Nº12 El Musicógrafo | Diciembre 2014 by J.C.PRO

La revista

El Musicógrafo www.elmusicografo.es Nº 12 | Diciembre 2014 El Musicógrafo fue creado en el año 2012 para dar salida a todas las bandas que emergen en el panorama musical. Dirección Julio Caminero Producción ejecutiva Manel Sánchez Julio Caminero Correción de estilo Gemma Andújar Edición Gemma Andújar Julio Caminero Maquetación Julio Caminero Colaboradores Mar Barbados Isa Take a Bow Yolanda Fernández Sue Gere David Patricio iLLRa musiqein Dani López Si quieres dirigirte a nosotros, estamos a tu disposición en este correo electrónico. sugerencias@jcpro.es

Número 12, diciembre de 2014 – Llegamos a la última revista del año. Doce números de una revista que se hace desde la devoción por las cosas bien hechas. Con colaboradores que nos regalan su tiempo por sentir una emoción por la música como la nuestra. Independientes. Con independencia para poner a a cualquier banda que queramos, no hay baremos de popularidad en El Musicógrafo. Da igual si empiezas o llevas cien años en la música. Cualquier proyecto o estilo tiene cabida en esta revista, valoramos la entrega y la dedicación que implica intentar sobrevivir en este incierto mundo de la música. En general las personas no miran ni escuchan nuestras creaciones, prefieren ver vídeos divertidos de gatitos o algunas cosas peores que no nombraremos. Pero los que amamos la música, preferimos escuchar un buen disco o ver algún vídeo creativo realizado con pocos medios de algún autor aficionado. Porque se trata de descubrir, descubrir nuevos sonidos, nuevas voces, nuevos sentimientos y nuevas melodías. Se trata de eso, de ver que hay vida tras las radio fórmulas. Que puedes elegir a una banda u a otra, aunque no sea famosa. Que podemos disfrutar de guitarristas, bajistas, bateristas y vocalistas desconocidos de la misma forma que disfrutamos de los sobradamente conocidos. De eso se trata, de descubrir. Hemos trabajado mucho para llevar a cabo los doce números de esta revista. Criticada por algunos, que ellos ya saben a quiénes me refiero, y elogiada por muchos otros, que valoran lo que estamos haciendo. Pero no somos solo nosotros, hay más personas trabajando para que la música no deje de sonar. Para que la música de base siga creando a genios de la música que, por motivos diversos, nunca verán la luz, con auténticas joyas que han creado y que nunca escucharemos. El Musicógrafo cree en ellos, creemos que están ahí y hay que ayudarles a salir porque necesitan expresarse y necesitamos escucharles. A vosotros, los creadores, el espíritu de El Musicógrafo siempre irá con vosotros, porque la música nos une y nos hace sentirnos bien. Deseo que esta revista continúe mucho tiempo para seguir disfrutando de vosotros y de la música que nos mandáis. Si todo va bien, nos volveremos a encontrar en 2015. Felices fiestas a todos y os deseamos la mejor entrada de año para 2015. Hasta el año que viene, y no os olvidéis de pedir un deseo. Yo ya sé el mío. @JulioCamineroX Director de El Musicógrafo www.elmusicografo.es | Revista El Musicógrafo

Sumario Ambros Chapel 12 Entrevista en exclusiva por el

estreno de su nuevo disco The last memories.

When we collide 32 Yolanda Fernández entrevista

a este artista madrileño y nos cuenta todo sobre su música.

Emmet 20 Nos presenta

su primer trabajo repleto de buenas canciones y con temas muy trabajados.

Peachy Joke 24 Nuestra querida Mar Barbados

nos trae este mes a esta banda y nos cuenta quiénes son Peachy Joke.

Editorial

Sumario

Las tres “Es”

Roulotte Roosters

El Radiocassette

Ambros Chapel

Conociendo bandas

This charming Manchester

Emmet

Las cosas de...Peachy Joke

Lozone

El Acorde perdido

When we collide

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Lozone 28 Entrevistamos

valenciano Lozone.

al artista y afincado en Madrid

Roulotte Roosters 08 Entrevista a los chicos

de Roulotte Roosters que nos cuentan sus últimas novedades.

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LAS TRES “Es” | Emotion, Energy, Entertainment | by Sue Gere

LAS TRES “Es”

Emotion, Energy, Entertainment by Sue Gere

Hago una tarta de manzana increíble, pero no me llamo a mí mismo repostero. Eso no es lo que me define. Igualmente, me parece muy bien que haya gente que argumente que “también compone” mientras toca en bandas tributo, pero eso no les define. Dicho esto, quiero dejar claro que para nada estoy en contra de los tributos y las versiones: todo tiene su público y es respetable. Ni siquiera me meto, al menos en público, con los cantantes salidos de realities de televisión que, ciertamente, tienen muchos paralelismos con las bandas tributo: no componen sus canciones; están ahí para cubrir una demanda determinada y son productos de facil asimilación, de usar y tirar para que nos entendamos, porque desengañaos, el «Whole lotta love» de Led Zeppelin no es un producto de usar y tirar, pero su interpretación a manos de una banda tributo en un concierto, por buenos músicos que sean, sí. La prueba está en que si has visto a Zeppelin, Deep Purple, AC/DC o cualquiera de las bandas «tributables»

en directo, lo vas a recordar de por vida mientras que la interpretación de una banda tributo va a ser más efímera... Y hasta aquí todo lo que tenía que decir sobre las bandas tributo. Sé que en cuanto se abre este debate por enésima vez, todos los tributeros aprietan el culo de manera que no les pasaría una aguja a martillazos, pero no ha sido tan terrible, ¿verdad? Vamos con las bandas que basan su repertorio en material original o de autoría propia. Las quejas de este colectivo respecto a las bandas tributo se suelen fundar en que estas están copando todo el circuito de salas y clubes. Si bien esto es cierto, también hay que decir que el dueño de un garito normalmente no está por apoyar una escena de manera altruista, sino por mantener un negocio y, obviamente, contratará a las bandas que, dentro de su presupuesto, le vayan a meter más gente en el local, y en este momento lo que mejor funciona son los tributos. Y digo en este momento porque es una

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tendencia que se me antoja temporal, una moda, usando el término «moda» con amplitud de significado y sin connotaciones negativas por mi parte. Fin del debate. Solución: no hay una sola solución, sino más bien muchas pequeñas acciones que harían que las microescenas se revitalizaran y dejáramos de asistir a conciertos con públicos calculables en decenas, y es que es evidente que ese es el problema de fondo y lo que genera malestar, no de dónde sacan los grupos sus repertorios. Lo sintetizaré en cuatro puntos muy simples y pondré ejemplos, no porque dude de la capacidad intelectual de los lectores de esta columna (el hecho de que consumáis prensa musical alternativa es, de por sí, una buena premisa para libraros de sospecha), sino para hacerme meridianamente claro: Para empezar, si te preocupa que a tus conciertos venga

LAS TRES “Es” | Emotion, Energy, Entertainment | by Sue Gere

poca gente, empieza tú por ir a los de los demás y paga la entrada, pedir que te pongan en lista por cinco euros es miserable. Una escena con bandas que interactuan entre ellas es una escena sana. El feedback entre bandas las hace crecer, influenciarse mutuamente y, por tanto, enriquecerse y subir de nivel. Ejemplo: Seattle a principios de la década de 1990. Toma parte activa en la promoción de tus conciertos, pega carteles, reparte flyers (incluso Mötley Crüe empezaron haciendo eso a la salida de los conciertos de otras bandas), y no te conformes con crear un evento en una red social y pensar que el dueño del local hará el resto. Ejemplo: Los Ángeles en la década de 1980.

Intenta plasmar en los directos las sensaciones que quieres transmitir con tus canciones, ya sea con la actitud, con la imagen, con proyecciones o con puñetera pirotecnia si hace falta. Haz que tus conciertos sean experiencias dignas de ser recordadas y el boca a boca hará el resto. Ejemplo: a todos nos vienen a la cabeza multitud de grupos de los setenta que lo tenían muy claro en este sentido. Deja de fijarte en el público que tienen los demás, practica, ensaya, escribe canciones, ensaya, mejora tu música día a día, ensaya. Si tu propuesta es más atractiva que las demás es cuestión de tiempo que tengas un público numeroso y fiel, y como todos sabemos, a partir de ahí es sólo cuestión de suerte. Ejemplo: todas las

escenas musicales con éxito de la historia. Para acabar debería pedir disculpas por, una vez más, haberme saltado la temática principal de la columna que es la producción musical, pero la verdad es que el tema de este mes va de boca en boca y de foro en foro desde hace un tiempo y no quería dejar pasar la oportunidad de exponer mi opinión. Por lo tanto, no me voy a disculpar, y si alguien tiene alguna reclamación que hacer, por favor, hacédmela llegar que yo gustosamente la clasificaré en el cajón de al lado de las sugerencias.

