Lados Mag Issuu 23

Nยบ 23 Lisa Hannigan, Soulsavers, Koen Delaere, The Magnetic Fields, Beach House, Breton, Clemens Behr, Santigold, Delorentos, Love of Lesbian, Marcus Doo and the Secret Family, Mishima

Índice

Nº 23 Lisa Hannigan 6, Soulsavers 8, Koen Delaere 14, The Magnetic Fields 20, Beach House 24, Breton 26, Clemens Behr 84, Santigold 88, Delorentos 90, Love of Lesbian 98, Marcus Doo and the Secret Family 100, Mishima 102 Imagen de portada Soulsavers / Fotografía Steve Gullick

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Lisa Hannigan Texto Miguel DĂ­az Herrero / FotografĂ­a James Minchin

Passenger Que Dublín es una de las ciudades más increíbles del mundo es algo de lo que te das cuenta al poco tiempo de estar allí. El talento y simpatía de Lisa Hannigan, mostrados durante años en prácticamente todos los garitos de la capital irlandesa, brillan de manera similar.

Sí “Sea Sew” (Ato Records / Red 2008), su primer álbum, ya ensalzaba su extraordinaria voz, su sensibilidad y su habilidad para escribir grandes canciones, “Passenger” (Pias, 2012) se presenta como un disco más meditado, cocinado más lento, aunque sin salirse de los amplios caminos del folk-pop. Aún bastante desconocida en España, lejos de los focos de Damien Rice, esperamos que se vayan sumando fechas a su ya confirmada actuación en el FIB.

tradicional, que es muy difícil, aunque espero al final poder aprender a tocarle (risas). No sé, soy irlandesa, así que supongo que está conectado con nuestro cerebro. Es como parte de nuestros orígenes musicales. ¿He leído que el video de la preciosa “Little Birds” está grabado en el cuarto de baño de tu madre? Parece que siempre eliges localizaciones muy familiares para tu música…

Sí, lo hice en una bañera. Me lo pasé muy bien haciendo ese vídeo. Para mí representa muy bien la canción, porque es muy claustrofóbico. Y en realidad vas donde puedes. Como cuando ensayamos el primer disco en ese establo en el campo que nos dejó un amigo. Claro que me gustaría elegir escenarios más exóticos si me lo pudiera permitir (risas). Pero trabajas donde puedes.

No es algo consciente.

En una rápida interpretación, diría que “Passenger” (Pias 2012) trata la idea del viaje, de que todos somos de alguna manera pasajeros, trata sobre lo que uno siente cuando estas lejos de casa. Esto parece más claro en temas como “Home”.

En realidad no. Para mi el “pasajero” del título se refiere a todo lo que deberías llevar contigo cuando estás lejos. Todo lo que hay en tu bolsillo. Las cosas que, da igual donde vayas, siempre están en tu equipaje. Siempre intentamos escapar de cosas, superarlas.

Pero hay cosas que siempre llevarás contigo: gente, corazones rotos, amistades… Se trata más de un viaje a través del tiempo que de un viaje más físico. Aunque por supuesto las canciones y títulos siempre pueden estar abiertos a diferentes interpretaciones.

Creo que todos tus videoclips son más bien sencillos, pero muy bonitos, emotivos e incluso algo enigmáticos. ¿Podríamos decir que el de “Little Birds” es un “No Surprises” llevado a tu estilo?

Creo que no, porque es algo totalmente diferente. Quiero decir, me encanta ese vídeo de Radiohead, pero no era en lo que estaba pensando. Estaba más bien pensando en cómo expresar la canción, cómo explicar esa sensación de ahogamiento.

Parece que tienes una relación cercana con los Estados Unidos (sus dos discos han sido editados por la indie americana Ato Records y luego en Europa por Pias). Hay referencias geográficas al país en “Passenger”, e incluso tocaste en el célebre “The Jay Leno Show” en la gira del primer disco. ¿Cómo fue la experiencia?

Fue genial, muy emocionante. Con todos esos conciertos pasabas mucho tiempo esperando, haciendo muchos ensayos, y luego de repente te decían: “Tienes que hacer tu canción en diez minutos”. Es todo muy repentino, no te da tiempo a ponerte nerviosa.

Fue un poco aterrador, pero muy divertido y emocionante. Aunque, ¡uff! hubo que trabajar mucho.

Estoy maravillado con la manera en que manejas tu voz a lo largo del disco. ¿Crees que suena algo más áspera que en tus anteriores grabaciones?

Bueno, creo que mientras escribía el disco era más consciente de que estaba escribiendo canciones para ser cantadas. He disfrutado mucho cantando este disco. Creo que mi voz se ha desarrollado. He cantado mucho más desde “Sea Sew” (ATO,2008). Antes de aquel disco nunca había dado un concierto yo sola, cantando durante hora y media. Mi voz ahora mismo está más capacitada, más entrenada.

Una de las cosas que me encantan de “Passenger” es la instrumentación; todos los instrumentos (hasta diecinueve aparecen en el disco) parecen estar en el lugar perfecto.

Me encanta por ejemplo el acordeón que entra en “Safe Travels (Don’t die)”. ¿Cómo trabajas esto? ¿Añades los instrumentos cuando crees que la canción lo pide o es algo más premeditado?

Sí, escribo la canción con el instrumento que tengo más a mano.

Después descubro cuál es el instrumento que mejor expresa la canción. Y luego vemos lo que tenemos a mano, lo que la gente sabe tocar… No es muy complicado, sólo ves lo que te pide la canción. Además, cuando hice este disco conté con una sección de cuerda. Pero en general trabaja con lo que tenía a mano.

Encontramos algunas letras realmente bonitas en el disco.

En “Little Birds” cantas “Tu corazón canta como un kettle, y tus palabras se consumen como el vapor”. Parece que en este disco hablas más de un amor gastado, consumido, mientras que en “Sea Sew” (Ato Records / Red 2008) había canciones como “I Don’t Know”, que habla de un flechazo…

Bueno, en estas canciones que mencionas hablo de dos situaciones completamente diferentes, casi opuestas. Hablan de diferentes aspectos de una relación, diferentes puntos de vista, emocionalmente hablando desde luego. Y sí, creo que desde el punto de vista personal también estaba en momentos diferentes a la hora de afrontar los dos discos.

Para terminar, ¿cuándo vas a venir a visitarnos a España? ¿Podrías decir algo en español a los lectores de Lados Mag? Bueno, ¡espero ir a España! De momento sé que vamos a tocar en el FIB en Benicàssim. Nunca he estado allí. ¿No van a tocar los Black Keys? ¡Me encantan! ¡Oh no!, no sé hablar español (se disculpa). Espero que cuando lleguemos a girar en España sepa hablar un poquito de español.

Siendo de Irlanda, ¿cómo es de importante la música tradicional irlandesa en tu propia música? ¿Cómo tratas de ponerla en tus discos? Por ejemplo, creo que está presente en la romántica “O’ sleep”, la que cantas con Ray LaMontagne.

Desde luego no es algo consciente. Sé que utilizo instrumentos tradicionales, como la mandolina. Y también toco instrumentos tradicionales de manera no tradicional. Por ejemplo, el violín

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Texto Arturo Jiménez Calvo Fotografía Steve Gullick

Soulsavers

The Light The Dead Sea Ponte en situación. Te llaman para decirte que tienes que prepararte una entrevista con Dave Gahan, el mítico cantante de Depeche Mode, que acaba de grabar “The Light The Dead Sea” (V2 Records 2012) como Soulsavers, una de las parejas de productores de moda del momento. Vuelves a escuchar sus anteriores trabajos, te documentas, te preparas unas cuantas preguntas ingeniosas y cinco minutos antes de que tengas que ponerte en contacto con él por teléfono te planteas, nervioso, si tu cuestionario está a la altura de un artista de tal calado y trayectoria.

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Entonces es cuando suena el teléfono. Cierras tu bloc. Saludas. Y empiezas a hablar con él sin guión alguno sobre lo último en lo que ha estado metido…, y sobre David Bowie.

de Spiritualized, algunos cantantes de gospel, y muchos más. Fue realmente un colectivo de mucha gente que funcionó excepcionalmente bien. Es difícil explicar cómo, pero así fue.

Antes de empezar…¿Hay alguna pregunta que te hubiera gustado que te hicieran y que aún no ta han hecho hasta ahora?

Mmm… Empieza con la entrevista y te iré diciendo…, (risas).

¿Cómo lo llevaste a la hora de escribir las letras?, ¿más o menos difícil que con la forma habitual?

Dave: A ver, no escribí nada antes de escuchar las canciones.

Realmente sentí que fue fácil escribir porque las letras salían solas. Las palabras iban describiendo el sonido mientras la música me iba cantando la letra, no sé si tiene algo de sentido lo que te digo… Intenté durante todo el proceso grabar las primeras ideas que me venían a la cabeza en cuanto escuchaba lo que Rich me mandaba. Mientras escuchaba las piezas una parte me iba guiando a la siguiente línea, a la siguiente estrofa, después al puente, luego al estribillo…, la música me iba describiendo cuál tenía que ser la siguiente palabra.

Supongo que la idea de esta colaboración con Soulsavers surgió mientras estabais girando juntos allá por el 2009…

Correcto, así es. ¿Y cómo fue exactamente?, ¿durante algún viaje?, ¿en el backstage de un concierto?, ¿desayunando en el hotel?

Dave: Según recuerdo fue en el pasillo de un backstage, antes de una actuación. Estaba Mark (Lanegan) también y hablábamos sobre el proceso de composición de canciones. Ellos me contaron cómo lo hicieron con los discos que habían grabado juntos y yo di algunas ideas. En un momento dado Rich me dijo: “te mandaré cosas y puedes escribir algo si quieres”; yo le dije que por supuesto, que me encantaría hacerlo…

Y bueno, ya sabes, muchas veces entre músicos se habla de colaboraciones, de trabajar juntos, etc…, y por lo general no sale nunca nada de ahí, todo se queda en el backstage. Pero un par de meses más tarde, cuando acabamos la gira, Rich me mandó unos bocetos de canciones y me pidió que cantara algo sobre ellos, ya que él seguía realmente interesado en que trabajáramos juntos.

Así que yo esa misma noche me puse a sacar melodías y frases que me venían a la cabeza y en cosa de una hora había escrito lo que podría llamarse más o menos una canción. Entonces fui al estudio de un amigo mío, ordené todo lo que tenía, grabamos una demo con todo encajado en su sitio y se la envié enseguida a Rich. Al recibir mi email se quedó totalmente sorprendido, me dijo “¡Uah, no me esperaba una respuesta tan inmediata y mucho menos tan elaborada!”. De esta manera seguimos con el mismo proceso y nos fuimos mandando cerca de un tema por mes, y al cabo del año teníamos ya una docena de canciones, ¡y fue cuando nos dimos cuenta de que estábamos haciendo un disco! Así es como empezó todo. ¿Recuerdas cuál fue esa primera canción que te mando Rich?

Dave: Sí, esa canción era “I Can´t Stay”…, ¿y sabes qué?, terminó siendo una cosa bastante diferente a lo que me mandó en la primera versión, que no tenía ningún tipo de beat ¡ni de nada!

Yo le mande mis grabaciones a Rich y él puso todos los arreglos musicales alrededor. Jamás escuché nada de lo que estaba haciendo hasta que el CD estuvo terminado, (risas).

Además, como dato curioso, fue la primera canción que grabamos y la última en quedar terminada. ¿Fue éste entonces el proceso que seguisteis en todas las canciones? Él mandándote un esqueleto de canción, luego tú grabando voces encima y finalmente él finalizando los temas en su estudio…

Dave: Básicamente. Él me enviaba algo de música. Unas notas de guitarra, unas atmósferas, algo tocando unos acordes. Y yo sacaba una línea vocal, con arreglos y el modo en el que quería que sonara. Y si a Rich le gustaba empezaba a grabar diferentes instrumentos encima de lo que yo había mandado. ¿Dónde y cómo grababas tus pistas de voz?

Dave: Grabé todas mis voces en un estudio de Nueva York, y Rich grabó las demás pistas en infinidad de sitios como Los Angeles, Londres… Hay bastantes músicos implicados; un par de chicos

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¿Habeis planeado ir de gira con este experimento?

Dave: No por el momento porque estoy metido justo ahora en el estudio preparando el siguiente disco de Depeche Mode. Quizá más tarde, no sé, aunque en principio estaremos de gira el año que viene con la banda. De todas formas Rich y yo hemos hablado ya de la posibilidad de hacer otro disco del cual ya tenemos un par de canciones terminadas, y quizá hagamos algunos shows con eso. Puede que hagamos un par de actuaciones este año si tenemos tiempo, pero no estoy en la posición de comprometerme de esa manera con este proyecto. Eso sí, si preparamos algo será bastante especial, seguro.

Ya para terminar, ¿en qué cantante pensarías si alguien tuviera que interpretar estas canciones que tu has escrito?, o yendo más allá, ¿quién te hubiera gustado que escribiera estas canciones que has grabado?

Dave: Ehmm… Mark Lanegan ya ha sido compositor, cantante e incluso ha interpretado en directo canciones creadas con Soulsavers y me lo puedo imaginar haciéndose con algunos temas de este disco. En un tono más grave probablemente, claro, pero sería interesante de ver. Me encanta la voz de Mark Lanegan. Es uno de mis cantantes favoritos.

Volviendo al principio, ¿hay alguna pregunta que no te ha haya hecho y que te hubiera gustado que te hiciera?

Dave: La verdad es que no. Pero si hay una que me has hecho que no me había hecho nadie hasta ahora, y ha sido esta última. Me parece un ejercicio muy interesante imaginarme a quién vería cantando en mi lugar estas canciones, (risas)… creo que David Bowie podría ser una gran opción también.

David Bowie podría cantar casi cualquier canción del mundo…

Dave: Sí, pienso lo mismo. Bowie es uno de mis cantantes favoritos de todos los tiempos.

El modo en el que interpreta las canciones me llevaba a otro lugar con sólo escucharle cuando era niño. A un lugar imaginario.

Y desde siempre he intentado que la gente cuando me escuchara cantar llegara a ese mismo lugar especial donde todo es posible.

