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L A D O S Glasvegas

Fe r n a n d o A l f a r o

Ana Curra + Digital 21 Yo n a F r i e d m a n

Kode 9

Moon Duo

Destroyer

The Marzipan Man

D av i d Fav r o d

Jorge Quijano

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The Horrors Connan Mockasin Manuel Bola単o

---------------------------------------------Conciertos SON Estrella Galicia Laetitia Velma

High Llamas

con Dominique A a la guitarra + Tulsa en acústico

+ Esben and the Witch

Conciertos Sublimes de Vertical Pop Fecha 3 de Junio Lugar Teatro Lara, Madrid

Fecha 6 de Julio Lugar Teatro Lara, Madrid Venta Ticketmaster

The Godfathers

Jamie Lidell

Fecha 11 de Junio Lugar LeClub, Coruña Venta Portobello, Nonis

Fecha 28 de Julio Lugar Teatro Lara, Madrid Venta Ticketmaster

Asia Fecha 16 de Junio Lugar Coliseum, Coruña

---------------------------------------------Festivales SON Estrella Galicia 15MilFest Sound & Music

Iván Ferreiro, La Bien Querida, Stereotipos,...

Fecha 4 de Junio Lugar Expocoruña, Coruña

Festival Mirador Pop Sr Chinarro, La Habitación Roja, Triángulo de Amor Bizarro, Maika Makovski,...

Fecha 10 y 11 de Junio Lugar Baluarte de la Candelaria, Cádiz

Festival Sinsal 9 San Simón

Laetitia Velma con Dominique A, Wooden Wand, The Kellies, Buke and Gass, Secret Chiefs,...

Fecha 25 de Junio Lugar Isla de San Simón, Vigo

V de Valarés

Xoel, Guadalupe Plata, Anika Sade,...

Fecha 25 de Junio Lugar Playa de Valarés, Ponteceso

---------------------------------------------Otras fechas SON Estrella Galicia Chuck Prophet (performing London calling de The Clash), O Marisquiño, Eli “Paperboy” Reed, ...

---------------------------------------------Programación salas SON Junio Conciertos Sublimes Vertical Pop 03 Laetitia Velma con Dominique A a la guitarra + Tulsa en acústico Sinsal (varios espacios) 25 Festival Sinsal 9 San Simon

Mondo Club, Vigo 10 Pepper Pots Café Pop Torgal, Ourense 03 Nadadora + The Marzipan Man

LeClub, Coruña 11 The Godfathers 25 Misterioso Viaje Holanda

www.estrellagalicia.es

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Glasvegas

Diego Galaz

Manuel Bolaño

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Ana Curra + Digital 21

Juan Pedro Martín “Pucho”

Fluroessence

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Fernando Alfaro

Volador

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The Marzipan Man

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Destroyer

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Moon Duo

Yona Friedman

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The Horrors

Km.0 - Sara Haraigue

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Will Johnson

David Favrod

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José Morán

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Jorge Quijano

As Tears Go By

Imagen de portada Alberto García-Alix

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G L A S V E G A S En una época en la que aparentemente seguir la tendencia de la mayoría te da derecho a estar en la onda, resurge Glasvegas para romper con el mito del mainstream. Un estilo complicado, envuelto en una capa que lo hace diferente y a la vez trabajado. Ahora, nos presentan “Heuphoric/Heartbreak” (Columbia Records 2011), un álbum cumplidor del sello “made in UK” pero con orígenes y aromas americanos, con el que estos escoceses de acento difícil han declarado la guerra sin cuartel ni duda a las bandas monotemáticas.

Vuestro último trabajo “Heuphoric / Heartbreak” ha sido compuesto en Santa Mónica y grabado en Londres. ¿Qué es lo que os ha aportado California a la hora de inspiraros y crear?

Realmente fuimos a Los Angeles de viaje y James se encontró muy a gusto, así que pensó en que nos podíamos quedar allí durante un tiempo y mientras componer los temas de este “Heuphoric/Heartbreak”. Encontramos una casa en Santa Mónica, al lado del Océano Pacífico y a poco más de veinte minutos de los Angeles, realmente lo que inspiraba James era mirar por la ventana y ver el sol golpeando las olas en el océano, algo a lo que no estamos muy acostumbrados en Glasgow, quizá ese contraste nos dio la clave para sacar este disco adelante.

Entonces, ¿pensáis que necesitabais escapar de vuestro “mundo real” para tener otra perspectiva? Sí, totalmente. Siempre hemos compuesto en casa, pero creo que necesitábamos salir de Glasgow ya que hay demasiadas distracciones. Todos nuestros amigos y familia están allí y es prácticamente imposible evadirte y centrarte totalmente en un disco. Por eso decidimos componer y grabar en otro sitio, fuera de casa, fuera de los límites seguros y plácidos de nuestra vida, salir e irnos lejos.

Para este segundo trabajo contáis con la figura de Flood como productor, ¿cómo fue la experiencia de trabajar con un productor de la talla de el (TheCharlatans, Placebo, PJ Harvey)? ¿Qué os aportó? Lo más importante que nos aportó fue confianza. Fuimos a Londres, nos reunimos y le explicamos el disco que queríamos y que el nos dijera como conseguirlo. Nos dijo que 5

todo saldría bien, que haríamos un gran disco y así fue, así surgió “Heuphoric / Heartbreak”. Personalmente lo que más me gustó fue el clima de tranquilidad y comodidad que logró crear.

Desde este disco contáis con un nuevo batería, Jonna Lofgren. ¿Cómo ha influido esto en vuestro sonido? Bueno, realmente llevamos una línea bastante homogénea con respecto al disco anterior y el cambio de batería no se ha notado especialmente en el sonido. Quizá podemos apreciarlo más a la hora de trabajar y de aportar ideas en el estudio durante la fase de grabación. A parte, ella es muy graciosa (risas).

Vuestro primer disco fue un éxito para la crítica y vuestros fans. Después de haber logrado algo así, supongo que será complicado encontrar un objetivo motivador. ¿Qué es lo que estáis persiguiendo en este “Heuphoric / Heartbreak”? Creo que el objetivo ya lo hemos cumplido, ya que el disco suena como nosotros queríamos que sonara, sin mayores pretensiones, ni objetivos de éxito. Sinceramente creo que el punto que nos marcamos se alcanza una vez que estás contento con el resultado del disco; y nosotros lo estamos.

Grupos como U2 u Oasis os eligieron para que fuerais sus teloneros en giras europeas. ¿Os sentís identificados con ellos? Cuando éramos más jóvenes solíamos escuchar mucho a Oasis y ahora supongo que algo queda en nuestras canciones, aunque está claro que nosotros no somos un grupo al que se pueda etiquetar como “britpop” durante la primera vez que se escucha nuestro sonido. U2 es una banda que escuchamos constantemente y sí, creo que tenemos algo suyo también; de hecho cuando nos llamó Bono para acompañarles en la gira nos dimos cuenta que realmente encajamos con su forma de entender la música y llevarla al directo.

Sinceramente creo que somos una banda de pop muy suave, como los Beach Boys, aunque no tenemos nada que ver. Creo que sois vosotros los que tenéis que decirlo y lograr trasmitirlo al público para que la gente lo entienda.

En este “Heuphoric/Heartbreak” nos damos cuenta al leer las letras, que se tocan temas muy diferentes. Nostalgia, amor, tristeza… ¿Nos estáis dejando palpar vuestro estado de ánimo más íntimo? Es algo que en cierta manera sí. No nos desnudamos en cada canción, pero si podemos encontrar un motivo con el que nos sintamos identificados para inspirarnos y ponernos en esa situación, sacarle el máximo provecho y representarlo. ¿James es el único que escribe las letras? Sí. Sólo él es el que compone. Tiene un talento impresionante, tanto que me atrevo a decir que el 99% de esta historia sale de él.

Me ha llamado la atención la portada del disco… ¿La chica es Marilyn Monroe? Sí, es Marilyn Monroe. Justamente es una de las últimas fotos que le tomaron antes de morir. La foto nos encanta y decidimos utilizarla en la portada cuando estamos en Santa Mónica. Mucha gente piensa que es la madre de James, (risas).

Vais a estar en “El Día de la Música” el 18 de junio en Madrid, una fecha bastante especial para los grupos que tocan. ¿Qué esperáis de este concierto en España? Sinceramente no lo sé.

Simplemente que la gente se lo pase bien y disfrute. No sé porque no hemos tocado nunca en España… Siempre se lo he preguntado a la gente que organiza nuestras giras.

Habitualmente la prensa especializada os encasillamos como una banda de rock, pero creo que no tiene nada que ver con el rock puro, más macarra. ¿Cómo podemos definir el estilo de Glasvegas? (Risas). Bueno, esa es una pregunta muy difícil de responder. No sé cómo responder.

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Te x t o : J e s ú s M a r í a Ve l á z q u e z y Te r e s a L ó p e z G o n z á l e z Imagen: Pip

Glasvegas con un sólo trabajo a sus espaldas y el reciente “Heuphoric / Heartbreak” se consolidan como una de las pocas bandas que con su sensibilidad y sencillez consiguen arrastrar a un público nada minoritario, que encuentra en sus letras y las melodías que las envuelven el orgullo de reconocerse, sin tapujos ni artificios, sin pretensiones ni miedos. ¿Crees que Geraldine es el tema que os ha abanderado? ¿Os ha dado la llave para abrir la puerta del éxito? Bueno, realmente fue nuestro tema más sonado en nuestro primer disco, fue el single y buena forma de empezar cuando sacamos el álbum, pero creo que el disco en general, de forma global, es lo que nos empujó a estar donde estamos ya que no nos consideramos una banda de “singles” somos una banda de discos y de directos.

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A n a curra d i g i tal

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La primera pregunta es obvia y directa, como no puede ser de otra forma. ¿Por qué el regreso, ahora?

A n a : En primer lugar, no es tal regreso. Durante este tiempo yo he seguido haciendo música, a otros niveles o en otros circuitos que no han tenido tanta repercusión mediática. Pero durante este tiempo he participado en festivales de poesía, he acompañando a mis alumnos del conservatorio en directo...

Realmente nunca he abandonado la música porque forma parte de mí, de mi necesidad vital. Lo que no necesito es estar en lo “público”, ni la popularidad. Me gusta ser una persona anónima y tener mi vida privada. La música en si misma me llena sin tener necesidad de ninguno de los otros planos que rodean al panorama musical.

El hecho de dar un paso al frente y sumergirme en un nuevo trabajo musical es más coyuntural, está más relacionado con el momento y la situación actual que con un hecho o pensamiento premeditado. Yo creo que en la vida te vas nutriendo de los diferentes sucesos que te toca vivir, la vida te va llevando y cuando tienes algo que decir, lo dices; como es mi caso en este momento, sacando el disco con Digital 21 que creo que me puede aportar y llevar a otros marcos, a otros escenarios donde yo me siento mas cómoda, como son los auditorios, los museos, el teatro, etc.

Para una persona tan influyente y que tuvo tanta repercusión mediática, ¿cómo ha transcurrido este tiempo? ¿Qué destacarías y salvarías de esos años?

A n a : Yo no reniego de nada de mi pasado, en primer lugar porque creo que es absurdo arrepentirse de algo que ya has hecho, y en segundo lugar porque en cada momento me gusta ser consecuente con lo que he vivido. Además en lo personal tengo un componente de riesgo bastante elevado porque creo que he venido a la vida para aprender y me tiro a la piscina en muchas situaciones sin pensar en ningún momento en las posibles consecuencias de mi inexperiencia.

He vivido como he sabido y como he podido, y destaco todas las cosas que he hecho, desde mi primer disco con los Pegamoides, al siguiente con Parálisis Permanente y al siguiente con Los Seres Vacíos… He hecho cosas bajo distintos nombres, también festivales de poesía, me gusta mucho la 7

literatura y escribir. Yo no destaco nada en concreto y lo destaco todo… Porque de alguna forma no tengo la necesidad o ambición de que la gente reconozca lo que hago. Es algo más personal, lo que hago me lo planteo a nivel de satisfacción personal.

Miguel, como mito de La Movida y precursora de unos de los sonidos que marco su época, ¿cómo han influido los sonidos de Ana Curra en tu trabajo general?

M i g u e l : La verdad es que yo nunca he escuchado mucha música española. He sido una persona muy metida en el mundo de club, grupos como Radiohead, Portishead, The Cure...

Para mí el vínculo con grupos como The Cure, Siouxie, o Bauhaus, en España en los ochenta era Parálisis Permanente, ellos eran mis referentes más cercanos. Gente que le gustaba y buscaba un sonido cercano a lo que yo tenía en la cabeza y que a mí me gustaba. Parálisis Permanente, junto con los primeros Radio Futura, son dos referencias nacionales importantes para mí, y que, por supuesto, su sonido está de alguna forma en las melodías que salen de mi cabeza, de mi interior...

Ana, a finales de los 80 dejas a un lado la industria musical y te vuelcas en la enseñanza y en el mundo clásico. ¿Parir un disco es tan duro como sacar arriba un alumno?

A n a : No sabría decirte…, en mis discos lo doy todo pongo mis propios dilemas, anhelos y fantasmas. Pero con mis alumnos también me implico al cien por cien. Para involucrar a alguien y trasmitirle entusiasmo te tienes que entusiasmar tú a cada minuto. Sacar un alumno hacia arriba es muy duro… Normalmente yo les llevo durante los siete años que dura su carrera, es una gran responsabilidad y eso me ha dado una gran disciplina y compromiso. La enseñanza es muy dura. Una buena clase es como un concierto, lo das todo en ella.

Pongámonos en el punto de partida, en el preciso instante cuando de alguna forma se inicia este proyecto común, Digital 21 Vs Ana Curra. ¿Cómo y cuándo surgen las ascuas de este proyecto?

A n a : La idea ha surgido sin mucha premeditación y con una absoluta falta de perjuicios, al menos por mi parte. Pensé: me voy a embarcar en

una historia un poco diferente, voy a emplear el piano que es un instrumento muy solemne y muy austero a la vez, pero que es capaz de transmitir un cúmulo de sentimientos y emociones intensas e imperfectas como la propia vida. Miguel por su parte buscó una serie de sonidos electrónicos básicos para dar continuidad y coherencia a toda la grabación y que servían de hilo conductor por todo el trabajo.

El disco está compuesto básicamente por piezas instrumentales. A veces la elocuencia de la música hace que las palabras sobren, o si aparecen sean mínimas. La idea era, a partir de un sonido básico como es un piano acústico y sonidos que se acercan más al ruido que a la melodía o al sonido con nota, construir un hilo conductor y volcar nuestras verdades más íntimas explorando una línea más esencial.

M i g u e l : “Digital 21 Vs Ana Curra” se cocinó muy despacio, casi podríamos decir que surge a través del tiempo. Hace unos cuatro o cinco años nos puso en contacto Jesús Ordás animándonos a hacer algo juntos, y durante ese tiempo nos hemos conocido poco a poco, aproximándonos el uno al otro muy despacio, colaborando de forma esporádica. Durante esos cuatro años yo he sacado dos discos míos donde en uno de ellos Ana ha colaborado con su voz, también en varios directos míos como en Buenos Aires o en varios de Madrid… Poco a poco fuimos viendo que encajábamos hasta que un día hace catorce meses decidimos encerrarnos para dar forma a este disco.

Reto importante, compartir ideas e ilusiones, pensamientos y emociones, para un trabajo proyecto que abre las puertas a los escenarios y a los medios por partes iguales después de mas de una década en silencio. ¿Cómo ha sido el proceso de grabación y de edición de este trabajo?

A n a : Ha sido una colaboración en la que cada uno hemos puesto una parte, Miguel las bases electrónicas y yo el piano. Desde el principio hemos estado cómodos y todo ha surgido con naturalidad pero las últimas canciones han sido mucho más satisfactorias y han salido más rápido, han sido más viscerales. La verdad es que la química entre nosotros ha funcionado muy bien.

M i g u e l : Ha sido algo fantástico, y aparte cuando trabajo con otra persona es un alivio, date cuenta que en los veintidós años que llevo en la L ados

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Texto: Javier Mielgo Imagen: Alberto García-Alix

Hablar de Ana Curra es, sin lugar a dudas, hablar de una de las piezas claves de la música de los ochenta. Es por lo tanto hablar sin recelo de La Movida. Es hablar de uno de los personajes más emblemáticos y misteriosos del panorama musical y es el pretexto perfecto a modo introductorio para traer y presentar el regreso musical de Ana Curra en formato binomio junto con Miguel López Mora, o lo que es lo mismo Digital 21.

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música, durante casi algo más de quince de ellos he hecho música absolutamente en solitario. Si a esto le añades el poder trabajar con alguien tan especial como Ana, el resultado es perfecto.

De forma más concreta creo que, tanto para Ana como para mí, este trabajo ha sido una especie de relación donde nos hemos retroalimentado de nuestras energías. Muchos momentos donde hemos disfrutado mucho y a través de este disco hemos hecho algo muy bonito que es plasmar un momento compartido de nuestra vida.

pieza, para ser arropada posteriormente por una coral de electricidad que nos sitúa en el momento actual de la composición…

A n a : La forma del requiem ha existido a través de los tiempos. Hay grandes autores que han construido grandes piezas con la estructura o la formalidad del requiem a lo largo de la historia, como Mozart o Maurice Duruflé; porque al fin y al cabo la muerte forma parte de la vida, el duelo por lo que muere o por aquello que perdemos está entre nosotros continuamente.

Nosotros en este tema lo planteamos de una manera muy actual pero con mucha reminiscencia del siglo XVIII en la forma armónica de los acordes. Cómo te va guiando a lo largo del tema, llevándote a un ambiente donde el misterio por la muerte y el miedo por todo lo que puedes perder es, sin duda, la llave o el corazón del tema.

M i g u e l : Es una canción que, por motivos personales, diferentes para cada uno de nosotros, es muy importante, atesora mucho significado.

“Requiem X” es uno de los temas que más tiempo nos llevo durante su composición y grabación, fue de los primeros temas que compusimos. Para mí es un tema importante al que me gusta darle la relevancia y empaque que se merece. De hecho, en los conciertos de teatro, que son más largos y podremos desarrollar todo el repertorio con tranquilidad, tenemos previsto darle una presencia destacable, cuidando su sonoridad, su iluminación...

“Digital 21 Vs Ana Curra”, conciso y a la vez descriptivo nombre para un trabajo donde lo que encontramos es precisamente eso, las virtudes y miedos de dos amantes de la música, dos polos que un día decidieron cruzar sus mentes, emociones y sentimientos a través de las notas que constituyen este trabajo. ¿Qué es para ti “Digital 21 Vs Ana Curra”?

A n a : Como te decía anteriormente es un paso más en el camino, una aportación a la música que se está haciendo actualmente. Desde el punto de vista musical creo que es un trabajo muy honesto y que no está basado en nada, salvo en nuestras propias carreras y bagaje. En definitiva, en nuestros sentimientos y vivencias que hemos podido acumular en nuestra piel a través de nuestras vidas y lo que en ellas nos ha sucedido. Un trabajo sin lugar a dudas honesto, sincero, que se desarrolla a partir de nosotros mismos sin ningún otro artificio ni herramientas externas a nosotros.