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Entrevista | por Julio Caminero

Roulotte Roosters

¿Quiénes son Roulotte Roosters? Roulotte Roosters somos Joël (voz y guitarra), Marcel (bajo), Óscar (batería), y yo mismo, Weinf (guitarra). ¿Qué significa vuestro nombre y porqué lo elegisteis? Roulotte Roosters no significa nada en concreto. En la época en la que montamos este grupo estabámos en bachillerato y había un profesor con el que teníamos una coña que involucraba roulottes y niños secuestrados. Lo de Roosters es por la afición de Weinf a los gallos. De ahí Roulotte Roosters. Habladnos un poquito de cómo se formó la banda, de los orígenes de Roulotte Roosters. Joey y yo, Weinf, nos conocimos el primer día de bachillerato. Nos hicimos colegas en seguida, y Joël tocaba la guitarra ya en esa época. Él ya tenía un grupo con unos colegas

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en común y yo solía ir a los ensayos porque realmente no tenía nada mejor que hacer. Me gustó lo que ví y un dia, de sopetón, me compré una guitarra. Ese día nacieron los Roulotte como dúo. Mas tarde, tras un tiempo, nos pasamos al formato actual. ¿Cómo definiríais vuestro sonido? Sí, hablo de las odiadas etiquetas. Bueno, si hay que poner las etiquetas, pues indie-rock con un toque de blues. Joey pone el indie, Weinf, el blues y Marcel pone su preciosa cara. Y Oscar nos grita cosas en japonés a veces. No habla mucho el idioma. Acabáis de presentar Bureau. ¿Qué encontramos en ese disco? En este disco encontrareis siete temas que os llevaran a la infelicidad mas absoluta. O no. No, ahora en serio: Bureau son las siete primeras canciones que hicimos. Encontrareis Fragile Beast, el hit del verano; Bury Me With My Money, un poco mas

Entrevista | por Julio Caminero

blues, y Funky Alfred, que os pasará todas las venéreas que no tengáis ya. ¡Y solo he dicho las buenas! ¿Con siete cortes se puede llamar disco o es un EP largo? Es más bien un EP largo, sí. No nos daba el presupuesto para más. ¡Ya hicimos bastante con lo pobres que somos! Habladnos de los textos de las canciones. ¿Quién es el responsable y cuánta importancia tienen para la banda? El responsable de las letras es, en gran proporción, Joey. Normalmente hablan de mujeres o farra, pero hay algunas temáticas distintas como Bury Me y Anymore. Contadnos algunos datos técnicos. ¿Dónde y con quién habéis grabado Bureau? Grabamos Bureau en una oficina de Lesseps con un productor rapero muy extraño. Es todo lo que pudimos conseguir por el precio que podíamos ofrecer en esos tiempos. Habladnos de la presentación. Siempre pregunto por la acogida que ha tenido entre los seguidores de la banda. ¿Cómo lo han recibido los fans? Bueno, no somos una banda muy aclamada (por ahora). A la gente que lo ha escuchado le ha gustado y hemos salido en algunos blogs y revistas digitales con artículos muy chulos. Contadnos lo de vuestro videoclip de Fragile B e a s t . ¿Quién os lo ha hecho? El precioso

vídeo de Fragile Beast nos lo hizo nuestro colega Franshetis, con una cámara cutre y muchas ganas de reír un poco. El tío se marca sus planos de la ESCAC y te lo deja todo muy profesional, y lo edita de puta madre. ¿Tenéis pensado grabar un segundo videoclip de Bureau? Bueno, si el Franshetis sale de su cueva de alcohol y prostitutas para volver a ver la luz del sol, quizá le pedimos uno para otra. Pero ya ha hecho mucho por nosotros y se lo agradecemos. Y ahora a tocar, ¿no? Contarnos las fechas más recientes que tenéis. No tenemos fechas confirmadas aun, pero hay muchos proyectos de bolo en el aire que van tomando forma. Se acerca una época movidita en la que las oportunidades de asaltar sexualmente a Marcel aumentarán exponencialmente. Stay tuned. ¿Os gustaría añadir algo? Lo que queráis, podéis decir lo que queráis. No sé, estamos trabajando en nuevos temas y cosas. ¡Habrá novedades pronto! Os damos las gracias por hablar con nosotros y enseñarnos vuestra música. Todo un placer teneros en la revista y desde aquí os deseamos la mayor de las suertes. Hasta pronto y muchas gracias. www.elmusicografo.es | Revista El Musicógrafo

El Radiocassette| por iLLRa musiqein

El Radiocassette por iLLRa musiqein

Festival Dark Side of Aloud 2014 organizado por Aloud Music Ltd.

Colectivo que edita rock (post, math, indie rock) y hace ruido bonito desde 2003. Discográfica basada en la ética a todos los niveles, activistas políticos a nuestra manera y que se mantiene gracias a la militancia de sus seguidores. De un tiempo a esta parte la industria musical ha cambiado bastante. Ya no se venden muchos discos, aunque el auge en ventas de vinilos parezca llevar la contraria, y sólo (¡sólo!) se necesitan unos 20.000 discos vendidos para llevarte tu “Oscar” de oro musical. Los conciertos parecían la salvación de todos los grupos. Les dijeron: “Regala tu música y te pagaremos mucho más por dar conciertos”. Pero el sector no tiene maneras de levantarse cuando te cierran salas y las normativas se endurecen. Pero en todo desierto hay espejismos y hay oasis. He aquí que Sergio Picón, capo de Aloud Music, se nos

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presenta como un oasis en todo este panorama musical desde 2003. Grupos como Nothink, Peluze, Atleta, Radybaum, o Toundra, entre otros, han editado referencias en Aloud Music. Actualmente podemos escuchar a Iepi, Our Next Movement, El Tercer Semestre, Exxasens, Stearica, Fira Fem, Astralia, Ainara LeGardon, Santa Rita, the Last 3 Lines o nuestros fetiches de (lo:muêso)con disco nuevo en 2015. Y llega el 6 de diciembre y me planto en la sala La[2] de Apolo dispuesto a empaparme de música y filosofía cien por cien Aloud, que fue el primer sello que disponía en la red gratuitamente los discos de sus grupos con buena calidad de audio y con la opción de pagar la voluntad. Dark Side of Aloud en su segundo año reúne a los jóvenes Astralia presentando su disco Atlas, que rezuma un post-rock lleno de tópicos (la tensión que no estalla, los picos de estallido...), pero que gracias a un batería que no paraba de encauzar al grupo personalizando su sonido hace de ellos un grupo a seguir dentro del género.

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La siguiente en aparecer en escena fue Ainara LeGardon con su banda. Si algo he aprendido este fin de semana, también gracias al taller de autogestión musical que la propia Ainara impartió, es lo importante de un público fiel, que te entienda y te respete. Nadie mejor que ella para interpretar los matices de la música rock. Un silencio afilado a golpe de guitarra contra el propio cuerpo, un susurro a grito pelado lejos del micro o un estallido de “ruido bonito” en un pestañeo. Eso es ROCK. Centrado el repertorio en su último disco, Every minute, de este mismo año, el concierto fue una noria de sentimientos y de satisfacción en el que uno, si llevara sombrero, tendría que quitárselo para reverenciar a esta embajadora del rock. Y en eso que llegaron las Santa Rita (con Armando, el nuevo bajista “santo rito”), que tenían al público a flor de piel y que supieron arrastrarlo a su terreno de punk-rock con aire noventero, con la misma facilidad que siempre. Y es que su disco High on the seas, del año pasado, es un gran disco y que después del periplo de pequeñas catástrofes personales ocurridas tras su edición se me antoja imprescindible su escucha. Un directo sin fisuras en el que apuntaron algunas

canciones nuevas que esperamos el próximo año conocer mejor. Para acabar la jornada se presentaron los valencianos Our Next Movement para presentar su disco Polyhedral trails ante un público ya menguado en número pero que aguantó hasta el final. Estos chicos se presentaron con cello incluido y con una dosis tremenda de math-rock con pasajes cercanos al metal y una técnica increíble que mecía cabezas al ritmo imparable de las dos guitarras y algunos de sus solos. Algo que demuestra que una discográfica puede estar basada en la ética a todos los niveles y así conseguir un público fiel y unos artistas comprometidos con el propio sello es ver a miembros de otros grupos del sello viendo los conciertos que organizan desde Aloud Music. O ver cómo desde el escenario todos los grupos agradecen con mucho cariño a Sergio Picón su visión musical: “¡Te queremos, Sergio!”. iLLRa musiqein Fotos realizadas por Subnoise.es

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Entrevista | por Julio Caminero

Ambros Chapel

¿Quién hay detrás de Ambros Chapel? Detrás de Ambros Chapel están Pablo a la voz y guitarra; Óscar Vadillo a la guitarra solista; Alfred al bajo y José a la batería. Cuatro músicos que creen en su proyecto y que luchan por ello. Llevamos ya ocho años componiendo, grabando y mostrando nuestra música por muchos escenarios. ¿Cuál ha sido la trayectoria de sus miembros antes de formar la banda? Para Pablo y Alfred es su primer proyecto. Para Óscar y José, que tienen más experiencia en grupos, es el último proyecto tras pasar por bandas de diferentes estilos y que no llegaros a ser conocidas. Todas esas experiencias confluyen en Ambros Chapel para hacer que todo salga mejor y los pasos sean más sólidos. Los cuatro estamos unidos y comprometidos con este grupo a todos los niveles y en él volcamos todas nuestras fuerzas. ¿Dónde nace el sonido que caracteriza a la banda? ¿Cuáles han sido sus influencias

