Lados Mag Issuu 24 by jose ujidos

Nº 24 Calexico, Beth Orton, Anna Clarén, Peaking Lights, Animal Collective, José Ruiz, Alt–J, Toy, Hot Chip, Arsel Randez y Los Cuervos

Índice

Nº 24 Calexico 4, Beth Orton 6, Anna Clarén 10, Peaking Lights 16, Animal Collective 22, José Ruiz 84, Alt–J 90, Toy 110, Hot Chip 112, Arsel Randez y Los Cuervos 114 Imagen de portada Beth Orton / Fotografía Jo Metson Scott Imagen de portada Witch House / Fotografía Daniel Arguello

Calexico Texto Alex del Hoyo / FotografĂa Jairo Zavala

Algiers Siete y media de la tarde, en Madrid llueve fuego, marco perfecto para la escucha del último disco de Calexico, “Algiers”, un trabajo que sin alejarse de la trayectoria de sus predecesores, amplia miras con sonidos y cuerdas latinas capaces de dar paz a nuestras agitadas vidas.

Calexico, sin duda, un buen nombre que demuestra la influencia de la música a caballo entre California y México… ¿Podríamos considerar a Calexico como un nexo de unión de dos culturas o sencillamente una banda con influencias del otro lado de la frontera? Yo diría que sí, sí que podemos hablar de una conexión. ¿Por qué no? Es algo no intencionado… ¿sabes? Calexico se trata de un par de tíos haciendo música, influenciados por el entorno, un entorno que aman, así que sí sería correcto plantear este nexo de unión. Calexico comenzó como resultado de la combinación de todas sus influencias, no sé qué palabra podría usarse para definirlo pero diría que nace de la combinación de la música con influencias africanas, la música del oeste, ritmos latinos, y un largo etc, pues nos inspiramos en todos los diferentes tipos de música. Creo que la música puede ser una conexión entre culturas que les ayude a comprenderse mutuamente.

Bueno, fue un sitio maravilloso en el que trabajar. En Nueva Orleans pudimos realmente desconectar de nuestras vidas cotidianas y sus distracciones, y así concentrarnos en el trabajo, pero Nueva Orleans además es un sitio de intenso espíritu en el que hay una muy fuerte sensación y vibración por la música. Básicamente, existe una historia completa de la música en la ciudad. Así que, esta es la manera en la que principalmente nos ha influenciado…, quizá no necesariamente de un modo físico, respecto a lo que oyes, sino más bien en el modo en que uno se siente al escuchar la música; de una manera más espiritual. Todo disco tiene un punto de partida y una historia que se desarrolla durante la composición y la grabación… ¿Cuál es el origen y la historia de este último trabajo? Realmente tiene una larga historia, cuatro años nada más y nada menos, es casi la experiencia de toda una vida, una vida en la que hay cambios y en la que todo lo que acontece te cambia y afecta profundamente. El nacimiento de los gemelos de Joey, por ejemplo, ha sido algo enorme que realmente nos ha cambiado. Por otro lado, la horrible tragedia en la que uno de nuestro amigos fue tiroteado y otras ocho personas resultaron asesinadas ha tenido un profundo efecto en nosotros en un modo que ni siquiera puedo creer y que nunca hubiera imaginado…, puedes verlo en las noticias, leer sobre ello, pero cuando te sucede a ti, cuando te toca de una manera directa, resulta algo verdaderamente difícil de asimilar y superar. A mi me ha costado mucho superarlo y supongo que nunca lo superaré del todo, pero me ha llevado mucho tiempo el poder “curar” esa “herida”.

En ocasiones se oye y se lee calificar vuestra música como fronteriza, entre sonidos de Norte América y México, ¿estáis de acuerdo con esa etiqueta? Sí y no, como decíamos en una de las preguntas anteriores, creo que es algo que no está específicamente llamado a suceder, sólo por el hecho de enmarcarse en una localización concreta y recibir influencias o crecer rodeado de músicos con tales influencias no significa que debas hacer música con un sonido en concreto. Esto no debería limitar a una banda, debería influir pero no determinar. Es como lo que pasa con “Jacob Valenzuela”, creció bajo la influencia de dos sonidos diferentes, sus padres son “mexican–american” y habla español. Estamos conectados a él porque es de donde vivimos y nos gusta su música, su estilo, él nos ha inspirado en este trabajo para llevar nuestro sonido a un nivel diferente a lo que podíamos encontrar en anteriores discos.

Habéis hecho colaboraciones con gente como Francoiz Breut, Amparo, De Pedro… ¿Con qué músico o banda de ayer u hoy os gustaría haber colaborado? La verdad es que soy un gran entusiasta del jazz, soy un gran fan de la música improvisada, sobre todo desde mediados de los 50’s hasta finales de los 50’s–principios de los 60’s. Con lo que me hubiese encantado poder haber hecho algo con “Charles Mingus (Jr.)” o “Miles Davis (Miles Dewey Davis III)”… O incluso tocaría hasta con un elefante (risas)… Tocar con “Amparo” (Amparanoia) es una liga completamente diferente. También tocamos una vez con “Chan Marshall” (Charline Marie Marshall – a.k.a. Cat Power). Me encanta su voz, su sensibilidad y espontaneidad.

El primer single de “Algiers”, “Para”, habla de enterrar la ansiedad y la tristeza. ¿Es el momento de cerrar viejas heridas? Es una buena pregunta…Creo que hay un montón de “curación” o de “regeneración” en todo el disco, han pasado cuatro años desde el trabajo anterior y ha sido como una vida aparte entre aquel disco y este último. Por supuesto, las diferentes tragedias que han tenido lugar en nuestro país, Katrina, la crisis, los heridos y fallecidos de las guerras, tragedias que han hecho mella en nuestra ciudad y en nuestras vidas personales, sin duda nos han marcado, son situaciones dolorosas, que no queremos recordar. La música es un arte y está siempre ahí para la “curación”, desde un punto de vista terapéutico. “Para” es un tema muy especial, donde cuento como una persona cualquiera vive su vida, como afronta los malos momentos, como lidia con la tensión y el desafío que supone tener una familia, tener hijos, ser padre, la relación con la esposa y los hijos. Cuando compuse este tema, en mi cabeza no dejaba de estar presente la película “Tree Of Life” de Terrence Malick y en como, en un modo visual, él pudo expresar toda esa tensión y ese desafío que supone vivir. De algún modo “Para” quiere expresar todo eso de una manera similar.

La música y el rock son sinónimo de revolución y alzamiento contra lo establecido, ¿qué concepto de validez le queda al rock como elemento contracultural frente al corporativismo que se ve últimamente por parte de las compañías discográficas? Creo que el mundo corporativo relacionado con la industria musical ha caído… Quiero decir, están sufriendo como muchas otras industrias a día de hoy. Y desafortunadamente, como la industria musical está dañada, a los músicos también les repercute, en tanto en cuanto deben seguir buscándose la vida; pero es una pregunta bastante vieja y gastada: “¿Cómo puedes poner precio al corazón?” No obstante creo que no hay manera de matar a la música, siempre sobrevivirá.

Para la grabación del presente “Algiers” decidisteis viajara Nueva Orleáns. ¿Cómo os ha influido la cuna del jazz y el blues en la grabación de este disco?

Muchas gracias, nos vemos en noviembre a vuestro regreso…

PROF I L E

Texto Joan Campa San Jose

Beth Orton Sugaring Season Después de seis años de ausencia, aprovechados para tener dos hijos y casarse con el compositor estaunidesne Sam Amidon, la Orton regresa a la industria musical de la mano de Anti– con un nuevo trabajo “Sugaring Season”. Un disco delicado y sencillo, intimista y pausado donde la voz de Beth destaca y convence, reafirmandose en esta nueva etapa que para Beth acaba de comenzar. “Sugaring Season”, el renacer de unas canciones que brillan en la oscuridad. 7

MÚ S IC A

“Sugaring Season” (Anti–/Pias, 2012), que saldrá al mercado el dos de octubre, será tu sexto disco en tu trayectoria. Un trabajo tranquilo que trasmite la calidez de una vida sencilla últimamente alejada del mundo de los escenarios. ¿Cómo te sientes al respecto? ¿Qué significa para ti este trabajo? Me siento increíblemente feliz e ilusionada, “Sugaring Season”, creo que es un álbum muy emocional, me gusta escucharlo y disfrutar con sus canciones. Esto es algo realmente particular pues muchas veces cuando terminas un trabajo no recurres a él, encuentras matices que se te escaparon, detalles que cambiarías, pero con este “Sugaring Season” estoy encantada, me gusta cada uno de sus temas, no cambiaría ni el más pequeño detalle. Estoy muy contenta con este nuevo disco. “Sugaring Season” se refiere a la época del año, alrededor de febrero, cuando los árboles tienen un flujo de savia en su corteza. Eso indica que la primavera ha llegado y que en breve florecerá. Es un momento muy positivo y bonito. Para mí este trabajo tiene ese significado de esperanza, el principio de una ilusión.

tación del disco. Me lo dijeron y yo pensé que era una buena idea y dije “sí, sí, está bien”. ¿Cuál es tu canción favorita del disco? ¿Por qué? No lo sé. Resulta muy difícil decantarme por una en concreto pero me encanta “Mystery”, la última canción del disco, no sé muy bien porque, pero supongo que resume un poco todos los sentimientos que han ayudado a gestar este trabajo, ilusión, esperanza, renacer… Realmente me encanta el disco entero, no podría escoger o decantarme por una única canción. Escuchando el tercer tema de tu disco, “Candless”, es quizás el tema más hipnótico y diferente, recubierto por una fina capa de electrónica, su sensualidad trae a nuestra memoria el hipnotismo folk de tus primeras composiciones que los periodistas nos obstinábamos en etiquetar como “folktronica” y que ahora aparecen como actuales y precursoras de los caminos escogidos como la de la joven cantante británica Florence Welch. ¿Qué opinas sobre esto? (Risas), no sé qué decirte, la verdad es que una mañana me levante de la cama, cogí mi guitarra y empecé a tocar y a cantar. En eso momento se creó “Candless”. Personalmente me encanta este tema, su cadencia y ritmo hace que se te pegue, ¿sabes? es como esos temas que los llevas tarareando de un sitio a otro y sin casi darte cuenta y que a la vez te deja con una sensación de felicidad increíble, eso me encanta, “Candless” es un tema que me transmite muy buenos sentimientos.

Habitualmente venías publicado un disco cada tres años, excepto en este último caso, en el que la espera se ha prolongado a los seis años. ¿Por qué una espera tan larga para sacar nuevo material? Bueno, realmente hay muchas razones. He tenido otro hijo, invertí mucho tiempo en algún negocio, también he ocupado mucho del tiempo en formarme y dar clases de guitarra junto a Bert Jansch, fundador de Pentangle, visitar muchos sitios. Realmente me he mantenido muy ocupada durante los últimos años. También es bueno estar alejada un tiempo del mundo que rodea a la música. Es bueno parar y descansar, sólo disfrutar de la música sin más motivo, sin grabar ni componer, solo tocar por placer.

Otro de los temas que destaca es “Call Me The Breeze” suena fresco pero sobretodo trasmite vitalidad, ganas de arrancar un nuevo día. ¿Crees que este nuevo trabajo supone un renacimiento de Beth Orton? De alguna forma sí es este sentimiento, después de seis años en silencio han pasado muchas cosas en mi vida. Cuando me plante volver a sacar un nuevo trabajo quería que fuese algo realmente personal y que rompiera con mis anteriores trabajos, supongo que de ahí su sencillez y simplicidad, “Sugaring Season” es Beth Orton con su banda, simplemente. De alguna forma es como un punto y aparte, un punto y aparte para escribir nuevos capítulos.

La gira de presentación de tu nuevo Trabajo “Sugaring Season” arranca el veinte de setiembre, pocos días antes de la publicación del disco que se aplaza a octubre. ¿Tienes ganas de sacar el disco al mercado y empezar la gira? Sí, la verdad es que estoy muy entusiasmada por el futuro más próximo, inicio de gira, publicación del disco. Tengo muchas ganas de empezar con el tour, tener en frente al público y poder ver de cerca sus reacciones a los nuevos temas, será muy especial. Estoy expectante por el resultado y cómo lo acogerá el público…

“Poison Tree” nos acerca a las raíces de un país, de una generación, en el pareces desnudarte a cada nota de tu guitarra para contarnos al oído un secreto, solamente arropada por el calor de las notas arrancadas a un violín, ¿es la intimidad el concepto o la pauta básica bajo el cual sea compuesto este trabajo? ¡Oh Dios!, no tengo ni la menor idea. Son demasiadas inspiraciones, muchas pequeñas cosas muy diferentes, desde un despertar, a un paseo, mi hijo, pero en general creo que si que detrás de cada una de estas inspiraciones se encuentra la sencillez de los sentimientos íntimos y personales. Es muy duro a veces encontrar algo concreto que te inspire, y más aun después de seis años. Es realmente difícil. En concreto el tema “Poision Tree” me gusta mucho por cómo suena el violín sobre mi voz, cuando canto y se oye todo es como “wow”, es precioso.

En octubre publicas tu sexto disco después de seis años de silencio. Lo has grabado en Portland con el productor Tucker Martine (My Morning Jacket). ¿Qué te ha aportado en al sonido del nuevo disco? Tucker tiene un estudio muy agradable, con un buen ambiente, en él el tiempo pasa sin darte cuenta. Esto te permite trabajar de forma muy especial, casi, casi, como si estuvieses en tu propia casa. Tucker es muy humano, muy divertido. Antes de iniciar la grabación Tucker te ayuda en todo lo que esté en su mano para que todo salga a la perfección, así poco a poco te va guiando para que el trabajo vaya fluyendo y llegar al mejor resultado. Trabajar con él es muy especial, algunos productores sólo te saben decir lo que tienes que hacer, ellos quieren que el resultado sea perfecto, pero no te ayudan. Tucker hace que el trabajo sea una mucho más fácil.

Como decíamos este trabajo transpira sinceridad, sencillez y cercanía, quizás podemos pensar que es uno de tus trabajos más íntimos. ¿Crees que este es tu mejor trabajo? ¿Por qué? Puede que lo sea. Por lo menos puedo afirmar que es el más realista. Aprecio muchísimo este disco, es como “wow” todas las canciones son emocionantes, sensibles. Personalmente adoro este disco, puede que sea porque este es mi nuevo trabajo, pero también porque me representa de forma natural, sin ningún aditivo, sin maquillaje. “Sugaring Season” es un disco sincero, muy de andar por casa y para disfrutarlo con alguien muy próximo a ti.

Hace pocos días se ha publicado el tema “Something More Beautiful” en Youtube. ¿Por qué escogiste esta canción como single de presentación? ¿Qué te transmite esta canción? Ufff, no estoy muy segura de lo que me transmite esta canción, cuando lo escucho las emociones se acumulan, pero sin llegar a predominar ningún sentimiento concreto. Si tengo que ser sincera fue la compañía discográfica quien la escogió como presen-

Anna Clarén

Close to Home Las fotografías de Anna Clarén difícilmente pasan desapercibidas. Contenedoras de una estética, una pureza visual y una luz que hace que, cuando te topas con una de sus imágenes, quieras ver otra. Y otra. Y otra… No tiene página web, pero, por suerte, tiene tres libros en su haber: “Holding” (2006), “Puppy Love” (2009) y el venidero “Close to Home” que, aunque no se presentará hasta 2013 en su Suecia natal, avanzamos en estas páginas; junto con algunas fotografías pertenecientes a trabajos previos.

