LaCarne Magazine N76 by LaCarne Magazine

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europa y latinoamérica

Nº76 - SEP 2018 - AÑO 7

Carmen París

inconfundible voz y audacia creativa investigación

ella fitzgerald - nilo soruco

EXPERIENCIAS

acústicos al fresquito lamento boliviano - over cut - kepa junkera

ENTREVISTAS

pyphomgertum - masacritika - congo - extinger - escuela carne - maui - rayz

SUMARIO N76 aÑo 7 sep 2018

experiencias 06 Acústicos al Fresquito, un festival para amantes de la música

entrevistas 32 Pyphomgertum, estilo propio y líricas antisatánicas

10 Lamento boliviano: 10 temas para 44 MasaCritika, en busca de nuevos avivar la nostalgia

horizontes

14 Over Cut, impulsando el género

48 Congo presenta nuevo disco: “Revela

electrónico en La Paz

tu verdad”

18 Kepa Junkera invade Cáceres

54 Extinger, auténtica pasión por el

investigación 22 Ella Fitzgerald, la Primera Dama

60 Escuela Carne, apoyando el Arte y

26 Nilo Soruco Arancibia, un Maes-

de colores

de la Canción

tro Universal

Metal

la Creatividad

64 Maui, contando y cantando historias 72 Rayz, más vivos que nunca

38 Carmen París,

inconfundible voz y audacia creativa

contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

http://lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

Colaboradores

OMAR VEGA, jorge ares, la chica boom, ceci beltrán, ángela sumy, alfonseka, vicky burgio foto portada por guillermo barberá * No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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europa y latinoamĂŠrica

EXPERIENCIAS

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6 LaCarne Magazine

acústicos al fresquito 2018

un festival para amantes de la música

l Festival Acústicos al Fresquito es uno de los festivales más carismáticos de Extremadura. Porque se realiza en la plaza del pueblo Monterrubio de la Serena, porque todos los conciertos son en formato acústico, y porque alterna estrellas del indie con formaciones o autores del ámbito folk del panorama nacional, todo desde un cuidado muy personal y un cariño exquisito. El pueblo tiene 2500 habitantes, por lo que un evento de este calibre es único, y más siendo tan underground, lo cual le da tal importancia a esta iniciativa. El Festival Acústicos al Fresquito se reparte entre julio y agosto, y por él han pasado estrellas del ámbito nacional e internacional como Soleá Morente, Lagartija Nick, Julio de la Rosa, Fernando Alfaro, La Habitación Roja, L’Avalanche, Nudozurdo, Bravo Fisher, Sr Chinarro, La Bien Querida o Lorena Álvarez. De entre los artistas regionales hemos tenido a Supertennis, Cajón de Sastre, Happy New Year & 3AM, Local Qua4tro, Burguim, Rui Díaz, Chloé Bird o Fônal. Son sólo algunos de los que han ido y de los que más nos gustan a nosotros, pero sin duda es de lo mejorcito del verano en cuanto a festivales extremeños se refiere.

No hay zona de acampada, uno o dos conciertos por día y disfrutar de la noche en la comarca de La Serena y de la calidad de su gastronomía. Festival Acústicos al Fresquito es un festival claramente destinado al melómano, al amante de la música, a todo aquel que esté dispuesto a hacerse kilómetros para ver grupos de alto nivel en un marco rural, y, por supuesto, con poder adquisitivo. Además, este año rendirá homenaje al 30 aniversario del disco Spanish Shuffle de Tam Tam Go! A continuación os dejaremos las propuestas que más nos gustan: Las propuestas más interesantes del Festival Acústicos al Fresquito

NACHO CAMPILLO Cantante de Tam Tam Go! Es un referente en la música popular extremeña y nacional. No hay movida madrileña sin Nacho Campillo y los suyos. Esperamos que su directo vaya acompañado de amigos y voces extremeñas, como Cyra y Ulises, cuya música tiene la mano de Nacho. Nos tocará canciones de sus discos “Cómo pica el sol” o “Pacífico 360”, pero no vamos a negar que nos hará mucha ilusión escuchar temas como “Manuel, Raquel”, “Atrapados en la red”, “Balas de cristal” o “Espaldas mojadas” LaCarne Magazine

NIÑO INDIGO Julio César Fuentes es uno de los cantautores y compositores más interesantes del panorama extremeño. Nos presentará su tercer disco “Introspectiva”, que navega entre el indie-folk y la canción de autor. Un artista a seguir dentro del underground extremeño con una trayectoria de tal calidad que le ha llevado a ser uno de los representantes locales del circuito nacional “Girando por salas”. En Monterrubio tendremos su versión más intimista, donde escucharemos temas como “Olvidarte”, “Siempre”, su hit “Que fuera viento” o covers como “Ni tú ni nadie”, “A tapar la calle” o “perlas ensangrentadas”.

MATHEW CAWS (NADA SURF) Otro gran cabeza de cartel. Escuchar los hits del disco “Let Go”, ahora que se acaban de cumplir 15, será mágico. Tenemos la duda de si Villanueva, también presente en el festival, se animará a tocar con Mathew, ya que ha hecho un homenaje a Nada Surf recientemente junto a otros artistas indie nacionales. Esperamos que también nos toque canciones de su nuevo proyecto, “Minor Alps”, junto a Juliana Hatfield, que igual ¿sorpresa? le acompaña. “Inside of love”, “Happy Kid”, “fruity fly” son hits que esperamos expectantes poder escuchar en su visita a tierras extremeñas.

VILLANUEVA Josete Villanueva es un músico vigués de éxito reciente en el underground nacional. Nos tocará su segundo disco “Zoo para dos”. Recoge parte de la sonoridad que le llevó al éxito nacional su larga duración “Viajes de ida”, pero además incorpora elementos musicales tropicales y la bossa-nova, dándole más alegría y marcando la diferencia con respecto

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al anterior trabajo. Villanueva tiene pop, tiene rock, tiene indie, y sin duda tenerlo en la comarca de La Serena, con o sin banda, será un lujazo.

NORHA La de Cabeza del Buey es la única voz femenina que esta vez forma parte de la programación del festival. Nos tocará el repertorio de su EP “Canicas Brillantes”, en la que la reivindicación, su compromiso solidario con el síndrome de Rett, o la mujer son algunos de los temas de los que tratan sus canciones. Ha estado en grandes festivales como Womad, y se ha recurrido todo tipo de festivales y salas de Extremadura. Su estilo es la canción de autor con toques folk americanos o extremeños, ya que su directo puede ir acompañado de violines, acordeones, piano, además de guitarras, bajo y batería. Si te gusta Amaral, Bebe o Antonio Vega, con ella lo disfrutarás.

JORGE NAVARRO El madrileño, profesor de guitarra clásica del conservatorio de Montijo, ha dado el salto a la música fuera de las clases. Su estilo es la canción de autor cercana a la de Leiva, Dylan, Fito Páez o Jackson Browne. Nos vendrá a presentar su EP “Gorka y la Banda Herida”. Música de autor con toques folk-rock americanos es su sello principal. Directo sencillo a cargo de una guitarra y una armónica, donde hits como “no me mires así” o “si hay jaleo” nos harán disfrutar. Además, tenemos clarísimo que habrá sorpresa ya que sabemos que Norha y Jorge ya han colaborado juntos anteriormente. ¶

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Lamento boliviano 10 temas para avivar la nostalgia

i algo aprendí al crear la lista Lamento Boliviano es que en Bolivia hay muchos corazones rotos. Y no lo digo por los compositores, sino por todos los mensajes de amigos recomendándome canciones tristes para escuchar.

Ver lista en spotify ¿De qué tratan estas canciones? La pérdida del ser amado, un momento difícil o el proceso de desconocer y dejar aquello que no hace mucho configuraba la existencia de uno mismo. Algo que también aprendí es que nuestro problema no es la producción (a nivel de cantidad) sino la calidad y el recuerdo. Una canción triste es aquella que te lleva de la mano por un par de minutos sin empujarte, sin apresurarte, sin sacarte del trance de ese estado. En muchas de las recomendaciones, la letra era todo lo que buscaba, pero la producción debía mejorar. Escogí estos 10 temas para Lamento Boliviano porque los vi imprescindibles, porque me encantaron. Casi puedo escucharlos preguntando: ¿Qué pasó con Unit? ¿La Logia? ¿Loukass? ¿Octavia? Por un lado, quería que sea un playlist disponible en Spotify y escogí temas disponibles en esa plataforma. Esto lo voy a mencionar en la segunda parte de mi decálogo para el éxito. Si no estás donde las personas escuchan,

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¿quién te va a oír fuera de nuestro entorno? Por otra parte, también quería bandas con discos recientes (aunque tengo mis debidas excepciones). Estar triste es un trance delicioso. No es tan destructivo como muchos creen. Yo le creo a Cerati cuando dice “Pones canciones tristes para sentirte mejor/tu esencia es más visible/ del mismo dolor/vendrá un nuevo amanecer”.

Lamento boliviano 10 temas para avivar la nostalgia Mammut – Nicotina

Quizás muchos opten por “Idiotizado”, que también es un gran tema, pero de una u otra forma debía comenzar con Mammut en Lamento Boliviano. Debería hablarse más de esta banda cochabambina. El EP que lanzaron en 2014, Barbarie, no me defraudó en absoluto, y el año pasado lanzaron el disco Errante, en el que se encuentra “Nicotina”. El manejo de la voz tiene una asombrosa cohesión con las guitarras y el ritmo de las canciones. Tiene un leve toque acústico que me agrada y, en general, me induce esa sensación de letargo de la que habla la canción cuando se está dopado por esa sustancia. Creo que no existe un tema amoroso aquí, es algo más personal. ¿Luchar con tus propios demonios? ¿No saber por dónde ir? ¿Tener miedo? “Nicotina” me ha dejado horas en el sillón de mi sala hasta oscurecer la habitación, y eso sólo lo logra una gran canción.

y voz.

La Chiva – Blues para mi cadáver

Pasó hace 5 meses. A la manera de Homero Simpson y su aclamado “Mi amor es el mar”, me dijo que lo suyo era viajar por el mundo y se fue. Yo me quedé aquí, con una almohada que olía a aceite de coco y unas ganas de quedarme en casa para no salir nunca. Hasta hace poco, cuando una amiga me llevó a mi primer concierto de La Chiva. Apenas sonó el riff del tema, se fue adelante a escucharlos de cerca. Yo estaba atrás, sola, hastiada de la alegría que causaba el alcohol en las personas, y el tema me llegó completamente. Está cantado con una melancolía presente en vivo y en estudio.

Llegas - Desapareciendo

Yo creí que iba a desempolvar el Huye el sol (1996) para las nuevas generaciones y que, a diferencia de “Cada beso” o “Raquel”, iba a darles un tema menos visitado. No fue así. 1 de cada 3 recomendaciones para Lamento Boliviano mencionaba a Llegas. “Desapareciendo” también estaba entre sus favoritos. Creo que mi versión preferida de este tema es la de Espejismos, disco de un concierto acústico del 2011, porque tiene un sonido impecable e íntimo.

Entender la imagen de la muerte como ese monstruo que te separa del ser amado es algo perfectamente válido, pero también podemos jugar con las metáforas. ¿Muere la relación? ¿Muere la fe que le tenías? ¿A quién va dedicado este blues? ¿A lo que pudo ser? Me encanta cuando mis amigas me hablan de sus relaciones fallidas y me dicen: ¡Él está muerto para mí! Pues bueno, “si volverías a vivir, dice La Chiva, creo que podría amarte”.

Aviónica – Tormenta

Lo que más me gusta de la letra es ese constante retorno a la duda: “¿Se acabó todo tu amor o fue desapareciendo?”.

Este es un tema un poco más..., ¿comercial? Y no lo digo en un mal sentido. De hecho, es un halago para Aviónica porque es de los pocos músicos que están rompiendo esa barrera de la música nacional que se queda en lo local, y tenía que incluirla en Lamento Boliviano.

Creo que muchas veces eso es lo que más duele, mirar atrás y no entender, no reconocer a la persona con la que hasta hace poco se compartió la vida. La pregunta no es por qué, sino cuándo.

Es más, esta versión que he escogido del tema se encuentra en el disco en vivo que grabó Joti el año pasado en Estados Unidos. El plus que le doy a esta versión es la voz de Valeria Pérez.

A 20 años del Huye el sol, Grillo realizó un “Concierto desde mi habitación”. Ese año se encontraba en Argentina, así que se grabó por 41 minutos tocando todo el álbum a guitarra

Creo que Joti debería invitar a alguien siempre que cante esta canción en algún otro concierto. Y como toda buena balada, tiene un pequeño solo con guitarra eléctrica que no está nada mal. LaCarne Magazine

Otro tema que podría haber entrado es “Desde Cero” porque sentí un apego más fuerte con las letras. Sin embargo, “Tormenta” tiene una linda melodía y juego de voces. Les sugiero ver el video que sacaron de esta grabación en vivo.

Oil – Vino eterno

Inicialmente pensaba en poner “Witch Hunt” en la lista Lamento Boliviano pero “Vino Eterno” posee un tempo lento e hipnotizante, perfecto para sumergirse en un estado de melancolía. Además, sus primeras líneas me atraparon: “Ves en el frío del miedo/se desnuda el dolor/ de ser nada”. Cierta sensación de futilidad me invade cuando escucho “Vino Eterno”, como una inmovilidad de la que el cuerpo no puede salir por mucho que intente. Como ya sabrán, me gustan los toques acústicos y estoy segura de que a Chelo Navia también. Cuando escucho Oil pienso en Black Rebel Motorcycle Club. Si les gusta B.R.M.C., deberían escuchar a esta banda de Cochabamba.

fuego que sale de su cuerpo y asciende en un pequeño sendero.

Efecto Mandarina – Té para tres

Ya sé que este no es un tema compuesto por Efecto Mandarina pero los arreglos que Diego Ballón realizó con Vero Pérez me obligan a incluirlo en Lamento Boliviano, e incluso a escogerlo por encima del original. Diego me contó que, sin dejar de lado la esencia, intentaron darle un toque más moderno adornando la melodía de Vero. Fue muy acertado. Su voz demuestra cuán delicada y bien escrita fue la canción. Cerati realmente es uno de los grandes compositores de los últimos tiempos, y “Té para tres” es un buen ejemplo. Su madre luego contaría: “En casa nunca faltó el té, como buena heredera de irlandeses que soy. Estábamos los tres: Gustavo, mi marido y yo. Teníamos en la mano el último análisis que iba a confirmar o no la enfermedad y en qué estado estaba. La verdad que los resultados eran muy negativos”. “Mi marido los quiso ver y él los miraba tranquilo porque era un hombre con mucho dominio de sí mismo. Estábamos los tres y yo no pude sostenerme, lógicamente. Por eso el ‘te vi que llorabas, te vi que llorabas por él…’. Se me pone la piel de gallina en este momento. Ese tema nació en esta casa, tomando el té mi marido, Gustavo y yo”.

Mayra Gonzáles – Agua de lluvia

A veces escuchamos la palabra morir y pensamos en algo doloroso, temible. Esta canción me regaló la imagen más hermosa. Esta canción la escribió Mayra luego de la muerte de su padre. Cuando la escuché en el concierto que dio en el Patio del Ministerio de Cultura, se la dedicó y no pude evitar que me doliera. Desde que la escuché, cada vez que recuerdo a mi papá visualizo una pequeña esfera de

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Taki Ongoy – La Carta

Creo que nunca voy a superar esta afición que

tengo por Taki Ongoy. “La Carta” me demostró que en Bolivia se puede traducir el delirio a una canción, que no es cosa de afuera. Que aquí también hay genialidad. Hice una nota dedicada solamente a Asilo (2011), el disco al que pertenece este tema. Dénse una vuelta por Taki Ongoy, por esos discos que valen la pena bailar cuando tengan tiempo y, mientras tanto, disfruten:

ne una letra simple y que es eso lo que permite que cada persona le dé su propio significado.

