LaCarne Magazine N54 by LaCarne Magazine

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europa y latinoamérica

Nº54 - OCT 2016 - AÑO 6

ile

de puerto rico al mundo

ENTREVISTAS

wolf and dog - gregorio kazaroff - ra beat - marce solís - raúl martínez aka jaro - okills - ansiolítikos - egregor - farragua - fônal paradise key - oscárboles - nexo - red route

investigación, EXPERIENCIAS y mucho más

MÁS INFO

SUMARIO

N54 aÑo 6 oct 2016

experiencias

folklore

40 la era digital, ¿una catapulta 06 mundo dj al escenario? 10 los ganglios y su nuevo disco entrevistas 14 la música no es un sueño 44 wolf and dog utópico 16 la escena grunge de seattle y 48 gregorio kazaroff lo que nos enseñó 50 ra beat 18 analizamos mirage de 56 marce solís digitalism 62 raúl martínez aka jaro 20 fiesta de la música, el 68 okills woodstock cochalo 72 ansiolítikos 22 david guetta en el stone & 74 ile music festival 26 degeneraciones progresivas 76 egregor 28 las bandas tributo y lo que 80 farragua, fônal, paradise key debemos reflexionar de ellas 82 oscárboles 30 la música y cervantes 86 nexo 32 katatonia y the falls of heart 88 red route investigación

36 arrabé, un programa sobre el Directora y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

http://lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

Colaboradores

J. G. Entonado, Enrique Falcó, króniko, paquita garcía, jpalomo, Sebastián díaz, yolanda jiménez, ceci beltrán, julie marín, julio abella, rafael jiménez, jorge ares, juan a. jiménez, alfonseka, luis lama, pere portell * No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

mundo dj os ganglios y su nuevo disco, segunda escucha (españa) la música no es un sueño utópico la escena grunge de seattle y lo que nos enseñó (eeuu) analizamos mirage de digitalism (alemania) a de la música, crónica del woodstock cochalo (bolivia) david guetta en el stone & music festival (españa) degeneraciones progresivas andas tributo y lo que debemos reflexionar de ellas la música y cervantes (españa) katatonia y the falls of heart (suecia) LaCarne Magazine

MUNDO DJ LEER MÁS

+ ULTIMA ACTUACIÓN DE AVICII

Raw.

Avicii pone fin a su carrera como dj en la cabina del hotel Ushuaïa Beach con tan solo 26 años. Seeb, KSHMR, Albin Myers y los Mambo Brothers fueron los dj que acompañaron al artista. Durante toda la noche se pudieron oír temas del artista que han sido muy famosos y nº1 como “I Could be The one”, “Wake me up” y “Waiting for Love”, más el tema con el que su vida cambió radicalmente y lo hizo famoso, “Levels”. Este dj ha contribuído al alzamiento de la música electrónica en todo el mundo, aunque haya detractores sobre este tema, su figura y sus producciones han hecho que este tipo de música se escuche más aunque tenga tintes comerciales. Os dejamos el tema que relanzó a Avicci https://youtu.be/_ovdm2yX4MA + NACE SUGAR CLUB EN MADRID Todas las personas que tengan ganas de “hardstyle” estarán pendientes de la inauguración en Madrid de una nueva sala llamada Sugar Club, donde todos los sábados sonará a 150 bpm, y que apostará por dj nacionales e internacionales y encontraremos el mejor early para los veteranos como Euphory y

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Esta tendencia musical tiene cada vez más adeptos, ya que sellos discográficos y festivales contribuyen a ello y se le da importancia como ejemplo este verano, que se han hecho fiestas en la Sala Marco Aldany. + CIERRE DEFINITIVO DE FABRIC LONDON

A día de hoy, el club permanecerá cerrado y no hay comunicado oficial después que se haya revocado el permiso. El organismo del barrio donde se ubica el local llamado “Consejo de Islington”, el cual comunicaba si obtenía la licencia o no, ha votado para que siga cerrado. La joya de la corona de las salas de la ciudad ha sido tocada, y tienen en alerta a los demás clubbers por esta decisión. Uno de los factores que ha hecho que no se permita la reapertura es el acontecimiento que

ocurrió tras la muerte de dos clientes allí por comprar y consumir droga. Había llegado un punto que no se registraba adecuadamente a los clientes, y era obvio que la mayoría estaban con los efectos de las drogas. Y esto ha hecho que la licencia se revoque al no hacer caso a una de las condiciones para otorgarla, que era la prohibición y consumo de drogas en el local. + MARSHMELLO ATERRIZA EN MADRID

+ COMO SE FABRICAN LA NUEVA REEDICION DE LOS TECHNICS

A través de internet, puedes ver el proceso de cómo se crean la nueva reedición de la serie SL-1200 de Technics. Esta precisión japonesa no está al alcance de todos los bolsillos. Os dejamos el enlace de cómo se realiza esta maravilla https://youtu.be/NYT9y6WqMm8. En el IFA de Berlín del año pasado, un nuevo prototipo firmado por Technics salió a la luz, y poco después se puso a la venta la nueva reedición, y ahora sabemos que en octubre se empezará a comercializar los nuevos Technics SL-1200G. + LA OBRA MAESTRA DE DEADMAU5

El 18 de Febrero del próximo año, llega a Madrid uno de los dj más enigmáticos de la escena electrónica y artista revelación del 2016, el cual se esconde detrás de una máscara peculiar y que ya es muy conocida. Marshmello actuará en la Sala la Riviera el año que viene para hacer bailar a todos sus fans. Os dejamos un enlace para que disfrutéis con unos de sus vídeos https://youtu.be/YnwsMEabmSo.

Este tracklist se estrenó en Singapur y pertenece al nuevo álbum que se estrenará próximamente. Este tema tiene mucho de progressive, y dicen los que lo escucharon que está muy por encima de su legendario “Strobe”. He aquí el enlace para que lo podáis disfrutar: https://youtu.be/rbmIx2JMgB0.

Estarán con él dj nacionales como The Zombie Kids, Sandro Avila, Subshock & Evangelos y el joven Selecta.

Este dj lleva todo el verano de gira y aún así, tiene tiempo para confirmar que habrá un álbum a finales de 2016. ¶

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DISPONIBLE EN VINYLO Y DESCARGA DIGITAL

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CONGA RADIO - “Right Beside You” MOOD HUT - “Better” LNRDCROY - “Ooze City”

DIEGO KRAUSE - “Realms”

IULY B - “Supersonic”

GAUSS - “Numerical Coefficients”

MARCO ZENKER - “Isolated”

8 9 10 8 LaCarne Magazine

JUNES - “Trails” VARIOUS - “We are getting closer” R ZONE - “Lumidei”

MĂ S INFO LaCarne Magazine

Los Ganglios y su nuevo disco, segunda escucha LEER MÁS

sí como los directores de la “Nouvelle Vague” reaccionaron en su día en contra de las estructuras que el mundo del cine empleaba en ese momento, Los Ganglios, posiblemente uno de los grupos extremeños más famosos del planeta, parece que vienen empleando una actitud parecida desde su irrupción en el mercado discográfico, aquel Cataclismo Electoral (GorDiscos 2011), que no hizo más que encerrar en forma de disco un concepto alternativo de entender que existen pautas diferentes en todo lo que se refiere a escribir e interpretar canciones, y cómo la cosa no tiene por qué quedar en algo tan sencillo cuando disponemos de fórmulas audio-visuales que pueden engrandecerlas y otorgarles ápices cuanto menos distintos, aunque éstos puedan parecer a primera vista o escucha algo desconcertantes. Igual fórmula se repetía en La Guapa y los Ninja (GorDiscos 2012), en donde ya se introdujo un DVD junto al cd de canciones, en lo que quedaba patente que Los Ganglios significaban algo que transcendía mucho más alla que una simple banda de música. Sin embargo, aquellos directores de la “Nouvelle Vague”, aunque eran capaces de desconcertar a crítica y público utilizando por ejemplo iluminación natural, o apenas un par de planos y un fundido en negro con sonido de fondo para narrar un accidente, o presentando a un personaje de la película que le hablaba

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españa

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directamente a la cámara, de vez en cuando, aunque no hiciera falta, dejaban alguna pincelada de calidad, como un plano secuencia de diez minutos, para que no quedara duda, si es que por un momento existía, de que ellos dominaban por completo el lenguaje cinematográfico existente, y que mostraban lo que querían y como querían, y que aquello no era fruto ni de la casualidad ni cuanto menos de la ignoracia o falta de experiencia. Algo parecido está ocurriendo a este inclasificable grupo de creadores audio-visuales, intérpretes de directos inimaginables y letristas surrealistas con sana dosis de humor irónico e irreverente. Desde su último trabajo, Lubricante (GorDiscos 2014), Xoxé Tétano y los suyos parecen empeñarse en demostrar de vez en cuando, que si ellos quisieran, podrían convertirse, y con éxito, en un grupo de música serio y convencional, incluso de varios estilos diferentes. Si bien es cierto que la ironía, el sentido del humor y el surrealismo está presente desde sus inicios, cierto es que desde aquella obra audio-visual: “Hay”, grabada por una cantidad irrisoria y con un resultado formidable, también con sorprendente desenlace de nivel musical, nos sorprendieron con un trabajo en el que nos mostraron que si fuera su intención podrían ser pinchados sin ningún problema en radio fórmulas con una calidad musical en toda regla. Así lo demuestran temas como “Lol”, “Calvario”, “Al Final”, “El Quijote p” o “En Noruega”, que albergan diferentes estilos y excelentes melodías, o temas como “Gafas de aluminio telefunken”, con bajo espectacular e impresionante letra surrealista. Personalmente, desde el mostrador de esta insigne carnicería, vengo narrando desde hace tiempo que uno se sorprende con los directos de los de Montijo. Bien es cierto que la dosis de buen humor y cachondeo están presentes casi desde antes de comenzar la actuación, pero cada vez más soprende la aportación a la guitarra de Rafael Filete o los teclados de Leli Loro, e incluso los giros vocales de Xoxé Tétano.

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Una vez más, confiando la producción a Pepe Coca, no han escatimado en medios para ofrecer el mejor sonido posible en su nuevo trabajo Segunda Escucha. La colaboración de Brandon Lewis a la batería acústica en todos los temas es algo más que relevante, ya que es la primera vez que deciden contar con un baterista para hacerlo. Solo con su contribución en “Vivencias Propias”, su participación está más que justificada. Precisamente “Vivencias Propias”, el single de adelanto y que es con diferencia la mejor canción de Segunda escucha, se nos presenta como una canción con un sonido que podrían firmar los mismos Extremoduro, o incluso cualquiera de aquellas bandas transgresoras de los 80 pero con un cierto toque incluso comercial.

Tras las primera escucha, casi no ha habido que recurrir a la segunda, y muchos músicos relevantes de la región coinciden medio en broma, medio en serio, que con algún cambio en la letra ya debería ir siendo hora de cambiar el himno de Extremadura. Ese “soy extremeño, tengo derecho” llega más al corazón que “nuestras voces se alzan”, y sin duda, “Vivencias Propias” es una canción que atrapa no a la segunda, sino a la primera. La pista de batería es formidable, las guitarras y bajo suenan de lujo, y la voz de Xoxé Tetano no la mejoraría ni el propio Robe Iniesta. En el resto del disco destacan canciones como “Los arquitectos”, “Un poco de cero” y la rapera “Ceguera de rap”. Siguen encontrándose las historias tronchantes en temas como “Fortunata y Jacinta”, “S.A.N.Z” u “Ojos comunes”. Y una grata sorpresa con colaboración a la

voz de Rodrigo Cuevas en “Asturies Triste”. En definitiva, más de Los Ganglios, más de su humor, su cachondeo, su irreverencia y sus ganas de contar historias cotidianas como nadie es capaz, pero con esa sensación incontrolable de querer convertirse poco a poco en una buena banda, que ofrece calidad e independencia musical a partes iguales. “Vivencias Propias”, el single que ha de arrastrar al álbum hacia su mayor éxito, sin duda debería sonar hasta en las radios fórmulas. Aunque mejor que nuestros geniales e inclasificables amigos no se lo empiecen a tomar tan demasiado en serio, o no sabemos la que son capaces de liar. Segunda Escucha no es más que el título, porque ya de primera entra, y entra pero bien. ¶

www.losganglios.com/ LaCarne Magazine

la música no es un s estilo que los define y caracteriza a todos y cada uno de ustedes en sus géneros.

mpiezo este artículo con una frase que marcó quizás mis ánimos de seguir luchando a diario por mi sueño de la música, ésta dice “este negocio es una carrera de resistencia”. En el momento quizás no lo entendía de la mejor manera, porque decía que yo no estaba corriendo contra nadie. Después de un tiempo me he dado cuenta que compito a diario conmigo mismo. Muchas veces conocemos músicos formidables, personas con talentos brutales que simplemente parecen disuadirse con el tiempo, perderse en los años o volverse fantasmas de un sueño que pudo llegar pero no fue así. Son esos conocidos que quizás se quedaron esperando su oportunidad o vieron pasar el tren, pero no decidieron tomarlo. Quizás ha sido un comienzo un poco fuerte, pero es la mejor manera de haceros entender la importancia de trabajar con perseverancia, porque las cosas no llegan solas, requieren trabajar de forma responsable para lograrlas. Tomen cada día como una oportunidad para mejorar su música, siempre pensando que en cada momento se puede corregir algo en sus ritmos, letras o ideas de sus canciones.

“Querer ser el mejor no consiste en levantarte en la mañana y decir seré el mejor.” La música, al igual que la medicina, nunca deja de cambiar, siempre hay nuevos ritmos, técnicas, efectos, formas de producir o evoluciones de sonidos que ya existen, es por esto que es necesario que siempre busquen estar con las nuevas tendencias, sin abandonar el

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Otro consejo que puede ayudar en esta utopía es vivir cada día y cada momento como la oportunidad para generar algo que puede significar un antes y un después para ustedes. Por ejemplo, tener siempre a la mano una libreta y una pluma para poder plasmar una idea que tuvieron, y que puede ser la “idea del millón”. Una de las personas que más admiro en su forma de componer es un cantante venezolano. Su alias es “Nacho”, y en sus videos demuestra cómo cada idea ensamblada de la forma correcta se puede convertir en un hit. A lo que quiero llegar con esto que les estoy comentando es que ninguna idea debe ser desechada, porque puede convertirse en algún momento en ese “no sé qué” que estaban esperando que llegara. A veces parece un cliché, pero las mejores ideas han llegado en los sitios y los momentos menos esperados. Otro consejo va de la mano de lo que hablábamos hace un momento, siempre se debe trabajar fuerte, cada vez más y más. Querer ser el mejor no consiste en levantarte en la mañana y decir seré el mejor. Si bien es parte del proceso, es necesario constituir ese sueño de forma responsable. La formación es vital para un artista, ingresar a un instituto donde puedas instruirte como cantante, músico o productor es un requisito fundamental para poder comenzar a vivir este sueño sin verlo como algo imposible. Para cerrar, quiero invitarlos a que vivan su utopía como algo posible, no vivan esperando que la suerte llegue a sus puertas. Todo lo contrario, trabajen, fórmense como músicos y conviertan esa puerta en oportunidades que se generaron por su temple y los méritos de volverse cada día mejores músicos. ¶

sueño utópico

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la escena grunge de seattle y lo que nos enseñó eEuu

magina un pueblo donde músicos alquilan un salón y van bandas y bandas, y donde el público es exactamente esas mismas bandas y los amigos de ellas, que también tienen bandas pero no fueron a tocar en esa ocasión. Imagina agrupaciones que son refritos de bandas famosas como Ramones, y cualquier banda que deseas ver pero nunca pasan por tu zona durante las giras. Imagina ese montón de bandas tributos y estratos bajos baratos de esas bandas que quieres ver, alquilando y entre amigos, tocando por simple diversión. Pues sí, dirás que suena a una descripción minimalista de tu pueblo o tu país, pero no, te estoy hablando de la escena de la grandiosa Seattle. Sí, ese pueblo donde un chico llamado Kurt Cobain se voló los sesos en un auge de explosión existencialista. Así que la pregunta que se te vendrá a la mente sería, ¿cómo un conjunto de desastres pudieron generar una alta combustión y proyectarse tan rápidamente, y a su vez atraer a todos los que una vez simplemente ni les escupían porque eran totalmente inexistentes para lo que sucedía en la dimensión social de los 80s-90s? Pues toma nota y prepárate para el viaje. Seattle era ese sitio que era conocido por ser

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el lugar con las cifras más altas de asesinatos en serie, un lugar frío y desolado, donde ninguna banda pensaba tocar, por ende, la escena de Seattle se caracterizaba por crear sus propios eventos y funciones, tenían todas sus copias de otras bandas de la época, apenas salías de la secundaria y ya sus garajes eran centros de operaciones, y lo simpático de este movimiento es que las bandas no se peleaban unas a otras. De hecho, Johnny Ramone (Ramones) consideró que la escena de Seattle era digna de admirar por la falta de rivalidades y cómo las bandas se apoyaban unas a otras. Y es que estos chicos les compraban discos a las bandas de sus compañeros, y éstos a su vez la misma dinámica. Los eventos eran desde pequeños hasta grandes, el carisma generado poco a poco se va fluctuando, y se empieza a engendrar una mezcla de toda la música del momento. Estos mismos chicos compartían a su vez bandas con otras bandas casos como el de Temple Of The Dog, banda formada para homenajear al carismático Andy Wood de la banda Mother love bone, donde fue conformada por los integrantes de Soundgarden y Mother love bone, lo que para ese entonces luego se convertiría en Pearl Jam, así sucede con The Melvins, MudHoney, y tantas bandas por mencionar, pero todas compartían una pasión, la música, y esta pasión y la falta de rivalidades generó tanto ruido, que Seattle se volvió un centro de operaciones musical, tanto al punto de volverse una

Mother love bone - 1990

marca. Estos chicos sólo se divertían, vestían en función a como vivían, y poco a poco se fue generado estereotipos donde prendas de tan solo 10 o 15 dolares pasaban a tener valores de 300 dolares por solo tener de etiqueta Grunge y Seattle. Chicos que armaban sus propios afiches, tenían una estética de trabajo minimalista de lo que su vida representaba, hicieron generar el boom de los 90s, siendo ante sus padres de los 80s unos asteriscos, superaron las escalas y dejaron una huella ante su generación. ¿Qué nos enseña esto? Que siempre es importante el trabajo en equipo, siempre buscar divertirte, no pensar en cuánto falta para que te descubran. No hay un tiempo para que las cosas sucedan, pero sí hay un

tiempo para que aprendas a apreciar todo lo que haces, y es ahora. Forma tu propio team de bandas, esto no solo sucede en Seattle, esto sucede alrededor del mundo. Tomo como ejemplo la banda Venezolana Zeta y la banda Colombiana Desnudos en Coma, son de distintos países pero formaron una alianza y se dedican a trabajar juntos y a formar giras alrededor de América. Así que aprende eso porque esto genera una imagen y una manera de compartir comunidades de fanáticos con otras bandas. Esto es precisamente lo que la escena de Seattle nos ofrece y enseña. No lo dejes perder y aprende de ella. Saludos y los mejores deseos. ¶ LaCarne Magazine

analizamos mirage de digitalism alemania

LEER MĂ S

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irage es el cuarto álbum de los alemanes Digitalism, y fue publicado este pasado mes de mayo. Este disco, que contiene 15 fantásticos tracks, pertenece al sello Magnetism/ Pias, cargado de pura electrónica de la etiqueta French house, y lo vamos a analizar tema por tema para vosotros. Empezamos! Arena: Es el tema más puro french house. Los efectos y sonidos tan peculiares de vocoder y filtros son fundamentales es este tema, que para abrir boca es un buen comienzo.

