Biermann (1)

DATOS DEL ALUMNO/A: Konovalova Kateryna 1ºB. FICHA BIBLIOGRÁFICA: AUTOR: Eduardo Momeñe.

TÍTULO: “La visión fotográfica”.

EDICIÓN: -Eduardo Momeñe.

-12ª edición 2017.

-156 páginas.

¿QUIEN ES EDUARDO MOMEÑE? Eduardo Momeñe en un fotógrafo vasco, nacido en 1952en Bilbao, pero reside en Madrid. Docente, articulista y autor de ensayos sobre estética fotográfica.

Dedicó la mayoría de su vida a la fotografía comenzando en los años 80, fotografiando a los personajes españoles y extranjeros que se movían por la ciudad de Madrid.

Sus proyectos más conocidos son “La puerta Abierta” o la revista “Fotografías”, estas obras son bien conocidas en el mundo fotográfico.

Impartió seminarios, talleres etc. Todo ligado a la fotografía. Es recordada su labor en su estudio-escuela de la Calle San Pedro de Madrid, durante los años 90.

RESUMEN DEL CAPÍTULO 2Y3: En el segundo y tercer capítulo nuestro autor se apoya sobre la historia de los movimientos artísticos como: el Renacimiento,el Cubismo, el Humanismo, el Pictoralismo, el Surrealismo, en los triunfadores de esos movimientos, refiriéndome a los grandes pintores y músicos y en resumidas cuentas de la historia de la fotografía.

Comparando los dos términos: "La historia y la fotografía" haciéndonos ver las diferentes miradas que había por aquel entonces en cada movimiento y como se representaba el mundo que era percibido por los artistas, antes de la llegada de la fotografía.

Por lo cual nos explica que antes del Renacimiento toda presentación, sea dibujo o pintura era plana, sin perspectiva ninguna, pintando lo que se veía, creando un espacio ficticio, imaginando el mundo. Hasta la llegada de Brunelleschi y la perspectiva.

Con el Rencimiento el mundo se comienza a mostrar tal y como es y aqui introduce lineas sobre la ftografía la cual mediante la cámara oscura fue capaz de presentar el mundo tridimensional en los soportes.

Este movimiento aportó dos grandes cosas y es que nos enseñó a mirar el mundo con orden, claramente y de una manera racional. Enmarcando el mundo en nuestro marco.

Y otra aportacion es su arte donde se representaba de manera individual, tal y como se percibía aquello. Nuevamente introduciendonos el concepto de nuestra propia mirada con la cual marcaríamos nuestra foto con un "Yo estuve aqui" como Jan Van Eyck en su famoso cuadro de "El atrimonio Arnolfini" para después de llevar lo que vemos a nuestro terreno de la fotografía y poder decir con nuestra un: "Lo que estas viendo en esta fotografía es lo que yo vi cuando disparé la cámara" dando a entender al espectador que "Lo que estás viendo en esta fotografía es lo que definitivamente yo quise ver cuando disparé la cámara".

Nos menciona sobre nuestra educación visual,la cual era desarrollada antes de coger nuestra cámara mediante. La lógica junto al aprendizaje visual: es lo que nos ayuda a poner nuestro caos en orden.

En conclusión, Momeñe nos deja claro que Renacimiento es una gran revolución de la mirada y pasa hablar de una nueva revolucion que es la "instantanea" un mundo fotográfico diferente al del Renacimiento.

Posteriormente nos hace una mención a la gran invención de la cámara pequeña de George Eastman "Kodak" las cuales facilitaban el trabajo para no llevar las cámaras grandes y pesadas. Con eso aumentó la indutria dela fotografía. Así la fotografía sin limitarse a solo mostrar aspecto de las personas si no que también de sus vidas y sentimientos. Ahí es donde nace la "instantanea" la fotografía familiar, la cual no tenía nada que ver con el arte, era fotografía reproducida por analfabetos visuales, captadores de momentos.

Esas imagenes rompían con todas las tradiciones de la fotografía, naciendo así el reto de desordenar lo ordenado, produciendo un caos visual. Una presentacion sin normas, sin dictadura del arte, etc.

Dejando el tema atrás el autor pasa a hablarnos sobre la cámara, nuestro utensilio.

Comenta los tipos que hay poniendo de ejemplo a fotógrafos los cuales utilizaban dichas cámaras, en resumidas cuentas un poco de historia por encima de como eran esas camaras y como deberían ser usadas. Aun asi relacionando el tema con la instantaniedad.

Y perdiendonos entre las lineas, vuelve a insistir en la mirada, instantaneas, historia, autores etc.

Pero el tema mas importante y con el cual mas dudas tenemos todos, es sobre el proyecto. El autor nos propone tener paciencia y llenarnos de conocimientos antes de realizar uno de ellos, o comenzar y perfilarlo cada vez un poco mas y mas.

Buscar un tema de afinidad, pero que sobre todo nos guste a nosotros. Así acabando ese tema, apartandolo para un poco mas a delante y siguiendo con las "instantáneas".

En el tercer capítulo comienza con el Pictoralismo: unas fotografías a la altura del gran arte, en salones artísticos reservados, a una superficie de élite. En este movimiento se

creban fotografías que parecían pinturas, pero no eran ni una cosa ni otra. Mezclando sentimientos de inferioridad de los fotografos hacia los pintores.

Se plantean cuestiones de si son dos cosas compatibles la pintura y la fotografía y porque una se tiene que parecer a la otra, y estas cuestiones son totalmente normales para nosotros, porque es el comienzo de nuestras andaduras.

Habla de el saber al tipo que pertenecemos: si somos artistas o solo tenemos gustos artísticos y con sus argumentaciones intenta enseñarnos a enterderlo.

Antepone el mundo de la instantánea y obras pictóricas, donde nos da a entender que la fotografía también debe ser arte, aunque no fue trazada a mano.

Plantea preguntas sobre la buena fotografía a lo cual contesta tal y como hablaba Cartier Bresson y sus ideas las cuales nos podrían ser útiles como concentración, significar del mundo, sensibilidad etc.

Mencionando una y otra vez a Cartier, Momeñe nos explica como Bresson haría las fotos, hablando del momento decisivo, sin intromisión del flash, del "truco" donde se aprovecha de la instantanea, pero sin el desorden.

Y terminando este capítulo nuestro autor plantea dudas sobre las fotografías inacabadas, Kertész y su mundo encontrado, quieto o dormido, contrario al de Bresson. Terminndo su capítulo con la idea de que todo lo que nosostros busquemos o aprendamos nos va a servir bastante y nosotros debemos tratar de entenderlo y aplicarlo.

Los temas principales de estos dos capítulos son: - "El mostrar una nueva mirada gracias a los movimientos surgidos".

-"El encontrar a nosotros mismos" planteandonos preguntas sobe la fotografía.

-"El comienzo del conocimiento de la historia de la fotografía y sus referentes".

Todo eso se nos plantea para empezar con nuestra indagación en el mundo de la fotografía.

Acabando con nuestro resumen y las ideas, nos centramos en los autores que aparecen en estos capítulos:

Louis Daguerre.

(Louis Jacques Mandé Daguerre; Cormeilles-en- Parisis, cerca de París, 1787 Bry-sur-Marne, 1851) Artista e inventor francés, pionero de la fotografía. Louis Daguerre perfeccionó el procedimiento de fijación de imágenes de su compatriota Niépce, logrando reducir los tiempos de exposición y obteniendo instantáneas de gran nitidez. El inventor bautizó con su apellido su método y las imágenes obtenidas: daguerrotipia y daguerrotipo.

Buscando un método para reproducir la realidad en imágenes sin necesidad de pintarlas, coincidió con Nicéphore Niépce, que desde 1820 venía experimentando con

placas de betún de Judea dentro de una cámara oscura, en las que obtenía rudimentarias imágenes fotográficas tras una exposición de varias horas.

Daguerre se asoció con Niépce en 1830 y, tras su muerte en 1833, perfeccionó su método reduciendo el tiempo de exposición a unos pocos minutos, al sustituir el betún por yoduro de plata.

Así consiguió, en 1837, un primer procedimiento fotográfico conocido como daguerrotipo, cuyo uso no tardó en extenderse; fue premiado por el Gobierno francés y gozó de una gran popularidad.

Lewis Carroll.

(Daresbury, Cheshire, Reino Unido, 27 de enero de 1832-Guildford, Surrey, Reino Unido, 14 de enero de 1898) Fue un diácono anglicano, logico, matemático, fotógrafo y escritor dritánico.

En 1856, Dodgson descubrió una nueva forma de arte, la fotografía, primero por influencia de su tío Skeffington Lutwidge, y más tarde de su amigo de Oxford Reginald Southey y del pionero del arte fotográfico Oscar Gustav Rejlander.

Carroll trató de combinar los ideales de libertad y belleza con la inocencia edénica, donde el cuerpo humano y el contacto humano podían ser disfrutados sin sentimiento de culpa.

La obra definitiva acerca de su actividad como fotógrafo documenta exhaustivamente cada una de las fotografías de Lewis Carroll que se han conservado. Taylor calcula que algo más de la mitad de su obra conservada está dedicada a retratar a niñas.

La niña que más veces le sirvió de modelo fue Alexandra Kitchin, hija del decano de la catedral de Winchester, a la que fotografió unas cincuenta veces desde que tenía 4 años hasta que cumplió 16. En 1880 intentó fotografiarla en traje de baño, pero no se le permitió. Se supone que Dodgson destruyó o devolvió las fotografías de desnudos a las familias de las niñas que fotografiaba. Las fotografías y esbozos de desnudos que Dodgson realizaba alentaron la suposición de que tenía tendencias pedófilas, aunque dicha especulación ha sido desafiada por varios académicos que argumentan que Carroll debe ser comprendido en contexto y, entre otras cosas, que en el espacio y tiempo de la cultura victoriana, la aparición de niñas desnudas era visto como algo totalmente normal porque equivalía a un símbolo de inocencia.

La fotografía le fue también útil como entrada en círculos sociales elevados. Cuando logró tener un estudio propio, hizo notables retratos de personajes relevantes, como John Everett Millais, Ellen Terry, Dante Gabriel Rossetti, etc. Cultivó también el paisaje y el estudio anatómico.

Dodgson abandonó repentinamente la fotografía en 1880. Después de 24 años, dominaba completamente el medio, disponía de su propio estudio en el barrio de Tom Quad, y había creado unas 3000 imágenes. Menos de 1.000 han sobrevivido al tiempo y a la destrucción intencionada. Dodgson registraba cuidadosamente las circunstancias que rodeaban la creación de cada una de sus fotografías, pero su registro fue destruido.

Julia Margaret Cameron.

(11 de junio de 1815 - 26 de enero de 1879) Una fotografa inglesa que se dedico al retrato fotográfico de corte artístico, y a la representación escenográfica de alegorías que le enmarcan en la corriente de la fotografía academicista.

Llegó a exponer en la Exposición Universal de 1870, y su obra fue reconocida póstumamente, junto a la de Lewis Carroll, gracias a su reivindicación por parte de los fotógrafos del pictorialismo.

Oscar Gustav Rejlander y Lewis Carroll la instruyeron en la fotografía, los dos fotógrafos fotografiaron a Cameron, su familia y su casa en la isla de Wight.

Cmeron aprendio las tecnicas basicas de Rejlander.

Ella escribió: "cuando las mentes que buscan expresar ideas morales y belleza religiosa empleen el arte fotográfico, entonces podrán enorgullecerse de este arte e izarlo."

Y eso es lo que concuerda con su visión fotográfica.

La literatura, el Renacimiento, la pintura pre-Rafaelista, con autores como Edward Burne-Jones o John Everett Millais y la Biblia influenciaron su obra. Creía que la fotografía era la forma para resucitar el arte sacro, para los victorianos el arte era una técnica, el arte fino era expresión pero no necesariamente ético, pero el arte alto era el arte sacro.

Por su posición social y económica, Cameron pudo mantenerse fiel a sus principios estéticos con más tenacidad que otros colegas. Transformó en su casa de campo el depósito de carbón en cuarto oscuro y el gallinero en estudio.

Una de sus preocupaciones era realizar obras genuinas, captar la belleza ideal que emana del rostro de sus modelos. Sus retratos de primeros planos son en realidad primerísimos planos tal vez con una intención metafísica. Se ve en estos retratos de Cameron una clara influencia de una corriente de pensamiento muy de moda en la Inglaterra de la época que es la frenología, que sostiene que la inteligencia y el carácter de la persona está marcado en la forma de la cabeza, parece que en ello incide la obsesión por analizar los rostros, pero su intención última es profundizar hacia el interior.

Los retratos de Cameron tienen un aspecto flou muy peculiar. Se cree que por azar descubrió una combinación de elementos técnicos que le dieron como resultado la falta de nitidez, lo que se convierte en su sello artístico, la búsqueda del efecto flou -un cierto desenfoque con intención.De ahí que se a considerada uno de los antecedentes del pictorialismo fotográfico de finales del siglo XIX. Despreciaba la técnica, y por ello utilizaba objetivos inadecuados para las placas utilizadas. Le era indiferente que las placas resultaran manchadas o arañadas. Con todo ello pretendía la obtención de unos efectos que alejaran la realidad de las imágenes captadas.

Los fotógrafos la criticaban porque consideraban la calidad de sus fotografías mala, ya que no aprovechaba las ventajas técnicas de la cámara, como la nitidez, pero para ella primaba antes lo estético a lo técnico, buscaba más la expresión poética que la realista, expresión que conseguía sin duda y por la que ha pasado a la historia de la fotografía.

Nadar.

Tournachon (París, 6 de abril de 1820-21 de marzode 1910) Fue un fotógrafo, periodista, ilustrador, caricaturista y aeronauta francés.

Por consejo de un amigo compró una cámara fotográfica que utilizó para recoger los retratos que habrían de servir de base de las caricaturas de su obra Panthéon Nadar, 1853, donde aparecieron grandes personajes de la política y la cultura del momento pertenecientes a su círculo de amistades, tales como Charles Baudelaire. Una foto que hizo a éste fue luego empleada como modelo por Manet para un grabado.

Nunca se planteó el retrato fotográfico como una actividad con la que ganar dinero, pues mantenía unas ideas estéticas sobre cómo realizar los retratos que le alejaban de los criterios más comerciales, pero que por el contrario lo elevaban al rango artístico.

En todo momento se negó a colorear los retratos, así como a practicar cualquier tipo de retoque. También renunció a la utilización de elementos de atrezzo. Nadar únicamente se sirve de la luz –modo de iluminar al modelo– y del gesto –mirada y actitud de los modelos favorecida por la relajación de los amigos fotografiados–, como elementos principales de la fotografía.

Nadar hacía retratos como lo haría un pintor pero con un medio nuevo. Ha habido un largo debate científico sobre si copiaba/imitaba la pintura, aunque parece que finalmente se ha acabado con la polémica al reconocer que, si bien es cierto que Nadar seguía los cánones clásicos ya sentados en la pintura con una técnica nueva, no deja de cultivar un género artístico del que también participa la pintura. En las obras de Nadar lo importante es realmente el rostro del retratado, razón por la cual se prescinde de adornos superfluos.

A Nadar se deben las primeras fotografías aéreas de la historia en el año 1858, realizadas con una cámara fotográfica desde un globo aerostático. Esta innovación tuvo un gran interés militar. En los años 1870 fue nombrado comandante de una compañía de globos aerostáticos para tomar fotografías de las posiciones de los prusianos que cercaban el París de la Comuna. También fue el primer fotógrafo en hacer fotografías con luz artificial, consiguiendo captar imágenes de las catacumbas de París.

Está enterrado en el Cementerio de Père-Lachaise en París.

Edward Curtis.

(Whitewater, 16 de febrero de 1868 − Whittier, 19 de octubre de 1952)

El famoso retratista estadounidense, es conocido popularmente como ‘el fotógrafo de los indios’, puesto que pasó la mayor parte de su vida, a caballo entre dos siglos, inmortalizando los paisajes del oeste americano y los rostros y maneras de vivir de los pueblos nativos y las tribus indígenas del continente.

Sus fotografías son conocidas en todo el mundo, y algunas han alcanzado el estatus de iconos culturales, sobrepasando la fama de su autor.

