lados mag issue # 26

Nยบ 26 the staves, yo la tengo concrete knives, eels, rosa barba phoenix, lori meyers, lรณpez munuera, villagers thalia zedek, yani como, quique gonzรกlez foals, the joy formidable, andrew bird pauline en la playa

índice Fotografía por Susana Romero. Retoque fotográfico por Ramon Fuguet (www.digital.fuguet.org).

Alejandro de lori meyers

foals eels yani como rosa barba phoenix lori meyers discos artelados concrete knives lópez munuera

Noni de lori meyers

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Alfredo de lori meyers

villagers thalia zedek km.0 yo la tengo the staves quique gónzalez pauline en la playa the joy formidable andrew bird shopping

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Al principio de vuestra carrera tocabais en fiestas salvajes en casa de amigos. ¿Qué recordáis de aquella época y qué supuso el primer disco?

de los dos singles de presentación que se han editado sean representativos del sonido del disco, puesto que este esconde una gran diversidad de texturas y de matices. En algunas canciones solamente aparecemos Jimmy y yo, sin el acompañamiento de la batería, y es como una vuelta a lo esencial. Pero después encuentras temas contundentes como “Inhaler”, así que podemos decir que hay muchos tipos de elementos en el álbum. Me resulta muy complicado explicarlo, aunque al escucharlo, siento que es un disco con una gran paleta de colores.

Tocar en ese tipo de fiestas fue la manera que empezamos como banda, así que guardamos unos recuerdos maravillosos. Eran una locura increíble. Por ejemplo, una vez estábamos tocando en una casa de unos tíos en Mánchester y creíamos que el suelo iba a hundirse…

Nunca olvidaremos aquella época ni el primer álbum porque todo era nuevo para nosotros. Fue la primera vez que los cinco tuvimos la oportunidad de re-

El álbum ha sido producido por Flood and Alan Moulder, un dúo que ha trabajado con artistas como U2, New Order y Nine Inch Nails. ¿Podrías contarnos cómo fue la experiencia de colaborar con ellos y alguna anécdota de la grabación?

Fue un placer enorme trabajar con Flood y con Moulder. Para que te hagas una idea, Flood es como el director y Moulder es más como un doctor. La mayor parte de las sesiones de “Holy Fire” fueron en directo y, durante las primeras semanas, ellos nos animaron a grabar las canciones como si estuviésemos preparando

foals el fuego sagrado del rock — De vez en cuando aparece una banda

predestinada a revolucionar el circo de la música y convertirse en un icono generacional. Todos afirman que el secreto consiste en estar en el sitio adecuado, en el momento oportuno y tener un sonido novedoso, aunque son muchos los candidatos al trono y sólo uno el elegido. Este parece ser el caso de Foals, un quinteto de Oxford que mezcla el rock de guitarras afiladas con todas las influencias imaginables. Recientemente han presentado su tercer álbum y hemos hablado con Yannis Philippakis, su cantante, para descubrir qué esconden las nuevas composiciones.

Texto por David Moreu. correr el mundo y, en cierto modo, seguimos siendo la misma banda. Puede que ahora hayamos crecido, pero eso también hace que tengamos una idea más clara de qué queremos lograr con nuestra música.

En varias entrevistas he leído que os gusta mucho viajar y que para este nuevo trabajo incluso fuisteis a Australia para grabar las maquetas del nuevo álbum. ¿Cómo fue esa aventura por las Antípodas?

Fue un viaje espectacular. Hicimos varias sesiones de grabación en una isla a la que solamente se puede acceder en barco y que está poblada, casi en su totalidad, por arañas. Creemos que es importante alejarnos de la ciudad y de nuestros ambientes habituales para tener la oportunidad de grabar en sitios distintos.

El nuevo álbum se titula “Holy Fire” (Warner, 2013) y tiene un sonido mucho más sucio que los dos anteriores. ¿Qué sorpresas nos deparan sus canciones?

Podéis esperar once nuevos temas que suponen una clara progresión en nuestra discogra!a. No creo que ninguno música

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una simple maqueta. Esa mentalidad nos ayudó a tocar de una manera mucho más natural, sin la preocupación de que todo sonara perfecto.

Gracias al éxito de la canción “Spanish Sahara” en 2010, habéis creado cierto suspense para el lanzamiento del nuevo álbum. ¿Os gusta ser misteriosos con vuestros seguidores?

Es bonito aportar un poco de emoción porque las cosas se han vuelto muy predecibles, es como si existiera una plantilla y muchas bandas se limitan a seguirlo. Es interesante romper los esquemas de vez

ido creciendo mucho en los conciertos, pero de una manera distinta a cómo lo hicieron “Hummer” o “Cassius”. Siempre habrá grupos de rock con guitarras, aunque solamente volverá a estar de moda cuando algún gurú mediático de West London diga que se trata de lo último.

Todo tiene que ver con la visibilidad de la música, más allá de si es excitante o no.

A veces, los momentos más emocionantes en la historia del rock de guitarras han sucedido cuando nadie le prestaba atención al género. Cuando la gente dice “vivimos en el reino de las guitarras”, entonces es la época en la que salen los peores discos.

En marzo tocaréis en el Royal Albert Hall de Londres, un lugar emblemático gracias a los conciertos de Led Zeppelin y The Who. ¿Cómo afrontaréis esa noche tan especial?

Ahora que estáis embarcados en la promoción del disco, ¿podrías contarnos cómo se viven los cambios de la industria musical desde dentro?

Para terminar la entrevista, ¿qué planes tenéis para este año y qué bandas nos recomendáis?

en cuando, aunque no sabemos cómo evolucionarán las cosas en el futuro, es una sensación excitante porque nos aburrimos muy deprisa de las cosas. ¿Crees que los artistas deben romper las normas para llegar a un público más amplio?

No, simplemente creo que el secreto es escribir buenas canciones. Algunas bandas reciben más atención de los medios de comunicación por el hecho de romper las reglas, pero eso sólo es un hecho puntual que no tiene repercusión en el futuro. En Youtube circula una entrevista

con los hermanos Gallagher que resume perfectamente este tema. Te recomiendo que la busques, por cierto, yo estoy de parte de Noel.

La industria discográfica está jodida, todo está cambiando y la gente está perdiendo sus trabajos. El hecho de que HMV esté cerrando sus tiendas en Inglaterra hará que las cosas empeoren todavía más. Nosotros nos sentimos muy afortunados de poder grabar música, además de tener un mánager y un sello que entienden perfectamente lo que queremos hacer, sin querer cambiar nuestra manera de ser.

Vuestras canciones mezclan el rock con la música rave y dance. ¿En qué territorio os sentís más cómodos? ¿Estamos presenciando un resurgir del rock de guitarras?

Nunca pienso en esa diferencia cuando estoy en un escenario tocando. La reacción del público es lo que realmente marca mi nivel de diversión y, a veces, los géneros musicales son irrelevantes. “Inhaler” ha foals

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En giras anteriores hemos tocado en lugares como The Brixton Academy y en otras salas que forman parte del circuito habitual. Al final acabas tocando en los mismos sitios que el resto de bandas. Por eso queríamos hacer algo especial, será inolvidable tocar una noche en ese espacio majestuoso. Además, no creo que sea una experiencia que se repita.

Estaremos de gira hasta que no quede ningún lugar para visitar. Por lo que a artistas se refiere, me gustan bastante Petite Noir, una banda de Oxford que se llama Solid Gold Dragons y Jagwar Ma de Australia.

También me han llamado la atención los adelantos de Savages y Palma Violets.

www.foals.co.uk

eels Texto por Miguel Díaz y Carla Linares. Fotografía por Rocky Schenck.

A estas alturas no creo que nadie dude de que Mark Oliver Everett es un genio. Después de la trilogía formada por el excelente y visceral “Hombre Lobo” y los más irregulares y eminentemente acústicos “End Times” y “Tomorrow Morning”, “Wonderful, Glorious” (E Works/ Vagrant, 2013), su décimo álbum de estudio, captura de manera brillante sus señas de identidad. El blues aguardentoso de “Hombre Lobo”, el órgano Casio de “Beautiful Freak” o la centelleante inocencia agridulce de “Blinking Lights And Other Revelations”, aparecen en un disco que crea algo nuevo con los mimbres del pasado.

sica de Eels también tiene un componente moody, malhumorado y fiero. Porque E también puede estar listo para pelear si es preciso.

“Wonderful, Glorious” suena a todo esto y más. No es un disco redondo, pero sí un disco de notable alto. El propio E, en plena promoción europea del álbum, nos llamó por teléfono para contárnoslo. Y aunque su música sea manifiestamente más elocuente que sus palabras, el artista nos dejó huellas de su genialidad así como de su seco y particular sentido del humor…

no me parece una canción melancólica.

Me parece una canción también esperanzadora y triunfante. No sabemos cómo termina la historia. Él no está “fuera de la carrera” y ha hecho todo lo que podía para ganar”.

Unos de los mejores momentos los podemos encontrar tanto en “On The Ropes” como en la bella y atmosférica “The Turnaround” en las que aparecen elementos de “supervivencia” con los que sería fácil relacionar al artista… “En realidad esta canción no es una historia sobre mi, no es autobiográfica. Pero hay cosas en ella con las que me puedo relacionar. De hecho es algo con lo que todos nos podemos sentir identificados en algún momento de nuestras vidas. Si eres inteligente puedes hacer un esfuerzo para dar un giro a tu vida”.

En el intento siempre inútil de entender al Musicalmente hablando, se trata de un álbum genio parece obligado, en su caso, mencionar muy variado, quizá el más diverso de su carresu biogra%a. Si estás leyendo estas líneas, es ra. Hay blues-rock (“Stick Together”), ritmos muy probable que hicieras lo propio con “Co- de batería distorsionados (“Peach blossom”) sas Que Los Nietos Deberían Saber” (Blackie e incluso aproximaciones a la psicodelia en “I Books, 2008), el libro donde Mr E daba buena Am Building A Shrine”, que recuerda un poco cuenta de su azarosa existencia y cómo, gracias a Rocky Erickson…“Bueno, es sólo la música Me parece entonces un buen momento para a la música, consiguió sobrellevar la tragedia. que nos apetecía hacer. En realidad no en- mirar al pasado y confesarle cuál es mi canEntre otras, la desaparición de su padre, el suicuentro ninguna relación entre este disco ción favorita del grupo. Está, por supuesto, en cidio de su hermana y el cáncer de su madre y los nueve anteriores” “Hombre Lobo”, y se titula “Beginner’s Luck”. que forjaron aquel oscurísimo “Electro-shock Por su letra me parece una de las mejores canBlues” (1998). Y es que nada como ese libro En cuanto a las letras, Everett suena fiero, in- ciones jamás escritas para ligar…“But now I resume de manera tan gráfica la capacidad del cluso un poco “broncas” a veces (“Don’t mess found you and I know that we will be/ so artista para sobreponerse a los golpes de la vida. up with me/ I’m up for the fight”, canta en very happy, if you could only see/ that I “¿Sabes lo que es caer al suelo/ llorar todo “Kinda Fuzzy”). Así, los ritmos alegres a veces was made for you and you were made for lo que tienes dentro / hey, tío, ahora estás contrastan con un tono duro (como en el single me”. Mr E ríe por primera vez en la entreviviendo de verdad? ¿Has hecho alguna “New Alphabet”), como si el artista lo hubiera vista. “¿Canción para ligar? (risas). No sé. vez el amor con una chica bonita? / te hizo hecho a propósito. “Al principio salió de manera No con!o en mis canciones para eso. Sólo sentir que el mundo no es tan horrible / inconsciente, pero tengo que decir que he con!o en mi encanto personal (más risas).” hey, tío, ahora estás viviendo de verdad”. sido un luchador. Es una parte importante de mi “maquillaje” como persona. Y por No puedo evitar terminar el artículo sin recoNecesidad o no, Mr E se ha ido reinveneso aparece en las letras” mendar, si es que alguien aún no lo ha leído, el tando una y otra vez a si mismo. Así, “Dailibro “Cosas Que Los Nietos Deberían Saber”, sies Of The Galaxy” (2000), grabado en El componente agridulce marca de la casa apa- de obligada lectura para todos los fans de la el sótano de su casa, fue el contrapunto rece en “On The Ropes”, una de las mejores música. Le pregunto si, desde que lo publicó, luminoso y optimista a “Electro-shock letras del disco, y en la cual el E ¿ficcional? dice hay algo más que le gustaría decir a los nietos.

Blues”, y con “Souljacker” (2001) llegaron no estar noqueado, pero sí contra las cuerdas.

“Sí, voy a tener que escribir una secuela la barba kilométrica y las pulsiones hard“Me queda lucha suficiente dentro de este llamada “Cosas Que Los Bisnietos Deberockeras, incluso desafiantes. Porque, a corazón cansado/ quizá no consiga todo rían Saber (más risas)”. pesar de esa fama de “Mr Nice Guy”, del lo que arriesgo/ pero soy un hombre que chico que se enamora de la chica con nosiempre sale adelante”. Le pregunto si se vio, como en la preciosa “That Look You trata de la canción más melancólica del Give That Guy” (“Hombre lobo”), la múdisco… “Aunque hay una tristeza en ella, www.eelstheband.com música

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eels

yani como Texto por Miguel Díaz. Fotografía por Juan Pérez Fajardo.

No me cansaré de escribir que Yani Como es uno de los grupos más infravalorados de nuestra escena indie. Su disco “13 Maneras De Reparar Un Corazón” (precioso título), con su nostalgia y sus historias sobre relaciones truncadas a golpe de melódico indie-pop de guitarras, fue mi compañía perfecta en andenes y estaciones de tren cuando aún estudiaba.

Desde su posición de fans de la música en general, curtidos en mil batallas parece que hubieran estado mirando los toros desde la barrera. Pero, tras el notable “Nada Es Lo Que Parece”, “Eso Sí Que Lo Sé” (Art de Troya, 2012) contiene la suficiente inspiración y buenas canciones como para colocarles por fin en el lugar que se merecen. Javier Ajenjo, cantante y principal compositor de la banda, nos lo presenta.

Antes de hablar de las canciones, háblame un poco del proceso de composición. Porque si bien es cierto que sois un grupo básicamente de pop de guitarras, el violín de Alma tiene cada vez mayor importancia en vuestras canciones, llevando el peso de la melodía en varios temas. ¿Cómo trabajáis?

El violín es una parte di!cil, no es como una guitarra. A veces intentamos que música

lleve un poco la parte “directora” de la canción, de la melodía, y otras que sirva como apoyo, como colchón de las melodías. En cualquier caso, es la parte más trabajada, es di!cil hacer que no suene repetitivo, que no suene el mismo sonido. Además, se ha convertido en nuestro toque de distinción, absolutamente. No creo que haya ningún grupo que tenga el violín como un instrumento principal.

Para nosotros, es una parte fundamental de la épica de las canciones y de la banda, y creo que nos ha distanciado de las bandas habituales.

Por ejemplo, el violín del final de “Relojes” me parece ciertamente eufórico.

La verdad es que es un tema que crece mucho, y el final es muy bruto, es como si llegáramos a un éxtasis al final, que es importante para la canción. La idea de “Relojes” es que el tiempo corre, que cada vez corre más deprisa y el violín refleja perfectamente la idea de la canción.

En cuanto a las letras, parece que has pasado a escribir más en primera persona que nunca, por ejemplo cuando hablas del “beso en Moby 08

Dick/ sonando Pimodán” en “Eso sí que lo sé”. ¿Es tu disco más autobiográfico?

Sí, claro, por ejemplo “Eso Sí Que Lo Sé” habla toda de una relación y de una persona en concreto. De las cosas que han quedado ahí, como posters que han quedado puestos en la pared. En general, en este disco me he desprendido de la “tercera persona”, que igual ha estado más presente en nuestro material anterior.

Ahora sí estoy escribiendo en primera persona, y hay mucho de autobiográfico, pero hay mucho también de esa sensación que tenemos toda la banda, y yo el primero. Esa sensación de que faltan “discos políticos”. Nos ha salido sin querer un disco tremendamente “político”.

No por la política en sí, porque no somos ni de políticas ni de ONGs ni nada, sino porque creo que refleja bastante bien la sensación que vivimos en general. El tratar de escapar, reflexionar sobre nuestro alrededor, darnos cuentas de cosas que antes ni se nos pasaban por la cabeza, porque todo iba maravillosamente… ¿Quién es la chica de la agridulce y muy deudora de Teenage Fanclub “Volea Plegable”?

Porque no sale muy bien parada…“De cuando en cuando las personas / que parece que te quieren/ ya no están”, cantas en ella.

Pues mira, en cierto modo habla de mis sentimientos hacia alguien. Es un reproche que me hago a mí mismo, en plan “Coño, tenía que haber estado allí”.

Creo que va perfectamente con la idea de la volea, un golpe que siempre va a volver. Hay una persona que es la que me lo dijo: “Nunca estás”. Y sí, cuando te necesitan, pues a veces no estás.

que filtrar todo lo que nos pasa sería terriblemente complicado. Igual que en “Volea plegable”, cuando nos necesitan no estamos, en este caso es todo lo contrario. Pensabas que nunca iba a ser igual, y nunca les ibas a volver a ver, y nunca ibas a tener una relación, y de repente pasa. Es una canción que a mí también me gusta mucho. Y que, de hecho, no iba a estar en el disco, porque es bastante diferente a lo que venimos haciendo, pero luego sí lo vimos. Vimos que es exactamente lo que decías, un rayito de luz dentro del álbum. Nos ha gustado cómo ha quedado, la hemos dado una vuelta de cómo estaba planeada antes de grabar, y al final se ha demostrado que tenía que estar.

Está claro que, en vuestras canciones y vuestras reflexiones, sigue habiendo frases duras y nostalgia. Pero a veces es una nostalgia más optimista. Por ejemplo, en “Cortometraje”, mi canción favorita del disco, cantas “Y después de tres vidas te encontré/ un regalo sorpresa fue volverte a ver”. ¿Estás de acuerdo?

Pongámonos a soñar, ¿con qué grupo te gustaría tocar en el escenario principal en Sonorama…2018?

Sí, es una canción más positiva. Habla sobre cosas inesperadas. Creo que, en el peor momento y cuando más jodidos estamos, que ya no podemos ir más abajo, de repente pasan cosas que no te esperas, y que te hacen volver a creer, a pensar y supongo que a estar vivo. Si tuviéramos

Hay muchísimos, pero vamos, yo siempre lo he dicho, y quizá a base de pensarlo e intentarlo me gustaría algún día telonear a Radiohead. Así que si algún día sucede ese milagro…Pero vamos, nosotros vamos a tocar este año por segunda vez desde que empezó el festival, y creemos que lo

yani como

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más importante es que una banda lleve su camino, y que llegue a donde tiene que llegar por sí misma. Y creo que es lo que hemos hecho.

Para terminar. ¿En qué punto está Yani Como como banda?

Que te conozca más gente es estupendo, pero decíamos esta tarde que somos una banda feliz, que somos capaces de gestionar cómo entendemos la música, alejados y a la vez cerca de todo esto. Consideramos que somos unos privilegiados.

Este año estamos creciendo como banda, vamos a tocar en el Low Cost, que es un festival donde nos apetecía estar, rodeados de bandas muy chulas. Vamos a hacer algunos bolos, y también para un grupo como nosotros es muy importante telonear a una banda que pueda meter a 1.000 personas. En definitiva, somos una banda bastante feliz, a pesar de nuestras canciones y de nuestra forma de reivindicar la vida.

www.yanicomo.es

MÚ S IC A

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PROF IL E

arte

entrevista

rosa barba Texto por Beatriz Ahijón.

Un lugar para un único individuo — Rosa Barba inaugura exposición

en MUSAC (León) bajo el título de Un lugar para un único individuo. Su obra ha sido anteriormente expuesta en otros lugares de la geografía española, desde Barcelona (La Pedrera) a Málaga (CAC), pasando por Madrid (CA2M, MNCARS). Formada como artista en Alemania con estancias en Hungría, Países Bajos, Austria, Suecia y Estados Unidos, sus creaciones han podido verse en enclaves tan paradigmáticos de la cultura contemporánea como Tate Modern, Jeau de Pomme y Centre Pompidou, así como la bienal de Venecia. La carrera de esta consolidada videoartista fue reconocida con el premio Nam June Paik en 2010.

arte

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rosa barba

Barba es italiana de nacimiento (Agrigento, 1972), aunque su vida y su obra se desarrollan en Berlín. En sus creaciones explora las posibilidades que le brinda el celuloide para crear alegorías a partir de la obra %lmica.

“La obra sugiere discontinuidades, paradojas y requiebros dialécticos que nacen en el intersticio del proceso de creación de la imagen y sus metáforas.

Medios como el cine, la escultura, la instalación y el texto escrito se combinan para dar lugar al oxímoron y la ironía de un universo conceptual que desborda la realidad. “

Construir (el) espacio De niña, Rosa sentía la necesidad de crear imágenes y conjugar distintos tipos de narrativa.