Mirage (part one): Un track largo, como si fuera una intro en medio del disco. Muy ambiental.

Battlecry: Este corte es una bomba electro. Guitarras, voces ensuciadas y estribillo pegadizo. Buenos beats, sin duda unos de los mejores temas del disco, si no el mejor.

Mirage (part two): La continuación del anterior. Sigue habiendo mucha influencia de sintetizadores ochenteros, muy de B.S.O de serie de ciencia ficción.

Go Time: Otro gran track de new rave. Volvemos a las guitarras, voz pegadiza y popera junto con sintetizadores de corte retro. Probablemente la mejor canción del disco.

Indigo skies: El tema más tranquilo junto con los dos anteriores. Cuenta de nuevo con voces, y sin duda es una gran canción por su estribillo y su melodías.

Utopia: Canción de ritmos house, instrumental con buenas líneas de bajo y sintetizadores vintage. Además, durante el progreso de la canción vemos la evolución de la melodía, que se te transmite fácilmente.

Dynamo: Otro corte zapatillero de techno house. Nos hemos relajado un rato y ahora volvemos a la pista de nuevo. Bajos que evolucionan con fuerza y ritmos violentos. No necesita nada más, pura energía.

Destination Breakdown: Volvemos a un tema cantado. Mucha influencia de sonidos ochenteros en sus sintetizadores, y de nuevo la voz ensuciada con filtros y efectos. Un track que se hace corto por su progresión de menos a más en cuanto a crudeza y efectos fuzz, sin perder el toque retro.

The Ism: Empieza con un flow funky e incluso rap, para convertirse en un tema muy de Fatboy slim, con scratches y un rollo muy Big beat.

Power Station: Un mazazo de puro technohouse. Línea sencilla pero muy contundente, y sobre todo muy bailable. Ritmos 4x4 con una línea de bajo que evoluciona poco a poco hacia la psicodelia. Un rompe pistas!!! Open Waters: Empieza con elementos típicos del house. Nuevamente una canción con influencias ochenteras y con unas guitarras muy pegadizas, que junto con la aportación de la voz pop le da un toque muy rico.

Shangri La: Otra canción de puro pop. Voces melódicas, ritmos ochenteros a un tempo más tranquilo. Buena canción para ir despidiendo el disco. No cash: Otro tema puramente house. Filtros claros y sonidos que se repiten poco a poco dándole un toque funk. French house sin duda. Blink: Y colofón final del mismo estilo. Recuerda en sus guitarras y efectos a los Daft punk. Te hace mover el cuerpo sin olvidar de los vocoders tan importantes en este estilo musical.

Disco bastante completo que merece un notable alto, y que les ha permitido formar parte de festivales nacionales de talla importante como el Cruilla, repitiendo este otoño en Madrid y Barcelona. ¶

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fiesta de la música crónica del woodstock cochalo

olle, Chilijchi y Jacarandá. Así se llamaron los 3 escenarios en los que se realizó la última versión de la ya reconocida y querida Fiesta de la Música en Cochabamba. Empezó hace 19 años como una iniciativa de la Alianza Francesa con el apoyo de la Embajada de Francia, siguiendo la tradición de celebrar el primer día del solsticio de verano. Ahora se nos presenta como una plataforma de encuentro con la naturaleza y con el arte, este 2016 bajo el tema Música en el parque. Alrededor de 39 bandas tocaron en el Parque Lincoln, tan típico de la Llajta por sus extensos espacios verdes, ornamentados con fuentes e infinidad de árboles. Para los paceños, la experiencia nos remite a los famosos festivales internacionales como Coachella, Lollapalooza o Glastonbury, tan colmados de gente y cultura, días seguidos de presentaciones paralelas a una audiencia en constante movimiento de un escenario a otro. En este caso, fue solamente una fecha, 18 de junio, pero esa esencia se sintió. Ya desde principios de la tarde se instalaron las actividades artístico culturales, llamando a personas de todas las edades a participar. Yoga, pilates, origami, breakdance..., una diversidad completa. Desde las 5 p.m. los escenarios principales tocaron los primeros acordes de un día colmado de música. Una distancia perfecta entre cada espacio, no tan lejanos como para hacer tedioso el recorrido, ni tan cercanos como para perderse entre sonidos simultáneos.

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bolivia

MOLLE Un escenario más rockero. Empezó con nuevas propuestas como Oportuncrisis y Astrofónica, para dar paso a bandas que han logrado establecerse en su escena cochala como Odd Culture y Humano. Mandíbula fue el puente hacia la noche. “Esto que está sucediendo ahora es histórico”, decía Miki en el micrófono para resaltar cómo está creciendo la música alternativa en su ciudad. De pronto, el escenario mutó hacia un sonido más pesado. Bramido, que clasificó a tocar uno de los 4 domingos de Illimani metal de este año. Cartel Afónico fue un punto clave de la noche, y luego se recibió el metal híbrido de Agoriz y el black metal folklórico de Oscuro Mito para cerrar la noche. CHILIJCHI Sin duda un escenario más experimental y atrevido, aunque también en evocación a raíces más propias, como con Luciel Izumi, cha-

ranguista del género folklore y andino. Sariri siguió esa misma línea, aunque Chicas Delfín le dio un vuelco total por ese sonido tan rememorador a Joy Division. Desde Wookie Dread, el escenario tornó su alrededor en pista de baile y Lokotos Crew, agrupación de rap de la LLajta, terminó la noche. JACARANDÁ Quizás fue el escenario que más se llenó. Comenzó con propuestas más andinas e instrumentales, pero luego llamó más rockera e independiente. Desde la noche, Chili Jam tornó a Jacarandá a un escenario grunge. Oil también tiene una esencia similar, acústica y pesada a la vez, que llenó por completo su extremo del parque. Tiquipaya Golden Blues Band fue como un intermedio que refrescó y divirtió a todos. Pero ya cerrada la noche en Molle, y a pocos minutos de terminal Chilijchi, Radio Ghetto sacó a la memoria los clásicos de Marley, y todos cantaban “No woman, no cry”, dando fin a una noche exitosa de música en el parque. ¶

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david guetta

españa

en el stone & music festival

n la ciudad de Mérida (Extremadura/España), se está celebrando durante todo el mes de Septiembre un Festival llamado Stone & Music Festival, que combina la música y un marco incomparable como el Teatro Romano que hay en esa ciudad, claro está, respetando su aforo y todas las limitaciones que conlleva un Monumento de esas características. Por eso, algunas de las actuaciones no se celebrarían en el Teatro, y se harían en un sitio como el Albergue Juvenil, donde ya se han celebrado multitud de conciertos de gran capacidad, como cuando vino Iron Maiden a la ciudad, con cerca de 20.000 personas. El concierto de apertura del Festival se celebró en el Albergue Juvenil, ya que la idea era em-

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pezar con un peso pesado dentro del panorama mundial, y sabrían que habría muchos problemas de aforo y de infraestructuras, ya que lleva todo un espectáculo en su gira. Ese peso pesado es nada más y nada menos que David Guetta, junto con otros artistas como Jonas Blue, Huguel, DJ Nano, Fonsi Nieto y los artistas extremeños Zeus y Julio Indiano. Maribel Pérez Gálvez y un servidor tuvimos la suerte de estar en primera fila para contarlo. LA ACTUACIÓN DE DAVID GUETTA Sobre las ocho de la tarde se abrieron las puertas del recinto, y empezaron a entrar los primeros de los cerca de diez mil asistentes, destacando la cantidad de gente que vino de nuestro país vecino, Portugal. La verdad es que nada más entrar lo primero en lo que nos fijamos fue sobre todo en ese gran escenario que ya te hacía ver que lo que

se iba a presenciar iba a ser algo poco visto antes en Extremadura. Pero otro factor en el que nos fijamos inmediatamente era en la gran organización que había detrás de todo esto (seguridad, policía, ambulancias, servicios y barras de sobra para evitar embotellamientos, riego del recinto poco antes de abrir y de sus aledaños, prensa bien atendida). Todo se veía a la perfección y estaba todo perfectamente calculado. El primero en subir al escenario fue el Emeritense Julio Indiano, y enseguida demostró su buen hacer a los platos, ofreciéndonos un repertorio de temas de estilos como el Deep House, House, Progresive y algo de TechHouse, y ya se notaban las ganas que tenía la gente de pasárselo bien.

tardó muy poquito en llevarse al público, que ya estaba rondando la mitad de los asistentes, al bolsillo. Me esperaba algo más de técnica de un DJ Internacional, aunque es algo a lo que ya estamos acostumbrados, y es que hoy en día una buena promoción hace mucho. Acto seguido, subió al escenario Jonas Blue, productor inglés, que tiene sus temas en gigantes como EMI o Virgin gracias a que su remix, junto con Dakota en el 2016 del conocido tema de Tracy Chapman “FAST CAR” (1988), alcanzó el número dos en las listas de Reino Unido, al igual que en Alemania, Australia, Suecia y Nueva Zelanda, aparte de alcanzar otros picos en listas de vídeos y países bastante asombrosa.

En segundo lugar subió nuestro segundo dj local, Zeus. Elegancia y mucha profesionalidad es lo que demostró a los pocos segundos de ponerse a los mandos, con un repertorio más enfocado al Deep-House, House y Electrónica. Cabe destacar la gran profesionalidad y la sesión de estos dos Djs, que demostraron que en nuestra Tierra tenemos mucho que decir en cualquier ámbito artístico.

Con algo más de manejo, técnica y saber estar de cara al público que Hugel, y con el apoyo que te da el poner temas como el mencionado Fast Cart, que solamente en YOTUBE tienen más de 183 millones de visualizaciones, junto con otros hits de producción propia como Perfect Strangers, enseguida tuvo a todo el público bailando, público que ya empezaba a tener unos tres cuartos del aforo que iba a acoger esa noche el Albergue.

Ya en tercer lugar y, por supuesto, con algo más de watts, luces y de visuales, apareció Hugel, fichaje de Warner Music en su división Alemana, que con producciones como Where We Belong o Coming Home, junto con la subida de potencia que os he comentado antes,

Por fin, tras una hora y cuarto del set de Jonas Blue, sobre la una de la noche y ya con las cerca de diez mil personas que se reunieron allí esa noche esperando con expectación, apareció David Guetta, arropado con todo el espectáculo que había montado para esa noche en

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todo su esplendor (sonido brutal con más del doble de watts y nitidez que todos sus antecesores, fuego, hielo seco, cañones de confeti, fuegos artificiales, lasers que se tendrían que ver a muchos km de distancia, y un espectáculo luminotécnico y visual impresionante), y es que hoy en día, y ya sea en el EDM, como en cualquier otro estilo de electrónica, la figura del DJ ha pasado a ser como la de cualquier grupo de música, y la gente que paga más de 50€ por una entrada no solo quiere ver a alguien hacer una Sesión, y quiere más, de ahí el caché tan alto que han cogido muchos artistas de las escena, ya que necesitan llevar un despliegue de medios bastante importante, y todo eso significa mucho dinero. No voy a dar mi opinión de lo que se ha convertido este mundo hoy en día, pero quienes me conocéis ya sabéis lo que opino. Sigamos con el espectáculo, y es que te guste o no, o te haya gustado antes y ahora no, o seas ahora su máximo admirador, lo que tenemos que tener todos en común es que estamos hablando de un auténtico monstruo en los escenarios, que ha sabido ganarse a millones de personas, y que es capaz de llenar estadios y recintos él solo, y eso es digno de admiración. Desde el primer momento supo ganarse a todo el mundo, y hacer que todo el mundo saltase y corease sus temas, como el hit que hizo para la Eurocopa 2016 “This one’s for you”, o clásicos como Titanium, Bang My Head, Lovers

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Of The Sum, uno tras otro durante una hora y media, y acompañado de ese pedazo de despliegue de medios que ya hemos mencionado y que tuvo a todo el público saltando durante su actuación, actuación que fue enfocada totalmente al estilo del que es el rey ahora mismo, como es el EDM. Personalmente a mí, y seguro que a mucha gente, me hubiese gustado escuchar grandes de sus clásicos en versión original, pero el tour que está realizando va con este género y tanto él como todos los Djs que actuaron allí esa noche lo hicieron, exceptuando a nuestros dos Djs locales, Zeus y Julio Indiano, los cuales tuvieron libertad para hacerlo y usaron los estilos que les suelen representar habitualmente. Después de una hora y media aproximadamente, empezó un espectáculo de fuegos artificiales como hacía mucho que no veía, y que eran la señal de que su espectáculo había concluido. Prueba de que muchísima gente había ido exclusivamente para verlo fue que una parte del público abandonó el recinto al acabar su SHOW. Justo nada más acabar este monstruo, se subió a la cabina un artistazo nacional como es Dj Nano, empresario, artista, conductor del programa Oro Viejo en MAXIMA FM, y, como era de esperar, enseguida supo conectar con el público, y aunque se ciñó al guión del EDM,

soltó algunas perlas dance y algunas cantaditas que han coreado muchísima gente a lo largo de sus dieciocho años de carrera, como “Lighters”, junto a Rebeca Brown. Hace poco leí una entrevista de él en Vicious Magazine que me gustaría que más de uno leyese sobre su vida, y sobre lo que tanto hablan algunos de lo que es Underground y lo que no.

concluyó su set ,y por tanto el Festival. Bueno, eso es todo, y espero que os haya gustado la crónica que trajimos de alli Maribel y un servidor.

Y por último, llegó el turno de quien iba a cerrar la noche, Fonsi Nieto, y como era de esperar, siguió sin salirse del guión y pinchó el mismo estilo que sus antecesores, y es que el festival estaba totalmente enfocado al EDM. La verdad es que no lo había escuchado nunca, y me sorprendió bastante sobre todo por su profesionalidad. Enlazó temas muy conocidos y de actualidad con hits suyos, como “Golden Hearts” o “Sonic”, haciendo bailar a los que allí estaban.

