Phot 3 by Josué

Tu nueva REVISTA de fotografía

Nº 3 - MAYO 2016

ENTREVISTA

DAVID BARRA RETRATO EN ESTUDIO PERE LARRÈGULA

Fotografía de concurso LLUÍS REMOLÀ

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Y mucho + www.phot.es 1

FOTO PORTADA David Barra Magazine

Presentación Esta iniciativa nace con la intención de hacer llegar el conocimiento fotográfico y de muchas de sus derivadas a todo aquel que guste de este bonito arte. Desde noticias y novedades hasta ejercicios de entretenimiento pasando por artículos de grandes profesionales del mundo que nos muestran sus trabajos y sus secretos. Miraremos en perspectiva diversos aspectos de la fotografía desde distintos ángulos y diferentes puntos de vista. Nos interesaremos por todas vuestras inquietudes , buscando respuestas a aquellas preguntas y dudas que podáis tener en nuestro apartado de formación. Abriremos una puerta a nuevos valores de la fotografía , a todo aquel que nos quiera utilizar de ventana para dar difusión a un trabajo elaborado y de calidad. Bienvenidos a phot.es, la revista on-line que te explica todo lo que quieras saber sobre la fotografía de mano de los mejores profesionales.

Phot Magazine email: info@phot.es www.phot.es

Editorial nº3 de la revista Editorial Hola amig@s, volvemos a la carga con una nueva edición de la revista, cada vez más cuidada y moldeada a tu gusto, para que la disfrutes. En mayo empieza el buen tiempo y ese aspecto hace aflorar en nosotros unas ganas irrefrenables de salir a hacer fotografías al campo o a la ciudad para captar imágenes atractivas y que expliquen cómo esta estación afecta a las personas. Con esta revista pretendemos motivaros para que nunca se nos vayan esas ganas de salir a afotar, os explicamos técnicas para ayudaros a hacerlo de la mejor manera y podamos mejorar todos con los consejos de profesionales del sector y, sobretodo, que todo ese trabajo que consigais lo compartáis con todos nosotros porque, en el fondo, la fotografía es un canal para expresar los sentimientos y emociones que plasmamos en el sensor de la cámara. Bienvenida primavera, bienvenidos amigos photers a PHOT, Pasen y vean!!

CONTENIDO

EDITOR Phot.es

EQUIPO Fran Palmero Yolanda Borràs

HAN COLABORADO EN ESTE NÚMERO: David Barra, Francisco Gonçalves, Ivan Sanchez, Jesús Mármol, José Esteban Tosina, Karmen Lus Hoyos, Ken Lee, Raul del Val, Roser Gimeno, Andrés Murillo, Diego Escobar Atero, Lluis De Haro, Roberto Gallego, Salvador Luque García, Pere Larrègula, César del Pozo Díez, Toni Arnaste, Lluís Remolà, Juan Kanjungla, Yolanda Borràs, Jorge Reina Lara, Loren Rovira, Eric Marsinyach, Víctor Iglesias, Maite López, Jorge Reina, David Planas Todas las fotografías incluidas en la revista son propiedad exclusiva de los autores.

TU PHOT EN FACE

FOTOGRAFÍA DE CONCURSO

6 ENTREVISTA DAVID BARRA

FOTÓGRAFO DE PUBLICIDAD, PACKAGING Y ALIMENTACIÓN

DISEÑO Y MAQUETACIÓN

LLUÍS REMOLÀ

“HABITANTS” TONI ARNASTE

LAS 400 CRUCES GALERÍA

105

PAISAJES DE COSTA FRAN PALMERO

SOL NATURAL, SOL ARTIFICIAL (Y II) JUAN KANJUNGLA

Yolanda Borràs www.wai-bi.com

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AMANTES DE LA FOTOGRAFÍA RETRATO EN ESTUDIO PERE LARRÈGULA

FACEBOOK GALERY

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buscando año tras año, fotos quizás descriptivas, quizás técnicamente bien resueltas, pero eran fotografías vacías, fotografías sin un sentido consciente, sin una finalidad definida. Digo esto porque cuando uno está en esta fase, va acumulando imágenes sin parar hasta crear una auténtica colección temática, pero cuando se para de golpe a analizar tranquilamente estos trabajos se observa que no hay mucha diferencia de fondo entre una imagen reciente y otra realizada años atrás. Está repitiendo un patrón. Y quizás incluso sin saberlo, sin ser consciente de ello. No digo que repetir patrones tenga que ser algo forzosamente malo o negativo, pero lo que está claro es que como en cualquier otra cosa en la vida, hacer algo por el mero hecho de hacerlo, sin ni tan siquiera haberse parado a pensar con qué finalidad se hace, puede llevarle a una situación de aburrimiento absoluto debido a esa de evolución, que muy probablemente desembocará en una pérdida de interés y un abandono. La creatividad va por el lado opuesto, debemos reinventarnos continuamente para aprender, y para ello el primer paso es ponernos un sensor a nosotros mismos que detecte si estamos haciendo las cosas solo por hacerlas o bien para disfrutarlas de verdad.

El proyecto “Habitants”

Arquitectura de la sinrazón: Empecé por detectar que todo mi trabajo acumulado durante años estaba centrado básicamente en conseguir primeros planos lo más nítidos posibles de cualquier animal, bicho o cosa que se cruzara en mi camino. El instinto ese del cazador, disparar a lo que se mueva. Volviendo de cada viaje con miles

de imágenes, esa galería era sometida al filtro de una selección basado únicamente en la nitidez e impacto visual de la imagen. Lógicamente, de ahí salían dos grupos de imágenes: las consideradas como “buenas” (por criterios de enfoque y nitidez puros), y las “malas”, que eran lógicamente todas las demás (la mayoría). Para acabar de rizar el rizo una segunda selección entre las “buenas” generaba 3 categorías finales, léase “muy buenas”, “buenas” y “malas”. Finalizando el proceso, solamente las “muy buenas” eran guardadas en una carpeta visible y en un disco duro “muy bueno” y proyectadas un día para comentar la jugada con otros amigos o compañeros. Las otras dos categorías definitivamente quedaban olvidadas en un disco duro que era “muy malo”. En el fondo, la gracia del tema es que las “muy buenas” también quedaban finalmente olvidadas, ya que una vez constatada esa calidad e definición de la imagen, la propia imagen perdía el interés inmediatamente por sí misma, con lo cual tampoco volvía a verlas ni a hacer nada con ellas. Placer rápido, olvido rápido. Es muy jodido (con perdón) darse cuenta de que algo que uno mismo está haciendo con todo el esfuerzo del mundo, de repente lo encuentra absurdo y no entiende el porqué demonios lo hace. Es una sensación terrible, como cuando usted intenta abrir una rosca girando al revés. Pero la cosa no queda aquí. Luego empecé a pensar qué es lo que recordaba exactamente del momento de hacer la toma. Prácticamente nada. La mayoría de imágenes fueron disparos automatizados hechos de forma instintiva y sin conscien-

Toni Arnaste

Coincidimos en este mundillo de la fotografía gente con una gran variedad de trayectorias diferentes bajo una misma afición. Desde los que pueden presumir de llevar ya varias décadas con cámaras en las manos, hasta los que acaban de incorporarse recientemente a este extenso y basto arte de crear imágenes con la mirada. Como todo en la vida, uno siempre recuerda esos primeros momentos de iniciación: esa curiosidad hacia algo nuevo y desconocido, las ganas de saber más, de aprender, esos primeros pasos, la sensación de tener campo libre para correr y recorrer… Pero no todo el año es primavera, y aún con la máxima dedicación e ilusión que se ponga en algo, si llegado a un punto usted empieza a notar que está estancado y que todos sus trabajos muestran una falta de evolución, es que quizás ha llegado el momento del replanteo. Recuerde el refrán. ¿Pero qué demonios es eso del replanteo? Y más importante aún: ¿cómo o qué se debe hacer si la situación llega? Preguntas poco concretas suelen dar respuestas inútiles, y no seré yo quien pueda dar contestación a semejantes dilemas existencia-

les, pero sí que podemos hablar de algunas de las cosas que - los que saben mucho de esto - exponen tras pasar por ello: Los creativos dicen que toda persona, a lo largo de su camino tarde o temprano pasará una etapa de estancamiento, y es en ese justo momento donde posiblemente van suceder dos situaciones: o directamente se abandona la afición (con mil excusas justificativas para auto-convencerse, claro), o bien se entenderá que esa situación es una parte natural y necesaria en cualquier evolución, y como cuando la tortilla se quema, convendrá darle la vuelta. “Habitants” surgió precisamente de una sensación de falta de evolución fotográfica y sobretodo de falta de consciencia y de sentido en el tiempo empleado en ello. Tras muchos años aficionado a la fotografía de naturaleza y fauna, llegué a un punto en que sin darme cuenta, noté que estaba realizando fotografías y más fotografías por el mero hecho de hacerlas, sin saber por qué ni para qué. Coleccionaba imágenes de los animales salvajes que iba

