LaCarne Magazine N82 by LaCarne Magazine

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europa y latinoamérica

Nº82 - MAR 2019 - AÑO 8

Udumbara

un oasis de música, arte y naturaleza

EXPERIENCIAS

Extremúsika 2019

investigación marvin gaye

ENTREVISTAS

Blast Bitch - duende josele - Rychter - Animal Print Nuclear - Azotador - Lord Divine - Rock en las Aulas Julio Torres - Paricia’s Patience

SUMARIO N82 aÑo 8 mar 2019

experiencias 06 Extremúsika 2019, Especial Fusión

investigación 12 Marvin Gaye, sensibilidad, dulzura y suavidad

entrevistas 22 Blast Bitch, pasión eterna por la música

26 Duende Josele, poesía y música como idioma

34 Rychter, “Thrash Ñero” mexicano

impredecible

40 Animal Print, Techno oscuro, potente y viajero

46 Nuclear, Thrash Metal visceral y agresivo

54 Azotador, Thrash Metal y energía desbordante

58 Lord Divine, Power Metal Progresivo

64 Rock en las Aulas, una nueva esperanza

68 Improvisación Libre, con Julio

Torres

72 Paricia’s Patience, fusión de géneros musicales

Udumbara,

un oasis de música, arte y naturaleza

contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición

Colaboradores

OMAR VEGA, jorge ares, la chica boom, ángela sumy, j.g entonado, luis lama, króniko

Pedro Gallardo

https://lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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Extremúsika 2019 Especial Fusión

las formaciones españolas con más recorrido fuera de nuestras fronteras. LEER MÁS

xtremusika está de vuelta en este 2019, y trae novedades.

En primer lugar, el festival se retrasa en fechas, coincidiendo con la fiesta del 1 de mayo, seguramente esperando así que las condiciones climatológicas sean más favorables. En segundo lugar, hay un día más de festival, de miércoles a sábado, con zona de camping hasta el domingo. En tercer lugar, se aventuran a contra programar al festival más poderoso en cuanto a rock se refiere que es el Viñarock, toda una osadía por parte de los organizadores de Extremúsika. Quizás echamos de menos que el festival cumpla con la paridad, se han programado artistas y bandas femeninas, pero quizás son minoría. Probablemente es una faceta a mejorar en todos los festivales. Como ya hicimos en los especiales que realizamos el año pasado en LaCarne sobre dicho festival, abrimos nuestras recomendaciones musicales para aquellos despistados que vayan al evento. Nos vamos a centrar en este primer especial en los grupos más destacables del cartel que realizan “Fusión-mestizaje”. ¡10 RECOMENDACIONES!

LA PEGATINA

Es un súper grupo, cabeza de cartel y unas de

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Por nuestras tierras han venido muy poco, por eso su presencia es tan necesaria, y porque después de su “fiesta más grande del año” en Wizink center de Madrid, donde juntaron 10000 personas, lo de Extremadura puede ser muy grande también, porque estamos ante unos chicos que llevan más de 15 años en la carretera, que tienen un don especial para hacerte bailar, disfrutar, sentir, y que sin duda, como ya nos explicó Adrià Salas en la entrevista que nos concedió el mes pasado. Será un directo sin duda inolvidable para los asistentes al festival. Se convierte en cita ¡imprescindible!

DUBIOZA KOLEKTIV

Los Bosnios son otra de esas bandas que te harán bailar hasta el amanecer. Perfecta fusión de reggae, dub, ska, rock, música electrónica junto con el folklore balcánico y la reivindicación política. Amiguetes de La Pegatina (con la que tienen un tema), igual nos brindan alguna sorpresa. Una apuesta internacional con mucha diversión y trabajito para vuestras zapatillas.

LA SRA TOMASA

Los catalanes ya nos visitaron el año pasado en el Womad. Su perfecta fusión entre electrónica y música latino americana, junto con dub o reggae son una apuesta segura para hacernos bailar hasta altas horas de la madrugada. A nosotros nos recuerdan a grupos como P18,

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o Profesor Angel Dust, entre otros. Si no habíamos tenido suficiente con los 2 grupos anteriores, aquí tenemos una oferta más caribeña pero igual de sabrosona y bailable. Lo dicho, vuestros tobillos padecerán con este grupo.

TOTE KING

Esta ametralladora humana de palabras es uno de los raperos más prestigiosos actualmente en el panorama nacional. Claro y conciso en sus letras, en su pensamiento, siempre ha tenido mucho que decir, y de nuevo Andalucía está bien representada con el sevillano. Si se trae a su hermano Shotta será la repanocha, pero es que si además se acompaña de la banda de metal Santo Rostro, será una pasada de directo. Su presencia en el Extremúsika 2019 será una bomba para los amantes del hip hop.

VINILA VON BISMARCK

nacional pasando por festivales como Sonorama o Viñarock. Diversión garantizada y optimismo a cargo de estos burgaleses que nos recuerdan a otras bandas como Ska-P o La Pegatina, y que estamos seguros que serán un directo potente. En Miranda ya los conocen, ahora solo falta Cáceres.

CELTAS CORTOS

La mítica banda de pucela nos traerán su último trabajo, “Energía Positiva”, y seguramente un repertorio cargado de grandes éxitos. Para los más jóvenes, esta formación veterana (desde 1986) practican rock folk con influencias celtas. “Cuéntame un cuento”, “Que voy a hacer yo?”, “Haz turismo”, “Tranquilo, majete” son auténticos hits que nos han hecho disfrutar desde hace décadas. Ya estuvieron en Extremúsika 2006 y 2009, y tenerlos de nuevo será un bonito reencuentro.

La granadina nos presentará su último trabajo más cercano a los ritmos latinos, la cumbia, el flamenco rock o las raíces árabes, todo ello en castellano y con su esencia rockera.

SHOUL & LIBRALOGGIA

Sin olvidarnos que es una maestra del burlesque, la seducción, y la provocación, dando aún más fuerza a su espectáculo.

Se ganaron al público de Womad 2018, pasaron por las fiestas del Carmen de Chamberí (Madrid), y todo ello les ha abierto las puertas a Extremúsika.

NATOS & WAOR

Los madrileños son unos de los dúos raperos que ha capitaneado el impulso de la música urbana a los grandes escenarios, y como no podía ser menos estarán en Extremadura. Su disco “Cicatrices” se ha movido muy bien en las redes sociales, tanto que han llenado Vistalegre y cuentan con miles de seguidores. Rap libre, natural, autogestionado, de parque y barrio.

LA REGADERA

Banda de ska y mestizaje, que poco a poco se han ido haciendo hueco en el panorama

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Los cacereños forman parte de esa nueva ola de raperos practicantes de música urbana, y que tanto están triunfando entre los millenials.

EL DUENDE CALLEJERO

Flamenco naif y rumba es lo que nos traen estos chicos de Andalucía. Nos recuerdan a grupos como Los Delinqüentes o incluso a Albert Pla, pero con un discurso más blanco. Los de Córdoba nos traerán ese buen rollito y alegría para ir abriendo boca en las largas jornadas del festival. Si no los vistes en Factor X, en Cáceres podrás disfrutarlos en directo. ¶

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Marvin Gaye

sensibilidad, dulzura y suavidad

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se marchó a Detroit, donde comenzó trabajando para la compañía de Berry Gordy Tri Phi, que años más tarde sería absorbida por la archiconocida Tamla Motown.

Aquí comenzó como batería y piano de acompañamiento, y poniendo voz de coros para otros artistas, como The Marvelettes o Smokey Robinson.

Preparáos porque es un camino tortuoso y que no acaba nada bien.

El debut le llegó en 1961 con el disco The Soulful Moods of Marvin Gaye. Sin embargo, este disco apenas tuvo éxito. Dos años después se casó con Anna Gordy, la hermana de Berry Gordy.

n esta entrega os voy a contar una historia triste, muy muy triste, rodeada de sexo, música, drogas, culpa, y mucho fanatismo religioso; vamos a hablar de la trágica historia del gran Marvin Gaye.

Marvin Gaye y sus primeros pasos en la música

Marvin Pentz Gay (añadió un E a su apellido en honor a su ídolo musical Sam Cooke) nació el 2 de abril de 1939 en la ciudad de Washington D.C., en el seno de una familia marcada por el fanatismo religioso. Su padre, ministro en la secta cristiana The House of God, una congregación ultraconservadora, era una suerte de personaje despótico, violento, abusador, maltratador y envidioso que marcó la vida y la muerte de nuestro artista, consiguiendo transmitirle una fe enfermiza, y unos códigos de conducta tan estrictos que llevaron a Marvin Gaye a ser un hombre atormentado y contradictorio, que vivió siempre entre la liberación y la culpa moral, y que nunca consiguió conciliar esas dos partes de sí mismo. Siendo niño, su pasión eran los deportes, incluso quiso dedicarse profesionalmente al atletismo, sueño que su padre truncó rápidamente. Así empezó cantando en el coro de la Iglesia, buscando un escape de su casa. Con 15 años formó su primer grupo, D.C. Tones, al que seguirán The Rainbows (grupo de doo wop), The Marquees o The Moonglows, con quien sacó su primer sencillo publicado Mama Loocie, en 1959, con la compañía Chess Records (que os tiene que sonar o estáis con los deberes atrasados). Animado por el éxito de este primer sencillo,

A mediados de los 60, la compañía usaba mucho la técnica comercial de hacer duetos con sus artistas, así comenzó una época de ellos para Marvin. Primero fue con la estrella femenina del momento, la increíble Mary Wells. También hizo alguno con Kim Weston, pero sin duda el éxito le vendrá con las interpretaciones junto a Tammi Terrell, con quien tendrá un feeling increíble no sólo encima del escenario. Se convirtieron en grandes amigos, y ella siempre fue una vía de escape y apoyo para nuestro atormentado artista. Éxitos como Ain’t No Mountain High Enough dan prueba de lo mágicos que eran estos dos interpretando juntos.

Marvin Gaye y su carrera como solista

La historia de Marvin siempre parece tener una sombra funesta esperándole a la vuelta de la esquina, y en 1967 tienen su primer encontronazo. Ese año, estando en un ensayo de los conciertos, Tammy se desmayó, literalmente, en los brazos de Marvin. Tenía un tumor cerebral no diagnosticado que se la llevaría 3 años más tarde. Marvin Gaye nunca se repondría de esta pérdida, su bajada a los infiernos comenzaba con la muerte de su amiga, e incluso años después declaraba: “Siento que, de alguna manera, he LaCarne Magazine

muerto con ella”. Pues no te quedaba nada, amigo… En 1968 da el salto como solista y tiene un éxito rotundo, convirtiéndose en Nº 1 de las listas de R&B, vendiendo más de 4 millones de copias de su disco I Heard It Through The Grapevine, el mayor éxito comercial de los 60 para la compañía Motown. Sin embargo, nuestro Marvin tenía una mente muy curiosa, y pronto empezó a alejarse de los sonidos Motown, metiéndose de lleno en los 70 y en su contracultura.

con esa voz tan suave y aguda suya con ritmos que hacen mover la cadera casi de manera subconsciente. Se divorcia de Anna y su relación con Berry empieza a deteriorarse. Es el momento del disco tal vez más íntimo de Marvin: Here, My Dear. Adicciones, amantes por todos lados, problemas económicos…, Marvin empezaba a perder el control.

El lado más oscuro de Marvin Gaye

Así empezó a componer música con temática social y política, y así es como nos regaló en 1971 el DISCAZO What’s Going On, considerado por muchos como el mejor disco de Soul de la historia.

Los años 80 llegan en una vorágine de sentimientos para nuestro artista. Se marcha a Europa y allí graba In Our Lifetime, un disco muy complicado e íntimo con el que finalmente rompe con Motown. Será también el momento del genial Sexual Healing.

En él nos habla de los anhelos de una igualdad social, de la protección al medioambiente, de sexo, del contraproducente abuso de las drogas (que nos lo dijera él…), la Guerra de Vietnam o el racismo (se vio afectado por los disturbios de Watts en 1965).

Ésta es una época muy complicada para Marvin. Ya sabéis que había crecido rodeado de complejos y frustraciones impuestas, y dominado por el carácter de su padre. Siempre fue un hombre complicado con una carga moral que no le permitía ser feliz.

Inolvidable, por siempre, será la canción Mercy Mercy Me (The Ecology). Además, este disco traspasaba musicalmente los límites del Soul tal y como se conocía.

Por un lado tenía inculcado hasta lo más profundo una religiosidad extrema, por otro lado le encantaba el sexo, las drogas y hacer todo lo que tenía interiorizado como que estaba mal.

Será el precursor de sonidos Neo-soul, Softsoul o el Rnb (menudo caminito abriste Marvin, tío…) influyendo mucho en artistas como Steve Wonder (efectivamente, sí) o Curtis Mayfield. Curiosamente este disco tuvo muchos problemas para salir a la luz, pues los todopoderosos presidentes de la compañía consideraban que era poco comercial. Mucho sabían, sí… En 1973 fue el turno de Let’s Get it On, un álbum donde Marvin nos muestra sus obsesiones sexuales. De hecho, si no has practicado sexo alguna vez a su ritmo es que no estás haciendo las cosas muy bien. Marvin va saltando entre susurros y jadeos,

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Pronto empezó a encerrarse en sí mismo, y apenas tenía relación con nadie, incluso entraba en estados de paranoia. En alguna ocasión declaró: “Me siento triste porque soy un esquizofrénico desgarrado entre multitud de pasiones, deseos y amantes”. Vivía desbordado por el sentimiento de culpa. Completamente enganchado a la heroína y a la cocaína, y prácticamente arruinado (muchos problemas con hacienda), intenta varias veces desintoxicarse sin ser capaz (y también suicidarse), así que decide volver al hogar familiar para intentar reponerse.

El trágico final de Marvin Gaye

Esto, como veréis, será la tumba (literal) de nuestro artista. La relación de Marvin y su padre nunca fue buena, y con los años estaba más que viciada. Marvin, sabedor de sus arranques de paranoia e ira, regaló un revólver a su padre por si algún día se ponía agresivo.

Marvin Gaye representa la revolución del Soul, haciéndolo más íntimo y personal. Innovó en arreglos. Por ejemplo, incluía su voz varias veces a modo de eco, e incluso bajaba su tono para meterse más en la mente del oyente, como si fuese un predicador sexual.

La mañana del 1 de abril de 1984, los padres de Marvin estaban teniendo una bronca de las grandes, y él fue a intervenir, momento en que su propio padre le pegó dos disparos a quemarropa, uno en el hombro y otro fatal en el pecho. Marvin hubiese cumplido al día siguiente 45 años.

Además, tenía una voz…, una voz dulce y sensual que hacía suya cualquier canción que interpretara.

Sí, sí, habéis leído bien, matado por su propio progenitor, que, por supuesto, declaró el acto en defensa propia. Su mujer declararía en su contra.

Así que a modo de homenaje, hoy todo el mundo a acurrucarse y/o magrearse a ritmo de Marvin Gaye. ¶

Ay, Marvin, qué historia tan triste. Menos mal que tus canciones nos dejan una estela de sensibilidad, dulzura y suavidad.

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Udumbara

un oasis de música, arte y naturaleza

quizás perdiendo la esencia de lo que es un festival. LEER MÁS

uperspunk dj / Triplock es uno de los miembros responsables del festival UDUMBARA. Dicho festival es fruto de la evolución de lo que durante 3 años fue Konfussion, en La Roca de la Sierra (Badajoz), y forma parte de esa corriente de festivales autogestionados que sobreviven como alternativa cultural a la propuesta mainstream festivalera actual nacional, donde se han impuesto los intereses capitalistas sobre los culturales,

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Conscientes de que Udumbara es un oasis donde se prima y convergen la música, arte, naturaleza, tecnología y cooperación, hemos planteado todo un cuestionario para entender y profundizar más sobre Udumbara y Konfussion Tribe.