Solo quiero recalcar una cosa más, y es el gran impacto que tuvo durante todo ese Viernes y ese fin de semana este concierto, ya que todos los hoteles, pensiones y demás estuvieron totalmente ocupados, más algunos de otros pueblos, ya que en Mérida no dieron abasto. Hay que sumar la promoción que se le ha dado a la Ciudad y a la Region gracias a él. Aparte de lo que se generó en gastos en tiendas, bares y demás. Eso hay que sumarlo a todos los ingresos que generará un evento como es el Stone & Music Festival durante el Mes de septiembre, y eso, te guste el género musical que venga o no, creo que todos deberíamos de apoyarlo, y apoyar todo lo que venga parecido a nuestra región. ¶

Con ésto, y después de una hora y cuarto aproximadamente y rozando el amanecer,

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degeneraciones progresivas Y

a ha pasado el verano, y la verdad es que no ha estado mal, y no porque haya viajado mucho o haya vagueado más de la cuenta. Personalmente, viajar no es para mí una de mis actividades favoritas. Prefiero dedicarme a viajar interiormente la mayor parte del tiempo, y debido a esos viajes internos y esporádicos he conseguido plasmar mis fantasías en una obra musical de unos 25 minutos. Como no tenía mucho mejor que hacer por las mañanas, me enfrasqué en una aventura musical donde decidí utilizar y sacarle provecho a todos los instrumentos que tengo en casa. Le saqué rendimiento a la guitarra eléctrica desafinada, al bajo eléctrico, al contrabajo (tocado con dedos, con arco y otros artilugios para aporrear), el piano (las teclas y las cuerdas del interior), mi simarra (instrumento azteca que es un infierno para poderlo afinar, aunque eso no es impedimento para mí), un órgano al que le he sacado sonidos increíbles al distorsionarlo con un amplificador Fender de guitarra… Hasta he utilizado mi vieja multipistas analógica de 4 pistas que llevaba guardando polvo varios años. Con todo eso y algo más he construido una pieza dividida en siete partes, donde hay voces solas, abstracciones musicales, dúos de piano y voz, post – punk experimental, y hasta un ensemble que funciona como una pequeña orquesta de improvisación. Llevo 3 veranos seguidos grabando la serie de “Degeneraciones Progresivas”. En la primera

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(la de 2014), hay más free jazz; en la segunda (2015) un poquito de No Wave; y ésta última (la del verano de 2016) ya la he descrito en el párrafo anterior un poco. Quien tenga curiosidad de oír el resultado global de este viaje interior e inusitado no tiene más que el video que os he dejado en el artículo y ponerse unos auriculares. Hay tres piezas, la primera de ellas (DPIII) es la grabada recientemente este verano pasado; DPII es un resumen de lo que grabé junto al improvisador mejicano Diushi Keri en 2015; y la tercera pieza, DPI es una seleción de lo grabado en 2014. Es un tipo de música que requiere atención, escucha y una buena dosis de paciencia, pero creo que es un buen ejercicio para introducirse en otros sonidos, y así poder equilibrar con otros géneros menos “degenerados”. Precisamente el término “degenerado” lo he querido utilizar para expresar mi evolución y mi experiencia musical. Empecé con las músicas armónicas, estructuradas, con el compás y la “armonía”, pero decidí en algún momento que mi cuerpo me pedía liberarme más, y como dice mi amigo Gregorio Kazaroff, aspirar a una música donde todo pueda suceder. Asi que nada más. Disfruten de este viaje y hasta la próxima. ¶

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las bandas tributo y lo que debemos reflexionar de ellas

xiste un dilema aparente dentro de la música, que desemboca desde las bandas tributo y el hecho de que gozan de un sustento a partir del trabajo de alguien más. Me llevó un tiempo darme cuenta que no es un dilema, si no una falta de perspectiva. Antes de entrar de lleno en este apartado, quiero resaltar que no tengo nada en contra con las bandas tributos, ni las bandas que trabajan arduamente por lograr un producto netamente propio, simplemente es una observación y reflexión ante lo que pude aprender sobre las bandas tributo. Usualmente se suele hablar mal de las Bandas Tributo, vayas a donde vayas, escena musical tras escena musical, solo escuchas malos comentarios sobre lo que representan este tipo de bandas dentro de la industria. Nor-

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malmente estas opiniones vienen de boca de integrantes de bandas que aún no han logrado hacer crecer su propia banda, o algún fanático de alguna banda que simplemente es un asterisco ante los debates musicales entre sus allegados, por lo que me di la tarea de explicar el dilema de todos esos músicos ante el hecho de que las bandas tributo muevan tanta gente, y de que no son un mal en la industria. Para empezar de lleno, hay que resaltar aspectos básicos como por ejemplo las Bandas Tributo no la tienen nada fácil, hay mayor competencia dentro de su status quo, y todos sabemos qué pasa con las bandas tributo que ofrecen un mal show, a menos que al dueño del local no le importe dar una mala imagen, estas bandas desaparecen tal y como llegaron “por la puerta”. A raíz de las exigencias dichas bandas necesitan hacerse destacar, como una banda tributo de Rammstein que vi, quienes ofrecieron en un pequeño bar hasta una escenografía con unas chicas disfrazadas de arlequines, lo que me lleva al primer punto: La imagen. Si quieres que tu banda tenga

identidad, tienes que tener una imagen, sea a través de escenografía, disfraces, o cualquier otro aspecto que quieras explotar. Las Bandas tributo explotan estos elementos para otorgar un mejor espectáculo, y eso es algo que muchas Bandas descuidan. Tienes que recordar que no se trata de tus amigos en una sala de ensayo, ya estás en escena, esta gente probablemente no vino a verte a ti, sino a beber hasta agotarse, pero no seas egoísta, por lo menos dales un buen recuerdo cuando tengan que vomitarte en la cara. No puedes vender ni llenar una sala si la gente no sabe que lo harás, no hace falta que gastes una millonada en posters o avisos, las redes sociales están a la alza. Toda Banda Tributo tiene comprendida de que solo ganarán si mucha gente va, por ende, inventan mil y una ideas para hacer llegar la información: videos en ensayos, promociones de preventa con obsequios, constante bombardeo en las redes... Es un arduo trabajo, pero nadie dijo que sería fácil. Las cosas buenas necesitan esfuerzo.

Aclarado esto, deja de holgazanear y ponte a teclear avisos y trabajar en un corto de 15 segundos para presentar el evento en cuestión. Tomado nota, ya hemos entrado en “imagen” y “publicidad”. Teniendo estos aspectos claros, la única inquietud es que la gente esté dispuesta a ver a tu banda. La diferencia con las Bandas Tributo es que la gente sabe lo que verá, y tienes que entender que si tu producto no es lo suficientemente atractivo tendrás que ser consiente y aceptar la realidad, porque fuera de todo, la gente sí va a ver a las Bandas Tributo, pero, mi buen amigo, la cosecha se ve después del trabajo duro. Te tengo noticias: tú tienes una ventaja por encima, y es si logras tener una maduración personal, saber proyectar tu producto ante la gente, podrás plasmar caminos y, por el contrario a las bandas tributo, podrás cosechar una comunidad de seguidores que mantendrá viva una identidad por encima de otras, pero sólo si aprendes a aplicar estos aspectos básicos, y enfocas los objetivos sin perder un segundo más. ¶ LaCarne Magazine

la música y cervant LEER MÁS

l mes de octubre tiene para la localidad de Alcalá de Henares, en España, un carácter muy especial. Todos los años celebra su SEMANA CERVANTINA, y es toda la población un alboroto, un bullir de fiesta, teatro de calle, música, exposiciones, prácticas de cetrería y mil y un espectáculos callejeros que convierten al municipio en una ciudad del siglo XVI. Alcalá cada año conmemora el nacimiento de su hijo más preclaro, Don Miguel de Cervantes Saavedra, que, venido al mundo el 29 de septiembre de 1547, fue bautizado en el mes de octubre, y de ahí la elección de este mes para recordarle especialmente.

“Cervantes tocaba la guitarra, y conocía la terminología como sólo un intérprete la conocería” Estamos en el año cervantino. Hemos celebrado en abril el 400 aniversario de la muerte del genio, y con tal motivo, España, al más grande de sus escritores, le dedica todo el año una programación destinada a recordarle en toda su honda y larga personalidad. Así, entre tantos actos y actividades que lo tienen por centro de interés, no faltan conciertos de música, que aluden a los famosos personajes de su creación y a episodios que emanan de sus obras. Y la agenda cultural del mundo ha unido a Cervantes y Shakespeare, los más grandes de la literatura, que murieron el mismo día y año, rindiéndose a sus respectivos talentos. No quisiera yo que se escapase este 2016, su año conmemorativo, y al hilo de su fecha de nacimiento, sin que se esbozara al menos una visión del manco de Lepanto, que por su apro-

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tes

españa

ximación a la música le convierte, además de escritor, en músico. Si no un relevante músico practicante, sí un personaje próximo a Afrodita, Apolo, Artemisa, Euterpe, o Terpsícore, todos dioses del Olimpo que tienen que ver con la música. Ninguna obra como la de Miguel de Cervantes ha servido como tema e inspiración en el ancho mundo para ser traducida en creaciones musicales de todo género: Operas, cantatas, operetas, zarzuelas, poemas sinfónicos, ballets..., e incluso género ligero. Sería interminable citar los títulos universales que su producción literaria ha imaginado en obras maravillosas de la literatura musical. Producción que no cesa en nuestros días. Por otra parte, toda la creación literaria de Miguel es también fuente de información tanto de canciones de la época como de repertorio vihuelístico, de bailes, instrumentos musicales, con una exposición siempre de gran solvencia, exactitud y conocimiento. No nos cabe duda alguna de que el autor clásico y universal tenía una gran inclinación por el arte de la música, inclinación que unía al inconmensurable arte de su pluma. Y hay sobrados motivos para así creerlo, pues en buena parte de sus obras lo demuestra. Lo que escribía lo hacía con conocimiento de causa. Si no era un riguroso experto, es bien cierto que conocía los principios generales de la armonía, del canto y del baile, habiéndonos legado un buen puñado de romances y canciones que ilustran pasajes de sus novelas. Finalmente, hay que colegir de sus escritos que era también intérprete. Cervantes tocaba la guitarra. No sabemos si era bueno o regular, pero sí que conocía la terminología como solo un intérprete que habitualmente practica emplea. Hay un gran trabajo del musicólogo Miguel Querol Gavaldá, que estudió en profundidad la obra cervantina, y deduce con gran habilidad y sentido cuanto aquí de manera sucinta digo. Un estudio sugestivo para mirar desde otro ángulo al autor del Quijote, que si como escritor está a la cabeza de la literatura española, su nombre también está escrito en los diccionarios de la música. ¶ LaCarne Magazine

katatonia

suecia

y the fall of hearts

nando carácter.

Katatonia (Suecia) Disco: The Fall Of Hearts (2015) Temas: 12 Web: www.katatonia.com Katatonia es uno de esos grupos que han sabido llevar muy bien su vejez, a la par que su juventud. Eran diferentes. Desde su primer disco, en 1993, han sabido evolucionar en la dirección correcta, sin perder su esencia y ga-

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Este nuevo disco se presenta con nuevas incorporaciones en la banda, como es el caso de Roger Öjersson, guitarrista de Tiamat, o el menos conocido Daniel Moilanen a la batería, con un trabajo más que sobresaliente. The Fall of Hearts lo tiene todo, una producción en la línea de sus anteriores trabajos. Un disco muy variado, melódico, melancólico, con guitarras y voces muy trabajadas en su parte más técnica, y quizá más progresivo que sus anteriores, lleno de partes distintas en cada tema, lo que lo hace a la vez algo más complejo, aún así lleno de sorpresas y partes ma-

gistrales. El disco arranca con “Takeover”, un tema lento, de tintes modales y exóticos, lleno de partes que conducen a un estribillo colosal, y que harán que poco a poco te metas de lleno en esta obra. Temas como “Serein” o “Last Song Before the Fade” entran directos. Son temas con mucho groove, muy rítmicos y melódicos, redondos de principio a fin, melódicamente agresivos, de partes progresivas y con descensos de intensidad en mitad de la canción. La potencia y la sensibilidad de sus bellas melodías en estos temas es el sello distintivo de la banda desde sus inicios. “Old Heart Falls” es uno de los temas más pesados, en el buen sentido, camina despacio, de afinaciones graves y con un estribillo que te despierta del letargo. “Decima” es la “balada” del disco, por llamarla de alguna manera. Guitarras acústicas y otros exquisitos arreglos envuelven el tono melancólico de la voz, llevándonos a un estado de relax profundo. Es un tema que tienen gran personalidad. “Sanction” es otro de esos temas de la escuela Katatonia. Entra potente y se deja llevar por partes distintas entre los que destacan unas muy progresivas, llenas de riff contundentes, y otras de exploración sonora que funcionan como puentes entre las partes nuevas.

A veces que hay que escuchar canciones como “Residual” para darnos cuenta de lo que Katatonia es capaz de transmitir. Es uno de esos temas que casi pasa desapercibido la primera vez que lo escuchas, pero que según pasan los segundos te embauca en un viaje lleno de matices maravillosos. “The Night Subscriber”, otra obra maestra de este disco. Con ciertos toques “black” en las armonías, Katatonia lleva aquí, lo que comúnmente denominamos estribillo, a su máximo esplendor. Pocos grupos son capaces de crear un clímax tan intenso, lleno de fuerza y potencia y a la vez desprender tanta emotividad. Un entresijo de bonitas armonías y arreglos que hacen posiblemente que ésta sea una de las mejores partes del disco. Por otro lado, “Serac” y “Shifts”, son dos temas similares espaciados en el tiempo. Distintas partes, distintas armonías, distintos tempos, pero que funcionan nuevamente como seña de identidad, mostrando algunos tintes también más simples pero a la vez innovadores. “Pale Flag” es el tema de transición a la última pista del disco, “Passer”. De la calma a la tormenta, como apoteosis final de uno de los mejores discos de Katatonia y uno de los mejores del año. Un disco maduro, donde la banda muestra una vez más que evoluciona poco a poco sin perder la esencia que se ganó ya en los años 90. Un disco muy emocional y contundente, simple y complejo, pero lleno de belleza. ¶

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europa y latinoamĂŠrica

investigación arrabé, un programa de folklore (españa) la era digital, ¿una catapulta al escenario?

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arrabĂŠ,

espaĂąa

Un programa sobre el folklore 36 LaCarne Magazine

n este mes de octubre, el folklore extremeño ha vuelto a Canal Extremadura Radio. Hace unos años, la música de tradición oral de esta región tuvo su hueco, cada quince días, en la sección El Garito Folk de este mismo canal, con más de ochenta emisiones, dentro del programa comandado por Lorenzo González y Óscar Trigoso, El Garito. En esta ocasión, no se trata de una sección sino de un programa, y su emisión no será quincenal, sino semanal. Toda una apuesta de la radio extremeña por el folklore musical, en la que han sido determinantes la Directora de Producción y Programas, María Hurtado, y el productor, Emilio León. El nombre elegido para este nuevo programa es ARRABÉ, un vocablo del habla tradicional extremeña utilizado para nombrar a un instrumento de percusión. Un idiófono raspado, que dirían algunos, formado por varios huesos, cañas o palos de diferente tamaño, entrelazados por una cuerda, al que se hace sonar con unas castañuelas en unos casos, por una caña rota en otros, incluso por un hueso. Los tres tipos de arrabé (también arrabel) serían, pues: el de huesos o huesera (construido con tibias de cabrito o de cordero), el de cañas o cañera y el de palos o palera. Este programa, presentado por los colaboradores de LaCarne Magazine Yolanda Jiménez y Sebastián Díaz, se inicia con una música de cabecera de indudable sabor ancestral, casi atávico. Se trata de la tonada para gaita extremeña y tamboril titulada El baile de la manzana, en interpretación del tamborilero Juan Cruz. El baile de la manzana pertenece al grupo de las Canciones de boda, y dentro de él, a lo que se ha dado en llamar Tálamos

o canciones que se interpretaban al finalizar el día de la boda, y con la cual los hombres invitados podían bailar con la novia, previa entrega del correspondiente óbolo. Tras esta música de inicio, la presentación del programa, la frase musical de la semana y una rondeña como aperitivo, en ARRABÉ se irán sucediendo una serie de secciones más o menos fijas. En un programa estándar serían éstas: - Músicas de los ciclos de la vida y del año. Se trata bien de una canción del Ciclo de la vida en Extremadura (nanas, canciones infantiles, de quintos, de galanteo, de boda…), bien de una canción del Ciclo del año (de Navidad, de Carnaval, de Cuaresma, de Semana Santa, etc.), en ambos casos, comentada. - Instrumentos de la tradición musical. En esta sección se presentará un instrumento tradicional extremeño y se tocará en directo. Tras esta interpretación, se pondrá una versión de la misma canción, grabada por alguna agrupación de folklore. - Trabajo de campo. Con una grabadora, o con el propio móvil, se sale a la calle para recoger alguna manifestación musical vinculada al folklore extremeño, para que la gente hable de ella y realice alguna interpretación en vivo. Unas veces, será un trabajo de campo llevado a cabo por los propios presentadores; otras, serán grabaciones realizadas por miembros de grupos de folklore en sus investigaciones sobre la música de tradición oral de sus pueblos. - Folk extremeño. Esta sección es una ventana a la música de alguno de nuestros grupos folk, con un tema del grupo de la semana. - Entrevista. En cada programa se lleva a cabo una entrevista a una persona relevante en el ámbito del folklore extremeño. Se pretende entablar una conversación con esta persona, aderezada con tres temas elegidos por ella. En los primeros dos programas las entrevistas son a Francisco Muñoz, Presidente de la Federación Extremeña de Folklore, y a LaCarne Magazine

José Tomás Sousa, líder de Acetre. Ambos recogieron el pasado septiembre la Medalla de Extremadura otorgada a dicha federación y a este grupo folk.

drá centrarse en una comarca extremeña, perteneciendo al folklore de ésta todas las canciones que se escuchen en el programa, así como la persona entrevistada.

- Agenda. La oferta de actuaciones, festivales, encuentros, etc., de grupos de folklore, así como de fiestas con un importante componente etnomusical, tendrá un espacio de difusión en ARRABÉ.

También tendrán cabida en ARRABÉ, monográficos sobre un grupo musical. En este caso la mayor parte de las músicas elegidas pertenecerán a dicho grupo.