Texto Ana Himes Fotografía Anna Clarén

Esta nueva serie,“Close to Home”, según sus propias palabras… “versa sobre mi familia y mis amigos más cercanos. En muy poco tiempo han pasado muchas cosas importantes en mi vida. Me he casado y acabo de tener mi tercer hijo. Las fotografíasde este proyecto hablan sobre la belleza; pero quizá, más que eso, tratan sobre el miedo a perder todo. Algunas veces resulta muy complicado creer y confiar en que todas las cosas buenas o bonitas permanecerán para siempre. “Close to Home” roza lo aprensivo… Digamos que he querido reflejar ese miedo a perder lo que tenemos y las dificultades para conservarlo”. Punto de partida de una obra, la inspiración. ¿Te gusta la música? ¿Qué grupos sueles escuchar? Pues la verdad es que, desde que soy madre, en casa se escucha normalmente música infantil; para que podamos bailar y disfrutar todos juntos. Pero, he de confesar que en mis ratos más personales e íntimos, me encanta escuchar música clásica, preferentemente Bach, por ejemplo, sus Cello Suites.

que quería ver si nosotras nos parecíamos a los demás, si éramos similares. Me respondió que ella era vieja y fea y que yo era joven y hermosa, pero, claro, al final, por supuesto, me dijo “Anna, puedes hacer la foto, tú siempre has tenido ideas descabelladas así que… ¡adelante!”. Creo que en ese momento, mi abuela se sintió muy orgullosa de mí. Muchas fotografías tienen su historia detrás. Al ver tu trabajo una, dos, tres veces, uno llega a la conclusión de que tus fotos realmente tienen un estilo personal. ¿Ha sido consciente de que estabas desarrollando un estilo propio cuando empezaste; es algo que has perseguido o que se ha ido perfilando con el tiempo? Para mí, lo importante siempre ha sido transmitir las historias y los sentimientos que brotan dentro de mí. En función de eso, utilizo la cámara como técnica y herramienta, para poder reflejar mis historias personales de la forma más sólida y potente posible. Descríbenos cómo es un día en la vida de Anna Clarén… Mis hijos me despiertan a las seis de la mañana. Estamos un rato juntos y los dejo en la guardería a las ocho y media; es entonces cuando, digamos, empieza mi día de trabajo. Hay muchos días que tengo que dar clases en Nordens Fotoskola, una universidad de fotoperiodismo en la que soy la directora, y otros en los que trabajo en mis proyectos fotográficos personales. Me gusta combinar ambas cosas: los encargos comerciales y mis propios proyectos artísticos. Al mediodía vamos a casa y comemos juntos. Mi marido llega de trabajar del hospital sobre la misma hora, así que después jugamos con los niños y hacemos distintas actividades hasta las ocho o así, que es cuando los acostamos. Recogemos un poco la casa y entonces, por fin, tengo un par de horas para trabajar con mis fotos.

Y… si fueses una canción, cuál te gustaría ser. Creo que me gustaría ser “Spiegel im Spiegel” de Arvo Pärt. Tres libros en el mercado, es sin duda todo un reto que Anna Clarén a conseguido superar paso a paso y libro tras libro… ¿Tus libros están autoproducidos, sueles trabajar con alguna editorial en concreto o cómo funciona la cosa… Por favor, cuéntanos algo sobre el próximo libro con el que materializarás tu última serie “Close To Home”y también sobre tus dos libros anteriores “Holding” y “Puppy Love”. ¿Cuál es la fórmula bajo la cual entregas tus libros? ¿Trabajas con una editorial fija o en algún caso te planteas la opción de la autoedición? Tanto “Holding” como “Puppy Love”fueron publicados con la editorial Journal, el primero de ellos en el 2006 y el segundo en el 2009. Además, “Puppy Love” fue galardonado en Suecia con el premio “photo–book of the year”. Mi nuevo libro, “Close To Home”, se publicará el año que viene pero a día de hoy aún no sé con seguridad con qué editorial se hará finalmente.

Creo que la mayoría de tus fotografías cuentan historias, son como “pieces of lifes” (reales o ficcionados). Pero, cuéntanos, ¿qué es lo que buscas cuando haces la foto? Mis fotografías habitualmente reflejan un mundo interior, una realidad emocional muy concreta para mí; se focalizan en cosas que me preocupan. Creo que mi trabajo me permite hablar de lo que soy incapaz de entender y, a menudo me hace volver a los temas que en cierto modo me persiguen. ¿Qué o quién te ha inspirado en tu trabajo? Siempre me he sentido muy inspirada por la vida, por lo que sucede a mi alrededor, en el mundo real. Encuentro inspiración en las relaciones humanas, y puede que en un grado mayor, me siento atraída por el anhelo y la necesidad de las relaciones humanas. Tengo mis raíces en una tradición documentalista, quizás por eso prefiero hacer fotos de los hechos según se desenvuelven delante de mí y de mi cámara en vez de generarlos de manera exógena.

Para este último trabajo “Close To Home” has contado con tu círculo más cercano. ¿Cómo fue la experiencia de fotografiar a tu familia, son buenos modelos? ¿Qué te dijeron cuando les propusiste el proyecto? Mi familia está acostumbrada a que les haga fotos; siempre he tratado, ya sea de un modo u otro, de documentar nuestras vidas. Esto no quiere decir que siempre se percaten de mi presencia cuando les hago una foto. Mira, para que te hagas una idea, le pedí permiso a mi abuela para hacerle un retrato conmigo a su lado. Le dije que quería que se desnudara mirando a la cámara. Mi abuela dijo: ¿estás loca? ¿Para qué quieres esa foto? Le comenté

¿Has vivido siempre en Suecia? Nací a las afueras, en el sur de Suecia. Durante mi infancia, nos mudamos a Lund y a los veintiuno me marché a Estocolmo a estudiar fotografía; así que sí, siempre he vivido en Suecia, pero la

art e

verdad es que siempre me he sentido muy atraída por España y también por Sudamérica. He viajado bastante a estos sitios para estudiar español. ¡Me encanta!

y las personas de mi vida, y en cierto modo hoy en día tengo la misma relación con la fotografía; colecciono recuerdos y los transformo en un diario.

Lo cierto es que, además, tu nombre suena bastante “latino”. ¿De dónde proviene tu apellido? Anna es uno de los nombres para chica más comunes en Suecia. Mi apellido Clarén es un “nombre militar”, este apellido lo recibió mi abuelo cuando él estaba en el ejército y la verdad es que aquí es bastante inusual.

¿Qué cámaras tienes o utilizas? La que más utilizo es mi Hasselblad 500cl. Me la regalaron mis padres cuando cumplí veinte años y desde entonces ha sido una cámara muy especial para mí.

Dinos algún lugar en el que nunca hayas estado pero al que te encantaría ir. O algún spot al que sientas que necesitas ir cada cierto tiempo. Me gustaría mucho ir a Easter Islands durante algún tiempo. Hay un sitio al que necesito ir en cuanto puedo: el mar, el océano. Cuando miro el horizonte me invade una sensación de libertad y de tranquilidad que me encanta. Además me encanta el olor a salitre…

A veces, tus fotos que me recuerdan el trabajo de Rinko Kawauchi. Supongo que la conoces. ¿Qué opinas, te gusta lo que hace? ¡Oh, me encanta su trabajo! Sus fotos me conmueven profundamente, es como si atrapasen totalmente mis sentidos. ¿Cuál es el mejor consejo que has recibido? Concéntrate en lo que se te han dado, no en lo que has perdido. Concéntrate en lo que tienes, no en lo que no tienes. ¿Cuál es tu mayor miedo? La fugacidad. Tengo miedo de perder lo que me amo.

¿Cómo sueles preparar una sesión o cómo atajas el hecho de hacer una fotografía? La verdad es que no suelo hacer ningún esfuerzo preconcebido ni planear mucho mis fotografías. Cuando más cómoda me siento es cuando las imágenes brotan de manera natural en ese mismo momento.

¿A qué persona viva admiras? A mi marido. ¿Qué es lo último que has comprado? Un libro sobre mariposas.

Por favor, comparte con nosotros cuáles son tus fotó¿La última película que has visto? grafos preferidos… Diane Arbus, Hellen van Mene, Sally Mann, Ellinore Caorucchi “Show Me Love” (en sueco “Åmål Fucking”), una película maravillosa del director sueco Lukas Moodysson. o Lena Cronuqist. Si tu vida fuese una película, ¿cuál sería? Me gusta pensar que mi marido y yo somos unos superhéroes, como en la película “Los Increíbles” de Pixar. Es una de las favoritas de mis hijas. Pero la verdad es que no suelo pensar en mi vida como una película.

¿Sueles buscar fuentes de inspiración o referencias en internet? Si te soy sincera, no acostumbro a navegar mucho por internet. Cuando estoy en la fase inicial de un nuevo proyecto, procuro no mirar las fotos de otras personas; prefiero concentrar las energías en la búsqueda de mi propia voz y lenguaje. Me gusta también ir a exposiciones fotográficas y echar un ojo a los ejemplares de algunas librerías especializadas. El cine, el teatro, la literatura y la música también son unas importantes fuentes de inspiración para mí.

¿Qué te hace reír? ¡Muchas cosas! Me gusta el humor; pero no la ironía, no lo entiendo. Me gusta reír, intensamente, como cuando parece que ya apenas puede respirar bien y te duele la tripa.

Tu obra refleja un especie de sentimiento como de paz, de luz, no sé, digamos que dejan un buen sabor de boca. Pero, ¿en qué grado crees que la fotografía refleja tu carácter? El maravilloso fotógrafo sueco Christer Strömholm dijo en una ocasión “toda buena fotografía es un autorretrato”. Creo, que en el momento en que giras la cámara hacia uno mismo o hacia alguna otra cosa o haces alguna otra cosa, esas fotografías contienen, de algún modo, el fantasma del fotógrafo. ¿Cuáles son tus primeros recuerdos con una cámara, por qué te sentiste atraída por la foto? Compré mi primera cámara con mis ahorros cuando tenía ocho años. Era una pequeña cámara compacta bastante barata. Hacía fotos de todo lo que veía o pasaba a mí alrededor, la mayoría a mis amigos y familiares. Luego las imprimía y las pegaba en álbumes, que iban creciendo y haciéndose cada vez más gruesos. Estos álbumes fueron mi diario y la verdad es que estaba obsesionada con ellos. Eran una especie de testigos de los acontecimientos

¿Qué te hace llorar? El abandono. Todo el mundo ha querido tener alguna vez un superpoder, ¿cuál elegirías? El coraje. ¿Hay alguna otra cosa que quieras compartir con nosotros, Anna? Me encanta compartir mi trabajo con vuestros lectores. ¡Muchísimas gracias!, de verdad.

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Peaking Lights Texto Jaime Suárez / Fotografía David Black

Lucifer ¿Qué fue primero el amor o la música? Del amor nació Mikko, hijo del matrimonio que forman Indra Dunis y Aaron Coyes, el cual discurre por la tangente de la normalidad. Desde su estudio en Wisconsin son capaces de convencer y sorprender con su imaginación y creatividad, encontrando la fórmula perfecta que da vida a este proyecto de alquimia dub–pop casera.

MÚ S IC A

La música de Peaking Lights es capaz de trasladarte a otro lugar, un espacio libre de problemas, resultado de una línea de bajo potente y embriagadora así como de los vocales de Indra a los que se les suma el aporte electrónico de sintetizadores de producción artesanal. Después de su álbum de debut “936” (2011), llegan a España para presentar su nuevo trabajo “Lucifer”(Domino Records, 2012). ¿Qué fue antes Peaking Lights o Dunis y Aaron? Aaron: Dunis y Aaron nació primero. Ambos teníamos residencia en Bay Area, nos movíamos por los mismos ambientes y llegamos a coincidir en un concierto de la antigua banda de Indra hace casi diez años pero no fue hasta 2006 cuando nos hicimos amigos y empezamos a salir. Muy pronto comenzamos a tocar, improvisábamos juntos, a pesar de tener un pasado musical bastante distinto poseíamos inquietudes similares y decidimos embarcarnos en este proyecto. Desde entonces ha habido cambios en vuestras vidas, el más importante el nacimiento de vuestro hijo Mikko hace poco más de un año. ¿Qué retos o dificultades emergen a la hora de trabajar con vuestra pareja que no existían cuando integrabais los grupos de los que procedéis? A: Es difícil desconectar, se trata de una relación a dos niveles y eso lo convierte en algo mucho más intenso que los proyectos individuales en los que he estado. Considero que la comunicación es lo más importante para que esto continúe hacia delante. Indra: Hemos de ser completamente sinceros y conducir el uno al otro en la dirección correcta, expresar todo aquello en lo que no estamos de acuerdo porque pasamos juntos muchas horas al día, si no sería imposible. En vuestros árboles genealógicos encontramos que ambos procedéis de familias en la que varios de sus miembros eran músicos o tenían una vinculación con la música. ¿Cómo consideráis que este hecho tuvo relevancia a la hora de definir vuestros primeros contactos con la música? ¿Cuándo comenzasteis a crear vuestro propio material? A: Mi padre tocaba multitud de instrumentos aunque se centraba en la guitarra, le gustaba el blues, mi madre era instructora de aerobic, había una gran cantidad de discos de funky en casa, y me encantaban. Por otro lado mi bisabuelo tocaba el clarinete y el saxo en la orquesta de Paul Whiteman. Esta mezcla hace que este abierto a escuchar cualquier clase de música, y te das cuenta de que la música esta en todas partes, después de tener un hijo aprecias que la música empieza con el primer latido del corazón. I: Mi padres y abuelos eran algo más clásicos, así que yo estudie piano clásico, mi madre cantaba conmigo mientras yo tocaba, desde muy joven desarrolle un sentimiento positivo hacia la música pero me intimidaba escribir mis propias canciones, creía que se necesitaba ser compositor profesional o conocer mucha más teoría; a los diecinueve después de aprender a tocar la batería sentí que era capaz de hacer lo que quisiera así que junto con una amiga compusimos un par de canciones punk, la verdad es que sonaban muy bien. De aquellas primeras experiencias. ¿Existe algún elemento o matiz que aún se vea reflejado en “Lucifer”, vuestro último álbum? A: Aún mantenemos esa actitud punk que desarrollamos en aquella etapa, gozábamos de total libertad para hacer lo que quisiéramos, eso nos permite experimentar y sentirnos bien con lo que hacemos.

“936” fue un álbum que sorprendió por la belleza de sus cortes y la voluntariedad de transmitir tranquilidad al oyente, un álbum que rezumaba paz por todos los costados ¿Es “Lucifer” una continuación de vuestro anterior LP? I: Lucifer es una prolongación de nuestro primer disco, posee pinceladas groove, pop, psicodelia, electrónica… Estamos dentro del mismo ciclo, son dos trabajos que conectan en muchos aspectos. A: Nos gusta que el oyente se sienta realmente bien al escuchar la música que escribimos. En el proceso de creación no consideramos una canción como un ente independiente si no como la parte de un todo, ha de estar integrado en el contexto del álbum. “Summertime”, “All the sun that shines”, “Amazing and wonderful” son cortes cuyos títulos y contenidos invitan a pensar que la pareja y el grupo atraviesan momentos dulces. A: Queremos transmitir buenas sensaciones con nuestras canciones, esa es una de las principales motivaciones que encontramos. Naturalmente nosotros estamos pasando por un buen momento pero mucha otra gente no. I: Por otro lado “All The Sun That Shines” fue un tema que escribimos juntos, es una canción de amor para todos aquellos afortunados que también estén enamorados. Uno de los cortes del álbum que encontramos más interesantes por su tempo y delicadeza es “Hey Sparrow”. ¿Qué trasfondo esconde esta canción? I: Quizás pueda sorprender pero es una canción muy simple, inspirada aunque pueda parecer extraño, por el vuelo de los pájaros. Es algo ordinario, la gente no se fija en ello, lo ve como algo natural pero es magnífico y muy plástico, hay otras muchas cosas en la naturaleza de las cuales no sabemos apreciar su belleza. Tampoco somos conscientes de la importancia del medio ambiente creo que deberíamos de mirar a nuestro alrededor, apreciar con más detalle lo que tenemos y cuidarlo con más mimo. Terminamos esta grata charla destacando una de las particularidades que pudimos observar en el documental de la banda titulado “Turn On, Turn In, Drop Out” como era la cantidad de instrumentos que poblaban vuestro estudio en Wisconsin. Incluso creáis vuestros propios sintetizadores mediante el reciclaje de instrumentos en desuso y radios antiguas. Dentro de esa libertad creativa de la que disfrutáis se antoja complicado encontrar el sonido que uno busca antes de comenzar a escribir. A: En ocasiones tardas diez minutos, otras en cambio tardas diez meses. No tengo una idea preconcebida clara de lo que deseo antes de entrar al estudio. Simplemente experimento hasta que encuentro algo que me agrada. I: La música simplemente aparece. Hay cortes en los que hemos trabajado mucho tiempo en la parte melódica, otros en cambio nacen de la improvisación. Podemos tener una idea de como lo queremos pero al mismo tiempo nunca eres consciente de cómo va sonar hasta que no está terminado. Peaking Lights demuestran en cada tema la “Rara Avis” que llevan dentro, el amor por la música y todo lo que le rodea, haciendo de sus composiciones siempre algo único y especial. Peaking Lights creadores de sonidos y artesanos de sus propios instrumentos.

