LaCarne Magazine N73 by LaCarne Magazine

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Nº73 - JUN 2018 - AÑO 7

nacho campillo pasado, presente y futuro

EXPERIENCIAS

WOMAD CÁCERES 2018 - TREE HOUSE - FESTIVAL NO CALLAREM 2018

investigación CHARLIE PARKER

ENTREVISTAS

MANIFA - REYTORO - NEMESIS - VIKINGORE - COLECTIVO PANAMERA - EPY FIGUEROA DONUTS HOLE - LIMANDO

MÁS INFO

SUMARIO N73 aÑo 7 jun 2018

experiencias 30 manifa, el punk no está en venta 06 womad cáceres 2018, recomen- 32 reytoro, el heavy metal de uruguay daciones 36 nemesis triunfa con su witching 12 tree house, analizamos the wind metal and the feather 40 vikingore, death metal con estilo 14 festival no callarem 2018, propio crónica 44 colectivo panamera, unidos por el world music investigación 48 epy figueroa, conectando con el 20 charlie parker, el padre del bebop momento 52 donuts hole nos llevan al límite entrevistas 56 limando, cumbia y ska para animar26 nacho campillo, pasado, presente te el alma y futuro

nacho campillo

pasado, presente y futuro contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición

Colaboradores

OMAR VEGA, jorge ares, la chica boom, luis lama, victoria burgio, j.g. entonado

Pedro Gallardo

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* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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Womad Cáceres 2018

Recomendaciones

Los vimos de día en el Primavera Sound 2017, y el show será igual de festivo cuando les toque a ellos cerrar el escenario principal de la plaza mayor de Womad 2018.

a 27ª edición del festival Womad Cáceres 2018 se desarrollará del jueves 10 al domingo 13 de mayo, siendo uno de los festivales con más solera del panorama extremeño y de los más veteranos.

“Louden Up Now”, “Myth Takes”, “Th!!!er” o “A s If” son sus referencias musicales más destacadas, que junto a su último disco “Shake The Shudder” nos realizarán un directo cargado de energía con ritmos electrónicos y sonidos poprock indie.

El festival de las músicas del mundo ha tenido sus altos y sus bajos a lo largo de sus 27 años. Ahora parece volver a estar en un momento dulce. Su calidad de artistas es indiscutible, aunque su sonido técnico no acaba de encontrar su perfección en la plaza mayor de Cáceres.

Sotomayor Los mexicanos recogen los sonidos que llevábamos tiempo reclamando desde LaCarne Magazine. Magnífica fusión de electrónica, cumbia, pop, ritmos tropicales y sonidos ancestrales, andinos y folclóricos.

En los últimos años hemos visto cómo la presencia de artistas extremeños se han incrementado dentro del festival. El evento cuenta con un escenario local, llamado IJEX@ WOMAD, donde circulan artistas emergentes de la región. Pero también hay programación para bandas extremeñas en los escenarios principales de Womad. Tenemos nuestros favoritos dentro del festival, y esta vez haremos 12 Recomendaciones (ya no tenéis excusa para acudir al evento en modo verbena). Chk, Chk, Chk (!!!) Los estadounidenses son unos referentes a seguir en esto de la diversión, el baile, la fusión y el buen rollo. ¡New York ya está aquí! Y los pantalones cortos de Nic ¡también! Dance punk encabezados por el carismático Nic Offer, un maestro en esto de mover el esqueleto y meterse al público en el bolsillo.

No nos cabe la menor duda de que nos harán bailar con hits como “Morenita”, “Pajarito”, “Cielo” o “Eléctrico” pertenecientes a sus discos “Salvaje” y “Conquistador”. Los hermanos forman parte de esa corriente de grupos latinos que nos hacen “perrear” recurriendo a letras con mucha más esencia, lírica y literatura que lo que habitualmente escuchamos en las radio fórmulas. Papaya Fue uno de los grupos revelación del 2016 con su disco “no me quiero enamorar”. Su líder, Yanara Espinoza, es el alma principal de la formación. La canaria de origen chileno ha mamado del pop ochentero latinoamericano, pero también tiene influencias del new wave que convierten su directo en un acontecimiento seductor, pero también elegante, festivo y exótico. No os perdáis sus hits “ay mujer” o “la bambola”, pero también no os olvidéis de su nuevo LaCarne Magazine

disco recién sacado “Corazón abierto”.

gura.

El trío ya es conocido en tierras extremeñas por su paso por el Contempopranea o los premios Pop-Eye. Estamos en un momento donde la música procedente de las islas llena los festivales peninsulares. La escena canaria está muy presente y se nota por su frescura, calidad y creatividad.

Hip hop, Funk, jazz, Banghra, folk indio y sonidos urbanos actuales nos harán bailar de principio a fin.

The Gramophone All-Stars Los catalanes son 15 personas aproximadamente en el escenario, todo bueno sale de una banda con tantos músicos y de tanto nivel.

Oumou Sangaré Es una diva pero también una revolucionaria. La de Mali es un icono feminista africano, se ha propuesto a través de su música luchar para que cambie la posición sumisa de la mujer en su país.

De ellos podemos escuchar todo tipo de estilos: jazz, calypso, bogaloo, soul, funk y ritmos jamaicanos, lo cual nos hace pensar que su directo será muy entretenido y especialmente virtuoso. Además vienen a presentarnos su último trabajo Maraca Soul (2017), que junto a su anterior disco Jazzmaica viene con muy buenas críticas del público especializado. Canalón de Timbiquí Ritmos afro-colombianos tradicionales procedentes del Pacífico. Un verdadero tesoro musical. Letras que tocan temas como la minería (la lucha minera), el territorio, la selva, los ríos. Fantásticamente interpretadas por 4 cantantes capitaneadas por Nídia Góngora. Lo que más nos llama la atención es cómo transmiten alegría y fiesta a través de los instrumentos folclóricos de aquella zona, que van desde la marimba de chonta, los bombos, o los cununos hasta el guasá. Red BaraaT Muchas ganas de ver a los americanos. Se han recorrido medio mundo presentando su disco Shruggy Ji. No es la primera vez que la música Banghra fusionada con otros estilos triunfa en Womad, Asian Dub foundation han pasado varias veces, y los de Brooklyn son otra apuesta se-

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En la Casa Blanca y en los Juegos Olímpicos ya los han podido disfrutar, ahora es el momento de sentir la fiesta India en Cáceres.

Con su maravillosa voz consigue hacer visible a la mujer africana en la música y en el mundo. Su música forma parte de lo que denominan wassoulou. Cantos tradicionales acompañados por el calabash y otros ritmos percusivos africanos. Su directo será de los más reivindicativos del festival Womad. Elemotho Gaalelekwe Músico nómada Namibio, es uno de los máxi-

mos representantes del sonido Kalahari. Su música se caracteriza por el son tradicional de Setswana, pop en su lengua nativa o en ingles, reggae, jazz, rock o R&B. Ha pasado por grandes festivales, Rototom o Territorios Sevilla, pero también ha colaborado con artistas nacionales de la talla de Los Delincuentes. Su música se basa en sus experiencias, viajes, o la madre tierra. Hay mucha espiritualidad en sus canciones, pero también reivindicación africana y medio ambiental. Nos presentará “Beautiful World”, su último disco, en un concierto mágico y transcendental. Hermanos Thioune Tenemos casi la total certeza de que los senegaleses serán los encargados de realizar las actividades para toda la familia. Ya que son los responsables de ponerle música a una serie de cuentos infantiles sobre el sur de Senegal llamado “El dragón que se comió el sol”. Afincados en Canarias, nos realizarán seguramente talleres de percusión africana donde los

festivaleros podrán disfrutar de los diferentes instrumentos de origen senegalés. Hasta aquí su propuesta para toda la familia, pero seguro que nos hacen bailar en el escenario principal con su banda al completo (7 músicos), como ya pudimos comprobar en festivales como RoToTom 2017. ¡Diversión asegurada! Happy New Year & 3AM Grupo extremeño capitaneado por los hermanos Sánchez. Un proyecto de alto nivel y experiencia con el indie rock como punto de partida, que les ha llevado a participar de grandes festivales como Contempopranea, Parque Sonoro, Acústicos al Fresquito pero también fuera de nuestras fronteras como Portugal, además de otros lugares como Madrid. En “Mixed Babies”, el disco que nos presentarán en Womad, también podemos comprobar influencias del power pop, country o de clásicos como Rolling o Beatles. Si te gusta el rock americano setentero y las guitarras, éste es tu grupo. Subterráneos Extremeños y más jóvenes que los anteriores, tienen un punto en común, las guitarras. Otro

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grupo para los amantes de las cuerdas. Garage, psicodelia y ese fuzz rock que tanto les caracteriza. Grupo encabezado por sus 2 voces, Mónica y José Luis, que le dan un toque personal y distintivo al grupo. Descubriremos “Maybe there’s a light but we cannot see”, un EP producido y grabado por Paco Loco, y además grandes temazos como “Oh No, Oh Yes” “Seymour” o “Big Bad Boss”. Paradise Key Los extremeños son unas de nuestras formaciones preferidas. Único grupo en la región practicantes de New Rave. Perfecta fusión de pop-indie y electrónica bailable, que sin duda realizarán uno de los conciertos más movidos y zapatilleros del festival. Nos presentarán su disco T.E.S.L.A, donde la energía y la melodía van de la mano junto con el dance, los sintetizadores, guitarras afiladas punks y la fusión. Esperemos que sean los responsables de cerrar uno de los escenarios porque entre “Blackout”, “Game Over” o “Dance death dance” sin duda son el mejor ejemplo para dejarnos un buen sabor de boca del Womad. Omar Souleyman Sin duda el otro cabeza de cartel del festival. La presencia del artista sirio en el festival está cargada de simbolismo por todo lo que está

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sucediendo en su país de origen. Omar es un pionero en mezclar electrónica con músicas tradicionales de diferentes países de oriente medio. Su estilo tan característico y genuino le ha llevado a participar en los más grandes festivales mundiales, entre ellos el ya conocido Primavera Sound. Un lujo poder disfrutar de su último trabajo “To Syria, with love”. Y es que el que comenzó como artista de bodas, ahora es un gurú, tanto que ha remezclado para artistas como Björk. Enric Montefusco El ex Standstill es una eminencia en el indie nacional. Su disco en solitario “Meridiana” está dedicado al contexto social donde se crió y donde ha vivido toda su vida. Su concierto en la plaza San Jorge será uno de los momentos más mágicos de la historia de Womad. El catalán sabe expresar su música y sus letras con una enorme emotividad, que contagia a su público enormemente. Sensibilidad, nostalgia, reivindicación, desamparo, desengaño, son algunas de las palabras que podríamos utilizar para describir sus canciones. Emociones que viviremos como nuestras cuando escuchemos “Todo para todos”, “Uno de los nuestros”, “Obra maestra” o “Flauta man”. ¶

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Tree House

Analizamos The Wind and the Feather sotros al escucharlos.

rovenientes de España, Tree House nos presenta su primer trabajo, The Wind and the Feather, y nos ha soprendido muy gratamente. Su primer álbum nos muestra un Rock acústico oscuro, de los que se forjaron al final de la década de los 90, con un enfoque fresco y ganchos vocales pegadizos. Estos 3 extremeños han sabido crear un álbum inquietante con canciones que conectan a la primera. En definitiva, The Wind And The Feather es un discazo redondo que recomendamos si te apasionan los grupos de la era post grunge, con temas delicados pero intensos. Desde LaCarne Magazine damos la enhorabuena a estos tres musicazos por un trabajo muy bien hecho, y esperamos que tú coincidas con no-

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No queríamos que os lo perdierais, y por eso hemos hecho un pequeño análisis para que descubras todo el potencial que esta banda puede ofrecerte.

