revista_8klts by karina castillo

Créditos Somos

Karina Castillo Uribe Dirección / Edición general Marcela Cifuentes Contreras Comunicación y Marketing / Edición Claudia Fuentes Petricic Diseño y Dirección de arte Camila Rubilar Conejeros Fotografía / Periodista

Karina Castillo Uribe

Marcela Cifuentes Contreras

Claudia Fuentes Petricic

Camila Rubilar Conejeros

8KLTS

Av Providencia 574, Oficina 5 Santiago / Chile Fono: 848 92 87 Contacto@8klts.cl _ www.8klts.cl 8klts es realizada por Procreart _ www.procreart.cl

índice

Categorías: MOTION GRAPHIC > PaperMelon

Pág 04 DISEÑO EDITORIAL > Joia

Pág 08 ILUSTRACIÓN > Jon Burgerman

Pág 12 TIPOGRAFÍA > Julia Brodadskaya

TIPOGRAFÍA > André Beato

Pág 20 GRAFITI > Calligraffiti

Pág 24 TATTOO > Grime

Pág 28 TATTOO > Scott Campbell

DISEÑO CHILENO > Mono González

Pág 34 DISEÑO CHILENO > ALvarejo

Pág 38 DISEÑO EMERGENTE > Jorge Montero

Pág 42 DISEÑO EMERGENTE > Yum yum London

Pág 16 Pág 30

Pág 44

_MOTION GRAPHICS

PEPPERMELON

Buenos Aires / Argentina peppermelon.tv

PepperMelon es una reconocida empresa de character branding y animación CG situada en Buenos Aires, Argentina. PepperMelon ha desarrollado varias piezas para grandes empresas internacionales, como Nike, Hewlett Packard, MTV International & Latin America, VH1, Nickelodeon, Cartoon Network, The Guardian, Unilever, y mas… PepperMelon es un estudio de sangre argentina, formado tan solo hace 4 años por un equipo de talentos de animación, diseño y creatividad, especializado en Character Branding, Comerciales, Branded Content. Elegidos por Motionographer como dentro de los mejores 20 estudios de Motion Graphics del mundo, son hoy representados comercialmente por Passion Pictures en Europa y Patricia Claire en USA (la misma empresa que representa a Digital Domain. PepperMelon se destaca por pensar y desarrollar proyectos de vanguardia en lo que se refiere al concepto, al arte y a la puesta técnica. Entre sus trabajos más destacados en Argentina, pueden verse la campaña de Mamá Lucchetti, y en lo que respecta al mercado internacional se pueden ver clientes tales como The Guardian, Nike, MTV, VH1, Nickelodeon, Cartoon Network, Target, entre otros.

Tomás tenía 18 años cuando hace 12 se fue Buenos Aires, después de haberse criado en el barrio Rosendo López, para estudiar Imagen y Sonido en la Universidad de Buenos Aires (UBA). En 2005 conoció a Fernando Sarmiento mientras hacía la post producción de la película La Antena del director Esteban Sapir. “Pegamos buena onda y en 2007 pusimos Pepper Melon”. Pepper Melon es una agencia que hace publicidad y que tres años después de la fundación ya cuenta con 14 empleados y hace trabajos para MTV, Fox Italia, Studios Universal y el canal Cartoon Network. Pero cómo fue hacer ese trabajo que, según dice Tomás, los ubicó en el mercado. Las publicidades de la empresa de alimentos Lucchetti las hace la agencia Madre y fue desde ahí que llamaron a los PepperMelon. “Vieron una publicidad que habíamos hecho para Nike con unos caracoles. Les gustó y nos llamaron a mediados de 2008. Ellos ya tenían la música que era una canción de los Muppets y querían hacer algo con personajes. Y trabajamos muy bien porque nos dieron tiempo. Para crear los personajes estuvimos seis meses”. Las indicaciones para llegar a esa mamá que maneja magistralmente la ironía eran precisamente esas: “querían que con sólo mirarlos te rías. La idea era que sean dulces, pero que a la vez hubiera algún aspecto ácido y por eso hay tantos gestos,manejo de tiempos...”. PepperMelon hizo cuatro publicidades de la ahora famosa mamá Lucchetti y luego quedó en otras manos. Además de los mencionados, García y su equipo hicieron el de la madre que arma una familia perfecta y el de presentación en el que hay un coro y un negro que imita la voz sensual de Barry White. Antes de Lucchetti hubo que instalarse. “Como no teníamos ningún trabajo se nos ocurrió inventar un reel (secuencia de unos dos minutos. Entonces inventamos trabajos con Nike, MTV y los mandamos a las agencias. Nos llamaron de MTV y nos preguntaron si ya habíamos trabajado con ellos. Les contestamos que no, que eso era un invento, pero parece que les gustó porque nos contrataron”. ¿Con esta publicidad de la mamá pasa un fenómeno similar al de las películas de la productora Pixar donde lo pueden disfrutar padres e hijos? -Bueno, en principio te digo que en la agencia somos todos fanas de Pixar y nos gustaría llegar a la milésima parte de lo que son ellos. Y en cuanto a eso de padres

e hijos disfrutando juntos, sí, es un poco así. Siempre quisimos trabajar con personajes y este fue un trabajo con el que nos encontramos a gusto, aprendimos bastante y nos divertimos. ¿Hay buena publicidad en la Argentina? -Hay mucho talento, pero los tiempos que se manejan en la Argentina son muy diferentes a los que se manejan afuera. Con Madre trabajamos muy bien, pero en general no tuvimos buenas experiencias por los tiempos, las agencias de acá quieren todo más rápido y no le dan valor al tiempo que se necesita para hacer un buen trabajo. En este caso nos tomamos seis meses y quedó buenísimo. ¿La publicidad se puede hacer desde el interior? - Con Internet, sí. Nuestros clientes son casi todos del exterior. No estamos acostumbrados a tener reuniones en persona, así que uno se puede comunicar desde

cualquier lado y enviar los trabajos. Lo más difícil del interior es conseguir el personal. Pero si sos diseñador o diseñador de personajes, tenés que buscar en Internet donde poner tu portfolio y que lo vean. ¿Por qué a veces se recuerda la publicad pero no se sabe a qué producto pertenece? -Muy buena no debe ser porque la forma le gana al mensaje. Falla conceptualmente. ¿Harías una campaña política? -Nunca vino ningún político. Y no creo que venga. Por lo que hacemos, no creo que nos llamen. La idea nuestra es que nos llamen por lo que hacemos. Viento y escuelalas escuelas medias de la universidad”. ¿Por qué Pepper Melon? -Por una pavada. Mi socio es de apellido Sarmiento que rima con pimiento, de ahí Pepper y Melon porque lo asociamos con Sandía, que rima con mi apellido García.

Los chicos de animaron a una familia salsera para el comercial del nuevo Mexsana Avena. Una ejecución impecable de diseño de personajes, animación y efectos especiales (en el talco).

Peppermelon realizó esta identidad para MTV Stockholm. Se trata de una increíble mezcla de video con composición digital y personajes en 3D, que nos muestra el buen trabajo que realiza este estudio en Argentina. Con un diseño de personajes único nos transporta por un paseo en bicicleta dentro de un parque, donde la realidad y lo surreal conviven..

> Brock O’Leees una animación de poco más de un

minuto en la que un pobre brócoli con mucho glamour no encuentra consuelo ante su falta de aceptación por su sabor simplón. En su crisis acude a un psicólogo, que resulta ser un apetitoso muffin endulcorado. Es la primera apuesta de este reconocido estudio de animación por crear una mini serie de cortos con mucho gancho.

FIRST es un trabajo de 2 meses para el festival f5 en Nueva York realizado por Peppermelon. Para participar el tema del cortometráje fue felicidad, así que crearon esta animación 3D de criaturas bizarras con emociones humanas.

_DISEÑO EDITORIAL

JOIA MAGAZINE Santiago / Chile www.joiamagazine.cl

La disciplina puede ser un factor determinante en los resultados de muchos quehaceres, que por un lado puede ser autoimpuesto por nosotros mismos, o bien, para un fin personal, ejemplo, un proyecto de vida, una meta, un sueño o un emprendimiento que nos permite, entre otras cosas, establecer el principio de la larga ruta en nuestro rumbo profesional. Este último caso, en la actualidad, es muy considerado por muchos nuevos profesionales. Es el caso de Álvaro y Pablo, alias JOIA magazine, sigiloso proyecto, que por mas, tiene mucho esta difícil costumbre.

