lados mag 20 issue by jose ujidos

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20 Scott Matthew W U LY F

Alela Diane

Wilco

Maricel Ă lvarez

Bombay Bicycle Club

Arctic Monkeys

Skeletons

I s i d r o Fe r r e r

Jean Jullien

Jolie Holland

The Secret Society Porto Rubaiyat

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Wilco

The Secret Society

Maricel Álvarez

Alela Diane

Krizia Robustella

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Scott Matthew

Los Últimos Bañistas

Jolie Holland

Arborea

B ombay Bicycle Club

Dos Gajos

Skeletons

Jean Jullien

WU LYF

Arctic Monkeys

Nowar

Porto Rubaiyat

Isidro Ferrer

Km.0 - Rosh 333

Imagen de portada Wilco Zoran Orlic Imagen de portada Maricel Álvarez Ale Burset

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Wilc o sur g i ó d e l o s c r e a d o r e s d e l n u evo f olk d e E s t a d os Un i d os , u n e s t i lo b a u t i z a d o com o “americ ana ”. Co n u n g u r u d e l a c o m p o s i c i ón con t e m pora n e a com o e s Je f f Twe d d y a l f re n t e y una valen t í a q u e l e s ha he c ho g a n a r el r es pe t o d e t od a la e s ce n a m u s i ca l d e n u e s t ros d í a s , e s una de la s b a n d a s m á s g r a n d e s a l a s q u e u n o pu e d e s e g u i r. S u s f a n s s e con v i e rt e n e n d e vot os , y en proc es i ó n s i g u e n c a d a u n o d e s u s p a s os . Y e s o lo h a n con s e g u i d o t e n i e n d o u n a ú n i ca prioridad d u r a n te s u s q u i n c e a ñ o s d e c a rre ra , h a ce r b u e n a m ú s i ca a n t e t od o y s e r f i e le s a lo que les dic ta s u c o r a z ó n . Wi l c o , en u n a a m i g a b le con ve rs a ci ón , n os h a b la n s ob re “ T h e W h ole L ove” ( dB p M Rec o r d s 201 1 ) , s u ú l t i m o d i s co, y lo qu e s e rá s u próx i m o d i re ct o e n e l Te a t ro Circo Pri c e d e M a d r i d e l 1 d e n o vi em b r e d e n t ro d e l He i n e ke n Mu s i c S e le ct or.

Texto: Arturo Jiménez Imagen: Zoran Orlic

Tras finalizar el contrato con Nonesuch Records, La canción que abre el disco, “Art Of Almost“ habeis decidido lanzar este disco con vuestro es un claro ejemplo del estilo Wilco, melodía de recien fundado sello dBpm, que además está voz directa, algo experimental de fondo y una dirigido por Tony Marguerita, vuestro Manager. resolución intensa y creciente. Por este tipo de ¿Os sentís más comodos cuando todo “queda cosas os comparan con Radiohead. ¿Qué penen casa”? Bueno, la verdad es que manteníamos sais de todo esto? Radiohead es una banda a la muy buena relación con nuestro sello. No es una que admiramos mucho y respetamos, de hecho alde esas compañías que te dicen qué y cómo tienes gunos de sus miembros son buenos colegas, pero que hacer las cosas, nos sentíamos bastante libres, no tengo la sensación de que nuestra música se pero simplemente decidimos cuando se acabó el parezca. He colaborado con Phil (Selway, batería contrato que podríamos hacerlo de esta manera. de Radiohead) en su disco en solitario, pero sinAhora ya tenemos los medios para trabajar por ceramente no creo que alguien escuche “King Of nuestra cuenta, tenemos nuestro propio estudio, Limbs” y piense que suena a Wilco. las ideas… No es como si partiéramos de cero, y “Standing 0”, con ese riff de bajo tan pegadizo, estamos muy ilusionados la verdad. por su duración y su estructura se acerca bastante a una canción estandar pop. ¿Qué sentís “The Whole Love“ está grabado en vuestro cuando estais grabando algo que puede llegar a estudio, The Loft, casi un santuario para ser un single que llegue fácilmente al público? vuestros fans. ¿Todas las ideas salen realmente de ese espacio de trabajo? Realmen- ¿Os atrae la idea o preferís dar al público algo te no. Ese es un sitio fantástico para trabajar, en lo que tengan que trabajar más en su escucha? Ja, ja, ja…¡no queremos ponérselo difícil a la pero muchas ideas las trabajamos indivigente que nos escucha! Siempre afrontamos esto dualmente en casa. Luego nos juntamos allí con mucha libertad y sin nada premeditado. Nos y vamos desarrollando las canciones con centramos en la música, en conseguir algo que aportaciones de todos los miembros. suene a lo que la banda pretende, y que quede bien. Sólo nos interesa el aspecto musical, eso es. ¿Teníais clara la idea de producción del disco antes de poneros a grabar? No, nunComo en muchas otras bandas, ha habido basca. Jamas vamos con una idea preconcebida tantes cambios de formación en Wilco. Los más sobre cómo han de sonar las canciones en el antiguos sois Jeff (Tweddi), Glenn (Kotche) y disco. Cogemos los instrumentos y dejamos tú, John (Stirrat). ¿Qué futuro le ves a la banda? que las cosas fluyan de una manera bastante natural, viendo lo que nos gusta y lo que no. ¿Pensais en alguna incorporación próxima? No, no pensamos en eso la verdad. Si que ha habido Y siempre estamos abiertos a cualquier idea. cambios en la banda hasta que llegamos a esta for¿Cómo decidis qué entra y qué sale? Pues como mación definitiva pero ahora mismo funcionamos te decía eso suele saltar a la vista. Quiero decir muy bien. Todos los chicos de la banda son gente que cuando grabamos algo vamos escuchándolo y genial, nos llevamos muy bien, nos conocemos, viendo si encaja en la canción o no. No hay nadie nos entendemos y nos encanta trabajar juntos. en la banda que decida que alguna cosa se que- Además todos trabajamos en muchos proyectos da definitivamente o va fuera, porque llevamos paralelos, y cuando estamos juntos sólo pensamos bastante tiempo trabajando juntos y somos muy en hacer buena música. afines en cuanto a lo que queremos. Con el documental “I´m Trying To Break Your ¿Os habeis sentido especialmente creativos e Heart”, algunos libros y mil artículos en la preninspirados en la creación de este álbum? La ver- sa, piensas que hay demasiada expectación en dad es que el hecho de sacarlo con nuestra propia el funcionamiento interno de la banda, vuestras compañía nos ha hecho sentir más libres que nun- relaciones, etc… ¿Cómo os sentís al respecto? ca, aunque ya antes nos habíamos sentido así. Nos Bueno, esa película es bastante vieja ya, (risas), y hemos dejado llevar en cuanto a la composición están los libros, si… pero como te decía antes a nosotros sólo nos preocupa la música. En definitiva de todos lo temas. L ados

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sólo somos un grupo de amigos de Chicago que tiene una banda, salimos a tocar, componemos canciones… No estamos para nada metidos en el mundo de los medios y el famoseo. Nosotros estamos aquí por la música. Jeff es un referente para mucha gente. Se dice que el gran motor de la banda, pero a la vez es un personaje que provoca mucho tipo de sentimientos encontrados. ¿Qué podrías decirnos de él? La gente puede decir lo que piensa sobre una cosa u otra y eso no significa nada, ya sabes. Simplemente es dar tu opinión sobre las cosas que ves alrededor. Mi percepción de Jeff, el Jeff que yo conozco, es un tipo muy divertido, una gran persona y un magnífico compositor de canciones. Es un tío muy sencillo, todos lo somos la verdad en la banda. Me siento muy orgulloso y afortunado de compartir esto con mis compañeros la verdad. El grupo está muy implicado con diversas obras sociales como ayudas a Haiti y Africa, a la agricultura sostenible, la difusión de la televisión y radio pública en Estados Unidos. ¿Soleis ser vosotros quienes promoveis estos actos? Pues suele surgir en ambas direcciones. Ante todo somos individuos, y como tales estamos concienciados con diversos problemas de este mundo. Así que cuando a veces vamos a una ciudad aprovechamos para colaborar en algún tipo de acto solidario. Podeis encontrar toda la información al respecto en nuestra Web. También sois un referente en cuanto a la comunicación directa con el público. Poneis en streaming vuestros discos, regalais canciones y 6

en esta gira animais a la gente a que os mande videos con imágenes de las ciudad en las que vais a tocar para proyectarlas en los directos. ¿Me puedes contar algo más sobre este proyecto? Pues es algo que hacemos porque nos parece bastante divertido. No se, es una forma de conectar más con el público, cosa que nos encanta. Anteriormente ya hemos escuchado las peticiones de canciones que el público de cada ciudad quería escuchar en los conciertos y es algo que hace que la noche sea más especial. En cuanto a esta idea sobre la que me preguntabas, se nos ocurrió porque era una forma de hacer que cada concierto fuera diferente y único, y lo podamos vivir de esa manera en sintonía con el público. ¿Qué esperais que el público sienta en vuestras actuaciones? ¡Queremos que les cambie la vida!... No, en serio, si que intentamos ofrecer una experiencia vital positiva, de relación con ellos. Nos gusta que la gente disfrute de la música de la misma manera que lo hacemos nosotros. Esa es nuestra prioridad, siempre lo he dicho. Hacer música y compartirla con la gente y que se convierta en un recuerdo fantástico para todo el mundo. España es uno de los paises fuera de Estados Unidos donde más seguidores teneis. Y es uno de nuestros paises favoritos de Europa para tocar, ¡eso no es un secreto para nadie! De hecho es donde más fechas tenemos siempre. Nos encanta el público español. Es gente muy apasionada y entusiasta, y a la vez muy respetuosa. Es una gozada venir aquí a tocar porque sabemos que disfrutan nuestra conciertos y nosotros salimos siempre muy contentos. L ados

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alela d i a n e Alela Diane ha s a c a d o n u e vo d i s c o , y es t a ve z lo h a ce d e la m a n o d e los Wi ld D i v i n e , b a n d a formada por To m Men i g ( s u p a d r e) , To m B e v i t ori ( s u m a ri d o) , Jon a s H a s k i n s y Ja s on Me rcu lief (dos am i g o s d e l a c a n t a n t e ) . Mo t i vo m á s qu e s u f i ci e n t e pa ra d e e s t e cu e s t i on a ri o, pe ro s i a esto le añ a d i m o s s u e s p er a d a e i n m i n e n t e g i ra por n u e s t ra s ci u d a d e s , e s t e s e con v i e rt e e n impresc idibl e. En el c en t r o A l el a D i a n e, g ira n d o e n s u e n t orn o la m ú s i ca qu e e s cu ch a ( con fesa de ser fa n d e Je ffe r s o n Ai r p l a n e, c o m o la qu e a qu í s u s cri b e ) lo h u m a n o y lo d i v i n o com o satelites im p e r fe c to s d e u n a c o n ver s a c i ó n c e rca n a pa ra e l re cu e rd o. C on t a m os los d í a s qu e nos quedan p a r a p o d er ve r l e s s o br e l o s e s ce n a ri os y d i s f ru t a r e n d i re ct o d e e s t a g ra n d i os a voz el próxi m o 26 d e o c t u b r e e n e l Tea t r o L a ra d e Ma d ri d d e la m a n o d e S on E s t re lla G a li ci a .

Texto: Carla Linares Imagen: Chloe Aftel

En abril salió tu tercer: Alela Diane & Wild Divine (Rough Trade; 2011). Fórmula bajo la cual Alela Diane nos consagra su tercer álbum de estudio, esta vez arropada por unos Wild Dive más que cercanos, unos Wild Diven que nos ponen en alerta de lo que más tarde podremos comprobar, la fusión perfecta entre la calidez y la crudeza, el nuevo camino a explorar por la delicada voz de Alela Diane. ¿Por qué el nombre de Wild Divine para este tercer trabajo? Escogí ese nombre porque creo que representa el misterio, lo desconocido, lo inexplicable; y creo que son conceptos que aparecen en el álbum. Wild (salvaje) y Divine (divino), son conceptos contradictorios pero a la vez también son muy representativos de este disco. Salvaje en la fuerza, en el corazón, en el sentimiento que se trasmite en cada tema y divino en la dulzura o suavidad con que se trata cada canción. Un cambio sustancial que podemos presenciar desde la primera nota es que quizás en este trabajo te has centrado más en tu voz, recayendo por completo el trabajo instrumental en manos de los Wild Divine. ¿Qué más ha cambiado desde tu primer trabajo a este último? Uoh, muchas cosas. Me he casado, y mi marido y yo hemos empezado a escribir canciones juntos…, ese sería principalmente el mayor cambio. Este hecho tan sencillo de alguna forma también ha supuesto un gran cambio, pues he pasado de pensar en los temas desde un único punto de vista, el mio propio, a tener encuenta un punto de vista más global y colectivo, un punto de vista que te lo aporta el tocar canciones con la banda, con este disco, he pasado más tiempo escribiendo las canciones, definiendolas, dandoles cuerpo, como si las esculpiese, nunca antes había dedicado tanto tiempo a cada canción. Entonces teniendo en cuenta estos nuevos cambios que nos comentas. ¿Qué prefieres: voz e instrumentos, o solamente la voz? ¿En qué lado te sientes más cómoda, a la hora de desarrollar la temas? Me siento más cómoda con mi voz que con una guitarra, la verdad, aunque en este álbum toco la guitarra en algunas canciones. Pero sobre todo, canto. Me ha ayudado mucho el poder ser capaz de concentrarme en mi voz. Aunque no estoy segura si será así en el futuro, me siento muy cómoda con los instrumentos también. 8

Tu segundo álbum, “To Be Still” (Rough Trade; 2009), está dedicado a los pinos, los ríos, las profundidades del océano… ¿Para qué o para quién está dedicado este disco? Mmmm… No creo que el disco esté específicamente dedicado a algo o alguien… Sí que creo que este disco habla de la luz, de la oscuridad. Habla de cosas misteriosas que no podemos entender, pero que son cotidianas y tan reales como un dia en la vida de cualquiera. “Alela Diane & Wild Divine” trata del misterio de la vida, así de sencillo. Dices que las letras normalmente vienen de la soledad, pero también has comentado que no descartas un futuro cambio en esto… ¿Ha llegado ya ese cambio? ¿Han colaborado también en ese cambio o ruptura con el pasado los Wild Divine? Bueno, realmente no es así, de momento casi todas las letras las he escrito yo… aunque Tom (Bevitori) me ha ayudado con algunas canciones, los coros… Pero digamos que en un 97 % son mías. Si hablamos de escribir letras, no podemos pasar por alto la inspiración. ¿Te inspira escuchar música? En caso de que sí, ¿qué tipo de música? Y si no, ¿qué inspira a Alela Diane? Creo que mis letras vienen de mi vida diaria, de las cosas que he pasado y que me pasan cada día, eso es lo que me inspira a la hora de escribir. Me gusta mucho escuchar música, y realmente puedes conseguir inspiración y despertar sentimientos escuchando canciones, pero también me ayuda a introducirme en mi mundo, y de mi mundo salen las letras.

Podríamos decir sin temor a equivocarnos que Alela Diane & Wild Divine juegan con el sonido americano, con las raices en cualquiera de sus formas asi nos ofrecie en el momentos country, toques de jazz, y un poco de folk… ¿Es un reencuentro con tus raíces? ¿Volverás al sonido europeo de tus anteriores trabajos, o, estamos ante una nueva Alela? (Se toma su tiempo para contestar / pausa / duda). No creo… No intento sonar de esta o de otra manera, el disco sí tiene cierto sentimiento americano, pero es de donde vengo y es lo que soy. La banda también es americana, juntos vamos a típicos clubs americanos… Es inevitable. Joanna Newsom, tú… ¿Qué pasa en Nevada? Venimos de una ciudad pequeña, en California, la ciudad de Nevada, y sí, hay mucha gente creativa. De hecho, todo el mundo que conozco en esa ciudad está haciendo algo creativo de una manera u otra. Arte, música, lo que sea. Es otra de esas cosas inexplicables. Puede que pase algo con el agua de Nevada (ríe divertida). Para terminar, y sin ofender, tu voz recuerda a Kristin Hersh, aunque yo añadiría que también recuerda a Dido… ¿Qué te parecen estas comparaciones? No estoy muy familiarizada con su trabajo, la verdad… Sí que he escuchado algunas canciones muy buenas de Dido en la radio… pero la verdad, ¡no lo sé! (Risas).

En “Alela Diane & Wild Divine”, ¿es esta tu primera vez trabajando con un productor? ¿Cómo ha sido la creación de este álbum? Sí, ha sido la primera vez que hemos contado con un productor. En los anteriores discos, éramos mi padre y yo trabajando juntos, preparando el álbum en su estudio. Pero esta vez ha sido muy interesante y de gran ayuda tener a alguien dirigiendo el proyecto, ayudándonos a encontrar el sonido que queríamos. Su influencia en la parte instrumetal a sido decisiva, definitivamente ha sido de gran ayuda con la batería, el bajo, y la guitarra, ayudando a desarrollar lo que van a hacer en cada canción. L ados

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Scott M at thew a c a ba d e l a n z a r s u te r c e r Lp, “ G a lla n t r y´s Favori t e S on ” ( G li t t e rh ou s e / Mu s i c as U sual, 201 1) en é l , e l c a n t a n t e d e o r i g e n a u s t ra li a n o y a f i n ca d o e n Nu e va York , n os v u e lve a dej ar as o m a r n o s d en t r o d e s u m u n d o i n t e ri or, e n e l qu e la s pa la b ra s y m e lod í a s h a ce n d e puente ent r e s u s s e n t i m i e n t o s m á s s i n c e r o s y n u e s t ros propi os oí d os . A prove ch a m os s u v i s i t a a M adrid pa r a a c e r c a r n o s a l m ú s i c o y n o s q ue d a m os con la g ra t a s e n s a ci ón d e h a b e r e n con t ra d o también a l a p e r s o n a .