Tree House y The Wind And The Feather

Con “The Guiding Light”, el primer tema, Tree House ya nos va avisando de lo que nos vamos a encontrar en su nuevo disco. Y es que las composiciones de su cantante, Pablo Yuste, conectan con el oyente a la primera, recordándote a los primeros Silverchair o a Days of the New, por ejemplo. Guitarras acústicas y bajos y batería bien posicionados, sin alardes. Nos encontramos con un tema suave y moderado, a la vez que mantiene la melodía y la actitud suficientes para mantener su viabilidad Rock. Nos encanta el bajo del segundo tema, “Time’s spirit”, que hace que la mezcla de los integrantes suene convincente y creíble. Cuando se

acaba el tema se te hace corto, y quieres más de este fantástico grupo. Tree House nos presenta un tema con un enfoque más dinámico y un poco más de ritmo que la pista de apertura. Con un inicio introductorio y oscuro, “The water still remains”, el tercer corte, te llega directamente al alma. Con sólo estos tres primeros temas del disco ya sabes que quieres escucharlo entero, y que Tree House puede convertirse en el grupo que te acompañará los próximos meses en tu coche, casa o trabajo. Canción tranquila, pero con una intensidad muy poderosa gracias a los coros con voces armonizadas, lo que ayudará a que sea uno de los mayores éxitos de Tree House. “Our own healing” comienza con una voz enorme, grandísima, que te hace pensar dónde han estado estos chicos toda tu vida. A estas alturas del disco de Tree House el ambiente musical creado ya tiene vida propia, y tú formas parte de él. “Our own healing” nos ha encantado, convirtiéndose en una balada triste, más suave y más introspectiva que gran parte del resto del álbum. En la misma onda estarían “Her voice” y “Clouds”, recordando a los temas existencialistas de unos jóvenes Alice in Chains o Creed. “Closer” es de las mejores canciones del álbum con su progresión única de acordes y ritmos contagiosos. No es de extrañar que Tree House la haya elegido como single de su primer disco. El video que la acompaña es exquisito, y os animamos a echarle un vistazo porque os gustará seguro. Como ya esperábamos, Tree House sorprende con “The Discovery”, tema con raíces de Folk americano, dando una nota distinta en la visión global del álbum. Incluso me ha recordado a los experimentos Folk de Queen en sus primeros discos. Genial! “Sorrow of Need” es una gran canción para volver a subir los ánimos, con un gran trabajo de composición y una voz controlando los tonos graves a la perfección. La intensidad de las melodías ganan fuerza con cada escucha de este tema, y eso ya es muy de agradecer.

The Wind And The Feather (2018) 1.- The Guiding Light 2.- Time’s spirit 3.- The water still remains 4.- Our own healing 5.- Closer 6.- Her voice 7.- The Discovery 8.- Clouds 9.- Sorrow of need 10.- InhaleExhale Miembros Pablo Yuste: guitarra/voz. Samuel Batle: bajo/coros. Sergio Moreno: batería/percusión. Para finalizar, la bella “InhaleExhale” nos da el broche de oro para un trabajo muy escuchable, que gustará a mucha gente tanto como a nosotros. Nuestra enhorabuena, señores!

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Crónica del

Festival No Callarem

l Festival No Callarem nace como respuesta al ataque que sufre hoy en día la libertad de expresión, y como respuesta en la defensa de esta libertad contra la deriva autoritaria que ha tomado la justicia, que utiliza la ley mordaza y otras leyes para perseguir al disidente político. No callarem es una plataforma transversal y plural de ciudadanos, entidades y colectivos que trabajan en defensa de la libertad de expresión como derecho fundamental en una democracia. Dicho ente, que nació en Cataluña, se ha ido reproduciendo a diversas ciudades como Valencia, Madrid…

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Cada día que pasa la plataforma cuenta con más adeptos, tanto es así, que el festival cuya primera edición fue en 2017 y en la ciudad de Badalona, ahora ha pasado a la gran ciudad de Barcelona, y también se ha conmemorado en otras grandes ciudades como Madrid. Este año, el festival de Barcelona contaba con 4 escenarios. Escenario infantil (solo por la mañana), escenario SoundSystem, escenario Carne Cruda y escenario No Callarem. Todos ellos con una programación muy variada y con presencia de artistas encausados. Nosotros estuvimos presentes en los actos musicales y reivindicativos de Barcelona que narraremos a continuación.

Crónica del Festival No Callarem 2018

m 2018

ESCENARIO INFANTIL Participamos de los diferentes juegos infantiles organizados por Toctocjocs www.toctocjocs.cat. Juegos de habilidad realizados con materiales reciclados y destinados a niños desde 4 años en adelante. También pudimos disfrutar del cuento “Aclucla els ulls, el meravellós vitage de la violeta i els parpelles” a cargo de la Compañía Parpelles, que brindaron a los asistentes una actuación teatral basada en la música, payasos y otras artes circenses. Quizás lo mejor del escenario fue Penguins “Reggae Per xics”, la banda es una mezcla de clown y ritmos jamaicanos que nos hicieron bailar a padres e hijos. Un gran inicio de fiesta que, junto con el calor y las buenas artes de los músicos, hicieron una velada formidable. ESCENARIO CARNE CRUDA El escenario más serio, por decirlo de alguna

manera. Contaba con la emisión en directo del programa Carne Cruda del periodista Javier Gallego. Alternaba actuaciones musicales de cantautores, espectáculos de poesía y teatro con entrevistas y debates. A primera hora de la mañana pudimos disfrutar de un extracto de la actuación de Pau Vallvé, músico, compositor y productor catalán. Nos tocó canciones irónicas y críticas con la sociedad acompañado de su guitarra eléctrica. Estuvimos presentes en la entrevista que se le hizo a Pablo Hasel. Una conversación muy emotiva y reconfortante para el rapero por el apoyo directo que estaba viviendo en esos momentos. ESCENARIO NO CALLAREM Escenario principal del festival. Retransmitido en directo por Contrabanda FM y grabado en directo por La Mosca Tv. LaCarne Magazine

En este escenario pudimos disfrutar de varios artistas y grupos de diferentes estilos musicales. Pablo Hasel Fue el primer rapero del cual disfrutamos. Llenó hasta la bandera y lanzó rimas ante un público enchufado. Nos dejó canciones dedicadas a los desahucios, inmigrantes y diversos problemas sociales. Mishima Los catalanes eran uno de los grupos sorpresa. Esta vez pasábamos del rap al indie, donde los barceloneses nos tocaron canciones de puro pop de su disco “Ara i res”, coreadas por gran parte de los asistentes. Valtonyc Otra de las actuaciones más esperadas, y nuevamente un entregado público a la causa. Beats y rimas con mensajes anticapitalistas, republicanos y antifascistas. Gran show y buen sabor de boca. Ayax y Prok Los granadinos aportaron un flow diferente. Un público más juvenil pero enormemente en-

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tregado que se sabían todas y cada una de sus letras. “Fresas con nata”, “La flauta de Hamelin” o “Polizzia” fueron algunos de los temas que tocaron. Mi capitán Muchas ganas de ver este proyecto formado por miembros de Standstill, Egon sonda o Love of lesbian. Un poco desilusión porque dos de sus miembros no vinieron (batería y percusión), lo que hizo que el directo fuera descafeinado de principio a fin. Nos tocaron canciones de su último disco “Un tiro por la salud del imperio”. ESCENARIO SOUNDSYSTEM El escenario más electrónico de todos. Pudimos escuchar con detenimiento a Purple Rockets y Leones humildes, acompañados por un innumerable grupo de Mc’s (Sista livity, Sista Moni, Pato Ranking, etc) en sus diferentes estilos. También pasaron un trombonista y pudimos ver cómo cacharreaban con teclados y pedales en algún momento de la tarde. ¶

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Charlie Parker el padre del Bebop

Charlie Parker, Bird: el padre del Bebop, el maestro de la improvisación. LEER MÁS

n esta entrega vamos a hablar de un genio del saxofón, que revolucionó la música jazz hasta unos niveles insospechados, creando un nuevo estilo y liberando al jazz de la dictadura del entretenimiento que imponía la sociedad blanca del momento. Hablamos del enorme y superlativo Charlie Parker, Bird: el padre del Bebop, el maestro de la improvisación. Pero, ¿Qué es eso del Bebop? Entremos en materia y tirémonos a la piscina de la nueva era del Jazz.

¿Qué es el Bebop? El nombre de Bebop procede del Scat (interpretar melodías instrumentales vocalmente a partir de sílabas sin sentido), donde se utilizaban mucho las palabras rebop y bebop. La palabra aparece impresa por primera vez en una grabación de Dizzy Gillespie (el padre del jazz afrocubano) en 1945. Pero, ¿de qué va esto del Bebop? Básicamente era un cambio radical en las formas musicales a partir del dominio técnico del instrumento, cuya prueba de fuego final era la jam session. Musicalmente se nos presentan ritmos indi-

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gráficas (de ahí la importancia de las sesiones improvisadas, las jam sessions). Recién estrenada la década de los 40 del pasado siglo XX, nos encontramos un grupo de músicos con una nueva perspectiva artística, que se rebelan frente al estancamiento del dixie y de las big-bands. Se nos presentan como una reacción ante la colonización de la música negra por parte de la comercialización, además de ser una reclamación revolucionaria del pueblo negro. Ya no se toca para divertir a los blancos, sino para divertirse ellos mismos con su propia música (Monk declaraba: “Queríamos hacer una música que ellos no pudieran tocar” y ellos eran los blancos). Todo esto se mostraría años más tarde, de manera institucional, en el Movimiento por los Derechos Civiles (ya en otras entregas hablábamos de la esclavitud a la que se sometía el pueblo negro también en el mundo del espectáculo).

viduales que parecen caóticos, pues rompen con la continuidad sincopada del dixie, una pulsación rítmica de conjunto que se rompe y pasa a dar un rol independiente a cada instrumento a partir de ritmos fríos y nerviosos con tempos muy rápidos. Se harán imprescindibles los solos individuales, improvisados a modo de Riff (frase que se repite mucho por la sección de acompañamiento). Por primera vez aparecen patrones de ritmos más variados y complejos, menos uniformes y simétricos. Este estilo aparece un poco de la noche a la mañana, sin embargo, entre 1939 y 1945 se nos presenta un período altamente fructífero, incluso teniendo en cuenta que entre 1942 y 1944 la Federación Nacional de Músicos prohibió la ejecución de grabaciones disco-

Los principales exponentes de estilo fueron: Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Max Roach, Bud Powell y Thelonious Monk. Muy importante es la influencia de la obra Body and Soul de mi adorado Coleman Hawkins (siendo muy joven Charlie intentó tocar esta pieza en tiempo doble, pero no fue comprendido), pues sirve de puente entre el Dixie y el Bebop. ya que, por primera vez, la línea melódica sonaba dos veces más rápido de lo oído anteriormente. También son muy importantes las grabaciones de Charlie Christian de 1941, pues ya se intuía el nuevo estilo. Además, este músico se acompañaba en sus sesiones por intérpretes como Monk o Gillespie. La actitud de los músicos también era diferente a lo visto hasta ahora, pues hacían un viaje musical mucho más introspectivo y con cierto desdén hacia el público (en palabras de Gillespie: “Solíamos recurrir a las modulaciones imposibles, sobre todo cuando algún desconocido subía al escenario con su instrumento para unirse a nosotros”). Así nace la figura del Hipster (sí, sí, el Hipster, una subcultura de los años 40 que nada tiene LaCarne Magazine

que ver la moda gafa-pasta y de camisas de cuadros de hoy en día), y la subcultura de la denominada Generación Beat (¡Si no lo hiciste en tu adolescencia, corre a leer a Kerouac!) que se consideraban beats, “los benditos oprimidos de la sociedad”. Charlie Parker se convertirá en el gurú de este movimiento cultural y en palabras suyas: “Improvisé durante mucho tiempo sobre Cherokee (Estándar de jazz). Mientras, me di cuenta de que, al utilizar los intervalos superiores de las armonías como línea melódica, colocando debajo armonías nuevas, más o menos afines, podía tocar aquello que llevaba tanto tiempo en mi cabeza”. Auténtica improvisación premeditada. Inicios de Charlie Parker En cuanto a Bird, nació con el nombre de Charles Christopher Parker Jr, un 29 de agosto de 1920, en Kansas City, ciudad que marcará su desarrollo musical, pues contaba con una gran tradición jazzística pero con influencia marcada por el Blues. Con 15 años ya había abandonado la escuela y comenzaba sus primeras actuaciones, siendo habitual en el combo de George Lee. Será el momento de sus primeras lecciones de armonía, pero también su primer contacto con la heroína: su principal talón de Aquiles. Autodidacta, de pequeño tocaba la tuba, pero pronto