- Romancero. El programa concluye con una alusión al rico romancero extremeño y una pieza de las muchas grabadas sobre este legado de cantos narrativos. Mensualmente, esta estructura estándar po-

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Por otro lado, si un evento concreto, por su importancia y trascendencia en el ámbito de la música extremeña de tradición oral, así lo requiere, podrá dedicársele un programa monográfico. En este sentido, fiestas como Jarramplas, El Peropalo, etc., tendrán su propio programa, dado el importante componente

musical que estos presentan Éstos son, en esencia, los contenidos de ARRABÉ, un programa sobre el folklore musical extremeño que busca entretener y hacer disfrutar al oyente con nuestra música de tradición oral, sin desdeñar el carácter didáctico que también se le quiere dar. Entretener y enseñar son pues los dos objetivos básicos de ARRABÉ. Semanalmente, se podrá escuchar ARRABÉ cada sábado de 16:00h a 17:00h. Por supuesto, los que trabajen a esa hora, duerman la siesta, estén echando la partida de cartas, estén comiendo, se mantengan de cañas o sencillamente no lo puedan escuchar en el

momento de su emisión, podrán seguir este programa a través de Internet, en los correspondientes podcast, y a través de las redes sociales. Para contactar con los presentadores, está disponible la dirección de correo electrónico: arrabe@canalextremadura.es. Ya sólo nos queda aplaudir la decisión de Canal Extremadura Radio por incluir en su programación de 2016-2017 un programa donde el protagonista sea al folklore musical extremeño, y por habernos elegido a nosotros para ponerlo en antena. Y a los lectores de LaCarne Magazine, pedirles que nos escuchen. Ojalá se entretengan y aprendan haciéndolo. A todos, muchas gracias. ¶

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la era digital,

¿una catapulta al escenario?

a Guerra fría representó un cambio para el mundo. Luego de la caída del muro de Berlín y de la derrota de los fatídicos bloques soviéticos, muchas cosas tomaron auge, entre ellas “el internet”, lo que a su tiempo solo representaba un envió constante de datos que no deja de ser la base de lo que hoy conocemos. Esto representó una Revolución en el mercado, y con ello a la industria musical. Es desde este preciso momento cuando las empresas discográficas empiezan a decaer, y sin ser una novedad, porque antiguamente sucedió cuando empezó la piratería con los Vinilos, y esto, al igual que para el mercado, también logró que la piratería tomara fuerzas. Pero así como cosas malas llegan, cosas buenas reviven, y sí, ya sabes a qué voy. Al pasar de los años, el Vinilo volvió y el CD empezó a caer, las ventas de música online todavía representaban una duda, pero poco a poco esas expectativas cambiarían al nacer nuevas herramientas. STREAMING A los inicios del 2000, esta herramienta se hizo popular para hacer sintonizar eventos. Poco a poco se hacía más fácil transferir datos a una gran velocidad sin perder nada en la transferencia. Es desde allí donde nacen las conferencias en vivo. Aplicaciones como Skype toman el mercado, pero en la música no nos quedamos atrás. En 2008 llegan dos personajes importantes de muy lejos, me refiero a Daniel Ek y a Martin Lorentzon, los suecos que fundaron una de las plataformas más importantes. Sí, me refiero a esa, la del loguito verde…

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SPOTIFY Empezando solamente a estar activos en Escandinavia, hoy día ya cuentan con más de 75 millones de usuarios activos, alrededor de todo el mundo, pero lo que hay que destacar realmente es que esta plataforma se volvió un nuevo canal por el que distribuir música, generando una relación activa entre el producto del músico y los que los escuchan, explotando herramientas como los Playlists y campañas publicitarias de eventos a través de las mismas, pero aún falta por recorrer, y por acá viene. La siguiente es un aliado fiel nacido gracias a 3 viejos empleados de Paypal, si sabes de algo de cultura Geek ya sabes a dónde vamos. YOUTUBE Una de las más grandes compañías de medios de audio y video, y una de las herramientas más grandes en lo que a la música respecta. Es otro canal por el que distribuir y generar campañas musicales. Muchas bandas se han ganado su entrada a la industria gracias a esta famosa plataforma, y hoy día se ha vuelto una herramienta que no falta en el bolsillo de cualquier tipo de agrupación, siendo un punto importante del curriculum de un artista, y es que desde que Youtube ofreció la posibilidad de hacer video conferencias, la dinámica de la interaccion con los fanáticos ha crecido a niveles increíbles, permitiendo a músicos independientes generar una relación fiel y fuerte con su comunidad, y la palabra “comunidad” nos lleva a un nuevo terreno. CROWDFUNDING Creo que se puede decir que es una de las cosas más maravillosas. Seguro conocerás paginas como Kickstarter, y sí, créeme que funcionan, estas páginas nos trajeron a grandes artefactos de la tecnología, tales como el Oculus Rift y la Impresora 3D, ¿Puedes creer eso? ¡Una impresora! ¡Y en 3D! Cualquiera

veía el anuncio y creían que era una estafa de mal gusto, pero no, la masificación del Internet ha revolucionado el mundo como hoy lo conocemos, y el Crowdfunding es prueba 100% de ello, y muchas agrupaciones han usado esto como una gran forma de generar remuneraciones completamente directas con su comunidad. Ahora ya sabes que el dinero que usas va directamente al bolsillo de tu artista. Páginas como Bandcamp tienen esta dinámica, incluso puedes generar una cuota por suscripción para que los que se suscriban puedan ver contenido exclusivo de la banda, estrategia aplicada por la banda de Djent Protest The Hero, donde hicieron un documental sobre el proceso de producción de su último disco, y el cual publicaron en su Bandcamp y pusieron una pequeña cuota por suscripción para verlo por completo. Una manera en la que tanto tu comunidad de fanáticos y tú, ganáis. Y estos son algunos de los cuantos aspectos más representativos de esta nueva Era. Considero que las cosas se tornan desde este punto. Ahora no solamente tienes que saber tocar tu instrumento, si no saber cómo venderte. Así que manos a la obra y lánzate, nadie sabe si la próxima estrella serás tú. ¶ LaCarne Magazine

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magazine

europa y latinoamĂŠrica

entrevistas wolf and dog (bolivia) gregorio kazaroff (españa) ra beat (bolivia) marce solís (españa) raúl martínez aka jaro (españa) okills (venezuela) ansiolítikos (españa) ile (puerto rico) egregor (chile) farragua, fônal, paradise key (españa) oscárboles (españa) nexo (españa) red route (perú) LaCarne Magazine

wolf & dog

bolivia

haciendo bailar al mundo desde la llajta de bolivia

olf & Dog son los hermanos José Feliciano e Israel Callisaya Acero, nacidos y crecidos en la ciudad de El Alto. De madre artesana (carpintera). Actualmente radican en Cochabamba, Bolivia. El proyecto musical de los Hnos. Callisaya Acero comienza en el año 2013, y mezcla la música electrónica con ritmos autóctonos bolivianos (morenada, toba, etc.) Conversando con Israel C. logramos conocer que con su primer trabajo en colaboración con RayCuba (vocalista que radica en Alemania) se les abre las puertas del sello disquero Mad Decent, disquera codiciada para cualquier productor de música electrónica en el planeta Tierra! “Se incorporan más vocalistas del exterior. hasta el momento contamos con más de 35 vocalistas de todas partes del mundo, dejándonos muchos proyectos que ya se están masterizando”, comenta Jose C. Wolf & Dog poseen el respaldo de 3 sellos discográficos: Mad Decent, Dirty Records, Latino Resiste ak 47. Logrando inspirarse para crear su propio sello discográfico Wild Record, que alberga 4 productores del exterior y 20 vocalistas. Sus características son las máscaras folklóricas. Sus influencias son artistas como Chuckie, Afrojack, Wiwek, Boaz Van The Beat, Noise Supresor, Dj Anime, Averfish.

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Recibieron el apoyo de sus hermanos mayores mientras que la madre no estaba de acuerdo. Así se fortalecieron los geniales Wolf & Dog, hijos de una nueva generación de músicos “Made In Bolivia”. Migrantes del altiplano al valle en una bolivianidad alocada y universal, donde ser los que somos es muchas veces más que “exótico” y se vuelve “único”. Todo lo aprendido es por cuenta propia, siendo así AUTODIDACTAS en el ámbito de la producción. Comienzan con un contrato por un año en un

sello ya entonces codiciado como Ak47 Musical Recording, con su tema “ATARI”, logrando cumplir las expectativas del sello. Israel C. afirma que “el 1er logro es posicionarse en el puesto número 7 del Talent Pool, de Spinnin Records (una gran firma electrónica en la escena electro), y posteriormente ser orientados por The Chainsmokers, Dejando a un lado la influencia Dirty Dutch, para sacar un tema Big Room con un productor mexicano. Obteniendo también el soporte de Starkillers y Blackwhited (renombrado re-mixer oficial de BACONDO, remix que fue apoyado

por MAD DECENT).” “Wolf & Dog, ya con experiencia, logra colaboraciones con vocalistas del exterior como, RayKuba y Yitsi, con los que lanzaría su 1er sencillo oficial intitulado “We Go Party”, el mismo que formaría parte de su Ep Loco – Crazy, y que cuenta en la actualidad con su videoclip. Este disco Ep consigue ser fichado por Df Records (Chile), y Latino Resiste (Canadá), y alcanza la aprobación para ser tomado en cuenta y promocionado por MAD DECENT”, concluye Israel C. LaCarne Magazine

Este hecho trascendental ha elevado al dúo electrónico Wolf & Dog en formar parte de un sello de mucho prestigio. Donde artistas como Diplo, Major Lazer, Dillon Francis, Eliphant, etc., hacen su debut. En la actualidad tienen trabajos pendientes con varios invitados listos para ser lanzados, como: Rosana Alvez (Brasil), Santana (Cuba), RayKuba (Alemania), La Blondie (Cuba), Bonnie Legion (EEUU), NxT GeN (Alemania) y otros. Igualmente, cuenta con el apoyo de la Radio Dirty Beats, la misma que es sostenida por artistas como: Alex Gaudino, Dyro, Umek, Sidney Samson, Danny Avila, Dannic, entre otros. De la misma manera, reciben el aliento y apoyo contundente del artista Erick Elera (protagonista de AL FONDO HAY SITIO). En el 2014, Wolf & Dog fueron premiados por los Premios Champios Music como Mejor Producción Electro pop, con el tema “Swing”, que tiene como vocalistas invitada a Courney Odom & al Dj Jovanne (ambos de EE.UU.) y a Los Miserables (grupo folklórico de Cochabamba). Israel C. manifiesta: “Nos da lástima que siendo bolivianos no tengamos apoyo de empresas, colectivos y entidades públicas. Esto provoca que perdamos viajes importantes a eventos en el exterior como invitados especiales. Tenemos en la mente un dicho: nadie es profeta en su propia tierra. Aunque varias veces por el nombre en inglés nos confunden como productores del extranjero, y no así que somos bolivianos, y peor aún, alteños. En las entrevistas que tuvimos en medios de televisión dijimos que estamos orgullosos de ser alteños, paceños, del altiplano y mucho más de ser bolivianos”. El Hno. Callisaya finaliza la conversación en los siguientes términos: “Ya estamos preparando nuevas producciones con sonidos nuestros, como Toba, Waka Tocori, Morenada, Saya Afroboliviana, Caporal… Hay que tener en cuenta que en cada videoclip que se realiza usamos máscaras de nuestro folklore,

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y mostramos nuestras costumbres, poniendo en alto que somos bolivianos. Somos nosotros mismos los que hacemos los story board de cada uno de los video clips, y la producción de diseño gráfico y arts”. Mucha energía positiva desde el corazón del corazón del Sud América. Bailando con la bolivianidad mundial!!! Para consumar la nota, José es “Wolf” e Israel es “Dog”. La idea se centra en el lobo salvaje y el perro doméstico: “DOMESTICA LO SALVAJE” / “WOLF & DOG”. Un nuevo estilo de música.

www.facebook.com/WolfandDog/

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españa

gregorio kazaroff entrevistas a improvisadores libres LEER MÁS

omienza en LaCarne Magazine una serie de entrevistas a músicos muy experimentados en la improvisación libre, que pueden ayudar a entender el concepto de lo que puede ser este género musical. Con la opinión y la experiencia de todos estos artistas se puede llegar a tener una visión global, y ver los diferentes puntos de vista de una manera de sentir una música diferente y que no tiene, en principio, unas reglas prefijadas.

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1) ¿Cuál es tu procedencia musical? Mi procedencia musical es mi colección de discos, y otros que escuché pero no tengo. Antes de convertirme en músico pasé 12 años escuchando discos de estilos diversos (jazz, rock, soul, funk, clásica, electrónica, experimental, improvisación libre, etc.), hasta que sentí la necesidad de tocar. Todas esas músicas (y las posteriores, hasta el día de hoy) forman la base de mi conocimiento y concepto musical, la “procedencia” en sentido amplio. Como músico activo, provengo de las escenas experimental y de improvisación libre.

2) ¿Cuáles son las influencias que te han ayudado al aprendizaje de tu lenguaje improvisatorio? Jamie Muir (percusión con King Crimson y The Music Improvisation Company), Gong y Tangerine Dream (en sus comienzos), Jimi Hendrix, Miles Davis (años 70), Art Ensemble Of Chicago, John Cage, Christian Marclay, AMM, Gyorgy Ligeti, Bill Laswell/ Material, John Zorn, Lawrence ‘Butch’ Morris, The Future Sound Of London, Spring Heel Jack, Lê Quan Ninh, Keiichiro Shibuya y muchos otros.

o no. Y con respecto a las ideas musicales también me refiero a todas, la totalidad de la historia y el presente del músico que incluirá, por necesidad, una buena dosis de música no improvisada. Aspiro a una música donde todo pueda suceder. Esa posibilidad es, para mí, la libertad. La improvisación libre da libertad al músico para decidir qué hacer con su libertad.

3) ¿Cuándo y cómo llegaste a la improvisación libre? Llegué a la improvisación libre a través de los discos. Aunque los grupos más experimentales de rock incluían largas improvisaciones (en algunos casos evidentemente libres), fue desde el jazz y el free jazz que yo avancé en mi exploración de formas musicales más abstractas, incluyendo la improvisación libre propiamente dicha (en sus múltiples variantes). Cuando comencé a tocar lo hice directamente en contextos experimentales y de libre improvisación, primero con los músicos amigos, y luego con otros músicos.

* En solitario:

“Aspiro a una música donde todo pueda suceder.” 4) ¿Qué actividades desarrollas como improvisador? ¿Cuál crees que es tu papel en la escena de improvisación? Soy miembro de la Asociación Raras Músicas, dedicada a promover y difundir la improvisación libre y otras músicas de corte experimental. A tal efecto, organizamos conciertos, encuentros y talleres. Participo en todas estas actividades y tambien en otros encuentros. Actualmente formo parte de Absorb (con Guillermo Torres, Sam Hall y Ivor R Tamplin), dedicados a la improvisación libre. 5) ¿Podrías explicar brevemente tu concepto musical? Mi idea de la improvisación libre está basada en la libre asociación de ideas en un momento dado. Me refiero a todas las ideas, musicales

GRABACIONES DE GREGORIO KAZAROFF Blärran (1997) Underwater Sunlight (2001) Muzikas Inter Mynar EP (2006) (G.K. + Bárbara Togander, Diego Duchowney y otros)

* Con Gregorio Kazaroff/ Iñaki Ríos/ Markus Breuss en el Albergue de Peregrinos (2002): BKL (Bravo/ Kazaroff/ Laginestra) Música X (2000) (G.K. + Antonio Bravo y Merran Laginestra)

* Capitanes de la Industria:

Ionizados (2008) Hombres Motor (2003) City Tour (2002) Contacto con la Realidad (2000) (G.K. + Wenchi Lazo y Lobi Meis + invitados)

* Futura, Inc.:

Futura, Inc. (2000) (G.K. + Mussa Phelps, Bárbara Togander, Lisandro Grané, Clea Torales, DJ Bea, Viviana Rama, Pablo Paz e invitados)

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ra beat

bolivia

entrevista a álvaro arce

rees que tu música representa algo como una generación, un estilo, un momento, o es un producto aislado? Considero que la electrónica experimental, que es lo que básicamente estoy haciendo ahora, es más que una generación, estilo o momento. La veo como algo atemporal, no una moda o un sonido del momento. Nunca me dejé marcar por las tendencias o influencias que están sonando. Me gusta más explorar y tener una búsqueda sonora personal constante. No repetirme. ¿Cómo comienza tu vida como músico? ¿Cómo nace Ra Beat? Yo vengo del lado del rock. Mi primera banda y todos los proyectos que tuve antes de formar Ra Beat eran bandas de rock. Ra Beat nace como un proyecto personal, ya no una banda, así fue concebido. Empezó el momento que me encandilé con las “máquinas” (hardware) y con los distintos softwares de producción y grabación. Era un momento en el que quería algo totalmente nuevo en mi vida musical. Así surgió mi aproximación hacia la música electrónica y experimental, grabando y produciendo desde un pequeño “home estudio” el primer álbum en el año 2003. En el transcurso de estos años he grabado 6 discos, la banda ha tenido diversos formatos y han pasado muchos músicos por el proyecto. ¿Qué faceta estás viviendo en la música y a dónde va el sonido de Ra Beat? Me gusta mucho la experimentación sonora, y siempre lograr una interacción entre lo análogo y lo digital, entre lo humano y lo programado. No podría hacer música solamente en un

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software o usando samples. Realmente creo en la necesidad del aporte que un instrumento puede darle a una canción electrónica. Por eso también produzco yo mismo mis discos, porque me imagino el sonido, el instrumento o la voz que puede aportar en beneficio del tema y así grabar esos elementos sobre bases que programo. En tu faceta como Dj ¿Cómo ves que se vive este estilo en Bolivia? Sin duda alguna, la escena electrónica para Dj’s ha crecido mucho, pero creo que está carente de propuestas propias y genuinas, propuestas que tengan que ver con nuestro contexto. Considero que como país podríamos explotar mucho los sonidos autóctonos andinos y amazónicos para hacer una fusión novedosa y fresca. Creo que ése es el camino para que una propuesta nacional sea reconocida a nivel global. La escena electrónica en nuestro país se caracteriza más por las propuestas que hacen los dj’s en las noches en clubes y bares los fines de semana, y que en la mayoría de los casos ni siquiera hacen propuestas propias, sino que cogen repertorio y hacen sets de acuerdo a charts de portales en internet. Considero que hay muy pocos artistas que hacen