Enfant – Camila

Bastan 10 segundos de esta canción para reconocer que a) Enfant es una de las mejores bandas de progressive rock de Bolivia, si no la mejor, y b) “Camila” es un gran tema en todo sentido. Gran sonido, grandiosa letra, hermoso concepto en general de todo el disco, lanzado el 2015 bajo el nombre Ellipsism. Sobre la música, una base de rock con un poco de grunge, folk y experimentación.

Mandíbula – Cartas

Le pregunté a Miki Andrade, vocalista y guitarra de la banda Mandíbula, sobre “Cartas” y me respondió: “Una canción que nace en los días más duros de una separación, cuando uno sabe que va a perder y, sin embargo, intenta; cuando uno no sabe qué hacer para que todo esté igual que antes.

Ahora bien, intentar hablarles de la letra es como responder a los exámenes de poesía que tenía en primer año de Literatura. Puedo decir que el manejo de la corporalidad y lo animalístico me recuerda mucho a Edmundo Camargo y algunas crónicas de José Martí. Imágenes crudas, sin duda, y en perfecta unión con la música. Hay un pequeño momento, luego de la cúspide apocalíptica de la canción, en el que el silencio del viento cobra protagonismo, y de a poco nace otra melodía en charango. Hermoso.

En mi caso, la canción se re escribió pues no era para alguien, era para mí. Muchas personas tenemos pendientes, recuerdos, ese algo que quieres sacar y gritar porque te hace falta... Y dices que lo buscarás, y que vas a salir por ello”. “Cartas” expresa muy bien la sensación de pérdida. Miki tiene razón cuando dice que tie-

He unido estos temas en esta lista Lamento Boliviano, añadiendo algunos otros músicos cuyas canciones me parecen igualmente justas y necesarias de tener en mente. Y ya que todos tenemos un tema para esos momentos, quisiera que me lo comenten abajo… ¡Sorpréndanme! ¶

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Over Cut

impulsando el género electrónico en La Paz

os escenarios, una variada oferta musical de DJ’s para todos los estilos, y un ambiente completamente libre de alcohol y drogas fue lo que caracterizó la fiesta del primer aniversario de Over Cut.

Over Cut: Un año impulsando el género electrónico en la ciudad de La Paz, Bolivia Luego de un año realizando eventos para promover la escena electrónica y los nuevos talentos de este género en la ciudad de La Paz, Over Cut celebró su primer aniversario con la segunda versión de Circus, organizado como parte de la celebración por su primer aniversario, el cual se llevó a cabo el 7 de julio de 2018 en la Casa del Corregidor, una discoteca de estilo colonial ubicada en el centro de la ciudad. Circus contó con la participación de DJ´s de gran trayectoria, así como también de nuevos talentos. Además, fue destacable la realización de dos escenarios para el mismo evento: uno de música electrónica ‘underground’ denominado “Street of illutions”, con géneros como house techno, techno, tropical house y deep house; y el otro de música electrónica ‘comercial’ llamado “Dreams Station”, con géneros como electro house, big room house, trap, dubstep y hardstyle entre otros.

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Por otra parte, una acción muy interesante que tratan de lograr varios colectivos dedicados a la realización de eventos de música electrónica en la ciudad de La Paz, es eliminar el estereotipo de que necesariamente este género musical debe estar ligado a las drogas y alcohol. Es por ello que en Circus estaba completamente vetado el consumo o ingreso de bebidas alcohólicas u otras sustancias, lo que permitió que el evento se desarrollara sin ningún inconveniente. Sumado a ello, el horario completamente accesible en el cual se llevó a cabo el mismo, de 3 pm a 9 pm, hizo de éste un evento apto para todo público. Asimismo, el costo de las entradas en preventa de 20 bolivianos (3 dólares aproximadamente) y de venta en puerta a 30 bolivianos (4.5 dólares) fueron precios realmente económicos para un evento al que, de forma personal, valió la pena asistir. Si bien esta fiesta aniversario tuvo un carácter más reducido en cuanto a capacidad de asistentes debido a que se realizó en un lugar cerrado, un aspecto positivo de esta situación fue la cercanía que el público podía tener con los DJ´s – a diferencia de los eventos masivos locales – misma que fue aprovechada por muchos asistentes para tomarse algunas fotos con ellos, pedir autógrafos y realizar alguna que otra entrevista.

Dos escenarios con estilos completamente distintos. “Street of illutions”, el escenario de géneros underground, se instaló en el patio de las ins-

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talaciones de la Casa del Corregidor, y contó con la presencia de Danny Math, Nina Schatz, Álvaro M, Dadacope, Jhonny Beat, Dj Taz, Sezé, Ddeka, Skipi y Paul Jové. Pese a la trayectoria de varios de los DJ´s que formaron parte del line up de “Street of illutions”, éste fue el escenario que contó con la menor afluencia de espectadores. Conforme la noche fue tomando posesión del lugar acompañada de las luces LED, el ambiente exterior adquirió un aspecto más interesante, por lo que varios asistentes se agruparon alrededor del mismo; aunque, en el mejor de los casos, no se sobrepasaba las 30 personas. Movimientos lentos, acompasados, y que parecían llevar a un estado de relajación interna fueron las características de quienes se dieron cita en “Street of illutions” y que, a pesar de no ser muchos, disfrutaban de la música como si nada más importara. Por otra parte, “Dreams Station”, el escenario de géneros más comerciales, se ubicaba en las instalaciones interiores de la Casa del Corregidor. En éste se presentaron T-NOX, Jhuay Fernández, Locobass, Dubal, Drew, Dj Orlando, Mikebeat, Illimani y PAAZ. Pero, a diferencia de lo que ocurría en el patio, en ‘Dreams Station’ el ambiente se encontraba completamente lleno y casi por rebasar. Movimientos a ratos descontrolados, y saltos

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al compás de la música con mucha energía y los brazos extendidos, fueron las características de quienes se dieron cita en este escenario, que formaban los característicos círculos de baile, para que quienes tuvieran un mejor dominio del ‘shuffle’ se lucieran y mostraran sus mejores pasos. Ambos escenarios brindaron a los asistentes una particular e inolvidable experiencia. Quizá el único punto negativo del evento, y como se mencionó en un párrafo anterior, fue el bajo apoyo existente para el escenario underground en comparación al comercial. Esta situación puso en evidencia la brecha y preferencias existentes entre géneros electrónicos en la ciudad de La Paz. Para su segundo aniversario, en 2019, Over Cut promete nuevas sorpresas, y por supuesto, ampliar su oferta a tres escenarios. Algo muy importante que merece ser resaltado es que Over Cut a lo largo del 2017 y 2018 ha realizado pequeños eventos en diferentes ambientes de la ciudad de La Paz, esto, sobre todo, con el objetivo de impulsar, apoyar y destacar el talento y trabajo de nuevos DJ´s, porque la escena electrónica paceña solamente podrá crecer si se cuenta con el apoyo de los mismos jóvenes hacia el talento paceño y, por supuesto, boliviano. ¶

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Kepa Junkera invade Cáceres D

esde la primera vez que conocí a Kepa Junkera en el MUM (Jornadas profesionales de la música en Extremadura) hubo una conexión directa. No sé si fue porque los dos éramos músicos (bueno, yo me considero más artista que músico, ya que no tengo formación académica y sí muchas horas de escenarios), o porque Kepa Junkera tiene ese halo de buenrrollismo y positivismo ante la vida. El caso es que me cayó súper bien, y aunque seguro que ya no se acuerda de mí (quién se va a acordar de un pelúo con patillas tan anchas que parecen media barba?), yo sí tengo un gran recuerdo de él.

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El 27 de julio de 2018 iban a ocurrir dos hechos importantes: uno era el gran eclipse de luna del siglo XXI, y otro, la actuación de Kepa Junkera y Sorginak en los Conciertos de Pedrilla, actividad cultural organizada por la Diputación de Cáceres cada verano (y con muy muy buena aceptación por parte de los habitantes de mi ciudad).

La magia de Kepa Junkera invade Cáceres

Como os decía, todos los viernes de verano la Diputación de Cáceres organiza los Conciertos de Pedrilla, y en esta ocasión era el turno del gran Kepa Junkera, esta vez acompañado de las chicas de Sorginak. Como sabía que la cola iba a ser inmensa al ser conciertos gratuitos hasta completar aforo,

Mientras algunas seguían llevando la percusión, había chicas bailando en el escenario un folk norteño que se intuía que estaba plagado de ritos ancestrales (me recordó mucho a los primeros discos de Hedningarna), otras con el típico grito de las mujeres vascas de antaño, y un acordeón inmenso que llenaba nuestros sentidos. Entre tema y tema, Kepa Junkera mostraba su cercanía con el público dando datos, como que había salido por la mañana del País Vasco lloviendo, y ahora se encontraba sudando a mares en tierras extremeñas. También nos contó que en su caserío, mientras toca ante las cristaleras de su casa, las águilas se acercan a verle, creando un momento mágico e irrepetible.

El folklore cuenta nuestras raíces

Con Maletak todo el público se vino arriba, al igual que cuando nos enseñó la pandereta de su abuelo y de su madre. Un momento muy emotivo al compararlo con su corazón, y tocarlo como si estuviera vivo, aunque estuvieran rotas por el uso a lo largo de los años. me dirigí hacia uno de los bares cercanos para comer algo y tomar un refrigerio merecido antes de la actuación (vamos, que me tomé una cervecita con una buena ración para coger con ganas el concierto). Con el estómago lleno, y ya sin colas, me introduje en el recinto del Museo Pedrilla y elegí el mejor sitio que pude encontrar para disfrutar del espectáculo. No fue fácil porque estaba todo abarrotado, y la gente se encontraba por doquier. Y mientras estaba ya acomodándome en mi sitio, Kepa Junkera comenzó a tocar. Pero lo que me impactó fue cuando la percusión de las brujas (sorginak en euskera) hizo su entrada. Fue un bombazo acústico que hizo que todos, absolutamente todos, comenzáramos a seguir el ritmo.

También me gustó mucho la presentación de las chicas que le acompañaban (una de Vizcaya y 7 de Guipúzcoa), usándolo para iniciar el tema 17 de su disco Maletak, donde las chicas cantaban en galego, catalán, castellano y euskera. Con una luna de sangre encima de nuestras cabezas, el concierto terminó con un público bailando al pie del escenario, seguro que guardando ese recuerdo para siempre en su memoria. No me cansaré de repetir la gran labor que hace la Diputación de Cáceres, junto con la Institución cultural El Brocense, al organizar estos conciertos de verano. Larga vida a Kepa Junkera y Sorginak! ¶

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Ella Fi

la Primera

de ella vamos a hablar hoy, de la mejor voz que ha dado la historia de la música. LEER MÁS

uien me conoce sabe que soy una persona muy apasionada, pero quien me conoce de verdad sabe que una de mis principales pasiones es Ella Fitzgerald, y

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Los primeros años de Ella Fitzgerald

Nuestra heroína (ya os he dicho que me apasionaba) nació el 25 de abril en la ciudad de Newport News, en el estado de Virginia. Hija

itzgerald

a Dama de la Canción

En 1932, cuando Ella tenía 15 años, murió su madre, trasladándose un año después a vivir con una tía a Harlem. Aquí empieza a ausentarse del colegio, y pronto consiguió un trabajo como vigilante de un corredor de apuestas afiliado a la mafia. Denunciados, Ella fue llevada a un asilo para niños del Bronx, y después trasladada a la Escuela de entrenamiento para niños de Nueva York, reformatorio del que se escapaba bastante a menudo. Y así sobrevivía, cantando por las calles, haciendo versiones de Louis Armstrong, Bing Crosby y de The Boswell Sisters. Idolatraba a la cantante de éste último, Connee Boswell, la primera vocalista blanca que hizo un Scat dentro del jazz (ejem, ejem, espero que tengáis los deberes hechos y no os tenga que recordar que es el Scat…). Hasta que con 17 años debutó en el Teatro Apollo en las “Noches de debutantes”, donde ganó el premio de la noche, que no era otra cosa de actuar durante una semana. No le dejaron, decían que tenía aspecto desaliñado. Sin embargo, ese 21 de noviembre de 1934 nacía una estrella, pues miembros de la orquesta de Chick Webb la vieron e insistieron al director para que la contratara.

El nacimiento de una estrella

A partir de aquí comenzarán unos añitos de éxitos, consiguiendo en 1938 un auténtico hit en la radio con la canción A-Tisked, A-Tasked, a green and yellow basket, una composición a partir de una canción infantil que se convirtió en una de las más vendidas de la época. de padres no casados, el padre las abandonó siendo Ella muy pequeña. Pasados unos años, marchará junto a su madre y su padrastro (un pastor llamado Joseph Da Silva) a Yonkers, en el condado de Nueva York. Educada en la iglesia metodista, esto le ofreció el primer contacto con la música. Además, durante estos años recibió clases de piano, aunque ella quería ser bailarina de claqué.

A la muerte de Chick Webb, en 1939, la banda pasó a llamarse “Ella and Her Famous Orchestra”, convirtiéndose además en la directora hasta 1942 (dato que a mí me parece muy importante, tratándose de una mujer y la época que era). Grabaron cerca de 150 canciones. Además, en este tiempo trabajó con la orquesta de LaCarne Magazine

Benny Goodman, y a parte tenía su propio trayecto paralelo, Ella Fitzgerald and her savoy eight. Una auténtica máquina de hacer música, vaya. A partir de los años 40, Ella se lanza como solista, se adapta a la época Bebop haciéndose la reina de Scat (aunque ya lo era), principalmente influenciada por la banda de Dizzy Gillespie. Decía Ella: “solo traté de hacer con mi voz lo que ellos hacían en la banda”. Y vaya si lo consiguió, pues era capaz de cantar líneas melódicas de derivación instrumental como si fuese un instrumento más, alejándose así de las férreas normas de la canción popular, y todo ello con una dulzura increíble. Improvisaba con su voz emparentando solos con saxofonistas y trompetistas, valiéndose de palabras sin sentido, muchas veces, como vehículo para transmitir su voz de manera técnica (sí, Scat, pero del bueno), siempre con una articulación impecable. En 1945 sale a la luz la canción Flying Home, que será considerada como uno de los registros jazzísticos vocales más importantes de la década, pues la técnica empleada era impecable, algo que también ocurría con Oh!, Lady Be Good! Los años 50 serán el momento de las giras mundiales, llegando incluso hasta Australia (durante este viaje no le dejaron subir al avión por su color de piel, y tuvo que esperar durante horas en Honolulu. Finalmente denunció y

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ganó la demanda a la Pan-Am). Tal era la importancia de Ella en el mundo de la música que su manager creó la compañía Verve Records en torno a su figura. Este es un momento de colaboraciones. Comenzó haciendo versiones de Cole Porter y colaborando con infinidad de artistas: Duke Ellington (2 álbumes de estudio y dos en directo), Count Basie (una de sus mejores colaboraciones Ella and Basie!), o Louis Armstrong (dos álbumes estandartes para el jazz: Ella and Louis y Ella and Louis, again). El combo Ella y Louis era entrañable, incluso ella imitaba la voz de él cuando cantaba algunas canciones, algo que hace en estos discos. Eran amigos y se notaba. Perecedero en los tiempos será el encuentro musical que tuvieron Ella, Louis y el Oscar Peterson Trio, una auténtica exhibición de talento. También hizo muchas apariciones televisivas en shows del tipo The Frank Sinatra show, The Andy Williams show o The Ed Sullivans show (como veis, súper originales los nombres de los programas...). También salió en varias películas, siendo la más famosa Pete Kelly’s Blue, donde compartía cartel con Janet Leigh, y la también cantante (pero no igual) Peggy Lee.

