DATOS DEL ALUMNO/A: Konovalova Kateryna 1ºB. FICHA BIBLIOGRÁFICA: AUTOR: Eduardo Momeñe. TÍTULO: “La visión fotográfica”. EDICIÓN: -Eduardo Momeñe. -12ª edición 2017. -156 páginas.
¿QUIEN ES EDUARDO MOMEÑE? Eduardo Momeñe en un fotógrafo vasco, nacido en 1952en Bilbao, pero reside en Madrid. Docente, articulista y autor de ensayos sobre estética fotográfica. Dedicó la mayoría de su vida a la fotografía comenzando en los años 80, fotografiando a los personajes españoles y extranjeros que se movían por la ciudad de Madrid. Sus proyectos más conocidos son “La puerta Abierta” o la revista “Fotografías”, estas obras son bien conocidas en el mundo fotográfico. Impartió seminarios, talleres etc. Todo ligado a la fotografía. Es recordada su labor en su estudio-escuela de la Calle San Pedro de Madrid, durante los años 90.
SOBRE EL CAPÍTULO: Estamos frente el capítulo Nº 1 el cual pertenece a nuestro autor Eduardo Momeñe. Y en resumen podemos decir que: En este capítulo el autor comienza con hablarnos de que él se va a centrar en la fotografía, su historia y en las ideas que tenemos que plasmar, las cuales al principio no vamos a poder reflejar de una manera sólida por el poco conocimiento que tenemos, pero con un paso del tiempo lo podemos conseguir, mejorando nuestra técnica y visión según que nos guste fotografiar. Nos hace una breve introducción en el mundo de la fotografía poniendo de ejemplo a gente que ha influido muchísimo en él. A parte de ello, el autor llama su libro como un curso de la introducción a la fotografía por acercarse un poco más a las cualidades de la misma, pensar visualmente y saber llevar una buena idea a cabo. Hace un hincapié en que tenemos que un gran ayudante que es, el internet, el cual es una gran ventaja para nosotros, ya que, nos ayuda a encontrar un montón de información sobre lo que nosotros queremos o necesitamos.
Como un tema principal de este capítulo es: “Nuestra propia investigación”. Sin investigar, nosotros podemos leer el libro, pero, sin buscar claves, conocer a los creadores de la fotografía o grandes relevantes en ella, no nos llenamos de conocimientos y no nos sirve de nada solamente leer los nombres que aparecen en el capítulo. Si no sabemos quienes son, ni que han hecho no tiene sentido abrir este librocurso de fotografía, no aprenderemos ni la mitad de lo que se nos quiere enseñar. En resumidas cuentas, quiero decir que lo que yo he notado en este fragmento, es el hincapié en “La búsqueda de la información”.
Las ideas principales de este primer capítulo es que: -Tenemos que enriquecernos con: conocimientos visuales y aparte, también saber qué tipo de fotógrafos somos poniendo de ejemplo a Cartier-Breson el cual fotografiaba lo que le rodeaba y a Richard Avedon, un fotógrafo de estudio. -Otra idea que se nos plantea es que: no depende de nuestro equipo la buena fotografía, que puede ser mejor o peor, el cual también es importante. Si no, depende de nuestra mirada y nuestra idea. Aunque debemos estudiarnos nuestro manual de instrucciones, para poder ayudarnos con el equipo del que disponemos, sabiendo manejarlo bien.
Acabando con nuestro resumen y las ideas, nos centramos en los autores que aparecen en este capítulo. Y el primero que aparece es:
1-Joseph Nicéphore Niépce (1765-1833). Web consultada: http://www.fotonostra.com/biografias/josephnicephore.htm https://app.box.com/s/440xcgvh4aa8fh2jfax4e6q79ehovk7v El libro de Eduardo Momeñe. Nicéphore fotógrafo francés en primer lugar, ya que tratamos de fotografía, inventor y científico. Junto a su hermano inventó un motor de barco y junto a Daguerre fueron los primeros divulgadores de la fotografía. Realizó copias de obras de arte utilizando la piedra como soporte de fijación de imágenes, pero en poco tiempo dejó de hacerlo y se pasó al papel, cristal y por último a los metales: cobre, estaño, peltre etc. Su primera fotografía fue realizada en 1824 anteriormente poniendo la cámara oscura en relación con sales de plata sensibles a la luz, consiguiendo unas imágenes fijas. Ningunas imágenes se han conservado.
Sus fotografías en papel y negativo han sido abandonadas, porque él no se dio cuenta que podía convertirlos en positivo. Mas tarde obtiene fotografías en positivo gracias a su invento “Heliografía” que consiste en obtener solo únicas imágenes sin poder duplicarlas, a través de unas placas de metales que se exponían durante dos horas a la luz. En el año 1829 firma un convenio con Louis Jacques Mandè Daguerre, otro personaje importante en la fotografía, al cual mencionaremos mas tarde. En 1833 fallece por causa de una apoplejía y Daguerre queda frente a las investigaciones, siguiendo con la fotografía.
