LaCarne Magazine N63 by LaCarne Magazine

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Nº63 - AGO 2017 - AÑO 6

grillo villegas

emblema del rock boliviano ENTREVISTAS

EXPERIENCIAS

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kontaminación akustika

grillo villegas - naked warning - light among shadows - libellula - dj makka - against myself hola chica - picaporters ángel hasegawa - distrust

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SUMARIO N63 aÑo 6 ago 2017

experiencias 06 mundo dj 08 korn 12 teatro crítico investigación 18 kontaminación akustika entrevistas 26 grillo villegas 32 naked warning 36 light among shadows 40 libellula 44 dj makka 46 against myself 50 hola chica 54 picaporters 58 ángel hasegawa 62 distrust contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición

Colaboradores

jpalomo, maribel pérez, alfonseka, alejandro pérez, julio abella, OMAR VEGA, JULIE MARÍN

Pedro Gallardo

http://lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

Foto Portada por cecilia fernández

* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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MUNDO DJ LEER MÁS

+ MÚSICA ELECTRÓNICA PARA FAMILIAS

Djs que eran destacados de este tipo de música, y el 21 de Junio hubo un evento en Madrid que fue encabezado por Eatingroof, que hizo un directo, y completó el cartel Fractal 6, miembro fundador de Klangmaschine.

El festival de música electrónica llamado Bruch-In The Park, volvió al parque Tierno Galván de Madrid todos los domingos hasta el 16 de Julio. Es una buena iniciativa para padres y madres que les gusta esta música y no pueden salir por las noches, y así disfrutar con sus hijos a la vez en el parque contando con actividades para los pequeños. Otro dato es que los menores de doce años no pagaron entrada, y para los demás costó 5€. En el área llamada Petit Brunch se permitió el acceso con los niños hasta las siete de la tarde.

El lugar para celebrarlo fue en “El Lumbral de la Primavera”, sala de teatro y actividades culturales alternativas. Si quieres escuchar un poco de este gran artista, os dejo aquí su enlace de Soundcloud + REPASO DIFERENTE A 100 AÑOS DE MÚSICA

Para más información podéis acceder a ella en el siguiente enlace: Más info + REGRESA KLANGMASCHINE Este evento nació hace unos años para acercar la música experimental a un mayor número de personas, fomentar a los artistas del lugar y difundirla, ya que están más alejadas de las pistas de baile y eventos comerciales. En su primera etapa desfilaron productores y

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Es un viaje sonoro que se proyecta de forma oral lo que a lo largo de dos años Jorge Sánchez de la Campa ha recopilado y analizado, toda la información de cómo la música electrónica ha influido en la evolución de la música

contemporánea a lo largo de los últimos años. Se ha plasmado en un documental radiofónico que se llama Cien años de Conexiones, dividido en 16 capítulos de más de una hora de duración, donde se repasa las diferentes épocas y lugares emblemáticos. Permitirá al oyente viajar por la etapa de la música Disco, los orígenes del Hip Hop, el inicio del House en Chicago, la escena Techno de Detroit, etc.

DISPONIBLE EN VINYLO Y DESCARGA DIGITAL 1

Se puede oír de manera gratuita de la app “Connections”, y la puedes descargar aquí. + LUCIANO EN EXTREMADURA EN EL FESTIVAL LAGO

DOSEM “Behind Your Eyes”

DAVID HERRERO “Tierra”

DJ HELL “Car Car Car”

CARL CRAIG “At Les”

FLASHMOB “Last To Come”

TADEO

“Chronicles Of The Future”

El sábado 5 de Agosto se celebrará, en la localidad cacereña de Jaraíz de la Vera, el festival Lago en una lugar emblemático, que se convierte todos los veranos en una zona muy concurrida por los turistas gracias a sus dos piscinas naturales y a sus gargantas.

STAFFAN LINZATTI “Beyond Our Control”

Pasaran Djs como Stacey, Pullen, Karretero, Gonçalo, Carlos Chaparro, Raúl Pacheco, Sergio Athos, más artistas locales.

MIKE DEHNERT “Between No Words”

DANIEL ANDREASSON “Komfort”

KEITA SANO “Not Too Late”

Comienza a la una de la tarde y se desarrollará durante trece horas non stop. Las entradas las puedes conseguir en Correos y Entradas a tu Alcance.

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korn regresa!

analizamos “the serenity of suffering”

esde hacía ya bastante tiempo (años se podría decir), los más fans estaban esperando un disco de Korn con el que la banda volviera a recuperar todo el tiempo perdido. ¡Finalmente, ese disco llegó! The Serenity of Suffering se titula el más reciente disco de esta alocada y explosiva banda de Rock, que reventó estadios enteros con temas como I did my time y Y’all Want A Single. Después del fracaso que supuso Untouchables, su anterior trabajo, la agrupación cayó en un punto en el que empezó a perder fans, algo que como todos saben no es buena señal para nadie. Por eso, desde ese mismo instante, Korn decidió buscar un camino, una dirección para lograr salir del enorme bache en el que habían caído.

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A pesar de esto, hay que reconocer que Korn nunca ha dejado de tener éxito. Y eso lo demuestran los más de 10 discos con que cuentan, algunos de los cuales han ganados premios Billboard. Pero a pesar de eso, Korn tuvo una época oscura, en la que la afluencia de fans a los conciertos disminuyó, y el trabajo experimental con el Dubstep, y otros sonidos característicos de la música electrónica, no ayudó a un renacimiento de los mismos. En mi opinión, creo que esto se vio agravado por la salida del guitarrista Brian Welch de la banda. Por eso, a partir del 2014, Korn poco a poco recuperó su supremacía y reclutaron un nuevo guitarrista, pero su música no evidenciaba el imperecedero interés. Por eso, creo que con la salida al mercado de The Serenity of Suffering, Korn tiene en sus manos el sonido ideal para argumentar el revuelo causado por la reunión con su antiguo guitarrista Welch.

De manera general, en este disco podemos escuchar la diversidad de riffs, una consolidada melodía y un rendimiento de primer nivel de Jonathan Davis, la voz maestra detrás de todos los temas. Aparte de esto, el disco suena fresco con sonidos que me recuerdan a la etapa del 2000 de la banda.

Korn – “The Serenity of Suffering” El disco abre con Insane y Rotting in Vain, temas que elevan el estereotipo de Korn a su máxima potencia. Presencia de un potente

bajo, heavy riffs y una tonelada de inquietud de Jonathan Davis, así como el asunto de retornar a los orígenes de la banda, caracterizan los mismos. Le sigue Black is the Soul, un tema mayormente lento y rítmico, en el que se puede apreciar a Jonathan Davis entonando sobre un melodioso teclado y una guitarra que se ejecuta por una línea de bajo. Vale destacar aquí la parte rápida del tema, justo en el medio del mismo. A medida que avanzamos en el disco, poLaCarne Magazine

demos escuchar una marcada influencia de Untouchables, presente en la multiplicidad de los temas, así como el atronador sonido de la melodía. Algo que llama la atención es el uso que se le da al borde agresivo, algo que hacía muchos años no se usaba por ninguna banda. Esto se hace evidente en la voz de Jonathan Davis, que incluye canto, gritos y un toque de gruñidos guturales (la mayoría de las veces en capas superpuestas).

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Otra característica son los riffs, los más poderosos y potentes que han usado desde hace muchísimo tiempo. Esto, conjugado con los coros que te enganchan a la primera, le dan un sentido de melodía destacado, haciendo de este disco toda una explosión cañera. Temas como Die Yet Another Night muestra la faceta más experimental de Korn, algo que siempre ha caracterizado la sonoridad de la banda. A pesar de eso, se deleitan de un buen equilibrio entre innovación y coherencia.

Take Me es un excelente ejemplo de la torcedura y potencia metalera de los riffs. Además de poseer un estribillo funesto y oscuro, que recuerda a las viejas costumbres. A Different World constituye para mí el mejor tema del disco, pues para esta ocasión Korn reclutó nada menos que a Corey Taylor (vocalista de Slipknot y Stone Sour), y a la vez es uno de los temas más heavy que han hecho en bastante tiempo.

los mejores discos de la banda en 20 años de carrera, en donde sus miembros han sabido hacer un recuento de su carrera, y escogieron las partes con las cuales trabajar mejor, combinándolo con nuevas ideas y sonidos frescos. El resultado es The Serenity of Suffering, con un sonido bastante fresco, actual y renovado. Como siempre te digo, si no te has hecho de una copia de este disco, corre entonces y consíguela. Créeme, no te vas a arrepentir. ¶

No cabe duda de que estamos ante uno de LaCarne Magazine

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teatro crítico de la diputación de cáceres

encuentro con Miguel Hernández de Teatro Guirigay son los títulos de las obras que se han representado. LEER MÁS

esde el pasado 11 de Junio Teatro Crítico lleva recorriendo algunas de las localidades de la provincia de Cáceres.

Aún podremos disfrutar de las obras que se representarán en Teatro Crítico, ya que durante el mes de Julio también recorrerán otras tantas localidades para hacer disfrutar, y también reflexionar, al público de toda la provincia. Teatro Crítico, llevado a cabo por la Diputación de Cáceres, pretende acercar a los ciudadanos a los temas que preocupan a la sociedad de nuestros días, y todo ello a través del teatro. La temática de las obras que se representan durante el programa abordan de manera crítica los problemas de nuestra sociedad actual, como la violencia de género, la soledad del ser humano, la crisis, la xenofobia, etc. En total serán 18 las localidades por las que Teatro Crítico pasará durante este periodo estival. Durante junio se han llevado a cabo representaciones en varias localidades de la provincia de Extremadura, como Salvatierra de Santiago, Carcaboso, Peraleda de la Mata, Torrequemada, Garrovillas, o Caminomorisco entre otras muchas.

A través de la música, la poesía o el humor se busca un objetivo muy claro, una reacción, una reflexión por parte del público. El éxito de la pasada edición ha hecho que Teatro Crítico se represente este año en un total de 18 localidades, ocho más que el año pasado. Además, en lugar de contar con una sola compañía teatral, en esta edición son cinco compañías, que además, son extremeñas. De esta forma, como destacaba el Diputado de Cultura, “además de llevar la cultura a todos los municipios de la provincia, en este caso también hacemos un esfuerzo para apoyar y dar oportunidades a compañías extremeñas, que, gracias a su trabajo, ayudan a los ciudadanos a ser un poco más libres, porque eso es lo que permite la cultura”.

Las representaciones de Teatro Crítico Contra la Democracia - Compañía Teatro El Noctámbulo

El Diputado de Cultura, Álvaro Sánchez, destacaba el origen extremeño de las compañías teatrales encargadas de llevar a cabo las representaciones. Teatro El Noctámbulo, Contra la Democracia; El Bujío, El Quijote en una Europa de duelos y quebrantos; Teatro Maltravieso, La inauguración y Vis a vis, y Un LaCarne Magazine

Esta obra forma parte de una trilogía en la que se reflejan los horrores y las contradicciones del mundo actual en el que vivimos. El director plasma su visión del mundo contemporáneo, y su visión sobre el hombre y su papel en este mundo. Para ello, Esteve Soler recurre a escenas duras, reales, terroríficas, palpables…

conocen y descubren, a lo largo de la obra, que sienten lo que pensaban que ya jamás volverían a sentir.

