Lados mag Issue #17 by jose ujidos

L A D O S

17 Mogway G a n g o f Fo u r Greg Dulli

Jay-Jay Johanson N a c h o Ve g a s

Jon Hopkins Jim Jones Reveu

Eugenio Recuenco

P i e r r e Va n n i

Cyan

Crystal Fighters Zola Jesus

Paco Peregrín

American Pérez

Remate

Marc Nagtzaam

Damien Jurado

Fotografía de portada : Eugenio Recuenco

— Cr ys tal Fight e rs

— C yan

— Jon Hopkins

— Damie n Jurado

— Mog way

— Fe st ival In-E di t

— G ang of Four

— Euge nio Re c u e nco

— Jay- Jay Johanson

— Marc Nagt zaa m

— Nacho Ve gas

— P ie rre Vanni

— Remate

— Pac o Pe re grín

— Jim Jone s Re ve u

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— G reg D ulli

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— Zola Jesus

— A merican Pe re z

— Sublime

— C oc ina de Au t o r

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CRYSTAL F I G H T E R S Navarra y L o n d r e s . M ú s i c a tr a d i c i o n a l va s ca y d a n ce con t e m porá n e o. C u a t ro términos r efer en c i a l e s y o r i en t a t i vo s d e u n a f u lg u ra n t e b a n d a con u n pri mer disco, “ S t a r o f L o ve”, a p l a s ta n t e . U n a a le a ci ón d e ri t m os , g e n e ra d os por instrument o s d i g n o s d e c a tá l o g o y a l s o n d e voce s d e g é n e ros va ri os , s e rá n los responsab l e s d e l ba i l e d e s e n fr e n a d o q u e t e e s pe ra s i e s C r ys t a l F i g h t e rs lo qu e suena en l a p i s ta , o e n e l m ej o r d e l o s c a sos , e n con ci e rt o.

Insistís siempre en la capacidad de reinvención que cada concierto os brinda y habéis confesado desde vuestros inicios que os consideráis lo primero, banda de directo. Innovar, hacer sobre el escenario algo siempre diferente a lo grabado en disco. Ese es el objetivo y ahí reside nuestro deseo. Disfrutamos haciéndolo de este modo. No hemos formado una banda para grabar un disco sino para actuar en directo y tratar de improvisar cuanto más, mejor. Aunque los temas guarden su base, los trabajamos siempre tratando de modificarlos para que no resulten idénticos al disco. Es tan sólo que el propio contexto marca las maneras, es decir, es el propio público y su baile el que provoca que toquemos de manera diferente a la que lo hacemos en un estudio en fase de grabación. Habladnos del proceso de grabación del disco. ¿Cómo llegáis a ese resultado final en el que impera la mixtura de géneros y estilos y cómo definiríais vuestra música? Habíamos escrito todo un arsenal de temas y teníamos el material grabado desde hacía ya un año. A pesar de ello, una vez inmersos en el estudio no fue en absoluto fácil decidir qué queríamos incluir en el disco y qué terminaría por quedarse fuera. Cada cual tiene sus propias influencias y preferencias musicales y ante esto no pudimos mas que amoldarnos los unos a los otros. Algo a lo que le dedicamos bastante tiempo fue a la ordenación final de las canciones en el disco. En lo relativo a esa mezcolanza de estilos, nuestro primer paso es siempre la 5

creación de una base de folk muy sólida. Hecho esto, procedemos pues a añadir y mezclar al gusto. Y puestos a definir nuestra música, digamos que es una fusión entre la música tradicional vasca, el punk y la música dance actual, entre otros estilos. La escena dance de Londres está en plena efervescencia y revolución con vuestra aportación. ¿Qué postura puede uno adoptar sabiéndose solicitado en todas las salas del país británico? No somos realmente conscientes de ello, pero es cierto que sí existe un público al que le gusta y baila gustosamente la música que hacemos. Que se entrega en directo y ello nos provoca a la banda la responsabilidad de hacerlo aún más. Al fin y al cabo viene a ser lo que nos interesa, que el público disfrute y se lo pase bien. Es ese feedback entre público-banda lo que hace maravilloso el asunto. Se os compara constantemente con Delorean. ¿Estáis de acuerdo? Y metidos en territorio nacional, ¿qué banda o artista del lugar venís escuchando últimamente? Sucede algo muy curioso en ello y es que la música de Delorean nos fascina, es verdaderamente buena, pero no consideramos que exista esa, manifestada por muchos, similitud entre ambos. Hacemos cosas muy diferentes y cada cual se desenvuelve muy bien en lo que fabrica. Tenemos ambos una identidad diferenciada y ello se muestra tanto en discografía como en directos. En cuanto a artistas españoles, nos encanta Joe Crepúsculo, es realmente bueno.

Texto: Sara Osácar Imagen: Karina Lax

“Xtatic Truth” parece la síntesis perfecta de Crystal Fighters. Tanto en el tema como en su vídeo incluís referencias a vuestra cultura vasca como es la Txalaparta y los bailes tradicionales, así como los personajes que dan vida a fiestas tradicionales como es el Txatxos (representado éste en la portada del disco). ¿Crystal Fighters tendría sentido sin las raíces de la cultura vasca? Somos una influencia directa de la música vasca, la cual hemos trabajado y mezclado con elementos contemporáneos del género dance. Es más, nuestro nombre proviene de una ópera escrita en euskera e inglés. Nos hemos empapado de esta cultura musical y aunque fabriquemos toda una amalgama de ritmos y sonidos, esta influencia se filtra en cada uno de los temas.

¿Mantendrá la misma línea sonora el próximo trabajo de la banda? Y por otra parte, ¿podremos veros pronto por España? Aún está por ver, aunque sí tenemos claro que no queremos repetir la misma fórmula. Seguiremos en búsqueda de algo diferente. Por España esperamos tocar el próximo año. ¡Contad con ello!

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ARCADE FIRE ARCtIC MonkEys MuMFoRD & sons PoRtIsHEAD tHE stRokEs

BEIRut CAtPEoPLE ELBow FRIEnDLy FIREs JuLIEtA VEnEgAs LoRI MEyERs PRIMAL sCREAM PRESENT sCREAMADELICA tHE stREEts tInIE tEMPAH THE CORONAS GRuPO SAlvAjE THE MARziPAN MAN SMilE vERONiCA fAllS ...Y MUCHOS MÁS

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hopkins

Presentar a Jo n Ho p k i n s , e s u t i l i z a r d e n u e vo e l cli ch é d e n i ñ o prod i g i o qu e t oca b a e l pi a n o a los doce a ñ o s c o m o l o s á n g el es , y q u e, c o n n o m u ch os m á s , h a s i d o cola b ora d or d e m ú s i cos de alta alc u r n i a c o m o M a s s i ve At t a c k , B r i a n E n o, C old play o Dav i d L yn ch , ú lt i m o pa rt e n e r de luj o en l a o be r tu r a m u s i c a l q u e e s “ G o o d D ay Tod ay / I K n ow ” ( S u n d ay Be s t Re cord s ´1 1 ) . Toda una car ta d e p r e s e n t a c i ó n q u e ha c e d e Jon Hopk i n s m á s qu e u n com pos i t or d e m ú s i ca elec trónica u n m a e s t r o d e l a es c en a c o n t e m porá n e a e le ct rón i ca .

Texto: Javier Mielgo Imagen: Steve Gullick

Con una formación como decimos puramente ¿Cómo es trabajar con los más grandes: Brian clásica y a primera instancia aparentemente Eno, Four Tet, Coldplay, Nathan Fake…? Cada alejada de la música electrónica, es difícil po- colaboración me abre la mente a diferentes forder imaginarse a un chico con aspecto frágil e mas de trabajo. Remezclar a Four Tet fue particuintrospectivo como Jon Hopkins acabase en el larmente divertido ya que me encanta la canción mundo de la música electrónica. La verdad es original. La primera vez que la escuché ya tuve que mi trayectoria sólo se debería considerar clara la idea que tenía para el remix que hice más como clásica únicamente desde el punto de vista tarde. También pienso que trabajar con el matedel piano como instrumento, como herramienta rial de otros siempre te permite centrarte mejor que puedo emplear en mis composiciones, pero en los resultados que vas buscando, partes de un no desde el punto de vista de las propias compo- punto y quieres llegar a otro, es mucho más sencisiciones en sí. La música en la que he estado siem- llo que enfrentarse a un vacío sin saber realmente pre interesado ha sido moderna y electrónica en el punto al que vas a llegar. Estas colaboraciones su naturaleza. Así que para mí no ha sido en nin- son muy enriquecedoras ampliando el bagaje de gún caso algo forzado o singular en sí mismo, todo tu propia cosecha. lo contrario, tengo la percepción de ser algo natural, espontáneo. Cuando era mucho más joven, Tras colaborar con Brian Eno en la elaboración grabé cuatro canciones en una cinta y empecé a de “Small Craft On A Milk Sea” (Warp Records ´10), has encontrado asociación junto al cineaspracticar con mi Casio. Todo empezó ahí. ta Gareth Edwards, para dar forma y cuerpo a la banda sonora de la película Monsters, que Quizás la música electrónica en sí recientemente saldrá en Europa, momento misma tiene un punto de ser incierto, perfecto para dar el salto y reclamar por dereparadójica, a su presunta esencia cho propio tu reconocimiento. Bueno, lo dudo, futura, innovadora, pide y encuensinceramente, la música de las películas tienden tra la sal que ayuda, que refuerza la composición final con pianos, cuerdas, a estar un poco “por debajo del radar” sobretodo cuando hablamos de pequeñas películas indeviolines, etc., para intentar generar pendientes, aunque quien sabe siempre existen unas emociones, unos sentimientos excepciones que a partir de presupuestos muy dentro del oyente. La música electrópequeños tienen un respaldo masivo en sala. Cunica es totalmente libre en su forma riosamente en el caso de “Monsters” la música ha artística. Hay un límite infinito a la atraído a bastante fans. Lo que es innegable es que hora de incorporar cualquier influenfue realmente una experiencia genial el componer cia, instrumento o sonido que jamás los temas con estas imágenes como inspiración. haya sido inventado. Esa paradoja de la que me hablas para mí es un plus a la hora de crear una melodía que jamás “Monsters” Se trata de un compendio de doce tracks, cuyo sonido se mueve elegantemente haya sido utilizada. Una característica entre la electrónica ambiental y la música clásiespecial que es capaz de retorcer cualca moderna. Doce tracks donde las diferencias quier melodía y transformarla en algo compositivas con respecto sus predecesores se totalmente diferente y único. han sutiles, meticulosas, pero al a vez distantes. Tu carrera arranca en 2004 con la publicación Sí, realmente es como comentas, aun teniendo de “Contac Note” (Just ´04), después llegó la misma dinámica, el álbum “Monsters” es muy “Inside” (Domino ´09) y más tarde las colabora- diferente del resto de trabajos anteriores. Quizás ciones con Coldplay y Brian Eno. Realmente no sean simples percepciones pero al mismo tiemexiste nada de especial, no por lo menos desde po estas diferencias hacen que cada unos de los mi punto de vista, pero sin duda, supongo que trabajos se sitúen en planos completamente difehe tenido la suficiente suerte de pasar durante rentes y en el caso de la BSO en planos muy dislos últimos años un tiempo maravilloso trabajan- tantes. La clave de alguna forma es la conjunción do en todos estos diferentes proyectos. Aunque entre los ritmos de la composición y los “beats” ahora mismo pienso que tengo el tiempo nece- que dentro de “Monsters” no encajan. Pero no sario para centrarme realmente en escribir mi porque estén desacompasadas estos temas, sino cuarto álbum en solitario y ver donde me lleva porque en el caso de las BSO las composiciones tienen que girar al ritmo marcado por el film. Sin ese viaje. 8

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embargo en los temas del resto de los discos ritmo y “Beats” si que encajan, porque esas canciones están hechas para ayudar a contar la historia del tema o del disco. Esa es supongo la principal diferencia entre unos temas y otros. De “Contac Note” a “Inside” uno puede encontrar o puede percibir una cierta evolución hacia unos sonidos más orgánicos, más viscerales, en donde se incluyen una serie de matices más rugosos, generados a partir de instrumentos más tradicionales. Bueno, lo primero es que no tiendo a tener un punto de vista general o global de lo que estoy haciendo, sobre todo cuando estoy en medio de un trabajo. Trabajo según me dice mi instinto, sintiendo las necesidades de las composiciones y buscando las vías de escape para ellas, para que puedan respirar y puedan vivir. En todo momento necesito sentir cómo y cuándo un piano debería estar entrando en un cierto punto, o si debería haber un brutal corte con un bajo. Así de sencillo, partiendo de este punto de vista, mi visión de “Insides” es la de un todo capaz de envolver mis composiciones para buscar el centro, el núcleo de mi sonido desde dentro. No hay duda de que “Contac Note” es un trabajo más pop mientras que “Inside” intenta explorar sentimientos de mayor madurez, fijándose en la importancia de las texturas que pueden trasmitir los paisajes sonoros desde el alma de la obra en sí misma. Bueno, supongo que lo primero que puede incidir en las composiciones es uno mismo, y es evidente que cuando escribí “Insides” era más maduro y un poco más mayor. (Risas). Supongo que esto explica que en “Insides” podamos encontrar una naturaleza más seria. Cuando estaba componiendo “Contact Note” tenía la sensación de que estaba desarrollando un trabajo bastante serio, pero ahora cuando lo escucho, a excepción de los tres últimos temas, veo que se trata de un disco con mucha luz. Estos tres últimos temas, fueron sin duda punto de partida e inspiración para “Insides”, tanto que me provocó una reacción eufórica. (Risas). En “Inside” (Domino ´09) los sentimientos y las emociones se desnudan en temas como “Autumn Hill” o “Small Memory” donde los pianos toman un protagonismo esencial, capaces de erizarnos el vello a cada nota, creando una atmósfera de reposo y meditación perfecta. Lo sorprendente de estos dos temas que me comentas es que tanto “Autumm Hill” como “Small Memory” crecieron a partir de la improvisación, en el caso de “Autumm Hill” fue un tema con el que me deje llevar y pude grabarlo de una sola vez. Creo que fue inspirado por una experiencia que tuve en un festival de música en el que participé donde tuve un gran momento, tocando el piano 10

en lo alto de una colina mientras amanecía. Fue sin duda fantástico. La vida es un constante dar y recibir, primero fuiste tu quien bordó a base de electrónica efímera y teclados escuetos el “Angels Echoes” de Four Tet, posteriormente fue el turno de que Kieran Hebden tomase los mandos de la cocina y preparase un plato de lo más sabroso a base de pianos reflexivos, cuerdas dramáticas y secuencias sintéticas que se entrelazan a nuestro corazón. Sencillamente escogí la canción porque es una de mis favoritas de “Four Tet”. Soy amigo de Kieran desde hace años, así que un buen día simplemente le pregunté si podía remezclarla. De inmediato me dijo que sin problemas, así que me puse a trabajar en el tema, cuando le enseñé el resultado, se puso muy contento con lo que hice y se ofreció para remezclar “Vessel in return” y por supuesto que me gustó lo que hizo. Es una maravilla de tema En breve estarás por nuestro país desarrollando tu espectacular directo, confeccionado a partir de los diferentes temas que conforman tanto “Inside” y “Contac Note” como los temas que dan estructura a BSO y otros proyectos. Intento y hago un directo muy enérgico, vibrante. No creo que haya ninguna razón para estar detrás de un monitor portátil y no entregar toda tu energía a un público que está expectante por disfrutar con tu trabajo, con tus propias composiciones. Así que todos mis directos intento dar el doscientos por cien, intentando dar todo lo que tengo y puedo. Realmente estoy deseando presentar mis últimas composiciones en un festival como el LEV, será mi segundo concierto, el primero fue en el Sónar en 2009 y después de estos años tengo verdaderas ganas de entregarme al máximo al público español. Toda charla tiene un fin y, por mucho que nos duela, y por mucho que estemos disfrutando de la velada, debemos despedirnos, preguntándonos por un futuro, por los próximos pasos a dar por Jon Hopkins y a seguir por nosotros. Estoy trabajando en mi siguiente álbum en solitario. Creo que no estará listo para este año, pero mientras, hay un disco en el que he trabajado con King Creosote, que sale a finales de Marzo. Se llamara “Diamond Mine” y es semi-instrumental. Me encanta la idea de trabajar y componer directamente con un vocalista por primera vez. También el remix de David Lynch está a punto de salir a las tiendas.

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“ S p e c i a l Mo ve s ” ( c o m p i l a c i ón d e t e m a s qu e h on ra n a m od o t ou rn é e n o a le a t ori a la d i s cog ra fí a d e l a ba n d a ) n o s ó l o e s u n a ob ra qu e s e pre s i e n t e com o le g e n d a ri a , s i n o qu e a d e m á s cort e j a a l c o m p l e t o : t a n t o a fe l i g re s e s com o a pri m e ri z os . E n e l pri m e r ca s o ( e i n d i s t i n t a m e n t e d e l n ú m er o d e vec es q u e a n t e ri orm e n t e le s h aya s e s cu ch a d o) t u f e n o pod rá m á s qu e ve rs e r e fo r z a d a . En el s eg u n d o , es t á s d e e n h ora b u e n a : b i e n ve n i d o a l u n i ve rs o Mog wa i . S e s e n t a m i n u to s d e u n i m p o s t - r o c k g es t a d o e n d i re ct o d on d e u n o n o pu e d e d e ja r d e pre g u n t a rs e cóm o p u ed e e s t e c u a r t e t o es c o c és h a ce r s on a r a n u e vo on ce t e m a s ya pu b li ca d os . C on e s t e ú lt i m o á l b u m Mo g wa i e n g r o s a s u - i n n a t a - e s ple n d i d e z y con d e cora u n a d é ca d a d e la b u ro m u s i ca l. Magnánimos.

