Hijos del Metal Magazine #8

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Pira帽a - Battlehorn - Empire of Eden - Biosfear - Arkgabriel As My World Burns - Carro Bomba - Morphing Into Primal Discos: Europe, Mercury Rex, Followbane, Leithian, Conciertos: Bar贸n Rojo, S么ber, Westhia, Confidence, Factor 19, Crudo, Guada帽a... Guns n'Roses, MaoRock 2012...

Todos los Martes a las 20:30h presentado por: Manu Carvajal y Bota.

EDITORIAL Corrían tiempos difíciles para la música y la cultura, parecía que nada podía ir a peor pero por sorprendente que parezca siempre puede venir un gobierno nuevo y cagarla todavía más.

La subida del I.V.A. está causando furor en el sector y ya han sido numerosos negociones, bien sean discográficas, tiendas, salas de conciertos, promotores… los que han alzado la voz, ahora solo falta ver si alguien escucha.

Además de esta situación que nos pilla en plena época de vacaciones estivales, de festivales y conciertos veraniegos, hay que andarse con ojo también en estos términos ya que comienza a haber la costumbre de lanzar falsos festivales dejando con el culo al aire a muchas bandas y por supuesto timando a los fans que pagan dichas entradas. Casos como el Dracko Fest, Festival RockTotal y esperemos que quede ahí la cosa no deben desanimar a gente que si emprende nuevas aventuras o continúan organizando eventos de calidad para el disfrute de todos, algo que debemos recompensar asistiendo a los mismos.

Ya está bien de poner escusa del dinero, del tiempo, del no me sale de los cojones. O se compra música, o se va a los conciertos o esto se acaba salvo para los de siempre.

No todo iba a ser malo en estos tiempos, musicalmente seguimos teniendo grandes discos en todos los estilos y cada vez suena menos raro en España aquello “esta a la altura del nivel internacional”. Este número es un buen ejemplo de ello con bandas como Biosfear, Döria, Black Rock o Asha por citar algunas de ellas. Volvemos a abrir la veda a las bandas internacionales con Empire of Eden, Carro Bomba y Piraña… otras las tenemos para el siguiente número que va en proceso ya que como veis se mantiene el ritmo de trabajo y para los seguidores podéis disfrutar de números de Hijos del Metal más a menudo.

Como siempre dar las gracias a todos los que nos apoyan constantemente con mensajes de ánimos, comentando lo que les gusta o no del magazine y a los que de una u otra manera hacen posible que número tras número siga creciendo.

Así que disfruta de este número que, volviendo al principio, tras la subida del 21% de IVA en cultura sigue siendo totalmente gratuito.

Agradecimientos Especiales: Promotoras, Discográficas, Managers, Bandas… que confían en Hijos del Metal.

Raúl Sújar Pozo

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Raúl Sújar Pozo - Hijos del Metal P.O. Box 10080 07009 Palma de Mallorca (SPAIN)

HDM # 8 Agosto 2012 Director: Raúl Sújar Pozo Maquetación y Diseño: Raúl Sújar Pozo Redactor: Raúl Sújar Pozo Correcciones: Beatriz Leal Traducciones: Irene López Colaboradores: Edu Segovia Colaboran en este número: Rosa Algarate Fotografía conciertos: Fran Méndez y Tuco Martín Ilustración Editorial: Pilar Baldominos (http://hoeresis.wordpress.com/)

Pág. 4 - Arkgabriel Pág. 6 - Biosfear Pág. 9 - Döria Pág. 12 - In Vain Pág. 15 - Black Rock Pág. 18 - Battlehorn Pág. 20 - Piraña Pág. 24 - Empire Of Eden Pág. 26 - Morphing Into Primal Pág. 28 - As My World Burns Pág. 30 - Carro Bomba Pág. 32 - Asha Pág. 36 - Reviews Pág. 46 - Conciertos

Los madrileños debutaron el pasado mes de enero con su álbum homónimo con el que están consiguiendo buenas críticas. Fruto de ellos nos entrevistamos con la banda al completo, José (Bajo), Tito (Batería), Giscard (Guitarra), Javier (Teclados) y Juanky (Voz), para que nos hablasen de los entresijos del álbum y su historia.

Para empezar a romper el hielo contadnos como se forma la banda en el 2008.

nuevas y cada concierto es especial para mí.

(Tito) La banda se forma cuando José (bajista) y yo decidimos salir de una banda de versiones, teníamos ideas muy buenas desde nuestro punto de vista y queríamos hacer algo propio.

(José) Yo llevo tocando 21 años, al principio empecé con la guitarra hasta que me convencieron para tocar el bajo, lo hice en una banda de rock electrónico que estuvimos funcionando en la escena independiente en los 90 llamada Necleimd, posteriormente estuve en alguna banda sin mucho recorrido hasta que en 2005 aproximadamente me invitaron a entrar en Tizona una banda de “covers” de rock donde conocí a Tito y de allí hasta 2008 que empezamos más o menos con Arkgabriel.

De la formación actual, exceptuando a Juanky, no conozco ningún pasado musical del resto de componentes. Contadles a nuestros lectores que otras experiencias en bandas u formación musical tenéis.

(Tito) Mi trayectoria musical es muy compleja, me he movido por diferentes grupos y estilos, desde el pop hasta el funky-fusion, no he estado en ningún grupo, digamos de renombre pero llevo muchísimos años sobre las tablas.

(Javi) Yo llevo ensayando con grupos desde hace 6 años siempre buscando un estilo propio hasta que lo encontré al entrar en Arkgabriel. En los grupos anteriores, cada uno tenía un estilo en particular, uno era de metal sinfónico, otro era de power con mezclas de speed metal, etc. He de decir que no tengo mucha experiencia sobre los escenarios por mi corta edad (22 años) pero día tras día voy aprendiendo cosas

Desde la primera formación hasta la actual con la que habéis grabado vuestro primer álbum han pasado unos años. ¿Se ha debido a los cambios de formación? ¿Durante ese tiempo se grabó alguna demo? Imagino que por los bonus track si se grabo pero no se si se llegó a editar…

(José) Ciertamente la salida de los miembros anteriores no solo condicionó el tiempo que ha transcurrido hasta la salida del álbum, sino que también significó el cambio de orientación en el estilo de la banda como se puede comprobar en los “bonus tracks”.

No hemos grabado ninguna demo porque decidimos que el tiempo que íbamos a invertir en el trabajo preferíamos emplearlo en el trabajo de el álbum completo, así que salvo la “demo” de los temas extra que fueron con la anterior formación no tenemos nada mas grabado en estudio.

Metiéndonos en materia ¿Cómo fueron los meses de composición? ¿Cuál es vuestro modo de trabajo? ¿Qué tema os costó más y cual fue más fácil a la hora de componer?

(Javi) A la hora de componer tenemos la suerte de que todos componemos y nos ayudamos mutuamente. Siempre hay una persona que trae una base y luego entra en debate en el local y cada uno va aportando su granito de arena hasta que pensamos que el tema queda perfecto. El tema que más costó a la hora de componer... cada tema es distinto, quizás "Mi último pecado", uno de los temas más complejos mezclando partes lentas con partes más animadas y un toque folk que le dio Dani Aller de Ars Amandi.

Musicalmente la banda me ha recordando mucho a bandas como Ankhara o Hybris ¿Cuáles son vuestras influencias personales a nivel nacional e internacional?

(Gis) Hay muchas y diversas influencias en la banda. La verdad es que os quedaríais sorprendidos si empiezo a nombrar todos las diferentes influencias de cada uno, pero creo que es algo muy positivo tener tantas influencias porque le da un toque diferente a nuestra música. Las bandas que has nombrado, Ankhara e Hybris, son dos bandas que nos han influido bastante, también porque tenemos una gran amistad con ellos. Yo personalmente, puedo escuchar cualquier tipo de música, cualquier estilo, si la música está hecha con criterio. Desde la música clásica, me gustan por ejemplo mucho las operas de Verdi, hasta heavy metal progresivo como puede ser Dream Theater.

Precisamente tu voz tiene mucha similitud con Pacho ¿Cómo se te ocurrió pasar de la batería (ndr. en La orden del Kaos) para coger el micro?

(Juanky) Personalmente opino que Pacho y yo nos movemos por derroteros distintos a la hora de cantar, para mi Pacho es el más grande y cualquier comparación al respecto me llena y mucho. Es posible que en algún momento mi timbre se asemeje (ndr. a eso iba), con eso no puedo hacer nada, pero no compartimos el mismo registro. En cuanto a la ocurrencia de pasar de la batería a la voz anteriores ocasiones ya me habían animado a ello gente que me había escuchado cantar y en lo personal siempre quise hacerlo, un buen día pensé: “¡Vamos a ello!”, y a ver qué pasa si pongo en práctica todo lo que he ido aprendiendo con mi familia, de tradición musical artística.

Precisamente Pacho colabora en un tema del disco ¿Cómo surgió la ocasión?

(Juanky) Hace ya algunos años que nos une la amistad, de hecho colaboré en uno de los temas de su disco “Hybris”. Considero a Pacho una de las mejores voces de nuestro rock así que entre una cosa y otra, ya le tocaba a él colaborar con nosotros por un lado (risas), y por el otro es y siempre será un honor tener por siempre su participación en nuestro primer disco.

Otra colaboración destacada es la de Dani Aller (Ars Amandi). Contadnos cómo se os ocurrió contar con él en un tema del álbum.

(Tito) La verdad es que a mí me une una amistad de muchos años con Dani además de que somos del mismo barrio, tenía muchas ganas de que colaborase en uno de los temas del disco y buscamos uno perfectamente adaptado para él, se lo propusimos y a las pocas horas ya estaba en el estudio grabando sin pensárselo dos veces, la verdad es que estamos orgullosos de su colaboración y pensamos que su aportación es inmejorable.

Dani colabora en el tema “Mi último pecado” donde se incorpora la dulzaina ¿Fue idea suya o una vez que teníais claro que el colaboraba en ese tema buscasteis introducir una parte folk?

(Tito) Colabora tocando el pito castellano, que es otro instrumento típico castellano y que él domina a la perfección. Teníamos claro que debía colaborar además de con la voz con la dulzaina o el pito y buscamos

la canción que mejor se adaptaba a él con los momentos donde podría utilizar su instrumento.

La primera vez que tuve el trabajo en mis manos, lo primero que pensé es el cuidado que habéis puesto en la presentación. El digipack es robusto y bien presentado gráficamente, con un libreto también bastante cuidado ¿Qué importancia le dais a la imagen del grupo? ¿En directo también cuidáis el aspecto visual de algún modo?

a España la semana pasada. Por otro lado también hemos sido incluidos en el recopilatorio de Top Artist Promotion “Sinergia Latina” y como adelanto te diré que el próximo día 21 de julio estaremos dándolo todo en directo junto a Bajo Cuerda en San Martin de Montalbán (Toledo) y el 21 de septiembre junto a Hybris y Dragonfly en Ritmo & Compas (Madrid). De los futuros movimientos de la banda en Sudamérica aún no podemos concretar puesto que a día de hoy se continúan proyectando las posibles fechas.

(José) Es importante cuidar la imagen, sobre todo en función de lo que quieres transmitir, nosotros dentro de nuestros límites intentamos que la gente tenga esa sensación de estar ante una banda de rock que se toma esto en serio y eso no solo se consigue interpretando correctamente los temas en directo.

En cuanto a la puesta en escena intentamos cuidar los detalles, en el vestuario ir lo más correctos posible así como la planificación del “show” que queremos ofrecer.

Giscard, eres holandés ¿Tenéis algún contacto por aquellas tierras para exportar la banda?

Hoy en día es difícil que una compañía apueste por una banda novel que está empezando ¿Cómo surgieron los contactos con Top Artist Promotion?

Anteriormente hablaba de la importancia que le dais al aspecto visual pero sin embargo creo que no os habéis lanzado todavía a por el primer videoclip ¿Tenéis algo en mente?

(Gis) Todos sabemos que los tiempos que corren, no son los mejores para una banda nueva. No hay dinero, las compañías grandes no se quieren arriesgar etc. Eso no nos quita nuestras ganas para sacar nuestra música al mercado y intentar llegar a tanta gente que nos es posible con los medios que tenemos.

Por eso también contactamos con Lorenzo a través de una amiga mía.

Haber visto los grupos con quien trabaja Lorenzo, de talla mundial, no esperábamos que iba a querer trabajar con nosotros, pero después de escuchar nuestro disco, se quedó positivamente sorprendido, y empezamos la colaboración. Hace un gran trabajo Lorenzo, está muy comprometido con la música y a sacar tambien a grupos menos conocidos al mercado. ¿Qué tal fue la presentación del disco? (ndr. el pasado mes de marzo en Madrid) (Javi) Fue uno de los mejores conciertos que hemos hecho con esta formación. Dos horas y cuarto llenas de diversión, buena música, cargada de sorpresas, con la participación de Sergio Cánovas (Wolfy) y Dani Aller (Ars Amandi) en "Siento" y "Mi último pecado" respectivamente ante un público que respondió notablemente llenando la Sala Kiss y creando un ambiente familiar mientras coreaban las letras de nuestros temas al mismo tiempo que los íbamos tocando. Fue una experiencia que jamás olvidaremos.

Los últimos movimientos de la banda es la participación en un recopilatorio del sello mexicano Carpe Diem Records ¿Ha salido ya el recopilatorio? ¿Sabéis que repercusión ha tenido?

(Juanky) Sabemos que ya está circulando por México y las primeras noticias han sido muy buenas. Hemos llegado a salir, de forma específica y exclusiva, en la prensa escrita del país a raíz del recopilatorio que nos comentas y estamos muy contentos por ello. A nosotros nos llegaron los discos

(Gis) Estamos en ello. Yo la verdad es que llevo mucho tiempo fuera de Holanda, casi 12 años, y muchos contactos se han perdido, porque he hecho mi vida aquí en España.

En todo caso, siempre estamos abiertos para proyectos nuevos, y si sale algo por ahí, ¡pues nos iremos seguro!

(Tito) Estamos cerrando los últimos flecos para el videoclip y en este verano del 2012 ya lo tendremos circulando. ¿Cuáles son los siguientes pasos a seguir por la banda?

(José) Preparar los conciertos próximos que tenemos a la vista, así como la grabación del videoclip como dijo Tito anteriormente, también estamos empezando a componer los temas de nuestro siguiente álbum, aunque esto no lo llevaremos a cabo seguramente hasta el próximo año y siempre que se pueda iremos combinando los directos con la grabación, porque en cuanto estamos un par de meses sin tocar nos ponemos insoportables (risas).

Pues finalizamos la entrevista dejando las últimas líneas para que comentéis cualquier cosa que se haya quedado en el tintero y os dirijáis a los lectores.

(Tito) Un saludo muy fuerte para todos los lectores de Hijos del Metal, agradeceros enormemente el apoyo que nos dais y que hace que sigamos luchando y trabajando día a día.

(Javi) Un abrazo para todos los lectores y agradeceros vuestro apoyo.

(José) Que sigan apoyando al rock incansablemente, pese a los tiempos que corren hay que hacer entre todos un esfuerzo para que bandas, medios, salas de conciertos y todo lo que gira en torno a este “Planeta Rock” siga dando vueltas “Larga vida a los HIJOS DEL METAL”.

(Juanky) Sin vosotros no somos nada, (público, medios y lectores) solo vosotros tenéis la llave para que esto siga vivo. Un fuerte abrazo para tod@s.

Raúl Sújar Pozo

La banda madrileña Biosfear se ha situado a la cabeza del metal progresivo nacional con tan solo un álbum a sus espaldas. Las tablas con las que cuentan sus componentes son argumentos suficientes para que “Antes de que todo cambie” alcance el estatus que tiene, sin duda un gran disco y motivo central de la charla que mantenemos con la banda al completo. Ellos son Gema Vau (Voz), Javi Díez (Teclados), Rudy Ramos (Guitarras), Maya (Batería) y Javier Sane (Bajo).

Los orígenes de la banda se remontan al 2004, pero ya ha finales de los ’90 aparece la banda Contact, la cual se puede considerar como el embrión de Biosfear. Contadnos que logros realizasteis con esa banda.

Rudy: Básicamente el logro fue crear un cimiento sólido basado en trabajo muy duro de local y conocernos muy bien musical y personalmente Javi D, Maya y yo. Nunca el tiempo es perdido, y a veces cuando un proyecto no termina de salir adelante, es simplemente porque algo mejor está esperando después, como fue nuestro caso. Contact fue el germen de Biosfear. Y eso, no es poco.

Finalmente tras disolverse ésta se forma un tiempo después Biosfear con tres componentes de esa formación (ndr. Rudy Ramos en la guitarra, Javier Díez en los teclados y Juanma Maya en la batería). Siendo prácticamente los mismos ¿Qué diferencias se encuentran entre ambas bandas para ser un proyecto totalmente diferente?

Javi D: La diferencia real son los años, que pasaron bastantes desde la disolución de Contact hasta que Biosfear empezó a parecerse más a un grupo que a un pasatiempo. Con más experiencia piensas de otra manera e intentas no repetir tus errores, y a la vez tu forma de tocar es más madura.

Biosfear tiene la ventaja de la experiencia sobre Contact, y su planteamiento fue mucho más abierto ya que nació completamente libre, una tarde cualquiera, entre dos amigos que se juntaban para tocar y no imaginaban que años después esos temas creados por mera diversión, se iban a convertir en el esqueleto de un proyecto tan sólido como lo es Biosfear hoy en día.

Al comienzo, Biosfear probasteis con voz masculina sin embargo os descantáis al final por la voz femenina. ¿Tuvo algo que ver que en Contact tuvierais a Natalia?

Maya: La verdad es que no. Al tener que buscar nuevo cantante, Gema surgió como una de las posibilidades. Javi Diez la conocía desde hace tiempo y ya había trabajado con ella en alguna ocasión.

Vino un día, probó y a todos nos convenció. No había preferencias por cuestión de sexo, lo que buscábamos ante todo era calidad.

Gema ha sido un gran descubrimiento debido a sus cualidades líricas pero creo que ella no estaba metida en el mundo del metal ¿Como dais con ella?

Javi D: La conozco desde hace más de 10 años, es íntima amiga mía y siempre he querido tener algún proyecto común con ella.

Cuando Biosfear deja de ser idea y se convierte en proyecto, no es que pensáramos en ella, es que ella pensó en nosotros. Me explico: un día le enseñé a Gema las primeras demos de Biosfear (que por entonces ni siquiera tenía nombre final) y fue ella la que me pidió una oportunidad para cantarlas. Me chocó bastante, ya que Gema siempre ha llevado un camino más “soft” que el resto (blues, jazz, soul, pop…) pero el resultado es magnífico y estamos muy contentos.

Grabáis una primera maqueta la cual comienza a abriros camino.

Creo que esta maqueta no se destino a la venta si no a medios, salas… ¿Es así? ¿Todos los temas se incluyen en vuestro álbum debut?

Rudy: La Demo se grabó en 2009, y fue lanzada promocionalmente a radios y concursos. Fue una manera de darnos a conocer y un material previo que colgar en Myspace para empezar a mostrar nuestro trabajo, y de paso recoger las primeras impresiones del mismo.

Los temas que se incluían, fueron después al LP, y pocas cosas se cambiaron, tan sólo arreglos y alguna letra, para que encajara un poco mejor.

La acogida fue muy buena y creó bastante expectación de cara al disco.

Antes de comenzar a hablar del álbum, la banda sufre un cambio positivo que es la incorporación del bajista Javier Sane (exWayland, ex-InnTrance…) ¿Cómo fueron esos años para la banda en la que no conseguía un bajista estable? ¿Retrasó la ascensión de la banda? ¿Qué aporto Javi a la banda?

Gema: En los primeros tiempos, hubo varias tentativas con varios bajistas, que no terminaron de cuajar. Todos sabemos cómo son estas cosas, y lo más importante en la música es sin duda, que todos estemos a gusto donde estamos tanto musicalmente como personalmente.

No obstante, decidimos no pararnos ante nada, y adaptarnos a la situación, asumiendo y repartiendo las tareas entre los que estábamos, y salvando la situación con ayuda de algún colega que se atreviera con los temas (desde aquí, un aplauso, porque no son precisamente fáciles). Los temas de Biosfear suponen mucho trabajo para un músico, por lo que en alguna ocasión no pudo ser, y tuvimos que tocar con el bajo disparado. Pero no hubo ningún problema, porque estábamos muy concienciados en tirar para adelante, confiando con optimismo en que llegaría el día en que alguien se animara a meterse de lleno en esta aventura.

Y ese día llegó. Javier Sane encajó a la perfección en el puzzle que suponía este grupo tan singular. Nos equilibró con su frescura, su

juventud y su tremendo empuje. Se declaró fan incondicional del proyecto desde el primer momento, y tanto su forma de ser, como su enorme potencial, nos convenció totalmente. Date cuenta que le encontramos una vez metidos ya en el estudio grabando el disco, lo cual fue un auténtico golpe de suerte.

Grabáis finalmente “Antes de que todo acabe”. En la grabación estuvo al mando Guillermo “Will” Maya (The Mirage, Adrian Smith, The Answer, Breed 77…), hermano de vuestro batería ¿La opción era clara o habéis barajado otras?

Maya: Alguna opción más si había, pero nos decantamos por él, por un lado porque las referencias de sus trabajos eran realmente buenas, y por otro porque resultaba más operativo y práctico ya que grabamos en la misma localidad donde ensayamos y la disponibilidad horaria del estudio facilitaba mucho las cosas.

Además Will también mostró bastante interés en trabajar con nosotros y grabar con un grupo de nuestras características, lo cual supuso un reto para él.

Aunque seguro que os lo habrán preguntado en alguna ocasión ¿A qué queríais hacer referencia con el título del disco?

Rudy: Aún no podemos revelar muchas incógnitas que saldrán a la luz más adelante… pero básicamente el mensaje es de optimismo. “Antes de que todo cambie” contra “Antes de que todo acabe” que es uno de los cortes instrumental del disco, referente a un bombardeo, es una forma de no conformarse. El mundo no se para, cambia. Cuando nosotros, las personas, cerramos capítulos y aprendemos, cambiamos. El cambio es evolución, no es un fin, es un principio.

Y… hasta aquí podemos leer. (risas) El disco tiene un marcado sonido de metal progresivo, Dream Theater, Symphony X, Conception a buen seguro que son influencias de la banda, aunque he de decir que las partes más agresivas en la forma de cantar de Gema me han recordado a los madrileños Sonora aunque sea una comparación rebuscada.

Contadnos que bandas son las que aportan los ingredientes para las influencias de Biosfear.

Javi D.: Tenemos un Making of en youtube que habla sobre todo esto (os aconsejo que le echéis un ojo, podéis llevaros más de una sorpresa), y precisamente un capítulo empieza con este tema. (http://youtu.be/E7AhFQsmVh0).

La música de Biosfear nace de mil y una influencias distintas, cada uno tiramos hacia nuestro terreno y eso creemos que es bueno para la creación libre y sin censuras. Si te tengo que decir una banda por mi parte, sin duda es Dream Theater, aunque si ves el video que te recomiendo más arriba verás que hay absolutamente de todo en la coctelera de la creatividad de Biosfear.

Todos los temas llevan la misma firma en la composición, Rudy y Javi D. en la música y Maya en las letras. Se entiende que Javi S. no participe en muchos temas que estarían compuestos antes de su llegada pero ¿Por qué Gema no participa? Sobre todo teniendo en cuenta que muchos cantantes se sienten más cómodos cantando sus propias letras.

Gema: Mi llegada a Biosfear aunque pueda no parecerlo, fue lo suficientemente tardía al proyecto como para encontrarme un engranaje completamente montado, claro y definido en los roles de la parte musical y lírica. Cuando la maquinaria funciona a la perfección y tenemos unos compositores excepcionales y un letrista fuera de serie, es más operativo cubrir otras cosas procurando dar lo mejor de ti mismo. ¡En un grupo siempre hay tanto que hacer! (risas) En mi caso aporto algunos arreglos vocales, interpretación y otros valores a la banda fuera de lo meramente compositivo. Esto creo que es un pequeño secreto de nuestro éxito: todos saben cuál es su lugar, porque es simple y llanamente donde son más fuertes y valiosos, y todos nos apoyamos no interfiriendo como norma, pero ayudando cuando se requiere, cubriendo unos mínimos para que nada se pare.

Asimismo Maya y yo tenemos plena comunicación a nivel lírico para trabajar en la interpretación que debo hacer de sus letras, y terminar haciéndolas mías. Me siento más que cómoda cantando lo que sale de su pluma, porque le gusta hablar de cosas interesantes y fuera de lo convencional.

En el disco colabora Jorge Salán ¿Ha realizado la colaboración en alguna ocasión en directo con vosotros?

Javier Sane: Para nosotros es un lujazo contar con el apoyo de uno de los mejores músicos de este país, gran amigo de la banda y excelente guitarrista. La colaboración a la guitarra en el quinto corte del álbum nos deja un tremendo solo de guitarra que hace que “Mi vanidad” sea un tema redondo en todos los sentidos.

Hasta la fecha no hemos podido contar con la colaboración de Jorge Salán en directo, sería un placer compartir escenario con él en un futuro.

Casi toda la banda está implicada en varios proyectos, en algunos casos secundarios pero en otros con bandas o artistas de renombre. Quizás el mayor implicado es Javi Diez con Mago de Oz, Burdel King, Ebony Ark, Jorge Salán… pese a que algunas bandas ya no están activas. ¿Los compromisos con otras bandas ha llegado a afectar en Biosfear o tenéis claro cuál es la primera opción?

Javi D.: La primera opción es siempre la que te llena la nevera y te permita pagar las facturas, como es lógico. A partir de ahí, cada uno vuelca sus esfuerzos en lo que más le llena. Biosfear es un proyecto del que soy cofundador y como tal, me siento muy a gusto en él. Debido a mi agenda es verdad que por el momento, no me puedo volcar con Biosfear como se merece, pero es algo que tenemos más que hablado entre nosotros y preferimos trabajar con lo que hay, como mejor podamos, siempre que nos mantengamos unidos. La “velocidad” de un proyecto, es una ilusión. Las buenas obras, el resultado, permanece; y la calidad, SIEMPRE merece la pena.

Toda la banda tenéis formación musical lo cual explica vuestro talento. En estos tiempos en el que la industria del disco decae y algunos músicos se preocupan antes de cobrar que de aprender a colgarse una guitarra ¿Cómo veis el panorama musical?

Maya: Muy complicado en lo que se refiere a rentabilizar económicamente un proyecto. Sólo las bandas mas consolidadas pueden hacerlo, y para llegar a eso ha de pasar tiempo y hay que perder dinero para algún día poder ganarlo, y en ese camino se quedan muchas bandas.

Por el contrario, en el aspecto musical el panorama es muy bueno, hay muchas bandas y de mucha calidad con lo que la oferta es amplia y variada y eso siempre es positivo para el público y para la cultura. Afortunadamente la gran mayoría de las bandas estamos en una posición en el que la satisfacción personal del trabajo realizado esta por encima de la rentabilidad económica.

Gema: Yo personalmente pienso que está habiendo un boom de creatividad. Las bandas ya no nos preocupamos de hacer algo que simplemente guste, para que nos fichen discográficas o nos pinchen en los grandes medios. Así que hacemos lo que queremos, nos auto producimos y eso revierte en autenticidad y calidad.

Como hemos dicho antes, muchos de los miembros compagináis otras bandas, dais clases… ¿Habéis llegado al punto de vivir de la música o en este país eso es solo para unos pocos?

Rudy: En este país, estamos malacostumbrados a llegar a un punto de ya tengo un trabajo y ya no tengo por qué superarme. Con la música no pasa, hay que currarse la carrera día a día y vivir en esa incertidumbre no es para todo el mundo. En Biosfear la mitad del grupo es profesional y la otra mitad no. Cada uno hemos elegido un camino, pero la música es nuestra vida. Para algunos es más que un hobby y para otros (los más talentosos), su medio de vida.

Las novedades del grupo pasan por vuestro último lanzamiento, el Ep acústico “Un cura de ilusión” ¿Por qué la elección de esos cinco temas?

Javier Sane: La elección de estos cinco temas no ha sido nada fácil. A lo largo de este proceso hubo varios intentos fallidos debidos fundamentalmente a que nuestras canciones han sido concebidas para ser ejecutadas en eléctrico. De alguna forma hemos tenido que redescubrirnos para adaptarnos a la situación.

Desde un primer momento teníamos claro que queríamos hacer algo poco convencional, porque un EP acústico no es una excusa

para bajar la calidad, sino un reto para mantenerla e incluso subirla, respecto del LP. De ahí que surgieran adaptaciones tales como la versión bossa nova de “Las arrugas de mi piel”, la emotiva interpretación de “Reminiscencia” con piano y voz, el pegadizo ritmo funk de “Mares ahogados”, la intimista “Reflejo” y la melancólica balada “No desaparecerás”.

