LaCarne Magazine N46

LACARNE

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Nº46 - Feb 2016 - AÑO 5

ENTREVISTAS

rayden - marraqueta blindada - versos rotos- kaos urbano sergent garcia

INVESTIGACIÓN ciclo pulse!

EXPERIENCIAS

david bowie, el rey de los goblins - el drama lírico “juan josé” ii soulmade bcn 2015

el nuevo punk de bolivia

SUMARIO

N46 aÑo 5 FEB 2016

Revista digital de actualidad musical hecha por músicos y expertos

04 CARNICERIA SANZOT

David Bowie, el rey de los goblins

22 notas de paso El drama lírico “Juan José”

08 con flow Rayden

34 SALA DE CONCIERTOs II Soulmade BCN 2015

14 ARDE BOLIVIA! Marraqueta Blindada

36 parquesonoro Versos rotos

20 mozart no pensaria esto Ciclo Pulse!

40 LA VENTANA NACIONAL Kaos Urbano, Sergent Garcia

24 los skuff

El nuevo punk de Bolivia

Equipo lacarne magazine Directora y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y redacción Pedro Gallardo

Foto sumario por susan haecker * No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

Colaboradores

J. G. Entonado, Enrique Falcó, Crónico, paquita garcía, jorge ares www.lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

David Bowie, el rey de los Goblins

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e niño, a mediados de los 80 y casi por casualidad, en casa de mi vecino y amigo el también extremeño Ricardo Larios, gran guitarrista de los aclamados Darksound, descubrí una película de reciente estreno: Dentro del Laberinto (Jim Henson, 1986), en la que un tenebroso David Bowie interpretaba a un maléfico y enamorado Rey de los Goblins.

Al igual que su majestad Jareth, yo también me enamoré para siempre de una bella y quinceañera Jennifer Connelly, pero sin duda los primeros compases del “Magic Dance” propiciaron que me interesara para siempre por la carrera musical de uno de los artistas más grandes y completos que han existido jamás.

Hay personas que nos gustan sin saber muy bien por qué. Personalmente, David Bowie siempre me cautivó. De niño he de reconocer que algunas de sus canciones, aún sonando algo raras, poseían un encanto y un hado especial, que conseguían sorprenderte cuando te veías repitiendo alguna de sus melodías cada dos por tres. Poco a poco, con el paso del tiempo, repasando su larga, exitosa y noble historia, uno va entendiendo muy bien cual es el motivo: sin duda que es un artista irrepetible.

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La noticia de su muerte nos ha sorprendido con el pie cambiado, con el culo torcido, que dirían los de Muchachada Nui, y con una impotencia y una resignación que encumbra el famoso dicho que asegura que siempre son los mejores los que se van.

Sé que la carrera de David Bowie es inmensa, innovadora y que desde el mismo día de su muerte se suceden ríos de tinta narrando su obra, biografía, premios, reconocimientos.... Desde el mostrador de esta Carnicería siempre buscamos de una u otra manera la anécdota, la nota fresca e historia personal, y por ello es de justicia que nos centremos en aquella mágica película y su maravillosa banda sonora.

Como en todo proyecto cinematográfico, se pensó en varios artistas capaces de asumir el rol de Jareth. El problema es que no existían muchos cantantes que fueran capaces de interpretar papel semejante, y a la vez aportar gran peso en la composición y ejecución de la Banda Sonora del film. Se redujo finalmente el número a tres grandes inmensos artistas contemporáneos, a saber: Sting, Michael Jackson y David Bowie, aunque quien despieza la mejor carne para ustedes desde el mostrador de esta carnicería sin duda hubiera propuesto también a Freddie Mercury.

Sin duda, cualquiera de los anteriormente mencionados hubieran cumplido fácilmente con su tarea, pero desde casi el principio los productores se dieron cuenta que Bowie era el apropiado para el papel.

La película es de una más que recomendable visión independientemente de la edad, pero vive Dios que cualquier treinteañero que se precie no debería perder más tiempo para descargarla en el disco duro de su memoria. La Banda Sonora es formidable. Posee esa mezcla de toque infantil y fantástico, con canciones pop realmente excelentes.

Entre el propio Bowie y Trevor Jones se reparten los doce cortes de un álbum que no tiene desperdicio. Sin duda destacaría entre los temas de Jones, la canción número 4, “Sarah”, una bellísima pieza instrumental solo comparable con la protagonista que interpreta al mismo personaje.

Y de David Bowie, además del mítico “Magic Dance” (aunque se hace algo larga) y el tema de apertura, “Underground”, sin duda “As The World Falls Down”, y por supuesto “Within You”, con un break de apertura magnífico y realmente imaginativo.

Tras el primer visionado, acudí varios fines de semana al video club de mi barrio para tratar de alquilarla. No era nada fácil. Cuando por fin pude

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alquilarla, creo que la vi como doce o trece veces durante dos mágicos días. Incluso grabé desde la tele todas las canciones en mi viejo radio casette. Años más tarde tampoco me fue fácil conseguir el CD de la Banda Sonora, pero finalmente desde la mitológica tienda de discos pacense “Itaca”, la logré encargar tras pagarla a precio de oro.

La muerte de David Bowie no solo significa una pérdida irreparable para el mundo de la música. También se ha llevado a un mito de la infancia de muchos. Se habla de un nuevo remake de la película, pero entre nosotros ya les digo que no vale la pena. El Rey (de los Goblins) ha muerto, y nadie podrá portar su singular corona. Solo la bella Sarah parecía inmune a su poder: “No tienes poder sobre mí”- Le susurró para acabar con el maleficio. No todos podemos presumir de ello. ¡Larga vida al Rey de los Goblins! ¡Para siempre jamás!.

Contacta conmigo desde blogdeenriquefalco@hotmail.com

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RA 8 LaCarne Magazine

AyDEN

Texto por S. Plata

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uizás si os decimos el nombre de David Martínez a algunos nos les diga nada, pero si os decimos Rayden, seguro que la cosa cambia.

Desde que ganara aquella Batalla de Gallos en 2006, la vida de David cambió para siempre. Rayden comenzó a sonar y a hacerse un gran hueco dentro del panorama hip-hop nacional y latinoamericano.

Rayden es ya toda una referencia del hip hop nacional, y con su último trabajo, En Alma y Hueso, ha recogido muy buenas críticas. Ya sea en solitario o con otros proyectos, Rayden suma y sigue éxito tras éxito.

Hemos querido hablar con él para preguntarle por En Alma y Hueso y por el libro Herido Diario, que publicó en 2015.

Háblanos de tus comienzos en el hip-hop ¿cuándo empezaste a componer tus primeros temas? ¿tenías algún artista o banda referente?

Pues empecé en el 2001, y es un poco curioso porque yo empecé obligado. Me explico: tengo un grupo de amigos, en el que éramos tres y que nos gustaba la música rap, pero sólo uno de ellos era quien escribía las letras. Y una noche de parque, un 27 de Agosto de 2001 dijimos “oye, por qué no hacemos un grupo?”, y empezamos a hacer canciones. Y de ahí, un poquito por presión del grupo, comencé a escribir y mira, fíjate ahora!

Y de referentes, pues tenía a Nach y al Club de los Poetas Violentos por aquel entonces.

Cuando ya empecé a escuchar algo de Violadores del Verso y Falsa Alarma sí que dije “esto me gusta más”. Pero bueno, esas fueron un poco las influencias o los grupos que me llamaban más la atención.

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¿Y agradecido a esos colegas que de alguna forma te obligaron a escribir, no?

Sí, sí. Encima, uno de ellos es mi Dj. Llevamos juntos media vida, 15 años ahí compartiendo amistad y conciertos Y ¿cuándo decides dedicarte a la música, al rap y mostrarlo al mundo? ¿Recuerdas la primera la primera vez que subiste a un escenario?

Pues la primera vez creo que fue en las Jornadas Culturales del Instituto. Nos llamaron para que diésemos un concierto de media hora.

Y la primera vez que me planteé dedicarme a trabajar de la música, a ser músico, fue cuando nos enteramos que en Chile ya estábamos vendiendo maquetas, cosa que ni siquiera nosotros hacíamos. Mi Dj, con una grabadora, grababa Cds a cascoporro, y entre los amigos los rulábamos. Y lo subimos a internet, pero por los visto allí empezó a ser como un poco de culto y había top mantas vendiéndolo. Y luego se hizo un documental de rap en castellano, rap en español. Había un apartado en el documental del rap en Méjico, y hablaban de una tienda como que era la más icónica, la más típica de allí y tal, y entrevistaban al ven-

dedor que decía “ahora mismo lo que escuchan los chamacos es esto”..., y sacaba nuestra maqueta! Pero cómo puede pasar esto?! Y ahí fue cuando me dije que si algo que hago tiene suficiente valía o cala tanto para que al otro lado del charco, a casi 10 horas de diferencia horaria, lo escuche alguien, hay que explotar eso.