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pasó al saxofón, intentando seguir los pasos de sus referentes musicales iniciales: Lester Young y Buster Smith. El nombre de Bird (Yardbird) se lo pusieron sus compañeros de gira cuando, volviendo de una actuación de Nebraska con la orquesta de McShann, atropellaron a varias gallinas (en inglés yardbird significa ave de corral), y Charlie les obligó a parar y recoger una que después dio a la dueña de la hospedería para que se la cocinara. En 1938 comienza su verdadera andadura. Marcha a Nueva York (para llegar empeña sus instrumentos) donde comienza como friegaplatos en el club donde tocaba Art Tatum, al cual admiraba profundamente y que influirá mucho en el estilo de Parker. Poco a poco comenzó a integrarse en la vida nocturna de la ciudad, siendo habitual en jam sessions, especialmente en las del Clark Monroe´s Uptown House (una de los dos principales clubs del Bebop), y es aquí donde comienza la verdadera aventura de Bird en busca de nuevos sonidos basados en la improvisación. En 1939 conoció a Dizzy Gillespie, su gran compañero. Juntos comienzan a improvisar en Harlem, convirtiéndose en un combo mágico. Ambos se van uniendo a diferentes ban-

nos queda la estupenda grabación convertida en disco Charlie Parker y Dizzy Gillespie: Bird y Diz at Carnegie Hall (cremita pura). Sin embargo, Bird era un adicto… Muchos músicos siguieron su ejemplo pensando que las drogas elevaban su ingenio. Sin embargo, en palabras de Dizzy Gillespie: “La heroína y el alcohol no hicieron a Charlie ser mejor músico, sino morirse con 34 años”. Charlie era un músico complicado, que llegaba tarde a las actuaciones con enormes colocones, durmiéndose en el escenario o incluso llegando a un concierto con un saxofón de plástico porque el suyo lo había empeñado para comprar heroína. En 1954 se inauguró un club llamado Birland en su honor. das, grabando en 1941 sus primeros solos en Swingmatism y Hootie Blues. Será éste el momento en que nuestro pájaro comience a cuestionarse las estructuras de fraseos habituales (los estándares) y, a partir de aquí, Charlie entra en una nueva fase en la que estará en contacto con músicos nuevos (los ya citados Monk, Roach o Powell), que darán paso a la nueva escena musical. La unión verdadera con Dizzy llegará en 1944, y aquí realmente comienza todo: temas novedosos donde sus solos eran una auténtica novedad. Nacía el Bebop, y con él la división entre aficionados al jazz. Ahora debías especificar qué tipo de aficionado eras, si de Charlie o no (un a. C. y un d. C. en toda regla vamos). Charlie Parker y las drogas Las primeras grabaciones de Charlie Parker como solista serán con el quinteto de Tiny Grimes. Sin embargo, el principal enemigo de Bird era él mismo. El mundo de las drogas y el alcohol le atraparon con más intensidad aún. Su salud se desmejoró enormemente hasta el punto de que, en 1946 con tan sólo 26 años, sufrió un ataque cerebral. Un año después, y tras estar confinado en un centro de rehabilitación, comienza otra de las épocas más fructíferas de Bird, incluso tocará junto a Dizzy en el Carnegie Hall. De aquello

Tal era el grado de descontrol que tenía Charlie con las drogas que, en cierta ocasión orinó en uno de los palcos, siendo expulsado. Esto supuso un duro palo para Charlie, que ya estaba encaminado a acabar con su vida. Era poliadicto, estaba colmado de úlceras, con obesidad y graves problemas cardíacos. Además entró en grave depresión cuando una de sus hijas (se casó 4 veces y tuvo varios hijos en todos los matrimonios) murió de pulmonía. Su actitud caótica le llevó a morir el 12 de marzo de 1955, con tan sólo 34 años. Cuando el médico examinó el cadáver, escribió en el acta de defunción que el cuerpo pertenecía a un hombre de más de 60 años. El pájaro no volvería a alzar el vuelo nunca más. Tras su muerte, Nueva York amaneció cubierta de pintadas donde rezaba “Bird Lives”, y vive a través de su impresionante legado, un legado que revolucionó la escena musical del jazz, en la que siempre parecía luchar por tocar dos notas a la vez, y la encaminó hacia un nuevo mundo de modernidad, improvisación y liberación, cuyo testigo cogerán nuevos maestros supremos como Miles Davis o Coltrane, pero ésa es otra historia. ¶

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pasado, presente y futuro

forma que hacerlo en su tierra, Extremadura.

ace tan sólo unas semanas Nacho Campillo sacaba a la luz su nuevo trabajo “Pacífico 360” un primer volúmen de 11 canciones llenas de sinceridad con algunas dosis de romanicismo que reflejan las experiencias vividas por este gran músico. En 2019 Nacho Campillo publicará un segundo volúmen, pero no queresmos adelantar acontecimientos. Antes queda mucho por hacer, muchos conciertos que dar, ciudades y países que visitar y experiencias nuevas que vivir. Su gira ya ha dado comienzo y qué mejor

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Para nosotros ha sido un placer volver a hablar con Nacho Campillo para que nos hable de este fantástico trabajo y de sus sonidos. Os invitamos a descubrir los detalles de todo lo que nos ha contado.

Nacho Campillo y Pacífico 360, pasado, presente y futuro Pacífico 360º es un disco con muchos matices y cada canción es como un pequeño tesoro. ¿Es este trabajo tu forma de celebrar 30 años de carrera musical? ¿Qué es para ti este disco? Efectivamente. Mi idea nunca fue hacer un

trabajo recopilatorio al uso para celebrar una trayectoria. He estado más de tres años escribiendo canciones entre otras cosas, y me he juntado con un buen número de composiciones. Sentí que era el momento de sacar nuevo material, y además coincide con mis 30 años en el mundo profesional de la música, y desde que publiqué Spanish Shuffle con Tam Tam Go. Este disco representa para mí un antes y un después, echar la vista atrás, intentar aprender de todos los errores que he cometido y decirme a mí mismo que es el momento de tirar hacia adelante como solista. ¿Cómo decides confeccionar este trabajo? ¿Qué es lo que más has tenido en cuenta a la

hora de escoger y hacer las canciones? En realidad en un principio iba a ser un disco doble, como se decía antaño, pero en los tiempos que corren no está la industria para disparar cartuchos al aire, así que decidí partirlo en dos, y el segundo volumen de “Pacífico 360” se publicará a principios del 19. Es un álbum con una carga emocional importante. He ido escribiendo canciones de manera muy aleatoria, no he seguido un concepto claro. Son temas muy sinceros que hablan de mi realidad, de mi entorno, y reflejan el mundo en que vivo hoy por hoy, con sus sinsabores, sus penas y sus alegrías, aunque siempre con cierta dosis de romanticismo, y dejando un LaCarne Magazine

margen (cada vez más estrecho) a la esperanza. Elegí estas 11 canciones para la primera entrega pues eran las más coherentes de alguna manera en cuanto a composición, arreglos y producción. Pacífico 360º sale el día 6 de Abril, pero ya hemos podido escuchar algunas canciones en tu Soundcloud. Nos han gustado mucho por las melodías, las letras, los arreglos… ¿Ha habido alguna parte de este trabajo en el que hayas puesto más empeño o esfuerzo? ¿Cómo te has sentido haciendo las canciones de este disco? Mi premisa siempre fue, desde que empecé a escribir canciones, cuidar mucho la línea melódica, la letra y, por supuesto, el arreglo por ese orden. Una buena canción creo que está compuesta por esos tres elementos. Creo que he mimado cada canción sin hacer diferencia alguna entre ellas. El resultado es un álbum muy equilibrado y muy completo. La verdad es que las canciones han salido sin mucha dificultad.

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Cuando se escribe con sinceridad sale todo muy fluido, y el resultado son canciones muy directas que llegan con facilidad al oyente. Hemos leído que el disco tiene un poquito de Tam Tam Go! y un poquito de Reyno, ¿es así? ¿Cómo definirías la sonoridad de este trabajo? Mucha gente me lo ha dicho. Hay cachitos de Tam Tam Go, de Reyno, de Campillo…, eso es “Pacífico 360”: Nacho Campillo y su pasado, presente y futuro. En cuanto a la sonoridad, hay una parte del álbum muy acústica, muy orgánica, ejecutada con pocos instrumentos acústicos: guitarras acústicas, bajo, batería y voz sin grandes aspavientos y nada de electrónica; y otra parte del álbum más eléctrica, con algunas capas demás de guitarras ambientales, y algún teclado analógico. En alguna canción hemos utilizado un cuarteto de cellos para realzar el dramatismo del tema (Compás de espera), y trompeta en la nueva versión de Espaldas mojadas, para darle un toque diferencial con el riff original guitarrero. De todos las canciones hay una que dedicas a

Txetxu Altube, con el que tienes una conexión fantástica, has hecho una gira junto a él, hicimos una entrevista conjunta (puedes recordarla aquí)… ¿Por qué esta canción? Y más importante aún ¿qué le ha parecido a Txetxu? ¿Qué te ha comentado? Conocí la música de Txetxu y Los Madison en una gira por Perú con Mikel Erenchun. Él me habló de Txetxu, y cuando regresé a Madrid me interesé mucho por conseguir sus discos. Entonces descubrí “Compás de espera”, un tesoro del pop en español, y me enamoré al instante de esa canción. A Txetxu le ha gustado muchísimo y ya me lo ha manifestado. Creo que se siente muy orgulloso de la versión y yo también. Creo que ha quedado muy diferente a la original, pero sin perder el alma de la composición. Tenemos entendido que también tienes ya preparada una extensa gira, no sólo por España sino también por Latinoamérica. ¿Puedes adelantarnos fechas, ciudades y países? Sí, empiezo en mi tierra, Extremadura, los días 6 y 7 de Abril de 2018, en Badajoz y Mérida. Después continúo por toda España durante los meses de Mayo, Junio, Julio y Agosto, para

después ir a USA en Septiembre y México en Octubre. ¿Y qué tienes preparado para estos conciertos de la gira? ¿Habrá sorpresas para celebrar tus 30 años en la música? Haré un extenso repaso a toda mi carrera como Tam Tam Go y como solista, y por supuesto presentar casi en su totalidad “Pacífico 360”. En algunos conciertos invitaré a algunos artistas locales a subir al escenario siempre que se pueda. Nos ha encantado volver a hablar contigo. Nos alegramos mucho de que sigas haciendo discos y canciones. Felicidades por estos 30 años de carrera musical, y que cumplas muchos más. Un fuerte abrazo, Nacho! :-) Me gustaría dedicaros con todo mi cariño este “Pacífico 360” y mandaros un abrazo enorme a todos los que seguís LaCarne Magazine. Salud, amigos!!! ¶

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engo el honor de entrevistar a Manifa, un grupo coherente con sus ideas, un grupo que se ha negado a venderse, al cual me enganché desde que oí su maqueta ”Ruido del bueno”. Si conoces a Manifa sabes de lo que hablo, y si no, esta entrevista te ayudará a conocerlos. Ya estás tardando!