El propio Esteve Soler comentaba “Si el espectador sale de mi obra tal como ha entrado, he perdido. Para mí, lo importante es que el público haya cambiado interiormente. Y para ello, el humor es esencial. Siempre he querido jugar con un cóctel de géneros, un choque entre la comedia y el horror”. Más información sobre Teatro El Noctámbulo en el siguiente enlace. El Quijote en una Europa de duelos y quebrantos – Compañía El Bujío

En la obra viajamos a través de los sentimientos, la incomunicación, la soledad, el miedo, etc. La inauguración – Compañía Maltravieso Teatro

La obra se sitúa con Don Quijote reposando en su cama las heridas de la batalla de los molinos junto con su amigo Sancho. El famoso hidalgo se enfrenta en sus pesadillas a una Europa sorda, ausente ante la llamada de los refugiados que esperan ayuda. Una obra que desde la ficción abre los ojos del público a la realidad, a la crisis migratoria actual. Vis a Vis – Compañía Maltravieso Teatro Vis a Vis es una representación en la que, a través de la música, la poesía y el movimiento, un hombre y una mujer de vidas solitarias se

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La estupidez humana es el tema principal de esta obra, en la que encontramos mucho humor. Una pareja decide invitar a un amigo a la inauguración de la nueva decoración de su piso. Durante la inauguración, la pareja alardea del mundo feliz y perfecto en el que viven ante su amigo, al que las cosas no parecen irle tan bien. El amigo de la pareja va encajando los golpes de la mejor manera posible, pero poco a poco la obra va dando un giro… ¿quién sabe lo que

puede pasar? Siempre se ha dicho que la realidad supera la ficción. Un encuentro con Miguel Hernández – Compañía Teatro Guirigai En esta representación, el espectador hará un recorrido por la vida de Miguel Hernández a través de 40 poemas. Dos actores y una actriz interpretan los múltiples “yo” del autor, dotando de movimiento y materia teatral la intensa carga emocional de la poesía de Miguel Hernández. La Comisión de Cultura del Congreso declara el 2017 como “Año Miguel Hernández” para conmemorar el 75 aniversario de la muerte del poeta (28 de marzo de 1942), poeta universal cuyos versos son patrimonio nacional. Con motivo de dicho aniversario, Teatro Guirigai remonta “Un encuentro con Miguel Hernandez”, espectáculo estrenado en 2010 en el aniversario del poeta de ese año, y que dejó una profunda huella, tanto a la compañía como al público. Más info sobre Teatro Guirigai en el siguiente enlace.

Próximas fechas de Teatro Crítico Durante el mes de Julio las compañías de teatro llevarán a más localidades las representaciones que componen el programa de Teatro Crítico. Aquí os dejamos las fechas: 11 jun.- Salvatierra de Santiago: El Bujío/Casa Cultura/18:00 h. 16 jun.- Carcaboso: Maltravieso“La Inauguración”/Casa Cultura/21:30 h. 16 jun.- Peraleda de la Mata: Teatro Guirigai/Casa Cultura/22:00 h. 16 jun.- Torrequemada: El Bujío/Casa Cultura/21:00 h. 17 jun.- Cabezabellos: Maltravieso “La Inauguración”/Salón Parroquial/21:30 h. 17 jun.- La Pesga: El Noctámbulo/Casa Cultura/22:00 h. 23 jun.- Gargüera: Maltravieso “Vis a Vis”/Nave Multiusos/22:00 h. 23 jun.- Romangordo: el Noctámbulo/Centro Cultural La Fuente/20:00 h. 24 jun.- Mirabel: El Bujío/Centro Social y Cultural/22:00 h. 25 jun.- Torrecillas de la Tiesa: El Noctámbulo/Casa Cultura/22:00 h. 30 jun.- Valdehúncar: Teatro Guirigai/Casa Cultura/20:30 h. 1 jul.- Castañar de Ibor: Teatro Guirigai/Casa Cultura/20:30 h. 1 jul.- Garrovillas: El Bujío/Corral de Comedias/22:00 h. 14 jul.- Caminomorisco: Maltravieso “Vis a Vis”/Centro Social/21:30 h. 15 jul.- Abertura: Teatro Guirigai/Casa Cultura/23:00 h. 16 jul.- Navezuelas: Maltravieso “Vis a Vis”/Casa Cultura/22:30 h. 17 jul.- Torremenga: El Noctámbulo/Plaza de España/22:00 h. 22 jul.- Villanueva de la Vera: El Bujío/Auditorio Municipal/21:30 h. Más información sobre Teatro Crítico en el siguiente enlace. LaCarne Magazine

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INVESTIGACIÃ&#x201C;N

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kontaminación akus música alternativa en bolivia

a salir del molde de nuestro círculo social y, claro, musical por añadidura).

xisten pocos libros dedicados a la documentación de la Historia de la música alternativa en Bolivia. Hubo varias publicaciones de artistas dedicados sobre todo al Folklore en diferentes regiones, y esto en sí debe ser un trabajo dificilísimo, pero, siendo honesta, tampoco he escuchado de alguno que haya sido publicado en los últimos años (parecemos tan desconectados entre géneros y escenarios en nuestro propio país que ya no sé si es culpa de la escasa difusión de eventos fuera de determinados públicos, o si somos nosotros los que nunca nos aventuramos

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El único texto que vale la pena mencionar (y quizá tristemente sea el único libro de Rock boliviano que haya sacado una segunda edición aumentada) es el de Marco Basualdo, Medio Sigo-Rock Boliviano. Marco, viajero que documenta lindas experiencias fuera de la ciudad en varias entregas de La Razón, se dedicó a reunir información básica pero esencial de bandas bolivianas desde los años 60 del siglo pasado. Como introducción, nos presenta un breve análisis de cómo el contexto político y social del país influye en cada década (en épocas de dictadura, y con toque de queda, no había

claro. Y me gusta ver proyectos de fusión, me gusta que el retorno a lo ancestral haya llamado la atención de muchos músicos jóvenes, siempre y cuando no crean que un instrumento vernáculo es el medio para ganar popularidad. ¿Habrá habido huayños tan bien bailados en un concierto de Metal hace 20, 30 años como el que vi en un concierto de Alma Eterna hace dos o tres? No tengo idea, pero algo es algo. A nivel temático, sin embargo, las letras en cada género siguen los conceptos subjetivos y personales de los músicos, y sus respectivos ámbitos musicales. La demanda política, la reivindicación de derechos sociales, la expresión de ideologías siempre se encontró en el Metal, el Punk, incluso el Reggae-Ska.

stika mucha forma de tocar. ¿O sí?), pero luego retorna la democracia al país, y la música florece de las cenizas de un régimen dictatorial que suscita letras conscientes, letras vivas, y que luego mutan en el fenómeno Loukass y su famoso Akasa.

Ésta es la historia, en mi opinión, que refleja la realidad de la manera más fiel (o al menos menos obtusa). Mientras estas letras develen las injusticias, las pequeñas o grandes violencias que se esconden y perpetúan en nuestra sociedad (sea cual sea el gobierno de turno), nosotros sabremos diferenciar entre un problema coyuntural y uno estructural, sabremos el verdadero alcance del discurso.

Pero menciono esto porque el último capítulo se empapa del nuevo Estado Plurinacional, el nuevo discurso del hegemónico Proceso de Cambio. Basualdo, en una entrevista con Axesso, comentó que esta etapa se manifestó en la música, aunque quizá esperaba un mayor despertar, algo más, no sé…

Olvidamos las historias que no queremos escuchar, miramos de lado cuando no queremos ver lo crudo y cruel de nuestro entorno. La verdad no siempre es dulce. Por eso creo que Kontaminación Akustika debe ser recordada en el tiempo, en este tiempo en especial, por las mismas razones por las que sería olvidada.

¿Qué podemos decir de la música alternativa en el Estado Plurinacional? Personalmente, creo que a nivel instrumental el cambio es

Gracias infinitas a Vico por el tiempo dedicado a esta entrevista.

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Kontaminación Akustika y su regreso a los escenarios La historia de Kontaminación Akustika

taminación Akustika vivió un poco más, tocaron hasta 2007/2008, pero los hermanos fundadores tenían varios asuntos que pusieron en receso la banda.

Esta banda, Kontaminación Akustika, comienza en 2004 por iniciativa de dos hermanos, Andrés Quiroga y Felipe Quiroga (mejor conocidos como Fish y Frush). A finales de ese año, con dos composiciones ya hechas, convocan a Vico para entrar de bajista. Por último, entra Ramiro de vocalista, entre 2005 y 2006, dando lugar a la primera alineación seria del proyecto. En un principio, tenían el nombre de AntiFashion, aunque una experiencia lo redefinió. Vico recuerda:

No se supo más hasta luego de seis años, cuando Vico y Ramiro se reunieron y decidieron volver a tocar juntos. A mediados de 2014 fue reclutado el baterista, Fabio Podrido, y en guitarras entraron Lucho Sucio y Cristopher. Ésta fue la segunda alineación completa. Antes del receso tenían 13 temas que lamentablemente no fueron grabados. La mitad de ellos se perdieron, pero se rescataron 7 del antiguo repertorio, y también se empezó a componer.

“Ensayábamos en la casa de los hermanos, que era por Villa Copacabana. En su dormitorio, específicamente, y lo tapábamos con los colchones de sus camas para que no saliera el sonido. Nos dábamos modos.

Hubo varios cambios en la alineación de guitarras por varias razones, pero hoy la alineación tiene a Pato (guitarrista de Dual Namida e Indignación) en rítmica, y a José en guitarra base.

Ensayábamos tanto ahí que una vez -todavía eramos AntiFashion– nos llegó una carta de la Junta de Vecinos que decía que esta casa iba a tener una denuncia porque hacía mucho ruido y de acuerdo a las ordenanzas municipales no se podía exceder en tantos decibeles. Nos iban a denunciar por contaminación acústica. Qué buen nombre, dijimos. Y ahí se quedó”.

La primera generación de Kontaminación Akustika

Este cambio sucedió a finales de 2005. Kon-

“Pertenecíamos al colectivo Anarco Punk Hardcore, de jóvenes que oscilaban entre los 14 a 20 años, donde todos pregonaban las ideas libertarias, anarquismo, ecologismo, feminismo, comunismo libertario…, sacaban fanzines con ideas políticas de la coyuntura de ese entonces. Salíamos de la era de Goni, entonces había una fuerte rebeldía en la juventud. Era un momento de transición, era de alguna u otra manera favorable, y existían muchos espacios de índole político. Uno de ellos era la Plaza San Francisco, donde había varios debates y

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organizaciones sociales con las que congeníabamos. Nos abrían las puertas para hacer conciertos ahí, aunque también había otros espacios.