… que esté nítida, que esté enfocada… No solo eso es suficiente si el autor sabe que se trata de una imagen vacía. Quizás puede valer para el espectador si no conoce la historia, pero el autor siempre sabe el valor auténtico de cada imagen en base a lo que sucedía en el momento de la toma. No soy capaz de recordar el momento en que apreté el obturador de esta imagen. Puede que la imagen sea estética, pero para mí solo es eso.

imentado sentimientos en realizar su obra, queda plasmado en ella. Para este proyecto fui seleccionando las imágenes según los sentimientos que me iban aportando, sin más. Eran imágenes en algunos casos tomadas hacia más de 10 años, pero su selección fue altamente agradable y fácil pues cada imagen ya contenía (o no) la señal que buscaba para elegirla: el sentimiento, el recuerdo, el momento… Hay otros metadatos EXIF más allá de los números, esos son los buenos, créame.

Este pequeñajo me robó el almuerzo delante de mis narices en un momento de despiste. Se trata de una foto espontanea, movida por no tener tiempo de reacción con la cámara. Con mis patrones iniciales se trata de una imagen directamente rechazada sin más. Pero recuerdo perfectamente este momento, mi reacción de asombro, su mirada… Esta es una buena base de trabajo…

cia. Terrible. Los pocos recuerdos de las sensaciones del momento, eran más bien del estrés (o incluso angustia) por las prisas en disparar y obtener la toma, como si el mundo fuera a acabarse. Esto me ocurría incluso en fotografía de paisajes, donde solo llegar al lugar correteaba como un poseso apresurado por colocar el trípode y los filtros a toda prisa como si los árboles y las rocas fueran a salir corriendo en cualquier momento… Disparar y de repente como una sensación de alivio. Llegar a casa y observar que la toma es muy mejorable por no haber advertido algo en el encuadre que con un poco mas de observación “in situ” hubiera evitado. Amigo, no vamos bien. Deambulando por la costa me he encontrado varias veces gente pescando... Haciendo un símil “pesquero”, yo estaba saliendo a pescar a toda prisa, me había caído por las rocas o al agua, estaba volviendo a casa sin pescado y encima solo recordaba el porrazo. Nunca hasta ahora había entendido esta afición de la pesca. Con todo este panorama, al fin uno despierta. Un día casualmente saqué los discos duros “malos” para ver si podía liberar espacio, y al empezar a observar toda esa cantidad de fotografías olvidadas por ser consideradas “malísimas” me lleve una sorpresa interesante. Las fotografías consideradas “muy buenas” eran todas iguales y monótonas, mientras que las consideradas “malísimas” tenían una variedad de situaciones y riqueza muchísimo mayor. El problema no eran las fotos, el problema era el filtro,

el patrón. De repente uno empieza a observar que precisamente es en esas fotos imperfectas, movidas, espontaneas y sin patrón, en las que sí se tiene recuerdo del momento de la toma. Este punto exacto (quizás básico para muchos, pero fundamental para mí en ese momento), es un punto de inflexión. “Habitants” es mi primer proyecto personal dedicado a todas esas fotografías olvidadas. Fotografías clara e injustamente rechazadas por mí mismo por no haber superado estúpidos filtros basados en patrones cerrados, patrones que dicho sea de paso posiblemente no eran ni patrones personales, quizás eran criterios de selección de cualquier otro autor y adquiridos inconscientemente. Lo que puedo contarle hoy es que fueron precisamente los recuerdos de los momentos de esas tomas los que trajeron las imágenes a mí. Si uno retiene algún momento en su memoria es porque ese momento ha sido importante para él, y por lo tanto, lo que izo en él (si es una foto, pues la foto) tiene un valor. De aquí se pasa del hacer las cosas de una forma determinada para satisfacer a un patrón, a hacerlas para satisfacerse a sí mismo. Y es en este punto donde finalmente uno empieza a disfrutar de verdad. Es así de simple. Al final, fotográficamente hablando uno pasa de las fotos “buenas” y “malas”, a las fotos “importantes” y “no importantes” por así decirlo. Se establece una relación entre su obra y usted, y de aquí (en mi opinión) empieza a salir lo mejor de uno mismo. Creo que se nota cuando un autor ha exper-

El procesado que imaginé fue el de dar un aspecto como de imagen de recuerdo, como de antiguas hojas de un atlas de fauna salvaje perdido y reencontrado. Opté por el monocromo y por aplicar filtros de textura degradados para dar más sensación de memoria. Desenfoques, ruido… Este procesado responde a la realidad de mi sensación hacia la obra, que no es otro que el de un redescubrimiento de algo olvidado. La obra intenta plasmar momentos en la vida de los animales, miradas, formas, desplazamientos… sin prisas. Tal como son ellos. Me gustaría contar que disfruté una barbaridad en este proceso de selección y procesado de cada imagen (unas 50 en total), posiblemente porque la sensación era la de poder por fin trabajar y disfrutar de esto en calma y con todos los sentidos puestos en ello. Y encima sobre la base de un trabajo rechazado por mí mismo y hecho en su momento de forma casi autómata. Realmente, ahora en un plano personal más profundo tuve la sensación que eran estos animales rechazados y abandonados los que se me aparecían desde el pasado para decirme que hay otra forma de hacer las cosas. Realmente vivimos en una sociedad bastante estresada en general, con una conducta de búsqueda de la satisfacción fácil y rápida, y con unos patrones de comportamiento muy automatizados y poco conscientes. Tanto en la vida como en el trabajo, y por descontado en las aficiones, pasa lo mismo. Cambiar de patrones (si usted nota que necesita hacerlo) puede aportarle la oportunidad de hacer cosas nuevas. Con eso solo apunto que por probar, no pasa nada. ¿Es un chiflado de la definición? Deje de enfocar tanto. ¿Le gustan las fotos estáticas y equilibradas? Pruebe a realizar tomas espontaneas. Gira la tortilla cuando huela a quemado. Y ya sé que es un tópico, pero lo de romper las reglas es más importante y profundo de lo que parece. No se trata de romper nada. Solo que analice usted sus filtros y patrones internos y pregúntese si una vez que los ha aplicado, está satisfaciendo a alguien (con pompa, asombro y aplausos de todos sus comensales) o se está satisfaciendo a usted mismo. Los aplausos dan placer a corto plazo, pero pesan menos que el aire. Yo he puesto atención a eso. Y ahora disfruto mucho más de la fotografía.

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ENTREVISTA POR YOLANDA BORRÀS

ENTREVISTA

David Barra www.davidbarra.com

DAVID BARRA

Nombre: David Barra Pérez Edad: 40 años Natural de: Berga (Barcelona)

Fotógrafo de publicidad, packaging y alimentación

- Cuándo y cómo entras en el mundo de la fotografía? El 25 de abril de 1993, me presento a un rally fotográfico en Berga con mi cámara compacta, no sabía de que iba la cosa, pero me encantó la idea que me propusieran 5 temas y con un solo carrete tuviera el reto de sacar 5 fotos buenas. Y respondiendo a la pregunta que os estáis haciendo… NO, no gané. ;-)

A parte de la compacta típica de casa, mi primera cámara en propiedad fue una Nikon F-401x que me regaló la familia al empezar la carrera.

enfocaba al punto de enfoque donde miraba, si, si, miraba uno de sus solo 3 puntos de enfoque y se enfocaba allí. Aun la conservo y funciona.

