Hello Friki Magazine - Febrero 2012

Hello Friki Magazine Número 2

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Índice y Carta de los editores Críticas de cine El Rey León, Warrior, Drive, Sherlock Holmes, La Chispa de la Vida, The Descendants, El Topo, No tengas miedo a la oscuridad.

Reportajes de cine Nausiccaä del Valle del Viento, Nosferatu y Samuráis en el asfalto.

Noticias de cine Avatar, Los Juegos del Hambre, El Hobbit y El Caballero Oscuro.

Reseñas de libros El Lago, Zafiro, Heraldos de la oscuridad y Todo oscuro, sin estrellas.

Noticias de literatura Los escritores más ricos, entrevista a George R.R. Martin, J.R. Tolkien no pudo acceder a los Nobel, avance editorial de Guarida de Ladrones, eReaders.

Reportajes de Series Black Mirror y Breaking Bad.

Noticias de Series Juego de Tronos, The Walking Dead, Star Wars Underworld, How I Met Your Mother y Globos de Oro.

Índice y Carta de los Editores

Índice y Carta de los Editores

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Equipo Hello Friki Magazine Víctor M. Yeste, M.C. Catalán, Diego Domínguez, Cris Miguel, I. García, Manuel Callejo, g4f5g6, Héctor Pintado, La morsa verde, Diego, eleaner, J.R. Plana y Escupefuego.

¡Un mes más! Y con él, contáis con un nuevo número de Hello Friki Magazine, esta vez con lo más destacado del mes de Febrero de 2012. Y no es para menos, puesto que el primer número ha tenido un éxito a muy tener en cuenta: casi 40.000 lecturas con el cierre de esta edición.

En Hello Friki, un proyecto cada vez más grande, nos alegramos de que cada vez podamos ofreceros más contenido y de mayor calidad. Pero todo esto, insisto, no sería posible sin el esfuerzo de nuestros redactores y críticos, cuya labor es muy remarcable. También hay que destacar la maquetación de Diego Domínguez, quien se esfuerza en traernos esta publicación en las mejores condiciones.

Es para nosotros un orgullo poder contar con la participación de nuestro equipo y, sobretodo, con la atención de vosotros, queridos lectores, que nos seguís día a día y, esperamos, seguiréis haciéndolo mucho tiempo más.

Victor M. Yeste y M.C. Catalán, editores de Hello Friki.

Hello Friki Magazine NĂşmero 2

.Cine.

CrĂ­ticas de Cine

Hello Friki Magazine Número 2

Tan fuerte, tan cerca. /ANALIZANDO\ "Si el Sol explotara, seguiríamos teniendo luz y calor durante ocho minutos."

Un poco más que esto es lo que tarda Oskar Schell (Thomas Horn) en asimilar la muerte de su padre (Tom Hanks), que murió durante los atentados del 11 S. Y es durante esos últimos minutos en los que todavía lo baña

“Tan fuerte, tan cerca” (“Extremely Loud and Incredibly Close”) es una pequeña película(salvo por el estelar reparto, que cuenta con una Sandra Bullock en un nivel superior a la media de sus interpretaciones, y con un fugaz Tom Hanks) sin muchas ambiciones, que se ha ganado el una merecida nominación a los Oscar de este año contando una historia que muchos ya conocemos pero que guardamos en el baúl de pensa-

la luz de su presencia cuando emprende su última expedición, en busca de la cerradura que abre una misteriosa llave.

Una última investigación que no es sino el modo de despedirse de su padre y de dejar a un lado las fobias propias de su extraña personalidad, que han sido incrementadas por la cercanía de la muerte, a la que

mientos incómodos.

Y si bien el misterio de saber qué abrirá la llave es, en un principio, lo que nos mantiene pegados a la pantalla, no tardamos en vernos hipnotizados por la fascinante personalidad con que (director y guionista) han dotado al protagonista, haciendo de Oskar un adulto atrapado en el cuerpo de un crío de nueve años de mirada inquisitiva y transparente.

M.C. Catalán Editora mccatalan@hellofriki.com

él se refiere con el eufemismo de "El peor día".

Y es así como un pequeño y brillante Thomas Horn sale cada mañana de sábado embutido en un gorro de lana y cuatro o cinco capas de abrigo, equipado con un kit de supervivencia y una relajante pandereta, a poner Nueva York patas arriba en busca de la dichosa cerradura.

Y a su lado compartimos el dolor y el vacío de la pérdida, que tan bien retrata su director,Stephen Daldry, con una casa que se antoja enormemente grande y vacía ;el miedo a la muerte que sigue a esta pérdida; y el descubrimiento de la vida a través de otras personas, tan diferentes entre sí como si cada una de ellas constituyera un universo en sí mismo, con su propia historia, sus extrañas costumbres y creencias.

Críticas de Cine

La cámara de fotos de Oskar retrata a un matrimonio en pleno proceso de separación (atención al cameo de la ascendente Olivia Davis), a una mujer llena de niños, a otra que grita, a un hombre que abraza y a todo tipo de personajes surrealistas que le permiten llenar un álbum de recuerdos.

Excelentes fotografías como la que nos ofrece Stephen

Daldry de un Nueva York mágico, variopinto y melancólico, que ha sido sacudido trágicamente y que aun así hierve lleno de vida.

Y acompañándolo en su aventura, el "inquilino". Un misterioso y mudo Max von Sydow que ocupa de forma intermitente una habitación de la casa de su comprensiva abuela y que jugará un papel

importante en los ocho minutos de luz que desprende el fallecido padre de Oskar.

Ocho minutos. Algo menos de lo que suele costarnos asimilar una desgracia.

PUNTUACIÓN:

TÍTULO: Extremely Loud and Incredibly Close DIRECTOR: Stephen Daldry REPARTO: Tom Hanks Sandra Bullock Thomas Horn GUIÓN: Eric Roth

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Star Wars: La Amenaza Fantasma Vuelta a empezar. 16 años después de que Luke Skywalker se convirtiese en un Jedi, redimiese a su padre, y los Rebeldes acabasen con el Imperio, Lucas decidió contarnos como se llegó a la situación que vimos en 'La Guerra de las Galaxias'. Y el primer episodio de esta nueva trilogía no podría ser más decepcionante.

Apenas conserva algo de la magia que hizo grande a las cintas originales, resultando un producto vacío, soso, sin vida.

Afortunadamente algunos buenos personajes y varios destellos que recuerdan a las auténticas películas de 'Star Wars' consiguen salvar una película que se contenta con ser correcta, pero que es, sin duda, la peor de la saga.

Seamos sinceros: Esto pintaba muy bien. Vale, la trilogía

clásica es insustituible, pero hay que reconocer que, por mucho que digan algunos, sí había material para otros tres capítulos. Saber como Anakin Skywalker se convirtió en Darth Vader, ver la extinción de los Jedi y el nacimiento del Imperio, el origen de las míticas Guerras Clon... Ahora bien, Lucas se encargaba en solitario del guión y de la dirección. Esto podía ser una buena o una mala noticia. Si recuperaba el espíritu y la magia de la primerísima película, entonces genial. Pero como volviese a caer en las ñoñerías que impidieron a 'El Retorno del Jedi' ser la Obra Maestra que debió haber sido... Mal vamos. ¿Resultado? Quiere ser lo primero y acaba siendo lo segundo, pero peor. Una película blandísima, con muy poca aventura y con poquísimas co-

Diego Crítico www.hellofriki.com

sas que contar. Tanto que, al acabar de verla, uno se pregunta si lo que se nos desvela en este film daba para una película entera. 'La Guerra de las Galaxias' era una película que funcionaba a la perfección por sí misma, pero esta es, simplemente, una introducción muy, muy larga. Eso por no hablar de que no tiene ni una sola gota del estilo de humor que se podía ver en la trilogía de toda la vida, apostando por una comicidad bobalicona y cansina a más no poder, sin gracia, centrada sobre todo en un patético personaje del que en breve hablaré. Además, los diálogos, en tono pretendidamente solemne, carecen de naturalidad. Pero la película también tiene aciertos, así que es mejor analizarla desde el principio, como es habitual.

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Para ser justos, la cosa no podría empezar mejor. vemos a un joven Obi-Wan Kenobi (insípido Ewan McGreogor) y a su Maestro, Qui-Gon Jinn (¿No debería ser Yoda?

Ejem... Error de continuidad...) en medio de una misión, cuando los Jedi aún eran los guardianes de la paz. Acción, droides, sables de luz, la música de John Williams... No se le puede pedir más a esta introducción, pues promete que una gran aventura está por llegar, nos ilusiona y hace que sintamos el espíritu de 'Star W ars' de nuevo.

Además, Qui-Gon, el personaje de un muy carismático Liam Neeson, enseguida nos engancha. Por desgracia, todo lo bueno de estos primeros minutos se desvanece poco a poco, pues nos vemos inmersos en una trama política que no es que no sea interesante, es que, al no tener nada que ver con lo mostrado en las anteriores películas de la saga,

uno se siente un poco desubicado. Se agradecería que nos explicaran con un poco más de detalle como es esta nueva situación que nunca habíamos visto, en vez de presuponer que sabemos perfectamente qué es la Federación de Comercio, quién es la Reina Amidala (una jovencísima Natalie Portman), etc. No es que no lo entienda, pues tampoco es que sea el colmo de la complejidad, es solo que tardo más de lo que desería en saber de que me están hablando.

Volviendo con nuestro dúo de Jedis, lo cierto es que a partir del momento en el que van a Naboo, con la intención de proteger a la Reina y llevarla a Coruscant para intentar detener pacíficamente el asedio que sufre su planeta, la cosa me empieza a aburrir. Hay escenas en las que vuelve a haber acción, droides, sables de luz y música de John Wi-

lliams, pero... Ya no hay emoción alguna. A pesar de que Qui-Gon mola cada vez más (tiene las mejores frases y Nesson llena la pantalla), sucede algo terrible: Me da igual lo que vaya a pasar, y empiezo a echar mucho de menos a Han y a Luke. Quizá esto se deba a que parece como si la peli no acabase de arrancar, como si la auténtica aventura no hubiese empezado... Y ya llevamos un buen rato.

Además, tenemos que aguantar a Jar Jar Binks, un ser que se acopla a nuestros héroes.

Veamos: ¿Ssbéis esas personas que quieren hacer gracia a toda costa pero no lo consiguen? ¿Y esos que no callan ni debajo del agua? Bien, sumad la vergüencica que dan los primeros y lo molesto de los segundos, añadiendo a la mezcla la torpeza más bochornosa e insultante. Ah, y una voz cargante. Eso es Jar Jar Binks. .

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Por fin, nuestros héroes, entre chiste y chiste de Jar Jar, y tras varios minutos llenos de...

Nada, consiguen llevarse a la Reina de Naboo. Pero su nave se estropea y se ven obligados a parar en Tatooine. Escalofrío. Volvemos a casa. Y después de la introducción más larga de la historia, empieza la película y conocemos a un niño muy plasta llamado... Anakin Skywalker. Sí. Este crío será Darth Vader. Obviamente, Lucas buscaba el contraste haciendo que uno de los mayores villanos del cine sea ahora un niño inocente, pero se esfuerza tanto en hacer que sea adorable que acaba dando hasta repelús. Originalmente Anakin iba a tener 16 años en esta película, pero se le redujo la edad para que así estuviese más ligado a su madre. Creo que si hubiese tenido la edad planeada, se habría establecido un bonito paralelismo entre Anakin y Luke. Lástima. Pero en realidad la culpa no la tiene Lucas escribiendo al persona-

je, pues el niño, sobre el papel, Y por último: ¿Qué pintan ahí debería caernos bien. Lo que C-3PO y R2-D2? Supongo que falla es el actor. Jake Lloyd funcionan a modo de conexión está lamentable. Ya sé que es con las películas originales, solo un niño, pero es que se pero es que están metidos con nota TANTO que no interpreta, calzador... ¿Tan indispensasi no que suelta sus frases de bles son que hay que meterlos memoria, que el personaje pase lo que pase? pierde toda la credibilidad.

‘Se esfuerza tanto en hacer Hay otras tres co- que sea sas más que me gustaría destacar negativamente en este punto: Una, todo ese rollo de los midi-clorianos... No, Lucas, no. No puedes darle una explicación pseudocientífica a la Fuerza solo para justificar que Anakin sea el Elegido. Lo que nos maravilló de la Fuerza fue lo mística y misteriosa que era, y con este dato que te sacas de la manga te cargas parte de su magia. Otro punto negativo es... Que Anakin haya sido concebido por los midiclorianos. El hijo de la Fuerza.

Sin comentarios...

adorable que acaba dando repelús’ Pero lo cierto es que a pesar de todo esto (que no es poco), el segmento en Tatooine es bastante bueno. Neeson hace que suba el nivel cada vez que abre la boca, y nos interesan sus sospechas sobre Anakin, así como el inicio de la relación entre Skywalker y la Reina (bueno, vale, aún no sabemos que Padmé es la autentica reina, pero... es tan evidente...), que en esta peli es más fraternal que romántica, como es lógico.

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Ahora bien, si hay algo por lo que todo este trozo (y la película entera) es recordado, es sin duda por la carrera de vainas.

PEDAZO de escena. Ya desde que empieza, con Qui-Gon diciéndole a Anakin que use su instinto, y que recuerda al espíritu de Obi-Wan diciéndoselo a Luke antes de destruir la Estrella de la Muerte, se nos ponen los pelos como escarpias, y lo que viene después es aún mejor. Una secuencia formidable, adrenalítica, emocionante y espectacular, que se cuela sin problemas entre los mejores momentos de la saga.

A continuación, asistimos a la despedida entre Anakin y su madre. Un momento muy emotivo, sin duda, que lamentablemente se ve empequeñecido por la "interpretación" de Lloyd. Por cierto, el instante en el que (ojo) Anakin conoce

a su futuro Maestro, Obi-Wan, no podría ser menos mágico y tener menos chispa. He dicho.

nombre de "los malos") y traerá el equilibrio a la Fuerza.

Curioso que, al final, ambos tengan razón...

Y así abandonamos Tatooine, con la sensación ‘Nos encontramos con de que la cosa se está una horrible alargando demasiado, y listos para entrar en la marioneta de Yoda’ recta final del film, donde vemos, por fin, al Consejo Jedi, entre los que se encuentra una horrible mario- El hecho de que Qui-Gon le neta de Yoda que no le llega a lleve la contraria al Consejo, y la suela de los zapatos a la de de forma habitual según pare'El Imperio Contraataca' y que ce, hace que el personaje de ha sido sustituida, gracias a Neeson mole aún más. El Dios, por un monigote CGI en gran hallazgo de la cinta, sin el Blu-ray. duda. Mientras tanto, politiDe lo más interesante de la queo y más politiqueo. Obserpelícula el debate acerca de var el ascenso al poder de Anakin, pues Yoda, que perci- Palpatine (está interpretado be el Lado Oscuro en el joven por Ian mcDiarmid, así que Skywalker, no está de acuer- sabemos quién será) está do con entrenarle, pero Qui- muy bien, es interesante y tal, Gon insiste en que el niño es pero yo quiero espíritu 'Star el Elegido que destruirá a los Wars', aventura, fantasía... Y Sith (por fin conocemos el de eso hay muy poquito.

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Afortunadamente, enseguida llegamos al clímax de la cinta, dividido nada menos que en cuatro partes, y que si bien supone un subidón de emoción con respecto al resto de la peli (exceptuando la carrera, claro), tampoco es que sea muy brillante, pues solo uno de los cuatro frentes es realmente bueno. Repasémoslos: La batalla entre los Gungans (la raza de Jar Jar) y los droides es espectacular, cierto, pero Binks no para de tropezarse y decir chorradas, con lo cual estropea la escena.

ción de la Estrella de la Muerte, con lo cual estamos con un nudo en la garganta, y es espectacular y emocionante.

Bien. Pero es que Lloyd es TAN, pero TAN malo... Me saca por completo de la peli.

Además, tampoco me convence que lo haga todo de chiripa, pero bueno, eso lo perdono. Lo que me molesta de verdad es que la carrera artística de ese crío debió acabar con 'Un padre en apuros'.

Y por fin... La parte buena de verdad. Qui-Gon y Obi-Wan contra Darth Maul. ¿Quién es ese?

‘Lloyd es TAN malo que Pues apenas sabemos nada de él, peme saca completamente ro con su aspecto de la peli’ demoníaco y su silencio desprende invulnerabilidad por El tiroteo por los pasillos del los cuatro costados. Efectivapalacio liderado por Padmé... mente, estamos ante un comSoso. Correr, disparar, escon- bate de sables de luz grandioderse. Nada más. so. Siempre he defendido el La batalla en el espacio prota- estilo de lucha más realista de gonizada por Anakin... Pues sí los dos últimos episodios de la y no. Recuerda a la destruc- trilogía original, pero este nue-

vo estilo, lleno de piruetas y acrobacias, es un regalo para la vista. Además está acompañado magistralmente por "Duel of the Fates", la gran aportación de John Williams a esta nueva trilogía. Una escena sublime, magnífica. Además nos hace sufrir, pues cuando ObiWan queda separado de su Maestro, empezamos a temer lo peor, y cuando finalmente sucede, uno está entre triste e indignado. Triste por que QuiGon era el mejor personaje, e indignado porque ¡Qui-Gon era el mejor personaje! ¡Y se lo han cargado! Resulta que este gran Maestro solo era una herramienta para que Obi-Wan entrenase a Anakin. Pues que bien. Ah, al final Maul también es asesinado, de una forma un tanto boba, por Kenobi, con lo que acabamos el combate con las dos estrellas de la peli muertos. ¿No podía haber mantenido Lucas a Maul en los sucesivos episodios y hacerle luchar contra Skywalker? Anda que no habría molado.

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Y de este modo, tras una escena de celebración y felicidad que, sin embargo, no consigue ocultar la sensación de que hay un gran peligro en la sombra (la amenaza fantasma del título) cerniéndose sobre nuestros héroes, termina esta primera película. Y me siento contrariado. No está mal, es entretenida, y encierra grandes momentos... Pero te quedas como estabas. Realmente, lo único que nos han contado es como Anakin empieza a ser entrenado como Jedi. Y por el camino, muy poca chispa o emoción y muchas chorradas por parte de Jar Jar. A pesar de todo, dan ganas de continuar. No nos han contado casi nada, pero lo que se insinúa... Engancha. Afortunadamente, la cosa no haría más que mejorar y mejorar.

Para finalizar, me gustaría señalar que aunque esta cinta

en concreto no le llega ni a la suela de lo zapatos a las tres pelis clásicas, tampoco es como para atacarla de la manera que lo hacen algunos. Tiene muchos fallos, pero también innegables virtudes. Es un estilo muy diferente al de sus predecesoras (o continuaciones, según se mire) pero flipó a los niños de la época, resucitando así la fiebre 'Star Wars'. Y eso no puede ser malo en absoluto. Ah, no se me puede olvidar comentar que los efectos visuales, en su día impresionantes, hoy se han quedado un tanto desfasados, cosa que no sucede on los efectos artesanales de la trilogía de toda la vida.

Nada más. Próximamente comentaremos el Episodio II, muy superior en todos los aspectos y, en mi opinión, bastante infravalorado. Nos vemos allí.

PUNTUACIÓN:

TÍTULO: Star Wars: The Phantom Menace DIRECTOR: George Lucas REPARTO: Liam Neeson Ewan McGregor Natalie Portman Ray Park GUIÓN: George Lucas

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WAR HORSE ANÁLISIS DE LA PELÍCULA

Estamos más que cansados de ver películas de guerra ambientadas en todas las épocas y lugares (de este o de otros mundos) y narradas desde el punto de vista de vencedores, vencidos, ancianos o niños .

Pero nunca desde la perspectiva de algo que se tiene tan poco en cuenta; algo que en el frente pasa tan desapercibido como cualquier otro instrumento de batalla: un caballo.

Basada en un libro juvenil publicado en 1982 por el británico Michael Morpugo, la nueva obra del sentimental Steven Spielberg nos con-

duce a un retroceso hasta una época cinematográfica anterior, recordando a las películas de John Ford o a míticas producciones como "Lo que el viento se llevó". Diálogos poco complejos que encierran tras cada palabra un sinfín de emociones, planos que exaltan la belleza visual de la puesta en escena y una banda sonora de John Williams que nos encoge el corazón en un puño son elementos que nos transportan a la «edad de oro de Hollywood».

Y quizá ha sido este estilo pasado de moda o el toque in-

M.C. Catalán Editora mccatalan@hellofriki.com

fantil fruto de la novela en la que se basa la película, lo que ha hecho a la crítica más snob y cínica estallar en carcajadas y comenzar una campaña de destrucción mediática que ha terminado por desplazar a la cinta de entre las favoritas para ganar el Oscar (por no hablar de su insuficiente recaudación en taquilla).