Ella Fitzgerald y el racismo

En su vida privada, se casó dos veces y adoptó a un niño junto su segundo marido, el famo-

so bajista Ray Brown, de quien se divorció en 1953, aunque continuaron trabajando juntos. Fue una gran activista en favor de los Derechos Humanos, usando su voz para intentar romper las barreras raciales, aún hoy existentes, en su país. De hecho, hizo una gira llamada Jazz at the Philharmonica, que actuaba principalmente en lugares segregados. Se aseguraban que no había asientos segregados entre el público y que los artistas cobrasen lo mismo y tuviesen el mismo tipo de alojamientos, independientemente de su raza o sexo. Sino era así, se cancelaba el show. Creó una fundación enfocada al subsidio de los más desprotegidos, además de una escuela de educación musical infantil. Por todo ello recibió muchos galardones por su enorme labor a favor de los Derechos Humanos. También le concedieron el Doctorado Honorífico de Música de la Universidad de Harvard. Como todos, Ella sufrió mucho racismo. Uno de los acontecimientos más sonados fue en 1955, cuando le prohibieron tocar en el Club Mocambo (muy mítico en aquellos años y en el que ya habían actuado artistas negros antes), donde se movía el famoseo de la época. Pues fue la actriz Marilyn Monroe, gran fan de la cantante, quien se puso en contacto con el dueño diciéndole que siempre que Ella Fitzgerald cantase allí, ella estaría sentada en primera fila.

Este acto hizo que a Ella Fitzgerald se le abrieran las puertas a un público más comercial, algo que otros no pudieron conseguir, por desgracia (y racismo, claro).

Las últimas canciones de Ella Fitzgerald

Su última grabación fue en 1991, y su última actuación en 1993, apagándose su vida el 15 de junio de 1996 en Beverly Hills, California. Musicalmente era una bestialidad de mujer, grabó discos de todo tipo y colaboró con TODO el mundo, ella (o Ella) podía. Su voz era un arranque virtuoso que utilizaba la letra de la canción como simple vehículo para articular sonidos vocales, por eso sus líneas vocales podían ser ejecutadas por una trompeta o un saxo alto sin perder autoridad. Publicó cerca de la friolera de 250 discos en toda su carrera, algunos directos, otros colaboraciones y todos geniales. Destaca el concierto en Berlín en 1968 que es una auténtica obra maestra, sin discusión. Escuchar sus conciertos es comprender el virtuosismo, y si encimas le añades ese “Thanks you” final tras cada canción con voz de niña de 15 años, te roba el corazón. Por todo eso y por mucho (mucho, mucho, mucho) más, Ella Fitzgerald fue, es y será La Primera Dama de la Canción. ¶ LaCarne Magazine

Nilo Soruco Arancibia un Maestro Universal

n 1998, cuando estudiaba la carrera de Comunicación Social y me especializaba en la rama audiovisual cursando el taller de producción de video, y buscando

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inspiración para realizar en el semestre un videoclip como trabajo final, apareció por causalidad de la vida ante mis ojos una guía turística hecha en Alemania que hablaba de nuestra Bolivia. Todo el texto era completamente en idioma germano. Mientras ojeaba el abultado libro: PUM!!! Leí “diktator Hugo Banzer Suárez” (quien era nuestro actual presidente en ese

momento y que gobernó hasta 2001). Posteriormente en la guía alemana de turismo se leía un texto intitulado “La Noche de San Juan”, por Nilo Soruco.

Nilo Soruco y los inicios de su carrera artística Recurrí a mi catedrático, el Lic. Jaime Reyes (especialista y pionero en la radio boliviana), para consultarle si tenía ésta canción. Sí, respondió con su tono serio, y, como todo un caballero, a los días me prestó un disco de vinyl donde se encontraba la canción huayño dedicada a una masacre de mineros por un dictador en los 60’s. Era el 24 de junio de 1967 en los distritos mineros de LLallagua - Siglo XX (donde celebraban la noche más fría del año) cuando el ejército asesinó sanguinariamente a dirigentes y gente contraria al régimen del presidente General Barrientos Ortuño, bajo sospechas de que el pueblo minero se una a la guerrilla del Che Guevara en Bolivia. Dicho material discográfico, que contenía una parte de la historia no contada de Bolivia en los colegios, era de “Los Montoneros de Méndez”, editado en Argentina. Una edición especial del grupo de Nilo Soruco que conformó en los inicios de su carrera artística. Mi alma se nutrió de amor por este compositor boliviano que en tiempos de la dictadura del fascismo criollo de Hugo Banzer S. (19711978) fue perseguido, torturado y exiliado por su canto directo y fundamental. Al escribir este texto me vienen muchas emociones al espíritu, y memorias que deben ser recordadas, o sea que a secar las lágrimas. Inmediatamente decidí hacer un homenaje al Prof. Nilo Soruco, quién vivía en Tarija (cuna de su genialidad y ciudad natal).

El famoso y amado Nilo Soruco Con la banda que formaba parte (THE WAY) hicimos los arreglos vocales y rítmicos fusio-

nando el punk-rock, el rap y el huayño. Finalizando la producción audiovisual, escribí una carta y, adjuntando una copia en VHS cassette, le enviamos al Prof. Nilo (cortesía de un amigo de la banda que le pudo entregar en manos y devolvernos una carta escrita a máquina y pulso por el mismísimo NILO). El Alfonseka había encontrado un referente completamente genuino, combativo y boliviano para encaminar su canto contestatario hasta el nacimiento de la “Marraketa Blindada” (2000), que sin la influencia que recibió del Profe Soruco se hubiera perdido en el camino... Orgulloso de tener el permiso de interpretar su canto, fuimos portavoces del Nilo encarcelado, amedrentado y expulsado de su patria, gritándole en rima al mismo inhumano presidente que descaradamente gobernaba otra vuelta Bolivia. En el 2001 suceden dos hechos históricos para nuestra historia: nos conocemos en persona con Nilo Soruco, y el presidente General H. Banzer debe renunciar a su cargo por motivos de salud (cáncer avanzado). Viajamos de invitados, junto a Gigio (actual Walkman) y su proyecto “L.A.D.H”, al Festival de las Culturas en Chuquisaca, y cambiamos los pasajes de retorno a La Paz para irnos a Tarija. Mi compañero de Marraketa Blindada tenía familia en la ciudad del místico NILO. La noche que dimos con él fue en una Escuela de Música donde el Profesor dirigía. Lo vi en acción: “pare, pare, pare”, gritó! Y se detuvieron los músicos que estaban en el escenario, “bombo chaqueño!”, volvió a gritar. Con esa fuerza de un guerrero de luz, que pese a los golpes de la vida y las palizas recibidas está haciendo lo que ama. Me quedé contemplando y lagrimeando. Como se dice acá, “viendo de lejitos” sin poder acercarnos. Nos marchamos impresionados con el famoso y amado Nilo Soruco. Como todos los conocidos de la ciudad nos advertían que al Profe siempre lo podríamos LaCarne Magazine

encontrar en la Plaza Principal (Luis de Fuentes) al medio día tomando su gelatina, y que tuviéramos cuidado pues decían que estaba “loco”, los dioses conspiraron para que en ese momento de verlo ahí, pudiéramos entrevistarlo con cámara en mano, y posteriormente nos brindamos un almuerzo junto a su “chuflay” (bebida típica) y vino tarijeño, marcando una de las mejores experiencias de mi existencia y que quedó grabada en mi ajayu*. Esta linda frase nos dedicó como autógrafo: “Amigos camaradas venideros: Alfonso y Rafael..., un hermano encontrarás inesperado. Nilo”. (El papelito es una joya de mi colección blindada).

El legado musical de Nilo Soruco Pasaron los años de aquel encuentro entre un Maestro y su aprendiz, cuando en 2004 partió a mejor plano Nilo Soruco Arancibia, quien dejó canciones e himnos universales como “La Vida es Linda” y “La Caraqueña”. Un genio como Nilo Soruco, que nació en estas tierras y, según un estudio realizado por el cantautor Manuel Monroy Chazarreta (más conocido como El Papirri), quien define a la obra y figura de NILO como la Violeta Parra (en Chile) y Atahuallpa Yupanqui (en Argentina), además que fueron contemporáneos en su época de lucha y canto: “Debe ser recordado, renombrado y elevado en cuanto a su legado que nos ha dejado a todos los bolivianos y seres humanos”. En el 2017 el Prof. Nilo Soruco hubiera cumplido 90 años de vida y fue recordado con una exposición muy linda y llena de su historia en el Centro Simón I. Patiño. La consecuencia de su “locura” fueron las fuertes palizas de la tortura que le habían dejado roto un oído, que le provocaron dos ataques de pre-embolia. Cuentan que por consecuencias del primero perdió la capacidad interpretativa de la guitarra y olvidó varias de sus canciones, por no decir todas. Posterior recuperación y tras el segun-

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do ataque, perdió totalmente la capacidad de hacer música hasta el día de su muerte. La dictadura logró mermar la salud del más grande cantor y luchador social que parió mi Bolivia. También se encargó de vetar su música y nombre, borrándole sus derechos de autor en muchas ocasiones hasta borrarlo del mapa literalmente. Me da bronca ser consciente que en las escuelas y unidades educativas no nos enseñan de él. Hasta el día de hoy la educación boliviana es militarizada, y la bota del fascismo oprime sin asco el canto del Nilo. ¿Mucho se habla de él pero nadie lo sabe entender? La familia heredera poco o nada puede hacer para mantener la imagen de Nilo Soruco en alto. Son más fuertes las cadenas del pasado, que lo tienen atado al olvido o a la melancólica imagen de un viejito acabado. Hoy vivimos corrientes indigenistas fundamentalista en el poder de Estado, y estoy seguro que ante tanta corrupción, narcotráfico, racismo y poder estatal, Don Nilo Soruco volvería a combatir con su “bandera de la libertad” y su “Noche de San Juan”. ¶

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europa y latinoamĂŠrica

entrevistas

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Pyphomgertum

estilo propio y líricas antisatánicas conocido como Brutal Death Grind.

a banda mexicana Pyphomgertum nace en la Ciudad de México en 1992. Su propuesta o concepto es el Anti Satanic Death Grind, donde las letras están encaminadas en que la muerte es lo único real, concepto que caracteriza la banda en letras y arte, además de un sonido pionero en su tierra

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El nombre de la banda significa dominio de la muerte sobre el mal. El guitarrista Oskar Baltazar nos brinda más detalles de esta veterana banda de México.

Pyphomgertum y su sonido Brutal Death Grind Saludos, Oskar. Bienvenido a nuestro espa-

cio. Mil gracias por el tiempo que te tomas para contestar estas interrogantes. Un placer enorme poder realizar esta nota a un músico de trayectoria de la escena mexicana. ¿Cómo van las cosas? Hola, Omar. Muchas gracias por la oportunidad de comunicarnos con los lectores de tu publicación. Pues en estos momentos estamos componiendo más canciones y programando algunos conciertos aquí en México. Son ya algunos años en la escena. Haciendo

una pausa y mirando hacia el pasado, ¿qué recuerdas de tus primeras épocas cuándo te diste cuenta que querías formar parte de una agrupación? La motivación me surgió desde que ingresé a la secundaria, pues ya escuchaba rock y empezaba a escuchar metal (te estoy hablando de los años 80´s). A la edad de los 15 años tomé clases de guitarra y fue cuando tomé más en serio la idea de tocar con una banda, pues para mí ya no LaCarne Magazine

era un pasatiempo, sino ya una forma de vida. Los orígenes de la banda datan de principios de los años 90’s. ¿Cómo fueron estos inicios y la incursión de la banda en el medio metalero? El origen de la banda viene desde 1991 con el proyecto llamado Anacreon, que posteriormente fue cambiado a Pyphomgertum en 1992, y es en marzo de ese año que sale el primer demo llamado “Anacreon”. A partir de esta grabación se generan varios conciertos con diferentes bandas en México, y poco a poco se empieza a alternar con bandas extranjeras que en esos años visitaban el país. Si te remontaras a inicios de 1992, año en que comenzaron a ensayar, ¿cómo describirías la escena con relación a la actual? En esos años había varias complicaciones, desde el equipo, la distancia y el lugar para ensayar. Las herramientas eran escasas, y no se diga el prejuicio que generaba esta música en un país todavía conservador, pero existían muchas bandas queriendo sobresalir a pesar de todas esas carencias. Actualmente te puedo decir que ya hay más facilidades en todos los sentidos, desde adquirir tus instrumentos, hasta la forma de cómo te transportas para ir a ensayar o a tocar, y no se diga con respecto a grabar un disco. Hoy se cuenta con más alternativas y a costos más accesibles que en esos años. “… To The Mesphil” fue el primer demo oficial editado en 1993. ¿Qué datos importantes nos podrías señalar de este primer trabajo? Primero que nada, fue el primer demo oficial, pues el anterior era un demo-ensayo. “…To The Mesphil” fue grabado en un estudio profesional y la maquila del mismo fue también con mejor material que lo hacía ver muy atractivo, pues los demos eran muy artesanales y arcaicos en esos años. Con este material el grupo tuvo un gran impulso, pues fuimos tomados en cuenta para alternar con grandes bandas y empezamos a tocar con mayor frecuencia al interior del país.

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Ustedes desde un principio se propusieron hacer el más brutal Death Grind. ¿Por qué esta forma de expresión si tomamos en cuenta la gran variedad que ofrece el metal? Pues es el género o tipo de variación del metal que nos llamó la atención a todos, pues es la combinación de batería a gran velocidad y guitarras con sonidos crudos, y no se diga que nuestras principales influencias eran bandas que eran y siguen siendo pioneras de este género, tales como Suffocation, Cannibal Corpse, Broken Hope, etc. Pyphomgertum es una banda que a lo largo de su extensa carrera ha compartido escenario con bandas de talla internacional, y ha realizado conciertos en gran parte del territorio mexicano, así como en otros países. Quisiera que nos hablaras sobre esto.