Además incluís dos versiones “Human Nature” de Steve Lukather y “Love of my Life” de Queen ¿Por qué decidisteis incluirlas?

Javi D.: La verdadera razón es porque sólo teníamos cinco canciones en formato acústico que nos gustaran como para sacarlas a la venta (somos muy puñeteros con nuestro trabajo y poco conformistas), y decidimos añadir una pizca de la influencia de Biosfear, con artistas del calibre de Queen y Michael Jackson. Fue un detalle que mucha gente agradeció y nosotros disfrutamos mucho grabándolas.

El utilizar dos versiones anglosajonas ¿Es una toma de contacto para un futuro?

Rudy: De momento y hasta que encontráramos un letrista angloparlante con la misma calidad lírica que Maya, no. Nos encantaría poder hacer un disco de nuestros temas adaptados al inglés, o incluir algún bonus track, etc… pero si somos exigentes en nuestro idioma, imagínate en uno que no dominamos del todo!

(Risas) Tengo que decir que no he escuchado este Ep en acústico pero por lo que veo está teniendo buena aceptación ¿Cómo veis esto reflejado en los directos que estáis realizando?

Gema: “Una cura de ilusión”, nuestro EP acústico ha supuesto para nosotros un soplo de aire fresco, pues somos un grupo de músicos multidisciplinares y muy inquietos, y nos apetecía hacer algo diferente, y no un acústico “al uso” para salir del paso.

Eso creo que el público lo ha percibido y lo ha sabido valorar sabiamente. En los directos que hicimos con el formato acústico, hubo una respuesta masiva del público, venían familias enteras al completo, y todos lo disfrutaron mucho. Yo creo que muchos

padres echan de menos poder llevar a menores a los conciertos, y esta fue una gran oportunidad para muchos peques de descubrir a Biosfear. Fue una experiencia muy emotiva dada la cercanía y la desnudez del formato. Yo personalmente lo viví con muchos nervios y mucha ilusión. (risas) En vuestro disco “Antes de que todo cambie”, el personaje que aparece tiene una fecha de caducidad (ndr. 20-12-12) ¿Significa que cuando para esa fecha ese disco “caducará” dando paso a vuestro segundo larga duración? ¿Cómo lleváis las composiciones de nuevos temas?

Maya: Esa podría ser una buena interpretación, pero no desvelaremos el significado de momento para mantener la intriga respecto al segundo disco.

Hemos empezado hace poco la composición, y vamos a buen ritmo, y las líneas básicas a seguir ya están trazadas. Esperamos en breve poder ir revelando más detalles.

Conciertos, videoclip… ¿Qué pasos son los siguientes en la banda?

Rudy: Directos cuando se pueda, composición de nuevo material, lanzamiento del mismo, y todo lo que podamos crear y ofrecer con los medios de que dispongamos. Pedimos paciencia y comprensión, dadas nuestras agendas y la situación actual. ¡Seguimos en la brecha!

Pues tan solo queda agradeceros el tiempo y emplazaros a los lectores de Hijos del Metal.

Javi D: Las gracias os las tenemos que dar nosotros, por permitirnos llegar hasta vuestros lectores y por vuestro trato tan amable.

Solemos decir que esperamos que os guste tanto nuestra música como nosotros disfrutamos haciéndola, y esperamos que siga siendo así por mucho tiempo. ¡Muchísimas gracias!

Raúl Sújar Pozo

Están siendo una de las bandas que más están dando que hablar y a juzgar por lo escuchado en su primer álbum no es para menos. Han elaborado unas canciones repletas de calidad, melodías y buenas letras, todo ello fue motivo suficiente para realizar unas preguntas a las que su vocalista Martí Doria nos dio la réplica.

La historia de la banda de momento es bastante breve porque en poco tiempo habéis conseguido una formación estable y un trabajo muy sólido, pero vayamos desde el principio. ¿Antes de la formación de Döria en el 2010 de donde veníais los miembros de la banda?

Pues ninguno de los miembros procede de ninguna formación remarcable, el único con un pasado más o menos amplio en bandas de versiones de mi ciudad soy yo. Para el resto, este es su primer proyecto serio y vaya si nos lo hemos tomado en serio! (risas) Por el nombre de la banda parece un proyecto personal pero tanto la promoción de la banda, el trabajo realizado se ve una banda compuesta por cinco miembros con igual importancia ¿Por qué el nombre de Döria?

El proyecto es personal únicamente porque lo empecé yo, pero nunca fue un proyecto de una sola persona, sino de un conjunto, somos cinco y siempre intentamos tomar las decisiones importantes en consenso. Que la banda lleve mi apellido es solamente por la casualidad de que al pasar por ese proceso que toda banda debe pasar para encontrar un nombre, Víctor y Samuel propusieron mi apellido porque les parecía que encajaba bien con nuestra música, directo, melódico y fonéticamente interesante. Es decir, que si me llego a apellidar Martínez, hubiésemos seguido buscando (risas).

Grabasteis una primera maqueta llamada “Pensavientos” ¿Qué temas incluía esa maqueta además del rescatado para “Despertar”? ¿Cambian mucho la estructura de esos temas respecto a los actuales?

La maqueta "Pensavientos" estaba compuesta por “Luz Roja”, “Por si sirve de algo”, “Si te vas”, “Sweeney Todd” y “Ciudad Esperanza”.

Todas ellas han acabado formando parte de "Despertar" ya que les teníamos cariño y creíamos que se merecían la oportunidad de sonar con calidad de estudio profesional.

La verdad es que a excepción de las condiciones de grabación y la calidad de sonido final, los temas en si cambiaron muy poco respecto a los originales. Algún pequeño arreglillo instrumental, pero nada destacable. Aún y así, la diferencia es abismal, acertamos de lleno apostando por ellos y estamos muy contentos del resultado.

Tras esa maqueta se produce la salida de algunos miembros entrando Pep Rovira (Batería) y Laura Moral (Guitarra) ¿Qué cambios aportan a la banda estas incorporaciones?

Pues lo primero que aportaron fue estabilidad y dedicación. Pep es la motivación en persona y siempre está dispuesto a realizar sacrificios, Laura vive a más de una hora de nuestro local de ensayo y no falla nunca, así que te puedes imaginar el nivel de implicación de ambos.

Completan a la perfección lo que necesita Döria, fue una suerte y un placer encontrarlos tan rápidamente.

Finalmente llegamos a este gran debut, “Despertar”. Elegís los Radish Studios donde han grabado vuestros paisanos Ankor con un éxito notable ¿La decisión fue por cercanía o habías escuchado su trabajo y lo teníais claro?

Tenemos que aclarar que no somos de Tarragona, somos de Barcelona. No sabemos muy bien de donde sale la confusión, pero ya estamos mirando casa para empadronarnos por allí abajo (risas). (ndr. Pues si, en Hijos del Metal también aumentamos la leyenda desde la review por lo que asumimos ahora el fe de erratas) Nos decidimos por los Radish Studios en gran parte por el resultado del "My Own Angel" de Ankor (su segundo disco) y también por las muestras que tiene Radish en su página web. Al ver todo ese arsenal de estilos diferentes de rock y la calidad de sonido de los temas, teníamos claro que solo podría salir de allí algo bueno.

Tras hablar con él varias veces ya nos convencimos del todo para trabajar allí y bueno, al final el resultado ha sido ¡genial!

Según vuestra biografía habéis realizado 10.000 copias promocionales de este trabajo, sin duda es una buena campaña de promoción ¿Contáis con algún “Street Team” para distribuirlas en los conciertos de vuestra ciudad o por la geografía española?

Si, se llaman Pep y Víctor (risas). La inmensa mayoría de los CD's los han repartido ellos, sobre todo Pep (risas). (ndr. Pep es el batería y Victor el guitarrista).

Toda la labor de distribución la hemos hecho nosotros mismos, con colaboraciones puntuales de algún amigo que nos ha echado una mano al encontrarnos a la salida de algún concierto que acababa de disfrutar. Hemos repartido CD's en los conciertos de WarCry (en Barcelona, Bilbao y Madrid), Mago de Oz, Avalanch, Hammerfall, Tierra Santa, firma de discos de Marea, etc... en un montón de sitios.

El trabajo ha sido autoeditado ¿Habéis iniciado contacto con alguna discográfica?

Iniciamos contacto con discográficas antes de grabar el disco, pero viendo las propuestas (todas vienen a ser igual) descubres por que el mundo de la música está tan mal como está y te das cuenta de que vale más la pena que lo hagas por tu cuenta.

A menos que la oferta que hagan llegar nos asegure que van a hacer más por nosotros de lo que estamos haciendo nosotros mismos, difícilmente trabajemos con ninguna discográfica a cortomedio plazo.

En mi opinión habéis realizado un trabajo redondo, buen sonido, buenos temas, buenas melodías y un sonido variado que se mueve por derroteros entre el heavy clásico y el hard rock. El disco transcurre amenamente sin que ningún tema sobre pero ¿Cuál veis que funcionan mejor entre vuestros fans? ¡Muchas gracias! Pues la última vez que nos lo preguntaron dijimos que era muy pronto todavía para hacer una valoración firme.

Todavía sigue siéndolo, apenas hace seis meses que el disco vio la luz, pero ya podemos intuir que sobre todo “Caperucita feroz”, “Pensavientos”, “Si te vas” y “Por si sirve de algo” son las que generan más reacción por parte de la gente.

Eso sí, notamos que todas se reciben con muchas ganas. Nos

encontramos con la situación de que habitualmente tenemos que descartar un par o tres de canciones porque no tenemos más tiempo de actuación y descartes la canción que descartes, siempre alguien la echa de menos y te la pide para el próximo. Eso es muy buena señal.

En el disco colaboran varias personas. Me gustaría que me hablarais de Daniel Trujillo que realiza algunos arreglos ¿Qué relación tiene con el grupo?

Pues relación no tenía ninguna. Al empezar las grabaciones nos dimos cuenta de que íbamos a necesitar a alguien que aportara esas partes orquestadas que necesitaban canciones como “Amanecer”, “Si te vas” o la intro de “Carta al barquero”, así que nos pusimos a buscar y lo encontramos. ¡Este hombre es un fenómeno! Ha sido un placer haber trabajado con él, ¡una pasada!

Con una facilidad asombrosa hizo que los temas ganasen muchísimo, no podemos estar más contentos.

Si está disponible, seguro volveremos a contar con él en el futuro.

Tenemos también a Sarah Díaz y Nuria Malaperia, vocalista y teclista respectivamente del grupo Jiggy (ndr. Ahora Apollo Flytrap), las cuales en su banda en principio están más alejadas del estilo de Döria ¿Cómo surge ese contacto?

Pues a Sarah y Nuria las conozco de hace tiempo, porque son de Terrassa igual que yo. Al pensar en una voz femenina para la canción de “Amanecer”, me vino rápidamente a la cabeza el nombre de Sarah, así que contacte con ellas y Nuria también se animó con los coros y con el piano. Vinieron un día hasta Tarragona y lo pasamos muy bien en el estudio. El resultado ha quedado genial, fue muy fácil trabajar con ellas y un auténtico placer.

Tratáis letras muy intimistas por decirlo de alguna forma en temas como “Si te Vas”, “Luz Roja”, “Despierta” pero hay otros temas como “Sweeney Todd” y “Caperucita Feroz” que hablan de personajes conocidos. ¿Cómo surge la inspiración a la hora de componer las letras?

Surgen de maneras muy distintas, “Sweeney Todd” y “Caperucita Feroz” surgieron por ejemplo de conversaciones banales después

de una comida familiar, alguien propone así a lo loco una temática para una canción y te das cuenta de que es una buena idea y la haces (risas).

Otros temas más profundos surgen de momentos en los que tú mismo te propones encontrar algo que explicar y te pones a ello, estos llevan más trabajo, pero vale la pena porque transmiten mucho más. ¿Musicalmente tenéis una forma establecida a la hora de componer?

Más o menos si. A excepción de “Por si sirve de algo” y “Pensavientos”, que las compuso íntegramente Samuel antes de tener que dejar la banda, nos repartimos el peso compositivo entre Víctor y yo. Básicamente hay dos formas de trabajar, en una Víctor compone la música de una canción y luego yo trabajo encima añadiendo la línea vocal y la letra. En la otra soy yo el que compone música, melodía y letra y luego Víctor la arregla puliéndola con cosas nuevas.

Cuando la canción ya tiene las cuatro patas, el resto de la banda se suma aportando hasta que queda totalmente definida.

Otra colaboración muy sonada ha sido la actriz del cine porno Silvia Rubí ¿Cómo se os ocurre la idea y como surgen los contactos? ¿Os ha comentado vuestra música, el video posteriormente…?

Pues la idea se nos ocurrió mientras esperábamos sentados en un coche para ir a visitar un estudio de grabación. Fue todo bastante deprisa, a Víctor rápidamente le vino a la cabeza Silvia Rubí como protagonista y en cuanto vimos que la canción había quedado tan bien como esperábamos, nos decidimos por grabar un video muy potente y bueno... el resultado ha sido increíble, no podemos estar más contentos y orgullosos.

Lamentablemente la implicación de Silvia quedo allí, fue muy profesional, hizo un trabajo excelente y fue un placer trabajar con ella, pero no hemos vuelto a hablar desde entonces. Los primeros días después de la publicación hizo un par de menciones y ahí quedó todo.

El video sin duda ha sido un vehículo de promoción importante en gran medida a la censura sufrida en Youtube ¿Cómo ha afectado esto al grupo?

Nosotros éramos conscientes de que corríamos ese riesgo.

Conocíamos las condiciones de youtube, pero aún y así teníamos la esperanza de que fuesen poco estrictos con nuestro caso (hay videos mucho peores y mucho más explícitos en Youtube). Pero bueno, digamos que tener a un par o tres de envidiosos “tocahuevos” dispuestos a denunciar tu video a los pocos minutos de publicarlo es suficiente para que se te echen encima los moderadores de youtube (risas).

No esperábamos una censura tan temprana, así que durante unas horas si que estuvimos un poco desubicados sin saber qué medidas tomar hasta que apostamos por el portal Vimeo, donde son menos estrictos en este tipo de cosas.

Al final resultó positivo, la gente se involucró más e hicieron suya la indignación por lo sucedido.

Aún y así es una lástima, ahora mismo el vídeo en Vimeo supera las 21.000 visitas y el de youtube (autocensurado) las 26.000, si no nos hubiesen censurado, ahora estaríamos hablando de cifras mucho más elevadas.

Recientemente habéis actuado junto a Freedom Call en su tour nacional y con Los Suaves en Avilés ¿Cómo ha sido la experiencia?

Han sido dos experiencias muy enriquecedoras. Más allá de lo divertido que puede suponer compartir una gira con una banda internacional, tocar con unas leyendas como Los Suaves y visitar ciudades en las que nunca has tocado, lo más importante que nos llevamos de ello es lo mucho que hemos aprendido y lo mucho que nos falta por aprender y por mejorar. Ha sido un cursillo acelerado para ponernos las pilas y trabajar todavía más duro que hasta este momento.

Somos unos privilegiados por haber vivido estas experiencias tan pronto y solo han hecho que hacer crecer el hambre de vivir muchas más.

¿Cuales son vuestros próximos planes?

Pues ahora lo más próximo es nuestra participación el 7 de Julio en el Rock Arena de San Fulgencio (Alicante), un pedazo de festival en el que compartiremos cartel con bandas de la talla de Koma, Saratoga, Sphinx, Centinela y Magnum44, y encima ¡¡es gratuito!!

Hay que apoyar iniciativas como estas.

Después del Rock Arena nos tomaremos un pequeño descanso hasta finales de septiembre y empezaremos la segunda parte de la Gira Mejor Estar Despierto en la que queremos llegar a ciudades que no hemos visitado todavía, como Murcia, Castellón, Zaragoza, Tarragona o Bilbao y volver a visitar Madrid y Valencia, aparte de repetir en nuestra ciudad, Barcelona.

Estamos trabajando duro para poder cerrar todas esas visitas cuanto antes y algunas más que vayan entrando.

Quizás anunciemos alguna sorpresa extra durante el verano... (risas).

Tan solo queda despedirnos, no sin antes desearos suerte en el futuro y emplazaros a los lectores.

Muchas gracias por el trabajo que hacéis y por la oportunidad de darnos a conocer frente a vuestros lectores y agradecer enormemente a todo aquel que se haya parado un ratito de su tiempo a conocernos mejor.

Podéis escuchar nuestra música en nuestro canal de youtube www.youtube.com/doriaoficial Así como en Spotify e iTunes. Además de estar informados a diario en nuestro facebook oficial: www.facebook.com/doriaoficial Y recordad, ¡¡¡mejor estar despierto!!!

Raúl Sújar Pozo

su sonido hacia o d n la fi er p n va s o ñ le Paso a paso los madrie los diferencia del resto de bandas un sonido propio qu gundo álbum las críticas favorables nacionales. Con su se e iba siendo hora u q í as r ta en m au e u no han hecho más q al contactará con ellos para que nos de que Hijos del Met Os dejamos con las respuestas de relataran su historia. guitarra), Daniel B. Martín (guitarra), Daniel Cordón (voz y (b a jo ) y Te o S e o a n e (b a te rí a ).

M a ri o A rr e d o n d o

Pese a que no sois nuevos en esto, todavía puede haber gente que desconozca los cimientos de la banda. Haced un resumen de la historia de la banda hasta dar con la formación actual.

D. Cordón: Pues el grupo se inicia de manera seria en 2004, con la entrada de Teo a la batería, tras varios años de típico grupo de amigos de instituto que quedan para ensayar un rato todas las semanas. Desde entonces adoptamos el nombre de In Vain, sacamos la primera maqueta, “Spirit of Earth”, en 2005 y empezamos a girar por casi todas las salas de Madrid. En 2007 sacamos la segunda demo, “Dawn of Misery”, y en 2009 nuestro primer disco, “Of Gods and Men”, distribuido por Santo Grial Records en España y con ventas tanto en Europa como en Japón.

“In Death We Trust” es nuestro segundo disco, autoeditado a principios de año y desde principios de junio distribuido también por Santo Grial Records. En estos años, y con la reciente salida de nuestro teclista Pablo Fernández, sólo quedamos Teo y yo de la formación inicial, y hemos tocado en media España, llegando a salir a Francia en una ocasión también.

La banda está trabajando a un buen ritmo de demos y álbumes, pero seguro que en algún momento habréis encontrado dificultades para seguir adelante ¿Se os paso por la cabeza dejarlo o han sido años en lo que todo ha ido fluido?

D. Cordón: Ha habido muchas dificultades, con cada demo y disco hemos aprendido de errores, pero luego en el siguiente trabajo siempre hemos tenido algún problema nuevo, bien achacable a nosotros mismos o a alguien a quien le confías un trabajo y te la juega. Dejarlo no se nos ha pasado nunca por la cabeza, mientras tengamos algo que decir musicalmente los contratiempos se podrán ir superando. En el momento en que estemos sin ganas de subirnos a un escenario o ir a ensayar, aunque todo lo demás vaya de maravilla, In Vain dejará de existir.

“In Death we Trust” se desmarca por ser un power metal pero con muchas variaciones, desde el lado más épico al power americano, pasando por el thrash… Ese amalgama de sonidos ¿Es intencionado o es fruto de las influencias de los miembros del grupo?

D. Cordón: Un poco las dos cosas. Siempre buscamos no hacer un disco muy monótono, es un objetivo, y a la vez escuchamos desde Nightwish a Immortal, de Running Wild a Dissection, Kreator, Blind Guardian, Obituary… y eso nos ayuda en ese objetivo, claro.

D. Martín: También creo que la entrada y salida de componentes de la banda influye en el sonido.

Todo personaje que ha pasado por In Vain tanto como para echarnos un cable para los directos o para quedarse influye a la hora de crear un tema, cada miembro, a parte de sus influencias, tiene su manera de tocar y eso es lo que le da un rollo u otro.

El tema “Ghost Galley” está dedicado a Running Wild. Contadnos como surge este tema.

D. Cordón: Inicialmente el tema se compuso, allá por 2010, como despedida a Running Wild, banda de la que soy absoluto fan.

Cuando fuimos a sacar el disco resultó que de repente el señor Kasparek volvía a las andadas así que... se convirtió en un tema de bienvenida a Running Wild (risas). Aunque la verdad, para lo que ha sacado, casi se podía haber quedado en su casa…

También aparece “Through Hell to Paradise” en homenaje a Dio. Un tema que tiene un inicio con mucha esencia de la música practicada por Rainbow o Dio en solitario sobre todo con esos riff y el teclado. Aunque también es cierto que por la voz y el tono épico del estribillo me recuerdan a lo Manowar. ¿Qué tiene para vosotros Dio que incluso ha marcado a bandas como vosotros que en principio os movéis por otros sonidos?

D. Martín: Pues como ha dicho Dani antes, escuchamos todo tipo de Metal. Del señor Ronnie hemos mamado todos nosotros y unas cuantas generaciones, ha sido un padre dentro del Heavy Metal y quedará como parte de la historia de esta música.

D.Cordón: Ya en “Of Gods And Men” le habíamos dedicado el tema “Rotten Cross”, así que después de su muerte nos parecía obligado dedicarle una despedida. Aunque ahora estemos un poco alejados de ese estilo, nuestras primeras composiciones eran

heavy metal clásico 100%, y en ese terreno Dio es y será siempre uno de los principales referentes Hoy en día ver un álbum auto editado por el mismo grupo no es una novedad ¿Supongo que barajasteis alguna posibilidad de editar con discográfica?

Teo: Exacto. Al acabar de mezclar el disco hicimos una primera tirada y mandamos algunas copias a algunas discográficas, pero es un momento complicado y por lo general nadie quiere arriesgarse a invertir. Por lo que vemos, sólo hay movimiento si eres un artista consagrado, o si eres una banda que vende casi más imagen que música.

Si algo hay que reconocer de la banda es que en cada trabajo habéis evolucionado el sonido y no os habéis quedado estancados.

En futuros trabajos ¿Podremos ver esa evolución o creéis que habéis encontrado finalmente vuestro sonido?

D. Martín: Ahora mismo yo creo que todos estamos contentos con este sonido, intentamos mejorar, aprender y de lo que se aprende al final se lleva a cabo y eso también influye a la hora de tocar. Hace diez años no creo que ninguno de nosotros tuviéramos la misma forma de tocar que ahora y tampoco creo que la tengamos dentro de otros diez, lo mismo hasta tocamos peor (risas).

También si nos apetece hacer algún tema algo distinto al resto, lo hacemos, no nos mola que un disco se repita de principio a fin.

D. Cordón: Sí, no creo que variemos ya mucho el sonido. Podemos meter algún tema un poco más raro de lo normal si nos apetece, pero en general lo que se escucha en “In Death We Trust” es el estilo con el que estamos cómodos.

El álbum ha sido presentado en directo y parece ser que está teniendo la aceptación que queríais. Contadnos en primera persona como están yendo los conciertos.

Teo: ¡Pues la verdad es que de nuestro nuevo disco sólo hemos podido dar el concierto de presentación! La salida del disco ha coincidido con un momento personal que no nos ha permitido dedicarle mucho tiempo al grupo, y es que tanto Dani Cordón como yo hemos sido padres recientemente, ¡y eso nos ha absorbido por completo hasta que hemos aprendido a desenvolvernos en nuestros nuevos quehaceres! ¡Ahora ya somos unos expertos! (risas).

D. Cordón: Al menos ese concierto fue un éxito, tanto de crítica como de público. Ahora en verano empezaremos a organizar el calendario de nuevos bolos, y si salieran todos la mitad de bien que este primer concierto, ya sería muy buena cosa.

Recientemente habéis firmado con Kivents para la promoción de la banda. Aunque sea breve el tiempo que lleváis con ellos ¿Qué valoración hacéis de vuestra relación hasta ahora?

M. Arredondo: Como dices, sólo llevamos unos días de relación, pero las impresiones son bastante buenas, de bastante confianza, vaya, que son las mismas que nos llevaron a elegirles a ellos, y por otro lado también son ellos los que nos han elegido a nosotros, les gustamos y confían en nuestro potencial por lo que es algo recíproco. De hecho esa es la clave de nuestra relación, el trabajo y beneficio mutuo, aquí no hay beneficios a cambio de palabras, ambos tenemos que trabajar bien si queremos crecer.

En numerosas ocasiones os he escuchado decir que buscáis exportar la banda al mercado internacional ¿Ha llegado el disco al extranjero? ¿Sabéis como está funcionando?

M.Arredondo: Por supuesto, ese es uno de los principales objetivos, creemos que tenemos un producto muy internacional (y no solo por cantar en inglés). Efectivamente ya hay discos en Alemania y Japón solo que con los retrasos que hemos sufrido en la edición de esta segunda remesa de cds éstos se han enviado hace poco y aún es pronto para saber cómo va la cosa, lo que sí podemos decir es que de momento en Japón está habiendo mucho interés pues ya son varias las tiendas que nos han pedido remesas, además de particulares.

Lo que es seguro es que seguiremos trabajando para ampliar la distribución lo máximo posible.

Si no me equivoco la banda no dispone de ningún videoclip. A día de hoy con las promociones que otorgan las redes sociales, youtube… ¿Habéis sopesado esa posibilidad?

D. Cordón: De hecho estábamos a punto de grabar hace unas semanas, y, como no, volvimos a tener problemas. Veremos si al final podemos hacerlo, pero desde luego es uno de nuestros objetivos, sabemos que es una herramienta muy importante hoy en día con la facilidad que da internet. Pero también sabemos que si lo haces hay que hacerlo bien, hay grupos que sacan videos de una calidad tan lamentable que uno se pregunta qué demonios les pasa por la cabeza, porque hacen el más absoluto de los ridículos. Y no sólo grupos noveles ¿alguien ha visto el videoclip “Perfect Mansions” de Virgin Steele? Pues eso. (ndr. viniendo de una banda tan grande aún parece más ridículo el resultado) Para ir acabando hagamos una valoración global. Como hemos dicho la banda lleva ya bastantes años trabajando en el local, realizando directos, editando demos y ahora vuestro segundo álbum. ¿Consideráis que la banda está en el lugar que se merece o esperabais más a estas alturas?

Teo: La verdad es que nosotros nos tomamos la banda como algo “sin prisa, pero sin pausa”. Sabemos que nos movemos en un estilo en el que es difícil triunfar, y por eso para nosotros lo más importante es divertirnos. ¡Y no hay nada más aburrido que estancarse! Por eso vamos a nuestro ritmo, pero siempre mejorando. Consideramos que cada maqueta y disco ha superado al anterior, y también mejoramos como músicos. Ahora hemos fichado con Kivents, y con ellos queremos seguir avanzando. ¡Hay que llegar lo más lejos posible!

M. Arredondo: Respondiendo un poco más a tu pregunta, ahora mismo eso es algo un poco difícil de saber ya que como todos sabemos nadie vende muchos cds, sin embargo el concierto de presentación que dimos hace unos meses en Madrid fue todo un éxito, con mucha afluencia de un público que estuvo muy entregado (gracias también a las geniales bandas con las que compartimos escenario) y de muchos medios que vinieron a cubrir el evento, y eso que el disco había salido hace unos días y casi nadie lo tenía aún, sin embargo ahora durante los próximos conciertos sí que podremos comprobar la repercusión que estamos teniendo, este hecho y las ganas locas que tenemos de salir a tocar y dar caña hacen que estemos realmente llenos de ilusión.

D. Cordón: Teniendo en cuenta que no tenemos ni un duro para promoción no podemos quejarnos de dónde estamos. Además el estilo que hacemos, con el power (¡¡herejía!!) de por medio, no nos granjea admiración precisamente en algunos sectores (risas), y cantar en inglés te quita también bastante público en este país.

En definitiva, ¡tenemos todos los elementos necesarios para fracasar estrepitosamente! pero nos la suda, es lo que queremos hacer y nos divierte.

M. Arredondo: Como dice Dani nuestros ingredientes no son los más apropiados para tener éxito en este momento a corto plazo tal como está el metal en España. Nosotros apostamos mucho más fuerte, quizá tengamos menos posibilidades que otros, pero las nuestras no incluyen límites, sobre todo la posibilidad de abrir las puertas de Europa es una ilusión que vive muy fuerte en nuestros corazones, es la primera división del metal.

Por último no he visto ningún concierto programado ¿Tenéis alguno planificado en estos próximos meses?