Curtis abandonó la escuela a temprana edad y entró a trabajar como aprendiz de fotógrafo en un pequeño estudio de Minnesota. Poco después, ya con los conocimientos suficientes, se atrevió a construir su propia cámara y estableció un estudio fotográfico por cuenta propia. De personalidad aventurera, su primer retrato de un nativo americano tuvo lugar en 1895, y fue la hija de un jefe indio, la princesa Kickisomlo.

Los últimos años del siglo XIX y los primeros del XX se especializó en documentar la forma de vida de los indios, así como su lengua, su cultura, su religión, sus mitos, su folklore y en definitiva, toda su particular idiosincrasia. Su fama empezó a acrecentarse en aquellos años, ante la mirada curiosa del hombre blanco, que observaba con curiosidad y mirada perpleja las fotografías de aquellos salvajes, a los cuales había temido hasta hacía apenas un par de generaciones y que formaban parte de sus miedos atávicos. Por entonces los indios ya se encontraban segregados y arrinconados en reservas desde hacía años, pero aún no habían perdido sus señas de identidad raciales y espirituales. A temor de aquellas fotos, la sociedad norteamericana de entre siglos pudo comprobar que los indios no eran aquellos monstruos despiadados y terribles que les habían vendido, sino que eran seres humanos despojados de sus tierras y de sus posesiones. Y es más, en franco peligro de desaparición, después de ser engullidos por los engranajes de una civilización superior y despiadada.

Tanto fue el renombre que sus fotografías le dieron que el magnate J. P. Morgan se decidió a financiar en 1906 la primera expedición fotográfica de Curtis. La intención de Curtis era la de documentar el estilo de vida indio antes de que desapareciera. Y lo hizo.

De 1906 a 1930, Curtis realizó más de 30 expediciones fotográficas, cuyo fruto se plasmó en la obra magna ‘El Indio Norteamericano’ (The North American Indian), una colección de fotografías en 20 volúmenes, de publicación aproximadamente anual, con un total de más de 1500 imágenes. Durante ese tiempo, Curtis exploró la forma de vida de unas 80 tribus indígenas, de las cuales se demostró un auténtico experto a la hora de ganarse su confianza. Los indios le respetaban y confiaban en él, aceptándolo como uno de los suyos, y permitiéndole obtener testimonio gráfico de algunas de sus ceremonias más sagradas.

Las fotografías de Curtis, además de tener un indudable valor artístico, son un auténtico tesoro etnológico, sociológico y antropológico. Sus retratos poseen, además de una sensibilidad extraordinaria y una composición exquisita, un enorme valor científico. Y a medida que observamos con detenimiento sus rostros, su humanidad se pone de manifiesto, vidas llenas de dignidad, pero también tristeza y pérdida, representantes de un mundo perdido que hace mucho que desapareció'.

Edward Curtis realizó cerca de 40.000 fotografías de indios a lo largo de su vida. Hoy en día, apenas se conservan 2.500 negativos. La razón de que se conserven tan pocos se

debió a su divorcio. En 1919, el juez concedió a su ex-mujer Clara la titularidad del estudio fotográfico de Curtis y la posesión de todos los negativos de sus fotografías. Los negativos de aquella época no estaban hechos de celuloide, sino que eran placas de cristal sobre las que se aplicaba una capa de gelatina de plata. En un ataque de ira, Edward Curtis acudió a su archivo y prefirió destruir la práctica totalidad de las placas (la mayoría de ellas sin positivar) antes que entregárselas a su mujer. Una auténtica tragedia para las artes y las ciencias. La mayor parte de la obra de Curtis, a la que había consagrado su vida, se perdió aquel día.

Aún así, todavía podemos disfrutar de muchas de ellas, y perdernos en sus imágenes e inmensos paisajes virados al sepia.

Irving Penn.

(Plainfield, Nueva Jersey, 16 de junio de 1917 – Nueva York, 7 de octubre de 2009) Estudió dibujo, pintura y diseño gráfico en la Escuela de Artes Industriales del Museo de Filadelfia –actual University of the Arts– donde se licenció en 1938. Su profesor fue Alexey Brodovitch, quien más tarde también sería su supervisor en la revista Harper’s Bazaar, donde Penn trabajó a sus órdenes en su etapa de estudiante. En este periodo, Harper’s Bazaar publicó varios dibujos suyos en la revista. Trabajó durante dos años como diseñador freelance y empezó a realizar sus primeras fotografías como amateur.

Penn estuvo trabajando en Saks durante un año antes de partir rumbo a México, donde se dedicó a la pintura durante un año.

Cuando Irving Penn volvió a Nueva York, Alexander Liberman le ofreció entrar en el Departamento de Arte de la revista Vogue. Después de un tiempo trabajando como diseñador, Liberman le impulsó que probara con la fotografía. Pronto descubrió su pasión por esta disciplina. Tras largas horas de experimentación con la luz y en el cuarto oscuro, Penn logró el dominio técnico. Pero el secreto de su arte partía de una convicción: el ingrediente más importante en la fotografía está en la captura un alma –ya sea a través del vuelo de un vestido o un trozo de carne–, es parte de un mismo misterio que no puede ser conocido.

La primera portada para Vogue de Penn fue publicada en octubre de 1943. El fotógrafo pidió una cámara prestada. Por aquel momento aún no figuraban modelos en la portada, y arregló un bodegón con un bolso de piel y tela marrón, un pañuelo gris, una lámina con cítricos y una nota colgada en una pared en que se anunciaban los contenidos del mes: ‘zapatos y accesorios’. Fue el lanzamiento de una larga carrera en la que continuó trabajando en la revista fotografiando cubiertas, retratos, naturalezas muertas, la moda, y ensayos fotográficos.

La modelo Lisa Fonssagrives-Penn fue su esposa y su musa, a la que inmortalizó en la famosa Woman With Roses, tomada en 1950. Truman Capote, Jean Cocteau, Marlene Dietrich, Jean Cocteau, Colette, Alfred Hitchcock o Miles Davis son otros de los personajes que quedaron inmortalizados por su cámara.

Un enfoque vanguardista, el uso agresivo del contraste en el blanco y negro, y el tratamiento de los retratados como objetos. La sencillez era su marca y en base a ella Irving Penn sacaba a la luz lo mejor de aquello que retrataba, ya fuera una modelo, un personaje famoso o un objeto. En sus fotografías, el sujeto solía posar ante un sencillo fondo blanco o gris, usando la simplicidad más efectivamente que otros fotógrafos del momento. Permaneció fiel durante toda su vida a las tomas en estudio y bajo determinadas condiciones de iluminación. Penn era un compositor de imágenes, en su estudio trabajaba casi como un pintor con su lienzo. Imprimió sus propias fotografías y revivió la técnica de platino-paladio.

A finales de los sesenta viajó a Latinoamérica y África, donde trasladó su estudio portátil, para fotografiar nativos pero descontextualizados de su hábitat, con su misma técnica de fondo. En 1983 conoce al diseñador de moda Issey Miyake con quien estableció una estrecha colaboración desde 1983 hasta 1999.

El clásico ‘menos es más’ se convirtió en su lema, llegando a afirmar: «Fotografiar un pastel también puede ser arte».

Robert Mapplethorpe.

(Nueva York, 4 de noviembre de 1946 – Boston, 9 de marzo de 1989) Fue un fotógrafo estadounidense, célebre por sus fotografías en blanco y negro de gran formato, especialmente flores y desnudos. El contenido sexual de algunos de sus trabajos, calificados de pornografía, generó más de una polémica durante su carrera.

Cursó estudios superiores en el Pratt Institute de Brooklyn desde 1963 a 1970, donde produjo obras de arte en una variedad de medios de comunicación. No utilizaba aún sus propias fotografías, pero en sus obras incorporaba muchas imágenes fotográficas que conseguía de varias fuentes, incluyendo páginas arrancadas de libros y revistas. Este temprano interés reflejaba la importancia de la imagen fotográfica en la cultura y el arte de su tiempo, incluyendo el trabajo de artistas tan notables como Andy Warhol, a quien Mapplethorpe admiraba enormemente.

Empezó su carrera como cineasta independiente y artista, usando fotografías en collages.

Realizó sus primeras fotografías poco después utilizando una cámara Polaroid que le regaló un amigo.

Todavía no se consideraba a sí mismo un fotógrafo, pero deseaba utilizar sus propias fotografías en sus pinturas, en lugar de imágenes sacadas de revistas. "Nunca me gustó la fotografía", fue citado diciendo, "No la fotografía en sí. Me gusta el objeto. Me gustan las fotos cuando las tienes en la mano". Sus primeras polaroids consisten en autorretratos y la primera de una serie de retratos de su amiga, la cantante-artista-poeta Patti Smith.

Estas primeras obras fotográficas se presentaban generalmente en grupos o elaboradamente presentadas en marcos cuyas formas y pinturas eran tan importantes para el acabado de la pieza como la propia fotografía. El paso de Mapplethorpe a la fotografía como único medio de expresión ocurrió gradualmente durante mediados de los años setenta.

A mediados de la década de 1970, adquirió una cámara Hasselblad de formato medio y comenzó a tomar fotografías de un amplio círculo de amigos y conocidos, incluidos artistas, compositores, y gente de la alta sociedad, así como actores pornográficos y miembros de la comunidad sadomasoquista underground. Algunas de estas fotos fueron impactantes por su contenido, pero exquisitas en su dominio técnico. Mapplethorpe declaraba a ART news a finales de 1988, "No me gusta esa palabra, "impactante". Yo busco lo inesperado. Busco cosas que nunca he visto antes... Estaba en una posición en que podía tomar las fotos. Me sentí en la obligación de hacerlo".

Incluso después de que se diera a conocer como fotógrafo, Mapplethorpe se mantuvo interesado en el arte y en 1988 realizó un espectáculo con imágenes fotográficas impresas sobre tela. También fue coleccionista de fotografías, así como de mobiliario, telas y otros objetos de arte. Solicitado como fotógrafo editorial, realizó retratos de famosos para revistas como Vogue y Vanity Fair.

En la década de 1980 se refina su estética, realizando fotografías de desnudos de aspecto escultural, tanto de hombres como de mujeres, delicados bodegones de flores, y retratos de artistas y celebridades con un énfasis en la belleza formal clásica. Mapplethorpe continuó desafiando la definición de fotografía mediante la introducción de nuevas técnicas y formatos para su obra: polaroids en color, fotograbado, platino impreso en papel y lino, Cibachromes e impresiones de tinta de color transferida, así como sus anteriores impresiones de gelatina de plata en blanco y negro.

Aproximadamente un año antes de su muerte, ya enfermo, Mapplethorpe ayudó a fundar la Robert Mapplethorpe Foundation, Inc. Su visión de la Fundación era que sería "el vehículo apropiado para proteger su trabajo, para avanzar en su visión creativa, y para promover las causas que le importaban". Desde su muerte, la Fundación no sólo ha funcionado como su Patrimonio oficial y ayudado a promover su trabajo en todo el mundo, también ha recaudado y donado millones de dólares para financiar la investigación médica en la lucha contra el sida y la infección por el VIH. Robert Mapplethorpe falleció en la mañana del 9 de marzo de 1989, en un hospital de Boston, Massachusetts, por complicaciones derivadas del sida, a los 42 años de edad.

Bill Owens.

(25 de septiembre de 1938 en San José, vive en Hayward, California) Un reportero gráfico, cervecero, editor y fotógrafo estadounidense conocido mayormente por sus fotografías de escenas domésticas suburbanas tomadas en la ciudad de Livermore, donde vivía en ese momento, publicadas en el libro Suburbia en 1973.

Se Introdujo en la fotografía, mientras que trabajaba como voluntario del Peace Corps en Jamaica (de 1964 a 1966) como maestro de escuela en un pueblo rural. Se compró una Leica en mal estado por 10$ y con la gente del pueblo descubrió su verdadera pasión y vocación como fotógrafo documental social.

Estudió en el San Francisco State College hasta que fue contratado como fotógrafo para el periódico local de Livermore, un suburbio del este de la bahía de San Francisco.

Es conocido por sus fotografías de escenas domésticas suburbanas tomadas en el Este de la Bahía y publicados en el libro Suburbia en 1973, considerado por Andrew Roth como uno de los 101 libros de fotografía más influyentes del siglo XX. La influencia de Owens fue inmensa durante la década de los 70, especialmente en lo que respecta al tipo de retrato que muestra a la clase media.

Es uno de los pocos fotógrafos que han fotografiado a las personas en los suburbios de forma importante. Otros lo han hecho puntualmente, pero Owens se asocia únicamente con los habitantes de los suburbios que viven en urbanizaciones que absorbieron 60 millones de estadounidenses en las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial.

Edward Weston.

(24 de marzo de 1886 - 1 de enero de 1958)

Fue un fotógrafo estadounidenseque se caracterizó por utilizar una cámara fotográfica de placas con un formato de 18 X 24 cm y emplear el primer plano en temas naturales para obtener formas poco corrientes.

Fue uno de los fotógrafos más importantes de la fotografía directa cofundador del Grupo f/64.

Nacido el 24 de marzo de 1886 en Highland Park, desde temprana edad destacó por su trabajo artístico en fotografía en blanco y negro, aunque en su comienzos se encuadraba en el pictorialismo. En 1911 abrió un estudio de retratos en Glendale y en 1914 fue miembro fundador de Los Angeles Camera Pictorialist sin embargo en los años veinte evolucionó hacia una fotografía más abstracta. En 1921 conoció a Tina Modotti que se convirtió en su amante y por ello entre 1923 y 1925mantuvo un estudio en México y se relacionó con los movimientos artísticos del momento. La influencia de su amigo el pintor Diego Rivera supuso un cambio completo en su estilo.

El 12 de abril de 1924 expuso una serie de fotografías con tema industrial en el Café de Nadie, durante la Velada Estridentista, donde se dieron cita los artistas experimentales de diversas nacionalidades que en ese momento trabajaban o estaban de visita en la ciudad de México.

En 1927 regresó a California instalado poco después un nuevo estudio en Carmel contando con la colaboración de su hijo Brett. En sus trabajos fotográficos ya empieza a emplear una gran profundidad de campo y un alto nivel de enfoque en las escenas de paisajes y en sus retratos y de modo especial en los primeros planos de formas naturales poco usuales, que fueron las que le hicieron famoso posteriormente. La mayoría de su obra la realizó en una cámara de fuelle de 8x10 pulgadas lo que le permitía mayor nitidez y definición en las fotografías y poder obtener las copias en papel por contacto. En 1932

es miembro fundador del grupo f/64 que propone esta estética próxima al realismo, que se enfrenta a la concepción pictorialista de la fotografía.

Sus últimas fotografías las tomó en la reserva de Point Lobos en 1948 y en esa época ya estaba afectado por la enfermedad de Parkinson. Murió en su casa de Wildcat Hill en Carmel Highlands en Big Sur, California el 1 de enero de 1958.

Samuel Bourne.

(30 de octubre de 1834 en Arbour Farm, Mucklestone, Shropshire, y fallecido el 24 de abril de 1912 en Nottingham) Fue un fotógrafo inglés conocido por sus 7 prolíficos años fotografiando la India con cámara de placas y la técnica del colodión húmedo. Su capacidad de crear excelentes fotografías mientras viajaba por las áreas más remotas del Himalaya lo coloca firmemente entre los fotógrafos de viajes más importantes del siglo XIX. nació en una antigua familia de agricultores. Después de haber sido educado por un clérigo, consiguió en un banco en Nottingham en 1855. Sus actividades fotográficas como aficionado comenzaron en ese tiempo y rápidamente se convirtió en un fotógrafo paisajista consumado, realizando conferencias sobre fotografía y contribuyendo con artículos técnicos en varias revistas fotográficas.

En 1858, Bourne hizo un recorrido fotográfico por Lake District, y en 1859, expuso sus fotografías en la exposición anual de la Sociedad Fotográfica de Nottingham. Al año siguiente, sus fotografías también se mostraron en Londres, en la Exposición Internacional de 1862. Con estos éxitos, decidió renunciar a su cargo en el banco, y se embarcó para la India para trabajar como fotógrafo profesional, llegando a Calcuta a principios de 1863.

Inicialmente se asoció con William Howard, un fotógrafo ya establecido en Calcuta. Se trasladaron hasta Simla, donde establecieron el nuevo estudio Howard & Bourne, al que se unió en 1864 Charles Shepherd. En 1866, tras la salida de Howard, el estudio se convertiría en Bourne & Shepherd llegando a ser el estudio fotográfico más importante de la India, y que, como sigue funcionando en Calcuta, quizás sea el negocio fotográfico más antiguo del mundo.

