LaCarne Magazine N62 by LaCarne Magazine

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Nº62 - JUN 2017 - AÑO 6

rubera roots band espiritualidad y pasión en el reggae

MÁS INFO

SUMARIO N62 aÑo 6 jun 2017

06 mundo dj 10 Deep purple 16 los auténticos decadentes 18 sant jordi musical 2017 22 kitsune art 26 la unión 30 cuenta valores 34 leb trio 36 ossyris 40 cinematour 44 alex y co 48 sopocachi rock 52 nightwish 58 rubera roots band 74 qbo 78 aran one 80 naurea 84 fabrizio bufalino 86 cuca rivero Directora y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

http://lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

92 h kanino 98 j-jota 100 athanai 108 the name 112 skwid 116 victorem 118 estadía a corto plazo 122 paloma carrasco 124 la luz mandarina 128 LA sra tomasa 134 bajo zero 140 hove 142 Toto yulelé 146 demian arriaga 148 raven’s gate 152 Vhäldemar 156 jockerts y rabbyg 158 yilmar zilguero 160 Vdh Colaboradores

J. G. Entonado, jpalomo, maribel pérez, jorge ares, luis lama, alfonseka, alejandro pérez, julio abella, arpa, paquita garcía, OMAR VEGA, JULIE MARÍN, enrique falcó, priss rojas, santos garcía Foto Portada por javier pulpo * No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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MUNDO DJ LEER MÁS

+ BJÖRK ESTARA EN SONAR 2017

Y no sólo ofrecerá una sesión de cuatro horas, sino que también dará una charla y será la protagonista principal de una exposición que se hará sobre su trabajo visual. De siempre ha existido una relación entre esta artista y la electrónica, y sólo hay que escuchar su trabajo para darte cuenta que sus temas nacen de una base electrónica. La exposición que se hará al compás del festival mostrará los trabajos digitales y más vanguardistas. Estarán colaborando con ella Alexander McQueen, Nick Knight o Spike Jonze, y durará desde el 14 de Junio al 24 de Septiembre en el Centre de Cultura Contemporánea de Barcelona. El set que realizará será el 14 de Junio a las 20:00 horas, y durará cuatro horas. Os dejamos un directo de esta magnífica artista (ver aquí). + ACUSAN DE PLAGIO A ARMIN VAN BUUREN El colectivo de música “Underground Resistance” lo acusa de que les ha copiado el logotipo que va a utilizar para sus fiestas de verano en Hï Ibiza. El holandés había anunciado que estaría en el club ibicenco con unas fiestas llamadas UR, hecho que lo han visto como plagio los de Detroit. Van Buuren alega que no eran conscientes que los logotipos se

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parecieran, y dice que originalmente esta sigla viene de “Universal Religion”, un concepto más antiguo. No obstante, mantendrá las letras pero lo ajustará un poco.

+ XVII ANIVERSARIO DE MONDO DISKO Este mes cumple años este club que nació hace 17 años en la antigua sala Stella de Madrid, y hoy en día se mantiene en activo en la sala Cocó, las noches de los jueves y la de los sábados, con una programación a la altura de un club de una capital europea. Para este mes han preparado una programación que está a la altura por su conmemoración, y entre los artistas confirmados están Solomun, Dixon, Ellen Allien, y Pional entre otros.

+ FALLECE EN IBIZA ROBERT MILES

El clubbing está de luto. Este importante Dj nació en Suiza y desde bien joven le apasionaba la música, convirtiéndose en un gran pianista. Pero el destino quiso que se encaminara más por las mesas de mezclas, y así comenzó su carrera como Dj en los clubs de Friuli (Italia). En 1995 lanzó un tema llamado “Children”, de su álbum Dreamland y eso lo cambió todo. Se vendieron más de cinco millones de copias, fue número uno de Euro Top 100, y obtuvo un Brit Award. Os dejamos el vídeo para que lo disfrutéis (ver aquí). En 2012 se embarcó en un proyecto cultural en Ibiza formando la emisora OPENLAB, donde la propuesta musical estaba alejada de todo lo comercial. Descanse en paz. + SE CANCELA LA SERIE “THE GET DOWN”

serie excelente donde se mostraba los inicios de un nuevo ritmo, y en la que seis jóvenes comienzan a luchar y a triunfar en el marginado barrio del Bronx. Os dejamos uno de los tráiler de la serie (ver aquí). + DISEÑAN LAS ADIDAS NEELY AIR ROLAND TR-808 Los creativos de la agencia de marketing “The Neely & Daughters” han tenido una idea fantástica de crear estas zapatillas imitando a la famosa Roland TR-808. La idea surgió porque Adidas propuso un desafío creativo que se llamaba “Just for Kicks”, en la que se podía presentar propuestas creativas basadas en lo comercial y en el diseño. Y a este desafio se presentó esta agencia, y crearon estas zapatillas basándose en la famosa caja de ritmos en la que tienen los mismos colores y el mismo diseño, incluyendo control de volumen, un speaker atrás y seis settings pre programados para hacer ritmo.

AGENDA DE CONCIERTOS SONAR 2017 Del 15 al 17 Junio - Barcelona MÁS INFO - WEB MUSEO GUGGENHEIM BILBAO/GARAMENDI 9 Junio - Bilbao MÁS INFO SONORACC´ 17 Del 29 Junio al 1 Julio - Cáceres WEB

Netflix ha decidido cancelar la serie que se basaba en los orígenes del Hip Hop. Desde el principio ha tenido problemas de producción, y no ha llegado a las cifras que se esperaba en esta plataforma de streaming. La serie trataba de unos jóvenes en la Nueva York de 1977, que están llenos de ilusión y talento y sueñan con ritmos para transformar y cambiar la historia de la música. Es una pena, porque era una

FABRIK/CODE 121 (CIERRE TEMPORADA) 17 Junio - Humanes de Madrid WEB MONDO DISKO/SOLOMUN 15 Junio - Madrid WEB CUMBRECASSING FESTIVAL FIESTA PRESENTACION 3 Junio - Ahigal (Cáceres) FACEBOOK LaCarne Magazine

DISPONIBLE EN VINYLO Y DESCARGA DIGITAL

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MENTAL RESONANCE - “Antennae” DIMI ANGELIS - “Intermission” LUKE HESS - “Emerald”

CHRISTIAN SMITH - “Input-Output”

OLIVER KOLETZKI - “A Tribe Called Kotori”

LUCA DONZELLI - “Future Stroke”

DAVID HERRERO - “El Juego”

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ANDREA OLIVA - “Soho Nights” SUPERNOVA - “The Game” GIANLUCA CALDARELLI - “Outside”

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deep purple

analizamos “infinite”, su último disco

unque a veces duele aceptar la verdad, por más dolorosa o triste que sea debemos afrontarla. Esto se aplica a algunas de las más grandes bandas de Rock de la historia, que por un motivo u otro han tenido que decir adiós y poner punto final a su trayectoria. Lo bueno es que siempre habrá a quienes les costará trabajo irse, como The Rolling Stones, que llevan desde los años 90 del siglo pasado retirándose de los escenarios y todavía siguen tan enérgicos como en sus inicios. Otras bandas no han corrido igual suerte, y han tenido que decir adiós debido a lamentables sucesos que ocurrieron en cuestiones de segundos. Recordemos a Led Zeppelin con la muerte de John Bonham o a los Motörhead con el fallecimiento de Lemmy Kilmister. Y más recientemente, en febrero pasado, los padrinos del Heavy Metal, Black Sabbath, también dijeron adiós. En el caso de Deep Purple, que es la banda que me motiva a escribir sobre su más reciente disco, no se han visto obligados a poner fin a su carrera por ninguno de los motivos anteriormente mencionados, pero como todo lo que empieza tiene su final, parece que le llegó la hora a Deep Purple, pero no se asusten pues este final todavía se demorará un par de añitos más. Con más de 50 años de carrera sobre los escenarios y más de una veintena de discos, hace unos meses salió InFinite, el que parece ser el último disco de la mítica agrupación, y con el que se piensan despedir para siempre. Pero antes, la banda liderada por Ian Gillan

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rodará por disímiles parajes de este mundo ofreciéndonos por ultima vez la musica de Deep Purple. Todo esto bajo el tour promocional de “Infinite”, que lleva por nombre “The Long Goodbye Tour”. Se me hace bastante difícil hablar en un párrafo o dos lo que ha representado la banda para la musica contemporánea, pues para hablar de Deep Purple tenemos que mencionar también a otras dos grandes leyendas con las que constituyen los pilares fundamentales sobre los que se “fabricó” el Hard-Rock y el Heavy Metal. Me refiero sin lugar a dudas a Black Sabbath y Led Zeppelin. Tres bandas que han influenciado a miles de bandas alrededor del mundo, cualquiera que sea el género que defiendan. Luego de sus comienzos oscuros y psicodélicos, Ian Gillan y Roger Glover fueron llamados para integrar la segunda, y más legendaria formación de Deep Purple, la llamada tradicionalmente Mark II, y de la cual también formaban parte los miembros originales: Ian Paice, John Lord y Ritchie Blackmore. Es con esta alineación que la banda hace reventar estadios aborratados a su máxima capacidad con tres descomunales álbumes de estudio: In Rock, Fireball y Machine Head, eso sin olvidar el llamativo Who Do We Think We Are, y el que es considerado el mejor directo jamás grabado por la banda púrpura: Made in Japan. Fue en esta época que nacieron de lo más profundo temazos como “Smoke On The Water”, “Highway Star”, “Child In Time”, “Space Truckin”, “Fireball”, “Lazy” o “Speed King” entre muchos otros. Pero a raíz de tanta popularidad, la banda empezó a confrontar los primeros problemas. Debido principalmente entre las discrepancias entre Blackmore (famoso por su enmarañado carácter) e Ian Gillan, lo que trajo consigo el despido de Ian y de Roger

Glover. Inmediatamente, ambos miembros son sustituidos por David Coverdale y Glenn Highes, iniciándose así lo que muchos consideran la etapa más funky de la agrupación, lo que da como resultado otros tres grandes álbumes: Burn, Stormbringer y Come Taste The Band, éste último contó con Tommy Bolin a la guitarra tras la salida de Blackmore, cansado del Funk, para luego crear otra banda (proyecto el cual tenía ya en mente). Aquella banda fue nada más y nada menos que Rainbow, otra de las grandes del Rock.

Años después, y cuando nadie se lo esperaba, Deep Purple volvió con su mítica formación para dar salida a otros tres titánicos discos: Perfect Strangers, The House Of Blue Light y The Battle Rages On. Entre estos dos últimos discos la banda sufrió otro parón al ser expulsado nuevamente Gillan, y en donde la banda publico Slaves And Master con Joe Lynn Turner en la voz principal. Debido a esto, las confrontaciones entre Ian y Blackmore dieron como resultado la expulsión definitiva de éste último de la banda púrpura. Fue entonces cuando su puesto es ocupado por Steve LaCarne Magazine

Morse (ex Dixie Dregs), el cual fue reclutado como sustituto de Ritchie, jugando un excelente desempeño en los siguientes álbumes de la banda, aunque no fueron tan maravillosos como los anteriores. En esta etapa es donde Lord decide abandonar el grupo de manera amistosa, debido a las largas giras y el desgaste físico que éstas le provocaban. Lord murió en el 2012 después de una larga lucha contra el cáncer. Volviendo al principio. InFinite es el álbum más reciente de los Deep Purple, y sin lugar a dudas es considerado uno de los mejores discos de la banda en los últimos años. Recordemos que su anterior Now What? traía algunos temas flojos que hacían contraste con los destacados “Vincent Price”, “A Simple Song” o “All The Time In The World”, por lo que existían motivos entre los más fieles seguidores para esperar de Infinite algo bueno, pues al fin y al cabo estamos hablando de Deep Purple y, te guste o no, cada disco que han sacado no ha decepcionado a nadie. Pero aun así, hay dos puntos esenciales que debes tener en cuenta antes de escuchar este disco: - Si esperabas encontrar a unos Deep Purple totalmente desbocados como en la maravillosa e inolvidable epoca del Machine Head, entonces te recomiendo que no escuches este disco y cambies de sintonía. Desde hace ya un par de discos atrás, los británicos han evolucionado hacia un Rock más moderno y melódico, sin perder el buen toque, lo mágico y el gusto por lo clásico. Esta metamorfosis se debió en gran medida al cambio de formación definitiva que sufrió la banda, particularmente con la salida de Blackmore y la entrada de Morse. - Otra cosa es que no vamos a exigirle a estas alturas del tiempo que hagan un disco que pase a la historia del género, pues ese cometido lo realizaron hace ya más de 40 años atrás, aunque les adelanto que Infinite es MUY buen disco. Sin más. Aquí les viene el comentario sobre el último disco de una de las bandas más le-

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gendarias de todos los tiempos. Es, sin lugar a dudas, el principio del último capítulo de la historia de Deep Purple.

Análisis de “Infinite”, Deep Purple

El disco abre con “Time for Bedlam”, en donde una robótica y distorsionada voz de Gillan da paso a la llegada de la guitarra eléctrica. Aunque ha pasado mucho tiempo, eso no parece influir en unos monstruos del Rock que siguen sabiendo elaborar a la perfección la fórmula de cómo atrapar al oyente con Rock del de verdad. Estamos ante un tema que es puro Hard Rock directo a tu oído, con un magistral registro vocal de Ian Gillan ante el micrófono, y el dúo Glover-Paice, tan inquebrantables como siempre, en conjunto con el inconfundible trabajo de Steve Morse y Don Airey con sus respectivos instrumentos, resultando en un llamativo intermedio instrumental en el que la guitarra y teclados se fusionan en un solo

y marca el pulso como él sólo lo sabe hacer (igual que en los tiempos de antaño), aunque su estilo es muy bajo. No podemos olvidar al señor Glover, quien mantiene en todo momento su estilo al bajo. ¡Sin duda un tema que no puedes pasar por alto! Le sigue “All I Got Is You”, un tema que indiscutiblemente no pasará a la historia de la banda, pero no cabe dudas de que será una de las mejores canciones fabricadas por el quinteto púrpura en los últimos años. Un tema que no podría hacer cualquier banda (¡se nota la experiencia y estilo!), con constantes cambios de ritmos y momentos de gran esplendor. Al mismo tiempo, el tema es rodeado por una oscura atmósfera que lo hace aún más sorprendente. Aquí debemos destacar de nuevo a Airey y Morse, y a Gillan con su chorro de voz, en especial el grito final.

maravilloso. ¿Alguna vez has imaginado cómo sonaría un tema interpretado por Deep Purple y Led Zeppelin al mismo tiempo? ¿No? Pues el resultado sería algo atronador, y es lo que podremos encontrar en “Hip Boots”. Este tema se asemeja al clásico “Black Dog” de los Zeppelin, y en algunas partes me recuerda al “Magic Bus” de los magníficos Who. ¡Señor tema! Súper cargado de riffs (más que buenos), aunque al principio estén medio dormidos, solo es por un momento, pues después despiertan a la velocidad de la luz. Aquí hay que destacar el rasgado del teclado por parte del señor Airey, y el monstruoso solo de Morse (¡magnifico!). Si eres fan de Deep Purple, seguramente te habrá llamado la atención la limpia voz del maestro Ian Gillan, quien, a pesar de la edad que tiene, me parece un cantante de otra dimensión. Paice es otro que no se queda atrás

Pero si estos temas anteriores son buenos, el que le sigue es mucho mejor todavía. “One Night In Vegas” posee un altísimo nivel gracias en gran medida a que combina elementos de Black Sabbath como un lado más oscuro y animado, que, en compañía de la triste melodía del piano de Don Airey, hacen de este tema uno de los mejores del disco. El breve enlace en donde Airey brilla con luz propia se acopla perfectamente con el modesto pero directo estribillo, que se perfila como el estribillo que más va a ser coreado durante la nueva gira promocional que hará el quinteto púrpura. No podemos dejar de lado el solo de Morse, el potente bajo de Glover y la resistencia de la bateria de Paice, quien hace gala de maestría en este tema rompiendo los parches desde el primer instante. ¡Es para romperse el cuello! Todo los que hayan tenido la oportunidad (como yo) de seguro se han quedado con una sorpresiva expresión reflejada en sus rostros al disfrutar de una distorsionada bateria en “Get Me Outta Here”. Este tema mezcla influencias del más puro Reggae con el HardRock más cercano al Metal, pero más puro y clásico. Si algo hay que destacar en este tema es la instrumentalidad que se aprecia en el mismo, ya que estamos ante el corte que más sobresale en todo InFinite, debido fundamenLaCarne Magazine

talmente a la limpia atmósfera que producen los instrumentos. Otra cosa es que los versos y estribillos parecen no ser muy inspiradores (parece que Gillan no estaba en su mejor día), pero que al final Ian logra mejorar con un breve grito como él sólo sabe hacer, en el intermedio del corte. ¡Siempre disfruto mucho cuando las bandas nos dan una sorpresa, y ésta es una de esas ocasiones! A lo largo de toda la carrera discográfica de Deep Purple han existido temas que nos han hecho llorar, aunque ahora no me viene ninguna a la mente. Por eso, cuando de la nada apareció “The Surprising”, me resultó difícil explicar todas las emociones y sentimientos que rodean mi mente cada vez que escucho este tema. Un tema que es para mí el mejor que los británicos han hecho en los últimos 17 años. Con casi 6 minutos de duración, esta pieza maestra parece que nos trasladará al antiguo Egipto debido a una atmosfera oriental y una ráfaga de cambios de ritmos. Ya desde el principio, unos teclados derivados en preciosas melodías de las manos de Steve Morse nos indican que nos estamos aproxi-

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mando a la majestuosa voz de Ian Gillan. ¡Capaz siempre de deleitarnos en todo momento! La majestuosidad y belleza con que canta este aguerrido veterano es casi imposible de igualar. Éste es sin duda otros de los mejores temas del disco, ya que después de recibir una dosis de adrenalina por parte de Ian tal parece que nos viniera encima una tormenta instrumental, donde sobresalen de manera sin igual la versión más horrenda de los teclados. Esto gracias al magnífico trabajo realizado por Steve Morse, además de Ian y su brazo ultrasónico junto con ese mastodonte inmortal del bajo que se hace llamar Roger Glover. ¡SIN PALABRAS! “Johnny´s Band” es uno de esos temas que siempre es bien recibido en un disco por los más fieles seguidores. Un tema cool y buen rollero que marcha sobre el bajo de Glover, convirtiéndose en el papel principal del tema, a pesar de que el resto de sus compañeros también se lucieron. Con un espectacular estribillo y posteriormente instrumental, este tema es uno de esos que te incitan a levantar por todo lo alto una buena jarra de cerveza y repetir el coro hasta quedarte sin aliento.

Otra cosa es la lírica, sin llegar a ser como en los temas anteriores, cualquiera que escuche este tema disfrutará mucho de la historia que se cuece tras el tema: la historia de una banda de Rock que anda en busca de la fama, lo difícil que puede llegar a ser conseguirla y lo reconfortante que pueden ser los conciertos en pubs. Ésta, sin dudas, es una canción a tener muy en cuenta. Pero como en todo álbum siempre hay un tema que desentona, y ese tema es “On Top of the World”, un tema bastante flojo para lo que nos tienen acostumbrados estos púrpuras veteranos. Aunque el inicio de la canción es algo inesperado y arrollador, y nos hace mover un poco la cabeza y disfrutar de la lluvia de fugaces riffs cargados de Groove, después de un tiempo la canción se vuelve repetitiva, aunque no llega a cansar. Aquí merece la pena resaltar el raro intermedio del corte donde todo queda en silencio y sólo se escucha a Gillan recitar un texto acompañado del sintetizador de Airey. Este tema cierra al igual que el principio, con mucha energía y caña. Acercándonos ya casi al final del disco, llega “Birds of Prey”, un tema que no será el mejor del disco, pero desde el punto de vista técnico así como de la instrumentación tal vez si sea uno de los mejores. Lo mejor aquí es escuchar cómo la voz de Gillan (algo distorsionada) anda sobre una oscura y extraña cambiante atmósfera. Nada mejor que para terminar este disco que incluir un cover. ¡Pero no se trata de cualquier cover! ¡Estamos ante un cover de The Doors! Para darle el toque final a este disco los Deep Purple escogieron “Roadhouse Blues” para cerrar este Infinite. Aquí Ian Paice, quien lo asume en la bateria, fue quien sugirió al resto de la banda cerrar el disco con este temazo del grupo que lideró Jim Morrison, y parece que la idea gustó tanto que en 15 minutos quedó listo este cover. ¡Toda una maravilla! ¡Cada nota en su sitio! Aquí podemos escuchar a un Gillan cantando en tono más rebelde y fiestero, mientras nos regala una sobresaliente actuación con su armónica, instrumento que

domina a la perfección. ¡Y qué decir de los solos de Morse y Airey! Son una hermosa exhibición que todo amante de la buena música sabrá apreciar. Ahora, cuando se ha terminado el disco, y muchos se preguntan si realmente es lo último que saldrá del cuartel de los británicos, podemos afirmar que InFinite constituye todo un discazo que superó a su predecesor Now What? De cualquier manera, el disco final de Deep Purple constituye todo un broche de oro a una carrera de más de medio siglo. Creo que ya no queda mucho más por decir, solo nos resta quitarnos el sombrero ante una de las bandas más legendarias del Rock mundial y que tanto le ha aportado a la música contemporánea, y que, a día de hoy, siguen rockeando a un excelso nivel. Gracias a Ian Gillan, Ian Paice, Roger Glover, John Lord, Ritchie Blackmore, Rod Evans, Tommy Bolin, Glenn Hughes, David Coverdale, Joe Lynn Turner, Steve Morse, Don Airey..., y a todos los músicos que, de una forma u otra, transitaron por esta banda dejando una huella que perdurará por toda la eternidad. ¶ Lista de canciones 1. “Time for Bedlam” - 4:35 2. “Hip Boots” - 3:23 3. “All I Got Is You” - 4:42 4. “One Night in Vegas” - 3:23 5. “Get Me Outta Here” - 3:58 6. “The Surprising” - 5:57 7. “Johnny’s Band” - 3:51 8. “On Top of the World” - 4:01 9. “Birds of Prey” - 5:47 10. “Roadhouse Blues” - 6:00 (cover de The Doors) Formación Ian Paice - batería Ian Gillan - cantante Roger Glover - bajo Steve Morse - guitarra Don Airey - teclados

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30 años de

los auténticos decadentes en bolivia LEER MÁS

Los Auténticos Decadentes 13 abril 2017 - La Paz (Bolivia)

nsioso el público, ingresaba a las instalaciones del Teatro al Aire Libre. De manera ágil se dirigían a los distintos sectores para tomar su sitito, lugar donde cada persona buscaba contar con una perspectiva única del escenario, para disfrutar todo lo que se avecinaba en minutos. Entre la muchedumbre y la oscuridad, el 13 de abril a las 20:00 pm, un estridente melódico acompañado de luces. Los Bolitas dieron inicio e hicieron que el público reaccionara de manera inmediata, captando su atención. Fueron sus ritmos y bailes folclóricos, como la morenada, los que amenizaron el inicio de la noche. Temas que no hicieron más que alegrar los rostros de los expectantes, como con el tema “Me llevo la bola”. Después, el escenario contó con la presencia de Gran Matador. Los integrantes, cada uno con su instrumento, que conjuntamente bailaban al son sin perder la coreografía, creando un espectáculo. Existía una zona cerca del escenario donde los fans se encontraban de pie. Dejando de lado el clima frío, eran llevados por el ritmo. Cuando la música terminó, todo el teatro quedó en oscuridad. Los asistentes, entre murmullos, comentan sus pronósticos. Las luces generan un toque especial. Los espectadores, contentos, ansiosos, perciben lo que está por ocurrir. Una vez que las luces dejarn de jugar, se percibe de manera tan precisa a cada uno los integrantes: Cu-

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cho (Gustavo Parisi), Nito (Gustavo Monteccia), Perro Viejo (Jorge Serrano), El Francés (Gastón Bernardou), Mosca (Martin Lorenzo), Diego Dermaco, Eduardo Tripodi, Pablo Armesto, Mariano Franceschelli, Guillermo Capanga, Pablo Rodríguez, y Garcian Carroza. El escenario estaba repleto de bailes, saltos, emoción. Portando la bandera de Bolivia, expresaron su cariño y alegría por volver al país. Todos llenos de alegría. El público, al escucharlos, apreciaba la esencia auténtica de la fiesta, que no tuvo control. La presencia de cada uno de los espectadores marcó un hecho inesperado al mantenerse de pie, y a medida que pasaba el repertorio de los temas como: “La Guitarra”, “El Murguero”, el infaltable tema “Corazón”, “Auténtica”, “Los Piratas”, “Loco tu forma de ser”, y mucho más. Temas que fueron interpretados por cada uno de los integrantes. Fueron cantadas desde lo profundo, lo más sincero del ser de cada persona que se encontraba presente. No solo eso, sino que también eran acompañados por gritos y bailes imparables de inicio a fin, saltos que contaban con una emoción jamás vista, de manera tan auténtica y natural. Absolutamente nadie podía dejar de bailar o sentarse ¿Parar la fiesta?, eso no era posible, pues de un tema eran transportados a otro. Más aún para las personas, que en sus rostros se observaba una alegría inexplicable, un brillo en los ojos por los recuerdos y vivencias de esos tiempos. La juventud no quedó de lado, demostraron su emoción con toda expresión posible. En ese momento no hubo distinción de edad. Sin embargo, el clima frío fue resuelto con la presencia de café caliente, ideal para la ocasión. Aún así, todos disfrutaban de cada tema, ritmo, y sobre todo la gran calidad musical con la que contaba cada integrante, siendo conjuntamente cómplices de una fiesta inolvidable por los Auténticos Decadentes! ¶

MĂ S INFO LaCarne Magazine

crónica del

sant jordi musical 2 LEER MÁS

l Sant Jordi Musical es una de las actividades culturales que se realizan en la ciudad de Barcelona durante el 23 de Abril, día internacional del libro. Dicha fecha es una de las datas más importantes de la población catalana y barcelonesa por la gran importancia histórica que tiene en la región San Jorge (Sant Jordi) y su leyenda. En ese día, pese a no ser festivo, todo gira en torno a su feria del libro, y las actividades

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culturales se realizan principalmente entorno a la rambla de Catalunya y Paseo de Gracia. Debido al gran volumen de personas que se concentra en esas dos ubicaciones, se realizan actividades paralelas para quizás dividir a la población en diferentes lugares de la ciudad y descongestionar el centro. Y esa es la función principal del Sant Jordi Musical. Dicho evento se realiza en una antigua fábrica de cerveza (una marca muy conocida en España y Cataluña), lugar donde se realizan todo tipo de galas benéficas, culturales, musicales y deportivas, por lo que es un emplazamiento acondicionado para reunir a un importante volumen de personas con espacios abiertos y

2017 cerrados. En este recinto es donde durante los últimos años se concentra lo mejor de la música catalana realizando actuaciones de pequeño formato, y firmando libros y autógrafos. Lo cual convierte el día en un momento especial para escuchar a tus artistas favoritos de la región y locales, y además establecer contacto con ellos de una manera sencilla, que es siempre lo que persigue un fan. Por el Sant Jordi Musical han pasado grandes bandas como La Pegatina, Mishima, El Petit del Cal Eril, Sidonie, The Pinker Tones, Santi Balmes (Love of Lesbian), Miguel

Ríos, Els Amics De Las Arts, Els Catarres, The New Raemon, Manel, Sopa de Cabra y un largo etc. Entre el elenco de artistas de este año nos encontramos a Miqui Puig, Dani Nel·lo (ex saxofonista de Los Rebeldes), Joan Miquel Oliver (ex Antònia Font), Enric Montefusco (ex Standstill), Ramón Mirabet (responsable de la B.S.O del ultimo anuncion de la marca de cerveza Damm), Els Catarres djs o Joan Colomo. Este año había más de 25 conciertos repartidos por toda la fábrica en 4 escenarios diferentes: LaCarne Magazine

Moll de Càrrega El escenario principal y al aire libre, que aglutinaba los conciertos más multitudinários. Buhos, Dani Nel·Lo, Ítaca Band, Ramón Mirabet, entre otros. Sala de Bàscules Situado en una terraza de la fábrica, con gradería y zona para tomar el sol. En esta ubicación se encontraban los djs: Joan Colomo, Els Catarres djs o Miqui Puig dj. Sala Cocció Situada en los subterráneos de la fábrica, con sillas para poder escuchar la música tranquilamente pero con entradas limitadas. Artistas como Pavvla o Roger Usart entre otros. Sala de màquines Situada en una nave adyacente al patio central de la fábrica y junto al Moll de Càrrega. Ésta, también con acceso limitado, contó con el paso de Joan Miquel Oliver, Enric Montefusco, Coriolà o Joan Rovira entre otros.

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Además de los lugares ya mencionados, había un patio central con sillas y mesas para tomar el vermuth o la cerveza, junto con foods tracks donde poder adquirir comida de calidad y escuchar la música tranquilamente mientras te tomabas la cerveza a muy buen precio (1€), y pudiendo disfrutar de una velada musical toda la familia (menores permitidos acompañados de sus padres). A continuación realizaremos un pequeño análisis de algunos de los artistas que pudimos disfrutar durante la velada.

Buhos (Moll de Càrrega) - 13h

Grupo de Rock català (aunque también tiene canciones en castellano), ese sonido tan característico de la música de esta región donde se mezcla Rock, Rumba, Ska, Reggae y un sentido fiestero único. Nos gustó mucho Birres i més birres por la hora que era, por el calor que hacía y porque nos hicieron entrar en calor rápidamente.

Roger Usart (Sala de Cocció) - 13:30h

Tenía curiosidad por ver a Roger. Un curtido

en la música catalana siempre en los ámbitos más undergrounds con diferentes bandas, pero en su último disco (ya en solitario) lo había hecho en inglés y centrándose en el Folk y Rock americano. Lo vi en primera fila, sentado, y pude disfrutar como todos los que habíamos venido a ver Folk americano. Una delicia su disco Cage without a bird.

Ramón Mirabet (Moll de Càrrega) - 14h

No conocía nada de este artista, hasta que empecé a darme cuenta que tenía muchísimos seguidores que se sabían sus canciones de principio a fin. Su mezcla es de Pop-Folk anglófono, con letras pegadizas y sencillas, y una gran dosis de alegría y fiesta. Nos presentaba algunas canciones de su disco Happy Days (producido por Marc Parrot, gurú de la música catalana, ¿os suena El Chaval de la peca?) y lo disfrutamos muchísimo con Those Little Things.

Enric Montefusco (Sala de Màquines) -

ver, y sin duda lo disfruté muchísimo. Enric (ex Standstill) nos venía a presentar su proyecto personal, donde en solitario nos enseña su proyecto autobiográfico (diría yo) llamado Meridiana. Una oda a su barrio y un concierto cargado de sentimiento, emoción y pura sensibilidad. Para los fans de Standstill y de Enric, aguantar el directo sin emocionarte se hace una odisea. La poesía, reivindicación y epicidad de “Todo Para Todos”, el homenaje en “Meridiana”, y la fraternidad melancólica de “uno de nosotros”. Sin duda, el día que podamos disfrutar a Enric tocando en los bancos de la piscina de Contempopranea será inolvidable.

Dani Nel·Lo (Moll de Càrrega) - 17h

Banda diferente a la que nos tiene acostumbrados con los Mambo Jambo. Artista imprescindible para todo buen rocker que le guste disfrutar del Blues y el Rock. Sus directos no defraudan por la vitalidad que tienen, y su música siempre es aire fresco. ¶

16:30h Era el concierto que más ilusión me hacía

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kitsune art

reseña de “signals of synchronism” LEER MÁS

itsune es una palabra que proviene del Japón oriental, y cuya traducción al español más aceptada es zorro. Con este nombre e influenciados por grandes como Korn, Slipknot, Gojira entre muchas otras, Kitsune Art es una banda que poco a poco se va abriendo paso dentro del amplio espectro del Rock en España.