Hacéis un repaso selectivo a buena parte de vuestra discografía. ¿Qué marca la diferencia en los temas que en “Special Moves” podemos escuchar respecto a los grabados antaño? El nuevo álbum presenta una gran diferencia, y es que puede sentirse. Es más sensible, un poco más optimista así como más rápido en comparación con discos anteriores. Sí, eso mismo, es bastante más dinámico que el resto. Y por supuesto, el detalle del directo siempre aporta especialidad, así como un toque de intensidad. ¿Cómo consideráis que ha sido la evolución de Mogwai en la última década? Lo cierto es que el tiempo ha pasado de un modo muy veloz y uno no puede casi apreciar el cambio. En cualquier caso todo ha sido muy casual. La consagración ha sido muy paulatina y pausada. Tal vez sintamos que nuestras composiciones hayan ganado en complejidad y calidad. Con los años, hemos ido añadiendo nuevos instrumentos y notando con el tiempo una mejoría en los directos, pero todo ha ido sucediéndose con mucha calma, sin brusquedad. ¿Cuál es el proceso de construcción melódica y lírica que una canción experimenta en vuestras manos? Cada cual trabaja con su portátil y envía demos al resto de la banda indicando ciertas pautas. Tras uno o dos meses de escucha de las mismas, nos reunimos y ensayamos lo que cada uno ha ido trabajando individualmente y tras ello el último paso sería el estudio. Es el formato al que recurrimos siempre a la hora de componer y el cual nos ha ido dando siempre el resultado esperado. Suponemos que esto es un modo de economizar tiempo, y además lo encontramos muy práctico. En lo respectivo a la composición de la letra, somos cuatro miembros y todos, excepto el batería, colaboramos. La cantidad aportada la determina el grado de inspiración que cada cual presente. 13

Se os titula siempre como pioneros del género impost-rock. ¿Estáis de acuerdo con la etiqueta que público y medios os han colgado desde los inicios? No realmente. En nuestros comienzos fueron varias las bandas que nos inspiraron y las cuales ya generaban un sonido de estilo similar, con lo que nuestro grupo no es estrictamente original. Es más, diría que nos desenvolvemos en el estilo en el cual lo hacemos porque no somos siquiera buenos cantantes, de ahí que prime lo instrumental. Consumimos y fabricamos material de este género porque es lo que mejor sabemos hacer, pero no nos consideramos padres del mismo. Respecto a las once canciones que componen “Special Moves”, ¿cómo fue el proceso de selección de las mismas? ¿Siguen y componen todas ellas una historia o concepto? ¿Alguna pista acerca de cuándo podrá el público español disfrutar de vuestro directo? Pasamos más de tres noches decidiendo qué temas entrarían finalmente en el disco. Cada miembro elaboró una lista con sus preferencias y todos reunidos finalmente compusimos un listado definitivo. Nos resultó realmente fácil esta parte del proceso. En una semana teníamos ya decidido qué publicar. Nuestras próximas actuaciones en España por el momento vienen a ser dos: una en el Primavera Sound, y otra el próximo Otoño. Ya habéis catado el escenario del Primavera tiempo atrás. ¿Sois banda a la que os provoque especial interés actuar en festival o preferís hacerlo en sala? ¿Qué recuerdo conserváis de cuando tocásteis en Barcelona? Si el festival es bueno siempre nos gustará tocar en él, y el Primavera lo es. Ya lo hicimos hace algunos años, justo después de Sonic Youth. En ese momento estábamos muy nerviosos porque hemos sido seguidores de este grupo, nos encanta y es una de las bandas que más nos ha influenciado. Recuerdo que salimos a tocar y aunque lloviendo, el público se quedó a vernos. Fue realmente emocionante. Y entre sala y festival, ambos son igual de especiales, cada uno con sus características. De todo vuestro material ofrecido, ¿cuál creéis que es el álbum que mejor define y representa la esencia de Mogwai? ¿Cómo os veis, y haciendo qué, dentro de diez años? Aunque “Special Moves” sea probablemente el que mejor cumpla esa función representativa, por cuestión preferencial y de favoritismo, diríamos que “Happy Songs For Happy People” es el escogido. Es nuestro favorito, sí. Nos gustaría pensar que dentro de diez años estaremos aún componiendo música. Alguno de nosotros tendrá hijos y no sé cómo afectará esto al concepto tour, pero en el mejor de los casos, nos vemos escribiendo canciones. ¡Ojalá! L ados

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Texto: Sara Osácar Imagen: Steve Gullick

¿Por qué un álbum de estas características (directo) en este punto de vuestra carrera? Nos parecía el momento adecuado para involucrarnos en un proyecto como este, donde las canciones están ya muy bien rodadas. Nos hemos ido citando tres veces por semana para ensayar y no tuvimos duda alguna en cuanto se nos presentó la oportunidad, de grabar. Nos ganó la idea, nos pareció buena y la llevamos a cabo.

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G A N G OF F O U R Desde su formacion en 1978, Gang of Four ha sido aclamada como una de las bandas líderes del movimiento post-punk, capaz de influir a grandes bandas de la última década tan reconocidas como REM, Red Hot Chilli Peppers, Bloc Party y Franz Ferdinand. Jon King y Andy Gill regresan después de dieciseis años en silencio a los mandos de “Content” (Neu Groenland Records´1 1) todo un compendio de letras incendiarias cargadas de mensajes políticos y sociales que dan como resultado un inteligente post-punk rock tan liberador como provocativo.

Entonces consideras que vuestro sonido tiene una influencia sobre bandas actuales como Bloc Party, Radio 4, Franz Ferdinand… Sí, sí, como te decía, creo que esas bandas que citas han dicho efectivamente eso y pienso que es cierto. Se puede apreciar no sólo por la declaración sino al escuchar su música, en las baterías, en las guitarras, en la forma de cantar… Sí, creo que es así. Se han escrito y leído muchas páginas de historia acerca de esta época. Se dice que era una época donde la gente no miraba hacia el revival como en los días de hoy, sino que el producto que se cosechaba en el momento satisfacía la atención y deseo del momento. Tú has estado en la primera fila de la función en los dos momentos. ¿A qué se debe esto? ¿Qué nos puedes contar de aquellos años de oro del post-punk? Hombre, yo tengo un montón de música que siempre he amado como Bob Dylan, Bob Marley, el Reggae, el Dub, muchas cosas que siempre me gustaron. Pero sentí que no tenía sentido copiar nada de eso. Para mí creo que hay muchos músicos que tienen que hacer o lo uno o lo otro. O copiar, o partir de un punto de vista completamente diferente. Y yo empecé a inventarme mi propio idioma. Desarrollar un nuevo vocabulario. Y así fue. Por otro lado también creo que la situación en Gran Bretaña en aquellos momentos 15

favoreció mucho esta eclosión de creatividad, ya que hubo una polarización muy fuerte entre la izquierda y la derecha. Una gran batalla. Y eso hizo que la gente no estuviera contenta, que tuviera ganas de moverse, de buscar otros caminos alternativos para todo. De inventarse una manera nueva de hacer las cosas. De encontrar la verdad. Con todo ese background y con algunas cosas más se conformo el sonido de Gang of Four. Actualmente creo que es una situación diferente. Más parecido a los años 70. La gente está más contenta, sobre todo hace diez años todo el mundo estaba muy seguro de cómo funcionaban las cosas. Ahora creo que la gente ya no está tan confiada y empieza a cambiar de nuevo el clima de experimentación. Retomando la actualidad y después de dieciséis años sin sacar disco, ¿qué nos puedes contar de este “Content”? ¿Cómo se hizo? ¿De dónde sale? Al principio de la charla mencionaste una serie de las bandas que siempre se han sentido influenciadas y han hablado de Gang of Four. En 2004 gracias a estas bandas que nos reconocían como su influencia principal todo el mundo estaba hablando de Gang of Four otra vez. Todo este bullir de sensaciones nos hizo desear volver a la escena. Querían vernos otra vez en directo y así fue. Nos volvimos a juntar, salimos de gira, tocamos mucho en América y finalmente, como en el 2007, decidimos volver a ensayar y a escribir nuevas canciones. Así que empezamos con el proceso, con una serie de sesiones de grabación. Luego hubo un parón de casi un año. Finalmente en 2009 lo retomamos y lo terminamos a mediados del 2010.

Texto: Javier Mielgo Imagen: Archivo

Han pasado casi treinta años desde la publicación de vuestro primer trabajo “Entertainment!” en 1979. Toda esta experiencia acumulada a tus espaldas te ha permitido ver todo y de todo. Todas las guerras. Los que fueron, los que vinieron, quién cayó y quien sigue en pie, lo que sonaba aquí y allá. ¿Qué nos puede contar Andy Gill hoy en el 2011? (Risas). Bueno ahora hago más cosas. Produzco a otra gente, esto me permite tener un campo de visión más amplio de la realidad, estos grupos de alguna forma te permiten observar diferentes prismas y contextualización de nuestros propios sonidos, es muy emocionante ver que de alguna forma algo que has creado hace treinta años sigue presente a día de hoy en otros temas, en otras composiciones. Muchos de los grupos actuales, dicen que valoran nuestro trabajo mucho y que están muy impresionados por lo que hicimos, que sienten la influencia de nuestro trabajo sobre el suyo; la verdad es una sensación increíble.

En palabras de tu compañero John King, “Content” es ‘simple y poderoso’. Sí, creo que esas palabras definen exactamente lo que es “Content”. Estoy totalmente de acuerdo. “Content” es un disco de baterías, de guitarras, de bajos y de voz, sin ningún tipo de sofisticación. Este concepto creo que es lo que hemos intentado mantener muy claro en cada tema, ha sido nuestra prioridad a la hora de facturar “Content”, y parece que sí lo hemos logrado. Estamos muy satisfechos del resultado. L ados

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¿Hay algo en común entre el presente “Content” y el mítico “Entertainment!” de 1979? ¿Qué queda hoy en “Content” de aquellos tiempos de “Entertainment!”? Sí, en general creo que sí. Definitivamente y de alguna forma seguimos haciéndonos las mismas preguntas a la hora de buscar el sonido perfecto de Gang of Four. Para ello intentamos saber de qué va todo esto. De qué va la música realmente. Creo que “Entertainment!” se explica por sí solo. El título es, ¡perfecto! Es como ‘esto es lo que entendemos por entretenimiento’. Y es lo que intentamos también hoy en día. Seguimos teniendo la misma dirección. Por eso el nexo común ente ambos trabajos, entre ambas experiencias, aunque estén separadas por más de treinta años. Para este “Content” habéis elegido un tema como “You’ll Never Pay For The Farm” como single. ¿Es este tema de introducción a Content a modo de tarjeta de presentación? o por el contrario, ¿es un pilar fundamental del disco? No, no, “You’ll Never Pay For The Farm” debe verse como una introducción, una tarjeta de presentación del sonido de “Content”. Por completo. No es una canción base. Una canción base es “Who am I?” o “It Was Never Going To Turn Out Too Good” que tambien podemos considerarla otra canción clave, pero “You’ll Never Pay For The Farm” es simplemente una introducción, un aperitivo de lo que va venir después. Hablemos de otro tema como es “A Fruit Fly in the Beehive”. Todo un tema que entra directamente por los poros… “A Fruit Fly in the Beehive” es un tema muy importante en el disco. Todo empezó con la guitarra, es un tema muy melódico para la guitarra, más tarde John empezó a cantar con una melodía muy atractiva. Nos gusto mucho el resultado, quedaba muy bien, pero para mí necesitaba limpiar la canción más, hacerla de alguna forma más sencilla. Luego empecé a depurar la parte de la guitarra, para hacerla más simple. Que sonara más a mí. Me costó mucho esa parte. Simplificarla hasta hacerla así. Tan sencilla y comprensible.

Toda una sorpresa es “Do as I say” que destaca sobre el resto de los temas por su punto de diferencia, sonando a prototipo de single para un trabajo como es “Content”. “Do as I say”, esta repleta de carácter, de energía y arrolladora personalidad… Sí, “Do as I say” es un tema muy diferente al resto, convirtiéndose en algo muy especial. John era muy partidario de grabarla en directo de una sóla toma y sacarla como single. Es una canción muy de directo. Muy viva. La historia que narra la canción se sitúa en el siglo XVII y habla del sentimiento de la gente en aquel momento. Yo hablo con John y le digo que tiene al diablo dentro y que merece morir. John quiere salvarse y responde con su acento californiano sus razones para salvarse en esta batalla. Habitualmente hablo mucho de esta temática porque es algo que me saca de quicio, la gente de hoy en día cree que todos somos inteligentes, que está todo bien. Tienen salud, tienen estabilidad, piensan que las guerras del pasado fueron de gente loca que se mataba sin sentido. En el siglo XVII la gente fue torturada por razones políticas y religiosas y si te fijas bien hoy en 2011 la gente sigue siendo torturada por las mismas razones, con lo cual sigue ocurriendo lo mismo. Este tema quiere decir que no hemos progresado tanto. Todo sigue igual que siempre. Para poner punto y final a esta agradable conversación y clase magistral de coherencia y conocimientos musicales, ¿seguís con las actuaciones incendiarias que os han caracterizado siempre? Cualquiera que nos haya visto actuar hace poco te dirá que sin duda. (Risas).

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J A Y - J A Y JOHANSON E l elec tro-c r o o n er d e Tr o l l hä tt a n r eg r e s a c o n u n oct avo á lb u m coci n a d o a l ca lor d e l t ri ph op c on el q u e e m p ez ó s u c a r r er a a m ed i a d os d e los 9 0 . De f i n i t i va m e n t e a le ja d o d e s u s poco afortunadas i n c u r s i o n es e n e l el ec tr o c l a s h y e l f u n k , y ava la d o por la re cu pe ra ci ón ex pe ri mentada en s u s d o s ú l ti m a s e n t r eg a s , p r e p a r a g i ra e s pa ñ ola e n d os t a n d a s , qu e le t ra e rá a M adrid, Bar c e l o n a y A l i c a n t e e n feb r er o , y a S a n t i a g o, Bi lb a o y Ma llorca e n a b ri l.

Tus dos últimos trabajos, “The long term physical effects are not yet known”, de 2007, y “Selfportrait”, de 2009, afianzaron los postulados de la electrónica relajada de tus comienzos, después de la ruptura que inauguró “Antenna”. ¿”Spellbound”, el nuevo disco, es continuista o guarda sorpresas? Veo “Spellbound” como la tercera parte de un segundo tríptico. Los tres primeros discos forman una primera trilogía, mientras que “Antenna” y “Rush” fueron, más o menos, secundarios. “Spellbound” es, de lejos, mi trabajo más acústico, aunque en ocasiones un poco heavy o jazzy, pero es mi álbum más relajado y bonito hasta la fecha. Al menos eso creo… Las imágenes que acompañan “Dilemma”, el primer single que editarás el próximo febrero, sugieren cambios estéticos. ¿De dónde viene la inspiración para esta etapa? Pues básicamente me inspiré en las pinturas de JW Waterhouse. Salgo remando en un viejo bote al amanecer, que es otro tipo de vía de escape…

Texto: Gabriela Giménez Imagen: Archivo

¿Te consideras un creador acorde con el tiempo que vive, capaz de adaptarse y reinventarse en cada disco? No creo en la creatividad en ese sentido. Sólo hago lo que siento que es importante para mí en el preciso momento en que compongo. Mi proceso de escritura no para nunca, realmente, y apenas puedo controlarlo. Los arreglos y la producción de los temas sí están más influenciados por ideas conceptuales que cambian con el tiempo. Lirismo, romanticismo y vanguardia digital. Tu nombre aparece constantemente ligado a estos términos. ¿En qué medida te reconoces en cada uno de ellos? Me gusta el romanticismo y la vanguardia y suele gustarme cuando la gente me define con palabras como misterioso y experimental, por ejemplo. La belleza es importante para mí. Repasando tu carrera, casi todo el mundo califica “Rush”, tu disco orientado al funk de 2005, como un ‘álbum menor’. ¿Te sientes con fuerzas para defenderlo o crees que no merece la pena? Nunca echo la vista atrás. Hay canciones en ese álbum que están bien, aunque la mayoría son malas, pero lo hice así porque necesitaba desarrollar ciertas ideas que tenía en mente en ese momento. 18

Pero sí, en general lo veo como un proyecto menor. Normalmente produzco y arreglo mis discos personalmente; sin embargo “Antenna” y “Rush” los produjeron otros, eso es todo… ¿Hay algo de los 90, de la época mágica de los grandes nombres del trip-hop, que eches de menos? Me encanta el término trip-hop y el modo en que ha evolucionado hacia un estilo cercano al noise, experimental y psicodélico, casi inclasificable. Tras más de diez años de trayectoria los deberes están hechos y es difícil ganar nuevo público. ¿Crees que la onda expansiva del pop melancólico de Antony and The Johnsons o Rufus Wainwright te beneficia para crecer en seguidores? No lo sé, últimamente he empezado a introducirme en nuevos territorios, como China, México…, así que en cada álbum se suman nuevos fans y yo estoy encantado de tocar para todo ese nuevo público. ¿Qué estás escuchando últimamente? Chet Baker, como siempre, y bandas sonoras, Steve Reich, folk antiguo, nuevo indie, Sakamoto, Lennon, psicodelia… Un montón de cosas diferentes, la verdad. Mis grupos favoritos de siempre son Cocteau Twins para levantarme, Portishead para pasar el día y Velvet Underground para acostarme. Pero prefiero a solistas, fundamentalmente mujeres, y Chet… El concierto con Erik Johanson del pasado año en Málaga levantó una expectación tremenda y los blogs bullían días después con comentarios excepcionales de los asistentes. ¿Qué podemos esperar para la gira española de “Spellbound”? Pues básicamente la mayoría de los temas del nuevo álbum, claro, y una selección de cada uno de los anteriores. En una de las últimas entradas de tu MySpace dices que aceptas peticiones para tu concierto en Estambul el 14 de febrero, San Valentín. No puedo resistirme a preguntarte por tus canciones de amor preferidas. Las canciones más populares de Chet Bakers… También las de Scott Walker, Sebastien Tellier…

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NACHO V e g a s Casualidad o n o , e l n u evo y m u y e s p er a d o á lb u m d e l i n a g ot a b le y pe ri t o Na ch o Vegas verá l a l u z el 1 4 d e Fe b r er o . A t r avé s d e u n d e cá log o lí ri co-i n s t ru m e n t a l, el asturiano o fr e c e c o n “ L a Z o n a S u c i a ” ( M a rxoph on e ´1 1 ) u n qu i n t o á lb u m m á s luminoso y o p ti m i s t a q u e s u s a n t e r i o r es t r ab a jos . Te m a s qu e ri n d e n t ri b u t o a l amor y al de s eo p o n en d e m a n i fi es t o q u e e l d e s a s t re y los d e m on i os d e l pa s a d o h an pasado p o r p u r g a to r i o y r ed e n c i ó n . M a e s t ro Na ch o, u n s on oro a pla u s o por ese h ágase la l u z .

Con tu último trabajo engrosas el volumen de número de discos con título extraordinario. ¿De qué material está compuesto exactamente “La Zona Sucia”? La zona sucia no es algo del todo concreto. Diría que responde más bien a un lugar en el cual nacen las canciones. Es ese momento de la vida en el que observas a tu alrededor y te planteas muchas cuestiones. Cosas sucias que se mezclan tales como sentimientos contradictorios e inexplicables de los cuales no entiendes nada. Son sentimientos muy poco racionales y no hay otra opción mas que volcarlos en canciones.