Por cierto, apuntar que la cómica figura del ganso, de la que tanto se ha quejado esa crítica porque quedaba fuera de lugar, es un elemento indispensable de la novela y de la obra de teatro que ha inspirado la misma.

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Pero lo cierto es que sólo Spielberg es capaz de convertir la guerra en algo tan humano y tierno. Sólo él es capaz de hacernos salir del cine con una sonrisa en la cara y, al mismo tiempo, las lágrimas corriendo por nuestras mejillas. Por no hablar de la competencia que se ha atrevido a hacerse a sí mismo estrenando esta película en USA con sólo cinco días de diferencia de la animada "Las aventuras de Tintín".

1914, Inglaterra. Un muchacho de Devon, Albert Narracot (Jeremy Irvine), se ve obligado a domar a un elegante caballo que su padre ha comprado en una subasta para convertirlo en un animal de tiro si no quiere perder la granja de su familia. Una buena amistad se forja entre el chico y el caballo, Joey, pero cuando la Primera Guerra Mundial estalla, se ven obligados a venderlo a las fuerzas militares. Aquí empieza una odisea en la que el chico se alistará

en el ejército en busca de su amigo, y en la que podremos ver la guerra, desde diferentes bandos y situaciones, a través de los ojos del caballo.

Toda una odisea emocional que se centra, como muchas otras de este director, en el fin de la adolescencia para alcanzar la madurez, y en la que destacan un correcto Jeremy Irvine(otro de los críos de Spielberg), una fugaz pero brillante Emily Watson y un David Thewlis, curioso en su papel como semivillano.

Y lo cierto es que Spielberg sabe cómo tocarnos la fibra sensible con cada escena, cada pequeño gesto e imagen (excelente fotografía la de Janusz Kaminski), cada nota de la tremenda banda sonora y cada gesto de bondad y pureza de sus personajes.

Todo está perfectamente calculado como el especialista que es en el arte de las emociones

Y es que este es el melancólico encanto de la película. Una obra que no nos hace sino recordar un tiempo en el que el cine retrataba un mundo mejor.

PUNTUACIÓN:

TÍTULO: War Horse DIRECTOR: Steven Spielberg REPARTO: Jeremy Irvine Emily Watson David Thewlis GUIÓN: Lee Hall Richard Curtis

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THE COLLECTOR PUNTO POR PUNTO Durante la última década, el cine de terror –aquella sensación de incomodidad generada por lo imprevisible, lo tenebroso, lo oscuro– ha sido invadido y hasta casi desplazado por el cine de horror –el rechazo hacia lo repugnante, lo explícito, lo asqueroso. Se han generalizado una serie de filmes que ponen en evidencia lo que en otro momento – principalmente durante las décadas del ’60 y ’70– permanecía oculto y sólo era evidenciado en contadas ocasiones.

Este conjunto de filmes se agrupó bajo el nombre de torture porn. Puede decirse

que este subgénero comenzó allá por 2004 con obras comoSaw (2004) y Hostel (2005), ambas de factura estadounidense. En Europa – principalmente en Francia, aunque también en España y algunos países nórdicos–, el subgénero tuvo mejores resultados con propuestas más originales como Martyrs (2008), así como por impulsar a buenos cineastas, como es el caso de Alexandre Aja. Sin embargo, a nivel global el torture porn ha demostrado tener una fórmula poco original y, de hecho, ha evidenciado grandes limitaciones a la hora

Juan Martín Crítico FB: Juan Martín Staffa

de satisfacer al público no fanático, lo cual lo ha llevado a sufrir un rápido declive.

Subiéndose a la ola de este subgénero, a mediados de 2009 se estrenó en los EE.UU. el filme The Collector (2009), que tardó más de un año en llegar a Latinoamérica y recién en estos días se estrena en España.

The Collector cuenta la historia de Arkin, un obrero contratista con algunos problemas monetarios que no tiene mejor idea para solucionarlos que inmiscuirse en la casa de los Chase, sus empleadores, para robar

Críticas de Cine

joyas de la caja fuerte familiar.

La idea, si bien no es maravillosa, tiene cierta originalidad.

Los autores Patrick Melton y Marcus Dunstan –este último también director de la cinta– ya habían escrito las últimas cuatro entregas de la saga Saw –las peores cuatro, en mi opinión. Los guionistas se valen de varios clichés del género de terror: una amplia casa como escenario principal, las acciones que se suceden durante una noche llena de truenos y relámpagos, y un misterioso asesino enmascarado.

Sin embargo, donde el filme falla es en la factura. Las actuaciones son bastante anodinas, sin posibilidad de identificarse con ninguno de los personajes. Y, lo que es peor, el asesino es tan misterioso como contradictorio, capaz de planificar minuciosamente el asalto y la tortura a una familia entera como ser apaleado a

puño limpio por el protagonista. Aún más, llama la atención cierta torpeza y la escasa inventiva de las trampas que instala el enmascarado a lo largo de la casa, algunas tan básicas como las que hemos visto en las películas de Indiana Jones hace 30 años. Jigsaw es ostensiblemente más creativo en este sentido. Y en cuanto a la violencia, si bien no es poca, tampoco llega a lo explícito de filmes como los anteriormente mencionados, entrando en contradicción con el subgénero que se pretende explotar. Además, hay algunas escenas gore innecesarias, como la del ácido y el gato. Al menos las trampas de Jigsaw se supeditaban a una motivación más clara por parte del asesino.

Así, queda muy poco para destacar del filme, apenas algunos climas de suspenso y la fotografía, con el buen uso de colores saturados, lo cual también remite a la saga Saw.

Evidentemente, se trata de un pobre esfuerzo por obtener unos dólares adicionales de un subgénero que tiene los días contados.

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TÍTULO: The Collector DIRECTOR: Marcus Dunstan REPARTO: Josh Stewart Andrea Roth Juan Fernández GUIÓN: Patrick Melton Marcus Dunstan

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La mujer de negro.

- FOTOGRAMA A FOTOGRAMAHammer Films es sinónimo de cine de terror. Junto con Universal, se trata de una de las compañías productoras más recordadas por los fanáticos de este género. De origen británico, fue fundada en 1934 a partir de la decisión del comediante William Hinds, más conocido en el mundo del espectáculo como William Hammer.

El auge de Hammer Films puede ubicarse a partir de mediados de la década de 1950, con títulos memorables como The Curse of Frankenstein (1957), The Horror of Dracula (1958) y The Mummy (1959), bajo la dirección de Terence Fisher, quien se convertiría en uno de los más legendarios directores de la historia del cine de horror.

Las mejores películas de la Hammer siempre se destaca-

ron por ser reversiones de clásicos ya explotados por la Universal 30 años antes pero con mucho valor agregado.

Nada más ver estas obras para advertir los colores saturados – sobre todo el rojo estallado de la sangre, rozando lo artificial, marca registrada de la compañía–, los vestuarios muy cuidados y el tremendo diseño de producción a partir del cual se nos sitúa en grandes espacios de estilo gótico.

Luego de la bancarrota a fines de los ’70, Hammer está de vuelta. Y es un retorno que promete. Para comenzar esta nueva etapa, los productores decidieron llevar a la pantalla un best-seller de la autora inglesa Susan Hill titulado The Woman in Black. Como director eligieron al joven James Watkins, quien ya había de-

Juan Martín Crítico FB: Juan Martín Staffa

mostrado un muy buen manejo del género en esa gran película que es Eden Lake (2008). Y como protagonista surgió el nombre de Daniel Radcliffe, alias Harry Potter.

La historia de The Woman in Black (2011) es muy simple y recuerda directamente a los relatos más oscuros de Edgar Allan Poe. Arthur Kipps es un joven abogado viudo y con un pequeño hijo. El jefe del bufete donde trabaja le encomienda viajar hacia un remoto pueblo para concretar los últimos detalles de la sucesión de una mujer recientemente fallecida.

Todo marcha sobre ruedas hasta que, a poco de su llegada, comienza a presenciar hechos sobrenaturales en el lugar y a descubrir macabros secretos acerca de la mujer muerta.

Críticas de Cine

La influencia del cine de terror de la Hammer es obvia, lo cual se evidencia en la escenografía y la fotografía. También hay vestigios del expresionismo alemán y el cine de terror nórdico de las décadas del ’20 y ’30. Lo que destaca del filme es la preocupación por diseñar climas de suspenso más allá de los correspondientes saltos en la butaca, que no serán pocos. Este es el gran punto a favor de The Woman in Black, porque se aleja del canon convencional actual del shock repentino y fácil a partir de lo explícito para intrigarnos primero y sacudirnos después. Para ello, se vale de montones de herramientas cinematográficas clásicas del cine de terror, como el fuera de campo, el manejo del sonido o los espacios libres del encuadre. Se trata de métodos simples pero efectivos, de una factura correcta, y eso es lo que le otorga valor a la película. No hay pretensiones, lo que le juega a favor al filme.

Otro de los puntos fuertes es la actuación de Daniel Radclif-

fe. Si bien no se trata de un personaje rico en extremo, podemos ver un héroe que se enfrenta a las situaciones terroríficas con firmeza y decisión. Varios guionistas estadounidenses deberían tomar al Arthur Kipps de esta versión como referencia al desarrollar a los protagonistas adolescentes de los filmes de terror de ese país.

El punto débil de The Woman in Black está en la historia. Se trata de un relato bastante trivial muy similar al que hemos visto en una famosa saga de terror japonesa estrenada hace algunos años y que también tuvo su remake en los EE.UU. Si bien el final puede sorprender a más de uno, se hace un tanto previsible si uno le presta atención a las actitudes y personalidad del protagonista.

El gran logro de The Woman in Black se halla en que está pensada como simple entretenimiento. En lugar de hacer alarde con escenas llenas de sangre o monstruos sofisticados, se vale de detalles a par-

tir de los cuales construir la intriga y los climas de suspenso, lo cual la convierte en una historia simple pero efectiva.

Para la Hammer, se trata de un regreso auspicioso. Para los fanáticos del cine de terror, es un signo de que el género está vivo y lentamente comienza a ser reconstruido.

PUNTUACIÓN:

TÍTULO: The Woman in Black DIRECTOR: James Watkins REPARTO: Daniel Radcliffe Ciarán Hinds Janet McTeer GUIÓN: Jane Goldman

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Juan de los muertos Nuestro punto de vista.

Si hay algo que hace del último proyecto de Alejandro Brugués una apuesta impactante y contundente esa es la premisa realista y contundente de la que parte: en medio de una amenaza zombi no van a sobrevivir los heroicos y bien alimentados yankies. No. Si alguien tiene más posibilidades de salir adelante, ese es un hombre que se las ha apañado lo mejor posible en el represivo régimen cubano (y similares).

Ese es "Juan de los Muertos".

Proyectada en prestigiosos festivales de cine fantástico como el del pasado Sitges 2011, esta cinta de bajo presupuesto (tan solo 3 millones de dólares) se ha metido al público en el bolsillo con unos cuantos escenarios cochambrosos, un par de bromas originales y

bien situadas y un humor de lo más políticamente incorrecto.

M.C. Catalán Editora mccatalan@hellofriki.com

Pero Juan, Lázaro y su grupo de amigos (a cada cual más estrambótico) aprovechan la catástrofe para montar un "negocio".

50 años después de la Revolución Cubana, Juan (Alexis Díaz de Villegas) se encuentra sin hacer ‘Con un bajo presupuesto nada en su balsa, se ha metido al público cuando la pesca de un cadáver que quieen el bolsillo’ re devorarlo cambia su vida y la de su socio Lázaro (Jorge Molina) para siempre. ¿Tu familiar o amigo ha quedado zombificado? ¿Una Pese a que los medios de co- horda de muertos vivientes municación se empeñan en ha infestado tu apartamenafirmar que el peligro que aba- to? El protagonista lo solurrota las calles no es más que ciona todo con el eslogan un grupo de estadounidenses "Juan de los Muertos. Matadisidentes, lo cierto es que la mos a sus seres queridos" y Habana se enfrenta a una nue- con una pandilla de superherova revolución; la revolución de es que nada tienen que envidiar a los norteamericanos los muertos vivientes. (más que nada, porque son una parodia de estos).

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Lázaro luce un traje de neopreno, barriga fuera en guardia, que recuerda a la improvisada indumentaria de buzo de "Kick-Ass". "El Primo" (Eliecer Ramírez) lucha mejor que "Daredevil" con una venda tapándole los ojos, a las órdenes de "La China" (Jazz Vilá), un travesti que salta sólo como ella misma sabe hacerlo (gracias al cielo).

Y al grupo de vengadores a sueldo lo acompañan un simpático Andros Perugorría y una vergonzosa Andrea Duro, quien, intentando quitarse de encima el lastre de "Física o Química" ha conseguido dejar por los suelos la calidad del cine español.

Ahí, dando ejemplo. Mirando a derecha e izquierda cuando los zombis vienen por detrás y leyendo de un guión flotante en todos sus diálogos, a juzgar

por el lineal tono de su voz.

Pero, dejando a un lado resbalones de este tipo, lo cierto es que la obra de Alejandro Brugués ya constituye todo un icono friki.

Alucinantes son algunas escenas, como en la que se nos muestra una visión del océano en una Habana infectada por zombis, que caminan como monstruos marinos bajo las aguas.

Hilarantes y llenas de sarcasmo son otras, como la del insólito final que sufre el típico predicador americano que parece tener respuesta a todas las preguntas y que ha venido a salvar el mundo.

Y más impactante es el atrevimiento y humor con que el director aborda la realidad cubana. Una sociedad en la

que él afirma que ya veía zombis antes de empezar a rodar la película.

PUNTUACIÓN:

TÍTULO: Juan de los Muertos DIRECTOR: Alejandro Brugués REPARTO: Alexis Díaz Jorge Molina Andrea Duro GUIÓN: Alejandro Brugués

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La invención de Hugo

Juan Martín Crítico FB: Juan Martín Staffa

~ANALIZANDO~ Hace unos meses, cuando se conoció la noticia de que Martin Scorsese adaptaría el libro La Invención de Hugo Cabret, de Brian Selznick, muchos se sorprendieron. Que el director de piezas tan violentas c o m o T a x i D r i ver (1976), Raging Bull (1980) o Goodfellas (1990) decidiera llevar a la pantalla un cuento apuntado al público infantil generó bastante estupor. También era impresionante que eligiera rodarla en 3D, técnica a la que nunca había recurrido, aunque dicha herramienta también era adoptada por ese entonces por otros reconocidos directores, como Wim Wenders o Werner Herzog.

‘Martin Scorsese no director de cine, ES

Pero Martin Scorsese no es director de cine sino que ES cine. Aún más, el ganador del Oscar por The Departed (2006) no sólo hace películas sino que es un ferviente defensor de la lucha por la concientización y defensa del patrimonio cultural cinematográfico, cualquiera sea su origen.

En este sentido, puede sonar hasta lógico que se haya inclinado por esta historia, dado que la misma se enfoca en una de las figuras más importantes que ha dado el cine, Georges Méliès, quien no sólo ha creado obras magistrales sino que en gran parte ha hecho al cine el espectáculo que es hoy.

Ahora bien, Méliès es uno de los dos persoes najes principales de cine’ esta historia situada en la década de

1930. El otro protagonista de La Invención de Hugo (2011) es un huérfano que vive en la estación central de trenes de París. Hugo entablará una relación en principio conflictiva con Méliès, a quien se muestra como un viejo cascarrabias con una terrible visión del mundo. A partir del descubrimiento de un extraño aparato mecánico, ambos notarán que tienen algo en común, y el niño comenzará a acercarse cada vez más al legendario realizador.

Es difícil catalogar a La Invención de Hugo, porque no es un relato sobre la vida de Méliès ni tampoco se trata exclusivamente de un cuento infantil, a pesar de que el aparato comercial hollywoodense haya apuntado a ese segmento para publicitar la película.

Críticas de Cine

Tampoco es fácil calificar al filme. Hay altibajos en lo narrativo, con escenas en las que se abusa del efecto cómico del slapstick y frases con varias cursilerías y sentimentalismos un tanto baratos. No hay un buen desarrollo de los personajes a pesar de la duración de la obra. Véanse si no los casos de Jude Law y Ray Winstone, quienes tienen papeles importantes pero cuyas apariciones se desvanecen en un pestañeo. Hay otros que parecen estar demás, como la pareja de ancianos, y alguno bastante desaprovechado, como el inspector interpretado por Sacha Baron Cohen.

En contraste, la calidad técnica es definitivamente impecable. El diseño de producción del gran Dante Ferretti y la fotografía del genial Robert Richardson, ambos habituales colaboradores de Scorsese, son insuperables. La música de Howard Shore, colaborador de David Cronenberg, también suma varios puntos al resultado final. Flaqueza narrativa y gran factura técnica. Dos atributos opuestos en un mismo filme.

Las contradicciones de La Invención de Hugo también alcanzan al mensaje final del filme. Es en esa ambigüedad

donde la película expone una crudeza considerable. Porque La Invenciónde Hugo es probablemente una de las películas más pesimistas de la filmografía de Scorsese, e incluso, y sin temor de equivocarme, de la historia del cine.

Desde el comienzo, el filme nos sumerge en el mundo de las máquinas. Trenes, relojes, el cinematógrafo, claro, y el autómata descubierto por Hu g o y s u p a d r e – un McGuffin tan enorme como la estación de trenes donde se desarrolla la historia.

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Todos estos son sistemas en los cuales cada parte es esencial para que el todo funcione correctamente. Pero también se nos plantea un conjunto de otro tipo de sistemas: la familia, el cuerpo y el alma. Y en estos tres casos, todos están dañados: Hugo no tiene familia; el Inspector tiene una pierna inutilizada luego de participar en la Primera Guerra Mundial; y el alma de Georges Méliès está incompleta porque ya no hay lugar para el cine, su gran pasión.

Lo interesante de la película es que no hay lugar para la reparación total de dichos sistemas.

Hugo ya no recuperará a sus padres; la pierna del Inspector tiene una buena prótesis pero no le deja conseguir un buen trabajo más allá del que tiene; y Méliès, a pesar de su reconocimiento final, nunca volverá a

filmar, es decir, nunca volverá a estar completo. Aún más, el final del filme entra en conflicto con la realidad misma, haciendo patente la idea de Méliès sobre los finales felices en el cine, lo cual no hace más que alimentar esa gran ambigüedad que es la película como un todo.

La Invención de Hugo no llega a ser el mejor título de Scorsese pero sí se parece mucho a un testamento fílmico. Por eso, y a pesar de varias fallas que para muchos pueden llegar a incidir sobre el producto final, es de visión obligatoria para los amantes del cine que se precien de serlo.

PUNTUACIÓN:

TÍTULO: The Invention of Hugo Cabret DIRECTOR: Martin Scorsese REPARTO: Asa Butterfield Chloë Grace Moretz Christopher Lee GUIÓN: John Logan Brian Selznick

CrĂ­ticas de Cine

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13 ASESINOS

Giacco Redactor giacco@hellofriki.com

[La reflexión] Para un amante de la Historia, de Japón y de lo que supone esa época medieval en la que los samurais representaban una forma de vida, "13 asesinos" es una auténtica joya. La película nos sitúa justo antes de la era Meiji, cuando los samurais estaban perdiendo su condición de guerreros y la llegada de culturas extranjeras amenazaba la tradicional forma de vida japonesa.

Takashi Miike, el director, nos muestra como la clase dirigente está sumida en la depresión moral, despreciando y humillando al pueblo que debería servir. En este aspecto, la cinta se muestra con una crudeza nada sutil, consiguiendo que el

espectador llegue a odiar con haber conseguido un final aún todas sus fuerzas al hermano más épico del que tenemos. del shogún, Naritsugu, por su Pero no adelantemos acontecicruél forma de tratar a los más mientos. débiles: hay una escena donde veremos a una de las victimas, aún ‘Para un amante de Japón, con vida... escena “13 asesinos” es una que permanece en la memoria. auténtica joya’ Esta fuerza narrativa es aprovechada como potente motor argumental y para involucrarnos en ella. Si bien se puede reprochar que no profundice como se merece en todos los personajes principales, los 13 asesinos se entiende, pues algunas personalidades tendrían potencial suficiente para haber sido desarrollada y

El samurai Shimada será el encargado de reclutar a un grupo de samurais sin amo, los llamados ronin, mejores de entre los mejores, con la finalidad de acabar con la vida de Naritsugu antes de que llegue a ser Shogún y su poder sea aún mayor.

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Una misión suicida, noble y vengadora.

La recreación del Japón feudal es correcta, aunque algo justa por las limitadas localizaciones de la cinta. La película se luce recreando personajes, vestuario, modos de vida...

Ahí es donde se aprecia el cuidado puesto al servicio de la Historia, con "H" mayúscula. Aunque para un occidental es dificil valorar la actuación de tantos actores japoneses, me ha parecido que todos brillaban a un alto nivel, sin protagonismos ni alardes innecesarios. Esto contribuye, también, a dar coherencia histórica a la narración.

mente crueldad.

