Issue#65: Flúor

f: núria rius

flúor

staff

il: amaya arrazola (aamaiaa.blogspot.com)

Portada: Marcos Cabrera (www.marcoslatragedia.com) Edita: Edicions La Nit., S.L.U. Bruc, 82 bajos (BCN) +34 93 272 49 80. Fax: +34 93 272 49 81 / Dirige: Eva Villazala > eva@lamono. net / Editora Gráfica y coordinadora de contenidos revista impresa: Núria Rius > fotografia@lamono.net / Dirección de Arte & Diseño: Hernán Verdinelli > hverdinelli@gmail.com / Maqueta original: Iñaki Guridi & Pau Aguilar (bang-bang.ws) / Música y blog: Natalia Brovedanni > natalia@lamono.net / Moda: Xavi Ocaña > xavi@lamono.net / Directora comercial & P.R.: Anthya Tirado +34 615 087 531 > anthya@lamono.net / publicidad@lamono.net / Fotos, blog, vídeos, arte, crítica social & constructiva: yuppi! eff productions (fran gallego & julio amores) / Blog lamono walking in berlin: Marina Morell / Redactan: Cristina Alaber + Txema Argente + Alex Brahim + Nati Brovedanni + Alex Ceball + Clara Duch + Ferenz Jacobs + David Moreu + Xavier Ocaña + Ana Paula Tovar + Berta Pfirsich + Raquel Ruiz + Rosa Ruiz + Lara Turner / Fotografían: Ceci Díaz + Cristian Oliva + Alba Pardo + Núria Rius + Thomas Williams / Ilustran: Amaya Arrazola + Pol Anglada / Traducción inglés: Mireia Vaquero + Lawrence + Kiely Sweatt / Imprime: Comgrafic S.A. / Depósito Legal: B 516664-03 / Distribuye: Tengo un Trato, S.L > www.tengountrato.com

www.lamonodigital.net www.lamonodigital.net/blog Tweet us Hazte fan >FRASE DEL CIERRE: “Se puede ver, si lo sabes ver” by Eva. “Anthya es un paquetito de sorpresas íntimas” by Núria.

“Hay otras formas de untar la Nutella” by Ángel Ito. >HIT DEL CIERRE: A fluor de Derribos Arias (www.youtube.com/watch?v=bjOFFIM6dnM) Este mes de junio ha sido muy movido y tenemos que agradecer su implicación con lamono a: Miniature Films, Barcelona Té Sang (The Love Comes), Hospital Sant Pau y Medusa Team. ¡Muchas gracias por vuestra motivación y paciencia, ha sido un gustazo trabajar con vosotros!

Lamono no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores.

No reproduzcáis los textos ni imágenes aquí presentes sin consultarnos.

actualidad invigente

t: txema argente

FLÚOR El flúor es el elemento químico de número atómico 9 situado en el grupo de los halógenos (grupo 17) de la tabla periódica de los elementos. Su símbolo es F. Es un gas a temperatura ambiente, de color amarillo pálido, formado por moléculas diatómicas F2. Es el más electronegativo y reactivo de todos los elementos. En forma pura es altamente peligroso, causando graves quemaduras químicas en contacto con la piel. Para Antonio, semejante información supuso la “bomba”. Y nunca mejor dicho. Antonio, un pulido espíritu terrorista, había acumulado ya las suficientes heridas, las suficientes derrotas, las suficientes humillaciones como para querer destruir este mundo. Bueno, lo que le interesaba realmente era destruir al ser humano como especie, ésa que había generado tanto dolor en su silencioso corazón.

Pero ahora, aparte de las ganas, había que tener los elementos necesarios para acometer empresa de tal tamaño.

Antonio soñaba con un atentado global, el atentado perfecto. Nada de exterminar sólo a los españoles, nada de eso.