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principales? Nace de los cuatro, de cuando tocamos juntos. Es curioso que, a pesar de tener influencias diferentes, y algunos gustos comunes por bandas ineludibles, consigamos llegar a un punto común en el cual nos sentimos a gusto tocando y creando. Ese es el sonido Ambros Chapel, el que nos hace reconocibles. Hay ciertos matices que nos gustan y en los cuales nos complace componer, y que hace que el sonido sea tan característico. Si los miembros cambiaran, no sería lo mismo. Es la persona la que aporta su visión y personalidad, haciendo que el sonido tienda hacia uno u otro lado. ¿En qué catalogo podemos poner a Ambros Chapel? ¿Qué estilo se acerca más a su música? Nos han incluido en muchas escenas, aunque la definición que predomina es la de post-punk de corte oscuro. Nosotros somos conscientes de los tintes oscuros o melodramáticos de nuestra música y dejamos que sean los críticos o el público los que nos

Entrevista | por Julio Caminero

definan según lo que la música les transmita. No nos preocupa sonar de una manera u otra, ni que nos encasillen dentro de un parámetro determinado. Hacemos la música que nos gusta y que sentimos, y es lo que está plasmado en el disco. Tal vez una definición que nos gusta es que Ambros Chapel hace “música oscura y elegante”. Estrenáis The last memories, vuestro tercer álbum de larga duración. ¿Qué encontramos en él? Pues el resultado de la experiencia adquirida estos años girando y grabando, y las diez mejores canciones que podíamos hacer en este momento. Nos hemos esforzado para dar lo mejor de nosotros en estas composiciones, y al mismo tiempo, no ofrecer más de lo mismo. Creemos que este nuevo disco tiene matices y el sonido reconocible del grupo pero incorporando nuevas atmósferas y desarrollos. ¿Qué diferencias notables hay entre este The last memories y el anterior Constants are changing? Principalmente, lo más destacable es que los miembros que han grabado uno y otro no son los mismos. Para este disco ya se había incorporado Óscar Vadillo a la guitarra solista y el ,teclado no es un instrumento fundamental a nivel compositivo, lo hemos dejado meramente como un arreglo más. Además, los coros han adquirido un valor más destacado e importante, se han trabajado más. También hemos explorado con los sonidos y las atmósferas que creaban las guitarras, aportando nuevos sonidos que nos llamaran la atención por la emoción o el sentimiento que inspiraban. Estamos escuchando el álbum ahora mismo y es increíble cómo te atrapa la voz

de Pablo. ¿Cómo planteáis la composición de los temas para adaptarlas a este timbre tan grave e hipnótico? ¿Cuál es vuestro método de composición? Tenemos dos formas de componer: una en la que Pablo trae la idea de canción con una estructura más o menos definida, y a la cual aportamos cada uno nuestra visión, o la que surge de tocar juntos, como una jam session. Nuestra música y la voz de Pablo van unidas. Le damos mucha importancia a que nuestros instrumentos sean el colchón adecuado para su voz y le permitan que llegue a otro nivel. Trabajamos mucho en ese sentido para potenciar los momentos claves en los que la voz adquiere protagonismo. Es un privilegio contar con esa voz para nuestra música, ya que hace que tenga personalidad ante el oyente. En este disco Facundo Novo quizás ha grabado las pistas de voz más adecuadas a nuestra música. Ha hecho que la voz destaque, pero sin estar por encima del grupo, lo cual es un logro. Siempre preguntamos por la producción del disco. ¿Dónde y con quién habéis grabado este The last memories? Lo hemos grabado con Facundo Novo, en Novoestudios de Picassent, Valencia. www.elmusicografo.es | Revista El Musicógrafo

Entrevista | por Julio Caminero

Ya teníamos experiencia con él tras grabar nuestra versión de Welcome para el tributo a The Church que ha hecho Lunar Records. La grabación fue muy fluida y respetó muchísimo nuestro sonido, aportando lo él veía mejor para el grupo. Por ello contamos con él para la grabación del nuevo disco. Hemos quedado encantados con la experiencia de grabar con él. ¿Hasta dónde os dejáis aconsejar por el técnico o productor a la hora de grabar? ¿O lo lleváis todo muy claro al estudio? Solemos llevarlo todo muy claro a la hora de grabar, ya que previamente, con la persona que hemos decidido que será nuestro ingeniero, grabamos una demo de las canciones elegidas para el álbum. Así sabemos si funcionan o no los temas, les hacemos arreglos y conocemos el estudio. Una vez que llegamos a la grabación definitiva del disco, todos, incluido él, conoce las canciones y los posibles puntos débiles, si los hay. Una vez metidos en la grabación la base de las canciones se graba casi sin cambios, muy rápidamente, y en lo que siempre se tarda un poco más es en arreglos y demás. Somos buenos estudiantes, lo llevamos todo muy bien preparado al estudio. El ingeniero nos puede aconsejar lo que crea conveniente y puede aportar su visión de las canciones. Nosotros luego valoramos

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si procede o no, si se ajusta o no a nuestros gustos o visión de la canción. Es un intercambio de ideas que favorece la creación del disco y enriquece el resultado final. El sonido del disco es oscuro pero resaltan mucho las guitarras, con ese sonido tan puro, rico y claro. Como guitarrista que soy me han gustado mucho. ¿Quiénes han sido los responsables de conseguir esas guitarras? Pues Pablo y Óscar, los guitarristas. Han creado unas líneas de guitarras muy ricas y muy acordes a lo que querían transmitir. Óscar se ha ajustado muy bien a la dinámica de la banda en cuanto a la línea instrumental y de creación, y lo que ha aportado ha enriquecido considerablemente las canciones. Y Pablo ha aportado guitarras y líneas que se complementaban perfectamente con la guitarra solista de Óscar. Las guitarras en este disco se han fortalecido porque han tenido que suplir la ausencia del teclado a nivel compositivo, y han conseguido matices a nivel de emoción y de sentimiento que antes no habíamos llegado al alcanzar con ellas. Ambros Chapel tiene una base rítmica contundente y muy potente, tanto bajo como batería suenan muy bien. Menos preguntábamos cómo suenan estos temas en directo. Imagino que deben sonar

Entrevista | por Julio Caminero

incluso mejor, ¿no? Lo que hemos intentado en este disco es no sobrecargar las canciones de arreglos o líneas de instrumentos, y que así sonaran lo más ajustado al directo que se pueda, lo más real a cuando las tocamos. En directo suenan igual, lo único que cambia es la emoción y el groove que le aportamos nosotros a la ejecución. Por ello, si te gusta el disco, hay que ir al concierto a disfrutarlas en directo, y tendrás la experiencia completa. Con los años hemos conseguido sonar como nosotros queremos en cualquier circunstancia, sala o escenario, y hacer que el sonido particular del grupo no se resienta. A nosotros nos ha gustado el disco: muy bien estructurado, eligiendo bien el orden de las canciones y creemos que te mantiene expectante para ver cómo sonará el siguiente tema. ¿Habéis descartado muchas canciones o teníais muy claro cuáles eran las canciones que ibais a incluir? Durante el proceso de composición se trabajan muchos temas que luego se descartan, normalmente porque no entran dentro del estilo que quieres incluir en el disco o porque los nuevos son mejores y relegan a los demás. Elegimos para el disco los temas que nos llaman más la atención, que disfrutamos tocando y que nos dicen algo. Hay ocasiones que recuperamos temas antiguos que descartamos porque les vemos más sentido posteriormente que en el momento de componerlos. Aunque nos suele ser lo habitual. Le damos una oportunidad a los temas según los componemos y la criba natural del grupo, el filtro, se encarga de dejar los mejores. ¿Habéis presentado ya The last memories en directo? Hemos probado ante el público para ver qué tal reaccionaba alguna de las canciones, pero

la prueba definitiva, y ante nuestro público mayoritario, será el próximo 6 de febrero, en la Sala Wah Wah de Valencia. Luego vendrá la gira de presentación. Imaginamos que ahora os pondréis las pilas para presentarlo en todas partes. ¿Tenéis algunas fechas ya cerradas y que podáis promocionar? Además del 6 de febrero en Valencia, tenemos el 6 de marzo en Gandía y el 4 de abril en Madrid. Y se siguen cerrando fechas. Por cierto, ¿habéis escogido algún tema cómo single promocional? Hemos avanzado como single para las radios el tema Future Line, porque creemos que a nivel de ese medio funcionará muy bien. ¿Y tenéis pensado grabar algún videoclip del single? En principio no, hemos preferido grabar un videoclip de Brazil, otro de los temas del disco. Así vamos poco a poco presentando temas nuevos. ¿Os gustaría añadir algo que queráis destacar? Que nuestro tercer disco sale a mediados de diciembre a la venta en toda España en formato vinilo con descarga digital. Que será una tirada limitada de 300 copias numeradas y que merece la pena tenerlo en físico y disfrutar de su diseño mientras lo escuchas atentamente. Desde El Musicógrafo os queremos agradecer que hayáis querido colaborar con nosotros y nos hayáis dado la oportunidad de escucharos. Ya sabéis que cualquier cosa que necesitéis aquí estamos apoyando a la música emergente. Muchas gracias y hasta pronto. www.elmusicografo.es | Revista El Musicógrafo