2-Garry Winogrand (1928-1984). Web consultada: https://es.wikipedia.org/wiki/Garry_Winogrand https://culturafotografica.es/garry-winogrand-fotografia-callejera/ El libro de Eduardo Momeñe. Fue un fotógrafo estadounidense. Es el padre de la fotografía callejera, Street photo. Algo veloz y sin buscar una belleza. Él huía de cualquier etiqueta que lo pudiera encasillar, pero así fue, su producción se desarrollaba en plena calle, callejones, avenidas de la gran ciudad de Nueva York, don de el autor pasó prácticamente toda su vida. Winogrand capturaba complejas composiciones y tensiones visuales. Para llegas a ello empezó por la pintura y después prosiguió con la fotografía, la cual por aquellos años 50 aun no fue muy desarrollada y conocida. Nuestro fotógrafo fue influido por grandes maestros como Walker Ewans, Robert Frank y Henri Cartier-Bresson sin tener en cuenta los dos estilos totalmente diferentes. Podemos decir que ya en los años 70 éste era reconocido por sus trabajos publicados en libros y exposiciones que se le dedicaban. Por desgracia este fotógrafo acabó muy rápido con su carrera, falleció con tan solo 50 y pico años, a causa de cáncer, dejando un montón de rollos de películas sin exponer ni revelar. La idea que nos da el autor sobre este fotógrafo es: “Hago fotografías para saber como se ve el mundo las fotografías”. Lo pone de ejemplo para explicarnos la visión fotográfica, y Winogrand lo ve así, haciendo fotos de Nueva York retratando la ciudad, sin la búsqueda de una bella foto, simplemente capturando momentos que el veía interesantes para él.
3-David Hockney(1937) Web consultada: https://es.wikipedia.org/wiki/David_Hockney El libro de Eduardo Momeñe. Este pintor, proyectista, escenógrafo, fotógrafo e impresor inglés. En 1960 contribuyó de una manera importante en el Arte Pop, convirtiéndose en uno de los artistas mas importantes del s. XX. Las obras de David tenían elementos del expresionismo abstracto, pareciéndose a Francis Bacon. Como pintor, por su homosexualidad nuestro artista representaba muchas veces el amor hacia el hombre, hombres juntos, hombres bañándose. Ha pintado diferentes retratos de sus amigos, amantes, parientes etc. Fue el productor de los “Joiners” que son collages hechos de fotografías, al principio usando impresiones de polaroid, y después con los estampados. Estos joiners ocurrieron accidentalmente cuando David tomó varias fotografías Polaroid al no gustarle las fotografías tomadas con lentes angulares por los fotógrafos de 1960. Por consiguiente las fotos tomadas las pegó juntas y sin intención compositiva, creó una narración. A partir de ahí comenzó a trabajar mas u mas con ello desarrollando nuevas técnicas, pero se frustró con las limitantes de la fotografía y el enfoque unilateral, regresó a la pintura. Uno de los primeros fotomontajes fue el de su madre, pero Hockey creaba imágenes compuestas utilizando fotografías hechas con películas instantáneas. Hockney murió por el abuso de drogas y alcohol. El autor pone de ejemplo a David Hockney, porque éste artista creaba sus propias pinacotecas o fototecas, clavando postales, fotos o fotografías de cuadros en un enorme tablero. Así enseñándonos que tenemos que ser ordenados ya sea en un ordenador con nustras carpetas o con nuestros tableros o incluso con los álbumes fotográficos.
4-Richard Avedon (1923-2004). Web consultada: https://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Avedon Un fotógrafo estadounidense, el cual con sus fotografías de moda y sus retratos había ayudado a definir, en Estados Unidos, durante el último medio siglo, la imagen de belleza, elegancia y cultura. Sus retratos que parecen tan sencillos pero profundamente psicológicos, de personas famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, entre muchos otros. Su método era sencillo pero efectivo, la derrota anímica del contrario fotografiado a través de largas y cansadas sesiones de hasta cuatro horas. Así desnudo, el retratado e indefenso era capaz de mostrar su personalidad más sincera. Utilizaba gran formato para sus fotografías de moda o retratos, y también desarrolló una obra en paralelo, utilizando el paso universal, que refleja sus vivencias más personales, como viajes o recuerdos familiares. El 25 de septiembre de 2004 Avedon sufrió una hemorragia cerebral. El autor nos pone a este fotógrafo para enseñarnos el ejemplo de fotógrafo que es el y darnos cuenta si nosotros somos de su tipo, si preferimos antes un estudio que la calle como Bresson.
5-George Eastman (1854-1932). Web consultada: https://es.wikipedia.org/wiki/George_Eastman El libro de Eduardo Momeñe George fue el fundador de Kodak Company, concretamente el 4 de septiembre de 1888 Eastman registró la marca Kodak. Él es el inventor de rollo de película sustituyendo así la placa de cristal y haciendo que la fotografía ahora sea disponible para todos y también se usó en el cine. Ese mismo año,1888, George lanza al mercado la cámara Kodak 100 Vista, que utilizaba carretes de 100 fotos circulares y para cuya campaña de promoción asignó la frase «Usted aprieta el botón, nosotros hacemos el resto». Esa cámara ya se vendía cargada así no había que tener conocimientos de líquidos químicos de fotografía, ni tampoco unos grandes conocimientos en la misma, ya que el carrete te lo revelaban donde comprabas la cámara y tenías tus fotos listas. Nuestro autor hace referencia a este inventor de carrete para decirnos que ahora la fotografía no se limitaba solo a mostrar el aspecto de las personas si no ahora se podía fotografías y hablar de todo lo que les rodea, sus emociones y lo que hacen. Nace la fotografía familiar. Nos habla de una evolución visual, y facilidad de producir fotografía gracias a Eastman.
