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Nacida en Londres con sangre italiana por sus venas, Anna Calvi debuta con un trabajo homónimo donde a través de los diez temas que lo componen descubrimos un repertorio denso y oscuro, íntimo y recio. Diez temas con los que la favorita de Karl Largerfeld ha hecho suyos elogios de grandes de la música como Nick Cave, eligiendola personalmente para telonear a sus Grinderman y Brian Eno comentando de ella que es lo mejor desde Patti Smith. Anna Calvi, secreto a voces que convence y enamora, imposible no rendirse y ponerse a sus pies.

Texto: Sara Muñoz Imagen: Emma Nathan

Siendo éste tu primer álbum nos asalta la duda de su temporalidad, la incertidumbre del espacio-tiempo de los temas y sus emociones. ¿Este trabajo se trata de una colección de canciones escritas hace mucho tiempo, o son más bien recientes? Son bastante nuevas todas las canciones, podríamos decir que el tiempo que tuve que emplear para componer los temas fue casi el doble que para grabarlo. En ese sentido ha sido un proceso bastante simétrico, sin demasiada diferencia entre el tiempo que llevó escribir el álbum y lo que tardamos en “fabricarlo”. Las ideas de alguna forma estaban perfectamente claras tanto durante la etapa de composición como de grabación, esto nos ayudo mucho a la hora de publicar el trabajo. ¿Y cómo es para ti ese proceso de composición?

Porque además de cantar tocas la guitarra en todas las canciones del álbum, y ambos aspectos parecen esenciales para transmitir el mensaje de cada tema, el alma de la canción. ¿Qué viene primero, las letras o la melodía y los arreglos para la guitarra? Cuando empiezo a escribir una canción, generalmente es porque hay algo que ha visto la luz, normalmente suele ser algún verso de la letra, aunque a veces es un motivo instrumental, cualquier cosa. Entonces trabajo grabándome a mí misma y las canciones van surgiendo poco a poco tanto desde el punto de vista lírico como melódicamente, así poco a poco el tema se va completando hasta conformarse la canción final. Por supuesto que luego hay que esculpirlas, ajustarlas conforme a lo que quiero de ellas, pero lo hago guiándome por elecciones bastante instintivas, no hay un orden claro entre melodía y letra.

Todo se va construyendo al mismo tiempo.

Profundizando más en tu faceta de guitarrista, hay un sonido característico y único muy presente, esa reverberación que de algún modo da forma al álbum, que contribuye a dotarlo de identidad y fuerza. ¿Cómo ha sido la búsqueda de ese sonido, cómo han sido las elecciones en esa línea al grabar el disco? Es algo muy natural para mí, el tener este sonido de guitarra, me gusta esa reverberación, la encuentro de mucha ayuda a la hora de expresar lo que quiero que le llegue al público. Así que realmente tampoco lo pensé mucho cuando hubo que grabar, salió todo muy natural, por supuesto gracias a la gente que trabajó en el proceso, que enseguida lo encontraron tan fácil como yo.

“Rider To The Sea” es el tema que abre tu nuevo trabajo, para mí es una declaración de intencio6

nes y la piedra angular o base del disco, marca la pauta a seguir, una línea de trabajo que de alguna forma demuestra que no todo es lo esperado, y que no debemos presuponer ¿Cuál es la intención del tema y cómo enlaza con el mensaje del álbum en general? Simplemente quería comenzar el álbum con una canción que realmente te introdujese en el mundo que de alguna manera he intentado crear, que contribuyese a ponerle el título a esa atmósfera que buscaba. Me gusta cómo hace de introducción, de preludio al enlace que existe entre las canciones posteriores. Por eso es la primera y ese es el lugar que ocupa para mí, el comienzo.

Otro tema que me ha llamado la atención es “Morning Light” en el que el dominio de tu voz se funde perfectamente con la instrumentación y hace posible que la canción nos envuelva de emociones, ¿qué quieres transmitirnos con este tema? ¿Es necesaria la luz del amanecer para saber que existe oscuridad y dolor? “Morning Light” es una canción que surge de una idea inspiradora más que de una experiencia personal, es como si necesitase contar la historia que hay detrás de ella, y como si las letras hubieran surgido solas, como si simplemente hubieran brotado de esa necesidad. Así que intenté plasmar esa idea también con la música, y bueno, ése fue el resultado, me alegro de que te haya gustado.

continuar o avanzar en la vida dejando a tras un dolor, un pasado. ¿Es real esta sensación de superación de miedos? ¿Cuál es la canción que crees que expresa mejor el mensaje de este trabajo y cuál es para ti ese mensaje? Bueno, es difícil elegir, creo que todas las canciones ayudan a construir la idea sobre la que se sostiene el álbum, estoy muy contenta con la lista en general, creo que se complementan bien entre ellas. Además, prefiero dejar que quien lo escucha se forme su propia idea, sin sugestionar ni condicionar nada, que cada persona emprenda un poco un viaje propio a través de las canciones. Sí es verdad que el mensaje pretende conducir a un viaje optimista, pero depende completamente de quien escucha.

Muchos críticos han hecho comparaciones entre este primer álbum tuyo y el trabajo de PJ Harvey, ¿qué te parece, cuál es tu opinión al respecto? Me parece una comparación algo perezosa, fácil por nuestra procedencia y estilo musical. Creo que es una gran artista, pero no es alguien que me haya inspirado especialmente o de quien haya tomado referencias, al menos en un nivel compositivo o de interpretación de la música.

Lo cierto es que se puede oír algo de cada década en el disco, desde el rock clásico de “Blackout” o “Suzanne And I”, el gospel de “Desire”. ¿Cuáles dirás que son tus influencias? Bueno, he escuchado mucho a Scott Walker, David Bowie, Olivier Messaien, Antony Hergarty..., la lista es larga. Y no sé decirte bien cómo han influido en mí directamente, pero realmente creo que la pasión que existe en su música, o la intención de llevar al que escucha en un viaje a través del desarrollo de un tema, son parte de las cosas que trabajo por transmitir.

Terminar con “Love Won´t Be Leaving ” es el final perfecto para un trabajo donde a pesar de la fuerza que desprende consigues desnudarte sentimentalmente dejándonos además con la sensación de un futuro esperanzador, brillan- ¿Qué esperas de un concierto como el del FIB? te como el sol del verano, cálido y armonioso… ¿Puede ser una puesta de largo para Anna Calvi ¿Tienes tu también esta sensación? ¿Compar- respecto del público español o será un conciertes esta idea? La verdad es que sí, quise cerrar to más? Sí, este verano estaré en un par de festiel disco con un tono positivo o de alguna forma vales por ahí, además del FIB iré a Lisboa, casi por optimista, para dejar la puerta abierta a las cosas las mismas fechas. La verdad es que tengo muchas buenas que existen en esta vida. Me pareció la ganas de tocar en el FIB, pero tampoco lo quiero canción más adecuada para terminar, además me enfocar de ninguna forma como algo particular gusta el juego que hace con “Riders To The Sea” o especial, no por nada, sino quiero que sea un al principio, me pareció adecuado en cierto modo. concierto más. Si será importante, como tú dices, pues de alguna forma es la presentación del disco La percepción que capto de todo el conjun- en España, pero al fin y al cabo es un concierto to del trabajo es que tiene de alguna forma un más. No quiero que la presión me pueda en dicho aroma o sabor de libertad, de redención como concierto, así que lo mejor es restarle importancia. si con la publicación de este trabajo pudieses L ados

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ARCADE FIRE ARCtIC MonkEys MuMFoRD & sons PoRtIsHEAD tHE stRokEs AtoM RHuMbA bEIRut bIg AuDIo DynAMItE bRAnDon FlowERs CAtPEoPlE CongotRonICs vs RoCkERs

feat. konono

no.1 | deerhoof | kasai allstars | juana molina wildbirds & peacedrums | skeletons

CRystAl FIgHtERs DoRIAn Elbow FRIEnDly FIREs tHE go! tEAM tHE juAn MAClEAn julIEtA vEnEgAs loRI MEyERs noAH & tHE wHAlE nuDozuRDo PAolo nutInI PEnDuluM PRIMAl sCREAM PRESENT sCREAMADElICA tHE stRAnglERs tHE stREEts tInIE tEMPAH

ThE 1945 ANikA ANNA CAlvi ANd So i WATCh You FRom AFAR BomBAY BiCYClE CluB o EmPERoR GRuPo SAlvAjE hENRY SAiz hidRoGENESSE jACk BEATS jERRY FiSh & ThE mudBuG CluB lAYABouTS loGo ThE mARziPAN mAN mCENRoE ThE moRNiNG BENdERS PRoFESSoR GREEN SmilE SPECTRAlS TAmE imPAlA vERoNiCA FAllS violENS zomBiE zomBiE ...Y MUCHOS MÁS / ...AND MANY MORE

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C H IN A R R O

Antonio Luque, ha crecido desbordado a Sr. Chinarro entrando en trompa como un río que desborda las riberas de su cauce en crecida primaveral, Sr. Chinarro ha sucumbido a la creatividad de Antonio Luque para rendirse en cada canción, para presentarse a las claras, sin artificios ni artilugios edulcorados proscritos. Antonio Luque refleja en “Presidente” el caleidoscopio de emociones surrealistas vitales, hermosas historias metafóricas protagonizadas por el común de los mortales donde la realidad se ha dado la vuelta del revés para mostrarnos lo bello de lo intrascendente, el encanto de lo cotidiano. El arte por lo habitual, por lo intrascendental de la vida.

Desde la publicación en Acuarela de “Sr. Chinarro” en 1994 a este “Presidente” del 2011 han pasado casi veinte años, en concreto diecisiete… ¿En qué ha cambiado o evolucionado Sr. Chinarro? ¿Qué has aprendido musicalmente desde que empezaste? Bueno, realmente no ha cambiado nada, sigo haciendo música, la música que me gusta, canciones que de alguna forma expresan lo que siento o pienso, unas veces de forma autobiográfica, otras de forma efímera, empleando aquellas situaciones que he podido oír en una conversación externa o que me han contado. Musicalmente supongo que uno aprende, como todo en la vida, a base de errores, de equivocarse y de rectificar. Mis discos cada vez son más claros, más precisos. Supongo que eso es lo que llevo por delante.

que es más interesante que la roca sedimentaria en la que vas viendo directamente las diferentes capas que se van depositando una sobre otra y casi no hay un proceso de trasformación. Pero no es que una canción como por ejemplo “Vacaciones en el Mar” surja de ver como consume la gente, no es así. De hecho, esta canción no va sobre mi preocupación ecológica sino sobre lo mal que me siento viendo una ciudad que no es mía, son problemas que van más allá y tiene un trasfondo mucho mayor.

El camino ha sido duro, plagado de momentos con altibajos ilusiones y desilusiones. ¿Qué queda de el Sr. Chinarro de 1994 en el Sr. Chinarro de “Presidente”? En general sigo siendo el mismo tipo, tan voluble e inestable como el Antonio Luque de hace veinte años. Supongo que lo que ha cambiado es el hecho de tener un hijo y todo lo que eso puede cambiarte. No me considero especialmente un tipo maduro; por eso supongo que me gusta rodearme de gente más joven que yo. El tiempo pasa y aunque por fuera no soy el mismo que hace veinte años, en mi interior, a pesar de las responsabilidades adquiridas, he madurado, aunque bueno, no me gusta esa palabra, no quiero hacerme mayor.

Un cambio que destaca en este “Presidente”, es la limpieza de sonidos.

Todos y cada uno de los instrumentos encajan donden debe figurar, sin colapsar ni encubrir a ningún otro, marcándose los ritmos de forma clara para que las armonías nos lleven de la mano en cada tema, del mismo modo las letras se han trasformado en claras, directas, cotidianas y por lo tanto comunes y cercanas… ¿Por qué este giro interpretativo o compositivo? Supongo que toco mejor que hace veinte años. Esto es consecuencia de lo que te contaba anteriormente, de que uno con el paso del tiempo va aprendiendo cómo tiene que sonar un disco, dónde se tiene que colocar las batería para que no tape la voz, dónde colocar la guitarra para que no se ensucie con el bajo, etc… Pero es que además tengo la suerte de estar rodeado de músicos muy profesionales. Hay que aprender para tener un discurso más amplio, pero sin cambiar el sentido de las composiciones, no quiero que cambie nada.

En “Presidente” destaca de una manera especial la voz de Antonio Luque. De alguna forma en él consigues doblegar esa voz esquiva que reflejaba de una forma tu estado anímico más íntimo. ¿Éste matiz o giro ha sido buscado y perseguido con esfuerzo por Antonio? O por el contrario, ¿ha ido surgiendo poco a poco durante el proceso de la grabación? Ha ido surgiendo poco a poco, pero más que en el momento de la composición o de la grabación de este disco ha sido “mientras me hacia profesional”, una vez que todo esto empieza a funcionar y uno puede comenzar a vivir de esto se empieza a creer que se es cantante. Empieza a intentar perfeccionar todo aquello que le rodea a uno y que es parte de su vida, de su trabajo. Cuando grabé “Ronroneando” tampoco es que me convenciera pero eso era a partir de una época difícil para mí personalmente, una época donde te metías en el estudio y te encerrabas para grabar los temas, en ellos se refleja a través de mi voz mi situación personal y puedes notar la voz un poco más escondida. A partir de ahí he tomado clases de canto y me han enseñado a sacar más voz, y ¿por qué no emplearla si la tengo? Tal vez habrá gente que añore la voz de mis trabajos anteriores, más de chico tímido con voz grave, pero bueno que se escuchen alguno de los trabajos anteriores.

Este disco es así.

Antonio Luque podríamos decir que es un maestro del escapismo cotidiano. Pero en un panorama tal maltrecho como el actual, ¿cómo le afecta la realidad a Sr. Chinarro? ¿Y a las composiciones de Antonio Luque? Un acontecimiento que me puede indignar es cómo se comportan los ciudadanos con sus horarios, sus trabajos y sus hábitos de consumo. A los cuatros días tengo un problema sentimental con la novia, y eso provoca una “falla” y por ahí sale todo, sale todo el material de una manera volcánica, sin enterarme, y se genera la roca plutónica, en este caso el origen del tema, de la canción,

Destacar un tema sobre el resto es siempre difícil, pero en este “Presidente”, ¿cuál es el matiz del que te encuentras más contento o más feliz de haberlo conseguido? Me encanta el disco y estoy orgulloso, me parece que suena muy bien.

Pero claro, en directo no vamos a tocar todo “Presidente”, de hecho tengo una selección grabada en un cd para ponerla en el coche e ir decidien-

Texto: Javier Mielgo Imagen: Luis Díaz Díaz

En una entrevista leí que lo que te impulsaba a componer una canción era ‘la sensación de absurdo’. ¿Cuál ha sido el motor para componer este “Presidente”? Sí, como te decía antes, sigo siendo el mismo, y eso es lo que de alguna forma me ayuda a seguir escribiendo canciones. Lo absurdo de una vida que no tiene más trascendencia que lo que acaba de ocurrir para la persona que lo acaba de sufrir. Realmente absurdo, ¿no te parece? Ese es el motor de “Presidente”. Lo absurdo de una vida.

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do qué tocaremos en el directo. Primero escucho “Presidente” y cuando llegan los temas de “Ronroneando” noto claramente que suena peor, y lo primero que te llega cuando escuchas un tema es el sonido, luego te fijas en las letras y las canciones pero lo primero que se percibe siempre es el sonido; no se si será deformación profesional pero me preocupa la calidad de sonido que observo cuando pongo el disco, así que supongo que de lo que más contento me encuentro es de su sencillez, de su limpieza. ¿Cómo surge un tema como “Babieca”? ¿Qué significa para ti? Babieca era el caballo del Cid. Esta canción es un tema que tiene toques autobiográficos. En esa época yo salía con una chica de Valencia y yo vivo en Málaga. Imagínate cada vez que la quería ver o estar con ella tenía que cruzar las diez tierras que puedan separar Valencia de Málaga. En parte, cada vez que iba a verla me sentía así, como describo en la canción, casi como un superhéroe que hace grandes gestas para conquistar su amor.

Otro tema que sorprende es “Fotos No”. Quizás sea el tema más abrupto o esquivo dentro de “Presidente” sobre todo por el bajo y el órgano Hammon, que les da un toque a The Doors espectacular. ¿Lo habías pensado antes? ¿Qué opinas de este tema? Sí, The Doors es un grupo que me gusta mucho. No hace falta que lo digas con la boca pequeña, para mí también tiene un toque a ellos. Y supongo que ahí están presentes. Éste es un tema un poco diferente que da variedad al disco. En otras partes de él puedes escu12

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char desde los Smiths a los Rolling, pasando por la Velvet o los ineludibles Beatles, aunque a mí no es que me gusten especialmente.

los que me siento bien y disfruto. Tengo la suerte de dedicarme profesionalmente a lo que me gusta, y bueno, a veces nos echamos unas risas…

En resumen; “Presidente” tengo la sensación de ser un baúl donde has conseguido de alguna forma meter y cerrar con llave toda una serie de clichés o ideas preconcebidas que se pueden esperar de un artista con la figura de maldito o torturado, de esquivo con los medios y arisco con los escuchantes de tus temas. Con él has dejado atrás un formato y en este “Presidente” es un paso para avanzar, un salto de gigante que te abre las puertas a otro nivel compositivo… ¿Es “Presidente” un riesgo consciente y medido o es un paso involuntario pero liberador? Bueno, es una reflexión quizás demasiado profunda para poder responder de forma inmediata. No sé hasta qué punto se puede percibir desde fuera que nuestro trabajo es algo que sale así porque lo llevamos dentro. Sé que no todos los discos son iguales, y que uno debe variar respecto de su predecesor y ¿Por qué un tema como “Un Final Feliz ” para el respecto del que le antecede, porque lo que llevas último tema del disco? ¿Podría verse este “Pre- dentro cambia y evoluciona con el tiempo… No sé sidente” como el principio de un nuevo camino si será otro nivel compositivo, pero supongo que o una nueva ventana para Sr. Chinarro? Hom- sí será diferente a los anteriores, y que me gustará bre, siempre te gusta que tu obra sea entendida más porque habré intentando perfeccionar aquecomo una especie de trilogía de “Ronroneando”, llo que en ese momento me preocupe. Intentando “Presidente” y de lo que esté por venir. Supongo mejorar lo anterior. Seguro que me gustará más que sí que puede ser un camino nuevo en el que que el presente “Presidente”. profundizaremos en el próximo trabajo, pero ya se verá, es difícil poder vaticinar nada.

Con el giro que Antonio Luque ha dado a Sr. Chinarro, ¿cómo va a plantear los directos? ¿Va a pasar del tormento de un autor maldito o difícil a un directo abrasivo e incendiario?