Texto Jesús María Velázquez Fotografía Atiba Photo

Animal Collective Centipede Hz Tras tres años de parón, los cuatro afluentes de Animal Collective vuelven a unirse con la misma de fuerza de siempre, pero con más madurez y progresión. “Centipede Hz” (Domino Records, 2012) es el claro ejemplo de que la autonomía de los animales de Baltimore es imparable cuando se ponen de acuerdo y comparten estudio o escenario. La unión hace la fuerza, y Animal Collective la psicodelia más original de la época. Ya sea por los viejos tiempos o por los futuros, la rescatada mano de Josh (Deakin) vuelve a aportar su grano de pulcritud y exclusividad.

MÚ S IC A

Aunque parezca que no haya pasado el tiempo y que nunca ha habido un paréntesis en la trayectoria de Animal Collective, la primera pregunta es obligada… ¿Cómo ha afectado a este “ ” (Domino Records, 2012) el hecho de volver a la formación original de Animal Collective? Bueno, no sabría muy bien que contestarte, creo que todo el proceso de composición y grabación a sido muy fluido, la verdad es que somos muy amigos y el tema de volver a la formación original ha sido muy espontáneo. Nunca hemos perdido el contacto del todo, siempre hemos estado al loro de lo que hacíamos todos, tanto a nivel de Animal Collective como a nivel personal. Ten en cuenta que tocamos y experimentamos desde que estamos en el colegio, hemos pasado mucho tiempo juntos tanto a nivel profesional como personalmente. Josh, supongo que la melancolía y las ganas de volver a sentirte parte de la banda te han marcado de alguna manera durante tu ausencia. ¿Cómo surgió la idea de volver a la banda? Yo (Josh) es verdad que durante este tiempo he estado trabajando en mi propio material, como te he comentado anteriormente, pero en ningún caso sin perder el contacto con el resto de la banda. Los demás también estaban centrados en cosas más individuales. A finales del 2011, poco a poco, fuimos retomamos el contacto a nivel musical y empezamos a poner ideas en común, a mostrar el material en el que habíamos trabajado. Las cosas empezaron a fluir inmediatamente, con total naturalidad, sin darnos cuenta teníamos el esqueleto principal de este “Centipede Hz”. Aunque haya habido este cambio en la formación durante unos años, el grupo ha seguido su evolución natural. ¿Tenéis las mismas sensaciones como grupo que a la hora de preparar los discos anteriores a “Strawberry Jam” (2007)? Por supuesto que sí. Los lazos que tenemos entre nosotros son incluso los mismos que en nuestro primer trabajo “The Spirit They’re Gone, Spirit They’ve Vanished”, aunque evidentemente ahora hemos madurado tanto en lo personal como en lo musical. Hay un gran paso entre los 20 y los 30 y nosotros ya lo hemos dado. Han pasado tres años entre “Merriweather post Pavillion” (2009) y este “Centipede Hz”… ¿Por qué tanta demora entre un trabajo y otro? ¿A qué se debe esta tardanza? Durante estos tres años nos hemos centrado prácticamente en proyectos personales, ha sido una época para sacar álbumes en solitario y crecer individualmente con los proyectos personales. En su momento, tras la gira de “Merriweather Post Pavillion” decidimos tomarnos un respiro, queríamos tomarnos un tiempo para descansar y pensar. Teníamos muchas ideas en la cabeza que queríamos desarrollar de una forma más distendida, sin la presión que pueda generar la banda. Pensamos que lo más justo y sencillo era que cada uno tomase el control de sus ideas llevándolas a proyectos personales, con pleno control de ellas. Josh, habrás vuelto con ganas de sentirte parte del grupo y de aportar todo lo que has aprendido por tu cuenta en tu ausencia. ¿En qué podemos notar tu mano en este “Centipede Hz”? Bueno, no sabría decirte, la verdad que este “Centipede Hz” es casi un regalo de los cuatro, hemos metido mucho esfuerzo todos y cada uno de nosotros. Si tuviese que destacar algo, mi principal aportación sería el tema “Wide Eyed”, quizás lo pueda ver como algo más personal, pues tanto la letra como la melodía las compuse yo.

Es el segundo trabajo editado por Ben Allen… ¿Por qué dejasteis de apostar por Scott Colburn y Nicolas Vernhes? Realmente no ha habido una razón personal por la que dejamos de trabajar con ellos. Hicieron un gran trabajo con cada uno de los discos, acabamos muy contentos con el resultado final. El tema es que nosotros nunca hemos trabajado dos veces consecutivas con el mismo productor, intentamos así experimentar y buscar diferentes puntos de vista a la hora de producir cada uno de los trabajos. Creemos que esa forma de trabajar de alguna manera deja su huella o personalidad a cada uno de los discos, haciéndolos así un poco más únicos o especiales. Con Ben Allen hemos hecho una excepción. Desde mi punto de vista este disco tiene más guitarra, más potencia… ¿Ves alguna similitud con el disco “Strawberry Jam” (2007) o con “Feels” (2005)? Sí, es verdad, así es, Aunque hayamos evolucionado personal y musicalmente, veo muchas similitudes con “Strawberry Jam”. La melodía desordenada de “Peacebone” que acaba reciclándose en algo más homogéneo es la clara idea de que si que hay cosas en común con “Centipede Hz”. A la hora de hablar de “Feels” podríamos decir que es un disco que nos llama menos la atención, aunque en su momento fue importante y supongo que de alguna forma su legado también está en este “Centipede Hz”, aunque sea en menor medida. Centrémonos en el disco, en la historia de Animal Collective hay grandes hits como “Fireworks”, “Leaf House”, “My Girls” o “Grass”… ¿Cuál crees que es el single oculto de este disco? Nunca pensamos en eso, de verdad. Nuestro trabajo es sacar el mejor disco que podamos y los fans eligen las canciones que más les llama la atención o más les identifica. Incluso a nosotros mismos nos llama la atención los denominados “singles”. Sin ir más lejos nos sorprendió que “My Girls” fuera ese tema tapado del que hablas en “Merriweather Post Pavillion”. Pero es genial que la gente convierta nuestros temas en temas cercanos al público. “Today´s Supernatural” me parece que es un temazo con un teclado místico y con una guitarra que le da una potencia increíble a la canción. ¿Este podría ser el punto significativo o clave del disco? Sí, sin duda. Este trabajo es muy energético y “Today´s Supernatural” posiblemente destaque entre las demás por la fuerza extra, que le da la guitarra y los teclados, es un tema épico, en el que poco a poco vamos subiendo de intensidad. “Centipede Hz” posee esa fuerza de la que hablas y creo que es lo primero en llamar la atención de este disco, su intensidad. Teníamos las pautas bien claras a la hora de enfrentarnos a este tema, de hecho fue la primera canción del disco que escribimos y salió muy rápido. Por otro lado tenemos el sonido de “Father Time”, mucho más tranquilo, dando importancia a las percusiones, abriendo un nuevo camino dentro de “Centipede Hz”, realmente parece que hay muchas ideas en este disco… ¿Habéis dejado algún tema fuera? En todos nuestros discos nunca hemos llevado una misma tendencia. Nuestra filosofía es experimentar continuamente y por tanto tienes que tener cosas o estilos diferentes en cada disco, que de alguna forma ponen esa nota de variedad característica de los trabajos de Animal Collective. En esta ocasión, hemos dejado tres temas fuera no porque no encajen o queramos reservarlas para una edición especial o una “cara B”. Nos pareció que

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“Centipede Hz” estaba completo y decidimos guardar esas tres canciones para el siguiente disco. Aún no hemos pensado en el nombre que tendrán. Otro de los temas más destacado es “Monkey Riches”, una canción que nos hace un repaso y concentra todo lo que contiene este “Centipede Hz”, energía, vitalidad, personalidad, unidad y cohesión ¿qué significa y aporta para ti este tema? Gracias, me gusta tu observación. Se trata de un tema “superhappy”. Es una canción cargada de felicidad y de sentimientos positivos. Dentro del conjunto de todo el disco este tema parece una canción funky, aunque no lo sea… Me atrevería a decir que es una canción divertida y que identifica claramente nuestro toque de distinción. A priori, podemos entonces decir que este álbum es más maduro. ¿Pensáis que este disco es el más “Animal Collective? Bueno, no se, no estoy del todo de acuerdo. Creo que todos los discos que hemos hecho son igual de “Animal Collective” como dices tú… Evidentemente vamos creciendo y evolucionando, por lo que naturalmente, nuestros discos llevan la misma tendencia o dirección. Personalmente nos sentimos orgullosos de esta trayectoria. “Centipede Hz” termina con “Amanita”, un tema que cuanto menos es un curioso punto final para un buen viaje sonoro por el particular punto de vista de la psicodelia electrónica que Animal nos regala en este “Centipede Hz”. ¿Este punto final es azar o tiene algún otro significado para Animal Collective?

Sí. Es una canción perfecta para terminar el disco, tanto por la duración como por la melodía. Cuando escribimos la canción le quisimos dar el significado de “infinito”. Tiene una introducción peculiar con un sonido que implica fantasía que cambia continuamente pero que da la impresión de que nunca va a acabar. Si tuviésemos que resumir la trayectoria de Animal Collective tendríamos que decir que nacieron como una banda de folk en “Feels”, Siempre desde su particular punto de vista, que posteriormente con su evolución coqueteo con la electrónica, para actualmente dar un salto de reinvención acercándose a los sonidos clásicos de la psicodelia pasados por su triturador sónico… Sinceramente, la psicodelia es el estilo que más nos representa. De hecho, todos tenemos la iniciativa de experimentar y probar continuamente cosas con sonido que despierten nuestros cinco sentidos y eso es lo que representa la psicodelia para nosotros. Evidentemente llevamos tiempo tocando juntos y nos gusta tocar distintas tendencias que se aproximan a estos estilos que mencionas. Esto es lo que nos motiva a la hora de componer. “Centipede Hz” continúa con la tendencia ascendente que aúpa a esta banda a un puesto merecido y no colocado con trampas. Es un escalón más en su carrera, en la que no ha habido trampolines, si no talento y anarquía. Ya sea en Baltimore o en Lisboa la excelencia de “Animal Collective” es indiscutible.

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2. Toy, Toy Heavenly Records, 2012 Desde su aparición, Toy mantienen una estrecha relación de amistad con The Horrors, e inevitablemente los medios especializados han subrayado las similitudes entre ambas bandas. El Shoegaze, rock hipnótico, krautrock, llámalo como quieras, están nuevamente de moda y Toy se posiciona en la primera línea de esta tendencia. Su álbum homónimo se abre con un esperanzador “Colour Running Out” que marca el tono del LP, oscuro, de mal humor, con guitarras arremolinadas y claves magnéticas. No es difícil imaginar porque su directo se ha convertido en un trance que induce a una fascinante experiencia. Jaime Suárez

1. Nudozurdo, Ultrapresión Everlasting Records, 2012 Nuevo trabajo de los chicos de Nudozurdo donde la voz de Leo Mateos nos sirve de hilo conductor en los cinco cortes que componen el presente “Ultra Presión” en el que la principal novedad es el protagonismo que alcanza la voz de Leo. La energía de “Cementerio De Errores”, primer tema del álbum cargado de distorsiones, se ve chafada por la balada insulsa que lo sigue. Por suerte, con “Chicopromo” se alcanza el punto álgido del disco, dejando patente que las letras mordaces son ya una característica inherente del grupo. Los tintes psicodélicos de “Campamento Dorado” cierran un disco caracterizado por la heterogeneidad entre sus canciones. Beatriz Buitrón Álvarez

3. Dead Can Dance, Anastasis Pias, 2012 Los australianos Brendan Perry y Lisa Gerrard llevan en esto de la música desde 1981, nada menos. Sin material nuevo publicado desde 1998, regresan con este “Anastasis”. Con un tono si cabe más solemne e hímnico, continúan mezclando sonidos celtas y del Este de Europa con canto gregoriano, sin dejar de hacer guiños al art–rock y con el omnipresente teclado de Perry llevando siempre el peso. Al igual que su voz, que suena algo así como si a Stephen Merritt le diera por la world music. Abstenerse no iniciados, eso sí. Miguel Díaz Herrero

4. Cat Power, Sun Matador, 2012 Quizás después de demasiados años, por fin la norteamericana Cat Power ha roto su silencio. “Sun” es su nueva apuesta para pertrechar un giro estilístico dibujado en sus últimos trabajos. El intimismo y el sosiego se han vigorizado en composiciones mucho más producidas y bien dotadas de ritmo. Las primeras canciones, con mención especial para “Cherokee” o “Sun”, ya dejan bien clara la intención y la presencia que se acaba destilando en todo el disco. Embotellado electrónico y una temperatura indicada para servir en pistas de baile. Oscar Villalibre 5. Glen Hansard, Rythm and Repose Anti–, 2012 El primer álbum en solitario del ex vocalista líder de The Swell Season y el atormentado protagonista de la película “Once”, es todo un ejercicio de trascendencia y seriedad compositiva a la altura de los colaboradores del mismo, incluida la mismísima Marketa Irglova y el productor Thomas Barlett, (The National y Antony And The Johnsons). En sus, casualmente, once cortes el irlandés nos vuelve a emocionar e involucrar en su ya icónica búsqueda de la felicidad, tejida con acordes y letras como en “ You Will Become” o “Talking With The Wolves”, temas en los que la sencillez y el heroísmo conviven a partes iguales para mostrarnos la cara oscura y brillante de este gran artista. Caridad González 6. Vacationer, Gone Downtown Music, 2012 El álbum de debut de Vacationer es como lo que su propio nombre evoca, las vacaciones. Suena a playa, a mar, y a hombros quemados por el sol donde encontramos nostalgia con toques de funky como en “Trip” y temas que unas veces nos recuerdan a Vampire Weekend (escúchese “Dreamlike” y sabrán a lo que me refiero), todo ello sin dejar olvidado el toque rock, más presente en “Great Love”. Pero lo que prevalece sobre todas las cosas es la calma, en este caso sin que haya habido tempestad previa. Estaremos pendientes de lo que les deparará el otoño. Carla Linares

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7. Human Dont Be Angry, The Exciting Game Of Human Don’t Be Angry Chemikal Underground Ltd, 2012 El prolífico Malcom Middleton, aclamado por su “Waxing Gibbous” ha creado, según propias palabras, algo nuevo. ¿Será nuevo para él?. La propuesta de HDBA está fundada desde un cálido ambiente de degustación, con suaves secuencias rítmicas, quizás infraproducidas (no lo–fi), sonidos de guitarra clarividentes y pequeños destellos líricos. Casi todo el minutaje es instrumental, cercano por momentos al krautrock menos visceral y más circular, al pop ochenteno más plástico y al menos sustancial. Un disco tranquilo que parece pretender no molestar a quien lo escucha… Abel Molina

10. Reptar, Body Faucet Lucky Number Records, 2012 Entre los misteriosos Wu Lyf y los archiconocidos Vampire Weekend se mueve este cuarteto ateniense tan cómodamente como si la madre patria inglesa los hubiera engendrado. Guitarras playeras, syntes, electro y hasta congas son los ingredientes que componen sabrosas recetas como “Sebastian” o “Orifice Origami”. En su punto también destacan temas como “Sweet Sleeping Soda” con un guiño a los sonidos 8 bits y con una melodía más dura y rockanrollera. Probablemente nos encontramos ante una de las nuevas sensaciones del año a la que tomar el pulso en directo y en tono festivalero.