Udumbara, un oasis de música, arte y naturaleza

En primer lugar os agradecemos vuestro buen trabajo. Ya habéis tenido experiencia en festivales, tanto como organizador/es como dj o

técnico de sonido. ¿Qué diferencias hay entre Udumbara y los actuales festivales de todas las tierras del Estado? Más que un festival yo lo definiría como un encuentro, de músicos, vj’s, decoradores, técnicos, pintores y artistas en general, que nos reunimos durante un fin de semana para ofrecer un espectáculo en común. Las diferencias con otros festivales son básicamente: la música, principalmente psytrance, en todas sus variantes; el público, muy consciente y respetuoso, tanto entre nosotros como con el entorno; y el hecho de ser de precio o entrada libre, lo cual hace que la gente

acuda sin esperar nada a cambio de una entrada, sino todo lo contrario. El público no solo viene a divertirse, sino a compartir aquello que les une y motiva: música, arte, conocimiento, conciencia, sabiduría, y por supuesto amistad. Vuestro festival Udumbara recoge mucho de la filosofía “Rave” pero también de la “cultura libre” y de la “cooperación”. ¿Nos explicáis cómo lo lleváis a cabo? Básicamente creando aquello en lo que creemos, y rodeándonos de gente tan loca como nosotr@s para poder llevarlo a cabo. LaCarne Magazine

Somos un equipo de buenos profesionales y colectivos, cada uno en su disciplina (Sumeria Creations, Hypnótica Visuales, SPK Audio, Ganesha Space Garden, Psyara Crew, Skizodelic…), que nos conocemos desde hace mucho tiempo de trabajar en otros festivales, y nos reunimos ese finde en La Roca para llevar todo esto a cabo. El emplazamiento donde lleváis a cabo el festival es la Dehesa extremeña, en concreto en el término municipal de La Roca de la Sierra, en la provincia de Badajoz. ¿Es fácil encontrar ubicaciones tan especiales en la región? ¿Hay buena disposición por parte de la administración? ¿Cómo seleccionáis el recinto natural? En este aspecto tenemos que decir que la localidad de La Roca de la Sierra nos ha acogido muy bien desde la primera edición en 2014, sobre todo su alcalde, que se ha volcado con este proyecto con mucho cariño, como si fuese suyo. No contamos con subvenciones ni ayudas económicas, pero sí con una gran ayuda material y de infraestructuras por parte del ayuntamiento. Y desde aquí queremos agradecerles y quitarnos el sombrero ante este encanto de pueblo. El lugar que nos brindan era justo lo que buscábamos: un enclave precioso en la dehesa extremeña, junto a un arroyo, con rocas a baja altura y con un color verde brutal en primavera. Un lugar bonito en la naturaleza y al aire libre. En Extremadura tenemos cientos de localizaciones ideales para un evento así. De hecho, ya hay otros festivales de este tipo que se han trasladado a nuestra comunidad. Como Konfussion Tribe habéis salido fuera de Extremadura, pasando por las Islas baleares entre otros lugares. ¿Cómo os acogen fuera de la tierra? ¿Qué diferencias hay entre el público extremeño y el de otras partes del país? Siempre nos han acogido muy bien en cualquier lado. Incluso nos ha sorprendido que

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conociesen el festival en otros lugares de Europa. El público que tenemos no entiende de fronteras, puedes encontrar a gente de cualquier parte del mundo. Y aunque es cierto que es dentro de la escena psy, los gustos por sus estilos varían un poco según la zona o país. Creo que al público extremeño se está adaptando muy bien a todos ellos. Ahora el festival se llama Udumbara, pero antes su nombre era Konfussion Fest. ¿Por qué el cambio de nombre? ¿Hay alguna novedad además del cambio de nomenclatura? Nos surgió un imprevisto con el anterior nombre, y decidimos hacer un descanso y empezar de nuevo dos años después, no sólo con un nuevo nombre sino también con un nuevo proyecto limpio y con la experiencia de los errores cometidos anteriormente. Contáis con tres escenarios: Mainfloor, Chill Garden y Alter Native. ¿Nos explicáis un poco

idea? En este sentido, la idea es compartir conocimientos. Principalmente los temas que nos mueven son de conciencia social, de desarrollo personal, de conservación y cuidado del medioambiente, uso de plantas, salud natural… Tod@s somos expert@s en algo, y compartir esta sabiduría es lo que nos hace poderos@s Queremos hacer hincapié en que es un festival autogestionado, y todo el mundo puede participar. ¿Nos explicáis cómo el público puede colaborar? Por mucho que queramos salir del modelo capitalista de festival, somos conscientes de que vivimos en un mundo que funciona con dinero. Y aunque no cobramos entrada, conseguimos llevarlo a cabo a base de donativos a través de paypal o bitcoins en facebook, en nuestra web www.konfussion.es o en la misma puerta al entrar al recinto.

cada stage? El Mainfloor, como su nombre indica, es el escenario principal del encuentro. Con un videomapping de última generación sobre una decoración con geometrías láser y sonido Funktion One, acogerá a los dj’s y live acts más importantes, con psytrance en todas sus variantes. El Chill Garden, donde sonarán los ritmos más tranquilos y las atmósferas más suaves de la electrónica, para acompañar esos momentos de calma y relax para la mente: chill, ambient, dub, glitch… Y el Alternative, un lugar dedicado a música en directo y otras artes escénicas. Aquí podéis econtraros rock, rap, reggae, flamenco…, o una performance, poesía, humor… También ofrecéis charlas y talleres, una iniciativa que hemos visto en festivales como Esperanzah! o BAM. ¿Nos comentáis un poco la

El bar, siempre con precios asequibles, también constituye otra fuente de ingresos. En cuanto a los artistas, también estamos abiertos a quien quiera colaborar en los diferentes escenarios escribiéndonos a: main-udumbara@konfussion.es alternative-udumbara@konfussion.es Vuestro evento bebe de la filosofía “Rave”, como ya hemos comentado antes, pero tenéis unas recomendaciones para diferenciarlo como tal de una fiesta. ¿Nos comentáis las normas a seguir? Bueno, básicamente esas normas se pueden resumir en una sola: el RESPETO, por los demás, por el entorno natural y por el trabajo que hacemos. De todas formas en nuestra web las definimos más detalladamente. ¶

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Blast Bitch

pasión eterna por la música Aquí está Constanza Samhainz, la vocalista de la banda, quien dará una mayor información de Blast Bitch. LEER MÁS

a banda Blast Bitch, procedente de Argentina, sacó su primer trabajo en formato EP y lo distribuyeron sólo de forma digital debido a problemas internos de la banda. El mayor por ciento de la banda está compuesto por chicas, algo que va ganando en la escena. Blast Bitch es una agrupación bastante joven pero con amplios planes, ya que para este año tienen grabarán su nuevo material, esta vez de forma física.

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Blast Bitch, pasión eterna por la música Blast Bitch es una banda de reciente formación con alrededor de 3 años en escena. Me gustaría que nos contaras sobre los inicios de la banda. Comenzamos a mediados del 2016 siendo guitarra y voz en Buenos Aires, Argentina, Zona Oeste. Cuando ya teníamos algunos temas, buscamos baterista encontrando a Ariel Ledo. Tocamos casi 2 años con una formación siendo trío, hasta que en el 2018 hubo cambios en la formación de la banda.

Algo por lo que ha adolecido la banda es por los cambios de algunos de sus integrantes. ¿A qué se ha debido esto? ¿Quiénes son hoy los que integran Blast Bitch? Sí, hemos pasado por el cambio de dos violeros y agregamos una bajista a mediados del 2018. El primer violero decidimos correrlo por temas de objetivos y de responsabilidad a la banda. Y el segundo violero, si bien nos ayudó a cumplir con fechas, nos llegó una denuncia por su ex novia por violencia de género, y no podíamos permitir darle un espacio a una persona violenta y contradecirnos cuando el mensaje de la banda es la inclusión de la mujer y la no violencia. Enseguida Pely Macchi se ofreció a tocar en una fecha, y no dudamos en sumarla a la banda. Hoy en día somos 4 integrantes: Emilce Jiménez (Bajo), Pely Macchi (Guitarra), Ariel Ledo (Batería) y Constanza Samhain (Guturales). En cuanto a su propuesta musical, ¿cómo definirían su estilo? La verdad que es muy difícil definir qué hacemos porque no nos encasillamos en un estilo/ género. Podríamos decir que es grindcore por los temas cortos y al choque, pero tiene una batería bastante d-beat/punk, algunos riffs de death metal old school, y una afinación grave en SI/B. Nos cuesta darle una definición y nos agrada mucho eso. Actualmente están proliferando las bandas con la presencia femenina, y Blast Bitch no escapa de esto. ¿Crees que sea una ventaja para la banda que su mayor porciento de integrantes sean mujeres? Tiene una pequeña ventaja que seamos una formación con mayor porcentaje femenino, tal vez es más visible y llamativo al tocar el estilo que tocamos, ya que no hay casi pibas hacien-

do metal pesado, ni cantando las letras que tenemos. Cuando se cambió la formación siendo más chicas, empezamos a observar que teníamos más seguidores, pero por suerte también gracias a esto nos siguen más mujeres. Pero nos cuesta crecer y progresar como toda banda. ¿Crees que estamos asistiendo por fin a un despertar femenino dentro del metal? Creemos que sí. Por suerte se observan más chicas tocando y cantando lo que piensan. Hay una aceptación, y mientras más mujeres tengamos participando, más se van a sumar. Nos parece hermoso que suceda esto. En el 2017 sacan su primer trabajo, un EP que solo se movió por las redes sociales. ¿Qué representó para la banda plasmar este primer trabajo? ¿Por qué solo su distribución en las redes sociales? Plasmar el material nos sirvió para encontrar nuestra identidad, qué sonido queríamos lograr. Muchos temas quedaron en el camino de ese primer EP, pero continuamos tocando otros temas que nos identifican más. También ayudó a que nos conozcan más personas. La distribución fue sólo por redes sociales debido a que con el primer violero nos costó mucho llegar a un acuerdo. Nos costó meses sacarlo digitalmente por desencuentros e irresponsabilidades ajenas a nosotros (Constanza y Ariel). Así que fue imposible sacarlo en formato físico. Por eso esta próxima grabación se viene con toda, ya que es un cuarteto enfocado y responsable. ¿Cómo están recibiendo este trabajo los fans más cercanos a la banda, así como aquellos que no los conocían tanto? Creo que hablar de fans de la banda es algo LaCarne Magazine

que nosotros no somos conscientes de tenerlos, jaja. Pero la gente que nos escuchó con la nueva formación les agrada mucho cómo sonamos ahora. Tenemos temas nuevos y un sonido más definido. Así que hay una respuesta bastante positiva de parte de la gente. En materia de conciertos, son una banda bastante joven y me imagino que se han presentado muy poco. ¿Es así? ¿Algún evento importante donde se hayan presentado? Hemos tocado bastante, pero siempre en el mismo círculo. Algo que anhelábamos mucho era viajar. Y así se dio este año por suerte. Nos invitaron al CRIMINAL METAL CAMP en la Provincia de Córdoba, Argentina. Una experiencia hermosa tocar al aire libre con un río cristalino al lado y un sonido impresionante. Volvimos muy contentos a nivel de calidad humana porque nos sirvió mucho vivir esos días acampando y escuchando todo tipo de bandas de metal extremo. Nos unió bastante.

la escena argentina en comparación al resto de Latinoamérica? Lamentablemente la veo floja. Acá nos manejamos mucho con la autogestión, porque hay mucho “productor” oportunista.

Regresando al tema de los integrantes, ¿están todos de lleno a la banda o algunos tienen proyectos paralelos a Blast Bitch? Todos tenemos proyectos paralelos a la banda.

Los recitales la mayoría son gestionados por integrantes de las bandas, y los viajes son pagados por el bolsillo de los mismos. Es difícil ganarse un lugar y un reconocimiento.

En el caso de Emilce Jiménez es la vocalista y bajista de PSICOSIS, Pely Macchi es vocalista y guitarrista en NARCOLEPSIA, Ariel Ledo es baterista en MI PROPIA NECROLÓGICA y un proyecto nuevo de metal, y yo, Constanza Samhain, soy vocalista en una banda pero que todavía no se puede dar muchos detalles, sólo puedo decir que es heavy metal. Eso no quita que estamos súper metidos con Blast Bitch, le ponemos mucha garra. Respecto al panorama nacional. ¿Cómo ves

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Creo que eso es culpa de las bandas que la pegaron hace 20 años atrás y todavía siguen esas bandas vigentes en vez de darles lugar a otras con mejores propuestas. Se vive de la nostalgia acá, y es triste porque hay bandas que suenan muchísimo mejor y dan mejores ideas a nivel musical. Habladnos un poco de la temática de las letras. ¿Qué quieren transmitir en ellas? Las letras de Blast Bitch apuntan a hablar de temas políticos y sociales. Pensamos que la música es una herramienta fundamental para

físico. El año 2019 lo queremos encarar tocando a full, poder viajar a donde sea, y organizar fechas en las cuales estemos cómodas, porque estamos cansadas de tocar y compartir fechas en lugares donde no nos valoren como músicas, sino somos simplemente mujeres tocando. Realmente todas nos preparamos y estudiamos para estar donde estamos. Una observación que hago. Muchas gracias por responder la entrevista. Si tienes algún mensaje o comentario final para los lectores de la revista, pues aquí tienes el espacio. Por supuesto queremos agradecerte por sumarnos y tenernos en cuenta. Darnos el lugar de poder contar un poco nuestra historia y objetivos.

decir lo que uno piensa y la disconformidad que sentimos en esta sociedad. Últimamente estamos hablando bastante sobre feminismo. Queremos que la gente se divierta, haga pogo, y a su vez escuche las letras y tome conciencia. Me imagino que deben estar en preparación de su disco debut. ¿Es así? ¿Qué pueden adelantar sobre esto? Es así. Ahora seguimos componiendo, pero nos falta poquito para terminar. Y vamos a grabar lo nuevo. Te puedo llegar a adelantar que el sonido va a ser mucho mejor, las letras también, y la composición, una patada en la pera. ¿Planes para este 2019 en la agenda de Blast Bitch? ¡Sí! Ya teníamos 2 fechas agendadas para este año, todas en PRIMER PISO BAR en Capital Federal el 12 de enero y 2 de febrero. También sacaremos el material en formato

También queremos darles un mensaje a las mujeres que lean esto. Que no tengan miedo de tocar, aprender a tocar un instrumento o cantar. Está buenísimo generar más espacios donde toquemos más chicas, y no que sea una novedad que las pibas tocamos. Así también se origina la igualdad entre ambos sexos, por ejemplo, en el ámbito musical; siendo más. Gracias a aquellos que nos lean y nos escuchan. Espero que a la gente le interese nuestra propuesta. Buen 2019 para todos y todas. A respetarnos más, querernos sin posesión, amar los animales y pasión eterna por la música. ¶

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Duende Josele

poesía y música como idioma

onozco a Duende Josele, musicalmente hablando, de toda la vida, desde que cayó en mis manos su primera maqueta, que me encantó, como todos los sucesivos. Por ello, y porque está estrenando disco, le hago esta entrevista a mi paisano Duende Josele, que espero que la disfrutéis como yo he disfrutado haciéndola.

