50 fotos que cambiaron el mundo | National Geographic

50 FOTOS QUE CAMBIARON EL MUNDO

CELEBRAMOS

AÑOS

50 FOTOS QUE CAMBIARON EL MUNDO

E

l Museo de Arte de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, en el marco del 125 aniversario de National Geografic Society, abre sus puertas a este proyecto formativo como una manera de difundir la labor científica de un igual número de fotoperiodistas o reporteros gráficos a través de algunas de sus icónicas imágenes.

A lo largo de más de un siglo esta sociedad científica, National Geographic Society, ha divulgado el conocimiento llegando a millones de lectores alrededor del orbe, haciendo del famoso marco amarillo un referente del descubrimiento y la ciencia, el mundo actual y la naturaleza, la civilización o el desastre de la guerra.

La muestra se integra por cincuenta de las imágenes más conocidas a través de la publicación del mismo nombre, que permiten adentrarnos en el trabajo de estos exploradoresfotógrafos que, mediante esta técnica, nos narran historias que traspasan las fronteras geográficas para llegar a todos los puntos de la civilización contemporánea. Indudablemente se trata de una mirada al mundo desde distintas perspectivas, tanto geográficas como humanas; las civilizaciones y nuestro mundo actual vistos de un modo reflexivo que nos hacen cómplices y testigos. Imágenes de gran contundencia y belleza que hablan por sí mismas de una realidad que nos toca para quedarse en nuestro imaginario como parte propia.

Es así como la Dirección General de Promoción Cultural y Acervo Patrimonial en su búsqueda de proyectos educativos-culturales que permitan a nuestro público entender al mundo del arte actual, reúne los esfuerzos de esta prestigiada revista con los de esta Institución para ofrecer al público la presente exposición.

ARQ. JOSÉ RAMÓN SAN CRISTOBAL LARREA Director General de Promoción Cultural y Acervo Patrimonial

Cincuenta imágenes de reflexión y goce 125 años de National Geographic Society Las fotografías más bellas son aquellas que te generan recuerdos.

Incluso si aún no lo has vivido.

– Hersson Piratoba

S

i bien el motivo de la presente exposición es la celebración del 125 aniversario de National Geographic Society, es también motivo de reflexión para entender cómo la tecnología y la comunicación han permitido que las imágenes fotográficas, a través de ese mismo tiempo, se conviertan en un referente mundial iconográfico.

Desde su fundación el 27 de enero de 1888 en Estados Unidos esta organización ha estado dedicada a la divulgación de la ciencia y la educación, y se ha caracterizado por el empleo de la imagen como vínculo sobre los hechos y descubrimientos referidos en las páginas de su afamada publicación de marco amarillo, abarcando así diferentes campos del conocimiento humano: geografía, arqueología, ciencias naturales, historia, medio ambiente, patrimonio histórico, etc., bajo un claro lema: “descubrir y dar a conocer el mundo y todo cuanto hay en él”.

Esta muestra reúne 50 de las más representativas imágenes captadas por grandes artistas a través del lente, mediante una acción química que define al nombre de este género artístico: del griego φως (phōs, «luz»), y γραφή (grafḗ, «conjunto de líneas, escritura») y que, en conjunto significa escribir o grabar con la luz, o sea, es el arte y la técnica para obtener imágenes duraderas debidas a la acción de la luz. Este descubrimiento hecho público por Louis Daguerre (Francia, 1787–1851), basado en las experiencias previas inéditas de JosephNicéphore Niépce (Francia, 1765-1833), nos ha permitido ver el mundo de manera remota.

Las imágenes que integradas a los diversos documentales conforman un género fotográfico, nos permiten conservar la memoria de momentos y hechos significativos de nuestro planeta, así como el abordar aspectos estructurales e históricos para la humanidad, y en ocasiones trascienden a su finalidad científica, considerándose como arte por sí mismas.

Sea cual fuere la nominación que se le asigna a esta práctica: periodismo fotográfico, periodismo gráfico, fotoperiodismo o reportaje gráfico, se trata de un género en el que los actores o creadores son conocidos por lo general como reporteros gráficos o fotoperiodistas.

El desarrollo del periodismo gráfico puede rastrearse desde los mismos inicios del desarrollo de la fotografía y tiene una notable relación con la fotografía artística. El periódico utilizó la fotografía por primera vez en 1880, en el Daily Graphic de Nueva York, y desde entonces, el periodismo ha integrado la imagen como medio objetivo y representativo de un hecho, logrado así que la imagen documental abarque distintos aspectos, desde la divulgación hasta la denuncia de hechos.

Cincuenta imágenes que pueden ser consideradas en igualdad de valores y al mismo tiempo documentos y productos artísticos, y cuya finalidad son el goce estético y la reflexión sobre diversos tópicos humanos y científicos; su contundencia indiscutible ha permitido que estas se integren a la memoria colectiva de una sociedad global, la cual se ha apropiado de ellas a través de las páginas de esta extraordinaria publicación conocida sencillamente como National Geographic.

RAFAEL ALFONSO PÉREZ Y PÉREZ Subdirector del Museo de Arte de la SHCP Antiguo Palacio del Arzobispado

N

ational Geographic Society ha desempeñado un papel esencial en la investigación y exploración de la Tierra y en la difusión a un público amplísimo sobre los avances científicos, el legado histórico, la exploración geográfica y las expresiones socioculturales de la humanidad. Colabora con miles de profesionales de todo el mundo en la tarea de profundizar el conocimiento del ser humano y su entorno mediante la financiación y el desarrollo de proyectos de investigación que contribuyen a mantener la sensibilidad cultural y una conciencia ecológica, necesarias hoy más que nunca para preservar en su diversidad el patrimonio de nuestro planeta.

Hoy celebramos 125 años de esta labor a través de una exposición fotográfica con las 50 imágenes más representativas publicadas en National Geographic. Las fotografías muestran la grandiosa técnica que distingue a estos profesionales de la fotografía, así como la dificultad por plasmar el contenido periodístico que lograron en cada una de ellas.

El primer número de National Geographic en Español fue publicado en noviembre de 1997. Se trata de la segunda edición en un idioma distinto al inglés desde que se concibió la Sociedad en 1988. A partir de entonces Editorial Televisa ha mantenido su compromiso con la publicación que mes con mes, de acuerdo con el Estudio General de Medios acumulado durante 2012, llega a unas 850 000 personas en 27 ciudades de México y muchas más en otros países de América Latina como Colombia, Ecuador, Venezuela, Perú, Chile y Argentina.

Nos enorgullece ser parte de esta celebración y cumplir con las expectativas que una marca como National Geographic representa y exige. Esperamos seguir cumpliendo muchos años más en esta colaboración que nos ha permitido ser parte fundamental del desarrollo de esta maravillosa publicación, así como de la ampliación del conocimiento en el mundo.

MARTHA ELENA DÍAZ LLANOS Directora General, Editorial Televisa

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Joanna Pinneo dormía en el trabajo; luego despertó y obtuvo una imagen magnífica. Asignada para cubrir el cambio climático en el África

subsahariana, viajó a Mali para observar cómo la sequía estaba afectando a los nómadas Tuareg del área. Había pasado la mañana en la carpa de la familia con Tinalbaraka walet Mohamed y sus hijos, fotografiando a la mujer mientras peinaba a los niños e incluso aceptando dos pulseras de regalo de una de las niñas. Ella y la familia no tenían un idioma en común y no había ningún intérprete presente. Se comunicaban solo con gestos y sonrisas. “Para mí, la magia era no hablar. Fue un período muy tranquilo y relajante –dice–. Un poco de arena se había filtrado por debajo de la abertura de la carpa y sobre Isah, la beba. Estaba muy cálido y silencioso. Yo solo tomaba una foto tras otra. Pensé, ʽapuesto a que esa será una linda imagenʼ. Ni siquiera supe que tenía este resplandor hasta que vi la foto mucho después”.

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Mali subsahariano | fotografĂ­a de JOANNA B. PINNEO | Julio de 1997

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA “Algunas fotografías –dice Bruce Dale–, son momentos puros y sin planificación. Pero algunas, como esta, necesitan una preparación detallada

y trabajo en equipo”. Para su artículo sobre seguridad aérea, Dale quería fotografías de un avión de línea en vuelo, imágenes que nunca antes se habían visto. “Lockheed colaboró ofreciendo su aeronave jumbo L-1011 que utilizaban para pruebas –dice–.

La idea era montar dos cámaras con objetivos de ojo de pez en la parte superior de la cola. Yo accionaría las cámaras de manera remota desde la cabina. Despegamos desde Palmdale, la base central del L-1011, alrededor de las 5 p.m. en busca de un buen paisaje de fondo. Me gustó lo que vi al acercarnos a la isla Santa Catalina y una imagen que se tomó allí se transformó en la fotografía de portada de la revista. Fue después de la puesta del sol en la aproximación final de vuelta en Palmdale. Luego accioné las cámaras una vez más. Una exposición de 23 segundos surcó las luces de la pista, agregando movimiento al aterrizaje. Fue el efecto dramático que quería y se transformó en un desplegable de tres páginas”. Lockheed conservó el soporte para montaje y lo volvió a colocar meses después para montar las cámaras cinematográficas IMAX. “Unos amigos que vieron la película IMAX me dijeron: ‘Ahora sabemos de dónde obtuviste la idea de montar cámaras en la cola de un avión’. Así son las cosas”.