8. Roldán, Te Tenemos Muy Cerca Repetidor Disc, 2012 Advertencia, este disco no es para oídos frágiles que no están acostumbrados a una música distinta y ecléctica. Más que nada porque Roldán es un proyecto musical inclasificable, un poco de free jazz, un poco de post rock, un poco de música experimental y de vanguardia, todo ello agitado en la cabeza de Juan Carlos Roldán da como resultado “Te Tenemos Muy Cerca”. Si soportas bien la primera escucha, podrás disfrutar de un universo propio que te atrapa poco a poco, algo que agradecer en estos tiempos de monotonía y monotemática musical. Antonio Moreno Casero

11. Jaill, Traps Sub Pop, 2012 Tercer disco de la banda de Milwakee, muy fácil de escuchar y muy de agradecer, como se puede estar de agradecido mientras escuchas a The Byrds. “Traps” es pop, muy pop, muy años 60. Las guitarras, los riffs, los ritmos en general, son facilones, agradables de escuchar y al final es inevitable que te entre el bailoteo de pies. Una mejora si lo comparamos con su anterior trabajo, aquí en este nuevo álbum desde el principio con “Waste A Lot Of Things” y “Everyone’s A Bitch” se ve una clara apuesta por el sonido más clásico, tonteando un poco con la psicodelia en “Million Times” Lo mejor, el corte final: para mí sin duda “Stone Froze Mascot” dejando un poco casi a la sombra a todas las demás. Carla Linares

9. The Dandy Warhols, This Machine Naïve, 2012 Después de una trayectoria tan extensa, The Dandy Warhols han llegado a un punto en el que pueden hacer aquello que les dé la gana sin que su número de seguidores se vea demasiado afectado. Y es que este LP reúne una serie de canciones dispares; en algunas, la psicodelia que caracteriza a los de Portland es tan extrema que se vuelve incoherente, véase “Alternative power to the people”, en otras, las más bellas para mi gusto, la sencillez arropa elementos frecuentes en sus canciones, como en “The Autumn Carnival” o “I am free”. “This Machine” está hecho para seguidores acérrimos poco objetivos y no para iniciarse en este magnífico grupo. Beatriz Buitrón Álvarez

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12. Gravenhurst, The Ghost In Daylight Warp Records, 2012 Algo tiene que tener Nick Talbot para que un sello que se mueve principalmente en el terreno más selecto de la electrónica experimental como Warp Records se fije en él. La banda de Bristol trabaja bajo el influjo de Nick Drake o Neil Young y después de cinco años ofrece un disco lleno de matices bizarros, distinguido y aderezado con la presencia de arreglos de cuerdas y vientos dejando un potente halo de folk psicodélico. Un trabajo de escuadra y cartabón, intimista y que mantiene un tono inquietante y suave atrapando al oyente en el más profundo y relajado disfrute. Jaime Suárez 28

13. Eleni Mandell, I Can See The Future Yep Roc Records, 2012 Aunque a muchos no les sonará de mucho, Eleni Mandell es una curtida cantautora angelina a la que se llegó a comparar en su día con artistas de la talla de Tom Waits o PJ Harvey. Su octavo disco, producido por Joe Ciccarelli (The Shins, The Strokes, White Stripes), deja un poco de lado el alt–country y el folk, recordando más a Norah Jones y ese pop con toques jazzísticos y voz aterciopelada. Un disco bonito y tranquilo, que se deja escuchar muy bien, y con momentos destacados, en especial la dulzura y optimismo de “I’m lucky”. Miguel Díaz Herrero 14. Prats, Pla B! BCore, 2012 Marc Prats tiene un plan B. Una nueva alternativa artística y nombre del primer disco de su actual proyecto después de militar en Madee y The New Raemon. Prats ha salido a la palestra con un disco de pop puro, cantado en catalán y vestido de muy buenas maneras. Cortinas de guitarras acústicas, ritmos redondos. Todo ello barnizado con una mezcla cristalina de melancolía y luminosidad estilística, que no sabe a lamento. Piezas como “Pla Delirant” o “Fase R.E.M.” son un buen santoy seña de este grupo que a veces nos recuerda a TNR. Oscar Villalibre

15. Big Deal, Lights Out Mute, 2012 Alice Costelloe y Kacey Underwood, o lo que es lo mismo Big Deal, sorprende al mundo de la música con un debut donde hacen brillar cada tema con la fórmula magistar más sencilla, voces y guitarra, así de sencillo y directo. Sus voces compaginadas, amalgamadas a la aperfección consiguen mantener el tono del disco sin que se eche de menos un bajo, o una batería. Big Deal. realmente han creado un álbum sorprendente, capaz de transmitir armonía,paz y en el que su sonido parece que en todo momento vaya a explotar, pero manteniendo la calma y ritmo conjunto característico de todo el disco, como en “With The World At My Feet” o “Swoon”. Sin duda un gran debut. Joan Campà

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16. Petra Jean Phillipson, Notes On Death Montpatry Press, 2012 Contemporánea y coetánea de otra de las PJ más reconocidas de la escena mundial, la de Londres nos presenta su nuevo arrebato siete años después de su álbum debut. Tras una presentación inclasificable, esotérica, el álbum se desliza por los derroteros que la “otra” PJ, en este caso Harvey, comenzó a experimentar e investigar y que ahora, con la sensación del rebufo, también experimenta Phillipson mediante esta colección de ideas en donde el rock–folk ultrapersonal, experimental, trasciende hasta dimensiones perturbadoras, inquietantes, cercanas también a la cruda actitud de una Patty Smith en fase compositiva. Abel Molina 17. Tremenda Trementina, Tremenda Trementina Everlasting Records, 2012 Este cuarteto pamplonés nos presentan su disco homónimo que resulta ser una compilación de un buen puñado de canciones pop, empezando por la cover que se marcan de “My Boyfriend Is An Out Law” de Interstellar Villains que ellos traducen por “Mi novio es un raro” siguiendo por la hipnótica “Shubi” o por “El Faro” u “Hospital”. Como anécdota contaré que Templeton me recomendó con insistencia que los escuchará puesto que les habían encantado y no creo que sean los únicos. Muy recomendables. Antonio Moreno Casero 18. Daniel Rossen, Silent Hour / Golden Mile Warp, 2012 Los oídos hambrientos de los sonidos quejumbrosos tienen en este EP un magnífico aperitivo hasta que llegue la nueva entrega de Grizzly Bear. Daniel Rossen, sin el resto de miembros de la banda de Brooklyn, ha elaborado canciones impregnadas de una exquisita sencillez, recubiertas de delicados arreglos y cuidados matices. Destaca el arpegio infinito que nos conduce a lo largo de “Return To Form”, así como el sonido de las cuerdas percutidas del piano en “Saint Nothing”, capaz de enmascarar el protagonismo que las guitarras tienen a lo largo del álbum. La elegancia hecha canción. Beatriz Buitrón Álvarez

19. Pop Etc., Pop Etc. Rough Trade, 2012 Los anteriormente conocidos como The Morning Benders estrenan disco homónimo próximo a unos Death Cab For Cutie, más jóvenes y también menos trascendentes. Chris Chu y su nueva formación, ahora son un trío, muestran con temas como “New Life”, Keep It For Your Own” que con el cambio del polémico nombre de la banda (“bender” es una forma de designar peyorativamente a los homosexuales) no sólo se han quitado un peso de encima sino que se han hecho más fuertes, si bien la combinación exquisita de bases electrónicas, los syntes y las melodías puramente pop hacen de la escucha de este álbum un agradable paseo por paisajes sonoros ya conocidos pero igualmente vigorizantes. Caridad González 20. The view, Cheeky For a Reason Cooking Vinyl, 2012 Pensaba que “The Clock” era tan solo una mala elección de la discográfica como primer single, un desliz, pero nada más lejos; no hay por donde rascar, este largo es malo y peleón. Letras pésimas, ritmos “cansinos” y un disco en el que The View no demuestra ni ganas de sobreponerse. Como Kaká, jugador del Real Madrid en su ocaso como profesional, la banda escocesa se ha convertido en una mala copia de si mismos allá por 2007. Pablo Chocrón 21. June et Jim, Les Forts Green Ufos, 2012 La doble nacionalidad del dúo formado por Marion Cousin y Borja Flames, ex de Belmonte, imprime un aire Europeo que sobrevuela cada uno de los once cortes que integran el disco. Las voces encajan y las melodías acompañan de una manera elegante y dulce. Un trabajo de digestión fácil, insinuante y agradable pero carente de profundidad emotiva, incapaz de envolver al oyente entre sus versos francófonos. Contiene reflexión, melancolía y el acierto de temas como “J’ai Ri Si Fort”, “Homme Pour Homme” y “La Brume”. Un aprobado justo para su álbum de debut. Jaime Suárez

22. Kelly Hogan, I Like To Keep Myself In Pain Anti–, 2012 Quizá sea la de Kelly Hogan una de las voces femeninas más bonitas que he escuchado en mucho tiempo, si acaso pelín amable y azucarada, olvídense del timbre aguardentoso de Chan Marshall. Así, en el último disco de esta curranta del folk–rock indie americano, miembro de la banda de Neko Case, hay pop, country mainstream (hay temas que recuerdan a, por qué no, la gran Dolly Parton), y soul vía Motown. El contrapunto lo ponen las letras, desgarradas y sinceras a más no poder, especialmente en temazos como “Golden” o “Sleeper awake”, donde Hogan canta al amor con crudeza. Miguel Díaz Herrero 23. Bobby Womack, The Bravest Man In The Universe XL Recordings, 2012 Respeto y reverencia. Bobby Womack es una de las voces negras más autorizadas, aunque su producción musical en los últimos años no representará el mejor de los recuerdos. Después de más de una década sin disco nuevo vuelve al estudio de la mano de Damon Albarn, con un trabajo con altas tasas de producción en sus arreglos, y en el que lo mejor sigue siendo su ruda voz. Enclaves electrónicos y ritmos densos en un intento de reponer a Womack en el mapa musical. Un experimento que nos recuerda a la brillantez de Jamie XX revisando a Gil Scott– Heron. Oscar Villalibre 24. Joan Colomo, Producto Interior Bruto Vol. II BCore, 2012 Joan Colomo tiene música para dar y regalar. En este nuevo álbum el autor catalán nos muestra catorce temas siguiendo con su inconfundible estilo ecléctico. Un muy buen trabajo, que se entiende como la continuación del anterior, donde Colomo reivindica y reflexiona, mostrando su lado más personal a traves de los Diferentes estilos que pueblan este magnífico álbum. Temas como “Ebri”, con un ritmo más rumbero, o “El Fong i el Llangardaix”, más poético e íntimo son apuntes destacados de un Joan Colomo que vuelve a brillar y seguro que nos volverá a sorprender gratamente. Joan Campà

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25. Tripulante Y Crucero, El Sonido de los Mapas Gran Derby Records 2012 Este grupo es madrileño pero suena a costa y a un largo viaje en barco que te traslada a los confines de la tierra. Desde la intro ya escuchas la voz del capitán llamándote para disfrutar en esta especie de Love Boat en español que te lleva por diferentes y alegres ritmos tropicales como la bossa, la morna, el calipso, la rumba o el soukous pero todo pasado por el tamiz del pop más típicamente británico. Combinación que funciona a la perfección en los temas que conforman “El Sonido De Los Mapas”. Cuando lo escuchen desearan que el viaje que han comenzado no acabe jamás. Antonio Moreno Casero 26. Beachwood Sparks, The Tarnished Gold Sub Pop, 2012 Once años es mucho tiempo para pensar que una banda aún sigue viva. Pero, además de haber resucitado y vuelto de sus anteriores proyectos, la banda de California puede afirmar que ha realizado uno de los álbumes más rotundos y maduros de su trayectoria. Con temas como “Mollusk” o “Earl Jane” nos dirigimos a galope, como en los grandes clásicos del género western, hacia un crepúsculo dorado y viejo, adjetivo que describe el nombre de este tercer disco, para adentrarnos en el típico salón donde The Byrds, Buffallo Springfield y The Jayhawks esperan para jugar una partida de póker musical en la que, por su puesto, somos los oyentes los que ganamos siempre. Caridad González 27. Kid Koala, 12 Bits Blues Ninja Tune, 2012 Si no conoces a Kid Koala abre bien los ojos y lee con atención: DEBERÍAS conocer a Kid Koala. Eric San es el nombre real de este turntable canadiense que ha teloneado a Radiohead, Bjork o DJ Shadow, colaborado con Gorillaz y otros tantos más. En su nuevo disco Eric San homenajea al blues y con su peculiar manejo del “cortar y pegar” consigue doce bocados de blues, “12 Bits Blues” en inglés, realmente deliciosos y que te apetece probar una y otra vez. ¡Una recomendable escucha! Carla Linares

28. Twin Shadow, Confess 4AD, 2012 La portada de este nuevo álbum se ilustra con una foto de George Lewis Jr. portando una chaqueta de cuero rasgado y resistente, iluminado por una tenue luz, la clase de chico malote que un padre no quiere para su hija, una buena manera de prevenirnos de las diferencias con respecto a su primer disco. Si bien en “Forget” se negocian melodías suaves, ligeras y románticas, en este trabajo logra digerir sus influencias e implementar una instrumentación más compleja, más fuerte y más cortante, con un aire ochentero que invita a bailar en cortes como “The One” y “When The Movie’s Over”. Jaime Suárez 29. The Hundred In The Hands, Red Night Warp, 2012 Comparados en su debut con bandas como Crystal Castles, los neoyorquinos The Hundred in The Hands, ingenioso nombre, se marcan un segundo álbum que sigue los senderos del electro–pop más calmo, con algunos oportunos pildorazos como el de “Come with me”. Así, atmosférico es un adjetivo que bien nos serviría para describir un disco en el que cabe casi de todo en cuanto a instrumentación se refiere, y unas letras con algunas claras referencias lisérgicas en “Keep it low”. Un buen disco para superar el trauma post–fiesta. O quizá, mejor dicho, sobre él. Miguel Díaz Herrero 30. Deerhoof, Breakup Song Polyvinyl Record / ATP Recordings, 2012 Nuevo trabajo de los californianos Deerhoof para dejarnos clara una premisa principal: ellos siguen a lo suyo. Combo experimental, batidora desaliñada de sonidos y sonoridades estridentes. Percepción de caos a primera vista que solo adquiere consistencia y sentido con el desgaste de la yema de los dedos en el play. Excentricidad y atrevimiento no apto para no iniciados. Llevan muchos años paseando firmes y divertidos su propuesta fuera de los cabales de la convencionalidad, y “Breakup Song” (2012) es una nueva muestra de ello. Oscar Villalibre

31. Penny Cocks, Do It Cock BCore, 2012 Con pocas palabras se puede definir a este cuarteto de Barcelona; jóvenes, clásicos y con energía para derrumbar un edificio. Penny Cocks con este “Do It Cock” dan un salto en el tiempo para hacernos revivir el punk de los años setenta. Trece temas componen “Do It Cock”, trallazos de puro DIY como “Burning Dowm My Youth” o “Down The Underground” donde muestran su enorme entusiasmo, carácter y desbordante energía. Penny Cocks, ganas de comerse el mundo entero. Joan Campà 32. Edwin Moses, Cabini Green Siesta Records, 2012 Edwin Moses es uno de los mejores vallistas de la historia y Cabini Green el barrio donde nació Edwin junto con otros grandes de la música negra que tanto inspiran a este grupo. Pues con estos mimbres la banda de Pedro Vigil se marca un discazo que destila y combina con estilo y elegancia: soul, con sonido Philadelphia, rock y pop negro que nos traslada a otros tiempos y otras costumbres. Una pena que este grupo tenga más reconocimiento lejos de nuestro país que en el nuestro. Porque si esta banda hubiera nacido en los 60–70 en USA sería una de las bandas de cabecera de la Motown. Antonio Moreno Casero 33. Reverend & The Makers, @Reverend_Makers Cooking Vinyl, 2012 El reverendo y su tropa estrenan LP, un trabajo donde nos encontramos ante un sonido mucho más potente, más actual, trabajado y conseguido con sintetizadores, más teclados y guitarras. Encontramos canciones–hits tales como el single “Bassline”, “The Wrestler”, “Noisy Neighbour” o la inyección de adrenalina de “Depth Charge”. Por otro lado tenemos baladas como “Yes You Do” que nos enamoran un poquito el alma y nos ponen un poquito más sensibles. Un buen disco, en definitiva. Sólo le pongo un pero, y es que a mí, personalmente, me hacía más gracia su sonido anterior. Carla Linares