Conociendo a bandas por Dani López

La doble fila

es una formación de rock español creada en el 2011, afincada en Barcelona, con un sonido pegadizo y letras reivindicativas, con dosis de rap en sus canciones y un directo muy cercano con el público. Actualmente tienen un EP y un disco en el mercado, Viernes de rencor, que podréis conseguir en cualquiera de sus conciertos, en su página web www.ladoblefila.com y en las tiendas FNAC. Para este próximo año 2015 tienen preparada la salida de un nuevo EP, ¡estad atentos! Integrantes La doble fila está formada por Pablo Espadas (voz), Kiko Evia (guitarra), Santi Colmillo (bajo) y Eddie Calvario (batería). Actualmente se encuentran buscando sustituto de batería debido a que Eddie Calvario abandona la formación por motivos personales. Próximos eventos: La doble fila ganó el premio a mejores

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interpretes en el Rock Villa de Madrid cuyo premio consiste en una gira por España a gastos cubiertos. La iniciativa “Artistas en ruta” aún no la tienen programada, así que tendremos que estar atentos para saber en que parte del territorio español estarán actuando. ¿Qué os parece la iniciativa de El Musicógrafo? Nos parece una iniciativa genial, todos los medios que ofrecen promoción y difusión de manera desinteresada a los músicos son un gran soporte para artistas como nosotros. Mensaje a los fans: A los que ya nos habéis escuchado, esperamos que sigáis ahí y a los que nos escucharán esperamos que sigáis disfrutando de nuestra música tanto como nosotros disfrutamos haciéndola y, a ver si algún día vienen mas tías que tíos a los conciertos.

Conociendo a bandas por Dani López

Lemmy River

es una formación de pop experimental, por ponerle una etiqueta, integrada por tres artistas, dos de origen vasco y una francesa, afincados en Barcelona: Iban Martín (guitarra y voz), Lea (teclados y coro), y Roberto Granado (batería). Lemmy River es el nombre artístico o pseudónimo de Iban Martín, el cual nació entre el 2009 y 2010, pero hasta el 2014 no se formó la formación actual. El hecho de que este proyecto tenga tanto tiempo de vida, es que muchos temas ya habían sido compuestos por Iban Martín, así que solo tenían que adaptarse a ellos. Lemmy River es un proyecto más que de directos, personal, donde plasma esos temas que siempre ha querido grabar, pero por un motivo u otro, en las formaciones donde ha estado no han acabado de encajar.

¿Qué os parece la iniciativa de El Musicógrafo? Nos parece una iniciativa muy de agradecer, ya que gracias a plataformas como estas, los grupos que empiezan y de temas propios tienen un lugar donde promocionarse. Nosotros, con nuestras formaciones, al empezar siempre lo hemos tenido complicado y agradecemos mucho a las iniciativas como la vuestra el poder darnos a conocer. Un mensaje para los fans: Agradeceros el apoyar a un tipo de directo como el nuestro, ya que sabemos que es poco común y esperamos que lo hayáis disfrutado y lo disfrutéis en nuestros futuros eventos.

Próximos conciertos: Aún no tenemos fechas confirmadas. www.elmusicografo.es | Revista El Musicógrafo

This charming Manchester | por Isa take a bow

This charming Manchester por Isa take a bow

The Castellers y la nueva psicodelia inglesa The Castellers, por su nombre, podrían haber salido de Vilafranca o de Sants o de cualquier otro lugar de por aquí, pero resulta que han salido de Manchester y hacen música y no torres humanas. Lo de Castellers es pura coincidencia, curiosa por otro lado. Pasando de la broma de rigor, estamos ante una banda seria que vive sumergida en el garaje y en la psicodelia. Podríamos decir que son adictos al rock and roll y, nada más escuchar su música, se ve que están claramente influenciados por bandas como The Who, The Kinks o The Byrds, por mencionar sólo algunas. Pero si hay un grupo por el que tienen auténtica devoción es por The Stones Roses, confesión leída en algunas entrevistas en revistas inglesas.

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This charming Manchester | por Isa take a bow

Los orígenes de este grupo viene precisamente de una ruptura. La historia es que tres de sus componentes, Paul, Ali y Russell, provenían de una banda que se había separado. Después de esto, se tomaron un tiempo de descanso, seguramente también de renovación de ideas, hasta que hace un par de años decidieron crear un proyecto nuevo. Así nace The Castellers y deciden empezar desde abajo, grabando demos y autopromocionándose. Las letras de sus canciones, muchas veces con mensaje oculto, son de temática amplia, algunas con ácido de por medio, algo muy característico, casi obligado, en la psicodelia. Aunque se ha de decir que su repertorio todavía no es muy amplio, también es cierto que es de una excelente calidad. Su colección de conciertos tampoco es todavía muy extensa,

pero quienes les han visto han salido más que satisfechos del resultado. Ya sabéis, poco, pero lo poco es bueno. The Castellers son jóvenes, todavía no viven de la música, pero procuran sacar tiempo para dos aficiones: la música y el futbol (más british imposible). Personalmente, si tuviese que elegir alguno de sus temas, definitivamente me quedaría con Five Days Time y su tremendo To The Gallow, que muestra muy bien ese sonido sixties del que hablo. Considero que su tema To the Gallow es de obligada escucha para entender la esencia de la banda, así que incluyo un enlace para que lo podáis comprobar por vosotros mismos. Aviso que no podréis escucharlo solamente una vez y entraréis en una de esas espirales que nunca se acaban, pero así es la psicodelia… afortunadamente. https://www.youtube.com/ watch?v=YMgYF95O-QA

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Entrevista | por Julio Caminero

Emmett

¿Quién es Emmett? Emmett es el nuevo proyecto musical de Ángel S. Guil (un servidor). El nombre hace referencia al personaje de la película Regreso al Futuro, el doctor Emmett L. Brown. Me gustó esa caracterización del personaje algo loco que apuesta por lo que piensa y cree, y además lo lleva a cabo. Llevo haciendo canciones desde los catorce años; he estado en algunas bandas y es ahora con este proyecto con el que las presento en solitario, siempre junto a mi amigo y productor Domingo Díaz, de Estudio 335. Llevamos juntos fabricando el DeLorean desde 2005. ¿Dónde nace y cuándo el proyecto Emmett? Todo empezó a finales de 2005 cuando empecé a grabar con Domingo Díaz. Siempre hemos estado grabando y haciendo canciones pero nunca nos decidimos a editado y presentar el proyecto como lo hemos hecho ahora.

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Surgió de una cerveza en un bar con la típica frase: “Domin, tengo algunas canciones”; y él contestó: “Y yo tengo un estudio”. Desde esas primeras grabaciones de maquetas hasta hoy, han cambiado muchas cosas, sobre todo la decisión de sacarlas a la luz. ¿Dónde englobamos la música de Emmett? Cuando hago canciones no pienso en orientarlas en un estilo u otro (aunque tengo mis preferencias, claro). el LP debut es variopinto, pero creo que tiene un nexo común que ha sido aportado por la forma de entender la música entre Domingo Díaz y un servidor. Folk que tiñe canciones con sonidos modernos, rock que se sumerge a veces en sintes indies, o simplemente pop elaborado a fuego lento. Supongo que eso deben decidirlo los que ponen las etiquetas. Nosotros ponemos las canciones, las ganas y la pasión por la música.

Entrevista | por Julio Caminero

Es tu primer disco. ¿Qué encontramos en este disco de debut? En solitario sí, atrás dejo tres más con otro proyecto que ahora está en stand by. En este disco debut de Emmett puedes a encontrar imágenes musicales de historias que a todos nos han podido pasar en nuestro deambular por la vida; pero, sobre todo, es un disco en el que quiero quitar la máscara de lo que a veces pretendemos ser en un plano más superficial. El disco se sumerge en algo más profundo para destapar qué somos en realidad. Al final

Party, José Casas y la Pistola de Papá, Pedro Jiménez..). Cada uno ha dejado su personalidad en sus arreglos y no ha podido quedar mejor. ¡Gracias a todos ellos de nuevo!

lo que importa es eso, las apariencias no van con nosotros. Intento llevar esa honestidad también en mis letras y melodías. Domingo hace lo mismo con sus mezclas, grabaciones y producción musical.

colaboraciones de otros músicos que también hacen increíbles aportaciones en los arreglos y coros. Dentro del disco detallo cada una de ellas por muy pequeña o grande que haya sido. La idea fue hacer un disco con mis canciones, pero contar con la colaboración de músicos y amigos en algunos instrumentos. Es un disco en solitario pero rodeado de grandes músicos; ha sido una suerte contar con todos ellos.