Muchos de ellos ya no supieron qué hacer, lamenta Vico. Algunos se dedicaron a la música, otros se fueron. Muchos dejaron las ideas. Muy pocos continuaron.

Era una época muy buena, y creo que somos la única banda que quedó de todo el colectivo, porque en aquel entonces estaban varias bandas con quienes gestionamos un disco compilado de la Comunidad. Ese fue nuestro primer material autogestionado”, explica Vico sobre la primera etapa de la banda, antes del largo receso.

Esos años existió toda una serie de agrupaciones con diversos temas y demandas sociales. Colectivo Libertario Activista CLAC, Colectivo Red Verde, de índole ecologista, colectivos feministas, que finalmente se redujeron a la Organización Anarquista por la Revolución Social y Colectivo Juvenil Anarco Comunista, los grupos más serios y con ideas más plasmadas que incluso publicaban periódicos en los que apoyaban demandas sociales.

Las letras tocaban temas sociales, ecologistas y políticos. No todos pensaban de forma similar en el colectivo, pero Kontaminación Akustika siempre estuvo bajo la creencia de que, ya sea un partido de izquierda o derecha, era lo mismo.

A finales de 2008 todos ellos se habían separado. Y Kontaminación Akustika también.

Kontaminación Akustika hasta el 2014

Con esa misma creencia, el 1° de Mayo de 2006, el colectivo se acopló a la marcha de la Central Obrera Boliviana por el día del trabajador, con un tinte 100% anarco comunista. Y es que no había corrientes libertarias que marchen esa fecha, a excepción de ellos: “En un principio había rechazo, hasta que escuchaban nuestras consignas. La gente apoyaba. Me acuerdo que hasta el máximo dirigente de la COB nos vino a hablar. Rompía con el estereotipo de que a los punks les vale todo, una cuestión más nihilista. Era un colectivo que tenía un referente a hacer construcción social”.

Sin embargo, éste fue debilitándose por otras influencias ideológicas, y ambigüedades generadas por nuevos miembros del extranjero. El colectivo decidió tomar una pausa en 2008.

La época del 2012 fue marcada por una ola represiva de parte del gobierno. Nadie se manifestó por temor. El 2012 la lucha del TIPNIS ganó mucha fuerza. Eran los movimientos de jóvenes los que más apoyaban y protestaban. Pero el gobierno empezó una persecución. “Allanaban casas, arrestaban a varios compañeros…, se armó una especie de cortina de humo que dividió todo el movimiento que había”, dice Vico. Y esto también se plasmó en la música. No hubo colectivos, agrupaciones, ni actividad de bandas Punk. Hasta el 2014. Querían volver a empezar de nuevo con la música. Recordaron los temas y decidieron que había que documentar los temas, por el riesgo a que luego podrían volver a perderse. Así, se grabó un demo ensayo en Demencial Records, un estudio de grabación en La Paz LaCarne Magazine

“La verdad no siempre es dulce. Por eso Kontaminación Akustika debe ser recordada en el tiempo, en este tiempo en especial, por las mismas razones por las que sería olvidada” que apoya a bandas emergentes. Fue un ensayo demo casero de 50 copias físicas, con 7 temas, bajo el nombre: “Marcando Territorio”. Y fue una nueva forma de renacer, tomando lo positivo del pasado acoplado a lo nuevo. 3 temas del primer compilado volvieron con ciertas modificaciones, pero con la misma esencia.

Hasta ahora

Hoy, luego de una reestructuración, un retorno a los escenarios el 2015, y una fase de composición que sigue hasta el día de hoy, Kontaminación Akustika reafirma su plan de grabar un material profesional, y presentarlo de acuerdo a las posibilidades de los miembros. En esa reinmersión se encontraron con varias bandas jóvenes que, aunque irónicamente, piensan que Kontaminación Akustika es nueva. Eso no importa, concluye Vico, y me nombra a toda esta nueva ola con Rabia, Gatos del tejado, Desquiciado, Ni olvido ni perdón, un pequeño movimiento que de a poco vuelve a surgir. ¶

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Fotos por Cecilia Fernández

ablar con un referente del Rock boliviano como Rodrigo Grillo Villegas es un honor. Mis memorias retroceden hasta 1992, cuando presenciaba un festival de Rock boliviano, organizado en el colegio Franco Boliviano, llamado “ROCK – BOL”. Ahí alucinamos con la banda Loukass, que sacó inmediatamente su disco debut bajo el sello Discolandia, un clásico dentro de la discografía de música contemporánea de Bolivia. Marcaron la pauta y onda musical durante los inicios de los 90’s, consagrándose en 1994 con el disco “Akasa”. Yo, en la promoción de colegio, hice un disco de culto aquella joya de la música hecha en este suelo. Nos identificamos muchos con himnos como Feel High, No reces al Sol, La Torcida. Posterior a la separación del cuarteto paceño, Grillo inicia una carrera ascendente en su proyecto LLEGAS. Yo tuve el orgullo de ir a la presentación del CD debut “Huye el Sol” en 1996, y ahora poder hablar del nuevo material en 2017. Para LaCarne Magazine en exclusiva. Gracias, querido Rodrigo Grillo Villegas. Tu nuevo disco ya está listo, “Yo es Otro”. Cuéntanos todos los detalles de la flamante producción en 2017. Este álbum está grabado en Elektra Estudios en La Paz por Andrés Martínez. Los músicos que participan son: Mauricio Cardona (batería), Heber Peredo (piano), Iván Guzmán (percusión), Marco Maciel (coros en tres canciones), Grillo con todas las guitarras y las voces, y al bajo también Grillo (cuatro canciones), Raúl Flores (dos), Peque Gutiérrez (dos) y Efraín Blass (una). La mezcla y masterización en Santiago de Chile, a cargo del Ingeniero Joaquín García LaCarne Magazine

en estudio Artefacto. Cuenta con nueve canciones: Agonía, Cámara de eco, Bosque de neblina, Juego de espejos, Letanías, Love lies bleeding, Pintora, Dualidad y Sublime obsesión. Compuesto, arreglado y producido por Grillo Villegas. El diseño de portada y Booklet fue por Luis Aranda. El Grillo vuelve! Agotaste taquilla a casi un mes del evento del 13/14 de julio, habilitando funciones dobles (de tanda /noche) para responder a tu público que quiere volver a disfrutar de tu música. ¿Cómo te sientes ante tu público? Bendecido. Creo que sembrar sin prisa, ser consecuente con mi obra, respetar al público y al escenario, hace que este cariño inmenso se haga latente. Es mutuo.

tipo ABCDE, y arreglos de voces en diferentes técnicas. Hablando del videoclip, ¿qué tema? ¿Quién dirige? Cuéntanos sobre el rodaje. El primer videoclip lo dirige Luiz Canedo, y el tema es Agonía. Se realizó el rodaje en un solo día en los espacios de CineArte. Fotografía de Sebas Fernández y producción de Santi Loayza. No soy amigo de hacer cortos en los clips, es decir, no guiones ni historias, buenas escenas y una bailarina, Carolina Montero.

¿”YO ES OTRO” es un disco conceptual? Por supuesto. “Yo es Otro” es un álbum totalmente planificado y diseñado en todos los aspectos: textos, sonido, estructuras, narración y arreglos. Gira alrededor de una nueva propuesta armónica. En su gran mayoría, los acordes están invertidos hasta sus tensiones. Eso ha provocado nuevos paisajes armónicos en mi música, mucha armonía modal (aunque antes ya había incursionado un poco en esto), nuevas estructuras en las formas musicales. He extirpado el estribillo de las canciones, y ahora presentan una forma no repetitiva, más del

¿Qué es la música para ti, luego de entregarte a ella toda una vida? La música es mi mayor pasión en la vida. Le dediqué casi todo mi tiempo y mi vida. Soy feliz escribiendo, arreglando, grabando y, por supuesto, subiéndome a un escenario. También soy feliz asistiendo a conciertos de música que amo. Es una de mis excusas para seguir en este mundo despedazado. De tu “despedida” a tu “regreso”. ¿Cómo se siente el Grillo Villegas? En realidad no me despedí, cerré mi proyecto Llegas en 2015, luego de 20 años y 12 álbumes. En ese momento anuncié que empezaría la búsqueda de una nueva etapa y un nuevo álbum. Es éste. Me tomó dos años preparar todo para este disco, encontrar una propuesta distinta a lo que venía haciendo. Me siento excelente, cuento los días que faltan para volver al escenario y empezar a girar por el país en teatros. ¿Cómo vives estos nuevos tiempos donde, en

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particular acá (Bolivia), cada artista es su propio productor y “sello disquero”? Muy cómodo. No me gusta quejarme, me gusta hacer música. Soy independiente desde hace mucho. Excepto el primer álbum de “Llegas” (que pienso rescatarlo de la discográfica que lo retiene), todos los álbumes que saqué son míos. Eso me da tranquilidad. Con la modernidad y la aparición de redes sociales/internet aprendí mucho para integrar eso a mi vida profesional. Me muevo bien en las redes, de hecho, mis discos y conciertos básicamente los muevo casi solamente con redes. ¿Cuál es tu discografía completa? Los álbumes grabados y editados con Loukass: - Loukass (1992) - Akasa (1993) - Akasa en vivo (1994) - Akisitos (1999) - Akisitos II (2000) Los álbumes grabados y editados como Llegas y Grillo Villegas - Huye el sol... (1996) - Almaqueloide (1998) - El pesanervios (2000) - Espejismos (2000) - Revolver (2001) - Autosabotajes (2002) - Superjuguetes (2004) - Hidrometeoros 2 (2006) - Bipolar (2010) - Duramadre (2012) - #VieneElSol (2013) - Conciliábulos (2014) - Yo es Otro (2017) Representas al Rock boliviano. Te vibro como el buen sabio, mientras se hace mayor mas iluminación. Te agradezco mucho. El paso del tiempo nos entrega regalos y, entre ellos, la experiencia y sapiencia. En muchos sentidos. Es imperdonable que no los recibas. Es lo maravilloso de crecer. Un mensaje a toda la gente que te quiere y apoya ahora y siempre. Con la gente que me sigue solo tengo palabras de agradecimiento eterno. Hicieron posible que pueda vivir escribiendo canciones. Soy un privilegiado. Existe un mutuo cariño y respeto. Eso es invaluable. Gracias. ¶ Más información sobre Grillo Villegas en el siguiente enlace:

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naked warning

el comienzo de la euforia

a la casualidad que caí en la primera tocada de Naked Warning un jueves de agosto de 2013, en unos especiales de Rock que se hacían en un boliche bien conocido de La Paz. Mis pies se movieron solos hacia el escenario, al ritmo de canciones como Last Nite, Fluorescent Adolescent, Take me out y otros clásicos del Indie Rock.

