Mutatis Mutandis - Nick Turpin

Mutatis Mutandis

Nick Turpin

di Sonia Pampuri

Cominciai a camminare e il mondo mi inondava del suo potenziale Joel Meyerowitz

Su quali riferimenti culturali, biografici o esperienziali si basa il tuo modus fotografico?

Il mio lavoro e il mio approccio alla fotografia sono influenzati da molteplici fonti, inizialmente studiavo arte e storia dell’arte, il che mi ha dato un forte senso estetico in termini di utilizzo di strumenti visivi come colore e composizione, scala e prospettiva nella mia creazione di immagini. Mi ha anche permesso di fare riferimento alla pittura nel mio lavoro, molte delle mie immagini riecheggiano o imitano stili di pittura classica o particolari dipinti come nello scatto del bimbo francese che sventola un tricolore come nella serie “Liberty Leading the People” o il mio uso della luce ispirato ad Edward Hopper nei miei lavori più recenti della serie Exodus . Ho sempre creduto che più sai e hai visto, più devi esprimere tutto questo patrimonio di esperienze e conoscenze nel tuo lavoro. Da giovane fotografo i miei principali riferimenti erano i primi fotografi Magnum che documentavano la vita, ma combinavano quella documentazione con una grande destrezza estetica, oltre che umorismo e surrealismo. Fotografi come Elliot Erwitt e Henri Cartier Bresson sono stati i primi fotografi che ho imitato in bianco e nero. Come stagista presso l’ufficio di Magnums a Londra alla fine degli anni ‘80, ho incontrato molti dei loro famosi fotografi, tra cui Bresson. È stato da questo momento che ho capito che mi interessava solo usare la fotocamera per documentare, volevo osservare la vita non dirigerla. Da giovane ero molto interessato a cosa significa essere umani per essere una persona, cosa era importante nella vita e cosa non lo era. Ho studiato molti sistemi di credenze così come la filosofia. In particolare mi interessavano le idee del buddismo e l’idea che il sé fosse un’illusione, sperimentavo questa perdita di sé in meditazione ma anche moltissimo quando ero per strada a fotografare estranei in luoghi pubblici. Penso che la Street Photography sia stata una combinazione di queste cose per me, l’esperienza del fare unita al desiderio di documentare la società e utilizzare la fotografia come continuazione della mia indagine sulla vita. In anni più recenti il mio lavoro è stato influenzato dai New York Street Photographers degli anni ‘60 e ‘70, Garry Winogrand e Joel Meyerowitz. Quando insegno mostro l’immagine di Meyerowitz “Fallen Man” 1967 che mi ha davvero insegnato quanto si possa trasmettere in un singolo fotogramma, che un singolo fotogramma potrebbe contenere un’intera storia o più. Tendo a imparare le

lezioni da molti fotografi e come lavorano, ad esempio ho imparato dal fotografo australiano Trent Parke a reinventare il mio approccio con ogni progetto, cambiando fotocamera o obiettivo o usandoli in modi nuovi. Infine penso che il compianto Michael Wolf sia stato qualcuno che ha fotografato soggetti simili a me, ho ammirato il suo lavoro e sono attratto dall’idea di restituire coi miei scatti lo stile di vita attuale nelle metropoli moderne come ha fatto lui.

Come e quanto il particolare periodo storico che stiamo attraversando e l’esperienza della pandemia hanno influenzato la tua fotografia?