6-Jacques Henri Lartigue (1894-1986). Web consultada: https://es.wikipedia.org/wiki/Jacques_Henri_Lartigue El libro de Eduardo Momeñe. Un fotógrafo y pintor francés el cual creó imágenes novedosas encuadrando de formas diferentes e inusuales, utilizaba diferentes velocidades de obturación y casi siempre trabajaba en blanco y negro. Con su primera cámara fotográfica destacó fotografiando de manera instantánea automóviles, aviones, mujeres de clase media etc. Fue alumno de Jean-Paul Laurens y Marcel Baschet así dedicándose a la pintura y dejando la fotografía a un lado.
En 1932 fue asistente de dirección y fotógrafo de la película de Alexis Granowsky. Al menos hasta 1960 no fue reconocido como fotógrafo, pero a partir de ahí fue tan reconocido que llegó a exponer sus fotografías en MOMA. También ha expuesto en la revista LIFE y después de ello se publicaron numerosos libros y su obra se expuso por numerosas galerías y museos. En 1979 cedió sus fotografías al Estado francés, incluyendo negativos, discos originales, diarios y cámaras, fueron un centenar de álbumes y varias decenas de miles de negativos, los más antiguos de los cuales datan de 1902. Dando lugar esta donación a la creación en la ciudad de Val-d'Oise del Centro de Exposiciones Jacques-Henri Lartigue. En 2010 se realizó en España su primera exposición retrospectiva titulada Un Mundo Flotante. Nuestro autor pone a este fotógrafo de ejemplo para decir que nosotros tenemos que hacer algo más que instantáneo como lo hacía Lartigue.
7-Paul Strand (1890-1976). Web consultada: https://es.wikipedia.org/wiki/Paul_Strand El libro de Eduardo Momeñe. Paul fue uno de los precursores de la fotografía directa o la fotografía pura junto a Alfred Stieglitz y otros fotógrafos. La vida fotográfica de Paul Strand inicia cuando su padre le obsequia una cámara en 1902. Comenzó con 18 años su carrera como fotógrafo. Se dio cuenta por su pasión por la fotografía gracias a Alfred Stieglitz. Alfred Stieglitz cambió la vida fotográfica de Paul cuando “criticó el foco suave en las fotografías que Strand estaba mostrando en el New York Camera Club y le recomendó utilizar un diafragma más pequeño. Esto provocó que 1915 se convirtiera en un punto de inflexión para Strand del pictorialismo al modernismo.” El joven creador cambia radicalmente de estilo y temas: está a punto llevar a la fotografía a su madurez artística y formal. Strand comienza a trabajar los tópicos relacionados con la ciudad, su gente y movimiento pero también algo inusitado: las abstracciones. El joven comienza a deconstruir el espacio y reducir a formas puras el sujeto hasta hacerlo casi irreconocible.
También comienza a hacer cineen año 1921. Hizo películas como: “Mannahatta” de 1921, “Redes” de 1934, “The Plow that broke the plans” de 1935, “Heart of Spain” de 1940 y “Native Land” de 1942 son ahora reconocidas como clásicos del cine. Dedica sus primeras exhibiciones al Museo del Arte Moderno. Colabora con Nancy Newhall, en un proyecto publicado como “Time in New England” el primer libro fotográfico innovador de Strand. Este fue el primero de una serie de libros en los que el texto y las fotografías interactuaban, se hacían uno, plasmaban un lugar, sus gentes, hogares, paisajes.
8-John Gutmann (1905- 1988). Web consultada: https://es.wikipedia.org/wiki/John_Gutmann Fotógrafo y pintor alemán nacionalizado estadounidense. Son conocidas sus imágenes de los años 30 captando la vida urbana en los años tras la Gran Depresión, diferenciándose completamente del documentalismo social de la época subvencionado por el gobierno norteamericano. Estas fotografías no seguían el esquema del documentalismo social predominante, sino que demostraban más su formación artística, con impecables composiciones, originales perspectivas y peculiares motivos, y una visión de un extranjero fascinado por la sociedad norteamericana. Para los años 30 ya tenía reputación como pintor y había expuesto, y había conseguido una plaza de profesor.
9-Brassai (1899 – 1984). Web consultada: https://es.wikipedia.org/wiki/Brassa%C3%AF Llamado Gyula Halász, fue un fotógrafo húngaro conocido por sus trabajos sobre París, ciudad donde desarrolló su carrera. Estudió pintura y escultura en la Academia de Bellas Artes de Budapest antes de alistarse en el regimiento de caballería de la armada austrohúngara hasta el final de la Primera Guerra Mundial. El trabajo de Gyula Halász y su amor por la ciudad, cuyas calles recorría asiduamente de noche, le llevó a la fotografía. Más tarde escribiría que la fotografía le permitía atrapar la noche de París y la belleza de las calles y jardines, bajo la lluvia y la niebla. Usando el nombre de su lugar de nacimiento, Gyula Halász se hizo conocer con el seudónimo de "Brassaï", que significa "de Brasov ". Brassaï capturó la esencia de la ciudad en sus fotografías, publicando su primer libro fotográfico en 1933. Sus esfuerzos tuvieron gran éxito, siendo llamado "El ojo de París" en un ensayo por su amigo Henry Miller. Además de fotos del lado sórdido de París, también produjo escenas de la vida social de la ciudad, sus intelectuales, su ballet y grandes óperas. Fotografió a muchos de sus amigos artistas, incluidos Salvador Dalí, Pablo Picasso, Henri Matisse, Alberto Giacometti y a muchos de los prominentes escritores de la época como Jean Genet y Henri Michaux. Considerado por muchos como uno de los grandes fotógrafos del siglo XX, Gyula Halász murió el 8 de julio de 1984 en Èze (Alpes-Maritimes), al sur de Francia y fue enterrado en el cementerio de Montparnasse de París.