PUNTUACIÓN: Mi único miedo, a la hora de visionarla, era que su ritmo narrativo fuera el típico al que nos tienen acostumbrados los filmes japoneses: pausado y desesperante en ocasiones.

Pero no es así. El ritmo es tranquilo, sí, pero no lento. Se ajusta a cada escena y consigue llevarte hasta el final sin acordarte de este típico "problema" del cine asiático.

En definitiva una película recomendable, especialmente si te gusta el cine épico y la cultura japonesa. Una buena oportunidad de conocer un episodio histórico real, previo a la era moderna en El ritmo es tranquilo, Japón. Y una buena ocasión para poderla pero no lento’ visionar, ahora que ha sido lanzada en dvd y blue-ray, No puedo omitir una mención pues su estreno en cines pasó especial a la escena final del realmente desapercibido el film, una batalla continuada de pasado verano entre tanta más de 40 minutos. Un es- película norteamericana. pectáculo bélico con un gran final, épico y memorable. Y sin embargo, y curiosamente, esta batalla no muestra gratuita-

TÍTULO: 十三人の刺客

DIRECTOR: Takasi Miike REPARTO: Kōji Yakusho Takayuki Yamada Yūsuke Iseya GUIÓN: Kaneo Ikegami Daisuke Tengan

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J. Edgar

La crítica

No hay duda de que J. Edgar Hoover fue una de las personalidades más polémicas del siglo XX. Creador y director del FBI durante nada menos que 48 años –de 1924 a 1972 –, se trata de un nombre fundamental para entender la política y la vida social estadounidense en los años agitados que van desde la Gran Depresión hasta la guerra de Vietnam.

El que decidió contar la historia de Hoover es nada menos que Clint Eastwood. Hay algo también polémico en el Eastwood de los últimos años. Las últimas películas de quien ha

sido denominado el último gran autor clásico de Hollywood han tenido críticas dispares.

Juan Martín Crítico FB: Juan Martín Staffa

Muchos críticos han comparado a J. Edgar con Citizen Kane (1941).

‘Nos encontramos con un producto con una construcción cinematográfica impecable’

En el caso de J. Edgar (2011), nos encontramos ante todo con un producto con una construcción cinematográfica impecable. La excelsa mano narradora de Eastwood se hace presente en todo su esplendor, lo cual no debería sorprender a nadie.

La fotografía a cargo de su habitual colaborador Tom Stern es impresionante, la reconstrucción de época es excelente y el guión de Dustin Lance Black – ganador de un Oscar por su trabajo en Milk (2008)– es prolijo y lleno de diálogos cortantes, secos, cercano al estilo de otro guionista ‘de moda’ como es Aaron Sorkin. Y las actuaciones son más que interesantes, lo cual hace que uno se pregunte cómo es que la Academia no reconoció el trabajo de DiCaprio y Armie Hammer a través de alguna nominación a los Oscar de este año.

Pero no lo han hecho en cuanto a la forma –algo probablemente inalcanzable para cualquier obra cinematográfica hoy en día– sino en tanto la construcción de un mito. De ahí el nombre J. Edgar: único, indivisible, definitivo, marca ineludible que configura un estilo, un conjunto de caracteres, un hombre, nada más y nada menos. No se trata sólo de un film biográfico sino del relato de una parte de la historia de EE.UU. durante medio siglo y de cómo un ser humano llegó a tener en la palma de su mano a quienes se consideraban los más poderosos de esa nación.

Y por esa necesidad de presentar a Hoover como un ser humano antes de ser mito, ni el guionista ni el director juzgan al protagonista. No hay enseñanzas morales ni diálogos aleccionadores. Eastwood presenta a J. Edgar Hoover como alguien lleno pero no toma partido, lo cual le permite al espectador cierta distancia al momento del análisis.

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Una de las contradicciones más fuertes y explícitas es la del contraste entre el Hoover en tanto símbolo político y social y el Hoover privado, ese que se recluye día a día en su despacho –de ahí la distancia que él mismo toma ante la asunción de un nuevo presidente, con un saludo frío desde lo alto de su balcón, como si estuviera más allá del poder político y la masa popular. Ese contraste evidencia una lucha que se da a lo largo de toda la película y que es un tema universal tan caro al cine: el desborde de las pasiones.

los más profundos deseos del ser humano. J. Edgar es un apasionado tanto por su trabajo como por quienes lo rodean: su madre y su colega y compañero durante muchos años, Clyde Tolson. Tal vez esto queda mejor reflejado en ese pequeño giro al final acerca de las memorias de Hoover.

Esta dualidad enriquece al filme, pero también es donde encuentra algunas fallas, en esos momentos en que las pasiones internas del protagonista parecen acaparar su mundo exterior –más ‘J. Edgar es de visión notoriamente, la escena posterior a la obligatoria para todo muerte de su madre admirador de Eastwood’ y una discusión con Tolson. Estas escenas parecen estar Porque si Hoover representa algo sobreactuadas y demauna idea de control de la so- siado extendidas. El maquillaciedad, de planificación y es- je para avejentar a los actores trategia extrema para la extor- es otro punto en contra de la sión y el chantaje, Hoover película. también es la exaltación de

Más allá de estos desaciertos, J. Edgar es un producto prolijo, muy bien relatado y escrito, de visión obligatoria para todo admirador de Clint Eastwood y también para todo aquel que quiera conocer algo más sobre uno de los personajes más importantes de la historia política del siglo XX. PUNTUACIÓN:

TÍTULO: J. Edgar DIRECTOR: Clint Eastwood REPARTO: Leonardo Di Caprio Armie Hammer Naomi Watts Josh Lucas Judi Dinch GUIÓN: Dustin Lance Black

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Los Muppets.

La opinión de Hello Friki Los Muppets es una de esas películas de las que sales sonriendo, un poco con cara de bobo. Normalmente también va acompañada, la sonrisa digo, del tarareo incesante de alguna melodía incluida en el film.

El caso es que viendo los Muppets te lo pasas muy bien.

No me atrevo a decir que esta película suponga el regreso de los teleñecos al escenario público, especialmente porque nunca han desaparecido del todo: vienen saliendo de vez en cuando en los canales infantiles de la Disney, en compañía de los actores favoritos de los críos. Sin embargo, sí calificaría este film como un intento por recuperar la atención del público adulto. Esta película, cargada de chistes malos, canciones y espectáculos sin sentido tan propios de

su estilo, es un ejercicio de reflexión sobre el estado de los teleñecos. Ellos saben que su tiempo ha pasado, pero se esfuerzan porque no los borren completamente de la memoria del público. La gracia del asunto es que nadie les ha olvidado, especialmente los mayores, tanto en la historia como en la realidad. No hay más que ver qué bien se lo pasaban todos en la sala, y allí no había nadie menor de edad.

‘La película dura lo justo y suficiente’ El guión en sí no es una gran historia. Se puede resumir en unas cuantas palabras: personaje fan de los Muppets desde pequeño (que además es un teleñeco), hermano mayor

J.R. Plana Redactor Twitter: @jrplana

infantilón y protector, novia con cierto toque de princesa Disney, y malo malísimo que quiere enterrar de por vida el legado de la rana Gustavo. Como se ve, no tiene mucho misterio.

Pero esta aventura da de sí lo suficiente para que puedan regresar a la escena, uno por uno y de manera patética a la vez que triunfal, todos los personajes del show. Para mi gusto hubo unas cuantas apariciones protagonistas que se quedaban un poco cortas o, en el peor de los casos, prácticamente nulas. El cocinero sueco fue uno de ellos, por ejemplo.

Pero entiendo que no se puede alargar más de lo justo y que no hay hueco para que aparezcan todos haciendo su número.

La verdad sea dicha, la película dura lo justo y suficiente, no creo que necesite mucho más tiempo.

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Sin duda, uno de los detalles niosos teleñecos con el munque más encanto tiene son los do moderno, que casi no deja cameos, de los cuales hay al- hueco para ellos. Eso sí, sin gunos que consiguen sorpren- perder su esencia, marca perderte. Los cameos es otro de sonal de la casa. Un film que los motivos que dejan claro consigue atrapar a los que la película está más enfo- desconocedores de esta cada a llamar la atención de materia y, al mismo tiempo, los mayores, ya que algunos contentar a los seguidores de de los actores que aparecen toda la vida. Altamente recoen momentos cumbre son casi mendable. desconocidos para los pequePUNTUACIÓN: ños. Y si no sabes quiénes son, pues no tiene tanta gracia.

‘Una película genial y divertida, para niños y adultos’ Es, en resumen, una película genial y divertida, para niños y adultos, un esfuerzo por congeniar a los sagaces e inge-

TÍTULO: The Muppets DIRECTOR: James Bobin REPARTO: Jason Segel Amy Adams Chris Cooper Rashida Jones GUIÓN: Jason Segel Nicholas Stoller

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¡Luces, cámara…

New York!

La vibrante Nueva York batió en 2011 el récord de producciones audiovisuales rodadas en la ciudad. Las cifras hablan por sí solas con un total de 188 películas, 23 series y 140 programas de televisión filmados. La urbe es una protagonista coqueta capaz de robar planos a las más brillantes estrellas del celuloide. Pensar en Nueva York es hacerlo en cine. Por ello, es inevitable recorrerla sin acordarse de las películas que la han retratado.

siente de una forma cautivadora esperando a que Frank Sinatra aparezca, de un momento a otro, cantando "New York, New York" uniéndosele después Liza Minelli, mientras bailan unas coristas ataviadas con vestidos dorados. La purpurina brilla en el ambiente. El primer contacto puede parecer excesivamente cegador si no se está adaptado a los luminosos, pero poco a poco parece convertirse en algo extrañamente natural.

Broadway es la cuna de los musicales, algo de lo que saben mucho los an‘188 películas, 23 series y teriores protagonistas. Por un la140 programas de TV’ do, Sinatra que en " O n t h e Luces, movimiento, anuncios Town",junto a Gene Kelly, se de espectáculos...todo dis- dedicó a recorrer la ciudad de puesto para captar la atención los rascacielos; y por el otro de los sentidos. La noche se Liza que en "New York, New

Elenaer Redactora elena.eraez@gmail.com

York" conocía ese mundo del estrellato junto a un jovencísimo Robert De Niro.

Sin embargo, si los musicales resultan aburridos o excesivamente alegres lo mejor es continuar perdiéndose por las calles, esta vez sonando de fondo los taxis amarillos que pueblan el asfalto. Imaginarse dentro a Travis Bickle (Robert De Niro) con su tortuosa historia en "Taxi Driver" puede resultar un poco estresante para el viajero cinéfilo por ello tampoco se pueden olvidar otros momentos de taxi. Las historias románticas incluyen una escena en la que uno de los protagonistas se monta en uno de estos vehículos para ir detrás de su amada/o, ¿quién no recuerda "Desayuno con diamantes"

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y su recorrido en taxi hasta llegar al romántico momento final? Al mismo tiempo, si lo que interesa es la acción,siempre queda la opción de subir y decir :"siga a ese coche". Pero si el taxi resulta algo caro para los bolsillos del turista hay que probar con el metro. Su limpieza deja bastante que desear, los olores desagradables y las manchas de diferentes sustancias forman parte de su `encanto´, aunque como casi todo en esta ciudad también ha aparecido en largometrajes. ¿No sería gracioso poder ver al popular protagonista de "Cocodrilo Dundee" ,que se monta, también en un momento romántico, con su vestuario australiano? La noche puede estar cargada de emociones, así que lo mejor para descansar es ir a uno de los hoteles más espectaculares de la ciudad, el Hotel Plaza de la 5ª Avenida fue el sitio escogido por Mick Dundee para pasar la noche, un lujo al alcance solo de visitantes vip o excéntricos cazadores australianos.

Recuperarse en un lugar así es casi obligatorio, y como ya no hay excusa para quedarse parado, el día tiene que ser ocioso y ajetreado siguiendo el ritmo trepidante de la ciudad. Y no hay zona con más movimiento que Wall Street, el centro financiero del mundo está custodiado por grandes rascacielos con enormes ventanales, que sin duda pueden contribuir a que los que trabajan dentro se sientan en su Olimpo particular. De los peligros de este mundo oscuro y materialista nos habla el largometraje que lleva el mismo nombre que esta famosa zona "Walt Street".

Para desestresarse de ese ambiente lo mejor es respirar los olores de la naturaleza , para ello, Central Park es el sitio ideal. Sus lagos, zonas verdes, puentes y construcciones de cuento están encantadoramente dispuestos a lo largo de este edén en medio de la vorágine. Los momento bucólicos parecen inevitables por ello, ¿ quién no espera

encontrarse con el amor de su vida en este especial rincón?

Robbert Redford y Jane Fonda lo hicieron en "Descalzos por el parque". Todo quizás demasiado edulcorado pero, como todo, algo emocionante en pequeñas dosis . Y para emociones las que viven los protagonistas de "Madagascar", los niños estarán encantados de ver a los protagonistas más animales en el Zoo que se encuentra en el parque.

Una vez sacado al niño interior lo mejor es dejarse llevar.

Las jugueterías son uno de los reclamos de la ciudad aunque la Disney Store o la tienda de Toysar ´ us son el paraíso infantil por excelencia, no hay nada mejor que poder tocar un piano gigante con los pies.

Tom Hanks da una lección en "Big", la FAO Schwarz es el lugar donde hay que acudir, todos los trabajadores entretienen a sus clientes, mayores y pequeños con juegos y una eterna sonrisa, un sitio para soñar.

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Y para no despertar y viajar a mundos recónditos lo mejor es acudir al Museo de Historia Natural como hace Scarlet Johanson, junto a su pupilo, en "Diario de una niñera" , con grandes dinosaurios, muestras de animales de todos los rincones del planeta y recreaciones de los habitantes humanos. Se puede imaginar como sería pernoctar allí con la película "Noche en Museo" llena de disparatadas aventuras. Y si lo que se quiere es continuar viviendo aventuras uno de los mejores sitios para hacer es en la Biblioteca Nacional, es un lugar increíble de estilo neoclásico con frescos y escalinatas dignas de un lugar lleno de sabiduría. Curiosamente, un sitio tan tranquilo y silencioso ha sido objeto ,en diferentes películas, de ataques fantasmas en "Goshtbusters" y de inundaciones catastróficas en "El día de mañana". Pero parece que tan recio edificio podría soportar muchos más contratiempos estoicamente.

Si hubiera que refugiarse de cualquiera de estos contratiempos lo mejor sería ir a la 5ª Avenida, en Manhatthan es sabido por todos que en Dolce & Gabbana no dejan entrar a cualquiera y ningún fantasma sin una buena cuenta corriente sería bien recibido. Carrie Bradshaw se siente como en su segunda casa paseando por las tiendas de grandes marcas en "Sexo en Nueva York", y una siempre etérea Audrey Hepburn contempla el escaparate de Tiffany´s en su "Desayuno con diamantes".

Delirios de grandeza al alcance de unos pocos, aunque siempre nos quedará desayunar una muffin delante de esos templos de la opulencia, y soñar.

Para descansar de la jornada de compras lo mejor es contemplar la caída del sol junto a cualquiera de los puentes de la ciudad, el de Brooklyn es uno de los más populares en el cine, el sol anaranjado reflejado en el agua mientras la ciudad

va cambiando poco a poco de vestuario es un espectáculo inigualable. Aparece en películas como "Fiebre del sábado noche" o "Superman", y un largo etcétera. Es una obra arquitectónica magnífica que tiene un magnetismo especial.

Una vez escondido el sol reaparecen los focos de neón. Y no hay nada mejor que verlos desde uno de los edificios más representativos de la ciudad: el Empire State. Es una verdadera maravilla sentir la emoción de contemplar la inmensidad de la ciudad. Una noche despejada permite observar con nitidez el paisaje urbano cargado de luces brillantes, en su mayoría amarillas, que aportan una sensación especial, mágica y ,por qué no decirlo, romántica. Y es que el Empire State es el lugar de encuentro de los amantes, eso lo saben bien Meg Ryan y Tom Hanks que se reúnen allí en "Algo para recordar", el escenario invita totalmente a ello.

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Aunque se corre el riego de que en lugar del hombre ideal acuda King Kong. Pese a los monstruos peludos que en el fondo tienen su coranzoncito, Nueva York es una de esas ciudad que nunca deja de sorprender; su gente cercana, su belleza artificial y natural y su propia aura luminosa la hacen , tal y como describe Woody Allen en la genial "Manhattan", un lugar fácil de amar.

Especial de Hello Friki Podcast sobre la trilogía Millenium.

Analizamos todos los libros y películas de la saga.

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Charles Chaplin. ~ El personaje A estas alturas hablar de Chaplin puede parecer obsoleto y sin interés. Sin embargo, pienso que todo buen aficionado al cine y amante de esta forma de expresión, debería conocer a este singular personaje que revolucionó la industria y fue capaz de crear algunas de las consideradas por los críticos como mejores películas de todos los tiempos. Todo esto en una época donde el cine, como industria y arte, acababa de nacer. Con las limitaciones técnicas propias de la época consiguió llegar al corazón de miles de personas y transmitir sensaciones como antes nunca se había hecho.

Tenemos en la reciente The Artist, de Michel Hazanavicius, un ejemplo de como eran aquellas películas, aquella

época y aquella forma de contar las cosas. Un buen punto de inicio para interesarse por este inmortal creador que fue (que es) Charles Chaplin.

El pequeño Charles.

Sus primeros años.

Nació el 16 de Abril de 1889 (el mismo año que nació Adolf Hitler, sigh, al que ridiculizaría años más tarde enEl Gran Dictador) en East Lane, Londres.

El comienzo de su infancia fue muy feliz, convivía con su hermano Sidney y su madre, una actriz cómica de variedades que gozaba de éxito.

Desgraciadamente, la voz de su madre era frágil, eso combinado con el frío londinense le provocaba faringitis, con la consiguiente pérdida de voz.

Giacco Redactor giacco@hellofriki.com

Se resentía en el trabajo y esos nervios, terminaron de mermar su salud mental. Con solo 5 años, el pequeño Charles tuvo que saltar al escenario a suplantar la actuación de su madre, ese fue su debut en los escenarios, cosechando gran éxito.

Siguieron una serie de años penosos, en los que la economía familiar decayó hasta el punto de no tener dinero ni para comer. La madre, llegó a verse obligada a dejar a sus hijos en el hospicio de Lambeth un tiempo y con su padre ( y la odiosa pareja de este) después, cuando la madre enloquece y el Tribunal les da la custodia. Charles apenas conocía a su padre, pues se había separado de su madre al poco de nacer él.

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Por suerte, al cabo de un tiempo, la madre salió del sanatorio mental, ya curada, y recuperó la custodia de los hijos. Aunque pobres, ahora vivían felices juntos los tres.

Sin duda, todas estas vivencias sirven como inspiración para las futuras películas del cineasta. Aunque mal estudiante, Charles destaca como actor, igual que su hermano Sidney. Poco a poco y con gran esfuerzo van consiguiendo trabajos como actores en compañias cada vez más prestigiosas. Sidney llega incluso a ser contratado por un poderoso productor americano, Alf Reeves.

El golpe de suerte definitivo se produjo cuando Alf Reeves regresó a Inglaterra buscando un primer actor para llevárselo a EE.UU., para participar en una obra de la compañía teatral de Karno y así comenzar una prometedora carrera en la naciente industria del cine.

Charles fue el elegido... y desde luego aprovechó esta oportunidad que le otorgó el destino.

1921, comienzan sus largometrajes.

El primero de todos fué El Chico (1921), donde Chaplin enlaza una sucesión de sus famosos squetchs dándoles una durabilidad mayor y un sentido global al servicio de una historia. En esta, como en todas las demás, mezcla de forma asombrosa el humor y el drama.

Pero dejemos tambien para el próximo reportaje un análisis más detenido de sus películas y detengámonos en aquella que supuso una ruptura en su forma de rodar y en su vida misma...

Tiempos Modernos (1936) fué su primera película hablada. Él no veía futuro en eso del cine sonoro, pensaba que la verdadera esencia del cine residía en la interpretación mímica y el incluirle sonidos o voces rompería la magia de la comunicación entre el autor, el actor y el mismo espectador.

Pero no pudo resistirse al imparable avance de la industria y ya nunca más grabaría una película muda.

El Gran Dictador (1940) supuso su ruptura con la clase dirigente y poderosa americana.

Era un alegato contra Hitler y el fascismo, corriente esta que gozaba de aceptación entre gran parte de las clases dominantes y políticas. Todo un sector dirigente se puso en su contra y levantó serios obstáculos para la realización del film. Por si esto fuera poco, una vez estrenado el film, el revuelo que levantó el discurso final de El Gran Dictador, puso en su contra a toda la cúpula política y su conocido Comité de Actividades Antiestadounidenses de J. Edgar Hoover, tachándolo de procomunista y viéndose obligado a exiliarse en Suiza. En Europa realizaría sus últimos trabajos, siendo La condesa de Hong-Kong (1966) su última obra.