¿Cuándo empezó tu relación con la música? Pues desde pequeño realmente. Mi padre era músico, y su grupo de amigos, las reuniones, etc…, supongo que me afectaron de alguna manera. Más tarde, de adolescente, cuando empecé a tocar cuatro acordes en la guitarra e intentaba comprender como se hacía una canción me dije “¡uah! ¡me encanta esto!”. Entonces, ¿a esa edad ya tenías el presentimiento de que ibas a dedicarte a componer canciones? Creo que sí… Nunca visualice eso de ser una estrella del Pop o ser famoso. Simplemente disfrutaba mucho haciendo canciones y lo acepté como mi manera de expresar lo que sentía sin necesidad de hablar, porque mi familia no hablaba mucho conmigo (risas). Era una de esas familias en las que todo el mundo es muy agradable y todo eso, pero realmente no tenía a nadie con quien comunicarme, así que tenía que componer para expresarme de alguna manera. ¿Entrabas en la cocina con la guitarra diciendo “hola papá, ¡cómo estás!”? No ¡sólo cantaba para mi! (risas). Háblame de tu primera aventura musical. ¿Cómo recuerdas tu época de Elva Snow, junto al ex-Morrisey Spencer Crobin? Fue una buena experiencia. Lo pasamos bien con esa banda. Creo que éramos una especie de fan el uno del otro y escribimos grandes canciones juntos. Es aún es buen amigo mío pero ese proyecto se acabó. He cambiado mi forma de trabajar desde que empecé mi andadura en solitario, y aunque a veces graba algunas cosas para mí y hace algunos arreglos, ya no quiero tener una banda tradicional nunca más. ¿Podríamos esperar alguna colaboración en un futuro no muy lejano con él? No creo. El está 11

con lo suyo, yo con lo mío… Y aunque sigue colaborando en mis discos no creo que hagamos ningún trabajo conjunto de manera seria. ¡Pero le adoro!. Este es tu tercer álbum en solitario, ¿de qué manera has vivido tu evolución como músico desde tu primer trabajo hasta este último? Realmente ha habido una evolución como músico y como persona, porque son dos cosas que van muy unidas. La música que hago es una extensión honesta de lo que soy. No es todo lo que soy, pero si gran parte. Pienso que como músico (y como persona), el hecho de que se me haya permitido seguir con todo esto, ya que hay alguna gente ha respondido bien a mi creación, me ha empujado a evolucionar, porque me ha ayudado a conocer a la gente, entenderla, respetarla, disfrutarla…Y aunque no es que gane muchísimo dinero tocando, ¡por lo menos puedo hacerlo¡ Eso me ha hecho estar más seguro de mi mismo. Creo que este disco refleja un poco esta situación. Es más completo. Eso significa que tu carrera musical te hace mejor persona…Totalmente. Sí. También me hace entender el mundo un poco mejor. Cuando saco todo esto, intento ser lo más honesto, puro y bueno que puedo. No digo que sea un santo, pero intento hacerlo lo mejor que se y obtengo una respuesta de la gente. Me siento muy bien con ese intercambio. No es cuestión de ego, es lo que creo que debería ocurrir normalmente. ¿Y alguna mala experiencia?¿Algún error del pasado? Normalmente no es algo que me afecte, pero por supuesto que he cometido errores. Y sí, hay una cosa que me parece un poco triste. He tenido algunos problemas con otros músicos, y no se si es por competitividad o algo así, pero es algo que me preocupa. Yo no quiero competir con nadie, quiero que todo el mundo disfrute… Creo que esto te hace un poco más fuerte, la verdad. Intentar no competir y no ser negativo.

dad de la gente… Los últimos dos álbumes fueron grabados como en un bloque, por decir algo, en ocho días todo el material. Me encanta esa forma de funcionar porque estás trabajando en eso y nada más. Pero en esta ocasión estaba unos días grabando aquí, al mes siguiente unos cuantos días grabando allí, luego me iba de gira y al volver el productor no estaba disponible…, así que fue un poco desconcertante y estresante. Y por supuesto teníamos fechas de entrega, claro, tuvimos que atrasarlas, cosa que no me gusta hacer porque me gusta respetar la confianza y contribución que el sello ha puesto en mí y tener el disco en el plazo previsto… Cuando acabamos con todo pensaba “¡odio hacer discos!” (risas). No podía escucharlo, me llevó un tiempo poder saber si había hecho un buen trabajo o no. De hecho, al empezar a hacer la promoción, todo el mundo me decía “es un disco fantástico” y yo respondía “¿en serio?” (risas). Hasta que un día en París, después de una entrevista que me animó mucho, me decidí a escuchar el disco. Así que lo hice, ¡y me encantó! Todo aquel estrés había merecido la pena. ¿Hasta dónde te involucraste en la producción? Realmente fue una colaboración entre todos. El productor por supuesto tiene un gran papel, aunque yo también colaboré y los músicos estuvieron muy involucrados. La persona que toca las cuerdas, por ejemplo, compuso al completo sus arreglos. Creo que la combinación de todos, de nuestro esfuerzo, es lo que definió el sonido que se creó. Fuimos como una familia. ¿Fueron, por ejemplo, idea tuya el juego de voces de “No Place Called Hell”? La verdad es que nos habíamos quedado sin dinero. ¿Sabes cuando haces algo partiendo de la necesidad? ¡Salen cosas muy buenas! No teníamos más medios, no podíamos alquilar un sampler, ni llamar a más músicos, ¡así que hicimos los sonidos con la boca! Trombón, trompeta, grabé las voces haciendo cosas inusuales… Sonó muy orgánico, me pareció genial.

Centrándonos en “Gallantry´s Favorite Son” Creo que es mi favorita. Sí, la mía también…, (Glitterhouse / Music as Usual, 2011) cuéntame bueno, mi segunda favorita. cómo fue el proceso de creación del disco. Donde componías, cómo se grabó… Las canciones las “Felicity” destaca por ser una canción positiva. compuse algunas en Europa, otras en Australia y ¿Normalmente el cómo te sientes es lo que te otras en mi apartamento, en América. Cuando lle- empuja a componer de cierta manera o es escrigó el momento de grabarlas…uff..., ¡fue algo muy bir una canción lo que va cambiando tu estado duro la verdad!… Todavía me estreso un poco de ánimo? Pienso que primero aparece un sencuando pienso en ello (risas). Hubo muchos pro- timiento y la canción le sigue de alguna manera, blemas técnicos, de financiación, de disponibili- pero luego puede cambiar lo que sientes mientras L ados

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Texto: Arturo Jiménez Imagen: Michael Mann

Algunos medios te han puesto la etiqueta de chico tímido y sensible. ¿Qué hay de verdad en eso? Sí, la verdad es que soy bastante tímido. A veces me corto mucho en el escenario, aunque estoy mejorando si lo comparas con mis primeros conciertos… En mi infancia era un chico muy tímido y creo que hay muchas cosas de la niñez que arrastramos en nuestra vida adulta, aunque con el tiempo me voy sintiendo mucho más seguro.

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compones la canción…, así que no es en realidad un proceso muy estricto. Escribir canciones es un misterio para mí. Incluso recuerdo quizá haber llorado escribiendo “Felicity”, aunque se supone que debía ser un tema alegre, pero había muchos sentimientos ahí plasmados, no se. De todas formas me gusta la tristeza y nunca me intento desprender de ella. Las cosas vienen como vienen, intento escribir canciones bastante rápido, no soy muy perfeccionista, no me gusta volver atrás para retocar cosas, no lo planteo de forma intelectual. Es sólo eso, una canción, lo que sentía. Ya está. A veces el orden de las canciones de un disco tiene algún tipo de relación cronológica con ciertas vivencias del autor. ¿Es este el caso? ¿Has buscado algún hilo conductor? Esta vez no. Aunque es un buen concepto. Quizá la próxima vez. 12

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Tienes una gran relación con el mundo del cine. Shortbus, The Last Run…, obviamente eso te ha abierto muchas puertas. También has puesto tu voz en la banda sonora de un par de series anime (Ghost in the shell, por ejemplo) Realmente eso no es algo que se podría esperar al escuchar tu música. ¿Qué te pareció esa aventura? Me pareció genial. Aunque no fueron composiciones mías, sólo fui “cantante de sesión”. Todo vino porque tengo una amiga japonesa que me llevó a las audiciones, y tuve mucha suerte. No estaba para nada en esto del anime, los seguidores de estas series están un poco obsesionados (risas). Cuando fuí a Japón, ¡estaban locos!, ¡me reconocían! Fue muy raro, porque sólo había cantado un par de canciones…Es cierto, no es algo que alguien pudiera esperar oyendo mis discos, pero me encantó, lo disfruté muchísimo.

Para terminar, Scott, ¿qué has estado escuchando últimamente? Bon Iver, Joan As Police Woman (su nuevo disco, que me fascina). No estoy muy al día de lo que pasa musicalmente, suelo escuchar sobre todo cosas antiguas… ¡Ah!, ¡y estoy esperando el disco que Doris Day va sacar! Pensaba que había muerto…,(risas) ¡Claro! Pregúntale a cualquiera y te dirá lo mismo. ¡Pués no! ¡Está viva y va a grabar un disco!... (Risas), tiene ochenta y tantos años creo… En fin, también me gusta recomendar a una amiga, Colin Miranda, que es maravillosa. Tiene un Lp en la calle y va a lanzar otro dentro de poco. La recomiendo totalmente.

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jolie h o l l a n d Hablar de Jo l i e Ho l l a n d i m p l i c a d o s c o s a s : p e rs on a li d a d y exqu i s i t e z. R a s g os ca pa ce s d e ca ra cterizar tanto a el l a c o m o a s u vo z , p e r o i n c a pa ce s d e d e f i n i rla y t ra s m i t i r la e m oci ón qu e e m a nan sus c om p o s i c i o n e s . As í c o n m o ti vo d el re ci e n t e la n z a m i e n t o d e s u qu i n t o t ra b a jo, “ P i n t of Blood” ( A n t i / P i a s 201 1) , p u d i m o s en t r ev i s t a rla y con oce rla u n poqu i t o m á s . Y n os g u s t a .

Echando la mirada hacia el pasado es inevitable no reparar en el título de tu segundo álbum “Escondida”. ¿Por qué “Escondida” y no “Hidden”? “Escondida” es una broma personal entre mis amigos y yo. Aunque en realidad hablo un poco de español: (y con voz grave entona: “Con una pistola en mi corazón” y se ríe. Sabe que ha dicho algo gracioso. Lo que en español diríamos “algo con chispa”). Centrándonos en tu reciente trabajo “Pint of Blood” (Anti / Pias 2011) se grabó en tu propia casa. ¿Qué prefieres? ¿Casa o estudio? Bueno, eso no es del todo cierto. Realmente como dice empezamos la grabación de “Pint of Blood” en casa, pero luego seguimos en el estudio y terminamos en el estudio el trabajo. Aunque la mayoría de las voces se hicieron en casa.

Texto: Carla Linares Imagen: Scott Irvine

Siempre para definir tus anteriores trabajos hemos tenido que recurrir a múltiples referencias en tu música: country, jazz, folk, blues, rock…Como simple curiosidad, ¿qué escuchas a diario en tu Ipod, cuando estas fuera del proceso de grabación? Ahora mismo estoy escuchando música africana, y música hecha por mis amigos. Tus letras son muy profundas y en este álbum,“Pint of Blood”, conviertes tus experiencias personales en las nuestras propias. ¿Qué es lo que te hace falta para que vengan las musas y empezar a escribir? Me encanta pasear, me inspiro mucho en las calles, viendo a la gente, viendo sus caras. Gente normal haciendo cosas normales.

Algunos críticos comparan tu voz con la de Billie Holiday; dicen que eres una especie de Tom Waits en dulce. Escuchando este nuevo disco, tu voz a veces nos recuerda a Janis Joplin y otras a PJ Harvey… ¿Qué opinas de todas estas referencias para describir tu música? Bueno, es genial, supongo. Soy fan de ambos, Tom Waits a sido mi progenitor y quien de alguna forma me descubrió, y con Serge Francis nos une no sólo una buen amistad, también he llegado a colaborar en dos canciones de su álbum “Human the Death Dance”. Lo que si puedo decirte muy orgullosa es que tanto Tom Waits como Serge Francis no sólo son mis amigos sino que también son fans de Jolie Holland. Pero tampoco estoy intentando sonar como ellos. Volviendo a “Pint of Blood” con sus temas consigues crear un lugar seguro imaginario en el que sentirse a salvo, se dice que tus canciones te dejan más a gusto que un buen llanto… ¿Algún sitio especial donde puedas llorar a gusto? Bueno, no se si dar las gracias, por el cumplido o sonrojarme y quedarme callada. Soy una persona muy familiar, para mi la familia es muy importante. Ese lugar especial al que haces mención es sin duda alguna la familia, este donde este mi familia, aunque también me siento bien estando sola, escuchando mi voz interior. “Pint of Blood” es tu quinto álbum, para alguien que te escuche por primera vez, ¿qué nos podremos encontrar en este último trabajo?No me gusta definir o clasificar a la gente. Grabar un disco es una experiencia que de alguna forma purga y purifica tu interior, que te vacía emocionalmente pero que a la vez te carga de ánimo e ilusión. Pienso que si haces algo sinceramente y con cariño, la capacidad de reporte emocional de estas experiencias es siempre revitalizante. Contestando de alguna forma a tu pregunta, lo que la gente va a encontrar mas allá de las etiquetas es sinceridad, sentimientos reales y emociones tangibles. A sido realmente muy bueno trabajar con gente tan maravillosa, capaz de crear juntos toda esa música. Sin duda es algo que me ha nutrido y que recordaré para siempre.

Después del giro que diste con “The Living and The Death”, al incluir un sonido más clásico o cercano al rock & roll a tu mezcla de estilos, en “Pint of Blood” podemos seguir escuchando el sonido de las guitarras eléctricas. Por ejemplo, “Remember” tiene un guitarreo que nos recuerda a The Velvet Underground. ¿Te gusta más jugar con el lado oscuro de la música o prefieres el bueno?(Se toma su tiempo para contestar). Estoy realmente de acuerdo con la referencia a la Velvet, pero no sabría que contestarte, no sé, realmente me interesa mucho América y todo lo que la forma. Vivir en América, la música americana… Así que no creo que sea “esto o eso”, “blanco o negro”. Siempre me ha gustado el rock & roll, es algo que ha estado dentro de mi desde siempre, quizás con estos dos trabajos ha aflorado esta vertiente más recia de mi música, supongo que era inevitable pues siempre me ha gustado tocar y cantar rock & roll. 14

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bombay b i c y c l e c l u b Po d e m o s c o n s i d er a r a B o m bay Bi cycle C lu b com o la b a n d a m á s v i t a li s t a d e l m om e n t o. Un g r u p o d e c u a t r o p r o d i g i o s o s c a p a ce s d e la n za r “A d i f f e re n t K i n d O f F i x ” ( Un i ve rs a l / I s la n d , 201 1) , o l o q u e e s l o m i s m o , l a ext e n s i ón d e d os d i s cos d e éx i t o y ca rg a d os d e u n pos i t i v i s m o exa g e r a d o . Es ta t e r c e r a en t r eg a e s t á e n v u e lt a por u n a h i pé rb ole d e e s t i los d i v i d i d os e n d oce p i s ta s , c a d a u n a d e el l a s d e u n a e t n i a d i f e re n t e pe ro ca pa ce s d e d e s e n volve rs e e n u n a con v i ve n c i a p e r fe c ta .

Texto: Javier Mielgo Imagen: Archivo

La banda se dio a conocer cuando ganó el concurso Road To V (abriendo el V Festival en 2006). ¿Qué recuerdos guardas de aquella época? Y ¿Cómo fue tocar en un escenario tan grande en un momento tan temprano en vuestra carrera? Fue un momento increíble y muy excitante. Éramos muy jóvenes y teníamos muchísimas ganas de demostrar que aunque fuéramos unos niños no éramos unos idiotas. Salió todo muy bien y la crítica nos respetó. Cuando te subes a un escenario olvidas si estás tocando ante mil o diez personas. De todas formas, siempre es más complicado tocar en espacios pequeños, ya que los errores se acentúan más.

Uno de los temas que nos parece más especiales es “Lights Out, Words Gone”, con una línea de bajo muy marcada y cercana a los ritmos afrobeat, coetánea de la escena new yorker de Vampire Weekend, pero a la vez con un conjunto vocal delicado y ensoñador…. Es quizá la canción más triste del disco, una canción de desamor en la que un chico está jodido porque la chica de la que está enamorado está saliendo con otro y desea tener una sola oportunidad de poder quedar con ella. Musicalmente tiene un guitarreo con muchos punteos, bases con teclados y una voz femenina.