MANIFA, un grupo coherente con sus ideas Para quien no os conozca ¿Quiénes forman Manifa y cuándo se forma? El primer concierto fue en 2003. No sabíamos tocar. Alguno no habíamos visto un instrumento de cerca nunca, ni teníamos experiencia. Todo el proceso del grupo ha sido lento y de aprendizaje continuo, con todas las hostias y etapas que hay que pasar cuando te metes en este mundo. Manifa lo forman: Josu al bajo, Asier y Marpe a las guitarras, Unax a la batería, y Mena a la voz. ¿Cuáles son vuestras influencias a la hora de componer? Ninguna en concreto. Asier es quien compone la mayoría de las canciones, pero Marpe y Josu también componen alguna. Después Mena mete las letras. Pero como ves, puede haber canciones más punkis, otras más heavylongas incluso, etc. Hacemos lo que sale. Considero que tenéis un sonido propio a pesar de que mucha gente os compare con La Polla entre otros. Creo que sois muy distintos ¿Cómo lleváis que os comparen con otros grupos? No nos afecta porque hacemos lo que nos sale. Las influencias ahí están, no pasa nada. Lleváis desde 2003 dando caña por todos lados comenzando con el disco “Ruido del bue-

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Manifa

el Punk no está en ve no”. ¿Qué ha cambiado en el grupo desde que empezasteis con él? Ha cambiado solo que las hostias te hacen aprender ciertas cosas, que vas a pasarlo bien y cada vez tragas menos con ciertas mierdas, y que aprendes también a tocar mejor y currarte más las canciones, letras, etc. ¿Qué consejos daríais para sobrevivir en el circo del rock? Lo de sobrevivir es muy relativo. Para algunas personas sobrevivir será chupársela a cierta gente y tragar para conseguir el éxito. Nosotros simplemente hacemos lo que nos sale, y a quien guste bien, y a quien no… pues ahí tiene miles de bandas más. Qué le vamos a hacer, jeje. ¿Existe solidaridad entre los grupos o por el contrario la mayoría mira solo por lo suyo? Hay de todo, aunque la mayoría solo mira por su propio culo. Como en el ámbito laboral o en la vida, la gente va a su bola y le dan igual los demás. Incluso hay gente que para subir él si

Foto por Unai Endemaño

enta hace falta te pisa a ti. ¿Tenéis preparado nuevo material para un próximo disco? ¿Podéis adelantar algo al respecto? Sí, estamos haciendo temas nuevos para sacar disco, con ganas siempre de ir haciendo cosas nuevas, aunque sea poco a poco. ¿Tenéis fechas para tocar por Extremadura? ¿Dónde os podremos ver próximamente? Por Extremadura de momento nada. Estaremos en festivales como el A desfeita en galiza, el A pico y pala en Córdoba, el A cop de rock en Tarragona, el Trespa rock en burgos… Cada vez hay más bandas tributo. ¿Qué opinión tenéis de ellas? Lo dejamos claro en nuestra canción de “El ataque de los clones”. Es una invasión, y se ha convertido en un recurso fácil para intentar llenar los bolos y sacar algunos eurillos. Muy triste.

¿Qué hacéis cuando no estáis tocando con el grupo? Hacemos rituales satánicos y bebemos la sangre de los modernos y modernas que sacrificamos en esos rituales. ¿Dónde podemos conseguir vuestro material? En nuestros bolos, y lo más sencillo, contactando con nosotros directamente y ya miramos a ver cómo hacerlo llegar. Agradeciendo la entrevista como seguidor vuestro que soy desde la maqueta. ¿Queréis añadir algo? Que ya tienes paciencia para llevar aguantándonos desde la maqueta. Entonces mejor que tú poca gente más podrá ver lo que ha sido Manifa y cómo ha evolucionado. ¶

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Reytoro

el Heavy Metal de Uruguay sentación del disco, la banda comienza a dar de qué hablar.

EYTORO es una Banda de Heavy Metal Uruguaya, fundada entre 1998 y 1999 por Fabián Furtado en vocales, con Norberto Arriola en guitarra, Fernando Alfaro en batería y secuencias, y Enzo Broglia en el bajo y coros. Formación que se mantiene hasta el día de hoy. Graban su primer demo, “La sed y el hambre”, y consiguen sonar en radios y tocar con Malón, encontrando en la gente una respuesta inmediata. En el 2003 graban “Reytoro” con canciones como: Veneno, Otra vez, Carne, Peste o el cover de Depeche Mode (Policy of truth). Ya sonando en las radios, generando muy buenas críticas, y agotando entradas en la pre-

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En el 2007 graban “Vivo”, disco premiado en 2008 en los Premios “Graffiti” como “Mejor Álbum de Heavy Metal”. En el 2008 aparece el disco “II”, el cual nos muestra un REYTORO más fresco, ágil y directo, sin perder la identidad que siempre los caracterizó, siendo el tema “Cadáver” elegido para realizar el primer Video Clip. Entonces llega el disco “III” en 2015. Ya la banda es considerada el máximo exponente dentro de su género y gozan de mucho poder de convocatoria en sus shows en Uruguay. Terminan la trilogía, y en este álbum muestran la madurez musical, donde experimentan, a lo largo de las 14 canciones propias, instrumentos y sonidos como el saxo, percusión (tambores), coro de niños, coros líricos y poesía. El tema Finisterra es el encargado de abrir el

espectro a esta nueva experiencia “III”. ¿Con qué nos van a sorprender esta vez? Hablamos en exclusiva con Enzo Broglia, el bajista de la banda.

Reytoro, el Heavy Metal de Uruguay Enzo, ¿Cómo estás? Decime, ¿qué es y cómo ven Reytoro ustedes? Esta banda que fueron trabajando y cuidando desde hace tantos años. Hola! ¡Todo bien! Bueno, yo la veo como creo que la vemos todos los que estamos de este lado, es un grupo de amigos que hace 20 años que viene tocando y creando canciones juntos, y creo que lo veo mejor que nunca. Haciendo lo que más nos gusta: ¡Tocar! Explícame un poco sobre esta fecha de “Reytoro a la carta” en BJ Sala el 21 de abril y la gira por Argentina. ¿Se viene un disco nuevo? Bueno, esta idea de “a la carta” surgió porque queríamos mostrarle a la caterva el material nuevo, y, bueno, se nos ocurrió que era una buena excusa para que ellos mismos eligieran las canciones que querían para el show. Y sí, se viene un disco nuevo. ¡Estamos trabajando en eso y muy entusiasmados! El sábado podrán ver una muestrita de cómo viene. ¿De dónde salió el concepto de “caterva”, que ya es un clásico de la banda? Salió de los shows, de la comunicación que tenemos con el público, donde un día surgió este concepto de “caterva”, se fue arraigando, y la gente lo fue tomando como propio y así creció. La trilogía (con los discos: “Reytoro”, “II”, “III”) fue un trabajo de años. Explícame un poco cómo se fue dando el dividir los temas de esa manera, considerando también la evolución de la banda tanto musicalmente como personalmente, pero siempre manteniendo la esencia que los caracteriza: Heavy Metal. Bueno, en realidad ese concepto de trilogía se fue dando con el paso del tiempo, fue algo pensado pero a su vez fue muy natural, y ha

ido evolucionando con el tiempo hasta llegar al “III”, que entendemos que es el disco con más personalidad REYTORO. Y ahora se nos presenta este nuevo desafío de salir de esa trilogía y hacer nuevas canciones para un nuevo disco, y estamos contentos con el resultado que estamos teniendo. Falta un montón, ¡pero viene muy bien! Este año están festejando sus 20 años. ¿Tienen planeado algún festejo? ¿El disco nuevo tiene algo que ver con esto? En realidad, los 20 años oficialmente los cumplimos el año que viene, pero ya podemos ir festejando, ¿no? (Enzo ríe) No, el disco nuevo no va a tener nada que ver con nada, pero seguirá siendo REYTORO. Cada disco que han sacado se siente como un estado de ánimo de parte de la banda. ¿Cómo construyen esa conexión? Y, en realidad se construye día a día, y de eso estamos hechos, de esos estados de ánimo y sentimientos que se vuelcan en las composiciones, pero realmente la construcción es involuntaria. Y ahí está la gracia… ¡Son canciones de cuatro tipos, con miles de experiencias volcadas entre 4 paredes! A lo largo de su trayectoria han hecho varias giras por el exterior, y han compartido escenario con muchos artistas como Sebastian Bach, O’connor y bandas como Malón, Guns And Roses, Sepultura, Megadeth, Kreator, Horcas, etc. Si te parece, cuéntame esto con más detalles. Realmente hemos tenido la oportunidad de haber compartido escenario con bandas de todo el mundo y de primera línea, y esto para nosotros es una excusa también para poder llegar de otra manera a la caterva, y que tenga la oportunidad de poder vernos en esos escenarios increíbles, teatro de verano, velódromo, estadio centenario… ¡Son vivencias increíbles! Que también van marcando un antes y un después en la vida de cualquier artista. ¡De eso nos alimentamos y aprendemos para LaCarne Magazine

PRIMICIA: Tenemos la presentación en exclusiva de Némesis, el tema nuevo de Reytoro. Así se vivió en BJ Sala:

mejorar los shows! Para terminar, me gustaría saber su visión sobre el Heavy Metal Uruguayo. El Heavy metal uruguayo es un género muy sacrificado, que durante muchos años, y hasta el día de hoy, tiene muchos prejuicios en su haber. Pero si hablas con la gente de las productoras, boliches y lugares de conciertos, te van a decir lo mismo que yo: ¡Son el mejor público del mundo! ¡Muchas gracias, Enzo! fue un placer entablar esta entrevista. Esperemos que se venga mucho más para esta eufórica banda de Heavy Metal, que, sin lugar a dudas, se lo merece. Gracias a ustedes por el espacio y el interés. ¡¡Y que siga siendo metal!!

REYTORO en “BJ SALA”

Sábado 21 de abril de 2018. Fotos y filmación: Diego Rodríguez Finalizada la entrevista, comienza el espectáculo, y el público en “BJ SALA” comienza a arder.

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Como banda telonera, un power trío que te vuela la tapa de los sesos. Desde argentina: Exiliado con Franco “Coco” Carobino en la voz y guitarra, Joan Manuel Barceló en el bajo, y Brian Mehrbald en la batería. Tocaron temas propios y terminaron con un homenaje a Metallica, para darle paso con el público ya eufórico, a REYTORO. Con una presentación de más de 20 temas (entre ellos, un tema debut del futuro disco), y al menos 2 horas y media de show, donde tocaron clásicos como: Finisterra, Carne, Peste, Hacha, Karma, Sol, Desolador, Sin querer, Veneno, Otra vez, Sistema, entre otros. Presentaron el adelanto de lo que se viene en el próximo disco. El tema nuevo se llama “Némesis”, y, como siempre, la caterva responde de manera explosiva. Una noche llena de emociones, metal y euforia, con un ambiente cálido y con un gran sentimiento de sentido de pertenencia, característico del mundo del Heavy Metal Uruguayo. ¶

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Nemesis

triunfa con su Witching Metal esta entrevista llame su atención y se enlisten en la senda del witching metal. Salud 666.

esde Colombia nos llega la agrupación Nemesis, banda que comenzó en escena en el 2004, pero llegó a consolidarse en la escena colombiana algunos años más tarde. Para LaCarne Magazine, aquí va esta entrevista respondida por Lucho Rodríguez “Massacra” y Joshua Mazo.