Al día siguiente fue el turno de Rich Machin, el jefe tras los mandos de la consola de mezclas. Ayer todo pareció salir bien, así que te dispones a charlar un rato con este gurú de la producción moderna con la misma actitud.

Rich, ayer estuve hablando con Dave y me contó cosas muy interesantes sobre el proceso de creación de este disco. Me gustaría que nos hablaras tú también acerca de eso. Antes

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de nada, ¿qué diferencias ha habido entre trabajar con Mark Lanegan (como en los dos últimos Lps de Soulsavers) y hacerlo con Dave?

Rich: La primera gran diferencia fue que con Mark nos fuimos a grabar sus pistas a un estudio de Los Ángeles, de modo tradicional, pero en esta ocasión, ya que nos tomamos mucho más tiempo, (alrededor de año y medio de producción) todo fue de forma más relajada ya que no teníamos la presión de a tener que terminarlo todo en el plazo en el que has alquilado el estudio.

En cuanto al resto del proceso, yo le mandaba versiones muy básicas de las canciones, realmente toscas, y Dave trabajaba en ellas con total libertad. Como lo que me mandaba me iba pareciendo tan bueno simplemente decidimos seguir haciéndolo así con el resto de canciones.

Tampoco surgían conflictos sobre la dirección que debían tomar los temas porque no le di absolutamente ninguna indicación sobre cómo quería que cantara. La única guía que él tenía era la música. Normalmente la forma de producir es meter mano en el estudio a las pistas, y si algo no suena bien en la grabación, se suele decir: “bueno, ya haremos algo en el estudio para que suene correctamente”, pero en este caso me gustaba lo que Dave grababa y teníamos tiempo para hacerlo de esta manera tan relajada, así que simplemente seguimos adelante. ¿Crees que podrias trabajar de esta forma en el futuro? Me refiero a dejar libertad creativa total al cantante y centrarte tú en el aspecto instrumental y de producción final.

Rich: Creo que probablemente dependerá del artista. Siempre estoy dispuesto a cambiar el método para conseguir los mejores resultados; pero sí, estoy abierto a trabajar de esta manera otra vez si creo que es la mejor opción. Bajo mi punto de vista la labor de un productor es encontrar el mejor ambiente para conseguir sacar lo mejor de cada artista según sea el caso. ¿Y en tu caso, cuál es el ambiente idoneo? ¿Prefieres trabajar como en esta ocasión más por tu cuenta, sin la presión de plazos, fechas y gente alrededor transmitiéndote continuamente sus expectativas sobre cómo debería sonar el álbum?

Rich: La verdad es que no soy muy fan de los estudios de grabación. En particular este álbum se ha grabado a lo largo y ancho de todo el mundo, y muchas tomas se han hecho en casas, locales o espacios similares. A veces un estudio de grabación es un espacio demasiado limpio. Aunque sí que hemos recurrido a ellos, por supuesto, como por ejemplo para grabar todas las partes de instrumentos de cuerda porque simplemente es el mejor sitio donde las puedes grabar, pero otros instrumentos como un piano prefiero grabarlos en el salón de una casa, porque así consigues más carácter…, es la manera en que me gusta hacerlo.

Está claro que has quedado satisfecho con el resultado final del disco. Esto te animará a pensar que ya que las fronteras entre músicos de distintos lugares del mundo se están disolviendo sobre todo gracias a las nuevas tecnologías, el modo cooperativo que habéis usado en este disco se puede convertir en la forma habitual de trabajo…

Rich: Pues creo que es ya el presente para muchos músicos. Pero entiéndeme, esto funciona muy bien para algunos y extremadamente mal para otros. Yo mismo he tenido que desechar algunas cosas que no funcionaban, porque no siempre se consigue esa conexión necesaria.

Cuando va bien, para mi es fantástico porque se ahorra mucho dinero. Puedes tener una gran banda aunque su miembros estén desperdigados por todo el mundo. Básicamente puedes contar con gente con la que de otra forma sería imposible si tienes que cuadrar fechas, pagar los costes de traslado, alojamiento, luego

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está el estudio, etc… Como te digo, es algo maravilloso si funciona, pero no creo que sea la única manera, porque puedes obtener malos resultados también.

Centrándonos en el aspecto más serio de la producción. ¿Te definirías como un tecno-freak obsesionado con los últimos aparatos del mercado y las técnicas más innovadoras o simplemente te dejas llevar y buscas el feeling en lugar de la toma perfecta? ¿Cuál es tu rollo?

Rich: Es una buena pregunta. No soy para nada un freak de la tecnología. Creo que una cosa buena de este disco es que no quise que Pro Tools y sus efectos intercedieran demasiado en las canciones. Casi todos los músicos tocaron sus partes de principio a fin y se quedó así en el disco, porque no le encontraba mucho sentido a tener siete u ocho tomas y buscar la interpretación perfecta combinándolas. En lugar de eso acepte que podría haber algún error en la interpretación, pero que podría vivir con ello y que resultaría todo más natural.

Así es como todos los grandes discos que amo, como los de Ray Charles por ejemplo, fueron grabados. La banda tocaba el tema entero y eso es lo que se registraba. Había errores, por supuesto, pero la vida es así. Si hay un fallo muy grande, bueno, puedes intentar arreglarlo, pero los pequeños fallos están ahí siempre, es lo que lo hace real. Si hay algo que no cambiaría en el modo de haber concebido este disco es precisamente eso, esta filosofía a la hora de conseguir la naturalidad en las interpretaciones.

Me ha llamado mucho la atención la introducción instrumental de “In The Mornig”; la atmósfera que transmite. ¿Es parte de un sentimiento que envuelve a todo el disco, o por ser un trabajo tan espaciado en el tiempo abarca muchos tipos de sensaciones?

Rich: Como en todo lo demás no había nada planeado. Pero a pesar de haberse grabado en un plazo tan largo de tiempo sí que se afrontó todo con la misma actitud.

Ayer le pregunte a Dave qué cantante pensaba él que podría haber interpretado o escrito estas canciones. Me dijo que David Bowie sería una gran opción.

Rich: También creo que David Bowie sería una gran elección, pero déjame pensar en alguien diferente…, ummm…, me pones en un aprieto…, no se… Para mí la persona perfecta para cantar estas canciones es Dave. No creo que nadie las pudiera haber cantado mejor que como él lo ha hecho. ¿Has pensado alguna vez en una colaboración femenina?

Rich: En algún momento lo he hecho, es algo que realmente me encantaría. Si tienes alguna idea no dudes en decírmelo…

Y ya para terminar, ¿qué te hubiera gustado ser en la vida si no fueras músico? ¿Si no tuviera la oportunidad de dedicarme a la música?

Sería cartero. ¿Cartero?, ¿por qué?

Bueno, es que nunca he visto a ningún cartero que no pareciera contento en su trabajo. Hacen ejercicio, andan sonrientes siempre con sus auriculares… Si tuviera que hacer un trabajo de verdad, sería ese. Siempre me han parecido gente feliz.

Dave Gahan y Rich Martin, dos cabezas y un mismo corazón para la música, dos puntos de vista para el nuevo y siempre interesante trabajo de Soulsavers, el resultado, gospel turbador postmoderno, aderezado por arreglos preciosistas, coros intensos y subidas vibrantes que te arrastran desde el corazón.

PROF I L E

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Koen Delaere

Modernismo y Deconstrucción Nació en 1973 en Bélgica, ahora vive en Tilburg. Creciendo, Delaere se interesó en la escena punk, terminando en la escuela de arte un poco por casualidad. Trazas de la cultura anti-design underground, aspectos del graffiti y del arte urbano asoman en cada unos de los poros de su obra, así como la influencia del post modernismo y de la teoría de la deconstrucción.

Texto Javier Mielgo Fotografía Koen Delaere

Así Delaere se ganó rápidamente la atención con sus instalaciones de arte, pero principalmente con sus pinturas capaces de romper con las reglas establecidas. Como él lo explica: “mi trabajo se centra en la idea de la libertad y la restricción de la misma. Por establecer reglas claras de antemano, yo lucho por mi libertad en mi trabajo”.

La obra de Delaere invita al espectador a adentrarse en su obra a leer su obra con las yemas de los dedos, variedad de materiales, superposición de numerosas capas convierten las imágenes de la compleja bidimensionalidad a la tridimensional de la vida haciendo de las pinturas el diálogo “legible” entre el artista y la obra. La primera impresión son imágenes hermosas, que en su última etapa muestran una mayor emoción, capaces de agitar tus sentimientos y sensibilidad.

Recuerdos y emociones, como origen y primer paso de una obra que arranca en Curaçao donde pasaste algún tiempo, por invitación de David Bade, trabajando con jóvenes artistas…

Fui a Curaçao para poder practicar todo lo posible. Sin duda disfruté de una experiencia, que me ha brindado grandes oportunidades que llegaron después de Curaçao. Así que sí, fue importante tanto en mi vida como en mi trabajo. Fue una situación interesante el aprender y trabajar al mismo tiempo, disfruto con ambas cosas. Pude trabajar en equipo con gente muy interesante, e hicimos también talleres de trabajo con gente joven, de edades comprendidas entre los 15 y los 18 años. Con respecto al método de trabajo, suelo trabajar casi siempre acompañado por más gente, amigos, personas discapacitadas, niños…, ellos son quienes realizan los dibujos que más tarde se utilizarán como patrones. Las serigrafías en color también las hago con un amigo, en su tienda.

En tu obra, a parte de los colores y las formas, también es parte de ella la manipulación que realizas sobre el cuadro durante el proceso de creación, convirtiéndose esta manipulación en una herramienta más del artista para conseguir tu objetivo final.

Sí, podríamos compararlo con una actuación en directo, cuando estoy inmerso en el proceso de creación voy buscando dejar espacio a la improvisación… Me gusta utilizar distintos sistemas de colores, diferentes esquemas, utilizando muchas líneas geométricas puedes crear cierta sensación de espacio, de profundidad.

Con todos estos elementos, los colores, las formas, las líneas, juego con todos ellos a la vez, a lo mejor no de una manera tradicional, pero no por ello menos asociativa.

Dualidad tangible entre el relieve y la sencillez, así desde la distancia las pinturas de Koen Delaere buscan saltar de la pared, pasando a la desnudez de sus partes más próximas cuando uno se pone de pie muy cerca, llegando a apreciar todos y cada uno de los detalles, “deconstruyendo” el alma de la pintura. Desnudando su enfoque y técnicas para hacerlas visibles al espectador, Delaere espera salir con un sentido de

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autorrealización, una sensación de que el mundo puede ser modelado.

Lo primero de todo sería el dibujo, el diseño, en estos momentos trabajo con más gente, amigos que me echan una mano, así que los dibujos suelen ser suyos. Una vez hecho el dibujo, doblamos el papel por varios lados, pintamos sobre el papel doblado y después lo desdoblamos. Hecho esto, vamos viendo cómo transcurre la composición, si se van añadiendo más patrones o no… En cada una de mis obras hay mucha improvisación, tanto de materiales como de los procesos de creación, intento reflejar la anarquía de la vida en el lienzo.

Por ejemplo utilizo mucho las escobas en mis pinturas… ¡Puedes utilizar una escoba para barrer o puedes utilizarla para pintar! (Risas). Es genial pintar con escobas. De hecho, suelo juntar varias y crear una “súper–escoba”, se trabaja muy bien con ella.

Con los colores, me gusta utilizar muchos colores, me gusta mucho el blanco…, colores que puedan llegar a atraparte, a dejarte sin respiración. Realmente las cosas más simples, lo más cotidiano, puede llegar a ser estimulante e inspirador.

Con una serie de puntos compartidos con Bernard Frize, la obra de Koen representa el libre albedrío de la vida que rompe los esquemas de la perfección de los sueños.

Conozco a Bernard Frize y pienso que es un artista increíble, me encanta su trabajo. Muchas gracias por la comparación, realmente la agradezco, aunque en realidad creo que como comentas hay ciertas diferencias entre su trabajo y el mío. Las obras de Frize son más perfectas. No sé muy bien cómo expresarlo, digamos que yo en cierto modo intento resolver los problemas que me puedan inquietar en mis pinturas. Sí, se puede hablar de similitudes, pero quizás desde un punto de vista casi matemático o racional, pero este punto de vista esta muy alejado de un pensamiento emocional.

Koen busca en sus obras reinventar el arte de la pintura trabajando en contra de todo tipo de limitaciones que uno mismo puede establecerse a sí mismo. Para ello su inquietud se refleja en la búsqueda de los patrones geométricos que nos rodean en nuestra vida cotidiana, patrones que emergen como si un estímulo fuese para Koen y su obra…

Básicamente parto de la idea de “colores que se deslizan”, creando líneas horizontales, verticales… Lo único que hago es readaptarlo, hacerlo más desordenado, con errores…, más humano.

Cualquier aspecto me estimula, y provoca una reacción, sobre todo los aspectos más comunes de la vida.

Como inquietud básica la búsqueda de patrones como hilo conductor de una trayectoria o resumen simplista de una obra.

Empecé con esta búsqueda hace unos cuantos años, cuando comencé un proyecto en el que hacia copias en blanco, hice muchísimas fotocopias de nada, con el cargador vacío. Cada impresión que salía de la fotocopiadora era diferente, no obstante, automáticamente veías la forma de un posible patrón en cada hoja. Realmente me interesan mucho los patrones sí, de hecho

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siempre estoy pensando en ellos, pueden llegar a ser muy útiles… pero hasta el patrón más simple contiene una riqueza estructural vital, que intento plasmar en mi obra. Por otro lado, los dibujos de mis amigos son interesantes y el poder trabajar con niños ha sido genial, ¡tienen un entusiasmo contagioso! Y ponen el contrapunto orgánico.

Delaere investiga su propia perspectiva sobre el mundo del arte y al mismo tiempo crea paralelismos con la cultura punk del D.I.Y.S. donde se difuminan las líneas entre el creador y el consumidor. Un punto de encuentro lo efímero del arte y lo cruel y social de la vida, un punto donde los lugareños desarrollan y se reencuentra con sus propias iniciativas políticas. Elementos de activismo social que se ocultan y viven, en toda la obra de Delaere.