Desde luego no llevaremos violines, eso lo dejamos para el disco. En los directos nosotros resumiremos las mejores líneas melódicas con los instrumentos que llevamos, se trata tocar coordinados, “de dar los golpes donde hay que darlos” y cantar bien. En definitiva saber trasmitir fuerza y energía para que al público le llegue la esencia de los temas. En ellos tocaremos gran parte de “Presidente” pero también algunos temas de “Ronroneando”

¿Es Sr. Chinarro por fin feliz? (Risas). En general no soy feliz, pero sí tengo pequeños momentos en L ados

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P A P E R C U T S “Fading Parade” (Sub Pop´1 1) es el nuevo álbum de la banda californiana de pop gestada por Jason Robert Quever. Este nuevo Lp que presenta novedad doble, sello y productor: Sup Pop y Tom Monahan respectivamente, da cobijo a diez melodías que suenan a dream pop psicodélico con manifiesto descaro y elegancia. Quedan claras dos cosas: la primera, que la capacidad creativa del señor Quever no comprende de límites, y la segunda, que “Do you really wanna know” es el paradigma de un hit en toda regla.

Texto: Javier Mielgo y Sara Osácar Imagen: Archivo

Para empezar algo ligerito y así nos quitamos del medio la pregunta que habrás respondido hasta la saciedad: motivo del nombre de la banda. Papercuts me sonaba muy bien. Hubo un tiempo en el que escuchaba música agresiva y pensé que Papercuts podía ser una manera sutil de representar todo eso. Pensé que encajaba como nombre para este proyecto y así ha sido.

Tus anteriores trabajos salen con la camiseta o sello Gnomonsong , fundado por Devendra y Andy Cubic de Vetiver, sin embargo este cuarto trabajo se publica bajo el sello Sub Pop, todo un clásico y referente dentro de la música independiente. ¿Qué ha aportado este último como sello o casa madre a “Fading Parade”? ¿Cuál es el objetivo de este binomio Sub Pop - Papercuts?

Lo cierto es que llevaba tiempo planteándome la opción del cambio. Tras haber debatido mucho al respecto, opté por publicar este disco en algo más potente, con mayor número de personas trabajando en ello. Realmente ha funcionado y somos bastantes quienes creemos que el cambio era necesario, tanto para este nuevo disco como para la banda. ¿Qué siente uno cuando las referencias que se cruzan o se exponen para describir el maravilloso “Fading Parade” son tan magnas como Yo la Tengo ó Beach House? No soy muy consciente de esas comparativas. No sé hasta qué punto el público nos compara con esas bandas. En mi caso, son grupos que sigo y que me gustan mucho. Hacen muy buena música, pero no pienso que tengamos similitudes notables. De hecho, cada cual tiene su propio estilo y no siento que Papercuts suenen a algo parecido a lo que ellos hacen. En cualquier caso, siempre hay quien compara y busca influencias más allá de la realidad. Parece obligatorio el tener que encontrar bandas que suenen similar a lo que uno hace. A toda banda naciente siempre se le otorgan influencias y bandas de cabecera pero no en todos los casos se corresponde realmente.

Profundizando en el alma de este “Fading Parade”, es fácil encontrar en su sabor , su gusto y su aroma algunos retales de la sensualidad y cotidianidad del Philophobia de Arab Strab. ¿J Quever pretende vaciar la mochila de la culpa y de la amargura de lo que pudo ser y no fue en este “Fading Parade”? Cada álbum pertenece a una época vivida y ahora estoy en otra bien distinta a la que pudo ser la del anterior Lp. No sé 16

si he vaciado la mochila pero si es cierto que “Fading Parade” es un trabajo que desprende mayor serenidad, alegría incluso. Con las letras sucede que algunas si son autobiográficas, pero siempre terminas por incluír algo que no es real al cien por cien. Modificas partes de la historia para que no sea tan evidente, y eso también es parte de la composición, el mezclar situaciones vividas con otras imaginadas.

Temas como “I´ll see you later I guess” y “The messenger” se me antoja que brillan sobre el resto por su preciosismo amargo y sus texturas de paisajes soñados, ¿cómo logras dar con una composición final así, qué te inspira para ello? Supongo que lo que me rodea, todo lo que me sucede de algún modo lo llevo a mi música. Incluso aquello que escucho tiene también cabida en mis composiciones, tanto lo dramático como lo que no lo es tanto. En esos dos temas en concreto hablo acerca de puntos de vista, percepciones, sentimientos…

Dentro de las múltiples fases del proceso de creación de un disco, ¿cuál consideras que es la más placentera?

Diría que la fase de grabación o de composición. En mi caso, estoy siempre escribiendo, no puedo parar. Incluso cuando estamos grabando, aprovecho algunos momentos para seguir componiendo. Lo hago porque me gusta y además también por diversión. Es a lo que me dedico y lo que mejor me sienta.

Para un productor como tú , entre tus trabajos encontramos a Beach House y Cass Mc Combs, es de destacar que seas capaz de poner o de depositar todo tu esfuerzo de este “Fading Parade” en las manos de Thon Monahan (Beachwood sparks). ¿Cómo has vivido esta cesión de tareas o de competencias que en otros casos habías tú asumido con notable éxito? ¿Qué te ha podido aportar Thon al sonido de este “Fading Parade”? El no haberme responsabilizado de la producción y haber cedido esa labor a Thon me ha permitido concentrarme a tiempo completo en la composición. A la hora de producir, cada uno tiene su estilo, pero con Thon ha habido entendimiento absoluto. No he tenido que preocuparme por nada y he delegado en alguien que ha sabido hacer muy bien su trabajo. Hemos tenido comu-

nicación constante. Thon sabe qué tipo de sonido quería y trabajando juntos hemos conectado, alcanzado un entendimiento muy productivo de cara al resultado del disco. Ha mostrado siempre muchísima atención a todas las necesidades que hemos tenido y al mismo tiempo, es alguien que tiene claro cómo hacer las cosas, cómo manejar el proceso y dar a la banda lo que pide.

En general, el concepto que el público tiene de una gira ronda siempre calificativos positivos. ¿Cómo has vivido a lo largo de los años el calendario de viajes y la ruta incesante por escenarios de medio mundo? Las giras son muy divertidas pero no dejan de ser un momento en el que trabajas muy duro. No todo es como aparenta y no sólo está la diversión de por medio. Cuando giras con una banda, tienes que preparar muy bien lo que quieres mostrar en el escenario y trabajar esto no es fácil. Y luego está el momento final en el que todo termina y piensas que al fin puedes dormir en casa, aunque luego eches de menos la compañía que has tenido durante ese largo viaje.

Pistas para un público español ansioso por ver a Papercuts en concierto. La fecha exacta está por confirmar, pero es un hecho que estaremos tocando en Madrid justo antes de que se inicie el verano. En cualquier caso, muy pronto podréis vernos.

Por último , mas que una recomendación, ¿qué disco es el que más has hecho sonar en estas últimas semanas? “Love is not Pop”, de El Perro del Mar. Me encanta la música que hacen, son fabulosos, apuntatelos.se explica por sí solo. El título es, ¡perfecto! Es como ‘esto es lo que entendemos por entretenimiento’. Y es lo que intentamos también hoy en día. Seguimos teniendo la misma dirección.

Por eso el nexo común ente ambos trabajos, entre ambas experiencias, aunque estén separadas por más de treinta años.

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THE PAINS OF BEING PURE AT HEART Madurez pasmosa la del joven cuarteto neoyorkino al postular por qué ellos sí son una banda real y no una simple moda efímera. Más allá de las palabras, al público jurado nos presentan una prueba cualitativamente irrefutable: “Belong”, un segundo álbum que poco o nada tiene que envidiar al triunfante primero. La fidelidad a su quehacer pop, colaboraciones de lujo (Flood y Alan Moulder) y temas impecables (“Even in dreams”, “Heaven’s gonna happen now”) son motivo suficiente para concederles un veredicto final de matrícula. Damas y caballeros, The Pains of Being Pure at Heart están de vuelta y traen bajo el brazo un arma sinfónico letal irresistible. Al habla con Kurt Feldman. Es tiempo de “Belong”.

Antes de formular pregunta, enhorabuena por vuestro segundo álbum. Habéis publicado dos discos en tan sólo tres años. Ritmo veloz. ¿Sentís que este segundo es diferente a vuestro primer homónimo del 2009? En algunos aspectos es muy similar al trabajo que la banda ofreció en su primer disco. “Belong” también está basado en el mismo ingrediente base: pop. Muchos etiquetan nuestra música como noisy pop o dream pop, pero siempre hemos considerado que lo que hacemos es primordialmente pop. En estos dos años en los que hemos estado de gira y componiendo nuevos temas, hemos sentido mejora, tanto en las letras como en la parte instrumental, con lo que espero que este disco suene mejor y guste incluso más que el otro.

Texto: Sara Osácar Imagen: Pavla Kopecna

¿A qué alude exactamente el título escogido en este vuestro segundo álbum? Lo cierto es que “Belong” nos ha parecido un excelente título para expresar nuestra identidad, además de ser un preludio de lo que el oyente puede encontrar en este disco. Es curioso porque en muchos aspectos, el sonido de este LP expresa que somos una banda real y sin embargo, “Belong” es un claro manifiesto de lo que no somos. No pertenecemos a esas bandas cool ni somos un grupo que esté de moda.

Escribimos rock and roll y hacemos pop. Somos ambivalentes.

“Belong” cuenta con dos grandes colaboraciones, la del productor Flood (quien ha trabajado también con Depeche Mode y U2) y la del mezclador Alan Moulder (Jesus and Mary Chain, Smashing Pumpkins). ¿De qué manera se filtran en el disco las aportaciones de ambas entidades? Trabajar con artistas de este nivel siempre te hace ganar tiempo. La presencia de un productor como Flood es realmente efectiva a la hora de trabajar. Sabe cuándo lo que estás haciendo va por el buen camino o no. En ese sentido, ahorras gran cantidad de tiempo porque de lo contrario, no puedes más que tratar de solventar los problemas por ti mismo, sin una voz experta y consejera que te facilite el camino. Por otra parte, Alan ha mezclado el disco y lo ha hecho de manera brillante. Ha trabajado con muchísimos gru18

pos y su experiencia se percibe desde el primer momento. Confiamos en él de manera absoluta y dejamos que mezclara los temas que teníamos. En cualquier caso, haber tenido la oportunidad de trabajar con artistas como ellos ha sido toda una experiencia. “Belong” suena así gracias al trabajo en equipo realizado. ¿Por qué “Belong” como tema de apertura? “Belong” captura todas las ideas del registro que una canción pueda tener. Pensamos que era el tipo de síntesis perfecto para recopilar todas las ideas presentes en el álbum. Siendo esta la primera canción que suena, el que la escuche puede hacerse una idea del tipo no sólo de música que hacemos, sino además de lo que queremos transmitir en el disco en general: emociones, ideas y sentimientos. ¿A quién le dedicaría la banda si pudiera ese divertido título como es “Terrible Friend”? A ese tipo de amigo que en realidad no es mala persona. Es más bien esa clase de tipo que siempre te va a hacer daño pero que a ti, en realidad, tampoco te importa. Aquel que te incita a hacer cosas que jamás harías. Digamos que es una especie de persona que nos ayuda a reconocer que estamos mal, es de eso de lo que realmente trata la canción. Así que se la dedicaríamos a alguien que cumpla este perfil. ¿Sois de esa clase de músicos que no se imaginan haciendo otra cosa en el futuro más que componer? Es difícil de imaginar qué pasará dentro de unos años. Recién acaba de publicarse el disco y en unos días empezamos la gira. Alargaremos esto tanto como podamos tratando de tocar para el mayor número de personas posibles. Le ponemos todo nuestro corazón y esfuerzo al asunto…, lo que venga después es imposible saberlo. Tan sólo nos concentramos en disfrutar este momento de la mejor manera para seguir así haciendo música, que es lo que realmente amamos.

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Conocéis ya el mundo de las colaboraciones puesto que Peggy ha hecho ya incursión en el marcándose un dueto con The Drums. ¿Con quién os haría especial ilusión hacer una? Fue muy divertida esa canción que Peggy hizo a dúo con The Drums. Cantaron el tema “Don’t be a jerk Johnny”. Ella interpretó las partes de niña y lo hizo genial. Ahora mismo elegiríamos a Twin Shadow, porque independientemente de que sea él con quien nos vamos de gira, nos fascina lo que hace. ¡Es realmente bueno! Así que ahora mismo no lo dudamos, la colaboración la querríamos con él.

Habéis dado varios conciertos en nuestro país (Murcia, Toledo, Valencia, Madrid, Barcelona…), además de haber pasado por el Festival Primavera Sound en el año 2009. ¿Con qué sensación os quedasteis y cómo vivisteis la respuesta dada por el público? Nos ha parecido siempre muy curiosa nuestra experiencia en cada concierto que hemos dado en España. De todos los países por los que hemos girado en Europa, es en España donde el público parece mostrar mayor encanto con nuestra música y por eso nos encanta venir aquí siempre. El Primavera fue impresionante porque nunca antes habíamos tocado ante tanta gente. Fue muy excitante. Siempre habíamos tocado en salas con un público más reducido y en España ha sido todo lo contrario. Y de repente surgen conciertos como el que dimos en una playa en San Sebastián para miles de personas…y nos volvimos locos. Eso fue demasiado. En el Teatro Lara en Madrid recuerdo también que tocamos, y por alguna razón, había una energía muy potente, el público parecía estar muy contento y el lugar era precioso. Pero además, otra curiosidad es que no nos hemos limitado a girar sólo en Madrid o Barcelona. También hemos estado en otros lugares menos mencionados y hemos salido encantados. Siempre tendremos hueco para tocar ahí, realmente el públicos nos ha maravillado. ¿Qué te enloquece y qué detestas en el siempre laborioso proceso de grabación de un disco?

Adoro despertar cada día e ir hacia el estudio. Voy de camino y pienso que pasaré largas horas grabando un disco con cuatro de mis mejores amigos.

En mi caso, esto es la perfección hecha acto: hacer lo que más me gusta en este mundo con gente a la que quiero. Siempre hay partes duras, por supuesto. Muchas veces nos frustramos cuando la canción no sale como queremos. Ese tipo de cosas siempre suceden. Pero con “Belong” estamos más que orgullosos de nuestra banda y del álbum resultante, así que, esperemos que os guste.

Tras el éxito categórico de vuestro primer LP, en esta prueba de fuego que es la presentación de

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vuestro segundo, ¿hasta qué punto puede afectaros una crítica, en cualquiera de sus resultados?

En realidad no las tenemos en cuenta. Hay bandas muy superiores a la nuestra que han recibido comentarios nefastos. De hecho, hay críticas horribles de artistas que considero emblemáticos y de primera calidad, con lo cual, todo es muy relativo.

Por eso nos las tomamos con diversión. No hacemos música para ser valorados por un tiempo caduco. Escribimos canciones que esperamos que la gente pueda escuchar dentro de diez años y que pasado el tiempo, se sigan sintiendo como buenos nuestros temas. Más allá de nuestro objetivo, que es hacer buena música, las críticas no nos interesan.

La industria musical versus las descargas gratuitas en la red. Como damnificados y también pecadores, ¿qué opináis al respecto? Actualmente en el mundo en el que vivimos no hay nada establecido bajo términos como bueno y malo. Es más, diría que en este caso de las descargas, hay mucho de positivo.

Es sinónimo de expansión musical y también de descubrimiento. Muchas personas pueden así escucharnos y nosotros al mismo tiempo lo utilizamos para conocer y disfrutar de otras bandas. Ello te hace no sólo ampliar conocimientos sino además, crecer como músico. Incluso en bandas que no tienen un respaldo económico potente, las descargas les ayudan a llegar a cualquier parte. Es una manera de presentarse al mundo en la que todo son ventajas. Nosotros estamos muy contentos con el sello con el que trabajamos y mantenemos un gran respeto a todos aquellos que a día de hoy compran discos, pero lo cierto es que no tenemos nada en contra de quienes no lo hacen. Eso si, siempre animamos a la compra del vinilo y Cd, porque al fin y al cabo, es lo que mantiene el negocio y hace posible la supervivencia de bandas.

Pregunta final. ¿Qué bandas te han provocado adicción y no has dejado de escuchar en las últimas semanas? Me gusta música muy diferente y escucho muchísimas rarezas y muy distintas entre sí. Como mencionaba, Twin Shadow me resulta fascinante. Otra banda procedente de Virginia que me resulta muy potente también es Wild Nothing. Y atentos todos a Nueva York porque no paran de llover grupos realmente exquisitos.

The Pains of Being Pure at Heart estarán actuando dentro del Día de la Música el próximo 18 de junio en el Matadero de Madrid.

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Agenda musical SON Estrella Galicia

José González

Marianne Faithfull

Festival Sinsal 9

Los Conciertos Sublimes de Vertical Pop

02 de Abril Teatro Novacaixagalicia, Vigo Venta Servinova Fecha Lugar

Hindi Zahra

04 de Abril Teatro Lara, Madrid Venta Ticketmaster Fecha Lugar

Chapel Club

14 de Abril Teatro Lara, Madrid Venta Ticketmaster

04 de Mayo Teatro Lara, Madrid Venta Ticketmaster

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----------------------------------Festivales SON Estrella Galicia

AP-9 Festival Sinsal Diva Dompe, FM Einheit, Massimo Pupilo, Live Footage Fecha 09 de Abril Lugar Parking EXPOCoruña, A Coruña Venta Ticketmaster y Discos Portobello

L.E.V 2011 Apparat, Photek, King Midas Sound...

Fecha 29 y 30 de Abril Lugar Laboral, Ciudad de la cultura, Gijón

Festival Do Norte Peter Hook (interpretando “Unknow pleasures”), !!! , Pony Bravo, Triángulo de Amor Bizarro...