Texto: Sara Osácar Imagen: Archivo

En el “El Manifiesto Desastre”, público y crítica coincidían en que era tu trabajo más accesible, pero al escuchar “La Zona Sucia”, es inevitable pensar que este último lo es aún más. ¿Sientes que ha cambiado tu metodología o estilo en lo que a composición lírica o instrumental concierne respecto a tus anteriores trabajos? Realmente, el que sean más o menos accesibles es algo que no tengo en cuenta, pero tal vez podría ser cierto que la accesibilidad se haya ido abriendo paso. “El Manifiesto Desastre” es un disco con canciones complejas y largas que me costó mucho escribir, fue algo caótico incluso para mí. Ahora me centro en podar más los temas, en lograr un terminado que logre hacer visible su esencia. Haciendo un repaso a tu discografía en solitario, ¿cómo consideras que ha sido la evolución de tu quehacer musical desde tu primer publicado “Actos Inexplicables”, 2001, hasta tu último “La Zona Sucia”, 2011? Componer canciones es un ejercicio de abstracción. Hay que preservar la inocencia para hacerlas. Con el paso del tiempo cambia la mirada. Es cierto que se ha dado un cambio. Evolucionamos con la edad, cambia todo y lo hace también la perspectiva. Eso te permite tener mayor amplitud de miras y yo trato de adaptar mi evolución a mis discos. En mis primeros trabajos era muy confesional, reinaba siempre la primera persona y sin embargo ahora prima más la tercera. En definitiva, todo se resume a una amplitud de la mirada a través del crecimiento. “Cosas que no hay que contar”: prodigioso título y tema. Desprende el mismo cierta crudeza aunque siempre con aroma esperanzador. Tal vez sea esto lo que marque la notable diferencia en comparación a tus anteriores discos, esa luz que parece brillar con más vatios haciéndole frente muy valientemente a la sordidez reinante en 20

otros… Incluso las canciones más duras tienen que arrojar luz al final, pienso, y es el desamor un lugar para encontrarla. Los temas que hablan de momentos duros y de rupturas hay que dejarlos un poco abiertos. Es más, diría que tendrían que terminar siempre con una nota positiva, porque de lo contrario ¿qué tipo de mensaje podrían transmitir? La idea del fin es algo que está muy patente en tu discografía, especialmente en “Desaparezca aquí”. En La Zona Oscura, además del omnipresente -de la primera a la última- amor, ¿qué otro concepto le resta protagonismo a la muerte? En anteriores discos estaba muy presente la sensación del paso del tiempo, la ansiedad que ello provoca, la batalla perdida que es el vivir en sí dado que todos terminamos de igual modo. Pero logré hacer desaparecer esa ansiedad y diría que en este último disco hay un elemento fundamental y es el presente, el hablar de cosas que vives, así sean intensas y dolorosas pero las que al fin y al cabo, te hacen sentirte vivo. Por otra parte hay una visión del amor y de las relaciones y de lo difícil que es lidiar y combinar las mismas con la parte solitaria de cada uno. Esta idea está presente en todo el disco. Quien debutara recientemente como director, Jonás Trueba, será quien dirija el video clip “La Gran Broma Final”. ¿Hasta qué punto acostumbras a involucrarte en los proyectos audiovisuales que acompañan la composición definitiva de un disco en todos sus ámbitos y qué podremos ver en el mencionado? He de confesar que el mundo del video clip no me interesa demasiado, no me gustan mucho y tampoco logro sentirme cómodo en los mismos. Por ello es que recurro a contar con profesionales en los que confío y delego en ellos al 100%, concediéndoles absoluta libertad. Es el director quien organiza y decide. Resultó que hablando con Jonás coincidimos en este punto de vista y acordamos así este proyecto común. Él tenía una idea muy clara: hacer un video de referentes al cine. Algunos de ellos porque a él le gustaban mucho, otros porque tenían relación con la canción y al tiempo, todo ello hacía puente con su película que recién se estrenaba. De hecho, recurrimos a sus escenarios en los cuales se han rodado planos. Ellos se mezclan con imágenes de su película así como con otras alusivas al disco. El resultado es algo así como un collage. L ados

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Tras muchos años trabajando de la mano con el sello Limbo Starr, ¿por qué motivo decides ahora dar un paso al frente y pasarte así a la autoedición? No sé si será esto una ventaja o no, pero sí ha sido un paso natural que teníamos que dar por cómo ha ido sucediendo todo en la industria musical en los últimos años. Trabajé muy a gusto con ellos pero últimamente los sellos discográficos se han convertido en oficinas de contratación, así que sentí la necesidad del cambio, que es el siguiente: seguir trabajando con ellos y dejar que la parte discográfica dependa exclusivamente de mí, asumiendo también todo riesgo.

¿Quién es ese artista o banda con quien desearías colaborar a toda costa? Algún día me encantaría hacerlo con Albert Pla. Le conocí en un concierto y me gusta muchísimo lo que hace. Claro que por otra parte, las colaboraciones no pueden planificarse demasiado, es mejor que surjan en lugar de forzarlas. ¿Son tus letras autobiográficas? Y ¿en qué te inspiras y en qué consiste tu metodología a la hora de componer temas? Personalmente, no me gusta denominarlas como tal. Parto de experiencias personales o bien de situaciones que he vivido muy de cerca. Me baso en la materia prima que conozco: tomo algo de la realidad y lo convierto en canción. De este modo se logra incluso transformar la propia realidad y cambiar así todo a antojo en búsqueda de lo esencial. Ahí reside el objetivo. Por otra parte, a la hora de componer necesito intimidad, soledad y estar muy lúcido. Así es como empiezan las canciones. Tardo bastante en terminarlas: corrijo, repaso... es un periodo largo. Cualquier cosa que lea o sienta puedo colarlo en una canción. Se me meten en la cabeza y me acuesto y levanto con ellas.

Tras “Verano Fatal” y “El Tiempo de las Cerezas”, ¿ves viable en un futuro posibles colaboraciones con Christina Rosenvinge y Enrique Bunbury respectivamente? Al tiempo, ¿cuál dirías que es el mayor atractivo que un proyecto compartido oferta? Sin duda, lo más atractivo es que colaborar con otro artista es un proceso en el que alguien te permite asomarte a algo tan íntimo como lo es el componer canciones. De repente pasas a ser un intruso permitido en ese mundo tan personal. Se produce un intercambio de ideas, ¿Cuál de los diez temas de “La Zona Sucia” conde manera de entender canciones, de poner cosas sideras que es el que mejor refleja el sentido y en común… Es más relajado que hacer un disco y espíritu del disco? Teniendo que elegir, diría que siempre surgen cosas que de otro modo no ten- “Taberneros”. Tiene melodía tradicional asturiana drían oportunidad de nacer. Con Christina tengo y la hice muy poco a poco, modificándola consla puerta abierta. De hecho, ambos sentimos que tantemente. nuestro trabajo se hizo de un modo muy veloz y es por eso que siempre hablamos de hacer algo en el Para terminar, un poquito de gastromusicolofuturo con más calma. Y con Bunbury, si se tercia gía: ¿a qué sabe y a qué huele “La Zona Sucia”? Tiene sabor a picante, como un chile habanero. Y el que coincidamos, por supuesto. en cuanto al olor, pongámosle que a Madrid en Septiembre. A uno de esos días en los que ha parado de llover y todo huele a limpio. No sé si olerá como tal, pero es el aroma que me gustaría que tuviera.

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“Superluv. Po r l o q u e t i e n e d e r o m á n t i c o ” e s u n t ra b a jo lu m i n os o, ca pa z d e bañar las m a ñ a n a s d e d o m i n g o d e u n a i r r e a li d a d ci n e m a t og rá f i ca . “ S u pe rlu v . Por lo que t i e n e d e r o m á n t i c o ” s o n r ec u e rd os s ob re ex pu e s t os a u n a lu z i n t e n s a , bella, dec a d e n t e , q u e g u a r d a e n t r e s u s n ot a s la i n t e n s i d a d d e u n a re a li d a d d e s dibuj ada p o r l o s fá r m a c o s , d e l a m em o r i a a n e s t e s i a d a d e u n a a ct ri z porn o.

“Superluv. Por lo que tiene de romántico” es el séptimo peldaño en la carrera de Fernando Martínez de la Serna y con el que Remate escribe un capítulo más de su particular diario. Un capítulo que desconcierta y engancha a partes iguales, que sorprende y te sacude, que te miente y se confiesa devoto tuyo. “Superluv” es el núcleo de una conversación inacabada. Un capítulo escrito después de la sencillez y la frescura de “Safe and Sound”, después de la naturalidad y honestidad de ‘Somersaults”. “Superluv. Por lo que tiene de romántico” es un capítulo nuevo con respecto a todo lo anterior, visto todo lo anterior como un pack incierto de algo que de alguna manera fui haciendo progresiva y mejoradamente y ya está contado, al menos por mi parte. Ahora estoy en otra historia. Es romántico, respetuoso y si acaso utópico. Superluv es Shakespeare, su fantasma, tocando la lira en medio del rodaje de una película porno. Y la protagonista de la historia es Cenicienta desnuda. “Superluv. Por lo que tiene de romántico” se escribe con el cariño y el dolor con el que se escribe una novela autobiográfica, con una exposición una trama y un desenlace. “Superluv” se abre con “Típico de California” para despedirse con “Estampida de Caballos”, entre medias temas como “Super Elvis”, “Gigante” o en “Por lo que tiene de romántico” nos regala una estructura coherente, sólida, una estructura de novela, en la que cada tema es un capítulo más de este perpetuo diario. Sí, desde un principio cuando dibujaba los primeros esbozos de este trabajo con LD Beghtol, el productor, era una idea que constantemente nos rondaba por nuestras cabezas. Al final, después de esforzarnos concienzudamente en esta imagen de novela, y de darle varias vueltas, de estrujarnos, tanto él como yo, el cerebro, al final, podemos decir que acertamos con la forma más sencilla de contar esta historia con sus capítulos y el orden de canciones (y los descartes de canciones), las que se suceden y las que se preceden. Es un cuento de hadas.

cuando quiera, vaya a grabar un disco con ellos a NY. Cuando tengo “Superluv” en la cabeza es cuando considero hacerlo y nos ponemos a organizarlo. LD Beghtol produce, Stephin Merritt participa en la banda y respalda toda la cosa; y entre los dos me sugieren esta nómina de músicos muy prestigiosos para ser la banda del disco. Todos ellos aportan un estímulo increíble en el disco, un respeto, una expansión, un enriquecimiento, un talento incalculable en las canciones. “Superluv. Por lo que tiene de romántico”, es un disco difícil, un trabajo complejo, plagado de aristas que se convierten en matices preciosistas que transforman las influencias en detalles personales, en matices únicos que encumbran a “Superluv. Por lo que tiene de romántico” al estatus de clásico, al podium de las novelas que uno siente la necesidad de revisitar una y otra vez como “White Noise” o “Submundo” Gracias, es un halago. Yo releo más que leo, y Don DeLillo sigue estando en mis oraciones, pero también hay mucho de cine, desde Cassavetes hasta “Algo Pasa Con Mary”, “Superluv” es muy el papel de Jonathan Richman en esa peli sólo que yo interpreto ese papel y la peli es porno. Toda obra pueden tener una misma madre pero diferentes padres, diferentes influencias que en cada disco se trasforman o nacen y otorgan matices diferentes. Las referencias son claras, siempre de alguna forma han estado presentes en todos mis trabajos, van desde The Beatles hasta East River Pipe; desde Beach Boys hasta Guided By Voices...

Remate, cuenta en este “Superluv. Por lo que tiene de romántico” con una banda hecha a la medida, denominada Los Adult Film Actresses de Bushwick, y que incluye al mismísimo Ste- “Superluv. Por lo que tiene de romántico” es un phin Merritt entre sus ilustres miembros. El salto al vacío donde la voz sigue siendo una caproyecto surge hace años cuando LD Beghtol racterística muy importante con la que Fernanreseña unos discos míos en el Village Voice de do Martínez de la Serna da una vuelta de tuerca NY, de manera muy halagadora. Entramos en más, donde la voz aparece más como un instrucontacto y luego él me pone en contacto con mento, más que como una herramienta para Stephin Merritt, y me trasladan su idea de que, trasmitir el mensaje. “Superluv. Por lo que tiene 25

E de romántico” no es guitarra y voz o piano y voz y luego con arreglos. “Superluv. Por lo que tiene de romántico” es un todo; salvo en la última canción del disco, que es un guiño a mi ‘vida anterior’. En general, a mí me gusta cantar, disfrutando y sin pensarlo. Afortunadamente la voz es lo menos educado que tengo (musicalmente) y al final es lo que más valoran de mí como intérprete gente como Stephin Merritt, luego seguiré por esa vía. En los inicios de tu carrera, en los primeros discos como “Ballads don’t change things”, la etiqueta de nuevos folk singers norteamericanos como Devendra Banhart, Vetiver o Akron/ Family te perseguía. ¿Cuál sería la nueva etiqueta que definiese o dónde podrían encajar tus actuales composiciones? Podría intentar contestarte algo supuestamente ingenioso pero la realidad es que me dan exactamente igual las etiquetas; y curiosamente creo que Superluv es un disco de pop, simplemente. La genialidad, la inspiración y las musas alimentan la creatividad de Remate en un día a día que transcurre tras los instrumentos y las partituras. Me pongo a tocar el piano o la guitarra sin ningún sentido, nunca ensayo propiamente canciones salvo cuando hay conciertos cerca. Así, tocando como el que salta y revolotea en el vacío de un prado de margaritas tóxicas voy encontrando canciones... Para terminar, ¿de qué se compone tu dieta musical actualmente como aficionado a la música? ¿Hay alguna propuesta que te haya marcado especialmente en los últimos tiempos y/o que haya afectado a tu música? Muchas, aunque al final siempre tengo puesto a East River Pipe. Gracias por tu tiempo y un abrazo. Gracias a ti.

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Texto: Jose Ugidos Imagen: Ana Bolívar

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J O N E S V E U

Aunque pa r ez c a m e n t i r a , a d í a d e ho y a ú n qu e d a a lg u i e n ca pa z d e t ra n s port a r el rock má s p ec u l i a r d e l o s c i n c u e n t a ha st a n u e s t ros d í a s . E l ca n a l pa ra e s t a experienci a ; Ji m Jo n e s Re veu , tr es p u r i s t a s con s e n t i d o com ú n y ori e n t a d os por un maestr o d e l a p r o d u c c i ó n . S e ñ o r a s y s e ñ ore s , s u b a n e l volu m e n , a b róch e n s e la c h upa y p é i n e n s e e l tu p é.

Lo primero que podemos decir acerca de vuestro nuevo álbum, “Burning Your House Down” (Punk Rock Blues Records / PIAS 2010) es que mientras escucho los primeros acordes mis piernas empiezan a moverse sin control, para luego arrastrar a todo mi cuerpo, así que creo que el título del álbum es exactamente la definición de las necesidades que los oyentes pueden sentir tras unos pocos minutos de la energía de Jim Jones Reveu. ¿Vuestros directos son tan salvajes como para lo que nos prepara este “Burning your house down”? ¡Eso es lo que tratamos de hacer! Para cualquier banda en general el disco tiene que ser la tarjeta de presentación y el directo sirve para hacer sentir realmente al público toda la intensidad y crudeza de nuestro sonido. Así es como lo tomamos nosotros. Nuestro objetivo es que la gente que está ahí abajo pueda tocar con las manos. Supongo que si el álbum te ha parecido salvaje, vas a flipar cuando nos veas en directo. Hablando sobre vuestro nuevo álbum “Burning Your House Down”, la producción ha sido realizada por Jim Sclavunos, uno de los grandes en la producción de rock y garaje. El resultado son temas potentes pero más limpios que en el álbum debut donde podíamos escuchar una producción extraída directamente de los años cincuenta. Todo un acierto, que consigue un sonido realmente potente manteniendo las verdaderas sensaciones de rock n´ roll. ¿Este acercamiento hacia el hi-fi fue una decisión de la banda o una contribución de Sclavunos? Es algo que queríamos hacer, pero a la hora trabajar con Jim fue todo muy rápido y encajamos perfectamente. Le llamé, quedé con él y en cinco minutos ya estábamos hablando de otra cosa porque los dos queríamos trabajar juntos. Le dije lo que buscaba y a él le encantó. Lo que más me ha gustado de trabajar con él es su facilidad para ver las cosas y para entender lo que deseábamos hacer con este disco. Concretamos el tiempo, el presupuesto y nos pusimos a tocar. A pesar de que hay gente que dice que el actual punk rock no tiene relevo para clásicos como MC5, Flamin´Groovies, Little Richard o Jerry Lee Lewis, he de decir que hay una gran y prolífica escena moderna que incluye nombres 27

como Eagles of Death Metal, Exploding Hearts, Reigning Sound, Hot Snakes, Gore gore Girls e incluso Jim Jones Reveu podría formar parte de esta lista de principales bandas con sonido clásico rock n´ roll. ¿Cómo veis vosotros la escena actual? El rock and roll es lo que es; rock. Ha evolucionado mucho y se han incorporado cosas nuevas, cosas que han sumado y otras que no tanto. Hay una tendencia a idealizar a los viejos rockeros como Little Richard y es que se lo merecen, porque las raíces vienen ahí. Quizá nosotros somos un grupo con un toque genuino pero con otras cosas más modernas que hemos adoptado y que nos han venido bien. El presente “Burning Your House Down” es un trabajo mucho más limpio, otorgandole a la vez, mucha más energía y contundencia. ¿Por qué este giro hacia las producciones más pulidas? Nosotros tocamos rock and roll, pero no estamos ciegos y nos fijamos en otros tipos de música y quizá aquí también tiene algo que ver Sclavunos. Sabíamos que había trabajado con Sonic Youth, the Cramps o Grinderman y siempre dando un sonido muy puntero y conciso. Es por eso que “Burning your house down” suena algo más transparente. En pasajes como “High Horse” su energía incendiaria me recuerda a los Jon Expenser Blues Explosion al cien por cien del potenciómetro del ampli, pasado por la turmix de la energía desgarradora de Jerry Lee Lewis o Little Richard. ¿Cómo nace un tema como este “High Horse”? La canción está claramente inspirada en la energía de Jerry Lee, al igual que seguramente John Expenser también lo está. Aunque la canción la preparamos durante bastante tiempo, a la hora de grabarlo fue muy sencillo, lo tocamos una vez y salió. Por su parte “Burning Your House Down”, tema que da título al disco, es capaz de dejarnos atónitos, convirtiéndose así en uno de nuestros temas preferidos por su contundencia y su alma desgarrada… ¿Cuál sería el tema más especial para ti? “Foghorn” es mi canción favorita. Es quizá la más ruda, pero por alguna razón es la que más me gusta tocar. También me gusta “Burning

your house down” y por eso la elegimos como titulo para el disco. Por otro lado, “Killin´ Spree” es un tema que es como una prueba para nosotros, diferente a las demás pero que nos ayuda a acercarnos a un sonido diferente, a un área más sensible. Eres un viejo conocido de los escenarios y todo esto seguro que no te pilla de nuevas. ¿Pero que tiene de diferente Jim Jones Reveu respecto de los brutales Black Moses o respecto a The Hypnotics, ambas bandas lideradas por ti? Toqué con The Hypnotics hace mucho tiempo y han cambiado muchas cosas. Ahí me desarrollé como músico y aprendí a sentir el rock dentro de mi alma. Actualmente con Jim Jones Reveu siento que somos más maduros, que los tres sabemos lo que estamos haciendo y que estamos tocando en una banda de hombres, no de adolescentes. Puedes confiar en todos y pensar que nadie va a fallar. No quiero decir que con Black Moses o The Hypnotics estuviéramos jugando, pero sí que ahora mismo hay otra mentalidad y mayor seriedad. Uno de los fuertes de Jim Jones Reveu es su directo siendo proclamados en 2009 como uno de los mejores directos por la revista Mojo. ¿Cómo se lleva esto? ¿Qué ofrecéis en vuestros directos para llevároslo calentito? Creo que realmente hemos conseguido que la gente que viene a nuestros conciertos cambie el típico baile de arriba y abajo por el de lado a lado… Nuestros fans bailan, no saltan, de hecho hemos conseguido cambiar la imagen en la que sólo sudorientos hombres iban a conciertos de rock. Ahora también vienen chicas y la gente baila. Somos capaces de hacer bailar con un rock and roll auténtico. Esa energía positiva que se crea es nuestro sello de identidad a la hora de tocar. Jim Jones Revue nos redescubre el untuoso sabor del viejo y primario rock and roll sin perder ni un ápice de fuerza ni actitud. Parámetros básicos de una música que nació para incordiar a los bienpensantes y zarandear las ideas preestablecidas de una sociedad adormecida. Burning Your House Down, por favor que nadie llame a los bomberos.