M i g u e l : Para mí es un disco muy íntimo e in- “Digital 21 Vs Ana Curra” prosigue, avanza en tenso, seguramente será uno de esos trabajos que minutaje para llegar al tema, quizás más difeperdurará en el tiempo y al que yo particularmen- rente. “Arrebato”, tema que mira al pasado a los te volveré una y otra vez en un futuro. Creo que ojos sin temor ni arrepentimiento, descarado y dentro de unos años lo miraremos Ana y yo con despreocupado como la década a la que pertenece su historia, los ochenta… mucho cariño.

A n a : Sin duda alguna, es un tema donde los Ahondemos en “Digital 21 Vs Ana Curra” y des- ochenta están de forma clara, es algo lógico porgranemos algunos de los temas más relevantes; que se trata de una música que hemos mamado los como el tema que abre, “Mundo Correcto”, dos. Para mí, fue una época donde el aprendizaje inicio perfecto para un retorno de alguien que y las vivencias eran intensas, no había miedo en quizás nunca dejo de irse, primer paso adelante dar un salto al vació o al que dirán, fue una parte para decir que el pasado es pasado y que está de mi vida estupenda. olvidado…

M i g u e l : “Arrebato” nace cuando yo veo la película “Arrebato” de Zulueta. Es un tema que A n a : “Mundo Correcto” al igual del resto de canciones como “Cielo de Bagdad” o “Respiran- yo compuse en el año 2000 y que tenía aparcado. do” que componen el disco y que son total o prin- Cuando estábamos grabamos el disco se lo enseñé cipalmente instrumentales creo que son temas a Ana y decidimos retomarla. Me parece un tema diferentes y distintos, temas en los que la música interesante que mezcla dos estilos jungle y elecy el título lo transmite todo sin necesidad de una tro con rock. Cuando lo retomamos y Ana cantaba “… arrebato, arrebato, revolución” sonaba letra explicativa.

En el caso concreto de “Mundo Correcto” tiene de alguna forma muy para dentro, muy intenso e como letra una única frase que se va repitiendo íntimo, muy como a “Parálisis”. Creo que en ese continuamente para dejar claro que en el fondo momento se cruzaron nuestras energías y el tema todos estamos solos y que por mucho que grites cobró sentido para formar parte del disco.

Supongo que si tiene influencias del pasado teneso no va a cambiar. drá que ver con el momento en que la compuse, El siguiente tema que destacaría sin dudar es aunque evidentemente los dos tenemos muchas “Requiem X”, donde las inconfundibles notas influencias de los años ochenta, Ana porque los del piano componen la estructura básica de la vivió, y yo porque mi grupo favorito de toda la 8

vida es The Cure; yo con diecinueve años aprendí tocar todos los instrumentos de los discos de The Cure.

El final perfecto, y quizás resumen de tu vida y a la vez de este trabajo, aparece en el tema que cierra la edición digital, “Visitando a Bach y a Stoogues”…

Ana: “Visitando a Bach y a Stoogues” es un resumen o epílogo para mostrar sin prejuicios que podemos ir desde lo más espiritual y arquitectónico de la música clásica a lo más visceral e interno del punk. Vamos de un extremo a otro, del alma a las tripas, sin miedo y sin temor y satisfechos del resultado final porque en él está presente nuestras almas y nuestras formas de amar a la música.

Para terminar, ¿qué sientes cuando escuchas este trabajo?

A n a : ¡La liberación! Una vez que un trabajo está acabado no vuelvo a escucharlo salvo para llevarlo al directo. No me gusta el retomar un trabajo y escucharlo para analizarlo, encontrándole matices que se pueden retocar o modificar. Una vez que he terminado un disco me gusta pasar a otro terreno, que es el directo y su interpretación.

Prefiero así disfrutar cada uno de los temas encima del escenario y encontrar para cada canción el sonido perfecto en su directo. Es fascinante el poder ver como cada tema se retuerce sobre el escenario para encontrar su hueco, observar como se transforma para seguir presente adaptándose a nuestras vidas y nuestros impulsos.

Nuestra próxima fase son los directos, a mí personalmente me apetece mucho porque además creo que es mucho más bonito el directo que el disco.

M i g u e l : Por una parte siento alivio, ¡ha sido un trabajo muy duro! Por otra parte siento alegría de haber hecho un disco que será algo para siempre, algo especial que siempre tendremos entre nosotros. Es un disco que no está hecho para gustar a nadie en concreto, es un trabajo hecho a partir de retales de nuestras vidas, partes de dolor y partes de alegría.

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Texto: Miguel Díaz Herrero Imagen: Archivo

Hablar de Fernando Alfaro, Albacete, 1964, es hablar de uno de los artistas con más personalidad de la música española en cualquiera de sus vertientes trasmutaciones o etapas como en Surfin’ Bichos, Chucho o como en su último trabajo “La Vida es Extraña y Rara” (Marxophone 201 1), en solitario. Alfaro, un gran conversador también, nos habló de él vía telefónica. Y es que pocos compositores de nuestro país saben utilizar el castellano de una manera tan cruda y a la vez sensible para hablar tanto de tortuosos personajes y estados del alma como de momentos más luminosos. Todo ello sin perder de vista la ironía y la metáfora como herramientas para afrontar lo extraño y absurdo del mundo en que vivimos.

Precisamente su nuevo disco, grabado esta vez sin Los Alienistas, se titula “La vida es extraña y rara” (Marxophone 2011). ¿Qué has hecho con los Alienistas? Los Alienistas fueron una banda que creé para funcionar de forma estable. La creé en Albacete. Entonces me trasladé a vivir a Barcelona, a finales de 2009. Así que no tenía ningún sentido seguir con ello, aunque es algo que se ha hecho. De repente el líder cambiaba a todos los músicos y el grupo seguía llamándose igual. Pero a pesar de que incluso en alguna ocasión me lo han sugerido, es algo que jamás podría hacer. Aunque Los Alienistas no fueran propiamente un grupo, llamémosle, sino mi banda de apoyo, con la que grabé el disco también, y de hecho la sensación que tenía era la misma que con los grupos que había tenido Y haciendo un juego de palabras con la canción de tu anterior disco (con Los Alienistas), ¿qué tiene que gritar a los cuatro vientos Fernando Alfaro? Pues en realidad yo no grito mucho. Se me ha comentado más de una vez que canto de una forma tranquila para las cosas que estoy diciendo. Pero yo creo que las cosas reales se gritan solas. Tratándolo de formas más o menos pausada (porque sí que hay momentos más desaforados, aunque no muchos), yo creo que hay cosas que es mejor tomárselas con cierta calma. ¿Y qué quiero contar? En cierto modo la verdad. Aunque a veces utilices la ficción, hay veces que cuentas cosas más o menos verídicas.

En tu primer single “Camisa Hawaiana de Fuerza” me parece que hablas de lo loco y contradictorio que es estar enamorado: “Si tu amor me hace libre/ ¿Por qué no puedo irme?/ ni medio metro me puedo alejar”. ¿Hace falta una “camisa hawaiana de fuerza” para enamorarse? ¿Quién crees que necesita una? Más que que se necesite, porque yo no voy de psiquiatra jefe del hospital poniéndoles camisas de fuerza a la gente, es como mirarse de repente y ver que llevas puesta una camisa hawaiana, y que encima es una camisa de fuerza. Descubrirte a ti mismo, por ejemplo, enamorado, o en una situación insospechada.

Es como todo el disco, o como toda mi carrera. Yo nunca me he dedicado a decir a la gente lo que tiene que hacer, sino que intento describir la realidad, digamos. ¿Quiénes son los “héroes podridos” a los que te refieres en otra de las canciones del disco?

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¿Quiénes son tus verdaderos héroes? Precisamente de lo que habla la canción es de que no creo que existan héroes. Reconozco que es una tendencia muy humana, yo también tiendo a idealizar a ciertas personas y a crear ídolos o héroes.

Pero en cuanto les aplicas la luz pública realmente son seres humanos, sin más. En la canción hablo de ciertos mineros que tuvieron una atención mediática exacerbada, y terminó demostrándose que no eran héroes, eran personas. Y también habla de cierto profesor, también muy mediático, que fue héroe hasta que simplemente se demostró un ser humano lleno de confusión como soy yo también.

La gente que tenemos una mínima repercusión pública, se nos tiende a idealizar, y en realidad estamos llenos de caos también.

pop español de siempre, “Tejido de Felicidad” (Chewaka, 1999). ¿Cómo recuerdas aquellos dos primeros discos con Chucho, banda sonora de Amenábar incluida? ¿Y cuál es tu canción favorita de Chucho? La primera pregunta es fácil y la segunda es difícil. Yo con Chucho disfruté muchísimo primero musicalmente, porque eran unos grandísimos talentos. Javi y Juan Carlos fueron los primeros (empezamos como trío), y luego entraron Miguel y Emilio. Todos ellos unas máquinas de hacer pop, o de hacer rock, como quieras llamarlo.

Pero Juan Carlos y Javi aparte, personalmente, me marcaron mucho. Viví grandes momentos de mi vida con ellos, en esa época y con esos discos. Es verdad que todo el mundo tendemos a idealizar y a recordar lo bueno, pero es que yo creo que hay mucho bueno. Además, la grabación de “Tejido de Felicidad” la recuerdo en especial por muchas cosas, por el momento personal también, el sitio donde lo grabamos, el primer disco que hicimos con Kaki (Arkarazo)… Era pleno invierno, pero lo recuerdo todo muy luminoso. Puede ser la nieve que había.

Por el contrario, en “Gol Psicológico”, el amor aparece como algo a lo que poder agarrarse cuando las cosas no van tan bien. Explica ese símil futbolero. Por cierto, ¿lo eres? Futbolero, me refiero… Soy futbolero, pero intento no ser forofo.

Y “gol psicológico” es un término que siempre me había resultado chocante. Pensaba: “Gol psicológico, ¿tendrá poderes mentales?”. En este caso, Si no tres, dime al menos una canción es una simple metáfora de cómo te puede ocurrir de Chucho… Voy a decir tres, pero es algo en un momento determinado, cuando menos muy difícil. Me gusta “Ricardo Ardiente lo esperas. Como, por ejemplo, enamorarte. Hay do”, (dubitativo), “Magic” y… no sé, y gente que le pasa continuamente, también, y que “Perruzo”. te puedes agarrar a ello. De todas formas la canción funciona como una especie de relato casi de Ya tienes algunos conciertos previstos para juciencia ficción, o incluso de miedo. Porque es todo nio, ¿cómo va a ser la gira? ¿Qué canción te tan guai en eso de enamorarse, que terminas no gustaría que te pidiesen? El repertorio va a ser sabiendo si es real o realmente él murió en una cu- el disco. Luego también tocaremos cosas antiguas, neta, y todo lo demás se lo está imaginando. Es una pero no muchas tampoco porque siempre lo que especie de relato de terror, casi, pero todo con una debes tocar es el material que tengas entre maamplia sonrisa psicópata (risas). nos, tu momento musical. Pero claro que me hace ilusión tocar temas antiguos. De hecho, cuando ¿Cómo ha sido grabar con Raül Fernández (Re- toco en acústico toco muchas canciones mías de free), como productor del disco? Fue una elec- Chucho y de Surfin’ Bichos. Lo que pasa es que ya ción un poco arriesgada para mí, porque todas las son tantas que no puedes atender peticiones. Tenproducciones que él había venido haciendo eran go del orden de doscientas canciones, y es difícil más trabajos de orfebrería pop, en cierto modo tenerlas al día. Y si tocas con banda, sobre todo alejado a lo que yo había venido haciendo. Pero una banda nueva como ahora, sólo puedes tocar yo le conocía desde hacía mucho, y veía que téc- las canciones que hayas ensayado. Pero sí que tonicamente, como productor, había llegado a un caremos algunas. nivel muy apetecible para mí. Y que musicalmente íbamos a tener mucha más sintonía de lo que ¿Y hay alguna canción que te dé pereza tocar? puede parecer desde fuera. Y finalmente fue así. Pereza ninguna, lo que sí encuentro son dificulCreo que no me equivoqué. tades para interpretar canciones, porque se echan en falta algunos instrumentos o porque llevan un Ha pasado más de una década del lanzamien- arreglo. Hay canciones más difíciles de interpreto de, para mí, uno de los mejores discos del tar en acústico que otras.

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En abril de 2004 veía la luz un 10”, “Sign Of The Dub / Stalker”, con la referencia HYP001 y firmado por dos nuevos nombres que aparecían en escena: Kode9 y Daddi Gee (también conocido como Spaceape). Desde entonces Hyperdub ha ido evolucionando hasta posicionarse como uno de los mejores sellos de la actualidad. Una marca de calidad de la verdadera música electrónica hecha en, por y para nuestros días. Steve Goodman es el responsable de todo esto.

Fundador de Hyperdub, periodista, dj y músico, hablamos con él para preguntarle sobre su último trabajo junto a Spaceape: “Black Sun”.

La voz de Spaceape tiene una presencia muy dominante en vuestros trabajos. Siempre bajo el efecto de filtros y manipulaciones, como si se tratara de la voz de alguien que nos habla desde muy lejos, un impresionante ejercicio de spoken word dibujado entre la transmisión de radio y el hip hop. Qué tratáis de transmitir con este personal uso de las voces? La voz de Spaceape suena de ésta forma porque ha sido grabada como si se tratase de una transmisión desde otro mundo, desde el mundo de “Black Sun”. De ahí la distancia, el efecto de los filtros nos proporciona la calidad para conseguirlo. Su voz es muy mutante y tiene múltiples efectos, incluso sus propios coros, sin olvidarnos del poder de la voz de la vocalista china Cha Cha que también colabora en varios cortes del disco. ¿Cómo soléis trabajar a la hora de componer? ¿Qué viene primero, la composición sonora o las voces? Generalmente nos estamos dando feedback uno a otro constantemente. Mayoritariamente, la música es mía y las voces suyas. ”Black Sun” es el primer disco en el que he compuesto la música específicamente para sus letras. En “Memories Of The Future” trabajamos al revés y él escribió todas las letras sobre la música que yo había creado previamente. ¿Qué nos puedes contar sobre los instrumentos que os han llevado a materializar “Black Sun”?

El sonido de “Black Sound” está totalmente dominado con mis sintetizadores analógicos aunque prefiero no hablar sobre cuáles son exactamente.

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¿Cómo habéis enfocado vuestros directos a partir de “Black Sun”? Contendrá toda la energía positiva del álbum, pero tenderá a ser mucho más caótica y flexible, con la música de un tema apareciendo brevemente bajo las letras de otro. Intentamos que la gente se sienta como si estuviera entre las arenas movedizas que describimos en el artwork del álbum. ¿Cómo habéis desarrollado todo el imaginario de letras de “Black Sun”?

Hacen referencia a mutaciones y enfermedades en torno a los fenómenos de la radioactividad, temas realmente candentes en nuestros días tras los recientes acontecimientos de Japón. ¿Existe un escenario social o político bajo la música de Kode9 & The Spacepae? El álbum ha sido concebido como una gran historia ficticia que crece a partir de nuestras experiencias personales.

Deberías de hablar con Spaceape sobre el discurso político de las letras, pero mi producción sonora no es política. Al menos en un sentido obvio. El proyecto de nuestro álbum giró desde un principio en torno a la creación de un mundo en el que ocurrieran varios sucesos accidentales que marcaran la realidad, y que arrojaran una extraña luz esperanzadora que nos lleve de vuelta a ella. Estamos muy interesados en hacer funcionar algo cuyo final está completamente abierto, enmarañando y empujando al oyente a crear su propio conjunto de significados basados en sus convicciones políticas, estéticas e interpretaciones

Texto: Francisco Jesús Suárez Imagen: Optigram

“Black Sun”, tu segundo trabajo junto a Spaceape acaba de ver la luz. Tras las primeras escuchas uno se encuentra con un sonido mucho más directo, violento y colorido con respecto al anterior “Memories Of The Future”. ¿Qué conceptos os planteasteis a la hora de abordar éste nuevo trabajo?

Estábamos muy interesados en capturar parte de la energía de nuestros directos y trasladarla al álbum.

Intentamos que fuera mucho más caótico, más colorido y más rítmico. También queríamos desarrollar un paso más nuestros intereses en la ficción sonora, así que desarrollamos la visualización de ese mundo ficticio que construye nuestra música en el artwork del album. Ambos, tanto Stephen como yo, estamos interesados en ideas alrededor de la radioactividad, así que nuestro objetivo era convertir todos éstos bocetos en una unidad musical, lírica y visual donde convivieran armónicamente.

Háblanos un poco de tus influencias. Música, literatura, cine... Entre muchas cosas, pero por encima de todas creo que podría situar toda la obra de J.G. Ballard, realmente la adoro. La discografía de Funky Worm en música y las películas de Kurosawa también son pilares fundamentales. ¿Y planes de futuro al margen de Hyperdub y Kode9 & The Spaceape? Ahora mismo estoy trabajando en un libro nuevo, la secuela de Sonic Warfare. También estoy trabajando en una instalación de arte sonoro relacionada con un colectivo llamado Audint, la cual será presentada en N.Y. en mayo.

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H Y P E R D U B

Si hay un sello que a día de hoy puede sentirse orgulloso de haber documentado escrupulosamente el nacimiento, evolución y desarrollo de la penúltima revolución estilística de la música electrónica, ese es Hyperdub. Siete años de música con mayúsculas. Más de cincuenta referencias publicadas, algunas de ellas son hoy consideradas sin discusión como parte de la historia reciente de la electrónica. Siete años de acetatos y sonidos humeantes que certifican la expansión de un género que surgió a inicios del 2000 para mostrarnos el sonido más oscuro y underground de Londres. Hyperdub es fiel a la bass music y en sus archivos encontramos el enorme cajón de sastre que dicho nombre supone: : dubstep, Uk Garage, Uk Funky, dub, spoken word, 2step, grime, broken beats....

Decenas de jóvenes artistas han ido planchando sus creaciones bajo las etiquetas de Hyperdub, y haciendo del sello todo un estandarte generacional cuyo impacto podrá ser calculado en su justa medida dentro de varios años. Pero lo cierto es que a día de hoy su influencia es enorme. Desde Burial hasta Flying Lotus pasando por Joker, Martyn, Darkstar, King Midas Sound o Skream. Hyperdub es una inmensa cantera que desborda creatividad y que sobre todo es fiel a una apertura de miras que permite la constante mutación sonora que domina en el género, y que lo engrandece por su capacidad de relacionarse con decenas de registros diferentes alcanzando a lo largo de todo éste tiempo, cotas creativas tan altas como el imprescindible “Untrue” de Burial.

5 D i s c o s clav e para e n t e n d e r H yp e rdub

Burial Untrue

King Midas Sound Waiting For You

Con “Untrue” Burial terminó de definir un sonido que él mismo comenzó a construir sin parecerse a nada y dando forma a un universo increíble dominado por voces líquidas y atmósferas densas, dolor y desolación, emoción y belleza sonora universal que llevaron el nombre de Burial a cruzar todas las fronteras del underground. El disco de la década.

“Waiting For You” escribe la banda sonora de un apocalipsis urbano dibujado entre bajos monstruosos y atmósferas opresivas, alimentadas de voces profundas y sonidos espectrales. Un álbum que crecerá y crecerá con el paso de los años y que supone un estímulo regenerativo incalculable de los parámetros clásicos del dub, el trip hop y el spoken word.

