Al alimon by javier rosas Herrera

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VO LUM E N I I i

Amador Montes gabriel castellanos Ivonne Kennedy Rolando Rojas Marco bustamante Tomรกs Pineda siegrid wiese fernando andriacci

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Maximino Javier Román Andrade l. Saúl Castro abelardo lópez Virgilio Santaella guillermo r. Brena vladimir cora oscar odín

JOrge pinzón raúl herrera ALEJANDRO SANTIAGO eddie martínez ruben osío manuel de Cisneros gabriel coto FOLÉ

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SERGIO GARVAL HUMBERTO BATISTA mar铆a rosa astorga IXRAEL MONTES YURI ZATARAIN ALEJANDRA VILLEGAS emiliano l贸pez

Black Coffee Gallery® Av. Aviación 5051 Bodega 23 Zapopan, Jalisco C.P. 49019 +52 (33) 3629 697 +52 (33) 3627 7260 +52 (33) 3627 7214 www.blackcoffeegallery.com.mx Coordinación Editorial Fernando Talavera Fotografía Fernando Talavera Carlos Díaz Corona Alberto Fuentes Piedras Irene Peral Vázquez Claudio Sánchez Islas Diseño Editorial Javier Rosas Herrera Cuidado de la impresión Claudio Sánchez Islas Traducción Adam P. Sederlin Digitalización e Impresión Carteles Editores P.G.O. S.A. de C.V. Ciudad de Oaxaca e-mail: colordig@oax.cableonline.com.mx Volumen I: Amador Montes | Aromas Volumen II: Yuri Zatarain | El libro de la suerte Volumen III: Black Coffee Gallery | Al Alimón 1a. edición, Oaxaca, México. Septiembre 2010 Queda prohibida la reproducción parcial o total, directa o indirectamente del contenido del presente libro. Portada: Mural de la concordia Rolando Rojas | Amador Montes | Ivonne Kennedy Román Andrade | Saúl Castro | Rubén Osio | Gabriel Coto Oscar Odín | Siegrid Wiese | Gabriel Castellanos 244 x 366 cms. Óleo/mdf 2009

www.artedeoaxaca.com

Este libro est谩 dedicado a los artistas y amigos que con su participaci贸n hicieron posible este proyecto, sin ustedes simplemente no se hubiera hecho realidad, a todos muchas gracias. Black Coffee Gallery

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Arte, Café y tradición Victor González Sánchez

En septiembre de dos mil ocho al inaugurarse en la ciudad de Guadalajara, la primera sucursal de Black Coffee Gallery, dedicada al creador oaxaqueño Amador Montes, dio inicio esta sorprendente aventura, un sueño que finalmente se materializaba y que tuvo desde su origen una intención: brindar a sus clientes y visitantes el mejor café y el más sugestivo arte contemporáneo de México. Así como la creación pictórica se transforma en un ritual, desde el momento en que las ideas comienzan a brotar del venero de la inspiración, éstas se manifiestan ante los ojos del artífice quién plasma en bocetos aquella iconografía concebida en su imaginación, posteriormente la preparación del lienzo y la cocina del color, se tornan en el juego amatorio que antecede el momento de la gestación estética, el pintor transmutado en alquimista dispone entonces de óleos, tintas, acrílicos, encausto y un sinfín de mixturas para ejecutar su obra, la cual, una vez engendrada llevará por siempre la visión cósmica de su creador, de esta misma forma fue concebido Black Coffee Gallery. Minuciosamente desarrollado, cuidando cada detalle de su conjunto, desde la vigilada obra arquitectónica, propiamente diseñada para atraer la mirada, la exquisita elección del mobiliario, las telas, los colores, las maderas, la iluminación, las lámparas artesanales, la música ad hoc, hasta la adquisición

Art, coffee and tradition In September of 2008, at the time of the inauguration in the city of Guadalajara of the first Black Coffee Gallery café, dedicated to the Oaxacan creator Amador Montes, this surprising adventure began as a dream that had finally materialized and that has had since its beginnings one principal intention: give the customers and visitors the best coffee and the most suggestive contemporary art in Mexico. Just as pictorial creations are transformed into a ritual from the moment in which ideas begin to surge from the springs of inspiration; these creations are manifested before the eyes of the artist who gives them expression in the sketches of that iconography conceived in his or her imagination. Then comes the preparation of the canvas and the cooking up of color, all the elements come together in a loving game that anticipates the moment of aesthetic gestation, the painter transmuted into alchemist then uses oils, inks, acrylics, encaustic, and endless mixtures in order to execute the work, which, once engendered, will carry forever the cosmic vision of its creator. This is how Black Coffee Gallery was conceived. It has all been carefully developed, taking care of every detail of the whole from the closely watched architectural work, designed particularly to attract the eye, the exquisite furnishings,

—directamente de los productores— del mejor café orgánico de los estados de Oaxaca, Chiapas y Veracruz, variedades que han sido refinadamente fusionadas por un catador experto, hasta obtener las mezclas que hoy se ofrecen al público, de igual forma el resto de las infusiones, las bebidas, los alimentos y la repostería de la más alta calidad, han sido escrupulosamente seleccionados y preparados por baristas y chefs especializados, finalmente, el arte atinadamente escogido, los diseños de las mesas elaborados por artistas y la presentación de las obras en alta calidad y gran formato, cierran con broche de oro esta interesante amalgama de colores, aromas, sabores y talento que inunda los sentidos. México siendo uno de los principales productores de café en el mundo, presenta desafortunadamente, índices de consumo per cápita muy bajo, apenas rebasan un kilogramo al año, cuando el promedio mundial de los países consumidores alcanza los cinco kilos y en naciones como Finlandia, Holanda, Noruega, Dinamarca y Alemania se llegan a consumir hasta diez kilogramos al año por persona. De igual forma nuestro país a lo largo de su historia, cuenta con una enorme tradición de grandes artistas, maestros de la talla de Gerardo Murillo (Dr. Atl), José María Velasco, Saturnino Herrán, Francisco Goitia, María Izquierdo, Diego Rivera, Frida Kahlo, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros, Juan Soriano, Rufino Tamayo, Francisco Toledo, Rodolfo Morales, Manuel Felguerez y Rafael Coronel por mencionar algunos, quienes han destacado no sólo a nivel nacional, sino que han logrado posicionarse y ser reconocidos internacionalmente, más allá de nuestras fronteras y a través de los océanos. La tradición del arte y el arte de la tradición, café y arte conjugados bajo un mismo espacio, el místico secreto de los frutos del cafeto y el enigmático significado del quehacer artístico son revelados en Black Coffee Gallery, proyecto que nació del amor por el arte y del gusto por el café, pero sobre todo, del deseo de fomentar en sus visitantes la apreciación por ambas pasiones. Oaxaca de Juárez, septiembre de 2010.

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Vladimir Cora | Alejandro Santiago 100 x 80 cms. Mixta/tela 2008 (Página 14)

textiles, colors, woods, lighting, artisan lamps, music ad hoc, up to the very acquisitions —directly from the producers— of the best organic coffee from the states of Oaxaca, Chiapas and Veracruz, varieties that have been finely fused by an expert taster, until achieving blends that today are offered to the public, as well as the rest of the infusions, beverages, food and desserts of the highest quality, have been scrupulously selected and prepared by specialized chefs and coffee barmen. Finally, there is the art that is perfectly selected, the designs of the tables elaborated by artists and the presentation of the artwork with high quality and in large format, clasps with a golden broach this amalgamation of colors, aromas, flavors and talents that flood the senses. As one of the principal coffee producers in the world, Mexico has, unfortunately, low figures in terms of per capita consumption of coffee with just over one kilo of coffee a year consumed. The average throughout the rest of the world is around five kilos, and in nations such as Finland, Holland, Norway, Denmark and Germany, they consume up to ten kilos a year per person. Furthermore, our country has a long history and an enormous tradition of great artists, master artists of the proportions of Gerardo Murillo (Dr. Atl), José María Velasco, Saturnino Herrán, Francisco Goitia, María Izquierdo, Diego Rivera, Frida Kahlo, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros, Juan Soriano, Rufino Tamayo, Francisco Toledo, Rodolfo Morales, Manuel Felguérez y Rafael Coronel to mention a few, who have stood out not just nationally but have also come to take their places as recognized artists on the international scene, far beyond our borders and over the oceans. The tradition of art and the art of the tradition, coffee and art conjugated in the same space, the mystical secret of the fruits of the coffee tree and the enigmatic meaning of the artistic endeavor are revealed in Black Coffee Gallery, a project that was born out of love for art and the taste for coffee, but above all, out of the desire to foment among all the visitors the appreciation for both passions. Oaxaca de Juárez, september 2010.

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Afinidades en la diferencia Jorge Pech Casanova

Black Coffee Gallery no es una cafetería convencional. Tampoco podía serlo su propuesta estética en interiores, muy ligada al arte contemporáneo y dirigida a la formación de nuevos públicos. La propuesta es, por lo tanto, una didáctica del arte ligada a la oportunidad de saborear un buen café, mediante la exhibición de cuadros y esculturas, la edición de libros especializados y la emisión de postales que permiten a cada cliente salir de la cafetería con una obra de arte en el bolsillo. Así, Black Coffee Gallery es un gozoso concepto para saborear con todos los sentidos, con la sensibilidad no sólo del paladar sino del alma toda, estimulada por artes combinadas: gastronomía, pintura, escultura, literatura. En la capital de Oaxaca, Black Coffee Gallery afrontaba como reto reflejar la diversidad y variedad de manifestaciones artísticas que se dan en el territorio, enriquecido por más de 400 artistas plásticos en activo. Por ello, desde el principio la firma gastronómica se planteó la necesidad de constituir su espacio oaxaqueño como área de exhibición para varios artistas en vez de para uno solo, a diferencia de lo establecido en las sedes de Black Coffee Gallery de otras ciudades mexicanas. Ante el multitudinario desarrollo del arte en Oaxaca, la empresa cafetera —que se caracteriza por exhibir en sus establecimientos arte cuidadosamente seleccionado— asumió una actitud, además de inclusiva, innovadora: convocó a un grupo

Affinities in the difference Black Coffee Gallery is not a conventional café. Its interior aesthetic statement could not have been either, with its strong link to contemporary art that is set to create new viewers, a new audience. The statement is, therefore, didactic of the art connected to the opportunity to relish a good cup of coffee among an exhibition of paintings and sculptures, special editions of books and the distribution of postcards that allow every customer to leave the café with a work of art in their pocket. As such, Black Coffee Gallery is a richly enjoyable concept to be experienced with all the senses, with the sensations not only of the palate but also those of the entire soul, stimulated by a combination of arts: gastronomy, painting, sculpture and literature. In the capital of Oaxaca, Black Coffee was faced with the challenge of reflecting the diversity and variety of artistic expressions that surge from the area, enriched by more than 400 visual artists at work. For that reason, from the beginning this gastronomic firm saw the necessity for its Oaxacan site to be a space to show multiple artists, instead of just one as is the case in other Black Coffee Gallery sites in other Mexican cities. In the face of the mass development of art in Oaxaca, the coffee business —which is characterized by the carefully

de pintores a que convirtiese la primera sucursal oaxaqueña de Black Coffee Gallery en el escenario de colaboraciones artísticas llevadas a un nivel inédito en la entidad. Veintisiete artistas de diferentes estilos y tendencias fueron convocados para crear más de cuarenta obras en colaboración, apartándose de los hábitos individualistas que suelen signar el arte. Durante varias semanas, los creadores reunidos trabajaron en un estudio colectivo (habilitado en la Galería arte de Oaxaca) y en diversos estudios particulares para concebir, ejecutar y transformar piezas al alimón. Al final confluyeron todos juntos en dos grandes murales que ahora son las piezas mayores de la colección oaxaqueña de Black Coffee Gallery. Estos murales llevan al extremo el método colaborativo desarrollado por los artistas que respondieron a la propuesta de Black Coffee Gallery. El primero se basó en una interpretación del famoso cuadro de Edward Hopper Nighthawks, que en sí es un homenaje a la significación de la cafetería en las sociedades urbanas, y en el cual el artista se retrató junto con su esposa y un par de personajes solitarios más, dentro de un café. Los pintores nacidos o radicados en Oaxaca convirtieron la escena del pintor estadounidense en un motivo para retratarse no tanto a sí mismos como a sus obsesiones iconográficas, al tiempo que rinden un homenaje gozoso al gran maestro del expresionismo americano. Si en el modelo de Hopper la soledad y la incomunicación son factores explícitos, en el mural colectivo pintado en Oaxaca la comunión y la confluencia amistosa suscitada por la bebida aromática son los motivos centrales. Gracias a los adelantos de la tecnología, una reproducción de esta obra en gran formato absorbe la atención de quienes ingresan al local de Black Coffee Gallery en la capital oaxaqueña. Tras concluir el tour de force compartido que significó ese primer mural, los artistas convocados por el establecimiento se embarcaron en otra obra colectiva mayor. Ésta fue realizada en un taller particular, pero el espíritu de equipo se mantuvo como en la primera instancia. De nuevo, los detalles que complementan el mural fueron ideados y ejecutados por los distintos artistas inmersos en el proyecto. Lo notable del resultado final es la unidad y armonía de estas dos obras compuestas por variados talentos. Apenas algunos elementos menores tienden a desvincularse del efecto unitario, sostenido luego de intensas sesiones en las que no era obligatorio que lo pintado por un autor permaneciese inalterable al intervenir otra u otro colega. Pese a que algunos

selected art exhibitions in their establishments— assumed an inclusive and innovative posture: a group of painters was brought together in order to turn the first Oaxacan site of Black Coffee Gallery into the scene of unprecedented artistic collaborations in the region. Twenty-seven artists with different styles and tendencies were called to create forty works of art in a collaborative effort that would leave aside the individualist habits that usually characterize art. Over the course of several weeks, these creators worked in a collective studio (put together in the historic downtown section of Oaxaca) and in various private studios in order to conceive, execute and transform the works of art together. In the end, they all came together into two giant murals, which are the major works of the Oaxacan collection of Black Coffee. These murals take the collaborative method developed by the artists who responded to Black Coffee Gallery’s proposal to the extreme. The first is based on an interpretation of the famous painting by Edward Hopper, Nighthawks, which is itself an homage to the importance of the café in urban societies and in which the artists painted himself with his wife and a couple of other solitary figures inside a café. The painters who were born or live in Oaxaca turned the scene of the painter from the U.S.A. into a motif not so much of themselves but rather of their iconographic obsessions, while paying an enjoyable tribute to the great master of American expressionism. If in Hopper’s model solitude and profound lack of communication are explicit factors, in the collective mural painted in Oaxaca it is the communion and the friendly gathering provoked by the aromatic warm beverage that are the central motifs. Thanks to technological advances, a large reproduction of this work of art absorbs the attention of those who come into the Black Coffee in the Oaxacan capital. After finishing the shared tour de force that this first mural represented, the artists gathered together by the establishment took on another major collective work. This one was done in a private studio but the spirit of collaboration was maintained as in the first work. What is noteworthy of the final result is the unity and harmony of a work created by different talents. Only a few minor elements tend to disturb its unifying effect, sustained only after intense sessions in which it was not a requirement that something painted by one painter remain unaltered by the intervention of one or another colleague. In spite of the fact that some of the