Bourne, viajó por todo el subcontinente indio, realizando 3 costosas expediciones al Himalaya, con hasta 50 porteadores, y realizando posiblemente las primeras fotografías de las fuentes del Ganges.

Cuando regresó a Inglaterra en enero de 1871, había hecho aproximadamente 2.200 bellas imágenes del paisaje y la arquitectura de la India y el Himalaya. Trabajando principalmente con una cámara de placa de 10x12”, y con el proceso de colodión húmedo, complicado y laborioso, su impresionante cuerpo de trabajo fue siempre de excelente calidad técnica y, a menudo de brillantez artística. Las copias eran realizadas a la albúmina.

Algunos años después de su vuelta a Inglaterra, vendió su parte del estudio y dejó de realizar fotografía comercial. Su archivo en el estudio, fue reimpreso y vendido durante más de 140 años, hasta que en 1991 un incendio lo destruyó. Bourne se trasladó a Nottingham, donde fundó un próspero negocio de algodón con su cuñado, llegando a ser magistrado local. Aunque siguió fotografiando de forma relajada y perteneciendo a sociedades fotográficas locales, gran parte de su energía creativa se dedicó a la acuarela.

Joel Meyerowitz.

(Nueva York, Estados Unidos, 6 de marzo de 1938) Es un fotógrafo urbano, especialista en paisajes y retratos. Empezó fotografiando en color en 1962 y fue uno de los primeros en utilizar el color en la fotografía como una forma de arte serio, algo que en aquella época no estaba bien reconocido.

Fue miembro de la Cooper Union a principio de los años 70, convirtiéndose en una figura importante para muchos fotógrafos en color actuales.

Inspirado al ver las obras de Robert Frank en el trabajo, Joel renunció a su trabajo como director de arte en una agencia de publicidad y recorrió las calles de Nueva York con una cámara de 35mm.

Se inspiró sobre todo en el trabajo de Henri Cartier-Bresson, Robert Frank y Eugène Atget, a los que considera los mejores artistas contemporáneos.

Meyerowitz estuvo casado con una agente de negocios llamada Ana M. Lewis con la que tuvo un hijo, y posteriormente con Maggie Barrett, su esposa actual con la que tuvo otro hijo en Manhattan. Residen en su Nueva York natal.

Su estilo se caracteriza por su ambiente callejero, lejos de paisajes naturales, explotación de distintas gamas de colores, filtro lomo en determinadas fotografías, y para representaciones públicas, la firma con una cabeza blanca caricaturizada, propiedad de su página web principal.

Hace planos conjuntos, repletos de detalles y sin jugar con la perspectiva, simplemente añadiendo su correcta angulación para que quede llamativo.

Stephen Shore.

(8 de octubre en 1947 en New York City)

Es un fotógrafo estadounidense conocido por sus inexpresivas imágenes, escenas banales y objetos sobre los Estados Unidos. Fue pionero en el uso de la fotografía en color.

Stephen Shore estuvo interesado en la fotografía desde muy joven. Autodidacta, cuando tenía seis años su tío le regaló un cuarto oscuro de revelado. Empezó a usar una cámara de 35mm tres años más tarde para tomar sus primeras fotografías en color. Cuando tenía diez años le regalaron una copia del libro American Photographs de Walker Evans, que le influenció profundamente. Su carrera profesional empezó a la edad de catorce años cuando presentó sus fotografías a Edward Steichen, por entonces encargado de fotografía

del Museum of Modern Art de New York. Steichen que supo reconocer el talento de Shore adquirió tres de sus trabajos. Cuando tenía diecisiete años conoció a Andy Warhol y empezó a frecuentar su estudio, la Factoría, para fotografiar a Warhol y el entorno creativo que le rodeaba. En 1971, con 24 años, Shore fue el segundo fotógrafo en vida que expuso su obra en el Museo Metropolitano de Arte de New York.

Shore se embarcó en una serie de viajes a la América rural tomando fotografías de paisajes.

En 1972 realizó un viaje desde Manhattan a Amarillo, Texas, que despertó su interés por la fotografía en color. Observando las calles y pueblos por los que viajaba tuvo la idea de fotografiarlos en color, primero usando una cámara de 35mm y luego una cámara de 4x5" y finalmente una de 8x10". En 1974 obtuvo una beca NEA, seguido en 1975 de una beca Guggenheim y en 1976 expuso su trabajo en color en el Museum of Modern Art de New York.

Actualmente y desde 1982, Shore es el director del departamento de fotografía del Bard College, en Massachusetts.

Luis Bailón. (abril de 1958 en Madrid) Es un fotógrafo español que realiza fotografía de calle, principalmente de Madrid.

También tiene series sobre Benarés, Pekín y Valencia. compró su primera cámara de 35 mm con 18 años en un mercadillo. Pronto se hizo con una ampliadora y empezó a realizar todo el proceso de revelado.

En el 80 consiguió su primer trabajo profesional como retratista en colegios que compaginó más tarde con su faceta de freelance. En 1984 su padre le regaló una Rolleiflex 2,8F de doble objetivo que será su cámara preferida. y desde ese momento todo viene rodado: Ajoblanco, El País Semanal, El Europeo, El Mundo Magazine, Tentaciones y la legendaria El Canto de la Tripulación.

A finales de los 80 montó un estudio con Quico Rivas y García-Alix en Vallecas y en el 94 se produce su encuentro decisivo con Bernard Plossu, Cualladó y Javier Campano. En el 98 lanzó Entrefotoscon Caprile y en el 2001 recibió el Premio de La Comunidad de Madrid.

Su trabajo es principalmente con película y en blanco y negro, aunque también dispara en color, en especial cuando trabaja para marcas como Swatch o discográficas como Polygram: ha hecho carátulas a Los Enemigos, a Estrella Morente, a Tomasito, Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas y ha realizado numerosas exposiciones individuales y en grupo.

Max Pam. (Melbourne en 1949)

Es un fotógrafo australiano considerado uno de los fotógrafos contemporáneos más importantes de su país. A través de textos y fotografías plasma su compromiso con las culturas que ha conocido en sus viajes.

Se encontró de adolescente en los sombríos, opresivos y culturalmente aislados suburbios de Melbourne de la posguerra. Encontró refugio en la contra-cultura del surf y la imaginería de National Geographic y la revista Surfer y se decidió a viajar al extranjero, dejando Australia con 20 años, después de aceptar un trabajo como fotógrafo de ayudar a un astrofísico.

Juntos condujeron un volkswagen de Calcuta a Londres, resultando un viaje inspirador y Pam ya no ha dejado de viajar, y viajar es un tema principal en su obra.

Pam ha trabajado en países asiáticos, Europa, Australia, y las culturas del Océano Índico como la India, Pakistán, Myanmar, Yemen, Tanzania, Islas Mauricio, Madagascar, las islas Cocos y las Christmas.

Su primera exposición fue en la Art Gallery of Western Australia en 1986, y fue seguida por una retrospectiva de mitad de su carrera en la Art Gallery of New South Wales en 1991. También fue objeto de una importante exposición en el Comptoir de la Photographie de París en 1990, que abarcaba el trabajo de tres décadas.

Going East ganó el Grand Prix du Livre Photographique en 1992 y el mismo año realizó su mayor exposición en solitario hasta la fecha en el Sogo Nara Museum of Art de Nara, Japón. En 2010 su Atlas Monographs ganó el premio al Mejor libro del año en PHotoEspaña.

Ha publicado sus trabajos en revistas y tiene obra en importantes colecciones públicas y privadas en Australia, Gran Bretaña, Francia y Japón. Actualmente enseña medio fotográfico en la Universidad Edith Cowan de Perth.

Man Ray. (Filadelfia, 27 de agosto de 1890 - París, 18 de noviembre de 1976) Fue un artista modernista estadounidense que pasó la mayor parte de su carrera en París (Francia). Fue un importante contribuyente a los movimientos dadaísta y surrealista, a pesar de que sus vínculos con cada uno eran informales. Él era conocido en el mundo artístico por su fotografía avant-garde, y también fue un reconocido fotógrafo de retratos.

En Nueva York trabajó como grabador y en una agencia de publicidad, a la vez que asistía a las clases nocturnas de la National Academy of Design.

Empezó a cantar a la edad de cinco años y dos años después se traslada a Brooklyn con su familia, donde va a la escuela. Recibe una beca para estudiar Arquitectura y la rechaza al igual que la idea de una educación académica. Fue bailarín en el Odeón.

En 1918 trabajó con aerógrafos sobre papel fotográfico y en 1920, con K. Dreier y M. Duchamp, funda la Société Anonyme.

En 1921 se instala en París, donde vivirá hasta 1940, y allí centraliza el Dadá parisino.

Ante la imposibilidad de vender su obra, Man Ray vuelve a la fotografía. Sus primeras obras experimentales son los Rayographs (rayogramas) de 1921, imágenes fotográficas sacadas sin cámara (imágenes abstractas obtenidas con objetos expuestos sobre un papel sensible a la luz y luego revelado). Hace también retratos, de hecho se convierte en fotógrafo retratista de personalidades de la cultura.

En los años treinta realiza la serie de las solarizaciones, negativos fotográficos expuestos a la luz, y sigue pintando en un estilo surrealista; publica varios volúmenes de fotografías y rayogramas. Hacia finales de los años veinte comienza a realizar películas de vanguardia, como La estrella de mar (1927). En 1936 su obra está presente en la exposición Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Durante su estancia en California se gana la vida enseñando como profesor.

La fértil producción de Ray elude categorizaciones netas y refleja su ágil y humorística sensibilidad. Entre pinturas y fotografías hay que incluir películas, objetos, collages, obra gráfica, dibujos, diseño publicitario y moda. Como pionero del dadá y del surrealismo, su aproximación se caracteriza por lo irracional y lo incongruente, provocando erotismo y escándalo. «La búsqueda de la libertad y el placer; eso ocupa todo mi arte», dirá.

Muere el 18 de noviembre de 1976, en París, a los 86 años. Sus restos descansan en el Cementerio de Montparnasse.

Shelby Lee Adams. (nacido en 1950 en Hazard, Kentucky, vive actualmente en Massachusetts) Es un fotógrafo estadounidense conocido principalmente por sus fotografías de la gente de los Apalaches profundos.

Nacido en una familia en el campo, sus abuelos eran granjeros, pero su padre tenía una buena posición y viajaba mucho. El creció casi en el asiento trasero del coche de su padre.

Con 18 años salió para estudiar bellas artes y fotografía a Cleveland, aunque pasaba los largos veranos en el campo. Rodeado de artistas, el choque cultural fue muy fuerte y, avergonzándose de sus orígenes decía que era de Cincinnati.

Tuvo contacto con el trabajo de la FSA y, aunque no le gustaba mucho, se sumergió en libros de fotografía documental. Con su tío, que era médico rural, visitó las partes más recónditas de las montañas Apalaches y contempló la pobreza de sus gentes, encontrando una similitud con la que había visto en los libros.

Desde 1974, y casi ininterrumpidamente, fotografía una de las regiones más atrasadas de Estados Unidos, en los confines de Kentucky, Tennessee y Virginia. Es conocido allí como picture man (el hombre de las fotos), pero para llegar a ser aceptado ha debido salvar barreras sociales muy difíciles de franquear. Hoy, más de 35 años después, sigue todavía visitando a esta gente, volviendo de año en año, visitando, estudiando y documentando sus vidas.

En sus últimos trabajos, Adams nos muestra a familias que han salido de sus remotas montañas y viven en caravanas, con los discos de las antenas parabólicas dominando el paisaje. Donde antes fotografiaba a padre e hijo rodeados de vacas, ahora retrata a una familia en un porche celebrando Halloween o a una pareja de ancianos con su perro en frente de una antena parabólica. Todo cambia y permanece al mismo tiempo.

August Sander.

(Herdorf, en el distrito de Altenkirchen en Renania-Palatinado, Alemania, 17 de noviembre de 1876 – Colonia, 20 de abril de 1964) Hijo de un carpintero que trabajaba en una mina, y fue ahí donde Sander aprendió los primeros rudimentos de la fotografía, ayudando a un fotógrafo que trabajaba para la empresa minera. Con el apoyo económico de su tío, compró un equipo fotográfico y construyó un cuarto oscuro. Realizó el servicio militar entre 1897 y 1899 como asistente del fotógrafo, y los años siguientes viajó a través de la Alemania.

En 1901 comenzó a trabajar para un estudio fotográfico en Linz, convirtiéndose en el primer socio en 1902 y, a continuación, único propietario. En 1909 se marchó y abrió un nuevo estudio en Colonia.

En los primeros años 20, Sander se sumó al Grupo de artistas progresistas en Colonia, y comenzó un catálogo de la sociedad contemporánea alemana, a través de una serie de retratos. En 1927, junto con el escritor Ludwing Matha, viajo a Cerdeña durante tres meses, haciendo alrededor de 500 fotografías, Sin embargo, su detallado diario de estos viajes nunca se completó.

Con la llegada de los nazis al poder, su trabajo y su vida personal se vieron gravemente limitados. Su hijo, Erich miembro del partido izquierdista (Sozialistische Arbeiterpartei Deutschlands), fue detenido en 1934, y condenado a 10 años de cárcel, falleciendo en 1944, poco antes de la finalización de su condena y del final de la guerra.

Durante la década siguiente sus trabajos fueron dirigidos principalmente a fotografiar la naturaleza y el paisaje. Cuando estallo la Segunda Guerra Mundial se fue de Colonia, trasladándose a una zona rural. Su estudio fue destruido en 1944 durante un bombardeo.

El trabajo de Sander incluye fotografías de paisajes, naturaleza, arquitectura, y fotografías de la calle, pero es especialmente famoso por sus retratos, como lo demuestra la serie Hombres del siglo XX. En esta serie trata de ofrecer un catálogo de la sociedad alemana durante la República de Weimar. La serie se divide en siete secciones: Campesinos, comerciantes, mujeres, clases y profesiones, artistas, la ciudad y el pasado, (los sin hogar, veteranos de guerra..).

En el año 1961 recibió el premio de cultura de la asociación alemana de fotografía.

Sebastiao Salgado.

(8 de febrero de 1944 en Aymorés)

Es un fotógrafo sociodocumental y fotorreportero brasileño.

Salgado ha viajado a más de 100 países por sus proyectos fotográficos. La mayor parte de éstos han aparecido en numerosas publicaciones y libros. Exhibiciones itinerantes de su trabajo han sido mostradas en todo el mundo. El galerista Hal Gould considera a Salgado el mejor fotógrafo de los comienzos del siglo XXI. Ha recibido numerosos premios internacionales, entre otros en 1998 el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

Salgado pertenece a la tradición de la fotografía sociodocumental. Destaca en su obra la documentación del trabajo de personas en países menos desarrollados o en situación de pobreza. En la introducción a Éxodos dice: "Más que nunca, siento que solo hay una raza humana. Más allá de las diferencias de color, de lenguaje, de cultura y posibilidades, los sentimientos y reacciones de cada individuo son idénticos." En 2001 llegó a ser nominado representante especial de UNICEF por su labor.

Trabaja en proyectos propios de larga duración, algunos de los cuales han sido publicados en libros como Otras Américas o Éxodos. Sus fotografías más conocidas podrían ser las realizadas en las minas de oro de Serra Pelada en Brasil. Suele fotografiar en blanco y negro con Leica.

En el año 1989 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad En junio de 2007, tras recibir el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, hubo una gran exposición antológica sobre su trabajo en el festival internacional de PHotoEspaña, Madrid, donde ganó el Premio del Público.

En el año 2014, salió a la gran pantalla el largometraje La sal de la Tierra (película de 2014).

Lewis Hine.

(Oshkosh, Wisconsin en 1874 y fallecido en Nueva York en 1940) Fue un fotógrafo estadounidense conocido principalmente por sus imágenes de los inmigrantes que llegaban a la Isla de Ellis, Nueva York y por documentos fotográficos que reflejaban las condiciones laborales en los Estados Unidos de la época. entró en la Universidad de Chicago en 1900, estudiando Sociología, carrera que continuó en las universidades de Columbia y Nueva York. En Nueva York, trabajó de profesor en la Ethical Culture School, donde animaba a sus estudiantes a utilizar la fotografía como un medio educativo.