Darkstar North

VV.AA. 5 Years Of Hyperdub

Joker / 2000F & J Kamata Digidesign | You Don’t Know What Love Is

“North” es la confirmación del potencial creativo del trío Darkstar. Pop hecho con máquinas que podría remitirnos a Gary Numan o a The Human League, a los Radiohead del “Kid A” y el “Ok Computer”. Ellos han sabido condensar todas éstas influencias mejor que nadie para devolvérnoslas en uno de los mejores trabajos del pasado año.

Hyperdub cumplió su primer lustro y lo conmemoró con un imprescindible archivo de 32 tracks firmados por artistas del sello y colaboraciones amigas. Kode9, King Midas Sound, Darkstar, Burial, Joker, Mala, Martyn, Flying Lotus..., un auténtico all-stars del underground electrónico actual. Básico a la hora de conocer el sello y en qué consiste toda ésta revolución sonora.

El 12” “Digidesign / You Don’t Know What Love Is” nos da una idea de la brillante colección de singles que atesora el sello. “Digidesign / You Don’t Know What Love Is” sirvió de origen al purple sound y se convertiría en uno de los emblemas del sonido británico de nuestros días.

HDBLP006, 2010

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HDBLP002, 2007

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JUEVES 14 thUrSday

THE STREETS

Paolo NuTiNi PENdulum PlaN B cHaSE & STaTuS coNgoTRoNicS vS RockERS feat. konono no.1 | deerhoof kasai allstars | juana molina | wildbirds & peacedrums | skeletons cRySTal FigHTERS doRiaN JuliETa vENEgaS

aLdO LINarES aNNa CaLVI GrUpO SaLVaJE hENry SaIz JaCk BEatS LayaBOUtS VIOLENS VIErNES 15 frIday

THE STRokES BRaNdoN FlowERS ElBow JamES muRPHy FRiENdly FiRES THE STRaNglERS

aTom RHumBa HERmaN duNE THE JuaN maclEaN NudoZuRdo thE 1945 aINara LEGardON JaNE JOyd thE MarzIpaN MaN thE MOrNING BENdErS O EMpErOr thE parIS rIOtS zOMBIE zOMBIE SÁBadO 16 SatUrday

aRcTic moNkEyS mumFoRd & SoNS PRimal ScREam present ScREamadElica BEiRuT Big audio dyNamiTE BomBay BicyclE cluB amaBlE aSTRud & col.lEcTiu BRoSSa loRi mEyERS

JErry fISh & thE MUdBUG CLUB LOGO MCENrOE NadadOra SMILE SpECtraLS taME IMpaLa dOMINGO 17 SUNday

aRcadE FiRE

PoRTiSHEad TiNiE TEmPaH NoaH & THE wHalE PRoFESSoR gREEN aNTòNia FoNT caTPEoPlE THE go! TEam THE Joy FoRmidaBlE

aNd SO I WatCh yOU frOM afar aNIka thE COrONaS frOM IrELaNd hIdrOGENESSE INdIENELLa VErONICa faLLS ... y MUChOS MÁS /...aNd MaNy MOrE

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“Kaputt” es el noveno disco que editas con Destroyer, ¿cuál es la diferencia en el proceso de creación entre Destroyer y tus otros proyectos?

La verdad es que con The New Pornographers o Swan Lake normalmente todo requiere mucho menos tiempo, unas dos semanas. Yo suelo escribir la canción, participo en la adaptación del tema y también estoy metido en la música, pero en estos casos hay más gente que genera ideas o aporta su estilo en temas de producción. En este sentido, “Kaputt” ha sido totalmente lo contrario para mí, me ha llevado más o menos unos veinte meses y la verdad es que todo empezó con ideas de instrumentos, sonidos y en establecer el grupo de colaboradores. Destroyer se caracteriza por tener un grupo de colaboradores que cambian de un disco a otro, lo que me aporta más libertad que en el resto de formaciones, por lo que todo depende más de mi, aun cuando hay más gente tocando, las decisiones las tomo yo o pasan por mí, puede decirse que soy el jefe.

Escuchando este disco, diría que los arreglos de viento son los protagonistas, especialmente los solos de saxofón. ¿Cómo ha sido crear este sonido de finales de los 70 tan cercano a un “Low” o “Young Americans” de David Bowie? Realmente fue muy sencillo, lo que hicimos fue seleccionar los instrumentos que queríamos que sonasen.

Grabamos por un lado los solos de saxo durante una tarde y seguimos el mismo proceso con la trompeta. Realmente no hubo mucho que pensar yo quería que Joseph Shabaso tocara el saxofón, y conocía a JP Carter de Vancouver y quería que tocara la trompeta, así que lo grabamos y así fuimos componiendo las diferentes piezas. La verdad es que yo no estaba acostumbrado al proceso de grabación o de interpretación de estos instrumentos, así que no estaba muy seguro de cómo iba a sonar al final. Estaba seguro de que quería que sonase a un estilo finales de los setenta y creo que ese espíritu se refleja muy bien en el disco.

También encontramos bastante experimentación en este disco, melodías más íntimas y cierta recreación en las atmósferas, ¿cómo lo hiciste?

Antes y durante la grabación de Kaputt había estado muy metido en un determinado tipo de música, un rollo música ambient de los 70 y los 80, tipo Tangerine Dream, cosas así, pero también he estado escuchando mucho Jazz de los 60. He cogi19

do esas influencias y las he ido metiendo en varias canciones y construyendo largas intros, creando más una atmosfera, mucho más musical que otros discos anteriores.

Ya has mencionado que Destroyer es sobre todo una banda de colaboraciones. ¿Cómo ha sido colaborar con Kara Walker? Fue muy sencillo la verdad, yo no la conocía, la colaboración comenzó a través de mi sello Merge Records. Kara tenía algunas ideas y me envió algo de material que había escrito y me pidió que le pusiera la música. Al principio me sentí bastante intimidado, era diferente a lo que suelo hacer, pero también fue muy divertido y me permitió liberarme. Pero el proceso fue muy sencillo únicamente cogí la base añadí mi voz, una suave melodía... cuatro acordes de piano, progresiones..., la verdad es que fue todo un poco improvisado.

En la edición de vinilo hay una cara B completa que no está incluida en el CD. ¿Cómo es? La cara B del vinilo es más instrumental, tiene una canción con veinte minutos, con unas composiciones extraordinarias de Ted Bois, que ya había tocado los teclados en Destroyer anteriormente. Él colaboró y grabó esa parte manteniendo el espíritu de Kaputt pero con una extraña mezcla de un estilo a lo Sakamoto, música ambient y el sonido de los ochenta.

Eres lo que podría llamarse un artista multidisciplinar, abordando diferentes campos desde la escritura, a la escultura, pasando por la fotografía o la performance... ¿Cómo se conectan tus diferentes facetas con tu música? ¿Qué artistas plásticos te han influenciado más? Es difícil decirlo, claramente en mi música hay influencia de todo esto, pero creo que en Kaputt quería ir más allá, acercarme a las bandas sonoras y alejarme de la canción pop... Por otro lado cuando tus letras se inspiran en la política, en el cine o la poesía creo que son más interesantes. La verdad es que no tengo un referente claro en cuanto a las artes visuales. No como en literatura o música o sonidos en donde sí identifico claras influencias desde hace años, creo que esa sería la principal diferencia.

En la canción “Savage Night At The Opera” hay también un tributo a New Order, y referencias a la vida nocturna, ¿crees que una escena nocturna de Vancouver o NYC te han servido de inspiración? Creo que esta canción, al igual que el tema que da nombre al disco, muestran ese lado de la noche, el salir, el hastío y una cierta alusión a la decadencia. Sin embargo para mí no significa tanto retratar la noche sino, especialmente ahora que me hago más mayor, realizar un ejercicio retrospectivo. Ahora llevo una vida bastante tranquila y no salgo mucho, y Kaputt refleja ese estado de ánimo, el mirar hacia atrás y recuperar aquellos recuerdos que van surgiendo a medida que te haces mayor y te vuelves más filosófico..., emerge de algún modo una cierta nostalgia. En este sentido evoca ciertas reminiscencias de la música que escuchaba cuando empecé a meterme en esto, siendo un adolescente a mitad de los ochenta. Música que no he escuchado en una década pero que ahora por algún motivo vuelve a mí...

En la escena musical actual se nota esa influencia de finales de los setenta y principios de los ochenta, cada artista adapta las canciones a su manera pero, ¿cómo es para ti este proceso de recoger todos esos recuerdos, darles formato y experimentar con ellos? Muchos de los artistas que están experimentando con ese sonido de los ochenta han nacido en los ochenta, por lo que son mucho más jóvenes, y se encuentran en ese proceso de descubrir esa música. Me acuerdo de mí mismo cuando era más joven y descubrí ese sonido, me obsesioné con todo lo que se hacía en UK en esa época y con el glam rock, era fascinante, como un tesoro que acabara de descubrir. En este disco todos estábamos buscando un tipo de sonido parecido que para mí significaba volver al pasado y volver a conectar con ese período tan importante para mí.

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Texto: Cristina Martín Imagen: Ted B ois

Los canadienses están de moda y los revival también, y si no que se lo digan a Dan Bejar, con ocho discos a sus espaldas, Bejar vuelve de nuevo con “Kaputt” (Dead Oceans 2011), el último disco de su proyecto personal Destroyer, en un ejercicio de nostalgia hacia el sonido glam, la música ambient y los ritmos discotequeros de los Ochenta. El meta artista canadiense, más conocido como componente de la banda indie The New Pornographers y por ser uno de los veteranos de la escena de Vancouver, nos cuenta el proceso de creación de su disco más particular, más ecléptico y experimental, pero también el más maduro. Destroyer actuarán en España el próximo día 19 de junio en el Festival Día de la Música Heineken en Matadero de Madrid y el 21 Junio en la Sala Bikini de Barcelona.

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Ripley Johnson (miembro de Wooden Shjips) y Sanae Yamada son Moon Duo. Una pareja que está llamada a formar parte de la historia del movimiento underground psicodélico, oscuro e inconformista que tantas joyas nos ha traido desde Estados Unidos. Desde los tiempos de Suicide o Sonic Youth hasta esta misma formación, las atmósferas cargadas, las guitarras afiladas e infinitas y las melodías vocales cautivadoras a la vez que intrigantes se han convertido en casi una declaración de principios para muchos músicos. Hablando con ellos aprovechando su visita a España descubrimos que son dos músicos cercanos y humildes que símplemente quieren subirse a un escenario y hacer rock and roll.

Texto: Arturo Jiménez Calvo Imagen: Aylin Gungor

Moon Duo se forman a partir o con miembros de Worden Shjips. ¿Por qué y cómo surge la necesidad de dar rienda suelta a vuestra creatividad fuera de la frontera de Worden Shjips?

La razón inicial fue que con Worden Shjips no podía girar durante todo el año ya que algunos de los otros chicos tenían trabajo, familia u otras responsabilidades. Sin embargo yo quería seguir haciendo música todo el tiempo y necesitaba otra cosa en la que canalizar toda mi energía. La decisión de formar un dúo fue que así podíamos viajar sin mucha carga y plantearlo todo de una forma muy minimalista.

Para definir vuestro sonido es habitual recurrir a etiquetas y frases como “mezcla perfecta entre el “krautrock”, el trance y la psicodelia…” ¿Qué palabras o etiquetas utilizarías vosotros? No me gusta definirlo mucho porque creo que si defines tu trabajo demasiado terminas cerrándote puertas a otras posibilidades y una de nuestras metas es ser siempre flexibles y capaces de probar cosas nuevas continuamente y poder ir en cualquier dirección que queramos. Intentamos no poner adjetivos a nuestra música…, pero me gusta el rock and roll.

Tal como cometáis actualmente estáis inmersos en la gira promocional de este “Mazes”, esta gira os esta llevando por numerosas salas de todo tipo, unas más pequeñas y otras como la sala Nasti o el escenario del Primavera Sound en Barcelona, más grandes. ¿Será esta gira la de consolidación de Moon Duo ante un respetable mayoritario como el del Primavera Sound y el de Madrid? ¡Esperamos! ¡Nunca puedes predecirlo! ¡Eso estamos intentado!

En “Mazes” de alguna forma y siguiendo con la línea compositiva de vuestros anteriores trabajos, los temas parecen más claros, más certeros, más concisos y limpios. Le habéis dado presencia a unos teclados imprescindibles y omnipresentes para que los sonidos oscuros y ambiguos ganasen claridad, el resultado, hit claros y concisos. ¿Compartís esta idea-sensación nuestra? ¿Cuál es vuestra percepción de “Mazes”? Sí.

Seguramente porque hicimos todo el disco y luego volvimos atrás en lugar de grabarlo, mezclarlo rápidamente y sacarlo a la calle directamente. En esta ocasión grabamos las pistas, lo mezclamos, y escuchamos qué cosas podríamos mejorar. Pasamos mucho más tiempo trabajando en este disco y gran parte de ese tiempo lo empleamos en dejar los conceptos claros, mejor enfocados en cuanto al sonido e idea de las canciones. Algunas de las canciones son más cortas y más directas. Todo más concreto.

Después de los dos primeros Eps “Love On The Sea” & “Killing Time” este último Ep bajo el sello de Zola Jesús, editasteis en el 2010 “Escape”, ahora estais defendiendo el impulsivo “Mazes” (Souterrain Transmissions 2011) ¿Qué esperais de este segundo trabajo? Este es nues- Destacamos de lo anteriormente dicho el protro primer disco en el sentido estricto. No sé qué pio tema “Mazes” o “When You Cut” , dos esperamos realmente, para serte sincero. Que- grandes himnos. Cuéntanos un poco acerca de ríamos hacer el disco, salir a la carretera, pre- estos temas. “Mazes” es probablemente la cansentar un buen trabajo, dar buenas actuaciones… ción más pop del álbum. Tuvimos una “lucha” con Este lanzamiento es mucho más profesional, los ella porque no sonaba como nuestro material ananteriores fueron en plan “háztelo tu mismo”, terior. Cuando estábamos mezclándola decíamos así que queríamos ver qué pasaba si trabajába- “Umm… esto es muy pop… ¿Realmente queremos mos con sellos al uso, con promoción en las giras, hacer esto?” (Risas) y “When You Cut”, bueno, etcétera. Hacer la grabación en casa es mucho es una canción antigua, que escribí hace tiempo, más cómodo para nosotros, así que más de la mi- que estaba rondando por ahí y que siempre quise tad del disco lo grabamos entre los dos y luego grabar. Desde que decidimos hacer un disco más lo mezclamos en un estudio enfrente de nuestra serio supongo que enfocamos más las cosas, afiancasa, simplemente con fines promocionales y en zándolas mejor y creo que por eso suenan más a lugar de lanzarlo directamente, dejamos que las canciones pop… pero quizá no lo suficiente como discográficas hicieran el trabajo de medios y or- para que se escuchen en la radio (risas). ganizaran una gira en condiciones. Hemos hecho un tour de un mes en América y haremos un mes Sin embargo la tranquilidad e intensidad de los y medio aquí…, y así veremos si se va ampliando dos temas anteriores se desborda cuando escuchamos “Fallout” o “Run Around”, dos temas nuestro público.

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carne de directo, con guitarras distorsionadas infinitas. Temas donde en directo se dejan desarrollar en secuencias infinitas e inagotables, que apuntalan directos gloriosos. ¿Cómo afrontais estos temas en directo y cómo son vuestros directos? ¿Qué podemos esperar de vuestras guitarras subidas al escenario? El nuevo disco tiene más capas, que no podemos reproducir los dos en directo, así que suena algo diferente, con otro aire.

Más rock, más directo, más vivo y ¡más ruidoso!

También trabajamos con samplers en directo, pero nada especial, solo pulsamos un botón…, no hacemos djing…, (risas). En cuanto a las guitarras… mmm… distorsiones… ¡los mismos efectos que he usado siempre en todos mis proyectos! Es mi equipo habitual, nada especial. ¿Cuál es el tema favorito vuestro en directo de este “Mazes”? ¿Y el tema de estudio preferido del disco? Creo que mi favorita es “Seer”. ¡De hecho por eso la pusimos la primera en el disco! En directo nos gusta “In The Sun”… y “Run Around”, ¡porque es muy divertida! ¿Qué diferencias podemos encontrar entre el presente “Mazes” y vuestro no tan antiguo trabajo “Escape”? “Escape” era muy básico, muy minimalista y lo hicimos todo en casa. Lo grabamos en tomas directas y lo mezclamos con unos amigos. Mazes se grabó de otra manera, varias tomas sobre tomas. También hay más capas, algunas pistas tienen hasta cuatro guitarras, incluso guitarras acústicas. Buscamos un sonido más compacto.

Para terminar, ¿cuáles son las referencias claras de este “Mazes”? ¿Suicide, Royal Trux, Silver Apples…? Bueno, nos gustan esas bandas, pero no pensamos mucho en ellas cuando hicimos el disco, si acaso en Sonic Youth y grupos del estilo.

Queríamos hacer un disco de rock. Realmente no teníamos en la mente nada en concreto, ni queríamos imitar el sonido de nadie, (porque tampoco creo que seamos capaces de hacerlo una vez dentro del estudio), (risas). Aunque escuchamos mucha música mientras trabajamos, paseamos al perro o escribimos canciones no pensamos en ello como influencias directas.

Una recomendación… Cave de Chicago, Coconut que son de Nueva York, Sonora…

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HORRORS

Las tendencias están para cambiarlas, para romperlas y para no dejar que sean perennes. The Horrors dan un paso más en su carrera y prosigue con su evolución cambiando un sonido oscuro que giraba a modo de satélite en la órbita del post punk, por una bienvenida a los años 80 que puede definirse como pacífica y atmosférica, y en la que sin renunciar a sus principios psicodélicos de creación de muros de sonido hipnóticos consiguen dar un giro a su sonido con unas reminiscencias cercanas al shoegazing. La renovación llega a las melodías, a la producción y a la forma de plantear el disco. Aun así la calidad y el trabajo duro siguen constantes en “Skying” (XL Recording 2011).

Te x t o : J e s ú s M a r í a Ve l á z q u e z Imagen: Tom B eard

“Skying” es vuestro tercer trabajo, un disco donde el sonido que encontramos nos transmite la sensación de estabilidad, dando un paso al frente para conquistar el respeto de un público mayoritario alejado de vuestro habitual público más fiel. ¿Cómo veis vuestro nuevo trabajo “Skying”?

Pensamos que realmente es un disco fantástico.