Como te comentaba, a partir de la salida del “…To The Mesphil” se empezaron a fijar más en nosotros, sobre todo por manejar un estilo propio y con liricas diferentes, como es el Anti Satanismo. Poco a poco visitamos estados del país y alternamos con bandas como Cannibal Corpse, Gorefest, Monstrosity, Suffocation. Posteriormente a la salida del Split “The Dark Light” es cuando nos proponen tocar en Guatemala y el Salvador, esto en 1994. Después, entre 1995 y 1996, grabamos nuestro primer álbum llamado “Gorific Carnal Confessios”, lo que nos permite alternar con Deicide y Brutal Truth. Como verás, cada producción que grabamos nos abría otras alternativas para tocar en otras

partes y con otras bandas. Ustedes califican su propuesta musical como Anti Satanic, ¿podrías explicarnos más detalladamente sobre este tópico? ¿Hacia dónde van dirigidas sus letras, la temática? Este concepto fue creado por nuestro vocalista Alfonso “Artgore” Ruiz, sobre todo en las líricas y dibujos, la cual va encaminada hacia la muerte que es lo único real y que está por encima del mal, mezcladas con aspectos morbosos y gore. Este concepto nos permitió diferenciarnos de muchas bandas que manejan el concepto del satanismo. Nosotros vamos en contra de eso. El sello American Line Prods reeditó en el 2010 “Gorific Carnal Confessions”, su primer disco de 1995. ¿Cómo se logró esto? LaCarne Magazine

Como te comentaba, esa producción se graba entre 1995 y 1996, pero el sonido no era el que queríamos, realmente no mostraba como realmente sonábamos. La reedición del 2010 es una grabación semiprofesional previa a la de 1995. Esto lo hicimos para afinar detalles antes de entrar a grabar, la cual guardamos y a que a la postre sirvió para la reedición, y cuenta con una rola que no está incluida en la de 1995. Otra reedición importante fue la del demo “… To The Mesphil” y el Split “The Dark Light” en formato vinil y posteriormente en CD. Una vez reeditado el “Gorific Carnal Confessions”, creció nuevamente el interés por la banda y de rescatar con mejor sonido esas dos grabaciones. Se le quiso dar un formato distinto al original, por eso salió en vinil, aunque después salió en CD normal, pues aquí en México muchas personas no cuentan con un reproductor de vinil. ¿Cómo valorarías la actual escena mexicana? Ha crecido a nivel de bandas. Hoy tienen mejor sonido y con más producciones en el mercado, pues como te comenté, existen más alternativas, pero creo que carecen de esa motivación que teníamos muchas bandas viejas por sobresalir, o será que nuestras circunstancias eran más adversas y buscabas la forma de hacer lo que te gustaba. Tal vez se ha perdido un poco el feeling y autenticidad. Por favor, hablemos acerca de los actuales miembros de la banda. ¿Hubo muchos problemas para reclutar a los músicos adecuados a su proposición? En general, sí hemos tenido algunas dificultades para encontrar las personas que compartan nuestros mismos gustos y sobre todo el mismo objetivo, pero ya llevamos casi 3 años con una estabilidad en la alineación. Por ejemplo, Alejandro el baterista es el hijo de Miguel (el otro guitarrista), eso ha permitido que comparta gustos similares (imagínate, su

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influencia ha sido su papá, jeje). La banda está compuesta por: Ángel Flores (bajo), Miguel Ángeles (guitarra), Alejandro Camacho (vocales), Oskar Baltazar (guitarra) y Alejandro Ángeles (batería). Un reconocido músico alguna vez dijo: “Las bandas tienen que evolucionar y crecer porque el público crece y evoluciona”. ¿Tú qué piensas de esto? Pienso que sí debes evolucionar, pero no cambiar tu esencia. Debes hacer mejor las cosas y abrirte a otras influencias, pero nunca debes dejar de hacer lo que te gusta. En nuestro caso hacemos las cosas para nosotros, y si a las personas también es de su agrado, pues es un gran reconocimiento. En caso contrario, no nos afecta. ¿Qué dilata la realización de una nueva producción de Pyphomgertum? Estuvimos realizando varios ajustes en cuestión de sonido, y haciendo algunos cambios en las canciones que iban a salir, y en mayo por fin quedó listo el EP llamado “GORE” (Grotesque Organs Raising Extirpations), el cual ya está disponible en el mercado. Agradecerte por tu gentileza. Esperamos ojalá contar con lo nuevo de la banda, auguro éxitos y que muy pronto te tengamos nuevamente en las páginas de LaCarne Magazine. ¿Mensaje final a todos los que leen esta entrevista? Muchas gracias a ti y a LaCarne Magazine por la oportunidad de esta entrevista, y saludar a todos los lectores de esta publicación tan chida. Y como te comenté al principio, estamos realizando material nuevo para nuestro próximo LP que tenemos proyectado para marzo de 2019, en el cual la banda cumplirá 27 años, por lo pronto seguiremos promocionando “GORE”. ¡Muchas gracias y te envío muchos SALUDOS ANTISATÁNICOS! ¶

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Carmen ParĂs

inconfundible voz y audacia creativa

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armen París lleva 30 años subiéndose a los escenarios y mostrando al mundo que la jota puede hermanarse con cualquier estilo musical. Prueba de ello son todos sus discos en los que fusiona la jota con el son cubano, con el jazz, el pop, el rock y cualquier otro estilo que se le ponga por delante. La voz de Carmen París llega inundando tus oídos, y, una vez la escuches, comprobarás que no hay una artista igual a ella. En sus actuaciones en directo muestra su esencia, una desnudez musical que el público aprecia en cada canción. La última vez que Carmen París pisó Extremadura lo hizo en el Teatro Romano de Mérida, y vuelve a pisar nuestra tierra dentro del programa de la Diputación de Cáceres, Estivalia. Carmen París se encuentra estos días de gira con su espectáculo “En Sïntesis” (del que podremos disfrutar en Estivalia) y, a pesar de ser una mujer muy ocupada que no para de trabajar, nos atendió amablemente. Ha sido encantadora respondiendo a nuestras preguntas.

Carmen París, aromas y paisajes alrededor de la jota Carmen París, nos encanta tu propuesta musical de fusionar el folklore, el jazz, y la jota con otras músicas del mundo. ¿Cómo surgió esta mezcla de estilos? ¿Lo tenías todo pensado, surgió de forma espontánea…? Cuéntanos. Más que surgir fue que la vida me llevó a ello. Fue más la experiencia musical y profesional. Empecé a estudiar muy joven, empezando desde la ronda del pueblo, pasando por misa, era cantora en misa. Ahí me fichó una empresa de verbenas, y ahí digamos que empezó mi proyecto ya profesional. Foto: Assaoud Altares LaCarne Magazine

El verano antes de cumplir los 18 empecé en la Orquesta Jamaica a hacer verbenas. De ahí a los 20 empecé a cantar como soprano en el Teatro Lírico, pues estudiaba en el conservatorio piano, guitarra y canto. Luego ya empezaron a llamarme para teatro, música para audiovisuales… Una cosa me fue llevando a la otra. La jota la bailé de niña, la cantaba de muy niña, pero la dejé a los 11 años porque me escuchó una profesora de canto y me dijo “Ay, hija mía! Si quieres ser cantante de mayor, no cantes jotas que te estropearás la voz”. Porque la forma de cantar la jota aragonesa es muy brava, y raspa mucho las cuerdas vocales. Así que después de todas las experiencias con la orquesta, teatro, coros para grupos de blues, de soul, de salsa…, como hice muchas cosas, cuando me propuse hacer mi primer disco como compositora, ya había pasado por muchos palos. Entonces, claro, pues me salen guisos en los que mezclo lo clásico, pasando por el folklore, más el repertorio “orquesteril”, más el jazz… Pues esos son mis guisos, esas cancioncitas. Nos resulta muy interesante esta fusión de estilos, algo que nos resulta realmente complicado. Como le digo a la gente, “he descubierto la sopa de ajo” con la jota, porque a través de la jota puedes hermanar muchas cosas debido a que la jota es el género musical que es común a toda la Península Ibérica. El flamenco nació en el sur, aunque ahora puedes encontrar músicos de flamenco buenos en cualquier ciudad de España, pero su origen está en el sur y no se cantaba flamenco en la Península Ibérica. Sin embargo la jota sí. Jota hay en todas, absolutamente en todas las zonas de la Península Ibérica, incluído Portugal. Hay jota en el País Vasco, en Cataluña, en Valencia, incluídos todos. Es el género ibérico por excelencia. En Extremadura también

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tenéis jota, en Castilla, en Andalucía hay jotas también… Y por supuesto, también está en muchas músicas que cruzaron el océano. Cuando los españoles durante el s.XVII y s.XVIII iban a las américas, lo que cantaban eran jotas. Y en el s.XVI, fandangos, boleros y seguidillas que son los antecesores de la jota. Esa impronta está desde México hasta Tierra de Fuego. A través de la jota se pueden hermanar muuuchos países. Está en el sustrato de muchas músicas, el flamenco incluido, porque digamos que es la interpretación que hizo el pueblo gitano, que en el caso de España venían de Egipto, interpretaron con sus músicas que traían del lejano oriente el folklore ibérico. Todo ello nos ha dado mucha riqueza cultural y musical, que ahora están acabando con ella porque hay una imposición de la cultura anglosajona que elimina todas las variedades culturales que hay por el planeta. ¿Cómo es tu método de trabajo para conseguir este sonido tan particular? ¿Cuentas con un equipo que te ayude, lo haces tú sola…? Nada, en absoluto. La gente flipa, porque no tengo estudio en casa, ni siquiera un multipistas para grabarme. Tengo un piano y un cajón. Compongo con la mano izquierda, hago la línea de bajo, toco el piano y un poco la percusión. Compongo y luego me voy a un estudio y digo “ponme un sonido de bajo” o “ponme un sonido de piano” o “ponme un sonido de bombo”, y lo toco yo todo en el teclado o un poquito con instrumentos. No me resulta complicado el hermanamiento. Como te digo, vengo del clásico y las rondaias, y pasar a las orquestas y las verbenas, al rock and roll, al blues, al jazz… es que me sale solo. No tengo que ponerme a pensar “voy a fusionar”. Es el resultado de lo que ha sido mi vida. Si la memoria no me falla, creo que ya has estado en tierras extremeñas: en una edición de

Foto: Guillermo Barberรก

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Womad, en el Teatro Clásico de Mérida… y en esta ocasión, en Estivalia. Para los que aún no han tenido la oportunidad de verte en acción, cuéntales cómo son los directos de Carmen París, ¿qué se van a encontrar? Háblanos de “En Síntesis”, el espectáculo que estás presentando ahora. La última vez que estuve en Extremadura fue hace dos veranos en el Teatro Clásico de Mérida, que fui la diosa Fortuna en “Los Hilos de Vulcano”. Por primera vez en mi vida compuse un martinete (ríe). Salía con un manto que parecía la Virgen aparecida, como un espectro, y le cantaba a Vulcano un martinete. “En Síntesis”, especialmente, van a descubrir un espectáculo en el que canto yo sola y otra versión en la que me acompañan dos músicos: al piano el uruguayo Diego Ebbeler, y el percusionista Jorge Tejerina, que además es cantante. En este espectáculo hago un recorrido por los cuatro discos de manera muy esencial. A diferencia de lo que se oye en los discos con una producción, se escuchan los temas tal y como nacieron: un piano, una percusión y mi voz. Se aprecia mejor la esencia de las cosas y explico la historia de las canciones. Es muy sencillo, muy natural, donde la importancia la tiene la palabra, la música y el canto. Cuéntanos cómo te preparas para los directos ¿Qué es lo más importante para ti para que un concierto salga redondo? ¿Cómo son los preparativos previos y ensayos antes de un concierto? Esto ya cuando lo llevas rodado no hace falta ensayar, a no ser que haga mucho que no lo has tocado. No tenemos que hacer ensayos, directamente quedamos con la furgoneta y vamos para allá. No lleva más preparación que descansar el día antes porque si no canta “Rita la Cantaora” y ya está. Carretera.

de este formato porque son temas que ya tengo grabados en los cuatro discos.

¿Está pensado este espectáculo solamente para los directos o podemos escucharlo también en un recopilatorio? No, es un recorrido por los cuatro discos pero no hay un disco de ello. No existe grabación

Estivalia es una gran iniciativa de la Diputación de Cáceres para acercar la cultura a la ciudadanía. ¿Qué opinas sobre programas culturales como éste? Me parece estupendo que se tomen iniciativas de este tipo, porque a veces la gente no les

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Lo próximo que tengo que sacar es algo nuevo, no sacar otro disco con los temas que ya tengo grabados, no hay que repetirse.

o los Centrales, si traes a los mismos que ya venden muncho en la tele… a la gente eso no les hace falta. Ya los ven en la tele y en los medios. Se trata de que las programaciones sean más variadas. Cuentas con un curriculum muy extenso, has trabajado con grandes músicos y artistas nacionales e internacionales, has llevado tu música a otros países… ¿Qué te queda por hacer? ¿Cuáles son en estos momentos tus inquietudes musicales? Estoy documentándome para un proyecto futuro, que no sé si será para el próximo disco o para el siguiente, pero que requiere mucha documentación. Me lo estoy planteando a medio-largo plazo, pero antes hacer otro disco, así que… Pero ahora mismo, este verano lo tengo todo aparcado porque se me han concentrado entre Julio y Agosto mis conciertos con una colaboración que hago aquí en Aragón, que se ha hecho un disco de música aragonesa (un tema por comarca) en el que he participado no solamente en el disco, también en los directos. Ahora mismo tengo todo proyecto aparcado hasta, te diría, pasado octubre, porque se me junta también con un proyecto nuevo con un cantante valenciano, con Pep Botifarra, que es el jotero mayor del reino.

Foto: Guillermo Barberá gustan las cosas porque no las conocen. A veces hace falta que desde las administraciones, si hay una política cultural, es una de las cosas que se tienen que intentar con las programaciones y las propuestas culturales. Acercar a la gente las cosas a las que normalmente no tienen acceso porque están más o menos copados por las propuestas comerciales. Cuando se dice que se hace Cultura desde los Ayuntamientos, los Gobiernos Regionales

En octubre viajo a México del 4 al 20 y después actúo por primera vez en mi ciudad natal, que es especial para esa noche… En fin, que hasta pasado octubre no tengo más inquietud musical que lo que tengo que resolver de aquí a entonces (ríe). Carmen París, ha sido un placer y todo un lujo poder charlar contigo. Estaremos siempre dispuestos a volver a hacerlo. Gracias por dedicarnos un ratito! Muchas gracias a ti, un placer. Hasta la próxima, un abrazo. ¶

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asaCritika es una banda procedente de Santiago de Chile, agrupación que se formó en el 2014.

Han compartido escenario con varias agrupaciones de Chile, y recientemente lanzaron un EP compuesto por 4 temas, y están ya en planes de un álbum debut próximamente. Aquí les dejo a Vicente Ruiz para que nos hable sobre la banda.

MasaCritika, Stoner Metal chileno como herramienta de cambio ¿Algún significado especial en el nombre de la banda? El nombre de la banda es un concepto que se aplica en distintas disciplinas, desde las matemáticas hasta la sociología. La “Masacritika” es el número necesario para generar un cambio. Puede ser una fórmula, puede ser una molécula o un número o personas. Depende de la baldosa que lo miremos. Para nosotros, la música puede ser la MasaCritika para la humanidad, la herramienta de cambio. ¿Quiénes son actualmente los integrantes de MasaCritika? La banda ha sufrido varios cambios desde el inicio. Pasamos a tener dos guitarras a solo una, siendo ésta nuestra formación actual: Mauro Yaghan Bastias en la voz, Leo Hurtado en batería, Boro Riquelme en guitarra, y Vicente Ruiz en el bajo (quien responde). ¿Cómo se puede catalogar a MasaCritika en cuanto a género musical? Nos definimos como Stoner Metal. No hace mucho grabaron un EP, la primera producción de la banda. ¿Qué nos puedes decir de esta producción discográfica?

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Es una producción independiente autofinanciada, grabado en Estudios 15 Hz, bajo el mando de Cristian Rodríguez, productor nacional que grabó, mezcló y masterizó nuestro disco. El trabajo de arte fue facilitado por el artista sueco-alemán Thomas Ott, que nos autorizó a utilizar las imágenes de uno de sus comics. La portada del disco es una de las imágenes de Thomas, las cuales fueron adjuntadas a cada una de las 4 canciones del disco. Tho-

MasaCritika

en busca de nuevos horizontes

mas nos facilitó el comic de manera desinteresada. El diseño del disco estuvo a cargo de Vicente. Según he leído, ustedes firmaron con el sello Iged. ¿Qué les ha ofrecido este sello? ¿Ofrece buena promoción? Iged es uno de los pocos sellos nacionales dedicados al Rock. Nuestra relación fue mayoritariamente de producción musical, la cual es financiada por la banda durante un año (audicionamos y firmamos contrato, donde nosotros le pagamos al sello la producción).