Hablemos del presente y de tu último trabajo En Alma y Hueso. Discazo en toda regla compuesto por 3 CD’s, y del que hay mucho que hablar. Para empezar queremos saber que si un solo disco ya lleva mucho trabajo, ¿cuánto tiempo se tarda en hacer todo esto?

Terminé de grabar el segundo disco, Mosaico, entre mayo y junio (salió en noviembre de 2012). Dejé una semana de descanso, y ya empecé a crear lo que iba a ser En Alma y Hueso. Estuve dos años maquinando el disco porque quería que fuese un disco conceptual, con las ideas bien diferenciadas: que Hueso fuese más lo que se espera de un disco de rap, y en Alma desdoblar ese significado para dar otros sentidos. Y luego había un Cd que lo metimos sólo en la versión física, que eran versiones acústicas en directo de algunos de mis mejores temas de toda mi carrera. De crear fueron dos Cds, que no es poco.

En cuanto a las letras, ¿habla cada disco de una temática diferente?

Sí. El disco de Hueso sí que habla de temáticas más cerradas. Es algo más ortodoxo y sí que trata temáticas y perspectivas de una forma más delimitada. Y Alma sí que quería que fuese un poquito más abstracto todo. Ahí puedo hablar de sensaciones, de sentimientos, de vida y muerte, de algo más que es inabarcable. Me lo quise plantear así desde el disco de Mosaico, que hice a lo mejor canciones que se podían echar de comer aparte. Y para el tercer disco de En alma y hueso me dije que había que reforzar esos dos caminos que estaba haciendo. Quería hacer un disco conceptual.

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En este trabajo has contado con la participación de muchos artistas como Leiva, Marwan, Nach, Rozalén, Mediyama o Momo, sólo por mencionar algunos. ¿Tenías claro quién querías que cantara en cada tema? ¿qué ha sido lo más importante para ti a la hora de trabajar con ellos?

Para mí, el artista con el que más me ha gustado colaborar, todos por igual, pero sobre todo con Leiva, porque desde el primer disco en solitario quería colaborar con él, y hasta este tercero no lo he conseguido. Al fin tuvimos la suerte de coincidir porque el art work del disco nos lo hace el mismo colectivo, nos lo hacen tanto a él como a mí. Y ya cuando coincidimos (gracias a Boa Mistura, que les debo una pata de jamón... jejeje), él ya había escuchado cosas mías y le molaba mucho. Y fue una pasada el poder alinear los planetas y poder colaborar.

Respecto a las colaboraciones, sí que tenía claro quién quería que colaborara en cada tema, porque si colaboro con alguien no es por “quiero poner tu nombre en los créditos”, sino porque creo que dentro de todos los artistas que me gustan, que son muchísimos, creo que sí que hay algunos que tenemos cosas en común. Si hago una temática que sí que creo que puede completar o sumar de alguna forma a algún artista, pues sí que hablo con él. Por ejemplo, con Nach y con Rozalén sí que ha pasado eso. Creía que iban a abordar la temática de la soledad, y es curioso porque cuando les metí en el estudio a los dos, cada uno tenía su letra pero se miraban como diciendo “qué quieres que hagamos? Este popurrí?”. Y yo “confiad, que todo va a salir bien”. Y al final te das cuenta que es eso si lo reduces a su esencia más sincera: son músicos que se juntan para hacer música. ¿Has quedado satisfecho con el resultado y con la respuesta del público?

Sí, muy satisfecho. No me lo esperaba. Nunca me espero tanto, y la verdad es que aunque el disco salió en Noviembre de 2014, este 2015 ha sido una burrada. No me esperaba esta aceptación de la gente, ni millones de reviews, ni premios como los de la Música Independiente…

Y hace poco también estuve nominado como mejor artista español a los EMA de MTV. Luego saqué un libro y fue número 1 en ventas… Ha sido una pasada todo el 2015.

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Y todo esto te anima a seguir hacia adelante ¿no? En realidad todo el trabajo merece la pena.

Habrá que hacer más cosas…

Sí, sí. Lo que pasa es que a veces tengo que dejar respirar también al público. Yo soy hiperactivo, y al final siempre estoy haciendo lo siguiente. Siempre tengo el segundo paso calculado y el tercero en mente.

Hemos visto que sigues con la gira de presentación y que ya tienes unas cuantas fechas cerradas. ¿Continuarás con los conciertos durante todo el 2016?

La gira la vamos a terminar en Marzo, y ahora empezamos festivales. Más o menos tenemos uno cada mes. Hay algunos que no puedo confirmar aún porque todavía no lo han anunciado ellos, pero, por ejemplo, sí que te puedo decir que vamos a estar en el Viñarock, en Arenal Sound y en diferentes festivales. Y luego haremos un final de gira, lo más seguro entre Octubre y Noviembre, con la idea de despedir el disco y empezar a presentar algunos temas del siguiente disco. Luego, ya en Febrero, saco el siguiente disco y en Marzo otra vez a empezar.

Para los conciertos, ¿te preparas igual que cualquier banda (independientemente del estilo)? ¿Son importantes para ti los ensayos? ¿qué le aconsejarías a las bandas?

Yo llevo Dj, y aparte llevo guitarrista y corista. Ahora también estoy empezando a incluir percusión en vivo. Lo que hacemos es que al principio de la gira ensayamos, lo dejamos todo perfilado hasta el más mínimo detalle, pero luego no somos los típicos que si tenemos dos o tres conciertos cada fin de semana también ensayamos dos veces más entre semanas, sino que dejamos también un poco de margen a la improvisación. Nunca un concierto es igual, cada público de cada ciudad es diferente y la conexión también es diferente, y a lo mejor sale alguna cosa de forma espontánea, o giros, o trucos, o arreglos que luego decimos “vamos a perfilar esto para el siguiente concierto”. Yo les diría eso, que a cada uno le funciona una cosa, pero yo creo que esos grupos que tienen dos o tres conciertos, y que ensayan otras dos o tres veces, pues a lo mejor lo tienen muy rodado, pero muy cerrado y muy hermético, y se pierde ese punto de espontaneidad. ¿Podríamos ver algo de material nuevo de Rayden este año?

En Abril sale mi segundo libro, por la Editorial Espasa, así que estará en todas la librerías y, como es una editorial muy grande, va a estar hasta en los aeropuertos, así que muy bien.

Y entre Julio y Agosto me meteré a grabar el cuarto disco que saldrá en Febrero del próximo año. Contaré también con algunas colaboraciones de muchos estilos de música, incluso internacionales. Así que muy bien, muy contento.

Hagas conciertos o saques material nuevo, estaremos muy atentos. Un placer poder hablar contigo. Muchas gracias por dedicarnos tu tiempo.

Gracias a vosotros! Gracias por dar cabida a artistas que no tienen tanta repercusión en medios generalistas, como es mi caso.

Qué sigáis bien y por muchos años!

http://www.raydenoficial.com/ https://www.facebook.com/raydena3bandas LaCarne Magazine

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marraketa blindada descarga toda su artillería contra la industria del rap en bolivia

Alfonseka: “Han dañado uno de los movimientos más emergentes en el mundo” Hablar de rap con alguien como Marraketa Blindada es abrir una enciclopedia del hip hop y su movimiento a lo largo de dos décadas, pues nos encontramos con Alfonseka en una de sus tocadas, momento en que LaCarne Magazine aprovechó para entrevistar al controvertido rapero. ¿Por qué decidiste tomar el nombre que actualmente tienes?

La marraqueta es el pan francés, al menos así lo entiendo, a nuestra manera y nuestra propia connotación, pues se dice que “con una marraqueta se ha armado la revolución”. Las marraquetas son “armas” corto-punzantes, por el filo que traen, la cresta que tiene encima. Por eso le decimos pan de batalla, por ese simbolismo que se utilizó para pelear en contra de la colonia. ¿Cuáles fueron los inicios del rap para Alfonseka, el personaje dentro de Marraketa Blindada?