Fecha 6 y 7 de Mayo Lugar Recinto Fexdega, Vilagarcía de Arousa Venta Ticketmaster y Servinova

----------------------------------Otras fechas SON Estrella Galicia

The Sea and Cake, The Dodos, Jeremy Jay, Algora, Brighton 64, The High Llamas, Deer Tick…

----------------------------------Programación Salas SON Estrella Galicia Abril

Teatro Lara, Madrid 14 Hindi Zahra Conciertos Sublimes de Vertical Pop, Teatro Lara 04 Marianne Faithfull 06 The Sea and the cake Ciclo SinSal, varios espacios 02 José González 09 AP-9 Festival Sinsal 28 The Dodos

Mondo Club, Vigo 01 Jeff Automatic Dj (NME-Transmission London) 02 Ted Leo and The Pharmacists Leclub, Coruña 08 Atom Rhumba 01 Willie Nile + Green Fandango 09 Shout out louds 02 Igloo 16 Late of Pier Dj Set + Igloo 15 Idealipsticks + Munich + Proyecto Kournikova 30 Bart Davenport Café Pop Torgal, Ourense + Cardigan Bridge 02 Tachenko/acústico 08 Laura Gibson + Rauelsson Sala Nasa, Santiago 28 Sex Museum + Samesugas

Playa Club, Coruña 23 Wau y Los Arrrghs + All Night Workers

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Texto: Javier Mielgo Traducción e interpretación: Sara Osácar

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Slim Cessna’s Auto Club, además de arrastrar Slim Cessna’s da siempre la sensación de reinuna cuantiosa discografía, ha vivido multitud ventarse en cada disco publicado. ¿Qué novede cambios en cuanto a músicos concierne. dad podemos encontrarnos en vuestro último Como líder de la banda, ¿cómo has experimen- “Unentitled” y por qué ese título escogido? tado el ser el único que ha perdurado desde Hemos hecho un álbum pop. O al menos, ésta los cimientos en la misma? Tengo muchísimos es nuestra versión de un álbum pop. “Unentitamigos con talento que han ido y venido e in- led” es un homenaje a todos los que han tenido cluso algunos de ellos, han regresado en algún derecho a algo, así como para otros tantos que momento puntual para volver a tocar. Los moti- no debieran tenerlo a nada. Es también nuestra vos del adiós son siempre muy distintos: se han manera de decir “¿Por qué tenemos que trabacansado, les han surgido otros proyectos o sim- jar más duro que muchas otras bandas? ¿No teplemente han necesitado quedarse en casa con la nemos también el mismo derecho a lo que ellos familia para cuidar de ella. En mi caso, me siento tienen?”. muy afortunado de haber podido tocar con todos y cada uno de ellos. Eso sí, Munly y Dwight han En vuestros discos, drama y humor quedan mezclados constantemente. ¿En cuál de los estado conmigo desde 1999. dos el grado de inspiración ataca con mayor Y ante estos sucesivos cambios en la banda, ¿en violencia? Bueno, la mayoría de las letras están qué medida consideras que afecta esto al resul- escritas por Munly, y debo decir que él pasa mutado final? Pienso que siempre es una influencia cho de un estado a otro, con lo cual, la inspirapositiva. Cada nueva incorporación añade su ción viene a pares. propia voz, su toque especial, así siempre contaAnte una discografía surtida de toda clase de mos en cada trabajo con alguna novedad. estilos y ritmos varios, ¿cuál consideras que Vuestros discos son una amalgama de géne- sería el disco que mejor representa la esencia ros. Uno puede encontrarse con rock & roll, de la banda? Al mismo tiempo, ¿cómo se desaGothabilly, Gothic Country, Dark Americana… rrolla el proceso de composición siendo tantos ¿Qué término consideras sería el que mejor de- miembros en la banda? Cada vez que publicafine a tu música? Etiquetarse es difícil, creo que mos consideramos ese álbum el más importanlo que mejor nos resume y como nos gusta lla- te, supongo que por todos los meses de trabajo marlo es “música americana”. Es un homenaje a que le preceden, el proceso de composicion y nuestro pueblo, la cultura y tradiciones, aunque de grabacion es muy duro, asi que nunca somos realmente, haciendo lo que hacemos, somos una objetivos. En cuanto al proceso de composición, creamos música para las historias que escribimos. banda de rock.

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Es como una especie de collage donde cada uno aporta algo, voz incluida. Aunque lo cierto es que estamos algo desorganizados…, (risas). ¿Cómo ha sido el proceso de grabación de tu último álbum y dónde sueles encontrar las mayores complicaciones en el mismo? Grabamos todos los álbumes en el sótano de Bob Ferbraches. Se irrita con mucha facilidad con nosotros y no para de repetirnos lo terrible que resulta lo que hacemos. Pensamos incluso en proponerle que se incorporara a la banda por ver si eso le hacía estar mejor, pero finalmente no resultó. Lo adoramos igualmente. ¿Alguna sorpresa preparada para el concierto de Madrid? Siempre tratamos de tocar como si fuera el primer concierto que damos y hacemos que todos tengan algo especial. Cada directo lo sentimos como si fuera el último que fuésemos a dar. ¿Qué música escuchas últimamente? De lo que últimamente ando escuchando, el nuevo álbum de Munly and The Lupercalians, está genial. Y también lo último de Blood Axis. ¿Es “Thy will be done” un homenaje al género western? Nuestra música es un tributo a nuestra gente y a su historia. Somos de Colorado y nos consideramos Western, sí.

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El fin de una época, el final de una relación, de que otro, simplemente amamos la música, no se canción queremos que la guitarra suene como el un sueño, contiene sin duda los gérmenes y res- si me entiendes, no es como si tuviéramos que de- “Child of the moon” de los The Rolling Stones”, coldos de un nuevo fuego, de una nueva pasión. mostrar algo a la gente. A todos nos gusta la mú- algo así, sabes. Creo que ese es el verdadero camiEl fin de Oasis, el fin de un binomio tan creativo sica y en su momento pensamos “tenemos estas no ir guiandosnos y empaparnos de lo bueno de lo como inestable, Lian & Noel, el bien dentro del canciones, nos gustan, así que allá vamos” que nos vamos encontrando en el camino. mal, el mal dentro del bien, lo efímero dentro ( A ND Y ) Beady Eyes, no es ninguna terapia sólo de lo perpetuo, la mutación dentro de lo peren- somos cuatro personas que nos encanta tocar jun- Pero el pasado esta ahí y para alguien que a cone, el menor de los males, las pautas de una nue- tos y nos divertimos haciéndolo, así que ¿cuál es nocido las bondades y virtudes del éxito , así va relación, de un nuevo proyecto, los pilares de el problema? como todo lo oculto del mismo no puede dejar Beady Eye. por menos inquietarse por la acogida del respetable, de excitarse por despejar las dudas del ( L I A M ) Creo que lo mejor que pudimos hacer “Different Gear, Still Speeding”(Sony 2011). Es fue no sentarnos a espera a ver qué haciamos, creo una vuelta a los orígenes, un paso al frente para momento de subirse al escenario y responder a que fue importante el no sentarse y divagar sobre rendir homenaje a todo lo que uno a vivido y las sensaciones del público… el pasado... ¿Me entiendes? Salimos de un tour y que a formado parte de su trayectoria, lo catado ( L I A M ) Para ser franco contigo, te diré que estábamos completamente “on fire”. Si te quedas en su vida y que ha corrido por su alma, Beady cuando salieron las fechas de la gira “ nos cagamos sentado pensando “ya hare algo el año que viene”, Eyes, con “Different Gear, Still Speeding”. un poco”, (risas). Es una cosa nueva, tenemos que creo que la llama se hubiera apagado. Simplemen- Pone las cartas sobre la mesa para ser todo lo recordar y aprender un conjunto de canciones que pudo ser. “Different Gear, Still Speeding” nuevas.Pero una vez que que nos metimos dente nos pusimos en pie y fuimos adelante con ello. es sabor a humildad, sabor a Stones y Beattles, tro del asunto empezamos a darle duro y cuando Desubicación, incertidumbre, sentimientos va- sabor a las cosas bien hechas del pasado. conseguimos hacer “click” se pasaron todos los cíos... La única medicina para el orgullo, levan- ( L I A M ) Cuando Oasis rompió, una de las pri- miedos, recordando todas las letras, las diferentes tarse y seguir caminando, paso a paso, en solita- meras llamadas que tuvo la oficina fue la de Steve partes de los temas, todo. Sabía que estábamos en rio o con tus compañeros de banda, sólo o con Lillywhite diciendo que no sabía que había pasa- el buen camino. manos como la de Steve Lillywhite, productor do, pero que si Liam volvía a sacar algo, él quería de U2 y Morrissey, entre varios. Con la cabeza estar involucrado. Lo mejor de todo es que Steve Pasado; la historia personal y particular de cada baja y prestando atención a cada paso, medido, ya hizo “The La´s Album” ,del cual pensamos que uno de vosotros. Presente; la capaciad de campremeditado y sin vacilación. es uno de los mejores discos de la historia. Tiene biar para girar el sentido de nuestras vidas y la esencia de los discos de los Beatles y los Sto- emociones. ¿El futuro? ( L I A M ) Bueno durante los primeros meses la única gente que sabía detrás de lo que estábamos nes de los años 60. Este disco se apoya en “Roses”, ( L I A M ) El futuro es quitar este disco de nuesy del futuro del proyecto que teníamos entre ma- probablemente una de las mejores guitarras de los tra vista. Sé que lo podemos volver a hacer, donos éramos nosotros tres, intentando mantenerlo últimos treinta años. A lo que vamos, quedamos minar el mundo. ¿Por qué no? definitivamente no a un nivel muy cercano. No empezamos a lo gran- con él, nos encantó su entusiasmo y su energía lo estamos haciendo desde hace un par de años de, realmente preferimos ir poco a poco. Andy me porque se comporto como un lunático. Supimos y estamos aquí para hacer algo de buena música. recogía a las once de la mañana, íbamos a casa de que encajaría por su forma de hablar y su forma de Estamos aquí para volver a ser la mejor banda del Gem a las doce y pasábamos tres o cuatro horas tratarnos. Él nos sugirió el estudio RAK. Si llega- mundo, sin duda alguna. No me interesa ser seviendo que pasaba, pensando que todo lo que to- mos a conocer el encanto de estos estudios antes, gundo. No queda bien en mi curriculum. cábamos sonaba de puta madre en nuestra cabeza, hubiéramos grabado discos de Oasis allí. Todos sin tener en cuenta lo que pensaran los demás. pasamos un tiempo genial allí. Las canciones floNosotros pensábamos que si a alguien no le gusta, taban sobre la cinta a la hora de grabarlo. Es más ¡Qué le jodan! A nosotros nos encanta y eso es lo atmosférico y con mejor ambiente que “Abbey que nos importa. La frase era: “Mañana nos vemos Road”, que es donde solíamos grabar. a las once tío” y así una y otra vez. Así trabajabamos dos o tres días a la semana, sólo por la tarde. Con un sonido tan marcado, y un pasado tan La música se amoldaba a nuestras vidas en una do- exuberante, las comparaciones se agolpan en la sis suficiente para no pensar en ello continuamen- mente y luchan por salir a raudales por nuestra te. Las tres primeras en salir fueron: “Millionaire”, boca, las primeras son inevitables, Oasis, Beatles, John Lennon...

“Beatles and Stones” y “The Roller”. ( L I A M ) Para mí The Doors, amigo.

Destinados a desaparecer, a pasar al olvido a ( A ND Y ) Yo diría The La´s; son unos grandes, recordar en sus memorias las mieles del éxito, una de las mejores banda de la historia. Bueno, los no hay mejor terapia que caminar para probarte Stones también son unos grandes. ¿No? Lo que que todavía puedes creer en ti mismo. hacemos es más intentar tener temas en concreto como referencia, por ejemplo “ A ver , en esta ( L I A M ) No hay ningún motivo que pese más 25

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Te x t o : J o s é U g i d o s y J e s ú s M a r í a Ve l á z q u e z Imagen: Steve Gullick

Beady Eyes a través de “Different Gear, Still Speeding” (Sony 2011) persigue la liberación con la que anhela romper las cadenas que le condenan a vivir a la sombra del talento de Noel Gallagher, y lo que él significaba en Oasis. “Different Gear, Still Speeding” es un trabajo limpio de superfluos adornos, liviano de pretensiones, “Different Gear, Still Speeding” es la obra de alguien que viene de vuelta y al que poco le importa las comparaciones y los comentarios.

“Different Gear, Still Speeding” son trece temas que conforman un álbum decente, honesto, y sincero, algo que no estaba tan claro que pudiese conseguir.

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jav i e ra m e n a Ha ta rdado eones en s u c ed e r p e r o a l fi n ha c o br a d o fo rm a : la n u e va ola d e i n d i e - pop ch i le n o a t e rri za en nuestro país y ar r a s a c o n t o d o . D e l a s m a n o s d e Jav i e ra Me n a n os lle g a u n n u e vo s on i d o con identidad propia, h arto p e g a d i z o , fr e s c o y d i n á m i c o q u e s e pos i ci on a e n la cre s t a d e l m a i n s t re a m . S u s egundo álbum, “Mena ”, es u n d i a m a n t e e n b r u to , u n a g e m a pop-e le ct rón i ca a d e re z a d a con ri t m os bail a bles, letras h one s t a s y u n p u l i d o fi n a l e n l o s a r r e g los y b a s e s re a lm e n t e b á rb a ro. He a qu í u n prod ucto sin postizos ni c o n s er va n te s , u n a es p ec i e a r m ó n i ca e n pe li g ro d e ext i n ci ón : la d e l 1 0 0 % n a t u ra l.

No p erdamos de vista e s t e m ay ú s c u l o t e s o r o m el ó d i c o , u n á lb u m qu e e s oro pu ro.

Es cuantioso el listado de músicos chilenos (Gepe, Dënver, Fakuta…) que comprueba hoy el efluvio territorial que su música ha experimentado en territorio ajeno en los últimos tiempos. ¿Cómo se vive esto cuando por ejemplo, en tu caso, llevas trabajando en la música prácticamente una década? Es curioso porque desde Chile lo vivimos de un modo muy distinto. Ha sido muy sorprendente ver cómo esta ola aparece ahora en numerosos lugares en los que antes no había sonado o no se escuchaba este tipo de música. En cualquier caso lo encuentro muy positivo por todo lo que implica: expandir lo que uno hace y poder girar por Europa y más rincones. Dënver estará en Abril por España y yo tengo intención de quedarme algún tiempo, aprovechando que estaré de concierto y en el Festival Primavera Sound. Saber que la música que uno hace va encontrando puertas abiertas por otras tierras es estupendo.

Texto: Sara Osácar Imagen: Archivo

¿Cuáles son los principales cambios que puedes notar entre un disco debut y un segundo álbum, a nivel tanto de producción como de composición? Son dos etapas totalmente diferentes.

Con mi primer álbum publiqué canciones que había compuesto con diecisiete años, donde mis pensamientos, mis vivencias o mi percepción hacia el amor y la vida eran otras a las que ahora pueda tener. Con el tiempo cambia tu manera de ver las cosas y eso se refleja mucho en “Mena”, que es un disco de alguien que está más rodada, que ha conocido más y mejor las cosas. Diría que madurez es el cambio más significativo, pero no, no es la palabra que busco. Quizás una alcanza más conocimiento en cuanto a letras y música. Llevaba tiempo trabajando y dándole vueltas a los temas de “Mena” y este segundo disco lo he preparado con tiempo y lo he pensado mucho. Me apetecía hacer algo más dance y menos tierno que “Esquemas Juveniles”, pero sin dejar nunca de lado las baladas, que es algo que me gusta mucho. ¿Son tus letras autobiográficas? Tienen muchísimo de autobiográfico pero al tiempo también trato de componer de una forma no textual. Incluyo cosas que me cuentan mis amigos y compongo una fantasía de historias que, sin haberlas vivido al 100% en primera persona, sí son ciertas y suceden, son muy reales. Mucha gente me dice que escucha mis canciones y resulta que ha vivido justamente lo mismo. Por eso pienso que el guión es el mismo para todos y que lo único que cambian son los personajes. ¿Qué insufla tu inspiración cuando te sientas y compones?

El amor es lo que más pueda inspirarme, soy muy romántica, si.

Ando siempre leyendo y también me provoca interés todo lo relacionado con el cosmos, el universo, lo científico. Todo eso me inspira bastante a la hora de componer. ¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar con fenómenos como Jens Lekman, Daniel Hunt (Ladytron), Kelley Polar, Lido Pimienta y Lara Pedrosa en tu nuevo trabajo de estudio y cómo se produce el encuentro? El trabajo con ellos fue todo a distancia realmente. A Daniel Hunt por ejemplo no lo conozco en 26

persona. Todo comenzó porque un amigo mío le pasó mi disco y a Daniel le encantó. Me escribió y me dijo que contara con él para lo que quisiera. Está interesadísimo en la música latina y en ayudarnos, en parte porque es consciente de que dentro del circuito musical en latinoamerica aún seguimos necesitando un impulso y también porque toda esta música le suena a un producto fresco, novedoso. Así que le pasé el tema “Sufrir” y él la saturó y le dio su toque. Con Jens Lekman sucedió algo curioso. Él venía a dar un concierto a Chile y yo tenía que telonearlo. Justo ese día tuve un accidente de coche y no pude ni verle ni actuar, así que se acercó a visitarme al hospital y ahí charlamos. Hubo muy buena onda y le gustó mucho el disco. Le envié la letra y ahí empezamos a trabajar. Hizo una añadidura a la composición y quedó genial. Además, era la primera vez cantaba en español, idioma que le encanta. ¿Qué te provoca mayor placer y dónde te sientas más cómoda, en la parte vocal o en la composición instrumental? Con ambas disfruto mucho pero lo que más me sabe y lo que más vengo haciendo es toda la parte de programación y construcción instrumental. Lo que se me hace más difícil y donde pienso que la canción explota es en la letra. Le doy siempre muchas vueltas, es la parte más compleja a la hora de componer. En la letra está la idea que transmites y darle forma no es fácil. ¿Cuál dirías que son tus principales influencias? Creo que tengo mucho picoteo de todo pero como principales influencias que me hayan marcado en la infancia diría que The Carpenters, la música latina, Camilo Sesto, y luego ya en periodo de adolescente bandas como My bloody Valentine, Sonic Youth, la electrónica, Chemical Brothers. Siempre he sido muy melómana y he escuchado música de todo tipo. Antes de componer me dediqué a escuchar toda clase de géneros. ¿Por qué el título “Mena” y no un homónimo al completo? “Mena” es un nombre que encaja mejor con la estética del disco. Lo hablé con Alejandro Ros, el diseñador de mi disco, y nos gustó la idea de hacer un logo que a su vez jugara con el tíL ados

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tulo. De ahí sale ese diamante y ese título, “Mena”.

Que además, todo tiene conexión porque mena es también el primer material del que se extrae una piedra preciosa. Todo tenía sentido entonces: el diamante y la palabra a la que hacía mención por partida doble. Y yo me sentía a su vez exploradora de diamantes, de joyas musicales y mi búsqueda derivó en la composición de este disco. Fue jugar un poco con todo esto.

José Contreras y Eme Dj hacen un remix de tu single hasta la verdad. ¿Cómo surge la idea y qué opinión te merece el resultado? Tengo muchos amigos Dj’s y del mundo de la electrónica que me propusieron hacer remixes del single “Hasta la Verdad”. Eme fue una de ellas y su resultado me gustó mucho. Yo le envié mi tema y luego recibí el remix ya montado, que quedó genial. Los colgamos en la web con opción de descarga gratuíta porque ante todo la idea era hacer de esto un regalo para los fans.

Vienes al Primavera Sound en Mayo y compartes cartel con bandas como Belle & Sebastian, Pj Harvey, James Blake… ¿Cómo vives la experiencia de tocar en un festival? ¿Prefieres un público masivo o por el contrario te provoca mayor interés el tocar en sala reducida?

El festival siempre te abre muchas más puertas.

Te expones ante un público masivo y eso te la oportunidad de hacerte conocer. Más aún en un festival como el Primavera Sound. El año pasado 27

toqué y me encantó, porque además tienes esa oportunidad de conocer a gente, de ver otros conciertos. Es una oportunidad bien íntegra en cuanto a formación y crecimiento. Igualmente me gusta preparar actuaciones en salas pequeñas, es un espectáculo más íntimo. En un festival le doy más cabida al baile y a la electrónica. Pero lo ideal es poder hacer las dos cosas, combinar distintos tipos de shows y explotar las condiciones que cada uno te presenta. ¿Recuerdas cuál fue tu primer flechazo musical? Recuerdo que mi abuelo tenía sistema cuadrafónico en casa y un día trajo un Greatest Hits de Queen.

Puso el tema “Flash” y me quedé maravillada. En aquel momento no entendía cómo alguien podía hacer algo tan fabuloso. ¿Qué andas escuchando últimamente? Abba, His Name Is Alive, Michael Jackson, Ravel… Presente y pasado forman mi gusto musical. Siempre escucho un poco de todo y nunca abandono la música que escuchaba de niña y de joven.