10- Ansel Adams (1902- 1984). Web consultada: https://es.wikipedia.org/wiki/Ansel_Adams Fue un fotógrafo estadounidense, conocido por desarrollar el llamado sistema de zonas. Fotografía por Ansel Adams: Trabajadores frente al Monte Williamson.Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional de Yosemite en Estados Unidos y como autor de numerosos libros sobre fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica. Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros como Edward Weston, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham y otros. Su sistema de zonas es una demostración de cómo la cámara o el fotómetro (o exposímetro) de la misma mide el gris medio de 18% de reflectancia como zona media. El fotógrafo debe aumentar la exposición (o disminuirla) dependiendo de cuántos pasos de gris quiera fijar como punto de medición. El fotómetro de cualquier cámara, incluso digital, siempre "quiere" ver la zona medida como un gris medio.
11- William Henry Fox Talbot (18000-1877). Web consultada: https://es.wikipedia.org/wiki/William_Fox_Talbot Fue un fotógrafo, inventor, arqueólogo, botánico, filósofo, filólogo, matemático y político británico. Fue miembro del Parlamento inglés y uno de los pioneros de la fotografía. Creador del calotipo. Talbot obtuvo los primeros resultados de sus investigaciones fotográficas en el año 1834, realizando una serie de imágenes de flores, hojas, telas, etc., por contacto de los objetos con la superficie sensibilizada, sin usar la cámara oscura. Talbot consiguió de esta manera imágenes en negativo que era capaz de fijar para impedir que la luz las hiciese desaparecer,les llamó dibujos fotogénicos. Tras estos logros comenzó a trabajar con la cámara oscura. En el año 1835 fijó su primer negativo.No avanzó mucho en los siguientes años ya que sólo fue capaz de generar imágenes pequeñas e imperfectas sobre papel y en negativo. Durante los años 1840 y 1841 introdujo mejoras importantes en sus investigaciones, razón por la cual dio a conocer públicamente su Calotipo, con el que se podían realizar copias innumerables de un único negativo. Las imágenes positivas obtenidas mediante el Calotipo son poco nítidas, oscuras y carecen de una escala de grises, a diferencia del Daguerrotipo. Sin embargo, resulta ser un procedimiento más económico y más fácil de utilizar, requiriendo además de un tiempo de exposición de unos treinta segundos. A Talbot se debe también la publicación del primer libro ilustrado con fotos de la historia. Titulado El lápiz de la naturaleza, 1844, resulta ser una biografía de su autor escrita para presentarnos su invento. Las fotos que incluye están pegadas a las páginas del libro. El autor pone de ejemplo a Talbot para que nosotros investiguemos al igual que lo hemos hecho con los otros fotógrafos, pero este es el pionero y tenemos que saber quiénes iniciaron la fotografía.
12-Harry Callahan (1912- 1999). Web consultada: https://es.wikipedia.org/wiki/Harry_Callahan_(fot%C3%B3grafo) Es un fotógrafo norteamericano considerado uno de los grandes innovadores de la moderna fotografía americana. Tomó fotografías de su esposa Eleanor, y de su hija Barbara así como de las calles, las escenas y los edificios de las ciudades donde vivió, mostrando un fuerte sentido de la línea y la forma, de la luz y la oscuridad. Trabajó con exposiciones múltiples y otras técnicas como dobles y triples exposiciones, desenfoques y película de pequeño o gran formato. El trabajo de Callahan fue una respuesta muy personal a su propia vida: Era muy conocido por animar a sus estudiantes a convertir sus cámaras en sus vidas, y él mismo daba ejemplo con su vida. Callahan fotografió a su esposa, como tema principal, durante un período de quince años. Eleanor fue esencial para su creación artística desde 1947 hasta 1960. La fotografió en todas partes: En el hogar, en las calles de la ciudad, en paisajes, sola o con su hija, en color o blanco y negro, en desnudos... Murió dejando alrededor de 100.000 negativos y más de 10.000 pruebas de impresión.
13-William Klein (1928). Web consultada: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/02/william-klein.html Es un pintor, escultor, fotógrafo y director de cine americano. Es reconocido tanto por sus trabajos en el campo de la fotografía sobre moda (con una ironía muy especial) como por sus reportajes de ciudades. Los primeros le hicieron célebre a través de la revista Vogue; los segundos son un testimonio de su certera visión de los lugares que visitó y muestran su habilidad para el reportaje gracias a su especial percepción psicológica. También son destacables sus trabajos en el campo de la cinematografía, a la que se dedicó en los años 60 y 70. Su verdadera vocación fotográfica fue, como él mismo decía, “sus fotos serias”, los reportajes fotográficos que editó en una serie de monografías y que representaban aspectos cotidianos de ciudades como su querida Nueva York (recogidas en su libro "New York 1954-55"), Moscú, Tokio o Roma.
En 1981 regresó a la práctica fotográfica, lo que coincidió con una valoración y reconocimiento públicos de la gran calidad de su obra anterior. En 2005 le dieron el premio PHotoEspaña y en 1990 el Hasselblad.