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elementos fueron sustituidos por otros, y que algunos detalles iniciales fueron intervenidos y aun eliminados por subsecuentes intervenciones, la amistad prevaleció entre los creadores aunque las imágenes cambiaron, aumentaron o se esfumaron bajo otras representaciones. Una consecuencia de este desborde de creatividad es que el segundo mural tendrá que situarse en otro local establecido por la empresa de bebidas aromáticas, pues el espacio de la sucursal oaxaqueña resulta insuficiente para las obras añadidas. El destino final del segundo mural será el local de Black Coffee Gallery establecido en la ciudad de Chicago, Estados Unidos, pues hacia esa nación se expande la empresa. Así, la creación colectiva realizada en Oaxaca sigue conquistando nuevos espacios geográficos.

elements were substituted by others, and that some initial details were intervened upon and even eliminated by subsequent interventions, the friendship of the painters prevailed though the images changed, grew or disappeared under other images. A consequence of this overflowing of creativity is that the mural will have to be located at another site established by this aromatic beverage business, since the space in the Oaxacan site is insufficient for the accumulated artworks. The final destination of the mural will be the city of Chicago in the United States as the business is expanding into the U.S.A. As such, the collective creation that was put together in Oaxaca begins its conquest of new geographical spaces.

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Este innovador proceso colaborativo comenzó con las esculturas de unas grandes tazas de cerámica que decoró Amador Montes para una de las sucursales de Black Coffee en Guadalajara. El artista Yuri Zataráin, quien había modelado las piezas originales para el joven pintor oaxaqueño, elaboró otras en blanco para que las intervinieran diversos artistas. La empresa convocó a varios pintores para este fin, y durante esa etapa de intervenciones todavía individuales, surgió la idea de realizar obras pictóricas en lienzo firmadas por dos artistas. Pronto, el trabajo en parejas llevó a la incorporación de otro artista más, y así hasta llevar al plan de murales compuestos por las manos y las ideas de todos los pintores participantes en el proyecto. En este proceso hay que resaltar la participación de la Galería Arte de Oaxaca, dirigida por Víctor González Sánchez. Este espacio galerístico, de ser el bastión de una sola tendencia de la pintura en Oaxaca, se ha convertido en un centro de creación estética con propuestas audaces, plurales y de aspiraciones formales mucho más abarcadoras que la corriente del realismo maravilloso. La orientación de Víctor González ha sido determinante y muy saludable para ese giro de la casa de arte. En este espíritu de ruptura con la convenciones, la planta alta de la Galería Arte de Oaxaca se convirtió en el primer estudio compartido por la mayoría de los veintisiete artífices, así como en un espacio de incitación a la creatividad. Durante las semanas que trabajaron juntos, los pintores compartieron una estimulación continua con música, videoproyecciones, sesiones de dibujo y pintura con modelos, y por supuesto, intercambio recíproco de ideas y procedimientos. Con todo ello confor-

This innovative collective process began with the sculptures of a couple of large ceramic cups decorated by Amador Montes for one of the Black Coffee cafés in Guadalajara. The artist Yuri Zataráin, who had modeled the original pieces for the young Oaxacan painter, made a few others in blank for the intervention of various artists. The business got various painters together, and during this stage of still individual interventions, the idea to create paintings on canvas that would be signed by two artists came up. Soon, the work in pairs led to the incorporation of another artist, which led to the plan to create murals collectively with the hands and ideas of all the painters participating in the project. In this process it is important to underscore the participation of the gallery Arte de Oaxaca, overseen by Víctor González Sánchez. This gallery space, being the bastion of one kind of tendency in Oaxacan painting, has converted into a center of aesthetic creation with audacious, plural statements with formal aspirations much more encompassing than the current of marvelous realism. The orientation of Víctor González has been determining and quite healthy in this project. In the spirit of breaking with conventions, the upper floor of the gallery Arte de Oaxaca has been converted into the first studio shared by a majority of the twenty seven artists, as well as a space for inciting creativity. Over the weeks that they worked together, the painters shared a continuous stimulation of music, video projections, drawing and painting sessions with models and, of course, the reciprocal exchange of ideas and procedures. It was through these means that

maron cada una de las piezas surgidas de esta aproximación multitudinaria a un proyecto artístico cohesionado, sólido en su pluralidad, convincente en su integración de iconografías divergentes y procedimientos poco usuales. Las fotografías de Fernando Talavera evocan con nitidez la gozosa convivencia de los artífices. Tanto previa como posteriormente, más talleres de artistas fueron aprovechados para albergar esta dinámica de participación múltiple, a fin de enriquecer el acervo de obras en la colección de Black Coffee Gallery. Al trasladar el proceso creativo a esos diversos espacios particulares, el método de estimulación creativa surgido en las sesiones en la planta alta de la Galería Arte de Oaxaca, ha prevalecido como disparador de ideas y acciones iconográficas. Román Andrade Llaguno, Fernando Andriacci, María Rosa Astorga, Humberto Batista, Guillermo Brena, Marco Antonio Bustamante, Gabriel Castellanos, Saúl Castro, Manuel de Cisneros, Vladimir Cora, Gabriel Coto, Raúl Herrera, Maximino Javier, Ivonne Kennedy, Abelardo López, Emiliano López, Eddie Martínez, Amador Montes, Ixrael Montes, Óscar Odín,

they created each of the pieces that surged from this multitudinous gathering around a cohesive artistic project that is solid in its plurality, convincing in its integration of diverging iconography and unusual procedures. Both before and after the project, more workshops for artists were used to house this dynamic of multiple participation with the purpose of enriching the heritage of the works in the Black Coffee Gallery collection. When translating the creative process to these diverse creative spaces, the method of creative stimulation that had surged from the sessions on the top floor of the Arte de Oaxaca gallery has prevailed to stimulate ideas and iconographic actions. Román Andrade Llaguno, Fernando Andriacci, María Rosa Astorga, Humberto Batista, Guillermo Brena, Marco Antonio Bustamante, Gabriel Castellanos, Saúl Castro, Manuel de Cisneros, Vladimir Cora, Gabriel Coto, Raúl Herrera, Maximino Javier, Ivonne Kennedy, Abelardo López, Emiliano López, Eddie Martínez, Amador Montes, Ixrael Montes, Óscar Odín, Rubén Osio, Tomás Pineda Matus, Jorge Pinzón, Rolando Rojas, Virgilio Santaella, Alejandro Santiago and Siegrid Wiese

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Rubén Osio, Tomás Pineda Matus, Jorge Pinzón, Rolando Rojas, Virgilio Santaella, Alejandro Santiago y Siegrid Wiese fueron los artistas participantes en esta aventura artística, sostenida y culminada a lo largo de varios meses de 2009 y 2010 en la ciudad de Oaxaca. Si bien la sucursal oaxaqueña de Black Coffee Gallery abrió sus puertas en diciembre de 2009, el trabajo de creaciones en colaboración continuó hasta bien avanzado el año del bicentenario independentista y del centenario de la revolución en México.

were the artists who participated in this artistic adventure, sustained and culminated over the period of a few months in 2009 and 2010 in the city of Oaxaca. Even though the Oaxacan café of Black Coffee opened its doors in December of 2009, the creative, collaborative works continued well into the year of the bicentennial of Mexican independence and the centenary of the Mexican revolution.

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The collaboration of visual artists was nothing new in Oaxaca, but no one had taken to the levels that were reached for the Black Coffee Gallery in the state capital. Some painters had done some collaborative work in the Museum of Contemporary Art, the Taller Galería, the Galería Art and, of course, in the gallery Arte de Oaxaca, as well as in some isolated experiences such as in the exposition titled Collective Suicides. The cooperative emphasis of these works varied and, in some cases, it was only to underscore the strong individual personality of each of the participants.

La colaboración entre artistas plásticos no era nueva en Oaxaca, pero nadie la había llevado a los niveles que se alcanzaron para el establecimiento de Black Coffee Gallery en la capital del estado. Algunos pintores habían realizado obras al alimón en sitios como el Museo de Arte Contemporáneo, el Taller Galería, la Galería Art y en la propia Galería Arte de Oaxaca, así como en experiencias aisladas, como la exposición titulada Suicidios colectivos. El énfasis cooperativo de estas

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propuestas resultó variado, y en algunos casos sirvió sólo para resaltar la personalidad demasiado fuerte de cada uno de los participantes. En cambio, el experimento que ha culminado en las obras del acervo Black Coffee Gallery ha privilegiado la integración de iconografías divergentes en una sola serie de obras con personalidad bien definida, en las que son reconocibles los estilos de todos los artistas sin que eso merme la unidad de cada pieza. Los artistas participantes en el proyecto se declaran satisfechos con los resultados de sus colaboraciones. Fue un proceso que sembró dudas, alteró algunas sensibilidades, causó fatigas inesperadas en otros artistas, motivó temporales oposiciones y finalmente condujo a acuerdos gozosos entre los veintisiete artífices involucrados en el proyecto. Con todo, la insatisfacción creativa se manifestó una y otra vez, al grado de conducir a obsesivas revisiones de ciertas piezas. Comenta, por ejemplo, Tomás Pineda: “Era tanta la adrenalina del proceso que parecía un éxtasis, porque una obra que considerábamos concluida por la tarde, a la mañana siguiente era nuevamente intervenida”. No era para menos en un trabajo que involucró a pintores figurativos de diversas tendencias, desde el realismo fantástico de Maximino Javier, Emiliano López, Eddie Martínez y Andrade Llaguno, la fusión de helenismo primitivo y rasgos de la negritud hecha por Pineda Matus e Ixrael Montes, el paisajismo sentimental de Amador Montes, Astorga o Abelardo López, y el ludismo de Rojas y Andriacci, pasando por la retratística postmoderna de Bustamante, Coto, Odín y Osio, el neoexpresionismo de Cisneros, Castellanos, Cora, Santiago y Wiese, hasta el retrato orientalista combinado con la línea abstracta de Herrera. Por otra parte está la abstracción cultivada por pintores como Santaella y Brena, el geometrismo arquitectónico de Kennedy y el informalismo y las síntesis de Batista, Castro y Pinzón.

On the other hand, the experiment that has culminated in the works that make up the Black Coffee collection has privileged the integration of divergent iconographies in one solo series of paintings with a well defined personality in which the styles of all the artists are recognizable without taking away from the unity of each piece. The participating artists in the project declared themselves satisfied with the results of their collaborations. It was a process that brought up tensions, altered some emotional states, caused unexpected fatigue in others, created temporary oppositions and finally led to enjoyable agreements among the twenty seven artists involved in the project. And with all of that, the creative dissatisfaction came up again and again to the degree that it led to obsessive revisions of some pieces. Tomas Pineda said, for example: “The adrenalin of the process was so high that it seemed like ecstasy because a work that we considered finished in the afternoon suffered interventions again by the morning.” It was to be expected in a work that involved such figurative paintings of diverse tendencies, from the fantastic realism of Batista, Maximino Javier, Emiliano López, Eddie Martínez and Andrade Llaguno, the fusion of primitive Hellenism and traces of the negritude done by Pineda Matus and Ixrael Montes, the sentimental landscape painting of Amador Montes, Astorga or Abelardo López, and the playfulness of Rojas and Andriacci, moving on to the post-modern portraits of Bustamante, Coto, Odin and Osio, the neo-expressionism of Cora, Cisneros, Castellanos, Santiago and Wiese, up to the orientalist portraits combined with the abstract line of Herrera. Furthermore, there is the abstraction cultivated by painters such as Santaella and Brena, the architectonic geometricism of Kennedy and the informalism and the syntheses of Castro and Pinzón.