La fotogra%a analógica y el vídeo fueron sus herramientas desde el comienzo. Por aquel entonces no se preguntaba por el significado de sus creaciones y mucho menos el porqué.

Simplemente, no podía parar de experimentar. Al principio, revelaba sus fotogra%as en la bañera. Más tarde, pudo construirse un pequeño estudio de revelado. Su trabajo en un cine durante sus años de estudiante fue una fuente de inspiración para comenzar a trabajar con volúmenes. Aislando los diferentes instrumentos y piezas integrados en la maquinaria de proyección, surgieron nuevos objetos que contradecían la lógica mecánica. Las instalaciones vinieron después, cuando empezó a estudiar arte y teatro y sus ideas comenzaron a expandirse en el espacio. La maquinaria retórica de Barba se pone al servicio de relatos subalternos.

“Documentales y sucesos aparentemente marginales cobran valor de documento histórico, más reales que los grandes acontecimientos políticos y económicos.

Obviadas en el relato oficial de la Historia, estas narrativas de lo cotidiano y lo fantástico cobran carta de naturaleza para explicar el tiempo que habitamos bajo la fórmula de la Postmodernidad.”

De hecho podría decirse que su obra se basa en el tiempo, en su doble vertiente en tanto que experiencia concreta y e%mera, y coordenada y concepto abstractos. El tiempo en la obra de Barba se vuelve sobre sí mismo, cual ritornello, para golpearnos por la espalda.

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A menudo, como ocurre en outwardly, from Earth´s Centre (2007), el punto de partida es un lugar real, en este caso la isla sueca Gotska Sandön, que cada año sufre un desplazamiento de aproximadamente un metro respecto de su actual ubicación. Sin embargo, la isla se convierte en el escenario de una ficción acerca de cómo anclar la isla al fondo marino. De este modo, se produce la transición de lo objetual a lo ideal, de lo real a lo fantástico, al tiempo que se evade la dimensión espacio-temporal. En Coro Spezzato (2009), obra premiada con el Nam June Paik en 2010, se encuentran implicados espacialmente diferentes coros por medio de la proyección de frases de estos coros, que hablan acerca de un nuevo futuro colectivo.

La instalación se convierte así en un archivo vivo de ideas, al tiempo que los ejes espacio y tiempo son de-construidos de un modo composicional.

Delicado equilibrio El ejercicio de equilibrio entre realidades opuestas como quietud y movimiento, materialidad y abstracción es un recurso formal y argumental en su obra, expresado a través de la combinación de distintos medios y la investigación de sus infinitas posibilidades.

“La idea que impulsa estas contradicciones es precisamente provocar la reflexión en el espectador, que percibe la obra no como algo terminado, perfecto y por tanto, desactualizado, sino como una especulación formulada en tiempo continuo.” Lo mismo ocurre con la alternancia dialéctica entre cámara como objeto %sico e imagen. Mediante su combinación y reformulación de sus presupuestos conceptuales, se parafrasea el proceso de construcción de la historia por el que un acontecimiento trasciende la eventualidad y pasa a los anales, convirtiéndose en un locus imaginario desde el que se explica la realidad. Las creaciones de Barba van en la línea rortyana; son un sarcasmo a propósito de las metáforas que dominan el verbo y el imaginario colectivos.

De este modo, el espectador se convierte en agente participativo del proceso de reflexión que toda obra debe entrañar. En tanto que objeto inacabado, la pieza sólo puede completarse gracias a la involucración de la mira-

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da de este espectador emancipado que le dota de sus últimos significados.

Un lugar para un único individuo Para su nueva exposición en MUSAC, Barba ha creado una obra site specific valiéndose de la arquitectura del museo y de su carácter móvil.

Su ubicación en una zona de tránsito abierta a diferentes patios, les confiere a los distintos espacios del museo involucrados una ambigüedad y una permeabilidad entre sí. La pieza se configura como un elemento de ligazón entre distintos ámbitos, gracias a la utilización del lenguaje, la topogra%a y el sonido. La película principal, que da nombre a la muestra, una grabación en 35mm tomada desde un helicóptero y que muestra vistas aéreas de caravanas que, desde el aire, parecen libros abiertos.

Un segundo proyector, situado en uno de los patios del museo, vuelca la imagen en el reverso de la misma pantalla en donde se proyecta la película del interior a través de una ventana.

La aparición de texto y la narración de una road movie completan la constelación de luz, movimiento y sonido. La artista juega con lo real y lo figurado, al tiempo que crea espacios ficticios, como también hace con Irreducible Relativity of Space, otra de las obras de la muestra que crea un lugar irreal en el patio por medio del impacto de la luz en una superficie cristalina. Parece que, una vez más, Rosa nos invita a participar de su particular atmósfera y a adentrarnos en sus metáforas. En MUSAC hasta el 9 de junio de 2013.

www.rosabarba.com

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phoenix Texto por Jaime Suárez.

Con “Wolfgang Amadeus Phoenix” (Glass note, 2009) ascendieron a la clase elitista del refinado y exquisito pop francés, posicionándose junto a bandas como Daft Punk o Air, palabras mayores.

Su esperado quinto larga duración presentado bajo el nombre de “Bankrupt!” (Glass note, 2013) nos devuelve a unos Phoenix superlativos donde su sonido más sintético se engarza con el pop de baile más guitarrero, mezcla perfecta para romper de nuevo todas las pistas y llenar festivales.

Lo cierto es que el talento de Phoenix es incuestionable, y que “Bankrupt!” es uno de los discos que más expectativas despertarán hasta que vea la luz el próximo mes de abril. Cargando con la responsabilidad de ser cabezas de cartel de los festivales más importantes, las esperanzas depositadas en la banda de Versailles son proporcionales al buen hacer que han demostrado durante los últimos años. Su nuevo álbum lejos de romper con todo, muestra una línea continuista que reduce distancias con la electrónica con un claro objetivo, superar el listón que marcó su anterior disco.

Si eres de los que desgastaron zapatilla bailando durante su actuación en aquel maravilloso Primavera Sound del 2009, si te emocionaste a su son viendo “Somewhere”, o si desgañitas tu garganta cantando sus canciones mientras amenizan tus veladas, te preguntarás que ha sido de ellos tras un tiempo sin tener noticias “Estos dos últimos años hemos tenido la oportunidad de descansar, cargar las pilas y sobre todo trabajar en el nuevo disco, somos muy meticulosos con el trabajo que hacemos”. Un paréntesis después de digerir todo lo que derivó el acierto de su anterior álbum, para respirar tranquilo, levantar la mirada y fijar las nuevas metas de su recién estrenado “Bankrupt!”. Y es que a diferencia

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de otros grupos capaces de abstraerse para Chinatown “Sí es verdad, cuando compones escribir entre concierto y concierto, los miemuna canción todo lo que se encuentra a tu bros de Phoenix se planifican a su manera, sin alrededor influye inconscientemente sobre prisas ni apreturas, buscando el momento idólo que haces, realmente cuando compones neo y el lugar apto para encajar todas las piees imposible abstraerte de lo que te rodea. zas que demandan sus canciones. “El último “Entertaiment” es un tema vitalista que trabajo nos ha mantenido muy ocupados. abre la puerta a nuestro trabajo para dar la Durante el tiempo que estuvimos fuera de vienvenida, “Entertaiment” son luces de casa no compusimos nada, es una regla no colores en una noche de fiesta”. Pero sin escrita. A lo largo de una gira son muchas olvidan sus raíces, y su idiosincrasia francesa, las emociones que se experimentan y aun- que también está presente en “Bankrupt!” como que quizás puedan favorecer el proceso en el estribillo de “The Real Thing” con un creativo, creemos que debemos explorar sonido un poco más oscuro como si Daft Punk esos sentimientos fuera de ella, encontrar pasase por la tourmix de Kevin Shields o en el lugar y el momento entre tanto viaje no “Bourgeious” y “Trying To Be Cool” uno de los es sencillo”. temas más exquisitos del nuevo trabajo… “Nos encanta el cine francés de los ochenta, esPartiendo de la base que “Bankrupt!” es un tamos condicionados por aquellas películas renovar espíritu y abrir nuevas ventanas a la que veíamos durante nuestra infancia, peinspiración este nuevo trabajo también sabe lículas que dejan un poso diferente al cine guardar la esencia de lo mejor de sus anteque vemos ahora. Este disco está impregriores trabajos y así declaráis a “Love Like a nado de sentimientos franceses y “Trying Sunset”, como una de las piezas angulares To Be Cool, es quizás una buena muestra de “Wolfgang Amadeus Phoenix” y que sin de esto, es sonido ochenta sin complejos”. duda podemos encontrar su alma inspiradora a la hora de concebir “Bankrupt!”… “Sin Para Phoenix “Bankrupt!” es cambio, un duda “Love Like a Sunset” es una canción nuevo camino que de manera dosificada los muy especial, nos costó mucho tiempo y de Versailles han ido desvelando. Y que una esfuerzo, recuerdo que tardamos alre- vez filtradas la portada y el setlist, las piezas dedor de dos años en terminarla, ofrecía exógenas de “Bankrupt!” se esbozan aires muchas posibilidades, muchas variantes, modernos y así se constata desde su web donpero no sabíamos que camino escoger para de podemos observar como el nombre de la rematarla correctamente. Pero todo ese banda y del álbum aparecen escritos en neesfuerzo y trabajo no fue en vano, como gro y en mayúsculas sobre un fondo que va tú comentas, captamos parte de su esencia cambiando de color rápidamente, casi como y la hemos extrapolado a nuestro nuevo produciendo ataques epilépticos. Se vende trabajo, así que de alguna forma el alma cambio, al menos de imagen… “Todo cambia de “Love Like a Sunset” esta presente en de una manera vertiginosa en los últimos “Bankrupt!”…. Pero las fuentes de las que tiempos, nadie puede quedarse estático se nutre la inspiración de la formación gala van y ver como las cosas pasan alrededor sin más allá, en cortes como “Entertaiment” o hacer nada por adaptarse. Consideramos “Chloroform” hacen un guiño al lejano orienque el mayor cambio lo dimos en el ante, con unos sintetizadores prendados por el terior trabajo, era el momento de dar un exótico encanto del neoyorquino distrito de salto, cansados de cosas que eran demasia16

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do respetuosas y elegantes, intentamos potenciar aspectos más residuales de nuestra música”. Y es que las diferencias intrínsecas, las que importan, no son tan drásticas como se presagiaban, se enfocan con más sutileza y menos dramatismo... “Creemos que este álbum es el más minimalista de todos los que hemos hecho hasta la fecha, aunque podrá observarse una evolución, se mantienen aspectos de “Wolfgang” pero incluimos una línea más electrónica”. Así “Bankrupt!” el quinto corte del nuevo disco, el cual da nombre al álbum, es un claro ejemplo de la atracción que ejercen los sintetizadores sobre Phoenix… “La electrónica cada vez es más protagonista en la música contemporánea, esta nos gusta y nos ofrece muchos recursos, la electrónica es una herramienta magnífica para hacer evolucionar un sonido” Sin duda temas como “SOS In Bel Air” o “Drakkar Noir” están llamados a ser nuevos “hitazos” cargados de energía y saltos de ritmo que inflaman los ánimos y que no hacen más que confirmar que estamos ante un nuevo éxito de los festivales de verano… “Tenemos muchas ganas de tocar en directo y es verdad que temas como los que citas son muy adecuados para esas citas, son pura energía que se va desbordando poco a poco hasta intentar hacer enloquecer al público. Queremos que nuestros directos sean experiencias felices y únicas” “Bankrupt!” no sólo son Hits, también incluye esos largos periodos instrumentales al que nos tienen acostumbrados, momentos atmosféricos que rompen con la dinámica y la línea que guardan el resto de las canciones, un respiro, compases que nos transportan a otro lugar, en este caso los cuatro minutos iniciales de “Bankrupt!” son la escusa perfecta … “No debemos contemplar cada pista como algo individual sino más bien como un conjunto, donde se reflejan pasiones, emociones, donde mezclamos sentimientos, se necesita un pegamento para que todo encaje. Intentamos proporcionar al disco del momento en el que el oyente disfrute de lo que el instrumento o la melodía le transmita. Nos encanta perdernos en las canciones, olvidar la posibilidad de que aparezca una voz, para después sorprender e incluirla de nuevo”.

Si de sobra es sabido que en Francia tienen especial predilección por los suyos, Phoenix música

“Este álbum es el más minimalista de todos los que hemos hecho hasta la fecha…” fue la excepción que confirma la regla arriesgándose a cantar en inglés… “Fuimos uno de los primeros grupos franceses en cantar en inglés y eso supuso una gran barrera, aunque a pesar de ello no nos plantemos cambiar ese aspecto, crecimos escuchando grupos como Prince, The Clash o My Bloody Valentine, por ello nos decidimos por el inglés”. Más de diez años después de su primer álbum, tras recorrer un sinuoso camino y predicar en salas medio vacías, consiguen atraer la atención de sus compatriotas.

“Hubo momentos en los que nos preguntábamos porque seguíamos tocando en Francia, pero no podíamos evitarlo. Ahora las cosas han cambiado, notamos una mayor aceptación y eso nos hace muy felices”.Y es que a pesar de tenerlo todo en contra, se han convertido en un icono cool del pop, un referente en la música del siglo XXI, un hype.

Ellos tratan de rehuir de estas etiquetas pero no les incomoda dejarse gustar… “Es gracioso que los periodistas tengan que poner nombre a todo, a nosotros no nos parece mal que nos veáis de ese modo, es sinónimo que algo estamos haciendo bien, pero no estamos de acuerdo con esa definición”.

En un ataque de sinceridad y humildad, sorprende como una banda como Phoenix capaz de arrastrar a miles de personas a sus conciertos y que ciertamente a modificado su estatus como banda minoritaria, aún así siguen considerándose una formación alternativa… “Pertenecer o no al movimiento “mainstream” no es una cuestión que atienda a la cantidad de fans que tengas en Facebook o al número de personas que asistan a tus conciertos, va más allá. Se trata del enfoque que le des a tu propia música, a tu forma de trabajar”.

Entonces, ¿Dónde está el truco?, que pesar de todo lo que arrastran tras de si y de llevar juntos más de quince años no han visto la necesidad de tomar distancia y alejarse de todo lo que supone formar parte de un conjunto de semejante repercusión. “Disfrutamos de lo que hacemos, somos amigos desde la adolescencia y mantenemos la misma relación, no hay motivos para tomar un descanso”.

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Poco queda más que contar, solamente hablar de próximas citas y es que gran parte de su gira para los próximos meses ha sido anunciada y el pasado mes de enero se confirmó que aterrizarán en Barcelona para tocar en recinto del Forum dentro del Primavera Sound, después de cuatro años de ausencia. “Hemos sido testigos de como el Primavera Sound se ha convertido en uno de los mejores festivales del momento”. Felices por formar parte del cartel de la cita catalana, no esconden que para ellos el Coachella significa algo especial… “Ha sido el lugar donde hemos ofrecido uno de nuestros mejores conciertos, fue espectacular el recibimiento que tuvimos en 2010, esperamos que este año se repita”.

Confesos admiradores de Sebastian Tellier, Phoenix se sienten seducidos por lo nuevo de Dirty Projectors “Swing lo Magellan”, tanto que lo incluirían en algún recopilatorio como ya hicieran en 2009 cuando lanzaron junto con Kitsune “Kitsune Tabloid by Phoenix”, en el que incorporaron algunas canciones de sus artistas preferidos (Iggy Pop, Kiss, The 13th Floor Elevators, Urge Overkill…). Nuevos proyectos que tendran su continuidad de la mano de la estrecha relación entre So%a Coppola y Phoenix, relación que parece seguirá teniendo continuidad tanto en el terreno personal como en el profesional, así la directora precisará de sus servicios para la banda sonora de su nuevo largometraje “The Bling Ring”.

Con el viento a favor, será el público quien juzgue si han encontrado la corriente correcta que haga de este álbum algo tan irresistible como su antecesor.

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mĂşsica

entrevista

lori meyers Texto por Carla Linares. Fotografía por Joaquín Calle.

Acercarse a la barrera de los treinta es entrar en terreno pantanoso. Inevitablemente, quieras o no, te ves haciendo balance de todo lo que te ha pasado hasta ahora, de las veces que has llorado, besado, sufrido, reído hasta que te dolía la tripa y la boca, de cuántas veces te has enamorado o de si realmente has llegado a estar enamorado alguna vez. Lo quieras o no te encuentras a ti mismo mirando hacia el tiempo pasado, son casi tres décadas y en ese tiempo te han pasado muchas cosas. Noni, Alfredo y Alejandro, o lo que es lo mismo, Lori Meyers, acaban de atravesar esa barrera y lo celebran con un nuevo larga duración, porque pese a todo lo bueno y todo lo malo acontecido, hay que seguir hacia adelante.

Decididos a formar parte de la banda sonora de nuestras vidas, y defendiendo la etiqueta de música indie “porque entendemos el indie como independencia, de no seguir un canon establecido por una industria, no dejar que nos pusieran compositor y mantener nuestra personalidad costase lo que costase”, los granadinos presentan “Impronta”(Universal 2013), su espe-

música

rado quinto álbum de estudio del cual nos han ido revelando detalles con cuenta gotas, consiguiendo que se nos hiciese la boca agua y descubriéndonos su faceta más contundente basándose en una electrónica de riesgo sin perder ni un ápice de su ya característico sonido. “Vamos aprendiendo del viaje, teniendo claro nuestro objetivo pero sin que nos agobie, disfrutando del trayecto, realmente nos gusta disfrutar del paisaje, al ir saboreando cada paso te permite crecer con cada disco y quedarte con lo especial de cada momento, nos hemos quedado con todo lo bueno que aprendimos con “Viaje De Estudios”, “Cronolánea”, “Hostal Pimodán” y “Cuando El Destino Nos Alcance”. Inevitablemente cada nuevo disco lleva implícito todo lo investigado anteriormente, y a la hora de enfrentarte a un nuevo trabajo todo eso es lo que te hace decir si ahora quieres unos teclados más light, unas guitarras más fuertes, si quieres una mezcla de una manera u otra.”

Para la creación del álbum se aislaron del mundo exterior en una casa rural de la sie-

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rra de Granada. Imaginarse al trío rodeado de amigos, instrumentos musicales, cómics, libros, discos, jamón y botellines, componiendo a las tres de la mañana bajo la tutela de Sebastian Krys y Ricky Falkner es sin duda alguna ir por el buen camino… “Ha influido mucho ese tipo de tranquilidad, estar en un sitio súper alejado y poder disponer del sitio las veinticuatro horas del día... Estuvimos muy bien y el ambiente del que nos rodeamos por supuesto que ha influido en el disco, pero lo que realmente se puede palpar en los temas que conforman este “Impronta” son las personas que están detrás de cada tema, toda la gente que estuvo allí consiguió que alcanzáramos un clímax de familia, algo realmente importante. Arropados por nuestros amigos, nuestra familia, estábamos allí por el disco, nadie habló de dinero y la implicación en el proyecto de todos y cada uno era total.

Sin duda fue magnífico” Siguiendo un proceso de grabación similar al que utilizaron con “Cronolánea” , basado en la sencilla pero eficaz ecuación de una can-

“Pese a que son tiempos difíciles, hagamos que este sea el año para hablar del amor, de cosas bonitas y olvidar todo lo malo.”

ción, un día de grabación, se necesita de una buena preparación previa y tener las cosas muy claras en la cabeza, llevar los deberes hechos y la lección bien aprendida, así enviaron algunas maquetas a Sebastian y a Ricky disponiendo de una “pseudo” producción previa que les permitió poder disfrutar de más tiempo para descubrir y jugar con los sintetizadores. Aunque no todo podía ser vino y rosas, nos confiesan que con “Huracán” tuvieron alguna que otra dificultad… “Por el “groove” y por el sonido que buscábamos desde un principio, con un toque más sixties y al mismo tiempo rockero, pudimos llegar a tener un par de discusiones, pero no eran discusiones en las que llegue la sangre al río si no de simplemente “quién me echa otra cerveza”… ¡Esas son nuestras típicas discusiones!” ríe divertido Noni.

Tras habernos presentado los singles “Planilandia”, “El Tiempo Pasará” y “Emborracharme”, podemos ir intuyendo por dónde van los tiros, Noni nos confirma que efectivamente “Impronta” se trata de un álbum concepto que va buscando dejar su granito, su identidad...“ El Disco parte de una ruptura, de una música

pérdida, visto desde muchos planos. Hemos volcado en él nuestros sentimientos y sí que había esa sensación de no querer dejarte nada, de apurar cada canción hasta el último segundo, pero no creo que fuera porque buscábamos un disco que “dejase huella”, de haberlo hecho habría sido algo pretencioso, porque seguramente a quien más nos deje huella será a nosotros mismos.”

sonido Lori Meyers. Mientras que “Impronta”, escogida por Noni nos muestra su lado más tranquilo y sentimental sobre un fondo de sintetizadores, de baterías y bajos marcados, “Huracán” supone toda una incitación al desmelene a ritmo de rock & roll y de ritmos muy años 60. Dos puntos de vista diferentes que explican y entienden el punto de vista de los lori sobre su nuevo trabajo.