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propuestas propias en vivo. El público también en este aspecto ha crecido mucho, pero lamentablemente el mayor porcentaje consume música electrónica radicalmente comercial. Como en todo género musical, dentro de la música electrónica también hay cosas buenas y cosas lamentablemente muy malas, y creo que la mayoría de la gente se inclina más por la electrónica basura, y pocos escuchan artistas visionarios y vanguardistas. ¿Qué te mueve en la vida? ¿Dónde encuentras motivación para seguir? En la vida, mi principal motor es y será la música. Siempre digo que vivo de y para la música. Mi motivación para seguir es reinventarme cada vez como músico. Trato de no seguir un molde, un sólo sonido o estilo. Exploro y busco constantemente. Trabajar con nuevos músicos que aportan otro tipo de sonoridades ayuda mucho también, para poder ver siempre un poco más allá de tu zona de confort. ¿Con qué músicos trabajaste que sientas que aportaron algo, que aprendiste algo? Grillo Villegas me enseñó mucho, y no me refiero solamente a nivel musical. Fue mi primera experiencia realmente profesional en la

descubrimiento para las audiencias, y pueda servir para diseminar el desarrollo de la creatividad digital. Decidí un poco alejarme de los boliches o lugares que considero devalúan mi propuesta. Ra Beat es algo muy íntimo y espiritual para mí, por eso lo cuido y lo respeto muchísimo.

música, en grabaciones de estudio y en giras nacionales. Fue como ver las cosas de otra manera y en otra dimensión. Tocamos juntos durante 6 años, y eso derivó en una amistad y hermandad entrañable. Oscar Kellemberger también dió un aporte sustancial en mi música, sobretodo en la etapa del encuentro con la Orquesta Sinfónica Nacional. Él hizo los arreglos de mis temas en principio para toda la orquesta, y luego para cuarteto de cuerdas. Christian Krauss sin duda también marcó un momento importante en mi carrera musical. Trabajar durante 4 años, componer y grabar dos discos, mezclarlos y masterizarlos ambos en el exterior, y posteriormente promocionarlos dando conciertos en teatros de todo Bolivia me dejó una experiencia muy importante de igual manera. ¿Cómo ves la relación del estilo de música que haces y la cultura y sus espacios en La Paz? Hay muy pocos espacios para tocar en la ciudad. Sobretodo espacios culturales. Es difícil. Desde hace ya unos 5 años, trato de llevar mi propuesta a lugares donde sobretodo prime que la música sea escuchada, donde considero voy a proveer un espacio de iniciación y

¿Qué expectativas tenías o tienes de dedicarte a producir musica en tu estilo? ¿Con cuál disco pasó algo que esperabas? ¿Con cuál no pasó? En la actualidad, cada vez hay más facilidad para hacer las cosas sin la necesidad de ser un músico estudiado. Hay softwares en el que hacer una canción es un juego, juntas loops de ritmo con los de instrumentos y tienes un tema. Está bueno para divertirse un poco, pero son cosas que distorsionan la escena musical cada vez más, y la vuelven más anacrónica. Yo creo que es muy importante el aporte que te puede dar el tocar y estudiar un instrumento, o el haber tocado en una banda al momento de usar la tecnología, pues ves las cosas de una manera diferente, mucho más objetiva, y usas la tecnología en beneficio de la canción, y no la canción en beneficio de la tecnología. Nunca hice discos buscando el éxito radial, siempre fueron búsquedas personales. La primera época era un sonido más apegado al disco y al house, mucho groove y mucho sonido retro (Delightful). Luego hice algo más electro (Electrize It). Luego vino el disco Mutaciones, en el que incorporamos letras en español y un sonido más rockero. Luego apostamos más por ir por el camino de la experimentación sonora, una época de mucha improvisación. Luego vino el encuentro con la Orquesta Sinfónica Nacional, donde hicimos arreglos de nuestros temas en principio para toda la orquesta y luego para cuarteto de cuerdas, esos arreglos los realizó Oscar Kellemberger. Y ahora este año, apostamos por acercarnos a nuestra identidad, a nuestro sonido de montaña, y estamos trabajando con instrumentos andinos y dos grandes músicos que son Bernardo Rozo y René Hamel. ¿Cuál es tu estilo, banda o proyecto favorito? No tengo un sólo proyecto, grupo o disco favorito. La verdad, tengo varios. Escucho mucha LaCarne Magazine

música, muchos estilos, musicalizo cada día, no concibo la vida sin música. Puedo ir desde Fela Kuti hasta Thom Yorke, pasar por Miles Davis, David Bowie y Depeche Mode o viajar con Luzmila Carpio o Alfredo Dominguez hasta Daft Punk o Chemical Brothers. Escucho de todo, la verdad, y aprendo de cada sonido y género musical. Actualmente volví a los vinilos, y la verdad, tengo una colección muy ecléctica de música, y no se encierra en un sólo estilo. Has participado en varios festivales, ¿cómo han sido ésas experiencias? Me parecen que son la mejor forma de presentar tu música a una audiencia. Sobretodo los festivales que están enfocados en generar una plataforma para músicos que pretende fortalecer la industria musical independiente a través de diversos formatos de difusión y promoción musical como festivales, ciclos de conciertos, ferias, talleres, seminarios, debates, portales virtuales, programas de radio, grabación de vídeos y discos... Esos festivales y esas audiencias están esperando por cosas nuevas, son gente abierta a propuestas frescas y nuevos sonidos. Respetan mucho al artista, y eso es invaluable. ¿Cómo nace el interés por los instrumentos nativos y por incluirlos en tu producción sonora? Este año empezamos a trabajar esta propuesta que fusiona los sonidos andinos y ritmos autóctonos bolivianos con elementos y estilos electrónicos, es una marca de diferenciación de otras propuestas similares, ya que integra la cultura musical e identidad de Bolivia en cada interpretación. Es algo muy emotivo en mi carrera, algo que con el tiempo fui entendiendo poco a poco. Costó muchos años de madurez musical poder hacer realidad esta fusión. En un tiempo más tendremos el álbum registrado y grabado. Todo esto mientras seguimos ensamblando y trabajando en cada mínimo detalle de este proyecto. ¿Qué riesgos crees que has asumido en tu vida como músico? Creo que el principal riesgo es haber aposta-

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do en vivir de la música a tiempo completo. Es complicado en este país por el tamaño de mercado que consume música y cultura. A veces hay que ser multitasking. Trabajo haciendo música para comerciales y produciendo algunas bandas o solistas nuevos paralelamente a mi carrera artística. ¿Cuál es la experiencia más importante que has tenido como músico? Sin duda alguna el tocar con la Orquesta Sinfónica Nacional, y haber podido unir dos estilos musicales que son en teoría completamente contrarios, como lo sinfónico y lo electrónico. Fue muy emocionante escuchar una orquesta compuesta por más de 60 músicos interpretando un arreglo de un tema tuyo. La primera vez se me puso la piel de gallina, era algo que no me había pasado antes, no se puede describir en palabras, la verdad. ¿Cuál es tu opinión del rock nacional actual? Veo que está pasando por un repunte notable de grupos nuevos que suenan muy bien, y bandas medianas que ahora se están consolidando y ganando poco a poco sus audiencias. Creo que de eso se trata, de que cada banda sea capaz de crear un discurso y un contenido interesante que atraiga al público por sí solo, y no que se apoye el rock nacional sólo por que es “rock nacional”.

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marce solis

españa

y el ciclo de microteatro 2016

l Ciclo de Microteatro y teatro llevado a cabo por la Diputación Provincial de Cáceres, llegaba a su fin el pasado 30 de Septiembre. Con este ciclo, la Diputación de Cáceres ha acercado la representación teatral a varias localidades de la provincia. Se han representado tres obras, y todas ellas escritas y dirigidas por dramaturgos extremeños. Este ciclo de MicroTeatro está incluido dentro del macroprograma Cultura Crítica, en el que se pretende hacer un crítica social a través de temas de actualidad, como por ejemplo la emigración, el papel de la mujer en la sociedad, la violencia de género, etc. El ciclo ha tenido muy buena acogida en todas las localidades, pero hemos querido saber más. Para ello hablamos con Marce Solís, director, y guionista, que nos ha contado mucho más acerca de las artes escénicas y del Microteatro. Marce, nos gustaría que nos hablaras un poco del ciclo de Microteatro que ha llevado a cabo la Diputación de Cáceres. ¿Cuáles son los objetivos de este proyecto? Microteatro está dentro del proyecto Cultura Crítica, en el que hay música, también grafitti, arte urbano y artes escénicas o teatro. Y dentro del teatro crítico, pensábamos que también los grupos de teatro amateur de los pueblos deberían conocer lo que se entiende por Microteatro. Esto es, obras de pequeño formato representadas en un espacio diferente y con un contenido también social.

La propuesta que hicimos a Diputación fue esa, la de hablar con los grupos de teatro amateur de los pueblos más pequeños que no conocían esta técnica. Darles previamente las nociones de lo que es el Microteatro. Encargamos a cuatro autores dramaturgos extremeños obras de microteatro de contenido social para esto, hablamos con los grupos de teatro de los pueblos, con los actores de teatro amateur que leían la obra (una obra de una duración de 15 minutos y con poco reparto para poder ensayar y llegar a tiempo), y luego, el día de la representación final, poder hacer la obra de Microteatro en un espacio diferente con la cercanía del público, que es una de las técnicas que caracteriza al microteatro. Y a continuación, después del microteatro, hacemos la representación de “Una bolsa de rafia”, que ya es teatro grande, teatro profesional, pero también de contenido social. Con lo cual, la gente podía ver dos obras de teatro el mismo día y prácticamente a la misma hora. Y esa es un poco la filosofía de este concepto de microteatro social que llevamos a los pueblos Las obras que se representan en el ciclo de Microteatro han sido escritas por autores extremeños. ¿Puedes contarnos cuál es la situación actual del sector? El problema que tenemos aquí, no solamente en Extremadura, sino en España, es que no se escribe mucho teatro actual. No hay muchos dramaturgos que reflejen la situación contemporánea. Y en este caso le veo más sentido porque el ciclo era para crear una conciencia crítica, para hablar de problemas actuales. Pero la situación actual es, como digo, que no se escribe mucho teatro. Se recurre casi siempre a los clásicos, a una recreación de los clásicos, a obras que ya han funcionado. Pero así no evolucionamos, es necesario promover la creación de las obras y ayudar a los LaCarne Magazine

autores de teatro. Por eso consideramos que era necesario encargar estas obras a dramaturgos extremeños, que escribieran especialmente para este ciclo y con un contenido de actualidad. Por lo tanto, la situación no está muy bien, pero yo creo que con este programa van a ayudar al teatro (los autores a los que hicieron los encargos han sido remunerados por Diputación), a las compañías de teatro amateur les da experiencia, porque además es una obra pequeña que pueden representar en muchos sitios y cuyas condiciones técnicas son muy básicas. Se pueden representar en una sala pequeña o grande, en la calle, en un local, etc, y eso ha contribuido en pequeña medida a que ayudemos a la gente que escribe teatro para que sigan escribiendo, y a la gente que sigue representando las obras. Hay que ayudarles, y la mejor forma de hacerlo es representando sus obras. Hay muchos escritores, pero están ahí en el cajón porque nadie quiere representar sus obras. La gente quiere ir a lo conocido, a lo que funciona. Pero yo creo que desde la administración es obligatorio incentivar que la gente represente lo nuevo que se está escribiendo en teatro, porque esta es la única forma de evolucionar. Si no representamos obras nuevas, no vamos a evolucionar en el mundo del teatro, por lo tanto deben apoyarlo más. ¿Ha habido ediciones anteriores a ésta o algún tipo de ciclo parecido? No, es la primera vez. Esta parte del programa es una novedad. Siempre que haces por primera vez algo cuesta. Sí que es verdad que cuando íbamos explicando por los pueblos el contexto de microteatro y, sobre todo, el concepto de representar las obras en espacios no convencionales, costaba entenderlo. Es verdad que los grupos de teatro amateur están acostumbrados a hacer muy pocas funciones, y las que hacen se representan en la casa de cultura, en las fiestas… La mayoría de los grupos de este tipo de teatro hacen humor, sainetes, cosas divertidas, etc, y de repente meterles en un papel que es dramático y con temas muy de actualidad era difícil. Pero al final lo han defendido, y se están alegrando porque también pueden hacer teatro de otro tipo, teatro de conciencia, que hable de los

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problemas actuacles. ¿Cómo ayudan este tipo de ciclos como el de Microteatro a las artes escénicas? ¿Cuáles son, en tu opinión, los beneficios que obtienen tanto el sector como la ciudadanía? En música se evoluciona, se hacen nuevos ritmos, nuevas canciones, nuevos estilos musicales, etc. En cine, también. El teatro todavía está en un grado más tradicional, y por tanto hay que hacer cosas nuevas. Y especialmente al sector del teatro amateur le viene muy bien descubrir que hay otras formas de hacer teatro. Una forma además que es más económica porque hay menos escenografía, hay menos ensayos porque la obra es de corta duración, y no tienes que estar pendiente de representar la obra en un teatro grande, cualquier espacio vale. Y está ayudando al sector porque podemos hacer microteatro en cualquier sitio y en cualquier circunstancia. Respecto al público, por supuesto que se beneficia, está conociendo algo nuevo. El público se ha encontrado con que la representación de la obra estaba al lado suyo, o que un actor estaba sentado a su lado, y para ellos era nuevo. En la cultura y en las artes en general hay que hacer cosas raras y experimentar, porque no perdemos nada. Probablemente a unos les haya gustado y a otros no, pero ha supuesto una novedad. El público ha descubierto una nueva forma de hacer teatro y, con los grupos que han representados las obras, también se han dado cuenta que el teatro también sirve para pensar, para plantear problemas de actualidad. El teatro sirve para entretener, pero también sirve para pensar. Algunas de las obras tienen un final abierto, con lo cual se va la gente a casa pensando cuál sería el final o qué final le darían. El ciclo de Microteatro ha recorrido varias localidades de nuestra provincia y finaliza el día 30 de Septiembre. ¿Es pronto aún para hacer balance? ¿Los resultados han sido positivos? Yo creo que sí, que ha sido muy positivo. En cada sitio el balance ha sido diferente, es lo que tiene el público, que en cada sitio es distinto. Lo más positivo de todo para mí es que la gente, el público, ha descubierto una nueva forma

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de hacer teatro. Ha descubierto que el grupo de teatro de su pueblo (que siempre hacía lo mismo, sainetes y comedias, las mismas representaciones) está capacitado para hacer teatro de crítica social, melodramático… En fin, que no todo son risas. Para mí, el mayor logro es que la gente de los pueblos en los que hemos estado ya sabe que existe una nueva modalidad, que es el microteatro, un concepto diferente que dura apenas unos minutos, que no hacen falta grandes escenarios. Y luego, por supuesto, como indica el propio nombre del programa, a la Cultura Crítica, a pensar las cosas que se plantean en un escenario, en un periódico o en la televisión, por-

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que se plantean de forma diferente. Y eso es lo más positivo. Gracias por atendernos, Marce. Esperamos que el sector del teatro en Extremadura cuente con más proyectos como Microteatro. El acierto con este plan de Diputación es el poder ocuparse de los pueblos pequeños en los que generalmente, y por desgracia, no había teatro. En algunos pueblos el lleno ha sido absoluto. A la gente le gusta mucho el teatro, y eso ha contribuido a que por fin vuelvan a tener teatro. Lo que esperamos es que continúe. Gracias a vosotros. ¶

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raúl martínez aka jaro españa

las diferencias de ser dj en la península y en las islas

atural de Montehermoso (Cáceres/Extremadura/España), comenzó su andadura en el año 2000, coincidiendo con su traslado a Palma de Mallorca, donde marchó por motivos laborales. Allí fue su primera toma de contacto con los platos, y no se le tuvo que dar nada mal, ya que al poco tiempo de ello comenzó a hacer sus primeras sesiones en la mítica Sala Metro, y de ahí, y siempre guiado por su mentor Javi Color, empezó a recorrer todas las Salas y Clubs de la isla como TITOS, PACHA, BCM, y así una larga lista. A partir de ahí, y aprovechando sus viajes a la Península, alternó sus sesiones en Mallorca

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con sesiones por toda la geografía nacional, ahondando principalmente es su región, Extremadura, y pinchando en los mejores clubs y salas como Bassago (Don Benito/España), Panoramix (Piornal/España), Impacto, Bisou (España), y La Sala Danzatoria, de su pueblo natal (Montehermoso/España), donde tuvo una larga residencia semanal a su vuelta de la isla. Sobra decir que ha compartido cabina con muchísimos djs nacionales e internacionales, aunque eso para mí en un curriculum sobra, ya que cualquiera que tenga una residencia habitual en un Club lo hace, y no significa por ese motivo que sea un virtuoso en las cabinas. Actualmente, y a su regreso a la Península, combina su faceta de empresario de la Hostelería con su trabajo en muchísimas cabinas de la geografía nacional.