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El vocalista tenía mucha actitud, al igual que la chica del bajo y la de la primera guitarra, dándole a esa noche un aire de “revelación”. Pero no sólo de covers vive el hombre, ya que desde ese entonces hasta hoy, la banda ha vivido varios procesos que los han llevado a lanzar finalmente este año su primer sencillo, Dear Friend. Lo primero que hubo en grandes cantidades entre los integrantes de la banda fue mucha química. Cuando Rudy Montes de Oca, el ba-

to, Naked Warning comenzó a tocar apenas unos meses de formado. No sabían cómo llamarse, y la primera tocada ya estaba demasiado cerca, así que hicieron muchas cosas para encontrar un nombre, incluso, más en broma que en serio, en la desesperación, recurrieron a una página que generaba nombres aleatorios para bandas. Entre varios otros que aparecieron esa tarde, Naked Warning fue el que más los hizo reír porque todos parecía relacionarse. Deambulando por una plaza, descubrieron que en la oscuridad una pareja deba rienda suelta a su deseo, y todos gritaron ¡Naked Warning! Pronto se dieron cuenta que ese punto de desinhibición que te desnuda, esa euforia desenfrenada, era lo que el grupo quería trasmitir. terista, conoció a la bajista Gabriela Raphael, se propusieron de inmediato hacer música. Rudy invitó a su amigo Carlos Mejía para tocar la primera guitarra, y Gabriela por su lado a Leonardo Valda, con quien tenía una banda en común para que cante, y a su amiga Paola Rodríguez, con quien tocaba en otra banda de Metal, llamada Las Valkyrias. Pero no era Metal lo que decidieron tocar, fue el género Indie que había entrado con patada voladora la 1era década del 2000. Al contrario de los otros proyectos que nunca dieron fru-

Desde ese momento han estado tocando en todo el circuito de la ciudad, con ensayos muy seguidos y un norte claro: llegar a un reconocimiento nacional e internacional, poder vivir de la música que hacen, y ser un punto de referencia en cuanto al Indie Rock boliviano se refiere. El año pasado, presionados por un festival muy importante llamado “La Juntucha”, que les exigía un mínimo de 3 composiciones para participar, pudieron iniciar ese proceso tan valioso con éxito, ya que ganaron el concurso en la categoría indie. Como la mayoría del grupo LaCarne Magazine

se lo toma en serio, hicieron un cambio para poder continuar, y la incorporación de Juan Pablo Flor en la primera guitarra fue muy importante para generar nuevas ideas junto a toda la banda. Las improvisaciones musicales del grupo fueron generando las canciones que ya están en proceso de grabación, y que junto a Dear Friend formarán un EP de 4 tracks, que estará listo a fines del presente año. La grabación y todo el resto del proceso está a cargo de Andrés Heredia, baterista de la banda Astrómata. Andrés entendió muy bien lo que Naked Warning buscaba, y los excelentes resultados pueden disfrutarse en el primer sencillo que está disponible en Spotify, y que en los próximos meses contará con un video. Las letras al principio fueron una herramienta más para la estética de las canciones, pero con el tiempo Leonardo ha querido volverlas más narrativas y sarcásticas, como en el caso de la canción 333, que trata de la muerte persiguiendo obsesionada a una persona. Y a pesar de la dulzura melódica, Dear Friend habla de la traición de un amigo, del desamor, el odio y la frustración que éste provoca. Cada una de las ideas son analizadas entre todos los integrantes, que aportan su talento y criterio para quede lo mejor. Agosto no es sólo el mes de los gatos, también es el mes de Naked Warning, que, además de celebrar un año más, estrenará nuevo guitarrista: Luis Gregorio Asturizaga, en un gran concierto el día 5 junto a Astrómata y Los James en el Alive Rockers Music Bar, y el 12 estarán en el festival Sopocachi Rock, derrochando toda la euforia de una banda que aseguro se ven espectaculares en la pista de baile.¶

Ver Facebook Ver Spotify Ver Facebook de Astrómata 34 LaCarne Magazine

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light among shadow terror y metal sinfónico

n espectáculo de Terror, Fantasía y Metal sinfónico. Todo ello es Light Among Shadows. Escuchar su música es adentrarse en un universo particular, donde las pesadillas más inquietantes y los cuentos de hadas cobran vida. Fundada por el guitarrista Adrien Fowl, su primer disco, “At the Gates of Dawn”, vio la luz en el año 2011. Gracias a este trabajo, la banda giró por toda España y compartió escenario con bandas nacionales. En 2012, su segundo LP, “Welcome... Back!”, obtuvo una muy buena acogida en los medios especializados independientes.

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Ahora, Light Among Shadows regresa con aires renovados gracias a la incorporación de María Barragán como cantante principal, y pronto ya a presentar su nuevo álbum. Adrien, guitarrista, nos cuenta más sobre la banda.

El universo particular de Light Among Shadows Hola! Un placer hablar con ustedes. ¿Qué nos pueden decir sobre sus sensaciones con este nuevo álbum “Under the Waves”? Hola! Aquí Adrien, guitarrista de Light Among Shadows. Es un placer para nosotros estar aquí contigo, aunque sea a distancia. “Under the Waves” es nuestro tercer trabajo

ws de estudio, y en el momento de responder a esta entrevista estamos finalizando los últimos detalles de la grabación de voces. Con este nuevo disco hemos intentado llevar la banda un paso más allá, tanto en lo musical como en las letras, imagen, producción, etc. Estamos cuidando al máximo cada detalle para ofrecer el mejor disco posible hasta el momento. Respecto a cómo nos sentimos con este trabajo, te puedo decir que estamos realmente ilusionados y emocionados, y estamos deseando poder compartir estas nuevas canciones con nuestros seguidores. Para los que no los conocen, ¿qué es Light Among Shadows?

Light Among Shadows somos una banda de Metal Sinfónico inspirada en cuentos de hadas e historias de terror. En 2011 lanzamos nuestro primer disco, “At the Gates of Dawn”, y en 2012 vio la luz “Welcome… Back!” Con estos dos discos hemos dado infinidad de conciertos, e incluso hemos sacado un par de videoclips que podéis ver en Youtube. Su primer álbum, “At the Gates of Dawn”, del 2011 les abrió las puertas con gira por España y compartir con grandes bandas. Coméntanos sobre esto. “At the Gates of Dawn” nos permitió entrar en la escena musical con un pie fuerte. Tanto, que nuestro primer concierto fue abriendo para Saratoga en Sevilla en 2011.

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“nuestra temática y nuestra puesta en escena son bastante personales. tenemos un directo muy fuerte en el que siempre nos dejamos la piel, independientemente de si estamos tocando para 50 personas o para 1000.” Sin embargo, el verdadero empuje lo dimos con “Welcome… Back!”. Fue este disco el que nos permitió pasar más de dos años de gira por España, llevando nuestro directo a muchísimas ciudades de nuestro país. ¿Qué diferencias vamos a encontrar en “Under the Waves” con respecto a su disco debut “At the Gates of Dawn”? “At the Gates of Dawn” fue un disco con el que tantear un poco la escena nacional, y ver si había un hueco para nuestra propuesta musical. Debido a la inmejorable acogida, en un año sacamos “Welcome… Back!”, donde realmente conseguimos lanzar un disco sin privarnos de ninguna idea, ni restricción alguna. “Under the Waves” supone una evolución importante para nosotros. Han sido cuatro años desde la salida del disco anterior, por lo que con nuestro nuevo disco vais a ver una madurez mucho mayor respecto a “Welcome… Back”. Hemos aprendido mucho durante este tiempo, y en las nuevas canciones nos hemos exprimido al máximo a todos los niveles, y creemos que el resultado va a ser totalmente impresionante. Además, va a ser la primera vez que trabajamos con Antonio Montes, nuestro productor actual, quien está consiguiendo un sonido a la altura de nuestras exigencias. También hemos ampliado el rango sinfónico de nuestras canciones. No solo habrá teclados, sino que hemos incluido una orquesta sinfónica completa, por lo que Under the Waves será más cañero, más potente, y más pegadizo y sinfónico que los dos discos anteriores. Va a ser un paso adelante muy grande.

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¿En qué se han inspirado a la hora de escribir las letras del disco? Para “Under the Waves” hemos ampliado un poco la temática de las letras. Light Among Shadows somos una banda inspirada en cuentos de hadas e historias de terror, pero en este disco hemos tratado algunos temas aparte. De cualquier modo, nuestra mayor fuente de inspiración a la hora de escribir las letras son libros, películas, videojuegos que nos han marcado en algún punto de nuestra vida, o que creemos que nos permiten llegar a sitios nuevos en los que aún no hemos estado. Hablando de canciones concretas, el reboot de Tomb Raider nos sirvió de inspiración para la canción Into the Storm. El libro “Todo lo que muere” (Every Dead Thing), de John Connolly, nos llevó a escribir In the Dark of Dreams, y además tenemos dos canciones inspiradas en dos obras maestras de la literatura en lengua inglesa: Deep Blue Sea está basada en “Moby Dick”, de Herman Melville, y el disco cierra con Blood and Thunder, canción inspirada en “Frankenstein”, de Mary Shelley. En general, para este disco nos hemos inspirado en historias que nos han conmovido y, de un modo u otro, nos han marcado. ¿Quiénes componen hoy la banda y qué influencias reconocen desde lo grupal? Actualmente la banda está compuesta por María Barragán a las voces, Chris Red al bajo, Alejandro Tineo a la batería, y un servidor, Adrien, a las guitarras. Mi mayor influencia a la hora de componer es Iced Earth, así que supongo que en nuestras canciones se puede reconocer esta influencia. Sin embargo, mis compañeros tienen gustos e influencias distintas, y al final todo se traslada a la banda, y creo que esto hace que sonemos de una manera propia. María es muy amante de bandas como Épica, Nightwish, Within Temptation, por ejemplo. Tineo quizá sea el mayor seguidor del Viking

Metal, por así llamarlo entre nosotros, y Chris nunca ha ocultado su interés en el Metal industrial. Algunos han dado comentarios de que suenan parecido a bandas como Evanescence, Within Temptation, Epica... ¿Qué les dirían a estas personas? Entiendo que por el estilo podrían catalogarnos en ese grupo de bandas, y no nos molesta lo más mínimo. Compositivamente creo que podríamos parecernos más a Evanescence o Within Temptation que a Epica, pero eso también depende de la visión y el criterio de cada oyente. ¿Cómo les ha ido con la incorporación de la nueva vocalista, María Barragán? María está trabajando con nosotros al mismo nivel que cualquier otro miembro de la banda. Realmente llevó muy poco tiempo para ella adaptarse a nuestra forma de trabajar, y consiguió integrarse al 100% muy rápido. Curiosamente, a día de hoy María lleva en Light Among Shadows más tiempo que la cantante anterior, que apenas estuvo dos años con nosotros, mientras que María va a hacer ya cuatro años. ¡Casi el doble de tiempo! ¿Qué elementos particulares piensan que los distinguen en su propuesta de Metal sinfónico? Creo que nuestra temática y nuestra puesta en escena son bastante personales. También tenemos un directo muy fuerte en el que siempre nos dejamos la piel, independientemente de si estamos tocando para 50 personas o para 1000. También diría que nuestra forma de componer, interpretar y entender nuestras canciones hace que Light Among Shadows sonemos como una banda distinta y con personalidad propia, sin renunciar a nuestras influencias principales. Desde aquí me gustaría invitar a todos los que nos están leyendo a que escuchen nuestros discos y saquen sus propias conclusiones.