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California, Estados Unidos | fotografĂ­a de BRUCE DALE | 1977

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Chris Johns ha tomado muchas fotografías de leones a lo largo de los años, pero esta sigue siendo su favorita. Aun así, estuvo a punto de

perder la oportunidad de tomar la imagen. Estaba buscando suricatas. “Había pasado meses organizando una reunión con un conocido que estudiaba suricatas –dice Johns–. Fui manejando a encontrarme con él, hacía un calor que ardía y ni siquiera se presentó. Salí camino a casa”. Se estaba formando una tormenta. “En el camino de ida, había visto a estos dos leones machos en un abrevadero. Le dije a mi asistente: ‘Veamos si podemos encontrarlos otra vez’. No habían pasado ni siquiera 30 segundos cuando vi pasar a uno de ellos”. Mientras el viento soplaba y la luz se desvanecía, él y su asistente manejaron al lado del león todo el tiempo que pudieron. “Simplemente comencé a disparar como un loco. Estábamos justo al borde del abismo en cuanto a la luz. Hay un número limitado de situaciones que hacen buenas fotografías. Cuando se encuentra una, uno hace todo lo posible para que funcione. A veces, incluso el mal tiempo es una bendición”.

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Parque Nacional Gemsbok Kalahari, Sudáfrica | fotografía de CHRIS JOHNS | Enero de 1996

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA “Realmente me encantan estos lugares”, dice el fotógrafo británico Simon Norfolk de las ruinas mayas que fotografió para un artículo en 2007. Pero los edificios presentaron un problema técnico: La luz natural no iluminaba los detalles de manera adecuada. Norfolk probó una técnica de iluminación en una capilla de piedra en Londres, luego se trasladó a Yucatán.

“Solo tomé tres o cuatro cuadros por cada configuración de imagen; la mayoría entre las 3 y las 6 a.m. –dice–. Pero tomó un día realizar las configuraciones de las luces con un equipo de alrededor de 12 personas. Utilicé luz continua, no flashes, con exposiciones de un minuto. Las luces eran versiones más pequeñas de las que tiene un set de filmación. En algunas superficies utilizamos luces más frías y en otras más cálidas. Para el arco en esta fotografía, por ejemplo, hicimos la luz mucho más cálida e intensa. Esto es lo que le proporciona profundidad a la foto. Y si bien no vi las fotografías reales hasta después de nueve semanas (esto era película, no digital) tenía una muy buena idea de cómo se verían las imágenes cuando las tomé. Para mí, el 99 % de la toma se realiza en mi cabeza antes de comenzar. No es como con un fotógrafo de vida silvestre que espera durante días y luego obtiene una toma sorprendente y emocionante. Para mí, es una tranquila sensación de satisfacción de que todos los meses de planeamiento funcionaron”.

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Yucatán, México | fotografía de SIMON NORFOLK | Enero de 2007

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA “Sabía qué árbol quería fotografiar el día que llegué al lugar”, dice Michael ‘Nick’ Nichols. Pero no iba a ser tan fácil: El silvicultor Steve Sillet,

quien trabajó estrechamente con el equipo que realizó el artículo sobre árboles altos en National Geographic, le dijo a Nichols: ‘Ese árbol está jubilado’. “La revista tiene la tendencia de hacer que las cosas cobren fama –dice Nichols–. ¿Qué pasa si mostramos este árbol y después la gente viene y construye un estacionamiento a su alrededor?

Esa era la preocupación a pesar de que estuviese en un lugar agradable y protegido.

Entonces prometimos no ser demasiado específicos sobre su ubicación. Acordamos no nombrarla. Lo elegí porque era el árbol más complicado de todos los que estudiaban estos amigos. Les pregunté: ‘¿Qué árbol les gusta más?’ Y pensé: ‘si puedo tomar una fotografía que haga que a la gente también le guste este árbol, entonces, tal vez, los árboles de viejo crecimiento empezarán a importarle a la gente’. Mi rol era mostrarle un árbol a nuestra audiencia de una manera que los hiciera quedarse sin aliento –explica Nichols–. No es posible capturar un árbol de este tamaño con una cámara. Ni siquiera se puede ver por completo desde el suelo. Uno tiene que mirar esta imagen para poder hacerlo”. Fue necesario todo un equipo para realizar esa imagen: “Requirió siete personas. Yo era el gerente general”, dice Nichols. Ataron una soga entre otros dos árboles y colgaron de ella un sistema de poleas que cargaba tres cámaras. A medida que las cámaras descendían, Nichols, que estaba cerca en el suelo, tomó imágenes de manera remota desde una computadora portátil. Se necesitaron tres semanas de intentos antes del amanecer, pero finalmente, una mañana, capturaron las 84 imágenes que conforman la fotografía. Luego fueron unidas digitalmente por Ken Geiger, miembro del equipo, en lo que Nichols ahora llama cariñosamente “la composición conjunta”.

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California, Estados Unidos | fotografĂ­a de MICHAEL NICHOLS | 2008

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA David Harvey pasó semanas viviendo con una pandilla de adolescentes para obtener su fotografía icónica de la juventud francesa. Harvey asistió a la escuela, compartió comidas, viajó y se quedó en las

casas de un grupo pequeño y muy unido de adolescentes de París y se integró a su mundo. “Alrededor del 90 % del tiempo era muy aburrido –dice Harvey–. Estaban haciendo tareas o tomando exámenes. Pero se acostumbraron a mí y me transformé en una mascota para que no me prestaran mucha atención. Era parte de sus vidas pero a la vez estaba suficientemente separado como para tomar las fotografías. Esta imagen es la más representativa de la cultura porque es justo después de la graduación; el agua y la Torre Eiffel están en el fondo. La imagen también tiene un significado especial para mí personalmente –agrega–, porque fue tomada muy cerca de donde vivía el famoso fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson. Los fotógrafos franceses eran mis ídolos cuando comencé y pasé tiempo tratando de emular la fotografía urbana de CartierBresson. Pero al final me alejé de eso y también de la fotografía en blanco y negro, hacia la fotografía a color. Cartier-Bresson quería ser invisible, pero yo no”.

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París, Francia | fotografía de DAVID ALAN HARVEY | Julio de 1988

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Un hallazgo casual llevó a Kevin Schafer a su primer artículo completo en National Geographic. “Estaba solo en el Amazonas en 2007

y descubrí a un grupo de delfines de río –dice–. Me di cuenta que nadie los había fotografiado de manera extensa debajo del agua, entonces llevé algunas de mis imágenes a los editores y les sugerí el artículo. Me dieron la asignación y volví al Amazonas el verano siguiente. Estos son delfines de agua dulce que realmente viven en la selva; un hábitat de bosque de várzea. La visibilidad es relativamente buena, pero el agua está llena de tanino por lo que tiene un fuerte color rojo. Los delfines naturalmente son de un color gris a rosa chicle. La asignación fue un desafío porque no soy un buzo y no llevé ningún equipo de buceo. Para obtener una variedad de ángulos intentaba todo, desde tomar fotografías desde helicópteros hasta la construcción de plataformas en la copa de los árboles y preparar artefactos tipo Rube Goldberg para tomar fotografías debajo del agua. Los delfines estaban sorprendentemente cómodos de que estuviese en el agua con ellos. Veía entre 30 y 40 delfines por día, la mayoría machos. Eran traviesos. Rompieron la carcasa de mi cámara más de una vez, aunque estoy seguro de que fue por accidente”.

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Río Negro, Brasil | fotografía de KEVIN SCHAFER | Julio de 2008

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA “Había escuchado de Henry Gray, un ranchero que vivía completamente solo en el desierto de Sonora –dijo Bill Allard–.

En ese momento estaba viviendo en Tombstone, Arizona, así que manejé para verlo.

Tenía un cartel de ‘Cuidado con el perro’ en la entrada de su casa. Henry tenía más o menos 70 años y había estado trabajando en el rancho durante 50. El gobierno estaba tratando de lograr que se mudara de su tierra. Querían convertirla en un parque. Nunca había hecho otra cosa más que trabajar en el rancho y no sabía qué haría si se iba al pueblo. Nunca le pedí que posara, simplemente lo fotografié mientras nos movíamos por la casa y platicábamos. Recuerdo que tenía un calendario con una imagen de Jack Dempsey, y en la pared había una vieja bandera estadounidense con solo 48 estrellas.

Pienso que eso decía mucho sobre él. Era realmente un ícono del oeste estadounidense y estaba tratando de resistirse a las presiones del cambio. A lo largo de los años, he tenido una relación amorosa con el oeste estadounidense, supongo –dice Allard–. Es una combinación de la gente, el espacio, las montañas. Yo nací y fui criado en Minesota, pero una vez que llegué al oeste, tuvo realmente un atractivo estético para mí. He fotografiado montañas por todo el mundo y todavía siento ese atractivo”.

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Arizona, Estados Unidos | fotografĂ­a de WILLIAM ALBERT ALLARD | 1970

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA “Esta imagen en particular tardó unos nueve años en completarse”, dice Dean Conger. La larga odisea comenzó en 1965 en plena Guerra Fría.