Creo que sería una muestra del potencial que tiene el día a día, los pequeños gestos pueden llegar a ser especiales de alguna manera. Un significado idealista, pero a la vez directo.

Como decimos, de alguna forma el aspecto social está implícito en tus creaciones, quizás de una forma

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muy sutil y efímera como puede ser la búsqueda de patrones en aquellos sitios donde habitas, claro ejemplo de esto podrían ser las rejas de las ventanas que luego plasma en tus obras después del periodo que pasaste en Curaçao y que pueden ser contextualizados como el motor de tu obra…

Sí, como te mencionaba, creo que hay mucho potencial en las cosas normales, así que en mi vida diaria, todo lo que veo o lo que pasa, haciendo cosas cotidianas, me inspira.

Háblanos del futuro y de tus nuevos proyectos.

El futuro, el futuro cercano se presenta bastante ajetreado la verdad; tengo algún proyecto grande y otro pendiente, en Berlín tenemos la inauguración de la galería dentro de poco, y también haremos exposiciones más pequeñas por Holanda… ¡Voy a estar bastante ocupado!

Texto Jaime Suárez Fotografía Marcelo Krasilcic

The Magnetic Fields

Love At The Bottom Of The Sea The Magnetic Fields son un componente destacado y relevante de la escena alternativa americana desde principios de los noventa, guiados por Stephin Merritt, singular compositor y letrista cuyo ingenio desbordante toma su cauce a través del pop. Canciones de amor surrealista, cargadas de ironía, desconsuelo y talento, que seducen al oyente desprevenido ante melodías hipnóticas son la base de “Love At The Bottom Of The Sea” (Merge, 2012), donde Merritt se recrea, saca a relucir su más mordaz sentido del humor, desecha cualquier tipo de ornamento innecesario y recupera parte de la grandeza que alcanzó con “69 Love Songs” (Merge, 1999).

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Después de un paréntesis de tres discos discos en los que “Distortion” se obvia el hecho de que nos mudamos a Los Ángeles se enterraron los sintetizadores, destaca en este trabajo la entre medias, creo que deberían haber recalcado ese tema, aunpresencia de un instrumento que se erigió en seña de identi- que sabía que estaban tergiversando un poco los acontecimientos dad del grupo en los primeros trabajos. ¿Cuáles han sido los en favor de una historia coherente. motivos por los que se ha decidido volver a un sonido más El cambio de Nueva York a Los Ángeles, ¿ha tenido alguna cercano al de los inicios? influencia en las canciones que ha escrito desde entonces?

La vuelta o no al uso del sintetizador no ha sido algo que haya planeado, en los últimos tres discos decidí no utilizarlos, pero Creo que si ha habido algún cambio no soy consciente de él, aunsabía que tarde o temprano volverían a aparecer. En este disco que parecería menos probable haber escrito “All She Cares About toman presencia de forma diferente, en vez de hacerlo a través Is Mariachi” en Nueva York, lo cierto es que nunca vi un mariachi de un modelo electro pop hemos ido a buscar un sonido desde un en Los Ángeles, está más cerca de Méjico y tendría más sentido. enfoque más experimental y caótico.

Es considerado uno de los mejores compositores de los últimos tiempos, sus composiciones son mayoritariamente pop En muchos momentos se pueden observar juegos de palapero parece que no disfruta de todo lo que conlleva este munbras e incluso chistes en las letras de sus canciones ¿a la do, especialmente durante los conciertos, ¿qué hay de cierto? hora de incluir esos recursos te preocupa que la gente no En cuanto a lo primero he de decir que es halagador pero creo sea capaz de entender tu sentido del humor?

Quiero que la gente entienda lo que estoy diciendo, de lo contra- que la composición es algo que no se puede ni medir ni comparar, rio no tendría sentido que hablara o cantara. Me gusta escuchar es más no lo considero un cumplido, puede que sea buen letrista música instrumental, pero escucho muy pocas canciones can- pero nada más. En el pop hay mucho marketing.

Por otro lado no me gusta salir de gira, ocupa demasiado tiemtadas en idiomas que no entiendo, me gusta saber lo que estoy escuchando. Cuando Shonen Knife interpreta sus temas mitad po, no tengo tiempo para escribir nada nuevo, son paréntesis en japonés mitad en inglés me gusta, de esa forma entiendo que en los que parezco vivir en un caos absoluto, cambias de sitio no esta cantando sobre movimientos anarquistas sino sobre su constantemente, no acabas siendo consciente en que lugar estás realmente. Es una parte más de la profesión y hay que asumirla. afición a los sandwiches de pepino, entonces soy feliz (risas).

Ha declarado en diversas ocasiones que la letra “Andrew In Drag” es de alguna forma autobiográfica, ¿en qué sentido?

Escribo muchas canciones cuya temática principal es el amor no correspondido, quizá sea algo que me resulta muy familiar. Intento ver el lado positivo, me proporciona material y se convierte en una fuente de inspiración a la hora de componer.

Todos los temas que se incluyen en su último trabajo son de muy corta duración, ¿cuál es el motivo?

No hay ningún motivo en especial, considero que las canciones deben ser cortas ¿para qué alargarlas? La duración media de las canciones en este disco es de dos minutos quince segundos, un poco inferior a la media de las canciones que formaron “69 Love Songs”.

La crítica y posterior éxito que fue cosechado por “69 Love Songs” fue realmente positivo, ¿crees que aquel disco, único por su formato y calidad, puede haber eclipsado los álbumes que grabó la banda posteriormente?

Escribir y grabar aquel disco tenía un objetivo claro, decidimos realizar algo diferente y característico, sabíamos que era un formato muy poco común y que no dejaría indiferente a nadie. El efecto que tenga sobre el resto de los trabajos que he escrito o escriba en un futuro no me preocupa, seguiré viendo “69 Love Songs” desde la perspectiva que yo tengo formada, a mi modo de ver no tiene por qué eclipsar ningún otro disco, todos son diferentes.

El año 2010 se estreno una película dirigida por Kerthy Fix y Gail O’Hara titulada “Strange Powers” sobre la vida de Stephen Merritt y The Magnetic Fields durante un lapso de diez años. ¿Qué opinión le merece?

La historia que narra la película no es del todo real, primero aparecemos grabando “I” y después aparecemos trabajando en

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Stephin Merritt padece hiperacusia, un síndrome que produce una disminución de la tolerancia a sonidos normales y naturales del ambiente. ¿Hasta que punto su enfermedad auditiva le condiciona a la hora de interpretar su repertorio en directo? ¿Es este el motivo de que sus canciones cuando son tocadas durante un concierto difieran sensiblemente de cómo las podemos escuchar en el disco?

Sí, es una de las razones, escucho los sonidos graves de una forma aguda y chillona, he de utilizar tapones durante los conciertos; por otro lado este último disco podría tocarlo sin ellos ya que la percusión es electrónica y no es tan desagradable. Sin embargo, me molesta el sonido del público cuando aplaude, no digo que no me guste, pero el hecho de padecer esta discapacidad hace que no sea todo lo placentero que debería de ser.

Para mi la única razón de ver música en directo es que esta suene significativamente diferente a como puedo escucharla en el disco, de lo contrario no veo que tenga sentido, así que en cierto modo ignoramos determinados sonidos que aparecen en el disco cuando tocamos en directo, parte de la instrumentación que utilizamos en los conciertos viene condicionada por mi problema auditivo.

No siempre ha tomado el camino más corto ni el más sencillo, pero todos han alcanzado el mismo lugar, la cima del pop. Con una base electropop enjuagada con tonalidades folk rock consigue el sonido añejo que caracterizaba a la banda después de una trilogía donde quedaron fuera los sintetizadores. Además se ha ayudado de sus colaboradores más habituales: Claudia Gonson, Sam Davol John Woo y Shirley Simms. “Love At The Bottom Of The Sea” es el duodécimo disco de la banda neoyorquina, el sello de Merritt es garantía de calidad. ¡Que bien sienta su vuelta!

Beach House Texto Jesús María Velázquez y Carla Linares Fotografía Liz Flyntz

Bloom “La energía ni se crea ni se destruye, sólo se transforma”.

Beach House va más allá de lo que la propia música puede alcanzar. Es sinónimo de melodías bonitas, de ideas ambiguas y de un ostracismo difícil de entender que evoluciona hasta crear un foco de energía eterno.

“Bloom” (Sub Pop 2012) es el culmen de la conexión de este dúo de Baltimore.

Las crónicas de vuestro álbum “Bloom” están siendo muy positivas, dejando claro que puede que estemos ante uno de los mejores discos de 2012, sobre todo si tenemos en cuenta puntos clave como son la originalidad, el proceso de composición y la calidad del resultado final conseguido, puntos que podrían casi relacionarse con una liturgia. ¿Cómo veis este pronóstico?

Realmente es un halago y algo que nos encanta pensar, pero también es cierto que sólo ha pasado unos meses de 2012 y quedan por salir muy buenos discos. Es pronto para decirlo desde nuestro punto de vista. Supongo que después de la gira podremos ver el resultado total de lo que es “Bloom”.

Parece que vuestra música está siempre unida a la palabra energía, llegándonos a plantear a Beach House como si se tratase de un foco de energía continua que va cambiando de canción a canción en cada uno de los temas de “Bloom”. Incluso puede dar la impresión de que vosotros mismos tocáis esta energía cuando estáis ante el público. ¿Cómo podemos sentir y disfrutar plenamente de esta energía en “Bloom”?

Con la forma en la que lo escuchas y el estado en el que lo escuchas. Ese trabajo es un disco muy abierto en el que cada tema puede tener varias lecturas e interpretaciones, es un disco en el que si dos personas se ponen los cascos a la vez y escuchan los temas, puede ocurrir que una llore mientras la otra sonríe. Creo que la mejor manera de entender este álbum y sentir esa energía es poniendo el disco y escucharlo tranquilamente con tus cascos.

Por supuesto que en concierto trataremos de traspasar esta energía de la que hablas al público. ¿Cómo ha cambiado esta energía a lo largo de los cuatro discos de vuestra trayectoria? Comentabais antes que vuestra música ha ido evolucionando, adaptándose a cada nuevo registro que suponía un nuevo trabajo e imagino que esa energía de la que me hablas también. Sobre todo si tenemos en cuenta que dentro de vuestra música se ha notado una clara evolución en cuanto a la composición, al número de instrumentos y eso evidentemente ha influido en la calidad…

La energía ha evolucionado al igual que nosotros. Tocamos, trabajamos y componemos…, incluso creo que llegamos a unir nuestras mentes para sacar adelante canciones con muy pocas palabras. Es ahí donde está la fuerza y afortunadamente ha estado ahí desde el momento en que nos juntamos para sacar el proyecto de Beach House… Crecemos y la energía crece con nosotros… Es una forma de evolucionar y crecer hasta el momento en el que desaparezca esta fuerza vital.

Somos humanos, nos encanta la música y estamos todos influenciados por ella. Así dentro del disco podemos encontrarnos con canciones que esconden un cierto regusto a la psicodélia, como por ejemplo “Wild”. Claro ejemplo de la música ochentera. ¿Qué más influencias podemos encontrar en este “Bloom”?

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Cuando pienso en “Wild” pienso en un sonido totalmente visual.

Veo gente joven, mucha luz y me gusta la idea de que visualmente es una canción completa. Sí tiene un toque ochenteno como comentas, ya que el teclado lo utilizamos con esa intención. En el disco hay catorce tipos de teclados distintos y eso nos da mucho juego.

En cuanto al resto de influencias, no sé muy bien que mas referencias hay en el disco, realmente “Bloom” parte de ideas, de sonidos que nos gustan, de ahí sale todo. Cada una de las canciones de Bloom nos cuenta una historia que intenta responder a nuestras inquietudes, nuestros miedos, de forma “narrativa”.

Profundicemos un poco mas en “Bloom”. El propio nombre indica rapidez y dinamismo. Fijándonos en la percusión vemos que esta toma un papel más importante que en los otros discos. ¿Esto le da un toque más visceral?

Sí, sin duda. Creo que fue con el tema “Devotion” la primera vez que empezamos a utilizar la percusión de manera más seria.

Para nosotros es una forma de expresar la famosa energía de la que hemos hablado y los sentimientos que están impregnados en la canción.

Normalmente en toda banda podemos distinguir un sonido o elemento que pude caracterizar a una banda o a un trabajo en concreto, algo que es más representativo de ellos, pero después de haber escuchado varias veces “Bloom” no he llegado a ninguna conclusión. Sinceramente no sabría cual es ese elemento característico…

Eso es genial. Desde el principio hasta el final del disco cada segundo es extremadamente importante y tratamos de que sean diferentes. No queremos hacer una canción increíble y que lo demás que sea horrible o más flojo. Hemos tardado seis meses en grabarlo y hemos desarrollado ideas de producción que lo hagan único en todos los momentos. Estamos muy satisfechos del resultado.

La base del sonido y del éxito se basa fundamentalmente en la parte instrumental, en dar una vuelta de tuerca a algo inventado por vosotros mismos, cuidando hasta el último detalle. ¿Podríais imaginar un disco de Beach House que fuera simplemente instrumental? ¿Podríamos pensar entonces que vuestra música quedaría desnuda?

Uff, no se. Podemos imaginar una banda sonora, de hecho nos gustaría trabajar en un proyecto del estilo. En cual quiera caso no creo que nuestra música quedara desnuda, ya que dependiendo del objetivo que busques tienes que plantear las cosas.

Para terminar, desde diferentes puntos de la prensa, se ha llegado a encasillar a Beach House dentro de un estilo definido como “Dream pop”. ¿Alguna vez habéis estado inspirados por un sueño?

Es la primera vez que me hacen esta pregunta y no lo había pensado. Supongo que si que me ha quedado alguna idea que he sentido en un sueño, pero no sé hasta que punto lo puedo considerar una inspiración. He oído melodías y he tratado de recordarlas, pero al despertarme las he olvidado.