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34. Get Cape. Wear Cape. Fly, Maps Cooking Vinyl, 2012 Si usted ha leído o escuchado algo de Sam Duckworth en los últimos tiempos, probablemente haya sido debido a alguna noticia relacionada con el movimiento Occupy. Ahora el compositor londinense es actualidad por el lanzamiento de su cuarto LP, que si bien mejora levemente sus anteriores trabajos no termina de convencer plenamente. Musicalmente lo de siempre, reflexiones acústicas y letras introspectivas a partes iguales, aceptable pero no suficiente. Del álbum podemos destacar “Vital Statistics” y disfrutar de la colaboración del rapero Jehst en “The Long And Short Of It All”. Jaime Suárez 35. Pleasant Dreams, Hacia los Bosques del Sur Green UFOS, 2012 Canciones pensadas para atardeceres de piel secándose. Tiempos lentos, letras insufladas de costumbrismo, y melodías impulsadas por una sección de vientos que ejercen de vela de pequeñas embarcaciones construidas a partir de piezas de pop de cuatro minutos. Un ejercicio veraniego, pausado y de digestión ligera. Una nueva referencia para navegar en este nutrido estanque que mezcla aguas del pop y del folk, y que recuerda a otros veleros construidos en astilleros cercanos, como el del grupo Litoral. Oscar Villalibre 36. The Tallest Man On Earth, There’s No Leaving Now Dead Oceans, 2012 A pesar de su nombre artístico, el sueco Kristian Mattson no es excesivamente alto, aunque sí un solvente y por momentos emocionante intérprete de folk–pop. Su voz nasal evoca inevitablemente a Dylan, pero su música también explora cadencias más contemporáneas, siempre con un buen marchamo de melodía. Los momentos más inspirados del disco son, sin embargo, aquellos en los que más recuerda al de Minessota como en “Revelation blues”, “1904”, así como la hermosa balada que da título al disco y le prueba como uno de los singer– songwriters con más talento de su generación. Miguel Díaz Herrero

37. The Unwinding Hours, Afterlives Chemikal Underground Records, 2012 Escocia, páramo de basta fertilidad musical, nos trae un nuevo fruto de sus melódicas recolectas. “Afterlives” (2012) es el segundo trabajo de este dúo a seguir. Diez canciones de consistente presencia marinadas en los brebajes del rock alternativo. Un trabajo marcado por los pasajes intimistas y las composiciones de músculo de seis cuerdas. The Unwinding Hours presentan una sólida referencia que puede recordarnos en algunos pasajes a sus paisanos Mogwai, en lo que se refiere a densidad, y a otros parientes más vitaminados como Snow Patrol. Oscar Villalibre 38. Blood Red Shoes, In Time to Voices V2 / Co–Operative Music 2012 La cantante y violinista, componente del extinto trío de bluegrass Nickel Creek, lanza su segundo disco en solitario. Un LP asentado en las raíces de la Americana y que nos acerca algunos interesantes temas con aire de clásicos, que cada uno lo tome como bueno o malo según sus gustos, se completa el álbum con un par de versiones a dos voces. Uno con Fiona Apple en el furioso y fantástico “You’re The One I Love” y otro con Jackson Browne en el “I’m A Memory” de Willie Nelson. Un disco recomendable para amantes de los sonidos del país de las barras y las estrellas. Miguel Gabaldón 39. Get Well Soon, The Scarlet Beast O’seven Heads City Slang, 2012 El tercer trabajo del compositor y multiinstrumentista alemán Konstantin Gropper como Get Well Soon, está marcado por la magia, la mitología y el esoterismo, como bien queda reflejado en el título del álbum o en canciones como “Roland, I Feel You”. Su pasión por el cine se traduce en esta extensa banda sonora en forma de trece temas cargados de complejos arreglos instrumentales. Merecen mención especial “A Gallows”, donde la luminosidad instrumental no concuerda con el título, o “You Cannot Cast Out The Demons… ” delirante cierre de un álbum repleto de sonidos bizarros. Beatriz Buitrón Álvarez

40. Marta Wainwright, Come Home to Mama Drowned in Sound / V2 Records, 2012 La hermana de Rufus Wainwright regresa con un tercer álbum que irradia emotividad. Con su último trabajo “I Know You’re Married But I’ve Got Feelings Too” cosecho muy buenas críticas y parece que “Come Home To Mama” va por la misma senda. Grabados en el estudio neoyorkino de Sean Lennon, los diez temas que componen este LP están marcados por los cambios que sufrió la vida de Martha en 2010; la muerte de su madre y el nacimiento de su primer hijo. Su hermosa y poderosa voz protagoniza todas las canciones, destacando especialmente “Proserpina” y “Four Black Sheep”. Beatriz Buitrón Álvarez 41. The Invisible, Rispah Modular Recordings, 2012 Al principio me costó comprender el nuevo trabajo del trío inglés. La mezcla de coros africanos, una evidente mayor presencia de la electrónica y la sensación de estar ante un disco muy crudo me dejaron confusa, pero en un estado de semi-hipnosis al que sólo llego escuchando a Radiohead. Okumu, voz cantante de la banda, define el álbum como “una carta de amor al dolor”, el disco está marcado por la muerte de su madre y esa sensación de pérdida se nota en todas las canciones. Disco oscuro, para nada denso, con joyas como “Generational”, “Wings” o “Protection”. Carla Linares 42. Sara Watkins, Sun Midnight Sun Nonesuch Records, 2012 La cantante y violinista, componente del extinto trío de bluegrass Nickel Creek, lanza su segundo disco en solitario. Un LP asentado en las raíces de la Americana y que nos acerca algunos interesantes temas con aire de clásicos, que cada uno lo tome como bueno o malo según sus gustos, se completa el álbum con un par de versiones a dos voces. Uno con Fiona Apple en el furioso y fantástico “You’re The One I Love” y otro con Jackson Browne en el “I’m A Memory” de Willie Nelson. Un disco recomendable para amantes de los sonidos del país de las barras y las estrellas. Miguel Gabaldón

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Alejandro Masferrer Artelados Director de Arte de Interacción y apasionado de la música, Alejandro empezó su carrera como diseñador principalmente para proyectos dentro del sector editorial y cultural. Movido por la simplicidad y el detalle, sus diseños se basan en transmitir lo máximo con lo mínimo. Actualmente su interés se centra en trasladar su conocimiento del diseño tradicional a nuevos medios y plataformas. La pieza para Artelados es una combinación de los intereses de Alejandro como diseñador: lo que empezó siendo un diseño clásico y cuidado, acabó en una imagen mucho más arriesgada e impactante mediante el escaneo directo de la pantalla de ordenador con una app de iPhone. El resultado es una imagen llena de sensaciones contradictorias; incómoda pero a la vez atractiva. www.alejandromasferrer.com

José Ruiz

Socialización del Arte Definir la obra de José Ruiz es complejo, su obra es una carga de profundidad a las emociones de los espectadores casuales que pueden formar parte de sus proyectos. Generador de ideas y emociones que nos ponen ante la crudeza de una realidad que es utilizada maliciosamente en sus proyectos y obras para decirnos que existen otros caminos y otras vías. José Ruiz, la democratización del Arte.

Texto Javier Mielgo Fotografía José Ruiz

Buscando de alguna forma resumir o esquematizar el concepto que se encuentra dentro de tu obra. ¿Cómo describirías la corriente o la línea artística que desarrollas en tus instalaciones? Mis obras cambian mucho dependiendo del proyecto y la ubicación de cada una de ellas. Para las instalaciones habitualmente parto de una idea y después en base al lugar donde se va a desarrollar, la gente, el país, etc., preparo una colaboración específica para el espacio, ya sea un museo, una galería o un espacio más alternativo. Habitualmente planteo varias formas en las que se puede llevar a cabo o manifestar la propuesta… Me gusta escribir y tomar notas sobre ideas que me vienen a la cabeza y que son el germen a partir del cual surgen objetos e intervenciones concretas que se moldean teniendo en cuenta las peculiaridades del entorno concreto en el que se desarrollan. ¿Cuál es tu fuente de inspiración tanto en tus proyectos artísticos, como en los que participas como curador? Como artista yo diría que mis influencias son varias, algunas de ellas son pequeñas cosas que veo en el mundo, cosas sencillas pero con algo extraño en su ser, también me interesan las ideas políticas y el modo en que se distribuye la información a través de los medios de comunicación. En cuanto a mi faceta de curador va muy ligada a mi vertiente artística y lo que trato con ella es de cubrir determinados aspectos, proyectos u oportunidades que como artista echo en falta. Por supuesto partiendo de la base de que en un proyecto curatorial hay que tener en cuenta las necesidades de los otros dos agentes implicados en la colaboración: artista y museo. Tanto en las instalaciones que conforman tus proyectos artísticos como con los que trabaja como curador hay una clara influencia o contenido social. ¿Crees que el arte es demasiado banal o por el contrario el arte también se puede encontrar dentro de las situaciones más cotidianas? ¿Cuál es el motor de sus proyectos? El arte para mi puede desarrollarse en diferentes aspectos o áreas de la vida, de hecho, creo que para que tenga repercusión tiene que trascender fuera del mundo del arte. Para mí es muy importante que mis obras no queden en un entorno cerrado al que acceda siempre el mismo tipo de gente, necesito que lo que hago trascienda y llegue e diferentes personas de distintos sectores de la sociedad: arquitectos, decoradores, políticos, doctores, abogados, niños… Creo que también es muy importante sacar el arte fuera de los museos y galerías, que habitualmente están ubicados en zonas con ciertos privilegios sociales y acercarlos otros lugares. Soy consciente de que el arte no tiene la capacidad de convocatoria que tiene la música, esta puede reunir fácilmente a miles de personas entorno a un concierto. Evidentemente el arte no tiene esa facultad, es algo más individual, más de “uno a uno”. “The Progressionof Influence” es un trabajo donde parece que la vida de las personas toman un papel relevante dentro del arte. Coméntanos un poco este proyecto. Fue un proyecto, en parte instalación y en parte proyecto colaborativo, en el que yo buscaba ofrecer un espejo sobre todo

aquello que a mi me ha influido, es decir hacer un planteamiento inverso al que estamos acostumbrados a llevar a cabo. En lugar de poner el punto de análisis sobre los factores que me han influido, llevándolo al desarrollo de mi obra, creo que es más interesante hacer un análisis inverso y tratar de ver como yo a través de mis ideas puedo influir a otra gente en el desarrollo de sus obras. Para es trabajo pedí la colaboración de varias personas dentro del mundo del arte: un artista, una galería, un curador, un coleccionista y un crítico. El proyecto partía de un archivo de unas treinta ideas que yo tenía para ese proyecto y ellos debían seleccionar una de esas ideas e implementarla en una obra de arte que ellos iban a hacer, pudiendo modificar la idea como ellos considerasen para acabar la obra. Una vez finalizadas las piezas por cada uno de los participantes, todas ellas se integraron dentro de mi instalación junto con fotografías de sus autores. Era una manera de tener una instalación de otra gente pero que a la vez era mía porque cada una de las piezas tenía como base una idea mía. También se podría ver el proyecto desde la perspectiva de que yo era un curador que marcaba unas ideas en base a las cuales cada uno de los participantes tenía que desarrollar una pieza. Fue sin duda un proyecto muy especial, en el que tuve que dejar a un lado mis ideas sobre qué nivel debe de alcanzar una obra para considerarla buena, ya que las personas participantes aunque pertenecen al mundo del arte, no son artistas, de hecho era la primera vez que ellos desarrollaban una pieza, eran obras elementales. El acto de poner mi nombre junto a estas piezas básicas y sin terminar de desarrollar, para mi fue una experiencia muy interesante porque habitualmente el artista no está dispuesto a reconocer y rubricar como propias obras que no le gustan. Se trataba de experiencias inconfortables que hacen que uno se desarrolle como artista y crezca. “The Individual & The Family” es uno de sus últimos proyectos como curador, para mí es un proyecto muy representativo de la actual sociedad. El individuo dentro del contexto de la unidad social como es la familia. Vivimos en una sociedad donde la unidad como es la familia parece desintegrarse en el conjunto de la sociedad, para mutar y transformarse esta unidad familiar en un colectivo de personas que comparten el mismo desarraigo afectivo familiar y componer así un nuevo concepto “familiar” sustitutivo de los lazos de parentesco… ¿Cuál es la idea que esconde o qué quiere lanzar esta instalación? Sí, muy buena interpretación de la obra, este proyecto parte de la idea de unir dos maneras de trabajar que me interesan como artista, por un lado el trabajo de colaboración del artista arropado bajo un colectivo y otra forma es el trabajo individual. Qué ocurre si juntamos artistas que están trabajando obras sobre su identidad, temas como: ¿quienes son?, ¿de donde provienen?, su raza, etc., con artistas que están trabajando integrados dentro de colectivos. Logramos una conexión entre las obras de tal modo que era difícil reconocer cuales habían sido planteadas de un modo y cuales de otro, era complicado apreciar donde acababa una y donde empezaba otra.

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Participaron por ejemplo: las hermanas Iglesias que trabajan siempre juntas aunque viven en diferentes ciudades, Alejandro Díaz que habla sobre sistemas de identidad y estereotipos … “El Museo del Ghetto” es un proyecto que de alguna forma resume y capitaliza todas tus ideas en un sólo proyecto… ¿Es este un resumen o esquema de las ideas culturales y sociales que nos quieres mostrar en tus trabajos? ¿Cuál crees que es para ti la “diáspora” en el arte? La palabra “ghetto” se puede traducir como “barrio”, con el proyecto-instalación “El Museo del Ghetto” queríamos hacer “un museo de barrio”, es decir un museo de un área socialmente pobre que englobara objetos culturales que representasen las realidades que viven esas zonas y a la vez capitalizase los estereotipos que la gente tiene sobre ellas. Planteamos diferentes obras de arte, que parecían independientes pero estaban ligadas por su ubicación, hablábamos de política, armas, violencia de género, racismo…

Algunos artistas tenemos la esperanza de que el arte pueda contribuir en un cambio de la sociedad. A mi personalmente, no me gusta hablar, ni protestar, creo que para cambiar la situación actual lo que debemos es de hacer cosas. Trato de llevar a cabo proyectos colaborando con otros artistas, obras que lleguen a la gente y que puedan usarlas y servirles. Tengo una compañía que trata de ayudar a artistas para el desarrollo de sus obras, y participo también en otros negocios con los que buscamos crear una microeconomía, y nuestro propio sistema financieros tratando de apoyar la compra local para su desarrollo… Creo que los artistas no debemos limitarnos a protestar sino que debemos involucrarnos más con la sociedad. Basándome en tu obra “Carlos Marcos (Karl Marx as Piñata)”… ¿El capitalismo tiene los días contados o por el contrario el capitalismo a podido con Karl Marx? Creo que el sistema que tenemos actualmente realmente no es capitalismo sino una oligarquía de dos o tres grandes compañías que concentran el poder siendo más poderosas que los propios gobiernos. Creo que realmente no es capitalismo sino una especie de mafia.

¿Cuál es el proceso que sigues a la hora de llevar a cabo un proyecto? Muchas de las ideas que tengo las llevo a cabo, pero antes de llevarlas a cabo hago una primera selección en la que me quedo con ¿”Zonas De Trueque” que busca cambiar o con quien unas cinco ideas que presento a las personas con las que voy a quiere hacer trueque? llevar a cabo el proyecto. Comento con ellos las ideas e intercambiamos opiniones, de las que surgirá el concepto a partir del cual Fue una curantía para el museo del Salvador, que también fue excomenzará a desarrollarse la obra. Para mí esta interacción con puesto posteriormente en New York, en el que reunimos a varios artistas latinoamericanos que habían tenido que abandonar su ellos es muy enriquecedora y me permite crecer como artista… Otros factores que también influyen sobre el resultado final país cuando eran muy jóvenes. Todos ellos regresaron a un país son el espacio físico donde se llevará a cabo, el país y sus pecu- latinoamericano como es El Salvador participan en el proyecto. “Zonas De Trueque” parte de la idea de intentar plasmar el liaridades, es apoyo económico al que hay que adaptarse, para “trueque” que una persona tiene que hacer al abandonar su país poder llevar a cabo el proyecto… y verse obligada a hacer un intercambio de cultura, con el que Desde tu punto de vista de artista y como escritor de gana algunos aspectos del “nuevo mundo”, pero también pierde arte contemporáneo. ¿Cómo o cuál es el momento que parte de su identidad. La persona inmigrante logra cierta estabivive la expresión artística a tu juicio? ¿Es un momento lidad económica, pero para ello renuncia a sus lazos familiares, a de incertidumbre ideológica por la crisis financiera mun- su cultura, probablemente pase a formar parte de la clase social dial? o por el contrario, ¿es un momento de eclosión de más baja… nuevos parámetros artísticos y de nuevos valores?