Recibió múltiples premios a lo largo de su vida... y después de ella. Entre los que destacan: dos Oscar Honoríficos en 1928 y 1972, candidato al Nobel de la Paz en 1948, Orden del Imperio Británico en 1975...

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En Suiza fallecería, a los 88 años, por el debilitamiento físico y mental propio de la edad, el día de Navidad de 1977.

Lamentablemente la tumba fué profanada en 1978 por un grupo de delincuentes comunes que se llevaron el féretro con los restos del cineasta. Lo enterraron en un campo de maiz cercano y pidieron rescate a la viuda de Chaplin, Oona O'Neil.

No calcularon que la señora O'Neil era fiel a la filosofía de su marido y "Hubiera encontrado ridículo pagar por recuperar unos restos". Con el teléfono intervenido, la policía no tardó en dar con los malhechores y recuperar el féretro. Hoy sigue en el cementerio de Corsiersur-Vevey, Suiza, siempre lleno de flores.

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El castillo en el cielo Especial Hayao Miyazaki #2

Héctor Pintado Crítico www.hellofriki.com

こんにちはフリーク Seguimos con el especial centrado en las películas del animador japonés Hayao Miyazaki. Dos años después del estreno de “Nausicaä del Valle de Viento”, cuyo buen recibimiento en cines permitió la fundación de Ghibli, se estrenó el segundo largometraje de Miyazaki: “El Castillo en el Cielo”.

La historia de este, fue desarrollada a partir de un pasaje de la novela “Los Viajes de Gulliver” donde se habla de una isla flotante llamada Laputa.

“El Castillo en el Cielo” trata, como su buen nombre indica, de un castillo milenario que flota entre las nubes. Oculto en las alturas, muy pocos conocen de su existencia y del misterioso poder que alberga en sus entrañas. Sheeta, una de las pocas supervivientes de la dinastía de Laputa, tiene en su poder un medallón capaz de

señalar el camino entre las nubes y alcanzar el olvidado santuario flotante. Aunque ella no sabe nada de esto, en su camino se cruzarán ciertas personas interesadas en hallar el castillo.

persecuciones y asedios aéreos. Apenas hay respiro hasta pasada la media hora. Falta equilibrar bastante aun la balanza entre desarrollo y acción, pero eso será solventado en futuros trabajos.

Nuevamente nos encontramos ante una irregular historia, aunque se nota la mejora en ciertos aspectos. El inicio de “El Castillo en el Cielo” vuelve a ser un conjunto de escenas precipitadas que buscan introducir rápido la trama y saltarse cualquier tipo de presentación entre personajes. Simplemente se dejan caer y una vez vistos, como si se conocieran de toda la vida. No son creíbles las relaciones que se crean entre personajes en un tiempo tan escaso de tiempo. La acción, eso sí, está muy presente y muy bien trazada. Desde el primer minuto hay explosiones,

Se puede decir que “El Castillo en el Cielo” se diferencia en tres grandes partes. La primera englobaría toda la acción antes citada. Una segunda, también con altibajos en el interés, se basaría en la búsqueda de la isla flotante. La última parte, correspondiente a los últimos cuarenta minutos, de desarrollaría después de la llegada al castillo. En este bloque final, el mejor de las tres, somos partícipes de uno de los más magníficos mundos imaginarios de Miyazaki. Un escenario de extrema belleza exterior y unas entrañas oscuras y atractivas.

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Los personajes, al contrario que en “Nausicaä” donde solamente se profundizaba en la chica protagonista, han ganado mucho en interés y desarrollo. Son, ahora sí, personajes con alma. Y esto se ve ante todo en los personajes secundarios, justamente al revés que en la primera película del director. Hablo del breve personaje del abuelo de Pazu y de Dola, la genial y desenfadada madre de los Piratas.

Ambos personajes, con su forma de ser (el misterio y el humor), consiguen crear un halo de interés que refuerza mucho la historia de “El Castillo en el Cielo”. Los protagonistas (Sheeta y Pazu) tienen una correcta evolución, pero como se ha explicado en el anterior párrafo, el hecho de que parezca que se conocen de toda la vida, les resta muchos puntos.

Evolución Técnica

Respecto al trabajo artístico se nota igualmente un avance importante respecto a “Nausicaä del valle del viento”.

Los personajes son el elemento menos trabajado en este aspecto, semejantes a los de la película antecesora.

Los escenarios, sin embargo, van ganando mucho en detallismo, coloreado y sombreado. Si bien todavía quedan algunos planos de colores planos, el diseño concienzudo comienza a ganar terreno, aunque distan leguas de las obras mayores. A resaltar en este aspecto el trabajo de la ladera de la montaña (escena del tren) y el propio castillo de Laputa. La música, brilla prácticamente por su ausencia, cosa realmente extraña.

Hay algunas escena en las que sería lógico un acompañamiento musical, pero, sin embar‘Los personajes, a go, se quedan en diferencia de en Nausicaä, silencio. Solo quedan los sonidos han ganado mucho en de los objetos que están en ese mointerés y desarrollo’ mento en escena.

El villano, bastante plano, no El resultado no es menos que t i e n e m u c h a h i s t o r i a . curioso.

Aviación Si en la anterior crítica habíamos hablado del ecologismo y el respeto por la naturaleza y sus seres, en “Un Castillo en el Cielo” se nos muestra otro de los elementos recurrentes de la obra de Miyazaki: la aviación. Ciertamente, en “Nausicaä del Valle del Viento” ya se muestran algunas naves, pero es en este segundo trabajo donde se va a reforzar esta auténtica devoción con el posterior clímax de “Porco Rosso”. Empieza la película en los aires, se desarrolla casi en su mayoría en los aires y termina en los aires. Y aquí caben todo tipo de naves, aviones, cometas y extraños inventos voladores.

Recordar, a modo de conclusión, que “Un Castillo en el Cielo” es realmente la primera película de Ghibli, pues “Nausicaä”, como ya explicamos, se realizó antes de la fundación del estudio, si bien, fue la causante de la creación de este.

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RUEDA DE PRENSA ‘LOS MUPPETS’ En su gira para presentar la película, ayer les tocó Madrid. La señorita Peggy, Gustavo y el director James Bobin comparecieron ante los medios dibujándonos una sonrisa a todos.

Aunque la película se estrene el 3 de febrero, los protag o n i s t a s d e los Muppets aterrizaron ayer en la capital y derrocharon buen humor por todos sus poros. Sí, sus poros. Tanto Peggycomo Gustavo nos dieron a conocer ciertos detalles de su reencuentro en la gran pantalla y de su maravillosa historia de amor. Dejando al director en un segundo, pero bien llevado, plano.

Como sabéis, nosotros tuvimos la posibilidad de ver la

película la semana pasada, y coincidimos plenamente con lo que dijo James Bobin: “La idea es sonreír durante dos horas seguidas”. Puede que la nostalgia ayude, pero lo ha conseguido bastante bien. A la pregunta de cómo ha sido trabajar con la señorita Peggy, el guionista de Al i G respondió que había sido un placer, que no podía decir nada distinto, ya que la tenía delante. Y añadió bromeando: “Cuando la di el guión se lo di con los nombres de los demás tachados”.

El resto de la rueda de prensa lo protagonizaron nuestros personajes favoritos. Gustavo estuvo en apuros cuando le tocó responder si habría boda, diplomáticamente dijo: “Soy muy reservado y me cuesta

Cris Miguel Redactora Twitter: @crismiguel

bastante contestar este tipo de preguntas, mejor que conteste ella mientras yo espero en otro lado”. Peggy no perdió la oportunidad de hablar de la formalización de su compromiso, y risueña insinuó: “Veo que Madrid es el sitio ideal para casarse, ¿no Gustavin?”.

Durante el encuentro no dejaron de protagonizar escenas divertidas desde el dúo que cantan en la película a bromear, por ejemplo Gustavo, que pre gu ntó r etó rica m ente: “¿Cuánta gente ha salido con un cerdo?” Se levantaron algunas manos, no os creáis.

El retorno de los Muppets, como bien hemos dicho ya, es una pelicula para la generación de los 80 que permite re-

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Pero también para las nuevas generaciones que no los han llegado a conocer, de hecho el director afirmó: “Yo tengo una hija de cuatro años y se lo ha pasado igual de bien que yo”.

La señorita Peggy fue el centro de todos los focos y de la mayoría de las preguntas y, como buena diva, esto la encantó. A la pregunta que canción le gustó más interpretar en la película dijo: “Lo pase genial cuando canté mi solo, bueno, es decir, Amy Adams estaba ayudándome con los coros. Y por supuesto mi dúo con Gustavin”.

Parece que no ha pasado el

tiempo por ellos, de hecho se conservan de maravilla. Peggy nos contó su secreto para mantenerse tan joven: “Mi secreto es que los cerdos tenemos una piel preciosa. Es raro que los cerdos lleven el pelo tan largo, ¡llevo pelucas!” A lo que Gustavo añadió: “¡Muchas pelucas! Cajas y cajas de ellas”.

Lo que no es un secreto es la afición de Peggy por la moda.

En la película interpreta a una directiva de Vogue, y, si nos fijamos, cambia de vestuario con mucha frecuencia. Christian Louboutin y Zac Posen, diseñaron unos zapatos y un vestido, respecti-

vamente, exclusivos para la señorita Peggy. Como respuesta a si vestirá, en un futuro, por diseñadores españoles dijo: “Estoy abierta a recibir cualquier vestido, ¡traédmelos ya!”.

Una vez más os animamos a ver la película, que os pondrá de buen humor desde el primer fotograma. Porque la esencia de los Muppets o teleñecos sigue latente, y James Bobin la ha sabido plasmar impecablemente.

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MILLENIUM: LA VISIÓN, EN UN PODCAST. Ya han pasado unas se manas desde que grabamos el podcast sobre el mundo de Millennium, la trilogía creada por el escritor prematuramente fallecido Stieg Larsson. El grupo reunido dirigido por Victor e integrado por el Coronel Kurtz, Sergio y yo mismo debatimos con pasión sobre multitud de aspectos de la obra escrita y de sus adaptaciones a la pantalla, tanto televisivas como cinematográficas. Analizamos las tramas, las motivaciones de los personajes, y los renglones torcidos de la sociedad que dan como resultado los monstruos con que Larsson pobló sus historias. Como activista implacable y desde su revista "Argo" , claramente inspiradora de su invención "Millennium",

denunció la violencia contra las mujeres, los movimientos emergentes de extrema derecha, el maltrato hacia las minorías.... El acierto de Larsson fue trasladar a la ficción estos temas y crear dos protagonistas emblemáticos: el periodista Mikael Blonkvist y sobre todo la hacker Lisbeth Salander.

Estuvimos de acuerdo de que sin lugar a dudas el personaje de Lisbeth Salander marca la diferencia y confiere a esta saga es algo tan peculiar y distintivo. Discrepamos sobre el protagonista principal de las historias. En lo que si estuvimos de acuerdo es en que muchas de las enfermedades de nuestra sociedad intentaban destruir de forma implacable a

Manuel Callejo Crítico manuelc@hellofriki.com

Lisbeth. Delincuentes, psicopatas, el Estado... Sin embargo el personaje creado por Larsson, en apariencia frágil e indefenso reaccionaba ante estos ataques de una forma igual de implacable aunque armada únicamente de su inteligencia. Es una víctima, está claro, pero con un poderoso instinto de supervivencia que le hará superar cualquier vejación.

Mikael Blonkvist también es personaje necesario. Una idealización de lo que tiene que ser un periodista de investigación.

Alguien que no se vende a los poderosos y que está dispuesto a arriesgar lo que sea necesario para destapar la verdad.

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Ambos personajes se complementan perfectamente. Lisbeth no tiene problemas a la hora de transgredir las leyes lo que vendrá muy bien a Mikel en sus investigaciones.

Lisbeth. por así decirlo ha creado un pequeño mundo en el que dicta sus propias normas. Un personaje que ha sido herido tan profundamente ha creado una coraza emocional y cuado Mikel logra traspasarla es algo que a la vez los une y los separa.

Es mundo que describe Larsson es tenebroso y lleno de peligro: Médicos, tutores, grandes corporaciones, servicios del Estado, delincuentes.. todos conspiran contra los protagonistas. Para Larsson incluso una institución como la familia puede estar corrupta y conspirar contra el miembro mas débil. En la primera novela, "Los hombres que no ama-

ban a las mujeres" es de capital importancia las vejaciones que un padre y su hijo hacen pasar a la hija a la que incluso intentan asesinar. En la segunda y tercera novela, "La chica que soñaba una cerilla y un bidón de gasolina" y "La reina en el palacio de las corrientes de aire" respectivamente, Larsson repite este patrón con la propia Lisbeth y su familia.

Un ascensor averiado, la afición a la comida basura y treinta cigarrillos diarios provocaron el fallecimiento prematuro de Stieg Larsson a los cincuenta años, antes de que conociese el monstruoso éxito editorial de sus obras. Nos queda imaginar como hubiese sido el resto de la serie ya que los tres libros publicados era parte de una saga que según se dice podría haber llegado a tener diez obras. El único ves-

tigio de esa obra perdida está depositado en forma de novela inacabada dentro del ordenador portátil de Larsson que está en poder de su expareja Eva Grabrielsson. Al no estar casados La ley de Cohabitación Sueca privo a Eva de todo derecho sobre la obra de Stieg, otorgándoselo al padre y hermano del escritor. Desde entonces la disputa por ela propiedad del libro inacabadoha sido constante y a dia de hoy no es seguro que esa obra vaya a publicarse.

El podcast que grabamos, de escucha muy recomendada tanto si se conoce el mundo de Larsson como si no , nos permitió recordar estos y otros detalles de esta magnífica trilogía, uno de las mas importantes fenómenos de la cultura popular de los últimos años.

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LA UNIVERSAL DRACULA EN EL CINE (II)

Segunda parte del reportaje de Drácula en el cine donde se repasan los inicios de Drácula en el séptimo arte, cuando la productora Universal se hizo con los derechos de adaptación a la gran pantalla de la obra de Bram Stoker.

Drácula (Dracula, 1931) Esta mítica película puede calificarse de múltiples formas, pero lo que está claro es que es todo un clásico. La Universal se atrevió en aquel tiempo a adaptar la obra de Stoker en un momento en el que el género de terror aún no se había definido como tal. De este modo, la productora no tenía ninguna certeza acerca de la reacción del público, que fue muy positiva. Tanto, que inauguró el cine de terror tal como lo conocemos hoy día y el popular subgénero de vampiros.

Su director, Tod Browning,

había dirigido en 1927 una película llamada La casa del horror (London After Midnight, 1927) con Lon Chaney en el papel protagonista, de modo que tenía cierta experiencia con el género. Lamentablemente, la última copia de este filme desapareció en un incendio, de modo que resulta imposible valorar el resultado. El trabajo en esta película, además de otros papeles brillantemente realizados - como en Nuestra Señora de París (The Hunchback of Notre Dame, 1923) - aportaban motivos suficientes para la que Lon Chaney fuera considerado idóneo para el papel protagonista, aunque su fallecimiento en 1930 hizo necesario buscar un sustituto para encarnar al príncipe de las tienieblas. El actor propuesto no era un nombre que fuera popular en Hollywood, pero tenía cierta experiencia como Drácula tras interpretar varias versiones

La morsa verde Crítico www.hellofriki.com

teatrales en Broadway de la novela de Stoker.

Béla Lugosi, actor de origen húngaro (nacido en la mismísima Transilvania), interpretó el papel que le haría mundialmente famoso como el Conde Drácula. Una curiosidad destacable sobre su interpretación es que su nivel de inglés era simplemente aceptable, por lo que hubo algunos diálogos que tuvo que aprender fonéticamente, sin saber el significado concreto de lo que decía. En vez de ser un lastre, el fuerte acento húngaro dotó al personaje del misticismo necesario.

La imagen de vampiro, asumida universalmente desde entonces (pelo engominado hacia atrás, tez empolvada, capa negra…) no se corresponde en absoluto con el Drácula de Stoker, si bien es cierto que la mayoría de adaptaciones de Drácula en el cine realizadas hasta la fecha asumen esta imagen tan identificativa.

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Esta película es una de los iconos de la historia del cine.

Es por eso que, a pesar de poseer una ritmo lento con notables espacios de silencio y una interpretación excesivamente teatral en ciertos momentos (no hay que olvidar que está basada en una adaptación teatral de Drácula), es muy recomendable verla - a ser posible, en versión original - y dejarse llevar por la nostalgia de los inicios, disfrutando con el primer y genuino Drácula en el cine.

Drácula (1931)

versión

hispana

El Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC) descubrió en su poder una copia de esta película, que se dio por perdida durante décadas. Esta obra - considerada una rareza - fue el resultado de una costumbre realizada con las películas más populares al carecer de dobladores: se rodaba íntegramente de nuevo con actores hispanoparlantes. Fue dirigida por George Melford (que no sabía hablar español) en el

mismo set de la Universal durante los descansos de rodaje de la producción principal.

Hay que destacar que ambas películas, a pesar de ser una versión de la misma historia, poseen bastantes diferencias, por lo que es recomendable intentar ver esta desconocida versión, ya que hay quien la califica como superior a la versión de Tod Browning. Es cierto que en el plano técnico se pueden observar originales movimientos de cámara que no aparecían en la versión americana, pero en el plano interpretativo las actuaciones son más planas y teatrales que en la versión de Lugosi.

Carlos Villarías, el actor que da vida al príncipe de las tinieblas, es un andaluz nacido en Córdoba. De este modo se convirtió en el primer español que encarna a Drácula en el cine.

La hija de Drácula (Dracula's daughter, 1936) Esta secuela de la película de Lugosi es una continuación de la misma desde el punto exac-

to donde había acabado Drácula (Dracula, 1931) De este modo, es inexplicable la ausencia de todos los personajes principales excepto de Van Helsing, que, en esta ocasión se enfrenta a la primera vampiresa protagonista de una superproducción, la condesa Zaleska. El título del filme ya descubre el vínculo familiar de la condesa Zaleska con el Conde Drácula. Sin embargo, a diferencia de este último, la hipnótica y misteriosa condesa pretende desembarazarse de la maldición vampírica que la posee. El rechazo hacia su naturaleza es una novedad en el cine de vampiros en general, y muy particularmente en el universo de Drácula.

La película no goza del ambiente gótico de la primera, ni cuenta con el personaje de Drácula más que de forma referencial. La única escena en que aparece Drácula está muerto (de verdad) y es Lon Chaney Jr. caracterizado quien lo encarna. Las escenas de terror son muy escasas, de forma que la inclusión en el género es un poco tangencial.

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El hijo de Drácula (Son of Dracula, 1943) En la cuarta entrega de la Universal (contando con la versión hispana) podemos ver a Lon Chaney Jr. ejerciendo de Drácula. O mejor dicho, de su hijo Alucard. Este personaje prescinde por completo de la hipnótica apariencia de Lugosi y es más humano, mostrando al espectador un vampiro con menor misticismo e infundiendo mucho menos terror en el espectador. Esta película añade importantes novedades a la estética y leyenda de Drácula, como el dominio de la niebla, la levitación, la metamorfosis en murciélago o la “vampirización”. Además, son notables los avances técnicos y de efectos especiales. Sin embargo, con todo ello no deja de ser una película predecible y vacía de contenido que perfila a un Drácula excesivamente terrenal.

Apariciones A pesar de la evidente pérdida de esplendor de la década de

los años 30, el viaje de Drácula por los estudios Universal no había llegado a su fin. A partir de este momento, la Universal comenzó a explotar el personaje de Drácula y sus otros personajes de terror, realizando películas apodadas como “ensaladas de monstruos”, algunas de ellas ciertamente grotescas. En estas películas participaban todos los "monstruos" de la Universal: el hombre-lobo, Drácula, el monstruo de Frankestein... mezclándolos a lo largo del metraje y dejando la calidad técnica o el guión en un segundo plano. Dos muestras de esta época: La mansión de Drácula (House of Dracula, 1945) En este caso es John Carradine quien da vida a Drácula, aunque aparece en poco metraje, ya que Lon Chaney Jr. tiene mucho mayor protagonismo encarnando al hombrelobo. En este caso, Drácula gana en misticismo y misterio gracias a la interpretación de Carradine. Sin embargo, los

hechos suceden atropelladamente en la película evidenciando una importante falta de guión.