- De todas las cámaras que has tenido, con cual tiene mejores recuerdos? La cámara con la que tengo mejores recuerdos fue la Canon EOS 50E, fue la primera que me pagué - Todos hemos tenido nuestra de mi bolsillo, fue el cambio de Niprimera cámara, cual fue la tuya? kon a Canon, era una cámara que

- Háblanos del equipo que usas para realizar tus fotografías a día de hoy. Actualmente trabajo con un respaldo digital PhaseOne montado en una Fuji GX680 o a una Mamiya 645. Es otro mundo, la Fuji me permite hacer descentramientos y

Grafitti

Power of flowers

Be Water basculamientos en la óptica y eso, a parte de corregir perspectivas me permite modificar el plano focal y ser selectivo en el foco. - Has vivido el paso de la analógica a la digital? Qué prefieres y por que? Yo desde que estudiaba que lo tuve muy claro, todos mis compañeros de Universidad se compraron ampliadoras, yo no, yo me compré un Pentium II con el Photoshop 4. Aunque considero que soy una persona con mucha paciencia, siempre me ha gustado no tener que esperan por las cosas que puedes tener al instante ¿Por que esperar por una cosa que puedo ver ya? - De todas tus fotos, nos podrías decir tú preferida, seguro que tienes muchas, pero la que destaca por algo? Quizá si me tuviera que quedar con solo una me quedaría con la

serie de los animales para WWF, mi segundo LUX. Fue un proyecto que me emocionó desde el momento que José Miguel Tortajada, el director Creativo de Grey, me lo contó. Nos pasamos una semana recorriendo diferentes lugares de Catalunya porque consideramos que sería mejor hacerlo en localización que recrearlo en el estudio; aunque la serie final es de cuatro fotografías, los primeros bocetos eran seis y pasamos de fotografiar en la playa del Estartit a la nieve del Berguedà. - Cómo y porque llegaste a la fotografía? El como ya lo he contado antes ;-) Gracias al rally fotográfico de mi pueblo, el porque? Desde un principio vi todo lo que podía expresar con la fotografía, hago fotos porque no sé pintar! Aunque si supiera pintar, seguiría haciendo fotos!.

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- Qué significa para ti, la fotografía? Para mi la fotografía publicitaria es un reto, los clientes me dicen que piensan y que quieren transmitir con esa imagen y yo lo hago posible, ven plasmados sus sentimientos en mis imágenes y les gusta. Para mi es una alegría cuando me dan el OK de la foto. Trabajo conseguido. - Dónde encuentras la inspiración para realizar tus fotografías? En cualquier lugar, mirando cualquier cosa, desde el momento que abro los ojos por la mañana, pero también experimentando, probando cosas nuevas en el estudio, nuevas luces, puntos de vista diferentes, etc. como decía Picasso “La inspiración existe, pero tiene que encontrarte trabajando”.

Salchichas a la Pimienta. Campofrío. Packaging

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Soy autónomo, y aunque intento que mi trabajo sea de 8 horas laborables, la verdad es que hay pocos días de 8 horas y muchos de 12-14 horas al día.

- Qué es lo más importante para ti en al fotografía? La perfección. - Cuál es tu especialidad? Fotografía de publicidad, packaging y alimentación.

- Qué consejos darías a la gente que se inicia en la fotografía en tu especialidad? Que pruebe, vuelva a probar, siga probando, se equivoque y vea (y reconozca) que se ha equivocado, porque al final, algún día, saldrá algo bueno. Ojalá nos saliera todo a la primera.

- Qué te llevo a lanzarte hacia esta especialidad? No me llevó nada, vinieron ellos, los clientes. Son los propios clientes los que te acaban catalogándote en especialidades, aunque supongo que influye que fui asistente de un gran fotógrafo de alimentación durante mas de tres años. - Tienes algún ritual al preparar tus sesiones? No, es trabajo, preparo la sesión como supongo que lo hace todo fotógrafo. - Qué tiempo dedicas a la edición de tus fotografías? Nada ;-) Realmente, en los encargos publicitarios donde está el cliente en la sesión, hacemos ya una selección de cual es la foto buena, está todo muy cerrado antes de empezar. En cuanto a retoque, horas, muchas horas, en una de mis últimas sesiones hice mas de 9 capturas diferentes para componer una sola imagen, lo fotografié todo por partes, mas de 50 capas de Photoshop y 3 Gb de datos. - Cuáles son tus programas favoritos para editar tus fotografías? Capturo y edito con CaptureOne 9 de PhaseOne. El retoque, con Photoshop CC 2015. - Qué fotógrafo es tu preferido? Te ha inspirado en tus trabajos? No tengo uno favorito, me inspiran muchos trabajos de muchos autores, incluso de autores no muy conocidos al público en general. Cuando una cosa es buena, no hace falta que sea de un gran fotógrafo. - Sueles llevar siempre una cámara de fotos encima cuando no estas trabajando en algún proyecto? Si, siempre voy con mi Sony RX100II

nunca sabes que te puedes encontrar. - Qué se siente al ganar su primer premio LUX? No lo puedo describir, es una cosa a la que aun no han puesto nombre, es una mezcla de alegría por el premio, reconocimiento por tu

trabajo bien hecho, satisfacción por el cliente que encargó las fotografías,... - Cuántos tienes y de que años? 4 LUXs, un oro, dos platas y un bronce. 2009 LUX plata bodegón y alimentación.

2010 LUX plata bodegón y producto. 2015 LUX oro bodegón. 2015 LUX bronce bodegón. - Nos puedes explicar un poco la foto ganadora de este ultimo/s premios LUX? Es una serie de 3 fotografías. Son frutas flotando en el agua de una

piscina con gresite negro, están hechas en localización, fuera del estudio, y con luz natural. Su punto fuerte es la composición así como el juego de sombras y brillos que hacen las olas del agua alrededor de las frutas. - Cuántas horas te dedicas al día a la fotografía?

- Sabemos que a parte de fotógrafo eres formador en la escuela IDEP de Barcelona, hacer fotos y enseñar fotografía son cosa diferentes, nos podrías decir que es más gratificante en cada caso? Me encanta enseñar, siempre me ha gustado explicar lo que sé y aunque los alumnos te digan: “Por fin he entendido tal cosa”, el poder captar los sentimientos de otra persona y que te digan: “Así es como me lo imaginaba” no tiene precio. - Para despedirnos, nos puedes enseñar algunas de tus fotos e explicar el proceso de trabajo de una? Estas dos imágenes son las típicas que puedes encontrarte en Instagram / Pinterest / o otras redes sociales, ahora existe una tendencia a que los clientes pidan este estilo de imágenes y aunque parezca todo casual, está todo preparado. Esta sesión es en el estudio, donde simulamos una cama, con parquet en el suelo y una pared con textura, las sábanas están arrugadas por donde decidimos con la estilista y Marian Montoro, la home-economist, preparó minuciosamente los bocadillos y el atrezzo que los acompaña. Está hecho con la luz natural de mi estudio y en la foto del plano mas cercano basculé la óptica para tener el foco mas selectivo. David Barra

En la vida todos tenemos una orientación diferente, a algunos les gusta la ciudad, a otros el campo, a otros la montaña... pero seguro que entre todos hay un denominador común, a la

PAISAJES DE COSTA

gran mayoría de la gente les gusta el mar.

Por Fran Palmero

El mar es hogar de pescadores, de turistas, de pensadores, un lugar donde reflexionar, donde ahogar tus pensamientos más malignos y hacer que refloten el resto. Un lugar idóneo para planificar proyectos futuros , un lugar que invita a soñar nuevas metas ... y como no ... el mejor lugar para los amantes de la fotografía de naturaleza. El mar te ofrece sensaciones, belleza estética, contrastes, experiencias... cientos de posibilidades en las que poder trabajar si tu objetivo es hacer una foto, puedes observar pequeños detalles, como los surcos que dejan las olas al alejarse de la arena, puedes inmortalizar la sensación de grandeza que te aporta la inmensidad del mar, puedes jugar con el contraste de las sedas que crean las olas en una larga exposición con la fuerza de las rocas que aguantan estoicamente la estampida o puedes jugar con el poder del agua chocando con las rocas que hacen parecer a éstas pequeñas e indefensas...