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Duende Josele ¿Cuándo decidiste o sentiste que querías dedicarte a la música? ¿El “Duende” se tiene o se crea con los años? ¿O ambas cosas? En mi vida llegó mucho antes la poesía que la música. Empecé a escribir poemas en el colegio, con once o doce años, pero no sentí la necesidad de componer y cantar mis canciones hasta que llegué a la universidad. Fue todo bastante paulatino. Creé mi primera banda, El Desván del Duen-

de, en el año 2000. Fue una etapa de mucho aprendizaje, de muchas dudas, de mucho trabajo para grabar los primeros discos y hacer las primeras giras nacionales. Pero en 2014 ya no era la misma persona que cuando empecé, ni siquiera me interesaba la misma música. Debía ser sincero conmigo mismo y replantear mi carrera. Disolvimos El Desván, y comencé a dar forma al proyecto Duende Josele con una nueva banda y una idiosincrasia mucho más personal y libre. Desde entonces sigo en lucha, aprendiendo, evolucionando con cada disco. Respecto al duende, fue un sobrenombre que surgió de forma espontánea. Empezaron a llamarme así algunos compañeros, y después el público. Creo que, en mi caso, no es un rasgo solamente musical, sino de actitud ante la vida. La idea del duende va vinculada a un espíritu de imaginación, de travesura, de cierta rebeldía… Personalmente pienso que hay duende en todo lo que se hace con personalidad, con verdad, con amor. ¿Cuáles son tus influencias a la hora de componer? Mis influencias son lo que veo, lo que me duele ver, lo que me asombra, lo que me emociona, lo que refleja y logra sacar el mundo que tengo dentro de mí, que casi siempre es bastante distinto del mundo real. Te defines artísticamente como un “Artesano de minorías”. ¿Qué es un “artesano de minorías”? Me he definido alguna vez así porque son dos términos que me parecen muy complementarios: el artesano es un artista a escala interior, digamos, de expansión espiritual más que masiva, que crea desde un punto de vista universal pero siempre a través de elementos individuales: su forma de ser, de hablar, de pensar, de relacionarse con el medio y los demás. La minoría a la que me refiero es un oyente o,

en general, un receptor que sabe apreciar el boca-oído que mi obra trata de defender, alguien que recibe lo que hago con cierta pureza e independencia en sus gustos, fuera de modas y de grandes medios, tal y como yo trato de expresarla. En resumen: somos pocas personas haciendo arte para pocas personas. Así me gusta sentirlo. Recientemente has sacado un comunicado sobre lo ingrato que han sido contigo algunas organizaciones, personas, etc, aprovechándose de tu buena fe y de tu obra para luego no ser correspondido en su apoyo. ¿Hay algo que quieras aclarar o ahondar más en el tema? Todo lo que sentía (sobre todo, desilusión) lo traté de expresar con la mayor claridad y sinceridad en ese comunicado. Sin embargo, quizá hay ideas que algunas personas no entendieron y que también tu pregunta deja entrever, pudiendo llevar a equívocos: yo no esperaba que mi apoyo fuera correspondido, sino respetado, es muy distinto. Hablaba de algo tan básico para cualquier músico como ser respetado, no necesariamente correspondido o apoyado, que eso nunca está en nuestra mano sino en la de quienes reciben nuestra música. Vivimos tiempos donde el artista, el músico, el poeta, si no sale en la tele o en la radio, suele ser tratado casi siempre como un ciudadano de segunda, al que la gente le suele preguntar: ¿Y a qué te dedicas realmente? ¿No tienes ningún otro oficio? ¿Puedes vivir con la música? Nuestro trabajo suele ser considerado un producto de simple entretenimiento, de disfrute casi siempre ocioso y gratuito, incluso de hobby o pasatiempo para quien lo ejerce, no sólo para quienes lo reciben. Justamente de eso me quejo. Y justamente eso trato de dignificar con mi comunicado y, a fin de cuentas, con cada libro o disco que publico.

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No obstante, hay algo que quiero dejar muy claro: no me gusta generalizar, ni sobre este tema ni sobre ningún otro. No todos los ayuntamientos, ONG´s o empresas que piden colaboración a un músico buscan, por supuesto, beneficiarse de nuestro trabajo (o, simplemente, de nuestra imagen) sin un mínimo de respeto, pero algunos claro que lo hacen, siendo conscientes de ello o no. Quizá ésta es una de las muchas consecuencias del bajo perfil cultural de nuestra sociedad. Se ha acostumbrado a la gente a creer que si no cantamos en OT o en La Voz o en los 40 principales, por decir tres plataformas reconocibles, no somos dignos de cierto trato. Es muy triste, en nuestro país, y en pleno siglo XXI, que los creadores sigamos teniendo que cargar con el estigma de que el nuestro no es un oficio respetable; y no digo ni siquiera digno de cierta compensación económica o de cierto prestigio público (tal y como ocurre en muchos otros países y sociedades), sino de simple y justo respeto hacia lo que hacemos, es decir, hacia lo que somos. Al final de dicho comunicado, haces un llamamiento a toda persona, organización, etc, que quiera colaborar en el disco para que lo haga. ¿De qué formas pueden apoyar tu disco? Hay muchas formas de apoyar el trabajo de un artista, pero fundamentalmente, como todo el mundo debería ya saber, hay dos: comprando su obra y yendo a sus conciertos, porque los músicos independientes curramos muchísimo, pero por desgracia casi todo ese trabajo se hace en la sombra y en absoluta soledad… Y no tenemos un sueldo mínimo, ni unos horarios fijos, ni casi ningún apoyo social al que recurrir en los malos momentos. Mis dos últimos discolibros los vendo directamente por mi web. No quiero intermediarios que se lo encarezcan al comprador, ni que, a su vez, se aprovechen de mí, por eso puedo ofrecerlos a 15€ con dedicatoria y envío a domicilio.

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Un precio que cualquiera que lo haya escuchado y leído sabe bien que es un precio equitativo con respecto a su valor. También estoy haciendo muchos conciertos últimamente a after-pay o taquilla inversa: la gente entra gratis al concierto y al salir paga lo que cree que mi espectáculo vale. Así trato de ser justo con mi público y, en algunas ciudades, suelo ganar tanto o más que por entrada a taquilla. En la actualidad es muy difícil crecer sin promoción, sin visualización en redes, en medios, etc., por muy bueno que sea tu trabajo.

Por eso yo creo en el boca a boca como fórmula coherente para que la calidad de un disco pueda también ser respaldada con cantidad de público y ventas. Lo que ofrecía en mi comunicado es que muchas ONG´s y asociaciones con las que he colaborado a lo largo de 20 años, a su vez, colaboren conmigo ayudándome a promocionar mi obra. Muchas cuentan con cientos o miles de socios… Mi propuesta es que esos socios puedan conocer y valorar el trabajo de los artistas que colaboramos con ellos por medio de una nota

de prensa o un comunicado interno, algo muy sencillo y sin coste económico; exactamente igual que yo suelo dar a conocer a mi público los proyectos y causas con los que colaboro. Se trata de generar redes comunes, no ser siempre los artistas los que colaboremos cuando se nos pide ayuda, sino tender puentes y cooperar en las dos direcciones. Creo que es lo más justo y lo más inteligente para ambas partes. Próximamente va a salir a la venta el segundo disco-libro de Duende Josele titulado “Desnudos Integrales” a través del mecenazgo (crowdfunding) ¿Cuál es el significado del tíLaCarne Magazine

tulo del disco? ¿Qué puedes contar sobre su producción, temática, composición, etc? Llevo 20 años desnudándome en mis libros y discos como persona, como individuo social, como creador…, pero creo que nunca me he desnudado tanto como en este discolibro, por eso lo he titulado “Desnudos integrales”. Será un disco totalmente autogestionado, como “La Semilla”. Formado por 12 canciones y 39 poemas de muy diversas temáticas y estilos musicales, con producción de dos grandes músicos y amigos: Diego Pozo “El Ratón” y Lele Leiva. Su edición y fabricación ha sido posible gracias a la colaboración económica de más de 200 mecenas. Creo, sinceramente, que es el trabajo, de los 5 discos que he grabado hasta ahora, que mejor me define creativamente. Saldrá en febrero del 2019, aunque ya he dado por Youtube un adelanto de la canción “Incoherente colectivo”, que canto junto al rapero Sharif. Has colaborado con multitud de artistas (Los Delinqüentes, Albertucho, Poncho K, Luis Pastor, Bebe, La Cabra Mecánica, La Excepción, Gecko Turner, Pedro Guerra, etc). ¿En esta ocasión cuentas también con colaboraciones en el disco? Por supuesto. Creo que los verbos colaborar y compartir son ineludibles en nuestro oficio para avanzar, para crecer, para unir formas de creación. Hay colaboradores en varias canciones de este disco. Quizá los cantantes, como el rapero Sharif o el cantautor Luis Pastor, entre otros, sean los más reconocidos para el gran público, pero también hay instrumentistas, arreglistas y hasta productores que han trabajado codo a codo conmigo por pura amistad y generosidad. Duende Josele, eres músico, poeta, escritor, has protagonizado espectáculos musicales, etc., pareces un artista del Renacimiento. ¿De dónde sacas el tiempo para hacer todo lo que

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haces? ¿En qué faceta te encuentras más cómodo? Pues, aunque me interesa bastante esa época histórica, no soy un artista del Renacimiento, ni mucho menos. Casi todos ellos trabajaban al amparo de algún mecenas ricachón que les hacía escribir o pintar o componer lo que más les convenía. Yo, por desgracia, no tengo ese respaldo económico en pleno siglo XXI, pero por suerte soy libre, independiente y feliz con lo que hago, al contrario que muchos de aquellos artistas renacentistas. Personalmente, la palabra artista me da mucho respeto. Me considero simplemente un creador, un creador comprometido con mi tiempo. Alguien que siente, piensa y crea prin-

cipalmente desde la poesía. Nada de lo que hago y canto tendría sentido sin poesía. Ésta es la faceta en la que me siento más cómodo, y en la que creo que mejor me expreso, aunque al final la termine desarrollando en un disco, en un libro, en un espectáculo en directo, en un relato corto, o en un artículo de prensa. La poesía es mi idioma esencial.

de toda tu trayectoria? ¿Cuáles son los pros y contras del mundo de la música? Esta pregunta es muy difícil de responder con justicia. Además, siempre me ha gustado más mirar hacia delante que hacia atrás, pero en general creo que vivo un excelente momento creativo, aunque seguramente no es mi mejor época, comercialmente hablando, quizá porque pienso más en cantar lo que me apetece cantar que lo que se espera de mí que cante.

El tiempo lo saco del día, de la noche y sobre todo de los viajes. Como no tengo (ni quiero) carnet de conducir, suelo moverme en tren, bus o avión. Me queda mucho tiempo para crear, proyectar, corregir y pensar en los viajes.

Hacer música exige vivir continuamente en la cuerda floja, buscando el equilibro entre lo que eres y lo que quieres ser, entre lo que quieres ser y lo que los demás quieren que seas, entre la expresión y la comercialización, entre el éxito personal y, casi siempre, el fracaso comercial…

Tras 20 años de carrera, ¿qué balance harías

El gran pro de la música, en mi caso, es que

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me da la posibilidad de abrir fronteras a mi poesía y expresarme frente a un público más plural y heterogéneo que el público, más minoritario, que lee mis libros.

noventa que regresan, modelos y bailarines a ritmo de reguetón, hijos de, sobrinos de, duetos firmados a golpe de talón, tetas, culos y mucha gomina…

Y el gran contra que encuentro es que mi música avanza, en gran parte, contra las modas y los cauces oficiales, por eso me cuesta tanto esfuerzo sacar un disco, hacer una gira y, a veces, llegar a fin de mes.

Nada de eso tiene que ver conmigo ni con mi música, evidentemente. La música que admiro y la música que hago tienen más que ver con esencia que con apariencia.

Soy muy consciente de que he elegido un camino difícil, pero también me siento un privilegiado por haber llegado hasta aquí sin traicionarme en ninguno de mis principios. ¿Consideras que a día de hoy se apoya al artista, o, al contrario, cada vez se ponen más trabas a la producción artística? Se apoya, básicamente, lo que ya responde a una fórmula comercial clara y probada, lo que se sabe de antemano que va a funcionar y a vender, o lo que, por el contrario, se puede modelar hasta crear el producto deseado (no sólo musicalmente, sino también en la forma de vestirse, de peinarse y hasta de mostrarse frente al público y los medios). Yo pertenezco a un tipo de músicos independientes que huye de todo eso, por esta razón solemos ser incómodos para las grandes compañías y los productores que buscan más la rentabilidad económica que el valor puramente artístico. Y, además, canto mis propias canciones con mi propio acento y con mi propia voz, que casualmente no recuerda a la voz de nadie. Por eso, seguramente, hay tan pocas personas, compañías y productoras que se han atrevido a apoyar mi música verdaderamente en estos 20 años. No soy fácil de encasillar. Y a mucha honra. Sólo hay que echar un vistazo al panorama musical general y se puede comprobar que la creatividad, la originalidad y lo distinto brilla por su ausencia en los grandes medios, en los grandes festivales y en las grandes discográficas: triunfitos, bandas tributo, grupos de los

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Todos aquellos que quieran adquirir el material de Duende Josele, ¿dónde pueden adquirirlo? Pueden encontrarlo en mis conciertos y recitales, o pedirlo a través de info@duendejosele. com o por cualquiera de las redes de Duende Josele: Youtube, Spotify, Facebook, Instagram o Twitter. Se lo haremos llegar a domicilio muy gustosos. ¿Tienes programado conciertos para la presentación del disco? ¿Cuándo y dónde van a ser? Sí, a partir de febrero los anunciaremos. Habrá, prioritariamente, en Extremadura, Madrid, Barcelona y Andalucía. Quienes quieran estar informados de la gira a tiempo real, pueden darse de alta en la newsletter de nuestra web o a través del mismo correo electrónico. Duende Josele, agradeciéndote enormemente la entrevista, ¿quieres dejar un mensaje a los lectores? Que sean felices. Que huyan de la mediocridad que el mundo nos ofrece habitualmente. Que sean exigentes con los libros que leen y con los discos que escuchan, porque esos libros y discos, a fin de cuentas, les harán mejores personas. Que le den una oportunidad al asombro de lo desconocido, al menos una vez al día. Y muchas gracias por el interés, a los que hayan llegado leyendo hasta aquí. ¶

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Rychter

“Thrash Ñero” mexicano impredecible

ychter es una banda formada en el 2016.

Su estilo es Thrash/Speed Metal, pero su propuesta ha sido calificada, tanto por el público como por amigos, por otro nuevo género, sobre todo por sus letras con temáticas callejeras y crudas. Esta agrupación mexicana está próximo a lanzar su primer trabajo de forma independiente, y se espera esté listo para mediados de 2019. Sus actuales tres integrantes responden la entrevista que aquí ya les dejo.

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Rychter lleva poco tiempo en escena, alrededor de los 3 años. Para dar inicio me gustaría que nos hablaras brevemente sobre los inicios de la agrupación. ¿Cómo surgió hacer la banda y qué inquietudes los animaron a meterse en este mundo? Gerardo: La banda surge por iniciativa de Diego de regresar a los escenarios, ahora con mi compañía, después de haber coincidido en la típica banda de covers. Ya saben, cuando nuestra polla aún no tenía pelos (risas). Diego: Con el objetivo de promover una propuesta en donde se unen los intereses e ideologías y otras cuestiones que nos encaminaron e identificaron en la música (Thrash Metal). Inquietudes: Diego: Me di cuenta que era necesario volver a juntar fuerzas con Gerardo y experimentar

de nuevo lo que es estar arriba de la tarima (escenario), después de la ruptura con mi antigua banda. Gerardo: Por mi parte la mayor motivación para volver a trabajar con Diego fue concatenar nuestras ideas que anteriormente dejamos en pausa, y también revivir la sensación de estar en el escenario, ya que me había alejado de ellos por cuestiones laborales y escolares. Jorge: Yo decidí integrarme a la banda después de haber visto la publicación de Gerardo en el Facebook, la cual decía que buscaban integrantes para Rychter, y para no “desperdiciar” mi adolescencia entre libros, la escuela y estar encerrado en mi casa bajo el autoritarismo que hay en toda familia tradicional mexicana, además de darme la oportunidad de demostrar mi talento y mejorar mi trayectoria en la música. La propuesta de Rychter es el thrash speed principalmente, pero a lo que ustedes han definido como “Thrash Ñero”. ¿Qué es lo que encontramos en su propuesta musical? ¿Por qué esta definición? Jorge: La propuesta expone y transmite un mensaje/narración que se vive cotidianamente en la sociedad popular de las zonas urbanas de la Ciudad y Estado de México (la gente de barrio). Ya sabes, las cosas que se viven a diario, violencia, narcotráfico, robos en la calle, en el transporte público, prostitución, etc. Cosas con las que lidiamos día con día y tratamos de sobrellevar para tener una vida casi digna/ estable. Diego: Se definió “Thrash Ñero” principalmente por el estilo de voz y el comportamiento impredecible y agresivo de Gerardo en el escenario, que destaca su vulgaridad, tono aberrante y excentricismo con el público. La raza que ha tenido la oportunidad de presenciar nuestras presentaciones lo define así. Gerardo: No sé si en otro país existe algo parecido al “ñero” pero si lo googlean aparecerá

esto: ñero, ñera adjetivo/nombre masculino y femenino 1. COLOQUIAL DESPECTIVO. MEXICO [persona] Que es vulgar y no tiene educación 2. COLOQUIAL. COLOMBIA [persona] Que es callejero. ¿La banda desde sus inicios siempre ha sido de tres integrantes? ¿Ha habido cambios o han permanecido hasta la fecha los mismos que iniciaron? ¿Quiénes son los integrantes? Gerardo: No, Rychter se integró principalmente por 4 personas, ya que para Diego y yo la banda predilecta del Thrash se conforma por 4 malditos cabrones chupados y matados. Rychter comenzó de la siguiente manera: Diego: batería, Gerardo: voz/guitarra rítmica, Jorge: guitarra líder y Oscar: bajo. Diego: Claro, ha habido cambios. Oscar, el ex bajista, salió por motivos internos (drogadicción, falta de seriedad y compromiso con la banda). Por lo que nos quedamos aproximadamente 8 meses sin bajista, y decidimos reclutar a otro, pero nadie quería integrarse. Luego Gerardo se encontró con un viejo conocido que toca la guitarra. Entonces decidimos reestructurar el pedo, pasando a Jorge al bajo. Esta alineación fue muy fugaz, ya que de nuevo por falta de interés el amigo de Gerardo sale de la banda. Quedando como hasta ahorita. Diego: batería, Gerardo: voz/guitarra, Jorge: bajo. Ahora ya somos un power trío y estamos conformes con ello. ¿Cuentan con algún trabajo promocional o demo? Gerardo: Por el momento no, ya que hemos decidido tener un material completo de larga duración. LaCarne Magazine