Yo creo que estaba predestinado por los dioses del Hip Hop a tratar de salir a la luz. Desde colegio empecé a crear un poco de rimas. Un amigo me bautizó Alfonseka por el fútbol, porque

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juego mucho. Era Italia ‘90. Ahí surge la conexión del primer rap que escuchamos, que se llamaba “Mi abuela”, de un costarricense, y nos llamó la atención la letra que era divertida. Como no había mucho rap en español ese tiempo, aprovechamos en sacar la letra, jugar a quién aprendía mejor el rap. La evolución del hip hop nos ha llevado a encariñarnos muchísimo con Cypress Hill, Beastie Boys..., una influencia fuerte me llegó a mediados de los 90’s con Snoop Doggy Dog, Dr. Dre, Tupac, Run DMC, Public Enemy, que estaban haciendo cosas con Anthrax..., siempre el rock presente en la cultura del Paceño urbano. He encontrado en la música una contestación al sistema y a lo establecido. Así te puedes volver un hip hoper, o la vida te puede volver un hip hoper. ¿Cómo ha sido todo después de esos humildes comienzos hasta hoy?

YO soy Hip Hop, no hago música hip hop. Pienso que soy hip hop porque tengo 20 años en el movimiento, he visto nacer la escena, soy pionero en el rap aymara, en el Wayño-Rap, en la fusión con el charango, sigo experimentando... Son 15 años sin parar con Marraketa Blindada, me siento orgulloso de apadrinar a Lustrabotas, que hacen rimas en la calle, que tienen la honestidad de vender su disco porque viven en situación de calle, e irónicamente la gente se va a lo que es material a Bs 20, cuando yo muchas veces tengo que rifar mi material a 3 en 10 para salvar el pasaje.

Suena a que es un tanto ingrata la escena del hip hop en Bolivia…

En el momento en el que te encuentras metido en el movimiento, de haber dado esquina a mucha gente, te quedas sin soga ni cabra, porque esa gente es la que toma vuelo, la que te da la vuelta, la gente que se vuelve tu enemiga. Eso pasa en todos los movimientos y me ha pasado a mí.

El rap en nuestras tierras es un tanto social, como de crítica al pasado y presente. ¿Es eso inspiración para tus producciones?

Seguimos colonizados. Los errores que cometen los gobiernos también te inspiran para crear buena lírica, las atrocidades que disfrutas viendo con las derechas que han creado las nuevas adquisiciones de poder económico. Por ejemplo, han dado una clara muestra de que si te dedicas a ser comprometido con la lucha social te puedes convertir en portavoz de los demás. Eso me pasó, soy portavoz de gente que no puede tomar el micrófono para decir algo.

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¿Te has dado a la tarea de escribir en tus canciones al respecto?

Eso vengo haciendo desde el 98 con la música contestataria, de protesta, contra-revolucionaria..., porque vivimos en un “régimen revolucionario” entre comillas. La revolución nos ha llevado al Proceso de Cambio. Mal que bien ahora tenemos seguro universal, pero también hay mucha corrupción y narcotráfico, que no nos beneficia para nada. El rapero tiene que tomar conciencia que ya no es el neoliberalismo del “Goni” (Gonzalo Sánchez de Lozada, presidente derrocado en 2003) para atacar al gringo, ahora tiene que tener el coraje de mirarse al espejo, porque uno tiene el presidente que merece. Somos un Plurinational State, todo es en pro de una América que bien que mal existe en este continente, una América Indígena que está muy ligada a EEUU por la cultura Hollywood, porque somos Sudamérica, más dolida porque no tiene el progreso que tienen esas sociedades, ni la educación, ni nada… ¿Hay muchas personas en el rap que piensan de manera similar?

Estamos retrasados, la música está estancada, y eso genera un círculo vicioso, un movimiento enclenque, inseguro e inmaduro posero, que se benefició porque como no había, había que aprovecharse de ser alguien. Hay una camada de artistas que están en la escena que son possers, que han tergiversado la historia real de nuestra escena hip hop, y duele a los que estamos años en esto.

No salimos al extranjero a demostrar nuestra capacidad porque queremos estar aquí mucho más tiempo para que nos reconozcan, desde el Papirri, con quien ya trabajé hasta abrirme con el rap a la música folclórica, experimentar con fusión de estilos, que aquí son los que mandan. ¿Está Marraketa Blindada más armado que nunca?

Creo que nunca he bajado las armas. Tal vez

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la responsabilidad de tener 2 wawas (niños) me enfoca en lo que tienes que hacer, aunque no puedes dejar de hacer lo que has hecho desde que tu corazón te lo pedía. Es lindo pagar las deudas de ser un buen padre con lo que has ganado en la música. Eso también reclamo: veo mucho rapero inmaduro, un movimiento que nunca quiere generar una moneda, vender su material, no quiere imprimirlo, raperos de internet, nuestra solidez ha caído en un saco roto por culpa de muchos mentirosos, y nos hemos dañado mutuamente. Por eso el movimiento en Bolivia está retrasado. ¿Tal vez Marraketa Blindada sea un instrumento de denuncia de todo este “atraso”, como le llamas?

Estoy en las redes sociales. La página de Facebook es el medio donde van a poder denunciar las injusticias a los artistas, años de robos de derechos de autor, de violación, de difamación, de calumnia, de leyenda negra, que lo ha generado una ONG, que es una radio, que al mismo tiempo es una fundación, que no se nombra ONG, todo por estrategia política. ¿Qué institución u ONG es la que mencionasy qué hizo?

Esta ONG, que es la Wayna Tambo, ha generado una contracultura del rap hecho en ese lugar, que tiene su sello disquero, y ha generado una competencia injusta con el rapero independiente, como mi trabajo y chicos que siguen al día de hoy pobres, indignados, resentidos, retraídos, auto marginados de la escena que ha sido creada por este centro cultural, fundación o radio..., yo ya no sé qué es. Ahora ya tiene tres radios, está haciendo injerencia en Sucre, con el mismo modus operandi que ha hecho en El Alto, que le ha resultado con Abraham Jorges, conocido como el “Toriño”, del grupo UKAMAU, y el otro, que parece que le hubieran pagado para que desaparezca. Ellos han creado un compaginado que no es saludable.

¿Es cierto que esta conocida institución ha afectado al hip hop?

Porque ¿la opinión pública qué dice? Que la Nina Uma representa al hip hop boliviano. No representa más de lo que ha querido que represente esa fundación. Entonces el “hip hop Institucional” existe, el hip hop ha sido dañado por este rap que no es nuestro, pero ellos se lo adjudican. Por ese lado tengo que resolver, cerrar el círculo, recuperar lo mío, apoyar a los que hemos quedado desvalidos, huérfanos, desamparados. Ahora hay ministerio donde podemos pedir apoyo. Así como dije, Cantemos en Aymara, este movimiento que está jactándose de ser el Waynarap, quería ser pro chicano.

pero es chicano, onda payaso, anda tatuado, onda low rider, saltando, hay esa onda. Aquí no se ha implementado porque somos un país pobre. Imagínate: andan en bicicleta aquí, ¿qué va a tener tu bicicleta? ¿de gangsta? O sea chicano, ese estilo jurista del rap que no se ha dado aquí.

Les dije en el momento que Goni caía (2003): “muchachos, hay que hablar en aymara, nuestro rap va a tener un sentido si es que hablamos en aymara, nadie es aymara-parlante”. 11 años después me encuentro con diccionarios y libros en aymara, DVDs de Aprenda a hablar aymara, hacer a la fuerza lo que no he podido hacer, pasar clases de aymara, para combinar y tener un léxico más mezclado.

¿Cuál ha sido el momento que identificas que esta institución actuó?

Quiero dejar eso en claro, era un momento en el que el rapero boliviano se identificaba con ser chicano. No olviden que en Brasil, el ra-

¿Cada cuánto sacas material? ¿Cuál es la actividad de Alfonseka?

Cada mes saco material, maquetas, demos, algo nuevo que está en las redes desde 2007 para 2008. Cada mes produzco. En los meses LaCarne Magazine

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flojos, estoy haciendo un single. Pero estoy con 10 temas por disco, he llegado a los mil poemas, más de mil raps, quiero dejar un patrimonio intangible muy sólido. ¿En qué proyectos nuevos se encuentra Alfonseka hoy en día?