Siguiendo el hilo conductor de la entrevista no Curiosamente la canción que da título al podemos pasar por alto ni la extensa gira de álbum, “Impronta”, es el primer corte más “Cuando El Destino Nos Alcance” ni el gran lento que nos encontramos en el disco y la número de directos que después de tantos años que nos anuncia que tampoco se han olvidado la banda ha acumulado a sus espaldas, con una ni de las guitarras acústicas ni de los temas lista inagotable, seguro que elegir uno sobre el más melódicos y calmados “Son esas las can- resto puede ser una tarea dura… “Me gustan ciones importantes del disco, canciones mucho los directos en salas, pero también que hacen que el resto de temas respiren los festivales, cada uno tiene su momento. y cobren fuerza. El grupo por ejemplo se Los que más “impronta” nos han dejado muere por tocar en directo “Huracán”, se podrían resumir así: Crecimos en un pero yo tengo muchas ganas de tocar “ImContempopránea, triunfamos en un Bepronta”, por sus arreglos, por los sintes, nicassim y hemos tenido nuestros últimos porque supone un reto también.” Dos amores con Sonorama, el Low Cost, el temas, “Impronta” y “Huracan” , que entre Territorios Sevilla fue increíble también... sí no pueden ser más dispares, pero que inLa verdad es que todos los festivales de esdudablemente tienen la esencia más pura del tos últimos años han dejado mucha huella” 22

Desde ya podemos vaticinar que donde dejarán huella será en cada festival en el que toquen este verano, pues sin duda este “Impronta” es un animal de directo donde todas las canciones en su totalidad son de ritmos rápidos y muy bailables, llevándonos a pensar en un álbum concebido por y para vivirlo en directo. “El mejor momento para escuchar el disco es en un festival este verano (risas)...

También lo puedes escuchar tomando una caña con los amigos, aunque bueno, creo que cada cual que escuche el disco sabrá encontrar su momento adecuado. Pero sí, la verdad es que hemos pensado mucho en el directo en este álbum, creemos que son canciones cuya intensidad y fuerza pueden provocar una respuesta muy guay.”

La simpatía y la cercanía de los granadinos es digna de romperse la camisa, como se dice mucho por el sur de nuestro país, imitando a Noni cuando el directo de la banda se acerca a su momento más álgido, haciendo suspirar de amor a todas y cada una de las fans féminas que se dejan la voz y la ropa interior a ritmo de sus canciones, “(risas), no lo puedo evitar ni me lo planteo, siento la música de Lori Melori meyers

yers y me intento expresar... Venimos de barrios que cuando hacía falta romperse la camisa, te la rompías. Y tal y como acaba la camisa después de cada concierto... ¡podría andar sola! Pero en realidad tengo que hablar de puta madre de los fans, nunca ha habido ningún problema, ni agobios, viven y disfrutan desde debajo de cada escenario todas las canciones... ¡se hacen y se hace polvo! ¡Estamos más enamorados nosotros de ellos que ellos de nosotros! Además yo también he ido a pedirle una foto a J Mascis de Dinosaur Jr...”

este “Impronta” que tras escuchar las trece canciones que lo forman, auguramos que con su “Impronta” los de Granada nos volverán a hacer cantar, bailar y disfrutar de sus canciones, olvidándonos del pasado, sin preocuparnos por el futuro y viviendo el presente bailando, que así se vive mucho mejor. Que este sea el año de Lori Meyers.

Prometen no parar en verano, queda mucho para que se desgasten y han podido comprobar que pueden llegar a hacer su show con la misma intensidad todas las veces que sean necesarias, tienen muchas ganas de volver a los escenarios y nosotros de verles actuar, “Pese a que son tiempos di!ciles, hagamos que este sea el año para hablar del amor, de cosas bonitas y de olvidar todo lo malo.”

Porque al fin y al cabo todo se reduce a estar bien y apoyarnos en las cosas buenas que tenemos a nuestro alrededor y de eso se basa

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Flying Lotus, Until The Quiet Comes — Ninja Tunes 2012 — Du-

rante el Último lustro, FlyLo se ha convertido en una de las principales referencias en lo que ha investigación musical se refiere al saber indagar en el pasado y cultivar el futuro mientras trata la música como una exploración sensorial. El californiano nos presenta ahora su cuarto larga duración integrado en la onda Warp Recs junto con otros pioneros del IDM, minimal y ambient como Boards of Canada, Aphex Twin ó Autechre, agobiado por la crítica tras sus magníficos predecesores “Los Ángeles” y “Cosmogramma” y con unas expectativas que FlyLo parece haber superado al menos a nivel personal. por Abel Molina.

Aliment, Holy Slap — La Castanya 2012 — Parece que este trío

02 catalán son otros que también se rigen por la celebre frase de Calderón “Lo bueno si breve, dos veces bueno”. Once canciones en las que solo “Bad Blood” supera los dos minutos y medio de duración. Sin complicaciones ni lirismos Aliment ofrece caña y solo caña en las distintas variantes de power-pop, punk-pop y garage.

Con una cerveza y con los colegas suenan mejor que con tu pareja y una copa. por Antonio Moreno Casero.

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Eric Fuentes, Copper & Gold — BCore Disc, 2013 — Clubes y

penumbra, el barcelonés Eric Fuentes (ex Unifinished), mantiene la esencia del clásico estilo crooner en compañía de piano y con una producción sencilla donde la rugosa voz de Eric mantiene en segundo plano a guitarras. Timbre herencia hardcore aporta un nueva dimensión al estilo con mayores intensidades y matices. No falta su homenaje a Frank Sinatra con su particular versión de “It Was a Very Good Year”, donde apela al romanticismo de la época dorada crooner. por Cristina Martín Gayo.

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The Scantharies, The Scantharies — Mono Recordings, 2013 — Música de contrastes, la banda del músico y productor

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anglo griego Andy Dragazis experimenta con diversos sonidos influenciados por el garage y la psicodelia griega de los años 60 pero también sabe introducir elementos electrónicos y bases graves en temas como “The Bear”, mientras que tiende al oscurantismo con la presencia del órgano en “Hip Messiah” con unos ritmos más pausados. por Cristina Martín Gayo.

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Nataly Dawn, How I knew her — Nonesuch 2013 — Nataly

Dawn deja aparcado el encantador dúo” indie-youtubero Pompla moose” para adentrarse con este LP en su aventura en solitario. Un álbum a ratos inocente, a ratos excéntrico con evidentes ecos de Fiona Apple, Regina Spektor y Rufus Wainwright, en el que la cristalina y delicada voz de Dawn declama rimas ora naïf, ora amargas. Yque hace de éste un trabajo interesante que va ganando y sorprendiendo con las escuchas. Canciones como “Why did you marry”, “Back to the Barracks” o “Araceli” hacen que, efectivamente, merezca la pena conocer a Natalie Dawn. por Miguel Gabaldón.

Land Observations, Romanroads IV-XI — Mute 2012 — Este 06 disco es el viaje minimalista de James Brooks (ex-miembro de Appliance) a través de hipnóticas sendas. Un ejercicio de geografía conceptual para amantes de paisajes sonoros. Con las notas de su guitarra eléctrica dispuestas en diversas capas y loops, Brooks conforma un sugestivo álbum que, a pesar de su aparente sencillez, crea un extraño y adictivo efecto: una impresión de desplazamiento perpetuo a la par que de estatismo y serenidad absolutos. Imagen musical de esas vías eternas, sepultadas pero siempre presentes, a las que hace referencia el título. por Miguel Gabaldón.

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Jim James, Regions Of Light And Sound Of God — ATO 2013 — Los discos en solitario de músicos que aún forman

parte de una banda mayor, suelen ser delicados, íntimos y honestos, resultado de la necesidad de expresión por encima de la ambición.

Al frente de los irregulares My Morning Jacket, este músico de Kentucky se ha ido doctorando durante más de diez años en la fusión de estilos dispares como la psicodelia, el country, la electrónica y el indie , ahora nos ofrece la que bien podría ser su tesis doctoral.

Liberado de los solos de Carl Broemel y la deriva hacia la “jam band” de su grupo madre, Jim James nos demuestra con su debut en solitario que no sólo es un brillante compositor; también es un avezado investigador en busca del envoltorio adecuado para sus canciones, alejándose de los sonidos sureños y adentrándose en la nueva ola de folk psicodélico, con tintes souleros y devaneos electrónicos, que roza la gloria con la despedida perfecta: “God’s Love To Deliver”. por Ignacio Simón.

Dropkick Murphys, Signed And Sealed In Blood — Born and Bred Records 2013 — Mucho me temo que el octavo disco de es-

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tos americanos de orgullosa ascendencia irlandesa no llegará a ser el favorito de la afición española, a no ser que alguien se haya pasado la infancia rodeado de sindicalistas y estibadores en un pub irlandés de los de verdad. Herederos del Celtic Punk de The Pogues, Dropkick Murphys tienen en la sencillez su principal virtud. Podría decirse que el grupo de Al Barr suena a un cruce entre Oi!, música celta y punk gamberro, que su instrumentación ha crecido en cantidad y en calidad con el paso de los años y que su sonido se ha refinado desde su crudísimo debut de hace ya quince años. Pero la verdad es que lo que nos viene a la cabeza cuando escuchamos “Signed And Sealed In Blood” no es otra cosa que jarras de cerveza, rugby y alguna pelea que otra. Y eso no es necesariamente malo...por Ignacio Simón.

Clinic, Free Reigns — Domino Records 2012. — Tras la publicación en 2002 de su segundo largo “Walking With Thee” y acompañar a Radiohead en su gira por todo el mundo, todo parecía indicar que la banda de Liverpool daría el gran salto al mainstream indie.

Sin embargo, esto nunca sucedió. Lo cierto es que los de Liverpool parecen sentirse a gusto con su status de banda de culto, rehuyendo con absoluta elegancia la épica y la magnificencia, mostrándonos ahora un séptimo lanzamiento que sigue tanteando los rincones de un espacio oscuro que sólo ellos conocen y que nos van desgranando en sus sucesivas entregas. “Free Reigns” se abre paso con timidez entre ambientes experimentales y ritmos electrónicos, con una apertura tan brillante como intrigante, que encuentra una réplica desigual en los temas subsiguientes, entre los que destacan “King Kong” y la dulce e inesperada “For The Season”. por Ignacio Simón.

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Françoiz Breut, La Chirurgie Des Sentiments — Green Ufos 2012 — Si mezclamos música, sensualidad y magia el resultado sería

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François Breut, quizá la mejor intérprete de la canción contemporánea francesa. “La Chirurgie Des Sentiments”, quinto álbum de esta cantante de Cherburgo, está repleto de grandes muestras de pop minimalista, con un sonido cercano a lo lo-fi, en los que samples y guitarras empastan a la perfección con la mágica y adictiva voz de la Breut. Dulzura, chansón francesa, pura sensualidad y mucha belleza para el oído, es lo que se puede sentir al escuchar “La Chirurgie Des Sentiments”. Te gustará si lo tuyo es sentarte en el sofá y dejarte llevar por los sentimientos y sensaciones- que desprenden los once temas- hacia un viaje a lo más íntimo. por José Ruiz.

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Guadalupe Plata, Guadalupe Plata — Everlasting records 2013 —

El segundo LP de Guadalupe Plata, de homónimo nombre, está cargado con trece potentes temas del más puro blues. Mantienen esos sonidos oscuros, incendiarios slides de guitarras, potente batería y ese “barreño” como bajo. Una perfecta combinación junto a los gritos, lamentos y alaridos desganados, con los que te trasladan a lo más profundo de los infiernos musicales, donde el ritmo te posee con “Oh My Bey”, “Esclavo” o “Milana”. Especial referencia hacia la colaboración de Walter Daniels con su armónica en “No Me Ama” y el pequeño homenaje hacia una de sus influencias musicales en “Funeral De John Fahey”. Si eres valiente, de espíritu enérgico y concentrado, lo nuevo de Guadalupe Plata está pensado para ti. por José Ruiz.

Grises, No Se Alarme Señora, Soy Soviético — Origami Records, 2013 — Atentos al nuevo álbum de los donostiarras Grises, por-

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que el tracklist De “No Se Alarme Señora, Soy Soviético”, es el remedio perfecto contra la depresión y el pesimismo. Vitalidad abrumadora y gran positivismo desprenden sus canciones llenas de mensajes como: “Somos fuertes”, “todo irá bien” o “solo quiero reír, solo quiero olvidar”. Sintetizadores, coros y vientos hacen del segundo álbum de Grises, un proyecto enérgico, versátil y muy popero, por el que asoman hits como “Cactus” o “Después De Todo”. Los de San Sebastián se atreven incluso con la incorporación de un coro infantil en “Despierto”, a lo M83. Apto para quienes viven el día a día repleto de color y mucha energía. por José Ruiz.

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I Am Kloot, Let It All In — Shepherd Moon, 2013 — ¿Cómo sona-

ría George Harrison en 2013? Pues, seguramente, como nos tenía acostumbrados: algo retraído y espiritual. No tenemos al más joven de los Beatles pero sí un proyecto que se aproxima en lo excepcional: el nuevo disco de I Am Kloot. En lo último de aquellos tres de Manchester que se juntaron allá por el 99, “Let It All In”, escuchamos diez temas de folk poético y familiar, que no renuncian a la sofisticación de melodías elaboradas. Con seis álbumes a las espaldas, líderes de lo acústico y de la escena folk británica, estos veteranos nos ofrecen temas que apaciguan el alma. Como muestra, “Let Them All In”, una canción deliciosa que repta sigilosamente por la dopamina de nuestro cerebro. Además, seguimos viendo ese grato saborcillo a los Elbow, con cuyos miembros han colaborado una vez más. por Lara Fernández Gutiérrez.

The History Of Apple Pie, Out Of View — Marshall Teller, 2013 — Para los nostálgicos de “todo tiempo pasado fue mejor”,

Night Works, Urban Heat Island — Loose Lips, 2013 — Gabril Ste-

bbing, ex - Metronomy, debuta con una amalgama de electrónica “buen rollera”, R&B y disco fuera de lo común. Un álbum original, con sintetizadores glaciales que nos ponen de buen humor ipso facto. De hecho, el single “Modern European”, que ya tiene video con Torre Eiffel y Louvre incluidos, desprende ese halo sibarita y hipster de flequillos y pitillos remangados, rodeados de dicha y aventuras que te auxiliarán los viernes cuando salgas del trabajo. Estas once pistas y su irresistible bass orientado al pop, ya lo han encumbrado a la cima de los poppers británicos. Qué esperar de alguien que compara la producción de música con “encontrarse a uno mismo en una ciudad extranjera y conocer a personajes desesperados por contarte historias”. Adentrémonos en su metrópoli personal. por Lara Fernández Gutiérrez.

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con estos diez cortes que nos regalan los de Manchester. Mientras Duncan Wallis experimenta con su voz, podemos recrearnos en el dominio y variedad de percusión y cuerda. Limpieza de armonías synthpop que nos harán pensar en numerosas ocasiones en los Phoenix, unos arreglados Swim deep o tal vez Wild Beasts. Disco que abre “Pondage” y se mantiene, ni rápido ni lento, con un cuidado trabajo de producción que se demuestra pista tras pista. “Flexxin” y “Pondage” candidatas favoritas. por Teresa del Hoyo

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llega el primer LP del quinteto de Londres: todo un revival de los años gloriosos del indie rock, una re-contextualización de las guitarras de los sesenta, una estampa sepia teñida de inocencia y romance pueril despreocupado. Eso sí, los riffs llegan furiosos y sin avisar: para muestra, “Mallory”, un tema crujiente, el menos azucarado del álbum. Sin embargo, “You’re So Cool” carga un filtro shoegaze, una atmósfera de ensueño que se refleja en los ojos rasgados de Stephanie Min. Además, este pastel de manzana también lleva ingredientes psicodélicos, cortesía del guitarrista de los Horrors, que ha producido el disco.

Un trabajo quizá no muy profundo ni novedoso, pero estos jovenzuelos tienen mucho encanto. Démosles tiempo. por Lara Fernández Gutiérrez.

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Dutch Uncles, Out Of Touch In The Wild — Memphis Industries, 2013 — A la tercera va la vencida, dicen, y parece que así será

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Aaron Thomas, The Blues And Greens — Everlasting Records 2013 — Cuatro años han pasado ya desde la publicación de “Made

Of Wood” y parece que en este tiempo el australiano ha estado haciendo muy bien los deberes. Manteniendo las raíces folk y rock de sus trabajos anteriores, este último LP se acompaña de un sonido mucho más orquestal que ya se nos revela desde el single de presentación “How We Got Started”. Las intimistas letras de Thomas, menos oscuras en esta ocasión, se embriagan de instrumentos como el banjo de “A Fool Like Me”, el acordeón de “Night Time” o el piano de “Windows”, en unas melodías luminosas, maduras y llenas de matices donde los arreglos toman el papel protagonista. Tras la escucha del disco, podemos decir que la espera ha valido la pena. por Sonsoles Pérez.

Delphic, Collections — Polydor. 2013 — La banda de Manches-

18 ter regresa tras casi tres años de su notable disco de debut Acolyte (Polydor 2010). Pues bien, su último trabajo no es ni más ni menos que el fruto de una clara falta de inventiva. En total diez canciones que coquetean con el R&B, el hip hop y juraríamos que también lo hacen con el dubstep. El tema que abre fuego en este nuevo trabajo “Of the Young”, pese a sus ritmos pegadizos ya nos da la idea de que rompe con su predecesor Acolyte. Solamente los temas “Baiya” y “Atlas” aportan ese rayo de luz que nos hace recordar aquella banda que lleno nuestra vida de color allá por 2010. Esperamos que “Collections” suponga un punto de inflexión para la banda del norte de Inglaterra y recuperen de nuevo su esencia para futuros trabajos.

por Alberto Rodríguez.

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Balthazar, Rats — Banquet Records 2012 — Balthazar regresan a

los ruedos tras su álbum debut “Applause”. El quinteto belga nos regala un trabajo detallista, en el que se aprecia su gusto por las composiciones de pop clásicas. Bajo una magnífica portada se esconden diez minuciosos temas que traen a la memoria las canciones creadas por el maravilloso dúo formado por Alex Turner y Miles Kane.

“Rats” es un álbum maduro, reposado, plagado de armonías vocales, con una acertada orquestación y una mimada mezcla. Las mejores muestras se recogen en temas como “The Oldest of Sisters”, “Later” o “Lions Mouth”. por Beatriz Buitrón Álvarez.

22 Eels, Wonderful Glorius — Vagrant Records 2013 — “Wonderful, Glorius” supone una nueva aportación a la dilatada discografía de Eels, donde el peso de las canciones se ha repartido entre varios hombros, dejando descansar ligeramente los de Mark Oliver Everett. Su banda se ha estabilizado y cada miembro ha participado en el proceso de experimentación mediante el cual se ha concebido este nuevo trabajo, trece cortes que integran distorsiones, guitarras sucias, folk y electrónica. Esta vez, las letras que Mr. E utiliza a modo de engranaje terapéutico, están salpicadas de optimismo. “Peach Blossom”, de las más aclamadas. por Beatriz Buitrón Álvarez.

Villagers, Awayland — Domino Records 2013 — Tras un álbum de-

20 but nominado a los Mecury Prize, Villagers, la banda liderada por Conor J. O’Brien, regresa con un disco versátil, una miscelánea de estilos. La fecunda creatividad del artista irlandés ha distanciado su segundo trabajo de su primogénito otorgándole interferencias electrónicas, una orquestación exuberante, arreglos cinematográficos y preciosas armonías instrumentales. La pasión de O’Brien por la literatura se evidencia en las letras de las canciones, inspiradas por la muerte de su hermana, las dificultades de una larga gira y su propia vulnerabilidad. “Earthly Pleasure”, “The Waves”, “The Bell” y “Nothing Arrived” son joyas de gran valor. por Beatriz Buitrón Álvarez.

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Night Beds, Country Sleep — Dead Oceans Records 2013 —

“Country Sleep” es el álbum debut de Night Beds o lo que es lo mismo; Wiston Yellen. La historia de este disco se asemeja a la de “For Emma, Forever Ago” de Bon Iver. Wiston adquirió una cabaña en Nashville que había pertenecido a Johnny Cash y se dedicó a componer una retahíla de canciones cuya temática gira en torno a la soledad. La ruptura con su novia fue el origen de este disco intimista, sosegado, bello, pero que, en ciertas ocasiones, peca de monótono.

Su voz melodiosa y la hermosura de los coros convierten las canciones en regalos para los oídos. Si bien “Ramona” es el tema más sobresaliente, no se deben pasar por alto “22” o “Borrowed Time”.

por Beatriz Buitrón Álvarez.