Veintitrés de Noviembre, seiscientos sesenta y cinco de Santa Rosa, el sol a full, sobre todo dentro de operaciones en los que se posiciona Álvaro Fierro y Pablo Bahamonde, quienes componen JOIA magazine, o la primera revista impresa de Arte y Diseño de Chile. Cuenta la historia que por el año 2005 Álvaro y Pablo, mientras estudiaban Diseño, tenían la idea de desarrollar un Fanzine que hablara de diversos temas relacionados a lo que ellos estudiaban, esto por la inexistencia de este tipo de medios. “Comenzamos con la idea de desarrollar un fanzine que se pensaba dirigido para los compañeros, los amigos, desde un comienzo la idea siempre fue de ambos, muchos tuvieron la intención de participar de alguna manera, sin duda muy pocos pudieron, finalmente aportar con algo. El tiempo avanzaba, el proyecto seguía vigente, la

inquietud desde que se comenzó a gestar la idea del Fanzine. Existía ya un proceso, una investigación, el desarrollo, se comenzaba a definir ciertos aspectos a tratar en este, pero sin duda había que pegarse el salto de manera que todo lo que se estaba haciendo tuviera justificación y no quedara, una vez más, por ahí sin ser resuelto. Comienza el desafío, ambos estaban decididos a concretar todo lo hecho todo el tiempo invertido. Comienzan a desarrollar prototipos de la evolución de ese Fanzine, que ya tenía aspecto de Revista, con el fin de comenzar a presentárselas a los que, se pretende, sean los primeros en apoyar su propósito, o sea, sus auspiciador. Sin duda esta tarea no fue nada fácil, pero ambos ya tenían mucho tiempo de persistencia y por lo demás, esta parte no sería imposible. No fue ni ha sido la excepción respecto de lo complicado

de conseguir apoyo fundamental para el desarrollo del plan y es que, luego de tiempo considerado, en Abril de dos mil siete comienza el tumor que está circulando una nueva publicación, que es de Arte y Diseño, algunos la tienen, otros no, es más, hasta después de un buen tiempo de su Richard la podía ver de nuevo. JOIA magazine, edición 1 con portada negra, esa misma. La escasez de tipo de medios llevo a Álvaro a gestar el proyecto que según nos cuentan pretende posicionarse como Referente nacional, Sudamericano y por qué no Mundial en términos de revista, proyecto independiente y resultados de Disciplina constructiva. Joia es en términos generales una Galería impresa donde podemos encontrar lo más variado en autores de todo el globo respecto a las Artes y Diseño, es decir, pintura, fotografía, instalaciones, grafica, además entrevistas a destacados cultores de esta área nacionales e internacionales, al mismo tiempo una Galería en el que se muestra una selección de exponentes nacionales y por lo general jóvenes que exponen sus modos de trabajar distintas técnicas y espacios dentro de las Artes y el Diseño, el resultado de esto, noventa y seis páginas de extenso material pocas veces visto en nuestra sociedad ávida de leer revistas buenas per un tanto indiferente a la hora de querer consumirlas y/o adquirirlas

La información se selecciona según los interés por edición (que por cierto ya cuentan con una tercera), no hay nada pautado, sino que lo que ellos les interese mostrar a sus lectores. Sin duda y como todo orden de cosas existen ciertas dificultades que ya de tanto conocer proyectos similares, parecen casi obvias. La primera y a la que muchos tememos el Auspicio o como diríamos mas directamente ¿Quién nos p one la plata para hacer esto? Al respecto nos cuentan que fue un proceso importante porque debían programar una estrategia para que al momento de visitar a posibles Auspiciadores, estos sintonizaran con el proyecto y pudieran lograr el objetivo tan preciado, importante y por ciertos siempre necesario. “Lo primero que hicimos fue confeccionar maquetas de lo que sería la revista para que así ellos pudieran ver y saber que era realmente lo que pretendíamos”. La estrategia no dio los resultados esperados pero sin duda comenzaron a conocer el “know how” de presentarse frente a quienes se les estaba pidiendo lo material para llevar a cabo y hacer realidad el objetivo propuesto. Las soluciones fueron sugiriendo de la incansable dedicación, la disciplina y la tozudez. Así en Abril de este año se concretaba el primer resultado de esta larga y silenciosa primera parte para darle vida a la primera

noventa seis páginas a todo color de JOIA. Pasa el tiempo, no en vano, y ya ciertas cosas van tomando un buen rumbo, las ventas marchan bien, la crítica del publico es positiva, entrevistas, visitas, invitación a charlas, etc. Pero sin duda aquella primera edición es solo el comienzo de un largo camino (un cliché para darle más aliento), Así es, porque luego de meses desde el primer lanzamiento, Álvaro y Pablo siguen con la búsqueda de información, los contactos, los mails, las preguntas, las respuestas, las invitaciones, las entrevistas, la redacción de la información para la siguiente edición, las imágenes, la portada, las ventas, las entregas de los días viernes de los pedidos, los ofrecimientos, otras entrevistas mala espina, el diseño, la diagramación, la info. Que no llega, la info. Que ya no llegó, etc. etc., pero sin duda lo más delicado de este juego había que seguir encontrándolo, el auspicio. Tras lo realizado, lo contactado y lo visitado, en Septiembre de este mismo año y con una cantidad razonable de empresas que confiaron sus capitales a estos dos amigos y colegas, surge JOIA magazine 2, con muchas más expectativas, muchos más lectores, etc. el camino se comienza a visualizar, el producto: un nuevo Medio de Comunicación.

_ La JOIA VEINTE se lanzó oficialmente el jueves 13 de Octubre. La selección de artistas fue la cualidad más elogiada de la nueva edición, pero también destacó el pequeño libro con el Top 20. Además del código QR que permite ver la revista en tu teléfono.

_ILUSTRACIÓN

Jon burgerman JON BURGERMAN

Nottibgham / Reino Unido jonburgerman.com

Un vago profesional Poner la mente en blanco, relajar la espalda y los hombros, tomar un lápiz, carboncillo, pincel, pastel o lo que encuentre a alcance de la mano, y dejarse llevarse llevar por el suave peso de la muñeca. Ilustrar con la cabeza en cualquier parte sin pensar seriamente en lo que se esta haciendo, por mas que el resultado se infantil, grotesco, tonto o maravillosamente estupido, dejarse llevar por lo que venga. Esto es hacer “doodling ”, y jon burgerman, una especie de budista pop b r i tá n i co, es u n o d e l o s a r t i stas que mas seriamente se lo a tomado; con esta técnica de ilustración ha conseguido renombre internacional y a aportado a la frescura algunos gigantes como Sony, BBC, The Guardian, Pepsi, Coca-Cola, IBM, Puma y Levis. Se trata de composiciones complejas que juegan con lo i n c i er to m ed i a n te l a i nte ra c ción de personajes y figuras abstractas, logrando así tramas entretenidas que siempre consiguen simpatiza. Burgerman retoma el legado estetico del cartoon, llevandolo a un estado puro de niñez para luego mezclarlo con elementos de la cultura pop. “Piensen en Walt Disney encaramado en un monumento Inca bajo el estado de la mezcalina” es el lema de la agencia

intencional de Debut Art para promocionar el trabajo de Burgerman haciendo eco del estilo lisérgico que lo que caracteriza. Y es que su técnica parece ser siempre la misma: dejarse arrastrar por un universo de personajes i m a g i n a r i o s q u e s e l e p re sentan en una variedad de formatos y colores, para ir marcando en el camino no solo cuadros, papeles y muros, si no también vinilos, material de packaging, stickers, bolsos, ca m i s eta s , ta s a s y c uanto objeto se le cruce.