El videoclip es algo que siempre ayuda mucho a difundir la música de las bandas. ¿Algún video para promocionar este nuevo disco? Para este disco nuevo tenemos planeados dos videoclips que rodaremos en las próximas semanas, y quizá para final de año o el año que viene podamos hacer otro más. Esto último no lo sabemos aún. Dependerá de cómo esté funcionando el disco y los directos, pero sí, tenemos planes para varios videoclips. A día de hoy creemos que un videoclip es totalmente indispensable a la hora de lanzar un disco. ¿Cómo está la agenda de conciertos de Light Among Shadows? Actualmente tenemos un par de conciertos pendientes de confirmación, y nuestra mánager está trabajando duro para que, una vez que “Under the Waves” esté en la calle, podamos presentarlo en tantos sitios como sea posible, por lo que el disco irá seguido de la correspondiente gira por España (como mínimo). ¿Cuál es el próximo paso de la banda, aparte de la promoción del nuevo álbum? Los siguientes pasos para nosotros se centran, sobre todo, en el lanzamiento del disco y su promoción, ya sean videoclips, conciertos, entrevistas, etc. Tenemos también algunas ideas aparte en la cabeza, pero todavía tenemos que sentarnos para hablarlas con tranquilidad y ver qué se puede realizar y hasta dónde podemos llegar. Bien, esto es todo. Realmente agradezco su tiempo y sus palabras. Un saludo enorme a todos los lectores de la revista, tanto de Cuba como del resto del mundo. Podéis seguirnos en nuestros perfiles de Facebook y Twitter. Muchas gracias por vuestro tiempo. En el sur de España tenéis cuatro amigos!!!

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libellula

y los sonidos del Metal gótico LEER MÁS

l viernes 21 de abril se abría la puerta del Teatro Nuna para recibir el Metal de Libellula, una noche en la que resaltarían las voces de Lucía Chumacero y Victoria La Brie, dentro de una formación mayormente femenina. Asimismo, en la guitarra se encuentra Patricia Paredes, mientras Daniela Lenz se encarga de los teclados, Hugo Arce en el bajo, y Miguel Inti Canedo en la batería, destacando igualmente en escenario.

Las Arenas Eternas de Libellula 40 LaCarne Magazine

Las luces tenues de las mesas, colocadas de manera cuidadosa frente a la tarima teatral, dejan ver entremedio las imágenes escogidas que emulan paisajes áridos, desiertos, tundras… la galería está llena. El sonido del Metal gótico y progresivo se extiende en todo el lugar. El set ya ha empezado mientras tomo fotografías para las redes sociales y la gente disfruta las melodías. La canción Arenas Eternas, canción que da nombre al disco, es distinta a su más reciente éxito, IRA, que reunía voces y tiempos más agresivos, pero aún con la misma fuerza y vocal, emociona profundamente. Siendo la última canción de la primera tanda del recital, cuatro bailarinas se yerguen como saliendo de un túmulo en el desierto, y con

movimientos arábigos siguen la escenografía árida a manera de mapping en el fondo del escenario.

invitada.

Lucía Chumacero comenta: “Esta vez quisimos estar con Tribal Fusión, de Libertad Cabrera, que no pudo asistir porque se encuentra en otro país. Es una sorpresa que mantuvimos hasta el último momento. Las bailarinas fueron Yarim, Meli, y Dani y siempre tendrán las puertas abiertas de la banda. Espero que haya más oportunidades para nosotras.”

Milagros Santalla se refiere a Libellula: “Estoy feliz por todo lo que están logrando, convirtiéndose en una banda que se pone las pilas y que realmente trabaja e invierte en su trabajo. Ese es el caso de Libellula, que en parte son una pequeña célula de una banda anterior de los 90´s llamada Brebaje, en la que era vocalista y Patricia a la guitarra. En esta ocasión me invitaron a cantar una composición de aquella época, muy agradecida, muy feliz y esperando el apoyo de la gente.”

La banda, formada en 2003, ha cambiado mucho desde sus inicios. Por las primeras formaciones han pasado cantantes de gran trayectoria, pero jamás han roto los lazos de amistad que les unen. Es el caso de Milagros Santalla, que estuvo en los inicios de la banda y ahora se encuentra en escenario como

Inicia el segundo acto.

Si bien “Arenas Eternas” de Libellula es un disco sudamericano, la banda no se limita y tiene canciones en inglés, idioma con el que se sienten cómodas. Patricia Paredes, la virLaCarne Magazine

tuosa guitarrista, afirma: “Lo que pasa es que la mayoría crecimos escuchando en inglés, y hay ciertas formas de expresar ideas y cosas que hemos ido aprendiendo, y sí, usamos el inglés para ciertos estilos y canciones porque puede ser un poco más accesible. Sin embargo, el español es algo más propio, más desde adentro, por eso tenemos canciones en inglés y español. No nos parece limitante y tampoco ser sujeto de juicio porque nos expresamos en la forma que nos parece conveniente.” El Metal melódico que expresan es compartido por sus invitadas, que denotan en sus entradas el apoyo incondicional entre ellas. Comparten escenario con Criss Fajardo, vocalista de Everfall, que luego de su participación comentó sentirse emocionada, reconociendo lo difícil que es sacar material nuevo: “Emocionada de haber hecho un cover muy lindo el que interpretamos. Conozco el Arenas Eternas bastante bien porque somos bandas bastante cercanas. Los he visto en muchas oportunidades, y puedo asegurarles que este es un disco grandioso, altamente recomendado. Es muy difícil sacar un disco, aprovechen de tener su copia”. El apoyo también vino de otra banda amiga liderada por una agresiva vocal femenina, como es Delphine Peláez, y secundado por el baterista de su banda Pablo Pelaez, de Mortsure, que suplantó en la percusión a Canedo por una canción: “Vinimos a apoyar a nuestra banda amiga Libellula, siendo un gran honor compartir el escenario con ellos porque son profesionales, y muy buenos amigos P: La han roto, son grandes músicos, y apoyamos la producción nacional”, afirmaban luego de su presentación. Termina el concierto. Los presentes están emocionados, algunos piden más, todos aplauden como una familia, hacen caravanas..., es hermoso. Son años en la escena, y éste es un gran paso en las carreras de Libellula. Tras el escenario todos son abrazos y felicitaciones, a los que nos sumamos por un show muy bien logrado. Al parecer, las nuevas composiciones del disco, producido por el reconocido Martín Jofré, son un éxito.

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Les preguntamos acerca de los planes para esta 2017. Miguel Inti nos responde: “Lo primero es lanzar el nuevo video de Arenas Eternas, que ya filmamos y se encuentra en etapa de edición, y lo lanzaremos muy pronto. Estamos con un nuevo reto, que es componer un nuevo disco y presentarnos en todos los lugares que podamos.” Las bambalinas testifican el arduo cariño y trabajo que desempeñan con su vida musical. Muchos invitados, entre amigos y artistas del

medio, expresan sus respetos en escenario mientras la noche continúa y la energía está cargada de Metal. “Arenas Eternas” es un disco altamente recomendable para este 2017, y será un clásico en la estantería de todo amante del buen Metal melódico. Libellula está presente en todas las redes y reproductores en Internet, y pueden acceder a su arte muy fácilmente. La noche sigue y nos quedamos con Libellula a compartir un poco más. ¶

Libellula son : Lucia Chumacero - Voz Victoria La Brie - Voz Patricia Paredes - Guitarra Daniela Lenz - Teclados Hugo Arce - Bajo Miguel Inti Canedo - Bateria

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dj makka

nos contagia su ritmo y su flow de estudiar y sentir la vibra del público mientras disfrutan en el Dance floor. LEER MÁS

on su gracia y muy buena vibra, Dj Makka nos concede esta entrevista en la que prometemos te contagiarás de ritmo y mucho flow. Conozcamos a Dj Makka y adentrémonos en los ritmos caribeños.

Dj Makka, todo un Caribbean Dj Háblanos de tus inicios como Dj Mis inicios..., a ver, a ver. Creo que desde niño, pero lo supe a los 19 años, cuando comenzó mi inquietud de musicalizar un club nocturno,

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Se me dio la oportunidad en un famoso club nocturno en caracas llamado Maroma, y de ahí comenzó toda esta aventura. Makka es un nombre muy peculiar, ¿de dónde proviene este apodo artístico? En lenguaje etíope, Makka significa planta o hierba, símbolo de raíces, naturaleza, pureza, vida, relajación (Risas) ¿Cuáles son tus influencias musicales? Wao! Influencias, demasiadas. No terminaría de responder la pregunta, pero, resumiendo, mi influencia sin duda proviene del caribe y la música negra: Reggae, Ragga, Dancehall,

Dembow, Salsa brava (aunque nunca me enseñaron a bailar jajajaja), la changa (música electrónica). ¿Qué es un caribbean Dj? Háblanos de este movimiento Es la esencia musical de nuestro caribe hecho Dj, adaptado a nuestros tiempos. Este movimiento nació con varios colegas: Kiri, Chermy, Gwiro y mi persona Makka. Sin darnos cuenta, nos fuimos uniendo hasta formar un colectivo, y comenzamos hacer rumbas, unas de esas fiestas se llama “Hasta Abajo”, que está sonando bastante en nuestra ciudad, y se caracterizan por ser diversas: comenzamos con un Reggae de Bob Marley, pasando por un J Balvin, y podemos terminar la fiesta con una buena Salsa Brava. Las personas disfrutan mucho de esto, tanto que hasta salen acompañados (Risas). ¿Qué no puede faltar en un toque de DJ Makka? Una chica bonita a mi lado jajajaja No, mentira. Sin duda no puede faltar la buena vibra, y por lo menos dos “Cuba Libre”. ¿Es Makka un Dj de la vieja escuela o es 100% nueva era? Qué pregunta tan interesante, porque yo siempre les pregunto a mis colegas con mayor trayectoria “¿A partir de cuántos años en la profesión es que uno comienza a pertenecer a la vieja escuela?” (Risas) Sin duda soy un Dj nueva era, de aquí en 20 o 40 años. Siempre estaré a la vanguardia. Sabemos que tienes una academia en la que impartes clases para formar a futuros Dj. Háblanos de esta institución y de cómo ha sido tu experiencia Bueno, esto nació de otra inquietud. Yo nunca fui a una escuela o instituto que formaran Djs. Aprendí solo. Durante el camino como Dj se me acercaron muchos chamos con esa inquietud de formarse en esta profesión, pero no encontraban dónde, o simplemente no contaban con los recursos tecnológicos (equipos) y económicos para costear un curso de formación de Djs.