Pero sí contamos con videos de los conciertos tomados por el público y una que otra grabación de los ensayos. Esperamos este año ya este grabado el material. Amigos, estén pendientes del lanzamiento. Dime si no estoy equivocado, pero las letras de sus canciones parecieran como si estuvieran enfocadas a temáticas sociales. ¿Estoy en lo correcto? Háblanos de la temática lírica. Jorge: Así es. Como comentamos anteriormente, las letras hablan de cosas cotidianas de nuestro entorno, básicamente de toda la problemática de la sociedad urbana y enriqueciendo nuestra cultura y el medio en donde crecimos, como las pandillas, el grafiti, las peleas fuera de la escuela o por defender el barrio, etc. En sí lo que quieren expresar es la empatía con la raza que se la rifa a diario en este medio, y que las demás clases sociales conozcan un poco de la misma, que prácticamente desconocen. ¿Podrías contarnos algo acerca de la escena metalera en México? Gerardo: La escena en México lamentablemente, y quizás no sólo aquí, es pésima/deplorable debido al escaso apoyo a las bandas como nosotros (emergentes) principalmente por los “organizadores” / “promotores”. Ellos actúan por nepotismo con sus acostumbradas bandas, haciendo que prácticamente el resto (emergentes) no reciban mucho apoyo, y si se “apoya” casi siempre se recurre a la venta de boletos o pagar por tocar. Ellos alardean y declaran que apoyan a la escena y demás falacias, pero sólo buscan la empatía del público para quedar bien, y dolorosamente por las mismas bandas que se ponen el pie unas a otras. Se compite, pero de mala leche. Agregando el malinchismo por parte del público, que está acostumbrado a escuchar a las

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grandes bandas y no se dan la oportunidad de topar a las bandas locales. Hemos experimentado comentarios como: “Tocan bien culero, vámonos”. La única forma que hemos visto para seguir adelante en este medio es luchar y ser constantes por uno mismo como banda, sin estar a expensas de este tipo de organizadores, y si nuestro material les gusta, adelante, y si no, hay todo un mundo que quizá lo acepte. Han compartido escenario con reconocidas bandas mexicanas. Coméntanos cómo han sido los conciertos realizado por la banda. ¿Ya han llevado su propuesta a varios estados de México?

Diego: Hemos tenido la oportunidad de compartir escenario con algunas de las bandas más reconocidas y sonadas en México como Transmetal, Leprosy, Next, Raped God 666, Surgery, Infection Attack, Venemous y Ancesthor. Gerardo: Las presentaciones han sido excelentes. Al principio si te saca de onda, pero a la vez es padre wey (risas) porque, no mames, subirte a un escenario grande y estar enfrente de un chingo de gente si te saca un pedo y te pone algo nervioso. Sobre todo la respuesta de la gente es muy

contrastante, ya que hay weyes que te gritan que te bajes, te la mientan, y otros que sin dudarlo se animan a darse en la madre en el slam con nuestras rolas, motivándonos a dar todo y que nuestra presentación sea más enérgica. Jorge: Claro, nos hemos presentado en otros estados como Aguas Calientes, Puebla, Tlaxcala, Hidalgo, Querétaro, Guanajuato, Jalisco, San Luis Potosí, y estamos dispuestos a volver a agitarlos con nuestra música y ansiosos de llevarla a otros estados, y si se puede que más que chingón fuera de México. ¿Se ven compartiendo con alguna banda internacional reconocida? Gerardo: Por su puesto. En lo personal a mí

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me gustaría tocar junto a Violator, a huevo. Jorge: O con Municipal Waste. ¿Qué hay acerca de su primer álbum? ¿Qué los dilata para grabar un disco? Jorge: Lo que nos ha detenido es nuestra economía, porque queremos entregar un material de 12 rolas, grabadas con la calidad que merece el público, y no un demo que parece grabado con una tostadora, ya que no nos sirve de nada llenarnos de demos, EP u otros mal grabados. Diego: Otra limitante es la mala economía, bueno, yo soy padre de familia y sustento el 80% de mi hogar. También hay que saber diferenciar lo importante a lo urgente y la prioridad. Ya que hablamos de planes de futuro, y casi para finalizar esta entrevista, ¿qué expectativas a corto y largo plazo tienen para la banda? Jorge: A corto plazo, terminar con las canciones faltantes que completarían el material. Gerardo: A mediano plazo, el proceso, la grabación y obviamente la publicación del disco. Diego: Superarnos y llegar más lejos con la respectiva gira de promoción. A largo plazo tener la oportunidad de participar en alguno de los grandes festivales que se llevan a cabo en México, como el Tecate Metal Fest, Hell & Heaven, Force Fest, entre otros. Y viajar al extranjero, básicamente expandir el proyecto y el Tonayanforce a través del globo. Normalmente, para bien o para mal, se tiende a hacer comparaciones de las bandas emergentes con bandas reconocidas. ¿Los comparan con alguna banda en particular por su música o sonido? ¿Cuáles dirías que son sus principales influencias? Jorge: Nuestra música es poco digerible y complicada de comparar debido al sonido “ñero”, pero el público ha mencionado que tenemos una similitud al sonido de la vieja escuela.

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Diego: Pues compararnos directamente no. Chance con Nuclear Assault por la similitud, pero nada que ver. Las influencias que tenemos son: Slayer, Obituary, Nuclear Assault, Metallica de los 80s, Strike Master, Venom. Gracias por el tiempo y por responder la entrevista. ¿Algún detalle o comentario que desees hacer para nuestros lectores para cerrar esta entrevista? Gerardo: No, que va, gracias a ustedes por tomarnos en cuenta. En verdad poca gente así, la neta. Gracias. Esperamos nos lean y se tomen la oportunidad de seguirnos en nuestras redes sociales y estar al tanto de los shows y avances de Rychter. Diego: En general, queremos comentarles que apoyen a las bandas locales de su entorno. Si la banda no toca con blast beats, el vocal no canta en inglés con guturales o cualquier otro estilo de la actualidad o que les interesa, no sean gachos y apóyenlos un poquito asistiendo a sus conciertos y comprando su mercancía. Recuerden que las grandes bandas algún día también fueron locales y tocaban culero. Jorge: No sean como el resto que asiste a eventos y no pelan a la banda emergente. Apoyen. Para Rychter fue todo un placer. Muchas gracias, amigos de LaCarne Magazine. ¶

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Animal Print

Techno oscuro, potente y viajero

Y fue gracias a su inclinación musical innata que decidieron comenzar sus propios proyectos musicales:

nimal Print es un dúo de DJ’s/productores conformado por Aníbal Aguilar y Marco Cuba, dos hermanos que desde hace veinte años decidieron hacer de la música su forma de vida.

“Nosotros empezamos a tocar y a ser DJ’s porque en ningún lugar ponían la música que nos gustaba. Es por eso que decidimos lanzarnos y hacer nuestras propias fiestas”, explica Marco.

Aníbal y Marco son parte esencial de la escena electrónica boliviana, y en específico de la ciudad de La Paz. Ambos empezaron su carrera como DJ’s independientes (Lecter y Marco Cuba) a finales de los 90’s:

Uno de los eventos realizados aquella época por parte de Aníbal fue “Mezcolance”, que sirvió como plataforma de crecimiento para nóveles DJ’s de aquel tiempo, y que hoy en día forman parte importante de la escena electrónica boliviana:

“Fuimos parte del grupo de precursores junto a otros DJ’s allá por el 99 y 2000. En esa época comenzamos a hacer nuestras primeras fiestas, y poco a poco fuimos creciendo como DJ’s y como productores de eventos”, relata Aníbal.

“Mezcolance ha sido mi primer proyecto en el 97 y 98, y justamente tenía ese nombre porque era una mezcolanza, ya que mezclaba electrónica con varios géneros.

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Antes trabajábamos por separado como Lecter y Marco Cuba, pero luego decidimos tomar un alias para internacionalizarnos y que también englobe un concepto que ambos compartimos, es un equilibrio entre ambos unidos”, relata Marco. Para Aníbal, el nombre Animal Print hace referencia al lado animal y libre que todos llevamos dentro y que nunca debemos perder: “Es un nombre que nos ha gustado sobre todo por el tema de que todos tenemos un lado animal, un lado libre que necesitamos despertar”.

Animal Print – Techno oscuro, potente y viajero

Como Lecter y Marco Cuba ambos tuvieron su recorrido musical con sonidos propios, pero estilos similares. Sin embargo, como Animal Print desde un inicio tuvieron claro lo que formaría parte de su esencia: el Techno. “Actualmente ya estamos 10 años dentro de lo que es el Techno y sus diferentes variantes. El Techno nos gusta mucho, tanto como para tocar, como DJ’s, como para producir. Estuve como tres años haciéndolo en diferentes discotecas, y fue un proyecto muy interesante. Por el año 2000 mi hermano se sumó, y empezamos a hacer juntos los eventos y decidimos enfocarnos sólo a la música electrónica”. Otro evento que ambos lograron realizar en aquella época fue el LaPaztok, que tuvo cuatro ediciones muy exitosas el año 2000, 2008, 2009 y 2010. Es hace aproximadamente seis años que Aníbal y Marco deciden unir sus talentos para formar el dúo Animal Print, más que todo en el afán de buscar un nombre para internacionalizarse: “El proyecto Animal Print nace hace seis años, y en realidad es un punto de encuentro de Aníbal y mío.

Creemos que es uno de los estilos más ricos porque se fusiona a su vez con muchos estilos y sonidos, que es lo que a nosotros nos gusta: tiene oscuridad, tiene ‘groove’, tiene ritmo, fuerza y muchas cosas más”, explica Aníbal. Por su parte, Marco afirma que el sonido que caracteriza al dúo es oscuro, retorcido, pero con mucha potencia: “Como Animal Print siempre el Techno estuvo presente con nosotros. El sonido que manejamos y que hemos mantenido desde el principio se podría decir que es algo más retorcido y oscuro, pero con potencia. No nos gusta el sonido plano, es un sonido oscuro, retorcido y muy viajero”.

Animal Print, volando alto

Uno de los logros más importantes en la carrera de Animal Print fue haber sacado ‘Red LaCarne Magazine

Moon’, el primer disco de vinilo de música electrónica realizado por un artista boliviano. Esta producción fue lanzada por el sello alemán Resopal Schallware el año 2015. Además, Animal Print ha logrado trabajar con varios sellos extranjeros, tanto latinoamericanos como europeos. El que más destacan ambos es Kompakt Records: “Hemos sacado música en bastantes sellos europeos, sobre todo alemanes porque creo que nuestro sonido es muy alemán, pero lo más importante que hemos hecho en nuestra carrera fue haber sacado en Kompakt Records, que es el sello alemán más grande del mundo. Son contados los latinoamericanos que han sacado (con Kompakt) y para nosotros fue un verdadero honor. Es una canción que se llama ‘The Last Night of Laura Palmer’, y está basado en el personaje principal de la película ‘Twin Peaks’. Este track salió en dos compilados de Kompakt: ‘Speicher 102’ y ‘Total 18’, que son los compilados más grandes del sello con artistas súper grandes que admiramos”, comenta emocionado Aníbal. Para Marco, el trabajar con Kompakt fue como un sueño hecho realidad, ya que, como él mismo afirma, siempre fue un ‘fan’ del sello y sus producciones: “Yo empecé comprando sus vinilos y siempre he sido un fan, por eso fue algo muy gratificante el que les haya gustado nuestra música, y poder trabajar con ellos es un objetivo que se ha cumplido, pero hay que seguir trabajando para mantenerse ahí con el sello”. A lo largo de estos años Animal Print ha traspasado fronteras, logrando presentaciones en varios países, tanto latinoamericanos como europeos: “Primero empezamos tocando en Perú, luego en Chile, Argentina, Ecuador, Colombia, casi

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toda Bolivia, y actualmente hemos hecho este salto a Europa con el sello se nos han abierto muchas puertas. Ya tuvimos la primera experiencia de tocar en España (en Murcia y Toledo) y en Alemania en Berlín, Hamburgo y Bochum”, cuenta Aníbal. El dúo también ha participado en Creamfields, uno de los festivales de música más importantes del mundo: “Hasta ahora somos los únicos artistas bolivianos que hemos participado en este festival, y ha sido una experiencia impresionante con toda la puesta en escena y los artistas con los que hemos compartido escena, y eso es otro

lograr sus creaciones es obtenida de la vida misma: un libro, una película, algún hecho significativo…, todo lo que tenga una fuerte conexión con ellos puede ser transformado en música. “Con nuestra música tratamos de conectar con los oyentes, pero desde un punto de vista muy personal. Nuestras canciones están basadas en alguna experiencia personal de cuando éramos niños o de algo específico, de alguna película, de algún libro que nos haya gustado, influenciado e inspirado, porque en realidad nosotros recibimos inspiración de todo”. Ambos han vivido experiencias de forma conjunta que los ha inspirado a crear tracks con un especial significado: “Por ejemplo, tenemos una canción basada en el vuelo del águila, que vuela mejor en la tormenta y se llama ‘Thunders’. Tenemos otra canción, ‘Kites for august’, que hace referencia a cuando nuestro papá nos llevaba a volar cometas en agosto, y eso era algo muy especial e inolvidable para nosotros”. Pero dicha inspiración no se da solamente a la hora de crear música, sino también cuando se trata de transmitir su música al público: de los puntos fuertes de nuestra carrera”, relata Marco. Pero algo que de ninguna manera se puede dejar pasar en la carrera de estos DJ’s es el Electro Preste, uno de los eventos más grandes de Bolivia, organizado por Animal Print en conjunto con la también DJ IVA: “Es algo muy gratificante el poder haber hecho un producto que sea de nivel internacional pero muy aterrizado en lo que es Bolivia, mostrando iconos de nuestra cultura nacional pero en un lenguaje moderno”, agregan.

Inspiración Musical que nace de la vida

Marco y Aníbal afirman que la inspiración para

“En las presentaciones, lo que tratamos de transmitir más que nada es un viaje, que yo diría que se puede aproximar a lo que es una montaña rusa, mucha subida, mucha bajada, nada estático. Y yo diría que ahí transmitimos un viaje dependiendo de cómo nos sentimos ese momento, pero generalmente es mucha fuerza, mucha euforia”, explica Marco. Y gracias a la originalidad de sus producciones, varios artistas extranjeros han reconocido el trabajo de Animal Print: “Nuestra música ha sido tocada y ‘charteada’ por artistas que admiramos como Hernán LaCarne Magazine

Cattaneo, Freak Me, Dj Tennis y muchos otros más”, comenta Aníbal.

Vínculo musical y familiar

tra profesión. Realmente nos gusta lo que hacemos”.

La inspiración de temas tan cercanos a ellos no sería posible si a estos artistas no los uniera un vínculo familiar que ha jugado un rol bastante importante en su carrera artística:

Todo el trabajo realizado por Animal Print ha hecho que ganen un lugar importante en la escena de música electrónica no sólo en Bolivia, sino también en el extranjero:

“Aníbal es mi hermano mayor, nos llevamos tres años más o menos, y ha sido una conjugación muy fácil.

