Hello Friki Magazine - Febrero 2014 by Hello Friki Cine Literatura Series

número 7 - Febrero 2014 - www.hellofriki.com

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CINE: TODO PREPARADO PARA LOS OSCARS: NOMINACIONES

EL VIDEOJUEGOS: “LEGO MARVLL AS

SUPERHÉROES”, DIVERSIÓN Y POR PIEZAS

EN MA

COMICS: ESPECIAL IRON MAN, SU CREADORES

LITERATURA: ENTREVISTA A PATRICK ROTHFUSS

NOTICIAS - CRITICAS - ENTREVISTAS- REPORTAJES - PODCAST - Y MUCHO MÁS...

sumario

EQUIPO CONSEJO DIRECTIVO:

M.C.Catalán y Víctor M. Yeste GERENTE GENERAL:

Víctor M. Yeste REDACTOR JEFE DE CINE:

M.C.Catalán REDACTOR JEFE DE LITERATURA:

Víctor M. Yeste REDACTOR JEFE DE SERIES:

Víctor M. Yeste REDACTOR JEFE DE VIDEOJUEGOS:

Víctor M. Yeste REDACTOR JEFE DE CÓMICS:

Giacco REDACTORES:

Víctor M. Yeste, Juan Meroño, Jaibrot, Giacco, Desi Sobrino CRÍTICOS:

Hector Pintado, RDGiro, Giacco, Sam Bane, CornflakeHunter, Desi Sobrino, Marta C Catalán. MAQUETACIÓN:

www.GualdaTrazos.com

4ACTUALIDAD DE CINE 10ACTUALIDAD DE SERIES 12 ACTUALIDAD DE VIDEOJUEGOS 14 ACTUALIDAD DE COMICS 16 CINE: NUEVOS TRAILERS 17CINE: POSTERS 20 CINE PRIMER VISTAZO 22 CINE: CRÍTICA: LOBO DE WALL STREET 26 CINE: LA DESOLACIÓN DE SMAUG 30 CINE, CRÍTICA: FROZEN, EL REINO DEL HIELO 34 SERIES CRÍTICA: ORPHAN BLACK 36 SERIES: CRÍTICA: COMMUNITY 38 SERIES: CRITICA: CALL OF THE MIDWIFE 40 SERIES, CRITICA: MIRANDA 42 SERIES, CRÍTICA: SUITS 44 VIDEOJUEGOS, CRÍTICA: LEGO MARVEL 46 VIDEOJUEGOS, CRITICA: RAIN 50 VIDEOJUEGOS, CRITICA: KILLZONE MERCENARY 54 LITERATURA, CRITICA: INTELIGENCIA EN LAS REDES SOCIALES 56 LITERATURA, CRITICA: UN PROFESOR COMO REGALO DE NAVIDAD 58 LITERATURA, CRITICA: LEGADOS 60LITERATURA, ENTREVISTA: PATRICK ROTHFUSS 66LITERATURA, REPORTAJE: MEDIOS DE DIFUSIÓN Y REDES SOCIALES 68COMICS, REPORTAJE: IRON MAN 50 ANIVERSARIO ( I ) SUS CREADORES 76COMICS, CRITICA: SHADE, EL MAESTRO DE LA OSCURIDAD 80 HELLO FRIKI PODCAST

actualidad Magic: The Gathering, el juego de cartas, tendrá película El juego de cartas Magic: The Gathering tendrá una adaptación al cine. La película será producida por 20th Century Fox, quien ha llegado a un acuerdo con Hasbro, dueña de Wizards of the Coast. La cinta estará producida en concreto por Simon Kinberg, conocido productor de algunas películas de Marvel, quien supervisará el proceso completo de la película. Todavía desconocemos cuál podría ser el argumento, si usarán el juego de cartas como telón de fondo o se zambullirán en un mundo fantástico con continuos guiños a las cartas. En cuanto sepamos más, ¡os lo contaremos!

Quentin Tarantino no rodará ‘The Hateful Eight’ El impredecible cineasta, autor de clásicos como Pulp Fiction o Jackie Brown, decidió abandonar el proyecto The Hateful Eight tras la filtración del primer borrador del guión. En una comparecencia, QT advirtió que solamente seis personas tenían acceso al guión, entre ellas los actores Tim Roth, Bruce Dern y Michael Madsen. “Se que Tim Roth no lo filtró”, asegura el realizador. “Pero uno de los otros dos dejó que su agente lo leyera y ese agente se lo ha pasado a todo Hollywood. No sé cómo funcionan estos putos agentes, pero no voy de farol cuando digo que no voy a rodar ese guión. Lo publicaré y ya está. Si se lo dejo a seis personas y no puedo confiar en que no se filtrará, ya no tengo ganas de hacerlo. Ya está, paso a la siguiente cosa. Tengo diez ideas nuevas en su lugar”. Los indicios, según el propio Tarantino, indican que el agente de Bruce Dern fue el que cometió el error, y que aunque ahora está muy molesto, sigue teniendo muchas ganas de trabajar con Dern. Como curiosidad el cineasta reconoció que decidió no hacerlo cuando llegaron a su agente decenas de llamadas de representantes de actores que querían un puesto en la nueva película del polémico guionista. El director declaró sentirse “Muy, muy deprimido” por no poder confiar, en seis personas, el guión de una cinta que comenzaría a rodarse en 2015. The Hateful Eight iba a ser el segundo western de la filmografía del aclamado director pero después de este revés no sabemos como terminará la historia, aunque anunció: “Tengo una idea en mente, con mala baba” para su próximo proyecto. 4

E CItN icias no

El guión de “Star Wars VII” ya está terminado, según J.J. Abrams J.J. Abrams, director y guionista de de “Star Wars VII”, ha confirmado en recientes declaraciones que el guión de la película, escrito junto con Lawrence Kasdan, ya está acabado. En relación a los rumores de que Jesse Plemons podría estar vinculado al proyecto, ha admitido que se han reunido con él: “Es uno de los actores con los que hemos hablado. Pero ya sabes. No suele ser habitual que lea cosas sobre los actores con los que me voy a reunir… pero sí que he leído artículos sobre actores que van a venir. Por eso, he llegado a ver a alguien y decir, ‘Oh, he leído que voy a entrevistarte’… Por lo general, los agentes hablan con la gente sobre lo que está ocurriendo.” En cuanto a la fuerte rumorología que está produciendo esta película, se muestra sorprendido: “Hay demasiados rumores. Es increíble ver la cantidad que hay… Y es agradable porque demuestra que hay un interés en esta película que todos nosotros sabemos que está ahí. Pero es algo impresionante ver las locuras sobre las que la gente escribe comentarios. Qué felices son, lo decepcionados que están con algo que es totalmente falso. Es demasiado, sinceramente.” Sobre el rumor de que podría rodarse en IMAX, él lo duda: “Si fuera oportuno, lo haría. El problema con el IMAX es que es una cámara muy pesada. Es una cámara muy ruidosa. Es poco fiable. Sólo una parte de la película se puede grabar con esta cámara. No puedes hacer escenas íntimas con ella. Es lenta. Se suele estropear con frecuencia. Dicho esto, están trabajando en versiones digitales de esto y puede ser una versión de un día.”

actualidad Lista de nominados a los premios Oscar 2014 Contamos ya con la lista oficial de nominados de los premios Oscar 2014, la 86ª ceremonia de los Oscars. La ceremonia se celebrará el 2 de marzo en el Dolby Theatre de Hollywood & Highland y será emitida por la ABC. También puedes ver el resto de fechas oficiales de los Oscar 2014. La lectura de los nominados ha sido llevada a cabo por la presidenta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, Cheryl Boone, junto con el actor Chris Hemsworth. Lo cierto es que las categorías principales se las han repartido, como casi todos los años, entre unas pocas películas:

MEJOR PELICULA “La gran estafa americana” “Capitán Phillips” “Dallas Buyers Club” “Gravity” “Her” “Nebraska” “Philomena” “12 años de esclavitud” “El lobo de Wall Street”

MEJOR ACTOR PRINCIPAL Christian Bale, por “La gran estafa americana” Bruce Dern, por “Nebraska” Leonardo DiCaprio, por “El lobo de Wall Street” Chiwetel Ejiofor, por “12 años de esclavitud” Matthew McConaughey, por “Dallas Buyers Club”

MEJOR ACTOR DE REPARTO Barkhad Abdi, por “Capitán Phillips” Bradley Cooper, por “La gran estafa americana” Jonah Hill, por “El lobo de Wall Street” Jared Leto, por “Dallas Buyers Club” Michael Fassbender, por “12 años de esclavitud”

MEJOR DIRECTOR Alfonso Cuarón, por “Gravity” Steve McQueen, por “12 años de esclavitud” Alexander Payne, por “Nebraska” David O. Russell, por “La gran estafa americana” Martin Scorsese, por “El lobo de Wall Street”

MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL

Amy Adams, por “La gran estafa americana” Cate Blanchett, por “Blue Jasmine” Sandra Bullock, por “Gravity” Judi Dench, por “Philomena” Meryl Streep, por “Agosto”

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO Sally Hawkins, por “Blue Jasmine” Jennifer Lawrence, por “La gran estafa americana” Lupita Nyong’o, por “12 años de esclavitud” Julia Roberts, por “Agosto” June Squibb, por “Nebraska”

actualidad

MEJOR GUIÓN ORIGINAL Eric Singer y David O. Russell, por “La gran estafa americana” Woody Allen, por “Blue Jasmine” Craig Borten y Melisa Wallack, por “Dallas Buyers Club” Spike Jonze, por “Her” Bob Nelson, por “Nebraska”

MEJOR PELICULA DE ANIMACIÓN

“Gru 2: Mi villano favorito” “Ernest & Celestine” “Frozen, el reino del hielo” “Los Croods” “Se levanta el viento”

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN Judy Becker y Heather Loeffler, por “La gran estafa americana” Catherine Martin y Beverly Dunn, por “El Gran Gatsby 3D” Andy Nicholson y Rosie Goodwin, por “Gravity” K.K. Barrett y Gene Serdena, por “Her” Adam Stochausen y Alice Baker, por “12 años de esclavitud”

MEJOR DIRECTOR Richard Linklater, Julie Delphy y Ethan Hawke, por “Antes del anochecer” Billy Ray, por “Capitán Phillips” Steve Coogan y Jeff Pope, por “Philomena” John Ridley, por “12 años de esclavitud” Terence Winter, por “El lobo de Wall Street”

MEJOR MONTAJE Jay Cassidi y Crispin Struthers, por “La gran estafa americana” Christopher Rouse, por “Capitán Phillips” Alfonso Cuarón y Mark Sanger, por “Gravity” John MacMurphy y Martin Pensa, por “Dallas Buyers Club” Joe Walker, por “12 años de esclavitud”

MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA Emmanuel Lubezki, por “Gravity” Bruno DelBonell, por “A propósito de Llewyn Davis” Phedon Papamichel, por “Nebraska” Roger Deakins, por “Prisioneros” Philippe Le Sourd, por “The Grandmaster”

actualidad

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO Michael Wilkinson, por “La gran estafa americana” Catherine Martin, por “El Gran Gatsby 3D” William Chang Suk Ping, por “The Grandmaster” Michael O”Connor, por “The Invisible Woman” Patricia Norris, por “12 años de esclavitud”

MEJOR B.S.O John Williams, por “La ladrona de libros” Steven Price, por “Gravity” Arcade Fire y Owen Pallett, por “Her” Alexandre Desplat, por “Philomena” Thomas Newman, por “Al encuentro de Mr. Banks”

MEJOR MONTAJE DE SONIDO Steve Boeddeker y Richard Hymns, por “Cuando todo está perdido” Oliver Tarney, por “Capitán Phillips” Glenn Freemantle, por “Gravity” Brent Burge, por “El Hobbit: La desolación de Smaug” Wylie Stateman, por “El único superviviente”

MEJOR MAQUILLAJE / PELUQUERÍA

Stephen Prouty, por “Bad Grandpa” Adruitha Lee y Robin Mathews, por “Dallas Buyers Club” Joel Harlow y Gloria PasquaCasny, por “El llanero solitario”

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL “Alone Yet Not Alone” (“Alone Yet Not Alone”; Música de Bruce Broughton) “Happy” (“Gru 2: Mi villano favorito”) “Let it go” (“Frozen, el reino del hielo”) “The Moon Song” (“Her”) “Ordinary love” (“Mandela: Del mito al hombre”)

MEJOR SONIDO Chris Burdon,..., por “Capitán Phillips” Skip Lievsay,..., por “Gravity” Christopher Boyes, ..., por “El Hobbit: La desolación de Smaug” Skip Lievsay, ..., por “A propósito de Llewyn Davis” Andy Koyama, ..., por “El único superviviente”

actualidad

MEJOR PELICULA DE HABLA NO INGLESA

“Alabama Monroe” (Bélgica) “The Missing Picture” (Camboya) “La caza” (Dinamarca) “Omar” (Palestina) “La gran belleza” (Italia)

MEJOR CORTO DOCUMENTAL “CaveDigger”, de Jeffrey Karoff “Facing Fear”, de Jason Cohen “Karama Has No Walls”, de Sara Ishaq “The Lady in Number 6: Music Saved My Life”, de Malcolm Clarke y Nicholas Reed “Prison Terminal: The Last Days of Private Jack Hall”, de Edgar Barens

MEJOR PELICULA DOCUMENTAL “The Act of Killing”, de Joshua Oppenheimer “Cute and the Boxer”, de Zachary Heinzerling. “Guerras sucias”, de Richard Rowley y Jeremy Scahill “The Square (El Midan)”, de Jehane Noujaim “A 20 pasos de la fama” (Nominees to be determined)

MEJOR CORTO DE FICCIÓN “Aquel No Era Yo”, de Esteban Crespo “Avant Que De Tout Perdre”, de Xavier Legrand y Alexandre Gavras “Helium”, de Anders Walter y Kim Magnusson (Do I Have to Take Care of Everything?)”, de Selma Vilhunen y Kirsikka Saari “The Voorman Problem”, de Mark Gill y Baldwin Li

MEJOR CORTO ANIMADO “Feral”, de Daniel Sousa y Dan Golden” “Get a Horse!”, de Lauren MacMullan y Dorothy McKim “Mr. Hublot”, de Laurent Witz y Alexandre Espigares “Possessions”, de Shuhei Morita “Room on the Broom”, de Max Lang y Jan Lachauer

actualidad

S E I R SE s a i c i t o n

HBO DESVELA 17 NUEVAS IMÁGENES DE LA TEMPORADA 4 DE JUEGO DE TRONOS HBO va mostrando cada vez más de la temporada 4 de Juego de Tronos. En esta ocasión nos trae diecisiete nuevas imágenes, que podéis ver más abajo. Recordamos que la temporada 4 de Juego de Tronos comenzará a emitirse el 6 de abril, y que también podéis disfrutar del tráiler. VER EL RESTO DE IMAGENES

TÍTULO Y FECHA DE EMISIÓN DEL CAPÍTULO FINAL DE HOW I MET YOUR MOTHER Poco a poco se van desvelando detalles del último capítulo de “How I Met Your Mother”, que con tanta ansia esperamos muchos para dar por finalizada su visión. “Cómo conocí a vuestra madre“, como se conoce por estos lares, emitirá su último episodio el día 31 de marzo. El capítulo final se llama “Last Forever” (“Par siempre”), y pondrá un punto final a la historia, la cual creemos que acabará con Ted y la madre juntos, por fin. Además, sabemos que en el capítulo de esta semana se desvelarán los nombres de los hijos, y que en los próximos episodios podremos ver cameos de Rachel Bilson, Sarah Chalke y Lucy Hale. 10

actualidad PRIMEROS DETALLES DE LA CUARTA TEMPORADA DE AMERICAN HORROR STORY Con el final de la tercera temporada de American Horror Story próximo, 29 de enero, el creador de la serie Ryan Murphy ha querido adelantar algunos detalles sobre lo que será la próxima temporada, y posiblemente última en la que aparecerá Jessica Lange, que prefiere desvincularse de momento de su faceta televisiva para retomar su carrera cinematográfica, la cual había caído en picado antes de que Ryan Murphy la “rescatara” para protagonizar su American Horror Story. Lo poco (o mucho) que sabemos, es que la cuarta temporada transcurrirá en los años 50. Según Murphy y John Landgraf, presidente de FX Network “Si se mira históricamente lo que su-

cedió en el año 1950, hay algunas pistas más en ese año. Es una temporada de época. Nosotros tratamos de hacer lo contrario de lo que hemos hecho antes. Jessica Lange ya ha comenzado a practicar su acento alemán, así que estoy muy emocionado”. Acento alemán? Años 50? Podría tratarse de una oficial Nazi refugiada en EEUU? Nos preguntamos. Reconstrucción de Europa tras la Segunda Guerra Mundial, Guerra de Corea, inicio de la Guerra Fría entre la URSS y EEUU. Sin duda los años 50 fueron una época convulsa para Estado Unidos.

