ISLA DESCUBIERTA 02 by isla descubierta

Conocer nuestro legado hace que perdure entre nosotros. EDICIร N ESPECIAL COLECCIONISTAS.

Nยบ 02/01/2011

Improntas de exposiciones en Canarias

In-Tros

Maldita Poesía

El legado irrenunciable

Puticlub

Visual Sign

Sinead O´Connor

La escena actual en 4 ciudades

Out-Tros

Nómadas de Sillón

José Saramago

Sintonía Sonora

Paisajes y horizontes sonoros

El buscador de tesoros

Diciembre en el Leal

Tras este invierno vendrán tiempos más cálidos que nos harán olvidar el frío polar que envuelve a la cultura. La incomprensión a veces da lecciones para toda la vida, acontecimientos que marcan, ya sea como artista, como editor, como empleado, como empresario; lo importante es saber escuchar, analizar y extraer lo bueno de cada momento, así creceremos, nos haremos más fuertes, más grandes. Isla Descubierta es una idea que emerge desde lo más profundo de nosotros para mostrarnos lo que somos, a dónde vamos y qué caminos debemos tomar. Hemos de agradecer desde aquí el trabajo desinteresado que realizan día a día nuestros colaboradores. En aras de un producto de mayor calidad que en ocasiones nos servirá de guía, en otras de entretenimiento y otras de espejo al que mirarnos y ver en qué nos hemos convertido con el paso del tiempo.

Otras voces nos contarán lo que sucede más allá del mar del que emergemos, para traernos historias que desconocíamos, para decirnos que en otros lugares la gente piensa, siente y se expresa como nosotros y nuestra labor es recogerlo y mostrarlo. Este es el mundo que nos ha tocado vivir y en el que debemos ser felices con nuestros defectos y valores. Y debemos aprender a convivir con los de los demás. Felices fiestas

Tarek Ode / David Olivera

COLABORADORES INTERNOS

Un blanco cultural

Un paseo entre libros

Alicia Febles Trigo Yaiza Martín de León Guadalupe Muñoz Pino Noemí Olivera Romero Jesús Rodríguez Martí

Corazón indómito

isladescubierta.com / f isla descubierta / info@isladescubierta.com

Miguel G. Morales

Vis-a-Vis

Tarek Ode / David Olivera

Una conversación de cultura y arte

DIRECTORES DEL SUPLEMENTO

DIRECCIÓN DE ARTE Y DISEÑO

El Amor a los Detalles

Santamanía

El Ojo y el Microscopio

Mauro Sánchez

Teresa Febles

DISEÑADOR INVITADO. (Página 14). maurosanchez.es

Otros Caminos

ILUSTRADORA rebeckaskogh.com

Rebecka Skogh

Cota 0

ILUSTRADOR pepevera.blogspot.com

Una ciudad dentro de un edificio

Pepe Vera

Leopoldo María Panero

PUBLICA

Una colección en obras

CANARIA DE AVISOS S.A.

Teixeira de Freitas

Isla Descubierta_Ediciones

Arte Rupestre, un mensaje en el tiempo

Evolución realista

Una reflexión

EDITA Y PRODUCE

Portada / Tarek Ode

Fernando Bellver

Yacimiento arqueológico en El Hierro.

Una editorial canaria se cuela a lo grande en el mercado español del libro fantástico y de terror. La editorial 23 Escalones, especializada en los géneros fantástico y de terror, ya ocupa espacio propio en las librerías más importantes de toda España. Desde que fuera creada en 2010, esta editorial canaria ha tenido gran acogida y una rápida evolución dentro del mercado nacional. En poco más de un año de vida, 23 Escalones cuenta con una amplia e interesante lista de firmas, no sólo de autores españoles, sino también de algunas figuras internacionales de la talla de Neil Gaiman o Samantha Lee. La difusión comercial de 23 Escalones se realiza primordialmente a través de la red. Puedes encontrarlos y seguirlos en las redes sociales e Internet, donde además podrás informarte de sus presentaciones en distintos eventos. Los espacios donde puede verse su catálogo son: la Semana Negra de Gijón, compartiendo programa con Dennis Lehane y Ramsey Campbell entre otros, y el Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña en el que, durante diez días, estuvieron presentes con stand propio.

Cada mes, 23 Escalones sorprende a sus lectores con un nuevo título. Sumados a éstos y también de forma mensual, editan un nuevo volumen de la serie Bolsilibros, dedicada al género de terror. Esta nueva serie vintage constituye todo un pulp-fiction, coordinado por el novelista gallego Darío Vilas. Se incluyen en la serie importantes firmas, como la de Ralph Barby, Damien Wake, Soizik Stiwell o Emma Goshak. Bolsilibros tiene como objetivo principal llevar de nuevo, al lector aficionado al terror, a novelas coleccionables de periodicidad mensual a un precio muy reducido. El último libro publicado, Now we are sick, es una antología de versos espantosos. Una divertida compilación de poemas de treinta de los mejores escritores de género fantástico del mundo. Publicados por primera vez en España. 23 Escalones reúne a Alan Moore, Terry Pratchett, Brian Aldiss, Robert Bloch, Neil Gaiman y muchos otros, en una espléndidamente ilustrada edición bilingüe. 23escalones.com

Fernando Bellver (1)

Kolman-Skop

Poco se puede decir de Fernando Bellver que no se haya dicho ya. Con una carrera artística abrumadora, este “joven pintor” que creció al amparo de la Movida Madrileña, nos abre sus puertas, permitiéndonos conocer no sólo al artista, sino también a la persona, en esta primera parte de dos entregas que conforman una amena conversación sobre toda su trayectoria. Háblanos un poco de ti y de tus amigos. Me defino como un artista que trata de hacer cosas distintas en cada momento. Creo que el estilo está por debajo del lenguaje, es por eso que todo lo que hago trato de que no se asemeje a lo que he hecho anteriormente; utilizando otros lenguajes, yendo al estudio sin saber muy bien qué quiero hacer, porque si lo sé me aburro. Me gusta estar con los amigos de siempre, ésos que no pertenecen a esta profesión, porque son los únicos que consiguen ponerte en tu sitio y esa vuelta a la realidad constante sólo la consiguen ellos.

Soy un pintor, también grabador-escultor y otras veces fotógrafo-grabador. Aunque en realidad no soy nada de eso, tan solo utilizo esos medios. Me considero un cínico-racional-buena persona. Me gusta estar con los amigos de siempre, ésos que no pertenecen a esta profesión, porque son los únicos que consiguen ponerte en tu sitio y esa vuelta a la realidad constante sólo la consiguen ellos. Tus comienzos en el mundo del arte. Empecé por casualidad, vengo de una familia de escultores y en casa, aunque nunca ha habido un caldo de cultivo del arte propiamente dicho, si que había sin embargo una gran libertad. Mi madre un día, al lavarme los pantalones, encontró una talla de una viejecita que había hecho con una tiza, fue entonces cuando me cogió de la mano y me llevó a la Facultad de Bellas Artes. Tan solo tenía trece años y recuerdo que disfruté mucho, porque era el único de mi colegio que veía a mujeres desnudas mientras pintaba. De hecho, se pidió una especie de bula para que eso fuera posible. Posteriormente vendía los dibujos por una peseta o por lo que me dieran, así que puede decirse que estoy en el mercado del arte desde una temprana edad. A base de dibujar, hacer cómics, portadas de discos, carteles, camisetas e ilustraciones de libros, pude vivir bien del trabajo que me gustaba, algo que

nunca hubiera imaginado. Con el tiempo descubrí que lo importante no es ser muy bueno, sino tener muy claro lo que quieres. ¿Cuáles son tus influencias? Me inspiro en todo: pintura, fotografía, amigos, conversaciones… es como si trabajara todo el tiempo; pintores clásicos como Velázquez, Paul Cézanne, Rembrandt, las vanguardias y las postvanguardias. Cada vez que me influye uno, paso por una época de admiración y de esplendor. En definitiva, me gusta todo, voy creando y destruyendo constantemente, pasando por épocas de amor y odio. Hoy, que en un solo día podemos ver más imágenes de las que pudo ver Van Gogh en toda su vida, lo que hacemos es construir Frankensteins a partir de imágenes viejas, pero con influencias distintas.

Háblame de técnica y etapas. He tenido etapas constantes y cambiantes. A veces cogía las páginas amarillas y leía: “se retuercen tubos de 5 mm” y me preguntaba ¿qué puedo hacer yo con un tubo de 5 mm? o bien esto otro “¿qué se puede hacer con hormigón pretensado?” Es entonces cuando se te empiezan a ocurrir cosas, a medida que tienes más y más información. La sociedad te proporciona los materiales y éstos el lenguaje y es eso lo que te permite cambiar y evolucionar, porque no es lo mismo una escultura en bronce que en cerámica. Puede decirse que mi trabajo gira en torno a ¿por qué hay un animal que pinta?, ¿por qué hay un animal que hace fotografía? y en definitiva ¿por qué hay un “mono” que tiene historia del arte? Los viajes y los hoteles. Yo no viajo, me voy, para mí la única forma de descansar es alejarme del estudio y eso sólo lo

Evolución realista ¿Cómo ha sido tu trayectoria artística? Mi evolución artística se ha basado en la mezcla. Tuve mi primera exposición con dieciocho años en una librería, de ahí pasé directamente a trabajar en las galerías de arte; con veintiuno estaba en la galería Esther yendo a Arco y con 30 años trabajé en la galería Joanna Moroz, pero siempre desde un plano profesional. Empecé realizando dibujos, con lo que me pagaban por ellos, continué con los grabados (porque sólo entonces pude costeármelos), luego pasé a la pintura, que me permitió finalmente hacer escultura. Es decir; he tenido una evolución realista. La escultura es lo último que he hecho, porque resulta lo más caro de crear. Siempre he pensado que las historias se cuentan al final y aunque aún no estoy en el final, considero que puedo hacer lo que quiero, porque desde un principio hice las cosas en el orden adecuado.

puedo hacer viajando. Me voy a mirar y a observar a los pintores locales y como tengo memoria fotográfica, dibujo lo que me interesa, yendo a los lugares como si hubiera vivido siempre allí, descubriendo los sitios y los barrios. Cuando voy a una ciudad me alojo siempre en el mismo hotel, porque eso me hace pensar que vivo allí. Tengo que confesar que con los hoteles tengo una especie de fijación. Cuando era pequeño vivía en una casa muy grande en el barrio de Salamanca, pero compartía habitación con mis dos hermanos. Un día comencé a ahorrar, de forma que todo lo que conseguía lo metía en una hucha. Fue así como con once años le pedí a mi madre que me llevara a un hotel, le dí todos mis ahorros y le pregunté si tenía dinero suficiente, me faltaba un poco, pero ella me dijo que me lo ponía. Me llevó al hotel Wellington por la tarde y me recogió a la mañana siguiente para ir de nuevo al colegio. Recuerdo la sensación de estar en una habitación solo, sin oír a nadie que me dijera nada, haciendo lo que me diera la gana. Fue una experiencia genial y es, quizás por eso, que he unido siempre la palabra hotel con la idea de libertad. Los hoteles tienen una parte literaria que me encanta, de hecho, cuando sepa que me queda poco, lo venderé todo y me iré a vivir a un hotel.