Para nosotros fue crecimiento, perfeccionamos nuestras canciones y la forma en como construimos nuestros shows, que era el objetivo principal del trabajo que realizamos con Iged. De promoción poco, así que en ese aspecto en particular el sello no aportó mucho a la banda. Me imagino que ya estén proyectándose a la realización de un álbum. Efectivamente. La banda está trabajando en dos aristas. Por un lado, estamos terminando LaCarne Magazine

la promoción del primer disco, que esperamos se cierre con la grabación de nuestro primer video, y por otro lado trabajamos en los temas nuevos que serán parte del nuevo disco. La producción musical estará a cargo de Pancho Blues Cartagena, que ya trabajó con nosotros en Iged, y que ahora lo haremos de manera independiente. Aún no definimos en qué estudio grabaremos, pero esperamos que esté en circulación entre octubre y noviembre de este año. ¿El material que compone este álbum serán temas antiguos, o todos son temas nuevos buscando proyectar al grupo en una nueva faceta? Serán temas nuevos y antiguos que no pudimos incluir en el EP, y que son además parte de nuestro setlist actual. Seguimos la misma línea crítica, con los matices característicos de nuestra música arraigada en el Stoner Metal. Hablemos de sus letras. ¿Bajo qué inspiración

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fluyen las mismas? ¿De qué tratan? Nuestra lírica ataca la forma en cómo nos relacionamos socialmente, las creencias mal arraigadas en conceptos falsos, y el abuso instaurado como forma de vida a todos los niveles. Prácticamente todos nuestros temas llevan por nombre una sola palabra que puede ser representada como un concepto (ReflejosCódigo-Reino-Némesis, etc.). ¿Con qué bandas se encuentran identificados en estos momentos? ¿Influencia alguna de ellas en su música? La verdad, tenemos influencias variadas, y nuestros integrantes escuchan Rock en todas sus variedades, desde lo más clásico como Black Sabbath, hasta bandas más Stoner como Kyuss y Corrosion of Confomity, como también bandas de nuestra tierra como Yajaira, y algunas más metaleras como Criminal y Sepultura.

importancia? Sabemos que Chile es uno de los países que tienen la mayor cantidad de bandas metaleras de Sudamérica. Existen muy buenas bandas en todas las regiones del país, pudiendo conocer a varias de ellas en nuestros viajes a regiones, pero sigue siendo Santiago el punto central en la concentración de medios, por lo que algunas de ellas deciden radicarse en la capital en busca de mejores oportunidades para su música. Ahora bien, para muchos la cuna del rock and roll en Chile es la ciudad de Concepción, que ha aportado grandes bandas a la historia de la música nacional. Si Concepción te aprueba como banda es porque el Rock está presente. Esperamos pronto poder presentarnos y llevar nuestra música a estas tierras sureñas.

¿Cómo se han portado las revistas y la radio hacia ustedes? ¿Qué puntos positivos y negativos resaltarías de estos medios? Dicen algunos por acá que una banda de Rock en Chile se consolida a los 10 años, sobre todo en los medios más populares y masivos. Nosotros en particular hemos desarrollado nuestra carrera apoyados por medios alternativos y algunas apariciones en revistas y medios de mayor publicidad. Sentimos que los medios alternativos han sido un real aporte a nuestra banda, los medios alternativos son la mayoría en Chile y funcionan al igual que nosotros de manera independiente, siendo un pilar para nosotros en cuanto a difusión y promoción. Sabemos que para llegar a las grandes radios se necesita en algunos casos más que simplemente música. Según tu punto de vista, ¿cómo ves la escena metalera en general de Chile? ¿Crees que la real escena está concentrada en Santiago de Chile o a otras ciudades le asignan la misma

¿Qué podemos esperar de MasaCritika en el futuro, y cuál es la razón por la que debemos escuchar su música? Esperamos seguir en el camino, más allá de lo que cree el común de la gente sobre el Rock and Roll. Mantener una banda en rodaje es muchísimo trabajo y compromiso, sobre todo si eres independiente. Llevar nuestra música a nuevos horizontes más allá de nuestras fronteras, con nuestra lírica directa, sin dejar de lado la potencia que siempre queremos imprimir a nuestra música. Bien, amigo, muy agradecido por contestar la entrevista a LaCarne Magazine. Ahora me gustaría que enviaras un saludo y algo más que desees añadir, adelante. Agradecidos de poder hablar de nuestra banda, les mandamos toda la Rockanrrolla al equipo, y por qué no, encontrarnos en el camino para poder compartir. SALUDOS AFECTUOSOS. MasaCritika Stoner Metal. ¶

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a emblemática banda de Reggae uruguaya Congo, ex Kongo Bongo, que está en escena desde 1987, con su primera presentación en vivo en la feria de Villa Biarritz como Kongo Bongo (cambia en el año 2000 su nombre a Congo), presenta este 2018 su nuevo álbum número siete, “Revela tu verdad”. Los integrantes de esta banda de estilo jamaiquino, actualmente son: Álvaro “Apagón” Albino y Camila Sapin en la voz, Nicolás Parrillo en la batería, Pedro Alemany en guitarra, Federico “Coco” García y Martín Paladino en el teclado, Álvaro Fenocchi en el bajo, Mauricio Sosa en el saxo, y Liber Galloso en el tenor. Siguiendo siempre sus ideales y la filosofía del reggae, Congo ha realizado en su larga carrera innumerables espectáculos en el país, y en países vecinos como Argentina y Brasil. La discografía de esta banda es la siguiente: “Kongo Bongo” en 1992, “De la noche a la manhá” en 1996, “Diez años” en 1999 “verde verdad” en 2004, “Amar y llorar” en 2007, y “Rojo” en el 2012. El día sábado 16 de junio estuvieron presentando, entre sus clásicos, alguno de los temas del disco nuevo en la Sala del Museo en la Fiesta Clandestina. Hablamos con Álvaro “Apagón” Albino, vocalista de la banda.

“Revela tu verdad”, el nuevo disco de Congo Álvaro, ¿cómo estás? En primer lugar decirte que es un placer tenerte en este espacio. Me gustaría que me cuentes un poco desde el principio: ¿Cómo y cuándo fueron los principios de esta ya legendaria banda de reggae

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Congo

presenta nuevo disco Uruguaya? Hola, Vicky, ¡Bárbaro! Bueno, mira, arranca con la ida de nuestro querido amigo Alfredo Giannotti (actual vocalista y guitarrista de Abuela Coca), que de alguna manera fue productor de tres discos para nosotros muy básicos que fueron: “Verde Verdad”, “Amar y llorar” y “Rojo”, que además compartía escena conmigo y tocaba la guitarra. Se fue también el bajista y percusionista, y era decidir seguir o terminar… Y al tecladista Martin Paladino se le ocurrió seguir porque le parecía que las bases estaban, y bueno, se nos dio la posibilidad de

“Revela tu verdad” seguir para adelante con lo que nos gusta hacer, y hoy estamos presentando lo que sería el séptimo disco, una gran realidad para el sello MMG (Montevideo Music Groove). ¿Cuáles han sido sus influencias desde el comienzo hasta hoy? ¡Uf! Te puedo hablar de reggae roots, del candombe, de algo de jazz, algo de rock, por ahí va la cosa. ¿Por qué el cambio de nombre? Bueno, porque de alguna manera quisimos dar el paso hacia adelante allá por el 2000, con el “Verde Verdad”.

Se nos ocurrió porque la gente cuando nos iba a ver decía “vamos a ver al Congo” y abreviaba ese “Kongo Bongo” que era como nombre y apellido, y nos pareció bárbaro. Además, para presentar esa nueva era del Siglo XXI de Reggae acá en Uruguay, una banda con tantos años, tan referente en el medio, en el estilo. En fin, nos pareció bueno. En el 2000, cuando Chole Giannotti (fundador de Kongo Bongo, actual guitarrista y voz de “Abuela Coca”) te contacta para llevar a cabo la trilogía de “Verde verdad” “Amar y llorar” y “Rojo”, ¿dónde estabas? ¿Qué hacías musiLaCarne Magazine

calmente en ese tiempo? ¿Y cuál fue tu reacción ante esta propuesta? Mira, yo estuve desde 1996 hasta el 2000 fuera del país. Estuve prácticamente 3 años en Suecia, y después estuve en chile medio año prácticamente. Ahí en Chile es cuando se contactan conmigo los chiquilines.

con unos uruguayos que vivían ahí, se llamaba “El Candom”, y hacíamos candombe…

En Suecia yo había tenido una banda: “Apagón and the universal men” y hacíamos temas del Congo, de Kongo Bongo.

Yo quería ya establecerme en Chile. Y en ese momento me llega un fax (porque no había ni celular, ni internet, nada), y me proponen para encarar esto del “Verde Verdad”, “Amar y Llorar” y “Rojo”, y me encantó, y hasta hoy estoy acá.

O sea, a los suecos les había gustado mucho la música que estábamos haciendo, le mostraron a unos amigos daneses “Ministry of Harmony”, que era otra banda que estaba por ahí, y nos dieron una mano, y arrancamos a trabajar con esta banda, y así estuve esos dos años ahí, con “The Universal Men”. Luego me fui para Chile porque hubo un problema con el tema de la visa, así que volví para América del sur, y ahí me contacté con gente amiga, y bueno, empecé a armar una banda

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Me acuerdo que estábamos en el apartamento, y tenía una entrevista con los chicos de Gondwana, con el bajista que arma toda la movida de ahí, del grupo.

Desde la vuelta de Congo hasta ahora han tocado con varios artistas de primer nivel. ¿Con quién recuerdas haber compartido escenario? ¿Alguna anécdota para contar? Bueno, mira, cuando estuvieron The Wailers acá en Uruguay en el 2003, o 2004, la primera vez que vinieron, tocaron con Abuela Coca y la segunda vez con el Congo. Me invitaron a participar, a subir al escenario…

desde el escenario al público. Mira, es una cosa que lo tienes que sentir, es muy difícil explicarlo con palabras. De alguna manera sentís como que esto es más allá del oficio, más allá del trabajo de músico. Es como que tú eres un nexo entre el público y el artista. Y eso es algo muy sagrado, es algo que se siente en cada recital del Congo, y la gente lo recibe y lo acepta y trata de que la cosa siga. Y justamente es el pie que nos da a nosotros para poder escribir y componer. ¿Puede tener que ver también en parte con vos como persona? ¿Dónde viviste? ¿Cómo empezaste a escuchar esta música? ¿Y a cantarla? Bueno, mira, muy joven cuando tuve la posibilidad de escuchar al Congo en vivo en Villa Biarritz, en “Arte Verde”. Fue hace mucho tiempo, era el primer concierto de Kongo Bongo, en el ’87.

Foto: Roberto Medina ¡Imagínate lo que era yo! Una emoción a pleno, y canté el tema WAR, en español, que la verdad que muy lindo, la gente se reenganchó y bueno, ni más ni menos que con los Wailers. Eso fue una cosa muy linda. Después, bueno, yo que sé… Las veces que hemos tocado por ahí con el Congo, hemos tocado en Argentina, hemos tocado con gente como GONDWANA , Nonpalidece, cruzamos el charco varias veces. Hemos tenido buena inclusión, más que nada a nivel nacional, una muy buena aceptación de la gente, y me parece que eso es una muy buena anécdota. Se nota la amistad de la banda y la buena energía que transmiten en el escenario, se siente al Congo como una gran familia, y creo que es por eso que en varias ocasiones mencionas ser un “transportador” del arte. Explícame en detalle esta conexión que se siente

Bueno, quedé encantado con toda la fuerza y la energía de los chicos en el escenario. Me invitan a participar de un ensayo, y yo ya estaba en una banda, que se llamaba EL PUTICLUB, que hacían Ska. Que el reggae proviene de ahí. Primero el Ska, y luego el Reggae. El ska aparece por allá en el ’67, en un plan de fervor de la gente, del pueblo. Por poder tener independencia de la corona inglesa, en el 67. Y bueno, como que se oficializa la música jamaicana, porque era una música muy salvaje… Y con el paso del tiempo trata la música de domesticarse un poco, de que las letras sean un poco más explicitas, y no tan largas, para poder comprender qué era lo que sentía el jamaicano. Y bueno, esas cosas a mí me encantaron, me interioricé mucho con todo lo que es la filosofía del Reggae, y noté que lo podía plasmar en el Congo… Entonces no perdí oportunidad cuando ellos me invitan a ensayar y a poder incursionar en esto tan hermoso. Desde “Kongo bongo” a “Congo” hay un abisLaCarne Magazine

mo, ¿Qué fue lo que cambió? Yo creo que el tiempo fue cambiando a la banda, o sea tuvo que, para lo que es el medio uruguayo, mimetizarse con la movida del rock nacional, y bueno, después el tema de los integrantes.

Aprendo a ser cada vez más humilde, cada vez más yo. Tratar de que cosas que no tienen que ver con la música me tiren abajo, voy a tratar siempre de seguir haciendo lo que hago, y lo hago con mucha dignidad, porque lo hago para la gente, y es así lo que siento.

A veces unos se iban, otros volvían, y había que acomodar y adaptar la banda a como el tiempo acompasara.

Después, ni que hablar de mis compañeros, que tengo la suerte de tener a Camila Sapin, que es profesora, docente de canto y no pierdo oportunidad de aprender, de ir a sus clases como oyente, de superarme como cantante y como frontman.

¿Qué es lo que se viene del Congo en este nuevo disco? Bueno, cosas muy buenas. Invitados internacionales, y nacionales. Te puedo nombrar internacionales por ejemplo a Gary “Nesta” Pine. Los chiquilines de la banda están chochos con él, es como una especie de ídolo, y que ojalá pueda venir a tocar en vivo acá. Él participa en un tema que se llama “Love”. Y nacionales te puedo decir Julio Cobelli, que ya lo hemos invitado antes. Estuvo en el Disco “Rojo”, y para otro tema en este disco nuevo. Otro invitado es nuestro amigo Nico Mora, y muchos más, gente que tocó el chelo, el tambor, que aportaron lo suyo, que también fueron parte de darle ese aire y ese estilo del Río de la Plata a este género que nos gusta mucho y nos apasiona, el Reggae. ¿Qué es lo que buscan transmitir esta vez? Esta vez queremos transmitir toda la escancia que venimos cultivando desde hace 30 años, y tratar de volcarlo a los medios que hay hoy por hoy, la posibilidad de internet, y también el trabajo, el seguir trabajando en esto y no quedarnos. ¿Qué has aprendido personalmente en estos 30 años de carrera? ¿Y qué sentís que han aprendido como banda? Bueno, mira, yo como persona me enriquezco muchísimo con los músicos que van, que vienen, que dejan su gargajee de cultura. Aprendo muchísimo de eso. Sin duda, de la gente también.

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Y bueno, está Pedro Alemany en la producción, que también aprendo mucho, un sinfín de cosas que tienen que ver con estar arriba del escenario y con el respeto hacia la gente, ni que hablar. Álvaro, has estado en varios lugares del mundo. Me gustaría saber cómo ves el ambiente musical en otros países, y cómo lo ves en Uruguay. Yo creo que bien, bastante bien. Lamentablemente acá en Uruguay estamos siempre un poco más retrasados que en otros lados. No sé si tiene que ver con que estamos al lado de dos grandes gigantes como son Argentina y Brasil, que bueno, tienen lo suyo, no es por desmerecer. Yo creo que toda la movida hoy por hoy está en el mundo, en Europa más que nada, en Estado Unidos. Y nosotros tratamos de estar prestando un poquito la oreja a eso, y hoy por hoy están apareciendo nuevas bandas, y tratamos de estar al pie del cañón en eso, para poder crecer. Bueno, muchas gracias por la buena onda como siempre. ¡One love! Claro que sí ¡One love! (Álvaro ríe) Quiero agradecer también a la gente de LaCarne Magazine, a Musictime Uruguay, a ustedes, y bueno ¡Muchas gracias! ¶

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autént desde Ecuador LEER MÁS

esde la ciudad de Quito, en Ecuador, es la banda Extinger. Formados en el 2013, con una propuesta donde encontramos desde el Heavy, el Speed y el Thrash. Su vocalista, David (Dave), es quien responde la entrevista para ponernos al corriente de su banda.