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El resultado de estas conjunciones y disyunciones llevadas al lienzo y a la escultura es un acogedor muestrario de varios de los más representativos caminos del arte en Oaxaca. También es una historia compartida que cada artista integra a su historia personal con manifiesta satisfacción. Para varios de ellos, habituados a trabajar en aislamiento, representó la oportunidad de romper con la soledad del creador, con la uniformidad de su punto de vista individual, y aun de aprender otras técnicas y otros modos de acercarse al oficio pictórico.

The result of these conjunctions and disjunctions taken to the canvas and sculpture is a welcoming demonstration of several of the most representative paths in the art of Oaxaca. It is also a story shared in which each artist integrates his or her personal history with great satisfaction. For some of them, used to working in isolation, it represented the opportunity to break the solitude of the creator with the uniformity of the individual point of view and even to learn other techniques and ways of approaching the pictorial trade.

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Esta solidaridad artística, esta apertura humana impregna toda la colección que Black Coffee Gallery despliega en los interiores de su sede oaxaqueña. Aromada por el café, la experiencia de compañerismo, buen humor compartido, descubrimientos colectivos y renovada fascinación por la vida, se proyecta desde las reproducciones de estas obras artísticas hacia los comensales que se reúnen en torno a las tazas de humeante bebida. La amistad descantada en estas piezas pictóricas y escultóricas trasciende hacia los que descubren sus trazos y volúmenes en el establecimiento oaxaqueño, quienes se convierten de espectadores en degustadores de esta combinación de sabores y saberes estéticos. En 1809 Johann Wolfgang von Goethe hizo saber a los azorados testigos del nacimiento del romanticismo, que sólo se puede entender a otros tras haber entendido aquello con lo que uno es afín. Con esto, Goethe apelaba a sus divisos conciudadanos alemanes a seguir el título de la obra que encierra ese apotegma: Las afinidades electivas, producto de una natural atracción entre seres humanos diversos que desde entonces se ha dado en llamar “química”. Esa química, afirman todos los participantes en el proyecto de Black Coffee, estuvo activa a lo largo del proceso de colaboración que originó las obras de la colección perteneciente a la empresa. Poco más de un siglo después de Goethe, Alfonso Reyes trasladaba las enseñanzas del gran maestro alemán a su vasto magisterio mexicano, con La X en la frente. Reyes enarboló, en una etapa presidida por odios feroces y enemistades intempestivas, la bandera de la ponderación al referirse, antes que a sus apegos y hostilidades, a sus simpatías y diferencias dentro del arte y la sociedad. Con esto, el crítico y erudito erigió una instancia de armonía, en contraste con el vendaval de rencores que le tocó sobrellevar en los años conclusivos de la revolución mexicana. A la vuelta de otro siglo, en Oaxaca, el grupo de artistas convocado por Black Coffee Gallery ha restituido —en un entorno últimamente violentado por graves desavenencias— las afinidades electivas y las simpatías pese a las diferencias, en la ejecución de las más de cuarenta obras que reflejan la amistad en el lenguaje de la plástica contemporánea. Entre éstas, destacan como símbolo mayor de tantas afinidades y simpatías, los dos murales en que los artistas retrataron, más que sus propias personas, sus pasiones compartidas y sus divergencias indispensables.

This artistic solidarity, this human openness, impregnates the entire collection that Black Coffee shows among its interiors in the Oaxacan site of the café. Scented by the coffee, the comradeship, shared sense of humor, collective discoveries and a renewed fascination for life, is all projected from the reproductions of these artworks to the clientele who gather around their cups of this warm beverage. The friendliness in these paintings and sculptures transcends towards those who find their traces and volumes in the Oaxacan establishment, those who become spectators and appreciate the combination of flavors and aesthetic experiences. In 1809, Johann Wolfgang von Goethe let it be known to those astonished witnesses of the birth of Romanticism, that one can understand others only after having understood what is common to them both. With this, Goethe appealed to his divided German compatriots to follow the title of the artwork that surrounds this aphorism: Elected Affinities, the product of a natural attraction among diverse human beings that has since been called “chemistry.” This chemistry, which the participants of the Black Coffee project affirm, was active throughout the collaborative process that gave birth to the artworks belonging to the business’ collection. A little more than a century after Goethe, Alfonso Reyes took the teachings of the great German writer to the vast Mexican teachings, in The X on the Forehead. Reyes raised, in a time presided by ferocious hatreds and tempestuous enmities, the flag of contemplation when invoking, before hostilities and attachments, commonalities and differences in art and society. With this, the critic and erudite provoked a moment of harmony that contrasted with the built up anger that he had lived among in the concluding years of the Mexican revolution. Turning to another century, in Oaxaca, the group of artists convened by Black Coffee Gallery has restored —in surroundings recently and deeply shaken by acute dissents— the elected affinities and common ground in spite of the differences, in the execution of the forty artworks that reflect friendship in the language of contemporary visual arts. Among these stand out, as the major symbol of such affinities and sympathies, the two murals in which the artists painted not simply their own personas but also their shared passions and indispensable divergences.

Ciudad de Oaxaca, julio de 2010.

Oaxaca City, July 2010.

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Taza al alimón

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Maximino Javier | Amador Montes 200 x 140 cms. Óleo/tela 2009

Encuentro de dos amigos

Maximino Javier | Amador Montes 200 x 100 cms. Ă&#x201C;leo/tela 2009

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Abelardo López | Emiliano López 100 x 200 cms. Óleo/tela 2009

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Dinorath

Oscar Odín | Rubén Osio 80 x 100 cms. Mixta/tela 2009

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Café Turco

Oscar Odín | Siegrid Wiese 100 x 150 cms. Mixta/tela 2009 (Páginas siguientes)

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La musa

Ivonne Kennedy | Gabriel Coto 150 x 100 cms. Ă&#x201C;leo/tela 2009

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El enigma del café

Román Andrade | Tomás Pineda 200 x 100 cms. Óleo/tela 2009

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Tú, que surges del café…

Román Andrade | Tomás Pineda 200 x 100 cms. Óleo/tela 2009

Sin título

Tomás Pineda | Ixrael Montes 150 x 200 cms. Mixta/tela 2008

Sensaciones grises

Vladimir Cora | Tomás Pineda 200 x 150 cms. Óleo/tela 2009 (Página siguiente)

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Apóstoles

Vladimir Cora | Tomás Pineda | Gabriel Coto 150 x 200 cms. Óleo/tela 2009

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Rolando Rojas | Ixrael Montes | Tomás Pineda 150 x 200 cms. Mixta/tela 2008

La diosa del café

Román Andrade | Tomás Pineda 200 x 100 cms. Mixta/tela 2009 (Página anterior)

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Sin título

Saúl Castro | Fernando Andriacci 200 x 140 cms. Óleo/tela 2009

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Con aroma escarlata

Ivonne Kennedy | Romรกn Andrade | Tomรกs Pineda 140 x 200 cms. ร leo/tela 2009

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Manuel de Cisneros | Tomás Pineda 100 x 150 cms. Mixta/tela 2008

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Una tarde de café

Oscar Odín | Gabriel Coto 200 x 100 cms. Mixta/tela 2009

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Sin t铆tulo

Gabriel Coto | Jorge Pinz贸n 200 x 100 cms. Mixta/tela 2009

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Del fruto y del deleite

Ivonne Kennedy | SaĂşl Castro 100 x 150 cms. Mixta/tela 2009

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Elefante milenario

Gabriel Coto | Ivonne Kennedy 100 x 150 cms. Mixta/tela 2009

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Aromosa seducci贸n

Virgilio Santaella | Guillermo R. Brena 120 x 120 cms. Mixta/tela 2009

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Esp铆ritus de seducci贸n

Virgilio Santaella | Guillermo R. Brena 120 x 120 cms. Mixta/tela 2009

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Tributo a Roy, Edward y Chirico Gabriel Coto | Oscar OdĂn 100 x 150 cms. Mixta/tela 2009

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Virgilio Santaella | Guillermo R. Brena 140 x 120 cms. Óleo/tela 2009

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Sin t铆tulo

Rolando Rojas | Manuel de Cisneros 150 x 200 cms. Mixta/tela 2008

Sin título

Rolando Rojas | Manuel de Cisneros 150 x 200 cms. Óleo/tela 2009

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Sin tĂtulo

Rolando Rojas | Manuel de Cisneros | Virgilio Santaella 150 x 200 cms. Mixta/tela 2008

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Quirománticos del café

Virgilio Santaella | Manuel de Cisneros 140 x 120 cms. Mixta/tela 2009

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Una tarde cualquiera tomando café

Marco Bustamante | Rubén Osio 140 x 200 cms. Óleo/tela 2009 (Páginas anteriores)

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Mural de la concordia

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TOMÁS PINEDA MATUS

SIEGRID WIESE

SAÚL CASTRO

RUBÉN OSÍO

ROLANDO ROJAS

ROMÁN ANDRADE

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OSCAR ODÍN

MARCO BUSTAMANTE

JORGE PINZÓN

IVONNE KENNEDY

GUILLERMO R. BRENA

GABRIEL COTO

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Variaciones unánimes Jorge Pech Casanova

1. Tabla rasa = Mapa utópico

Unanimous variations

El proyecto Al Alimón de Black Coffee Gallery se ha expandido más allá de la propuesta original. Seducidos por la experiencia de trabajar en conjunto, treinta y un artistas han sumado sus talentos en diferentes etapas del proyecto para crear nuevas obras en irresistible colaboración. Toda oportunidad de conjuntarse ha sido aprovechada en este proceso, así como nuevas orientaciones para la fusión pictórica. Los formatos inesperados son parte de esta constante innovación. Con ocasión de la apertura de dos nuevas sedes de Black Coffee en Guadalajara —las de San Isidro y Punto Sao Paulo—, catorce artistas de Oaxaca se trasladaron a la capital tapatía para la develación de sus obras colectivas. Durante esos festejos del arte, el impulso creativo llevó a los visitantes a trabajar sobre un elemento que habían tomado como tema en diversas obras, pero que en esta ocasión se convirtió en la motivación y el soporte final de su inventiva: las mesas del café. Sobre una larga mesa de la sede San Isidro y sobre cuatro mesas de la sede Punto Sao Paulo, los pintores crearon dos obras colectivas en las que trazaron un mapa sui generis con los rasgos iconográficos que los identifican. ¿Qué es una mesa? Un mueble, un instrumento de trabajo, un elemento silencioso pero imprescindible para completar el

1. Blank slate= Utopian map The project Al Alimón, (Jointly) of the Black Coffee Gallery has expanded beyond the original proposal. Seduced by the experience of working together, thirty one artists have added their talents in different stages of the project in order to create new works of art in an irresistible collaboration. Every opportunity to join forces has been taken advantage of in this process, as well as the creation of new orientations towards a pictorial fusion. The unexpected formats are part of this constant innovation. On the occasion of the opening of two new sites of Black Coffee in Guadalajara —namely, those in San Isidro and Punto Sao Paolo, respectively— fourteen artists from Oaxaca moved to the capital of Guadalajara to reveal their collective work. During these celebrations of art, the creative impulse led the visitors to work on an element that had been taken up as a theme in diverse artworks but that on this occasion became the principal motivation and the final medium of their work: the café’s tables. On one large table at the San Isidro site and on four tables at the Punto Sao Paulo site, the painters created two collective works on which they sketched out a sui generis map including those iconographic characteristics that identify each of them.

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aparejo de una estancia. Simbólicamente, la mesa es elemento congregador y unificador, soporte de la confraternidad. No otro era el sentido de la mítica mesa redonda de Camelot, por ejemplo, pues con su forma circular reforzaba el sentimiento de comunidad entre los adalides que alrededor suyo ocupaban sitiales. Las mesas intervenidas por los artistas en Black Coffee fomentan la confraternización si bien eluden la circunferencia de la tabla artúrica. Las piezas de Guadalajara son rectangulares, forma idónea para la función a la que están destinados en un mobiliario moderno. Pero, transformadas por los pintores del proyecto Al Alimón, la modestia de estos muebles ha sido transformada en símbolo que cautiva la imaginación. Ahora las dos mesas integran un extenso tablero de orientaciones, cuyas señales siguen la iconografía característica de cada uno de los catorce pintores que intervinieron las superficies. Ese mapa estupendo permite orientarse en el arte de Román Andrade Llaguno, Fernando Andriacci, Saúl Castro, Vladimir Cora, FoLé, Sergio Garval, Ivonne Kennedy, Amador Montes, Óscar Odín, Tomás Pineda Matus, Rolando Rojas, Alejandra Villegas, Siegrid Wiese y Yuri Zataráin.

What is a table? A piece of furniture, a work instrument, a silent but indispensable element in order to complete all that which entails being in a place. Symbolically, the table is a congregating and unifying element, support for confraternal relations. This was precisely the sense of mythical round table of Camelot, for example, as its circular form served to reinforce the feeling of community among the leaders who took their places around it. The tables intervened upon by the artists in Black Coffee foment the sense of fraternity though they are not round as the Arthurian table. The pieces in Guadalajara are rectangular, an ideal form for the function for which they are destined to serve in modern furnishings. But, transformed by the painters of the project Al Alimón (Jointly), the modesty of these furnishings has been transformed into a symbol that captivates the imagination. Here the two tables constitute an extensive directional board whose signs continue being the characteristic iconography of each of the fourteen painters who intervened on their surfaces. This stupendous map allows one to become oriented in the art of Román Andrade Llaguno, Fernando Andriacci, Saúl Castro, Vladimir Cora, FoLé, Sergio Garval, Ivonne Kennedy, Amador Montes, Óscar Odín, Tomás Pineda Matus, Rolando Rojas, Alejandra Villegas, Siegrid Wiese y Yuri Zataráin.