Con una sencilla cámara de fuelle de 13 x 18 cm, montada en un trípode inestable y un flash de magnesio, Hine emprende un año de expediciones fotográficas a Ellis Island (Nueva York), con el fin de hacer retratos de inmigrantes recién llegados que sirvieran de inspiración a sus alumnos. Entre 1904 y 1909, Hine hizo unas 200 placas (fotografías), y se dio cuenta que su vocación era el fotoperiodismo.

Pero la labor de Hine no se quedó simplemente en la belleza de sus fotografías, si no que con ellas, y conociendo el valor persuasivo de la fotografía, presionaba a las autoridades

para mejorar las condiciones laborales de los trabajadores e inmigrantes y para mejorar leyes relacionadas con los trabajos de menores y la seguridad en el trabajo.

La aparición, a finales del siglo XIX, de numerosas entidades benéficas y comités de reforma que proponían una mejora de las condiciones sociales, y su activa participación en las actividades progresistas, hicieron que Hine dejara su puesto de docente en 1908, para convertirse en el fotógrafo oficial del National Child Labor Committe (NCLC; Comité Nacional de Trabajo Infantil), organización creada para luchar contra el empleo infantil en la industria pesada, documentando el trabajo de los niños en campos, minas y fábricas, recolectando algodón, vendiendo periódicos o ayudando a sus familias a pelar nueces.

En 1908, Hine mantuvo sus opiniones (un instrumento para la investigación, para la comunicación de sus hallazgos a otros investigadores y para la enseñanza) sobre la fotografía, pero añadió que la principal misión de la fotografía es el arte, los factores estéticos de la fotografía y que los demás objetivos son secundarios. A la hora de realizar fotografías (él las realizaba con fines sociológicos) se veía antes como figura artística que como científico.

A finales de la Primera Guerra Mundial, la Cruz Roja americana contrató a Hine para documentar las consecuencias de la guerra en Europa. Estas fotografías, como todas las que había hecho, tienen el mismo y único principio: despertar una toma de conciencia y consiguió para la Cruz Roja la concesión de ayudas económicas.

En los años 30, las condiciones habían cambiado y en 1932 publicó su colección Men at Work, documento fotográfico sobre la construcción del Empire State.

Su obra fue donada al Museo Internacional de Fotografía George Eastman House, en Rochester.

En sus años finales, Lewis Hine, olvidado y sin patronazgo para sus obras, vivió en la misma pobreza que había fotografiado.

Josef Koudelka.

(Boskovice, República Checa, 10 de enero de 1938).

Es un fotógrafo nacido en Checoslovaquia y nacionalizado francés.

Se interesa por la fotografía a los doce años gracias a el señor Dycka, panadero de oficio, fotógrafo aficionado y amigo de su padre. Sus primeras fotografías son de su entorno familiar y para realizarlas se vale de una cámara de baquelita 6 x 6. En 1956 se traslada a Praga para comenzar la carrera de ingeniería aeronáutica. Durante los años de estudios conoce al fotógrafo Jiri Jenicek, quien le anima a reunir una serie de fotografía para realizar su primera exposición en 1961 en el Teatro Semafor de Praga. Durante la inauguración conoce a Anna Fárová, amiga y colaboradora a lo largo de toda su vida.

Durante los años sesenta compagina su trabajo de ingeniero en Praga y Bratislava con la fotografía, que cada vez le ocupa más tiempo. Así, colabora esporádicamente con la

revista Divadlo (teatro) y su interés por la música tradicional y de los rromale lleva a hacer de los gitanos su principal sujeto fotográfico.

En 1965 es invitado por el director del Teatro tras el puente a fotografiar espectáculos teatrales. Y junto a Marieta Luskacová emprende varios viajes por el este de Eslovaquia con el fin de fotografiar celebraciones religiosas.

En 1966 se publica el primer libro de fotografías de Koudelka, que recoge la serie de la obra de Alfred Jarry , que había sido puesta en escena por Jan Grossman.

En 1967 decide abandonar su trabajo como ingeniero para dedicarse exclusivamente a la fotografía. En ese momento se inscribe en la Unión de Artistas Checoslovacos y recibe el premio anual de la asociación por “la originalidad y calidad de sus fotografías de teatro”.

Expone por primera vez las fotografías de gitanos tomadas en 1961 y 1967 bajo el rótulo de Cikáni.

Viaja a Rumanía para continuar su proyecto sobre estilo de vida de los gitanos y regresa a Praga un día antes de que comience la invasión de Checoslovaquia por parte de las tropas del Pacto de Varsovia. A lo largo de los días siguientes fotografía el enfrentamiento entre soviéticos y checoslovacos. Estas fotografías saldrán de Checoslovaquia en 1969 por mediación de Anna Fárová y serán distribuidas por la Agencia Magnum, sin que se mencione el nombre de su autor para protegerle de posibles represalias.

En 1970 abandona Checoslovaquia con un visado de tres meses para continuar fotografiando gitanos, en esta ocasión, en el oeste de Europa. En 1971, Elliott Erwitt le propone unirse a la cooperativa Mágnum Photos y Koudelka acepta ser miembro asociado. Es entonces cuando conoce a Henri Cartier-Bresson y al editor y fotógrafo Robert Delpire, con quienes mantendrá una relación muy cercana. Koudelka reconoce que trabajando con Robert Delpire aprendió de fotografía más que nunca en su vida y que éste es la persona que mejor conoce su obra, a lo que ayuda el hecho de que sea el editor de la mayor parte de los libros de Koudelka.

En 1980 abandona Inglaterra para instalarse en Francia, pero hasta el año 1987 no se nacionaliza francés.

En 1986 es invitado por la Mission Photografique de la DATAR a formar parte, junto a otros fotógrafos, de un proyecto cuyo objetivo es documentar la diversidad de paisajes, tanto urbanos como rurales, de Francia. Tras probar a hacer fotografías en París, Normandía y Bretaña, se decide por la región de Lorena, donde la reestructuración de la industria metalúrgica estaba produciendo grandes cambios en el terreno. Con esta experiencia comenzará a emplear sistemáticamente cámaras panorámicas, pues ya realizaba fotografía panorámicas desde 1958.Hasta hoy en día, Josef Koudelka ha recibido prestigiosos galardones en reconocimiento a su labor, como el Premio Cartier Bresson, la Medalla de la Royal Photographic Society o el Premio internacional de la Fundación Hasselblad y ha sido nombrado Caballero de las Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura de Francia.

Edward Steichen.

(27 de marzo de 1879 en Luxemburgo; falleció el 25 de marzo de 1973 en West Redding, Connecticut).

En 1881 emigra con su familia a los Estados Unidos de América, donde su padre encontró trabajo en una mina de cobre. Tomó su primera foto en 1895 y posteriormente fue miembro del Photo-Secession, (club de fotografía artística) el cual tenía la intención de elevar la fotografía como un medio artístico en sí mismo, sin necesidad de imitación a otras artes, tal como el pictorialismo estaba impuesto en la época. Durante la primera guerra mundial se dedicó en ella como fotógrafo. Más tarde trabajó para las revistas de moda Vanity Fair y Vogue y durante la primera guerra mundial dirigió la sección de fotografía de la US-Marine y posteriormente dirigió la sección de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA).

Su aportación más importante a la fotografía es la exposición The Family of Man que realizó para el MoMA. El 14 de febrero de 2006 se subastó en Sotheby's, Nueva York, una de sus ampliaciones, titulada "The Pond-Moonlight" de 1904, cuyo valor ascendió a 2,928 millones de dólares (2,46 millones de euros), siendo hasta entonces el valor más alto ofrecido en subasta por una fotografía.

Franchesca Woodman.

(Denver, Colorado, 3 de abril de 1958 - Nueva York, 19 de enero de 1981) Fue una fotógrafa estadounidense. Sus padres, George Woodmany Betty Woodman, eran artistas plásticos que ahora gestionan un archivo de más de 800 imágenes, 120 de las cuales han sido expuestas o publicadas.

Se inscribe en la generación de mujeres de vanguardia de la década de 1970 que reivindicaron su aportación y visión del mundo, que incluye también a artistas activistas como como Cindy Sherman, Martha Rosler o Ana Mendieta.

Criada en el seno de una familia de artistas, su interés por la fotografía surgió a una edad muy temprana: con solo 13 años empezó con sus primeros trabajos, ya adoptando un estilo característico, casi siempre fotografiando en blanco y negro, con formato cuadrado, y dando prioridad a la iluminación para, a través de ella, conseguir centrar la atención sobre un sujeto principal (y normalmente único) en la escena. De sus padres obtuvo sus primeras influencias hacia el arte, de tal forma que, desde pequeña, lo conceptualizó no sólo como un modo de vivir, sino más bien como un modo de pensar. Es considerada una niña prodigio.

Entre los años 1975 y 1979 fue estudiante de la Rhode Island School of Design en Providence, y fue aceptada en el Programa de Honores que le permitía vivir durante un año en las instalaciones de la escuela en Palazzo Cenci en Roma. Durante su estancia en la capital italiana (1977-1978), se identificó con el surrealismo y el futurismo, que desde entonces ganaron presencia en sus fotografías, así como la decadencia, representada en las paredes desnudas y los objetos antiguos que también comenzaron a poblar sus trabajos.

En 1979 se trasladó a Nueva York, donde quiso hacer carrera fotográfica. Envió portafolios a algunos fotógrafos de moda, pero sus esfuerzos no se vieron recompensados y sufrió una depresión. Luego de intentar suicidarse en septiembre de 1980, en una carta a un amiga ex compañera de la Rhode Island School of Design, Sloane Rankin, escribía las siguientes palabras: Mi vida en este punto es como un sedimento muy viejo en una taza de café y preferiría morir joven dejando varias realizaciones… en vez de ir borrando atropelladamente todas estas cosas delicadas…

El 19 de enero de 1981 Francesca Woodman se suicidó. Saltó por una ventana de un loft del Lower East Side de Manhattan en Nueva York.

Su obra consiste en retratos, mayoritariamente de mujeres en blanco y negro, siendo ella misma la modelo en muchas ocasiones. El cuerpo es uno de los temas centrales de su fotografía; las figuras humanas aparecen borrosas, perdidas en la sombra, parecen formar parte de las salas invadidas por el deterioro.10 A través de sus fotografías, Woodman buscó la denuncia de la situación en la que vivían las mujeres en los años 1970.

Para Francesca Woodman el medio preferido para sus imágenes era el libro: sus fotos pasaban desapercibidas en galerías, sobre todo si tenían que competir con las imágenes de moda, aumentadas a tamaños descomunales. Diseñó libros para recoger sus fotografías, pero sólo se publicó uno de ellos: Algunas geometrías interiores desordenadas (Some Disordered Interior Geometries), en 1981.

Jacob Riis.

(3 de mayo de 1849 - 26 de mayo de 1914) Fue un fotoperiodista y reformador social danés nacido en Ribe (Dinamarca), y emigrado a Estados Unidos en 1870.

Es célebre por emplear su talento como fotógrafo y periodista para ayudar a los inmigrantes empobrecidos del Lower East Side neoyorquino, quienes fueron los principales sujetos de sus obras.

Contribuyó a la erradicación de las casas de vecindad insalubres de los barrios marginales del sur de Manhattan en las que la población malvivía hacinada, apostando en su lugar por la construcción de viviendas modelo, de acuerdo al plan de Boston. Prestó especial atención al problema de la infancia en los suburbios: denunció el empleo de mano de obra infantil en los talleres de explotación laboral o "sweatshops", la baja escolarización de los

niños, y la falta de zonas verdes y de patios de recreo donde pudiesen crecer de forma saludable.

Fue además uno de los primeros fotógrafos en utilizar el recientemente descubierto flash de magnesio como fuente auxiliar de iluminación para sacar a la luz el modo en que vivía y trabajaba la "otra mitad" de la ciudad, y por ello es considerado uno de los pioneros de la fotografía1 documental norteamericana.

Robert Frank. (nacido el 9 de noviembre de 1924 en Zúrich, Suiza) Es una importante figura estadounidense dentro del ámbito de la fotografía y el cine. Su trabajo más destacado es el libro de fotografía The Americans, publicado en 1958, el cual está fuertemente influido por el periodo de la post-guerra, y el cual lo ha llevado a ser considerado como un Alexis de Tocqueville moderno por su visión escéptica y fresca de la sociedad estadounidense vista desde una perspectiva de extranjero. Frank expandió sus intereses posteriormente al cine y experimentó con la composición y manipulación de fotografías. En el año 1996 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad Premio PHotoEspaña Baume et Mercier 2009.

Frank nació en una rica familia judía en Suiza. Rosa, la madre de Frank, era de ascendencia judía, pero su padre Hermann, había sido apatriado después de la Primera Guerra Mundial y tuvo que pedir la ciudadanía suiza para Frank y su hermano mayor, Manfred. Aunque Frank y su familia permanecieron seguros en Suiza durante la Segunda Guerra Mundial, la amenaza nazi sin embargo afectó su comprensión sobre la opresión.

Se inclinó por la fotografía en parte como una forma de escapar a la tradición de los negocios familiares, siendo entrenado por algunos fotógrafos y diseñadores gráficos antes de crear su primer libro de fotografías en 1946, 40 Fotos. Frank emigró a los Estados Unidos en el 1947, y obtuvo un empleo en la Ciudad de Nueva York como fotógrafo de moda para Harper's Bazaar. Poco después comenzó a viajar por América del Sur y Europa.

Publicó dos libros más de fotografías tomadas en Perú, y volvió a los EE.UU. en 1950.

Ese año fue uno trascendental para Frank, quien después de haber conocido a Edward Steichen, participó en la presentación grupal 51 American Photographers en el Museo de Arte Moderno de Nueva York(MOMA); además se casó con una compañera artista, pintora, Mary Lockspeiser, con la que tuvo dos hijos, Andrea y Pablo.

Aunque en un principio era optimista acerca de los Estados Unidos, su perspectiva cambió rápidamente cuando enfrentó el paso rápido de la vida estadounidense y lo que él veía como un énfasis excesivo en el dinero. Desde entonces, comenzó a ver los Estados Unidos como un lugar a menudo triste y solitario, una perspectiva que se volvió evidente en sus posteriores trabajos fotográficos. La propia insatisfacción de Frank con el control excesivo que ejercían sus editores sobre su trabajo también fue un factor determinante en su experiencia. Continuó viajando, moviendo a su familia temporeramente a París. En 1953 retornó a Nueva York y continuó trabajando como periodista fotográfico independiente para revistas como McCall's, Vogue, y Fortune.

Con ayuda del artista que más influyó sobre su persona, el fotógrafo Walker Evans, Frank recibió un permiso especial de la Fundación John Simon Guggenheim en 1955 para viajar a través de los Estados Unidos y fotografiar la sociedad en todos los estratos.

Frank también se hizo amigo de Allen Ginsberg, y fue uno de los principales artistas en documentar la subcultura Beat, que iba de la mano con el interés de Frank en documentar el contraste entre el optimismo reinante en los años 1950 y las diferencias raciales y de clases en la sociedad estadounidense. La ironía que veía Frank en la cultura estadounidense influyó sin duda en su técnica fotográfica, marcando un claro contraste en comparación con la mayoría de los fotoperiodistas contemporáneos, visible en su estilo inusual de enfoque y el uso de luz baja, entre otras características que se desviaban de las técnicas de fotografía aceptadas.

Lee Friedlander.

(14 de julio de 1934) Es un fotógrafo estadounidense.

Realizó estudios de fotografía en el Art Center School entre 1953 y 1955, al año siguiente se trasladó a Nueva York y estuvo trabajando en portadas de discos de música de jazz. En sus primeros trabajos se notaba la influencia de Eugéne Atget, Robert Frank y Walker Evans.

Su primera exposición monográfica la realizó en la George Eastman Housede Rochester en 1963 en la que ya empezaba a explorar el paisaje urbano y a proporcionar un nuevo sentido a la fotografía documental. En la exposición realizada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1967destacó junto a Diane Arbus y Garry Winogrand como representante de ese nuevo documentalismo y desde entonces ha realizado numerosas fotografías dotadas en muchos casos de sentido del humor.

Uno de sus trabajos más significativos fue el análisis del caos en la vida cotidiana de la generación de los años cincuenta para lo que contó con una beca de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation en 1960, 1962 y 1970, fruto de esta investigación fue el libro The American monument y la exposición en la Galería Corcoran titulada The nation's capital in photographs. En 1958 logró la recuperación de los negativos de Ernest James Bellocq que contenían una serie de retratos sobre las prostitutas de Nueva Orleans a principios del siglo XX,con la colaboración con Susan Sontag y John Szarkowski dio lugar al libro titulado Bellocq : photographs from Storyville, the redlight district of New Orleans. Aunque también son muy conocidos la serie de desnudos que realizó a Madonna en 1979 al comienzo de su carrera, publicadas por Playboy en 1985.