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El Perro del Mar, Pale Fire — Control Group 2013 — Desde que en 2009 la sueca Sarah Assbring publicara su “Love Is Not Pop”, no habíamos vuelto a tener noticias de este singular grupo de denominación canina. Como una piedra semipreciosa, oscura por dentro y brillante por fuera, este nuevo disco muestra una potente sensibilidad basada en la electrónica y la música de baile. “Pale On Fire” y otros como “Love In Vain” o “Hold Of The Dawn” son muestra de una mezcla de referencias musicales de ascendente pop, y en ocasiones un tanto kitsch, combinadas con exquisito gusto y envueltas en el fuego helado de la voz de Assbring. por Caridad González.

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Esben and the Witch, Wash The Sins Not Only The Face — Altafonte Music 2013 — Los de Brighton vuelven con un segundo

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disco, más literario y surreal tanto en sus letras como en sus ritmos, que a veces se rompen y se reconstruyen bajo la suave y sólida voz de Rachel Davies. Más confiados y focalizados, este segundo trabajo refleja la madurez de una banda cuyo fuerte se encuentra en la creación de densas atmósferas de las que no es tan fácil escapar.

“Deathwaltz” y “Despair” son como una tentadora bajada a los pequeños infiernos sonoros, aquellos que merecen la pena sin salir del cielo. por Caridad González.

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The Ruby Suns, Christopher — Sub Pop/Memphis Industries, 2013 — Sopla un viento inesperado cargado de referencias es-

candinavas. El nuevo disco de los neozelandeses ha virado su rumbo dejando atrás los sonidos africanos de “Sea Lion” para sintetizarse al máximo y apelar a ritmos más bailables. “In Real Life” o “Kingfisher Call Me” se revelan como una paleta de matices electrónicos detrás de los que se esconde el productor Chris Coady (Beach House). Las letras de Ryan McPhunn, de poca profundidad pero vestidas de tiros largos, nos siguen recordando a algo que ya hemos escuchado, a algo ochentero. por Caridad González.

Christopher Owens, Lysandre — Fat Possum / Turnstile; 2013 —

26 Buena parte de la parroquia indie ya conoce la historia: el rubio cantante de Girls, después del gran éxito de “Father, Son, Holy Ghost”, anuncia para sorpresa de todos que abandona el grupo.

Autobiográfico a más no poder, “Lysandre” lleva el nombre de una chica francesa que Owens conoció en la gira del grupo de 2008. Otro disco conceptual (llamémosle road trip album o love álbum), con una melodía que ejerce de hilo conductor del álbum (“Lysandre’s Theme”) y algunas canciones espléndidas. Entre ellas, la dulce “A Broken Heart”, “Here We Go Again”, donde resuenan los Belle & Sebastian más vitalistas, o “New York City”, la que más se parece a su antigua banda. por Miguel Díaz Herrero.

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Andy Burrows, Company — Pias 2013 — El antiguo batería de

Razorlight, ahora con We Are Scientists, sorprende con un disco de pop adulto. Uh, “pop adulto”, que da miedo con sólo decirlo.

Quizá porque puede sonar a gravedad, que la hay nada más empezar como en el tema “Company”, o a pop correcto con ligero falsete, destaca “Keep On Moving On” que bien la podrían haber firmado Maroon 5. Poco o nada hay del saber hacer melódico de un, por ejemplo, Neil Finn. Todo suena demasiado correcto, impersonal, y radio friendly. A pesar de la abundancia de pasajes acústicos, no hay nervio ni emoción. Un pinchazo en toda regla, vamos. por Miguel Díaz Herrero.

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Atoms for Peace, Amok — XL Recordings, 2013 — Flea y Thom

28 Yorke llevaban tiempo preparando el debut de este supergrupo, cuya formación completan gente de la talla de Nigel Godrich o Joey Waronker (Beck, R.E.M.). Sin embargo, y a pesar de la electrónica impenetrable y sin melodías que el vocalista de Radiohead lleva (demasiado) tiempo haciendo, tanto en solitario como con su grupo, esperábamos más de este disco. Sólo hay un par de temas que escapan un poco de la monotonía y las bases repetitivas: “Stuck Together Pieces”, donde podemos escuchar más el bajo de Flea, y el single “Judge, Jury And Executioner”. Para incondicionales de Yorke. por Miguel Díaz Herrero.

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Anicet, Ensayos Sobre La Generación Perdida — guau records, 2013 — A pesar de ese título ligeramente pretencioso, el de-

but de la banda antes conocida como Anicet Lavodrama esconde mucha más honestidad y buenas canciones que la mayoría. Con una estructura de novela, dividida en tres capítulos (desde la infancia a la madurez) con sus acotaciones, Anicet realizan algunas interesantes observaciones sobre las relaciones y la vida adulta, en especial en “La Educación De La Mediocridad” y “Diario De a Bordo”, donde reflexionan sobre la paternidad. Y aunque patinen cuando se ponen demasiado graves como en “La Ciudad Del Suicidio” no importa, nos han ganado antes con sus bonitas metáforas deportivas, en la folkie “Tu “No” Dolió Como El Codazo De Tassotti”. por Miguel Díaz Herrero.

Jamie Lidell, Jamie Lidell — Warp 2013 — A estás alturas cues-

30 tionar su capacidad para fusionar la música negra con ritmos electrónicos no ha lugar. Músico de vanguardia, en este trabajo deja de lado el R&B de “Compass” (Warp, 2010) y se vuelca en un ritmo más funky. Un álbum lleno de capas, complejo y divertido. Una producción detallista, pulcra y exquisita puesta a disposición de rarezas como “Why_ya_Why” y hitazos como “Big Love”. Encontrarás melodías pegadizas en “You Naked” y exquisiteces como “Don’t You Love Me”.

Vuelta a los beats ochenteros, al baile desenfrenado apto para los amantes del funk post-disco. por Jaime Suárez.

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Phosphorescent, Muchacho — Dead Oceans, 2013 — El proyecto del compositor norte-americano Matthew Houck publica nuevo trabajo para seguir con su prolífica carrera. Phosphorescent han editado cuatro discos desde 2007, una buena muestra de la inquietud compositiva de Houck. Este cuenta que decidió marcharse una semana bajo el sol generoso de Méjico para componer las canciones de este disco. El resultado un trabajo de atmósferas muy presentes, tiempos lentos y canciones notables, como el single “Song For Zula”.

Una fórmula que recuerda a Megafun o unos Akron/ Family más reposados. por Oscar Villalibre Vicente.

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Indians, Somewhere Else — 4AD — El primer disco de Søren

Løkke Juul de creación particular y cosecha propia nace destinado a saciar nuestra sed neofolk como ya hicieron en su día grupos como Fleet Foxes o Bon Iver. Este debut, ya maduro y muy aclamado por la crítica, nos descubre un Juul íntimo y a la vez generoso con las sensaciones musicales que transmiten sus temas, como lo hacen “Cakelakers” o “I am Haunted” cálidos y alentadores como compartir un fuego en mitad de un frondoso bosque. por Caridad González.

John Grant, Pale Green Ghost — Bella Union 2013 — John Grant

32 es uno de aquellos tipos con maneras de crooner y voz rugosa capaz de insuflar feromonas a cualquier joven que ande despistada.

Este es el segundo disco de Grant después de abandonar la formación The Czars. Su nuevo proyecto ha sido concebido en Islandia y ha contado con la participación de la mismísima Sinead O’Connor y en el John Grant consigue aunar con acierto la poderosa presencia del cantante norte-americano con anclajes y arreglos electrónicos. Aspereza y cierto oscurantismo dotan al conjunto de personalidad y profundidad. por

Sophie Hunger, The Danger Of Light — Two Gentlemen / Fever Productions 2012 — El cuarto disco de estudio de esta suiza es

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una explosión de ritmos atemporales en el que nos deleita con letras en inglés, alemán y francés, maestría típica de una poetisa dulce y fuerte, a partes iguales. Los ritmos cuidados así como el fluir lento y rápido, repartidos equitativamente, de las melodías folk con toques jazzísticos y corazón soul nos hablan de una producción límpida y madura, que sigue la estela de sus discos anteriores. Quizás demasiado límpida: echamos de menos la frescura a la que nos tenía acostumbrados y que saca un poco la cabeza en regalos como “Like Like Like” o “The Fallen”. por Olalla Luque.

Oscar Villalibre Vicente.

Pantha Du Prince, Elements Of Light — Rough Trade 2013 — Tras el eco de un carrillón durante un paseo matinal por Oslo, la campana de Pantha Du Prince empezó a retumbar sin cesar. Su curiosidad llegó a ensordecerle hasta que al final se postró ante los percusionistas nórdicos The Bell Laboratory. Estos últimos afinan címbalos, marimbas, campanas tubulares y hasta un sinfín de instrumentos de percusión idiófona que ornamentan el favorable “Elements Of Light”.

Cual doppelgänger de Steve Reich, Hendrik Weber engalana una sonería llena de vibraciones contrapuestas para llegar una vez más a la música electrónica por torrentes desconocidos. Pantha Du Prince rocks the bells anew. por Alejandro Rubio Rodríguez.

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Melody’s Echo Chamber, Melody’s Echo Chamber — Domino, 2013 — Detrás de Melody’s Echo Chamber encontramos a la

cantante francesa Melody Prochet ayudada en la producción por uno de los nombres mediáticos de 2012, que no es otro que el de Kevin Parker de Tame Impala. Este proyecto fraguado por las inquietudes de ambos artistas ha desembocado en este primer álbum de título homónimo. Un perla brillante de pop ensoñador afilada con la angulosa voz de Prochet y unos arreglos fronterizos a la baja fidelidad. El conjunto nos llega a recordar, especialmente con el corte “BisouMagique”, a los grandes Stereolab. por Oscar Villalibre Vicente.

Neil Halstead, Palindrome Hunches — Brushfire, 2012 — Neil

34 Halstead es una de las voces más reputadas del panorama británico, especialmente por haber sido cantante y alma de la banda de culto Mojave 3. Halstead, mente inquieta, llega con este “Palindrome Hunches” a su tercer disco en solitario. En él encontramos diez canciones de folk puro, fragilidad pasmosa y pocos arreglos. Pocos artificios le hacen falta para llegar a emocionarnos con su voz y su sensibilidad. Un disco bonito, simple y llanamente. Un ejercicio introspectivo y puro, que a veces nos recuerda a compadres como Little Wings. por Oscar Villalibre Vicente.

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Yo La Tengo, Fade — Matador 2013 — Nacida del amor carnal y

38 prodigioso de Ira Kaplan y Georgia Hubley, Yo La Tengo son una autoridad independiente con una carrera casi tan prolífica como impoluta. En su decimotercer largo, “Fade”, la mano de John McEntire (Tortoise) como nuevo productor reluce en un lirismo impregnado de drama, fatalidad y envejecimiento. Todo ello viene tejido con una soberbia orquestación que humaniza al tiempo, paisaje, animales...

Cada acorde, cada intervalo, cada cadencia, nos arrastra a una falacia antropomórfica. Hasta el más mínimo detalle es dulcificado y dotado de sentimientos. por Alejandro Rubio Rodríguez.

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Edwyn Collins, Understated — AED Records 2013 — Tras conocer

The Courteeners, Anna — V2 Music 2013 — El último trabajo del cuarteto de Mánchester no se puede digerir ni con bicarbonato sódico ni con sal de frutas. Provoca una severa acidez estomacal, una sensación de ardor por el pecho y por la garganta hasta desembocar en una náusea. La causa está en esa luctuosa terquedad que se tiene en nuestros días a la hora de recrear la distorsión analógica y también en la introducción de elementos electrónicos al repertorio, malabareando en dimensiones que se alejan mucho de la realidad.

Así mismo, “Anna” saca a relucir sus vergüenzas, dejándoles en una situación tétrica. por Alejandro Rubio Rodríguez.

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The Plea, The Dreamer’s Stadium — Planet Function 2012 — Tras

40 probar suerte en Boston y ver que allí los pubs irlandeses no son iguales que los del Ulster, The Plea vuelven a casa y sacan su primer elepé: “The Dreamers Stadium”. Un trabajo que, a pesar de tener algún tema redondo como “Too Young To Die” con un bonus track folkie muy digno, la integridad del disco se mueve en un indie rock que parecíamos haber superado ya. Recuerdos a The Verve y a U2, con preponderancia a estos últimos no describe todo el potencial del disco, algo malo para el grupo y para nosotros. Y es que lo que Irlanda necesita son más Bloody Valentine(s) y Undertones para que Londres vuelva a mirar con envidia hacia el norte. por Víctor Cabo.

42 las llamas de la enfermedad, el milagro de Edwyn Collins sigue adelante. Fiel al rock & roll y el soul de su último disco, el ex líder de los Orange Juice nos regala un buen disco de los de antes, lleno de matices, con el optimismo y la duda de quién lo ha visto todo.

“Understated” se saborea mejor junto con su predecesor; si en aquel se preguntaba “What Is My Role?”, en “Dilemma”, el gran tema del disco, continua cuestionando incansable su mundo. Pero la alegría vuelve pronto a él; “Carry On, Carry On” tiene lo mejor de ese pop inglés de los setenta que es capaz de llenar de vida incluso una fábrica soviética. por Rafael C. Gardón.

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Al Berkowitz, A Long Hereafter / Nothing Beyond — Green Ufos 2013 — Suenan a Oklahoma, pero son tres madrileños de

pura cepa y en la misma capital han engendrado esta obra maestra, exenta de cualquier etiqueta predefinida. Este disco es un cerebro en ebullición, y sus hemisferios constituyen un maremágnum de colores psicodélicos a lo Pink Floyd. Por sus conexiones neuronales, navega una pizca de jazz, otra de crispado rock progresivo y muchos tintes experimentales. Su sonido fluye como una lava sólida, y va mutando a lo largo del álbum. Ahora entendemos esos tres años de silencio: un tiempo insuficiente para diseñar de forma tan meticulosa una base muy melancólica y, a veces, desquiciante. por Lara Fernández

Gutiérrez.

Josh Ritter, The Beast In Its Tracks — yep roc records 2013 — Que

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The Fresh & Onlys, Long Slow Dance — Souterrain Transmissions 2012 — Ya es oficial; The Fresh & Onlys dejan el garage y lle-

nan de jangle su nuevo disco, “Long Slow Dance”. Mientras que a sus madres esto les va a encantar, a muchos ha decepcionado esta nueva suavidad de la banda. Sin embargo, han sabido moverse de una manera más que notable en este nuevo registro. Aunque las guitarras anacrónicas de temas como “Yes Or No” les hagan parecer sin rumbo o un pastiche poco elegante entre pasado y presente; es cierto que la elegancia pop que rezuman en temas como “20 Days & 20 Nights” nos lleva a las mejores melodías de The Smiths. Transportados de pronto a los mundos de Sarah Records. por Rafael C. Gardón.

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44 es un compositor a lo grande, ya lo intuíamos. Que se ha divorciado de la también cantautora Dawn Landes, lo ha gritado él mismo a los cuatro vientos. Ahora, además, nos lo canta. Es el álbum con las letras más confesionales que ha generado nunca. Entre composiciones educadas y austeras, encontramos apologías al caos de las emociones y a la caída libre que sigue a una ruptura. Aún así ya ha pasado un tiempo, en el que Ritter ha enderezado su timón.

Ahora navega en aguas serenas y, como resultado, emerge un disco que podría ser menos frío y sensato, pero aún vislumbramos lógicos ecos de tensión en un relato tan autobiográfico como universal. por

Lara Fernández Gutiérrez.

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concrete knives Texto por Lara FernĂĄndez.

FotografĂ­a por Roch Armando.

Con una mezcla entre exuberancia juvenil y mucho talento, Concrete Knives emerge como la banda que está revolucionando los escenarios europeos armados con guitarras resonantes, melodías elaboradas y, sobre todo, eufóricas voces colectivas que definen su sello personal.

Cada concierto pone a sus fans en una placentera alerta, tras el salto a la fama del álbum debut de los de Normandía: “Be Your Own King” (Bella Union, 2013), una colección de diez temas que alientan el espíritu y nos cargan de la energía más potente. “Es nuestro primer LP, por lo que es inmensamente especial. Habíamos estado mucho tiempo en el escenario, y ponernos a grabar fue algo raro. Nos costaba muchísimo sentirnos cómodos en el estudio, así que cogimos todo el equipo y nos fuimos al campo en busca de un ambiente familiar. Necesitábamos grabar donde nos sintiéramos como en casa para que nuestros sentimientos más profundos fluyeran. También compartimos mucho con Dan Levy, de ‘The Do’, que nos dio consejos muy valiosos”, comenta Morgane Colas, la vocalista.

“Be Your Own King” es un título revelador, desde luego, pero también una filoso%a. Una actitud, una arenga, una llamada al inconformismo, una instrucción para enfrentarse al mundo con una sonrisa y mucha ironía, para conseguir tus metas, para ser ambicioso. “Tienes toda una vida para ser tu propio rey”: es el mensaje de los Concrete Knives, en un disco enraizado en el pop, explosivo y juguetón, con bajos palpitantes. Las canciones son bastante diferentes entre si, y Morgane equipara esta mezcla heterogénea con la vida misma: “Así es como nos sentimos. ¿Por qué vamos a crear sólo canciones alegres si no estamos alegres todos los días? ¿Acaso no llega la felicidad solamente tras la tristeza? Cada canción es independiente porque nosotros no tenemos nada predefinido. El disco puede tomarse un poco como una crítica hacia el mundo occidental, ficticio y ciego, pero también pretendemos llenar de fuerza a quien nos escuche, para que afronte cualquier desa!o. Por ejemplo, la portada del álbum busca reflejar a un chico que trata de ser su propio héroe, es decir, quiere manejar su vida y tomar sus propias decisiones, porque si esperas a que alguien venga a salvarte te tirarás toda la eternidad. El álbum es un tipo música

de motivación, pero, en realidad, lo más importante para mí no es analizar el mundo, sino los sentimientos que la música, a nivel sensorial, producen. Esos son los que te pertenecen por completo”.

El primer single, “Wallpaper”, encierra un gran misterio. Muestra un sonido más serio y maduro que el resto del álbum, el folk psicodélico que lo envuelve crea una atmósfera difusa y oscura. Sobre él, la cantante asegura que “es una canción muy íntima y psicológica, refleja muchos sentimientos. El video de este tema (un paisaje sombrío por el que deambulan máscaras y rostros inertes) ha sido dirigido por Julien Langendorff, en función de lo que a él le evocaba. Queríamos algo así, inquietante y en el borde de lo paranormal. Una especie de pesadilla”. Entre la música brillante y honesta de esta banda francesa, también encontramos “Brand New Start”, un tema alegre y enérgico.

Cuando sus ritmos empiezan a golpear, un carnaval de colores se pasea atrevidamente por tu habitación. “Recuerdo perfectamente cuando lo grabamos. Yo acababa de llegar al grupo y Nico (Nicolas Delahaye) había compuesto este tema para un proyecto experimental suyo. El hecho de que decidiera compartirlo con nosotros fue una especie de punto de inflexión para la banda. Fue realmente un nuevo comienzo, estábamos eufóricos. Tiene mucho significado esta canción”. Pero si Morgane tiene que escoger su favorita para tocar en vivo, esa es “Roller Boogie”: “Yo no canto, así que bailo y hago lo que me da la gana, porque en esta ocasión el vocalista es el teclado. Este tema es un homenaje a ‘Boogie Roller’, la película que tiene lugar en Venice Beach, California.

La idea principal era escribir una historia clásica y así ha salido esta especie de recreación, de trance positivo”. Un trance positivo y psicodélico que, en el inicio de la canción, evoca a los grandes New Order.

vio su fuerza sobre el escenario. “No teníamos prisa por firmar. Queríamos encontrar a alguien que nos gustara realmente, y llegó Simon. Nos descubrió en Montreal, mientras tocábamos en un festival. Le gustamos y quiso ficharnos”; cuenta Morgane. Así, por la puerta grande de la industrial musical, se han convertido en el primer grupo francés que forma parte del sello. Algunos, ya los han convertido en los dignos herederos de B’52, mientras que otros han encontrado en este disco fragmentos de la escena musical de Nueva York en los 80. A ellos no les importan lo más mínimo estas etiquetas: “Algunos nos han dicho que nos parecemos a B’52, y otros a Battles. ¡Qué más da eso! Sólo hacemos música, y todos los grupos somos siempre herederos de los que nos han precedido. Escuchamos música de los 80, pero también de mucho antes y, por supuesto, actual. Sólo tenemos las herramientas en nuestras manos, y las usamos a nuestro antojo, de acuerdo a nuestra experiencia y a nuestro estado de ánimo, sin tratar de recrear un periodo o de inventar algo nuevo. El único objetivo es que la gente se lo pase genial cuando nos ve tocar”, asegura la vocalista.