Gastromusicología: ¿a qué sabe y a qué huele tu disco? “Mena” huele a piedra marina calentada por el sol en la tarde y su sabor es muy salado. Sabe a mineral. ¡Por eso el diamante en la cover! ¿Seguirá tu próximo álbum la senda de este segundo? Me gusta ir variando, me aburre hacer siempre lo mismo. Estoy componiendo los esqueletos de los temas del próximo álbum y trato de no repetir las mismas canciones, pero ahora mismo estoy más centrada en preparar el Primavera Sound y el Lollapalooza en Chile. Tan sólo estoy dándoles un poco de forma a algunas melodías pero aún no me he metido de lleno en la producción. Eso si, habrá canciones muy bailables y también baladas. Una mezcolanza imagino.

Javiera Mena estará actuando dentro del Primavera Sound el próximo 28 de mayo en el escenario MySpace.

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Fernando Alfaro La Vida Es Extraña Y Rara

Pajaro Sunrise Old goodbyes

Una sola escucha de “La vida es extraña y rara” basta para experimentar esa sensación de familiaridad y bienestar que te produce el volver a un lugar que ya conocías, en el que ya habías estado “Los diarios de Petróleo” Pero, gracias a Raül Fernández (Refree) que ejerce de guía particular, esta nueva visita se presenta como un redescubrir la calidad de Fernando Alfaro, en nombre propio, como comunicador de historias crudas y preciosas, irónicas y sinceras, vitales y utópicas.

Un auténtico Gol psicológico: no esperado, pero deseado.

El dicho de que tres son multitud debería ampliarse a dos y es que Pajaro Sunrise ha conseguido hacer un disco con el que, de momento, han tocado techo. Ciertamente, estas ocho canciones juegan con la ambigüedad de saber si están creadas por un artista leonés, o por un cantante folk americano. “Look What we´ve Become” relaja con un teclado muy setentero de fondo, “Love Like a Drummer” emociona y “(I am Done) Making Fun Of Myself ” cierra este “Old goodbyes”, el cual es corto y se hace corto,pero ya se sabe que lo bueno y breve dos veces bueno.

Es curioso ver como no dejan de aparecer grupos nuevos o, como antiguas formaciones se reúnen para reverdecer laureles. Seefeel, la banda londinense liderada por el excéntrico Mark Clifford que en 1993 con “Quique” se introdujo brillantemente en la electrónica futurista con una emocionante base post-punk, vuelve a la carga con nuevos loops, nuevos retos.

Su cuarto y homónimo disco está cargado de sutileza, de detalles íntimos y pulcros, de voces etéreas lanzadas al vacío y de las cadencias lentas heredadas de su predecesor “(CH-VOX)”.

“T.O.R.N.A.D.O”, el single elegido.

Así empieza la nueva entrega de los británicos menos british. Toda una verdadera declaración de intenciones en este tercer disco, el cual se nota que esta esculpido por The Go! Team con sólo escucharlo y es que los de Brighton se rompieron la cabeza para dar forma a su toque original y aún tiran de ello.”Bustout Brigade” motiva, “Buy Nothing Day” tiene el toque mas rockero y “Rolling Blackouts” pone la nota melódica, aparte de dar nombre al álbum, en un grupo al que no podemos dejar acostumbrarse a vivir de las rentas.

The Suzan Golden week for the poco poco beat

Danuel Tate Mexican Hotbox

Girls Broken Dreams Club

Anímic Hannah

The Suzan; un sonido sencillo, compuesto por gente que para nada son virtuosos de ningún instrumento, pero que le saben sacar partido a una voz clara y a un gusto poco común. Bien es cierto que no hay ninguna guitarra que ponga los pelos de punta, ni ningún ritmo que haga pegar un bote para ponerse a bailar, ni tampoco una letra que te taladre el corazón, pero este “Golden Week For The Poco Poco Beat”, llena el ambiente de buena onda y después de escuchar las pegadizas “Ha Ha Ha”, “Come Come” y dar un paso 50 años atrás con “Rainy Day” apetece darle al play todos los días.

Lo que ya sabemos es que a día de hoy ya no es indispensable, para crear buena música, un buen banco de sonidos. Es más, incluso muchas veces hemos degustado grandes trabajos que tienen como principal carta de presentación el Low-fi o la pseudoproducción. Sin embargo, Danuel Tate, integrante del prometedor trío minimal Cobblestone Jazz, se nos presenta en el caso contrario. Se ha puesto en solitario a la producción y ha creado un sorprendente álbum swing experimental con ciertos toques latinos lo suficientemente digno como para incluirlo en un detallado tutorial de Logic.

Desde San Francisco viene “Broken Dreams Club” el nuevo EP de Girls, algo que siendo simples y claros, es un disco bonito. Mezcla de múltiples instrumentos de viento, cuerda, teclados y por supuesto percusiones suaves. Parece que este EP es una prueba de fuego para saber por dónde tirar en la siguiente hornada. “The Oh So Protective Girl” nos transporta a los años 50, con una clara inclinación hacia la música de Beirut, “Alright” marca el ritmo de las guitarras y da rienda suelta a unos punteos escasos pero que encajan de forma exquisita.

Estas seis canciones nos dejan con ganas de más y más.

Los catalanes Anímic vuelven a presentarnos una nueva bocanada de aire fresco, un nuevo pálpito que corrobora el buen momento por el que atraviesa la escena autóctona. Ahora la perspectiva del grupo ha cambiado, al menos conceptualmente. “Hannah” es un cuarto disco autoproducido que pretende explicar los cambios a nivel personal por los el sexteto ha transitado y transita, cambios referenciados a dos conceptos básicos e inseparables: vida y muerte. Aún así Anímic sigue practicando un folk misterioso, atemporal y soñador. La vida humana es tan frágil como una figura de vidrio.

Marxophone 2011

— Miguel Calvo-Rubio Calvo

V2 Records

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Lovemonk 2011

— J e s ú s M a r í a Ve l á z q u e z

Wa g o n r e p a i r 2 0 1 0

— Abel Molina

Seefeel Seefeel

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Wa r p R e c o r d s 2 0 1 1

— Abel Molina

F a n t a s y Tr a s h c a n ( Tu r n s t i l e ) 2 0 1 1

— J e s ú s M a r í a Ve l á z q u e z

The Go! Team Rolling Blackouts

Memphis-industries 2011

— J e s ú s M a r í a Ve l á z q u e z

BCore / Error lo-fi 2011

— Abel Molina

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Ron Sexsmith Long Player late Bloomer

Sr. Chinarro Presidente

Banjo or Freakout Banjo or Freakout

Guadalupe Plata Guadalupe Plata

El cantautor canadiense se nos presenta desde el título del disco como una flor que ha tardado en desplegarse, cosa que no viene a ser del todo cierta, al menos en lo que respecta a su carrera musical, ya que sus once discos y varios premios le avalan sobradamente.

Aunque es cierto que para muchos creadores, un cambio vital suele ser interpretado como un despertar o renacimiento. En esta nueva etapa, el trovador de Ontario ha escogido como compañero de camino al versátil productor Bob Rock, que afronta los temas con sencillez y claridad, dándole un tratamiento más pop del que se respira en los anteriores trabajos de Ron, pero sin perder el lirismo de sus composiciones.

El señor Chinarro se ha subido al tren del pop y ya son muchos los que lo celebran efusivamente. Antonio Luque continúa con su evolución personal, tanto física (donde quedó aquel gordito imberbe…) como musical. Sigue aclarando su voz, abriéndose a cosas nuevas y creando historias reales, cotidianas; en definitiva, contando cosas bonitas. Este “Presidente” empieza con “Una Llamada de Atención”; un llamamiento y una reivindicación al amor, algo que a priori será un tema que utilice como carta de presentación. Luque, incluso se atreve a cambiar de ritmo y coquetea con el jazz en “La Lección” .Concluyendo, el tema de renovarse y mejorar parece que está de moda en el barrio del Chinarro.

La era digital, el tiempo en el que vivimos, es la cuna perfecta para acoger el nacimiento de las manbands. Proyectos en solitario en los que tanto el concepto, como la producción y ejecución son realizadas de forma unilateral. Alessio Natalizia, italiano de nacimiento, pero londinense de acogida, se encuentra muy cómodo como núcleo principal de Banjo or Freakout. Y el caso es que se mueve con soltura entre diferentes paisajes cargados de loops orgánicos, ideas y melodías aparentemente sinceras que nos trasladan por sintonías dream-pop melancólicas no muy lejanas conceptualmente de Wilco, Deerhunter o Can a la que se le ha de sumar una bella fragilidad conceptual sensible a ciertos oídos...

Los de Úbeda ya lo dejaron clarísimo en su primer trabajo, lo que hacen es blues sucio, oscuro y con sello de la casa. Con este segundo disco no han inventado nada nuevo, pero su seguro acercamiento a las raices del estilo es lo que les coloca de manera firme en el panorama actual, haciendo que los seguidores del género les miren con respeto y que los neófitos tengan curiosidad en conocer a sus inspiradores (John Lee Hooker, Elmore James…) y a artistas como Jon Spencer, al que indudablemente deben mucho. También recuerdan a Pony Bravo por ejemplo en “El tigre y la Yedra”, andaluces y en boga como ellos, al crear esa atmósfera intrigante que impregnan en todo lo que hacen, desde el artwork de sus trabajos hasta su promoción.

Holy Ghost!

Holy Ghost!

Destroyer Kaputt

Bright Eyes.

The People Key’s

No Way Out Tabula Rasa

Parece que los años 80 están de vuelta. Y no es que el homónimo disco de los americanos lleve hombreras en la portada, sino que Holy Ghost! se sube a la cresta de la ola con un ritmo tan pegadizo como repetitivo. Cada tema tiene su aquel, su punto particular que lo diferencia de los demás, desde la melodía a la letra, la cual llega a ser un tanto sucia.”Hold On”, hace un guiño a los londineses Hot Chip, con un beat elegante que acaba mezclándose con un sintetizador impecable. En el otro lado de la balanza nos encontramos con “Do it Again”, que abre la lata de estos diez temas que configuran un sonido que podríamos situar sin problema a medias entre el pop y la electrónica retro más light.

El décimo disco del consolidado quinteto canadiense dista mucho de lo que a priori podríamos esperar de un proyecto bautizado como Destroyer. “Kaputt” es un disco sencillo, sin más pretensiones que las de ofrecer una visión clásica del indie-pop facturado en los ochenta deudor de bandas como Blow monkeys, Aztec camera o Prefab sprout. Canciones con un tinte easy-listening que podrían encajar en una escena de señores y señoras mayores que bailan moviendo el torso rígidamente hacia los costados, una y otra vez. El gran mérito reside en una producción cercana a la realidad actual lo que implica una espacialidad y un orden bien estudiado, bien concebido, que aporta ese salto de calidad.

Lo último que nos trae Conor Oberst deja tras su escucha una sensación fría y amarga. Fría porque a pesar de las subidas y bajadas en sentido melódico, dinámico y expresivo que el disco propone, uno no acaba de creerse del todo las emociones que intenta transmitir. A pesar de que se acerca por momentos a la frescura británica, quizá sea la producción, demasiado sintética y ortodoxa, la que hace que cortes como “Triple Spiral” no acaben de explotar. La voz de Oberst nunca llega a transmitir como en anteriores trabajos. Tampoco ayuda la intro “Firewall”, que abre con un spech de Denny Brewer “Refried Ice Cream” sobre unos colchones de sinte, recurso que se antoja un poco manido.

El grupo catalán retorna a la escena tres años después de su anterior lanzamiento con una nueva ráfaga punk-rock. La fórmula vuelve a beber de grupos americanos como Green day u Offspring, una traducción literal diez años después no muy bien asimilada. Resultonas letras en castellano, “reivindicativas”, adolescentes junto con una producción lineal excesivamente limpia, excesivamente perfeccionada a base de reubicaciones digitales, dan como resultado un disco en el que apenas se puede apreciar vida propia, respiración, pálpitos. La carencia de sensibilidad, la falta de calor es una constante durante toda la escucha alejándose de los principales valores que el rock ha de aportar.

Cooking Vinyl 2011

— Arturo Jiménez

D FA Re c o r d s 2 0 1 1

— J e s ú s M a r í a Ve l á z q u e z

29

Mushroom Pillow 2011

— J e s ú s M a r í a Ve l á z q u e z

Merge Records 2011

— Abel Molina

Memphis Industries 2011

— Abel Molina

Saddle Creek Records 2011

— Arturo Jiménez

Folc Records 2011

— Arturo Jiménez

Pias 2011

— Abel Molina

L ados

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Squarepusher Shobaleader One - d’Demonstrator

Wires Under Tension Light Science

La Bien Querida Fiesta

Secret Cities Strange Hearts

Tom Jenkinson hace varios años que parece haber perdido chispa. Muy lejos quedan “Ultravisitor” o “Go Plastic”, trabajos imprescindibles de la pasada década. Instrumentista superdotado, con dedos de genio a los mandos de un bajo, fusionando jazz, drum & bass e IDM, construyendo atmósferas demenciales y estructuras marcianas. Ahora presenta “Shobaleader One” una banda ¿imaginaria? de electrofunk tópico y voces robóticas. La deuda con Ed Banger parece ir más allá de un primer single declaratorio de intenciones. Con Daft Punk muestra otra desde el segundo uno del primer corte, que llega a ser sonrojante. En “d’Demonstrator” , hay vocoder, electro filtrado, vocoder, guitarrazos pseudocanallas y vocoder.

Christopher Tignor y Theo Metz, violinista multi-instrumentista y percusiones, son los componentes del grupo salido a partir de las cenizas del estudio en el que Tignor creó durante trece años. “Light science”, difícil de creer, es su disco debut. Significa un paso más dentro del post-rock, basado sólo en instrumentación y haciendo unos ejercicios gloriosos multimelódicos en los que se pueden llegar a percibir varias líneas armónicas simultaneas de cuerdas y vientos, no todos reales, totalmente independientes y perfectamente compactados para crear un único resultado. Se puede considerar como un acercamiento al rock progresivo atemporal desde una perspectiva sentimental, no tan técnica por definición.

Bien es cierto que lograr lo que ha conseguido Ana Fernández Villaverde (aka La Bien Querida) no está al alcance de todos: con tan sólo unas pocas canciones repartidas entre aquella “legendaria” maqueta del 2007 y su primer larga duración, “Romancero” (Elefant 2009), ha dejado ya su huella personal en la historia del pop de este país. Y “Fiesta”, no hace más que afianzar dicha huella con sentidas letras envueltas en flamenco, ritmos latinos, y mil estilos más, fusionados de nuevo por David Rodríguez (Beef), impresionante “Monte de piedad”, en un cruce imaginario entre “Popemas” de Nosoträsh y “La Leyenda del Espacio” de Los Planetas.

— Abel Molina

— Miguel Calvo-Rubio Calvo

El segundo disco del trío norteamericano Secret Cities materializa en plena herejía la inhabitual y nada sencilla tarea de conjugar en un mismo espacio aromas pretéritos de aspecto vintage, baja fidelidad y puntuales ritmos exóticos. Un álbum colorido con notables y adictivos resultados, que tiene en su anárquica y cacharreada estructura un aliciente para el oyente inquieto.

Charlie Gokey, MJ Parker y Alex Abnos pertenecen al gremio de alquimistas que gustan de exprimir y retorcer pop y psicodelia en pleno ritual litúrgico al margen de prejuicios y complejos, para alumbrar épica sectaria y alucinados desarrollos en un jugoso viaje tintado de variadas y siempre vistosas tonalidades.

Low C’mon

Sweater I

French Horn Rebellion The Infinite Music of...

Le corps mince de Françoise Love & Nature

Tras despacharse la pasada temporada desatando su furia en la segunda entrega de Retribution Gospel Choir, Alan Sparhawk y el bajista Steve Garrington recuperan a Mimi Parker para abandonar instintos primarios y desnudar juntos una compartida alma reflexiva en el nuevo trabajo de los norteamericanos Low. Un álbum tejido y desarrollado sin estridencias, con el que demostrar que cincuenta evocadores minutos pueden albergar una cantidad incuantificable de belleza, nostalgia e intensidad con la que enganchar directamente al fluir vital de los oyentes. El trío representa un estilo en sí mismo, alcanzando niveles de hondura inéditos y desconocidos ante unos contemporáneos que no pueden sino rendirse y admirar.

Este disco del grupo barcelonés Sweater llama la atención por sus letras, escenas de la vida cotidiana, pero más bien utilizándolas como instrumento para una reflexión instrospectiva de conclusión generalmente melancólica o desengañada acerca de las relaciones personales, tema líricamente protagonista en el álbum. Musicalmente basados en las melodías que dicta el piano y adecuadamente acompañados por la sección de vientos en las partes más intensas y centrales, los temas de este trabajo, aunque todos dentro del pop alternativo, reflejan influencias variadas para lograr un sonido muy personal y trabajado que sin embargo nos trae a la cabeza compañeros de la escena indie nacional como Standstill o Vetusta Morla.

Tras una serie de sencillos y EP´s, llega el turno del debut en formato largo firmado por los hermanos Robert y David Perlick-Molinari, éste último remezclador y otrora productor de MGMT. Enésimo proyecto de electro-pop acelerado y apresurado, tangencial al sonido de bandas como Jamaica, Klaxons, We Have Band, Chromeo o Friendly Fires. Un trabajo con poca chicha y machacón a lo largo de sus excesivas catorce pistas, que curiosamente satisface cuando el chirriar de las máquinas es puntualmente relajado, fracasando en cambio con el empeño en inocuos experimentos.

Producto por tanto con temprana fecha de caducidad, ligeramente válido mientras aguante la gracia de sus mejores piezas.

El trío finlandés Le Corps Mince de Françoise nos trae un pop electrónico donde todo, desde sus ritmos desenfadados hasta sus letras cómo por la entonación al cantarlas, desprende energía. A pesar del origen de sus autoras, se trata de un álbum que transmite la alegría del verano, especialmente en “Cool And Bored” o “Beach Life”, donde el electropop se junta con melodías surf componiendo una mezcla fresca y efectiva en la que las voces, limpias y potentes, ponen la guinda.

En la mayoría de los temas aparece una guitarra distorsionada que recuerda al garage y que acompaña a los samplers y sintetizadores dotando al disco de cierta rebeldía, haciendo del conjunto un disco que difícilmente te deja pegado a la silla.

Wa r p R e c o r d s 2 0 1 0

— Francisco Jesús Suárez

Sub pop 2011

— Raúl Julián

30

We s t e r n V i n y l 2 0 1 1

Un Abrazo Producciones 2011

— Sara Muñoz

Elefant 2011

Mushroom Pillow 2011

— Raúl Julián

We s t e r n V i n y l 2 0 1 1

— Raúl Julián

Heavenly 2011

— Sara Muñoz

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Toro y Moi Underneath The Pine

Obits Moody, Standard, and Poor

Julianna Barwick The Magic Place

Gang Of Four Content

El segundo álbum de Chazwick Bundick bajo el nombre de Toro y Moi, sigue pudiéndose clasificar como perteneciente al chillwave, pero más enfocado a los instrumentos reales que su predecesor, especialmente en lo que se refiere a la percusión. “Underneath The Pine”, es un disco de pop cuyo encanto procede del hecho de haberse grabado con pocos medios.