En vuestros dos primeros E.P. y vuestro disco debut En anteriores trabajos reconocíais a Pavement, Sonic Youth “I Had the Blues But I Shook Them Loose” (2009) trabajas- y a Yo La Tengo como influencias, pero este nuevo trabajo es teis con Jim Abbiss como productor, Arctic Monkeys. ¿Aho- sin duda mucho más ecléctico o variado, coexistiendo mora con el presente “A Different Kind Of Fix” habéis vuelto mentos pop , sobre todo si tenemos en cuenta canciones como con Jim Abbiss, ¿por qué ese retorno con el productor que “Shuffle” , tema totalmente alejado del sonido del anterior traos vio desarrollaros como grupo? Como has dicho, Jim Ab- bajo y más cercano a grupos como “Phoenix”, con momentos biss trabajó con “Arctic Monkeys” y con él han logrado un más cercanos a la indielectrónica de “Dntel” o “Postal Seréxito rotundo fuera de Reino Unido. Tras el segundo disco vice”….. temas que van transformándose y mutándose para nos dimos cuenta de que no conseguíamos salir de nuestras seguir otras sendas como “Beggars” y “Favourite Day”. ¿Qué fronteras sino teníamos en cuenta los consejos de gente como opináis? ¿Por qué esa variedad interpretativa cargada de múlAbbiss. El hecho de volver a trabajar con Jim es simplemente tiples matices? Sí sin duda, para mi es evidente y totalmente que creemos que de su mano podemos avanzar en nuestro so- lógico, escuchamos y nos gustan todos estos grupos, de alguna nido y por que no decirlo y que consiga “internacionalizarnos”. forma todos esos sonidos están en nuestras canciones, por eso se nota que nuestros discos tienen más de un estilo, que no son Sin embargo también habéis contado con la mano de Ben lineales. Además contamos con la ayuda de Ben y Jim que son Allen como productor para los tres últimos temas del disco productores que han trabajado con grupos totalmente diferentes quizás para los temas más cargados de sintetizadores.... ¿Por por lo que nos ha dado dos puntos de vista totalmente diferentes qué esta elección? ¿Qué crees que os ha aportado Ben Allen a la hora de producir y eso hace que el disco tenga más variedad al disco? Creemos que en “A diferent Kind of Fix” podemos y riqueza sónica. encontrar un montón de detalles diferentes. Desde el indie más Cuanto más escucho el tema “What you Want” más puro de “Bad Timing” a algo más electrónico como “Fauvorimatices encuentro en su bajo… Para nosotros representate Day”. Por su parte Ben ha trabajado con “Animal Collective” ría un single perfecto del nuevo sonido que Bombay y nos gusto mucho su resultado. En “A diferent Kind of Fix” quefactura en “A Different Kind Of Fix”. “What you Want” ríamos que parte de su sonido se pudiese inclinar por esa veres un tema muy progresivo, con matices de potencia y una tiente más electrónica, quizás con la intención de escapar de los letra motivadora. El bajo marca una tendencia y el camino sonidos tranquilos de nuestro anterior trabajo; por eso, le llamapor el que se desarrolla la canción, pero sin ser predomimos a él. De todas formas , el último tema de “A diferent Kind of nante, pues la batería también es básica con golpes de plato Fix” es como un final feliz, risas, una canción muy tranquila con que marcan el ritmo. No buscamos en cualquiera caso un un piano muy sencillo. sonido que dure de principio a fin, más bien, buscábamos la manera de meter todos los efectos de voz e instrumenta“A Different Kind Of Fix” es un trabajo enormemente vitalista, les posibles que nos venía a la mente y que nos provocaba de estos que desde la primera nota trasmite tranquilidad, y esas sensación vitalista que te mencionaba. Posiblemente un raudal de energía positiva…. ¿Qué sensación tienes del es la canción más completa del disco. presente trabajo “A Different Kind Of Fix”? La verdad es que intentamos que transmita varias cosas. El disco es quizá Para terminar y para aquellos lectores que no han el más luminoso que hemos hecho hasta ahora, su sonido es escuchado todavía, el presente “A Different Kind abierto y vitalista como comentas. Por ejemplo las guitarras de Of Fix”. ¿Qué pueden esperar de este disco? Pueden “Your Eyes” son muy rítmicas capaces de trasmitir una energía esperar un álbum completo, variable, con canciones completamente vitalista y alegre, letras intensas en “Lights diferentes y muy melódicas. Un disco que te trasmite Out, Words Gone” traspira intensidad y emoción en cada energía y ganas de vivir, un disco que sin duda se siente una de sus estrofas “Fracture” te acuna desde la tranquilidad. en la piel. Definitivamente es una vorágine de sensaciones. 16

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S K E L E T O N S Definir el c o n c e p to d e S ke l et o n s e s ta n d i f í ci l com o i n t e n t a r e n con t ra r u n a ú n i ca lí n e a s ob re la que des a r r o l l e es t a ba n d a u n ú n i c o g é n e ro, la s i d e a s y m a t i ce s qu e con f orm a n a e s t e com b o de Oh io so br ea l i m en t a n e l to r r en t e c r e a t i vo d e S ke le t on s qu e le s lle va a re i n ve n t a rs e y re n a c er tras ca d a n u e vo tr a ba j o , b u s c a n d o p a ra ca d a u n o d e e llos los m e jore s orf e b re s ca pa ce s d e dibuj ar c a d a u n a d e l a s p a s i o n es y em o c i on e s qu e con t i e n e n s u s t e m a s . E l pre s e n t e “ Pe ople ” (Crammed D i s c s / K a r o n te , 201 1) n o e s m ás qu e u n a cu e n t a o pe ld a ñ o m á s e n e l e f í m e ro colla r de virtuosi s m o em o c i o n a l q u e l o s S kel et o ns d e s pli e g a n pa ra ca d a d i s co, e n e s t e ca s o la pa la b ra c lave es “ ho n es t i d a d ”.

Pero a pesar de la carga social y de a crudeza musical “People” es un álbum con un gran espíritu pop, y quizás por eso pueda llegar a gustar a diferentes tipos de público. ¿Pensáis en la audiencia escribiendo vuestras canciones? Bien, este trabajo es mucho más cercano o accesible que nuestros anteriores trabajos, por eso espero que está música llegue a más gente, aunque para serte sincero siempre tengo esta misma esperanza de poder llegar a más gente cuando sacamos un disco. Dentro de vuestra trayectoria después de las diversas mutaciones o evolución que ha ido tomando el sonido de Skeletons, ¿debería “People” considerarse como el culmen de todo lo que los Skeletons han hecho hasta la fecha? Realmente “People” es el producto de los últimos años, es un documento de los pensamientos, sentimientos e ideas musicales de ese período de tiempo. No podría decir que es una culminación de algo, porque nosotros seguimos aprendiendo y evolucionando… Lo que si te puedo asegurar es que “People” es el mejor resumen de todas las vivencias de los Skeletons en los últimos dos años. 19

A simple vista la canción “Barack Obama Blues” llama la atención por su título. ¿Qué intentáis expresar con esta canción? ¿No creéis que hoy en día es un poco arriesgado mezclar música y política? Sólo es peligroso en el sentido de que estos nuevos movimientos sociales que se han gestado en múltiples puntos del mundo van mucho más rápido que nosotros haciendo música, por lo que corres el riesgo de que las “políticas” de hoy se conviertan en algo obsoleto rápidamente. Pero “Barack Obama Blues” no se hizo como canción política, si no como canción humana. Centrándonos más en los aspectos musicales dos de las canciones que más me han gustado son “Grandma” y “Barack Obama Blues”; ambas canciones tienen diferentes caras donde podemos viajar a través de diferentes paisajes. Ambas canciones van creciendo poco a poco con el oyente. Asociando una emoción a cada frase, vamos viajando a través de diferentes partes del crecimiento y de las emociones: la felicidad del nacimiento, la furia de la pubertad y la serenidad de la madurez. ¿Habéis tenido las mismas sensaciones componiendo las canciones? ¿Habéis pensado alguna vez en vuestras canciones como una comparación con la vida del ser humano? ¡Oh, wow! ¡Muchas gracias por ese pensamiento! Nunca lo había pensado de esa manera, pero sí que creo, que normalmente la gente es mucho más compleja de lo que ellos demuestran a simple vista. Normalmente una emoción es suficiente para intentar convertirla en una canción. Pero con “Grandma” y otras canciones lo que hemos querido hacer, es dejar fuera las complejidades e intentar ser simplemente honestos, esperando que encajen todas esas cosas en una canción pop.

de lo que hablas es del estilo, del alma de nuestra esencia… y no lo sé, podría haber cientos de diferentes versiones de esta canción, sólo hemos hecho una que nos gustaba, y hemos dejado que saliera tal y como era. Habéis cambiado el nombre de la banda varias veces, y esto suele implicar un cambio en vuestra música. ¿Creéis que esta tendencia es motivadora para vuestros fans? ¿Existe alguna relación entre vuestro nombre como banda y el título de vuestros álbumes? La idea era sacar creatividad cambiando el nombre de la banda según los conceptos y las ideas de cada disco. Cuando estás empezando creo que es difícil que haya fans que inmediatamente se interesen por ti en vez de por una paleta de sonidos determinada… Realmente espero que no hayamos mareado mucho a la gente, y cuantos más discos hagamos, más gente entenderá todos nuestros trabajos. Aunque sea un grupo reducido de personas, espero que tengan curiosidad por qué será lo próximo que haremos. ¿Qué se siente al seguir siendo una de las principales figuras del panorama musical de Brooklyn pese al paso del tiempo y de las bandas emergentes? ¿A cuál de estas nuevas bandas os sentís más cercanos? Para ser honestos, no me siento mucho como una figura principal… Me gusta ver todo lo que tengo a mi alrededor y con lo que crezco, presto bastante atención a todo lo que se desarrolla o tiene lugar en nuestro tiempo, es muy enriquecedor para mi y para la banda, siempre es sorprendente. Ahora mismo hago campaña por amigos como Ablehearts, PC Worship, Cavex… Son grupos totalmente WTF (what the fuck), que es lo que más me gusta.

Otra canción que me encanta es “No”, es diferente al resto. Es la canción más corta, suave y sencilla del álbum. Con esta canción viajamos Se rumorea que vais a volver a sacar material del al ritmo del piano y de los susurros de una ma- 2009 como Skeletons Big Band. ¿Este material ravillosa voz. ¿Es la esencia de Skeletons? Bue- es tan diferente como para no estar incluirlo en no, como he dicho antes, la intención era escribir “People”? Estoy trabajando en recuperar algo de algo honesto. En este caso, creo que nos acerca- material con Big Band, que es totalmente difemos más al lado más crudo y la canción fue escrita rente de “People”. Mientras “People” trata sobre y grabada muy rápidamente. Escribí la letra en cosas oscuras mezcladas con una buena dosis de un recibo que tenía en el bolsillo de camino de la esperanza, Big Band es más solo oscuridad. Son tienda de la esquina hacia el estudio… Creo que conceptos o polos divergentes. L ados

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Texto: Gabriela Giménez & Javier Mielgo Imagen: Archivo

Lo primero que llama la atención en una primera escucha del nuevo trabajo de Skeletons es la fuerte personalidad instrumental que Skeletons imprime en sus temas capaz de bloquear su capacidad de discurso basado en las letras políticas y sociales que contiene “People”. ¿De qué trata este álbum? ¿Qué es lo que os hace proclamar vuestra fe en la gente? No sé si en el pasado nuestra música no ha sido más conocida por sus letras que por las melodías instrumentales. Si lo fue, creo que la gente podría volver atrás y escuchar las canciones de otra manera, centrándose más en las letras. “People” trata de la gente, de una gente de a pie de calle, gente real como tú y como yo, en “People” puedes encontrarte una serie de historias que de alguna forma me han afectado o influido. A través de “People” o gracias a “People” he podido sacar fuera esos sentimientos que me aturdían en mi cabeza para poder compartirlos con todos, “People” a sido el vehículo o la herramienta que ha hecho posible el poder explicar todos esos pensamientos extraños que a veces uno tiene dentro de la cabeza sin saber muy bien que significan o por qué están ahí, mientras escuchas cualquier historia que te afecte.

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Por eso de eq u i p a r a r , WU LY F b i e n p o d r í a s e r a la m ú s i ca lo qu e Ba n s k y a l a rt e . A l i g u a l qu e el británi c o , e l c u a r t e t o d e M a n c he s t e r le prof e s a prof u n d o re s pe t o a l a n on i m a t o: a pe n a s c onc eden e n t r evi s t a s y l a a c c e s i b i l i d a d a ci e rt os d a t os pa re ce s e r t a re a exclu s i va d e e s pí a o superh ér o e . S e l e c o m p l i c a a l a b a n d a s u i n t e n ci ón d e m a n t e n e rs e a l m a rg e n d e pre n s a y c ámara s p o r q u e “ G o Te l l Fi r e To The Mou n t a i n ”, a d e m á s d e s e r u n f re s co y m u y i n t e re sante deb u t , c u m p l e c o n r e q u i s i to s va r i o s pa ra log ra r prod u ct i vos re s u lt a d os . E lle r y Rob e rt s , E vans Ka t i , To m Mc Cl u n g y Jo e M a n n i n g n os con ce d e n u n os m i n u t os y pru e b a n a s u ve z la modalidad d e l d es c u bi e r to . C o n fi e m o s en qu e le s re s u lt e cóm od a porqu e e s t e á lb u m h u e le a avalanc ha m ed i á t i c a .

De alguna forma el hecho de formar WU LYF y de volcaros en desarrollar vuestro concepto de banda si que podríamos decir que es una declaración de intenciones o una propuesta en firme de vuestra ideología conceptual de lo que debe ser una formación musical o una banda para vosotros? Ufff , no se, eso es mucho decir, en parte supongo que sí, realmente el hecho de tener o pertenecer a una banda no tiene por que implicar necesariamente que necesites decir todo sobre ti mismo. No estamos interesados en ser una banda genérica de rock and roll, hablando constantemente de nosotros y siendo el epicentro de nuestras conversaciones, no quiero que seamos eso. De hecho cada vez que siento que somos algo así, me deprimo. La insoportable saturación de información ha hecho todo un poco más aburrido; al final nadie tiene espacio para pensar y soñar con cosas por culpa del exceso de informacion y de datos que se vierten desde internet. En relación con lo que estábamos haciendo, el anonimato es en primer lugar una manera de huir de cierto narcisismo que vimos en la industria de la música. No fue una decisión consciente que tomásemos sentados alrededor de una mesa y dijéramos “Ey chicos, este es el plan”. Poco a poco creció de la manera en la que somos personas, las ideas que tenemos sobre música y la música en sí y el arte que amamos. 21

¿Cómo surgió el germen de este “Go Tell Fire To The Mountain”? Este disco “Go Tell Fire To The Mountain” surgió a partir de un relato que tenía preparado como guión para una película que quiero hacer. Cuando me puse a plantear todo lo que necesitaba para hacer la película me di cuenta que necesitaría un presupuesto desorbitado y no tenía los recursos para llevarla a cabo, así que me puse a trabajar sobre el relato en las letras, así poco a poco “Go Tell Fire To The Mountain” fue tomando forma. Los temas de “Go Tell Fire To The Mountain” son diez escenas de un único relato. ¿Cómo será tu película? Danos una pista. Es sobre un niño cuyo padre tiene una posición muy autoritaria. Para el niño, su padre es el rey y el rey está ahí por un ideal. El niño sólo ve la parte superficial de las ideas de su padre y le mata, hablando de forma metafórica, así el niño se convierte en un fugitivo. Forma una banda con otros fugitivos y regresan a su tierra para acabar con todo el imperio de su padre. Todo termina de manera feliz (risas). ¿Cómo fue lo de convertir un guión para una película en un álbum? Traté de hacerlo a través de las emociones en lugar de las palabras. No es un guión, literalmente hablando, no es un caso de palabras diciendo “esto pasa, luego pasa otra cosa”. Fue más una experiencia que escribí desde el punto de vista del niño y explorar las emociones que él habría experimentado. Supongo que es más como una banda sonora para esta película que está en mi cabeza, lo cual es otro cliché. ¿Verdad?. Por último, ¿Cómo presentaríais vuestro disco a aquellos que aún no os conozcan ni os hayan escuchado? ¿qué canción consideráis clave para definir vuestro trabajo? “Go Tell Fire To The Mountain” es un disco que ha sido muy trabajado y pensado, con el que nos sentimos identificados y que es parte de nosotros, más allá de atraer a las masas y lograr ventas. “Heavy Pop” podría ser un buen tema para empezar a escuchar el álbum. Fue la primera canción que compusimos y ese sonido final conseguido podría definir el estilo de la banda. Tuvimos un momento algo mágico porque cada cual dejó fluir su creatividad de forma simultánea y logramos acoplarnos muy bien los unos a los otros. Es un tema muy homogéneo y uniforme, lo interesante de todo esto es que lo logramos un poco de improvisto, experimentando y probándonos a nosotros mismos, lo demás va llegando. L ados

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Texto: Jose Ugidos Imagen: Archivo

Con un recién terminado disco así como con trabajos audiovisuales y singles previos a este vuestro debut, sois aún una banda que parece mantener con insistencia el deseo del anonimato. No es tarea fácil el acceder a vosotros y el número de entrevistas que concedéis a prensa son escasas. ¿Por qué conserváis en firme el concepto de “incógnito” y qué os atrae del mismo? Este anonimato responde a una actitud o truco algo cliché así como a nosotros mismos como personas y nuestro modo de entender e interpretar la música. Hemos terminado un disco y no somos partícipes de esa ola y seguimiento constante que suele hacérsele al artista. No estamos interesados en ello pero tampoco estamos tratando de ocultarnos. A todo aquel que quiera preguntarnos sobre el trabajo que acabamos de publicar, adelante, aquí estamos y le responderemos sin problema. Pero más allá de eso huimos un poco del seguimiento constante y del bombo mediático que sigue a la publicación de un disco.