Foto/Tarek Ode

El Tenerife Espacio de las Artes (TEA) es el contenedor temporal de una fantástica colección enclavada en dos disciplinas. La Coleçao Teixeira de Freitas reúne en sus fondos piezas que guardan una estrecha relación entre el arte y la arquitectura. Esta destacada cita plástica constituye, cuando menos, todo un privilegio que recoge el acervo particular que surge a partir de dos universos. Obras que aluden a la línea, a la mesura, el espacio y la estructura, como mecanismos para plasmar un conjunto heterogéneo de pensamientos. Esta colección, de evidente coherencia, se nos presenta bajo dos títulos; En Obras para la colección de piezas plásticas y Esto no es un libro, que contiene los fondos que la colección tiene de Libros de Artista, además de material efímero de exposiciones. La muestra recoge varios niveles que se despliegan en distintos periodos y soportes. Pintura, escultura, fotografía, vídeo e instalaciones, principalmente de artistas emergentes, recorren un arco temporal centrado particularmente en los últimos veinte años. La colección ha sido, por ello, dividida en doce núcleos de importancia expositiva además de la sección de libros, con piezas de Sol LeWit, Robert Morris, Gabriel Orozco, Robert Smithson y Gordon Matta-Clark. El Cuarto Oscuro, integrado en la muestra, presenta una pequeña representación del levantamiento de grandes construcciones y documentación fotográfica sobre la arquitectura. Como parece ser que hay libertad para empezar el recorrido por cualquier punto, mi sugerencia es la siguiente: Primero Sala C, luego Sala B y terminar volviendo a Sala C, a la sala de lectura, con la selección de Libros de Artista de la colección. Obras reconocidas como las fotografías conceptuales de Bernd y Hilla Becher o piezas de Vito Acconci, Damián Ortega y otros artistas, que nos proponen trabajos que empiezan a cuestionarnos desde sus apelaciones. Obras tituladas Elote Clasificado, Room Service, Esquema para viviendas que facilita caminar en círculos, o Joyas de la Corona, son tan solo los aperitivos de todo un manjar visual e interpretativo.

Un conjunto muy especial de obras de arte que guardan relación con la arquitectura. Desde el pasado 10 de noviembre y hasta el próximo 4 de marzo, se podrá disfrutar en Tenerife de una exposición única en su género.

El Arte y La Arquitectura Jorge Mora

Cuesta ponderar la medida exacta en que el arte entabla la búsqueda del modelo de estructura perfecta para definir el tránsito entre el hombre y sus planteamientos. Sin embargo, hay conjuntos de obras recolectadas y reunidas no sólo por el aprecio emocional que éstas producen, sino

expresamente para arrojar evidencia de lo primero. El contenido particular de cada obra de la Coleçao Teixeira de Freitas recrea una geografía silenciosa de la escala y de la intensidad del significado interno en aquello que se representa o transmite. Una colección configurada con una coherencia y criterio notable a partir de un enfoque apasionante, el estrecho vínculo del arte y la arquitectura.

Ambos se asientan culturalmente en la toma de conciencia de sí mismo, del hombre y de éste como miembro de una civilización. De ahí, nuestra fascinación por ellos como legado prominente de nuestra especie. Se trata de coleccionistas que conocen perfectamente todo aquello que seleccionan. Esto significa que no se limitan a la exhibición de esqueletos y anodinos objetos arquitectónicos. En las obras está la sociedad que nos propone o impone sus estructuras.

Fotos/ David Olivera

Espejo de nuestra identidad inacabada, la arquitectura es también reflejo del proceso formativo de los hombres y sus pensamientos; constantemente buscamos asirnos de los elementos constructivos para dar cuerpo a nuestras ideas y sensaciones. En este punto radica la importancia artística y antropológica de la Coleçao Teixeira de Freitas. Esta fascinante colección propone y solventa dos cuestiones trascendentes: ¿Por qué el arte se apropia de la arquitectura? y ¿Cuál es el vínculo entre la arquitectura y el arte? La naturaleza de la arquitectura es interpretar el espacio para someterlo

a una función y estética determinadas, sin embargo, ésta, llevada al arte y valiéndose de los mismos principios constructivos, incorpora en el camino mensajes, emociones, enunciados y teorías relacionadas con la intimidad intelectual del artista o, aun más significativamente, con la evolución de la sociedad y la interacción inmediata del hombre, verificando el significado personal o colectivo que tiene un objeto o estructura. La arquitectura, en manos del arte, activa otra dimensión en la misma; al apropiarse de ella, se vale de sus estructuras para transmitir una

miríada de ideas y conceptos que recorren la propia interpretación de las mismas, lo que nos transmiten, hasta el modo en que nos modifican. Hasta plasmar, por medio de ellas, la indagación teórica de profundos esquemas matemáticos o levantar la voz a través de mensajes claramente reivindicativos. El arte y la arquitectura poseen un vínculo histórico que se ha hecho mucho más explícito en los últimos cuarenta años. A medida que se ha afianzado su particular desarrollo, se ha hecho evidente que ese vínculo no es más ni menos que el mismo hombre.

Sus circunstancias y su aceptación de que él, como todo aquello que produce, está en obras. Ambas son respuestas de nuestra verdadera riqueza y fiel canal de nuestra evolución. La Coleçao Teixeira de Freitas da un admirable ejemplo de todo ello. Completamos el recorrido de forma natural, por un medio sublime para el entendimiento entre el arte y la arquitectura. La colección de Libros de Artista, láminas, pósteres y material de exposiciones, todos de gráfica incontestable, entroncan con el eje expositivo de una muestra que hace de su visita, un evento memorable.

En toda instalación, lo primero que hay que tener en cuenta es el espacio expositivo. A partir de ahí, el artista elabora su obra pensando en el diálogo plástico que tiene que existir entre las obras y el espacio. Fernando Pérez domina esta situación. En su obra siempre existe un juego perfecto con el espacio que la rodea, apoderándose del mismo. El proyecto Periferia ha persistido en el deseo de crear situaciones en las que el espacio se libera de un conjunto de normas y restricciones. Lo que se pretende es buscar formas distintas de interpretar la realidad e interactuar con ella. El gres, el acero y el hormigón, materiales que como puede verse son muy elementales, pero la importancia de esta obra no estriba en la riqueza de los mismos sino en la pureza de líneas y la belleza de la obra. Son piezas que nos hablan desde su silencio.

Periferia

Photoworks 1984-2011

GALERÍA MÁCULA

LA REGENTA

Fernando Pérez

Pensión del Arte

Roland Fischer es un artista imprescindible para comprender la evolución del soporte fotográfico en las últimas tres décadas. Sus monumentales fotografías retoman géneros clásicos como la arquitectura o el retrato; los redefinen a partir de cuestiones formales y conceptuales que nos obligan a investigar más allá de las apariencias. Las imágenes interpelan al espectador sobre el propio acto de mirar y esta sensación, se acrecienta cuando entra en escena el uso de herramientas digitales. Uno de los aspectos más significativos se sitúa en su ambigüedad. Sus fotografías tienen una especie de intriga interna que nace de la dialéctica entre el potencial seductor de los temas que aborda, el acatamiento de su rigor formal y el desarrollo de exhaustivas series temáticas que abandona y retoma de modo intermitente.

Roland Fisher

Mercado de Arte Colectiva

IN - TROS

MERKARTE

Exposiciones

Colectiva

CAFÉ SIETE El próximo veinte de diciembre, se inaugurará la tercera edición de Pensión del Arte en el Café Siete, que permanecerá abierta hasta el cinco de enero. En esta ocasión, en el empeño de dar visibilidad al arte que se crea desde Canarias, contaremos con un pequeño muestrario de distintas disciplinas artísticas entre las que destacaremos la fotografía de Omar García y Miguel Sánchez Barbudo. Las Esculturas de Gervasio Arturo y Xiomara Rojas. Pinturas de Cristina Temes y Gumer Torres. Con música de Momdobom, Ghandara y Bikini invaders. Contamos con la personal visión de la indumentaria, de la mano de Camaleoni-k. Además, un sinfín de curiosidades aptas y recomendadas para todos los públicos, generadas todas con amor y pasión por creadores que ansían un huequito, como mínimo, que no es poco, en el corazón de todos.

Cruzar Dakar

Desbordamiento

LA CÁMARA

CAAM

David Olivera

El artista David Olivera, nos propone en esta muestra realizar un viaje en transportes públicos y andando para cruzar la capital senegalesa de un extremo a otro. Con sus imágenes directas y sinceras atraviesa el alma de la ciudad para descubrir un territorio conquistado por los personajes retratados y sus situaciones. Utiliza el color como herramienta para describir lo vital de la ciudad, al mismo tiempo que texturas para resaltar el caos que rodea todo. El ser humano en su entorno sigue siendo el campo en el que el artista se siente más cómodo, el trato directo con los personajes fotografiados pasa a formar parte del momento captado. La galería de arte La Cámara ha elegido al artista para inaugurar su nuevo espacio expositivo, el cual se suma al copiado profesional de imágenes y venta de libros de autor.

MerKarte es la puesta en marcha de un supermercado del arte con el objetivo de acercar al gran público, las obras de arte más recientes de jóvenes artistas canarios. Cumpliendo dos importantes premisas: ofrecer creaciones de calidad a precios razonables y acercar a los artistas de nuestra isla al lado más comercial del arte para ayudarles a profesionalizar su carrera, ofreciendo la oportunidad de exponer en un entorno inmejorable y, de paso, recaudar íntegramente la suma con la que ellos mismos valoren sus obras. MerKarte comenzó en 2004 como complemento al Certamen de Jóvenes Artistas en la modalidad de Artes Plásticas, que realizaba el Cabildo desde 1999. MerKarte es una apuesta por el arte y la plástica donde se conjugan tantos géneros de obra distinta, que resulta un universo de curiosidad. Cada temporada navideña esta es su puesta en la escena artística.

José Val del Omar

La exposición plasma sus intentos, para referirse a sus incesantes iniciativas en torno a la imagen y su rebosamiento. Val del Omar dedicó gran parte de su tiempo a la exploración tecnológica, tanto en aspectos concernientes al cine y a los retos planteados en su tiempo, como en otros terrenos que incluyen la electroacústica, la radio, la televisión y las aplicaciones educativas de los medios audiovisuales. Algunas de sus invenciones pretendían soluciones prácticas en materia de tecnologías. Otras, se adentraron en la noción del espectáculo total con un instinto visionario. Éstas incluyen el desbordamiento de la pantalla y la persecución de un cubismo acústico y visual mediante el sonido diafónico, envolvente, y la táctil-visión con sus técnicas basadas en una iluminación pulsatoria, parpadeante.

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María Fernández Mallart

En pleno centro de la población de Lloret de Mar, en la Costa Brava, crece la Casa de la Cultura, del arquitecto Daniel Mòdol, del estudio DMDEAU. Un edificio que al materializarse, se hace un lugar en el contexto que lo rodea. Logra adaptarse y dialoga con cada esquina de la ciudad existente. Genera, a través de la continuidad con la plaza y las calles a las que se acopla, un espacio sin interrupciones visuales ni barreras, dentro de un entorno urbano consolidado. La obra de Daniel Mòdol surge de materiales de trabajo muy diversos, incorporados al proceso de proyección con distintos grados de importancia. Los resultados, son edificios complejos, a la vez que integrados en el entorno. Resolutivos por medio de un programa, como se puede apreciar en la Casa de la Cultura. Sus proyectos reflejan lo trascendental de trabajar la ciudad y lo más importante, su soporte. El reconocimiento del lugar, la topografía original y las singularidades de su entorno no siempre naturales, definen la cota 0 donde se construirá el edificio y su relación con la ya existente. Eso, juntamente con el uso que le darán las personas a cada una de sus partes, además de los instrumentos propios que lo hacen posible, es lo que para Mòdol vincula y sitúa el edificio en su entorno. La complejidad urbana entendida en todos y cada uno de sus niveles, desde los más inmediatos, como los edificios y calles, infraestructuras y vacíos, a elementos no tan evidentes, tales como, los grafitis o la señalética viaria, sirven como herramientas y soportes del proyecto. La Casa de la Cultura de Lloret de Mar se distingue por ser un edificio que se genera a partir de tres grandes volúmenes emergentes. Cada uno de estos tres volúmenes, ha sido diseñado para dar respuesta a las necesidades programáticas de tal manera que contienen un uso concreto del programa: biblioteca, sala de exposiciones, centro social para la tercera edad, escuela de adultos y oficinas del ayuntamiento. Es un edifico fragmentado y concebido para verlo y entenderlo como segmentos que se elevan del suelo y forman calles, patios y plazas interiores. Se da continuidad al tejido urbano existente en la localidad. Una modificación de la escala del espacio urbano para introducir un nuevo trozo de ciudad en el interior del edificio. Se evidencia el uso y el movimiento de los visitantes en el centro. Estos volúmenes se sitúan buscando la orientación idónea y se adaptan al contexto de manera autónoma pero sin renunciar a generar una imagen potente e icónica del conjunto.