El disco ha sido grabado y autoeditado por ti. ¿Alguien más ha colaborado? No tengo palabras para agradecer a la cantidad de músicos que han creído en este proyecto y han colaborado en él. Desde aquí mis más sincero agradecimiento. He contado con músicos de bandas del panorama independiente sevillano (Santa Cruz Banda, All la glory, Astronautas, Los Infames, Instant

¿La parte instrumental y algunas voces también son obra tuya? Vamos, que eres multinstrumentista. En este disco he tocado guitarras eléctricas, acústicas, banjo, ukelele, percusiones, sintes, coros, melodio, armónica... Incluso una máquina de escribir; pero hay muchas

Cuéntanos de qué hablan tus canciones. La verdad, prefiero que el oyente escuche las canciones y las letras, porque estoy seguro que se va a ver reflejado en muchas www.elmusicografo.es | Revista El Musicógrafo

Entrevista | por Julio Caminero

de ellas; al final, aunque diferentes, estamos todos hechos de la misma materia base y los sentimientos son universales. Mis canciones son el reflejo de las experiencias propias y ajenas, contadas siempre desde un prisma personal. No hay muchas canciones de amor en el disco, quizás en ese aspecto es algo más oscuro; hablan de historias sin terminar, de viajes a ninguna parte, de caminos por descubrir, de miradas que no ven y, sobre todo, de ser nosotros mismos, pese a lo que digan los demás o pese a las consecuencias. ¿Cuánto tiempo llevas preparando este disco? Preparando el LP como tal casi dos años, pero no han sido continuos, ya que ha habido muchos parones inesperados en el camino. Pero puedo decir que han sido dos años de mucha ilusión y corazón puestos en esas canciones. Empezamos a pensar en el disco como tal a finales de 2012, fue el momento en realidad que nació este proyecto como forma de vida. Espero que sea el primero de muchos con Emmett. Ya estamos preparando un nuevo single que grabaremos en breve y que contará con las dos caras de la moneda muy diferentes entre sí, intentaremos editarlo en vinilo.

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¿Y cómo ves el resultado final? ¿Estás satisfecho? Estoy muy contento y satisfecho, tanto como han quedado las canciones, como con el sonido tan potente y profesional del disco, como de la acogida que ha tenido en tan poco tiempo; todo sin tener padrino en esto de la música. Hemos salido sin sello, ni promotora, ni nada que pueda apoyar logísticamente. Autogestiono todo y no esperaba tantas reseñas y buenas críticas. Contento y agradecido, ¡por supuesto! Hay que seguir trabajando muy duro y no parar en esta noria que es la música. Los fans incondicionales de tu música que dicen al respecto. ¿Les ha gustado? Bueno, no sé si hay fans incondicionales, hay personas, amigos, familiares, desconocidos que apoyan y les gusta lo que hacemos, y estoy muy agradecido de cada palabra, reseña o gesto de apoyo que hacen del disco y de las canciones. Creo que está gustando, hemos empezado con buen pie y ahora hay que defenderlo. ¿Cómo ha sido la presentación del disco? ¿Dónde la has hecho? Todavía no hemos hecho la presentación del disco. Editamos el LP a finales de septiembre, y estamos en la búsqueda de banda para presentarlo. Será un gran día cuando llegue y espero contar con todas las colaboraciones que se han hecho en el disco. La presentación oficial la haremos en 2015. Imagino que estás de promoción. ¿Algún videoclip en mente? Ya sabes que los vídeos ayudan mucho a difundir la música de las

Entrevista | por Julio Caminero

bandas. Hace un año empezamos un proyecto bastante interesante de hacer un stopmotion del single ¡Otro incendio más! Construimos una ciudad completa con cartones y materiales reciclados, un jardín y una especie de océano. Todo está construido, podéis ver las fotos de esas maquetas en la web www. emmett.es. Pero por motivos de logística, tiempo y espacio lo tenemos de momento en pausa, pero lo terminaremos. Acabamos de subir hace unos días, un video grabado en directo en una terraza al caer la noche. Ha quedado muy bien y espero que os guste. Es una grabación de una de las primeras canciones, Mis grandes defectos, que editamos en las primeras demos en 2006 y que nunca sacamos. Ahora en cierta modo con esta grabación en directo en la terraza sale a la luz. También está en proceso hacer tres videoclips oficiales de tres canciones de este primer LP debut.

Carlos Goñi, de Revolver. Estuve abriendo ese concierto con acústica y acompañado por José Gómez al contrabajo. Estamos preparando una serie de conciertos en ese formato y, al mismo tiempo, iremos preparando la presentación del disco con banda al completo. Iremos añadiendo fechas en nuestra web y redes sociales.

¿Cómo tienes la agenda de conciertos? ¿Tienes muchos conciertos a la vista? El último concierto fue en la presentación del disco de unos amigos (Carlos Abad & Los Infames), donde vinieron artistas invitados como el incombustible José Vega o el gran

Te damos las gracias por haber compartido tu música con nosotros y con todos los que siguen este proyecto llamado El Musicógrafo. Muchas gracias y ya sabes: aquí estamos para apoyar la música emergente. ¡Hasta pronto!

¿Te gustaría añadir algo? Agradeceros de corazón que hayáis contado con nosotros para haceros eco de este nuevo LP debut con el proyecto Emmett. También animo a los lectores de la revista a que se pasen por cualquier plataforma digital para escuchar el disco debut. En nuestra web tenéis toda la información; al menos eso es gratis. E invitamos a que nos dejen sus piropos o insultos en nuestro buzón de contacto en la web. Sobre todo, gracias por apoyar a los grupos emergentes que no tienen padrino musical.

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Las cosas de... | por Mar Barbados

Las cosas de... por Mar Barbados

Peachy Joke

...si hablamos de rock igual de enérgico que contundente, y es que para ellos no hay descanso. Les gusta moverse en ritmos electrizantes setenteros...

A veces sólo es necesario escuchar un tema para preguntarnos: ¿quiénes son? Su música nos lleva a ellos y a querer conocer también algo más a esta banda vasca de cuatro jóvenes y también viejos amigos, pero antes de nada las presentaciones: Lemy (voz y guitarra), Gere (teclados, piano, armónica), Bop (batería) y Lou (guitarra). Llevan ya varios años dando mucho que hablar de su música, si hablamos de rock igual de enérgico que contundente, y es que para ellos no hay descanso. Les gusta moverse en ritmos electrizantes setenteros y su versatilidad es tremenda. ¿Si digo que sus directos son aplastantes es mucho? Entonces, son aplastantes y muestra de todo ello es que todas las críticas que han recibido han sido buenas. No los han pasado por alto ningún medio que les ha escuchado y es que se hacen notar.

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El curriculum Desde el principio han actuado en multitud de conciertos por diferentes escenarios. Sólo como dato y al principio de su andadura, puedo decir que en sus tres primero años rondaron los trescientos conciertos. No está nada mal y, desde luego, es algo que dice mucho de ellos y su música. Claro eso no queda ahí, porque la maquinaria de los músicos no para, no hay descanso, siempre están componiendo, con ensayos, girando y también participando en diferentes concursos. Vamos a resaltar entre todos sólo los concursos que obtuvieron el primer premio en el Villa de San Adrián en 2012, el Villa de Lared0 en 2012, el Festimad en 2013, y el Rock Villa de Madrid en 2013. En el 2011 dejaron ya ojiplático a más de uno con su Asian Tiger Mosquito y no dudaron en continuar arrollando al año siguiente con The

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Papas & The Mamas. Tanto es así que varios festivales se interesaron también por ellos en sus programaciones. ¿Hacemos un grupo? A diferencia de muchas bandas, ellos se conocen desde siempre: han ido al mismo colegio y han crecido juntos. Como otros niños, han jugado en el recreo al fútbol y se han llenado de barro el pantalón. Se conocen muy bien y todas sus inquietudes, ilusiones y sus proyectos han ido creciendo con ellos. No sabían tocar cuando decidieron formar un grupo pero aprendieron para poderlo llevar a cabo y les resulta raro cuando leen que alguien entra en un grupo por un anuncio. Cuentan con una buena estructura, que desde luego es una parte muy importante. El gusto por la música también fue algo que llevaban desde siempre. Cada uno a su manera porque dentro de esa gran solidez, son mundos totalmente distintos. Bop ya con dos añitos apuntaba maneras: le gustaba colarse a tocar un piano en un colegio, no fue luego el instrumento elegido ya que se decidió por la batería, pero esa ilusión que despierta la música ya la llevaba desde su más tierna infancia. También es verdad que fue algo puntual de pequeño, luego estuvo bastante tiempo dedicado a escuchar música hasta que surgió el grupo. Similar en cuanto a llamar la atención le ocurre a Lemye. Recuerda que sus padres siempre escuchaban discos de los Rolling Stones, AC/DC y otros, por lo que es algo con lo que siempre ha vivido. La idea de querer aprender más e introducirse más en serio en este mundo era cada vez más fuerte y tomaba más forma y también más prioridad, así que comenzaron a tomar clases de guitarra, batería… Querían adquirir las nociones básicas para empezar a tocar un instrumento. Lemy recuerda que el chico que le daba clases le enseñaba versiones, pero lo que pasa es que si no son de tu gusto, te empiezas a aburrir, así que cogía la guitarra de su hermana y componía alguna canción incluso antes de ir a clase y en otras ocasiones se trataba más de hacer ruido con canciones que no tenían ni