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En definitiva, el mar es un banco de pruebas para el ingenio del fotógrafo de naturaleza y lo que es más importante aún, es una fábrica de sensaciones, poder disfrutar de todo ese espectáculo a tus pies subido en unas rocas es una experiencia recomendable para cualquier persona, sea o no amante de la fotografía, pero inmortalizarla... llevarte a casa ese momento único e irrepetible es algo que unicamente se puede comparar con acciones que se cuentan con los dedos de una mano. Personalmente recuerdo estar una noche de luna llena en playa Benijo de Tenerife, tan sólo rodeado por un par de amigos , la luna, las rocas y la inmensidad del océano mostrándonos su poder , demostrándonos que el ruido que genera sus impactos en las imponentes rocas, que parece insignificante durante el día, se magnifica por la noche en esas condiciones y todo ello aderezado por la luna que nos ilumina el escenario para que solo tengamos que sentarnos delante y disfrutarlo.

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Yo aconsejo que, cuando te encuentres en una situación así al ir a hacer fotos, dejes de lado la cámara (tan sólo unos minutos, claro) y miremos al infinito, observando todo aquello que la vista abarque y dejar que las sensaciones del momento

nos inunden y, el olor, el ruido del impacto de las olas en la roca, la luz de la luna, las nubes que nos acompañan para adornar el momento ... pasen a ser parte de nuestro recuerdo, que nos sirvan de inspiración para poder traernos todos esos

sentimientos plasmados en el sensor de nuestra cámara. Creedme, funciona.

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Canon EOS 1Ds Mark III Canon EF 85mm f/1.2 L USM 85mm, f/8, 1/160, ISO 100 SoftBox Sin retoques

RETRATO EN ESTUDIO CONSIDERACIONES PREVIAS

PERE LARRÈGULA http://www.larregula.com

al retrato. Si por el contrario es para una modelo, lo importante suele ser, mostrar un rostro limpio, y/o buscando la perfección si se trata de un “beauty”, la expresividad no suele ser algo que se valore, aunque yo discrepo, así que suelen pedir lo que seria un clásico retrato para cosmética, y me refiero a corregir pequeñas imperfecciones temporales, como granos o poros, no tan limpio que tenga un aspecto irreal (ojo con el retoque, mejor hacerlo con la luz, falsear no es una buena idea, ya que en definitiva quieren ver como es la modelo en un book).

Cuando n o s planteamos hacer un retrato con un cierto criterio, debemos tener en cuenta una serie de consideraciones previas que nos darán una base solida para afrontarlo con garantías, son cosas que igual no hemos pensado, pero que hacerlo nos ayudara a entender mejor el porqué y seremos conscientes como los podemos mejorar… así que, intentare ir explicando en este articulo y siguientes, el como entender el comportamiento de la luz y como le afecta al rostro a la hora de hacer un retrato, con unas fotografías sencillas utilizando iluminaciones básicas y mostrando el resultado sin retoques. En primer lugar y de entrada, lo más importante es saber cual es el destino o la para quien es la fotografía que vamos a realizar, por ejemplo, en el caso de un book de actor o actriz es fundamental mostrar su expresividad, incluso que aparezcan sus líneas o marcas de expresión de forma clara, ya que le dan peso

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Al margen de estos dos casos, siempre hay situaciones intermedias entre ambos extremos, y debemos tener claro que no es lo mismo tratar un retrato masculino que femenino, aunque pueda verse desde un plano sexista como planteamiento inicial, no es así, y la luz debe tratarse teniendo en cuenta algunos datos que muchos desconocen. Para empezar, decir que como promedio, la piel del hombre es entre el 15% y el 25% más gruesa que la de la mujer, lo que le da un aspecto más compacto y firme. Añadir que además los hombres tienen más glándulas sebáceas activas (casi el doble) y, por lo tanto, más poros que las mujeres y estos son más grandes, con lo que la piel es más grasa, más brillante y tiene más imperfecciones o manchas que la de la mujer a simple vista (y hablo de caras sin maquillar), aunque pueda parecer al revés, y por este motivo le dan un aspecto más duro e intenso al rostro masculino, así que hay que tenerlo en cuenta. Pero esto no es siempre así, los hombres adultos suelen tener la piel más seca que las mujeres, y por lo tanto

menos brillo. Con estos datos, ya tenemos claro que tendremos zonas de brillo con más facilidad y que deben corregirse con la luz (contraste), y si es posible con maquillaje, así que el trabajo de una buena maquilladora suele ser determinante. Pero ojo, ambas cosas son importantes, la luz y el maquillaje, si queremos evitarnos horas de retoque posteriores en el ordenador. En segundo lugar… Una vez tenemos claro el destino de las fotografías y si es hombre o mujer y que características tiene su piel, el siguiente paso es escoger la luz más adecuada. Ahí entra la parte técnica, y lo

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más importante es tener claro, que la luz, una buena luz, nos evitara tener que hacer un postproceso complejo, o incluso llegar al retoque en la mayoría de casos, perdonad que insista, pero todos los pasos previos a la fotografía son cruciales, y muchos fotógrafos no le prestan atención previa y lo dejan todo para el post proceso y este se puede hacer muy tedioso cuando hablamos de reportajes

completos donde el número de fotografías es elevado.

del rostro se aleja de esa zona y por lo tanto de la fuente, la luz cae rápidamente (muy sencillo de gestionar con luces picadas con el centro en los ojos por ejemplo). Y por el contrario, una fuente grande o lejana, nos dará una caída más lenta. A todo esto sumar la longitud de las sombras, que nos lo dará la distancia del motivo a la fuente de luz y el ángulo, como efecto de la

ley inversa, una fuente cercana nos dará sombras cortas, y una lejana largas.

Para escoger bien que luz usar, en primer lugar debemos tener clara la diferencia entre la luz dura o la luz blanda, aunque si solo fuese eso, seria sencillo, de hecho, lo único que cambiara, es la profundidad e intensidad de las sombras, con la luz dura tenemos sombras oscuras y densas, y con

Y la gran pregunta… ¿ que es una buena luz? ¿O que características debe tener? De entrada en este articulo nos centraremos en la iluminación flash, ya que tendremos un control absoluto de la misma, así que si

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Canon EOS 1Ds Mark III Canon EF 70-200mm f/2.8 IS L II USM 80mm, f/8, 1/160, ISO 100 Reflector Beauty Dish Sin retoques

la luz blanda obtenemos sombras más suaves. Otra cosa a tener en cuenta es el tamaño de la fuente de luz, la famosa ley inversa del cuadrado de la distancia… que en resumen, nos dice cual es la caída que tendremos, y para no alargarme: una fuente pequeña y cercana tiene una caída rápida de luz, es decir, nos sirve para que en nuestro retrato destaquemos una zona concreta, y conforme parte

hablamos de flashes para empezar la luz debe ser ante todo limpia. ¿Y que es que sea limpia?, sencillo, que mantenga una temperatura de color constante entre destellos y que además, la intensidad entre esos destellos sea la misma siempre, evidentemente, vamos que no fluctué y no nos de más o menos luz entre destellos (algo que parece que todas deberían

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cumplir, pero no es cierto, y suele ser determinante el precio… un ejemplo muy claro lo tendréis en los flashes de zapata haciendo “strobist”, en manual claro, ya que con los modos automáticos la intensidad esta supeditada a la medición y por ese motivo son más erráticos si cabe). De todas formas si los flashes de estudio que ya tenemos son erráticos, es fácil verlo, veréis como estaréis obligados a corregir en post proceso cada foto individualmente. Así que aunque parezca una obviedad, contar con buenos flashes de estudio nos dará garantías de hacer un trabajo más fluido, y un post proceso más simple. El siguiente paso será escoger coherentemente el modificador o modificadores si hay más de una luz, son los más adecuados a cada tipo de retrato, para ello es importante conocer que nivel de contraste y otras características

que nos ofrecen cada uno, como por ejemplo el ángulo en el que proyectan la luz. Para ir dando datos, un reflector plateado incrementara el contraste, ya lo usemos en el flash (reflector de flash) o rebotando la luz sobre el (reflector de luz)…, en caso del reflector de flash (luz dura), tendremos un contraste muy alto (en este caso hay diferentes, unos pulidos o rugosos y otros brillantes o mates, que ofrecen variaciones a esa luz dura en cuanto al contraste que producen), y si esta rebotado el flash contra un reflector de luz plata (luz rebotada, obvio), obtendremos un contraste alto, dependiendo de cómo sea este. Si por el contrario el reflector de flash es blanco pero tiene una rejilla frontal, que deja pasar parte de la luz dura (por ejemplo un MOLA), tendremos un contraste medio. Un caso similar es el Beauty Dish, ya que incluye un pequeño reflector de luz blanco frontal en lugar de la

rejilla, que hace que la luz rebote en el contra el fondo blanco, lo que nos dará un contraste medio bajo (suele usarse en cosmética muy frontal, de ahí el nombre de Beauty Dish). Una forma de bajar aun más el contraste en estos dos últimos casos, es usar una tela difusora, que se puede colocar tanto en el MOLA como en el Beauty Dish, como haría una ventana clásica (softbox). El MOLA tiene otra diferencia, y es que sus paredes son onduladas, haciendo que la luz rebote en su interior en otras direcciones, lo que hace como efecto que la luz no salga del mismo en línea recta, incrementando así el ángulo de la luz, lo que nos dará como resultado una reducción de sombras, incluso debajo de la nariz o las cejas y unos detalles muy marcados en el pelo, ya que nos dará al mismo tiempo textura (como si de luces laterales se tratara además de la frontal). Estos reflectores son muy versátiles para retrato, ya que