14-Dorothea Langue (1895- 1965). Web consultada: https://es.wikipedia.org/wiki/Dorothea_Lange Fue una influyente fotoperiodista documental estadounidense, más conocida por su obra la "Gran Depresión" para la oficina de Administración de Seguridad Agraria. Estudió fotografía en Nueva York como alumna de Clarence H. White e informalmente participó como aprendiz en numerosos de sus estudios fotográficos como aquel del célebre Arnold Genthe. En 1918 se trasladó a San Francisco, en donde abrió un exitoso estudio. Con el comienzo de la Gran Depresión, Lange llevó el objetivo de sus cámaras de su estudio a las calles. Sus estudios de desempleados y gente sin hogar llamaron pronto la atención de fotógrafos locales y la llevaron a ser contratada por la administración federal, posteriormente llamada "Administración para la Seguridad Agraria". Taylor, su segundo marido, forma a Lange en asuntos sociales y económicos, y juntos realizan un documental sobre la pobreza rural y la explotación de los cultivadores y trabajadores inmigrantes durante los siguientes seis años. Taylor hacía las entrevistas y recogía la información económica, y Lange hacía las fotos. Entre 1935 y 1939 Lange trabajó para departamentos oficiales, siempre retratando en sus fotos a pobres y marginados, especialmente campesinos, familias desplazadas e inmigrantes. Distribuidas sin coste a los periódicos nacionales, sus fotos se transformaron en iconos de la era. Cubrió todos los actos de reubicación de los japoneses, su evacuación temporal en centros de reunión y los primeros campos permanentes. Para muchos observadores, sus fotografías de muchachas japonesas estadounidenses presentando honor a la bandera antes de ser enviadas a campos de concentración es un recuerdo de las políticas de detención de personas sin ningún cargo criminal y sin derecho a defenderse.
Sus imágenes fueron tan obviamente críticas que el Ejército las embargó. Dichas fotografías están en la actualidad disponibles en la División Fotográfica y la Biblioteca Bancroft de la Universidad de California.
15-Weegee (1899- 1968). Web consultada: https://es.wikipedia.org/wiki/Weegee Un fotógrafo y reportero gráfico ucraniano conocido por sus descarnadas fotografías en blanco y negro. Fellig debe su alias Weegee a una interpretación fonética de la palabra ouija, debido a sus frecuentes llegadas a escena sólo minutos después de que se le hubiese avisado a las autoridades acerca de un crimen, un incendio u otra emergencia. Existen diferentes teorías sobre quién le asignó dicho seudónimo al fotógrafo. Hay quien cree que fue el propio Weegee quien se autonombró así, mientras que otras teorías señalan que el pseudónimo se lo dieron las chicas de Acme Newspictures (la agencia que proveía imágenes a los dos periódicos más importantes de Nueva York. En el año 1938, Fellig era el único reportero gráfico de Nueva York que poseía un permiso para llevar consigo una radio portátil de onda corta con la frecuencia de la policía. Tenía instalado un cuarto oscuro en el maletero de su coche para acelerar el proceso de entrega de sus fotografías a los periódicos. Weegee casi siempre trabajaba durante la noche como fotógrafo freelance; escuchaba la radio atentamente llegando a las escenas, en ocasiones, antes que los propios policías.
La mayoría de sus fotografías más famosas fueron tomadas con un equipo fotográfico muy básico y con las técnicas de la época. Weegee no recibió formación fotográfica alguna sino que fue siempre un fotógrafo autodidacta, así como un gran promotor de sí mismo. Weegee también realizó cortometrajes en 16 mm en el año 1941 y trabajó en Hollywood como actor y asesor desde 1946 hasta los primeros años de la década de los sesenta.
16- Eugene Smith (1918- 1978). Web consultada: https://es.wikipedia.org/wiki/Eugene_Smith Fue un reportero fotográfico estadounidense. Fotografió la Segunda Guerra Mundial desde las fronteras de las islas estadounidenses, realizando las fotografías de la ofensiva estadounidense contra Japón y tomando fotos de los marines estadounidenses y de los prisioneros de guerra japoneses en Saipán, Guam, Iwo Jima y Okinawa. En Okinawa, Smith fue herido por un mortero. Una vez recuperado, y profundamente desilusionado de la fotografía de guerra Smith continuó su labor en Life y perfeccionó el ensayo fotográfico, desde 1947 hasta 1954. En 1950, viaja hasta el Reino Unido para cubrir las elecciones generales, en las cuales sale victorioso Clement Attlee, del Partido Laborista. La editorial de la revista Life se mostraba en contra de un gobierno laborista, pero los ensayos de Smith sobre Attlee eran muy positivos. Finalmente, un número limitado de fotografías de Smith de la clase obrera británica fue publicada en Life. En la década de los 50 se une a la Agencia Magnum. Hizo un proyecto documental sobre Pittsburgh, donde profundiza su metodología de trabajo de profunda implicación con el objeto de su documentación. Son muy conocidas las disputas que Smith sostiene con los editores fotográficos con los que tiene que trabajar, y es el primer fotógrafo que abre la discusión sobre la importancia de la participación del autor de las fotografías en la edición final, respecto de los procesos de selección de las fotos que finalmente se publican, su orden y disposición en la página, así como los textos y epígrafes que las acompañan. Publica además una serie de libros de sus ensayos fotográficos, en los cuales Smith buscaba tener el auténtico control sobre el proceso de edición de las fotografías del libro, llegando a tener una gran fama de inconformista.