Entre los grupos que han inspirado a estas voces fuertes y particulares, está Archie Bronson Oufit, la que consideran una de las mejores bandas de la historia. Además, Morgane cuenta que también son muy fans “de otros grupos más antiguos como Kleenex/ Liliput, Chin Chin, Delta 5, o otros más ‘poppy’ como Talking Heads, Jonathan Richman o Pixies”. Con estas influencias, no nos extraña que el resultado sea un EP tan audaz. A nosotros, ya nos han contagiado su vivacidad y sólo esperamos que crucen pronto los Pirineos, con su equilibrio perfecto de indie pop, para prender fuego a nuestros escenarios.

Y no sabemos qué le evocaron a Simon Raymonde, el jefe del sello Bella Union (que lleva a artistas como Fleet Foxes, M. Ward o Veronica Falls), pero seguro que algo muy bueno. De hecho, se enamoro de estos jovenzuelos en cuanto 85

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www.concreteknives.bandcamp.com

lópez munuera Texto por Beatriz Ahijón.

Iván López Munuera (1980) es historiador de arte y especialista en Arte Contemporáneo, Estudios Culturales y Nuevos Medios. Pese a su juventud, cuenta con un dilatado currículum que incluye colaboraciones como crítico en revistas especializadas como “Arte y Parte”, actividad docente en la Universidad de Georgetown, labores de comisariado, documentación y gestión en instituciones como Museo Nacional Centro de Arte Reina So%a, donde comisarió la muestra Los esquizos de Madrid. Figuración madrileña de los 70, y ACAX (Agency for Contemporary Art Exchange), Ludwig Museum, ARCO, Instituto Complutense de Ciencias Musicales y Matadero de Madrid, donde participa en el grupo de investigación y trabajo de Matadero, El Ranchito. Además, Munuera dirige su propio canal de televisión independiente, Fuzzy Now Broadcasting TV.

dejados de lado como espacios donde es posible desarrollar una emancipación personal y colectiva. Para mí es importante resignificarlos y dotarlos de visibilidad como arenas donde es posible elaborar y poner en escena debates que construyen nuestro día a día. Siempre ha existido una relación entre arte y música, pero en los últimos cuarenta años es más visible, entre otros motivos por la aceptación de la música como un campo de conocimiento esencial. La cuestión es dar cabida a los diferentes estilos musicales y poder analizarlos de manera concreta y conectada. El funk en la obra de Luis Jacob, el blaxplotiation o la música tipo Stax en las composiciones de Mickalene Thomas, los vodeviles de los años 30 en la de Kalup Linzy o los Smiths en Aitor Saraiba, todos son esenciales y hacen emerger diferentes posicionamientos. Hay genealogías alternativas y archipiélagos de ironía que ponen en cuestión cómo se construyen nuestras historias o qué es considerado respetable y constitutivo de un saber.

¿Por qué una exposición de música, arte y política?

Tanto el arte como la música y la política son terrenos que conforman nuestra visión, entendimiento y posicionamiento crítico frente a la realidad. Son campos conectados entre sí que muchas veces son arte

A través de la visita a diferentes estudios de artistas, conversaciones con agentes, recuento de exposiciones contemporáneas y referencias continuas que me hacían preguntarme si, por ejemplo, una figura como David Bowie había sido más influyente en ciertos artistas contemporáneos que Bruce Nauman. Al mismo tiempo, la capacidad emocional y afectiva de la música permite generar una arena donde todos estamos inmersos y nos permite actuar como espectadores activos, participar con nuestros conocimientos y experiencias. ¿Cuál ha sido el impacto real de la música en nuestra sociedad?

¿Cómo llegaste a la idea de una exposición cuya temática fuera la música a través del soporte arte?

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A lo largo de los siglos XX y XXI se han dado toda una serie de acontecimientos que han tenido como centro gravitacional los diferentes conocimientos producidos en la música Pop (o formas musicales populares urbanas, ya sea rock, punk, postpunk, disco, tropicalismo, psicodelia, tecno, electro, hip-hop…) y que han variado por completo el tejido cultural y social.

Unas acciones no siempre presentes en las historias al uso pero que, sin embargo,

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En Pop Politics: Activismos a 33 revoluciones, Munuera aborda la dimensión política de la música y su importancia para comprender los movimientos sociales de nuestro tiempo.

han producido una quiebra radical en la estética, las vinculaciones sociales y las interacciones con los órdenes establecidos. La música entendida como una arena de lo político donde se ponen en juego diferentes posicionamientos, como una extensa atmósfera de relaciones que contiene canales de hegemonía, pero también archipiélagos de alternativa, ironía, desatención y disidencia. Porque sus variados sistemas de relación no son subculturas ajenas a un contexto global, sino agencias compartidas y posiciones de conocimiento conectadas entre sí, hibridadas y contaminadas, en las que es posible encontrar micro-espacios de descoordinación. Una arena política que ha influido de manera determinante en el presente, desvelando las implicaciones actuales de muchas de las manifestaciones estéticas y artísticas de hoy día.

El fan ha sido entendido habitualmente como una figura alienada, carente de voz, que acata los designios de la estrella o del mercado, pero esto no siempre es así. Las etnogra!as del fenómeno fan y los recuentos que de ellos hacen numerosos artistas contemporáneos como Jeremy Deller y Nick Abrahams, Luke Fowler, Lorea Alfaro, Christian Marclay, Francesc Ruiz o Momu & No Es, han permitido superar la lectura de la figura del espectador como un agente pasivo -un receptor acrítico y socialmente desorganizado, sin capacidad para intervenir en los procesos de producción y significación de lo pop-, para reinterpretarlo como un agente activo que contribuye al desarrollo, elaboración y relectura de estos productos. El trabajo de diversos artistas ha documentado cómo en muchos casos los fans abordan proyectos de emancipación personal o colectiva en la manera en que se vinculan a las “estrellas” de la música, de las que disponen de manera independiente, reprogramando las correlaciones entre icono e ideología en el ámbito de su experiencia cotidiana.

¿Crees que la música puede ser el motor del cambio, su banda sonora, o ambas cosas?

Creo que es importante visualizar el arte y la música no como espacios de contrasociedad o subculturas ajenas a un marco global, sino como partes esenciales en un contexto amplio. En este sentido, la música puede actuar como motor de cambio y como banda sonora, de la misma manera que el arte puede ayudar a representar y problematizar el lugar en el que nos encontramos o el espacio de deseo en el que queremos estar o vernos representados.

Pop politics tiene un cierto aire retro… ¿Qué fue de aquella juventud rebelde?

Para mí era esencial desligar la idea de “juventu”’ como constitutiva de un contexto cultural ligado a la música. La música es intergeneracional y trasnacional. Cada artista genera vínculos diversos al margen de su generación: de las canciones de Kurt Weil y Bertolt Brecht en la obra de Discoteca Flaming Star al New Wave de Pettibon o la música de Amy Winehouse en Lorea Alfaro. Del mismo modo, he tratado de no abordar sólo aquellas tradiciones musica-

Al observar las obras da la sensacion que la exposición trata la figura del fan desde un punto de vista original...

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les que puedan provenir de Occidente: tenemos desde las obras del japonés Lyota Yagi hasta la chicha del peruano radicado en México Gabriel Acevedo Velarde. Por otro lado, he querido que todos ellos estén al mismo nivel, pues sus trabajos lo merecían: tenemos desde el premio Turner Jeremy Deller o el último León de Oro de la Bienal de Venecia Christian Marclay a figuras cuya trayectoria está elaborándose en tiempo presente, como June Crespo. ¿Qué papel juega la música en tus intereses como investigador?, ¿Y en tu vida?

Un papel crucial en ambos sentidos. Construye los diferentes campos de conocimiento, más aún en un terreno como el arte, que visibiliza de manera continua el lugar en el que nos situamos, lo dota de significación y crítica, y que, por supuesto, afecta a nuestro día a día. ¿Qué música escuchas?

Sé que parece una respuesta estereotipada, pero es muy variada: ahora mismo estoy escuchando un recopilatorio de Robert Crumb sobre primeras grabaciones en discos de pizarra (Gay Life in Dikanka. R. Crumb’s Old Time Favorites) y lo alterno con Frank Ocean, Arvo Part, The Smiths, Gang Of Four, El Hijo y John Talabot.

villagers No sabemos si, como reza su nombre, son aldeanos o más bien cosmopolitas, pero los Villagers llevan cosechando éxitos desde su debut en 2010. Con aquel “Becoming a Jackal”, que se presentaba con un folk humilde y brillante, se hicieron con la nominación al Mercury Prize.

Poco a poco, los ojos verdes e inteligentes de Conor O’ Brien, el vocalista, dejaron entrever su personalidad.

Texto por Lara Fernández. Fotografía por Rich Gilligan.

Un joven apocado y, en apariencia, distraído que, en realidad, escupe su alma en cada canción. Un trovador astuto y existencialista, que vuelca en la música una pugna interna: cada ilusión y cada hastío. “{Awayland}” (Domino Records, 2013) su nuevo álbum, constituye una catarsis. La exteriorización más pura de una mente lúcida e inconformista, que dice buscar la verdad de la vida dónde sólo puede hallarse: en el origen.“Cuando empecé a componer sólo tenía una cosa clara: quería ser un niño, un lienzo en blanco. Quería hacerme las preguntas que una mente aún no corrupta se hace sobre el origen del universo, sobre la inmensidad del cosmos, sobre mi insignificancia, y la tuya. Todo es susceptible de ser cuestionado y, a veces, lo olvidamos al crecer. Los niños ven la vida de una forma distinta, su perspectiva aún no está envenenada por la sociedad”.

Así, sin pedanterías, O’Brien se convierte en experto de su propia existencia, y de la del resto de los mortales. “{Awayland}” es un proyecto tan ambicioso, que cuesta creer como alguien se ha lanzado de cabeza, y sin frenos, a tocar en un disco épico, con un asombroso estilo cinematográfico, el folk anglosajón como lo habíamos conocido hasta ahora. “La composición ha sido di!cil, porque he jugado mucho con las texturas, buscando algo

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muy experimental. Me metí de repente en el terreno de la electrónica, meses y meses enganchado a la guitarra y al sintetizador, practicando sonidos. Ahora nuestros conciertos son mucho más pesados técnicamente: llevamos teclados y más maquinaria, aunque por supuesto mantenemos una importante parte acústica. En realidad, creo que tuve que aprender cómo se hace la música techno”, afirma entre risas. Se erige así como uno de los mejores vocalistas del año, con una voz expresiva y controlada que, en ocasiones, incluso te susurra al oído, como en “In A Newfound Land You Are Free”, tema que “intenta lidiar con la locura total que impera en el mundo”. También es el caso de “My Lighthouse”, una balada “de búsqueda”, introspectiva y endemoniadamente triste, que demuestra que no hay que hacer fuegos artificiales para engendrar algo sublime. Pero si hablamos de momentos acústicos y emocionales, debemos acudir a “Nothing Arrived”, en cuyo estribillo Conor te suelta: “I waited for something, and something died / So I waited for nothing, and nothing arrived” y, además, te lo acompaña con un video demoledor sobre un tal Terrence Bliss, un hombre tímido y fracasado, con una vida mediocre, que ni siquiera se alegra cuando le toca la lotería. ¿Quiere transmitirnos una filoso%a horrible

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de la vida? ¿Que no esperemos nada de ella? ¿Que recelemos de la posibilidad de una buena suerte repentina? Todo lo contrario: “No busco que quien la escuche se identifique con Terrence. Quiero transmitir que tenemos muchas cosas alrededor que no valoramos, me gustaría remover alguna conciencia”.

Además de melodías sosegadas, toda historia de fantasía que se precie ha de tener un dinamismo sorprendente, y este álbum no podía ser menos. Ahí está “The Waves”, una canción hipnótica cuyo final constituye el mayor clímax del disco, un tsunami furioso a base de guitarras distorsionadas y una electrónica deliciosa. ¿Cuál es el secreto para fundir sintetizadores propios de OMD con una lírica colmada de inquietudes y pretensiones poéticas? Sólo los Villagers lo saben, y no parecen están dispuestos a revelarlo. Lo único que podemos decirte es que en sus Ipods lo que más suena últimamente es puro techno minimalista, como lo lees: “Escucho electrónica como Plastikman o también Ataxia, mucho estilo Ambient, aunque también Funk. Soy muy ecléctico”, cuenta O’Brien.

A estas alturas de la entrevista ya nos hemos dado cuenta (si no lo habíamos hecho ya al escucharlo) de que todas las canciones utilizan

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la metáfora como bala. No hay más que echar un vistazo a algunos títulos como “Judgment call”, “Earthly Pleasure” o la citada “In A Newfoundland You Are Free”. En algunos casos, como en “Passing A Message” el mensaje, diluido entre vibraciones psicodélicas, es diáfano: “I learned how to listen to the folks on TV/ They are passing a message that means nothing to me”. Sin embargo, también hay mucho material sepultado. “No todo lo que quiero transmitir es evidente, de hecho mi mensaje es más bien críptico. Tienes que regresar a las canciones para encontrar nuevos matices, que en la primera o la segunda escucha no se manifiestan”, afirma Conor. Matices que no siempre son lúgubres. De hecho, “The Bell” es un tema cargado de humor. “{Awayland} es una tragicomedia, un conglomerado del desastre que supone la vida en sí misma. He querido poner las cosas divertidas junto a la oscuridad y la melancolía. Referencias muy dark, muy profundas, junto a la risa y la diversión; momentos ridículos, momentos bellos. Así es nuestra naturaleza humana”.

De este modo, nos invita a experimentar nostalgia, ilusión y sentimiento de culpabilidad (a veces, al mismo tiempo) en sólo once canciomúsica

nes. Las texturas son gloriosas, puedes tocar las melodías, y hay momentos que realmente cortan el aliento. La reciente muerte de su hermana, lecturas de Heidegger, Sartre o Camus y su vulnerabilidad innata, ya presente en el anterior trabajo, han sido las principales fuentes de inspiración. Pero si hay algo que hizo a Conor darse cuenta de que este nuevo proyecto iba a ser rompedor y radicalmente distinto a lo que había hecho hasta ahora, fue una experiencia soporífera en su última gira: “Fue demasiado larga, más de dos años; una y otra vez tocando las mismas canciones. Pero lo que más me fastidiaba era que, al final, había muchas de ellas que ya no las sentía, que había cambiado de opinión respecto a cuando las escribí. Cuando canto ante una audiencia, quiero que la gente se inspire de la misma magia que me inspiró a mí al componerla. Por eso cuando empecé este álbum quise abrir mi mente hasta el límite, estar lo más receptivo posible, expandir mi imaginación y mi curiosidad innata.

No quería inclinarme hacia los sentimientos que se reproducen comúnmente en las canciones, quería algo distinto. Pensé: a ver, ¿cómo me voy a sentir cuando toque muchas veces estas canciones? También 92

villagers

por eso hemos modificado la parte instrumental, porque queremos disfrutar al máximo de la puesta en escena. Todo será mucho más dinámico esta vez”.

Así, entre acantilados, fuertes propósitos y verdes leyendas, “{Awayland}” se ha cocido a fuego lento en el norte de Irlanda. Quizás de ahí surge esa atmósfera expansiva, con potente instrumentación y voces que recuerdan a los Radiohead de los 90; esos espejismos de criaturas exóticas, y una extrañeza fónica enraizada en el folk, muy del estilo Alt-J, que te obliga a darle al play una vez tras otra. Un imaginario vivo a través de versos rídiculos, densos, serios, espléndidos, agudos. Quizá los enamorados de la introspección absoluta de su primer trabajo, o los completos detractores de “esa música que no es tal, porque está hecha por máquinas”, es decir, de cualquier inclusión electrónica, pongan pegas esta vez a los Villagers. Pero renovarse y no perder la esencia es algo muy complicado, y no olvidemos que, hasta ahora, ningún teclado, sintetizador o caja de ritmo ha creado arte por sí mismo.

www.wearevillagers.com

thalia zedek Texto por Oscar Villalibre. Fotografía por Lana Caplan.

La música, como quizás también el futbol o otras disciplinas, está llena de héroes anónimos. Tapados que han desarrollado una prolífica y genial trayectoria a espaldas de las páginas más doradas del éxito comercial. Nombres solo deletreados por unos cuantos. Seguidores que tratan a estos artistas semi-anónimos con devoción y con cariño desmesurado, por el mal trato de la caballería comercial. Thalia Zedek es, sin duda, uno de esos nombres. música

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Esta cantante y compositora norteamericana lleva desde los años 80 cimentando una carrera aclamada por la crítica y desconocida por gran parte del público. Considerada y valorada con el pedigrí suficiente para ser colocada al lado de otros nombres más laureados como los de Patti Smith, Kim Gordon o Kim Deal. Nada más y nada menos. Su música se vertebró durante sus inicios con bandas como Uzi y Live Skull, antes de formar Come junto a Chris Brokaw de Codeine. Este fue el punto más álgido de su palmarés, hasta la disolución de la banda en 2001. Luego Zedek tomó su propio nombre y empezó a fraguar su proyecto musical más personal liderando una nueva banda (Thalia Zedek’s Band), y que en 2008 publicó “Liars and Prayers” (Thrill Jockey).

Un disco notable que ha sido el único consuelo sonoro hasta la llegada de “Via” (Thrill Jockey, 2013) y la confirmación de qué Thalia Zedek sigue en la brecha creativa. Alejada del foco mediático, pero igualmente intensa y aclamada por sus más fervientes seguidores.

ba que teníamos suficiente material para poder grabar un disco, pero a la vez quería esperar, simplemente porqué tenía ganas de escribir una buena canción más. Luego, hacia mayo del año pasado, nuestro nuevo batería, Dave, nos anunció que habían ofrecido un trabajo a su mujer en Buenos Aires y que se irían para allí en julio. Entonces me pregunté qué pasaría con todas aquellas canciones que ya habíamos compuesto. Así que reservamos el estudio y nos pusimos a grabar las pistas básicas antes de verano, posteriormente, en septiembre, cuando nuestro productor tenía un hueco en la agenda, acabamos de terminar las voces y las mezclas. Con todo Thrill Jockey – sello que ha editado “Via”- hubiera podido publicar el LP hasta marzo, pero nos dejaron tiempo para buscar otra vez un nuevo encargado de tocar la batería. Finalmente ha sido Dave Norton, que había tocado con mi pianista Mel en la formación Victory at Sea. Es un tipo impresionante y ya hemos escrito algunas nuevas canciones con él.”

Así pues casi cinco años de silencio. Tiempo en qué hemos conocido poco sobre las peripecias de la compositora de Washington D.C. Un silencio no forzado. Para Thalia Zedek y Aprovechando nuestra entrevista con ella, la su banda han sido tiempos de creación sin primera pregunta parece fácil. ¿Qué ha suce- estridencias, a fuego lento. Pero sin que ello dido en todo este tiempo? Thalia Zedek nos no haya significado falta de baches y traspiés responde “estuvimos rodando bastante con la en el camino. Vaivenes con denominación banda con nuestro anterior disco entre de origen en la carrera de la cantante norte2008 y 2009, hasta que nuestro batería americana. Así, la llegada de Dave Norton a Daniel Coughlin, que llevaba mucho la batería esperemos comporte una tregua a tiempo con nosotros, dejó la formación a los cíclicos cambios en esta formación, que principios de 2010. Entonces estuvimos desde 2008 transita en la creación de potentes algún tiempo buscando a fondo un nuevo composiciones indie-rock. Una mujer portenbatería. Finalmente hicimos un gran ha- tosa y de genio innegable. Su anterior disco llazgo con Dave Bryson de Son Volt. Nos “Liars & Prayers” (2008) ya dejó muestras de pusimos a trabajar rápidamente, aunque su capacidad para liderar una formación, y de no habíamos tocado mucho de nuestro sus cabales para pilotar un sonido específico viejo material con él, así que nos dedi- dentro de los parámetros de la escuela rock camos a improvisar y a escribir nuevas norteamericana. Así mismo, “Via” nos llega canciones. No queríamos hacer las cosas como una obra con diferencias sonoras respeto demasiado rápido, sin pensarlas.” Años a la anterior, aunque sin abandonar sus patrode cambios y de cogerse las cosas con calma, nes más básicos. Sobre las diferencias entre en resumen. Una buena y honesta manera ambos discos, ella comenta que “el sonido que de encarar la composición musical, sin duda. se puede encontrar en los dos álbumes es ¿Pero por qué ahora? Como el vino que se muy diferente. La paleta de sonoridades oxigena y desprende sus taninos para abrazar es mucho más amplia. “Via” es un trabajo el paladar, parece haber llegado el momento menos oscuro y más espacioso. Quizás es para este “Via”, el nuevo trabajo de Zedek un poco menos introspectivo y un poco y su banda. Y sobre el por qué ahora Thalia más extrovertido o expresivo”. Pasos aclara que “con los chicos nos reuníamos una medidos, proyecto de largo recorrido, nada vez a la semana más o menos para tocar las de trucos efectistas sin valor añadido. Guitacanciones y crear nuevas composiciones. rras electrizantes, muchos pasajes densos y Llegamos a un punto en el que considera- el peso de las letras. Una poderosa ecuación thalia zedek

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de tranquilidad y intensidad. Un conjunto de elementos polinómicos que vienen a dar un resultado lustroso, con picos de magnificencia materializados en cortes como “Lucky One” o “Walk Away”. A razón de la composición del disco, Zedek explica que “a las canciones se les ha de dejar hacer su propio camino, más que intentar forzarlas a qué todas ellas formen un mismo ambiente. A mi parecer todas las canciones de este disco son muy diferentes las unas de las otras. Por otra parte, sobre los temas de qué tratan las canciones, hay un poco de sensación de derrota en ellas. Pero el mensaje inherente es que a veces tienes que atravesar tiempos di!ciles y complicados, pero siempre acabas triunfando y venciéndoles al final de todo.”