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a r c t i c m o nkeys Arc tic Mon keys ( D o m i n o 201 1) p a r t e n c o n la v i t ola d e g ru po pot e n t e y “ m u e ve m a s a s ” d e finales de l a p r i m er a d é c a d a d e l 2000. L os ve i n t e a ñ e ros d e S h e f f i e ld qu e d e s t roz a ron m á s de un par d e “ D a n c i n g S ho e s ” en l a s p i s t a s y con ci e rt os d e t od o e l m u n d o h a n ca m b i a d o e l acné por una m a d u r e z m e l ó d i c a y l a p o t e n ci a re volu ci on a ri a por e l s on i d o com pa ct o y d u ro. “Suc k It And S ee ” ( 201 1) e s e l c l a r o ej em p l o d e qu e s e pu e d e con qu i s t a r a la m i s m a ch i ca con diferentes s e r en a t a s .

Arctic Monkeys. Fuisteis el grupo revelación de 2006 con “Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not“ y desde entonces habéis sido un grupo de referencia en la música indie y británica. Ahora , cinco años después aparecéis con “Suck It And See”. ¿Qué nos podéis contar de esta nueva explosión rock? “Suck it and See” es un disco diferente, podemos decir que incluso que más oscuro. Hemos tratado de buscar un punto diferente a nuestra música, a la producción e incluso al ritmo de las canciones ya que no queríamos estar anclados en un determinado estilo de música. El disco llama la atención desde la primera escucha pero también es sorprendente desde el título que lo da nombre, algo que suena a provocación. ¿Habéis querido provocar esta reacción en los fans? Sí. Como te he dicho, hemos querido cambiar y una manera de llamar la atención es el título. Es algo grosero y de hecho hemos tenido problemas en Estados Unidos, donde sorprendentemente hemos tenido que poner una pegatina advirtiendo del contenido. Te x t o : J e s ú s M a r í a Ve l á z q u e z Imagen: Guy Aroch

¿Podeis ver una evolución entre “Whatever people Say I am, That´s What I´m not” y “Suck It And See”? Realmente más que una evolución, es un cambio. Hemos cambiado bastante desde el comienzo; desde la formación, hasta nuestra forma de grabar y de vivir. Nuestro primer y segundo disco van en la misma línea ya que muchas canciones no entraron en el debut y las metimos en “Favourite Worst Nightmare” pero son de la misma época. “Suck it and See” tiene un sonido más duro y fuerte que se sale de la línea de los anteriores. Entonces, por lo que me estáis contando veis poca relación entre vuestro primer y último disco… La verdad es que sí. Como te he comentado hay un cambio muy claro en varios aspectos. La canción “Library Pictures” es la que tiene una esencia más clara de lo que hacíamos al principio. En vuestra trayectoria ha habido tiempo para otros proyectos. Quizás el más importante es “The Last Shadow Puppets” en el que Alex sacó un disco en 2008. ¿Cómo ha afectado esta “doble vida”? Todo lo que sea hacer cosas nuevas, paralelas y que se puedan compaginar con nuestra banda es algo que va a afectar de forma positiva. Álex tuvo la oportunidad de desarrollar un proyecto con Miles Kane y les salió bien. 22

Creo que el bajo es un sonido muy representativo en “Suck It And See”, que es parte básica en el disco. ¿Realmente pensáis que es parte de ese nuevo sonido? Sí. Totalmente. Con la entrada de Nick le hemos dado más importancia al bajo en la producción y en directo. “The Hellcat Spangled Shalala” está dominada y dirigida por el bajo, algo que no había sido muy normal en nuestros anteriores discos y parte de la nueva dureza que hay en este disco viene gracias a la potencia del disco. “Reckless Serenade” es una de mis canciones favoritas del disco y la verdad es que se hace corta con tan sólo 2:43 minutos. ¿Qué podéis contarme de este tema? Es una canción que aunque sea corta tiene partes muy diferenciadas. Empieza con un sólo de bajo, tiene una parte muy rápida con la voz de Alex, otra con un sólo de guitarra y acaba con dos guitarras entrelazándose. Habla de una chica, de sensualidad y de la insistencia de un tipo confuso. Para mí, en “Piledriver Walz” podemos encontrar la parte más melódica del álbum. ¿Podemos ver aquí la nueva tendencia de Arctic Monkeys? En “Piledriver Walz” hay una parte melódica bastante representativa, pero “That´s Where You´re Wrong” tiene un punto más musical en el que incluso la voz de Alex puede considerarse un instrumento. Si tuviéramos que quedarnos con una canción que representara el sonido de Arctic Monkeys en “Suck It And See”, eligiría “She´s Thunderstorms”. Los cambios son arriesgados y en muchos casos necesarios, pero cuando todo va bien y se da un vuelco a una situación idílica el riesgo es mayor. Los vanguardistas Arctic Monkeys han tenido valor para cambiar la tendencia de “A Certain Romance” y “Fluorescent Adolescent” por el sonido de “She´s Thunderstorms”, algo que encaja perfectamente en su madurez personal y profesional.

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T he secret S ociety Sé que vas a acabar cansado de esta pregunta se atisba a lo largo de las diez canciones un gran que tengamos nunca apreciaremos lo nuestro”. pero, ¿por qué el cambio al castellano? ¿Necesi- desencanto. ¿Me equivoco? Me alegro mucho de ¿Quiénes son tus letristas favoritos? ¿Alguien te tabas que todo el mundo entendiera lo que esta- que digas esto porque para mí las letras es lo que ha influido especialmente a la hora de escribir bas diciendo? Llevaba tres años sin sacar disco. El da sentido al disco, no sólo la música. En efecto, las canciones de este disco? Por supuesto, cada disco anterior salió dos años después de grabarse. no podemos decir que sean canciones excesiva- cual tiene sus referentes. Los míos: Ani Difranco, Es decir: hay un período de cinco años entre las mente alegres, pero creo que tampoco son de una Yoni Wolf de Why? y antes en Clouddead, Geoff canciones de “I Am Becoming What I Hate the tristeza de manual. De hecho, creo que no son Farina de Karate, Damien Moyal de As Friends Most” y “Peores Cosas Pasan En El Mar”. En tristes. Simplemente documentan mi vida en los Rust, Jason Molina de Songs:Ohia y Magnolia todo ese tiempo me he dado cuenta de muchas últimos dos años. Y en los últimos dos años me Electric Co. y Thomas Barnett de Strike Anywhecosas con respecto a la gente que hacemos cancio- han pasado cosas que me han obligado a tomar de- re. Luego, por supuesto, admiro a Bob Dylan y a nes. Una de ellas, quizás la más importante, es que terminadas decisiones y todo ello, mezclado con Leonard Cohen, pero creo que la admiración que transmitir sentimientos, puntos de vista o ideas en una edad complicada como es el período entre los siento por sus letras no se encuentra en las mías. un idioma que no es el tuyo te limita tanto que 30 y los 32 años, dan forma a esa especie de desAunque hay melodías claras, la instrumenno merece la pena seguir por ese camino. Yo no encanto del que hablas. Sin embargo, insisto: creo tación es a veces compleja y los ritmos quiero tener límites: quiero ser capaz de hablar que funciona más como manual de cómo salir adeintricados, como una especie de collage y decir lo que realmente quiero decir, y no sólo lante con la lección aprendida que de fotografía sonoro como en “La Casa Junto Al Mar” lo que pueda decir con las palabras que sepa en de la desgracia. De hecho, odiaría haber sacado donde un ritmo de western nos adentra otro idioma. Enfrentarte a las canciones en tu len- un disco tan autocomplaciente. Somos unos privien los restos del naufragio de una relación. gua asusta en un primer momento. Pero todo es legiados y no se nos tiene que olvidar. Una casa que para Marquez representa el cuestión de práctica, de ir haciéndolo día a día. Al refugio que el protagonista se “construye”, principio te da vergüenza y piensas que sólo escri- Creo que “Las Pistas Falsas Conducen Al Descon “las pastillas para cambiar los dolores/ bes gilipolleces. Pero un día das con una frase que amor” es una canción absolutamente redonda, y los discos necesarios para combatir la no está tan mal y eso te anima a seguir. Y otro día supone claramente un descenso a los excesos y soledad”. Tan confesional y sincera que das con otra y luego con otra. Escribir es la cosa a lo que estamos dispuestos a hacer por amor: pone los pelos de punta. ¿“Peores Cosas más placentera que conozco. De todas formas, “Malgastamos nuestras madrugadas/ arrincoPasan En El Mar” ha sido tu disco más en mi disco anterior la mitad de las canciones ya nados en sitios mugrientos/ con gente oscura, complejo en cuanto a composición? No estaban en castellano, lo que pasa es que estaban borracha y drogada”, con una melodía que entengo esa sensación, la verdad. Las gancha a la primera. ¿Va a haber single? Con escondidas detrás de títulos en inglés. canciones fueron surgiendo de forma los límites que todos conocemos, ¿se puede tranquila y ordenada. Ahora somos una También llama la atención lo extenso de los títu- decir que esta es la canción con más potencial banda de cuatro miembros fijos y cuando los de las canciones, algunos de ellos tan bonitos comercial del disco? ¿Te imaginas que esa canllevaba canciones nuevas al local de ensayo como “El Día Que Empezamos A Querernos ción sonase en las radios comerciales? Sería un a veces se adaptaban de forma natural Fue El Día Que Empezamos A Olvidarnos”. sueño. Es una canción que habla de una cosa tan a la forma de ejecutar que tienen Nacho, ¿Te gustan los títulos largos? ¿Tenías claro en absolutamente desagradable para mí que sería un Perico o Pali. Eso quizás haya alterado la concepción del disco que tenían que ser así? disparate maravilloso que se convirtiera en un sinpor momentos lo que yo tenía en mi cabeza Por supuesto, los títulos largos y bonitos me gus- gle. Pero mis discos no tienen singles. No dan para cuando las compuse, pero siempre han sido tan. Como he dicho antes, escribir es un ejercicio tanto. Los discos pequeños no tienen primer sincambios a mejor. Me encanta la sensación con el que disfruto y desde siempre he pensado gle o segundo single, sino canciones. Puede que de ver mis canciones alteradas y mejoradas que los títulos de mis canciones cuentan su pro- sea esta la canción que más decidan programar por mis amigos. pia historia, que tiene o no que ver con lo que se en el circuito de radios independientes y quizás hable en la letra de la canción. En este sentido, en Radio Nacional. También puede que sea esta Para terminar en vuestro myspace decís las canciones funcionan al menos en tres niveles la canción de la que hagamos un vídeo y que manque os han llegado a comparar con Elliot diferentes: está la música, está la letra y está el tí- demos a las tres o cuatro cadenas de televisión Smith, Nirvana o Joy Division. ¿Cuál es tulo. Sería estúpido decir que invierto el mismo que siguen poniendo vídeos musicales. Pero de la comparación más bizarra que os han tiempo en poner los títulos que en hacer la mú- ahí a decir que va a ser un single sería un atrehecho? (más que estas, si cabe). Hay dos sica, pero sí es algo que pienso con cuidado y en vimiento innecesario. Por cierto: es una canción que no creo que se me olviden. Hace algún lo que pongo toda mi atención. Sin duda, esto era sin estribillo. tiempo un primo mío me dijo después de algo que quería hacer. vernos en Moby Dick, en Madrid: “Está Brilla con intensidad cegadora canciones como guay, rollo Smashing Pumpkins”. Creo Precisamente las letras son, para mí, el mayor “Si Pudiste Con Tanto Dolor Podrás Con Esto” que me reí. Luego, no hace tanto, Malela punto fuerte del álbum. Creo que la monotonía, donde Márquez se convierte en testigo de un (amiga y compañera mía en Garzón/ incluso decadencia, de la vida moderna y los mundo decadente y amoral, donde no le gusta Grande-Marlaska) después de escuchar sentimientos que afloran tras una ruptura sen- lo que ve, pero en lugar de lamentarse busca las nuevas canciones dijo: “Me recuerda timental están muy bien descritos. En general, razones a su insatisfacción, cantando “Por más a Vetusta Morla”. 25

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Texto: Miguel Díaz Herrero Imagen: Nacho Ruiz

Después d e u n l u s tr o c o n Ac u a r el a , Pep o Má rqu e z ( ex - b a t e rí a d e G a rzón / G ra n d e -Ma rla s k a ) y su “soc i e d a d s ec r e t a ” s e u n en a l a s fi l a s d e G ra n D e rb y Re cord s pa ra pu b li ca r u n o d e los mej ores ál b u m e s n a c i o n a l e s d el a ñ o . “ Pe ore s C os a s Pa s a n E n E l Ma r” ( G ra n D e rb y, 2 0 1 1 ) s i gue transi ta n d o p o r l o s á s p e r o s c a m i n o s f olk - rock d e a n t a ñ o, a u n qu e s i n ce rra r la s pu e rt a s a otros ritm o s , i n fl u en c i a s y p a s a j e s s o n o r os . Un á lb u m pla g a d o d e le t ra s i n s pi ra d í s i m a s y qu e , sin duda, m a r c a r á u n a n t e s y u n d es p u és e n la h i s t ori a d e l g ru po m a d ri le ñ o.

Holy Other With U

Tri Angle 2011

“With U” es la brutal magnifica y carta de presentación de Holy Other, un artista sin trabajos previos ni rastros pasados. El trabajo más deslumbrante del sello del año, Tri Angle, y el espectacular debut de un espectro sonoro que emerge de la nada para secuestrarnos durante veintidós maravillosos minutos de oscuridad glacial, entre voces líquidas, subgraves narcóticos y ritmos de hechicero que se deslizan por nuestros oídos con una sensualidad apabullantemente insultante. Cinco temas que fluyen y se diluyen hipnotizándonos, secuestrando emociones y generando tristeza y placer, nostalgia y euforia. — Francisco Jesús Suárez

WU LYF Go Tell Fire To The Mountain

LYF Records / Pias 2011

Piensa mal y acertarás. WU LYF se mueve en un terreno de secretismo que está provocando que la popularidad de estos chicos continúe creciendo ininterrumpidamente, ¿es esto otra estrategia de marketing con excelentes resultados? En su álbum de presentación dejan entrever un potencial aún por explotar, ofrecen un disco uniforme sin demasiados sobresaltos con momentos dramáticos y cierta épica acentuados por la voz desgarrada del cantante y el acompañamiento en la melodía de un órgano eclesiástico. “Spitting Blood” se erige como la canción con más destacable que encontraremos en el disco.

— Jaime Suárez

Big Talk Big Talk

Dos Gajos Dos Gajos

Epitaph Records 2011

AA Records 2011

Ronnie Vannuci, batería de The Killers, se lanza en solitario en un proyecto que cuenta con la colaboración de Matt Sharp, ex–bajista de Weezer. En este trabajo Vanucci da rienda suelta a su talento participando en la composición de los temas y dando voz a los mismos. El disco arranca con un esperanzador “Katzenjammer” a cuyo etéreo comienzo le sigue una melodía pop con estribillos pegadizos. Sin embargo a medida que avanzamos este va perdiendo fuerza, destacando “Getaways” y “The Next One Living” tema con cierto aroma brit. En definitiva un trabajo correcto pero sin grandes aspiraciones.

Juan Carlos Fernández, ex–guitarra de Penelope Trip, y Esperanza Collado forman este interesante proyecto en el que utilizan un limitado número de útiles sonoros. Una apuesta por un sonido limpio, acordes en bucle, unas letras introspectivas que se repiten a lo largo del tempo de las canciones, de las cuales se desprenden las dudas y el hastío de las eventualidades de una edad madura. Experimentación resultado de la espontaneidad y sensibilidad innata de los artistas en la que entrecruzan sus voces correspondiendo al álbum de una delicadeza que se hace notar de principio a fin.