Breton Texto Carla Linares

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Other People Problems El nuevo disco de Breton ha supuesto todo un descubrimiento para la que suscribe. Desde el primer tema hasta el último, te llevan a través de ritmos electrónicos y melodías potentes hacia un subidón musical que hace que aumentes el volumen hasta el máximo

“Other People Problems” (Fat Cat Records, 2012). Hablamos con Roman Rappak sobre este reciente éxito, el cine y otras muchas cosas más que hacen que Breton se haya convertido en una banda de obligada escucha.

inconformidad. Puedes encontrar inspiración en muchas cosas, ¿no sé si me entiendes?…

¿Cómo os sentís con la buena acogida que está teniendo “Other People Problems”?¿Pensáis ya en un segundo trabajo?

Bueno la verdad es que es un disco muy reciente, creo que todavía no lo ha escuchado mucha gente, pero es genial que esté gustando, a nosotros nos encanta poder mostrar a la gente lo que hacemos, lo que nos gusta. ¡Y por supuesto seguir haciéndolo en un futuro! Creo que el álbum suena realmente bien, a la gente le gustan diferentes tipos de sonidos, diferentes tipos de música, nosotros hemos buscado una especie de acuerdo entre todos los sonidos y las canciones que forman el disco al completo.

Película favorita / Banda sonora favorita.

“Chinatown” de Roman Polanski (1974) / “There Will Be Blood” de Jonny Greenwood.

Antes de centraros en la presente etapa musical como Breton os dedicabais a la creación y proyección de películas, exposiciones visuales, etc… ¿El siguiente paso sería el hacer una banda sonora de una película?

En cierto modo creo que se puede considerar que lo hacemos.

Anteriormente proyectamos vídeos cortos con canciones, presentamos varios remixes en el London Short Film Festival y en el East London Film Festival, ¡ fue bastante interesante! Lo que hacemos ahora sigue siendo lo mismo, pero a la inversa. ¿Cuáles fueron las razones de este cambio? ¿Para Breton cine y música irán siempre de la mano?

En este momento sí, claro. No hemos dejado de hacer vídeos ni planeamos dejar de hacerlo por el momento. Para nosotros es inevitable no hacer algún vídeo (por corto que sea) para acompañar cualquier música, cualquier canción. Además ahora con internet hay muchas facilidades para poder hacer ambas cosas, poder combinarlas. Todo va más rápido. Uhm, no sé si realmente he contestado a la pregunta (risas).

Para ti y para el grupo, ¿qué es más cómodo, más fácil: hacer vídeos o hacer música?

Creo que ambas, realmente las considero muy similares. Con ambas puedes definirte, volcar muchas cosas tuyas en cada cosa que haces. Capturar una imagen, un sonido, son dos habilidades distintas sí, pero con las que nos sentimos muy cómodos por igual.

Es inevitable llegar a la conclusión de que el cine es una enorme influencia para Breton. ¿Qué más os inspira a la hora de componer canciones? ¿Qué otras influencias hay? Vuestros vídeos son muy artísticos, y las letras crudas, con cierto toque poético. ¿Es el arte una de ellas?

Sí, definitivamente el arte sería una de nuestras influencias, creo… Para empezar a escribir las letras, en un principio tienes que tener algún estímulo, algo que te impresione o te llame la atención… Algo que has visto, la vida de otras personas, una mujer guapísima, o querer expresar algo, claro, decepción, rabia,

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Si nos centramos en vuestro disco de debut, encontramos canciones muy potentes como vuestro primer sencillo “Edward The Confessor” o como “Pacemaker”, “Wood And Plastic”, pero también hay cabida para canciones de ritmos más marcados, como “2 Years” o la maravillosa “The Commission” que pone el punto final al álbum. En general encontramos canciones muy diferentes las unas de las otras, ¿cómo definiríais “Other People Problems”?

Pues intentamos juntar las canciones que creíamos que en conjunto podían contar una historia diferente. La música puede animarte o hundirte en la tristeza, me encanta esta cualidad de la música. Hoy en día, la manera en la que escuchamos música, mp3, las listas de reproducción, el modo aleatorio en tu Ipod o reproductor hace que se pierda el concepto de unidad de un disco. Antiguamente no se escuchaba música de esa forma, así que supongo que nosotros hemos seleccionado las canciones “a la antigua”, intentando darle un significado añadido al trabajo (risas).

Creo que es un disco con cierto sentido, que intenta trasmitir sensaciones, ideas, emociones. ¿Cuáles dirías que son las características principales de vuestras canciones?

Mezcla de lo antiguo y lo moderno. Ideas clásicas mezcladas y revitalizadas con la tecnología.

Musicalmente hablando, sois un grupo bastante reciente, y todavía no hemos tenido ocasión de ver una actuación vuestra en directo. ¿Cuáles son vuestras próximas fechas de conciertos? ¿Cómo es un concierto de Breton?

Pues creo que se están cerrando algunas fechas en España, pero todavía no sé muy bien cuándo será. Ahora estaremos de gira por Inglaterra, Estados Unidos etc. Nos gustaría mucho poder tocar en algún festival español, debe ser algo mágico, intentaríamos combinar fácilmente nuestra música con nuestras proyecciones.

Nuestros conciertos podrían definirse como una especie de espectáculo, como mucho somos tres o cuatro personas en el escenario, buscamos disfrutar al máximo tanto nosotros como el público que venga a vernos.

Con “Other People Problems” comprobamos que, efectivamente, cine y música son una combinación perfecta. Éxito casi asegurado el que les espera a este quinteto londinense, y nosotros tomamos buena nota de que estamos ante un grupo al que hay que seguir la pista y no perder de vista (esto último se haría literalmente). Queda totalmente prohibido perdérselo. Ya os avisamos.

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1. Gabriel y Vencerás, Ácido Niño Gran Derby Records Sorprende desde el primer momento la escucha del disco de este trío afincado en Barcelona por su pop guitarrero y sus letras aliñadas con grandes dosis de humor y surrealismo, lo que los une en temática y formas a grupos como Los Punsetes o Las Ruinas. Canciones como “Dionisio” “Muertas De Risa” “Palacio” o “Gemelo Negro” no te dejaran indiferente si tienes algo de sensibilidad en tus orejas. “Ácido Niño” es un disco ideal para aquellas almas inquietas que prefieren buscar y encontrar a que se lo den todo hecho sin moverse del sofá. Antonio Moreno Casado 2. 2:54, 2:54 Fiction records Una bella chica, de mirada enigmática y triste, de voz sensible y atormentada, al frente de una banda con querencia hacia lo oscuro que imprimen sensibilidad y elegancia a canciones que podrían haber firmado My Bloody Valentine en sus días menos esquizoides. Eso es lo que significa 2:54. Veremos seguramente en próximos festivales a este súcubo hipnotizando con sus riffs mántricos a ellos y a ellas, armado con su guitarra demoniaca y liderando a su grupo de entidades sexuadas que a golpe de tremolo fenderiano nos darán un paseo por sus oscuras estancias cavérnicas. Por cierto, en el underground madrileño está habitando un grupo con un sonido muy parecido. Su nombre es Sideband. Arturo Jiménez 3. The Jezabels, Prisioner Pias Desde las antípodas nos llega el primer largo de la banda australiana, tras tres EP’s muy conseguidos, que está desatando pasiones y envidias allá donde suena. “Prisioner” nos abre las puertas de una elegante mansión de la segunda mitad de los años 80 en la que habitan los synthes, las baterías épicas y la imponente voz de la vocalista Hayley Mary. “Rosebud” y “Long Highway” suenan como los perfectos anfitriones de un regreso al futuro elegante y sofisticado. Bienvenidos a casa nostálgicos y modernos. Caridad González

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4. Dominique A, Vers Les Lueurs Cinq7–Wagram El francés Dominique Ané celebra 20 años en el panorama musical con su noveno álbum de estudio: “Vers Les Lueurs”.

Trece temas donde esa voz a la que nos tiene acostumbrados, solemne, trágica, vuelve a regalarnos los oídos, esta vez acompañado por un quinteto de viento y guitarras eléctricas.

“Vers Les Lueurs” es un disco de sonido crudo, más complejo, pero no por ello carente de luminosidad, destaca “Vers Le Bleu”, el single “Rendez-Nous La Lumière”, o la más eléctrica de todas, “Close West”, aunque la etiqueta de favorita se la pongo a la encargada de poner el punto final al trabajo: “Pars Les Leurs”. Pero, “Vers Les Lueurs” aunque se aleje un poco de su anterior trabajo “La Musique”, el resultado lastra el recuerdo de anteriores trabajos. Carla Linares 5. Cuzo, Alquimia Para Principiantes Bcore Psicodelia y ritmo progresivo con la banda de Barcelona repleta de sintetizadores y distorsiones al más puro estilo King Crimson. Delirio instrumental que inunda los sentidos en algunos temas como “Mundo Subatómico”, y que beben de una fuerte influencia setentera a lo Black Sabbath con potentes guitarras que buscan la armonía. Mientras las melodías se pierden en la psicodelia, los catalanes recrean valientes atmósferas futuristas coronadas por loops y secuencias. Cristina Martín 6. Partido, Leaving All Behind Warner Music Spain Bajo el sabor del sonido más puro de “Wilco” o “Neil Young” aparece la propuesta de Victor Partido. Un trabajo repleto de matices. Desde pianos penetrantes en “Bulletin Board System”, la percusión británica en el final de “First Time”, el entrelazado adornado con una voz casi apagada en “Carnival”, o la guitarra atrevida y el teclado añejo de “Jesus”, tema que tiene sabor de single y puntero. Cada pista es un mundo diferente; un puzzle con piezas que encajan a la perfección entre ellas. ¡Partido!. Jesús María Velazquez

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7. Cloud Nothings, Attack On Memory Carpark Records El título de su tercer disco es premonitorio, el cariz lo-fi característico sigue presente pero hay una clara ruptura con lo hecho anteriormente. Olvídense de Cloud Nothings tal y como los conocíamos. Este álbum pone de relieve que Dylan Baldi quiere huir del indie noventero, dejar atrás el punk melódico y reflejarse en el post-hardcore a través de guitarras rasposas y gemidos guturales, fortaleciendo la parte melódica con músculo en bajo y batería. “Wasted days” se erige como el máximo exponente de este giro copernicano, nueve minutos de rock enérgico y sobresaliente que se acentúan con un crescendo arrebatador. Jaime Suárez

10. Shawn Colvin, All Fall Down Nonesuch Con una larguísima carrera, tres Grammys en su estantería y el honor de haber compartido escenario con lo mejor de la escena folk americana, este nuevo trabajo de esta trovadora del país de las libertades es una confirmación de que sigue activa y dando guerra. Si te gusta el estilo disfrutarás de principio a fin. Si por el contrario estás fuera de onda, te resultará agradable aunque algo monótono. Ideal para escuchar de fondo en una cafetería del barrio cool de tu ciudad mientras hablas con tu amiga sobre tu última ruptura. Es lo que tiene el folk. Arturo Jiménez

8. First Aid Kit, The Lion’s Roar Wichita Recordings Hacer un buen disco de folk tiene que ver, desde luego, con contar con buenas canciones, pero también con algo más intangible, como el encanto, el detallismo y la delicadeza.

Las hermanas Söderberg lo han puesto todo en su tercer disco para entregarnos diez temas donde le cantan a los desamores tempranos, a la oscuridad del invierno escandinavo o la confusión adolescente. Los disparos más acertados son la hermosa “Emylou”, “Blue” y, sobre todo, “King of the world”, con esa trompeta y la colaboración de Conor Oberst.

O una de esas canciones que te dan alegría de vivir.

Así de claro. Miguel Díaz Herrero 9. Soledad Vélez, Wild Fishing Absolute Beginners Records ¿Es Soledad Vélez algo más que la conjunción de dos modas como son las voces femeninas chilenas como Javiera Mena o Denver y las chicas haciendo folk en inglés tipo Russian Red o Annie B Sweet?. Es la duda que surge tras la escucha del disco de debut de la cantante austral afincada desde hace cuatro años en nuestro país y que ya ha taloneado a artistas como Nacho Vegas. Disco recomendable para un largo viaje por carretera o para pasar esa tarde lluviosa de domingo en la que no te apetece salir de casa. Antonio Moreno Casado

11. Ulrich Schnauss & Mark Peters, Underrated Silence Bureau / Green Ufos ¿Qué puede salir de la unión de un productor de música electrónica alemán y un guitarrista inglés de dreampop?

Pues algo que deja esas etiquetas completamente inservibles.

“Underrated Silence”, el cuarto disco de Schnauss, es una sorprendente mutación sonora y ecléctica, como lo que saldría de meter en cápsula espacial a Kraftwerk y a Cocteau Twins.

Seguramente, los extraterrestres que la encontrasen se quedarían atónitos y fascinados al saber que, incluso en la Tierra, hay vida musical inteligente. Caridad González 12. Alex Winston, King Con Island Records Primer LP de esta americana de 23 años, que pese a ser su primer larga duración, no nos resultan desconocidas la gran parte de las canciones que lo forman, “”Velvet Elvis”, “Sister Wife” o “Locomotion” conformaban anteriores EP´s.

Sí es cierto que, si acaso en esta ocasión nos encontramos con un mayor cuidado de los detalles, una mejor presentación.

Supongo que debemos de agradecérselo en parte a los productores del disco: The Knocks. Alex Winston nos trae con “King Con” un álbum de fácil y de agradable escucha, en el que apenas hay sitio para ritmos lentos o baladas. Toda una inyección de aires pop perfecta para refrescarnos en estos días de calor. Carla Linares

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13. Aries, La Magia Bruta BCore Isabel Fernández ha dejado pasar el proyecto de Charades, de la mejor forma posible, sacando adelante el primer disco de “Aries”. Un conjunto de diez canciones con un pop mágico, tierno y relajante. Dentro de “La Magia Bruta” hay una clara protagonista, la voz. Encontramos voces coordinadas entre sí, poca melodía, guitarras poco significativas y mucha cordura a la hora de cuidar hasta el más mínimo detalle. Destaca “Los Dos” es un tema romántico que destaca por ritmos tradicionales que recuerdan al pop español emergente de principios de los 90.

Sin duda podemos considerar este primer asalto como una prueba de fuego, que dará lugar a la continuación de este sonido reinventado. Jesús María Velazquez 14. Seventeen Evergreen, Steady On, Scientist!