NBC ENCARGA LA SERIE DE CONSTANTINE, PERSONAJE DE VERTIGO Y DC Constantine, el famoso personaje del cómic de Vertigo y DC Comics, tendrá su adaptación televisiva. NBC ha sido la cadena que ha encargado el piloto de la serie a los guionistas David Goyer y Daniel Cerone. Recordamos que en 2005 se estrenó una película de Constantine, protagonizada por Keanu Reeves. Sin embargo, no tuvo un buen resultado en taquilla y se canceló la secuela, aunque muchos de nosotros recordamos la cinta con cierto cariño.

actualidad

s o g e u j o vide

s a i c i t o n

MONSTER HUNTER 4 LLEGARÁ A OCCIDENTE EN 2015 Capcom ha confirmado que su exitoso juego, Monster Hunter 4, llegará a nuestras 3Ds durante el próximo año, 2015. Aunque el juego ya apareció en tierras niponas, la tardanza en llegar aquí tendrá su recompensa, pues disfrutaremos de la versión mejorada y revisada, con nuevos contenidos, llamada Monster Hunter 4 Ultimate. Desde Capcom aseguran que cuidarán más la faceta multijugador y llevarán la franquicia más lejos de los que hasta ahora había llegado. Seguro que continúa el éxito que ya ha cosechado en su país de origen, donde lleva vendidas más de cuatro millones de copias.

MONSTER HUNTER 4 LLEGARÁ A OCCIDENTE EN 2015 El director John Carpenter ha admitido su lista de los seis mejores videojuegos que ha jugado en 2013. ¿Te pica la curiosidad? Pues es la siguiente: “Assassin’s Creed IV: Black Flag“: el clásico formato de “Assassin’s Creed” con un mundo impresionante y un juego fabuloso. “Far Cry 3“: Magnífica aventura en mundo abierto “The Last of Us“: Un clásico debido a sus grandes personajes “Dead Space 3“: Un mundo nevado escalofriante con monstruos retorcidos. ¡Por favor, descuartiza! “Remember me“: El único juego de acción futurista con protagonista femenina “Borderlands 2“: Lo sé, lo sé, es de 2012, pero el último add-on es de este año, ¡y es un juego brillante, divertido y de acción trepidante! ¡Mi favorito!

actualidad THE DEAD RISING COLLECTION, PRONTO EN X-BOX 360 Capcom anuncia oficialmente el lanzamiento del recopilatorio The Dead Rising Collection para el 7 de marzo de este año, en exclusiva para la X-Box 360. El recopilatorio incluirá los juegos Dead Rising, Dead Rising 2 y Dead Rising 2: Off the Record, además de incluir todos los contenidos descargables que aparecieron, en su mayoría ya en exclusividad para la consola de Microsoft. El precio final parece que será de 39,99 €. En un par de meses, los usuarios de 360 podrán despacharse a gusto y acabar con los cientos de zombis que pueblan estos juegos. Diversión asegurada para los amantes del género que aun no hayan disfrutado del arte de acabar con los no muertos de mil y una manera, a cual más divertida!

X-MEN: LA BATALLA DEL ÁTOMO, YA DISPONIBLE PARA LOS DISPOSITIVOS MÓVILES Acaba de ser lanzado el juego X-Men: La Batalla del Átomo, gratuito para dispositivos Android y Apple. Basado en la reciente saga mutante, se trata de un juego de cartas interactivo con el que podemos revivir esta historia a través de 45 misiones y utilizando algunos de los personajes más emblemáticos de la franquicia mutante, como Lobezno, Tormenta, Magneto, Cíclope… El juego, que nace de la asociación de Marvel con Aeria Mobile, traerá en un futuro nuevos contenidos descargables que incluiran algunas otras sagas conocidas, como Cisma, Era de Apocalipsis, etc. Además del típico modo historia, vamos también a poder jugar de forma competitiva en partidas que llegaran a enfrentar equipos de 20 vs. 20 jugadores. Lo probaremos en Hello Friki y os comentaremos nuestras impresiones.

actualidad

S C I M Ó C

s a i c i t o n

TITULARROMITA JR. SE ENCARGARÁ DE DIBUJAR SUPERMAN JOHN Hace meses que nos sorprendimos con la noticia de la marcha de John Romita jr. de Marvel, editorial con la que llevaba trabajando muchos y fructíferos años. No menos sorprendente resultó saber que los lápices del autor trabajarían para la competencia marveliana por antonomasia, la DC Comics. Lo que no se sabía hasta ahora era el destino definitivo del autor… Pues parece que se encargará de dibujar la cabecera principal de Superman, acompañando a Geoff Johns que será el que guionice. De esta forma sustituyen a Scott Lobdell y Kenneth Rocafort y sorprenden a propios y extraños. Deseando estamos de ver el trabajo de estos autores en uno de los principales títulos del mercado comiquero mundial.

TITULAR KIRKMAN, AUTOR DE THE WALKING DEAD, ARREMETE CONTRA MARVEL ROBERT Al parecer, Robert Kirkman, autor de The Walking Dead, no está nada de acuerdo con la metodología de Marvel y en recientes declaraciones ha arremetido duramente contra ella. En la reciente Image Expo le preguntaron cuál era su actual relación con Marvel, con quien hizo “Marvel Zombies” y “El incorregible Hombre Hormiga“. Éste respondió: No tengo ningún resentimiento contra Marvel de por sí, aparte del hecho de que creo que son una empresa mal administrada y que está parcialmente destryendo la industria del cómic. Kirkman opina que los dirigentes de la editorial padecen de “miopía” empresarial, y esto está afectando a la industria del cómic en general. Afirma que su opinión se debe al amor que siente por Marvel y nada más, pero muchos nos preguntamos si se debe a que la nueva película de Ant-Man no se basará en sus números sino en el segundo Ant-Man.

actualidad MIKE MARTS TITULAR DEJA DC Y VUELVE A MARVEL Ha sido el editor responsable de las colecciones de Batman y de varias de las publicaciones de Grant Morrison. Masts pasará a ejercer como editor ejecutivo en Marvel desde este mes de Febrero, por lo que se muestra claramente contento e ilusionado. Axel Alonso, editor jefe de Marvel, se ha declarado también encantado del regreso de su antiguo compañero. Mike Marts estuvo en Marvel como editor senior entre los años 1996 y 2006, siendo responsable del paso por los títulos mutantes de autores del calibre de Jos Whedon y Grant Morrison, dos de sus más destacables logros. Mientras que, como hemos mencionado, en Marvel ya se han manifestado entusiasmados con este “movimiento”, DC comics prefiere guardar silencio. Vemos que sigue produciéndose la salida de autores de la compañia…

MIKE MARTS TITULAR DEJA DC Y VUELVE A MARVEL El próximo mes de abril, dos de los principales personajes Marvel más desquiciados de todos los tiempos se encontrarán cara a cara en un duelo de proporciones épicas. Los macabros personajes Deadpool y Carnage, ambos fruto de la oscura y controvertida década de los 90, chocarán en una serie de cuatro números cuyo título es simplemente Deadpool vs. Carnage. El escritor de la serie Cullen Bunn compara este enfrentamiento con King Kong vs Godzilla, solo que este tiene mucho menos pelo, una escala menor y mucha más sangre. Además añade “El lector tendrá que tomar su decisión sobre cual de los dos personajes está más loco. Para mí, las dos tienen peligro… sólo que de maneras muy diferentes . Y no son los únicos personajes locos de la serie. A lo largo de los cuatro números vamos a mostrar que el mundo es un lugar mucho más loco de lo que nadie se imagina”. 15

cine

trailers

BREVE TRÁILER DE “X-MEN: DÍAS DEL FUTURO PASADO” NUEVO TRÁILER DE “300: EL ORIGEN DE UN IMPERIO” NUEVO TRÁILER DE “MALÉFICA” CON ESCENAS DE ANGELINA JOLIE TRÁILER Y EL PÓSTER DE “PANCHO”, EL PERRO MILLONARIO DE LA PRIMITIVA

TRÁILER DE “THE MONKEY KING: THE LEGEND BEGINS”

cine

posters

Aquí traemos el primer póster de la última entrega en cines de la saga Los Juegos del Hambre, dividida en dos partes, tal y como ya se hizo (y funcionó bien, visto que no paran de repetirlo) con otras famosas sagas como Crepúsculo, Harry Potter… Francis Lawrence vuelve a la dirección y Jennifer Lawrence, John Cusack, Evan Ross, etc. repiten en sus papeles… eso sí, contamos con la incorporación de Julianne Moore. El próximo 21 de Noviembre podremos verla en nuestros cines.

cine

posters

Tras ver el primer tráiler de “Cómo entrenar a tu dragón 2, secuela de esa gran película de animación, os traemos un nuevo póster, esta vez centrado en el personaje de Astrid. En esta ocasión, la acción se sitúa cinco años después. Los vikingos colaboran con los dragones para sobrevivir y conquistar nuevos territorios. Debido a ello, se tendrán que enfrentar a nuevos enemigos al mismo tiempo que iremos descubriendo nuevas cosas de la historia de Hipo y Desdentao. “Cómo entrenar a tu dragón 2” está dirigida y escrita por Dan DeBlois. Se estrenará el 13 de junio de 2014 en Estados Unidos. 18

cine

posters

VERONICA MARS

Tras el tráiler que os trajimos hace tan sólo unos días, ahora os ofrecemos un nuevo póster de “Veronica Mars”. Recordamos que en España no tenemos fecha de estreno todavía (si es que llega a estrenarse), pero en Estados Unidos lo hará el 14 de marzo. La novia de Logan ha sido asesinada, y Veronica (Kristen Bell) deberá volver a su ciudad natal para investigar el crimen.

KNIGHTS OF BADASSDOM

Por fin tenemos material promocional de una de las películas más frikis que se esperan: el póster oficial de “Knights Of Badassdom”. Cuenta con un reparto que os interesará: Peter Dinklage, Ryan Kwanten, Steve Zahn y Summer Glau. El argumento no tiene desperdicio: unos amigos que se disfrazan para jugar una partida de rol en vivo en un bosque con un guión de calabozos, dragones y la edad media. Sin embargo, uno de los personajes lanza un hechizo de un libro antiguo que compró por Ebay e invoca un demonio… ¡de verdad!

THE AMAZING SPIDERMAN 2

El estreno de la segunda entrega de The Amazing Spiderman está cada vez más cerca (16 de abril de 2014 en España), y según pasa el tiempo, sale a la luz más material de la película. Esta vez se trata de tres pósters, en los que cobra protagonismo su próximo antagonista, Electro (Jaime Foxx), que hará la vida de Peter Parker (Andrew Garfield) y de Gwen (Emma Stone) un poco más complicada, si cabe.

cine

primer vistazo ALL HAIL THE KING

PRIMERAS IMÁGENES DEL MANDARÍN EN EL NUEVO CORTO DE MARVEL

Os mostramos las primeras imágenes del nuevo corto de Marvel “All Hail the King”, donde averiguaremos qué fue del Mandarín, personaje interpretado por Ben Kinglsey en “Iron Man 3“. Con guiíon y dirección de Drew Pierce, éste declaró lo siguiente, refiriéndose al grupo terrorista de los diez anillos: Aldrich tomó algo que era históricamente y culturalmente real y lo utilizó para sus propios fines. De ese modo se sirvió para crear el terror necesario de cara a sus objetivos. De esta manera, Marvel sigue afianzando su universo en el cine con cortometrajes que rellenan huecos y cuentan curiosidades de personajes de las películas. ¡Y a los fans les encanta!

cine PARTY CENTRAL Pixar nos trae la primera imagen de su nuevo cortometraje: “Party Central“. Se basará en los personajes de “Monstruos S.A.” y sobretodo “Monstruos University“. El corto nos contará el retorno de Mike y Sulley a la facultad y la fiesta que organizan con sus compañeros de la fraternidad Oozma Kappa. Está dirigido por Kelsey Mann con de nuevo Billy Crystal y John Goodman dando las voces originales a los protagonistas . El corto se podrá ver en España a partir del 16 de abril.

ROBOCOP Hace tan sólo tres días que os trajimos un nuevo banner del reboot de “RoboCop“, y ahora publicamos esta nueva tanda de imágenes de la película de ciencia ficción. La cinta está dirigida por Jose Padilha y protagonizada por Joel Kinnaman, Abbie Cornish, Gary Oldman, Michael Keaton, Samuel L. Jackson, Jackie Earle Haley y Jay Baruchel. Se estrenará el 12 de febrero de 2014, ¿le tenéis ganas?

cine

critica

“EL LOBO DE WALL STREET”. EL CAMINO DEL EXCESO

POR

HECTOR PINTADO

Cinco son las nominaciones a los premios Oscar que el veterano director Martin Scorsese ha logrado con la que es su última película “El lobo de Wall Street” (2013). Nominaciones que – seguramente- se quedarán solo en eso. Primero por razones históricas, pues la Academia de Hollywood siempre ha sido bastante esquiva a la hora de reconocer la larga y excelsa filmografía del neoyorkino, en donde si bien sus actores y actrices han triunfado en multitud de ocasiones, como director tan solo ha sido premiado por la cinta “Infiltrados” (2006), con la que también ganó su único galardón de ‘mejor película’. Y segundo, porque si bien estamos ante una cinta en su conjunto destacada, esta misma también peca de ciertos momentos en los que se siente reiterativa a la vez que se va desinflando

en intensidad conforme se resuelve la trama. Esto es así porque lo más potente de “El lobo de Wall Street” se encuentra en la frenética escalada a la gloria de su personaje protagonista Jordan Belfort (Leonardo DiCaprio), un codicioso corredor de Bolsa que, dejará de lado cualquier tipo de planteamiento ético y moral con tal de enriquece a costa de los demás. El quid de la película está en ver como un don nadie como es el Belfort del principio de la cinta se convierte, con toda su labia, en un avaricioso excéntrico capaz de crear una empresa de la nada llevando al límite de la ortodoxia (así lo describe él mismo) las reglas del juego financiero. Un juego que en su ambigüedad, permite a Belfort convertirse en el sinvergüenza que termina siendo. Y es en este punto donde se

cine encuentra la verdadera crítica de “El lobo de Wall Street”. La historia de excesos y lujuria de Jordan Belfort no deja de ser la mera excusa – ¿cuántos como él habrá?- para ahondar en el esperpéntico show que puede llegar a ser el mercado. Un sistema que se vende como el motor del capitalismo pero cuyas entrañas están llenas de trampas y resquicios que permiten hacer legal lo que es claramente una estafa (todo lo que Belfort hace desde sus ‘humildes’ inicios lo es). El único límite que hay en este punto es la ética, pero cualquier atisbo de esta debe ser amputada si lo que de verdad se busca es triunfar en este opaco mundo. Esta primera regla es

fundamental y así queda expresada en el arranque de “El lobo de Wall Street”. Un impecable almuerzo entre el protagonista recién llegado a la Gran Manzana y su primer jefe. Lo fascinante de este momento es que estamos presenciando el antes y el después de Belfort. Por un lado tenemos al Jordan primigenio, un joven inteligente e ingenuo que ha llegado a Nueva York para hacerse millonario con el juego de la bolsa aunque desconociendo la inmoralidad del mismo. Al frente tenemos al jefe: el Belfort que será. Un pirado drogadicto y putero que enseñará al joven aprendiz cómo se deben hacer las cosas: ambición desmedida sin importar

las repercusiones que tus acciones puedan tener sobre los demás. Con las cartas sobre la mesa, la cuestión que se plantea es observar cómo Belfort se mueve de uno a otro extremo. El primer gran bloque de “El lobo de Wall Street” trata efectivamente de la creación y ascenso del personaje de Jordan Belfort; desde que es “la última mierda” hasta que se convierte en el esperpéntico “lobo”. La frenética vida de Belfort se encuentra plasmada a través de una acción vivaz y sin concesiones que, rodeada por un halo de dantesca comedia, hace que el espectador, a pesar del mal gusto de todo lo que ve, se sienta partícipe y se carcajee de

cine los banales excesos del protagonista y sus ridículos socios. Pero a pesar de la inmejorable manera de presentar el asunto, también es verdad que su amplísima extensión provoca que ciertos momentos se antojen repetitivos. Parece como si Scorsese tuviera la necesidad de incidir una y otra vez en la opulenta vida de Belfort lo que

puede llegar a ser un tanto cargante. Evidentemente, todo lo que sube termina por bajar. El segundo bloque de “El lobo de Wall Street” trata precisamente de la caída de un endiosado Belfort que, cegado por el poder, será incapaz de aprovechar la oportunidad que le ofrecen de hacerse a un lado y evitar así el peso de la ley. El

metraje se va ralentizando durante este periodo a la par que la desenfrenada vida de Belfort desaparece. Debido al enorme contraste que se crea entre el subidón de la primera parte y la resaca de la segunda, es evidente que la atención del público puede verse afectada, más teniendo en cuenta las casi tres horas que dura la película. La

cinta termina por abajo porque lo importante (el ascenso de Belfort y su vida de excesos) ya ha sido visto y el desenlace es evidente. Scorsese alarga en demasía el final, dejando la sensación de que es incapaz de encontrar el momento oportuno para cerrar una trama que solo tras varios amagos funde al negro. Con las cosas así, no parece

que “El lobo de Wall Street” sea capaz de imponerse en esta gala de los Oscars a las tres grandes favoritas: “12 años de esclavitud” (Steve Moqueen, 2013), “Gravity” (Alfonso Cuarón, 2013) y “La gran estafa americana” (David O. Russell, 2013). Sin embargo, el triunfo sí le puede llegar de manos de Leonardo DiCaprio que con su impresionante

caracterización de Belfort, parece destinado a conseguir su primer premio como ‘mejor actor’ después de quedarse con la miel en los labios con “Diamante de Sangre” (Edward Zwick, 2002) y “El Aviador” (Martin Scorsese, 2004). Por ahora, su reciente victoria en los Globos de Oro como mejor actor en comedia parece posicionarle como principal

cine

candidato a alzarse con la ansiada estatuilla, más aún después de que un muy destacado Tom Hanks por su papel en “Capitán Phillips” (Paul Greengrass, 2013) se haya quedado incomprensiblemente fuera de la lucha. De todas maneras, a pesar de tener allanado el camino a la gloria, DiCaprio deberá

imponerse a Chiwetel Ejifor (“Doce años de esclavitud”) y a un Matthew McConaughey (“Dallas Buyers Club” (Jean-Marc Vallée, 2013)) también ganador del Globo de Oro a mejor actor dramático. “El lobo de Wall Street” no es la mejor película de Scorsese, pero aún con sus peros es una obra

de mucha enjundia. Me atrevería a decir que recortando brevemente el metraje habría sido capaz de transmitir una sensación más compacta. De todas formas, tal como está, es una cinta de gran potencia, que cuenta con varias escenas memorables y con un Leonardo DiCaprio en dulce.