Al estar enfermo de artritis tuvo que ser operado de la rodilla y estar recluido en su casa, durante ese tiempo realizó una serie de fotografías que publicó en su libro Stems (Tallos) en 2003. En el año 2005 el MOMA realizó una exposición retrospectiva de su obra,recibiendo ese mismo año el premio internacional de la Fundación Hasselblad.

Henry Peach Robinson.

(Ludlow, Shropshire, 9 de julio de 1830 - Royal Tunbridge Wells, Kent, 21 de febrero de 1901) Fue un fotógrafo inglés.1 Comenzó su carrera artística como pintor de la escuela prerrafealista, profesión que abandonó para dedicarse a la fotografía, abriendo un estudio fotográfico en 1857.

Inicialmente aplicó a sus imágenes las ideas de la fotografía academicistaaportando un poco más de lirismo (influencia del prerrafaelismo).

Su obra más célebre, Los Últimos Instantes, 1858, es considerado el primer fotomontaje de la historia.

Muestra a una joven moribunda en representación teatral, donde nada queda de los aspectos documentales o testimoniales propios de la fotografía. Al igual que Oscar Gustav Rejlander recurre al fotomontaje con el empleo de varios negativos (en esta obra un mínimo de 4), pero sin embargo su obra tiene más que ver con el romanticismo (algunos críticos señalan que el fondo y el personaje del padre recuerdan al paisajista alemán Friederich). Siguiendo las ideas de la fotografía academicista trata el tema de la muerte con el objetivo de pretender su control (representación ideal de la realidad para su manejo).

Perteneció a la Real Sociedad Fotográfica de Gran Bretaña y, posteriormente, al Linked Ring de la que fue cofundador. Las ideas que habrían de provocar el nacimiento de esta última, se encontraban en su obra teórica Efecto Pictorial en Fotografía, 1869, la cual supone un referente básico del pictorialismo fotográfico.

Oscar Gustav Rejlander.

(Suecia, 1813 - Clapham, 18 de enero de 1875) Fue un fotógrafo y pintor suecoafincado en Inglaterra.Está considerado uno de los pioneros de la fotografía artística en la época victoriana.

Estudió arte en Roma, instalándose posteriormente en Lincoln(Inglaterra). Abandonó su profesión inicial de pintor y retratista de miniaturas, tras comprobar cómo la fotografía, recientemente inventada (1839), conseguía los logros que a él se le negaban.

Tambień se dice que su decisión fue motivada por los consejos recibidos de uno de los asistentes de William Fox Talbot.

Su obra fotográfica, realizada en estudio con el empleo de mucho atrezzo, se centra en los temas de la alegoría, el mito, la historia. Para la obtención de la obra final realiza previos bocetos y luego retoca los negativos(montando, coloreando, etc.) con tal maestría que no se nota el retoque. Esta técnica sería empleada por algunos artistas que experimentaron con la fotografía en las vanguardias del siglo XX, si bien sus objetivos eran radicalmente diferentes.

Acometió diversos experimentos para mejorar sus fotografías, incluyendo un procedimiento de impresión fotográfica del cual parece ser su inventor. Fue amigo y maestro de Lewis Carroll, quien recopiló la obra inicial de Rejlander y colaboró en

resolver los problemas técnicos de éste. A Rejlander se debe uno de los más conocidos retratos de Lewis Carroll.

Participó en la Exposición de Parísde 1855, realizando dos años más tarde su obra más conocida, el trabajo alegórico titulado Los dos caminos de la vida 1857. La obra fue realizada mediante la combinación de 32 negativos. Exhibida por primera vez en Mánchester, para la realización de la obra empleó fondos pintados y realizó fotografías de los personajes por separado, en parejas, en tríos, etc. Si bien hay cierta incoherencia en la disposición de los personajes, resulta ser una fotografía muy lograda. Presenta una composición geométrica dividida por la figura del Patriarca, cuyo objetivo es ofrecer un mensaje moral: ubica personificaciones del mal (la lujuria, la gula y otros pecados cristianos) a la izquierda de la composición y las del el bien a la derecha, trabajados de forma más luminosa y donde se puede ver alegorías de la virtud, el trabajo, las buenas costumbres, etc. La obra presenta una fuerte referencia compositiva a la pintura renacentista "La Escuela de Atenas" de Rafael, más allá de sus diferencias temáticas.

Dada cuenta que la imagen muestra una parcial desnudez provocó cierto escándalo social, lo que le valió acusaciones sobre el empleo de jóvenes prostitutas como modelos. El escándalo fue acallado cuando la propia Reina Victoria del Reino Unido le encargó una copia para regalar al príncipe Alberto. Este hecho provocó su éxito comercial y su calificación como el fotógrafo del poder.

Trasladó su estudio a Londres en 1862 donde más tarde experimentaría con la doble exposición, el fotomontaje, la manipulación y el retoque fotográfico. Llegó a ser un experto en técnica fotográfica, convirtiéndose en maestro de otros fotógrafos y realizando diversas publicaciones, lo que le valió ser considerado como uno de los padres de la fotografía artística.

Sus obras se enmarcan dentro de la Fotografía academicista donde no se persigue un fin realista sino una recomposición ideal conforme a unas normas prefijadas, ideales y morales establecidas por la clase social conservadora. Su obra alegórica "La infanta fotografía dándole un pincel adicional a la pintura" representa acabadamente la propuesta de este precursor de la fotografía artística, cuyas iniciativas se convertirían más adelante en programa estético en el movimiento pictorialista: legitimar a la fotografía como una forma artística, a partir de homologarla a los procedimientos y cánones de las artes plásticas, especialmente de la pintura.

Otra de las obras conocidas de Rejlander, sobre todo por las críticas recibidas de sus detractores, es Rejlander el pintor presentando a Rejlander el voluntario, 1871. El autor busca en ella que se vea el truco a fin de que el espectador admire su técnica. La intención de la obra es mostrar la disposición del artista hacia el poder.

Robert Demachy.

(1859-1936)

Fue un fotógrafo francés que destacó en el estilo pictorialista, siendo muy conocido por las manipulaciones de sus obras, proporcionándoles un acabado similar a las pinturas.

Aunque no se sabe con certeza los motivos a mitad de la década de 1870descubre la fotografía y se apasiona por ella. Desde ese momento dedica su tiempo a la misma, continuamente realiza tomas fotográficas y se dedica a escribir sobre fotografía.

Aunque nunca trabajó como un profesional de la fotografía, la convirtió en la actividad a la que dedicaba un mayor tiempo.

En 1882 fue elegido miembro de la Sociedad Francesa de Fotografía lo que le permitió conocer a los principales fotógrafos europeos de la época y durante un tiempo se sintió frustrado ante las ideas conservadoras que mantenían. En 1888 funda con Maurice Bucquet el Photo Club de París en el que se mantenían los principios estéticos del pictorialismo y poco a poco este club se convirtió en un movimiento similar a The Linked Ring en el Reino Unido y la Photo-Secession en Estados Unidos.

Posteriormente en 1895 sería elegido como miembro destacado de The Linked Ring.

En 1893 se casó con Adelia y se convirtió en uno de los primeros parisinos poseedor de un automóvil.

Sin previo aviso ni explicación, de repente dejó Demachy de hacer fotografías a principios de 1914. Nunca más tocó una cámara, incluso se negó a tomar instantáneas de sus nietos. El momento de su decisión coincide con el comienzo de la Primera Guerra Mundial en Europa, pero no existe ninguna indicación de que él se viese negativamente afectado por estos acontecimientos.

Cuando murió su madre en 1916, vendió la mansión y se trasladó a un apartamento en el barrio de Montmartre. Posteriormente se trasladó a vivir a una granja de su propiedad, donde gozó de una vida sencilla. Su único esfuerzo artístico para el resto de su vida fue conducir su coche clásico a la playa donde realizaba bocetos de gruesas mujeres nadadoras.

Murió de ateroesclerosis el 29 de diciembre de 1936, siendo trasladado su cadáver dos días después al panteón familiar en París. Poco antes de su muerte destruyó sus bocetos y las fotografías que le quedaban de sus anteriores exposiciones.

José Ortiz-Echagüe Puertas.

(Guadalajara, 2 de agosto de 1886 – Madrid, 7 de septiembrede 1980) Fue un ingeniero militar, piloto y fotógrafoespañol. Su hermano, Antonio Ortiz Echagüe, fue un importante pintor de comienzos del siglo XX. Fue también Gentilhombre de cámara con ejerciciodel Rey Alfonso XIII. En el campo de la fotografía artística es quizá el fotógrafo más popular y uno de los más reconocidos internacionalmente. En 1935 la revista American Photography lo consideró uno de los tres mejores fotógrafos del mundo.2 Algunos críticos lo consideran el mejor fotógrafo español hasta el momento, lo cual es más meritorio porque la fotografía fue una afición a la que dedicaba ratos libres, especialmente los fines de semana y durante

sus viajes. Desde el punto de vista artístico y por su formación y temática se le podría considerar el representante de la generación del 98 en la fotografía. Se le suele encuadrar dentro de la corriente fotográfica del pictorialismo, siendo el mejor representante del llamado pictorialismo fotográfico español, aunque esta denominación no le gustaba a Ortiz Echagüe. Su obra fotográfica se enfoca hacia la plasmación de los caracteres más definitorios de un pueblo: sus costumbres y atuendos tradicionales y sus lugares. Consigue expresar con sus fotografías una expresión personal más cercana a la pintura, casi siempre mediante efectos durante el positivado.En 1898 le regalaron su primera cámara; desde entonces y a lo largo de 75 años realizó miles de fotografías.

Revelaba él mismo sus negativos usando una técnica al carbón fresson, corriente en su juventud aunque pronto quedó desfasada. Él la usó en toda su obra artística, lo que daba un especial matiz a sus positivos, así como un mayor contraste, que hace que sus obras sean fácilmente reconocibles. Su producción es enteramente en blanco y negro.

Tanto la fabricación del papel como el procedimiento de obtención de fotografías requerían mucha paciencia, una extraordinaria habilidad y un perfecto manejo de la técnica por lo que, con el paso de los años y a medida que se simplificaban los procesos fotográficos, los pocos fotógrafos que lo utilizaban lo fueron abandonando.

El papel llevaba una fina capa de gelatina a la que se añadía pigmento de color negro y se hacía sensible a la luz. El fotógrafo obtenía copias por contacto basándose en el principio de que en las partes de la imagen que recibían menos luz la gelatina quedaba blanda y las partes de imagen que recibían más luz se endurecían con lo cual, al lavar la copia –con agua y serrín para producir roce sobre el papel- se eliminaba la gelatina blanda con el pigmento, quedando esa zona blanca y resistía la gelatina endurecida, aprisionando en su interior el pigmento, produciendo zonas negras. De este modo aparece la imagen sobre el papel.

Dicha imagen, con el papel aún húmedo, podía retocarse mediante pinceles, muñequillas de algodón o raspadores lo que daba al autor una gran libertad creativa.

La capacidad de intervención en el resultado final de una fotografía, la mayor riqueza de tonos que proporciona el pigmento y su estabilidad eran los motivos principales de José Ortiz Echagüe para el uso de este procedimiento. Sin embargo, no es este arcaico método lo más importante en las imágenes del autor. Sin un asunto interesante, una buena composición, luces bien dirigidas sobre los modelos y la correcta disposición de la escena, el procedimiento al carbón directo sobre papel Fresson daría lugar a copias vulgares. Él mismo hizo una clasificación de sus obras al agruparlas en cuatro libros: Tipos y Trajes (1930), España, Pueblos y Paisajes (1939), España Mística(1943) y España, Castillos y Alcázares (1956). A estas colecciones se deben añadir otras dos series: Marruecos y fotos familiares.

En la serie de tipos y trajes contemplamos una sociedad española de gran folclorismo, y a la vez vemos retratos de una gran profundidad humana. Es difícil no sentirse impresionado por ciertas miradas y gestos de los tipos retratados, personajes populares de las calles de algún pueblo español.

En España, pueblos y paisajes vemos, más allá de la mera reproducción del monumento o del paisaje, el contraste de las tierras y de los pueblos.

La serie sobre España mística se centra en las comunidades de religiosos de clausura y en devociones populares como procesiones o romerías. En esta serie nos presenta retratos de monjes que nos recuerdan a los monjes de Zurbarán o El Greco.

Los castillos y alcázares españoles se podrían considerar una grupo dentro de la serie sobre los pueblos y paisajes españoles, aunque se caracterizan por su especial dedicación, de esta serie existen muy pocos ejemplares uno de ellos en posesión de su amigo Francisco Benito, camarero y confidente de la familia en Madrid.

La serie de Marruecos fue realizada durante su estancia entre 1909 y 1916como ingeniero militar en el entonces llamado Protectorado Español de Marruecos.

Las fotos familiares son retratos realizados para su familia, muchos de ellos de tan alta calidad como los anteriores.

Los méritos de sus obras son evidentes: la belleza y la majestuosidad de sus fotografías, la delicadeza y la sensibilidad de sus composiciones, su respecto y afecto por los tipos tradicionales que retrata. Sus fotografías siguen causando la fascinación de la época en que fueron tomadas.

Su obra se ha reeditado múltiples veces, y se ha expuesto en numerosos lugares en todo el mundo. Recibió varios premios en vida, en España y en el extranjero.

La mayor parte de su obra está reunida en el Legado Ortiz Echagüe, en la Universidad de Navarra, que recoge aproximadamente 1.000 composiciones originales realizadas según el método de carbón fresson, así como más de 20.000 negativos. El Museo del Traje de Madrid, dependiente del Centro de Investigación del Patrimonio Etnológico, posee una buena colección de fotografías de la serie de Tipos y Trajes, adquirida en 1933.

Ralph Gibson.

(Los Ángeles, 1939) Es un fotógrafo estadounidense. Aprendió fotografía en la marina y después fue asistente de Dorothea Lange y Robert Frank. Se denomina «trilogía negra» a sus tres libros: The Somnambulist, Déjà Vu y Days at Sea. Por azar ingresó en la Escuela Naval de Fotografía con sede en Pensacolaen Florida, donde adquirió una formación técnica muy completa. Su trabajo en la marina consistía en realizar retratos, fotografía aérea y fotografía documental. También tuvo oportunidad de aprender técnicas fotográficas aplicadas a la impresión como el grabado a media tinta. Otra oportunidad que le ofreció su alistamiento fue la de conocer diferentes lugares, de ese modo cuando su barco hacía escala en Nueva York frecuentaba los clubes de jazz y asistía a las lecturas de poesía de Allen Ginsberg, Gregory Corsoy Jack Kerouac. Terminó su servicio militar en octubre de 1959 tres meses antes de lo previsto.

Durante el mismo no sólo aprendió el oficio fotográfico sino que encontró su vocación de fotógrafo.

A su regreso a Los Ángeles tuvo intenciones de matricularse en la escuela de arte, pero tras una breve estancia en San Francisco decidió trasladarse para estudiar fotografía en el instituto de arte de esa ciudad. En 1960comenzó sus estudios, pero sólo cursó dos semestres ya que quería formarse mediante el trabajo. Su profesor, Paul Hassel, le recomendó un trabajo de ayudante con Dorothea Lange. Con ella estuvo trabajando durante un año y medio, aunque paralelamente desarrolló su estilo personal. Su primera exposición la realizó en la galería Photographers' Roundtable de la ciudad. Cuando en 1961 se compró una cámara Leicacon película de 35 mm., descubrió nuevas posibilidades y otra forma de hacer fotografías. En 1962 decidió mudarse a Los Ángeles para trabajar como reportero gráfico.

En Los Ángeles comenzó su carrera como fotógrafo independiente, pero no obtuvo muchos trabajos. Sin embargo, estuvo trabajando varios meses para la Cinerama Corporation , que preparaba la Feria Mundial de Nueva York de 1964. Publicó sus primeras fotos en 1963 en la revista Nexos de San Francisco. En 1965 murió su madre.

Durante el siguiente año trabajó para varios editores gráficos de moda. Uno de sus trabajos para la agencia Kennedy Graphics se convirtió en su primer libro, titulado The Strip.