La construcción de imágenes en el soporte urbano de la ciudad.

Daniel Mòdol i Deltell

DMDEAU Arquitecto por la ETSAB de la Universidad Politécnica de Cataluña 1997. Profesor asociado del Departamento de Urbanismo y Ordenación del Territorio de la ETSAB.

Ha desarrollado proyectos y trabajos de dirección de obras para infraestructura y urbanización. Profesor en la asignatura de Proyectos, los años 1996-1997 y 1997-1998, en la Escuela superior de Diseño ELISAVA. Colaborador habitual en los másteres de Proyecto y Crítica, de la Universidad Politécnica e Cataluña. En el año 2004 funda DMDEAU (Daniel Mòdol i Deltell Estudio de Arquitectura y Urbanismo)

Se accede al edificio por una pasarela en la parte superior del patio de la sala infantil y de la biblioteca, situada en el sótano. Ya en el interior, el espacio público central es una gran sala a triple altura que distribuye los usos que allí convergen. A este gran espacio se accede a través de unas rampas que recorren las tres alturas, conectando la parte alta con la inferior. Al seguir la pasarela llegamos a la parte interior del edificio, que da fachada a un patio que se ilumina desde lo alto, hasta el rincón más escondido. Así, la Casa de la Cultura es una combinación de volúmenes emergentes y patios escondidos que consiguen un conjunto exterior, con luz natural y ventilación en todos los puntos. La arquitectura de Mòdol se mezcla con el lugar, dotando de nuevas cualidades al entorno y logrando que a través de éste, cobre sentido la obra, asumiendo la complejidad existente para transformarla con la aportación de los nuevos programas construidos.

Foto/Jordi Bernad贸

1. En su última carta, William Butler Yeats dejó escrito que “el hombre encarna la verdad, pero no puede conocerla”. Estoy de acuerdo, pero encuentro más llamativo que tampoco ha dejado de buscarla en otra parte, ni de preguntarse si tiene sentido hacerlo; o que el arte tiene tanto que decir aquí como la ciencia o la filosofía; o que de entre todas las artes, el cine posee unas características que lo convierten en un medio óptimo para mostrar, ilustrar, ejemplificar, reproducir e impulsar esta búsqueda; que cuando digo que es un “medio óptimo” es porque es el cine, no sólo una cierta clase de cine, el que participa en dicha búsqueda del sentido de nuestra existencia; y que no costaría mucho defender esta afirmación apelando al cine de Chaplin, Renoir, Fellini, Capra, Buñuel, Cukor, Wilder, Truffaut, Ford, Kurosawa, Antonioni, Godard,

LA PELÍCULA CONSTITUYE UNA VUELTA DE TUERCA GENIAL A LA PREGUNTA POR EL ORIGEN Y LA EVOLUCIÓN DE LAS INTERCONEXIONES ENTRE EL ORIGEN DEL UNIVERSO Y LA APARICIÓN DE LA VIDA

Polanski, Eastwood, Kitano, Cronenberg, Mendes, Von Trier,… o Terrence Malick. 2. Detengámonos ahora en un lugar común con el que no estoy de acuerdo, pero que nos va a servir de puente entre los comentarios anteriores y los que están por venir: el cine de Malick está pagado de sí mismo, es aburrido, para admiradores rendidos a su mensaje, tolerantes con sus excentricidades. Es normal que haya quien piense de esta manera, pero intuyo que la razón para ello es que las características del cine de Malick que veremos más abajo chocan de frente con el hábito de ir al cine a no pensar en nada, a distraernos y olvidarnos de la semana laboral. Porque cuando vamos al cine normalmente no estamos dispuestos a realizar un esfuerzo mayor que el que supone pagar los 7 euros de la entrada. ¿Quién podría negar que el cine es

fuente de entretenimiento y de distracción? Yo no, desde luego, pero tampoco soy el único en opinar que el cine es algo más (de hecho, ha surgido una nueva disciplina intelectual, la Filmosofía, a partir de opiniones como ésta). El cine en general, y el de Malick en particular, nos brinda la oportunidad de sacudirnos el sopor existencial que tiñe nuestras vidas de blanco y negro (hay otro tipo de cine que por desgracia contribuye a intensificar este sopor). 3. Con su primera película, Malas Tierras (1969), Malick sorprendió positivamente al público y a la crítica. Su siguiente película, Días del cielo (1978), obtuvo el Oscar a la mejor fotografía y el premio al mejor director en Cannes. Después siguieron 20 años de silencio que contribuyeron a aumentar la imagen de genio excéntrico de este brillante estudiante de filosofía (con Stanley Cavell en Harvard, en Oxford con Gilbert Ryle, e impartió clases sustituyendo a Hubert Dreyfus en el MIT). En 1998 reapareció con La delgada línea roja, una hermosa elegía bélica con un reparto espectacular, siete nominaciones a los Oscar, y varios premios internacionales. En 2005 estrenó la que hasta ahora era su última película, El nuevo mundo, con la que desmonta el mito construido en torno a la llegada de los primeros colonos británicos a las costas de Norte América. En un nivel superficial las cuatro son revisiones de géneros clásicos (road movie, western, bélico y de aventuras, respectivamente), si bien la supuesta revisión no es más que una excusa formal al servicio de la ambición y el talento creativo de Malick. 4. Hay en las cuatro películas anteriores una serie de características que les otorgan un cierto aire de familia: son películas intensamente visuales; la naturaleza es un personaje más; los rodajes son siempre con luz natural (incluso en interiores); la acción transcurre en el presente; la narración lineal no es tan importante como la coexistencia de diferentes puntos de vista, lo cual se logra por medio del recurso de la voz en off que, a diferencia de la del cine negro, no es omnisciente; los diálogos son escasos y (también los monólogos de las voces en off) poéticos y en ocasiones elegíacos; y, por si hiciera falta decirlo, Malick no hace concesiones al gusto popular ni a los convencionalismos; su cine no es moralizante, pero ayuda a los espectadores a recuperar la capacidad de asombro y a hacerse las preguntas necesarias para formarse una opinión. Todo lo anterior se acentúa en su última película. 5. El árbol de la vida (2011) ha provocado las reacciones típicas cuando se trata del cine de Malick: desde las que la califican como su última alucinación new age, hasta las que la describen como la obra de un genio. Para

bien o para mal, es la película sobre la que más se ha escrito en publicaciones y foros especializados en los últimos meses. La mayoría de los comentarios se preguntan por el sentido de la película, aunque curiosamente no he leído ninguno que busque la respuesta en el lugar más obvio. El árbol de la vida es un símbolo cabalístico, un mapa de la Creación del mundo. Y también es el árbol de la vida del Génesis. Así, la película de Malick constituye una vuelta de tuerca genial a la pregunta por el origen y la evolución de las interconexiones entre el origen del universo y la aparición y evolución de la vida en él (¿Son contingentes estas interconexiones, o se explican mediante algún plan divino o de otro tipo?). Por una parte contemplamos una sucesión sin lógica aparente de imágenes de galaxias, planetas, volcanes en erupción, ríos de lava mezclándose con el mar, una playa, un desierto, un bosque, dinosaurios (¡qué secuencia más maravillosa!), rayos de luz, organismos microscópicos, etc. Por otra parte somos testigos del nacimiento e infancia de los tres hijos de una pareja en un pequeño pueblo tejano. La narración empieza por el (por un) ﬁnal: la muerte de uno de los niños (no sabemos cuál), el dolor por la pérdida, las voces en off de la madre, y de uno de los hermanos ya mayor, a modo de plegaria. Luego vuelta al principio (a un principio: los nacimientos de los hermanos)

y todo el peso recae sobre las relaciones de los niños con sus padres (sensible y cariñosa la madre; inflexible y autoritario el padre). Pocas películas describen la infancia y la paulatina pérdida de inocencia con tanta sabiduría y sencillez. Pero no esperemos encontrar mucho más en forma de argumento. La fuerza de la película reside en el espectacular y personalísimo lenguaje visual de Malick. El resultado es un verdadero festín para los sentidos y, en segunda instancia, para el intelecto. 6. ¿Arroja la película de Malick alguna luz sobre la cuestión del sentido de nuestra existencia? Creo que una posible respuesta la da la madre de los tres niños cuando afirma que “sin amor –a todo, a todos, a cada rayo de luz– la vida pasa en un destello”. Puede no parecer mucho, pero es posible que no haya mucho más que decir. La naturaleza trágica y la belleza de la búsqueda de la verdad a la que nos referíamos al principio residen en que a pesar de que se trata de una búsqueda sin final, algunos no cejan en su empeño y van encontrando verdades parciales como premio a su inconformismo. El sentido no depende de la existencia de una verdad última, sino de la atención –el amor– que prestemos a los detalles. Depende de la intensidad con la que decidamos vivir cada momento del tiempo que nos ha sido dado.

el ojo y el microscopio

Frente al hábito de ir al cine a no pensar en nada, hay otro cine con características dirigidas a quienes desean o necesitan hacer un esfuerzo real y no sólo pagar los 7 euros de la entrada. Un cine que nos brinda la oportunidad de sacudirnos el sopor existencial

Pepe Vera / Ilustración

David Pérez Chico

Es profesor en el Departamento de Filosofía de la Universidad de Zaragoza. Sus intereses son la filosofía de Stanley Cavell y de Ludwig Wittgenstein, la filosofía del lenguaje y de la mente, o la literatura norteamericana y el cine. Ha editado varios libros (los últimos: El diario como forma de escritura y pensamiento en el mundo contemporáneo y Explicar y comprender) y prepara la publicación de una monografía sobre Cavell y Wittgenstein.

Mauro Sánchez / Ilustración

El verdadero artista ayuda al mundo revelando la verdad. Bruce Nauman

Ya que en el fondo me niego a aceptar que la desaparición temporal de una publicación sea la muerte de la misma y mucho menos el término del lazo de unión de sus convocados; concluyo que un club de ilustradores, diseñadores y fotógrafos es indisoluble mientras que todos sus miembros continúen en su ejercicio.

puticlubvisual.com

El particular conjunto de atributos emocionales y empíricos que tienen los profesionales creativos, sumados a la exigencia que de ellos hace el mercado, propulsan sentimientos e impelen reivindicaciones dignas de la nobleza de sus oficios y sobre todo, relativas al uso que de ellos hace la sociedad a la que aportan su esfuerzo. Ya que un club formado por un perfil semejante es imposible que desaparezca, centrémonos entonces en reconocer a la publicación que ya no podremos, de momento, descubrir en nuevas entregas que nos revelen sus "placeres".