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Saludos, Dave. ¿Cómo va todo con Extinger? Saludos, Omar. Antes de nada, quiero agradecerte por brindarnos este espacio y también enviar un saludo a todos los que conforman LaCarne Magazine, en especial a los que están al pendiente de esta entrevista. Extinger se encuentra en un muy buen momento. Estamos en la recta final para la edición del nuevo disco, así como también a días de iniciar con la filmación del nuevo videoclip oficial. Comencemos la entrevista, ¿te parece? La

Lujuria, Obús, Barón Rojo, Lvzbel, Havok, Tungsteno, Malón, Violator, Torture Squad, Dark Tower, Legion of the Damned, Luciferian, y Masacre por nombrar algunas. Ha sido muy productivo este poco tiempo porque hemos logrado cosas que han sido difíciles para otras agrupaciones en nuestro país con más de 15 años de existencia, y esto es muy gratificante para nosotros. Su primer trabajo fue el EP llamado “Imminet Violence”. Por favor, cuéntanos de este material y si aún está disponible. Bueno, fue nuestra primera experiencia en un estudio de grabación, pero muy enriquecedora.

Extinger

tica pasión por el Metal

banda no lleva tanto tiempo en escena, así que coméntanos acerca del comienzo de la banda. ¡Correcto! Somos una banda relativamente nueva. El pasado 2 de Julio cumplimos 5 años como agrupación, lo que ha sido muy gratificante. En este cortísimo tiempo hemos grabado un EP, un disco, lo que será el segundo disco, varias participaciones en disco copilados dentro y fuera de nuestro país, participado en los festivales más relevantes de Ecuador, participaciones en festivales internacionales de Perú y Colombia (cabe destacar que a Colombia hemos salido a tocar unas 8 veces), y hemos sido soporte de bandas internacionales como

Consta de los primeros 5 temas que compusimos, y en realidad fue muy rápido todo, ya que apenas la banda se había formado a los pocos meses ya estábamos grabando, lo cual fue muy gratificante, ya que el primer tiraje de 150 discos se agotó en tan solo dos semanas, lo que nos obligó a reeditarlo obteniendo la misma respuesta de aceptación. Gracias al “Imminet Violence” tuvimos la oportunidad de recorrer varias ciudades de nuestro país, dándose así la primera salida internacional a Pupiales, Colombia, donde encabezamos el festival. En cuanto a la alineación, han sufrido cambios de integrantes. ¿Esto les ha afectado? ¿Quiénes están ahora en Extinger? No, en lo absoluto. Cada persona que ha ocupado las vacantes ha llegado a enriquecer más a la banda, y eso nos ha ayudado a evolucionar en nuestras composiciones y en el género, ya que no pretendemos estancarnos en una sola cosa, sino ofrecer música cada vez bien producida tanto en el ámbito compositivo como en la grabación. Desde Julio del 2017 nuestro escuadrón está conformado por Lucho Rea (Aggressive) en la batería, Gabriel Jiménez (Gabok) en guitarras, Byron Díaz (B.A.D. Breaker) al bajo, y David Cortez (Dave) en voces.

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Con esta alineación ya se han compuesto nuevos temas que se grabarán para un nuevo EP, y asimismo esta alineación es la que conformará el videoclip, pero aún estamos en espera de la salida del segundo disco, que ya estaba grabado desde el 2015. Su primer álbum, “Mercy Killing”, salió bajo un sello de Canadá. ¿Qué sello es y cómo lograron ser fichados? ¡Fue una gran sorpresa! La verdad, que una banda con un año de formación y de Ecuador sea fichada por una disquera internacional no es habitual en nuestro país, donde la mayoría de producciones son independientes. Las ventas del EP “Imminent Violence” más los ahorros personales de cada integrante nos permitieron cubrir los costos de grabación y masterización, y ya viéndonos prácticamente estancados por la falta de capital empezamos a enviar las maquetas a diferentes disqueras. Muchas nunca respondieron, pero a la final recibimos un mail de Viuda Negra Music de Canadá que mostró su inmediato interés por editarlo, y se encargó del arte a Julián Mora, reconocido artista colombiano que ha trabajado con bandas como Nunslaughter, Sabbat, Revenge, Power From Hell, etc. Y también los demás gastos de producción, lo que nos llevó a un siguiente nivel, ya que pudimos ser teloneros de bandas internacionales y ser convocados a muchos más festivales fuera de nuestra ciudad natal, Quito, y dándose una participación en una mini gira por Perú. La aceptación del disco fue increíble, ya que se agotó rápidamente esa producción, lo que obligó a reeditarla en un formato de disco plateado que llegó a muchos países. ¿Cómo les va con este sello Viuda Negra Music? ¿Están satisfecho por el trabajo que este sello está haciendo por ustedes? ¡Excelente! ¡Más que satisfechos! Nunca creímos poder formar parte de un sello tan grande y reconocido. Nos han apoyado en todas y cada una de las locuras que se nos ocurre.

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Nos están apoyando en costear los gastos de producción del videoclip, y estamos ya ultimando detalles del arte para que ya se edite el segundo álbum, que reitero ya se encuentra grabado. Según he leído, este álbum “Mercy Killing” ha tenido un gran éxito tanto en tu país como fuera. ¿Superó lo que esperaban con este álbum? ¡Completamente! Nunca nos imaginamos llegar a agotar esa producción y en tan poco tiempo, es gratificante ver mensajes de apoyo de muchos bangers de diferentes partes del mundo solicitando el disco, y muestras de apoyo y felicitación por los que han conseguido el disco para su país. Ahora pues muchos están ansiosos y a la espera de esta nueva producción que saldrá muy pronto. ¡Ya mismo! “Mercy Killing”, según las críticas, está más cercano al agresivo Thrash Metal. ¿Estás de acuerdo con esto? ¿Algún comentario al respecto?

del cual son culpables la política y la religión, que se han encargado de clasificar a la humanidad en clases sociales y esto ha originado violencia, racismos, contaminación ambiental, intimidación por los medios de comunicación masivos, y con nuestra música simplemente proponemos un mensaje de cambio a esta maldita realidad que estamos viviendo, y nuestro punto de vista lo damos a través de lo que hacemos, ya que los reclamos e insatisfacción en cada protesta que se dan simplemente se desvanecen en el viento, y lo nuestro al menos está plasmado en un disco como una propuesta musical más para quien la desee escuchar y es libre de aceptarla o no, y como todo el metal ha sido estigmatizado ha originado miedo en muchos tipos de gente al saber que encontramos una manera para manifestar nuestra inconformidad y decir: ¡NO NOS GUSTA ESTO!

Para serte sincero es la primera vez que escucho esto, y vaya que me he llevado una gran sorpresa y agradezco este comentario. Yo pues lo catalogaría como un disco sincero en cada nota y en cada letra, pues nosotros cantamos los que nos ocurre desde el momento que nos levantamos hasta que nos acostamos a dormir, hasta las visiones apocalípticas futuristas y de los fantasmas de nuestros sueños, y sin dejar de lado las noches sin fin de fiesta luego de los conciertos, ya que gozamos de asistir a muchos eventos así no toquemos en ellos. Lo importante es compartir este sentimiento tan enorme que causa el Metal, por eso digo que nuestro disco es sincero. ¡Simplemente es Thrash Metal sin poses, ni tapujos, sin adornos, solo música violenta y directa! En cuanto a líricas. ¿Cuál es el mensaje que Extinger pretende hacer llegar al público con sus canciones? Sólo reflejamos lo que es la sociedad actualmente. Somos víctimas de un problema social

Y por eso creo que el metal es tan criticado, y en nuestro caso no tiene nada que ver con alabanzas a demonios y esas cosas, simplemente vemos de afuera el panorama y no nos compenetramos en él, no queremos ser parte de lo que está consumiendo a la humanidad. Cambiando un poco el tema, ¿qué piensas de la autodestrucción que el mundo está viviendo? Preocupante. Vivimos en un mundo en el cual el ser humano, a pesar de que es el ser más pensante y racional de todos los que habitamos el planeta, es el que si es posible pisotear a un semejante para obtener beneficio lo haría. No le importa autodestruirse con tal de obtener un beneficio vano y pasajero. De este tema justamente habla nuestro tema Victims of Pain, que habla de la destrucción y contaminación sin sentido provocada por Texaco-Chevrón en el Oriente Ecuatoriano, y es indignante al ver que tras la demanda que se presentó ante esta multinacional petrolera por los jueces corruptos, Ecuador perdió el juicio, y aparte de sufrir esta contaminación, incontables muertes, el Ecuador tuvo que remunerar económicamente a la petrolera. Algo estúpido.

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Hablemos de música nuevamente. ¿Estás satisfecho con el sonido, el concepto de la banda y todo lo logrado hasta ahora, o crees que aún falta mucho más por alcanzar? ¡Totalmente satisfecho! Es gratificante haber alcanzado todo esto en poquísimo tiempo, pero creo que es el resultado por trabajar sin esperar nada a cambio, hacerlo sin estar esperanzado de recibir algo a cambio. No hemos tenido la necesidad de vendernos a la sucia política, que es el cáncer que agobia ahora al metal en Ecuador lastimosamente. Bandas se prestan a servicios de la política para poder tocar, poder recibir pagos en efectivo por presentaciones, y hasta grabaciones financiadas por el gobierno. Nos alegra no ser parte de ese conglomerado que tanto daño le hace a la escen,a y que hasta expresamos nuestro punto de vista con el tema Drag Me To Hell. Sabemos que nos falta mucho por alcanzar. Sería genial poder estar en el mismo escenario de todas las bandas que nos han influenciado y nos han mostrado el camino, y por ello es que seguimos firmes en lo que hacemos, esperando alcanzar lo que ellos han logrado algún día.

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Si no estoy errado, han sido fichados por Musicspells Scrolls de Alemania para formar parte de un acoplado. Danos detalles. ¡Así es! Fue en la época que estábamos enviando nuestro material a disqueras del mundo, esperando poder obtener un contrato discográfico, y Musicspell Scroll de Alemania nos propuso integrar este gran compilado que consta de 4 CD’s (Fire, Thunder, Blood y Necromancy, en donde participamos con el tema Victims of Pain), y reunía a las bandas con proyección de ese entonces, y fue muy gratificante ver que solicitaban nuestra presencia, ya que éramos los únicos latinoamericanos en ese compilado. ¿Han efectuado giras en apoyo al disco “Mercy Killing”? ¿Qué países han visitado? ¡Afirmativo! Estuvimos en una larga gira en nuestro país, que nos llevó a cumplir alrededor de 35 fechas, lo que nos llevó alrededor de 4 o 5 meses ya que solo tocábamos los fines de semana, ya que trabajos y estudios no nos daban ese tiempo, ya que NO VIVIMOS DE LA MÚSICA. Además, acompañamos en la minigira Ecuatoriana a Torture Squad de Brasil y Lvzbel de México, visitamos Colombia en algunas oca-

siones, Perú en la minigira del 2015 y tuvimos la oportunidad de integrar el festival We are Southamerican Thrashers en Chile, y pactamos algunas presentaciones en Argentina, pero como se suspendió el festival simplemente esas fechas se suspendieron. Pero para el futuro estamos tratando de concretar la visita a esos países, ya que estamos actualmente en negociación. Esperemos se concrete. Este primer álbum va a ser reeditado en varios países, algo importante para expandir más el nombre de Extinger. ¿Qué me dices al respecto? Correcto. Saldrá bajo el sello GOH Prod. de Perú, que ya está en la fabricación y contará con un arte diferente y un bonus track en vivo. Además, estamos en conversaciones con unos sellos de México y Tailandia. ¿Podrías contarnos algo acerca de la escena metalera de Ecuador? Actualmente estamos plagados de eventos gratuitos que no suman nada positivo a la escena. Los supuestos gestores culturales hacen esto por las jugosas remuneraciones económicas, y esos eventos son un espacio para que toquen los mismos allegados de los gestores, con un cartel que poco o nada varía con un reparto del capital para los participantes, y sin producir nada. Hay muchas organizaciones y cada uno tiene sus grupos, así que cada concierto gratuito ya tiene sus bandas. Afortunadamente la verdadera escena underground resiste, está más preocupada en editar producciones y dar lo mejor en cada show, aunque los conciertos gratuitos han afectado en la asistencia de los eventos de las pocas bandas internacionales que llegan, lo que no se ha afectado es la asistencia en los eventos de las bandas light (comerciales). ¿Para cuándo una nueva producción de Extinger? Esperamos que se encuentre en las calles en el tercer trimestre de lo que va del año. Aún nos encontramos en los detalles del arte del

disco, para lo cual hemos adquirido unos artes de diferentes artistas de indonesia, aunque la mayoría son de Yusuf Wahyudi (Bakabon Art). Es una producción que contiene 4 temas cargados de velocidad insana, potencia y pasión por el Metal, aunque ya hay ofertas para editarlo en formato vinyl. ¿Qué le dirías a los metaleros para que escuchen y disfruten de Extinger? Simplemente gracias por su apoyo incondicional y sus muestras de aprecio para con la banda. Esperemos poder expandir la peste Extinger por todo el mundo, y poder tocar en cada uno de los países que gustan de nuestro escuadrón, y poder compartir muchas cervezas. Yo invito la primera ronda y recordarles que el metal es una pasión que se comparte, y nos quitemos esa absurda competición sobre todo entre agrupaciones, que jamás claudiquen y siempre firmes a sus ideales. Bien, no te molesto más, Dave. Gracias por tu tiempo. ¿Podrías darnos algunas palabras para finalizar? No fue ninguna molestia, al contrario, un enorme placer. Agradecerte, Omar, una vez más por el espacio, y recordarles a todos los bangers que unidos somos más, que nunca dejemos que se extinga la llama de esta pasión que sentimos por el metal que es nuestra vida, que impulsemos a las agrupaciones que intentan sobresalir en esta absurda sociedad, y nos mantengamos unidos en cada concierto de rock and roll y vivamos esta pasión al máximo, y no permitamos que nos consuma ese cáncer social. Let’s burn their idols to create something new. ¡Keep your force always alive! ¶

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Escuela Carne

apoyando el Arte y la Creatividad

do:

Fotos por Enzo Mott

arne es una escuela de arte y creatividad fundada en el 2012, que crece cada vez más debido a su gran influencia a jóvenes como dice su eslogan: “Poder vivir de lo que les gusta”. El objetivo de la escuela es enseñar y ejercitar sobre Arte y Creatividad a quienes sienten que ésta es su vocación, dándoles herramientas de tipo conceptual, digital, y manual para llevar a cabo el desarrollo creativo del artista desde la concepción de una idea hasta lograr materializar la misma. Carne es accesible en varias partes del mun-

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Uruguay: en Montevideo y Punta del Este, Nicaragua: en Managua, Bolivia: en Santa Cruz y La Paz, Ecuador: en Guayaquil ¡Además tienen talleres online! Más de 50 talleres y carreras cortas agrupadas en: Diseño y craft, Foto y video, Música y Sonido, Letra y escénicas. Estamos en época de inscripciones, con próximos inicios de cursos en Agosto 2018. Hablamos con Esteban García Lorenzo, fundador y director de la Escuela Carne:

Escuela Carne, Arte y Creatividad Esteban, ¿como estas? Dime, ¿Qué cursos hay en la academia y cuando comienzan?