cine

critica

“LA DESOLACIÓN DE SMAUG”: CUANDO JACKSON REESCRIBIÓ A TOLKIEN

POR

HECTOR PINTADO

Todos aquellos que vivieron hace ya más de una década el estreno de la trilogía de “El Señor de los Anillos”, recordarán la gran cantidad de lectores que pusieron el grito en el cielo ante unas adaptaciones que – decíandejaban en el olvido a numerosos personajes y escenas. Pero si bien hay muchas cosas que se echaban de menos (personalmente a mí me fastidió mucho el final feliz que se le dio a la trama de la Comarca), en general, el conjunto de las tres películas supo plasmar la esencia fantástica y épica de los libros de Tolkien. Adaptar en su totalidad una obra de más de mil páginas y multitud de acontecimientos era un trabajo imposible y, evidentemente, había que centrarse en las partes más importantes. Como sea, no tardaron mucho las productoras en encontrar una solución a este “problema”. Si no recuerdo mal (corregidme si me equivoco) 26

fue con las “Las Reliquias de la Muerte” (David Yates, 2010/11) cuando empezó la actual moda de dividir un libro en dos cintas para lograr una adaptación más fiel de la novela (y de paso, pasar al público dos veces por taquilla –discúlpenme la redundancia). Y si bien en este caso el resultado fue un grandísimo acierto que dejó satisfechos a todos, es bastante evidente que este experimento ha pasado a convertirse – exclusivamente- en un sacacuartos más de los muchos engendrados en las profundidades de Mordor Hollywood. Se repitió la jugada con la apaleada “Amanecer” (Bill Condon, 2011/12) y ya se ha anunciado algo semejante para futura “Sinsajo” (Francis Lawrence, 2014/15) que pondrá punto y final a “Los Juegos del Hambre”, – algo que se antoja innecesario vistas las muy fieles y notables adaptaciones que se han realizado de unos dos primeros

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libros de semejante extensión. Pero no hace falta hacer cábalas sobre trabajos futuros para confirmar lo antes escrito. Basta con atender al caso que nos toca. “La desolación de Smaug” (Peter Jackson, 2013) es la segunda parte de la anunciada trilogía que compondrá “El Hobbit”: un sencillito cuento que a pesar de su escasa extensión, está siendo descaradamente estirado. Si en un primer momento muchos consideraron ilógicas dos

películas para adaptar esta novela, el asunto se tornó extravagante cuando, meses más tarde, se anunció que la saga contaría con una cinta más. Yo siempre he creído que “El Hobbit” se podría haber plasmado de forma perfecta en una sola película, máxime del eficiente trabajo que el propio Jackson realizó con las obras mucho más extensas y complejas que conforman “El Señor de los Anillos”. Como ya apunté en mi crítica de la primera parte: “Un viaje

inesperado” (Peter Jackson, 2012), las diferentes licencias que el director se toma añadiendo escenas y personajes inexistentes en la novela, suponen más una carga que un beneficio para el transcurrir de la trama principal. Con “La desolación de Smaug” la cosa va a peor. Jackson sigue en sus trece recuperando protagonistas de la saga del Anillo e introduciendo otros nuevos que no hacen más que obstaculizar y ralentizar la aventura de Bilbo y los enanos. Y con esto me refiero a las subtramas de Légolas y Tauriel; a la de Gandalf en Dol Guldur; a la de la fecha de Morgul; y a todo el rollo de la Ciudad de Lago. Subtramas estiradas sin necesidad y cuyos acontecimientos rompen no pocas veces la atención de un espectador mucho más interesado en la trama de Smaug. Puedo ser magnánimo con la trama del mago gris ya que esta está sacada de los apéndices que Tolkien escribió, pero su inclusión tanto en “Un viaje 27

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inesperado” como en “La desolación de Smaug” me sigue pareciendo poco atractiva. Llevamos cinco horas de saga y me queda la sensación de que todo podría haberse resuelto ya. Con la primera parte del “El Hobbit” defendí que la separación de la novela en dos cintas daría la oportunidad de Jackson de perfilar mejor a los personajes, de no ser tan precipitado con las escenas y de mejorar los diálogos respecto a “El Señor de los Anillos”. Es decir, entendí la división en dos películas como una forma de lograr una adaptación más cuidada y redonda. Vista “La desolación de Smaug” ya no puedo defender esta sentencia por el mero hecho que he resaltado antes: la introducción innecesaria de tramas paralelas que no son sino paja. Teniendo las dos películas y conociendo la novela, tengo muy claro de que “El Hobbit” podría haber quedado perfectamente adaptada en estas dos películas sin que la calidad de la obra se resintiera por la falta de las subtramas. Todo lo contrario: la película ganaría en una mayor continuidad y expectación. ¿Qué necesidad hay de inventar historias, de alargar tramas y de perderse en acontecimientos menores cuando se trabaja sobre una novela cuya principal cualidad es su sencillez? Jackson ha pretendido crear un monstruo del tamaño de “El Señor de los Anillos” cuando “El Hobbit” es completamente lo contrario. ¿Qué es “El Hobbit”? “El Hobbit” es la historia de Bilbo, un holgazán que sin quererlo ni beberlo se ve involucrado en un gran viaje que lo transformará. Pero ¿dónde está Bilbo en la saga? Me queda la sensación (y es algo que ya sentí con la primera película) que Bilbo es el personaje menos importante de todos. Salvando la escena en el Bosque Negro y la conversación con Smaug, el que debería ser epicentro de la acción, pasa completamente desapercibido eclipsado por otros personajes secundarios que, al contrario, poseen un peso sobredimensionado 28

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respecto a su papel en el devenir de la historia. “El Hobbit” es una película que necesita concisión y no dispersión. Es la historia de Bilbo, que en un momento determinado se cruza con la historia de Thorin. El resto es intrascendente y carece de interés. En “El señor de los anillos” la división en dos grandes tramas funcionaba por el carácter épico de ambas (la guerra por un lado y la infiltración en la boca del lobo por otro). “El Hobbit” es solo una trama y los aspectos secundarios solo deberían haberse

utilizado para permitir su avance y ensalzarla, no para embarrarla. Ahora bien, si lo que usted busca es una película entretenida de aventuras, acción y fantasía con los mismos aires que desprendía la trilogía de “El Señor de los Anillos” y pasa completamente de que se trate de una mejor o peor adaptación de la novela en que se basa, “La Desolación de Smaug” va a cumplir sobradamente sus expectativas y conforme a ello la puntúo. 29

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critica “FROZEN: EL REINO DE HIELO”. UN CLÁSICO DE LOS DE SIEMPRE

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HECTOR PINTADO

Cualquiera que esté un poco al día respecto del cine de animación, bien sabrá que el tiempo de Disney como dueña absoluta del género ya pasó. Durante décadas, la compañía del ratón monopolizó este mercado sin que ninguna otra empresa fuera capaz de hacerla sombra. Fue este un factor fundamental para explicar el desmesurado prestigio que alcanzó, al que – por supuesto- hay que sumar una serie de cintas que con su magia, sus personajes y –como no- con sus clásicas y pegadizas canciones, supieron cautivar a los más pequeños de la casa y complacer –qué mínimo- a aquellos adultos que debían acompañarlos al cine. Pero los tiempos cambiaron. La aparición de nuevas 30

compañías y el surgimiento de Internet (algo que dio a la gente la oportunidad de acceder a multitud de obras de otros países) provocó – a finales de los años noventaque el trono de Disney empezara a ser discutido. Aunque actualmente vulgarizada, los inicios de Dreamworks en este mundo fueron muy esperanzadores y supusieron un soplo de aire fresco al género de la animación. Es destacable el arreón de sus tres primeras películas: “Antz” (Eric Darnell, 1998) – que a gusto personal es bastante superior a su pariente de Pixar: “Bichos” (John Lasseter, 1998)-, “Chicken Run” (Nick Park, Peter Lord, 2000) y la gamberrísima “Shrek” (Andrew Adamson, 2001); cinta esta última

que en su momento fue un bombazo pero que, a su vez, hizo que la compañía fundada por Steven Spielberg enfermara de éxito. Dreamworks golpeó primero, pero sería Pixar la que se llevaría el gato al agua. La empresa producto de John Lasseter y Steve Jobs heredó, modernizó y continuó el espíritu de las cintas de Disney alcanzando unas cotas de calidad extraordinarias. Al contrario, la vieja factoría de Mickey se hundió en un agujero de mediocridad del que solo en los últimos tiempos parece estar saliendo. El problema que ha tenido la compañía, es que prácticamente desde la genial “Lilo & Stitch” (Dean DeBlois, 2002) – aunque se podrían citar un par de

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antes- se han encadenado una serie de películas que, si bien seguían un modelo de construcción tradicional, carecían de un alma que las permitiera diferenciarse (sobresalir) por encima de otras cintas del género. En otras palabras: eran obras del montón. La reconciliación con el público comenzó con “Tiana y el sapo” y – sobre todo- con “Enredados”, que si bien poseían un carácter infantil, contaban con una frescura, una chispa, inexistente en sus antecesoras. Sin embargo, sería con “Rompe Ralph” (Rich Moore, 2012) cuando Disney volvió a estar en boca de todos. Su original homenaje al mundo de los videojuegos sirvió para atraer la atención de un perdido público joven, así como la de algún que otro nostálgico de tiempos mejores. Con “Frozen: el reino de hielo” (Chris Buck, 2013), se confirma el rumbo ascendente tomado por la factoría de animación

(siempre que se obvie ese engendro llamado “Aviones” (Klay may, 2013)). “Frozen” es una película que desprende el aroma característico de las mejores películas Disney y que, desde ya, está llamada a formar parte de sus denominados ‘clásicos’. La trama parte de la libre adaptación de un cuento tradicional: “La Reina de las Nieves” escrita por el danés Hans Christian Andersen en el año 1845. La historia nos traslada a Arendelle, un reino sumido en un invierno eterno debido a que su reina, Elsa, es incapaz de controlar sus poderes árticos. Su temor a dañar a la gente provocará su huida a la montaña. Ante esta situación, su hermana Anna saldrá a buscarla para intentar recuperar el verano perdido. “Frozen” es una película visualmente preciosa que parte de una estética semejante a “Enredados”, generando así unos personajes agradables

cine y vistosos; un aspecto continuista que sirve como atractivo para aquellos que disfrutaron con la adaptación de Rapunzel. Es una historia sencilla y alegre, en donde la comicidad (usada con naturalidad y evitando los chistes tontos) es una parte fundamental. Esta es desplegada generalmente a través de los dos acompañantes de la princesa Anna: Kristoff, un hombre de las montañas de carácter desparpajado; y Olaf, un muñeco de nieve que, a pesar de ejercer del típico secundario bobalicón, no resulta cargante al ser utilizado en su justa medida. Y nada de esto es casual. Se nota que “Frozen” ha sido cuidada con esmero en

todos sus detalles y que, a pesar de ser una película marcadamente infantil, resulta notablemente redonda en su conjunto. Es destacado que tanto la historia como los personajes de “Frozen” están trazados de forma muy simple, pero eficiente. A partir de una serie de rasgos y conceptos estereotipados, se define de manera rápida a los diferentes protagonistas; aspectos que – sin embargoresultan suficientes para desarrollar de manera correcta la historia. Junto a los ya citados Olaf y Kristoff, tenemos a Anna y Elsa como pareja protagonista sobre las que recae el peso de la trama. Son ambas opuestas tanto por sus personalidades, como por sus formas de entender la vida (una abierta y vivaracha y la otra cerrada y

temerosa). El viaje será un camino de aprendizaje y crecimiento para las dos hermanas; un aprendizaje en el que el espectador infante también será parte, a raíz de una serie de moralejas marca de la casa. Mención a p a r t e m e r e c e el aspecto musical, seña e identidad de los clásicos Disney y aspecto descuidado (e incluso desaparecido) durante bastante tiempo. Como ya se hiciera con “Tiana” y “Enredados”, “Frozen” cuenta también con un buen repertorio de pegadizas canciones con un peso bastante i m p o r t a n t e, sobre

cine todo, a lo largo de la primera mitad de la película. Poseedoras de una alegre musicalidad (aunque hay algunas letras bastante flojitas – seguramente en inglés estén mejor cuajadas-), todas ellas sirven para definir una situación o el sentir de los personajes en varios de los momentos de la película. Quizás los primeros treinta minutos estén un pelín sobrecargados de estas canciones, pero su integración y labor en la película es esencial a la hora de transmitir cierta información que de otra manera resultaría ridícula. El tiempo y nuevas revisiones dirán si se puede equiparar a “Frozen” con los grandes éxitos del estudio. De momento, la apuesta de Disney para estas

navidades merece ocupar un puesto destacado dentro de los lanzamientos animados de este 2013. “Frozen” es una película que bebe de los clásicos sí, pero que a su vez se nota fresca y acorde a la sociedad actual. Este es el camino correcto y esperemos que nunca más sea abandonado. Bonus Track con “Get a Horse” A modo de apunte, no puedo cerrar esta crítica sin comentar muy brevemente “Get a horse” (Lauren MacMullan, 2013) un breve cortometraje que sirve de preludio a “Frozen”. Como homenaje al 85º aniversario de Mickey Mouse, la compañía ha creado un trabajo que se asemeja a los cortos primigenios protagonizados por el ratón allá a finales de los años veinte. Lo más

extraordinario de este regalo no es solo la aparición de los personajes míticos de esta época, sino la recuperación de los silbidos de Marcellite Garner, Billy Bletchet y el propio Walt Disney para sonorizarlo. Un caramelo.

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CRÍTICA: “ORPHAN BLACK”. TEMPORADA 1: AMOR A TATIANA EN TODAS SUS FORMAS

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RDGIRO

Esta primavera BBC América estrenaba una nueva serie que se podría catalogar de ciencia ficción con matices y, desde luego, su resultado no ha defraudado. La serie parte de una situación atrayente, una joven con problemas, Sarah Manning, observa un día 34

como en una estación de tren, otra mujer, idéntica a ella, Elizabeth Childs, se suicida. Para mejorar sus condiciones de vida y buscar una situación más cómoda con su hermano y su hija, decide usurpar la identidad de la fallecida y simular su propia muerte. A partir de ahí, la trama

va evolucionando a gran velocidad, mostrando las reacciones que toman los diferentes protagonistas y mostrando varias historias paralelas. La de Sarah, con su difícil relación con su expareja, con Mrs. S (genial Maria Doyle Kennedy, “Los Tudor”) y su hermano; la de Elizabeth con su novio Paul y sus investigaciones policiales (era una detective de policía); la de una madre de familia que nos ofrece muchas de las secuencias más locas y divertidas (más al estilo “Mujeres desesperadas”); la de una estudiante de doctorado; o la de una desequilibrada llamada Helena, de perturbadora presencia, que irremediablemente me recordaba a “Arcángel”

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de “Motivos Personales”. Además, la trama principal avanza en todo momento mostrando el porqué eran tan parecidas Sarah y Elizabeth. En mi opinión, lo mejor es acercarse a ella sin tener ni idea de lo que nos va a ofrecer, para recibir mayores impactos a medida que avanza la historia. La historia toca temas de ciencia ficción clásicos, con personajes que de momento son bastante típicos del género como el Doctor Leckie, pero también se acerca en algunos momentos a la comedia, al thriller policiaco o al drama familiar. Uno de los puntos fuertes de la serie es la presencia de la actriz Tatiana Maslany, que aparece en prácticamente

todas las escenas de la ficción, enganchando en cada momento al espectador. De hecho, antes de la anunciación de los nominados a los Emmys, muchos la consideraban como una posible rival, a pesar de la dificultad que tiene una serie de estas características para entrar en esta clase de premios (que se lo digan a “Fringe”). Su habilidad para interpretar a personajes que se hacen pasar por otros (cosa por otra parte muy lucida para los actores) ha sido muy solvente. Otro punto a destacar, es la ambientación musical, bastante alegre y simpática, que encajaba perfectamente con las escenas que compartía. La revelación del último

capítulo, no llega a ser un gran cliffhanger, pero sí que logra el objetivo de aumentar las ganas (que ya de por sí eran altas) de adentrarse en los futuros capítulos y saber el qué, cómo y porqué de todo lo que sucede. Si mantienen el nivel del guión, está claro que nos ofrecerá una buena segunda temporada. La serie ha sido renovada para otros diez episodios que saldrán a la luz en abril de 2014.