Estoy incursionando en proyectos como Hip Hop en Mi Barrio, que ahora empezamos con la Oh Crew de Esdenka Suxo. ...ir barrio por barrio, desde Chasquipampa hasta Villa Fátima, voy a rearmar el The Real WaynaRap, hablar en inglés-aymará-español-quechua, en lenguas hay mucha gente que le gusta hablar en inglés, no importa si eres aymara, mestizo o criollo. El speaking don´t have sense si lo haces sólo en una dirección, si lo mezclas puede ser algo saludable para el hip hop, porque se ha estancado gracias a estas injerencias de manejar el movimiento a su gusto durante una década, y como no puedes comparar nada, todos son unos mentirosos poseros, que han dañado uno de los movimientos más emergentes en el mundo actualmente, porque el “Rock está muerto”, ya todo es pose. ¿Ha cambiado Marraketa Blindada de hace 20 años a quien es actualmente?

Creo que mis temas ya han madurado. Canto canciones del 2000 porque creo que mis temas han madurado, y me encantan, cada vez siento que puedo cantar mejor, no voy a parar en la filosofía de ir y llevar mis discos, como muchos que no llevan sus discos en los bolsos porque no los tienen. Molotov, Manu Chao, Café Tacuba... les he entregado todo mi k´atu (bagaje) para que sientan que el hip hop nacional tiene power y es sólido, no industrializado, es artesanal, es con cariño, con ajayu (Espiritu). Esas son las diferencias que encuentro, porque es bien avanzado en el mundo, y aquí es artesanal, todavía iniciante. ¿Qué piensas cuando empiezas a componer tu rap?

Estoy haciendo una película de zombies con

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mi hijo, y me estoy inspirando en ellos, precisamente en ser no muerto. Con el Real Wayna Rap estoy tratando de encontrar nuestro ajayu escondido, y escribiéndoles a los que han violado nuestros derechos de autor. Existen, están ahí todos en el Facebook, esos tipos mamando. Es el momento de sacarnos la espina, y ayer me quedé hasta la 1:00 am escribiendo este tema, The real Wayna Rap is Back, cantando en varios idiomas. Un abuelo ha sido quechua parlante, otro estuvo en Inglaterra estudiando, tengo por ahí un abuelo aymara..., está en la genética, en mi sangre. ¿Hay un álbum que se estrene pronto?

Tengo un proyecto de saya rap, donde haya afro-descendientes y euro-bolivianos. Estoy preparando un disco que se llame Euroboliviano, donde me declaro europeo pero nacido en Bolivia. No nos quieren dar la nacionalidad, igual hay afrobolivianos que no pueden ir a Africa porque para qué ir a un continente que está siendo colonizado. En cambio, los Eurobolivianos no existimos ni siquiera en un juego de cartas. A través del rap le puedes refrescar la memoria de que existe el euroboliviano. Enfocado a ser un disco grande para ahondar en esa filosofía. ¿Tienes colaboraciones con otros músicos a partir de tu talento como rapero?

Edwin Mendoza, músico de Jazz, me invitó a salir en su disco, así como la rockera Sibah, que también me invitó a estar en su producción. Colaboramos en el soundtrack de Corazón de Dragón de Paolo Agazzi, estoy entrando constantemente en el estudio.

Fonseka, hablas duro, piensas duro, trabajas duro.

Sí, a veces la sociedad te “bajonéa” y te quiere quitar las pelotas, pero pueden encontrarme en el Facebook y las redes sociales. Estoy día a día con la energía de subir los temas, tengo mi dirección donde están todas mis canciones, y vamos a hacer discos con Hip Hop en mi

Barrio.

Despedida de Marraketa Blindada Tengo que quemar discos, mañana empieza la feria, y el domingo vendo discos en el Futbol.

Soy del Tigre (The Strongest equipo de La Paz). Mi conexión con el futbol también es importante porque como hago audiovisual, tengo la posibilidad de documentar material que lo distribuyo entre los partidos. Mi onda ya no es ir a ver, sino también ganar dinero.

Alfonseka, Marraketa Blindada, se encuentra promocionando su música y el talento emergente en el hip hop nacional. Tiene programa de radio HIP HOP BOL por Radio Culturas 102.4 FM (La Paz), además de El Shock de LA Marraketa Blindada por Palenque TV. Pueden seguirle por las redes sociales.

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Ciclo Pulse!

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esde hace año y medio aproximadamente, los que integramos el colectivo Raras Músicas nos empeñamos en traer a Madrid el ciclo Pulse!, un ciclo en el que se muestra la tensión improvisatoria del Free Jazz y el descaro y la frescura experimental de la No Wave, centrando esta propuesta en eventos musicales conducidos por el pulso de baterías y percusiones. Para ello, se forman varias bandas por evento con músicos invitados.

Ya llevamos 22 ediciones de este ciclo, y nos sentimos bastante contentos porque creemos que estamos aportando al panorama musical una propuesta no muy común en este país. Además, estamos consiguiendo traer a Madrid músicos que provienen de distintas partes del mundo (Italia, países nórdicos, UK, Australia, Sudamérica, Turquía….).

Es increíble como simplemente con entusiasmo y ganas de levantar un proyecto (porque tenemos presupuesto inexistente) hayamos hecho ya 22 sesiones repletas de buena música internacional. Con la ayuda inestimable del Centro Cultural La Tortuga (c/ Espada 6, <m> Tirso de Molina, Madrid, claro está). Un centro que tiene una filosofía muy diferente a los locales tradicionales del circuito musical. Se podía aprender mucho de estos tipos y muy poca gente presta atención a este fenómeno. Y después veo siempre colas inmensas para ver El Rey León jajajajaj… Bueno, esa es la inquietud musical que hay en España.

Les dejo unos cuantos links para que indaguen y se interesen por un género musical totalmente desconocido, y que es descendiente directo de Ornette Coleman, de DNA, y de otros grupos de la escena underground neoyorkina de finales de los 70’. Esperemos seguir con estos ánimos para seguir aportando nuestro granito de arena a la historia musical española (en este país no sólo existen la movida madrileña, Extremoduro, etc, etc….). No pretendo ser mordaz ni mucho menos, pero sí quiero ser claramente reivindicativo con esta música (sí, MÚSICA) tan ignorada y tan despreciada en tantas ocasiones. Espero que les interese, y también que algunos incluso lo disfruten: https://www.youtube.com/watch?v=FvnMW_0uNbw https://soundcloud.com/rarasmusicas/pulse-edicion02-nw-pieza-2 https://soundcloud.com/rarasmusicas/pulse-edicion-00-nw-house-band https://soundcloud.com/rarasmusicas/pulse-edicion-00-fj-house-band

Atentamente, J.G. Entonado & Arín Dodó (www.arintonadodo.com)

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EL DRAMA LÍRICO “JUÁN JOSÉ”

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asi medio siglo ha tenido que esperar “JUAN JOSÉ”, el drama lírico que Pablo Sorozábal terminó de escribir en 1968, para ser representado.

El llorado maestro luchó lo indecible para lograr ver en el escenario la que para él era su mejor apuesta teatral: un drama social basado en la obra de Joaquín Dicenta en la que había puesto toda su experiencia, su García talento y sus dilatados conocimientos musicales, pues, cumplidos los 70 Directora de la Compañía Lírica años, el músico vasco había alcanzado la veteranía en todos los aspectos.

Extremeña Veteranía de gran compositor en condiciones de afrontar una obra de grandes dimensiones artísticas, después de los veinte logrados títulos que había aportado a la escena, que están en la memoria de todos. Y es ahora, en este mes de febrero, cuando al fin, la “obra” casi maldita del compositor, ya obra póstuma, sube al Teatro de la Zarzuela.

Por Paquita

No fue Pablo Sorozábal un músico de fácil carácter. Genio y figura le acompañaron siempre. Hombre irónico, mordaz, y tremendamente sincero, era capaz de cantarle las cuarenta al lucero del alba, siendo muy crítico con los políticos al juzgar los derroteros por los que discurría la cultura. Todo esto le granjeó enemistades toda su vida, amén del hecho de ser un convencido liberal republicano que, con la verdad por delante y su rebeldía, no hacía sino poner palos en las ruedas de su propia existencia, padeciendo boicots y censuras.

Sin embargo, músico tan dotado, innovador y apreciado en el teatro lírico español, quienes como yo le conocieron de cerca, no pueden obviar su señorío, su afectuosidad, su sencillez y, pese a la amargura de tantos sinsabores, el fino sentido del humor que a veces afloraba en él, en su muy dilatada existencia.