M.Arredondo: Como he dicho, ya estamos cargando las pilas a tope para lanzarnos a presentar “In Death We Trust” después del verano, tenemos de momento cerrada una fecha el 17 de noviembre en Salamanca y ya hemos comenzado a trabajar en nuevos objetivos de conquista, a partir de septiembre (risas).

Os deseo suerte en este loco mundo de la promoción. Últimas palabras para que os dirijáis a los lectores de Hijos del Metal.

Muchas gracias por el apoyo. ¡Un fuerte abrazo de toda la banda para ti y tus lectores!

Raúl Sújar Pozo

Liderados por Bárbara Negro esta formación madrileña viene con fuerza para comerse el mundo. Tras un tiempo de rodaje, han decidido poner toda la carne en el asador para conseguir llegar al máximo público posible. Su disco “Todo al negro” con su single y videoclip “En mi cama” son protagonistas de esta entrevista donde la vocalista hace de anfitriona.

Desde la grabación del disco hasta ahora ha habido varios cambios de formación.

Quizás la más sorprendente es la salida de Yeray (ndr. teclista y compositor).

Contadnos cuales son estos cambios y porque se han producido.

tienen una formación nueva. A parte de Black Rock también canto en Lady Blues junto a Guillermo Starless, vocalista y guitarrista de Sexplosion, es un proyecto para amenizar restaurantes, hoteles etc con versiones de blues, jazz, soul…

Durante la grabación del disco formaban parte de la banda Juanpe Moragues (batería) que tuvo que abandonar el proyecto por cuestiones laborales y por otro lado Edu Suárez y Yeray Corujo se fueron por diferencias personales, así que recompuse el proyecto con Pol DQ (batería), Manuel Acilu (guitarra) e Iraitz Esnal (bajo) con los que es todo un placer trabajar por el nivel de profesionalidad que muestran, su gran implicación e ilusión y sobre todo por su gran calidad musical y humana.

Antes de meternos en faena con el álbum recordemos aquel 2007 cuando nace Black Rock ¿Cómo surge la banda?

Es reconocido la formación musical de Barbará en orquestas, Bella Bestia, PM… pero contadnos el bagaje musical de los actuales componentes, esos grupos anteriores, orquestas…

Pablo grabó en Argentina tres discos con Carnarium, ha formado parte de Unscarred Bleeding y actualmente es baterista también en Eczema y en la Orquesta Santana. Manu toca y canta en Klangor un grupo de Zamora, Iraitz ha formado parte de grupos de jazz y rock. Por mi parte comentaros que hace más de un año que no formo parte de PM, y que actualmente

Pues estuve un tiempo buscando bandas que me motivasen pero no me sentía identificada con ninguna de ellas, así que finalmente busqué músicos que quisieran comenzar un proyecto conmigo desde el principio.

En un inicio el grupo parecía más un proyecto personal pero a día de hoy toda la banda ¿Tiene libertad para componer y tomar decisiones dentro de la banda?

Por supuesto, a día de hoy somos cuatro para todo: decisiones, responsabilidades, composiciones, juergas… Hemos conseguido un punto de equilibrio y tranquilidad entre nosotros muy bueno, todos nos entendemos muy bien.

Cuando se formó la banda llevabas buscando algún grupo donde involucrarte pero ¿Las canciones de este “Todo al negro” se compusieron para el disco o ya tenias escritas el boceto de algunas?

Teníamos muchas otras canciones compuestas pero con el tiempo algunas se van quedando atrás ya sea por madurez musical, evolución en el estilo etc. Sin duda desde que comenzamos a componer teníamos el objetivo de grabarlo más tarde o más temprano.

Musicalmente la banda ofrece un hardrock/heavy melódico y directo ¿Cuáles son esas influencias que tenéis a la hora de componer?

En “Todo al Negro” hay canciones que tienen hasta siete años, por eso las influencias en mi caso son muy diferentes a lo que oigo actualmente, pero en ese momento me influían mucho Doro Pesch, Alannah Myles, Janis Joplin, Mr Big, Evanescence… en cambio Coru siempre ha sido de grupos como Nightwish o Sonata Ártica. Actualmente escucho cosas más salvajes por eso notareis un cambio importante en el segundo disco.

Habéis grabado en los Subvox, si bien el disco suena bien creo que la producción ha quedado un tanto oscura en algunos momentos ¿Estáis contentos con el resultado?

Exacto, ese es el punto que mejoraremos para el próximo disco, si que es verdad que procuraremos que tanto el bajo como la guitarra estén mas presentes cuando volvamos a grabar.

En el disco han colaborado varias personas ¿Cómo decidisteis estas colaboraciones?

Todos ellos tienen una buena amistad conmigo o han sido importantes en cierta medida para nosotros. En el caso de Jiro, cantante de Sonus Delay y técnico que nos ha grabado, es muy buen amigo de Edu y Coru, Julio de Mr. Rock siempre ha sido un referente vocal para mi y he tenido una relación muy estrecha con él, aconsejándome en todo lo que ha podido y apoyándome de una manera totalmente altruista, es un tío chapó. Y Trebol y J.Alonso han sido muy buenos compañeros mios cuando tocaba el teclado y hacia los coros en Dawn of Tears.

Tu puesta en escena, la definición de “rock pélvico”, letras como “Carne palpitante” o “En tu cama” con ese videoclip picante y sugerente… ¿En algún momento te ha dado miedo o te ha pasado que la gente haga más caso a la chica que a la banda?

Eso siempre ha pasado pero una vez que demuestras que no solo eres un trozo de carne la gente en general ve más allá, ven una persona que se toma en serio su trabajo y procura hacerlo lo más profesional posible y unos músicos que a día de hoy han superado con creces el propio disco. En general, llegados a este punto, estoy muy contenta con este tema y los resultados obtenidos, y el que actualmente sigue viéndome como una niña mona que canturrea es porque no se

ha parado a ver cómo es mi trabajo. Aun así no niego que esa es un arma de doble filo que tenemos las mujeres y tampoco me parece mal que una en su show explote su parte femenina y sexy.

Por otro lado la banda trata temas más personales como “Funeral” o “Bajo el agua”. Creo que con el primero tienes un feeling especial ¿Puedes contarnos su historia?

“Funeral” narra el proceso de ruptura de una relación y como había que plantearse las cosas en ese momento, pasar página, continuar con una nueva etapa y enterrar todo aquello que pudiera resultar doloroso, todo desde un punto de vista metafórico que envuelve la historia con imágenes muy ilustrativas y oscuras.

Antes hemos hablado del videoclip del tema “En tu cama” el cual tiene rodaje en exteriores e interiores ¿Por qué os decidisteis con este y como fueron los días de rodaje?

Bueno “En mi cama” lo grabamos en los cortados de Rivas-Vaciamadrid, mi barrio, y en una de las habitaciones de la casa a la que me acababa de mudar, por lo que era perfecta para acondicionarla a nuestro gusto; por otro lado las escenas del bar están rodadas en el propio Excalibur.

Decidimos hacer este tema porque además de que musicalmente era el más directo y contundente, la temática era muy divertida

para la parte del “acting” y pensamos que mucha gente se podría sentir identificada con la historia de que tras una buena juerga te despiertes con un desconocido en la cama y estés deseando que se vaya de tu casa. La verdad que el rodaje fue muy divertido, aprendimos mucho y contamos con la colaboración de muchos de nuestros amigos.

Comenzasteis la labor de promoción de forma “casera” y finalmente os habéis decidido por delegar en Background Noise ¿Qué os llevo a este cambio?

Pues la verdad que es demasiado trabajo para un grupo componer, ensayar, buscar fechas, grabar, preocuparse por la promoción etc. y se termina yendo de las manos. Decidimos buscar asesoramiento y encontramos todo lo que buscábamos en Sara Moreno, profesionalidad, constancia, alguien en quien poder confiar para todos estos temas…

Lleváis mucho tiempo presentando el disco en directo y en medios ¿Cómo estáis viendo el resultado? ¿Qué conciertos guardáis con mejor recuerdo hasta el momento?

Hoy por hoy no nos podemos quejar, los medios nos habéis tratado muy bien y en general con mucho cariño, nuestro trabajo ha sido valorado por muchas revistas, radios, webs, blogs… y el balance ha sido más que positivo, lo que nos motiva a

seguir con mas fuerza y buscar la forma de mejorar y crecer en todos los sentidos. Por otro lado el público también ha respondido muy bien y hemos visto como la gente disfruta con nuestra música y como ha habido letras y melodías que han llegado a más de uno. El concierto de la Batalla de bandas del Wacken fue uno de los conciertos que más nos gustó, por el buen ambiente que hubo entre las bandas y por la buenísima respuesta que hubo por parte del público. ¿Cuales son los siguientes pasos de promoción?

Pues aún tenemos algunas entrevistas en radios y prensa, y a partir de Septiembre tenemos varias fechas nuevas fuera de Madrid que os facilitaremos a través del Facebook, Twitter, Tuenti y Myspace. De momento la fecha más cercana para el o la que le apetezca unirse a la fiesta es el 5 de Agosto en Zamora en el Almaraz Rock Festival.

En estos momentos estáis inmersos en las tareas de promoción pero ¿Tenéis compuesto material nuevo para un próximo disco?

Siiiiiiii tenemos muchos bocetos de temas nuevos que aún estamos perfilando y uno de ellos, que ya está terminado, lo estamos

tocando en directo como adelanto del segundo disco. Tenemos idea de grabar muy pronto y a comienzos de 2013 sacar nuestro segundo álbum.

Antes de finalizar me gustaría aprovechar para preguntarte sobre PM y Bella Bestia.

En primer lugar ¿Cómo te sientes formando parte de la nueva versión de Bella Bestia?

Pues formar parte de Bella Bestia me gusta mucho, me hace disfrutar del trabajo en un segundo plano como corista y casi siempre cantar segundas voces, que me encanta; además el hecho de que pueda bailar tanto en este show me motiva mucho. Por otro lado, trabajar al lado de Pepemary, Pancho, Cachorro, Lolo y Guille hace que sin duda siga aprendiendo cosas nuevas y no solo musicales. El tema de PM hace ya más de un año que no formo parte del proyecto, así que no te puedo decir mucho. Últimamente parece que el proyecto más parado es PM. Directos, discos… ¿En que se encuentra trabajando la banda?

Como te he comentado antes, no tengo ninguna relación ya con ese proyecto, pero sin duda sé que están trabajando duro y que pronto sabréis de ellos.

Black Rock, PM, Bella Bestia, Golden Orquesta… ¿Te es difícil compaginarlo todo?

Hay momentos en que es complicado el tema de ensayos o coincidencia de fechas, pero si eres ordenado, constante y sabes dar prioridad a lo que lo merece en cada ocasión, sin duda se puede, mientras siga disfrutando de cada uno de estos proyectos, incluido Lady Blues, no me importará acostarme todos los días de madrugada (risas).

Tiempo para que os emplace a los lectores y os deje vía libre para comentar lo que se haya quedado fuera.

Bueno pues desde aquí animar a los lectores a que os descarguéis nuestro disco gratuito desde: www.myspace.com/oficialblackrock, sin duda os prometemos un disco dinámico, fresco y cañero, además desde ahí mismo o YouTube podréis ver nuestro videoclip “En mi cama” una buena muestra de nuestro rock pélvico, y por último que en cuanto a fechas, fotos, merchandising o la compra del disco físico, podréis disponer de ello de la forma más rápida en nuestro Facebook Black Rock banda. Y nada más, muchísimas gracias por esta entrevista tan elaborada y cuidada que nos habéis ofrecido. Saludos, besos n´keep on rockin´!!!

Raúl Sújar Pozo

Nuevamente desde Mallorca llega otra banda que mezcla veterania y juventud entre sus filas, lo cual suele dar como resultado madurez y ganas de comerse el mundo. Avisan con su cuerno de guerra que van a dar que hablar precisamente de sus primeros pasos en concursos como Metal Battle Spain, Wolfest y su paseos por la peninsula hablamos con sus integrantes. Ellos son Battelhorn y lo forman Daniel Pérez (Voz), Andreu Bermejo (Guitarra), Raúl Morán (Guitarra), Alfredo Ubiedo (Bajo), Pedro Sánchez (Teclados) y Rubén Alarcón (Batería).

La banda se forma en el 2006 con ex-componentes de otras bandas mallorquinas donde destacan los conocidos Golgotha.

Contadnos como se da forma al proyecto.

Dani: Como empiezan casi todas las bandas: hablas de montar algo, quedas, surgen ideas... y al poco tiempo teníamos una formación estable con varios temas. Entonces ya nos planteamos buscar un nombre, un logo, conciertos, grabar... y aquí estamos seis años después.

Desde entonces ha habido algunos cambios de formación hasta la actual donde hay una mezcla de veteranía y juventud ¿Cómo dais con los miembros finales que componen la banda durante un largo tiempo?

Dani: En el caso de Raúl (guitarra/trombón), ya lo conocíamos de su experiencia con Helevorn y aparte venía haciendo alguna colaboración en la banda con el trombón. Tras probar a varios guitarras vimos que era la mejor opción.

En el caso de Pedro no hubo duda, a la primera prueba con nosotros decidimos incorporarlo a la banda, no buscamos más.

Gracias a estas dos nuevas incorporaciones el grupo ha conseguido una gran estabilidad.

En vuestros inicios creo que os movíais más hacia el death-black y con el tiempo habéis tirado hacia el viking metal. Habladnos de esa evolución y que influencias más palpables hay en vuestra música.

Rubén: A nuestro parecer la evolución de la banda no tiene nada que ver con cambios de estilo. Puede ser que en los temas de la demo haya riffs de guitarra más abiertos y que suene más a black metal, pero también los hay ahora. Lo cierto es que seguimos en

la misma línea de crear una atmosfera épica, a nosotros nos gustan varios estilos y eso queda reflejado en nuestra música.

Estáis haciendo circular una demo del año 2010 ¿La estáis moviendo entre discográficas, medios, publico…?

Raúl: Debido a que en la grabación participaron dos personas que actualmente no están en la banda, no se está moviendo con fines lucrativos, aunque gracias a tres de estos temas fuimos seleccionados para las semifinales el WOA Metal Battle Spain 2012.

Actualmente está en la red para su descarga gratuita. Para la gente que aún no la tenga, y siempre con tu permiso, este es el enlace para su descarga: http://www.mediafire.com/?wqvk8bxa6cmpik8 Actualmente la banda imagino que se encuentra componiendo nuevos temas ¿Hay en vista algún Ep, Demo, o vuestro primer larga duración?

Andreu: Actualmente estamos trabajando en la pre-producción y en breve entramos a grabar nuestro nuevo trabajo, con un poquito de suerte en poco tiempo tendremos entre nueve y diez cortes completos.

Son los temas que venimos tocando en directo y algún tema que aún no ha salido del local. En nuestra opinión estos nuevos temas son más contundentes y compactos.

Hace poco participasteis en el concurso Wolfest donde salisteis triunfadores de la edición balear ¿Cómo ha sido la experiencia?

Andreu: Ha sido una experiencia positiva en todos los sentidos.

Excelente organización y muy buen rollo entre las bandas tanto las que ya conocíamos como las que no. Ganamos a Nonasound

en el sorteo de los turnos de actuación a piedra, papel o tijera (risas). Hablando en serio, fue una grata sorpresa para nosotros resultar ganadores del concurso dado el gran nivel del resto de las bandas participantes.

A decir verdad tengo mis discrepancias con este tipo de concursos y alguna de sus condiciones para participar las bandas ¿Cómo ha sido el trato con vosotros?

Alfredo: Personalmente creo que en Mallorca no estamos acostumbrados a este tipo de eventos y la gente no suele pagar 10€ por ver a grupos a los que ya conoce. Cada banda teníamos que vender una cantidad de entradas para participar, cierto, pero es lógico para poder garantizar toda la buena organización de la que hablábamos antes y la asistencia de público sin tener pérdidas.

Haciendo referencia al trato creemos que fue muy profesional.

Ahora vais a una semifinal a Barcelona y después si sale bien a la final en Madrid ¿Corre el concurso con los gastos de los viajes, hoteles, dietas?

Pedro: Así es, el premio consiste en llevar a la banda ganadora a tocar fuera de la isla con todos los gastos pagados. Estamos a la espera de más detalles. ¿Cómo veis vuestras opciones finales en el concurso? ¿Algún favorito para vosotros?

organizador del Metal Nacht. Él escuchó nuestros temas al saber que nos habían seleccionado para las semifinales de WOA Metal Battle y quiso contar con nosotros para el evento, que por cierto fue una gran experiencia para la banda y desde aquí aprovecho para felicitarle por su labor y la confianza que depositó en nosotros.

Nos dimos cuenta que allí en el futbolín no tenemos rival (risas).

Las anécdotas sexuales las obviamos (risas).

Actualmente la banda ha comenzado a trabajar el aspecto visual en directo ¿Tenéis pensado ir desarrollando más esa faceta?

Raúl: La banda ha ido evolucionando a base de tocar con muy buenas bandas, esto nos ha nutrido de buenas ideas que intentamos reflejar sobre el escenario, tocamos más seguros y eso en cierta manera se nota.

Intentamos hacer disfrutar al público tanto como disfrutamos nosotros.

Un aspecto que os diferencia es la utilización de un trombón en directo ¿Cómo se os ocurrió el tema?

Dani: Surgió porque conocíamos a una persona que tocaba el trombón que es Raúl. Es un instrumento muy original y le da un toque épico que no veas, seguiremos contando con él en futuras composiciones. ¿Qué os traéis entre manos los próximos meses?

Pedro: Sinceramente hay mucho nivel y es muy complicado elegir un favorito, además de que el concurso no gira alrededor de un solo estilo y complica más aún las comparaciones. Nosotros vamos con mucha ilusión para seguir adelante e intentaremos hacer un buen directo.

Alfredo: Terminar la pre-producción que tenemos entre manos, grabar si se puede y preparar los conciertos de agosto en Factoría de So: BattleCamp II con Omission, Breathless, Unburial y Trallery día 11 y Medieval Festum día 25.

Hablemos de otros eventos. Recientemente participasteis en la segunda edición del Metal Nacht junto a bandas como Ravenblood, Human Carnage, Druantia, Eldelvar, Fraktal… ¿Cómo surgió la participación en el evento? ¿Alguna anécdota destacable de la experiencia?

Actualmente hay mucho metal en Mallorca y estamos muy contentos de ver que tanto nosotros como muchas otras bandas amigas por fin estamos consiguiendo cruzar el charco, que se enteren en la península de que aquí también se hace caña.

Rubén: Bueno, antes de participar en el Metal Battle ya hicimos contactos a través de internet con Dani de Ravenblood que era el

Si queréis añadir algo más....

Raúl Sújar Pozo

Mexicanos, thrashers y con diez años a sus espaldas y sin embargo una banda obviada a nuestro lado del charco.

Por este motivo y por su últi mo trab ajo “Co rrup tion ” nos pusimos en contacto con su líder, el vocalista y guit arri sta, Ces ar “Tarellevil” Tarello para que nos cuente los logros de Piraña a lo largo de estos años. Os dejamos con sus palabras.

Lleváis diez años en esto, así que sería bueno comenzar por el principio. Contadnos como se forma la banda y quien queda desde sus comienzos.

Piraña surgió de la idea de Samuel Olvera Nieto (Sammy-thrash) quien provenía de bandas como Ravager, Domain (ésta grabó con Osmose Recs.) y Genital Retroplasia (todas de death metal) y mi persona (César Tarello-Tarellevil) que venía de una banda de metal melódico Antiqua, y realmente lo que queríamos era retornar un poco a nuestra raíz thrasher, (ambos habíamos tocado thrash en otras bandas en los 90´s) y en una charla informal pensamos que sería interesante trabajar algo, y por ello en 2003 comenzamos a trabajar en composición, y ésta se dio de modo natural, sin pretensiones fantasiosas, simplemente nos concentramos en la caña.

En la banda desfilaron varios bajistas y bateristas antes de conformar la alineación actual, siendo que Juan Antonio Vargas (Juan Pira) entró como nuestro bajista en 2005 y Fernando Nieto (HammerFer) ingresó en la batería en 2008, siendo ésta alineación la actual y la que consideramos definitiva.

Durante los primeros años de la banda habéis editado un Ep, un Split, un álbum y un recopilatorio ¿Cómo han funcionado estos trabajos? ¿Se encuentran disponibles en la actualidad o están agotados?

El EP “Piraña Attack” (2004), el Split “Mechanical Jaws Invasion” (2006), así como el álbum “Destructive Animal Revolution” (2008) ya se agotaron porque tuvieron buena aceptación y las producciones nos posicionaron como una de las bandas más sólidas y cañeras en la escena metalera mexicana y nos dieron también difusión en centro América y algunos otros países, precisamente generando vínculos con Japón, en donde salió nuestra más nueva producción. Los trabajos han funcionado bien y lo que ahora está disponible básicamente es la reedición del primer EP “Piraña Attack” con nuevo arte, letras y adicionalmente contiene todas las canciones del Split pero regrabadas en estudio en 2009, así como la nueva producción de Piraña “Corruption” misma que se estrenó hace mes y medio.

Con el fin de ir conociendo el alcance de la banda, contadnos en que shows con mayor renombre habéis participado.

Prácticamente hemos realizado tours en todo México y tuvimos una gira de doce días por Cuba el año pasado (2011).

Amén de lo anterior hemos estado en festivales como el Mortal Fest, Morbid Fest, Metal in the Forest y la gira Hell Combat Attack que nos ha permitido alternar escenario con bandas nacionales e internacionales de primer nivel como Destruction, Impaled Nazaren, Pungent Stench, Disgorge (USA), Hirax, Onslaught, Impaler, Violator, Municipal Waste, Thrashgrinder, Vader, Darkane, Grave, Ángeles del Infierno, Evil Dead, Watain, Gamma Bomb, Transmetal, Luzbel, Next, Zeus, Ancestor, Combat Noise y otras más de México.

Hablemos de “Corruption”. El disco me ha recordado a bandas como, inevitablemente a Exodus, además de Violence y Havok. Aunque los temas en directo se deja ver algo de Slayer. ¿Qué influencias tiene la banda a la hora de componer?

Fundamentalmente thrash y hardcore, y nuestra fuente más directa serían bandas como Violence, Exodus, Slayer, Overkill, Annihalator, Atrophy, Testament, Masacre 68, DRI, Kreator, Exhorder, Destruction, Cenotaph, Transmetal, Sodom, The Exploited, Dark Angel, Atheist, etc.

Creemos que el thrash es el thrash y es difícil que una banda que está en ese género deje de tener alguna de las influencias mencionadas, pero definitivamente Piraña ha construido su propio sonido y tiene elementos muy claros en ese sentido que sobre todo se perciben bien cuando se ha escuchado más de nuestro material.

“Corruption” es nuestra mejor producción dado que es madura y consistente, aún cuando discos como el “Destructive Animal Revolution” de 2008 es un disco muy complicado y con muchísimos cambios que lo hacen una obra pesada y quizá la que forjó en mayor medida nuestro sonido actual.

El tema “Viper” es claramente el que más desencaja en el álbum, es mucho más lento y pausado y parece tener más influencia de Pantera. Tiene algo que ver la participación de Jacobo Córdova (ndr. conocido de Hijos del Metal y entrevistado para el número cinco) ¿Cómo surge la composición de este tema y su colaboración?

Realmente Jaco no tuvo nada que ver en el tema, a él solo lo invité a grabar voces adicionales porque él y yo somos amigos desde hace casi 20 años que empezamos con Antiqua (RIP) y hemos colaborado en varios trabajos, de modo que esa camaradería es la que hace que trabajemos colaboraciones en Piraña o en Majestic Downfall o otros proyectos.

“Viper” es un corte pesado y con mucha oscuridad (además de la letra) que apostó más por lo oscuro que por el thrash en sí mismo, y lo metimos porque ya es tradición de la banda que la canción que cierra el disco tenga algunos elementos “tripiados” así como es tradición abrir con una canción instrumental. De hecho en el primer EP la canción que cierra se llama “Connection Hell” y es un corte que tiene el mismo tinte lento, sureño y oscuro, así como en el disco de “Destructive Animal Revolution” cerramos con “Satanic Candy” que igualmente es un alucine total… La verdad es que nos gusta meter un tema así para darle variedad a la música y hacer patente nuestra influencia cannábica-índica.

Ya que estamos en este capítulo, contadnos el resto de colaboraciones.

En “Corruption” a diferencia de los otros discos de Piraña, algunos amigos hicieron por decirlo de alguna manera, cameos musicales: Jacobo Córdoba (Majestic Downfall, Zombiefication) cantó coros en “Viper”, Jesús Bravo (Agony Lords, Souls on Fire) quien además grabó parte del disco y lo mezcló y masterizó hizo coros en el tema Thrash Wars y Benjamín Castro un viejo amigo nos auxilió a Samuel y a mí a hacer un outro (La ofrenda) con algunos instrumentos prehispánicos como caracoles y silbatos. Además en la versión mexicana del disco contiene un hidden track de heavy metal que hicimos en mi estudio con Rafa Cárdenas, vocalista de una banda llamada Nasty Reputation.

Aquí en España es normal encontrar alguna banda cantando en inglés y castellano, pero a muy pocas le suele funcionar la formula. El hecho de utilizar ambos idiomas ¿Os ha supuesto abriros puertas a la hora de llegar a más fans?

La banda canta en idioma inglés, sin embargo, de vez en cuando nos gusta hacer algo en castellano porque es nuestro idioma, y por lo mismo es divertido cantarlo, aún cuando por su facilidad en la dicción y por su entendimiento universal (quizá y aunque no nos guste, por el propio imperialismo Norteamericano) el inglés es el idioma usado para el 99% de nuestra música.

No obstante, el tema de “Hasta reventar” del disco “Corruption”, es una divertida forma de escuchar lo que ocurre en una tocada en México teniendo buena aceptación en el público hispanoparlante, lo mismo que ocurrió con un cover que hicimos en nuestro penúltimo álbum que se llama “La Marihuana” y que es una canción original de 1840 que luego el trovador Oscar Chávez la hizo en huapango en los 60´s, y nosotros la cantamos en hardcore con un impacto que no nos esperamos y que siempre le pone sabor a los conciertos y nos la piden mucho, de modo que sí, cantar algunos cortes en español nos permite mayor empatía, incluso con fans que no hablan castellano.

En la edición japonesa habéis incluido dos bonus en directo pero sin embargo en el disco original hay una pista, “Hasta reventar”, la cual hacéis como un falso directo poniendo público al comienzo y el final del tema ¿Cómo se os ocurrió la idea?

Como el tema es de sátira y de lo que ocurre en los conciertos era importante dejar ver el desmadre del público, y por eso, originalmente habíamos hecho un intro prefabricado, pero no quedó nada bien, de modo que tomamos una grabación que nuestro amigo Mr. Paco Lucas (de la discográfica Luna Negra) nos había hecho en directo en 2004 (precisamente de la misma grabación en directo de la que salieron los dos bonus tracks del disco) cuando presentamos el primer EP, y de ahí tomamos los gritos reales que nuestros fans profirieron el día de esa presentación, así como de lo que les dije ese día “metal, metal”, y nos dimos cuenta que eso que realmente ocurrió era la mejor intro para el tema, y un tributo a los fans que gritan y se rompen la madre en el slam con nosotros.

La primera vez que vi el artwork del disco me atrajo. Tiene un libro bastante extenso y además viene acompañado de varias ilustraciones de zombis-cómicas que le da un toque casero pero profesional. ¿La edición mexicana es igual o cambia en algo más que la portada?

Todo el arte es diferente. De hecho el artista que hizo el material japonés (Pablo Bruhate) solo participó con una ilustración del back cover en la edición mexicana, mientras que la charola del disco contiene un dibujo del creador del “Pira”, Will Towless “Inkwolf” (quien ha hecho dibujos para Municipal Waste), así como la portada es de

Nolasco “Tlacuilo” quien ha hecho portadas para Ravager por ejemplo, y el interior del arte contiene fotografías que nos hizo un amigo (Johnny Revolver) con las ideas de Octavio Olachea para que el diseño termine pareciendo una película lado B. Así que adquirirlo implica un plus. ¿Cómo está funcionando la promoción del disco?

Al parecer estamos teniendo muy buena aceptación, pero aún es pronto para tener respuesta efectiva porque llevamos un mes y medio con la distribución, de modo que esperamos que a fin de año tengamos ya un panorama real. Pero si te debo comentar que hoy por hoy es difícil para una banda sobresalir con un disco dado que muchos de los escuchas ahora prefieren obtener todo del internet y ahorrarse unos duros, como decían ustedes, en vez de apoyar a la banda comprando su material, pero amén de estas vicisitudes del mundo electrónico creemos que vamos por el buen camino con el apoyo inmejorable de empresas como Red Rivet Records.