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“COMMUNITY”. TEMPORADA 4: ENTRE LAS GRANDES SIN HARMON

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RDGIRO

Parece que fue ayer cuando la particular troupe de Greendale apareció en la NBC, pero poquito a poco, y gracias a los malos datos en general de la cadena, ya han llegado a tener en preparación su quinta temporada.Para quién no lo sepa, “Community” cuenta las andanzas de un grupo variopinto de estudiantes de una universidad de no demasiado prestigio: un abogado que necesita el título, un friki, una promesa del baloncesto “lesionado”, una empollona que era el patito feo (y ya no lo es en absoluto), un señor entrado en edad hijo de un millonario, una activista por las causas perdidas y una

madre cristiana divorciada. Vamos, lo normal en una universidad. No. Y es que está sitcom ni es normal, ni lo ha sido nunca. Tiene unos cuantos episodios típicos de sitcom, que no mediocres, pero cuando de verdad despunta son en el resto de episodios, la mayoría, con guerras de paintball, invasiones zombies, intercambios de cuerpos, de dibujos animados, de marionetas, buscando un objeto, en modo videojuego de los 80, con plastilina, el de las diferentes líneas temporales (mi debilidad, con un final descacharrente)… Esta cuarta temporada, que sólo ha contado con

13 episodios, ha estado marcada por la falta de Dan Harmon, creador y showrunner en anteriores temporadas (tras varias peleas con Chevy Chase (Pierce en la ficción)). Las críticas han sido peores a las de temporadas anteriores tanto por especialistas como por los muchos fans de la serie. En mi opinión, la cuarta temporada ha estado a la altura de las anteriores, con grandes episodios y, sobre todo, grandes momentos con los que pasar un buen rato delante de la pantalla. Al igual que en anteriores temporadas se ha seguido, cuidado con los posibles spoilers, con algunas tramas

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un poco más continuadas, com o la changnesia, el decano de la universidad rival y la línea temporal oscura. Los personajes han seguido en su línea, rompiéndose al final de temporada la pareja de Britta y Troy y sin demasiados adelantos signifi cativos en las otras relaciones (Annie y Jeff y Shirley y Andre). Quizás, lo que más se le pueda reproc har a esta temporada, es el no haber sac ado tanto provec ho a los maravillosos secundarios, ya que si bien Chang o Dean han mantenido su eficacia convertidos en personajes regulares, otros recurrentes como Magnitude, Vicky, Garret o Leo nard, no han tenido demasiadas apariciones. La salida de Chevy Chase de la serie durante el rodaje de esta tanda apenas se ha notado pero, aunque salvable, sí se le va a ech ar de menos en la próxima. Por su emisión retrasada en EEUU, se había anunciado su estreno en octubre y lo acabó haciendo en febrero (siendo ello incluso un chiste en diversas promos), hubo episodios especiales (Navid ad, Halloween), a destiempo, lo que pudo hacer que se pronunciase la pérdida de algunos espectadore s, pero aún y con eso, fue renovada para otra tem porada, que veremos a comienzos de 2014, o un poc o antes si se estrella alguno de los estrenos de comedi a de su cadena. Además, y como aliciente, estará la vuelta de Dan Harmon, aunque se comenta que Donald Glover (Troy) va a reducir su participació n para centrarse es su carrera musical. Afortunadamente, todavía pod remos disfrutar de Annie, Abed, Britta y compañía dur ante más episodios. Six seasons and a movie! O mejor aún: Twelve seasons a theme park!

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critica “CALL THE MIDWIFE”, TEMPORADA 1. UNA BONITA Y PAUSADA HISTORIA

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RDGIRO

A comienzos del año pasado, la BBC atinó introduciéndonos en una ficción histórica y coral, “Call the midwife” o, como se ha traducido en España, “Llama a la comadrona”. La serie ha sido un gran acierto tanto a nivel artístico como en cuanto a la recepción del público y eso la ha llevado a estar ya confirmada su tercera temporada, pero, ¿qué nos ofreció en su primera temporada que hizo que la gente siguiera conectada a ella al siguiente año? Lo repasamos. La serie se centra en la historia de Jenny Lee (“Robin Hood”, “La mujer de negro”), interpretada por Jessica Rayne, y narradora de la historia. Jenny es una joven enfermera, de famili pudiente, que entra a trabajar en una maternidad de un barrio deprimido de Londrés durante los años 50, lo que le conlleva la necesidad de tener que adaptarse a las circunstancias y descubrir la realidad común de los barrio deprimidos ingleses, en concreto al East End. Está basada en las memorias autobiográficas de la enfermera Jennifer Worth. La protagonista es un personaje simpático y entrañable, aunque quizás demasiado modosa. Además del típico “pez fuera del agua” que se diluye pronto en los primeros minutos de la ficción, también se muestra como se involucra con algunos pacientes, con sus compañeras y sus intereses amorosos, debatiéndose entre el pretendiente ideal, Jimmy, y el hombre casado. Además de Lee, un buen puñado de actrices

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completan el reparto, siendo muchas veces las encargadas de la parte más cómica de la serie, y que conforman la atmósfera de enfermeras y eclesiásticas. El argumento habitual que se sigue en cada capítulo es el seguimiento de uno o dos casos de la maternidad, salpicado con historias personales de los personajes principales. Los casos, a pesar de ser una serie blanca, tocan temas duros, pero muestran, por lo general, optimismo y la belleza de la vida, algo bastante fácil al tratar el tema de los nacimientos. Esta primera temporada, además, nos ha mostrado la historia amorosa entre el policía Peter y Chummy (la genial Miranda Hart (“Miranda”)), la demencia de la Hermana Mónica Joan (Juddy Parffit, “La joven de la perla”, “Por siempre jamás”) o la soledad de la enfermera Cinthya Miller (Bryony Hannah). En definitiva, una primera temporada disfrutable, que deja buen sabor de boca, si bien no genera demasiado enganche, al ser su ritmo pausado y no presentar clifhhanger importante. En España, la emisión de su segunda temporada está confirmada en abierto durante el próximo otoño, y en Inglaterra se emitirá la tercera este invierno.

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“MIRANDA”, TEMPORADA 3. MÁS DE LO MISMO

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RDGIRO

Una de las cosas buenas que tienen las ficciones (tanto libros, películas, series..) es su capacidad de adentrarnos en diferentes universos, atmósferas y, en definitiva, vidas. Las diferencias entre las series de comedia concretamente, suelen estar muy marcadas, siendo incluso los spinoff muchas veces muy diferentes a la serie madre: diferentes estilos de humor, de intencionalidades, de gags…, por lo que en este formato es más difícil 40

encontrar uniformidad de opiniones sobre un mismo producto. Dicho esto, y entrando en materia, “Miranda” consigue con su tercera temporada arrancar un buen número de carcajadas al espectador medio, que no nos importa el que pueda caer en lo zafio, visto o simple. “Miranda” volvió el pasado invierno a la televisión británica con una nueva tanda de episodios, su tercera temporada, dispuesta a conservar el

entusiasmo que cientos de seguidores le procesamos desde que comenzará su emisión en 2009 y, en líneas generales, lo ha conseguido. Su propuesta sencilla, sitcom a la antigua usanza, con pocos decorados e historias cotidianas, siguen siendo efectivas. Los chistes recurrentes como las frutas con caras, las múltiples caídas, las cancioncillas y, sobre todo, cuando rompe la cuarta pared, pueden ser un poco repetitivas, pero consiguen su propósito,

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hacernos pasar unos buenos 30 minutos. La historia sigue “no avanzando” sin complicaciones. Como viene siendo tradicional, su relación con Gary sigue la tónica de anteriores temporadas, se gustan y se pasan la temporada por separado hasta el capítulo final en el que vuelven a mostrar sus sentimiento. En el apartado de secundarios, cabe destacar, la desaparición del personaje de Clive (al

que no se le ha echado en falta) y el que a Penny (su madre), no le acaban de saber aprovechar. La serie tiene confirmada una cuarta temporada, si bien está supeditada a que la agenda de sus protagonistas lo permita, por lo que se comenta que no veremos a la luz nuevos capítulos de la serie hasta 2015. Su creadora, guionista y personaje principal, Miranda Hart (“Llama a la comadrona”) está bastante ocupada,

incluyendo una extensa lista de actuaciones durante el 2014 por Reino Unido. En definitiva, una serie muy disfrutable, que sabe lo que le funciona y ni asume riesgos ni lo necesita. Ahora bien, si el primer capítulo no te gusta, muy difícil es que los diecisiete siguientes te hagan cambiar de opinión sobre la serie y sobre la cómica, la pieza clave (salvo por el gradual cariño que se va ganado Miranda y compañía). Such fun! 41

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“SUITS”. ABOGADOS EN NUEVA YORK

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RDGIRO

Con la llegada de los meses de verano la mayor parte de las series americanas se toman un relax para volver a partir de septiembre con nuevas temporadas, pero estos meses también son aprovechadas por otras, generalmente más ligeras, para tomar su público en tiempo de menor competencia. “Suits” es de estas últimas si bien, esta última temporada (su segunda) ha repartido sus capítulos en dos tandas, la primera en el verano pasado y la segunda durante los primeros meses de este 2013. Para los que nunca se hayan acercado a “Suits” indicar que es una serie de abogados bastante al uso, con sus casos semanales, sus intrigas entre letrados y sus luchas de poder. Salvando las distancias, algunas de sus 42

tramas pueden recordar a cualquier otra serie de este tipo como “Ally McBeal”, “The Good Wife” o “Boston legal”. La serie narra la historia de Mike Ross (interpretado por Patrick J. Adams) que entra a trabajar en un bufete de abogados sin haber realizado esos estudios. Su mentor es Harvey Specter (a quién da vida Gabriel Macht) un abogado senior de Pearson Hardmon. Esta trama tiene mucho mayor peso en la primera de las temporadas. La serie se emite en la cadena estadunidense USA Network, la cadena de series procedimentales por antonomasia y, si bien usa la fórmula de dos personajes principales, en ocasiones contrapuestos, y con fuertes personalidades (sobre todo Harvey) tiene

un aire fresco y unos pocos personajes secundarios bien caracterizados. En el limitado número de personajes de” Suits” se presenta uno de sus mayores defectos. Hay series, como “Fringe”, que puede sacar oro de unos pocos personajes principales, pero en el caso de “Suits” la escasa interacción entre la mayoría de los personajes, y su forzada relación cuando ésta se produce, hace que le cueste avanzar la historia de modo natural, que las historias sean más pesadas. En esta segunda temporada, la primera parte está centrada en la lucha por el control de Pearson Hardmon, estando más serializada que los capítulos de la primera temporada y siendo bastante eficaz todo lo que sucede en ella. La segunda parte, la que

vino en los meses de invierno, se centra en una extraña guerra en las que las motivaciones de Daniel Hardman, el “malo” de la serie, dejan de ser lo suficientemente creíbles y donde lo predecible de las situaciones, hace que sea bastante más floja. En cualquier caso, la serie no deja de ser un buen entretenimiento sin demasiadas pretensiones, con buenos puntos de humor y decenas de referencias culturas al mundo del cine y la televisión. Además, su ambientación en Nueva York, siempre es un plus para su visionado. La serie goza de buena salud, con audiencias estables, lo que permite estar renovada para una tercera temporadade 16 capítulos, que se estrenará el 16 de Julio, siendo probable su división en dos partes.

critica “LEGO MARVEL SUPERHÉROES”, DIVERSIÓN EN MALLAS Y POR PIEZAS

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GIACCO

LEGO lleva realizando muchas, muchísimas incursiones en el mundo del videojuego. Sus simpáticos personajes cuadradotes y su mundo de piezas encajables ha explorado franquicias tan variadas como Indiana Jones, Harry Potter, Los Piratas del Caribe… También se atrevió con los superhéroes, primero con Batman y su fenomenal segunda parte, donde podíamos ponernos en la piel (o en las piezas) de Superman, Wonder Woman, Flash, etc. Ahora le toca el turno a la otra gran factoría de personajes superpoderosos y enmallados… Marvel. Y lo hace por todo lo alto. Vamos a poder controlar más de cien personajes directamente salidos de los comics y reconocibles por los 44

fans, algunos tan raros como el Pato Howard o Modok o incluso al propio Stan Lee! Otros tan infrecuentes (en videojuegos) como Nova, Fénix, Charles Xavier… Y por supuesto estan los más representativos: Spiderman, Iron Man, Hulk, Daredevil, Thor… Repito que la cifra supera la centena, incluyendo personajes asgardianos, a lo que hay que sumar las distintas encarnaciones de algunos personajes, como distintas armaduras de Iron Man, variaciones de uniformes, etc. Más de 100 personajes! Kingpin, Veneno, Elektra, Mística… Si en la variedad de “muñecotes” controlables está el mayor aliciente para este LEGO Marvel, la variedad de escenarios y

modos de juego no queda a la zaga. Para empezar, jugamos un modo historia dividido en varios capítulos que nos llevarán a distintos lugares del Universo Marvel, desde el Edificio Baxter a Latveria. Tendremos también un modo libre para explorar la versión LEGO de Nueva York, infestada de submisiones que nos reportarán distintas recompensas: algunas desbloquean personajes, otras vehículos, otras los “ladrillos” dorados. Además de poder encontrar fases secretas repartidas por el mapa. En cualquier momento vamos a poder jugar las misiones del modo historia, una vez las hallamos jugado, pero de forma totalmente “abierta”, lo que nos permitirá buscar los secretos que esconden

los distintos escenarios. Muchas horas de juego y de diversión se encuentran en este LEGO Marvel Superhéroes. Pero también tiene algunos puntos en contra que no podemos omitir… Para empezar, es un juego extremadamente fácil. Algo lógico considerando que se trata de un producto pensado para el público más joven, pero que puede desencantar a los aficionados a los comics que quieran encontrar retos. El único aliciente es acabar el juego con el 100% de secretos descubiertos… y ese sí puede ser un buen reto. Su otro punto oscuro es la similitud al resto de la franquicia LEGO: avanzar, destrozar, construir, resolver puzzle sencillo… y seguir avanzando. Los nuevos

jugadores o los fanáticos Marvel lo perdonarán, pero los veteranos de los juegos LEGO pueden sufrir un cierto hastío. Hasta aquí sus puntos negativos, el resto es pura y desenfrenada diversión. Para un lector de comics Marvel como yo ha sido un juego realmente satisfactorio y altamente disfrutable. Me lo he pasado en grando reduciendo de tamaño con el Hombre Hormiga, arrasando las calles de Nueva York con el imparable Juggernaut, volando a hipervelocidad con Nova o manipulando a la gente con Jean Grey… personajes nunca antes usados de esta forma en ningún videojuego. Que sorpresa al ver que puedes controlar al Buitre, a los Guardianes de la Galaxia

al completo, a Fénix, al Dr. Extraño, a Kingpin… El mismísimo Stan Lee! Ni en el juego nos libramos de él! Realmente es un producto muy recomendable para los aficionados a Marvel, sea cual sea su edad y, si además son fans de LEGO, no deberían dejar pasar la oportunidad de disfrutar de esta primera ocasión en la que se unen dos de las franquicias que más han hecho disfrutar a los niños de todas las edades. Desarrollado por TTgames y distribuido por Warner Games, lo podéis encontrar para todas las plataformas existentes actualmente (PC, 3DS, WiiU, PS3, PS4, PSVita, XBox 360, XBox One). Excelsior!