— Jaime Suárez

Herman Dune Strange Moosic

City Slang 2011

Con una larga carrera tras de sí, no fue hasta la inclusión del “I Wish I Could See You Soon” en un veraniego anuncio de cerveza cuando este dúo franco-sueco se hizo un pequeño hueco entre el gran público. Sin nada que demostrar aparece “Strange Moosic. en él adquieren protagonismo sus guitarras de una forma delicada y agradable, doce canciones que se mueven entre el pop sencillo y el folk rock con un ligero toque sureño que contagia. Basta con escuchar el tema que abre el disco “Tell Me Something I Don’t Know” para darse cuenta de que estamos ante unos músicos de categoría superior. — Jaime Suárez

— Jaime Suárez

Nurses Dracula

Dead Oceans 2011

Dos años despues de facturar su aclamado por la crítica “Apple’s Acre” en el que el trío de Porland realizaba un ejercicio en la busqueda de lo mas recondito y extraño posible sin salir del aura pop, ahora nos encontramos con este “Dracula”, también realizado y producido por la propia banda durante una encerrona en un ático en Idaho sin grandes medios. El resultado es que han ahondado aun más en el género, han plasmado ideas más atrevidas si cabe, basando el sonido en profundos loops y desarrollando una clara tendencia vanguardista, melodiosa, que recuerda en cierto modo a bandas como Mew o Spiritualized.

— Abel Molina

Givers In Light

Aidan Moffat & Bill Wells Everything is Getting Older

El quinteto de Louisiana nos presenta su debut tras haber sido focalizados por gran parte de la crítica como uno de los grupos a seguir durante este último año. Su sonido se mueve por un catálogo determinado por sonidos indiepop-folk, con alegría, con pasión y con ganas de hacer algo grande. No en vano la producción ha sido realizada por Ben Allen, famoso por sus trabajos en grandes como Animal Collective y en reconocidos como Deerhunter y mezclado por Chris Coady quién, aporta ese toque fresco y natural apto para las fiestas nocturnas de verano y más allá…

Los artistas escoceses Aidan Moffat y Bill Wells se han unido para dar a luz este “Everything is Getting Older”, un disco de instrumentación minimalista que, por momentos, podría ser el reverso británico de Antony & The Johnsons, aunque sin alcanzar la épica y el dramatismo del americano. La voz contenida de Moffat esboza alguna oscura melodía, aunque principalmente narra sobre motivos repetitivos de piano y cuerdas que conducen las canciones de una orilla a otra despertando quizás más expectación de la que terminan causando. Se echa de menos algún momento de mayor intensidad, pero se deja escuchar.

V2 / Music As Usual 2011

— Abel Molina

Chemikal Underground 2011

— Mike Blue

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Amon Tobin Isam

Ninja Tune 2011

Sarah Nixey Brave Tin Soldiers

Black Lead 2011

City & Colour Little hell

Shabazz Palaces Black Up

City and Colour es en realidad el juego de palabras elegido por Dallas Green (una ciudad y un color) para dar nombre a su proyecto personal. En su tercer disco, tras “Sometimes” y “Bring Me Your Love”, trata de darle brío a su folk basado en guitarras limpias aderezadas con una voz potente y clara apostando, a pesar del infernal nombre del disco, por un tono en general más luminoso y una producción clásica, llena de slides guitars y baterías contundentes (la principal novedad respecto a sus desnudos precedentes). Con un ojo puesto en el mainstream de raices de, por ejemplo, Kings of Leon, renuncia así a la fragilidad y el tono intimista de sus dos primeros discos, y perdiendo con ello parte del encanto.

Considerados por muchos como genios consolidados con apenas tres EPs previos, los de Seattle editan su primer monumento en forma de diez impactantes piezas rezumantes de una creatividad carente de todo prejuicio. Ishmael “Butterfly” Butler, alma máter y cerebro de Shabazz Palaces nos factura en este “Black up” unos impresionantes ejercicios sonicos que pretenden y transcienden más allá de la conciencia dibujando inframelodías que flotan entres remolinos de loops. El dominio absoluto de la mesa de mezclas deriva en toda esta conjugación abstracta de ritmos y texturas con un denominador común que reivindican al hip-hop y son alimentos por el jazz, el dub y sobre todo por un altísimo nivel de experimentación.

Va g r a n t 2 0 1 1

Sub Pop 2011

Amon Tobin arrastra consigo el complicado handicap de haber producido tres obras maestras durante sus primeros años, discos que le otorgaron el status de genio y visionario y que provocan, que un disco de tanta calidad como “Isam”, luzca como una ligera decepción a la hora de analizar lo que un personaje como él puede dar de sí. Y sin embargo, “Isam” puede seguir siendo considerado como un trabajo de sobresaliente donde las habituales cualidades de Tobin: el radicalismo sonoro extremo, las texturas digitales cortantes y metálicas, los sonidos obtenidos con cualquier objeto posible y tratados en estudio de manera abstracta y los beats desbocados, permanecen intactas situándole a otro nivel.

La primera escucha del presente “Brave Tin Soldiers” antes de escribir esta reseña me dejó un poco frío… , indiferente. Tras un segundo repaso empecé a reconocer algunas melodías y a apreciar los arreglos que antes no habían llamado mi atención. A la tercera (consecutiva) y mientras escribo esto, cada canción va cobrando personalidad propia, adquiriendo cuerpo y autoridad, consiguiendo con sus sonidos transportarme a décadas pasadas, (sobre todo a la inocencia de los 80), haciéndome sentir una delicadeza que rompe ese muro de hielo que la voz de Sarah puede provocar en primeras escuchas. Destaca “Gathering Shadows”, la sexta pista, con unos melodías cercanas a ABBA, y eso es mucho decir.

Sam Brookes Sam Brookes

Death Cab For Cutie Codes and Keys

Lanterns On The Lake Gracious Tide, Take Me Home

Pallers The Sea of Memories

Tras tres años de silencio la banda de Washington saca disco, su séptimo álbum de estudio, y con la ayuda de Alan Moulder, productor de bandas como Depeche Mode, Smashing Pumpkins o Nine Inch Nails. “Codes and Keys” se compone de once canciones limpias, cuidadas, en las que la voz de Ben Gibbons cede protagonismo a teclados, sintetizadores y guitarras. Destacan “Doors Unlocked and Open”, “Portable Television” o la elegida como single “You Are a Tourist”, que prometen ser canciones para despeinarse, y nos muestran su lado más maduro y quizás por ello más calmado con “Stay Young, Keep Dancing” o “St. Paul’s Cathedral”. Gran trabajo y que dará que hablar.

Después de dos Eps muy bien acogidos en su país, este sexteto de Newcastle se aisló en el norte de Inglaterra para dar forma a su primer trabajo. Gracias a una instrumentación muy bien escogida y una producción elegante, su música combina con lucidez momentos de deslumbrante desnudez con pasajes de intrincados arreglos de cuerda, percusión y coros. La delicada voz de Hazel Wilde aporta coherencia al conjunto, que mejora ostensiblemente a medida que avanza. De hecho, son los primeros temas lo más flojito del disco, que evoluciona desde el dream pop cursi de ”Lungs Chicken” hasta la suavidad de la terna final, encontrando en esa quietud el acomodo perfecto para su elevada propuesta.

Si tener talento, ser musicalmente hablando un espíritu inquieto, y ser el alma máter de una discográfica no es la fórmula del éxito, aunque son ingredientes fundamentales a la hora de alcanzarlo. Johan Angergard, líder de Club 8, The Legends y Acid House Kings forma junto a Henrik Martensson el dúo Pallers. Diez canciones (algunas ya las hemos podido escuchar escuchadas en EP’s anteriores) componen este nuevo proyecto, en el que el rey Midas del pop sueco explora su lado más synthpop, haciendo inevitables guiños hacia el electropop y el chillwave. “Come Rain, Come Sunshine”, “Humdrum”, “Sound of Silence” o “Wicked” son sólo algunos ejemplos de que realmente es oro todo lo que Angergard toca.

— Francisco Jesús Suárez

Helium Records 2011

En la portada de su disco debut vemos a Sam Brookes mirando al cielo con un brillo inquietante en sus ojos que me hace pensar que debe estar viviendo algún tipo de revelación o experiencia espiritual. Y me lo creo porque lo que nos trae debajo del brazo es otra colección de canciones a sumar a la infinidad de trabajos que ahora la multitud de artistas pseudofolkies (o folkies a secas) que han florecido se esfuerza en ofrecernos con tan gentilosa pasión. No es que lo haga mal, de hecho se aprecia su trabajo en la voz y en su instrumento (la guitarra, claro), pero es que ha tenido la mala suerte de aparecer en una época en la que su propuesta no sorprende, y a mi personalmente me provoca una “inofensiva” irritación. — Arturo Jiménez

— Arturo Jiménez

Atlantic Records 2011

— Carla Linares

— Manuel González Moliner

Bella Union 2011

— Ignacio Simón

— Abel Molina

Labrador 2011

— Carla Linares L ados

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Bongolian Bongos For Beatniks

Blow up Records 2011

Sin ritmo, no hay funk ni música negra que valga, y Bongolian lo tienen claro. No se andan por las ramas a la hora de fabricar grooves potentes, que se suceden como si se tratara de una sesión de baile absolutamente intencionada. Quizás ninguno de los temas pase a la historia, pero tampoco creo que exista esa pretensión. Si quieres energía, vitalidad y buen rollo este disco te da eso y mas, a veces soplando un poco de soul, otras coqueteando con la psicodelia del Hammond, pero siempre directo, yendo al grano. Es como alguien a quien ves venir, sin segundas intenciones, sabes lo que puedes esperar de él y cuando quieres, lo tienes, sin rodeos ni complicaciones. Eso se agradece.

— Mike Blue

Bicycle Thief Notch

Autoeditado, 2011

Metronomy The English Rivera

Because Music/ warner 2011

El vallisoletano David Vila aparca Los de Devon han sacado disco, su su banda habitual Stealwater para tercer LP, se compone de once lucir orgulloso como Bicycle Thief, temas (perdón, digo temas cuando en una época plagada de cinismo debería decir temazos) que yendo donde lo incomprensiblemente de menos a más consiguen sacar a la habitual es tratar de denigrar la luz nuestro lado más electropop, y relevancia de bandas como Oasis consiguen también sacarnos a bailar. dentro de la música contemporánea. Canciones como “Everything Goes “Notch” es una extensa colección de My Way” o “The Bay” desprenden canciones en la que se recupera la buenas vibraciones en cada acorde influencia palpable de los hermay en cada segundo; con “She Wants” nos Gallagher y otras formaciones el cuarteto inglés demuestran que el británicas de los 90 como Cast o los electro puede ser sexy, y escuchando olvidados Menswe@r, además de ló- “Corinne” es inevitable no darse gicos precursores inmortales como cuenta de que estás ante un perfecto Beatles o Kinks. El artista se acomtema rompe-pistas. Con “Love paña preferentemente de guitarra Underlined” cierran su trabajo más acústica para alumbrar estribillos instrumental hasta la fecha, y tras inmaculados y una elegancia british su completa escucha, me deshago que merece aplauso por su sonido en halagos ante Joseph Mount y honesto y atemporal. los suyos. — Raúl Julián

— Carla Linares

Wye Oak Civilian

City Slang, 2011

El dúo de Baltimore formado por Andy Stack y Jenn Wasner se apunta con su tercer disco al numeroso plantel de artistas que siguen las estela de mitos como Cocteau Twins, Galaxie 500 o Slowdive, con una cautelosa mezcla de dream-pop y shoegaze secuenciada en la evocadora voz de la propia Wasner. La formación ha evolucionado dejando atrás aquellos comienzos donde el folk era pieza fundamental en su creación, hasta presentar un álbum como “Civilian” que, presumiendo de sólida construcción, adolece de la chispa definitiva que lo destaque por encima de compañeros generacionales de similar gusto por la bruma sonora como Blonde Redhead, Beach House o Asobi Seksu.

— Raúl Julián

Austra Feel it break

Sons & Daughters Mirror Mirror

Washed Out Within and Without

Ghostpoet Peanut Butter Blues and Melancholy Jam

El debut de los canadienses Austra podría figurar dentro de ese nuevo pop de exuberantes vocalistas femeninas, donde también podrían nombrarse a Florence & The Machine o Likke Li, que encuentran en la operística voz de su cantante su seña de identidad y también su mayor lastre, al abusar a veces de una vocalización excesivamente barroca que resta pegada a las melodías. Lo más novedoso quizá está en la base musical, una electrónica fría, cristalina y minimalista, más escorada hacia el primer pop de sintetizadores de Human League o Eurythmics, que los emparentan emparentándoles con grupos como Hurts, que también han rescatado la balada de los ochenta como materia noble.

El cuarteto escocés Sons & Daughters opta en esta cuarta entrega discográfica por oscurecer sensiblemente su sonido. La vocalista principal Adele Bethel comparte micrófono con el guitarrista Scott Paterson a lo largo de diez nuevos cortes, interpretando un crudo sonido ochentero de querencia post-punk que los emparenta directamente con sus compañeros de sello The Kills. La banda resulta relativamente creíble dentro de una nueva piel en la que apenas se intuye rastro del ramalazo folk o indie de antaño. El oyente tendrá que trabajar la escucha más de lo habitual para focalizar el interés del álbum, accediendo a una recompensa que en anteriores entregas resultaba vistosa y casi inmediata.

El aclamado americano de veinte y ocho años, Ernest Greene, ha conseguido con tan sólo tres EP’s que le sitúen a la misma altura que Toro y Moi; para este trabajo se ha juntado con el mismísimo Ben Allen, y nos presenta un álbum de chillwave, que no sólo llama la atención por su más que sugerente portada, sino también por el gusto exquisito de todas las canciones (nueve en total) que hacen de este álbum de debut un conjunto perfecto. Disco para disfrutar de principio a fin, aunque es inevitable no señalar temas como “You and I”, canción en la que la voz del Sr. Greene nos envuelve acompañado de Caroline Polacheck en una brillante y bonita melodía que promete ser la más escuchada del álbum.

Obaro “Ghostpoet” Ejimiwe consigue con su album de debut alumbrar uno de los mejores trabajos de todo 2011. Consiguiendo asi encumbrar, como bien se merezen, a las islas británicas como exportadoras del mejor hip hop urbano y modernizando definitivamente el género. Y lo ha hecho mirando a los ojos de Mike Skinner, de Roots Manuva y de Tricky sin complejo alguno, construyendo un ambiente narcótico altamente adictivo, donde el hip hop se encuentra con el pop y juguetea con el dubstep y el trip hop, donde su flow fluye lento y sugerente demostrando que su estilo no necesita ni del crimen ni de la violencia para contar historias y transmitir intensas emociones.

Domino 2011

— Manuel González Moliner

Domino, 2011

— Raúl Julián

Sub Pop 2011

— Carla Linares

Dead Oceans 2011

— Francisco Jesús Suárez L ados

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Comet Gain Howl of the lonely crowd

Kangding Ray Or

Fione Regan 100 Acres Of Sycamore

The Drums Portamento

¿Qué tendrá el indie pop de toda la vida que todavía me hace sacudir el cuerpo? El nuevo disco de los veteranos Comet Gain es un “más de los mismo” glorioso. Parece que el viejo Edwyn Collins (Orange Juice), aquí productor, simplemente les ha dejado hacer; y así, las guitarras sucias y nerviosas, los tecladillos brillantes, los ritmos descacharrados y las melodías enormes y muy mal cantadas van dando lugar, como quien no quiere la cosa, a trece canciones sin desperdicio. Desde el enérgico comienzo con “Clang Of The Concrete Swans”, hasta el final, con la emotiva “In A Lonely Place”, todo tiene enjundia. Casi veinte años después de su formación, vuelven a dar una lección de como se hacen las cosas.

David Letellier continua en el presente “Or” el camino anteriormente iniciado con el abrupto y aplastante ep “Pruitt Igoe”. Un camino que discurre por la senda de la abstracción techno más quirúrgica y gélida, la que nos refiere a la seña de identidad sonora del sello donde publica, Raster-Noton, y al del techno finés de Sähko. Que alude sin titubeos a la decadencia de la presente civilización moderna y que avanza entre texturas digitales y beats aplastantes, entre ambientes opresivos y atmósferas tensas, cortantes. Pura arquitectura sonora que confirma a Kangding Ray como uno de los artistas más interesantes y recomendables de la presente escena actual del techno de bajas pulsaciones y estética fría.

Cuando un verdadero artista tiene algo dentro que le revuelve sus entrañas y tiene la posibilidad de sacarlo a la luz no suele dejar indiferente a nadie, este es el caso de “100 Acres Of Sycamore” ya que parece ser que el joven Fione tiene mucho en su interior que le inquieta. Además, como por su cara de chico bueno se deduce que es un músico aplicado y estudioso, sabe darle forma a sus composiciones bebiendo de los intérpretes clásicos con asombrosa pulcritud. Las canciones están presentadas bajo una producción clásica, tomando elementos de su Irlanda natal, de los trabajos de Tim Buckley (por poner un ejemplo) e incluso de la lírica de Morrisey en algunos momentos. Un trabajo muy digno.

La dificultad inherente al segundo disco resultará una criba aun más cruel y afilada si tu pertinente debut terminó convertido en una de las sensaciones de la temporada, con tu banda aclamada como paradigma de modernidad. The Drums superan la prueba de fuego sin deslumbrar pero evitando cualquier atisbo de decepción. Asi el cuarteto se muestra ligeramente menos luminoso y hedonista pero manteniendo manteniente intactas las características que les proporcionaron fama mundial: melodía, ritmo, letras simplistas y canciones pegadizas. Y esa conjunción, concretada en temas como “Money”, “Hard To Love”, o “Book Of Revelation”, dejan escaso margen para la crítica malintencionada.