17-Walker Evans (1903- 1975). Web consultada: https://es.wikipedia.org/wiki/Walker_Evans Fue un fotógrafo estadounidense. En 1928 se interesó por el mundo de la fotografía como medio para captar la realidad cotidiana por sus similitudes con la poesía. Utilizaba una cámara de 6 x 12, que sustituyó al poco tiempo por una de 15 x 20, con la que recorrió algunas ciudades de Estados Unidos junto al intelectual y mecenas Lincoln Kirstein. En 1933 llevó a cabo una serie de fotografías que sirvieron para ilustrar la obra The crime of Cuba, un libro del periodista Carleton Beals en el que se denunciaba la situación de la isla durante el mandato de Gerardo Machado y Morales. Durante la Gran Depresión, entre 1935 y 1936, trabajó principalmente en el sur para la Farm Security Administration (FSA), dejando constancia de la precaria y dura situación que sufrían granjeros y aparceros, con la idea de demostrar que las zonas rurales pobres necesitaban ayuda gubernamental. Se involucró profundamente en ello, llegando a convivir, junto a James Agee, con una familia de aparceros durante seis semanas para conocer de primera mano su situación. En el año 1938 el MOMA de Nueva York le dedicó su primera exposición monográfica sobre fotos arquitectónicas. Desde 1965, y hasta su muerte en 1975, se desempeñó como profesor de fotografía en la escuela de arte de la Universidad de Yale, donde llegó a obtener una cátedra. Sus fotos destacaron por su humanidad y el realismo. En sus trabajos sobre edificios e interiores está siempre presente el hombre.
18-August Sander (1876- 1964). Web consultada: https://es.wikipedia.org/wiki/August_Sander Fue un fotógrafo alemán. En 1901 comenzó a trabajar para un estudio fotográfico en Linz, convirtiéndose en el primer socio en 1902 y, a continuación, único propietario. En 1909 se marchó y abrió un nuevo estudio en Colonia. En los primeros años 20, Sander se sumó al Grupo de artistas progresistas en Colonia, y comenzó un catálogo de la sociedad contemporánea alemana, a través de una serie de retratos. Viajo a Cerdeña durante tres meses, haciendo alrededor de 500 fotografías, Sin embargo, su detallado diario de estos viajes nunca se completó. El primer libro de Sander Face of our Time fue publicado en 1929. Contiene una selección de 60 retratos de la serie Retratos del siglo XX. Con la llegada de los nazis al poder, su trabajo y su vida personal se vieron gravemente limitados. Durante la década siguiente sus trabajos fueron dirigidos principalmente a fotografiar la naturaleza y el paisaje. Cuando estallo la Segunda Guerra Mundial se fue de Colonia, trasladándose a una zona rural. Su estudio fue destruido en 1944 durante un bombardeo. El trabajo de Sander incluye fotografías de paisajes, naturaleza, arquitectura, y fotografías de la calle, pero es especialmente famoso por sus retratos, como lo demuestra la serie Hombres del siglo XX. En esta serie trata de ofrecer un catálogo de la sociedad alemana durante la República de Weimar. La serie se divide en siete secciones: Campesinos, comerciantes, mujeres, clases y profesiones, artistas, la ciudad y el pasado, (los sin hogar, veteranos de guerra..).
19-Henry Cartier-Bresson (1908- 2004). Web consultada: https://es.wikipedia.org/wiki/Henri_Cartier-Bresson Fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus «imágenes a hurtadillas». A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes como Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Édith Piaf, Fidel Castro y Ernesto "Che" Guevara. Estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín. Cartier Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de Stalin. Su obra fue expuesta en el parisino museo del Louvre en 1955. Fue cofundador de la Agencia Magnum. Junto a su esposa, la también fotógrafa Martine Frank, creó en 2000 una fundación encargada de reunir sus mejores obras, situada en el barrio parisino de Montparnasse. Para algunos, Cartier Bresson es una figura mítica en la fotografía del siglo XX. Uno de sus biógrafos, Pierre Assouline, lo ha llamado «el ojo del siglo». Es fotógrafo a sus 23 años en Costa de Marfil, cuando recogería sus primeras instantáneas con una Krauss de segunda mano. Publicaría su reportaje el año siguiente (1931). De regreso a Francia, en Marsella, adquirió una cámara Leica, la cual quedaría asociada con su persona. En 1947, él cofunda junto a Robert Capa, Bill Vandivert, David Seymour y George Rodger la Agencia Magnum y a través de sus viajes por el mundo definiría la fotografía humanista: visitaría así pues África, México, y los Estados Unidos. En 1936 realizó un documental sobre los hospitales de la España republicana y se convertiría más tarde en el asistente del cineasta Jean Renoir. Formado en la Escuela nacional superior de Bellas Artes, abandona finalmente la fotografía en 1970 para dedicarse al dibujo. Un año antes de su muerte 2003, la Biblioteca Nacional de Francia le dedicaría una exposición retrospectiva, con Robert Delpire como comisario.
20-Erwin Blummenfeld (1897- 1969). Web consultada: https://es.wikipedia.org/wiki/Erwin_Blumenfeld Fue un fotógrafo estadounidense de origen alemán, aprendió fotografía de un modo autodidacta, al surgir el movimiento Dadá se unió al mismo junto a Georg Grosz. Sus trabajos fotográficos consistían en material contra los nazis y fotomontajes dotados de carácter experimental, para lo que empleaba solarizaciones, combinaciones de negativos, escenificaciones y otros procedimientos que situaban su obra en el movimiento surrealista. En 1936 se trasladó a París donde comienza a colaborar con Verve, Vogue y Harper's Bazaar. En 1940 es internado en un campo de concentración, pero logró evadirse hacia Estados Unidos con su familia, nacionalizándose allí al terminar la segunda guerra mundial. En este país continúa con sus colaboraciones en las revistas incorporándose a Cosmopolitan, Look y Popular photography, alcanzando gran prestigio en el mundo de la fotografía de moda en la que aplicaba el experimentalismo propio del surrealismo. En los años cincuenta abandonó la fotografía.