Puticlub Visual es el escaparate de trabajos personales y genuinos, de artistas visuales, que de este modo, se permiten alejarse un poco de la dictadura del producto, para simplemente gozar de sus propias expresiones y disfrutar con sus descubrimientos. Una plataforma de profesionales que nos regalan páginas hechas desde el aprecio y la dedicación a su trabajo. Una revista con un contenido comercial imposible. Alejada de la orden y del plegado a los dictados y la voluntad del mercado de la compra y de la venta. Un entorno que hace que los creativos se vean a sí mismos, a veces, un poco meretrices, monos de feria o soldados de fortuna. santamanía

Cine francés: Los Intocables.

Fo t

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La película que está en boca de todos los franceses en estos momentos es la comedia Intouchables (que traduje a lo bestia como Los intocables. Mis disculpas si Kevin Costner lee este periódico). La cinta se ha convertido en un verdadero fenómeno de taquilla, llegando a sobrepasar los 10 millones de espectadores. En Francia, el cine se mide en cantidad de espectadores (no somos capitalistas, eh; esto es arte) y, cualquier cinta que ponga más de 10 millones de culos galos en las butacas es, de facto, un exitazo. La meta de películas como Asterix o El marsupilami es 10 millones de entradas, por lo cual se entiende la euforia que Los intocables ha generado en el país. Objetivamente, la película funciona bastante bien. Se beneficia del hecho de que el año 2011 ha sido espantoso en cuanto a la propuesta cinematográfica mundial, lo cual ha impulsado películas buenas, bien hechas pero sin más (como Drive de Winding-Refn) a ser consideradas clásicas. En el país de los ciegos… De esta manera, Los intocables logra imponerse por su propuesta simple, nada pretenciosa, que transpira vida. La química de los dos actores principales, el veterano François Cluzet y el actor cómico Omar Sy, hacen que la historia avance sobre ruedas y sea, en muchas ocasiones, para desternillarse de la risa. Esto, en el contexto del cine francés, donde “comedia dramática” significa que 90% de la peli es drama existencial y el otro 10% son chistes que ya has visto en los avances del largometraje, no es de menospreciar. Porque yo debo confesar que cuando leí el argumento: “un viudo tetrapléjico establece una Descubriendo Gante. amistad con un joven marginal francés que trabaja como su enfermero. Esto hace que vivan Gante es la ciudad medieval de mapa orgánico, castillos aventuras increíbles, llenas de humanismo”, pues se me salió la sangre venezolana. Digo restaurados y exposiciones a tutiplén, donde la historia sangre venezolana ya que me volteé hacia mi esposa y le dije, “yo esa vaina no la veo ni que y el arte contemporáneo se complementan tan felizmente me amarren a la silla y me abran los ojos como en La Naranja Mecánica”. Sucede que como la alfombra de adoquines que cubre el centro y las eso de “dramas llenos de humanismo” en el cine francés me lo conozco demasiado. bruñidas vías de los tranvías que dinámicamente lo atraviesan. Esas cintas escritas por un dizque intelectual que fuma en cadena y mira al país La forma más interesante de conocer la oferta cultural de esta a través de sus gafas de pasta, para aplicarle las herramientas más herméticas ciudad no sería visitando sus muchos teatros, bibliotecas, salas de y obtusas que puedan conseguirse en un libro de Derrida o Baudrillard. conciertos, universidades o sus más de 12 museos (aunque también), Entonces los personajes también fuman y discurren largamente sobre sino descubriendo las calles y bares donde el marco histórico y el el mayo del ’68, la caída del muro de Berlín o la inmigración, y nada se proceso del arte se dan la mano. mueve: la acción no avanza, la cámara no gira ni un ápice, nadie entra De entre sus edificios rocambolescos y canales sinuosos emanan aromas ni sale de cuadro, y tú te dedicas pues a pensar en las cuentas que húmedos. Se respira la auténtica Historia y embriagados se comprende mejor debes pagar o, porque no, a repasar la tabla de multiplicar del 7, a pintores como el Bosco o los hermanos Van Eyck. Hasta que, claro, nos saca del para aprovechar algo de estas dos horas de tu vida que jamás te trance un tipo pegando tiros con una pistola de mentira perseguido por un rubio devolverán. En este contexto, Los intocables es simplemente que, armado con una cámara, va filmando el performance. Algo que nunca ocurriría brillante. Refrescante, emotiva (sin llegar a la sensiblería en Brujas, estancada en su papel de escaparate turístico. de un disco de Ricardo Arjona) y bien hecha. Es, sin duda No obstante, debiendo recomendar algún templo del saber al visitante de paso, me alguna, la película francesa más relevante del 2011. decanto por los renombrados SMAK (Museo de Arte Contemporáneo), MSK (Museo de Bellas Artes) y el Dr. Guislain (atípico psiquiátrico reformando a museo). Los gantienses, y yo con ellos, cultivamos fervorosamente la cultura del café, no como brebaje caliente, sino como ritual de reunirnos en las más variopintas cafeterías para hablar de arte. El Vooruit -antiguo templo de la cultura socialista- es la más conocida. Mientras ojeo una reseña interesante sobre la galería Croxapox en De Witte Raaf (revista sobre arte contemporáneo en neerlandés), los de al lado hablan de teatro y los de más allá esbozan el próximo Festival de Cine Internacional de Gante. Llega mi cita y nos enfrascamos en idear nuestra próxima exposición. La cultura no se nutre solamente de instituciones acartonadas. Por eso, Gante ofrece abiertamente el laboratorio ideal para desarrollar toda clase de proyectos artísticos en un ambiente cosmopolita y bohemio. Además, fiel a su historia medieval, enarbola orgullosa en lo alto de sus castillos el hecho de que todos colaboramos activamente en construir su generoso paisaje cultural.

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Su última novela, Yo maté a Simón Bolívar, está disponible en Amazon http://li.co.ve/ecB

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Vicente Ulive-Schnell

Nayra Martín Reyes

2 Sin tĂtulo (2007)

Teresa Febles

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Té sin Ernesto.

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Ernesto, hola. ¡Por fin! Es un placer. A ver, ¿por dónde empiezo? Es un poco complicado. Primero voy a pedirnos un té, que es como los ingleses nos enfrentamos a los problemas más insalvables. Eso ya lo sabrá usted muy bien: por lo que recuerdo, es un gran eurófilo – si no anglófilo – como lo fueron tantos otros artistas sudamericanos de su calibre, que se abrazaron a París y Londres, por ejemplo, para abrirse nuevos horizontes. En su caso, en París fue donde encontró esos horizontes o, mejor dicho, la necesidad y vocación de buscarlos, y lo hizo volviendo a sus raíces argentinas. Ahora, los ingleses y tantos otros buscamos inspiración – y quizá refugio – en ultramar. ¡Buscamos en el New World desde la espiritualidad hasta el vino! Entre mis propias raíces, igualmente desperdigados, han permanecido dos Ernestos singulares: uno es un amigo de mi infancia, de El Tablero, en Santa Cruz de Tenerife; y luego usted, Sr. Sábato, que desde Buenos Aires, marcó mi vida personal y profesional de formas sutiles pero fundamentales, más allá de su contribución literaria universal. Fue la necesidad inglesa de abrazar lo latino, lo que nos puso en contacto brevemente. Pero esa misma dualidad también nos apartó: me refiero a la dificultad innata con el que el inglés tiende a tratar esa mezcla incómoda de lo anglosajón y lo foráneo, especialmente en lo que respecta a la literatura. Y fue con ánimos precisamente de romper esas barreras, que en los ’90 un joven se propuso publicar en inglés La Lluvia Amarilla de Julio Llamazares. Expertos le decían que sería muy difícil, si no imposible, conseguirlo - cultural - y, a fin de cuentas, comercialmente. En abril de 1999, tras publicar usted el que fuera su último libro, Antes del fin, su entonces agente en Buenos Aires, Guillermo Schavelzon, recibió una llamada proponiendo su traducción: impactado por el mensaje de su libro, tras tantos años de silencio literario, al traductor le Desde la oscuridad, Van Gogh. movió simplemente la necesidad imperante y humana de divulgarlo. Sábado por la mañana. Un vaso de leche, una tostada y una Pero al final, por cosas del destino, tuvo que olvidarse de Lluvia y echarse atrás de guía con los museos y galerías en la ciudad de Los Ángeles. intentar traducir el suyo también. Sólo en mayo del 2011, descubrió apenado que Echo un vistazo a todas las opciones y enseguida hay un nombre usted no llegó a ver Antes del fin publicado en inglés... Pues ese joven era yo. que fija mi atención. Apunto la dirección y me dirijo hacia allí. Al Quizá me dirá que nada de esto tiene importancia, especialmente comparado avanzar por la autopista veo en lo más alto de una colina un complejo con las castañas que tuvo que sacar usted toda su vida. Pero usted mismo nos arquitectónico. El museo Getty tiene cinco plantas subterráneas para enseñó que sólo uno sabe lo que debe perseguir y lo que debe comunicar de los coches, varias explanadas y un pequeño tren de cercanías que te lleva lo que va encontrando por ese camino. a todas las exposiciones. Hay unas impresionantes vistas a las ciudad y Por otra parte, este monólogo me ha servido para valorar, entre otras pocas veces en mi vida había visto a tantas personas juntas. Turistas, familias, cosas, que hace demasiados años que no abrazo a ese otro Ernesto hombres y mujeres que cruzan sus caminos para ver varias obras, pero en único, aquel amigo Medina de mi infancia. Gracias. especial una del año 1889. Las medidas de seguridad son extremas con cámaras de vigilancia y hombres con Julio, hola, me alegro de verte. walkitalki cada cincuenta metros. La suma de los pequeños edificios incrustados en Ernesto ya no puede venir. Pero acabo de disculparme. la colina te recuerda un poco a la película Los Cañones de Navarone. Uno de los guías Ahora te cuento. ¿Tomamos un té? te dice que la pintura que vas a ver nunca va a salir de aquí, ni siquiera para una breve exposición en algún otro lugar del mundo. Jean Paul Getty, el hombre que dio vida y nombre a este museo, la adquirió por mas dos millones de dólares. Me meto por un pequeño edificio de color negro, subo a la segunda planta, entro en la sala 204, me encuentro a una nube de personas rodeando un cuadro y aprovecho un hueco, un instante, una pequeña oportunidad para ver Lirios azules en un jardín de Saint-Remy, de Vicent Van Gogh. Me quedo ahí pasmado, sin saber muy bien por qué y espero un rato a que se despeje la zona para volver a mirarlo. El genio holandés realizó esta obra desde los jardines de un centro sanitario en el que ingresó tras un brote de locura y cuentan que su intención era capturar la armonía del ambiente que le rodeaba. Al volver a mirar la pintura te encuentras en primer plano unos lirios azul oscuros, marchitados, de líneas gruesas, que se concentran en un reducido espacio, y sientes el pulso y la impresión de un hombre atormentado. Su nombre, Vincent, lo coloca en diagonal apuntando hacia una esquina del cuadro, en el que hay colores amarillos y un destello de blanco. Quizás Van Gogh buscaba algo de luz al final del túnel, quizás nos intentaba decir que, si en algún capítulo de nuestras vidas los momentos malos se suceden, siempre queda aferrarse a luchar por un ánimo de esperanza. Entonces te das cuenta de que quizás una obra de arte, una pintura o la vida de un artista representan mucho más que nuestra cultura. A veces, pueden ser un referente para nuestra forma de ver e interpretar el mundo e incluso, en algunos casos, podría servir para entender nuestras vidas. Manuel S. Umo

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Bernard Murphy

Foto/ David Olivera

Me gustarĂa escribir un libro feliz; yo tengo todos los elementos para ser un hombre feliz; pero sencillamente no puedo. Sin embargo hay una cosa que sĂ me hace feliz, y es decir lo que pienso.