Sus estilos son muy amplios, y tiene la profesionalidad que muy pocos tienen para desenvolverse en todos ellos con una soltura increíble. Muchos lo conoceréis, y el que no, si lo veis en un cartel algún día, no dudéis en acercaros a escuchar su set, porque no os dejara indiferente. Hablamos de Raúl Martínez aka JARO, y nos encontramos con él en su Local, uno de los más conocidos de la ciudad de Plasencia por su cocina. Buenas tardes, Raúl. Empezaste a pinchar hace ya 16 años, ¿cómo surgió esa atracción por las cabinas? Mi atracción fue algo muy casual, aunque por otro lado algo de esperar, ya que he sido siempre un gran amante de la música electrónica en general. Empecé escuchando los ya míticos programas de la gran Sonia Briz. Creo que no quedó ni una sesión por escuchar, de esos grandes djs, que por aquella época sonaban allá por los años 90, y siempre tuve la curiosidad de poder aprender y algún día hacer lo que esta gente era capaz de hacer con dos Technics y una triste mesa de mezclas, algo que por desgracia para muchos de los que empiezan hoy en día les puede sonar a chino, pero sí, todos esos grandes que hoy conocemos empezaron así. Así que una noche después de estar en la mítica sala Metro de Palma de Mallorca, aquí en España. Se me metió en la cabeza comprar unos platos y por qué no, intentar aprender a pinchar. Y así fue, dicho y hecho. Esa misma semana los compré. Recuerdo que eran unos Reloop por correa, y la verdad no era nada fácil su manejo. Pero no por ello dejé de intentar aprender, y esa misma semana, después de acabar la noche otra vez en la misma Sala Metro, nos fuimos a mi casa con uno de sus residentes y amigo, Fran Delice, gran dj de origen francés, y él fue el que esa misma noche me enseñó un poco de su gran y depurada técnica, y fue tan buena esa clase que no hicieron falta más, y así fue como empecé a ponerme en contacto con los platos.

Además de la práctica a la hora de aprender, ¿te enseñaron algo de teoría a la hora de estar frente a los platos, o una vez que te enseñaron a cuadrar, tu aprendizaje y recorrido fue totalmente autodidacta? Como ya dije, con una sola clase práctica me sirvió. Claro está, luego dediqué gran parte de mi tiempo a practicar hasta más de 6 y 7 horas al día. Tanto fue mi empeño, que a base de echar tantas horas aprendí, tanto fue así que al mes llegó una de mis grandes oportunidades en uno de los mejores club de la isla, la conocida sala metro. Empezaste en un sitio privilegiado como es la Isla de Mallorca, con una gran afluencia de extranjeros. ¿Notaste que allí la música iba siempre un paso por delante con respecto a la península? ¿O era al contrario? La verdad que en lo que se refiere a la isla de Mallorca por la gran diversidad de gentes de todas partes del mundo, la variedad musical también es mayor. La música electrónica es uno de los buques insignia de la isla, donde existen grande discotecas y clubes de gran trascendencia a nivel mundial como puede ser Titos, Pacha, Bum, El Divino y un largo etc, y claro está, que por estos sitios suelen pasar grandes artistas de gran renombre a nivel nacional y mundial, y entonces la diversidad de estilos de música es muy grande. Pinchaste en las mejores salas de Mallorca, ¿me puedes decir cuál ha sido para ti la mejor de la isla en cuanto aforo, sonido, equipación y comodidad en cabina y organización se refiere? No te sabría decir con cual quedarme, ya que de todas y cada una de ellas guardo grandes recuerdos. Pero sí una de las especiales es Pacha y Titos, que son grandes salas en las que he pasado grandes momentos, y disfrutado muchísimo con grandes compañeros, que me fueron guiando un poco por este mundo tan difícil, pero a la vez tan bonito. De Pacha, que en aquellos momentos se llamaba Abraxas, guardo momentos muy bonitos con grandes amigo de cabina como Javi Colors y Pedro Gracia, y también de Titos, compartiendo cabina en varias ocasiones con mi buen amigo Ismael Sánchez, ahora jefe de cabina LaCarne Magazine

de dicha sala, que por aquellos entonces fue el que me dio la oportunidad de poder debutar en dicha discoteca una noche vieja.

con el público que lo está escuchando, y los haga sentir buenas vibraciones con la música que está poniendo en ese momento.

¿Ha cambiado mucho la escena en la Isla desde que empezaste hasta nuestros días? Sí. Creo que cada vez que paso largas temporadas por allí, veo un gran nivel de los nuevos y grandes productores que están emergiendo y haciéndose un hueco en la escena del panorama de la música electrónica, y te puedo asegurar, amigo mío, que compartir cabina con ellos es todo un lujo, y siempre aprendes cosas nuevas, que es de lo que se trata. Siempre hay que intentar aprender de todos y cada uno de ellos en general. Creo que todo lo que se aporte en técnicas nuevas, tanto en producción como a la hora de hacer bailar a la gente, siempre es positivo.

Luego pegaste el salto a la península, ¿notaste mucho la diferencia de cómo estaba el mundo de la electrónica a nivel de público, promotores, salas y demás a como estaba en Mallorca? La verdad que lo que es a nivel de público creo que es lo mismo en toda la geografía española, siempre que el que está en los mandos de la cabina los haga sentir buenas sensaciones. Si el que está dentro de la cabina es uno de estos que, por desgracia hay bastantes, no se mueven ni ellos, y están más preocupados de las poses y de las fotos que luego colgarán en las redes sociales. Creo que no hacen bailar ni en la isla ni en todo el mundo entero. Respecto a los promotores, aquí en Extremadura y en Palma de Mallorca creo que es más de lo mismo. Los hay legales y no los hay jejeje, para qué te voy a contar algo que tú por desgracia no sepas. Por lo demás, el dj es el que tiene que conectar con la gente, y eso se hace poniendo mucho sentimiento en lo que en ese momento estás pinchando. Y aunque cometas

¿Crees que hay mucha diferencia entre ser dj en Las Islas y serlo en la Península? Creo que la diferencia es muy mínima en todos los sitios de España, ya que lo que el público quiere es escuchar música que le haga bailar dentro de la diversidad de estilos que existen, y que el dj que los esté pinchando se implique

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errores, eso la gente lo perdona si lo que estás poniendo en ese momento les está llegando al corazón, y les estás haciendo sentir cosas bonitas, que de eso es de lo que trata la música, es sentimiento puro y duro. No conozco nada que te haga sentir tantas cosas como la música.

“La música debería ser algo que una, no que separe. Yo me considero una persona a la que le gusta compartir mi música cuando algún compañero me ha pedido algo.” Siempre se ha hablado de que hay bastante falta de compañerismo en esta profesión, ¿cómo lo ves tú? Bueno, eso creo que pasa en todas las profesiones cuando alguien tiene miedo o se siente inseguro de su trabajo, y la única forma que se les ocurre es criticar a compañeros o pisarlos si pueden, en vez de tratar de mejorar o aprender de ellos y ser más humildes, que eso sí creo que falta mucho en esta profesión, humil-

dad. La música debería ser algo que una, no que separe. Yo me considero una persona a la que le gusta compartir mi música cuando algún compañero me ha pedido algo, y creo que jamás he negado nada. De igual forma que, por suerte para mí, se han portado bastante bien la gran mayoría de ellos, pero bueno, algún tonto por el camino me he encontrado. Eso no lo puedo negar. Has pinchado y te desenvuelves como pez en el agua tanto en el tema digital como en el analógico, ¿con cuál te quedarías? Creo que las dos me aportan cosas distintas, y todo lo que sea mejorar la calidad de las sesiones me parece positivo. Eso sí, siempre sin olvidar mi pasión por los vinilos, que fue como empecé a conocer la música. Me considero amante de los platos. De hecho, creo que algún disco que otro tengo por ahí en casa si no recuerdo mal ¡Unos 4.000 o por ahí andan! y de vez en cuando me gusta desempolvarlos y hacer alguna sesión con ellos, como las que hemos hecho tú y un servidor en mi bar, y si además a la gente les gusta, mejor que mejor. Siempre agradecen ver como algún dj todavía los toca. LaCarne Magazine

¿Cómo llevas el tema de la producción? ¿Tienes algo en mente o has sacado algo propio a la luz? La verdad es que soy demasiado patoso en ese tema, y eso que he pasado horas con mi buen amigo Javi Colors, que creo que es uno de los grandes productores de música de este país, con un número elevadísimo de producciones, todas buenísimas y para grandes sellos como puede ser Estéreo Producciones. Y si es así ¿por qué? porque para eso creo que hay que tener mucha paciencia, que es algo de lo que yo ando muy justo y dedicarle mucho tiempo, así es que prefiero seguir pinchando que es lo que de verdad me apasiona. Ya le dedico muchas horas a pinchar y buscar música nueva cada día, y el tiempo está muy justito entre mi trabajo y buscar música, y ya no me dan las horas, al menos que le añadan otro par de horas al día jajajaja. ¿Cómo ves esa premisa que hay hoy en día de que si no produces no eres buen dj? ¿Crees que necesitas producir para serlo? No, creo que toda la vida ha habido djs que no producen y han llegado muy, muy lejos, y por otra parte te digo que no es malo que haya muchos productores, y así, los que no producimos, podemos surtirnos de buena música. Has pinchado en infinidad de salas y antes te pregunté por la que más te gustó en la isla, pero, y a nivel nacional ¿con cuál te quedarías y por qué? La verdad que me gustan muchas, pero si tuviera que quedarme con una creo que la que más me ha hecho disfrutar es la Sala Danzatoria en Montehermoso, que además de tener una gran calidad de sonido, está muy cercano al público, y eso me gusta bastante: poder estar metido con ellos en mis sesiones, y hacerme yo mismo partícipe de ellas, y disfrutar de lo que en ese momento estoy pinchando. También pinchaste con infinidad de Djs. ¿Podrías decirnos cuál es el que más te ha marcado de todos con los que has compartido cabina? He compartido cabina con muchos grandes profesionales, pero aún recuerdo a Lutzer-

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kichen y su manera que tenía de pinchar, ya que me dejó bastante sorprendido la agilidad que tenía en las manos, y la técnica a la hora de pinchar, pero en verdad, todos me han aportado grandes cosas. Y ya acabando, me gustaría que me dijeses tres temas, con sus correspondientes creadores, que sean atemporales para ti en el mundo de la electrónica. Los Suruba & Edu Imbernon con “Punset” (Original Mix), este tema me encanta. El segundo tema, de los D-Nox & Beckers con “Serenade”. Y por último, el de Frankey & Sandrino con “Acamar”. Por último, ¿podrías decirme tus proyectos a corto y medio plazo, y dónde podremos encontrarte en el mes de Octubre para quien quiera acercarse a disfrutar de tus sesiones? Ahora, la verdad que por mi trabajo estoy un poco más liado y no puedo coger todos los bolos que quisiera. La próxima que tengo para el mes de octubre es una gran fiesta en la que pincharé en El Piornal, aquí en Cáceres, España, en la conocida Sala Panoramix, que será el día 29, en la que haré un directo acompañado de un grupo musical de la zona que pondrá percusiones a mi sesión. Creo que lo pasaremos en grande, aunque seguramente hay un par de cosas a punto de cerrarse también que seguro que saldrán por aquí, por la zona de Extremadura. Así que sin más, me despido. Un gran placer haber podido compartir contigo este gran rato, y haber charlado tan a gusto. Eso creo que los lectores de la entrevista darán cuenta de ello. Un abrazo muy grande para todos y ¡nos vemos en las pistas de baile! Bueno Raúl, solo decirte que ya estoy deseando compartir cabina contigo otra vez, y a todos vosotros, no dudéis en asistir a cualquiera de sus sets porque merece mucho la pena. ¶

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venezuela

okills

convirtiendo el continente en una américa trae muy gratas sorpresas.

i queremos hablar de pop rock independiente en la actualidad, hay que mencionar de forma casi obligatoria a la banda venezolana Okills, un grupo caraqueño que nos está regalando buena música desde el año 2010, cuando deciden emprender con este proyecto. Actualmente, esta banda venezolana se encuentra promocionando su más reciente disco llamado América Supersónica, lo que los ha convertido en una sensación en suelo mexicano, lugar donde han centrado la promoción del trabajo discográfico durante este último año. Hay que señalar que tal ha sido la aceptación del público mexicano con Okills, que acaban de ser firmados por la compañía discográfica Universal Music México, quienes apuestan por esta agrupación que sin duda alguna nos

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¿Cómo fueron los comienzos de Okills? Pues Kevin, Leonardo y yo nos conocíamos del colegio, y habíamos estado en varios proyectos juntos. En una época, Leonardo no estaba haciendo nada, y lo llamé para hacer una banda nueva. Empezamos a ensayar él, Kevin y yo, y salieron par de temas. Leonardo llamó a Tony que era baterista, y estuvimos un año sin cantante hasta que Alberto, que estuvo en una banda con Tony antes, se nos unió para así completar Okills. Hoy en día Tony sale de la banda, y actualmente está Alejandro Bautista “Drito”. ¿Cómo apareció el nombre Okills? Pues no es muy interesante jaja. Nuestro 1er nombre era OK porque queríamos algo simple y universal, pero cuando se buscaba en Google la palabra OK salía todo menos nosotros. Entonces decidimos ponernos Okills, que es como 0 muertes en la guerra. Supuestamente OK era un acrónimo de guerra. ¿Cómo consideran que ha sido el apoyo de

a supersónica los medios de comunicación y de sus fans? El apoyo de los medios tardó un tiempo en llegar, pero el de los fans fue muy bueno desde el principio. Los medios no te paran hasta que eres un poquito “famoso”. ¿Qué tal ha sido la recepción de su disco actual, AMÉRICA SUPERSÓNICA? La recepción ha sido maravillosa. Fue un disco hecho con la intención de poder ser internacional, y por suerte fue recibido como tal. En México ha gustado mucho, y en Venezuela, el año que salió, quedó en las listas de los mejores discos. Aún le queda jugo, así que esperemos que siga teniendo éxito y nos siga llevando a lugares importantes. Hablemos un poco sobre su experiencia en México ¿ha sido lo que esperaban? Creo que ha sido más de lo que esperábamos. Los tiempos que teníamos en la mente se quedaron muy largos porque las cosas pasaron muy rápido

Conozcamos un poco más sobre Okills

¿Cómo es tu día a día? ¿Qué es lo que más te gusta hacer? Alberto “El Arcas”: Componer canciones o darle a las que ya tengo. También me gusta mucho escuchar música nueva que se ha hecho, y revisar las redes de la banda y mías. Leonardo “El Kmarón” Jaramillo: Tocar guitarrita sabroso todo el día. Despertarme tarde y jugar videojuegos. Carlos J. García: Me gusta tocar guitarra y trabajar en mis proyectos de audio con mi estudio. Kevin Yousef: Creo que lo que más me gusta es salir y conocer cosas nuevas. Alejandro Bautista “Drito”: Me gusta escuchar mucha música y practicar batería en cada chance que puedo. ¿Cuál es tu rol dentro de la agrupación? Alberto “El Arcas”: Soy el cantante principal. Toco guitarra acústica y acordeón. Compongo LaCarne Magazine

muchos temas. Leonardo “El Kmarón” Jaramillo: Guitarrista. Carlos J. García: Guitarra. Kevin Yousef: Bajista. Alejandro Bautista “Drito”: Batería y segundas voces ¿Coméntanos un poco sobre tu vida artística y tu vida personal? Alberto “El Arcas”: Soy una persona apasionada con la música, y creo que en la banda y en tarima demuestro eso. Me entrego mucho en cada show. Leonardo “El Kmarón” Jaramillo: Soy una persona muy tranquila hasta que me hacen molestar jajaja, pero en tarima creo que demuestro mucha más hiperactividad de la que hay en mi vida cotidiana.

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Carlos J. García: Soy una persona medio peleona jaja y apasionada, pero en tarima soy más tranquilo de lo que puedo ser normalmente. Kevin Yousef: Soy el más tranquilo de la banda por mucho, y en tarima me muestro igual. Me pongo nervioso antes de montarme igual que me pongo nervioso antes de viajar o hacer algo. Si quieren conocer y escuchar más de esta banda venezolana, que de a poco se está adueñando de las listas de reproducción del pop rock independiente y de sus fanáticos, visita su sitio web http://www.somosokills.com y entérate de todas las sorpresas que se traen estos jóvenes.

www.somosokills.com

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ansiolítikos

¿Por qué decidisteis llamaros Ansiolítikos? La idea era formar un grupo que causara furor en la escena musical de la localidad leridana, y, tras esas ansias de tocar y romper con todo, surgió el nombre de Ansiolítikos, que era lo que necesitábamos para calmar nuestra ansiedad. ¿Cuándo empezó todo? Todo empezó en el 2003, cuando Jordi y Víctor, que proveníamos de otras bandas como Nausea Pause y Joder ya, entre otros. Nos juntamos con Edu Baró, y ahí empezó el sonido Ansiolítiko. Cuando os escucho me recordáis a grupos como Triburbana, spansuls 15 mg, Eskorbuto y a Los Ramones, entre otros. ¿Qué grupos os han influido? Igual que le pasa a todo el mundo, es inevitable caer bajo la influencia de aquello que nos rodea o escuchamos. Todos venimos de distintos estilos musicales, ya sean enmarcados dentro del punk, el rockabilly, el rock e incluso

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españa

el jazz o el soul. Aunque no en esas influencias basamos directamente nuestros temas, sino que entre todos buscamos un sonido y estilo musical distinto, no encasillado a lo típico. ¿De qué grupos provenis cada uno? Víctor viene de Nausea Pause, El ojo público y Joder Ya. Jordi viene de Alboroto, Joder ya, Gullaguers, y también ha colaborado con Piorreah, Six fingers y Los Borgia. Vero viene de Transiliums y Esputo, y también tiene proyectos individuales encarados a otro estilo musical. Estáis preparando un nuevo disco, ¿Qué podeis adelantar sobre él? Tenemos grabado el directo del festival Kalikenyo Rock 2016, que se celebra en nuestras tierras, y vamos a publicarlo mediante youtube, donde todo el que quiera se lo podrá descargar gratuitamente, incluyendo temas nuevos que saldrán en el próximo disco que estamos preparando, sin fecha prevista aún para la grabación. Kañi, vuestro bajista abandonó el grupo debido a un cambio de residencia, es entonces cuando lo sustituye Vero. ¿Cómo la conocis-

teis? Sí, Vero hacía un tiempo que había dejado su banda, y venía con ansias de pisar escenarios. Así que se ofreció a tocar con nosotros. Ganasteis el concurso Pepe Marín, que os llevó a tocar junto a Porretas, Gatillazo, Non Servium entre otros en el Kalikenyo Rock. Un festival que va ganando cada vez más renombre. ¿Cómo fue la experiencia? La experiencia fue muy grata, así como el trato que recibimos por parte de la organización y las bandas con las que compartimos escenario. Nos sorprendió la aceptación que tuvimos por parte del público, y los comentarios que nos hicieron respecto a nuestra música. Habéis tenido muchos cambios en la formación. Aún así, no habéis tirado la toalla. ¿Alguna vez se os pasó por la cabeza? Sinceramente: NO. Para nosotros Ansiolítikos es una forma de vida, una vía de escape a la que estamos enganchados y no podemos escapar. Alejarnos de la realidad y las dificultades cotidianas y sociales tocando es lo que nos da fuerzas para seguir luchando y no caer en la derrota. ¿Qué consejos le daríais a un grupo que empiece ahora o que esté teniendo más problemas de los que esperaba con el grupo? Que lo importante es disfrutar de lo que haces,

dejando de lado lo que opinen los demás. Si te lo pasas bien, no hay dificultades que valgan. Así que adelante, sin un paso atrás. Reflejos de Ansiedad, vuestro primer disco compuesto de 12 temas, es un autentico trallazo punk. ¿Sentís que tuvo la acogida que merecía? Realmente el resultado no fue el esperado, y por esa causa no lo hemos movido lo suficiente para saber la acogida que ha tenido, aunque, a pesar de eso, la distribuidora Tóxico Récords apostó por nosotros, por lo que les estamos muy agradecidos. Gracias, Nando! ¿Cómo se puede conseguir vuestra maqueta Ninguno de nosotros necesita un amo, y el disco Reflejos de Ansiedad? ¿Y vuestro merchandising? Contactando con Tóxico Récords, o enviándonos un mensaje al facebook de Ansiolítikos. ¿Queréis dejar algún mensaje para los lectores? Que escuchen nuestra música y se animen a ponerse en contacto con nosotros para hacerles vivir el sonido Ansiolítiko en directo, y ayudarnos a tocar este sueño con la punta de los dedos de los pies.