Apesar de la apariencia de tranquilidad que respiran sus melodias tiene un contexto entusiasta muy enérgico, vitalista, dejando atrás esa aureola de pesimismo más barroco que nos acompaño en nuestros anteriores trabajos. Para nosotros piensa que a sido una progresión totalmente natural, una progresión que nos a servido para meter muchas ganas en este disco, hemos confiado en personas como Craig Silvey lo que nos ha dado la oportunidad de dar un gran salto.

y de intentar hacer un disco que se pudiese bailar, mos, desde la psicodelia de los 70 hasta los inicios que implique movimiento y sobre todo que deje de la electrónica experimental o la contemporánea una sensación de cambio. Hemos basado el disco … cosas muy diferentes, así que todo viene de todas en trabajo y calidad, algo que en una balanza pesa partes en realidad. Mucha gente escucha el disco más que el riesgo. y nos dice: “Habéis estado escuchando esto o lo otro”, pero donde está la principal similitud es que Uno de vuestros sellos de identidad es hacer can- nuestras cabezas se encontraban en un lugar muy ciones largas, donde las progresiones melódicas parecido al de esa gente cuando hizo sus discos. son infinitas espirales que se van enlazando unas Nos interesa mucho la psicodelia y los sonidos que con otras y los giros de ritmo marcan diferentes expanden la mente llevando al oyente a cualquier caminos para una misma melodía como en “Mo- lugar lejos de si mismo. ving Further Away” o en “Oceans Burning”. ¿Estás de acuerdo? Por supuesto. Tratamos de incluir Me has comentado que en este álbum trabajasteis todas las ideas que surgen dentro de un mismo con Craig Silvey. ¿Cómo fue la experiencia? Muy tema. Todos y cada uno de nosotros ponemos nues- buena. Ha sido la primera vez que trabajamos con tro granito de arena durante la composicion de un productor y sinceramente aunque hemos trabacada tema buscando que de alguna forma cada uno jado muy duro las cosas fueron sencillas. Craig nos de nosotros dejemos nuestra “huella” en cada tema, ha entendido perfectamente desde el primer minupara “imprimir” todo esto necesitamos temas con to. Sabíamos lo que queríamos, se lo comentamos y melodías largas. lo hizo de forma instantánea.

Desde vuestros comienzos ha quedado clara vuestra tendencia, vuestra idea de música y de grupo. ¿Podemos encontrar algo diferente en este disco? Desde luego que sí. Hemos querido dar “Still Life” es una de las canciones más radicales un paso adelante y hemos arriesgado con otro tipo del álbum, con un bajo muy marcado que nos de sonido, con nuevas mezclas, cambios de ritmo va guiando por todo el tema, un bajo al que se muy marcados. Un claro resumen de lo que te es- le adorna con sintetizadores de los 80. ¿Por qué toy comentando es “Still Life”, que hemos elegido la elegisteis como primer single? Fue uno de los como single. Este disco es muy diferente, uno nun- últimos tema que compusimos, y para nosotros ca quiere hacer el mismo dos veces. Quizás el moti- contiene muchas de las nuevas ideas que son clave vo de las diferencias sónicas que puedes encontrar en todo el disco. También sentimos que queríamos en este trabajo es que hemos crecido como banda. editar algo que tuviese éxito para todo el mundo Esto no quiere decir que queramos olvidarnos del y, al mismo tiempo, introdujera lo que es la banda pasado y de nuestros anteriores discos, más bien ahora a los oídos de la gente, y creíamos que éste debemos verlo como una evolución, nuestra pasión era un buen punto de partida. Cada uno de los por el sonido de Joe Meek o Phil Spector, las gui- temas va dando relevo al siguiente de esta forma tarras de los Fuzztones… todos esos ingredientes podemos navegar por todo el disco y disfrutar de él. siguen ahí, pero de un modo diferente.

Para describir el presente “Skying” se plantean Entonces podríamos decir sin temor que en el numerosas y variada referencias, referencias que presente “Skying” habeis cortado por lo sano intentan abarcar la capacidad creativa plasmada con la anterior tendencia de los dos primeros dis- en temas como “Changing the Rain” o “Oceans cos. “Skying” os abre un nuevo camino ante vo- Burning” donde la síntesis de las referencias sotros, un camino inexplorado donde poneis so- como el krautrock, shoegazing y after-punk, bre la mesa todo el resto de vuestro público más resultan esqueléticas, insuficientes e insultantefiel a la carta más alta del respeto… ¿No piensas mente anquilosadas. ¿Cómo definirías el sonido que esto es bastante arriesgado? Claramente he- de este “Skying”? Bien, es verdad que hacemos mos evolucionado en nuestro tercer disco, a priori los discos de una forma muy egoísta, buscamos si podríamos pensar que es arriesgado, pero real- siempre el poder hacer algo que no tenga ningumente no creo que con este disco podamos perder na similitud con nada que estemos escuchando en a parte de nuestros seguidores más fieles, “Skying” ese momento. Este proceso es realmente difícil por es un paso más en nuestra trayectoria. Un paso más que escuchamos mucha música diferente cada uno del que estamos muy orgullosos, siempre hemos de nosotros, pero cada cosa la asimilamos de difetenido en la cabeza la idea de progresión , de cam- rente manera. El alma de este trabajo, los sonidos bio, en “Skying” queriamos no parar de movernos de este disco están inspirados en todo lo que ama24

Como curiosidad vuestro primer “hit” fue “Sheena is parasite”. ¿Hay alguna relación con “Sheena is a punkrocker” de “Ramones”?

Efectivamente. Somos fans incondicionales de “Ramones” y cuando empezamos siempre experimentábamos con el punk y lo que algunos llaman “post-punk”. Pero eso fue hace tiempo. Como ya te dije, siempre tratamos de cambiar y de estar en continuo movimiento.

A principios de verano tenéis organizada una gira “express” para presentar este “Skying” en Reino Unido. Tres fechas para las que ya no quedan entradas. ¿Cómo van a recibir los fans vuestro nuevo sonido? ¿Podéis llegar a decepcionar a alguien esperando la misma línea de siempre? Estamos contentos y confiamos en que a la gente le guste el disco y la nueva trayectoria que queremos tener.

Ver que no hay entradas para nuestros conciertos con tanto tiempo de antelación es algo que podría asustarnos pero motiva más. Estoy seguro de que la gente que nos sigue va a quedar contenta cuando escuchen el disco. ¿Tenéis pensado pasar por España para presentar vuestro disco? Sí. En esta temporada haremos una parada. Vamos a hacer una gira por festivales por toda Europa y creo que en el mes de noviembre tenemos fechas reservadas en España. Conectamos muy bien con la gente en los conciertos que damos en España. Se crea una atmósfera mágica entre nosotros y el público español.

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Cold Cave Cherish The Light Years

Mick Harvey Sketches From The Book Of The Dead

Kode9 & The Spaceape Black Sun

El panorama musical de los 80 continúa siendo saqueado hasta bien entrado el 2011 y Cold Cave prueba que su artefacto más sagrado, el post-punk, no está excluido de la reactivación. Los de Philadephia firman su tercer disco en su tercer año de vida, dejando hasta cierto punto de lado la oscuridad electropop de sus previos y canalizando sus esfuerzos en una serie de influencias como The Cure o los primeros Depeche Mode siguiendo quizás la exitosa senda de grupos como The Killers o The Bravery para ofrecernos un disco que se pasea por la fina línea entre la burda imitación y la interesante retrospectiva.

Mick Harvey demuestra que está harto de estar siempre a la sombra de los granes del rock y del folk con este disco. Álbum que se aleja de todo lo que salió de la pareja letal que formaba junto a Nick Cave. Se trata de un álbum oscuro, de tensión y muy masculino. “The Ballad Of Jay Givens” entristece y se acerca mucho al estilo motivador de “Jonnny Cash”; “The Bells Never Rang” pone los pelos de punta con una guitarra rasgada y una progresión que acaba de manera tajante, como si de un acantilado se tratara. Está claro que este disco está alejado de aquella luz intermitente que provocaron temas como “The Out of Time Man”.

El sonido de “Black Sun” responde al sonido violento que se debería presuponer a un concepto tan potente como el de un supuesto sol negro. Así Kode9 endurece en el su discurso sonoro y se reinventa mucho más directo, violento, cercano al hip hop en ocasiones y con querencia por la pista de baile de influencias Uk-Funky en otras. La voz de Spaceape transmite desde un universo lejano advirtiéndonos de un mundo postapocalíptico dominado por las mutaciones y los fenómenos radioactivos. Una capa de sonido más, un elemento imprescindible que otorga al resultado global un acabado perfecto. Future is now.

“Música De Sanación Y Meditación”. Así se presentan los californianos The Donkeys en su myspace. Y a fe que han mamado de la tradición musical del soleado estado del sur. Aquí hay psicodelia, sitares, teclados a lo Ray Manzarek en “New blue stockings”, y en definitiva rock calmado, de solos, punteos y hechuras clásicas, pero al mismo tiempo envolvente y, sin duda, inspirador. Como inspiradas son “Oxblood” y la sencilla pero incontestable canción de amor “I like the way you walk”, quizá los dos mejores cortes del álbum. ¿Sanador?

Pues quizá también, oiga. Para algo son “el orgullo de San Diego”.

The Young Knives Ornaments from the Silver Arcade

Bachelorette Bachelorette

Fernando Astone & Contacto en Francia Vida Nómada

Friendly Fires Pala

Al igual que otros grupos de sonido similar, The Young Knives nunca pertenecieron a la Champions del rock británico, conformándose con la Europa League. Eso sí, siempre fueron de los más jugones. En su nuevo disco, parecen querer escapar del mimetismo pop-punk, salvo en “Human again”, con ese estribillo que recuerda tanto a “Well respected man”, de The Kinks. Así, hay muchos sintes, electro-pop (incluso nu-rave, en la empalagosa “Storm clouds”), pero lo mejor viene a la mitad, con “Sister frideswide” y ese acercamiento al afro-pop que es la excelente “Vision in rags”. Que no sólo de Vampire Weekend vive el indie.

Voces angelicales protegidas entre silbidos y letras que son toda una fábula a seguir con atención, es parte de lo que nos encontramos en este álbum que poco o nada pretende ocultar su gusto por el glam “made in” Goldfrapp. Viajes intergalácticos con aires psicodélicos como en “Tui Tui”, electrónica andrógino-naif (“Digital Brain”), melodías edulcoradas y sensibleras aunque con gracia son susurradas en “Sugarbug” y una guitarra enternecedora que bien podría ser la nana de futuras generaciones melómanas (“The Light Seekers”) es parte de lo que “Bachelorette” concentra en sus once cortes.

Fernando Astone ha mamado todo lo bueno de Argentina, lo ha metido en un disco y nos lo ha traído hasta España con este “Vida Nómada”.

Un disco largo, quince pistas, que al escucharlas es imposible no pensar en Calamaro. “Vida Nómada” es un disco pop en castellano con claras influencias inglesas, “Hotel Casino” es pegadiza y fácil de escuchar, “Golpe de Suerte” anima y tiene una letra que sobresale por realista y grandiosa. Todos los antecedentes de Fernando con artistas como Neil Young, Oasis, Rammstein y Crazy Horses están canalizados en este disco de ilusión y de música sencilla pero directa y progresiva.

Las canciones de “Pala” pertenecen a esa difícil frontera entre el nuevo punk y el pop. La impecable y grandilocuente producción revela una diversidad de sonidos electrónicos, para muestra “Live Those Days Tonight”, que aportan riqueza y profundidad de una forma muy acertada al dance alternativo que constituye el sello personal del trío británico y que envuelve cada tema incitando a bailar a quien lo escucha, pero donde la forma con que la voz ataca las canciones y la estructura de las mismas, son las de un grupo de pop, convirtiendo así el presente “Pala” en un trabajo realmente accesible para aficionados a uno y otro género.

Matador 2011

— Abel Molina

Gadzook 2011

— Miguel Díaz Herrero

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Mute Records 2011

— J e s ú s M a r í a Ve l á z q u e z

S u o t e r r a i n Tr a n s m i s s i o n s 2 0 1 1

— Sara Osácar

Hyperdub 2011

— Francisco Jesús Suárez

Jude Records 2011

— J e s ú s M a r í a Ve l á z q u e z

The Donkeys Born with stripes

Dead Oceans 2011

— Miguel Díaz Herrero

XL Recordings 2011

— Sara Muñoz

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Space Ranger What About The Magnetic Fields?

Alela Diane Alela Diane & Wild Divine.

William Fitzsimmons Gold In The Shadow

The Coathangers Larceny & Old Lace

A pesar de que el mundo de la música está pasando por un oscuro periodo de expectación y avidez popular, cada vez se está creando más y mejor material que llevarse a los tímpanos. Excepcional es el caso de Space Ranger, que con su disco debut “¿Qué pasa con los campos magnéticos?” ha sido uno de los proyectos más escuchados y valorados por las masas partiendo prácticamente de cero. El trío afincado en Stuttgart se deja llevar por la electrónica de club y el deep-house impregnando la obra de sensaciones. La sensualidad y la espacialidad complementan un dibujo melódico asombrosamente coherente y en el que se adivinan tópicos de producción que no le alejan de su estado de creatividad.

La prometedora americana Alela Diane se ha puesto las pilas para componer, tres años después a su debut, su último disco de estudio.

No han sido necesarios grandes cambios estilísticos respecto a sus dos anteriores trabajos “The Pirate’s Gospel” y “To Be Still”, puesto que su country americano aliñado sutilmente con dosis de soul, es efectivo como pocos. Su versátil voz, mixtura entre Chan Marshall, Dolores O’ryan y Joni Mitchell, se nos presenta ahora en compañía orquestal, coros, dos voces y ritmos pausados capaces de erizarnos a todos por igual. A destacar joyas como “Suzanne” y “Elijah” que enamoran desde el segundo uno, o “To Begin”donde su letra nos susurra la magia de un secreto mensaje.

William Shadow presenta su quinto álbum de estudio creando una gran expectativa, sus anteriores trabajos rozan la exquisitez. Este músico americano lleva hasta puntos infinitos su individualismo y educación personal, autoeditando todo lo que toca. “The Tide Pulls Fom The Moon” es el single elegido como carta de presentación de este ”Gold In The Shadow”; disco corto, que incluye un conjunto de once temas folk, con influencias pop e incluso con una fusión light con el electro en “Psychastenia”. La guinda la pone “Let You Break” imagen de la complicidad, mezclando la clara voz del barbudo de Illinois con el potente tono de Julia Stone. “What Hold” cierra de manera tranquila y melancólica un álbum incomparable.

Guitarras distorsionadas al servicio del sonido lo-fi que el cuarteto femenino hace suyo sin dificultad alguna. Letras sarcásticas e irreverentes destinadas a sacudir pilares y una voz desgarrada que aporta crudeza a la mezcla, son los ingredientes principales de “Larceny & Old Lace”. De producción algo más elaborada que su anterior “Scramble”, el presente “Larceny & Old Lace” rebosa variedad en cuanto al estilo y la estética de los temas, logrando con mucha efectividad un enfoque más centrado del mensaje del álbum y sin perder ni medio gramo de la identidad alocada y vibrante que caracteriza al grupo dando lugar asi un disco cuya energía compensa con creces cualquier falta de técnica que se les pueda achacar.

Cornershop Cornershop & The Double ‘O’ Groove Of

Joseph Arthur The Graduation Ceremony

Gil Scott-Heron & Jamie XX We’re New Here

Old Calf Borrow A Horse

La banda inglesa conquista la cima del groove con un disco lleno de sutilezas y matices, que si bien resultan difíciles durante las primeras escuchas, resultan divertidas y bailongas a posteriori con capacidad de transportarte a una escena de Bollywood gracias a la colaboración de la cantante pop india Bubbley Kaur. Percusión, bajos, órganos Wurlitzer... nada queda fuera del último trabajo de la mítica banda de los noventa, lo que les ha aportado mayor profundidad y credibilidad creando un singular patrón de melodías y voces como en “Natch”, donde la percusión y el delay de voz conforman una exquisita combinación de tempo que se salen de la pureza del Punjabi para mayor disfrute del oyente.

Álbum lleno de canciones de amor con las que Arthur vuelve al terreno acústico del que se había alejado con otros discos más experimentales. Sus letras hablan de los sentimientos de quien escribe de forma que resulta cercana y muy honesta a quien escucha. Melodías agradables, que bailan entre el folk y el pop haciendo de éste un trabajo sin muchas complicaciones, pero en el que se aprecia una producción ambiciosa y unos arreglos bastante orquestales que revelan un cuidado infinito en cuanto a la parte compositiva del disco. Todo esto sirve de base a una voz que narra claramente separada dos registros, proporcionando al álbum de una estructura realmente sólida que lo convierte en un trabajo muy coherente.

“We’re New Here” es ya por derecho uno de los discos de 2011.

Si “I’m New Here”, el sobresaliente último trabajo del maestro del spoken word Gil Scott-Heron ya era un diamante en bruto, lo que encontramos en “We’re New Here” es mucho más que un trabajo de remezclas, se trata de una revisión y reinterpretación en toda regla.

Jamie XX hace suyos varios de los temas del lp del poeta americano y esculpe algunas de las mayores joyas de la electrónica actual. Bass music radiante y spoken word revitalizado gracias a la visión de creador de hits que demuestra Jamie Smith en todos sus proyectos y que aquí alumbra bombas como “Running”, “Ur Soul And Mine”, “NY Is Killing Me”… un disco eterno.

La lírica folk se impone en este álbum que conecta con las más puras raíces americanas, esas de campo, atardecer y tabaco de mascar. El uso de las armónicas y el acordeón le confieren reminiscencias fronterizas propias de Crosby, Stills, Nash & Young o Gram Parsons, reforzadas por las guitarras acústicas y un empleo reiterado del pedal steel guitar al ritmo de suaves flautas evocando una verdadera escena campestre. En “What Did I Dream” se adentran tímidamente con la psicodelia, recreándose en atmósferas más densas, coronadas con potentes coros y vibrantes solos que se suman a su narrativa atemporal, que pese a las referencias a tiempos pretéritos consigue conectar con un sonido actual y vivo.

Lovemonk 2011

— Abel Molina

Ample Play 2011

— Cristina Martín

28

Rough Trade 2011

— Sara Osácar

Fargo Records 2011

— Sara Muñoz

Groenland Records 2010

— J e s ú s M a r í a Ve l á z q u e z

XL Recording 2011

— Francisco Jesús Suárez

Suicide Squeeze 2011

— Sara Muñoz

No Quarter Records 2011

— Cristina Martín L ados

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Nat Baldwin People Changes

Alexander Alexander

Moon Duo Mazes

Thao & Mirah Thao & Mirah

La voz y el contrabajo de Baldwin son los protagonistas indiscutibles del disco, instrumentos impecablemente moldeados por el compositor que se convierten en sus manos en herramientas perfectas que le permiten experimentar en una búsqueda de un sonido y una estética que se va perfilando en cada tema. A medida que avanzan las canciones, se van agregando guitarras, saxos y otros instrumentos que añaden a la estructura pop de las canciones unas texturas que recuerdan un poco al free jazz y que ayudan a crear una atmósfera enigmática, que se hace inquietante y hasta un poco oscura en algunas canciones más instrumentales, pero que es sin duda gran parte del éxito y la calidad de este People Changes.

Con la saturación de propuestas basadas en composiciones con aires folk, con una producción de vocación vintage, y ese legado Dylan que cada vez parece más imparable, a veces resulta difícil separar el grano de la paja. Pero esta obra, salida de la cabeza de Alex Ebert, se puede salvar de manera muy digna.

Aunque en una primera escucha nos pueda parecer “más de lo mismo”, está tan delicadamente compuesto, interpretado y arreglado que merece más de una escucha para descubrir todos sus secretos. No podría destacar ninguna canción, porque más bien se trata de un gran lienzo en el que este artista va soltando pinceladas de su genialidad.