Nemesis extiende el Witching Metal Saludos. En primer lugar, darles las gracias por la oportunidad de pregonar su música en LaCarne Magazine. ¿Desean entregarnos algunas palabras para comenzar la entrevista? Saludos, witching maniacos. Esperamos que

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Bien, hablemos acerca de los inicios, que según creo data del 2004. Háblanos de esa etapa. Sí, oficialmente hemos reconocido que la banda se fundó y se estableció en ese año en la ciudad de Buga, Valle del Cauca, Colombia; pero la composición de los temas más clásicos de la banda empezó desde finales del 2003. Al finalizar el 2004 la banda sufrió varios cambios en su alineación, buscando un guitarrista y un baterista que siguieran la misma línea de lo que hoy es Nemesis, con su Metal embrujado. Inicialmente la banda se conformó así: Massacra como fundador de la banda, Anakiton en la batería y The Punished en la guitarra. Esta alineación permaneció fija hasta 3 años después, donde el guitarrista decide dedicarse a otros proyectos. De esta manera ingresaría Jairo Sánchez (ex-Skul, ex-Infernal Maniak). Luego Anakiton decide abandonar la banda por problemas personales y diferencias que

tales como: Necronomicon (Alemania), Witchtrap (Colombia), Hellhammer, Sacrifice (Canadá), y las muy bien conocidas Kreator, Destruction y Slayer. Todo este conglomerado de bandas ha sido la principal causa para crear este metal maldito. La banda editó hace algún tiempo el trabajo “Conspirando con la Maldad y la Oscuridad”. Cuéntanos acerca de este trabajo, temas que lo componen, sello que lo lanzó… Éste fue grabado en 2008, y se pudo lanzar en 2013 finalmente por cuestiones ocupacionales de cada integrante. Este trabajo fue lanzado por el sello Metalized Blood de Cali, Valle del Cauca. Quienes conformaban la tienda de música “El Templo del Metal”, en la misma ciudad, y está conformado por 5 temas cargados de witching metal: Intro, Guerreros de Metal, Preludio Antes de la Batalla, Al Margen del Combate y Enemigo Apocalíptico. Éste ya es un trabajo muy underground que refleja diferentes perspectivas desde ámbitos sociales y políticos, a su vez letras con contenido embrujado, oscuro y pagano, incluso satanista. tuvo con la banda. Luego ingresaría su reemplazo con Felipe Abigor. De esta manera se estableció una alineación donde se logró producir un trabajo. En el 2013 salió Jairo y quien comandaría esta vez la guitarra es Joshua Mazo, quien ya conocía la banda desde tiempo atrás. Un año después, 2014, el baterista Felipe Abigor sería reemplazado por Frank War Toxic. Y así se decide grabar un segundo trabajo, con sonido de ensayo, para mostrar las canciones nuevas y consolidar las elaboradas anteriormente con las alineaciones viejas. De esta manera se consolida Nemesis desde el 2014 hasta la actualidad. Respecto a su música, se nota un ambiente de mucho apego a Sodom, Slayer, Celtic Frost. ¿Qué nos dicen al respecto? Efectivamente. La banda tiene como influencias principales esas tres bandas. Sodom y Celtic Frost con su oscuro witching metal marcaron una línea de combate para nuestra banda, además existen otras bandas que también ha influenciado sobre este maldito metal,

¿Quiénes son actualmente los integrantes de Nemesis? Está conformada por un power trio (así como nuestras influencias), muy a la vieja escuela. Actualmente quienes comandan la línea de batalla y la horda witching metal son: MASSACRA (Luis Londoño), con sus oscuras y desgarradoras voces y densos bajos; en las guitarras afiladas y maniáticas, JOSHUA MAZO; y en las brutales y siempre combativas baterías, WAR TOXIC (Frank San Martín). ¿Bajo qué inspiración fluyen sus letras? ¿De qué tratan las mismas? Las letras están inspiradas por el ocultismo, brujería, satanismo, la guerra y el paganismo. Específicamente la guerra que ha azotado tanto a Colombia y las diferentes manifestaciones bélicas son las principales causas que nos inspiran a trabajar nuestra música maldita y componer nuestras letras, llenas de historias y sucesos de terror con una mezcla de ocultismo y brujería. Colombia es un país con una amplia escena LaCarne Magazine

metalera. Nemesis es una banda con muchos años en esta escena. ¿Se sienten respetados por los medios o piensas que aún falta algo para lograr el respeto de todos? Sí, sentimos que la banda es reconocida. De hecho, hemos tocado con diferentes bandas nacionales que han marcado esa historia en la amplia escena metalera de Colombia, y quienes fundaron o hicieron parte del mítico Ultra Metal. Estas bandas son, por ejemplo: Blasfemia y Herpes. Pero queremos mucho más, el underground es un vasto y oscuro mundo. Queremos llegar a quienes se identifican con el metal embrujado. Pensamos lograr esto mediante trabajos discográficos de larga duración, que es lo que nos falta para consolidar y lograr nuestro objetivo como banda dentro del underground. La banda ha formado parte de algunas alianzas metaleras conformadas en Colombia. ¿Podrías darnos más detalles sobre estas alianzas y de qué tratan, su objetivo? Actualmente la banda hace parte de la Alianza Metal Palmira, que ha consolidado la escena metalera local de Palmira, Valle del Cauca, en los últimos 5 años. En esta alianza existen bandas de alto calibre y con amplio recorrido. El objetivo de la Alianza fue principalmente consolidar un espacio para que las bandas de metal tuvieran donde ensayar. Actualmente estamos organizados solamente para difundir el metal desde sus géneros más clásicos. Luego la Alianza se propone actuar y organizar eventos de metal como el Thrash Attack Palmira y el Atomik Nigthmare Metal Fest. Si no estoy equivocado “Witching” representa

“Las letras están inspiradas por el ocultismo, brujería, satanismo, la guerra y el paganismo. Específicamente la guerra que ha azotado a Colombia es la principal causa que nos inspira al trabajar nuestra música maldita y componer nuestras letras” 38 LaCarne Magazine

su última producción, ¿es así? ¿Representa esto a futuro de lo que será lo nuevo de la banda? Sí, de hecho, el nombre completo es “Witching Rehearsal”, lo que indica principalmente la consolidación de la alineación actual. Tiene sonido de ensayo y algunos temas se pueden escuchar por medios electrónicos como YouTube. Sin embargo, queremos que siga siendo underground y no nos gusta postear todas las canciones, aun reconociendo que estos medios son importantes para la difusión de la música. Lanzamos este trabajo de manera independiente, donde inicialmente se grabó dentro de los estudios de ArteVivo en Palmira, para el año de 2016. Indudablemente esto representa el futuro de la banda, más witching metal, más embrujado, más machacante, violento y subversivo. ¿Cuál es su sueño no realizado? Queremos consolidarnos y tocar con más bandas underground como Bulldozer, lo que posiblemente pueda darse en un futuro no muy lejano. ¿Qué podemos esperar de Nemesis en los próximos meses? Adelántenos algo. Pronto lanzaremos un vídeo profesional del sencillo “Némesis”, del primer álbum larga duración. Así deben estar pendientes a nuestros canales de difusión electrónicos como Facebook y Youtube. Y para mitad de año esperamos tener editado y masterizado el álbum completo, que pronto saldrá a la luz el sello y la portada del mismo. Bueno, muy agradecido por tus respuestas. Algún saludo o mensaje a los lectores de LaCarne Magazine? Adelante. Los invitamos a escuchar más metal, malditos maniáticos, metal embrujado 666, y los invitamos a seguirnos en nuestros canales electrónicos vía internet como “Nemesis–Witching Metal” en Facebook y Youtube. Así mismo pueden seguir a la Alianza Metal Palmira en el mismo medio y buscarla como “Rockartes palmira - alianza metal”. Saludos, witching maniacos. El metal prevalece. ¶

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Vikingore

Death Metal con estilo propio entrevista que os permitirá descubrirles o conocerlos mejor LEER MÁS

onocí a Vikingore a raíz de preparar la reseña de Taliesyn. Estaba escuchándolos por Youtube cuando me saltó una sugerencia, Vikingore, y no pude evitar escucharlo puesto que había oído hablar de ellos bastante bien. No sólo no me defraudaron, sino que me sorprendieron bastante. Por ello les pedí esta

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Vikingore Death Metal con estilo propio ¿Cuándo surge Vikingore? ¿Quiénes lo formáis? Vikingore fue una idea conjunta entre Ángel y Emilio (antiguo miembro del grupo), cuya intención era crear una banda de Death Metal lo más brutal posible con temática vikinga. Bajo esa idea se unieron a nuestro estandarte varios músicos con los que habíamos trabajado

tica, nos gusta la visión, la épica y el conjunto de valores que promueve, y por eso la mantenemos como una constante, pero Vikingore es un grupo de Death Metal, punto. ¿Cuáles son vuestras influencias? En el disco puedes escuchar desde riffs graves secos y percusivos a medio tiempo que te pueden recordar a Cannibal Corpse (Nastrond), hasta interludios melódicos en la línea de Alcest (Swallowed). Eso ya te indica que dentro del Metal el espectro de influencias es enorme. Igual tenemos el día thrasher y calentamos con Megadeth, Metallica, Slayer o Testament, que nos pasamos discos de Archspire o comentamos una posible versión de Death. La cuestión es que sea cañero y lo podamos integrar en nuestra música.

antes, y el grupo fue tomando forma. Aunque ha habido muchas bajas a lo largo del camino, Vikingore actualmente lo conforman: Gonzalo Gassol (bajista), David Rubio (batería), Adrián Mejías (guitarra solista), Adrián Muñoz (guitarra rítmica), y Ángel Martínez (vocalista) ¿Por qué os decantasteis por el Viking Metal? A día de hoy, Vikingore es un grupo de metal extremo. La lírica nórdica sencillamente establece un nexo común entre las canciones, un elemento distintivo de nuestra música. No intentamos sonar a música tradicional o folclórica escandinava. Nos interesa a todos la temá-

¿Qué sentís cuando os dicen que sois los Amon Amarth españoles, a pesar de tener vuestro propio sonido? Bueno, que te comparen con un grupo de primerísima línea no es necesariamente mala cosa. El momento extraño es cuando estás tocando cosas mucho más agresivas, y por un momento que te relajas y metas un poco de melodía en terceras menores, ya eres Amon Amarth. Algunos miembros del grupo apenas hemos escuchado su música, así que no es tan definitivo ni muchísimo menos en nuestro sonido. Si hay grupos que nos gustan a todos son death o cannibal. Amon bebe mucho más del Heavy Metal clásico y mucho menos del Death Metal old school que nosotros. Escuchas “Stomped and Raped” y suena mucho más Slayer. “Enraged” en la línea de Decapitated. “Sons of War”, por ejemplo, sí te puede llevar al sonido sueco, o “Shieldwall”. Bien, es una influencia más y no sólo en la figura de Amon Amarth. Arch Enemy, época Angela Gossow, es otro grupo en común. Insistir siempre en el mismo. Empieza a no tener mucho sentido. Llegasteis a tocar con ellos. ¿Cómo fue la experiencia? ¿Pudisteis hablar con ellos? Fue una de las mejores experiencias que hemos tenido en directo. No fue la primera vez en pisar la Sala Custom (cuando se llamaba Sala Q estuvimos varias veces en eventos LaCarne Magazine

Pudimos hablar con ellos poco, ya que era una fecha parte de una gira más larga, y comprensiblemente estaban descansando para poder afrontar las horas que les quedaban de autobús. Pero son personas amables y humildes con las que pudimos compartir unas buenas cervezas. En el viking metal se fuerza mucho la voz. ¿Cómo la cuidáis o entrenáis? Las voces guturales, fuera a parte del misterio que gira en torno a ellas, se entrenan o tratan como las voces líricas. El apoyo diafragmático es fundamental, al igual que los ejercicios de flexibilidad y fuerza de este apoyo. Ángel en escasas veces ha estado siquiera un poco afónico tras un concierto, pero cantar es como cualquier ejercicio: hay que calentar antes, y después de cantar hay que hacer estiramientos para evitar tensiones posteriores, evitar bebidas que resecan la garganta y beber mucha agua. Parecen recomendaciones evidentes, pero ni te imaginas las burradas que pueden llegar a hacer los cantantes con su instrumento.

“En época de bonanza la escena resurge. La crisis se llevó por delante grupos, locales, salas, conciertos… El Metal no renta, es un hobby. ” como el VII Sevilla Metal o el concierto junto a Runic), pero sí fue la primera vez en verla tan llena. El público se volvió loco desde el primer tema y nosotros nos sentíamos pletóricos por poder compartir escenario con una banda de ese calibre.