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“RAIN”. REMINISCENCIAS DEL PASADO

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SAM BANE

La nueva joya de Japan Studio, creadores de juegos como “Patapon”, “Siren”, “Tokyo Jungle” o el reciente “Puppeteer”, nos llega en forma de juego descargable, el cual nos ofrece una experiencia que nos hace recordar el control y la dinámica de anteriores generaciones. Es uno de esos títulos sobre los que es difícil ponerse de acuerdo y que gustará y disgustará a partes iguales. “Rain” nos cuenta la historia de un chico el cual se encuentra en su cama enfermo. En un momento dado se levanta y atraviesa una mágica puerta que lo traslada a un mundo paralelo. Este mundo tiene una particularidad, siempre está lloviendo. El 46

chico reconoce su ciudad pero la noche lo cubre todo. Caminando por la ciudad se da cuenta de un curioso hecho: ¡es invisible!. Únicamente la lluvia, al caer sobre él, dibuja la silueta de su cuerpo. Bajo esta premisa comienza “Rain”. Debemos guiar al chico a lo largo de ocho capítulos por la oscura y lluviosa ciudad. Su objetivo, ayudar a una chica que sufre su misma suerte. A lo largo de todos los escenarios buscaremos a la chica para intentar ayudarla y desentrañar el motivo por el cual ambos se encuentran en esta extraña realidad. Lo primero que nos llama la atención cuando nos ponemos a los mandos de

“Rain” son sus similitudes con títulos de anteriores generaciones; desde el control del personaje, muy similar al de clásicos como “ICO” o “Shadow of the Colossus”, pasando por las cámaras fijas que nos muestran la acción siempre desde un plano específico, algo muy usado en la generación de Playstation One, hasta el apartado técnico que más bien parece un juego de la anterior generación, eso sí, en alta definición. Incluso aquellos que hayan jugado “Resident Evil 3” recordarán el título de Capcom por una similitud que comparten ambos pero que no detallaremos para no spoilear a nadie. Siguiendo con el tema del control, nuestro personaje

se maneja con el stick analógico izquierdo y contamos con un botón de salto, un botón para correr y un botón de acción, que nos permitirá realizar diversas acciones contextuales (abrir y cerrar puertas, activar mecanismos, ayudar a nuestra compañera, etc.). Los que hayan probado el mencionado “ICO”, muy fresco por su reciente remasterización en alta definición, observarán que el título de Japan Studio bebe directamente de este clásico atemporal. La mecánica del juego se basa en evitar que los enemigos nos descubran y avanzar por los escenarios. Para no ser detectados tenemos que ocultarnos de la lluvia para así ser invisibles

y pasar desapercibidos. Tejados, pasajes o interiores servirán para ocultarnos y tendremos que tener cuidado también con el ruido que hagamos o el barro que se nos pegue a los pies el cual puede hacer que seamos detectados por los enemigos. Avanzar “a lo Metal Gear” es interesante teniendo en ocasiones que crear distracciones para poder desbloquear un camino que cierra un enemigo. En el apartado técnico nos llama la atención la banda sonora dinámica que cambia en función del momento en que estemos en el juego, tornándose pausada y melancólica en los encuentros con nuestra compañera de viaje,

variando a estruendosa cuando tenemos un encuentro con algún enemigo. A nivel gráfico, Rain nos muestra un mundo oscuro y donde permanentemente está lloviendo. El efecto de la lluvia no es particularmente espectacular y ni modelados de personajes, enemigos, escenarios ni las animaciones de todos estos llaman especialmente la atención. Se puede concluir que el apartado gráfico cumple su cometido sin alardes que, bien es cierto, no necesita. Es un juego descargable y sus bondades van más orientadas a la experiencia jugable y artística en si, que a deslumbrar por sus gráficos. En el sentido de experiencia a los mandos es donde “Rain” 47

parece errar, al menos para el jugador experimentado. El juego no presenta ningún reto, es más un paseo por el escenario y un avance continuo hasta llegar al final. Es relativamente fácil esquivar a los enemigos, los cuales son muy poco numerosos, contamos con checkpoints que nos devuelven prácticamente dos metros antes de haber muerto y por si esto fuera poco, los elementos con los que tenemos que interactuar parpadean en la pantalla, lo que hace que quedarnos atrancados sin saber que hacer sea misión imposible. Además, la cámara fija muchas veces nos muestra sutilmente el

camino por donde tenemos que continuar, por lo que no hay duda alguna de a donde debemos dirigirnos. Como contrapunto, la forma de contar la historia nos parece bastante acertada. La acción es continua y el argumento se va desgranando a través de unos textos sobreimpresionados en pantalla, traducidos al castellano, que no desentonan con el juego y que, aunque a algunos puede sacar un poco de situación, es una buena forma de ahorrarse las escenas de

vídeo en pos de crear algo más artístico. “Journey” demostró que puede narrarse una historia sin decir absolutamente ni una palabra, pero no nos parece mal que este título explique absolutamente todo, aunque a veces no se considere necesario ya que las imágenes hablen por si solas. En cuanto a duración, el juego puede acabarse en apenas cuatro horas, desbloqueándose cuando lo

completamos una búsqueda paralela de recuerdos que hará que los que quieran completarlo al 100% puedan rejugar el título. Esta búsqueda al menos conseguirá que exploremos algo más los escenarios, cosa que no se hace en la primera vuelta al no haber nada que encontrar. Puede parecer muy poco pero hay que recordar que el juego es descargable y se lanza a precio reducido (apenas 12.99 €). “Rain” no es un juego de corte

tradicional, se enclava más como una experiencia interactiva como lo fue en su momento “ICO” o el más reciente “Journey”, también exclusivo de la consola de Sony. Es un título que causará diferentes impresiones en función del corte de jugador que lo pruebe, siendo bastante anodino y simple para algunos y una maravillosa forma de contar una historia para otros. Por nuestra parte nos quedamos en el término medio, nos parece encantador a nivel argumental y artístico pero peca de ser excesivamente simple y sencillo de completar. Un

mayor número de enemigos, unos check points más alejados entre si y no mostrarnos continuamente lo que debemos hacer o a donde debemos dirigirnos le hubieran hecho muy bien al juego de Japan Studio. En cualquier caso, es un juego recomendable que merece la oportunidad de ser probado.

critica “KILLZONE MERCENARY”. REFERENCIA ABSOLUTA DEL SHOOTER PORTÁTIL

POR

SAM BANE

El polémico género del shooter recibe un nuevo exponente, esta vez en Playstation Vita. La saga “Killzone” vuelve a terreno portátil tras su paso por las consolas de sobremesa y una discreta versión para PSP. Guerrilla Games y Sony ponen toda la carne en el asador para intentar crear un “vendeconsolas” que permita arrancar definitivamente a la portatil de la compañía nipona. ¿Lo lograrán? Antes de abordar las características técnicas y jugables del título hay que aclarar dos puntos claves para analizar el juego. En primer lugar, debemos tener en cuenta que “Killzone Mercenary” juega a ser un First Person Shooter (FPS) tradicional adaptado a los controles táctiles de PSVita. 50

Por ello puede que algunos jugadores caigan en la tentación de compararlo directamente con shooters lanzados en consolas de sobremesa. Es lógico que pierda en la comparación pero no debemos olvidar que estamos jugando en una consola portátil. En segundo lugar, el juego es un “Killzone”, saga poco entendida y que nunca ha llegado a ser considerada “top” en el sector. Aceptando estas dos premisas pongámonos manos a la obra con lo que realmente interesa. “Killzone Mercenary” cuenta con un modo campaña cuyo desarrollo es menos lineal de lo que podría pensarse en un principio. El juego se divide en capítulos y al principio de cada uno tenemos una

pequeña introducción a modo de explicación de la misión (ya visto en otros títulos como “Call of Duty”) en la que se nos indicarán los objetivos que tenemos que cumplir. Además, estos pequeños cortes servirán para dar cabida al desarrollo argumental del juego. Una vez realizada cada misión, se abre la posibilidad de volver a jugarla para conseguir ciertos objetivos que pueden ser: conseguir cierto número de muertes con un arma determinada, eliminar a los enemigos de forma sigilosa o conseguirlo en un tiempo determinado. Ideal para los sibaritas que quieren completar el 100% del juego y desbloquear todos los trofeos. Existen varios niveles de dificultad aunque el juego

en general es relativamente fácil en el nivel de dificultad veterano, permitiéndonos recibir mucho daño antes de morir, lo cual hace que terminar la campaña no sea un reto excesivamente complicado. Esta campaña individual nos dará unas 4-5 horas más las horas que dediquemos a re-jugar las misiones para conseguir el resto de objetivos o encontrar todos los documentos de información del título. No es mucho, pero no olvidemos que estamos hablando de un shooter, género cuyos títulos suelen ser de escasa duración y además es un juego portátil. A nivel argumental no desgranaremos nada importante aunque merece la pena indicar que la historia sigue la linea de anteriores 51

títulos sin destacar en exceso, aunque bien es cierto que tiene algún que otro giro argumental interesante que sorprenderá sobre todo a los que hayan jugado los juegos anteriores. El otro modo de juego que incluye el título es el multijugador online. En este modo los ISA y los Helghast se enfrentan entre si en tres tipos de partida: guerra de mercenarios, que es un todos contra todos clásico; guerra de guerrillas, un modo de combate por equipos; y el más interesante, zona de guerra, en el cual dos equipos se enfrentan consecutivamente por varios objetivos con límite de tiempo para su resolución. Las partidas son de 4 contra 4 y existen 6 escenarios diferentes para disfrutar la acción. A medida que juguemos y consigamos experiencia, ya sea en el modo campaña o en el multijugador, se nos otorgarán unas cartas de valor que mostrarán al resto de jugadores nuestra valía a los mandos del juego. A nivel técnico el juego impresiona. El nivel de detalle de armas, personajes y sobre todo escenarios es sorprendentemente sólido para una portátil convirtiéndose en absoluta referencia a nivel gráfico de la consola y siendo el juego

que todos queremos enseñar a los amigos para demostrar lo potente que es Vita. Todas estas bondades se ratifican al ver el juego en movimiento ya que es totalmente fluido y apenas existen algunas mínimas bajadas de framerate cuando hay muchos enemigos y explosiones en pantalla, siendo escasas las ocasiones en las que esto ocurre. El apartado sonoro destaca por el doblaje al castellano que, en general, cumple con nota su cometido. Los efectos sonoros de armas, explosiones y demás elementos también presentan una calidad notable. Entrando de lleno en el apartado jugable debemos indicar que es aquí donde nos encontramos con las mayores novedades de este nuevo “Killzone”. El juego nos permite en la mayor parte de los escenarios dos formas de superarlos: una clásica armando jaleo y otra más propia de juegos de sigilo, intentando crear estrategias y observando a los enemigos y su patrón de movimientos para cogerlos desprevenidos. Sin duda y como viene siendo habitual, se premia que alcancemos los objetivos de manera sigilosa, ya que si nos descubren los enemigos la alarma se activa y el número de soldados se incrementa considerablemente. Es un

paso adelante en la saga y que nos muestra un anticipo de lo que nos encontraremos en “Killzone Shadow Fall” de Playstation 4 en apenas un par de meses. Importante es la labor que ejercen una especie de cajas que nos encontramos dispersas por los distintos escenarios que nos permiten acceder a una especie de traficante de armas que nos facilita acceso, previo pago, a las distintas armas, blindajes, equipo y sistemas de defensa que se pueden adquirir en el juego. Especial atención para los sistemas Van Guard, un apoyo a modo de robots que nos ayudan con un escudo, controlando una pequeña arma a control remoto o con un elemento que electrocuta a los enemigos y que actúa con sigilo, entre otros ejemplos. Estas características añaden variedad al juego y permiten que el desarrollo de los niveles cambie en función de los elementos que utilicemos para superarlos. Los controles táctiles de Vita se dejan notar en prácticas sutiles como el cambio de arma o el despliegue de un robot Van Guard y adquieren su mayor importancia en los ataques cuerpo a cuerpo en los que tendremos que realizar los movimientos que indica la pantalla con nuestro dedo para acabar con los enemigos, una acción

bastante espectacular. La comparación con otros juegos del género en terreno portátil la gana absurdamente de calle. Nintendo 3ds no cuenta con títulos de este corte y los existentes en PSVita, “Call of Duty Declasiffied” o “Resistance Retribution”, no presentan un mínimo de calidad siquiera para ponerlos cara a cara con el juego objeto del presente texto. En resumen, juegos como este llaman a que demos una oportunidad a la portátil de Sony. Si no se tiene la consola, adquirir la misma junto a “Killzone Mercenary” es de lo más acertado. “Killzone” viene a dar el primer paso de esa nueva estrategia de Sony que, usando un símil futbolístico, pretende abordar el mercado con una estrategia de “Zidanes y Pavones”, es decir, lanzamientos “AAA” de gran presupuesto y grandes valores de producción intercalado con lanzamientos de los conocidos como “indies” que nutran tanto a Vita como a la futura PS4 de juegos constantes. “Killzone Mercenary” es el primero de esos grandes triple A que están por llegar a Vita y un imprescindible si tienes la portátil.

literatura

reseñas

“INTELIGENCIA EN REDES SOCIALES”, DE EVA MOYA

POR

VICTOR M YESTE

Eva Moya, analista de inteligencia en comunicación online, publica “Inteligencia en redes sociales”, un libro descrito como guía de viaje estratégica que explica las bases necesarias para el trabajo de un profesional del social media. La obra nos plantea una serie de pasos y reflexiones a tener en cuenta para llevar a cabo una estrategia y plan de acción en redes sociales a todos los niveles. Esto no significa que englobe 54

sólo la labor del community manager, una profesión tan de moda estos últimos años. También se tiene en cuenta otros trabajos menos famosos como son los de social media strategist y social media analyst. Sin duda, crear y mantener una comunidad online no es moco de pavo. No sólo conlleva mucho trabajo duro sino también creatividad, originalidad y un estudio estadístico y analítico constante.

El libro comienza subrayando que las redes sociales han favorecido que cualquier persona pueda hacer llegar su opinión o queja a organizaciones que antaño hubieran estado inaccesibles. Y esto, unido con la libertad de expresión, es un arma de doble filo: no sólo ayuda a tener una relación más cercana y conocer más al público objetivo de una marca… también puede ser peligroso para ésta

literatura si alguna de sus acciones provoca una publicidad negativa que se expande rápidamente. Por tanto, para que crezca la presencia online de una comunidad y fomentar la participación activa de aquellos que pudieran estar interesados en ella, es necesario tener ciertas cualidades en labores de estrategia, gestión e inteligencia estratégica. La autora da mucha importancia a la necesidad de ser creativo y original incluso (y especialmente) para resolver posibles crisis. Para todo ello, es necesario tener claros unos objetivos a seguir. Los más claros y generales son: mejorar la reputación, mejorar los canales de comunicación y saber qué piensan de la organización. Sin embargo, también es necesario elegir ciertas métricas que estudiar para ver si nuestra estrategia está teniendo buenos resultados. A saber: número de seguidores, personas que dejan de seguir la cuenta, número de comentarios… Estos objetivos, así como los contenidos y la estrategia a seguir, dependerán de los canales elegidos. L o s

más habituales son Facebook y Twitter, pero hay muchos otros a tener en cuenta, especialmente para ciertos públicos objetivo. Una vez se ha creado una comunidad con el estudio previo necesario, el siguiente paso es dinamizarla. Eva Moya nos plantea una serie de técnicas para fomentar la participación de la comunidad, como pueden ser los concursos, las encuestas… Posteriormente, el libro

incluye una serie de reflexiones, pasos a seguir y casos de ejemplo para la gestión de crisis en redes sociales. Para ello, divide el capítulo primero en los apartados relacionados con saber detectar a tiempo una posible crisis y, luego, cómo gestionarla una vez se produzca. “Inteligencia en redes sociales” incluye, además, una serie de herramientas de redes sociales que ayudan a su gestión y estudio estadístico. Además, explica cómo hacer distintos tipos de informes para una organización según sus necesidades y quién y en qué situación los espere. En suma, se trata de un libro que engloba de manera completa pero básica todas las labores de un profesional de las redes sociales. Recomendable para quien quiera aprender de manera general todo lo que es necesario saber de esta área profesional, mientras que a alguien ya avezado sólo le servirá a modo de repaso y resumen general.

literatura

reseñas “UN PROFESOR COMO REGALO DE NAVIDAD” DE ENCARNI ARCOYA ÁLVAREZ

POR

CORNFLAKEHUNTER

Abby lleva casi dos años enamorada de su profesor de universidad pero no se atreve a confesárselo. Una interrupción desafortunada en clase la llevará a su despacho. Allí descubrirá que sus sentimientos son correspondidos. Gideon Richard es profesor universitario y solo espera que una de sus alumnas termine la carrera para meterla en su cama y hacerla suya. Después de hacerle pasar un mal rato en clase la cita en su despacho para reconfortarla. El problema es que no puede controlar su deseo por ella. “Un profesor como regalo de Navidad” continua con la moda de las novelas eróticas. El llamado porno para mamás inunda últimamente las librerías. Esta novela no aporta nada nuevo. La acción es una excusa para enlazar las escenas de sexo. Y se nota. Los personajes son planos y, en ocasiones, sus reacciones resultan muy 56

inverosímiles. Además, repite los estereotipos que ya aparecían otras novelas como “Crepúsculo” de Stephenie Meyer o “Cincuenta sombras de Grey” de E.L. James. E incluso podemos encontrar escenas casi idénticas a algunas que aparecen en estos libros. Abby, la protagonista, es una morena tímida que no se cree nada especial aunque para el protagonista masculino es poco menos que una Helena de Troya. Podría llamarse perfectamente Bella Swan o Anastasia Steele y no habría diferencia. En cuanto a Gideon, el profesor y protagonista masculino, es increíblemente atractivo, bondadoso, dominante y adinerado. Un prototipo de hombre en la novela romántica y, últimamente en la erótica. Al contrario que las novelas citadas, “Un profesor como regalo de Navidad” también intercala de vez en cuando el punto de vista

de Gideon. Lo que nos da una perspectiva más amplia del mundo de la novela. En cuanto al resto de personajes están de relleno. Tratan de conectar y dar forma a una historia que desde el principio está planteada como una sucesión de escenas eróticas explicitas. De forma personal, creo que la novela ganaría si no hubiera tratado de seguir una línea argumental tradicional y se limitase a las escenas eróticas. “Un profesor como regalo de navidad” es una fantasía erótica llevaba al papel. En la que se entremezclan los roles de profesor y alumna con los papeles de dominante y sumisa. La novela podría ser perfectamente un fanfic de “Cincuenta sombras de Grey” por su argumento y el tratamiento de la historia. La calidad en el estilo literario deja mucho que desear; algunas oraciones son muy forzadas y poco coherentes. No tiene un buen ritmo. Además, los diálogos no son naturales y los personajes tienen todos la misma forma de hablar; excepto Gideon. En cuanto al final no puede ser más tópico y predecible, es decir, probablemente si antes de leer el libro uno se imagina qué sería lo más obvio que puede pasarle a los protagonistas, acertará. Sin embargo resulta un libro entretenido, consciente de que es un producto para pasar el tiempo. En definitiva, “Un profesor como regalo de Navidad” es una novela erótica para mamás. Mucha cama y poca trama, pero no se hace aburrida.