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Su más reciente trabajo discográfico, nombrado Signals Of Synchronism, es prueba irrefutable de esto. Si eres amante del Metal Alternativo con toques de Nu Metal y Metalcore, entonces te recomiendo que no dejes de escuchar este disco. Doce temas cargados de pura adrenalina matizados con Rock del bueno y un toque de electrónica. Signals Of Synchronism fue grabado, mezclado y masterizado en Bullet Games Studios, y aparte de la excelente calidad sonora hay que destacar el excelente trabajo que podemos apreciar en el artwork, así como en la portada

del disco. De este track no hay mucho que decir, aparte de la fuerza sonora presente a lo largo del mismo, pero que te hace pensar en grupos como Linkin Park, por lo que no refleja la propia esencia del grupo. “Puppets” constituye el tercer corte, y es un tema bastante cargado con crítica social que se refleja en la sociedad actual, y con mucha fuerza en cuanto al mensaje que se quiere transmitir. Esto hace de este tema uno de los mejores del disco. “My Mind” destaca por la armonía y melódicos ritmos presentes a lo largo del tema, y que se desprenden del contenido de la canción, una canción de amor perdido y que nos puede volver melancólicos. Recordándonos nuestros peores miedos, y cómo debemos ser capaces de sobreponernos a los mismos y seguir adelante, “Demons & Angels” combina una intensa sonoridad con un buen teclado y el excelente registro vocal de Héctor. Tal parece que la crítica social es tema recurrente en este disco, y otra muestra de esto es “Last Breath”, que con un ritmo acelerado y sonido contundente no podemos pasar por alto. Esta vez el grupo decidió experimentar y les quedó bastante bien. Haciendo alusión a la cultura oriental y matizado con sonidos más alternativos y melódicos, nos traen “Chi”. y contraportada realizado por el genial Óscar M. Martin, quien ya ha demostrado su trabajo con otras bandas. El primer tema que abre el disco es “Fading Away”. Un tema que destaca por pesados y candentes riffs, así como los cambios de tiempos. Esto, combinado con la gutural y a la vez melódica voz de Héctor Montesdeoca, hace que este tema sea ideal para ser tocado en directo. Seguimos con “Keep The Flame Inside”, tema escogido para el nuevo video de presentación

Combinándose con tiempos lentos y suaves de grandes guitarras llega “The Antagonist”. El constante cambio y la sonoridad muy Metal hacen de este tema otro digno de escuchar. Con un empezar lento y melódico, y que a medida que avanza el tema va ganando velocidad, llega “Those Memories”, tema plagado de hermosas armonías, excelentes sonidos y rítmicos instrumentos. ¿Quién en la vida no ha cometido errores y merece una segunda oportunidad? De esto trata “Another Chance”, y en el que es de desLaCarne Magazine

tacar los buenos ritmos, sonidos y voz. Otro tema con aires de la cultura oriental. Buena melodía y maravillosos contrastes con un toque rápido y acompañado de Metal, hacen de “Last Soul” uno de los mejores de este disco. Duodécimo y último corte de Signals Of Synchronism, y con pintas más alternativas hacen de “Whitered Rose” una excelente elección para finalizar este disco. Intensidad y contundencia, mezclado con toques melódicos por momentos combinados con una lenta sonoridad, es como se presenta este tema cuyo cierre es instrumental. Resumiendo, Kitsune Art han apostado por un excelente trabajo musical y de probada fac-

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tura. Doce cortes donde se aprecia la variedad musical, Metal, Rock, musica experimental y una sonoridad indiscutible. Signals Of Synchronism es un disco que bien merece la pena verlo en directo. ¶ Formación: Héctor Montesdeoca (voz) Fernando Lima (guitarra) José Carlos Prieto (guitarra) Carlos Prieto (bajo) Jon Carrión (batería)

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el disco raro de

la unión E

n 1993, Rafa Sánchez (Voz), Luis Bolín (Bajo) y Mario Martínez (Guitarras), o lo que es lo mismo, La Unión, constituían sin duda uno de los mejores y más solidos grupos del Pop español. El 92 había sido un gran año para ellos, Tren de largo recorrido fue un éxito de crítica y ventas, y lejos de dormirse en los laureles y acomodarse en una industria que vivía sus mejores momentos, decidieron reinventarse y dar un contundente salto de calidad instrumental y de nivel de composición. Para ello marchan a Stamdford (Connecticut, Estados Unidos), y se ponen a los órdenes nada menos que del legendario productor Stephan Galfas (Meat Loaf, Kool and the Gang...) para inmiscuirse de lleno en el mundo de la Psycodelia, amén de realizar un gran homenaje a la música de los años setenta. A nivel instrumental, siempre ha sido La Unión un grupo muy bien valorado, y sin duda Rafa Sánchez se muestra como uno de los mejores cantantes nacionales. Pero son principalmente Luis Bolín y Mario Martínez quienes dan un salto enorme de calidad ejecutora con unos bajos y guitarras realmente espectaculares, que no solían escucharse así como así en el Pop español de los 90. Sin duda alguna, imprescindible fue la aportación del extraordinario baterista Les Warner, ya que de sus baquetas salieron bases rítmicas impecables que consiguieron otorgar aún más relevancia a bajo y guitarras tras su solidez.

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yas que esconde este disco raro. Sostenido tras un original ritmo de muy complicada ejecución, hay lugar para la política con un halo de esperanza y unas guitarras contundentes y muy roqueras, y otro enorme solo de guitarra. En los 45 minutos de duración hay más sitios para las baladas con temas como “Verano del 82”, “Promesa rota” o el corte final, “Oración”. Pero sin duda siento predilección por temas más guitarreros como “Viaje a ninguna parte”, con un rasgeo inicial que hace sucumbir al momento al oyente, o “Lolita”, un medio tiempo en el que una vez más los breaks de Les Warner destacan junto a impresionantes guitarras y bajos de gran consideración.

El álbum, de título Psycofunkster au lait (1993), contiene 12 canciones. La relación del hombre con la naturaleza y sus orígenes, la vida nocturna, la política, mitos eróticos o la nostalgia y las promesas olvidadas fueron algunos de los temas de las letras de su nuevo disco. El corte de apertura, “Hermana Tierra”, abre con fuerza tras un espectacular break de Les Warner, una certera pista de los que encontraremos a medida que avanzemos en las canciones. Contundentes guitarras, bella melodía y una parte central con estupenda percusión, que se abre de nuevo al estribillo tras otro break soberbio con original final. Pero es en la segunda canción, “Vida animal nocturna”, en la que se empieza a apreciar el nivel de ejecución de la banda, con unas guitarras cargadas de riffs que, además de conducir la canción, protagonizan un excelente solo final. Todo ello sostenido con una batería y un bajo que también ostentan su momento de lucidez en la parte central del tema. “La casa de los sueños” es una balada marca de la casa del grupo, con una bonita producción orquestal que llegó incluso a ser single, a pesar de no estar a la altura de temas como “África”, en donde el trío instrumental BateríaBajo-Guitarra brilla a su más alto nivel. “Rock en Rusia” sin duda es otra de esas jo-

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A pesar de este despligue de producción y el gran nivel instrumental, no fue si quiera uno de los discos más vendidos. Llegó a disco de oro al superar las cincuenta mil copias, pero lejos de las más de trescientas mil que vendió su predecesor. Aún así, para muchos, entre los que me incluyo, es un disco indispensable, y yo aún diría más mi querido Hernandez, sin duda el mejor de la banda. Pero ya saben, amigos, que ése es un tema muy subjetivo y personal. No obstante les invito a descubrir Psycofunkster au lait, el disco más raro y anecdótico de La Unión, al que sin duda, el tiempo, ese fiscal implacable y puñetero, pondrá en su sitio algún día. Músicos como Rafa, Luis y Mario se lo merecen, por ese intento de ir más allá sobrepasando la zona de confort, en lugar de quedarse relegados y resignados a ser el grupo del “lobo hombre en París” o “Sildavia”. La Unión es un gran grupo, que sabe evolucionar y que se reinventa en cada disco. Y encima saben tocar, en este trabajo lo demuestran. Y que el diablo me haga tragar la barba si miento. Dicen que la unión hace la fuerza, y sin duda, La Fuerza es muy poderosa en el Psycofunkster au lait de La Unión. ¶

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cuenta valores de la diputación de cáceres LEER MÁS

urante el pasado mes de Mayo, numerosos niñ@s de la provincia de Cáceres ya han podido disfrutar de Cuenta Valores. El programa dirigido a los más pequeños y llevado a cabo por la Diputación de Cáceres aún continuará durante los meses de Junio y Julio.

El programa Cuenta Valores, de la Diputación de Cáceres, recorrerá un total de 21 municipios de la provincia de Cáceres. Se trata de hacer llegar a los más pequeños la idea de crecer con valores a través de cuentos que van más allá de historias de cuentos y princesas. Cuenta Valores ya se realizó el pasado año (http://lacarnemagazine.com/diputacion-provincialcaceres-cuentos-con-valores/) y obtuvo muy buenos resultados. El programa fue rescatado por el Área de Cultura de la Diputación de Cáceres, en el que se llevaron a cabo representaciones teatrales, marionetas y guiñoles. Como ya hemos comentado en líneas anteriores, ya se han llevado a cabo algunas representaciones, ya que el programa Cuenta Valores comenzó el pasado 12 de Mayo y finalizará el día 27 de Julio. Aún quedan dos meses para que los más pequeños aprendan en valores a través de las representaciones que nos trae el programa Cuenta Valores. Las Casas de Cultura de los distintos municipios son los escenarios de estas representaciones, que correrán a cargo de cinco compañías extremeñas: los títeres y las marionetas de Julia Gimaré, con “Lo pequeño es hermoso”; el cuentacuentos Patxidifuso, con “Contando y ciento volando”; las marionetas y las actrices de Emulsión Teatro, con “El mundo de Gloria”; y el teatro-guiñol de Atakama Teatro, con el cuento titulado “La rana en el estanque”. Dada la gran acogida que tuvo el programa el pasado año, el Área de Cultura ha decidido que esta nueva edición cuente con un mayor número de representaciones, un mayor número de pueblos, y un mayor presupuesto. El Diputado de Cultura, Álvaro Sánchez, comentaba el día de la presentación del programa que Cuenta Valores se suma a toda una programación y con el que se quiere alcanzar un objetivo: hacer más libres a los ciudadanos a través de la cultura. A través de Cuenta Valores, los títeres son los que hablan con los más pequeños para que aprendan esos valores a medida que van creciendo. Ya se han representado… 12 may.- Garcíaz/Atakama Teatro/Salón Actos/20:00 h. 13 may.- Aldea del Cano/Atakama TeatroSalón Cultural/20:30 h. LaCarne Magazine

13 may.- Barrado/Julia Gimaré/Centro Social/19:30 h. 14 may.- Arroyomolinos de la Vera/Patxidifuso/Casa Cultura/20:00 h. 14 may.- Rosalejo/Atakama Teatro/Casa Cultura/20:00 h. 15 may.- Rosalejo/Emulsión Teatro/Casa Cultura/20:00 h. 18 may.- Bohonal de Ibor/Julia Gimaré/Casa Cultura/18:00 h. 19 may.- Higuera/Julia Gimaré/Nave Municipal/19:00 h. 20 may.- Santa Ana/Julia Gimaré/Casa Cultura/18:30 h. 21 may.- Arroyomolinos de la Vera/Julia Gimaré/Casa Cultura/20:00 h. 26 may.- Coria/Atakama Teatro/Casa Cultura/21:00 h. 27 may.- Conquista de la Sierra/Julia Gimaré/Casa Cultura/19:30 h. 3 jun.- Conquista de la Sierra/Patxidifuso/Casa Cultura/19:30 h. Lo que queda aún por ver… 5 jun.- Arroyo de la Luz/Atakama Teatro/Cine-Teatro Municipal/10:00 h. 6 jun.- Aldeanueva de la Vera/Atakama Teatro/Plaza San Antón/20:00 h. 7 Jun.- Navalmoral de la Mata/Atakama Teatro/Casa Cultura/11:00 h. 8 Jun.- Bohonal de Ibor/Patxidifuso/Casa Cultura/18:00 h. 8 jun.- Navalmoral de la Mata/Emulsión Teatro/Casa Cultura/11:00 h. 9 jun.- Arroyo de la Luz/Emulsión Teatro/Cine Teatro Municipal/20:00 h. 16 jun.- Garcíaz/Emulsión Teatro/Salón Actos Ayuntamiento/12:00 h. 16 jun.- Torrecilla de los Ángeles/Patxidifuso/Casa Cultura/22:00 h. 17 jun.- Zarza de Montánchez/Patxidifuso/Nave Municipal/21:30 h. 19 jun.- Coria/Emulsión Teatro/Casa Cultura/19:00 h. 23 jun.- Arroyomolinos/Emulsión Teatro/Plaza de la Iglesia/20:00 h. 24 jun.- Aldea del Cano/Patxidifuso/Salón Cultural/21:30 h. 30 jun.- Morcillo/Patxidifuso/Nave Municipal/22:00 h. 1 jul.- Cilleros/Atakama Teatro/Biblioteca/21:30 h. 1 jul.- Villasbuenas de Gata/Julia Gimaré/Casa Cultura/21:00 h. 2 jul.- Fresnedoso de Ibor/Julia Gimaré/Salón Cultura/20:00 h. 2 jul.- Villasbuenas de Gata/Patxidifuso/Casa Cultura/21:00 h. 7 jul.- Fresnedoso de Ibor/Patxidifuso/Salón Cultural/20:00 h. 7 jul.- Morcillo/Julia Gimaré/Nave Municipal/22:00 h. 8 jul.- Aldeanueva de la Vera/Emulsión Teatro/Jardines Casa Cultura/20:00 h. 8 jul.- Higuera/Patxidifuso/Nave Municipal/20:00 h. 8 jul.- Hinojal/Julia Gimaré/Pista Municipal/22:30 h. 8 jul.- Zarza de Montánchez/Atakama Teatro/Nave Municipal/21:30 h. 9 jul.- Cilleros/Emulsión Teatro/Biblioteca/21:30 h. 9 jul.- Hinojal/Patxidifuso/Pista Municipal/22:30 h. 9 jul.- Torrecilla de los Ángeles/Atakama Teatro/Casa Cultura/22:00 h. 22 jul.- Barrado/Patxidifuso/Centro Social/19:30 h. 27 jul.- Santa Ana/Emulsión Teatro/Piscina Municipal/19:00 h.

Las Aventuras de Cuenta Valores

El Mundo de Gloria. En esta representación, la compañía hace un homenaje a la escritora Gloria Fuertes, y en ella se recopilan diferentes textos de la autora. Un espectáculo familiar en el que las marionetas y la representación de las actrices acercan a los más pequeños la figura y las palabras de Gloria Fuertes. (Compañía Emulsión Teatro).

http://emulsionteatro.wixsite.com/teatro

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La rana en el estanque. Este cuento, representado por guiñoles, narra la historia de María, una niña alegre y cariñosa que vive en una casa con jardín. En el jardín tiene algunos animales: un perro, un conejo, mariposas… Pero un día la niña se encuentra una rana y decide llevársela a su jardín con el resto de los animales. Un guiñol basado en la empatía y en las emociones, “saber controlarlas y prevenir los efectos perjudiciales de las emociones negativas”. (Compañía Atakama Teatro).

http://www.atakamacc.com

Contando y ciento volando. En esta representación se abordan temas como el respeto al de al lado, en la cooperación, en la naturaleza o la astronomía, entre otros muchos valores. El cuento se basa sobre todo en una mezcla de algunos cuentos tradicionales, leyendas americanas y africanas, que irán acompañadas por malabares y música. (Compañía Patxidifuso).

http://cuentospatxidifuso.blogspot.com.es Lo pequeño es hermoso. Son pequeños cuentos e historias interpretadas por marionetas que tienen una cosa en común: el mundo de los titiriteros y de los comediantes, en los que no faltarán las risas y los juegos. Las representaciones se centran en valores como, por ejemplo, el respeto y cuidado a los animales, la naturaleza o la protección de la infancia. (Compañía Julia Gimaré). ¶

http://juliagiimare.blogspot.com.es https://vimeo.com/97378143 LaCarne Magazine

leb trío y las cintas

EB Trío es un grupo de improvisación libre que formamos para la ocasión Guillermo Bazzola (guitarrista de gran trayectoria en el Jazz y la improvisación libre, del que ya ha aparecido una entrevista en esta revista), Fernando Lamas (aguerrido batería en un sinfín de grupos, como por ejemplo el de Xoel López, y un gran improvisador con el que siempre me siento seguro: más info) y yo mismo; y la ocasión no era otra que ir a tocar a Huesca, a un sitio llamado Juan Sebastián Bar (más info), un local dirigido por Lorenzo Casajús, un tipo de lo más peculiar. Lo defino

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así porque en estos tiempos que corren no es fácil encontrar a alguien que ame tanto la música, y que ceda un espacio en una ciudad de provincias como Huesca para apoyar proyectos nacionales e internacionales de improvisación libre, sin apoyo económico de ningún tipo, sólo con su esfuerzo y su verdadero y sincero amor por lo que hace. No conozco ningún sitio así, y mira que llevo años y años en esto. Más quisieran los sitios “oficiales” tener este grado de organización, interés y compromiso. Lorenzo y su Juan Sebastián Bar se los come a todos con patatas, y por supuesto a muchos locales de Madrid y ciudades similares, que dicen apoyar la música en directo y la impresión que me da es que lo que apoyan es el “consumo de cerveza”, y su interés por apoyar la creación de buena música es secundario.

s de cassette

Foto por Jesús Moreno

Bien, cambiando de tercio, voy a relacionar un descubrimiento que hice recientemente con mi manera de entender la música y, en particular, la improvisación libre. Hace poco estuve en mi casa de Extremadura, y encontré un armario lleno de cintas de cassette, un viejo magnetófono “mono” y un walkman, que para mi sorpresa todavía funcionaban los dos. Había olvidado que estaban ahí y llevaba años sin utilizarlo. Mi educación musical fue con cacharros de ese tipo. Oigo música desde los 10 años, y empecé a hacerlo con un cassette “mono” parecido a ese (quizá fuera ese, ahora no estoy seguro). También he escuchado muchos vinilos en aparatos “mono” y “estéreo”, después seguí con el CD, con el mp3, etc…, yo no le hago asco a nada. Todos los formatos me parecen válidos y con todos esos formatos siento la misma emoción, con música “lofi”

o con música “hifi”, me da igual, la emoción siempre está ahí y no es mucho mejor en una situación o en otra. Esas cintas que tengo en el armario tienen más de 30 años, y las he manipulado muchas veces, he grabado encima, he escuchado con todos los defectos que pueden aportar ese tipo de grabaciones (pérdida de velocidad por falta de pilas, o escuchar una canción partida porque acababa una cara y continuaba en la otra, o incluso escuchar una canción interrumpida por un fragmento de otra distinta de estilos completamente diferentes…). Y todo esto me ha hecho preguntarme si mi estilo de hacer música tiene que ver con todo ese bagaje. Yo creo que sí. Mi manera de grabar es bastante “caótica”, por decirlo de alguna manera, heterodoxa por lo menos y llena de “defectos” (oigan por ejemplo las grabaciones de Poliedro Kobold), y mi lenguaje en la improvisación libre sigue por el mismo camino. Utilizo instrumentos de baja calidad y en un estado que calificaría más de uno como “lamentable”, y me entusiasmo con grabaciones hechas por ejemplo con grabadoras zoom, que a mucha otra gente le escandalizaría y le parecería un error presentarlas en público. Todo esto viene a cuento porque llevo un mes escuchando la grabación que hicimos LEB Trío en el Juan Sebastián Bar el pasado 6 de abril. Una grabación que técnicamente puede tener muchos defectos, pero que a mí me entusiasma y me emociona, y me hace revivir una y otra vez el buen concierto que dimos esa noche, o al menos eso me dijo Lorenzo al terminar: “lo que habéis hecho esta noche vais a tenerlo difícil para superarlo en otra ocasión”. Seguramente será una exageración y no fue para tanto, pero sí que fue un buen concierto, excitante y con energía. Habrá conciertos muchísimo mejores, por supuesto, y grabaciones que le dan mil vueltas a ésta, pero nadie me puede quitar la satisfacción de lo que conseguimos esa noche los tres. Ahí va, espero que lo disfruten: escuchar. ¶

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ossyris

análisis completo de “renacer”

rocedentes del País Vasco y de Tenerife, y haciendo alusión al dios egipcio de la resurrección, esta banda nos presenta su más reciente trabajo titulado Renacer, y del cual sus miembros gentilmente me hicieron llegar una copia producto de una entrevista que le realicé hace un par de meses. Ossyris es el nombre de esta banda formada hace ya un par de años, 2003, y cuya alineación la integran: Jonathan Lucer (voz), Mikel de las Heras e Iker Galante (guitarras), Jonathan González (bajo) y Javi Márquez (batería). Ya con uno tener el disco en la mano podemos deleitarnos con el excelente trabajo de portada, realizado por Jonathan, el bajista de la banda. En la misma se hacen alusión a diversos símbolos egipcios, desde un ser alado, pasando por un jeroglífico, columnas de lo que parece ser un templo, y lo más impactante y un negro tan oscuro como la noche: dos ojos felinos que todo lo ven. Sin duda resulta atractiva y original. Con un opening bastante guitarrístico en donde resaltan melodiosos riffs y un medio tiempo conjugado con un armonioso estribillo, “Conquistador” es sin dudas el tema idóneo para abrir el disco. Mención aparte merece la letra de la canción, una letra épica acorde a la historia que se cuenta en este tema. Aparte de los melodiosos y contundentes riffs de guitarras, transparente y claras baterías, no se puede pasar por alto la agradable voz de Jonathan, caracterizada por un toque de

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leve rasposidad que le proporciona a este disco un toque mágico, por así decirlo. Un ejemplo de esto lo constituye “Montecristo”, tercer corte del disco, y en el cual podemos escuchar una magistral melodía producto de seis maravillosos acordes. Otra cosa que me gustó mucho del disco es la base rítmica presente a lo largo de los 11 temas que componen “Renacer”. Base rítmica que suena como truenos que caen raudos y veloces, algo que sin dudas es de agradecer pues esto no siempre se consigue. Otro factor son los cambios de ritmos que resultan llamativos, y esto mezclado con las increíbles letras de cada tema, las cuales resultan fáciles de entender con una primera escucha. Nada más claro que esto lo podemos escuchar en “Ahnelo”, en donde, aparte de los punteos y coros, podemos deleitarnos con la melodiosa y dulce voz de Aroa (vocalista de Tenebra), que, junto con la voz desgarradora de Jonathan, hacen de este tema uno de mis preferidos. Otro de los aspectos a destacar de este disco es el lento y profundo empezar de algunos temas acompañados de mucho brío. Factores estos que los podemos apreciar en “Amo y Señor”, y luego, como si fuera una cadena continúa en “Mil Veces”, poseedor este tema de uno de los mejores estribillos del disco, genial para directos. Después de tanta emoción siempre es bueno bajar un poco la adrenalina, y esto lo podremos disfrutar con la hermosa “Nana a Xanandra”, en donde podremos apreciar lentas guitarras y pausados sonidos de batería. De ahí que este tema sea uno de los más cortos del disco, con apenas dos minutos y medio de duración. Esta tranquilidad la podremos apreciar también en “Maldición de Luna”, que empieza con la dulce voz de una niña pidiéndole a su papá que le

cuente una historia inolvidable. Acto seguido, después de que el padre escoja la historia, los amantes de lo rápido (me incluyo) pueden darse gusto con este tema que te hará retorcer el cuello hasta el cansancio. Sin duda éste es otro de mis temas favoritos del disco, ya que podemos escuchar los constantes cambios de ritmos entre rápido y suave. El que fuera el tema adelanto del disco, “Renacer” ocupa la posición 9 del disco. Aparte de que es un excelente temazo, muy a lo Power, viene recargada de una pegadiza letra, sobre

todo el coro. Ya casi terminando el disco llega “Hasta el final”, una hermosa y a la vez romántica balada que bien podría rivalizar con su tema antecesor, pues este track también posee quilates. Y para cerrar el disco, los cinco miembros decidieron rendir un homenaje al euskera, un lenguaje poco usado en España. “Gure Lehia”, uno de los temas más rockeros, constituye el final de este disco. A pesar de que el euskera no es un lenguaje muy musical, les ha quedaLaCarne Magazine

do de maravilla. Resumiendo, once cortes todos de una excelente factura, calidad y sonido, y que una vez que lo empieces a escuchar no podrás parar hasta que los hayas escuchado todos. Créeme, a mí me pasa siempre que pongo este disco en mi reproductor. En Renacer hay para todos los gustos, temas pegadizos, armoniosos, suaves y con garra..., en fin de todo un poco. Sólo me queda decirles que si aun no han escuchado este disco, corran a comprarlo en el primer quiosco o tienda musical, pues Ossyris volvió a “Renacer”. ¶

Canciones

Conquistador El Cuervo Montecristo Anhelo Amo y Señor Mil veces Nana a Xanandra Maldición de Luna Renacer Último adiós Hasta el final Gure Lehia

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cinematour

de la diputación de cáceres LEER MÁS

l pasado mes de Mayo, el diputado de Cultura, Álvaro Sanchez, presentaba el programa Cinematour 2017. Durante este ciclo podremos disfrutar del cine hecho en casa, es decir, del cine extremeño. Serán tres las proyecciones que se podrán ver en 12 municipios de la provincia de Cáceres. El Ciclo Cinematour 17 está enmarcado dentro del macro programa de Cultura Crítica, el cual se desarrolla por todos los rincones de la provincia durante la primavera, el otoño y todo el invierno. La Diputación rescata un ciclo de cine que ha sido solicitado tanto por los pueblos como por los gestores culturales. Cinematour 17 sería la tercera edición que se celebra, puesto que hubo dos ediciones anteriores durante los años 2009 y 2014. El Ciclo Cinematour comenzó el pasado 5 de Mayo, y finalizará el día 25 de Junio. Las tres proyecciones que se podrán ver abordan la actualidad y de aquello que nos preocupa. Los títulos “Un novio para Yasmina”, “El país del miedo” y “Gentuza” nos dan un pequeño anticipo del contenido social de cada cinta: integración social de los inmigrantes, los matrimonios de conveniencia, el acoso escolar, los prejuicios y las ideas preconcebidas. A través del Ciclo Cinematour la Diputación de Cáceres y el Área de Cultura quieren acercar a todos los ciudadan@s de la provincia la oportunidad no sólo de disfrutar del cine, sino también a reflexionar y analizar el mundo actual en el que vivimos, y nuestras principales preocupaciones.

Las proyecciones de Cinematour 2017 El País del Miedo Carlos, un hombre pacífico, ve alterada su vida cuando, Marta, una niña de 13 años, se cruza en el camino de su hijo Pablo y comienza a extorsionar, primero al niño y después al padre. Incapaz de defenderse, se ve envuelto LaCarne Magazine

en una serie de situaciones angustiosas que le llevan a una respuesta desproporcionada. “El país del miedo” indaga en el origen de nuestros temores como una fuente de dominación que nos obliga a aceptar formas abusivas de protección. TRAILER 1: Ver aquí TRAILER 2: Ver aquí Un novio para Yasmina A Lola le encantan las bodas, aunque su matrimonio está en crisis y sospecha que Jorge, su marido, se ha enamorado de Yasmina. Yasmina tiene prisa por casarse con Javi, un policía municipal que prefiere tomárselo con calma. Alfredo es contrario al matrimonio, pero estaría dispuesto a casarse por amistad…, o por dinero. Un novio para Yasmina es una fábula veraniega sobre los matrimonios de conveniencia, el compromiso social y la vida en pareja. TRAILER: Ver aquí Gentuza Jaime, un niño de nueve años, vuelve a casa después de jugar un partido de fútbol. En la parada del autobús es atracado por un chaval mayor que él. Esta circunstancia creará un vínculo indisoluble entre los dos muchachos. Gentuza. Una historia que habla sobre los prejuicios, sobre cómo las ideas preconcebidas provocan que analicemos la realidad con una categorías estancas, que nos impiden ver la esencia detrás de ese velo que consideramos lo correcto.

Cinematour 17 ya ha pasado por… CUACOS DE YUSTE Día: 5 y 6 de mayo Lugar: Salón de Actos del Ayuntamiento CACHORRILLA Día: 12 y 13 de mayo Lugar: Salón de Actos del Ayuntamiento VALDEOBISPO Día: 12 y 19 mayo Lugar: Salón de Actos del Ayuntamiento ROTURAS DE CABAÑAS (CABAÑAS DEL CASTILLO)

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Día: 18 mayo Lugar: Casa de Cultura ROBLEDOLLANO Día: 19, 20, y 21 de mayo Lugar: Nave multiusos Los Robles MIAJADAS Día: 26 de mayo Lugar: Complejo Cultural Palacio Obispo Solís ALDEANUEVA DEL CAMINO Día: 2 Lugar: Centro Social

Cinematour 17 pasará este mes por… MIAJADAS Día: 16 de junio Lugar: Complejo Cultural Palacio Obispo Solís Hora: 21:00

ROTURAS DE CABAÑAS (CABAÑAS DEL CASTILLO) Día: 10 de junio Lugar: Casa de Cultura Hora: 20:00 TORIL Lugar: Centro de Interpretación Día: 2 junio Hora: 19:30 Día: 3 junio Hora: 12:30 GATA Día: 9 y 10 de junio Lugar: Casa de Cultura Hora: 21:00 GUIJO DE SANTA BARBARA Día: 16 y 17 de junio Lugar: Casa de Cultura Hora: 19:00 GUIJO DE GRANADILLA Día: 23 y 24 de junio Lugar: Plaza de Santa Ana Hora: 22:00 PIEDRAS ALBAS Día: 24 y 25 de junio Lugar: Casa de Cultura Hora: 19:00 ¶ LaCarne Magazine

alex & co desde el interior

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lex & Co, es una agrupación española, para ser exactos, originaria del País Vasco, liderada por el guitarrista Josu Alesanco, con una extensa trayectoria iniciada en la década de los 80, y que le ha convertido en uno de los guitarristas más destacados de la escena del Hard y Heavy de su natal País Vasco. Hacen Hard Rock, pero con su toque de modernidad, con el objetivo de recuperar el ambiente de los grupos de este género de la época dorada. En este disco, su debut, que se comenzó a gestar por el año 2015, pero no es hasta el 2016 cuando hacen su presentación oficial, que corrió a cargo del sello Héroes de Culto de Madrid, está conformado por 10 temas compuesto por Josu Alesanco (canciones que por circunstancias nunca se plasmaron en ninguna de las bandas en las que estuvo), poseedor de un amplio bagaje musical, quien anteriormente había estado en bandas como; Passion, Area Reservada, Stress..., todas de los años 80´s, y en la voz esta Iker Lanz, quien también ha prestado sus servicios en bandas como Draa y Eate, ésta última recientemente desaparecida. El disco se concibió y se grabó inicialmente en el estudio de sonido de Josu, toda la instrumentación y voz corrieron a cargo de Josu (guitarras, bajo, teclado y programación del drum), e Iker (vocales y backing vocals). Y la mezcla final y producción se la confiaron al experimentado productor, acostumbrado a este género, Carlos Creator de The Rock Estudios. El disco comienza con el tema “Toxic Woman”, de ritmos medios y excelentes riffs, donde demuestran un refinamiento técnico heredado de los antiguos exponentes del género. Le sigue el tema “Absinthe Memories”, un instrumental que apenas dura un minuto con siete segundo, de solo de guitarra de Josu, para abrirle paso al tema “Save Me”, un tema muy bien estructuLaCarne Magazine

rado y elaborado, donde siguen prevaleciendo los destacables trabajos de guitarras, donde me recuerdan a excelentes bandas del pasado. Aquí aparece como invitada Suaz Blai en backing vocals.

“From The Inside” es el tema que le da nombre al álbum, un instrumental donde se hace derroche del gran virtuosismo de Josu, quien sigue demostrando que es uno de los buenos guitarristas, en esa línea, de su país. Y cierra el disco la canción “Warriors Of The Storm”, más rápida que las anteriores, con una orientación más clara orientada al Heavy Metal. En lo vocal hay un excelente registro de las cuerdas vocales de Iker Lanz.

“Private Fantasy” es un tema con ritmos algo más lentos, una batería muy rockera y voz normal (a ratos utiliza tonos agudos). “Crazy Nights”, irrumpe con acordes de guitarra al más puro y duro Heavy Metal, y manteniendo su dosis de Hard melódico, con otro invitado que es el mismo productor, Carlos Creator, en backing vocals. “One Step From Heaven” es un tema algo más calmado y melódico, una canción para deleitarse escuchando esas atmósferas que Alex & Co nos ofrecen, y demuestran que poseen todo lo necesario para colocarse en lo más alto de la escena Hard/ Heavy española.

Un disco con una clara apuesta por la mezcla del Heavy americano de la década de los 80 y 90, con el actual Hard Rock más melódico. Todos sus temas son cantados en inglés y así lo dejo claro Josu en una conversación que tuvimos el pasado año, “…Pienso que es el idioma del Rock por excelencia. No se trata de una manía ni nada de eso, siempre que escucho música y sobre todo de este estilo es en inglés. Se trata de sonido, de resultado auditivo. Sinceramente, no lo concibo de otra manera, aunque respeto a las bandas que se expresan en otros idiomas…” Para ser su debut, Alex & Co han hecho un muy buen trabajo discográfico, que se caracteriza por ser diverso en su propuesta musical, ofrecen canciones con grandes valores de composición, y arreglos de enorme calidad. Estemos atentos a su próxima propuesta discográfica, que, de continuar así, seguro que será un buen gran álbum. Poco después de la grabación del disco, la banda completó su alineación definitiva, y han estado presentando el From The Inside por varias partes de la geografía española. Alex & Co es una banda que cree en lo que hace, y así lo ofrecen. ¶

“Break Your Chains” y “New Life” son de ritmos medios y pesados, pero con mayor riqueza instrumental, riffs cortos y precisos, temas donde las melodías conjugan gran variedad de ritmos.