Ya que el disco nos llegó desde Red Rivet Records, contadnos que tal la relación con el sello y Shiro.

A Shiro Matsunaga y a Red Rivet Records los conocí vía internet porque algún amigo le dio material de Piraña en el Wacken Open Air, y por esa razón sostuvimos contacto por myspace, y de ahí salió la idea de hacer algo juntos, dado que a Shiro le interesó tener algo nuevo de la banda que reeditar material. Para nosotros es muy gratificante porque su empresa además de ser sumamente seria, nos abrió la puerta en otras fronteras que honestamente no habíamos pensado, y por eso estamos contentos y emocionados para ver qué más podemos hacer, incluyendo la idea de poder tocar algún día en Japón, y sobre todo porque Shiro es una gran persona y todo un metalhead.

Me gustaría aprovechar para hablar de la escena mexicana.

Jacobo me hablo que la escena estaba peor que en los noventa, pero que algunos sellos comenzaban a funcionar mejor… Como la veis vosotros a nivel de bandas, sellos, infraestructuras…

México tiene múltiples problemas: Primero: El apoyo del público es muy limitado y por lo mismo si bien un concierto con bandas de renombre se puede saturar, los conciertos locales y de bandas mexicanas difícilmente pasan de 100 personas a pesar de que tengan gran calidad los músicos.

Segundo: El público no compra los discos y prefiere bajarlos de internet, de modo que es difícil la venta de material, además de que siempre pretenden pagar menor precio en la entrada de los conciertos siendo esto un hecho que limita a los organizadores locales para hacer mejores producciones.

Tercero: Las autoridades mexicanas son muy intransigentes y los conciertos de metal representan problemas y trabas.

Cuarto: Las disqueras locales son limitadas en cuanto a su difusión y además existe muchos problemas personales y de egos entre músicos y productores que producen aún mayor limitante en la distribución y difusión de bandas.

Quinto: Como mexicanos hemos tenido un estigma grande en el mundo del metal y es difícil que nos dejen de ver (aún antes de escucharnos) despectivamente como “de tercer mundo” o “empequeñecidos” a pesar de que nuestra calidad ha seguido subiendo.

Ahora bien, lo bueno es que: Primero: La tecnología y apertura ha permitido que las bandas mexicanas tengamos mejores producciones y la baja calidad “bizarra” con la que se nos conocía en el mundo ya no es igual, de tal suerte que una banda metalera mexicana en cualquier género puede igualarse con cualquier otra del mundo.

Segundo: Existen muchas bandas de thrash, death, heavy y

otros estilos que hoy por hoy cuentan con grandes producciones y mejores críticas y que definitivamente superan en calidad y técnica a aquellas que tocábamos en los 90`s, y precisamente tienes bandas de diversos estilos como Piraña, Zombiefication, Agony Lords, Majestic Downfall, Denial, Dies Irae, Disgrace, Voltax, The Pit, Human Head, Archetype, Sarcoma, Profanator, Hacavitz, Maligno, (me faltarían muchísimas) etc. que están haciendo cosas nuevas, interesantes, oscuras, etc. y de calidad que ha sido reconocida en otras partes del mundo.

Para ir finalizando ¿Qué nuevos planes tenéis para la promoción del álbum?

Seguir con nuestra gira en México “Corruptour” misma que ya llevan varias fechas y tiene compromisos pendientes todo éste año y entre nuestras expectativas se encuentra la de ir a Japón, regresar a Cuba y quizá planear algunas fechas en Europa en menos de un año y seguir con la venta del disco.

Pues vía libre para dirigiros a los lectores del magazine.

Gracias a ti Raúl y al “semper metalicus” público español por interesarse por nosotros e invitarlos a que conozcan a las bandas mexicanas que estamos haciendo metal directo y sin concesiones, que nos quitemos los estigmas que tanto nos cagan la leche a los metaleros y escuchemos más allá de nuestras fronteras los gritos de guerra. Nos vemos en la zona del thrash!!!!!

Raúl Sújar Pozo

http://debajodelimperio.blogspot.com.es/

El proyecto Empire of Eden del multi-instrumentista Stu Marshall ha editado un nuevo trabajo llamado “Channelling The Infinite” donde ha reclutado a un buen número de grandes voces del rock de la talla de Udo, Rob Rock, Mike Dimeo, Steve Grimmett, Ronny Munroe… De todo esto y más cosas hablamos con él en esta entrevista.

Antes de comenzar a hablar de Empires of Eden, hagamos un pequeño repaso a la trayectoria de Stu Marshall. ¿Cómo comienza tu pasión por el metal y cuando comienzas a formarte musicalmente?

Creo que tenía unos 5 años y estaba escuchando Kiss y Black Sabbath de mis parientes más mayores. La pasión por el metal fue inmediata para mí.

Tu primera banda importante ha sido Dungeon, con la que grabaste dos álbumes, un DVD y algún single. ¿Cómo recuerdas esos años?

Dungeon fue una buenísima experiencia. Me uní a la banda justo cuando firmaron un buen acuerdo con un sello europeo y las cosas iban geniales. Giramos dos veces el mundo y pasamos varias veces por Japón. Lo más destacable fue girar con Megadeth por Europa en 2005.

También se te puede ver en la banda Paindivision ¿Actualmente estas trabajando con ellos o esta parada la banda?

Todavía sigo trabajando con ellos pero ahora es un proyecto de estudio ya que muchos de los miembros tienen bandas de más éxito en cuanto a tours, pero es aún es muy divertido para nosotros.

Cuando dejaste Dungeon editaste un álbum bajo el nombre de Stu Marshall, ya que ambos son proyectos personales ¿Qué diferencias hay con Empire of Eden?

Mi disco en solitario era en su mayoría instrumental y mi comienzo en cuanto a producción, ¡así que suena realmente mal! Pero hay mucha pasión en ese disco.

Estaba comenzando a mezclar y masterizar así que definitivamente forma parte de mi recorrido. Empire of Eden es una experiencia musical más centrada en la voz.

Finalmente nos metemos de lleno con Empire of Eden.

Has editado recientemente tu tercer álbum. Con los dos primeros ¿Has tenido la repercusión que esperabas?

Sí, estoy muy contento con los dos primeros lanzamientos y Japón firmó el álbum debut, lo que fue muy importante para mí. Por ahora, no se ha publicado en Europa o en Estados Unidos. Para mí, la diversión y el éxito están en escribir y grabar música, así que el sentimiento de tenerlos completos es enorme.

Hablemos de este “Channelling the Infinite”. Continuas con la fórmula de contar con varios vocalistas invitados. ¿Cómo surgen los contactos para cada vocalista? ¿Primero compones el tema y luego piensas en el vocalista o al contrario?

Simplemente voy a mirar mi colección de LP´s y pienso para quien me gustaría escribir música; es realmente divertido.

Desde ese momento, normalmente creo música que quiero escuchar como fan de estas personas y trabajo hasta terminar una composición que pueda presentarles para que ellos lo aprueben.

Empires of Eden también provee al cantante un control completo sobre sus letras y melodías, no como otros proyectos de este tipo.

Cuando hay tantos vocalistas con matices tan personales se corre el riesgo de que cada canción suene independiente, sin embargo, me ha gustado del álbum que, pese a que cada vocalista le da su toque personal, el disco guarda una conexión ¿Cuéntanos como ha sido trabajar con cada vocalista en su canción?

Esta fue la mejor experiencia. No sabes lo que vendrá después con este álbum y creo que eso es lo que lo hace ser un material tan fresco. Trabajar con estos chicos ha sido especialmente bueno, primero porque soy un fan y luego porque son todos muy profesionales, así que se te hace fácil estar en una situación como esta.

Veo que le diste la libertad a cada uno de escribir sus propias letras y melodías excepto con Udo que por otro lado es la voz más personal del álbum ¿Por qué fue diferente con él?

A UDO le ofrecí control total, pero su agenda de conciertos estaba demasiado llena y era casi imposible tenerle en el estudio, así que lo único que podía hacer para tenerle en el cd era escribirlo todo por él, así que fue mi primer tema totalmente escrito para EOE. Hay dos versiones del tema “Born a King”. Una con Danny Cecati y otra con Sean Peck ¿Hay alguna razón especial?

Esto es de nuevo el espíritu de la colaboración. Le pregunté a Danny en el último momento si quería llevar las voces en el álbum porque soy un gran fan suyo. A él le gusta escribir, pero se toma su tiempo y había una fecha límite para la grabación.

Hablé con Sean Peck para que me ayudase escribiendo algo para el álbum ya que ambos componemos mucha música juntos y esencialmente esa versión es la guía vocal que él escribió para Danny.

De nuevo, puedes ver cómo todo se entrelaza en las colaboraciones del álbum. ¿Hay algún vocalista con el que te hubiese gustado trabajar y que bien no haya querido o podido hacerlo?

Algunos cantantes tienen tres o cuatro meses de gira programados y eso les impide entrar en el estudio y escribir. A veces los horarios no coinciden.

Además aparecen las colaboraciónes de los guitarristas Shane French y Yoshiyasu Maruyama ¿Qué relación han tenido contigo musicalmente?

Conozco a Maruyama de tocar en Japón. Nos convertimos en buenos amigos y lo somos desde hace 10 años. Es un gran guitarrista.

Conocí a Shane el pasado octubre cuando estaba girando por USA, tenemos un amigo en común (Morrie) quien canta en la banda de Shane, VOZ. Tocamos juntos en Florida y fue increíble, es un músico excelente y ha estado en bandas buenísimas como Circle II Circle y Millennium.

En esta ocasión los vocalistas Chris Ninni y Mike Zoias no te han acompañado ¿Hay alguna razón especial?

Ningún motivo en especial. Cada álbum va tomando un giro natural; a veces las personas no están disponibles o están muy ocupadas. Tengo ya once cantantes en este nuevo disco, así que el roster se llenó muy rápido.

Sin embargo Louie Gorgievski junto con el batería “Jasix” sí que siguen contigo, en directo ¿Quiénes te acompañaran para presentar el álbum?

Si tocamos en directo y un promotor hace que ocurra, por supuesto querría llevar a todo el que ha contribuido.

Quizás un coro de 7 u 8 cantantes.

¿Qué posibilidades hay de que colaboren en directo los vocalistas que lo han hecho en el disco?

Todo depende de la industria y los promotores. Todos queremos girar con estas canciones y estamos preparados para viajar. Está en manos de los promotores el que suceda.

Las portadas parecen tener una conexión entre sí, el color, diseño… ¿La temática de los discos guardan alguna relación entre sí?

Los dos últimos seguro, han sido completado por un artista de L.A llamado Alex Ruiz, quien ya es parte de la familia Empires of Eden. El arte del debut fue creado por un artista alemán.

Yo elegí esos trabajos, así que supongo que mi ojo artístico se ha dejado ver. Me gustan las portadas complejas y con fuerza. ¿Qué planes tienes para promocionar el álbum en los próximos meses?

Seguiré hablando con cualquiera que esté interesado en Empire Of Eden. Se avecinan más entrevistas y actualizaciones de estudio en Youtube.

Por favor, visitadnos en: www.empiresofeden.com, tenemos digipacks firmados para la venta con envíos globales y también podéis encontrarnos en Facebook donde estamos continuamente lanzando noticias.

Texto: Raúl Sújar Pozo Traducción: Irene López

Death Metal melódico desde Ciudad Real es lo que ofrecen en su primer trabajo Morphing into Primal.

“Principios de autodestrucción” es el primer bloque para sentar unos cimientos sólidos y basados en la experiencia de anteriores bandas.

Hablamos con su batería Chus Rodríguez sobre los entresijos que se esconden tras la banda. No te pierdas sus palabras.

El grupo nace de las cenizas de Incission ¿Por qué se decide romper con esta banda para dar paso a Morphing Into Primal? ¿Qué similitudes o diferencias hay entre una banda y otra?

El motivo principal fueron las diferencias que surgieron a la hora de concebir la banda. Llegados a este punto, Luismi, José y yo decidimos seguir trabajando por nuestra cuenta en temas que iban surgiendo poco a poco. Así se forjaron los comienzos de lo que hoy es Morphing Into Primal.

Con el tiempo, necesitábamos de otro guitarrista, y aquí entra en escena Arturo, antiguo guitarrista de la banda de Black Metal Byleth, amigo de la banda, y con el que completamos la formación y dimos la forma definitiva al grupo.

Todo el mundo que os conozca sabrá que el nombre de la banda hace referencia a un tema de In Flames ¿Tuvo algo que ver el estilo e influencias de la banda en ello?

Por supuesto que sí. In Flames es una referencia musical muy latente en nosotros. Es una banda con la que hemos crecido, unos mas y otros menos, pero que al fin y al cabo, es el sonido que nos gusta y el que hemos buscado un poco aposta.

Por ello, y por lo que significa el nombre para nosotros (Cambiando hacia lo primario, una referencia de que incission, en cierto modo, sigue presente aún con otro nombre) lo escogimos.

Estaba ya un poco premeditado (risas).

Por lo que tengo entendido algunas de las canciones de este álbum eran canciones que no vieron la luz en el anterior álbum ¿Cuántos temas se elaboraron desde cero para “Principios de autodestrucción”?

Desde cero, y si mal no recuerdo, fueron seis los temas: "Rompiendo el Tiempo", "Tu Mundo", "Sin Miedo Para Acabar", "Renuncio a la Fe", "De Principio a Fin" y "Diosa del Suicidio".

El disco contiene buenas dosis de melodías y riffs agresivos. Sin embargo, la producción le resta un poco de fuerza al resultado final. Imagino que los medios y los tiempos que corren hacen difícil estas tareas ¿Estáis contentos en base al presupuesto del grupo?

Estamos más que contentos. Y si te soy sincero, nosotros tampoco le vemos ese problema a la producción. Desde un principio sabíamos el presupuesto del que disponíamos, el sonido que queríamos y lo que teníamos en mente editar. Al ser un disco autoeditado, hay que entender que tampoco puedes esperar producciones al nivel de bandas consagradas, ni al nivel de estudios de “alto standing” ni cosas por el estilo. Y aún así, nos ha gustado muchísimo cómo nos ha quedado, hemos explotado al máximo los recursos. También influye el hecho de trabajar con Dezege producciones, que nos conoce mas que de sobra, es un tipo profesional y sabe lo que queremos y cómo lo queremos. Quizás para un futuro sí nos metamos en producciones de mayor “standing” y busquemos darle una vuelta de tuerca al sonido, pero por el momento, tampoco tenemos esa necesidad imperiosa.

Una de las cosas que menciono en la review (ndr. el pasado número del magazine) es que la utilización del inglés quizás daría mejor resultado pero sin embargo el castellano os diferencia de un montón de grupos que pueden venir de fuera ¿Cómo lo veis vosotros? ¿El tema “It’s Time” es una prueba o un hecho aislado?

Pues me alegra que opines eso. Porque en cierto modo, te doy la razón. Tenemos mayor facilidad a la hora de escribir letras en castellano, lo cual no quita que no podamos expresarnos igual de bien en inglés. Ahí tienes el ejemplo de “it´s Time”, un tema que surgió en inglés, quedaba mejor en inglés, y para adelante que tiramos. No es cuestión de qué idioma nos gusta mas o es mejor para

cantar, tan solo es que nos apetecía hacerlo en castellano, un poco también porque no nos gusta renegar de nuestro idioma.

Hay muy buenas bandas de metal extremo en España, y que cantan en castellano. Además, personalmente, me gusta ese distintivo de ser una banda de death melódico cantado en castellano (risas).

En Ciudad Real poco a poco se van conociendo nuevas bandas como los extintos Kondena, o los Infernal Rednecks, Haeresian, Celtibeerian… ¿Cómo veis vuestra escena desde dentro?

Pues vemos una escena que va creciendo poco a poco, con bandas de muy buen nivel, después de tener unos años de sequía musical, donde la escena se quedó estancada y casi muerta.

Además, es una escena muy variada, ahí tienes a los folkmetaleros Celtibeerian, que lo hacen de puta madre, y sus conciertos son una fiesta total; A los powermetaleros Haeresian, de los cuales soy el actual ex-batería, y que con su próximo disco, van a dar mucho que hablar y van a poner el listón jodidamente alto. Infernal Rednecks, que son una banda que suena mucho a gente como Lamb Of God, y que seguramente darán mucho que hablar también; Realm Of Chaos, una banda de thrash-power, muy potentes y muy buenos… Es una escena variada y con buen nivel, cosa que hacía falta. Aunque la verdad, hay veces que falta cierto apoyo del público en cuanto a conciertos, pero la cultura del directo es así de caprichosa. ¿Qué lugares hay para realizar conciertos en Ciudad Real? ¿Están bien acondicionados para la música en directo?

Pues haber hay pocos, y no tan bien acondicionados como deberían para ofrecer buenos conciertos. El caso es que, al haber estado la escena tan parada, hasta hace relativamente poco, a los garitos para conciertos les ha pillado un poco el toro, y se nota en cuanto a, y como decía antes, acondicionamientos del mismo, condiciones… Aún así, por suerte, sí que existen 3-4 garitos dónde poder dar conciertos.

Aunque podría haber más, nunca tengo suficiente (risas).

El álbum ya ha sido presentado en varios conciertos incluso fuera de vuestra ciudad ¿Cómo ha sido la respuesta por parte del público?

De momento, lo hemos presentado en Cuenca, Castellón y Reus. Y la aceptación no podría haber sido mejor. El disco ha recibido buenas críticas, tanto de otros medios como de gente que lo ha descargado o que lo ha comprado.

El público reacciona de puta madre en los conciertos, se mueven, headbangean, los ves disfrutando de las canciones. Aunque todos coinciden en lo de la producción (risas). Menos mal que en directo no hay mas producción que la que le damos nosotros. ¿Qué planes tenéis para seguir promocionando el disco?

Seguir tocando allá donde podamos, que es lo que le da la vida actualmente a una banda.

Estamos cerrando varios conciertos fuera de Ciudad Real, de los cuales de momento no puedo decir nada seguro, pero si que diré que son varios y en sitios bastante alejados de la mancha. Intentaremos mover el cd por el mayor número posible de webs, gente…Todo lo que esté a nuestro alcance para que se nos conozca un poquito más.

Ya solo queda emplazaros a los lectores y desearos suerte en vuestra labor.

Muchas gracias. Esperamos que todos los lectores del magazine sientan curiosidad por Morphing Into Primal, y que si es así, se descarguen nuestro disco desde vibedeck.com/morphingintoprimal. También para el que lo prefiera en formato físico lo vendemos a 4 euros + gastos de envío si lo piden por correo; sea de la manera que sea por supuesto esperamos que lo disfruten tanto como nosotros.

Raúl Sújar Pozo

Acaban de editar un Ep donde han evolucionado una propuesta sonora que vienen madurando unos años atrás. Alberto García, guitarrista de la banda madrileña, nos cuenta los entresijos de “Mistakes art gallery”, su liberación de Noisehead Records y sus miras al futuro.

Musicalmente el grupo ha conseguido una madurez respecto a vuestro anterior trabajo. Y pese a que creo que no es una etiqueta que os agrade viene con una vertiente más marcada de metalcore melódico sin con ello perder fuerza ¿Cómo surgió el dar más protagonismo a la parte melódica sobre todo vocalmente?

Supongo que es algo que surge de manera natural. Cuando empezamos con la composición no pensamos enfocar la música hacía unas líneas vocales más melódicas, simplemente Raúl sentía la necesidad de explorar un poco más en esa dirección y nos pareció bien. De hecho en “The sound of the Waves”, la cual editamos unos meses antes, ya dejaba entrever que la manera de cantar iba a ser más melódica.

Respecto a la etiqueta de metalcore, no es que nos moleste ni mucho menos, únicamente no creemos estar en ella, pero supongo que no somos quienes para decir si es así o no. Quizá sea una cuestión de objetividad, pero el caso es que nos importa poco.

Contadnos que historia guardan los temas del álbum a nivel de letras.

Pues las letras, las cuales están escritas todas por Raúl, se basan en experiencias personales suyas, pero todo desde un punto de vista más metafórico. Cuando Raúl escribe las letras procura asociar una serie de imágenes o ambientes con el sentimiento que quiere reflejar en las letras. La intención de todo esto es que la gente pueda sacar sus propias conclusiones al leerlas, lo que lo hace más interesante, o esperamos que así sea.

Son seis temas (ndr. Uno una intro) ¿Se puede considerar un pequeño avance o “tentempié” o todavía no hay planes para un segundo álbum de larga duración?

Estamos en medio del proceso de composición. Lo que no sabemos todavía es la dirección que va a tomar la música. Lo que sí es seguro es que vamos a mantener algunas cosas de nuestro sonido que siempre han estado e incluiremos otras nuevas. Por ahora es todo lo que podemos decir al respecto, hasta que no tengamos los temas cerrados. Lo que sí es seguro es que será un disco completo.

Una curiosidad ¿A quién se le ocurrió poner nombres tan largos a los temas?

Fue idea de Raúl. Es un intento por reflejar en el título la idea general de la canción, además es algo bastante llamativo ya que casi nunca se ven títulos tan largos. Nos pareció curioso hacer algo como esto.

Con este nuevo trabajo habéis vuelto a la autoedición ¿Por qué habéis dejado NoiseHead Records?

Con Noisehead tuvimos algunos problemas de entendimiento más que nada. Parece ser que el trabajo de una discográfica consiste en pillar la pasta y poco más. El caso es que nos dimos cuenta de que lo único que hacíamos era perder dinero y las ventajas eran nulas, así que decidimos que el “trabajo” que hacían ellos lo podíamos hacer nosotros mismos sin tener que dar explicaciones

a nadie y en eso estamos. En su momento pensamos que nos beneficiaría de algún modo estar con una discográfica y, en este caso al menos, no fue así, por lo que decidimos romper el contrato con ellos y buscarnos la vida. En resumen, tenemos la misma promoción, mejor producción y todo por mucho menos dinero.

Vuestro primer álbum “Letters From Alaska” fue grabado en los estudios del mencionado sello sin embargo, pese a que la masterización ha sido hecha en Francia por Brett Caldas-Lima, este lo habéis hecho en casa contando con gente como Alex Cappa o Erik Monsonis para diferentes tareas. El disco cuenta con un potente sonido sin nada que envidiar a los que nos viene importado. ¿Pensáis que en España ya se consiguen producciones a nivel internacional?

Sin lugar a dudas. De hecho esa es una de las razones por la que rompimos el contrato. Se supone que teníamos el compromiso de grabar dos discos con ellos y como con uno ya teníamos suficiente, eso añadido a que romper el contrato significaba pagar, les ofrecimos solo la edición. La idea era grabar aquí y ellos los distribuirían, pero no aceptaron. En ese momento para nosotros no tenía sentido ir a grabar fuera cuando aquí podemos obtener una mejor calidad, y la prueba es “Mistakes Art Gallery”. Te podrá gustar o no, pero el sonido es cojonudo. También decir que con Alex Cappa tenemos muy buen rollo y nos apetecía repetir con él, tras la experiencia de grabar “The sound of the Waves” unos meses atrás.

Veo que el disco ha sido editado bajo licencia de Safecreative y CreativeCommons ¿Por qué elegisteis ambas opciones? ¿Qué pensáis de todas estas nuevas formas de defender la propiedad intelectual frente a la SGAE? En realidad es lo mismo. Safe Creative se encarga de gestionar los derechos de tu obra, que en este caso son bajo licencia Creative Commons. Es la manera de que tu trabajo sea tuyo a nivel legal y que nadie pueda lucrarse con ello sin tu permiso.

Lo de que tenga licencia CC es porque queremos que llegue al mayor número de personas, y que mejor manera que ofreciendo el Ep gratis. Es una forma de facilitar a la gente el acceso a tu música y que sean ellos los que decidan si realmente merece la pena pagar por ella, o no.

Por otro lado, yo siempre he tenido la idea de que un disco tiene que ser como tu carta de presentación, es decir, tiene que reflejar lo que la gente va a ver en directo que es donde realmente la música cobra vida, así que cuanta más gente acceda a él, mayor es la posibilidad de que vengan a los conciertos, que es lo verdaderamente importante. Con esto no quiero decir que no se compren discos, de hecho yo sigo comprando todos los que puedo, pero entiendo que hay gente que no lo ve igual. La sensación que tengo es que la venta de discos va a dejar de ser una forma de financiación para las bandas, y acabará siendo algo solo de coleccionistas. Prueba de ello es la, cada vez más común, edición en vinilo. Lo que no se si esto será algo bueno o malo o si repercutirá para bien o mal en la calidad de los discos. El tiempo dirá.

Cuando os formasteis por el 2007 ¿Os imaginabais en el punto donde estáis? ¿Más arriba? ¿Más abajo?….

Nunca lo pensamos. La idea que tienes cuando montas una banda es la de divertirte y poco más la verdad. Nunca nos hemos marcado unos objetivos claros al respecto. Nuestra única intención es poder tocar con bandas que nos gusten y disfrutar de ello todo lo que podamos y nos dejen.

Hagamos retrospectiva y contadnos como se fragua la banda en aquel año. ¿Qué inquietudes os movían entonces? ¿Son las mismas que ahora?

La formación actual se forma cuando se fue a la mierda el anterior grupo en el que tocábamos Alex, Txus y yo. Necesitábamos un cantante y bajista nuevos y aparecieron Raúl y Miguel. Decidimos cambiar el nombre y empezar de cero, eso es todo.

Las inquietudes siguen siendo las mismas que ahora. Intentamos hacer lo que nos gusta y divertirnos. Esto es algo que sigue intacto y esperamos que siga así, por que no concebimos la banda de otra manera.

Hoy en día es difícil ver bandas con cinco años de vida y que hayan aguantado con los mismos componentes ¿Cuál es el secreto?

Lo que te comentaba antes. Tener una serie de cosas muy claras todos, y partir de ahí no creo que sea tan difícil. No deja de ser un grupo de amigos con todo lo bueno y lo malo que ello conlleva.

Siempre hemos pensado que, aunque discutamos entre nosotros, tenemos que intentar buscar los puntos en común y hacer concesiones lógicas. Lo normal en cualquier relación, ni más ni menos.

Pasando al tema de directo. En el pasado habéis compartido cartel con grandes bandas ¿Qué tenéis programado para estos próximos meses?

Los próximos meses los vamos a dedicar a componer principalmente. Esta es nuestra prioridad en este momento, aunque seguramente algún concierto haremos de aquí a final de año.

Terminamos aquí. Si queréis añadir cualquier cosa que consideréis oportuno vía libre…

Solo daros las gracias por la entrevista y que esperamos veros a todos lo antes posible con un nuevo disco.

Raúl Sújar Pozo

Paso a paso y disco a disco se están convirtiendo en una banda con una gran reputación en su país con su heavy metal directo y por momentos cercano al thrash.

Con el motivo de su cuarto trabajo, “Caraça”, el cual fue una gran sorpresa para Hijos del Metal, no pudimos dejar pasar la oportunidad de entrevistarnos con la banda.

Pese a que os he conocido con este disco la banda lleva ya unos cuantos años a las espalda. “Caraça” me ha parecido un buen álbum y una excusa perfecta para conocer más sobre Carro Bomba. Comencemos por el principio, la banda se forma en el 2003 tras una “jam-sessions” ¿Contadnos como ocurrió?

Fabrizio: Fue una gran fiesta, y en cuanto comenzamos a tocar supimos que algo especial estaba pasando porque parecía como que habíamos estado tocando juntos desde hacía años. Hicimos la jam session con clásicos de Sabbath, West Bruce & Laing, Mötorhead y Cream, entre otros.

No pasa mucho tiempo y grabáis vuestro primer disco, “Carro Bomba”, el cual grabáis en cuatro días. Un disco en cuatro días es una locura ¿Teníais experiencias anteriores?

Fabrizio: ¡Yo ninguna! Marcello era miembro de Patrulha do Espaço, una banda brasileña de gran influencia, con la que grabó 4 o 5 álbumes. Ricardo también tenía algo de experiencia en estudio.

Seguís trabajando a buen ritmo y lanzáis “Segundo atentado”.

En vuestra opinión ¿Qué diferencias hay entre ambos trabajos?

Fabrizio: El segundo álbum es más heavy y más maduro, pero también tiene ese sentimiento espontáneo del primero.

En este disco colabora el vocalista Rogerio Fernandes en el tema “A Luz, a paz e a Bomba”, sin embargo no es hasta el 2007 cuando se incorpora a la banda de forma oficial. De aquí me surgen dos preguntas ¿Por qué la necesidad de buscar un vocalista? ¿Por qué no antes su incorporación?

Fabrizio: Elegimos a Rogerio porque él es uno de los mejores cantantes en Brasil, y queríamos hacer música más compleja. Vino justo en el momento oportuno, y creo que esto no hubiese salido así si lo hubiésemos intentado meter en la banda antes.