letra. Estaba cada vez más claro y esos cuatro a m i g o s del cole de siempre, que compar tían c i e r t a s aficiones, una de esas tardes c u a n d o salieron de clase se hicieron la fantástica pregunta de: ¿y si hacemos un grupo? Y hasta la fecha, que continúan captando cada vez a más seguidores. Así que la decisión tomada con dieciséis y diecisiete años, el empezar con versiones, la afición por la música, perseverancia y muchos kilómetros (siempre fieles al GPS, aunque a veces, pasa lo que nos pasa a todos) han hecho de lo que empezó con una idea de cuatro amigos adolescentes tomara forma hasta conseguir que se convirtiese en una gran banda. Cosas de los conciertos Miles de cosas rodean siempre a los conciertos, la preparación, ensayos, pruebas, kilómetros, fans… La primera vez que saltaron al escenario fue en junio de 2005 y lejos de tocar en su localidad que suele ser lo habitual, con su gente y esas cosas, lo hicieron en Barakaldo junto con otras tres bandas. Eso sí, estuvieron bien arropados por bastantes amigos que hasta allí se desplazaron a pesar de estar a cien kilómetros de casa y la verdad es que resultó ser bastante bueno. Andaban algo perdidos durante la prueba de sonido y tocaron los primeros. Se encontraron ante una sala bastante vacía, pero ahí estaban sus amigos que desde el principio se pusieron a gritar y a animar, eso reconocen que les ayudó mucho. Pero el primero siempre www.elmusicografo.es | Revista El Musicógrafo

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Pink Floyd, Creedence o Led Zeppelin trataban de hacer siempre algo único en cada concierto. Simplemente se dejan llevar y dando buen uso de sus estilos musicales. Blues y rock son perfectos para dar rienda suelta a estas improvisaciones de las que hablamos. Sin duda, es algo que la gente agradece ya que son capaces de subir la intensidad en un momento dado o crear situaciones musicales dependiendo de la respuesta del público, nunca es pactado lógicamente. Es como si la banda y el público fueran cómplices: les gusta jugar y entran en se guarda con cariño y recuerdan que antes juego. Estos juegos musicales o el hecho de del concierto tenían muchísimos nervios. interactuar con el público lo llevan en la cabeza Durante el concierto seguían teniendo con temas en los que la letra resulta fácil para muchísimos nervios y después cuando ya que el público también participe del concierto, pasó todo tuvieron muchísima cerveza, no cante y disfrute con todo. La interacción es un era para menos y la celebración lo merecía. punto fuerte en los conciertos me confiesan, Recordando sus comienzos, también surge es algo que les encanta. Entonces es como si la reflexión de que ha llovido y mucho, pero llegaran a un pacto con ellos, una integración o siguen con el mismo proyecto. Lo importante una conexión de tal manera que cuando piden de este primer concierto es que salieron con cantar, o bailar, o cantar un estribillo, es como buen sabor de boca; era entre amigos, pero se un ritual y el público accede creando un gran habían dado cuenta de que era el principio ambiente divertido. Lógicamente siempre se de algo y desde entonces no han querido ni crean diversas situaciones, pero intentan que el público disfrute con ellos y de su música parado de tocar. además de irse con esa sensación de habérselo pasado muy bien. Hay otros momentos que Ese pequeño mundo llamado concierto Ni que decir tiene la preparación que lleva un la gente espontáneamente canta las canciones concierto: son muchas cosas, mucho trabajo, y, claro, a nuestros chicos esos momentos les algunos nervios y sobre todo ilusión y ganas hace especial ilusión. Les motiva muchísimo de mostrar el trabajo que has hecho. En sus ver que se saben sus temas y es algo que les da directos, además de prepararse un setlist cada mucha fuerza. vez que sacan disco nuevo, les gusta unir canciones entre sí. Tratan de darles un aire Su plan: ¡conquistar el mundo! diferente al del disco y de algún modo sorpren- Para ellos, sus instrumentos son herramientas der; de hecho, suelen tener varios temas, tres de trabajo, algunas de ellas compradas en o cuatro abiertos a la improvisación y de este común, por lo que su punto de unión a ellas modo intentan conseguir que la gente siempre es su arma de conquistar el mundo. Para ello se quede con buen rollo y ganas de más. Así cuentan ya con tres discos: The Gery Reville, que se puede decir que todos los conciertos no Kindergartens, Asian Tiger Mosquito, además son iguales, son pequeños mundos que se van de una demo de un tema nuevo, The Papas and creando a veces por la improvisación acertada. The Mamas y cuatro temas en acústico. En Les gusta mucho cómo se veían los conciertos su mundo nunca ha existido un comienzo, hace cuarenta años, en los que bandas como siempre han ido paso a paso, canción a canción y así han ido tejiendo toda una trayectoria y por

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Las cosas de... | por Mar Barbados

supuesto el final ni se ve…, nunca hay límites. Siempre intentan evolucionar en sonido, mejorar en instrumentación en cada tema nuevo, en cada composición y así entregar al público su última “creación” del mejor modo, forma y manera y tratan de que esté todo más producido y siempre mejorar en todos los aspectos. En cuanto a las composiciones de los temas se refiere, se reparten la tarea principalmente entre Lou y Lemy (los dos guitarras). La inspiración es variada ya que cada uno tiene sus cosas en la cabeza y normalmente suelen escribir sobre experiencias personales, pero también hay algún tema relacionado más con la política y es que los motivos sociales tampoco les dejan indiferentes. Suelen partir de una base musical que plantean los dos y que luego van desarrollando con toda la banda hasta conseguir el resultado que les gusta. Por ejemplo, el tema The Papas and The Mamas se trata de una relación de pareja; entonces hay un verso que lo canta una persona y el resto la otra adquiriendo ese toque de conversación coloquial. Si nos fijamos en el tema You, que por cierto es uno de los que más suele gustar al público, habla de la música en general y de lo que transmite y hace sentir. Intentan hacer temas diferentes, que no sea siempre hablar de lo mismo, pero que sí sean temas importantes para ellos, ya que en definitiva, es un modo de expresar todo lo que se lleva dentro en muchas ocasiones, una vía de escape y de compartir muchas cosas. Lemy, que es una persona muy reservada, ha encontrado en la composición de temas una buena manera de decir lo que tiene en la cabeza, una forma de expresión que quizás de otro modo no haría y creedme que, para los que no los hayáis escuchado, realmente merece la pena hacerlo. Ahora, entre concierto y concierto, están grabando un nuevo disco que pinta muy bien y estaremos muy atentos a él. Saldrá después del verano y en él desempeñan un papel importante los sintetizadores además de que han jugado más con técnicas de grabación

modernas con respecto a los anteriores que tenían un sonido más clásico. En general, me cuentan que va a traer sorpresas y cambios que vamos a notar, como por ejemplo, además de cantar Lemy también cantará Lou entre otras cosas. Igualmente, tanto fans como seguidores resultan muy importantes para ellos: “hemos tenido la suerte de compartir muchas cosas con ellos. Hay una chica que le hacía mucha ilusión aprender uno de nuestros temas con la guitarra, personas que han viajado cientos de kilómetros para venir a vernos”. En definitiva son cosas que siempre sorprenden, que hacen pararte a pensar, que te hacen sentir bien y logran que todo lo que haces cobre sentido. Realmente tiene que ser emocionante ver que hay gente que está haciendo cosas que tú haces por otros grupos, te sientes muy identificado. Es gratificante ver reconocido tu trabajo y tu esfuerzo, a la vez que estás persiguiendo un sueño. Hasta siempre Sin duda una de las entrevistas que me ha transmitido una gran dosis de energía vía directa, con timidez, aunque cuando tocan sufren una auténtica transformación, eso sí, y derrochan buen rollo por los cuatro costados. Sólo me queda ya agradecer que me hayan dejado conocerles un poco más. Desearos toda la suerte del mundo y… ¡hasta siempre! Un abrazo #siempreunabrazo y un beso Mar Barbados (@Mar_Barbados)

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Entrevista | por Julio Caminero

Lozone

¿Quién es Lozone? Un compositor valenciano afincado en Madrid que os quiere invitar a conocer su trabajo. ¿Cual es la trayectoria musical de Lozone? Durante los años noventa, empecé a tocar la guitarra y a pensar en la posibilidad de proyectar mi vida en la música. Después de algún tiempo y debido a diferentes circunstancias decidí empezar a componer por mi cuenta y ayudarme de la tecnología para suplir la falta de una banda. Así llegó el primer trabajo, La última opción, además de colaborar con compañías de teatro y con otros músicos. En 2014 presento Bitácora, mi último trabajo. ¿Donde ubicamos la música de Lozone? Allí donde cada uno la quiera llevar... En el plano musical está en cada uno de los momentos en los que la canción es interpretada, desde la composición hasta la mezcla final. Me gusta que todo el proceso quede reflejado en ellas, incluso en directo busco un sentido diferente.