2. Variación y homenaje

2. Variation and Homage

Entre los complementos del café, la cultura occidental introdujo la leche para suavizar la enérgica bebida y hacerla parte de la cotidianidad que se disfruta en familia. Asimismo, la mezcla de la negra infusión con la blancura láctea produce un color característico que ha pasado a formar parte de nuestras definiciones más curiosas: el café-con-leche, un color cremoso que no es sepia ni atabacado, pero que algo tiene de ambos: un color en que se multiplican y matizan los colores. La leche que más consume la humanidad es la de vaca, cuadrúpedo cuyas contribuciones han hecho posible que surgiera y prosperase la civilización occidental. Leche y miel son los símbolos más beatíficos de nuestra civilización, connotada en otras manifestaciones con símbolos menos amables. En homenaje a la dócil proveedora de la leche, uno de cuyos inesperados destinos en la trama cósmica era mitigar el acre talante del café, dieciséis artistas imprimieron sobre la figura de una vaca sus diversos sellos estéticos. La cabeza de este emblema fue intervenida de manera hiperrealista por Marco Antonio Bustamante; el lomo ostenta un

Among the coffee’s complements, the occidental culture introduced milk to soften the energizing beverage and to make it a daily part of life to be enjoyed in the family. Furthermore, the mix of the black infusion with the lacteous white produces a characteristic color that has become part of our most curious definitions: café-con-leche, a creamy color that is not quite sepia nor quite tobacco, but rather has something of them both: a color in which colors multiply and blend. The milk that most of humanity consumes is that of the cow, a quadruped whose contributions have made it possible for the occidental civilization to surge and prosper. Milk and honey are the most beautified symbols of our civilization, referred to in other manifestations with less amiable symbols. In homage to the docile provider of milk, one of whose unexpected destinies in the cosmic drama is to mitigate the acrid edge of coffee, sixteen artists fastened their aesthetic seals upon the figure of a cow. The head of this emblem was intervened upon hyper-realistically by Marco Antonio Bustamante; the loin shows off a landscape

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paisaje de Raúl Herrera y un diseño anatómico de Óscar Odín; la cola fue consumada con el toque fantástico de Humberto Batista. En el costado derecho, del cuello al cuarto trasero, trabajaron María Rosa Astorga, Tomás Pineda Matus, Siegrid Wiese, Ivonne Kennedy y Amador Montes; en el costado izquierdo, con el mismo orden, intervinieron la figura Román Andrade, Fernando Andriacci, Saúl Castro, Gabriel Castellanos, Eddie Martínez, Guillermo Brena y Gabriel Coto. El resultado de este acoplamiento de diversos estilos, motivos e íconos es un llamativo abigarramiento, cuyos componentes se desarrollan en armonías y contrastes como siguiendo el flujo de una melodía realizada en contrapunto. Esta hermosa pieza cumplirá una ruta itinerante en las distintas sedes de Black Coffee Gallery en México, para culminar su itinerario en el local de la empresa mexicana en Chicago.

by Raul Herrera and an anatomical design of Oscar Odin; the tail was consummated with the fantastical touch of Humberto Batista. On the right flank, from the neck to the back quarters, the work is that of María Rosa Astorga, Tomás Pineda Matus, Siegrid Wiese, Ivonne Kennedy and Amador Montes; on the left flank, in the same order, the work is that of Román Andrade, Fernando Andriacci, Saúl Castro, Gabriel Castellanos, Eddie Martínez, Guillermo Brena and Gabriel Coto. The result of this joining of diverse styles, motifs and icons is a striking variegation, whose components are developed in harmonies and contrasts as if following the flow of a melody that was done in counterpoint. This beautiful piece makes up a part of the itinerant route in the distinct sites of the Black Coffee Gallery in Mexico and culminating in the local of this Mexican business in Chicago.

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Vaca al alimón

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Mural de la concordia II

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Mesa al alimón

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Mesa políptico al alimón

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ROMÁN ANDRADE Originario de San Juan del Estado Etla, Oaxaca. Tiene su primer contacto con el arte cuando ingresa a una escuela de arte (cedart) y su primer acercamiento formal con la plástica cuando funda el taller libre de gráfica oaxaqueña con Juan Alcázar. A los 22 años comienza a exponer de manera individual y colectiva en diferentes galerías en el país y en el extranjero, contando con más de 70 exposiciones colectivas e individuales. Entre sus distinciones caben destacar Mención Honorífica, IX Encuentro Nacional de Arte Joven Museo de Arte Carrillo Gil, México D.F.; Tercer lugar en pintura Certamen Valores Juveniles. Premio de Selección y Adquisición, Gran Premio de México.; Coordinó el Taller de Gráfica en el Instituto de Artes Plásticas de Taxco, Gro.

Roman Andrade LLaguno is originally from San Juan del Estado, Etla, Oaxaca. He had his first contact with art when he entered the art school known as cedart, and his first formal contact with visual arts when he founded the Open Studio of Oaxacan Graphic Arts with Juan Alcazar. When he was 22 years old, he began to have individual and collective exhibitions in different galleries around the country as well as abroad. He has had more than 70 collective and individual exhibitions. Among his distinctions include Honorable Mention at the 9th Annual National Art Encounter of the Young Art Museum Carrillo Gil, in Mexico City, Mexico; third place in the painting contest Young Values; the prize of selection and acquisition, the Grand Prize of Mexico; He also coordinated the Graphics Workshop at the Institute of Visual Arts in Taxco, Guerrero.

FERNANDO ANDRIACCI En San Juan Bautista Cuicatlán, Oaxaca, nace el 20 de abril de 1972. Su formación la realiza primero en la Casa de la Cultura Oaxaqueña; más tarde, en el Taller Municipal de Artes Plásticas y Pintura Monumental Rodolfo Nieto y el Taller de Artes Plásticas Rufino Tamayo. Desde 1983 ha creado su propio mundo a base de fantasía en la cual utiliza desde personajes legendarios y místicos hasta caballos de juguete con ruedas, elefantes en bicicleta, cabras locas, cocodrilos, cangrejos y grillos, personajes que son llevados al lienzo para ser conformados, trabajados, poseídos y compartidos. Ha incursionado en todas las técnicas, y su producción se ha dado a conocer en numerosas exposiciones tanto individuales como colectivas en museos y galerías tales como el Museo Regional Santo Domingo, la Galería Miguel Cabrera de la Casa de la Cultura, la Galería Rufino Tamayo y Casa Lamm. También ha expuesto en Nueva York, Alemania, Japón y Hamburgo.

Fernando Andriacci was born in San Juan Bautista Cuicatlan, Oaxaca on April 20th, 1972. His training was first done at the Cultural Center of Oaxaca. Later, he studied in the Municipal Visual Arts workshop and in the Rodolfo Nieto Monumental Painting workshop as well as in the Rufino Tamayo Visual Arts workshop. Since 1983, he has created his own world based on fantasy in which he uses legendary and mystical characters, from horses on wheels, elephants on bicycles, crazy goats, crocodiles, crabs and crickets. The characters are taken to the canvas to be part of it, worked, possessed and shared. He has worked with every type of technique and his production has become well known in the numerous exhibitions that he has had both on an individual as well as on a collective basis. He has shown in galleries such as Museo Regional Santo Domingo, the Galería Miguel Cabrera of the Casa de la Cultura, the Galería Rufino Tamayo and Casa Lamm. He has also held shows in New York, Germany, Japan and Hamburg.

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MARÍA ROSA ASTORGA

HUMBERTO BATISTA

Nace en Santiago, Chile en 1966. Reside desde los 20 años en la ciudad de Oaxaca, México. Estudió pintura en talleres de artistas reconocidos. Desde hace más de veinte años pinta bajo distintas técnicas, como el encausto, óleo y técnicas mixtas. Pintora de formatos trabajados en tierras recogidas de la región y óleos, ha tenido sobresalientes exposiciones individuales en México, Estados Unidos y Chile. Su obra es parte de importantes colecciones en todo el mundo. Entre los aspectos que siempre llaman la atención de su obra está el uso del color: su estudio formal, minucioso, casi científico y su desarrollo pleno como elemento pictórico, lo que lleva a que sus piezas adquieran una dimensión estética mucho más intensa. Se ha escrito de su obra que encaja en los paradigmas tradicionales, pero es animada por un mundo exultante de amor por la vibración vital desde la naturaleza y el ser humano, hay tan sólo despliegue de sensibilidad y emoción ajustada a su vivencia compenetrada con su entorno.

Nace en el Barrio de Coyoacán de la Ciudad de México en 1950, desde niño empezó a construir objetos en el taller de herrería de su abuelo materno, comenzó a pintar con acuarela lo que le descubrió la magia del color y la imagen; algunos años después vivió en un rancho en las proximidades de Teotihuacán, fue ahí donde tuvo su encuentro con la escultura en barro y con toda clase de vestigios altamente estéticos de esa cultura prehispánica. De 1974 a 1977 asistió a clases nocturnas en La Esmeralda en México, D.F., trabajó durante las mañanas en el departamento de restauración artística del Instituto Nacional de Bellas Artes, donde restauró un mural de David A. Siqueiros. Residió tres años en San Francisco, California, visitando museos y entrando en contacto con diferentes propuestas artísticas. Se estableció en Oaxaca, México en 1981, en donde cristalizó su propuesta estética, amalgamando la esculturas prehispánica, colonial religiosa, africana y los mitos y creencias populares mexicanos.

Maria Rosa Astorga was born in Santiago, Chile in 1966. She has lived in the city of Oaxaca for 20 years. She has studied painting in the studios of well-known painters. For more than twenty years she has painted using different techniques such as encaustic, oil and mixed media. As a painter who used the very soil of the region in her work, as well as oil, she has had outstanding individual expositions in Mexico, the United States and Chile. Her work is part of important collections around the world. Among the aspects of her work that always call one’s attention her use of color is noteworthy: her fully developed formal, minute and almost scientific study results in pieces that have an aesthetic dimension with great intensity. It has been written about her work that it fits within the traditional paradigms but is animated by an exulting world of love because of a vibrating vitality that surges both from nature and in human beings that reveals a sensitivity and emotion that has adapted to an intense integration to all the surrounding life.

Humberto Batista was born in the neighborhood known as Coyoacan in Mexico City in 1950. When he was a child he began to build objects in the iron workshop of his grandfather and began to paint with watercolors which helped him discover the magic of color and image; some years later he lived on a ranch around Teotihuacan. It was there where he had contact with clay sculpture and with all types of aesthetic expressions from the pre-Hispanic cultures. From 1974 to 1977 he attended night classes in La Esmeralda in Mexico City, Mexico. He worked in the mornings in the department of artistic restoration of the National Institute for the Fine Arts where he restored a mural painted by David A. Siqueiros. He live three years in San Francisco, California, where he visited a lot of museums and came into contact with a number of aesthetic proposals and statements. He settled in Oaxaca, Mexico in 1981 where his aesthetic proposal crystallized, creating an amalgamation of pre-Hispanic, religious colonial and African sculptures, as well as popular Mexican myths and beliefs.

GUILLERMO R. BRENA

MARCO BUSTAMANTE

En su pintura Guillermo Brena transita del figurativismo, hasta el uso único de símbolos en el abstracto total. Ha reflejado la noche y su espíritu, las sombras, los espacios oscuros, con presentes y evocaciones que han ido evolucionando hacia los colores diurnos, vibrantes y atrayentes de cada hora del día presentados en etapas de creación que su reloj interno va marcando. El uso de monocromatismos temáticos está en el presente de la obra de Brena. Un geometrismo sutil ocupa parte importante en la esencia de sus cuadros, en los que las veladuras son trabajadas con maestría. Con su color, Brena se abre paso entre la desesperanza que también se respira en los lugares mágicos. Él, vive la modernidad, la practica y la usa en su obra, sin imposiciones, sino como evidencia de un lugar y de un trabajo que apoya y exalta la vida.

Nace en septiembre de 1959 en Oaxaca, México. En 1976 ingresa al Conservatorio Nacional de Música, en la ciudad de México y realiza estudios de concertista de guitarra. A partir de los ochentas, empieza, con una disciplina férrea y con un trabajo meticuloso, una intensa búsqueda en la pintura. En 1985 ingresa al Taller de Artes Plásticas Rufino Tamayo de Oaxaca, donde participa en diversos cursos de grabado, litografía y pintura. Su interés inicial en la música, sumado a su entrega a las artes plásticas, ha dado como resultado una obra donde los ritmos se traducen en formas, en tensiones resueltas con armonía. Entre las distinciones que ha sido merecedor se encuentran la Mención Honorífica II Bienal Nacional de Pintura Nestlé, D.F. (1992), el Premio en pintura “Ciudad de Oaxaca” auspiciado por el Banco de México (1987), y el “Premio Ciudad de Oaxaca” Mención Honorífica en grabado y pintura, Oaxaca (1986). Su obra ha sido expuesta en diversas ciudades de México, Estados Unidos y El Salvador.