Observando esto, se me ocurre brindar mis conocimientos a estos chamos, desde lo teórico hasta lo práctico, y Wao! Ha sido una bonita experiencia. Muchos de estos chicos hoy en día hacen su carrera y están sonando en las discotecas de Caracas y el resto del país. ¿Tienes algún sueño o meta por cumplir como Dj? Uno, ser residente de una discoteca de cualquier parte del mundo, y segundo, tener mi propio Pub (ya el segundo está en proceso). ¿Cómo defines tu música? Música que calienta el cuerpo jajaja ¿Qué le dices a las personas que consideran que los Dj son sólo para hacer música electrónica? Que investiguen un poco y dejen a un lado el desconocimiento sobre la profesión. Es como decir que los médicos solo operan corazones, o que un comunicador social solo escribe para los periódicos. ¿Cuáles son los próximos proyectos de Dj Makka? Ahorita estamos en pleno estudio para elaborar unos remixes bien sabrositos, y lo más importante, terminar de establecer mi propio Bar. Se llama “Varadero”. Dj Makka, un venezolano que trabaja por sus sueños y no está esperando a que simplemente aparezcan. Con sus risas y buen humor podemos ver una persona preocupada por su movimiento, que a diario coloca su granito de arena para seguir innovando en el mundo de los Caribbean Dj. Si te quedaste con ganas de saber más sobre Dj Makka, por acá te dejamos sus redes sociales para que te llenes de los mejores sonidos del trópico. ¶

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against myself

orgullosos de “odyssey to reflexion”

on dos discos en el mercado, Against Myself se está consolidando como una de las propuestas con mayor proyección del panorama español, la gran promesa de futuro y del presente del Metal sinfónico. A través de la potente voz de Irene Villegas, su sonido está definido por grandes orquestaciones, contundentes riffs de guitarras, enormes líneas de bajo, baterías poderosas, vocales melódicas y cantos guturales. La banda ha conseguido que el contraste entre la melodía y la contundencia llegue a las entrañas del público. Después de un debut con muy buena aceptación nacional e internacional, su segundo disco, publicado en 2015, ha conquistado a los

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seguidores del género y se ha ganado el respeto de la crítica. En “Odyssey to Reflexion” la banda ha logrado evolucionar sin perder un ápice de los elementos que los hacen únicos. Su vocalista, Irene Villegas, responde amablemente la entrevista.

Against Myself, una promesa de futuro en el Metal sinfónico Saludos. Para comenzar, por favor, cuéntanos, ¿en qué están concentrados en estos momentos? Hola a todos los lectores, muchas gracias por vuestro tiempo. Nos encontramos ahora mismo en plena fase de composición de lo que será nuestro tercer álbum. Estamos muy contentos de cómo va quedando todo, y creemos que será una gran evolución para la banda. Ustedes, desde un principio, se propusieron

nos ha ido conociendo más gente durante estos casi 8 años. Aún nos queda mucho camino por recorrer, y cada vez tenemos proyectos más ambiciosos. ¿Qué factores son los esenciales para ser miembro permanente de Against Myself? ¿Quiénes son sus integrantes? Que le guste la banda por supuesto, y que, si se sube a este barco, reme con la misma intensidad que el resto y hacia la misma dirección. Los integrantes somos: Irene Villegas (voz), Sergio Culebras (guitarra), Carlos Alcalde (teclado), Charly Carretón (batería), y ahora mismo nos encontramos con las audiciones para el nuevo bajista. Es difícil vivir de la música, así que me imagino que cada integrante debe tener sus actividades personales y profesionales. ¿Cómo logran complementar su tiempo con el trabajo que hacen en Against Myself? Con mucho esfuerzo y organización. Cuando algo te gusta tanto, haces los sacrificios que hagan falta para dedicarle a la banda el tiempo que necesite. hacer Metal sinfónico, épico y melódico. ¿Por qué esta forma de expresión, si tomamos en cuenta la amplia variedad que ofrece el Metal? Varios miembros de la banda hemos crecido estudiando música clásica y tocando en varias orquestas sinfónicas, por lo que a la hora de componer es como si “saliera solo”. También las influencias hacen mucho, ya que a nosotros desde siempre nos han gustado grupos tipo Nightwish, Epica… Aunque no nos hemos querido encasillar sólo en el Metal sinfónico, y es por lo que en nuestra música incluimos influencias de otros estilos, como el Metal progresivo, Metalcore, etc. Bien, hablemos de sus orígenes. ¿Cómo ha sido su incursión en el medio metalero? ¿Tuvieron muchos tropiezos para darse a conocer, o todo se dio de buena forma? Digamos que todo ha ido paulatinamente. A base de mucho trabajo y esfuerzo, cada vez

Su debut discográfico fue en el 2011 con el álbum “Sky Ashes”. ¿Qué tal la aceptación tanto nacional como internacional? Mejor de lo que esperábamos, ya que fue nuestro primer álbum de estudio y éramos todos muy jóvenes. Nos permitió aprender mucho y adquirir la experiencia necesaria para afrontar nuestro segundo disco. ¿Cómo se han comportado los medios, (revistas, webzine, radios…) hacia ustedes? ¿Qué puntos positivos y negativos resaltaría de estos medios? Agradecemos mucho a todos los medios que nos han apoyado y nos apoyan hoy en día. Son una parte muy importante de apoyo hacia nuestra música y su promoción. Como punto negativo, hay algunos medios que solicitan tu disco para hacer una crítica que finalmente nunca llegan a realizar. Hablemos de su disco del 2015, “Odyssey to LaCarne Magazine

Reflexion”. ¿Dónde fue grabado, y quién lo editó? El disco fue grabado en el estudio de nuestro ingeniero de sonido, Manuel Borja, que también realiza los directos de la banda y es una parte esencial de la misma. Fue editado por Santo Grial Records. ¿A qué tipo de público pretende llegar Against Myself con su propuesta? ¿O piensan en abarcar el mayor número de personas que escuchen Metal? A nosotros nos gustaría que, con la música que hacemos, cualquier persona que le guste el Metal en todas sus variantes pueda escuchar una canción nuestra y la disfrute. ¿Qué tal es ser parte de Vampire Productions? ¿Cómo ha sido el trabajo con ellos? Llevamos muy poco tiempo trabajando con ellos, pero estamos enormemente agradecidos a Jennifer Grant y su equipo por todo lo que hacen por las bandas y la música en nuestro país. Ya como una banda consolidada y con dos discos, ¿cómo han estado las invitaciones a conciertos? ¿Con qué bandas han compartido? En cada gira que hacemos vemos una evolución, tanto artística como técnicamente. El público cada vez responde más y mejor. Nos han llegado algunas ofertas de tour europeo que se están estudiando para girar con bandas de renombre internacional, y también en Latinoamérica y USA. Bien, hablemos de “Odyssey to Reflexion” nuevamente. ¿Éste es una continuación de su anterior trabajo o tiene conceptos diferentes? No hay ninguna relación entre ambos discos. “Odyssey to Reflexion” fue una remarcable evolución de nuestra música y estilo. Ahora, con respecto a la grabación, ¿están conforme con el resultado obtenido o les hubiera gustado cambiar algunas cosas? Como siempre, con el paso del tiempo analizamos nuestra música e intentamos mejorar todo lo que esté en nuestra mano para el siguiente disco. Obviamente, siempre hay

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cosas que ves que se pueden mejorar. No obstante, estamos muy orgullosos tanto técnica como musicalmente de “Odyssey to Reflexion”, y siempre será para nosotros un disco muy especial. El trabajo de cubierta del disco es impresionante, me ha gustado. ¿Quién se encargó de este diseño y qué significado le atribuyen? Muchas gracias. El artista fue Víctor Sánchez (Matibruno Design). Quisimos plasmar algún detalle/simbología de cada canción del disco en ella, haciendo así una especie de resumen gráfico del disco. Lamentablemente aún no poseo sus discos, sólo dos videoclips donde se puede apreciar esa potente y agradable voz de Irene. ¿Algunas clases o estudios de canto, o todo fue de forma empírica? ¡Muchas gracias de nuevo! Irene desde pequeña ha estado formándose, tanto en canto clásico como moderno, lo que le ha permitido seguir mejorando día a día y moldear su estilo. ¿Cuándo tendremos noticias de Against Myself nuevamente? Disco, giras… Como comentamos anteriormente, ahora mismo nos encontramos en plena composición de nuestro tercer álbum. Por lo tanto, iremos dando noticias pronto de todo lo que concierne a este nuevo disco. ¡Estamos deseando que lo podáis escuchar! Gracias por el tiempo. En primer lugar, muchas gracias a ti, Omar, por la entrevista y tu tiempo. Un saludo de todo Against Myself a los lectores. Si no queréis perderos ninguna noticia, no dudéis en seguirnos en nuestras redes sociales, como Facebook, Instagram, etc. ¶

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

hola chica

y el sonido de â&#x20AC;&#x153;magnetismâ&#x20AC;?

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Fotos por Clara Orozco

inco son los músicos que componen Hola Chica, y, a pesar de no llevar mucho tiempo como banda, ya están dando mucho de qué hablar dentro de la escena musical española. Hemos querido saber un poco más acerca de ellos, de la historia de Hola Chica, y de su nuevo disco, “Magnetism”. Te invitamos a conocerles y a disfrutar de su música en esta entrevista! En Hola Chica sois cinco componentes, y, aunque sabemos que los precursores fueron Alex Guerra y Lucas Codes, nos gustaría que nos contarais cómo os conocisteis. ¿Recordáis la primera vez que tocasteis juntos? El resto de integrantes de la banda nos hemos ido añadiendo con el tiempo y de forma progresiva. Muchos teníamos amigos en común, así que de algún modo fuimos llegando a este proyecto por conexiones entre nosotros. Nuestro primer concierto como banda, y con los 5 integrantes juntos, fue este pasado enero en la presentación oficial del disco en la Sala Sidecar de Barcelona. Fue una noche increíble y con la sala llena. Fue una bonita manera de comenzar el año. Cuando recibí una de vuestras notas de prensa, en el encabezado ponía “Hola Chica. El primer trabajo (y no se qué más)…” y pensé que me estaban saludando a mí, jejejej. Me llamó mucho la atención, y seguro que os lo habrán preguntado alguna vez, pero tengo curiosidad por saber el porqué del nombre del grupo. A pocas semanas del lanzamiento del disco, nos vimos obligados a cambiar el nombre que teníamos por motivos legales. Le estamos muy agradecidos a ese contratiempo, ya que nos encanta el nuevo nombre que le dimos al grupo, y parece que al público también.