Este año has publicado Bitácora. ¿Qué encontramos en este disco? Por una parte la de expresión musical de las Revista El Musicógrafo | www.elmusicografo.es

maravillas y las miserias de esta vida. Por otra doce canciones más o menos acertadas, con aires personales y diferentes, arropados por la esencia del rock. ¿Que hay detrás del titulo del álbum? ¿Qué has querido trasmitir? El cuaderno de bitácora es el libro en el que los marineros registran los datos de lo acontecido durante sus viajes. Con esa idea nace este proyecto, invitar a quien lo desee a subir a bordo y sumarse a este viaje, o tal vez a comenzar el suyo propio. Háblanos del disco y de sus letras. ¿Qué nos cuentas en estas canciones? Este disco surge a raíz de un viaje a México durante varios meses donde empecé a componer algunas canciones que más tarde fueron dando sentido al concepto de Bitácora. En ellas se cuentan historias sacadas de momentos eternos y efímeros. ¿Cómo creas tus canciones? ¿Cuál es el método que sueles utilizar? No tengo un método fijo: a veces surgen unos acordes, a veces una letra... Después, de forma

Entrevista | por Julio Caminero

consciente o inconsciente, se van uniendo y a partir de ahí ya empiezo a convivir con ellas y a tocarlas de mil maneras diferentes para encontrar la forma más adecuada para expresar lo que estoy contando. Hablamos de la grabación del disco. Cuéntanos dónde y con quién lo has grabado. Pues lo he grabado yo, en mi casa. Me he dedicado durante mucho tiempo a ser técnico de sonido, más en directo que en estudio, así que decidí usarlo como aprendizaje y aunque no dispongo de las mejores condiciones, es un buen ejercicio para multiplicar la visión sobre las canciones.

Háblanos de las personas que han colaborado en la grabación. ¿O has interpretado tu todos los instrumentos? En el disco han colaborado haciendo coros Nissyelrock, Rafa O. Loppipero (cantante de Greencoffe) y Fernando Gracín (poeta-músico valenciano). Me gustaría agradecerles desde aquí todo el amor puesto en ello. ¿Tienes en mente la grabación de algún videoclip? He publicado Maltiempo y otro con una versión de PJ Harvey.

¿Que fechas tienes para presentar este disco en directo? De momento nada concreto, de todas formas iremos informando por los canales de difusión. Si alguien está interesado: lozone. management@gmail.com). Bitácora está disponible para descargar desde la web y lo podemos escuchar en Bandcamp también. ¿Algún sitio más que podamos escucharte o verte? En Reverbnation (www.reverbnation.com/ lozone). En Facebook (www.facebook.com/ pages/Lozone). En Soundcloud (https:// soundcloud.com/lozonemusic).

En Youtube (http://goo.gl/u9C8CB) ¿Quieres añadir alguna cosa a esta entrevista? Me gustaría agradeceros vuestro apoyo a la música y destacar la gran labor de difusión que realizáis. ¡Un cordial saludo! Te agradecemos mucho que nos hayas concedido esta entrevista y nos hayas enseñado tu música. Te deseamos mucha suerte y esperamos volver a tenerte muy pronto en la revista. Muchas gracias y hasta pronto. www.elmusicografo.es | Revista El Musicógrafo

El acorde perdido | por David Patricio

El acorde perdido Krakatanga

por Salva Herrándiz Romero por David Patricio

En la pasada entrega acabamos el artículo hablando de la importancia de crear el hábito de anotar o grabar pequeñas ideas musicales que se nos van ocurriendo durante el día a día, e ir haciendo una base de datos o carpeta con ideas, quizás con otras dentro que incluyan con distintos estilos. El boceto es quizá el proceso más relevante de una composición, es la idea original o motivo que nos da pie a desarrollarlo en una canción u obra más extensa, más adelante. Este punto es un momento mágico y visceral; el resto del proceso, mucho más laborioso y técnico, consiste en estirar del hilo. Bocetos En un artículo sobre composición se hace inevitable no acabar hablando del que quizás haya sido el compositor más prolífico de todos los tiempos: Wolfang Amadeus Mozart. Hasta nuestros días, se han conservado unas 320 anotaciones o bocetos del genio, que según los estudiosos supone un diez por ciento del total de su obra. Se dice que el resto de ellos fueron destruidos por su esposa Constantine después de su muerte. Mozart anotaba estos bosquejos muy rápidamente y con caligrafía despreocupada, a partir de este momento seguía oyendo esas ideas en su cabeza una y otra vez; mientras viajaba o cuando no podía dormir, trabajaba en ellas mentalmente. En una segunda etapa creaba un borrador con las melodías principales y el bajo, dejando el resto de voces o líneas para ser rellenadas más tarde. En ese momento, consideraba su obra como acabada y la incluía en su catálogo. En una carta, Mozart explicaba a su padre la diferencia entre componer (to compose) o escribir música (songwriting).

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Consideraba que una obra estaba acabada cuando era capaz de oírla mentalmente con todo detalle y de forma íntegra. El resto era un puro “trámite”, algo como un dictado, que suponía plasmar el arreglo en papel para la orquesta, coro o formación que fuera a interpretarlo. Hay que destacar que no solía realizar ningún cambio o corrección entre lo que “visualizaba” y lo que realmente escribía para que lo interpretaban los músicos. En la época, estrenaban obras constantemente; el rey decidía que quería escuchar una nueva sinfonía la próxima seman y los compositores se ponían a trabajar a toda máquina. Al “transcribir” Mozart solía dejar la partitura de piano para el final, y en ocasiones cuando no tenía tiempo de escribirla, la tocaba él mismo de memoria. Por lo visto el genio tenía una increíble habilidad para improvisar y podía acabar el concierto media hora más tarde que la orquesta, improvisando y desarrollando más y más las melodías de la obra…Ademas de tener una memoria prodigiosa, podía improvisar con gracia rellenando los trozos que no recordaba. Tal como señaló el prior benedictino Placidus Scharl: Incluso a los seis años de edad era capaz de tocar las más difíciles piezas para pianoforte, de su propia invención. Rozaba la octava, [intervalo] que sus pequeños dedos no podían alcanzar, a una velocidad fascinante y con una precisión maravillosa. Uno sólo tenía que darle el primer sujeto para que viniera a su mente una fuga o una invención: él lo desarrollaba con extrañas variaciones y pasajes constantemente cambiantes tan largos como quisiera; podía improvisar contrapuntísticamente un pasaje durante horas, y esta forma

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libre de tocar era su mayor pasión. Composición/improvisación El inicio de la composición es siempre una improvisación. Está claro que si queremos mejorar la habilidad para componer hemos de perder el miedo al salto al vacío que supone improvisar. La espontaneidad necesaria para el improvisador es el combustible ineludible para el compositor. Improvisar o componer significa la búsqueda de nuestra esencia como creadores. Deseo acabar este artículo haciendo un alegato a los creadores, en un momento en que parece ser más valioso para los programadores y responsables de salas de conciertos los grupos tributo o imitadores, que una banda que arriesga y se estruja los sesos intentando crear algo original. La verdad es que solo Dios crea, y cuando nosotros componemos estamos participando en la tarea de la creación. Sí, ¡compañeros de trabajo de Dios! Componer significa buscar en tu interior, buscar la verdad, la esencia de nosotros mismos. En cambio copiar lo que otros han hecho antes solo nos relega a un papel secundario en el que no es necesario pensar. Como guitarrista, pienso que subir a un escenario y tocar el solo de Living on

a Prayer delante de mil o diez mil personas es algo que puede hacer cualquiera con un poco de técnica. Sin embargo ser capaz de elaborar tu propio repertorio, crear algo nuevo, generar tu propio estilo y concepto musical parece ser algo reservado solo para unos pocos. Van Gogh, sin duda uno de los pintores más cotizados y valorados en la actualidad, no vendió ni un solo cuadro en vida, porque no pintaba lo que el mercado demandaba en el momento. Este genio vivió en la absoluta pobreza, pero también en la absoluta dignidad. Y es que cuando uno hace lo que siente, mas allá del resultado que pueda conseguir con ello, puede llegar a crear algo atemporal y único. En cambio, cuando creamos algo destinado a conseguir algo, aunque sea mas bolos, es como cuando alguien te regala algo para conseguir algo de ti. El marketig y la carrera por el éxito parecen ser la mayor amenaza contra la verdadera creatividad. La reflexión es: hacer algo de forma impostada intentando imitar a otro, o ser un Van Gogh. ¡Que la inspiración te acompañe siempre!

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Entrevista por Yolanda Fernández

When we collide

Entrevistamos al joven músico madrileño Álvaro González de Vinagre, o lo que es lo mismo, When we collide, que acaba de publicar el primer single (Sounds of the old days) de lo que será su segundo EP, que lleva por título Home.

Bienvenido, Álvaro, cuéntanos un poco de ti... ¿de dónde eres? Soy un chico que nació y ha vivido todos sus 26 años en Madrid. Estudió Comunicación Audiovisual e intenta hacer canciones lo mejor que puede.

¿Cuál fue tu primer contacto con la música? ¿A qué edad y cómo te cuelgas una guitarra por primera vez? Estudié solfeo y flauta travesera (que mola mucho menos que la guitarra) desde muy pequeño, influido y afortunadamente obligado a ello por mi madre, que es profesora de música, por lo que siempre tuve instrumentos y música sonando por casa. Con catorce años dejé de estudiar música para jugar al baloncesto y empecé a tocar una guitarra que me dejaron y, como no me sonaba nada bien, lo dejé. A los dieciséis me volvieron a dejar una guitarra, mi tío me enseñó dos acordes

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y aprendí la canción I’m a believer. Le cogí el tranquillo, y hasta hoy.