A finales de 1966 decidió trasladarse a Nueva York y se instaló en el Hotel Chelsea con sus Leicas y doscientos dólares en el bolsillo. Esta ciudad estimuló su imaginación y le pareció como un paraíso para los fotógrafos. Pronto consiguió numerosos trabajos y pudo frecuentar los ambientes de los jóvenes artistas. A principios de 1967 conoció a Robert Frank y lo contrató como asistente en la película Yo y mi hermano. En 1968 conoce a Larry Clark y Mary Ellen Mark, que influyen en su concepción de la fotografía. A partir de ese momento se alejó del fotoperiodismo y expresó un rechazo hacía la fotografía comercial.

Atraído por escritores como Marguerite Duras y Jorge Luis Borges, por la nueva novela, la música atonal y la poesía concreta se dedicó a la vida en la noche y a dormir durante el día. Su concepción de la fotografía cambia y se convierte en el instrumento de su introspección. Sus negativos adoptan un tono surrealista y con ellos decide publicar un libro: The Somnambulist. Sin embargo, debió esperar tres años para publicarlo. Al principio por no encontrar editor, pero en cuanto tuvo varias ofertas prefirió crear en 1969su propia editorial, Lustrum Press, para mantener así su independencia. En 1970 realizó una tirada de 3000 ejemplares del libro, y su publicación supuso un éxito inmediato. A partir del mismo Gibson fue reclamado para exponer sus obras y dar conferencias.

Desde la publicación de su libro Ralph Gibson fue reconocido en los círculos fotográficos. En 1971 emprendió un viaje por Europa, lo que le permitió tomar gran cantidad de fotos en Francia e Inglaterra, que incluyó en su libro Déjà Vu, publicado en 1973 y que fue el segundo de su trilogía. En ese mismo año su editorial, Lustrum Press, editó el libro titulado Tulsa, de Larry Clark. El último libro de su trilogía aparece en 1975, con el título de Days at Sea.

Ha recibido numerosas distinciones y premios. En los años 1973, 1975 y 1986 fue premiado por la National Endowment for the Arts; en 1977 por la Deutscher Akademischer Austauschdienst Exchange en Berlín, y por el New York State Council of the Arts; y en 1985 por la John Simon Guggenheim Memorial Foundation.1 También fue condecorado como Officier de L'Ordre des Arts et des Lettres en 1986 y en 2002 como Commandeur de L'Ordre des Arts et des Lettres por el gobierno francés.

Entre sus premios se incluyen: Leica Medal of Excellence Award (1988); 150 Years of Photography Award dado por la Sociedad fotográfica de Japón en 1989; la Gran Medalla de la ciudad de Arlés en 1994 y la Lucie Award en 2007 por lo logros alcanzados a lo largo de su vida. Fue nombrado en 1991 doctor honorario en Artes por la Universidad de Maryland y en 1997 por la Universidad Wesleyan de Ohio.

Gibson vive en Nueva York y viaja con frecuencia a Europa y Brasil.

George Rodger. (nació en Hale, Cheshire, en 1908 y falleció el 24 de julio de 1995 en Ashford, Kent) Fue un fotoperiodista inglés fue uno de los fundadores de la agencia Magnum y después de sus fotografías de la II Guerra Mundial documentó diversas culturas africanas. Su meta era fotografiar a personas comunes en situaciones extraordinarias con una dosis de humor. Fue África el lugar que más le apasionó y al que regresó más de 15 veces para hacer reportajes sobre diferentes tribus.

A los 17 años su padre lo sacó de la escuela por su mala conducta (era un niño independiente, silencioso, discreto y aventurero) y lo mandó a trabajar a una granja.

Aburrido, a los pocos meses decidió tomar un barco carguero rumbo a Oriente Medio .

A sus 21 años, Rodger decidió buscar suerte en los Estados Unidos, pero 1929 no era precisamente un buen año para encontrar empleo. Aún así sobrevivió a la gran depresión trabajando en diversas fábricas y granjas. En 1935 regresó a Inglaterra derrotado moralmente y sin dinero.

Aunque comenzó a tomar fotografías a los 15, su sueño era convertirse en escritor. Toda su vida registró sus andanzas en un diario.

Durante la vuelta al mundo, escribió notas sobre sus viajes y pensó fotografías para ilustrar su cuaderno de viaje. En 1936 regresó a Gran Bretaña. Azarosamente vio un anunció en el Daily Telegraph de la BBC que le cambiaría la vida: necesitaban un fotógrafo. Con un portafolio de 6 fotos Rodger obtuvo el trabajo y así comenzó una nueva etapa, hasta que en 1938 comenzó a trabajar para la agencia Black Star.

Pronto procuró hacerse de una cámara Leica y una Rolleiflex para entrar de lleno en su profesión. Comenzó a publicar en numerosas revistas y desde un principio escribió los textos que acompañaban sus imágenes. Rodger fue un fotógrafo que contaba historias.

En 1940 cuando los alemanes bombardearon Londres, la revista Life lo invitó a documentarlo, plasmando de forma indeleble las atrocidades, el miedo y la miseria inherentes a los conflictos armados.

Durante la Segunda Guerra Mundial, fue el único fotógrafo independiente británico que pudo tomar fotografías de la liberación de los campos de concentración, realizando una dura crónica de guerra. Rodger fue el primer fotógrafo en entrar en el campo de concentración de Bergen-Belsen en 1945. Sus fotografías de los supervivientes y de las pilas de cuerpos muertos fueron publicadas en Life y en Timey sirvieron para mostrar la realidad de los campos de concentración, los campos de la muerte.

A partir de ese año y dado el éxito de sus reportajes, Life lo envió como corresponsal a África durante dos semanas que se convirtieron en dos años. De esta manera pudo aprovechar su vasta experiencia como sobreviviente de la gran depresión y comenzó a realizar sus mejores trabajos. Poco a poco fue conociendo a varios de los grandes fotorreporteros de la época y se fue haciendo de sus mejores amigos, entre ellos: Robert Capa, Hans Wild y Bill Vandivert.

Para Rodger, las guerras se convirtieron en una experiencia traumática no pudiendo volver a trabajar como corresponsal de guerra. Dejó Life y viajó por África y Oriente Medio, evadiéndose de la sociedad occidental.

En 1947, fundó junto a Robert Capa, David Seymour y Henri Cartier-Bresson la agencia Magnum, trabajando durante más de 30 años como freelance, haciendo expediciones y fotografiando gente y paisajes de África.

Gran parte de sus fotografías sobre África fueron publicadas en National Geographic.

Jean Eugène Auguste Atget.

(12 de febrero de 1857, Libourne, Gironda(Francia)- 4 de agosto de 1927, París)

Fue un fotógrafo francés.Además de los "Documentos para artistas", Atget se dedica a sacar retratos de personas en plena calle y empieza a crear lo que sería su obra más conocida: una colección de fotografías para sí mismo de la vida diaria de la ciudad a principios del siglo XX, especialmente de aquellas zonas, oficios o modos de existir urbanos en desaparición, luego de las reformas que sufriera la ciudad desde mediados del siglo XIX, por iniciativa del barón Haussmann. Monumentos, parques, vendedores, prostitutas o escaparates son algunos de sus temas más recurrentes de una colección que alcanzó más de 4000 imágenes. Tras su muerte, la fotógrafa americana Berenice Abbott, asistenta de Man Ray, adquirió sus negativos. El museo de monumentos históricos de París consiguió 2000 trabajos de Atget en 1927.

Sus fotografías tienen gran fuerza de sugestión, reflejan la cotidianidad parisina, de una forma espontánea, libre de las ataduras de otros movimientos artísticos. Al final de su vida, su figura ya era conocida entre escritores y pintores de la época. Los surrealistas lo encumbraron viendo en sus imágenes, sobre todo en las figuras reflejadas en las

vidrieras, una visión que sugiere algo fantasmal. Aunque las fotografías de Atget son tomas directas, y no participan de las búsquedas experimentales de las vanguardias, los surrealistas reconocieron en la obra de Atget un precursor de su estética, especialmente de la práctica del "objeto encontrado".

La fotografía "El eclipse" (1911) de Atget se publicó en la portada del N° 7 de la revista La Révolution Surrealiste. A pesar de esa popularidad en alza murió en la miseria. En Estados Unidos está considerado como un maestro de la fotografía, y Francia lo vuelve a descubrir desde los años 80. La Bibliothèque nationale de France (París) ofreció una retrospectiva de Atget desde el 27 de marzo hasta el primero de julio del 2007.

Lady Clementina Hawarden.

(1 de junio de 1822 en Cumbernauld, cerca de Glasgow, fallecida en South Kensington, Londres, el 19 de enero de 1865) Fue una fotógrafa escocesa que obtuvo un notable reconocimiento como fotógrafa en la Era Victoriana, a pesar de su prematura muerte. Es considerada una precursora de la fotografía de moda. fue la quinta de hija del famoso almirante Charles Elphinstone Fleeming, conocido por su participación en las guerras de liberación de Venezuela y Colombia (1811 a 1825). Su madre, Catalina Paulina Alessandro, era una “belleza exótica” de Cádiz, que tenía 26 años menos que su marido.

Se casó en 1845 con el cuarto vizconde de Hawarden, Cornwallis Maude, viviendo en Londres hasta 1857 cuando se mudaron a la finca que la familia tenía en Dundrum, Irlanda. Lady Clementina Hawarden y su esposo tuvieron diez hijos, dos niños y ocho niñas, de los cuales ocho sobrevivieron a la edad adulta.

Es probable que comenzara a experimentar con la fotografía a partir de 1857, realizando inicialmente fotos estereoscópicas de paisajes en los alrededores de la finca. Pero en 1859 cuando la familia regresó a Londres, comenzó a fotografiar a sus hijas adolescentes en un estudio que se montó en el primer piso de su lujosa casa. La vizcondesa sentía gran pasión por el arte de la composición teatral y la luz que supo retratar con maestría.

Como puede comprobarse, al mismo tiempo que Lady Clementina se dedicaba a la maternidad, se convirtió en una prolífica fotógrafa, produciendo unas 800 fotografías, la mayor parte de sus hijas adolescentes. En 1863 expuso por primera vez su trabajo en la Photographic Society of London y repitió exposición al año siguiente. En ambas oportunidades fue galardonada y muy aplaudida, pero no pudo recoger sus medallas, al morir prematuramente de neumonía a la temprana edad de 42 años. Se cree que su muerte estuvo relacionada con la prolongada exposición a los productos químicos fotográficos de la época que le debilitaron su sistema inmunológico. Trabajaba con negativos de colodión húmero y copias en albúmina.

Sus fotografías representan la vida de una familia victoriana de clase alta. Las posturas, muchas veces provocativas de sus hijas, fueron muy criticadas. La sociedad victoriana

estaba molesta por la idea de la sexualidad en la adolescencia, tema explícito en la obra de la vizcondesa.

Al crear estas imágenes enigmáticas, replanteó nuevos retos al arte de la fotografía. Es por ello que está considerada por algunos especialistas como la primera artista de la imagen fotográfica.

A Lady Clementina Hawarden le gustaba utilizar la luz natural para hacer sus fotografías.

En su momento esto fue visto como algo “atrevido” y novedoso; colocaba espejos para reflejar la luz y los utilizaba para explorar la idea de “el doble”. También, como otros fotógrafos, utilizó una cámara estereoscópica para producir impresiones individuales. Su trabajo confunde a veces lo contemporáneo con la fantasía teatral.

Oscar Rejlander y Lewis Carroll fueron admiradores de su obra, que tiene semejanzas y diferencias con la de su coetánea Julia Margaret Cameron.

Su prematura muerte hizo que pronto fuera olvidada. Una colección de 775 de sus retratos fueron donados al Victoria and Albert Museum de Londres en 1939 por su nieta, Clementina Tottenham. Las fotografías fueron arrancadas de los álbumes familiares por razones aún poco claras, lo que explica las características esquinas rotas de la obra de Hawarden.

Leni Riefenstahl.

(Berlín, 22 de agosto de 1902-Pöcking, 8 de septiembre de 2003)

Fue una actriz, fotógrafa y cineasta alemana, célebre por sus producciones propagandísticas del régimen de la Alemania nazi.

Después de ver un cartel promocional de la película de 1924 La montaña del destino (Der Berg des Schicksals), se sintió inspirada para trabajar como actriz. Entre 1925 y 1929, actuó en cinco películas exitosas. En 1932 decidió intentar dirigir su propia película, llamada La luz azul (Das Blaue Licht). En la década de 1930, dirigió El triunfo de la voluntad (Triumph des Willens) y Olympia, por las que recibió aclamación mundial. Algunos críticos consideran que son dos de las películas propagandísticas más impresionantes y técnicamente innovadoras que jamás se hayan hecho. Sin embargo, su participación en Triumph des Willens dañó significativamente su carrera y reputación después de la guerra. La naturaleza exacta de su relación con el líder del partido nazi, Adolf Hitler, sigue siendo tema de debate, aunque se sabe que existió una amistad entre ellos.

Fue arrestada al finalizar la guerra, pero quedó clasificada como «compañera de ruta» y no fue asociada con los crímenes de guerra. A lo largo de su vida, negó haber sabido del Holocausto y ganó cerca de cincuenta juicios de difamación. Además de dirigir, escribió una autobiografía y varios libros sobre el pueblo nuba (Sudán). Murió de cáncerel 8 de septiembre de 2003, a la edad de 101 años, y fue enterrada en el München

Waldfriedhof. Fue póstumamente elogiada por el conjunto de sus obras y sigue siendo una de los directoras de cine más aclamadas.

Su carrera artística comenzó como bailarina de danza, pero a causa de una lesión en la rodilla se tuvo que retirar brevemente. Durante su visita al doctor, sucedió que al ver un cartel que anunciaba el estreno de una película, quedó tan impactada que en ese momento decidió dejar la danza para convertirse en estrella de cine.

Y solamente 18 meses después de haber decidido darle un giro por completo a su vida, fue que ya estaba estelarizando su primera película llamada Der Heilige Berg (La Montaña Sagrada, 1926).

Protagonizó varias películas más, hasta que en 1931 decidió satisfacer un gran anhelo y fundo su propia compañía cinematográfica. Con lo cual decide hacer su propio guion y tomar el papel estelar.

Su primer film fue Das blaue Licht (la Luz Azul) con el cual obtuvo la medalla de oro en la Bienal de Venecia de 1932. Después, también con papeles estelares, hace SOS Eisberg en 1933 y Tiefland en 1954, películas que fueron igualmente exitosas y merecieron elogios de los críticos del séptimo arte en Europa.

A partir de la década de 1950, Riefenstahl inició una nueva y estimulante etapa profesional, esta vez como fotógrafa. A finales de la década siguiente produjo una detallada y bella documentación fotográfica sobre un pueblo africano, los Nuba, y en años posteriores realizó varias producciones sobre la vida submarina.

Riefenstahl falleció a los 101 años en su casa, padecía cáncer y problemas dorsales.

Falleció mientras dormía, tras un progresivo deterioro de su salud.

Claude Cahun.

(Nantes, 25 de octubre de 1894 - Saint-Hélier, isla de Jersey, 8 de diciembre de 1954)

Fue una fotógrafa y escritora francesa. Se consideraba a si misma de género no binario.

Sobrina del escritor Marcel Schwob, Lucy Schwob adoptó el nombre de Claude Cahun en honor de su tío-abuelo Léon Cahun y con el fin de aprovechar la ambigüedad de género del nombre "Claude".En la década de 1920 se instaló en París con su pareja sentimental y artística (quién también era su hermanastra),la ilustradora Suzanne Malherbe (Marcel Moore), y comenzó a publicar artículos y relatos en el periódico Mercure de France. Entre sus amistades se encontraban Man Ray, André Breton, Henri Michaux, Pierre Morhange y Robert Desnos.

En 1929, la revista Bifur publicó una de sus fotografías. En esta misma época se unió al grupo del teatro le Plateau, animado por Pierre Albert-Birot. El año siguiente publicó su ensayo autobiográfico Aveux non avenus(traducción aproximada: Confesiones mal avenidas), ilustrado con fotomontajes.

En la Asociación de Escritores y Artistas Revolucionarios, a la que se adhirió, estableció relaciones con André Breton y René Crevel, lo cual la llevó a asociarse al grupo surrealista. En 1934, publicó Les Paris sont ouverts (Los París están abiertos). En 1935, con André Breton y Georges Bataille, participó en la fundación de la revista Contre Attaque.