Alt –J Texto Ana Himes y Jaime Suárez

An Awesome Wave Puede parecer otra banda más oriunda de la prolífica industria musical británica pero tras el delta que les identifica se esconden cuatro jóvenes capaces de sorprender, cautivar y sumergir al oyente a través de detalles de afro–indie reposado, electrónica ligera y folk.

En ocasiones es difícil separar el grano de la paja, en otras la diferencia se hace palpable y se evidencia el distinguir lo que realmente tiene valor de lo que no. Es por ello que debido al fácil acceso que internet nos proporciona a la hora de escuchar nuevos grupos haya veces que confundamos a nuestro gusto y no valoremos con justicia. Esta vez no será así pues si hay algo que destila Alt–J es calidad y brillantez, merecidamente uno recoge lo que siembra y es que detrás de “An Awesome Wave” (Pias 2012) hay un trabajo minucioso y perfeccionista de ahí los agasajos de la crítica y la efectividad de la viralidad del “word of mouth”, hechos que han posicionado a la banda de Leeds en una posición excelente dentro de la escena de su país de origen. Habiendo lanzado vuestro primer disco este año y debido a que vuestra presencia en España se limita a una única aparición dentro del Sinsal Festival, es posible que haya un alto porcentaje del público que no haya oído hablar de Alt–J, me gustaría comenzar ofreciéndoos la oportunidad de presentaros para que habléis sobre vosotros y vuestro disco. Procedemos de Leeds, nos conocimos en la universidad y no sabíamos que ocurriría una vez termináramos nuestros estudios, fue entonces cuando decidimos dedicarnos enteramente a la música y trabajar duro en este disco. El álbum es una combinación de sonidos muy diferentes, intentamos no limitarnos ni etiquetarnos. Algunas personas utilizan el termino folktrónica para definir nuestro trabajo esgrimiendo que se trata de una mezcla entre folk y música electrónica, puede que no estén del todo equivocados.

“An Awesome Wave” es un reflejo de cada una de nuestras vivencias, experiencias que se van tejiendo tanto con momentos buenos como con momentos más amargos, es un trabajo que nos representa y representa lo que sentimos, pero a la vez es un disco que puede ser común y cercano a todos, por eso la sensación de ser algo cotidiano y próximo a cualquiera, en “An Awesome Wave” se puede ver reflejada cualquier persona. Un momento sublime de este “An Awesome Wave” llega con “Breezeblocks”, donde la comodidad de un tema preciosista y ligeramente tweed es decorada por una suave voz que es avasallada por una línea de bajo capaz de ascender dentro del tema hasta alcanzar el nirvana en un mantra constante, momento entonces de uno de los números vocales más cautivadores del disco y por qué no decirlo también de la historia del pop reciente. Momento en el que todos los miembros de la banda se unen para vocalizar en un sólo lamento este “Please don’t go / I love you so”, tan real y firme como descorazonador. Háblanos de este “Breezeblocks”. Agradezco el cumplido, pero no sé si estoy de acuerdo en tu afirmación, me abruma pensar eso, aunque la parte vocal es una parte muy importante del tema. La canción tiene una temática bastante compleja, hablamos de alguien a quien quieres mucho y por quien serías capaz de herirte a ti mismo y a los demás. Queríamos plasmar la idea sobre la que habla el libro de Maurice Sendak “Wherethe Wild Things Are” el cual hemos leído todos nosotros. En ella, al final los monstruos después de pelearse entre si por el niño recapacitan y piden al niño que se quede porque en realidad le aprecian mucho, de ahí nace ese lamento.

Os conocéis desde 2007, pero habéis tardado media década en parir este disco, incluso os habéis recluido durante dos años escondiendo cuidadosamente los detalles de vuestro trabajo. ¿Cuál ha sido el motivo de la tardanza? ¿Cómo ha influido el hecho de trabajar tanto tiempo en un sonido? ¿Se planteó la posibilidad de crear un género distinto, algo realmente novedoso e impactante? Es verdad que nos conocemos desde hace tiempo pero no nos hemos dedicado por completo a la música desde que nos conocimos. También es cierto que nos hemos tomado tiempo para preparar este disco, podríamos haberlo terminado antes copiando ideas de los artistas que nos gustan pero no hubiéramos conseguido encontrar lo que de verdad queríamos. Realmente no teníamos prisa por terminar, disfrutamos creando cosas nuevas, durante esos años surgieron muchas ideas pero sin duda no estaba entre nuestros planes construir un nuevo género. “An Awesome Wave” es la puesta de largo de Alt–J, un trajo placentero e inquietante, rotundo y suave donde cada uno de sus temas son responsables de una sensación polarizada donde una cara se muestra cálida pero con la que a la vez te recorre la piel una sensación ligeramente espeluznante y perturbadora pero acaparadora a la que vuelves una y otra vez.

En general y sin lugar a duda este “An Awesome Wave” es un debut increíble e impresionante, que aunque a primera instancia pueda parecer sencillo y simple, sus temas están repletos de numerosos recovecos detallistas. ¿Qué tema y por qué lo destacarías como más especial o que te ha dejado más satisfecho? En mi opinión, una de las canciones que más me gustan es “Taro”. Fue una de las primeros temas que compusimos, en ella se juntan muchos factores, combina una letra muy bien elaborada con mezclas y texturas musicales muy variadas que pueden dar una idea general de la música que hacemos. Se trata de una canción con una alta carga emocional. Por último, la impresión que surge al escuchar alguno de los temas que conforman “An Awesome Wave” es la de estar disfrutando de la banda sonora de una película, serie o incluso anuncio. ¿Habéis recibido alguna propuesta al respecto? Estoy muy de acuerdo con esta apreciación, no es algo premeditado ni programado pero es cierto que hay ciertas canciones que podrían ser utilizadas como banda sonora. Hemos recibido la propuesta para componer la banda sonora de una película y estamos trabajando en ello, pero siento decir que no puedo desvelar nada en estos momentos (risas).

D e s i g n e r c o l l e c t i o n G o r i d e Pa l m a P h oto g r a p h y Da n i e l A r g u e l lo C r e at i v e d i r e c to r S e r g i o K a n o C r e at i v e a s s i s ta n c e Va l e n t i n a V e n c i s l av o va P h o to g r a p h y a s s i s ta n c e D i e g o M e l lo g n o Models Helena de Torres (Mhoms models), Victoria Ribot ( U n n o m o d e l s ) , & Ta n i a F e r ( T r e n d m o d e l s ) M a k e â&#x20AC;&#x201C; u p & h a i r s t y l i n g S h e i l a S e r r a n o A c c e s s o r i e s R i n ata J e w e l r y D e s i g n S h o e s D i e p pa R e s t r e p o Lo c at i o n T o r r e A m at

Levi’s® con

Espacio km.0 Dourone Levi’s® en Espacio km.0 de Lados Mag nos muestra el trabajo de Dourone, uno de los artistas seleccionados por Levi’s para la realización de una de sus obras tomando como elemento base los jeans Levi’s® 501. Dourone se alimenta de su capacidad de análisis del mundo que le rodea, transformando las sensaciones que este le genera en pequeños bocados de realidad artística, sin importar la técnica y con una asombrosa falta de prejuicios. Llama la atención por su forma de aplicar la ilustración clásica a la decoración más innovadora... Sus ilustraciones figurativas y surrealistas, en muchas ocasiones inspiradas en sus propias vivencias, han sido expuestas, entre muchos otros, en espacios como el Museo de Reproducciones Artísticas de Bilbao, Galería Mad Is Mad o Espora Gallery de Madrid... En breve podrás ser partícipe de todo el proceso de creación de la obra de Dourone en: www.ladosmagazine.com

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Fotogr afía Mireia Gr au Estilismo Marco García Maquillaje Adrián Ruiz

Pá g . 1 0 4 V e s t i d o P i n k o U n i q u e n e s s Z a pat o R o g e r V i v e r E n e s ta Pá g . V e s t i d o A n a l o c k i n g Z a pat O S A m aya A r z u a g a P u l s e r a V i n ta g e

I z q u i e r d a : B o d y A m aya A r z u a g a Pa n ta ló n A n g e l S c h l e s s e r Z a pat o S P u r a Ló p e z C i n t u r ó n Ta r a J a r m o n D e r e c h a : C a q u e ta B u r b u r r y P r o s u m Fa l d a P i n ko Z a pat o s A n a Lo c k i n g T o c a d o s A n a R i p o l l Pá g . 1 0 8 M o n o D o l o r e s C o r t é s Z A PAT O S Pa c o G i l pa r a F r a n c i s M o n t e s i n o s

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Toy Texto Arturo Jiménez Calvo y Javier Mielgo Fotografía Steve Gullick 110

Toy Tras la estela reabierta por The Horrors llega otra interesante banda desde la escena británica. Fundada en 2010 y con su primer disco editado por el sello Heavenly, uno de los que más sorpresas está aportando a la escena indie actual.

Este grupo que impresiona en sus directos por su contundente sonido mezcla de psicodelia, kraut y punk cerebral (y por sus largas melenas) nos cuenta como está siendo este vertiginoso viaje que no es, si no, la historia soñada por miles de bandas de garaje de todo el mundo. Su teclista, Alejandra Díez, una española adoptada por el ambiente de East London, nos cuenta como son las cosas para unos chicos que disfrutan haciendo lo que más les gusta: Tocar y tocar.

otros lugares y hacerte sentir “diferente”. No hemos tenido ninguna regla o nos hemos puesto ninguna medida especial cuando escribimos las canciones, lo único que teníamos claro es que queríamos hacer algo diferente. Hay varios espacios en las canciones que nacieron en el estudio simplemente “jamming”, donde empezamos a tocar y nos dejamos llevar sin saber exactamente a donde íbamos a llegar. Lo que escuchas en el álbum puede que no lo vuelvas a oír… Grabamos todo el disco en vivo porque queríamos transmitir la energía del directo en la grabación, esperamos que haya cosas que puedes ver en vivo que no puedes oír en el álbum, pero también cosas que sólo puedes oír si escuchas el álbum.

Sin duda vuestra trayectoria es especialmente intensa y diTemas como “Motoring”, donde la comparación con The ligente, desde que se formó el grupo hasta ahora sólo han Horrors a sido feroz, llevan ya varias semanas sonando por pasado dos años, y ya habéis tocado en varios festivales y las emisoras, pero donde sin duda Toy te ganan la mano es teloneado a bandas muy importantes como The Horrors o en canciones como “Dead & Gone” o “My Heart Skips a Primal Scream. Descríbenos ese ascenso tan fulgurante. Beat” donde la psicodelia de Captain Beefheart y el romanLa verdad es que todo ha sido super rápido. Empezamos a escriticismo oscuro de los Jesus And Mary Chains del “Psychobir canciones en la casa que tenemos Dominic y yo en Londres, candy” encuentran su hábitat natural. ¿Qué nos puedes grabando algunas cosas en el ordenador, ya sabes. Después emcontar de estos temas? pezamos a ensayar todos juntos y nos pusimos a tocar enseguida. Creo que fue en nuestro segundo concierto cuando nuestro ac- “Dead & Gone” es uno de nuestros temas favoritos. A mi personaltual manager vino a vernos, al día siguiente tuvimos un reunión y mente me encanta tocarlo porque nunca se lo que voy a hacer, es empezamos a trabajar con él. Tras cuatro meses de dar conciertos, siempre improvisado. Me gusta la sensación de movimiento que Heavenly, nuestro sello, se puso en contacto con nosotros des- hay en la canción y “the wall of sound” al final. Nos gusta llenar pués de otra actuación, desde el principio fueron muy entusiastas todas las frecuencias sonoras en ciertos puntos de las canciones y nos apoyaron mucho, así que estaba bastante claro que era la para conseguir un cierto sentimiento de euforia. La comparación con los Horrors, no lo se, les conocemos desde hace muchos años discográfica con la que queríamos firmar. y somos muy buenos amigos. Escuchamos música juntos y teneSi hay algo que destaca de Toy es sin duda su energía enci- mos gustos musicales similares, por lo cual, también compartimos ma de los escenarios, se nota que el verdadero espítiru de la influencias similares, hasta ahí es donde la comparación llega en banda es el directo y esto es algo que esta presente en cada mi opinión. Les respetamos personal y profesionalmente pero de uno de los surcos del disco “Toy”(Heavenly, 2012). ¿Os notáis ahí a sonar como ellos… ¡No lo veo! un poco cortados al meteros en el estudio al intentar captar El disco se cierra con un trallazo como es “Kopter”, enervuestra esencia? gía Krautrock desbocada que pone encima de la mesa otra Precisamente esa fue una de las razones por las que elegimos a de las particularidades y características principales de Toy, nuestro productor. Él lo pilló desde el primer momento. Graunos teclados envolventes, hipnóticos, que van subiendo en bamos todo en vivo, durante dos semanas, con cuatro días de intensidad y emoción. Sin duda todo un hecho singular en descanso entre medias. Lo que hicimos fue ponernos todos en un grupo de estas características que no apuesta todo a la círculo, sin ni siquiera auriculares, mirándonos todos a la vez y carta de las guitarras. ¿Cómo te sientes a ser en buena parte cada vez que íbamos a por la toma apagábamos las luces y encenseña del sonido tan característico de Toy? díamos un montón de lasers y máquinas de humo, como si estuviésemos actuando en un concierto. En dos o tres tomas teníamos Es verdad, no apostamos sólo por las guitarras para nada, hay mucada canción, y si no conseguíamos grabarlo en la tercera toma chas canciones en las que mi Korg toca el riff principal y otras nuestro productor nos hacía pasar a otra y más tarde volvíamos a canciones en las que yo he escrito el riff principal y la canción por ella. Todo fue grabado así porque queríamos captar la ener- ha evolucionado desde ahí, siendo la base de los demás instrumentos. Todos los instrumentos son importantes y nos gusta la gía que intentamos transmitir en directo. idea de que en cualquier punto del disco, si te paras a escuchar “Toy” es un trabajo enérgico y apabullante. Pero ante todo cualquiera de ellos por si solo, puedas escuchar un riff o una línea “Toy” es un viaje sin retorno, un viaje donde si te adentras que te guste, no escribimos para “rellenar espacio”. Uno de los temas más especiales para mi es “Strange”. Hace quedas atrapado en alguno de sus temas, la puerta a este iniciático viaje se abre con la voluptuosidad sónica de “The unos cuantos meses, grabe una pieza de música electrónica en Reasons Why” que nos permite flotar en una de sensaciones casa, yo sola, con mi Korg y todos mis efectos y la secuencia de infinitas y coloristas… Coméntanos un poco la sensaciones y acordes principal en “Strange” viene de ahí. Me gusta por lo poco corriente que es y especialmente el “middle eight” o break como percibes este trabajo. Para nosotros el álbum está lleno de sensaciones, esa es una de las en la canción, donde tengo espacio para crear sonidos lo más razones por las que escuchamos música, porque te puede llevar a extraños posible sin ningún tipo de atadura, ni si quiera la batería.

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Hot Chip Texto Jaime Suárez / Fotografía Steve Gullick

In Our Heads En su quinto disco de estudio, los londinenses se siguen mostrando originales, frescos e irresistibles ofreciendo un híbrido entre reflexiones propias de un padre de familia y el ritmo desenfrenado y potente que nos hará disfrutar en las pistas de baile.