Ciertamente el peso del pasado y las dificultades cíclicas en las vidas mundanas son un cabo recurrente en el puerto desde el que ha zarpado este disco. En definitiva, aquella sensación de cierta penumbra y de tormento apegada a la carrera de Thalia Zedek. Una auténtica superviviente del circuito musical, que va sumando años y discos a espaldas de la comercialidad. De ella emana un aire de respeto y genialidad, no pasado por alto por la crítica, que la ha situado en un, seguramente merecido, pedestal. “Me siento muy halagada por conocer que soy alguien aclamada por la crítica. Es muy bonito saber que algo a lo que dedicas mucho tiempo y esfuerzo a hacer es valorado por los otros”, sentencia Thalia Zedek para concluir esta entrevista. El reconocimiento, pues, vaya siempre por delante.

www.zedek.sowrong.org

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jonathan notario

Regalamos cinco pares de ARO a las cinco primeras personas que se suscriban a LADOS. Puedes suscribirte en: suscripciones#ladosmagazine.com Precio suscripción 30 euros

Programación expositiva primer semestre 2013

/DUD $OPDUFHJXL Parque fluvial abandonado 19/01/13 – 13/10/13

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Un lugar para un único individuo 19/01/13 – 09/06/13

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The Artist’s Studios (Los talleres de la artista) 09/03/13 – 28/09/13 Laboratorio 987

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vues partielles, vistas parciales Ciclo expositivo La forma y el querer-decir

19/01/13 – 16/06/13 Proyecto Vitrinas

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Rosa Barba Boundaries of Consumption, 2012 / Double-Whistler, 2011.

Vista de la instalación en la exposición Time as Perspective, Kunsthaus Zurich, Suiza, 2012.

Cortesía de la artista

19/01/13 – 16/06/13

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24008, León.

LADY BOWIE

POR VINCENT URBANI Estilista: Elisa Sedoni — modelos: Elisa C - Lidia — maquillaje: Giulia Cresci – Fabrizia Antonini estilismo de peluquería look naranja: Marco Tricca @Mael by Wella Professionals — estilismo de peluquería: Giulia Cresci localización: Ceri Vintage Showroom, Idee Arreda & Decora

pagina anterior y esta: total look Giacomo Lattari

Camiseta Nadine, leggings y zapatos Pieces.

Pรกgina anterior: Camisa Nadine, leggings y zapatos Pieces Esta pรกgina: chaqueta Yves Saint Laurent

Hoy es uno de esos días que aparecen marcado en rojo en el calendario, y no porque sea festivo, sino porque hoy podré hablar con Iran Kaplan, miembro de Yo La Tengo, grupo considerado de culto dentro del panorama musical independiente. Y es que hablar con él es un lujo, como lo es toda su discogra%a y por supuesto su último trabajo Fade (Matador, 2013).

Una primera escucha del álbum nos lleva a pensar en la mortalidad, pero además entre los surcos de este magnífico “Fade” parece existir, dentro del mismo, un mensaje oculto: “No te voy a contar de qué trata, creo que tiene que ser cada persona que escuche el disco, quien tiene que llegar a sus propias conclusiones. Si tú crees que se centra en la muerte, la mortalidad del ser humano... es tu conclusión y es válida”. Lo que sí es evidente es que nos encontramos ante un trabajo más escueto que los anteriores: “Nos gustan las canciones cortas, pero a la hora de hacerlo nosotros... simplemente antes no nos salía, o sentíamos que la canción no podía acortarse, que tenía que ser así. ¡Esta vez sí que nos ha salido!”. ¡Vaya si les ha salido y de qué manera! La espera que algunos hemos tenido que soportar hasta la aparición de este trabajo ha merecido la pena, todo un lustro, desde su último trabajo “Popular Song” (2009) “...pero no hemos parado de hacer cosas. Hemos tardado casi dos años en terminar el disco, ya que hemos estado trabajando en proyectos paralelos, haciendo otras cosas. ¡Pero nunca nos olvidamos de Yo La Tengo!”

Los nervios y miedos presentes al inicio de la conversación van desvaneciéndose, tal y como sugiere el título del disco y me pregunto si Yo La Tengo intenta, a lo largo de los diez temas que componen el disco, hablarnos de sus miedos: miedos no superados, nuevos miedos... “no te voy a contestar a eso”, me responde entre risas, aunque seguidamente añade “la verdad es que creo que siempre te estás enfrentando a nuevos miedos, ¿no? Las cosas van cambiando, se convierten en algo más fácil o más di!cil, o en algo mucho más duro. De alguna manera, enfrentarte a nuevos miedos es algo que siempre ha ido unido a la banda. Diría que uno de los progresos más importantes de Yo La Tengo ha sido superar esos miedos, creo que realmente lo es todo”. Kaplan subraya que “aún a riesgo de parecer repetitivo, te diré que uno de los mensajes del disco es música

que tienes que descubrir su significado por ti mismo”.

Así que primera lección: debes seguir el consejo del maestro. Darle al play y dejarte llevar, dejar que canciones como por ejemplo “Is That Enough” te hagan plantear la importancia relativa de las cosas. Que mientras escuchas el álbum se pare el tiempo y te olvides de tus problemas, tus metas y de los sueños por cumplir: “no sé si ese era el objetivo final, pero te diré que te acercas bastante al significado del álbum sí. ¡La música salvó mi vida y diría que también salvo la tuya!”

los 70 y en los años 80, en los comienzos de la banda, realmente nos animaron mucho a que siguiéramos con esto”.

“Fade” nos trasmite un ritmo que parece haberles llevado a una nueva re-invención, incorporando nuevos matices: percusión o arreglos de viento, como comprobamos en “Before We Run”: “Dejamos que cada canción siga su curso, no nos lo planteamos. Nos gustan los retos, pero no sabemos qué es lo que va a ocurrir.”

Así que este nuevo sonido no está estudiado y realmente todo es más espontáneo de lo que parece ser: “Con cada canción vamos viendo qué elementos faltan, cuáles sobran o qué estaría bien añadir. La gente que toque la guitarra sabrá lo que intento decir. Simplemente pasa”.

En “Fade” encontramos también canciones como “Ohm”, “Paddle Forward” o “Stupid Things”, ejemplo perfecto del Yo La Tengo de toda la vida. Pero en general parece que su etapa más noise o ese amateurismo buscado quedó olvidado, lo que me hace pensar que tal vez este Así poco a poco hemos llegado al final de la pseudo-giro en su sonido tenga que ver con conversación, y yo no puedo negar que he disel cambio de productor… “creo que este “nue- frutado como un niño pequeño. Al igual que vo sonido” más calmado, o más cuidado disfruté devorando la biogra%a de la banda siempre ha estado con la banda... Sí que “Big Day Coming” escrita por Jesse Jarnow. es cierto que el grupo de los últimos veinte Kaplan nos confiesa que “no he leído el libro años parece completamente diferente al final, sí que he leído partes antes de que se de los diez primeros, pero siempre hemos publicara”. Aunque en legítima defensa sido nosotros, hemos dejado que las cosas añade “apenas leo los artículos que se escriben fueran saliendo y ocurriendo por sí solas”. sobre la banda. Así que un libro, con sus cientos de páginas, todas hablando de mí, Sí, habéis leído bien, Yo La Tengo llevan juntos de nosotros... Sería una tarea dura”. El licasi treinta años y eso es mucho tiempo. Tiem- bro describe su historia: “una historia diferente, po en el se me antoja necesario, tal y como se que por qué no se iba a contar... Uno de los describe en la canción “I’ll Be Around”, el motivos por los que estuvimos de acuerapoyo de la pareja, de los amigos… “Una de las do con que se escribiera era porque nos cualidades de este grupo, bajo mi punto de gustaba la idea de que la gente pudiera vista, es que es una unidad pequeña, muy leer nuestra historia”. Yo no puedo estar cercana, y eso conlleva un gran beneficio, más de acuerdo ya que nos encontramos ante somos muy buenos amigos, llevamos via- una narración muy interesante, reveladora y jando juntos más de dos décadas! Hemos no exenta de cierto matiz dramático, “puede sido una constante que siempre ha estado que a lo mejor no haya sido tal en la reaahí. Somos los tres nombres que siempre lidad, pero no sé, a la gente parece que le aparecen en el diario de la banda”. gusta..”, nos explica, además según uno de sus protagonistas “el libro convierte una Con el transcurso de los años y escenario tras historia antigua en algo nuevo y quizás escenario, Yo La Tengo nos han regalado tanto un poco de drama hace que sea más... insu música como versiones de otros grupos que teresante, ¿no?” han ido enriqueciendo y redondeando sus composiciones. Basta con oír “Cornelia and Jane”, Con drama o sin él, Yo La Tengo siguen sienprimer corte del álbum en el que aparece la voz do una de las bandas más interesantes de esta de Georgia, para que me venga a la mente Nico era de la modernidad. Iran Kaplan nos invita y y The Velvet Underground. La curiosidad me nos incita a descubrir el verdadero significado mata, necesito saber cuáles son los grupos que de “Fade” y yo os aseguro que si en el limbo impulsaron el nacimiento del mito Yo La Ten- hay hilo musical, yo estaré preparado con este go: “Uff, mucha gente, la verdad. Pero quienes álbum bajo el brazo. más nos han ayudado han sido las bandas con las que nos juntábamos a mediados de www.yolatengo.com 106

yo la tengo

yo la tengo Texto por Nuno Torres

MĂşsica

entrevista

marta wainwright

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the staves Han llamado la atención de artistas como Tom Jones o Fionn Regan, prestigiosos productores se ofrecen a trabajar con ellas, y van de gira con bandas de primer nivel internacional sin tener disco propio. Entonces, ¿qué ofrece este grupo folk de una ciudad satélite de Londres? La respuesta, melodías angelicales, voces aterciopeladas y ligeras, armonías trazadas con escuadra y cartabón. Una fórmula sencilla pero elegante.

Texto por Jaime Suárez

Era domingo, un sol de otoño templaba la espera de los distinguibles y heterogéneos degustadores del singular encanto de Justin Vernon. Próximos a las tediosas colas y ajenos a todo lo que ocurría en el exterior, tres jóvenes encantadoras de aspecto risueño y frágil, saborean, en un restaurante con solera, la gastronomía imperdible del turista que visita Madrid por primera vez. Amablemente, una vez repuestas las fuerzas perdidas durante un fin de semana cargado de actividad, conceden unos minutos de conversación, todo preparado y dispuesto para abrir el espectáculo.

Ser elegidos por el líder de Bon Iver para actuar como teloneros en los conciertos programados durante su gira europea es solamente uno de los distintos logros que han conseguido este trío británico desde que hace poco más de dos años lanzaran su primer EP “Facing West” (Daddy Max Records, 2010) “Nos encontrábamos las tres juntas en una habitación de un hostal quejumbroso en Birmingham, estábamos viendo en televisión la entrega de los Grammy, y recuerdo que Bon Iver subía a recoger el premio por el mejor álbum, entonces encendí el ordenador y música

tenía un correo en mi bandeja, íbamos a telonear a una de nuestras bandas favoritas, comenzamos a saltar sobre la cama, nos volvimos completamente locas. Está siendo muy divertido compartir experiencias con ellos, aunque lo que más valoramos es la oportunidad de aprender que nos han brindado”.

El trío de Watford ha sido señalado como la nueva esperanza del folk británico. Después del éxito cosechado por Mumford & Sons, las grandes discográficas han comenzado una persecución frenética tratando de encontrar un grupo con potencial, que posea buenas maneras y que sea susceptible de alcanzar resultados parejos a los que obtienen los londinenses. The Staves junto con First Aid Kit, Lisa Hannigan o Laura Marling cumplen los requisitos, parece que el folk funciona y las críticas acompañan “Si lees la prensa y te crees las cosas buenas que escriben de ti, entonces has de dar el mismo valor a los comentarios negativos. Desde luego lo mejor para nosotras es no detenernos demasiado en lo que opinan de nuestro trabajo, hagamos las cosas como las sa108

bemos hacer y que el público disfrute lo que escribimos.”

Con el nivel de actividad que acumulan en los últimos meses, tienen claro que es lo más complicado a la hora de escribir nuevo material. “Es sumamente complejo hacer un paréntesis y conseguir un poco de tiempo para escribir. Hay artistas que son capaces de componer en cualquier lugar, no necesitan demasiado para crear. Nosotras en cambio, necesitamos concentrarnos, estar en un lugar tranquilo, en silencio, solas. Ahora es prácticamente imposible encontrar un hueco que nos permita escribir nuevos temas”.

Emily, Camilla y Jessica aparte de ser compañeras dentro de la banda son hermanas, y aunque se pudiera ver como un arma de doble filo, son las propias protagonistas las que están encantadas de compartir esfuerzos en un proyecto que se ha estado germinando durante toda una vida. “Nos encanta cantar juntas, supone una gran satisfacción, nuestras personalidades encajan muy bien, cuando estamos las tres realmente nos divertimos

mucho. No tenemos secretos, hemos de ser muy honestas, decir lo que pensamos realmente, exteriorizar lo que sentimos y complementar lo que hacemos individualmente para que el colectivo crezca y nos convirtamos en una banda cada vez mejor, tenemos la suficiente confianza para decirnos las cosas a la cara sin que genere malestar”. La excelente relación que mantienen, y el conocimiento que tienen cada una de sus otras hermanas, se traduce en una delicada complicidad que se deja ver cada vez que suben al escenario y desvelan su intimidad ante el público “Cuando estás delante del público con tus hermanas, la confianza que tienes es enorme, y la emoción alcanza otro nivel, cruzar miradas en mitad de una canción, acordarte de cuando se compuso y porqué, es verdaderamente bonito, no imagino hacer esto con alguien que no sean ellas”.

Es imposible no estremecerse ante sus voces cristalinas, que bien sean resultado de instintos fraternales y semejanzas en el tono o simplemente por una década de práctica y trabajo duro, se entrelazan a la perfección

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y se traducen en armonías de alta costura como en “Pay Us No Mind”. Pero más allá del continente está el contenido, el mensaje, el aroma personal y reflexivo que desprende la lírica del disco en canciones como “Mexico”, inquietudes y preguntas que nacen de alguien que se aleja de su hogar. “Llega un momento en la vida en la que has de dar un paso hacia delante, has de buscar tu propio camino, no es nada sencillo encontrar tu lugar. Pasamos mucho tiempo fuera de casa, y cuando visitamos la casa de nuestros padres, nos invade un sentimiento bizarro, piensas que ya no es tu casa, una sensación extraña de desarraigo di!cil de asimilar que se ha forjado en los últimos años, en los que hemos viajamos mucho, conocido y aprendido de personas muy diversas”. En mundo global, que ha alcanzado unos niveles enormemente altos en términos de movilidad y comunicación, son capaces de observar que no existe tanta diferencia entre personas de latitudes diferentes. “Te preguntas a ti mismo ¿qué significa ser inglés o europeo? En muchas ocasiones conoces personas de otro lugares con las que tienes más puntos 109

en común que los que compartes con tus amigos de la infancia, es bastante desconcertante pero al mismo tiempo satisface que sea así”.

El camino acaba de empezar para ellas, con el primer disco en el mercado y un excitante 2013 por delante es hora de disfrutar el momento.

“Carpe diem, no nos obsesionamos con el futuro, pero tampoco lo descuidamos, sabemos que hay que trabajar duro e intentamos, aunque resulte complejo, escribir nuevo material, al que quizás imprimamos un carácter más lo-fi y donde esté presente un poco de guitarra eléctrica, pero todo esto es un boceto mental, ahora es tiempo de saborear lo que tenemos”.

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Texto por Javier Mielgo.

Intentar describir y descubrir a estas alturas “Las Chicas Son Magníficas” es una rendición del partido a la figura de Quique González, re- completa, sin premisas te entregas para dar las sulta cuanto menos innecesario y redundante, gracias (“Yo te di mis naves y nubes, mi %sico cuando sin duda podemos afirmar que ya forma y mi química/ Mis amigos vienen del lumpen, parte del selecto glosario de los narradores de las chicas son magníficas. Nos ofrecen camas y los sentimientos y las emociones de una gene- lumbre, nos toman la matrícula. Las mejores ración, en definitiva de la vida. huyen, las chaquetas crujen a la luz de la luna”) un tema exquisito, confeccionado en un medio Y a pesar de ello cuando uno se detiene en los tiempo, sólo apto para muy pocos y donde la temas del presente “Delantera Mítica” (2013) magia de Antonio Vega, parece estar presente resulta inevitable hacer balance del paso del como esencia del mismo… “Es una canción que tiempo en la carrera del cantautor madrileño, inicialmente planteamos con piano y nos que desde aquellas tímidas composiciones de dio ciertos problemas de estructura, luego “Personal” o los primeros acordes de “Pájaros me olvide del piano y pensamos en hacerla Mojados” hasta las imágenes nocturnas y sincede una forma más acorde con lo que pide ras de “No Encuentro a Samuel” se han colado el disco, quitando el piano que tal vez daba por nuestra piel convirtiéndose en casi himnos excesiva gravedad al tema… Es un de los generacionales apátridas. temas que más me gustan del disco, he tenido la inmensa suerte en mi vida de que La música surgida desde de las tripas; desde las chicas me han querido mucho y muy lo más hondo, donde el corazón, las mujeres y bien, soy un privilegiado en ese aspecto.” unas cervezas con los amigos de la infancia dan “Delantera Mítica” traspira honestidad un paso al frente para descubrir lo esencial de y sencillez, una sinceridad que sólo los temas esta vida con una charla infinita en la barra de que salen desde dentro de uno son capaces de cualquier bar. transmitir. Sólo así se puede entender y agradecer el esfuerzo que suponen temas como “Me Las composiciones de este “Delantera Mítica” Lo Agradecerás” y “No Encuentro a Samuel”. aparecen reposadas, respirando pausadas, con…“Llevo componiendo así desde el prinformado por unos temas que parecen cambiar cipio, creo que para trasmitir tienes que la rabia, la fuerza y la piel de la calle por la ahondar en tus cosas “rascar hasta el reflexión y la serenidad de las canas. Temas hueso”, el proceso de creación conlleva que te desnudan como en “Parece Mentira” sufrimiento, pero cuando lo consigues o te autoanalizas en “La Fábrica” (¿cuánto tienes la sensación de haber resuelto un necesitas? /Ahora parece que tienes bastante problema que tenías dentro… Es di!cil de y todavía no has oído la verdad/ Los viejos se explicar, realmente es un misterio como han cansado de forzar la máquina /Dios se ha surgen los temas.” largado sin pagar….)

Un trabajo que puede navegar entre las aguas “En mi caso las canciones siempre van en de Neil Young, Ryan Adams, Lucinda Williams, paralelo a mi vida, trato de implicarme y el mismísimo Dylan, grandes referentes del reflejando en ellas mi punto de vista so- combate a corta distancia, en el cuerpo a cuerbre ciertas cosas… Y sí, respondiendo a tu po. Porque en los medios tiempos es donde se pregunta, la segunda parte de este disco pelea la batalla, para que el rock y blues ganen tal vez sea más reflexiva, densa y etérea la partida, nada fácil ni sencillo…. “Sin duda ha frente a una primera parte más rock”. Porsido di!cil, por mi propia exigencia y tamque Señores “Delantera Mítica” es un trabajo bién por el respeto a la gente que sigue mi sincero, humilde que habla desde dentro de lo trayectoria me ha resultado complicado. cercano, de los recuerdos, de los amigos y la faEste es sin duda el disco que más me ha milia…. “Delantera Mítica” es una metáfora de la costado escribir enfrentándome al miedo amistad y la lealtad. Mi “delantera mítica” a repetirme, a decir de la misma manera son mis amigos del barrio, aquellos con los cosas que ya había dicho anteriormente.” que jugaba al fútbol en la calle cuando era un niño… nunca pensé en otro título para Un paso adelante que supone un giro para el disco. Cuando empecé a escribir las can- dejar atrás las huellas de “Daiquiri Blues” un ciones quería hablar de cosas diferentes al giro que encoge tu corazón y duele, un paso al abandono y el sufrimiento que eran el eje frente sólo apto para valientes inconscientes. de “Daiquiri Blues”. Cuando escribí esta El momento de los himnos generacionales pasó. canción decidí llamarla así y me pareció la Canciones que no volverán, algunos sabrán mejor manera de acabar el disco.” deleitarse con este compendio de rock clásico, música

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otros quizás lo repudiaran, pero “Delantera Mítica” es desde ya el mejor disco de Quique González, un álbum lleno de buenos temas, en los Quique se ha dejado la piel estrofa a estrofa, desde el principio hasta el final. Un trabajo que con el transcurso del tiempo aparecerá en las listas de los medios entre los más grandes, otorgándole el reconocimiento que destila unas letras sinceras y reales, cargadas de amargura y optimismos a partes iguales, como la vida… ““Delantera Mítica” me ha supuesto un gran esfuerzo, tal vez lo contento que estoy con el resultado haga que lo esté disfrutando tanto. No sé si será un punto de inflexión en mi trabajo, mi carrera la conforman nueve discos ya, he ido poco a poco e imagino que seguiré por el mismo camino. Espero que haber hecho este disco me ayude ha hacer cosas distintas en próximos proyectos, y sobre todo espero poder disfrutarlo y “celebrarlo” en el escenario.”