Gran revestimiento para buenas canciones.

Álbum de canciones cortas y guitarras densas, entremezcladas, creando algo que podríamos llamar psicodelia oscura. La apertura con “Seer” es demoledora y simplemente visionaria donde intuimos el secreto de su éxito poseídos por su capacidad de hipnotismo de rock ponzoñoso y espacial. El disco va evolucionando pasando por el homenaje a Suicide que es “Scars”, y arrojarnos a los brazos de la electricidad de Mary Chain en “Fallout” y abrirnos las puertas de las guitarras interminables del rock en “Goners”.

“Mazes” funciona en sus 8 cortes a piñón fijo, con un mínimo común denominador: el ritmo repetitivo y diferente que da la oportunidad a cada tema de tener su propio sello de identidad.

Thao Nguyen y Mirah Yom Tov Zeitlyn forman la exótica dupla compositiva que debuta con un álbum homónimo. Dos amigas asumen un sinfín de influencias femeninas para dar a luz su propia obra sin ningún rubor, olvidando que la emoción sentida en petit comité rara vez resulta contagiada al resto del mundo. Una docena de temas que recuerdan paulatinamente a artistas como Tender Forever, Agent Ribbons, Goldfrapp, Our Broken Garden o incluso Björk, con irregulares resultados y el peligroso tedio sobrevolando amplios tramos de la escucha. A pesar del puntual acierto de alguna de sus piezas, el resultado adolece de la consistencia necesaria para rescatar el álbum de la incoherencia predominante.

The Fleshtones Brooklyn Sound Solution

Jookabox The Eyes Of The Fly

The Leisure Society Into the Murky Water

Los Últimos Bañistas Los Últimos Bañistas,

Escuchar el disco de una banda que lleva casi treinta años en activo debe ser un ejercicio de respeto y humildad. En esta su última entrega nos ofrecen una ración más del material Fleshtones: garaje, rock and roll, algo de surf y mucho guitarreo. Composiciones propias, muchas versiones como “Day Tripper”, resuelto magistralmente de la forma más sucia y fiel a su estilo, y básicamente el sonido característico del grupo es lo que nos espera en “Brooklyn Sound Solution” Cabe destacar el sabor añejo perfectamente plasmado en este trabajo.

Tanto en la grabación realizada en directo, a la vieja usanza, como en la mezcla donde se nota la mano de viejos rockeros que hacen lo que saben y saben lo que hacen.

Una de las bandas más prolíficas de los últimos tiempos, cuatro discos en cinco años, deja en nuestras manos como legado una colección de diez temas cortos cargados de energía creativa sobrealimentada de datos, loopings y tendencias, construyendo así una herencia de temas aptos en algunos casos para llenar las pistas de baile como “Drops” o “Veils” y otros para incitar a cierto agotamiento mental como el caso de “Webbin´s”. En “The Eyes Of The Fly” podemos valorar ciertos puntos confluentes, digamos de partida, con conceptos paralelos del hyper-avant pop como la psicodelia hipnótica de Animal Collective o la densidad y profundidad de TV on the Radio, pero sin la claridad de ideas de estos últimos.

La escucha del segundo álbum firmado por el británico Nick Hemming al frente de The Leisure Society, resulta ciertamente satisfactoria y gratificante en base a canciones encantadoras y elegantes, dotadas de cuidada y jugosa instrumentación que detallan acertadas melodías hasta certificar el empaque y cuidado de la obra. Un decálogo de pop maduro y melancólico completado con ramalazos folkies, sin perder una juguetona inocencia compatible con épica comedida y vistosos ritmos. Un dulce nunca amarga, menos aún si está elaborado con ingredientes de primera calidad y en base a la receta utilizada en la mejor escuela de orfebres, aquella encabezada por Paul McCartney, Neil Hannon o Paul Simon.

Tras toda una ruta de concursos, eco en red social, entrega de maquetas y un previo trabajo autoeditado, a nuestras manos llega un largo de diez cortes grabado en MIA Estudios (Murcia) y masterizado en los Golden Mastering Studios de Ventura, California. Y aunque reminiscencias a tantas otras voces y bandas de pop de ámbito nacional las hay, lo cierto es que “Febrero”, “El Centro” y “Nadia”, son temas que condiciones las cumplen todas para encumbrar a esta banda como grupo revelación del 2011. Y si la permanencia en esa posición privilegiada es ya otra historia, aplaudamos mientras tanto y como se merecen a estos meritorios bañistas cartagineses su progresivo ascenso. Marchando una de refranes: los últimos serán los primeros.

We s t e r n V i n y l 2 0 1 1

— Sara Muñoz

Ye p R o c R e c o r d s 2 0 1 1

— Arturo Jiménez

29

Rough Trade 2011

— Arturo Jiménez

Asthmatic kitty records 2011

— Abel Molina

Sacred Bones 2011

— J e s ú s M a r í a Ve l á z q u e z

Full Time Hobby / PIAS 2011

— Raúl Julián

Kill Rock Stars 2011

— Raúl Julián

Ernie Records 2011

— Sara Osácar

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30

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Pantha Du Prince XI Versions Of Black Noise

Cass McCombs Wit’s End

Zoobazar Uno

Submarine Alex Turner

Uno de los mejores discos de la escena minimal/IDM del pasado año “Black Noise” sigue dando coletazos, ahora en forma de remezclas.

Buenas remezclas, llevadas a cabo por otros tantos finos estrategas, creativos oídos como Moritz Von Oswald, Animal Collective o The Sight Below entre otros que no desmerecen a la obra del Hamburgués.

Este cuarto disco puede considerarse como una re-creación del original para sus incondicionales, con motivadores momentos, excelente ambientación y gusto musical, sin duda, aunque para otros hemos de encuadrarlo como un tercer disco y medio que alarga más la sombra de su predecesor pero al cual Pantha sólo contribuye con su visto bueno, que no es poco.

Dos años después de su último trabajo, Cass McCombs nos hace estremecernos de nuevo con un disco repleto de melodías largas, voces con reverb y ecos que acentúan una cierta recreación por los acordes menores, los aires depresivos y solitarios, pero no por ello faltos de belleza. Cabe destacar el sugerente uso de pianos, teclados y saxos, sobretodo en “Saturday Song” o “Memory’s Stain” donde los temas tienden a alargarse y cambiar de estructura de forma muy sutil creando una atmósfera casi onírica y lejana.

Destaca por otro lado el toque folk del cantautor americano en temas como “A Knock Upon The Door” donde la instrumentalidad y las texturas tradicionales americanas cobran mayor protagonismo.

La sobadísima etiqueta de “world music” es tan amplia (¿e imprecisa?) como el propio mundo. Pero la música de Zoobazar sí tiene realmente la amplitud de miras necesaria para considerarla como tal. Los cuatro componentes del grupo se bastan y se sobran de laúd, violín, guitarra y batería para llevarnos de un suspiro a Marruecos o a Bulgaria, como en “FunGaria”, uno de los mejores temas del álbum.

Los tipos son tan buenos músicos que consiguen con tan parca instrumentación aquello para lo que otros necesitarían una orquesta entera. No es casualidad que detrás de todo esto estén, entre otros, el laudista de Radio Tarifa, el violinista de La Musgaña y el percusionista de La Shica. Música instrumental enérgica, tan bailable como evocadora. Una gozada.

El primer entretenimiento en solitario del líder de Arctic Monkeys son seis temas escritos para la banda sonora de una cinta del mismo nombre dirigida por Richard Ayoade (The IT Crowd) y que apuntala el in crescendo de su carrera: solvente con su banda original, brillante como mitad de los efímeros The Last Shadow Puppets, a cuyo único álbum se acerca más este “Submarine”, sorprendentemente cálido e intimista en este trabajo.

Las letras de Turner destacan sobre unos suaves arreglos y una discreta producción. Del breve conjunto sobresalen los cortes finales: “Stuck on the Puzzle”, la mejor construida y verdadero punto de inflexión del EP, y “It`s Hard To Get Around The Wind”.

Binj Ji Ling Shadow To Shine

Timber Timbre Creep On Creepin ‘ On

Amiina Puzzle

Peter Bjorn & John Gimme Somme

Cuando le das al play para escuchar este disco es capaz de teletransportarte automáticamente cuarenta años atrás. Abre con “Move On”, un flirteo funky lleno de ritmo, instrumentos de viento y una voz que sobresale entre el sonido., para dar paso inmediatamenete a“Bye bye” donde cambia de tercio, metiéndote en el medio de una vorágine rock introducida por un guitarreo agresivo. Destaca “Dreaming”, con toque psicodélico que no podía faltar en este homenaje a los años 70, donde Binj Ji Ling casi sin voz y con una guitarra variable que se entremezclada con un teclado sencillo y constante con miles de sonidos y extras que hace que una canción larga se trasforme a tus oídos en una experiencia infinitamente corta.

Estos canadienses de bases folkblues sorprenden con un trabajo donde son capaces de recrear multitud de atmósferas, sonido que puede viajar desde el minimal hasta la psicodelia y el soul manteniéndose siempre fieles a sus orígenes, pero sabiendo integrar con inteligencia las voces propias de los años cincuenta con delays breves, acentuadas por la gravedad de su vocalista Taylor Kirk así como aires mas setenteros a lo Marc Bolan. En joyas como “Woman”, la sólida base de piano y la voz aportan de nuevo un aire revaival, pero que integra una intro y un final más propios de los Pink Floyd de Syd Barrett, consiguiendo una cierta alusión a las sombras y al suspense, lo que aporta mayor dramatismo y misterio.

El sexteto islandés se presenta con su segundo album. Una buena referencia es decir que son la sección de cuerdas que acompaña a Sigur Rós en sus directos y que han colaborado en algunos de sus discos.

Así desde la primera nota se intuye que vamos a escuchar algo especial, tal como demuestra el inicio de “Ásinn”, el primer corte, supone todo un ejercicio de minimalismo progresivo, al más puro estilo Philip Glass, que deja claro que esta banda domina el lenguaje musical desde su forma más académica. Después, en las siguientes canciones, se van sucediendo nuevos instrumentos, voces, samplings… que no hacen más que constatar el hecho de que Islandia tiene ese gusto especial que ya conocemos.

Sexto álbum del trío sueco quien en sus últimos años tras cada LP publicado ha ido ganando oponentes y adeptos a partes iguales. Si bien en sus últimas publicaciones habían optado por experimentar y probar nuevos aires, primero fue el instrumental “Seaside Rock” y posterior a este llegó “Living Thing”, “Gimme Somme” es de entre sus últimos discos el sonido más cercano al aplaudido “Writer’s Block” y su inmortal “Young Folks”.

Especial atención al potente tema de apertura “Tomorrow Has To Wait” al que le sigue “Dig A Little Deeper” donde la guitarra y voz acompasan una melodía de tintes veraniegos y “Second Chance”, los coros también entienden de incontinencia.

Rough Trade 2011

— Abel Molina

Lovemonk 2011

— J e s ú s M a r í a Ve l á z q u e z

30

Domino Records 2011

— Cristina Martín

Full Time Hobby 2011

— Cristina Martín

Autoeditado 2011

— Miguel Díaz Herrero

Aminamusic ehf 2010

— Arturo Jiménez

Domino Records 2011

— Gabriela Giménez

Cooking Vynil 2011

— Sara Osácar

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Smith Westerns Dye It Blonde

Micachu & The Shapes With...

Chopped And Screwed

Puzzle Muteson En Garde

Thurston Moore Demolished Thoughts

Tras publicar en 2009 un acertado debut de comedida repercusión, la jovencísima banda de Chicago Smith Westerns supera todas las expectativas con la presente continuación. El trío se apunta a la tendencia de grabar soleados himnos playeros en registros de baja fidelidad, pero aporta al meditado desorden una inhabitual dosis de clase y glamour setentero, lo que enriquece el resultado final superando a destacados compañeros de liga como Wavves, Harlem o Best Coast. Con un aderezo de psicodelia, guitarras adornadas con purpurina y toneladas de descaro, estos veinteañeros fuerzan la maquinaria hasta conseguir un conjunto de éxitos potenciales y adictivos ideados para enganchar sin remisión al oyente.

Arrebatos. Pinceladas. Sacudidas.

Placer. Pruebas. Sombras… El no saber como introducir este disco dice mucho de él. Mica Levi y su pareja acompañante, The Shapes, junto con la prestigiosa orquesta de cámara londinense, han creado un sabor único, extraño, amargo y refrescante, realizado in situ, en directo y basado en la técnica nacida en los primeros noventa en el “Houston hip-hop” que da nombre al disco.

Todos los instrumentos que suenan han sido creados por Mica que, aunque proviene de una educación musical clásica, transgrede todas las normas y trata de ir más allá de la psicodelia “Ummagummiana” portando estructuras y sonidos atemporales enredados con tímidas melodías de lo que podrá ser.

Debut del enigmático cantautor inglés. Nos abre en “En Garden” la infinidad de influencias de muchos artistas contemporáneos a él, como Antony (con sus Johnsons), José González… Precisamente la guitarra arpegiada que sirve de base en todos los temas recuerda mucho a este último, pero desgraciadamente le falta la chispa y la habilidad para crear grandes canciones a partir de ideas simples que González maneja con tanta maestría. Tras escuchar las primeras canciones del disco uno se rinde y asume que no va a encontrar nada diferente, y tras varias escuchas del disco acabas resignándote a no poder sacar ningúna composición destacable. Bien ejecutado y bien producido, pero las canciones no están a la altura.

Con este álbum Thurston Moore nos trae una colección de canciones que emanan una intensidad conmovedora. Tanto es así, que a medida que se avanza en la escucha del disco, se hace más difícil encuadrar este trabajo dentro del marco relajante del folk. Sin embargo, y en un contraste de una belleza sorprendente, los temas están impregnados de una curiosa dulzura a la que sin duda contribuye la elección de instrumentos como el violín y el arpa para acompañar a la guitarra acústica. Ésta, constituye el eje de sonido peculiar y propio alrededor del cual giran las canciones del álbum, generalmente melancólicas, y entre cuyas letras se puede atisbar un escepticismo resignado en cuanto a la consecución de la felicidad.

Nubla Saipán

Sloan The Double Cross

Tune-Yard WHOKILL

Drive-By Truckers Go Go Boots

El tercer disco de esta artista catalano-argentina ofrece un pop alegre, elegante y limpio que en ocasiones puede recordar a la británica Lily Allen o recrear ese estilo susurrante de artistas como Cathy Claret. Con una producción sencilla pero acertada, sus letras cercanas y dulces se mezclan en este disco con temas en francés como “La Neige Tombe” y los cortes acústicos de “Que Simple Es Vivir”. En cambio, en temas como “Dreams Dreams”, se atreve con la fusión hispano -inglesa acentuada con un fuerte toque country-folk. Por otro lado, mantiene las referencias hip-hop en cortes como “La piel del lobo”, es un disco optimista y luminoso con tintes evocadores adornados con melodías bossa.

El décimo álbum de la banda canadiense Sloan evita vertiginosas novedades respecto a anteriores entregas, aceptándose de buena gana el estancamiento estilístico de un cuarteto que continúa localizando gemas dentro de un género que trabaja a la perfección. A estas alturas nadie espera (ni reclama) experimentos que desestabilicen el sonido facturado por la formación, y basta con que mantengan el notable nivel que acompaña a su obra desde hace dos largas décadas. El presente trabajo deja como sustancioso regalo una agitada docena de nuevas canciones deudoras del impactante power-pop de The Posies o Fountains Of Wayne, añadiendo otra digna pieza al espléndido catálogo de los de Toronto.

Después de su debut con “BirdBrains” (4AD 2009), Merrill Garbus vuelve a la carga con su último trabajo donde en temas como “Bizness” juega con los ritmos africanos, tan de moda últimamente con grupos como Vampire Weekend, aunque en este caso sean menos espídicos. Sin duda este es un disco en el que no falta la euforia, los sonidos vibrantes y ritmos dub pero donde la experimentación se lleva la palma. Destaca la cohesión y la continuidad de las percusiones tribales, las líneas de bajo Groove y la continua sucesión de juegos de instrumentos que aportan un estilo refrescante y compacto donde la voz de Garbus ofrece una fuente sin límites para la experimentación y la excentricidad.

Un nuevo lanzamiento en la extensa carrera de la banda americana ,¡el undécimo!, otra vez bajo la batuta del productor David Barbe. En este nuevo disco, su propuesta, mezcla de todos los sonidos de raices americanas, tiene la madurez compositiva que sólo los años en la carretera pueden dar. “Used To Be A Cop” nos atrapa con su línea de bajo y su voz melancólica, “Dancing Ricky” es el fiel reflejo del country de bares de carretera de la América profunda. Pero donde Patterson Hood y los suyos brillan con intensidad es cuando sacan su lado más optimista como en “The Weakest Man”. En definitiva, otro buen disco de esta banda, que no defrauda a sus seguidores y que puede atrapar a nuevos oyentes.

Domino Records 2011

— Raúl Julián

Música Global / El Murmullo 2011

— Cristina Martín

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Rough Trade 2011

— Abel Molina

Ye p R o c R e c o r d s 2 0 1 1

— Raúl Julián

Bedroom Community 2011

— Arturo Jiménez

4AD 2011

— Cristina Martín

Matador 2011

— Sara Muñoz

N e w We s t R e c o r d s 2 0 1 1

— Arturo Jiménez L ados

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Nuevo disco MADRID 18/06 Día de la Música. Matadero

ya a la venta.

Disponible en CD y Vinilo.

Tambien en Descarga Digital a través de

www.vetustamorla.com

AVILÉS (ASTURIAS) 24/06 Centro Niemeyer BILBAO 08/07 Festival Bilbao BBK Live BENIDORM (ALICANTE) 22/07 Festival Low Cost

Contratación:

Prensa:

Distribución:

VALENCIA 23/07 Jardines de Viveros BURRIANA (CASTELLÓN) 04/08 Arenal Sound Festival Próximamente más fechas

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A R T E L A D OS by

LOLA DUPRÉ

Lados mag premia tu fidelidad, regalando 5 packs de botellas de vino de la colección especial Artelados para Bodegas y Viñedos Neo (bodegasneo.com), personalizadas con diseños originales.

Para entrar en el sorteo, envía un correo electrónico a neo.artelados@ladosmagazine.com incluyendo en el mismo el nombre del artista musical que protagonizó la portada del número 18 de Lados mag. Los ganadores del sorteo anterior son: Raquel González, Isabel Sáinz, Mariano López, Ramón Ginés y Víctor Pacios.

En esta ocasión, la invitada es Lola Dupré, artista escocesa que basa su obra en el empleo de la técnica del collage, mediante piezas hiperfragmentadas y complejos fotomontajes completamente realizados a mano, empleando únicamente papel, tijeras y pegamento. La pieza que presenta en exclusiva para Artelados lleva el título “El Cid” (ver página de la izquierda) y está basada en dicho héroe medieval. Su portfolio en www.loladupre.com incluye una extensísima muestra de piezas, así como mucha más información sobre su trabajo.