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arranca el

sopocachi rock S

uena bastante atrevido decir que la escena de Rock en La Paz no ha crecido, al contrario, en los últimos meses se pudieron apreciar un gran número de eventos apoyando la movida, muchos organizados de forma particular, por algunos grupos y/o bandas, e incluso por algunas autoridades e instituciones gubernamentales. Resulta muy placentero ver cómo va creciendo todo esto. Sin embargo, quedan todavía algunos “vacíos” que, como se explica líneas arriba, no tienen que ver directamente con “falta de apoyo”. Son “vacíos” que se crean y mantienen en el imaginario colectivo de quienes escuchan, producen o incentivan de diferentes formas la música Rock, indistintamente del género. Frente a estos “vacíos”, como un aporte que puede ser muy mínimo pero aporte al fin, nace la idea del Sopocachi Rock, un festival de música organizado por un grupo de amigos, que cenando y manteniendo una conversación bastante nostálgica acerca de la época de adolescencia, haciendo alusión específicamente a la escena rockera que se vivía en aquella década del 2000, consideran muy productiva para la escena crear este festival. Entonces, casi en forma de un breve análisis, pudieron detectar algunos factores que determinan en gran medida el crecimiento masivo de esta música. Uno de estos “vacíos” es la “mente cuadrada” del rockero. Antes de seguir, se debe dejar claro que Rock es el mejor término hallado para

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agrupar a todos los géneros que conocen los lectores y quien escribe este artículo. Entonces, este “vacío” hace referencia a esa forma, muchas veces insultante, en la que se juzga cierto tipo de música Rock por ser considerada comercial, muy alternativa o más light. Es una forma de pensamiento, palabra y/o acción en que se subestima una parte del proceso de evolución de la música. Este factor a menudo condiciona la aceptación o no aceptación de nuevas bandas, nuevos músicos, nuevas tendencias o hasta la indiferencia y negación total de una parte de la historia de la música Rock – por lo menos en La Paz-. Como ejemplo se puede mencionar al New Metal, denominación que se usó bastante por el 2004 y 2009, cuando se consideraba propio de este género a bandas como Slipknot, Deftones, Mushroomhead, o Korn entre otras, que sonaban bastante e influenciaban enormemente en la música de otras bandas que continuamente se creaban en La Paz. Ahora, toda esta música es considerada alternativa e incluso Rock Pop, pese a que en bandas ícono de ahora (de la escena internacional y nacional), se puede identificar gran influencia de éstas. Y es que es innegable que esa época es un eslabón más de la cadena, sin el cual no se pudo pasar al siguiente. Todo este contexto resulta en una exclusión, a veces inconsciente, de los nuevos rostros que se ven en los conciertos: las nuevas generaciones, quienes en muchos casos, tal vez la mayoría, tienen a estas bandas de referente, ya que reproducen esta música interpretando covers o composiciones propias con tintes notoriamente provenientes de estos géneros, que ahora difícilmente se pueden apreciar en un concierto que esté lleno. Entonces muchos son doblemente excluidos: por la música y por la edad, siendo que muchos de ellos tienen una gran habilidad con sus instrumentos y/o voz.

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Como respuesta a esta forma de pensar es que Sopocachi Rock usa como estrategia de captación la temática: Música de los 90’s y 2000, con la intención de dar un lugar no sólo a quienes gustan del Rock de esta época, sino también a quienes lo respetan como género musical, que procede de otros géneros y antecede a otros más. La década de los 90’s se toma en cuenta por tratarse del tiempo musicalmente antecesor de los 2000, cuando el Grunge, el Alternativo y el New Metal daban sus primeros pasos fuertes y el NY Hardcore empezaba a fusionarse con el Metal. La idea de Sopocachi Rock no es fomentar a las bandas a hacer únicamente covers, es otorgarles un nuevo festival, donde tengan un espacio para disfrutar de tocar su música referente y sus composiciones. El camino que se emprende es un tanto complicado porque lo que se pretende es reafirmar la identidad musical de todos, más allá del género. Se busca que si bien alguien no gusta de cierta música Rock, aprecie, o por lo menos respete, la técnica o destreza con la que son tocados los instrumentos, o cómo se oye la voz, o el mero esfuerzo y pasión que implica la más mínima coordinación. Sopocachi Rock tiene el objetivo de realizarse de forma anual e incluir alguna banda extranjera en las siguientes gestiones. El fes-

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tival da el primer paso de manera totalmente independiente, lo que limita algunos factores económicos. Sin embargo, la inspiración que surge al ver tantos rostros nuevos es más fuerte que cualquier limitante. La predisposición está siempre al final de la jornada para crear nuevas ideas, y asumir más responsabilidades y tareas a medida que las fechas se aproximan. La expectativa de un festival totalmente novedoso está latente y va aumentando la ansiedad. En la ciudad de La Paz, el 12 de Agosto se armarán dos grandes escenarios para presentar aproximadamente a 20 bandas, con las que el Sopocachi Rock llevará a cabo su primera versión. Antes de esto se realizarán 4 pre presentaciones en las que las bandas están distribuidas 5 por día, con el fin de ofrecer una mejor primera temporada a los que siguen a este evento y a las bandas que participan en él: Accidental Crush, Bullets, Elemental Sickness, Karma Of Fire, Sleepwalker, Slow Hands, Decode, Daemonion, Fantasmas de Jaén, Kriko 87, Makiavelo, Alaynë, Jrack, Alter Ego, Naked Warning, Rock Sin Restricciones, Dual Námida, Almacabra, Kalazo, Los Skuff y Anarkotizados. ¶

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analizamos “vehicle of spirit” de

nightwish LEER MÁS

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uando en 1996 a Tuomas Holopainen, acompañado de varios amigos, le surge la idea de crear su propia banda, no pensaría que 20 años después esa ban-

da llegaría a ocupar un lugar dentro del amplio espectro del Rock mundial. Me refiero a Nightwish, banda originaria de Finlandia, y cuyo estilo es el Metal Melódico con toques de Rock y otros subgéneros. Aparte de llevar más de dos décadas girando por todo el mundo, Nightwish también son poseedores de más de 15 discos, de los cuales orgullosamente tengo la mayoría. Nightwish es una de esas bandas que casi no ha sufrido ningún cambio en su alineación, a no ser por la voz principal. Durante casi 10 años, hasta el 2009, la voz líder de esta potente banda resulta expulsada del grupo por divergencias. Me refiero a la genial Tarja Turunen, con quien el grupo llegó a la fama y reconocimiento mundial. Después de su salida reclutaron a Anette Olzon, con quien hicieron solamente un disco. Tiempo después fichan a Floor Jansen (ex After Forever-ReVamp) con quien Nightwish ha lanzado ya dos discos. El primero fue Endless Forms Most Beautiful en el 2015, y éste que les traigo hoy, Vehicle Of Spirit, del pasado año.

la elaboración del disco Endless Forms Most Beautiful. En este concierto en Londres, los que allí asistieron fueron testigos de unos Nightwish que desplegaron toda una maquinaria para lograr un espectáculo por todo lo alto. Luz, pantallas enormes y pirotecnia a lo grande fueron algunos de los elementos que acompañaron aquel inolvidable concierto. En esa ocasión, los temas interpretados eran básicamente de su anterior producción, y otros de cuando la era de Tarja Turunen. Pero aun así, la banda de Toumas Holopainen demostró la razón del porqué de su posición actual en el escalafón del Rock europeo. Por otro lado, otro de los atractivos de este disco es el concierto, sin precedentes, ofrecido en su natal Finlandia. El escenario escogido fue el Ratina Stadion de Tampere, en donde la asistencia de sus fans locales, y de seguidores venidos de diferentes lares del mundo, dio como resultado un inolvidable show que demuestra que Nightwish son profetas en su tierra.

Sin duda, con Floor Jansen la banda ha realizado un gran movimiento, pues han vuelto poco a poco a posicionarse dentro de las mejores bandas a nivel mundial, luego de todos los parones debido a diversos problemas a raíz de los cambios de vocalista.

Y si estos dos discos no te fueron suficientes para disfrutar del enorme y genial talento de los finlandeses, otro disco acompaña este Vehicle Of Spirit. Los temas sueltos fueron grabados en diferentes escenarios del mundo entero.

Con Endless Forms Most Beautiful, Nightwish amplió aún más su ya gran popularidad, y esto lo reafirmaron con el lanzamiento de Vehicle Of Spirit del 2016.

De aquí vale destacar el tema “Last Ride Of The Day”, grabado en Rock In Rio, para el cual invitaron a Tony Kakko de Sonata Ártica. Pero lo que más acaparó la atención en este disco de extras es una entrevista con el mismísimo Richard Dawkins.

Vehicle Of Spirit es un disco triple en directo que recoge los temas interpretados por la banda durante su gira mundial. La banda, encabezada por el teclista Tuomas Holopainen, logró lo nunca alcanzado antes: un concierto “sold out” en una noche en Wembley, Londres. La actuación de aquella noche constituye uno de los platos fuertes de Vehicle Of Spirit. Tan inolvidable fue aquella noche que inclusive llegaron a contar en el escenario con el científico Richard Dawkins, cuyas teorías fueron fuentes de inspiración imprescindibles para

Con este Vehicle Of Spirit, los finlandeses Nightwish demostraron una vez más que la banda se encuentra en su momento cumbre, y que aún les queda mucho camino por recorrer. Vehicle Of Spirit está disponible en Edición Especial en DVD, Blu-Ray y CD, este ultimo triple. Así que como siempre te digo: si no te has hecho con tu copia del último trabajo de NightLaCarne Magazine

wish. ¿A qué esperas? Yo me hice de la mía y les puedo asegurar que es lo máximo. ¶

Lista de canciones Disco 1: The Wembley Show (Londres) 01 Shudder Before The Beautiful 02 Yours Is An Empty Hope 03 Ever Dream 04 Storytime 05 My Walden 06 While Your Lips Are Still Red 07 Élan 08 Weak Fantasy 09 7 Days To The Wolves 10 Alpenglow 11 The Poet And The Pendulum 12 Nemo 13 I Want My Tears Back 14 Stargazers 15 Ghost Love Score 16 Last Ride Of The Day 17 The Greatest Show On Earth

Disco 2: The Tampere Show (Finlandia) 01 Shudder Before The Beautiful 02 Yours Is An Empty Hope 03 Amaranth 04 She Is My Sin 05 Dark Chest Of Wonders 06 My Walden 07 The Islander 08 Élan 09 Weak Fantasy 10 Storytime 11 Endless Forms Most Beautiful 12 Alpenglow 13 Stargazers 14 Sleeping Sun 15 Ghost Love Score 16 Last Ride Of The Day 17 The Greatest Show On Earth

Disco 3: Extras (grabado alrededor del mundo) 01 Weak Fantasy (Vancouver) 02 Nemo (Buenos Aires) 03 The Poet And The Pendulum (Mexico City) 04 Yours Is An Empty Hope (Joensuu) 05 7 Days To The Wolves (Espoo, Barona Are-

na) 06 Sleeping Sun (Masters Of Rock) 07 Sahara (Tampa Bay) 08 Edemah Ruh acoustic (Nightwish Cruise) 09 Last Ride Of The Day (Rock In Rio Ft. Tony Kakko) 10 Élan (Sydney)

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rubera roots ba espiritualidad y pasiรณn en el reggae Texto por S. Plata - Fotos por Humana Skala

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ablar de Rubera Roots Band es hablar de Reggae en un sentido profundo y trascendental. Estos grandes músicos se embarcan en una gira internacional, dispuestos a compartir su mensaje junto a Likle Mystic, y a hacer bailar, vibrar y sentir a un gran número de afortunados. Viajamos a Portugal para que nos den todos los detalles en exclusiva. Rubera Roots Band se compone de seis músicos y nos gustaría saber cómo os conocisteis y quién fue el que dio el primer paso para formar la banda Rubera Roots Band está compuesto por Ras Nunukah, Ras M, Ras Kamarada, André Moraes, Paulo Ribeiro y Jah Son. La banda se conoció en un encuentro de músicos donde los fundadores fueron Ras M, Ras Kamarada y Ras Nunukah. Podríamos decir que Rubera Roots es de reciente formación, pero sabemos que algunos de sus componentes ya habían tenido alguna experiencia musical anterior. En esos proyectos anteriores ¿también estaba presente el Reggae? ¿Cuándo apareció este estilo musical en vuestras vidas? Los elementos de la banda vienen de diferentes proyectos manteniendo siempre el Reggae. Desde pequeño siempre he escuchado Reggae en mi ciudad natal, en Cabo Verde, es un estilo presente en mi vida. Todo esto ha influenciado a la banda, apoyados en la conexión, en la rastafari, utilizando éste como vehículo de inspiración y de trabajo. Para que seis personas consigan ponerse de acuerdo, ya sea para componer los temas, para decidir las fechas de conciertos o qué tema vais a tocar primero, etc., ¿cómo lo hacéis? ¿Hay alguno de vosotros que lleve la iniciativa o que vaya “al volante” de la banda? Es un proceso verdaderamente muy natural. Nosotros tenemos una cantidad de temas que componemos y trabajamos en nuestro estuLaCarne Magazine

dio. Cuando nosotros realizamos los conciertos, sentimos el ambiente de la sala o festival, y vamos construyendo la puesta en escena acorde con el momento, conectando al máximo con el público. Tenemos una gran unidad entre los músicos, de manera que dependiendo del público podemos variar el repertorio según la intensidad que buscamos transmitir. ¿Qué opinan vuestras familias y amigos acerca de que os dediquéis a la música? ¿Cómo ve la sociedad actual de Portugal la profesión de músico? Tenemos el apoyo de toda nuestra familia. Amamos está música y es motivo de alegría, pero tenemos presente que es un oficio muy duro. La gente puede pensar que conseguir el respeto por el trabajo realizado es fácil, pero son muchas horas de dedicación, que quita tiempo a familiares y amigos, para poder elevar nuestra música y mensaje. No es fácil sacar adelante un proyecto musical, pero nosotros seguimos trabajando, y pro-

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Foto por Javier Pulpo LaCarne Magazine

“Cuando empezamos, teníamos muchas personas en la familia que no comprendían al principio nuestro trabajo. Nosotros tenemos claro a qué nos queremos dedicar.” duciendo con otros artistas. Esto acredita que podemos efectuar todo de manera espiritual y estamos dispuestos a sacrificarnos. ¿Cómo está el panorama musical en Portugal? ¿Cuáles son los principales problemas a los que se enfrentan las bandas portuguesas? El panorama musical en Portugal es nuestro día a día. Lo vemos con positividad y esperanza de conseguir nuestro espacio, Sabemos que existe espacio para todos, y la dificultad radica en presentar tu trabajo. Una vez que lo sacas, no obtienes reconocimiento al instante. Al principio puede hacer que te vengas abajo, pero con el apoyo de la familia y compañeros, y promotores, seguimos en la lucha para alcanzar nuestra meta. Queremos saber un poco más en detalle cuál es vuestro día a día. ¿Os dedicáis a la banda al 100% o dependéis de otros trabajos? Los componentes de la banda tienen incluso dos trabajos: repartiendo la música con su día a día. La mayoría se dedica a la música con encargos de producción, conciertos, promoción y colaboraciones de otros músicos relacionados con Rubera Roots, donde facilitamos un espacio de ensayo si el músico lo necesita. Los sacrificios personales y económicos suelen ser habituales durante los comienzos de un grupo de música. ¿Qué ha sido para vosotros lo más duro, lo más difícil? Pienso que hacer un sacrificio, tanto a nivel personal como económico, es duro. Cuando empezamos, teníamos muchas personas en la familia que no comprendían al principio nuestro trabajo. Nosotros tenemos claro a qué nos queremos dedicar, y no podemos perder a las personas que amamos y que necesitamos

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para seguir adelante. La vida es un constante sacrificio, no somos diferentes, y estamos positivos para recuperar todo lo invertido, como la comprensión de la familia. Estamos sembrando las semillas para poder recoger más adelante. Somos muy consciente de todo esto. Como banda de Reggae tenéis vuestra propia filosofía de vida y vuestras canciones están llenas de mensajes. Para aquellos que aún no sepan quiénes sois, ¿podéis decirles cuál es vuestro mensaje y qué es Rubera Roots? La banda es una familia más compuesta por 6 hermanos, donde estamos felices de vivir la filosofía rastafari, haciendo de esta manera nuestra música consciente para todo el mundo, comandados por su majestad Haile Selassie. Militancia Rastafari fue vuestro primer trabajo, en el que pudimos disfrutar de auténtico Reggae, y que, además, fue muy bien acogido por el público. ¿Qué ha significado para vosotros este disco? Militancia Rastafari es nuestro primer hijo, la primera sensación de sacar un trabajo que hemos creado con mucho sacrificio y amor. Estamos convencidos que este trabajo entrará en las mentes y corazones del público. Ha sido grabado totalmente en nuestro estudio, y esto provocó que fuera tan enriquecedora para nosotros. En resumidas cuentas esto es la filosofía rastafari, militancia rastafari.

El nuevo material de Rubera Roots que hemos podido escuchar es el single “Graças a Jahovia” del que además hemos podido ver el vídeo de BalconyTV. ¿Es este el anticipo de vuestro nuevo disco? ¿Cuándo saldrá a la calle? ¿Habrá algún videoclip más próximamente? “Gracias a Jahovia” es el primer single sacado en abril, parte del próximo trabajo en formato EP, compuesto por 6 canciones más 5 versiones dub. Ahora nos encontramos en la última fase de creación. Somos una banda que preferimos sentir la calidad de nuestro trabajo, y una vez estemos en la línea que deseamos, lo sacaremos al público. Pienso que para este verano estará ya

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finalizado, y puedo adelantar que tenemos un álbum en el que estamos trabajando que saldrá el próximo año.

¿Seguirá vuestro nuevo trabajo la línea de Militancia Rastafari? ¿Qué podéis adelantarnos sobre la temática del nuevo disco de Rubera Roots? La esencia es la continuidad del primero, pueden salir varias canciones más. El público va a sentir un cambio significativo manteniendo el mismo trabajo de siempre, por el cual nos sentimos realizados. Puedo adelantar en exclusiva para LaCarne Magazine que el nuevo trabajo se llamará Rasta de Rubera. Recientemente habéis estado de gira por Latinoamérica, y nos gustaría saber si es la primera vez que cruzáis el charco. ¿Cuál ha sido el mejor momento de esta gira? ¿Está en vuestros planes volver próximamente? Afortunadamente la banda tiene la posibilidad de estar en América latina. Nuestro manager Javier Pulpo ha estado recientemente en Panamá, y la maquinaria de trabajo ya está en funcionamiento. Vamos a pasar por varias localidades en Extremadura, como son Badajoz, Cáceres o Plasencia. También estaremos en ciudades como Jaén, Oporto, Benicasim y

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Cádiz, entre muchas otras. Podéis consultar nuestras fechas en nuestro Facebook oficial de Rubera Roots Band. Os damos una pequeña primicia respecto a las fechas en Extremadura: el 10 de junio en La Huerta Sonora (Puebla de la Calzada). Actuaremos junto a Likle Mystic con dos espectáculos especiales. Una vez finalizado comenzará una Jam Sessión comandada por un gran músico extremeño, Gecko Turner, y la cantante y percusionista montijana Susana Cedrún. De seguro será una noche única bajo el cielo extremeño. Os esperamos a todos! Sabemos además que haréis una gira internacional, que habéis estado en Cabo Verde, que este año repetís en el Rototom Sunsplash, y además, que os va a acompañar Likle Mystic. Habladnos de vuestra relación con él ¿Cómo surge este feelling entre Likle y Rubera? Hemos cerrado nuestra primera gira en Cabo Verde, tierra natal de la mayoría de los integrantes de la banda. Para nosotros ha sido una gran experiencia, y ya estamos preparados para afrontar todos los kilómetros de

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â&#x20AC;&#x153;No es fĂĄcil sacar adelante un proyecto musical, pero nosotros seguimos trabajando, y produciendo con otros artistas.â&#x20AC;?

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carretera que nos esperan. Estaremos durante nuestra gira en España en el mayor festival de Reggae del mundo, Rototom Sunsplash, junto a Likle Mystic, artista jamaicano que nos acompañará durante toda la gira. Likle Mystic es una bendición para nuestro proyecto. Estamos creciendo como músicos y como personas gracias a él. Para nosotros es muy importante la figura de Likle Mystic. Se ha volcado con nuestro proyecto, y está en constante trabajo de repatriación para volver a África y comenzar su trabajo para ayudar a la comunidad. También sabemos que visitaréis España y nos gustaría saber cómo un grupo cómo Rubera Roots consigue cerrar una gira así. ¿Contáis con alguna productora o equipo que trabaje con vosotros para gestionar vuestras actuaciones? Para nosotros es una gran oportunidad poder tocar en España, y hemos sentido el cariño del público. Llevamos dos años trabajando con Javier Pulpo, también líder de Extremareggae, una promotora Extremeña que está cada vez más fuerte en la promoción del Reggae. Él ya es un miembro más de la familia Rubera, se ha integrado con facilidad y eso ha ayudado a conseguir nuestros objetivos. Durante la gira nos apoya la empresa que pone nombre a nuestro tour, Pay Pay Paper, especializada en papel ecológico para fumar que está realizando diversos eventos promocionales por toda España. Estamos muy agradecidos de la oportunidad y de poder trabajar con la primera empresa de papel ecológico que nació en 1764. Hablando de vuestra gira, sabemos las fechas de algunos conciertos, pero nos gustaría saber con más detalle qué ciudades del mundo van a disfrutar de vuestra música. Vamos a comenzar el tour en España, llevando un año más nuestra música gracias al trabajo de nuestro representante Javier Pulpo, con el que nos sentimos muy a gusto dele-

“Estamos preparados para que vibréis con nuestra música de militancia rastafari” gándole esta misión. Nos gusta el Reggae de Rubera Roots, y nos veremos en alguno de vuestros conciertos muy pronto. Os deseamos mucho éxito y esperamos volver a hablar con vosotros en un futuro. Gracias por dedicarnos vuestro tiempo. Gracias a vosotros por transmitir nuestro mensaje humildemente. Espero que nos veamos muy pronto y compartir buenos momentos. Estamos preparados para que vibréis con nuestra música de militancia rastafari, y seguiremos aprendiendo en el camino gracias a las vivencias de Jah Rastafari. Un fuerte abrazo de unidad y respeto a todos los seguidores de LaCarne Magazine. Estaremos encantados de recibirles con los brazos abiertos en nuestros shows. ¶

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qbo

presenta “inmortal” desde méxico

irectamente desde México llega Qbo, un poderoso trío que hace apenas unos meses lanzó Inmortal, su sexto álbum de estudio. Álbum con el que este trío retoma con fuerza sus orígenes, así como el potente sonido que los hizo únicos. Sobre lo relacionado con este nuevo trabajo musical, los comienzos de la banda y otros elementos, nos cuenta en exclusiva Tonio Ruiz (voz y guitarra de la banda). Tengo entendido que la banda se crea en el 2002. ¿Coméntennos cómo nace la idea de crear la banda y por qué el nombre de Qbo?

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Nos juntamos porque veníamos de otras bandas y queríamos hacer algo diferente a lo que estaba en la escena del país en ese momento, queríamos combinar tintes de alternativo, con un poco de Hip Hop, con un poco de Metal, con un poco de Electro, con un poco de Pop…, y así nació Qbo (cubo). Al ser un power trío decidimos cambiar la “cu” de cubo por la letra “q”, que respeta la fonología pero queda en tres letras, como lo es la banda en power trío, y visualmente nos gustó mucho. Hoy en día son pocas las bandas que optan por el trío como formación. ¿Por qué decidieron formarse como trío y no como una banda a la que estamos acostumbrados a ver? Como dije antes, no queríamos repetir formulas tal cual, y cuando nos juntamos a ensayar por primera vez, el sonido estaba ahí, no necesitábamos más integrantes. Además que el

el mismo. ¿Cómo fue el proceso de edición y grabación? Así es, Inmortal es el nuevo disco de la banda, el 6to en la carrera del grupo, y probablemente el más significativo por muchas razones. Es un disco producido por mí, grabado en un gran hermoso estudio cerca de la ciudad de Cuernavaca, México, llamado SOGA Recordings, y mezclado y masterizado en mi estudio en la ciudad de México (Tonio Ruiz Recordings). ¿Cuántas canciones trae y de qué tratan las mismas? Son 7 temas compuestos totalmente por la banda, y, como siempre, en nuestras letras hablamos metafóricamente de búsqueda, sueños, miedos y muchos desahogos de nuestros traumas personales, hablamos de unión y cómo debemos de estar juntos para sobrevivir en un mundo socialmente colapsado.

sonido de un power trío es muy particular y también nos define como banda. ¿Cómo podrían definir su música y quiénes han sido sus principales influencias? Para nosotros Qbo es Rock tal cual, no nos interesa mucho etiquetarnos demasiado. Sentimos que tanta etiqueta y subgénero debilita el movimiento. Pero si hubiera que definirlo, Qbo es algo así como Metal alternativo. Y como influencias, tenemos desde el Metal clásico, pasando por Grunge, Rock, o Pop electrónico, aunque nosotros no somos electrónicos, es una combinación de bandas que van desde Deftones, Bush, o The Goo Goo Dolls, hasta Depeche Mode, y podríamos mencionar muchas más. Hace unos meses salió al mercado su más reciente disco titulado Inmortal. Hablemos sobre

¿Quién estuvo a cargo de la portada y qué mensaje transmite? La portada es una imagen que encontramos navegando por Internet, es una pieza hecha por un diseñador “urbano” de Internet que hace piezas maravillosas utilizando imágenes de stock royalty free de las miles que hay en Internet. Se llama Thomasz Szczepuchowski de Polonia. La vimos y nos hizo clic instantáneo con la fuerza que trae el disco y la energía que proyecta. ¿Videos oficiales? Hasta el momento hemos sacado video del primer sencillo titulado “Romper Recuerdos” (ver video) dirigido por Cheeno Mesdrage con quien ya hemos hecho videos en discos anteriores, gran trabajo. El video entró al top 10 en MTV LatAm. ¿Cómo ha sido recibido Inmortal tanto por el público como por la crítica especializada? Inmejorables comentarios ha recibido este disco, tanto por el sonido y la producción como por la calidad de los temas y el ya tradicional power que tiene la banda desde nuestro primer disco. ¿Dónde se puede adquirir el mismo? Inmortal está disponible en todas las plataforLaCarne Magazine

mas digitales conocidas en cualquier parte del mundo. ¿Con qué bandas compartieron escenario? Compartimos escenario con bandas como Skrillex, Incubus, Café Tacuba, Molotov, Enanitos Verdes, Kinky y muchos muchos mas. ¿Alguna anécdota que les haya marcado como banda? Creo que la anécdota mayor que nos acecha día con día es pretender tocar un estilo de música que no es local, en un país donde lo único que funciona es música para bailar y para fiestas. Este año la banda está cumpliendo 15 años de creada. ¿Cómo valorarían todo este tiempo para la banda? Consideramos nuestra nacimiento oficial cuando salió el primer disco en 2003, con el cual tuvimos una nominación para los MTV Awards Latin y tocamos en Miami en los premios, y desde entonces a la fecha hemos aprendido que no hay que olvidarse de quién eres ni de por qué estás en el camino que estás, y hay que seguir luchando hasta la última gota de sangre. ¿Qué podremos esperar de Qbo para este 2017 y en un futuro? Este año es para tocar y tocar, y sacar más videos de Inmortal. Estamos haciendo todo el esfuerzo para llevar a Qbo a otros países y esa es la prioridad. Bien, antes de terminar agradecerles por su tiempo para esta entrevista y les deseo suerte con su nuevo disco. Al contrario, muchas gracias a LaCarne Magazine por ayudarnos a llevar nuestro nombre más lejos. Esperamos que pronto puedan ver a la banda en vivo. ¶

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aran one un artista 360 LEER MÁS

as pantallas lo vieron crecer en importantes producciones para la televisión. Con su carisma y profesionalidad, Aran One incursiona en la música, con la promesa de no solo conquistar el continente latinoamericano, sino el mundo entero con su fresca propuesta musical. Demos un giro de 360° y conozcamos a Aran One. ¿Quién es Aran One y cómo incursiona en el mundo de la música? Empiezo mi carrera artística en el 2007 en series musicales de televisión, las cuales tuvie-

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ron mucho auge y un éxito muy grande, por lo que desde muy temprana edad me sentí conectado tanto con la música como con la actuación. Posteriormente realicé varias novelas y comencé a trabajar un proyecto a dúo con un amigo, que no llegó a concretar, y decidí, en el año 2013, trabajar de manera secreta mi proyecto como solista. Háblanos de tu sencillo “Me Gusta” y de la producción del video. El tema “Me gusta”, producido por Dejota2021 y mi persona, es una canción refrescante, pues reúne varios elementos con los que me sentí identificado a la hora de realizarlo. Tiene sonidos un poco más anglos, sin perder la esencia urbana que me caracteriza. Además, es un tema bien conceptual con sonidos mi-

nimalistas y una letra bien dedicable con el que cualquiera se puede conectar. El video fue realizado bajo mi propia inspiración. Desde el primer momento que realicé el tema, me imaginé un videoclip en blanco y negro, bien minimalista y bien elegante. Me reuní con un director venezolano, César Luis, y llevamos a cabo el rodaje de este maravilloso trabajo, el cual fue filmado en la isla de Margarita. ¿Cuáles son tus influencias musicales y cómo la vemos reflejada en tu música? Soy melómano, oigo todo tipo de géneros musicales tratando siempre de nutrirme con lo que está vigente para llevar todos esos elementos al estudio a la hora de componer. Sin duda, tener una amplia cultura musical me ha sido de gran ayuda para que mi música tenga un sello particular en mi esencia. ¿Tienes algún tipo de ritual antes del show? Sin duda alguna siempre hablo con todo mi crew, y los shows se los encomendamos a Dios y al Arcángel Miguel. Este ritual lo hacíamos con mi madre cuando estaba viva, y siempre nos llenaba de energía. Seguimos siendo el mismo crew desde los inicios, una familia sólida y unida. ¿Tiene Aran One alguna musa musical? Soy una persona muy sensible y sentimental. He tratado de plasmar un poco de eso en mis últimas canciones, y sin duda la gente se ha conectado muchísimo con ese Aran más humano que abre sus sentimientos ante un público que lo sigue. De resto siempre me gusta escribir o aportar ideas acerca de un tema que sea bien conceptual para desarrollar una idea 360 a cada tema. ¿Cuál ha sido el momento más importante de tu carrera hasta ahora? Creo que vendrán muchos momentos grandes, estoy trabajando para eso. Hasta ahora son incontables los momentos de satisfacción y de orgullo que he tenido. Uno de ellos, producir con Wisin, uno de mis más grandes ídolos desde pequeño, y que él se haya conectado con mis temas ha sido muy importante. ¿Cuáles son tus próximos planes?