In qualità di Street Photographer, il mio lavoro è sempre stato strettamente associato alle persone e al modo in cui si comportano nella sfera pubblica, le persone forniscono i “momenti” che sono centrali per una grande fotografia di strada nel suo complesso. Trovarmi di fronte a strade tranquille o vuote ha reso difficile il mio approccio tradizionale, quindi ho dovuto adattarmi. Nell’ultimo anno ho fotografato il quartiere finanziario deserto di Londra, tradizionalmente una delle zone più trafficate di Londra, ora stranamente tranquilla. La serie My Exodus si concentra sugli spazi e sull’architettura, sull’incredibile infrastruttura di vetro e acciaio che ora è vuota e ronza per sé spopolata, fatta eccezione per il personale di sicurezza e gli addetti alle pulizie. L’epidemia da Covid 19 è probabilmente la più grande storia del secolo e come fotografo documentarista voglio registrarla in modo delicato, significativo e potente. Poiché le immagini ora riguardano le strutture, ho iniziato a utilizzare un obiettivo tilt / shift architettonico per mettere ordine nelle scene e per controllare la prospettiva e le alte verticali degli edifici. Ho anche usato uno scooter elettrico per muovermi rapidamente per la città e trovare la luce migliore. Per me la Street Photography è fatta da scatti non posati realizzati in luoghi pubblici che è una definizione ampia e inclusiva che comprende facilmente approcci innovativi per documentare la dimensione pubblica dell’umanità in un periodo come questo.

Quale pensi sarà l’evoluzione e il ruolo della fotografia nell’attuale contesto comunicativo molto affollato e variegato?

Fotocamere digitali convenienti insieme alle possibilità di condivisione di immagini online hanno portato a un’esplosione assoluta di interesse per la fotografia in tutto il mondo. Ci sono così tanti più fotografi ora rispetto a quando ho iniziato 30 anni fa ma, cosa interessante, non credo che ci siano fotografi più bravi di allora. Ci sono ancora pochissime persone che stanno producendo lavori unici e innovativi che in qualche modo si inseriscono davvero nella storia del mezzo. La stragrande maggioranza della fotografia che vedo è molto poco originalea e spesso imita i grandi fotografi del passato. Penso che stiamo superando la novità di Photoshop, i filtri e la manipolazione delle immagini che è stata popolare negli ultimi dieci anni e stiamo tornando al valore e al significato di una vera fotografia della vita reale. La fotografia è sempre stata solo un mezzo, uno strumento, sarà sempre l’idea o la storia che ispira le persone e la visione unica di ogni fotografo.

La fotografia è per te un fatto culturale? Una lingua? Una visione artistica? Un’espressione creativa?

La fotografia è uno strumento che utilizzo per esplorare e comprendere la vita degli esseri umani e in effetti il mio posto nella società umana. Ogni foto che scatto è intrisa di informazioni sociali, storiche e culturali di questo tempo e che affascineranno le generazioni future. Penso che la fotografia e in particolare la fotografia di strada forniscano uno specchio in cui possiamo vedere le società che abbiamo costruito e noi stessi. Certamente i miei progetti come On The Night Bus e AUTOS esplorano aspetti della società moderna, il tempo che passiamo solo per andare e tornare dal lavoro e la commercializzazione dello spazio pubblico. La mia macchina fotografica riprende la vita in una metropoli moderna tecnologicamente avanzata, politicamente stabile ed economicamente ricca.

Come sarà la tua fotografia tra 5 anni? In che direzione ritieni sia necessario evolverti in termini di stile e contenuto?

Nei prossimi cinque anni immagino che i soggetti della mia fotografia rimarranno probabilmente simili ma continuerò a innovare nel mio approccio. Mi piace reinventarmi con ogni nuova serie, per dare un aspetto specifico e pertinente a ogni progetto e questo tende sempre meno ad essere l’approccio tradizionale di uno Street Photographer. Lavoravo esclusivamente con una piccola fotocamera portatile e un obiettivo da 35 mm per la mia fotografia di strada, ma ho usato un obiettivo stabilizzato con immagine da 200 mm e una reflex digitale per On The Night Bus per scattare di notte, ho usato un veloce obiettivo 1.2 da 50 mm a tutta apertura per applica la sintassi della fotografia di ritratto alla fotografia di strada nella mia serie London Bridge, ho usato un obiettivo da stampa da 300 mm per la serie AUTOS e infine un obiettivo tilt / shift architettonico su una grande fotocamera da 50 mp per il mio attuale progetto Exodus. Fondamentalmente la mia fotografia rimane pontaneamente scattata in un luogo pubblico senza manipolazioni, ma il mio approccio a ciascuna serie è più esplorativo. Mi interessa esplorare le aree tra la fotografia di strada e la fotografia documentaristica, artistica e concettuale, dove sono questi confini?