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ile,

puerto rico

de puerto rico al mundo

Le ha recorrido medio mundo junto a sus hermanos con la reconocida banda Calle 13. Tras más de diez años de carrera junto a la banda, iLe ha decidido embarcarse en una nueva aventura, pero esta vez lo hará en solitario. Como carta de presentación, nos trae su disco Ilevitable, en el que ha puesto mucho trabajo y entrega. Durante la gira de presentación visitará España, y posteriormente viajará a Latinoamérica y Puerto Rico. Hemos tenido el placer de poder hablar con iLe para hacerle unas preguntas y nos ha contado, entre otras muchas cosas, lo especial que es este disco para ella. Tras 10 años con Calle 13 decides embarcarte en un nuevo proyecto en solitario como iLe. ¿En qué momento decides que quieres volar sola? ¿Fue una decisión muy meditada? Desde el principio fue una posibilidad sacar un disco, pero nunca quise sentirme obligada a hacerlo. Creo que es un proceso largo y lento que conlleva muchas cosas a la vez. A través de los años me fui dando cuenta de lo mucho que me satisface cantar y estar en tarima, es una sensación alucinante que me parece necesario nada más como ejercicio de vida. Esa necesidad que iba sintiendo fue lo que finalmente me motivó a trabajar todas las ideas acumuladas que tenía. Cuando tomaste la decisión ¿ya tenías escritas las canciones de iLevitable? ¿Qué encierra el título de este disco y las 12 canciones que lo componen?

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Tenía ya algunas ideas, pero muy pocas. Este disco se fue desarrollando en el proceso. Quise trabajar con cosas muy específicas y liberar pensamientos que tenía guardados, por eso iLevitable para mí es el principio de algo que tenía que pasar. Cada canción tiene su historia dentro de mundos y ambientes distintos. Estoy muy contenta con todo esto que es un momento de aprendizaje que voy a recordar siempre. De los temas de iLevitable muchos los has compuesto tú, pero también hay algunos escritos por tu abuela o tu hermana. Háblanos de estas canciones. ¿Se han compuesto para este disco o ya estaban escritas de antemano? ¿Cobran un significado especial dentro de iLevitable? Definitivamente es muy especial para mí que este disco esté lleno de gente que amo profundamente, y me siento muy agradecida y afortunada por eso. Las canciones de mi abuela Flor Amelia de Gracia, ya estaban escritas. El tema “Dolor”, por ejemplo, fue compuesto en el año 1955. Los temas de mi hermana Milena Pérez, dos de ellos fueron compuestos en el proceso del disco, y uno de ellos ya estaba escrito, que es el tema de “Triángulo”, que lo escribió como para el año 2007, cuando ella

vivía en Nueva York. Las críticas y los medios hablan muy bien sobre iLevitable y, por lo que hemos podido saber, el público también está respondiendo muy bien. ¿Sorprendida? ¿Te esperabas tener una acogida así? Este disco lo trabajé casi por intuición y con mucha entrega, pero sin esperar nada, así que ha sido para mí una sorpresa toda esta acogida de la gente, sobre todo en el tiempo en el que estamos, en donde se nos hace más fácil distanciarnos de nuestras emociones en vez de enfrentarlas. Con este disco ¿has logrado alcanzar tu objetivo? ¿Cuál es tu siguiente meta? Todavía siento que estoy empezando a trabajar mi objetivo, pero hasta ahora creo que lo estoy logrando. Lo más importante en el arte es comunicar y transmitir, es una terapia que ayuda a darte cuenta que no estás solo, que todos sentimos. Mi meta es poder lograr eso y disfrutar siempre lo que hago. Has estado de promoción en Estados Unidos y seguirás ahora con la promo en España. ¿Cómo sueles organizarte para atender a todos los medios? ¿Es la prensa importante

para una artista como tu? La prensa es importante pero no es una prioridad para mí. Poder compartir mi historia y mi pensar con personas que verdaderamente lo valoren me parece algo muy lindo, pero lamentablemente eso es difícil de encontrar en la prensa. Siempre que tenga tiempo para atender mis prioridades, busco la manera de cómo organizarme con los demás medios. Después de visitar España, ¿habrá gira por Latinoamérica? ¿qué harás hasta que acabe el año? Sí, estaré muy pronto por Latinoamérica, y luego regreso a mi isla, Puerto Rico, para continuar con las presentaciones y celebrar el fin de año. iLe, un placer y todo un lujo que nos hayas dedicado tu tiempo para atendernos. Esperamos que iLevitable sea el primer disco de una larga carrera, te deseamos mucho éxito ;-) Muchísimas gracias a ustedes por el espacio y por las buenas preguntas. Espero que este disco acompañe muchos momentos que podamos recordar juntos en las presentaciones.

http://ilevitable.com/ LaCarne Magazine

egregor,

chile

una entidad energética para el metal ecléctico LEER MÁS

Entrevistamos a Magda, vocalista de la banda La Banda: Magdalena Opazo (Vocal) Richard Iturra (Guitarrista) Giancarlo Nattino (Guitara) Alejandro Heredia (Bajo) Carlos Hidalgo (Batería)

gregor es la banda chilena invitada al escenario Metal en el Megafest de este año (La Paz, Bolivia), y LaCarne Magazine se acercó para hablar con Magdalena Opazo, la líder y vocalista de la agrupación, para poder compartir un poco acerca de la banda, su música, el nuevo videoclip y su metal ecléctico.

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¿Qué género tocan? Es un género que nosotros inventamos, metal ecléctico. El eclecticismo es una rama del arte que mezcla diferentes líneas. Se da más en el arte visual y lo estético, pero nosotros lo aplicamos y lo pusimos en el metal porque tenemos mezcla de muchas cosas. Sentimos que ponernos Doom Metal o Metal Sinfónico te coarta un poco, y es como que si haces algo diferente y dicen “por qué estás haciendo eso?”. Queremos potenciar que la banda se sienta libre, como cualquiera que quiera utilizar el eclecticismo para definirse rock ecléctico, pachanga ecléctica o punk ecléctico, para que mezcle todo. ¿Por qué el nombre de la banda? Todos los que tocamos en Egregor tenemos una filosofía de vida que se refleja en la música al azar que hacemos, y Egregor es el nombre que se le da a una entidad energética formada por dos o más personas. Es un ser que viene del ocultismo, cuando se creía que era malo, cuando en realidad es algo que no se maneja mucho para la religión. Nosotros

cómo? A todos los integrantes de la banda siempre nos ha gustado la música y nos ha llamado, y es algo que si uno lo piensa con lógica (hacer música es un desastre, difícil, la plata no da mucho... ), uno tiene que trabajar para poder hacer música, pero sentimos que es lo que tenemos que hacer en esta vida. Incluso nuestro disco se llama Karma, y lo nombramos porque sentimos que es nuestro karma el hacer música, pero no como algo malo, como comúnmente se asocia, el karma es la consecuencia de todo lo que haces en toda tu vida.

rescatamos Egregor. Para explicar un poco: hay muchos egregor, la iglesia es un egregor, los equipos de futbol, el concierto armado esta noche es un egregor..., pero ellos se disuelven en el tiempo porque no tienen un ritual. En la banda es una conciencia que nos acompaña y que se nutre de las tocadas, de la música, y a la vez alimenta con energía a todo el que nos escucha. Algo místico. ¿Qué quieren transmitir con su música a las personas? Es complicado decir qué queremos entregar, pues la gente entiende lo que quiere al final del día. Estoy a cargo de lo que digo, no de lo que entienden, más que nada es remecerlo. Siempre hemos querido que la gente escuche la letra, se dé el tiempo de leerla y piense “qué es lo que quiere decirme la letra”. De repente no importa lo que yo digo, sino el mensaje que la persona escuchó. En el fondo queremos generar conciencia, pero desde la misma persona. ¿Por qué se dedicaron a hacer música? ¿Y

¿Qué consejo le darías a las otras bandas que quieren surgir en el mundo del rock? Cuando uno parte haciendo música, tiene un sueño muy romántico, que es conquistar a la gente con su voz y que todos se vuelvan locos, y después te topas con la industria musical que es dura, que es cruda, que si no vendes no sirves, y muchas cosas. Alguien puede tener talento, pero el talento no va a servir de nada si no hay perseverancia ni trabajo. En el fondo, si alguien quiere dedicarse a esto, en el fondo se puede hacer, pero tienen que ponerle mucho ñeque (coraje), y ser tolerante a las frustraciones a veces no te da riqueza, pero te enriquece el alma si uno descubre lo que quiere hacer con la música, uno se siente pagado todos los días. Así que perseverancia, perseverancia y perseverancia. ¿Cómo empiezan a componer? El proceso de composición está abierto a que todos compongamos en la banda. Yo soy la que define las estructuras, las letras, las melodías. Pero suponiendo, el guitarrista presenta un riff y me dice “mira, tengo esto”. Lo escucho y digo que puede ser así, así, y así, y después trabajamos con toda la banda cuando ya hay una base. Con batería programada con los riffs iniciales llevo más o menos la línea melódica, y el bajista crea los bajos, la otra guitarra a hacer un solo... Así vamos de a poco armando los temas, y la letra mayormente sale al final, pero si quiero componer una canción que se va a tratar de guerra, entonces debo avisar a mis músicos para que compongan música que parezca de guerra, es como la esencia, el alma de la canción. Nos enfocamos en eso, LaCarne Magazine

en el sentimiento. Así salen en su momento las canciones. ¿Cómo se armó la banda? Armé la banda en el 2010. Cuando estudiaba, entré como que en depresión tremenda, y dije “hay que levantarse”. Empecé a armar una banda y luego conocí a Alejandro “Yeco”, el bajista, y a Richard, el otro guitarrista. Empezamos el proyecto de Egregor en el 2011. Sacamos un Ep. De allí no podíamos tocar más porque no teníamos más músicos. Después se unieron los otros músicos, trabajamos fuerte logrando sacar disco el año pasado. ¿Cuál la parte más difícil de sacar el disco? Tenemos la suerte de que Richard es sonidista. Eso nos facilita un poco. Además, sugiere, cuando hay que cambiar algo, trabajar para que las cosas salgan bien, y produce a otras bandas, incluso de Perú. En cambio, como que lo más difícil creo que son las expectativas de uno mismo. De repente, cuando uno va a sacar el disco está tan ansioso de que se suene hermoso, que sea lo mejor de la vida, y empiezas a grabar diciendo NO, que está mal, mal, mal, cuando creo que es mejor fluir. Escuchas “es tu primer disco, no

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tienes que conquistar el mundo”. En el camino te das cuenta que algo debió sonar mejor de otra manera. Ni escucho el disco porque encuentras puras pifias. Aparte de lo económico, lo más difícil es el corazón y las trabas que se pone uno mismo. ¿Cuáles son los temas que promocionan actualmente? Con la promoción de Karma tenemos 3 videoclips. Uno hecho en Yata, uno de ritual, y uno de inflexión. Ahora presentamos un video que venimos trabajando casi por 3 años, que es un video animado donde salimos con poderes, en el altiplano. Tienen que verlo, está super, tiene sonidos andinos, charango, zampoña. Egregor presentó su videoclip animado por Alex Rivero, donde recorren un mundo donde todo puede pasar, y los protagonistas son los miembros de la banda. LaCarne Magazine quiere agradecer a Luís Lujan, joven periodista, por ser parte de la entrevista.

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provocarte 2016

españa

farragua, fônal, paradise key LEER MÁS

l programa musical ProvocArte 2016, realizado como cada año por la Diputación Provincial de Cáceres, ha contado en esta edición con la participación de 13 grupos extremeños. Las distintas agrupaciones han visitado con su música en directo algunos municipios, pasando por un total de 18 de la provincia de Cáceres. Los artistas y grupos participantes de esta edición de Provocarte 2016 han destacado por su variedad de estilos, y entre ellos hemos podido ver los nombres de algunos grupos ya consagrados y grupos amigos: Barbas de Oro,

Borja Prieto, Charly González & The Crazy Bros, Descalzas, Doctor Olmedo, Esperando a Christine, Fônal, Farragua, Gecko Turner, La Banda del West, Manolo, El Burro y Cía, Mcano, Paradise key, The Jon Storey Band. Provocarte es un escaparate para los grupos y artistas de Extremadura, y gracias a él pueden acercar la música de sus directos a muchas localidades de la provincia cacereña. Esta edición ha finalizado con un balance muy positivo. Hemos querido saber la opinión de algunos de los grupos participantes, qué significa para ellos que se realicen programas musicales como ProvocArte, y su experiencia como grupos participantes en esta edición.

FARRAGUA

FÔNAL

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Este año habéis sido uno de los grupos participantes del cartel de ProvocArte 2016. ¿Qué ha significado para vosotros poder participar en este programa? FARRAGUA: Pues siempre viene bien que a una banda de Rock como es Farragua se la pueda tener en cuenta para eventos de este tipo. Vamos a seguir peleando por lo nuestro, por nuestras canciones y por nuestros sueños. Así que espero que no nos olvidéis nunca porque nosotros no lo haremos. FÔNAL: Ha sido toda una experiencia llevar nuestras canciones electrónicas hasta pueblos donde sólo llegan las orquestas y los grupos que versionan temas famosos que ya todo el mundo conoce de la tele y la radio. Ha sido el concierto donde más discos hemos vendido. Estamos muy contentos. PARADISE KEY: Ha sido un honor y un placer poder participar y colaborar con esta iniciativa. Nos ha permitido visitar zonas espectaculares de nuestra tierra como es el Jerte, más concretamente Casas del Castañar, con unas vistas, construcciones y gastronomía muy atractivas. Hemos podido contar con un equipo técnico muy profesional, competente y atento para crear un clima confortable para el grupo. ¿Qué os ha parecido la edición de este año? ¿Cómo ha sido la respuesta por parte del público? FARRAGUA: Nos tocó en Garvín de la Jara, un pueblo pequeñito, que en el 2014 contaba con 97 habitantes en el municipio, si no me equivoco. A día de hoy no sé como estará. La gente acabó animándose y nosotros como siempre disfrutando. Es bueno, que se sigan realizando cositas así, la música es cultura. Pero lo más importante en cualquier ámbito cultural, no es querer hacer las cosas. Lo bonito e interesante es querer hacerlo bien. FÔNAL: La respuesta del público fue muy positiva, todos quedaron muy contentos y nosotros muy satisfechos por haber podido llegar a público tan diverso. Al principio la gente estaba extrañada, pero al final acabaron todos bailando y pidiéndonos más canciones. PARADISE KEY: Este año hemos compartido cartel con grandes artistas y grandes amigos con los que llevamos años disfrutando de esta gran pasión por la música. El público se hizo de rogar un poco al principio, pero se les anima a interactuar con el grupo, y acabamos bailando y disfrutando todos juntos de la música, que es uno de nuestros objetivos. ¿Por qué creéis que ProvocArte es importante para las bandas de nuestra provincia? FARRAGUA: Pues primordialmente porque una banda con canciones propias se nutre de tocar y de que la gente poco a poco los vaya conociendo y aprendiendo sus canciones. Creemos que toda iniciativa cultural, ya de por sí merece ser respetada. Esperemos que cada año se valoren este tipo de ediciones y se puedan seguir llevando a cabo. Nosotros, con FARRAGUA, estaremos luchando para continuar haciendo lo que más sentimos. FÔNAL: Creemos que es importante, tanto por la ayuda que se le da a los grupos de la provincia que componen y trabajan sus propias canciones,, como por la gente de los pueblos que puede acceder a otras músicas. Es una manera de fomentar la cultura como arte, y no tan sólo como entretenimiento. Ojalá siga ProvocArte y más programas como este por muchos años. PARADISE KEY: Este tipo de iniciativas culturales ayudan tanto a los grupos a promover y promocionar su trabajo, como a los municipios a proponer actividades culturales alternativas, pudiendo atraer público a sus localidades. Es todo un acierto incentivar la música extremeña, llevando actuaciones musicales a localidades alejadas para un intercambio cultural, no solo musical. Ha sido una gran experiencia que esperamos poder repetir. ¶ LaCarne Magazine

oscárboles LEER MÁS

engo el placer de entrevistar a Oscárboles, que contactó conmigo a raíz de la entrevista a Juan Abarca. Es un cantautor tarraconense comprometido a la vez que divertido, con canciones como El Professor, La velocidad, o A Marte En Vida. Disfrutad la entrevista como yo he disfrutado haciéndola! Aunque suene un poco típica ¿Cuándo sentiste la vocación de querer dedicarte a la música? Si tengo que citar un día concreto, te cuento que cuando tenía unos 15 años, en las fiestas de un pueblo de Valladolid que se llama San Bernardo, sin haber tocado nunca una guitarra cogí una, y empecé a improvisar letras. Di un recital de unos diez minutos. Cuando terminé, la gente me preguntaba si sabía tocar la guitarra y si las letras eran mías. jeje. Moló.