“Vienen unas cuantas sorpresas musicales, remix, featuring y nuevas canciones increíbles” Mi plan más próximo es la internacionalización. Por redes sociales es evidente el gran apoyo que tengo de otros países, y creo que es hora de empezar a retribuirles todo ese cariño con música. También quiero estrenar mi primer disco. Vienen unas cuantas sorpresas musicales, remix, featuring y nuevas canciones con videos increíbles. ¿Qué mensaje le das a tus fans? Gracias por el apoyo, sin ustedes nada fuese posible, las leo desde el día uno y siempre he tomado en cuenta sus comentarios, consejos y amor. Sensible, melómano y fiel a sus fans. Sin duda alguna Aran One nos demuestra que es un amante de la música y que no le teme a innovar. Estate atento a sus próximas sorpresas musicales y síguele la pista a través de sus redes sociales. ¶

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naurea

con las ideas claras

aurea es el grupo de Abel Oliva, un personaje que ha dedicado gran parte de su vida al movimiento de la escena underground en Cuba. Ha pasado por muchísimas bandas de la escena cubana, desde hace algún tiempo reside en Suiza, y se ha dedicado más a su proyecto Naurea. Aquí les va esta entrevista para conocer sobre su trayectoria, pasado y futuro. Saludos, Abel. ¿Cómo te va hermano? ¿Qué tiempo llevas fuera de Cuba? Gracias por tu amable correo. Me va bien, claro que como todo en la vida, con sus altas y bajas. Vivo en Suiza desde hace cuatro años, cerca de Zürich, en un hermoso y tranquilo pueblo llamado Embrach. Bueno, Abel, llevas un buen tiempo en esto de la escena under. Vamos a comenzar hablando sobre tus inicios, que me parecen que fueron con Nekrobiosis. ¿Es así? Así es. Nekrobiosis fue mi comienzo como músico. En ese proyecto aprendí lo intrincado

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de la composición, y me ayudó a insertarme en el movimiento under cubano, aunque como simple espectador ya conocía a muchos dentro de la escena. En esos momentos estaba terminando la universidad, y la ciudad de Santa Clara era un torbellino de bandas en creación. También has pasado por otras bandas y proyectos, todos de diferentes tendencias musicales. Danos detalles de esto. Te enumero por orden cronológico. Primero funde Nekrobiosis a principios de los 90’s (quinteto de Hardcore/Death), con la cual llegamos a grabar un demo-live titulado Death Squad, con temas en inglés y español, el cual no fue distribuido debido a la mala calidad de sonido. A la disolución de Nekrobiosis, y aprovechando que mi amigo Franto Paul había disuelto su banda Infestor, le comento hacer algo juntos y él acepta. Comenzamos a ensayar junto al drummer Duvier Quiroz como Nekrobiosis hasta que Franto me propone el nombre Sectarium, y comienza toda una nueva aventura. Con Sectarium (trio de Death/Doom/Black) grabamos el demo God’s Wrath en 1993, el cual fue distribuido y reconocido mundialmente dentro de la escena under. Al año siguiente (1994) entro al estudio con un proyecto unipersonal: Godes Yrre (Doom

con toques electro). Con Godes Yrre grabo el demo A Divine Image. En 1997 muere Franto en trágicas circunstancias, en medio de la grabación del demo Larvae, el cual logro terminar de grabar al año siguiente, dedicado a su memoria. En 1998 me uno a Anger Seeds (quinteto de Power Thrash) impulsando la grabación de su primer demo, el cual nunca fue terminado debido al poco interés de la banda, motivo por la que abandono esta agrupación al cabo de un año. A finales de los 90’s, el legendario William Fabián de la banda Eskoria (trio de Punk) me pide que le sirva de guitarra de apoyo para un concierto, el resultado fue todo un año con la banda. En el 2001 me uno a la banda C-Men (quinteto de Nu Metal), formada por viejos amigos. Con ellos grabo el demo Shockin’ en onda Rap Metal. En 2002 inicio el proyecto Naurea (Electro/industrial Rock) y grabo el demo Experimentone, muy Dance experimental. También en 2002 remezclo el demo de C-Men y lo publico como Nikcohs Demomix. En el 2004 grabo junto a C-Men el álbum Live, Drink, Don’t Rest en una línea muy industrial, remezclándolo poco después y editándolo bajo el nombre Mixing Your Reality, de puro Techno. En el 2007, y ya al frente de C-Men, editamos el álbum Live An’ Unplugged, con temas re-arreglados del propio repertorio de Nu metal, muy acústico y con reminiscencias del Grunge y del alternativo. Este álbum fue nominado por la crítica como mejor grabación de Rock del año. En el 2009 lanzo junto a C-Men el álbum Feel, siguiendo la movida Nu Metal. Después de esto, y para sobrevivir en la jungla musical cubana, preparo en 2011 un álbum de música alternativa en español, a salir por C-Men y bajo el título Volver a Empezar, y que desgraciadamente está terminado y sin publicar debido a muchísimas cosas, pero que pueden escuchar integro en Soundcloud. Para no estar aburrido terminé al año siguiente (2012) el segundo álbum de Naurea titulado Experimentwo, para el cual también realicé varios videos promocionales. En el año 2013 paso a vivir en Suiza, y después de los tropezones y adaptaciones lógicas iniciales (¡el idioma suizo-alemán es terrible!) grabo en 2015 el tercer álbum de Naurea titulado I am a Monster (Electro-Industrial Rock con toques de Dark House), para el que tam-

bién realicé varios videos promocionales. Este álbum está disponible en todas las plataformas de descarga online. En el 2016, inspirado por el álbum I am a Monster, realicé el dark comic book “Monstergod, or How to Become a Pariah”, disponible en versión digital en Amazon, y que será editado en México este año. Ahora estoy terminando el cuarto álbum de Naurea, trabajando también en la gráfica y el primer video promocional, el cual debe salir en el verano u otoño de este 2017, esta vez con sonido más rockanrollero. Sectarium, fue una banda que marcó mucho en la escena cubana del Death/Doom/Black, una banda de culto de los años 90s. ¿Qué significó esta banda para ti? Sectarium para mí fue el verdadero comienzo. No olvido nuestro primer concierto en La Habana. Me temblaban las rodillas pues nunca había estado ante tanta gente. Sectarium sacó mucho de lo dark que soy y que no había vuelto a encontrar hasta ahora con Naurea. Y también fue una época de leer mucha filosofía y religión, de escuchar clásicos, de crecer espiritualmente, de ensayar duro, de soñar alto. ¿En qué vertiente musical ubicas a Naurea? El primer álbum estaba centrado en lo Electrónico-experimental. El segundo álbum está muy en la corriente del Rock industrial con predominancia de guitarras. Éstos dos primeros álbumes tienen algo en común, se llaman Experimentone y Experimentwo, y solo un track tiene lyrics/voces. Creo que, como su nombre indica, estaba buscando una dirección, un camino, una senda que seguir. Eso aparece con el tercer álbum, I am a Monster, con influencias de Dark House, EDM, Rock industrial y tendencias propias mezcladas en un producto final de corte único. Normalmente recibo reseñas y etiquetas de raro, o inclasificable. Yo prefiero decir que es Electro-industrial Rock con una visión personal. El cuarto álbum que está por salir se mueve en terrenos más conocidos, más de Rockanroll pero siempre con mi visión personal. Esto también es un reflejo del trabajo en solitario. Tengo algunos amigos y fans que ya han escuchado la premezcla del álbum, que me dicen que es muy cool, con riff y coros muy pegadizos y que me estoy moLaCarne Magazine

los conflictos de intereses que se forman alrededor de la dirección creativa. Soy libre, eso es un regalo de los dioses. Pero he estado abierto a las colaboraciones, siempre y cuando no desdibujen el concepto de mi proyecto.

viendo al borde del maistream. Quizás solo soy más viejo hahaha... Bueno, hace ya un tiempo, cuando aún radicabas en Cuba, escribiste un libro y se publicó por una importante editorial de tu ciudad. Coméntanos sobre esto. ¿Has escrito algo más? Empecé escribiendo poesía. Eso me ayudó mucho con el trabajo de las lyrics de canciones. En el año 2000 salió publicado por la Editorial Capiro (una de las más prestigiosas de Cuba) mi libro de cuentos Cuarto Vacío. Estoy esperando que publiquen un segundo libro de cuentos titulado Vivir en Trance, escrito en 2011. Varios de los cuentos que aparecen en ambos libros han sido recogidos por diversas compilaciones en Cuba. En el año 2016 terminé el dark comic book Monstergod, or How to Become a Pariah, en versiones en inglés y español. Todos están disponibles en versión digital a través de Amazon. Regresando a Naurea, ¿podrías decirme si esto es un producto de la experiencia que has ido acumulando durante todos estos años en la música, o es algo que ha emergido de forma espontánea? Creo que como nos pasa a todos, mi gusto se ha ido formando (o deformando según lo mires) a través de los años. En el caso de Naurea, me ha permitido adentrarme en sendas que tal vez si hubiese estado con una banda hubiese sido complicado, pues conozco bien

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Experimentone y Experimentwo fueron los dos primeros trabajos discográficos de Naurea, los cuales realizaste en Cuba y que luego remasterizaste en Suiza. ¿Cómo fueron recibidos estos trabajos y que tal los comentarios, las criticas…? Hasta ahora más positivos que negativos. El trabajo de la crítica musical en Cuba es casi inexistente, y se mantiene a través de testarudos como tú (lo cual es invaluable), y de contados espacios en medios oficiales. Ambos álbumes recibieron reseñas en medios escritos y radiales en Cuba (CMHW, CMHM, Vanguardia, Juventud Rebelde, Delirium...), y algún que otro review en fanzines y webzines foráneos (Cuba-Metal, Made in Metal). Sobre los videosclips, algo muy importante para la promoción y difusión de una banda, Naurea ya cuenta con algunos. ¿Quién ha sido el encargado de la realización de estos clips? Hasta ahora me dedico personalmente a realizar los videos promocionales para Naurea. Ya cuentan alrededor de quince entre singles, rarities, y promocionales. En este sentido también he experimentado con la animación 3D y 2D, el pastiche-collage, exteriores, interiores. Es un trabajo interesante y extenuante, pues, al igual que la música, todo está realizado en solitario, y en contadas ocasiones con la ayuda de un camarógrafo para filmar exteriores. Lo mejor es que puedo pensar en imágenes al realizar la música, y a veces vuelvo atrás porque las imágenes me sugieren arreglos a la música. En el 2015 sale el nuevo trabajo de Naurea titulado I Am A Monster, todo un disco de lujo. Háblanos de la producción de este disco, quién lo distribuye…, en fin, de todo. El álbum I am a Monster fue inicialmente pactado para ser distribuido por una compañía de los USA, pero debido a desacuerdos e incumplimientos de contrato por parte de esta com-

pañía, después de todo un año de espera y previo rompimiento de dicho contrato, decidí distribuirlo bajo mi propia productora, OLI Productions, a través de distribuidoras de streaming/download online como Amazon, Spotify, iTunes, CD Baby... También será re-editado en CD en México por Hatemetalrecords America. El mundo en que vivimos ya no es el mismo de hace veinte años atrás, y con una debida promoción es posible distribuir online de manera personal cualquier producto. Ahora me centro en contratar para hacer un PR para el próximo álbum. Este disco, I Am A Moster, ¿ha recibido alguna nominación o premio? Coméntanos si estoy en lo cierto y amplia con detalles. Recibió varias nominaciones, pero nada importante que mencionar, pues fueron a través de pequeñas asociaciones radiales o de críticos que no trascendieron. Al principio me llenaron de alegría, pero después comprendí que conducían a ningún lugar. Inclusive fui invitado a Los Angeles a una gala de premiación, pero creo que eran más gastos de viaje que premio en sí hahaha... Hace un tiempo se comentó que una compañía independiente mexicana re-editaría los demos de Sectarium en un CD, al igual que los proyecto Godes Yrre y Olimann. ¿Se ha concretado esto? ¿Siguen estas negociaciones? Todo se mantiene y está sobre la mesa. Mi amigo Sergio de Hatemetalrecords America, al cual conozco de la época de Sectarium, me preguntó si me gustaría re-editar los viejos demos en CD, a lo que yo acepté inmediatamente. Así serán re-editados los demos de Sectarium God’s Wrath y Larvae en un mismo CD bajo el título de Larvae of God. Godes Yrre será re-editado bajo el titulo original A Divine Image. De mi proyecto Olimann (darkhouse) editará el álbum Shadows and Fears. Todos con el artwork de un servidor y en tiradas de 500 copias numeradas, Sectarium con posible tapa de metal y logo a bisel. Te adelanto que Nuclear War Productions de USA se comprometió a re-editar este año en LP el demo God’s Wrath, tienen todo el material listo y espero puedan lanzarlo antes de acabar este año.

¿Qué puedes adelantar para el futuro de Abel Oliva, del proyecto Naurea y de algún otro trabajo? El futuro... Cuando me hablan de futuro, inmediatamente pienso en la secuencia famosa en el comienzo del film 2001, Odisea del Espacio. El hueso siendo lanzado y flotando en el aire en primer plano. Mi futuro es hoy, empecé a grabar un segundo EP de Godes Yrre, del cual ya terminé (casi) el primer track que le dará título al EP: “Inside the Whale”. Entre hoy y mañana estaré filmando para el video promocional de “Sugar Sun”, el primer single del nuevo álbum de Naurea. Todavía estoy dándole retoques a la mezcla y masterizacion final. Tengo un video ilustrativo pendiente de un proyecto experimental de vivienda. Mi esposa quiere que arregle el jardín (hahaha). La esposa de un buen amigo trae mellizos y vamos a celebrar con unas biers. Yo todavía lucho para abrirme paso. Mis hijas crecen. Sí, tengo MUCHÍSIMO que hacer, y lo único que no está en los planes es rendirse, claudicar, dejar de crear. Bien, hermano, esto es todo. Desde acá te deseamos la mejor de las suertes en tus proyectos y vida personal. Gracias, Omar, por tu apoyo. Gracias a personas como tú, perseverantes y entusiastas, es como se hacen y se logran grandes metas. Te deseo lo mismo y más, que estés siempre con deseos de hacer y de ayudar, pues no son muchos los que se atreven. A los lectores, si quieren encontrar más información acerca de mis proyectos, pueden visitar los siguientes websites. ¶

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fabrizio bufalino una apuesta por la música

arte, por eso sin duda es mi principal motivación.

abrizio Bufalino es un cantautor venezolano que a muy temprana edad le interesó todo lo que tenía que ver con la música. Siendo ésta su única motivación, se adentró en este mundo tan inspirador para él. ¿Qué te motivó a entrar en el mundo de la música? Lo fanático que soy por la música y querer pasar mi vida haciendo lo que me gusta. Desde que me levanto hasta que me acuesto estoy rodeado de música. Soy un amante de este

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¿En qué te inspiras a la hora de componer? El componer en mí es espontaneo. Muy pocas veces pienso en qué me inspiro, sólo se da el momento y alrededor de las primeras líricas que van saliendo voy armando la historia. Regularmente va relacionado con historias de amor. ¿Tienes un lugar específico para escribir tus canciones? No tengo un lugar específico, aunque casi siempre empiezo en mi cuarto y termino en el estudio. ¿Qué buscas expresar con tus canciones?

te sus temas. ¿Quién ha sido la persona más influyente en tu carrera? Bueno, en lo poco que llevo en este mundo, tengo que decir que sin duda mis padres son los pilares principales de todo esto, y artísticamente hablando son muchos los artistas que me han influenciado desde muy pequeño. ¿Cuáles son tus aspiraciones como cantautor? No he pensado en aspiraciones a largo plazo. Si algo me caracteriza es que voy paso por paso, pero sin duda lo esencial es que mis canciones sean reconocidas primero en mi país, y luego lo más lejos que se pueda. ¿Cuál ha sido la cosa más loca que has presenciado en alguno de tus conciertos? Nada extraordinariamente loco, pero sí muchas fallas, desde que el micrófono se quede sin baterías hasta que los monitores no suenen, pero, bueno, de los errores se aprende, aunque espero que nada loco pase jajajaja. Con una palabra, ¿cómo describirías tus canciones? Envolventes.

Más que todo busco mover sensaciones, crear sentimientos e historias alrededor de ellas, que las personas se puedan identificar con lo que están escuchando. ¿Qué es lo más divertido de ser cantante? Particularmente hay muchas cosas que me gustan, pero sin duda cantar en público es de las mejores, ahí es donde aprecias realmente el feedback de la gente. Si tuvieras que escoger a un cantante para hacer una canción ¿Quién sería? Uy!! Bueno, depende del género que quiera componer, pero uno de ellos sería Bruno Mars. Es un cantautor que admiro mucho por la capacidad y versatilidad que posee, sin mencionar lo completos que son musicalmen-

¿Tienes algún proyecto próximo en mente? Muchos proyectos en mente, pero el foco principal está actualmente en la producción de varios temas, de ahí armar el plan para empezar todo el proceso de lanzamiento nacional como artista. Haciendo que sus oyentes se sientan identificados con las historias en sus canciones, Fabrizio Bufalino comparte con nosotros lo que para él es su principal motivación, ya que su vida ha girado en torno a la música desde muy pequeño, y ahora sigue dedicándole todo su tiempo a este sueño. Aunque no está apresurado, tiene muy claras sus metas y va paso a paso por todo. ¶

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cuca rivero y la música en cuba

uba es un país que ha querido y sabido encauzar la enseñanza de la música desde la infancia, de modo que ésta, es una más de las actividades sociales que distinguen la nacionalidad cubana. La fuerza melódica y rítmica que distinguen sus más auténticos sones forma parte del patrimonio espiritual de sus habitantes, habiendo dado grandes artistas de todos los géneros. La música es uno de los grandes valores del pueblo cubano. Esa labor educativa tan envidiada como debiera ser en nuestro entorno, se debe en buena parte a Cuca Rivero, la mujer que

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hizo cantar a generaciones de cubanos desde la edad escolar, a través de la Radio, en programas educativos hechos desinteresadamente, con una pasión, una dedicación, un compromiso y un talento que la han convertido en personalidad cumbre de la música cubana. “Cuba es un país bailador, los cubanos son muy buenos bailando y les encanta el baile, pero no tienen la tradición de cantar”, había dicho. Y ella se encomendó esa tarea. Este mes de junio se conmemora el centenario de su nacimiento. No ha llegado a celebrarlo por muy poco. Cuca Rivero murió el pasado mes de marzo a los 99 años, pero su recuerdo estará siempre. He tenido yo la suerte de poder contactar con Silvia Rodríguez, pintora exquisita e hija de Cuca, y con el esposo de

aquella, José Mª Vitier, el grandísimo pianista a la vez que inspirado compositor de tantas bandas sonoras como las de “Fresa y Chocolate” y “Cosas que dejé en la Habana”, entre otras. Amablemente han contestado a mis preguntas destinadas a conocer más de cerca la figura de Cuca Rivero, la gran maestra.

cuca rivero, una mujer adelantada a su época ¿Silvia, cómo era Cuca Rivero? Mi madre era una mujer alegre, simpática, muy distraída, lo que la hacía protagonista de muchas anécdotas divertidas que ocurrían a consecuencia de sus distracciones, y que ella las convertía en historias magníficas y divertidas. Desde niña los cuentos que yo prefería oír eran los de la vida real contados por ella. A la vez era una mujer de gran carácter, con una personalidad fuerte y estoica. Se acostumbró desde muy joven a luchar por sus metas y a no pedir nada a cambio. A pesar de las duras pruebas que la vida puso en su camino, no perdió nunca su alegría, su optimismo y la confianza en sí misma y en los valores que defendía. La imagino como una persona adelantada a su tiempo. Muy moderna. ¿Era así? Ella fue siempre una persona básicamente independiente y segura de sí. Graduada en la Universidad de la Habana como Dra. en Farmacia, después de cumplir con el compromiso de estudiar lo que era conveniente para el negocio familiar, decidió abrirse paso también en la actividad que más disfrutaba y que había estudiado desde niña, la música. Logró así trazar y avanzar en sus objetivos profesionales vinculados a la música, incluso durante la primera etapa de su vida, cuando la sociedad cubana no favorecía el destaque intelectual y profesional de la mujer. Ella supo abrirse paso desde muy joven, y encontró los mentores adecuados para dar curso a sus inclinaciones artísticas y ocupar un sitio destacado en nuestro panorama musical. Viendo su vida en su conjunto fue, sin dudas, una mujer adelantada a su tiempo.

¿En qué orden podría colocarse su aportación a la cultura musical en Cuba? Creo que esa aportación se produce en varias esferas. Habría que incluir su labor fundadora en el terreno de la música coral en Cuba, su protagonismo en la fundación de la televisión cubana gracias a la presencia del coro que se nombró “Coro de Cuca Rivero” en los programas estelares de la TV de la época, su infatigable defensa de los valores musicales patrios, su labor de pedagoga e investigadora, y sobre todo su invaluable aporte a la educación artística de los niños, como parte de la enseñanza general. ¿Qué caracteriza su labor con los niños? ¿Tenía tal vez un sistema? Mi madre inventó un sistema ingeniosísimo para enseñar música a través de la radio. Se basó para ello en su experiencia personal en el trabajo de montaje de los repertorios a los coros para los que escribía los arreglos y dirigía, así como en la consulta de las innovadoras investigaciones pedagógicas europeas en las que encontró el pensamiento más avanzado en este tema para su época, y las adaptó a las circunstancias totalmente diferentes de la vida nacional en los 70-80, con el objetivo de la enseñanza masiva de la música a los estudiantes de primaria a través de la radio en todas las escuelas del país. Dedicó a ello más

Silvia Rodriguez LaCarne Magazine

Cuca Rivero y Silvia Rodriguez

de 20 años, y su exitoso sistema fue el fruto de una pasión incesante que perfeccionó hasta lograr los resultados a que aspiraba, y con ello puso a la disposición de todos los niños cubanos, a instrumentistas y cantantes de altísimo nivel, para que tocaran y cantaran para ellos y así enriquecer su espíritu, difundir en esas edades lo mejor de nuestra música, que fueran capaces de distinguir el sonido de cada instrumento, colocar debidamente sus voces para cantar, aprender un repertorio selecto de música y canciones, y todo ello a través de la Radio, porque siempre pensó y comprobó que era precisamente la radio el medio idóneo para desarrollar no sólo las habilidades musicales, sino, más aún, la imaginación sonora y creativa de los niños. ¿Por qué la llamaban “la profesora invisible”? Ella se puso así porque entendió que ese nombre iba a ser atractivo para los niños, que la escucharían por la radio y nunca verían a la profesora que tan familiarmente se dirigía a ellos. Fue sin dudas un acierto, fue un sobrenombre perfecto, ya que lo único que conocían y reconocían sus alumnos a través de las clases radiales era su voz.

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¿Supongo que tendría una bonita y persuasiva voz? Tenía una voz persuasiva y nunca impositiva. Una voz sonriente. Cuidaba mucho la colocación de la voz para cantar y también para hablar. Todo en su programa tenía que ser modelo de buen decir y sonar. ¿Que predominó en su larga trayectoria: la pedagogía, la dirección coral, el aspecto organizativo que según dicen poseía? Predominó sin dudas la pedagogía musical a la que consagró todas sus fuerzas. Su importante labor como directora de coros o como asesora musical de la televisión, actividades a las que dedicó muchos años de su vida, quizás no fueron mas que una extensión de ese afán pedagógico. ¿Hasta donde llegó su popularidad? En una primera etapa fue muy conocida por el trabajo con el coro que llevaba su nombre, ya que se presentaba en los programas estelares de la televisión de los años 50 cuando se fundaba ese medio en Cuba. Después tuvo a su cargo la formación y dirección del Coro ICRT, así como el Coro de la Escuela de Instructores de Arte, en los años 60. En la dirección

de todos estos coros logró gran reconocimiento. En un momento, que duró en realidad unos 20 años, su popularidad entre el “público” infantil de sus alumnos radiales, que llegaron a sumar un millón de educandos, fue inmensa. Pero antes, durante y después de eso, su carisma personal le ganó siempre la simpatía de todo el que la conoció. Es la verdad. Creo que se relacionó con lo más grande de la música cubana. ¿Es así? Tuvo el privilegio de conocer y colaborar musicalmente con lo mejor de su tiempo. No sólo artísticamente, sino también en el plano humano. Su círculo de amigos fue un trozo de nuestra historia cultural. Basta mencionar algunos nombres: Gonzalo Roig, Adolfo Guzmán, Alberto Alonso, Mario Romeu, Bola de Nieve, Ernesto Lecuona, Alicia Alonso, Mirtha Aguirre, Cintio Vitier, Esther Borja, Carballido Rey, Marcos Behemaras, entre muchos otros. Recibió importantes distinciones en vida. Ahora que se ha ido y con motivo de su centenario, ¿queda pendiente un gran homenaje a su recuerdo? Creo que pocas personas en Cuba atesoran 3 premios nacionales. Ella obtuvo el Premio Nacional de Radio, el Premio Nacional de Televisión y el Premio Nacional de Música. Quisiéramos hacer algo por sus 100 años que se hubieran celebrado el próximo 25 de junio. Ya muchos amigos, artistas muy reconocidos, han dicho que quisieran estar y entregar algo de su arte en ese encuentro. Para mí y para mi hermano, ha sido muy gratificante recibir en los días tristes de su muerte, el testimonio del cariño de muchas personas que se acercaron a la música gracias a ella cuando eran niños, y que la recuerdan como un momento mágico de sus vidas. Así mismo, recibimos testimonios del afecto y respeto profesional de los más altos exponentes de nuestra cultura, haciéndonos sentir que la pérdida no había sido solamente nuestra, sino que Cuca Rivero estaba en el recuerdo, en el cariño, y curiosamente en el origen del destino artístico de muchos de los que hoy son glorias y orgullo de la música cubana. ¿Qué ha heredado Silvia Rodríguez Rivero de su madre? No sé si en realidad lo he heredado, pero creo reconocerme en su persistencia, en su sensibilidad artística y en el gusto por la creación.

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ras las palabras de sus seres más queridos está la admiración de tantos y tantos cubanos que recibieron sus enseñanzas, o de artistas que trabajaron junto a ella. Es el caso de la gran soprano Alina Sánchez, que compartió la grabación que en 1990 se hizo de la zarzuela de Gonzalo Roig, “CECILIA VALDÉS”, grabación en la que Alina asumía el papel protagonista, y Cuca Rivero dirigía el coro. El testimonio de Alina Sánchez es también de gran valor. Ésta es la carta que me envía: “Para Paquita De Alina Sobre Cuca Rivero Conocí a Cuca Rivero en esa edad en la que estás llena de ilusiones y también de incertidumbres, cuando empiezas una carrera y nadie sabe siquiera que existes, cuando todo lo tienes que demostrar. Yo era estudiante de la Universidad de la Habana, y en el Departamento de Extensión Cultural se decidió montar la zarzuela Cecilia Valdés de Gonzalo Roig. Todos los intérpretes éramos alumnos universitarios. Cuca Rivero era en ese momento la directora musical del programa Álbum de Cuba, dirigido por LaCarne Magazine

Alina Sánchez

Ernesto Casas, y en el cual Esther Borja, una de las grandes de la cultura cubana, era la figura principal, presentadora y cantante. Cuando su entrañable amiga María Luisa, mamá de José Ramón Artigas, destacado director de televisión y espectáculos, nos presentó, Cuca me abrió las puertas de su programa estelar. Yo era sólo una joven principiante. A partir de ese momento, gracias a ella se me abrieron todas las puertas de la televisión. Los programas de música culta eran habituales en la programación. Cuca era de esas personas que dedican su tiempo a la superación de los jóvenes. Nunca dejaba de ayudar y aconsejar. En su casa se respiraba arte, se disfrutaba la música y la conversación junto a su hija, la pintora y productora Silvia Rodríguez Rivero, casada con el gran compositor y pianista José María Vitier. Me regaló partituras maravillosas de canciones de Villa Lobos, Ginastera, Ponce, y me ayudó en la interpretación de esa música. Años más tarde, cuando ya había avanzado en mi carrera profesional, fue un verdadero placer volver a trabajar junto a ella en la grabación de Cecilia Valdés. Tenía un conocimiento profundo de la música cubana, tanto del repertorio coral, como de las obras interpretadas por solistas. Y todo ello, adornado con su sencillez extraordinaria, con su sonrisa inolvidable y su dulzura maternal. Siempre la recordaré con agradecimiento. Los intérpretes líricos de Cuba estamos en deuda con esta gran dama de la cultura cubana”. Alina Sánchez Madrid, 15 de Mayo de 2017

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

h kanino

hablando sin censura

años, y mandarle a él y a su entorno un abrazo enorme y mucha fuerza. LEER MÁS

ntes de empezar con la entrevista me gustaría agradecerle de corazón a H Kanino y a todo su entorno la entrevista, y sobre todo la cercanía mostrada hacia mí, y decir que ha sido un honor poder realizar esta entrevista por todo lo anteriormente comentado y por ser seguidor suyo desde hace

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¿Cómo surge H Kanino y cómo elegiste el nombre? Pues surge como cualquier chaval de barrio obrero que, cansado de las injusticias, el abuso, la pobreza, la escasez y la necesidad, decide no callarse más, coger un micro y empezar a disparar. Descubro el Rap por mi hermano mayor Jorge, allá a principios de los 90, aunque en mi

casa siempre hemos escuchado buena música como The Doors, los Rolling, Led Zeppelin, Jethro Tull, Muddy Waters, etc. Desde el momento que descubro ese sonido tan crudo y tan contundente, de algún modo sé que yo quiero pertenecer a esta gran cultura que es el Hip Hop. En la época que te hablo no hacía falta ser el mejor productor, ni el mejor MC, solo ganas de escribir, de desahogarte, conocer gente y de decirte a ti mismo que tú vales, que aunque todo esté en tu contra !!tú puedes con todo!! Eran otros tiempos y otra forma de entenderlo, pienso yo, también había ego y competi pero era superación continuamente, no chulería barata ni tonterías. Pues de ahí, de todo eso, de las cosas por las que he pasado y vivido, surge el nombre de H.KANINO, la H de hombre y KANINO de sin pasta. Si lo juntas ya lo tienes, Hombre sin pasta, pero echándole un par y tirando pa’lante. Eso sí, resumiéndolo un poco (risas). Con Ozhe formaste un proyecto paralelo a H Kanino llamado LOCONLACE, con el que habéis grabado dos maquetas, y estáis en preparación de sacar el primer disco. ¿Qué puedes contar del mismo? LocoNlace siempre va a ser algo muy especial para nosotros. Fue el primer proyecto que hicimos juntos sólo Ozhe y yo, en el año 2003 si no recuerdo mal. Antes ya habíamos hecho cosas junto con más gente, pero con LocoNlace decidimos separarnos de todo y de todos, y hacer algo juntos. Y ahí es donde se empezó a gestar algo más que un grupo y la idea de hacer cosas, se formó una amistad que ya va camino de 20 años que se dice pronto, y lo que nos queda. Lo que pasa es que no creo que volvamos a sacar algo como tal. Ahora estamos muy centrados en el nuevo disco, la preparación de los directos, vídeos, etc. Aunque no descarto nada, no sé si como LocoNlace o no, pero no descarto esa posibilidad. Con H Kanino te acompañan Ozhe y DJNoan. ¿Desde cuándo trabajáis juntos? Ozhe es el que me aguanta y me da oxígeno y sus rimas demoledoras en los directos. Es como un hermano, y siempre que él quiera va a estar regalándome su arte y su magia. DjNoan es la orquesta, el scratch, el motor de

H.KANINO, el que suelta los ritmos y te hace votar, otro hermano más. Noan y yo nos conocemos desde hace ya 22 años, cuando éramos unos niños con ganas de aprender esta forma de vida, de la cual no sabíamos apenas nada. Pero es a finales del 2005 cuando Ozhe, DjNoan y yo empezamos a trabajar más en serio, y desde entonces no hemos parado ni nos podrán parar. Nos queda cuerda para rato aunque a muchos eso les duela. H Kanino también sufrió la censura por la cual os prohibieron actuar en la Sala Caracol de Madrid, tras vuestra participación en el festival “IrreductiblesFest”, que era a beneficio de los detenidos por la huelga del 14 Noviembre de 2013. ¿Cómo está la situación a día de hoy? ¿Os quitaron la prohibición de actuar en Madrid? Bueno, eso la verdad es que fue una movida: policía por todas partes haciendo fotos a los grupos que estábamos allí, el público al final de la calle acordonado por la policía, en fin, una situación surrealista. Yo espero que sí podamos actuar, porque es nuestra ciudad y nos parece increíble que no nos dejen tocar en nuestra ciudad, y que censuren conciertos sólo por decir cosas que todo, o casi todo el mundo piensa. A día de hoy no te lo puedo decir porque en Madrid, desde que pasó eso del IrreductiblesFest, nada más hemos podido tocar en la periferia, pero no en el centro. Así que cuando hagamos la presentación del disco, que tenemos pensado hacerlo en una sala del centro, pues te lo diré. ¿Qué grupo hizo que quisieras dedicarte al Rap? ¿Cuáles te influencian a la hora de componer? Son muchos los culpables que han hecho que me enganche a esto de soltar rimas sobre ritmos mientras el Dj mete scratches, no sólo uno. Por ejemplo, Nafri me parecía una bestia, los Bufank me flipaban, Kase O, el puto amo, y así muchos, Nazión Sur, Psicohiphopatas, la Zona Norte Posse, Mucho, etc. Pero sí que hay un grupo que me hizo entender lo que yo quería transmitir con mi música, ese grupo fue Alma Vacía, formado por Dahani, Paco Camaleón & Ars, ahora Carmona para el que no lo sepa. LaCarne Magazine