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Te x t o : J e s ú s M a r í a Ve l á z q u e z Imagen: Steve Gullick

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GREG D U L L I Artista inag o t a b l e y m u s i c a l m en t e hi p e r a c t i vo, vé a s e qu e a d e m á s d e con f orm a r bandas tales c o m o The Afg ha n Whi g s , The G u t t e r Tw i n s y T h e Tw i li g h t S i n g e rs , uno puede en c o n t r á r s e l o b i e n t o c a n d o c o n ma e s t rí a e l pi a n o, o b i e n ve rs i onando a Nina S i m o n e o B j ö r k . G r eg D u l l i r e g re s a t ra s ci n co a ñ os d e s i le n ci o con “D y nami te S t e p s ” ( S u b Po p ´ 1 1) , s u , s i n lu g a r a d u d a s , á lb u m m á s a f a b le y ac c esible. C o n The Tw i l i g ht S i n g er s n o s o fre ce e n s u qu i n t o á lb u m d e e s t u d i o, once razone s p a r a n o p e r d er l e l a p i s t a n i p o r u n a m i lé s i m a d e s e g u n d o.

“Dynamite Steps” es el primer trabajo que el público ha podido obtener de Greg Dulli en el último lustro. ¿Por qué ha sido necesaria tan larga espera para publicar el siguiente disco con tu banda, The Twilight Singers? Bueno, básicamente la razón ha sido que estaba atendiendo a otros proyectos. He estado con mi amigo Mark Lanegan y no he tenido tiempo para dar salida a otra cosa que no fuera el material que en ese momento ocupaba mi tiempo, en concreto el material que firmamos Mark y yo bajo la seña de The Gutter Twins. Mi capacidad de concentracion sólo me permite centrarme y volcarme en una sola dirección; cuando me involucro en un proyecto me meto de lleno, por eso no he podido atender otras historias paralelamente.

musical en un proyecto más estable o consolidado como es The Twilight Singers, dejando a un lado tanta hiperactividad paralela? Realmente los proyectos o las colaboraciones no se planean sino que van surgiendo. Ahora mismo ha nacido este último trabajo y lo ha hecho de esta forma, centrándose con y para los músicos que conforman The Twilight Singers. Realmente no ha sido un paso intencionado que trate de poner stop a otras historias musicales. Cuando trabajo en algo me concentro en ello y pongo toda mi atención en eso que hago. Pero proyectos musicales paralelos o colaboraciones siempre los habrá. En “Dynamite Steps” participa una nutrida formación de colaboradores, desde el mismísimo Lanegan pasando por Ani DiFranco, Joseph Arthur, Petra Haden o Nick McCabe (The Verve). ¿Cómo ha sido esta experiencia y por qué motivos han sido ellos los elegidos para colaborar en tu disco? Al mismo tiempo, ¿dónde reside, en tu opinión, el atractivo de las colaboraciones y qué crees que han aportado las mismas a “Dynamite Steps”? La experiencia ha sido fabulosa. Y claro, el motivo de cara a la elección de este gran listado de colaboradores es muy personal. Me explico. El principal motivo de la eleccion de las colaboraciones es porque básicamente son muy buenos amigos. Y además, porque objetivamente y como músicos los valoro por el trabajo que ejercen. En cuanto a la ventaja, en cualquier tipo de trabajo que implique colaboración, siempre he considerado esta como una oportunidad única. Tanto por lo que puedes llegar a aprender de la otra persona, como por la riqueza musical que el tema termina adoptando siempre en estos casos.

Texto: Sara Osácar y Javier Mielgo Imagen: Sam Holden

Tras tus últimas aventuras con Mark Lanegan en The Gutter Twins, has decidido volver a reunir a The Twilight Singers para publicar tu nuevo trabajo, “Dynamite Steps”. ¿Podemos considerar entonces que “Dynamite Steps” es más un trabajo de banda que de autor? Soy el cantante principal en todos mis proyectos, así que podríamos decir que el concepto autor estaría implícito en todos ellos. Pero no, no por ello, considero que sea un trabajo de autor más que de banda, ni viceversa. En mi caso, la publicación de discos no responde a una contratación previa con la productora o a una necesidad de satisfacción de cara al público. Los discos en los que he trabajado y los cuales he terminado publicando han visto la luz por pura necesidad propia, necesidad de contar cosas y de hacer llegar estas historias al mayor número de personas. He compuesto y grabado canciones cuando he sentido que quería y necesitaba hacerlo. Es más bien una atención a necesidades primarias, algo así como comer o dormir. Muchas veces me siento atacado por sentimientos y necesidades que tan sólo me conducen a componer, y es ahí cuando doy rienda suelta a la elaboración de un disco. Si ha sido con la banda, es porque ha surgido de forma natural, al igual que el proyecto “Dynamite Steps” es un título confuso y ambiprevio con Mark. Todo ha tenido su momento y guo pero a la vez contundente. ¿Qué historia en este último disco, el material se ajustaba per- yace bajo esas dos palabras que dan forma a tu fectamente a la línea mantenida por The Twilight último disco? (Risas). Es muy curioso que todos me pregunten acerca del título, realmente no hay Singers. historia de fondo que narrar. No existe ninguna Has participado en infinidad de proyectos. razón más aparente que otra. Es mucho más simEntre ellos, te has inmiscuído en The Gutter ple que todo eso. Escogí estas dos palabras porque Twins y en Afterhours (a la guitarra). ¿De al- me resulta muy atractiva la unión de ambas y el guna forma, es “Dynamite Steps” una forma efecto que provocan. Son bellas, enérgicas, las ende concentrar y direccionar todo tu quehacer cuentro poderosas. 28

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Para los que seguimos tus pasos desde los Afgan Kings, “Dynamite Steps” es un trabajo tal vez un poco ambiguo y desconcertante donde te puedes encontrar joyas como “Never Seen No Devil” o “The Beginning of the End” que cohabitan con otros temas como “On the Corner”, un tema donde el tiempo lo marca una base rítmica capaz de anclarte en el sitio de ipso facto. ¿Qué percepción tienes de este trabajo en comparación con los anteriores discos de The Twilight Singers? “Dynamite Steps” es un trabajo diferente al resto. Cada álbum siempre tiene su contexto y su historia. Te encuentras en un momento en concreto que en la mayoría de las ocasiones viene a ser muy diferente al cual te rodea ahora, mientras compones. Toda esa situación es la que dota al disco de una personalidad siempre distinta. Cada disco es un nuevo inicio, un comienzo, y por ello en éste podrás encontrar cambios y novedades. Lo que me ha hecho componer una canción en “Dynamite Steps” no ha sido lo mismo que me motivó a hacerlo en “Powder Burns”. Ahí reside básicamente la diferencia, y me gusta sentirlo como algo diferente, pienso que es como una evolución en mi carrera musical. “Dynamite Steps” ha sido grabado entre California y Hollywood, entre el desierto Joshua Tree y las calles de Arcadia en los Angeles. Para los arreglos recurres al aroma de Nueva Orleans. “Dynamite Steps” un trabajo conciso, directo, de cocina rápida, once suculentos platos en dos horas de laboratorio, en ciento veinte minutos de inspiración creativa, tres de ellas creadas durante el proceso de edición y masterización del disco. Es evidente que la inspiración puede llegarte en cualquier momento, en cualquier lugar. ¿Qué podrías contarnos del proceso de composición de este trabajo? Las he compuesto muy rápido porque ha surgido así. De repente aparece algo que ves o vives y te sientes con la inspiración y fuerza necesarias para componer una canción. Lo hago de la forma más natural, en mí es inevitable el no hacerlo. Y así ha sido. Me puse a ello y salieron las canciones de este “Dynamite Steps”. La inspiración no puede planificarse y cuando a uno le llega es cuando uno tiene que reaccionar al segundo para coger la onda al vuelo. Aprovechar el momento. De repente te das cuenta y te ves componiendo de una manera muy rápida y sentí que este material acumulado era propio de The Twilight Singers.

En una primera escucha el presente trabajo da la sensación de ser más accesible y radiante que sus predecesores. Tal vez en éste se detecte una dinámica más fluida. ¿Hemos de entender “Dynamite Steps” como un punto y aparte dentro de la carrera de Greg Dulli o como un camino a seguir en un futuro? Cuando has trabajado con una banda durante algún tiempo, el paso de los años oferta esa fluidez mencionada. Te sientes cada vez más cómodo y al tiempo conoces también cómo trabajan el resto de músicos. El que sea más accesible o no lo marca el momento en el que uno se encuentra, supongo. No existe la intención concreta de marcar un punto de inflexión, pues en cada proyecto siempre se da un comienzo, un inicio, un empezar de nuevo. Este trabajo ha salido de esta manera pero ello no ha de determinar la forma del próximo. Escribes sobre lo que sientes y lo instrumentas de igual modo. En cualquier caso, si el resultado se siente como radiante y accesible, genial. ¿Podrías destacar algún tema de “Dynamite Steps” que refleje el concepto básico del disco? No podría elegir uno, puesto que todos tienen su historia y es la fusión de los mismos lo que marca el espíritu del disco. O tal vez lo que me impida escoger una sea el hecho de que conciba la música como un padre a sus hijos, me es imposible quedarme con una y rechazar al resto. Cada cual es una historia individual en sí, un sentimiento, una experiencia única. Pero todas ellas en línea fortalecen la idea de “Dynamite Steps”. Para terminar esta nutritiva conversación, con uno de los mayores genios compositivos. ¿Qué música andas escuchando en los últimos días? Escucho música de todo tipo, pero últimamente ando inmerso en la instrumental. No puedo parar de escucharla, en especial, bandas sonoras. ¿Podrías adelantarnos alguna fecha de tu banda en nuestro país? Tengo muchas ganas de tocar en España. Por allí estaré con The Twilight Singers en Abril

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Zola Jesus p u ed e d e fi n i r s e c o m o u n c o n g l o m e ra d o os cu ro lle n o d e i d e a s qu e ch oc an, pens a m i en t o s m á s a l l á d e l a l u z y s e n t i m i e n t os qu e pu e d e n s e r cort a dos con el cu c hi l l o m en o s a fi l a d o . “ S t r i d u l u m I I ” con s i g u e h a ce r pe rs on a l lo que no es tuyo , a d e m á s d e d e j a r t e u n a i d e a d i s t ors i on a d a e n t re e l m i e d o y la esperanza. Zo l a Je s u s n o s o fr e c e c o n “ S tr i du lu m I I ” u n d e rroch e d e a ct i t u d y espec tác u l o u n i p er s o n a l , u n a r evi s i ó n y a ct u a li z a ci ón d e l t e m a d e l b i e n y e l mal, cerc a de l a p e r fo r m a n c e d e va n g u a r d i a , re ple t a d e con t e n i d o y a pt i t u d . Zola Jesus, p o et i s a d e l o s s o n i d o s c o n t u n d e n t e s y a t orm e n t a d os , h i ja pop d e Diamanda G a l á s y L yd i a L u n c h, a l t e r - e g o d e Ni k a Roza Da n i lova ori g e n d e la fuerza oc ul t a d e l a n o c he y u n a be s t i a i n d ó mi t a a s e g u i r.

Te x t o : J e s ú s M a r í a Ve l á z q u e z Imagen: Sumner Dilworth

Nika Roza Danilova, más conocida como Zola Jesus, apenas tiene veintiún años. Su potente chorro de voz y su aspecto de muñeca gótica la confirman como la aspirante al trono de Siouxsie, pero intentemos situar a nuestros lectores. ¿Quién es Zola Jesus y quién es Nika Roza Danilova, ambas son partes complementarias o son un binomio persona & personaje independientes, con matices y puntos de vista diferentes, realidades capaces de vivir tus composiciones de forma diferente? Creo que ambos nombres me representan. Aunque en el escenario me siento más cómoda con Zola Jesus, los dos nombres son importantes para mí y forman parte de una misma persona, son dos realidades paralelas, y diferentes, pero en ambas, la BSO son mis temas; “Stridulum II”. Zola Jesus revisita los sonidos densos y oscuros de Siouxsie o Cocteau Twins, se empapa de la grandilocuencia dadaista de los primerizos Dead Can Dance para devolvernos un discurso propio plagado de intensas emociones, un discurso recapitulado como “Stridulum II” que le encumbra con la corona de reina de los sonidos nocturnos. Personalmente creo que tengo pequeñas cosas en común con todos ellos y con más artistas pero en ningun caso es nada extremo, de hecho es algo que no suelo pararme a pensar. En general trato de permanecer al margen de todas las influencias masivas que afecten a mi estilo, pero es evidente que mi sonido está ahí y que puede recordar a todos esos artistas que citas, en mayor o menor medida, según el propio oyente, según sus gustos y su empatía con mis temas. ¿Qué sientes cuando la prensa musical especializada emplea estos grupos para describir tu capacidad compositiva? Es un sentimiento contradictorio, es cierto que trato de canalizar cosas negativas y positivas a través de mis discos, y en cierta forma me halagan los similes con Siouxsie o con Cocteau Twins, pero no creo que haya que llegar hasta ese punto. Por otra parte odio cuando la prensa me compara con otros artistas, es muy estresante porque trato de crear algo nuevo, único en el mundo. Pienso que la música es tan personal que es imposible expresar ciertas cosas por dos artistas a la vez. La música es mucho más sencilla que todo eso. 32

de un fragmento. Es una parte que me pareció que tenía muchísima esperanza pero a la vez está cargada de tensión. La canción es el punto donde se separan luz y oscuridad. Si vas por el buen camino sobrevives, pero si tienes mala suerte y eliges el equivocado…

La segunda parte está conformada por temas como “Tower”, “Sea Talk” y “Lightsick”, que nos abren la mente a viajar a una década pasaApenas un año, desde el debut de Zola con da, donde las composiciones se acercan magis“Stridulum” y tras la posterior revelación en tralmente a referentes citados anteriormente, directo en el SXSW del 2009, su nombre ha y donde el sabor a Cocteau Twins ya no es un corrido como la pólvora, de boca en boca, para aroma sino más bien un sabor propio. “Tower’ elevarla a los altares con su último trabajo, el “Sea Talk” y “Lightsick” constituyen un trío de sobresaliente EP “Stridulum”, y convertir así ases donde Nika Roza Danilova buscan alejarse a Zola Jesus en punta de lanza de una nueva lo más posible de la línea abierta por sus pretendencia acuñada como ‘glo-fi’ o ‘hypnagogic decesores. Efectivamente existe un gran cambio pop’, compartiendo heterodoxia pop y estética dentro de esta parte del disco, de hecho las tres bizarra con Ariel Pink’s Haunted Graffitti, John canciones las compuse más tarde, casi dos años Maus o Oneothrix Point Never. Escuché todos después. Las tenía grabadas en una cinta y las utiestos discos y personalmente me gustan. Además licé cuando creí que las tenía que utilizar. “Sea tengo amigos en común Ariel Pink´s Haunted Talk” es con la que verdaderamente me siento Graffitti. Aunque yo empecé a componer y a es- palpando la música ya que soy sólo yo y un piano. cribir letras cuando tenía diez años… A esa edad evidentemente no conocía a Ariel Pink´s ni mu- “Tower” se antoja como un camino nuevo, un sicalmente ni físicamente, por lo que no sé hasta punto y seguido, un camino recien estrenado qué punto puede existir una conexión entre no- donde Nika Roza Danilova camina desnuda, sotros, mas allá de una simple etiqueta musical. sola, para enfrentarse a sus miedos. Esta canción Como te he dicho, creo que la prensa utiliza las trata sobre el modo de comportarse y de actuar. comparaciones para definir y eso lo utiliza para Puedes ser una persona, relacionarte como un hutodas las facetas posibles, incluida la estética. mano e interactuar con el mundo. Es una canción muy personal y muy intensa porque he estrujado La primera parte de este “Stridulum mis sentimientos a tope. II” resulta un conjunto de temas que circulan más por unos ambientes oscuros del post-punk... Paisajes eléctricos por los que la voz de Nika Roza Danilova se desliza para llevarnos a terrenos pantanosos donde las referencias pudieran viajar entre Burial y Fever Ray. Háblanos un poco de tu visión de esta primera parte del disco. Por supuesto que me gusta el post-punk. De hecho cuando era más joven tocaba en una banda de este estilo. Sinceramente no puedo describir el disco, ya que tengo muchas sensaciones y sentimientos metidos ahí, es algo que tiene que hacer sentir a la persona que lo escuche. Lo que sí te puedo decir es que es muy personal; mis pensamientos, sentimientos e ideas están aquí, soy yo. De “Stridulum II” destacaría la atmósfera que consigue, una atmósfera opresiva, repleta de oscuridad y niebla que le otorga un toque decadente y a la vez moderno, donde la luz la pone tu virtuosismo vocal. Háblanos de este tema. Escribí esta canción inspirada por la película “Stridulum” y en el estribillo utilizo una parte extraída L ados

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A R T E L A D O S by

ja n i n e vo e g e l e

Lados mag premia tu fidelidad, regalando 5 packs de botellas de vino de la colección especial Artelados para Bodegas y Viñedos Neo (bodegasneo.com), personalizadas con diseños originales. Para entrar en el sorteo, envía un correo electrónico a neo.artelados@ladosmagazine.com incluyendo en el mismo el nombre del artista cuya obra protagonizó la portada del número 16 de Lados mag. Los ganadores del sorteo anterior son: Marta Rodríguez, Ana Hernández, Darío Díez, Manuel Barcina y Beatriz Lozano

En esta ocasión, la artista invitada por Artelados es la joven diseñadora alemana Janine Voegele, nacida en el sur del país germano, pero actualmente establecida en Berlin. Tras su paso por el prestigioso estudio de diseño editorial Bureau Mario Lombardo, ejerce hoy en día como freelance, tratando de explorar los límites y las posibilidades del diseño gráfico contemporáneo. En la obra realizada en exclusiva para Artelados, llamada “With Love to Spain” (ver página de la izquierda), nos presenta un precioso collage experimental, mezcla de modernidad y tradición. Más información y muestras de su vanguardista trabajo en www.jvjvjv.de

Fujiya & Miyagi Ventriloquizzing

Acid House Kings Music Sounds Better With You

Posiblemente lo más complicado de la nueva entrega de Fujiya & Miyagi sea el impronunciable nombre que lo titula. “Ventriloquizzing” se encuentra a medio camino entre la electrónica directa de los Holy Fuck y los ritmos sencillos e idolatrados del genio Aphex Twin. Cada oveja con su pareja y cada pista con su toque personal. “Sixteen Shades of Black and Blue” destaca por el orden diseñado con ritmos marcados. “Yoyo” está en el otro lado de la balanza con una batería que marca una clara tendencia pop . En definitiva, parece que se ha creado una nueva forma de disfrazar el pop, envuelto en la burbuja particular que estos británicos han utilizado para esculpir su cuarto trabajo.