“Artistas de Dinamarca, España, Italia nos pidieron que hagamos remixes de sus canciones y varios sellos grandes nos pidieron música, lo que muestra el interés a nivel internacional por Animal Print”, afirma orgulloso.

Siempre nos hemos llevado muy bien, desde niños siempre hemos sido muy amigos, y bueno, en el aspecto musical también es como que nos entendemos. Yo no podría tocar con alguien tan fácil si no lo conozco tan bien como a Aníbal, con él es como que con la mirada ya sabemos lo que uno quiere decir, nos entendemos a la perfección. Creo que el ser hermanos nos ha ayudado mucho en este aspecto, porque a veces se dan dúos que se notan muy forzados, pero lo nuestro encaja perfectamente, y si bien a veces hay discusiones porque tenemos distintas formas de ser, creo que en el trabajo que hacemos nos complementamos muy bien”, relata Marco.

Perseverancia que deja huellas

Aníbal asevera que llegar al sitio en el que actualmente se encuentran no ha sido nada fácil, y ha requerido mucho compromiso, perseverancia y amor genuino por la música: “Desde el principio esto ha sido algo muy genuino en nosotros. Hay muchos que empiezan la carrera de DJ’s como una moda o por conseguir fama, pero no es fácil. Nuestros 20 años de carrera han sido duros, hemos trabajado muchísimo para llegar a donde estamos ahora, hemos tenido muchas cosas buenas y también algunas cosas duras, pero creemos que el amor a la música ha hecho que sigamos en esto porque realmente es nuestra pasión, y ahora lo vemos como nues-

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Además, el dúo ha compartido escena con grandes DJ’s como M.A.N.D.Y, Nick Warren, Above & Beyond, Anja Schneider, Kaiserdisco, Claptone, Pan-Pot, Matador y muchos más Para este 2019 el dúo tiene varios planes, entre los cuales se encuentran radicar en Europa: “Ahora estamos en una transición de irnos a vivir a Europa. Yo estuve los últimos meses viviendo allá, y luego del Electro preste en marzo ya nos vamos para allá porque hemos firmado contrato con una de las agencias más importantes de España, que es Miracle Management, y bueno, la idea es seguir produciendo y sacando música en los diferentes sellos y mantenernos siempre vigentes, y en lo personal Animal Print viene con muchas sorpresas este año”, concluye Marco. Y es así que, con perseverancia y pasión, Animal Print ha logrado dejar huella de su música en el mundo. Ellos han construido un legado musical que ha traspasado fronteras llevando siempre el nombre de Bolivia muy en alto. ¶

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Nuclear

Thrash Metal visceral y agresivo LEER MÁS

uclear es una banda chilena de gran trayectoria. Sus inicios datan de finales de la década de los 90s, pero antes de darse a conocer como Nuclear estuvieron tocando bajo el nombre de Escoria. Ya como Nuclear han estado girando por mu-

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chos países, sobre todo por Europa, pero aquí esta Matías, uno de sus integrantes, quien nos hablará más detalladamente sobre su banda. nuclear

Nuclear, Thrash Metal visceral y agresivo

Hola y bienvenidos a LaCarne Magazine! Primeramente, quisiéramos agradecerte por el tiempo que dedicas a esta entrevista. La pregunta obligada para iniciar es ¿cómo y cuándo surge Nuclear y qué bandas existían en tu

zona en aquellos primeros años? Hola, Omar! Gracias por tu entrevista y un fraternal saludo a todos los lectores de LaCarne Magazine. Bueno, Nuclear nace en la ciudad chilena de Arica, en el norte del país, en el año 2003, previamente la banda se llamaba Escoria. Fue fundada por los guitarristas Sebastián Puente y Francisco Haussmann junto al baterista Eugenio “Punto” Sudy, todos amigos desde su época colegial en dicha ciudad. Por aquellos años todo era bastante subterráneo en lo que respecta al metal extremo, y la banda fue muy activa en el circuito local. En la primera encarnación llamada Escoria, la banda registró dos demos o promotapes que tuvieron buena acogida en el under local de

aquellos años. Ya en 2003, la banda pasa a llamarse Nuclear y se traslada tiempo después a la ciudad de Santiago, capital de Chile, donde empieza a cimentar un camino dentro de la escena local del metal, que se vería coronado con el lanzamiento del primer álbum “Heaven Denied” en el año 2006. Comenzaron bajo el nombre de Escoria, ¿entonces porque deciden cambiar a Nuclear? La banda enfocó su trabajo musical en una propuesta un tanto distinta a lo que venían desarrollando, más elaborada y agresiva. Si bien los demos grabados con Escoria incluyeron temas que fueron y son parte del repertorio de Nuclear en la actualidad, fue este nuevo enfoque lo que supuso un nuevo comienzo en la banda, y eso -naturalmenteincluyó el cambio de nombre, en analogía al poderío y descontrol de la energía nuclear, algo que la banda siempre ha demostrado en sus shows en vivo y álbumes. Su primer álbum fue el “Heaven Denied”. Por favor, cuéntanos acerca de este debut discográfico, algunos detalles del disco. “Heaven Denied” fue lanzado el año 2006 por el sello Koventry Records. Fue una apuesta importante, y fue un disco que se posicionó muy bien en la escena chilena del metal de ese tiempo, incluso durante su promoción fuimos acto soporte de bandas como Brujería y Destruction. Un disco que nos dio muchas satisfacciones y nos permitió tocar por prácticamente todo Chile. Una gira de promoción con shows memorables y que -de una u otra forma- hicieron que Nuclear entrara con todo en el mapa del metal extremo en nuestro país. Hace un par de años celebramos una década del álbum con un gran show en la ciudad de Santiago.

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Nuclear es una banda que practica un thrash metal con mucha influencia de la vieja escuela, así lo veo yo. ¿Cómo catalogas el tipo de thrash metal que interpreta Nuclear? Nosotros siempre hemos reconocido influencia del Thrash Metal, así como también de otros tipos de música como el Punk, el Hardcore, Crust, Grindcore y el Death Metal. Escuchamos mucha música siempre, y te podríamos decir que la música de Nuclear reúne elementos estilísticos de todos esos tipos de música que te mencionamos. Quien va a un show de la banda sólo encontrará una música muy visceral, violenta y agresiva. De eso podemos dar absoluta certeza. “Ten Broken Codes” fue el segundo álbum de la banda, y, según los críticos, marcó el camino de Nuclear. ¿Por qué se comentó esto? ¿Tiene algún concepto diferente? Fue un disco en el cuál quisimos proyectar el resultado musical lo más violento, rápido y agresivo posible. Eso marcó el camino para la banda en sus próximos tres álbumes, donde fuimos en una curva creciente en cuanto a la intensidad y violencia de nuestras composiciones. El disco ataca directamente al tema religioso, los diez códigos o mandamientos quebrados en la fe, el ataque a la política corrupta y las instituciones. Fue un disco hecho en un momento muy particular de la banda en cuanto a vivencias personales, y ese resultado fue un álbum rápido y violento. Con ese disco pudimos llegar girando a Argentina y México, donde tocamos con varias bandas del espectro internacional como Grave o Toxic Holocaust, por nombrar algunas. Nuclear es una banda originaria de Chile, sin embargo, veo que pasan mayor tiempo por Europa. ¿Cómo es la relación de Nuclear con la escena europea? Nuestra primera vez en Europa fue durante el

tour de promoción del álbum “Jehovirus” en 2011. Recorrimos desde Alemania hasta Bosnia, y fue una gran experiencia para la banda, con una gran recepción del público europeo. Siempre hemos mantenido mucho contacto con ellos, y ya hemos girado extensamente en el Viejo Continente, participado de festivales como Brutal Assault u Obscene Extreme. Tenemos grandes amigos allá, y desde que fuimos la primera vez no hemos parado de proyectar nuestras giras promocionales allá, donde hay un público que gusta mucho de nuestra música, y así nos lo han demostrado cada vez que podemos ir a tocar allá. Hemos estado prácticamente en toda Europa, desde Portugal hasta Rusia, siempre con shows muy brutales. Un gran éxito de ventas lo fue el disco “Jehovirus”. ¿Por qué crees que fue tan exitoso? “Jehovirus” fue un disco oscuro y enojado. Fue hecho durante un tiempo donde -incluso- vivimos un terremoto enorme en Chile. Trabajamos la música en Chile, así como también la grabación y mixing. Lo masterizamos con el productor inglés Russ Russell, quien ya había trabajado con Napalm Death y The Exploited, entre otros. Yo creo es un disco que la gente siente muy cercano porque durante esos años lo tocamos muchísimo en vivo, tuvo muy buenos reviews en medios más grandes como Terrorizer Magazine y Metal Hammer, y en general fue un disco muy exitoso en cuanto a ventas y a la posibilidad de girar mostrándolo. Evidentemente eso conllevó a que mucha gente lo conociera, ya sea en un concierto o en el disco. Tiempo después fue editado en LP, y hasta hoy es un álbum del cual tocamos muchas canciones en nuestros shows. Por su buen trabajo, en el 2014 son fichados por Candlelight Records. ¿Qué significó esto para la banda ser parte de este prestigioso sello europeo? LaCarne Magazine

Fue un espaldarazo importante para lo que se vendría un año más tarde con el álbum “Formula For Anarchy”. Sin duda que contar con el alcance de un sello más grande en cuanto a distribución fue algo muy bueno. La banda siempre ha trabajado muy auto gestionada, por lo que básicamente lo del sello fue importante en cuanto a distribución. En el resto de temas (promoción, booking, etc.) la banda siguió trabajando sola sin tener mucha relación con la etiqueta. Diríamos que fue algo bueno en su momento, pero nosotros nos enfocamos en tocar y hacer música, la parte de los “negocios” de un sello es algo que no nos es muy atractivo realmente, y realmente no es una temática que capture completamente nuestra atención. Nuestro foco es otro: los shows, la música y el público. En cuanto a la alineación, los cambios han sido pocos. ¿Crees que esto ha influenciado en la exitosa carrera de la banda? ¿Quiénes son hoy Nuclear? Indudablemente. Es un hecho muy importante ya que nos permite trabajar muy bien, y la banda se basa en la amistad como principio fundamental. Hoy somos Francisco Haussmann y Sebastián Puente (guitarras), Eugenio “Punto” Sudy (batería), Roberto Barría (bajo) y Matías Leonicio (voz). En el 2016 estuvieron nominado como mejor banda de metal. Coméntanos sobre esta nominación y lo que ha significado para la banda. Fue algo bastante anecdótico, ya que a nosotros -para ser muy sinceros- no nos interesaba ni queríamos ser nominados, pero la producción de esos premios locales insistió mucho en ello y nos nominaron igual. Si bien agradecemos eso, ya que de cierta forma es una suerte de reconocimiento a nuestro

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trabajo, era un lugar en el cual no nos sentíamos cómodos ni agusto, y fue bastante extraño estar ahí, ya que nosotros somos más bien de un perfil bajo y preferimos estar tocando que en ese tipo de instancias. Como sea -y para nuestro alivio- ganó otro músico y nosotros nos fuimos a beber cerveza al bar de siempre con los amigos. Sus letras parecen estar enfocadas a críticas sociales, ¿estoy en lo cierto? Coméntanos sobre la temática de sus letras. Así es, es el reflejo del entorno en el cual vivimos, es como “inspiración” tanto para música y letra. Hay letras políticas, como también letras que hablan de vivencias personales de cada uno, o letras que toman tópicos religiosos. Vivimos en un entorno social tan jodido que es fácil inspirarse y generar música agresiva y violenta.

Un poco Sudamérica es así: agresiva y violenta, y cualquier expresión artística puede influenciarse por eso, ya que es lo que nos rodea en el día a día. ¿Qué piensas acerca de la corrupción que está dominando el mundo? Es parte del ciclo “natural” de las cosas. El mundo nunca ha sido un lugar amable con la gran mayoría de las personas, sólo lo es con quienes domina y administran el poder, sea este político, económico, religioso, etcétera. América Latina durante estos últimos años se está inclinando peligrosamente hacia el fascismo. Prueba de ello es lo que acaba de suceder en Brasil. Cuando la gente empieza a ver que la solución a la corrupción es la fuerza y la restricción de las libertades, estamos más jodidos aún.

En Sudamérica, quien tiene dinero, tiene el poder es una minoría, y es por ello que no quieren soltar esa posición cómoda y tranquila. Han atomizado al poder de los movimientos sociales, y eso les da infinita ventaja. Lamentablemente hoy la gente está más preocupada de enfrascarse en estúpidas discusiones en redes sociales que de salir a la calle a protestar por sus derechos. Y de la escena chilena, ¿qué puedes contar? Es una escena muy activa y de larga data. Se inició a mediados de los años 80s, y se ha mantenido en actividad hasta ahora. Hay muchas bandas y mucha actividad en torno al Metal. Y me refiero a actividad constante de todos los estilos que el Metal engloba. Creo que goza de muy buena salud, y poco a poco ha podido cimentar un camino hacia

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su internacionalización. Aún falta, pero va en avance bastante seguro hacia ese fin. Los invito a conocer más del Metal hecho en esta parte del planeta, pueden encontrar mucho material en plataformas como Spotify o YouTube, por ejemplo. En el 2015 lanzan el álbum “Formula For Anarchy”. ¿Qué aspectos diferentes a sus anteriores álbumes puedes destacar? ¿Cómo ha sido la promoción de este disco? El disco ha sido por lejos el material más violento que hemos lanzado hasta la fecha. Quisimos literalmente trasladar nuestra sala de ensayos a un disco, y así fue concebido y logrado. Es un disco rápido y muy furioso, tuvo muy buena recepción tanto de los fans del Metal como de la prensa especializada. Lo que yo creo que lo diferencia de los anteriores trabajos es que es un disco muy crudo, tanto en su composición como en su sonido, con una impronta lírica claramente política, y suena muy agresivo. La promoción del disco la cerramos en 2018 con algunos shows, y ya dentro de poco entraremos a estudio a grabar nuestro sexto álbum de estudio. “Formula For Anarchy” nos dio muchas satisfacciones como banda, y el material nuevo que estamos trabajando viene aún más pesado y agresivo que ese disco… estén muy atentos. ¿Cómo ha sido recibido tanto por el público como por la crítica especializada? Muy bien. Las ediciones que se hicieron en Europa, Sudamérica y Estados Unidos del álbum ayudaron mucho a expandir nuestra música más allá de las fronteras de Chile. Pudimos tocar mucho en giras, mostrándolo y llegando a importantes festivales europeos, incluso llegamos a Rusia mostrándolo en una gira. En general la crítica lo evaluó muy bien, te-

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niendo grandes comentarios en medios como Rock Hard Magazine de Alemania o Zero Tolerance de Inglaterra, entre muchas otras. La banda también cuenta con algunos discos en directo y DVD. Coméntanos brevemente sobre estos materiales. Los discos en directo son una forma de agradecer el apoyo de quienes gustan de nuestra música. Los dejamos en descarga gratuita en Bandcamp y pueden encontrar shows en diferentes partes del mundo. El DVD lo dejamos completo en nuestro canal de YouTube para que la gente pueda acceder gratuitamente a él, visiten YouTube. ¿Qué podemos esperar de Nuclear en este 2019? Un nuevo disco. Es nuestra meta de 2019. Para ello ya estamos trabajando en nueva música y se viene muy fuerte. No podemos revelar nada aún, pero dentro de poco iremos liberando adelantos del álbum. Estén muy atentos a eso. Bien, esto sería todo. Muchas gracias por otorgarnos esta entrevista. ¿Podrías dar un mensaje a los lectores de LaCarne Magazine? Un gran saludo, amigos de LaCarne Magazine. Muy agradecidos de esta oportunidad de estar en sus páginas, e invitamos a todos sus lectores a conocer más de Nuclear en Facebook o conseguir nuestra música en descarga libre en Bancamp Esperamos que todos tengan un gran 2019, y estén en alerta para una nueva descarga de Nuclear en 2019…. ¡Se viene agresivo, pesado y brutal… un abrazo! ¶

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Azotador

Thrash Metal y energía desbordante

zotador sacude la escena thrasher desde el under en EEUU.

De vez en cuando aparece en la escena del Metal artistas cuyo trabajo asombra por igual a músicos y fanáticos. Una de esas bandas es Azotador, que ha perfeccionado su trabajo en la música antes de impactar ahora en la vereda de EEUU. Tanto esfuerzo constante dio frutos, y quienes los siguen saben que el Thrash Metal nacional está en buenas manos.