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La portada de “Enraged” es brutal, como todo el disco. ¿Quién la diseñó y cómo fue el proceso de grabación, las ventas, etc? La portada fue diseñada por Daniel Zrom, que es un dibujante muy profesional que supo captar a la primera la idea que teníamos. Recomiendo mucho echar un vistazo a sus trabajos, os dejarán sin palabras. El proceso de grabación fue un poco errático al principio, ya que cambiamos de estudio de grabación tras grabar el single del disco (The Draugr, Back from the Grave) y terminamos en Jotun Studios. La experiencia en el estudio estuvo salpicada de estrés, mucho trabajo y alguna trifulca que otra entre miembros del grupo. Lo que es una grabación normal y corriente. Tuvimos la suerte de aterrizar en ese estudio ya que Leo Peña (dueño del estudio) es no sólo un profesional excelente, sino una gran persona e hizo muy ligero el proceso, además de aportar su visión como metalero consolidado para algunas grabaciones. No tenemos suficientes “gracias” para él! Las ventas, como todo grupo de nuestro nivel, van lentas pero sin pausa. Hemos de decir que

tenemos la suerte de que en cada concierto algo se acaba comprando: ya sean camisetas, este disco nuevo y el antiguo (Wolves in the Battlefront) o púas. Esto suele ocurrir siempre después del concierto, por lo que creemos que a alguien terminamos gustando. Del disco además cabe destacar que fue fundado con Verkami. La atención que tuvimos por parte de los gestores de la plataforma fue genial, al igual que todos los procesos burocráticos intermedios. La respuesta de nuestros fans, amigos y familia a la financiación colectiva nos dejó totalmente anonadados, y siempre tendremos un hueco en nuestros corazones para esas personas que nos han hecho más grandes. Ver en Spotify ¿Por dónde vais a tocar en próximas fechas? Tenemos una gira cerrada con el grupazo granadino Perpetual Night que os recomendamos fervientemente escuchéis, si no lo habéis hecho ya. Todo ha sido gracias a Kaamos Tours, que es una agencia que lleva nuestra antigua mánager, que siempre ha estado ahí para apoyarnos. Las fechas cerradas por ahora son: ● 5 de Mayo en Barakaldo (Sala Edaska) junto a After Life. ● 12 de Mayo en Málaga (Sala The Hall) junto a Inorganic. ● 2 de Junio en Zaragoza (Sala Utopía) junto a Realm of Horus. ● 15 de Septiembre en Barcelona (Sala Monasterio) junto a Angoixa. ● 24 de Noviembre en Sevilla (Sala Utopía) esta fecha es fuera de la gira con Perpetual Night y tocaremos junto a Mutilated Judge, Dying y Brutal Slaughter. ¿Estáis trabajando en nuevo material o vais a hacer alguna colaboración? Hay 16 proyectos de canciones ya a la espera de estructuración, arreglos… Es una raíz para un próximo disco, pero queda mucho trabajo por delante y ahora mismo estamos centrados en preparar los directos inminentes de la gira de Enraged. ¿Cómo se puede adquirir vuestro material y/o

contrataros? Normalmente enviamos nuestro material por correo, contactando con nosotros mediante la página de Facebook, Instagram o Twitter, al igual que las contrataciones. Solemos estar atentos a mensajes de todas nuestras redes. Hoy día se vive una buena época en el Metal de España, pero sobre todo en Andalucía hay grandes bandas. ¿Consideráis que hay mejor nivel que antes o hay más apoyo a los grupos emergentes? Es más bien otra oleada. Funciona así. En época de bonanza la escena resurge. La crisis se llevó por delante grupos, locales, salas, conciertos… El Metal no renta, es un hobby. Si no tienes trabajo, tienes cosas más importantes de las que preocuparte que de pagar un local de ensayo o la entrada de un concierto. Afortunadamente parece que volvemos a tener grupos grandes de visita por aquí (Therion, Immolation, Machine Head, Insomnium, Havok, Cephalic Carnage…), y grupos locales pegando fuerte (Devil in You, Murderworker, Kolasi…). Ya hubo otras oleadas antes (Killem, Orthodox…), y otras anteriores (Cadena Perpetua…), y así atrás en el tiempo hasta Storm y Triana. De cada generación queda algo. Vamos a intentar disfrutar esta. Agradeciendo enormemente la entrevista, ¿queréis dejar algún mensaje para vuestros seguidores y para los lectores? Queremos agradecer su respuesta. La sensación de subirte al escenario con una sala llena de gente vistiendo tu camiseta, que se vuelve loca desde la primera nota, y que no para de corear tu nombre y pedir más temas cuando llega el final, es lo que hace que sigas cargando trastos y conduciendo a salas por todo el país repartiendo Metal y hostias en el pogo a saco. Seguiremos tocando, componiendo y grabando lo mejor que sepamos, aunque seguro que si hacemos un disco de progresivo también dirán que suena a Amon Amarth. jejeje. ¶

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olectivo Panamera renueva los ritmos más queridos del otro lado del Atlántico: desde la cumbia hasta el calypso, pasando por la rumba y el carnavalito, mezclado todo ello con el rock más auténtico. Las melodías que salen de la tres mentes creadoras del colectivo: Nacho Taboada, Pepe Curioni y Vanja Polacek, transmiten una alegría por vivir. Y sus letras hablan de los temas más universales del ser humano, como el amor y el desamor, el viaje por fuera y por dentro de uno mismo y el paso del tiempo. Antes de profundizar en vuestro nuevo trabajo, nos gustaría conoceros un poco más como músicos. ¿Cómo recordáis vuestra infancia musical? ¿Cuándo empezó a interesaros la música? Los tres somos músicos muy diferentes, creo que es un poco la esencia de esta unión. Nacho nació en Zaragoza y se crió en Madrid, es amante de boleros, la cumbia, la música africana y de Johnny Cash. Pepe es de Chivilcoy, provincia de Buenos Aires. En su casa se escuchó folclore y música tradicional Argentina, pero siempre en un ambiente de rock. Vanja tiene influencias del jazz y la música fusión. Encontramos en las música de raíz o músicas del mundo un punto de unión maravilloso, eso es Colectivo Panamera. Ante todo nos gusta tocar juntos. ¿Cómo y cuándo os conocisteis? ¿Cuánto tiempo tardó en surgir Colectivo Panamera? Empezamos a tocar juntos porque tenemos muchos amigos en común. Primero tocaron Pepe y Nacho, pero tuvieron la idea de hacer un colectivo musical para compartir concierto y canciones. Ahí se sumó Vanja y dimos nuestro primer concierto como Colectivo Panamera. Creo que llegamos a hacer dos o tres conciertos donde hacíamos canciones de Nacho y alguna de Pepe, pero muy pronto nos establecimos como trío.

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Colectivo

unidos por el World Mu “Colectivo Panamera” es vuestro primer trabajo, del que ya hemos podido escuchar algunos temas y podemos decir que nos transmiten fiesta y mucho baile. ¿Es ésta la línea temática del disco? ¿Qué cuentan estas canciones al oyente? Bueno, sabemos que este trabajo invita al baile y la diversión, es lo que transmitimos este ultimo año y medio en nuestros conciertos, pero para nosotros son muy importante las letras. Nos parece muy divertido poder transmitir sentimiento con nuestras canciones y que la gente baile. De hecho, algunas letras son muy tristes pero, como la vida misma, transmiten optimismo. Este mundo muchas veces

o Panamera

usic

está falto de alegría. Si alguien sale de uno de nuestros conciertos con una sonrisa, creemos que valió la pena. (risas!!!)

o un bolero no dejan de ser nuestras canciones. Nos gusta experimentar y creo que eso la gente lo agradece.

Nos ha gustado ese mestizaje de sonidos Rock and Roll, Cumbia, Rockabilly, Calypso… ¿Qué tiene este sonido que atrapa a los que lo escuchan? ¿Surgió de forma espontánea o ya sabías por dónde queráis ir? Viene por nuestras influencias. Nos gusta mucho el R&R, el blues, la música rockabilly y los solos de guitarra. Así que nuestro concepto fue mezclar todo eso y cantar nuestras letras. Es verdad que existe un gran prejuicio por la música latina, pero nosotros, la verdad, no lo tenemos. Aunque hagamos una cumbia

Hablemos de la composición de los temas que se incluyen en “Colectivo Panamera”. ¿Cómo se gestaron estas canciones? ¿Hay alguna temática de la que os guste más componer? Nuestras canciones siempre son viajes sonoros de Cabo Verde a Lima, pasando por Tilcara (norte Argentino). Así que siempre nos inspiramos con la música de raíz, folclore, desde Country hasta la chacarera. No existen límites nos gusta probar y jugar. Creemos que de eso se trata, de jugar.

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Por lo que tenemos entendido, habéis grabado el disco en Madrid y la producción y masterización en Nueva York. ¿Qué es lo que habéis tenido en cuenta a la hora de tomar estas decisiones? ¿Cuánto tiempo os ha llevado todo el proceso? El disco lo grabamos en Madrid en nuestros estudios Santa Ana, nuestro laboratorio. La producción la hizo Nacho Taboada, Pepe Curioni y Lucas Piedra Cuevas, con Vanja Polaceki a la batería y muchos amigos más. Las mezclas fueron en Madrid por Lucas, el mastering se hizo en Brooklyn NY por Carli Begueri. La verdad, estamos muy contentos con el sonido, pasamos algo más de dos meses grabando y produciendo. Y como dicen siempre: los discos nunca se terminan, se abandonan. Con “Colectivo Panamera” recién salido del horno, ahora llega el momento de presentarlo al mundo y sabemos que ya tenéis algunas fechas cerradas. ¿Cada cuánto tiempo tenéis conciertos? ¿Hasta dónde os va a llevar esta gira? Intentamos tocar cada fin de semana. Creemos que somos una banda de directo. En este año y medio que llevamos antes del lanza-

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miento del disco, hemos tocado mucho. Además de presentarlo por toda la península, ya estuvimos en Sevilla, Valencia, Barcelona y en Madrid. En abril haremos tres conciertos en Bratislava, Eslovaquia y uno en Austria, Vienna. Luego estaremos en un concierto del maravilloso Kanka en la Riviera, donde hace días están las entradas agotadas. Y el 27 de mayo nos vamos a México a participar de Ciclope Festival en CDMX, y hacer una gira por ahí. Y esto recién acaba de empezar, así que carretera y manta. El público va a disfrutar y mucho de vuestros directos. Os deseamos una larga vida musical y mucho éxito. Un placer conoceros ;-) Colectivo Panamera es un viaje musical que va desde Cesaria Evora a Atahulpa Yupanqui, sin olvidarnos de Johnny Cash. Siempre serán bienvenidos a este ritual. Muchísimas gracias por la entrevista. ¶

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

ntrevista a Improvisadores Libres. Epy Figueroa (guitarra, conducción, improvisador multifacético)

Conocí a Epy Figueroa a través de Salomé Plata, una de las representantes de esta revista. Fue un descubrimiento magnífico. Desde el primer momento nos entendimos a la perfección, tenemos unos conceptos musicales muy parecidos y creo que nuestra empatía y simpatía es mutua. Me ha emocionado mucho leer en esta entrevista unas pocas líneas que me ha dedicado. Me halaga y me pone la carne de gallina saber que he contribuido a crear un grupo estable de improvisación libre en Cáceres, en Extremadura, que de ahí soy yo. Ya he ido para allá dos veces: I’ll be back, como dice Terminator jajajaj…para mí es y será siempre un placer enorme compartir esos momentos con Epy Figueroa y todos los amigos de esa ciudad tan maravillosa. Aquí tienen su entrevista! Dime cuál es tu procedencia musical. Si tienes formación académica, me interesa que me cuentes tu experiencia en las escuelas de formación de música o en el conservatorio, y que me lo compares con tu experiencia en la improvisación libre y en la música experimental, aunque sea compuesta. ¿Cuándo y cómo llegaste a la improvisación libre? En mi familia no había ningún músico, pero siempre se escuchaba música en casa. Yo toqueteaba todo lo que se ponía por delante y cantaba y jugaba mucho con la voz. De adolescente probé en un par de grupos y aprendí algunas cosillas en la guitarra eléctrica. Con 17 años escuché a un amigo tocar un tema de Joe Satriani y me enganché a las seis cuerdas. Más tarde, un profesor me recomendó la guitarra española y entrar en el conservatorio de Cáceres. Estuve tres años.