Hoy día escucho de todo, desde Salsa hasta Rock, Cumbia, Flamenco, Soul, Blues..., y así suma y sigue. Yo no me cierro a descubrir o hacer cosas que a mí me resulten interesantes. Hay tanta música que no sabría decirte. De todo se puede influenciar uno, lo que hay que tener es la personalidad suficiente para saber cómo quiere sonar cada uno, no dejarse llevar por la corriente. Eres de Vallecas. ¿Notas algún cambio en el barrio desde que Ahora Madrid está en el ayuntamiento? Por desgracia yo personalmente no noto cambio alguno, aunque espero y deseo que así sea porque vallekas es un barrio como muchos otros castigados por el desempleo, los desahucios y la pobreza. Así que desde aquí animo a Ahora Madrid a que se note más su presencia en el barrio. Tras 4 años sale Libertad, Orgullo, Dignidad y se compone de 17 canciones ¿Por qué elegiste este título? ¿Cómo ha sido el proceso de grabación? Libertad, que te dan los años de experiencia para afrontar los baches en el camino y decir las cosas tal y como las vemos y sentimos. Orgullo, necesario para pelear por lo tuyo sin

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dejarte pisotear por nada, ni nadie. Dignidad, para seguir siendo uno mismo en cada momento y plantándole cara a las adversidades que vengan o nos quieran imponer. Para mí eso es lo que transmite el título del disco y lo que a mí me representa. Tenemos el deber y la obligación de denunciar lo que hace este sistema corrupto con la única arma que nosotros, el pueblo, tenemos, la palabra. El proceso de grabación ha sido largo y costoso por diferentes motivos, pero increíblemente gratificante. Empezamos a preparar el disco en 2014 porque la intención mía era sacar el disco en 2015, pero por motivos familiares y personales no pudo ser y tuvimos que parar el proyecto. El 2016 para mí y mi familia ha sido un año malísimo por diferentes problemas, lo único o de las pocas cosas que me ha dado alas ha sido la grabación del disco, y el placer y la necesidad de soltar pensamientos al papel. Gran parte de culpa de que este año haya sacado disco es por mi hermano Jorge, que me ha metido mucha caña y ha estado encima mía dándome fuerza para tirar pa’lante con el disco. Por lo demás ha sido un placer poder trabajar con Mario Olivares en CobraStudio, que es el culpable de que el disco suene tan contundente y con tan buen criterio. Ha sido grabado, mezclado y masterizado por

él, poniendo también ritmos suyos a mi disco. La verdad es que se ha involucrado desde el minuto uno, dando ideas y mostrando su entrega. Desde aquí se lo agradezco enormemente, aunque eso él ya lo sabe, pero es de bien nacido el ser agradecido. Así que gracias, Mario. En la canción “Abre bien los ojos”, de tu nuevo disco, criticas la pose y la chulería de algunos raperos. ¿Es un beef o no va dirigido a nadie en especial? Bueno, habrá opiniones de todo tipo, supongo. Yo lo que trato de decir en este tema es que el rap no sólo es decir lo mucho que valgo y lo bueno que soy, que no es una moda, es una forma de vida y hablar de nada, eso lo podemos hacer todos, unos con más estilo, otros con menos, pero que no es muy complicao vaya, que eso ya huele. El Rap, a mi forma de entender, debe ser la voz de la calle, su lucha, su denuncia, su alegría, su arte, su picardía y su chulería, porque de la calle es de donde nace el Hip Hop. Es por eso mi crítica contra esa nueva corriente que hay en la escena, pero el problema es que a esta gran cultura se le está sumando gente que ni siente ni padece. Lo ven como un negocio, y lo malo es que el público se lo cree, y se están cargando ese

sentimiento que tantos han tratado de defender y proteger. Pero así es la vida. Colaboran en el disco M.A.R.S de Habeas Corpus, Acción Sánchez, Maestro Sho Hai (Doble V) Daddy Cobra, H Mafia, Paco Camaleón, ¿Cómo surgieron estas colaboraciones? Te olvidas también de Big Hozone, Sr Grave y Ni Puta Ideah, que han hecho varias producciones en el disco, y de lo que estoy enormemente agradecido. La verdad es que han sido regalos que nos han hecho cada uno de ellos, y surgen desde el respeto y la admiración. Para mí, tanto Acción Sánchez como Big Hozone, Mario Olivares y Sr Grave, junto con unos cuantos más a los que admiro, me parecen de los mejores productores que hay en este país. Para mí ha sido y es un placer y un honor el que me dejen rapear sobre sus ritmos. En cuanto a las colaboraciones vocales, Daddy Cobra ha estado en todo el proceso del disco y tenía que notarse de una forma más presente, y qué mejor manera que ese estribillaco que se ha marcado. Paco Camaleón es como un hermano para mí. Nos conocemos desde hace ya tanto tiempo que ni lo recuerdo, pero aparte de ser un gran MC es una persona con una sabiduría y una forma de entender la vida como pocos. Es necesario gente así en la escena, y aparte nos debíamos una desde hace ya tiempo, y decidimos sacarnos este pedazo de tema que nos hemos hecho p’al disco, aunque más adelante puede que escuchéis mas cositas con él. H Mafia son nuestros compadres, son mu buena gente y desde el primer momento que nos conocimos hubo conexión. Tenemos una forma muy parecida de hacer y entender el Rap, o eso creo yo. Aparte, ya habíamos trabajado en proyectos suyos, como su último disco, Crimen y castigo, el cual recomiendo que lo escuchéis porque es un discazo. Así que tocaba ya marcarse algo para lo mío y así ha sido. Jarkor puro! De M.A.R.S qué decir, pues que es un fenómeno, tanto musicalmente como persona. Tengo que decir que aparte del tema que nos hemos hecho, también es el que ha hecho el diseño de la portada, libreto, etc., junto conmigo, pero más él que yo, he de reconocer. LaCarne Magazine

(Risas). De gente así siempre aprendes. Ten en cuenta que lleva la friolera de 23 años sacando discos y dando conciertos por todos los lados. Así que sabe un poco de cómo funciona esto de la música. Hemos hablado mucho este último año y me ha dado bastantes consejos, siempre se lo agradeceré. Sho-Hai es un GRANDE en MAYÚSCULAS!! Una persona que transmite alegría allí por donde va. La verdad que puedo decir que tengo la suerte de conocer, aparte de a uno de los mejores MC de este país, a una gran persona totalmente humilde y sencilla. Sho-Hai es un crack. Le llevo siguiendo desde que tengo 15 años, y siempre ha sido algo que he querido hacer, un tema con él, y quién me lo iba a decir a mí, que muchos años después acabaría haciéndome un tema con uno de los más grandes del Rap nacional y parte del extranjero. Gracias por brindar con nosotros todos los que habéis hecho posible este disco. Hoy en día parece que el Rap poco a poco está volviendo a sus orígenes, más rabioso,

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más político. Ejemplo de ello eres tú, Pablo Hasel, Arma x, o Lowkey, entre otros. ¿Crees que se está viviendo un buen momento a nivel nacional e internacional? Lo que pienso es que por desgracia hay mucha gente dormida, preocupada sólo por cosas banales y tonterías sin importancia, como qué ropa me pongo o qué tipo tengo. Todavía somos pocos los que pensamos de una forma más panorámica de lo que realmente sucede tanto en nuestro país como en el mundo. Nosotros no somos un grupo político, somos un grupo de amigos que hacemos música y denunciamos las injusticias que vivimos, sentimos y padecemos. Las etiquetas nunca me han gustado, pero entiendo que vivimos en una sociedad donde se etiqueta todo. Más Pablos, Armas X y Lowkeys hacen falta y no tanta música de pachanga que hablan de todo pero no dicen nada. El oportunismo me revienta. En el programa La Tuerka se emitió tu videoclip “Huelga General”, e incluso Pablo Iglesias colaboró en tu disco Resistimos. ¿En qué

consistió dicha colaboración? ¿Tenéis relación a día de hoy? Pues en recitar una entradilla que él dijo en su programa. Recuerdo que Noan me comentó que esta frase le molaba mucho y que quería meterla, pero el audio del programa sonaba fatal, así que le pegamos un toque, le comentamos la idea y se vino pal estudio sin ningún problema, totalmente cooperativo. Quedó de lujo, la verdad. A día de hoy no, no existe relación alguna. En el 2013 nos dijo que se vendría a algún concierto y todavía le estamos esperando, pero, oye, a lo mejor se pasa por alguno de los que tenemos ahora, nunca se sabe, aunque no lo creo ya que somos personas non gratas en parte de su entorno (risas). ¿Con qué artista te gustaría colaborar y todavía no ha sido posible? Con uno que me hubiera encantado hacerme un tema pero que ya no va poder ser es con Canserbero. Siempre me ha parecido un chaval con una métrica y una lírica impresionante, decía grandes verdades y es una lástima que ya no esté entre nosotros. Pero hay unos cuantos con los que también me gustaría soltar alguna que otra rima juntos, pero, bueno, todo se andará. Prefiero reservármelo, y así, si algún día se tercia, pues poder sorprender, que es lo bonito de la vida. (Risas) ¿En qué ciudades vas a actuar en las próximas fechas? ¿Vas a actuar fuera de España? Pues ahora mismo estamos cerrando conciertos. Te puedo adelantar que casi seguro para finales de mayo estaremos por el País Vasco y Burgos, y para más adelante estamos hablando para hacer algo por Zaragoza, Asturias y Sevilla, pero eso todavía no está confirmado, pero la intención es estar en todos los lados donde nos dejen tocar. Salir fuera sería lo suyo, pero si ya lo tenemos complicado aquí imagínate fuera, pero es algo que tenemos pendiente y que queremos hacer. A ver si este año podemos. Hay artistas que además de ser músicos están vinculados a la política ¿Qué opinas al respecto? ¿Te ves a día de hoy perteneciendo a un partido político? Para nada. Para mí, unos y otros son la misma

mierda pero en diferente trasero. Yo soy del pueblo, que somos los que siempre pagamos el pato de una forma u otra. Eso no quiere decir que sea apolítico porque eso sí que no lo entiendo, pero eso es otro debate. Es evidente que soy de Izquierdas, pero tampoco creo que ellos tengan la solución, porque por desgracia el poder corrompe a las personas, y los que dirigen los partidos casi siempre suelen ser personas sin escrúpulos que harán lo que sea por conseguir ese poder y usarlo a su antojo, no por ayudar al débil y dar comida al hambriento. Yo vivo en un sistema que nos imponen unos cuantos poderosos, y como tal, denuncio su abuso y su acoso. ¿Cómo podemos conseguir tus seguidores tu material? Pues todo el que quiera merchan o los discos puede mandarnos un mensaje a infohkanino@gmail.com, o escribirnos al Facebook de H.kanino, y le ponemos al corriente de todo. Estamos preparando la web pero tardará un tiempo hasta tenerla operativa. El nuevo disco también lo podéis encontrar físicamente en los Fnac de vuestras respectivas ciudades, o por digital en varias plataformas. Para todo lo demás, Instagram, Twitter, YouTube, etc. Agradeciéndote de corazón la entrevista, ¿quieres dejar un mensaje a los lectores? Gracias de corazón a LaCarne Magazine por el apoyo y echar un buen rato charlando con vosotros, que aquí estamos para lo que necesitéis. Y para la gente, que luchen por lo que quieran con uñas y dientes, que no decaigan, que todos somos importantes y seres únicos y maravillosos con nuestros defectos y nuestras virtudes. Que no nos olvidemos de los que sufren, que ellos también sienten y son personas, y que confies siempre en tí, que todo lo bueno está por venir. Y gracias a tod@s por dedicar un poco de vuestro tiempo a leer esta entrevista. Paz y amor! ¶

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j-jota

el romĂĄntico del gĂŠnero urbano

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-Jota, un joven soñador que apuesta por su país y, a pesar de la situación que actualmente está viviendo, sigue haciendo música. En esta entrega nos estará hablando de sus proyectos y de su más reciente sencillo “Bonita”. Así que, sin mas preámbulo, conozcamos a J-Jota! ¿Cómo nace J-Jota? Nace en el año 2012, luego de haber estado en una agrupación llamada Daik por varios años. Tras salir de la misma, corrí con la bendición de quedar con bastantes fans que me impulsaron a sacar mi proyecto en solitario. Mis fans han sido el motor de mi carrera. ¿Cómo ha sido el proceso para darte a conocer? Ha sido un proceso que comenzó por Twitter en el año 2013, cuando colgué mi primer tema titulado “Amor del pasado”. El tema fue publicado para ver qué tal era la receptividad de mis fanáticas y el público en general. Gracias a Dios fue impresionante la aceptación del tema. A partir de ahí empecé a hacer promoción en la radio, tv y medios digitales con los demás temas hasta el sol de hoy. Háblanos de tu más reciente sencillo, “Bonita”. “Bonita” es un tema de mi autoría. Dedicado a las mujeres. Se basa en decirle a tu pareja, o a la persona con la que compartes, lo mucho que la amas y lo bien que la pasan juntos. Es una canción para dedicar. Fue producida por Miranda, Chacon y Mr. Bereck. El tema fue grabado con músicos totalmente en vivo. ¿Cómo es la vida de un músico en Venezuela? Es un poco fuerte, ya que actualmente hay mucho talento, y eso te obliga como músico a estar innovando constantemente. El mercado venezolano demanda mucha música nueva. ¿Te consideras un artista urbano? No me gusta etiquetar mi música por completo, porque siempre trato de mezclar sonidos

con letras románticas. Vamos a decir que mi música tiene influencias urbanas porque tiene cierto plus de Beat más Reggaetón y Electro flow. Al final considero que cada tema se podrá definir por sí solo. Podrás escuchar un Merengue romántico súper bailable como también un Electro flow o un Reggaetón. ¿Qué te diferencia a ti de otros artistas en tu género? Lo que me diferencia es que trato siempre de llevar letras románticas con sonido urbano, que cuando escuches un tema lo puedas bailar y a la vez dedicar. ¿Cuáles son tus próximos planes? Próximamente estaré estrenando nuevo tema, y les adelanto que es más urbano, más para las discos. Este tema tendrá su respectivo video musical, y además vengo con un cambio de imagen. ¿Qué le dirías a la gente que está leyendo esta entrevista y quizás no haya escuchado o no conozca a J-Jota? Los invito a que ingresen a mi canal de Youtube para que escuchen mis temas y así puedan conocer mi proyecto musical. También me pueden seguir en Instagram como @JJOficial. El romántico del género urbano, agradecemos a J-Jota por su tiempo, y los invitamos a que lo sigan por sus redes y estén al tanto de sus próximos proyectos, que prometen enamorar a muchos corazones y poner a bailar hasta al perro. En un mercado en el que la competencia es cada vez más grande, J-Jota se reinventa con sus melodías románticas de corte urbano, y promete que no dejarás de dedicar sus temas. La invitación es a que lo sigan por sus redes y estén al tanto de sus próximos proyectos. ¶

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athanai

la pasiĂłn por hacer mĂşsica

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thanai es un cantante, compositor, arreglista y productor cubano con más de 20 años de carrera artística. Su estilo musical ha sido descrito como una mezcla de Rock, Rap, Grunge, y Funk con elementos de la música cubana. Aquí esta entrevista en exclusiva para LaCarne Magazine. Con una extensa carrera musical de más de 20 años, ¿cómo se siente Athanai luego de tanto tiempo de carrera artística? Me siento muy bien. Contento sobre todo porque hacer lo que uno ama es vital para el bienestar de cualquier persona, y en mi caso esa posibilidad se ha cumplido. Prácticamente, luego de algunas presentaciones en Cuba, comienzas tu carrera en España con la grabación de tu primer disco Séptimo Cielo en 1997, un álbum muy bien recibido tanto por el público como por los medios especializados. ¿Esto fue el detonante que marcó estar un tiempo haciendo tu carrera en España? Por supuesto, sin Séptimo Cielo nada hubiera sido posible. Es el disco de arranque. Se grabó en Madrid, y gracias a él pude probar suerte fuera de Cuba e interactuar de diferentes maneras con artistas españoles reconocidos. En España estuviste también por un tiempo involucrado con algunas bandas. Coméntanos sobre esto. Luego de terminar la gira de presentación de Séptimo Cielo, pasé aproximadamente un año enfrascado en la producción del disco Jugar a la Locura de la cantante Rosario Flores, el cual vendió más de 100.000 copias y fue nominado al Grammy. Desde Madrid produje discos y singles de artistas de estilos diversos como: “Play Stopped Rain” del británico Mike Stanley, “Fiesta” de la rapera Telmary, “Te Quiero Bien” de Lynn Milanés y “Me Traen de los Mares” de José Luis Medina (Habana Abierta). Colaboré en los álbumes No te Cabe Ná y Sesión Golfa de la banda sevillana LaCarne Magazine

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O´Funk´illo, con la cual sigo en contacto, y he realizado como invitado varias giras en los últimos diez años: “Ojú” de Las Niñas, “Aquí Estoy Yo” de Vikingo MD, vocalista de la banda Narco, y “La Culpa de Todo la Tiene Def con Dos”, disco tributo a Def con Dos, donde canto “Acción Mutante” junto a O´funk´illo... También he compartido escenarios tanto con los artistas y bandas antes mencionados como con Súper Skunk, Luis Eduardo Aute, Pablo Milanés, Kiko Veneno, Jorge Drexler, Zucchero, Raimundo Amador, Dover, Killer Barbies, Nancho Novo y Los Castigados Sin Poste entre otros... Regresar representa el regreso de Athanai, luego de algunos años de silencio desde su álbum Creando Milicia. ¿Qué encontramos en este disco? ¿Qué sonido buscas consolidar en esta nueva producción? Regresar es totalmente diferente. Es un disco donde agrupo canciones compuestas a lo lar-

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go de estos veinte años de carrera, y que por razones de compatibilidad estética no tenían cupo en los discos anteriores. En Regresar se puede apreciar un Athanai más descubierto, es un disco más acústico, los tempos en muchas de las canciones son lentos, está lleno de baladas, y pruebo a mezclar un poco, géneros de la música cubana como la Guajira, la Guaracha, el Son y el Bolero, con esa parte mía llena de influencias foráneas. Cuéntanos algunos datos técnicos. ¿Dónde y con quién has grabado Regresar? ¿Invitados, la producción…? ¿Hay algo en este cuarto disco que no hubiese hecho antes? ¿Algo especial? Pues mira, la mayor parte del disco ha sido grabado por mí en el estudio de mi casa en la Sierra de Madrid, y he contado con músicos de primer nivel como Dayán Abad y Tato James Monrabal en las guitarras, Yadam González en el bajo, Alfredo Chacón en la percusión,

Kiki Ferrer también en la percusión y además en la batería, y Gladys Silot en las cuerdas. La producción musical es mía y tengo hasta ahora de invitados espaciales a artistas a los cuales admiro, quiero y respeto mucho como el maestro Pablo Milanés, sus hijas Lynn y Haydée, Kelvis Ochoa, Pedro Luis Ferrer, Buena Fe. A la pregunta de si hay algo en este disco que no hubiera hecho antes, la respuesta es sí, porque en él muestro un Athanai con un nuevo sonido, incursiono más en la música cubana, la mayoría de las canciones son baladas y convoco a varios artistas como invitados a cantarlas conmigo. ¿En qué catalogo podemos poner a Athanai? ¿Qué estilo se acerca más a su música? Ya que hay una amalgama de tendencias musicales como Rock, Rap, Grunge, Funk… y elementos del sabor musical cubano. Mi estilo es complicado de definir pues, como

ya mencionas, me muevo a través de muchos géneros. Por lo que significa la palabra, la definición sería fusión pues yo mezclo muchos estilos, pero como género no sería así, porque la gente lo asocia con algo más latino y cercano al Jazz, y eso se aleja de lo que mayormente hago. Yo creo que simplemente hago música y es mucho mejor llamarlo así, pues me da la libertad de crear y navegar por toda su plenitud. Para un compositor versátil es un obstáculo etiquetar el estilo de sus obras, pues eso limita su desarrollo, su evolución. Yo compongo según viene la musa. No premedito en qué estilo va a llegar la canción. Una vez que nace, es que la reconozco y entonces puedo sentir a qué sonoridad está cercana. Algunos de tus álbumes han sido nominados y galardonados con premios. ¿Esperabas estos reconocimientos a tu obra? ¿Qué ha representado esto para ti? LaCarne Magazine

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Tengo mala suerte con los premios de las instituciones académicas y culturales. Creo que a casi todos nos agrada la sensación de que se reconozca lo que hacemos, pero pienso que no se puede medir el verdadero valor del arte a partir de un premio. Sólo he ganado un premio en veinte años, y fue el de Mejor Opera Prima en la categoria Rock del Cubadisco de 1998. Fíjate si tengo mala suerte, que, por estar fuera de Cuba, no tengo ni el premio físico, nunca llegó a mis manos. Pienso que los premios sirven más como efecto mediático que como lo que realmente son. Te ponen en boca del público que a su vez especula con que, si

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eres mejor que tal y más cual, vamos, chanchucho popular, tú sabes... El mejor premio que existe es sentirse arropado cuando haces un concierto, cuando alguien te comenta que una canción tuya cambió su vida, le devolvió el amor, lo alejó del odio, lo inspiró para lograr un sueño, lo hizo feliz. Saber que lo que haces es útil, aunque no sea tangible, es el mayor de los premios. ¿Y tienes pensado grabar algún nuevo videoclip? Ya sabes que los vídeos ayudan mucho a difundir la música de las bandas. Pues sí, desde mi regreso a Cuba ya he pre-

sentado dos. El primero, de la canción “Madre y Tierra”, junto al maestro Pablo Milanés, y recién acabo de estrenar un segundo video titulado “Falté”, junto a su talentosa hija Haydée. Intentaré hacer un video de cada featuring del disco Regresar. De todos modos, en el canal de YouTube Athanai Oficial pueden encontrar toda mi videografía, en la cual hay clips de los discos anteriores, de directos, entrevistas y muchas cosas para pasar un buen rato. Hablemos de las presentaciones. Alrededor de 10 años alejado de los escenarios cubanos, pero ya has realizado algunas presentaciones y compartido con importantes músicos cubanos. ¿Cómo ha sido la acogida que has tenido? ¿Cómo te han recibido los fans? Soy un tipo afortunado. A pesar del tiempo que he pasado lejos de los escenarios cubanos mi acogida ha sido increíble. Desde las pequeñas y pocas presentaciones que he hecho, hasta otras con producción más grande, la gente me ha hecho sentir querido. Una muestra de ello fue el concierto “Athanai está en la Casa”, que hicimos el pasado febrero en la Casa de las Américas, en el que además de repletarse hasta los pasillos, el público era súper diverso. Había madres jóvenes con bebés cargados, niños de 7 años, adolescentes, jovenes, treintañeros, cuarentones y así, hasta personas bastante mayores bailando y coreando felizmente mis canciones. Nunca pensé que mis obras pudieran llegar a ser tan multigeneracionales. Hacer un concierto y que nadie venga a escucharme es un mal sueño que tengo a cada rato, pero el cariño que he sentido por parte del público en Fábrica de Arte Cubano, en la Casa de las América, en el Patio Colonial de la AHS de Matanzas, y ahora en el Festival Internacional de Cine de Gibara me demuestra que puedo estar tranquilo, que Cuba no me ha olvidado, que mi música ha circulado de adultos a jóvenes y viceversa, y que las pesadillas son lo que son, malos sueños. Regresar a Cuba ha sido un maravilloso despertar. Athanai tiene muy fieles y pasionales seguidores de su música. ¿Cuál ha sido la fórmula para satisfacer el gusto de sus fans durante tanto tiempo?

No tengo una fórmula. No compongo pensando en satisfacer a nadie excepto a mí mismo. Para mí es una necesidad expresar lo que siento, pues si no lo hago me lastima, me hace daño y puedo acabar reventando. No sé si tengo un don o si es buena suerte, o una mezcla de ambas cosas. Lo cierto es que sin pensar en el público hago mis canciones y gustan. A lo mejor ahí radica el secreto, en componer a partir de tus propias experiencias. A todos nos pasan cosas parecidas, y la posibilidad de que el público se identifique con lo que uno dice es infinita. También depende un poco, pienso yo, del nivel de sinceridad y la gracia con la que se diga. Es un misterio. Hablemos de producción musical. Has producido muchos discos, de músicos extranjeros y cubanos, y algunos premiados y reconocidos. ¿Esto de productor musical es algo que desde tus inicios querías hacer? ¿Cómo te llego este capítulo, por decirlo de alguna manera, de la producción? Como he escuchado por ahí, la necesidad hace parir enanos. En mis inicios, a finales de los años 80, soñaba con poder grabar mis canciones y que los arreglos fueran como los de Carlos Varela, pues me fascinaba cómo sonaba su música. Esa posibilidad era muy lejana, el acceso a sus arreglistas era imposible, así que en cuanto pude me compré una computadora y comencé a hacer a través de programaciones mis propios arreglos. Todo es cuestión de práctica y de constancia. Poco a poco fui mejorando, monté una banda que me permitía comprobar los arreglos, y en poco tiempo las canciones fueron sonando mucho mejor. Me di cuenta que había nacido para esto y me tiré de lleno en la piscina de la producción musical. Y si hablamos de colaboraciones, pues has participado en otros tantos discos. Coméntanos sobre esto. Colaborar es muy divertido. Es un proceso de ida y vuelta donde las partes entregan y reciben algo del otro. Se aprende mucho y es un privilegio poder hacerlo con alguien a quien admiras. Tu obra se enriquece con el aporte del otro artista y lo mismo ocurre cuando tú dejas tu granito de arena en el otro lado. Me LaCarne Magazine

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“me siento un tipo afotunado. Todo en la vida no se puede tener, pero la mayoría de mis aspiraciones se han cumplido. Pienso que el camino no termina cuando cumples un sueño.” encanta hacerlo. En una pregunta anterior, cité algunas de las producciones y colaboraciones que hice estando en España. Aquí en Cuba, antes de marchar, sólo pude producir mi primer disco Séptimo Cielo, Igual que Tú de Primera Base (1er disco de Rap Cubano), y colaborar en el disco Desde el Patio de mi Casa de NG la Banda. Ahora a mi regreso, he colaborado en Río Arriba de Tesis de Menta. Estoy abierto a colaboraciones, eso sí, siempre que me guste la canción. ¿En algún momento te has sido intimidado por el tipo de temáticas que tratas en tu música? Yo le compongo a todo lo que vivo. Le canto al amor, a las relaciones humanas, a la alegría, a los entresijos de la vida, y aunque muchas de mis canciones tienen una tematica social, nunca he tenido una experiencia parecida. Una vez, hace más de veinte años, me invitaron a una celebración político-cultural, y me aclararon que no debía cantar ciertas canciones, entonces les dije que si no podía cantar esas canciones tampoco cantaría las permitidas, entonces no canté. No pasó nada, mi vida siguió tranquila y no me sentí ni intimidado, ni perseguido. He viajado bastante y he podido constatar que la censura existe en todas partes. A estas alturas de tu carrera, aún te quedan ciudades en Cuba donde presentarte. ¿Has pensado en alguna gira nacional para presentar este nuevo álbum? La gira nacional actualmente es una constante en mi mente. No sé si en algún momento será posible hacerla del tirón, pero lo que sí se puede hacer entre tanto es organizar conciertos en varios municipios de una misma provincia. Solo falta que estén interesados. Disponible estoy. Sería un sueño hecho realidad

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poder conocer mi país, su gente, aprender sus costumbres (platos típicos, bailes, música,) y compartir mis canciones y experiencias con ellos. ¿Te sientes realizado? ¿Has conseguido todos tus propósitos o aún sientes que falta algo más por lograr? Como te dije, me siento un tipo afotunado. Todo en la vida no se puede tener, pero la mayoría de mis aspiraciones se han cumplido. Pienso que el camino no termina cuando cumples un sueño. Me identifico mucho con una reflexión de mi amigo Israel Rojas (Buena Fe): “Siempre habrá montañas más altas que escalar”. Aunque me siento realizado, detesto pensar que todo está hecho, necesito un nuevo propósito para poder vivir, para sentirme útil, para ser feliz. ¿Dónde podemos obtener este nuevo álbum Regresar? ¿Está disponible ya para el público en Cuba? Excepto mi primer álbum, Séptimo Cielo, toda mi música está disponible en Itunes y en Spotify. Regresar lo estoy publicando en esas mismas plataformas de distribución digital, pero single a single. Ya está disponible “Madre y Tierra” y “Falté”. Cuando la mayoría de los duetos estén publicados, reagruparé las canciones y entonces las publicaré como álbum. En estos momentos me encuentro negociando con las disqueras cubanas para ver la posibilidad de editarlo en Cuba. En mi página web www.athanai.com pueden buscar toda la información relativa a mi trabajo, y también pueden seguirme y dar like en mi página oficial de Facebook Athanai Bien, Athanai, ha sido un gran placer hablar contigo. Gracias por tus respuestas y desearte todo lo mejor con este nuevo álbum. Solamente agradecerte por la entrevista y saludar a todos los lectores. Abrazongos!!! ¶

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

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Fotos por Onstage Photography

omentos se titula el más reciente trabajo de The Name, banda procedente de Bilbao, España. Con un sonido hermoso, triste y melancólico a la vez, Momentos es un disco que te hará reflexionar sobre la vida en general. Sobre este nuevo disco y otros elementos de The Name, quienes llevan ya más de 10 años sobre los escenarios, nos comenta Guillermo Fernández (voz y guitarra). Tengo entendido que la banda nace en el 2003. ¿Comentadnos sobre cómo, cuándo y dónde nace la banda? La banda se formó en 2003 como fruto del encuentro de tres amigos. Nuestras influencias fueron las culpables de unirnos y empezar a crear música. Los tres éramos de Barakaldo, y fue en Bilbao donde comenzamos a ensayar y a componer material para el primer trabajo The Name de 2004. Presentadnos a los miembros actuales de la banda y qué instrumentos defienden La banda está formada por Jorge Rodríguez (Bajo), Greg MG Sworth (Guitarra), Fran Pesadillas (Batería) y Guillermo Fernández (Voz y guitarra). ¿Cuáles han sido las principales influencias de la banda y cómo definirían su música? Nuestras influencias son muchas y muy variadas. Podemos ir de un subgénero a otro siempre con el Metal como estilo base. Dream Theater, Black Sabbath, Queensryche, Symphony X, Europe, Paradise Lost o Candlemass son algunas de nuestras bandas favoritas y claras influencias a la hora de hacer música. Somos un grupo que práctica un Metal variado, potente, melancólico, directo y melódico. Concentrémonos en Momentos, su más reciente trabajo discográfico, y que saliera a

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the name

presenta “momentos”, s principios de Mayo. ¿Cómo fue el proceso de edición y grabación? El disco se grabó en los estudios Tio Pete y Beard entre Noviembre de 2016 y Enero de 2017. En el primer estudio grabamos bases (rítmicas, bajo y batería) y después en Beard terminamos el resto, mezclas y masterizado incluido. La edición en formato CD será lanzado durante el mes de Junio a través de BadDeath records. ¿Cuántas canciones trae y de qué van las mismas? Son 10 canciones con temática variada. Hay temas íntimos que tratan de la superación y de la pérdida de tiempo, otro trata de cómo de importante es la musica en nuestras vidas, otro es de denuncia, concretamente habla del

su nuevo trabajo maltrato animal en las plazas de toros, etc. ¿Quién diseñó la portada del disco y qué mensaje transmite? El arte grafico del disco esta realizado por Lucía de Andrés, una talentosa diseñadora gráfica que ha hecho muchos trabajos para bandas importantes de España como Leño o Barricada. Lo que queremos transmitir con la portada es el resultado de la escucha de las canciones. Es un paisaje colorido y bello, sin embargo esconde un aire melancólico, desolador e incluso oscuro. Nuestra música se debate entre la dureza y la belleza. ¿Videos oficiales? En nuestro canal de youtube tenemos “Rezar por ti” y “Aquella vez”, del disco anterior Iden-

tidem. Más adelante quizá hagamos uno presentando “Momentos”. ¿Cómo ha sido recibido, hasta el momento, el disco tanto por la prensa como por el público? La verdad es que el disco está teniendo muy buena aceptación y crítica. Llevábamos varios años sin editar nada y nuestros seguidores tenían ganas de descubrir nuevos temas. Tanto para ellos como para nosotros es sin duda el mejor disco que hemos grabado hasta la fecha. ¿Dónde se puede adquirir y en qué formatos está disponible? Ahora mismo está disponible en todas las plataformas existentes de descarga como Amazon y de streaming tipo Spotify. En Junio estará disponible en CD en tiendas. Anunciaremos LaCarne Magazine

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en cuáles. También estará disponible a través de la página de nuestra discográfica Mala muerte producciones. A lo largo de todos estos años, The Name ha participado en disímiles festivales y concursos de Rock. ¿Cuánto ha representado para la banda el haber participado en eventos como esos? ¿Alguna presentación que recuerden en especial? Todos los certámenes en los que hemos participado nos han hecho no sólo crecer en cierta popularidad sino asentarnos como banda y estar más compenetrados. Algunos concursos como Villa de Bilbao te sirven como escaparate. Otros, incluso recibiendo premios como Wolfest o Sestao, nos reportaron algún beneficio económico. Sin duda, la presentación de Identidem la recordamos con mucho cariño. Fue un gran concierto y hubo mucha emoción. A principios de este año la banda cumplió 14 años de creada, sin dudas todo un largo camino. ¿Cómo valorarían todos estos años para la trayectoria y desarrollo de The Name? ¿Qué creen que deban mejorar o cambiar? Durante todos esos años siempre ha habido algo que no ha cambiado: dejarnos llevar y no imponernos reglas, tanto musicalmente como de actitud. Cierto es que ha habido momentos buenos y otros no tantos. Lo peor ha sido

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intentar mantener una formación estable en cada una de las etapas de los discos publicados. La vida hace que los caminos tengan que alejarse en determinados momentos, y eso indudablemente retrasa la trayectoria de cualquier grupo, pero nos quedamos siempre con lo positivo, y es sin duda el crecer como personas a través de enriquecernos musicalmente, y sobre todo humanamente. Los momentos vividos a través de la música. ¿Qué podremos esperar de The Name para este 2017? Este año estará dedicado a presentar Momentos, y a preparar los directos con esta nueva formación. Haremos algunos conciertos de calentamiento, pero será en 2018 cuando definitivamente volvamos a pisar fuerte los escenarios. Bien, antes de terminar darles las gracias y les deseo mucha suerte con su nuevo disco. Muchísimas gracias a tod@s los que desinteresadamente apoyan la música y a las bandas. Sólo nos interesa compartir con vosotr@s nuestra música. Ha sido un largo camino pero seguimos adelante. Gracias de corazón!!!! ¶

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skwid

un artesano de la música que ama el hip hop

provechando el feriado del 1ro de mayo (día del trabajo), nos reunimos para almorzar en familia y conversar sobre el Hip Hop Boliviano junto a un MC paceño de cepa: SKWID. Energía positiva, Skwid! ¿Cómo te sientes en tu zona (estamos en Tembladerani), siguiendo

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con el Hip Hop que tanto nos apasiona? Muchas gracias por la invitación. Buen provecho! Aquí, compartiendo un almuerzo contigo, hermano, conversando de proyectos y de la situación actual del Hip Hop Boliviano. Muchas gracias por esta entrevista. Pues estamos disfrutando aquí en la tablet tu nueva producción. Éste es un video que ya estrenaste en YouTube junto a Soule Zapata (artista chilena) y Rez P (productor Studio B.) ¿De qué trata tu propuesta independiente y auto-gestionada? Tu propuesta que sale de tu bolsillo, tu propuesta que hace quedar bien al

que nos alejamos de la familia, o dejamos el trabajo, pero todo esto tiene un beneficio propio y común. Me gusta el trabajo del director del video, Deka, que además es hip hopper. Respeto y admiro a Rez P, que me comentó en Studio B. que estás preparando un nuevo material que incluye audiovisualmente todo el proyecto. Estas yendo a la vanguardia de la producción, en la realización y en la proposición de un Hip Hop consciente, coherente con actitud, y sin traer ese estigma rapero de que uno es violento, pandillero y maleante. Es un orgullo charlar de esos aspectos. Tratando de trabajar en nuevos proyectos con Ecco Urbano (crearon el dúo Sangre Andina), junto a Rez P y Deka. Tratando de sacar un DVD y a la vez un CD con composición propia en cuanto a instrumental y letra. Agradecer a Deka que nos está colaborando en la producción audiovisual realizando 13 videos. El DVD se titula El Chasqui, y la composición musical es original de Rez P.