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Muchas canciones se vienen a la mente cuando dices Azotador, desde el que ya es un clásico como Azotando poseros, Bajo las sombras del thrash, La Bestia, Hongos en el Contexto y muchos otros. Podríamos llenar el artículo sólo de éxitos con los que muchos fanáticos se identifican en toda Bolivia como en el extranjero. Pienso en ello, toco un timbre, llego 20 minutos tarde. Desde que tienen este compromiso llevan ensayando diariamente desde hace semanas, es seguro encontrarlos encerrados en el estudio que también es sala de ensayos. La banda integrada por Gabriel “Gabbo” Jordán en voz y guitarra, Danilo “Dani” Roca en la batería, Juan Carlos “Juanki” Prado de guitarrista y Diego “Dinko” Ponce en el bajo,

sacar el EP llamado “Sombras Mentales“, que lleva la canción “Trastorno Mental”, que luego pasó a llamarse LA BESTIA. Este EP es grabado en estudios Powersound, desde entonces el cuarteto ya era partícipe de festivales como El Illimani Metal Fest 2012, entre otros, recorriendo la ollada de La Paz con su Thrash esperando su primera producción de larga duración. Es entonces que llega el 2014 lanzando un nuevo EP titulado “Carril Acertado”, con un sonido violento y letras oscuras precediendo el primer álbum, que lograron el mismo año llamado “Insertando la Sustancia”, una decena de guitarras magistrales y un tupatupa que hizo las delicias de los moshers. Desde entonces no han parado de componer. Ya para 2016, siguiendo la misma esencia, salió el EP “Ancestro Supremo”, y para diciembre mismo sacaron el segundo álbum de estudio “Enganche Al Grinche”, de las que podemos recordar Hongos en el Contexto e Incomprensión Intrusa, entre más.

llevan tocando juntos casi ocho años en los escenarios locales under.

De regreso en su sala de ensayos, sé que pasaron de las cuatro en punto, pero parece que no empezaban aún su tocada. Creo que alcanzaré a escuchar unas canciones por lo pronto.

Tanto así que cuando pregunté a Ronald “Roni” Ari la manera en la que llegó a conocer a Azotador, recordó “hace casi 5 años yo había escuchado un rumor por las redes sobre una banda llamada Azotador, me encantaba el Thrash aunque no había conocido bastante de la misma, siempre me dio curiosidad…

Gabo saluda, además de Diego y Juan Carlos, que me dice “cómo estás Chronical… Moshers”, evocando otro evento de 2016 donde tocaron con Genetic Infection y Chernobyl, ambas bandas locales, en el que tuve el primer contacto en vivo con la banda sin decepción. Cada mosh es intenso y brutal.

Ellos sólo tocaban en Pubs de La Paz y yo soy de El Alto. En una de esas Subterranea Prod. organizo el Metal con Altura II”, rememora de la forma en que conoció a la banda. El Thrash se propaga en los moshpit, supongo.

Se dicen cosas de la figura de los thrasher que claramente no se aplican a los cuatro miembros del grupo.

La historia de Azotador inicia en el 2010, sin embargo es hasta mediados de 2012 que logran una estabilidad que les da el coraje para

Los estereotipos de comida Chatarra, por ejemplo, la mayoría son Veganos; el excesivo consumo de bebidas alcohólicas es al contrario, prefieren tomar agua incluso en los locales de música y festivales, donde abundan; adeLaCarne Magazine

más de que son personas muy asequibles, muy diferente al estereotipo de marginal, pueden hablarte de cómo formaron y son parte de la Thrashermandad (la comunidad de la nueva escuela de thrash), Arte, política, sus gustos eruditos en música. Pero en realidad lo que buscan incluso con su próximo viaje a EEUU es una conexión, sentirse cerca. Según dice Gabo “Queremos hacer nuevas amistades con los fans y con las bandas, van a ser tocadas underground, así que vamos a hacer conexión con las personas a coexistir. Es emocionante probar equipos de calidad, escenarios que son diferentes a lo que vivimos. Eso en EEUU, la experiencia. En Chile va a ser algo que vamos a disfrutar porque ya sabemos que el público es lo mejor, son más thrasher, son más intensos”. Además de querer tener firmes conexiones con sus fans y amigos, la banda se preocupa en que su música se difunda, ser oídos. Es así que en 2017 Azotador puede escucharse en México bajo los sellos American Line Records y Cerbero1666 Records, agregándose más tarde el sello Cruceño Maniac Force Records, quienes lanzan el primer EP Sombras Mentales. Desde Perú, Manta Records publica igualmente su thrash. Saben que conocer y conectarse es esencial, logrando las fechas más extensas en EEUU junto con la banda de New Jersey Paralysis, que estuvo de visita en 2018 con Nick Mimikos, gran amigo de la banda, iniciando el 15 de febrero y concluye el 25 del mismo mes. Llega un momento, creo, en el que una banda llega a realizar su sueño de tocar en un mismo escenario con sus ídolos, y para Azotador el 2016 fue uno de esos años. Uno de ellos es el Thrash de la nueva escuela de los norteamericanos Violator (Violent Mosh 2016); el evento Fear Of Tomorrow,

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cuando se encontraron con los daneses Artillery; además de Gama Bomb (Ciudad de Santa Cruz); o con los españoles Angelus Apatrida (La Paz). Hitos que han marcado un antes y un después para sus miembros, pero afirman que ese momento fue el compartir tarima con los alemanes de la vieja escuela EXUMER. Muchas veces entre bastidores la convivencia de músicos deja algo que contar, como es el caso de Dani. Una navidad le habían regalado baquetas, las cuales le dieron horas, se ajustaron muy bien a sus necesidades. Tiempo después, ya en escenarios, se dio cuenta de algo cuando otros bateristas se sorprendían del peso y grosor de los palos, con frases como “¡qué jodidas tus baquetas! ¿son 2B?”, así decidió investigar para encontrar su propio estilo y no fue hasta su tocada con los alemanes Tankard (2016) que consiguió eso que buscaba. “Presté mis platos, que eran nuevos, para la tocada en Cochabamba, y al terminar, en agradecimiento me obsequiaron un pack nuevo de baquetas 5B. Empecé a tocar con ellas, entonces dije ¡éstas son las verdaderas!”. Desde entonces dichas baquetas son sus favoritas. Mientras continuamos en la sala, no se dan cuenta que la entrevista ya había comenzado, prácticamente siempre estoy analizando y recordando algo que resalte en una agrupación. Se vienen nuevos proyectos con Azotador, ya que aún no han dejado el estudio. Canciones que van a estrenar en escenarios del exterior, afirma el bajista Diego Ponce, cuyos inicios en la banda se remontan al 2010, cuando ni siquiera tenía mayoría de edad para ir a realizar conciertos, lo que le impidió aportar, teniendo que regresar el 2013 llamado por Juanki, que en su ensayo le obsequió el demo de la banda, día que se adueñó del bajo eléctrico, aportando, además de su música, con el diseño del EP Carril Acertado, que considera el más personal “fue la primera portada para

mi banda. Recoge toda la esencia de diversión, lo que queríamos reflejar, sentíamos que estábamos tomando el ´carril acertado´ como banda. Hoy tengo la oportunidad de intervenir en una nueva portada para un single que será esa magia que tiene el thrash metal, las cosas ocultas de la vida”, afirma sacando a relucir su fase de artista plástico. Me dirijo a la banda: “¿Quién quisiera que hable acerca de ustedes en la nota?”. Ronal Ari de Return Of Violence, dicen. Azotador, siendo una banda que ha apoyado mucho a la escena, también ha impactado e inspirado a nuevos músicos como Ronald: “En el evento Metal con Altura II ¡me cambiaron la vida!. Veía a Dinko saltar por todos lados, Gabo como siempre animándonos a destrozarnos por el Thrash, Juanki chocó conmigo los nudillos, y vi a Dani tocar la batería, ¡el man tocaba como un Dios! Entonces supe que debía tocar Batería”, escribiría Ronald Ari en un mensaje más tarde ese día. Por su parte, Juanki, miembro inicial de Azotador, ensaya todos los días desde hace un mes alistando el show que tendrán en tarimas. Explica: “Lo que llevaremos serán nuevas canciones, es lo mejor ya que es una edición de la banda. Hemos absorbido otras cosas durante tres años, entendiendo nuestro rumbo, las cosas que hacer. Lo que nos falta y sobra para mejorar nuestras ideas, rendirle culto y mantener el legado del Thrash Metal”. En nuestro medio se piensa que ser músico no trae satisfacciones, dichos de amigos y familiares no son alentadoras, afirman.

“Algo que siempre me dicen incluso en mi familia, en casi 8 años como banda es ´Deberían tocar covers para que a la gente les guste´, pero el hecho de tocar se ha vuelto tan nuestro que ya no necesitamos decir cuál es nuestra compo, la gente se la sabe”, sostiene Juan Carlos mientras se acomoda para tocar la guitarra. “La primera fecha en Santiago de Chile es en Catorce de la fama, escenario que se armará debajo de un puente. Sacan electricidad de un poste de luz, mientras los carros van pasando, así sabes que el thrash es una cultura muy fuerte en Chile, parte de los ciudadanos chilenos, que ya conocen en general el movimiento”. Los proyectos que tienen para la gira son sólidos, además de que este año sacan nuevas composiciones. Todos convergen en que esta gira EEUU – Chile es un nuevo hito en su carrera musical. Debo dejar que practiquen para este compromiso. Son magníficos en lo que hacen, han luchado por adueñarse de la escena thrash. Debo retirarme, pero antes indago: Si el día de mañana van al infierno por formar Azotador, ¿quién sería el culpable de eso? Gabo, afirman al unísono. Él sólo desvía la mirada de todos, navegan a su ritmo con su propio tiempo. Los veo como equipo, hay energía desbordante incluso al parecer en los ensayos, resuena una nueva canción en mi mente, LIBERTAD CONDICIONAL. Recuerden ese título. Déjense asombrar por esas olas de Thrash Metal. Se vienen grandes cosas y la movida sigue creciendo. Gracias. ¶

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Lord Divine Power Metal Progresivo que no se solía escuchar por aquellos tiempos.

esde la ciudad de Rosario en Argentina recibimos a la agrupación Lord Divine, una banda de metal progresivo que, con su primer trabajo, un Demo en el 2003, lograron una buena aceptación por parte del público. Temas de la banda han estado presente en varios discos compilatorios, así como también han participado en discos tributos. Ya su cuarto álbum pronto estará disponible por un sello español. Su tecladista, Diego Palma, gentilmente accedió a responder la siguiente entrevista.

Lord Divine, Power Metal Progresivo

Saludos y sean bienvenidos a LaCarne Magazine. Según tengo entendido, la banda ya lleva muchos años en escena, por lo que me gustaría comenzar por la típica pregunta sobre los inicios. Primero que todo, muchas gracias, Omar, por esta entrevista. Lord Divine ha cumplido ya 16 años. Se formó a fines de 2002 con músicos de otras bandas rosarinas de la época. Nos conocíamos de la escena local, y así fue como Dalmys Delbueno (batería) se contactó con Hugo Galli (guitarras) para comenzar a idear las primeras composiciones mientras iban reclutando al resto de los integrantes. Con el propósito de hacer algo distinto, se incursionó en el power metal progresivo, algo

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Al poco tiempo de sus inicios lanzan un primer trabajo en formato EP Demo, y tuvo una gran aceptación. Coméntanos sobre este material. Como te comentaba anteriormente, esas primeras composiciones fueron tomando forma y se grabó de manera casera ese primer trabajo Demo. Contenía 4 canciones que luego formaron parte del primer álbum oficial. Se empezó a mover y promocionar en diferentes festivales antes de que Lord Divine debutara sobre el escenario.

El debut se produjo a mediados de 2003 en Teatro Lavardén de Rosario, como soporte de Lorihen (banda argentina de larga trayectoria), y tuvo una aceptación excelente por parte del público. Ustedes desde un principio se propusieron hacer metal progresivo. ¿Por qué esta forma de expresión, si tomamos en cuenta la amplia variedad que ofrece el metal? Se dio así porque en nuestras respectivas bandas anteriores hacíamos otro estilo de metal, desde heavy clásico, power metal hasta hard rock. Y en esos momentos empezaba a tener difusión y conocerse un poco más bandas como Dream Theater y Symphony X, al menos en Rosario, por los que nos pareció interesante encaminarnos hacia esa rama del metal, y descubrir que podíamos trabajar sobre ese estilo. Su primer álbum es “Where The Evil Lays” del

2004. Así es. Fue lanzado a través de 2M Producciones, quienes nos habían visto en un show en Rosario en el que participamos como soporte de una banda de Buenos Aires. Les gustó lo que vieron sobre el escenario, y se contactaron con nosotros para ofrecernos un contrato. Fue un gran paso hacia adelante. A tal punto que, en la revista Rock Brigade, “Where the Evil Lays” estuvo dentro del top 5 del año en varias de las categorías premiadas, y siendo una banda que no es de Buenos Aires significó un impulso importante para nosotros. Han sido varios los discos tributos donde Lord Divine ha tenido participación. Háblanos sobre estos tributos, y el por qué la inclusión de la banda en dichos tributos. Esto comenzó justamente después de firmar con 2M Producciones. En una época donde no existía la promoción vía web que hay ahora, fue una forma de di-

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una de nuestras mayores influencias. Pudimos estar cerca de esos músicos impresionantes, y, a la vez, mostrarle a la gran cantidad de gente el nuevo álbum que acababa de ser lanzado. Me imagino que hay más bandas internacionales con las que Lord Divine ha compartido escenario. Infórmanos sobre esto, y qué ha representado para ustedes como músicos. En la gira de presentación del primer álbum “Where the Evil Lays”, que recorrimos varias ciudades de Argentina, fuimos soporte del Nightwish de Tarja, en el Estadio de Obras.

fundir el nombre de Lord Divine con canciones de bandas que siempre nos han gustado (Ozzy Osbourne, Megadeth, Fight, Dream Theater, etc.). Eso sí, en nuestra propia visión de la música. Su primer álbum fue editado en 2005, pero ya en versión español por un sello de México. ¿Por qué se decide sacar este álbum en español? Esto tiene que ver con lo anterior, de lo difícil de difundir el material. A la gente de 2M les llegó una propuesta de Agora Records para editar el disco en ese país, pero estaban interesados en que fuera en castellano. Le dimos el ok, rápidamente nos pusimos a trabajar en la traducción de las letras, y así salió “Donde Yace el Mal”. En el 2007 llega su segundo álbum “…In Disgrace”, el cual fue presentado en directo en Buenos Aires como soporte de una gran banda internacional. Coméntanos sobre esta presentación. Fue un gran momento que disfrutamos muchísimo. Lo presentamos en el Teatro de Flores, un lugar clásico de Buenos Aires por donde muchas grandes bandas han pasado. Y lo hicimos como soporte de Symphony X,

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Como músicos nos sirvió para poder aprender a cómo se manejan estas cosas de forma profesional, a disfrutar de una inmensa cantidad de público (muchísimo más de lo habitual en shows de bandas under), y, por supuesto, el interés en la banda creció luego de estos shows. Hubo un tiempo en que la banda incursionó en otras vertientes del metal. ¿A qué se debió esto? No se debió a nada en particular. Simplemente quisimos experimentar un terreno más pesado y moderno, el cual nos gusta mucho también. Nos animamos a salir un poco del estilo radical de la banda y recorrer otros caminos. Esto también nos sirvió como experiencia positiva, ya que ampliamos nuestro alcance con el público. Gente que quizás antes no nos conocía se hizo seguidora de la banda con el álbum “Imágenes”. En cuanto a la propuesta musical de la banda, ¿en dónde encasillarías su género musical? Actualmente podría decirse que es Metal Progresivo. Para este disco tiene más toques sinfónicos que en otras oportunidades, pero no dejamos de lado los riffs potentes. De todas formas, siempre hay lugar para algunas secciones más power, o más modernas.