Otro detalle que llama la atención del trabajo de jon burgerman es el extraño equilibrio entre superficialidad y profundidad que alcanza con todos sus trabajos. Tanto en sus murales e ilustraciones como en sus objetos de trabajos de arte y juguetes, nos es posible observar en primera instancia esa vaga despreocupación del doodling (que viene del término “doodle”: garabato), pero una vez que nos detenemos a observar lo oculto en los detalles, comprendemos el fuerte sentido de esa minuciosa imperfección. Y es que para el artista británico su trabajo es algo tan complejo como su propia vida: “Todas las decisiones que tomo en mi vida tienen un efecto en mi trabajo. Donde vivo, donde viajo, lo que me pongo, lo que como, la música que escucho, los libros que leo, etc., todo tienen un impacto. Creo que los artistas deben vivir sus vidas de acuerdo a su visión de mundo. El conjunto de imágenes que estoy presentando no es solo dibujos en papeles, sino que soy yo. Mis dibujos, mis escritos, mis canciones, mi humor, mis comidas estan todas conectadas a la persona que soy; el proyecto de arte en su tonalidad soy yo, para bien o para mal”

Además de lo visual, burgerman ha incursionado en el mundo auditivo. Un ejemplo de esto es Anxieteam, el proyecto musical pop/naif que tiene con su amigo, también artista, Jim Avingnon, donde Burgerman se encarga de tocar el ukelele. La idea que los une es la experimentación mediante el cruce de música y artes visuales, y los resultados son coloridas performances manchadas de esos sonidos melancólicos propios de instrumentos low fi. Conciertos en Italia, Alemania, Inglaterra y EEUU dan muestra del éxito que han tenido.

Burgerman lo pasa bien. Burgerman viaja much. Burgerman es, digasmolo, un ejemplo muy claro del artista vago, aquel hombre irreflexivo que se deja llevar por el entorno y las digresiones internas sin oponer mayor resistencia. Un vago que , como lo define la RAE, “anda de una parte a otra, sin detenerse en ningun lugar”. Pero no solo eso; se trata también de un vago que en su andar resulta gracioso, es decir, un vago a la italiana. Para entender mejor esto, escuchemos al escritor italiano Calvino:

“el italiano es, creo, la única lengua en la que “vago” significa también gracioso y atrayente: partiendo del sentido original de wandering (vagar), la palabra vago lleva consigo una idea de movimiento y de mutabilidad que en italiano se asocia con lo incierto y con lo indefinido, como con lo gracioso y lo agradable”. Definición que adquiere sentido sobre todo cuando se aplica al trabajo de jon burgerman, en tanto nos habla de ese extraño movimiento. Quizá dubitativo, quizá indeciso, pero ciertamente vivo, y, en tanto vivo, finalmente atrayente.

_TIPOGRAFÍA

YULIA BRODSKAYA Moscú / Rusia artyulia.com

Artesana de la Tipografía El trabajo de Yulia Brodskaya es de esos que da gusto usar como ejemplo en el debate sobre la búsqueda de originalidad. La sencillez de su propuesta, en cuanto a los materiales, y la compleja belleza de lo que logra, son una refrescante muestra de que la noción de que ya está todo hecho siempre estará equivocada.

> Portafolio

El argumento de esta tipógrafo y diseñadora gráfica rusa está hecho de papel, y como él proyecta diversos efectos, dependiendo de lo que esté expresando. El dominio de distintas líneas y el cuidado uso de variados colores y texturas son la característica más marcada de sus trabajos. Y todo lo logra con una dedicación de artesana, que le permite trabajar del papel con fuentes nada fáciles de estilo sans serif o script, y llevarlas a una nueva dimensión con un resultado final que resalta por su pulcritud.

Todo lo que se retrata en la fotografía final de las obras de Yulia es hecho a mano. Sólo los bosquejos sobre los que trabaja en las etapas previas son levemente corregidos coloreados digitalmente.

_ Las ilustraciones en el interior de papel para la ediciĂłn del rediseĂąada de la revista New Scientist. / Junio 2009

_ De papel empleadas para el nĂşmero de primavera de la revista Contacto (Royal Mail). / Junio 2009

La motivación de su labor la encuentra en la certeza de que “la tipografía es extremadamente importante para la comunicación, las personas necesitas sentir lo que leen y la tipografía le agrega otro nivel de profundidad a la percepción de la palabra escrita”.

- Para mí, las emociones y los pensamientos son básicamente la misma cosa.

Otra de las ideas que sostiene su obra es la de que la emoción y el pensamiento son una misma cosa. Asegura que los pensamientos sólo son emociones puestas en palabras o simplemente más formadas o definidas, y desde esta base enfrenta la elaboración de sus obras. Yulia nació en Moscú, pero en 2004 se fue a Inglaterra, donde realizo una maestría en Comunicación Gráfica en la Universidad de Hertfordshire. En su corta carrera, que ha experimentado un explosivo reconocimiento en los últimos 3 años, ha desarrollado prácticas como la pintura textil, la papiroflexia –u origami- y el collage, las cuales combina con su formación como diseñadora para explorar nuevas creaciones a partir del papel. Actualmente reside en Londres; a sus 28 años ya cuenta entre sus clientes a emblemáticos medios de comunicación (The Guardian, The New Cork Times Magazine, WIRED, Étapes) y a empresas de otros ámbitos, como Nokia, Starbucks y Cadbury. “Me gusta caminar por la calle y ver mi trabajo en algún letrero publicitario o escuchar a alguien diciendo que acaba de ver mi trabajo en alguna parte”. Su prolífica y solicitada producción le asegura a Yulia la posibilidad de seguir experimentando esa satisfacción durante un buen tiempo…

_TIPOGRAFÍA

ANDRÉ BEATO Lisboa / Portugal andrebeato.com

Apostolado Tipográfico. Gracias a su talento en la tipografía ilustrada, el portugués André Beato partió de su Lisboa natal a Londres con el fin de hacerse un nombre. Sus clientes son marcas como Niké y ESPN, y su trabajo ha aparecido en un sinfín de medios especializados. En medio de un gran auge en el mundo de la tipografía, Beato hace una retrospectiva del estado de las cosas, explica su vocación y de qué manera la usa como medio de expresión. Hoy en día, el afiche o póster tipográfico ha tenido un auge sin precedentes en el diseño gráfico y en la industria, tanto publicitaria como editorial. En un mundo dominado por la imagen, la palabra se ha tomado su propio espacio, y con ella las letras, volviéndose éstas protagonistas de la visualidad actual. Basta una mirada a sitios especializados como typojungle, typographicposters y typegoodness, entre otras, para darse cuenta de la importancia y la calidad del fenómeno, y para descubrir nombres como Aron Jancso, Si scout, Hort o Alex Trochut.

La letra como forma, la palabra como plasticidad (además de mensaje), tal parece ser la consigna de estos creadores entre los que cuenta el joven portugués André Beato. Con 29 años recién cumplidos, este diseñador partió a Londres, donde se ha hecho un nombre trabajando en diversas campañas y en revistas. Desde Inglaterra, Beato contesta esta entrevista haciendo alusión a lo que lo mueve como artista, a sus inquietudes respecto a esta escena pujante de la tipografía y a su mirada como creador. Ya que, si bien la tipografía es un arte antiguo, es en el último tiempo que ha sido objeto de una valorización revolucionaria.

- Yo no me considero un tipógrafo, ¡me considero más bien alguien a quien le gusta jugar con la tipografía y las letras!

Entrevista ¿Por qué elegiste dedicarte al diseño? He decidido seguir el camino del diseño gráfico tal vez por que desde muy temprano he estado relacionado con él. Crecí y pasé la mayor parte de mis vacaciones cuando era niño en el estudio de mi padre, viéndolo trabajar como ilustrador y diseñador gráfico. ¿Tenías aptitudes para el dibujo en la escuela? Mis compañeros decían que sí, no sé…. Bueno, yo creo que sí, ya que solía ser la disciplina que más me gustaba y en la que tuve las mejores notas. Además, siempre me ha gustado dibujar. ¿Qué encontraste en la tipografía que te empujó a convertirte en un tipógrafo? Una corrección: yo no considero un tipógrafo. Un tipógrafo hasta el final, es alguien que construye tipos de letra desde el principio hasta el final, con los moldes y las placas de metal, y tiene una comprensión profunda de las cuestiones técnicas relativas a las formas de las letras… ¡yo me considero más bien alguien a quien le gusta jugar con la tipografía y las letras! Es cierto que puedo personalizar algunas letras, pero no del modo detallado y técnico que implica la creación formal de un tipo de letra. Creo que es interesante jugar con la tipografía, porque es posible realizar muchas cosas diferentes con ella, sobre todo cuando se combina con la ilustración, pues ahí adopta otra clase de vida, otra fuerza, y esto me parece realmente emocionante. ¿Qué piensas acerca de la expansión del diseño tipográfico en los últimos años? Creo que no es sólo algo de los últimos años; es cierto que últimamente se ha mostrado más, con un montón de gente nueva apareciendo, pero la verdad es que la tipografía “ilustrada” se ha ido ampliando año tras año desde hace mucho tiempo. En todo caso, crei que este es el desarrollo normal de cualquier área… ¡y los medios hoy en día permiten que crezca más rápido!