En 2016 sacáis vuestro primer Lp, “Magnetism”. En él encontramos sonidos Pop, toques electrónicos, melodías pegadizas, música que invita a bailar… Aparte de todo esto, ¿qué tiene de “magnético” este disco para enganchar a la gente? ¿Qué es lo que destacaríais de este disco? El disco es muy sincero, fresco y sin rodeos. Hablamos de las relaciones que hemos vivido, y que nos han hecho crecer, sufrir y reír. Todo el mundo puede verse reflejado en cada una de las letras de “Magnetism”. Lo que destacaríamos sin duda de este disco es el sonido que hemos logrado en él, y el significado de “Magnetism” con la idea de atracción y repulsión. ¿Los temas de “Magnetism” se han ido componiendo a lo largo de la trayectoria de Hola Chica, o los habéis hecho especialmente para este disco? Lo bueno de este primer trabajo es que muchos temas ya venían maquetados, y ya los habíamos tocado en los primeros conciertos. Radio Girl y For You fueron los temas que hicimos antes de la entrada al estudio, y donde realmente vimos que éramos capaces de hacer cosas muy interesantes juntos como banda. Los productores aportaron muchísimo en el proceso de grabación, e incluso durante la mezcla. Ganas mucha objetividad a la hora de trabajar con personas tan experimentadas como Marc Cros, Valen Nieto o Santos Berrocal.

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Cuando ya tenéis el material preparado, ¿cómo decidís dónde vais a grabar y por qué? ¿Hubo muchos cambios en producción y postproducción? Todas las maquetas las hemos ido grabando en nuestros pequeños estudios de nuestras casas, y de algún modo hemos ido confeccionando en ellos el sonido de la banda. Con una larga lista de temas, decidimos que estábamos listos para grabar un primer disco. Así que con las referencias de Blind Records (Barcelona), teníamos claro dónde ir y con quién trabajar. El tener las canciones ya maquetadas, y algunas de ellas muy cerradas, agilizó mucho el proceso de grabación, así que no hubo excesivos cambios en la producción ni la postproducción. En la web de Hola Chica he visto que tenéis algunos conciertos. ¿Giraréis durante el verano? ¿Trabajaréis en la composición de nuevos temas? ¿Vacaciones tal vez…? Durante el verano estaremos trabajando en nuevas canciones, finalizando nuestro primer videoclip, que verá la luz en septiembre, y girando por algunas salas del país. Parece ser que le hemos cogido el gusto a Madrid, y también vamos a tener la suerte de volver en septiembre para un par de fechas allí. Estamos también confeccionando una posible gira de más territorios del estado para otoño, y si todo va bien, de algunas ciudades europeas. “Magnetism” es nuestro primer disco, y somos conscientes del largo camino que nos espera. ¶

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picaporters

stoner y sicodelia desde argentina

icaporters, una de las bandas ascendentes de la escena Stoner en Argentina, lanza su segundo disco de estudio al que nombraron “El Horror Oculto”. Luego del éxito de su primer LP “Elefantes”, que obtuvo buenas reseñas en medios nacionales e internacionales, el trío de La Plata (Argentina) adelantó durante el 2015 algunos singles: “El Horror Oculto”, “Ra” y “War is Over”, y creó expectativa tanto en el público como en los medios especializados. Tal es así que el importante medio del género La Habitación

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235, con base en España, lanzó los últimos dos singles en exclusiva, y fue el primer medio en mostrar el nuevo material de la banda junto con una reseña que obtuvo una puntuación de 8.6. Bien, aquí les dejo con la entrevista.

Picaporters, el trío Stoner de La Plata ¿Podrían compartir todo lo relacionado a los comienzos? ¿Cómo surge la idea de formar una banda de este corte? Bueno, Picaporters nace allá por el 2007, con “El Salta” (bajo y voz), Lucas Barrue (guitarra), Juan Olivero (teclado) y Juan Pablo

Vázquez (batería). Pero no fue hasta el 2012 donde logramos tomar una identidad propia, y un sonido con el cual nos sentimos cómodos. ¿Por qué Picaporters como nombre para la banda, qué hay detrás de este nombre? Jajaja, la verdad es que salió de la nada misma. Estábamos por dar nuestro primer concierto y no teníamos nombre definido. En su momento nos pareció gracioso y decidimos bautizarnos así. ¿Dónde ubicamos la música de Picaporters? ¿De qué sueles hablar en las canciones? ¿Cuáles son sus principales influencias? Está claro que estamos dentro del género de la música pesada, pero no nos gusta encasillarnos con nada. Nos gusta darnos la posibili-

dad de tener cierta movilidad, que nos permita jugar entre la psicodelia, la oscuridad y los riffs duros. Las letras son un reflejo de nuestras vivencias personales, muchas veces sumergidas en el misticismo y la oscuridad que tanto nos apasiona... jajaja. Nuestras influencias son variadas, pero te podría decir que todo el Rock de los 60s y 70s. Claro que Led Zeppelin, Pink Floyd, Hendrix, The Doors, y, por supuesto, Black Sabbath, son la punta de esa pirámide. Hablando de influencias, siento como que Black Sabbath es una banda que los ha influenciado mucho, ¿es así? Sí, es una banda que nos ha abierto la cabeza. Somos grandes admiradores de su música LaCarne Magazine

y su sonido. Tocar en vivo. ¿Cómo describirías un concierto de Picaporters? Puedo describirte la forma en que los 3 lo vivimos. Es un concierto muy sentido, en el que dejamos todo y nos entregamos al viaje mismo de la música. Sentimos una profunda conexión con lo que está pasando arriba del escenario. ¿Quiénes son los actuales integrantes de Picaporters? El trío base siempre fue el mismo desde los inicios. Juan Pablo Herrera Morales “El Salta” en voz y bajo, Lucas Barrue en guitarra y Juan Pablo Vázquez “El Tío” en batería. En los comienzos, Juan Ignacio Olivero se encargaba de los teclados y también hacía voces. En el 2012, Olivero (un gran amigo), da un paso al costado y quedamos como trío. En el 2013 ustedes sacan su primer álbum titulado “Elefantes”. Háblame un poco sobre este disco, temas, la forma en que lo han promocionado… “Elefantes” es nuestro álbum debut, es un disco mucho más sicodélico y viajero que “El Horror Oculto” (que tiene una atmosfera más oscura y pesada). Fue grabado en los estudios Tolosa de nuestra ciudad La Plata en toma directa, y mezclado y masterizado por Santiago Teruggi. Si no estoy equivocado, ya están promocionando su segundo álbum titulado “El Horror Oculto”. Coméntame sobre este nuevo trabajo discográfico, si es de forma independiente o con algún sello importante, dónde lo grabaron... Como te decía, “El Horror Oculto” es un disco mucho más oscuro y pesado que su antecesor. Fue grabado en el Attic por Patricio Claypole, y masterizado en Los Angeles por Justin Weis en Traxworks Studios. El álbum fue producido de manera independiente por nosotros, y por Patricio Claypole. Tuvimos el apoyo de dos sellos de Buenos Aires, Lucifer Discos y South American Slud-

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ge Records (Sello comandado por Sergio Ch -Los Natas-) De momento, el disco está en distribución online. ¿Para cuándo estará ya la versión física? El disco está en modo “name your price” en Bandcamp, y tenemos edición física en Argentina. Esto no es un impedimento para el que guste tenerlo, ya que hacemos envíos a todas partes del mundo. Estamos a la búsqueda de algún sello que nos edite en Europa. En este último disco aparecen algunos colaboradores. ¿Quiénes son? Participan dos amigos de la casa, como lo son Nicolás Romero de Leticia Soma y Sergio Ch de Los Natas, Ararat y Soldati. Una alegría que hayan participado y se hayan comprometido con el trabajo de manera desinteresada. Los fans incondicionales de tu música, qué dicen al respecto. ¿Cómo ha sido recibida la propuesta musical de la banda? Creemos que el disco ha sido muy bien recibido. Esto se nota en que la concurrencia de los shows ha ido en crecimiento, así como las palabras de aliento y el “aguante”, como decimos nosotros en Argentina. ¿Adicional a la promoción del álbum, cuáles son otros objetivos de la banda para este 2017? Bueno, acabamos de llegar de una gira por la Provincia de Córdoba y ahora se viene una seguidilla de shows importantes. Tenemos fecha en nuestra ciudad (La Plata), y después estaremos en el line-up del festival Noisground, donde va a tocar Belzebong, Demonauta, El Caos Reptante. ¡De acá a fin de año tenemos grandes fechas!! Muchas gracias por acceder a este diálogo, y les deseo que se mantengan con el buen trabajo. Muchas gracias a vos, Omar, por esta entrevista. Un saludo a todos los lectores de LaCarne, y los invitamos a que conozcan más de nosotros en Bandcamp, Spotify, iTunes, SoundCloud, Facebook, Instagram y Twitter. ¶

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รกngel hasegawa llenando de magia los corazones

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on un look bien alternativo y su jovial propuesta musical, este chico viene dispuesto a llenar de magia los corazones. Nos habla de cuáles han sido sus sacrificios más grandes, y nos demuestra que para ser músico la preparación es muy importante. Llénate de magia musical y conoce a Ángel Hasegawa. ¿En qué momento te diste cuenta que la música era lo tuyo? (Risas) Verdaderamente no tengo recuerdos de cuándo decidí que la música sería parte de mi vida. Mis familiares me cuentan que canté antes de hablar, y que cuando ya era más grande decía que yo sería un cantante reconocido, y que le escribiría canciones a todo el mundo. ¿Cómo ha sido la formación artística de Ángel Hasegawa? He tenido la suerte de encontrarme en el camino personas maravillosas, a las cuales admiro y respeto mucho. Delia Dorta es mi profesora de canto, y se ha convertido también en mi mamá musical, es esa persona que me escucha y me pone los pies en el suelo, una de las voces más bellas y perfectas que he escuchado en mi vida. Eddy Pérez es un guitarrista de otro planeta, y como persona es un ser maravilloso, noble y alegre. A él le debo mucho también porque siempre me ayuda. María Eugenia Atilano es mi profesora de música, es esa persona que nos ayuda a dar lo mejor de nosotros y nos enseña tantas cosas, pero la más importante: a ser humanos. ¿Qué te ha influenciado a hacer tu música? Que la música es magia, viaja por el aire y llega a los corazones. La música es el medio más hermoso que tengo para comunicarme y hacer llegar mis ideas, espero que también con ella logre ayudar a las personas que lo necesiten.