A la hora de componer no nos encasillamos, lo que nos va surgiendo es lo que queda. ¿Cuáles han sido sus mayores influencias para dar forma a la banda? ¿Qué han tomado de esas agrupaciones para adaptarlo a su propuesta? Todos los músicos de Lord Divine veníamos de otras bandas muy distintas unas de otras, y cada uno tiene sus influencias muy marcadas, que a su vez son muy diferentes. Creo que nuestra influencia en común es Symphony X, aunque a la hora de aportar cada uno ofrece su visión, cosas del estilo Dream Theater, Soilwork, e incluso power metal podrás encontrar en nuestros trabajos. “Imágenes” es un disco algo fuera de lo común, pues solamente fue lanzado en forma digital. ¿Por qué solo en digital? ¿Ningún sello se interesó en el material? ¿Cómo fue recibido por el público y los seguidores fieles a la banda? El lanzamiento en formato digital fue una decisión en conjunto con la productora Under Submarine Records. Queríamos comprobar la aceptación del cambio de sonido de la banda. Nos llevamos una grata sorpresa cuando empezamos a ver la gran cantidad de descargas que este álbum tuvo. El público lo aceptó y creció la cantidad de seguidores. No descartamos en el futuro reeditarlo en forma física. Para su cuarto álbum han firmado con un sello español. Este material lleva por título “Facing Chaos”. Háblanos sobre este material en cuanto a concepto, líricas… Para este nuevo álbum hemos firmado con Fighter Records de España, y será para nosotros el primer lanzamiento con distribución mundial, con fecha de salida para el 5 de febrero de 2019. En cuanto al concepto del álbum, en general, las letras hablan sobre conflictos internos, lu-

chas entre el bien y el mal dentro de uno mismo, el levantarse luego de la caída. Y el título del álbum también tiene que ver con eso, un caos interno al que hay que enfrentar para saltear los obstáculos que nos ofrece la vida. En este nuevo álbum hay grandes personalidades como invitados. ¿Quiénes son y cómo es que llegan ellos a participar en el disco? Uno de los invitados es Mark Boals, cantante de uno de los mejores discos de Yngwie Malmsteen como es Trilogy. Aunque grabó 2 álbumes más también con su propia banda, Ring of Fire, creo que todos lo conocemos y es un cantante increíble. Se dio porque uno de nuestras canciones tenía un estilo un poco más power, incluso con algún toque ochentero, y pensamos en él. La participación se dio de forma simple, le enviamos la canción, le gustó y enseguida se puso a trabajar. “The Darkest Light” fue el primer tema que estuvo finalizado. Luego, para el solo de guitarra de “Divided”, nos pusimos en contacto con Julián Barrett, actual guitarrista de Tarja, que en Argentina tiene una trayectoria musical impresionante, y fue él quien participó con un solo, lo cual también nos pone contentos, ya que hemos comLaCarne Magazine

partido escenario en Rosario varias veces.

todavía si no estás ubicado en Buenos Aires.

Ya con cuatro discos en su carrera, muchos conciertos, y varios años en la escena. ¿Cómo se ha logrado dicha evolución de la banda con el paso del tiempo? Yo creo que lo principal que se ha dado es que además de estar todos enfocados siempre en hacer música, que es lo que nos gusta, Lord Divine se convirtió casi desde un principio en un grupo de amigos.

El metal es un estilo que no tiene demasiado lugar, en los medios más populares es directamente nulo.

Eso ha logrado ir siempre hacia adelante, tomando diversos caminos, pero siempre al frente e intentando superar lo anterior. Creo que hemos aprendido muchísimo transitando tantos años como banda, y sin duda ya no somos los mismos que hace 16 años. Todas esas experiencias nos han servido para mejorar como músicos y como personas. Háblanos sobre los integrantes. Me imagino que como toda banda han tenido cambios. ¿Quiénes conforman actualmente la banda? Actualmente Lord Divine está conformado por Diego Valdez en voces, que se sumó para la grabación de este nuevo disco (también acaba de sacar un gran álbum con Dream Child – Craig Goldy, Rudy Sarzo, etc., y es el frontman de Iron Mask), Hugo Galli en guitarra (integrante original). Manú López en guitarra (se sumó para la época del álbum “Imágenes”), Diego Palma en teclados (no soy un integrante original aunque ingresé para grabar “Where the Evil Lays”, decidí retirarme para el tiempo de “Imágenes” y retorné para comenzar a dar forma a este nuevo álbum), Andrés Berenguer en bajo (integrante original), y Dalmys Delbueno (integrante original). ¿Cómo valorarían la escena actual de Argentina? En Argentina la escena no ha cambiado demasiado. Las bandas tienen que recorrer mucho camino y luchar, hacer mucho sacrificio. Y cuesta más

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Por lo que, a todas, en especial a las que comienzan, se les complica y mucho hacerse un lugar. Por suerte, en estos tiempos existen las redes y las webs, radios online, fanzines y revistas digitales que ayudan a poder difundir y mostrar el material. Bien, ¿qué expectativa hay con este cuarto álbum de la banda? ¿Qué le dirías a los que aún no han escuchado la banda para que le presten atención? Las expectativas, como cuando hemos lanzado otro material, siempre son las mejores. Para este álbum hemos dedicado mucho esfuerzo, mucho sacrificio para lograr un trabajo compacto, en todos los sentidos. Tanto musical como en diseño. Fue todo cuidadosamente pensado, y se trabajó con gente muy profesional. Es un material que tiene muy buen sonido, riffs potentes, estribillos pegadizos, una impecable labor en cuanto a instrumentos y voces. Esperamos que sea del agrado del público. Hemos llegado al final de esta entrevista, y queremos agradecerte tu apoyo en haber dedicado tiempo para charlar con nosotros. ¿Algún comentario que quieras agregar para finalizar? Para finalizar, un agradecimiento muy grande a Uds. por el espacio y la difusión, a Fighter Records por haber confiado en este nuevo álbum, y a los seguidores, aquellos que lo vienen haciendo desde tiempo atrás tanto como quienes nos están descubriendo ahora. ¶

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Rock en las Aulas una nueva esperanza

y tras quedar maravillados decidimos proponerles la entrevista, siendo éste el resultado. Disfrutadlo!

onocimos mi pareja y yo a Rock en las Aulas gracias a la periodista Concha Llamazares de la radio de Fuente del Maestre, y colaboradora en Canal Extremadura Tv, la cual conocimos en el concierto de Magic Queen en Almendralejo, y nos habló del proyecto Rock en las Aulas y de su inminente aniversario. Acudimos a las pocas semanas a Fuente del Maestre al concierto del décimo aniversario,

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Rock en las Aulas, una nueva esperanza ¿Cómo y cuándo se origina Rock en las Aulas? El origen de este proyecto se remonta al año 2008 en Peñalsordo, un pueblo extremeño de La Serena.

Estábamos haciendo un proyecto de crisis humanitarias y medioambientales, y desde el aula de música preparé una canción para que la cantara el alumnado el día de la Paz.

Unos alumnos tocaban la flauta, un par de ellos la guitarra, otros la pequeña percusión, yo al bajo, y todos cantaban.

te de que Pini conoce a Alen Ayerdi (batería de Marea), y además, Manolo Chinato es gran amigo de ambos.

Por aquel entonces, conocí a Miguel Blanco de Deneb Studios, y semanas después le pregunté por la posibilidad de grabarla para el recuerdo haciendo algo más cuidado.

Para Chinato preparamos su poema Herrador, y le incluimos un pequeño homenaje en el estribillo, y para Kutxi, dado que celebrábamos el 10º aniversario del proyecto, vimos que era el momento idóneo para “El Rock de las Aulas”.

Le pareció buena idea, y a partir de ahí, con la colaboración del colegio, empezó a caminar todo. ¿Quiénes componen el proyecto? Bueno, comencé con Miguel. Yo componía la letra, la música y organizaba el trabajo de los contenidos a tratar en clase, y Miguel se hacía cargo de los arreglos y de la edición de baterías, bajos, teclados… Poco a poco se han ido sumando músicos, y en la actualidad se puede decir que el núcleo musical de Rock en las Aulas está formado por Félix Domínguez e Ismael Rodríguez (los dos maestros de música de Fuente del Maestre), Manu Peña (ex-batería de Sínkope), David Andrino (guitarrista de Almendralejo) y Miguel Blanco (técnico de estudio y de directo). También en los últimos años tenemos la ayuda de Pini (AMUS) y Juanjo (Radio Transylvania), nos echan una mano escuchando borradores, ideando el show de directo, los vídeos de proyección…, somos ya una pequeña familia. En cuanto al bajo y al teclado, vamos llamando según necesidades. En vuestro proyecto han colaborado artistas de la talla de Manolillo Chinato o Kutxi Romero. ¿Cómo surgieron esas colaboraciones? Estas dos colaboraciones surgieron gracias a Pini. Manolo Chinato hace años había sido padrino de AMUS, desde entonces mantenían una buena amistad, y nos hizo de puente para establecer contacto. Respecto a Kutxi, se ha dado también la suer-

¿Qué grupos son los preferidos de los niños? ¿Y de los profesores? Por desgracia, la música preferida de los niños es la que emiten los medios de comunicación de masas, y la conciben de un modo bastante superficial, cada vez más como un concurso, es el concepto que ahora mismo están absorbiendo de la televisión. Por este motivo, con Rock en las Aulas procuramos que el alumnado tenga una experiencia vital artística que de otro modo sería imposible. A través de los videoclips que elaboramos, y de los conciertos, intentamos hacerles ver que la música va mucho más allá de un concurso o de un producto de usar y tirar, con la música se aprende y se piensa, y se transmiten muchos valores. Los niños están abiertos a cualquier estilo musical, pero el entorno va matando poco a poco la iniciativa personal al respecto, también pasa con otras muchas cuestiones y es algo muy complicado de evitar. En cuanto a los profesores, si te refieres a Ismael y a mí, fundamentalmente lo que más escuchamos es cualquier tipo de variante de blues y rock de diferentes épocas. Yo especialmente de los 60 y 70. ¿Qué valores intentáis transmitir tanto a los niños como al público? Este proyecto tiene varias razones de ser. Respecto a lo que me preguntas concretamente, intentamos que la educación musical cumpla una función social dentro y fuera de la escuela, para niños y para adultos, tratamos LaCarne Magazine

que nuestras letras provoquen reflexión sobre diversos temas, y así intentar crear una sociedad más comprensiva y respetuosa con los seres vivos, incluidas la personas, y el planeta en general. Es sólo un granito más de arena en tan difícil tarea. ¿Consideráis infravalorada la educación musical y/o artística en las aulas del país? ¿Por qué? Por supuesto, la música y la plástica en nuestros colegios están moribundas, desatendidas, y no se toman en serio para nada. Con 45 minutos a la semana (60 minutos en el mejor de los casos) la música no se puede desarrollar como es debido. Los profesionales de la educación musical están haciendo lo imposible para mantenerla viva y para que aporte al alumnado todos sus beneficios. Y ya la plástica ni te cuento. rock en las aulas Son clases impartidas por docentes que no tienen una formación específica, como sucede en el resto de asignaturas. Lo da cualquiera que tenga hueco en su horario, lo mismo el maestro de educación física, que de música, que de primaria…, pero en ningún caso con una formación que acredite debidamente el conocimiento sobre esta disciplina tan importante. El porqué de esta situación supongo que tendrá que ver con muchas cuestiones. Actualmente seguimos en un sistema educativo muy académico, y los políticos no se atreven a romper con este paradigma, por lo que se piensa que si quitamos horas de Lengua o Matemáticas vamos a retroceder, o que la única forma de mejorar es añadiendo más horas de las mismas, o más horas de inglés o de informática. Tenemos un sistema demasiado enfocado al mundo empresarial y laboral, pero obviamos

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que precisamente una verdadera educación integral, donde todas las asignaturas fuesen importantes y se impartiesen con la misma rigurosidad, es lo que haría que el alumnado se desarrollara de una manera más competente, no solo a nivel profesional, que es lo único que algunos buscan, sino también a nivel personal, y con unas miras más respetuosas hacia el planeta en su conjunto. No debemos olvidar que cuando afrontamos un problema o creamos algo, el cerebro actúa de manera multifuncional, utilizando coordinadamente las diferentes regiones cerebrales, no sólo las que tienen que ver con Lengua y Matemáticas, por lo que un sistema excesivamente académico limita la capacidad de actuación cerebral. ¿Tiene mayor aceptación el rock a día de hoy o sigue estando estigmatizado? Me da la sensación de que el rock pierde seguidores, pero no por prejuicios, sino por el tema que hablamos antes. Los padres de los niños y niñas que participan en este proyecto están encantados, también

con los músicos y las personas que forman parte de él. En este sentido, Rock en las Aulas es una especie de resistencia, (risas) quizás en vía de extinción, de ahí la importancia del apoyo de vosotros, los medios, y de cualquiera que le guste el rock. A veces te dan ganas de parar porque esto supone demasiado esfuerzo fuera del horario escolar, pero procuramos aguantar mientras nos quede algo de motivación. ¿Qué ha cambiado en el proyecto en estos 10 años? Muchas cosas. Por ejemplo, las primeras baterías y bajos que se grabaron eran creadas por ordenador, y actualmente todo es tocado por músicos. También la manera de organizarnos, el modo de trabajar los contenidos en clases, los directos se han enriquecido con vídeos y más medios técnicos, lo videoclips son más elaborados, hemos tenido más colaboraciones, estamos en las redes sociales…, en fin, un poco

en todo. ¿Os habéis planteado grabar un disco? No. Me lo han preguntado algunas veces, pero creo que Rock en las Aulas es para verlo a través de nuestros videoclips y para vivirlo con nuestros conciertos. La música hoy día casi se ve más que se escucha, y pensamos que a Rock en las Aulas le va mejor este formato. Si alguna persona o colectivo quisiera colaborar con vosotros, ¿cómo podrían contactaros? A través de facebook fácilmente, o twitter. Agradeciendo vuestro proyecto, el cual pudimos presenciar mi novia y yo este verano en Fuente del Maestre en vuestro décimo aniversario, ¿queréis dejar algún mensaje? Bueno, daros las gracias a vosotros por acompañarnos en el festival 10º aniversario, y también por ofrecernos este medio para dar a conocer el proyecto a vuestros lectores. Muchas gracias, de verdad. ¶

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Improvisación Libre con julio Torres LEER MÁS

n esta nueva entrega de “Improvisación Libre con…” hablamos con Julio Torres que nos cuenta en esta entrevista cómo llegó a la Improvisación Libre y su experiencia en el arte improvisatorio. Aquí os dejamos todo lo que nos ha contado: Dime cuál es tu procedencia musical. Si tienes formación académica, me interesa que me cuentes tu experiencia en las escuelas de

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formación de música o en el conservatorio, y que me lo compares con tu experiencia en la improvisación libre y en la música experimental, aunque sea compuesta. Realicé mi formación básica (bachillerato) en el Conservatorio de las Rosas en Morelia, y después de un año de licenciatura tuve la oportunidad de ir a estudiar al extranjero, más específicamente Canadá, donde después de un largo periodo obtuve mi título universitario. Lo que pude notar al contrastar mis dos experiencias pedagógicas es que la educación en Canadá fue, para mí, mucho más libertaria, basada en la búsqueda de lo propio en base a herramientas compositivas.