Friends of Tipe - http://friendsoftype.com

La revolución a través de las letras ¿Tienes influencias del mundo de la tipografía? Mi influencia y mi inspiración las tomo de diferentes lugares, no sólo de la tipografía o del área del diseño gráfico. Pero, por supuesto, hay algunos tipógrafos y diseñadores gráficos que me han influenciado mucho: Tony Forster, Herb Lubalin, Lou Dorfsman y Dispigna Tony son algunos de ellos. Además, los chicos de la vieja escuela han dejado un legado fantástico. ¿Qué opinas respecto a que la tipografía sea considerado un arte por sí misma? Creo que es genial que la tipografía se considere un arte, porque lo es, de hecho, y siempre lo será. En estos últimos años, quizá debido al auge de la tipografía ilustrada, ha habido un reconocimiento mucho más grande de esto.

Dentro del afiche tipográfico, cada parte de la letra es un componente plástico, y, más aún, expresivo. El ponerle negritas, rellenarla, utilizar o no serif, darle o no color, ampliar o disminuir el tamaño, todo influye en la expresión de una letra, y esto se eleva al cubo cuando pensamos en las relaciones entre las letras y las palabras, todo en el marco de un canal expresivo que tiene sus propios símbolos y códigos gráficos. En otras palabras, todo, absolutamente todo significa, nada es gratuito. Por ello, resulta apasionante descubrir las posibilidades de esta técnica, la que además constituye un signo de los tiempos: prácticamente todos los movimientos estéticos contemporáneos han contando con su propia tipografía, dejando huellas. Desde el Art Nouveau hasta el Art Deco, pasando por el Bauhaus, los partidos políticos (oficialistas y revolucionarios), la psicodelia y el punk.

Cada corriente tuvo su propia manera de graficar los textos en sus afiches, sin mencionar los poemas cubistas de Vicente Huidobro, que utilizan el texto como material plástico, además de mensaje. Los artistas actuales del área se nutren de toda esta historia, y dan un paso más reflejando en su trabajo su propia visión de las cosas. Para ellos, las herramientas digitales han sido factor clave. ¿Crees que hay una cierta “escena” de tipógrafos en este momento? Sí, de hecho últimamente han aparecido muchas personas dedicadas a la ilustración tipográfica. Creo que es interesante ver este tipo de fenómenos, no sólo en la tipografía ilustrada, sino también en todo el campo de la ilustración, para observar cómo se desarrollan y cómo terminan estos movimientos. ¿Qué tipo de tipografía prefieres? ¡Me gustan todas! Para ser honesto, es muy difícil. ¡Es casi imposible elegir una! Todas tienen sus particularidades y características que la distinguen de las otras y las hacen especiales.

la fuerza y el carácter adecuado. Por lo mismo, es misterioso el instinto con el que trabajan los diseñadores tipográficos, pues tienen que vérselas con los significados de lo que está antes de significante. ¿Cómo puedes hacer un diseño de gran alcance visual con algo que no es propiamente una imagen, sino una palabra? Las palabras por si mismas acaban dictando el poder visual, porque la palabra desde ya expresa su propio significado, su propio mensaje, lo que me da todas las pistas para definir el diseño. ¿Crees que se trata de un arte sólo para iniciados? Bueno, tal vez no cualquiera tiene la capacidad de diseñar tipografías, pero tampoco creo que sea un trabajo sólo para aquellos que tienen aptitudes artísticas. No sé… la tipografía ilustrada no tiene fronteras ni barreras. Es para cualquiera, pero, por supuesto, creo que es esencial disponer de un desntido de la estética y el diseño, el resto es algo natural.

¿En qué clase de proyectos has estado involucrado? Desarrollo de logotipos para marcas y diseños para colecciones de prendas de vestir. ¿Y cómo los has desarrollado? Depende mucho de la información atribuida, porque hay clientes que tienen ya desde el inicio del proyecto una idea de lo que quieren exactamente, lo cual no me da mucho espacio para maniobrar, mientras que otros te dan una libertad total. En estos casos siempre depende de a dónde ellos quieren ir con las frases que eligen, pero por lo general sigo mi sentido estético e instintivo.

Don´t Panic -Portugal, October 2010

Texto e imagen En cierta medida, afiche tipográfico es un arte abstracto, que juega con formas y colores más que con las figuras de significado (aunque ello también ocurre, dependiendo del caso), por lo tanto, al no ser figurativo, se vuelve una herramienta bella, potente y compleja. Su objetivo ya no son símbolos ni íconos, sino plasticidad pura, fluidez, volumen y color; todo esto constituye un vehículo determinante para que el significante, o sea, el contenedor formal del significado, pueda expresarse con

Show Us Your Type - Barcelona 2010

Heartbreaker - Permalink Filed 2010

De la ciudad y la comunidad Como ocurre en otras ramas del diseño y las artes plásticas, la tipografía y el afiche tipográfico se han convertido en un arte que se comparte y se estudia en comunidades, favoreciendo la conformación de colectivos. Este es un aspecto más del progreso de las artes tipográficas, progreso que ha estado íntimamente ligado a las grandes ciudades, y particularmente una: Londres. ¿Por qué te mudaste a Londres? Porque pensé que sería interesante conocer y vivir otra realidad, lo que se me hizo posible porque no había nada que me retuviese en Lisboa. Además, trabajar freelance me dio la chance de moverme con más facilidad a otro país. ¿Cómo te sientes en el Reino Unido? ¿Es un lugar estimulante para vivir cuando eres un artista visual? ¡Me siento muy bien! Y sí, Londres es un lugar muy interesante para vivir como artista. Este fue uno de los tantos aspectos que me motivaron a venirme acá. En esta cuidad siempre hay mil cosas sucediendo al mismo tiempo (exposiciones, eventos, etc.), es realmente una cuidad en la que se respira arte por todas partes. ¿Qué puedes decir acerca del bombo que se le ha dado a la tipografía? El mundo de hoy está rodeado por la publicidad en todos lados y la tipografía no es una excepción… lo único que puedo decir es que espero que el bombo pueda traer beneficios y elevar la tipografía a otro nivel (que es lo que creo que va a pasar) y que no se convierta en algo trivial…

¿Con qué marcas has trabajado? Puedo darte como ejemplo los casos de Montana Cans (Alemania) y Niké; en ambos proyectos el objetivo era la creación de diseños para sus colecciones, en el caso de Montana fue toda la colección de primavera de 2010, ¡una gran experiencia! En cuanto a Niké, por suerte, hasta el día de hoy sigo trabajando con ellos y ¿qué puedo decir?... ¡que es el cliente soñado! ¿En qué clase de proyectos te gustaría participar más adelante? Bueno, afortunadamente he tenido la suerte de trabajar en algunos proyectos muy interesantes. No me importa si se trata de un proyecto pequeño o de una marca desconocida, con tal de que el trabajo sea motivador y emocionante. Pero, por supuesto, un gran anuncio para una marca como lo es Coca-Cola sería uno reto genial, porque el resultado final tendría una proyección enorme, ¡se vería en todo el mundo! ¿Cuáles crees tú que son los nuevos retos para el? Creo que los nuevos retos de la tipografía (como el de cualquier otro arte) es siempre mostrar cosas nuevas y frescas. ¡Elevar el nivel es la consigna!

Thinkin´About - 2010

¿Cómo ves su evolución en el futuro? Buena pregunta, No tengo ni idea… es algo difícil de predecir, pero si hay algo claro: ¡el cielo es el límite!

¿Qué piensas sobre la creación de comunidades artísticas? Creo que es muy buena la existencia de estas comunidades, porque ayudan a difundir y promover el trabajo de varios artistas. Yo, por el momento, participo en Cargo y en Behance. ¿Qué piensas acerca de plataformas como typojungle, typographicposters y typegoodness? Me gustan mucho. Es en este tipo de plataformas donde se publica lo mejor que se está haciendo en el área de la tipografía en todo el mundo; además ayudan a promover y difundir el trabajo de nuevos artistas.

East London

KDU x IdN BOOK - 2011

_GRAFITI

CALLIGRAFFITTI

Netherlands / Amsterdam calligraffitti.nl

en la escuela la mitad de la gente de mi clase estaba escribiendo sus apodos en las paredes del inodoro y en las calles. Y siempre he tenido una extra帽a obsesi贸n por las letras. Por lo tanto, era bastante obvio, la verdad.

