Zoya Lerman, una artista no conformista ucraniana

La mayor parte de la actividad creativa de Zoya Lerman se produjo en un momento en que el poder soviético gobernaba en Ucrania (nació el 14 de junio de 1934). Intentó integrar su ideología y control en todas las esferas de la vida de los ucranianos. El arte no fue una excepción. Así, después de la década de 1930, surgió el realismo social, un método pseudoartístico que declaraba un concepto de cosmovisión de una sociedad socialista. Este estilo específico no tenía nada que ver con la diversidad artística, la estética y la singularidad de las pinturas. El arte se volvió formulaico porque solo tenía una función: servir a los intereses de la autoridad. En este caso, el principio de “quién no está con nosotros, está en contra de nosotros” fue un tema principal. Los artistas que evitaron el arte oficial fueron perseguidos y hostigados públicamente. Como resultado, durante muchos años ni siquiera pudieron

soñar con que sus pinturas formaran parte de ninguna exposición. Lerman se convirtió en el representante de la segunda ola de la vanguardia: el underground. Esta tendencia fue relevante en Ucrania en las décadas de 1960 y 1980. Entonces fue considerado una forma radical de resistencia contra el totalitarismo y la autoridad soviética por los artistas. Por lo tanto, el subsuelo estaba prohibido. Sin embargo, una rama del subsuelo (no conformismo) era solo el arte no oficial que permitían las autoridades soviéticas. Entonces, para ser precisos, Lerman era un inconformista que excluía el aspecto político de sus obras de arte. Sin embargo, luchó por el derecho a expresar su propia cosmovisión artística. A diferencia de muchos de sus contemporáneos, los Sixtiers, ella se propuso solo tareas artísticas. Las pinturas de Zoya Lerman están llenas de lirismo, sensualidad y matices emocionales que ella pudo reconocer. Sus personajes son plásticos, elegantes e incluso poéticos. Sin embargo, a menudo están en poses no naturales y sus cuerpos son desproporcionados . Puede parecer que Lerman insinúa que la satisfacción externa es solo una decoración y, a través Zoya Lerman, esposa de Patrick, 1999, Museo de Arte Moderno de Ucrania.

del cuerpo, intenta transmitir el conflicto, la falta de armonía. Pero ese no es el punto. Lerman simplemente no necesita una reproducción precisa de las personas. Ella no trató de retratar manos, pies, orejas y narices. En cambio, retrató sentimientos y estados: alegría, pasión, tristeza, ligereza, placer, etc. Uno de los temas que la artista desarrolló activamente en sus obras fue el ballet.

Zoya Lerman, The Lady and the Suitor, 2006, colección privada.

“Ella no citó a nadie, ni a Degas, Picasso o Benoit ... Ella respetó el trabajo, los días de semana y el destino del artista y retrató a estos personajes - elfos en el escenario, convictos en salas de entrenamiento - sin patetismo, sin embargo, con gran amor y plástico. artesanía ”, dijo un crítico de arte Igor Dichenko. Por supuesto, en el mejor mundo de Zoya Lerman, el color era una herramienta importante. Los colores brillantes enfatizaban las imágenes de su trabajo. La más inusual de sus pinturas fueron las “blancas”. Al artista le encantaba pintar sobre un lienzo blanco con pintura blanca.

Las parcelas enteras se crearon solo con contornos y sombras. Esto se debía a que en el mundo ideal de Lerman, un mundo de bondad y belleza, el blanco significaba “amor”. La amabilidad en las pinturas de Lerman fue tomada de la nada. Este rasgo también fue una característica destacada de la propia Lerman. Sus contemporáneos han contado repetidamente historias desgarradoras sobre ella. Una vez, al recibir el dinero, lo regaló a las personas necesitadas en el camino a casa. Aunque ella misma no sabía el lujo de eso. En otra ocasión, la artista se puso de pie para defender a un ladrón que había intentado robar su bolso de la policía. Lerman sintió pena por las personas indigentes: no tienen ningún recurso para sobrevivir. Así que podemos considerar el altruismo de Zoya Lerman como uno de los componentes de sus pinturas. Muchas de las pinturas de Lerman están dedicadas a las ideas de su mundo perfecto. Sin embargo, una serie de eventos en su vida real posteriormente le quitaron toda la luz. La casa de su familia fue destruida por un incendio, le costó mucho lidiar con la muerte de su esposo en 2001, y parecía imposible obtener el apoyo de la familia de su hijo debido a los frecuentes conflictos. De repente, su vida se convirtió en una tragedia, y como resultado los colores tranquilos y no agresivos desaparecieron de sus lienzos. Habiendo perdido la esperanza de que la luz se manifestara de alguna manera en su vida, comenzó a trabajar en su propio mundo artístico de oscuridad . Entonces ella fue de un extremo a otro. Sin embargo, logró que el contraste del blanco y negro fuera la decoración de su renovado estilo de obras de arte. También delineó la interacción entre el ser

humano y el mundo externo con entonaciones convincentes. Zoya Lerman murió el 1 de enero de 2014. Sus pinturas están almacenadas en las colecciones del Museo Nacional de Arte de Ucrania, el Museo de Arte Moderno de Ucrania, la Dirección de Exhibiciones de Arte de la Unión Nacional de Artistas de Ucrania, así como en colecciones privadas en Europa. , Estados Unidos, Israel.