Además ese año se incorpora anteriormente el batería Fernando Minchillo el cual deja la formación tras la grabación de vuestro siguiente disco, “Nervoso”. ¿Por qué deja la banda tan pronto?

Fabrizio: Tenía problemas personales por aquel entonces. ¿Cómo contactáis con Heitor Shewchenko? (ndr. Actual batería de la banda) Fabrizio: A Heitor nos lo presentó Nando Fernandes (el hermano de Rogerio y también un muy buen cantante) y en la primera audición, supimos que él era quien buscábamos.

Este disco se considera uno de los mejores discos de heavy metal de Brasil ¿Cómo os sentís al escuchar esas palabras?

Fabrizio: Es genial escuchar este tipo de cosas, pero a nosotros no nos afecta, de verdad. De hecho, solo sirve para poner más lejos nuestros límites, ir más allá y mejorar y mejorar, en cada álbum, en cada concierto...

Cuando comenzáis a grabar “Caraça” la banda crece en popularidad y eso hace que firméis con Laser Company (ndr.

Sepultura, Korzus, Torture Squad, Krisiun) ¿Cómo surgen los contactos con la compañía?

Fabrizio: Ellos vinieron a por nosotros porque “Nervoso” era un hit. Pero lo dejamos porque no estábamos de acuerdo con la forma en que ellos (no) trabajaban.

El disco suena como un cruce entre Black Sabbath, Dio y Judas Priest, sin duda la banda se mueve entre sonidos de heavy clásico, aunque también se ven algún sonido thrasher ¿Cuáles son vuestros gustos individuales?

Fabrizio: Escuchamos desde Robert Johnson hasta Slayer, pasando por Novos Baianos (una banda brasileña clásica)... Mis influencias personales son Jack Bruce y Tim Bogert.

Marcello: Tony Lommi, Gary Holt y Robert Fripp.

Rogério: Paul Rodgers, Neil Young y todos los iconos del rock sureño.

Heitor: Mike Terrana, Lamb of God, Hatebreed.

Con cuatro discos editados ¿Habéis pensado en editar vuestro primer CD o DVD en directo?

Teniendo en cuenta que vais a dos discos por año ¿Tenéis compuesto algún tema para el próximo álbum?

Fabrizio: Si, pero no queremos tropezar con esto, queremos hacerlo bien, en el local perfecto con la audiencia perfecta.

Fabrizio: Si, ya tenemos 6 canciones. Y creo que es correcto decir que este próximo álbum será todavía más heavy que “Carcaça”.

Cuando se habla de heavy metal clásico en Brasil siempre se recuerda a bandas como Salario Minimo, Azul Limao, Harppia, Viper… y más recientemente Hazy Hamlet, Shadowside… ¿Actualmente que bandas destacaríais del nuevo heavy metal brasileño?

Pues tan solo queda agradeceros vuestro tiempo y dejaros las últimas líneas para que habléis con los lectores.

Fabrizio: Uganda y Violator, pero ellos no son bandas particularmente nuevas. Y nuestros hermanos de Baranga, ¡que son Rock´n´Roll hasta los huesos!

Hasta ahora creo que la única salida fuera de Brasil, ha sido en Chile ¿Qué planes tenéis en directo?

Fabrizio: En lo que más nos centramos ahora mismo es en preservar al máximo nuestra estructura del escenario y en el staff. Claro que hay lugares a los que es simplemente imposible llevar todo el material y el personal, pero nos va bien. En agosto tenemos sala en Boa Vista, Roraima, que está localizada muy al norte del país y está más distante de Santiago. Y tenemos conciertos todos los meses hasta finales de año. ¿Qué conciertos han sido los más importantes para la banda a día de hoy?

Fabrizio: Todos los festivales en los que hemos estado, como Virada Cultural (São Paulo) y Roça´n´Roll (Minas Gerais) porque en los grandes festivales como estos estás expuesto a grandes audiencias.

Corregirme si me equivoco pero a diferencia de los anteriores discos para este no habéis realizado ningún videoclip ¿Tenéis pensado algo al respecto?

Fabrizio: ¡Nuestro vídeo de la canción “Queimando a Largada” está siendo finalizado en este mismo momento! ¡No es broma! (ndr. genial, estaremos a la espera).

Fabrizio: Muchas gracias a ti Raúl y a tus rockeros y metalheads españoles. Esperamos poder girar por Europa en un futuro cercano. ¡¡ROCANROL!!

Texto: Raúl Sújar Pozo Traducción: Irene López

Asha es el alter ego del multi-instrumentista malagueño Kike G. Caamaño que lleva más de dos décadas dedicado en cuerpo y alma a su música. Kike es un guitarrista que no solo explota su lado técnico en las canciones sino que también exprime el lado emocional y compositivo rodeándose de músicos para llevarlas a cabo.

Con su último trabajo, “Preasures of Equality”, como excusa os dejamos con su pasado, presente y futuro.

La historia de Asha comienza editando en el transcurso de dos años la friolera de catorce trabajos compartiendo la denominación de “Projects”. Comencemos por el principio. Cuéntanos como comienza a fraguarse el comienzo de este proyecto.

Yo tenía una banda de rock llamada Coxa donde cantábamos en castellano y allá por 1987 decidí hacer una maqueta instrumental en plan neoclásico muy orientada a la guitarra junto a unos amigos de otros grupos como un proyecto paralelo. Decidí moverla ya que estaba de moda eso de los guitarristas instrumentales y para mi sorpresa todo el mundo se interesó en ella y empezaron a llamarme de todos lados así que decidí que ese iba a ser el camino a seguir a partir de ese momento, y hasta hoy día!! ¿De donde surgía tal capacidad compositiva y creativa? ¿No te desgastaba escribir tantas canciones en tan breve tiempo? (ndr. 140 editadas y a saber cuántas en el tintero…)

La verdad es que siempre tengo música en la cabeza, es algo quizás enfermizo (Risas). Siempre me ha gustado la música y no podría vivir sin ella así que tuve la suerte de poder ir plasmando todas esas ideas que iban surgiendo en canciones, todo era muy intuitivo y de forma bastante improvisada, sin seguir patrones o estructurar temas, lo cual sigo haciendo hasta día de hoy!

Me ponía delante de la grabadora e iba grabando cosas y cosas, perfilando a medida que iba grabando y la verdad es que es una etapa a la que tengo muchísimo cariño ya que salieron cosas geniales y de vez en cuando las reviso y yo mismo me sorprendo! Gracias a Dios las ideas siguen surgiendo y no sé cómo lo hago pero finalmente todo parece encajar y los temas acaban por tener cierta coherencia...muchas veces parece que tienen vida propia y son ellas quienes me dirigen para poder ver la luz! Espero que las musas me sigan visitando y pueda seguir haciendo temas... algún que otro seguidor ya me ha tildado de coleccionista de canciones!

El proyecto comienza con una formación completa con cada músico ocupándose de su instrumento pero con el tiempo fuiste desarrollando tu faceta de multi-instrumentista quedando solo al frente con la ayuda de vocalista ¿Por qué esa tendencia?

En un principio para la maqueta éramos más bien unos amigos que se habían juntado para plasmar esos temas

instrumentales que tenía en mente, y en directo si ya éramos una banda que a veces funcionábamos como trío y en otras teníamos cantante pero a la hora de grabar ya desde los “Projects” me involucré en hacerlo todo, más por cuestión de comodidad y de tiempo y porque las ideas que me iban surgiendo las iba plasmando como ya te comenté de forma más o menos improvisada, y quedaban bien sin necesidad de regrabarlas por otros así que esa faceta de multi-instrumentista ya viene desde los inicios básicamente pero el de arriba no me ha dado el don de una buena voz así que siempre intento arroparme de buenos cantantes y buenos amigos para poder hacer posible que mis composiciones cantadas tengan la uniformidad y la coherencia necesaria.

Has ido editando discos instrumentales junto a discos cantados ¿Con cuales te sientes más cómodo?

Antes de escribirlo ¿Te planteas si un disco va a ser de una forma u otra, o bien a medida que compones decides si es instrumental o no?

La verdad es que me gustan ambos mundos, tanto el instrumental como el cantado, y ambos son complicados ya que en uno procuro que la guitarra no sea muy pesada al tener que suplantar, supuestamente, a una voz y por otro lado el hecho de tener voz implica el crear una letra que resulte al menos interesante, pero ambos mundos me gustan. Nunca planeo nada antes de comenzar un disco, no tengo problemas en hacer una canción de un estilo y otra de otro totalmente diferente, eso ha sido siempre una pauta que te puedes encontrar en cualquiera de los discos de Asha y es una de las razones por la que en directo no han podido encasillarnos... creo que hay muy buena música de todo tipo ahí fuera, de muchos estilos diferentes y no me quiero perder todas esas emociones que me puedan transmitir.

La música es la expresión de los sentimientos y aferrarse sólo a uno de ellos puede resultar insatisfactorio para ciertas personas... como yo!

Conociste a Jacob Poulsen en la fiesta de los premios de Carlos Pina y este es tu segundo trabajo con él ¿Qué tiene Jacob para haber encontrado tu otra mitad, musicalmente hablando, en él?

Es la voz que necesitaba para poder plasmar los temas que últimamente estoy creando, tenia en mente ese tipo de voz y fíjate, lo tenía al lado de casa ya que vivía en mi misma ciudad, Fuengirola y sabíamos el uno del otro, pero tuvo que ser en Madrid, a 500 kilómetros donde descubrirla ya que

fue allí, en los Premios a La Creatividad del Rock donde nos conocimos! Su voz da empaque, calidad, cohesión... es una excelente voz, Jacob es muy intuitivo, fácil de trabajar con él, dispuesto a probar lo que sea musicalmente sin miedos ni prejuicios y tiene unos gustos musicales muy amplios lo que le hace también muy versátil... Seguiremos colaborando juntos ¡por supuesto! ¿Tiene Jacob voz y voto en la composición, arreglos o letras de los temas?

Realmente los temas suelo tenerlos acabados y atados a la hora de grabar voces, al menos en lo que se refiere a la estructura final, a la letra y a encajarla en la canción ya que luego doy vueltas y vueltas a los temas con pequeños arreglos entremedias, y de eso Jacob puede dar buena fe! Pero eso no quita de que a la hora de ir grabando las voces si se le ocurre alguna idea o alguna vuelta a una frase o algún tipo de registro de voces la probemos y la grabemos.

A lo largo de los años has contado con muchos músicos en tus discos ¿Con cuales guardas un recuerdo inolvidable?

Lo primero es que todos los que han colaborado conmigo son amigos y siguen siéndolo y seguimos manteniendo el contacto, además son todos muy especiales para mí ya que me han ayudado a conseguir plasmar mis ideas y les estoy muy agradecido por ello, a todos por igual. Sin ellos no hubiese podido redondear esos temas, han aportado su buen quehacer plasmando su arte en mis composiciones, es todo un lujo tener amigos como ellos y a todos los considero parte de la banda ya de por vida.

El reconocimiento a tus dotes te ha llevado a participar en tributos a Status Quo y Uria Heep ¿Cómo te ofrecieron esas posibilidades?

Pues fíjate que mi banda favorita es Status Quo, crecí con ellos, y su disco “Quo” del ‘74 hizo que me interesase por el mundo de la música y decidiera crear canciones. La cuestión es que soy un fan bastante conocedor de la banda y me conocen también muchos Quofans del mundo, y uno de ellos era el encargado en Noruega de hacer el cd tributo, conocía mis discos de Asha así que me llamó y lo hice, al igual que el de Uriah Heep en el que el productor era el mismo que el de los Quo y me pidió que participase.

un disco de su banda, creo que debería profundizar más en su música ahora que lo mencionas! Mis “rarezas” a la hora de tocar o componer se las debo a Zappa y a Holdsworth...

Además de componer para los discos compones música para películas o documentales ¿Cuéntanos esa faceta tuya?

Pues he hecho música para varias obras de teatro, para algún que otro documental y recientemente he hecho arreglos en la película de Nacho Recio N949 estrenada hace poco en un tema precisamente compuesto por Jacob Poulsen.

Todo esto sale gracias a amigos, conocidos, etc, como suele pasar en estos casos....trabajar en música para teatro o documentales es muy diferente a hacer temas para otras bandas o participaciones en discos, el trabajo es agotador y requiere de una visión muy diferente a lo que es trabajar en una canción.

¿Eres de esos músicos que te gustan coleccionar instrumentos, amplis, pedaleras y demás artilugios? ¿Con cuántas guitarras u otros instrumentos dispones para desarrollar tu música?

Me encantaría tener más pedales, más guitarras, más amplis!! pero he desechado muchos y otros se han ido perdiendo a lo largo de todos estos años, ahora tengo unas seis eléctricas, Fender, Gibson, Ibanez.... dos Ovation, una Yamaha de 12 cuerdas, varias clásicas, bajos... de amplis conservo mi Marshall JCM 900 con varios cabinets vintage, también un viejo cabinet Vox pasado a través de un rack con Mosvalve, ADA, múltiples efectos, varios pedales rondando el suelo del estudio......y aún tengo bastante material y viejos amplis por casa de mis padres en los trasteros, un día los he de juntar todos, pero de momento falta espacio! A la hora de grabar tengo predilección por mi Ibanez 540S Scott Henderson y por otra Ibanez la cual he modificado por completo, son mis “hachas” predilectas!

Musicalmente lo que he podido escuchar de tus trabajos me han recordado por un lado a cosas clásicas como Van Halen y por otro a tendencias más modernas como

Mattias Eklundh de Freak Kitchen ¿Qué músicos te han influenciado más a lo largo de tu carrera?

Desde la primera vez que escuché a Eddie Van Halen mi mundo guitarrísticamente hablando cambió, siempre ha sido un referente y siempre lo será, es un genio. Por otro lado Zappa es mi gran mentor, gracias a él y a su música y a su forma de trabajar hago las canciones de Asha de la manera que hago, es un enorme torrente de inspiración y un auténtico genio de genios, es el músico más versátil con el que me he topado. Y como guitarristas Allan Holdsworth me sigue maravillando, es quizás el guitarrista más estratosférico y complicado del planeta... Scott Henderson, Steve Morse que también es otra bestia de la composición, bandas como Queen, Yes, los discos de King Crimson con Adrian Belew son magníficos, discos como el Quadrophenia de los Who, obra maestra (lo que daría yo por componer algo así) y hay innumerables canciones de muchos artistas diferentes que desearía que fuesen mías! Hay muy buena música ahí fuera y lo mejor de todo es que aún salen bandas muy buenas y discos excelentes... curioso lo de Mattias ya que no lo he seguido mucho, de hecho no podría nombrarte

Teniendo en cuenta la multitud de trabajos editados, premios recibidos, galardones del disco del mes… ¿Crees que la música ha sido justa contigo o deberías ser más reconocido al menos a nivel nacional?

La verdad es que estoy contento de cómo han ido las cosas, obviamente podría haber sido mejor, pero también peor, el hecho es que desde el principio nunca he querido estar en esto para vivir de ello, sólo necesitaba hacer música, la que me saliese en ese momento sin preocuparme del estilo y sin dar cuentas a nadie por ello y el que haya gente que me sigue desde los inicios o gente como tú haciéndome esta entrevista e interesándose por mi música es algo impagable. No sería justo decir que debería ser más reconocido, no busco nada de eso y sin embargo siempre se han acogido mis trabajos con muy buenas críticas por lo que estoy muy contento por ello, eso si, el artista siempre intenta que su arte llegue al más número de público posible y bueno, en ello estamos!

Jorge Salan, Manuel Seoane, David Valdés, Robert Rodrigo, Dan Hoyos… ¿Qué opinas de los guitarristas nacionales?

Siempre ha habido grandes músicos en este país, pero no sólo instrumentistas sino compositores y

en particular siempre ha habido buenos guitarristas y no sólo de rock....creo que hemos tenido siempre la tendencia de pensar que lo de fuera es mejor que lo de aquí, pero es porque quizás tenemos ese síndrome de segundones o de no creernos que podemos ser igual de buenos en lo que hacemos que cualquier otro, no sé si será por esos 40 años de aislamiento y de falta de confianza en nuestras posibilidades, el caso es que hay que quitarse ese San Benito de encima de una vez por todas, al menos ya hemos hecho historia en el fútbol, ¿no? (risas).

Parece que un Jorge Salán nunca va a ser un Steve Vai por ejemplo ¿Por qué crees que el público maltrata tanto a los músicos que tenemos en nuestras fronteras?

Es cierto que no se valora como debiese la cultura en general, no sólo la música, fíjate en el plano de la investigación por ejemplo, no sé exactamente a qué puede ser debido, quizás a lo que te acabo de comentar, a tantos años de ver que fuera de nuestro aislado territorio todo lo que venia era novedoso, moderno, iba con los tiempos y aquí llegaba todo tarde y mutilado y claro, finalmente nos creemos que lo de aquí es inferior y no está a la altura, pero ya te digo que hay que dejar de una vez ese sentimiento de segundones y empecemos de verdad a apoyar y a mostrar sin peros ni salvedades el reconocimiento que la cultura de este país se merece.

¿Cómo llevas tu actividad en directo? ¿Tienes pensado en juntar unos cuantos músico para defender los temas en directo o solo te apetece componer?

Hace ya un tiempo que Asha no funciona en directo, mi primer concierto lo daría cuando tenía unos 15 o 16 años y a partir de ahí he dado muchos, ¡créeme! He ido con la furgo buscando bolos, muchos sin que nos pagasen, la mayoría diría yo. Y ahora estamos en una incertidumbre peligrosa, estamos heridos, el panorama no es muy alentador y ya cuesta dinero poder mostrar tus obras en directo, por ello no me planteo de momento hacer nada, no quiero revivir de nuevo la época furgonetera! Eso sí, procuro de vez en cuando quitarme el gusanillo tocando en fiestas de amigos o con otras bandas amigas. Espero que pronto la gente se dé cuenta de que el directo es fundamental para los artistas y para el público y que sean conscientes de que su apoyo y su presencia es vital para la música en general.

Hace poco has grabado un videoclip del tema “De qué vas?” junto a Juan Olmos .Cuéntanos la historia de esta colaboración.

Hace tiempo ya que Juan y yo somos amigos y desde el primer día hablamos de colaborar en un temita, cada vez que hablábamos o nos veíamos surgía la historia y hace poco decidimos que era ya hora de dejar de hablar del tema y que nos pusiésemos a ello, así que

preparamos el tema a medias en mi estudio y en su estudio. Aproveché hace poco el subir a Madrid para los Premios de Carlos Pina donde he tenido el honor de recoger el Premio al Mejor Disco de Rock por el “Pleasures Of Equality” y grabar por la tarde el video clip. Es algo desenfadado, divertido y fresco, lo importante es que nos lo pasamos genial! ¿Podría llegar esta colaboración a algo más? ¿Un disco entero tal vez? ¡Claro! Los músicos siempre estamos dispuestos a cualquier colaboración y más si se trata de amigos así que no te extrañe que hagamos alguna cosa más, Juan es un crack y además como ya te digo, nos lo pasamos genial haciendo cosas de estas!

Pues creo que va siendo hora de ir acabando, así que como siempre dejo las líneas finales para que comentes cualquier cosa que se haya quedado olvidada y te dirijas a los lectores de Hijos del Metal.

Pues agradecerte de verdad tu deferencia para con mi música y todo el apoyo que das a la música en general y a la de Asha en particular, sin vosotros esto sería muy, muy complicado, y más hoy día en los tiempos que corren dadas las circunstancias que está atravesando la música y en concreto el rock, así que gracias de verdad por TODO! Desearos mucha salud y por supuesto, mucho R&R!!

Raúl Sújar Pozo

Antalgia - Perception of reality (Auto Editado '12)

Aria Inferno - The Absinthe Episodes (A World Beyond Records '12)

La voz de Bella Dianez al frente y una escucha superficial pronto les pondrá en el saco de metal gótico, pero una escucha detenida hará que la banda se sitúe donde se merece.

Tienen partes que recuerdan al metal gótico indudablemente, pero musicalmente la banda tiene una fuerte inspiración en el metal progresivo melódico, con un gran trabajo instrumental de todos sus miembros, Carlos (bajo) y Albert (batería) realizan cambios de ritmo y dan fuerza a los cortes, Ignar Jover realiza un trabajo soberbio a la guitarra, demostrando detalles de su técnica pero incorporándola en todo el momento en el tema en lugar de intentar sobresalir, algo que también ocurre con las teclas de Xavi.

Bandas como Stream of Passion, Epica o sus compatriotas Diabulus in Musica son nombres que puedes tener en la cabeza como punto de partida, pero sin duda solo deben servir como referencia al buen trabajo realizado por los catalanes.

Grandes momentos como “Embrance of Death” donde solo he echado de menos un poco más de agresividad en la voz en momentos puntuales, algo que si tiene “The Invisible Mechanism” que cuenta con grandes riffs, un teclado virtuoso en lucha constante con la guitarra y una fuerza vocal que no pierde sensibilidad.

Tenemos la potencia de “Realm of Pain”, la belleza de “Line of Life” con una guitarra delicada acompañada de una base potente y una angelical voz. “Broken Wings” destaca por sus orquestaciones y un gran Ignar nuevamente. En “Memories” es la voz la que recoge todo el protagonismo y acompañada por el teclado principalmente cabalga lentamente en una balada que va increscendo hasta alcanzar su momento álgido a partir de los cuatro minutos y medio.

Impresionante álbum debut de una banda prometedora que a buen seguro tendrá las puertas internacionales abiertas como así recoge una extensa gira que les llevara por Holanda, Francia, Alemania, Grecia, Hungria…

Impresionante debut de esta gente de Úbeda (Jaén) que sin duda demuestran que no son novatos en esto. Tres de sus componentes - Víctor de la Chica (bajo) y los hermanos Fran Suarez (guitarra) y Txus Suarez (batería) - formaban parte de los reconocidos Moonlight Fear.

Además el vocalista elegido para ello ha sido Gus Monsanto (Adagio, Revolution Renaissance, Takara…) lo cual le dota aun más si cabe de un aire internacional totalmente exportable.

En el disco encontraremos un power metal sinfónico-progresivo de alta calidad y con mucha fuerza con nombres como Symphony X, Adagio, Redemption y similares como máximas influencias. El disco además está basado en una libre traducción y adaptación, por parte de Fran, de la obra del “poeta maldito” Charles Baudelaire y del que la banda ha recogido ese karma oscuro de su visión del mal que impregnaba su obra.

Hay temas muy heavys como el gran “The Staring Serpent” con momentos progresivos muy buenos y un destacado Víctor de la Chica; el pegadizo “Revenant” y “Harmonie Du Soir” donde hacen uso de voces guturales con ritmos pesados y contundentes. Tenemos la balada “Autumm Chant” donde colabora el vocalista Agustín Lasanta de Anima Adversa (¿futuro vocalista para la gira?) y la cual aplica la formula de lentitud al comienzo para ir ganando fuerza, volver a caer y levantarse de nuevo con un gran trabajo en la guitarra solista. La contundencia de la base rítmica y el neoclasicismo de la guitarra en “Sed Non Satiata”. Las instrumentales “Elevation” donde destaca la guitarra y su oscuridad; y “Confession and Duellum” con estructura de tema propio, rápida, potente con cierto regusto incluso a Megadeth. Esta última sirve de antesala al último y extenso, once minutos, tema llamado “The Swan” que comienza con guitarras disonantes para desglosar un tema con cambios de ritmos, estructura compleja y rico en matices combinando una batería marcada por el doble bombo junto a pasajes oscuros con voces guturales y los riffs pesados y densos.

Grandísimo debut que esperemos tenga su continuación con posteriores entregas al mismo nivel.

Raúl Sújar Pozo

Raúl Sújar Pozo

Empyrica - Infinito (Auto Editado '12) Cuando le entrevistamos para el cuarto número de Hijos del Metal la banda ya nos adelantaba que estaban trabajando en su segundo álbum el cual tendría el nombre de “Infinito” y que se trataría de una historia conceptual. Bien, poco más de un año después tenemos dicha entrega donde la banda ha dado un salto adelante en su propuesta. Si en su primer disco el metal progresivo y la influencia de Dream Theater estaba presente, en este nuevo capítulo han incrementado el metal progresivo añadiéndole nuevas connotaciones como es un mayor sinfonismo y partes ambientales para contarnos la historia de la nave Argos.

Ya en su primer tema “Infinito” podemos ver ese toque progresivo donde todos los instrumentos destacan y dejan ver su técnica. Siguen los temas de desarrollo amplio y largos de duración, en su parte central destaca una parte donde la banda coquetea con el jazz.

En “Pyramid” siguen los mismos patrones donde la banda parece jugar con melodías árabes hacia el final de sus más de ocho minutos.

Jesús Álvarez (teclado) sigue siendo un gran protagonista en el sonido de Empyrica aportando su técnica cuando lo requiere o bien envolviendo el tema con el aura requerido. José López (bajo) por su parte ha recogido más protagonismo no solo destacando en la base rítmica sino que va teniendo apariciones solistas y junto a Ulises Dietta (batería) consolidan un sonido consistente, esto se puede observar en “Gehena 29A” donde juegan con los tiempos y ritmos enriqueciendo el tema. La voz de Nieves sigue aportando personalidad a los temas, quizás en este caso resalta su lado más melódico pero no termina de perder su fuerza como demuestra el corte más cañero del álbum “Oxygeno”. Javier López (guitarra) por el contrario se muestra en un papel más secundario, tiene sus buenos momentos como en “Zero” pero sigue mostrándose servicial al tema más que al lucimiento personal a excepciones como “Qwerty” donde coge más protagonismo.

Dentro del progresivo y del virtuosismo aparece “El paramo” un tema con tintes de baladas, con momentos intensos y con algún riff pesado pero muy a medio tiempo.

Ocho temas más tres interludios, casi setenta minutos de música, ambientaciones, arreglo complejos, virtuosismo, dinamismo… en definitiva un gran trabajo y un paso adelante en la carrera de los sevillanos los cuales han llegado a un punto de madurez compositiva que augura un buen futuro.

Raúl Sújar Pozo

Aggression - Viocracy (Xtreem Music '12)

Condidence - Prelude (Auto Editado '12)

Una de las bandas que más llamaron la atención a un servidor con su thrash metal, por algo fueron portada del número dos de nuestro magazine, regresan con su segundo larga duración donde muestran una ligera evolución en su sonido yendo por derroteros más técnicos que antaño.

Temas como el inicial “False Flags” ya dejan claras las intenciones donde los nuevos integrantes Carlos Leonardo al bajo y José Redondo a la batería muestran sus dotes y la nueva savia que han aportado a la banda donde Pol sigue mostrando ese timbre tan personal suyo que recuerda a grandes personalidades del thrash metal dando un toque distintivo.

Temas como “Viocracy” y “Chemical Slavery” recuerdan a los Aggression del primer disco con ritmos más tradicionales pero sin duda algunos solos, riffs, partes de batería dejan ver más su lado progresivo.

En “MK Ultra” y “Get Mad” nos devuelven esos riffs entrecortados y ultra técnicos donde bandas como Atheist o Cynic son un buen espejo donde mirarse. Quizás en ocasiones queda un tanto desestructurado, sonando a partes diferentes unidas pero inconexas.

“Human Nature” tiene un toque a heavy clásico al inicio que se torna potente en su desarrollo posterior donde recuerdan a Coroner.

En “Victims of Bias” la banda se atreve a jugar con sonidos de jazz, blues, funk… dando un toque original y donde sus componentes pueden demostrar sus dotes destacando el bajista Carlos.

La banda además ofrece una versión del tema “YYZ” de Rush lo cual deja más claro todavía el nuevo enfoque que la banda ha querido ofrecer. Una versión bastante fiel pero pasado por el filtro del sonido de Aggression, los cuales han querido desmarcarse del resto de bandas del thrash patrio con un toque más técnico y lo han conseguido, aunque haya veces que quede un poco caótico y enrevesado pero sin duda efectivo.

La banda sueca ha decidido emprender su aventura discográfica bajo un lanzamiento en exclusiva en formato digital bajo la denominación de “Prelude”. Además este lanzamiento no se trata de un trabajo de larga duración sino que la idea de la banda es ir editando Ep digitales con el fin de publicar trabajos más a menudo (unos dos por año). Una extraña forma que el tiempo dirá si es acertada o no, de momento y para completar el círculo de cosas raras es que en una publicación digital nos encontramos que la promoción del álbum si se hace con el envío de promo física.