National Geographic envió primero a Conger y a su esposa en un viaje por Siberia para obtener algo de perspectiva. Finalmente le otorgaron el permiso para fotografiar en el invierno de 1966. “Después de enfriarme los talones durante un mes en Moscú, finalmente pude ir a Siberia, incluida Oimiakón, uno de los lugares más fríos del mundo donde la gente vive y tiene familias”, dice. Aeroflot, la aerolínea rusa, le alquiló un helicóptero. “Buscamos a los pastores de ciervos, pero nunca los encontramos en ese viaje”. Después de más años de negociación, Conger finalmente regresó a Oimiakón en febrero de 1974 y contrató otro helicóptero: “Al poco tiempo vi un enorme rebaño de ciervos atravesando el valle, entonces aterrizamos y caminamos por la nieve tratando de encontrar un lugar, en realidad cualquier lugar, en el que pudiéramos obtener una toma. En temperaturas de 50 bajo cero, tus dedos son el punto más débil –dice Conger–. No podía manejar la cámara con los mitones puestos, entonces me puse guantes de seda debajo. Creo que no tomé más de dos o tres fotografías antes de tener que parar”.

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Oimiakón, URSS | fotografía de DEAN CONGER | Febrero de 1974

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Después de ser parte de la expedición que en 1985 encontró y fotografió el Titanic, Emory Kristof quería ir una vez más para capturar mejores imágenes. Las fotografías iluminadas con la brillantez que

necesitaba requerirían un nuevo tipo de iluminación y nuevos sumergibles para alcanzar el naufragio. Las luces, conocidas como HMI, podían penetrar las profundidades oscuras para revelar detalles imponentes. Inversionistas interesados en crear una película IMAX sobre el naufragio proporcionaron los fondos para las luces. Pero los sumergibles eran una cuestión diferente. “A finales de los setenta –dice Kristof–, el jefe de tecnología para sumergibles de aguas profundas de la Unión Soviética vino a Washington D.C., y quiso hablar con alguien sobre las nuevas tecnologías que se estaban utilizando para observar las fuentes hidrotermales del fondo oceánico y estudiar criaturas submarinas. Entonces, nos reunimos con él, le contamos todo sobre nuestro trabajo e hicimos un amigo para toda la vida. Luego, cuando él ya había probado exitosamente dos súper sumergibles, le envié un telegrama de felicitación diciéndole que deberíamos realizar algunos proyectos juntos. De allí surgió el proyecto del Titanic, que no podríamos haber hecho sin los sumergibles rusos”. Kristof, que pasó alrededor de 50 horas haciendo submarinismo en los sumergibles para obtener tomas de video y fotografías del naufragio fantasmal, llama a esta imagen “mi pieza distintiva”.

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Océano Atlántico Norte | fotografía de EMORY KRISTOF | Julio de 1991

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA En 1989, el explorador estadounidense Will Steger encabezó un equipo de seis hombres para cruzar el continente Antártico usando trineos tirados por perros; algo sin precedentes. “Esta escena resultó durante una calma excepcional en una tormenta de 60 días que sopló casi constantemente mientras estuvimos en la península Antártica –dice Steger–. Nadie había viajado antes a esa área en el invierno, no sabíamos qué esperar. Pensé que podría ver algo del hermoso paisaje, pero todo lo que vimos fue nieve caer todo el tiempo”. El viento y la nieve constantes hicieron imposible tomar fotografías durante la mayor parte de ese período, por lo que en ese día, cuando hubo una pausa en la tormenta, Steger sacó su cámara. Él dice que pagó un precio, porque sus dedos quedaron adoloridos el resto del día, pero quería obtener la toma de sus amigos en un momento de calma. “Utilizamos colores vivos en varias combinaciones para toda nuestra ropa: violeta, verde azulado y naranja. Cada persona tenía una combinación específica de un color principal y un color secundario para poder identificarnos los unos a los otros –dice–. Yo usaba naranja en el exterior y violeta debajo. Descubrimos que los dos amigos que usaban ropa naranja debajo eran realmente difíciles de mirar dentro de nuestras carpas; demasiado brillantes”.

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Monte Rex, Península Antártica | fotografía de WILL STEGER | Septiembre de 1989

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA “Esta imagen fue un raro momento ‘de afirmación’ –dice Ed Kashi–.

Estaba pensando: ‘Sí, lo tengo, y fue algo especial’”. Kashi recuerda

los pocos segundos que tuvo para tomar la fotografía desde el momento en que su visión periférica capturó al joven Paulinous Uko caminando con su cabra por el distrito de matanza en Puerto Harcourt. “Solo logré unos pocos cuadros antes de que se fuera –dice Kashi–. Estaba en medio de este humo negro, ondeando a unos 15 metros de altura, pero había viento, entonces en un momento estaba todo oscuro y luego se veía el sol brillante y el cielo azul, luego se oscurecía todo de nuevo –dice–. Había gente corriendo, cargando animales muertos, niños vendiendo bebidas a los trabajadores.

Era una escena muy dinámica, siempre cambiante. Para un fotógrafo era casi demasiado llena de contenido. El desafío fue descifrarla rápidamente y lograr obtener algo de todas las posibilidades”. El trabajo que realizó en Nigeria se ha convertido en el más significativo de su carrera, según Kashi, pero es el impacto de esta fotografía lo que le da mayor orgullo. Después de ver la imagen, una mujer en el estado de Nueva York se conmovió hasta encontrar a Paulinous Uko y conectarlo con un benefactor, quien ahora está pagando por la educación del joven.

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Puerto Harcourt, Nigeria | fotografĂ­a de ED KASHI | Junio de 2006

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Lynsey Addario pasó ocho semanas fotografiando mujeres en Afganistán entre 2009 y 2010. Mientras manejaba por una carretera en las

afueras del pueblo de Faizabad, se encontró con dos mujeres en la ladera de una montaña sin un acompañante de sexo masculino, lo cual era inusual. Paró el automóvil.

“Mi intérprete y yo corrimos montaña arriba hacia donde estaban ellas –dice–. Cuando las alcanzamos, vimos un paisaje increíble con las montañas detrás, pero debido a la susceptibilidad que involucraba fotografiar a mujeres en Afganistán, yo no estaba tomando fotografías. Mi intérprete nos presentó y les explicó que ella era una doctora y yo una periodista. Luego, les pedimos permiso para que yo tomara fotografías. No nos dimos cuenta que una de las mujeres estaba embarazada hasta que comenzamos a platicar con ellas. Dijeron que un familiar de sexo masculino se había ido a buscar otro vehículo después de que el suyo se averiara”. Addario estaba preocupada por la seguridad de las mujeres. “Cuando la hija nos dijo que su bolsa ya se había roto, decidimos llevarlas al hospital. Vomitó durante todo el viaje, porque estaba en trabajo de parto y estaba mareada”. La joven mujer nunca había estado en un vehículo antes de ese día. En el hospital, dio a luz a una niña.

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Faizabad, Afganistán | fotografía de LYNSEY ADDARIO | 2009

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Martin Schoeller mostró su sensibilidad como artista de retratos en los rostros de los hadza, un grupo de alrededor de mil cazadores y recolectores

que viven en la parte norte de Tanzania. Él tiene un afecto particular por este retrato de Nija, un niño de unos ocho años de edad. “Se ve más grande, creo –dice Schoeller–. Me gusta esta fotografía por la actitud en su rostro. Se ve orgulloso y seguro. Podía cuidarse a sí mismo. La logística en un proyecto como éste nunca es fácil –explica Schoeller–. Éramos un safari. Teníamos que traer un equipo que pudiera armar carpas para dormir y una que fuera lo suficientemente grande para un estudio fotográfico completo. Además, teníamos que tener suficiente agua fresca y comida para 23 días. Por supuesto, uno no puede ir de compras allí”. Schoeller enfatiza que su familiaridad con el pueblo Hadza fue invaluable en su tercer viaje para visitarlos. “Solo se pueden tomar imágenes honestas si la gente no se siente intimidada –dice–. Tuvimos mucha suerte de tener tres tanzanos trabajando con nosotros que conocían a los hadza desde hacía muchos años. Uno de los amigos vivió con ellos de joven, los conocía desde hacía 40 años y había una confianza que los tranquilizó a todos”.

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Tanzania | fotografía de MARTIN SCHOELLER | Septiembre de 2008

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Doce horas. Un buen amigo. Y capas. Estas son algunas de las cosas que

Sam Abell piensa cuando mira su fotografía de peras en la repisa de una ventana en Moscú. “No tenía nada programado en este día en particular –dice–. Era un domingo y me desperté temprano. Era junio y los días eran muy largos. Esta foto comenzó a las 5 a.m. cuando caminé hacia la ventana para mirar las peras que mi esposa había comprado en el mercado el día anterior. Tomé una Polaroid para enviarle a un fotógrafo, amigo mío, que originalmente propuso el artículo sobre Tolstói en el que estaba trabajando y probablemente debería haber estado él allí y no yo. Él había tomado una foto desde la misma ventana para un artículo anterior sobre Napoleón. Me senté y le escribí una carta donde incluí la Polaroid que había tomado. Me gustó lo que vi en la Polaroid, entonces comencé a fotografiar la misma escena, de rato en rato, durante las siguientes 12 horas. La imagen que finalmente entró en la revista fue tomada alrededor de las 5 p.m. –dice Abell–. Miré la escena y vi los planos: la cortina, las peras y luego el Kremlin, la Plaza Roja y más allá, el cielo”.