Pedro Felipe

Una casualidad permitió a Miguel G. Morales coincidir en un plató de televisión con Juan Cruz. Fue durante la grabación del programa Atlántico, que el escritor y periodista dirigía y presentaba para Televisión Canaria y por el que desfilaron numerosas personalidades de la vida cultural del archipiélago. Miguel, que había comenzado a trabajar en el programa como ayudante de realización, sintió la fascinación por la entrevista íntima y certera, el diálogo fluido y el punto de vista particular, diferente, inédito. Poco después se convertiría en realizador del programa. Nació así el documentalista con vocación de arqueólogo, de buscador de tesoros. Creció el realizador con ansias de expandir su universo visual. Maduró el narrador respetuoso con el personaje a retratar, virtuoso a la hora de descifrar los misterios de la creación y su vinculación con el crecimiento vital e intelectual. Juan Cruz se sintió cómplice y descubrió a un realizador con inquietud por arañar en el intelecto desde detrás de la cámara.

Ese entendimiento entre ambos inauguró una colaboración que se plasmó en 2003 en la cinta Aislados, la esencia de un espíritu, un ambicioso proyecto documental producido con la colaboración de CajaCanarias. La generación de Gaceta de Arte, los hombres y mujeres que, desde las apreturas de una isla y una sociedad endogámicas, fueron capaces de codearse con la vanguardia artística y cultural europea, de participar activamente en la revolución surrealista y de liderar un movimiento de carácter universal, se hizo de nuevo forma a través de los testimonios de los herederos, estudiosos, amigos y compañeros de los Pérez Minik, Westerdahl, Domínguez… Un milagro pasajero que corrió el riesgo de caer en el olvido y del que se ha reivindicado su lugar en la historia durante los últimos años. Durante la grabación del documental, y a través de la lectura de la obra de Domingo Pérez Minik, Miguel G. Morales conoció y se interesó por las historias de algunos de los miembros de esa generación señalada. Sintió la necesidad de narrar, por separado, la trayectoria artística de los protagonistas, casi siempre vinculada a sus propios procesos vitales, tan diferentes, tan particulares. Se empezó a forjar el realizador sin fisuras, sensible con el retratado pero contundente en el reconocimiento implícito. Nacieron así las obras dedicadas a los artistas surrealistas Óscar Domínguez (Monsieur Domínguez, 2007) y Juan Ismael (En el ala del sueño, 2007), así como el retrato de la inclasificable Maud Bonneaud (Maud, las dos que se cruzan, 2004), tres piezas imprescindibles para acercarse un poco más a la excepcionalidad de ese momento histórico.

Miguel G. Morales En esa vorágine creativa, Miguel G. Morales tuvo tiempo de vincularse al proceso de introspección que le propuso el pintor Cristino de Vera. Un ejercicio de observación y participación que serpentea por las obsesiones conceptuales del artista y que se plasma en el documental Al silencio. Se formó así el intérprete de los miedos, el interlocutor respetuoso, el altavoz de las emociones. Poco después viajó con Pepe Dámaso al interior del hombre y del artista, sucumbiendo a su energía hasta componer un obituario en vida inigualable (Iter in setem ipsum. Dámaso, 2009). Durante ese tiempo, continuó buceando en la esencia de la generación de Gaceta de Arte a partir de la influyente figura de su alma y cronista, Domingo Pérez Minik (Una luz en la isla, 2010). Ese trabajo sirvió para retomar su colaboración con Juan Cruz, con quien remató una de sus obras más redondas, el acercamiento a la figura del escritor Ignacio Aldecoa a través de su Cuaderno de godo, un majestuoso retrato literario de las islas Canarias. Aldecoa, la huida al paraíso es una joya documental que se fue gestando durante muchos

“A través de la lectura de Domingo Pérez Minik, verdadero cronista de su generación, encontré historias que me impactaron. Sentí que no podía quedarme solo en Aislados, en la sombra que de ellos se proyectaba”. “Domingo López Torres es el artista más injustamente olvidado, incluso por sus propios coetáneos. Apenas hay referencias suyas debido a que hablar de él suponía un compromiso político”. “Trato de adaptarme a la figura que retrato. Cristino de Vera tiene un halo de introspección y misterio que me sugería jugar con luces y símbolos como los laberintos. Intento que la forma de contarlo, visualmente, tenga relación con su obra”.

“Con Dámaso el objetivo era mezclar los sueños y la energía que transmite el propio personaje. Su mejor obra es él mismo”.

años y en la que se reconstruye la fascinante búsqueda del paraíso terrenal del escritor vasco, revisitando los lugares que describió con su elegante y certera prosa. El compromiso de Miguel con la generación de Gaceta de Arte se cierra con Los mares petrificados, un documental pendiente de estreno sobre el autor más olvidado y del que menos referencias existen, Domingo López Torres. Ahí surgió de nuevo el paciente buscador de tesoros, el arqueólogo dispuesto a la indagación y permeable al hallazgo de la escasa herencia artística de un poeta engullido por la historia. Todo lo contrario sucede con César Manrique, un artista universal del que existe una amplísima documentación y reconocimiento y con el que Miguel G. Morales pretende cerrar una etapa en su filmografía. Un reto personal para el realizador, que se centrará en su impagable labor como activista medioambiental y referente del ecologismo. La conciencia de la voz se encuentra en fase de investigación y preproducción. Y de ahí el salto a nuevos retos, nuevas propuestas, nuevas formas de expresión a través de la imagen. Con Drake en Canarias. Las alas verdes del dragón, se instala en un momento histórico opuesto y en unas motivaciones aparentemente lejanas, si bien la esencia de su búsqueda sigue intacta y muchos tesoros continúan esperando su hallazgo.

“Pepe Dámaso se tomó el rodaje del documental como su propia muerte, un viaje en el que se enfrenta a sí mismo y a su propia obra”. “En los rodajes surgen secuencias que no están preparadas. Lo que sí se prepara es el estado emocional en el que se encuentra el personaje”. “La relación con la gente que retratas es muy íntima. Me gusta esa intimidad pero creo que hay una línea que no se debe traspasar”. “En la película de Ignacio Aldecoa recuperamos la figura del conductor. Un escritor canario (Juan Cruz) revisita las islas a través de los ojos de un escritor vasco”.

Foto/ David Olivera

Mes para disfrutar del ánimo urbano. La Laguna, que reciéntemente acaba de demostrar su poder de convocatoria con la Noche en Blanco, continúa con una programación en abanico para todos. El Leal, eje cultural de esta programación de estrellas, tiene para ofrecer un contenido que acompaña al espíritu decembrino.

El truco de Olej

Concierto de Góspel

Pampinak Teatro

Chicago Mass Choir

11 de Diciembre

13 de Diciembre

Pampinak Teatro es un grupo de teatro de muñecos integrado por titiriteros, músicos, artesanos y docentes. Un espectáculo de circo cuyos artistas son muñecos, para los cuales nada es imposible. Este espectáculo, para toda edad, es una selección de las propuestas más impactantes representadas con anterioridad por este grupo de teatro negro. Cuenta la historia de un niño barrendero que busca ser mago... Este niño intentará aprender la profesión de mago haciendo enojar a los presentadores del circo, mientras se suceden distintos cuadros típicos del espectáculo circense: malabaristas, acróbatas y equilibristas. El truco de Olej es una colorida obra infantil, cuya narración ocurre en el ámbito de un circo ilusionario con un fuerte impacto estético, en el cual los personajes, muñecos de distintos tamaños y colores fluorescentes, se arman y se desarman cobrando vida gracias a la complicidad de la oscuridad, a cargo de la magia de Pampinak Teatro. En El Truco de Olej, el escenario se viste de espectador; el silencio contempla la sala y la magia refuerza la ilusión circense del universo Pampinak. Pero contar o reseñar este espectáculo para alguien que nunca vio un espectáculo de Bosquimanos es muy difícil, ya que más allá de lo que se ve, no es sencillo contar lo que se siente.

Desde su fundación, en 1988, Chicago Mass Choir ha colaborado con renombrados artistas a nivel internacional, como Bob Dylan. No en vano, los últimos años ha recibido numerosos galardones del ámbito del góspel, entre ellos tres premios Grammy. El góspel o música evangélica es conocido como un estilo que surgió de las iglesias afroamericanas en el siglo XVIII y que se hizo popular durante la década de 1930. El góspel, popular principalmente en los estados sureños de Estados Unidos de América, ha devenido en una de las principales corrientes de música que mezcla religiosidad y los ancestrales Espirituales africanos de los esclavos. Más generalmente, suele incluirse también la música religiosa compuesta y cantada por cantantes cristianos sureños, independientemente de su etnia. La música góspel, a diferencia de los himnos cristianos, son de carácter ligero en cuanto a música. La palabra original es GodSpell, que en castellano se traduce como «Dios anuncia». A esta forma de cantar se la denominó así ya que era un canto evangélico, para invitar a las personas hacia Dios. Las letras suelen reflejar los valores de la vida cristiana. La fuerte división entre blancos y negros en EE.UU., especialmente entre las iglesias de blancos y de negros, ha mantenido separadas ambas ramas del góspel, aunque esta separación nunca fue absoluta. La música góspel es un fenómeno estadounidense que se ha extendido a lo largo y ancho del mundo.

El mes pasado nos sorprendió a todos en el Teatro Leal con su papel de Estela del Val, en Amar en Tiempos Revueltos. Viajamos con ella a través de su larga carrera y le preguntamos sobre la actualidad cultural. Influencia del personaje. Con el último proyecto es con el que me siento más identificada, los otros pasan a formar parte de tu vida y tu memoria pero estás volcada en el personaje que estás interpretando. En estos momentos estoy muy identificada con el personaje de Estela del Val que, llevo tres años interpretando en diferentes medios y estudiando su arco dramático desde diferentes perspectivas y luego, al que tengo un especial cariño es Versión Española.

Tony Zenet

Cayetana Guillén Cuervo

Concierto

Winston Smith

17 de Diciembre

En lo musical, Tony Zenet tiene un enorme poder de evocación. El que trae consigo de la herencia del bolero, de la vena del tango, del embrujo flamenco, del vacilón del swing y el jazz. Todo eso viene en la sentina de su disco Los mares de China. Pero Zenet no es de estilos puros, de ortodoxia a carta cabal, sino que la mezcla; la alquimia, el cocinar ingredientes dispares funciona en su obra musical como un reloj de bolsillo, viejo pero preciso. Zenet suena a vida normal, a pisito pequeño, a pila llena de cacharros por fregar, a amor cálido que trata de salvar a base de caricias todas las dificultades que nos plantea la vida con la sonrisa de los que saben que este paso por el mundo es, un es y no es; y así define Fernando Martín a Zenet, un crooner andaluz que sin duda está viviendo su momento artístico más bonito. Zenet es un showman, actor, bailarín, mimo, carne de escenario que disfruta haciendo piruetas con su sombrero, que baila los solos, que vacila con el público, que pide pista en escenarios grandes. Su disco y la repercusión que ha conseguido, lo dicen a voz en grito. Pero él no le da importancia. Fuma su cigarrito y bebe su cerveza en el sitio de siempre, sabiendo que el agua de Levante viene y se va sin avisar. Cuando un músico te dice que su segundo disco no es una continuación del primero, sino que éste era en realidad un anticipo del nuevo, esa mezcla de confianza y chulería hace que te pique la curiosidad. Y después de disfrutar con detenimiento canciones como la afrancesada Amaneció sin querer o la retozona Fue por casualidad, uno ha de reconocer que puede que tenga razón y todo.