A parte de un artwork sencillo y a la vez elegante la banda esconde cuatro temas de hard rock potente mezclándose sutilmente en partes con el metal melódico haciendo un hibrido entre bandas como Rainbow, Savatage y los trabajos de Jorn Lande. Y es que es obligada la mención de este último vocalista ya que en la banda destaca de sobremanera la voz de Emil Kyrk con un buen trabajo en todos los temas.

Abre el enérgico “Flesh and Skin”, con un potente estribillo, al que le sigue “War torn skies” un tema con ritmos más pesados donde hay que destacar la guitarra solista y la base rítmica. El teclado de Clas Sjöstrand lleva el peso de la balada “Never Meant to be” que bajo ese aura tranquila el tema va creciendo hasta picos de intensidad convirtiéndose en una gran balada. “Poison Lies” es quizás el tema más anárquico del Ep. Jugando entre momentos de intensidad, relajación, donde la voz, teclado y guitarra van intercambiando momentos protagonistas junto a una potente sección rítmica y unos fuertes estribillos. Un buen resumen de todo lo que ha sido este “Prelude”.

Raúl Sújar Pozo

Raúl Sújar Pozo

Europe - Bag of Bones (Ear Music '12) Podemos hablar de madurez, de un fin de la era glam en sus vidas, renovación… pero lo cierto es que los Europe actuales decidieron regresar en el 2004 con un “Start from the Dark” polémico donde ya avisaban de sus intenciones. Dejando aquel “debut” un tanto más oscuro la banda ha editado dos excelentes trabajos como “Secret Society” y “Last Look at Eden” pero sin duda este me parece el mejor trabajo desde su vuelta. “Bag of bones” reúne todas las condiciones para ser un auténtico disco de rock setentero en la actualidad con un Joey Tempest en la voz cantando cada vez mejor y consiguiendo una madurez artística elogiable. John Norum esta impecable a las seis cuerdas, la sección rítmica formada por John Leven y Ian Haugland, bajo y batería respectivamente, se muestras concisa, con cambios de ritmo y potente; y por último Mic Michaeli demuestra que de sus teclas no solo salen melodías facilonas, y efectivas, como “The Final Countdown”, realizando un trabajo más en conjunto, destacando cuando debe y con un sonido Hammond que deleitara a los nostálgicos de la época.

En cuanto a los temas tenemos el pegadizo “Bag of Bones”, que comienza de forma acústica muy a lo Led Zeppelin para después desarrollar una magnifica base musical con un estribillo pegadizo donde la voz de Tempest esta sublime y Norum realiza un trabajo exquisito.

En “Firebox” destaca la utilización de un sitar dotándole de un toque hindú a la parte central del tema. Temas como el single “Not Supposed to sing the blues” y “My woman my friend” me han recordado bastante al pasado de Leven, Haugland y Michaeli en la opera de Nikolo Kotzev.

“Demon Head” suena potente y pegadiza, con buenos riffs marcados y un teclado final sobresaliendo. “Drink and a smile” introduce guitarras acústicas en un tema con cierto toque sureño. Regresa el rock setentero con “DogHouse”. “Mercy you Mercey me” es otro tema single, con melodías efectivas, crudo y directo donde toda la banda resalta sus mejores armas. “Bring it all Home” cierra un álbum fantástico aportando esa balada clásica de la banda que si bien no es de las mejores de su carrera si muy digna de estar en su repertorio.

Gran trabajo de los suecos que viven una segunda juventud con una madurez que más quisieran algunos de su generación. No te defraudaran.

Raúl Sújar Pozo

Followbane - Ceremonia (Red Rivet Records '11) Quinto álbum de esta formación japonesa que continúa a modo de dúo formado por Nosuke (voz y guitarra) y Kob@ (bajo, guitarra, batería programada, programaciones orquestales y voz).

Para los que no conozcan a esta banda comenzaremos diciendo que su música coge melodías y riffs del death metal melódico junto a orquestaciones, blastbeat y voces más propias del black, recordando así a una mezcla entre Children of Bodom y Dimmu Borgir como muestra de ello “Clouded Crystal”.

En este lanzamiento la banda ofrece diez cortes amenos obteniendo un equilibrio perfecto entre la melodía agradable y la producción oscura y rasgada. Uniendo en una misma canción, “Dance my angel”, una voz desgarradora junto a unos teclados ampulosos que se muestran aún más si cabe en “Fb op.54 –[Sins]led[Bane]” donde junto al bajo como protagonista da paso a un cataclismo de oscuridad saliendo a relucir el lado más black/death del grupo.

Cabe destacar la labor en los solos de guitarra en algunos temas, “Even the Dead Cry” y “Alarm of Death”, muy cuidados en todo el disco manteniendo una línea melódica que sirve de contrapunto al resto de la música.

Mantiene una evolución lógica de sus predecesores y es muy digerible para los seguidores de bandas extremas con mucho poder melódico.

Raúl Sújar Pozo

Saga - 2020 (Ear Music - Top Artits Promotion ' 12) Esta nueva entrega de las leyendas del rock progresivo marca el retorno a la formación de Michael Sadler tras la edición de aquel “The Human Condition” con el vocalista Rob Moratti, que como en casi todos los casos similares pese a que lo hiciera realmente bien nunca es lo mismo que tener al vocalista legendario de la banda, Judas Priest, Van Halen… ya sabes lo que quiero decir.

En este vigésimo trabajo de la banda canadiense encontraremos argumentos de peso para no tener que rescatar su discografía anterior como el pegadizo “Anywhere you wanna go”, la belleza de “Ellery”, la fuerza de “Spin it again” que aumenta en “One of These Days”. “Lost for Words” aporta la parte tranquila y relajada, una balada con la voz de Sadler comandando junto a las guitarras acústicas. “Show and Tell” se erige al final del disco como un elevador de sensaciones volviendo la guitarra de Ian Crichton a tomar un protagonismo devolviendo la intensidad al álbum y marcando un fantástico duelo junto al teclado de Jim Gilmour en presencia de unos magistrales Jim Crichton al bajo y Brian Doerner a la batería. Cabe mencionar que este último ya no forma parte de la banda tras la grabación siendo sustituido por Mike Thorne. un corte de lo más progresivo del álbum y el más largo situándose en los más de seis minutos. Partes sinfónicas, guitarras elegantes, base rítmica perfectamente ejecutada y una voz pletórica hacen de este “20/20” un álbum de rock progresivo de alta calidad. Los fans de la banda están de enhorabuena.

Raúl Sújar Pozo

Zona Oscura - El placer de fracasar (El Subko Producciones '12) Otra de esas bandas que pese a llevar un largo tiempo componiendo canciones editan en estos días su primer álbum debut con un fresco y rock and roll de toque urbano y donde van metiendo detalles cercanos al blues (“Tú la llevas”) e incluso una ranchera (“Autodestrucción”).

Zona Oscura tiene una cosa buena y es que te va a recordar a grandes nombres del rock como son Platero y tú presente en todo el álbum, Barricada en “Esto es Rock & Roll (y déjate de ostias)” o Transfer por citar algunos de los más conocidos.

Hay algún bajón como la balada “Otro domingo” que pienso que no aporta mucho a este rock desenfadado de la banda como muestra “El perro del hortelano” (que recuerdos me han traído a los desconocidos Desecano). Obviamente está presente el rock guasón en apología de las drogas en temas como “María”. Hay sorpresas como la colaboración de Maxi de sus paisanos Fe de Erratas en el rocanrolero “Atasco” en una onda muy a los aragoneses Azero.

Además de su rock ameno la banda se ha encargado de meter elementos para hacer de su música más festiva como la armónica en “De rodilla (os lo pido)” o la gaita en “Acuto” un tema en reivindicación de las lenguas autóctonas.

Está claro que el rock’n’roll siempre nos va a traer a la cabeza los grandes del rock de nuestro país pero discos como este traerá nuevos himnos al rollo y sobre todo un montón de canciones para corear en plena celebración de un concierto.

Raúl Sújar Pozo

Lendakaris Muertos - Crucificados por el antisistema (Maldito Records '12) Sexto trabajo repartido en 17 canciones en menos de 30 minutos por tanto ya sabes lo que te vas a encontrar. Canciones de punk rápidas y directas con mensajes claros y sin dejar títeres con cabeza, así son los Lendakaris y lo vienen demostrando desde sus inicios. Con este disco apenas introducen cambios en su sonido y ni falta que hacen porque son de esos grupos que si te gustan bien y sino mejor probar con otro.

Siguen con sus letras ácidas, metiéndose con todo y con todos pero desde un punto de vista sarcástico. Tratan desde la situación laboral en España en temas como “A la Calle”, la piratería en “Síndrome de Download”, las drogas en “Estamos en la Drogas por esto”, la manipulación informativa en “Una de rumanos”, o la situación bélica en “Cómeme la Franja de Gaza”, incluso el cocinero Ferran Adrià recibe lo suyo en “Envidia Cocina”.

Punk Rock de toda la vida, recogiendo el testigo de La Polla Records, M.C.D. y con unos años a las espaldas para saber cómo tienen que hacerlo.

Raúl Sújar Pozo

Eden - Quattro (Triple A-Metal - Avispa '12) Quinto álbum en su carrera de los asturianos quienes no han hecho esperar más que un año para la continuación a “Caminante del tiempo” y que como suele ser una tónica en su carrera llega con nuevos cambios de formación donde destaca la entrada en la batería de Alberto Ardines (Warcry, Avalanch, Sauze) quien como ocurriera en su anterior trabajo vuelve a encargarse de la producción y grabación en sus Tripe A Studios.

El álbum se mueve por los derroteros del power metal sin inventar nada nuevo a un estilo del que saben mucho por aquellas tierras.

Canciones como “Otra oportunidad” te traerán a la mente a bandas como WarCry o los primeros Avalanch, influencias palpables en otras partes del disco. “Sigue mis pasos” es de esos temas con partes aceleradas y estribillos ultra pegadizos, recordando algo a Brecha.

Siguiendo en la línea de tema con doble bombo predominante, acelerado y cánticos seductores se encuentra “Nostalgia”, de los más entretenidos del disco. No falta la powerballad, “Vuelve a mí”, con un comienzo donde la voz y el teclado son los protagonistas para después coger fuerza con un estribillo con garra siendo esta parte lo mejor de la canción, donde colabora María con la viola.

Un disco donde no destaca ningún hit en potencia pero donde los temas entran fácilmente, eso sí, la producción no les hace mucha justicia y les resta un poco de calidad.

Raúl Sújar Pozo

Dais - Fábula (Maldito Digital '12) Banda de rock barcelonesa que edita su segundo trabajo a modo de dúo, siendo Isabel Martos a la voz y David García a la guitarra los que lideren el proyecto en el que se han acompañado de Marcos García en la batería.

En este “Fábula” podemos encontrar un estilo predominante que es el hard rock como bien demuestran en “Bajo control” o “La realidad”, guitarras desenfrenadas con la voz carismática de Isabel, un rollo entre Rosa (Horganza) y Leonor Marchesi (Santa). Pero también suben la fuerza llegando al heavy rock de “Solo” que contrasta con “Aprende a volar” que comienza con un toque “pop”, casi que me recuerda a bandas como Amaral y la Quinta estación, pero las guitarras consigue llevarlas a nuestro terreno. Quizás este tema junto a “Puedes recordar” hacen los puntos bajos del disco y temas de los que prescindiría. También de corte más lento pero de mejor calidad aparece “En el punto de partida”. “La Fábula del príncipe payaso” es un medio tiempo intenso y profundo, una buena interpretación vocal y musicalmente rico en detalles, pero lastrado por la producción, un hándicap del álbum en general. Rock’n’roll del bueno en “No es una mujer”, destaca la guitarra en la instrumental “Dame la luz” junto con el uso de sintetizadores.

Un disco con algunos altibajos, sobre todo en algunos temas por la producción, pero que consigue engancharte en muchos momentos por lo que merece más que la pena darle unas buenas escuchas.

Raúl Sújar Pozo

Hijos del Hambre - Adios mi Rockalcohol (Auto Editado '11) Tras cuatro discos bajo el nombre de Rockalcohol la banda cordobesa resurge de sus cenizas en el 2010 para reinventarse tal y como ellos mismo comentan. Y el ave fénix en este caso tiene nombre de Hijos del hambre y el título de su debut es un homenaje a esos tiempos pasados.

Mirando esta nueva andadura encontramos un disco muy sobrio y con las ideas muy claras con ganas de hacer un disco de rock directo y fresco.

“Hijos de la calle” es uno de los mejores temas donde el concepto de rock andaluz tiene nuevas connotaciones, no se parece a Triana ni a Medina por mencionar dos grandes exponentes pero su mezcla de flamenco, gracias a la colaboración vocal de Rafa de Ronda, con el rock no podría ser más perfecto sin perder la identidad de nuestro rollo.

Los Barricada parecen sonar en “Esta es mi condena”. “No te lleves más de mi” tiene un ritmo machacón y constante a medio tiempo, al igual que “Amor de madre” donde hacen hincapié en su estribillo. Recuerdan a Extremoduro en el comienzo de “En la cuerda floja” aunque luego la canción se torna más comercial, incluso me ha recordado a un single de Melendi de los 40, aunque no hay que asustarse ya que la guitarra se encarga de hacernos saber que esto es rock de calidad. Muestran su lado más salvaje en “El hijo prodigo”, su lado nostálgico en “Mi generación”, toda una reivindicación de sus principios. Rock sencillo y efectivo en “De pie en la vida” y “Verbeneros”. La balada recae sobre el tema “Candela” la cual va cogiendo intensidad hacia su final.

Gran propuesta de rock sin artificios y buscando su cierto toque de originalidad y calidad.

Raúl Sújar Pozo

Kronnen - Fotos de lo que fuimos (AE Distro '12) Nuevo trabajo de los granadinos donde muestran un rockmetal altamente influenciado por bandas como Sôber que sin duda te vendrán a la mente en más de una ocasión. Un estilo que en España está dando bandas de buena calidad como es este caso o el de otros como Vostok 108.

Potente y melódica comienza “Víctor Dorey” mezclando medios tiempos con ramalazos de puro rock. Tenemos la fuerza de “Decirte adiós” con riffs más metálicos que rápidamente llevan a terrenos de tranquilidad con guitarras cristalinas. “La belleza del tiempo” es de esas baladas con intensidad donde la voz es el argumento de defensa más fuerte en apoyo de una sección musical que va cogiendo protagonismo, destaca los punteos de guitarra electro acústicos. Vuelve el rock en uno de los mejores cortes, “Objetivo conseguido”, riffs entrecortados y base rítmica consistente donde me han recordado a los mallorquines Indalo.

“Fotos” en versión acústica y en versión radio edit dan el punto final a este trabajo.

Trabajo maduro y bien producido donde si eres seguidor de Sôber sin duda te entrara a la primera.

Raúl Sújar Pozo

Asha - Pleasure of Equality Exhumed Day - The Beauty of Hagalma - Sublevación (Red Rivet Records '11) (Auto Editado '12) Putrefaction (Crystal Eyes Recors '12) Desde el sello japonés Red Rivet Records Tercer asalto de los malagueños que irrumpe como una explosión de black-death metal directo y enrevesado como bien demuestran en “From nun to Slut” donde los blastbeats de su batería Dani se entremezclan con las melodías ofrecidas por la guitarra de J. Morgue y las rasgada voz de Rex Mortis. Sin duda elementos que son una tónica a seguir en temas posteriores como “Infernal Troopers”, “The Punisher”, “The Beauty of Putrefaction”. Tiempos más sosegados a ritmo de brutal death con voces black y riffs heavymetaleros en “From the Darknmess comes the truth”, un tema que sorprende con un interludio cristalino y melódico para ir cogiendo nuevamente fuerza. “Postmorten” engaña con su melodía inicial para dejar paso a una furia incontrolada pero siempre guiada por la guitarra. “Awakening” encierra una melodía típica del death melódico pero el resto de instrumentos, incluido la voz, los lleva de nuevo al terreno de Exhumed Day. “Catalepsy” irrumpe con tranquilidad para dejar que una entrada vocal de paso a una mezcla de riffs potentes, con una batería que parece una metralleta, partes más pausadas con otras que desatan la locura, con un buen solo de guitarra que resalta la melodía. En “Decapitated by his wife” el brutal death está más presente, juegan con diferentes registros vocales llegando hasta el grind, algo que también sucede en el potente “I Always think in your death” aunque de vertiente mas black. Riffs potentes y que invitan al headbanging mas desenfrenado en “Amnesia”.

Un trabajo donde la banda sigue demostrando que creen en ellos mismos y que han apostado por una edición en diferentes formatos como el cd y vinilos para coleccionistas en diferentes colores y con la gran portada realizada por Raulo Cáceres. Para seguidores de Belphegor y Behemoth.

Raúl Sújar Pozo

nos llega el debut de estos colombianos fuertemente influenciados por el powerheavy metal melódico de base poderosa, riffs contundentes junto a voz y teclados de carácter melódico.

Uno de los mejores temas es “Alma prisionera”, teclados grandilocuentes, guitarras veloces y base contundente en un tema que tiene partes muy oscuras recordando en ocasiones a Saurom Landerth y donde colabora la vocalista Lina Parra. Este tema es precisamente con el que cierran el álbum en su versión inglesa.

“Valor y sublevación” es un tema de power con unos teclados que predominan en la melodía; tiene un estribillo que te pueden recordar a Saratoga. Sigue con el power acelerado y con guitarras marcadas en las dos partes de “La inversión de los actos”.

“Lamentos entre las azucenas” deja paso a una balada donde colabora Tania López poniendo el contraste a la voz de Mauricio Gonzales que transmite sentimiento y feeling. Sube las revoluciones en “Sin suplicas al destino” donde los cambios de ritmo son frecuentes en un tema dinámico.

“Inconsciencia” tiene un inicio lento, con unas guitarras muy estridentes un teclado aportando un aura siniestra y un bajo predominante que dejan paso a una voz desgarradora.

La batería y la guitarras nos van introduciendo el tema “Tiempos de libertad” donde el power metal melódico sigue presente. La instrumental “Delirium Tremens” comienza con unos teclados majestuosos para que la guitarra y el bajo hagan su aparición progresivamente para ir llevando el peso de la canción muy en la onda de Avalanch.

Buen debut donde la banda demuestra que puede ir puliendo su personalidad y que evidentemente con el tiempo y mejora de producción pueden ofrecer un producto muy interesante.

Nuevo trabajo de Asha, el decimo cuarto ahí es nada, donde el alma mater del proyecto es el guitarrista multiinstrumentista malagueño Kike G.Caamaño que deja a relucir calidad compositiva y técnica a lo largo de los once temas donde predomina el hard rock de toques modernos y técnicos.

Entre los temas más clásicos aparecen “How Could You?”, “Come Back” o mi favorita en este apartado “Stuck in Our Moment” cuyo estribillo es de esos momentos que pondría al público de un directo en éxtasis. Por otro lado el alocado y moderno “Unwritten Obsessions” donde el loco Mattias Eklundh (Freak Kitchen) podrá venir a tu mente. El heavy rock inicial “The Deep Serenity” es otro de esos grandes momentos, un tema que recuerda a los temas más potentes de Deep Purple a excepción de las partes más modernas y por la voz de Jacob Poulsen del cual tenemos que destacar su adaptación a todas las partes musicales que propone Kike siendo el complemento ideal para el guitarrista en este momento. La influencia de guitarristas como Satriani y Zappa aparecen en la instrumental “Travels”. “So Ends The End” muestra el lado más duro del guitarrista sin perder de vista la técnica.

Si el disco lo abría con una intro, “Newborn”, donde se escucha la voz de una niña (la hija de Kike con cuatro meses) para el final aparece en modo de outro “Afterlife” con unos teclados muy arábigos, percusiones y guitarras acústicas dando un final relajado al disco.

Sin duda te podrá gustar más o menos el estilo, te podrá saturar o no los millones de notas, los cientos de arreglos… pero lo que no hay que dudar ni por un momento es la calidad que atesora el álbum al que ya se ha catalogado como el mejor disco de hard rock del 2012 y eso que aun no ha acabado.

Raúl Sújar Pozo

Raúl Sújar Pozo

Guadaña - El grito del silencio Hybris - Instinto (Leyendas Records '12) (The Fish Factory '12)

Mercury Rex - Instinto Animal (The Fish Factory '12)

Llego el debut de los gaditanos surgidos de la escisión de Huma. En este “El grito del silencio” no han podido evitar seguir con la línea marcada con su anterior banda ya que una de las señas de identidad eran el dúo vocal formado por Salva y Glory que continúan presente en esta entrega nuevamente de forma sobresaliente.

Temas cañeros como “Sin rostro” donde la banda se atreve incluso a una parte intermedia que recuerda vagamente a Sepultura. “Secreto confesional” bien podría haber encajado en la etapa de Huma, un tema muy pegadizo y que entra a la primera.

Hay temas más duros como la instrumental “Impulsos” con un inicio casi “panteriano” y donde los instrumentos van dejándose protagonismo sobre todo entre el teclado y la guitarra; “Tras el cristal” con un riff potente y una guitarra solista dejando grandes destellos y donde nuevamente la voz juega con papeles más agresivos; y “Tu propio final” con un aire muy a lo Obús.

Heavy-power acelerado y directo en “Innombrable”. Como no podía ser de otra forma “Heavy Metal” suena a eso a heavy por los cuatro costados, un nuevo himno para nuestra defensa del metal. “El grito del silencio” es de esas baladas marca de la casa, con fuerza, sentimiento y con el dúo vocal atacando en conjunto un estribillo penetrable.

Un disco donde destacan numerosas colaboraciones como Fortu (Obús) en “Impulsos” y “Heavy Metal”, pero sobre todo en el tema “Ya no son los mismos” José Cano (Centinela), Miguel A. Franco (Saurom) e Isaac Palon a las voces; José Rubio (Nova Era, Warcry, Dünedain), Chechu (Viga) y Josete (Viga) a las guitarras; José Barta (Ñu, Goliath), Israel Pérez (Ícaro) a los teclados aportan sus dotes en un tema de heavy-power acelerado, sonido de hammond de por medio, buen estribillo y que se convierte en una gran fiesta sonora que supera los doce minutos.

La versión del “Reencarnación” de Santa donde la banda aporta su toque personal para rematar un gran debut que no debe faltar en tu colección de metal.

Hybris están siendo uno de los grupos más luchadores que nos podemos encontrar en la actualidad ya que desde su irrupción en el 2008 con “Otros mundos” la banda ha editado su cuarto disco, el que nos ocupa, en cuatro años y además regalando una vuelta de tuerca a su debut a finales del pasado año. Y la verdad que cada vez consiguen un sonido propio y se superan en calidad, con composiciones más madura, con una banda totalmente compenetrada.

Si ya de por sí, una voz como la de Pacho otorga un plus de distinción, siempre tenía el hándicap de recordar a bandas anteriores, pero su estado de forma y las nuevas composiciones hacen por merito propios que se hable de Hybris con propiedad.

Temas como “Ya es suficiente” tiene un tono amargo y esperanzador en la letra moviéndose en tiempos lentos musicalmente con unas teclas, de Marcos Jiménez, destacadas. “Sueños IV” es un hit en potencia para abrir el disco, con cierto toque oscuro. “Simplemente di” es un tema de heavy-power alegre en contra de la agónica “Palabras” con un Pacho en tonos más graves y un Yeray espléndido en la guitarra, un tema que sirve como excepción y que recuerda a bandas como Ankhara.

Hay colaboraciones estelares en el disco como son el guitarrista Víctor de Andrés (Megara) en “Lucha” un tema clásico de la banda con energía y una gran melodía.

Otra es la del dueto vocalista realizado junto a Tete Novoa (Saratoga) en “Parte de mí”, todo un trallazo de canción, potente y donde el bajo de Víctor suena en todo su esplendor. “Más allá de ti” es otro de los mejores temas del álbum, buenos riff de guitarras, unos teclados reforzando la melodía, cambios de ritmo y Pacho en su línea. El medio tiempo “Eternidad”, las potentes “Desde cero” y “La vida que robaste” y la balada acústica “Tu” rematan un trabajo que no defraudará a sus seguidores.

Proyecto personal de Iñaky Salas “Averno” quien fuera vocalista del primer disco de Eternity (“Entre el bien y el mal” (’02)).

En Mercury Rex se ha encargado de poner voz a unos temas compuestos por una pieza importante en el trabajo, Pedro J.Monge (guitarrista de Vhäldemar) quien se ha encargado de las guitarras, bajo, teclados, grabación, mezcla, masterización y composición de los temas. Vamos que este trabajo tiene mucho que ver con él.

Hay más colaboraciones como la batería de Aritza Castro en todos los temas, el guitarrista Manuel Seoane (Burning Kingdom) con un gran solo en “Jamás volveré” un tema lento pero con fuerza al igual que “Reina de mis sueños”.

Leire Tejada (Niña Vudú) pone su voz en “Una historia sin fin”, una “powerballad” intensa donde el dúo vocal es lo más destacable. También colabora José Luis Serrano (Obús) pero esta vez solo en la composición de “Luna de Hiel”, un tema a medio tiempo donde el estribillo es su gran secreto, de esos que te enganchan a la primera, buena melodía a modo de balada que contrasta con la música algo más cruda de lo habitual en estos temas.

“Fénix” es un heavy power donde predominan los teclados y las guitarras muy en la onda de Eternity. Heavy metal directo en “Sin dudar” y en el single “Instinto animal”. Heavy melódico en “Como una llama” en apología de nuestra música, y “Siempre libre” con un fuerte estribillo nuevamente y donde tratan el tema de la “caja tonta”, de hecho el tema le precede una intro llamada “Zapping”.

Gran trabajo que se han sacado de la chistera tanto Iñaky como Pedro que espero no quede como un proyecto sino como una banda con continuidad.

Raúl Sújar Pozo

Raúl Sújar Pozo

Raúl Sújar Pozo

Phobos Corp - Felicity (Auto Editado '12) El teclista Spyros Papadakis es el maestro de ceremonia de esta banda griega la cual ha lanzado un Ep de cuatro temas junto al batería Chris Sutherland y al bajista/guitarrista Mark Jones. Pero sin duda una de sus fuertes bazas es la colaboración de su vocalista Tara la cual realiza un gran trabajo.

La banda se mueve por derroteros sinfónicos mezclándolos con diferentes pasajes de gothic o power. Bajo ese manto creado por Spyros que por momentos recuerda a bandas sonoras de películas, basta escuchar la genial instrumental “Angels In Despair”, se esconden riffs intensos de Mark junto a la labor de Tara sonando melódica en las transiciones pero consistente en las partes "duras" del Ep. Hay temas como “Conceived Fate” que tiene una vertiente power metal que puede recordar a Rhapsody. “Onde Eternal” y “This Divine Tragedy” es más sinfónica con tintes góticos.

Destacan los arreglos donde se utilizan instrumentos de metal y cuerda como es el caso del saxofón en la primera y de violines en la segunda.

Quizás puede quedar un tanto frío el sonido global de la banda al tratarse de un proyecto y en ocasiones un tanto comercial el concepto pero sin duda cuenta con buenos arreglos orquestales que les da un toque diferente y digno de ser escuchado.

Raúl Sújar Pozo

Factor 19 - Campo de Sueños (Greek Records - Top Artits Promotion '11) El debut de los madrileños se muestra sobre la mesa como un arma peligrosa para la gente con ideas preconcebidas. Me explico, cuando llegas a una tienda de discos (si, esas cosas que se hacían en antaño) y mirabas el escaparate comprabas más de un disco a ciegas por una portada un nombre que se podía asemejar a tu estilo personal. Pues bien si por aquella de las casualidades encontraras este álbum de Factor 19 pensarías en una banda de metal moderno, rock o no sé que más etiquetas pero nada más lejos de la realidad la banda se mueve en toda una vertiente de heavy rock con sabor ochentero, algo que concuerda mas con la foto de la contraportada. Tenemos temas de heavy con rock urbano en “Roja y negra”, el hard rock cachondo de “Mala mujer”, el heavy rock acelerado y directo de “Campo de sueños”, hard rock fresco con estribillo pegadizo en “Contra la pared”, el medio tiempo “Siempre es lo mismo”, o los ritmos decadentes en “Vista atrás” con ese toque a Muro.

El tema de la producción es peliagudo, por un lado pienso que le resta calidad al producto final pero por otro lado ha sido intencionado buscando aquellas sensaciones de los años ’80 y eso lo consiguen así que quizás hayan acertado. Por otro lado hay temas con mucho gancho y otros que quizás falten pulir un poco dejando un disco que sin ser sobresaliente es más que aconsejado.

Raúl Sújar Pozo

ÑCannalla - El mundo en dos (Auto Editado '12) Este segundo trabajo de los albaceteños les sirve de presentación a un servidor que apenas conocía algo de ellos.