Hip Hop, que le da un aguante, le da un ajayu diferente a lo que hemos estado viviendo en décadas pasadas. Estamos haciendo un tipo de Rap muy diferente, tratando de llevar siempre el mensaje consciente a la sociedad, llevando siempre buenas visiones para que tal vez la juventud actual, que está en vicios (drogadicción, alcoholismo...), puedan superarse, pueda tener un estilo de vida diferente. Aparte de todo esto, el Rap independiente sale de nuestros bolsillos, nos cuesta las grabaciones, los videosclips, el tiempo invertido en las composiciones, el tiempo invertido en promocionarlo. Hay veces

Nos conocimos en un evento (Uni-versos) allá en el 2009. Me colaboraste espontáneamente en el armado del escenario para mi espectáculo, y años más tarde me contaste la anécdota. ¿Qué te queda grabado en tu corazón de aquellos tiempos? Sí, hermano, una de las épocas muy conmovedoras y fuertes en mi trayectoria artística, donde siempre yo escuchaba tus temas, te veía en escenarios, pero no hubo esa oportunidad de conversar contigo, y justo ese día nos encontramos en la Casa de la Cultura. Estábamos con el compañero C.C., con el que grabé dos temas para mi disco (debut) Dedicacion-es. Estamos compartiendo con una rica sopa de fideo, en este momento en el que ya somos padres. Particularmente es tu primera wawa, anteayer nació el primogénito de Ecco. Cómo se siente esa responsabilidad de dar un legado que podría ser un “Legado Hip Hop” a nuestros pequeñines? Y, tal vez, cuando ellos crezcan, esto ya sea una profesión seria y no como ahora que se piensa que es un “pasatiempo”. ¿Cómo lo ves en este momento tú, LaCarne Magazine

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un papá joven. Yo lo veo con mucha responsabilidad eso de ser hip hopper, MC., compositor, poeta. Nunca en mi vida había dedicado tanto tiempo a algo. Es increíble lo que me está pasando con el Rap. Me gusta hacer poesía, me gusta proponer, me gusta estar frente a un público. Más que los aplausos es algo muy conmovedor, algo que no se puede explicar cuando uno está en un escenario. Esto también nos ayuda y nos sirve en nuestra vida cotidiana, el hacer Rap es una auto-terapia para ayudarnos a ser unas mejores personas. El Rap es una terapia para todos nosotros. Ahí nace la autogestión y autodeterminación, la resistencia e independencia. ¿Tú te viste alguna vez como el SKWID que eres? Líder, tienes seguidores y admiradores, estás haciendo un nombre y un mercado, abriendo el camino a muchos changos que tal vez sueñan con lo mismo. ¿Cómo te ves en el SKWID de ahora sembrando el futuro? En el pasado era muy diferente, no lo hacia tanto como ahora, con tanta pasión, tanta inspiración, tanto trabajo. Empecé tal vez como muchos, con las “batallas de gallos”. Me gus-

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tó, y empecé a improvisar. Sentía que no me llenaba solamente la improvisación, quería plasmar mis letras, desnudarme en un papel. Luego conseguí sacar un disco, Dedicaciones. Actualmente grabando y produciendo el segundo disco, que es El Chasqui. Ya como padre de familia lo veo desde otro punto de vista. Siento que tengo mucha responsabilidad al escribir, al decir cada palabra para que tal vez las nuevas generaciones traten de seguir el camino que estoy intentando formar, con un Rap consciente, coherente. Siempre tratando de mejorar nuestro intelecto, teniendo lectura, estudiando, practicando, haciendo Hip Hop Comunidad. No solamente hacer Rap, encerrarse en su casa e improvisar frente a un espejo. Hacer Hip Hop, conocer varias personas, conocer varios puntos de vista de diferentes MC’s, diferentes graffiteros, DJ’s. Actualmente no se ve esa unidad, aún nos falta mucho. ¿Cómo está el Hip Hop ahorita? ¿Desunido? ¿Cada uno por su lado? Cómo lo ves? El Hip Hop Boliviano ahora está creciendo, eso no lo podemos negar. Hay varios MC’s, han aumentado los DJ’s y B-Boys. Hay mucha

gente, más comunidad. Pero algunos que están empezando, por ejemplo en las “batallas”, piensan que insultarse es Hip Hop. En los eventos que voy, más aplauden a los que se insultan que a los que rimamos. Lo he vivido así, el público se caga de risa con los que se insultan, y a los rimadores, ni la hora. Se está degenerando al espectador. Los freestylers ya tienen su propio público, que son los mismo freestylers incluso, la misma gente. Tal vez habría que cambiar la visión y los encargados son los organizadores, ellos son los principales responsables en dar esa información, de cambiar la visión de cada “improvisación”, para que no piensen y se imaginen que el Hip Hop es insulto. Sí empezó con batallas, ya estamos en tiempos diferentes donde tenemos que llevar el mensaje consciencia. Tenemos que mostrar a la población que el Hip Hop es mucho más de lo que ellos piensan. ¿Cómo se llama tu bebé, hermano? Chrístofer César ¿Tienes paranoia con poner sus fotos en las redes sociales? Hay que tener siempre cuidado con las redes sociales porque no estamos seguros de nada. Estamos exponiendo mucho de nosotros a gente que no conocemos. Hablamos de darle un buen uso a la tecnología Todo empieza desde uno mismo, la auto-educación, el auto-control. Tenemos que utilizarlo para nuestra conveniencia, tenemos que darle una buena utilidad a la tecnología para informar a la gente, cosa que no informan los medios de comunicación. Además, meten terror y desinforman Por esa parte podemos utilizarla y aprovecharla para darle información a lugares alejados, por ejemplo. ¿Tienes alguna temática de lo que estamos viviendo, tanto terror en los medios, tanta mentira en los gobernantes? Sí hay temáticas escritas en canciones. Tene-

mos un tema con Ecco Urbano, porque no es fácil mostrar el arte del MC. Ahora lo podemos hacer agarrando un celular, lo subimos y se hace viral, pero siempre llevando el mensaje. No tenemos que olvidarnos de eso. En tu semana compartes las tuercas, los autos. Tu profesión es ser mecánico y tu ocupación es ser rapero. ¿Cómo vas mezclando ese equilibrio en tu vida, que es muy saludable, muy sano, y muy digno? Sí, es muy saludable. El bombo y la caja siempre están presentes en el taller, las improvisaciones. Siempre estoy trabajando con música, apretando una tuerca al ritmo de la caja. Varias de las líricas de diferentes canciones han sido creadas en el taller. Es algo muy divertido y bonito porque las paredes del taller están escritas, todas. No sabía dónde escribir, y ese rato, en la pared. Muy bonito recuerdo, cada vez que veo y digo: “este tema ya lo he grabado”. Siempre nacen de una idea los buenos proyectos, y hay que pulir esa idea. Tratando de hacerlo realidad para tener un impacto poderoso. ¿Qué sientes por la gente que te rodea? En este caso por uno de los grandes baluartes que llegó a iluminar el Hip Hop boliviano y tu productor musical, Rez P. Es una buena persona, un buen compañero, un buen productor musical, buen oído, mucha paciencia. DJ, beatmaker, MC, músico. Es una persona múltiple, es alguien increíble. Mucho respeto por Rez P. Agradecido porque me está colaborando en los proyectos. Sin él, sin sus ideas, no podrían salir estos temas que están sonando muy fuerte. Cada vez sale un nuevo HIT. Aparte, colabora con otros artistas como Illapa, FM11, Ecco Urbano, Ayvan y otros que no recuerdo. Terminamos el almuerzo en un feriado boliviano, inflados de rimas y ritmos que elevan nuestra convicción por el RAP, y amortiguan el presente para un mejor futuro. Gracias al Maestro de Ceremonias SKWID por la charlarap en exclusiva para LaCarne Magazine. ¶

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conocemos los beats de

victorem

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me ha bastado sólo saber mezclar, si no que me he abocado a la producción musical, y actualmente compongo e interpreto mis letras. LEER MÁS

ictor García, o mejor conocido como Victorem, es un joven Dj que apuesta en grande y sus metas no tienen límites. Su pasión es la música y siempre está en constante aprendizaje para ser todo un artista integral. Desde muy pequeño sintió atracción por el medio artístico, probando así con el teatro, la tv, y el modelaje. Pero es la música la que logra enganchar finalmente a este as de los beats electrónicos. Entonces, sin más rodeos, conozcamos a Victorem. ¿Cómo fueron tus inicios en la música? Realmente no puedo decir que mis inicios fueron de la forma tradicional, ya que mi génesis en la música se debe a lo que me transmitió uno de los primeros álbumes de David Guetta, un álbum que llegó a mis manos a muy temprana edad. ¿Qué te motivó a ser Dj? Me motiva mi pasión hacia el género EDM. Así es como comienzo a escuchar este estilo, y al mismo tiempo me interesó saber más de aquellos que se encargaban de mezclar este tipo de música. ¿Qué es lo que consideras más divertido de tu profesión? En principio disfruto mucho lo que hago. Puedo estar a cualquier hora haciendo lo mismo y no me aburro. Además, que la conexión con el público nos nutre a los artistas, ya que ésa es la respuesta que buscamos. Si tuvieras que dar una definición de música, ¿cuál sería? Le daría un significado muy amplio, ya que considero que la música es un estilo de vida, siento que la música rompe barreras de idiomas, culturas, religiones e ideas. Al final somos uno solo. ¿Qué tipo de Dj te consideras? Comencé como Dj. Sin embargo, hoy en día soy un ejecutor bien estructurado, ya que no

¿Creas tu propia música? En efecto. Creo la música que mezclo como Dj, y creo otros géneros musicales, de los cuales actualmente canto el estilo Trap. Estás comenzando una nueva etapa en tu vida ahora como cantante. Cuéntanos eso. Sí, todo por mi inquietud de ser un artista más completo. Actualmente estoy trabajando en mi primer Ep del género Trap. ¿Cuáles son los proyectos a futuro de Victorem? Estoy trabajando en un Ep (Extended Mix) que consta de 3 temas promocionales con vídeos musicales, 3 audios y un bonus track que próximamente podrán disfrutar a través de todas las plataformas digitales. ¿Cuál sería tu toque ideal? Bueno, mi sueño desde que inicié en esto es tocar en el Tomorrowland y el Ultra, ambos vienen siendo a nivel mundial los festivales de EDM (Electro Dance Music) más reconocidos. Para mí presentarme en alguno de esos festivales sería el toque ideal. ¿A través de qué redes sociales te podemos conseguir? A través de mi Instagram (ver aquí) pueden seguirme y estar al tanto de mis proyectos a futuro. Agradecemos a Victorem por compartir un poco de su tiempo con nosotros, y no olvides seguirlo por sus redes para que estés al tanto de sus próximos proyectos, que prometen que no podrás dejar de bailar en donde sea que estés. Y como diría él mismo: “La clave está en disfrutar lo que haces”. ¶

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uiénes son los miembros de Estadía a Corto Plazo y de dónde provienen? Estadía a Corto Plazo está conformado por Diego Borges (bajo), Anthony Vallenilla (Guitarra), Samuel Gómez (Guita-

rra), Marco Aquino (Batería), Andrés Alcalá (Teclas) y Dave Mardelli (Voz). Todos somos originarios de Anzoátegui, Venezuela, excepto por Andrés, que es negro y nació en Cumana (El desierto con playa). ¿Qué artistas inspiraron la formación de la banda? Nuestra banda ha sido influenciada por muchos artistas, tanto venezolanos como inter-

estadía a corto plazo una banda que llegó para quedarse

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nacionales, a lo largo de nuestra formación como músicos. Bandas como Red Hot Chili Peppers, Green Day, The Smiths, Joy Division, Sentimiento Muerto, Soda Stereo y Caramelos de Cianuro han llegado a nuestros oídos, y han sido ejemplo en lo que hoy en día queremos lograr, individualmente y también se podría decir que es una característica singular en Estadía, la diversidad de la música que escuchan sus integrantes, como lo es el

caso de Dave, el vocalista, quien es fan de Franco de Vita, Marco lo es de este gran baterista, Mike Maggini, Andrés y Anthony son admiradores de John Mayer, Samuel de Jim Morrison y Diego es ferviente admirador de Flea, bajista de los RHCP. Cada una de estas bandas y artistas han sido tanto grupal como individualmente nuestra inspiración para crear este proyecto musical. ¿En qué se basan para componer sus canciones? Las letras que suelen ser un tinte característico para la banda son abordadas desde un punto meramente sentimental, ya sean experiencias propias de los integrantes, que cuentan historias con las cuales no es difícil sentirse identificado, o placeres del ser humano, y al momento de construir dichos tópicos musicalmente se hace increíble la sensación, ya que incluso pareciera que fuéramos una sola persona componiendo todo. ¿Son empíricos o tienen estudios musicales? Sí, todos en algún momento hemos pasado por academias musicales. Así que sí, incluso tenemos certificados y títulos, como lo es en caso de Marco, Andrés y Diego, y aunque no todos hemos tenido un paso extendido en academias u orquestas, tenemos que decir que vivimos en un constante aprendizaje musical, cada uno se prepara individualmente para ampliar nuestros conocimientos diariamente. ¿Cómo describirías el repertorio de Estadía? Nuestro repertorio es abierto a todo público y a toda ocasión. Sentimos que nuestras canciones pueden ser, en ciertos momentos, las indicadas para escucharlas solo y relajado, pero a su vez también se aplican para ocasiones más festivas, como una salida a la playa. En pocas palabras, puedes escuchar a Estadía en cualquier momento, en cualquier lugar y con el estado de ánimo que tengas. ¿Qué planes audiovisuales tienen pensado desarrollar? Actualmente nos acaban de producir un video, bajo la dirección de MacheTv en formato acústico, del que será nuestro tema promocional “Amigos Con Derecho”, el cual pronto LaCarne Magazine

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estaremos liberando en todas nuestras redes sociales, así que no se lo pierdan. ¿Cómo deciden qué canciones tocar en una presentación? Hasta el momento tenemos 2 set-list previamente preparados. Depende. Si la situación es más suave, cambiamos a un formato acústico y elegimos las canciones más acordes al momento. En el formato completo, con todos los hierros, siempre elegimos las canciones que sabemos que moverán a la audiencia, que son las canciones cuya base son una descarga total de sentimientos que duran lo que dura una canción, así de simple. ¿Alguna experiencia que haya marcado un antes y un después en Estadía? La realineación que sufrió la banda después de que Ángel (ex vocalista) nos abandonara por motivos familiares. Eso sin duda marcó un antes y un después en nuestro sonido, en nuestro alcance con la audiencia, en absolutamente todo. ¿Tienen el apoyo de sus familiares? ¡Absolutamente! Y no podemos estar más agradecidos con el apoyo que nos dan diariamente y nos demuestran. A nuestros padres le debemos todo, y todos los días lo recordamos. Saludos al Doctor Diego Borges y a la Doctora Eliana Méndez por proporcionamos el espacio para ensayar, y por permitir que le hagamos ruido todos los fines de semana. Gracias a nuestros padres y madres que nos tienen paciencia y que nos apoyan con lo que

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pueden en este difícil camino. Con la situación actual de Venezuela ¿Qué planes tiene Estadía para este 2017? Somos partidarios de la lucha constante por la democracia que está librando nuestro país. No callamos nada con respecto a ese tema. Tratamos de colaborar en lo que se pueda porque somos venezolanos y nos duele nuestra tierra, ya sea utilizando nuestras redes como ventana pública de lo que en realidad está pasando en las calles, o saliendo a las calles a prestar apoyo al pueblo que día a día sufre la represión de un gobierno indolente. La verdad, es difícil predecir un futuro en lo que a proyectos se refiere, la difícil situación nos ha llevado a mantener nuestros proyectos musicales en bajo perfil. Preferimos apoyar la lucha por nuestra libertad que apoyar la indiferencia. ¿Qué talento secreto tiene cada uno? Jajajajaja Bueno, en mi caso (Anthony) puedo citar varios datos curiosos e inútiles sobre historia o cultura general, Diego puede echar chistes muy pero muy malos, Andrés imita casi a la perfección a Stich de “Lilo y Stich”, Samuel puede contorsionar sus dedos de formas extrañas, Dave puede calmar a quien sea hablando, y Marco da los mejores discursos motivacionales. ¶

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Foto por Goyo de Pacheco Asunción

paloma carrasco entrevistas a improvisadores libres

uál es tu procedencia musical? No había músicos en mi familia, más que mi abuelo materno (aficionado). Le recuerdo canturreándonos coplas tocando aquella guitarra “tuneada” (sí, con adornitos de la rondalla en la que tocaba), y contaba que tocaba el “pito gordo” en la banda del pueblo, y que un día cayó en sus manos un violín que

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llegó a aprender cómo hacer sonar..., “pero vino la guerra y ya lo tuve que dejar”. Muy de niña me regalaron un CasioTone VL-1 y me enganchaba. Después vino esa guitarra (que más tarde pasé a mi abuelo). Y la pregunta: “¿Quieres que te apunte a la escuela de música?”. “Pues sí, y quiero tocar el piano”. Entonces no había clases, ni profesores de piano en aquella escuela municipal, así que esperé a que hubiera. Así empecé con el piano clásico. Saqué el título profesional y no quise seguir para el superior. Hasta dejé de tocar unos años. Pero sentía que necesitaba volver a la

música. Suerte que por entonces reapareció Raquel Sánchez, gran bailarina e improvisadora, mi primera profe de música, y mi profe de teatro en aquella infancia. Por ella llegué a los talleres de improvisación libre de Chefa Alonso. Ése fue mi primer contacto con la improvisación libre. Y otra necesidad empezó a surgirme, ante la dificultad de encontrar salas con piano acústico: la de un nuevo instrumento. No tuve que pensármelo mucho, iba a ser el violonchelo, lo tenía claro. A la vez que empezaba a improvisar con él, recibía las primeras clases de técnica. A mi ritmo y a mi gusto, sin formación reglada (o deformación). Un comienzo bien diferente al del piano. ¿Cuáles son las influencias que te han ayudado al aprendizaje de tu lenguaje improvisatorio? Mis influencias han sido, sobre todo, los improvisadores junto a los que me he ido desarrollando. Considero a Chefa Alonso y a Wade Matthews dos de mis principales “ayudantes” en este proceso de aprendizaje, pero también a grandes músicos junto a los que he tenido la suerte de compartir improvisaciones y reflexiones: Marcos Monge, Javier Pedreira, Ged Barry, Víctor M. Vázquez, o Ricardo Tejero han tenido también mucho que ver en cómo se ha ido forjando mi lenguaje. John Edwards, Marcio Mattos y Alison Blunt son inspiradores referentes para mí en las cuerdas frotadas, así como Agustí Fernández y Josep Mª Balanyá en las cuerdas percutidas. David Leahy y su trabajo interdisciplinar con la danza está siendo clave para mí en este momento. Me resuenan siempre también las músicas de Olivier Messiaen, Morton Feldman, o Steve Reich. ¿Cuándo y cómo llegaste a la improvisación libre? Algo he contado ya. Había dejado el mundo del clásico con la sensación de haber agotado ese camino y no saber muy bien por dónde seguir. Circunstancias vitales que no vienen a cuento me llevaron al abandono total de la práctica por una temporada. Y terminando 2003, aún un poco perdida, tuve la suerte de que me introdujeran en el mundo de la im-

provisación libre. La entrada en Musicalibre (Asociación Española de Improvisación) allá por 2006 fue lo que me lanzó a conocer e interactuar con más improvisadores y a arrancar mis primeros proyectos. ¿Qué actividades desarrollas como improvisador? Estudio y actúo con los improvisadores con los que tengo proyectos en activo (incluyendo proyectos con bailarines). De vez en cuando programo (o pido que me programen) tanto proyectos míos como de otros improvisadores. Hace poco programé el último encuentro de improvisadores de Musicalibre, y en el pasado fui varias veces parte de la junta organizadora del Festival Hurta Cordel. También estoy ahora empezando a organizar encuentros de músicos y bailarines para la improvisación interdisciplinar, desde el proyecto Escucha en Movimiento. ¿Cuál crees que es tu papel en la escena de improvisación? ¿Mi papel en la escena? Una más, intentando proyectar lo que pueda para esa escena, pero sólo proyectando si sucede desde mi incesante actividad, esa desde la que intento dar coherencia y sostenibilidad (aunque tenga que ser fuera de esa escena, muchas veces) a los proyectos que me alimentan el alma, los que me mantienen con mis motores en marcha. ¿Podrías explicar brevemente tu concepto musical? Musicalidad, incertidumbre, intuición, forma, memoria, vértigo, vuelo, presencia, responsabilidad, comunicación, ... No sé si esa ristra de palabras será “concepto”; ni si quiera sé si tengo un “concepto musical” propio. Simplemente es lo primero que me vino a la cabeza al leer esta pregunta... así como el deseo de no necesitar ni querer profundizar más en ello, si no es desde la práctica. ¶

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la luz mandarina

una experiencia extraterrestre

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medio, debido a que ignoraba por completo los métodos de grabación y mezcla, y no disponía de otros medios para encarar el proceso.

a Luz Mandarina es una banda de la ciudad de Santa Cruz, Bolivia, que en su primer trabajo, titulado Paliza, nos muestra un Rock Indie “noventoso” con arreglos orquestales, coqueteos con el Shoegaze, Rock espacial, chispazos de folklore y otros estilos, bajo una producción muy detallista y bien lograda. Pablo Miño, vocalista, guitarrista y compositor del grupo, nos responde al preguntarle sobre el estilo de la banda:

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Nunca hubo un norte muy definido, tal vez sí una estética o una temática. Uno de los mantras que siempre se repite en nuestros ensayos es música alegre que habla de cosas tristes. Nos gusta esa ambigüedad, poder encarar con cierto humor negro historias trágicas y temáticas medio oscuras.” “Mi soledad es la bomba nuclear” de la canción “Verano del 86”, “No gira el mundo en realidad, sos vos la que da vueltas sin parar” de “Vampiros” o “Es que no quiero sentir más, que la vida es un carnaval y yo no tengo un buen disfraz” del tema “Carnaval”, son parte de las letras que se pueden encontrar en el disco de 8 canciones que se hizo en Vox Pópuli con Manuel Soruco. La mezcla se hizo en Escapa estudio y estuvo a cargo de Cristóbal López, productor y en parte gran responsable de que el grupo se comprometa a registrar su primer material. El mastering lo hizo Marcelo Navía en Lado B en La Paz.

Entonces, ¿qué tuvo que ocurrir para buscar a los integrantes de La Luz Mandarina?

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En aquel momento estaba escuchando mucho el Transformer de Lou Reed y Pet Sounds de los Beach Boys, alucinando con esos arreglos orquestales, barrocos, ultra complejos, y a mi manera empecé a divertirme jugando un poco a eso, componía arreglos para violín, trompeta, vibráfono, tímpani, incluso unas cuerdas asiáticas en algunas canciones, pero claro, todo esto sonaba muy de juguete, y sumado a que yo era el único intérprete en todas las canciones, me agotaba bastante rápido, así que me propuse sumar gente al proyecto, repito, nunca con la intención de tener una banda, para mí era un experimento de dormitorio y ya”, contesta Pablo. A las primeras personas que Pablo recurrió para concretar el “experimento” fue al guitarrista Ángel Aguilar Veisaga y al bajista Diego Tejerine, luego se sumó un amigo, Sebastián Guerrero Novoa en los teclados, quien incluyó a Carmen Lucía Carvalho en el violín, rol que actualmente ocupa Mateo Rojas. Un par de años después se incorpora a Daniel Meneses en el trombón y José Luis Rivera en la batería.

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Para mediados del 2013, el EP de 4 canciones estaba terminado, y de ahí en adelante todo se movió bastante rápido. Empezaron a caer invitaciones para salir a tocar y de repente, sin querer queriendo, estábamos ahí, éramos una banda. Desde ese momento no hemos parado, y en el 2015 presentamos nuestro primer álbum PALIZA, y este año anduvimos tocando bastante, en Santa Cruz, Cochabamba, La Paz, y ya arrancamos a trabajar un EP nuevo para el 2018”, explica el líder del grupo.

Todo el proceso le llevó alrededor de año y

Dos preguntas ineludibles como peajes de carretera son el porqué del nombre de la banda y de qué se trata el disco, a lo que Pablo responde:

La Luz Mandarina nace como proyecto a fines del 2011. Pablo recuerda: Yo venía de un par de proyectos fallidos, y ya sin ganas de volver a tener una banda ni nada parecido, era una época de mucho encierro y necesitaba enfocarme en algo nuevo. Tenía un puñado de canciones a medias y demasiado tiempo libre, así que empecé a registrar estas canciones en mi habitación”.

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Cuando el proyecto arrancó, para mí era una excusa para tener algo que hacer y poder zafar de un par de circunstancias medio densas. Era una época de buscar respuestas, de elaborar estrategias de supervivencia, todo el proyecto agarró un cariz medio místico, de ahí La Luz. La parte de Mandarina tiene que ver con mi gusto culposo por los soundtracks de Tangerine Dream, que también escuchaba muchísimo en ese momento. En el imaginario de PALIZA hay muchas historias sobre la sensación de derrota, de sentirse perdido, el escape, el miedo y la paranoia. Es básicamente un disco sobre caídas, y de alguna manera para todos nosotros el hacerlo fue la manera de levantarnos”. ¿Cómo llevan la música y las diferentes actividades de los integrantes en La Luz Mandarina?

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Algunos se dedican solamente a la música, otros desarrollan distintos tipos de trabajos e intereses, por ejemplo, Sebastián es un ufólogo aficionado y yo soy ilustrador. Nos mantenemos ocupados y vamos equilibrando los mundos dentro de lo posible”.