“Underneath The Pine” va más allá, ofreciendonos un trabajo rico en el que todo, desde los virajes hacia el funk de “New Beat” o “Still Sound” hasta la calidez y el ambiente soñador de “Divina” pasando por letras cercanas y cuidadas al milímetro, está lleno de los detalles que separan un disco de aire veraniego y fácil de escuchar de un gran trabajo.

El contenido del segundo disco de Obits se antoja una juvenil descarga de energía, a pesar de contar en la ejecución con músicos sobradamente rodados en otras obscenas formaciones como Hot Snakes, Jehu o Edsel. Con el cuidado ritmo de las composiciones al servicio de la contundencia, el cuarteto de Brooklyn se maneja con soltura entre garage y post-punk, sin descartar en ningún momento la inclusión de llamativos trazos de surf. Encabezada por Rick Froberg, la banda reclama a gritos la atención del oyente desde la inicial “You Gotta Lose”, manteniendo el nivel con aciertos como “Killer”, “Standards” o “Naked To The World”. Referencia altamente recomendable para seguidores de Archie Bronson Outfit o Liars.

La primera sensación que te embarga al escuchar el disco es la de estar en un sitio de techos altos, en un lugar que inspire cierto misterio, una catedral, una biblioteca antigua... Las canciones se construyen impecablemente sobre la voz de Julianna, núcleo de este trabajo.

“The Magic Place” se estructura en forma de bucles, con motivos que se repiten y se apilan unos encima de otros constituyendo complicados estratos que, como colores, dibujan unos paisajes brumosos pero en los que se aprecia cada pequeño detalle. Los ecos de las voces en los temas de este disco le dan un tinte etéreo que contrasta con un uso brillante de la instrumentación que pone de alguna manera los pies en la tierra de quien escucha el álbum.

Trayendo una vez más su ya conocido post-punk inglés (siendo pioneros ellos en el género; bien basta con echar un vistazo a numerosas bandas contemporáneas cuyos discos rezuman admiración por ellos), el cuarteto de Leeds, ofrece en “Content”, su séptimo lanzamiento hasta la fecha, once melodías al más puro estilo Gang of Four. Gracias a la, de nuevo en alza, ola punkfunk, la hoy revitalizada banda ha llevado a cabo toda una serie de recaudaciones entre sus fans para la grabación de este disco formado por once grandes composiciones, de entre las cuales, no debiéramos dejar de escuchar la afligida “I Can’t Forget Your Lonely Face” ni la imposible de tararear “I Can See From Far Away”.

Siskiyou Siskiyou

Beady Eye Different Gear, Still Speeding

Caroline Verdugo Hills

The Human League Credo

El dúo canadiense formado por Colin Huebert y Erik Arnesen nos trae un disco que se revela más complejo a medida que lo escuchamos. Sus letras, que hablan de la duda y el sin sentido de la vida y la muerte, parecen un resignado lamento desde las montañas y la roca que sitúan en todo momento al disco en su contexto. Pero la forma en que la agradable voz de Huebert y las guitarras de Arnesen tratan esos temas tan oscuros, confiere a la melancolía que surge una dulzura reconfortante a través de las melodías, sinceridad que puede deberse en parte a la producción deliberadamente poco elaborada del trabajo, dando la impresión de tratarse de algo que nace de lo profundo del subconsciente de sus creadores.

No siempre de las cenizas de una banda disoluta resurge un nuevo ave fénix, y muchos dudaban de las palabras de Liam Gallagher afirmando la continuidad del resto de Oasis dejando atrás a Noel. ”Different Gear, Still Speeding” llega para despejar dudas. Cabía esperar que este hito en su carrera supusiera un desvío artístico, una exploración de nuevos sonidos, pero no es así. La base sigue siendo el rock británico con el que tantos éxitos cosecharon, pero retocado con pinceladas en ocasiones surferas (“Millionaire”), otras cobijándose bajo la sombra de The Beatles (“The Beat Goes On”) o desprendiendo épica de anuncio (“Wigwam”). “Four Letter Word” Y “The Soller” son los indiscutibles estandartes del álbum.

Nos encontramos a dos hermanas, Olivia y Caroline Lufkin dotadas ambas de cuantiosa creatividad. En este caso y de la mano de la segunda mencionada, nace una electrónica ambiental que acoge a su vez a multitud de instrumentos acústicos, guitarras, arpas y pianos entre otros, todo ello acompañado de un perpetuo e hipnótico susurro. Ritmos pausados pero magistralmente dosificados de una sutil electrónica que terminan por envolverte y embriagarte a lo largo de “Verdugo Hills”, una obra que genera calma, que invita a la ensoñación y que le permite a uno abstraerse hasta límites insospechados. Juzga por ti mismo si el universo personal de la joven de Okinawa surte efecto una vez empiezas a escucharla.

Diez años después de su último trabajo, la mítica formación de Shefield, sin duda pionera del sonido synth-pop, allá por los primeros años ochenta, vuelve a presentarnos un nuevo trabajo. “Credo” no contiene la frescura de aquel brillante “Dare!”, que revolucionó las listas de ventas de medio planeta hace treinta años; y de hecho la frescura es la característica menos presente en esta nueva incursión mediática.

No es un mal disco, que nadie se equivoque, lo que sí me parece es una propuesta bastante manida, con llamtiva escasez de espíritu innovador y que hubiera tenido mejor acogida hace al menos una década. Lo más positivo a extraer de “Credo” es la gira que acompañará a su edición.

Carpark 2011

— Sara Muñoz

Constellation Records / Popstock¡ 2010

— Sara Muñoz

31

Sub Pop 2011

— Raúl Julián

Beady Eye Records 2011

— Sixto Solís Zarzuela

Asthmatic Kitty 2011

— Sara Muñoz

Temporar y Residence. PopStock¡ 2011

— Sara Osácar

Grönland Records 2011

— Sara Osácar

Wa l l o f S o u n d / P i a s 2 0 1 1

— Abel Molina

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Dënver Música, Gramática, Gimnasia

I Am Kloot Sky at Night

Nudozurdo Tara Motor Hembra

Volador El Largo Viaje

Desde Chile y con amor nos llega el fresco “Música, Gramática, Gimnasia”, un disco que recopila once cortes de los cuales más de la mitad tienen perfecta candidatura a single. El segundo trabajo de Mariana Montenegro y Milton Mahan nos ofrece un sofisticado electropop y unas composiciones románticas que rozan como tan sólo la juventud puede hacerlo, el paroxismo. Ecléctico a rabiar, este LP avanza del primer al onceavo corte haciendo incursiones en el pop, los arreglos orquestales el electro, la canción melódica, y todo ello con un dinamismo y soltura sorprendentes. Definitivamente, el indie-pop chileno está en su mejor momento y este púber binomio es gran responsable de ello.

Alrededor de la intensa y misteriosa voz de John Bramwell gravita este “Sky at Night”, cuarto larga duración de la banda de Manchester.

Y es que el sincero y simple folk, englobado dentro del new acoustic movement, sigue siendo la tónica predominante en el nuevo álbum. Únicamente con el talento de Bramwell y unas, siempre certeras, melodías de guitarra consiguen deslumbrar más que muchos, teniendo un tracklist que capta majestuosamente la atención con “Northern Skies”, enamora perdidamente con “To the Brick” y consigue mantener al oyente en un tranquilo standby, exceptuando ciertos toques épicos en “Lately” y “Radiation”. Un trabajo que, sin duda, crece cuanto más se usa.

Llega al fin uno de los discos nacionales más esperados bajo el peculiar título de “Tara Motor Hembra”. ¿Y qué nos encontramos? Que Nudozurdo su seña de identidad la mantienen con fidelidad absoluta. El cuarteto madrileño repite modelo de algo que maneja a la perfección.

Muy correctos y muy bien terminados, cierto. Pero excesivamente lineales. Se extraña algo de riesgo y novedad en este último álbum, que repito, aunque logrado, añora restos de la potencia alcanzada en el anterior (“Mil espejos”, “Ganar o perder”). Más allá de eso, “Láser Love” y “Conocí el amor” rezuman la esencia de la banda a la perfección: tormentos, dudas, deseos y pasiones que Leo (voz cantante), eso si, expresa como pocos.

El grupo Zaragozano ha manufacturado un disco de sonido pulcro y cuidado. Con una multinacional detrás, se nota que la banda ha apostado por abrirse paso e intentar llegar al máximo número de oídos posibles. Más cerca del pop que del rock, se mueven bien nadando entre letras sencillas, melodías agradables y arreglos que trabajan constantemente a favor de las canciones.

Llama la atención el gancho inicial de “El Ultimo Abrazo”, por cierto, con colaboración del ex-lider de Elefantes ya avanzado el tema. En “El Riesgo” sacan su faceta más emotiva y pide a gritos que el público la coree en sus directos, en “Abre Las Puertas” y “El Largo Viaje” se reservan sus mejores giros melódicos. Todo correcto para Volador.

Morning Teleportation Expanding Anyway

Sin Fang Summer Echoes

Little Scream The Golden Record

Parts & Labor Constant Future

Los chicos de Oregon se han propuesto hacer un compendio de canciones con aires punk-core, electrónica y neo-folk. Recordando a veces a Bentley Rythm Ace y a Bloody Beetroots, pero sin lugar a dudas su inspiración les viene de la psicodelia transgresora de los 70.

Efectos desconcertantes y modulaciones extremas en las voces, distorsiones de guitarra indescriptibles, pianos y sintes que te hacen dudar de si pertenecen a esa parte de la canción, sorprendentes arreglos y desafiantes cambios de ritmo, estilo e instrumentación hacen que escuchar este disco sea una experiencia divertida y gratificante, cautivadora.

Quizás la voz, algo histriónica y previsible, sea el punto flojo de un disco muy recomendable.

Escuchando el proyecto en solitario de Sindri Már Sigfússon, la sensación resultante es la de que la fórmula musical islandesa, algo de infalible tiene. Y patrones comunes, también. Fiel a los sonidos de su distintiva y peculiar música, “Summer Echoes” es un homenaje a la época estival en forma de pop lo-fi, folk e instrumentación orquestal. Coros por doquier siguen siendo la clave de una obra que es LP y viaje al país de la ensoñación al mismo tiempo .

“Easier” y su sonido experimental, estribillos alegres y pegadizos como los de “Always Everything” o cortes como “Choir”, donde la incursión de instrumentos y añadidura de voces infantiles no cesa, hacen de este álbum un disco con muchas papeletas para ser atemporal.

Otra voz angelical que viene desde Canadá. Canciones que pueden acompañarte en un día lluvioso (como sugieren en “Hallowed”) y que apetece escuchar en esos momentos en los que sólo necesitas un remanso de paz. Consigue transportarte a las desérticas explanadas canadienses. Los acompañamientos, en ocasiones orgánicos y en otras electrónicos, se encargan a su vez de mecer las melodías. De todas formas, tras esa producción tan cercana al ambient las composiciones originales adolecen de cierta previsibilidad y no llegan a quedarse en la cabeza. Salvo algunas excepciones como “The Heron And The Fox”, las canciones se pierden entre esa capa de atmósferas. Suena bien, pero a algo ya oído.

La banda de Brooklyn nos ofrece su octavo álbum repleto de noise rock.

Ya desde la primera escucha de “Constant Future” nos topamos con una pared sonora de duros acordes de guitarra, pero no una de esas infranqueables que hipnotizan y no ofrecen rendijas por las que mirar más allá. Las melodías sintetizadas y las atmósferas vocales que crean Dan Friel y B.J. Warshaw forman un paisaje digno de escuchar. Se trata de un trabajo muy compacto y constante. Se hace difícil resaltar unos temas sobre el resto. De primeras sorprenden la canción que da nombre al disco y “A Thousand Roads”. Pero si seguimos más adelante nos encontramos perlas como la melódica “Echo Chamber” y el cierre con “Never Changer”.

Cazador 2010

— Sara Osácar

Glacial Place Recordings 2011

— Arturo Jiménez

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Shepherd Moon 2010

— Sixto Solís Zarzuela

Morr Music 2011

— Sara Osácar

Popstock ¡ Everlasting 2011

— Sara Osácar

Secretly Canadian / Outside Music 2011

— Aruro Jiménez

Wa r n e r 2 0 1 1

— Arturo Jiménez

Jag jaguwar 2011

— Sixto Solís Zarzuela L ados

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A R T E L A D O S by

a n d r é s r e q u e na

Lados mag premia tu fidelidad, regalando 5 packs de botellas de vino de la colección especial Artelados para Bodegas y Viñedos Neo (bodegasneo.com), personalizadas con diseños originales.

Para entrar en el sorteo, envía un correo electrónico a neo.artelados@ladosmagazine.com incluyendo en el mismo el nombre del fotógrafo cuya obra protagonizó la portada del número 17 de Lados mag. Los ganadores del sorteo anterior son: Sandra Fernández (Madrid), Jorge Calderón (Madrid), Ricardo Camps (Barcelona), Alberto Soler (Palencia), Ainhoa Mintegui (San Sebastián).

En esta ocasión, el artista invitado es Andrés Requena, diseñador gráfico natural de Barcelona, responsable del fanzine experimental Roto y de numerosos ensayos editoriales como Cuarto de libro o Entre manos. El trabajo que presenta en exclusiva para Artelados lleva el título “El hombre bombilla, se apagó” (ver página de la izquierda) basado en la canción homónima del grupo zaragozano El Niño Gusano, y en la figura de su malogrado cantante Sergio Álgora. Más información y muestras de su trabajo en www.andresrequena.es

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ba n jo or freakout Joven italiano se traslada a Londres y decide revisar canciones de artistas como Burial o LCD Soundsystem hasta captar la atención del público. Acto seguido, compone y publica en formato single, con lo que aumenta una expectación completada con originales y comentados videoclips.

Finalmente lanza un debut homónimo con el que rematar la jugada maestra. Esa es la historia, tan sencilla y tan compleja, de Alessio Natalizia, conocido artísticamente como Banjo Or Freakout.

Texto: Raúl Julián Imagen: Archivo

¿Cuál es el significado de Banjo or Freakout? ¿Por qué decidiste marcharte a Londres?

En realidad no quiere decir nada. Viene de una ¿Cómo ves la actual escena musical en la capibanda que vi hace mucho tiempo cuando todavía tal inglesa? Me mudé porque mi novia estaba vivivía en Turín. Dieron un concierto increíble y viendo aquí y no por razones musicales. La escena cuando el tipo del banjo volvió al escenario para musical londinense es extraña. Hay un montón de el bis dijo: “¿Así que queréis banjo or freakout?” cosas increíbles, pero no creo que haya una esceY pensé que era un buen nombre para una ban- na propiamente dicha. Es más como un montón da. Realmente ahora me gustaría poder cambiarlo, de pequeñas escenas que no tienen mucha relación entre sí. Pero es una fantástica e inspiradora pero ya es demasiado tarde. ciudad para vivir. ¿Cómo definirías tu propio estilo? No lo haría. ¿Cómo se te ocurrió la idea de grabar un disco Para eso están los periodistas. reinterpretando canciones de artistas como Bu¿Qué música o artistas han influenciado la com- rial, LCD Soundsystem o Amy Winehouse? Simposición de este disco? Me gusta la música que plemente pensé que sería divertido coger algunas está siempre cambiando y evolucionando, que canciones muy famosas y tratarlas como si yo las nunca mira hacia atrás. Me gustan las bandas que hubiese escrito. Al principio no había planeado me proporcionan un viaje y me hacen sentir es- reunirlas en un álbum, pero luego me di cuenta de pecial cuando escucho su música. Dennis Wilson, que tenía suficientes y la gente parecía disfrutar Arthur Russell, Robert Wyatt, Can, Bobb Trimble, con ellas, así que decidí que tenía sentido juntarlas.

Bob Dylan, J Dilla, Burial... ¿Cuál es la diferencia entre rehacer una canción ¿Qué opinas de la habitual comparación con ajena y componer una propia? ¿Qué aporta una Animal Collective? Creo que se queda coja, como y otra actividad? Son dos procesos muy diferentes. casi todas las comparaciones. Las comparaciones Me encanta rehacer una canción porque no la siento son sólo una forma rápida de que una persona le como algo demasiado personal y de alguna manera me describa a otra la música de alguien, pero a nadie permite más diversión. Además puedo usar algunas le gusta que su música sea comparada con la de canciones para tratar de experimentar cosas que luego otros artistas. Yo trato de hacer la mía trabajando utilizaré en mis propias composiciones. Pero en genemuy duro, y aunque obviamente respeto a Animal ral lo que de verdad me gusta es escribir temas propios Collective por lo que son, no creo que tenga muy emplear tiempo en ellos. chas similitudes con ellos.

Tus videoclips resultan siempre muy comentaHa pasado bastante tiempo desde que publi- dos. ¿Es el video-arte una extensión de tu obra? caste tus primeros singles en 2009 hasta que Por supuesto. Un video puede proporcionar una definitivamente has lanzado tu álbum en 2011. nueva vida a una canción y te hace ver cosas que ¿Qué ha propiciado ese considerable espacio no habías visto antes. A mí siempre me pasa. Me de tiempo? Una mezcla de circunstancias. Es- gusta entregar mis canciones a alguien que se taba esperando a encontrar las personas adecua- encargará de cuidar la realización del vídeo y obdas con quienes hacerlo, además la grabación y servar qué le inspira el tema, porque siempre es la mezcla me llevaron más tiempo del esperado, diferente de lo que yo veía en esa canción. e inicié otro proyecto llamado Walls con el que publiqué álbum el pasado año y giré por toda ¿Cómo describirías tus conciertos? ¿Habrá gira Europa. Necesitaba estar centrado en todo española? Los conciertos son completamente aquello y tampoco habría tenido sentido lanzar diferentes de las grabaciones. En el escenario me dos álbumes con dos proyectos distintos al mis- acompaña una banda completa y las canciones toman diferentes direcciones. Me interesan las banmo tiempo. das que ofrecen algo diferente al álbum cuando ¿Qué sensaciones estás teniendo con el disco? los ves en directo, y eso es lo que trato de hacer Estoy orgulloso del álbum, incluso habiéndose con Banjo Or Freakout. Tocando cada concierto convertido en una relación de amor-odio. Tras como si fuese el último ¡el viejo truco del Rock & haber escuchado las canciones tantas veces estu- Roll! Espero poder hacer algunos conciertos en ve a punto de aborrecerlas, pero aún así son como España ¡Me encanta España! Tal vez en el verano... ¡Sería perfecto! hijos para mí y no podría vivir sin ellas.

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J EF F

J O R D A N

Jef f Jordan era un desc o n o c i d o p i n to r s u r r e a l i s ta a m e ri ca n o cu a n d o O m a r Rod rí g u e z -L ópe z , l íd er de Th e M ars Volta , fi j ó s u s o j o s en s u t r a ba j o y l e pu s o a i lu s t ra r la s port a d a s d e t od os l o s l a nzamientos de la ba n d a ; d es d e e s e m o m en t o , s u s ob ra s s e h a n con ve rt i d o e n cod i ci a d a s p iezas de arte. Detrás d e u n a s c o l o r i d a s y m i s t e r i o s a s pi n t u ra s , n os e n con t ra m os con u n a hum ilde y dich arac h e r a p e r s o n a l i d a d , q u e a fr o n ta e l p a s o d e l t i e m po con la m i s m a pa s i ón que hace sesenta años, c u a n d o d ec i d i ó q u e q u er í a s er a rt i s t a .