Tinta china y marcador negro permanente en una pared de ladrillo. Wudaoying, Beijing.

EL REY Y EL CALIGRAFISTA Se cuenta la historia de un rey que convocó a la nación es el mejor calígrafo de vida y le pedía que hiciera un dibujo para simbolizar el Reino. El calígrafo tranquilizó a su señor como a su lealtad ya la izquierda para llevar a cabo su tarea. Pasaron los días, luego semanas. El rey envió un mensajero al estudio de la ubicación remota del calígrafo para saber lo que estaba sucediendo. El mensajero regresó con el informe que el dibujo no estaba listo. Meses llegaron y se fueron. Cada representante a la del calígrafo fue despedido secamente con la misma información que el dibujo no era todavía completo.

Después de años habían pasado, el rey podía contener su impaciencia y ya no salió furioso al estudio del calígrafo sí mismo. El calígrafo está sentado allí, en silencio y, evidentemente, muy a gusto. El Rey está furioso, “¿Dónde está mi dibujo?”, Grita. Ante esto, el arco del calígrafo en silencio, saca una hoja grande de papel hacia él, establece una serie de jarras delante de él, coge un pincel y, en dos minutos, ha llevado a cabo el diseño más maravillosamente sinuosas para representar el Reino.

a la parte de atrás de su estudio, donde hay un hueco grande con puertas que van desde el suelo hasta el techo. Él abre las puertas y fuera de la planta vierta miles de dibujos de estudio.

El rey apenas puede controlar su ira: “Si es tan fácil, ¿por qué he tenido que esperar tanto tiempo? ‘. Que todavía mantiene su silencio el calígrafo va

acerca del artista

Niels Shoe Meulman (también conocido como Shoe) es un artista de renombre internacional y diseñador gráfico. Él es nacido, criado y con sede en Amsterdam, Países Bajos.

Trabajo en proceso. Fotografía de Mark Groen.

Meulman comenzó etiquetar “Shoe” en 1979 y se convirtió en una leyenda pintada cuando tenía 18 años. En los años ochenta conoció a artistas de Nueva York como Dondi, Rammellzee, Haze, Quik y Keith Haring. Luego formó los Reyes Crime Time con Bando de París y Mode2 de Londres. Con ellos dieron el graffiti en Europa su propio estilo distintivo. En la década de los noventa amplió su técnica de aprendiz en el diseño gráfico con el maestro holandés Anthon Beeke. En los años posteriores, él creó la propia empresa de diseño, Caulfield & Tensar y fue socio en la agencia de publicidad insubordinados, que más tarde se convirtió en la marca de pañuelos de seda y una galería. Niels zapatos Meulman revolucionó el arte de escribir con Calligraffiti, una forma de arte que fusiona la caligrafía y graffiti. Se puso en marcha este movimiento en 2007 con una exposición en solitario en Amsterdam. Desde entonces, sus piezas Calligraffiti (firmado NSM) se han mostrado en varias exposiciones internacionales y forman parte de las colecciones de varios museos. Su estilo de pintura más reciente puede ser descrito como el expresionismo abstracto con un origen caligráfico.

es una combinación de caligrafía y graffiti. La caligrafía es el arte de la escritura y puede tener muchas formas. Ya se trate de caracteres japoneses de pinceles antiguos, árabe pictórico escrito, libros medievales o escribir pluma... todo caligrafía.

interview con el artista ¿Cuándo se inicia por primera vez a los bombardeos? Y Calligraffiti? Mis etiquetas de zapatos Frist son de 1979. El bombardeo real comenzó en 1983. El estilo Calligraffiti fue mostrado por primera vez en 2007. ¿Quiénes son los primeros escritores en los Países Bajos? ¿Y cuándo comienzan los bombardeos? Los primeros escritores en Amsterdam eran de la variedad Punk. En los escritores de principios de los ochenta el graffiti como Ego, Dr. Air y Walking Joint conjunto son más del tipo hooligan. En 1983 empezamos a ver los bombardeos al estilo de Nueva York y luego el movimiento realmente despegó. ¿Podría contarnos acerca de su estilo de graffiti? Calligraffiti es mi manera de traducir el arte de la calle hasta el interior de museos, galerías y apartamentos. Cuanto mayor me hago, más me atrae la sencillez y la franqueza. La clase de franqueza que usted encontrará en el graffiti y el etiquetado especial. Siempre he estado fascinado por Oriente y la caligrafía árabe y yo tomo estos aspectos, junto con mi experiencia en el diseño y la comunicación y la fusionó en un estilo personal: Calligraffiti.

Mural junto a Paul Do Bois-Reymond para el proyecto callejero “See No Evil” en Bistol.

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GRIME

San Francisco / California grimemonster.com

Grime Interview con el artista ¿Dónde te criaste? Grand Junction, Colorado. ¿Siguen haciendo mucho graffiti ahora? Yo no he hecho tanto en los últimos 6 meses como debería, pero todavía me gusta mucho el graffiti. Sólo puse mis energías en otras direcciones. ¿Tienes algún tipo de capacitación formal en el arte? Tomé dos clases de arte en la universidad como en el ‘92, una clase de dibujo básicas y una clase de colores básicos. Eso fue todo. Luego lo dejé. ¿Qué medios trabajas a pesar de que no son tus favoritos? No sé... el tatuaje es impresionante. Me gusta pintar con acrílicos y esas cosas. Me gusta porque... ya sabes, es una especie de diversión porque jodes y no tienes ningún parámetro. Sólo un poco en el otro extremo del espectro de una composición muy refinada y completa necesaria como los tatuajes. Por lo tanto, sólo pinto..

garabatos, cosas así, cosas simples. Me gusta hacer un montón de auto-retratos. Me gustan mucho las letras. Yo sorteo de letras, así, no me hagan un montón de cartas. Vamos a decir que estoy muy interesado en las letras. ¿Qué más? Me gusta la fotografía mucho... Me gustan las fotos polaroid un poco ... y me gusta escribir. ¿Cómo entraste en el tatuaje? Este amigo mío ya estaba en el tatuaje durante unos años, fue autodidacta, Chris Rupp. Él fue el tatuador y yo ya había estado queriendo tatuar desde hace algún tiempo, luego llegó el momento y sabía que yo tenía que hacerlo mierda. Y él accedió a ayudarme. Él me ayudó mucho y, básicamente, me inició y me enseñó a tatuar.

“Two Year Autopsy” Hablemos de tu libro, ¿cuándo sale a la venta? Es un dolor de cabeza, saldrá aproximadamente en un mes si todo marcha bien. ¿De qué trata? Es un libro de fotos para el recuerdo entre el 1999-2000, Tiene fotos de graffiti. Obras de arte. Fotos de viajes. Fotos por amor artístico. Desechos varios, recibos y mierda ... lo he recogido de forma que se vea algo interesante ... y algunas notas de mis diarios. ¿Cuántas páginas tiene? 128 páginas, tamaño retrato 8 1 / 2 “x 11”, a todo color de tapa dura ... 40 dólares.

Si todos piensan que mis tatuajes son una mierda y yo creo que son geniales, voy a creerme el Rey Mierda de la Isla Caca.

¿Dónde puede la gente conseguir tu libro? Uhhh, no sé... “Last Gasp” se supone lo venderá. Por mi lado en la página web, supongo, pagando en línea. ¿Quién hizo los diseños y todo? Yo edité todo el material necesario y luego se lo pasé a mi amigo para que lo diseñara. Fue muy fácil porque le dije “haz lo que quieras” lo que lo entusiasmó mucho. Su nombre es Vince, es realmente genial. Visitando el sitio web de Grime puedes obtener más información y saber la disponibilidad de su nuevo trabajo. También publica un itinerario para mantenernos al día.

Tatuaje full color flor de Grime

Tatuaje manga full color espacio de Grime

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SCOTT CAMPBELL

Brooklyn / Nueva York scottcampbelltattoo.com

Scott Campbell Scott Campbell es conocido por sus la estética limpia de sus tatuajes y ejecutados con una técnica perfecta. Sus letras, trabajos ornamentales y motivos del Día de los Muertos son simplemente exquisitos. Esta tienda de Brooklyn se destaca por su ambiente elegante boutique, tanto es así que el espacio se ve como una sala de montaje de alta costura. Scott Campbell tiene un ojo brillante para el diseño, y tiene una portafolio fantástico de productos que van desde grabados en laptops Mac a los muebles, con Saved, Campbell ha explorado completamente el potencial del arte del tatuaje en la cultura contemporánea, y junto con su actitud rela jada, no es de extrañar que Campbell coleccione una lista de celebridades que lo han buscado.