Previsto inicialmente para la pasada temporada y casi seis años después de su anterior lanzamiento, ve la luz el quinto álbum de la banda encabezada por Johan Angergård -capo del sello Labrador y líder de The Legends y Club 8- y la bella Julia Lannerheim. Optimista e implicante desde el mismo título, la formación sueca mantiene aquí argumentos en forma de retro-pop inmaculado y amable, aumentado a cambio la cuotas de ambición, soltura y ritmo. La elegancia y complicidad en las respectivas cualidades vocales de los protagonistas resaltan la pegada de unas composiciones más elaboradas que nunca, regalando a los amantes del género una atractiva e incuestionable colección de singles potenciales.

The Twilight Singers es el proyecto que nació tras la extinción de la legendaria banda The Afghan Whigs. Greg Dulli, líder de ambas formaciones, aumenta positivamente su alargada sombra con un nuevo disco, el quinto de la banda de New Orleans, cargado de catarsis y sentimientos, y que hace retornar al genio al mítico sello que le vio crecer acompañado de Nick McCabe y Mark Lanegan. En este “Dynamite Steps” se enmarcan sonidos de lugares emotivos para Dulli y se aprecian las emociones más puras que su voz es capaz de transmitir. Un detalle más: los discos con estilo que no son bien digeridos en las primeras escuchas se suelen convertir en piezas clave de nuestra colección.

British Sea Power Valhalla Dancehall

Crystal Fighters Star of Love

Matt &Kim Sidewalks

El quinto álbum de los británicos British Sea Power, sigue alimentando su reputación de indie de bandera y rock vanguardista. “Valhalla Dancehall” puede describirse como un conjunto de trece temas llenas de himnos y de guitarras progresivas que encajan a la perfección con la voz tenue de Yan Scott Wilkinson. Sorprende por su eclecticismo “Once More Now”, parece la recopilación de 3 canciones diferentes en una sola, convirtiéndose por derecho propio en algo intenso y atractivo. Este nuevo asalto de la banda de Brighton en diez años deja claro que sin el eclipse producido por The Libertines, otro gallo hubiese cantado.

Después de su hit “I Love London”, esta banda londinense, pero de raíces navarras, demuestra que está en la vanguardia. Reafirmandose con un electro tribal de percusiones étnicas, loops, ritmos y guitarras que se mueven desde africa y el caribe de “Plage” hasta el metal de “I Do This Everyday”. Si con el primer track los pies se levantan de la silla, con “Xtatic Truth”, un single fuerte, potente, oscuro y vibrante, la cabeza se sale de su sitio. Crystal Fighters se trata de un grupo contundente que ha nacido para llenar pistas en Europa. Un disco cocinado para disfrutar.

A la tercera va la vencida. Parece que con este “Sidewalks”, han conseguido deshacerse de las comparaciones con “Animal Collective”. Tras el polémico video “Lessons Learned” , el cual fue elegido el mejor video del año según la MTW en 2009 se puso el listón del éxito muy alto, pero parece que lo han superado con un disco pulcro y directo a tu cabeza, que pone de buen humor, tanto en melodías como en letra, instaurando un nuevo estilo con coros alegres como en “Am/ Fm Sound”. Con este dúo no es nada difícil desconectar y dejarse conducir hasta su propio universo desacomplejado e ingenuo.

Full Time Hobby – Popstock 2011

— J e s ú s M a r í a Ve l á z q u e z

Rough Trade. 2011

— J e s ú s M a r í a Ve l a z q u e z

Labrador, 2011

— Raúl Julián

Different Recordings / Pias ´10

— Abel G. Luna

The Twilight Singers Dynamite Steps Sub Pop 2011

— Abel Molina

Fantasy Trashcan (Turnstile) 2011

— J e s ú s M a r í a Ve l á z q u e z

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Superchunk Majesty Shredding

The Decemberists The King is Dead

Let’s Wrestle In the Court of the Wrestling Let’s

Superchunk ponen fin a un silencio de años y pulsan el botón de estado en activo en el género indie-rock, basándose en esa fórmula que tan excelentes resultados le ha reportado siempre. Con “Majesty Shredding”, ofrecen a toda esa generación que hace más de una década les tomara como banda de cabecera, un motivo digno de fidelidad: once temas de alto voltaje y carácter adictivo. Y ojo, porque sin ser este su noveno un disco excesivamente pensado, lo cierto es que el sonido conseguido por estos ya veteranos resulta un tanto más directo que el de sus anteriores obras. Mención especial a las enérgicas “Digging for Something” y “My Gap Feels Weird”, pues desatarán pasión, hiperactividad y salto.

Disco fiel a la estética tan característica del grupo, según la cual en cada canción la voz limpia y clara de Colin Meloy parece narrarnos una historia. Sin embargo, “The King is Dead” va más allá, presentándonos un trabajo mucho más influido por el blues y la música americana, y donde el grupo conecta acertadamente el folk-rock con sus raíces, acercándonos a la memoria grupos como The Band e incluso a Bruce Springsteen o los mismísimos R.E.M. en canciones como “Down By The Water” y “Don’t Carry It All”. Canciones en las que la armónica y la percusión aportan una fuerza que contribuye a transmitir un mensaje de alegría a la hora de encarar las cosas.

“In the Court of the Wrestling Let’s” es el título escogido para el álbum de debut del trío inglés, plagado de guitarras y power pop en sus dieciséis temas. Ingredientes básicos: Rock and roll (“My Arms Don’t Bend That Way, Damn It!”), baladas setenteras aderezadas con maravillosos coros (“My Schedule” ), inicios risibles y divertidos seguidos de una pegadiza letra (“Song For Old People”), interludio con título melancólico-jocoso (“My Eyes Are Bleding”) y todo antojo que un primer disco permite conceder. Llama la atención que el éxito cosechado por los británicos resida en distrito lejano al de la banda, pues gran parte de su público se encuentra más allá del Atlántico. Claro que sucesos como este en nuestro país, a la orden del día están.

Joan As Police Woman The Deep Field

Anna Calvi Anna Calvi

John Vanderslice White Wilderness

Joan Wasser, violinista y colaboradora de artistas de la línea de Scissor Sisters, Lou Reed o Sheryl Crow entre otros. La americana, quien le dedicara su primer y segundo disco a su madre y a su ex novio Jeff Buckley respectivamente, confiesa ahora que su tercer trabajo es el más abierto y feliz hasta la fecha. Dotado de ciertos tintes soul y funk, “The Deep Field” suena también a recopilación de una sarta de influencias y colaboraciones acumuladas en años. “Nervous” es el primer tema que suena una vez que el disco se decide a girar y lo hace con sumo buen gusto, sensualidad y voz desgarradora. “The Action Man”, además de una mezcolanza sónica, es también una oda amatoria pegadiza y de final explosivo. Magistral trabajo que no puede más que augurar rotundo sold out en su próximo paso por España. ¡Fabuloso!.

Con una voz y una forma de podría evocarnos las sonoridades de su compatriota PJ Harvey, el primer trabajo de Anna Calvi nos rebela un estilo totalmente personal, particular e intrasferible que consigue atrapar sin piedad a quien lo escucha. La gran riqueza de sonidos del álbum crea una atmósfera profunda en la que su voz recorre sensual y cómodamente las canciones, dotándolas de una energía debida en parte al respaldo de la banda, especialmente en “Desire”, y particularmente a su gran habilidad tocando la guitarra. Habilidad que queda ya patente desde la primera canción, la instrumental “Riders To The Sea”, haciendo de la guitarra el acompañante principal de una voz capaz de brillar en cada estrofa, tema tras tema, para acabar empatando en protagonismo con ella en canciones como “Suzanne And I” o “The Devil”.

Octavo disco de estudio del siempre en activo Vanderslice (ex MK Ultra), quien vuelve a sorprendernos esta vez en colaboración con la Magik*Magik Orchestra. El artista parece conservar esa actitud de incesante búsqueda e innovación a la cual nos tiene acostumbrados desde hace ya algunas publicaciones. “White Wilderness” no se limita únicamente a ser un disco. Más allá de eso, es un brebaje que alberga múltiples estilos e influencias, eso si, con sabor pop de corte clásico reinante. Es también un experimento, reto y extravagancia musical, con todo lo que ello implica. Meritorio y bien sonante, no tarda en ser una criatura a la que quieras acoger y escuchar cada vez con más ánimo y apego. Envolventes y fantásticas la quimérica “Sea Salt” y la hipnótica“20K”.

Merge Records 2011

— Sara Osácar

Play it again Sam 2011

— Sara Osácar

Rough Trade / Capitol Records 2011

— Sara Muñoz

Domino Records 2011

— Sara Muñoz

Play it again Sam 2011

— Sara Osácar

Dead Oceans. / Popstocks ¡ 2011

— Sara Osácar

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The Cave Singers No Witch

Brian Eno Small Craft On A Milk Sea

David Lynch Good Day Today / I Know

De escuela americana, capitaneados por la voz desgastada de Pete Quirk, y flanqueados por las guitarras y baterías de Derek Fudesco y Mary Lund, el folk más entretenido de la mano de The Cave Singers convence a cualquier ser vivo en la primera escucha. “No Witch” es una pieza singular que se posa sobre nuestros oídos de una manera suave, elegante, sutil. Cortes bailables como “Haystacks”, pasan por oscuridad y delicia a partes iguales condensados en “Clever Creatures”, hasta llevarnos a momentos mucho más tranquilos e íntimos como “Swim Club”. Un gran trabajo cuidado en la producción, donde el sonido a pesar de conservar cierto olor a inmediatez, no pierde en ningún momento la unidad completa del álbum. Disco de escucha obligatoria que promete sorprender gratamente al público tanto en salas como en festivales esta próxima temporada.

Brian Eno tiene categoría de genio, se lo ganó a pulso escribiendo una buena parte de la historia de la música con obras de arte del ambient como “Music for films” o “Ambient 1. Music For Airports”. Más de 30 años de carrera y una influencia inimaginable sobre muchos compositores de nuestros días. “Small Craft On A Milk Sea” es la actualización del Eno más brillante. Uno de los mejores discos que ha salido de Warp Records últimamente y que ha sido construido con la ayuda de Jon Hopkins & Leo Abrahams, el primero, la penúltima mente brillante de la electrónica más inquieta y avanzada, el segundo, otro joven talento del laptop. El resultado es un muy buen disco de extremos y contraposiciones, de imaginería cinemática. Ambient y noise, máquinas y guitarras, caos y calma. Un disco que nos devuelve a Brian Eno en forma y con intención de seguir evolucionando un género que sin él no sería lo mismo.

La música siempre fue parte fundamental de la obra de David Lynch y “Good Day Today / I Know” es su más firme aportación. Electropop luminoso y superficial, un intento fallido de reescribir un sonido del que ya quedó todo escrito cuando Kraftwerk grabó con fuego su nombre en la historia de la música. Las remezclas tampoco hacen milagros. Underworld confirma que su creatividad se encuentra en coma desde hace años y Boys Noize electrifica y cortocircuita como siempre. “I Know” es la esencia de Lynch, la sonoridad de su universo cinematográfico. Un blues futurista que invoca atmósferas siniestras y sensuales. Aquí los remixers parecen estar a la altura. Obviemos la que firma Sasha y centrémonos en Skream, en cómo desnuda y añade tensión, y en Jon Hopkins sacando algún glitch de paseo, nutriendo y ensuciando para hacer del conjunto una historia realmente potente.

The Luyas Too Beautiful To Work

Telekinesis! 12 Desperate Straight Lines

El Columpio Asesino Diamantes

El disonante y sofisticado proyecto paralelo de Pietro Amato con la canadiense Jessie Stein, The Luyas, tras dos entregas donde acuñan un sonido que trae mucho que contar, nos presentan “Too Beautiful To Work”, en el que una atmósfera acuosa, tranquila y relajante es la encargada de conducirnos por este viaje donde no por silencio se habla de menos intensidad. Cortes de ritmo y temas tradicionales como “Seeing Things” o “Moodslayer” nos llevan a cavernas donde la bestia se desnuda con “Spherical Mattress” en un universo de sonidos en suspensión imposibles de disgregar sin obtener una respuesta de unidad clara y rotunda.

Michael Lerner ha vuelto a pulsar la máquina de hacer canciones y se aparece con “12 Desperate Straight Lines”, un álbum que sigue en la línea de su anterior y homónimo disco. Aunque estas doce canciones echan de menos a los hits de “Coast of Carolina” o “Great Leaks”, la calidad adquirida dentro de la academia de Paul Mc Cartney en Liverpool donde Michael recibió clases de composición, han dado sus frutos con canciones destacadas como “Please Ask for Help”, la intro enérgica de “I cannot love you” y la corta, pero intensa, “Palm of your hand”.

Después de “La gallina” (Astro-PIAS, 2008) llega “Diamantes”, algo así como su continuación lógica, no sólo por su título, la gallina de los huevos de... ¿diamantes?, sino también por su sonido. Más reposado y cercano a “Pez en la ola” (cara B de “Toro”, single de adelanto) que de la propia titular, “Diamantes” transcurre entre surrealistas historias de animales, fiestas, océanos, anzuelos, relaciones de pareja, etc..., melódicamente cantadas entre Álvaro Arizaleta y Cristina Martínez, y marañas de sonidos de guitarra herederos de Pixies, sintetizadores Suicide(s) y ritmos metronómicos vía Can. ¡Ahí es nada¡

Jag jaguwar 2011

— Ricardo Martín Coloma

Dead Oceans / Popstock¡ 2011

— Ricardo Martín Coloma

Wa r p R e c o r d s 2 0 1 0

— Francisco Jesús Suárez

Morr Music –Popstock 2011

— J e s ú s M a r í a Ve l á z q u e z

Fantasy Trashcan (Turnstile) 2011

— Francisco Jesús Suárez

M u s h r o o m P i l l o w, 2 0 1 1

— Miguel Calvo-Rubio Calvo L ados

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Burgos

Coordenadaspolares

Yosigo

Neil Cowley Trío

Single

Viernes 18 de febrero

Vana Gierig Group & Paquito D’Rivera

Jueves 10 de febrero

Maika Makovski

Jueves 28 de abril

Luis Auserón

Y en Aranda de Duero y Miranda de Ebro: Soul Tellers, Vana Gierig Group & Paquito D’Rivera, Federico Lechner Tango&Jazz Trío y Antonio Serrano, Locomotora Big Band…

+info➜ www.culturalcajadeburgos.es www.cajadeburgos.es/teleentradas 902 51 50 49 y en las taquillas de los centros

Jueves 12 de mayo

Nadadora

Conexión Jazz Miranda

Jueves 10 de marzo

Sábado 26 de febrero

Jueves 17 de febrero

Carlos Mercader

Coordenadas polares nace en frío invierno burgalés con la intención de mostrar las direcciones hacia dónde va la música hoy. Dolorean abrió fuego el pasado enero y hasta mayo otras cuatro coordenadas apuntarán alto. Porque hay minorías que también quieren escuchar y ser escuchadas.

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Gruff Rhys Hotel Shampoo

Daft Punk Tron Legacy

Daniel Martin Moore In the Cool of the Day

Tercer álbum de la voz de Super Furry Animals. En su anterior lanzamiento, “Candylion”, el señor Rhys ya logró mostrar una consistencia y madurez notables respecto a su primer disco. En este tercero, el también colaborador de bandas como Mogwai o Gorillaz, nos sorprende con trece temas que mantienen la línea de lo escuchado hasta el momento, en versión mejorada. Mención especial a un tema que desprende aroma tropical y sabor vacacional: “Shark Ridden Waters”, primer single y tema que inaugura el disco. “Vitamin K”, “Conversation Conversation” y “Sensations in the Dark” se posicionan como favoritas en una obra alegre y capaz de amenizar desde el segundo uno.

Cuando se anunció que Daft Punk firmaría la banda sonora del remake de Tron Legacy, la expectación se multiplico por millones. Robots y neón, “Homework” y “Human After All”, si existe a día de hoy un grupo que represente a Tron mejor que ningún otro ese es Daft Punk. Y responden al reto demostrando que están a la altura, incluso muy por encima del decepcionante resultado cinematográfico. En “Tron Legacy”, Daft Punk esconden su lado festivo para firmar una brillante banda sonora de música neoclásica, sobrecogedora, un impecable ejercicio sonoro en el que los robots se exhiben como maestros en el dominio de los tempos y la administración de tensión, de los sintetizadores y la épica. Auténtica ciencia ficción moderna.

Ultra recomendable el folk de Kentucky que el brillante Daniel Martin ha logrado concentrar en su último trabajo. Un disco colmado de góspel, sensibilidad e instrumentación sumamente cuidada en piano, violín, contrabajo y acordeón. Señalar además la acertada compañía que Jim James (ahora al banjo) y Ben Sollee le hacen una vez más a la voz del predilecto de los medios especializados. “O My Soul” y “Lay Down Your Lonesome Burden” son meritorias de capítulo extendido. “In the Cool of the Day” es un discurso idiosincrásico, una declaración de amor a todo aquel y aquello que de algún modo definieron y marcaron la vida del susodicho. Uno, además de embelesarse a lo largo de sus once temas, puede también sentir el aura espiritual que termina por catalogar al disco.