Elisa Díaz | Periodista

Oaxaca is the place of origin of Guillermo R. Brena. He was part of the second generation of students from the Rufino Tamayo Visual Arts Workshop in the City of Oaxaca. In his paintings, Guillermo Brena moves from figurative art to the unique use of symbols in complete abstraction. In his paintings he has reflected the night and its spirit, shadows, dark spaces with evocations that have evolved towards vibrant and attractive colors of daylight in which every hour of the day are presented in stages of creation that their internal clock seems to mark. The use of mono-chromatic themes is there in the work of Brena. There is a subtle geo-metricism that has an important part in the essence of his paintings, in those in which the glazing work is done with mastery. With the color that he uses, Brena opens up a space among the frustrations that also breathes in magical places. He lives in the modernity, practices and uses it in his work without impositions but rather as evidence of a place and a work that supports and exalts life. Elisa Díaz | Journalist

Marco Bustamante was born in September, 1959 in the city of Oaxaca, Mexico. In 1976 he entered into the National Music Conservatory in Mexico City and did his studies as a concert guitarist there. In the 1980’s, with a great amount of discipline, he began to produce work that was very meticulous and that reflects an intense search in painting. In 1985, he began to study in the Rufino Tamayo Visual Arts Workshop in the city of Oaxaca where he participated in a number of courses that were focused on etching, lithography and painting. His initial interest in music, along with his dedication to the visual arts, have resulted in a body of work in which rhythms are translated into forms and tensions and resolved with harmony. Among the distinctions that he has received as a result of his work are; Honorable Mention II in the National Biennale of Painting of Nestle in Mexico city in 1992; first prize in the category of painting put on by the Bank of Mexico in 1987 and; in the “City of Oaxaca prize” he received Honorable Mention in the categories of etching and painting in Oaxaca in 1986. His work has been shown in a number of cities in Mexico, the United States and in El Salvador.

GABRIEL CASTELLANOS

SAÚL CASTRO

Nace el 5 de diciembre de 1979 en la ciudad de Oaxaca. A partir del año 2001 inicia su formación artística, tomando múltiples cursos y atendiendo clases tales como “Grabado en metal” con la maestra Josefa García; “Pintura”, “Introducción a la composición” y “Teoría del Color” con el maestro Nicias Aridjis, “Figura humana” con el maestro Enrique Samaniego Sáenz y “Grabado en madera” con el maestro Vicente Mesinas, todos los anteriores impartidos en el Taller 910. De igual forma asiste a cursos en el Taller de Artes Plásticas Rufino Tamayo, mismos que lo introducen al manejo de diferentes “Técnicas de materiales”, lo cual aplica en su quehacer artístico cotidiano. En el 2003 toma el “Curso de dibujo” con el maestro Enrique Ramírez. De factura impecable y con un estilo de pintura clásico, Castellanos ha expuesto de manera colectiva e individual en diversas ciudades de México, tales como su natal Oaxaca, Veracruz y el Distrito Federal. Es sin duda una promesa del arte joven oaxaqueño.

Nace en la ciudad de Oaxaca el 29 de Octubre del 1967; a los 18 años gana el primer lugar de pintura en el servicio militar. De 1989 a 1993 estudia en la escuela de Bellas Artes de la Ciudad de Oaxaca. En 1993 colabora con el Maestro Shinzaburo Takeda en la elaboración de un mural en Japón. En su trayectoria como pintor, ha expuesto en diferentes espacios dentro de la República Mexicana, por citar algunos: Galería Arte de Oaxaca, Museo de Historia Mexicana (Monterrey), Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, Arte Contemporáneo unam, Poliforum Siqueiros (Ciudad de México), Ex-convento de Santo Domingo en Oaxaca, Casa Lam (Ciudad de México). En el extranjero Saúl ha expuesto en Japón, España, Argentina y Estados Unidos.

Gabriel Castellanos was born on the 5th of December in 1979 in the city of Oaxaca. He began his artistic training in 2001 when he attended courses and classes such as “Engraving in metal” with Josefa Garcia; “Painting,” “Introduction to composition” and “Color theory,” with Nicias Aridjis; “the human figure” with Enrique Samaniego Saenz and “Wood carving” with Vicente Mesinas. All of the courses mentioned above were given in the 910 studio workshop. He also attended courses in the Rufino Tamayo Visual Arts Workshop where he learned to use various “material techniques” which he applied in his daily artworks. In 2003, he took the “Drawing Course” with master artist Enrique Ramirez. With an impeccable register and a classical painting style, Castellanos has held individual expositions and has participated in collective expositions in a number of Mexican cities such as his birthplace Oaxaca, as well as others such as Veracruz and Mexico City. He is, without a doubt, a promising young Oaxacan artist.

Saul Castro was born in the city of Oaxaca on October 29th, 1967. When he was 18 years old he won first place for painting in the military. From 1989 to 1993 he studied in the School of Fine Arts in the city of Oaxaca. In 1993, he collaborated with the master Shinzaburo Takeda in the painting of a mural in Japan. Along his trajectory as a painter, he has shown in different spaces within the Mexican Republic, for example: Galería Arte de Oaxaca, Museo de Historia Mexicana (Monterrey), Instituto de Artes Graficas de Oaxaca, Arte Contemporáneo unam, Poliforum Siqueiros (Mexico City), Ex-convent of Santo Domingo in Oaxaca, Casa Lam (Mexico City). Abroad, Saul has had exhibitions in Japan, Spain, Argentina and the United States.

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MANUEL DE CISNEROS

VLADIMIR CORA

Nace el 23 de febrero de 1970 en la ciudad de Oaxaca, México. De 1989 a 1991 cursa estudios en arte, con especialización en pintura, en el Taller de Artes Gráficas Rufino Tamayo, en su ciudad natal, donde tuvo como maestros a Joel Curí García y Atanasio García Tapia entre otros. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en Murky Season Bonney-Tannock Art Enterprises. Victoria Artists Society Melbourne, Australia, León, Guanajuato; Cd. Juárez, Chihuahua; Guadalajara, Jalisco; Museo de Arte, Querétaro; Museo de Arte Contemporáneo Ateneo Yucatán, Mérida;Galería Martha Flores Monterrey, Nuevo León; Noche de Arte Mexicana Embajada de Estados Unidos en México, entre otros. Ha sido becario de la Pasadena Art Comisión (E.U.A.), y del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes. Cursa el Taller de Creación de Pintura, por parte de la Escuela Massana de Barcelona, España, para el periodo enero-abril de 2008, entre otros reconocimientos. Actualmente radica en la ciudad de Oaxaca.

Pintor y escultor nacido en Acaponeta, Nayarit, México en 1951. Estudió Artes Plásticas en la Escuela de Pintura y Escultura en Tijuana y en la Escuela Nacional de Pintura y Escultura “La Esmeralda” del inba. Entre sus trabajos se encuentran retratos, esculturas, pinturas y dibujos. Recibió mención honorífica, Primera Bienal de Pintura Rufino Tamayo en Oaxaca, el Gran Premio de Confraternidad de Cuatro Culturas en la Primera Bienal de Pintura Iberoamericana del Instituto Andino de Artes Populares en Miami, Florida, Estados Unidos; en 1989 el Premio de Artes Plásticas del Gobierno del Estado de Nayarit. Tiene 150 exposiciones individuales y otras tantas colectivas. Es reconocido internacionalmente, sobre todo en Estados Unidos, donde tiene un taller; sólo en California vende 80% de su obra plástica. Desde 1999, en su ciudad natal, existe el Museo Vladimir Cora, en donde exhibe su colección particular con obras de Rufino Tamayo, Sergio Hernández, Sebastián, Francisco Toledo, Manuel Felguérez, los hermanos Castro Leñero, Vicente Rojo, Gabriel Macotela y otros.

Manuel de Cisneros was born on February 23rd in 1979 in the city of Oaxaca, Mexico. From 1989 to 1991 he studied art, specializing in painting in the Rufino Tamayo Graphic Arts Workshop in the city of his birth where he studied under the tutelage of such masters as Joel Curi Garcia and Atanasio Garcia Tapia, among others. He has participated in both collective as well as individual expositions such as: Murky Season Bonney-Tannock Art Enterprises; Victoria Artists Society Melbourne, Australia; León, Guanajuato; Cd. Juárez, Chihuahua; Guadalajara, Jalisco; Museo de Arte, Querétaro; Museo de Arte Contemporáneo Ateneo Yucatán, Mérida; Galería Martha Flores Monterrey, Nuevo León; An evening of Mexican Art at the embassy of the United States in Mexico, among others. He has received grants from the Pasadena Arts Commission in the United States and from the State Fund for Culture and the Arts. He also completed the Workshop for the Creation of Paintings on the part of the Massana School in Barcelona, Spain for the period running from January to April of 2008. He currently lives in the city of Oaxaca.

Vladimir Cora is a painter and sculptor who was born in Acaponeta, Nayarit in Mexico in 1951. He studied Visual Arts in the School of Painting and Sculpture in Tijuana, Mexico and in the National Painting School “La Esmeralda” of the inba. Among his work you can find portraits, sculpture, painting and drawings. He received Honorable Mention at the First Biennale of Painting Rufino Tamayo, in Oaxaca; the Grand Prize of the Co-fraternity of Four Cultures in the First Biennale of Ibero-American Painting of the Instituto Andino de Artes Populares in Miami, Florida, in the United States; in 1989, he wone the Prize for Visual Arts given by the government of the state of Nayarit. He has held over a 150 individual exhibitions and a few more collective. He is recognized internationally, above all in the United States where he has a studio; in California alone, he sells 80% of his artwork. Since 1999, in the city of his birth, there is a Museum Vladimir Cora in which his particular collection is shown with works of Rufino Tamayo, Sergio Hernández, Sebastián, Francisco Toledo, Manuel Felguérez, the brothers Castro Leñero, Vicente Rojo, Gabriel Macotela and others.

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GABRIEL COTO

FOLÉ

Nace en Buenos Aires, Argentina en 1973, de 1985 a 1992 realizó estudios de arte en la Habana, Cuba, primero en la Escuela Elemental de Arte “20 de Octubre” y después en la Academia San Alejandro, en dibujo y pintura. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en Cuba, España Alemania y México, incluyendo diversas muestras individuales en la Casa de la Cultura Oaxaqueña y en la Galería Arte de Oaxaca. Entre los reconocimientos que ha recibido se encuentran el del Premio de Pintura Contemporánea “Juan Francisco Elso”, Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana, Cuba. Escenografías y diseño de iluminación para las obras de Ballet Contemporáneo: “Trilogía” Oaxaca y “Synthetic Genomics” selección del Premio “Miguel Covarrubias” imba-uam. México D.F. La naturalidad de su trazo le permite tal libertad en sus obras, que podríamos calificarlas como “un desenfado plástico”, su trabajo representa la cotidianidad de la vida urbana. Radica en Oaxaca, México desde el año 2003.

Eduardo Fonseca López, FoLé nace en México D.F. el 2 de Noviembre de 1966. Emigra a Guadalajara en 1985. Cursa en esta ciudad la carrera de Comunicación y Periodismo (Universidad Autónoma de Guadalajara 1987-89). En 1996 ingresa a la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Guadalajara. Ha recibido diversos reconocimientos a nacionales e internacionales, entre ellos el Premio de Ilustración por el Museo del Periodismo y las Artes Gráficas, Guadalajara (1995), El Segundo Lugar Nacional de Dibujo e Ilustración para Libros Infantiles y Juveniles por el conaculta (1997). En los Estados Unidos es reconocido como el primer artista latinoamericano invitado en dos ocasiones al programa artistaresidente por el Heard Museum, en Phoenix, en donde realizó proyectos tales como exposición individual, arte público, talleres, clases y conferencias. Su obra es exhibida y reconocida en más de 70 exposiciones colectivas e individuales en México, Estados Unidos, Costa Rica, Colombia, Italia, España, Alemania y Suiza.

Gabriel Coto was born in Buenos Aires, Argentina in 1973. He studied art from 1985 to 1992 in Havana, Cuba, first at the Elemental Art School “20 de Octubre” and later in the San Alejandro Academy where he focused on drawing and painting. He has had a number of individual and collective expositions in Cuba, Spain, Germany and Mexico, including various individual shows in the Oaxacan Cultural Center as well as in the Oaxaca Art Gallery. Among the recognition that he has received are the following: Contemporary Painting Prize “Juan Francisco Elso”, the National Museum of Fine Arts in Havana, Cuba. Scenery and light design for the works of contemporary ballet: “Trilogy” Oaxaca and “Synthetic Genomics” as a selection for the prize “Miguel Covarrubias” imba-uam. México City, Mexico. The naturalness of his lines allows him such liberty in his work that we could qualify them as “visual ease.” His work represents daily urban life. He has lived in Oaxaca, Mexico since 2003.

Eduardo Fonseca López, FoLé was born in Mexico City on the 2nd of November in 1966. He moved to Guadalajara in 1985 and there he studied Communications and Journalism at the Autonomous University of Guadalajara from 1987 to 1989. In 1996 he entered the School of Visual Arts of the University of Guadalajara. He has been recognized on various levels both nationally and internationally. Among the awards he has won have been the Illustration Prized given by the Journalism and Graphic Arts Museum of Guadalajara in 1995 and; second place in the National Contest of Drawing and Illustration of Children’s and Adolescent Literature given by conaculta in 1997. In the United States, he is well known as the first Latin American artist to be invited twice to the resident artist program at the Heard Museum in Phoenix, Arizona where he held individual expositions, participated in public art projects, workshops, classes and conferences. His work has been exhibited and recognized in more than seventy individual and collective expositions in Mexico, the United States, Costa Rica, Colombia, Italy, Spain, Germany and Switzerland.