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Moscú, URSS | fotografía de SAM ABELL | 1983

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Gerd Ludwig recuerda cada detalle cuando tomó su fotografía de ocho niños en el gimnasio de una escuela en Moscú una tarde en 1993 porque pasó semanas tratando de decidir cómo abordar de la mejor

manera el delicado tema. “Mientras estaba trabajando en un artículo importante sobre contaminación en la antigua Unión Soviética –dice–, escuché sobre la existencia de esta malformación. Grupos de niños afectados, todos de más o menos la misma edad, habían sido descubiertos en dos vecindarios de Moscú. En National Geographic no organizamos fotografías, pero claramente estos niños solo iban a estar en el mismo lugar y al mismo tiempo si se los pedía. Decidimos juntar a los niños en el gimnasio de una escuela local. Realizamos una pequeña fiesta con dulces y juegos mientras yo ponía las luces y un trípode. Primero tomé fotografías de ellos con sus madres y con su ropa puesta. Solo al final, con el permiso de sus madres, les pedí si se podían desvestir. Los espectadores a menudo no se dan cuenta de las malformaciones inmediatamente –dice Ludwig–. Luego viene el choque. Quería que la fotografía mostrara a estos niños como seres humanos primero, para mostrar que ante todo son niños inocentes. Y que su desgracia es algo de lo que se puede culpar a toda la sociedad”.

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Moscú, Rusia | fotografía de GERD LUDWIG | Noviembre de 1993

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Brian Skerry ha estado buceando y tomando fotografías debajo del agua por 30 años. Ha visto la degradación de los océanos personalmente.

En 2003, fue sorprendido por la estadística de que el 90 % de todos los grandes peces marinos (tiburones, atunes y peces espada) había desaparecido en solo cinco décadas.

“Pensé que esto sería noticia de primera plana –dice–, pero no fue así. Entonces propuse un artículo para National Geographic. Quería hacer algo que se asemejara a la fotografía bélica, porque yo sentía que eso era lo que se necesitaba. Uno de los componentes del artículo tenía que ser ver la manera en que se utilizaban las redes de enmalle para cazar tiburones en grandes números. Solo en el golfo de California se estaban matando tanto como 20 millones de tiburones cada año. Legalmente. No había cuotas. Esta toma surgió en un momento mágico y trágico. Algunos de los amigos con los que había salido el día anterior me dijeron que pensaban que tenían un tiburón en una de sus redes, entonces bajé una vez más para mirar y encontré esta escena que me pareció como una crucifixión –recuerda Skerry–. Los tiburones azotadores tienen estas enormes aletas pectorales que les dan una cualidad humana, por lo que sentí que esta imagen (con el ojo tan visible) podría hablarle a los lectores en un nivel diferente y más personal”.

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Golfo de California, México | fotografía de BRIAN SKERRY | Julio de 2005

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA “Hacía bastante tiempo que estaba cubriendo la guerra humana en el Congo”, dice el fotógrafo Brent Stirton. En una asignación para la

revista Newsweek, él y el escritor Scott Johnson estaban siguiendo a un grupo de guardabosques de conservación congoleños que habían estado trabajando ad honorem en la región desgarrada por la guerra desde 1994. “La idea era ir hasta el Parque Nacional Virunga con estos amigos para confrontar a los grupos paramilitares que estaban allí. Iba a ser un artículo sobre la valentía de los guardabosques. Estuvimos allí durante dos días, cerca de la frontera entre Ruanda y el Congo –dice Stirton–. Luego todo cambió. Recibimos la noticia de que habían baleado a un gorila. El grupo caminó a través de una lluvia copiosa y finalmente encontramos tres gorilas de montaña hembras muertas. Estaba oscureciendo, entonces acampamos en el bosque –dice Stirton–. A la mañana siguiente encontramos al gorila de espalda plateada, Senkwekwe, y a otra hembra que habían sido baleados. Los guardabosques reclutaron a gente local para que les ayudaran a evacuar a los gorilas muertos. Armaron una especie de camilla con ramas de árboles para transportar la pesada carga. Fue una caminata de alrededor de cinco horas. Afortunadamente, la mayor parte de la lluvia se había disipado –dice Stirton–, y pude tomar algunas fotografías”.

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Parque Virunga, República Democrática del Congo | fotografía de BRENT STIRTON | Julio de 2007

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA En 1991, tropas iraquíes que huían del avance de fuerzas militares de la coalición incendiaron yacimientos de petróleo en Kuwait. Steve McCurry capturó el humo negro, el terror y la devastación que siguió. Recuerda a esta imagen de camellos y humo como una demostración “del impacto ambiental, no tanto de la guerra sino de las secuelas. Todos los yacimientos estaban ardiendo. Esa fue una experiencia absolutamente irreal. Fue como si uno estuviera en otro planeta, en el set de una película o presenciando el fin del mundo. Unos 600 pozos petroleros estaban ardiendo y a las 11 a.m. era como de noche. Los animales merodeaban perdidos; había soldados iraquíes muertos por todos lados. Fue como una visión del infierno”.

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Campos petroleros de Ahmadi, Kuwait | fotografĂ­a de STEVE MCCURRY | 1991

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA David Alan Harvey ha pasado gran parte de su carrera en España y tiene una relación sólida con ese país y su gente. Su trabajo allí en 1991

estaba orientado a explorar los contrastes culturales en un momento crítico cuando una sociedad militarista conservadora le cedió el paso a una más joven y hedonista. Antes de comenzar la asignación, Harvey hizo una lista de los conceptos que iba a tratar de ilustrar, entre ellos estaba la sangre, el catolicismo romano, el militarismo, la pasión, la juventud, el hedonismo y el machismo. Para encontrar la juventud y el hedonismo fue directo a Ibiza, la isla del Mediterráneo. “Este era el lugar de fiesta más salvaje de todos los tiempos –dice Harvey–. Era fuera de serie. Tomé muchas fotografías que no pudimos publicar. Pero encontré esta discoteca llamada Amnesia, donde una o dos veces por semana se llenaba el lugar con espuma de jabón a las 4 a.m. y todos bailaban en las burbujas. La fotografía me llevó dos semanas porque primero las tomé desde la pista de baile, pero finalmente me di cuenta que la mejor imagen sería desde arriba. Entonces obtuve el permiso del gerente para ubicarme arriba en las vigas. Muchas de mis fotografías son más sobre la sensación de estar en un lugar o con un grupo de gente y no sobre su aspecto. Esta es una de esas fotos que muestran una sensación”.

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Ibiza, España | fotografía de DAVID ALAN HARVEY | Septiembre de 1991

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA La esposa de Thomas Abercrombie, Lynn –también fotógrafa– acompañaba a menudo al legendario miembro de National Geographic durante sus viajes al exterior (Abercrombie falleció en 2006).

Pero Lynn no estaba allí para esta peregrinación hacia La Meca. “Ser visto con una cámara en ese lugar era bastante peligroso en esos días”, dice. Por supuesto, Tom tenía un permiso oficial para tomar fotografías, pero había mucha gente en las calles y ellos podrían ponerse nerviosos. Corrió algunos riesgos para tomar la fotografía que al poco tiempo se transformó en un ícono. Lynn y Tom se encontraban con esta imagen a menudo durante sus viajes al Medio Oriente. “Era muy conocida, porque esta perspectiva de La Meca nunca antes había sido fotografiada –dice–.

La vimos enmarcada en las paredes e incluso ¡convertida en manteles individuales en restaurantes!”. Tom escribió de su experiencia: “Salgo de mi pequeño hotel a la calle lateral, fría y oscura, y me siento atraído hacia la plaza principal de La Meca y la intensamente iluminada mezquita Haram, el santuario más sagrado del islam. Enseguida me atrapa el apasionado río humano que fluye a través de la puerta Abraham hacia un vórtice de fieles girando alrededor de la Kaaba, que está cubierta con un manto negro; el centro espiritual del universo musulmán”.

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La Meca, Arabia Saudí | fotografía de THOMAS J. ABERCROMBIE | 1965

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA “Había soñado con obtener fotografías de osos polares debajo del agua durante 10 años –dice Paul Nicklen–. Pero realmente no quería

empujar a los osos a una posición incómoda, entonces nunca sucedió. Luego, un día en que estaba fotografiando narvales, vi a un oso macho grande y me di cuenta de que esta podría ser mi oportunidad. Puse mi bote de aluminio de 3.65 metros al lado del oso en el agua. Y simplemente comencé a fotografiarlo a ciegas. Puse mi cámara submarina debajo del agua y obtuve la toma. No tenía idea si se vería bien o no, pero salió con un buen reflejo, una buena luz”. Asegurarse de no perturbar o forzar a los animales salvajes que fotografía es uno de los preceptos principales de Nicklen. En su primera carrera profesional como biólogo, les ponía collares con radio a los osos y recolectaba datos, pero nunca sintió que estuviera haciendo una diferencia suficiente.

“En lugar de que los datos tomaran decisiones sobre los osos –dice–, lo hacían los políticos. Entonces decidí que sería mejor para mí contar historias con mi cámara.

Pero hasta el día de hoy, para mí se trata más de los animales que de las fotografías –dice Nicklen–. Estoy contento simplemente de estar con los animales y tratar de presentarlos bajo una luz favorable”.