Recuerdo que en aquellos años del conser -1997- no se hablaba, o se hablaba poco y casi a escondidas de la improvisación. La interacción de los alumnos estaba basada en los mandatos de la figura del compositor. Era por eso que los alumnos de instrumento se juntaban a “tocar” una pieza. Muy diferente a lo que pasa en el ámbito de la improvisación libre, donde un grupo de personas, músicos o no, se juntan a crear sonidos, o experiencias sonoras… Para mí, la música en el conservatorio se distingue por ser de carácter vertical, mientras que la experiencia que me ha dejado, en su mayoría, la improvisación libre es que es horizontal. ¿Cuándo y cómo llegaste a la improvisación libre? El cuándo es fácil: octubre de 2008. El detonante fue la presentación en vivo de In C de Riley, que aunque no es una pieza de improvisación libre, sí fue un parte aguas en el sentido compositivo y de sensación de comunidad musical. Ésa sería, en aquel entonces, la primera pieza de composición horizontal que tocaría. El punto de desarrollo de esas ideas llegan hasta el 2011, cuando regreso a México y conozco a Milo Tamez. Y es con Milo que la improvisación libre realmente despega, pues el trabajo que yo venía realizando encajaba perfectamente con lo que Milo trabajaba en ese entonces.

nó el aburrimiento infinito que me producían ciertas músicas, o la repetición inacabable de las formas: sonata, rondo, etc…, tanto en lo popular como en lo académico! También me conflictuaba el eterno dilema de acabar una pieza, el enigma de la finitud, al menos en la improvisación libre no abordo la experiencia como algo que será finito, aunque esa finitud sea cronológica por cuestión de practicidad! A fin de cuentas, y quizá pecando de cursi, creo que la improvisación libre y yo nos encontramos por ahí entre la encrucijada de la hegemonía académica y el punk. ¿Cuáles son las influencias que te han ayudado al aprendizaje de tu lenguaje musical? ¿Y a la improvisación? Considero que me fue de muchísima utilidad el estudio de la historia de la música, y a través de ésta el conocer la música de Palestrina, por ejemplo. Por ese lado, me he sentido más influenciado por la modalidad y el estilo contrapuntístico de composición que por la armonía. La exploración del timbre por parte de los pioneros de la música electrónica también podría decir que son una influencia fuerte, desde Varesé hasta Johnatan Harvey, Barry Truax… El desarrollo del instrumento, por ejemplo, lo he ligado más al rock. Influencias como Hendrix y Zappa serian básicas, pero también Fred Frith, Derek Bailey o Han Bennik, Arto Lindsay, Paal Nilssen-Love, o Mats Gustafsson.

Ahora, el cómo. Bueno, eso sí es más complicado, creo yo. Creo que no hay otra forma de llegar más que haciendo, aunque no estoy seguro que uno llegue a algún lugar.

¿Qué es para ti “espacios” en una pieza? Quiero decir que si te dicen: “vamos a crear una pieza con ‘espacios’”, ¿qué interpretas? Creo que en efecto podrían ser varias cosas, pues es un concepto amplio. Me gustaría que significase “espacialización”. Ubicar a los involucrados en diferentes puntos del recinto o ubicación.

Por un lado, creo que mi búsqueda la deto-

Pero si nos apegásemos a la idea de espacio,

Y bueno, desde entonces la búsqueda no ha parado.

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como el cosmos, pues podría ser una pieza con bastantes silencios, o con notas muy largas pensando en los hilos de la trayectoria de los rayos de luz o de algún otro componente del espectro electromagnético. Incluso será interesante incorporar el otro elemento del cosmos, el tiempo, y crear una pieza que durase, por decir, siete días, compuesta por notas muy largas e intervalos de mucha actividad altamente disonante contra intervalos altamente activos de falsas tonalidades. Entonces ocuparíamos el espacio-tiempo y no sólo el espacio, que generalmente refiere a una ubicación fija, cuasi geográfica. Lo mejor en términos prácticos sería tener una charla y hacer un consenso de lo que los involucrados sienten en términos de espacio. A menos que se quiera jugar con los choques de intuición de los mismos, cosa que también puede ser interesante! Hay músicos e improvisadores (como yo, por ejemplo) cercanos a la idea de hacer primeras tomas y de dejarse llevar por la intuición, la inmediatez y la espontaneidad. Hay quien dice, sin embargo, que esa forma de entender el arte lleva a fórmulas repetitivas y aburridas, y que el ensayo y la composición son necesarios para evitar esos inconvenientes. En mi opinión, las fórmulas y patrones se repiten en cualquier manifestación artística. ¿Qué opinas? Tengo la sensación de que esa idea responde a una visión mercantilista del arte, y en este caso, de la improvisación libre. Si hay una actividad que requiera un “estaren-el-presente” como requerimiento para lograrse, ésa sería la improvisación libre. Así que en ese sentido me declaro a favor de la espontaneidad, aunque el resultado pudiese no ser favorable a los oídos de algunos. En cuestión de los patrones, creo que son gestos que se van desarrollando a la par del discurso del artista.

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Entonces, ¿cómo no habría de haber algún tipo de repetición? Los gestos van evolucionando, quizá de una forma más bien rizomática, y pareciera que la percepción de este proceso como algo aburrido y repetitivo responde más bien a una lectura perezosa del que escucha, ya que en la gran línea de tiempo quizá podríamos apreciar el desarrollo de cada gesto y su dirección, aunque muchos de estos no llegasen a nada. Creo que esta pregunta es fundamental para entender al menos un aspecto de la desconexión generada entre creador, público y mercado: el mercado, con su avidez económica, parece desinteresado a estimular la distribución de material con semejantes características estéticas, creando así desinformación y desinterés en las posibles audiencias, alejando así al público de los creadores.

¿En qué proyectos has participado o estás participando? Actualmente me encuentro involucrado en varios proyectos: uno solista (Altormur), uno a dúo (Chato), otro a trío (Free Improvisation Mexican Sounds), y un ensamble de dotación variable para musicalización de cine (Ensamble Mecánico). Todos basados en improvisación libre principalmente, a excepción del Ensamble Mecánico, que aborda la música desde una mezcla entre composición, improvisación tradicional e improvisación libre. En el pasado he participado en proyectos como el Espíritu Amistoso, de Milo Tamez; como compositor con la compañía de danza En Vértigo; como compositor de música para cine: Alexfilm (2015), Las Letras (2015), La Tierra aun se mueve (2017); también en el festival de música extrema en Querétaro (2017),

y con la Sociedad de Música Libre en Morelia (2018). Explícame brevemente tu concepto musical. Una búsqueda constante entre el orden y el caos, entre la improvisación libre y la composición, pero también la búsqueda de afectos sociales a través de la música. Indica links, grabaciones, páginas webs… donde aparezca tu material. Irreverence Group Music: Ver Facebook Ver Twitter Ver Blog Ver Soundcloud Altormur Ver Soundcloud ChaTo Ver soundcloud Sociedad de Música Libre Ver video Chato en Jazz Weeken

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Paricia’s Patience fusión de géneros musicales

se espera para este año 2019.

aricia’s Patience es una agrupación de Puerto Rico que se formó en año 2015 y debutó en noviembre del 2016.

El estilo musical de Paricia’s Patience es una fusión de distintos géneros musicales, como el metal progresivo, algo de thrash y ritmos latino americanos. Sus canciones se enfocan en crítica ambiental, social e historias de horror clásico. Actualmente están grabando su primer álbum, que

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La entrevista fue respondida por Damaris Rodríguez (cantante y bajista) y Jesé Miguel Vázquez (guitarra y segunda voz). Tal vez sería conveniente comenzar brevemente hablando sobre la formación de Paricia’s Patience. José Luis (guitarrista, cantante), José Miguel (guitarrista, segunda voz) y Damaris (bajista, cantante) se conocieron para el año 2002, cuando formaron parte de un grupo universitario de música folclórica puertorriqueña. En éste, José Luis y Damaris tocaban la gui-

tarra acústica de acompañamiento, y José Miguel el cuatro puertorriqueño (instrumento de ese país). Para ese entonces José Miguel y José Luis habían estado ensayando en varias bandas de heavy metal, las cuales nunca se concretaron. Años más tarde, para 2014, surge la iniciativa de comenzar a ensayar canciones de otras bandas con el fin de reunirnos sin compromisos de formar una banda, sino para compartir la experiencia musical que hacía años no hacíamos, pero ahora con canciones de heavy metal. Comenzamos con Outshined de Soundgarden y luego Get Away Car de Audioslave. Para el tercer ensayo ya José Miguel, quien tocaba la batería, había traído una idea para una canción original sin letra. Damaris le escribió una letra y una melodía para la voz siguiendo las ideas de José Miguel. Y de ahí surgió la canción Paricia’s Patience, la cual luego originó el nombre de la banda. A partir de ahí sólo se compusieron canciones originales. Un segundo guitarrista estuvo presente desde el comienzo, pero por falta de tiempo no pudo continuar luego de unos meses. Entonces hablamos con Luis (baterista), quien era amigo de José Luis, para que tocara la batería y José Miguel tocara la segunda guitarra. Luego de haber estado ensayando por casi un año, durante 2015-2016, surgió la oportunidad de debutar con dos de las bandas de mayor reconocimiento en la escena metal en Puerto Rico, Calamity y Zafakon, en noviembre de 2016. Cuéntenos sobre esta primera salida. ¿Qué tal el recibimiento por parte del público? Nuestro debut fue el día 6 de noviembre de 2016 como apertura de un show en el cual se iban a presentar 3 bandas ya reconocidas y

seguidas por el público. Las bandas fueron Calamity, Zafakon y Ritual Kannabis, cuyos géneros musicales se encuentran entre el Thrash Metal y Metalcore. Esto nos creó un poco de duda e incertidumbre sobre el recibimiento del público, pues Paricia’s Patience está más inclinado al Heavy Metal tal vez más tradicional, aunque no se casa con ningún estilo particular. Sin embargo, el público se mostró sumamente interesado en lo que estábamos haciendo, y se mantuvieron muy atentos durante todo el set. Mucha gente se nos acercó con comentarios positivos sobre no haber escuchado antes una banda con un estilo similar al de Paricia’s Patience en Puerto Rico. Claro que fue súper emocionante tal recibimiento, por lo cual hemos seguido trabajando fuerte para llevarle al público con cada canción nueva tal vez un poco más de la rareza que gustó desde el comienzo. En cuanto a la alineación, cuentan con una mujer en la voz principal y bajo. ¿Cómo ha sido recibido esto? ¿Quiénes son los actuales integrantes de la banda? Los actuales integrantes de la banda son los hermanos José Luis Vázquez (guitarrista y cantante: growls y segunda voz) y José Miguel Vázquez (guitarrista y segunda voz), Damaris Rodríguez (bajista y voz) y Luis Martes (batería). Damaris inicialmente era quien tenía mayor habilidad para tocar un instrumento y cantar, por experiencias previas en otros grupos de distinto género musical. Ella tenía más experiencia cantando que el resto de los integrantes, y el estilo de la voz resultó ser muy apropiado para el estilo de la banda. De igual forma, José Luis puso en práctica una habilidad que no había utilizado en sus banLaCarne Magazine

das anteriores, tocando la guitarra eléctrica y haciendo la voz gutural o growls. A esto le sumamos la misma habilidad de José Miguel de tocar la guitarra eléctrica y hacer una segunda voz. Estos elementos en conjunto, con los ingeniosos cortes en la batería de Luis, le dan a Paricia’s Patience la peculiaridad de ejecución musical que nos caracteriza, sin añadirle ni restarle peso a ninguno de sus integrantes. En fin, todos formamos un elemento súper importante en la banda, lo cual entendemos es recibido tal cual por el público. El estilo musical de la banda es una mezcla de varias vertientes musicales. Si tuvieran que enumerar algunas características salientes que permitan definir su estilo, ¿cuáles serían? ¡Gracias por notar las distintas vertientes musicales! La realidad es que cada uno de nosotros tiene gustos musicales muy distintos que, aunque llegan a distanciarse, convergen en muchos momentos. Los gustos incluyen thrash, heavy metal tradicional, metal progresivo, rock, stoner, grunge, pop, música clásica, soul, jazz, música típica puertorriqueña, música folclórica del mundo, música japonesa popular o J-Pop. Sin embargo, no todo está incorporado en nuestras canciones, claro está. Muchas veces se incorporan muy sutilmente tendencias o particularidades de algunos de estos géneros en nuestras composiciones, que puede resultar imperceptible al público, pero a nosotros simplemente nos gusta. Nuestros gustos en cuanto al heavy metal coinciden mayormente en bandas de metal como Mastodon, Opeth, Dream Theater y Testament, por mencionar algunas. En fin, en nuestras canciones se intenta incorporar todos los gustos, de manera tal que al final el resultado sea del agrado y disfrute de todos.

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¿Qué tipo de sonidos les gusta incorporar en sus composiciones? Nosotros siempre hemos buscado un sonido pesado pero que mantenga la mayor claridad posible, ya que usamos muchos acordes abiertos completos. Estamos en planes de incorporar instrumentos típicos del país, no para hacerlos partes de los instrumentos de la banda, sino porque sirven a la narrativa de la música en sí. En cuanto a las letras, ¿éstas tienen algún concepto en común o algún tipo de ideología política, religiosa, social, filosófica, etc.? Digamos que tratan de todo un poco, tal vez. Hasta ahora muchas de las letras se han ba-

sado mayormente en novelas de horror de la literatura clásica americana, como Frankenstein, Sleepy Hollow y The Call of Cthulhu, así como letras sobre temas ambientales y sociales. No descartamos escribir sobre otros temas en el futuro. ¿Qué opinión les merece el estado actual de la escena de tu país? Nosotros no llevamos tantos años activos en la escena como para poder comparar cómo era hace unos años. Sí sabemos que siempre ha habido bandas de metal en Puerto Rico muy underground con un grupo relativamente pequeño de seguidores.

Sin embargo, conocemos mucha gente que lleva muchos más años que nosotros en la escena, quienes aseguran que justo en el momento en el cual entró Paricia’s Patience se comenzó a observar un aumento en el número de excelentes bandas de diferentes estilos atreviéndose a presentarse en escena. Por lo cual, también fue bueno para nosotros debutar en el momento en que lo hicimos. La escena hasta cierto punto sigue siendo underground, considerando que gran parte de los puertorriqueños siguen el reggaetón y trap, y que lo que se escucha en la radio comúnmente, además de dichos géneros, es merengue, bachata, salsa, baladas y pop norteamericano.

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Sin embargo, es muy notable la cantidad de bandas que hay hoy día con excelentes músicos e ideas musicales originales. Así que entendemos que, si bien es un proceso lento, la escena se encuentra en dirección a seguir creciendo. ¿Cómo vienen de actividad en vivo? Entiendo que compartieron con Orphaned Land. ¿Cómo se les dio esta fecha? La banda ha sido muy bien acogida por el público y eso nos ha abierto puertas. No tardó mucho en llegar a oídos de manejadores de eventos que estaban interesados en nuestra participación. Cuando Bloodstained World Entertainment estaba en trámites de traer a Orphaned Land, tuvieron la gentileza de invitar dos bandas locales. Entre ellas estaba Avandra y nosotros. Fue todo un honor compartir con ambas bandas. ¿Qué dilata la salida de su primer álbum? ¿Podrías adelantarnos algo sobre este primer trabajo? Además del factor económico que comúnmente restringe a cualquier agrupación musical en sus comienzos, gran parte de nuestro atraso en este aspecto fue el paso del huracán María por la Isla. Como muchos saben, Puerto Rico quedó sin energía eléctrica en muchos lugares hasta más de un año, y la infraestructura de muchos establecimientos se vio seriamente afectada.

nombre de la banda. Fue como oficializar que los cuatro ya éramos integrantes oficiales de una agrupación, y que más allá de ensayos y pasarla bien con las amistades, íbamos a tener obligaciones musicales a un nivel más profesional. Anteriormente habíamos ensayado con excelentes guitarristas, quienes no pudieron continuar con nosotros. Actualmente somos los miembros originales de la banda cuando escogimos el nombre. Aunque en el comienzo consideramos añadir un tecladista, hasta el momento no está en nuestros planes cambiar la alineación ni incorporar nuevos integrantes. Nos encontramos en un periodo tal vez un poco lento en la parte creativa, ya que nos estamos preparando para grabar el disco. Pero de igual forma estamos enfocados en la música nueva que queremos componer, y la dirección que queremos llevar tanto en Puerto Rico como en otros países, incluyendo EE.UU., Latinoamérica y Europa. Desde ya un agradecimiento especial para toda la banda. Éxitos en lo que emprendan, y les pido un mensaje para los lectores de LaCarne Magazine. Para nosotros ha sido un honor haber sido contactados por nuestros hermanos de Cuba y España.

Entonces esto lamentablemente atrasó el que encontráramos un lugar para grabar que estuviese preparado.

Nos sentimos muy honrados de que les haya interesado nuestra música, y esperamos poder obtener nuestro disco pronto para poder compartirlo con ustedes y escuchar sus opiniones más sinceras.

Pero definitivamente ya estamos encaminados a terminar lo que sería nuestro primer álbum.

Gracias nuevamente, y pendiente a nuestras páginas de Facebook, Twitter e Instagram. ¶

¿En qué momento se encuentra Paricia’s Patience como banda? ¿Crecimiento, consolidación, evolución, expansión…? Entendemos que Paricia’s Patience se consolidó cuando finalmente acordamos en el

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