Nick Turpin ha studiato fotografia presso l’Università di Westminster a Londra, nel 1990 è entrato a far parte di The Independent Newspaper per produrre notizie, servizi e ritratti. Nel 1998 Nick ha iniziato una lunga carriera come fotografo commerciale scattando pubblicità in tutto il mondo per clienti come IBM, Jaguar, Microsoft e Toyota. Nel 2000 Turpin ha fondato il primo Collettivo internazionale di Street Photography iN-PUBLiC che ha svolto un ruolo significativo nella rinascita contemporanea dell’interesse per la

Street Photography come approccio. Nel 2017 il progetto di Turpin “On The Night Bus” che ritrae i pendolari di

Londra è stato pubblicato con grande successo, inoltre è presente in Bystander: A History of Street Photography and

Street Photography Now. Turpin ha insegnato Street Photography per Tate Modern, The Discovery Channel, Apple ed è Professore Associato di Fotografia presso la Oxford Brookes University. Nick vive attualmente a Londra e scatta le strade deserte del distretto finanziario per il suo progetto “Exodus”.

Lo sguardo è forse la cifra stilistica più rilevante per identificare il nucleo dell’ispirazione artistica di un autore. Lo sguardo non mente, o almeno, quello di un’artista non lo fa, se non scentemente, per dirci che dietro quel gioco di rifrazioni, li proprio lì, ben nascosto in evidenza, c’è il vero. Il nucleo dell’emozione che lo ha attraversato e che voleva comunicare. I lavori di Samoilova hanno questa forza precisa, quieta ma inesorabile. Il suo sguardo cattura quello del fruitore della sua opera, di ciascuno di noi, e lo incatena inducendolo a cercare le risposte a domande che nemmeno pensava di porsi prima di incontrare le sue opere. La potenza immaginifica dei suoi collage della serie Lost Family , in cui il concetto di famiglia e memoria allarga i suoi confini fino a diventare ricordo delle “care vecchie cose umane “ per parafrasare Gozzano, sorprende. Siamo umani e quindi siamo eguali, sembra dirci questa strordinaria artista, le distinzioni sono irrilevanti di fronte alla potenza delle esperienze comuni che la nostra memoria ci restituisce. Ogni giorno. Lo sguardo e lo specchio e i suoi giochi di rifrazione ritornano in altro lavoro iconico, dal mio personale punto di vista, “Cloud Eaters” , dove bimbi con sguardi colmi di una istintiva saggezza tengono tra le mani nuvole di zucchero filato che sembrano nuvole vere o forse nuvole vere che sembrano zucchero filato… e sognano questi bambini e la potenza dei loro sogni arriva intatta fino a noi , che a sognare abbiamo disimparato tanto tempo fa! Un altro dono dell’artita! Samoilova è sorprendente perché anche gli scatti realizzati secondo i canoni più classi del reportage sociale sono in verità stratificati, colmi di rimandi allegorici e nella loro apparente semplicità compositiva sono potentemente allusivi: il bianco e nero scelto, ad esempio, per gli scatti nella scuola di danza dell’Avana o per le via della Città Vecchia è spiazzante, inaspettato e trasmette perfettamente l’ossimorica realtà della Cuba odierna: sospesa tra un passato glorioso e un futuro incerto! La Samoilova sembra aver assimilato perfettamente la lezione di Tina Modotti sulla ricerca della “qualità fotografica” scevra da “ effetti artitici” artificiali. E noi gliene siamo grati!