Fortuna Pop! Records 2011

— Manuel González Moliner

Raster–Noton 2011

— Francisco Jesús Suárez

Heavenly 2011

— Arturo Jiménez

Mo s hi m oshi r e c ord s / c o o p 2 0 1 1

— Raúl Julián

Housse de Racket Alesia

Det Vackra Livet Det Vackra Livet

Memory Tapes Placer Piano

Chad Vangaalen Diaper Island

El dúo de indie – pop francés regresa al panorama musical de la mano de la maison Kitsuné, y lo hace con un álbum más synth que pop, pero de una calidad mayuscula tal, que será un “indie-spensable” para todo indie que se precie. Un total de once canciones y tres demos hacen de este magnifico álbum un básico en las pistas de baile. Melodías luminosas de ritmos bailables y para todos los gustos. Con su single “Roman” han abierto el apetito y el plato ha sido excelente. Canciones como “Aquarium” , “Chateau”, “Apocalypso” prometen ser totalmente hits incendiarios. Está claro que lo del savoir faire no es broma, y a Pierre Leroux y Victor Le Masne les sobra. Bon apetite!.

El proyecto paralelo de Philip y Hendrick Eckström, conocidos al frente de The Mary Onettes, sigue el camino marcado por su banda hermana con un sonido de clara inspiración ochentera. En esta ocasión el resultado marcadamente más brillante, nos trae ese carácter melancólico y nostálgico que intenta acercar el sonido de The Cocteau Twins a nuestro tiempo, pero sin alcanzar tan meritorio objetivo pues el uso indiscriminado de largas colas de reverb acaba por abrumar al oyente generando cierta sensación mareante. Sólo la voz en sueco de Philip, a medio camino entre Ian McCulloch y Robert Smith aporta ese grano de originalidad que no encontraremos en la música.

El segundo LP de Dayve Hawk, lider de Hail Social, en su andadura en solitario, se reafirma bajo la etiqueta del movimiento Chillwave, asi “Placer Piano” arranca no defraudando en ese sentido. De los altavoces se escucha lo que se puede esperar. Sin embargo según va avanzando hay pequeños detalles que dibujan una sonrisa en el oyente y que salvan de la quema lo que algunos críticos duros podrían calificar como un trabajo sin alma. El optimismo de “Offers”, y los brotes de genialidad de “Trance Sisters” (la mejor del disco), hacen que se olvide a las aburridas “Fell I Know” y “Fell Thru Ice”. En definitiva otro homenaje a Cocteau Twins que aporta algunos momentos entretenidos.

El artista canadiense Chad Vangaalen no para de sorprender, una vez fuera de su retiro espiritual en tierras perdidas, continua con su prolífica actividad mas alla de su sótano para deleitar nuestros oídos con un álbum que no dejará indiferente a nadie. En “Diaper Island” da cabida una amplía paleta de sonidos, desde destellos punk que aparecen en “Freedom For a Policeman”, pasando por su faceta folk con la que abre el disco en canciones como “Do Not Fear” o la cautivadora “Sara” hasta un guiño electrónico y experimental en “Can You Believe it”, una clara muestra de la versatilidad y la capacidad de creación de un artista que desde el terreno underground está dando mucho que hablar.

Kitsuné 2011

— Carla Linares

Labrador 2011

— Ignacio Simón

Carpark 2011

— Arturo Jiménez

Sub Pop 2011

— Jaime Suárez

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DISCOS

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Mister Heavenly Out Of Love

Male Bonding Endless Now

Cloud Control Bliss Release

Blood Orange Coastal Grooves

Tres músicos provenientes de Modest Mouse, The Unicorns y Man Man, se unen para traernos doce canciones sin complejos bajo las directrices de un rock desenfadado y divertido ante todo. Eso no significa que sean el alma de la fiesta, sino más bien que se nota que se lo han pasado bien trabajando en este disco, sin tensiones ni dramas existenciales. Por momentos es la línea de bajo la que mueve tus pies, para pasar a transportarte a los años 50 con unos golpes secos de caja, cuando de repente todos a coro reivindican su papel en la banda. Con algunos pasajes mejores que otros, “Out Of Love” es un disco que puede entretener, aunque le falta la solidez de un proyecto más comprometido.

Su primer álbum de 2010 “Nothing hurts” fue de lo más destacado en la escena garaje punk actual lo cual les valió la confianza suficiente para viajar a Seattle y firmar un buen contrato con Subpop. “Endless now” editado de nuevo en el mítico sello y cuna del grunge y ahora abanderado de la cruzada garajera, vuelve a confiar en el trío londinense para formar junto con Jaill y No Age el tridente noise más prometedor de la actualidad. Los doce temas que forman parte del disco tienen cabida en multitud de oídos debido a la clarividencia sónica que han logrado en parte gracias al productor John Agnello (Dinosaur Jr.) y que les ha alejado del lo-fi cultivado en sus cercanos orígenes.

El debut firmado por la banda australiana Cloud Control resulta apropiado para acompañar a los últimos rayos de sol plenamente veraniegos de la temporada. El cuarteto ha alcanzado cierto éxito en Inglaterra gracias a un decálogo luminoso, místico y aparentemente despreocupado, de sonido cercano al de formaciones reputadas dentro de la escena actual como Fleet Foxes, Midlake o Grizzly Bear, sin desperdiciar la ocasión de tributar a Talking Heads en la fantástica “This Is What I Said”. Quizá nos encontremos ante el típico grupo que nadie recordará pasados unos meses, pero de momento el álbum funciona sin fisuras y mejora a cada nueva lectura gracias al sucesivo descubrimiento de sutiles detalles.

Escúalido debut el de Blood Orange. Deslabazada colección de canciones que tienen en la voz aterciopeleda de Devonté Haynes, su mejor baza. En general las composiciones asumen escasos riesgos, empiezan tirando de punteos surferos y arpegios de rock and roll cincuentero bastante sobados y acaban en una especie de indie-house que jamás supera la comparación con Caribou. Las canciones más inmediatas, como “Forget It”, abusan de bases machaconas y líneas gruesas de bajo que parecen intentar explotar el tirón de The Drums sin la frescura de estos, y los medios tiempos desérticos como “Can We Go Inside Now”, se quedan en correctos. Intenta tocar todas las flautas a ver si alguna suena.

Sub Pop 2011

— Arturo Jiménez

Fruit Bats Tripper

No Quarter Records 2011

— Abel Molina

PIAS, 2011

— Raúl Julián

Domino 2011

— Manuel González Moliner

Sub Pop 2011

Zomby Dedication

4AD 2011

Bon Iver Bon Iver

dEUS Keep You Close

Eric D. Johnson es uno de los artistas que más están creciendo dentro de la escena indie norteamericana. A parte de ser el líder del quinteto de Chicago ejerce funciones como compositor de bandas sonoras ajenas y propias, como es el caso de este “Tripper”. En el se puede distinguir el polvo seco frotandonos en la cara, la luz solar atravesando los parpados y una inusitada dulzura agitando suavemente nuestros timpanos al disfrutar de las ideas plasmadas en preciosos temas dignos de un postmoderno cantautor. Melodias acústicas aderezadas con sinceros juegos de voces y preciosistas teclados poco abrasivos describen un viaje por el clima desértico pero agradable. Sin duda una banda en pleno ascenso.

Zomby debuta en el icónico sello 4AD con un experimento exquisito que juega con el concepto del teaser, con incomodar al oyente llevándolo hasta el climax y abandonándolo sin contemplaciones en un salto precipitado al vacío donde el silencio llega antes de tiempo. Dieciséis geniales bocetos de ideas que nos hacen desear más aún, poder oirlas terminadas en directo, en un club o donde sea. Ideas con las que Zomby se legitima como uno de los productores que más tiene que decir y que más en forma está, como icono de un universo sonoro al que nadie se asemeja. Nadie mejor que él, para reescribir la música de club a través de su impecable amalgama de sonido rave, dubstep, ambient, chiptune y witch house.

Enorme ha sido la expectativa generada en torno a la edición del nuevo trabajo de Justin Vernon. Antes de este disco, este originario de Wisconsin amante del invierno con tan sólo un precioso LP y un EP lleno de extrañas atmósferas hizo que público y crítica se percataran de la necesidad de tener un ojo puesto en él y su música. En el nuevo disco Bon Iver sigue por su camino hecho de hierba y de ambientes etéreos, de voces celestiales y complejos arreglos. La solitaria calma que irradian las canciones de Bon Iver se hace materia sonora en este trabajo, más eléctrico que los anteriores, pero igual de sincero. Aunque muchos califican a su música como folk, esta cronista encuentra más justo llamarla post rock.

Los belgas dEUS siguen resultando una apuesta segura en cuanto a calidad y buen gusto. La intensidad de los casi seis minutos que abren y dan título al sexto disco de estudio de la banda atrapan firmemente a un oyente que no resultará liberado hasta que la insinuante “Easy”, última pieza de la presente obra, deje de sonar. La formación encabezada desde hace casi dos décadas por el vocalista y guitarrista Tom Barman nos ofrece en su ultimo trabajo una valiosa lección de integridad, nervio, elegancia y fuerza, que se concreta en nueve canciones extensas y un álbum de tal solemnidad que acongoja a cada nuevo pase. Simplemente soberbio, “Keep You Close” apunta muy alto en la lista de imprescindibles de la temporada.

— Abel Molina

— Francisco Jesús Suárez

Jag jaguwar- 2011

— Patrizia Loru

[PIAS], 2011

— Raúl Julián

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DISCOS

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A R T E L A D O S by

ISIDRO FERRER

Lados mag premia tu fidelidad, regalando 5 packs de botellas de vino de la colección especial Artelados para Bodegas y Viñedos Neo (bodegasneo.com), personalizadas con diseños originales. Para entrar en el sorteo, envía un correo electrónico a neo.artelados@ladosmagazine.com incluyendo en el mismo el nombre del artista musical que protagonizó la portada del número 18 de Lados mag. Los ganadores del sorteo anterior son: Ruth Garcia, Paula Fernandez, Daniel Iglesias Prieto, Álvaro Barcina Fustel y Cristina Esteban.

En esta ocasión, el invitado Isidro Ferrer Soria es miembro fundador del grupo Camaleón (1990). En 1996 establece su propio estudio en Huesca desde donde desarrolla su trabajo en el entorno de la gráfica. Cuenta con varias publicaciones y su obra a sido objeto de multiples exposiciones. La pieza que presenta en exclusiva para Artelados supone la materialización de la fusión entre la espiritualidad o lo efímero del arte y su verdadero origen o motor que es el propio ser humano. Así ambos encuentran la simbiosis perfecta representada entre el fémur humano y el mástil del violonchelo para generar una figura que busca la perdurabilidad en el tiempo. Su portfolio en www.isidroferrer.com incluye una extensísima muestra de piezas, así como mucha más información sobre su trabajo.

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j e a n jullien Jean Jullien e s u n j o ven i l u s tr a d o r y d i s e ñ a d or g rá f i co f ra n cé s re s i d e n t e e n L on d re s . S u s trabaj os van d e s d e l a i l u s t r a c i ó n a l a fo to g ra f í a , e l v í d e o, ve s t u a ri o, i n s t a la ci on e s , li b ros o c arteles. To d o s e l l o s d o t a d o s d e u n a c r e a t i v i d a d d e s b ord a n t e y u n t oqu e d e h u m or, qu e le h an convert i d o en u n a r ti s t a m u l ti d i s c i p l i na r s ob re s a li e n t e . C h a rla m os con é l con m ot i vo d e la presentac i ó n d e s u ú l ti m o tr a ba j o , “ El B a n qu e t e ”, e n e l ci rcu i t o d e propu e s t a s a rt í s t i ca s Arenas Moved i z a s q u e p o r 10º a ñ o c o n s ec u ti vo a ce rca a G i jón a a lg u n os d e los a rt i s t a s jóve n e s más interes a n t e s p a r a q u e i n t e r ve n g a n s o b re u n e s pa ci o t a n i m pa ct a n t e , com o la s a n t i g u a s c oc inas de l a U n i ve r s i d a d L a bo r a l .

Texto: Francisco Jesús Suárez Imagen: Jean Jullien, pag. 92 Fiumfoto

¿Cuáles son tus principales referencias?¡Muchas! Eames, Jean Jacques Sempé, Saul Bass, Alvin Lustig, Raymond Savignac, Charles-Édouard Jeanneret, Henri Matisse, Jean Cocteau, Tomi Ungerer y Georges Nelson. También suponen una inspiración cada vez mayor las imágenes al azar y las serendipias en internet. Tu trabajo destaca especialmente por la simplicidad y la pureza de las formas y los colores, tu trazo es sencillo y muy potente. ¿Qué te empuja y te inspira a dibujar de ésta manera? ¿Cómo has conseguido desarrollar un estilo gráfico y artístico tan marcado? Cuando estaba estudiando solía dibujar sólo en blanco y negro y un día mi tutor me sugirió que lo intentara en color por una vez, para poder ver que aportaría el color a mi trabajo. Me hizo esta sugerencia a la vez que me mostraba el trabajo de Milton Glaser así que lo intenté y fue como abrir la caja de pandora. El color añadió capas y profundidad a mis imágenes. Cada color conlleva fuertes connotaciones culturales y emocionales. La simplicidad de las formas es justo lo que me gusta visualmente. Una de las cosas que más me gustan del dibujo es la síntesis. Me fascina como los dibujos parecen necesitar resumir el paisaje visual. El mundo está demasiado lleno de cosas y elementos, así que es necesario limpiarlo de las cosas innecesarias y elegir qué debe mantenerse con el fin de representar algo correctamente, con sólo la cantidad exacta de información que es a la vez estética y sin embargo, fiel a la idea original. Sobre el estilo… creo que es importante que la gente reconozca mi trabajo y que sean capaces de identificarlo como mío pero espero que posea el balance exacto entre identidad y sorpresa. Es muy bonito el reto de intentar llevar a cabo tus ideas y tu forma de pensar como estilo, más que tus propias imágenes. Me pregunto si es realmente mi meta: crear un gran registro de proyectos que excite al público y le sorprenda mientras se mantiene único y reconocible. ¿Qué sensaciones tratas de despertar en el público con tu obra? ¿Qué importancia das al espectador cuando te lo imaginas observando tus trabajos? Comunicar ideas y mensajes a la gente de una forma entretenida. Siempre intento ofrecer diferentes niveles de lectura de mi trabajo. Tonos y subtonos. Creo que es importante mirar a nuestro alrededor, como diseñadores, y aprender lecciones de la publicidad comercial y de cómo 84

ésta influye en la gente. Las grandes marcas pueden comunicar cualquier cosa a cualquier persona. Lo hacen para vender y hacer dinero, algo debatible. Y como en cualquier otro ámbito, sigue unos patrones y un sistema que puede ser descifrado y aplicado a comunicar otras cosas. El éxito no está en engañar a la gente, sino en hablarles en un lenguaje que entiendan. Se trata de evitar el hacer arte sólo para artistas y establecer un diálogo con la mayor parte del público posible, de una forma atractiva. Otra característica fundamental y sobresaliente de tu obra es la potencia de las palabras y los mensajes escritos expresados con tipografías hechas a mano. ¿Qué es lo que te motiva para expresarte de ésta manera? Adoro las palabras. Casi tanto como las imágenes. Siempre he estado fascinado por el lenguaje y siempre escribo mucho en mi cuaderno de bocetos. Las connotaciones culturales de las palabras me permiten jugar con las cosas con las que no puedo jugar cuando sólo utilizo imágenes. Aunque la dificultad va en aumento. El anuncio “In your face” provocó varios malos diseños basados en las palabras. Ahora siempre cuestiono mis juegos de palabras y me pregunto si son de mala calidad o no. Mis amigos más cercanos se burlan de mí por esto y tengo que agradecerles que lo hagan porque odio terminar creando bromas pesadas que puedan ser puestas en camisetas. Siempre siento envidia cuando examino internet y encuentro títulos de libros fascinantes y pegadizos. No son necesariamente divertidos pero sencillamente suenan muy bien. Creo que esto me hace lleva a intentar hacer cosas más poéticas. Nike, BMW, The Guardian, The New York Times, The Pompidou Centre…. Son algunos de tus mayores clientes. ¿Qué nos puedes contar sobre tu trabajo para ellos? Ha sido genial. Es bueno trabajar para nombres tan icónicos y espero que ocurra de nuevo. Todos éstos proyectos han sido muy diferentes: una pieza para una exposición para Nike, ilustración para BMW, anuncio fotográfico para The Guardian, poster para el centro Pompidou…. Así que es difícil hablar específicamente pero en general tengo que decir que es muy interesante trabajar para estas grandes instituciones y ver como trabajan ellos. Además te hace sentir muy bien, como diseñador joven supone un grandísimo estímulo.