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SERGIO GARVAL

RAÚL HERRERA

Nace en Guadalajara Jalisco, México en junio de 1968. Realiza sus estudios en la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Guadalajara, y en los talleres de xilografía y pintura de los maestros Aurora Guerrero y Luis Nishizawa; en el extranjero en el Summer Studio Residency New York, School of Visual Arts, N.Y., E.U. Ha participado en más de ochenta exposiciones individuales y colectivas en México, Estados Unidos y Latinoamérica. Su obra ha sido merecedora de una decena de premios en certámenes nacionales; por su trabajo se le otorgaron las becas del Consejo Estatal para la Cultura y las Artes de Jalisco (1994-1995) y conaculta–fonca (2003-2004); asimismo, ha ampliado su experiencia hacia la labor docente en la carrera de Artes Plásticas en el Instituto Cultural Cabañas. Garval traduce lo que su imaginación le dicta. Imposibles de pasar inadvertidas, sus obras se caracterizan por una exuberancia que representa en conjuntos de personajes anónimos en situaciones de realidad y teatralidad.

Nace el 16 de enero de 1941 en la Ciudad de México. De 1958 a 1959 realiza sus estudios de Estética y Psicología del Arte y Filosofía y Letras en la Universidad Nacional Autónoma de México, así como en la Academia de San Carlos, todas ellas en México D.F. Estudia de 1962 a 1965 en la Escuela del Louvre y la Academia de Beaux Arts. (Paris, Francia) y en la Goldsmith College (Londres, Inglaterra). Herrera es un artista hecho, un pintor conocido y respetado dentro de su medio, cuya actividad siempre se ha orientado a la creación. Su obra se caracteriza por una tendencia a ocuparse de asuntos orientales que muy pocos artistas de estas latitudes han encarado como él lo ha hecho. Desde muy joven se acercó a disciplinas milenarias como el tai-chi-chuan, de la que se convirtió en experto. Pertenece a una generación plástica muy cercana a la de la Ruptura. Su obra ha sido expuesta en México, Estados Unidos, Italia, Francia, Bélgica, Inglaterra, España, Cuba, Alemania, Venezuela y Costa Rica.

Sergio Garval was born in Guadalajara, Jalisco in Mexico in June of 1968. He trained as an artist in the School of Visual Arts in the University of Guadalajara as well as in the painting and xylography workshops of master artists Aurora Guerrero and Luis Nishizawa. Abroad, he participated in the Summer Studio Residency at the New York School of Visual Arts in New York, New York in the United States. He has participated in more than eighty individual and collective expositions in Mexico, the United States and around Latin America. His work has been recognized through more than a dozen prizes in national competitions; He has received a number of grants for his work including those of the State Council for the Arts and Culture of Jalisco in 1994 and in 1995 as well as the of 2004-2005. Furthermore, he has a great deal of experience as a teacher of Visual Arts in the Instituto Cultural Cabañas. Garval translates what his imagination dictates. It is impossible not to notice his work due to the exuberance that they emit in representations of groups of anonymous people in realistic as well as theatrical situations.

Raul Herrera was born on the 16th of January in 1941 in Mexico City. From 1958 he completed his studies in Aesthetics and Psychology in Arts and Philosophy of the Autonomous University of Mexico as well as in the San Carlos Academy which is also in Mexico City. From 1962 to 1965 he studied in the School of the Louvre and in the Academy of Beaux Arts in Paris, France. He has also studied in Goldsmith College in London, England. Herrera is a well developed artist, a well-known painter and is very respected in his field. He has always been dedicated to creative activities. His work is characterized by the tendency to take up oriental themes which is something that very few artists at these latitudes have been able to achieve to the degree that he has. Since he was a very young man, he has been interested in millennium aged arts such as tai-chi-chuan, of which he has become an expert. He belongs to a generation of artists that is very close to what is known as the “Rupture.” His work has been shown in Mexico, the United States, Italy, France, Belgium, England, Spain, Cuba, Germany, Venezuela and Costa Rica.

black coffee gallery | Al alimón 141

MAXIMINO JAVIER Oriundo de Valle Nacional, Oaxaca, nace en 1948. Realiza sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Oaxaca; es miembro fundador del Taller Rufino Tamayo de esa ciudad. Desde 1978 realiza múltiples exposiciones entre las que destacan las realizadas en Galería del Instituto Francés de América Latina, Galería Rubicón, los Altos, Cal.; en la Klein y en el Arts Workshop Gallery, en Chicago, en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, Grand Palais, en el Museo de Monumentos Franceses y en la Galería de Arte, Centro Aldaba, Madrid. Su obra forma parte de las siguientes colecciones:, Continental Bank,Chicago, Phillip Morris Corp., Nueva Cork; Museo Mexicano, San Francisco, Cal.; Museo de Arte, Universidad de Iowa; Banco Nacional de México, Ciudad de México; Museo de Arte Byer, Chicago; museo de Arte Contemporáneo, Montevideo; y colección Ben Nordemann, Nueva York . Recibió el premio de Adquisición 1983 en la I Bienal de grabado Iberoamericano, Montevideo; premio en la Tercera Trienal World Prints Council 1979. Y su obra fue elegida, entre 4129, para exhibirse, con otras 150 obras, en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, California.

Maximino Javier was born in Valle Nacional, Oaxaca in 1948. He completed his studies at the School of Fine Arts of Oaxaca. He is a founding member of the Rufino Tamayo Visual Arts Workshop in the same city. Since 1978, he has had multiple expositions. Those that stand out the most are those done in: the Gallery of the French Institute of Latin America; the Rubicon Gallery in Los Altos, California; in the Klein and in the Arts Workshop Gallery in Chicago; in the Museum of Modern Art (moma) in San Francisco; in Grand Palais, the Museum of French Monuments and in the Art Gallery, Centro Albada in Madrid. His work is a part of the following collections: The Continental Bank, Chicago; Phillip Morris Corporation, New York; the Mexican Museum, San Francisco, California; the Museum of Art of the University of Iowa; the National Bank of Mexico, Mexico City; the Byer Museum of Art, Chicago; the Museum of Contemporary Art in Montevideo; and the Ben Nordemann collection in New York. He received the acquisition prize 1983 in the Biennale of Ibero-American etchings in Montevideo; the prize in the Third Triennial World Prints Council of 1979. His work was selected among 4,129 artworks to be exhibited with 150 other pieces in the Museum of Modern Art (moma) in San Francisco, California.

IVONNE KENNEDY Nace en la ciudad de Oaxaca en 1971. Autora de reminiscencias clásicas y arquitectónicas en un medio que privilegia el pintoresquismo folclórico y una supuesta visión mítico-mágica, su rebeldía a asumir los moldes de la inexistente pero muy publicitada “escuela oaxaqueña de pintura” la singulariza tanto como la iconografía urbanística que privilegia en sus cuadros. Se ha escrito que es una pintora que elabora con colores una melodía visual. Su música iconográfica, de sutil monotonía, de estribillos reiterados con perseverancia, busca inducir al espectador hacia otra realidad, mejor dicho, a conducirlo a otras facetas de la realidad. Desde 1988 ha participado en exposiciones colectivas en diversas ciudades de México, Estados Unidos, Holanda y Alemania. Individualmente, entre sus exhibiciones más importantes están “Tierra de arcanos” (1998) “Tiempos y ausencias” (2001) y “La transparencia del silencio” (2001). A principios de 2010, su obra reciente fue expuesta en Herzebrock-Clarholz, Alemania.

Ivonne Kennedy was born in the city of Oaxaca in 1971. The author of classical and architectonic reminiscences in a medium that privileges a folkloric picturesque style and a supposed mythical-magical vision, her rebellion takes on the forms of the inexistent yet very publicized “Oaxacan School of Painting,” which, along with the urban iconography that she uses quite often in her paintings, makes her unique. It has been written that she is a painter who creates a visual melody with colors. Her iconographic music, of a subtle monotony, verses reiterated with perseverance, looks to lead the spectator to another reality, or even better, to lead the spectator to other aspects of reality. Since 1988 she has participated in various collective expositions in cities in Mexico, the United States, Holland and Germany. Individually, among her exhibitions that have been considered among the most important are: “Tierra de arcanos” (1998) “Tiempos y ausencias” (2001) and “La transparencia del silencio” (2001). At the beginning of 2010, her most recent work was shown at the Herzebrock-Clarholz in Germany.

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ABELARDO LÓPEZ

EMILIANO LÓPEZ

Nació en San Bartolo Coyotepec, Oaxaca en 1957. Realizó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca, forma parte de la primera generación egresada del célebre Taller de Artes Plásticas Rufino Tamayo. Respecto a su paisaje Abelardo dice: “Me gusta pintar el entorno en el que me desenvolví desde niño. Me gustan los cielos despejados, las formas de la naturaleza sin sombras, pintar algo no visto, inventado. Pinto de la manera que me causa más placer, con mi propio sello y estilo”. Su obra se ha expuesto en diversas ciudades de México, destacando Oaxaca, Xalapa, México D.F, Guadalajara y Monterrey, así como en Washington, Filadelfia, San Antonio, Chicago y San Francisco, Estados Unidos y Madrid, España. Ganador del tercer lugar en el XIII Concurso Nacional para Estudiantes de Artes Plásticas (1998), su obra forma parte del acervo del Museo Rayo Roldanillo, en Colombia, del Aeropuerto Internacional de Oaxaca y del Hospital Inglés, entre otros.

Nace en Valle Nacional, Oaxaca en 1959. Estudia en el Taller de Artes Plásticas Rufino Tamayo (1978-1984) de la ciudad de Oaxaca. En 1980, cuando aún era un estudiante, inicia su camino de exposiciones, como la realizada durante el XIV Concurso Nacional de Artes Plásticas de Aguascalientes o la muestra celebrada en la Galería Tierra Adentro (inba) en la ciudad de México. En el campo de las individuales, en 1986 se presenta en Puerto Vallarta, de 1990 a 1993 en Oaxaca, y en 1994 en San Francisco, California. Su obra ha sido reconocida en diversos espacios culturales de México (“Museo Carrillo Gil” D.F., “Club de Industriales de Jalisco” Guadalajara, “Centro Financiero Valle Banamex” Monterrey), y de los Estados Unidos (“Smith Andersen Gallery” Palo Alto, y “Redding Museum of Art and History”, Redding, en California, “Instituto Cultural Mexicano” Austin, Texas), por mencionar algunos. Su trabajo forma parte de la colección del Museo de Arte Hermilia Domínguez de Castellanos en Comitán, Chiapas.

Abelardo Lopez was born in San Bartolo Coyotepec, Oaxaca in 1957. He completed his studies in the Benito Juarez Autonomous University of Fine Arts of Oaxaca. He was part of the first generation of those who have studied in the Rufino Tamayo Visual Arts Workshop. With respect to his landscape painting, Abelardo says: “I like to paint the surroundings that I have been a part of since I was a child. I like clear skies, the forms of nature without shadows, paint something that is unseen, made up. I pant the way that gives me pleasure, with my own stamp and style.” His work has been shown in diverse cities throughout Mexico, such as Oaxaca, Xalapa, Mexico City, Guadalajara and Monterrey as well as in Washington D.C., Philadelphia, San Antonio, Chicago and San Francisco in the United States. In Spain, he has shown in Madrid. He was the third place winner in the XIII National Competition for Students of the Visual Arts in 1998. His work is part of the collection of the Rayo Roldanillo Museum in Colombia and at the Oaxacan International Airport, English Hospital, among others.

Emiliano Lopez was born in Valle Nacional, Oaxaca in 1959. He studied in the Rufino Tamayo Visual Arts Workshop from 1978 to 1984 in the city of Oaxaca. In 1980, when he was still a student, he began to present his work in expositions such as the XIV National Visual Arts competition in Aguascalientes or the show that took place in the Galería Tierra Adentro (inba) in Mexico City. In terms of individual expositions, in 1986, he showed in Puerto Vallarta, from 1990 to 1993 in Oaxaca and in 1994 in San Francisco, California. His work has been recognized in a number of cultural institutions in Mexico such as “Museo Carrillo Gil” in Mexico City, “Club de Industriales de Jalisco” Guadalajara, “Centro Financiero Valle Banamex” Monterrey, and in the United States “Smith Andersen Gallery” Palo Alto, and “Redding Museum of Art and History”, Redding, California, and the “Instituto Cultural Mexicano” Austin, Texas, to mention a few. His work is part of the collection Museo de Arte Hermilia Domínguez de Castellanos en Comitán, Chiapas.

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EDDIE MARTÍNEZ Nace en San Francisco del Mar, Juchitán, Oaxaca en 1963. Su formación la debe al Taller de Artes Plásticas Rufino Tamayo de Oaxaca, donde se inició en 1980, bajo la dirección de Roberto Donís; y en 1984, al Taller Libre de la Gráfica Oaxaqueña, ahora con la orientación de Juan Alcázar. A los 25 años expuso en forma individual “Eddie Martínez”, en la Galería Arte de Oaxaca. En 1983, participó en “Cuatro artistas de Oaxaca”, en el Museo Carrillo Gil de la Ciudad de México y en el Instituto Cultural Mexicano de San Antonio, Texas. Sus piezas contienen múltiples personajes, objetos y motivos de la vida cotidiana en eventos caóticos y estimulantes. Tiene múltiples exposiciones individuales y colectivas en México, Estados Unidos, Canadá y Uruguay. Su obra pertenece a diversas colecciones tales como la del Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano en Punta del Este, Uruguay, y del Museum of Art, University of Arizona. En 1982 recibe el Primer Premio en el IV Concurso de las Américas, udla, México.