Hola, Vicky! Muy bien. Primero, gracias por el interés y por el espacio. Estamos entrando a lo que sería un “segundo impulso” del año con inicios de cursos en la segunda semana de agosto, donde ya están abiertas las inscripciones. Los cursos que tenemos, son los siguientes: -Diseño y Craft (por ejemplo: ilustración, diseño gráfico, diseño web). -Foto y Video (por ejemplo: cine, fotografía, audiovisual). -Música y Sonido (desde instrumentos a cursos más técnicos como producción musical). -Letra y escénicas (mezcla tanto actuación, como guión y escritura). ¿Quiénes son los profesores a cargo de los cursos? Por suerte tenemos muy buenos profesores. Por ejemplo, en diseño gráfico está Coy Muiño, que es director creativo y director de arte en agencias de publicidad para marcas como Conaprole o Direct TV. En música tenemos en producción musical a Santiago Quintela, que casualmente es el productor de los discos de UFA. También tenemos grandes fotógrafos como Eugin, directores audiovisuales como Miguel Blanco, Camila Montenegro en producción de moda, Eduardo Sganga en ilustración. Tenemos muchos profesores muy buenos. En la página web pueden ver todos los cursos y talleres con sus respectivos docentes. ¿Desde qué edad se puede ingresar a la Escuela? ¿Hay algún rango? En principio la escuela apunta a un público juvenil, de un promedio de 20 años. Sin embargo, por suerte hemos tenido personas de más de 60 años que quieren venir, o incluso chicos de 14, 15 años o hasta menos. Esto es interesante porque hemos tenido gru-

pos con un chico de 16 años, una señora de 70 años, y mientras lo que te una es lo que te importa, por ejemplo dibujar, o cantar, la edad no es relevante. Así que hoy en día ya no ponemos edades, vos podés venir con cualquier edad. ¿Son necesarios conocimientos previos? La mayoría de los talleres arrancan desde cero, básicamente para que puedas animarte a hacerlo, y no se te pide ningún tipo de conocimiento. Hay talleres específicos que sí son avanzados, y ahí sí se exige información, o conocimientos previos. Estamos en tiempos inclusivos, ¿hay algún alumno con algún tipo de discapacidad? ¿Cómo es el trato y el tipo de enseñanza con ellos? ¿Qué métodos utilizan para que puedan integrarse? Sí, la verdad es que hay varios casos de personas con discapacidades, y lo que hacemos es justamente no detenernos en eso, y tratarlos como a cualquier otra persona, porque lo son. Hablamos de arte, hablamos de lo que importa, por esos detalles no hay problema. ¿En qué crees que se diferencia esta escuela de arte y creatividad de las demás? Personalmente yo fui profesor en Centroamérica, y en una Universidad privada de Montevideo, y en otro instituto en Montevideo. Y junto con otros profesores que traje cuando formé la escuela, me propuse crear una escuela a la que me hubiera gustado ir. Entonces creo que se diferencia en que es una escuela creada por un alumno. Y que tiene los métodos, las cargas horarias, las prácticas que realmente creo que sirve, y que hemos comprobado a lo largo de los años que es así. ¿Hay posibilidad de becas? Sí, claro, siempre contemplamos eso. Porque incluso cuando yo estudiaba tuve varias becas en los lugares en donde me formé, por lo cual LaCarne Magazine

me considero afortunado y agradecido.

otro, es una red de contactos.

Por tanto, procuro que todo el mundo pueda venir teniendo en cuenta su situación económica, y si bien hacemos distintos convenios, tanto con empresas para que puedan capacitar a sus empleados, también tenemos en cuenta por ejemplo, becas al mérito, a personas con mucho talento.

Hoy en día por suerte ya hay mucha gente que conoce la escuela en varios países.

O a veces hacemos sorteos, también varios casos puntales que se hablan, y bueno, ese tipo de cosas para permitir la inclusión en el arte. ¿Realizan otras actividades en la escuela? ¿Cómo podemos enterarnos de éstas? La escuela, mas allá de la parte académica, las clases, tratamos de hacer muestras, que los estudiantes puedan mostrar lo que hacen, ya sea con música, stand up, con diseño, y todo eso se puede saber siguiendo las redes de la escuela, tanto instagram como facebook, que es Escuela Carne. Te pido que me cuentes cómo ha sido expandirse por Latinoamérica, ya que es algo difícil de lograr. Bien, la expansión empezó porque yo viví en Nicaragua, y me traje muchos contactos. Y a partir de eso, como trabaje en publicidad, y conocí gente por redes, agencias, que están en varios países, una cosa llevó a la otra. Y cuando estás en un país es más fácil llegar al

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Para terminar la entrevista me gustaría saber cuál es tu opinión de la música y del arte en general desde cada rincón en el que está la academia, porque en cada país es una realidad diferente. Me encanta sobre todo trabajar con países latinoamericanos. Me gusta mucho cómo defienden lo nacional, lo propio. Eso es algo que me parece genial. Tanto en Nicaragua, Bolivia o Ecuador, me gusta mucho ver que son muy orgullosos de lo propio, y siempre tratan de volcar sus colores, sus diseños, sus amigos, y en ese sentido me encanta. Como vos me decís, no es un mismo molde que se va a aplicar, sino que les damos las herramientas para que en cada lugar se haga la mejor versión de sí mismo. Bueno, Esteban, muchas gracias por la atención. Un placer charlar con vos. Gracias a vos, Vicky, por el espacio. ¶

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Maui

contando y cantando historias de colores 64 LaCarne Magazine

aui sorprende con su estilo, su música, su chispa y su arte. Su estilo va del flamenco a la fusión, con una particular puesta en escena que sorprende al espectador y engancha por su simpatía y buen humor. Como bien dice ella, hace canciones de colores, de la vida cotidiana en la que el oyente se siente identificado, pero siempre con un toque de humor. Expresiva, sorprendente y llena de energía, nos encontramos con una artista que vive por y para la música. Maui lleva 16 años de carrera profesional. Su madrina y amiga Martirio es su mayor apoyo, pero también cuenta con el cariño de numerosos artistas como Alejandro Sanz, Rosario Flores, Antonio Carmona y El Kanka entre muchos muchos otros. Estuvo en 2015 formando parte del cartel del programa de la Diputación de Cáceres, Estivalia. Este año, la de Utrera vuelve a Estivalia, a tierras extremeñas, con su espectáculo para cantarnos sus canciones, y además estrenar nuevos temas del que será su próximo disco. Derrocha simpatía, buen humor y es encantadora. Podríamos estar horas hablando con ella porque ha vivido tantas experiencias (y las que le quedan) y tiene tanto que contar... Esta entrevista ha sido muy especial para nosotros, ha sido como si habláramos con una amiga de toda la vida. Aquí os dejamos todo lo que nos ha contado.

Maui, contando y cantando historias de colores Desde que eras niña siempre has estado rodeada de música y arte, bicheando al principio y estudiando después. Tenías muy claro a qué querías dedicarte, ¿cierto? Háblanos un poco

de tus inicios en la música, de tus influencias, tu tierra natal… Para nada (ríe). A mí de pequeña cuando me preguntaban qué quería ser de mayor (yo era muy repelente), yo decía “Feliz, de mayor quiero ser feliz”. Un poco más mayorcita descubrí la vocación por la educación, me gustaba mucho la educación. De hecho estudié Magisterio de Educación Musical, pero eso ya de mayorcita. Durante la época del instituto experimenté con el teatro, o sea que he estado todo el tiempo huyendo de la música. Sin embargo, la música me seguía desde que era niña. Mi madre me subía en la mesa de la cocina, que fue mi primer escenario, y además me ponía unas moneditas en la frente con lo cual ya iba un poco disfrazada de Maui. Sobre la mesa yo cantaba, mi padre tocaba la guitarra y venían todos los vecinos gitanos del Polígono del Tinte de Utrera y decían “Ay, la niña! Cómo canta”. Yo no elegí a la música, la música me eligió a mí. Desde muy pequeñita he tenido la suerte de vivir en una familia de arte, puesto que mi padre es guitarrista y compositor, mi tío Bambino, y el sitio donde nací, Utrera. Todavía recuerdo las noches de fiesta en sitios con albero, que ponían dos sillas de palo juntas, y ahí la niña dormida con una chaquetita por encima, y de fondo los cantes de Fernanda, Bernarda, Perrate, Gaspar Utrera... Ahora soy consciente de la suerte que he tenido de poder almacenar en mi disco duro esa vivencia que es muy, muy fuerte, un flamenco muy puro de mi tierra, y ésa es mi base. A lo mejor yo no he heredado una voz flamenca, pero sí he heredado un compás y un sentimiento hacia el flamenco que creo que he desarrollado en el mundo de la canción, pero que me viene de ahí, de muy pequeñita. Estás muy arraigada a tu tierra, Utrera, aunque, si no me equivoco, tu residencia actual está en Madrid. ¿Qué es lo que más echas de menos y lo que más te une a tu tierra? ¿Visitas Utrera con frecuencia? Sí, me gusta mucho ir, aparte porque está mi familia, por supuesto, y los amigos de toda la LaCarne Magazine

vida. Aparte de eso, para volver a reciclarme, a poner la oreja en forma y el alma también, y a escuchar, porque yo tengo una conexión con Utrera muy fuerte hacia la parte flamenca. Ya no están muchos de los que estaban de esos grandes cantaores que te mencionaba, pero sí están sus hijos, sus nietos, gente que sí se ha preocupado en mantener esa herencia. Me gusta ir para recuperar todo ese sentimiento de mi infancia, todo ese compás y esa alegría. Pero vivo en Madrid, en Malasaña, y me parece maravilloso. Además, cualquier sitio que tenga un poco de surrealismo a mi me viene bien. Yo, desde luego, voy por la vida con las gafas de ver un poco más allá. Para poder hacer canciones tienes que ir con los ojos muy abiertos y observando lo que pasa. Yo llego, aquí, a la pescadería en Malasaña, en todo el centro de Madrid, y me encuentro una cola de hipsters y yo pregunto “¿Quién es el último?”, y resulta que son todos iguales. En cuanto miro para otro lado ya no se quién es el último y cuándo me toca a mí, pero yo ya tengo ahí una canción. Me parece un barrio maravilloso y estoy disfrutando muchísimo mi experiencia aquí en Madrid. Maui, cuando decidiste dedicarte profesionalmente a la música ¿tuviste el apoyo que necesitabas? ¿Cómo ha sido el camino hasta llegar al punto en el que te encuentras ahora? Pues fíjate, he tenido muchísimo apoyo, empezando por mi familia, siguiendo por mis amigos… De hecho, empecé gracias a un amigo que era bajista en un grupo con el que yo colaboraba, tocaba el violonchelo y haciendo coros en El Puchero del Hortelano. Yo escribía algunas canciones para que las cantara Arco, que era el cantante de El Puchero, hasta que un día ellos me dijeron “¿Y por qué no las cantas tú?”. Y yo decía “No puede ser! ¿Cómo voy a ponerme yo ahí delante?”. Era muy tímida, iba vestida de negro y me escondía detrás del cello que era más grande que yo.

Entonces, de repente, tuve que crear un personaje recordando esa época que te comentaba antes con relación al teatro, crear un personaje que se pusiera ahí delante con el descaro suficiente como para contar historias de colores. Y entonces creé a Maui, ahí nació Maui, y la primera época fue con Los Sirénidos, Maui y Los Sirénidos. A partir de ahí, fíjate, que ya el arranque gracias a compañeros, hasta día de hoy te puedo decir que encuentro un apoyo muy muy grande en mis compañeros, en mi familia en mis amigos… El público me lo he ido haciendo poco a poco. Pero por ejemplo, hace poco hice un crowdfunding y el primer artista que patrocinó y habló de mi crowdfunding en las redes sociales fue Alejandro Sanz. Te hablo de que recibo muchísimo cariño: Rosario Flores, Antonio Carmona, Martirio, Carmen París, El Kanka… tanto gente que me quiere y que me busca y quiere hacer cosas conmigo, que me siento muy muy afortunada. Maui, cuentas con un currículum bastante ex-

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tenso… Tres discos con Los Sirénidos, dos discos en solitario, has trabajado con grandes músicos y artistas (Jorge Pardo, Tomás de Perrate, Kiko Veneno o El Kanka) y tienes una madrina de categoría, ni más ni menos que la gran Martirio. ¿Cómo os conocisteis y cuál es tu relación actual con ella? Pues fíjate que ella empezó en la discográfica Nuevos Medios, una mítica discográfica que digamos que fue el sello que descubrió el nuevo flamenco, el sello que sacó desde Pata Negra hasta Tomasito, las primeras cosas de Ketama.

–en estilos diferentes, en caminos diferentes pero con muchas cosas en común- a los inicios de Martirio.

Su director, que era Mario Pacheco, era un hombre excepcional, fotógrafo, artista y descubridor de talentos que allá por los 80 iba cogiendo a flamencos raros y haciéndoles discos. Yo tuve la suerte de conocer a este hombre, él se enamoró de mi música y empezamos a trabajar en un disco. Pero en mitad de ese proceso él falleció.

Y desde entonces hasta ahora la relación ha ido creciendo muchísimo, hasta el punto de que ella me ha bautizado como ahijada artística y es real. Cualquier duda, cualquier miedo o un verso que quiero hacer o una idea, siempre me voy con ella a su casa, le pregunto, nos tomamos una copita de champagne, escribimos juntas, me aconseja.

De repente, Martirio se puso en contacto conmigo porque este señor había estado en su casa hablándole de mi, diciéndole que ella me tenía que cuidar porque le recordaba mucho

En mi camino es un timón para llevar mi barco imprescindible. De verdad, es un tesoro… No te puedes imaginar. Estamos haciendo el disco y está ella más emocionada que yo. Y

Entonces ella, que tiene un corazón enorme, se puso en contacto conmigo para preguntarme qué tal estaba y cómo llevaba todo. Enseguida se generó una complicidad maravillosa. Cuando nos vimos por primera vez ella se quitó las gafas y me miró como para adentro. Yo me sorprendí porque vi esos ojos verdes que nunca había visto y tiene una verdad en esos ojos que es impresionante. Hubo feeling.