Utilicemos esta primera pregunta como introducción biográfica para aquellos que oigan, o lean, hablar de ti por primera vez. ¿Quién es Jeff Jordan? Mi nombre es Jeff Jordan y soy un artista nacido en 1948 y residente en el norte de California. Si se me conoce hoy en día es, principalmente por ser el artista de portada de los discos de The Mars Volta, para los que hecho ya tres discos, así como un par de proyectos más. Si no fuera por estos trabajos para la banda de Omar Rodríguez-López, estoy seguro que aún estaría peleando por ser un ‘artista famoso’. Ellos han sido los que han conseguido que que sea conocido más allá de la ciudad donde vivo.

Texto: Ritxi Ostáriz Imágenes: Jeff Jordan

Y aunque sea una pregunta que suele ser difícil de responder por uno mismo, ¿cómo describirías a grandes rasgos tu obra? ¿Dentro de qué estilo podríamos encuadrarla? La Wikipedia dice que soy un pintor surrealista americano, y no mucho más (risas). Y la verdad es que me siento cómodo con esa definición. Más o menos tuve claro que quería ser artista a la edad de cuatro años, y ya desde entonces nunca tuve motivos para cambiar de opinión.

Aunque sea bastante tópico, háblanos sobre tus inicios, sobre cómo acabas convirtiéndote en el artista que eres hoy, y sobre cuáles son tus influencias, dentro o fuera del mundo del arte.

Cuando yo tenía alrededor de cuatro años como digo, a principios de los años 50, mi padre se pasaba el día haciendo ilustraciones de camiones y aviones, y yo cogía un lápiz y trataba de imitar sus dibujos. Posteriormente escogí seguir siempre por la rama de Arte en mis clases, desde primaria hasta High School (última etapa de la educación obligatoria en Estados Unidos). Mis primeras influencias fueros libros de cómics, así como el periódico “Funny pages”. Me daba por copiar las imágenes que me gustaban, para tratar de aprender la técnica. También “Mad magazine” fue una gran influencia en aquellos primeros años. Por otra parte, también mi abuelo solía pintar ocasionalmente, e incluso su hermano y su hermana también fueron pintores, así que supongo que heredé esa vena artística. Los comienzos de los años 60 fueron tiempos tremendos para el Arte y la Música. El Pop Art se había adueñado del terreno del expresionismo Abstracto, y la invasión británica hacía lo propio con Elvis Presley, continuado por Bob Dylan y la música folk; hubieron una serie de evoluciones que desembocaron en la Psicodelia musical. A mí me encantaba la música, me encantaba el arte, y en cierto modo estaba loco por hacer portadas de discos. Dentro de la música y el arte hay demasiadas influencias en mi trabajo como para nombrarlas todas, pero algunas de las más potentes fueron los artistas Pop, y un grupo de artistas de Chicago llamados los “Hairy Who”, precursores de lo que hoy podríamos llamar “Lowbrow Art”.

A la hora de elegir, si es que un artista elige su estilo, ¿por qué el surrealismo? ¿Qué te aporta este estilo, o de qué forma te ayuda a transmitir lo que quieres transmitir, que otros estilos no son capaces? Yo era aún bastante joven cuando descubrí el Surrealismo, principalmente el trabajo de Salvador Dalí y Max Ernst.

Luego profundicé algo más y conocí a los primeros surrealistas, 86

como Hieronymus Bosch (El Bosco), y aquello me condujo a los primeros pintores flamencos y holandeses. ¡Historia del arte! Siempre he admirado la precisión, así que esos pintores realmente me impactaron. También me encantaban las imágenes que contaban una historia; Norman Rockwell fue una enorme influencia. En casi 40 años, he tratado de hacer un poquito de todo, hasta llegar a donde me encuentro ahora. Yo no diría que escogí el Surrealismo, sino que el Surrealismo me escogió a mí. Quizás sea culpa de tener una imaginación demasiado activa. Y seguramente también algunas películas como “Godzilla” o “King Kong” tuvieran algo que ver. Me atraía toda esa imaginería que era chocante para otra gente, y realmente disfrutaba dejando volar mi imaginación. De toda la imaginería posible, Cubismo, Pop Art, los clásicos... solamente el Surrealismo logró captar realmente mi atención, gracias a él podía ir donde yo quisiera, sin saber exactamente dónde iba a acabar. Incluso gracias a él puedo sorprenderme a mí mismo; y eso es siempre muy gratificante.

Si tuviera que describir tu estilo diría que, a diferencia de otros artistas surrealistas donde hay una deformación de las formas, tu te basas más en un collage o combinación de realidades, tomando elementos de un entorno y colocándolos en una escena donde no deberían de estar, y también en escalas o tamaños generalmente mayores de las reales. ¿De qué modo este cambio de escala o de contexto es importante en tu obra?

Durante el periodo entre 1984 y 2000 estuve trabajando en el Cubismo, mayormente basado en la técnica del collage. Durante 15 años me basé en la influencia de Picasso, pintando retratos cubistas, principalmente. Picasso fue uno de los grandes enigmas del siglo XX, y mucha gente me decía que no intentara enfrentarme a su arte, pero yo sentía que tenía que hacerlo. De repente me vi ya cansado de seguir esa vía de exploración y quise ir algo más allá. Una de las primeras imágenes que surgió fue “Big Mutant, que mucho tiempo después se convirtió en la portada del disco “Amputechture” de The Mars Volta, pero que en aquel momento era la primera imagen del nuevo camino que iba a seguir a partir de entonces. Y esa imagen logró sorprenderme incluso a mí mismo. Era extraña, pero al mismo tiempo ordinaria, natural. Me recordaba a esas películas como “Godzilla”, donde la diferencia de escala tiene mucho que ver en cómo una escena se percibe. Desde entonces, esa yuxtaposición de escalas se ha convertido en algo clave en mis obras.

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Si por algo destacan tus pinturas, pensando únicamente en la forma y no en el contenido, es por su colorido, siempre tonos muy saturados, muy luminosos. ¿Qué función tiene el color en tu obra? Primero comencé ilustrando caricaturas, y no fue hasta alrededor de mis veinticinco años cuando empecé con la pintura.

Solía ilustrar con una paleta de colores bastante limitada, y aquello comenzó a parecerme aburrido. Veo el color como un banquete exuberante, y siempre he admirado esos artistas que consiguen entender sus propiedades en profundidad. Después de tantos años, yo aún siento que ni siquiera he logrado comprender una mínima parte de su uso, pero aún así, pienso que es un elemento importante en mi creación.

Dentro de los elementos recurrentes de tus cuadros podemos encontrar referencias mitológicas, animales, frutas, y una curiosa aparición de entornos, paisajes y personajes de origen árabe o musulmán. ¿Existe alguna fascinación por tu parte respecto a esta cultura más allá de la puramente visual? Quizás fue hace alrededor de veinticinco años cuando descubrí los pintores Orientalistas, principalmente europeos, que viajaban a Marruecos o Egipto y pintaban sencillamente lo que veían; y me enamoré de su trabajo. No sabría decir qué es lo que me atrae de ello, simplemente lo hace. Jean-Léon Gérôme es sin duda mi favorito. Por cierto, como anécdota, parece ser que comparto fecha de cumpleaños con él, ¡y con Dalí! (risas). Adoro la atención que Gérôme pone en los detalles, y su increíble sentido del color.

Creo que de todo este Orientalismo pictórico, lo que más me atrajo fue su arquitectura, sus colores, y las paisajes exóticos. ¡Me encantan los desiertos y las palmeras! Supongo que toda esta atracción es debida a que es muy diferente del lugar donde yo vivo, una pequeña ciudad del norte de California. Por otro lado, no soy religioso en absoluto, así que no tiene nada que ver con lo Musulmán.

Es más mi atracción por su imaginería. También puede ser quizás una forma de sorprender a la gente, de que les choque visualmente mi arte. Yo tengo mucho respeto por todas las culturas y religiones, pero es preocupante ver como muchos americanos tienen pánico a todo lo que tenga que ver con la cultura Árabe o Musulmán. Así que por ese lado, es una forma de sorprenderles con esas temáticas.

Esta referencia al mundo arábigo puede encontrarse en uno de tus trabajos más conocidos, la portada del disco “The Bedlam in Goliath”, de The Mars Volta. ¿Cómo se inicia la relación con el grupo para terminar ilustrando todas las portadas de sus lanzamientos? Lo cierto es que yo fui un artista un poco ‘muerto de hambre’ por mucho tiempo, pero alrededor del 2002, conocí un tipo que estaba loco por mis pinturas y que podía pagar lo que yo creía que valían. Un día vino a mi casa, y sencillamente compró unas cuantas obras de las ‘grandes - importantes - caras’ (risas).

Gracias a su apoyo pude comenzar un pequeño negocio con láminas y copias de mis trabajos, y empecé a venderlas en mi página web. Internet fue un gran descubrimiento que me liberó de las ataduras de las galerías de arte a la hora de colocar mis obras. Incluso llegué a anunciarme en la revista Jixtapoz Magazine durante seis meses, pero lo cierto es que nadie se puso en contacto 90

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conmigo. ¡Estaba aterrorizado! Entonces, una mañana, ocho meses después, recibí un email del manager de The Mars Volta, pidiéndome usar la obra “Big Mutant” para la portada de lo que iba a ser el disco “Amputechture”. Yo había oído hablar de The Mars Volta, pero nunca me había parado a escuchar su música, así que fui a la tienda de discos local y me compré “Comatorium”, “Frances the Mute” y “Scab Dates”, y me enamoré rápidamente de su música; así que empezamos a trabajar juntos. Unos meses después, durante una visita mía a Minnesota, coincidió que The Mars Volta tocaba allí junto a Red Hot Chili Peppers, y aprovechamos la ocasión para conocernos personalmente. La verdad es que congeniamos bastante bien. Ya tiempo después, volvimos a vernos para la creación de la portada de “The Bedlam in Goliath”. Yo estaba encantado de que estuvieran contentos con mi trabajo y quisieran usarlo de nuevo. Joder, la banda ganó un Grammy con ese disco, y la portada alcanzó el segundo puesto en el listado de las 50 mejores portadas del año 200 según la revista Rolling Stone, lo que aún facilitó más nuestra colaboración. Realmente adoro a esos tipos, y siempre que podemos aprovechamos para vernos y pasar un rato juntos.

Aparte del maravilloso trabajo junto a Omar y sus chicos, ¿qué otras aproximaciones al mundo de la música has tenido como ilustrador de portadas? A la hora de realizar este tipo de encargos, ¿influye mucho el estilo musical de la banda a la hora de aceptarlo? Desde que empecé a trabajar con The Mars Volta, cosa que espero se prolongue por mucho tiempo, he tenido la suerte de participar en algunos otros lanzamientos musicales. Por ejemplo destacaría a Gama Bomb, una banda de ‘Metal Irlandés’, o los amigos de Starving Weirdos, un tremendo proyecto de ‘noise’. Actualmente estoy trabajando para el nuevo lanzamiento de una banda noruega de prog metal, Leprous, que promete ser uno de los grandes lanzamientos del año en su género. Tengo que agradecer, una y otra vez, mi relación con The Mars Volta, porque a partir de ella han llegado todos estos nuevos proyectos. ¡Gracias Omar! ¡Gracias Cedric! (risas) ¿Qué diferencias encuentras entre trabajar únicamente por placer, sin nadie que te dicte el contenido del próximo cuadro, y el tener que hacerlo habiendo un interés comercial de por medio, como por ejemplo un grupo musical, y por tanto teniendo que adaptarte a las necesidades del cliente? Siempre prefiero trabajar en mis propios proyectos, pues hacerlo para otra gente entraña cierta dificultad. En todo caso, cuando alguien me contrata, generalmente lo hacen porque confían en mis propias ideas, así que tampoco hay demasiado problema en eso.

Eso sí, cuando trabajo con proyectos musicales, procuro que la banda en sí me guste musicalmente. Por ejemplo, no tengo demasiado interés en el Hip Hop, así que no me veo haciendo portadas para artistas de ese género. Evidentemente lo respeto, simplemente es una cuestión de gustos, y de sentirme bien conmigo mismo a la hora de trabajar para algo en lo que creo.

Siempre me interesa mucho el acercamiento a los artistas como personas, a sus gustos y a sus vidas diarias; y por afinidad personal, ese interés es mayor si hablamos de un artista surrealista. ¿Cómo es un día en la vida de Jeff Jordan? Mi vida es realmente tranquila. Vivo con mi pareja, Nancy, que es tejedora de alfombras. Un día típico es básicamente eso, yo pinto y Nancy teje (risas). Vivimos muy centrados el uno en el otro, en nuestra pequeña ciudad, casi como un universo bipolar, un universo de dos. Por supuesto tenemos nuestros amigos, pero ahora mismo, a medida que envejezco, me siento más interesado en mi propio trabajo, en mi pintura, que en las relaciones sociales.

Siguiendo con lo que hay dentro de Jeff Jordan como persona, ¿qué tipo de música podemos encontrar entre tu colección de discos? Y, ¿con qué libros y películas has disfrutado más? Me inclino principalmente por la música instrumental, más que la cantada. Soy un gran fan de los proyectos en solitario de Nels Cline. En mi sincera y humilde opinión, es el más grande de todos los guitarristas que aún viven. También me gusta Sonic Youth, The Mars Volta y los trabajos en solitario de Omar, Brian Eno, Marc Ribot, Miles Davis, Rahsaan Roland Kirk... Por nombrar algunos solamente. También me encanta la música folk, o de raíz, Trio Joubran, King Sunny Ade, Ali Farka Tourre, Fela... ¿Quién más? Richard Thompson, Joe Satriani, Bill Frisell, John Zorn, Tom Waits, John Fahey, Hank Williams I y III, Arcade Fire, Explosions in the Sky, Thelonious Monk, y muchos más. En cuanto a los libros, leo muchísimo, constantemente. Entre mis favoritos se encuentran Thomas Pynchon, William Gibson, John C. Wright, y Neal Stephenson. Y respecto al cine, soy un amante de la ciencia ficción; Star Wars, Avatar, Hellboy. También muy fan de Terry Gilliam, Tarantino, Tony Scott y por supuesto los grandes clásicos, Casablanca, Lawrence de Arabia, Metropolis, Clint Eastwood... ¡También Schwarzenegger! Lo que no veo nada es la televisión...

Estoy seguro de que si echas la vista atrás, y buscas entre la experiencia de toda tu vida, habría historias que contar para pasar horas y horas hablando sobre ellas, pero hagamos el ejercicio opuesto para terminar; ¿qué espera Jeff Jordan del futuro próximo? No tengo la más remota idea de lo que nos deparará el futuro. Acabamos de comprar un gato, ¡tiene 22 dedos y lo adoramos!

Generalmente no hago ningún plan para el futuro; quería ser un pintor famoso, pero en el fondo tampoco me interesa demasiado la fama. A día de hoy me conformo bastante con pintar lo que me apetece y cuando me apetece. Mira, eso sí, ¡me encantaría hacer algo de Escultura! También quise ser músico, pero me di cuenta de que con querer serlo ya era suficiente, nunca lo lograría; no soy una persona que trabaje bien en grupo, prefiero hacer las cosas en solitario. Por encima de todo, adoro el hacer mis propias cosas y no tener un jefe encima diciéndome cómo hacerlas. Tengo también la suerte de haber encontrado el amor de mi vida, y es adorable el levantarse por la mañana y encontrarle a tu lado. Para mí, no hay nada mejor que eso.

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E S P A C I O K M.0 Juan G il Seg o vi a ( Ávi l a , 19 8 3 ) . L i c e n c i a d o e n Be lla s A rt e s por la Un i ve rs i d a d d e S a la m a n ca e n 2 0 0 6.

Ha realizado exp o s i c i o n e s i n d i vi d u a l es e l E s pa ci o Pe rm a n e n t e d e A rt e E x pe ri m e n t a l d e la Un i ve rs i dad de Sala m a n c a ( 2006 ) y e n Es p a c i o Men os u n o ( Ma d ri d , 2 0 0 9 ) . De f orm a cole ct i va s u ob ra h a s i d o expuesta en el CAB d e B u r g o s ( 2005 ) , l a B i e n a l d e Vi la Nova d e C e r ve i ra ( Port u g a l, 2 0 0 9 ) y e n e l e s pacio Off L i m i ts ( M a d r i d , 2010) en t r e o tr o s . H a re ci b i d o d i ve rs os pre m i os , com o la Me n ci ón E s pe ci a l del Jurado e n el P r e m i o “ C a j a Es p a ñ a ” d e e s cu lt u ra 2 0 0 9 y los pre m i os d e P i n t u ra ( 2 0 0 8 ) y E s cu lt u ra ( 20 0 9) en e l c er ta m e n “Ar te Jo ve n ” d e l a Jun t a d e C a s t i lla y L e ón . Act u a lm e n t e ex pon e d e f orm a i n d i vidual en la s a l a c u l tu r a l d e C a j a Es p a ñ a – C a ja D u e ro e n Va lla d oli d y pre pa ra ju n t o con C la ra I s a b e l Arribas Cer e z o l a V I I ed i c i ó n d e l a Fer i a d e A rt e C on t e m porá n e o d e A ré va lo.

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Aunque cu a n d o s u n o vi o l e r eg a l ó l a p r i m e ra cá m a ra , h a ce ya n u e ve a ñ os , O lya n o s i n t i ó nada espe c i a l , es t á c l a r o q u e a d í a d e ho y h a n h e ch o b u e n a s m i g a s . S ólo h ay qu e ve r s u t ra baj o para c o m p r o ba r q u e e s t a l i c e n c i a d a e n F i lolog í a h a e n con t ra d o s u m e re ci d o h u e co e n el mundo d e l a fo to g r a fí a c o n t e m p o r á n ea . S on m u ch a s la s pu b li ca ci on e s qu e con f í a n e n e lla para realiz a r r ep o r ta j es y tr a ba j o s d e r et ra t os y lo ci e rt o e s qu e s u s i m á g e n e s d e s t i la n u n a mezcla de p u r e z a y r es p et o a d m i r a b l e.

No sé por qué pero viendo tu trabajo me entró la curiosidad de saber cómo es tu casa (tu habitación, la decoración que has elegido, etc.).

Cuéntanos dónde vives. Te cuento: Vivo con mi amigo en una zona tranquila en el sur de Moscú.

Llevamos nueve años de alquiler en este apartamento y la verdad es que no hemos cambiado nada en él. No sé, no ha surgido, estamos cómodos así. Pero, por supuesto que estoy soñando con tener mi propia casa, un lugar donde cada rincón se adecúe a mi estilo, ir decorándolo y customizándolo y lograr sentirme totalmente a gusto. Pero, ¿sabes qué? También me gustan mucho los hoteles, con sus habitaciones impersonales, exactamente iguales para todos y para nadie al mismo tiempo. ¿Con cuántos años tuviste tu primera cámara? ¿Qué es lo que sentiste? ¿Te acuerdas? Creo que tenía 22 años y fue mi novio el que me regaló mi primera cámara. En ese instante si te soy sincera no sentí nada, porque en aquel momento no pensaba en la posibilidad de ser fotógrafa, ya ves… Y sí, recuerdo perfectamente mi primera experiencia con la cámara: me olvidé de poner el carrete, ups... ¿Has ido a alguna escuela a estudiar fotografía o eres autodidacta? La verdad es que intenté estudiar fotografía pero terminé dejándolo, no me convencía. Aunque suene raro, no he encontrado una buena escuela de fotografía aquí en Rusia.