Zoya Lerman, Acróbatas, 1989, colección privada.

Giovanna Garzoni - Una pintora barroca inspira un desafio de arte

Giovanna Garzoni (1600-1670) fue una pintora e ilustradora científica barroca italiana. Se especializó en pinturas naturalistas de bodegones con objetos de todo el mundo. Sus pinturas son pequeñas, pero llenas de detalles. Muchos presentan objetos naturales, como plantas, animales, insectos y conchas. Son precisos pero también hermosos, como si Garzoni lograra fusionar la ilustración científica y la pintura expresiva en una sola forma de arte. Sus pinturas altamente realistas reunieron objetos de todo el mundo. Por ejemplo, una pintura muestra un jarrón de porcelana azul y blanco de China lleno de flores que crecen en una parte completamente diferente del globo. Otras obras presentan conchas, insectos, flores, frutas, lindos perritos y obras de arte extranjeras. Garzoni ordenó un gran respeto en su tiempo. Una fuente contemporánea afirma que podría cobrar

el precio que quisiera, y grandes patrocinadores como las familias Medici y Colonna recolectaron sus obras. Sus pinturas son ligeras y agradables a la vista, y representan objetos interesantes de una manera naturalista. El estilo y el tema de Garzoni eran muy deseables para su audiencia del siglo XVII, cuando la ciencia y la pintura de bodegones se estaban volviendo populares. La italiana Giovanna Garzoni fue, en su época, una exitosa pintora de miniaturas que desarrolló especialmente el género de la naturaleza muerta, aunque también incursionó en el retrato y los temas religiosos. La artista, nacida en Ascoli Piceno en el año 1600, no fue hija de un pintor como solía suceder con las mujeres que llegaron a dedicarse la esta actividad, pero sus progenitores, Giacomo Garzoni y Isabetta Gaia, venían de familias de artesanos. Su talento fue descubierto cuando era aprendiz de un farmacéutico de su pueblo. Una carta escrita por ella en 1620 revela que fue entrenada en la pintura por Giacomo Rogni. Su primera pintura firmada fue una Sagrada familia, realizada cuando tenía 16 años. Otro de sus más tempranos trabajos fue un libro de caligrafía adornado con frutas, pájaros y flores, que Giovanna Garzoni, Florero con flores, melocotón y mariposa. Colección privada.

fue publicado en 1625. A los treinta años Giovanna abandonó Venecia para trasladarse la Nápoles con su hermano. En esta ciudad trabajó bajo el mecenazgo del Duque español de Alcalá, pero en sus cartas expresa que allí no era feliz, y al retornar el duque a España la artista se mudó a Turín, aceptando una invitación del Duque de Saboya. En este sitio trabajó durante cinco años y en 1640 viajó la Florencia, donde trabajó para la Corte de los Medici, pintando varios bodegones para el Gran Duque Ferdinando II. Hacia el año 1654 la artista se trasladó a Roma donde fue miembro de la Accademia di Sano Luca (asociación de artistas fundada en 1593), hecho fuera de lo corriente en esa época ya que no era costumbre admitir mujeres, pero consta en los registros que recibió los mismos beneficios que sus pares masculinos. La obra de Giovanna Garzoni muestra la influencia de Jacopo Ligozzi, pintor, ilustrador y miniaturista que también desarrolló una obra descriptiva de la fauna y la flora de carácter casi científico. Este tema era de gran interes para los Medici, especialmente el duque Ferdinando II y su hermano, el cardenal Leopoldo. Muchos de los trabajos de Giovanna que hoy sobrevivieron y se encuentran en diferentes museos provienen de la colección cuidadosamente conservada por el Duque Ferdinando II y su esposa, la Gran Duquesa Giovanna Garzoni, Cerezas en una compota de plata con manzanas de cangrejo en una repisa de piedra y una mariposa Fritillary.

Vittoria della Rovere. Casi 40 obras suyas fueron rastreadas en colecciones florentinas y otras fueron registradas en los inventarios de los Medici de los siglos XVII y XVIII. Las miniaturas de Giovanna, realizadas sobre una especie de pergamino hecho de fino cuero con pintura de acuarela o gouache, muestran una interesante simbiosis entre la convencional naturaleza muerta y el estudio científico botánico. La utilización de un medio acuoso en lugar del óleo les otorga frescura y ligereza. Detalles que dan vitalidad la estas composiciones son la inclusión de insectos y los efectos de luz y sombra, que crean una interacción entre los elementos representados. Gracias a la Accademia di San Luca, que guardia excelentes registros, se pueden conocer detalles de la vida de esta artista, lo que fue de gran importancia, puesto que en su época solo se hizo una breve mención sobre ella en Meraviglie dell’Arte de Carlo Ridolfi, obra del año 1648. Hay que tener en cuenta que el género que desarrolló era considerado de menor importancia por la historiadores del arte, frente a la figura humana y los temas religiosos. Posteriormente, Lione Pascoli, en su obra Vite (1730-1736) escribe que esta artista tuvo la posibilidad de poner el precio que quisiera por su arte. El éxito con sus clientes le permitió tener una gran independencia económica y algunos mencionan que por este motivo pudo retirarse a la edad de 43 años. wLa artista fue prácticamente desconocida hasta que en 1964 se realizó una exposición de naturalezas muertas en Italia que mostraba algunos de sus trabajos.