Lucky Lumber 2012 Este duo de San Francisco ofrecen su particular propuesta de experimentación de pop rock electrónico, sin caer demasiado en el trasnoche ochentero, pero con característicos beats y fuertes líneas graves. “Steady On, Scientist!” se mantiene más cercanos a MGMT y también conservan su parcela electro dance con “Wasting Time”, uno de sus temas más prolongados con variedad de matices y texturas electrónicas. “Del Paso Heights” incluye una curiosa composición que rescata los tunes de los videojuegos mientras que “Fluerescent Kind” bien rememora un estilo más propio de Underworld. Cristina Martín 15. Spiritualized, Sweet Heart Sweet Light Domino Records La carrera de Jason Pierce ha estado llena de sobresaltos, su dependencia a determinadas sustancias, depresiones y la inseguridad de un estilo de vida fuera de lo común, han desembocado en un trabajo donde se observa un mayor grado de madurez. Lejos del toque minimalista de otros álbumes, la orquestada “Huh?” nos pone en situación siendo un reflejo de lo que podremos encontrar, arreglos de cuerda, viento y coros, momentos de lucidez e inspiración cargados de épica y emoción que invitan a la reflexión. Jaime Suárez

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16. Sala And The Strange Sound, It´S Alive Puniko Records Músico de origen libanés, residente en España y que forma su banda en Londres. Su primer disco está producido por Duncan Mills (Fanfarlo, Miles Kane, Vaccines…) reconocen sentirse influidos por Beatles, Kinks, Strokes o Libertines.

Así que con estas influencias ya te imaginas por donde van los tiros; pop optimista y enérgico con tendencia hacia la épica.

Te pueden divertir e incluso arrastrarte a bailar algunas de sus canciones, envolviéndote con esa sensación de deja vu que tienes cuando escuchas esas canciones pop de no más de tres minutos que parecen cortadas todas por el mismo patrón y que solo se diferencian por el título y por el grupo que las canta. Antonio Moreno Casado 17. Aer, Recuerdos Del Futuro Chiton Agradable sorpresa encontrarme con esta banda española.

Si en una primera escucha pueden recordar a bastantes grupos actuales que empiezan a funcionar dentro de nuestras fronteras. Con la segunda escucha se les ve la personalidad que les define, sin embargo les falta algo en este disco que les haga destacar como lo hicieron otras formaciones en las que seguro se inspiran. Así temas como “Coche”, a pesar de algunos arreglos y coros desconcertantes, o “Me Duele”, con esas guitarras al estilo de “Corrientes Circulares…” de Los Planetas, junto a otras más hacen de este un trabajo interesante. Arturo Jiménez 18. Me and Cassity, Appearances Tapete Records El cofundador de Tapete Records y sobre todo músico, Dirk Darmstaedter vuelve a dejar claro que además de tener vista y mucho oído para encontrar el talento en otras bandas, su alter ego compositor está a la altura de su propio criterio. Los diez temas del decimosexto álbum del alemán constituyen una auténtica delicia para paladares exigentes y amantes de grandes artistas como Elvis Costello o el mismísimo Bob Dylan. Sólo hay que dejarse llevar por cortes como “The Last Troubador” o “Lovers Of Solitude”. Über interesante. Caridad González

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19. Luise Pop, Time Is A Habit Siluh Records Segundo larga duración del cuarteto vienés en el que nos traen doce temas de pop enérgico y bailable. Guitarras pronunciadas, ritmos marcados, y salvo por tres cortes de carácter más lento: “Desperate Times”, “Gigolos And Dames” y “ The Roaring Breeze”, nos encontramos ante un trabajo dulzón. Disco de fácil escucha, del que se sacan auténticos bombones, como “Time Is A Habit”, o “Deep In The Jungle”, que nos recuerdan un poco al “Fast And Frightening” de L7. En definitiva “Time Is A Habit” tiene muy buenos ingredientes, pero al final, en su totalidad, me ha sabido como me saben los caramelos sin azúcar.

Está rico, está bueno, pero no es lo mismo. Carla Linares 20. School of Seven Bells, Ghostory Full Time Hobby / Pias El último disco de este dúo neoyorquino combina lo eléctrico y etéreo del tan de moda Dreampop, sin descuidar una innegable herencia bailable bastante poderosa. Temas como “Low Times” o “White Winds” recuperan el indie rock e incorporan dinámicas bases y ritmos marcados por platos que se entrelazan con suaves voces manteniendo estética de sabor disco y glam.

Intangible y vaporoso regusto nos deja su interprete vocal, que parece deslizarse de manera celestial por las melodías como un verdadero fantasma. Cristina Martín 21. Soulsavers, The Light The Dead Sea V2 Records Habiendo contado con Mark Lanegan como vocalista habitual en sus anteriores trabajos, en esta ocasión el papel recae en Dave Gahan, que además firma todas las letras del álbum. El resultado es un álbum de folk a la americana, en el que la característica voz del cantante se impone de forma omnipresente sobre la producción del dúo, que por otro lado, tampoco es capaz de aportar brillo a unas composiciones poco inspiradas.

Sin embargo, en los pasajes instrumentales, Soulsavers nos dejan entrever un atisbo de la genialidad que, sin duda, aún atesoran.

Ignacio Simón

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22. M. Ward, A Wasteland Companion Bella Union / Music As Usual En estado puro, un género en sí mismo, el de Portland vuelve a realizar un trabajo impecable. No cambia de forma, se mantiene en su sitio pero crece y consciente de que es cada vez más reconocible, en este álbum ofrece desde su faceta más luminosa y rítmica en cortes como “Primitive Girl” hasta los rincones más oscuros en un homenaje al malogrado Alex Chilton en el primer corte del disco “Clean State”. Grabado en durante el transcurso de sus giras, cuenta con la colaboración de artistas como John Parish, Steve Shelley o Adam Selzer entre otros. Jaime Suárez 23. Pond, Beard, Wives, Denim Modular Recordings Pond nos ofrece un caleidoscopio musical que aglutina diversas tendencias como rock, garage, funk soul y entronca con la psicodelia de intenciones más artísticas de finales de los sesenta gracias a un cuidado trabajo de voces y coros. A lo largo de este cuarto trabajo, modulan con acierto la intensidad de sus canciones bebiendo de influencias como The Small Faces, Traffic o Blur, y por el camino nos dejan alguna que otra obra maestra, como “Sorry I Was Under The Sky” y algún aspirante a hit como la hipnótica “Allergies”. Ignacio Simón 24. Tu Fawning, A Monument City Slang Record Escuchando el segundo LP de este cuarteto de Portland, he tenido un flechazo similar al que tuve con “Bloom” de Beach House. “A Monument” es lo que significa, un Monumento.

Y sí, con mayúsculas. Un álbum que tiene sentido y gancho de principio a fin, compuesto por nueve cortes brillantes, melódicos, magníficos y llenos de detalles que en su conjunto consiguen un sonido enérgico, poderoso, con un cierto toque oscuro pero impregnado de romanticismo. En definitiva, un disco adictivo y de obligada escucha, con el que Tu Fawning nos muestran que han hecho los deberes, y que van a por nota. Es difícil subrayar unas canciones sobre otras, aunque “In The Powder Of White” y “Bones” son dignas de ser escuchadas en modo bucle. Carla Linares

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25. Frankie Rose, Interstellar Slumberland Records La morena de mirada casi descarada de las Dum Dum Girls vuelve a intentarlo en solitario. Adiós burbujeantes estribillos pop. Adiós también al shoegaze del notable “Frankie Rose And The Outs” (2010). Rose ha intentado marcarse un disco de dream-pop, evocador y atmosférico.

Y sí, hay matices por todas partes, vindicación ochentera (el sonido de la batería, los sintetizadores…) Pero no hay canciones memorables. Eso sí, le lloverán elogios de las revistas especializadas, claro. Miguel Díaz Herrero 26. Xoel López, Atlántico EsmerArte Muy esperado este primer disco en solitario del gallego, tras su experiencias en Deluxe y Lovely Luna. Su estancia en Argentina y sus viajes por América han sido un nuevo cambio de dirección en su carrera, además son la base de la que se sirve para crear las letras de sus canciones y es el folklore de estos lares por quien se deja influir para componer la música de este álbum. Aire fresco y sorprendente en este anquilosado panorama musical nacional donde salirse del camino que han marcado es un riesgo que muy pocos se atreven a hacer. Antonio Moreno Casado 27. Crybaby, Crybaby Helium Records Danny Coghlan, un chaval de Croydon nostálgico y enamorado de la música de décadas pasadas ha conseguido viajar en el tiempo, empaparse del buen hacer interpretativo de grandes mitos de los años 50 y volver a nuestros días, convencer a un grupo de muchachos para que formen una banda con él y transmitirle su pasión a un productor actual para conseguir plasmar en un álbum lo que bien podría haber sido un recopilatorio de grandes éxitos de Roy Orbison o algún otro mito de aquella época. Morrisey estará buscando su número en la agenda telefónica. Arturo Jiménez

28. Maximo Park, The National Health V2 / Coop / Music As Usual El cuarto álbum de los ingleses, editado de forma independiente y producido por el brillante Gil Norton, pone en su sitio a una de las bandas más potentes de la escena británica. Con temas como “The National Health” o “Hips And Lips”, los de Paul Smith vuelven a proyectar la contundente energía que los llevó a lo más alto: guitarras progresivas, unos synthes muy bien traídos y letras más reivindicativas que de costumbre. Todo esto en un disco-autorretrato donde podemos comprobar que no nacieron ayer precisamente. Caridad González 29. Smoke Fairies, Blood Speaks V2 / Coop Smoke Fairies con “Blood Speaks” no han hecho otra cosa más que reafirmarse a sí mismas y afianzar su sonido.

El disco empieza fuerte, “Let Me Know” es un corte increíblemente adictivo y con cierta similitud a The XX, toda una delicia. La siguiente canción “Awake”, nos baja las revoluciones con ritmos más calmados, para luego volver a subir el ritmo cardíaco con guitarras y sonidos blues en “The Three Of Us”. A base de altibajos, los minutos se van acumulando llegando casi al final del álbum con una destacable “Version of The Future” muy de PJ Harvey, que nos adentra en la agradable combinación de blues, folk y jazz. Que es “Film Reel”. Carla Linares 30. Betunizer, Boogalizer Bcore Intensidad y energía, así de simple podríamos resumir los once temas de “Betunizer”. El trío valenciano no da tregua con su nuevo álbum “Boogalizer” haciendo gala de un frenesí en su interpretación y ofreciendo una violenta perturbación del ánimo. Potentes bajos y percursiones, el timbre de su cantante también alude nostálgicamente al género metal, pero se pierde ante el multiestímulo rítmico de la mayor parte de las composiciones. Sucesivas escalas progresivas se enredan en algunos temas generando una verdadera convulsión sonora. Cristina Martín

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31. The Temper Trap, The Temper Trap Infectious Music / Pias La sombra de “Sweet Disposition” es alargada, fue esa y no precisamente otra la que concedió cierta relevancia al cuarteto del down under. Si bien en su primer LP se esbozaba cierto potencial, en su segundo álbum se echan de menos recursos que consigan transmitir frescura, este álbum homónimo intenta emerger de la mediocridad, otra cosa es que termine de conseguirlo. Dentro de esta colección de doce temas podremos encontrarnos cortes llenos de sintes simplones, el falsete inconfundible de Dougy Mandagi y un par de guiños a Radiohead en “The Sea Is Calling” pero sobre todo en “Miracle”. Jaime Suárez 32. Niños Mutantes, Náufragos Ernie Records El crecimiento de Niños Mutantes en sus últimos dos discos, en cuanto a público pero también a “creérselo”, ha sido imparable. Sin embargo, no nos ha pillado por sorpresa a quienes los seguimos desde sus comienzos. Si acaso, es un devenir lógico. Como este “Náufragos”, donde conjugan toda una carrera desde el pop sesentero de temas como “El Miedo” a las gamberradas ruidistas que cierran el disco de “Muerte De Un Ampli”, pasando por las baladas doloridas de “El Infierno” y hasta encantadoras frivolités “Querer Sin Querer”. “Naufragos” resumen perfecto de la evolucion de una vida. Miguel Díaz Herrero 33. The Walkmen, Heaven Fat Possum Records En cierto sentido, “Heaven” no es un disco sorprendente.

Y no lo es porque culmina sin sobresaltos una transfiguración que ya se iba asentando en su anterior álbum, “Lisbon”.

Así los neoyorquinos han ido macerando hasta convertirse en algo complejo, maduro y curiosamente soleado. Pero esta pérdida de rabia desbordante no debe tomarse como un ablandamiento o una traición a sus principios, sino como una progresión natural y sabiamente aceptada, que explora el folk más optimista con una sabiduría y una destreza que no dejan lugar a otra cosa que no sea el aplauso más sincero y el disfrute más rotundo. Nico Ordozgoiti

Miquel Polidano Artelados Miquel Polidano es director de arte, diseñador gráfico y editor. Trabaja en la industria de la moda y la comunicación desde hace más de 10 años. Recibe el premio Laus Oro por el trabajo “Times Ars Electronica”. Trabajó en Folch Studio desde su fundación hasta 2010 donde trabajó en la creación de revistas como Fanzine137, EY! y Tiger. En 2009 recibe el premio Laus Oro por la colección de pósters “Matinés” y el Gran Laus del diseño gráfico 2009. En 2010 funda su propio estudio e incorpora a su equipo a Marc Romo y Fabrizio Colque, también trabaja en su propia editorial, Triangulo. Desde la cual edita, diseña y publica libros para marcas o de autoencargo sobre moda, fotografía y cultura.

Para esta ocasión Miquel Polidano y su equipo ha diseñado un libro para generar una etiqueta, una imagen para generar un video, un medio que genera un mensaje. La imagen es un código QR (Quick Response Code). Una imagen que desde cualquier smartphone se puede scanear y conduce a un contenido en internet.

El código está impreso horizontalmente a lo largo de las páginas de un libro. Colocado adecuadamente para que ese libro, una vez impreso y encuadernado deje ver el código QR en el lomo exterior.