Algunos de mis amigos se han marchado a Reino Unido o a Italia para ir a alguna universidad o simplemente para vivir... Si pudiera, me gustaría trabajar de asistente para gente como Vanessa Winship or Peter Hugo, los admiro mucho y es la mejor manera de aprender, in situ.

Eres una muy buena retratista ¿Has visto, o sientes, alguna diferencia entre hombres y mujeres? ¿Actúan o hacen cosas diferentes, qué piensas? La verdad es que así a grosso modo, no veo ninguna diferencia clara. Lo que sé es que la gente que me gusta o me atrae a menudo no quieren ser mis modelos… Puede ser que me falle la manera de pedirlo, no sé…

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¿Alguna vez te has retratado a ti misma? Sí, claro.

No te sabría decir cuándo lo hice por primera vez, pero estoy segura de que Nan Goldin y sus autorretratos me inspiraron ¿Hay alguien o algo que te gustaría fotografiar y que no lo hayas hecho aún? ¡Sí! ¡Quiero fotografiar dinosaurios!

Cuéntanos un poco sobre el equipo fotográfico que utilizas en tu trabajo. Suelo usar la Yashica mat, es mi cámara favorita. También a veces utilizo una Mamiya 7 y una Rolleiflex. Todas, por supuesto, analógicas, me gusta más trabajar con este tipo de cámaras.

Si pudieras vivir en cualquier lugar de este maravilloso planeta, ¿dónde construirías tu casa de los sueños? Quizás suene banal, pero me encanta Venecia, especialmente en invierno o en época de frío. Y, puestos a imaginar, me gustaría tenerla en el área de Canareggio, cerca del puente Rialto.

Has trabajado para distintos clientes y revistas. ¿Cómo ves esa experiencia? Seré sincera, y te diré que cuanto más trabajo con las publicaciones, más claro tengo que prefiero hacer mis propios proyectos, trabajos no comerciales.

Texto: Ana Himes Imágenes: Olya Ivanova

Háblanos un poco sobre ti, Olya, a modo de presentación. Nací en Moscú, Rusia hace ya trinta años. Mi padre era maquinista y mi madre trabajaba en las aerolíneas Aeroflot, así que creo que todo esto, de un modo u otro, hizo que ahora disfrute tanto viajando; creo que es una de las mejores sensaciones.

¿Cómo te promocionas? No soy nada buena en la autopromoción. Simplemente hago fotos, nada más. A menudo recibo invitaciones para participar en blogs o revistas on line y en alguna ocasión he enviado mis trabajos a algún festival o concurso. Eso es todo. Creo que necesitaría que alguien me promoviese, pero aquí, en Rusia es difícil encontrar un buen agente; en realidad tengo la impresión de que aquí el mercado de la fotografía se encuentra en pañales, supongo que habrá que esperar otro poco… ¿Cuáles son tus criterios para elegir a quién vas a fotografiar (los modelos y las localizaciones)? A veces la gente directamente me ve con la cámara y me piden que los fotografíe. Últimamente estoy haciendo uso de las redes sociales para buscar mis modelos y la verdad es que funciona muy bien, a través de Facebook por ejemplo. En otras ocasiones, cuando voy en el metro y me topo con alguien que me resulta interesante, directamente les pregunto si puedo hacerles una foto. Y bueno, en general, me gusta más fotografiar a personas a las que no conozco y con las que no tengo ningún tipo de relación, me siento más libre y creo que ellos también.

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¿Cómo diste con el pueblo de Gorelovka? ¿Te lo recomendó alguien o cómo supiste de su existencia? Pues fue un encargo para un reportaje de una revista. El periodista encontró este pueblo de manera casual y le llamó tanto la atención que fuimos allí para hacer un trabajo sobre reclusos a los que rechazaron los pasaportes, que no tienen internet, casi ningún tipo de las comodidades actuales y que parece que estaban esperando el Apocalipsis. Sin duda un lugar especial.

Y, ¿cuánto tiempo estuviste allí? La gente parece agradable y hay una luz preciosa. Cuéntanos ‘todo’ acerca de esta serie, por favor. Estuvimos viviendo allí alrededor de una semana. Tuve la mala suerte de que mi cámara se volvió loca y el carrete obviamente salió con los colores mal expuestos y unas dominantes raras. Al principio me costó un poco sacar fotos a la gente del pueblo porque nadie me dejaba así que comencé a hacer fotos de paisajes, ovejas y demás... Después, como me veían en el pueblo, ya sí accedieron… Pero, ¿sabes qué, Ana? Que al final, cuando vi el resultado de las fotos, pensé que el incidente que tuve con mi cámara hizo que las fotografías parezcan más interesantes, no sé, más especiales… ¿Y qué hay de Uzbekistán? Pasamos dos semanas viajando por todo el país. En esta ocasión, el reportaje lo hice con una pequeña Olympus, era más fácil de disparar con ella por la calle. Lo cierto es que la mayor parte del tiempo lo pasamos comiendo buena comida de Uzbekistán, y el tiempo restante en taxi recorriendo el desierto, así que no tuve tiempo de hacer una fotos muy buenas la verdad. ¿Cómo se te ocurrió la idea de la serie “Single Fathers”? ¡Este fue el primer encargo para una revista en mi vida! Estuve tres noches sin dormir por los nervios, pensando en cómo iba a hacerlo y en la responsabilidad que tenía. Estaba realmente nerviosa porque nunca antes había fotografiado con cámaras de medio formato y pensaba que iba a ser un fracaso total, pero ¡no! Me equivoqué y todo salió genial, quedé tan contenta…

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que sí, los niños no fingen y eso es algo que se agradece cuando uno está detrás de la cámara mirando por el visor: naturalidad. ¿Y con qué es con lo que más disfrutas haciendo fotos? Disfruto mucho del contacto, la cercanía, el diálogo y la intimidad que surge entre la persona fotografiada y yo. Después de disparar seremos dos personas diferentes, que, casi seguro, se irán por caminos distintos, pero en ese momento de la toma somos uno.

Entonces, ¿das algún tipo de instrucción o consejo a la gente que posa para ti o no? Nunca doy instrucciones, siempre confío en la gente que en ese momento está delante de mí. Creo que muchas veces el cuerpo sabe más que la mente y simplemente les digo: “Si no sabes cómo colocarte o qué hacer, escucha a tu cuerpo y te dirá cómo actuar delante de la cámara”. A mí me funciona…

Olya, ¿utilizas algún tipo de flash o simplemente disparas con luz natural? Sólamente con iluminación natural.

Referéncianos a fotógrafos a los que admires o cuyo trabajo crees que haya podido influir en tu recorrido y estilo artístico. Hay muchos, pero quizás los más importantes sean Diana Arbus, Nan Goldin, Katy Grannan, Lise Sarfaty, Alec Soth y August Sanders. ¿Has aprendido mucho de...? La vida y de todo lo que veo a mi alrededor, en mi círculo más cercano, y lo que siento dentro de mí. ¿Cuál es tu mayor temor? Puf, ser el centro de la fiesta. Odio a las fiestas, de hecho. ¿Tu película favorita? “El cielo sobre Berlín”, de Wim Wenders.

Soy una melómana inclasificable así que esta pregunta es obligada, Olya. ¿Cuál es el último disco o grupo que te ha maravillado? Ahora estoy enganchada a “Let England Shake” de PJ Harvey. Es increíble, me encanta.

Viendo tu trabajo, se podría pensar que te gustan mucho los niños. ¿Es así? ¡No! Son los editores quienes me mandan fotografiarlos y ahora parece que esté especializada en este tipo de retratos.

Cuéntamos algo que prácticamente nadie sepa sobre ti. Lo confieso, ¡soy una cocinera horrible!

Pero, ¿qué crees que te ofrece este tipo de modelos? ¿Son agradecidos? Pues sí, la verdad es

¿Qué sería lo primero que harías si ganases la lotería? Le diría a mi padre que no trabajase más.

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CHUS D O M í n gu e z “Notas de l o Efí m e r o ”, ú l t i m a d e l a s r e a l i z a ci on e s d e l d i re ct or le on é s C h u s Dom í n g u e z , f u e la encarg a d a d e c l a u s u r a r l a s ép ti m a e d i ci ón d e l Fe s t i va l I n t e rn a ci on a l d e C i n e Docu m e n tal de Nava r r a P u n t o d e Vi s t a . Es te j o ven re a li z a d or le on é s , s e le cci on a d o por P roye ct o X Films, qu e s e m u e ve e n e l c a m p o d e l a n o - f i cci ón , pa s e a rá e s t e ú lt i m o t ra b a jo por d i f e re n t e s festivales y es p a c i o s , t a n t o d en t r o c o m o fu e ra d e l pa n ora m a n a ci on a l. S u próx i m a pa ra d a Buenos A i r es y s u B AFI C I . D e m o m en t o y a n t e s d e d i s f ru t a r d e s u s cre a ci on e s e n s u pá g i n a web: www . c hu s d o m i n g u ez . c o m , c o m p a r ti re m os con t od os t a n a g ra d a b le con ve rs a ci ón a la lu z de un pro ye c to r .

¿Cómo desarrollaste tu trabajo? Creo que el punto esencial en el desarrollo del proyecto fue llegar a una idea concreta en lo formal y lo conceptual, y eso fue lo que más me costó. Tenía claro desde el principio que la pensión Eslava, en el casco viejo de Pamplona, era un lugar sugerente para grabar, pero no me decidí hasta comprender que lo que me interesaba era ese lugar como metáfora de nuestro paso fugaz por la vida. A partir de ahí diría que todo fue bastante fluido, jugaba con unas restricciones de tiempo, espacio, montaje, etc., que aunque suponían un cierto riesgo me facilitaban la realización. Programé una grabación de tres semanas, siempre dentro de la pensión. A lo largo del día (y de la noche) grababa aquello que sentía que tenía que ver con el proyecto: algunos acontecimientos que ocurrían en la calle, vistos desde la ventana de mi habitación, o ciertas impresiones de los huéspedes, muchas veces justo antes de dejar la pensión.

Por último, cada día cerraba una edición de los apuntes que había hecho durante la jornada. ¿Cómo ha acogido el público del Punto de Vista “Notas de lo Efímero”? Nunca he sido capaz de valorar la recepción de una obra por parte del público. Podría decir que parece que gustó, pero creo que lo importante es el poso que deja una obra según pasa el tiempo, y eso es muy difícil de conocer.

Tanto en tu faceta de espectador como de autor, dentro de este Festival, ¿cómo lo valoras?

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En este sentido no puedo diferenciar mucho mi papel como espectador y como autor, en el fondo es lo mismo. Creo que Punto de Vista se ha configurado ya desde sus comienzos como una cita imprescindible para conocer el estado actual de la no ficción en el mundo. Ver cine de verdad es algo que necesito para seguir creando y para seguir viviendo.

Te has centrado desde el inicio de tu trayectoria en el cine de no-ficción y en hacer en este campo algo más arriesgado, poco convencional. ¿Por qué? Alguna motivación, si se pueden contar... Nunca me he planteado lo que quería hacer, las cosas salen como salen de forma natural. Realmente hago lo que sé hacer, “lo que me sale”. Lo arriesgado para mí sería intentar hacer otra cosa. En cualquier caso el término “convencional” es evidentemente relativo, como el término “no-ficción”. Lo bueno de Punto de Vista es que, si vives el festival, lo poco convencional deja de ser poco convencional. ¿Qué aceptación tienen entre el público obras tan poco ‘canónicas’ como la tuya? Como decía antes no entiendo mucho sobre las valoraciones que hace el público. Tal y como están las cosas evidentemente mis trabajos son para públicos minoritarios, pero en parte, si no llegan más, puede ser debido a que no son lo suficientemente buenos. Hay que seguir trabajando.

del cine a través de internet, ¿crees que estas nuevas pantallas necesitan abrirse más? ¿Crees que con alguna fórmula propuesta más gente puede acceder a obras como la tuya o a autores que se establecen más allá de las fronteras del cine convencional? Internet es el futuro inmediato, es una plataforma de distribución con infinitas posibilidades, que será evidentemente copada por el sistema, pero en la que siempre habrá un espacio para cualquier tipo de manifestación, individual o colectiva. ¿Cuáles son tus referentes cinematográficos? ¿Qué autores del panorama actual te interesan más? Yo no soy ningún cinéfilo y siempre me da respeto mencionar referentes. Además soy voluble y ecléctico. Se me ocurren ahora dos nombres, Pedro Costa y Van der Keuken, gente que lo que toca lo convierte en magia. Y podría mencionar a Kevin Jerome Emerson, a quien no conocía y que presentó este año en Punto de Vista Erie, una película de las que dejan poso.

Armonizar forma y fondo en el arte es la clave para muchos artistas. En tu obra se puede ver una estética muy cuidada al servicio de unos temas... No me interesa grabar si no tengo una idea clara, sólo grabo cuando tengo claro dónde va a ir ese material montado. Y eso quiere decir que tengo que tener bastante claro el sentido global del proyecto, el concepto, y a partir de ahí surgen la forma de grabar y de editar. La estética está siempre al servicio de la idea, pero nunca tiene sentido en sí misma.

La no-ficción también se reconoce... Por ejemplo tus obras han obtenido premios en diferentes festivales, La sortie en el Festival One Take Film Festival de Zagreb, Croacia, es una ¿Qué ha cambiado desde que en 1996 hicieses muestra. ¿Qué suponen para autores como tú “Bodega 96” hasta “Notas de lo Efímero”? Mulos reconocimientos y la exhibición de tu obra? chas cosas. Es curioso que estas dos piezas reCreo que para cualquier autor la exhibición y el presentan dos momentos vitales muy diferentes. reconocimiento, en la forma que sean, son im- Creo que “Bodega 96” representa la locura apaprescindibles para seguir trabajando. La crea- sionante de la juventud, de la creación desborción audiovisual, como cualquier otro tipo de dante, cuando parecía que todo podía ser posicreación, necesita de la existencia de receptores, ble. Ahora sé que la vida se pasa y un montón de si no hay feedback te mueres. cosas se quedan en el camino, pero que es como tiene que ser. Supongo que me he hecho mayor, Ahora que las academias y los órganos oficiales y “Notas de lo Efímero” es eso, para bien o para se cuestionan de alguna manera la distribución mal, un trabajo de madurez.

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Texto: Alberto Pascual Pérez Imágenes: Chus Domínguez

¿Qué ha supuesto haber sido seleccionado para el Proyecto X Films del Festival Punto de Vista de Navarra? Por un lado ha sido un honor participar en la primera edición de un proyecto tan atractivo como X Films, pero por la misma razón ha sido una responsabilidad importante.

También lo he sentido como una recompensa a un trabajo constante que he desarrollado y que hasta ahora había tenido una escasa visibilidad, y por último ha sido una oportunidad para experimentar con el formato de vídeo-diario y para jugar con la inclusión de un punto de vista explícitamente subjetivo en mi obra.

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U R B A N G ENE R IC FotografĂ­a : A l exa n d er B a s i l e Vestuario: C a r ha r tt .

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mart i n lamoth e D e t r ayec to r i a a s c en d e n t e e i n ve rs a , la f i rm a ca t a la n a Ma rt i n L a m ot h e pe le a por s u h u e co en e l m er c a d o es p a ñ o l d es p u és d e a s e n t a rs e e n e l i n t e rn a ci on a l. Du ra n t e la re s a ca d e s u s e g u n d a p a r t i c i p a c i ó n e n C i b e l e s Ma d ri d Fa s h i on We e k , E le n a Ma rt í n , f u n d a d ora y d i s e ñ a d ora d e c a be c er a , r ec u er d a el c a m i n o re corri d o y e s b oza u n f u t u ro prom e t e d or pa ra s u m a rca y o t r a s c u a n t a s c o n l a s q u e c o m pa rt e g e n e ra ci ón y cri t e ri os com e rci a le s .

En tu pasado reciente se suceden referencias icónicas: Central Saint Martins, Viviene Westwood, Alexander Mc Quenn, Kilie Minogue…

Además, eres videoartista. ¿Crees que la acumulación de experiencias es condición para desenvolverse con éxito en la industria de la moda?

No, no lo creo. Ha sido una opción personal mía.

Hay gente que sin experiencia se lanza y le sale bien. Eso sí, cuanta más experiencia en alta moda, pret a porter… más eficaz te vuelves bajo presión y mejor resuelves las colecciones con menor gasto. Además, al haber trabajado antes, buscas algo que no hayas hecho y huyes de lo comercial, y eso puede afectar a la supervivencia del proyecto.

Texto: Gabriela Giménez Gómez Imágenes: Hugo de la Rosa

“Jubileo 2012”, tu última colección, insiste en Europa del Este como universo. De Centroeuropa a la URSS con mostazas, azul petróleo, plisados, gomas… Hay mucho de vanguardia industrial en tus piezas, pero también romántica y científica. ¿De dónde vienen y a dónde te llevan estás influencias? La influencia viene de un viaje a Vilnius (Lituania), donde me sorprendió que están orgullosos de lo que fueron, pero sólo quieren huir de ello. Vienen de ópera, Bauhaus, metalurgia, grafismo, Brancussi y quieren ser Mikey Mouse, plástico, televisión y Andy Warhol. Y eso me ha llevado a confrontar Oriente y Occidente desde el punto de vista de los intelectuales de los 80, el final de la Guerra Fría y la ‘perestroika’.

A pesar de que iniciaste tu formación en Barcelona, en tus diseños no hay nada mediterráneo. ¿Tanto pesa Londres, donde completaste estudios y has residido años? ¿Te aleja esto del público español? Ese estilo ya lo tenía antes de irme, fue una de las razones por las que me fui.

Aquí no paraban de decirme que mis colores no eran mediterráneos, pero yo era generación ‘Dragon Ball’ y ‘Candy Candy’. Así que me fui a Londres para poder expresarme de esa manera, que resulta ser norte europea, pero que yo creo que es simplemente europeo y vanguardia. Y no me aleja del público español, no de mi público, porque ahora casi todo el mundo es consciente de la moda de fuera.

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La distinción es la salvación. ¿Cuál es el valor añadido de Martin Lamothe? Justamente esa intelectualización de la moda, pero con gran influencia artesanal y prendas totalmente hechas a mano, muy humanas y envueltas en una propuesta de color muy particular, creo que fresca, masculina. O eso es mejor preguntárselo a mis clientes. ¿A qué mujer y a qué hombre viste Martin Lamothe? Creo que son distintas caras del mismo cliente. Es un profesional, que tiene eventos, que gusta del color, que su sexy no es el común, que se gusta y le gusta que su ropa sea diferente, que aprecia que le miren en la calle y que de repente “necesita” esa prenda, ya sea porque habla de él o porque se siente bien y guapo de una forma diferente. Creo, vaya… Muchas veces me escriben clientes para explicarme cómo lo llevan o porqué les ha gustado tanto, sobre todo las prendas especiales. Y te aseguro que te sientes tan bien cuando eso pasa.