Abbot y Costello contra los fantasmas (Abbott y Costello meet Frankenstein, 1948) Esta película de culto integra al hombre lobo, Drácula y al monstruo de Frankenstein en una historia demencialmente divertida, aunque la mitología asociada a cada personaje no se cuida en exceso (si nos fijamos, hay un momento en el cual Drácula se ve reflejado en un espejo). Drácula, en este caso, no es más que un icono que publicita la película con su presencia sin involucrarse en el eje central del guión, como una “estrella invitada”. De hecho, la autoparodia de personajes como Bela Lugosi encarnando a Drácula refleja las horas bajas del género.

Hasta aquí la segunda entrega de Drácula en el cine. En la próxima hablaremos del resurgir de Drácula de la mano de Chistopher Lee durante sus años de rodaje en el estudio

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Especial sobre el escritor español Javier Negrete, con entrevista incluida. ¡Este es tu podcast!

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Noticias de Cine

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g4f5g6 Redactor Www.hellofriki.com

PREMIOS OSCARS 2012 Relaci贸n de premiados

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El 26 de febrero se realizó una de las galas de los Oscar más soporíferas que se recuerdan en mucho tiempo y traemos a los premiados a nuestros lectores.

Tanto The Artist como Hugo se reparten cinco premios cada una pero claramente la ganadora moral ha sido “The Artist” que se lleva todos los premios importantes a los que optaba, incluyendo el de mejor película, director y actor principal. En cambio, “Hugo” arrasa en los premios técnicos, considerad o s m e n o r e s y Scorsese puede sentirse derrotado tras perder ante Michael Hazanavicius.

Por desgracia las expectativas que se habían creado vinieron derrumbándose poco a poco mientras se desarrollaba la gala y veíamos como se cumplían todos los pronósticos, sin espacio para la sorpresa. El

presentador Billy Crystal cumplió con lo prometido pero el tono de la gala nos rememoró extrañamente a los años 90 con las mismas gracias y estilo. Un trabajo sobrio pero muy poco atrayente para los espectadores jóvenes y que ha recibido mucha crítica.

Entre las grandes derrotadas hay que destacar War Horse, la última creación de Steven Spielberg que estaba nominada a 6 categorías y se ha ido de vacío. Asimismo, Moneyball también tenía 6 y sufrió la m i s m a s u e r t e .

Quizás como pequeña parte positiva podríamos destacar los premios a mejor guión que se repartieron entre Los Descendientes y Medianoche en París de Alexander Payne y Woody Allen, respectivamente, alejándose de la dupla ganadora y premiando a dos de los creadores más talentosos.

En resumen, un ganador final, “The Artist” y un ganador parcial “Hugo” en una gala que ha rozado momentos realmente tediosos y en la que ha predominado la previsibilidad, tanto de premios como del desarrollo d e l a g a l a .

Vamos a repasar uno a uno los premios que entregó la Academia en el orden en el que fueron entregados, para hacernos una idea de cómo fue la gala:.

Noticias de Cine

Mejor fotografía - Guillaume Schiffman, por "The Artist" - Jeff Cronenweth, por "Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres" - Robert Richardson, por "La invención de Hugo" - Emmanuel Lubezki, por "El árbol de la vida" Janusz Kaminski, por "War Horse (Caballo de batalla)" Mejor dirección artística - Laurence Bennett y Robert Gould, por "The Artist" - Stuart Craig y Stephenie McMillan, por "Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: Parte 2" - Dante Ferretti y Francesca Lo Schiavo, por "La invención de Hugo" - Anne Seibel y Hélène Dubreil, por "Midnight in Paris" - Rick Carter y Lee Sandales, por "War horse (Caballo de batalla)"

Mejor diseño de vestuario

- Lisy Christl, por "Anonymous" - Mark Bridges, por "The artist" - Sandy Powell, por "La invención de Hugo" - Michael O’Connor, por "Jane Eyre" - Arianne Phillips, por "W.E." Esta fue la primera ocasión en la que “The Artist” ganó a “Hugo” en la dictadura que llegó a imponer la película de Scorsese en los premios artísticos.

Mejor Maquillaje y/o Peluquería - Martial Corneville, Lynn Johnston y Matthew W. Mungle, por "Albert Nobbs" - Nick Dudman, Amanda Knight y Lisa Tomblin, por "Harry Potter y las reliquias de la Muerte: Parte 2" - Mark Coulier y J. Roy Helland, por "La dama de hierro"

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Mejor película en habla no inglesa

Mejor montaje

- "Bullhead" (Bélgica)

-Anne-Sophie Bion y Michel Hazanavicius, por "The Artist"

- "Footnote" (Israel)

- Kevin Tent , por "Los descendientes"

- "In darkness" (Polonia)

- Kirk Baxter y Angus Wall, por "Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres"

- "Monsieur Lazhar" (Canadá) - Nader y Simin. Una Separación (Irán) Ganó la grandísima favorita y el primer premio para Irán.

Mejor actriz de reparto

- Bérenice Bejo, por "The Artist"

- Thelma Schoonmaker, por "La invención de Hugo", - Christopher Tellefsen, por "Moneyball: Rompiendo las reglas" Una de las sorpresas a nivel técnico de la noche, quizás la única. Se la lleva la película de Fincher.

Mejor montaje de sonido

- Jessica Chastain, por "Criadas y Señoras" - Melissa McCarthy, por "La boda de mi mejor amiga"

- Lon Bender y Victor Ray Ennis, por "Drive"

- Janet McTeer, por "Albert Nobbs"

- Ren Klyce, por "Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres"

-Octavia Spencer, por "Criadas y Señoras.

Una de las grandes ovaciones de la noche para Octavia Spencer por su primer Oscar en su primera aparición en un premio bastante esperado.

- Philip Stockton y Eugene Gearty, por "La invención de Hugo" - Ethan Van der Ryn y Erik Aadah, por "Transformers: El lado oscuro de la Luna" - Richard Hymns y Gary Rydstrom, por "War Horse (Caballo de batalla)"

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Mejor documental - "Hell and Back Again" - "If a Tree Falls: A Story of the Earth" - "Liberation Front" - "Undefeated" - "Pina" Relativa sorpresa ya que no había grandes favoritas pero competía el documental Pina de Win Wenders. “Undefeated” es una historia de superación de un equipo de fútbol americano, con mucho tirón en América.

Mejor película de animación

- "A Cat in Paris", de Alain Gagnol y JeanLoupelicioli - "Ch co & Rita", de Fernando Trueba y Javier Mariscal - "Kung Fu Panda 2", de Jennifer Yuh Nelson - "El gato con botas", de Chris Miller - "Rango", de Gore Verbinski Partía como favorita y finalmente “Rango” venció a la española “Chico y Rita” que no partía con muchas opciones.

Mejores Efectos Especiales

- Tim Burke, David Vickery, Greg Butler y John Richardson, por "Harry Potter y las reliquias de la Muerte: Parte 2" - Rob Legato, Joss Williams, Ben Grossman y Alex Henning, por "La invención de Hugo" - Erik Nash, John Rosengrant, Dan Taylor y Swen Gillberg, por "Acero Puro" - Joe Letteri, Dan Lemmon, R. Christopher White y Daniel Barrett, por "El origen del Planeta de los Simios" Scott Farrar, Scott Benza, Matthew Butler y John Frazier, por "Transformers: El lado oscuro de la Luna" Mejor actor de reparto

- Kenneth Branagh, por "My Week with Marilyn" - Jonah Hill, por "Moneyball" Nick Nolte, por "Warrior" - Christopher Plummer, por "Beginners" Max Von Sydow, por "Tan fuerte, tan cerca" La segunda ovación de la noche para Christopher Plummer que ya había ganado todos los premios anteriores este año y con su segunda nominación a los Oscar se lo lleva por primera vez.

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Mejor Banda Sonora Original

- Bridget O'Connor y Peter Straughan, por "El Topo"

- Alberto Iglesias, por "El topo"

- Ludovic Bource , por "The Artist"

Empezando con los Oscar más importantes, el premio se lo lleva Alexander Payne en lo que parecía ser el único premio que se iba a llevar la película en la categoría en la que era totalmente favorita.

- Howard Shore, por "La invención de Hugo"

Mejor guión

- John Williams, por "Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio"

- John Williams, por "War Horse (Caballo de batalla)" El segundo Oscar que le quita “The Artist” a “Hugo” en los denominados premios técnicos en una película donde la banda sonora impera en todo la película al ser totalmente muda.

Canción Original

- Bret McKenzie, por "Man or Muppet" ("Los Muppets") - Sergio Mendes, Carlinhos Brown y Siedah Garrett, por "Real in Rio" ("Río") Mejor guión adaptado

- Alexander Payne, Nat Faxon y Jim Rash, por "Los Descendientes" - John Logan, por "La Invención de Hugo" - George Clooney, Grant Heslov y Beau Willimon, por "Los idus de marzo" - Steven Zaillian, Aaron Sorkin y Stan Chervin, por "Moneyball: Rompiendo las reglas"

- Michel Hazanavicius, por "The Artist" - Annie Mumolo y Kristen Wiig, por "La boda de mi mejor amiga" - J.C. Chandor, por "Margin Call" - Woody Allen, por "Midnight in Paris" - Asghar Farhadi, por "Nader y Simin, una separación.

También se cumplen los pronósticos y se lo lleva Woody Allen más de 20 años después de recibir la última estatuilla. Evidentemente, no fue a recibirlo.

Mejor cortometraje de ficción

- "The Shore" - "Pentecost” - "Raju" - "Tuba Atlantic" - "Time Freak"

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Mejor cortometraje documental

- Woody Allen, por "Midnight in Paris" - Terrence Malick, por "El árbol de la vida"

- "The Barber of Birmingham: Foot"

- "The Tsunami and the Cherry Blossom"

Aunque “The Artist” partía como favorita nadie estaba tan seguro de que su director triunfara ya que anteriormente Scorsese le había ganado el Globo de Oro. Michael Hazanavicius se lleva su primer Oscar en una noche que se preveía triunfante para “The Artist” a partir de este premio.

- "Saving Face"

Mejor actor

Mejor cortometraje de animación

- Demián Bichir, por "Una vida mejor"

- "Soldier of the Civil Rights Movement" - "God Is the Bigger Elvis" - "Incident in New Baghdad"

- George Clooney, por "Los Descendientes" - "Dimanche/Sunday", de Patrick Doyon

- Jean Dujardin, por "The Artist"

- "The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore", de William Joyce y Brandon Oldenburg

- Gary Oldman, por "El Topo"

- "La luna", de Enrico Casarosa - "A Morning St Roll", de Grant Orchard y Sue Goffe - "Wild Life", de Amanda Forbis y Wendy Tilby Mejor dirección

- Michel Hazanavicius, por "The Artist" - Alexander Payne, por "Los Descendientes" - Martin Scorsese, por "La Invención de Hugo"

- Brad Pitt, por "Moneyball: Rompiendo las reglas" Tras el triunfo de Hazanavicius ya se pensaba que Jean Dujardin iba a ganar el Oscar a mejor actor, por delante de un George Clooney que también entraba en las quinielas. Es su primer Oscar y le puso ganas en el agradecimiento en su forzado inglés.

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Mejor actriz

- "El árbol de la vida" - "Tan fuerte, tan cerca"

- Glenn Close, por "Albert Nobbs"

- "The Artist"

- Viola Davis, por "Criadas y Señoras" - Rooney Mara, por "Millennium: Los Hombres que no Amaban a las Mujeres" - Meryl Streep, por "La Dama de Hierro" - Michelle Williams, por "My Week With Marilyn" Tras 17 nominaciones a los Oscar, Meryl Streep se lleva su tercer premio casi 30 años después del anterior. Su papel como Margaret Thatcher le ha dado el premio por delante de Viola Davis que partía con un ligero favoritismo en las apuestas. Fue sin duda una de las más ovacionadas de la gala y un reconocimiento de la industria a su trabajo como actriz.

Mejor Película

- "Los Descendientes” - "Criadas y Señoras" - "La Invención de Hugo" - "Moneyball: Rompiendo las reglas" - "Midnight in Paris" - "War Horse (Caballo de batalla)"

Tal y como avanzaba la gala se podía intuir que “The Artist” se proclamaría como ganadora total de la noche y cumplió las expectativas creadas.

La segunda película muda que gana un Oscar, más de 80 años del primero. Lo mejor, la aparición frugal del perro Uggie.

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Análisis profundo de las películas que estuvieron nominadas. ¡Este es tu podcast!

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M.C. Catalán Editora mccatalan@hellofriki.com

Premios Goya 2012 Relación de premios.

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El día Goya 2012, os traemos la lista de los ganadores de este año.

-Mejor actor protagonista: José Coronado por ‘No habrá paz para los malvados’

Después de una gala presentada por la humorista Eva Hache (correcta aunque no a la altura de Buenafuente), los resultados de los galardones han sido bastante predecibles: 6 estatuillas para "No habrá paz para los malvados", 4 para "La piel que habito" y "Blackthorn", 3 para "La voz dormida" y 2 para "Eva" y "Arrugas".

-Mejor actriz protagonista: Elena Anaya por ‘La piel que habito’

A destacar los discursos del director Kike Maíllo y de Santiago Segura.

Aquí os dejamos la lista: - Mejor película: ‘No habrá paz para los malvados’ - Mejor director: Enrique Urbizu por ‘No habrá paz para los malvados’

- Mejor actor de reparto: Lluis Homar por ‘Eva’

-Mejor guión original: Enrique Urbizu y Michel Gaztambide por ‘No habrá paz para los malvados’ -Mejor guión adaptado: Ángel de la Cruz, Ignacio Ferreras, Paco Roca y Rosanna Cecchini por ‘Arrugas’

- Mejor actriz de reparto: Ana Wagener por ‘La voz dormida’

-Mejor dirección artística: Juan Pedro de Gaspar por ‘Blackthorn’

-Mejor actriz revelación: María León por ‘La voz dormida’

- Mejor montaje: Pablo Blanco por ‘No habrá paz para los malvados’

- Mejor actor revelación: Jan Cornet por ‘La piel que habito’

-Mejor música original: Alberto Iglesias por ‘La piel que habito’

- Mejor dirección novel: Kike Maillo por ‘Eva’ - Mejor dirección de producción: Andrés Santana por ‘Blackthorn’ - Mejor dirección de fotografía: Juan Antonio Ruiz Anchía por ‘Blackthorn’

- Mejor canción orignal: Nana de la hierbabuena de ‘La voz dormida’ - Mejor diseño de vestuario: Clara Bilbao por ‘Blackthorn’

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- Mejor sonido: Licio Marcos de Oliveira, Ignacio RoyoVillanova e Ignacio RoyoVillanova por ‘No habrá paz para los malvados’

- Mejor cortometraje de animación: ‘Birdboy’

- Mejor maquillaje y peluquería: Karmele Soler, David Martí y Manolo Carretero por ‘La piel que habito’

- Mejor película europea: ‘The artist’

- Mejores efectos especiales: Arturo Balseiro y Lluís Castells por ‘Eva’ - Mejor película de animación: ‘Arrugas’ - Mejor película documental: ‘Escuchando al juez Garzón’ - Mejor cortometraje documental: ‘Regreso a Viridiana’ - Mejor cortometraje de ficción: ‘El barco pirata’

- Mejor película hispanoamericana: ‘Un cuento chino’

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LOS JUEGOS DEL HAMBRE Las noticias más relevantes de este mes.

Nuevas Imágenes, nuevo tráiler, récord de venta de entradas y nuevos datos.

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La gran expectación que el estreno "Los Juegos del Hambre" ya generaba de por sí ha aumentado con el sistema de distribución de venta de entradas anticipadas, que ha batido todos los records hasta ahora registrados en doce años y superando a "Eclipse", hasta ahora ostentadora de este título.

Rick Butler, directivo del sistema de venta de entradas Fandango, declaró: "Hemos visto el mejor primer día de venta de entradas en nuestra compañía en sus 12 años de historia. Especialmente destacable por tratarse de un estreno en el mes de marzo y además por no tratarse de una secuela".

Recordemos que "Los Juegos del Hambre" es la primera parte de la adaptación cinematográfica a la saga de novelas de Suzanne Collins, y nos sitúa en un futuro postapocalíptico en el que un pasado de guerras ha dejado los 12 dis-

tritos que dividen Panem bajo el poder tiránico del "Capitolio". Sin libertad y en la pobreza, nadie puede salir de los límites de su distrito. Sólo una chica de 16 años, Katniss Everdeen, osa desafiar las normas para conseguir comida. Sus principios se pondrán a prueba con "Los juegos del hambre", espectáculo televisado que el Capitolio organiza para humillar a la población.

Cada año, 2 representantes de cada distrito serán obligados a subsistir en un medio hostil y luchar a muerte entre ellos hasta que quede un solo superviviente. Cuando su hermana pequeña es elegida para participar, Katniss no duda en ocupar su lugar, decidida a demostrar con su actitud firme y decidida, que aún en las situaciones más desesperadas hay lugar para el amor y el respeto.

Se estreno se espera en nuestras salas el próximo 20 de Abril (23 de Marzo para USA).

También os traemos nuevas imágenes de los tributos enfundados en sus trajes, dispuestos a luchar en la arena.

Podemos ver a Jennifer Lawrence como Katniss, a Josh Hutcherson como Peeta, a Alexander Ludwig como Cato, a Liam Hemsworth como Gale y a un Wes Bentley en el papel del juez Seneca Crane.

Por otro lado, tenemos el primer póster IMAX y dos nuevo spots de TV en los que aparece Katniss ofreciéndose como voluntaria en lugar de su hermana Prim, y a ella y a Peeta corriendo por la arena.

[Todas las imágenes abajo y a la derecha] Por otra parte Ya se ha desvelado la portada de la "Guía Oficial Ilustrada" de "Los Juegos del Hambre", que se ha editado este 7 de Febrero y en la que se podéis ver a los tres protagonistas de la película, Katniss (Jennifer Lawrence), Peeta (Josh Hutcherson) ,

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y Gale (Liam Hemsworth).

Y como las comparaciones son odiosas, para que no haya confusiones entre este éxito literario y el de "Crepúsculo", los responsables de "Los Juegos del Hambre" han vetado a los actores de la saga vampírica en cástings para futuras secuelas de las adaptaciones cinematográficas a las novelas de Suzanne Collins.

Esto ha resultdo un chasco para actores como Kellan Lutz (Emmet en "Crepúsculo"), quien habló con insider.com en la fiesta de la Super Bowl expresando su interés en futuras entregas de "Los Juegos del Hambre" (incluso se había rumoreado que podría encarnar a Finnick Odair). [Imagen abajo] Viene este número con nosotros también Lionsgate nos ofrece por fin un segundo tráiler de "Los Juegos del Hambre".

En él podemos ver cómo se escoge a Prim como tributo y

cómo Katniss se ofrece voluntaria. Parte del entrenamiento de la protagonista y de Peeta y, muy importante, la continua presencia del sinsajo.

La cinta, dirigida por Gary Ross, está protagonizada por Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Woody Harrelson, Lenny Kravitz y Elizabeth Banks.

Disfrutad de este magnífico tráiler, que pondrá los pelos como escarpias a más de un f a n . [ T r á i l e r e n www.hellofriki.com] Y por último, "Los Juegos del Hambre", primera parte de la tetralogía (la última entrega será dividida en dos partes, para no faltar a la moda) que adaptará las novelas de Suzanne Collins a la gran pantalla, está cerca, y Jennifer Lawrence, actriz que dará vida a Katniss, ya ha dado datos acerca de su participación en la segunda película, "En Llamas".

"Me encanta el proyecto. Es una película muy interesante para mí. Con la primera entrega veremos el inicio de un líder. El surgimiento de una revolución que supera el contexto de los propios juegos".

Además, adelantó que el rodaje de la cinta tendría lugar en Hawai y que Gary Ross seguiría al frente del proyecto. "La elección de Hawái me parece fantástica. Desde que leí el libro me preguntaba dónde sería el mejor lugar para poder ubicar la película, y Gary Ross acertó de lleno. Es un gran lugar para recrear el intenso argumento de la segunda novela de Los Juegos del Hambre".

Los que hayáis leído las novelas, ya podréis imaginaros qué parte del libro puede haber sido rodada en esta paradisiaca isla, que podremos ver en la gran pantalla a partir de 2013.

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Robert Pattinson podría dejar la saga Crepúsculo El actor londinense, al parecer, no comparte el interés que muestra Lionsgate (productora a la que pertenecen los derechos de las películas) de continuar en el mundo de Crepúsculo, en el caso de que la autora de las novelas, Stephenie Meyer, escribiera otro libro más.

“Siento curiosidad por lo que Stephanie pudiera escribir pero, probablemente, yo fuese demasiado mayor para hacerlo. Ahora mismo soy demasiado mayor. Pero sí, sería interesante” fueron las palabras del actor, el cual representa el papel de un sempiterno vampiro de 17

años, durante una rueda de prensa en el Festival Internacional de Cine de Berlín.

Ahora, lo único que queda por preguntarse es si Lionsgate conseguirá mantener en un buen nivel de popularidad a las películas ante la ausencia del actor.