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T H E M A R Z I PA N M A N The Marzipan Man es una moneda de doble cara, en la que se alternan las emociones ásperas y contundentes con la felicidad y la armonía de las realidades oníricas capaces de conducirnos a sentimientos terrenales, recordándonos que no sólo en la dulzura y la paz encontramos la felicidad. The Marzipan Man es el conejo del sombrero de copa del universo particular de Jordi Herrera que nos narra y conduce por la incoherencia de unos temas que encuentran la cordura en “Adventures” (Primeros Pasitos 2011).

Texto: Javier Mielgo Imagen: Michael Hart

La vida de The Marzipan Man arrancaba en 2007 con “Stories”. Un trabajo en el que recopilabas un buen puñado de historias del hombre de mazapán, historias que no tenían cabida quizás en tu proyecto paralelo The Satellites. Ahora después de tres años continúas con las aventuras de The Marzipan Man en “Adventures”. “Stories” era más un disco de acordes en bucle y melodías que se estiran como un hilo y este nuevo trabajo, “Adventures”, está conformado más por canciones que se pueden tocar con sólo una guitarra pero que las toca un grupo. Temáticamente podríamos decir que “Adventures” esta repleto de libros de aventuras, de no saber dónde te llevará el giro en el camino siguiente...

parecidos con estos músicos, pero casi realmente más en las portadas de los discos y quizás también cuando nos referimos al tema principal de las canciones, más que por la música en si misma. La verdad es que, estos autores que me citas no son los que escucho habitualmente, tal vez por esto se parece mi música de forma inconsciente, así relleno un espacio en mis estanterías de discos...

Pero detrás de toda esta dulzura y preciosismo barroco, realmente podemos encontrarnos con la mezcla que se esconde detrás de la perfección y fascinación del misterio de los cuentos infantiles y la dulce ingenuidad de los monstruos que los habitan… Simplemente detrás de todo ese universo que construyo se esconden muchas inseguridades, muchas pesadillas y muchos instantes de éxtasis, también.

“Adventures” se estrena por todo lo alto con un videoclip realizado por James Bates, quien ha trabajado para The Magnetic Band, Tunng o Mojave 3. Bueno, realmente la causante principal Como en toda buena fábula hay conejos y búhos, de esta relación ha sido la discográfica, Primeros por eso como toda buena fábula “Adventures” Pasitos. Aunque debo decirte que tengo ‘un guión’ es inquietante, mágica y misteriosa y como no para otro vídeo de la misma canción; en él la gen- podría ser de otra forma, no falta el lobo. Así te mira al cielo, a una galaxia en espiral que sale “The Big Bad Wolf ” nos regresa al mundo inquietante de espejos y realidades difusas creado un día por la mañana en lugar del sol... por Lewis Carroll y en el que Jordi Herrera se desenvuelve con naturalidad oriunda. No busco Si bien, para The Satellites las referentransmitir nada en concreto, simplemente intento cias asumidas eran la New Wave, y gruaclararme yo mismo intentando entender un poco pos como Television, PJ Harvey, Luna… lo que me rodea. Colmillo Blanco “White Fang” El dietario con el que nos nutriríamos de Jack London o “Pollen” de Jeff Noon y “Woltendría como principal base un poco de ves on the Walls” (el cómic, la obra de teatro) de rock a la Canterbury con sabor a Deiá Neil Gaiman y Dave McKean, son historias parea partes iguales, un punto intermedio cidas, hay pensamientos de lobo, pensamientos de entre un bosque húmedo pero alegre de mono y pensamientos de hormiga...

Inglaterra y un día brumoso o de chicharra total en la Serra de Mallorca, al lado Pero siempre tendremos la sombra sobre “Addel mar. Luego lo aderezaría con gente ventures” de ser un postre amargo de cáscara que hace música a su bola, incluyendo dulce donde Jordi Herrera intenta reflejar la elementos de muchas épocas diferentes, soledad del hombre de mazapán. Bueno, intenta pero sin que falte Kate Bush sobre todo... ser un postre dulce bañado en café, para contrasY películas, muchas películas, con pocos tar, algo picante con queso o yogurt para balanelementos pero prestando mucha atencear y sentir gustirrín... ción en el detalle, personajes apasionados, sustos e intríngulis...

“Adventures” es un disco cocinado por Jordi The Marzipan Man podríamos decir que factura, Herrera, lentamente y con amor, donde cada maravillosos sueños donde tu imaginería repasa instrumento entra en el segundo preciso para episodios curiosos de una vida abstraída capaz conseguir el sorprendente resultado final… Realde esculpir discos, donde el pop vive en estado mente ha sido un poco tortuoso, parando, empede gracia, recomendables para todo aquel que zando de nuevo..., pensando que lo iba a acabar quiera soñar entre preciosos arreglos y aluci- dos días más tarde y pasando dos años más.... Las nantes historias que bien podrían ser del agrado canciones que encajan en esta cosa etérea que es de magos de la canción como Van Dyke Parks, The Marzipan Man sólo se manifiestan en ciertos Brian Wilson, Tiny Tim, Simon Fisher Turner o estados mentales y ambientales de día lluvioso, o Curt Boettcher, entre otros. Uff, bueno, veo los de día de mucho viento, o muy, muy pronto antes 84

de que salga el sol, o de almorzar mientras sale el sol y luego irse a dormir...

The Marzipan Man necesita el recipiente y el envoltorio justo a su medida, donde cada instrumento es acariciado para intentar sacarle todos y cada unos de los matices de los que son capaces de entregar… De momento, en estos dos próximos meses será un cuarteto de delincuentes callejeros de buen corazón, con los siguientes nombres; Mr Spies, Mr Gerald Ford, el señor Huckleberry y yo. The Marzipan Man es rock’n’roll ácido por momentos pero tambien busca el lado íntimo y flotante de la vida El cuento se termina, llegan las últimas líneas, pero no sin antes levantar la mirada y preguntarse por un futuro practicamente inmediato… El futuro no existe en esta dimensión de momento.

Sólo hay presente continuo. Pero bueno, de momento nos conformamos con hacer buenos conciertos, liarla y expandirse por el universo...

Epílogo. The Marzipan Man sería imposible disfrutar y comprender sin… Un poco de sentido del humor.

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Texto: Ana Himes Imagen: Richard Brimer

Natural de Wellington, Nueva Zelanda, se instaló en Londres en 2007, después de pasar parte de su tiempo en Sussex. Connan Mockasin decidió entonces cambiar su registro lanzándose en solitario, tras permanecer desde temprana edad al frente de una banda que recreaba canciones de blues de los años 60 y 70…

Realmente mi primer trabajo en el 2004 fue prácticamente algo experimental, veníamos tocando durante una buena temporada clásicos del blues y siempre nos preguntábamos cómo sonaríamos en un disco, siempre tuve muchas ganas de poder escucharme. Es curioso porque fue mi madre la primera que nos empujó a autoeditarnos y sacar un trabajo y así poder comprobar de primera mano cómo podríamos sonar… “Si no lo haces, nunca sabrás como suenas”.

Sonido que constantemente ha mutado para poder seguir adelante, para poder continuar ahondando en un alma donde la fusión y la mezcla de ritmos y melodías es tan natural como el respirar… Realmente es como si toda esta trayectoria y tiempo que he pasado trabajando ha sido como un gran experimento, durante el cual, he buscando un sonido con el que me siento contento y satisfecho del resultado, mejorando y avanzando constantemente sin ninguna barrera o límite.

La trayectoria de Connan Mockasin es sin lugar a dudas intensa y plagada de experiencias relevantes que trascurren fugazmente, colaboraciones, giras y la edición de “Please Turn Me Into The Snat” en el 2010… Desde que en 2008 disolviera Connan and the Mockasins el tiempo ha trascurrido muy deprisa. Durante este tiempo pude colaborar con Norman Cook de Fatboy Slim y con Mistery Jets. También he girado junto a Pete & The Pirates y Crowded House, entre otros. Realmente creo que he tenido suficientes colaboraciones por ahora, lo más importante de cada una de ellas es sin duda la huella que deja en ti el poder trabajar con cada una de estas personas.

Tras publicar en el 2010 “Please Turn Me Into The Snat” tanto en el Reino Unido como en su país de origen, el lanzamiento internacional del disco es en el presente 2011, cambiando el título por “Forever Dolphin Love” (Because Music / Karonte 2011) y añadiendo un segundo CD donde se interpretan en directo la mayor parte de cortes del álbum para hacer de trampolín y conquistar a buen parte de los corazones solitarios del mundo, esperando el segundo, el momento de Connan… (Risas) Sí, así es, no sé si será este el momento de Connan Mockasin lo que sí esta claro es que vamos trabajando poco a poco intentando hacer las cosas lo mejor posible y aplicando día a día lo que he sido capaz de aprender en mis pasadas vivencias y colaboraciones, intento aprovechar cada una de las oportunidades que me da la vida, oportunidades que me esfuerzo en conseguir. Realmente me siento como si mi carrera musical acabara de empezar con este “Forever Dolphin Love”, aunque esto no quiere decir que renuncie a todo lo anterior, pero sí que es verdad que es ahora cuando me siento más feliz y contento con el sonido de Connan Mockasin.

Escuchando tus temas uno tiene la sensación de ser capaz de evadirse de su entorno de confort, dejando tras de si la huella de la realidad. Una huella que marca tanto como las influencias musicales, los artistas anhelados y los amores rotos... Ciertamente, dejar Nueva Zelanda fue un paso muy duro y a la vez necesario. No es saludable permanecer en un pequeño país obsesionado con drum n ‘bass, y el dar el salto desde Nueva Zelanda a Londres sin duda me ha marcado mucho. Cuando llegué a Londres, lo hice con lo justo y durante casi seis semanas tuve que dormir en la calle, en los bancos de los parques hasta que pude trabajar y juntar algo de dinero para finalmente “Forever Dolphin Love” es una amalgama de ritmos hipnóticos, melodías polvorientas, teclados poder instalarme.

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y guitarras desafinando como parte de la estructura vital del disco, como si se relajaran después de una gran tensión, canciones con entidad propia capaces de cederla para sucederse en un flujo continuo, incapaz de disgregarse y donde no sabes cuándo acaba una y cuándo empieza la siguiente… Sí de alguna forma “Forever Dolphin Love” resulta como una pequeña banda sonora de una vida, de mis emociones. Una banda sonora que recorre mi cabeza y que expresa la parte más emocional de mi vida. El viaje a Londres, mis primeras semanas, estar lejos de mi familia, etc.

Las letras, al igual que la música, no buscan nada concreto, no pretenden resaltar ni moralizarte sobre sus experiencias, al igual que la música, son extrañamente atractivas, de una belleza especial, atrayentes, como los títulos de las canciones: “Megumy the Milkyway Above”, “Faking Jazz Together”, “Unicorn In Uniform”...

La historia de “Megumy the Milkyway Above”, y del coro que abre el tema es muy especial, ya esta instalado en Londres pero era muy duro trabajar en los nuevos temas, yo estaba hablando con mi amigo japonés Megu por el msn, enseñándole los temas en los que estaba grabando y sus sobrinas me saludaron a través del msn con un sonoro “Hello Connan...” cuando empecé el registro del disco me acordé de este momento y decidí incluirlo…, todos estos temas, su melodía, sus letras , son sugerentes e inquietantes. Realmente todo es cuestión de sensaciones, sensaciones que son como el humo, imposible de encerrarlas, de atraparlas. Pero si tuviese que reconocer alguna, quizás la más presente, impregnándolo todo sería la nostalgia.

Para terminar, ¿de dónde sacaste el nombre que te ha acompañado en esta aventura? (Risas) es muy sencillo “Connan” es mi nombre y “Mockasin” es el apodo que me pusieron mis amigos porque de pequeño hacia mocasines con piel de cabra.

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yo na fri edma n Nacido en Budapest (Hungría) en 1923 pero afincado en París desde los años cincuenta, Yona Friedman es un arquitecto cuya obra abarca diversos campos que van desde el arte, el cine de animación, la pedagogía, la escritura y como no la arquitectura. Disciplina a partir de la cual y tomándola como eje central Yona es capaz de desarrollar un controvertido trabajo teórico, pocas veces llevado a la práctica, en torno a cuestiones tan vitales y presentes como son los binomios movilidad y sociedad trabajadora, migraciones y globalización, construcción sostenible o lo que es lo mismo la necesidad de asentar nuevas soluciones urbanísticas a las exigencias de la vida moderna deslocalizada.

Yona Friedman es uno de los pensadores más importantes de finales siglo XX y principios del XXI, es un arquitecto que desde los años cincuenta a través de sus textos y proyectos a demostrado la importancia de la arquitectura en la sociedad, como herramienta al servicio de esta, sin olvidarnos de la importancia que tiene el propio usuario y que sea tenido en cuenta tanto en los planes de arquitectura como en los planes de urbanismo que se realicen.

En este sentido, tanto la Vitrina como la publicación son una especie de homenaje al trabajo que Yona Friedman ha desarrollado en los últimos sesenta años. Desde el MUSAC, queremos constatar la actualidad de su pensamiento, la importancia de los proyectos que ha planteado y ver como podemos hacer eco a esas ideas para que puedan ser tenidas en cuenta tanto por el ciudadano como por los arquitectos y por los políticos que son a final de cuentas quienes a final de cuenta toman las decisiones.

Autor de textos emblemáticos como son “L’Architecture Mobile” (1956) y “Pour une architecture scientifique” (1971), Friedman pudo llevar a cabo sus primeros proyectos en Haifa (Israel), donde coincidió con a Konrad Wachsmann, cuyos trabajos teóricos sobre las técnicas de pre-fabricación y las estructuras tridimensionales tuvieron una gran influencia en la propuesta de Yona Friedman, propuesta totalmente vigente basada en una “arquitectura móvil” en la que se apuesta por la creación de “entornos cambiables”, de dispositivos arquitectónicos flexibles que se puedan transformar en función de los gustos, intereses y necesidades de sus potenciales usuarios…

Efectivamente , por ejemplo en uno de sus proyectos, la idea es que a partir de una infraestructura ya existente, como es la estructura de red ferroviaria de alta velocidad, podemos conectar a todas 89

las grandes ciudades europeas. Esto nos permitiría abordar la economía y el campo del trabajo de una forma diferente, los ciudadanos podrían desplazarse de una manera mucho más flexible permitiendo así la opción de trabajar desde su hogar. El comercio también ampliaría enormemente su público. Yona Friedman plantea en definitiva que si las nuevas tecnologías han hecho cambiar el trabajo y la dinámica cotidiana, las ciudades deberían de cambiar también estructuralmente para adaptarse a ello.

Friedman nos propone partir de esa red ferroviaria ya existente, implementarla en función de las necesidades de cada población y ajustar costes para que las personas pudiesen desplazarse fácilmente. Las teorías de Friedman plantean soluciones a problemas actuales pero también va más allá tratando de dar soluciones a situaciones futuras y en definitiva a la sociedad en la que viviremos en unos años.

La “arquitectura móvil” de Friedman sería, por tanto, una arquitectura en construcción permanente, abierta, adaptable, reconfigurable, indeterminada e indeterminante.., en la que lo importante es el proceso y no el producto final. Así Friedman consigue llegar o dar un paso más allá a los “Proyectos de Movilidad”, actualmente tan en auge en ayuntamientos como en empresas. Consiguiendo así aplicar ese concepto de “Movilidad” a un colectivo mayor, a una sociedad europea donde la base es la interrelación de ciudades a nivel europeo...

Efectivamente, esa es sin duda la clave del trabajo de Yona Friedman, el momento en que la sociedad sea capaz de entender la capacidad y la fuerza que se esconde detrás del concepto de lo que es Europa. Entendiendo y funcionando entre ciudades, no entre países, ese será realmente el momento en que desaparecerán las fronteras y cambiará nuestra perspectiva de Europa, pues estaremos hablando con nuestros vecinos europeos a otro nivel, tanto en el aspecto laboral, como comercial e incluso personal.

Creo que si a nivel político se tomasen las decisiones adecuadas para aprovechar las estructuras

europeas existentes sería algo muy positivo y más en un momento de crisis económica como el que estamos viviendo. Momentos de crisis que según Friedman son los momentos más apropiados para experimentar y generar nuevas ideas que permitirán encontrar estrategias y soluciones para avanzar.

Por lo tanto Yona Friedman no habla de una arquitectura jerarquizada y estática, todo lo contrario su argumentarlo principal lo encontramos en la plasticidad esto es, en la arquitectura elástica, sin formas geométricas definidas, una arquitectura que se puede “personalizar” pues permite a los ocupantes decidir el diseño de su propia vivienda y que huye del carácter rígido, piramidal e impositivo de los modelos compositivos tradicionales que, a juicio de Friedman, parecen concebidos para ciudadanos idealizados y no para individuos reales con necesidades y aspiraciones concretas.

Es muy interesante ver, por ejemplo, como Yona Friedma comenzó en los años cincuenta a realizar manuales de autoconstrucción, que se tradujeron a muchísimas lenguas y se distribuyeron en Latinoamérica, India, y otros muchos países donde la autoconstrucción era fundamental y muy importante, en ese momento, por ser la única manera de acceder a la vivienda.

Friedman detecta una realidad existente, como era la autoconstrucción, y decide llevar a cabo unos manuales para enseñar a la gente determinadas técnicas para que sus casas funcionen.

Yona es una persona que a sus ochenta y ocho años ha aportado mucho a la sociedad, particularmente me parece muy interesante ver como desde el campo del arte podemos enriquecernos con las ideas de Yona Friedman, en ese sentido creo que era imprescindible sacar sus ideas del campo de la arquitectura para que interactúen con la obra y las ideas de otros artistas, que tal vez, han denunciado también la misma problemática pero desde otra perspectiva.

Por lo tanto, la idea central del Proyecto Vitrinas no es tanto catalogar o exhibir la obra de Friedman como arte sino ver de qué forma sus ideas nos pueden aportar o alimentar a nosotros que estamos en el campo del Arte y en general que podemos aprender como ciudadanos.

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Texto: José Ugidos Fotografía: Marianne Homiridis

Con motivo de la publicación del segundo volumen de la Colección Arte y Arquitectura AA MUSAC: El Proyecto Vitrinas dedicará su espacio a partir del 25 de junio al arquitecto Yona Friedman, para ello este proyecto se conforma de la exposición “Métropole Europe / Europa Metrópolis” así como de la edición de la publicación “Arquitectura con la gente, por la gente, para la gente.

Yona Friedman” diseñada por Michel Mallard Studio, editada por el MUSAC y dirigida por María Inés Rodríguez, con la que conversamos para que nos desgrane todos su entresijos…

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Citando al propio Friedman “todo conocimiento humano, por complejo que sea, se puede explicar en un lenguaje comprensible”…, en eso podemos decir que consiste este proyecto y en concreto la publicación “Arquitectura con la gente, por la gente, para la gente. Yona Friedman” el alma e idea vital que subyace es la difusión y la didáctica de un mensaje que quiere llegar al colectivo mayoritario de una población, insatisfecha. Así en “Arquitectura con la gente, por la gente, para la gente. Yona Friedman” podemos encontrar reflexiones inéditas del propio Yona Friedman sobre el rol actual de los museos de arte contemporáneo, y cual puede ser su papel en dicha sociedad….