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Nunavut, Canadá | fotografía de PAUL NICKLEN | Junio de 2004

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA “Esta fotografía realmente se sintió como un regalo –dice James Stanfield–. Estaba haciendo un artículo sobre el castillo de Windsor y estaba

tomando mucho tiempo debido a las complicaciones de trabajar con el equipo que protege a la familia real. Necesitábamos integrar a personas en nuestras imágenes, pero el equipo insistió en que nadie podía ser reconocible –nadie del personal–, e incluso se opusieron a las siluetas. Una mañana hubo una tormenta de nieve inesperada. Entonces salí temprano, antes del amanecer, y justo vi a los caballos y el carruaje –un cuatro en mano– luciendo muy imponentes. La luz y la nieve realmente no podrían haber sido mejores. La mayoría de mis fotografías implican una lucha para lograr que las cosas estén correctas, pero esta fue un regalo. La historia mejora –dice Stanfield–. Llevamos una impresión grande de la fotografía para mostrarle al sargento de armas en Londres, el hombre que determinaba qué teníamos permiso para fotografiar. Bueno, él nos dijo que el conductor era el príncipe Felipe, un entusiasta del cuatro en mano, y estaba practicando para una competencia. Al sargento le gustó tanto la fotografía que redujo algunas de las barreras para nosotros y pudimos tomar fotografías con más libertad de allí en adelante. La familia real pidió una impresión grande que habíamos hecho y enmarcado, y la exhibieron en el castillo”.

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Windsor, Reino Unido | fotografĂ­a de JAMES L. STANFIELD | 1979

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA “La imagen de la tormenta de tierra es una de mis favoritas. Es una fotografía a la que la gente responde”, dice Steve McCurry que recuerda la “extraña luz naranja” durante el fuerte viento. “Yo estaba en un taxi en 1983, manejando a través del desierto en Rajastán en el noroeste de India. Era junio, el mes más caluroso, y se originó esta tormenta de arena. El día fue de claro y soleado a oscuro y polvoriento.

Mi primer impulso fue proteger mis equipos, pero luego me di cuenta que debía salir y tomar algunas fotografías. Siempre se puede comprar una cámara nueva, pero las buenas fotografías son pocas y no suceden a menudo. Comencé a mirar alrededor –dice–. Cuando vi a estas mujeres, supe que tenía que tomar esta fotografía. Habían estado trabajando a la orilla del camino y cuando comenzó la tormenta se acurrucaron para protegerse. Corrí por el campo hasta donde se encontraban. Estaban cantando una canción religiosa, ajenas a mí, pero ansiosas debido al viento y el polvo. Era difícil respirar. No se podía ver. Yo solo estaba tratando de obtener un par de tomas y mantener mi compostura. Estuve allí probablemente dos o tres minutos. Luego la tormenta pasó y eso fue todo”.

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Rajastán, India | fotografía de STEVE MCCURRY | 1983

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Jodi Cobb dice que pasó tanto tiempo con la familia Colson en su asignación de 1976 que comenzaron a ignorarla, y como resultado, pudo

capturar momentos naturales y reveladores. “Esta fue una de mis primeras asignaciones en National Geographic –dice Cobb–. Si bien me consideraba a mí misma una fotógrafa de personas, me enviaban a cubrir muchos artículos sobre paisajes. Este debía ser un artículo sobre el río Suwannee y en principio consistía mayormente en remar río abajo en una canoa con un montón de científicos. Entonces me estaba desesperando cada vez más mientras buscaba algo para fotografiar en las orillas del río –dice Cobb–.

Paramos al final de un largo día y me registré en un hotel de hormigón. Con gran alegría conocí a los Colson en las proximidades, una familia de 10, encabezada por Jake Colson (arriba, der.). Vivían juntos en una pequeña cabaña. Jake era cazador trampero y pescador de cangrejos, construía rompeolas para ganarse la vida. Amablemente me dejaron quedarme con ellos por una semana para tomar fotografías. Fui a cazar tortugas con Jake y acompañé a la familia durante un picnic de tortuga y víbora cascabel. La moraleja de esta historia: Cuanto más tiempo pasa uno con las personas, mejor salen las fotografías”.

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Florida, Estados Unidos | fotografĂ­a de JODI COBB | 1976

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA “Su nombre era Eduardo Ramos y tenía nueve años –escribe Bill Allard–. Un taxi peruano había atropellado descuidadamente al rebaño de doce

ovejas de su familia en el altiplano cerca de Puno mientras él las estaba llevando a su casa en el pueblo. La mitad murieron y yacían quebradas como peluches tirados.

Eduardo estaba devastado. ¿Qué le diría a su familia? Tomé algunas fotografías y me fui con mi asistente. Creo que no le dimos nada. Hubiese querido tener algo de fruta o comida, pero no teníamos. Luego le dije a los editores de la revista que necesitábamos publicar la imagen porque hablaba claramente sobre lo difícil que puede ser la vida en Perú. Los lectores de National Geographic respondieron con una gran generosidad, no solicitada, finalmente donando casi 7 000 dólares. National Geographic Society contactó a la organización humanitaria CARE, que a su vez ubicó al pueblo. Se reemplazaron las ovejas, se instaló una bomba de agua para el pueblo y la suma restante fue a un fondo escolar para los pequeños peruanos. Para Eduardo y su familia la respuesta de los lectores debe haber parecido increíble, como algo caído del cielo. La respuesta también fue un regalo para mí porque me liberó de la pesada piedra de culpa por haber tomado pero no haber dado nada a cambio”.

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Puno, Perú | fotografía de WILLIAM ALBERT ALLARD | 1981

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Paul Nicklen describe los cuatro días que pasó en las aguas del Antártico conociendo a una foca leopardo como “la experiencia más increíble” que ha tenido como fotógrafo. Pensando que iba a conocer a un

depredador superior peligroso, al principio Nicklen estaba aterrorizado cuando se lanzó a los mares helados. Pero después de que la foca pusiera la cabeza completa de Nicklen y su cámara dentro de su boca una vez, la nueva amiga del fotógrafo comenzó a alimentarlo y a cuidarlo, trayéndole pingüinos vivos y muertos para comer, incluso poniendo algunos sobre su cabeza. Nicklen cree que el animal pensó que él también era un depredador y corría peligro de morir de hambre. “Ella pensó que la cámara era mi boca, que es el sueño de todos los fotógrafos”, dice. Nicklen cree que la falta de cicatrices en el cuerpo de la gran foca demuestra lo bien que podía comunicarse con otros animales. “No necesitaba recurrir a la violencia”. En retrospección, Nicklen cree que obtuvo de su experiencia un nuevo respeto por este tipo de depredadores. “Lo que comprendo mejor ahora es que una vez que se le da a un animal un trato justo, y una vez que uno se permite volverse vulnerable en el mundo animal, descubre que realmente estamos rodeados de criaturas muy inteligentes por todos lados. Yo veo eso en las focas leopardo, los osos polares, los osos pardos. Y son mucho más consistentes y predecibles que nosotros. Uno no puede imaginar ver una foca leopardo como asesina en serie jamás, ¿o sí?”.

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Isla Amberes, Antártida | fotografía de PAUL NICKLEN | 2006

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Jane Goodall y Michael “Nick” Nichols habían estado trabajando juntos por un tiempo en un proyecto para documentar a chimpancés maltratados. “Estábamos en este zoológico en Brazzaville, Congo,

para ver a este viejo chimpancé llamado Gregoire –dice Nichols–. Había estado ahí en una jaula por más de 40 años. Había perdido todo su cabello, estaba desnutrido, simplemente en un estado terrible. Pero Jane se había hecho cargo de su cuidado y para cuando llegué su cabello había vuelto a crecer y se veía mejor”. Nichols estaba ocupado preparándose para fotografiar a Gregoire cuando miró hacia arriba para ver a Goodall inclinándose para saludar a otro chimpancé, Jou Jou, que estaba en una jaula vecina. “Enseguida supe que eso era una fotografía: Vi la mano del chimpancé y el famoso cabello dorado de Jane. Pero la escena no llenó el cuadro, entonces me tuve que acercar más. Comencé a caminar muy lentamente hacia ellos, disparando mientras avanzaba. A medida que me acercaba más, surgieron los últimos cuadros. Tenía que tener cuidado de no asustar al chimpancé. Jou Jou era un poco peligroso –dice Nichols–. Algunos de estos amigos no entran en cautiverio apaciblemente. Era conocido por tirar heces y mostrar mucha agresividad. Podría haber destrozado la cabeza de Jane contra la jaula si hubiese querido. Pero no lo hizo. Jane realmente puede desarmar a un chimpancé. Es gracioso, esta fotografía tomó menos de 30 segundos. Pero sabía que era icónica. Se convirtió en la representación de la segunda etapa de la carrera de Jane, su trabajo como activista. A veces una fotografía se convierte en algo mucho más grande de lo que es”.

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Brazzaville, República del Congo | fotografía de MICHAEL NICHOLS | 1991

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Børge Ousland tuvo numerosos encuentros cercanos con osos polares en su expedición de 2007 a la Tierra de Francisco José.

“En esta foto, es en realidad pleno verano –dice–, y ya estábamos bastante acostumbrados a ver osos polares. Habíamos visto tal vez 35 o más y varias veces se acercaron a las carpas o los encontrábamos a cortas distancias mientras estábamos esquiando. Nos sentíamos bastante relajados a su alrededor. Habíamos acampado cerca de la costa sobre el hielo marino. Pienso que este era un oso más joven, tal vez de tres o cuatro años de edad. En realidad no nos tenía miedo, pero al mismo tiempo estaba guardando distancia. Lo había escuchado afuera, entonces abrí la puerta de la carpa y lo vi. Mientras estaba abriendo el cierre de la carpa preparé mi cámara.