Zoon Van Snook (Falling From) The Nutty Tree

Stereolab Not Music

Yani Como Nada es lo que parece

El trabajo más experimental de Zoon Van Snook toma el nombre “(Falling From) The Nutty Tree”. Podemos encontrar cortes como “The Two Knives (Cuckoo’s Reprise)” encargados de recordarnos que esta banda se negó a quedarse con el término electrónica, estrenando el género de folktrónica. “(Falling From) The Nutty Tree” se trata de un disco con gran cantidad de formas para respirarlo y todas ellas muy diferentes entre sí. La pesante y animada “Cuckoo” o cortes más cargados como “Ee’m yorn” dan un equilibrio perfecto al trabajo que por otro lado se apoya en atmósferas completamente minimalistas de sonidos muy tradicionales como “Le fin”. Entrega que sigue demostrando que el universo de posibilidades y enfoques que ofrece el sonido parece interminable.

La prolífica banda originaria de Londres vuelve a la carga con un nuevo experimento bajo el brazo. Un disco que recopila beats y rarezas excluidas de diversos álbumes. Quince años separa a este “not music” de su clímax compositivo “Emperor tomato Ketchup”, tiempos en los que Stereolab conquistó un lugar preferente en la historia del Indie pop con una propuesta de calidad refrescante, orientada preferentemente hacia la pista de baile por perspectivas experimentales cercanas al disco e influencias krautrock evidentes. “Not music” no supone un paso adelante, no es un cambio, aunque propone ciertos momentos deudores de una creatividad que, trece discos y dos décadas después, sigue y seguirá permitiendo mantener a la banda entre los grandes.

“Nada es lo que parece” es un paso adelante, un ejercicio de madurez, que hace destacar la distancia existente entre un disco más y una obra punto de inflexión en la trayectoria de un grupo. Sí señores, este “Nada es lo que parece” es precisamente eso, un trabajo un paso adelante para cruzar la línea de no retorno, Yani Como ha crecido y sus composiciones encuentran su sitio, su espacio vital tan difícil de lograr en el presente panorama musical. Temas como “Buenos aires”, “Diferente” o “No sé cuidar de mí” se trasforman para dejar de ser autobiográficas y convertirse en potenciales himnos generacionales. “Coulottes” invade tu corazón para encogerlo desde el segundo cero en el que el violín rasga el aire gritándonos el dolor amargo de un adiós.

O v n i Tu r n s t i l e 2 0 1 1

— Sara Osácar

Mush Records 2011

— Ricardo Martín Coloma

Emi 2010

— Francisco Jesús Suárez

Drag City / Popstock! 2011

— Abel Molina

Sub Pop 2011

— Sara Osácar

Artde Troya Records 2011

— Javier Mielgo

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Zola Jesus Stridulum II

Fuel Fandango Fuel Fandango

The Big Sleep in Search of Hades Ethos

No hay duda del gran potencial que tiene Nika R. Danilova (aka Zola Jesus) y de su facilidad para transmitir un malévolo y a la vez inexpresivo estado de ánimo. El sonido que transmite su voz es en un alma en pena, solitario, vagando por tendencias minimalistas, susurrando esquemas melodramáticos cargados de una inherente carga renovadora. Su intimidante voz lo es todo en la primera parte del disco. Los seis primeros temas editados como “Stridilum” agonizan, claman esperanza recordando conceptualmente la propuesta de Joy Division en “The eternal”. La segunda parte sugiere otras pequeñas pinceladas, ahora de color, más sensibles y con un mayor peso específico y melódico de la música. Un valor seguro en ciernes.

Álbum debut de Fuel Fandango, auténtica delicia que será uno de los centros de atención de este 2011. Y no es para menos, pocos discos resultan tan sorprendentes desde la primera escucha. En su interior atesora pop maestral acompañado por momentos de infecciosos riffs de guitarra o de piano, retazos electrónicos, ritmos tropicales y suculentos protagonismos de guitarra española, todo ello rodeado del toque flamenco de la cordobesa Nita y su dulce voz, sobre todo cuando canta en castellano. ¿Parece demasiado? Se sorprenderán. Los ingredientes entran en una batidora (obra de la fantástica producción de Ale Acosta) que los mezcla finamente y el resultado es tan fresco como la rosa roja de la portada del disco. Completamente imprescindible.

Guitarras shoegaze ayudadas en ocasiones por hipnóticos ritmos electrónicos dibujan un ambiente de rock progresivo oscuro, envolvente, que en algunos temas permite encontrar cierto parecido con grupos como Tool. Las voces, llenas de reverberaciones y a veces recitando más que cantando, cobran un carácter casi de salmo, provocando una sensación inquietante, algo que se aprecia especialmente en “I Don’t Wanna Bring Your Gods Down” o en “Bullets For The Young And Money For The Banks”. Todos estos recursos contribuyen a perfilar un ambiente inconformista, que queda patente en canciones como la intensa “Walking Alone/Thinking Alone” poniendose al servicio del mensaje de conciencia social que desprenden las letras y que invita a la reflexión.

Adele 21

Iron & Wine Kiss Each Other Clean

Juanra Urrusti Beliefs Ep

En este segundo trabajo, la joven cantante inglesa exhibe de nuevo su increíble voz, tanto en las canciones completamente pertenecientes al pop (“Turning Tables”), como en algunos giros que recuerdan más al soul (“Rolling in the Deep”, uno de los temas que más destacan en el álbum.) Con versión de “Lovesong” the The Cure incluida, sus canciones tratan del amor, y las letras cercanas con las que cuenta su experiencia están fuertemente respaldadas por un profundo tono de voz que se eleva sobre el abundante acompañamiento instrumental, exceptuando “Someone Like You”, donde Adele es capaz de erizarte el vello. Una voz capaz de trasmitirte, de enamorarte, vibrando en el momento justo y dotando cada rincón del disco de una intensidad que no deja indiferente.

La trayectoria musical de Sam Beam & co.es la ejemplificación perfecta del término evolución. En su tercer álbum, “The Shepherd’s Dog”, el salto cualitativo en cuanto a estilo y ornamentación instrumental era harto visible. En este su cuarto, aunque fiel al folk (lo sigue dominando con destreza descomunal, basta con escuchar “Godless Brother in Love”), el neoyorkino se aventura en géneros como el acid jazz (“Big Burned Hand”) o el funk (“Monkeys Uptown). Y como viene siendo ritual en su discografía los cierres vienen en formato guinda final. Cuando crees que ya te has deleitado hasta la saciedad, voilà: “Your Fake Name is Good Enough For Me”, última perla que no sólo te sorprende sino que además te persuade y con razón para volver a hacer girar una vez más el disco.

Cinco temas conforman este mini Lp, cinco temas que navegan por las aguas de la soledad, la tristeza, el amor y el desamor. “Beliefs Ep” es una naos con olor a Dylan y Mark Eitzel, con sabor al salitre de Brian Wilson una naos donde Juanra Urrusti patrona con maestría desde el alma poseída por los espíritus de otros grandes patrones de la amargura de la vida diaria. “Thanks to you” vela mayor del preciosista “Beliefs Ep” refleja los ecos californianos del sol que bañan los acordes de Urrusti para dejarnos esa extraña paz que sólo la tristeza y el dolor es capaz de trasmitir. “Beliefs Ep” es el aperitivo perfecto de lo que está por llegar, un adelanto del homenaje que Juanra Urrusti es capaz de cocinar, cinco gotas llenas de placer onírico, de luz llena de matices, pleno de la intensidad de la vida.

S o u t e r r a i n Tr a n s m i s s i o n s / P i a s 2 0 1 0

— Abel Molina

Columbia Records / XL Rcords 2011

— Sara Muñoz

18 Chulo Records 2011

— Sixto Solís Zarzuela

Wa r n e r 2 0 1 1

— Sara Osácar

Autoeditado 2011

— Sara Muñoz

Autoeditado 2010

— Javier Mielgo

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E S P A C I O KM.0 A n a Fr e c hi l l a ( Pa l en c i a , 19 8 3 ) , t i t u la d a e n f ot og ra f í a a rt í s t i ca por la E s cu e la Pa bl o P i c a s s o d e A C o r u ñ a , ha con t i n u a d o f orm á n d os e e n e s cu e la s d e g ra n p r es t i g i o . En 2009 o bt i e n e e n pre m i o a l n ú m e ró 1 d e s u prom oci ón e n e l m a s t e r i n te r n a c i o n a l EFTI , e n e l c u a l re ci b e s e m i n a ri os d e C i u co G u t i e rre z, Mi g u e l O r i o l a , D a n i e l Ca n o g a r , Je s ú s Mi có, Be a t ri z Ma rt i n e z , A le ja n d ro C a s t e llot e , S a n t i a g o B . O l m o , Va l en t í n S a m a y m u ch os ot ros . Re ci e n t e m e n t e h a con clu í d o u n s em i n a r i o s o br e d i r ec c i ó n e s cé n i ca e n la e s cu e la d e ci n e d e S a n A n t on i o d e l o s B a ñ o s ( C u b a ) a c a r g o d e l a a ct ri z C ori n a Me s t re .

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E U G E N I O R EC U ENC O Que el citaci o n i s m o e s u n a d e l a s a r m a s c o n la s qu e la pos t m od e rn i d a d s e d e f i e n d e d e l pe s o d e la h istoria no es n a d a n u e vo . El d e s p ed a z a r los clá s i cos pa ra of re ce rlo e n s a cri f i ci o e n u n b ri llante altar p l exi g l á s y l u c es d e n eó n e n el ri t u a l d e la b a n a li d a d d e li ci os a m e n t e i rre s pe t u os a , es un mecan i s m o r ec u r r en t e e n e l a r t e , el d is e ñ o y la pu b li ci d a d . L a e s pi ra l a d qu i e re u n n u e vo giro cuando s o n l o s c l á s i c o s m o d e r n o s l a ví c t i m a d e l s a cri f i ci o ( vé a n s e los “ e s cu lt u ri s m os ” d e superh éroes d e Ad r i a n Tr a n q u i l l i ) .

Texto: Cristina Agüero Carnerero Imágenes: Eugenio Recuenco

En el caso de las fotografías de Eugenio Recuenco, la sobriedad de los escenarios de Caravaggio, la voluptuosidad de Boucher o la sensualidad marmórea de Canova, no son sacrificados sino sublimados, adquiriendo un nuevo significado a través de la lente del siglo XXI. Plenas de un erotismo a lo Steven Meisel, no menos intenso por sofisticado, las fotografías de Recuenco proceden de un universo onírico hecho de extremos. Un “raw glam”, recargado en su justa medida, en el que todo está calculado para el deleite del consumidor. Tonos neutros en contraste con los ácidos y perfiles trazados con bisturí en una atmósfera de brumas. Exceso como antídoto al minimalismo esterilizador. En el universo de Recuenco la fotografía se encuentra con la pintura y con el cine. A menudo construye series formadas por varias escenas, cada una de las cuales contiene en sí misma una historia: Tras el asesinato de una mujer en un baño turco (¿o deberíamos decir griego, teniendo en cuenta la columna cretense que lo atraviesa? En la post-postmodernidad todo vale…), se procede a la retirada del turgente cuerpo, que será el plato principal de un banquete seguido por el desorden de los que han saciado su apetito carnívoro. Barroco y Neoclasicismo se dan la mano: una mujer salida de un cuadro de Ingres yace tras un bodegón digno de Zurbarán. Los frisos del Partenón, los grabados de Hokusai, La muerte de Marat de Jacques-Louise David, o el sombrero con velas que Goya luce en su autorretrato de la Academia de San Fernando, son sólo algunos de las elementos tomados de la Historia del Arte que el fotógrafo madrileño ha utilizado en la creación de sus imágenes. En otras ocasiones su inspiración es el cine, con fotografías que son instantes congelados a la manera de fotogramas de una película de cine mudo o de cine negro. “La publicidad y yo nos utilizamos” dijo en una ocasión. Quién sale ganando en esta relación de simbiosis no lo sabemos, pero lo intuimos. Lo cierto es que entre sus clientes se encuentran firmas como Yves Saint-Laurent, Diesel o Custo, y que sus imágenes han ilustrado páginas de Vanity Fair y Vogue. Hasta la mismísima ciudad de Nápoles se ha rendido a su objetivo con toda la poesía de su decadencia. 78

Cine, fotografía y… escultura. Todo es en las imágenes de Recuenco es tangible: paños recorridos por pliegues profundos como surcos sobre cuerpos estatuarios, sea en una carnalidad plena, sea en una delgadez estilizada. Los espacios de Recuenco son estancias de una tridimensionalidad teatral, que presentan la misma profundidad que el palco escénico presenta desde el patio de butacas. Recuenco nos convierte en espectadores del teatro del mundo. De la decadencia y de la perversión estetizadas. Los sueños se materializan en un mundo de cuento, de cuento para adultos. ¿Y no es la moda un invento de los adultos para seguir soñando con mundos ideales como hacen los niños? Seguramente para Recuenco esta sea una cuestión secundaria. En más de una ocasión ha asegurado que su interés por la moda se debe exclusivamente a que le ha brindado la oportunidad de crear imágenes. Imágenes que son tableau vivants ambientados en una época indefinida, de aire denso, en la que la luz ha detenido el tiempo y los cuerpos emergen de las sombras. En Recuenco es la luz, teatral y barroca, la que dirige la mirada del espectador y construye las imágenes. Al fin y al cabo, no es a la pintura, ni a la escultura, ni al cine, ni al teatro, ni a la moda, ni a la publicidad, sino a la foto-grafía (escritura con luz) a la que decidió dedicarse tras acabar sus estudios de Bellas Artes. Es la foto lo que persigue, todo lo demás es parafernalia. “En este país deseamos a la gente de moda, cuando para ti trabajar con determinados clientes importantes es menos gratificante que hacer la foto en la que crees. Están acostumbrados a creerse con el poder, por pertenecer a un grupo determinado y necesitan que la gente les coma el culo. A mí me cuesta mucho entablar diálogo con hombres que se tiran los pedos más altos que el culo y con mujeres que mean colonia. Ellos te creen fracasado cuando te ven trabajar con un cliente o una revista supuestamente inferior. Si lo que estás haciendo es tu foto, eso sólo significa una victoria.”

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Proyecto Vitrinas 29.01 – 27.03 / 2011 cneai = Centre National de l’Edition et de l’Art Imprimé Un editor independiente y libre se posiciona del lado de los artistas

09.04 – 12.06 / 2011 Proyecto Hipatia 25.06 – 11.09 / 2011 Yona Friedman

Por una arquitectura móvil

24.09.11 – 15.01.12 Daniel García Andújar Capital

Consulte la programación completa de exposiciones y actividades en www.musac.es Para más información puedes suscribirte al boletín quincenal a través de musac@musac.es Síguenos en la página de facebook y twitter. MUSAC. Avda Reyes Leoneses, 24. 24008. León. España. Entrada gratuita.

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M A R C N A G T Z A A M

En general podemos considerar a Marc Nagtzaam como un artista gráfico multidisciplinar centrado únicamente en su relación con la impresión y los objetos a través de los formatos físicos, ¿pero en algún caso has sentido la tentación de introducirte en otros campos que te permitan un soporte digital como es la fotografía o el vídeo? Aunque me gusta la idea de restringirme a una disciplina, siempre pienso en trabajar en otros medios, dar un paso adelante y experimentar otros formatos. A mi modo de ver, el hecho de trabajar con dibujos me permitiría adaptar y utilizar estos dibujos como modelo para diferentes intervenciones tanto escultóricas como arquitectónicas. Por otra parte, también hago montones de fotografías, mayormente de ‘cosas’, me siento muy atraído por todo tipo de objetos. A veces las uso posteriormente en mis dibujos, pero es más una colección personal sin demasiado propósito... Una visión general de tu obra nos muestra un lado muy maduro, con varias caras muy diferentes, pero al mismo tiempo existe algo que confiere una unión muy tangible a todo tu trabajo, un olor muy fuerte a su autor. ¿Cuál es la clave para llegar a una personalidad tan marcada, artística y gráficamente? Supongo que la clave está en el uso de elementos como los puntos, líneas, planos… un abanico muy limitado. Realmente

casi no hay referencias. Trato de despojar a la imagen de todo recurso innecesario, para mostrar su esqueleto, la estructura más básica y simple. Un dibujo siempre me conduce al siguiente, es como si cada uno de ellos formasen parte de un proceso, una reacción al anterior; como parte de una cadena. A través de una serie de normas gráficas utilizo los mismos motivos de diferentes maneras. Para cada serie de obras, creo un punto de partida común y dejo que ocurran ciertos errores puntuales. Y así se crea una especie de tensión entre una forma controlada de trabajar y algo más subjetivo. Me gusta cuando las obras tienen una apariencia contundente, una claridad y nitidez, pero que al mismo tiempo muestren algo no tan definido, sin tantas pistas claras. Una de las razones principales por las que tu trabajo atrae nuestra atención es que pareces estar hablando sobre algo utilizando las normas del lenguaje escrito y los objetos, pero a pesar del significado de estas palabras, vas más allá y muestras una realidad gráfica. En obras como “This is pop?” o “Tape Piece” parecen concentrarse en los ritmos y las impresiones gráficas del texto escrito. ¿Cómo consigues desarrollar este lenguaje gráfico? En las obras que contienen palabras, éstas son usadas, como ladrillos, como bloques a través de los cuales se construye la estructura del dibujo. Esa es también la razón de que alguna vez estén colocadas de arriba abajo. Como curiosidad, el orden de las mismas está generado al azar más o menos, así que muchas veces se crean nuevas frases con un sentido completamente diferente. Me gusta cuando esto sucede, cuando se crea un nuevo significado, pero generalmente no muestran ninguna relación entre ellas. “A Certain Amount of Words Within a Certain Amount of Time” es el nombre bajo de uno de tus proyectos más conocidos. ¿Qué nos puedes contar sobre su creación? Éste es un proyecto aún en marcha. Desde su comienzo empecé a recoger palabras, pequeños fragmentos de texto que leía en revistas. Una interminable búsqueda de trozos de información sobre temas que me rodean, sobre obras de arte, cómo son, cómo son mostradas, qué hacer con ellas, y todas sus posibles combinaciones. El texto es difícilmente legible como un todo, demasiado denso, cosa que me gusta, crea una distancia entre el espectador y la obra. Utilizo este ‘archivo’ para muchas cosas; posibles títulos o temáticas de nuevos trabajos y

Texto: Ricardo Martin Coloma Imágenes: Marc Nagtzaam

Para conocer la obra de un artista, sin duda lo mejor es empezar, por el ineludible punto de origen de toda obra, de todo artista. Háblanos de tus orígenes, ¿cómo llegaste al lugar donde estás hoy? Siempre he coleccionado material impreso, fascinado por el mundo que se presentaba ante mí en pequeños fanzines, libros y revistas independientes. Es por eso que me matriculé en la escuela de Arte, pensando en dedicarme al diseño gráfico, pero no tardé en darme cuenta de que estaba más interesado en el dibujo y la ilustración y que disfrutaba mucho más trabajando para mí mismo y usando mis propias obsesiones como referencia. Al final acabé graduándome en el departamento de Artes Visuales, realizando todo tipo de trabajos, pintura, fotografía, dibujos, fotografía... Poco a poco he ido centrando mi trabajo en el dibujo, desde el estilo más fresco y espontáneo de mis inicios (casi todos los días llevaba a cabo una obra con varios bocetos de formas geométricas y estructuras abstractas y fragmentos de texto extraídos de la música que estuviera escuchando, sin demasiado orden ni jerarquía sobre el lienzo), al trabajo más calculado y elaborado hoy en día.