Nueve trabajos para darnos cuenta que la figura de Quique González poco a poco se va haciendo cada vez más grande y autoritaria dentro del mundo del rock, un esfuerzo y logro poco reconocido y que por desgracia pasa un poco desapercibido, buscando un símil futbolístico, Quique González es el Xabi del Real Madrid, que sin deslumbrar por lo mediático de un Cristiano Ronaldo, eres el jugador que aporta la clase y calidad que toda gran casa necesita tener en su filas… “ (Risas), bueno no se si seré un Xabi, pero se agradece. La música lamentablemente en España no forma parte de la cultura popular de una forma real, a diferencia de otros países como EEUU, Francia, Argentina, Portugal… Es una lástima que no se cuide, pero en mi caso en particular yo estoy contento con la gente que me sigue y con mi trayectoria. No creo que merezca más atención de la que tengo, soy un tipo que hace canciones tengo muchos seguidores que vienen a verme y el respeto de mis compañeros, con eso me vale.” Sinceridad y genio, sólo nos queda abrir nuestras tripas y coger el consejo que encierra “Delantera Mítica” para los tiempos que están por llegar…“No me atrevo mucho a dar consejos la verdad, pero creo que es un buen momento para tomar responsabilidad individual como ciudadano, dejar de discutir en los bares y tratar de hacer cosas, pensar y que surjan nuevas iniciativas. En definitiva hacer examen de conciencia y cuestionarnos hacia dónde nos lleva una situación como la que estamos viviendo.”

quique gonzález

www.quiquegonzalez.com

THE MAZE

POR SERGIO DE LUZ Estilismo: Luis Miguel Aznar — Maquillaje y Peluquería: Ramón Torcado Modelo: David López Fraile —Asistente de fotogra!a: Carlos Lorenzo

Pagina anterior: Americana, camisa y pajarita Garcia Madrid, Pantalon Levi麓s Esta p谩gina: Chaquet贸n Sisley, Camisa Garcia Madrid, Pantal贸n Dockers, Reloj Folli Follie, Botas Medwinds.

Esta p谩gina: Traje Garcia Madrid, Camisa La Quinta del Sol, Cintur贸n y pajarita Garcia Madrid, Reloj Folli Follie, Zapatos Medwinds.

Pagina siguiente: Traje y camisa Denny Rose, Corbata Garcia Madrid, Reloj Folli Follie.

Texto por Sonsoles PĂŠrez

pauline en la playa

En un frío día del invierno madrileño nos reunimos con las hermanas Álvarez en la cafetería de un céntrico hotel de la capital. El motivo no puede ser mejor; la presentación a prensa del último trabajo de Pauline en la Playa, “El Mundo Se Va a Acabar” (Siesta 2013). Charlamos con Alicia y Mar que a pesar del tiempo glacial y de las mil entrevistas anteriores, las de Gijón se nos presentan del mismo modo que su música: cálidas, serenas y cercanas.

Desde la tímida guitarra con las que arranca “El Mundo Se Va a Acabar”, tema que abre su nuevo trabajo y que da nombre al nuevo disco de Pauline en La Playa, las hermanas Álvarez ponen la pauta de un nuevo trabajo con el que dan un paso más en su carrera manteniéndose fieles a su identidad; letras llenas de poesía y figuras líricas donde tienen cabida rasgueos de guitarra, distorsiones y algún pellizco electrónico, sin abandonar el pop y los sonidos orquestales.

“El Mundo Se Va a Acabar” se trata de un disco más expansivo y lleno de luz, que mira hacia afuera y que pone toda la carne en el asador. Arte, poesía y talento en estado puro.

porque nunca habíamos tenido a hombres haciéndonos los coros, tener la posibilidad de contar con Nacho Vegas diciendo cosas tan bonitas como “aunque todo este amor me abra como una flor”… Lo comentábamos en el estudio, ¡qué maravilla escucharle decir estas cosas! Él es mucho más trovador, no suele emplear esas metáforas tan poéticas. La melodía del single, “Universo”, era perfecta para él.” nos razona Alicia, y continúa Mar…“Con Umbert en “Desalojo” la conexión es total, fue amor a primera vista.

Para nosotras es de lo mejor que hay ahora en el panorama… ¡Nuestros Nachos son un lujazo! A ver si nos los conseguimos llevar al directo”

Temas que se arropan de poesía, para cantar y contar sobre los problemas más cotidianos acunados por figuras oníricas, ambientes fabulosos, como salidos de un cuento, casi como si de pequeños poemas o haikus se trataran como en “Todas Las Flores” donde las verdades se presentan como versos arropadas por unas guitarras asperas que ensalzan la belleza de los mismos… sin duda una forma diferente de contemplar el mundo, como nos confirma Alicia “Por supuesto, es una forma de re-interpretar la realidad.

Es fascinante jugar a que lo que te rodea tiene más lecturas. Lecturas poéticas, fantásticas… es muy divertido sacar otros significados de lo que nos rodea. Somos muy de metáfora”

Y es que desde el primer momento que uno escucha a Pauline en la Playa, queda fascinado por la meticulosidad y el esmero con el que se cuida hasta el más mínimo detalle: la dicción es perfecta, las melodías y las voces están muy cuidadas, por donde se cuelan instrumentos de viento que acompañan a las cuerdas, bases pop con toques de jazz o de bossa nova… La minuciosidad en los arreglos, de los que ellas se ocupan, es absoluta.

“Los arreglos son una parte fundamental.

Nosotras hacemos las canciones, las grabamos en el estudio de casa, vamos montando la maqueta y cuando ya está el arreglo claro quedamos con el músico y se ensaya. Todo está estudiado al milímetro porque es exactamente así como queremos que suene, que cante así el violín o que le conteste de esa manera el acordeón.”

Y es que a pesar de las melodías delicadas y de la suavidad en las voces, en sus letras tratan el dolor, la soledad, el desamor o la pérdida como en “El Tiempo” , dulzura que esconde letras que saben dar una patada en los dientes y que aleja a Pauline del estereotipo de música de Chicas para Chicas “Es una lectura muy simplista, muy machista, pero vamos, que este tipo de interpretaciones te las encuentras siempre y en todos los ámbitos y en la música también.

Nos han preguntado que si el indie nos parece machista: ¡pues claro! Como todo lo demás, ni más ni menos… Lo que pasa es que esperas que la gente más alternativa, más antisistema, batalle más contra eso… lo esperas pero no te lo encuentras.”

Lo primero que nos llama poderosamente la atención es el título, que nos hace dudar si estamos ante un nuevo rumbo del dúo, pero es Alicia la que nos ayuda a centrar el norte y nos da la explicación al por qué de tan agorero título … “La canción como tal resume muy bien el espíritu de todo el álbum. Juega con las dinámicas, es muy intensa…,que son las constantes que se pueden encontrar en “El Mundo Se Va a Acabar”. Los trabajos anteriores eran más introspectivos y este es más grandilocuente, Adentrándonos en los temas que componen “El muy potente. Ya con “Física del Equipaje” Mundo Se Va a Acabar” el oyente descubre una (Siesta 2010) empezamos a abrir un poco instrumentación abundante, con proliferación de más y en este hay una continuidad que es cuerdas, viento, percusión o instrumentos tradide apertura total” Mar apostilla… “Enten- cionales que aportan matices exquisitos a la base demos que se puede interpretar como una de guitarras y que empujan las letras dotándolas sentencia, pero no es un disco pesimista de una fuerza y delicadeza deliciosas. El ejemplo para nada. Hay una reflexión de dónde es- perfecto “Aishiteru “, un tema de orfebrería emotaremos dentro de un millón de años, pero cional quizás complejo de trasladar al directo… precisamente eso pone en valor el momento “Pues depende. A veces se te pone todo de cara y que estamos viviendo, que además es buete puedes llevar a toda la banda, pero si no nísimo. Tiene más un sentido de aprovecha se puede pues se adaptan todos los arreglos el momento, vive esta vida tuya llena de a un par de instrumentistas para que nos amor porque inevitablemente se va a acabar. acompañen. Lo último que hicimos fue ir También es verdad que nos ha tocado vivir solas con las guitarras a Granada y estábamos tiempos di!ciles y eso se cuela en el disco, encantadas de que por fin se nos escucharan es irremediable” las guitarras, que con tanto “pollo” de instrumentos a veces casi no se escuchan. Las canDestaca en el apartado de colaboraciones la parciones empiezan así, con dos guitarras que ticipación de Nacho Umbert y Nacho Vegas pose entrelazan y unos arpegios. Cuando no se niendo el toque varonil a los coros de “Desalojo” puede llevar a la banda te llevas la canción y “Universo” respectivamente, colaboraciones desnuda y te das cuenta de que también funboomerang de peso…“Queríamos coros de chicos ciona y de que es otra manera de escucharla.”

música

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El tiempo llega a su fin pero no sin antes preguntarme, viéndolas tan apacibles y serenas, si echaran de menos su época con las Undershakers, el desmelene sobre un escenario. Mar lanza un suspiro que nos provoca una carcajada “Ay yo un poco sí”, mientras que Alicia parece un poco más reticente a mirar hacia atrás “Los conciertos de Pauline tienen momentos muy intensos, pero de otra forma. Lo de la posturita en el escenario es deudor de una época y un momento, con veintidos o veintitrés años te apetece. Lo que más echamos de menos eran esas giras. Éramos cinco amigas de viaje en una furgoneta, nos lo pasábamos pipa” Honestas y llenas de calidad, las doce pequeñas joyas que encierra el nuevo álbum de las hermanas Álvarez, componen el trabajo maduro, generoso y franco de uno de los mejores grupos del panorama pop actual. Y si el mundo se va a acabar, a mí que me encuentre escuchando Pauline en la Playa.

pauline en la playa

www.paulineenlaplaya.com

the joy formidable

Texto por Jaime Suárez. Fotografía por James Minchin.

Dos años después de su gran rugido, este trío gales ha confirmado que son tan brillantes como se presagiaba , convirtiéndose en la más firme esperanza del rock de las islas. La dirección que han tomado con el lanzamiento de su segundo trabajo donde los lazos se han fortalecido, para ganar en autoestima todo hace apuntar hacia un horizonte sin fronteras, donde todo puede pasar y donde nos vaticina una primavera agitada, llena de expectación y emociones. música

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Las primeras impresiones son siempre importantes, en todos los sentidos. Cuando hablamos de música si cabe, tienen incluso mayor relevancia. Pocas veces damos segundas oportunidades o nos desdecimos de nuestra primera opinión, un buen primer disco te permite tomar una buena posición, “The Big Roar” (Canvasback Music, 2011) fue toda una declaración de intenciones, un anuncio, una carta de presentación incontestable. “A posteriori, tal y como han marchado las cosas parece que la elección del título fue premonitoria. Cuando grabamos nuestro primer álbum no imaginábamos, no esperábamos una respuesta así, aunque llevábamos una trayectoria ascendente, lo notábamos en los conciertos.”

Wolf ’s Law (Canvasback, 2013), atiende a otros motivos, lejos de hacer referencia a al mundo animal, el álbum toma su nombre del termino científico que acuño el cirujano alemán Julius Wolff. “Esta teoría defiende que cuando un ser vivo se encuentra en situaciones de estrés, sus huesos se hacen más fuertes. Una metáfora que describe muy bien el mensaje que deseamos transmitir, hablamos de curación y de mirar al futuro desde una perspectiva positiva.”

El esqueleto continúa siendo el mismo, no desaparecen los riffs afilados y potentes marca de la casa, pero ensanchan horizontes y amplían su rango de variables. “Hay una mayor diversidad en la instrumentación, composiciones más ambiciosas de cuerda, y la presencia de coros, son elementos que alejan este trabajo del debut. Este largo bebe de influencias celtas y orientales, que lo dotan de un toque épico y grandilocuente”. De esta forma definen ellos mismos el sonido del álbum.

Lo nuevo de The Joy Formidable, ha sido concebido en muchos lugares, todos ellos circunscriben y sirven para encuadrar y comprender la atmósfera en la que se situaba la banda. “Ha sido construido principalmente en la carretera, durante la gira, el aroma de cada sitio en el que estuvimos ha quedado impregnado, esto explica el ligero caos que aborda el disco. Hay que destacar el tiempo que nos tomamos Maine. Nos alojamos en un cabaña hecha de troncos de madera alejados de la civilización, en pleno invierno. No había mejor lugar para perderse, la naturaleza y el aislamiento acabó por filtrarse en el proceso de grabación, fue una experiencia salvaje y extraordinaria”. Su amor por el medio ambiente queda latente en “The Leopard And The Lung”, canción que se centra en el activista keniata Wangari Maathai .

La vida es algo dinámico, un continuo cambio y lo que nos rodea tiene una incidencia directa en lo que hacemos y viceversa, las circunstancias bajo las que se compuso su anterior disco no son los mismas que han “Wolf ’s Law”, ha sido el corte de presentación. acompañado en la escritura y grabación Una épica construcción, que comienza con un de su nuevo trabajo. “Cuando estábamos tempo lento, edificada sobre los cimientos de componiendo en el primer disco nos un piano triste, melancólico y la sublime voz encontrábamos en medio de una si- de Ritzy, todo ello acaba por transformarse tuación claustrofóbica e intensa, eran en un tema post-rock, puro ruido y potencia. momentos muy turbulentos para noso“Es una canción de aliento, que habla de tros en el terreno personal, creo que ese despertar la esperanza en alguien a quien sentimiento fue trasladado y plasmado quieres. Se trata de intentar recuperar el en el álbum. Se puede oír la frustración tiempo perdido.” La plasticidad visual y la agresividad que por aquel entonces que acompaña el video es altamente valorada. experimentábamos”. Ahora, parece que “El video es asombroso, una obra de arte. la tempestad ha amainado en las vidas La canción y el video se concibieron de estos galeses. “Antes de empezar a como un trabajo conjunto. Se muestran trabajar en este LP, nos situamos en un los círculos de la vida, su dinamismo, y el mundo más tranquilo, habíamos hallado paso del tiempo. Muestra el viaje general una senda con mucha más claridad y eso de todo ser vivo.” se ha traducido en una mayor confianza, no solo como banda, sino desde un Wolf ’s Law es un trabajo que contiene una punto de vista individual. Hemos expul- extraordinaria carga lírica, un elocuente sado las cosas que nos atormentaban y ideario político que parte de lo personal a lo el resultado es un disco en el que nos global, con reflexiones sobre la sociedad de sentimos más centrados y más seguros consumo, el ecologismo y una original forde nosotros mismos.” ma de cuestionarse el orden y equilibrio esthe joy formidable

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tablecidos. “No estamos de acuerdo, ni somos cómplices de un mundo que se mueve cada vez más por cuestiones materiales.

Estamos horrorizados ante la cultura de la celebridad, engrandecer a personas o cosas carentes de mérito, simplemente porque son más comerciales. Utilizamos nuestro trabajo para expresar esta sensación de decepción, hemos de ser fieles a lo que pensamos y mostrar nuestro punto de vista a través del altavoz que nos ofrece la música.” Ser ellos mismos, no ser pretenciosos, ni crear tendencia, simplemente hacer reflexionar a quien les escucha, sobre la sociedad anestesiada que acaece durante estos tiempos. “La música es un discurso, queremos desafiar a la gente a involucrarse, reaccionar y sentir por ellos mismos, que lo que hagamos sirva de catalizador.”

El crecimiento ha sido notable desde que publicaron su primer largo, dos años intensos en los que han teloneado bandas de la talla de Foo Fighters o Muse. “La experiencia ha sido magnífica, nos ha permitido mostrar nuestra a música a un público más amplio, a nuevas audiencias. Ha sido un tiempo de contrastes absolutos ya que compaginábamos la gira junto a Muse con nuestros propios conciertos, por lo tanto sentimos que hemos vivido lo mejor de los dos mundos, tocar delante de grandes multitudes y compartir la intimidad con la gente que aprecia lo que hacemos. Disfrutamos con el desa!o de conquistar a un público nuevo”.

La banda tiene confirmada una gira europea en la que presentarán su último trabajo. El público español deberá seguir esperando, pues de momento no han cerrado ninguna fecha dentro de nuestras fronteras.

www.thejoyformidable.com

música

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andrew bird texto por Oscar Villalibre

Saludo tímido. Gorro de lana en la cabeza, tez pálida. Tonos oscuros en la vestimenta. Tendencia a hablar flojito y con recurridas miradas al suelo. Así es Andrew Bird. Un artista de carrera prolífica y mentalidad compleja. Recientemente ha pasado por Barcelona para presentar su nuevo trabajo “Hands Of Glory” (Mom & Pop, 2012), un disco con ocho canciones, a camino entre un larga duración y una extensión. Una suerte de híbrido bautizado como acompañamiento del “Break It Yourself ” (Bella Union, 2012), que Bird publicó hace unos meses. “Yo sólo he hecho un puñado de canciones nuevas que podrían haber sido otro disco nuevo. Pero lo han querido llamar acompañamiento del anterior, pues de acuerdo.

No lo sé, quizás es una nueva aproximación para presentar nuevo material. Pero todo ello forma parte de la industria y de la forma de hacer de los sellos. Son cosas a las que yo realmente no doy mucha importancia. Cuando tengo material fresco quiero que salga para el público lo más rápido posible”, comenta Andrew al respecto.

Son las cinco de la tarde y estamos sentados en un patio al aire libre, con un frío imperante, hablamos con él sobre este nuevo trabajo, sobre su proceso creativo y sobre su prolífica carrera.

Su nuevo “Hands Of Glory” parece un paso más en la búsqueda del cantante de Illinois en las raíces del folk norte-americano y el pop de melodía perfecta. El disco suena profundo, menos luminoso de lo que nos tenía acostumbrados. Un sonido reposado que nos llega a evocar a las músicas del western, a los territorios de la antigua reunificación con banda sonora de Jace Everett. En este sentido Andrew señala que “el proceso de grabación fue bastante rápido.

Durante la pasada gira, entre concierto y concierto componía canciones y luego las llevaba al estudio para grabar. Algunas eran nuevas y otras viejas. Y nos poníamos a tocar con la banda estos temas y íbamos viendo lo que aportaba cada uno. Fue todo un poco curioso. Las tres primeras piezas del disco las grabamos en una iglesia, en pleno junio, con mucho calor. Unas condi-

andrew bird

ciones duras que vivimos y que se reflejan el sonido. Luego, el siguiente mes después de acabar la gira, fuimos al estudio que tengo en mi granja. El clima era muy seco y había varios incendios forestales por las cercanías, y entonces las canciones tienen algo de todos estos elementos que había en el ambiente a nuestro alrededor”.

El seco y viejo oeste empapando las canciones de estas ocho canciones. Elementos que parecen mancomunarse en su máxima expresión en cortes como “Spiorgraph” o “Three White Horses”. Auténticas delicias reseñables desde la primera escucha. Primera de muchas. Porqué Bird consigue componer melodías muy horizontales, capaces de aguardar bien el paso del tiempo. Algo que quizás haya desarrollado gracias a su formación como músico clásico, y que con los años ha ido aprendiendo y evolucionando hacia terrenos más pop. Es el momento, pues, de preguntarle en qué punto de su aprendizaje continuo se sitúa, en qué posición de su carrera (de fondo) musical se encuentra. Suspira, y pensativo, cuenta que “cuando empecé mi carrera, con veintiséis años, vivía la música desde una faceta más de fan. Iba a las tiendas de discos y quería conocer todo lo que sonara por el mundo. Iba aprendiendo y absorbiendo todo lo que podía, hasta que empecé a escribir y a tocar con otros músicos para poner todo ello en práctica.

Entonces con los años he ido asumiendo que la música tiene un elemento social importante; la gente baila, hay un hecho comunal en todo ello, no es algo cerrado.