El esperado drama lírico “JUAN JOSÉ” vive su estreno absoluto este mes. Siete representaciones desde el 5 de febrero en el Teatro de la Zarzuela, de la mano de Miguel Ángel Gómez Martínez como director musical, y como director escénico, José Carlos Plaza. En el reparto figuran dos sopranos extremeñas, Carmen Solís y Elena Rey, que gozarán del privilegio de estar en el elenco de la primera puesta en escena de la obra póstuma del inolvidable Maestro Sorozábal, a los 28 años de su fallecimiento. Todos los intervinientes auguran algo extraordinario porque se ha hecho al parecer una apuesta fuerte.

El caso de “JUAN JOSÉ” nos recuerda a aquel mártir de nuestra guerra fratricida, el burgalés Antonio José Martínez Palacios, uno de los denominados compositores del 27, cuya Opera de grandes exigencias musicales y escénicas, “El Mozo de Mulas”, lleva 80 años esperando ser representada. Los denodados esfuerzos de quien la acabó, Alejandro Yagüe, (cuando Antonio José fue asesinado la Opera estaba inconclusa), no han podido con la desidia y la falta de voluntad de la Administración para embarcarse en el gran proyecto de levantar esta pieza teatral. Bueno sería este año para reividicar al gran músico Antonio José, y conseguir el anhelo de tantos burgaleses: verla escenificada, pues hasta la fecha solo ha sido parcialmente interpretada en concierto. Sería oportuno estrenar “El Mozo de Mulas” cuando se cumple el 400

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Pablo Sorozábal aniversario de la muerte de Cervantes, ya que el tema de la Opera está tomado de un pasaje del “Quijote” pero…

http://www.liricaextremeña.es/ LaCarne Magazine

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LOS SKUFF - EL NUEVO PUNK DE BOLIVIA

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el nuevo punk de bolivia

Hablar de Los Skuff es hablar de una corriente musical que está a punto de explotar en Bolivia. El nuevo punk boliviano por fin está consiguiendo mostrar grandes bandas con grandes nombres, y Los Skuff quieren un hueco en el panorama nacional.

Acaban de publicar su último trabajo, No me importa ser así, y saltan el charco para promocionarlo en Europa por primera vez. Mucho trabajo y constancia son las marcas que perfilan las vidas de estos músicos, y las que aseguran que cualquier tema que puedas escuchar de ellos conecte al momento contigo. ¿Quieres saber algo del nuevo punk en Bolivia? Preguntadle a Los Skuff porque ellos tienen las claves.

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LOS SKUFF - EL NUEVO PUNK DE BOLIVIA La base de vuestro sonido es el punk rock, aunque sabemos que estáis abiertos a otros estilos. ¿Desde vuestros comienzos sabíais el estilo que queríais hacer?

Desde nuestros inicios sabíamos muy bien qué queríamos hacer, ya que ya habíamos estado en otras bandas de punk rock, y es lo que siempre fuimos, “unos chicos Punk Rockers”.

En ningún momento dudamos que Los Skuff debían seguir las bases y líneas del punk rock ¿Qué bandas escuchabais antes de formar Los Skuff? ¿Cuál es la que más os ha influenciado a cada uno de los componentes? Sabemos que os gusta el indie, el metal…

Primordialmente bandas como NOFX, Teenage Bottlerocket, Sum 41, Green Day, The Queers, Ramones, The Clash, Box Car Racer, +44, M.C.R., F.A.N.T.A, Airbag (los españoles), Gufi, Tronic, MxPx, Masked Intruder, Bowling For Soup, Flanders 72, Frenzal Romb, Alkaline Trio entre muchas otras…

En lo que es música indie, bandas como The Vines o The Hives hicieron mucho del primer disco, bandas de metal como Iron Maiden, Municipal Waste, Metallica o Slayer.

Hablemos de vuestro último trabajo No me importa ser así. Con respecto a vuestros anteriores trabajos ¿qué cambios o novedades vamos a encontrarnos?

Es un disco mucho más completo y mucho más diseñado. Desde el lanzamiento del primer Cd de la banda hasta este último, realmente maduramos demasiado y aprendimos mucho en el camino, a la vez cambiamos los integrantes, y es obvio que tiene otro aire, pero sin dejar de ser Los Skuff. Cada canción ahora tiene un significado, y algunos son muy personales, pero se puede ver cómo cada persona puede relacionarlo con su propia forma de vida. En este disco intentamos ser sinceros y buscar realmente lo que es el verdadero sonido de la banda, ya que con esto dejamos a entender cuál es nuestro camino y cuál es la forma de música que nos sale ya

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directamente. También sería bueno recalcar que ahora tenemos un integrante extra que es “Joey”, nuestro quinto integrante, que está plagado por todo el disco, panfletos y demás.

Nos parece muy importante, porque en “Joey” se muestra mucho de este 3er disco, ya que es un robot que se aparta de los demás porque no quiere ser como el resto y no está programado… está solo y vive su propia vida... se podría decir que en “Skufflandia”. Quisimos mostrar un disco interesante de ver, de leer, de tener en las manos y que sea divertido de observar, al igual que nuestro primer disco Las

cosas que eché a perder, que sea algo en donde siempre puedas encontrar algo nuevo desde la tapa.

Y el proceso de composición de los temas, tanto las letras como la música, ¿ha sido muy largo? ¿Qué parte de todo el proceso es la que os ha resultado más dura?

Sí, fue algo largo. Hacer doce canciones no es muy fácil cuando quieres que todas suenen bien, y que no haya canciones de relleno, como otras bandas hacen lastimosamente… Nos importa mucho que cada canción de la banda suene mejor que la otra, y si alguna canción va tomando un camino demasiado negativo, simplemente la desechamos y volvemos a empezar de cero, y lo hacemos mil veces mejor. Queremos que Los Skuff a la vez sea sinónimo de buena música y pegajosa para invadir las cabezas de los demás, y no salir de ahí en un muy largo tiempo.

Tenemos ya una forma de trabajar… Yo (Jamil), hago las bases en guitarra, letra y voz de una manera acústica, luego se los paso a toda la banda para que lo escuchen muchas veces y ya, LaCarne Magazine

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LOS SKUFF - EL NUEVO PUNK DE BOLIVIA a la hora de trabajar, cada uno dice qué aumentar, qué quitar, cómo arreglarlo o qué hacer para que suene mejor. Es una fórmula que funcionó desde el principio, así que supongo que seguiremos así. El proceso de composición y grabación de este último disco nos tomó más de un año, y unos seis meses de composición.

A la hora de componer ¿pensáis previamente en lo que el público quiere escuchar o simplemente hacéis la música que queréis?

Escribimos y componemos de una forma que intentamos que tanto la banda como el público esté conforme. Los fans y la gente que nos escuchan nos importan mucho. Nosotros no seríamos nada sin ellos obviamente, y queremos darles lo mejor de nosotros.

Tenemos letras algo subjetivas, justamente para que cada uno lo interprete a su manera, y a la vez tenemos letras muy personales, que intentamos poner en palabras que todos puedan disfrutar o entender, y modificarlo a su propia vida cotidiana.

Letras como “cuántas veces… yo fallé… mentí y después me fui… no me importa ser así, dime por qué sufrir, no lo haré por ti” pueden significar muchas cosas. Dependiendo de la persona, puede ser algo que le gritas a tu jefe después de un pésimo día de trabajo, o algo que le gritas a tus padres después de una regañadiente (dependiendo de lo joven que seas), o tal vez algo que le puedas gritar a tu novia o tu novio, simplemente estás diciendo en muchas palabras “déjenme de joder” y punto.

Una vez hechos los temas que compondrían el disco No me importa ser así, toca meterse en el estudio a grabar ¿dónde grabasteis y cuánto tiempo duró todo el proceso?

La grabación la hicimos en un estudio increíble aquí, en la ciudad de La Paz. Debo recalcar que nos hicieron sentir como de la familia, como en nuestras propias casas, y nos trataron con la más buena onda desde el momento que pisamos el estudio y dimos nuestras ideas.

El estudio se llama Demencial Records, y nos costó más o menos cinco meses de grabación,

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LOS SKUFF - EL NUEVO PUNK DE BOLIVIA en donde vimos de poco a poco cómo los temas tomaban forma hasta el proceso final.

Para hacer el disco ¿os habéis autofinanciado? ¿habéis barajado la posibilidad de trabajar con alguna productora?

Tuvimos que trabajar de manera independiente, y pagando totalmente todo desde nuestros bolsillos. No fue para nada fácil. Tuvimos que sacrificar mucho, pero cuando ya tienes el trabajo final en tus manos te das cuenta que vale la pena, y le das mucho más cariño a tu trabajo ya que te costó cada gota de sudor de tu frente.

Mucho trabajo y esfuerzo para finalmente tener el disco. ¿Contentos con el resultado final? ¿Cómo lo ha recibido el público?