NOTA: Existen reflectores frontales intercambiables para algunos modelos de Beauty Dish que simulan en parte lo que hace el MOLA Reflector, por ejemplo, perforados, traslucidos, dorados, plata para conseguir efectos diferentes, como también tiene el MOLA Reflector, la diferencia es que este ultimo tiene diferentes tamaños.

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además de utilizarlos como un reflector de contraste medio para retrato de carácter o bajo ideales para cosmética, podemos incluso colocarles un panel de abeja que hará que la luz no se abra y sea muy direccional. No obstante se pueden realizar retratos de mucha calidad con un presupuesto más bajo utilizando reflectores estándar o bien las ventanas con sus diferentes accesorios como veremos más adelante. Luego y muy utilizadas, están las ventanas o softbox, pero hay que aclarar que no todas son iguales (al margen del tamaño claro), ya que lo ideal es que tengan doble tela difusora para igualar la fuente en todo su tamaño y evitar un centro más intenso. Con ellas obtendremos un contraste medio o bajo y una luz muy suave

(dependiendo de cómo sea el interior de la ventana y si tiene o no doble tela difusora), si además la rebotamos contra un reflector de luz blanco tendremos un contraste bajo o muy bajo. Bien, ya tenemos varias opciones para iluminar nuestro retrato, ahora veremos el ángulo en el que ponemos la luz puede cambiar del todo el resultado, pensad que la luz se refleja en un ángulo igual al que incide sobre una superficie plana, así que es mucho más frecuente ver brillos en mejillas y frente, por el ángulo en el que incide la luz y la posición del fotógrafo. Partimos como premisa lo siguiente, una luz frontal aplana y una luz lateral nos da textura, así que será importante a la hora de iluminar, tanto como el tipo de fuente y su modificador, distancia o tamaño… de hecho todo

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Canon EOS 1Ds Mark III Canon EF 24-105mm f/4 L IS USM 73mm, f/7.1, 1/160s, SO 100 SoftBox a la izquierda y Luz Dura lado derecho Sin retoques

es importante para un retrato. No hace falta que lo diga, pero no debemos descuidar y tener clara que profundidad de campo que queremos en nuestro retrato, teniendo en cuenta la distancia, la focal y la apertura que utilizaremos, ya que como mínimo, si el retrato es frontal o semi deberán estar en foco ambos ojos y si es lateral como mínimo el ojo mas cercano. Y un foco limpio, y como todo eso requiere de técnica de enfoque. Y por ultimo y no por ello menos importante, lo que le dará fuerza al retrato, la expresión… que iremos viendo como jugar con ella en el siguiente artículo.

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Tu Phot en Face

SI VES A NUESTRO AMIGO RODOLPHOT EN ALGUNA DE TUS IMÁGENES EN EL GRUPO DE FACEBOOK “REVISTA PHOT” , ENHORABUENA!! TU FOTOGRAFÍA HA SIDO PRESELECCIONADA PARA FORMAR PARTE DE NUESTRA GALERÍA EXCLUSIVA Y SI LO DESEAS, TENDRÁ POSIBILIDADES DE APARECER EN EL SIGUIENTE NÚMERO DE NUESTRA REVISTA PHOT.ES. TE MOSTRAMOS LAS ULTIMAS SELECCIONADAS EN LAS SIGUIENTES PÁGINAS. ESPERAMOS QUE OS GUSTEN Y YA SABÉIS, PARTICIPAR Y, SI LO VALÉIS........ SALDRÉIS EN EL PRÓXIMO NÚMERO DE PHOT!!! ÁNIMO!

JESUS JIMENEZ MARMOL GOKU (BOLA DE DRAGON) CANON 5D, 91 mm (70-200 f:2.8 SIGMA APO), f/4.0, 1/80, ISO 100, WB AUTO

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Francisco Goncalves The Tower! -Benalmรกdena Costa, Malaga Nikon D750, 24mm, f/22, 84 seg., ISO100

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Jose E. Tosina “Ayúdame a encontrar el camino” Canon 1100D, 23mm, f18, 160 seg., ISO 100, WB (7000 K - Sombra)

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Iván Sánchez – Fusky Brooklyn’s streets Canon 5Ds, Canon 16-35, f/ 5,6, 1/50s, ISO 400

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V&K Photography (Victor Hernandez y Karmen Lus) Land and sea structures Nikon 3200, 13mm, f/3.2, 43seg., ISO400, WB Manual

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Ken Lee Ford Face (Cara de Ford) Nikon D610, AF-S Nikkor 14-24mm f/2.8G ED lens @ 14mm, f/8, 141 seg., ISO 200, WB 4000K. Pintura de luz con un ProtoMachines LED2.

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Roser Gimeno El Far de SÂ´Aranella Canon 60D, 11mm, f/8, 30 seg., ISO 100

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Raul del Val Canon 20D, 70mm, f/6.3, HDR 3 tomas 1/160 + 1/320 + 1/640, revelado en LR y PS, ISO 400, AWB

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Lluis de Haro Sanchez Juego de fugas Nikon D610, 17mm, f/18, 30 seg., ISO 100

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Yolanda BorrÃ s wtc_three Nikon D810, 24 mm, f/8, 1/250, ISO64, WB AUTO

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Diego Escobar Atero Good Bad Weather Canon 70D, Sigma 10-20 3.5 @10mm , f/13, 13 seg. ISO100, WB7600, Filtro Polarizador Circular

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Roberto Gallego Rincones del Delta: Ocaso en el Trabucador Nikon D610, f/13, 8 seg., ISO 50, WB AUTO

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Salvador Luque García Águila Calzada Canon 7D Mark II, 300 mm, f/6,3, 1/1000 seg., ISO 250, WB AUTO

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Andrés Murillo

César del Pozo Díez

El final del camino…

“dream of stairs”

Canon 5d MarkIII , 17 mm, f/22, 104 sed., ISO 200, WB

Canon 6d ,24mm, f/2.8, 1/160, ISO 1250, WB AUTO

AUTO

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En la edición anterior de la revista publicamos un artículo en el que os explicamos los orígenes del bosque de las 400 cruces, un lugar con un encanto especial cerca de Barcelona. Este lugar ha sido recreado por Marc Sallarés y reconstruido a partir del desolado paraje que dejó los incendios del año anterior. Os propusimos que nos mandaseis vuestras fotos para poder rendir homenaje a su trabajo y para que, los que no hayan tenido la suerte de verlo, puedan admirarlo desde el punto de vista particular de cada fotógrafo.