Interview con el artista ¿Puede decirnos acerca de su historia con del tatuaje? Empecé a tatuar en San Francisco hace unos diez años. Todo lo que quería hacer era dibujar todo el día, y mi casero me fastidiaba por dinero, así que tuve que encontrar una manera de dibujar todo el día y ¡mantener a mi casero satisfecho! Bueno, tú eres conocidos como un diseñador fantástico… ¿eso vino después del tatuaje? Sí, sin duda, el tatuaje definitivamente me convirtió en más de un artista disciplinado e ilustrador. Antes de empezar a tatuar, empecé a dibujar, insatisfecho de no terminar nada los tiraba a la basura, empecé veinte dibujos y nunca terminé ninguno. Cuando empecé a hacer tatuajes, no puedes dejar un tatuaje a la mitad, es diferente, tenía problemas de lapsos de desatención antes de empezar a tatuar. Una vez que empecé a tatuar, se tiene a alguien sentado ahí esperando a que lo haga, por lo que no puedes comenzar y luego pasar a otra cosa, tienes que terminar y ver a través y que se vea bien, por lo que realmente los tatuajes me ayudaron, a la confianza racional, con mi obra de arte.

¿Qué celebridades ha visto aquí? Marc Jacobs se tatuó mucho por aquí, Helena Christiansen, Josh Hartnett, Penélope Cruz, Heath Ledger se hizo todos sus tatuajes aquí. ¿Cu ántos a rti sta s ti e ne s a q uí ? Nueve, la mayoría de ellos a trabajado antes, o se sabe de su trabajo de toda la ciudad. Obviamente tenemos que mantener un cierto calibre de artista para asegurarse de la calidad del producto que sale de aquí, sino que también éstas son buenas personas. Tú puedes ser el mejor artista del tatuaje en el mundo, pero si no son buenos para el medio ambiente moral y mental no vale la pena.

¿Aquiéntienesrespetoentérminosdelosmentoresdelos tatuajes? Mi tatuaje favorito. Artistas del tatuaje no más ... como Dan Higgs y Chris Connecticut Higgs es probablemente mi artista favorito, y luego a los chicos les gusta Grime, Marco Pacheco, todos los chicos SF ... Jeff Raiser, la lista de siempre, los pioneros, pero Dan Higgs es mi favorito. Es crudo, sincero, no hay formación de hielo en él, no hay capa de azúcar, y son diseños muy eficientes, sólo la información. ¿Quéesparatilaesenciadeltrabajodelgrantatuaje? Hay un montón de cosas ... es importante para él tener la longevidad, para que se vea bien el día que lo recibe, y ya sabes, dentro de veinte años, cuando se trata de una silueta extraña en el brazo, tiene que ser una silueta bonita. No siempre son los tatuajes que tienen historias detrás de ellos que tienen más profundidad que la puramente estética, es bueno cuando hay un poco de corazón en el que, un examen de conciencia.

¿CómodescribirlaescenadeltatuajeNY? Es muy buena. Empecé a tatuar en California, donde todas las eran tiendas pequeñas, no había algo así como, hmm... no había rivalidad que si tú trabajaste en una tienda, en realidad no se podía pasar con los chicos de la otra tienda, mientras que en NY es muy abierto, lo cual es bueno. De salir a cenar, y si no eres tú, están los artistas de cuatro tiendas diferentes cenando juntos. Ni siquiera se piensa para ser competitivos Creo que eso ayuda a todo el mundo, el intercambio de información otorga inspiración. ¿Cuáleselpedidomásridículoquehastenido? Eso es difícil de decir, ridículo puede ir en muchas direcciones. Una vez una en San Francisco, una chica de 19 años y yo, discutimos alrededor de una hora La oí tratar de convencerme de que debía tatuarle el símbolo Wu Tang en la mejilla! Por supuesto que le dije: “No, ¡no hay manera que haga eso!”

¿Qué es un buen cliente para ti?, es decir, lo que la gente debe hacer cuando se hace un tatuaje contigo. Alguien que venga y me diga lo que quiere, pero no cómo lo quieren, al igual que vengan con los adjetivos, y no traten de arte en sí. A ellos les gustan las cosas que he hecho antes y tienen fe en mi capacidad. Gran parte del tiempo si la persona no tiene una gran cantidad de tatuajes, puede ser que se pongan ansiosos y tratan de ser realmente ellos los que controlan el diseño. Tienen esta imagen en su cabeza, y tratan de hacer que dibuje el cuadro que está en su cabeza, algo que nunca va a suceder, así que más que el resultado final es mi visión clara y concisa de lo que debería ser, es como una fusión de dos de ellos, que gran parte del tiempo no funciona así, supongo. Por lo general es lo mejor para cualquier artista del tatuaje, que tengan fe en su visión, atributos y confíen en su juicio. En lo que respecta a la corriente principal de los tatuajes, ¿de cuál lado de los argumentos estás? Hay un cierto romanticismo que se pierde, un cierto tipo de sentimiento de la vieja escuela que se pierde con tanta exposición, pero al mismo tiempo, educar a la gente acerca de los tatuajes no es una mala cosa, porque eleva el estándar de los tatuajes. Si hay cuatro reality shows que tienen personas con tatuajes, me da el tipo de esperanza de que la gente aprecie la artesanía de un tatuaje, y que no iría a una tienda en la parte posterior de una choza cualquiera. Por lo menos saber que hay una mejor opción. Educar al cliente no es una mala cosa. Espero que sean un poco más respetuosos de los artistas del tatuaje. ¿Qué hace usted para relajarse e inspirarse? Yo me inspiro en cualquier lugar, de Basquiat hasta con un disco de Slayer, es todo el espectro, trato de no quedar atrapado en la causa de un género… hay tantas cosas por ahí. Supongo que es difícil ver mi trabajo objetivamente, sino es un adorno antiguo, son patrones que se repiten y texturas. Nada realmente... ¿Cuáles han sido las ventajas más grandes de trabajo? Creo que la libertad que permite para viajar, es muy fácil viajar e ir a alguna parte y hacer dinero y vivir y realmente experimentar la ciudad. Si vas a París como turista, se ve la torre Eiffel y obtener algunas postales y volver a casa, y decir que he visto en París, vas y te sientas en una tienda de tatuajes por un mes, y tienes en sus manos los parisinos, es una experiencia íntima. Realmente tener una idea de la cultura al salir de viaje y hacer tatuajes. La libertad de viajar por toda Europa, Francia, España, Singapur, Hong Kong, Tokio.

_DISEÑO CHILENO

MONO GONZÁLEZ

Santiago / Chile monogonzalez.blogspot.com

Su vida Trabajador del arte, muralista callejero, escenógrafo de teatro, cine y televisión, y uno de los miembros fundadores de la Brigada Ramona Parra, Alejandro “Mono” González, es parte de la historia visual de nuestro país. Su carrera se inició desde muy pequeño en el arte del mural y la pintura callejera, gracias a su padre, un activo militante político. A los ocho años ganó un concurso organizado por la Compañía de Cervecerías Unidas (CCU) en la Escuela Experimental Artística de Santiago, en la década de los años 60. Con el paso del tiempo se transformó en un activo participante de los movimientos sociales, desarrollándose en el ámbito de la propaganda visual y los murales políticos. Fue ahí junto a un grupo de jóvenes formó la Brigada Romana parra, colectivo que desarrolló un estilo gráfico único en nuestro país, y cuyas obras podrían ser vistas en las calles y muros de la época.

Emocionado cuenta que en ese mismo lugar pintó por primera vez hace ya cerca de 38 años.

Sobre el muralismo lo fui encontrando en el taller abierto de la calle , en el arte brigadista, entre sus aciertos y errores, nutriéndome con ello ,entre los accidentes de los muros y del tiempo y la carencia y limitaciones de los materiales.

Estudió Diseño Teatral en la Universidad de Chile, y fue por años jefe de escenario del Teatro Municipal de Santiago. Posteriormente, desarrolló una exitosa carrera de escenógrafo de teatro, cine y televisión, destacando su aporte en innumerables películas nacionales entre ellas “Machuca”, “La Frontera” y la “Fiebre del Loco”. También colaboró con Teatro en Chilevisión, la compañía ICTUS y el Teatro Colón de Buenos Aires.