Estamos demasiado contentos con el resultado final. Salió algo cien veces mejor de lo que habíamos planeado que saliera, es un disco que puedes escuchar mil veces y no te cansarías, eso es lo que me dijeron algunas personas, y el público lo recibió de una muy buena manera. Fuimos vendiéndolo y difundiéndolo aún de manera no oficial, ya que el lanzamiento oficial ha sido este 2016, a finales de enero, en donde realmente vamos a ver cómo la gente reacciona al 100%. Así que los que lean esto ahora y tengan la curiosidad de comprar el disco o escucharlo, tengan por seguro que aún tendrán un disco muy fresco, recién salido del horno y listo para hacerte mover la cabeza!

También habéis hecho un recopilatorio al que habéis llamado Garabatos. ¿Tiene algún significado especial este título? ¿Cuál es el contenido de este recopilatorio?

Es una respuesta que nos encanta responder… Se llama GARABATOS desde el primer momento que pensamos en hacer este disco.

Tiene ese nombre porque en realidad no es algo 100% oficial, o más bien dicho, no tenía que serlo. Era solo un pequeño proyecto, un garabato más que salía de nuestra cabeza, o una idea borrador (como quieran llamarlo)

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Foto por Susan Haecker

donde pensábamos colocar algunas cosas que nosotros pensábamos que era necesario sacar a la luz. Son 7 temas que grabamos en un ensayo, y así como salió lo pusimos en el disco. Es prácticamente escuchar un ensayo de Los Skuff desde tu casa… Así es como sonábamos esas veces en la sala de ensayos jajaja. A la vez tiene dos versiones acústicas que grabé en mi casa, solo con un mic y una guitarra hacia mi compu… Son dos temas, uno de nuestro primer disco llamado “Ella”, y otro de nuestro tercer disco llamado “Donde Estás”.

Además, tiene tres temas nuevos “The Fuji Song” o “No Quiero Despertar”, ”Esa Chica Punk” y “Bla Bla Bla”, que ahora son infaltables en nuestro repertorio en vivo.

Son garabatos de ese momento de locura, y como decimos: “cualquier error es solo una obra de tu cabeza”, para desligarnos de ciertos errores que tuvimos ese día de ensayo, como cualquier banda lo tiene y es algo divertido de escuchar. ¿Qué canción es la que no podía faltar en este recopilatorio y por qué?

La canción que no podría faltar sería “The Fuji Song”, ya que había compuesto esa canción en un momento muy importante para mí, y, por qué no decirlo?, en un momento donde andaba detrás de una chica con ese nombre… (o algo así), y después de componer el tema y ensayarlo decidimos grabarlo en un ensayo, junto con los otros 6 temas que ya estaban compuestos. Así que el tema inicial de ese disco fue esa canción.

Tal vez sin ese tema no se nos hubiera pasado por la cabeza hacer GARABATOS, ya después fuimos aumentando cosas… pero esa canción fue personalmente importante en todo ámbito.

En los conciertos que estáis dando actualmente ¿seguís presentando No me importa ser así o tocáis también temas nuevos? ¿tenéis muchos conciertos en los próximos meses?

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LOS SKUFF - EL NUEVO PUNK DE BOLIVIA Para estos meses están programados una cosa de 4 conciertos, tanto aquí como fuera de la ciudad, y de poco a poco ya iremos planificando otros. Depende a cómo vayan las cosas, y muchas veces los conciertos llegan porque sí, con una sola llamada, y otras veces hay que esperar un montón para ver dónde hay algún espacio. Por supuesto, los temas principales que tocamos en todo lugar son canciones que vienen en No me importa ser así, también algo de Garabatos, y una pisca de Las cosas que eché a perder.

Los Skuff sois una banda relativamente joven que está luchando por hacerse un hueco en el mundo de la música. ¿Cómo es esta “lucha” en Bolivia? ¿Cuáles son los principales problemas a los que se enfrentan bandas como la vuestra?

En primer lugar, es muy difícil conseguir que la gente acepte el género Punk. En nuestro entorno boliviano, y en especial en La Paz, la movida más grande es la movida Metalera.

Por lo general, el público va más a lo que es ese género (no decimos que está mal!). Hay bandas muy buenas de metal que hasta a nosotros nos encantan, pero eso quita un poco el espacio a las bandas de punk rock o pop punk, ya que todos aquí se hacen o son metaleros, y tienen la idea de sólo apoyar a esa escena, pero a lo largo de este tiempo fuimos abriéndonos un camino propio, y más que todo somos una de las pocas bandas de punk rock que sigue luchando y sigue sonando. Lastimosamente bandas de punk rock aquí solo duran una cuestión de meses, con suerte algunos años, y luego mueren y ya no se sabe más de ellos, justo porque no hay el apoyo o cambian el nombre o hacen otro género de música. Nosotros seguimos y seguiremos haciendo lo que nos gusta, y luchamos día a día como es la manera Skuff de hacer las cosas.

Algunas metas ya las habéis alcanzado y sabemos que tenéis muchos planes para el 2016 ¿Cuáles son los siguientes objetivos de la banda? ¿Podéis adelantarnos alguno de esos planes o alguna novedad?

Ahora lo que está en nuestra cabeza, después de tres trabajos discográficos, es empezar a planificar y hacer nuestro DVD con los videos ya lanzados a lo largo de la carrera de Los Skuff.

Además de que en ese DVD incluiremos un concierto que daremos en el Teatro NUNA (que es un teatro ya con mucho prestigio de nuestra ciudad). Además de eso, en este 2016 sabrán mucho más de nosotros porque estaremos al 100% con la difusión de nuestro No me importa ser así, más que todo ya planeando los viajes al exterior. Es un poco complicado por motivos de dinero y de tiempo para cada integrante, pero estamos viendo todas las posibilidades, así que espérennos que pronto escucharán y verán mucho más de Los Skuff.

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Os deseamos mucha suerte y éxitos, chicos! Gracias por hablar con nosotros, esperamos volver a hacerlo en un futuro próximo Muchas gracias a ustedes por el espacio, y más que todo por apoyar a las nuevas bandas que están dando todo para aportar a la música. Sigan adelante con ese trabajo que ayuda a todos los que estamos en lo que es la industria de la música y el arte. Sin personas como ustedes nosotros no seriamos nada.

De nuestra parte, Los Skuff siempre estaremos dispuestos y muy agradecidos de abrirles las puertas a ustedes, chicos!

Gracias por esta entrevista y a todos los Skuffers mandarles un abrazo. Sigan apoyando a la banda. Compren nuestro material y no se olviden que si no están en nuestra ciudad, pueden hacerlo con solo mandar un mensaje a la página oficial de la banda en Facebook, búscanos como “los skuff” o al link https://www.facebook.com/losskuff/ o a los “skuff rock” con el link https://www. facebook.com/skuff.rock.9 para coordinar todo!

Un abrazo y sigan punkeando, dudes!!!!

https://www.facebook.com/losskuff/ https://www.facebook.com/skuff.rock.9 LaCarne Magazine

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II SOULMADE BCN 2015 Barcelona - 15 Noviembre 2015 Texto y fotos por Jorge Ares

Festival multiartístico y multicultural que recoge nuevos proyectos en diferentes disciplinas artísticas de la ciudad de Barcelona. Artes plásticas, audiovisuales, danza, música... todo dentro de un mismo recinto con el objetivo de dar a conocer jóvenes promesas de la ciudad condal.

Nosotros estuvimos allí el pasado mes de noviembre haciendo un seguimiento en el apartado musical para descubrir nuevos talentos a nivel nacional e internacional.

El festival, que consta de dos escenarios destinados a la música, se ubica en el recinto incomparable del Poble Espanyol, que parece ser que se convertirá en su sede habitual, ya que la primera edición se realizó en el CCCB, pero debido al éxito y a la falta de espacio se ha trasladado a esta nueva ubicación.

MARASMA ZIBRA Grupo de origen argentino afincado en Barcelona. Violín, guitarras, electrónica y voz hacen de este cuarteto un grupo cercano al ambient, al folk y pop. Crearon una atmosfera evocadora y poética, trasladándonos a unos paisajes sonoros orgánicos muy adecuados a la zona tan natural donde nos encontrabamos. Un lujo para nuestros oídos.