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Un profesor de eléctrica me recomendó el Musicians Institute de Hollywood. Fui allí en 1999. Estuve 3 meses y luego estudié con Jean Marc Belkadi durante 6 meses. Volví en 2002 para tomar clases particulares con distintos profesores durante un año y medio. Siendo un enamorado de la música clásica dejé el conservatorio por la dinámica del mismo, no me apetecía tener que tocar solo, concursando para ganarme la vida con obras de otros, o participar en un sistema de enseñanza tan cerrado y frustrante como el que me encontré. El programa en el Musicians Institute también me fundió los plomos, demasiado orientado a ser funcional, pero el profesorado era maravilloso, músicos realmente grandes y con mucha trayectoria. Todo el mundo “improvisaba”. Aparte de las clases lectivas, tenías laboratorios con los profesores, y te daban cancha para explorar, dentro del estilo que correspondiera, claro. Me frustraba pensar que todo tenía que estar reglado y autorizado o recreado. No me sentía buen músico y pensaba que me faltaba mucho conocimiento para poder ser libre. A todos los profesores les gustaba mi personalidad tocando, pero todos insistían en lo mismo: “te falta lenguaje”. Desde siempre lo que más he hecho es improvisar. Recuerdo más de un recital de guitarra clásica en el que mis dedos sustituyeron lo olvidado por algún pasaje, más o menos “correcto”, que aparecía en el justo momento de quedarme en blanco. Siempre tuve la sensación de podernos conectar con una fuente que nos ofrece su arte, al que accedes sin pensar demasiado. Siempre busqué improvisar en los grupos, en los temas, en las jams, a solas… Harto de estudiar y de buscar la “perfección” abandoné la guitarra y la música por unos meses y me marché de viaje. La música me encontró en el viaje, pero algo había cambiado. Decidí no volver a machacarme con lo que era o no era (el recuerdo de no llegar a ser suficientemente bueno, impreso en el conservatorio, se empezó a diluir). Cuando regresé de ese viaje me puse a improvisar únicamente, no tocaba con bandas, no quería ceñirme a ningún repertorio. He estado seis años tocando diferentes tipos de música en diferentes

Epy Figueroa conectando con el momento

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puntos geográficos sin atarme nada más que a la escucha y la emoción del momento. En 2012 me encontré con Carlos Ojeda, compositor y productor. Publicamos un disco bastante experimental (Kinky Attitude: Ella’s song), volví a cantar y en él toqué muchos instrumentos, al romperse las cadenas también se rompió el miedo. En 2015 Chefa Alonso hizo un taller dentro del Festival de Música Contemporánea del MVM. Me quedé fascinado, ¡había gente que improvisaba con reglas y sin ellas! ¡Mucha! ¡Y desde hacía muchos años! Quería montar algo de este tipo. Me metí en el precioso proyecto de un amigo, la Freelarmónica, pero la propuesta no me resultó tan free. Gracias a LaCarne Magazine apareció Javier Entonado en Cáceres para dar otro taller. Lo que significó otro disfrute mayúsculo. Me invitó a dirigir y tras el curso me animó: “tienes habilidades para esto”. De niño me recuerdo escuchando a Vivaldi, a Sarasate, o a Beethoven imaginando que dirigía yo la orquesta. Las palabras de Javier surtieron efecto. A los pocos días había reunido a un grupo de músicos amigos y tuve el placer de dirigirles en una actuación en directo. Jamás me había sentido tan conectado y concentrado con la música que de ellos salía. Tras el segundo encuentro/taller con Javier en Cáceres, me atreví a iniciar el proyecto POOL 369º. Desde diciembre de 2017 soy mucho más feliz a nivel musical y artístico. Es toda una experiencia llena de regalos cada encuentro que hacemos (normalmente una vez por semana). Me siento, y nos sentimos todos los compañeros, como niños con zapatos nuevos. Siempre he sido de disfrutar lo que toco, y de conectar con los otros músicos y con el público, pero observo que con la improvisación libre ocurre una especie de comunión con un estado de conciencia, si no alterado, cercano a ello. El poco público que asiste, y se queda, o bien se incorpora a la interpretación o bien se queda extasiado, sin aplaudir (cosa que me fascina estando acostumbrados a los aplausos de mucha gente que va a los conciertos a hablar y a aplaudir entre tema y tema. Se rompen muchas barreras, aparte de la cuarta pared).

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¿Cuáles son las influencias que te han ayudado al aprendizaje de tu lenguaje musical? ¿Y a la improvisación? Los estilos musicales que he interpretado han sido muy variados: Heavy, Clásica, Rock, Pop, Blues, Funk, Soul, Tango, R&B, Jazz, Música ligera, Árabe, NuMetal, Experimental... Entiendo que habré sido influenciado por todas ellas. También escuché mucho a Vivaldi, Mozart, Tchaikowsky, Richard Strauss, Strawinsky, Paco de Lucía, Vicente Amigo, Albert Collins, Pink Floyd, Pat Metheny, Scott Henderson, Jeff Beck, Frank Zappa, Prince, Queensrÿche, Jeff Beck, Satriani, JeanMarc Belkadi... y mil más. En la improvisación, José Sánchez Villar (el amigo que me tocó el tema de Satriani cuando tenía 17 años, un improvisador nato), Óscar Trigoso, Frank Zappa, Miles Davis, Scott Henderson, Brett Garsed, Rubén Rubio, David “Lerman”, Chefa Alonso, Arín Dodó y cientos de músicos que pude disfrutar en directo, principalmente de Jazz. ¿Qué es para ti “espacios” en una pieza?. Quiero decir, que si te dicen: Vamos a crear una pieza con ‘espacios’, ¿Qué interpretas? La primera imagen que me viene es el silencio, huecos para dar cabida al silencio. Luego me han venido unos espacios físicos, como los de las tres dimensiones, por ejemplo, un dormitorio, una cocina, una iglesia, un antro, una cueva, la selva, el interior de una flor, el espacio sideral... ¿Consideras que la improvisación libre es un género musical autónomo? Sí, aunque a veces, o en momentos concretos, no lo sea. A veces surgen piezas o partes de ellas que se podrían enmarcar dentro de cualquier estilo convencional. La conducción en la música improvisada te interesa y la practicas. Hay improvisadores libres que se niegan o que rechazan la conducción en este tipo de música. ¿Por qué estás a favor de esta práctica? Me gustan las dos vertientes, sin dirección y con ella. Muchas veces, cuando no está dirigida, bas-

ta un motivo, una línea o una intención para que el discurso musical tome una dirección. “Libre”, la mayoría de las veces, es un eufemismo. Cuando tocas con improvisadores natos o experimentados, la dirección, por lo general, está de más. Lo que me gusta de la dirección es que puedes sacar provecho de las habilidades de los ejecutantes. Puedes hacer desaparecer sus miedos y renuncias, hacer que la “página en blanco” si aparece, no esté en blanco, o dar unas normas a los ejecutantes para que las rompan. También puedes cortar o transformar lo que ocurre si la cosa se pone aburrida para el resto de los músicos o el público. Aunque esto, obviamente, es muy subjetivo y lo mismo erróneo. También gracias a la dirección, por lo que me toca, puedo darle herramientas y capacidades a gente que no está acostumbrada a improvisar.

Links, grabaciones, páginas webs…

¿En qué proyectos estás participando? Tanto de música improvisada como compuesta. Trilobytes (Trío de rock fusión), The Will Hammond Band (Rhythm & Blues británico), Jam Jorge and The Dragons (Jam session), Mareados (Dúo con Livia Estévez), como guitarrista acompañante con Juanjo Cortés y Estela de María y Pool 369º (Grupo de improvisación libre y dirigida). Y a veces también me echo a la calle a cantar con mi guitarra, solo o con quién me encuentre. Siempre improviso, todo, mucho, poco o a penas, pero improviso. Explícame brevemente tu concepto musical Busco encontrarme con el momento, conectarme y dejarme fluir para desarrollar una idea. De cara al público, depende del proyecto, pero en general busco transmitir y pulsar las emociones, intento conectarles con el presente, despertar su interés por la música y por el arte. Cada momento es sagrado, también el escenario, con tarima o a ras de suelo, busco tocar algo en la mente, el corazón, las entrañas y/o la conciencia del que escucha, siempre dentro de un marco estético. ¶

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Donuts Hole nos llevan al límite

Ariel, quien responde a la siguiente entrevista. Donuts Hole nos llevan al límite LEER MÁS

e aquí una agrupación donde sus integrantes provienen de distintas regiones del planeta: Donuts Hole, banda española que abarca géneros de distintas tendencias del Metal. Pues conozcamos algo más sobre esta agrupación por medio de uno de sus integrantes,

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Saludos! Primeramente me gustaría que presentaras a los integrantes de la banda y quien se encarga de responder la entrevista. Hola, Omar! Es un placer estar aquí y tener un espacio en la revista. Bueno, la banda somos Gun, Marco, Sebas, Fran y un servidor, Ariel, que soy, por decirlo de alguna manera, al que le toca un poco hablar sobre la banda y eso en la entrevista. Se dice que la banda está compuesta por in-

hecho de que nos hayamos juntado en Barcelona para ser la banda que somos, y hayamos tenido que converger diferentes biografías, nos ha enriquecido mucho a nivel personal y cultural. ¿Cómo fueron los inicios de la banda? ¿Cómo es que se integran sus miembros? Coméntanos de esta etapa de inicios. Bueno, la banda se formó con un objetivo muy claro. Todos los que estábamos en el proyecto por aquel entonces veníamos de formaciones en las que sentíamos que estaba un poco limitada la manera de componer, clasificada en “etiquetas”, y necesitábamos montar una banda sin límites creativos, sin fórmula. Eso nos llevó a grabar un primer EP, “Concepto Efímero”, que básicamente eran 3 temas independientes y dispares entre sí, que dejaban bien claro que lo que buscábamos era expresar inquietudes y salir con un objetivo, un lenguaje propio. ¿Cómo se puede catalogar la música que hace Donuts Hole? Porque siento como que hay una amalgama de sonidos de variadas tendencias del Metal. Nos encantaría que se nos catalogue como Donuts Hole. Cada vez que trabajamos un tema nuevo impera el ser honesto con nosotros mismos. No queremos que suene a nada en concreto, queremos que ser “diferente” sea la tónica que nos identifique, y la verdad es que nuestro público es lo que espera de nosotros, que no caigamos en redundancia o fórmula. tegrantes de diferentes culturas. ¿Cómo es esto? Explícanos. Esto es algo que no lo buscamos en ningún momento y que surgió de un modo muy casual. El tema es que en la banda está Gun que es japonés, criado media vida en Japón y la otra mitad en Rep. Dominicana. Luego, Sebas es del sur de Argentina, pero criado en Uruguay por su padre que era de Galicia (España). Marco es del norte Argentino, donde las costumbres propias del país están muy arraigadas. Y a su vez yo soy de Buenos Aires pero de familia italiana, con una formación también bastante diferente a la del resto del grupo. El

En el 2009 sacan su primer trabajo, un EP titulado “Concepto Efímero”. Me imagino que este primer trabajo les abrió puertas en la escena española. ¿Fue así? Coméntanos. No solamente nos abrió puertas, sino que nos definió como banda de cara al público y para nosotros mismos. Esperábamos que ese EP nos ayudara a cerrar alguna fecha y a moverlo en un grupo cerrado de gente, sin embargo, y sin darnos cuenta, nos habíamos hecho un hueco entre las bandas del circuito, tanto que estuvimos 3 años girando hasta que sacamos el primer disco.