“VIDA Y TRABAJO”

Ha desarrollado un sinfín de murales y talleres gráficos de comunas y sectores de escasos recursos en todo el país. Gracias a este trabajo, es invitado constantemente por los municipios de las más importantes cuidades europeas para realizar murales en sus calles. Contemporáneo y amigo de grandes nombres de la gráfica y el arte nacional como Roberto Matta, Vicente Larrea y José Balmes, por nombrar algunos, Alejandro “Mono” González se ha ganado con talento y trabajo un lugar importante en la historia visual del país.

En este sentido, la madurez artística que ha alcanzado como muralista callejero y escenógrafo, fue fundamental para traspasar a la obra más de 30 años de trayectoria. Es así como “Vida y Trabajo” despliega una serie de metáforas y elementos conceptuales que estimulan las sensaciones del espectador, configurando una obra única, testamento visual de una iconografía e identidad gráfica propia de nuestro país.

Para el Mono González, como le gusta ser llamado al artista, este mural es un homenaje a la vida. La figura del ser humano es el eje central de su trabajo, sugiriendo la infinita capacidad de los hombres y mujeres para crear esperanza y vida.

Ficha técnica: Este mural, que cubrirá casi la totalidad de las paredes de los andenes oriente y poniente de la estación de metro Parque Bustamante, está realizado con acrílico sobre tela aplicada a una plancha rígida de madera, compuesta por 92 paneles de 3m x 2,44 m. Corresponden a 223 metros lineales y una superficie total de 673 metros cuadrados.

De esta forma, elementos como el aire, el desierto y la cordillera de los Andes, por nombrar algunas formas componen el mural, permiten que la espontaneidad de su trabajo y el trazo característico de una época, se luzcan y brillen con luz propia.

_DISEÑO CHILENO

ALVAREJO Santiago / Chile

alvaroarteaga.com

El embajador Alvarejo. Apenas se sienta a la mesa donde va a ser entrevistado, Alvarejo pide que la grabadora se ponga un poco más lejos de la orilla de su lado, porque podría pasarla a llevar. “Soy medio catrasca”. Curioso que la torpeza recurrente que implica ese chilenismo sea todo lo contrario a lo que define el trabajo de este diseñador en los últimos años: el acierto constante. La leyenda dice así: En el año 2007, Álvaro tenía que hacer un regalo y pensó en comprar una polera. Una polera cool. Así que puso “cool T-shirts” en el buscador. El primer link que apareció fue el de Thraedless, famosa marca estadounidense que desarrolla –hasta hoy- una tentadora convocatoria. En corto, el mensaje es: mándanos un diseño para poleras, lo pondremos en el sitio un rato a ver qué dice la gente y, si quedas entre los mejores evaluados, te lo compramos en 2 mil dólares.

Si el artista no es culto, es muy difícil que pueda entregar un trabajo de calidad.

Alvarejo intentó 23 veces antes de que le seleccionaran un diseño, a principios de 2008. Su primer éxito lo motivó, y siguió mandando ilustraciones. Varias no fueron bien recibidas, pero un tiempo después volvió a lograrlo. Y después lo logró de nuevo. Y de nuevo. Y de nuevo. Y 9 de nuevos más, para un total de 14 diseños que ahora pertenecen a Traedles. La historia termina con que Alvarejo es hoy una de las 4 personas en el mundo que la marca distingue como “embajadores de Traedles”. Esto implica que tiene que difundir la marca entre diseñadores, artistas jóvenes y estudiantes universitarios (Álvaro es profesor), y participar activamente en el sitio web y en las reuniones anuales que se hacen en EEUU. Y aunque el presente de este joven ilustrador abarca horizontes más vastos que su relación con la marca de poleras, es imposible no hacer hincapié en ella, porque le ha dado momentos muy preciados en lo profesional y en lo íntimo. “A Thraedless yo le agradezco hasta hoy, no sólo porque me ayudó a hacerme conocido, sino también porque a través de la comunidad que se forma me tocó vivir experiencias fantásticas, como cuando atravesé parte de EEUU. Lo que pasó fue que los diseños que fui publicando en Thraedless llegué a conocer a otra gente que se dedica a hacer poleras. Y con un grupo el año pasado nos fuimos en una van de Raleigh (North Carolina) a Los Ángeles (California). Estuve en Chicago, Washington, Porthand, New York y muchos lugares más. Pasamos por pueblos perdidos en medio de la nada, de repente muchos kilómetros perdidos en el medio de la nada, diferentes paisajes… para mí fue de esas cosas que puedo rayar de mi lista de experiencias que quería tener antes de morir”. I LOVE EEUU (Y QUINO) “Pasé por muchos lados allá, y claro, el tipo que grita tonteras con una cerveza en la mano viendo el partido de béisbol existe, pero los gringos en realidad no son así en general. La mayoría son personas amables, educadas, que pueden iniciar conversaciones son desconocidos sin ningún problema, y que tienen una característica que a mí me gusta mucho: son muy motivados y muy motivadores”.

¿Algún ejemplo de eso? -La misma comunidad de Thraedless. Lo rico del sitio de Thraedless es que la comunidad es muy potente. Por ejemplo, yo subo un diseño antes de que esté listo, a un blog interno, y la gente te empieza a corregir. Que le combiene esto, que tal color está mejor. Y no lo hacen por plata o regalos, como de repente ocurre acá en Chile, que sin un incentivo la gente no pesca. Allá el sólo hecho de pertenecer a una comunidad, de sentirse parte de algo, es suficiente. ¿Por qué has tenido tanto éxito en Thraedless? ¿Será que tu estilo calza con ellos, o haces un esfuerzo por agradar al público de la marca? - En Thraedless hay muchos estilos. Hay una parte que es muy saturada respecto de la cultura pop norteamericana. Tienen muchísimas poleras son referencias a videojuegos, Star Wars, series de los 80… Entonces yo dije “a ver, mi onda no es hacer ese tipo de referencias de manera obvia”. El estilo mió es como mas históricoirreverente, yo le doy muchas vueltas al tema medieval, o animales con características humanas, nosé, poner un cuerpo de alguien de los años 20 con cabeza de perro. Por eso a ellos les pareció bastante fresco mi trabajo, tanto los conceptos como el estilo de línea, que tienen que ver con mi propia influencia de Europa. Yo nací en España el año 80 –papá español, mamá chilena- y me vine para acá en los 90. Entonces cuando chico tenía mucha influencia, por ejemplo, de vivir a dos cuadras de un castillo medieval restaurado.

Y de ahí toda la cultura heráldica, los dragones, todo eso me llenó el seso de imágenes surreales, onda Dalí, más los dibujos animados de Tex Avery, que no tienen ni pies ni cabeza. Y así mucho de los que hago tienen un guiño a Picasso, a Dalí, o al dibujante que es mi mayor referente: Quino. No sólo por el nivel de inteligencia que él tiene, su crítica social, sino también por una cosa muy gráfica que es que sólo con tinta, en blanco y negro, te hace distintos gestos, tiene una gama de 80 tipos de textura, etc. En relación a la pregunta anterior, antes de pasar a tus referentes: en el mundo del diseño, donde se mezclan constantemente lo artístico y lo comercial, ¿Qué crees que el mercado valora más: la férrea defensa del estilo propio o la capacidad de amoldarse a lo que se espera de uno? Creo que es 50 y 50, pero va variando, de repente es 80-20. Yo he hecho cosas super voladas y me las han valorado igual, pero hay otras en las que se espera algo, y ahí uno tiene que saber hacerlo. Yo de repente digo “¿vendería esta polera?”. Entonces muchas veces la ilustración tiene que tener un quiño, para que sea más fácil que te lo compren. Por ejemplo, la ilustración que hice de los Simpson, que muestra a todos los personajes sin mostrarlos. En el fondo.

ese es el tema.