He ido aprendiendo, especialmente en mis primeros años. He visto como la música es como la vida, algo cambiante y conectado, no como un compartimiento estanco”.

En este sentido, al hablar de referencias con nombres y apellidos para sus composiciones añade que “antes de publicar “Break It Yourself ” escuchaba mucha música country y música del sur de América, como The Staple Singers. Y más recientemente me he interesado mucho por los cantautores norteamericanos, por su capacidad de

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composición y de crear con las palabras.

Estas cosas cambian. Cuando era más joven The Band me parecían muy aburridos, y ahora los encuentro realmente increíbles”. Así mismo, más allá de referencias estilísticas, palpables en “Hands Of Glory” de todos modos, una de sus características formales más destacables es la constante temática que significan conceptos como la muerte, el pecado o el componente moral y religioso. Andrew Bird dice sobre ello lo siguiente: “Estoy muy fascinado sobre aspectos del imaginario cultural de los últimos trescientos años sobre temas como el más allá o el sentido de la vida. Cosas como la mística y todo lo que la rodea son aspectos muy universales que conciernen a todo el mundo. Son cosas que quería plasmar en mis nuevas canciones. Me encanta hablar sobre temas relacionados con todo este misterio relacionado con la muerte o las catástrofes. Es algo grande. Además lo místico me ayuda a la hora de componer. En mi vida personal no soy una persona practicante a nivel religioso, pero entiendo toda esta temática como algo que me afecta, algo que versa mucho sobre las energías”.

Sus respuestas muestran un Andrew Bird interesado por temas vitales de los más etéreos, pero también por lo que sucede bajo las gomas de sus zapatos. Preguntado sobre la subida del IVA cultural que sufrimos en España, Andrew dice conocer la situación. Entiende que la medida se intenta hacer para reactivar la economía pero ella sólo hace que a los artistas foráneos les resulte menos atractivo venir a nuestro país por el dinero que pierden. Sus reflexiones vienen seguidas de preguntas sobre la situación de crisis que vivimos aquí. Se muestra preocupado y alarmado por los índices de paro juvenil que padecemos. El entrevistado preguntando al entrevistador. Papeles cambiados para dar por concluida la entrevista y despedirnos de Bird.

www.andrewbird.net

Spring Summer

shopping

Vestrido Levi’s

shopping

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Women 2013

Bolsa Karl Lagerfeld Blusa Franklin & Marshall

Blusa Franklin & Marshall

Zapato United Nude

Chaqueta Odd Molly

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Top Odd Molly Vestido Levi’s

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Zapato Levi’s

Chaleco Herno

mujer

Camiseta Diesel

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Zapatilla Vans

Camisa Franklin & Marshall

Camisa Franklin & Marshall

Zapatilla Sebago

Bota Levi’s

Camisa Dr. Denim

Camiseta Carhartt WIP

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Chaqueta Levi’s Red

Zapato Sperry

Chaqueta Carhartt WIP

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Chaqueta Carhartt WIP

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Spring Summer

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Camisa Carhartt WIP

hombre

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Men 2013

jesĂşs ramiro viajar,vivir, degustar restaurante vinkeles (hotel the dylan)

cocinero: dennis kiupers

gastronomĂ­a

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La alta gastronomía, o mejor dicho, la gastronomía gourmet, aún en momentos de crisis, continúa abriéndose camino. Aunque realmente lo hace entre los pocos clientes que aun quedan de ese perfil, ya que con la actual crisis cada vez es más difícil que muchas personas tengan como opción gastar algo de dinero en los mejores restaurantes. Eso ocurre para los que tienen un buen nivel adquisitivo o para aquellos que sin tenerlo “profesan” una gran pasión por este tipo de gastronomía, aunque en este caso, limiten el número de ocasiones que de ella disfrutan.

En mi último viaje a Amsterdam quise visitar algún “templo del buen comer” y tras investigar e informarme un poco, (mi pasión gastronómica me “obliga” a hacer esa investigación previa en cada viaje), observé que si bien es una ciudad de gran afluencia turística, ofrece pocas alternativas de grandes mesas, sobre todo si lo comparamos con las grandes ciudades europeas como París, Londres o Madrid. Tras sopesar varias alternativas, la que a priori más me gustó fue la del Restaurante “Vinkeles”, ubicado en el hotel “The Dylan”.

La primera impresión al entrar en el hotel y atravesar algún pasillo que otro entre chimeneas fue la de encontrarnos en un ambiente de lo más selecto y romántico. Cuando llegamos al restaurante la decoración me pareció muy agradable y tuve la sensación de que todo iba a ser perfecto.

Desde los aperitivos hasta los postres todos los platos fueron sobresalientes, de muy buen nivel, elaborados con una gran técnica por el chef Dennis Kiupers. El servicio también estuvo a la altura y tuve la suerte de estar atendido pro un camarero holandés que dominaba muy bien el español, lo cual se agradeció. En este tipo de restaurantes, muchas veces sucede que cuando los visita un extran-

jesús ramiro

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jero, rápidamente acude alguien que te puede explicar los platos.

La carta de vinos estaba correcta, aunque algo desorbitada en el precio, quizás por causas ajenas a los sumilleres. De hecho los grandes impuestos en algunos países a veces provocan que los vinos estén casi diez veces más caros que en la bodega de origen…, sobre todo me refiero a los vinos españoles que son los que conozco bien.

Pero la media de la comida y vino, al final estuvo, en la relación calidad-precio, dentro de lo habitual para este tipo de gastronomía.

Lo que también volví a comprobar, es que en la gran gastronomía, hoy en día uno tiene la percepción de que da igual la ciudad o el país en que te encuentres…, se produce “una cierta sensación” de que existe una clonación del tipo de cocina ya que los platos coinciden en elaboraciones y técnicas. La cocina “adriática” (sí, me refiero hablando coloquialmente a la de Ferrán Adriá y no a la preciosa zona geografica del mar Adriático) está globalizada y no tiene fronteras. Indiscutiblemente, cada chef tiene su personalidad que marca las diferencias, pero por otra parte hay un sustrato común que marca poca o ninguna diferencia entre Nueva York, Berlín o Madrid o cualquier otra ciudad importante del mundo.

evaluación comida 8,5 / servicio 8,5 / vino 8 / ambiente 8,5 / media 8,37

keizersgracht, 384 ⁄ 1016 –gb –amsterdam www.vinkeles.com ⁄ restaurant@vinkeles.com

noticias Primavera Sound — No agotaron abonos la noche de La Gala, pero sí lo han hecho mes y medio más tarde. Efectivamente, tal y como se pronosticaba aquella noche, los abonos para el festival Primavera Sound se han agotado. Que no cunda el pánico, aún quedan disponibles entradas de día, para el jueves 23, viernes 24 y sábado 25 de mayo. Para aquellos afortunados seres que disponen de abono y para los que todavía (¡a estas alturas!) andan debatiéndose entre el asistir o no, os recordamos que faltan dos meses (bueno exactamente son 94 días, que los llevo bien contados) para que el Primavera Sound vuelva a abrir sus puertas y sus escenarios para ofrecernos los directos de Blur, Phoenix, Nick Cave & The Bad Sees, Tame Impala, Dexys, Deerhunter, Band Of Horses, My Bloody Valentine, The Jesus & Mary Chain y un larguísimo etcétera que todos los que estarán allí presentes intentan aprender de memoria con un ligero temblor de piernas mientras piensan en las solapaciones, pero qué se le va a hacer, así son los festivales, y en esta guerra, el Primavera Sound me gana.

hasta la delicada mezcla poético musical de Bradien y Eduard Escofett o la unión de fuerzas de los dirigentes de Raster-Noton, Alva Noto y Byetone bajo el emblema Diamond Version. Al atractivo de este formato “dupla para la ocasión” hay que añadir el hecho de que muchas de estas parejas vienen a presentar en exclusiva como es el caso de Pascal Comelade y Richard Pinhas, que darán su único concierto del año para presentar su álbum colaborativo “Flip Side Of Sophism”.

Aparte el presente cartel se completa con las propuestas de Hot Natured, Liars, Lindstr*m & Todd Terje, Maceo Plex, Gold Panda, Baauer, Darkstar, Vatican Shadow, Delorean, Foreign Beggars, Sound Pellegrino Thermal Team o Matthias Zimmermann.

SONAR — En el 20º aniversario del festival, la organización presenta un cartel en el que aparte de los ya confirmados como grandes cabezas del festival Pet Shop Boys y el electropop irlandés de Two Door Cinema Clubdestacan otras gendes figuras emergentes como es el rey del dubstep Skrillex, considerado la sensación de la música electrónica del momento, Skrillex llevará su espectáculo el viernes 14 de junio al Festival Internacional de Música Avanzada y New Media Art (Sónar) de este año. El productor y DJ de Los Ángeles, convertido en la nueva explosión de la música de baile en EE.UU. lidera el movimiento del “brostep”, un estilo que parte del dubstep británico, amplificando sus frecuencias ácidas en beneficio de los bajos.

Otro de los aspectos sobre los que poner la lupa es el ámbito colaborativo del presente cartel y es que desde la organización del Sonar parece a ver primado la exclusividad de las actuaciones intentando generar la unión de esfuerzos entre dos artistas para concebir algo superior a la suma por separado de ambos talentos, solo así se puede entender el nutrido número de dúos que actuarán en la próxima edición del festival los días 13, 14 y 15 de junio.

Entre las parejas ya confirmadas podemos encontrar de todo. Desde el disco house cósmico de los nórdicos Todd Terje y Lindstrøm, el techno asfixiante de Pariah y Blawan bajo el nombre Karenn o el trap bailable de Hudson Mohawke y Lunice como TNGHT

noticias

Nuevos conciertos que reafirmarán a esta artistaza como una de las figuras más a tener en cuenta y que podremos disfrutar en Marzo de la mano de GPS. Próximos conciertos Jane Joyd: Viernes 8 de Marzo. Bilbao, Cotton Club. GPS Viernes 15 de Marzo. Castellón, Sala Magic Box. Sábado 16 de Marzo. Valencia, Sala Matisse. GPS Jueves 21 de Marzo. Madrid, Sala El Sol. GPS Sábado 23 de Marzo. Granada, Sala Planta Baja. GPS Sábado 27 de Abril. Sevilla. Sala Malandar.

SOS 4.8. — El festival SOS 4.8 intenta consolidarse con su sexta edición. Se celebrará los días 3 y 4 de mayo en su tradicional emplazamiento en el recinto de la Fica en la capital murciana, Justice y The xx son dos de los cabeza de cartel confirmados para el SOS 4.8 2013. Los ingleses aprovecharán su visita para seguir presentando las canciones de su aún reciente segundo álbum, “Coexist” (Young Turks, 2012), mientras que el dúo parisino acudirá esta vez a Murcia para ofrecer un set como DJs. El cartel del SOS 4.8 para esta edición del 2013 se completa con artistas de la talla de M83 Bloc Party , Vitalic VTLZR o Modeselektor a nivel internacionala. Dentro del panorama nacional las confirmaciones vienen de la mano de .L.A, Jero Romero, Extraperlo, Grises o Javiera Mena .

Jane Joyd en GPS — Un año después del lanzamiento de su agota primera referencia, “Shy Little Jane Presents: The Dramatic Tale Of Her Animals”, Jane Joyd publica en marzo la segunda entrega de la saga de estos fantásticos Ep’s que lleva por título “Shy Little Jane Presents: So Lost In This Bleak Winter Landscape” El segundo trabajo de Jane Joyd mantiene el poso folk a base de arreglos con instrumentos clásicos, y añade ahora sonidos electrónicos que generan atmósferas tan bellas como sobrecogedoras donde la impresionante voz de Elba Fernández preside la función.

El presente Ep continúa avanzando el carácter conceptual de la artista: si antes fueron cuatro animales, ahora son cuatro paisajes; si antes eran postales las que acompañaban a la música, ahora son fotografías que permiten a Elba Fernández profundizar en unas letras de nuevo intimistas, donde la naturaleza humana es el principio y el fin.

Nuevos temas destilados de un folk mínimo en el planteamiento y grandilocuente en las formas, un folk deudor de una delicadeza instrumental, por el detalle que transporta a una música animista, articulada por sensaciones e impulsos antes que por acordes y partituras.

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L.E.V. Laboratorio de Electrónica Visual — Oneohtrix Point Never, Tim Hecker , Emptyset + Joanie Lemercier,Clark, Andy Stott, Raime, Pole y Kid606 son solo algunas de las confirmaciones presentes para el L.E.V. Laboratorio de Electrónica Visual del 2013. Una sexta edición que se celebrará en los diferentes espacios que conforman Laboral Ciudad de la Cultura en Gijón.

La cita ineludible para todos los amantes de las nuevas tendencias electrónicas se celebrará los días 3 y 4 de mayo y se podrá disfrutar de una selección de artistas centrada en mostrar algunas de las propuestas más atractivas de la creación ligada a la música electrónica y las artes visuales.

L.E.V. volverá un año más a tomarle el pulso al estado de la creación audiovisual internacional, con una selección de artistas centrada en mostrar algunas de las propuestas más atractivas de la creación ligada a la música electrónica y las artes visuales.

A la lista de artistas confirmados previamente y que incluía proyectos tan estimulantes como Clark, Andy Stott, Raime, Pole o Kid606, se añaden ahora las confirmaciones de tres artistas cuya obra investiga, desde

diferentes prismas, las propiedades físicas del sonido y las diferentes formas de composición, tomando como punto de partida instrumentos analógicos y grabaciones de campo: Oneohtrix Point Never, Tim Hecker y Emptyset + Joanie Lemercier.

Oneohtrix Point Never es uno de los músicos experimentales más excitantes que ha dado la electrónica de los últimos años. Autor de obras esenciales como “Rifts”, “Replica” o “Returnal”,Un artista clave a la hora de entender la renovación synth que inunda buena parte de las producciones sonoras actuales y que visitará L.E.V. 2013 para presentarnos su próximo trabajo, que verá la luz a lo largo de la primavera, y su nuevo directo AV. Por su parte el dúo con base en Bristol Emptyset continua su exploración de las propiedades elementales del sonido y las estructuras rítmicas. La obra de Emptyset cuestiona e investiga la frontera entre el noise y la música, y el potencial de la arquitectura y la tecnología y su influencia sobre el sonido.

Electrónica en Abril — La Casa Encendida.

Lee Gamble, Rhodri Davies y James Ferraro completan el cartel de la XI edición de Electrónica en Abril y que se suman a los nombres de LV & Spoek Mathambo, Virgo Four, Sun Araw, Rashad Becker y Eli Keszler para formar el cartel definitivo de Electrónica en Abril 2013.

Como novedad la edición de este año presenta un showcase del sello PAN el 14 de abril, que servirá de preámbulo al inicio del Festival el viernes 19 de abril.

Como viene siendo habitual el ciclo Electrónica en Abril apuesta por algunos de los mejores exponentes de una post modernidad electrónica, artistas que a través del cuestionamiento de lenguajes y técnicas musicales propias nos muestran nuevas perspectivas sobre las que acercarnos a la música electrónica. Para esto, nadie mejor que el británico Lee Gamble, a quien se conoce por sus lanzamientos en Entr´acte, pero que en el 2012 y de nuevo para PAN, ha entregado dos álbumes tremendos, uno, Diversions 1994-1996, deconstrucción literal del jungle, y otro, Dutch Tvashar Plumes, como fogonazo de techno avanzado. El responsable del colectivo CYRK actuará en directo el viernes 19.

Por su parte, el galés Rhodri Davies aterrizará con su harpa, para, alejándose del reduccionismo para interpretar uno de los discos que más nos han sorprendido en 2012, “Wound Response” (AltVinyl, 2012). Un torrente eléctrico, donde el harpa distorsionada y amplificada revive a Jimi Hendrix.

Por último hay que destacar la figura de James Ferraro, enfant terrible de la meta modernidad electrónica, capaz de todo y que

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el sábado 20 presentará en directo su álbum “Sushi” (Hippos in Tanks, 2012). Un artista que ha pasado de inventarse mundos sonoros ultra lo-fi a construirse realidades digitales, combinando bien su experiencia como consumidor con los sonidos virtuales en “Farside Virtual” (Hippos in Tanks, 2011), mostrando una personalísima mirada al sonido club en Sushi, donde quizá la parodia y lo referencial se olvidan o disimulan para acercarse de una manera lúdica a la bass music.

Zambujeira do Mar — pueblo situado en la costa sudoeste portuguesa, en la región del Alentejo. Hasta la fecha, Snoop Lion, Fatboy Slim, Solange, Cee Lo Green, Calvin Harris, SOJA y Avicii entre otros, han confirmado su participación en la edición de este verano.

Uno de los secretos mejor guardados del circuito europeo festivalero, MEO Sudoeste se trata en realidad del fes0val portugués más grande. Conocido por su buen ambiente y cartel ecléctico; una mezcla de música urbana, electrónica, pop, rock, indie, reggae y hasta fado portugués, MEO Sudoeste garantiza variedad para todos los gustos.

Ediciones anteriores del festival incluyeron las actuaciones de The Cure, Ben Harper, Chemical Brothers, Muse, The National, Kanye West, Underworld y Daft Punk, por nombrar solo algunos.

A tan solo 50 kms del popular Algarve, MEO Sudoeste tiene lugar a las afueras de Zambujeira do Mar, pequeño pueblo pesquero en la región costera del Alentejo, una zona muy conocida entre los aficionados al surf. El recinto y el camping están situados en un parque natural junto a un canal de agua dulce, a tan solo 10 minutos de algunas de las playas más bonitas del mundo y el mejor surf de Europa.

Aquellos que adquieran un bono podrán disfrutar de hasta 9 días de camping incluido y lanzaderas gratuitas a Zambujeira do Mar y las playas cercanas, lo que hace de MEO Sudoeste la perfecta experiencia festival/vacaciones por tan solo 95€ + gastos de compra.

Bonos de 5 días (9 días de camping incl.) disponibles en Ticketmaster.

Mitsuo Miura. “Memorias Imaginadas” — Desde el 14 de marzo al 2 septiembre, 2013, podremos disfrutar en el Palacio de Cristal (Parque del Retiro, Madrid) la exposición “Memorias Imaginadas.” De Mitsuo Miura.

Mitsuo Miura (Iwate, Japón, 1946) presenta una instalación cuyos protagonistas esenciales son las formas geométricas y los

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colores puros; dos elementos que se han convertido en los principales componentes del vocabulario artístico de Miura en los últimos años. Con ellos el espacio del Retiro se convierte en parte sustancial e integrante de la obra del artista.

Para esta sede del Museo Reina Sofía, su propuesta parte de lo pictórico y se extiende hacia lo espacial a través de círculos de colores distribuidos por el suelo y suspendidos en la cubierta del palacio. Además, Miura incluye en este trabajo franjas de color situadas de manera intermitente en el zócalo del interior del edificio. Su modo de hacer se construye así como una memoria en la que se reactiva un espacio de lo posible, un área imaginaria de existencia incierta que sólo puede ser completada mentalmente. La propia utilización de colores desvaídos remite a la representación de situaciones difusas.

La transparencia que caracteriza el espacio expositivo y la posibilidad de que la luz exterior incida sobre el color, hace que su percepción se modifique levemente según el momento horario y las condiciones climáticas.

Un juego visual que no se dirige hacia lo monumental y lo explícito sino hacia lo sugerido y lo íntimo.

Su obra tiende a hacer dialogar los materiales expuestos con el espacio que los alberga, al tiempo que suscita referencias casi imperceptibles a elementos de la naturaleza, estilizados y reducidos a sus expresiones mínimas.

Super Bock Super Rock — Relativamente desconocido para el público español, Super Bock Super Rock es uno de los festivales más antiguos de Europa. Ediciones anteriores contaron con gigantes de la música como The Strokes, Arcade Fire, Muse, New Order, Pixies y Metallica por nombrar solo algunos.

Para la presente 19ª edición del festival Super Bock Super Rock (SBSR) tendrá lugar del 18 al 20 de julio en la playa de Meco (Sesimbra), a pocos kilómetros al sur de Lisboa, Portugal. Junto a los cabezas de cartel Arctic Monkeys, The Killers y Queens of the Stone Age; Azealia Banks, Johnny Marr, Kaiser Chiefs, Chk Chk Chk y Owen Pallet son algunos de los grupos que actuarán en el festival portugués este verano. Dentro del escenario de música electrónica Antena @ Meco destacan las figuras de Carl Craig, Ricardo Villalobos, Ben Klock B2B Marcel Dettmann, Julien Bracht, Josh Wink, Expander, Freshkitos, Kinetic, Joao Maria & Miguel Neto, Henriq, Rui Vargas & Andre Cascais y Mary B. Un cartel completísimo, precios muy competitivos, buen tiempo, fácil acceso y la oportunidad de disfrutar de unas vacaciones en la playa o visitar Lisboa fuera de la experiencia del festival, convierten al Super Bock Super Rock en uno de los candidatos más fuertes del circuito europeo de festivales.

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