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Para Pablo Miño, el interés por la música comienza temprano, observando a su padre que es cantautor, pero se concreta mucho más tarde viviendo en La Plata, Argentina, a principios del 2000, donde conoce muchos músicos de los que aprende un montón:

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Una de las cosas que más rescaté fue una actitud respecto al método, una especie de filosofía Punk pero no desde el sonido, sino tal vez desde el ethos, o la estética, una postura respecto a la expresión. Si lo que tenés para decir es honesto y es real, las herramientas deben ser las que tengas a mano, pero si no tenés esa necesidad real, de nada te sirve todo lo demás”. Sin duda, ver a La Luz Mandarina en vivo es una experiencia extraterrestre: su fuerza, belleza, y calidad musical abduce. Fácilmente puede aplicarse a ellos el coro de su propia canción “Los Reyes del lugar”: “El baile de los muertos va a empezar, por toda la ciudad, ¿quién te podrá ayudar?” ¶

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la sra tomasa planeando recorrer europa

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el último día. La presentación fue un regalo. Algo pasó ahí, era un proyecto distinto, joven, fresco, que dejó buen sabor de boca. LEER MÁS

mpecemos por el principio. Antes de formar La Sra Tomasa ya contabais con experiencia en otros proyectos musicales, pero ¿os conocíais entre vosotros? ¿Recordáis cómo fue vuestro primer ensayo juntos? Es curioso, porque muchos miembros de la banda se habían visto porque danzaban por la escena del mestizaje cuando eran muy jóvenes, pero no se conocían como tal. Todos hemos venido de proyectos anteriores y de estilos muy dispares (grupos de mestizaje, Hardcore, Latin Jazz, Rock Progresivo, Rock catalán, etc.). De hecho, Jordi Sanz y Pau Lobo fueron compañeros en Itaca Band. Si tuvieramos que establecer un “punto 0” de partida, podríamos decir que el proyecto nace de la iniciativa de Santi Longarón, Marc Soto y Pau Lobo. Ellos fueron miembros de una banda llamada Puro Vizio, que en el momento en el que el proyecto perdió energía hasta pararlo, “pillaron un local de ensayo”, y empezaron a “darle al coco” con una única premisa: hacer algo distinto. A raíz de las primeras ideas, maquetas y canciones desechadas, y mil y una vueltas de tuerca durante unos dos años, aparece el primer Ep en 2013 con la ayuda y asesoramiento de Chalart 58 de La Kinki Beat, al que le debemos muchísimo. Para ese momento, el proyecto ya contaba con Gerard Williams, Jordi Sanz y Pablo Dominguez, que ya habían participado en el proceso creativo de las primeras canciones que vieron luz pública. La última incorporación fue la del bajista, que a 20 días de la presentacion del Ep, en la sala Apolo, David (antiguo bajista) anuncia que no podía continuar por motivos personales. Después de probar a un par, apareció Alberto Limiñana para cubrir “un par de bolos”. Cinco años más tarde estoy redactando esta entrevista. Cómo son las cosas! El primer ensayo de la banda al completo fue curioso. Todos teniamos una buena sensación, e ibamos con clásica tensión tomasera de no parar de cambiar y montar cosas hasta

¿Es cierto que cuando grabasteis vuestra primera maqueta, el resultado no fue lo que buscabais? ¿Qué era eso que os faltaba? ¿Cómo lo encontrasteis? Cuando se hacen canciones, a parte de sonido, composición, armonía, arreglos y todos estos elementos controlables y estudiables (por describirlos de alguna manera), hay algo mas allá y primitivo que reside en la idea, en aquello inmaterial que de una manera u otra acabas dándole forma de la mejor manera que uno puede o sabe. Había unas cuantas canciones hechas y grabadas que estaban bien y sonaban, pero había un impulso que decía sin palabras que ésa no era la idea que se buscaba. No se había encontrado la mezcla entre “el ayer y el mañana, entre la raíz y la electronica”. Ésa era la idea inicial y la que poco a poco se ha ido definiendo a base de mucho ensayo-error, cariño y paciencia. No conocíamos (hasta el momento) a una banda que con su primer disco estuviera tres años de gira. Y la Sra Tomasa lo ha hecho! Nos ha impresionado porque es mucho tiempo. ¿Surgió de forma espontánea? ¿Qué fue lo que hizo que la gira se alargara tanto? El ritmo de este disco fue bastante espontáneo. El primer año de gira del “Corazón, bombo y son” lo iniciamos en dos salas de Londres. Hicimos muchísimos conciertos por Catalunya y Francia gracias a nuestro antiguo management, Producciones Submarinas. Al año siguiente empezamos a trabajar con Sonde3, y empezamos a tocar más a menudo en otras ciudades de la península ibérica y recorrer parte de Europa. Lo que nos pasó fue que aunque hubieramos girado muchísimo por Catalunya, cuando íbamos a otras partes nuevas, el disco volvía a ser algo nuevo y fresco. Vivimos cómo se autorejuvenecía solo. Por otro lado, una de nuestras cartas de presentación más fuertes es el directo. A pesar de que giráramos con un disco, el directo es una cosa que siempre intentamos mimar con muchísima exigencia. Buscamos y nos inspiramos de grandes bandas, y no paramos de darle vuelLaCarne Magazine

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tas hasta llegar al borde de la locura. En este sentido mimar el show en vivo es de lo más importante, ya que al final, esa hora y media de concierto es el momento más real de todos. Ese ratito representa todo el trabajo anterior, y la razón por la que hacemos música, porque nos gusta tocar en vivo por encima de todo. Esa hora y media en el que nos vemos las caras público y banda es lo más importante. Lo que está claro es que habéis encontrado vuestro sonido, y prueba de ello es que habéis sacado ya vuestro segundo trabajo Nuestra Clave. ¿Sigue este disco la línea y temática de vuestro primer trabajo? ¿Qué nos traéis en Nuestra Clave? En general, creemos que sí sigue la misma idea inicial, pero con las ideas más claras, más experiencia y quizás con un método de composición algo más definido. Es un disco más maduro y con un sonido más contundente, más arriesgado y dispar. Nuestra clave cuenta con diez canciones. Intentamos que ya, desde el primer segundo en el que se empieza a reproducir el disco, se entienda la idea central. Un canto a Oshun acompañado por batás con un giro completamente electrónico. Hay temas con colores mas “azulados o electrónicos”, como “Yo soy así” o “Después de amar”, y temas más “cálidos y coloridos” como “Se formó” o “Distinto son”. Hay canciones más atrevidas como “Timba negra”, y otras que rozan estilos más clasicos como el Drum´n bass más propio de Londres en los 90´s, como “Sepa mi gente”, y un tema 99% orgánico titulado “Ella”. Es un disco ameno, potente y distinto. ¿Y la composición de los temas? ¿Habéis hecho este disco, o parte de él, durante esa larga gira de tres años? Este disco nos dio bastante guerra. La idea inicial era sacarlo en 2016. De hecho, hicimos una vez el disco y decidimos echarle un tiempo más, y darle un giro a lo que habiamos hecho. Veníamos de dos giras impresionantes, y quisímos correr más de lo que nos daban los pies. Al final, la paciencia ordena las ideas y hace que tomes mejores decisiones. A final de 2016 acabamos el disco, y empezamos, junto con nuestra agencia, a buscar maneras de sacarlo lo antes posible, aun sabiendo que las

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prisas no hacen bien a nadie. En ese sentido, tuvimos un sentimiento y una imperiosa necesidad de soltar el disco al público como tinta al río. Ahora toca el trabajo más divertido y duro a la vez. Defenderlo con energía, aunque a veces pese el cansacio y las horas de carretera. Una vez compuestos los temas, ¿dónde grabasteis Nuestra Clave? ¿Contáis con sello discográfico, productora, etc., o sois una banda de autogestión? Como explicabamos brevemente en la pregunta anterior, el disco tuvo (por decirlo de alguna manera) una primera vuelta que se grabo entre Noviembre y Enero de 2015-2016 en Music Lan studios. Una vez decidimos rehacer el disco, habiendo hecho el ejercicio de desechar canciones y componer otras nuevas, contamos con la coproducción de Genis Trani, y lo acabamos en su propia casa, Reggaeland studios. También contamos con un potente equipo compuesto por Sonde3 producciones y Radar Agency. En ese sentido, somos muy afortunados. A pesar de que es muy importante tener un equipo muy experimentado que te represente, si nosotros no hacemos bien nuestro trabajo, el engranaje que conforma el conjunto no funciona, y en ese sentido seguimos aprendiendo, y es un no parar de reciclarse contínuamente. Hemos podido veros en directo sobre las tablas del escenario Womad 2017, que se celebró el 11, 12, 13 y 14 de Mayo, y la verdad es que disfrutamos mucho. Además de este escenario, tenéis ya muchas fechas cerradas. Se presenta muy bien esta gira, no? ¿Durará también tres años o más? Lo primero que decir a esta pregunta... Womad. Estamos completamente enamorados de ese festival. Ese concierto fue algo que nos llevaremos a la tumba por lo precioso que es Cáceres, por lo profesional y hospitalario que es todo el equipo que conforma Womad, y por lo exigente y abierto que es el público. No hay un perfil claro que describa el público de Womad. Es una peregrinación musical en la que el único denominador común es que el cartel es cada año distinto, y siempre descubres propuestas musicales que te acaban calando

“Veníamos de dos giras impresionantes, y quisímos correr más de lo que nos daban los pies. Al final, la paciencia ordena las ideas y hace que tomes mejores decisiones.” LaCarne Magazine

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fuerte. Que nos hagan un huequito en espacios así es un gran objetivo cumplido. Es un festival de culto. Es un honor y un privilegio participar en festivales así. A parte de Womad, hemos participado en Viñarock, Sound Isidro, y estaremos próximamente en Cabo de Plata (Cádiz), Clownia festival, Bioritme, Mare de Agosto (azores), y más festivales que aún no podemos anunciar. Este año hemos decidido mimar un poquito más nuestro país y recorrer un poquito nuestra casa, para ir trabajando simultáneamente en cómo plantear el siguiente año, ya que para nosotros recorrer Europa es importante, y cuidar aquellos sitios que ya hemos visitado en varias ocasiones, ¡y porque nos encanta viajar! Vuestra música suena muy bien, pero en directo es aún mejor. Esperamos que La Sra Tomasa siga en el camino del éxito. Gracias por hacernos bailar y por responder a nuestras preguntas! Muchísimas gracias a vosotros por dejarnos un huequito en vuestro espacio. Siempre es un placer colaborar, y agradecemos que nos echen un empujoncito en estos momentos en los que se arranca un proyecto nuevo como es un disco. También a todo lector que invierta algo de su tiempo en leer estas líneas... ¡Gracias! Así somos nosotros. Si ya nos conociamos de antes... ¡Hola! ¿Qué hay de nuevo? Y si no... ¡Encantadísimos! Y para todos nosotros (conocidos o no) os esperamos en los conciertos con ganas de vernos cara a cara, porque esto es una experiencia que vivimos juntos. Acercaos, no mordemos. Estais invitadísimos y muchísimas gracias por todo. ¶

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

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Fotos por René Figueroa

ajo Zero es una banda formada en la ciudad de Barquisimeto en el año 1995. Se convierten en una de las bandas más fuertes de la escena Rock pesado en su ciudad, y comienzan a presentarse en diferentes regiones del país. Logran alternar con prestigiosas bandas nacionales como Krueger, Gillman, Stratuz, Trauma, Lignum Crucis e internacionales como Twilight Glimmer (Colombia), Ill Niño (USA), Somber (Suecia). Les dejo con la entrevista respondida por su guitarrista y director, Honorio Torrealba, para LaCarne Magazine. Saludos, Honorio y compañía. En primer lugar, gracias por darnos la oportunidad de pregonar su música en las páginas de LaCarne Magazine. ¿Deseas entregarnos algunas palabras para comenzar esta entrevista? Antes de nada, Omar, darte gracias siempre por apoyar el Metal de nuestro continente, en especial Suramérica, y gracias a LaCarne Magazine por este espacio. Bien, según tengo entendido, Bajo Zero nace oficialmente a finales de 1995. Cuéntanos sobre esos inicios. Bajo Zero nace a finales del año 1995. Un grupo de estudiantes apasionados por la música (metal-extremo) con algo de fusión y sonidos de nuestro país, Venezuela. En esa temporada había muchos festivales de nuevas bandas, en los cuales Bajo Zero fue agarrando auge en nuestra ciudad natal, Barquisimeto. En el año 1997, Bajo Zero graba su primer disco titulado Manifestación, editado en formato cassette bajo el sello Rata Record. Dicho material fue distribuido por Suramérica. Luego de unos cambios en el line up, a mediados del 2003 entramos en los estudios para grabar el disco Santería, álbum que llevo a la banda a madurar el estilo de suramericandeahtmetal. Con disco en mano, Bajo Zero logró hacer una gira nacional promocionando este mate-

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bajo zero

la realidad del metal e rial en los festivales más importantes del país. Luego en el 2007, Bajo Zero entra a grabar su tercer material titulado Elementos de Extinción, en el cual reflejamos allí la situación crítica de nuestro país. A finales del 2007, Bajo Zero emprende una gira hacia Colombia, con 3 presentaciones en la capital, Bogotá. Luego nos fuimos a representar a Venezuela en el SURAMERICAN METAL FEST, que tuvo lugar en Pereira, junto con Viuda Negra de Ecuador. De allí, Bajo Zero regresa a Venezuela a seguir trabajando. Hubo cambios en el line up por la situación agudizada en Venezuela, los integrantes de nuestro país tuvieron que abandonar las filas para buscar nuevos horizontes. Luego de definir el line up, volvimos a entrar a los estudios en este periodo 2016-2017, lo cual salió a luz pública nuestra última producción titulada Hijos de Nadie, la cual estamos promocionando en gira nacional. Felicitaciones por el nuevo álbum Hijos de

en venezuela Nadie. Me imagino que están trabajando duro para promoverlo. ¿Quieres comentar o decir algo respecto a este disco? Bueno, en este disco logramos trabajar de una manera más madura en cuanto a composición, ya que estuvo de la mano de nuestro productor e ingeniero Felipe Gruber. Un disco hecho con mucho trabajo y sacrificios, que al escucharlo les garantizamos a todos nuestros fanáticos que no se van arrepentir. En cuanto a promoción, estamos haciendo una serie de videoclips por cada tema, porque nos parece que actualmente la plataforma youtube es la mejor manera directa de promocionar. Nos pueden ubicar por nuestro canal de Youtube, allí están una serie de videosclips oficiales de alta producción, dirigidos por Rene Figueroa. ¿Por qué deciden hacer Thrash Death Metal, considerando la gran cantidad de bandas que están haciendo esto? ¿Qué piensas acerca de otros estilos musicales dentro del metal?

Fíjate que en Bajo Zero empezamos con ese estilo, pero al cambiar el line up de la banda, siempre por influencias de cada integrante, cambia el estilo un poco sin perder la esencia de lo que viene arrastrando Bajo Zero desde sus inicios. Por ejemplo, la última producción Hijos de Nadie ya es Death Metal fusionado con groove sin perder alguno riff del Thrash Metal, que es mi mayor influencia como guitarrista de la banda. En esta trayectoria de más de 20 años, Bajo Zero ha tocado junto a reconocidas bandas nacionales e internacionales. ¿Cómo se han sentido y qué experiencia han ganado al compartir escenario con estas bandas? Oye! Esa experiencia no tiene precio. Bajo Zero es una banda que no percibe capital o paga, por la situación grave de nuestro movimiento metalero en el país. Es una banda auto gestionada por nosotros mismos, y la experiencia de haber compartido con bandas LaCarne Magazine

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de otro países y bandas nacionales es algo increíble, o que los fans se te acerquen a firmar autógrafos en el material o mercancía, eso paga todo el trabajo que aún seguimos desempeñando.

tula “Tercer Milenio”, que habla sobre el tema del ecocidio de nuestro planeta, y el día a día de cada uno de nosotros. El disco está bajo sello independiente, aunque estamos abiertos a cualquier propuesta que nos ofrezcan.

Respecto de la alineación y sus cambios, dinos la formación actual. ¿Algunos de sus integrantes cuentan con proyecto musical paralelo o están dedicados de lleno a la banda? En la actualidad estamos solamente 4 personas: Honorio A. Torrealba (guitars), Freddy López (drums), Josmar Juárez (vocals) y Leonardo Méndez (bass). Actualmente todos están de lleno en la banda.

En otro tema. Venezuela está actualmente en la mira de muchos debido a los problemas políticos existentes, tal es así que últimamente se han suspendido algunos eventos y festivales. ¿Cómo es realmente la vida en Venezuela? Y la escena metalera, ¿cómo esta de salud? Éste es un tema muy largo y profundo. En Venezuela actualmente estamos muy graves en la economía. Aquí es un problema para conseguir los alimentos, medicinas, y artículos de primera necesidad. Eso va de la mano con la inseguridad. Hay demasiada inseguridad, empezando por las instituciones de seguridad del estado como policías y guardias nacionales. Por ejemplo, estos últimos guardias nacionales están a cargo de los puertos del país (lo cual usan para el narcotráfico y negocios sucios a conveniencias de estas fuerzas militares), y usan sus fuerzas para amedrentar a la población civil si no están a favor del régimen.

Su nuevo y más reciente álbum, Hijos de Nadie, ya está desde hace algunos meses disponible. Coméntanos sobre este disco en cuanto a concepto, temática lírico y musical, diseño de portada, sello que lo lanzó si es independiente… En Hijos de Nadie, las líricas de este disco se basan en la religión como principal tema, sobre las guerras mundiales y la política de nuestro país. También hay un tema que se ti-

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Venezuela era un país donde tú podías caminar hasta tarde en la noche, podías salir a la calle y charlar con tus amigos sin ningún problema, podías ir a la playa y disfrutar con tu familia. Ahora no lo puedes hacer, corres el riesgo que pase algo fatal. Venezuela es un país indiscutiblemente rico en cuanto a ecoturismo, producimos petróleo y un sinfín de cosas que el régimen socialista acabó en cuestiones de 16 años. En cuanto a la movida metalera, estamos muy mal. Hay pocos eventos locales y nacional. Los que hay es porque realmente nos gusta este estilo de vida y no queremos dejar morir este movimiento. Por la cultura que acarrea al país en este momento, las bandas tenemos que hacer varios papeles como músicos, organizador, roadie, ingeniero de sonido etc. para poder hacer estos eventos realidad, acotando que hubo una época que había un festival llamada “Gillman Fest”, el cual acotó a bajar u opacar el movimiento metalero, ya que si tu banda no pertenece al partido político al cual se parcializo Gillman, nunca participarás en dichos eventos, y obviamente atacando a aquellas bandas que nunca nos parcializamos por la política. Por otro lado, prácticamente este festival era con entrada casi libre, lo que acostumbró a la población a no colaborar con un precio justo para la entrada de los eventos locales. En cuanto a la salud, la salud en nuestro país está muy podrida. Los médicos o médicos especialistas se han ido del país a buscar nuevos horizontes por el régimen actual. No hay medicinas, no hay insumos, los hospitales están colapsados y no hay nada. Si tienes un accidente o tienes un familiar enfermo ya sería cuestión de suerte si vive o no. Es muy serio estos temas que estamos afrontando en la actualidad. La banda siempre ha utilizado el idioma español en sus letras. Ahora, en el nuevo álbum, aparece el tema “Dignity for Sale” en inglés. ¿Por qué hicieron esto? ¿Para abarcar una escena fuera de nuestra región? Sí, de hecho, hay otro tema allí en inglés “Possessed by Shadows”. Estos temas son promocionales porque estamos apostando para salir fuera y representar a nuestro país. LaCarne Magazine

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Ahora, coméntanos en pocas palabras cada uno de sus anteriores trabajos discográficos. Manifestación, álbum piloto y experimental, y para dar un paso adelante. Santería, álbum con el cual Bajo Zero maduró su estilo y se dio a conocer por todo el país. Elementos de Extinción, álbum con el cual Bajo Zero salió de nuestras fronteras por primera vez a representar a Venezuela. Hijos de Nadie, el nuevo Bajo Zero recargado y listo para el cambio de nuestro país. Como bien sabes, hay muchas bandas que, con el tiempo, han perdido su esencia y su identidad. ¿Por qué crees que esto sucede? Este fenómeno sucede por la cultura de nues-

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tro país, la falta de apoyo de empresas privada, y medios de comunicación especializados para nuestro movimiento metalero, etc. ¿Crees que, en nuestros días, las bandas de Metal tocan por sentimiento o por moda? Aquí en nuestro país es prácticamente así. Son pocos en realidad que tenemos la perseverancia y el optimismo a full para esto. Regresemos a su disco Hijos de Nadie. ¿Crees que éste nos muestre todo el virtuosismo y la madurez que la banda ha alcanzado desde sus inicios o aún falta algo? Sí, aún tenemos que demostrar muchas cosas, varios temas, y, claro, queremos viajar a otras fronteras.

¿Cuáles son las actividades venideras de la banda? ¿Qué les dirías a todos los que aún no los han escuchado para que les presten mayor atención? Actividades actuales de Bajo Zero, pues estar en promoción de nuestra última producción, y estamos en conversaciones para una gira en Colombia a finales de año. Para aquellos que no conocen a la banda, los invitamos a que visiten nuestras redes sociales. ¿Cuál es su principal meta como banda?, ¿Cómo ves el futuro de Bajo Zero? Principal Meta: representar a Venezuela en grandes festivales y en otros países.

Bien, eso sería todo. Muchas gracias por tu tiempo, realmente lo apreciamos. Lo que agregaría, Omar y LaCarne Magazine, de nuevo las gracias por el apoyo. Es difícil, es muy difícil lo que estamos pasando en nuestro país y a ustedes como medio de comunicación las GRACIAS TOTALES…. ¶

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hove

todo por el drum and bass

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ove es un Dj venezolano, que con sus 17 años de edad tiene muy claras sus metas.

¿Cómo te diste cuenta que lo tuyo era ser Dj? Para mí no era suficiente sólo escuchar música. Desde muy corta edad sólo pude ver lo emocionante que sería estar parado frente a un gran público y simplemente hacerlos bailar. No hay nada comparado con el sentimiento de que las personas estén de tu lado. ¿Qué genero prefieres tocar? Mis dos grandes amores son el Tech-House y el Drum and Bass. No soy muy crossover que digamos cuando se trata de fiestas locales. ¿En qué piensas a la hora de componer? Estar rodeado de la gente que quiero. La ciudad, sus luces, sus atardeceres con un clima súper tropical, y también sus noches rápidas pero inquietantes. Muchas cosas nostálgicas y melancólicas la verdad. ¿Qué es lo que más te emociona de ser Dj? Poder sentir los latidos y hacer que mi público me siga el ritmo. Siempre me ha encantado eso desde la primera vez que toqué. ¿Cómo te ves en unos 5 años? Realmente mi meta hasta ahora es poder llegar a tener una presentación en Mérida. En 5 años me veo haciendo lo que yo mismo me prometí desde que empecé: poder lograr una buena escena del Drum and Bass para Venezuela. ¿Cómo describirías tu música? Lo que más siento cuando escucho Drum and bass son cosas pasadas y felices, las veces que he superado cosas y momentos que nunca olvidaré de mi vida, simple nostalgia. ¿Quién es la persona que más te ha apoyado en tu carrera como Dj? No simplemente mi hermano, que gracias a él

estoy aquí en este momento, hay muchísimas personas que quisiera nombrar especialmente, aún así, ellos saben quiénes son. Personas grandiosas que me han ayudado a lograr esto, que saben qué es lo que más quiero. ¿Alguna vez has pensado en abandonar tu carrera como Dj? ¿Por qué? No. A tan corta edad es muy difícil buscar un lugar donde presentarse fácilmente. Por eso siempre he estado orgulloso de lo que he logrado, aunque también he aceptado las derrotas con humildad, pero me sigue dando más fuerza y valor para seguir adelante a lo que busco en mi vida. ¿Qué sientes cuando estas en una presentación? Siempre hay nervios, pero siempre se van cuando apenas comienzo la primera canción, ya que es con lo que me siento identificado y me ayuda a mejorar. ¿Cuál es tu Dj favorito? Son dos Dj’s, los cuales para mí han hecho una escena de Drum and Bass muy grande en todo el mundo. LTJ Bukem, que es el pionero del Intelligent Drum and Bass, obtengo inspiración de él cada vez que oigo o me acuerdo de sus canciones. Al igual que Netsky, gracias a él pude ingresar en esta escena, y también es un modelo a seguir en todo este camino. ¿En qué festival de música famoso te gustaría participar? Como dije anteriormente, mi meta hasta ahora es tocar en Mérida y poder hacer un nombre allá para poder sonar en otros lugares. Aun así, siempre hay metas más grandes que sería estar en Drum&Bass Arena. ¿Tienes algún hobby? La verdad es que fuera del entorno de la música hay más música aún, y a su vez informática, ya que las dos carreras universitarias que quiero lograr es ingeniería en sonido y también estudiar seguridad informática. ¶

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toto yulelé

nos presenta su nuevo disco

n el 2013 decidió lanzar su carrera como solista, y desde entonces no ha parado ni un instante. Prueba de esto es De cuando aluminé, su más reciente trabajo discográfico y que viera la luz hace unos meses. Directamente desde Uruguay, y en exclusiva para LaCarne Magazine, llega Rodrigo Odriozola, mejor conocido como Toto Yulelé.

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Para empezar, ¿cómo fueron tus inicios en la música? Desde muy pequeño fui aficionado a la música, pero recién en la adolescencia comencé mis primeros proyectos explorando géneros como el Punk, Hardcore y el Ska. Unos años más tarde empecé a experimentar con ritmos folklóricos de mi país (Uruguay), y a componer música más cercana a esos géneros. Tuve varios proyectos antes empezar a presentarme como solista como Toto Yulelé. ¿Qué artistas o agrupaciones te influenciaron?

Sobre todo los grandes músicos de mi país: Jaime Roos, Eduardo Mateo, Fernando Cabrera, Martin Buscaglia. También han sido gran influencia mis amigos compositores de Uruguay y Argentina: Papina de Palma, Julián Oroz, Salvador García, entre otros. Tengo entendido que en el año 2013 das comienzo a tu proyecto como solista. Háblanos de tus proyectos anteriores. ¿Te fue difícil abrirte camino en la música como músico solista? Cuando llegué a Montevideo formamos una banda llamada Limpiando Encontré Monedas, con la que editamos un disco en el año 2012. Simultáneamente comencé a grabar mi primer disco solista, que se editó al año siguiente. He tocado mucho en estos últimos años, y no sé si decir que es “difícil”, pero sí que lleva mucho TRABAJO, CONSTANCIA, y sobre todo PACIENCIA. Si uno hace las cosas de corazón y trabaja mucho, los caminos se van abriendo solos. Hace ya unos meses salió tu más reciente disco titulado De cuando aluminé, y el cual fue producción independiente. ¿Cómo fue el proceso de edición y grabación? El proceso de grabación duró dos años. Fue mi primera experiencia trabajando con un productor artístico, en este caso un gran amigo y gran músico llamado Federico Araújo. Fue un proceso largo y de mucho trabajo, pero quedamos muy contentos con el resultado y pudimos disfrutar mucho de hacerlo juntos. ¿Cuántas canciones trae el disco? Diez canciones. ¿De qué hablan las canciones? Son reflexiones, sentires o historias a partir de cosas que me pasan. Todo tiene su correlato con la realidad. Es un disco muy sincero. ¿Algún video oficial? Aún no hemos hecho videos, pero estamos trabajando para editar uno este año. ¿Cómo fue recibido el mismo tanto por el público como por la prensa especializada?

Muy bien. He tenido lindas devoluciones del público, y el disco está siendo escuchado y está circulando. Con respecto a la prensa, he tenido más repercusión fuera de mi país que dentro del mismo. ¿Dónde se puede adquirir este disco? El disco está disponible para su escucha y descarga gratuita en https://totoyulele.bandcamp.com, además hay ediciones físicas que las vendo yo mismo en los recitales. En unos días el disco va a estar disponible además en Spotify y Youtube. ¿Aparte de De cuando aluminé, cuántos discos tienes realizados? Éste es mi segundo disco como solista. Anteriormente edité Jugar en el año 2013, también de forma independiente. Me imagino que como artista has tenido la oportunidad de presentarte en diversos escenarios, así como compartir con diferentes artistas. ¿En qué lugares te has presentado y con quién has compartido escenario? Dinos alguna presentación que te haya marcado de manera especial y por qué. Me gusta mucho tocar en vivo y viajar con mis canciones. He tocado en muchos lugares de Uruguay y Argentina, compartiendo con muchos artistas locales con los que me siento identificado, ya sea musical o humanamente. Dos fechas importantes para mí fueron el “Encuentro de Cantautores” en Alta Gracia (Córdoba, Argentina), y la presentación oficial de mi último disco, que se realizó en el Auditorio Nacional del Sodre, una sala emblemática de nuestro país. Coméntanos un poco sobre la gira “Gira de Desconciertos”. ¿Por qué se caracterizaron estas presentaciones? ¿En qué lugares te presentastes? ¿Cómo te acogió el público? La gira de “Desconciertos” fue una gira que realizamos con dos cantautores amigos (Papina de Palma y Julián Oroz) en la que recorrimos varias provincias de Argentina, compartiendo escenario con diferentes artistas de las localidades que visitamos. Tocamos en Rosario, Córdoba, Alta Gracia, Río Cuarto, Buenos Aires y La Plata. El público nos recibió muy LaCarne Magazine

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bien, y gracias a esa gira volvimos a tocar varias veces a esas ciudades. Fue una experiencia importante para nosotros. En el 2014 tu proyecto Toto Yulelé resultó ganador en el certamen Canto Joven, organizado por la Secretaría de Juventud de la Intendencia de Montevideo. ¿En qué consistía este certamen? ¿Cómo te sentiste al saber que resultaste ganador? ¿Cuánto representó esto para tu carrera como músico solista? El certamen consistía en una presentación en vivo en la que cada artista presentaba tres canciones. Resulté ganador ese año, junto con otros dos músicos. Fue reconfortante recibir un premio porque me ayudó a generar mayor visibilidad a mi música, y porque recibí un premio económico que me sirvió para poder grabar mi segundo disco. Mas allá de eso, no creo que en el arte los concursos sean de gran relevancia, es algo muy subjetivo, y no creo tampoco que yo sea mejor o peor que los demás artistas que se presentaron. Para mí fue como un juego, y también la oportunidad de presentarme en la Sala Zitarrosa, que es una sala muy importante de Uruguay. Aparte de tu más reciente disco De cuando aluminé, ¿qué otros planes podemos esperar de Toto Yulelé para este 2017?

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Este año planeo presentar el disco en Uruguay y Argentina. Además, estoy trabajando en la realización de algunos videoclips, y planeo en el año 2018 empezar la grabación de un nuevo material. Me gustaría poder viajar y conocer nuevos países llevando mi música a todos los lugares que pueda, para que mucha gente las escuche. Hago canciones para que las escuche la gente, y para poder aportar algo de Amor al mundo. Ése es mi objetivo y espero poder seguir cumpliéndolo. Bien, gracias, Toto, por tu tiempo para esta entrevista. Un saludo a todos los lectores de LaCarne Magazine, los invito a escuchar, descargar y compartir mi último disco, y estoy profundamente agradecido por el espacio que me brindan para compartir lo que hago. Ojalá podamos cruzarnos pronto en persona! Abrazos desde Montevideo, Uruguay! ¶

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a envidia de músicos y bateristas, un ejemplo de que cuando tienes tus metas trazadas, no importa nada más. Así es Demian Arriaga, un venezolano radicado en Los Ángeles que se tomó un par de minutos de su apretada agenda musical para concedernos esta grandiosa entrevista. Así que, conozcamos a Demian Arriaga. ¿A qué edad empezaste a tocar la batería? ¿Cuándo te diste cuenta que el mundo de la música era lo tuyo? Empecé más a o menos a los 12 años. Siempre fui “el músico del colegio”, y amaba todo lo que tenía que ver con el Rock y tocar batería. Un día oí a unos muchachos en la escuela tocando “More Than Words” de Extreme, mi canción favorita (de mi banda favorita), y en ese momento pensé que me gustaría hacer música seriamente sin saber cómo, ni entender por qué. ¿En qué momento decidiste mudarte de país y cómo ha influenciado esto en tu carrera? Decidí mudarme en el año 2000. Es decir, que tengo casi la mitad de mi vida viviendo en USA. Absolutamente todo lo que he logrado en mi carrera se lo debo a la decisión de haberme mudado. Luego de graduarme en Venezuela quería estudiar música en la mejor universidad posible, y Berklee en Boston siempre era la referencia. Afortunadamente me aceptaron y me gradué en el año 2004. Me quedé allá 3 años y luego me mudé a Los Ángeles, donde vivo actualmente. Tengo entendido que has trabajado con artistas de la talla como Demi Lovato, Jonas Brothers y el gran Yordano. ¿Cómo fue tu experiencia compartiendo tarima con estos artistas? De verdad, siento que he sido muy afortunado por haber trabajado con gente de ese nivel, y también porque todos han sido personas increíbles. Con esto me refiero a que muchos amigos músicos en la industria han tenido ex-

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siente el drum con

demian arr

periencias no muy favorables con varios artistas, pero yo, de verdad, la he pasado increíble. Demi Lovato es de las mejores cantantes del mundo, y oírla todos los días fue de verdad hermoso. Los Jonas son como mi familia, y trabajan más duro y fuerte que cualquier persona que haya conocido en mi vida, se merecen toda la fama que tienen. Yordano, a pesar de ser una leyenda, es la persona más humilde que te puedas imaginar. ¿Qué es lo más emocionante que has vivido en tu carrera musical? Sumando a la pregunta anterior, de verdad, nada se puede comparar a mi emoción de haber tenido la oportunidad de trabajar con los ídolos de mi infancia, como lo son Gary Cherone y Richie Kotzen. Crecí soñando trabajar con ellos o verlos en vivo, y hoy puedo decir que trabajé con ellos. Eso ha sido hasta ahora lo más importante de mi carrera en cuanto a ego se refiere, aunque quizás muy pocas personas saben quiénes son ellos en comparación con Iggy Azalea o Nick Jonas. ¿Hay alguna musa que inspire el beat de tu Drum o en qué te inspiras para crear música? Siempre he sentido que la batería es un instrumento que acompaña y que esa musa o inspiración es más eficiente y musical si proviene de canciones que tengo que complementar, o

Foto por Photography Tamea

riaga por ahí me inspira el artista con quien voy a tocar. Siento que todo me inspira, no sólo las cosas musicales, sino el deporte, mis amigos, y la vida en general. Muchos músicos piensan que uno necesita inspiración para trabajar y creo que es lo opuesto, el trabajo es lo que invoca la inspiración y creatividad. ¿Qué es lo que más te gusta de ser músico? Ser músico involucra muchas cosas: tocar en vivo, grabar, componer y dar clases, entre otras cosas. Como músico, amo viajar, conocer gente nueva, compartir shows con grandes personalidades, pero también el montarte en una tarima y saber que ese mismo sitio estuvo parado un Beatle, o alguna leyenda. ¡Eso es mágico! Grabar en estudios legendarios también es increíble y surreal. Ser parte de una canción que impacte a la gente y las mueva, emocionalmente hablando, también es fabuloso. Lo que hoy día me llena y gusta más es poder compartir mis experiencias y conocimiento con mis alumnos privados, y a través de mi podcast (The Music Mentor Podcast) y los videocasts de “Consejos Musicales” que hago semanalmente. Me apasiona ayudar a otros a cumplir sus metas en la industria musical. Sabemos que eres un As de la batería, ¿hay algún otro instrumento que toques? (Risas) Muy generosas tus palabras. Toco

bajo, guitarra, y por supuesto muchos instrumentos de percusión. Amo aprender, pero reconozco que instrumentos como el piano y el violín son un reto demasiado difícil, el cual no pienso afrontar en un futuro cercano. ¿En qué te encuentras trabajando en estos momentos y cuáles son tus proyectos a futuro? Desde hace un par de años vengo trabajado con una artista llamada Valen. Estamos ensayando bastante y preparándonos para tocar en LA. Recientemente grabé con Nick Jonas y tengo una posible gira con una banda llama Heffron Drive, pero en esta industria nada es predecible. Volviendo a mi pasión por ayudar, ando enfocado en mi podcast, y expandiendo mi red dando clases vía Skype de Mentoring Musical y vocacional. Nos compartes algún secreto para los músicos que están empezando. Respondería esto en 2 partes. Primero, todos tienen que saber que sus sueños, por más absurdos e imposibles que parezcan, pueden volverse reales. El secreto es saber que el talento es solo una parte de una ecuación muy extensa y complicada. Hay que ser profesionales, perseverantes, responsables, puntuales, y mil cosas más que son igual o más importante que el hecho de ser bueno en un instrumento. Humildad en grandes cantidades nos regaló Demian Arriaga en esta entrevista. A pesar de trabajar con pesos pesados de la industria, este joven nos demuestra cuán agradecido es por cada momento y oportunidad que ha tenido a lo largo de su carrera, y, muy importante, nos recuerda que, por más absurdos e imposibles que parezcan, tus sueños pueden volverse realidad. Síguele la pista a Demian Arriaga en sus redes sociales y no pierdas de vista sus próximos proyectos. ¶

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esde Valencia llega Raven’s Gate, cuarteto curtido en el Metal melódico y el Power Metal. Sus orígenes se remontan al año 2012. En estos pocos años se han consolidado como una de las mayores revelaciones del panorama Metal español, y han compartido cartel con nombres como Opera Magna, Ankor, Dünedain, Dragonfly, L’endeví, Sylvania o Edhellen. Mezclan influencias de Metal melódico finlandés, y sin renunciar a sus raíces consiguen llegar sin pestañear a los estándares europeos. Sus canciones están impregnadas de una temática llena de fantasía y misticismo, donde lo imposible y asombroso se hace carne encima del escenario. Porque ese es uno de sus mayores puntos fuertes: el escenario. Gracias a Raven’s Gate por acceder a responder la entrevista, y dar la oportunidad de expandir y conocer más la banda. La banda comienza en el 2012, y ya en poco tiempo comienzan a realizar conciertos. ¿Cómo fueron los inicios de la banda? El comienzo de Raven’s Gate y su avance fue bastante, ya que antes de formarse físicamente ya había editado una demo de 3 temas. Eso nos permitió salir mucho más fuerte, por lo que los primeros pasos de Raven’s fueron inesperadamente buenos. En el 2013, poco tiempo de llevar formados, la banda saca su debut discográfico titulado Defying Gravity. ¿Cuéntanos acerca de esta producción y si aún está disponible? Defying Gravity fue un punto muy importante en la historia de la banda. Un LP muy elaborado en el que nos enfrentamos por primera vez al desafío del estudio. Nos permitió liberar muchas ideas, y crecer como músicos a medida que íbamos conociendo cómo funcionaba el asunto de las grabaciones profesionales. Nuestro técnico se volcó con nosotros, cosa que fue de gran ayuda y por lo que siempre estaremos agradecidos. Efectivamente, este álbum está disponible en

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raven’s ga intensos y metaleros nuestra tienda online y en todos los directos de la banda. Dime si estoy equivocado, pero como que sus letras tienen una temática algo de misticismo y de fantasía. ¿Estoy en lo correcto? Así es. No hacemos ascos a historias más terrenales, pero siempre nos gusta convertir cada historia en algo más. Darle una atmósfera 100% nuestra para convertir cada canción en una pequeña fábula con la que transmitir algo más personal, y aprender de ella. ¿Cómo se puede catalogar a Raven’s Gate,

ate como una banda de Metal melódico, Power Metal…? Sin duda lo de las etiquetas es un tema complicado. Creemos que es cerrarnos fronteras, por lo que preferimos que juzgues por ti mismo escuchando nuestro trabajo. Puede ocasionar que alguien nos pueda clasificar rápidamente antes incluso de escucharnos, y eso puede inducir a error. Si no estoy errado, este nuevo álbum Blackstar Machinery salió vía Art Gates Records. ¿Es cierto? ¿Algún otro sello se ha interesado en la banda? ¿Qué ha ofrecido éste que otros

no? Art Gates es un sello que conocíamos de cerca, y, sabiendo que consta de grandes profesionales, nos aporta gran seguridad que pocos sellos podrían ofrecer. Aparte de eso, se vuelcan en sus bandas y trabajan duro para hacer que nuestra música pueda llegar lo más lejos posible. Su trato personalizado y consejo también nos ayuda a avanzar hasta niveles que no habríamos imaginado. ¿Tú o algunos de los integrantes de la banda tienen proyectos paralelos o están de lleno en Raven’s Gate? ¿Quiénes son actualmente los LaCarne Magazine

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integrantes de Raven’s Gate? Actualmente, nuestro baterista, Rodrigo Puché, milita también en la banda de Metal Progresivo The Third Grade. Por suerte es un gran profesional y sabe repartirse muy bien para dar el 100% en ambas bandas. Es una suerte contar con él. El resto de la formación actual son Arturo “Megamuerte” Romero a las voces, Aitor Francés al bajo, y Manuel Blasco a la guitarra, que entró hace poco.

como banda.