Jai Courtney patricipará en "La Jungla 5" Conocido por su papel de Varro en la serie de televisión Spartacus: Blood and Sand, Jai Courtney encarnará a Jack McClane, el hijo del duro y mítico policía John McClane que Bruce Willis lleva interpretando en toda la saga de La Jungla de Cristal.

En esta quinta entrega, titulada A Good Day To Die Hard, la amenaza terrorista será de caracter internacional y para enfrentarse a ella, John McClane hará equipo con su hijo Jack que se encuentra encerrado en prisión por un lider ruso.

Escupefuego Redactora www.hellofriki.com

Dirigida por John Moore, comenzará su producción en abril y tiene fecha de estreno para el 14 de Febrero de 2013.

[Nueva imagen arriba de está página]

Giacco Redactor giacco@hellofriki.com

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NUEVAS IMÁGENES DE ‘THE RAVEN’ Os traemos muchas nuevas imágenes de "The Raven" (‘El enigma del cuervo’ en español), thriller de ficción sobre los cinco últimos misteriosos días de la vida de Edgar Allan Poe protagonizado por John Cusack.

El film se centrará en Poe, que se unirá a la caza de un asesino cuyos crímenes son inspirados por sus obras.

El resto de reparto lo componen Luke Evans, Alice Eve, Brendan Gleeson, Kevin McNally, Pam Ferris y Oliver Jackson-Cohen.

Su estreno se espera el próximo 9 de Marzo.

M.C. Catalán Editora mccatalan@hellofriki.com

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MEN IN BLACK III NUEVAS IMAGENES. Más imágenes y un póster de "Men in Black III", tercera entrega de una de las sagas de ciencia ficción más gamberras. Esta vez dirige Barry Sonnenfeld con un guión de David Koepp, Jeff Nathanson, Etan Cohen y Michael Soccio.

El reparto está formado por Will Smith, Emma Thompson, Alice Eve, Tommy Lee Jones, Michael Stuhlbarg, Joe Urban, Michael Chernus, Josh Brolin, Bill Hader, Nicole Scherzinger y Jemaine Clement.

Los Hombres de Negro tienen como función confundir o amedrentar a investigadores y testigos de OVNIs y visitantes extraterrestres, además de confiscar supuestas evidencias de presencia alienígena, con el propósito de preservar del conocimiento público las visitas de extraterrestres a nuestro planeta.

Esta vez la historia comenzará en la actualidad para pasar después al año 1969, con Will Smith como el Agente J viajando en el tiempo para conocer a un joven Agente K (Tommy Lee Jones, que en 1969 será rejuvenecido por Josh Brolin).

Se estrenará el 25 de mayo de 2012, con versión 3D incluida y una BSO de Danny Elfman.

Victor M. Yeste Editor victormyeste@hellofriki.com

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de Cine Redactores de lasNoticias noticias:

M.C. Catalรกn Editora mccatalan@hellofriki.com

Blancanieves y la leyenda del Cazador Breaking News

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En esta cinta de Rupert Sanders, Blancanieves (Kristen Stewart) será una princesa guerrera que, entrenada por el cazador (Chris Hemsworth), intentará derrotar a la malvada reina (Charlize Theron) en batalla.

Con su estreno cada vez más próximo (el 1 de Junio de este año), os traemos un pequeño avance. Se trata de una imagen en la que se puede apreciar al cazador protegiendo a Blancanieves.

Dando un giro al cuento de

hadas, el cazador al que se le ordena que termine con Blancanieves termina convirtiéndose en su mentor y protector para derrotar a la Reina Malvada.

Su estreno es uno de los más esperados de este año, y llegará a nuestras salas el próximo 1 de Junio.

También, Universal Pictures nos regala dos nuevas imágenes.

En ellas podemos ver a una Kristen Stewart vagando por el bosque y a Sam Clafin, el príncipe de este cuento de

hadas que da una vuelta de tuerca a la clásica historia de lo hermanos Grimm. Una cinta en la que el cazador al que se le ordena que termine con Blancanieves termina convirtiéndose en su mentor y protector para derrotar a la Reina Malvada.

Ian McShane, Nick Frost, Toby Jones, Ray Winstone, Bob Hoskins, Eddie Marsan, Chris Hemsworth, Charlize Theron, Lily Cole, Vincent Regan, Dave Legeno, Rachael Stirling y Johnny Harris componen el resto del elenco.

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.Litera

atura.

Rese単as de Literatura

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Apartamento 16 · A FONDO ·

La primera impresión cuando recibí el libro en mi casa fue ‘topicazo’. La frase que adorna su portada es muy sugerente para los amantes del terror clásico: ‘Algunas puertas deberían permanecer siempre cerradas…’ No soy una persona que haya leído muchos libros de terror, pero algo me defiendo en el tema, así que aquí traigo mi opinión.

La introducción del libro (los dos o tres primeros capítulos) es bastante pesada. El autor se para mucho a describir la escena, y lo explica todo varias veces. Detalla cada una de las cosas que aparecen. El inicio de todo sigue sugiriéndonos que vamos a leer un tópico.

Pero conforme avanza el libro notamos que la historia empieza a entrelazarse, y lo que podíamos ver como una historia que podría durar a lo sumo 200 páginas, nos revela una trama de lo más complicada.

Nevill se para mucho, como ya he dicho, a describir las cosas.

Y a veces incluso puede resultar algo pesado. Puede describirnos la misma cosa tres veces (en diferentes capítulos) cambiando un poco las palabras. Llega un momento en el que la trama a penas avanza, ya que se centra mucho en hacernos ver bien claro el mundo que ha creado, y el lector empieza a desesperarse.

Cosa normal, claro, porque con

una trama tan complicada, con tanta ‘morralla’ por en medio, uno acabada perdiéndose. Apartamento 16 es un libro para leer en silencio, sin nada para distraerse, en el clímax personal de cada uno.

Pero sí que hay algo bueno en que el escritor se pare a describir tanto las cosas. Las descripciones más largas son acerca de los sentimientos de la gente y de cómo se sienten.

Y son unas de las mejores descripciones psicológicas que he visto nunca. Da la impresión de que Nevill nos mete en el personaje y nos enseña cada una de las cosas que pasan por la cabeza de éste, con tal nitidez que en algún momento podemos llegar a incluso anticipar sus movimientos. En el libro está siempre presente el tema de la locura, y las descripciones de los estados de ánimo son tan exactas que uno se puede meter perfectamente en el papel de loco después de leer el libro, pues nos enseña todas las facetas de, por ejemplo, un bipolar.

Nevill nos tiene siempre guardadas sorpresas. Da giros en el argumento que no nos esperamos, nos hace cambiar radicalmente la opinión moral que teníamos acerca de un personaje, e incluso llega a hacer que nos guste un personaje que, de entrada, nos caía mal (y viceversa).

Diego Domínguez Maquetación y redactor diegodominguez@hellofriki.com

Pasando a otro tema, el libro está muy documentado. La trama se desarrolla en Londres, en los años actuales, y el escritor hace referencias a muchísimos sitios de la ciudad, nombres de casas, plazas, etc.

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También hay gran cantidad de menciones a momentos históricos, ya que en el libro el pasado tiene mucha importancia.

De hecho, es lo que crea el nudo del libro.

El libro está dividido en cuarenta y dos capítulos, más un epílogo. Demasiados, en mi opinión. Podemos llegar a encontrarnos con capítulos de dos páginas escasas, que no aportan demasiado a la historia.

De nuevo, las descripciones acerca de un personaje ocupan esas dos páginas. Un personaje que nos describía hace un capítulo, y que no era necesario repetir. Parece que el autor se vea obligado a alternar un capítulo con cada personaje, cosa que, desde mi opinión, no tiene por qué ser así. Pero claro está, para manías, colores.

primirla, y la verdad es que lo de la ventana iluminada, a diferencia de las otras, llama la atención. Sí que es verdad que la calidad de papel no es muy buena, y que es un libro que hay que llevar con pinza para que no de acabe dañando. Pero bueno, a los libros hay que tratarlos como a tesoros, ¿no? Una buena edición por parte de Minotauro, en conclusión.

Pasamos al final de la novela.

Nos encontramos con un ‘pre- Resumiendo: una buena nofinal’ bastante impactante, con vela si no tenemos nada que uno de los giros argumentales leer. Una buena trama, unos propios de Nevill que nos deja giros argumentales complicacon los ojos abiertos. Pero en dos, pero impactantes, y un realidad, el final final no es im- (pre)desenlace bueno. Perfecpactante. Los que esperen un ta para los amantes del terror, desenlace para recordar, que por esa mezcla de terror clásino lo lean. Es un final que, a co-psicológico que Nevill fin de cuentas, todos nos pod- hace, y una buena novela paíamos esperar. Hago hincapié ra los fans de la ciencia-ficción en el último giro argumental de la novela, que sí es impacPUNTUACIÓN: tante.

En general, la novela es buena. No nos encontramos con un Best Seller porque tampoco es un libro que vaya a destacar. Pero si no hay nada para leer es recomendable, sobre todo para los amantes de la ciencia ficción y el terror, ya que yo he pasado algún momento de incómodo miedo mientras leía. Están muy bien relatados los momentos en el que el escritor quiere causar pánico. Lo consigue, ya lo creo que sí.

Pasando a la edición del libro, por parte de Ediciones Minotauro, tengo alguna cosa que decir. La cubierta, blanda, llama mucho la atención. Han tirado la casa por la ventana en fotografiar una casa e im-

TÍTULO: Apartament 16 ESCRITOR: Adam Nevill EDITORIAL: Minotauro ISBN: 978-84-450-7844-0

Nº DE PÁGINAS: 405 páginas

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esmeralda ~Párrafo a Párrafo~ Tercer y último libro de la saga, con un final muy digno de esta trilogía.

Kerstin Gier pone punto y final a la saga de viajes en el tiempo con un libro absolutamente trepidante que coge ritmo desde el principio.

La historia comienza donde la dejó el segundo, con una protagonista, Gwen, tremendamente angustiada, tras enterarse de que su amado Gideon la ha estado utilizando. Bien, esto no debería ni mencionarse, es patético. Una quinceañera llorona, que lo único que hace es llamar a su mejor amiga para lamentarse de su existencia. Xemerius, el daimon, es el mejor en esta parte, nada entre los llantos de Gwen y pone bastante humor con frases que todos pensamos.

Dejando de lado este recurso barato de novela romántica adolescente, el desenlace es absolutamente estupendo. En la reseña del segundo tenía muchas preguntas, y me daba miedo que la autora no le diese tiempo a cerrar todos los frentes abiertos que había creado. Pues bien, lo hace y a la perfección. Con sorpresa incluida.

Al ser un libro juvenil y romántico, cuentas con que ninguno de los protagonistas muera. Aunque juega mucho

con la profecía, en la que dice que Gwendolyn tiene que morir, obviamente esto no pasa. Y no es un spoiler, forma parte del género de estos libros, cuyo fin es sacarnos una

Cris Miguel Redactora Twitter: @crismiguel

sonrisa, no hundirnos en el lodo. El caso que aunque ninguno de los dos muere (Sí, me gustan los finales felices), hay una gran sorpresa al final.

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Quizás sea yo la que no la ha visto venir porque estaba más concentrada en el romance.

Pero, es auténticamente admirable cómo ha cerrado todo el engranaje la autora, dejándome con la boca abierta.

Los personajes siguen la misma línea, quizás en este libro sea más protagonista Gideon. Tras aclarar las cosas con Gwen, es el protagonista principal. Considero que en este, es donde vemos realmente como es. Aunque nunca pierde ese halo de misterio, aquí por fin podemos confiar en él. Gwen por su parte, sigue igual, en el anterior la califique como “evoluciona a su yo más petardo como toda buena protagonista de literatura juvenil que se precie”; en este, quizás no esté tan petarda, pero está muy enamorada lo que la hace un cero a la izquierda, porque sólo se preocupa de cómo tiene el pelo Gideon. Menos mal que su mejor amiga Leslie y Xemerius equilibran la balanza, y ellos sí piensan un plan para acabar con el malo malísimo Conde de Saint Germain.

Prácticamente no puedo hablar del hilo argumental, ya que al ser el desenlace sería un spoiler tras otro. En tiempo real, este libro abarca solamente tres días. Tres días muy intensos, con muchos viajes en el tiempo que la autora ha sabido comprimirlos, mostrándonos vívidamente lo importante y el resto contándonoslo a través de los recuerdos de Gwen. Porque, como he dicho, tenía que cerrar muchos frentes y no se ha permitido distraerse con nada intranscendente. Claro que “intranscendente” es totalmente subjetivo, pero creo que formo parte del público más habitual, y el amor, y los momentos bonitos son totalmente necesarios; Puesto que prácticamente sólo los tienen en este libro, porque en los anteriores reinaban los malentendidos.

No quiero destacar nada negativo de este libro, es un gran final de saga, mejores que muchos. Porque ya es todo un logro que el concepto “previsible” no predomine en todas sus páginas.

En definitiva, esta saga es totalmente recomendable para los amantes de la literatura juvenil. Porque, aun tratándose de este género, la trama es complicada en el sentido de compleja y hasta el final no eres capaz de entender, en su totalidad, todo el universo que ha creado K e r s t i n G i e r . ¡Juzga por ti mismo!

PUNTUACIÓN:

TÍTULO: Smaragdgrün ESCRITOR: Kerstin Gier EDITORIAL: Montena ISBN: 978-84-844-1753-8 Nº DE PÁGINAS: 496 páginas

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El Códice del Peregrino - ANALIZANDO SUS PÁGINAS -

Para que vamos a engañarnos, empezaré la reseña siendo franco con vosotros. Adquirí el libro porque me pareció asombroso, incluso morboso si queremos decirlo así, que una persona pudiera sacar tajada de un escándalo nacional como el robo del Códice Calixtino, que se produjo en Julio del año pasado. Aún no habían pasado siete meses cuando este ejemplar vio la luz a través de las imprentas de Planeta. Además, la sinopsis del libro aseguraba que dentro del Códice Calixtino se encontraba un evangelio ‘secreto’ donde se revelaba el árbol genealógico de Jesucristo. Lo relacioné rápidamente con el género de ‘El Código Da Vinci’, tan polémico e interesante, y empecé a leerlo.

Las primeras páginas del libro nos introducen en la vida de Patricia Veri y Diego Martínez, pareja y compañeros de trabajo. Ambos son comerciantes de obras de arte en el mercado ilegal internacional. Reciben un encargo en el que, por primera vez, tiene que robar algo: El Códice Calixtino. Y digo por primera vez porque ellos se dedican a hacer de intermediarios entre vendedor y comprador, nunca hacen el trabajo sucio. Pero la suma de dinero que les ofrecen es muy elevada, y además la extracción del Códice de su cámara de seguridad es tan sencilla, que acep-

tan. Querría resaltar que a lo largo de la novela se le da mucha importancia a decir que son argentinos, y no entiendo semejante obsesión por ello.

Cada vez que se habla de Patricia y Diego, se habla de su nacionalidad.

José Luis Corral, el autor de la novela, catedrático de historia medieval en la Universidad de Zaragoza, hace honor a sus estudios. La novela está plagada de datos históricos, e incluso puede hacerse pesado para alguien que no esté acostumbrado a leer este tipo de novelas y haya comprado la novela por el morbo que puede dar que esté basada en un robo reciente, todavía sin resolver.

Diego Domínguez Maquetación y redactor diegodominguez@hellofriki.com

Pero todo lo que dice está documentado, y de hecho al final de la novela aparecen cuatro páginas llenas de referencias.

Un aplauso para Corral, pues en un periodo de tiempo tan reducido de tiempo ha sabido crear una alternativa a la religión católica. Una alternativa o, mejor dicho, una tesis que derrumba sus cimientos, pues habla de que la Virgen María no fue virgen, valga la redundancia, y que Jesús tuvo hermanos, primos y demás familia, es decir, que no fue tan divino como lo ponen.

La parte histórica de la novela está muy bien contada. Yo por lo menos he llegado a plantearme que quizás lo que cuenta Corral puede ser verdadero.

He consultado los pasajes de la Biblia que se citan en el libro, y los planteamientos que Patricia Veri hace acerca de la religión tienen mucho sentido.

Pero aquí viene el fallo más gordo de la novela, y es que Corral ha creado a unos personajes superdotados. Patricia y Diego son licenciados en Historia del Arte, cierto, pero una cosa es tener una carrera, y otra muy distinta es llegar a conclusiones averiguando cosas en pocos segundos para las que habría que usar, por lo menos, unas cuantas horas.

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La más pecadora en este asunto es Patricia, que da discursos acerca de la genealogía de Jesucristo con información que ha averiguado milagrosamente en pocos minutos. Descubre el ‘secreto del Códice’ por su cuenta, sin saber si quiera que tema trata ese secreto. Cita pasajes bíblicos sin descanso, habla sobre temas complicados con una soltura digna de un…¿catedrático? Exacto.

Aquí se transparenta un poco el trabajo del autor, que no sabe ser neutro en este tema. La historia es muy espesa, y lo que se plantea como muy fácil, en realidad es muy difícil de entender.

Pasando a la parte policiaca del texto, está bastante lograda. Podemos imaginarnos a los miembros del cuerpo de policía, y la historia está muy documentada también en este tema. Nos cuenta sin ningún tapujo todas las dificultades que están teniendo los representantes de la justicia para abordar este tema, la influencia del periodismo en este tipo de asuntos, etc.

Diego, en cambio, le encanta el dinero y seguiría toda su vida haciendo lo que mejor sabe hacer. La novela está plagada de rifi-rafes continuos entre la pareja, de momentos emotivos y reconciliaciones y de discusiones que le dan ese toque ‘humano’ que necesita para descargar un poco las oleadas de información que vienen hacia nosotros.

Hablando de la edición de Planeta. Impresionante, sin palabras. Un reclamo para el lector muy bueno, ya que la edición es extraordinaria, pocas he visto así. Unas so‘Puede hacerse pesado lapas con una imagen a todo color de códipara alguien que no esté ces y de una vidriera, protegiendo un senciacostumbrado a leer llo lomo gris. Pero, como muchos enamoranovela histórica’ dos dirían, la belleza está en el interior (si cabe más belleza), ya que El amor , una trama secunda- cuando abrimos el libro nos ria en esta novela, tiene a pe- encontramos con partes del sar una importancia clave. Pa- Códice Calixtino a todo color, tricia Veri tiene dudas sobre impresos en más bien una seguir trabajando en el terreno cartulina que un folio. Un 10 ilegal, ya que nunca podrán para la editorial, que se lo han tener una vida normal, y a currado mucho y que a buen

seguro supondrá más del 50 % de las ventas. Estoy completamente seguro de ello.

Resumiendo la reseña, es un buen libro. La historia contada es entretenida y da una visión acerca de lo que pudo ser el robo, recopilando todas las noticias que aparecieron acerca de esto y lo que fue todo el proceso de investigación.

Además, el autor denuncia varias veces el poco interés de los españoles por la cultura, y también lo poco protegida que se tenía esta joya de la corona de la literatura española. Y qué razón tiene.

PUNTUACIÓN:

TÍTULO: El Códice del Peregrino ESCRITOR: José Luis Corral EDITORIAL: Planeta ISBN: 978-84-08-10898-6 Nº DE PÁGINAS: 336 páginas

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Ventanitas Manzana

Reseñando...

“Ventanitas Manzana” es una de las novelas más arriesgadas del mercado actual. La mezcla de géneros que se suceden en esta obra asustaría a los lectores con gustos más tradicionales y puntillosos. Si todo cambio, toda apuesta por innovar en un mundo literario que siempre evoluciona, te produce alergia, ésta definitivamente no es una lectura apropiada.

Ventanitas Manzana es un ladrón sin ninguna importancia al cual le acontecen, como el título completo indica, una serie de singulares vicisitudes. El libro se divide en unas cuantas etapasen las que el personaje se ve rodeado de unos secundarios que le ayudarán (o le dificultarán) las cosas a la hora de cumplir sus objetivos.

secundarios tienen nombres bastante acordes con la temática: el ‘Si lo que se desea es gitano Faraoncito Multipasar un rato divertido, usos, el cegato Frikito Andurriales, el inventor el entretenimiento Simon Bell, la bella Lalianta… Y tienen tanta está asegurado’ importancia en la trama como el protagonista.

Ahora bien, si lo que se desea Estamos, por tanto, hablando es pasar un rato divertido le- de un libro de personajes, pues yendo una combinación tan depende totalmente de éstos audaz de géneros y subgéne- para entretener al lector. ros… el entretenimiento está asegurado. Por fin una editorial apuesta por hacer temblar los límites que hasta ahora han sido demasiado rígidos. ¿Por qué “Ventanitas Manzana” es un libro tan temerario? Porque mezcla dos géneros que ya de por sí suelen suscitar desdén en los lectores que no los leen con asiduidad: la fantasía (épica, para más inri) y el humor. Y a todo eso le añade un tono picaresco y lo condimenta con, nada más y nada menos, que el rol.