Ahora sí. Antes nombraste a Quino ¿tienes en mente algún dibujo suyo que te haya marcado? Hay uno del que al tiro me acuerdo. Ese en que está un reo en la cárcel, pero él destruyó la cárcel con la imaginación. Se ve el globo típico que encierra los pensamientos, y es tan grande que rompió el techo y las murallas, y se ven los ladrillos desparramados… para mí eso es lo máximo. TALENTO, ESTUDIO Y CRÍTICA ¿Qué importancia le otorgas al estudio en el desarrollo del talento? El bagaje cultual es esencial a la hora de crear. Si yo, como artista, no tengo el ojo entrenado, no tengo el seso lleno de cosas, ¿cómo voy a poder hacer algo nuevo? Si al final la creación es un reflejo directo de las conexiones nuevas que tú haces. Es muy raro crear algo nuevo 100%. En el fondo uno va armando cosas nuevas a base a lo que ha visto. Entonces, si el artista no es culto, es muy difícil que pueda entregar un trabajo de calidad. Pero una persona que quiere perfeccionarse tiene que practicar, no puede estar sólo mirando libros… Claro, el proceso es paralelo. Paralelamente a tener conocimiento duro, más técnico, hay que ir soltando la mano. Al final es prueba y error. Te vas a pegar 80 porrazos, la gente te va a decir que está pésimo tu trabajo, no te van a comprar los diseños… pero no hay que desanimarse frente a la crítica, sobre todo acá en Chile que, aunque suene cliché, el medio está lleno de gente que dice “no, yo he visto mejores”, “no, esto lo copio”, y eso claro que te puede desanimar. A mí, a estas alturas –supongo que vas a editar esto-, me importa un… ¿Y qué pasa con la autocrítica? Mira, para empezar, yo creo que es muy raro que si tú encuentras muy buena tu pega, ésta en realidad sea una mierda. No se puede estar tan equivocado. Tendrías que ser un ególatra, un megalómano que piensa que todo lo que hace está bien. Algo debes tener de razón. Mal que mal, por eso estudiaste y puedes hacer relaciones visuales y evaluar qué es lo que funciona y lo que no.

ALVAREJO’S GREATEST HITS ¿Cuál ha sido el trabajo que más satisfacción te ha dado? Nosé si el que más satisfacción, pero si uno de los primeros que yo dije “wow, esto se pasó”. Fue cuando me llamaron de Microsoft el 2009. Estaban sacando un reproductor de música –que a la larga fue un fracasoque trataba de hacerle la competencia al iPod. Me dijeron que querían que hiciera dos ilustraciones y ellos la iban a grabar en láser en la parte de atrás, para la línea exclusiva de los reproductores. Yo me caí de raja, pensé que era una broma. Pero no, era real. Hice la pega, salio todo bien, y después me llego una cajita de Microsoft con las letras doradas, con mi biografía, un poster… una cosa surreal. Y fuera del ámbito comercial, ¿tu trabajo ha sido exhibido alguna vez en museos o galerías? La ilustración que hice de los Simpson, que fue para un consurso en el que había que reproducir la cultura pop, estuvo una semana en el museo Tate de Londres. Ya que estamos hablando más en detalle de tus trabajos, viene un cliché obligado: ¿Cómo es tu proceso de creación? Mucha gente te pregunta “¿dónde se te ocurrió esto?”. El lugar físico muchas veces es el más inverosímil. De repente me estoy duchando, pensando en nada, y me viene una idea. Hay mucha gente que se sienta y dice “ya, quiero que me salga una idea”, y empiezan a darle vueltas. Pero es muy poco probable que, tratando de forzarla, te llegue una idea. Yo creo que las ideas nacen de la experiencia. De repente vas por la calle y te diste cuenta de algo, o viste algo en el diario y se te ocurre hacer una ilustración. Por ejemplo, yo estaba un día viendo tele y me quede un rato pegado con un concierto de David Bowie, y me fijé que el tipo tenía un ojo azul y el otro café. Y ahí pensé que eñ era como un siberiano. Entonces pensé en hacer un perro con la marca del rayo con el que sale en el disco Ziggy Stardust, y ahí nació la idea y fue la primera polera que me imprimió Thraedless… Al final las ideas originales son como una sumatoria de cosas que ya tienes en la cabeza. Siempre es bueno andar con una libretita y bosquejar o anotar.

¿Y qué opinas del uso de la tecnología al momento de crear? Yo la tomo como una herramienta. Como yo trabajo es así: el 99,9% de las veces parto en papel, bosquejando con lápiz, que ese es otro punto que yo siempre le marco a la gente que está empezando. Nadie puede partir con las cosas ya hechas. Todo parte de la cabeza y de la cabeza al bosquejo. Un bosquejo rápido, simple. Cuando eso ya está acabado, yo entinto. Siempre. Tengo como 50 lápices, desde el 0,01 hasta el 1,5, es decir, toda la gama. Y después eso lo escaneo. Una vez que lo escaneo, por una cosa de comodidad, coloreo en el computador, pero es por una cosa de agilidad. El computador hay que tomarlo como una herramienta, así como antes se usaban planchas o se hacía a mano, ahora en vez de estar 5 días pegado en eso, me demoro 5 horas. ¿Cómo le explicas esto a la gente más joven. Que a veces quiere usar Mouse como si fuera un lápiz? A mis alumnos les digo que no se estresen en empezar a dibujar en el computador, no van a llegar a ningún lado. Dibujen en papel y van a ver las proporciones, cómo aprovechar el espacio. Al mirar en una pantalla al ojo se le escapan cosas. Yo ocupo el computador para pintar y sería. Conozco muchos diseñadores que trabajan con vectores, pero sí o sí hacen el boceto y después lo escanean. Es como si un pintor llegara y se lanzara sobre el lienzo sin pensar nada. Quizás funcionaría con cosas abstractas, pero esté bien dibujado, sin el boceto no lo lograría.

Para terminar, también relacionado con lo que permite la tecnología: Antes los artistas hacían sus obras pensando en museos o galerías, o quizás en la sala de un coleccionista, para colgar sus cuadros. Pero ahora una obra puede tener soportes variados, como ropa y otros artículos. ¿Se puede hablar entonces de especializaciones? ¿Existe, por ejemplo, la ilustración en poleras como algo distinto a la ilustración en posters? No, lo que va cambiando básicamente es el formato. Si yo pienso en una ilustración para un cuadro, el tipo de relaciones formales que voy a hacer para esa pieza tiene que ver con el soporte. Si voy a hacer un mural, obviamente los tamaños son diferentes, incluso la técnica puede ser diferente, pero lo que no cambia es el mensaje. O sea, la base de la ilustración es decir mediando la imagen cosas que la palabra no puede decir. La tecnología hace que haya muchos más medios, poleras, reproductores de música, afiches, sitios web, pero lo único que cambia es el formato. La ilustración es una sola cosa.

_DISEÑO EMERGENTE

Jorge Montero JORGE MONTERO BRUNA Buenos Aires / Argentina cokecoco.com

Es un diseñador gráfico que actualemente trabaja en una productora gráfica en la que apoya con el desarrollo de gráficas 3D, se dedica a modelar, texturizar, mapear, e iluminar imágenes desarrolladas en 3d max. Le gusta el estilo cartoon, los posters tipograficos, y el diseño de personajes.

Proyecto Personal, basado en Paganini y los diablitos con los que supuestamente hizo un pacto. Modelado zbrush luego retopologizado y renderizado en Max. también hay una versión para ver con lentes anaglificos.

Ilustracion para Cartas: 7 de picas. Hecho en 3d max, renderizado en Vray, es algo diferente a las que tengo asi que eso fue muy bueno. Trabajo Para Proyecto Lovit all in 2. Este personaje como todos los anteriores esta hecho en max, renderizado en Vray y el modelo base con zspheres de Zbrush, se intenta ocupar mas zbrush, mapeando, pintando y retopologizando todo ahi mismo. Se ahorra mucho tiempo, aunque en este personaje tomo su tiempo hacerlo.

_DISEÑO EMERGENTE

YUM YUM LONDON Buenos Aires / Argentina yumyumlondon.com

YUM YUM LONDON Yumyumlondon es una pareja de diseñadores y directores londinenses, llamados Beth Algieri y Plummer Jonny, juntos comparten una pasión para crear cosas nuevas y emocionantes. Entre sus trabajos se destacan la Animación, Ilustración y el Diseño. Sus trabajo se realiza mediante pedidos, como por ejemplo el de la revista Wired, que solicitó crear algunos personajes de un artículo sobre la creación de redes. La revista Wired de EEUU, mando hacer este pedido con algunos caracteres de un trabajo en red. Es divertido ver esta gente de negocios en miniatura. Fueron inspirados en los personajes del cine fantástico MR FOX.

Esta gente encantadora de la vida cotidiana. Dise単o de juguetes.