Las 400 Cruces Galería LUTO POR LA DESAPARICIÓN DE TODA SU VEGETACIÓN

Así que aquí os mostramos algunos de las fotografías que nos habéis hecho llegar, muchas gracias a todos por vuestras aportaciones, Saludos!! Joan Puig Munné Las Cruces Canon 60D, 13mm, f/8, 86 seg., ISO 200, WB 3200K

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Juan Carlos Carnerero Romo Arbol caído Nikon D7200, 12mm, f/14, 80 seg., ISO 100

José María Monsonet Villa Sombras en la noche. CANON EOS 7D Mark II, 10mm, f/6.3, 41 seg., ISO 1600. Iluminación de la luna e iluminación trasera con linterna fría para resaltar la silueta de las cruces

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Cristina Padial MadueÃ±o En honor a un recuerdo Nikon d7200, 18 mm, f/4.5, 9,6 seg., ISO 250, WB 4050K

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David Planas Olle Nikon D700, 16mm, f/8, 281 seg., ISO 500

Yolanda BorrÃ s Bosc de les Creus Nikon D810, f/32, 1/10, ISO 64

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Eric Marsinyach El amanecer de las cruces. Canon Mark III, objetivo 16-35, porta filtros Lucroit 100mm, filtros ND 3.0 ( 10 pasos ) + ND degradado 0.3 suave f/20, 2,5 seg., ISO 100, B/W 5400

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Loren Rovira Canon 7D, 16mm, f/2.8, 16 seg., ISO 6400

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Amantes de la fotografía FACEBOOK GROUP

Es un grupo que nace con la idea de compartir las fotografías y la visión del mundo con perspectiva fotográfica, aquí tienen cabida tanto profesionales como amateurs en este amplio universo. Hoy día cuenta con casi 15.000 miembros de todo el mundo que nos deleita con imágenes de todos los rincones del planeta. Se intenta que cada día la gente mejore sus fotografías, pues también tienen cabida la promoción de cursos y talleres que se imparten en distintos lugares promoviendo así la mejora de esta afición. Su creador y administrador es Víctor Iglesias, fotógrafo orensano de casi 40 años con algo más de 20 años de experiencia en este mundo.

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Jorge Reina Lara El pÃ©ndulo Nikon D300s, 200 mm, f/5, ISO100

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VÃctor Iglesias Canon 400d, 55mm, f/8 ,4 seg. , ISO100

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VÃctor Iglesias Canon 700d, 18mm, f/8, 5 seg., ISO100

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Maite Lรณpez Canon 400d, 18mm f/7.1, 1/500, ISO100

Maite Lรณpez Canon 400d, 300mm f/5,6, 1/250, ISO400

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Jorge Reina Lara Naturaleza muerta Nikon D300s, 105mm, f/16, ISO200

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FOTOGRAFIA DE CONCURSO

LLUÍS REMOLÀ - ARTISTA DE LA CONFEDERACIÓN ESPAÑOLA DE FOTOGRAFÍA (ACEF) Y MAESTRO 1*

Si existe alguna de las modalidades de la fotografía que sea más desconocida para el público en general, sea por los motivos que sean, esa es la fotografía de concurso. Una disciplina al alcance de cualquiera, con diferentes niveles y temáticas, pero con fama de imposible, subjetiva y competitiva. Todos sabemos que la fotografía ni es, ni debe ser competición, pero a veces un poco de valoración por parte de jurados experimentados y profesionales no va mal para saber si vas progresando en este arte. A nadie le amarga un dulce y de vez en cuando viene bien alguna alegría en forma de trofeo o incluso premio económico. El camino no es nada fácil, y si muy

largo y costoso. No hay techo, cada vez hay concursos más exigentes, más lejanos, con temáticas más complicadas, etc. En estas próximas líneas explicaré de forma general todos los tipos de concursos que hay, la forma de presentarse, los organismos patrocinadores y algunos pequeños trucos para poder participar, si alguien quiere animarse. La fotografía de concurso la podríamos definir como la vertiente más artística de la fotografía, siempre regida por unas bases o normas, con la cuál se intenta transmitir y conseguir un impacto visual que la haga destacar frente a las de los demás participantes.

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Está claro que hay que tener un mínimo de nivel para presentarse y que las fotos destaquen en los certámenes, pero hay que empezar por el principio y trazar un camino progresivo desde los concursos más modestos a los internacionales de gran prestigio. Un gran primer paso es tener un equipo en condiciones, tanto fotográfico como informático. Ya sabemos que la cámara no hace al fotógrafo, pero un buen cuerpo y unas buenas lentes ayudan bastante a dar un salto de calidad, para partir de una buena base a la hora de mejorar una foto en la post-producción. Un mínimo de edición, aunque sea el propio revelado del archivo RAW es necesaria siempre, independientemente de la temá-

ESA GRAN DESCONOCIDA

(MFCF*) DE LA FEDERACIÓN CATALANA DE FOTOGRAFÍA

tica del concurso. Hay que convertir ese archivo en bruto, en algo que se parezca a la realidad, a lo que han visto nuestros ojos, y si cabe, mejorarlo con algún programa específico como Photoshop, y también con algún filtro de ajuste final que le de el toque distintivo, el toque artístico que deja esa imagen simplemente bonita, en una imagen que impacte visualmente, y que no pase inadvertida ante los ojos de un jurado. Otro paso importante aunque no imprescindible, es el hecho de formar parte de algún tipo de asociación fo-

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tográfica, un lugar donde compartir puntos de vista, ver y enseñar fotografías, escuchar y respetar las opiniones y consejos de quién sabe más que tú, y porque no, de quien parece que sabe menos que tú, porque todas las opiniones pueden ser muy válidas a la hora de valorar una foto y de ver si gusta al gran público o simplemente pasa desapercibida. Si no existe la posibilidad de apuntarse a ninguna asociación fotográfica, en los tiempos actuales donde las redes sociales están al orden del día, y que lo que no sale allí parece que no

exista, vale la pena de forma virtual, formar parte de grupos específicos de fotografía, lo más grandes posible para que haya más voces a opinar, y lo más “profesionales” posible, dado los amiguismos y disparidad de niveles que acostumbra a haber en estos grupos. Es importante atreverse a subir fotografías a las redes sociales, en dichos grupos dónde todos compartimos afición o profesión, pero en que la mayoría somos fotógrafos amateur. Al subir una foto, lo lógico y coherente es estar expuesto a críticas u opiniones, que siempre hay que tomar en consideración. Los grupos donde lo único que se hace es decir “me gusta” o no decir nada, y que los votos positivos sean de tus amigos y conocidos, no tiene ningún valor. Una foto que despierte algo en las otras personas, ya sea de forma positiva o negativa, debe recibir críticas constructivas u opiniones de cómo mejorarla, aunque puede pasar que se hagan desde el poco respeto y con términos poco apropiados.

Este hecho en lugar de incentivar a alguien a mostrar su obra, provoca el efecto contrario, que es que no se atreva uno a subir ninguna foto a las redes sociales. Desde el anonimato o la distancia, es muy fácil destrozar una foto o demostrar que “sabes” más que otro. Tanto si formamos parte de una asociación fotográfica, como de grupos de fotografía en redes sociales, hay que seguir con la formación didáctica. Se sobreentiende que una cantidad importante de conocimientos o formación ya tenemos cuando queremos hacer pública nuestra obra, pero no hay que dejar de formarse. Quien pueda a través de talleres, cursos, workshops, masterclass de otros fotógrafos, y quien no, pues a través de tutoriales, libros, etc. de forma más autodidacta. Al mismo tiempo que adquirimos el conocimiento y la práctica en técnica fotográfica e incluso en post producción o edición, a todos nos gusta que alguien, de un modo u otro, dé una opinión sobre nuestros trabajos

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y nuestra progresión. Pasando por las ya mencionadas redes sociales y asociaciones fotográficas, no hay que olvidar la familia, los amigos, los compañeros de trabajo, etc. Hay muchos fotógrafos que con esto tienen más que suficiente, y es que el hecho de mostrar sus fotos y de que de una forma u otra también pasen por un veredicto, hace que puedas ver como transmiten y/o llegan a grupos de población con conocimientos muy dispares, pero también muy válidos y respetables. Pero a veces llega un punto que quieres más. Otro pequeño pasito, pueden ser las ligas o concursos sociales, que organizan las asociaciones para sus socios, y que te permite mostrar tu obra bajo una temática libre o específica, y que sea comparada con las de los demás, bajo el veredicto de un jurado, normalmente formado por miembros de otras asociaciones, o fotógrafos freelance. Es una muy buena manera de empezar, pero suelen ser jurados con poca experiencia y a veces con no mucho

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conocimiento de la técnica, composición y lenguaje fotográfico. Aplicado a las redes sociales, en muchos grupos se organizan concursos semanales, mensuales, etc. donde las fotos suelen valorarse con votos de los demás miembros del grupo, ya sean participantes o no, y otros tienen el plus de que a las más valoradas por los miembros, sea una persona externa entendida en fotografía quien elija al ganador. Igualmente, es una muy buena manera de empezar, pero puede llegar el momento que quieras o necesites algo más. Este algo más puede traducirse en concursos de ámbito local, comarcal, provincial, nacional e internacional. QUÉ TIPOS DE CONCURSOS EXISTEN? Existen diversos tipos de concursos, dependiendo de los organismos patrocinadores si son más de tipo popular, o bien federados, ya sea por federaciones territoriales, nacionales o internacionales.