Estos

Victor M. Yeste Editor victormyeste@hellofriki.com

Para ello, Enric Herce se sirve de una prosa muy bien escrita, con una lectura fácil y que engancha desde la primera palabra. Sabe cómo usar el ritmo en su beneficio, consiguiendo enganchar con unas aventuras que transcurren, quizá, demasiado rápidas.

Pues éste es el mayor defecto de la obra: son 182 páginas donde ocurren infinidad de hechos. Las diferentes subtramas en las que se introduce Ventanitas se resuelven con excesiva celeridad y pueden resultar vacías.

Cae en el error en el que muchos otros cayeron anteriormente al tratar el humor: temiendo dejar de ser gracioso, no profundiza demasiado en la historia.

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Y ésta tampoco transmite nada que marque al lector, salvo quizá algún giro inesperado que sorprende y queda grabado en el recuerdo.

Pero que sirva de contrapunto el detalle de rol que nos ofrece la historia. Llegados a un punto, los personajes se adentran en un juego de rol y deben encarnar a otros personajes y llevar a cabo una misión. Ésta es la parte del libro qué más atractiva puede resultar, pues dentro de una narración con tintes tan inusitados, nos ofrece algo maravillosamente original y que consigue encandilar a los lectores.

PUNTUACIÓN:

TÍTULO: Ventanitas Manzana ESCRITOR: Enric Herce EDITORIAL: Grupo AJEC ISBN: 978-84-15156-17-8

Nº DE PÁGINAS: 182 páginas

Es, por ello, una novela simple y entretenida, que no promete ni busca más que eso: combinar géneros que pocos se han atrevido a mezclar y conseguir un resultado a la altura de lo que se esperaba. Muy recomendable.

Especial de Hello Friki Podcast donde repasamos lo mejor del 2011!

Analizamos todos los Libros, películas y series del año pasado. Tops 20.

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Diego Domínguez Maquetación y redactor diegodominguez@hellofriki.com

La Cazadora de Sueños, de Lisa McMann Análisis de la trilogía completa.

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sueña ‘Tus sueños ya no son tuyos’ Con esta frase, Lisa McMann inaugura el primer libro de la trilogía ‘La Cazadora de Sueños’. Y con esto ya nos podemos ir haciendo una idea de lo que la autora nos plantea en el libro.

Lo primero que me llamó la atención de este libro, y de sus dos compañeros, fue su edición. Everest nos presenta un libro negro mate, con un título en morado bien grande, y una almohada en medio. Sencillo pero atrayente. Además, la edición, muy americana ella, incluye unas frases en la contraportada de críticos que dieron su opinión acerca del libro.

Muy bonita, y muy cuidada.

El libro nos cuenta el inicio de la apasionante historia de Janie, una niña que nace con un don que la hace diferente a los demás, por el hecho de que puede meterse en los sueños de los demás sin evitarlo.

Quizás, visto así, esta historia nos suene de algún otro libro o película, pero para nada tiene algo en común con otro tipo de historia. La forma de contarlo de la autora es inquietante, y sobre todo la manera de escribirlo. Y quiero hacer diferencia entre ‘contarlo’ y ‘escribirlo’, y ahora explico por qué.

Cuando hablo de contar la historia, me refiero a la forma en la que la autora nos relata la historia de Janie. Una forma de contarla muy cercana, sobre todo para la juventud, ya que la McMann no tiene ningún impedimento en contar cosas de la vida cotidiana de los jóvenes de una forma muy real, incluyendo en los diálogos mucha jerga juvenil y hablando de sexo, drogas, y rock n’ roll.

Cuando hablo de escribirla, me refiero a la forma en la que la historia está estructurada. Nos encontramos con unos capítulos bastante largos (en proporción al tamaño del libro) en los que lo que la autora escribe sobre Janie y su vida está perfectamente situado en el tiempo. Aparecen cada dos por tres fechas y horas, sobre todo esto segundo. Y eso le da una ligereza al libro extrema. Además, la trama avanza muy rápidamente, nunca está parada por así decirlo. Cada página que pasamos, McMann nos está contando un poco más de la vida de la protagonista, y se mantiene a ese ritmo todo el libro.

Nada más abrir la novela nos encontramos con dos tipos de letra, con los que se hace diferencia de la vida real de Janie y de los sueños en los que se adentra. Algo también muy

dinámico a la hora de leer el libro, ya que al estar todo tan bien marcado, nos es mucho más fácil entenderlo.

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La escritora tiene una forma de redactar que llama bastante la atención. Utiliza muchísimos signos de puntuación, abusando en mi opinión de los puntos y aparte. Se excede en este tema, ya que frases que podrían haber estado separadas incluso por una coma, aparecen partidas en varias líneas. Este es uno de los pocos fallos que le puedo sacar al libro.

El libro tiene algún punto de humor, y no un humor de que cuente un chiste alguno de los personajes, sino la manera en la que están contadas las frases, con esa jerga popular de la que hablaba más arriba.

res dar cuenta has consumido la mitad del libro. Además, el avance es muy rápido por la calidad de la escritura.

Resumiendo: Un libro bueno.

Podríamos englobarlo en la literatura jovenadulta.

Una mezcla ‘La diversión, la emoción, de ficción, realismo y la tristeza y la alegría amor muy bien conjugados. La diverestán aseguradas’ sión, la emoción, la tristeza y la alegría Otro fallo que le podría sacar están aseguradas. sería que se le da muy poca importancia al inicio del don PUNTUACIÓN: de la chica. Solo aparece un sueño cuando era pequeña, y en cinco páginas la autora avanza cinco años, sin casi pararse a contar la evolución TÍTULO: de Janie, que es lo más importante. Cómo reacciona al Wake enterarse de su don, cómo se ESCRITOR: da cuenta de en qué consiste, Lisa McMann etc. etc.

Pasamos al tema del amor, que tiene un peso enorme en el libro. La relación entre los dos protagonistas (del segundo no voy a decir el nombre, que no quiero que me acusen de spoilers) está perfectamente contada. Se nota la complicidad que tienen entre ellos, sobre todo después de que el chico se entere del don de la chica a la que ama tanto.

Quizás nos encontremos con el chico perfecto, si queremos sacarle algún fallo a este tema.

El libro tiene, como he dicho antes, una lectura muy ligera.

Además, en esta edición, con márgenes amplios, líneas bastante separadas y una letra grande, la lectura se hace muy cómoda. Cuando te quie-

EDITORIAL: Everest ISBN: 978-84-441-4625-6 Nº DE PÁGINAS: 224 páginas

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TEME ‘‘Algunas terminan’

pesadillas

nunca

Teme, el segundo ejemplar de la trilogía La Cazadora de Sueños, está escrito por Lisa McMann. Es un buen libro de pies a cabeza dentro de la literatura juvenil, como el anterior, bien redactado, una historia perfectamente narrada…. Pero vayamos por puntos.

El libro cuenta la historia de Janie, la chica que tiene la capacidad de meterse en los sueños de la gente. Tras una gran lista de cosas que le ocurren en el primer libro, Janie entra en una nueva etapa de su vida que le dará muchísimas dificultades.

La historia, como he dicho, tiene una redacción que cualquier autor envidiaría. Como en el primer libro, McMann establece durante toda la novela una trama que nunca está parada, que cada página avanza, lo que hace que la lectura sea muy cómoda y agradable.

Además, tiene una estructura marcada con capítulos largos divididos en pequeñas partes marcadas por los días que transcurren durante ese capítulo, muy dinámicas a la hora de leer y que te hacen meterte más en la piel y vida de la protagonista. Como ya dije en la reseña anterior, un diez para

esta técnica que tanto me ha gustado.

McMann apuesta esta vez por integrarse todavía más en la vida de los jóvenes, relatando viajes de instituto, fiestas y diferentes dificultades de los adolescentes que sabe describir muy bien. La novela adquiere unas pinceladas policiacas que se adaptan muy bien a la trama del libro, y que hace que todavía todo sea más interesante. Pero no confundamos, porque no hablamos de una novela policiaca completamente. La trama prosigue su curso tal cual la autora nos la planteaba en el primer ejemplar, contando cosas acerca del don de Janie, etc. En ningún momento empalaga con investigaciones policiales muy espesas, y además siempre está todo relacionado con Janie, personaje que gusta tanto que es imposible hartarse de él.

En esta parte de la trilogía la autora se mete también más en el tema de los valores morales. La amistad, las relaciones familiares y…el amor. La relación entre la mejor amiga de Janie, Carrie; lo que siente Janie al ver siempre a su madre borracha, que no le tiene ningún cariño, y por supuesto el amor que se profesan Janie y Cabel, la pareja estrella del libro. Pero no solo son ellos los que están enamorados, mu-

chos secundarios también mantienen relaciones entre ellos, cosa que le da al la novela ese aspecto realístico que Lisa ha querido poner a sus novelas, en contraste con lo ficticio que puede ser el don de Janie.

Reseñas de Literatura

La autora le da mucho peso en esta novela a las drogas, los abusos sexuales y la poca conciencia que tienen algunos jóvenes. Prácticamente toda la novela trata de un caso que la policía investiga acerca de un profesor que abusa de los jóvenes, y, como ya he dicho más arriba, en ningún momento resulta pesada.

No soy un gran amante de lo policiaco, y Mcmann ha sabido conjugarlo perfectamente con la historia de manera que no canse ni agobie.

En ningún momento aparecen términos ‘La novela está plagada muy complicados, y lo de giros argumentales que los personajes van sacando en conen todo momento’ clusión en relación a los acontecimientos que van ocurriendo está muy Un buen libro, como el primero. Una trilogía que, de mobien explicado. mento, se merece todos los La novela está plagada de gi- premios que ha ganado. Y ros argumentales en todo mo- ‘Teme’, como libro suelto, mento. Hay varios momentos podría ser perfectamente la impactantes, que marcan mu- lectura recomendada de mucho la novela, que se graban chos institutos por los valores en tu mente para recordarlos que contiene, y por la crítica cuando paras de leer. Es un social que hace. libro que te hace reflexionar, Bravo, McMann. pensar acerca de la vida.

Aunque en el primer libro la autora lo dejaba más en un segundo plano, en este le da mucha importancia al tema de las clases sociales. Janie, de una clase baja, tirando a pobre, y pasa por muchísimas dificultades. Además, Carrie, que diríamos que se encontraría en la clase media, acaba por desvincularse un poco de Janie para pasar a ser más amiga de Melinda, de la clase alta, solo por el hecho de ser rica. El libro en sí es una denuncia a la sociedad de hoy en día, pasando por el tema de las drogas hasta la pobreza.

Everest vuelve a traernos una excelente edición, con esa portada sencilla pero atrayente, con ese toque americano y un simple vaso azul como portada; unas páginas llenas de tipos de letras diferentes que te permiten meterte más en el libro, y unos márgenes e interlineados amplios, que hacen que la lectura sea más cómoda.

PUNTUACIÓN:

TÍTULO: Fade ESCRITOR: Lisa McMann EDITORIAL: Everest ISBN: 978-84-441-4626-3 Nº DE PÁGINAS: 250 páginas

Hello Friki Magazine Número 2

HUYE ‘El fin está cerca’ El fin de una trilogía muy buena, una trilogía que, como ya decía en reseñas anteriores, se encuentra en los primeros puestos del top de la literatura juvenil. En esta reseña quizás sea un poco más duro con la autora, pues en mi opinión reduce la calidad de su habitual forma de escribir, pero aún así quiero que quede claro que es una trilogía que me ha dejado muerto matado.

En primer lugar, os comento la sinopsis del libro. Después de muchas aventuras, Janie comienza a ver que su don, más que una suerte, es una condena a una mala vida. Se puede quedar ciega, sin movilidad en las manos, y alguna cosa más que harán que su vida tenga poco sentido. En todo el libro se tratan los pensamientos de Janie a saco, y es uno de los primeros fallos que voy a resaltar. Se trata mucho los pensamientos de Janie de ‘mi vida va a ser una basura con esto’, ‘nunca seré una persona normal’ y ‘no puedo cortar con Cabel pero debo hacerlo’. Llegan a ser algo cargantes, ya que en todo, a diferencia de en los dos primeros ejemplares, la trama no avanza constantemente. De todas formas, tiene la escritura tipo de un cierre de saga. La autora tiene que atar

todos los cabos sueltos, y lo consigue, aunque utilizando esta técnica, la de los pensamientos, que tanto dista de su forma de escribir los otros dos tomos.

En este libro Janie encuentra a su padre, que resulta ser una persona muy especial para ella a pesar de haberla abandonado. Aparecen de nuevo valores morales ya tratados en los anteriores libros, la amistad, el amor de pareja y el amor familiar. Y en esta, muchísimo de lo último. A lo largo de cada página vemos como Janie se debate entre el odio que siente hacia su madre y su padre por el daño que le han hecho, y el amor instintivo que les profesa por el simple hecho de ser los que le trajeron al mundo.

Los sueños tienen menos aparición. Hay una parte del libro en la que se quedan en parón, cuando Janie hace su intento de aislarse del mundo para no terminar ciega y manca. Quiero resaltar un fallo que me ha parecido algo importante: la trama está muy amoldada a lo que tiene que pasar. Me explico: todo sale tal cual lo previsto. Haciendo alguna excepción, la protagonista no se ve atrapada en sueños cuando tiene

que hacer algo importante, y si es atrapada sale muy rápidamente.

Reseñas de Literatura

El debate que se presenta entre Janie y Cabel, la pareja perfecta que comienza a deteriorarse en este libro por el desgaste y la presión social a la que están sometidos después de darse a conocer en sociedad como ‘soplones de la policía’ está muy bien relatado, dejando de lado la reiteración continua de los pensamientos de Janie hacia Cabel.

McMann saca todos los sentimientos de ambos personajes, y los relata con tanta maestría que te parece que tu estés teniendo esos sentimientos.

tiene un notable, y muy alto, rozando el sobresaliente en la literatura juvenil. Cómoda, nada tópica y sencilla, fácil de leer.

A sus pies, McMann.

‘La trilogía tiene un notable muy alto, tirando a sobresaliente’ La comisario juega un papel muy importante en toda la trilogía, a partir del final del último libro, ya que la podemos situar como la madre adoptiva de la pareja estrella. Aunque es una persona fría y disciplinada con su trabajo y con sus subordinados, tiene su corazoncito, y se le puede llegar a coger mucho cariño. Se preocupa por la protagonista constantemente, aunque sin agobiar demasiado. Creo que sin este personaje, esta última novela habría carecido de sentido.

En general, está bien, pero como decía al principio, no es lo mismo que los dos primeros. No me atrevo a decir que es una novela comercial para meterse más dinero al bolsillo, porque el libro vale la pena, pero creo que la historia se podría haber condensado en dos volúmenes, y no en tres.

Un final, por cierto, muy sencillo, pero que te marca. Que te deja contento y triste a la vez, por no saber muy bien cuáles son los pensamientos finales de la personaje. Creo que McMann hace muy bien dejando medio abierto este final, ya que le da mucho juego al lector para terminar la historia por su cuenta.

Resumiendo toda la trilogía,

PUNTUACIÓN:

TÍTULO: Gone ESCRITOR: Lisa McMann EDITORIAL: Everest ISBN: 978-84-441-4627-0 Nº DE PÁGINAS: 218 páginas

Hello Friki Magazine Número 2

6 de Noviembre

Giacco Redactor giacco@hellofriki.com

-PÁRRAFO POR PÁRRAFOCuando uno lee la Opera Prima de cualquier escritor, espera encontrar un texto menos elaborado o con un menor peso argumental que el de un autor curtido y veterano. Con "6 de Noviembre" esto es así... en parte. Si bien la narrativa es la de un autor novel, ya se deja adivinar el potencial estilístico y el carácter vivo y original de su autor, Pablo Solares.

En esta novela corta, como digo su primer trabajo, el autor nos habla de Requejado, un pueblecito asturiano y de las vidas de algunas de sus gentes, narradas en boca de Don Paco, párroco del pueblo y celoso custodio del oscuro secreto que rodea Requejado. Como personajes principales, soportando casi todo el peso argumental, encontramos a dos mujeres: Gloria y su suegra, Maria Dolores. Dos mujeres emparentadas por tormentosos lazos familiares y forzadas a odiarse por un destino sobre el que no tienen ningún control. Víctimas, también, de una Guerra Civil que les pasa por encima, que ni perdona ni compadece a los inocentes.

Lo que parece una típica novela costumbrista de amoríos y relaciones truncadas evoluciona en un realismo mágico que despista al principio y embriaga después. Los acontecimientos, aparentemente sin sentido

y surealistas, avanzan sin descanso hasta un sorprendente final, manteniéndonos constantemente en vilo.

Dos cuestiones pueden restarle atractivo para los lectores: por un lado, la corta extensión de la novela, acostumbrados como estamos los lectores actuales a novelas de extensión exagerada.

Personalmente no creo que esto deba ser un problema, pues "6 de Noviembre" dura lo que debe durar. Alargarlo más y perderse El otro factor que puede jugar en su contra es el hecho de que el marco histórico escogido sea durante la Guerra Civil española y los primeros años de postguerra.

Reseñas de Literatura

También considero injusto condenar a la novela por esto, pues el más que sobado argumento de la Guerra Civil no es usado aquí de forma abusiva, más bien al contrario: su mención es anecdótica aunque el peso trágico de dicho conflicto se entrevea a lo largo de toda la obra.

Enhorabuena a Pablo Solares, un autor de tan solo 19 años al que hay que seguir en sus próximos trabajos, que demuestra que el futuro del mundo literario español es suficientemente prometedor para que las Editoriales sigan apostando por gente como él.

‘Se deja adivinar el potencial estilístico y el carácter vivo y original de su autor, Pablo Solares’ "6 de Noviembre" es una novela que gusta leer. Su ritmo narrativo pausado gana en intensidad hasta culminar en lo más alto. En el impacto final. Un impacto que deja poso e invita a la reflexión y abre, por que no, la posibilidad de una segunda lectura que sea más reveladora y permita recoger los detalles que se hayan podido perder. Que los hay.

PUNTUACIÓN:

TÍTULO: 6 de Noviembre ESCRITOR: Pablo Solares EDITORIAL: Ediciones Albores ISBN: 978-84-939412-7-7

Nº DE PÁGINAS: 106 páginas

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George. R.R. Martin estará en el festival Celsius 232 de Avilés.

Lo confirmó el concejal de Cultura de Avilés, Román Antonio Álvarez, y el director del festival,Jorge Iván Argiz, en la presentación del que va a ser una cita imprescindible para todos los aficionados a la fantasía, la ciencia-ficción y el terror: el festival Celsius 232.

A persar de haber confirmado su asistencia desde hace un par de años a la Semana Negra de Gijón 2012, Martin a cambiado de opinión y ha decidido acudir en su lugar a este nuevo evento que nace con una fuerte proyección para el futuro.

Esta primera edición, se celebrará entre los días 18 y 22 de Julio y estará centrado en la literatura de este género. Como principal asistencia tendrá la visita del conocidísimo autor de la saga Canción de Hielo y Fuego, George R. R. Martin, de la que se adaptó a la TV la exitosa serie Juego de Tronos.

El festival Celsius 232 albergará tres eventos de singular importancia: -Entrega del premio Celsius, uno de los premios españoles más prestigiosos dedicados a la literatura de género.

-La presentación del premio Minotauro, el más importante

Giacco Redactor giacco@hellofriki.com

en lengua Castellana.

-La celebración de la Asturcon, convención asturiana de fantasía y ciencia-ficción que cuenta ya con su décima edición y antes se celebraba en Gijón.

Noticias de Literatura

Confirmación y nuevos datos sobre el nuevo libro de J.K. Rowling

Tras un tiempo de silencio, en el cual J.K. Rowling ha aprovechado sin duda para alejarse del efecto mediático que provoca con cada pestañeo (como el nuevo tweet que publicó hace poco), ahora anuncia datos de su nuevo libro.

Al parecer, la autora enfocará el argumento al público adulto y, por supuesto, no tendrá nada que ver con Harry Potter.

Para ello, se cam bia de agencia editorial a The Blair Partnership, y está muy contenta con ello.

Pero no sólo va a cambiar de agencia, sino que también va

a remodelar su web, que saldrá en primavera. En ésta podéis ver, mientras tanto, un anuncio del próximo libro y la posibilidad de apuntarte al newsletter. Más abajo adjuntamos un pantallazo de la web.

"Aunque he disfrutado escribiendo cada pequeño detalle, mi nuevo libro será muy diferente de la serie de Harry Potter… La libertad de explorar nuevos territorios es un regalo que el éxito de Harry me ha proporcionado, y con ese nuevo territorio parecía una progresión lógica el tener un nuevo editor. Estoy encantada de tener una segunda casa edito-

Victor M. Yeste Editor victormyeste@hellofriki.com

rial en Little Brown, un equipo editor que será un gran compañero en esta nueva fase de mi vida como escritora."