Eddie Martinez was born in San Francisco del Mar, Juchitan in Oaxaca in 1963. His artistic training was mostly done in the Rufino Tamayo Visual Arts Workshop in Oaxaca where he began in 1989 under the tutelage of Roberto Donis. He also took part in the Open Graphic Arts Workshop of Oaxaca in 1984 now under the direction of Juan Alcazar. When he was twenty five years old, he had an individual exposition called “Eddie Martinez” in the Oaxacan Art Gallery in Oaxaca. In 1983 he participated in the exposition “Four Oaxacan Artists” in the Museo Carrillo Gil in Mexico City and in the Mexican Cultural Institute in San Antonio, Texas His work has multiple personalities, objects and motifs from daily life in events that are both chaotic and stimulation. He has participated in a number of individual as well as collective expositions in Mexico, the United States, Canada and Uruguay. His work belongs to several collections such as those in the Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano in Punta del Este, Uruguay and in the Museum of Art at the University of Arizona. In 1982 he received first prize in the IV Competition of the Americas at the udla in Mexico.

AMADOR MONTES Amador Montes vio la luz primera el 16 de junio de 1975 en la Ciudad de Oaxaca, cursó la licenciatura de diseño gráfico. Su historia ha estado envuelta desde su niñez en una atmósfera de arte y belleza indígena y mestiza. Por las noches escuchaba desde siempre la voz de su padre narrando leyendas que llenaron la imaginación de un niño y se convirtieron en la creación plástica de un adulto. Desde el primer año de su carrera universitaria se inclinó por la pintura como medio de expresión primordial. Posteriormente participó en diversos talleres de dibujo, diseño textil, cerámica y fotografía, entre otros. Su obra ha sido expuesta en importantes galerías y museos de Oaxaca, Puerto Vallarta, Ciudad de México, Guadalajara, Chihuahua, Mérida, Puebla y Monterrey, entre las que destacan Arte de Oaxaca, Museo del Risco, Galería Oscar Román, Galería Misrachi, Complejo Cultural Universitario de la BUAP, Museo Regional de Guadalajara y Galería Drexel. De igual forma su obra también es reconocida y admirada en España, Italia, Canadá, Francia, Corea, Estados Unidos, El Salvador, Nicaragua y Emiratos Árabes Unidos.

Amador Montes was born on the 16th of June in 1975 in the city of Oaxaca. He completed his bachelor’s degree in Graphic Design. His story has been enveloped since his childhood in an atmosphere of art and indigenous and mixed beauty. At night, he used to listen to the voice of his father who told tales that filled the imagination of the child and turned into visual creations as an adult. From the first year of his university studies he was more inclined towards painting as a means of primordial expression. Later, he participated in various workshops that focused on drawing, textile design and photography, among others. His work has been shown in important galleries and museums in Oaxaca, Puerto Vallarta, Mexico City and Monterrey. Those that most stand up are Arte de Oaxaca, Museo del Risco, Galería Oscar Roman, Galería Misrachi. His work has also been recognized and admired in Spain, Italy, Canada, France, Korea, the United States, and the United Arab Emirates.

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IXRAEL MONTES

OSCAR ODÍN

Nace el 14 noviembre 1971 en San José de Las Flores, Jamiltepec, Oaxaca. Estudia la carrera de Artes Plásticas en la Escuela de Bellas Artes de Oaxaca. En 1996 realiza cursos de grabado en el Taller de Artes Plásticas Rufino Tamayo. El desarrollo de su pintura ha sido constante, con una evolución que ha transitado de lo figurativo mágico a la abstracción y últimamente a una fusión de los ambos géneros. Basada en la experimentación con técnicas y materiales, su obra suele ser gráfica y contrastada, con temática que lleva cierta ironía y con una influencia muy marcada de las máscaras costeñas africanizadas que se usan en los carnavales de esta región oaxaqueña. Su pintura en forma consciente o no, recurre a una estrategia tamayista, es decir, da presencia a la imagen sobredimensionada y que parece ser la parte nodal de su propuesta, ésta conserva la simetría, la metáfora y su origen del ser. Ha expuesto de manera individual y colectiva en diversas ciudades de México, Estados Unidos y Japón.

Nace en la Ciudad de México en 1977, estudia dibujo en la Escuela Nacional de Artes Gráficas y se incorpora al movimiento Comic Underground de los 90’s compartiendo créditos con importantes ilustradores como Edgar Clemen y Ricardo Peláez. En 1998 realiza su primer mural, actividad que le lleva a optar por la pintura como principal medio de expresión. A los veintiún años realiza su primera exposición individual apadrinado por el productor de cine Gustavo Alatriste, ese mismo año decide viajar a Oaxaca para estudiar pintura en el Taller Rufino Tamayo, durante esta etapa recurre al arte pop y al surrealismo como estilos fundamentales en su trabajo, en el año 2006 viaja a España con la finalidad de estudiar de cerca a los grandes maestros europeos, bajo esta influencia realiza su primera exposición individual en Madrid, se muda posteriormente a Berlín, ciudad en la que trabaja dos años, es en Europa donde redefine su pintura como realismo fatalista, en 2009 regresa a Oaxaca donde vive actualmente.

Ixrael Montes was born on the 14th of November, 1971 in San Jose de las Flores in Jamiltepec, Oaxaca. He completed his studies at the School of Visual Arts in the Fine Arts School of Oaxaca. In 1996 he studied etching in the Rufino Tamayo Visual Arts Workshop. The development of his painting has been constant and has reflected an evolution that has come from the magical figuration to abstraction and finally to a fusion of both genres. Based on an experimentation with techniques and materials, his work is usually graphic and contrasting and has a thematic that is imbued with a certain irony that is markedly influenced by the very African masks from the coast that are used in the carnivals along this region of Oaxaca. His painting has, whether consciously or not, elements from the strategies employed by Tamayo, that is, he reveals a certain presence of the exaggerated dimensions of the image that seems to be the central focus of his artistic proposal, one that conserves symmetry, metaphor and the origen of being. He has had individual shows and has participated in collective expositions in Mexico City, the United States and Japan.

Oscar Odin was born in Mexico City in 1977. He studied drawing at the National School of Graphic Arts and became incorporated into the movement Comic Underground of the 1990’s sharing credits with important illustrators such as Edgar Clemen and Ricardo Pelaez. In 1998 he completed his first mural, an activity that led him choose painting as his principal means of expression. When he was twenty one years old, he had his first individual exposition which was patronized by the film producer Gustavo Alatriste. That same year, he decided to travel to Oaxaca in order to study in the Rufino Tamayo Visual Arts Workshop. During this period, he turned to pop art and surrealism as fundamental styles in his work. In 2006, he traveled to Spain with the idea of studying closely the great European masters. It was under this influence that he had his first individual exposition in Madrid. Later he moved to Berlin, where he worked two years. In Europe he redefined his painting as fatalist realism. In 2009, he returned to Oaxaca where he now resides.

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RUBÉN OSIO Nace en Huajuapam de León, Oaxaca, México en 1972. Rubén posee una mano diestra, su interesante trabajo tiene un rico colorido, es vibrante y fuerte, fundamentalmente figurativo y realista. En su obra retoma muchos aspectos de la cultura oaxaqueña, especialmente de la región de la Costa, donde habita la raza negra, la cual ha nutrido su imaginación. Además de la pintura, ha participado en la ilustración de diversos impresos, entre los que destacan el libro “Ébano: versos costeños y poesía regional” realizado por Israel Reyes Larrea y Angustia Torres Díaz para el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes en el 2008. Sus exposiciones individuales y colectivas han sido apreciadas en diversos espacios culturales a nivel nacional tales como “Galería Rodolfo Morales”, “Centro Cultural Ricardo Flores Magón”, “Centro Cultural Santo Domingo” y “Galería Arte de Oaxaca”, así también en la “Galería Caftán Rojo” en Jalapa, Veracruz. Internacionalmente en la Universidad Francisco de Vittoria, Madrid, España.

TOMÁS PINEDA MATUS Ruben Osio was born in Huajuapam de León, Oaxaca, Mexico in 1972. He has a very able hand and his interesting work is rich in vibrant and strong colors, fundamentally figurative and realist. In his work, he considers many aspects of Oaxacan culture, especially those of the coast where there is a strong African presence, something that has fed his imagination. In addition to painting, he has also participated in various illustration projects and that which stands out the most is the book “Ebony: coastal verses and regional poetry” edited by Israel Reyes Larrea and Angustia Torres Diaz for the National Council for the Arts and Culture in 2008. His individual and collective expositions have been well received in various cultural institutions around Mexico such as “Galería Rodolfo Morales”, “Centro Cultural Ricardo Flores Magón”, “Centro Cultural Santo Domingo” and “Galería Arte de Oaxaca”, as well as in the “Galería Caftán Rojo” in Jalapa, Veracruz. Internationally, he has had shows in the Universidad Francisco de Vittoria, Madrid, Spain.

Nace en Chicapa de Castro, Juchitán el 5 de agosto de 1968. Estudió en el Taller de Artes Plásticas del Instituto Tecnológico del Istmo y en el Taller de Artes Plásticas Rufino Tamayo. Estudia con los maestros Shinzaburo Takeda, Juan Alcázar, Antonio Perez, Charles Barth y, ya en los noventas, asiste a varios cursos de pintura avanzada con Luis Nishizawa, en Guanajuato. Sus exposiciones se han presentado en diversos espacios entre los que se encuentran la galería de Arte de Oaxaca, Centro Cultural José Guadalupe Posada, Civic Center, de Palo Alto, Cal, Moon Gallery, en Bali, Indonesia, Centro Cultural Jorge Luis Borges, en Buenos Aires, el Palacio de Minería, Ciudad de México, el Museo del Banco Central de Guayaquil y en el Centro Cultural Mexicano, Quito. Cabe destacar que ha desarrollado una valiosa labor en el campo del diseño gráfico, disciplina en la que es docente. Su obra forma parte de las colecciones del Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano, en Punta del Este, Uruguay y de la Pinacoteca del Ayuntamiento de Juchitán.

Tomas Pineda was born in Chicapa de Castro, Juchitan on the 5th of August in 1968. He studied in the Visual Arts Technological Institute of the Isthmus and in the Rufino Tamayo Visual Arts workshop in Oaxaca. He studied with masters such as Shinzaburo Takeda, Juan Alcazar, Antonio Perez, Charles Barth and, in the 1990’s, he attended various courses of advanced painting with Luis Nishizawa in Guanajuato. His exhibitions have been held in diverse spaces among which are: the gallery Arte de Oaxaca, Centro Cultural José Guadalupe Posada, the Civic Center in Palo Alto, California, Moon Gallery, in Bali, Indonesia, Centro Cultural Jorge Luis Borges, in Buenos Aires, el Palacio de Minería in Mexico City and the Museo del Banco Central de Guayaquil and in the Centro Cultural Mexicano, in Quito. It is worth mentioning that he has done great work in the field of graphic design, a discipline in which he is also a teacher. His work is part of the collections of the Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano, in Punta del Este, Uruguay as well as in the Pinacoteca in the Juchitan City Hall.

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JORGE PINZÓN

ROLANDO ROJAS

Nace en Colombia en 1972. Arquitecto por la Universidad Piloto de Colombia en 2001. Su trabajo atrae por su riqueza plástica, así como por la naturalidad de su trazo y composición. La cuidadosa aleación existente entre el manejo del color y la temática de su pintura se transforma en una invitación sensorial e intelectual, generadora de una atmósfera que anima a adentrarse en la experiencia de conocer su obra caracterizada por múltiples dimensiones de lectura. Su lenguaje plástico de naturaleza mística, hace uso de códigos, simbolismos y arquetipos universales, como elementos clave de su alfabeto estético, que en su propuesta indagan sobre el acto de existir. “Entiendo la imagen como un evento vivo, puramente humano, testigo intuitivo e intelectual de las geografías del alma. Un camino abierto entre las dimensiones tangibles e intangible, una pregunta y respuesta simultánea transformándose en el tiempo”. Su obra se puede apreciar en México, Colombia, Cuba, Panamá, España, Estados Unidos y Canadá.

Nace el 23 de febrero de 1970, en Santo Domingo Tehuantepec, Oaxaca, México. Estudia en el Taller de Artes Plásticas de la Casa de la Cultura de Tehuantepec y en la Universidad Autónoma Benito Juárez la Licenciatura en Arquitectura. En su pintura empalma el son de las almas y los corazones con las estrellas, los animales híbridos apeados en ruedas, los cornetines y las bandas que contienen formas que producen con frecuencia repeticiones propias del barroquismo arquitectónico. Uno puede observar la obra de Rolando y descubrir cómo sus raíces, su tradición, marcan en él esta expresión iconográfica narrativa de su vida, no solo del pasado sino del presente. Acompañando con estudios de arquitectura y de restauración logra adentrarse en el lienzo blanco transformándolo en un lenguaje propio y novedoso, suscitando una comunicación rápida con el espectador. Ha expuesto en diversas ciudades de México y en Francia (París), Italia (Florencia) y Estados Unidos (Pennsylvania, San Antonio y San Francisco).

Jorge Pinzon was born in Colombia in 1972. He studied to be an architect in the Universidad Piloto de Colombia in 2001. His work is attractive for its visual richness as well as the naturalness of his lines and composition. The careful blending between the use of color and the theme of the paintings is transformed through the execution into a sensorial and intellectual invitation, generating an atmosphere that encourages the viewer to enter into the experience of getting to know a work that is characterized by the multiple dimensions of the possible readings. The visual language that has a mystical nature, uses codes, symbolism and universal archetypes as key elements of his aesthetic alphabet that is used as his proposal to look deeply into the act of existence. “I understand the image as a live event, purely human, an intuitive and intellectual witness of the soul’s geographies. An open path between the tangible and intangible dimensions, a simultaneous questioning and answering transforming through time.”