Y qué nos puedes contar acerca de cómo es trabajar en tres campos tan diferentes como el comercial, el editorial y el cultural. Son tres áreas muy diferentes del diseño y la ilustración. El balance exacto entre ellos es esencial. No creo que pudiera limitar mi trabajo a sólo una disciplina. El campo comercial requiere eficiencia y está limitado a obedecer a ciertas reglas. El área editorial es muy interesante porque el artista es mucho más libre pero el tiempo supone un reto ya que hay que ser rápido para llegar al cierre. Es un campo muy duro a nivel intelectual ya que requiere de buenas ideas, a menudo dotadas de humor, que reaccionen a algo que acaba de ocurrir. Es también el objetivo de un público muy amplio así que debes ser respetuoso y con buen gusto. El campo de la cultura también es genial ya que en general tienes que hablarle a un público que es receptivo al arte así que puedes sentirte un poco más cómodo. Las tres son grandes áreas para trabajar. Es el equilibrio entre éstas tres disciplinas lo que es más excitante. También trabajas el vídeo en colaboración con tu hermano, el músico Niwouinwouin. ¿Que nos puedes contar acerca de tu experiencia en éste campo y sobre cómo es el dotar de movimiento a tus ilustraciones? Es genial porque siento que es la continuación lógica a mis investigaciones sobre la ilustración y el volumen. Antes dibujaba en el espacio y ahora siento que dibujo en el espacio y el tiempo al mismo tiempo. Mi hermano y yo hemos empezado a trabajar juntos de una forma mucho más oficial bajo el nombre de Jullien Brothers. Más que quedarnos en la animación, tendemos hacia las acciones en directo utilizando objetos y disfraces que lo hagan todo muy gráfico y misterioso. Es importante para nosotros que la transferencia al video no mate la esencia de nuestro trabajo como dúo o el propio de cada uno. Las tres dimensiones son también otro campo donde te gusta desarrollar tu trabajo, a través de instalaciones donde consigues recrear tu mundo. “El Banquete” es una de ellas y precisamente la que podemos visitar en Gijón. ¿Porque empezaste a trabajar también sobre el espacio y que nos puedes contar sobre El Banquete? Cada ilustrador imagina sus personajes como personajes 3D al dibujarlos, pero debido al medio, L ados

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el resultado siempre es en dos dimensiones. Es un poco paradójico y es la razón de que empezara a trabajar en ello y a tratar de dar a mis personajes vida tanto como pueda haciéndoles existir en el espacio. El Banquete es una instalación creada en las cocinas de la Universidad Laboral para Arenas Movedizas. El espacio es fantástico y transmite mucha historia así que era algo que no podía eludir. La pieza presenta 10 personajes de tamaño real hechos en tela. Ellos son parte de una oscura y secreta sociedad, que se sientan alrededor de una mesa para discutir el futuro social, económico y político de Asturias. Han escrito un manifiesto que demanda la creación de una nueva moneda, que renace de las cenizas de una economía europea despedazada: el Din€uro. Es importante para mi, cuando hago una exposición, que el trabajo presente una conexión con el lugar 86

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donde es creada. Asturias es una región fascinante así que tuve mucha suerte. La actual crisis financiera que ruge en Europa era perfecta. Crea el entorno adecuado para las teorías populares de la conspiración y paranoia. El Banquete es la materialización de los demonios tecnócratas que se encuentran en la oscuridad conspirando para beneficiarse de la crisis. Todo es muy metafórico. He añadido ciertos detalles para dar pistas de la narrativa que está sucediendo, aunque quería darle al espectador la posibilidad de leer su propia historia. Y para equilibrar la seriedad del tema (política y economía) he utilizado coloridos muñecos rellenos que crean una grotesca combinación con sus corbatas y trajes. De alguna manera, ésta instalación utiliza el mismo proceso que muchas de mis imágenes (un resultado visual muy colorido y gráfico con un contenido profundo) pero en 3D.

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i s i d r o fe r r e r Isidro Fer r e r es u n o d e n u e s t r o s i l u s tr a d o re s m á s i n t e rn a ci on a le s , con u n con ci e n z u d o t ra b a jo que se mu e ve e n t r e l o a r te s a n a l y l o a r tí s t i co s i n d e ja rs e i n t i m i d a r por la s e t i qu e t a s . L a m e t á fora visua l , l a i r o n í a y e l c o m p o n e n t e o b je t u a l y m a t é ri co, s on e l s e llo pe rs on a l d e s u s i m á g e nes, que e n m u c ho s c a s o s s e p o n en a l s er v i ci o d e la pa la b ra h a ci e n d o ob ra e l ve rb o “ i lu s t ra r”.

El año pasado te encargaste de la señalización para el Pabellón de España en la Exposición Universal de Shangai, un proyecto realizado íntegramente en cartón. En este caso la tipografía era la esencia misma de la obra, pero ¿qué papel le concedes en otros proyectos? Me ha interesado siempre mucho el mundo de la palabra, de la letra, pero siempre más como significado que como forma. Estoy más cercano al campo de la semántica que al de la morfología. La tipografía me interesa muchísimo, pero entiendo que es una dimensión del diseño gráfico muy específica y con una parte de muchísimo rigor. A mí me gusta más el juego y la traslación de significados. En el caso de los carteles lo que me interesa mucho es que a nivel plástico todo funcione bien, que se entienda de manera unitaria imagen y texto. Lo que me gusta mucho es la relación que se establece entre lo que dices y cómo lo dices, y cómo se utiliza la imagen para resaltar los contenidos semánticos de la comunicación. En cuanto a la experiencia de Shangai, la verdad es que fue un regalo. Yo nunca había hecho una señalética y fue un reto muy bonito, que me condicionó y me llevó a bucear en un territorio que no es el mío. Lo que hice fue establecer una relación muy intensa con la arquitectura, que contaba con una cubierta de juncos, 91

un material natural por el que pasa el tiempo, y que teniendo en cuenta que la exposición se va a desmontar en seis meses, es un material reciclable. El cartón me pareció un elemento que dialogaba muy bien a nivel tonal y matérico con esta arquitectura. Para mí lo más interesante fue el proceso de investigación, la búsqueda de fórmulas para intervenir con el cartón de manera que el resultado fuese funcional. Uno de tus trabajos más conocidos son los carteles que desde 2006 vienes diseñando para el Centro Dramático Nacional, tuyas son también cubiertas de las novelas de A. Burgess en la Colección Vintage y de la Colección Clásicos Universales de Santillana, por no hablar de las decenas de libros en los que has colaborado como ilustrador. En todos estos casos sintetizas en imágenes contenidos literarios ¿Cómo es el proceso que te lleva de la palabra a la imagen? La clave es generar imágenes que se pongan al servicio del texto. Al fin y al cabo la ilustración es eso, el sentido etimológico de ilustrar es iluminar, dotar de significancia un texto. Para ello hay que ver qué elementos son sustanciales en las piezas dramáticas o en los libros y con cuáles puedes jugar para que se pongan servicio de lo literario, pero también se construya una imagen que pueda generar curiosidad, servir como elemento comunicante, como elemento significativo, y que también funcione a nivel gráfico.

Texto:Cristina Agüero Imagen: Isidro Ferrer

Sabemos que acabas de volver de Buenos Aires donde has participado en el Taller de diseño e ilustración. “Hacer Letras Con Cosas, Hacer Cosas Con Letras”. Cuéntanos cómo ha sido la experiencia y el por qué de este título. El taller fue organizado por la asociación “Tipos Latinos” que nació en Méjico de la mano de una serie de tipógrafos y tiene sede en varios países latinoamericanos. Ellos me solicitaron que realizara el taller aprovechando que iba a dar unas conferencias en un encuentro organizado por la Universidad de Palermo. Buscaban que lo acercara al territorio de su actuación, sabiendo que trabajo con materiales básicos y de deshecho. El título no lo puse yo, y fue más bien un pretexto: aunque trabajamos un poco con tipografía casual y con textos y sus significados al servicio de la morfología de los tipos, el taller fue muy lúdico, muy divertido. Nos centramos en la materia, de hecho teníamos montañas de “basura”, a partir de la que se generaron una cantidad de imágenes increíbles. Yo les proponía nuevos ejercicios constantemente, lo cual exigía mucha rapidez y muchos desplazamientos de un territorio a otro. Fue un trabajo de una enorme intensidad, con setenta y cinco personas en cada taller, trabajando ocho horas en dos días, cuatro horas cada día.

Muchos de tus diseños se basan en un tratamiento irónico de los objetos concediéndoles un significado que se aleja del cotidiano ¿Piensas que ésta es una de las claves de la universalidad de tu obra, que ha sido expuesta en lugares tan dispares como Perú, Croacia, Francia o EEUU? Leer imágenes exige un cierto esfuerzo y conocimiento de los valores significativos. Creo que en nuestra cultura visual los latinos tenemos un juego objetual bastante rico que viene de la tradición. Y ahí desde el surrealismo hasta Chema Madoz, hay un juego con el equívoco, con el objeto y con la significancia del objeto muy interesante. Y yo lo que hago es participar con esa corriente y proyectarla hacia el diseño gráfico. Así adquiere un valor distinto, un valor añadido ya que el objeto se vincula al mensaje. Cuando se trabaja con una traslación de significados de un objeto y lo acompañas con palabras que pueden servir como puntos de apoyo o de contraste, consigues amplificar el mensaje haciéndolo universal. L ados

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Para el “Calendario Mobles 114 2004” realizaste doce máscaras para doce amigos, utilizando para ello objetos cotidianos ¿Qué es lo que te atrae de la idea de máscara? Lo de las máscaras viene por mi vinculación con el teatro. Yo tengo una formación teatral, no tengo una formación de diseñador, ni una formación visual, sino que estudié teatro y durante seis años me dediqué a ese mundo, hasta que fui olvidando el teatro y pasando a la ilustración y al diseño gráfico. La máscara a nivel conceptual me interesa mucho: cómo las personas van construyendo distintas máscaras para poder transitar sin excesiva vulnerabilidad por la vida. Todos tenemos distintas máscaras con las que habitualmente nos protegemos y nos relacionamos en función del interlocutor. El teatro trabaja con esa herramienta: con la posibilidad de crear personalidades. En este caso era un juego, el de crear una máscara para cada amigo conforme a su personalidad con el condicionante del elemento de reciclaje. El año 2000 fuiste galardonado con el premio Promax de animación y recientemente has diseñado los títulos de crédito de las películas “Que Se Mueran Los Feos, Fuera De Carta Y Al Final Del Túnel”, ¿no te ha picado el gusanillo de la animación? ¿Nos sorprenderás con un corto? Me encantaría hacer un corto. Es una promesa a largo plazo. Me gustaría muchísimo experimentar con el lenguaje cinematográfico que para mí es el compendio de todas las artes. Es verdaderamente rico expresivamente porque tiene la parte plástica, el movimiento, lo narrativo, la interpretación, el sonido, el ritmo, y cuando todo eso funciona como un conjunto homogéneo, el resultado llega a lugares donde no llegan otras artes estáticas. 93

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Entre tus últimos trabajos se cuenta la cubierta para el libro “Diseñando Con Las Manos: Proceso Y Proyecto En La Artesanía Del S.Xx” y el cartel para la exposición colectiva “We The Designers” en el Nactional Press Club de Nueva York ¿Crees que en el panorama actual cabe todavía establecer una división entre arte, artesanía y diseño, o los límites se difuminaron hace

tiempo? Las definiciones ayudan a catalogar, a ordenar, nos tranquilizan. Pero en estos momentos se están transgrediendo tanto los límites de las diferentes disciplinas que yo hablaría de “expresiones”. Hay diferentes tipos de expresión, dentro del diseño gráfico hay gente que se expresa de una manera más personal, más próxima al arte,

y gente que se expresa de una manera más ortodoxa cercana a los parámetros estipulados que le confieren al diseño gráfico unas pautas muy concretas. El aspecto transgresor y juguetón lleva a contaminar las distintas disciplinas con elementos que vienen de otras. A mí no me interesa mucho si una cosa se llama “arte”, “diseño” o “artesanía”. Cuando me preguntan si soy artista, yo siempre digo que no. Yo utilizo herramientas artísticas al servicio de lo comunicativo. La intención es siempre la de comunicar un mensaje, pero a veces utilizo la posibilidad de generar un cierto discurso en un entrono como es el del diseño gráfico para trasladarme a territorios que me interesan personalmente. En varias ocasiones has creado carteles apoyando causas sociales. En el último de ellos reclamas democracia real, afirmado que “no somos mercancía en manos de políticos y banqueros” ¿Piensas que cierto arte supuestamente provocador ha quedado reducido a mercancía? Podemos pelear muy poco contra el mercado. Hemos establecido unas reglas del juego totalmente equivocadas y nosotros somos parte de esas reglas del juego, pero existe la posibilidad de poder variarlas porque esto es una evolución constante y la evolución implica que somos capaces de aprender de nuestros errores para que haya cambios y mejoras. En estos momentos la situación es conflictiva y dramática porque después de generaciones que han luchado por los derechos de los ciudadanos, lo político ha perdido valor, y se ha visto suplantado por el orden económico y de las finanzas, que ha establecido sus normas de juego que han afectado los principios básicos de las sociedades civiles. Es ahí donde los ciudadanos tenemos que actuar. En el caso de los diseñadores, nosotros tenemos las herramientas para generar mensajes reflexivos o críticos con el sistema con los que apoyar a movimientos sociales. Todas las actitudes individuales sumadas conforman una gran fuerza de expresión que a la larga que tiene mucho poder. L ados

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Rosh 3 3 3 es u n a r ti s t a u r ba n o , i l u s tr a d o r , d i s e ñ a d or g rá f i co... Nac ido en A l i c a n t e e n 19 7 7 , s u s tr a ba j o s re pre s e n t a n s u v i s i ón pe rs on a l d e l m u n d o qu e le rod e a . S u s aptitudes n a tu r a l e s p a r a e l d i bu j o , s u c u ri os i d a d por la cu lt u ra v i s u a l y s u ex pe ri m e n t a ci ón con s t a n t e le c onvierte n e n u n c r e a d o r c a m a l e ó n i c o ca pa z d e a d a pt a rs e y ex pre s a rs e e n d i s t i n t a s d i s ci pli n a s . S u obra en u n a c o n s ta n t e e vo l u c i ó n , c a r a c te ri z a d a por la u t i li za ci ón d e l b la n co y n e g ro pa ra cre a r t ext u ras y figu r a s c o n el eg a n te s i m p l i c i d a d . En s u pa rt e m á s ex pe ri m e n t a l ju e g a con e l color y con f orm a s abstracta s q u e r ec r e a s o br e d i fer en t e s s o p ort e s . Act u a lm e n t e re s i d e e n Ma d ri d d on d e com b i n a s u a ct i vidad profes i o n a l c o m o d i s eñ a d o r g r á fi c o e i lu s t ra d or con s u t ra b a jo m á s pe rs on a l t a n t o “ e n la ca lle ” como en es p a c i o s exp o s i t i vo s . Po d r em o s di s f ru t a r d e s u ob ra e n Mon t a n a G a lle r y Ba rce lon a h a s t a e l diez de oct u b r e.

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maricel á l vare z A medio c a m i n o e n t r e A r g e n t i n a e I t a l i a , pi lla m os ca s i a l v u e lo a Ma ri ce l Á lva re z, a ct ri z b onaerense. El r o s t r o d e M a r i c el em p ez ó a d i b u ja rs e e n la m e n t e d e l g ra n pú b li co “ por cu lpa ” de Alej an d r o G o n z á l ez I ñ á r r i t u , a l i n t e r p re t a r e l pa pe l d e Ma ra m b ra e n “ Bi u t i f u l”. Pe ro s u c arrera no e m p i ez a n i te r m i n a c o n es t e fi lm . E n s u m a le t a s e va n a cu m u la n d o ot ros proye ct os c inematrog r á fi c o s c o m o e l r o d a j e d e “ B o p De caye ron ”, la ú lt i m a pe lí cu la d e Wood y A lle n , e n tre otros. M a r i c e l c o m e n z ó en el t e a t r o y con e l t e a t ro s i g u e , com pa t i b i li za n d o e s t a a ct i v i d a d c on la danz a y l a en s e ñ a n z a .