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españa

Me comentaste que anteriormente tocaste en un grupo punk llamado Almorrana Social, en un grupo rock llamado Backdoormen, y un grupo de flamenco que se llamaba El Desavío ¿Por qué se cerraron esas etapas? Se cerraron yo creo que por falta de ilusión en el proyecto. Aunque Almorrana social continuó muchos años sin mí, y seguían tocando algún tema mío y a mí me hace mucha ilusión que sea así. ¿Qué ventajas e inconvenientes crees que tiene ser cantautor? Ventajas, plasmar lo que te dé la gana, lo que puedas, lo que te salga, lo más íntimo, toda la mierda sale... Compartir eso de manera festiva y dramática es increíble. Inconveniente por ser cantautor, ninguno. Si acaso el inconveniente será la sociedad, la industria, el poder, los medios..., pero eso no es excusa para dejar de ser lo que uno es. ¿Crees que al cantautor se le valora más ahora o por el contrario se le valoraba más antes? Creo que debemos valorar más a quien nos valora hoy. A mi modo de ver, un sólo oscar-

boliano vale más que 300.000 seguidores de Albert Pla o Sabina. ¡Aunque, ojo! No es incompatible, ni digo que yo sea mejor que ellos. Hablo de los seguidores. Ser oscarbolian@ es la ostia. Hoy hay mucho móvil, mucho internet, mucha viralidad de mierda, mucho bombardeo de información, y tener la paciencia de escuchar una canción con letra durante 5 minutos es heroico. Digamos que antes era más fácil valorar una canción con letra. Ahora tiene más valor que alguien tenga ese interés y mantenga la atención. Háblame de tu primer disco como cantautor,. ¿Cuándo lo sacaste? ¿De cuántas canciones se componía? El primer disco lo saqué sobre 2006. No estoy demasiado orgulloso a nivel de composición. El que saqué en 2013 ya tiene los elementos básicos con los que empecé a descubrir claves que ya no soltaré, como son la ironía, la crítica, el humor, la escatología, la violencia o el sexo. ¿Qué grupos o cantautores te han influido a la hora de componer? Musicalmente influenciado empecé con la movida madrileña cuando era un niño. Más tarde descubrí a Los Suaves y a Andrés Calamaro, unos grandes en la composición y, sobretodo, en el directo. Luego descubrí la canción de au-

tor de Javier Krahe (con el que tuve ocasión de hablar un par de veces), Albert Pla, y Juan Abarca. A nivel internacional, Virulo de Cuba y Hugo Varela de Argentina, y los narcocorridos como ejemplo de canción narrativa mejicana. La verdad es que me encanta la canción narrativa para llegar a la catarsis. La tragicomedia lyricocuentista, ese es el género que practico. Y musicalmente hago lo que quiero y lo que puedo. Para mí, la música sin letra no tiene demasiado interés, es como beber sólo o un amigo de Facebook, algo un tanto insulso. Estas preparando un tercer disco. ¿Tienes ya fecha de lanzamiento? ¿Qué nos puedes adelantar del mismo? Es una obra de ingeniería a nivel de letras. La base musical es el flamenco, y cuando digo flamenco es flamenco, nada de medio mestizajes patilleros. He tenido la suerte de encontrar de productor a Falu, él es un gran guitarrista, bajista del Barrio. Él me ha ayudado mucho con los temas. Siempre digo que me da la impresión de ir galopando a lomos de un elefante mientras canto, la bulería, tanguillos, rumba, rap y también desnudo con la guitarra. Para mí, este disco es puro arte, encierra mucha verdad. Lo acompañaré de un libro con letras y las ilustraciones de un artista que compartió el alma de las letras. En tu canción Indepedenbigbanb, incluido en LaCarne Magazine

tu nuevo disco, hablas del proceso catalán vinculándolo a Nietzsche. ¿Cómo te surgió la idea para la canción? Bueno, lo de vincularlo a Nietzsche no fue voluntario, fue una apreciación de un amigo bastante culto que se llama Jaume, y me encantó. Hablando con el cantautor Pedro Herrero, intercambiamos bromas sobre el llamado “procés”, y me dio muy buenas ideas. Le propuse que hiciera una canción y me dijo “haz la canción tú, Oscárboles, que eres catalán”. Así que tiré para delante, y la estrené en el programa de radio Mi rollo es el rock, de Tarragona radio. Mi amigo Pae quedó encantado. Tocaste en la gruta 77, en el homenaje a Krahe. ¿Cómo contactaron contigo para que actuaras? ¿Cómo fue la experiencia? Fue Juan Abarca el que me invitó, y la verdad es que fue muy especial homenajear a Krahe. Para mí, Javier Krahe es un grande. Una vez le pedí consejo para escribir grandes canciones como las suyas, y me dijo “Oscárboles, conduce con sumo cuidado”, no te digo más, un grande. Fue muy emocionante formar parte de ese homenaje. ¿Cómo te inspiras y de dónde te viene la inspiración a la hora de componer? Me inspira el sufrimiento, la mierda de mundo, me inspiran mucho los hijos de puta que nos

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manipulan, que nos explotan, que nos empujan a la guerra. Me inspiran también las cosas buenas, la bondad, la belleza y la vida. Me inspira la muerte, el cagar, el comer, el dormir. Para mí, componer y cantar es terapéutico. Quieres dejar algún mensaje a los lectores y a tus fans? Las letras, el arte, el mundo fantástico que dibujan mis ideas, que no son mías, son una puerta de escape a una cruda realidad, de bandos, de guerras, de normalidades asfixiantes, de sufrimiento, de dolor y de dogmatismo. Jugar es lo que nos salva del enfado, del sufrimiento, la ironía es una tabla de madera en donde un mundo de maremotos que te quieren tragar nos podemos subir y jugar con las olas. El oscarbolian@ la vida disfruta en un mundo hijo de puta. Nota del autor: Oscar es una persona extraordinaria, merece la pena escuchar sus canciones y acudir a sus conciertos, y desea tocar por todos lados. ¶

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nexo

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xactamente el día 17 de noviembre del 2015 realicé una entrevista a Iván Donascimento, que es el fundador de la banda Alambrada, resulta que después de algunos cambios, la banda grabo un cd y se disolvió, y fue cuando se creó NEXO. Bueno, esto vamos a conocerlo ahora mismo mejor. Entrevistamos pues a la banda NEXO y que nos cuenten. Queremos saber acerca de sus proyectos, inicios y curiosidades de los integrantes. Hola, chicos! Nos gustaría saber qué pasó con los Alambrada. ¿Por qué ese cambio de nombre y de algún integrante? ¿Quiénes sois ahora? Antes de nada, queremos agradecer el tiempo que tomáis en esta entrevista. Nexo era el nombre que tenía el proyecto antes de Alambrada. Fue un cambio que se habló hace tiempo y donde se realizó el primer trabajo en forma de Ep, bajo ese mismo nombre. Después de varios cambios por motivos ajenos a la banda, se retomó el nombre Nexo

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definitivamente. El camino que sigue ahora la banda es el que en realidad se buscaba con Nexo al principio. Esta vez con los integrantes más adaptados a lo que se buscaba. Aldo – Voz, Iván – Guitarra, Ezequiel – Bajo, Camilo – Guitarra, Gabriel - Batería. ¿Por qué el nombre de NEXO? Para nosotros, el grupo significa estar unidos. No sólo entre los integrantes, si no con toda la gente que pueda sentirse identificado con este estilo, que comparta opiniones sobre los temas tratados, etc. Eso es lo que se busca, la unión entre todos. Lo que mejor define nuestra opinión y ese sentimiento nuestro hacia el grupo es la palabra NEXO. La voz de Aldo le da agresividad y firmeza a los temas. A mí me gusta y mucho ese tono, cambia mucho musicalmente una banda por su voz, y en NEXO creo que habéis acertado. Hablemos de la voz de NEXO, Aldo. ¿Cómo disteis con él? ¿Cantaba antes en otra u otras bandas? Dimos con él por conocernos en otras formaciones. Su voz más agresiva es lo que ha permitido ese “cambio” en las canciones. Habéis lanzado hace pocos días vuestro primer videoclip, que lleva por nombre HUYE, y

Cada integrante tiene sus gustos musicales, podemos ir desde Asking Alexandria o Bullet for my Valentine, hasta Queen o Mónica Naranjo. Aldo es quién siente pasión por Queen y System of a Down. Iván y Ezequiel son los que más se pueden parecer con grupos como Asking Alexandria, o Bullet for my Valentine. Camilo y Gabriel, Linkin Park, Avenged sevenfold y August burns red.

en cuatro días ha obtenido unas 2.000 visitas y más de 100 likes. Habladme de ese video, de que habla el tema, y anécdotas de esa grabación. El tema del videoclip, “HUYE” (https://youtu. be/eSMdJ7h9uFc) habla de la violencia de género, en este caso hacia la mujer. Explica el maltrato vivido por ella. Una mujer cansada intenta escapar de la vida que lleva, con un final… bueno, que se puede ver en el videoclip (risas, jajaja). La grabación de este videoclip fue una experiencia que nos hizo crecer a todos. Y, sobre todo, nos hizo reír y llorar (de la risa por supuesto). Como anécdota destacada, podríamos decir que nadie imagina lo gracioso que puede ser una persona comiendo cereales en mitad de una escena por sorpresa. Que estáis haciendo ahora? ¿Estáis creando nuevos temas? ¿Queréis grabar algo? Ahora estamos trabajando en un adelanto del primer CD. A su vez, estamos acabando de preparar todos los temas que formarán parte del primer trabajo bajo el nombre de Nexo. ¿Tenéis los integrantes los mismos gustos musicales? Explicadnos cada uno cuáles son vuestras bandas preferidas, las que escucháis normalmente.

¿Quién crea los temas en la banda? ¿Y las letras? ¿De qué hablan vuestras letras? Iván es quién se encarga de ello. De hacer la música (o intentarlo) y escribir. Después Aldo es quién le da su toque en las letras para acabar de pulirlas. Y entre todos, acabar de trabajar bien cada tema instrumentalmente para que tenga el “toque” de Nexo. El hilo conductor de nuestros temas variará en las diferentes situaciones de nuestras vidas. Temas como los sentimientos que hablan de amor, rabia, locura e incluso del bienestar y la tristeza. La ruleta rusa de la vida. Decidnos cualquier cosa que queráis. Aquí podéis hacerlo. Gracias por esta entrevista, y esperamos que todos los que están en este “mundillo” nunca dejen de luchar. Es un mundo pequeño, en el que todos necesitamos expresarnos. Y la música es un buen método para ello. Ánimo, y mucha fuerza desde NEXO! Muchas gracias NEXO, La escena está muy jodida. Lo importante es que vayáis trabajando en la banda pase lo que pase, como todas las bandas actuales. Es vuestra pasión, y como otras pasiones y hobbies, siempre hay inversiones, gastos, pérdidas en ellas. Es de esta manera, a no ser de que seas de la elite, pero en vuestra pasión nunca se sabe, y cualquier día podéis ganaros la vida, pero por lo menos tocar por todos lados y no perder en ello. Yo os animo a seguir a vosotros, y a todos en vuestros sueños y trabajos sin pensar en el mañana. Piensa en el presente, y lo que tenga que ser será. Seguimos en contacto, familia!

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Red Route suena sobre todo a rock, pero también pero hemos escuchado que hacéis Free rock ¿Qué significa para vosotros este concepto? Sí, bueno, nuestra base siempre es rock, y supongo lo seguirá siendo, pero cuando usamos el termino “Free-rock” es netamente para referirnos a que no tenemos una etiqueta o una

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perú

guía especifica dentro del rock. Es decir, no somos una banda de rock n roll pero lo hacemos, no somos una banda de funk pero lo hacemos, no somos una banda de blues, hard rock, jazz o indie pero lo hacemos, por ello nació el concepto de free rock sin complejos, ya que no es usual que mezclemos todos esos géneros, si no que cada tema a veces es un género distinto. Por ejemplo, nos gusta el Reggae y es probable que saquemos un tema reggae, lo mismo con el rap y la cultura del hip hop. Sucede que no nos consideramos rockeros sino simples músicos que gustan de

la música Ha pasado un año desde que Red Route saliera a la calle ¿Qué objetivos os marcasteis con este disco? ¿Ha salido todo como lo teníais previsto? Bueno, para ser preciso tenemos ya casi 4 años, empezamos en diciembre del 2012, y nuestros objetivos los estamos logrando. Era inicialmente hacer música que nos gustara, y así lo seguimos haciendo. Lo mejor es que ya no solo es música nuestra, si no de muchas personas que se sienten identificadas y com-

parten los temas. En lo personal no me había detenido en eso de que las personas hagan suyo los temas, o que le den otro significado al que yo creo al haberlos creado, pero me gusta y presumo que mientras cada uno le dé un significado propio será mejor. ¿Os habéis encontrado muchas dificultades? ¿Cómo habéis financiado el disco? Las dificultades siempre existirán, eso lo tenía claro. Aún cuando seas un genio y maestro de la música, no solo depende de ti, si no que la gente se acostumbre o adapte a tu propuesLaCarne Magazine

ta. Aunque también puede darse el caso de que lances algo y estalla en una, pero no fue nuestro caso jajaja. El disco es netamente autofinanciado por la banda, ya que somos independientes Hablemos de vuestra gira ¿Cuántos conciertos habéis dado? ¿Cuántos serían los ideales para hacer una buena gira? Hemos tenido conciertos a las afueras de Lima o interior de Perú, y este año nos invitaron a un festival en México, no hemos tenido aún una gira como tal. En México solo pudimos tocar en el Festival, ya que no se coordinó otras fechas, pero se espera volver en el 2017 también a un festival, pero aprovecharemos a hacer otras ciudades y así expandirnos en el mercado Mexicano. Posiblemente también se concrete Chile y Colombia. Lo ideal sería, de hecho, hacer muchas fechas en distintas zonas o ciudades de los países donde se visite. ¿Cómo está el panorama musical en Perú? ¿Es fácil ser músico en vuestro país? Hace algunos años me preguntaron lo mismo, y mi respuesta fue hasta quizás pesimista, pero veo que en pocos años ha cambiado a bien y se está forjando un mercado rentable y

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autosuficiente en solo Lima. Si se explota con mayor fuerza el interior de Perú, el mercado será inmenso, y si esto sigue ampliándose a

distintos países, el panorama se ve prometedor. Así como nosotros, muchas otras bandas independientes, entre consagradas de la escena y otras emergentes, salen del país invitados a festivales, o salen de gira promocional en Latinoamérica y Europa. Esto ya se está volviendo algo cotidiano. Habéis tenido la oportunidad de tocar en México, pero nos gustaría que nos contarais qué posibilidades tienen bandas como la vuestra para tocar fuera de vuestras fronteras. ¿Hay facilidades para poder salir a tocar fuera? ¿Cómo lo habéis hecho vosotros? Las posibilidades no sabría si son fáciles o no para todas las bandas. En nuestro caso tuvimos la suerte de contar con Dios Internet a nuestro favor, y nuestra música llegó a muchos países, incluido Malta, donde nos entrevistaron y rotaban un single que lanzamos en el 2013, que fue un cover de The Beatles “Why dont we doit in the road”. Luego lanzamos nuestro primer videoclip, y tuvimos la suerte que muchos canales en Latinoamérica y algunas cadenas internacionales aceptaron nuestro video, y tuvimos una buena aceptación en

México. Así hicimos muchos contactos y entrevistas, y se dio la oportunidad de incluirnos en el Festival Cuauhnáhuac en Cuernavaca. Esperamos poder escuchar esos temas muy pronto y que tengáis mucho éxito. Gracias por dedicarnos vuestro tiempo. Gracias a ustedes por la atención. Esperamos que a más gente llegue nuestra música y pueda ser del gusto de ustedes algunas de ellas. Asimismo, si les gusta sigan pidiéndola en la radio o pídanla en su radio local para que nos programen y nos inviten luego a España. Actualmente ya estamos terminando la promoción del primer disco, y estamos ya cuadrando los temas nuevos de lo que será nuestro próximo Ep. Como no será un disco debe salir mucho más rápido, así que pronto tendrán novedades y con muchas variaciones al primer disco. ¶

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