HIPERCANDOMBE Grupo multicultural compuesto por un teclista, guitarrista, cajón, percusión y cantante. Proce-

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dentes de diferentes puntos de Suramérica y de Lituania. Nos hicieron un directo rockero, me atrevería a decir de ese rock argentino que tanto reconocemos en Tequila o Calamaro. Vozarrón de la cantante, sitar y gran alegría y positivismo que mostraron en el escenario. Nos hicieron disfrutar del momento y saborear unas cuantas cervezas.

SUPERSEXY SOUND SYSTEM & DASHA SOVIK Gran reto entre el dj extremeño afincado en Barcelona y la contorsionista rusa. Combinar la música electrónica del pacense y el contorsionismo elegante de la excomponente del Cirque du Soleil, y Finalista del programa “Tú si que vales”, fue un espectáculo diferente y muy propio del festival donde estábamos. Disfrutar de los movimientos de tal atleta coordinados con los ritmos rotos del catameño fue un auténtico espectáculo.

LILY COLOMBIA & BLACK AND BLUE Dueto Clown Centroamericano que alternaron un show musical para toda la familia. El ukele y la voz de Lily a modo de vedette nos sacaron la sonrisa a todos los asistentes. Lástima no poder disfrutar de toda la actuación.

DIEGO MONTIEL Su set dj con temas propios cargado de ritmos tech-house, junto con su voz deep, hicieron bailar al público asistente al escenario principal, en plena plaza mayor del Poble Espanyol. Su electrónica bailable nos hizo brincar y disfrutar de lo lindo, la gente se animaba y cada vez eran más los que sucumbían a los beats del barcelonés. Deseando escucharlo de nuevo!!!

Nos marchamos con Dj Lenma. Nos hubiera gustado escucharlo pero nos tuvimos que ir..., se nos hacía tarde.

http://www.soulmadebcn.com LaCarne Magazine

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VERSO 36 LaCarne Magazine

OS ROTOS

Versos Rotos nace en 2006, y desde que salió vuestro primer Ep, en 2010, ya empezasteis a compartir escenarios con grandes bandas, a tocar en los festivales de renombre… El trabajo duro ha dado muy buenos resultados ¿habéis tenido que hacer muchos sacrificios o renunciar a algo? ¿en qué habéis tenido que poner más empeño?

La clave de la banda ha sido mucho local de ensayo. El tiempo nos ha dicho que si no sembrábamos no recogeríamos nunca los frutos, así que en eso ha consistido básicamente nuestro día a día. Nunca se nos ha regalado nada, siempre ha venido después de mucho trabajo, y es lo que te anima a seguir peleando duro, que aunque sean pocas las gratificaciones, son reconfortantes como para no dejar de seguir intentándolo. Hay muchas bandas y muy buenas, y hacerse hueco entre tantas está muy cotizado.

Vuestro último trabajo Vacío Cuántico, suena muy bien y parte de culpa la tiene el productor José Caballero, recientemente galardonado como Mejor Productor en los Premios Independientes DAW. ¿Habías trabajado antes con él? ¿Quién dio el primer paso, él o vosotros?

Sí, estamos muy contentos con el resultado, es lo que teníamos en mente y José Caballero supo materializar esas ideas. Para nosotros ha sido un lujazo el poder trabajar con él. Congeniamos desde el primer momento y creemos que eso se nota en el resultado. El encuentro fue fortuito, pero estamos convencidos de que será una relación duradera.

Vacío Cuántico es un discazo desde el primer tema hasta el último. Para los que aún no hayan tenido la oportunidad de escuchar el disco ¿qué se van a encontrar en él? ¿qué les diríais para que lo escucharan?

Pues Vacío cuántico es un EP cargado de rabia, cargado de energía positiva y mucho rock.

Son 5 temas que no dejan indiferente. Todos los temas tienen un mensaje que invita a la LaCarne Magazine

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reflexión y a la reacción. Bastante similar a lo que busca la banda, una lucha constante y un pulso a los objetivos que te vas marcando día a día.

A la hora de componer los temas, tanto las letras como la música, ¿pensáis previamente en el tipo de público que os va a escuchar o simplemente los temas salen y ya está?

Los temas salen solos, no los podemos controlar. No hay una idea previa de qué buscamos o qué queremos conseguir. Cada uno de nuestros tres EP han salido como nos pedía el cuerpo en ese momento. No hay nada predefinido ni fijado.

Hemos visto el videoclip de vuestro nuevo single “Energías”, y tanto el tema como el videoclip han tenido muy buena acogida. ¿Qué pensasteis cuando lo visteis por primera vez? ¿Refleja lo que queréis transmitir con esta canción?

Nos quedamos con la boca abierta durante varios minutos. Flipamos. David Valero, el

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director del videoclip, ha sabido plasmar con todo detalle el mensaje, y podíamos extrapolarlo al EP completo. Desde el primer minuto confiamos 100% en él, y sabíamos que conseguiría sorprendernos. La lucha, los problemas y todas las peripecias del día a día nos hacen ser más fuertes y empeñarnos más a fondo por tratar de conseguir aquello que queremos.

Todo esto, para nosotros, queda reflejado de una forma muy lograda. ¿Qué significado e importancia tiene para vosotros este disco, Vacío Cuántico? ¿Cuáles son vuestras expectativas con él?

Pues nuestro objetivo es llevarlo a más oídos y a más ciudades. Esperamos moverlo como se merece, y que el trabajo no se quede en un local de ensayo. Para nosotros es un reflejo de nuestro día a día, por lo que trabajamos y en lo que creemos.

Estamos seguros de que este 2016 formaréis parte del cartel de numerosos festivales ¿tenemos razón? ¿habéis cerrado alguna fecha

que sea para vosotros importante?

Ojalá no os equivoquéis y dentro de nada os estemos contando la experiencia. Consideramos vital los festivales para bandas como nosotros. Es una forma de darte a conocer de manera más rápida que de ciudad en ciudad, compartiendo escenario con bandas locales, cosa que también nos encanta. Pero la gente en los festivales va predispuesta a escuchar y a descubrir nuevas bandas, y ahí tenemos una oportunidad que esperamos no desaprovechar. De momento, confirmado no hay nada, pero sí que estamos hablando con varios. Esperemos que cuajen y se cierren Además de conciertos ¿habrá tiempo para nuevos temas, nuevo disco o videoclip? ¿qué novedades podéis adelantarnos?

Pues nosotros no paramos. Estamos a pie del cañón en el local sacando nuevas ideas. Pero de momento seguimos moviendo el EP y tratando de colarnos en festivales.

Sólo nos queda deciros Enhorabuena por el disco! Seguro que este año Versos Rotos va a dar mucho de qué hablar. Gracias por atendernos!

Es un pacer para nosotros. Esperamos que así sea. Un abrazo de los cuatro para todos los seguidores de LaCarne y los amantes de la música.

http://versosrotos.com https://www.facebook.com/versosrotos/ LaCarne Magazine

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La Ventana Nacional

KAOS URBANO Texto por S. Plata Nos gusta saber que Kaos Urbano, que se formó en los años 90, aún continúa activo y dando guerra ¿Cuál ha sido para vosotros el mejor y el peor momento de la banda?

Bueno, pues es difícil hablar de esto pero creemos que habido 2 épocas que han sido las mejores: la primera, a finales de los 90, donde todo estaba en ebullición y nosotros pudimos estar allí para avivar todo y vivirlo todo desde dentro; y luego, esta última época de hace más o menos 3 años hasta ahora, en la que todo también está siendo jodidamente especial.

Bueno, y la peor época, suponemos que fue la de antes de dejarlo.

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Sabemos que hicisteis un parón de dos años y en 2010 volvisteis a los escenarios. ¿Cómo fue el reencuentro de la banda? ¿Y con el público? ¿Regresasteis con más ganas?

El cuerpo nos pidió a todos un descanso, muchos años, muchos viajes y conciertos… y además todos los miembros del grupo se encontraban inmersos en otros proyectos como La Banda del Destierro o Agresión.

El reencuentro fue bien, aunque realmente como amigos nunca nos hemos separado. Sí es cierto que volvimos con muchas más ganas, y el público respondió de la ostia en la gira de vuelta.

Habéis sido una de las bandas referentes de nuestro país de streetpunk y oi!, y muchos gru-

pos os han tomado como un referente. ¿Cómo veis vosotros desde dentro el panorama? ¿Hay una buena cantera?

El panorama está muy, muy vivo!! Y nosotros muy contentos de ello. Hablando de lo que nos toca ahora mismo, en la península hay unos grupazos fuera de serie, y aquí en Madrid sigue saliendo una cantera increíble siempre.