Estamos ante una banda difícil de describir ya que su música tiene tantos elementos que me gustan como tantos que no. Comenzaremos a ir desgranando ambas cosas. En un primer momento el tema con el que abren “A las nubes” muestra un lado más comercial con una voz muy melódica que acerca la banda hacia una vertiente más de poprock lo cual confunde un poco, sobre todo al escuchar el siguiente tema, “Entre 10000” canciones”, donde la banda se vuelve más cruda y en el que la voz esta vez recuerda, sino en timbre si en expresión, a Bunbury.

El teclado forma parte activa de los temas siendo a veces un aporte melódico así como en otras ocasiones una atmósfera sombría como en “Ostias sin templar” la cual tiene un ritmo arábigo muy atractivo y un desarrollo progresivo en sus siete minutos de duración. Igualmente muestran su lado progresivo en “El mundo en dos” aunque el resultado no es tan brillante y la voz se muestra demasiado dulzona algo que también se puede decir de “Un día fui”.

El último de los seis temas nuevos, “Armadura y espada”, va increscendo sin llegar a subir mucho las revoluciones mostrando otra vez esa vertiente de Héroes del Silencio.

La grabación se completa con dos temas en acústico y dos remasterizados de su anterior trabajo. Las primeras se antojan algo somnolientas a mitad del trabajo y de las segundas destacaría “El árbol del tiempo”.

Un trabajo con detalles y trabajado en la parte instrumental, pese a que se puedan pulir algunas cosas, el problema es que ha captado mi atención por momentos sin haber un feeling constante.

Raúl Sújar Pozo

Bunker - Nanas para no dormir (Polemical Records '12) La banda de punk palentino han querido darse un gustado en su cuarto álbum realizando un tributo a todas esas bandas clásicas del punk que de una manera u otra les han influenciado en su música.

De esta manera encontraremos una revisión de doce clásicos del punk nacional e internacional. De las primeras “Es un crimen” de Eskorbuto, “Delincuencia” de La Polla Records, “Vomito Social” de Vomito, “Enemigo Publico” de Cicatriz, “Condenado” de RIP y “A la calle” de Kortatu. Todos estos temas guardan la letra original pero llevadas al estilo Bunker, por el contrario los temas internacionales han sido llevados al castellano siendo lo más atractivo del disco al ser todavía más diferentes que el original. Los temas escogidos han sido “Sonic Reducer” (“No soy un iluso”) de los Dead Boys, “Blitzkrieg Bop” (“Que bien estoy”) de los Ramones, “White Riot” (“Quiero una revolución”) de The Clash, “Search and Destroy” (“Es lo que soy”) de Iggy Pop, “God Save the Queen” (“Dios salve a la reina”) de los Sex Pistols y “Joker in the Pack” (“Hoy la vamos a liar”) de Adicts.

Una colección de clásicos del punk interpretada por otros legendarios del punk nacional y encima cuenta con colaboraciones como Claus y Mikel de Vomito, Goar de Cicatriz, Yul de RIP que harán que pases un buen rato.

Raúl Sújar Pozo

Silencio Absoluto - A puñetazos con los abrazos (Maldito Records '12) Tras un letargo que les ha apartado durante siete años de la actualidad los riojanos regresan con una nueva entrega donde la banda muestra una ligera evolución pero manteniéndose como firmes representantes del rock urbano.

Once temas donde la influencia de bandas como Extremoduro o Marea están muy presentes en todo el álbum. Sobre todo el parecido con los segundos sea lo más notable del disco, ya que en este álbum las melodías y letras en clave de poeta me han recordado inevitablemente a la banda liderada por su buen amigo Kutxi Romero. Quizás sea este la única pega a este álbum ya que las canciones son suficientemente convincentes musicalmente y con estribillos pegadizos hasta rabiar para corearlas.

También les hace perder su seña de identidad la no incorporación de Rober, antiguo vocalista de la banda pero sobre todo por el toque personal y distintivo que aportaba su saxo y que en temas como “En la Habana vieja” hubiese empastado perfectamente.

Todo esto son detalles que tendrán en cuenta los fans más cercanos a la banda para el resto de oyentes sin duda encontraran en temas como “A puñetazos con los abrazos”, “Delincuente de por vida”, “A lomos de un Rokanrol” (a medida que avanza el disco pierde frescura) una razón suficiente para disfrutar de este nuevo trabajo y animar a la banda a seguir por estos pasos.

Raúl Sújar Pozo

Piraña - Corruption (Red Rivet Records '12) Segundo álbum de los thrashers mexicanos en el que la fuerza y la brutalidad no falta en absoluto. Bandas como Exodus, Slayer, Sodom… son claros referentes en su música.

El álbum tiene algún altibajo pero no impide disfrutar de un correcto thrash metal potente con temas como “Messenger of God” o “A Big Joke” que dan un inicio trepidante de velocidad a un álbum que comienza con una intro que es más bien un tema en propiedad pero sin voz.

“Better Being Dead” es un tema más denso, con riffs mas marcados pero con igual de energía. Más sosegado es “Destroy all the Monsters”.

Para introducir “Hasta reventar” la banda extrae sonido de un concierto aunque el tema luego no es en directo lo cual descoloca un poco. Es un tema rápido y veloz donde el castellano hace su aparición. “Thrash Wars” tiene una melodía muy sugerente y unos cambios de ritmo perfectos para el headbanging. El tema más extraño del disco es “Viper” donde colabora Jacobo Córdova (Majestic Downfall, Zombiefication, Ticket to Hell…) y que pese a que no participo en la composición si parece estar hecho a su medida, sumergiendo el corte en la oscuridad, lentitud junto a voces agónicas que ni siquiera el reluciente solo consigue quitarle ese aura de pesadumbre. El trabajo acaba con dos temas, uno en castellano, en directo a modo de bonus con un sonido que empaña el resultado final, además vienen intercambiados en el tracklist respecto al disco.

Raúl Sújar Pozo

Leithian - Sin Limites (Sube un escalon '12) Tras su salida de Vahladian el vocalista José Cebrián emprendió una nueva aventura con Leithian donde mostraba una mayor madurez y que termino con un primer álbum llamado “Voces de libertad” (’08). Cuatro años después de un letargo obligado por los cambios de formación llegan con un disco en el cual demuestran una banda más solida y madura aun si cabe.

Temas que vuelven a moverse en el power metal melódico con tintes progresivos, con buen trabajo instrumental, excelentes melodías vocales y con un José no abusando de sus agudos sonando mucho más cálido lo cual se agradece.

En cuanto a los temas han realizado un álbum muy consistente estando todos a la misma altura y me temo que será de esos álbumes que cada cual tendrá sus favoritos. Citemos el rápido y progresivo “Cruzando senderos”, el juego de teclado y riff de guitarras en el inicio de la pegadiza “Amanecer”. Power metal tradicional en “Hechizo”, “La era de la mentira”, “Te esperare” y “Ángel seductor” donde colabora el guitarrista José Rubio (Nova Era, Megara, WarCry, Trilogy…). La balada “Profundo palpitar” que termina cogiendo fuerza al final. La progresiva y cañera “Matar o morir”. Intensidad y sosiego a partes iguales en “Un legado a rescatar”.

Buen regreso de la banda que sin duda hará disfrutar a sus antiguos seguidores e incorporara a otros nuevos.

Raúl Sújar Pozo

Tracción - Virgen de las tinieblas (Maldito Digital '12) Metal/rock directo y sin concesiones es lo que nos ofrecen los pamplonicas en su álbum debut. Trece temas con cierta actitud punk por momentos tanto por sus letras reivindicativas como por la energía que derrochan y la fuerza de sus estribillos. No debe confundir que sea su álbum debut ya que en sus filas se encuentra gente curtida en el mundillo como su vocalista Iban Viedma y el guitarrista Alfonso Zarzosa de Mr.Fylyn; el bajista David Zarzosa (Su Ta Gar) y el batería David Carrica (Tierra Santa).

Entre los temas destacan el single “Rocanrol”, “Zancadilla” o “Bajo la piel” todos ellos con la seña de identidad que hemos mencionado anteriormente. Hay temas un poco más diferentes como “La fea” donde la banda baja las revoluciones pero mantiene la intensidad y donde se puede apreciar uno de los solos más elaborados del álbum.

Cierran el disco con una versión del tema “Arratsalde Honetan” de la banda celta Sorotan Bele, los Celtas Cortos vascos, cuya versión la llevan a su terreno de manera más que efectiva.

Cabe destacar que la banda por momentos me ha recordado a unos Dikers más cañeros, y quizás tenga mucho que ver la mano metida por medio de Iker Piedrafita en la producción del mismo.

Si te gustan las bandas que se mueven en el metal más heterogéneo con un sonido potente no te dejaran indiferentes.

Raúl Sújar Pozo

Westhia - Whestia (El Subko Producciones '11) Banda asturiana formada a raíz de la escisión de otras bandas, Ashtma e InSanity, en el año 2004 y que tras un par de demos, “Westhia” (’07) y “Destronado” (’10), se deciden ir a por su primer larga duración el cual aparece de forma homónima.

Sus primeros riffs en “Pandora” dejan entrever que la banda bebe de bandas como Pantera, con riffs potentes lo cual son una tónica constante.

También recuerdan a los grandes Muro en temas como “Destronado” y “Nadie lo sabe” donde los más nostálgicos sin duda disfrutarán; sin duda la segunda mencionada es uno de los grandes momentos del disco. Hay temas de corte más clásico como “La muerte acecha” aunque no desaparece las influencias antes mencionadas.

Una marca de la casa es la mezcla de guitarras y base rítmica potente junto a efectivas melodías y estribillos pegadizos como muestra “No puedes decidir” donde la voz de Roberto (Lying) juega un buen papel mostrando una buena versatilidad en todo el álbum.

“Siervos del mal” y “La celda” continúan con la tónica del resto de canciones dejando el listón del álbum en un buen nivel.

Los fans de Muro o Crienium pueden estar de enhorabuena con esta “nueva” banda veterana.

Raúl Sújar Pozo

Les Vivo - Cómete el mundo (The Fish Factory '12) Pese a que la banda ya lleva bastante tiempo en esto de la música y han editado ya su debut y un Ep antecesor ha sido con este trabajo cuando un servidor ha puesto los oídos en la banda.

Sin duda al ver los apellidos de alguno de sus componentes (Laina y Jiménez ¿te suenan?) uno entiende el camino de estos músicos los cuales se dirigen a un rock muy sutil y cercano a melodías de pop rock pero manteniendo la suficiente calidad, arreglos y detalles técnicos.

Entre el lado más rockero encontramos temas como “El Golpe” con un aire muy setentero y con un buen solo de guitarra. En “Esclavo” hay riffs de guitarras rockeras más actuales, rollo Audioslave, pero sin abandonar la melodía y la tranquilidad que predominan en los temas de la banda, algo que también ocurre en “Cómete el mundo”.

Junto a Daniel Jiménez a la voz y guitarra y Héctor Laina a la batería, la tercera pieza de esta banda es su bajista Pablo Toharia quien deja su impronta en “Lee mi voz” un tema donde la banda deja ver sus influencias del funky-soul. Guitarras también muy funkys aparecen en “Apagándote” con un sonido de guitarra cristalino que me ha recordado a bandas como Dire Straits.

En definitiva un álbum donde si mezclamos el rock setentero junto con bandas más modernas como Audioslave, Red Hot Chili Peppers una voz personal a lo Chris Cornell y melodías pop dan como fruto un trabajo con suficientes detalles y matices para disfrutar de una velada relajada.

Raúl Sújar Pozo

Crudo - Cicatrices (El Subko Producciones '12) Banda asturiana de rock nacional que atesora años de experiencia a sus espaldas, y no solo porque sus raíces vengan de la formación Volvone, sino porque sus miembros han pisado escenarios con bandas como Sauze, Hard Spirit, Knock Out!, Madera Rock, Tierra de Nadie o Darna. Así te harás una idea que las seis canciones que te ofrecen en este trabajo, no sé bien si llamarlo Ep o Lp, son temas trabajados donde el rock y el heavy se mezclan para obtener su sonido aunque me decantaría más hacia el rock para denominarlos.

Hay un séptimo tema, “Algún día rodara tu cabeza”, la cual es una versión de Barricada lo cual deja clara sus intenciones.

Temas directos, veloces y rockeros como “Quiso Escapar” y “Leyendas Urbanas” donde la voz recuerda vagamente a Rober de Extremoduro, algo que se repite en “Despierta” la cual tiene como gancho una buena melodía tanto guitarrera como vocal, de esos temas que te invitan a cantar con ellos.

Crudo tienen ese toque macarra en “Mirando hacia arriba” un tema con connotaciones sexuales donde no se han ahorrado los sonidos de los gemidos de una fémina, pero también tiene ese toque “comercial” en “Recuerdos” donde su fuerza está en su estribillo “facilón”.

El heavy de corte más clásico se muestra en toda su gala en “El Huésped”, tema rápido donde la banda desarrolla sus influencias de bandas como Barón Rojo, Obús, y todos esos grandes clásicos. Sin duda el corte más cañero del álbum.

Rock con toques heavys, melodías a raudales, estribillos pegadizos son la fórmula que te ofrece Crudo y seguro que te gustará, dales una oportunidad.

Raúl Sújar Pozo

The Dry Mouths - Moon's true delay lenght wah foo era (Auto Editado '12) La música de Seattle de Pearl Jam, Alice in Chains, Nirvana, Soundgarden y el rock de Black Sabbath se unen para crear un concepto musical que se unifica en los temas del segundo álbum de los almerienses y que deja constancia nada más abrir el trabajo con “All this I Know”.

Un álbum, con una producción correcta, donde la banda alcanza puntos álgidos como en los temas “So most gente, the bee end”, “Do roll the moey era”, “Undo Mask Undo”.

Además encontraras buenos riffs en “Mad cal lis there”. Pero tiene también puntos bajos como que no consiga sumergirte en todo momento en su música y terminando por desconectar en algunas ocasiones.

La voz en algunas ocasiones tiene un tono muy acorde con la música llegando a tener un registro personal como en su día el malogrado Kurt Cobain pero en otras suena demasiado fría.

Otra de las cosas buenas del trabajo es que con las sucesivas escuchas el disco va ganando en matices y consigue atraparte en esos riffs guitarreros. De momento aprueban.

Raúl Sújar Pozo

As My World Burns - Mistakes Art Gallery (Auto Editado '12) Salto cualitativo nos encontramos en estos nuevos seis temas de la banda madrileña en este Ep donde han cogido el toro por los cuernos, decidiendo por la autogestión abandonando asi el sello NoiseHead Records con quienes grabaron su debut, “Letters from Alaska”. La diferencia entre aquel álbum y este son muchas comenzando por el sonido y es que la banda sin salir de casa ha conseguido un sonido totalmente internacional gracias al aporte de Alex Cappa en sus Metal Factory Studios y la masterización de Brett Caldas-Limas en los Tower Studios. A excepción “The Sound of the Waves” que fue masterizado por Erik Monsonis.

Entre los temas encontramos para abrir el más sorprendente de esta nueva era, “Dalí Carried a Melting Clock in his Pocket”, ofrece una banda con una aire metalcore más presente, pero metalcore con gusto y de calidad, con Raúl jugando entre sus registros más limpios y agresivos, y las guitarras de Alberto y Txus realizando transiciones entre las partes más melódicas y agresivas. Un tema donde el gusto por lo progresivo queda muy presente.

En una onda similar continua “Like Scavenger Birds Playing Poker” pero en esta ocasión desde un enfoque más agresivo recordando a bandas como Between the Buried Me. “And That’s why Deep personal conversation never have a happy ending” es un corte potente y cañero donde además de los otros miembros mencionados cabe destacar a Alex a la batería y a Miguel al bajo. Un tema muy en la onda de sus compatriotas The Revenge of the Hannya. Otro de los temas con título kilométrico, “We Both Knew This city was never Big enought for the two of us… So I Ran!”, juega entre la agresividad y celeridad de bandas como Pantera para mezclar con transiciones de bandas como Xerath y la complejidad de nuevamente Between the Buried Me. “Water Bear & JellFish” es una instrumental con atmósferas agónicas que precede a “The Sound of the Waves” que continua intercalando agresividad con melodía a partes iguales.

La banda emprende un nuevo camino musical en una línea a seguir ascendente y que sin duda les dará un papel protagonista a nivel internacional.

Raúl Sújar Pozo

Gauntlet - Stubburn (Molusco Discos '12) Regreso discográfico de los madrileños Gauntlet y como viene siendo habitual en la banda vuelven con una evolución sonora sin cambiar su esencia como anuncian en su primer corte, “There Will be No peace” donde a su habitual toque thrash de corte técnico muestran nuevas facetas vocales, algo que llevan al extremo en “Feed the Worms” donde pasan de voces agresivas por parte, de Javier Cardoso (Vita Imana), a otras más melódicas, pero no te confundas porque no al estilo metalcore, aquí guardan la esencia más clásica del heavy metal con un toque moderno y con el toque a la guitarra solista de Ix Valieri (Leo 037).

Su single “Slave” es otro de esos buenos ejemplos de la amalgama sonora que introduce Gauntlet, coros pegadizos de heavy clásico, riffs poderosos de thrash, cambio de ritmo hasta rozar momentos de hard rock melódico y rematado con un gran solo.

Podemos encontrar el power-thrash de “Blood, Sweat & Tears” con el guitarrista Aitor Gorosabel (Su Ta Gar) y el vocalista Jose Gil (Unsouled). La aprisionadora “My Dying Breath” con uno riffs machacones y una voz desgarradora donde colabora Rown Houland (Clockwork).

“You Don’t Know me” continua con los sonidos marca de la casa y que recuerdan vagamente en algunos riffs y algunas melodías vocales a Metallica. Directa a la yugular entra “Last Exit to Blisstonia” siendo de los más acelerados del álbum y con un toque muy clásico entre tanta brutalidad. Con “Sold My Soul” se meten en el mundo de las baladas por momentos para adquirir una fuerza hardrockera rápidamente aportando el productor del disco, José Garrido (Arwen), un solo de guitarra. Siguen los tintes hardrockeros en “The Fake” donde un cencerro nos va introduciendo la canción junto a unos riffs animados, un tema con un estribillo muy fiestero y que pese a la diferencia de brutalidad respecto a otros temas mencionados encaja a la perfección en el álbum. El tema acaba con un solo de Manuel Seoane (Burning Kigdom, Ars Amandi) y Daniel García “Dagarod”.

Si a un buen puñado de composiciones les añades un buen sonido logrado nuevamente en los New Life Studios y rematado por Jens Bogren (Opeth, Soilwork, Helevorn…), colaboraciones estelares, tan solo te queda un gran disco que continúa la carrera creciente de estos veteranos.

Raúl Sújar Pozo

Arkgabriel - Arkgabriel (Top Artits Promotion '12) Debut de los madrileños Arkgabriel de nombre homónimo y en el que dejan constancia de su pasión por el power metal melódico de tintes progresivos que sin duda traerá a la mente a una de las grandes referencias estatales como fueron los Ankhara.

“Navegante” es el primer ejemplo de lo mencionado, unos teclados ampulosos dan comienzo a un tema veloz rico en melodías. Y es que la melodía de Javier Hidalgo a los teclados, la voz de Juanky (batería en la Orden del Kaos) que se convierte rápidamente en una seña de identidad junto al buen hacer de Giscard Rasquin a las seis cuerdas y una base rítmica solvente se convierten en una tónica para los once temas que componen el disco pese a que los dos últimos temas sean bonustrack grabados en el 2009.

Sergio Cánovas, productor del disco y compañero de Juanky en su otra banda, colabora en el tema “Siento” aportando su voz a un corte de estribillo épico, con entrada a capela.

No es la única colaboración del álbum; Pacho Brea hace lo propio en el veloz “Miserable”, un tema con un estribillo que recuerda mucho a Azrael. También aparece Dani Aller de Ars Amandi con su característica voz en “Mi último pecado” donde además con su dulzaina aporta ese toque folk a la canción dándole un toque distintivo, otro de esos temas que entran a la primera por su riqueza melódica. “Contigo” es la balda del álbum, con sentimiento y donde la voz tiene el protagonismo absoluto bajo el consentimiento de un teclado que da un aura especial al tema. A medio tiempo tenemos “Aún estas ahí”, de corte cañero es “Una apuesta más” el primero de los cortes antiguos, donde la guitarra tiene más presencia algo que me ha gustado bastante junto con el potente estribillo. Deberían probar más temas de este tipo en las nuevas composiciones e introducir el toque actual de los teclados. “Con nombre de mujer” dejan ver su influencia “madeniana” con unas guitarras cristalinas al comienzo dejando ver las mejores aptitudes de Giscard dando fin a un buen debut de la banda.

Raúl Sújar Pozo

Nueva visita de los madrileños Sôber a la isla de Mallorca dentro de su gira “Morfologira 2012” aunque sirvió de pretexto para presentar los temas de su último trabajo “Superbia” editado hace un año.

El lugar escogido era el Teatro de Lloseta, un lugar que esta albergando nuevas citas con la música en directo y que cuenta con unas instalaciones de primera. Lástima que las inmediaciones no cuenten con un buen parking lo cual, junto a la distancia de Palma, quizás fue la causa por la que la capacidad de la sala no se viese desbordada. Aún así sobre las 200 personas se dieron cita en la sala para ver al cuarteto.

Anteriormente actuaron los mallorquines Psideralica haciendo los honores de anfitrión en una velada en la que su presencia no fue decisiva. Ante un público escaso para lo que vendría posteriormente la banda comenzó a desgranar

Sôber + Psideralica

(Teatre de Lloseta, Mallorca, 25/05/12) su repertorio con temas como “Your Enemy´S Best Friend”, “Get out of my Life” o “My Toy” y pese a que la banda sonó bien y estuvo muy correcta su interacción con el público fue prácticamente nula por lo que el feedback no se produjo pareciendo un ensayo con público más que un concierto, pese a ello un buen ensayo.

Sobre las diez y media hacían presencia en el escenario los cuatro protagonistas de la noche bajo una intro, Sôber, arrancaron con “Superbia” a la que siguieron con “Cien Años”, “Caída Libre” y “Una Eternidad”, esta última presentada por Jorge Escobedo.

La banda sonaba perfecta, la voz de Carlos Escobedo un poco por debajo pero nada reseñable, y estaba entregadísima a un público al que agradeció que estuviera presente en un día donde la final de la copa del rey entre el Barcelona y el Bilbao marcaba la actualidad del país.

Su “nuevo” batería, Manu Reyes, ha imprimido a la banda en directo mucha potencia algo que se puede ver en temas como “Loco” y “Umbilical” por citar dos ejemplos claros. Su actuación fue esplendida y desde atrás supo empujar a una banda que necesita bien poco para comerse el escenario.

Carlos ejerció de “showman”, en todo momento presentando los temas al público y comunicándose con ellos, sin perder por ello dinamismo el concierto. Su poder escénico se ve reflejado en un tema como “Naufrago” donde con una guitarra acústica arranco el solo en el escenario para poco después unirse la banda con él (con la ayuda de uno de sus backliners al bajo).

Cierto es que presentaron muchos temas de su último disco tales como “La Araña”, “Tic Tac” y alguno mencionado anteriormente que se notaba entre el público a la hora de cantarlos respecto a clásicos que no faltaron en su repertorio como “Oxigeno”, “Cubos” o “Arrepentido”.

Tras anunciar su fin de concierto y ya consabido “otra, otra”, la banda volvió entre tímidos pero deseados jadeos para que continuasen. Comenzaron con un duelo de guitarras entre Antonio Bernardini y Jorge donde a la postre se sumo Manu donde si no me falla la memoria jugaron con un riff de los Purple. Tras ello terminaron con un par de tema poniendo el punto final tras dos horas de concierto con “Sombras”.

Sôber demostraron el por qué están donde están y pese a que un servidor no sea su fan número uno si han sabido ganárselo tras varios directos esperando no ser la última vez que los vea. Una banda con calidad y los pies en el suelo (cuanto falta de eso en el rock patrio) y llenos de simpatía y agradecidos a su público.

Texto: Raúl Sújar Pozo Fotos: Tuco Martín

Festival Locos por el Ruido Auditorio de Pozurna, Ciudad Real, 30/06/12

"Dragones y Mazmorras", "Bola de Dragon" y "Pokemon".

Siguieron con otra versión, esta vez de La Polla Records "Ellos dicen mierda nosotros amen", también tocaron algún tema suyo con letras muy metidas en temas sociales y actuales como "A la luz del perro", basada en el maltrato y abandono de los animales y "Maquillaje" centrado en la política.

Otra versión que tocaron con mucho cachondeo entre ellos y el público fue "Enamorado de una botella" de los Piperrak.

Hicieron un buen directo y muy entretenido para la mayoría de los presentes que poco a poco iban acercándose al escenario.

Sobre las 21h, ya con la puesta del sol, salieron a escena la contundente banda de metal hardcore, Shock, que hizo saltar a los que estaban bajo el escenario.

Tienen un sonido muy cercano a los Hamlet tanto en composición como en la voz, al menos, eso es lo que me pareció.

"Dóciles del Estado","Cerdos" o "Antagonismos" fueron algunos de los temas que nos dejaron disfrutar, también tocaron la cover "My Generation" de Limp Bizkit, con muy buena aceptación del público, con saltos y algún pogo.

Fue un concierto corto pero intenso y tuvo muy buen sonido.

A las 22h y desde Madrid llegó la banda de punk/ska Punk Panther que vinieron a comerse el escenario.

Creo que fueron los que más tiempo tuvieron de todo el festival o bien tocaron tan rápidos sus temas, que cuando creían haber acabado su repertorio, preguntaron cómo tres veces a la organización si había tiempo para más, puesto que la gente lo estaba disfrutando bastante.

El último sábado de junio, nos pasamos por la segunda edición de este fabuloso festival organizado por la asociación Locos por el ruido. Una asociación muy joven y con muchas ganas de apoyar a todo tipo de bandas sea cual sea su género, desde las más nóveles a las más clásicas.

El evento se celebró en un auditorio al aire libre a las afueras del pueblo y empezó temprano, sobre las 18h de la tarde, con un calor de justicia, pero eso no impidió la asistencia de la gente que ya iba llegando, ni que los primeros en abrir, Kuerdo Utopiko, salieran a dar un buen concierto de rock estatal, con un toque metalero y acompañado de un saxo que le daba un ambiente muy alegre.

A las 19h de la tarde, tras la presentación de Elsa, una de las organizadoras del evento, comenzaba esta la banda local, de rock estatal, Humarada que enlazan diversas versiones de bandas como: Extremoduro (“Pepe Botika”, “Salir”), Los Suaves (“Dolores se llamaba Lola”), Barón Rojo, (“Los rockeros van al infierno”) y con algunos temas suyos de la demo "Palos con gusto no duelen".

Una excelente actuación que nos hizo pasar un buen rato a los que se atrevían a ponerse delante del escenario con toda la solana y también a los que estaban en las gradas a la sombra.

A las 20h volvió a salir la presentadora del evento anunciando a Nitrato Sadiko, banda de punk/ska de Ciudad Real que vino a suplantar a los Kaos Social los cuales no pudieron asistir al evento.

Creo que todos los que estábamos allí soltamos una carcajada cuando empezaron con un medley con base punkarra de las series de dibujos animados

Algunos de sus temas fueron "Guerra y Capitalismo", "La revolución de los Muertos" o "La estafa de los Alquimistas" de su álbum "28 meses después".

Recién llegada la noche salió a escena la banda novel Spin the Black Hole, que aunque no es uno de mis géneros preferidos no me dejaron indiferente.

Estos cuatro jóvenes están influenciados por el grunge más noventero al más puro estilo Pearl Jam, Alice in Chains y Nirvana...

Un punto más a su favor es que los temas los cantan en español, una cosa que me pareció muy bien ya que este género es más americano y eso les hace diferentes. Temas como "Desde el suelo", "Pacto con la muerte", "Una vida atrás" te dejaban claro su estilo.

"Emociones fuertes" fue el último tema propio que tocaron para pasar a los dos últimos temas, la versión de Metallica "Master of Puppets" en la que disfrutamos y coreamos todos y "Highway Star" de Deep Purple con la que cerraron el concierto.

Heavy Rock en español de toda la vida y mucha caña de esta banda que lleva más de 20 años en pie y que duren mucho más.

Ya pasamos a los últimos de la velada Celtibeerian que, lastimosamente, por culpa del fallo de un cuadro eléctrico, se retrasó el comienzo de esta fantástica banda de folk metal también de Ciudad Real.

La voz de su cantante me recordaba mucho a Eddie Vedder y no me equivoqué mucho cuando cerraron su actuación con "Alive" de Pearl Jam, una versión muy bien tocada y cantada, ya que para mí, hay que tener muy buena voz para cantar esta pieza.