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exposiciones que me apetece realizar. No paro de leerlo y releerlo. Y el proyecto en sí es exhibido como un todo, pero también publicado en forma de capítulos. En obras como “Pantone”, “Double shot” y “Hardcore”, pareces estar hablando de una manera muy sintética sobre el ritmo, el orden y el desorden.¿Podrías hablarnos de estas obras? Las obras “Pantone” y “Hardcore” las realizo con materiales que fui encontrando, como varias páginas llenas de fotografías que coloqué una junto a la otra, así fui siguiendo la composición, que me recordó a la de las fachadas de los edificios de ladrillos o a las estructuras básicas de las viñetas de los cómics entre otras cosas. Para darle uniformidad y unión a las partes llené el espacio de las imágenes con un color gris blanco y negro, dejando así de lado toda la información que contenían las imágenes. Sobre todo busqué imágenes sin punto de atención fijo. El aspecto general de la composición puede parecer el mismo en todas, pero en un segundo vistazo mucho más detenido, puedes comprobar que nunca se repite dos veces la misma combinación de líneas. Que tiene un ritmo más complejo por así decirlo. Como de latidos rotos…. “Doble Shot” se hizo de una forma totalmente diferente, es una copia de otro dibujo. El dibujo original fue coloreado en negro, dejando una gran cantidad de líneas blancas, pero no me gustó y empecé a rellenar las líneas, buscando el equilibrio adecuado, y así pude llegar al final de la obra. En un trabajo como el tuyo tan esquemático, tan puro. ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración?, ¿tus principales referencias al trabajo? El modernismo, la estética minimalista, las ideas conceptuales. Pero también el arte popular. Y estoy todavía influenciado por artistas que siguen trabajando en un único proyecto como On Kawara, (aunque nunca me gustó Opalka), y en cierto modo también Daan van Golden. Es más su actitud, su forma de trabajar lo que encuentro interesante, más que las obras en sí. El cuestionarse el objeto artístico con mucha seriedad pero al mismo tiempo con ligereza, con humor. Y después de unos cuantos años trabajando ya, mi propia obra se ha convertido en una referencia para mí. ¿Qué hacer ahora? ¿Repetir? ¿Añadir cosas? ¿Eliminarlas?... Con una trayectoria tan extensa como la tuya, con un sin fin de proyectos, ¿cuáles han sido los momentos más emocionantes de tu vida como artista? ¡Ahora! Recientemente tuve la oportunidad de exponer en algunos espacios geniales y para este año estoy trabajando en algunos proyectos muy interesantes como es un espectáculo en el Museo M en Leuven, en Bélgica, junto con Hans Demeuleneare. En este proyecto buscamos la forma de trasladar mis dibujos a una estructura expositiva de tres dimensiones. Otro proyecto con el que estoy muy entusiasmado es con la publicación de un libro que recoja gran parte de mi obra. Anteriormente había publicado varios libros, pero estos se centraban de forma mas precisa en determinadas partes o aspectos concretos de la misma. Estoy muy ilusionado por este nuevo proyecto, que de alguna forma se presenta como una retrospectiva global de mi obra.

Actualmente estarás presente durante el 2011 en Barcelona, con “Modernist Persuasion” ¿Qué nos puedes contar de este proyecto? Es una retrospectiva de mi trabajo, en ella voy a exponer las obras de los dos últimos años, desde varios puntos de vista, pero que de alguna forma guardan varias similitudes formales. Este es el caso de una serie de dibujos más esquemáticos o sencillos combinados con otros que he desarrollado gráficamente desde un punto de vista más complejo. Probablemente añadiré textos cortos entre las obras expuestas, serán mensajes con o sin palabras. No estoy seguro. Siempre trato de dejar que la instalación sea una obra en sí misma, por lo que funciona igual que las piezas individuales. También tengo intención de realizar algunos murales, del mismo tamaño que el resto de trabajos. Llegamos al final. ¿Cómo te sientes y qué piensas cuando tu obra viaja a otras latitudes? Siempre es un placer para mostrar el resultado en otro país diferente al tuyo, para ver su trabajo en un entorno completamente diferente. Me encanta visitar Barcelona y trabajar con la galería ProjecteSD, siempre trae algo extra para mi. Así que estoy deseando que llegue. ¿Edad? ¿Edad? Nací en 1968... Lugar de nacimiento. Helmond, Países Bajos Lugar de residencia. Después de vivir en Amberes más de doce años, ahora disfruto del campo, en una pequeña casita con un gran jardín. Un álbum. Difícil elegir sólo uno, el primero que viene a la mente es “20 Jazz Funk Greats ‘de Throbbing Gristle, la música, su diseño, todo ... En este momento escucho Kath Bloom, Madera Shjips, y recopilaciones sesenteras de ‘garage’... Una película. Todas las películas de John Cassavetes. “Accident” y “The Servant” de Joseph Losey, “Five Easy Pieces” con Jack Nicholson. ‘Annie Hall’ ... Un libro. Witold Gombrowicz es uno de mis autores favoritos. Un color. Un azul verdoso o verde azulado, nunca estoy seguro. Un trabajo del que te sientes más orgulloso. A veces todo en conjunto, la selección de las obras, el lugar, la gente. Recientemente he experimentado esto al instalar mi trabajo en el FRAC Bourgogne, en Dijon; el ver mis obras expuestas en un pabellón de Dan Graham, y junto a preciosos trabajos de Guillaume Leblon es algo que me hace sentir feliz y realizado. Última exposición visitada. ‘Fresh Hell’ en el Palais de Tokyo en París.

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IE R R E A NNI

Pierre Va n n i ; j o ven d i s eñ a d o r g r á fi c o fr a ncé s , con oci d o por s u s ex pe ri m e n t os e n pa pi rof lex i a c on los qu e c o n s i g u e l l eva r l a s l i m i ta c i o n e s d e l m a t e ri a l e n 2 D a l e s t a t u s d e v i rt u os i s m o. C a d a una de su s o b r a s s u p o n e u n ej er c i c i o d e i m a g i n a ci ón d i g i t a l qu e b u s ca la t ra d i ci ón a rt e s a n a l como h err a m i e n t a p r i n c i p a l p a r a t r a n s fo r m a r la cre a t i v i d a d g rá f i ca d e s u s s u e ñ os d i g i t a le s e n realidad p l a u s i b l e, fr á g i l y vi va .

Podríamos decir que la base de tu trabajo, sus raíces las podríamos encontrar en un arte tradicional como es el origami. Sobre todo si tenemos en cuenta el empleo del material, ya que sus esculturas de papel no tienen nada que ver con el origami. Pero quizás si la forma en que se realizan, la sensación de fragilidad que transmiten. ¿Ha influido de alguna manera en su obra el origami? Conozco el origami y aunque no me gusta particularmente , si que es verdad que puede parecer que hay algo en mis expresiones gráficas común a la cultura del origami, aunque sólo sea la idea y el espíritu de fragilidad de las obras. Quería mezclar formas 3D que diesen la sensación de consistencia, fuerza, de un material en definitiva consistente, con el mensaje de la flexibilidad y delicadeza del papel. Un material que en si mismo nos dice todo lo contrario a lo que pueden expresar mis formas.

Texto: Ricardo Martín Coloma y Javier Mielgo I m á g e n e s : P i e r r e Va n n i

Su trabajo se centra principalmente en el diseño gráfico, extendiéndose a otros terrenos limítrofes con la escultura y el desarrollo mismo en otros campos artísticos como son las instalaciones urbanas, representándose en el modelo de papel en 3D para Tigersushi. ¿Cuál es la dirección que señala el camino de la expresión de Pierre Vanni? El camino que empleo para desarrollar mis piezas viene de la época que pase en el área de investigación en la universidad. En realidad es una respuesta a los usos de la tecnología 3D que sigue confundiendo nuestros sentidos. Parto de un prototipo primitivo, tosco, sin perfeccionar, para luego darle una realidad física, tangible, lo más parecida a la que tendría si esta figura la hubiese generado por ordenador. Es un proceso contradictorio intentar utilizar las manualidades y las herramientas más básicas buscado la perfección digital o informática, pero en este proceso a la vez también intento revelar la ironía del proceso en si mismo. En resumen es el empleo de un proceso de baja tecnología, el manual, con el que trato de hacer comprender procesos de alta tecnología elaborados a partir de programas informáticos.

Dentro de tus numerosos trabajos nos han llamado la atención a primera vista especialmente los proyectos autoproducidos como “Nouvelles Ruines” destacando especialmente su primer capítulo. ¿De qué se trata? “Nouvelles Ruines” es el primer capítulo de una investigación sobre Podemos ver en su trabajo una fuerte intención de utilizar las nuevas ruinas. La publicación hace una conlas formas geométricas, pero no sólo cubos o esferas, sino frontación entre las imágenes de ruinas obtenitambién icosaedros. Esto lo podemos ver en obras como das a partir de la aplicación informática Google Digital Amusement (2009) Las obras de 2008, y también Earth’s y algunos extraños restos que se encuenen la cabeza de papel del modelo en 3D para Tigersushi en tran en Moscú... Una vez más estoy interesado en 2010. El uso de papel es una simple forma manera de expreel poder de la imagen tecnológica. La pregunta sarlo, el papel es sólo una superficie sin fondo que manipulo constante , casi ritual en mi trabajo podría ser: para cambiar la realidad. El papel es una herramienta, muy “cómo los usos de imágenes tecnológicas están útil, versátil, capaz de amoldarse a mis necesidades, pero no modelando y deformando nuestra visión del munestoy fascinado por este material en especial. do”. En el caso de las ruinas son un caso particular Observando con detenimiento tu evolución al que quizás no se le preste mucha atención pero como artista, podemos ver como has ido pasan- que también sufre la deformación de lo digital. do del empleo del color a la reducción de todas las tonalidades en el blanco y el negro ¿Cómo y Aparte del papel también empleas en tus obras por qué sucedió esta síntesis del color? ¿Puedes una gran cantidad de vídeo como lenguaje para hablar acerca de su evolución como artista? En expresar tus diseños, tus conceptos. En este este caso no se trata de diseño, no hay ninguna caso ¿Por qué vídeo como forma de expresión razón de construcción o de búsqueda de expre- artística? Simplemente porque me gusta y me lo sión de algo en concreto, se trata más bien de lo paso bien con su empleo, en casi todas mis comque está motivando mi investigación gráfica. He posiciones empleo a mis amigos, esto le confiere decidido crear en blanco y negro porque es me- un trato más cercano y relajado a esta herramiennos “sexy”. Esto me ayuda a poder expresar mis ta, de algún modo hace que sea a su utilización ideas más claramente, evitando que el espectador algo más natural. No me considero en ningún caso un artista de vídeo, pero cuando tuve la ocasión se distraiga con las combinaciones de colores 91

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de poder emplear el video como herramienta en mis composiciones no dudé en probar una idea así, eso si, con humildad. Habitualmente trabajas para una gran cantidad de clientes, pero también tienes tu parcela de proyectos autoproducidos ¿Cuál es la diferencia para ti entre trabajar para un cliente con sus propios objetivos e intereses a trabajar para uno mismo? La autoproducción supone una liberación, una parcela de creatividad, para mi estos trabajos autoproducidos supone un tiempo que asigno a la investigación de formas, ala evolución de de la imagen digital en la realidad de un mundo cambiante. Luego todas estas líneas de investigación me ayudan a poder mostrar nuevas ideas a mis clientes. De esta forma consiguió que exista una retroalimentación de mi hobby a mi campo profesional, consiguiendo a demás que mis clientes se enganchen a mis procesos de investigación particular. En realidad al final no puedo distinguir o diferenciar ambas partes, ahora soy un diseñador, ahora soy un artista plástico. Al final como te comento ambas apartes acaban por interaccionar entre si, pero a pesar de esta interconexión los trabajos que llevo bajo la batuta de la autoproducción me supone un respiro como diseñador gráfico, es importante para mí tener un descanso con mi trabajo diario. Estos proyectos nacen para dar respuesta a mi necesidad de involucrarme con algo divertido y emocionante, mi investigación me da la oportunidad de tenerlo. ¿Dónde trabajas? ¿Cuál es el entorno perfecto para un estudio? Trabajo en casa y es genial, perfecto.

ideas de los artistas y su creatividad son adaptadas, manipuladas para potenciar los productos de las marcas. A pesar de que esto en si mismo no es malo en absoluto, porque es un apoyo para los artistas y que permite al artista abordar grandes proyectos o ideas como el Hadid, o el Pabellon 1.55 para Channel, o el Transformer de Koolhaas para Prada, en otras ocasiones tengo la sensación de que el arte está tomando otra dirección, que de alguna forma se somete o prostituye a otros fines. ¿Cree usted que los medios de comunicación y publicidad están influyendo en esta nueva dirección para este siglo XXI? (Risas). ¡Espero que no! Normalmente estas firmas de las que hablas son en resumidas cuentas cazadores de tendencias que se preocupan por las formas, por un determinado atractivo estético y como llega a un público lo más mayoritario posible. Pero no tiene nunca o en muy pocas ocasiones, en cuenta el significado de un trabajo. Estas compañías sólo buscan un resultado estético, sin tener en cuenta todo el trasfondo ni todo el trabajo que hay de tras de una producción o de un diseño. Para vivir, uno puede vender su trabajo, pero no su alma. ¿Cuál es su proyecto loco? El que sólo podía hacerse con miles de millones de euros (o no) y total libertad para hacer lo que quisiera y siempre que la física se lo permita hacer. Su proyecto de ensueño. Wow, difícil pregunta ... hmm ... Realmente, no lo sé! ¿Podría hablarnos de algunos artistas cuyas obras le hayan impresionado? Recientemente he comprado un libro sobre la obra de Jan Van Eyck: ¡increíble!

Hoy en día, tal vez quizás desde el Pop-Art de Warhol, el arte parece ser un proceso cerrado / sometido a las estrategias comerciales, donde las 94

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Centro de Arte Caja de Burgos CAB Del 28 de enero al 1 de mayo La colección

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Carlos Garaicoa “Noticias Recientes”

CAB. Centro de Arte Caja de Burgos Martes a viernes: 12:00 a 14:00 y 17:30 a 20:00 Sábado: 11:30 a 14:30 y 17:30 a 21:00 Domingo y festivo: 11:30 a 14:30 Lunes cerrado Saldaña s/n. 09003 Burgos Tel: 947 256 550 Fax: 947 256 553 www.cabdeburgos.com e-mail: contacta@cabdeburgos.com

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P A C O P E R E G R Í N Paco Pereg r í n , es u n o d e l o s fo t ó g r a fo s es pa ñ ole s m á s re con oci d os e n la a ct u a li d a d . Na ci ó en Almerí a en 19 7 6 y es t u d i ó B e l l a s Ar te s e n S e v i lla . E s e n la propi a S e v i lla d on d e pos t e riormente r ea l i z a m u l ti t u d d e c u r s o s y s e m i n a ri os d e la m a n o d e ot ros i m port a n t e a rt i s t a s , compagin á n d o l o c o n e l tr a ba j ó d e d i s e ñ a d or, m a qu e t a d or, d i re ct or d e a rt e y a s í u n la rg o e t cétera… ha s t a q u e p o c o a p o c o l a fo to g r a f í a f u e a d qu i ri e n d o m ayor prot a g on i s m o con s i g u i e n do asi llena r s u vi d a . S u s tr a ba j o s s e e n m a rca n pri n ci pa lm e n t e e n e l m u n d o d e la pu b li ci d a d , siendo la m o d a u n o d e l o s c o n c ep to s tr a ns ve rs a le s a t od a s s u s i m á g e n e s . L a ext rava g a n ci a , los límite s en l o s c o l o r es , l o s to c a d o s , e l m a qu i lla je exce s i vo y excé n t ri co s on e le m e n t os qu e Peregrín m a n e j a c o n s u bl i m e m a e s t r í a p a ra con f orm a r e l s i g n i f i ca d o f i n a l d e la ob ra .