El libro es el célebre “Understanding Media” de Marshall McLuhan en el cuál declama la máxima “The media is the message.” Así la obra se concibe como un conjunto de piezas que se retroalimentan. Un libro que genera una imagen con un código que conduce a un lugar en internet donde se muestra un video en el que se expone de nuevo el libro.

La obra es una apropiación de la etiqueta de vino como medio de comunicación para lanzar un mensaje para el cual no había sido pensada, es en si una reflexión sobre los propios medios de comunicación, su mutabilidad, su caducidad y su reciprocidad.

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Clemens Behr

Realidad Cubista Deformada La propuesta street art de Clemens Behr, combinan la escultura estilo papiroplexia con el juego de colores y las líneas, Behr presenta así unas instalaciones capaces de engullirnos en una realidad cubista deformada donde las alteraciones del espacio nos hacen plantearnos los límites entro lo real y lo irreal, lo que está en dos dimensiones y lo que esta en tres dimensiones. Aprovechamos su paso por el Festival Rojo Nova para charlar con él.

Texto Carla Linares Fotografía Clemens Behr

Clemens reinterpreta el empleo de materiales sencillos creando complejas arquitecturas efímeras donde la alteración del espacio confunde nuestra percepción de la realidad. ¿Cómo definirías tu obra?

Complicada, barata e improvisada.

En tus obras, uno de los parámetros más evidentes es el volumen, y cómo la línea bidimensional es capaz de replegarse para apoderarse de un tercer eje creando un apartado tridimensional, generando en cada obra una particular e imprescindible relación espacio–espectador que intenta traspasar barreras… ¿Cuál es el motivo de dotar a tus obras de esa tridimensionalidad?

Siempre intento hacer collages con el papel. Tener en cuenta los diferentes ángulos desde donde se mira, ser consciente de que la instalación transformará temporalmente el espacio donde se encuentra, y a la vez mostrar mi percepción, lo que veo o lo que quiero que la gente llegue a ver dentro de un gran caos formado por distintas circunstancias y coincidencias.

Otro parámetro quizás imprescindibles en tus obras sea el entorno de la propia obra, es decir el emplazamiento expositivo donde la obra coge y adquiere personalidad propia dotando de un plus el contenido final… ¿Por qué los espacios públicos como parte importante en tus creaciones?

Suelo buscar emplazamientos en los que vea desde un principio, que una vez finalizada la instalación, voy a conseguir una buena fotografía. Está bien tener una atmósfera agradable alrededor mientras trabajas. Hace que sea más interesante para ti. Soy capaz de jugar con el entorno, y puedo hacerlo en todas partes. El único inconveniente es que tengo que trabajar rápido, nunca sabes cuándo el mal tiempo puede estropearte el trabajo, así que procuro concentrarme al máximo en la instalación y hacerlo rápido.

La calle como lienzo y parte de la propia obra, llenándola de significado y generando otros puntos de vista. ¿Debe entenderse el arte como una herramienta cultural que tiene que acercarse más a la gente cotidiana?

Sí…, pero, la verdad no me preocupa mucho, no me importa.

En la mayoría de tus obras el material reciclado es parte fundamental de las mismas. ¿Por qué esta predilección en cuanto a materiales reutilizables y biodegradables?

Empecé a utilizar este tipo de materiales en el 2008. Vivía en Barcelona, y al no tener casi dinero, me tenía que buscar los materiales en la calle. Casi todas las semanas encontraba algo que me servía, y ¡gratis! Trabajar con estos materiales es más barato, más excitante, ya que nunca sabes qué te vas a encontrar en la calle, y en cierto modo, en base a los materiales que encontraba, el proyecto se desarrollaba de una manera o de otra. Podría decirse que los materiales eran, y lo siguen siendo, determinantes

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para el resultado final. El papel es un material fácil de manejar, y me gusta utilizar materiales cotidianos para trabajar, que puedas encontrar o reemplazar fácilmente. ¿Cómo planteas tus obras, surgen a partir del espacio o primero nace la necesidad de crear para luego adaptarte al medio donde posteriormente creas tu obra?

Siempre va primero el lugar. El espacio determina los colores y las formas que voy a usar. Una vez que he pensado y visualizado mentalmente una idea más concreta, pinto las cartulinas, se pegan a láminas de madera y finalmente llegaría el montaje.

Cuál es la motivación o la necesidad que oculta Clemens Behr en su interior y que le empuja a la acción de expresarse con estas formas geométricas y matices…

No lo sé (risas), es lo que me gusta y es lo que hago e intentaré hacer siempre.

Describir la obra de un artista es difícil, contextualizar la creación bajo el yugo de un par de palabras que resuman la intención del artista es siempre complicado, pero si tuviésemos que apostar por una carta. ¿Podríamos decir que una etiqueta para contextualizar tus piezas es la de grafitti tridimensional?

Algunas obras lo son, otras no. Me gusta mucho dibujar, hacer grafittis… Las instalaciones que hago son abstractas sí, pero por otro lado se diferencian del grafitti en que estas son más temporales, duran menos tiempo de lo que puede llegar a durar un grafitti.

Desde un punto de vista de la inspiración o las influencias podríamos decir que tus trabajos encuentran sustento con la tradición japonesa del origami. ¿Tienes esa misma perspectiva? ¿Cuáles son las influencias de una obra tan eclíptica y diversa como tu trabajo?

Se parece al origami a veces, pero al final yo lo veo más bien como pequeñas piezas que encajan unas con otras hasta formar una grande. De hecho no soy muy bueno haciendo origami. En cuanto a la inspiración, me inspiran mucho los lugares de cierto interés arquitectónico, la música, las conversaciones con mis amigos, la obra de Marcel Duchamp, incluso cosas más cotidianas, como tiendas de bricolaje, o los muñecos Transformer. ¿Cuál es el trabajo del que sientes que tiene una mayor amplitud en cuanto a su significado y por el que piensas que te sientes más representado?

No lo sé, no podría elegir solo una. Procuro volcar la mayor energía posible en cada trabajo. Con el tiempo, he aprendido a apreciar más a los pequeños proyectos que a las obras de mayor envergadura. ¿Cuál es el futuro para un artista como Clemens Behr?

Quiero probar nuevos materiales. Expondré obras por el Reino Unido, y seguiré exponiendo por Berlín, estudiando nuevas técnicas…

ART E

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C L E ME N S

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B E HR

Santigold Texto Caridad González / Fotografía Sean Thomas

Master of My Make Believe Supervitaminada y mineralizada, tras visitar las altas cimas del Himalaya, Santi White regresa con “Master of My Make Believe” reencontrandose con sus fans, dejando de lado las odiosas y surrealistas comparaciones con Lady Gaga y Kate Perry. ¡Qué más quisieran!

Desde que Santigold naciese aclamada como la gran estrella Santogold y nos trajese bajo el brazo su aplaudido tema debut “L.E.S. Artistes” en 2008, mucho ha llovido sin duda.

Ahora con los pies bien puestos en la tierra la artista norteamericana, después de hacerse su hueco en ese elenco de músicos mundialmente conocidos y cuyas escuchas en sus perfiles no dejan de aumentar con cada nueva canción que saca, regresa con el presente “Master of My Make Believe” (Warner Music, 2012). ¿Qué has estado haciendo durante estos cuatro años?

Sí, la verdad es que cuatro años son muchos años en la industria de la música, es un montón de tiempo, pero es genial descubrir que los fans de verdad no me olvidan. Pasé 2008 y 2009 en la carretera, de gira… En 2011 fui al Himalaya y tuve la oportunidad de vivir una gran experiencia y visitar lugares increíbles. Y después de eso, volví a L.A. para la primera reunión de este álbum.

Busqué sellos, managers y todas las otras cosas que se necesitan… también descansé, claro.

“Master of My Make Believe” se abre con “Go!” tema en el que colaboró con Karen O y que ya publicada en abril del año pasado y en el que ya dejaba vislumbrar lo que nos depararía este “Master of My Make Believe” un trabajo cargado de ritmo, directo al grano, rápido, pegadizo y con un sonido apabuyante que se rinde a la voz de White, así destaca el tema que cierra el disco “Big Mouth” donde suena como una mujer enfadada atrapada en un mundo que no le gusta demasiado. ¿Es así cómo te sientes cuando analizas el panorama de actualidad musical?

Bueno…, no (risas). No estoy enfadada. Para mí, “Big Mouth” es algo divertido, jugetón aunque también es atroz, es una declaración. Intento hacer algo fresco y cuando haces algo nuevo, te surgen muchas dudas como “¿estará bien?, “¿será bueno?”. Aunque tú eres el que mejor sabe lo quieres, cuál es tu propia visión.

Se trata de confianza, seguridad, es como una demostración. No me siento enfadada, quizá…, decepcionada, algo así como: “Hey, ¡Podemos hacerlo mejor!”

Sin duda con una cuidada producción, has contado en este “Master of My Make Believe” con la colaboración de muchos amigos, desde Diplo que ha dejado su particular huella en cada uno de estos temas paradójicamente cercanos al pop pero al mismo tiempo acertadamente alejados, pasando por John Hill, o el mismísimo Nick Zinner, productor de Yeah Yeah Yeahs… ¿Qué papel han jugado estas colaboraciones en tu nuevo disco?

He escrito muchos temas con Nick Zimmer, cambiamos cosas.

Diplo también colaboró en algunas canciones. Lo mejor de todo es que he tenido la oportunidad de contar con gente nueva que me han hecho sentir muy cómoda, porque tenían energía fresca, y era lo que quería sentir de nuevo. Esa energía que te genera la incertidumbre de la novedad corriendo por tu piel. Fue muy, muy fácil trabajar con ellos.

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“Santogold” fue un début extraordinario. Un trabajo cargado de magníficos temas como “L.E.S. Artistes”, “Say Aha” o el temazo que cierra el disco como es “You’ll Find A Way”, sin duda de los mejores temas de Santigold, un pepinazo total. ¿Cómo te sientes al hablar después de cuatro años?

Me siento agradecida, sobre todo a los fans de verdad, agradecida a toda la gente a la que realmente le importaba hace años y sigue ahí. Y es genial. Con este álbum estoy diciendo: “¡Hey! ¡No me voy a ninguna parte, sigo aquí!”. Ellos no se olvidan de mí y eso es algo bonito.

“Master of My Make Believe” es el camino perfecto para ser una estrella del pop, la frescura e inmediatez de composiciones como “God From The Machine”, “The Keepers”, “Fame” o “Freak Like Me” respaldan este deseo de la de Philadelphia, estiendose incluso en aquellos temas más reposados como en “This Isn’t Our Parade”. La clave, sin duda, el acierto de una produción compacta y uniforme. ¿Cómo ha sido trabajar con Q–Tip esta vez?

Fue muy divertido trabajar con él. Hace que todo sea orgánico y cómodo. Durante la grabación, las escuchas previas…, siempre fue muy divertido. Lo disfruté realmente. Él sabe que mis canciones son como una especie de collage en el que juntamos un montón de cosas. Se volvió loco (bueno, no literalmente, ¡claro!) y gritaba cosas como: “¡Necesitamos guitarras!, ¡más guitarras!” y tuvo sus guitarras, claro (risas).

“Master of My Make-Believe” nos habla de la capacidad que tiene cada uno de nosotros en poder dar forma y esculpir los matices de su propia realidad. Sin duda este disco fácilmente podría ser etiquetado como un álbum paranoide, extraño para el común de los mortales y donde “lo ecléctico” o “percusiones militares y reverberantes salidas de una tetera” son sólo algunas de las expresiones que podrían clasificar y definir los temas que conforman este trabajo. Además de los adjetivos, ¿cuál es la esencia real de tu último trabajo?

Uhm, ¿cuál es el tema del disco? Bueno, el título es “Master of My Make Believe” y es así debido al proceso. Fue duro, una lucha… Me di cuenta de que si quería empezar algo fresco, algo nuevo y no sabía cómo iba a ser o hacia dónde iba a ir. Era simplemente yo misma. Había muchas dudas, pero por la otra mano también me sentía confiada para hacerlo y en mí misma y en mi punto de vista. Soy la creadora de mi mundo, nosotros creamos el mundo en el que vamos a estar, el mundo que queremos en el futuro. “Dispare Youth” también va de eso.

“Master of My Make Believe” es un gran paso y firme en la carrera de Santigold, la vía perfecta para convertirse en eso que tanto anhela, estrella del pop. “Master Of My Make Believe” es un compendio de temas tan mestizo como mainstream, un trabajo construido entre una pluralidad de géneros que le permite viajar desde las galerías de la Quinta Avenida y conectar con la marginalidad cruda y real del Bronx.

Delorentos Texto Alex del Hoyo / FotografĂ­a James Goulden 90

Little Sparks Little Sparks es quizá el trabajo más maduro, trabajado y melódico de los irlandeses Delorentos, una banda que con tres trabajos en sus espaldas desde 2007, han conseguido salir de sus verdes y gélidas tierras para soltar sus pequeñas chispas en España.

“Little Sparks” (Delo Records 2012). Delorentos han pasado por Toledo, Barcelona, Madrid, Mallorca, SOS 4.8 de Murcia y con shows aún pendientes en el FIB y Santander Music.

Suena el teléfono y contesta una inquieta voz. Es Rónan Yourell, guitarra y voz principal de la banda. Tras la nerviosa presentación por ambas partes, y una pequeña conversación donde me confieso fan de la banda y le agradezco su tiempo, empiezan las preguntas…

Tuve el placer de veros en 2007 en Roisin Dubh en Galway, presentábais vuestro disco “In Love With Detail”, y ya me enamoré de vuestro sonido y en concreto de vuestra canción “Stop”, llena de fuerza y potencia… Tras un disco más melódico, como es “You Can Make Sound”, nos habéis sorprendido con “Little Sparks”. ¿Es este último trabajo una síntesis de vuestros dos primeros trabajos, o es realmente la lógica evolución de una banda con ganas de trabajar?