En los años setenta Yona Friedman realizó un proyecto para el Centro Pompidou, en él plantea el museo no simplemente como un espacio físico donde se guarda una colección, él lo veía como algo mucho más amplio, como un espacio para las ideas, un espacio catalizador de proyectos, un espacio flexible del que los curadores se valen para transmitir las ideas que consideran importantes.

En definitiva el museo sería una plataforma de pensamiento en la que las obras de los artistas serían herramientas de trabajo para transmitir ideas importantes para la sociedad contemporánea.

Por lo tanto el museo no es una entidad fija, hermética y cerrada sino que es un espacio flexible en el que se trabaja con ideas.

Creo que eso es algo que a veces se olvida un poco, pensamos que es un lugar donde podemos ir a observar pero de forma pasiva. Y el museo es un lugar para ver, pero también para pensar en lo que estamos viendo y después construir cosas a partir de lo que hemos visto.

Creo que el museo debe de interactuar con su entorno, el museo sería como una membrana osmótica que deja filtrar sus ideas y a la vez recibe la influencia de aquello que le rodea.

Por lo tanto la publicación “Arquitectura con la gente, por la gente, para la gente. Yona Friedman” es en si misma la materialización de las ideas de Yona intentando difundir los mensajes, los textos 92

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e ideas de personas tan relevantes como Kenneth Frampton, crítico e historiador de la arquitectura, o como el Profesor de la Universidad de Columbia, Manuel Orazi y Hans Ulrich Obrist…

Sí, así es, Kenneth Frampton es uno de los historiadores más importantes de la Arquitectura

qué ocurrirá con ella con él no esté, su casa es un lugar muy especial que él ha convertido en su taller, su depósito, en un lugar muy dinámico. El contenido de la casa ha sido comprado por el estado francés con la idea reconstituir ese espacio en algún lugar para convertirlo en el museo de Yona Friedman cuando él ya no esté entre nosotros.

En definitiva las ideas de Yona buscan agitar la conciencia personal de cada uno de nosotros, intentando de alguna forma establecer un nuevo sistema de valores donde el ciudadano que vive y nutre estas ciudades sea el patrón o medida de todas ellas y así evitar ese monopolio de los expertos, para ello plantea la conveniencia de elaborar sencillas guías, llamados “manuales”, que, en tono didáctico, expliquen temas relacionados con la arquitectura y la planificación urbanística.

Moderna, además trabajo con Friedman en los años sesenta y tuvieron una relación personal de amistad; en sus textos Kenneth nos habla tanto del trabajo de Yona como de su vertiente y calidad humana.

Manuel Orazi es un historiador de arquitectura italiano, conoce muy bien toda la obra de Yona, por ello a través de su texto podemos conocer toda la trayectoria profesional de Friedman. En ellos vemos como la vida de Yona Friedman se ve marcada por la guerra, como siendo judio se ve obligado a vivir durante un tiempo en Israel donde tuvo que aprender a realizar ciertas construcciones. A través de estos textos podemos conocer como la vida de Yona Friedman, marcada por la guerra, influye en lo que será su trabajo años más adelante.

Por último Hans Ulrich Obrist es director de un museo el Londres, es una persona que conoce muchísimo de la arquitectura y del arte, ha realizado dos entrevistas a Yona Friedman y creo que su publicación nos acercan a un Yona Friedman más contemporáneo.

En estas entrevistas Yona nos habla por ejemplo de su casa, y nos trasmite su preocupación por

Una da las grandes utopías del Movimiento Moderno, en los años cuarenta, era crear una sociedad ideal a partir de la arquitectura y nos dimos cuenta de que no es posible de que la arquitectura no puede cargar con todo el peso, no es la disciplina mágica que puede resolverlo todo.

Pero la arquitectura si tiene una gran responsabilidad pues es ella quien crea la estructura donde vivimos.

La arquitectura forma parte de un complejo tejido de actores, cada uno de ellos con su propia responsabilidad e influencia.

Friedman nos propone por lo tanto que el conocimiento arquitectónico no puede ser propiedad exclusiva de profesionales y especialistas que a la hora de diseñar un edificio o de planificar una acción urbanística anteponen sus preferencias de índole técnica y estética a los deseos y necesidades de sus futuros usuarios.

La arquitectura es y debe ser una de las herramientas básicas al servicio de los usuarios, al servicio de los habitantes finales de cada una de las ciudades que conforman Europa, una herramienta versátil y democratizada para cubrir cada una de las necesidades de los habitantes de los pueblos y ciudades que conforma Europa.

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Sara Hara i g u e e s u n a j o ven a r ti s t a r es i d e n t e e n Pa rí s , qu e t ra b a ja e n d i f e re n t e s d i s ci pli n a s t a le s com o la identida d c o r p o r a ti va , l a s p u bl i c a c i o n e s , e l d i s e ñ o t ext i l y s ob re t od o la i lu s t ra ci ón pa ra proye ct os editoriales o m u s i c a l es . S a r a d e s c r i b e s u u n i ve rs o g rá f i co com o u n a con s t a n t e ex pe ri m e n t a ci ón s ob re la s formas, los m a te r i a l e s n a t u r a l e s , ve g et a l es o a n i m a le s , e l ju e g o d e t ra n s pa re n ci a s , la s t ra m a s a b s t ra ct a s y las armon í a s d e c o l o r . Ac t u a l m en t e c o l a bora con C h ri s t i a n We s t ph a l, d i s e ñ a d or d e m od a n a t u ra l d e D i n a marca, en l a c r e a c i ó n d e s u c o l ec c i ó n d e ve ra n o d e 2 0 1 2 .

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De madre japonesa y padre suizo, David es una de esas personas que tiene un mundo interior arrollador y desbordante en igual dosis que sutil y romántico. Pero, como él reconoce, le cuesta mucho hablar de sí mismo, así que, para suerte de todos, ha encontrado en la fotografía un modo perfecto para exteriorizar todo ese yo interior, a través de escenarios insólitos (reales y recreados), evocadores paisajes, retratos y autorretratos; todo bajo una iluminación envolvente e hipnótica.

¿Cómo comenzaste con el mundo de la foto?

Pues prácticamente cuando decidí empezar mis estudios de arte en la escuela ECAL (Ecole Cantonale d’Art de Lausanne) hace cinco años. Ningún miembro de mi familia se dedica o ha estudiado nada relacionado con la fotografía o alguna otra disciplina artística, pero sentía que debía intentarlo, así que me apunté a la escuela, me hice con una cámara y hasta hoy. La verdad es que gracias a la fotografía, he podido ver mi mundo de un modo diferente, como con otros ojos, y eso me encanta.

Actualmente, ¿has terminado ya tus estudios o te has incorporado al mercado laboral? Supongo que no será fácil, ¿no, David? Por el momento estoy acabando un máster en “Dirección Artística” de dos años, y por otro lado, haciendo mis propios trabajos, poco a poco. ¿Qué sentiste cuando ganaste el “Aperture Portfolio Prize”, te lo esperabas? No, para nada, realmente no pensé que fuese a ser el galardonado porque había muchos participantes, pero bueno, por suerte, nunca sabes cómo va a reaccionar el jurado ante tu trabajo, así que me alegré muchísimo cuando me dieron la noticia. ¿Es el premio más importante que has recibido?

Sí, este premio es el más prestigioso, junto con el “Swiss Design Awards”.

Personalmente, mis series favoritas son “Gaijin” y “L’éloge de l’ombre”. Desde tu punto de vista, ¿cuál es la más representativa de tu trabajo?

Creo que la que más identifica mi estilo de fotografía y mi trabajo es, sin duda, “Gaijin”, porque es la que siento de manera más personal, habla de la relación que tengo con mi país natal. Hace años pedí la doble nacionalidad a la Embajada del Japón, pero me la negó. Ese rechazo, me incitó e inspiró para explorar mi identidad más profunda, una especie de deseo de demostrar que soy suizo y japonés, ambas cosas. Se trata de un trabajo de búsqueda de identidad, donde los autorretratos que incorporo representan esa relación íntima y solitaria que tengo conmigo mismo.

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Gracias a los recuerdos que tengo, a los viajes que he hecho a Japón, a las historias de mis padres, abuelos y demás, materialicé esta serie creando mi propio Japón en Suiza. ¿Y qué hay de “Omoide Poroporo”? Este trabajo es la continuación de “Gaijin” y que se ha materializado en una edición muy bonita, completamente hecha a mano y limitada a únicamente cien ejemplares, que se produjo el año pasado y que fue distribuida por Kodoji Press. Para mí es un proyecto muy especial, porque he mezclado archivos de mis padres con mis propias fotografías, es una especie de historia narrativa, una conjunción, que de algún modo, hace pensar sobre qué es realidad y qué no.

He visto que en varias ocasiones te escoges a ti como modelo para tus instantáneas, ¿te resulta más fácil que dirigir a la gente? Pues lo cierto es que por un lado es más fácil fotografiar a otra persona, porque puedes ver lo que estás haciendo e ir corrigiendo pequeñas cosas, pero por otra parte es más sencillo fotografiarse a uno mismo porque te aseguras de que vas a hacer lo que tú tienes en la cabeza, construyes la escena y las actitudes como quieres, sin límites de ningún tipo...

te sientes más cómodo? Con los dos, creo que no podría escoger, como bien dices, ambas se complementan muy bien y forman sinergias interesantes.

Si tuvieses que escoger una BSO para acompañar tus imágenes, ¿cuál sería? Ummm… “Arrival Of The Birds”, de Cinematic Orchestra. ¡Estoy enamorado de esta canción!

Pregunta obligada: ¿a qué fotógrafos admiras?

Mis fotógrafos preferidos son Masao Yamamoto, Philip Lorca DiCorcia, Sally Mann, Kikuji Kawada, Nick Knight, Ellen Von Umwert, Taryn Simon, Tim Walker ¡y muchos más! ¿De dónde sacas la inspiración, David? Pues, aunque suene raro, muchas de ellas de las historias que cuenta mi madre, otras de la cultura popular japonesa, narrativas de guerra de mis abuelos, de los libros que voy leyendo (me gustan especialmente Haruki Murakami y Yoko Ogawa). ¿Hay alguna fotografía en el tintero que quieras hacer? Una foto que me gustaría hacer, y que todavía no he tenido la ocasión, es una de mi padre.

Me encanta el nombre que has escogido para el nuevo trabajo “Le Tremblement Du Temps”. ¿Sobre qué va? “Le Tremblement Du Temps” es la tercera parte de “Gaijin” Project. Creo que en un mes voy a presentarlo, así que ¡estoy contento!

Texto: Ana Himes Imagen: David Favrod

Para empezar, cuéntanos un poco sobre ti. Mi nombre es David «Takashi» Favrod. Nací el 2 de julio de 1982 en Kobe, Japón, y soy de madre japonesa y padre suizo. Cuando tenía seis meses de edad, mis padres decidieron venir a vivir a Suiza, más concretamente a Vionnaz, un pequeño pueblo en la parte baja del Valais.

¿Tienes algún objetivo a medio plazo fotográficamente hablando? ¿Cómo ves el panorama? Obviamente me encantaría poder vivir de mi pasión, la fotografía, y tener la posibilidad de poder inmortalizar con la cámara lo que quiero o lo que me obsesiona en cada momento, pero por el momento, estoy centrado en el máster.

Si tuvieses escoger tres ciudades ahora mismo, ¿cuáles serían?

Kobe, Nueva York y La Coruña.

Cuéntanos cuál es el proceso que llevas a cabo hasta que “pares” la fotografía que decides mostrar al público. Lo más habitual es que mis imágenes partan de una idea inicial, de un tema que escojo previamente y por lo tanto, prácticamente siempre las construyo en mi mente antes de llevarlas a cabo. Pero, sin embargo, cuando estoy de viaje, me dejo llevar y fotografío todo lo que me llama la atención, de un modo más impulsivo; son maneras distintas...

Me encanta la forma en que mezclas retratos y espacios en tu trabajo. ¿Con qué tipo de fotos L ados

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Jorge Quijano (León, 1973) podría presumir, y no presume, de ser actualmente uno de los creadores artísticos con más proyección de nuestro país. Licenciado en pintura por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca y en Artes Plásticas por la Sorbona de París, combina la acuarela, el lienzo o el óleo con técnicas multimedia con las que explora nuevas formas de representación, y habla con la misma naturalidad de la materia, la luz, o el reflejo de la realidad del arte contemporáneo, como de la música de Jeff Mills. Su intachable trayectoria, ha hecho que a pesar de su juventud haya recibido honores como el primer premio San Marcos de Pintura y la Medalla de Honor del Premio BMW de Pintura, paseado su obra a lo largo de ciudades como León, Madrid, París, Amsterdam, Moscú o New York y recientemente, haya recibido la máxima calificación en su tesis doctoral “En torno a lo visible, la fuga en las artes plásticas”

de desarrollar a pequeña escala ideas y dispositivos que deberían tomar forma en futuros proyectos. Todo depende también de la financiación. Los elementos multimedia y las video instalaciones los he desarrollado principalmente en el proyecto “Interfaces - Identidades”. La verdad es que en cada espacio las instalaciones variaban. Aparte de esto he hecho varios experimentos pero no se han materializado en ninguna exposición. ¿Cómo reacciona alguien anónimo ante una petición como es un retrato de forma espontánea, en plena calle? La mayoría de las veces quieren saber para que se va a utilizar su imagen. Todo el mundo es consciente de sus derechos, de la propiedad de su imagen y pienso que esto genera una reflexión en el retratado.

Yo diría que más que ceder su imagen lo que ceden es su mirada y lo interesante es reflexionar sobre como una mirada, resultado de una interacción social determinada, tiene un valor específico.

Todo un honor si ahora son conscientes de que aquel fotógrafo espontáneo es Antes de iniciar tus estudios en Bellas Artes además hoy todo un Doctor que ha estudiaste Electrónica, algo que en tus propias conseguido la máxima calificación en palabras te ha “influido completamente” y que su Tesis ¿Qué supone haber conseguihas convertido en todo un complemento para do el Doctorado en una universidad tu obra. De hecho en Interfaces retrataste a tus como La Sorbona de París de cara a tu modelos al azar con una cámara en plena calle, carrera y tu futuro a partir de ahora? utilizas video, proyectores... poca gente sabe En cuanto al esfuerzo es como haber que eres buen conocedor del techno como gécoronado una montaña muy alta. Desde nero musical, algo que resulta de lo más transel punto de vista personal supone la gresor para alguien que se ha dedicado a estusatisfacción de haber vencido mis prodiar profundamente las artes plásticas. ¿Hasta pios fantasmas, de ver una investigación que punto los elementos multimedia y lo electerminada que se tiene en pie y puede trónico juegan un papel importante en tu obra? desplazarse. Desde el punto de vista de ¿Has pensado en ir más allá y experimentar con la carrera es un escalón más que te perotros elementos como performances, edificios, mite desarrollar nuevos proyectos sobre luces...? Para mi el uso de elementos multimedia una base más sólida, también te permite forma parte de la práctica pictórica. Todo tipo de dar clases en la Universidad. soporte “tecnológico” es bienvenido con el fin de ensanchar el campo de la pintura. Es decir que es tan importante la materia pictórica como la luz ¿En qué consistió exactamente la exposición de que la ilumina, ya sean los focos de la sala o los tu tesis? ¿Por qué el titulo de “En torno a lo aparatos de proyección, (video, diapositivas). Hay visible, la fuga en las artes plásticas”? Si se trata una parte de mi producción que tiene que ver de una pregunta técnica, en el caso de las tesis en más con la luz, con las video proyecciones, con “artes plásticas” la exposición consiste en la lectulos campos electromagnéticos. De momento trato ra de un discurso de un media hora como mínimo 10 5

en un espacio donde muestras materialmente el resultado de tus investigaciones. Después del discurso, el jurado, compuesto por representantes de diferentes universidades, toma la palabra y comienza la “batalla”. Acto seguido el jurado delibera a solas y da la mención al candidato. En cuanto al título, diré que se trata de una cuestión fundamentalmente pictórica. Hay un doble sentido, la fuga se puede corresponder al punto de fuga de la perspectiva, al concepto de espacio pero también a la desaparición de lo que se quiere representar.

Lo visible queda sometido a una estrategia donde se alternan estos dos polos que encarna la fuga. El ejemplo más claro que se me ocurre para ilustrar esta idea es “Las Meninas” de Velazquez. En este sentido, la exposición de mi tesis podría definirse como una variación más de “Las Meninas” teniendo en consideración los medios tecnológicos de reproducción de imágenes que forman parte de nuestra vida cotidiana.

Volviendo a Interfaces, ¿has recogido el feedback de aquellas personas a las que retrataste? ¿Has sabido cual ha sido su impresión? Rara vez, ya que la mayoría de los retratados son personas que me cruzo por la calle, que fotografío con su permiso y que no vuelvo a ver. Es más frecuente tener el testimonio de los espectadores. Particularmente destacaría los que a pesar de tratarse de una exposición sobre la identidad acaban por confesar, a la salida de la exposición, que lo que han visto es como ellos son cuando no saben quienes son. Lo mismo que siento yo en cualquier paseo urbano frente a la multitud de identidades que no conozco y que me gustaría interrogar.

Y ahora, ¿cuál será el próximo proyecto? De momento estoy trabajando en varias líneas de producción. Más pronto que tarde estas líneas deberían converger en un punto común.

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Texto: Esmeralda Isolee Imagen: Jorge Quijano

Tras el largo proceso que supuso tu anterior serie Interfaces, estás viviendo un momento de transición. Si anteriormente fueron rostros lo que pudimos ver en tus cuadros, ahora representas el humo, las nubes..., ejemplo de ello es tu obra “La Fumée” que se expuso hace semanas en París. ¿Qué es lo que intentas reflejar a través de estos nuevos elementos? La verdad es que tener el humo o las nubes como tema de representación indica un estado de incertidumbre, un proceso de cambio. En este momento esto tiene mucha lógica para mi ya que salgo de un proyecto muy largo que ha cristalizado en “Interfaces-Identidades”. Intento reflejar un momento de libertad en mi carrera, algo que no es ajeno a los acontecimientos socio-políticos de la actualidad internacional. Por ejemplo, lo que está pasando en los países del norte de África: Túnez, Egipto..., donde el levantamiento popular ha conseguido expulsar a los “gobernantes opresores”.

Es de esta especie de revolución sin líder de lo que están construidas las nubes de humo, de gases lacrimógenos, de partículas en suspensión que no acaban de tomar una forma definitiva.

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manuel bolaño La propuesta de este catalán de nacimiento y gallego de corazón, no deja indiferente a nadie. Sus colecciones conceptuales se encuentran colmadas de diseños arriesgados, donde la experimentación con formas esenciales y cortes imposibles se complementan a la perfección con su apuesta por técnicas artesanales que aportan un valor añadido a su trabajo, posicionándolo así como una de las jóvenes promesas de la moda nacional a medio camino entre la alta costura y prêt-à-porter.

Destacar y remarcar la intachable trayectoria de Manuel Bolaño, plagada de premios y reconocimientos como el Noovo Festival de Santiago de Compostela, el Certamen Jóvenes Creadores de Madrid o formando parte de la primera edición del Proyecto Bressol de diseñadores, ¿qué suponen para ti estos reconocimientos? ¿Qué te aportan? En su momento reconocimiento y un aporte económico que me ha ayudado a seguir haciendo colecciones y a persistir en hacer lo que me gusta y con lo que disfruto.