Háblanos un poco de tus temas Cómo Hago y Quiero Bueno, son mis dos primeros hijos. Fue una experiencia maravillosa ver cómo iban agarrando forma. ¿Cómo Hago? es un tema que escribí en la escuela, quería decirle a una chica que me gustaba, pero no sabía cómo. Quiero ya es un tema que escribí más grande, que utiliza mucho el deseo y la pasión. Tuve la oportunidad de trabajar con personas increíbles para realizar estos temas. Eddy Pérez se encargó de los arreglos, producción y guitarras de los temas; Delia Dorta fue mi coach vocal y fue parte de los coros de estas dos canciones; Henry Paul (Bajista de Guaco”) grabó el bajo de los dos temas; Denis Vilera (Baterista de Chino y Nacho) grabó la percusión; Nelson Sarda, batería; Javier Casas, Ingeniero de grabación; Leonor Jove y Lili Ortiz, coros; y Germán Landaeta (Ganador de Grammy), mezcla y master. ¿Qué ha sido lo más difícil de tu carrera? El hecho de no poder estar con mi familia cuando de verdad lo han necesitado. Creo que ha sido lo más difícil. Hay músicos que siempre los vemos como influencia, como ejemplos a seguir. Uno de ellos es Yordano. Háblanos de tu experiencia con él. Yordano es un gran artista, un guerrero y un poeta increíble. He aprendido mucho de él, ya sea dentro o fuera de tarima, y escuchando su música, por supuesto. Es una gran influencia, no solo para mí, sino para millones de personas. ¿Cuál es tu consejo a los músicos en ascenso que empiezan a incursionar en la música? Hay que prepararse, saber escuchar, y siempre respetar a los demás. ¿Cuál es tu género de música favorito y por qué? Me gustan todos porque la música es maravillosa. Es increíble saber qué pasó por la mente de una persona para crear un género, por eso lo disfruto y aprendo de lo que han hecho y LaCarne Magazine

creado los demás. ¿Qué hace diferente a Ángel Hasegawa de otros músicos? Creo que lo que nos hace diferentes es la manera de pensar y concebir la vida. Quizás con algunas personas podemos coincidir en algunas cosas, pero de todas maneras somos diferentes. No sé si querer ser un artista que deje algo útil y un mensaje en el mundo me haga diferente, ya que varias de las personas que admiro lo han hecho, pero sí quiero llevar y dejar un mensaje en el mundo. Este joven músico de actitud romántica, soñadora y filosófica, nos demuestra cómo la humildad y el trabajo duro han sido puntos clave en su carrera musical. La invitación es a seguirle la pista a través de sus redes sociales. Lo consigues en Instagram como @ Angelhasegawa, Twitter @Angelhasegawa y Facebook Angel Hasegawa. ¶

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distrust

se abre camino desde venezuela

istrust se define como una propuesta musical centrada en el marco del Metal moderno, aunando matices en el Thrash y Death Metal. Nace en 2002, irrumpiendo en la escena con un EP titulado “Distrust”, dándole entrada a su primera placa discográfica, “Cloned Messiah” en 2004. El segundo trabajo en estudio lleva por nombre “Walk This World Alone”, y consta de 3 canciones en estudio y 1 tema en vivo. Con dicho material, Distrust se abre camino dentro de la escena venezolana, siendo soporte de muchas bandas internacionales y participando en los principales festivales del país, dejando siempre muy buenas críticas dentro de la escena musical. En el 2015 nace “Losing Our World”, álbum

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que hasta la fecha se cataloga como el mejor trabajo de la banda, dándole una identidad propia e inconfundible a Distrust. Lean la siguiente entrevista, respondida por Felipe Grüber, para que conozcan más de esta agrupación venezolana.

Distrust, Thrash y Death Metal venezolano Saludos! Distrust es una banda que lleva ya una gran trayectoria en la escena venezolana. Coméntanos de los inicios de la banda. Primero que nada, gracias por esta entrevista y un gran saludo a todas las personas que estén leyendo. Distrust se inicia en el año 2002 de la mano de su guitarrista fundador, Felipe Grüber, quien ha sido el productor y compositor durante todos estos años dentro de la banda. Distrust sale a luz con un Demo/EP titulado “Distrust”, irrumpiendo en la escena local con muy buenas críticas de parte de medios especializados y entusiastas del género. Y como consecuen-

cia de una serie de buenos eventos, llevó a la banda a formalizar su propuesta con su primer álbum, titulado “Cloned Messiah”. ¿Cómo fue esa época para la banda en términos de proyección y entrada en el circuito under metalero? Fue una época de mucha batalla para lograr conciertos, lograr entrar al estudio sin tener dinero, lograr difundir nuestra música, etc. Sin embargo, contamos con muy buen apoyo de parte de medios especializados hasta lograr nuestro primer contrato discográfico con el sello Melomaniac Records. El Thrash y el Death metal son caminos bastante recorridos. ¿Hay algo nuevo que proponen ustedes dentro de su trabajo musical? Nuestra intención siempre ha sido conseguir un sonido propio que esté constituido por la fusión de los géneros que más nos gustan, entre ellos el Thrash y el Death Metal, también el Hard Core, pero no nos cerramos a las nuevas tendencias. Existen muchas bandas en el Modern Metal que aportan recursos diferentes que nos llaman la atención, por ejemplo, el Djent. No es un género que nos apasione, pero esa particularidad de emplear tonos tan bajos en ritmos tan percutivos es algo interesante. Se podría decir que Distrust es una banda que simplemente hace fusión de las cosas que le gustan de una manera que creemos es coherente. Respecto a la alineación, ¿ha variado o la base de la banda ha sido siempre la misma? ¿Quiénes son Distrust? Distrust ha sufrido muchos cambios de alineación por diferentes razones, pero la más común es el éxodo que ha venido desarrollándose dentro de Venezuela.

dan las letras de sus temas? Sociales, 100% tópicos sociales. En el 2004 grabaron su primer álbum titulado “Cloned Messiah”. ¿Cómo fue recibido este trabajo? ¿La aceptación fue la que esperaban? Cuando hicimos ese álbum lo único que queríamos era tener un material que nos representara, y no pusimos cuidado a ciertos detalles en cuanto a la producción. Inexperiencia y ansiedad fue lo que nos abordó en ese entonces. Sin embargo, el impacto fue muy positivo, puesto que en esa década no existían bandas dentro de la escena venezolana mostrando ese sub-género musical. “Cloned Messiah” fue un álbum que nos abrió muchas puertas en el ámbito de conciertos como banda soporte de bandas internacionales, y festivales significativos en Venezuela. “Losing Our World” fue el disco del 2015, el cual fue catalogado como un excelente trabajo. ¿Dónde lo grabaron? ¿Quién lo produjo? ¿Cómo va la distribución del mismo? “Losing Our World” fue producido, grabado, mezclado y masterizado por Felipe Grüber en su estudio, llamado Delta Terrace Studio. Hasta el momento van más de 1.500 copias vendidas entre físico y digital. No contamos con un sello de distribución para este material, así que todo el mercadeo de este álbum ha sido auto-gestionado.

Hoy en día solo queda 1 miembro fundador (Felipe Grüber) para conformar la banda de la siguiente manera: Víctor Rondón (voz), Felipe Grüber (guitarra), Chuck David (bajo), y Adalberto Velásquez (batería).

Hablemos de sus presentaciones. Siempre es bueno conocer sobre la acogida que han tenido entre los seguidores de la banda. ¿Cómo lo han recibido los fans? Ésta es una de las cosas que mantienen la banda viva. Nuestros seguidores han sido siempre muy receptivos y fieles. Dentro de Venezuela, la escena metalera es pequeña, y la asistencia a conciertos no es muy masiva, pero en nuestro caso hemos corrido con el privilegio siempre de contar con un inmenso apoyo de parte de la gente. Siempre estaremos agradecidos con todos.

¿Cuáles son los principales tópicos que abor-

Sé que han sido soporte de grandes y recoLaCarne Magazine

nocidas bandas internacionales, ¿con quiénes han compartido, y qué tal ha sido? La primera banda con la que compartimos stage fue con los grandes Fear Factory, banda de gran influencia en nuestra música. Fue una experiencia híper emocionante y gratificante. La segunda fue Malevolent Creation, banda que sale bastante del género que nosotros exponemos, y por ende un público un poco más Old School del que Distrust puede mover, pero no fue impedimento para recibir buenas críticas, y obviamente alguna que otra donde decían “No nos gusta el Nü Metal que hacen” jajaja. La tercera banda con la que compartimos fue Lamb Of God, una experiencia que superó a todas las anteriores debido al número de personas que había en el recinto, y también fue

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donde nos dimos cuenta que existía una comunidad muy fiel a nosotros, a la que le llamamos “Distrust Army”. En una escena tan grande como la de Venezuela podemos suponer que existe mucho apoyo por parte de los sellos hacia las bandas, ¿realmente esto es así? Desde finales de los 80 hasta finales de los 90, la escena acá era grande, pero, debido a todos los problemas que estamos viviendo dentro del país, todo eso ha ido desapareciendo. Venezuela está pasando por una sequía de música en estos momentos, no hay conciertos nacionales ni internacional, no hay sellos disqueros, y muy pocos medios especializados en el género. Es importante recalcar que para nosotros esto jamás será un limitante. Nosotros estamos

viamente, y también lleva 2 canciones nuevas donde, a nuestro parecer, están mas evolucionadas que las del “Losing Our World”. Como bien sabes, hay muchas bandas que con el pasar del tiempo han perdido su esencia e identidad. ¿Por qué crees que esto sucede? A mi parecer, muchas bandas siempre están en la constante búsqueda de nuevos elementos, nuevos sonidos y hasta nuevos estilos, ya sea por intentar salir de la monotonía o por sentirse más vivos que antes. En algunos casos sale bien, en otros casos no sale bien, pero en este arte nadie es quien para juzgar, la música es libre y todos los artistas estamos en la capacidad de hacer o deshacer a nuestra voluntad. Claro, muchas veces debemos ver de dónde venimos, observar qué dejamos de hacer, o qué estamos obviando para no perder el camino. Sin embargo, siempre hay manera de retomar nuestro camino si así nos lo proponemos.

muy comprometidos con la banda y siempre seguiremos haciendo música, grabando y haciendo conciertos en la medida que el presupuesto sea manejable. Según información llegada, “The Future Past” es su más reciente trabajo discográfico. ¿Es cierto esto? ¿Alguna evolución respecto a los trabajos anteriores? “The Future Past” es un álbum que aún está en puerta. Debió salir hace un mes, pero, como algunos ya saben, Venezuela está sufriendo una crisis económica y social muy severa, lo cual ha retrasado el lanzamiento de este álbum. Por otro lado, este álbum es un regalo que le queramos dar a todos nuestros seguidores. Tomamos varios temas de producciones antiguas (Cloned Messiah y Walk This World Alone), las regrabamos con nuestro sonido actual, con la alineación actual ob-

¿Cuál es su principal meta como banda? ¿Cómo ves el futuro de Distrust? Nuestra meta para un futuro cercano es lograr esparcir nuestra música más allá de las fronteras venezolanas, y lograr pisar territorios inexplorados por la banda. Nuestro objetivo principal y primordial es mantenernos siempre haciendo lo que nos gusta: tocar y grabar. Muchas gracias por acceder a este diálogo y les deseo que se mantengan con el buen trabajo. Gracias a ustedes por brindarnos la oportunidad de expresarnos por esta vía. Y para todos los lectores, queremos hacerles saber que desde este rincón del mundo existimos personas que trabajamos duro por la música, y con muchas ganas de salir a recorrer el mundo con nuestra música. Pueden adquirir nuestros discos por nuestro Bandcamp y seguirnos en Facebook, Instagram y Twitter, y por nuestro canal de Youtube. Gracias a todos. ¶

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