Bueno, creo que definitivamente es la evolución y desarrollo de la banda. Creo que ahora nos encontramos inmersos en algo de mayor relevancia, más maduro, quizás algo más adulto y desde luego más serio, comprometido y asentado. Esto es algo que incluso nuestros fans han percibido. Creo que la temática que estamos tratando actualmente es mucho más personal, con lo que tanto el público como nosotros estamos más cómodos. Creo que ambas partes observamos una mayor autenticidad en este último álbum. Desde luego, nosotros estamos muy contentos ya que estamos haciendo lo que necesitábamos hacer, exactamente lo que queríamos hacer y eso es algo que indudablemente queda patente en la música de “Little Sparks”. Esto es algo verdaderamente importante para los cuatro integrantes de la banda así como para la música que desarrollamos. Ésto era exactamente nuestro reto en este trabajo… desarrollar nuestra imaginación y plasmar todas nuestras ideas con éxito y, honestamente, estamos satisfechos. La reacción del público parece estar yendo en esa misma dirección.

En España la acogida de la gente ha sido espectacular.

Tras tres discos y unos cuantos años en la carretera, habéis salido como quien dice del cascarón hace dos días pero después de curtiros sobre el escenario en numerosos conciertos entre 2011 y 2012 entrais en España como un vendaval. ¿Cómo ha sido la respuesta del público español?

Buah! Definitivamente una respuesta muy buena, muy potente…

Ha sido muy divertido y hemos sentido una energía muy positiva.

Ya habíamos tocado en España con anterioridad así que pudimos ver que había muy buen rollo y que “Little Sparks” podría tener muy buena acogida. Estamos muy contentos con la respuesta del público en general. La verdad es que estamos muy agradecidos.

Realmente nos sentimos afortunados. Cuando estuvimos en el SOS en Murcia tanto el trato, como el apoyo de la gente superaron con creces nuestras expectativas… He de decir que la reacción de los fans nos dejó atónitos y gratamente sorprendidos…

Me atrevería a decir que es probablemente la mejor actuación que hemos tenido el placer de disfrutar en toda nuestra trayectoria y de verdad que estamos muy agradecidos.

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Se dice que “Una pequeña chispa puede originar un gran incendio”… ¿Es esto quizá una alegoría de lo que ahora mismo está creando Delorentos?… ¿Algo grande?

Definitivamente, sí parece que algo está pasando. Hemos sido suficientemente ambiciosos como para lanzarnos a tocar en el extranjero, trabajar todo lo posible y dar lo mejor de nosotros mismos para difundir nuestra música. Esto nos ha conducido a participar en grandes festivales, con unas audiencias mucho mayores que hasta ahora. Todo lo que ahora está pasando, creo que podría deberse a que “Little Sparks” ha constituido un gran paso hacia adelante, un paso definitivamente positivo, y creo que esto se ha visto reflejado en todos los fans de aquellos países en los que hemos estado actuando, incluyendo España (risas). Tenemos muchísimas ganas de volver a España… Estaremos allí de nuevo en julio en el FIB (Festival Internacional de Benicassim) y esperamos ofrecer un buen show y disfrutar tanto como hasta ahora con la gente.

Habéis tocado en el SOS 4.8 de Murcia, en la sala “Moby Dick” de Madrid, en el anfiteatro de Barcelona (con un gran éxito en sendos conciertos)… Os espera FIB, Santander Music…, pero como artistas, como músicos, ¿qué preferís, la fiesta alocada de un gran festival o el contacto directo con la gente en una sala pequeña?

Bueno, como tú muy bien dices, ambas cosas son radicalmente diferentes… Al fin hemos tenido la oportunidad de ser partícipes de sendas experiencias y ambas son igualmente gratificantes…

En el anfiteatro de Barcelona, así como en la sala “Moby Dick” en Madrid pudimos disfrutar de ese contacto más directo del que hablas. La verdad es que poder ver las caras de la gente y sentir que formas parte de su fiesta, al tiempo que ellos participan activamente con la banda es una experiencia única…, realmente emocionante y muy especial. Por otro lado, participar en grandes festivales es también algo maravilloso. El hecho de que quizá veinte o treinta mil personas acudan a tu show resulta increíble y pensar en el hecho de que tanta gente se reúna y estén juntos para disfrutar de la música y compartir algo que aman y valoran, resulta increíblemente conmovedor. Es probable que a día de hoy pueda sentir cierta predilección por esos conciertos en salas más pequeñas, si bien es cierto que ambas experiencias son algo especial, único y muy importante y generan sentimientos igualmente diferentes, especiales y únicos.

Por último, agradeceros una vez más vuestro tiempo e interés y desearos muchos éxitos y todo lo mejor para el futuro pero, no sin antes lanzaros una pregunta reto: ¿para cuándo una canción en español? ¡Oh! ¿Una canción en español? Ojalá podamos hacerlo para el próximo álbum. La cosa es que “aprendo poco español” (risas).

Mucho me temo que debería tomar clases para tratar de mejorar un poco mis destrezas en este idioma porque soy consciente de lo mucho que me queda por hacer… Probablemente os sorprendamos en unos cuantos meses, después de todo tengo ayuda.

Muchas gracias, Ronan. ¡Os deseo lo mejor y mucha suerte!

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F O TO G R A F Ă? A A l e x a n d e r B a s i l e , to ta l lo o k C a r h a r t t W I P

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Love of Lesbian Texto Carla Linares

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La Noche Eterna. Los Días No Vividos Es el séptimo álbum Love Of Lesbian, grabado por Music Bus, subsidiaria de Warner Music, LOL nos muestra dieciocho canciones que conforman un doble disco centrado en la soledad dentro de la multitud, la noche y el anonimato dentro de una gran ciudad.

“La Noche Eterna. Los Días No Vividos” (MusicBus 2012).

Son pequeñas historias que transcurren entre el ocaso y la madrugada. Seres anónimos y noctámbulos que mezclan realidad y ficción y que se mueven entre la crudeza y el humor. “La Noche Eterna” nos cuenta todo lo que puedes llegar a vivir durante la noche, “Los Días No Vividos”, todo lo que dejas de hacer por vivir la noche. Santi Balmes nos da las claves del equilibrio de “La Noche Eterna. Los Días No Vividos”. Pasen y descubran las dos caras de la noche, la vivida y la soñada.

Love Of Lesbian, vuelve a la carga con su séptimo trabajo, un disco más crudo y enérgico que los anteriores. Un trabajo que nos ofrece las dos caras de la moneda de una misma realidad, la duda permanente, la expectativa ante el siguiente paso. ¿Qué nos vamos a encontrar en este nuevo “La Noche Eterna. Los Días No Vividos” (Music Bus 2012)? ¿Habrá cabida para temas más guitarreros, más rock, o para alguna “rareza”?

Pues… canciones, ¿no?. En “La Noche Eterna. Los Días No Vividos” nos encontraremos una colección de canciones que intentan hablar de lo que es la soledad urbana, que acontece dentro de los bloques de pisos. Haciendo un recorrido desde “La Noche Eterna” en que los temas hablan de lo que acontece desde ciertas horas de la madrugada hasta las horas más álgidas… Luego están “Los Días No Vividos”, que es como la otra cara de la moneda, todo lo que dejas de hacer, una vida imaginaria que no tienes porque has decidido vivir la noche.

Este disco no es como “1999”, que era un disco más centrado en un argumento. Sí que habrá algún quiebro, algún coletazo, yo creo que Love Of Lesbian es un grupo bastante “heterodoxo”, nunca nos hemos basado en un estilo…, digamos marmóleo, para nada…

Teniendo en cuenta las imágenes de las portadas, parece que estas imágenes refuerzan esa idea de soledad dentro de la multitud y me viene a la mente esa sensación que es el sentirse pequeño. ¿En qué momento se encuentran Love Of Lesbian? ¿Os sentís pequeños, grandes…?

Sí, sí, por supuesto, el diseño es complementario al disco, claro.

Hay cosas que no se explicar de las canciones, y me gusta que me digas eso, porque significa que con el diseño, con la imagen, también puedes complementar las letras, decir cosas que en las letras no has llegado a decir. Todas las canciones, excepto “Wio, Antenas Y Pijamas” que tiene una cadencia oscura, quizás más íntima, u otra que se llama “Nada” que rompe la continuidad de la “La Noche Eterna”, siguen un mismo hilo conductor, las emociones que genera el darse cuenta uno mismo que en el fondo siempre estás sólo en esta vida. En los últimos años, durante la última gira, nosotros nos hemos impregnado de una sensación de soledad, como de aislamiento. Hemos pasado mucho tiempo fuera de casa, viajando…, llegaba un momento en el que no sabías en qué ciudad estabas.

Este es vuestro séptimo disco, y el cuarto que facturáis en castellano, ¿se podría decir que ya habéis encontrado vuestro sonido propio y característico?

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Sí, sin duda, es un estilo en el que nos sentimos particularmente cómodos, pero no creo que sea definitivo. Yo siempre aviso de que nosotros somos un poco como niños, cuando de repente se cansan de un juguete y cambian a otro. Hay que hacer las cosas en el momento adecuado, y para mí el momento adecuado es justo antes de que te lo pida la gente. Pero sí que pienso que dentro de mucho o poco tiempo, habrá una necesidad de cambio de estilo.

Sorprende sin duda después de 3 años sin publicar ningún trabajo, esta vuelta con un disco doble bajo el brazo, dieciocho temas del tirón. ¿Por qué una vuelta tan a lo grande? Álbum doble, tres singles de presentación, tres portadas diferentes…

Bueno, porque creo que la gente, en una época de recortes, necesita dosis de generosidad y no tenemos un concepto “marketiniano” de discográfica mainstream, con un single para machacar durante meses en el mercado. Somos más de “guerrilla”… La verdad es que cuanto más generosos hemos sido, mejor nos han ido las cosas.

“La Noche Eterna. Los Días No Vividos” y de nuevo Ricky Falkner de Standstill a los mandos de la producción de Love Of Lesbian. ¿Cómo ha sido la creación del álbum? ¿Cuándo surgió la idea de hacer este disco?

Este trabajo surgió durante la gira de “1999”, fue sin duda una gira muy larga y eso ha hecho que haya tenido que escribir mucho en hoteles, de ahí lo de la soledad, la sensación de estar aislado de todo lo demás… Durante esta interminable gira no éramos realmente conscientes de ello, y mientras, poco a poco se iba gestando el disco. En cuanto a Ricky, poco podemos añadir que nos se haya dicho ya, es nuestro quinto disco ya con él. Sabe de Love Of Lesbian tanto o más que nosotros. Su trabajo a los mandos en el estudio es impresionante, su sentido del espacio es increíble.

Lo único que le pedimos para este disco es que el sonido fuese un poco más concreto, más contundente, que sonara más concentrado y creo que lo ha conseguido. Ya me dirás (risas).

Noche o día: ¿con cuál te quedas?

Bueno, yo diría que soy más de atardecer, de las horas que preceden a la noche. La noche tiene un punto, no sé, más salvaje, bailas, follas… Últimamente me siento más libre de noche, y disfruto con ella. Pero no sabría decirte con cuál me quedo exactamente.

Para terminar, Santi Balmes no deja de sorprender, recientemente hemos conocido también tu faceta como escritor de cuentos. ¿Cómo ha sido esa experiencia para ti? Si tuvieras que elegir entre cuentos y canciones, ¿por cuál te decantarías?

Todos son cuentos en realidad, ¿no? Unos musicales, otros son leídos… Con lo de escribir cuentos tienes a las editoriales metiéndote más presión para que escribas esto, escribas lo otro… Plazos y demás. Escribiendo canciones, no. Me gustan las dos cosas, porque realmente considero que no hay mucha diferencia entre escribir una u otra cosa.

Marcus Doo and the Secret Family Texto Javier Mielgo / FotografĂ­a Karlos Sanz

Passenger Marcus Doo And The Secret Family es una de esas bandas que desde la primera nota percibes ese toque especial de las sonoridades que te acompañaran el resto de tus días.

La caricia sincera, la mirada limpia y despejada, Marcus Doo en “Memorials”(2012) nos regalan cuatro temas donde la sinceridad de su concepto de indie–folk se sustenta en unas melodías que encuentran nuestra complicidad a base de sensibilidad, armonías cuidadas y canciones de corte intimista.

En marzo de 2012, y tras algún cambio en la formación, el grupo publica un nuevo trabajo en forma de EP bajo el título “Memorials”. ¿Cómo han afectado esto cambios en la banda a nivel sónico?

Es demasiado pronto para decirlo… Es un nuevo camino para la banda y todavía no hemos explorado todas las posibilidades. En todo caso, la música siempre evoluciona naturalmente, independientemente de los posibles cambios de formación; si no fuese así, no tendría mucho sentido hacer lo mismo una y otra vez. ¿La ausencia de Rocío ha sido dura para la elaboración de este nuevo EP? No porque es otro camino. Rocío es irremplazable, pero estas canciones surgieron en la banda que tenemos ahora, entonces no sentimos que necesitemos sustituir nada.

El material se grabó en los estudios Neo Music Box de Aranda de Duero y fue producido por el grupo y José Caballero, y masterizado por JJ Golden en Golden Mastering (California, USA). ¿Qué toques de color le notáis o encontráis en los temas de este “Memorials” respecto de vuestro anterior trabajo “The Magpie Returned The Ring”?

Grabamos y mezclamos el EP sólo durante una semana, y estábamos allí viviendo en la misma casa, comiendo juntos, tocando en la cocina por la noche. Esto nos dio una sensación como de que estábamos haciendo las canciones más entre todos y en el momento, sin la planificación que tenía el primer disco. Puede ser que el tono de las canciones sea más directo, más cercano, por eso.

En numerosas crónicas se os comparan con grupos de la talla de Chad Vangaalen, Daniel Johnston, Iron & Wine y Bon Iver… ¿Qué se siente al encontrar vuestro nombre al lado de tan grandes compositores?

Pues no sentimos mucho sobre esto, la verdad, porque las referencias que ponen los periodistas siempre dicen más de ellos que de nosotros, aunque por supuesto es un cumplido. Pero bueno, les dejamos las comparaciones a los que nos escuchan.

frágiles que se repliegan en un rico torrente emocional e instrumental que va in crescendo hasta un punto álgido.

Pero “There´s No Pain” parece abrir una nueva vía de investigación; es un tema sencillamente complejo, maravillosamente preciosista e introspectivo, con múltiples recovecos, ¿qué nos puedes contar de este tema?