Has experimentado con éxito formatos de presentación alternativos a la pasarela, como exposiciones en galerías. ¿Se han acabado definitivamente los tiempos del showroom y el formato clásico de dos desfiles por temporada? No, en absoluto están muertos. Yo los hago y creo en ellos, sobretodo en el showroom para ventas. Lo que si es cierto es que hay otras formas en las que, si no llegas a un nivel mínimo en desfile, es preferible hacer hago alternativo que conecte mejor con tus clientes. No hay más que ver lo que hace Bless, que lo mezcla todo.

Tu visión del negocio es extremadamente amplia y moderna. ¿Dónde y cómo está presente Martin Lamothe para el público? Ahora estrenamos web, imagen y tienda on line. Tenemos blog para informar de eventos pequeños, tenemos facebook para invitar y publicar noticias y el mes que viene empezamos con twiter el making off de la colección para que quien quiera saber cómo se avanza y que hay detrás de un desfile nos siga. ¿Era necesario entonces estar en Cibeles Madrid Fashion Week? ¿Te sumarás al intento de estar presente en pasarelas internacionales en L ados

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próximas temporadas? Cibeles era necesario por que queremos entrar en el mercado latino, especialmente México y Brasil. En España ya se puede encontrar nuestro nicho y en menos de diez años éste tendrá dinero, sensibilidad y educación para no comprar 30 prendas en Zara y escoger con pinzas prendas especiales que les colmen de felicidad durante años y, en consecuencia, el bolsillo no les duela. Nuestro mercado es básicamente internacional, pero nuestro presupuesto roza el cero, así que intentamos ganar invitaciones.

Mientras la crítica y el público alababan ‘Jubileo 2012’ como una de las colecciones más sólidas e inspiradas de la última edición de Cibeles, el jurado entregaba el premio L’Oreal a… Ángel Schlesser. ¿Tiene remedio el encorsetamiento de cierto sector de la moda española?

Todos nos merecemos un premio, al menos por ser valientes y apostar algo por amor al arte. La moda es dura pero muy gratificante y quien haga colecciones pensando en premios lo lleva claro.

Existen muchos factores de valoración en las colecciones y no hay negro y blanco cuando se habla de sensibilidad. ¿Quién soy yo para decir que está encorsetada? La moda es un reflejo de la sociedad.

Lamothe, Escoté, Barros, Helbig, Doblas… ¿Podemos hablar de algo parecido a un ‘nuevo diseño español’ con el que renovar esperanzas?

Todo se verá… Si aguantamos chaparrones, cri111

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sis y muchas cosas por llegar, la habrá. Pero sí, yo diría que se puede hablar de nueva generación. Todos tenemos estilos muy diferentes y en cada temporada se consolidan los nichos de mercado de cada uno. ¿Lugar y fecha de nacimiento? Barcelona, 21 de mayo de 1978 ¿Lugar de residencia? Barcelona y Madrid ¿Martin Lamothe hace referencia a…? Jorge Bolado, Hugo de la Rosa, Gerard Estadella, Daniel Sannwald, Carles Arnan…Todos son ese Lamothe. ¿Un imprescindible para esta primavera-verano? Las maxi prendas, el coral, el fresa, el piscina… ¿Un must de adelanto para 2012? Paño, rígido y muy ‘futuretro’. ¿El mejor club de Londres? The Key, escondido bajo las obras de King Cross. Y para siempre, The George & The Dragon. ¿Una exposición que recomendarías? Todavía sueño con la de Yves Saint Laurent en París, que ya he visitado tres veces, aunque vi una fabulosa de Hussein Chayalan en Estambul. Este año, la de Wolfgang Tillmans, profe mío en Saint Martins. ¿Una profesión alternativa? Qué graciosos, tengo ya mil profesiones alternativas: profe en la universidad, tutora, coolhunter, consultora de producto…

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TA I KA N

STORY

Ph otograp he r : Ta i k a n Model: M a g d a l en a @ Pea r l Mo d el M a n a g e m e n t M ake up a n d ha i r : Ni br a s Stylist: Me l a n i e Tho m a s

Pink playsuit: Beyond retro Bracelet: Bitching and Junkfood Shoes: River Island

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Pink playsuit: Beyond retro Bracelet: Bitching and Junkfood Shoes: River Island

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Shoes: Topshop Unique Stockings: Beyond Retro Suspenders: Beyond Retro Corset top: Partners Intimates Lace gloves: Beyond Retro

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Shirt: Amy Winehouse for Fred Perry Corset top: Ann summers Belt: Deborah Debonair Skirt: Beyond Retro Shoes: Office Bracelet: Bitching and Junkfood

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H E R O INE Ph otograph y b y Cr i s ti a n D i S te fa n o ( c r i s t i a n d i s t e f a n o.com ) .

Styling by Al eg n a Mer l i n o .

M ua & Hair by Jú n i o r Qu ei r ó s w i t h p r o d u c t s L ’ O re a l Pa ri s .

M use Karoli n a M . / El i te B CN .

A spec ial th a n k s t o Jo a n L l a m a s

Jacket: Alexys Reyna Wa i s t B a g : K r i z i a R o b u s t e l l a Trousers: Miriam Ponsa Shoes: Manuel Bolaño

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Jacket: Alexys Reyna Slips: Vintage Panties: American Apparel Shoes: Feiyue

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Gabardine: Miriam Ponsa Shoes: Fleiyue

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Jacket: Alexys Reyna Wa i s t B a g : K r i z i a R o b u s t e l l a Trousers: Miriam Ponsa Shoes: Manuel Bola単o

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Dress: Alexis Reyna

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Ve s t : M i r i a m P o n s a Necklace: Orza Studio Trousers: American Apparel Shoes: Manuel Bola単o

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N O T ICI A S

Arte en Dcode Festival

Hotel MARCO.

Poesía y Arte en Festival Estrella Levante SOS 4.8

Dcode es un festival multidisciplinar, que quiere hacer vibrar al público no sólo con su oferta musical, sino también con un atractivo programa artístico.

A partir del mes de abril de 2011, el Espazo Anexo del MARCO de Vigo se reinventa y vive su mayor transformación dando inicio a un nuevo período con la propuesta ‘Hotel MARCO’, del artista Michael Lin y rvr arquitectos, el reto consiste en transformar el lugar en una habitación de hotel con distintos usos.

Entre la música y la poesía no hay ni un paso, no hay siquiera una nota ni una vocal. En estos términos, nos conviene seguir confundiendo ambos universos por la cantidad de voces que se unen.

Así, en el marco de Dcode, llegará por primera vez a España una propuesta muy original que nació en Reino Unido, Art Barter, o arte por trueque, que ya ha presentado su propuesta en Londres, Nueva York y Berlín. Se trata de una exposición de arte multidisciplinar y entrada gratuita, que tendrá lugar entre el 10 y el 25 de junio en el C Arte C (Centro Arte Complutense), en la que las obras artísticas no se comprarán con dinero, sino que el medio de pago será el trueque por servicios. El éxito de este concepto ha hecho que en otras ediciones de Art Barter artistas internacionales tan cotizados como Tracey Emin o Jason Dodge hayan cambiado sus obras por treinta horas de francés o una semana de vacaciones.

El propio recinto del festival también se transformará en una plataforma de exhibición artística, ya que la organización británica Onedotzero proyectará en las pantallas gigantes una muestra de algunos de los mejores video artistas internacionales.

En su apuesta por el arte, Dcode ha elegido al prestigioso artista alemán afincado en Barcelona Boris Hoppek como autor de la creatividad y la imagen gráfica del festival. Este creador, mundialmente famoso por la campaña de los c’mons que realizó para una marca de automóviles, será el autor también de una instalación artística que podrá verse dentro del recinto del festival.

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La idea del proyecto surge de la oportunidad de reformar un lugar ya existente y de dotar al museo de un espacio habitable concebido como proyecto artístico, para poder invitar a comisarios, artistas e investigadores a conocer nuestro contexto, dentro de un programa de residencias.

Además, cualquier persona interesada podrá utilizarlo como habitación de hotel propiamente dicha, previa reserva y pago de tarifa, y disfrutar de la experiencia de albergarse dentro de un espacio expositivo pensado como obra de arte, y situado a la vez dentro y fuera de las instalaciones del Museo.

El proyecto ‘Hotel MARCO’ no sería posible sin la colaboración en el proceso de producción de ocho estudiantes de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Vigo. Los ocho estudiantes seleccionados previa convocatoria de prácticas de montaje y apoyo a la producción por parte de la Fundación MARCO son: Iris Margarita Alcaina Patiño, Laura Ilona Arha, Marta Fariña Rodríguez, Cristina Luna Ávila, Sara Martínez Soutiño, Lorena Alexandra Méndez González, Santiago Novas Otero y Yukawa Quione López Otero, todos ellos bajo la coordinación de Frédéric Matagne.

En esta segunda edición de programación poética dentro del Festival SOS 4.8. se ha elaborado un cartel eminentemente musical, con cinco artistas de gran prestigio en la música que en este Festival mostrarán su faceta más poética y una de las voces de la poesía nacional más crítica y potente: Patti Smith, Lee Ranaldo, Albert Pla & La Orquesta Somiatruites, Arnaldo Antunes, Marcos, Maria Eloy-García.

Destacar también la extensa exposición de arte preparada para el SOS 4.8 2011 que reflexiona sobre “la discoteca”, como templo sensitivo de exposición, a un sin fin de temas que poco a poco van penetrando melódicamente en nuestros cuerpos, fijando en ellos melodías, sensaciones, recuerdos, deseos, en definitiva experiencias.

Así la parte plástica del SOS genera este año una plataforma con forma de discoteca para reflexionar a partir de las obras de algunos de los grandes protagonistas del arte contemporáneo sobre temas que rodean al mundo de la discoteca como la euforia, la frustración, el dinero, el baile, el erotismo, el histrionismo y el caos, la resaca, la alucinación, las drogas, el recuerdo y la nostalgia, el ridículo, la cultura pop o la expresión plástica con forma de graffiti o la obsesión.

Entre los artistas participantes podemos encontrarnos con Julião Sarmento, Julian Opie , Jonathan Meese y Fernando Garcia.

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Nissan Juke Rocks El dúo catalán formado por “Mister Furia” y “Professor Manso”, The Pinker Tones, son los encargados de representar a España en el concurso europeo que ha organizado Nissan Juke Rocks. Con cinco discos en el mercado, el grupo catalán compite contra otras tres bandas, los franceses Pony Pony Run Run, los alemanes Bakkushan y los italianos The Visitors Attak.

Las cuatro bandas deberán superar seis retos distintos, entre dichos retos se encuentra, la realización de un vídeo musical, un concierto improvisado en la calle o elegir al mejor aficionado del grupo. También tendrán que crear la portada de un álbum, hacer una actuación exclusiva para tres aficionados hasta hacer una convocatoria masiva para preparar un “flash mob” de lo más rockero. El ganador del certamen resultará de las votaciones que realicen los internautas a través de la web: www.youtube.com/nissanjukerocks Los internautas podrán votar aquellos vídeos más creativos y originales, ofreciendo al grupo que más votos obtenga la realización de un gran concierto en su ciudad. Además, se sorteará un regalo VIP especial o una entrada para el concierto en la página oficial de Facebook de Nissan Juke Rocks: facebook.com/NissanJukeESP

Urbanears mini: Urbanears Bagis.

“Hipatia” en el MUSAC.

FIBActúa: Scena Simulacro 2011.

Llega en pequeñito la versión más compacta de la experiencia Urbanears. Auriculares tipo tapón que permiten la escucha del sonido de forma directa y sana gracias al caucho con tela combinada y al cordón TPE que permite eliminar distorsiones causadas por la fricción. Pequeños y cómodos ya que se ajustan como un collar. Perfectos para no tenerlos que guardar cuando no los usas.

MUSAC inaugurara el próximo día 9 de abril una nueva muestra dentro del Proyecto Vitrinas comisariado por Belén Sola: “Hipatia. Pedagogías de género en espacios de reclusión”.

El Proyecto Vitrinas mostrará desde el 9 de abril el recorrido del proyecto que se ha venido desarrollado entre los años 2007 y 2011 por el DEAC MUSAC. El título de la muestra:”Proyecto Hipatia: Pedagogías de género en espacios de reclusión”. Este hace referencia al título de la revista que se ha publicado con mujeres recluidas en el módulo 10 de la prisión de Mansilla de las Mulas (León), pero también a todo el proceso de reflexión y acción desarrollado en estos cuatro años de trabajo, en torno al contexto particular de las mujeres en prisión.

“Proyecto Hipatia” mostrará por orden cronológico las acciones desarrolladas en la cárcel entre 2007 y 2011 a través de talleres, proyecciones y encuentros, además de las cuatro ediciones de la revista publicada hasta el momento. Con la inauguración de la exposición se publicará el quinto y último número de la revista Hipatia, con textos que las mujeres participantes en el proyecto han escrito a lo largo del año 2010, y de aquellas personas que han participado durante la vida del proyecto.

Rebautizado hace unos años con el nombre actual de FIBActúa, la Muestra de Teatro de FIB presenta las más interesantes propuestas de teatro que llenan las calles y escenarios de Benicàssim. Su programación facilita el intercambio de ideas y compañías, la fusión de géneros y la búsqueda de nuevos modos escénicos propiciando la intervención de jóvenes creadores nacionales e internacionales.

Tampoco te pierdas la nueva gama de colores de la temporada. Los innovadores miembros de la familia amenizan los días soleados con su sonido.

Sin olvidar su funcionalidad ya que además tienen micrófono, botón para contestar / apagar el móvil y adaptadores para funcionar con la mayoría de teléfonos móviles y reproductores de música.

14 colores nuevos siguiendo los moldes clásicos: Plattan, Tanto y Medis.

Más información en www.urbanears.com

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Así en su afán de evolución, FIBActúa en colaboración con la Sala Triángulo de Madrid gestó una iniciativa para dar la oportunidad de descubrir a los valores emergentes, se llamó: Scena Simulacro. La finalidad de Scena Simulacro es presentar a nuevas compañías con uno o dos espectáculos como bagaje. Los premios, uno por votación del público y otro de jurado, son el actuar para el público de Benicássim y en la propia sala madrileña.

La final de este Scena simulacro 2011 será el 18 de mayo ofreciéndonos las tres compañías mejor valoradas que a lo largo de los ocho miércoles que componen el concurso, los jurados seleccionados han ido votando tras ver los espectáculos. Todo el público asistente a la final votará y allí mismo se decidirá quien es el ganador de Scena Simulacro 2011, en una gala dirigida por la compañía Impromadrid.

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Missoni para Converse Chuck Taylor All Star

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Shulong Classic Plus Jersey L ados

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Texto: Jesús Ramiro Flores Imágenes: Maribel Ruíz de Erenchun

En la historia de la gastronomía española, jamás ha habido un cocinero con la relevancia de Ferran Adrià. No sólo es merecedor del galardón de mejor cocinero español, sino que por derecho propio y méritos profesionales ha llegado al ansiado trono mundial, poniendo en lo más alto del panorama culinario la gastronomía nacional. Generando lo más difícil, primero, ser profeta en su tierra, segundo creando una corriente perseguida y anhelada por un gran porcentaje de sus “colegas de gremio”, seguidores ávidos de sus creaciones, técnicas, secretos y filosofía de su cocina, admiradores de una corriente trasformada en filosofia, rama troncal de la alta cocina, creador de la cocina Adriàtica.

Asistir a elBulli es más que disfrutar de un restaurante, es una experiencia cercana y familiar, donde Adrià presenta la naturalidad que sólo los genios en las bellas artes saben destilar, la proximidad de alguien que es uno más, la cercanía de alguien que a pesar de haber conseguido lo más alto en su profesión, respira, siente y vive como tú, siendo el mismo que empezó hace muchos años ya, trasmitiendo y sintiendo igualmente los mismos miedos, temores y sentimientos que tú, trasmitiendo que es un común más… Pero todos sabemos que no es así, todos sabemos que es Ferran Adrià.

Hablar de Ferran Adrià es hablar de un extenso currículum, resumirlo es decir que después de haber conseguido todo en el mundo de los fogones y de las creaciones culinarias, elBulli, el templo mundial del peregrinaje gourmet y la cultura gastronómica, cierra irrevocablemente sus puertas el próximo 31 de julio para dejarnos huérfanos, para dejarnos ciegos de referencia y estrella a seguir.

La velada, no puede ser de otro modo; mágica y sensitiva, una última cena donde en compañía de mi padre degustamos cuarenta 128

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y tres platos, cuarenta y tres obras maestras insuperables a cada cual mejor. Sabor, ejecución, sorpresa, técnica, son adjetivos imposibles de no asociarse a su cocina, a una creación en evolución contínua con la que deseas terminar un plato para ver con qué te sorprende a continuación, por ver cuál es la siguiente sensación a descubrir… Cuatro horas de deleite, de placer culinario; cuatro horas durante las cuales el tiempo se para y se reduce pareciendo que sólo han pasado cinco minutos. Cuatro horas durante las cuales todos los sentidos se activan; olor, tacto, gusto, ¡el oído!..., llevándote y trasladándote a otro universo, a una burbuja donde todo es perfecto y tus sentidos se estimulan al doscientos por cien. Un universo donde la obra de Ferran o Fernando como le llamaba mi padre cuando le conoció hace 25 años y como yo le conocí cuando tenía doce, cobra todo su sentido. Un universo donde un plato vacío significa algo más, un plato vacío capaz de removerte y darte que pensar.

Así, describir alguno de los platos de los que se conformó nuestra experiencia resulta casi imposible, a todas luces incompleto e insuficiente. Seguro que me entendéis.

La velada concluye, llegando a su fin, recordar y seleccionar un plato sobre el resto es casi imposible, y aun así, destaca uno por encima de todos. Me quedo con el plato más especial y que siempre recordare. Sin duda, lo mejor fue poder tomar un Gin Tonic después de la cena en la mesa de cocina junto a él, en su laboratorio, en el hogar de elBulli, en el corazón de la alta cocina española y, por qué no decirlo, mundial. Así en compañía de Ferran Adrià y todo su equipo me gusta recordar una vela que desde el primer bocado hasta el último segundo será una experiencia que recordaré durante mucho tiempo.

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Coordinador general José Ugidos lados@ladosmagazine.com Redactor jefe J. M. Fernández Dirección de arte Estudio Ritxi Ostáriz www.ritxiostariz.com Diseño y maquetación Ritxi Ostáriz Fotografía Ana Frechilla Sara Muñoz Araceli Martín Chicano Traducción Ricardo Martín Coloma Asesor gastronómico Jesús Ramiro Flores Asesora moda María Mateos Asesora arte Sofía Valdezuela Asesor música Javier Mielgo Publicidad general publicidad@ladosmagazine.com tfno: 658 788 915 Publicidad Guía. Zona Noreste noreste@ladosmagazine.com Publicidad Guía. Zona Centro-Norte jose@ladosmagazine.com Agenda agenda@ladosmagazine.com ¡Visítanos!

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