Panorama cultural. Los recortes significan no contratar espectáculos, menos dinero para la realización de películas, programar menos funciones de teatro. Significa que la cultura merma y la cultura es importantísima, como que labra el crecimiento y la educación de las nuevas generaciones. Forma el carácter y la sensibilidad; la capacidad de comprender la vida y afrontar el reto de nuestro proyecto de vida. Próximo proyectos. Tengo más teatro entre manos pero quiero parar un poquito ya que tengo un niño pequeño, estoy faltando mucho en casa y lo paso mal, la conciliación todavía no está conquistada. Y a la vista, seguir con Versión Española que es el eje central de mi vida. Consejos a nuevos actores. Tomárselo muy en serio. Esto significa trabajar, trabajar y trabajar. Dentro del trabajo está la formación, hay que estudiar una carrera y no parar de aprender constantemente, no sólo de interpretación, de dicción, de preparación de la voz. Todo esto enriquecerá la formación. Mis padres fueron muy claros con nosotros y el paso por la facultad para mí fue muy importante, y es el consejo que doy siempre a todo el que me pide consejo profesional. No vale hacer una serie, que tenga éxito e intentar seguir por ahí, creo que es muy peligroso, se te puede caer en cualquier momento y tambalearte, tienes que ser una persona sólida con gran formación para poder buscarte la vida y poder ser más libre.

La necesidad del hombre por comunicarse y dejar mensajes para la posteridad es inhererente a nuestra especie. Hay un motivo particular por el que todas las culturas poseen un código y manejan un conjunto de símbolos similares aún en puntos muy distantes del planeta Kolman- Skop

Desde hace siglos, los antiguos pobladores de Canarias se manifestaban abiertamente a través de la cerámica, la escultura y los grabados rupestres. Ese arte figurativo y escultórico es una expresión excelente de cómo dominaban la tridimensionalidad y de cómo se repiten los mismos moldes generación tras generación. Cuando abordamos el tema del arte, hablamos de una formalización de iconografías, consecuencia de nuestra percepción. Gracias a los múltiples procedimientos técnicos, podemos hacer reales las imágenes que circundan nuestro pensamiento, producto de la experiencia. El arte es, por lo tanto, y así lo defiendo, una actividad reservada al ser humano, influenciado en su mayor parte por la filosofía y las creencias propias de nuestra especie. Es por todos conocido, la repetición de modelos escultóricos y de trazos, en culturas milenarias separadas geográficamente, lo que imposibilitaba el contacto entre ellas; ¿cómo son posibles entonces dichas coincidencias? Un ejemplo de ésto serían las diferentes Venus halladas en el mundo. Sorprende que en la mayoría, se intente destacar la sexualidad y fertilidad femenina, mediante la exaltación de los pechos, la anchura de las caderas y unas formas redondeadas, indicativas de una prosperidad alimenticia, ejemplo de épocas de bonanza. Por lo tanto, que diferentes culturas, aunque entre ellas exista un salto generacional, hayan sido capaces de llevar (modelar, tallar o esculpir) sin referentes anteriores, una imagen dictada por el cerebro a una realidad material, demuestra que se está dando un paso hacia delante en la evolución. La necesidad de crear iconos a los que adorar y el refugio espiritual que supone

confiar nuestras vidas a entidades superiores, es tan antiguo como el ser humano. No pretendo defenderlo, pero hay que reconocer que gracias a eso, el arte ha sobrevivido. Ese proteccionismo divino ha supuesto un respeto a la creación, haciendo posible su subsistencia a lo largo de milenios. Todo lo anterior nos conduce a la creación de las primeras sociedades destinadas a expresar y transmitir lo que el pensamiento ordena, al amparo siempre de chamanes y con los medios disponibles de la época. Es así como se llega a muchas de las inscripciones en piedra y dibujos rupestres. Inscripciones éstas, repetidas en diversas culturas con una distancia geográfica e histórica infranqueable. La necesidad del ser humano de trascender a la realidad, lo ha conducido desde siempre

a buscar sustancias psicotrópicas que lo evadieran de la misma y, en cierta forma, lo acercasen a lo divino. Por medio de ellas, los chamanes establecían (y establecen) puentes con los dioses, o tenían (y tienen) visiones futuristas, para regresar después al mundo terrenal y transmitir los mensajes procedentes del más allá. Estudios recientes demuestran que en ese estado de trance inducido por las drogas, las primeras percepciones visuales suelen ser; manchas negras (asociadas con las pieles de felinos), espirales, líneas y formas circulares. Es interesante comprobar que de esta forma se responde a la incógnita de cómo diferentes culturas representan los mismos

motivos en diversos lugares del planeta. El arte es tan antiguo como el pensamiento simbólico y ha sido utilizado por el hombre para enviar mensajes a la historia. La imagen de un aborigen canario inscribiendo letras y símbolos en una piedra o preparando la superficie para poder trabajar sobre ella, no deja de impresionarme y más aún si reflexionamos y pensamos que de esa forma se trataba de enviar un mensaje en el tiempo. Eran ellos, los artistas, los que destinaban lugares para la interpretación de su obra. Como si de un museo moderno

Recientemente al proponer la imagen de la portada de este suplemento (unas inscripciones recuperadas en un yacimiento de El Hierro) uno de nuestros colaboradores la asoció con la idea del independentismo, nada más lejos de la realidad, pero ¿qué nos está conduciendo como sociedad a esa confusión? La respuesta es bien simple: la ignorancia, pero ¿por qué nos asusta nuestra identidad? En unos de mis viajes a Namibia, un bosquimano me mostraba con admiración, las inscripciones rupestres que sus antepasados habían hecho sobre las piedras, incluso me explicó que en ellas dejaban constancia a sus descendientes de dónde se encontraba el agua, o las especies

cinegéticas de la zona. Lázaro (que así se llama mi amigo bosquimano), me estaba haciendo un regalo que nunca olvidaría: el orgullo con el que se muestra una cultura. Ya en Canarias y reflexionando mucho sobre el tema, traté de hacer lo mismo con algunos amigos de confianza y los conduje a uno de mis yacimientos arqueológicos favoritos. Sólo puedo decir que cuando llegamos a ellos estaban expoliados. Al denunciar lo sucedido, lo único que encontramos fue un vacío legal y administrativo. Las leyes existen pero no se cumplen. Conclusión:

Rebecka Skogh / Ilustración

EL ARTE ES TAN ANTIGUO COMO EL PENSAMIENTO SIMBÓLICO Y HA SIDO UTILIZADO POR EL HOMBRE PARA ENVIAR MENSAJES A LA HISTORIA

se tratase, eran también los poseedores de la técnica y el conocimiento; en definitiva, los que han roto el silencio de nuestra historia. ¿Con qué derecho nosotros (la cultura que ha tomado prestado su territorio) despreciamos su legado? Desgraciadamente el desconocimiento en el que el arte rupestre de nuestras islas está inmerso, imposibilita su acercamiento a la población. Los yacimientos, en su gran mayoría, sólo se hayan protegidos por el secretismo. El vandalismo ha arrasado con gran parte de nuestro patrimonio y las instituciones no hacen nada al respecto. Así las cosas, el futuro se augura gris.

ESTUDIOS RECIENTES DEMUESTRAN QUE EN ESE ESTADO DE TRANCE INDUCIDO POR LAS DROGAS, LAS PRIMERAS PERCEPCIONES VISUALES SUELEN SER; MANCHAS NEGRAS (ASOCIADAS CON LAS PIELES DE FELINOS), ESPIRALES, LÍNEAS Y FORMAS CIRCULARES

nuestro patrimonio desaparece y lo que desaparece hoy, no podrá recuperarse mañana. No pretendo ser un historiador, ni un antropólogo, pero si me gustaría transmitir desde mi modesto conocimiento, que el arte rupestre y en concreto el canario, tiene la misma relevancia que cualquier otro, y es nuestro deber conservarlo para disfrute de las generaciones venideras. No podemos mirar a otro lado mientras algunos salvajes destruyen nuestra historia, porque es un legado irrenunciable y debe ser protegido, estudiado y transmitido. Me gustaría poder encontrar en las nuevas generaciones, personas como mi amigo Lázaro de Namibia, que fue el encargado de transmitirme el mensaje que sus antepasados habían escrito en las cavernas del Small Bushman’s Paradise. Tenemos la gran fortuna de que a día de hoy aún se siguen encontrando nuevas inscripciones y grabados en el territorio canario. Recientemente, en una visita a Lanzarote, José Farray me mostraba unas manifestaciones líbico-bereberes aparecidas tras la tormenta tropical Delta. Somos muy ricos y lo somos porque tenemos historia. No permitamos entonces que el desconocimiento de la misma anule el pasado y respetemos lo que se escribió en la superficie de nuestra tierra, miles de años antes de nuestro nacimiento.

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Kolman-Skop

- Proyecto de un beso -

- A Francisco -

Te mataré mañana cuando la luna salga y el primer somormujo me diga su palabra te mataré mañana poco antes del alba cuando estés en el lecho, perdida entre los sueños y será como cópula o semen en los labios como beso o abrazo, o como acción de gracias. te mataré mañana cuando la luna salga y el primer somormujo me diga su palabra y en el pico me traiga la orden de tu muerte que será como beso o como acción de gracias o como una oración porque el día no salga te mataré mañana cuando la luna salga y ladre el tercer perro en la hora novena en el décimo árbol sin hojas ya ni savia que nadie sabe ya por qué está en pie en la tierra te mataré mañana cuando caiga la hoja decimotercera al suelo de miseria y serás tú una hoja o algún tordo pálido que vuelve en el secreto remoto de la tarde te mataré mañana, y pedirás perdón por esa carne obscena, por ese sexo oscuro que va a tener por falo el brillo de este hierro que va a tener por beso el sepulcro, el olvido te mataré mañana cuando la luna salga y verás cómo eres de bella cuando muerta toda llena de flores, y los brazos cruzados y los labios cerrados como cuando rezabas o cuando me implorabas otra vez la palabra te mataré mañana cuando la luna salga, y al salir de aquel cielo que dicen las leyendas pedirás ya mañana por mí y mi salvación te mataré mañana cuando la luna salga cuando veas a un ángel armado de una daga desnudo y en silencio frente a tu cama pálida te mataré mañana y verás que eyaculas cuando pase aquel frío por entre tus dos piernas. te mataré mañana cuando la luna salga te mataré mañana y amaré tu fantasma y correré a tu tumba las noches en que ardan de nuevo en ese falo tembloroso que tengo los ensueños del sexo, los misterios del semen y será así tu lápida para mí el primer lecho para soñar con dioses, y árboles, y madres para jugar también con los dados de noche te mataré mañana cuando la luna salga y el primer somormujo me diga su palabra.

Suave como el peligro atravesaste un día con tu mano imposible la frágil medianoche y tu mano valía mi vida, y muchas vidas y tus labios casi mudos decían lo que era el pensamiento. Pasé una noche a ti pegado como a un árbol de vida porque eras suave como el peligro, como el peligro de vivir de nuevo.