literatura En mitad de la noche, el príncipe Alek, se ve obligado a huir de su castillo. Sus padres han sido asesinados y la Primera Guerra Mundial ha comenzado. Ahora, deberá recorrer el imperio austrohúngaro hasta Suiza perseguido por ambos contendientes. Alojados en la panza de un caminante de hierro, Alek y sus tutores guardan un secreto que podría poner patas arriba el imperio. Muy lejos de allí, el joven Dylan Arrow sueña con ser cadete de aviación del imperio británico y surcar los cielos como antaño hizo su padre. Solo hay un pequeño inconveniente. Dylan es en realidad Deryn, una joven de 14 años que oculta su condición para poder ser aviador. “Leviathan” es una novela parte de una trilogía. Su autor es Scott Westerfeld, el escritor de ciencia ficción responsable de la saga Los Feos. En esta novela ,sin embargo, se sale de la ciencia ficción clásica y se atreve con el. streampunk. A lo largo del libro se van intercalando las voces de Deryn y Alek, cada uno contándonos su mundo desde su punto de vista. Un planteamiento que no resulta en absoluto novedoso pero que funciona bien para la historia. Llevaba tiempo detrás de esta novela. La saga de los Feos en su día me gustó y la sinopsis de la historia me llamaba la atención. Además tenía ganas de leer algo de streampunk.

reseñas “LEVIATHAN” DE SCOTT WESTERFELD

POR

Mi opinión sobre el libro una vez terminado es en general buena, aunque con matices. Por una parte, durante la mayor parte del libro no pasa casi nada. Los acontecimientos relevantes para la historia son pocos y se concentran al final de la novela. Parece ,más bien, una presentación de los personajes, el mundo y la saga. Sin embargo, por la estética y el ambiente merece la pena. El mundo que presenta Westerfeld de máquinas vivas y tecnología, mezclado con un contexto inspirado en la Primera Guerra Mundial es muy atractivo . Y algunos personajes, aunque poco desarrollados en este libro, prometen. Como ya pasó con otras trilogías como la de “El gremio de los magos” creo que “Leviathan” puede ser una de esas trilogías que cogen consistencia con el segundo libro. En definitiva, aunque la

CORNFLAKEHUNTER

historia de “Leviathan” parece algo floja creo que tanto por la estética como por algunos personajes merece la pena ver que depara el segundo libro. Además, cuenta con unas magníficas ilustraciones de Keith Thompson.

literatura

reseñas “LEGADOS”, DE JAVIER PELLICER. FANTASÍA ÉPICA ROLERA

POR

VICTOR M YESTE

Tras la magnífica novela “El espíritu del lince” (que reseñamos en su momento), el escritor Javier Pellicer vuelve con su segundo libro, titulado “Legados“. Está basado en el exitoso juego de rol español “Aventuras en la Marca del Este“, donde retoma los personajes de las antologías “Crónicas de la Marca del Este“, entre los que se encuentran Talfin el enano, Darlak el Último Valaryo y el arqueólogo gnomo Papiro. Tuvimos la oportunidad de entrevistar a Javier Pellicer en la pasada Rol en Quart 2013, donde nos contó muchos detalles sobre la creación de la novela y todo aquello que le llevó a ser la novela que llega a nuestras manos. Ésta, además, ha disfrutado de una campaña de promoción interesante, con una web oficial, un booktráiler con música de Stefano Mocini, la publicación de novedades paulatinamente… una promoción que debería 58

imitar más de una novela. En la entrevista nos contó que la editorial le encargó el libro tras haberse quedado muy contentos con el resultado de sus relatos en las antologías antes mencionadas. Hay que reconocer la valentía de enfrentarse a la documentación de un mundo de rol con muchos seguidores, que podrían exigir una rigurosidad alarmante. Sin embargo, la comunidad fan ha considerado que capta bien la esencia del juego, y las valoraciones han sido positivas. “Legados” es una novela que nos cuenta las aventuras de dos grupos de personajes hasta que se unen a una causa común. Dos piedras mágicas, Decadencia y Prosperidad, que desequilibran la vida en el continente de Valion. Dos jóvenes muy diferentes con un destino parecido. Dos jóvenes. Bainis y Thalla, marcados por su pasado, que lucharán para que

haya un futuro en su mundo. Lo cierto es que el pasado tiene una importancia crucial, de ahí que se mencione hasta en el título. El legado de lo que fue y ya no es marca profundamente el presente, y de igual manera los jóvenes están influenciados por todo lo que les ha ocurrido de niños y las decisiones de sus padres. Todo ello contribuye a cómo son e incluso aportan a sus propias decisiones. Asimismo, retrata muy bien la adolescencia, los pensamientos de los protagonistas se hacen saber a través de capítulos con narración omnisciente. Es curioso leer dos puntos de vista distintos de algo que ocurre a ambos, e incluso lo que opinan el uno del otro. El libro tiene un aroma a fantasía épica de rol, con algunos guiños a este tipo de entretenimiento. Escenas en las cuales los personajes caminan y se encuentran con ciertos enemigos son una constante a lo largo de la

literatura narración, sin olvidar, por supuesto, la historia en sí. Decadencia es una piedra que desprende un aura de corrupción y Prosperidad despierta la vida en todo lo que está a su alrededor. Y sólo los protagonistas pueden anular sus poderes y llevarlos cual Anillo Único al lugar donde poder destruirlas. Se juega con cómo afecta cada piedra a las personas. El juego de poderes que se deja entrever, sin nunca darle el protagonismo suficiente para perder de vista las aventuras. Se utiliza mucho la dualidad en todo lo que ocurre, en los personajes, en la historia, en el mundo e incluso en la narración. Detalles que se parecen en las historias paralelas, detalles que son justo lo contrario en cada una de ellas… personajes que son totalmente distintos y al mismo tiempo se complementan. Además, se hace mención constantemente a las aventuras pasadas de algunos personajes, así como del padre de Bainis. Estas aventuras se pueden encontrar en los relatos de las antologías, y no son necesarias para poder entender la historia. Sin embargo, hay que

reconocer que deja con ganas de leerlas para saber aquello ya saben los personajes. Todos los personajes tienen su historia particular y su objetivo en la historia. Uno de los más carismáticos es el gnomo Papiro. No habría estado de más que tuviera un mayor protagonismo, puesto que da la sensación de ser un secundario de lujo que desprende perlas de vez en cuando. Según nos contó Javier Pellicer en la entrevista, le dio protagonismo en los relatos. Esta historia, al fin y al cabo, no es la de él sino la de Bainis y Thalla. El final cierra los hilos más importantes de la novela, pero deja abierta la posibilidad de una secuela. Hay ramas secundarias que incluso no se explican. Pellicer admite que la escribirá dependiendo del resultado en ventas y crítica de “Legados”, así que todavía no está confirmada una continuación. En suma, se trata de una novela de fantasía épica entretenida, de lectura rápida y con una historia que sacrifica parte de su complejidad para regalar aventuras que enganchen y tengan su emoción.

literatura

entrevista PATRICK ROTHFUSS, AUTOR DE “CRÓNICA DEL ASESINO DE REYES” POR

DESI SOBRINO

El escritor de Crónica del asesino de reyes, Patrick Rothfuss, ha hecho su primera visita a España y una servidora, como representante de Hello Friki, ha tenido la oportunidad, junto con otros medios online, de entrevistarle. La cita ha tenido lugar en el Hotel de las Letras de Madrid, y a ella han asistido unas 20 personas, deseosas de poder entablar una conversación con el escritor. Recordamos que la trilogía de está formada por El nombre del viento, El temor de un hombre sabio y el todavía sin confirmar Las puertas de piedra. A continuación, os ponemos la entrevista completa, tanto en texto para que la leáis como en audio. Esperamos que la disfrutéis tanto como la hemos disfrutado nosotros. 60

literatura - Pregunta: Desde “De fan a fan“, mi pregunta es: ¿considera que un solo libro más para todo lo que le queda por contar será suficiente? -Patrick Rothfuss: Sí (rotundo).

pero quiero buenos actores si alguna vez llega a la televisión.

P: Yo vengo de “Hello Friki” y mi pregunta está formulada por nuestros lectores, en realidad. Ellos querían saber si en la adaptación audiovisual, si el pudiera escoger a un actor para interpretar a Kvothe, ¿a quién sería? - PR: Nunca he sido capaz de pensar en un actor, de ver a un actor y decir: sí, ese. Esto es porque, aunque supiera dibujar, no creo que pudiera dibujar su cara, porque, cuando estoy escribiendo un libro, no le estoy mirando, sino que estoy mirando a

P: Somos de “Fancueva“, somos grandes admiradores, de hecho tu libro nos ha inspirado para seguir con el blog después de unos problemas… pero, volviendo al tema principal: siguiendo el tema de la obra audiovisual, ¿por qué has decidido utilizar la televisión en vez del cine para plasmar una obra audiovisual de la historia? - PR: Lo primero: todas las novelas de fantasía exitosas tienen una película de fantasía, son películas de acción. Mi libro no es una película de acción. Y Hollywood intentaría de verdad hacer una película de acción. Podéis imaginarios

través de sus ojos. Él (Kvothe) no se pasa mucho tiempo mirándose en un espejo, ese no es el objetivo del libro. El caso es que tiene que ser un muy buen actor, eso es lo único que realmente quiero. Si es guapo… (hace gesto indicando que no es muy bueno). Hay mucha gente guapa en el mundo,

esa película, ¿verdad? Sería horrorosa. La televisión da más espacio para contar una historia: puedo desarrollar un montón a los personajes en la televisión. Algunas personas se acercaron a mí diciendo: ¡una película! y yo pensé: vale… Hay una persona, un amigo, que quería hacer este guión, una persona muy bien

colocada en un gran estudio. Hablamos mucho sobre cómo llevar el libro al cine. Entonces, él dijo: pensaré sobre ello. Y volvió y me dijo: vale, necesitamos cambiar esto. Y yo dije: está bien. Y el dijo: esto también. Y yo dije: vale. Y empezamos a hablar y le dije: espera, espera, ¡espera! ¿Estás hablando de poner los tres libros enteros en una única película? Y el me dijo: sí, es la única forma en la que puedo venderla. Y yo le respondí: gracias… pero, no. A ver, incluso si una mala película saliera de todo esto, las ventas de mi libro se dispararían. Eso sumado a todo el dinero que diera la película. Pero, incluso si pudiéramos hacer esto mañana, y tuvieras para mí una bolsa con un millón de dólares dentro, no me sentiría bien haciéndole eso a los libros. Amo a mis libros. Y amo a los lectores que me apoyan y que aman mis libros y los compran, por lo que me sentiría como un traidor con ellos.

literatura P: Vengo de “La espada en la tinta” y lo que quería preguntarte es si hay alguno de tus personajes que creas que ha obtenido demasiado protagonismo y mucho más protagonismo del que pensaras que iba a obtener en un inicio y, por eso, no te guste ahora como esté. - PR: No. Tengo que pensar en ello durante un segundo… cuando cualquier personaje

toma vida propia, me gusta. Un montón de veces, los escritores dicen: ¡mi personaje acaba de hacerse con el control de la escena! Lo odio. Es como los padres que llevan a sus hijos a un restaurante y los niños empiezan a correr entre las mesas, rompiendo cosas, gritando… y los 62

padres simplemente dicen: ¡no puedo controlarlos! Cuando un escritor dice: ¡mis personajes acaban de hacerse con el control de la escena, no puedo controlarlos!… Yo les digo: ¡no! Haz tu maldito trabajo. Si tu eres un padre, disciplinas a tus hijos, y eres un buen padre. Y si eres un escritor, tienes que disciplinar a tus personajes.

P: Para el “Placer de la lectura“: Kvothe es un héroe contradictorio, atípico, comete muchos errores… lo cual le hace muy humano. ¿Es eso parte de su éxito? - PR: Dos cosas: la primera cosa que has dicho no creo que sea verdad. Él es un héroe

típico. En realidad, es un héroe muy típico. Es un héroe clásico. Todos los héroes clásicos estaban fastidiados, quiero decir, tenían problemas. En ese sentido, es un héroe estereotipado. En segundo lugar, en algún momento, la literatura dejó de usar estos héroes clásicos, los convirtió en héroes perfectos, como Superman. Lo que pasa es que entonces, tenemos que crear a alguien a quien combatir, y aquí es donde aparece el malo. Creo que esto puede hacer que la gente disfrute el libro… a ver, Superman es muy guay, sobre todo cuando tienes 13 o 14 años, y te parece alucinante. Pero llega un momento en que Superman… es demasiado agradable, demasiado perfecto. Y, de repente, descubres a Batman. Y Batman es mucho más guay… porque Batman está fastiado, tiene problemas. Tú sabes que jamás podrás ser Superman, porque no eres un súper alien, pero te mientes a ti mismo y te dices: quizás podría ser Batman. Y pienso que se siente una conexión con Kvothe porque no comete errores más allá de los propios errores que caracterizan a los humanos. Él es guay, pero me gusta que sea guay de una manera más humana. A veces hace cosas y te quedas como: oh, no… pero ¡tiene 16 años! Quiero decir, ¿quién no ha tenido 16 años? ¿Quién no ha cometido errores terribles? Yo mismo sigo cometiendo errores terribles. Esto hace que la historia sea más rica, pues lleva el conflicto

literatura allá donde vaya, genera conflictos… quiero decir, nadie llega y secuestran a su novia, no hay necesidad de un villano. Shakespeare se dio cuenta de eso. En sus historias, no hay villanos, solo tienes personajes interesantes con propósitos que se cruzan. - P: Desde “Fantasy mundo“, mi pregunta es: ¿crees que “calderero, curtidor” podría convertirse en la canción del verano? - PR: Tengo algunos planes para juntar a unos cuantos músicos… quizás podríamos hacer un cd de música cantada en el mundo o sobre el mundo. Creo que sería divertido y, con suerte, veremos una versión de “calderero, curtidor”. Quizás más de una… P: Vengo de “Athnecdotario incoherente“. ¿Cuánto hay de Kvothe en Patrick y cuánto hay de Patrick en Kvothe? - PR: Es una buena pregunta… la gente suele decir: así que… Kvothe realmente eres tú, ¿no? Pero la gente no se da cuenta de cuánto viene del otro lado, porque he estado escribiendo este libro durante 19 años. He pasado todo ese tiempo pensando como él, hablando como Kvothe, pensando como él piensa. He estado fingiendo ser él durante tiempo que… en algunas entrevistas alguien me dice, a veces: eso suena como Kvothe. Y yo digo: sí… hay algunas cosas que suenan como Kvothe, o Kvothe suena como yo… hay de ambos sentidos.