Blackstar Machinery es un álbum del 2016 con el cual han obtenido muy buenas reseñas por parte de la prensa metalera. Coméntame sobre este disco. ¿Hay diferencia de aquella banda de los inicios con la actual? Hemos rodado mucho y la formación también ha evolucionado y cambiado. Un grupo como Raven’s Gate requiere de gran dedicación, por lo que no siempre es fácil conciliar otros proyectos, pero, a pesar de todo, tenemos la fortuna de que todos los músicos que han pasado por la banda son y han sido de una calidad enorme. Actualmente hemos madurado tanto musical como compositivamente, así que no podemos estar en mejor momento.

¿Podrías contar algo de la escena de Valencia? ¿Conocen algo de la escena cubana? La escena en Valencia creo que se encuentra en un gran momento. Tenemos la fortuna de contar con bandas increíbles como Opera Magna, In Mute, Noctem... Sin duda ilusiona. No tengo la fortuna de conocer bandas de Cuba, lamentablemente, pero ahora que la isla empieza a retomar contactos con el exterior estamos seguros que no tardaremos en conocer también bandas de Metal muy espectaculares provenientes de allá.

En pocos años han logrado consolidarse en el ámbito metalero español, y compartir con grandes de la escena. ¿Qué ha significado esto para la banda y en lo personal para sus integrantes? Siempre es una ilusión poder acompañar a bandas de un calibre que nunca hubiésemos soñado antes. Es una gran oportunidad para ganar renombre, aprender de gente muy experimentada, y establecer una buena amistad. La verdad es que, hasta la fecha, hemos sido afortunados de poder tocar con grandes músicos, y excelentes personas también. Se dice que su puesta en escena es algo impresionante. ¿Cómo es un concierto de Raven’s Gate? Intensidad. Buscamos emocionar e implicar al público, nuestra bandada, en el ritual que supone para nosotros cada actuación. No nos gusta ofrecer menos del 100%, y eso se nota en directo. Es nuestra marca de identidad

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¿Cuáles han sido tanto nacional como internacionalmente las bandas que han influido en el trabajo de Raven’s Gate? Es complicado responder a eso. Cada músico tiene unas influencias distintas, y la cantidad de bandas que nos gustan es casi incontable, pero quizá tenemos una reminiscencia de las bandas melódicas del norte de Europa. Nos encanta el Metal escandinavo.

¿Qué podemos esperar de Raven’s Gate para lo que viene? Es un gran misterio. Solo podemos asegurar que se acerca una gira apasionante en España, y con algo de fortuna, nuestra primera incursión en el exterior. Es toda una gran aventura. Bueno, amigo, este espacio es tuyo. ¿Algún mensaje para la escena cubana y los lectores de esta revista? Ante todo, gracias por la oportunidad de responder a vuestras preguntas, y enhorabuena por este puente que tendéis entre Cuba y España. Creo que el Metal es un lenguaje universal que podremos disfrutar juntos. Por parte de la bandada, esperamos poder conoceros ya sea vía digital, o en nuestros conciertos. Hail the Raven! ¶

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vhäldemar

heavy metal desde bizkaia LEER MÁS

eavy Metal potente y explosivo es lo que nos trae esta banda Bizkaina. Con más de dos décadas de creada, Vhäldemar goza de una gran trayectoria dentro del panorama rockero de España. En este 2017 la banda se lanzó a todo motor, y hasta el momento ha sacado dos trabajos discográficos y ya tienen otro que verá la luz el próximo octubre. Sobre estos nuevos proyectos musicales, inicios y trayectoria de la banda, así como de otros detalles, nos comenta en exclusiva Adolfo WB (bajista).

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Saludos a los miembros de Vhäldemar y sean bienvenidos a LaCarne Magazine, revista de musica internacional. Es un placer poder entrevistarlos. Buenas, gracias a vosotros por vuestro apoyo. Tengo entendido que la banda nace a finales de los años 90. ¿Cómo surge la idea de crear Vhäldemar y quiénes son sus miembros actuales? Vhäldemar nace de la mano de Pedro J. Monge (guitarrista) y Carlos Escudero (cantante), ambos son los únicos miembros que permanecen desde entonces, unos años más tarde se úne Gontzal (batería) después yo, Adolfo WB (al bajo), y finalmente Jon Koldo

Tera (teclista)

das Priest o Yngwie Malmsteen.

He escuchado varios temas de la banda y he notado que defienden un buen Heavy Metal y en inglés. ¿Por qué siendo de España decidieron cantar en inglés y no en español, como la mayoría de las bandas? Carlos es muy fiel a este estilo de música, y es su mejor forma de expresarlo, de otra forma no sería Vhäldemar.

El pasado 21 de abril salió en un doble CD sus dos primeros álbumes, Fight to the End (2002) y I Made my Own Hell (2003), junto con 5 temas extras. ¿Por qué decidieron volver a reeditar estos dos álbumes? ¿Cómo fue recibido esto por los fans de la banda? ¿Dónde se puede adquirir este doble CD? Esto se decide porque, de algún modo, se quería actualizar los temas que marcaron un inicio a la banda. Algunos de ellos los seguimos tocando en directo y hacen temblar el sitio donde son ejecutados, vemos que la gente los disfruta y es por ellos por lo que se decide hacerlo. Además, Pedro lleva Chromaticity Studios, así que en ese sentido tenemos la

¿Qué bandas los influyeron para que decidieran escoger el Heavy Metal como el estilo de Vhäldemar? Pues desde los primeros álbumes de Helloween hasta el último trabajo de Symphony X, pasando por grandes como Manowar, Ju-

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facilidad de poder hacerlo. Este doble CD se puede pedir enviando un mail a vhaldemarmerchandising@gmail.com También el pasado 4 de mayo salió el EP Digipack titulado Old King´s Visions, del cual tengo entendido solo se hicieron pocas copias. ¿Cómo nace la idea de realizar este EP? ¿Cuántas copias se hicieron del mismo y dónde se puede adquirir? Se han realizado sólo 600 copias, tanto el EP como la camiseta se pueden pedir en el mismo mail (vhaldemarmerchandising@gmail.com). Para ver más detalles sobre el EP o el resto de merchan, toda la info está disponible aquí. La idea fue lanzarlo para poder mostrar una esencia de lo que está por venir a finales de año. Si te ha gustado el EP, seguro que Against All Kings te gustará también. Sí, el próximo mes de octubre verá la luz vuestro nuevo álbum titulado Against All Kings. ¿Qué nos pueden comentar de este nuevo trabajo de la banda? ¿Cuántas canciones traerá? ¿Qué temáticas abordarán en las mismas? ¿Mantendrán el mismo estilo que en los trabajos anteriores? Va a ser un gran disco, se está invirtiendo muchísimo y estamos apostando muy fuerte para poder parirlo. Estamos muy convencidos de este nuevo material. Old King’s Visions es la prueba de lo que va a caer en octubre, ya que mantendrá bien alto ese nivel compositivo En agosto próximo Vhäldemar está confirmada

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para participar en el Leyendas del Rock Festival, donde compartirán escenario con bandas como Megadeth y Arch Enemy entre otras grandes bandas. ¿Cuánto representa para la banda participar en un festival tan importante como éste y estar tan cerca de leyendas? Para nosotros es una gran oportunidad poder exponer nuestro frenético setlist al lado de tantas grandes bandas. Siempre que el Leyendas ha querido contar con Vhäldemar para su festival ha habido buenas sensaciones al terminar, y mejores críticas tanto de los medios como de la gente que nos escribe directamente. Por ejemplo, la última vez que fuimos allí tocamos un poco tarde, y ya había pasado bastante tiempo desde nuestro último lanzamiento, pero ver todo el recinto abarrotado de gente esperándonos a esa hora nos hizo ponernos las pilas y dimos un gran concierto. Sin duda, este 2017 es un año bastante cargado para la banda. ¿Qué otras sorpresas nos deparará Vhäldemar para este año? Pues hace unos días se ha hecho pública la distribución de Against All Kings en Japón para lanzarlo allí a finales de año a través del sello Red River Records, pero todavía quedan un par de cosas antes de finalizar el año. Bien, antes de terminar, agradecerles por su tiempo y les deseo mucha suerte con sus planes para este 2017. Gracias a vosotros por la entrevista. Contar con medios como el vuestro nos anima mucho a seguir haciendo buena música. Por supuesto, gracias los seguidores de la banda por estar en primera línea en cada concierto, hemos tenido el placer de conocer a muchos personalmente, sois todos la hostia. A los que todavía no conocen a Vhäldemar, pues animarles a escucharlo, está disponible en un montón de plataformas, Itunes, Spotify, etc... y si les queda cerca alguno de nuestros conciertos, que se pasen a conocer directamente al grupo. ¶

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os amigos con un sueño en común: ser Djs reconocidos internacionalmente.

A pesar de los obstáculos que se encuentran en su camino, estos dos artistas siguen con el

mismo ánimo de aprender y crecer en el mundo de la música. Con tal de sentir esa adrenalina en el momento de estar frente al público, todas esas dificultades son mínimas para este par de Djs venezolanos. ¿Cómo fue su inicio en el mundo de la música? A finales del 2013 iniciamos el dúo Jockerts y Rabbyg. Todo comenzó cuando Fernando

jockerts y rabbyg 2 amigos con un sueño común

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Rafael gamboa, RabbyG, empezó a pinchar en Virtual Dj. Luis David Leal, Jockerts, era su vecino desde hace muchos años, y se la pasaba con él en todo momento. Más que amigos, hermanos desde la infancia, se tenían mucha confianza. RabbyG le enseñó el nuevo software a Jockerts, y a él le gustó. A la semana hicimos unos ahorros y compramos nuestra primera consola, una Behringer 2000. ¿Qué genero electrónico prefieren? ¿Por qué? Progressive House, y House. Son géneros muy enérgicos y muy bailables, sobre todo por el hecho de que el House combina perfectamente con voces a capelas latinas. ¿Cuál ha sido el mayor obstáculo en su carrera como músicos? Nuestro mayor obstáculo ha sido surgir en nuestro país, ya que estamos pasando por una situación muy difícil y los instrumentos para producir o pinchar no se consiguen, sino en el extranjero. O se consiguen, pero con un costo muy elevado, aunque seguimos luchando por nuestras metas sin importar los obstáculos que se presenten. ¿Qué sensación tienen cuando están frente al público? Es única. Por lo general siempre estamos nerviosos, con mucha adrenalina al momento de salir frente al público.

feliciten al terminar nuestra presentación. ¿Algún protocolo antes de subir al escenario? Siempre pedirle a Dios que nos salga todo bien.

¿Qué ha sido lo más loco que han presenciado en una presentación? En nuestro primer toque frente a 2000 personas, se nos apagaron los equipos y todos se nos quedaron viendo como que “qué malos djs”.

¿Han pensado en separarse alguna vez? En este año 2017 le ha cambiado la vida radicalmente a Jockerts, y tiene que tomar una gran decisión, y es quedarse en su país o irse a Chile, pero a pesar de esto no planeamos dejar de ser un dúo. Aunque estemos distanciados y tocando separados, seguiremos siendo Jockerts y RabbyG.

¿Cómo se describirían el uno al otro? Jockerts es del tipo de persona enérgica y a la vez reservado. En cambio, RabbyG es del tipo de persona muy reservada y madura a la hora de trabajar. Ambos somos personas sociables que les apasiona llevar lo mejor de su música a su público.

¿Cuál es su visión a futuro? Ser reconocidos tanto nacional como internacionalmente, tocar en los mejores festivales y eventos de nuestro país o de otros países, y trabajar con Djs reconocidos. ¶

¿Cuál ha sido la mejor experiencia que han tenido en una presentación? Que todas las personas nos aplaudan y nos

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i te quieres divertir, solo tienes que escuchar al príncipe del son”, eso y mucho más nos contó Yilmar Zilguero, un hombre versátil, que ve la música como el hilo que conecta toda existencia, es apasionado y entregado a todo lo que hace. ¿Cómo empezó su historia en la música? Todo comenzó desde muy niño, escuchando música de colección con mi padre, Edgardo Silguero Torres. Él era un gran admirador de la música de Son, de cuerdas y boleros. En general de la música cubana y afroantillana. ¿Qué clase de músico se considera? Versátil, de un gran oído con buena métrica, pongo el alma y sentimiento a todo lo que interpreto o compongo. ¿Se considera usted un salsero? La Salsa es el producto de la evolución del Son. Si eso es así, me considero más un sonero que un salsero. A parte de ser músico es médico. ¿Cómo se complementan ambas carreras y qué relación tienen? Además de medico soy abogado. Es una combinación un tanto exótica, pero igual son artes que interactúan y que, aunque corren paralelas, convergen en un punto: sentimientos humanos. Dicen que la música es una ciencia en la que día a día hay nuevos descubrimientos. ¿Coincide con esto? La música va de la mano con la evolución de la humanidad misma. Los colores y los sonidos son propios de la naturaleza humana, por ende, la música como integrante fundamental de dicha evolución es cambiante y va a la par del mundo contemporáneo. La música debe evolucionar, estamos de acuerdo con ello, pero en el género que interpreto dicha evolución no debe ir en contra vía de la esencia y de las raíces propias del ritmo, la síncopa o la

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yilmar zilg un sonero de ley

clave, eso es fundamental. ¿Cree que la música tiene el poder de transportar al oyente a diferentes lugares? Claro, no sólo a lugares, si no a momentos que han marcado la vida de quien la escucha, la disfruta o la interpreta. Retrotrae la memoria, activa y aumenta el flujo de recuerdos en el cerebro, a través de la producción, de lo que conocemos como neurotransmisores (serotonina/dopamina), generando excitación, placer, sueño, euforia o tristeza. Todo depende de la tonalidad, el ritmo, la letra, el círculo armónico, y otro sin número de variables más. Hablemos un poco de su nueva producción Colombia, Cuba y Puerto Rico, unidos en una sola voz. Es una producción donde conjugamos varios verbos musicales, tres grandes naciones unidas por la voz de un colombiano con ascendencia cubana, pero barranquillero de nacimiento. En él plasmo una variedad de ritmos como el Son contemporáneo, la Trova cubana,

guero el seis puertorriqueño... En fin, un recorrido por lo más representativo de la cultura caribe y afroantillana, con una propuesta nueva enfocada hacia el SON LIGTH, continuando el legado del maestro Polo Montañez (Fernando Borrego Linares), un son lento pero alegre a su vez, romántico con una armonía y unos arreglos sutiles, delicados y trabajados con amor y sentimiento, con letras que exaltan a esa mujer femenina en su querer, en su andar y su pensar, romántica y que irradia luz, donde además implicamos a modo de sinergia el tres cubano con el cuatro puertorriqueño con el acordeón, las guitarras, el Babby Bass, una percusión que marca nuestra voz, y colores de voz que provocan exquisitez y sentimiento. ¿Cuál cree que es la esencia de su disco? Mi esencia es cultura caribe, es un son moderno, evolucionado, del mundo y para el mundo, un son hecho a mi manera, a la de Yilmar Zilguero y su banda. ¿Cuáles son los planes a futuro para Yilmar

Zilguero: giras, conciertos, viajes? Inicialmente, terminar mi gira en Colombia. Ya hemos recorrido las cuatro ciudades más importantes. Hemos viajado a España este 28 de mayo. Centroamérica, Cuba, Puerto Rico y República Dominicana en el segundo semestre de este año, Dios mediante. ¿Qué le puede decir a la gente que no conoce de su música, cómo los invitaría a escucharlo? Si te quieres divertir con encanto y con primor, sólo tienes que oír a Yilmar Zilguero, el príncipe del son. Agradecemos a Yilmar Zilguero por su tiempo, su carisma, y su son, y les recordamos visitar sus redes sociales por donde podrán enterarse detalladamente sobre las fechas de su gira. ¶

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DH es una banda de Heavy Metal procedente de Argentina. Sus comienzos se remontan al 2007, cuando Claudio Martínez, luego de la separación de su anterior banda, empezó la búsqueda de músicos para una nueva formación. VDH es una banda influenciada por bandas nacionales como Hermética, Almafuerte, El Reloj y bandas internacionales como Dream Theater o Steve Vai, entre otras. En ocasión de la preparación de su segundo álbum, les ofrezco esta entrevista respondida gentilmente para LaCarne Magazine por su vocalista Claudio Martínez. Claudio, formaste parte de la banda Extraños Personajes, y luego de tu separación de ésta, comienzas a buscar los músicos para crear VDH. ¿En algún momento de aquellos inicios imaginaste que VDH fuera a llegar a ser tan importante para ti como lo es ahora? Antes que nada, quería agradecerte, Omar, por realizarme esta entrevista y estar pendiente siempre de lo que es Metal Emergente en todo el mundo. Muchísimas gracias y espero que lo sigas haciendo siempre porque esto es algo que nos favorece y enriquece a todos los artistas del Metal, para que este fuego nunca se apague. Claro. Fue algo bastante complicado, tuve que luchar muchísimo tiempo para poder llegar a lo que VDH es hoy en día: una banda con una formación estable, un disco de estudio y actualmente terminando las composiciones de lo que es su segundo disco. Jamás pensé que llegaría a ser tan importante como lo es actualmente para mí. Es más, jamás pensé que la música iba a llegar a ser algo tan importante para mí, y que llegue a abarcar más del 50% de mi vida actualmente. Pero todo esto me pone muy orgulloso porque veo mi esfuerzo reflejado en la cosecha. ¿Cómo dirías que suena ahora VDH en comparación con el 2007? No hay comparación. Más allá de que en 2007 la banda sonaba muy bien, teníamos un esti-

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vdh

pisando fuerte en el me lo marcado, y ese mismo estilo es el que nos marca hoy en día. Pero, hoy en día puedo decirte que VDH suena como una banda profesional. Nosotros nos subimos a un escenario a brindarle un show a la gente y que disfruten de la música que hacemos. Hay seriedad, compromiso y mucho trabajo detrás de cada show de VDH, pero a la vez siempre hay que disfrutar cuando las cosas salen bien. ¿Cuál fue la mayor complejidad que afrontó la banda en sus inicios? Una de las mayores complejidades que afrontó la banda fue no poder mantener una formación estable durante más de 6 meses. Nos visitaban músicos muy volátiles que no querían asumir un compromiso, u otros que al escuchar la música y la presión que nosotros metemos (porque realmente no es algo fácil trabajar con Leandro, guitarra, y conmigo, jaja), desistían de la idea de formar parte de la banda.

etal Se conoce que excelentes músicos conforman la actual alineación de VDH. En este aspecto, ¿quiénes conforman la banda y qué experiencias previas tienen antes de haber entrado como músicos fijos en esta agrupación? Así es, hoy en día la banda está conformada por Tomas Soria en batería, quien antes de estar en VDH estuvo en varias bandas y en un tributo a Linkin Park, hoy en día también se encuentra de baterista en la banda Infrahumano. Víctor Palma (Billy) en bajo, quien actualmente se encuentra trabajando de Luthier en la zona de Capital Federal de Buenos Aires, Argentina, y participó en bandas anteriores como Normandia y Altera Pars. Leandro Napolitano en guitarras, quien me acompaña en esta lucha hace 10 años, y en voz, Claudio Martínez, el pelado. De Nuestra Tierra es un álbum que contó con la participación de reconocidos músicos ar-

gentinos. ¿Qué representó para ustedes haber tenido estas colaboraciones en su primer álbum? Es verdad, en De Nuestra Tierra participaron Gustavo Cipriano (cantante de El Reloj, banda muy reconocida acá en Argentina en el rock progresivo desde los años 80), Claudio Tano Marciello (guitarrista de Almafuerte, banda muy reconocida en Argentina en el ámbito del Rock pesado y el Metal) y Juan Locomotora Esposito (baterista de El Reloj, que fue el baterista que trajo el doble bombo a la Argentina, lamentablemente fallecido el año pasado en 2016). Nos representó muchísima alegría porque, más allá de poder estar grabando nuestro primer material, lo estábamos haciendo con personas muy importantes en el ámbito del Metal, las cuales nos daban todo su apoyo para que pudiéramos seguir creciendo día a día, con lo que nos encontramos agradecidos eternamente.

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Tengo la sensación que el disco De Nuestra Tierra está teniendo muy buena aceptación y repercusión. ¿Siente lo mismo? De Nuestra Tierra tuvo mucha más repercusión de la que nosotros estábamos esperando. Fue aceptado por muchísima gente en el ámbito del Metal, y tuvo muchas buenas críticas en revistas de Metal como Headbangers y Efecto Metal, como también en prácticamente todos los Fanzines que actualmente están haciendo publicidad de Metal, como Metallica Fanzine, etc. ¿Qué representó para la banda plasmar este disco? Hoy, transcurrido un cierto tiempo desde su edición, ¿están satisfechos con el álbum? ¿Sienten que los representa en total forma? Para VDH, grabar este disco representó el final de una etapa de mucho sacrificio y lucha para iniciar otra donde hay que caminar y

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mostrar nuestro arte, pero más que nada fue finalizar un ciclo que hacía varios años que tratábamos de cerrar y no podíamos por todas las trabas que nos surgían. Estamos muy conformes con el audio final del disco. Escuchándolo después de dos años le seguimos encontrando ese gustito a audio limpio y lindo que buscábamos. Excelente trabajo realizado por Federico Días en Lairs Studios. VDH, un nombre sugerente para una banda, Vicio De Hermanos. ¿Por qué este nombre? ¿Es así la relación entre ustedes, de hermandad? Sí. Realmente muchos han pasado y muchos nos han criticado, pero si esta hermandad no fuera verdadera yo creo que no hubiéramos durado todos estos años. La banda estuvo desintegrada por un tiempo. ¿A qué se debió el periodo de inactividad de la

Háblanos un poco sobre la lírica y temática de VDH, ¿qué quieres transmitir con la música y la letra? ¿Qué bandas los han inspirado en toda su trayectoria? Yo creo que la letra y música de VDH es especialmente particular al margen de cualquier otra banda. Las canciones pueden llevarte para lados inesperados, y que hables de lo que menos puede pasarte por la cabeza. Ya sea situaciones vividas, historias, reflexiones, realidades, etc. Hay muchas bandas que nos han sido de influencia desde Pibes con Leandro, bandas como Hermética, Almafuerte, Horcas, Iron Maiden, Judas Priest, Megadeth, Dream Theater, Serpentor, etc.

Foto por Victor komparak banda? ¿Qué los motivó a reagruparse nuevamente y continuar adelante? Así es. La banda se había disuelto en un momento donde yo (Claudio) me encontraba pasando por una situación no muy favorable en mi vida. Hubo varias discusiones internas en ese momento, y decidimos separarnos. Yo terminé yéndome a vivir a dos horas y media en colectivo del barrio donde yo nací. Por ese motivo se nos hacía prácticamente imposible poder seguir con los ensayos, y poder profundizar en la profesionalización de la banda. Después de un tiempo, Leandro (guitarra) vino a buscarme, y me planteó que nos volviéramos a juntar nuevamente, pero solamente él y yo de la antigua formación. Así es como de nuevo arrancamos a buscar integrantes para la nueva formación de VDH en 2012, ya con la idea fija de grabar un disco de estudio profesional.

¿Cómo ves la escena en Argentina? ¿Qué bandas destacarías? ¿Hay apoyo de los medios hacia el Metal en general? La escena en Argentina está más viva que nunca. Hay muchísimas bandas emergentes. Puedo destacar muchísimas como Exilio, Sobre tus Cenizas, No Guerra, Calvario, Osamenta, Thorax, Jeriko, Watchmen, Horcas, y puedo seguir nombrando. Apoyo hacia el Metal no hay mucho. La mayoría que “apoya” al Metal, y son medios muy importantes, cobran una fortuna, pero sí hay apoyo haciendo el Rock o Rock pesado en canales de aire, y públicos donde muestran bandas emergentes y también dan clases de música como el caballero Diego Mizhrahi. En cuanto a conciertos, ¿están muy activos en esta materia? ¿Cuáles han sido los conciertos más importantes de la banda y con quién han tenido el gusto de compartir escenario? Actualmente VDH viene frenando un poco los conciertos por el tema de la composición de los temas para el segundo disco. Por suerte, pudimos compartir escenario con varias bandas de renombre como Almafuerte, Horcas, Tano Marciello, Jeriko, Serpentor, Buenos Aires Rock Pesado, etc. Con casi una década tiene que ser muy satisfactorio ver que todavía llegan a nueva gente en nuevos territorios. A nivel latinoamericano, ¿qué respuestas tuvieron del exterior? ¿Tienen propuestas para hacer giras? Es muy lindo ver la reacción de la gente y ver LaCarne Magazine

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cómo nuevas personas escuchan nuestra música y les atrae muchísimo, nos piden discos, remeras, nos hablan y comparten las cosas que sintieron y sienten al escuchar nuestra música..., es algo que no se paga con nada. Las respuestas del exterior fueron muy buenas. Estamos caratulados como una de las bandas exponentes del Heavy Metal Argentino Emergente, tuvimos varias propuestas para ir a tocar al exterior como Cuba, por ejemplo, pero por dificultades monetarias nunca pudimos ir. Claudio, tú has estado siempre haciendo música en algunos proyectos personales, incluso estuviste impartiendo clases de canto. Cuéntanos un poco sobre este lado de tu trayectoria. Siempre trato de no estancarme en el tema musical, porque lo tomo como algo que no tiene un conocimiento final, sino que la música cada día te sorprende más y más. Por eso grabé varios temas como solista y en otros proyectos también como artista invitado, como en el actual disco salido del horno de mis amigos de Predicador Metal, y por eso también me incorporé a la banda de Thrash Thorax como su nuevo vocalista, en la cual ya grabamos el adelanto del segundo disco oficial, y nos encontramos grabando el material final del segundo disco. También hace dos años que vengo dando clases de canto personalizadas, y ahora estoy empezando con las Clases de Canto Online vía Skype para que cualquier persona que tenga una buena conexión a Internet pueda tomar clases de canto donde quiera que esté. Y este año estuve estudiando todo lo que es grabación, edición, mezcla y masterizacion, por lo que los discos de Thorax y VDH van a estar producidos por mí totalmente. ¿Tiene alguna particularidad el que la banda resida en Buenos Aires, siendo sin duda una de las ciudades de Argentina donde existe mayor cantidad de público para el Metal? ¿Tiene algo en especial el público de esta ciudad en comparación al de otras partes del país? El público que vive en la Ciudad de Buenos Aires tiene la posibilidad de elegir a las bandas que quieran ir a ver un viernes o un sá-

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bado a la noche. Mira la agenda y tiene fácil 5 o 6 fechas para ir a ver bandas de Metal. En cambio, el público que vive en el interior no goza de esta facilidad. Ya sé los lugares donde se realizan fechas de Metal en el interior, son muy controlados y la mayoría están prácticamente monopolizados por el gobierno provincial para dejar que se ejecuten los recitales que a ellos les parecen convenientes, como, por ejemplo, les pasó a los muchachos de Vorax, que yendo a tocar al interior se encontraron con la gendarmería en la entrada del pueblo, prohibiéndoles el ingreso a éste e informándoles que el lugar donde se realizaría el show se encontraba clausurado. ¿Hay algunos adelantos para un posible nuevo álbum? ¿En caso afirmativo, se podría adelantar algún detalle? Sí. Se viene un nuevo álbum para VDH. Yo creo que va a estar saliendo para principios del año que viene. Actualmente tenemos la mitad del disco ya compuesto, y seguimos componiendo los temas que faltan hasta para alcanzar 11 o 12 temas aproximadamente. Los temas tratan mayormente de una problemática social general, tratando de reclamar nuestros derechos pisoteados por el gobierno. Seguramente haya algún adelanto para fines de año posiblemente. Gracias por responder a estas preguntas. ¿Algunas palabras que quieras hacerles llegar al público? De nada. Muchísimas gracias a ustedes por haberse tomado el tiempo de generar esta entrevista para con la banda. Nos encontramos muy contentos de que nos tengan en cuenta y estén preocupándose contínuamente por el transcurso y el progreso de VDH. Les mandamos un abrazo gigante a todos los que forman parte de su staff, y a todos nuestros hermanos del Metal que día a día nos dan esa mano firme que nos deja seguir avanzando. Los queremos mucho, ¡Aguante el Metal Emergente! ¶

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Foto por Victor komparak LaCarne Magazine

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