- Diario de un seductor No es tu sexo lo que en tu sexo busco sino ensuciar tu alma: deflorar con todo el barro de la vida lo que aún no ha vivido

maldita poesía

Panero

Foto/Tarek Ode

Ante la obra de Leopoldo María Panero (Madrid 1948) no existe la indiferencia. Con un lenguaje (o un mundo) propio, su poesía deshiela los cimientos de los glaciares más firmes. Sus versos son una negra luz que ilumina el hueco olvidado de la poesía contemporánea. Cada poema cubre de moho la percepción de la realidad, con esa forma magistral de describir un mundo plagado de entes, seres y lugares recónditos e inhumanos, nos convierte suyos, haciéndonos participes del viaje a ese más allá. Hijo de Leopoldo Panero y Felicidad Blanc y hermano del también poeta Juan Luís Panero, su vida ha estado ligada desde siempre a la literatura. Con una formación académica muy amplia se da a conocer por vez primera en la antología de José María Castellet, Nueve novísimos poetas españoles (Castellet 1970) y desde entonces hasta fecha de hoy ha publicado más de una veintena de libros, entre poesía, relatos, ensayos y artículos. El sello que marcaría su vida es el choque en 1968 con la institución psiquiátrica. A partir de ahí, se suceden idas y venidas entre las cuales acontecen múltiples incidentes que van desde detenciones, cárcel, intentos de suicidio, excesos… Panero se ha enfrentado a fuerzas inmensamente superiores que lo han sumido en la derrota. El terror de la vida a veces sólo es superado por el dolor del alma. Pero no hay lugar en esta sociedad alineada para los que dicen aquello que no queremos oír; es de esta manera como le han sido negados premios y reconocimientos al más grande de los poetas contemporáneos. La poesía de Panero es su poesía, tiene timbre propio, pero al mismo tiempo duele y nos incomoda. Ha sido escrita con el tormento de las almas que se castigan al amparo de un sistema literario que no los puede dejar al margen. El poeta ha sabido trascender rescatando de esas tinieblas que lo escudan, las palabras que engrandecen su obra. Escuchemos al maestro.

Teresa Febles los sueños del pincel

Hay artistas que quizás no tengan un gran nombre, sin embargo, pertenecen a esa exclusiva clase de creadores que escriben la historia del arte a base de trazos pictóricos de una calidad inestimable. Cuando la historia los recuerde, hablarán sus cuadros, sus grabados y la fuerza del color encerrado en ellos. Éste podríamos decir que es el caso de Teresa Febles (Santa Cruz de Tenerife, 1943), una de esas personas que han pasado la mayor parte de su vida investigando y creando en la soledad del estudio, sin perder tiempo en darse a conocer, ni plantearse si quiera el tengo que vender. Sus inquietudes son mucho más universales, mejorar día a día, pincelada a pincelada.

En su estudio situado en el sur de Tenerife, nos reciben unos cuadros magistrales con un trasfondo y un concepto que nos recuerda a los grandes creadores. El color de su obra nos atrapa, se diluye, llegando casi a distorsionar las formas, y es en la distorsión donde surge el cuadro, con esa carga emocional que se adueña del espectador. No olvida Teresa Febles el dolor de su vida, o de la vida, el sufrimiento de las mujeres en la guerra y de los niños que se pierden en la soledad de una silla, en los cuadros que ella ha creado para nosotros sin aún saberlo. Comenzó a pintar desde niña, haciendo dibujos que adornarían eternamente las paredes del salón de la casa de sus padres. A los 18 años comienza a estudiar Bellas Artes, en esa época y por circunstancias de la vida, rechaza becas, exposiciones y la posibilidad de una proyección internacional. Éste quizás sea el resumen de toda su carrera: permanecer fiel a sus principios. Pinto porque quiero lo que quiero. Nadie tiene que decirme lo que tengo que hacer. Y así ha sido hasta el día de hoy. Teresa Febles es sin duda una de las grandes figuras de la pintura canaria, una desconocida que consigue deslumbrarnos con cada uno de sus cuadros gracias a su talento magistral, mientras espera ser descubierta por nuestros ojos.

El Taller El Taller de de lala Incertidumbre ha funcionado en estos últimos años en Lanzarote como un foro abierto multidisciplinar de reflexión estética sobre la isla, estableciendo un espacio de debate y creación. Su trabajo son procesos participativos y relacionales que fomentan una reflexión activa y la capacidad de llevar a cabo juicios críticos comparativos a partir de la empatía y la evidencia. Impulsado por el artista Juan Gopar, el TDLI ha contado con la participación constante de artistas de la isla como Pepe Vera, Rubén Acosta, José Farray, Luis Navarro, el camarógrafo Ángel Hernández, así como con las colaboraciones y participaciones puntuales en proyectos específicos de Pedro Albornoz, el psiquiatra Julio Santiago, Tejure, el doctor Domingo de Guzmán Pérez, Fernando Gómez Aguilera o el antropólogo tinerfeño Fernando Estévez. El TDLI ha tenido como objetivo tomar conciencia desde Lanzarote de las condiciones y los retos a los que se enfrenta la isla, teniendo en cuenta tanto los elementos simbólicos como una praxis de actuación desde la cultura a partir de los cuales repensar un modelo que permita un desarrollo sostenible de la isla. El TDLI observa los conceptos inseparables de cultura y lugar, parafraseando a Hazel Henderson “piensa globalmente, actúa localmente”. Puede ser entendido como un observatorio insular de estudios contextuales que promueve actividades artísticas-educativas e invita a implicarse y profundizar en las relaciones

a lala prehistoria, prehistoria, los los magos a la cultura rural, los turistas a la economía y los inmigrantes a los problemas sociales. A su vez, siendo asuntos distintos, el estudio y la gestión de los mismos está vinculada a investigadores y expertos más o menos especializados: los guanches a los prehistoriadores, los magos a los antropólogos, folkloristas, concejales de fiestas y expertos en contenidos canarios; los turistas a geógrafos, empresarios, economistas y consejerías de turismo y los inmigrantes a las ONGs, a la Cruz Roja y a la Policía”. El TDLI pretende ofrecer una mirada de nuestro tiempo y tejer la evolución de un universo plural, cambiante y mestizo con el que se encuentran los participantes en él. Nada intensifica más la verdad que el descubrimiento de una pregunta. Pepe Vera: Con Arquitectura Terminal, en 1997, el TDLI adelanta lo que está sucediendo en estos momentos, cuando fotografiamos las naves en ruina de la Rocar… Juan Gopar: Aquello que ya presentíamos, y en esta isla que parece una isla vigía donde todo se ve antes, el TDLI se anticipa y documenta esta situación terminal en la actualidad. De todas formas, la incertidumbre no es otra cosa que la falta de base sólida en la que situar nuestra existencia, y por tanto, la percepción de desamparo en la que vivimos en la actualidad.

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Juan Gopar

Destacado artista canario (nacido en Lanzarote, 1958). Con una dilatada carrera que comienza en los años 70 y un reconocimiento internacional que lo ha proyectado lejos de nuestras fronteras. Su última exposición, TEA en enero del 2011.

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Juan Gopar: Desde entonces, ¿cuántas veces nos hemos encontrado con la palabra incertidumbre? Pepe Vera: Es una imposición inevitable. Es un estado. Sí, es ésto, si el tiempo es la muerte, entonces la incertidumbre es la vida. Lo que en definitiva proponemos es construir ambas, la muerte y la vida, con los ojos abiertos, con espíritu crítico y con responsabilidad. Pepe Vera: ¿Contra los dogmas, incertidumbre? Juan Gopar: Muchas veces lo hemos comentado. Si tuviéramos que contar el mundo, no encontraríamos un lugar mejor que esta isla para poner un ejemplo. Recuerdo un poema de Borges: “Después reflexioné que todas las cosas/que suceden a uno suceden/precisamente, precisamente ahora./Siglos de siglos y sólo en el presente/ocurren los hechos;/innumerables hombres en el aire,/en la tierra y el mar,/y todo lo que realmente pasa me pasa a mí”. Aquí y ahora. Juan Gopar: Si le preguntamos a un turista que acaba de llegar a la isla qué impresión le produce Lanzarote después de visitarla, probablemente hablaría del mito y la belleza. Pepe Vera: Se necesita un tiempo para mirar detrás del escenario, a veces el escenario no nos deja ver una realidad que se oculta a simple vista, las cosas no son como parecen. La naturaleza es diversa, discontinua e inestable, posee un carácter transmutable y no es estética, es contingente, indeterminada, inesperada, transitoria, dinámica, fugaz, fortuita, evanescente, temporal, fluida, frágil, líquida, imprevisible, incierta. La naturaleza está poblada de opciones múltiples, ¿o no? Fo t

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ep /P to Fo

del arte con la sociedad, con un pie en el mundo del arte y otro en el del activismo político y los movimientos sociales. Los escenarios en los que trabaja son emplazamientos públicos con intervenciones temporales y métodos colaborativos. El TDLI se crea en 1997 con Arquitectura Terminal, un proyecto que trataba del colapso de un modelo socioeconómico basado en el turismo como única y exclusiva fuente de riqueza, abordando temas como emigración, turismo, territorio, sanidad, cultura, y mostraba una realidad o situación de muerte de un sistema. En el proyecto Ciudadan@s la intervención consistía en una jaula de 2x2 m. donde introducíamos 30 kilos de caracoles y 300 de periódicos en un recinto con las paredes empapeladas con las noticias que durante octubre de 2001 se iban produciendo. La propuesta incluye, en su última fase, una acción en la que se cocinan los caracoles, encerrados durante dos meses digiriendo el mundo que se desprende del espejo mediático. El proceso de depuración final a que se somete el caracol, después de haber comido la letra impresa de la prensa y antes de condimentarlo e ingerirlo, cierra la acción crítica. Souvenir (2008) reflexiona de forma abierta sobre algunas ideas del momento por el que atraviesa el arte, la cultura y la identidad. Utilizando un texto del antropólogo Fernando Estévez bajo el título Guanches, magos, turistas e inmigrantes: los canarios atrapados en la jaula identitaria, “estos cuatro términos o categorías socioculturales -guanches, magos, turistas e inmigrantes- parecen remitir, respectivamente, a cuatro terrenos bien distintos: los guanches

Pepe Vera Fotógrafo y dibujante nacido en Tenerife en 1967. Ha vivido la mayor parte de su vida en Lanzarote donde ha realizado todo su trabajo artístico. Empezó a publicar en 1983. Su última exposición ha sido en la galería Sous-Sol de Bruselas.

Foto/Tarek Ode

En un unplugged sofisticado y para todos memorable, Tenerife recibió a Sinead O´Connor el 19 de noviembre. Su sola presencia, a tan corta distancia del público, resultó cautivadora. Se acompañó, para esta ocasión, de su guitarra, y un conjunto de instrumentos útiles que realzaron lo más importante, su voz. Embarcó a los presentes en una bella sesión acústica que llenó de emoción cada uno de los rostros de la sala. Por más que se ha empeñado, desde hace más de 20 años, en presentarse en público a cabeza rapada o con el pelo muy corto, para restar importancia a su apariencia física y fortalecer así su trabajo, su cercanía revelaba una femineidad, alejada, eso sí, de lo tendencioso y la cursilería, a prueba de cualquier otra huella. Interpretó canciones de su repertorio más irlandés y celta, y aquellas que, salidas del estudio, tenían contundentes arreglos, y al quedar reducidas a uno o dos instrumentos, sobre el escenario cambiaron notablemente su registro. Piezas ensayadas en su versión desconectada, para que los instrumentos y, sobre todo, los compases fueran emergiendo hasta llegar a un zenit que venía seguido de silencios y aplausos. Muchos aplausos, aplausos constantes. Sinead ha madurado un estilo que se ha enriquecido por su religiosidad y espiritualidad. Al oír en vivo muchas de las canciones que ya conocíamos, se apreció una melancolía que rayó la tristeza y la elegía para emerger en soplos de alegría y ardor pasional. En ciertos momentos, el resto de instrumentos se apagaban, dejando su voz como único elemento interpretativo, acentuando el carácter y la fuerza de sus letras tan personales, salidas de un corazón indómito. Atrapando, del mismo modo, a los nuestros. Gracias.

Cécil Noise

Noventa minutos bastan para demostrar que los momentos preciosos, aquellos que atesoramos a lo largo de nuestra vida, son eso, instantes que, justo cuando acaban, saben a poco y que luego, al rememorarlos, se hacen enormes, capaces de volver insignificantes los más amargos.