Acababan de aterrizar en Barcelona para ofrecer una de las actuaciones más esperadas del Sónar’12, Alex Taylor nos recibió amablemente en su camerino para responder nuestras preguntas minutos antes de salir al escenario. Me gustaría que describieras el nuevo álbum “In Our Heads” (Domino, Pias 2012) para aquellos que aún no han tenido la oportunidad de escucharlo. En “In Our Heads” podemos encontrar disco, electrónica, canciones up beat así como destellos de house y techno, por otro lado cabe destacar que hemos utilizado sintetizadores analógicos que aportan un sonido diferente. El disco lo abre “Motion Sickness”, una canción muy potente que desprende mucha energía, pero esta no es la tónica general del disco por lo que si no se profundiza más puede que el oyente conciba una percepción equivocada del mismo. Cuando en el 2004 se lanzó al mercado “Comino On Soon” el público y la crítica no tenía claro donde ubicar a la banda, que se movía entre el R&B y la electrónica. ¿Hacía donde consideráis que se ha desplazado el grupo? ¿Cómo crees que habéis evolucionado desde entonces? No es cuestión de posicionarse hacia un género u otro, mantenemos de alguna forma las mismas inquietudes que entonces, en nuestros temas puedes encontrar pinceladas de R&B o electrónica. Estoy de acuerdo en que nuestro primer trabajo estaba fuertemente influenciado por ritmos R&B y hip hop, probablemente a partir del tercer álbum hayamos desarrollado un sonido más próximo al house y al dance. No pretendemos encasillarnos y dirigirnos a un estilo en particular, no grabamos un disco para mostrar o señalar al público en que lugar estamos, queremos mejorar lo que hacemos, esto lo conseguiremos a través de nuevas técnicas de sonido y producción así como aumentando la cohesión dentro del disco pero también entre los distintos trabajos que hemos realizado. Dentro de vuestro quinto LP encontramos cortes como “Let Me Be Him” o “Always Been Your Love” en los cuales se abordan temas adultos como la familia, la monogamia y la madurez, esto conlleva a pensar que atravesáis un momento pleno y feliz. ¿Es realmente así? ¿Cuál es el mensaje que queréis hacer llegar? La gente ha de ser consciente de que este álbum no ha sido escrito con el propósito de lanzar mensajes positivos pero a lo largo del mismo hay momentos que son muy divertidos y de los cuales seguramente cada uno puede interpretar o ver el lado amable y constructivo. Cabe reseñar que en gran parte de las letras se observa reflexión e incluso un cierto nivel de melancolía, con el fin de conocerse a si mismo, saber que lugar ocupa uno mismo entre los demás y sentirse vivo, poner pasión, todo esto está claramente unido al hecho de tener pareja y ser consciente de que los lazos que te unen a la otra persona tienen sentido. Creo que aunque directamente no se hable de felicidad tratamos temas que pueden inducir a la consecución de la misma. Por ejemplo en “Look At Where We Are” no hablamos de que todo es perfecto sino que hay que atravesar épocas y situaciones complicadas para conseguir que algo funcione.

La crisis global, a la que están haciendo frente casi todos los sectores de la sociedad, nos hace plantearnos cuál es la situación y cómo reaccionar. A menudo sentimos impotencia porque las acciones realizadas no solucionan nada o son ignoradas, es por ello que sean necesarias formas de distracción para olvidarnos y escapar momentáneamente de lo que nos rodea ¿Consideras “In Our Heads” como una válvula de escape por la energía y el movimiento que sugiere el álbum? No ha sido concebido ni escrito especialmente como escape a la situación que vivimos en la actualidad, está orientado a un entorno más reducido y cercano. Sin embargo, la música siempre ofrece a la gente la oportunidad de dejar de pensar en aquello que le preocupa. Escuchar música, ya sea en un club o en un concierto, hace que momentáneamente sientas algún tipo de conexión no sólo con la música sino con la gente que te rodea en ese instante, esto es lo que verdaderamente me gusta de la música, la cantidad de sentimientos que puede llegar a generar en uno mismo, placer, melancolía, alegría… “Don’t Deny Your Heart” desprende un ligero aroma añejo que nos traslada a finales de los ochenta y principios de los noventa recordándonos a artistas como Prince. ¿Qué observaciones te merece esta canción en particular? Esta canción la escribí a medias con Joe, pero fue Joe el verdadero creador y no puedo decir exactamente a quien quería referenciar pero es cierto que suena muy ochentera, los ochenta son una época que tenemos muy presente sobre todo los remixes que se hacían por aquel entonces, es pop clásico pero aderezado, va un poco más allá, yo personalmente me dejo llevar más por el rock de los setenta y los sesenta. Recientemente hiciste unas declaraciones en las que asegurabas que la música pop se había vuelto demasiado conservadora. ¿Cuáles son las razones por las que consideras que esto esta ocurriendo? Existe una parte de la industria que está interesada en hacer dinero rápido olvidando la parte artística y creativa dejando de lado la música, repitiendo fórmulas para conseguir el éxito efímero. Creo que no soy ni la primera ni la única persona que se ha dado cuenta de esto, y he de decir que no tengo ningún problema con ello, quizás otras personas estén en contra. Personalmente escucho los discos que quiero no los discos que venden desde el mainstream. Afortunadamente existen miles de músicos en el planeta que se olvidan de esto y continúan haciendo grandes discos. Este es vuestro quinto álbum, vuestras vidas personales han evolucionado y sufrido cambios desde que empezasteis. ¿Alguna vez os habéis planteado cuanta vida le queda al grupo? Es cierto que ahora la familia ha crecido, Joe tiene previsto tener otro hijo a finales de septiembre lo cual le complicará un poco más las cosas, pero hasta ahora no hemos tenido problemas de incompatibilidades, no somos una banda que genere grandes cantidades de dinero pero adoramos lo que hacemos, si no fuera así no podríamos estar de gira tanto tiempo. Ya estamos pensando en hacer otro disco por lo que podemos asegurar que todavía queda Hot Chip, no hemos pensado en cuanto más durará, espero que mucho tiempo.

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Arsel Randez y Los Cuervos Texto Miguel Herrero y Jaime Suárez / Fotografía Susana Póo

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Arsel Randez y los Cuervos Paro, abusos de poder, corrupción, tijeretazos a nuestro bienestar, criminalización de la sociedad civil… En estos tiempos asesinos ser fiel a uno mismo y creer en lo que haces se antoja cada vez más difícil. Así, a lo suyo, los leoneses Arsel Randez y Los Cuervos llevan unos cuantos años expresándose a golpe de rock & roll clásico.

Si en “Hombres Tranquilos” (2009) dejaba transpirar tanto a los Stones y los Black Crowes como a Los Enemigos. Ahora “Arsel Randez y los Cuervos” (Auto editado 2012) publican un nuevo mini–LP que arranca desde su cara más rockera pero que pronto se adapta a su faceta más desgarradora y personal dando rienda suelta a su particular voz, rindiendose a otro de sus ídolos, Tom Waits.

Sí así es, su presencia es constante en cada uno de los temas, la idea era poner luz sobre el instrumento dando constantemente la replica a mi voz, realmente considero el papel del saxo como una segunda voz, tiene mucho peso dentro de nuestra música, si en algún momento falta la voz aparece el saxo y viceversa, es otro solista más dentro de Arsel Randez y Los Cuervos.

“Wasted Time” es un primer tema que nos descubre los pasos que Arsel Randez y Los Cuervos toman en directo, letras Conociendo vuestra taryectoria y los temas de anteriores descarnadas, temas rotos, noches eternas de alcohol y mutrabajos, la primera pregunta parece obvia… ¿Por qué el jeres de mala o fácil reputación… ¿Qué corre por vuestras paso al inglés en las nuevas canciones? Porque vuestras levenas para dejarnos temas como este “Wasted Time”? tras eran, desde luego, sensiblemente superiores a la mayo“Wasted Time” utiliza de alguna manera la leyenda del blues, en ría de grupos que hacen rock en castellano… No existe una explicación racional, no lo hacemos por querer lle- la parte final parafraseamos a Robert Johnson en “Love In Vain”, gar a más público, simplemente escribo lo que va surgiendo, si las y aunque las letras casi siempre toman un cáliz personal en ocaletras vienen en castellano no lo cambio y si se me ocurren en in- siones no es así. Se trata de una dualidad, mitad personaje miglés decido escribirlo tal cual. No sé exactamente el motivo, por- tad persona, por lo que no siempre lo que escribimos se refiere que lógicamente en inglés no pienso pero a la hora de componer a nosotros mismos. Supongo que así también es mas fácil poder hay ocasiones en las que escribir en inglés surge de forma natural. contar las cosas, maquillando aquellos aspectos más duros o íntimos, protegiéndonos tras el escudo de un personaje inventado Echando la mirada al pasado y partiendo de vuestro ante- que narra lo que le pasa a un conocido suyo. ¿No es así la vida? rior LP, ¿quiénes son esos “hombres tranquilos”? Uno de los temas de este EP que más nos gusta es “Sittin’on No personalizamos en nadie en particular, es una canción que Chair” un tema que respira influencias directas de los sonise incluye en el anterior LP y como dice la letra nos referimos a dos densos del australiano Brian Henry Hooper, la poesía aquellas personas que se toman la vida con filosofía, intentando descarnada de Nick Cave, el rock primitivo y salvaje de los encajar los golpes y las alegrías con otro punto de vista. No se si años 50 de Screaming’Jay Howkins e incluso el cineasta Jim seran más felices o no, pero sin duda son menos susceptibles de Jarsmuch… ¿Dónde está y cual es el listón de Arsel? alterarse y es más fácil convivir con ellos. Ufff… todos los nombres que has mencionado, aunque aún no En “Como Keith” hacíais vuestro particular homenaje al me ha dado por la religión, son como dioses para el grupo (risas). guitarrista de los Stones y la “rock and roll way of life”: Son artistas que tenemos muy presentes y que adoramos por lo “Tengo algo de dinero / me lo voy a gastar”. Salvando las que siempre van a tener repercusión en los temas que grabamos. distancias, ¿cuánto habéis probado esta forma de vida? ¿O ¿Dónde está el listón?, sinceramente no lo se, para nosotros los la canción tenía un poco más de parodia, casi como una es- temas son pequeñas historias que compartimos y que nos dejan huella en nuestro corazón maltrecho. Ponerle techo o marca a pecie de broma sobre los clichés del rock and roll? (Risas), más bien lo segundo, a Keith Richards le tenemos mucho los sentimiento y a algo que sale de dentro creo que es imposible, respeto pero es cierto que en él se encarnan todos y cada uno de pero sin duda todos ellos están dentro de nosotros. los clichés que envuelven al rock & roll. No se trata de una paroEl EP se cierra con “Let Me Down” un versión de Billie dia hacia su persona más bien hacia todos aquellos que intentan Holiday… ¿Más que cómo surge este tema, por qué se elige imitarle y seguir su estilo de vida, hay muchos Keith Richards en un tema como este para imprimir vuestra particular visión la vida pero en realidad sólo hay uno, resulta bastante cómico. del rock and roll? “Hasta Siempre” es una canción con una letra muy emocio- Jorge Colldan, el guitarrista tiene en casa varios vinilos de Billie nante que parece dedicada a tu madre. ¿Cómo fue de difícil Holiday, durante las horas interminables de preparación de este trabajo escuchamos un par de canciones y consideramos que era poner en palabras un sentimiento tan íntimo y personal? Es muy complicado, resultó verdaderamente difícil sobre todo un corte que encajaba con lo que veníamos haciendo la perfeccantarla por primera vez. Es como un exorcismo, intentas sacar ción. La voz de Billie arrastrando la historia de un amor impositus sentimientos más personales, pero una vez que empiezas a ble, la historia de un amor destinado a romperse, la historia de cantar esas letras una y otra vez, canalizas tus emociones de otra una mentira y de lo duro que es darse cuenta que soñaste y te engañaste a ti mismo por que no podías ver la realidad. Además forma. En realidad termina siendo como una cura. otro aspecto que nos motivó fue que no encontramos ninguna Basta de pasado y pongamos ahora la mirada sobre los cua- versión de esta canción. tro temas que componen el presente “Arsel Randez y Los ¿Cuál es el objetivo que os marcáis con este EP? Cuervos” En el último EP el saxo toma un papel muy importante, inundanto y acaparando un protagonismo casi pleno, Sinceramente y sencillamente. Únicamente que lo escuche el mayor número de gente posible y que les guste. ¿qué matices crees que aporta este instrumento al disco?

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F o to g r a f Ă a J o n at h a n F e r n s tĂś m to ta l lo o k D r . D e n i m

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Shopping Autum / Winter 2012 â&#x20AC;&#x201C; 2013

Chaqueta Lacoste

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Chaleco – Lacoste Calzado – TST Shoes Jersey – Carhartt Mochila – Nudie Jeans

Calzado – Converse Suéter – Carhartt Calzado – Converse Jersey – Hugo Boss Black Correspondencia de créditos de prendas por columnas. 121

Chaqueta – Bench Calzado – Onitsuka Tiger Chaqueta – Dr Denim Bolso – Karl Lagerfeld

Chaqueta – Dr.Denim Calzado – TST Shoes Pantalón – Nudie Jeans Calzado – Fallen

Calzado – Converse Chaqueta – Carhartt Suéter – Franklin & Marshall Chaqueta – Lacoste Correspondencia de creditos de prendas por columnas.

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Jersey – Franklin & Marshall Calzado – Onitsuka Tiger Pantalón – Levi’s Gabardina – Hugo Boss Orange

Calzado TST Shoes

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Jesús Ramiro Viajar, Vivir, Degustar

Restaurante “La Palapa” Cocinero: Eden Rock. Dirección: Hotel Villa Le Caletón Caletón Beach Club – Playa Caletón Cap Cana – República Dominicana Tfno: (001829) 809-469-7593 Mail: info@caletonbeachclub.com

Evaluación Comida 8 / Servicio 8 / Vino 7,5 / Ambiente 8,5 / Media 8

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Gastronomía de Punta Cana

La experiencia de una buena comida (entendiéndola en sentido amplio: la comida, el entorno, la compañía) es una de mis vivencias preferidas y más recordadas. A tan sólo diez minutos de Punta Cana, uno de los lugares más populares para ir de vacaciones, especialmente si te gustan el sol y la playa, se encuentran un lugar paradisiaco: Cap Cana, un complejo donde están los mejores hoteles de la República Dominicana y sin duda el rincón más tranquilo para los que no nos sentimos comodos con la aglomeración de turistas. Ya en dicha zona, en el Hotel Villa Caletón, se encuentra un pequeño restaurante justo a la orilla del mar y al aire libre, La Palapa, construido como la casa típica de los primeros nativos de la isla: las Palapas.

Pues bien, me sorprendió lo rico que estaba comparándolo con las pastas de los mejores restaurantes de Nueva York, pero además mejorando la calificación del cocinero, ya que en la República Dominicana lo más difícil es conseguir buenas materias primas para que cualquier cocinero digno pueda trabajar con un mínimo de calidad, entre los ingredientes de dicho plato, desde los mejillones (quizás traídos de Nueva Zelanda) hasta los calamares, el pulpo o los camarones (que serían como nuestros langostinos) todos estaban perfectos…, aunque lo mejor fue le punto de cocción de la pasta y sobre todo la salsa, una mezcla de sabor italiano con cocina criolla… en fin, todavía me relamo al escribir este artículo.

Dirigido por un cocinero italiano, en su carta se represetnan los plantos más típicos italianos, desde la ensalada caprese hasta las pastas más tradicionales como los spaghettis a la carbonara.

No conozco el nombre del cocinero, pero tampoco investigué, ya que para mi fue como un homenaje a los muchos cocineros que sin ser famosos, o por lo menos conocidos, fuera de su entrono de trabajo, elaboran una cocina con cariño sólo esperando la recompensa de los clientes que tendrán siempre (como yo) un gran recuerdo de una deliciosa comida.

Yo, entre otras cosas, pude probar los spaghettis con frutti di mare, la verdad es que tenía pocas expectativas y me conformaba con que me sirvieran un plato que calmara el hambre que suele despertarse los días de sol y mar (y más teniendo en cuenta el excelente nivel de restaurantes italianos que hay en las grandes ciudades del mundo).

Claro, que siendo justos del todo, también me influyó el tópico de que una buena comida, al lado de una persona muy especial, en un entorno precioso, hacen que la experiencia sea idílica; aunque el sabor del plato se tienda a olvidar con el tiempo, lo que no se olvida es la vivencia, que ya se encuentra en el alma… y es que el alma no olvida.