¿Qué supuso “Biutiful” en su carrera? ¿Ha sido un cambio natural de medio, siendo una actriz más dedicada al teatro? Supuso, ante todo, la posibilidad de interpretar un personaje complejo, muy rico por sus claroscuros, por su naturaleza contradictoria, por su descarnada coyuntura, fruto de la patología que padece, y de la desigualdad social, tan tristemente común en los tiempos que corren. Supuso además, el ejercicio de medirme con uno de los colegas más talentosos del cine actual, un actor de la talla de Javier Bardem. Y por último, supuso un gran desafío en términos de aprendizaje y adaptación a un lenguaje y a una manera de trabajar que no habían sido, hasta entonces, las habituales para mí. Por todo esto, le estaré siempre agradecida a Alejandro González Iñárritu, pues gracias a la osadía que demostró al elegir una actriz de amplia trayectoria teatral, pero escaso tránsito por los sets internacionales, tuve la oportunidad de que mi trabajo cobrara un tipo de visibilidad que todos mis años de teatro no me habían dado. “Biutiful” ha sido también un salto en cuanto a fama internacional. ¿Cómo lo lleva? Lo del “salto” voy a relativizarlo. Y lo digo sin falsa modestia. Hasta aquí todo ha requerido un gran esfuerzo y no pocos sacrificios. Es cierto que “Biutiful” ha abierto las puertas a algunas propuestas laborales que son bienvenidas y agradecidas, pero eso no significa, ni remotamente, que no haya que seguir dado ‘la pelea’ en este terreno tan escurridizo, tan inestable, que es la profesión. ¿Qué ha supuesto la llamada de Woody Allen para trabajar con él? ¿Qué expectativas tiene? ¿Qué espera encontrar y aprender? ¿Qué es lo cree que puede aportar al proyecto? Sin duda es una situación extraordinaria, maravillosa para mí, poder trabajar con el maestro, a quien tuve el placer de conocer en una breve entrevista en Nueva York. Mi participación es pequeña, así que no quiero presumir de más, pero puedo asegurar que por momentos me siento como Cecilia, personaje adorable de “La Rosa Púrpura Del Cairo” cuando es invitada a ingresar al mundo mágico de la ficción y a ser parte de la película que ella está admirando como simple espectadora. El maestro me ha regalado la oportunidad de hacer algo en su película que se aleja mucho, pero mucho, 10 1

de lo que he hecho en “Biutiful”, así que esta vez me toca aportar todo mi histrionismo pero en favor de un personaje que transita los bordes de la comedia y no de la tragedia. El director y guionista argentino, Gabriel Nesci, también cuenta con su colaboración en su opera prima en el cine, “Todo Lo Que Necesitas Es Amor”... Sí, arrancamos con el rodaje en octubre, en Buenos Aires. Debo ser cautelosa y no adelantar demasiado del argumento del film, pero sí puedo decir que indaga en los vínculos afectivos de un grupo de amigos que pertenecen a la generación de los que transitan hoy la treintena y cuyas historias y problemáticas están atravesadas por varios tópicos como el compromiso que implica un proyecto amoroso a largo plazo, el individualismo, la búsqueda del ser amado, de la vocación, de la supervivencia, etc. Se trata de personajes cuyo denominador común es la búsqueda de la felicidad, el anhelo de encontrar el amor, de construir vínculos sólidos que se conviertan en los cimientos que los sostengan en el futuro. Todo esto, está contado con mucho humor y con mirada lúdica. Ese será el tono. Con tan diversa e intensa trayectoria como actriz, ¿en qué medio se siente más cómoda? ¿Qué particularidades destacaría de cada uno de los dos medios sobre los que cimienta su futuro? Yo soy básicamente un animal de teatro. Mi cuerpo, mi voz, mis pensamientos… Todo se adapta desde el minuto uno a ese espacio-máquina poética que es el escenario. El cine me resulta un ejercicio fascinante y exigente. “Biutiful” fue como hacer un curso intensivo, por todo lo que pude aprender en esos cuatro meses tan intensos de rodaje. El teatro es el territorio del gesto expandido, el cine, el del gesto contenido. En el teatro los cuerpos y el aparato psíquico y emocional son exigidos al máximo de sus posibilidades en el aquí y ahora de la representación (o presentación, concepto al que yo acudo con mayor frecuencia por el tipo de teatro más preformativo que hago), el vivo genera un acontecimiento de comunicación con el público presente que es único e irrepetible; mientras que el cine demanda del intérprete una economía en el despliegue de sus recursos expresivos, una mayor concentración hacia adentro de sí mismo (las distracciones pueden ser muchas) y una relación con la cámara, que oficia de médium a través del cual hay que comunicar, muy simbiótica.

Desempeña una gran variedad de trabajos (profesora, coreógrafa, actriz de teatro, de cine...) y todos con un nexo común, que es el de la interpretación. ¿Cómo es complementar todo esto? ¿Cada uno le sirve para aportar algo al otro? Bueno, la diversificación, más que una elección, al principio fue una necesidad. Estaba claro que solamente como actriz de teatro independiente y experimental no iba a poder vivir. La enseñanza siempre es un recurso digno y muy valioso con el que contamos muchos artistas. Sobre todo, cuando tenemos muchos años de formación y una experiencia profesional que podemos compartir. Porque es así como yo entiendo la docencia. La danza fue siempre para mí un complemento riquísimo a mi labor como actriz. Nunca abandoné el entrenamiento, sigo tomando y eventualmente dando clases. Pero desde hace ya algunos años estoy trabajando en colaboración con los intérpretes-bailarines, desarrollando el diseño de movimiento o composición coreográfica de algunos espectáculos. Todas estas tareas se entrecruzan, están en permanente diálogo, se nutren las unas de las otras. Entonces, desarrollar en simultáneo estas actividades es como una evolución de mi persona y una necesidad de ampliación del campo artístico en el que me desenvuelvo. Más en concreto, en su faceta docente, estar al otro lado, por decirlo de alguna manera, enseñando ‘la profesión’ a través de seminarios o clases, ¿hace que su perspectiva cambie y vea otros aspectos de la interpretación? Más que enseñar, yo tengo la impresión que en los cursos o talleres que dicto lo que prevalece es sobre todo otro concepto, la idea de intercambio. De compartir conocimientos, experiencias, vivencias, técnicas. Lo que sucede con mayor frecuencia es que siempre me llevo la impresión de haber aprendido más de lo que yo he enseñado. Rancière dice algo hermoso: “todas las inteligencias son iguales. Y lo que un maestro debe hacer es colaborar con la emancipación intelectual del alumno”. Yo hago que los que participan en mis talleres trabajen mucho, con mucha autonomía. Tomen decisiones, prueben distintos caminos, entren en crisis... Yo, más que evaluar, coordino y acompaño, aportando, cuando es necesario, mis conocimientos técnicos, mi visión de la profesión y de la labor, que no es otra que mi mirada del mundo. El de la enseñanza es L ados

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un ejercicio que demanda mucha apertura y capacidad de mirada crítica profunda sin desvalorización del otro. Y es una tarea profundamente humana, en donde nos exponemos, tanto alumnos como docentes, en todos nuestros pliegues. Siendo Argentina su centro de operaciones de trabajo, ¿le gustaría o tiene perspectivas de trabajar en España? Es cierto, Argentina es mi “centro de operaciones de trabajo”, además del lugar en donde construí un hogar. Y lo sigo eligiendo, sobre todo, porque me permite continuar desarrollando mis proyectos teatrales que son esencialmente independientes. Pero esto no quiere decir de ninguna manera que no esté dispuesta a viajar allí a dónde el trabajo me lleve, me convoque. Sea España (que me fascina, por cierto) o cualquier otro lugar del mundo. La experiencia de filmar durante cuatro meses en Barcelona o la de presentar mis espectáculos teatrales (en el Festival de Otoño de Madrid, por ejemplo, en más de una oportunidad) ha sido inmensamente gratificante, no sólo en el plano laboral, sino en el afectivo. Así que en España tengo además amigos, lugares, comidas a los que anhelo siempre volver… Este poliédrico trabajo que desempeña, del que hemos hablado antes, se ha desarrollado en diferentes países, entre muchos de ellos, se encuentran España, Argentina, Nueva York, ¿nota diferencia alguna entre la forma con la que el público de esos diferentes países acoge su trabajo? Sí, como todo acontecimiento cultural, el teatro, las películas, cualquier experiencia estética genera en el otro una lectura subjetiva que está relacionada con todos los elementos que constituyen y que condicionan esa mirada: nacionalidad, idiosincrasia, creencias religiosas, ideología, idioma, etc. La acogida del público es siempre diferente tomando en cuenta los factores que te acabo de mencionar. Pero cabe aclarar que esto no sólo sucede en el extranjero, si no que sucede siempre, indefectiblemente, ante cualquier grupo de espectadores. Pues no hay una sola persona que “lea” de la misma manera que otra un espectáculo, una película, etc. Todos estamos atravesados por nuestra historia, que no se parece a la de nadie. Hay sensaciones, olores, colores, recuerdos, emociones que son sólo mías, únicas e intransferibles. El espectador hace uso de su subjetividad cuando contempla una obra y eso lo despega de la manada. Al menos eso sucede con los espectáculos que no tienden a masificar, a cosificar a su público… 10 2

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Háblenos del “Proyecto Filoctetes”, en el que está inmersa junto a otros artistas... Se trata de una Intervención urbana, artística, que surgió como una necesidad urgente de “ponerle el cuerpo” a la feroz crisis del 2001 en la Argentina. El personaje mítico, Filoctetes, cuya herida podrida y hedionda lo hace insoportable al resto de la sociedad griega y que es condenado a vivir recluido en la isla de Lemnos, le sirvió como excusa a Emilio García Wehbi para gestar la idea de este proyecto que sirvió, ante todo, como excusa para pensar la vida marginal en las ciudades contemporáneas. Todas las grandes metrópolis del mundo hoy son las Lemnos contemporáneas. Habitadas por miles de Filoctetes que son o bien ignorados por los transeúntes de estas urbes o bien “integrados” al paisaje de las mismas. Nos interesaba, entonces, interrogar en términos estéticos todos los vínculos posibles entre los transeúntes y los cuerpos de los desclasados, de los Filoctetes expulsados por la sociedad, condenados a vivir en las calles, despojados de toda humanidad. La acción se desarrolla de la siguiente manera: veinticinco muñecos (antropomórficos e hiperrealistas) son colocados en veinticinco lugares específicos de la ciudad antes del amanecer de modo de ser descubiertos por los transeúntes al comienzo de la jornada laboral. Un equipo de tres personas (que participan del proyecto) permanecen cerca de ese “cuerpo” para documentar todas las reacciones de las personas que se vinculan o ignoran al muñeco. El material recavado durante la experiencia (fotografías, entrevistas, videos, audio, etc.) se debate en una exhibición abierta al público. Luego de realizarlo en Buenos Aires, se presentó el trabajo en las ciudades de Viena, Berlín y Cracovia. Participan del equipo, además de los artistas que venimos de las artes performativas, sociólogos, críticos de arte, curadores, etc. ¿De qué salud goza el mundo artístico cuando occidente está inmerso en una crisis económica? ¿Hay más creatividad en estos tiempos en los que nos ha tocado vivir? Es relativo eso de la creatividad en tiempos de crisis. Yo provengo de un país que ha atravesado en los últimos años muchos momentos de crisis. Y a lo largo de esos años ha habido épocas muy interesantes en cuanto a la actividad artística y épocas muy pobres artísticamente hablando. La diferentes crisis han hecho que nos acostumbremos (pero no que nos resignemos, claro) a trabajar con pocos recursos. Y esto es a veces muy bueno y a veces lamentable.

Buenos Aires es una fábrica de producción teatral a pesar del escaso apoyo que la actividad recibe por parte del estado o de privados. Y todo el mundo se vanagloria de esto y piensa que el sector goza de excelente salud. Yo soy más crítica, no pienso que mucho es siempre mejor, ni hago una bandera de la falta de recursos. Me niego a ver la profesión de manera “romántica”. Lo que sí reconozco es que atravesar ciertas épocas de crisis, sin bajar los brazos, resistiendo, siendo siempre consecuentes en términos éticos y estéticos, es muy valioso. Y que esas son las bases para seguir creando en tiempos prósperos y en tiempos difíciles. ¿Cuáles son sus próximos trabajos en cine o teatro? Si se pueden decir... Estreno en septiembre, en Buenos Aires, “Hécuba o El Gineceo Canino” una reescritura en clave contemporánea de la tragedia griega. Presento, también en septiembre, en Brasil, el espectáculo “Dolor Exquisito” basado en la muestra/libro de la artista conceptual francesa Sophie Calle, que viene haciendo funciones en Argentina y en el extranjero desde el año 2008. Para el año que viene, sin fecha aún de estreno, preparo dos proyectos teatrales: el primero “Banalidades. Destruye la Sobreabundancia/Mortifica la Carne/Aféitate el Pelo/Exhibe el Hueso” basado en la poética de la artista visual norteamericana Jenny Holzer y luego, un montaje del texto de Rodrigo García “Rey Lear” dirigido por Emilio García Wehbi. En cine, las películas de Woody Allen y Gabriel Nesci y “Tierra de Los Padres” un documental de Nicolás Prividera en el cual también participo (todas a estrenarse comercialmente, probablemente, el año que viene). Por último, un viaje a Colombia, en el mes de noviembre, a presentar funciones de “Dolor Exquisito” y a desarrollar tareas como docente.

Text o: A lb e rt o Pa s cu a l Fot og ra f í a : A le Bu rs e t D i re cci ón a rt e : S i m ply P ro r sum, A l e Bur se t E s t i li s m o: Mi lva Ru s s o y Zamir a Pal adini Ma qu i lla je : S of i a O rs ay par a Lucia Nume r Pe lu qu e rí a : Va n e s a pa ra Re be l

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Ph otograph y : Cr i s ti a n D i S te fa n o Stylist: Ade l e C a n y M ake U p & Ha i r : M a r i n a A l ej a n d r e Model: Amy Whe e l er , El i te B c n

Jackets: Chie Mihara & Hugo Boss Suspenders: Marc By Marc Jacobs Body: Joker Bracelets: Koroku

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Shoes: Bruno Premi Socks: American Apparel Jacket: Hugo Boss & Chie Mihara Bracelets: Korokum

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Jersey: Tara Jarmon Belt: Diesel Shoes: London Socks: American Apparel Dress: Cintury 21

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Carhartt — State Coat

D.A.T.E. — Hill Egypt Cacao

Feiyue

LRG — Eschelon Blazer

Levi’s Red Tab

TST — Bourdeaux White Purple

Veja — Volley

Dr. Denim — Marlo Army Green L ados

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Veja — Taua

Carhartt — Boat Sweater

Dr. Denim — Shelby Black

Converse Dr. J

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Franklin & Marshall

D.A.T.E. — Stone L ados

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J E S Ú S R A M I R O v i a j a r ,

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Texto: Jesús Ramiro Flores

Al hablar de la mejor gastronomía de Brasil es inevitable mencionar al Grupo Rubaiyat de la familia Iglesias. El padre, Belarmino, llegó a Sao Pulo hace ya sesenta años y empezó a elaborar una cocina española donde la carne a la parrilla siempre fue la protagonista. Desde el año 2000 , en que inauguraron Figueira Rubaiyat, todavía reforzaron más ese concepto, llegando a tener su propia finca en la que ellos mismos producen sus carnes pudiendo así llevar un control de calidad muy exhaustivo de todo el proceso, desde la selección de las razas y variedades, hasta su alimentación y elaboración de las mismas. Como buen padre y gran profesional ha adiestrado a sus hijos Belarmino y Carlos los cuales dirigen el grupo, y lo hacen con gran acierto. El último proyecto en Sao Paulo es Porto Rubaiyat, en el que además de respetar la filosofía de las carnes se atreve a preparar los mejores pescados y mariscos, especialmente del vivero de langostas que tiene expuesto en el centro de la sala del restaurante. Carlos Iglesias, que dirige el restaurante, es un gran apasionado de la cocina del mar y de la cocina saludable…, por algo es doctor dedicado al estudio de la materias primas y de la buena alimentación, lo que avalan sus libros sobre la materia y sus conocimientos sobre los productos del amazonas.

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d e g u s t a r

Porto, como lo denomina su fiel y exclusiva clientela, está situado en el mejor lugar de la ciudad, una calle donde hay tiendas y restaurantes muy visitados por la “gente guapa” de Sao Paulo y en la cual Porto resalta por tener la mejor variedad y calidad tanto en carnes como en los productos del mar. Además cuenta con un Piano-Bar donde se podrá disfrutar de un buen vino, exquisitos cócteles y una gran variedad de tapas. Si viaja a Sao Paulo no dude en visitar este inmejorable restaurante o cualquier otro del grupo, no le defraudará ninguno. Pero si no dispone de esta opcion el grupo Rubaiyat también tiene dos restaurantes fuera de Brasil, que son buena representación del grupo: uno en Buenos Aires y otro más cerca para el público español…, en Madrid. Re s t a u ra n t e “ Port o Ru b a i ya t ” w w w .re s t a u ra n t e port oru b a i ya t .com.br C oci n e ro C a rlos I g le s i a s Ru a A m a u ri 2 2 5. S a u Pa u lo, Bra s il . C P 7 7 7 1 0 Méx i co T f n o: + ( 55 ) 1 1 3 0 7 7 1 1 1 1 E va l u a ci ó n:

C om i d a 8 ,5 S e r v i ci o 8 Vi n o 9 A m b i e n t e 9 Me d i a 8 ,6

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T A M B A Q U I C O N S A L S A D E A L C A P A R R A S Y T U C U P I

Ingredientes (4 personas) Tambaqui 1,5 kg Jugo de tupuqui 2 cucharadas Alcaparras pequeñas 1 cucharada Aceite de oliva 2 cucharadas Perejil picado 1 cucharada Zumo de limón 2 cucharadas Mantequilla 1 cucharada Vino blanco ½ vaso Sal y pimienta Elaboración Limpiar el tambaqui como si fuese un costillar de cordero (quitando los huesos de la carne). Salpimentarle y asarlo en el horno a 180 º durante 6 minutos. Retirar el tambaquí de la sartén en la que lo hemos asado y reservarlo. 4. Sobre el jugo del asado que queda en la sartén añadir la mantequilla y las alcaparras rehogándolo un minuto a fuego suave. Añadir el vino y reducirlo a la mitad. Añadir el perejil y el jugo de tupuqui y hervir. Incorporar la salsa resultante encima del tambaqui y servir.

Notas Tambaquí: Pescado del amazonas. Tucupí: Fruta típica del Brasil. 113

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