CONCURSOS DE ÁMBITO LOCAL O POPULAR Si no tenemos experiencia deberíamos empezar por los de ámbito más local. Suelen organizarlos los Ayuntamientos o entidades locales y acostumbran a ir relacionados con alguna actividad o acto que se celebre en una población, o simplemente fotos de temática libre o de la propia población pero sin tema específico. El objetivo del organizador es hacer algún tipo de exposición con las fotos participantes más destacadas a criterio del jurado, o simplemente incentivar a la gente a que participe de una actividad o festividad, y que capte los mejores momentos con su cámara. Normalmente la forma de participación es en formato digital, sin coste de participación, y enviando la foto por correo electrónico o subiéndola a través de alguna plataforma habilitada ex profeso para el concurso. Las fotos premiadas reciben algún tipo de gratificación en forma de trofeo o medalla, y puede haber algún premio económico pero de poco montante. El hecho de participar en un

concurso significa que aceptas unas bases y que si no se cumplen, puedes ser descalificado. Los derechos de imagen son propios, pero cedes a la organización la posibilidad de hacer exposiciones, catálogos, carteles, sin fines comerciales y siempre citando el nombre del autor. Estos mismos concursos de ámbito local, si se trata de una población grande o de una festividad muy concurrida y tradicional, se suele convertir en un concurso estatal con más patrocinios y por lo tanto con premios cuantiosos a obras sueltas y colecciones. Aumenta mucho el nivel de las obras y el número de participantes, y por lo tanto los mejores fotógrafos de la zona se desplazan para poder capturar instantáneas específicamente para participar en el concurso, además de conocer un lugar y participar de su actividad. Un pequeño truco que suelo utilizar en este tipo de concursos populares, ya sean de ámbito local o nacional, es documentarse previamente del tipo de actividad o festividad que se celebra, de conocer la programación de dicha actividad, y de saber ubicarse

antes de ir, consultando un mapa por internet. Esto hace que llegues a un lugar y no sea todo desconocido, y así no pierdas tiempo en aposentarte. CONCURSOS FEDERADOS Los concursos federados los organizan las entidades o asociaciones fotográficas adheridas a una federación. Las federaciones se dividen en comunidades autónomas. Las temáticas suelen ser diversas, desde temática libre, a una temática específica tipo paisaje, deporte, naturaleza, etc. o bien relacionado con los festejos o actos de una población en concreto. En los concursos donde existe patrocinio de la federación hay participantes federados y no federados; el nivel suele ser medio-alto y con bastante participación. Para ser federado necesitas formar parte de alguna asociación fotográfica que sea miembro de una federación.

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La forma de participación en un concurso federado puede ser en formato papel, o en formato digital, normalmente sin coste de participación, y enviando la foto por correo ordinario, electrónico o subiéndola mediante alguna plataforma a través de internet. Las fotos premiadas reciben premio económico y algún tipo de trofeo, y además si estás federado, sumas un punto para la clasificación de fotógrafos. Las bases del concurso federado pueden esconder premisas tan específicas como que deben ser fotos nunca publicadas, o nunca premiadas, o nunca presentadas en el mismo concurso. Es muy importante hacer una lectura detenida de lo que marcan las bases, las cuáles están hechas para cumplirlas y el hecho de no hacerlo no solo puede suponer la descalificación, sino que puede llegar hasta la propia federación o crear una imagen equivocada de uno mismo. Incluso hay que tener controlada la fecha límite de partici-

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pación, el formato de la imagen, el formato y tipo de papel donde debe ir montada si el concurso es en formato papel, o bien la resolución, tamaño y medidas de la imagen, si es en formato digital. El hecho de participar también significa que aceptas dichas bases y que los veredictos del jurado son inapelables. Los jurados normalmente también son expertos fotógrafos, miembros del cuerpo de jurados de la federación, y suman un punto para la clasificación de jurados por hacer un veredicto. Los derechos de imagen son propios, pero también cedes a la organización tu foto para poder hacer exposiciones, catálogos, carteles, sin fines comerciales y siempre citando el nombre del autor. A nivel español, a parte de las federaciones que tiene cada comunidad autónoma, existe la Confederación Española de Fotografía, que engloba a todas las federaciones y asociaciones nacionales y que también orga-

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niza sus propios concursos o ligas para sus miembros. CONCURSOS INTERNACIONALES A nivel mundial, existen los concursos internacionales, que son organizados por asociaciones locales, y que cuentan con el patrocinio de las federaciones de la comunidad autónoma o provincia que lo organiza, la federación del país y además diversos organismos a nivel mundial que están por encima de las federaciones. Los máximos organismos mundiales fotográficamente hablando son la Fédération Internationale de l’Art Photographique (FIAP), la Photographic Society of America (PSA), la Global Photographic Union (GPU) y Images Sans Frontieres (ISF). Estos concursos, en este caso denominados salones, pueden estar agrupados en un circuito de varios salones de un mismo país, o de varios países. El nivel de los participantes es alto o muy alto, el formato de participación es digital a través de plataformas de subida de imágenes y algunos en formato papel, donde las fotos deben ser enviadas por correo. Se pagan unas tasas para poder participar, que normalmente varían dependiendo de las categorías en las que participes. Existen muchas categorías diferentes, tales como libre color, libre monocromo, paisaje, naturaleza, deportes, vida cotidiana, viajes, fotoperiodismo, hombre, mujer, niños, creativa, experimental, desnudo, patrimonio de la humanidad, etc., pero cada salón elige entre las 2 y 6 categorías que mejor considere o mejor les represente. Por lo que a los premios se refiere, al haber muchos patrocinadores, hay bastantes premios para cada categoría (entre 5 y 15 normalmente), pero hay que tener en cuenta que al ser a nivel mundial la participación es elevadísima, de miles de fotografías repartidas entre las diferentes categorías que forman el salón. Por lo que a los premios se refiere, al haber muchos patrocinadores, hay bastantes premios para cada categoría (entre 5 y 15 normalmente), pero hay que tener en cuenta que al ser a nivel mundial la participación es elevadísima, de miles de fotogra-

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fías repartidas entre las diferentes categorías que forman el salón. Volviendo a lo que comentaba al principio del artículo, referente al impacto visual y el toque artístico, decir que entre miles de fotografías en formato digital que un jurado debe visionar en uno o varios días a través de una pantalla de TV o de un proyector, si no consigues que tu imagen impacte a primera vista, pasará totalmente desapercibida, ya que disponen de pocos segundo para visionarla y valorarla entre 0

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y 10. En cambio, si consigues que a primera vista haya tenido una buena valoración, seguramente será una fotografía aceptada para el catálogo y la exposición, y sumarás un punto por cada aceptación, puntuable para la clasificación de fotógrafos de cada patrocinador, y para la obtención de distinciones. Si además, continua avanzando rondas dentro del veredicto, puedes tener la suerte de que quede entre las premiadas, gran logro teniendo en cuenta la cantidad de fotos que participan.