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Joaquín Fernández Agenda de Cóctel

¿Cómo está compuesto este “Festival de Cine Dickens SS 2012”?

Los ingredientes son: 4/10 partes de Champange o cava 2/10 de Aperol (Licor italiano) 2/10 zumo de naranja natural 1/10 de angostura de naranja 1/10 de introducción de zume de frutas rojas

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Festival de Cine Dickens SS 2012 Reabrimos esta sección destinadas a los combinados, cócteles, bebidas espirituosas. Diferentes propuestas, recomendaciones o especialidades, sus alternativas y como no infinidad de motivos y razones para la degustación. Sólo falta que cada uno escoja el suyo. Tutelados de la mano de Joaquín Fernández nos valdremos de su dilatada experiencia y maestría, sin duda alguna, una de las mejores manos que podemos encontrar detrás de una barra. Joaquín Fernández; propietario de una de las mejores coctelerías de Europa, fue reconocido como mejor barman del mundo en Japón 2000 y I Campeón de España de Gin Tonic celebrado en Donostia en 1999, delante de un reconocido jurado compuesto por ilustres nombres de la gastronomía como Subijana, Arzak, Ferra Adrià, Martín Berasategui y Jordi Estadella.

La Agenda de Cóctel se abré y se tiñe como no podría ser menos en este número por el rojo. El rojo de los telones de los teatros y cines, el rojo de las alfombras por las que desfilan las numerosas estrellas camino de la anhelada gloria.

Y como no, la clave de todo buen cóctel, esta en la pasión, la delicadeza de la preparación y en los pequeños detalles. Desde la coctelería Dickens, nos señala Joaquín Fernández que el modo ideal de hacerlo es:

El glamour del cine siempre estuvo vinculado con la buena coctelería. Por eso, no sorprende que nuestra primera cita en esta agenda haya decidido homenajear a la pantalla grande con un trago especialmente inspirado en ella.

Para la primera fase dispondremos de 350 gr. de hielo picado en una copa de 750 cl, de capacidad. Es recomendable emplear hielo picado sin cloro (de agua mineral o desionizada). A continuación se adereza la copa con dos Twist, rascando con dos pinzas de hielo la tira de piel para posteriormente enroscarla sobre sí misma. El primero de ellos de naranja y el segundo de limón. Seguidamente, se vierte el champagne o el cava en la copa.

En concreto, “Festival de Cine Dickens SS 2012”, es un cóctel elaborado especialmente para acompañar la nueva edición del Festival Internacional de Cine de la ciudad Donostiarra. Y es que con el presente cóctel queremos celebrar junto al festival de cine de San Sebastian su decimosexta edición, a través de la creación de momentos especiales con sabores que resaltan la belleza y la pasión por el séptimo arte, pero sin olvidarnos del resto de festivales de cine más destacados a nivel internacional, como la Seminci de Valladolid, el Festival de Málaga, el Festival De Cine Fantastico de Sitges y otros muchos. En esta ocasión, para homenajear esta decimosexta edición del Festival Internacional de Cine De San Sebastian, Joaquín Fernández a creado un original cóctel –ideal para recibir con mucho “charme” y sabor las innumerables estrellas que pasaran por la alfombra roja–.

En la segunda parte introducimos en la coctelera el resto de productos; las dos partes de Aperol, otras dos partes de zumo reciente de naranja y una parte de angostura de naranja. Posteriormente se agita fuertemente con vigor. Una vez bien mezclados las diferentes partes se vierte encima de la copa preparada anteriormente. Por último dejamos deslizar el zumo de frutas rojas como introducción para que baje y tiña la copa del deseado color rojo, dando resplandor y colorido al cóctel desde abajo hacia arriba. Como decoración opcional podemos optar por una brocheta de frutas compuesta por uvas o cerezas, como motivo principal.

Se trata sin duda de todo un homenaje al cine y el glamour teniendo como inspiración y base el rojo del éxito y reconocimiento que significa el paseo inaugural por la alfombra de un festival de prestigio como es el Festival de cine de San Sebastian “Donostia Zinemaldia”…

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Noticias 981 Heritage Tras su última edición en 2010, el 981 Heritage confirma su regreso y lo hace por triplicado, con fechas en Madrid, Londres y A Coruña, tres sedes que confirman la apuesta de un festival que tras un periodo de reflexión de casi dos años. La organización quiere que el festival crezca, pero sin perder en ningún momento su esencia. La idea es un festival sin grandes aforos, pero con varias fechas y sedes y donde la electrónica no es un requisito imprescindible. La fecha de Madrid tendrá lugar el 6 de octubre en la Nave de Música del Matadero y los primeros nombres confirmados son Actress, Kode9, Solar Bears, Erika Spring (la componente de Au Revoir Simone, ahora en solitario) y Judah. El paso del festival por Londres será del 21 al 25 de noviembre y desembarcará en The Gallery Soho, con dos actuaciones diarias enmarcadas en el proyecto Spain Now!, los primeros nombres confirmados para la cita londinense son; Cooly G, Old Apparatus, Mweslee, Santiago Latorre. Por último el ciclo se completa con el 15 de diciembre que tendrá lugar la edición coruñesa en el Playa Club, que por el momento no cuenta con confirmaciones en el cartel.

Girando Por Salas (GPS) Este mes de septiembre se lanza por tercer año consecutivo la convocatoria “Girando Por Salas” (2012). Girando por Salas (GPS) nace hace dos años con tres objetivos básicos: apoyar a los artistas emergentes ayudándoles a tocar en directo fuera del área de influencia geográfica de cada uno de ellos. Fortalecer el circuito de salas de música en directo, haciendo especial hincapié en todos esos locales de pequeño formato que día tras día apuestan por la música en vivo dando la oportunidad de dar los primeros pasos a un gran número de artistas noveles. Generándose así un importante caldo de cultivo imprescindible para la cultura popular. Por último, concienciar de las “buenas prácticas” imprescindibles para la profesionalización del sector.Del 10 al 28 de

septiembre se lanza la tercera edición. Artistas emergentes (con al menos un disco editado y un máximo de tres) podrán inscribirse en www.girandoporsalas.com en donde también se pueden consultar todos los requisitos. Los 60 seleccionados disfrutarán una gira de cinco conciertos cada uno por salas de toda España, siempre fuera de la comunidad autónoma de la que son residentes. Los 60 artistas seleccionados entre 1700 solicitudes en la edición anterior ofrecieron más de 300 conciertos en 200 salas de música en directo de todas las comunidades autónomas e incluso en cinco ciudades europeas. Entre ellos pudimos disfrutar de la participación de gente como Abraham Boba, Alado Sincera, Autumn Comets, Burrito Panza, Catpeople, Colectivo Oruga, Cuchillo, Disco Las Palmeras, Extraperlo, Hola a todo el mundo, Igloo, Joaquín Pascual, Klaus & Kinski, La estrella de David, Las Migas, Los Eterno, Luis Brea, Lüger, Mañana, Margarita, Montevideo, Mujeres, Nacho Umbert, Nadadora, Nena Daconte, Niño y pistola, Novedades Carminha, Odio París, Ornamento y delito, Polock, Pumuky, Rusos Blancos, San León, The Birkins, The Right Ons, Tuya, Velocista, Varry Brava y Wild Honey; haciendo memoria y por mencionar unos pocos al azar. Estate atento a la fase de votaciones y luego no te quejes de que tu grupo nacional favorito no visita tu ciudad. Más información www.girandoporsalas.com GPS es una iniciativa del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte a través de INAEM y está gestionado por varias asociaciones profesionales de la música unidas en la Federación del Circuito Estatal

de Músicas Populares. Espectros De Artaud. Lenguaje y Arte En Los Años Cincuenta, Museo Reina Sofía El Museo Reina Sofía abre la temporada expositiva con la muestra “Espectros De Artaud. Lenguaje y Arte En Los Años Cincuenta”, que se inaugura el próximo 18 de septiembre. Esta exposición pretende situar la influencia del artista y escritor Antonin Artaud

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(Marsella, 1896 – París, 1948) en los movimientos de la neovanguardia de la posguerra. La muestra incluirá, además de obras del propio Artaud, trabajos de artistas visuales, escritores, poetas y compositores de Estados Unidos, Francia y Brasil, principalmente, asimismo interesados por cuestiones relativas al lenguaje, el cuerpo y la participación del espectador. “Espectros De Artaud” se estructurará en varios apartados temáticos y explorará el legado de este creador, desde su reinvención del lenguaje hasta la crítica de la institución psiquiátrica (de la que fue paciente y víctima a lo largo de toda su vida) mediante fotografías, libros, revistas, facsímiles

y material audiovisual. WIC, Auto Gestion Independiente El WIC, Winter Indie City, presenta en este curso 2012/2013 en Segovia una nueva edición en la que paso a paso va creciendo y cogiendo cuerpo. La rutilante propuesta que naciera hace un par de años como un modesto ciclo planteado desde el punto de vista del amor y anhelo por la buena música, se reafirma en su criterio con una selección de bandas iniciáticas y no tan noveles, cuyo denominador común es sin duda el brillante futuro, más o menos próximo. WIC es una forma distinta y realista de hacer las cosas, independiente de patrocinadores, auto gestionado por su instinto, movidos únicamente por su criterio alejándose de las corrientes principales del “indie” el WIC ha dado cabida a propuestas que poco después han ocupado en poco tiempo líneas de buenas críticas en medios especializados, conciertos en Radio 3 e, incluso, eran reclamo de muchos otros festivales ya veteranos y con renombre. Por su cartel han pasado Hola a Todo el Mundo, Havalina, Maika Makovski, The Right Ons, Guadalupe Plata, McEnroe, Niños Mutantes y una lista interminable de grupos que han hecho del WIC lo que ahora es: un pequeño gran proyecto basado en hacer las cosas que te salen desde dentro. Porque es la única forma de no equivocarse.Para la tercera edición la característica principal de la novedad sigue imprimiendo carácter a las diferentes bandas que se proponen desde la organización así el ciclo constará de bandas como; Ruidoblanco, Dinero, Fira Fem, Kill Kill, Hans Laguna, Templeton, Last Three Lines, Niños Mutantes, Marzipan Man,Cosmen Adelaida, Las Ruinas, Havalina, Palacio Linares, Juanita y Los Feos, Luis Brea o HATEM, completándose con la propuesta en solitario de Jero Romero y Klaus and Kinski desde el edifico de la antigua carcel de Segovia.

La Cultura no es un Lujo Tras el anuncio de las últimas medidas tomadas por el Gobierno de España relacionadas directamente con materias culturales, un considerable grupo de medios musicales del país hemos decidido unirnos para manifestar una común disconformidad. Esperamos que lo expuesto a continuación sea compartido anímicamente y respaldado dentro de lo posible por nuestros lectores, tan afectados como nosotros mismos.

Todas las cabeceras que firmamos este manifiesto tenemos en común la pasión por la música, que cada cual refleja a su manera, de forma peculiar e independiente. Más allá de eso otra característica nos define prácticamente a todas: salvo algunas excepciones, en nuestras páginas el comentario político había sido hasta hoy, cuando algunas ya están cerca de los treinta años de existencia, tangencial o incluso inexistente. Sin embargo, vivimos un momento histórico extraordinario que requiere de respuestas no menos extraordinarias por parte de todos. No se nos escapa que España pasa por momentos muy complicados. Tampoco que en esta situación se demanda del ciudadano de renta media-baja un esfuerzo enorme que se traduce cada día en cientos y miles de nuevos dramas humanos. A la vez, asistimos atónitos a los beneficios millonarios de los directivos de esas cajas que han quebrado el país, a las suculentas indemnizaciones de altos cargos que abandonan sus puestos de responsabilidad en medio del escándalo, a la indecencia de buena parte de nuestros políticos. En medio de este paisaje el Gobierno ha decidido dar una nueva vuelta de tuerca a una situación ya insostenible tomando una serie de medidas que condenan a la ciudadanía en general a poco menos que la indigencia y a un sector determinado, el de la música y la cultura popular, a la desaparición. Entre las medidas adoptadas el pasado viernes 13 de julio se encuentra el incremento del 8% al 21% del impuesto del valor añadido (IVA) sobre el precio de las entradas a salas de cine, teatros, festivales musicales y conciertos. Es el definitivo golpe de gracia para un sector que depende del gasto en ocio para su supervivencia y que ha ido viéndose acorralado progresivamente por las decisiones de nuestros gobernantes. Porque en el mundo de la música popular, a diferencia de otros sectores industriales e incluso culturales, la subvención siempre ha sido escasa cuando no directamente nula y, sin embargo, la lista de zancadillas a la iniciativa privada por parte de las Administraciones es interminable: desde la promesa incumplida por parte del anterior Gobierno de considerar los discos y directos como producto cultural y rebajar su IVA al 4%, hasta la prohibición a acceder a una sala de conciertos a los menores de edad, pasando por las periódicas trabas a promotores y hosteleros para impedir que programen música en directo. Especial hincapié merece la nula respuesta que han dado nuestros gobernantes durante la última década al problema de las descargas ilegales, que se ha llevado por delante infinidad de puestos de trabajo en discográficas y distribuidoras. Discográficas, distribuidoras, promotores, salas, empresas de promoción y comunicación, técnicos y por encima de todo músicos son los damnificados del desprecio y hasta rencor que muestran nuestros gobernantes para con un sector que supone buena parte de ese 3% del PIB generado por la cultura y que se encuentra en proceso de descomposición. También uno de los mejores escaparates posibles para esa marca “España” que a nuestros

políticos tanto les gusta pasear: ¿alguien duda lo mucho que hacen por la imagen y la economía de este país nuestros músicos o festivales? Por supuesto entre los damnificados también nos encontramos nosotros, la prensa especializada, que vemos cómo la publicidad (una importante fuente de ingresos. Y otra vez insistimos: que no el dinero público) se bate en retirada. Primero se fueron las discográficas como consecuencia de las nulas ventas, luego las grandes marcas a causa de la caída en el consumo y ahora lo harán los promotores, salas y festivales, condenados por la subida del IVA del ministro de Hacienda, el señor Montoro. Esto, unido a la inevitable caída de las ventas de quiosco, definitivamente nos deja en una situación difícil de sortear. Por eso, la razón de ser de este manifiesto es doble. Por un lado, mostrar nuestra absoluta solidaridad con el resto de compañeros del mundo de la música, brindar nuestro apoyo y demandar el suyo a la vez: si de todo esto algo se salva será únicamente por la fuerza que mostremos unidos. Y por otro, dirigirnos a todos los que nos leéis, que nos consta que sois muchos y fieles. Lo cierto es que el tiempo se ha acabado y nos encontramos ante un ahora o nunca: o reclamamos aquello que consideramos justo o nos veremos privados de ello para siempre. Y esta advertencia se refiere tanto a la posibilidad de ver a tu grupo favorito tocando en tu ciudad como al acceso a la educación y la sanidad. No nos corresponde a nosotros señalar a unas siglas concretas, pero sí pedirte con todas nuestras fuerzas coherencia y que actúes conforme a tu conciencia desde hoy mismo respecto a todo lo que está ocurriendo a tu alrededor, vivas en Barcelona, Madrid, Burgos o un pueblecito de Galicia. No te calles. No te acomodes y reclama lo que consideras que es justo. Y si a pesar de nuestro esfuerzo nos lo siguen negando, no te olvides de cuanto ha ocurrido estos últimos años cuando llegue la hora de votar. Firma A Viva Veu, ARDEmag, Bi Fm, Binaural, Blogin’ In The Wind Clone, Club De Música, DJ Mag, El Enano Rabioso, Efe Eme Enlace Funk, Fantastic Plastic Magazine, FREEk!, Funkmamma, Gent Normal, Go Mag, Guía del Ocio BCN, HH Directo H Magazine, Hip Hop Life, Mariskalrock, Indienauta, Indiespot, Jenesaispop, Klubbers, La Heavy, La Ventana Pop, Lados Magazine, MondoSonoro, Muzikalia, Numerocero, Orbita, PlayGround, Revolver, Rockdelux, Rockviu, Rockzone, Rock Estatal, Ruta 66, Time Out Barcelona, The Metal Circus, This is Rock, Versos Perfectos, Vicious, We Go, Zona De Obras. Ilustración Pepo Pérez

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