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cuando me tiene que dar caña, me la da, que es lo que a mí me gusta, que si algo no está bien, ella, con su criterio, me lo va a decir, y esos son los amigos de verdad. Nos gusta mucho tu chispa y esa libertad a la hora de crear tus canciones, esa fusión del flamenco y la copla con los sonidos del jazz, el rock, el pop… Todo ello lo vemos reflejado en tus trabajos y nos gustaría que nos contaras cómo es tu metodología de trabajo, ya que fusionar estilos tan diferentes no debe ser nada fácil, cierto? Pues mira, no sé responderte. Siempre me lo pregunto, pienso que hay aquí algo de mágico. A veces una se siente como un canal por el que pasa la canción al papel, pero no sé de dónde viene ni por qué pasa esto. Yo toco el violonchello, he estudiado violonchello, puedo enseñarte un título en el que dice que yo soy chelista, como que es algo material que tú justificas el haber estado tantos años con un instrumento. El crear una canción es algo que tiene mucho mucho de mágico, de sorprendente, de misterioso. Yo siempre pienso que las canciones ya están hechas, están por ahí, y de repente deciden que van a pasar a través de ti al papel, entras en un estado inexplicable. Y hace cosa de un año me impuse el método de escribir cada día una canción con la idea de fortalecer mi vocabulario, de hacer crecer un poco mi lenguaje, provocarme el observar todo con mucha más atención… y efectivamente como ejercicio es muy interesante, pero cuando la canción quiera salir. No es que la canción saliera cuando tú te sentabas delante del papel, no. Ella sale (la canción) cuando tú vas a mojar el pan en el huevo frito o cuando estás cogiendo el sueñecito, y tienes que tener una libreta… Además, yo soy muy analógica, me gusta escribir en papel y siempre tengo que tener una libreta al lado, en el bolso, en la almohada o donde sea… Es algo que no me explico. De hecho, he escrito una canción que habla de eso, de lo inexplicable de la inspiración, de dónde vienen las musas, de qué suerte tengo de que me acompañen, y algunas veces este no control de la

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situación te hace pensar “y si un día se me quita?”… No es lo mismo. Cuando tú te plantas delante del papel puedes hacer una canción, pero es que no tiene la cosa esa a cuando sale ella solita. Supongo que hay determinados temas que en momentos de la vida una está más sensible a ellos y como que te rondan. Puede ser desde un desamor hasta lo que te he contado, una cola en la pescadería con hípsters. A mí me gusta contar cosas cotidianas, la gente se siente muy identificada, pero poniéndole siempre un puntito de humor y de surrealismo. Maui, hemos leído que te definen, entre otras, como “la Lady Gaga del flamenco”, “la Björk de Utrera”, “una friki flamenca-cool”… Desde luego, tu estilo y personalidad son únicos. ¿Se acerca alguna de ellas a tu particular estilo? ¿Cuál sería para ti la más acertada? (Ríe) Ufff. Es que lo de definirse como que es una moda que hemos implantado en este siglo. Sí que es verdad que cuando fuimos a Santiago de Chile me encontré en un periódico que decía “la Lady Gaga del flamenco”, y yo creo que lo decían un poco por mi vestuario, porque iba muy llena de colores y cosas insólitas en la cabeza, en los pies… y dirían “¿esto qué es?, vamos a buscar un canal para defirnirlo”. Pero bueno, yo siento que estoy haciendo mi propio camino y eso tiene sus ventajas y sus inconvenientes, porque cuando tú vas detrás de una moda es mucho más fácil llegar a las orejas de la gente de manera superficial, pero bueno, el éxito a veces es eso, marcar todos los pasos que te pide el estilo, la moda que haya en ese momento. Yo llevo 16 años haciendo lo que me da la gana, pero no sabría cómo definirme, la verdad. Cuando hablamos por teléfono el otro día para concertar esta entrevista me comentabas que estabas ya grabando en el estudio nuevas canciones. Háblanos sobre este futuro disco. ¿Qué puedes adelantarnos? Pues todavía está en proceso, saldrá a finales de octubre o principio de noviembre. Estoy encantada. Se llamará “Por Arte de Magia” con

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interrogación “¿Por Arte de Magia?”(ríe). El sonido sí es bastante diferente a mis anteriores discos porque estoy trabajando la producción con Fernando Illán, que es el productor de Rosario Flores, ha hecho discos de Antonio Vega, de Raimundo Amador… De repente ha cogido todo una fuerza impresionante, es mucho menos discreto, más descarado, se puede bailar… es diferente a mis discos anteriores y estoy encantada con las canciones. Tenemos por ahí algunas colaboraciones pendientes. El que sí seguro va a estar es Antonio Carmona, y hay un par de personas más que, como todavía no están confirmadas, no me atrevo a decirlas, pero la verdad es que estamos muy ilusionados. Está siendo una experiencia muy bonita, me siento como una reina. Tendremos la oportunidad de disfrutar de tu directo en el programa Estivalia de la diputación de Cáceres. ¿Qué opinas de programas culturales como éste? ¿Podremos escuchar en Estivalia algún tema de este nuevo próximo trabajo? De Estivalia opino que es una iniciativa maravillosa que debería contagiarse a todas las provincias de este país porque es muy necesaria la Cultura. Yo siempre digo que la Cultura es el alimento del alma, nos gusta mucho cuidar lo que comemos pero no cuidamos lo que escuchamos, y a veces ni siquiera nos preocupamos en escuchar. Creo que iniciativas como Estivalia incitan al espectador, y le provoca un abanico de emociones porque tiene una programación muy variada y, para mi gusto, muy rica. Hay para todos los gustos y colores, y eso es algo maravilloso. Así que espero que salga muy bonito. De hecho, yo estuve en el 2015 allí, en Estivalia. Tengo un recuerdo maravilloso, lo pasé superbién. Una gente con una predisposición a divertirse, maravillosa. La organización fue impecable, con lo cual no espero menos de ellos.

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Con respecto a la segunda pregunta, sí, vamos a hacer un par de canciones del disco nuevo que son completamente inéditas y que las vamos a estrenar en Estivalia. Y ya que hablamos de tus directos, dinos, Maui, además de Estivalia ¿en qué otras ciudades podremos verte? ¿Cruzarás de nuevo el charco? Ay! Pues tengo muchas ganas. Fue una experiencia tan bonita… La gente allí acogieron las canciones de una manera… con un cariño. Como nosotros pero multiplicado por cinco. No sé si es su carácter o su cultura, pero te daban unos abrazos, unos achuchones… Me encantaría repetir. Espero que con el disco nuevo nos demos una vueltecita por Latinoamérica. Aquí vamos a estar en muchos sitios, la verdad que ahora mismo no tengo delante la lista, pero en septiembre, octubre y noviembre tengo muchísimo jaleo, porque vamos a sacar un single en septiembre y vamos a hacer una pequeña gira. Yo la llamo “Gira Gourmet”, porque el disco todavía no estará en la calle y lo que queremos es irnos a espacios muy pequeñitos y hacer las canciones a guitarra y voz para que el público pueda ver un poco cómo nace una canción. Ya al año que viene haremos una gira más grande con toda la banda y todas las cosas. Esperamos con ganas ese nuevo disco! Te deseamos una larga carrera musical llena de éxitos. Un placer haber charlado contigo, Maui. Muchas gracias por tu tiempo. Igualmente. Qué bien! Muchísimas gracias. Me encanta la gente que hace entrevistas con cariño, se nota mucho. Un beso! ¶

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ormados en 2009 en Fuenlabrada, Madrid, y a pesar de tantos cambios en su alineación, la banda Rayz ha logrado mantenerse en escena. Con un estilo donde se mezclan varias tendencias del metal, su propuesta ha ganado muchos seguidores en gran parte de la geografía española. Aquí tenemos a Bryan Jiménez, fundador de la banda, quien responde la siguiente entrevista.

Rayz, más vivos que nunca Saludos! ¿Cómo va todo con la banda en estos momentos? Saludos, Omar. Soy Bryan Jiménez, el guitarra rítmico y fundador de la banda. Antes de nada, queremos agradecerte enormemente que nos hayas elegido para la entrevista y, sobre todo, por escuchar y promocionar nuestra música, porque queremos que suene Rayz muy alto. Ahora mismo estamos centrados en la composición de lo que será nuestro segundo álbum de estudio, que empezaremos a grabar en cuanto tengamos todos los temas cuidadosamente terminados. Rayz ahora es más contundente y potente que nunca. Por eso deseamos reflejarlo en los nuevos temas que compondrán este nuevo disco. Me gustaría hablar de la historia de Rayz. ¿Cómo fueron los inicios de la banda? Los inicios fueron muy básicos, ya que quedábamos un par de colegas allá por el 2008 para tocar temas míticos de Metallica y Sepultura de la década de los 80’s, pero poco a poco nos fue entrando ganas de hacer más cosas nuevas, y se fue gestando una banda con aires muy metaleros.

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Rayz más vivos que nunca Las ideas ban surgiendo y las íbamos plasmando en cada nuevo tema que surgían prácticamente en cada nuevo ensayo. Para mí su música es una fusión de varias cosas. ¿Podrías definir qué toca Rayz para la gente que no te haya escuchado aún? No te falta razón. Los inicios, como antes he dicho, era una mezcla de puro thrash ochentero, mezclado con riffs potentes muy del estilo metal actual, pero con un matiz oscuro derivado del black y death metal europeo.

Todo junto en una coctelera, con el extra de la potente voz de Diego Pradas, forman una bomba de relojería. Ésas son las características principales que escucharéis en nuestro álbum debut “Renacer”.

Afortunadamente los 5 componentes de la banda tenemos gustos parecidos, pero cada uno tira para su camino, y eso es lo bueno de juntarnos y mezclar todas esas influencias propias.

Actualmente hemos evolucionado contundentemente ganando más potencia y empaque, y, quizás, hemos perdido una pizca de oscuridad.

Su primer disco bajo el título de “Renacer” salió en el 2014. ¿En qué estudio lo grabaron y quién se encargó de la producción? Fue un duro y largo trabajo. Grabado, mezclado y masterizado por el gran Anti Horrillo en “La Casa de la Música Studio” de Fuenlabrada, en Madrid.

Hablando de death, thrash y black, ¿qué bandas han dejado huella en el sonido de Rayz?

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De la difícil tarea en la producción para encontrar nuestro sonido más contundente posible se encargó Leo Jiménez, que es “La Bestia”, no sólo en el escenario, también al timón del barco. Entre ambos le dieron la vida y la fuerza que necesitábamos. Háblanos sobre el concepto, temática o visión que tiene Rayz como agrupación. Nuestro gran cantante Diego Pradas tiene una visión global muy crítica, la cual compartimos todos, y en cada canción aporta su granito de arena personal, criticando todas las injusticias sociales que pasan alrededor de nuestro, cada día más, castigado mundo. Diego escribe todas las letras, donde podrás encontrar temáticas variadas que rechazan cualquier tipo de injusticia y maltrato, ya sea de género, psicológico, infantil, animal, económico e incluso religioso.

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La banda ha tomado parte en importantes festivales y compartido con varias bandas. ¿Qué experiencias les ha dejado esto como persona y como banda? A nivel personal es muy placentero subirte al escenario y dar toda la caña posible con la mayor humildad, e intentando dar al público todo lo que tenemos dentro. Durante una hora y algo te apartas del mundo y sólo le das duro haciéndolo lo mejor posible para que disfrutemos todos, tanto el público como los músicos. Eso es algo que nos llena por dentro completamente. Compartir escenario con otras grandes bandas amigas siempre es positivo, ya que conoces buena gente que también lucha por una causa común a la nuestra y siempre surgen nuevas amistades. Es algo muy bueno, y encima del escenario es donde se ve quién es el que realmente vale.

Foto: Mara MTNZ

en estos días? Actualmente hay infinidad de bandas españolas a un muy alto nivel y eso es muy positivo para el panorama nacional, ya que no sólo triunfan en España, sino que cada vez salen más bandas buenas al extranjero. Crisix, Hummano, Bellako, Stained Blood, Angelus Apatrida, Cuernos de Chivo, Stravaganzza, Brothers Till We Die, Vita Imana..., te podría decir muchísimas otras más, pero te animo a que vengas a España y te des una vuelta por las salas y disfrutes con todas ellas. Desde hace un tiempo Diego Pradas (voz) y Bryan Jiménez (guitarra) son los únicos miembros que se mantienen fijos en la banda. ¿Ha sido complicado tener la alineación correcta para Rayz? ¿Quiénes componen hoy la agrupación? La vida te da y te quita personas importantes en tu vida. Cuando creamos Rayz éramos un grupo de chavales, y ahora formamos la banda un grupo de hombres con madurez, tanto personal como musical.

¿Cómo ha sido en general la respuesta del público a los shows que la banda ha dado? En estos 6 años tocando en directo nos hemos recorrido prácticamente el 90% de las mejores salas de todo Madrid. Al tocar “en casa” la respuesta del público siempre es muy positiva y se hacen notar. Ya sea en una gran sala con más de un centenar de personas dándolo todo, o una pequeña sala con menos gente, el público siempre nos cuida mucho y se lo agradecemos enormemente. Nuestro objetivo principal para las nuevas fechas de conciertos es ir abriendo el abanico de posibilidades y tocar alrededor de Madrid, sin olvidarnos del norte, sur, este y oeste de la geografía española. Estamos deseando montar algo gordo fuera de Madrid, que ya es hora. Hablando de la escena española, ¿cómo es

Cada miembro antiguo aportó su granito de arena y con la formación actual estamos todos muy compenetrados y somos grandes amigos, por encima de todo. Cuando se marcha un músico te queda un vacío importante que llenar, pero tanto Danny (excelente guitarrista melódico y anterior guitarra de Fiebre), Alex “Sama” (potente bajista muy influenciado por el Nu Metal, anterior bajista de Hidra) y Rafa García (batería muy técnico influenciado por el metal más progresivo, anterior batería de la banda S.P.A.M) han sabido no solo llenar ese hueco, sino mejorarlo y perfeccionarlo para que la banda tenga el mejor sonido desde que se creó. Gracias a ellos Rayz en 2018 está más viva que nunca y es algo que se lo agradeceré siempre. ¿Estás satisfecho con el progreso de la banda a lo largo de estos años? Muy satisfecho y orgulloso de todo lo que heLaCarne Magazine

mos hecho, y con mucha ilusión por todo lo que está por venir. Muy satisfecho y orgulloso de todo lo que hemos hecho, y con mucha ilusión por todo lo que está por venir. La banda ha ido evolucionando según hemos ido cambiando de músicos, pero ahora sí que estamos todos involucrados al 100%, y se nota tanto en las canciones como encima del escenario. Si se disfruta, se nota en todo, por muy malos momentos que hayamos pasado a nivel individual, el estar los 5 músicos juntos nos hace más fuertes. ¿Se les ha acercado algún sello discográfico para editar el material de Rayz? Somos muy conscientes de que nuestro estilo musical es muy underground, y que pocas bandas a nivel nacional e internacional pueden tener el privilegio de tener un sello discográfico que les aporte los medios necesarios para crecer. Por ahora, nuestro primer trabajo lo sacamos con nuestras propias manos, y para el siguiente disco veremos si hay algún sello interesado. La lástima de todo es que en este país se le da más importancia a cualquier estilo musical de masas que genere muchas visitas a YouTube que a estilos menos comerciales como el metal, el rap, el flamenco o la rumba. ¿Se encuentran trabajando ya en material para un nuevo álbum? Con los cambios de miembros es difícil poder componer cosas entre todos, que es del mejor modo en el que surgen las canciones nuevas, pero llevamos ya varios meses dándole duro a la composición de nuevos temas, y poco a poco estamos gestando el que será nuestro segundo álbum de estudio a lo largo de 2019. ¿Esperas que con el próximo álbum el ritmo de trabajo de la banda se mantenga igual? Creo que sería bueno que el nivel de trabajo aumentara en todos los aspectos, ya sea dan-

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do más conciertos, mayor llegada al público, e incluso creando nuevos temas si se diese el caso. Lo importante es no parar la máquina, y tenerla siempre engrasada para afrontar nuevos retos. Todo lo que venga para evolucionar y avanzar es positivo para la banda y para cada uno de nosotros. Hacer videoclips es algo que tenemos muy presente, ya que YouTube es una herramienta de comunicación básica y muy potente actualmente. Queremos ampliar y fortalecer nuestro trabajo en todas las redes sociales para llegar al mayor número de personas posible. Éste es un buen reto que tenemos que afrontar, al igual que hacer videoclips que no sean en directo. ¿Qué podemos esperar de Rayz en el futuro? Rayz es una banda de amigos que tocan metal, y queremos que nos escuche la mayor cantidad de gente para generarles ese buen rollo y ambiente positivo que tenemos siempre encima. Cuando esté el nuevo disco disponible en el futuro próximo, queremos tocar en todos los sitios posibles para transmitir nuestro mensaje y dejar un buen sabor de boca a todo el mundo que quiera escucharnos. Eso es todo. Gracias por tu valioso tiempo. ¿Hay algo que quieras agregar? En nombre de toda la banda, volver a agradecerte tu empeño y dedicación para dar a conocer a bandas que no llegan a tantos medios de comunicación. Queremos decirles a tus lectores que pueden encontrar nuestra música, videos y fotos en las siguientes redes sociales. ¡Gracias por todo y reciban un fuerte abrazo! ¡Mucho Metal! ¶

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