En mi próxima publicación tenderemos la ocasión de responder a algunas de las preguntas que te permitirán conocer la dinámica de los concursos. Quedo a vuestra disposición para cualquier duda que os pueda surgir, a través del correo electrónico llremola@gmail.com o a través de Facebook. Lluís Remolà

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SOL NATURAL, SOL ARTIFICIAL (y II) Juan Kanjungla Web

En esta segunda parte que dedico a la combinación de iluminación Natural y/o iluminación Artificial, mostraremos más ejemplos (siempre desde mi punto de vista, claro está) que puedan servir de “idea” o punto de referencia para el, llamémosle retrato en exteriores. En mi opinión, existen dos aspectos que son los más importantes a la hora de otorgar protagonismo a nuestro o nuestra modelo (en este caso, disfrutaremos de la compañía de Nàcara que nos hará los honores sin pestañear lo más mínimo ;) ) esos aspectos son: indudablemente la luz con que la bañemos, y el enfoque selectivo con el que la hagamos destacar. Cualquiera de estos aspectos, o incluso los dos combinados, atraerá nuestra mirada como si de un potente imán se tratase. Así que entremos en detalle y veamos ejemplos…

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LA SESIÓN. Todo empieza un día soleado de primavera, apenas alguna nube lejana que le daría al cielo realismo y belleza (no se obtiene el mismo efecto con un cielo completamente azul “lavado”, que con algunas nubes rompiendo y regalando fuerza a la fotografía) y los campos en flor casi por completo. Primera hora de la tarde, el Sol brillando con fuerza desde una posición poco más que cenital, con este panorama y condiciones, nos introdujimos con Nàcara en plena naturaleza a compartir nuestra sesión incluso con abejitas. De nuevo, decidimos plantear la sesión aprovechando la belleza paisajista, pero esta vez cambiamos de estación y nos fuimos a Primavera. Convertimos las “Faldas Del Montseny” en nuestro Estudio y aprovechamos la cercanía al “Castell d’Hostalric” para hacer algo de iluminación creativa ya mas cerca del atardecer. LAS HERRAMIENTAS. Mi querido y fiel compañero, un flash portátil con una ventana de luz que suavizara las sombras y ésta vez sin Gel para colorearlo, ya que la temprana hora de la tarde nos ofrecía una temperatura cercana a los 5000ºK (aproximadamente la misma que el flash) de forma que

ésta vez la luz del Sol y la del flash quedarán equilibradas sin necesidad de modificadores. Repetimos también con un disparador (Trigger) que permita la sincronización del flash a alta velocidad, tal como comentamos en el artículo anterior, debemos utilizar velocidades de obturación muy por encima de la sincronización de flash. Además, ya que aprovechamos para hacer alguna toma de iluminación creativa (en la que entraremos en detalle en próximos artículos) añadimos un pequeño modificador al flash a modo de “Snoot”. Y Con todo... PRIMAVERA. La idea de la serie “Primavera” era aprovechar el espectacular entorno floral, la potente luz natural, y suavizar/rellenar las fuertes sombras que nos destrozarían las imágenes. Dejamos a Nàcara que paseara por el campo floreado y que jugara con el miedo a las abejitas, El Sol barría las imágenes de izquierda a derecha, y muy ligeramente a contraluz, Nàcara. El flash colocado en una ventana de luz de 60x60cm y a unos 15º de la cámara, disparado en modo de sincronización de alta velocidad (los disparos estarían alrededor de 1/4000 f=2.8) y algo de viento en ocasiones, dieron como resultado las imágenes.

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Para este ejemplo, aparcamos por un ratito la iluminación artificial y aprovechamos el entorno y las condiciones naturales de luz. Resulta muy interesante observar a nuestro alrededor, porque aislar pequeños rinconcitos nos puede regalar imágenes que no esperamos ni planeamos, pero que enriquecen una sesión. No siempre necesitamos disponer de complementos y dispositivos, incluso siquiera de un reflector sobre el que reflejar la luz (valga la redundancia) para matizar las sombras. El mismo árbol de corteza blanquecina, inundado por la luz del Sol puede ser un buen “reflector”. Así, situamos estratégicamente a Nàcara apoyada sobre el árbol de forma que los rayos del Sol se filtren por las ramas y hojas acariciando su melena y reflejando casi toda la luz sobre su rostro. Una apertura de f=2.8 completa la composición con un pronunciado bukeh de fondo.

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LUZ NATURAL

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OCRE Cuando los colores de la naturaleza son especialmente bonitos, y los rasgos y detalles de la luz existente son únicos, deseamos aprovecharlos, pero a veces necesitamos ayuda para completar lo que queremos o para conseguir la imagen que se nos viene a la cabeza al observar el lugar. Ya ubicados por los parajes del Castillo de Hostalric, el paso por debajo de uno de los muchos puentes se convierte en nuestro escenario. La luz entra profundamente por el túnel que forma el puente, los rayos de Sol llegan casi incluso a meterse en el objetivo, pero… hay un problema, Nàcara queda a contraluz y no hay forma de colocar ni tan sólo un reflector… así que nuevamente echamos mano del flash, pero esta vez por medio de un paraguas rebotado para no contaminar el ambiente oscuro de las paredes del “túnel” y que el destello,

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aunque muy suavizado en sombras y uniforme en luz, se centre en nuestra modelo, y sólo en ella. Ahora, ya sólo queda medir la luz de forma que una sobreexposición del fondo elimine cualquier silueta indeseada y a la vez me permita capturar los rayos de Sol. Una apertura de f=2.8 y una velocidad de obturación de 1/200 era ideal además de centrar el enfoque, la potencia del flash ajustada manualmente a 1/8 de su potencia completaría nuestro esquema de iluminación. Si, podría utilizar el sistema TTL para el ajuste de potencia del flash, pero el resultado sería otra foto (en próximos artículos hablaremos de las diferencias entre TTL/manual de nuestro flash).

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LUZ ENFOQUE SELECTIVO Insistiendo en que los conceptos de luz y/o enfoque selectivo otorgan protagonismo a nuestra modelo, veamos algunas muestras. Ya sea en una composición de plano abierto o en primeros planos, es una buena idea focalizar la luz principal hacia aquello que queremos destacar, porque aquello que muestre mas luz o aquello que se encuentre con mayor/mejor enfoque será lo que primero nos atraiga la mirada al “leer” la fotografía.

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Otro de los múltiples métodos de focalizar o centrar la luz es a través el “snoot”. Si bien en ocasiones es tan sencillo como colocar el cabezal del flash en la posición de zoom mas profunda, no siempre centra o aísla lo suficiente, en ese caso un dispositivo denominado snoot (que es tan simple y sencillo como un cono que se coloca en el cabezal del flash) nos puede proporcionar unos resultados muy creativos y espectaculares. También nos puede ayudar a destacar una mirada, un rostro, etc…

Ya cercanos al atardecer, justo antes de que el Sol comenzara a tomar los clásicos tonos anaranjados y cuando todavía las temperaturas de color seguían “equilibrados”, cambiamos de escenario (en realidad, a tan sólo a unos pocos metros) y decidimos aprovechar el espectáculo visual y montar un esquema de iluminación algo mas creativo. Colocamos el cielo y algunas nubes (bueno, ya estaba allí) colocamos también el árbol y un muro de piedra (si, claro, también estaba allí) y añadimos a Nàcara

y la luz del flash en modo puntual (esto sí que no estaba). Tan sólo restaba medir la luz de entorno y ajustar la potencia del flash, lo que nos dio como resultado unas tomas realizadas con una velocidad de obturación de 1/8000 y el flash disparado en modo de sincronización de alta velocidad y por la distancia, a plena potencia (1/1).

SNOOT 114

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Fotógrafo: JuanDíaz (kanjungla). Modelo: Nàcara Huèlamo Orellana. Ubicación: Las faldas del Montseny y Castillo de Hostalric.

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Friki Phot

Palabra Clave.

Contesta correctamente cada una de las expresiones aquí expuestas y en la primera vertical aparecera la palabra clave. ( Palabras Horizontales ) 1 -Baño químico capaz de rehalogenizar la plata metálica negra. 2 -Aparato para la realización de copias en papel o ampliaciones. 3 -Unidad empleada para cuantificar la potencia luminosa del flash electrónico. 4 -Mecanismo que controla el tiempo durante el que la luz actúa sobre la emulsión sensible. 5 -Cualquier superficie capaz de reflejar luz. 6 -Disposición mecánica que permite mover el objetivo con relación al plano de la imagen para lograr el grado de nitidez en la película. 7 -Término general que describe las fuentes de luz artificial empleadas en fotografía. 8 -En términos fotográficos es una distancia suficientemente grande como para no verse afectada las variaciones finitas. 9 -Incidencia de la luz en un material fotosensible durante un tiempo determinado. 10 -Alteración del tono cromático de la imagen final monocromática, mediante productos químicos. 11 -Fragmento del campo visual. Y la palabra clave una vez solucionada a de ser: 0 ( Ésta es la palabra vertical).

Efecto fotográfico que normalmente se consigue positivando a partir de un conjunto de negativo y positivo que se colocan fuera de registro en el portanegativos de la ampliadora. Nuestro RESULTADO.

Cerrado en un cuadrado y separando cada expresión con su linea correstondiente, más una linea vertical en negrita, separando también la primera letra de cada palabra. La solución para la gente, en el próximo número.

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