Roland Rojas was born on the 23rd of February in 1970 in Santo Domingo Tehuantepec, Oaxaca in Mexico. He studied at the Visual Arts Workshop of the Cultural Center in Tehuantepec as well as in the Benito Juarez Autonomous University of Oaxaca. Here he received his bachelor’s degree in Architecture. In his paintings he connects the son of souls and hearts with the stars, hybrid animals put on wheels, coronets and bands that have forms that have forms that frequently produce repetitions that are characteristic of baroque architecture. In the work of Rolando, one can observe and discover how his roots and tradition mark the iconographic narrative expression of his life, not only of the past but also of the present. Accompanied by architectural and restoration studies, he is able to get deep into the white canvas and transform it into his own, new language, inspiring a quick communication with his spectators. He has held various exhibitions in cities in Mexico and in France (Paris), Italy (Florence) and the United States (Pennsylvania, San Antonio and San Francisco).

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VIRGILIO SANTAELLA Nace en 1964 en San Pablo Huitzo, Etla, Oaxaca. Virgilio es un artista abstracto, ha sido así siempre, ha hecho suyo ese lenguaje sintetizado de las cosas, del tiempo, de las relaciones humanas, de los sentimientos. Sus cuadros no se complican: tienen un lenguaje que es para todos. Para entablar un diálogo con las obras de Virgilio Santaella no bastan los ojos, se compromete la memoria del gusto, del olfato, del tacto, del oído, la emoción, la respiración. El espectador de su obra se ve dentro siempre de algo vivido recientemente; se transporta al recuerdo sencillo de una caricia, de una sonrisa, de una conversación, de un momento de silencio. Virgilio pinta todo esto con una hermosa simplificación, tomando la esencia de cada situación. Expresa lo que observa, lo que percibe, lo que siente. La obra del maestro Santaella forma parte del acervo de la Biblioteca Benjamín Franklin que depende de la Embajada de Estados Unidos en México. Por su trayectoria, Santaella fue merecedor de la Beca en Artes Visuales que le otorgara el Fondo Estatal para la Cultura y las Artes, a través del Instituto Oaxaqueño de las Culturas, en la edición 1993-1994.

Virgilio Santaella was born in 1964 in San Pablo Huitzo, Etla, Oaxaca. Virgilio is an abstract artist and always has been. He has made the language his own, that is, the synthesis of things, time, human relations, feelings. His paintings do not complicate matters: they have a language that is accessible to everyone. In order to begin a dialogue with the artwork of Virgilio Santaella, the eyes are not enough. They are also committed to the memories of taste, olfactory, tactile, audio, emotional, and respiratory. The viewer of his work always sees something within, something recently lived; one is transported to the simple memory of a caress, a smile, a conversation, perhaps a moment of silence. Virgilio paints all of this with beautiful simplification, taking the essence of every situation. He expresses what he observes, perceives and feels. The work of Santaella is part of the collection at the Benjamin Franklin Library of the Embassy of the United States in Mexico. Along his trajectory, he has been recognized by various awards such as the Grant in Visual Arts that the State Fund for Culture and Arts, given through the Oaxacan Institute of Culture during the period of 1993 to 1994.

ALEJANDRO SANTIAGO Nació en 1964 en Teococuilco de Marcos Pérez, Oaxaca, un pequeño pueblo en la sierra norte zapoteca. Partió de su pueblo natal a los nueve años con su familia a la ciudad en busca de mejores oportunidades. Después de estudiar arte en Oaxaca, ejerció su profesión en los Estados Unidos y Europa durante diez años. Durante su estancia en París, la nostalgia por sus orígenes se vio reflejada en su pintura, preñada de referencias por la cultura oaxaqueña. De vuelta en su tierra, el impacto de encontrar su pueblo prácticamente “vacío”, lo sacudió a tal grado que decidió adentrarse en la problemática de la migración y elevar su muy personal protesta en un canto solidario a través de su trabajo plástico. Por ello surge el gran proyecto titulado “2501 migrantes”, el cual fue exhibido, en su primera fase, en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, y posteriormente en el Forum Cultural 2007 en Monterrey, N.L. Sus obras han sido expuestas y apreciadas en México, Francia, Bélgica y Estados Unidos.

Alejandro Santiago was born in 1964 in Teococuilco de Marcos Perez, Oaxaca, a small town in the Zapotec northern sierra. He left his birthplace with his family when he was nine years old in order to look for better opportunities in the city. After studying art in Oaxaca, he practiced his profession in the United States and in Europe over a period of ten years. While he was in Paris, the nostalgia for his place of origin could be found in his paintings which were pregnant with references to Oaxacan culture. When he came back, the impact that finding his town practically empty shook him so hard that he decided to take up the problematic that surrounds migration and to elevate his personal protest into a show of solidarity through his artwork. This is the origin of his grand project called “2501 Migrants” which was shown, in the first stages, in the Contemporary Art Museum of Oaxaca, and later in the Cultural Forum 2007 in Monterrey, Nuevo León. His work has been shown in Mexico, France, Belgium and the United States.

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ALEJANDRA VILLEGAS

SIEGRID WIESE

Nace en la Ciudad de Oaxaca, en el año de 1977. En 1996 estudia en el Taller de Artes Plásticas Rufino Tamayo en su ciudad natal, más adelante en este mismo taller, participa en un curso especial de pintura, impartido por el Maestro Roger Von Gunten. Así da comienzo este proceso de exponer su interior, rumbo a la expresión de sí misma, a través de técnicas como el monotipo, dibujo y óleo. Necesita respirar, degustar, oler otras culturas, otros lugares, por eso a raíz de sus viajes se ha compenetrado como una observadora de los colores, la cultura, la comida, los olores, los cuales han sido una fuente importante de inspiración, en cuyo lenguaje se ha expresado con soltura. A partir de ellos su obra ha adquirido un toque más universal. Desde sus primeros viajes a Europa su obra ha mostrado cambios determinantes, siendo influenciada por algunos pintores tan importantes como Picasso. Cuenta con más de 32 exposiciones individuales y colectivas en México, España, Costa Rica y Estados Unidos.

Nace en 1980 en la ciudad de México. Reside en la ciudad de Oaxaca desde el año 1981, donde se desarrolla como artista plástico. Actualmente forma parte del “Colectivo 910” de la misma ciudad. Su obra ha pasado por diferentes etapas, creando una serie de piezas intrigantes. Desde 1999 a la fecha, ha realizado exposiciones individuales y colectivas en diversas ciudades de México, tales como Oaxaca, Chiapas, Chihuahua, Jalisco, Veracruz, así como en Madrid, España. En el 2002 fue seleccionada en la Bienal Paul Gauguin, expuesta a nivel sur de México. Ha ilustrado diversas revistas y libros. Su primera participación fue en 2004 en el libro “Antología de una Mañana de Domingo” escrito por Rito Salinas. Posteriormente, en el 2005, ilustra la revista “Plan de los Pájaros, Arte, Cultura y Análisis”, en su número 12. Entre otras intervenciones destacan los realizados para “Revista Tierra adentro”, en su número 148, “Palabrarte”, número 27 y “La Patria Ilustrada”, número 5, todas ellas en el 2007.

Alejandra Villegas was born in the city of Oaxaca in 1977. She studied in the Rufino Tamayo Visual Arts Workshop in her birthplace and later, in the same workshop, she participated in a special painting course that was given by master painter Roger Von Gunten. And so the process of revealing her interior began on the path of self expression through techniques such as monotypes, drawing and oil painting. She needs to breathe, tastes, smell other cultures and places and rooting her expression in her travels in which she penetrated as an observer of the colors, culture, food and smells, all of which have been an important source of inspiration in a language that has been expressed with tremendous agility. From there her work has a universal touch. Since her first trips to Europe, her work has shown determinant changes, being influenced by various painters who are of great importance such as that of Picasso. She has had more than 32 individual and collective expositions in Mexico, Spain, Costa Rica and the United States.

Siegrid Wiese was born in 1980 in Mexico City. He has lived in the city of Oaxaca since 1981 where he has developed as a visual artist. Currently he is part of the “910 Collective” in the same city. His work has gone through various stages which has led to a body of work that has a series of intriguing pieces. From 1999 up to the date of this printing, he has held individual expositions and has participated in collective expositions in places such as Mexico City, Oaxaca, Chiapas, Chihuahua, Jalisco, Veracruz as well on the international stage in Madrid, Spain. In 2002, he was chosen in the Biennale Paul Gauguin, representing the southern part of Mexico. He has done illustration work in various books and magazines. His first participation of this sort was in 2004 in the book “Antología de una Mañana de Domingo” (Sunday Morning Anthology) written by Rito Salinas. Later, in 2005, he did illustration work for the magazine “Plan de los Pájaros, Arte, Cultura y Análisis”, (The bird plan, Art, Culture and Analysis ) in its 12th edition. Among the other interventions and participations include those in the magazine “Revista Tierra adentro”, in its 148th edition “Palabrarte”, in its 27th edition and “La Patria Ilustrada” in the fifth edition, all of which were done in 2007.

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YURI ZATARAIN Nace en 1972 en la ciudad de Mazatlán, Sinaloa, México. Estudió Diseño Industrial en la Universidad Autónoma de Guadalajara, Jalisco.Su obra se rodea de sentimientos, existe un anhelo por redescubrir algo totalmente nuevo en la esencia de temas tan antiguos com el amor mismo, desde trazos a lápiz pasando por pinceladas que deletrean colores en toda su propuesta. Yuri Zatarain muestra un paso más en su plástica, incursionando en la escultura, la pintura y las sensaciones de nostalgia para contar historias, que en cierto momento, todos deseamos volver a vivir. Entre los países que han expuesto su obra se encuentran: México, Estados Unidos, Francia, Inglaterra, Italia, Costa Rica, Argentina, Brasil, Chile, Alemania, Rusia, Grecia, España, Australia, Arabia Saudita y Sudáfrica.

Yuri Zatarain was born in 1972 in the city of Mazatlan, Sinaloa, Mexico. He studied industrial design at the Autonomous University of Guadalajara in Jalisco. His work is surrounded by feelings and there is a drive to rediscover something completely new in the essence of themes as ancient as love itself using pencil drawings then brushstrokes that spell out the aesthetic statement at hand. Yuri Zatarain shows one step more in his work, journeying into sculpture and painting and the feelings of nostalgia in order to tell stories, that in certain moments, we all want to relive. Among the countries in which he has had exhibitions include: Mexico, the United States, France, England, Italy, Costa Rica, Argentina, Brazil, Chile, Germany, Russia, Greece, Spain, Australia, Saudi Arabia and South Africa.

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Sucursales Amador Montes

Yuri Zatarain

Av. Patria 1197 Col. Jardines de Tepeyac Guadalajara, Jal. Tel. +52 (33) 3125 1404

Av. Tepeyac 59 Col. Campo Polo Chapalita Guadalajara, Jal. Tel. +52 (33) 3647 7874

Sucursal Patria

Sucursal Tepeyac

Virgilio Santaella

Maximino Javier

Av. Ramón Corona 4522 Col. Jardin Real Guadalajara, Jal. Tel. +52 (33) 3365 4029

Blvd. Puerta de Hierro 4965 Col. Puerta de Hierro Guadalajara, Jal. Tel. +52 (33) 3611 1011

Rolando Rojas

Saúl Castro

Av. Manuel Acuña 3184 Col. Terazas Monraz Guadalajara, Jal. Tel. +52 (33) 3642 3204

Av. Lázaro Cárdenas No. 3770 Col. Jardines de San Ignacio Zapopan, Jal. Tel: +52 (33) 3123 2819

Sucursal Santa Margarita

Sucursal Manuel Acuña

Sucursal C.C. Andares

Sucursal San Ignacio

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Tomás Pineda Matus Ismael Vargas

Sucursal San Isidro

Av. Chapultepec No. 460 Local 2 Col. Americana Zapopan, Jal. Tel. +52 (33) 3615 8715

Av. Camino Bosques San Isidro 1475 Local FS03 (esquina Río Blanco) Col. El Centinela II Centro Comercial Punto San Isidro Zapopan, Jal. Tel. +52 (33) 3685 1161

Román Andrade

Abelardo López

Av. Vallarta y Rafael Sanzio Plaza Galerías Local N1516 Col. La Estancia Guadalajara, Jal. Tel. +52 (33) 3682 9528

Av. Américas 1501 Local J-12 Centro Comercial Punto Sao Paulo Col. Country Club Guadalajara, Jal. Tel. +52 (33) 3817 4672

Sucursal Chapultepec

Sucursal Plaza Galerias

Sucursal Sao Paulo

Vladimir Cora

Al Alimón

Centro Cultural San Pancho San Pancho, Nayarit Tel. +52 (31) 1216 6088

Plaza San Jerónimo Col. Centro. Oaxaca, Oax. Tel. +52 (951) 514 9230

Sucursal San Pancho

Sucursal Oaxaca

Alimón

Se terminó de imprimir en los talleres de Carteles Editores en septiembre de 2010. Colón 605, Centro Histórico, Oaxaca, Oaxaca. México. Su formación se llevó a cabo con el programa Adobe InDesign, utilizando la familia tipográfica Thesis. La edición consta de 2,500 ejemplares.

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