Leímos algo hace tiempo acerca de vuestro paso por un festival en Canadá ¿Cómo acaba Kaos Urbano al otro lado del océano? ¿Podéis contarnos cómo fue vuestra experiencia allí?

Pues para empezar, ni nos creíamos que nos estuvieran escribiendo desde allí para un Festival. Rápidamente nos pusimos en contacto con ellos y decidimos volver a cruzar el charco. La experiencia: una puta pasada. Jamás

pensamos que allí la gente iba a tener ese cariño y respeto hacia el grupo, y que tendríamos ese feeling con el público.

Fueron 5 días en los que vivimos de todo, casi fuimos detenidos en varias ocasiones… digamos que el desfase al que estamos acostumbrados aquí, allí no se lleva tanto… jajajaja… y la noche del concierto fue muy especial, con gente de muchos países (incluida una pareja que viajó desde Denver para venir al concierto), y nacionalidades diferentes y todos allí cantando nuestros temas. Sólo palabras de agradecimiento para la gente de Montreal que nos llevó. Algo seguro es que volveremos!

Vuestro último trabajo Sexo, Drogas & Streetpunk se publicó en 2013 ¿qué balance hacéis? ¿estáis contentos con la respuesta LaCarne Magazine

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La Ventana Nacional del público?

Pues para nosotros ese disco fue el volver a despegar, fue un disco bastante trabajado.

Muchas de las canciones fueron compuestas en la jodida gira de la locura por Latinoamérica “CON COJONES TOUR 2012-2013”, en la que salimos vivos de milagro en decenas de ocasiones, y creemos que muchos de los temas reflejan bien todo aquello. Al público creemos que es un disco que le ha gustado mucho, o por lo menos es lo que apreciamos de la respuesta en los conciertos.

Hemos visto que seguís con los conciertos y tenemos curiosidad por saber cómo os preparáis para los directos ¿pasáis mucho tiempo en el local de ensayo? ¿qué le aconsejaríais a una banda con relación a este tema?

Desde hace ya unos 3 años, o algo más, empezamos a preparar los conciertos como es debido, y preparando un buen espectáculo que, muchas veces aun llevándolo muy preparado, nos solemos dejar llevar y lo que nos pida el cuerpo en cada momento. La verdad que desde hace tiempo pasamos bastante tiempo en el local, y todos lo hemos notado, y bueno en relación al resto de bandas, cada grupo es un mundo, cada cual debe saber cuánto tiempo tiene que estar en el local. ¿Cuándo podremos escuchar nuevos temas de Kaos Urbano? ¿habrá nuevo disco en 2016?

Bueno, lo último que sacamos fue el tema de “Los mató el estado”, con Fermín Muguruza y Podri de Rat-zinger, y ese tema estará incluido en el nuevo disco que entraremos a grabar en Marzo de 2016.

Esperamos que sigáis dando caña mucho tiempo y poder veros muy pronto en directo. Muchas gracias por dedicarnos este rato.

Muchas gracias a toda la gente que seguís ahí haciendo grande esto, y dando difusión a la música en cualquiera de sus formas.

KAOS URBANO EN PIE DE GUERRA

https://www.facebook.com/KaosUrbanoOfficial/ 42 LaCarne Magazine

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La Ventana Nacional

SERGENT GARCIA Texto por S. Plata

Ha llovido bastante desde la primera vez que escuché por primera vez Amor pa’mí de Sergent Garcia. Por aquello de la edad descubrí otros estilos y otras músicas y le perdí la pista.

En mi vida hubiera pensado que años después tendría la oportunidad de hablar con él. Publicó en 2010 su séptimo álbum, llamado Contre vents et marées, y se embarcó en un proyecto fantástico llamado Guakamayo.

Después de todo este tiempo, he redescubierto a este músico, nómada, soñador y capitán de un barco cuyo destino aún está por escribir.

Tengo muchas preguntas que hacerle y mucha curiosidad por saber más del Proyecto Guakamayo y la relación del disco con él.

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A Contre vents et marées ha sido tu séptimo y último trabajo publicado. En él predominan los sonidos colombianos, a diferencia de tus anteriores trabajos. ¿Cómo ha sido este proceso evolutivo en Contre vents et marées? ¿Qué hizo que este disco se centrara en esos sonidos?

A fin de cuentas, lo que busco siempre es la química de la combinación. El hecho de que grabe en Cuba y Colombia influye en los sonidos, pero en este disco también hay reggae jamaicano. Diría que lo que hay que entender es que todos los géneros son consecuencias de mezclas y fusiones siempre. El ska no hubiera existido sin el aporte del rhythm & blues y de la soul music norteamericana, la cumbia tiene música negra, indígena y europea, el acordeón del vallenato es europeo, la salsa tam-

bién es fusión, y así toda la música popular.

El disco se grabó en Santiago de Cuba, Bogotá y Valencia. ¿Por qué ha viajado tanto la grabación de este disco? ¿Las mezclas y producción también las hiciste allí?

Casi todos mis discos han sido grabados en distintas partes del mundo. He tenido discos grabados en Jamaica y Cuba, en México.

Tiene que ver con la variedad de influencias y sonidos que tiene mi música. Las mezclas las hizo en París Cyril “Reptile” Noton, con quien he trabajado en discos anteriores, y se masterizó en Londres en Abbey Road, lo hizo Alex Wharton.

En este disco han cobrado cierta importancia dos nombres y nos gustaría que nos hablaras LaCarne Magazine

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La Ventana Nacional de ellos: Iván Darromán y Don Clemente. ¿Qué han significado para ti estas dos personas?

Iván Darromán es el director musical del proyecto Sergent García. Es una pieza fundamental en términos artísticos, y a quien debo mucho del sonido cubano que siempre me acompaña. Y Don Clemente, a quien le dedico un tema en el disco, es una persona que nos ayudó cuando el barco nos dejó tirados. Nos salvó, literalmente. Si no hubiera sido por él, quizá no estaría ahora contestando esta entrevista.

El título del disco tiene que ver con el mar y también con un barco… Hemos leído acerca del Proyecto Guakamayo y nos gustaría que le contaras a nuestros lectores qué es y qué relación tiene con el disco Contre vents et marées.

Mi idea original era grabar Contre vents et marées en el barco, que éste fuera mi estudio móvil.

Cruzar el Atlántico con él y detenerme en algunos puertos para hacer colaboraciones con músicos locales, pero al final esto fue imposible. El barco tenía problemas y nos fue imposible hacer el trayecto completo. De todas formas, el proyecto del Guakamayo impregna todo el disco. Es un disco marítimo, a pesar de que no se grabó en altamar como estaba planeado. ¿Cuál es la situación del proyecto? ¿Está en marcha al 100%?

Estamos arreglando el barco. Espero que dentro de un año estaremos listos para cruzar el Atlántico. La idea es llegar al Caribe, ir haciendo escalas y en cada una buscar músicos que vengan a grabar al Guakamayo. También investigaremos sobre la música, rodaremos un documental, hablaremos con la gente. Es un proyecto muy ambicioso y que me tiene muy ilusionado.

Personal y musicalmente ¿En qué momento te encuentras ahora? ¿Cuál ha sido el mejor y el peor momento en cuanto a tu carrera musical?

Yo diría que nunca he tenido un peor momento porque he tenido la suerte de hacer casi siempre lo que he querido. Desde hace unos años la situación para los músicos es muy desfavorable, pero eso forma parte de la vida y de la lucha por seguir avanzando, seguir entusiasmándose, seguir ilusionándose. Ahora me encuentro en el mejor momento, a tope de fuerzas para luchar, con un proyecto de barco-estudio para grabar en Las Antillas.

Después de 20 años de carrera musical ¿qué te queda por hacer? ¿Cuál es el futuro más cercano de Sergent García?

No me veo sin hacer música. Me gusta pensar que todavía hay Sergent García para rato. En el futuro cercano me veo viajando en el velero, y llevando a cabo mi proyecto de colaborar conjuntamente con los músicos locales para grabar un disco. Mi proyecto consiste en hacer una labor de rescate de la música popular y local, ayudar de alguna manera a que no se pierda la sabiduría de los músicos “anónimos”, que tienen mucho que compartir.

Hagas lo que hagas, te deseamos mucho éxito. Esperamos volver a encontrarnos contigo en un futuro no muy lejano. Gracias por dedicarnos tu tiempo.

Muchas gracias por los buenos deseos. Como estamos a principio de año y en una época de cambios, les deseo cambios para bien y que no se olviden de luchar.

http://sergentgarcia.com/es/ 46 LaCarne Magazine

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