Siete Años Peter Stamm Acantilado, 2011

Pinxit Mark Ryden Taschen, 2011

Igual que con sus anterior novela Agnes, con Siete años Peter Stamm se descubre como uno de los grandes novelistas suizos contemporáneos. En este libro, editado por Acantilado, una pareja de arquitectos, con un futuro prometedor, vive una relación de acercamientos y distanciamientos debido a los distintos intereses de ambos. Ella, Sonja, necesita alcanzar los ideales que perseguía en su juventud. Él, Alex, anhela una vida sin vínculos ni responsabilidades. La aparición de un tercer personaje, Ivona, dispuesta a hacer por amor uno de los mayores sacrificios que uno pueda imaginar, hace que este matrimonio se mueva entre un devenir de contradicciones.

En las últimas dos décadas, legiones de seguidores en los Estados Unidos y Japón han adorado los deslumbrantes y atrevidos cuadros de Mark Ryden . Calificado como el rey del surrealismo pop , el New York Times le ha coronado como “un maestro de éste estilo“. Ahora que su genio idiosincrático ha conquistado el mundo entero, Taschen se complace en saciar la sed de sus admiradores y abrir una ventana única por la que asomarse a la deliciosa imaginación de Ryden. La retrospectiva absoluta sobre la carrera artística de M. R. incluye más de 100 pinturas y docenas de dibujos y bocetos, además de textos en parte nuevos y en parte recopilados para esta publicación.

A modo de homenaje a Raymond Queneau, autor del mítico libro Cien mil millones de poemas, la editorial Demipage reúne a algunos de los más conocidos autores en lengua española para realizar el experimento literario del Oulipo (abreviatura de lo que en castellano sería “taller de literatura potencial”): diez sonetos cuyos versos pueden combinarse entre sí, formando hasta 100.000 millones de combinaciones posibles. El juego oulipiano se publica por primera vez en nuestra lengua, en una edición de lujo con un troquelado específico que facilita la combinación de versos. Una joya literaria, un regalo para los amantes de los libros y un homenaje a una de las obras más originales del último medio siglo.

En esta tercera novela ,el escritor vallisoletano Rubén Abella , aborda la temática familiar y pinta un retrato sobre la culpa y la memoria. Baruc, adolescente, llega a casa un día acompañado por un perro callejero al que su madre no quiere dar asilo. La historia, contada tres décadas después por su hermano pequeño, narra lo sucedido durante los dos sofocantes días de Agosto en los que Baruc estuvo desaparecido y de cómo, debido a la angustia que supone su búsqueda , se van destapando otras pequeñas historias paralelas que la familia no tenía resueltas .El autor, finalista del premio Nadal en el 2009 con su novela el libro del amor esquivo , se reconoce aquí como un escritor con un estilo literario más maduro.

Cien Mil Millones de Poemas Demipage, 2011

Fräulein Ellen Von Unwerth Taschen, 2011

Baruc en el Río Rubén Abella Destino, 2011

Demuseos con Gatoblas Modernito Books, 2011

La editorial Taschen vuelve a popularizar y a hacer más asequible una de sus ediciones de lujo sólo para coleccionistas, Fräulein, un homenaje fotográfico a algunas de las mujeres más conocidas de la actualidad. La autora, Ellen von Unwerth, antigua modelo reconvertida en fotógrafa, retrata un mundo femenino marcado por el fetichismo, la sexualidad explícita, lo decadente y lo meramente kitsch. Mujeres vestidas o desnudas, fotografías en color o en blanco y negro, y las caras de modelos como Kate Moss, de iconos pop como Britney Spears y Christina Aguilera, que conforman un universo en el que las fantasías personales de la autora se combinan con la seducción del mundo de la moda.

GatoBlas es un animal extrañamente aficionado a los museos. Y versátil. Un día revolotea por la Anunciación de Fra Angélico, al siguiente se cuela en una fiesta de cumpleaños de Picasso o en la Habitación de hotel de Edward Hopper. GatoBlas protagoniza las dos guías de museos escritas e ilustradas para niños que acaba de publicar Modernito Books, inaugurando la colección Monstruito Books: una de Madrid, otra de Barcelona. Son libros educativos y luminosos, fabricados con cuidado y amor por el detalle, y llenos de respeto al lector, al que no se considera tonto por el mero hecho de ser pequeño. La historiadora del arte lagunera, Elisa Falcón, es la autora de los textos, Amanda León firma las ilustraciones.

Stop Motion es el tercer libro de una serie sobre animación que publica la Editorial Blume. Después de Dibujo para animación y Animación digital, en este volumen nos encontramos con una guía bastante precisa sobre la técnica cinematográfica que crea la ilusión de movimiento mediante la grabación de imágenes fijas sucesivas, manipulando normalmente a mano, objetos, marionetas o imágenes recortadas en un entorno espacial físico. Se trata de una técnica que reviste una gran complejidad y pre producción. El Stop Motion, conceptualizado por primera vez en los años 60, ha ido madurando en estos cuarenta años, para convertirse en una técnica de prestigio, con resultados espectaculares.

A pesar de estar en todas partes, el plegado rara vez se estudia como materia de diseño. Este es el primer libro que presenta esta materia esencial con un enfoque específico para diseñadores y arquitectos. Presenta, capítulo a capítulo, las técnicas que han resultado más inspiradoras y versátiles. Los conceptos se presentan de forma variada, mediante secuencia de dibujos paso a paso, diagramas de doblado y fotografías. Su finalidad es establecer el plegado como una herramienta básica y, al hacerlo, volver a introducir esta materia como tema fundamental en la enseñanza y la práctica del diseño. Es un libro técnico de suma utilidad, de un arte milenario que está entrando en una nueva era dorada.

Stop Motion Barry Purves Blume, 2011

Reseñas/Librería El Pa-So / San Clemente 10, Santa Cruz.

Técnicas de Plegado Prompres, 2011

www.elpaso.es

Desaparecer Maika Makovski

2011

El motivo de su reciente visita al Leal no fue otro que dejarnos con la boca abierta. Cuarto disco, ya maduro, que abandona premeditadamente el rock para hilar un disco que gira entorno a un solo tema. Inspirado totalmente en relatos de Edgar Allan Poe y con la misión de ser, en sí mismo, la banda sonora de la obra de teatro homónima, dirigida por Calixto Bieto. Desaparecer te hace sentir un tránsito íntimamente desconocido por lugares que conoces como la palma de tu mano. No me caben los adjetivos en esta columna. Only innocence is capable of pure evil, Empress Womb, Nevermore y el propio Disappear. Cómo me gusta la palabra atmósferas, pero me gusta aun más sentirlas.

Brillante, ensoñador, espacial. Probablemente un disco de cabecera, adelantado a su tiempo. No cabe aquí la historia de este grupo que nace de una disolución. Investigue cada uno. Sin lugar a dudas influenció a grandes nombres de la electrónica actual. Disco creado a partir de riffs que hoy son tendencia. Alimenta mi debilidad por los largos que tienen gran coherencia, por tratarse quizás de una sola pieza fragmentada en partes. Aunque son canciones con mucho ritmo son, sin embargo, difícilmente bailables. Me importa un pepino seguir las tendencias a pies juntillas y, en Hot Trip to Heaven cambio, me cautiva la música en sí misma. LOVE & ROCKETS Excelente para coger el coche y llegar a 1994 donde quiera que termine el disco entero.

Shore to Shore NORMAN PALM

2011

INNI

SIGUR RÓS

2011

Reseñas/Cécil Noise

Shore to Shore es una música delicada que sabe sacar partido de la antología acústica y de los envoltorios electrónicos sin que nada suene fuera de lugar. Un conjunto de pistas que suenan a Folk. Letras sensibles y fáciles de secundar, registradas en una voz algo nasal y reminiscente. La escuela de Palm, le da la habilidad para desarrollar canciones complejas y cálidas que sirven de banda sonora perfecta para un viaje en compañía. Easy, de una juventud enamorada con el desgarro en el corazón aprendiz , Start/Stop mezcla ukeleles y ritmos electrónicos. Smile es dirigida por las cuerdas y $20 es una canción adorable y contundente que encierra loops metálicos para terminar evocando algo espiritual.

Es el primer doble en directo de la super banda islandesa. Grabado enteramente en vivo al final de su gira del 2008, en Londres. Se trata de un pack que llega con diferentes formatos que van desde la edición simple hasta una lujosa caja con un extenso contenido inédito en una edición limitada. 2 horas de sonido etéreo y un post-rock sinfónico que se ha hecho memorable desde que publicaran su primer disco Takk... Los set especiales vienen acompañados de setenta y cinco minutos de película. Una representación documental de riqueza folklórica, que vincula la música de Sigur Rós con la cultura, la geografía y las sensaciones de Islandia. Un directo que reproduce una riqueza escondida.

Desgarrador tributo a la cara indomable del fracaso. Cuenta historias de perdedores, valientes que no bajan su rostro a una sociedad que es la que les tiene vergüenza. La voz lastimosa e intensa de Hamilton centra todo y se eleva sobre las cuerdas que aportan dramatismo. Con el tiempo se han ido haciendo más comprensivos y muestran una crudeza más amable si cabe. Sinuosas para el oído algunas, luminosas o reivindicativas otras, son canciones con menos distorsiones de guitarras que las previas de You & Me. Mantienen una senda rock a la que añaden ahora percusiones reservadas. Un disco que corta con su contenido como la profunda tristeza del cine europeo de los años 50. No apto para suicidas.

Esta chica californiana es una voz y melodía que suenan a bosque. Deja un sabor a pureza y a mujer, como si ambas cosas no hubieran dejado nunca de ir de la mano. Solista e instrumentista, con la variedad de éstos que hay en este disco, hace sorprendente que, no sólo se haya valido para todo de sí misma, sino que cuando hace sus directos, éstos adquieran, con una simple guitarra otro carácter. Sea of Bees es un disco perfecto para salir a perseguir a la luna, atrapar ranas de estanque a media noche y acurrucarse con la luz muy baja a probar la comodidad de un sillón sin necesidad de hacer otra cosa. Se trata de un disco Songs reparador de corazones y una amigable compañía cuando uno se siente solo. Se trata del último disco de uno de los múltiples proyectos musicales paralelos de Rhys Fulber, ese músico de Vancouver que desde los años noventa y que, junto a Bill Leeb, no deja indiferente a nadie. Principalmente por su faceta más radical, Front Line Assembly. Conjure One, sin embargo, es un proyecto melódico que se confunde a veces fácilmente, con la ruta tomada por éstos en Delerium. Sonidos que evocan un mundo mágico y, en ocasiones (pocas, gracias), dulzón. Yo lo hubiera dejado instrumental. Se trata de música de sintetizadores y samplers, algo muy inspirador. Ideal para realizar esas partes mecánicas del trabajo y que resultan, escuchándolo, más livianas.

El dúo de electro alemán formado por Bronsert y Szary están de vuelta con su sello bailable. Se trata esta vez de un disco incorsetable. Lo mismo encuentras pistas superpegadizas como te pierdes en un torbellino de ritmos casi cacofónicos. Monkeytown es un largo construido sobre el más puro tecno berlinés, ese que cada vez más influencia la movida de culto. Sobre esa base electrónica se alzan pistas, ritmos y voces que van desde el Rock al Minimal pasando por el Pop. Temas que son una delicia en cualquier parte donde abunde el buen rollito. Baila que te baila. Atentos a la talla de los colaboradores puntuales. Thom Yorke (Radiohead) va ahora por ahí promocionando mucho a estos tipos.

Lisbon

THE WALKMEN

2010

of the Ravens SEA OF BEES

2010

Exilarch

CONJURE ONE

2010

Monkeytown

MODESELEKTOR

2011