En 1936, expuso en París durante la Exposición surrealista de objetos (22 al 29 de mayo) y en Londres en la Exposición Internacional Surrealista en las galerías Burlington.

En 1937, Lise Deharme publicó el poema Le cœur de Pic (El corazón de picas), ilustrado con veinte fotografías de Claude Cahun.

Durante la Segunda Guerra Mundial se instaló con Marcel Moore en la isla de Jersey (Gran Bretaña), en donde había comprado una casa unos años antes. Fue detenida por participar en acciones de la resistencia contra la ocupación alemana, al repartir volantes antinazis en eventos militares y dejar mensajes subversivos en los bolsillos de las chaquetas de los solados alemanes.Tras su detención, fue sentenciada a muerte. Logró salvarse de la ejecución gracias a la liberación de la Isla por parte de los aliados.

Muy intimista, poética y con muchos rasgos autobiográficos, la obra de Claude Cahun, en especial la fotográfica, es de difícil clasificación. Su obra fotográfica es conocida principalmente por sus autorretratos performativos de los años 20. En estos, Cahun exploró constantemente los límites del género por medio del uso de trajes y vestidos de diversa índole.

Su pertenencia al movimiento surrealista se ve superada por una inspiración muy baudeleriana y por la búsqueda de un mito personal. No pretende provocar ni dar espectáculo. Se trata de una búsqueda de sí misma, en un juego permanente de espejos y de metamorfosis, entre la fascinación y la repulsión, en una obra compuesta en gran parte de autorretratos.

De su gusto por el teatro extrae una auténtica pasión por la puesta en escena, tanto de sí misma como de otros objetos. Sus instalaciones son precursoras de fotógrafos contemporáneos como Alain Flescher o de artistas plásticos como Christian Boltanski.

Su autobiografía a través de la imagen concede un papel importante a la identidad sexual: Cahun deseaba ser parte de un tercer género indefinido, en la frontera entre la homosexualidad, la bisexualidad y la androginia. Cuando no se fotografía a sí misma, vuelve sus objetivos hacia sus compañeros masculinos o femeninos para hacerles retratos cargados de ternura: Suzanne Malherbe, Sylvia Beach, Henri Michaux, Robert Desnos...

Claude Cahun creó una obra discreta y sensible, poco conocida en sus tiempos (sólo sería verdaderamente reconocida a partir de 1992). Sus poemas visuales constituyen un trabajo muy original, único en su género, que tuvo una difusión muy restringida.

Habrá que esperar las obras de Man Ray, a quien ella conoció, y sobre todo de Bellmer, para que este tipo de creaciones encuentren su público.

Elizabeth Lee Miller.

(Poughkeepsie, estado de Nueva York, 1907 — 1977)

Fue una fotógrafaestadounidense. En los años 1920 fue una exitosa modelo en la ciudad de Nueva York, hasta que fue a París y se convirtió en fotógrafa artística. Durante la Segunda Guerra Mundial trabajó intensamente como fotoperiodista.

Nació el 23 de abril de 1907 en Poughkeepsie en el estado de Nueva York. Sus padres fueron Theodor y Florence Miller. Su padre, de ascendencia alemana, era aficionado a la fotografía y con frecuencia utilizó a su hija como un modelo para sus fotografías, entre las que se encuentran bastantes desnudos realizados con la técnica estereoscópica; también enseñó a sus hijos a realizar fotografías desde pequeños.

Con 19 años conoció a Condé Nast, fundador de la revista Vogue, con quién inició su carrera como modelo. En marzo de 1927apareció en la portada de la revista con una ilustración de George Lepape. Durante dos años fue una de las modelos más solicitadas en Nueva York, siendo fotografiada por Edward Steichen, Arnold Genthe y Nickolas Murray. Cuando una fotografía realizada por Steichen fue utilizada para anunciar un producto de higiene femenina (compresa), se originó tal escándalo que puso fin a su carrera como modelo.

En 1929 se trasladó a París con la intención de convertirse en aprendiz de Man Ray, que en un principio se negó a admitirla como alumna aunque finalmente se convirtió en asistente fotográfica, amante y musa. Abrió su propio estudio fotográfico encargándose a veces de hacer fotografías de moda encargadas a Man Ray para que él pudiese concentrarse en su pintura, por ello muchas de las fotografías tomadas durante este período y atribuidas a Man Ray fueron realmente tomadas por Lee. En estos años fue una participante activa en el movimiento surrealista con sus imágenes ingeniosas y humorísticas, en bastantes casos empleó la técnica de la solarización. En su círculo de amigos estuvieron Pablo Picasso, Paul Eluard y Jean Cocteau, incluso apareció en la película de este último La sangre de un poeta (1930) interpretando una estatua que cobra vida.

Tras terminar su relación con Man Ray regresó a Nueva York en 1932estableciendo un estudio fotográfico con la colaboración de su hermano Erik que trabajaba como su ayudante de cuarto oscuro. Ese mismo año participó en la exposición de fotografía moderna europea realizada en la Galería Julien Levy de Nueva York y en 1933 realizó una exposición en solitario en la misma galería. Entre los clientes de su estudio estuvieron Joseph Cornell, Lilian Harvey, Gertrude Lawrence.

En 1934 se casó con Aziz Eloui Bey y se trasladó a vivir a Egipto donde no trabajó de modo profesional aunque si realizó fotografías surrealistas como Portrait of Space. En 1937 regresó a París donde conoció a su futuro marido, el crítico y coleccionista Roland Penrose.

Entre 1939 y 1945 formó parte del London War Correspondents Corp y en su ejercicio como fotoperiodista fue corresponsal de Vogue durante el Blitzy recorrió Francia fotografiando entre otros los efectos del napalm en el asedio de Saint Malo, la liberación de París, la batalla de Alsacia y el horror en los campos de concentración de Buchenwald y Dachau. Tras regresar al Reino Unido notó los efectos del trastorno por estrés postraumático y en 1947 se divorció de Aziz Eloui Bey y se casó con Roland Penrose del que se encontraba embarazada. Al tener su hijo su actividad fotográfica fue casi abandonada, siendo conocida en esta época como Lady Penrose. En 1949 se trasladó a vivir a Farley Farm House en Sussex donde residió hasta su muerte originada por un cáncer.

Algunas de sus fotografías fueron seleccionadas en la exposición The Family of Man realizada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1955. En 1976 fue invitada de honor en los Encuentros internacionales de fotografía de Arles y en 1989 se realizó una gran retrospectiva que recorrió buena parte de Estados Unidos. En 2012 se incluyeron varias de sus obras en 13ª edición de la documenta en Kassel.

Anne Biermann. (nacida el 8 marzo de 1898 en Goch, una ciudad de Renania del Norte-Westfalia y fallecida el 14 enero de 1933 en Gera)

Fue una fotógrafa alemana que fue uno de los principales defensores de la Nueva Objetividad, un importante movimiento de arte que se desarrolló en Alemania en la década de los años 20.

Nació en una familia adinerada ashkenazi. Su padre Alfons Sternfeld era dueño de una fábrica de cuero. Recibió educación en cultura y música. En 1920 se casó con Herbert Joseph Biermann, un rico comerciante textil y aficionado al arte de Goch, y se mudaron a la ciudad de Gera.

Biermann fue una fotógrafa autodidacta. Sus primeros temas fueron sus dos hijos, Helga y Gershon. Mineralogista aficionada, gracias a su colección de rocas conoció al geólogo Rudolf Hundt en 1926, quien le encargó fotografiar su colección al año siguiente para su trabajo científico. Sus fotografías de minerales transformaron su práctica fotográfica hasta de ella una figura central en la Nueva Objetividad fotografía, un importante movimiento del arte en la República de Weimar. Su trabajo se dio a conocer internacionalmente a finales de los 20, cuando formaba parte de cada gran exposición de fotografía alemana.

Las grandes exposiciones de su trabajo incluyen el Munich Kunstkabinett, la Deutscher Werkbund y la exposición del Museo Folkwang en 1929. Otras exposiciones importantes fueron la exposición titulada Das Lichtbild celebrada en Múnich en 1930 y la exposición en el Palais des Beaux Arts de Bruselas en 1931.

Aenne murió de una enfermedad del hígado en 1933 en Gera. Los nazis incautaron buen parte de su archivo a su marido. Desde 1992 el Museo de Gera celebra el concurso bianual Premio Biermann Aenne de fotografía contemporánea alemana, que es uno de los eventos más importantes de su tipo en Alemania.

Floence Henry. (nacida el 28 de junio 1893 en Nueva York y fallecida el 24 de julio 1982 en Laboissière-en-Thelle en Oise, Francia)

Fue una pintora fotógrafa suiza que experimentó la técnica del fotomontaje, la impresión negativa asociada a la positiva, la superposición de imágenes, el uso de espejos para distorsionar las perspectivas y muchas otras técnicas innovadoras. Gracias a su enfoque especial, sus temas, que van desde retratos de la naturaleza muerta a desnudos, respiraron siempre un aire original e innovador. fije hija de un francés y una alemana. Tras la muerte de su madre, se trasladaron a Silesia, cerca de la familia de su madre. Vivieron también en París, Múnich, Viena y luego la isla de Wight. Tras la muerte de su padre, 3 años más tarde, se fue a vivir a Italia con sus tíos, estudiando piano en Roma. Después de tocar como pianista en conciertos, se pasó a la pintura. En Berlín, estudió con Kurt Schwitters y en París con Fernand Léger, y se unió a la Bauhaus en 1927 en Dessau, donde contó entre sus profesores a Josef Albers.

Finalmente estudió fotografía con László Moholy-Nagy, y trabó amistad con su mujer Lucia.

A su regreso de Alemania, se unió a la escena artística parisina y creó su propio estudio, donde se dedicó al retrato, la fotografía de moda y publicidad. En París, conoció entre otros a Man Ray, Germaine Krull y al húngaro André Kertész, que fueron importantes para su trabajo fotográfico. Desarrolló un trabajo muy personal, basado en experimentos con espejos y prismas, con un estilo que tocaba desde la Bauhaus, el dadaísmo y el surrealismo, y no dudando tampoco en adoptar ángulos originales y la producción de imágenes fragmentadas, como cubista.

Florence participó en 1929 en las exposiciones pioneras de la nueva fotografía, Film und Foto (FiFo)en Stuttgart y Photographie der Gegenwart. En 1930, contribuyó a la revista Cercle et carré fundada por Michel Seuphor y Joaquín Torres-García.

Como pintora, estuvo próxima a las tendencias contemporáneas de los años 20 y se dedicó exclusivamente a la pintura abstracta después de la Segunda Guerra Mundial, debido a la escasez de productos para la fotografía durante la ocupación nazi de París y que su estilo era decadente para los nazis.

En 1959 viajó a Cadaqués invitada por Dalí, y durante los tres años siguientes vivió en Ibiza, en compañía de Jeanne Taffoireau, para regresar después a la Picardía francesa.

Incluso en la década de 1950, sus fotografías de los años 30 se celebraban como iconos de la vanguardia. Su obra fotográfica fue reconocida durante su vida en exposiciones en solitario y en publicaciones en diversas revistas. También produjo fotografías durante este período, como una serie de fotos de la bailarina Rosella Hightower. El último periodo de su vida lo dedicó a la publicación personal de su antiguas fotografías y volvió de nuevo a trabajar el collage, en una serie de obras abstractas y geométricas, siguiendo la tendencia marcada por el constructivismo y su experiencia de la Bauhaus.

Sus obras se han exhibido en el Centro Pompidou, y en el Hotel de Sully en 2009, como parte de la Paris capitale photographique 1920-1940, exposición colectiva de colección de Christian Bouqueretorganizada por el Jeu de Paume.

Margaret Bourke-White.

(1904-1971 nació en Nueva York el 14 de juniode 1904)

Se interesó por la fotografía cuando estudiaba en la Universidad de Cornell. Fue alumna de Clarence H. White en la Universidad de Columbia y después abrió su estudio en Cleveland donde se especializó en la fotografía arquitectónica. Fue la primera mujer corresponsal de guerra (y la primera a la que se le permitió trabajar en zonas de combate en la Segunda Guerra Mundial) y la primera mujer fotógrafa que trabajó para la revista Life, dirigida por Henry Luce. Una fotografía suya fue portada de la primera edición, el 23 de noviembre de 1936.

Era una mujer de izquierdas que hizo varios viajes a la antigua Unión soviética (URSS).

En 1930 fue la primera fotógrafa occidental a la que se le permitió fotografiar la industria soviética. En 1931 publicó "Eyes on Russia". Profundamente sensibilizada por la depresión en el país llegó a interesarse por la política.

Se casó con Erskine Caldwell en 1939 y fueron los únicos periodistas extranjeros en la ocupada URSS tras la invasión del ejército alemán en 1941.

En la primavera de 1945, viajó a través de una Alemania destruida con el Gral. George S. Patton. Cuando llegó a Buchenwald, el tristemente famoso campo de concentración, luego de registrar los restos, dijo: "Usar una cámara era casi un alivio. Esta interponía una ligera barrera entre el horror delante de mí y yo misma". Después de la guerra, produjo un libro titulado "Dear Fatherland, Rest Quietly", un proyecto que le ayudó a entender la brutalidad de la que había sido testigo durante y después de la guerra.

Tras la Segunda Guerra Mundial se interesó por la campaña de la no violencia impulsada por Gandhi.

Gordon Parks.

(Fort Scott (Kansas), 30 de noviembrede 1912 - Nueva York, 7 de marzo de 2006) Fun fotógrafo, músico, escritory director de cineestadounidense.Se le reconoce como el primer fotoperiodista negro que trabajó para la revista Life, por ser el director de Las noches rojas de Harlem y ser uno de los encargados de documentar la "Gran Depresión" para la oficina de Administración de Seguridad Agraria (FSA).

Con 25 años se inició en la fotografía de un modo autodidacta y al ir a revelar su primer rollo los empleados del laboratorio le comentaron que eran unas fotografías muy buenas. A partir de ese momento decidió dedicarse a la fotografía. Se casó y se divorció tres veces. Primero se casó a Sally Alvis en Minneapolis en 1933, se divorciaron en 1961. Después se casó con Elizabeth Campbell en 1962 y se divorciaron en 1973.

Conoció a la joven Genevieve en 1962 cuando comenzó a escribir The Learning Tree.

Se casaron en 1973 y se divorciaron en 1979.

Tuvo cuatro hijos: Gordon, Jr., David, Leslie, y Toni (Parks-Parsons). Su hijo mayor Gordon Parks, Jr., cuyo talento se parecía a su padre, murió en un accidente aéreo en 1979 en Kenia, donde había ido a dirigir una película. Parks tiene cinco nietos: Alain, Gordon III , Sarah, Campbell y Satchel. También fue el padrino de Qubilah Shabazz, hija de Malcolm X. A lo largo de su vida recibió más de 20 doctorados "Honoris Causa".

Murió de cáncer a la edad de 93 años cuando vivía en Manhattan, pero está enterrado en su ciudad natal de Fort Scott, Kansas.

Tras conocer la obra de Norman Alley y algunas fotografías de la FSA, el primer carrete fotográfico que hizo le animó a dedicarse a la misma. Se había comprado una cámara Voigtländer Brillant y con ella hizo después una serie de fotografías de modas para una tienda local en Saint Paul (Minnesota). Su trabajo fotográfico dirigido a la captura de las innumerables experiencias de los afroamericanos en toda la ciudad de Chicago, lo llevó a recibir el Julius Rosenwald Fellowship. En 1942 Roy Stryker le contrató para trabajar en la Farm Security Administration, donde pudo poner en práctica la fotografía directa.1 5 Uno de los trabajos más conocidos fue el reportaje realizado a Ella Watson, limpiadora de la FSA, realizado en Washington D. C. y titulado American Gothic en relación al cuadro de Grant Wood titulado con el mismo nombre.

Tras la Segunda Guerra Mundial estuvo trabajando como fotógrafo para la Standard Oil desde 1945 a 1948,2 para Roy Stryker.6 Alexey Brodovitchintentó contratarlo para trabajar en su revista Harper's Bazaar, pero no pudo hacerlo al ser negro.4 En 1949 fue contratado por la revista Life, siendo el primer fotógrafo negro que trabajó para la misma. Al estar concienciado con la situación de la población negra realizó reportajes sobre la misma, dando a conocer el barrio de Harlem y la vida en el mismo. Entre sus reportajes más significados se pueden mencionar los realizados con motivo de la muerte de Malcolm X y de Martin Luther King.1 Acostumbraba a acompañar sus fotografías con poemas.

