所有的念頭彷似都被藏在他深深的腦海裏，當他把它們呈現出來的時候就好像影像在呢喃一樣。

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Imagens murmurantes A videografia de Mike Ao Ieong é normalmente baseada no seu subconsciente. Ieong é especialmente talentoso no que toca a transportar o indescritível para a forma de vídeo arte. É como se escrevesse poemas com a sua câmara. A natureza efémera da mente é captada uma e outra vez em nome da arte experimental. As imagens de Ao Ieong deixam-nos uma sensação inquietante e não aparecem de modo aleatório. Bem pelo contrário, o artista parece ter tudo planeado num qualquer lugar profundo, para que quando chegue o momento da composição na timeline, as imagens fluam como se fossem um murmúrio da mente . • Murmuring Images Mike Ao Ieong’s videography is often based on his subconscious mind. The artist is especially talented at making the indescribable visible, in the form of video art. It is as if he writes poems with his camera. The ephemeral nature of the mind is captured again and again on screen in the name of experimental art. Ao Ieong’s images seem unsettled, but they are not randomly assembled. Quite the opposite, the artist seems to have everything planned somewhere deep down, so that when it comes to the storyboard and the timeline, everything just flows like the murmurings of the mind.

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歐陽永鋒 • Mike Ao Ieong

關於回憶的如此種種

• Qualquer coisa sobre a memória • Something to do with memory

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遺夢之意 • Passing

錄像 • Vídeo • Video - 2’’04

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夏天翔

Summer Ha

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夏天翔 • Summer Ha

夏天翔，多媒體創作人。畢業於澳門理工學院，主修平面設計及多媒體設計，近年主力多媒體創作，以聲音和影像為主，也有參與混音及現場電音演出。主要作品包括「 gos ees shop+art」中藝術作品「in blood」

(立體裝置+投影+聲音)。澳門藝術博物館「澳門藝術櫥多媒

作品展」 (立體裝置+投影+聲音)。

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簡介 • Biografia • Biography

Summer Ha licenciou-se em Design Gráfico e Multimédia pelo Instituto Politécnico de Macau. Nos últimos anos tem- -se concentrado na apresentação de trabalhos multimédia e criações audiovisuais. Deu ainda espectáculos de música electrónica ao vivo e trabalhou como engenheiro de som. As suas esculturas 3D estiveram em exibição na Montra de Arte do Museu de Arte de Macau e na exposição multimédia Collision. • Multimedia creator Summer Ha graduated from the Macao Polytechnic Institute with a degree in Graphic and Multimedia Design. In recent years, he has focussed on presenting multimedia works including audiovisual creations. He has also worked in audio mixing and has given live electronic music performances. His sculptures with 3D audiovisual mapping were featured in the Macau Museum of Art’s Macau Arts Window exhibition and Collision, a multimedia art exhibition.

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郭恬熙 • Alice Kok 策展人 • Curadora • Curator

虛擬的痛楚夏天翔擅長聲音之道，創造性的用電腦將聲音轉化成仿真動畫影像。這種魔幻般擁有無限可能的合成影像頗具深遠意義。在虛構的現實和

真實的想像之間創造出一個一切皆有可能的空間。人類不再侷限於的物理條件的限制，我們的思維得以飛觸到任何人類情感所能及達的層

面。如果說人類對於痛苦的承受終有邊界，那麼夏天翔所正在做的就是突破那個極限。他的影像語言尖銳而犀利，在澳門切開一片數碼的藝術領域

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Dor Virtual Summer Ha trabalha com som e, baseando-se naquilo que ouve, cria imagens animadas e realistas ao computador. A magia e as possibilidades das imagens sintéticas mostradas no seu trabalho têm um longo alcance. A combinação entre realidade ficcionada e pura imaginação cria um espaço onde tudo é virtualmente possível. Deixamos de estar constrangidos pelas condições físicas daquilo a que chamamos “realidade” e a nossa mente pode elevar-se a qualquer patamar que as emoções humanas almejem possivelmente alcançar. Se existe um limite para a carga de sofrimento que um ser humano pode suportar, então o trabalho de Summer Ha propõe-se ir além dessa fronteira. A linguagem do seu imaginário é certeira e cortante, inscrevendo-se em domínios inexplorados da arte digital em Macau. • Virtual Pain Summer Ha works with sound, and on the basis of the sound he hears, he creates realistic computer-generated animated images. The magic and the possibilities of the synthetic images shown in his works are far reaching. The combination of fictive reality and true imagination creates a space where everything is virtually possible. No longer constrained by the physical laws of so-called “reality”, our minds can soar on whatever human emotions they can possibly reach. If there is a limit to how much pain a human being can withstand, then Ha’s work goes beyond that boundary. The language of his imagery is acute and sharp, clear-cutting an uncharted domain of digital art in Macau.

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in blood 錄影裝置 • Instalação de Vídeo • Video Installation

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每個人都有難忘的經歷或對痛苦經歷總有反反覆覆的回憶，作者透過流血、刺痛、懸掛的視覺畫面來表達不可磨滅的傷痛。本作品為「GO

SEES shop+art tour」的參展作品，原為三維實物投影（3D mapping) 的光影作品，曾於2013年7至8月期間於澳門Obése Plein店鋪展出。

• Todos temos experiências inesquecíveis ou memórias dolorosas que nos perseguem repetidamente. O autor tenta expressar essa dor indelével através de visões sangrentas, de dor aguda e de enforcamento. Esta peça artística, que começou por ser uma produção de video mapping em 3D, for apresentada na loja obése.plein como parte do percurso GO SEES shop+art. Esteve em exibição entre Julho e Agosto de 2013. • Everybody has their own unforgettable experience or painful memories that haunt them repeatedly. The artist seeks to express that indelible pain through visions of bleeding, sharp pain and hanging. The art piece, a 3D audiovisual mapping production, was displayed in the shop obése.plein between July and August of 2013 as part of the GO SEES shop+art tour.

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夏天翔 • Summer Ha

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Se Blonde Se Pink 錄影裝置 • Instalação de Vídeo • Video Installation

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歌曲大意是一場男孩痛楚的戀愛。作品透過粉紅頭骨被「顏射」來表

達一種單方愉悅而造成對方自尊受創的矛盾行為，來比喻在甜蜜中

受創的滋味。作品是先完成歌曲《Se Blonde Se Pink》，後加上畫面成為影像作品。

• A canção é sobre o sofrimento de um rapaz que se apaixona. A ejaculação no crânio cor-de-rosa expressa um acto unilateral excessivo, que cria uma sensação de desrespeito no outro. É uma metáfora da dor que se sente perante a doçura do amor. Este trabalho de animação foi criado com base na canção “Se Blond Se Pink”. • The song is about the pain of a boy who fell in love. The ejaculation onto the pink skull expresses a one-sided excessive act that engenders a disrespectful feeling in the other. It is a metaphor for the pain felt in the sweetness of love. The animation was created based on the song “Se Blonde Se Pink”.

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夏天翔 • Summer Ha

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Se Blonde Se Pink

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