Sobre las 00h, salió a escena la banda de death melódico, Morphing Into Primal, que sinceramente fue la banda que más me gustó del festival y, aparte, fue la que obtuvo la máxima asistencia del público.

Tienen un directo muy cañero y sus temas recuerdan mucho al death melódico sueco más clásico cantado además en castellano.

Comenzaron dando caña con "Rompiendo el Tiempo", con unos riffs melódicos intercambiándose entre sus dos guitarras, Arturo y Luis Miguel, y con la fuerza gutural de su cantante/bajista, José Daniel, que estuvo excelente todo el concierto.

Pasaron al siguiente tema "De principio a fin" más agresivo y sin perder un ápice en la melodía.

Tras tocar "Spree Killer", que tiene una parte melódica en medio del tema, que me puso los pelos de punta. Pasaron a la primera versión de las dos que tocaron "Pursuit of Vikings" de Amon Amarth, debo decir que me emocioné con este tema, les salió clavado.

Las siguientes que tocaron fueron "Mi Valkiria", otro corte con mucha fuerza en la que su batería Chus se sale; "Tu mundo" otro trallazo y "Diosa del suicidio". Pasaron al último tema de su actuación con la versión "Violent Revolution" de Kreator, dejándonos con unas agujetas en el cuello para el día siguiente.

Antes del comienzo de la mítica banda Maremagnum, la organización dio gracias a todos los asistentes, bandas y colaboradores del evento e hicieron un sorteo y acto seguido se anunció a la banda que tras una puesta a punto de sonido comenzaron con "Me siento vivo", tema con el que también abren su álbum "Durasangre". Siguieron con temas como "Poderosa Melodia" dedicado a Dio, "Fuego en la piel" y "Rosas y Sangre" en la que colaboró el público femenino.

Su vocalista, José Carlos, llamó al escenario a la presentadora del evento Elsa para cantar el siguiente tema, "No insistas", a dúo que no estuvo nada mal.

Tras arreglarse la avería comenzaron con la instrumental: "Tirikantam" para dar paso a "The Path". Mucha fiesta y puro folk es lo que nos ofrece esta banda, de la que por esta zona había escuchado muy buenas referencias.

La componen David (gaita y flautas), Gus (cantante y bajista), Patricia (violín), Julián (guitarra) y Víctor (batería y percusión), dando muchísimo juego a sus temas como "Riding Home" y Hicieron un par de versiones de bandas como Korpiklaani ("Wooden Pints") y Skyclad ("Emerald") tras esta última volvió a fallar el cuadro eléctrico y Víctor intento amenizar la avería con un solo de batería, pero al final el tiempo se les echó encima y tuvieron que despedirse.

Como nota final al evento, le voy a poner un diez a la organización, porque se lo curraron muchísimo en todos los sentidos; en cuanto al sonido, todas las bandas sonaron perfectas y en el ambiente también, por respirarse ese aire de buen rollo entre todos los asistentes.

Texto y Fotos: Edu Segovia

MaoRock 2012

sonido!, espectacular! y el local una pasada, enorme, enmoquetado y /12) 07/07 rca, (Recinto Ferial de Mahón, Meno dispuesto para uno de los festivales más promocionados, tanto en cartelería, como en el programa de radio online Pecado Mortal, cuyo director, Paco Jiménez, es uno de los promotores del evento, así como en prensa y medios de comunicación.

La apertura de puertas como estaba previsto fue a las 19h, por lo que la gente congregada por los alrededores fue llenando las barras y los puestos de merchandising que cada uno de los grupos tenía dispuestos en la sala.

Zarpa + Espina + Anima Sacra + Moonless Night

Sin duda el 7 de Julio ha sido un día clave en la historia musical de la isla de Menorca, y más concretamente de Mahón, con la llegada de la 1ª edición del Maó Rock.

Un antes y un después ha marcado este festival que ha sido fruto de la labor de Paco Jiménez y Jorge Duro, que al frente de la promotora Louderhard Promotion, han apostado fuerte, por algo hasta la fecha inimaginable para los rockeros de la isla, tener su propio festival y con él, la oportunidad de traer bandas de la península, además de promocionar al máximo el rock y el metal menorquín.

El lugar elegido para este evento sin precedentes fue el Recinto Ferial de Mahón (Poima), un recinto con capacidad y muy bien acondicionado, donde ya se han celebrado conciertos de otras bandas reconocidas.

El cartel no daba lugar a dudas, ya que estaba compuesto por los locales Moonless Night, Anima Sacra de Murcia, los menorquines Espina y desde Valencia la banda legendaria de heavy metal Zarpa.

Llegamos desde Barcelona con tiempo suficiente para escuchar algo de la prueba de sonido de Zarpa, y qué

Pasaba un poco de las 20h, cuando Paco Jiménez y Jorge Duro, subían al escenario para saludar, presentar a las bandas y agradecer al público su asistencia, en la que sería una de las noches más fantásticas para todos los amantes del heavy metal allí reunidos.

Abrieron el festival los locales Moonless Night, un grupo de heavy metal, fundado a principios de este año, y de los que he de decir que me sorprendieron muy gratamente, ya que salieron con muchas ganas de darlo todo.

El grupo lo componen seis personas de las cuales dos de ellas se hacen cargo de la parte vocal, Irene en la voz femenina y el greñas (según se hace llamar él). Ambos, fueron esa noche los alma mater del grupo, ya que derrocharon energía y una simpatía que les valió la atención constante de un público encantado con su actuación.

Iniciaron con “King Of Fools” de Edguy, temazo para empezar, seguido de un tema propio “Rise Of The Citiziens”. Con “Wishmaster” de Nightwish, Irene nos deleitó con una preciosa voz.

El ambiente se caldeó al instante, y con “Bastón Del Diablo” de Tierra Santa contaron con la colaboración de un público que no dejábamos de cantar.

Con “Stand Up Again”, otro de los temas propios, nos dejaron claro que aparte

de versionar a otras bandas, están dispuestos a hacerse un hueco en este difícil mundo de la música.

Una banda que pese a su juventud y poca experiencia, se manejaron de maravilla en un día tan especial para ellos como ser los encargados de abrir el festival.

Tras los cambios propios del escenario, llegaba el turno de los murcianos Anima Sacra.

Power metal melódico es lo que nos ofrece este grupo con su primer trabajo “Rastros de Luz”, que sacaron a principios de este mismo año. Un discazo que he escuchado una y otra vez!.

Anteriormente a éste tan solo disponen de una demo del año 2010.

Aunque su trayectoria profesional todavía no es demasiado extensa, Anima Sacra han participado recientemente en el festival Viña Rock y ahora hemos tenido la oportunidad de poder disfrutar de su power metal fresco y enérgico aquí en el Maó Rock.

Con la intro “El Batallón” iniciaron, a ésta le siguieron “Código de Hammurabi”, la fantástica “Huellas de Adán”, me encanta este tema! o “Vuela Atrás”, todas ellas cantadas por un público que se entregó al instante.

Ignacio tiene una voz fantástica, con un registro muy alto, que te atrapa y te arrastra en cada uno de los temas, impresionante!! Pepe a la guitarra, José Manuel Belmonte al bajo, Edu a la batería, Claudio Masó a los teclados, todos ellos buenísimos músicos que se complementan a la perfección. Una banda que destila calidad y talento y demostró su saber hacer en el escenario.

Siguieron desgranando su nuevo trabajo con “Involución”, una canción que transmite fuerza, “Rastros de Luz” o “El Mito de la Caverna”, con un impresionante solo de guitarra, increíbles temas e increíbles interpretaciones que nos hicieron disfrutar a tope.

“Prisionero” fue el elegido para terminar, un tema rápido y en el que la voz de Ignacio tiene unos cambios de intensidad brutales.

Anima Sacra brillaron con luz propia en este festival, y les deseamos que “Rastros De Luz” les abra las puertas del éxito.

Tras ellos, y antes de empezar con el siguiente grupo, hubo tiempo para dar una vuelta por los tenderetes de merchandising y poder ver y comprar el material de las bandas, además de aprovechar para tomar un bocata y una cervecita mientras comentamos las actuaciones, todo perfecto, muy buen

ambiente y muchos amigos.

Y llegaron los locales Espina, un grupo de rock, muy esperados especialmente por el público menorquín, ya que tienen cantidad de seguidores.

Fue una noche más que especial para ellos, ya que aparte de formar parte de este gran evento, aprovechaban para decir adiós a su vocalista Nito Miloca (Joan Carles Villalonga) que dejaba la banda.

Se dieron a conocer con su maqueta que grabaron en el 2009 llamada “Tots es pops moren a sa Colàrsega”. Ante la aceptación de su música, en el año 2010 graban el que sería su primer disco “Diploma de gran perdedor”.

Aunque huyen de etiquetas dicen que hacen un rock muy suyo con letras que hablan de las vivencias y las cosas que normalmente no se atreven a decir en la vida cotidiana.

La banda está compuesta por un grupo de amigos y ellos son Dani a la batería, Yanyel a la guitarra, Turo al bajo y Nito Miloca a la voz.

Con “Reina des cap de cantó” iniciaron su actuación, seguida de “Calent a consciència”, “Condemnats”, “Na Cecilia”, “40 dies a sol i serena” entre otras.

Con la cara pintada, salieron al escenario, la gente pareció transformarse y entregarse de lleno, cantando y bailando sin parar; sin duda este grupo es muy querido por los menorquines.

Cortes super cañeros y una voz impresionante la de su cantante, hicieron que tema tras tema no perdiera el interés de sus seguidores, que a pie de escenario mostraban constantemente su entusiasmo.

Tuvieron un invitado de excepción con el que sorprendieron al público y no fue otro que Goofy (Rafael Febrer Barceló), un virtuoso de la guitarra y uno de los grandes compositores menorquines, que nos dejó boquiabiertos con su actuación.

Goofy interpretó "Teniem vint anys", un tema recogido en el primer trabajo de Espina, “Diploma de gran perdedor”.

Otro de los temas que me encantan es “Whisky dins sa gerra” que es una versión del famoso tema tradicional irlandés popularizado por Thin Lizzy, “Whiskey in the jar”, al que ellos han puesto su propia letra.

“Si vens”, “Vina plorada” o “Sua tranquil.la”, éste último dedicado a la patria menorquina, fueron otros de los temas con los que hicieron disfrutar a lo grande a todos sus seguidores.

Una brillante actuación puso punto y final a una etapa de Espina con el vocalista Nito.

Y como colofón final, una leyenda viva del heavy metal español, los valencianos Zarpa. Uno de los reclamos del festival. Yo tuve la suerte de verlos en Barcelona y desde luego si los conoces, sabes de lo que estoy hablando.

Vicente Feijóo a la voz lidera este grupo compuesto por Rafa Játiva a la guitarra, Vicente Romero al bajo y Bienve Godoy a la batería.

Venían a presentarnos su nuevo trabajo “Las puertas del tiempo”, que recientemente ha visto la luz, un discazo de principio a fin, si no lo tienes...no tardes en conseguirlo porque es brutal.

Iniciaron el concierto con “Máquina”, seguida de “Rescátame”, perteneciente al nuevo trabajo. ¡qué temazo! contundente y enérgico, con un estribillo que no paras de corear, y el final es pura caña, uno de mis favoritos.

De “Las puertas del tiempo” también tocaron “El duende se fue”, un tema precioso dedicado a esa gran voz del heavy metal, el malogrado Ronnie James Dio o la cañera “Chicas del metal”, puro heavy metal, tema que dedicaron a todas las féminas de la sala.

No tuvieron demasiado público, una lástima, porque hicieron un conciertazo de principio a fin, pero eso sí, los que allí estuvimos lo disfrutamos al máximo, nos contagiaron de su fuerza, su energía y consiguieron nuestra colaboración en todos los temas, el ambiente estaba totalmente caldeado, lo dieron todo.

La voz de Vicente está en plena forma, nadie diría que lleva 35 años en los escenarios, es genial, y qué decir de Rafa, un pedazo de guitarrista que incluso a última hora lanzaba su guitarra al aire, fue fantástico, de Vicente el bajista, que nos dejó alucinando con sus coros y ya de Bienve, decir que es atronador. Una banda con talento que dejó una imborrable huella en el Mao Rock.

La instrumental de J.S.Bach, dio rienda suelta a la calidad de estos

músicos, momento en el que aprovecharon para tocar juntos Rafa y Vicente Feijóo. “Ángeles negros”, “Demonios blancos”, “Los ojos del mundo” o “Esto es heavy metal”, fueron otros cortes con los que nos obsequiaron.

Finalizaron con el ya clásico “Herederos de un Imperio”, una actuación de auténtico lujo para todos los heavymetaleros que no pudimos resistirnos a un cartel como el que nos ofrecía el Mao Rock.

Personalmente considero un éxito el festival, el punto negativo ha sido el público, ya que he visto que apoyan muchísimo a sus bandas y no se dan la oportunidad de escuchar a las bandas de fuera, cómo en este caso. Esta circunstancia se escapa del control de sus promotores, que hicieron lo que estuvo en sus manos para traer a dos grupazos impresionantes a la isla. Una pena porque el festival estuvo 10/10.

Texto: Rosa Algárate (www.almasrockeras.com) Fotos: Fran Méndez

Barón Rojo

“La casa del olvido” se noto un poco perdido (Campo de Fútbol de Alaró, Mallorca, 21/07/12) rápidamente recuperó el ritmo de la canción.

El pasado Sábado 21 de Julio los El último tramo del concierto sirvió para míticos Barón Rojo volvían a pisar tierras seguir presentando el futuro tercer mallorquinas para encaramarse al álbum de la banda con el bloque escenario del Mallorcannabis donde formado por “Silencio”, “Donde están compartirían cartel con las valencianas mis sueños” y “Vivir”. Buena actuación Crazy Nights además de los locales Los ensombrecida por la hora y el público impresentables, Taifa y The Billy Young reticente.

Bang.

Tras dirigirnos al campo de futbol de Con la salida de The Billy Young Alaró, lugar escogido para el evento ya Band la cosa cambio bastante, ya había habían pasado la actuación de Crazy un buen publico por las inmediaciones Nights de las que tenía ganas de ver su y la noche había caído dejando paso a repertorio de hard/metal clásico con las luces escénicas para dar esa versiones de Warlock, Vixen… pero en sensación de concierto como debe ser. otra ocasión tendrá que ser. Terminaban La banda demostró sus dotes para por entonces Los Impresentables con levantar las masas a ritmo de las sus versiones de rock urbano como canciones de sus tributados ACDC “Vicio” de Reincidentes y “maneras de siendo cada momento de la actuación vivir” de Leño. un grato recuerdo para los presentes que comenzaron a agolparse en las El comienzo de la actuación de Taifa primeras filas. no se hizo esperar arrancando con Temas como “Stiff Upper Lip”, “Mentiras” y “Respirar” ante un escaso “Thunderstruck”, “Hard As A Rock”, público por aquellas horas, sobre las 8 “Hells Bells”, “Shook Me All Night Long” de la tarde, el cual estuvo participativo o “TNT” fueron grandes momentos, pero muy alejado de las cercanías del conducidos por un carismático Francesc escenario. La banda siguió desgranando Gomila (Brian Johnson) de la noche un repertorio basado en su segundo llegando el colofón con “Higway to Hell” álbum con temas como “El color de la Andreu Parra (Angus Young) se puso libertad”, “Las torres de babel”, “La casa los cuernos de diadema para interpretar del olvido” y “Sin saber porque”. Entre la canción. Una actuación de dos horas medias Lluis fue interactuando con el de puro rock para caldear el ambiente público y presentando a su guitarrista a los ilustres que iban a salir a para esta actuación, Miguel Maya, quien continuación. sustituía por cuestiones laborables al habitual Víctor Arco. Miguel estuvo a Barón Rojo irrumpió en escena sobre la altura de la situación ante el poco la media noche con “Satánico Plan” y tiempo que tuvo para aprenderse el fue argumento suficiente para que una repertorio, si bien algún momento de

The Billy Young Band + Taifa

audiencia de unas 500 personas enloquecieran al ritmo que nos marcaban los barones. Un comienzo un tanto agridulce por el sonido el cual solapaba los detalles instrumentales y la voz de Carlos. No por ello impedía a la gente cantar cuando llegaron “Larga vida al rock’n’roll”, “Las flores del mal” e “Incomunicación”.

Mientras se iban sucediendo los típicos bailes de Armando, Carlos y su ya compañero habitual Gorka Alegre (bajista de Adam Bomb, Steven Adler Band, Ñu) que recorrían el escenario paso a paso al ritmo de la música y girando sobre sí mismos para el goce del personal. Rescataron “El baile de los Malditos” del álbum “Un lugar de la Mancha” del año 1985 al tiempo que dejaban caer temas más clásicos de su repertorio como “Breakthoven”, “Cueste lo que cueste”, “Hermanos del rock and roll” junto a otros como “Chicas de la ciudad” y “Chicos del rock”.

Ya llevábamos un buen tramo de concierto con Barón Rojo a plena gasolina cuando Armando nos recordaba la trágica muerte del teclista Jon Lord y al cual le dedicaron “Concierto para ellos” lo cual te hace pensar la de nombres que se podrían incluir en esa letra si se actualizara.

Momentos mágicos para una noche que iba cogiendo su final cuando sonaron “Cuerdas de acero”, “Con botas sucias”, “Los rockeros van al infierno” y “Siempre estas allí”.

Ahora si iba llegando el momento de despedirse pero antes tuvo que caer la atronadora “Resistiré” que dio paso a un momento curioso de la noche cuando la banda arranco con “Hijos de Caín”, muy esperado por algunos asistentes, pero al que a Armando no parecía hacerle gracia. Anécdota a parte los cuatro integrantes, hay que mencionar al alejado en un lado del escenario Rafa Díaz (Knell Odyssey, Easy Rider, Neomenia) a la batería, se marcaron un buen concierto y con un gran ambiente empañado únicamente por la calidad del sonido que de nuevo no impidió al coreado “Son como hormigas” poner el punto final pasando las dos de la madrugada.

Gran noche vivida, con buen ambiente y buenos conciertos. Son ya muchos los que he visto de Barón y no se puede decir que este fuese el mejor pero dos horas largas suyas siempre son plato de buen gusto y siempre augura un buen concierto.

Texto y Fotos: Raúl Sújar Pozo

Guns N' Roses ss The Darkne22/07 /12)

(Son Fusteret, Mallorca,

Axel Roses y sus huestes aterrizaban el pasado domingo 22 de julio en Mallorca para ofrecer unos de los grandes acontecimientos del año en la isla. Una producción que desplegaba unos 14 tráilers para el montaje e infraestructura que suele acompañar a Guns n’ Roses.

La hora de apertura de puertas estaba prevista a las 19h pero desde altas horas de la mañana ya se fueron congregando un buen número de personas en las inmediaciones del recinto de Son Fusteret que al final fue el elegido tras numerosos cambios entre el estadio de Son Moix y el mencionado recinto.

A nuestra entrada sobre las ocho ya se podían contar por miles de personas, cifra que aumentaría hasta rondar las 15000 personas según la organización.

Sobre las 21:10h saltaron a escena los británicos The Darkness quienes finalmente fueron los teloneros después de caerse del cartel los míticos The Cult.

The Darkness supieron ganarse desde un primer momento la atención del público con su desparpajo y rock electrizante que enganchaba a la primera con el presente.

Los primeros acordes en sonar fueron de un tema de su inminente tercer álbum “Hot Cake” que verá la luz el 21 de Agosto. El tema en cuestión fue “Every Inch of You” que sirvió para entrar en calor al público en un día que se presentaba nubloso.

Prosiguieron con “Growning on me” y “One way ticket” de su primer y segundo álbum respectivamente. Curioso que solo dejaran caer este tema de su segundo álbum.

El primer gran momento de la noche llego con “Get Your Hands off My Woman”, y es que los temas de su debut fueron los más coreados en todo momento por una pequeña parte del público y disfrutado por todos los presentes.

Justin Hawkins demostró ser todo un showman y sus correteos por encima del escenario fueron constantes hasta llegar a la balada “Love Is Only a Feeling” donde tomo un respiro.

Ajustado en mayas de cuerpo completo ajustado de color azul prosiguió el concierto con una banda que había venido a presentar su tercer álbum. Tras la presentación del single “Everybody Have a Good Time”, la banda desarrollo un bloque formado por “Concrete”, “Street Spirit” (Version de Radiohead) y “She’s Just a Girl, Eddie” para finalmente acabar el concierto centrándose en su primer álbum con “Givin’ Up”, “Stuck In a Rust” y sobretodo sus mega hits “I belive in a thing Called Love” y “Love on the Rocks with no Ice”. Un final apoteósico no sin antes de que Justin se entrometiera guitarra en mano

entre el público a lomos de uno de los de seguridad que lo paseo entre el asombro de todos los asistentes.

The Darkness dejo sorprendidos a todos por su buen hacer y el listón muy alto para lo que venía después.

Miedo había con todas las personas que había hablado para este concierto, una producción de este calibre en Mallorca, el estado de forma de Axel y su carácter, una banda formada por excelentes músicos pero “mercenarios” al fin y al cabo. Y todo parecía señalar a que iba a ser un día movidito ya que la primera en la frente. Tras acabar la actuación The Darkness a las 22:10h, comenzó el montaje de pirotecnia, pantallas leds, luces… y últimos preparativos de Guns n’Roses lo cual acabo a las 22:55h. Parecía que todo estaba listo para que el señor Axel saliera a escena pero no fue hasta una hora más tarde, tras insultos, quejas y caras largas entre los asistentes (muchos trabajan los lunes señores promotores) irrumpieron en escena con “Chinese Democracy”.

Los primeros guitarrazos de sus compañeros de fatigas, Dj Ashba, y la aparición en escena de Axel, parecieron calmar los nervios de la gente que empezó a disfrutar de un espectáculo visual. Mejor hubiese sido empezar con ese clásico llamado “Welcome to the Jungle” porque aquí el compromiso entre el público y la banda ya estaba realizado. La gente enloqueció y aquello ya era una fiesta total, siguieron clásicos del mismo álbum como “It’s so easy” y “Mr. Brownstone”.

Después llego el primer problema, al menos para mí, quinta canción y de pronto tras dos horas de espera anteriores llega la primera parada para Axel con la balada “Sorry”, la verdad que me enfrió bastante y no creo que fuese el único de los presentes. Algo que no mejoro al venir un tramo donde volvió a sonar la banda “Estranged”, el medio tiempo “Better” y que por mucho que sonara entre medias “Rocket Queen” de su aclamado “Appetite for Destruction” no conseguía remontar el vuelo. A eso hay que unirle las innumerables apariciones de Richard Fortus, Dj Ashba,

Tommy Stinson y “Bumblefoot” realizando solos o interpretando canciones de sus discos en solitario. Eso sí, baladas como “This I Love” fueron coreadas por mucho de los presente y “Shackler’s Revenge” con su ritmo entrecortado y de guitarras más presente consiguieron mantener la conexión en mayor o menor medida.

Izzy Stradlin, guitarrista de la formación original más laureada de los Guns n’ Roses hizo aparición en escena para cantar “14 Years” ante la mirada atónita del personal.

La canción cantada a dúo con Axel fue y buen recuerdo aunque no sería el único ya que Izzy seguiría en el escenario para después ir apareciendo en canciones esporádicas como “You Could be Mine” y alguna que nos dejamos para el final.

Tras este tema DJ Ashba entonaba un solo que enlazaría, para el jolgorio de todos, con “Sweet Child O’ Mine” tras la cual volvieron a poner en escena el piano, anteriormente el teclista Dizzy Red realizo un solo, para que esta vez fuese Axel quien interpretase el “Another Brick in the Wall” de Pink Floyd para enganchar con “Novembre Rain”.

Un par de temas fueron los siguientes en sonar y sin darnos cuenta otra versión, esta vez seguro que más esperada, el “Knockin’ on Heaven’s Door” de Bob Dylan que los GNR se han encargado de inmortalizar.

La power ballad “Madagascar” comenzaba a dar paso al final del concierto en el que llegaron dos nuevas versiones, “Whole Lotta Rosie” de ACDC y “Dead Flowers” de los Rolling Stone que enlazaron con “Patience”, nuevamente con Izzy en el escenario el cual estaría en el punto final del concierto con “Paradise City” donde el jubilo rockero se desató por completo junto al estallido final de confetis lanzado desde el control de sonido y desde el escenario envolviendo al publico agolpado en la platea.

Un concierto de tres horas y pico, finalizo a las 3:15h de la madrugada, que pese al aspecto visual de Axel y algún que otro gallo de corral no chafo un concierto con el que muchos disfrutaron, al menos ese día, tendríamos que ver las caras de los que al día siguiente estaban a las seis de la mañana en su puesto de trabajo. Pero un día es un día y esto es rock and roll.

Texto y Fotos: Raúl Sújar Pozo

Forgotten Tomb Helevorn Unburial + Gods of Pain Factoria de Sò, Mallorca, 11/05/12

El pasado 11 de Mayo los italianos Forgotten Tomb visitaban la isla de Mallorca es esa cita organizada por la promotora de conciertos DeathLight Music y que se completaban con las bandas locales Helevorn, Unburial y Gods of Pain. Estos últimos añadidos a última hora tras la caída del cartel de los malagueños Exhumed Day por cuestiones laborales. al morir la cuña de su batería algo que afortunadamente se pudo solucionar en breve para que la banda continuase su show con “Twilight of the New World” para finalizar con un tema nuevo que causo un buen impacto entre los oyentes.

Pese a que el evento era un viernes se congrego a un buen número de personas, quizás un sábado hubiese habido alguna cabeza más presente, las cuales esperaban fuera de la sala cuando los Gods of Pain salieron a escena ante un tímido saludo. Por suerte sus primeros guitarrazos hicieron que la gente comenzara a pasar a la sala rápidamente.

Los mallorquines pese a ser una formación que se encuentran grabando su primer álbum llevan unos años de solera a sus espaldas y que tras un parón se han reformado hace unos años para dar a conocer su propuesta de black metal.

Su actuación cumplió con el objetivo de la banda que era la de caldear el ambiente ante una audiencia que se entregó en mayor o menor medida a los temas interpretados. El único pero a su actuación es que se mostraron un tanto estáticos pero terminaron por convencer, muestra de ello fue la petición del público de un tema más a lo que la banda accedió.

Los siguientes en salir a escena fueron los black/death metaleros Unburial quienes continúan presentando su álbum debut, “Bellum Internecinum”.

La formación salió a escena arrancando motores con su “Sit Tibi Terra Levis” con la que suelen abrir los conciertos, al menos los presenciados por un servidor. Rápidamente se metieron a la gente en el bolsillo con una buena interpretación y puesta en escena.

Tras su tercer tema, “Carrhae”, hubo un parón por causas técnicas

La siguiente banda en aparecer sobre el escenario son los Helevorn, uno de los mayores exponentes del Doom nacional, banda que tiene por costumbre prodigarse poco en los escenarios baleares pero que cuando lo hacen reúnen una buena cantidad de fans siendo la banda que más gente movió en el evento. Con un escenario que se quedaba algo pequeño para los seis componentes supieron mostrar sus tablas para poder ofrecer un show dinámico y enérgico con un público entregado. Su setlist estuvo basado prácticamente en su segunda obra “Forthcoming Displeasures” aunque dejaron cabida para alguna sorpresa. La primera la incursión de un tema nuevo el cual formara parte del tercer álbum que la banda se encuentra componiendo y por otro lado la interpretación de un tema, “The Way of Confusion”, de los míticos isleños Golgotha la cual dedicaron a uno de sus ex-componentes que se encontraban entre el público, Rubén de los actuales Battlehorn. Buena actuación que terminaron con su aclamado “Two Voices Surrounding”.

Los italianos Forgotten Tomb no se hicieron esperar y tras los pertinentes cambios comenzaron a descargar su Black/Doom metal ante un público deseoso de ver bandas foráneas en la isla.

Al comienzo la voz no era del todo audible pero tras unos primeros ajustes sonoros se pudo escuchar la desgarrada voz de Herr Morbid, conductor principal de la banda.

Las guitarras sonaban crudas, sumergiendo en la oscuridad la sala mientras interpretaban temas de un repertorio bien repartido entre todas su discografía comenzando desde su más reciente “Under Saturn Retrograde” hasta su primer larga duración “Songs to Leave”, precisamente de este álbum escogieron dos temas “Disheartenment” y “Steal My Corpse” para realizar un medley junto a “Alone” de su tercer álbum “Love's Burial Ground”.

Los italianos dejaron un buen sabor de boca entre los presentes ofreciendo un concierto contundente.

Texto: Raúl Sújar Pozo

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