21-André Kertész (1894- 1985). Web consultada: https://es.wikipedia.org/wiki/Andr%C3%A9_Kert%C3%A9sz Fue un fotógrafo húngaro. Es conocido por sus contribuciones a la composición fotográfica y por sus esfuerzos para establecer y desarrollar el ensayo fotográfico. Durante los primeros años de su carrera, sus trabajos no fueron apreciados debido a sus ángulos poco ortodoxos y a su deseo de conservar un estilo fotográfico personal. Incluso al final de su vida Kertész consideró que no había obtenido el reconocimiento que merecía. Actualmente, es considerado una de las figuras más influyentes del periodismo fotográfico.
Se sentía atraído por la idea de ilustrar revistas y por actividades como la pesca y la natación. Las fotografías que observaba en revistas lo llevaron a soñar con ser un fotógrafo. También fue influenciado por varias pinturas de Tihanyi Lajos y Gyula Zilzer y por la poesía. Durante su tiempo libre, Kertész empezó a tomar fotografías a los campesinos locales, a los gitanos y a los paisajes de la Gran Llanura Húngara. Se cree que su primera fotografía fue "Niño durmiendo, Budapest, 1912. Kertész aprendió por sí mismo como usar una cámara. Para 1914 su estilo distintivo y maduro era evidente. Fue enviado al frente de batalla, donde tomó fotografías de la vida en las trincheras con una cámara ligera, desafortunadamente, la mayoría de estas fotografías fueron destruidas durante la revolución húngara de 1919. En 1915, fue herido por una bala y su brazo derecho quedó paralizado temporalmente. En Esztergom, donde continuó tomando fotos, incluyendo un autorretrato con el que participó en un concurso de la revista Borsszem Jankó. Kertész continuó dedicando su tiempo libre a la fotografía y tomó numerosas fotografías con su hermano Jenő como modelo. No satisfecho con su trabajo en la bolsa de valores, a principios de los años 1920 abandonó su carrera para dedicarse a la agricultura y la apicultura. Sin embargo, esta aventura fue de corta duración debido al desorden político y al comunismo en la zona rural húngara. En París, Kertész obtuvo éxito comercial y de crítica realizando publicaciones en revistas y posteriormente trabajos por encargo para varias revistas europeas. Fue el primer fotógrafo en realizar una muestra individual cuando Jan Slivinsky organizó una serie de exposiciones individuales para treinta fotógrafos en la Gallerie Au Sacre du Printemps en 1927. Varias revistas francesas como Vu y Art et Médecine publicaron fotos hechas por Kertész. Cuando Kertész se casó, el Partido Nazi estaba adquiriendo poder en Alemania. Esto provocó que las revistas empezaran a publicar reportajes sobre política. Muchas revistas dejaron de publicar fotografías de Kertész, ya que no tenían relación alguna con temas políticos. A partir de entonces Kertész empezó a recibir menos comisiones, por lo que, con el consentimiento de Elizabeth, planeó mudarse a Nueva York para trabajar con la agencia Keystone de Ernie Prince. En 1936, ante la amenaza de la Segunda Guerra Mundial y la falta de trabajo, Kertész y Elizabeth embarcaron en el SS Washington rumbo a Manhattan. En 1963 participó en la IV Mostra Biennale Internazionale della Fotografia en Venecia y más tarde en ese año hizo una exposición en la Biblioteca Nacional de Francia en París. En Venecia recibió una medalla de oro por su dedicación a la industria fotográfica. Posteriormente visitaría a su hermano Jenő en Argentina.12456
Durante este periodo Kertész experimentó con fotografías en color, aunque sólo realizó unas cuantas de estas. En 1964 Kertész realizó una exposición individual en el Museo de Arte Moderno, poco después de que John Szarkowski se convirtiera en el director de fotografía del museo. La exposición fue aclamada por la crítica y a raíz de ello Kertész fue considerado en los círculos fotográficos como una figura de relevancia. En 1952, se mudó con su esposa a un apartamento cerca del Washington Square Park. Allí Kertész tomó algunas de sus mejores fotografías desde que había llegado a los Estados Unidos. Las fotos, realizadas con teleobjetivo, mostraban el parque cubierto de nieve con numerosas siluetas y huellas. Actualmente, Kertész es considerado el padre del periodismo fotográfico. Varios fotógrafos han sido influenciados por los trabajos de Kertész, incluyendo a Henri Cartier-Bresson.