La editorial, por su parte, se niega a dar el más mínimo detalle sobre el libro. Ni título, ni argumento, ni pista de éste.. nada. ¡Quedamos a la espera!

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Más del 73 % de los eBooks del 2011 se descargaron gratis.

Según el estudio elaborado por la Federación de Gremios de Editores de España (FGEE) para el "Barómetro de hábitos de lectura y compra de libros", el 6'8 % de los españoles mayores de catorce años leyó algún libro en formato digital durante el pasado año, la mayoría lo hizo utilizando un ordenador. Solo el 2'7 % lo hizo a través de un e-reader.

La mayoría de las descargas de estos libros electrónicos (el 73'1 %) se hizo de forma gratuita, incluyendo las descargas ilegales y las legales de coste cero.

Este estudio, que se hace semestralmente, refleja en esta ocasión un incremento expectacular en los hábitos de lectura en formato electrónico: la gente que cuenta con un ereader se ha incrementado en

un 129% con respecto al 2010.

Más de la mitad de la población española (52'7%) dispone ya de soporte para este tipo de lectura, incluyendo ordenadores, tabletas, smartphones, etc.

Un dato curioso es el que apunta que los hombres leen más que las mujeres en formato digital (el 59'9% son lectores varones), contrariamente a lo que pasa en el formato tradicional.

El número de lectores en conjunto (incluyendo formato digital y papel) ha crecido levemente, un 1'1% con respecto al 2010. La media de libros leídos por persona se establece en 10'3 libros, cifra también superior a la de 2010. La novela y el cuento son la temática más leída, el 94'5%, siendo seguidas a mucha distancia

por el resto.

Por comunidades, Madrid es la que más lectores tiene, el 70'2%, doce puntos más que la media. Seguida a distancia por el País Vasco (59'5%), Cantábria (59'3%) y Aragón (59%).

En el otro extremo encontramos a Andalucía (51'5%), Extremadura (52'9%) y Murcia (53'3%), con el menor índice de lectores.

El número de libros comprados por persona se situó en 9'6, uno menos que en 2010. "El tiempo entre costuras", de María Dueñas, fue el libro más leído en 2011, seguido por "Los pilares de la tierra" y "La caída de los gigantes", de Ken Follet y por "La Catedral del Mar", de Ildefonso Falcones.

Noticias de Literatura Giacco Redactor giacco@hellofriki.com

Desde hace unas semanas, La Casa del Libro ofrece una nueva forma de adquirir nuestros ebooks: tarjetas precargadas con los 10 ebooks más vendidos y disponibles en cualquiera de las 38 tiendas que esta cadena tiene repartidas por toda España.

La tarjeta tiene un código que debe ser activado en nuestro "e-reader", así descargaremos el título deseado desde casadelibro.com. Se nos ofrece la opción de poder cambiar de título, antes de descargarlo, en caso de que nos arrepintamos en el último momento, pudiendo elegir entre los más de 60.000 títulos disponibles en casadelibro.com, siempre que tenga un precio igual o inferior. Una vez usada, la tarjeta puede "recargarse" en cualquier tienda de la cadena.

“En Casa del Libro somos expertos libreros y queremos acercar a todos nuestros usuarios a la lectura, donde, como y cuando quieran disfrutarla, independientemente del formato y del lugar de compra elegido”, explica Félix Fernández de Gabriel, director general de Casa del Libro. “Con este lanzamiento estamos abriendo un canal más de acceso a los títulos

La Casa del Libro y los eBooks. Avanzando a zancadas. más demandadospor nuestros lectores, sobre todo a los que quieren disfrutar de la experiencia de compra en librería, pero que les gusta la practicidad de leer en su e-reader”.

Círculo de Lectores lleva muchos años editando y publicando en España. Debido al carácter primordial de su forma de negocio, conoce perfectamente a los lectores, sus gustos, intereses... El salto que da con esta nueva plataforma, Booquo, así lo demuestra.

Booquo es una plataforma virtual desde la que podemos acceder a los contenidos de la editorial: libros, revistas, películas, además de disfrutar de una red social de lectores con gustos literarios afines. Al comprarlos no los descargamos directamente, sino que se almacenan en la nube y desde allí los podemos compartir con hasta cinco dispositivos. Pero si somos lectores habituales, podemos contratar una cuenta Premium.

La cuenta Premium cuesta unos razonables 9,90 euros al mes y te da acceso ilimitado a toda su biblioteca además de poder elegir uno de sus canales temáticos (donde un escri-

tor conocido hará de anfitrión).

Podemos probar dicha cuenta por un mes, pagando solo 0'99 euros.

Ya era hora de que alguna editorial se diera cuenta de que el futuro está en lo que se conoce como la nube y empresas como Netflix (cine y s e ries) o Steam (videojuegos) lle van explotando con exito desde hace tiempo.

La única pega es que sus contenidos solo sirven para ordenadores, tabletas y smartphones, excluyendo a los usuarios de e-readers. Esto es comprensible debido a los contenidos de revistas y, sobre todo, películas. Este problema puede solucionarse en un futuro bien con una cuenta exclusiva para este tipo de usuarios o cuando las nuevas generaciones de e-readers desarrollen otras funcionalidades.

Desde aquí felicitar a Círculo de Lectores por esta iniciativa valiente e innovadora. El mejor ejemplo de que las dificultades se superan avanzando y arriesgando, no aferrándose a modelos de negocio obsoletos.

Hello Friki Magazine NĂşmero 2

.Series.

Reportajes de Series

.Series.

Hello Friki Magazine Número 2

DOWNTON ABBEY ‘Series Británicas” #2

¿Qué ocurre en un castillo del condado de Yorkshire a principios del siglo XX? ¿Cómo viven los ocupantes de tan lujoso emplazamiento? ¿Son las vidas de los nobles y los criados tan diferentes como parece? Éstas y muchas más preguntas son analizadas, desmenuzadas y contestadas en ‘Downton Abbey’, la serie británica más famosa de los últimos tiempos.

Downton Abbey es el nombre del castillo propiedad del Conde de Grantham, junto con las extensas tierras que lo rodean.

Herencia de su madre, la viuda Condesa de Grantham y herencia para el próximo Conde, en rigurosa continuación en la línea sucesoria, que sólo contempla a la parte masculina

de la rama familiar. Con esta premisa, comienza la serie, cuando el año 1912, el actual Conde de Grantham recibe un telegrama confirmando la muerte del heredero en el hundimiento del Titanic. Esta desgracia acaba con los planes acordados de boda de la hija mayor de la familia (Mary) con el futuro heredero y, como la familia sólo tiene hijas (Mary, Edith y Sybil), todo el legado correspondería a un primo lejano (Matthew), abogado en la ciudad de Manchester, que es invitado a conocer su futura herencia.

El inicio del argumento planteado es sólo esa punta del iceberg que nos ofrece una fantástica serie, evolucionando lentamente en su trama,

g4f5g6 Redactor www.hellofriki.com

atrapando los sentimientos de los espectadores en una burbuja aislada del exterior, provocándonos la empatía máxima sobre unas emociones reales, aunque nos separen 100 años de ellas.

TÍTULO: Downton Abbey CREADA POR: Julia Fellowes REPARTO: Maggie Smith Hugh Bonneville Elizabeth McGovern Jim Carter EPISODIOS: 15 episodios

Reportajes de Series

LOS PERSONAJES Sumados a la familia Crowley (Robert, Cora, Mary, Edith, Sybil, Violet y el primo Matthew con su madre Isobel), encontraremos a los sirvientes de la casa, encabezados por el mayordomo y el ama de llaves (Mr. Carson y Mrs. Hughes), formando la nada despreciable cantidad de 10 sirvientes. Cada uno de ellos con una historia por descubrir y una importancia en la casa y en la trama e interpretados fabulosamente por actores británicos, conocidos por alguna de sus participaciones en películas británicas y que hacen que la serie alcance un nivel superior. Ninguna actuación desentona y muchas de ellas son totalmente destacables, como el papel de la Condesa Violet, interpretada por Maggie Smith, omnipresente en espíritu en cada secuencia y decisión de la familia y dueña de pequeñas perlas de sabiduría, para otros llamadas

‘El inicio es solo la punta del iceberg de esta fantástica serie’ palabras y silencios.

Está claro que, en una historia de carácter humano, las interpretaciones tienen que ser verosímiles y corresponder a personajes bien detallados y perfilados por el guión. En este apartado, parece que cada pieza ocupa precisamente su posición en el tablero mental que nos hemos creado y aunque muchas de las interacciones se nos presenten de manera sutil, somos capaces de integrarlas en la psique del personaje, formando un conjunto de personalidades tan cercanas, que nos permite casi adelantar sus movimientos y reacciones

AMBIENTACIÓN

El rodaje de la serie se ha desarrollado en el castillo de Highclere en su mayoría, y en los estudios la parte de los sirvientes. Es imposible que no nos enamoremos de la magia del emplazamiento, verdadero protagonista de la serie y reflejo de una época pasada, detallada en cada pequeño aspecto.

Las alfombras, las pinturas, la decoración,… todo ofrece al espectador la posibilidad de sumergirse en esos principios del siglo XX, inicio del siglo con más cambios de la historia. Cada elemento parece correctamente dispuesto y evita la artificialidad que hemos visto en otras producciones, pudiendo ensalzar el esfuerzo que se ha hecho para trasladar un pedazo de historia a una serie que no tenía porque estar obligada a cumplir esos requisitos, pero que la engrandece por estos detalles.

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ARRIBA Y ABAJO Si una cosa destaca sobre el planteamiento original de la serie y la manera de enfocarla, es que ya sabemos que se nos va a hablar de la nobleza y sus vicisitudes, pero el creador,Julian Fellowes, ha querido darle la misma importancia a la vida de los sirvientes de la familia y los problemas que sufren. Se produce una equidistancia sobre el peso del guión entre los criados y señores, igualando su importancia en el conjunto global de la serie.Paralelismos evidentes entre la lucha de poder sibilina sobre el futuro de la herencia de la casa y la lucha de posición entre los criados, tan diferentes pero tan similares, con el único nexo común de la casa de Downton Abbey.

Así, comprobaremos que las similitudes entre los ocupantes de la casa, los que viven en lujosas y ociosas habitaciones y los dedicados a tener que servir permanentemente a otra persona, comparten mucho más de lo que suponen, aunque una escalera los separe. La ambición, la envidia, la venganza, el rencor, el des e o , e l amor… sentimientos percibid os como únicos y exclusivos, pero tan sólo distanciados por un trozo de tela y piel, único obstáculo para ver las

similitudes entre los dos corazones, idénticos al fin y al cabo.

EL AMOR Quizás todo lo anteriormente resaltado parezca importante.

Lo es. Pero lo realmenteimportante es el amor. El amor es cálido, es un manto que te cubre y en el que te sientes a gusto, refugiado de los problemas del exterior. El amor es sutil, en el que una mirada o un silencio pueden llenar miles de hojas y contarte la historia de una vida. El amor es apasionado, puede desbocarte el corazón en un momento y convertirte en un ser irracional. El amor es paciencia, la calma tensa que precede a una tormenta de pasiones. El amor es así en Downton Abbey, un cúmulo de sensaciones tan fuertes y vívidas que traspasan la pantalla e inundan al espectador en una espiral de emociones que te deja exhausto.

Pero el amor también es real, crudo, a veces inalcanzable y despiadado, otras cercano y cruel, injusto, parcial y tan alejado del cerebro que da miedo. No debería dar miedo. El amor es vida y en Downton Abbey sólo viven los que aman o son amados, los que se definen por lo que hay debajo de sus trajes. Esos son los que pueden mirar atrás y estar orgullosos de lo que han

vivido. Porque la mayor historia de amor jamás contada siempre fue la pequeña historia de un hombre que amaba a una mujer y era correspondido.

‘Downton Abbey’ profundiza en muchos temas, pero siempre está presente esa pequeña historia de amor, invisible en ocasiones, pero omnipresente, confirmando que las mejores historias son las que nos dejan formar parte de ellas, entregando una pequeña parte de nuestra ilusión y esperanza.

MOTIVOS PARA VERLA Se podría decir mucho más de lo anteriormente escrito, pero ‘Downton Abbey’ debería ser una serie imprescindible para cualquier espectador, simplemente por lo maravillosamente bien hecha que está. Los personajes, la caracterización, la ambientación, la historia,… todo permanece excelentemente cuidado y delicadamente entregado al espectador. Se entienden las buenas críticas que han tenido las dos temporadas emitidas, unidas con las grandes audiencias cosechadas.

Además, el formato de pocos capítulos cada temporada, ayuda a ofrecer un aspecto de unidad más estable y evita que se produzcan momentos de tedio o hastío.

Reportajes de Series

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AMERICAN HORROR STORY .Nuevas imágenes y datos.

No debería extrañar a nadie.

La actuación de la actriz Jessica Lange en la primera temporada de "American Horror Story", una de las mejores sorpresas del 2011, ha sido celebrada por seriéfilos y galas de premios. Fue incluso nominada al Globo de Oro a la Mejor Actriz Secundaria por este papel, y eso que, también, a mucha gente le chirría un poco.

El caso es que la primera confirmación del reparto de la 2ª temporada ha sido que esta

actriz volverá. Así lo ha asegurado el creador Ryan Murphy, sin dar más detalles salvo que, esta vez, podría estar ambientada en la costa Este de los Estados Unidos, en una "institución terrorífica".

Tras una exitosa primera temporada, la revolucionaria serie de terror ‘American Horror Story’ empieza a calentar motores para su segunda edición y ya podemos ver el primer póster promocional.

Dejando de lado que extraña-

Victor M. Yeste Editor victormyeste@hellofriki.com

mente esté en 3D con la intención de resaltar la sangre, quizás nos podría dar alguna pista sobre la ubicación de la segunda temporada, ya que todavía se desconoce al saber que se abandonará la famosa casa encantada. Además, se confirma su vuelta para el mes de Octubre, con el resto de series importantes.

Aunque no se conozcan muchos datos, es posible que poco a poco la información vaya apareciendo sobre el reparto o algún dato más.

g4f5g6 Redactor www.hellofriki.com

Noticias de Series

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House acabará en su octava temporada.

Ya sonaba que el posible final de una de las mejores series de los últimos años llegaba a su fin, pero no había confirmación oficial. Ya ha llegado, mediante una carta de los productores que ha revelado la revista TV Guide, confirmando el final de la serie en esta octava temporada.

En la misma, nos cuentan el significado de la serie comentando que “House siempre ha aspirado a intentar ofrecer un coherente y satisfactorio mundo donde se juega con preguntas referidas a la ética y las emociones, la lógica y la verdad y ocasionalmente se intenta dar respuestas a las mismas. House ha intrigado a las audiencias de todo el mundo y ha demostrado que existe un apetito de drama en la televisión, alejado de la belleza o la acción”

Evidentemente, han agradecido el apoyo del equipo técnico, la cadena FOX y los actores que han pasado por la serie, aportando su toque personal y ayudando a realizar un mejor producto. Aunque sus últimas palabras se han referido a la audiencia cuando han comentado que “algunos ha venido y otros se han ido. Cosas que pasan en todas las series. Pero durante todos estos ocho años, los productores se han sentido inmensamente honrosos de ser el sujeto de atención de una audiencia tan inteligente, humana, selectiva y sensata. Incluso los detractores nos han ayudado en el proceso. Tras más de 177 horas, mantener la devoción y generosidad de nuestros espectadores ha sido maravillos” “Si la serie existe en algún lugar, dentro de la memoria de cualquier persona, ese el

hecho que nos hará sentir orgullosos para siempre.”

“Todo

el

mundo

miente”

Palabras de peso para despedir a una serie que ha marcado una era en lo que la series de médicos habían representado hasta el momento. Y, sobretodo, ha definido un estilo de protagonista totalmente alejado de lo anteriormente visto y con el que identificamos inmediatamente a la serie, de su mismo nombre.

Con estos datos, se hace mucho más atractivo el recorrido de esta octava temporada hasta el capítulo final, acostumbrados a los excelentes finales de temporada, no podemos sino esperar un final a la altura de tan mítico personaje. En el proceso, dejamos el tráiler del nuevo capítulo. [en www.hellofriki.com]

Noticias de Series

g4f5g6 Redactor g4f5g6@hellofriki.com

RTVE acaba de anunciar su intención de suspender la producción de sus series ‘Águila Roja’y ‘Cuéntame cómo pasó’ hasta el futuro 2013.

Aunque todavía no se ha confirmado ya que al parecer la decisión final se tomará a principios de marzo, esta decisión podría detener parcial o definitivamente la emisión de ambas series.

Se venía rumoreando desde hace mucho tiempo que el alto coste de ambas series, desde la desaparición de la publicidad

RTVE suspende Cuéntame y Águila Roja. en la cadena pública, puede provocar su pronta desaparición de la parrilla, aunque gocen de los mejores datos en lo que a series se refiere. Los últimos recortes en RTVE hacen presagiar cambios en las diferentes cadenas y, parece ser, en el mejor de los casos la producción de ambas series, finalizada la temporada hace pocos días, no comenzará hasta 2013, postergando su emisión hasta bien entrado el año 2013, con lo que sus costes de producción se trasladarían a ese año, aligerando el presu-

puesto del año actual.

Un paso que seguramente decepcione a sus seguidores, que probablemente tengan que esperar más de un año para volver a ver un nuevo capítulo, aunque quizás podrían ver como acaban con ellas por su elevado coste. Habrá que analizar de cara al futuro si RTVE sigue recortando en otras series establecidas, o si los mismos actores no acaban renunciando en pos de otros trabajos más cercanos.

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Redactores de las noticias: Noticias de Series

M.C. Catalán Editora mccatalan@hellofriki.com

g4f5g6 Redactor g4f5g6@hellofriki.com

Víctor M. Yeste Editor victormyeste@hellofriki.com

Juego de Tronos Las últimas noticias.

Nuevo tráiler, imágenes y datos reveladores.

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TERCER TRAILER, POSTERS, IMÁGENES Y Os traemos el tercer trailer de la segunda temporada de "Juego de Tronos" [podéis verlo en www.hellofriki.com], que da más ganas todavía de que llege la fecha del estreno: el 1 de abril de este año en la HBO y el 23 de abril en Canal+ en España. En el nuevo trailer, que podéis ver más abajo, hay escenas con multitud de nuevas imágenes.

rys (Conleth Hill) y Joffery Baratheon (Jack Gleeson).

Además, contamos también con la primera imagen del actor Nonso Anozie [derecha] encarnando a Xaro Xhoan Daxos. Este personaje, para quienes no lo sepan, estará relacionado con la línea argumental de Daenerys y se interesará mucho, sobretodo, por sus dragones.

2x01 - "The north remembers" ("El norte recuerda") - 1 de Abril.

2x02 - "Nightlands" ("Tierras de la noche") - 8 de Abril.

2x03 - Título por confirmar - 15 de Abril.

2x04 - Título por confirmar - 22 de Abril.

2x05 - Título por confirmar - 20 de Abril.

2x06 - Título por confirmar - 6 de Mayo.

2x07 - Título por confirmar - 13 de Mayo.

2x08 - Título por confirmar - 20 de Mayo.

2x09 "Blackwater" ("Aguasnegras") 27 de Mayo.

2x10 - Título por confirmar

Por otro lado, 6 pósters [derecha] en los que podemos ver a algunos de los protagonistas de la serie, que desempeñarán importantes papeles en esta nueva temporada: Tyrion Lannister (Peter Dinklage), Arya Stark (Maisie Williams), Daenerys Targaryen (Emilia Clarke), Lord Va-

Por otro, dos nuevos videos que nos invitan a un pequeño recorrido por el rodaje de la serie.

Y por último, lo que puede ser el mayor avance, los nombres de algunos de los capítulos de esta siguiente temporada:

[Season finale] - 3 de Junio.

Además, una semana después y como cada semana, el público podía disfrutar de nuevas imágenes [derecha] En esta caso, imágenes de esta segunda temporada, en las que podemos ver a Melisandre, Stannis Baratheon, Brienne o Davos, nuevos personajes de ésta segunda temp.

Esperamos que estas imágenes satisfagan las ansias de información de los seguidores de la serie, que se cuentan por millones según los datos de audiencia de la primera temporada.

Por último, hace unos días ya comentábamos que en España, Canal + iba a apostar fuertemente por la serie y el estreno de la segunda temporada se preveía para el mismo mes de Abril, pero la cadena ya ha confirmado la fecha: el 23 de Abril tanto en su versión estándar como en HD.

Noticias de Series

Y DATOS SOBRE LA NUEVA TEMPORADA

Hello Friki Magazine Número 2

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