Probablemente vio el movimiento en la extraña gran ‘roca verde’, por lo que me miró directamente. Estaba contento de tomar su retrato”, dice Ousland. Pero luego el oso se acercó demasiado y Ousland utilizó gas pimienta y disparos para espantarlo.

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Isla Salisbury, Rusia | fotografía de BØRGE OUSLAND | 2007

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Antes de bajar sigilosamente al arroyo en la oscuridad previa al amanecer, para fotografiar a los elefantes del bosque en la República Centroafricana, Michael “Nick” Nichols ya tenía un plan de escape.

“Al menos había elegido un árbol para esconderme detrás si uno de ellos me atacaba –dice–. Sabía que en cuanto se accionara el flash de la cámara todo terminaría. La mayoría de los ataques de elefantes son ataques simulados con el único fin de intimidar.

El que está en esta fotografía es un ataque simulado. Se puede ver que las patas están estáticas. El ojo rojo es de mi flash. Tomé dos fotografías, luego corrí y me escondí.

Una de ellas terminó siendo esta fotografía. Fue un octavo de segundo al amanecer, pero terminó representando el bosque Ndoki, un gran bosque que todavía no había sido afectado. Este artículo era importante. La anticipación de su publicación, en parte, llevó a que el gobierno estableciera el parque y ayudó a que recibiera un financiamiento importante de USAID”. Esta fotografía también se publicó como la portada de la edición de julio de 1995. Nichols recuerda al entonces editor Bill Allen analizando varias portadas y no gustándole ninguna. Finalmente, el diseñador David Griffin le volvió a mostrar la foto del elefante y así se decidió la portada.

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Dzanga Bai, República Centroafricana | fotografía de MICHAEL NICHOLS | 1993

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Fue simplemente un retrato rápido de una colegiala en un campo de refugiados afgano. Pero esta fotografía de Steve McCurry está entre las

imágenes más poderosas en la historia de National Geographic. McCurry sugiere que ella cautiva por su aspecto de “belleza desahuciada. Es evidente que ella es pobre –dice–. Su rostro está sucio, su vestimenta está rota; pero no obstante tiene una especie de dignidad, confianza y fortaleza. En sus ojos, supongo, se puede percibir que había algo que la estaba preocupando, algo que no estaba del todo bien. Ha visto más de lo que debería a tan temprana edad. Su pueblo había sido bombardeado y sus familiares habían muerto. Había tenido que realizar esta caminata de dos semanas a través de las montañas hasta el campo de refugiados”. Diecisiete años después de haber tomado este retrato, McCurry volvió a Afganistán esperando averiguar si la niña todavía estaba viva para finalmente saber su nombre. Sharbat Gula, ya una mujer adulta, había sobrevivido. “Cuando la encontramos, todos sabíamos que era ella –dice–.

Querían realizar una prueba científica mediante un examen de la fotografía de la iris de su ojo contra la iris de la fotografía original, pero todos sabíamos que era ella. La mejor parte fue poder mejorar su vida. Se construyó una escuela en Kabul con base en las donaciones que se recolectaron de esa fotografía”.

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Frontera con Afganistán, Pakistán | fotografía de STEVE MCCURRY | 1984

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Cuando trabajé en Afganistán a fines de los años sesenta –escribió Tom Abercrombie–, las compradoras de más edad en los bazares de Kabul todavía usaban el chador, el velo que las cubre por

completo salvo una malla de tela sobre su rostro. Sin embargo, muchas mujeres jóvenes estaban comenzando a desafiar abiertamente la costumbre con modernas vestimentas occidentales. Las mujeres de los pueblos y las tribus nómadas raramente cubrían sus rostros. Luego, vino la letal invasión rusa y la reacción medieval de los fanáticos del Talibán”. En sus casi 40 años de escribir y fotografiar para National Geographic, Abercrombie trabajó en los siete continentes, incluida la Antártida y el Ártico. Pero su ritmo favorito continuó siendo el mundo árabe. “Sobre vías de tierra o por autopistas de cuatro carriles –escribe–, una Land Rover se convirtió en mi máquina del tiempo. Manejé a través de los siglos, desde los beduinos de la edad de piedra en las dunas del Lugar Vacío en Arabia Saudí hasta las antiguas ciudades amuralladas de Omán, luego de vuelta a las refinerías computarizadas del Sahara argelino, el tránsito de Rolls-Royce en el distrito financiero de Baréin o las boutiques de un Beirut devastado por la guerra”.

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Kabul, Afganistán | fotografía de THOMAS J. ABERCROMBIE | 1967

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Para Robert Clark, la iluminación es lo que hace una fotografía.

“Hablando en términos generales –dice–, realizo entre 50 y 60, a veces 80 o 90, cambios de iluminación para cada fotografía. Cuando obtengo lo que quiero, paro.

Entonces, la mayor parte del tiempo, cuando veo una fotografía en la revista, es la última o la penúltima que tomé”. Clark trae una extensa colección de luces, trípodes y otros equipos a sus asignaciones, a veces llenando 10 ó 12 cajas grandes. “Trato de determinar qué combinación de iluminación fuerte y suave es la mejor para cada sujeto –explica–. Pero no hay una fórmula. Para mí, es una respuesta emocional cada vez; entonces, si volviera a fotografiar a este sujeto hoy, probablemente lo haría diferente.

Lo que sí evito es tratar de hacer que algo como esto, o cualquier sujeto arqueológico, se vea macabro. Sin iluminación de Halloween. Los trato como retratos e ilumino cada uno como a mí me gustaría estar iluminado”. Clark también trata de asegurarse de que cada fotografía en la toma trabaje en conjunto con las otras. “Utilizo luz y sombras para ayudar a que las fotografías se relacionen y se integren como una colección –dice–. Uno siempre intenta contar una historia y las relaciones entre las fotografías las ayudan a cobrar fuerza como grupo”.

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Silkeborg, Dinamarca | fotografĂ­a de ROBERT CLARK | 2006

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA En 1979, le pidieron a Bill Allard que probara un nuevo tipo de película para Polaroid en Nevada. Mientras estaba allí, también realizó

algunas tomas para él, incluida esta, utilizando su propia cámara Leica de 35 milímetros. Él escribe: “Para comenzar el trabajo de Polaroid, crucé el país manejando hasta el noreste de Nevada en mi camioneta Dodge de 1976, a la que había equipado con unos altoparlantes excelentes para tener buena música para el viaje. Planee pasar tiempo con los vaqueros en el rancho IL, una gran organización de propiedad empresarial cerca de Elko. Nunca antes había estado en IL, pero había llamado por teléfono y me conecté con el gerente del rancho. Cuando llegué, me quedé en los campamentos de ganado con el jefe de vaqueros de IL, Hank Brackenberry, y su equipo; monté a caballo con ellos durante sus arreos diarios, los acompañé al pueblo, visité los burdeles de Elko y en general me integré bastante bien, aunque todos eran menores que yo”. Volviendo a pensar sobre esta fotografía del vaquero solitario Stan Kendall, Allard dice: “En Mountain City, un vaquero tenía esa mirada perdida, y partió con ella la mañana siguiente”.

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Nevada, Estados Unidos | fotografĂ­a de WILLIAM ALBERT ALLARD | 1979

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA “Ahora, ¡este era exactamente mi tipo de artículo!”, dice Jodi Cobb sobre su asignación en 1988 para documentar la vida de Broadway en Nueva York. “Este era un artículo sobre gente: no estaba interesada en la

arquitectura o ese tipo de cosas. Quería saber quién vivía en esta calle, la cual exploré por completo desde la punta de Manhattan hasta Tarrytown. Había estado trabajando en el exterior durante ocho años sin hacer un artículo en Estados Unidos por lo que esto era el regreso a casa. Todo ese tiempo había estado buscando símbolos culturales en otros países, pero ahora tenía la oportunidad de ver los símbolos de mi propio país y tratar de comprenderlos. Broadway era justo una porción completa de la cultura estadunidense –dice–. Incluía a los más ricos, los más pobres y los del medio. Fotografié los centros culturales de arte, el Garment District y también las zonas deterioradas de la ciudad. Fotografié a bailarinas y a magnates de Wall Street. Para esta toma –dice Cobb–, había negociado con un taxista para que simplemente me paseara durante una hora más o menos. Times Square y toda esa área no estaban aburguesadas en aquel momento. No se veía como un centro comercial. Sentí que esto capturaba la cualidad misteriosa del lugar”.

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Nueva York, Estados Unidos | fotografĂ­a de JODI COBB | 1988

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA A menudo, Sam Abell utiliza su fotografía de un marcado de animales en Montana para explicar a los estudiantes el concepto de planos en una imagen. “Esta es la foto que mis colegas piensan que es

la más notable que he hecho, la que quieren obtener cuando las intercambiamos. Y eso es porque es compleja. Es difícil tomar una fotografía compleja y mantener todos los elementos unidos. Uno hace eso mediante la estratificación de los elementos visuales –dice–. Esta fotografía realmente comienza en el plano de fondo, con el cielo y el horizonte. Es la base. Luego, está el plano con el vaquero en el caballo, luego los vaqueros ingresando con otro ternero. El plano final es el vaquero con el bisturí en su boca, porque esto es un marcado y una castración. La imagen es característica de la manera en que compongo las fotografías. No comienzo con el sujeto sino con el contexto, luego me abro paso hacia adelante. Comienzo cada fotografía en el plano de fondo. Eso es lo que trato de enseñarles a mis estudiantes; no mirar primero al sujeto principal, sino mirar más allá de este al contexto más amplio. Me gusta tomar fotografías directamente desde el ojo del espectador hasta el infinito”.