Cuando salió el libro, una de mis amigas lo leyo. Y dijo. Kvothe es muy como tú. Y yo dije: vale. Pero, ¿sabes quién es realmente como yo? Sim. Y ella dijo: puedo entenderlo. Y dije: pero, ¿sabes quién es realmente yo? Mannet. Y ella dijo: lo entiendo. Y le dije: pero, ¿sabes quién es realmente como yo? Elodin. Ella ha sido una de mis estudiantes, y me dijo: sí. Lo pillo, lo pillo. Es complicado… todos están en mí, son diferentes piezas que he ido haciendo. P: Yo soy de “Kvothe Spain” y mi pregunta es: ¿por qué Kvothe y Denna se encuentran siempre en los lugares menos insospechados? ¿No crees que es demasiada casualidad? - PR: No (rotundo). ¿Nunca habéis tenido a alguien que os hayáis encontrado en sitios raros? (Todos responden que sí, y bromea) Nada, no me lo creo, eso es mentira, caca de vaca. Ocurre. Hay gente en nuestras vidas que, a veces, aparecen en circunstancias extrañas. P: Soy de “Soy cazadora de sombras y libros” y me gustaría saber si uno de tus escritores favoritos te pidiera meter a un personaje propio en tu tercer libro, ¿cuál sería y cómo se desenvolvería con Kvothe? - PR: Alguien me preguntó una vez: ¿quién ganaría en una pelea, Kvothe o Harry Dresden? ¿Quién gana? y alguien me dijo otra vez:

¿quién ganaría, Buffy la cazavampiros o River Tam, de Firefly? La cosa es… ¿Kvothe o Harry Potter? ¿Quién ganaría? Pues si es un libro de Harry Potter, ganaría Harry Potter, porque Harry Potter es el protagonista y siempre gana. Harry Potter venció al malvado que-nodebe-ser-nombrado con unos 12 años. Pero, si luchan en el mundo de Kvothe… entonces Harry tendría que verselas con la lógica existencial y eso podría ser una desventaja. Me río, pero en mi mundo todo es más realista, y Harry no podría ser parte de ese mundo, pues tan pronto como entrara en el mundo, dejaría de ser mi mundo. Sería lo mismo que meter a un dinosaurio. Kvothe diría: ¡mierda! Si escribo a algún personaje de otra persona, cambio el mundo. Y si cambio el mundo, paso demasiado tiempo haciendo que las cosas encajen. Es una pregunta que está muy bien, pero no puedo responderla. P: Acerca del manual que vas a sacar de Rol, después del tercer libro. ¿Tienes pensado algo acerca de cómo va a ser el libro, de cómo va a funcionar? - PR: Espero hacerlo. Pensaba hacerlo en mi sistema de rol favorito. Alguien me dijo: ¿por qué no juntas todos los materiales y lo introduces en distintos sistemas? Y pensé: es una buena idea, porque uno de mis sistemas favoritos es el de héroes, pero tiene un montón de matemáticas y no es accesible a todos. Y algunos quieren el juego con 63

literatura menos mates y más historia… por eso, quizás sería mejor hacer un sistema que pudiera valer para todos. Y la razón por la cual todavía no está hecho es porque tengo que hacerlo yo: yo soy quien crea la región, la cultura… y no tengo tiempo suficiente. - P: ¿Has visitado Madrid? - PR: No. Solo a través de la ventana del tren. P: Vale. Si tuviera que considerar, por ejemplo, España, lo poco que conoce de ello, si tuviera que compararlo con alguna parte de los Cuatro Rincones, ¿con cuál cree que estaría más identificada? -PR: No… no jugaría a ese juego. Porque la gente suele decir: la Commonwealth es como la Europa medieval. No… son tecnologías diferentes, muy diferentes. Culturas diferentes. No tienen nada que ver. El otro problema, en realidad, es que conozco nada de España. He estado tres días solo, y los tres días los he pasado firmando libros y durmiendo. Bueno, tampoco durmiendo tanto. He conocido a una prostituta. P: Eres muy activo en la obra benéfica World Builder. ¿Cuándo empezará la próxima campaña? Esta es una pregunta de un amigo de Murcia que no ha podido estar aquí. - PR: La siguiente campaña empezará desde principios de diciembre hasta finales 64

de enero. Y va a ser muy guay este año. Tenemos a un montón de gente que me está ayudando a organizarlo, así que no meteré la pata.. no soy una persona muy organizada. - P: ¿Hay alguna obra que le hayan recomendado alguna vez pero que no haya podido terminar de leer? - PR: Algunas veces empiezo a leer un libro y paro, pero no es por el libro, sino porque estoy muy ocupado. O porque… me lo olvido en el avión o algo así. Hace poco, un libro que ganó un Pulitzer, “Las aventuras de Kavalier y Clay”, que se supone que es un libro genial… Era bueno pero… perdí la pista de dónde lo había puesto y nunca he vuelto a interesarme en recuperarlo y leerlo otra vez. Pero, por lo general, si empiezo un libro, lo acabo, incluso si lo odio. - P: Pregunta corta con respuestas tipo test: ¿Qué es lo que más te satisface como lector? A, que el lector apague la televisión y empiece a leer. B, tener una legión de fieles seguidores allá donde vayas o C, vender más libros. - PR: Escojo la D. Mi parte favorita es cuando voy a algún lugar y me encuentro con mis lectores. Encontrarme con ellos, porque que me sigan es un poco… escalofriante. Pero reunirme con ellos y hablar con ellos… es genial, están emocionados por tu trabajo. La palabra

“fan” es traicionera, porque implica que uno es el autor y otro el lector. Me gusta más la palabra “lector”. No somos amigos, pero tenemos un amigo en común: el libro. Te gusta el libro, me gusta el libro, ambos conocemos el libro, así que tenemos esa conexión en común. Me gusta encontrarme con la gente y que me cuenten lo que piensan del libro y sus historias sobre nuestra amistad mutua. - P: ¿Crees que algún día se podrá estudiar el siaru en la universidad, como ha pasado con El señor de los Anillos? - PR: ¿El siaru? No… Tolkien era un manitas para los lenguajes. Yo no sé suficiente para hacer todo eso, pero tengo algo de vocabulario, algunas reglas… pero si profundizas un poco con el siaru, ves que no tengo idea sobre la gramática. - P: ¿Qué te aporta el género fantástico que no pueda aportarte otro tipo de género? ¿Vas a continuar en él? - PR: Siempre escribiré fantasía. De eso no hay ninguna duda. Toda la ficción se pregunta: ¿Y si…? La noficción se pregunta: ¿Qué es…? De las dos, me gusta más la pregunta, ¿Y si…? Además, es una pregunta con mucha esperanza. Ningún género se la puede hacer con más amplitud que la fantasía. Así que ahí es donde vivo. - P: ¿Qué consejos les daría a sus lectores para mejorar como escritores y

literatura darse a conocer? - PR: Lo más importante es escribir. Lo segundo más importante, es revisar. Si piensas que tu libro es el mejor y que no puede ser mejorado, entonces estás equivocado, y probablemente no eres un buen escritor. Recuerdo que, en un momento, llegué al punto en que, leyendo algo que escribí en el paso, pensé: ¿en qué estaba pensando? Esto es horrible. Lo que pasa es que había evolucionado como escritor, había mejorado. Me llevó mucho tiempo llegar al punto de leer algo que yo mismo había escrito y decir: ¡qué bueno es esto! Necesitas seguir escribiendo para poder llegar a ambos. Entonces es cuando podrás refinar tu trabajo. Si no te gusta nada de lo que escribes:

no es bueno. Si amas todo lo que escribes: es malo. Podría hablar durante semanas de los consejos para los lectores, pero voy a parar. - P: ¿Qué pregunta no te han hecho nunca y siempre has querido que te la hagan? - PR: Yo, a veces, hago una entrevista tipificada. En plan: ¿de dónde consigues tu inspiración? Y yo respondo: bla, bla, bla, cerveza. Cualquier pregunta se responde con cerveza. Lo que pasa es que hoy no me ha pasado, por eso no tengo ninguna pregunta en mi cabeza. A veces, entrevisto a otros autores, y como ya sé qué se suele preguntar, les hago preguntas diferentes, les pico, les hago de rabiar, y nos reímos un rato. Pero

vamos, ahora mismo no te puedo decir cuál es esa pregunta. - P: ¿Cómo te sentiste al trabajar con Nate Taylor en el cómic de El nombre de viento? - PR: Me encanta trabajar con Nate. Es muy divertido. Muchas veces, la gente (eso es algo que solo pasa aquí en España) me trae un montón de piezas de arte, mientras que en otros sitios me traen galletitas y cosas de ese estilo. Y son todos preciosos. A veces, veo uno y digo: ese es un buen Kvothe. Y luego veo otro y pienso: ese también. Pero no se parecen nada entre ellos. Lo importante son sus expresiones, se les ve que tienen mucha pasión en su expresión, y ese es el corazón de Kvothe.

literatura

reportaje POR

MARTA C CATALÁN

El pasado sábado 16 de Noviembre, en pleno ajetreo del Festival de Fantasía de Fuenlabrada, parte del equipo de Hello Friki participó en la mesa “Medios de difusión y redes sociales. Un lugar de encuentro” que tuvo lugar en la Sala Tardis. Presentada por Josema Beza (Los Octaedriles), el moderador condujo a los representantes de los medios (Victor M. Yeste, de Hello Friki, José del Río Fortich, de Fusion Freak, Ángel García, de El Bunker Z, Jorge Plana, Cristina 66

edios M “ e r b o Mesa s n y redes ió de difus r de a g u l n .U sociales ntro” encue

Miguel y Diego Fernández Villaverde, de Anima Barda, y Z – Alberto Granda, Community Manager de la editorial Gigamesh), a través de una serie de cuestiones que permitieran aclarar al público los objetivos y labor actuales de los medios digitales de difusión. “¿Por qué iniciar uno de estos proyectos?“, es la pregunta que bailaba sobre todos y que inició el coloquio. La necesidad de escribir sobre la gran cantidad de contenido audiovisual y literario que se consume, el

amor por la literatura “pulp” o la asociación con amigos que comparten unas mismas aficiones fueron algunos de los motivos que habían llevado a los participantes a crear las plataformas de comunicación en las que ahora estaban implicados. Con el auge de las redes sociales, la expansión de estos medios ha sido inevitable. Pero, “¿se puede llegar a todas estas redes?“, planteaba Josema Beza. La respuesta generalizada es que no hay tiempo, pero se debe intentar abarcar la mayoría

literatura de ellas porque cada una tiene sus características necesarias y positivas para el medio en cuestión. En el caso de Twitter, esta red social funciona como una bomba expansiva; viraliza y llega a todas partes en un periodo de tiempo muy corto. Al contrario que Facebook, algo más lento pero con un poder superior de fidelizar a los seguidores. Y Google +, bueno, mejora el posicionamiento web. “¿Calidad o cantidad?“, pregunta el moderador, refiriéndose a los contenidos publicados. Y en medio de

un panorama en el que domina la velocidad, las prisas, el estar enterado de todo y en todo momento, la cantidad es un factor muy determinante, sobre todo en los portales de contenidos. Por otro lado, la creación de contenidos propios de calidad es lo que diferencia a cada uno de estos portales del resto, en un día a día en el que publicar las mismas novedades que lanzan las productoras y editoriales es algo bastante común. Pero conlleva un tiempo que muchas veces acaba siendo incompatible con la necesidad de ser

de los primeros en lanzar contenidos que atraigan al fenómeno fan (y que suponen, por tanto, un suculento número de visitas) y con la propia vida de los colaboradores. Extraemos de este coloquio (cuyos momentos más importantes se recogen en el video que os dejamos bajo estas lineas) que sacar adelante un medio de difusión independiente no es un trabajo fácil, pese a la ilusión visible en cada uno de sus integrantes, y que supone muchas horas de esfuerzo sólo compensadas por el amor a este trabajo.

comics

Iron Man, 50 aniversar io (

reportaje POR

GIACCO

IRON MAN ( 1 )

En marzo de 1963 se publicó el núm. 39 de la revista de comics Tales of Suspense. En ella se presentó un personaje que, 50 años después, sigue gozando de excelente popularidad y no ha dejado de acudir a su cita mensual en los quioscos ni en una sola ocasión. Nacía en aquellas páginas el superhéroe conocido como Iron Man, El Hombre de Hierro, surgido del talento combinado de Stan Lee, Jack Kirby, Don Heck y Larry Lieber. Desde entonces, decenas de 68

parte 1 ) Sus cread ores

Stan Lee

con dos d

autores han dejado su sello y su estilo en el personaje, dando lugar a historias de calidad desigual pero que, en conjunto, forman una de las tramas más sólidas de la editorial. Vamos a lanzar una mirada al personaje, a través de los años y a través de las distintas manos y cabezas que han sido encargadas de darle vida. Lo hacemos en dos reportajes, el primero de los cuales (el que ahora estáis leyendo) dedicaremos a los aspectos creativos

e sus crea

ciones en

la “Era de

Plata”.

y editoriales, todo lo que acontece al personaje fuera de los cómics. Será en el siguiente reportaje donde contemos las aventuras y desventuras de nuestro querido playboy Tony Stark y su alter ego, el invencible Iron Man. Y aún volveremos con un tercer reportaje en el que daremos un vistazo a las versiones que ha tenido fuera del mundo del cómic. Pero eso será en otro momento…

comics LA GÉNESIS. FORJANDO UN MITO. En 1962 estalló la Era de Plata del comic de superhéroes Marvel. Stan Lee dió vida a 4 Fantásticos, Spiderman, Hulk, etc. Pero otro personaje bullía en su cabeza: deseaba crear un triunfador, un millonario, un Howard Huges, inteligente y atractivo que a su vez tuviera un talón de Aquiles, un punto flaco, que lo hiciera en extremo vulnerable. Ese “punto debil” sería su corazón y necesitaría una especie de armadura que le sirviera de soporte vital. Lee pensó en varios nombres para su proyecto, todos absolutamente ridículos y que fueron descartados (gracias a Dios!! uno de ellos era “Las Aventuras del Multimillonario”). Finalmente

se decantó por El Hombre de Metal, aunque no le convencía del todo y acabó cambiándolo por el definitivo Iron Man. En las oficinas de Marvel se entrevistó con Jack Kirby, el cual dibujó un boceto del personaje que acabaría siendo la portada del núm. 39 de Tales of Suspense (aunque retocada por Don Heck). Todo listo… Lee redactó por teléfono a Don Heck el guión del episodio y este lo dibujó, haciendo algunas interesantes aportaciones. Una fue el cambio en el casco, dándole un diseño más “humano” al boceto de Kirby. El segundo, más importante, fue el aspecto que tendría Tony Stark.

Para ello, Heck se inspiró en un icono cinematográfico de la época: Errol Flynn. La fecha de publicación se venía encima y Stan Lee era consciente de que no tendría tiempo para guionizar la primera historia de Iron Man. Delega este trabajo en Larry Lieber que, por cierto, realizó una muy buena historia. Por fin apareció el núm.39 de Tales of Suspense. En marzo de 1963. Su portada era el boceto de Iron Man elaborado por Jack Kirby y entintado por Don Heck. En su interior había tres historias distintas y solo la primera de ellas, que ocupaba 13 páginas, era la que contaba el origen de Iron Man.

comics PRIMERA ETAPA En esta primera etapa casi todos los números están guionizados por Stan Lee que, excepto por alguna falta puntual, se dedicó a trabajar con el personaje mes a mes. El dibujo también está monopolizado por un autor: Don Heck, que sería sustituido en el núm.75 por otro nombre con mayúsculas, Gene Colan. Durante estos 5 años se forja la base del “universo” de Iron Man, con secundarios y villanos que llegan hasta nuestros días tan frescos como en aquel tiempo. De la mente de estos autores surgen nombres como Pepper Potts, El Mandarín, Viuda Negra, Ojo de

TALES OF SUSPENSE #39 AL #99. MARZO DEL 63 A MARZO DEL 68

Halcón, Láser viviente, Dinamo Escarlata… De los que hablaremos convenientemente en el próximo reportaje. Evidentemente estas historias son esclavas de su tiempo y se evoca una vez y otra los tópicos tan recurrentes que ya vemos en otros cómics de la época: la amenaza comunista, extraterrestres, etc. Y aunque leído hoy pierde todo el impacto de su momento, se pueden disfrutar por ese carácter inocente y su “sabor añejo”. Los últimos números de esta etapa (98 y 99) dan paso a un guionista que tenía mucho que decir: Archie Goodwin, que junto a

Gene Colan cerró el paso de Iron Man por Tales of Suspense para dedicarle una colección propia. Fue el boss de Marvel por aquella época, Martin Goodman, quién decidió que los personajes que compartían colección debían disfrutar de su propia cabecera (animado a ello por las fabulosas cifras de ventas de las que gozaba Marvel por aquellos años). Y así, Capitán América e Iron Man (que se repartían las páginas de Tales of Suspense), comenzaron a ver publicadas sus aventuras en sus propias colecciones.

comics

IRON MAN YA TIENE COLECCIÓN PROPIA. (THE INVINCIBLE IRON MAN) The Invincible Iron Man #1 vería la luz en mayo de 1968, obra de Archie Goodwin y Gene Colan… Pero antes debemos comentar una curiosidad!! Entre el final de Tales of Suspense y el comienzo de las nuevas colecciones, quedaron unas páginas inéditas que iban a formar parte del número 100 de Tales of Suspense. Para que esas historias no quedaran en el olvido, se optó por publicar un número único llamado Iron Man and sub-Mariner #1. En él, tanto el Hombre de Hierro como Namor veían publicadas unas pequeñas historias que servían de “puente” hacia sus nuevas colecciones.