Llama especialmente la atención la originalidad de los títulos con los que bautizas a tus colecciones, “Canela en Rama”, “¿Por qué todo ha de ser Color de Rosa?”… ¿En qué te inspiras a la hora de elegirlos? Van directamente relacionados con el tema de la colección, a veces además con recuerdos. Por ejemplo, la madre de una amiga mía me llama “canelita”. De ahí el nombre de la colección “Canela en Rama”.

Para un diseñador con un marcado carácter visual como son tus colecciones, llenas de volumenes y formas que abrazan al cuerpo de la mujer. ¿Cuál es el proceso de trabajo que sigues a la hora de plantear una nueva colección? Primero planteo un tema, busco la inspiración, información relacionada, creo unos paneles que explican colores, conceptos, texturas, etc. Más adelante planteo una serie de volúmenes o siluetas y una vez tengo los tejidos acabo de determinar los volúmenes exactos sabiendo si me van a funcionar bien con mis tejidos o no. Una vez teniendo esto se diseña la colección, luego se realiza el patronaje, la confección de las prendas y finalmente se hacen los acabados y el control de calidad.

Háblanos del futuro, de tus proximos trabajos, de sus motivos inspiradores. ¿Puedes adelantarnos algo de tu próxima colección? (Risas), no 10 9

me gusta hablar mucho de mis futuras colecciones, tengo la sensación que de alguna forma pueden mutar o verse alteradas por cualquier hecho insólito en mi vida. Pero si que os puedo decir que se titula “Cómo reparar un corazón roto’’.

Cuando diseñas aparte de las fuentes de inspiración de los momentos cotidianos de la vida, de las texturas de los tejidos, de los patrones colorimétricos de las telas, la figura de la mujer debe aparecer en un momento determinado dentro del proceso creativo. ¿Cómo imaginas a la mujer que viste de Manuel Bolaño? Una mujer independiente, segura de si misma, que intenta escapar de la uniformidad, con una vida social activa… ¿Cuál consideras que es el valor añadido de las colecciones de Manuel Bolaño? Aquello que las hace diferentes al resto… Bueno sobre todo trabajo con un concepto muy marcado que va ligado directamente a una idea. Además cuido mucho el detalle e intento rescatar el lado artesanal de la moda. Son dos aspectos en los que me apoyo para intentar diferenciarme.

Texto: María Mateos Imagen: Cristian di Stefano

Para situar a nuestros lectores y poderles dar un punto de partida de Manuel Bolaño. ¿En qué momento decides crear tu propia colección? Y ¿qué factores te llevan a ello? En el 2007 al ganar el premio Proyecto Bressol, que fue un proyecto de la Generalitat que te daba soporte para crear tu propia marca. Para mí, ese fue el pistoletazo de salida, entré en el proyecto a través de un concurso en el que seleccionaban a quince personas de diferentes escuelas de moda y fue ese el momento en que aprovechando la ocasión decidí crear mi primera colección.

¿Cuáles son tus fuentes de inspiración básicas a las que acudes en momentos de parálisis o de rechazo creativo? Mis orígenes gallegos, mis recuerdos de la infancia, mis vivencias etc., son todas ellas piezas claves en mis colecciones y en las que encuentro ideas revitalistas. ¿Cuál ha sido tu mayor decepción como diseñador y cuál tu mayor alegría? Mi mayor alegría fue que Diane Pernet viese mi colección, en cuanto a decepciones, la verdad es que afortunadamente no he tenido ninguna decepción importante por el momento.

Si Manuel Bolaño no fuese diseñador, ¿a qué se dedicaría?

Nunca me lo he planteado. Sólo existe la moda para mí. ¿Quién consideras que es tu diseñador nacional favorito? Krizia Robustella y Karlota Laspalas. ¿Y si hablamos del panorama internacional? Boudicca.

Más preferencias personales, ¿un color imprescindible para ti?

El rojo. ¿Y tu tejido favorito? El voile. ¿Escuchas música cuando diseñas? Y si es así, ¿qué escuchas?

Mira, ahora mismo estaba escuchando Bauhaus.

Una prenda imprescindible para el verano. Un pantalón de color amarillo.

Y para terminar, ¿cuáles son tus planes de futuro? Ahora mismo sólo pienso en terminar la colección y presentarla.

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F L U OrESSEN C E Ph otograph y : A l i c e Ro s a ti ( a l i c e r o s a t i . c o m ) Art direc tion : To m m a s o Fo g g i n i Styling: Ade l e C a n y Styling assi s ta n t : Z a m i r a Pa l a d i n i M ake up & ha i r : M a r i n a A l ej a n d r e Model: Inna Nec hy p o r e n ko ( Next Mo d el s M i la n ) A Simply pros u m p r o d u c t i o n

Skirt: Ailanto S h i r t : E q u i p e m e n t B e l t : L o u i s Vu i t t o n Bracelet: Fendi

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Skirt: Moschino Blue top: Sita Murt Orange top: Hugo Boss Earrings and ring: Helena Rohner L ados

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Shirt: Equipement Jacket: Manuel Bolaño Pants: Juanjo Oliva Necklace: Aita Shoes: Jimmy Choo

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Bodysuit: Equipement Shoes: Casadei Ring: Aristocrazy Necklace: Aita

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Bodysuit: David Delfin Shoes: Casadei B r a c e l e t s : L o u i s Vu i t t o n Bag: Pura Lopez

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III Fashion Showroom & Summit

EXPOCoruña, 24 y 25 de Septiembre del 2011, A Coruña, Galicia

Showroom: Feria de Moda Urbana y Emergente ¡Visítanos! ¡Novedad! Summit: El Congreso de la Moda en España En un momento de cambio y crisis en el sector,

Analiza las Nuevas Estrategias y Tendencias en Retail Moda 30 EMPRESAS DEL SECTOR ARTS & CRAFTS, ASOCIACIÓN ESPAÑOLA DE BLOGS DE MODA Y BELLEZA, ASOCIACIÓN DE BLOGGERS GALLEGOS, BOMB, CASA DE MODAS SATURNA, CLEVERCOOL, COINTEGA, DOG COMUNICACIÓN, D-DUE, FDILOGBOX, GALICIA DE MODA, GOOGLE, ISEM FASHION BUSINESS SCHOOL, KRIZIA ROBUSTELLA, LA CASITA DE WENDY, LOREAK MENDIAN, MALAHIERBA, MODDO GROUP, MITMEBYMAYTE, PASIONFORFASHION, POTIPOTI, VISTIENDO EL FUTURO, …

6 CASE STUDIES Loreak Mendian | La Casita de Wendy | Krizia Robustella | Malahierba | D-due | Potipoti

5 WORKSHOPS Vestuario en Cine, Tv y Publicidad - Casa de Modas Saturna Creación de Empresas de Moda - La Casita de Wendy Cómo hacer 1 falda en 1 día - Krizia Robustella Creación de Bolsos - NGbags Estampación - Potipoti

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¡Acreditaciones Abiertas! Acceso gratuito para profesionales al Showroom y al Summit L a d o s

más info: info@daisymarket.es - www.daisymarket.es

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As Tears Go By Ph otograph y : A l be r to Va n S t o k k u m ( a l b e r tova n s t ok k u m .com ) M ake up & ha i r : Ce s a r D a r i o Model: Hy u n ha Pa r k A Simply pros u m p r o d u c t i o n Th anks to: Gr u p o Ta l l er L a Nave

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noticias

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El festival Ecopop aterriza en Ávila el 16 de julio Por mucho menos de lo que te costaría verlos en cualquier concierto, 12 euros con entrada anticipada a través de Ticketmaster y 17 en taquilla, podrás disfrutar de nombres tan importantes como Iván Ferreiro, Sexy Sadie, Supersubmarina, Sexy Zebras, Cyan, The Zombie Kids y los abulenses Los Pedales, que acaban de terminar su larga gira de presentación del álbum “Nuevo mundo”.

El festival, de momento de un solo día de duración, pero con propósito de quedarse, empezará a las 19:30 en la Multiusos de Ávila, y mantendrá el espíritu de sostenibilidad del “original”. La organización prevé poner autobuses desde las cercanas Salamanca, Segovia y Valladolid. Además, la ciudad estará en plena celebración de sus Fiestas de Verano. ¿Te lo vas a perder?

Kia Picanto Cultura Urbana 2011 a Los Veranos De La Villa. www.culturaurbana.com El próximo domingo 31 de julio, entre las 18:00 y las 23:30h, todos los aficionados al mejor hip-hop podrán disfrutar de un macro concierto en el escenario Puerta del Ángel dentro de la programación de Veranos de la Villa. Cultura Urbana vuelve y lo hace en forma de un 1-day-festival en la que es su séptima edición apostando esta vez por artistas de primer orden de la escena nacional.

Como plato fuerte, se confirma la presencia de Nach, el MC alicantino presentará los temas de su último trabajo, “Mejor que el Silencio”. El cartel se completa a fecha de hoy con Chacho Brodas, M’Baka, Aqeel , Tremendo, el malagueño Capaz, Gregtown y Hombres Púa + artistas por confirmar.

Low Cost Festival Ciudad Deportiva Guillermo Amor Benidorm

Electromar Festival Playa de los Narejos Los Alcazares, Murcia

Sonorama Ribera.

Un clásico más en forma que nunca www.sonorama-aranda.com

De entre toda la oferta festivalera que el calendario estival presenta, es el cartel del Low Cost en su tercera edición uno de los que pujan con mayor rabia en el ránking de ofertas musicales atractivas con tándem calidad-precio por bandera. Los días 21, 22 y 23 de Julio, aquellos que se hayan gestionado abono podrán saciar el apetito de directos por todo lo alto. Este festival que en tiempo record de tres años ha logrado ya convertirse en cita ineludible, sigue progresando cualitativamente y engrosando su curriculum con bandas ya confirmadas para este 2011 como: Mika, Mando Diao, Klaxons, Crystal Castles, Cut Copy, Ok Go, The Pains Of Being Pure At Heart, Vetusta Morla, Love Of Lesbian, Fangoria, Standstill, Maga, Supersubmarina, Sidonie, Lori Meyers, Catpeople, Dos Bandas y Un Destino, etc. El precio del abono es de 60€ y el de las entradas de día a 30€ la del Jueves y a 40 la del Viernes y la del Sábado. Leído esto, constatado queda que la oferta del Low Cost rinde tributo a su anglosajón nombre.

El Electromar repite fórmula aplicada en los anteriores 2009 y 2010 y por ello es que en esta nueva edición vuelve a imperar la combinación del indie y la electrónica como géneros protagonistas.

El festival arandino propone este año cuatro días de música, desde el jueves 11 al domingo 14 agosto, con un cartel que quita absolutamente el hipo. A nivel internacional, Sonorama sigue apostando por grandes como los catedráticos del pop pluscuamperfecto Teenage Fanclub, el indie pop de Hidden Cameras y los suecos Shout Out Louds o el pop-punk infeccioso y juvenil de Los Campesinos! Pero es que en cuanto a los de aquí se puede decir que este año no falta absolutamente nadie: Xoel López, Amaral, La Habitación Roja, Catpeople, Nacho Vegas, Iván Ferreiro, Hola a Todo el Mundo, Delorean, Triángulo de Amor Bizarro, El Columpio Asesino, Niños Mutantes, Fernando Alfaro, Second, La Bien Querida, Ellos, Dorian, Bigott o Nadadora, además de clásicos como La Frontera, Coque Malla o el gran Lapido.

Todo ello en un festival con mayúsculas, hecho con el mimo del que cuida hasta el más mínimo detalle. Ya lo saben: además de camping y piscinas gratis, los asistentes están invitados a almorzar en las bodegas. Y lo mejor: todo esto por sólo 60€.

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Moby, 2 Many Dj’s, Marco Carola, Lori Meyers, Umek, Supersubmarina, Ellen Allien, Barem, 2020 Soundsystem, The Zombie Kids, Varry Brava, The Leadings, Pascal Feos, Barem y David August entre otros son quienes conforman el line-up de artistas que ofrecerán directos a pie de playa.

A continuación, indicaciones recomendadas para hacer de esto un planazo. Primer paso: márquese con una X en el calendario los días 29 y 30 de Julio. Segundo: Accédase a la compra del abono por un total de 52 euros o en su defecto a la entrada de día por 37. Tercero y último: bañador, gafas, refrigerio y a darse al baile.

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DCODE: Madrid también quiere su festival — www.dcodefest.com

FIB; un año más en la cumbre — www.fiberfib.com

Dcode Festival. Abre sus puertas para devolver a Madrid en la Universidad Complutense la oportunidad de contar con un festival de dos días con grandes nombres en su cartel. El evento, se celebrará el 24 y 25 de junio buscando construir una suculenta propuesta cultural de música y arte en la que destaca la calidad de sus propuestas. Como cabezas de cartel para esta primera edición destacan My Chemical Romance y Kasabian, completandose el cartel con Crystal Castles, The Sounds, All Time Low, Jamaica, Blood Red Shoes Band of Horses, Eels. y prometedoras bandas emergentes como The Vaccines o Foster the People. La representación local correrá a cargo de Lori Meyers, LA, Mucho, Polock, The New Raemon, Nothink, Toundra y el dúo de DJs The Zombie Kids.

Después de dieciseis años de buena música, buen ambiente y un emplazamiento muy apetecible en verano, el Festival Internacional de Benicàssim se ha convertido en sinónimo de éxito y de ejemplo a seguir en lo que a eventos musicales se refiere. De hecho, no sólo en España es uno de los más reconocidos sino que a nivel europeo ha adquirido fama y prestigio. El archiconocido festival de Benicassim vuelve otro año más con fuerzas renovadas, pero con el mismo gusto musical La edición de este año se celebrará entre el 14 y el 17 de julio, los cuatro grandes cabezas de cartel The Strokes, Arcade Fire, Arctic Monkeys, y Portishead son mas que suficientes para atraer a un gran numero de seguidores. La oferta se completa con nombres y gusto para todos; Beirut, Elbow, Primal Scream, Friendly Fires y Tinie Tempah, Mumford & Sons, The Streets, Julieta Venegas, Lori Meyers, CatPeople, The Coronas, Veronica Falls, Grupo Salvaje, The Marzipan Man y Smile, son solo algunos de una lista interminable.

Aquasella 2011: 15 años, son la niña bonita — www.aquasella.com

Santander Music — www.santandermusic.es

El line up del 15 aniversario del Aquasella 2011 está completamente listo.

Con las incorporaciones de dos embajadores del sello Cadenza, Frivolus y Mirko Loko, así como con las de Darkrow, David Mallada, Richi Risco, Hugo Rolán, Héctor Llamazares, Chusso y Christelle, desde La Real Producciones, promotora organizadora del festival, dan por concluido el cartel de artistas participantes en el popular festival de música electrónica que tendrá lugar, una vez más, los días 5 y 6 de agosto en la localidad asturiana de Arriondas donde podréis disfrutar del siguiente cartel de artistas: 2ManyDjs Live, Sven Vaeth, Groove Armada present Red Light Sessions, Sims and Friends {Kevin Saunderson, Surgeon, Kirk DeGiorgio, Paul Mac}, Dj Hell, Dave Clarke, Ben Sims, Óscar Mulero, Erol Alkan, Derrick Carter, Technasia Live, Henrik Schwarz Live, Hernán Cattaneo, Dr. Smoke aka Óscar Mulero… y así un largo etcetera. Si quereis conocer todo el cartel y su distribución por dias, fiestas de presentación y demás información, visitar su página web.

El festival “Santander Music”, uno de los más esperados del verano, ha cerrado su cartel con la incorporación de los británicos The Ting Tings, Russian Red y Jamaica. En total, serán diez grupos los que alternarán sus conciertos en los dos escenarios que se ubicarán en La Magdalena los días 22 y 23 de julio, en plena Semana Grande de la capital cántabra. The Ting Tings, una banda muy deseada entre los festivaleros santanderinos que llevan varias ediciones pidiendo su presencia. Para la presente edición del Santander a buen seguro que incluirán en sus setlist algunas canciones de las que compondrán su esperadísimo segundo disco, desde diciembre del 2010 y que de momento aún no ha visto la luz. A The Ting Tings se suman los nombres de Russian Red y Jamaica. Lourdes Hernández, la cantante madrileña que se esconde tras Russian Red, es una de las presencias indispensables en los festivales y conciertos de este año, tras la reciente publicación de su segundo trabajo Fuerteventura. Jamaica, por su parte, se barrunta como el descubrimiento del festival, con su recien estrenado “No Problem”.

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Original de Shangai, la historia de Feiyue se remonta a la década de 1920. Este humilde calzado, guió los pasos de todas las clases sociales en China, siendo el calzado cotidiano elegido por políticos y trabajadores. Décadas después, su comodidad y sencillez enamoró a un grupo de franceses apasionados por las zapatillas deportivas y la cultura urbana, que en 2006 decidió tomar el control de la marca para convertirla a día de hoy en uno de los iconos de la cultura y el diseño popular occidental.

“Fei-UE” encierra en el significado de su nombre la filosofía de la marca, Flying Forward “Volar hacia adelante”. Fascinado por el arte urbano, la música y los viajes, el equipo de Feiyue se nutre del día a día por todos los rincones del mundo para generar su propia corriente de creatividad, su fuente inagotable de ideas que más tarde eclosionarán como tendencias.

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Conservando su estilo vintage y su autenticidad, pero con una revisión de sus patrones originales, Feiyue abre nuevos horizontes con Shapes, tercer capítulo de este viaje alrededor del mundo y nombre de la campaña de primavera/verano 2011.

En Shapes Feiyue han combinado creaciones de Le Creative Sweatshop y el objetivo de la fotógrafa Estelle Rancurel, consiguiendo transportarnos a un nuevo universo caracterizado por la simplicidad, el blanco y la estructura.

Uno de los rasgos de Feiyue es su apuesta por la mezcla de personalidades y estilos, así que siguiendo el hilo de anteriores campañas, en Shapes la marca quiere representar las diferentes tribus urbanas que visten sus zapatillas.

Vintage Back to basics recupera la esencia pionera de Feiyue. Este modelo combina las características más reconocidas de la marca con una variedad de colores y cuidados detalles.

A.S. El modelo A.S. (Association Sportive) es último modelo de Feiyue hasta la fecha. Inspirado en los deportes ‘indoor’ de los 90, la edición A.S. y su particular estilo retro renace el espíritu college más atlético.

10N28E Inspirada en los clásicos modelos de calzado deportivo de los 90, la serie Feiyue 10N28E incorpora la tendencia de la cultura de las zapatillas deportivas que marcó una época. El modelo 10N28E debe su nombre a las coordenadas geográficas de Shanghai, un guiño a la ciudad de origen de la marca.

Delta Mid Un modelo de caña media con un corte elegante que ofrece una gran variedad de acabados y colores. El nombre DELTA MID proviene de la cuarta letra del alfabeto griego y resalta la sencillez y la estética renovada de la firma francesa.

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Eleven Paris — MJAG

Converse ­— Chuck it Slip Black

Date — Low Scottish Blue

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Carhartt

Veja — Mediterraneo Marino

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Eastpak — Denver

Carhartt — Grotesk X

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