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Montana, Estados Unidos | fotografĂ­a de SAM ABELL | 1984

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Bill Allard dice: “En el otoño de 1967 escuché la voz de una mujer

llamando desde el pequeño pueblo vasco de Béhorléguy. En ese momento, estaba parado cerca de un pequeño cementerio donde los niños jugaban de vez en cuando y escuché el golpeteo de pies sobre el camino sinuoso a mis espaldas. Cuando giré hacia el sonido, vi pasar a dos niñas pequeñas, corriendo y saltando hacia el pueblo.

Su madre las estaba llamando para que volvieran a su casa. Levanté mi cámara y realicé dos exposiciones. Recuerdo que pensé: ‘Eso puede ser algo especial, si lo hice correctamente, eso realmente puede ser algo especial’. Meses después, mirando mi película ya en la sede de National Geographic, me encontré con esos dos cuadros. Uno estaba borroso, inservible, un fracaso total y poco interesante. El otro era simplemente maravilloso. Los colores eran pastel. La luz suave y difusa sobre las niñas y el camino atraen la mirada hacia el centro de la imagen. Y las dos niñas no estaban corriendo, estaban saltando; eran ingrávidas, flotando en el aire, como si estuviesen suspendidas eternamente en la gracia y la inocencia. Creo que esa fotografía siempre resistirá el paso del tiempo”.

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Béhorléguy, Francia | fotografía de WILLIAM ALBERT ALLARD | 1967

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Carsten Peter pasó tres primaveras mirando, esperando –y manejando– para fotografiar a un tornado en acción. “La mayor

parte del tiempo había una tormenta desenvolviéndose en algún lugar y viajábamos grandes distancias para encontrarla. Manejábamos desde Minesota a Nuevo México si era necesario. Mi mayor problema fue que nunca sabía qué iba a suceder –dice–, y la cosas sucedían demasiado rápido. Estábamos en carreteras que tenían lodo y eran resbalosas y solo tenía segundos para encuadrar las imágenes. Era mi último día para tomar fotografías. Había estado trabajando fuera durante seis semanas, una semana más de lo planeado, pero le pedí a mi editor que lo extendiera un día más. La toma ocurrió en las últimas dos horas de luz solar, así que se puede imaginar la tensión”.

Al final, estar tan cerca de un tornado, ¿fue una experiencia aterradora? “No –dice Peter–. Estaba totalmente emocionado cuando sucedió. Si bien mis compañeros estaban gritando que el tornado estaba cerca, yo estaba tomando fotografías con un objetivo gran angular por lo que no se veía tan cerca para mí. Creo que hay más adrenalina que sangre en tus venas en esa situación. Me encantó”.

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Dakota del Sur, Estados Unidos | fotografĂ­a de CARSTEN PETER | Junio de 2003

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Mitsuaki Iwago capturó una batalla mortal entre tres leones machos durante una estadía extensa en el Parque Nacional Serengueti de Tanzania. Vio aparecer a un león para luchar contra otro macho, el cual recibió ayuda de un tercero para matar al retador. Iwago dice que su problema más urgente fue prestarle atención al desafiador por temor a que el león se pusiera en contra del fotógrafo mismo. Cuando se toman fotografías de vida silvestre, Iwago enfatiza la importancia del respeto hacia sus sujetos y un “corazón transparente” que permita la comunicación con los animales. Para obtener la toma del león, Iwago vivió en el parque con su esposa y su hija de cuatro años durante 18 meses. Ha escrito que: “Teníamos mucha de la ‘suciedad’ que llamamos ‘civilización’ de nuestra vida urbana en Japón. A medida que pasó el tiempo, la ‘suciedad’ desapareció lentamente y comenzamos a sentirnos renovados...

Las caras de los animales salvajes comenzaron a parecerme familiares. Por supuesto, no mostraban signos de intimidad, pero sentí algo parecido a una amistad con ellos”. ¿Cómo describiría su filosofía? Él dice: “Simplemente seguir mirando”.

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Parque Nacional Serengueti, Tanzania | fotografĂ­a de MITSUAKI IWAGO | 1983

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Amy Toensing tenía un problema. La habían enviado al sudoeste de Australia

para fotografiar los efectos de una sequía devastadora que duró muchos años, pero una llovizna había convertido todos los prados que visitó en un verde exuberante.

Aunque la sequía era realmente tan severa como siempre, de repente nada parecía particularmente seco. Un amigo del lugar la envió a la estancia de la familia de Simon Booth (se comentaba que sus tierras estaban todavía mayormente secas), entonces salió con el ranchero y sus dos hijos a revisar el pluviómetro en un pastizal alejado.

“Los niños estaban realmente emocionados de que había llovido. Había llovido más en una noche que lo que había llovido en diez años –dice Toensing–. De hecho, si se observa detenidamente el centro de esta fotografía se puede ver una mancha oscura en el suelo que era un charco. Yo simplemente seguí disparando. Había viento, volaba arena y la niña se sostenía el pelo hacia atrás. Simon me dijo: ‘Estas tierras solían usarse para alimentarnos y cuidar de nosotros, de nuestro ganado, de todo. Sé que algún día mejorará’”. Y mejoró. En septiembre de 2010, él le envió a Toensing una fotografía del mismo pastizal. Finalmente, la sequía había terminado y las tierras estaban completamente verdes.

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Balranald, Nueva Gales del Sur, Australia | fotografĂ­a de AMY TOENSING | Febrero de 2008

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Randy Olson llevó un diario durante su asignación para documentar las vidas de los pigmeos mbuti en la República Democrática del Congo. Recuerda el brutal rito de iniciación, conocido como nkumbi, que incluye golpes diarios y lecciones de supervivencia en el bosque: “Se aísla a los niños en este campamento en lo profundo del bosque. Ellos han aprendido a adentrarse solos en el bosque y cazar con tan solo un palo o un anzuelo. Lo único que se escucha es el crujido de sus faldas de ceremonial hechas de hierbas. Mañana es el último día del ritual. Los niños han aprendido qué hojas elegir para diferentes tareas, qué tronco pelar, cómo pescar y cazar, y cómo sobrevivir en el bosque. Han sido golpeados todas las mañanas durante cinco meses. “A medida que los liberan cuando culmina el nkumbi, vuelven del campamento del bosque uno por uno. Bailan a todo lo largo del pueblo y vuelven a ser recibidos en la comunidad como hombres. En el otro extremo del pueblo, trepan un árbol y cuelgan su falda hecha de hierbas en el tronco, señalizando su nuevo estado de hombría para que todos lo vean”.

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Ituri, República Democrática del Congo | fotografía de RANDY OLSON | Junio de 2004

Ituri, República Democrática del Congo | fotografía de RANDY OLSON | Junio de 2004

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Wes Skiles escribió una vez: “Incluso con luces brillantes y aguas transparentes, hay simplemente un abismo negro estremecedor debajo de nosotros. La mayoría de la gente asocia la claustrofobia con el buceo

en cuevas, pero flotar sobre vacíos sin fondo como este tiende a erizar los cabellos de la nuca aún más que los lugares estrechos. Como buzo de cuevas uno no piensa en lo confortante que puede ser el piso de una cueva hasta que no se tiene. A veces se siente como si zarcillos negros se elevaran desde el vacío y trataran de hundirte. Mantener a un equipo grande como el nuestro relativamente al mismo nivel es crítico por razones de seguridad; parecía que uno o dos miembros estaban siendo arrastrados hacia abajo constantemente. Todos hemos perdido amigos por la tentación de descender demasiado hacia lo desconocido.

EN MEMORIA La pasión de Wes Skiles por el buceo en cuevas lo llevó a lugares remotos en todo el mundo. Era un innovador, empleaba la última tecnología para explorar los entornos desafiantes y volver con imágenes maravillosas. Participó en expediciones de espeleología y de buceo en cuevas de Estados Unidos, la Antártida, Australia, Brasil, México y el Caribe. Trágicamente, Skiles falleció en un accidente de buceo en la costa este de Florida el 21 de julio de 2010.

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Isla Ábaco, Bahamas | fotografía de WES C. SKILES | 2009

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA A Bob Madden le gusta bromear diciendo que también fotografía flores. Pero es más conocido por su pericia en la cobertura de desastres naturales,

incluido el terremoto de 1976 en Guatemala. “Desde el momento en el que llegamos –dice–, todo era caótico. Había ocurrido una réplica, todos habían desaparecido del aeropuerto, incluidos los cargadores de equipaje. Tuve que meterme en el área de carga de nuestro avión para tratar de encontrar mi maleta de fotografía. Muchos pilotos aficionados llevaban aviones livianos hacia áreas remotas, transportando suministros y personas. Volé con un doctor y otro médico, más el piloto. Aterrizamos en la cima de una colina; no debería haber sido un problema, salvo que de repente surgió un gran viento cruzado. Nuestro piloto manejó el aterrizaje bastante bien. Mientras bajábamos por la carretera que estaba funcionando como pista, miré hacia arriba pensando que vería al próximo avión aterrizando. Pero sin duda el viento lo estaba desviando de su trayectoria y pensé que nos iba a embestir. El avión se estrelló cerca de nosotros justo contra la camioneta. Instintivamente agarré mi cámara y disparé. En esta fotografía, se ve el parabrisas de la camioneta rompiéndose, pero lo que no se ve es que uno de los pasajeros está tratando de salir de la camioneta en muletas con una tablilla en una pierna. Había quedado herido en el terremoto y sus amigos lo habían traído hasta este lugar para volar a un hospital. El piloto del choque terminó con una herida en la cabeza y otros en el avión sufrieron heridas menores, pero afortunadamente todos sobrevivieron”.