Si con The Invincible Iron Man se cambió el equipo creativo, Goodwin se preocupó de continuar las líneas argumentales iniciadas por Stan Lee. En el dibujo, Gene Colan pronto fue sustituido por George Tuska y John (Johnny) Craig, con un estilo sencillo pero perfecto y adecuado al tipo de cómic. En realidad, el peso del maestro Lee era tan grande, que la etapa de Archie Goodwin nunca terminaría de “despegarse” ni de alejarse de lo visto anteriormente en Tales of Suspense: se repetían incesantemente, incansablemente, villanos

y secundarios aparecidos en los años previos. La etapa de Goodwin, que se alarga hasta 1970, no se caracteriza precisamente por el riesgo y la originalidad. Fue a principios de ese año (1970) cuando cambia el equipo creativo y empiezan a verse movimientos realmente distintos en la colección. Primero, regresó Don Heck a los lápices, en el número 26, datado de junio. Después, en los guiones, llegó primero Michael Gold y, después, Allyn Brodsky, que permanecería hasta marzo de 1971, cuando Gerry Conway se hizo cargo de la colección hasta 71

comics finales de ese mismo año, realizando historias olvidables en las que participaban otros personajes conocidos, como Madame Máscara, Nick Furia o Daredevil. Después llegaría un pequeño baile de autores hasta que Mike Friedrich y el omnipresente George Tuska se afianzaran en la colección. Destacar, de esta temporada, la llegada de Jim Starlin en el núm. 55 de The Invincible Iron Man, aparecido en febrero del 73. En dicho núm. Starlin y Friedrich, que eran compañeros de piso, elaboraron una historia donde se narró el origen de unos personajes que terminarían teniendo una gran relevancia: Drax el Destructor y Thanos. Esta sería la primera aparición de estos personajes y la presentación de su origen, para ser luego explotados por Starlin en su colección “El Capitán Marvel”. Lo curioso es que Jim Starlin y Steve Gerber colaboraron en los guiones del siguiente número, el 56. Tan horroroso que el mismo Stan Lee, profundamente disgustado, retiró a estos guionistas de la colección. 1x1.trans Iron Man, 50 aniversario. (1. Sus creadores)1x1.trans Iron Man, 50 aniversario. (1. Sus creadores) George Tuska y algunos originales. Mike Friedrich vuelve ha escribir los guiones hasta el núm. 81, en diciembre de 1975. El motivo de su marcha es curioso: George Tuska dejó de ser el dibujante de la colección en el núm. 72 y pasó a 72

ser sustituido por Arvell Jones. Los retrasos en la entrega de sus dibujos provocaron serios problemas al guionista, que veía su tiempo de trabajo reducido porque las fechas de entrega se le echaban encima. Estos retrasos provocaron que durante dos meses la colección fuera “rellenada” con reediciones de números antiguos y que, en el núm. 80, se decidiera por sustituir al dibujante, siendo Chic Stone el nuevo ilustrador. Mike Friedrich, cansado de estos problemas y tras algunos enfrentamientos con la cúpula editorial de Marvel, decide marcharse y fundar su propia editorial: Star Reach. El sustituto de Friedrich fue Len Wein, que se encontraba trabajando

con él (Friedrich) en el relanzamiento de La Patrulla-X. Como Friedrich se marchó de Marvel, pusieron a otro autor en este proyecto para trabajar codo a codo con Wein… sería Chris Claremont, y juntos remodelarían el grupo mutante de Marvel y nos darían algunas de las mejores historias del comic de superhéroes. (Moraleja: no hay mal que por bien no venga)

comics SE FUE FRIEDRICH, UN NUEVO HORIZONTE. Pero Len Wein apenas duraría unos meses al frente de la colección y, junto al dibujo de Herb Trimpe, elaboraron historias absolutamente triviales. Los guionistas siguieron cambiando, incluso alguno de los “mandamases” de Marvel acabaron escribiendo historias. Lo más destacable de esta época es el regreso del dibujante por antonomasia de Iron Man, George Tuska. En el núm. 91, publicado en octubre de 1976, llegó un joven artista para entintar los lápices de Tuska. Este entintador terminaría convirtiéndose

en otro de los creadores con más peso en la historia gráfica (y colaborando en los argumentos también) del personaje: Bob Layton. Y no fue hasta bien entrado 1977 que The Invincible Iron Man no tiene un guionista fijo, cuando en el núm. 98 Bill Mantlo se hace cargo de la colección y comienza pronto a crear tramas algo más complejas de lo habitual e historias con cierto grado de interés, como el núm. 100, donde rescataba y resucitaba al Mandarín, para ponerlo de nuevo como la némesis del héroe. También recuperó

otros personajes como Madame Máscara, Dinamo Escarlata, etc. Su último núm. en la colección fue el 115, más de un año después. Y aunque Mantlo no se marchó inmediatamente del mundo del cómic, pues realizó trabajos importantes en Marvel como “Capa y Puñal”, a principio de los 80 decidió abandonar este trabajo para dedicarse a la abogacía. Desgraciadamente, un accidente de tráfico truncó su vida y permanece incapacitado y bajo el cuidado de sus familiares.

ETAPA DORADA DEL VENGADOR DORADO. Tiene dos nombres: David Michelinie y Bob Layton. (Aunque sería injusto ignorar el fabuloso trabajo gráfico del, por aquel entonces, joven promesa John Romita Jr.) Su primer número fue a finales del 78, el 116. Con el que cerraron el arco argumental pendiente de finalizar por los anteriores autores. A partir del siguiente, el 117, comenzaría una de las más recordadas sagas del Hombre de Hierro: El Diablo en la Botella, en el que sumirían a Tony Stark en los abismos del alcoholismo. Otra gran historia recordada ( y reeditada) es Viaje a Camelot, donde los autores forzarían 73

comics

una desesperada alianza entre Iron Man y el Dr. Muerte. Ellos serían también los encargados de crear personajes tan importantes como, por ejemplo, James Rhodey, Bethany Cabe, Máquina de Guerra. También crearon armaduras específicas para objetivos específicos: armadura espacial, armadura “steel”, indetectable, etc. Las genialidades de Michelinie y Layton conformaron la mejor época de la colección. Una época que recorrió más de 40 números hasta que Bob Layton, coargumentista y entintador (y a veces dibujante) decidió abandonar la colección en el 154. Solo tres números después David Michelinie pensó que el proyecto carecía de sentido si su “socio” no permanecía a su lado. Así pues, en abril de 1982 finalizó esta gran

etapa. Aunque ambos autores colaboraron, por última vez (de momento!), en el Annual de Iron Man que se publicó ese año. Denny O’Neil se hizo cargo de la colección, con regulares resultados… 1x1.trans Iron Man, 50 aniversario. (1. Sus creadores)1x1.trans Iron Man, 50 aniversario. (1. Sus creadores) Bob Layton y originales del autor. Para encontrar autores que hayan dejado una huella tan profunda en la colección, tenemos que dar un salto temporal considerable. Nada menos que hasta el 215, donde ¡¡¡vuelve el equipo Michelinie/ Layton!!! y ya nos regalan, a los pocos meses de su vuelta, otra de las sagas consideradas clásicas: La Guerra de las Armaduras (o

Stark Wars). Permanecieron en la colección hasta el 250, con fecha de portada noviembre de 1989. Desde ese 250 hasta el último número de la colección, el 527, otros muchos autores se encargaron del personaje y no haríamos justicia si no mencionásemos nombres tales como Len Kaminski, Terry Kavanagh, Scott Lobdell (y Jim Lee con el proyecto ”Heroes Reborn”) y ya en los últimos tiempos Kurt Busiek, Warren Ellis (saga Extremis), los Knauf, padre e hijo (guionistas de la serie de TV Carnivale), Matt Fraction y en Ultimate Iron Man, el famoso escritor de ciencia-ficción Orson Scott Card. Eso en cuanto a guionistas… En el plano gráfico podemos destacar a Sean Chen, Barry WindsorSmith, Whilce Portacio, Adi Granov, Andy Kubert, etc.

comics CONCLUSIONES

La colección The Invincible Iron Man consta de cuatro etapas o volúmenes, que suman en total 527 números. Desde aquel año 1968 en que se publicó el número 1 guionizado por Archie Goodwin hasta el último, el 527, publicado en diciembre de 2012 (aunque con fecha de portada de octubre) y obra de Matt Fraction y el español Salvador Larroca. No podemos, evidentemente, detenernos en cada autor que ha trabajado con el personaje y hemos intentado ahondar en esas primeras historias que suponen la base y la evolución básica del héroe. Tampoco podemos acabar este repaso a sus cómics sin recordar que, paralelamente a su colección, Iron Man ha sido uno de los personajes más activos e importantes en una de las cabeceras estrella de Marvel: Los Vengadores. Y ahí, sin duda, radica gran parte de su éxito. Amén de que, en los últimos años, ha desempeñado un papel importantísimo en

todos los eventos que la editorial ha planeado: Civil War, Invasión Secreta, Reinado Oscuro, Vengadores vs. Patrulla-X… Pero ese será tema a tratar en el próximo reportaje. 1x1.trans Iron Man, 50 aniversario. (1. Sus creadores) Portadas de “Extremis”, Ultimate Iron Man y del reciente Marvel Now, Iron Man #1 En los últimos meses, el proyecto “marveliano” conocido como Marvel Now ha dado por finalizado el volumen 4 de la serie y, esta vez, con el comienzo del volumen 5 se renumera la colección. Un nuevo número 1 y un nuevo equipo creativo: Kieron Gillen (guiones), Greg Land (dibujo) y Jay Leisten (entintado). El primer arco argumental “Demons and Genies” vaticina nuevas y trepidantes aventuras para este personaje que sigue, a día de hoy, más fresco y más innovador que el día de su creación, hace ya medio siglo.

comics

Critica “SHADE, EL MAESTRO DE LA OSCURIDAD”, SERIE VÉRTIGO EN LOS NUEVOS 52.

POR

GIACCO

James Robinson es un escritor de comics muy ligado a DC, donde manejó con reconocido acierto la serie Starman y donde creó un microcosmos del que destaca un personaje por encima del resto, Shade. Primero concebido como villano, pasaría a secundario reclamado por los lectores. Tanto fué así que en el relanzamiento de Starman, Robinson obvió al protagonista y dedicó una historia a Shade. Este experimento, lejos de molestar a los aficionados, hizo ganar enteros al personaje que, dando varios pasos al frente, adelantó al propio Starman a ojos del lector y a ojos, también, del propio Robinson. 76

Llegó el relanzamiento de los títulos DC, con los Nuevos 52, y se le ofreció al creador del personaje dedicarle una serie propia. Pero Robinson, que además de saber escribir muy bien, también es inteligente, decidió crear una maxiserie de 12 números donde exploraría el pasado de Shade y desarrollaría su creación partiendo desde el interior mismo del personaje. De esta maxiserie hablamos hoy, Shade, el Maestro de la Oscuridad, escrita por James Robinson y dibujada por varios artistas que más adelante os revelaré. Primero, demos unas breves pinceladas

comics sobre el argumento de la obra. Estos doce números se han estructurado en tres arcos argumentales, separados cada uno de ellos por un episodio de “transición” y siendo el último de ellos, el número doce, un epílogo que rubrica toda la obra. El primer arco comprende los episodios 1 al 3, dibujado correctamente por Cully Hammer, y es usado para presentar al personaje de forma superficial pero completa y para enmarcarlo dentro del universo DC con alguna fugaz aparición de personajes conocidos. (Shade es un carismático Sir con la facultad de controlar un poder conocido como La Oscuridad, con el que es capaz de hacer casi cualquier cosa. Su cuerpo, compuesto de este mágico material, es virtualmente eterno). También sienta las bases de la trama general de la serie: alguien intenta matar a nuestro protagonista y Shade decidirá poner todas sus energías en descubrir quién está interesado en acabar con él y por qué. Shade se verá envuelto en una difícil búsqueda que le llevará a distintos lugares del mundo y, también, a buscar pistas en su pasado. Un pasado realmente intenso, teniendo en cuenta que nuestro personaje lleva vivo desde mediados del siglo XVII. Así enlazamos con el número 4, que sirve de transición con el siguiente arco argumental, y que nos presenta un episodio del pasado del personaje fabulosamente dibujado por Darwyn Cooke. En este número todo es evocador y maravilloso

y es, en si mismo, una fabulosa historia autoconclusiva de tintes aventureros y dramáticos, con un final realmente emotivo. Pasamos al siguiente arco argumental, entre los números 5 a

7, que mantiene ese fabuloso tono, esa gran altura narrativa, que disfrutamos en el número 4. El encargado del dibujo aquí será un inspirado Javier Pulido, elegido a dedo para el trabajo

por el propio James Robinson pues, estando esta historia ambientada en Barcelona, quién mejor que un español para recrear la ciudad y sus monumentos. Conocemos aquí más del pasado del personaje y, a fuerza de

estos descubrimientos, el lector va formándose una imagen real de quién y cómo es este Shade… y comenzamos a caer rendidos ante el despliegue de carisma.

comics

El número 8 vuelve a ser un interludio donde volvemos a viajar al pasado del personaje. Esta vez la encargada de dibujarlo es Jill Thomson, otra talentosa autora que, aliada con Robinson, nos ofrece, casi sin habernos repuesto de la historia anterior, una historia tan terrible como (una vez más) emotiva, que consigue traspasar lo que habitualmente ofrecen los comics de superhéroes. Y nos embarcamos en el último arco argumental (perdón

por usar tantas veces esta expresión), correspondientes a los números 9 al 11. Quizá sean estos los más flojos de toda la maxiserie, pero lejos están de ser considerados mediocres. En ellos se nos revelan todas las incógnitas abiertas durante la historia, así como su conclusión. Mención obligada a esos pseudo-villanos que homenajean las creaciones pretéritas de Kirby, pues en ellos se aprecian detalles que evocan a Galactus o Los Celestiales. El dibujo esta

vez es creación de Frazer Irving, y es original, vistoso e impactante. El mismo Irving se encarga de colorear sus dibujos, carentes de tinta a excepción de los contornos (siluetas) de los personajes y de la fantástica recreación, verdaderamente expectacular, que hace del poder de la Oscuridad. Un despliegue de arte cada vez que Shade utiliza sus habilidades.

comics

Y llegamos al número 12. Hábilmente “guardado” por James Robinson para rubricar la serie. Este último número sirve para explicar el origen del personaje. Esto, por sí solo, llama la atención, pues el origen se suele contar al principio, no? Con esta maniobra Robinson mantiene el halo de misterio que rodea a Shade y se guarda, como gran traca final, un comic que destila arte en cada página. Al gran guión escrito por Robinson se acompaña un dibujo de Gene Ha muy detallista y realista que fideliza y realza figura y

rostros de los personajes. Ambientado en un Londres victoriano sucio y oscuro, los colores ocres que tintan esta historia le encajan perfectamente. Shade, el Maestro de la Oscuridad, ha supuesto para mi una gran sorpresa, pues pocas veces he disfrutado de un comic de este calibre en las grandes editoriales. Uno lo situaría más dentro del sello Vértigo, acostumbrados como estamos allí a que se les permita a los autorescreadores desarrollar sus propias historias. James Robinson era un escritor

que ya contaba con mi simpatía, ahora debo seguirlo en sus futuras obras y recuperar aquellas que se me quedaron por leer. Eso en cuanto al autor, porque Shade ya tiene un nuevo fan en este veterano lector. Me gustaría terminar recordando que estos 12 números han sido editados recientemente por ECC en dos volúmenes. Fáciles de encontrar y muy recomendables. Que no todo el comic de superhéroes es pueril y vacuo, algunos hay que rebosan calidad… y Oscuridad.

Podcast

emitidos mes de enero 4x10

CINE Y SERIES: REPASO A 2013, LLUVIA DE ALBÓNDIGAS 2, FUTBOLÍN En Hello Friki Podcast 4×10 hemos decidido hacer la sección de siempre de Estrenos y luego pegarle un repaso a 2013: lo mejor y lo peor del año pasado en cine y series.

4x11

CÓMICS Y VIDEOJUEGOS: LOS MEJORES JUEGOS DE LA GENERACIÓN QUE SE VA II Hello Friki Podcast 4×11 nos ofrece la segunda parte del monográfico muy interesante sobre los que, según nuestra opinión, son los mejores juegos de la generación cuya época de esplendor ya ha acabado. Por supuesto, también tendréis una pequeña porción de cómics. Todo ello presentado por Giacco y con la participación de Álvaro Gekko y Víctor M. Yeste, director del programa.

4x12

MIX VIAJES EN EL TIEMPO: LA MÁQUINA DEL TIEMPO, LOS CRONOCRÍMENES… El programa 4×12 de Hello Friki Podcast es un Mix. ¿Y en qué consiste nuestro formato Mix? Pues qué mejor manera de picaros a que escuchéis todas las secciones que trayendo… ¡un título por sección! Y todos relacionados con una temática, esta vez: los viajes en el tiempo. Está dirigido y presentado por Víctor M. Yeste con la participación de Giacco, Álvaro Gekkko y Jaime Snow.

4x13

CINE Y SERIES: EL LOBO DE WALL STREET, AMERICAN HORROR STORY Hello Friki Podacst 4×13 es un nuevo programa de cine y series, donde traeremos unas cuantas películas actuales, varios clásicos y hablaremos de algunas series bastante variopintas. Todo esto y mucho más en una nueva entrega presentada por Víctor M. Yeste y con la magnífica participación de Giacco, Álvaro Gekko y Jaime Snow.

Podcast

calendario de febrero 9 DE FEBRERO

4X14 CÓMICS Y VIDEOJUEGOS 16 DE FEBRERO

4X15 ESPECIAL ROBOCOP 23 FEBRERO

4X16 ESPECIAL OSCARS 2014

el No te pierdas cial programa espe P sobre ROBOCO

16 - FEB en

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