El tiempo. Las adicciones. El tiempo con las adicciones. No hay dolor como el de aquellos a los que amas. No hay carga como la de los que te quieren. No hay más que decir sombre eso, no hay nada más que quiera decir…

Otro tema que brilla por su energía pop es sin duda “Little Boats”, un paso más. Un tema capaz de pegarse en tu memoria. ¿Es este tema un avance de lo que podremos encontrar en un larga duración, ya no muy lejano? ¿Por qué este giro arreglístico en vuestros temas?

La razón es que a la hora de grabar este EP no estábamos demasiado preocupados por el estilo entre las canciones. “Little Boats” salió de una forma muy natural y decidimos avanzar con ella sin miedo, adonde nos llevara… Esta fue la mentalidad del EP. Vamos avanzando sin saber muy bien cual es el destino.

Me imagino que tendríais varios temas entre los que elegisteis los cuatro que lo conforman, ¿cuál fue la idea para realizar la selección? ¿Probasteis algún tema en directo previo al EP? ¿Cómo os habéis planteado la gira de presentación?

Cuando estábamos tocando en los ensayos estas cuatro fueron las que tenían un cuerpo más definido, aunque estuvimos trabajando también en otras ideas e historias. “There’s no Pain” la tocamos alguna vez en directo antes de grabarla, y fue cambiando durante ese proceso. La gira nunca acaba y es como siempre: con muchas ganas y muchas pruebas de sonido.

En directo tenéis la costumbre de ofrecer un espectáculo muy emotivo e intenso que no está al alcance de otros grupos. ¿Cómo os preparáis y qué tenéis que decir sobre vuestros conciertos?

Gracias por estas palabras. Realmente no nos preparamos de ninguna forma especial para las conciertos. Ensayamos con regularidad y la banda está en forma.

¿Para cuándo el segundo largo duración de Marcus Doo? ¿Estarán los temas de este “Memorials” en él?

“Memorials” es lo que es y no queremos repetir nada. El segundo ¿Qué nos ofrece el citado nuevo EP “Memorials”? Comen- disco va a salir gracias a estos pasos que estamos dando ahora, tadnos un poco el estilo del mismo, los matices de las can- pero “Memorials” tiene un sentido de pasado. El futuro será otra cosa. Así es la vida. ciones, vuestras referencias.

El EP son cuatro canciones de personajes muy diferentes, de paíPor si nos hemos dejado algo en el tintero. Comentadnos lo ses y de tiempos muy diferentes hablando sobre un tema común que os apetezca, bien en torno al grupo o cualquier otra cosa. como es la memoria. La gran importancia de tenerla y el gran En algún momento, todo tiene que enfriarse, todo tiene que deslujo que es perderla. mantelarse, otra vez todos vestidos y discretos, pero mis pensa“I’ll Take Warmth From Anywhere (Abigail)” sigue o par- mientos de ella todavía siguen existiendo hasta el alcance final te de la línea de vuestro anterior trabajo, melodías dulces, de la memoria.

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Mishima Texto Patrizia Loru

L’Amor Feliç Dos años pasaron desde la última entrega discográfica de Mishima, grupo catalán que lidera el intelectual David Carabén. “L’Amor Feliç” es el título de su sexto disco y llega cargado de reflexiones sobre la posible existencia del amor romántico.

“L’Amor Feliç” (El Amor Feliz) (Sones 2012). Sonidos que muestra los signos de la madurez inteligente, fruto de doce años de trabajo, sin duda alguna, muy bien llevados. La canción catalana siempre existió, pero Mishima le ha dado una vuelta de tuerca llevándola, incluso ante su propia sorpresa a las listas de éxitos radiales. ¿Cuál diríais que fue la génesis de vuestro nuevo disco, “L’Amor Feliç” (Sones 2012)?

David Carabén: Con la gira de “Ordre i Aventura” (2010) crecimos mucho como banda, especialmente al incorporar a Alfons Serra y Xavi Caparrós en la sección rítmica. Ese disco lo presentamos en unos ochenta conciertos, tras los cuales tuvimos la idea de grabar un EP inspirado en uno de The Divine Comedy, “A Short Album About Love” (1997). En esos días estaba leyendo mucho sobre el origen del amor romántico y tuve la idea de un disco corto con seis canciones de amor para editar en Primavera.

Luego, ese EP no lo sacamos, pero los temas fueron el tronco para este nuevo disco. ¿Qué fue lo que llevó tu inspiración por el camino del amor romántico?

DC: Como compositor, muchas veces traduzco canciones como ejercicio, hago versiones, me sirve para mantener musculada la mente y saber cómo diversificar, tratar la información y meterla en el tiempo, que es lo que tienes que hacer cuando escribes una canción. Justamente había hecho una versión de Georges Brassens, “Il n’y as pas d’amour horeux” (no existe amor feliz), que adapta un poema de Louis Aragon. Mis padres escuchaban mucho a Brassens; además, tengo un amigo muy fan que me iba pasando sus discos, y esa canción me gustaba mucho, especialmente una versión maravillosa de Françoise Hardy, esa canción habla del amor romántico de una forma muy clara. Por otra parte, en la misma época leí un ensayo de Joan Fuster, que explica que el amor romántico tiene su origen en el siglo XII. Esa era justamente una conversación que tenía con un amigo, con quien hablábamos de que el amor es un producto cultural, que no es una cosa de los seres humanos, sino que nos lo hemos inventado.

Fue por todo eso que empecé a leer sobre el tema y, como sucede muy a menudo, cuando llegas a la máquina de componer acaban por salir tus inquietudes del momento, por eso el disco está empapado de estos temas.

Con esos antecedentes, ¿por qué crees que el amor romántico se merece esta especie tributo que es vuestro nuevo disco?

DC: Es interesante porque el origen de las canciones está ligado a él. En definitiva, yo estaba buscando el origen de la canción popular. En uno de esos clásicos del origen del amor romántico, “El amor y occidente”, de Denis de Rougemont, el autor cuenta que el concepto viene de la poseía trovadoresca que, en occitano –el idioma madre del catalán–, comenzó a cantar al amor. Por eso, de algún modo, el catalán está en el origen de la canción romántica, y esto tiene que ver con mi tradición cultural. El trovador produjo una revolución al sustituir a dios por la mujer amada.

Rougemont dijo que esto es una herejía y que el amor romántico, en definitiva, es una confesión velada del deseo de muerte.

Con tu recorrido queda claro que la idea del amor romántico tiene un pasado oscuro pero, ¿crees que tiene un futuro?

DC: En realidad, lo que es sano es planteárselo, ver que todos queremos encontrar el amor y ser felices. El amor feliz es una especie de cumbre de nuestros deseos y lo interesante es plantearse por qué buscamos eso, establecer los límites de esta búsqueda y ver cómo nos sentimos cuando lo encontramos, cómo reaccionamos. Yo creo que sí, que el amor romántico existe, sólo que dura poco y que lo buscamos en una categoría ideal. Es un ideal, igual que ser rico o ser guapo: lo intentas y estamos aquí para conseguirlo. Es la zanahoria que va siguiendo el burro para avanzar.

En cuanto a lo musical, ¿consideráis que habéis introducido novedades?

DC: Con la gira del disco anterior, fortalecimos la sección rítmica y dimos muchísimos conciertos. Crecimos como banda y ya incluso para la composición de los temas tuve en cuenta las nuevas posibilidades. En cuanto a los arreglos de los temas, los hemos trabajado de una forma más ambiciosa, teniendo en cuenta elementos a los que tradicionalmente no prestábamos atención, como la textura, la dinámica de las canciones, las subidas y bajadas de intensidad.

Retomando el tema del catalán, da la impresión de que su uso musical incluso fuera de Cataluña se ha naturalizado…

DC: Se vive de la forma más natural del mundo. Vivimos en un país libre y quien quiere venir a los conciertos viene y quien no, no. Yo creo que cualquier persona con sensibilidad artística entiende perfectamente que cantes en tu lengua, y a mí mismo me gusta que un grupo islandés cante en su idioma, por ejemplo, porque escuchas otra música, otro acento y entiendes cómo vive otra gente. Claro que siempre hay un sector de gente al que le supone demasiado esfuerzo. El idioma es un instrumento para comunicarse y hay que utilizarlo en el mundo de la música con sentido. Además, a mis canciones le va muy bien el catalán, les da una capa de autenticidad, simplemente porque es mi lengua, hablo mucho en primera persona y porque el “yo” que canta soy yo. ¿Cómo ha recibido vuestro público a “L’Amor Feliç”?

La gira se abrió en Girona delante de mil doscientas personas y fue impresionante, al igual que en Mataró, un día después. Lo chulo de este disco es que hemos notado mucho las ganas de la gente de una nueva producción. También hemos comprobado la diversificación de nuestro público, que es muy variado: hay gente muy joven, treintañeros, cuarentones, etc. Lo nuestro no es una moda. Además, el disco se está vendiendo muy bien, incluso llegamos al puesto número nueve las listas de éxitos. Nunca nos habíamos planteado la posibilidad de que entráramos en ellas o que tuviéramos que pensar en nuestra música teniendo en cuenta eso. Y es un auténtico privilegio, una pasada.

Supongo que eso habla muy bien del público…

Claro que sí. Y ha contribuido muchísimo el éxito de Manel u otros grupos catalanes que han abierto las orejas de mucha gente a nuestra lengua y bandas como Love of Lesbian, que han encontrado un público de forma masiva. Todo ha ayudado.

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Acción Cultural

Encontro de Artistas Novos

y otros agentes culturales como comisarios, críticos, etc.

Generando el caldo de cultivo adecuado para conocer la realidad del arte contemporáneo.

La Fundación Cidade da Cultura de Galicia, a través de su Departamento de Acción Cultural, convoca la segunda edición del Encontro de Artistas Novos “Cidade da Cultura”que tendrá lugar entre los días 9 a 14 de septiembre de 2012 en la Cidade da Cultura de Galicia.

Esta convocatoria, con carácter anual, continúa en su segunda edición su andadura como parte del programa de actividades de dinamización de la actividad artística de la comunidad mediante la apertura de vías de diálogo con jóvenes creadores nacionales e internacionales.

Durante seis jornadas, el complejo cultural del Monte Gaiás, se convertirá en escenario de intercambio donde reflexionar sobre aspectos esenciales de la creación artística contemporánea, y aspectos más concretos relacionados con la construcción de una obra y su proyección en el mundo real.

La primera de la jornada abrirá sus puertas el domingo 9 de septiembre dando paso al grueso de las jornadas durante las cuales se podrá realizar un recorrido por las principales infraestructuras del territorio gallego dedicadas al arte contemporáneo como son la propia Ciudade da Cultura de Galicia, CGAC de Santiago de Compostela, el MACUF de A Coruña o el MARCO de Vigo.

Pero estas jornadas también servirán de punto de encuentro, entre jóvenes artistas gallegos y los procedentes de otros lugares. Generando un interesante foro donde se podrá conocer de forma pormenorizada la situación actual del Arte Contemporáneo.

Sin lugar a dudas este II Encontro de Artistas Novos “Cidade da Cultura” proporcionara un espacio de encuentro e intercambio de conocimientos e ideas entre artistas

La participación en el II Encontro de Artistas Novos “Cidade da Cultura” estará sujeta a la obtención de una de las cien plazas que incluyen la matrícula de inscripción, la estancia en el complejo Monte do Gozo, manutención, así como los traslados al recinto de la Cidade da Cultura de Galicia y las visitas programadas a las diferentes instituciones museísticas.

Dentro del programa se incluye el Foro abierto, donde, todos los asistentes deberán participar exponiendo sus propios proyectos artísticos a través de breves presentaciones públicas.

Como punto de encuentro, y entendiendo que es necesario establecer redes de intercambio entre artistas y agentes del sector, con el fin de estimular la colaboración mutua, la segunda edición del Encontro de Artistas Novos “Cidade da Cultura” incorpora una nueva figura: los Art Followers, observadores o todos aquellos comisarios, críticos o editores, que no sólo están al corriente de la actualidad artística, sino que la proyectan interactuando con ella y los creadores emergentes que la construyen. Entre ellos destaca la participación de Tania Pardo, Sergio Rubira, Javier Díaz Guardiola, Laura López Marín o Manuel Segade. Entre los artistas que participaran en este segundo encuentro podemos encontrarnos con Pablo Valbuena, Montserrat Soto, Santiago Ydañez, Cristina Lucas, Carlos Maciá o Cristina De Middel.

Más Información encontro@cidadedacultura.org www.cidadedacultura.org/programacultural

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Espacio km.0 Miguel Cococrash Levi’s® en Espacio km0 de Lados Mag nos muestra el trabajo de Miguel Cococrash, uno de los artistas seleccionados por la marca para la realización de una de sus obras tomando como elemento base la cazadora tejana “Trucker”, uno de los símbolos identificativos de Levi’s®. En breve podrás ser partícipe de todo el proceso de creación de la obra de Miguel Cococrash en: www.ladosmagazine.com.

Miguel Cococrash, después de pasar algunos años en Reino Unido donde participó en exposiciones en la Radio Gallery del Toynbee Hall bajo el nombre “My name is Peter”, regresa a Madrid, donde colabora fundamentalmente con diseñadores de moda y grupos de música, haciendo ilustraciones para La Casita de Wendy o dibujando la portada del disco de Dorian “El Futuro No Es De Nadie”. Ha realizado exposiciones con el colectivo Cococrash, del que proviene su nombre artístico, y exposiciones individuales en el Espaciovalverde y en la Casa de la Carne de Carlos Díez.

Su técnica autodidacta se basa en la experimentación con acrílicos, gouaches, acuarelas y rotuladores sobre papel, madera o lienzo, el collage fotográfico o vegetal para crear un universo colorista y extraño habitado por figuras oníricas e ingeniosas y seres que son a la vez malos y buenos.

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Staff Coordinador General José Ugidos lados@ladosmagazine.com Redactor Jefe J. M. Fernández Diseño P.A.R www.p–a–r.net hello@p-a-r.net Asesor Gastronómico Jesús Ramiro Flores Asesora Moda María Mateos

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