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Sanarate, Guatemala | fotografĂ­a de ROBERT MADDEN | 1976

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA “Esta fue una fotografía que cambió mi vida profesional y mi vida personal”, dice Jim Brandenburg, que se describe como “un hombre al que le gustan los lobos”. Vive en Minesota cerca de la frontera con

Canadá, precisamente porque está en el corazón del territorio de los lobos. Esta imagen en particular surgió debido a otra asignación de National Geographic. El explorador Will Steger quería organizar una expedición al Polo Norte en los ochenta y quería el respaldo de National Geographic. Convenció a Brandenburg para que le presentara a las personas correctas en la revista, tentándolo con una carnada irresistible: Steger sabía que había lobos blancos en la isla Ellesmere, que sería su base, y quería que Brandenburg fuera como fotógrafo. La asignación de la expedición polar fue aprobada.

El problema de Brandenburg fue que los editores en jefe de la revista insistieron en que se enfocara en la expedición. Lo hizo, pero no pudo resistirse a los lobos. Finalmente, después de analizar montones de películas que se enviaron a la sede, el editor fotográfico de Brandenburg se encontró con el lobo alfa que estaba brincando.

“No recuerdo realmente que esa haya sido magnífica cuando la estaba tomando –dice Brandenburg–, pero se transformó en una fotografía fundamental”.

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Isla Ellesmere, Canadá | fotografía de JIM BRANDENBURG | Julio de 1986

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA David Doubilet ha fotografiado en las aguas australianas muchas veces, pero recuerda el día en que se tomó esta fotografía como uno muy especial: “Era uno de esos días que son maravillosos, un día tranquilo

en un mar que generalmente está agitado. Un día perfecto. Había leones marinos que nos estaban mirando a los ojos y en toda mi experiencia de buceo, eso es inusual”.

Doubilet estaba trabajando en un artículo sobre la costa sur australiana, donde los leones marinos son las estrellas. “La pequeña colonia que encontramos estaba en un lugar llamado isla Hopkins, con una cala linda y curvada de arenas blancas y praderas tupidas de algas marinas. Los leones marinos se fueron de la playa, entraron a bucear y a jugar con nosotros –dice–. Les gusta ver sus reflejos cuando miran a la cámara, muerden y juegan con los cables de las luces estroboscópicas. Si uno estira la mano, le hacen cosquillas en la palma con sus bigotes. Me encanta bucear con leones marinos y pienso que ellos dicen lo mismo de mí. Pero lo que he aprendido con el pasar de los años es que uno nunca debe ser el que se aproxime a la fauna marina. Hay que dejar que ellos se acerquen. He vuelto a este lugar pero nunca volví a tener un día como ese; aguas transparentes, sol y tantos leones marinos. La fotografía está basada en la habilidad, pero también en un montón de suerte”.

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Isla Hopkins, Australia | fotografĂ­a de DAVID DOUBILET | 1984

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA La fotografía que David Liittschwager tomó de un pichón de albatros que murió después de consumir una miríada de trozos de plástico (fotografiada por Susan Middleton) ilustra el creciente problema de la

basura marina. Una incontable cantidad de aves corre la misma suerte. “Estábamos en Kure Atoll en las islas hawaianas del noroeste con un grupo de gente realizando un control sobre las focas, los albatros y otras aves –dice–. Utilizábamos una estación de navegación abandonada (realmente un cobertizo) como estudio fotográfico.

Justo delante de la puerta había un nido y en él había albatros jóvenes que estaban aparentemente sanos. Nos sorprendimos cuando murieron”. Una necropsia reveló los contenidos estomacales. “Los albatros adultos buscan comida en el mar abierto donde las corrientes convergen, y las corrientes que concentran alimento en la superficie también traen plástico”, dice Liittschwager. Los padres recogen algo de plástico cada vez y lo regurgitan en su pichón, donde se acumula con cada comida. “No creo que el plástico sea diabólico –dice–. Si lo tratáramos como si fuese valioso en lugar de barato y descartable, sería diferente. Pero no valorarlo y dejarlo suelto en el ambiente es simplemente un problema enorme para la vida silvestre”.

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Islas Hawaianas, Estados Unidos | fotografía de DAVID LIITTSCHWAGER y SUSAN MIDDLETON | 2004

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Una violenta guerra en Puntlandia, Somalia, había hecho imposible encontrar los aviones (malas noticias para un fotógrafo planeando

tomas aéreas del paisaje en la vecina Djibouti). Entonces, Chris Johns confirmó un avión bimotor disponible en Kenia, a unas seis horas de vuelo de distancia, para obtener esta toma. “De hecho, esta fotografía es 100 % del piloto –dice Johns–. Nunca había volado con un mejor piloto que Dick Knight. Ni siquiera necesitábamos hablar. Simplemente hacía un gesto con la mano si quería que él diera la vuelta para que yo pudiera mirar algo. El avión era como una extremidad para él, simplemente una extensión de su cuerpo. Estábamos arriba muy temprano sobre el lago Assal –agrega–. Es uno de los lugares más calurosos del mundo”. Los vientos termales que se levantaban de las salinas calcinadas por el sol dificultaban el vuelo. Johns estaba atado a un arnés para no caer por las puertas traseras del avión, que estaban abiertas. “La turbulencia era terrible –dice–. Estábamos sacudiéndonos tanto que saqué una fotografía del cielo, otra de mi pié y luego, finalmente, esta de los camellos”.

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Lago Assal, Yibuti | fotografĂ­a de CHRIS JOHNS | 1989

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Tratando de tomar fotografías para un artículo sobre “arqueología viviente” –mostrar los vínculos entre la vida moderna y la vida hace 5 000 años– Randy Olson se encontró con muchos obstáculos,

incluido el eludir a secuestradores hambrientos de recompensas mientras viajaba a través de Pakistán. Pero cuando vio a un grupo de cazadores de aves usando las mismas técnicas que aparecían como imágenes en la poesía antigua, sabía que había encontrado lo que estaba buscando. “Esta fotografía fue tomada en las afueras de Mohenjo Daro, donde estos muchachos estaban cazando en las orillas de un río –dice–.

Tenían sus aves mascota, que luego serían la cena, y las ataban a aros cercanos, como se puede ver sobre el fondo. Luego utilizaban los tocados como señuelos, y cuando veían venir aves vivas que querían atrapar, los cazadores se agachaban en el agua y simplemente saltaban y capturaban a su presa. Al final, según Olson, conocer a la gente en circunstancias diferentes es lo más importante para él como fotógrafo. “Hacer conexiones para la gente es la única manera de provocar una conexión más profunda entre todos nosotros. No hago eso muy seguido –dice–, pero no cambiaría esos momentos por nada”.

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Mohenjo Daro, Pakistán | fotografía de RANDY OLSON | 1998

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA “Realicé esta fotografía sobre el límite entra la niñez y la adultez femeninas”, dice James Nachtwey, quien fotografió esta escena en la

comunidad religiosa An-Nadzir, en la isla de Célebes, en Indonesia. “Las mujeres están todas cubiertas con un chador completo. La niña también está cubierta, salvo su cabeza. Se puede ver su rostro. Se puede ver su identidad, su personalidad. Tiene una especie de inocencia y alegría. Se la puede ver moviendo sus brazos casi como si estuviera volando. Y lo que le espera para el futuro es lo que se ve detrás”.

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Célebes, Indonesia | fotografía de JAMES NACHTWEY | Diciembre de 2007

DETRÁS DE LA FOTOGRAFÍA Paolo Pellegrin dice que cuando viaja está interesado en “dejar un espacio para el misterio de la vida y encuentros sorpresa”. Hace su

investigación y toma fotografías de los lugares y las personas que son importantes para cada artículo con el fin de armar una narración, pero una razón por la que viaja con poco peso –a menudo con solo una cámara y un par de objetivos– es para darle cabida a esos momentos inesperados. “Esta fotografía fue tomada al final de un largo día –dice Pellegrin–; estaba utilizando los últimos rayos de sol. Estaba contento con las fotos que ya había tomado del mar Muerto –mostraban turistas, actividades mineras y formaciones geológicas– pero sentí que necesitaba algo que también tuviera una cualidad más atemporal. Las dos niñas recién estaban entrando al agua para nadar una última vez y ni siquiera me vieron. Estaban absortas en el juego y estaba muy silencioso.

“Si bien la fotografía fue tomada en 2009, las niñas podrían haber estado nadando allí hace 2 000 años –dice–. Siempre me interesa una fotografía que habla de un momento en particular pero también lo trasciende”.

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Mar Muerto, Cisjordania, Israel | fotografĂ­a de PAOLO PELLEGRIN | 2009

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