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“Parodia de un Silencio” fue el primer álbum y con el que lograron girar y tocar con bandas nacionales e internacionales. ¿Qué nos puedes decir de este primer álbum? Este álbum tiene una magia especial, es un disco que no compusimos, sino que se compuso solo. Con la salida del anterior EP y la necesidad de hacer shows más largos, fuimos haciendo temas y descartando, y llegó un momento en el que nos miramos y dijimos: ¡hostia, tenemos material como para un disco! Fue entonces cuando comenzamos a mirar y revisar todo, a destruir y recomponer, esto fue Parodia de un Silencio. ¿Estos primeros trabajos estaban en la línea del actual concepto del grupo? Sí, consideramos el concepto como “la libertad creativa”. Sí, esto es y será siempre algo que está en el ADN de la banda. Ahora, hablando objetivamente, somos músicos con mucha hambre de cosas nuevas. Hemos madurado mucho a nivel personal como musicalmente, por lo que nuestra música obligatoriamente ha crecido con nosotros, y hemos explorado muchos nuevos territorios. Su más reciente álbum es “En Cada Hogar”. ¿Cómo fue su proceso de concepción? ¿Cuáles fueron las fuentes de inspiración, tanto líricas como musicalmente? “En Cada Hogar” es un disco que nos encerramos a componer, a revisar cada acorde, cada riff, cada letra… Podríamos decir que la principal fuente de inspiración fue la vida de cada miembro de la banda, de nuestro entorno, tanto a nivel musical como lírico, nos gusta hablar entre nosotros, contarnos qué sentimos, cómo nos sentimos, qué nos afecta, de lo que pasa a nuestro alrededor…, y finalmente convertirlo en música. De alguna manera, “En Cada Hogar” está inspirado en lo que puede pasar en nuestro entorno más íntimo y cercano. ¿Cómo ha sido el trabajo de promoción de este reciente álbum? ¿A qué países han llegado? Uff! El trabajo de promoción. Lo cierto es que el disco salió con mucho apoyo de nuestros seguidores y nos abrió puertas de Argentina,

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México, Chile de un modo brutal, y nuestra música vio muchos caminos hacia países de habla castellana, pero no nos permitió lograr ir físicamente. De momento, estamos trabajando muy fuertemente para poder salir en breve, ya que mucha gente nos espera. Límites, es un proyecto del que se ha comen-

nuestros seguidores las puertas de la esencia de la banda, y la verdad es que está siendo una experiencia durísima pero muy enriquecedora. Nos queda un último tema por publicar, y sin duda podemos decir que esto es increíble. Quisimos abrir a nuestros seguidores las puertas de la esencia de la banda, y la verdad es que está siendo una experiencia durísima pero muy enriquecedora” ¿Cómo ves el actual movimiento metalero en España? Faltan espacios, falta apoyo por parte de las instituciones gubernamentales, y aun así hay bandas de una calidad increíble, por lo que puedo decir que el metal goza de una salud brutal, en camino de volver a estar en lo alto. Es un trabajo que tenemos que hacer entre todos, pero lo que veo es un panorama sano y fuerte. Nosotros como banda estamos viviendo experiencias muy dulces en cada sitio que vamos, y sabemos de muchos compañeros que nos comentan lo mismo. Lo que es una pena es que siempre se hable de la parte negativa cuando hay un movimiento brutal que no está siendo reconocido. ¿Cuál es el próximo paso de Donuts Hole? Girar, girar y girar, vivir el momento, seguir aprendiendo de nosotros mismos y de los que nos rodea, y, cuando creamos que es el momento, volver a trabajar en un tercer disco.

tado mucho en las redes sociales. ¿De qué va este proyecto? ¿Cuál es el objetivo de Donuts Hole? El proyecto es el de llevar la banda justamente al límite, trabajando en un tema nuevo cada mes, componiendo, grabando y rodando videoclip todo totalmente desde cero y transmitido a través de redes sociales. Quisimos abrir a

Muchas gracias por tu tiempo, y si quieres agregar algo más a los lectores de LaCarne Magazine, pues aquí tienes el espacio. Sobre todo agradeceros por el espacio. Decirles a los lectores que gracias a ellos esta revista existe. Nuestra música tiene sentido y al final todo es para ellos y por ellos, así que muchas gracias por estar ahí dando sentido a todo. ¡Un abrazo muy fuerte para todos! ¶

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onocí a Limando a raíz de una encuesta que hicieron en su web para buscar un título para su nuevo disco (del cual vamos a hablar a continuación). Lo primero que me gustan de los grupos es, además de la música, que sean cercanos, y de eso Limando es el número uno, pues mientras preparaba la entrevista o ponía comentarios en sus redes sociales me sentí como uno más en el grupo, y parece que los conozca de toda la vida. Y una manera de agradecer este sentimiento de pertenencia al grupo es realizándoles esta entrevista, y por supuesto mantener el contacto y ayudarles en todo lo que se les ofrezca.

LIMANDO - Fiesta, diversión y denuncia Lo primero que quiero hacer es agradecer enormemente la entrevista en nombre de la revista y como seguidor vuestro. ¿Quiénes forman Limando y cuándo se forma? Limando es la evolución de “Limando el Serrucho”, la banda que formé en Fuerteventura, Canarias, en 2002. En aquel momento éramos tres. Luego fuimos más y nos mudamos todos a Madrid en 2006. Actualmente somos 4: Elisa Ciprés (trompeta, voz y keytar), Luis Pescador (batería), Daniel Martín (bajo), y yo, Aníbal Campos (voz y guitarra). Muy mucho más mejor es el título de vuestro nuevo disco que sale en abril. ¿Cómo ha sido el proceso de grabación? ¿Dónde ha sido grabado? ¿De cuántos temas se compone? Lo compuse entre 2015 y 2017. Antes de grabarlo hicimos una maqueta de lo que luego sería el disco, para luego ir y reemplazar las pistas en el estudio. Lo grabamos con Daniel Boeira en El almacén de discos y Dinamic Studios (Madrid). Se masterizó en Colombia en C1 Mastering (ganador de un Grammy Latino).

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Limando

Cumbia y Ska para anim Son 8 canciones (una cantada por Elisa). Predomina la fiesta en formato cumbia, ska, merengue y reggae. ¿Hay colaboraciones en el disco? Hay colaboraciones instrumentales, a diferencia con el disco anterior donde las colaboraciones fueron en general de cantantes (Boikot, Bongo Botrako, Kumbia Queers, El Sombrero del Abuelo). Recuerdo que hicisteis una encuesta por Facebook para poner nombre al disco. Yo propuse Asperezas. ¿El título del disco procede de dicha votación? Siempre tenemos en cuenta la opinión de la gente, pero esta vez eligió el corazón. Cuando escuchamos el disco terminado nos dimos cuenta que habíamos conseguido algo que siempre habíamos buscado. Por eso deci-

marte el alma dimos nombrarlo Muy mucho más mejor (que también es el título de una de las canciones). Siempre pensamos que nuestros discos anteriores no representaban lo que éramos en directo, pero esa fuerza, frescura y naturalidad está presente en M.m.m.m. ¿Cuáles son vuestras influencias a la hora de componer? Aunque, a decir verdad, recordáis a otros grupos como a La Pegatina, o Trashtucada, tenéis vuestro propio sonido, algo muy difícil de conseguir hoy en día. Para Limando, las primeras canciones las compuse en el 2000, y la primera maqueta salió en 2002. Salvo que tuviera una bola de cristal, lo de los grupos de la pregunta no podría ser... Mis influencias comienzan en los 80’s con un tocadiscos que había en casa y muchos discos de distintos estilos. Toda la discografía de

The Beatles, y también música folclórica sudamericana: Los Olimareños, Viglietti, Isidro Contreras, y Silvio Rodriguez. Luego llegó el rock sinfónico: Génesis, ELP, Floyd, Crimson, y por otro lado todo el rock argentino e internacional (Clash, Sumo, Los Redondos, Los Twist, Los Piojos, etc.) Las influencias musicales, literarias, o de otras artes en mi caso son muy extensas. Me gustan muchos grupos poco conocidos como El Guapo (Estados Unidos). “Ahí van los locos” es el primer vídeo de vuestro próximo disco. Se ve que lo pasasteis mal jejeje ¿Cómo fue la grabación? El rodaje tuvo muchísima preparación. Se me ocurrió que durante el video se fuera construyendo un castillo de latas vacías con un final sorpresivo. El director de Arte propuso un diseño que incluyó 2400 latas, y para eso hubo LaCarne Magazine

que trabajar muchísimo. Recolectando, transportando, lijando cada lata en seis puntos distintos porque si no el aluminio no se pegaba…, una odisea que además incluyó una nevada durante el rodaje que casi nos mata a todos jajja. Nos encantó. ¿Qué opináis de la polémica alrededor del concurso para ir al Viñarock? No estaba enterado de dicha polémica. No nos olvidemos que es una empresa, con el objetivo de hacer dinero, y alguno exige que se comporten como una ONG. Este tema da para hablar mucho… Siempre hubo un desconocimiento general en cuanto a cómo se maneja el mundo de la música. Hay bandas (o discográficas) que pagan por tocar en ciertos festivales. Así como siempre se pagó para que los medios importantes reproduzcan las canciones, también se pueden comprar megustas, comentarios, escuchas y visualizaciones en plataformas como youtube o spotify. No critico ningún método, pero es bueno que la gente sepa que a veces no es que “se llegue” a cierto status sino que “se alquila”.

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Esa desesperación por llegar a ser masivos hace que muchos artistas pierdan de vista el objetivo de su expresión, si es que lo hay, más allá de ser conocidos o ganar mucho dinero. Siguiendo con la anterior pregunta, ¿dónde os sentís más cómodos, en pequeños festivales o festivales de gran aforo? Todas son buenas experiencias y tienen su encanto, disfruto de lo que me gusta de cada una. Aunque para mí a veces puede ser más interesante e intimidante a la vez tocar ante un público reducido y muy cercano. Me gustan todas las canciones que he escuchado, pero una de las que más me gustan es la versión de Bailar Pegados de Sergio Dalma, que seguro que le encantaría si la escuchara ¿Cómo surgió la idea de hacer esta versión? Hace poco, en una entrevista a Sergio Dalma en radio, se la hicieron escuchar. Él no es el compositor del tema, pero bueno... Twist and Shouts tampoco era de los Beatles (risas) La idea de versionarlo comenzó con una apuesta que hice con un amigo. Al final la llevamos a cabo, y nos gustó, así que la graba-

“Esa desesperación por llegar a ser masivos hace que muchos artistas pierdan de vista el objetivo de su expresión” que cada tres segundos hacía eses por todos los carriles. Era como un safety car demente. Además nos dimos cuenta que el tipo de vez en cuando desaparecía (como que se agachaba y ya no lo veíamos más), y era ahí cuando hacia una S con el coche y se incorporaba y lanzaba por la ventana una cinta de cassette (en ese momento hacia otra gran S), y así en loop tiró muchas cintas varios kilómetros. Yo veía como una novela, y me imaginaba que el hombre se había separado y en un estado de locura arrojaba las cintas con la música que le hiciera recordar a su ex (risas).

mos y publicamos. ¿Se vive un buen momento en la música aquí en la península a pesar de todos los recortes e impedimentos? Económicamente la cultura popular siempre ha recibido poco apoyo. Yo convivo con esa realidad y me afecta, pero intento focalizarme en crear, componer, y claro que lucho contra lo injusto y trato de cambiarlo, pero no centro mi carrera en la catarsis, porque si no la expresión se reduciría a un panfleto político de queja sin propuesta. Y un discurso siempre puede tener doble filo. Luego ves a cantantes gritar “anticapitalistas por siempre”, y cuando te enteras de lo que cobran te quedas con cara de 7 de enero luego de saber la verdad sobre los reyes… Tendréis mil anécdotas que habréis vivido con todo el tiempo que lleváis en los escenarios. ¿Podéis contar alguna? Muchísimas… me acuerdo de mil… En una de las giras por Italia llegábamos súper tarde al aeropuerto, y en la autopista delante nuestro iba un coche que no podíamos adelantar por-

¿Dónde se puede adquirir vuestro material? ¿Por dónde estaréis tocando presentando el disco en fechas próximas? Para discos, camisetas y demás merchan nos escriben a nuestras redes o un mail a info@ limando.es y lo enviamos. También se puede comprar en digital en varias plataformas, y descargar gratis en nuestra página Web o Spotify. Las primeras fechas confirmadas son: 13 Abril: Monkey Club (Guadalajara) 01 Junio: Freibürg (Alemania) 09 Junio: Beltane Fest 14 Julio: Tin&Rock 20 Julio: Rock en Garenne (Francia) 21 Julio: Poursiugues Bocue (Francia) 03 Agosto: Alpaka Rock 17 Agosto: Peñas Piedrahita 29 Septiempre: El corral de las Cigüeñas (Cáceres) Agradeciendo enormemente la entrevista, ¿queréis dejar un mensaje a vuestros seguidores? Gracias por estar ahí, os queremos mucho ;)

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