22-Diane Arbus (1923- 1971). Web consultada: https://es.wikipedia.org/wiki/Diane_Arbus Fue una fotógrafa estadounidense, que inicialmente aprendió fotografía del que fue su marido y padre de sus hijas en la primera juventud, Allan Arbus, que le regaló su primera cámara, una Graflex. Su familia era de origen judío del este de Europa. Con 14 años comenzó su relación con Allan Arbus, con quien se casó cumplidos los 18 años, adoptando su apellido. Tuvieron dos hijas, Doon (1945) y Amy (1954) Arbus. En los años cuarenta, el matrimonio se dedicó a la fotografía de modas en revistas como Esquire, Vogue y Harper’s Bazaar. De 1955 a 1957, Diane Arbus estudió con la fotógrafa austríaca Lisette Model, que ejerció gran influencia en su trabajo posterior. En 1959 se separó de Allan, aunque no se divorciaron hasta 1969. La década del sesenta fue la más productiva, cambiando su objetivo por completo. Recorrió los peligrosos barrios marginales de Nueva York para seleccionar a los personajes que retrataba, entre los que se encontraban enanos, nudistas, streepers, travestis y prostitutas. En 1967 realizó la exposición «New Documents», que la dio a conocer al público mayoritario. Continúo trabajando para revistas importantes retratando a celebridades como Norman Mailer, Mae West y Jorge Luis Borges. En 1971, después de una larga depresión, Diane Arbus se suicidó. Un año más tarde su trabajo fue seleccionado para participar en la Bienal de Venecia y fue la primera
fotógrafa estadounidense en ser seleccionada. El MoMA de Nueva York organizó su primera gran retrospectiva. Diane Arbus abandonó las modelos elegantes de las revistas de moda y eligió a personas marginales y diferentes para sus fotografías: gemelos, enfermos mentales, gigantes, familias disfuncionales, fenómenos de circo, etc. Los personajes miraban directamente a la cámara, lo que hace que el flash revele sus defectos. Su intención era producir en el espectador "temor y vergüenza". Fue pionera del flash de relleno (flash de día). La fotografía de Diane representa lo normal como monstruoso: cuando fotografiaba el dolor, lo encontraba en personas normales. Provocaba que la gente presuntamente normal aparezca como anormal. Rompía la composición, situaba al personaje en el centro. Su mirada siempre era directa, con tensión y fuerza. Para ella no existía el momento decisivo, trabajaba en continuo espacio temporal y obligaba a los retratados a que fuesen conscientes de que estaban siendo retratados. Buscaba una mirada nueva, pasando del tedio a la fascinación.
CONCLUSIONES: En este primer capítulo me he encontrado con muchos autores, pero con el que mas me he sentido identificada es con Garry Winogrand, como ya lo he mencionado en su biografía, es un autor el cual no busca una belleza sino captura imágenes con rapidez, imágenes que les gustan. Yo ahora mismo me considero un fotógrafo igual que Garry, porque andando por una ciudad yo no busco la belleza de nada ni ningún motivo, simplemente me dejo llevar por mi visión y fotografío algo que a mi me parece atractivo e interesante. Sé que es un fallo porque cada uno tiene que buscar lo que quiere fotografiar, sería lo correcto, pero por ahora no me siento preparada como para hacerlo, porque además no me siento a gusto pensando en como voy a narrar un viaje o algún paseo, no disfruto de ello, quizás algún día aprenderé a enlazarlo todo y disfrutar de ambas cosas a la vez, pero por ahora, no. Me parece genial que el autor nos plantee las preguntas que plantea al principio y nos hace adentrar y pensar en ellas, poniéndonos de ejemplo a los autores diferentes a los cuales tenemos que buscar por nuestra propia cuenta. Aunque no es lo mas placentero de este trabajo, el buscar, pero debemos hacerlo ya que es la base de nuestro trabajo, buscar, informarnos y llenarnos de conocimientos, como lo dice el autor: “Nuestras propias iniciativas investigando en la red, por la razón de que llegaremos mucho mas lejos en nuestro aprendizaje” y es lo que quiero, llegar lejos y conocer más. También estoy de acuerdo con que: “Fotografiar es fácil, y obtener una buena fotografía no es fácil”. Cada uno de nosotros puede tener una cámara y apretar a un botón, pero sin
aprender los valores de la fotografía, sin tener una idea, simplemente nos estamos llenando de fotos de recuerdo, ya está, no hay un sentido que pueda ir más allá del que se ve y el cual es obvio. Es obvio de que tenemos simplemente una fotografía ante nosotros, y ya. Y es más, tenemos que dedicarle tiempo a la fotografía, si no lo hacemos, ¿qué tipo de fotógrafos somos si no es a lo que nos dedicamos? A parte de estas ideas hay muchísimas mas las que tengo apuntadas como, por ejemplo: -Tenemos que visualizar nuestras imágenes como el tablero de David Hockney o en una revista o álbum, o lo que sea. Saber presentarlas, en que tamaño y orden. -Tenemos que tener una visión, la cual no llega de noche a la mañana es algo con lo que tienes que venir, no se si se podría desarrollar, que, según el autor, no se puede. Y respecto a estas dos cosas me he planteado que me da miedo no tener esa visión o no saber ordenar esas fotografías, supongo que no soy la única. -Trabajo previo. -Cámara siempre en mano, como si fuera parte de nuestro cuerpo. -Construir nuestras imágenes. y mucho más. “Voy a ver qué hay por el mundo, voy a ver qué encuentro, voy a ver que trozo de mundo convierto hoy en una de mis fotografías”. Esta frase de Cartier-Bresson, es la postura que yo tengo ante la vida de la fotografía, ahora mismo. Quizás me cambie el pensamiento, pero con esa frase yo me he sentido identificada muchísimo, es lo que hago cuando voy a algún sitio, algún viaje. Me preparo ante el qué me voy a encontrar hoy. Por ahora entiendo todo lo que nos quiere enseñar el autor a través de este libro-curso, quizás sea porque se repite mucho, aunque también he de decir que el lenguaje que utiliza no es difícil y te lo pone todo el la palma de la mano y entiendes todo a la perfección. Por ahora recomendaría el libro.