Si hablamos de inspiración y de momentos creativos ¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración? ¿Cómo son las musas que de alguna forma hacen brillar y destacar tu trabajo? Cualquier cosa o persona puede ser motivo de inspiración, tanto un modelo, como un paisaje, una mancha de pintura, una canción o un poema. Me gusta mucho ver exposiciones de todo tipo y de todas las épocas; una pintura flamenca o una instalación minimalista pueden inspirarme una serie fotográfica. También paso mucho tiempo anotando en una libreta ideas y bocetos que me viene a la cabeza. Estos conceptos iniciales y sensaciones lógicamente luego hay que desarrollarlos y expresarlos a través de la imagen fotográfica. Una particularidad de tu trabajo gráfico, ‘marca de la casa’, son tus cánones de belleza, que parecen no responder a ningún estereotipo clásico, ¿cómo los definirías? En base a estos cánones, ¿qué es para ti la belleza? Pues no me guío por ningún canon actual de belleza. Prefiero fotografiar a un modelo con personalidad, que se diferencie de los demás y que me inspire. La belleza es muy subjetiva pero opuesta a la vulgaridad, aunque hasta ésta puede ser una herramienta de trabajo según qué caso. Tus composiciones están plagadas de matices y de elementos visuales que enriquecen y dan color y textura a la composición final. ¿Qué es más importante para ti a la hora de plantear una fotografía la decoración, el estilismo, el mensaje 97

o el canal empleado para hacer llegar el mensaje? Todo es importante, tanto el mensaje como el canal. Me interesa crear imágenes que no sean solamente bellas, prefiero las imágenes inquietantes, ambiguas, con múltiples interpretaciones, y he encontrado en el maquillaje, la peluquería y el estilismo herramientas perfectas para conseguir imágenes muy personales. Cuando trabajo soy muy perfeccionista y dirijo hasta el más mínimo detalle, como la mirada del modelo aunque sea dentro de un plano general. Cada elemento es importante y procuro cuidar cada uno de ellos (la composición, el color, la luz, la textura, la expresión, etc.), pero todos deben estar en consonancia para conseguir una imagen coherente. Has trabajado para importantes marcas internacionales como Nike, Diesel, Toyota, etc… ¿Qué pasos sigues a la hora de plantear un trabajo de publicidad? ¿Los criterios comerciales predominan, en este caso, sobre los artísticos? Generalmente se producen muchas conversaciones previas con el cliente a fin de conocer bien la marca, lo que se pretende con la campaña publicitaria, saber a quién va dirigida, los soportes que se van a utilizar, etc. Trato de respetar siempre a la marca pero también de aportarle algo nuevo que mejore su imagen y su posicionamiento en el mercado. Siempre hay unos criterios comerciales, pero mi labor consiste, además de en crear una imagen importante, en integrarlos lo mejor posible en cada fotografía. Antes de ser fotógrafo trabajé en agencias de publicidad como diseñador y director de arte por tanto conozco el proceso de elaboración de una campaña publicitaria. Trato siempre de aportar ideas a las agencias de publicidad desde mi punto de vista como fotógrafo para que el resultado sea lo mejor posible. ¿Cómo consigues crear el equilibrio perfecto entre comercial y arte? Procuro no diferenciarlos. Está claro que en un trabajo comercial tienes más limitaciones e imposiciones, pero mi forma

de trabajar es muy similar. Son los encargos comerciales los que luego me permiten hacer otros trabajos más personales. Pero tengo la suerte de que los clientes que confían en mi trabajo me dan mucha libertad creativa a la hora de interpretar sus marcas. Este 2011 se presenta repleto de trabajo con cuatro exposiciones en marcha, la primera de ellas se inaugura el cuatro de febrero “Beautiful Monster” en la galería Isabel Ignacio de Sevilla ¿Qué nos destacarías de esta exposición? En la Galería Isabel Ignacio presento desde el cuatro de febrero al diecinueve de marzo mi primera exposición individual en una galería de arte andaluza. Estoy muy ilusionado con este proyecto en el que han participado muchos amigos y grandes profesionales entre modelos, maquilladores, estilistas, etc. En “Beautiful Monster” el espectador podrá ver mi última serie de retratos, en su mayoría desnudos, sobre un fondo neutro donde el maquillaje cobra protagonismo. En “Beautiful Monster” nos muestras retratos donde la identidad pierde todo el sentido y donde lo más superfluo como es el maquillaje pasa a un primer plano robando toda la identidad a la persona. ¿Esta exposición es un reflejo de la sociedad, que se fija o tiene únicamente en cuenta esa primera impresión exterior? En las imágenes que conforman esta exposición resulta casi imposible reconocer a los individuos que posan. Nuestra sociedad centra en el rostro la identidad del ser humano. Esto provoca indudablemente una reflexión sobre el concepto de identidad. Al contrario que en el retrato tradicional, apenas si podemos identificar algún rasgo de la cara del sujeto protagonista. Es precisamente la importancia de la apariencia en esta sociedad lo que convierte al maquillaje, la peluquería, las joyas, etc. en elementos fundamentales que nos sirven diariamente para ocultarnos bajo una máscara a modo de defensa que nos ayuda a protegernos. Pero por otro lado el maquillaje se convierte conscientemente en un arma a nuestro favor para hacernos más atractivos, guapos o interesantes, para crearnos L ados

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Texto: Amparo Fuentes Imágenes: Paco Peregrín

Lo primero, ¿cómo recuerdas tus inicios? Y, ¿en qué momento decides dedicarte a la Fotografía? Desde siempre me ha interesado el Arte en general, pero recuerdo que quería ser pintor, por eso decidí estudiar Bellas Artes. Nunca me habría imaginado que algún día podría vivir de la fotografía de moda. Pero por otro lado la fotografía siempre me ha acompañado, como cuando hacía los carteles de mi grupo experimental de teatro, cuando documentaba mis viajes o mis performances o cuando hacía los catálogos de la ropa reciclada que diseñaba.

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una segunda piel, un super-yo que nos facilita integrarnos en un determinado círculo social y nos permite reinterpretarnos, como hacemos todos en mayor o menos medida (desde los cantantes hasta los travestis).

que nos diferencia, abogando por una idea muy heterogénea de la belleza de lo particular. Es esta reivindicativa apuesta por la belleza de lo extraño lo que me inspiró para crear la inquietante serie Beautiful Monster.

“Beautiful Monster” en una exposición de imá- Pero el año no se acaba con “Beautiful Monster” genes, que como reza su título, monstruosa- también participaras en dos colectivas como son mente bellas, y como tal “Beautiful Monster” “To be Continued” y “Shoot\´n the City” Dos presenta desde su nacimiento el paradigma de puntos de vista de aplicación de la fotografía, la convergencia de ideas: “Beautiful Monster” totalmente diferentes y a priori convergentes. El son imágenes que desean trasmitir la belleza primero de ellos un tema social, como alimento interior de la persona y para ello la recubre con y campo para la fotografía, capturar la dureza un maquillaje excesivo y en ocasiones barroco, de la realidad. El segundo de ellos la vanidad ofensivo o incluso dramático. ¿Cuál es tu primer del ser humano, el placer de lo efímero y de lo mensaje o idea que se generó en tu interior para exclusivo… Coméntanos un poco ambos proyecdar pie y origen a esta exposición? ¿Cuál es la tos. ¿Cómo afrontas desde el punto de vista de intención el mensaje que quieres lanzar con esta tu lente, cada uno de ellos y que te aportan resexposición? Nunca me ha gustado ser dogmático pectivamente? Participo con una fotografía inédien cuanto a mensajes, prefiero crear imágenes am- ta de más de dos metros de altura en la exposición biguas e inquietantes que permitan al espectador colectiva de carteles “To be continued...”, organisacar sus propias interpretaciones. En cualquier zada por Buenavista Obra Social, con el apoyo de caso queda claro que en esta serie el maquillaje las seis Asociaciones de Trasplantados de Andalucubre los rostros de las personas fotografiadas y cía y la colaboración del Ayuntamiento de Sevilla. cobra protagonismo como disfraz contemporáneo. Se pudo visitar en Sevilla hasta finales de enero Esto nos permite detenernos más en otras partes pero esta exposición solidaria sin precedentes en del cuerpo y en otros factores interiores, en la Andalucía recorrerá durante el 2011 varias ciuexpresión y en la intención. El maquillaje cons- dades españolas. Para más información se puede tituye para el individuo una máscara con la que consultar la pagina web: www.tobecontinued.es Siempre es un placer participar en cualquier protegerse y ocultarse, a modo de camuflaje, y a tipo de proyecto solidario. En este caso la vez una forma de potenciar la imagen que teneparticipar con una fotografía y acercarme al mos de nosotros mismos o la que queremos protema de los trasplantes ha sido enormemente yectar que configure nuestra imagen pública. El gratificante a nivel personal. La pieza con ser humano es vulnerable y este arma nos aporta la que participo está dentro de mi estilo, es seguridad y nos ayuda a integrarnos socialmente. rotunda, muy gráfica, impactante y ambigua. Pero está claro que lo más importante es asumir No deja indiferente al espectador y creo que como somos y mostrarnos tal cual. Todos somos eso es fundamental a la hora de crear un carauténticos y únicos. Esta serie no deja de tener tel. También participo con una fotografía de un ligero matiz autobiográfico. Las imágenes me gran formato en “Shoot\’n the City”, una exsirven para luchar contra cualquier complejo e posición colectiva de fotografía de moda que intentar mostrarme como soy, reafirmarme como podrá verse del 17 al 30 de enero de 2011 en el persona y creador. Passeig de Gracia de Barcelona, y en el Salón de Moda Urbana The Brandery. Mi agente Destacar también la utilización de algunos eleme propuso participar en esta muestra y me mentos simbólicos como las mariposas, las espiencantó la idea de exponer una de mis fotos nas, referencias a formas cadavéricas, el uso del de moda al aire libre para acercar mi trabajo color, las composiciones barrocas. ¿Qué buscas al público cotidiano que pasea por la calle y con la utilización de estos elementos en tus imámostrarle de forma descontextualizada una genes, remarcar lo efímero de la vida o destacar imagen altamente sofisticada integrada en los puntos inherentes e individuales de la peruna localización urbana. sonalidad de cada uno que nos hace únicos e irrepetibles? Los elementos simbólicos utilizados en las fotografías nos llevan a reflexionar también Un hecho sorprendente, sobre todo para un fosobre otros conceptos como el carácter efímero tógrafo que ha trabajado con las cotas más alde la belleza y de la vida, el paso del tiempo o la tas, es que parte de tu faceta laboral también la muerte. También estas imágenes rompen este- desarrollas de forma muy cercana al origen de reotipos y potencian la personalidad, lo inusual la creatividad, como es la tarea que desarrollas 10 0

en el campo de la docencia. ¿Qué te aporta la docencia a ti como persona y como profesional? Me supone estar en contacto con las nuevas generacones de fotógrafos y compartir su ilusión y ganas de superación. A la vez me satisface acercarles mi experiencia profesional y hacerles ver que con esfuerzo, trabajo y dedicación se puede vivir de algo que te apasiona. Para ir terminando. ¿Hay alguien a quien te gustaría fotografiar especialmente? A mucha gente, a cualquira que tenga algún rasto o personalidad que me inpire, pero si te refieres a gente conocida, pues podría citarte muchos nombres, como la modelo Karen Elson, la actriz Julianne Moore o la cantante Madonna. El nombre de tres fotógrafos a los que admiras… Es difícil porque me gustan muchos, pero hay tres fotógrafos de moda que admiro: Irving Penn, Richard Avedon y Guy Bourdin.

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Pailletes Shirt: Donna Karan Ny P a n t i e s H i g h We i s t : L a P e r l a Jacket: Dior Homme Housery: Agent Provocateur Shoes: Frankie Morello

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S U B L I M E Fotografía : Cr i s ti a n D i S te fa n o ( c r i s t i a n d i s t e f a n o.com ) . E stilismo : D i xi Ro m a n o @ Mo t i f M a n a g em e n t . M aquillaj e y p e l u q u e r í a : S hei l a S er r a n o . Modelo: A n g el i c a Er tha l @ El i t e B CN . L ocalizac i ó n : El P r i n c i p a l . Agradecimi e n t o es p ec i a l a S a b i n e Wo a k s .

Dress: Gold Pinko Housery: Agent Provocateur Jewellery: Ledaotto

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Furcoat: Amaya Arzuaga Vintage D r e s s : G i a m b a t t i s t a Va l l i Housery: Agent Provocateur Shoes: Frankie Morello

Dress: Roberto Piqueras H o u s e r y : Wo l f o r d

Pailletes Shirt: Donna Karan Ny P a n t i e s H i g h We i s t : L a P e r l a Jacket: Dior Homme Housery: Agent Provocateur Shoes: Frankie Morello

Cardigan: Tsumori Chisato Skirt: Pinko Leggings: Roberto PiquerAS

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Texto: Jesús Ramiro Flores

Definir el entorno de Cocina de Autor situado en el complejo Grand Velas, es intentar definir, sin lugar a dudas, un trozo de paraíso dentro del más mundano y comercial mundo, un edén donde encontramos los mejores manjares, dignos de dioses. El hábitat ideal para potenciar y disfrutar de una experiencia que se transforma y amplía más allá del paladar; horizontes infinitos, puestas de sol imborrables, aromas, sonidos que nos envuelven para regalarnos la paz interior, anhelada por cualquier alma. Al entrar, desde la carretera, uno es incapaz de presagiar lo que le espera ni donde está. Poco después, a escasos metros, eres concisciente del entorno, de la ubicación. Así sin más te encuentras en medio de la selva, entre manglares y una espesa vegetación cortada por una estrecha carretera, capaz de conducirte a esta nueva experiencia. Entrando sin más preambulos al hotel Grandvelas, situado ente el Mar Caribe y la Gran Selva. No sé como será el paraíso, pero si no es ese, tiene que ser algo parecido. Dentro del hotel hay varios restaurantes, todos excepcionales, claro está, pero hay uno que destaca sobre manera y que nos ocupa hoy en la presente reseña, su nombre; Cocina de Autor. Cocina de Autor es diferente y se sabe diferente, desde la entrada ya uno se da cuenta que está en un gran restaurante, con personalidad y confianza en sí mismo, al llegar los camareros la gran experien110

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cia prosigue, pero al aparecer los platos elegidos del menú, uno siente que ha llegado al edén gastronómico. En este caso no sólo se deleita la vista, también disfruta el oído, el olfato y por supuesto, el gusto, no sé si se puede pedir más. Mientras disfrutamos de una cena inmejorable, realmente podríamos llegar a pensar encontrarnos en Arzak dentro del vergel, nos sitúan brevemente el concepto y filosofía de Cocina de Autor, narrándonos los inicios y germen del restaurante, de como Bruno Oteiza y Mikel Alonso deciden acercar su galardonada cocina a los sabores y aromas de las recetas caribeñas. Las piezas del puzzle encajan, todo queda más claro, nos encontramos en un restaurante cuyos cocineros al mando están entre los mejores del mundo; Bruno Oteiza y Mikel Alonso, responsables además del laureado restaurante Biko de Ciudad de Mexico, situado entre los cincuenta mejores del planeta, y su jefe de cocina, Xabi Perez Stone, no es para menos. La idea es clara, llevar las recetas y la filosofía de Biko a la cocina, sabores y texturas caribeñas, el plato de presentación de Cocina de Autor, ¡ahí es nada! Así, en los fascinantes días que disfruté de las playas, del sol y del entorno caribeño también pude disfrutar de la maravilla que es la carta de Cocina

de Autor, para que día tras día, y uno a uno, llegase a probar todos y cada uno de los platos que conforman la inmejorable carta del Cocina de Autor. Por mencionar algunos destacaré la Langosta con Maíz Negro, el Cordero Encominado, Nuestro Flan o las maravillosas Trufas Emplatadas que presentamos en receta en la página siguiente. Concluyendo, si tenéis oportunidad de hospedaros en el hotel Grand Velas y comer en el restaurante Cocina de Autor, tendréis una de las mejores experiencias de vuestra vida. Y, si simplemente estáis por la Riviera Maya, y sois amantes de los placeres gastronómicos más delicados y sofisticados, bien merece la pena una escapada para ir un día a cenar allí. Hasta el paladar más exquisito quedará satisfecho.

Re s t a u ra n t e “ C oci n a d e Aut o r ” Hot e l G ra n d Ve la s ( w w w.gr andve l as.co m) C a rre t e ra C a n cú n -Tu li m km 62. P laya d e l C a rm e n , Q .R 0 0. 7 7 7 10.México T f n o: + 0 1 ( 9 8 4) 8 7 7 4 4 0 0 E va l u a ci ó n:

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Para las trufas 350 gr. de crema para batir 100 gr. de chocolate 65% 35 gr. mantequilla 2 gr. de café soluble 5 gr. de coco 30 gr. azúcar 150 gr. de praliné de ajonjoli acaramelado 2 litros de agua 1 gr. de plata en polvo 10 gr. de alginato 3 gr. de gluconolactato de calcio por cada 100 gr de base Hervir todos los ingredientes de la trufa, colar y templar. Una vez templado pesar y agregar el gluconolactato correspondiente. Hacer la base de alginato más agua más plata, y dejar reposar para que se le vaya el aire. Hacer las esferas a 30°C, enjuagarlas y dejar en una charola con papel estrella, secarlas levemente en el horno a la hora de servirlas. Para el bizcocho 500 gr. mantequilla 500 gr. de azucar glass 6 huevos 225 gr. de harina 450 gr. de almendra en polvo 450 gr. de crema pastelera Ralladura de 3 naranjas y 2 limones 10 gr. de polvo de frambuesa Apomar la mantequilla con el azúcar, mezclar poco a poco con las yemas, la harina, la almendra, la crema pastelera y empolvo de frambuesa, incorporar con cuidado y cariño las claras montadas. Hornear 30 minutos a 180°C, enfriar. Cortar el bizcocho en 6 pedazos iguales y envasar al vacío cada trozo con 60 ml de jugo de naranja. A la hora de emplatar romper un trozo del bizcocho, rebozarlo con panko y freirlo.

Para el polvo de aceite 5 gr. de Maltodextrina 8 gr. aceite de cartamo 5 gr. de Xilitol Mezclar los ingredientes con la ayuda de un batidor. Para las fresas encurtidas 25 fresas 200 gr. de vino blanco 92 gr. de azúcar 8 gr. de sal Envasar al vacío todos los ingredientes y dejar reposar por una semana. Para el polvo de frutos secos Nuez tostada Almendra tostada Semilla tostada de cacao Cacahuate tatemado Polvo de mango y de plátano liofilizado Rallar los frutos secos con un microplane directamente en el plato, y espolvorear con los polvos de frutas. — Final y presentación Sobre las ralladuras poner un par de trufas templadas, dos medias fresas, un poco del polvo de aceite, y el trozo de bizcocho frito. Decorar con unos trozos de frutas liofilizadas y pétalos de flores.

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Coordinador general José Ugidos lados@ladosmagazine.com Redactor jefe J. M. Fernández Dirección de arte Estudio Ritxi Ostáriz www.ritxiostariz.com Diseño y maquetación Ritxi Ostáriz Hugo Mendes Fotografía Ana Frechilla Sara Muñoz Araceli Martín Chicano Traducción Ricardo Martín Coloma Asesor gastronómico Jesús Ramiro Flores Asesora moda María Mateos Asesora arte Sofía Valdezuela Asesor música Javier Mielgo Publicidad general publicidad@ladosmagazine.com tfno: 658 788 915 Publicidad Guía. Zona Noreste noreste@ladosmagazine.com Publicidad Guía. Zona Centro-Norte jose@ladosmagazine.com Agenda agenda@ladosmagazine.com Colaboradores: Javier Ajenjo. Sara Muñoz. Sara Osácar. Abel Molina. Javier Doblas. Cristina B. Araceli Martín Chicano. Álvaro García. Xarlene Visuals. Paula Álvarez. Fran Báez Pacheco. Jorge Barbero. David Barbero. David Ayats Ros. Cristina Casado. Amparo Fuentes. Sergio García Díez. Gabriela Giménez. Alfonso Gutiérrez. Fernando López. Ricardo Martín Coloma. Patricia Martín Samaniego. Javier Mielgo. Diego Monja. Ricardo Otazo. Javier Panera. Javier Peña. Jeremías Pau Toledo. María San José Sánchez. Javier Sánchez Maqueda. Verónica Serrada Rico. Javier Somoza Prieto. Pablo Villanueva. Jesús María Velázquez. Javier Miñambres. Sixto Solís. Alberto Pascual. Cristina Agüero Carnerero. Miguel Calvo-Rubio Calvo. Raúl Julián. Depósito legal: M. 7268-2011. Edita: Muy Fácil S.L. Lados Magazine no se responsabiliza de las opiniones expuestas por sus colaboradores. Queda terminantemente prohibida la reproducción total o parcial de cualquier contenido tanto escrito como gráfico que aparezca dentro de la presente publicación o su edición electrónica sin la autorización expresa del director y su autor.

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