¿Por qué When we collide? ¿De dónde salió el nombre? Viene de una frase de una canción de mi cantautor o escritor de canciones favorito desde hace años. Además el concepto de colisión como creación o convergencia me atraía mucho y me parecía atractivo. Eso sí a la hora de que la gente pille como se llama el proyecto, es más complicado que si me hubiera llamado Álvaro González. No tuve mucha visión comercial al elegirlo. Vemos que la mayoría de música que compones es en inglés, ¿cuál es el motivo? Desde hace bastantes años el 90% de música que escucho es en inglés y son los referentes que tengo por mis padres o amigos desde siempre. Me gusta más la sonoridad del

Entrevista por Yolanda Fernández

idioma y a lo que puedo sonar cantando en inglés. De todos modos también hago, y cada vez más, temas en castellano. Pudiendo hacer las dos cosas, ¿por qué elegir?

ideas o canciones que tenía.

Por cierto, ¿por qué Home? Por alguna razón, me encanta la palabra. Me di cuenta que en casi todas las canciones Acabas de publicar Sounds of the old days, una la incluía, por su sonoridad o por falta de canción preciosa, muy alegre pero con cierta vocabulario, no lo sé, pero siempre sucedía así. Además de igual modo he comprobado carga de añoranza. ¿Cómo surge? Pues la melodía en sí tocando la guitarra sin que hay muchas canciones de artistas que ningún propósito concreto en mi habitación, me gustan que se llaman home o la palabra se como sucede un gran porcentaje de mi incluye en el título, así que decidí que no había tiempo. La mitad de la canción salió casi mejor manera de llamar al EP, que además he del tirón, en verano, recordando los buenos grabado en mi propia casa. tiempos pasados, no con tristeza sino con ¿El EP está alegría de haberlos vivido. No se por autoproducido y qué me imaginaba la promoción de o me imagino al When we collide escucharla gente también la llevas pasándolo bien tú, verdad? ¿Es alrededor de una por un tema hoguera en la playa. económico o por ¡Ya tengo idea para hacer las cosas de videoclip! forma personal? Es un tema En breve vas p u r a m e n t e a publicar tu económico o de nuevo EP, Home. logística. Si alguien Cuéntanos su lo hiciera por mí y contenido y qué lo financiara estaría tipo de canciones encantadísimo vamos a encontrar. lógicamente, aunque solo en caso de que Exacto, el 16 de Diciembre publicaré la primera decidiera yo todo a nivel artístico. Lo bueno y parte, las primeras tres canciones. El EP gratificante de producir y grabar yo mis temas completo, cuando publique su segunda parte es que puedo hacer con ellos lo que yo quiera, en enero de 2015. Cuenta con 6 canciones que experimentar o marcar los tiempos según lo he compuesto en este último año, bastante que yo quiera en cada momento. variadas: dos o tres más acústicas animadas, rollo folk y pop; alguna más tranquilita y una Cuéntanos cómo es el día a día de un músico. más roquera. Comparado con las anteriores Lamentablemente, la música no es mi maquetas, sí que he notado que son canciones profesión, aunque sí es lo más importante para más movidas o animadas, producto probable- mí en mi vida. La vida del músico, supongo, se mente de que son las que mas a gusto me reduce a tres cosas básicas: componer, grabar, encuentro tocándolas en directo y son con tocar en directo. Independientemente del nivel las que al final me he quedado entre todas las o del reconocimiento, son todas actividades www.elmusicografo.es | Revista El Musicógrafo

Entrevista por Yolanda Fernández

maravillosas por las que pagaría por hacer, y de hecho, como muchos más, así hago. ¿Se puede vivir a día de hoy de la música? ¿ Q u é c ambiar ías tú del

panorama musical actual? Hay gente que puede vivir de la música, sin duda, aunque está muy complicado. Pero hasta a los artistas contrastados con mucho público les cuesta, por las barreras económicas, laborales o de legislación (IVA, alquiler y condiciones de salas, acceso a medios ). Es un trabajo, para el que lo sea, muy inestable y complicado que, de hecho, me encantaría llevar a cabo. Para los músicos amateurs la primera meta a corto o medio plazo es, por lo menos, no perder dinero e ir poco a poco dándote a conocer cada vez a más personas si es posible. Aun así, con que haya una persona escuchando en un concierto ya merece la pena tocar y hacer esto.

Sharpe and the Magnetic Zeros, Simon and Garfunkel, y la santísima trinidad, que no falla en mi Ipod o Spotify: Switchfoot, Matt Corby y Mumford and Sons. Por cierto, ¿discos enteros o canciones sueltas? ¿Y por qué? Escucho muchas canciones sueltas, sobre todo me pasa con canciones en castellano aunque con canciones en inglés también. Tengo la teoría de que mis grupos favoritos son los que escuchas mil veces sin problemas y con mucho gusto el ochenta por ciento del disco, que al menos te encantan siete u ocho canciones sueltas. Esto pasa poco, pero en mi caso sucede con los artistas que he mencionado en preguntas anteriores. ¿Vinilo, CD, o mp3? Diría CD pero como mi mini-cadena es terrible, la mayoría de música la escucho por Internet con unos buenos altavoces o en el Ipod, con calidad horrible eso sí lo reconozco. El vinilo no me acaba de llamar ni en cuanto a calidad de sonido ni en cuanto a “comodidad”. En casa de mi padre tenemos miles de vinilos antiguos y es curioso en cuanto a objeto de colección, pero no lo uso habitualmente la verdad.

¿Ves When we collide en un futuro ¿Cuáles son tus influencias? una Muy numerosas y variadas pero sobre todo como o música en inglés: Switchfoot, Matt Corby, banda Simon and Garfunkel, Mumford and Sons, q u i e r e s The Beatles, Ben Howard, Tallest Man on seguir en Earth, José González, Nothink, U2 Jon solitario? Foreman, Alt J,Explosions in the Sky, Cat No lo veo Stevens. De todo como una banda al ¿Qué música has escuchado más en el último uso, pero sí mes? me gustaría Pues voy por rachas, pero he escuchado incluir en el bastante el último disco de Alt J, Edward futuro más

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Entrevista por Yolanda Fernández

músicos, por lo menos un percusionista y un bajista o un pianista, por pedir que no quede (interesados, por favor, manifestaos) y alternar ese formato con tocar en solitario. Cada cosa tiene su momento. ¿Qué tipo de sonido buscas en tu música? No busco un sonido en particular; en cuanto a estilo, según la época hago canciones más o menos pausadas, más o menos acústicas, pero básicamente la meta es, haciendo lo que me apetezca, hacer canciones que me gustaría escuchar a mí, o al menos intentarlo. ¿De qué sueles hablar en las canciones? La verdad es que un poco de todo, procuro hacer las menos canciones de amor posibles, que ya hay muchas y muy buenas. Muchas veces acabo hablando o expresando conflictos emocionales, dudas o preguntas existenciales. En el EP hay un poco de todo. Debo decir que para mí, de todos modo,s la letra es importante pero superada en importancia por la música o la melodía, no soy ningún poeta. ¿Cuál es tu canción favorita del disco? Una de las canciones de la primera “hornada” que publicaré el 16 de diciembre, se llama Laniakea. Me parece una canción muy chula instrumentalmente y salió casi sin querer jugando con una afinación rara de la guitarra, así que hoy por hoy es mi favorita. ¿Hay alguna anécdota curiosa de la que haya surgido una de las canciones de Home? Pues la canción que abre el disco la compuse pensando en hacer una canción con la que empezar los conciertos expresamente, que fuera directa y sencilla y creo que cumple su función también para abrir el disco. Otra canción curiosa es Land of the eternal sun, que empieza con una progresión de acordes que puede sonar a flamenco porque compuse la introducción un día tocando para mi madre, que le gusta

esa música, y al final acabo como canción. Cada canción tiene su historia más o menos interesante: alguien que conoces, una peli que te marca, una situación vital, de todo. ¿Tendremos videoclip próximamente? ¿De qué canción? Pues tengo un amigo que tiene una productora y tenemos pendiente hacer el videoclip, así que estamos en ello. El primero será de Sounds of the old days y, con el tiempo, me gustaría hacer otro con Laniakea. Probablemente también hagamos varios vídeos tocando en directo alguna canción del EP y alguna versión que siempre me gusta tocar. ¿Dónde y cuándo podremos verte en directo? ¿Alguna fecha fuera de Madrid?

La fecha más inmediata es la presentación del EP en la sala Contraclub el sábado 27 de diciembre. Fuera de Madrid, me encantaría salir en el 2015 la verdad, no sé cómo ni cuándo, pero seguro que alguna visita a otra ciudad (y quizás a alguna extranjera) pueda darse. Muchas gracias por todo.

Gracias a ti por tu tiempo y por esta entrevista. Mucha suerte con el nuevo EP; desde El Musicógrafo te seguiremos de cerca. Yolanda Fernández García Le Cirque Music | @LeCirqueMusic