Willy Ronis. (nacido en París el 14 de agosto de 1910 y fallecido en París el 12 de septiembre de 2009) Fue un fotógrafo francés quien retrató la vida de post-guerra en París y en Provenza, siendo considerado el fotógrafo parisino por excelencia.

Los trabajos de los fotógrafos, Alfred Stieglitz y Ansel Adams inspiraron a Ronis para empezar a explorar el mundo de la fotografía. Cuando su padre murió, en 1949, Ronis cerró el estudio y se unió a la agencia Rapho, con Ergy Landau, Brassaï, y Robert Doisneau con el que participaba en el Grupo fotográfico Les XV. Ronis se convirtió en el primer fotógrafo francés en trabajar para la revista LIFE. En 1953, Edward Steichen incluyó a Ronis, Henri Cartier-Bresson, Doisneau, Izis, y Brassaï en una exposición en el Museo de Arte Moderno, el MoMA titulada Five French Photographers (Cinco fotógrafos franceses). En 1955, Ronis fue incluido en la exposición The Family of Man (La Familia de los Hombres). La Bienal de Venecia premió a Ronis con la medalla de oro en 1957. Ronis comenzó a enseñar en los 50, y llegó a dar lecciones en la Escuela de Bellas Artes de Avignon, Aix-en-Provence y Saint Charles, Marsella. En 1979 Ronis fue galardonado con el Gran Premio de las Artes y las Letras en Fotografía por el Ministro de Cultura.

La esposa de Ronis, Anne Marie fue la modelo de su famosa foto de 1949, Desnudo Provenzal. La foto, mostrando a Anne Marie lavándose en un lavabo con una jarra en el suelo y una ventana abierta desde la que el espectador puede ver el jardín, denota su habilidad para transportarnos las sensaciones de la vida provenzal. Más tarde, Ronis fotografiaría a Anne Marie sufriendo el mal de Alzheimer, sentada sola en una sala del hospital. Anne Marie murió en 1991.

Ronis vivió y trabajó en París donde falleció el 12 de septiembre de 2009 a los 99 años de edad. Aunque dejó la fotografía en 2001, cuando comenzó a necesitar un bastón para moverse, lo que le dificultó desplazarse con la cámara, terminó su vida redactando libros para la compañía de publicidad Taschen.

David Seymour. (registrado al nacer, el 20 de noviembre de 1911, como David Robert Szymin, en Varsovia; fallecido el 10 de noviembre de 1956, en Qantara, Egipto) Fue un fotógrafo y miembro fundador de la Agencia Magnum de fotografía.

Crece en Polonia y Rusia, y comienza en 1929 sus estudios en arte y fotografía en Leipzig. En 1931 viaja a París, donde termina sus estudios en 1933.

En París conoce a Robert Capa, Gerda Taro y Henri Cartier-Bresson. Como antifascista viaja en 1936 a España y fotografía el horror de la guerra civil.

En 1939 regresa a París y de allí viaja a México. Luego se establece en Nueva York y sirve para el ejército de los Estados Unidos en la segunda guerra mundial como fotógrafo e intérprete hasta 1945. En 1942 se nacionaliza estadounidense.3 Terminada la guerra viaja para la Unesco en Checoslovaquia a Polonia, Alemania, Grecia e Italia para documentar los efectos de la guerra en los niños. En 1949 publica el libro Children of Europe.

En 1947, junto con Capa, Henri Cartier-Bresson y George Rodger, funda la Agencia Magnum de fotografía. Tras la muerte de Robert Capa en 1954, toma la presidencia de Magnum.

El 10 de noviembre de 1956, durante la crisis de Suez, fue ametrallado, mientras conducía, junto al fotógrafo francés Jean Roy, por soldados egipcios en el cruce fronterizo, donde quería hacer un reportaje sobre un intercambio de presos en el Canal de Suez.

Robert Doisneau.

(Gentilly, cerca de París, 14 de abril de 1912-París, 1 de abril de 1994) Fue un fotógrafo francés. Recibió la formación de grabador litográfico y tipógrafo en París. En 1929 comenzó a realizar sus primeras fotografías aprendiendo de forma autodidacta y leyendo las instrucciones de las cajas de emulsión para revelar. Comenzó a trabajar en un estudio fotográfico que posteriormente compraría al morir su dueño. En 1931comenzó a trabajar con el artista André Vigneau gracias a sus conocimientos como grabador. Este lo introdujo en el mundo de la fotografía como arte. En una entrevista con El País Semanal en 1991contaba: «Cuando yo empecé, nadie conocía a nadie. No había revistas que difundieran la obra de los fotógrafos más interesantes. Por eso la única persona que me influyó fue Vigneau. Era formidable: escultor, pintor, fotógrafo».

En esta época también descubrió a Man Ray. Inicialmente trabajó como fotógrafo industrial y de publicidad en la factoría de Renault de Billancourt, hasta ser despedido por sus repetidas ausencias. Según sus palabras, «desobedecer me parecía una función vital y no me privé de hacerlo». De los objetos inanimados pasó a las fotografías de gente en París y Gentilly. El 25 de septiembre de 1932, L'Excelsiorpublicó su primera fotografía. La crisis de los años treinta le afectó, debiendo pasar una larga temporada sin encargos. Vivió en Montrougedesde 1937 hasta su muerte. El 25 de septiembre de 1993 Doisneau tomó su última foto. El 1 de abril de 1994, a la edad de 81 años, murió.

Bernard Plossu. (nacido el 27 de febrero de 1945 en Đà Lạt, sur de Vietnam)

Es un fotógrafo francés. La parte más importante de su trabajo está constituida por reportajes de viajes.

De 1951 a 1962 estudió en París. Empezó muy pronto con la fotografía: en 1958. Viajó al Sahara con su padre, con una Kodak Brownie Flash, y, en 1965, se marchó a México en compañía de una expedición inglesa para fotografiar la jungla de Chiapas.

Realizó numerosos reportajes en color en tierras de los indios mayas; recorrió California y todo el oeste americano: Nevada y el Medio Oeste.

En 1970 realiza un trabajo sobre la India, ideando las secuencias "subanalistas": secuencias banales que son, de hecho, surrealistas.

Sigue viajando continuamente, realizando numerosos reportajes en color y, en 1975, viaja, por primera vez, al Níger. Desde entonces no hace más que fotografías en blanco y negro tomadas con una focal de 50 mm. para quedarse al margen de la fotografía comercial.

En 1978, nace su hijo Shane, al que fotografía regularmente.

En 1983 empieza a pintar y a trabajar con la agencia Fotowest.

Bibliografia. http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/02/george-rodger.html https://es.wikipedia.org/wiki/Bernard_Plossu https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Doisneau https://es.wikipedia.org/wiki/David_Seymour https://es.wikipedia.org/wiki/Willy_Ronis https://es.wikipedia.org/wiki/Gordon_Parks https://es.wikipedia.org/wiki/Margaret_Bourke-White http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/12/florence-henri.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2015/05/aenne-biermann.html https://es.wikipedia.org/wiki/Lee_Miller https://es.wikipedia.org/wiki/Eug%C3%A8ne_Atget http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/12/clementina-hawarden.html https://es.wikipedia.org/wiki/Leni_Riefenstahl https://es.wikipedia.org/wiki/Claude_Cahun https://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/daguerre.htm https://es.wikipedia.org/wiki/Ralph_Gibson

https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Demachy https://es.wikipedia.org/wiki/Oscar_Gustav_Rejlander https://es.wikipedia.org/wiki/Jacob_Riis https://es.wikipedia.org/wiki/Henry_Peach_Robinson https://es.wikipedia.org/wiki/Lewis_Carroll https://es.wikipedia.org/wiki/Julia_Margaret_Cameron https://es.wikipedia.org/wiki/Lee_Friedlander https://es.wikipedia.org/wiki/Nadar https://es.wikipedia.org/wiki/Edward_Sheriff_Curtis https://es.wikipedia.org/wiki/Irving_Penn https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Mapplethorpe http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/03/bill-owens.html https://es.wikipedia.org/wiki/Edward_Weston http://www.cadadiaunfotografo.com/2015/05/samuel-bourne.html https://es.wikipedia.org/wiki/Joel_Meyerowitz https://es.wikipedia.org/wiki/Stephen_Shore http://www.cadadiaunfotografo.com/2013/06/luis-baylon.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/07/max-pam.html https://es.wikipedia.org/wiki/Man_Ray http://www.cadadiaunfotografo.com/2011/10/shelby-lee-adams.html https://es.wikipedia.org/wiki/August_Sander https://es.wikipedia.org/wiki/Sebasti%C3%A3o_Salgado http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/01/lewis-hine.html https://es.wikipedia.org/wiki/Josef_Koudelka https://es.wikipedia.org/wiki/Edward_Steichen https://es.wikipedia.org/wiki/Francesca_Woodman https://es.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_Ortiz_Echag%C3%BCe

Concluiones.

En estas conclusiones quiero comenzar hablando no sobre lo que habla el autor, Momeñe, sino como lo cuenta y de que manera nos trae los temas que después trata en los capítulos.

Me ha impresionado su manera de introducir artes como: el Renacimiento para enseñarnosesa mirada diferente que nosotros quizas no conociamos y si lo conociamos, mostrarnos como se pede atribuir este tema a la fotografía. También el tema de la intrantánea la cual es caótica y que también se convierte en un arte.

Estas vueltas que le da a los temas,dan mucho que pensar, las preguntas que plantea y que nosotros pensemos.

A medida que lo voy leyendo,sinceramente me voy dando cuenta que, aunque sea extenso su estudio, mas bien por la investigación que hay que hacer, me está sirviendo mucho sus consejos.. como por ejemplo: no tener prisa en tener temas para un proyecto,que hay que tener uno que llame la atención y que cualquiera no vale, y es asi, no vale cualquiera... Eses quizas es el dilema que tenemos todos los que comenzamos y Momeñe, nos tranquiliza un poco, o al menos a mi me ha pasado.

A parte tenemos a los magnificos pintores, musicos y fotografos a los que nombra en el libro, los que quizá ya se conozcan algunos, pero es interesante las comparaciones que hace con cuadros, retratos etc.

Nos hace plantearnos si somos fotografos y si solo poseemos gustos, y es importante y dificil para nosostros, e igual lo dice Momeñe. Deberíamos pensar en ello si somos fotografos, con el tiempo llegaremos donde realmente queremos, porque tenemos esa pasión por conocer, ver diferente, hacer las cosas bien y alcanzar las metas sin pararnos por la mitad del camino, porque cuando algo se quiere, se puede.

Pero si nosotros solo lo que poseemos son gustos, no nos preocupemos por hacer algo diferente,ya que lo que hacemos es crear recuerdos con una libertad de hacer una fotografía como queramos, sin ser criticados, porque a lo que eso conlleva es que no nos importe lo que nos digan, simplemente nos gusta apretar a un boton y ya está. Haríamos instantáneas las cuales no tienen nada que ver con el arte.

Aunque, si eres un artista deberías aprovechar esas instantáneas y crear con ellas. Es liosos, pero lo que nos quiere decir el autor es que hagamos fotografías artísticas si nos consideramos, fotografos , si no, no nos preocupemos pos lo artístico.

Nos plantea empezar poco a poco y sin agobio, pues así comenzaban los grandes, teniendo poco a poco mas curiosidad e interés.

Nos propone tener una buena concentración y tener nuestras ideas bien claras, un significar del mundo, nuestro sognificar. Sensibilidad para ver lo que no ven otros. Una manera de vivir, tener gusto a la hora de componer, para posteriormente producir un sentido armonioso de lo que se ve, algo con orden, expresión,sentido, donde todo converge. y es cierto así es una fotografía de un fotografo bueno a no sea que busque lo contrario, peo aun asi él tiene su orden y armonía aunque puede ser caótica.

Necesitamos constancia, esa curiosidad, bagar por las páginas del libro o libros, iternet etc. Tenemos que enriquecernos de información. y eso lo deja claro el autor desde el

primer capítulo y no para de remarcarlo, es cierto, tanto para fotografía como para nosostros mismos necesitamos saber y conocer de todo, enriquecernos con las culturas, textos, fotos, musica, videos...Ser prsonas intereantes en primer lugar, porque si eres vacío no tienes nada que mostrar ni te surgen ideas para nada, menos te van a surgir para hacer un proyecto. No podemos tener pereza porque asi no vamos a conseguir nada.

Me siento leyendo un libro de fotografía, pero filosófico, te da mucho que pensar y cambiar de idea o, a veces, contraponerte con las ideas tuyas y es interesante cuando se puede interectuar así con un libro y entrar en un debate contigo mismo.

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15-

CONCLUSIONES: En este primer capítulo me he encontrado con muchos autores, pero con el que mas me he sentido identificada es con Garry Winogrand, como ya lo he mencionado en su biografía, es un autor el cual no busca una belleza sino captura imágenes con rapidez, imágenes que les gustan.

Yo ahora mismo me considero un fotógrafo igual que Garry, porque andando por una ciudad yo no busco la belleza de nada ni ningún motivo, simplemente me dejo llevar por mi visión y fotografío algo que a mi me parece atractivo e interesante.

Sé que es un fallo porque cada uno tiene que buscar lo que quiere fotografiar, sería lo correcto, pero por ahora no me siento preparada como para hacerlo, porque además no me siento a gusto pensando en como voy a narrar un viaje o algún paseo, no disfruto de ello, quizás algún día aprenderé a enlazarlo todo y disfrutar de ambas cosas a la vez, pero por ahora, no.

Me parece genial que el autor nos plantee las preguntas que plantea al principio y nos hace adentrar y pensar en ellas, poniéndonos de ejemplo a los autores diferentes a los cuales tenemos que buscar por nuestra propia cuenta.

Aunque no es lo mas placentero de este trabajo, el buscar, pero debemos hacerlo ya que es la base de nuestro trabajo, buscar, informarnos y llenarnos de conocimientos, como lo dice el autor: “Nuestras propias iniciativas investigando en la red, por la razón de que llegaremos mucho mas lejos en nuestro aprendizaje” y es lo que quiero, llegar lejos y conocer más.

También estoy de acuerdo con que: “Fotografiar es fácil, y obtener una buena fotografía no es fácil”. Cada uno de nosotros puede tener una cámara y apretar a un botón, pero sin aprender los valores de la fotografía, sin tener una idea, simplemente nos estamos llenando de fotos de recuerdo, ya está, no hay un sentido que pueda ir más allá del que se ve y el cual es obvio. Es obvio de que tenemos simplemente una fotografía ante nosotros, y ya. Y es más, tenemos que dedicarle tiempo a la fotografía, si no lo hacemos, ¿qué tipo de fotógrafos somos si no es a lo que nos dedicamos?

A parte de estas ideas hay muchísimas mas las que tengo apuntadas como, por ejemplo: -Tenemos que visualizar nuestras imágenes como el tablero de David Hockney o en una revista o álbum, o lo que sea. Saber presentarlas, en que tamaño y orden.

-Tenemos que tener una visión, la cual no llega de noche a la mañana es algo con lo que tienes que venir, no se si se podría desarrollar, que, según el autor, no se puede.

Y respecto a estas dos cosas me he planteado que me da miedo no tener esa visión o no saber ordenar esas fotografías, supongo que no soy la única.

-Trabajo previo.

-Cámara siempre en mano, como si fuera parte de nuestro cuerpo.

-Construir nuestras imágenes. y mucho más.

“Voy a ver qué hay por el mundo, voy a ver qué encuentro, voy a ver que trozo de mundo convierto hoy en una de mis fotografías”.

Esta frase de Cartier-Bresson, es la postura que yo tengo ante la vida de la fotografía, ahora mismo. Quizás me cambie el pensamiento, pero con esa frase yo me he sentido identificada muchísimo, es lo que hago cuando voy a algún sitio, algún viaje. Me preparo ante el qué me voy a encontrar hoy.

Por ahora entiendo todo lo que nos quiere enseñar el autor a través de este libro-curso, quizás sea porque se repite mucho, aunque también he de decir que el lenguaje que utiliza no es difícil y te lo pone todo el la palma de la mano y entiendes todo a la perfección. Por ahora recomendaría el libro.