Quería limpiar el planeta de humanos; su razonamiento le llevó a pensar que el resto de habitantes del planeta sería más o menos como los españoles, y con eso ya le bastaba. Así que bajó al cibercafé de al lado de su casa y comenzó a informarse de todos los medios que había para suprimir la raza humana de la faz de la tierra. La verdad es que existían multitud de “soluciones finales”, pero todas eran la hostia de caras. Tenía que encontrar algo barato. Así que cuando descubrió esta información referente al flúor, creyó haber encontrado la solución. “En forma pura es altamente peligroso, causando graves quemaduras químicas en contacto con la piel.”. La pasta de dientes contenía flúor. La pasta de dientes era barata. Necesitaba únicamente saber descomponer la pasta para aislar el flúor y utilizarlo terroristamente. Pero este proceso, obviamente, no lo explicaba Internet. Ahora mismo, Antonio está a punto de graduarse en Químicas. Han sido cinco años duros, pero ahora ya sabe qué hacer.

t: xavi ocaña

OBEY _SIN USO MODERADO

Jason Jesse. f: Jon Furlong

¿Cómo habría sido mi vida si hubiese sido responsable? Todos nos hemos hecho esta pregunta alguna vez. Seguramente hubiese sido mejor, pero no tan intensa, ni tan real. Somos más felices haciendo lo que queremos, que haciendo lo que debemos. Lo mejor es aceptarlo, como hizo en su momento Jason Jesse, una leyenda viva del skateboard, antiguo miembro del equipo Santa Cruz, controvertido y polémico y autor del film Pray For Me, en el que muestra su modo de vida: el exceso, sin moderación. Toda esa filosofía es la que recogen los productos de su colaboración con Obey: un póster con una ilustración del rider, una tabla de skate igualmente ilustrada y una serie de camisetas repletas de street a base de motos y coches conducidos, estamos seguros, por tipos duros. Una colaboración gamberra que te viste para entrar en el lado oscuro y te lleva rodando hacia tus instintos. Bienvenido a la let if flow attitude. ¿Estás listo? www.obeyclothing.com

SKULLCANDY _REINVENCIÓN MUSICAL

Nos exigimos la perfección, dar la talla en todo momento. Tantas energías dedicamos en demostrar lo mejor de nosotros, que a veces se nos olvida lo que somos. Para ello llegó la música a nuestras vidas: para encontrarnos. Por ello llegó también Skullcandy: para conectarnos con ella. La marca presenta la renovación de su emblemático Lowrider. Los auriculares vuelven a la vida para sentirla sin limitaciones, en colores que van de los clásicos a los más atrevidos, dejando atrás el plástico y ofreciendo un acabado mate satinado, mucho más apetitoso. Dado que reinventarse puede ser un proceso delicado, el nuevo Lowrider llega con cubre orejas de piel suave. Y como no hay expresión sin comunicación, también incorpora un micrófono compatible con iPhone y Blackberry. Cuando olvides que pase lo que pase fuera, tu interior sigue estando ahí vivo, detente, sube el volumen y piérdete en tu sonido interior para encontrarte luego fuera… reinvéntate. www.skullcandy.com

imperdibles

t: xavi ocaña

PULLIN _COMPARTIENDO AL EQUIPO

Somos uno, un solo individuo. El punto de inflexión está en darse cuenta de que aún siendo en soledad, no estamos solos. Formamos parte de un equipo en el que si uno gana o cae, nosotros también. Solo cuando se comWRANGLER _LIBERTAD MENTAL parte lo propio, el resto tiene sentido. Skaters como Dicen que hasta que no hemos vivido lo malo, no sabe- Bastien Marlin, Jeremy Grousset o Jeremie Grynblat mos apreciar lo bueno y que no valoramos lo que tene- forman parte del equipo de Pullin. Si para compartir mos, hasta que lo perdemos. Tal vez por eso cuando antes debes tener algo que aportar, los riders viven dejas de sentirte libre, sabes lo que harías con tu liber- compartiendo su amor por lo street rodando por todas tad. De ahí nace la colección Prison Rodeo de Wrangler, partes (bancos y fuentes incluidas). Cada uno aporta al inspirada en los presos que ejercían su libertad cus- otro su personalidad única, captada en la campaña que tomizando cada una de las creaciones que vestían el han protagonizado junto a su material personal y en los día del rodeo, a base de parches, bordados y pintadas. trips que organizan para rodar juntos por el mundo.

La marca recoge ese espíritu y le suma estampados a Si buscas en tu interior, lo encontrarás y cuando lo rayas, el color naranja y jeans deslavados, rotos y cosi- hagas, compártelo y únete al equipo. dos. La libertad es un estado mental, vístete con él. www.pullin.com www.wrangler.com

t: xavi ocaña

oakley _MÍRALO TODO

Para conocer la realidad, debemos verla desde todos los puntos de vista posibles. Sólo entonces, sabremos la verdad. Tal vez esa búsqueda haya llevado a Oakley a querer ver sus famosas Dispatch desde todas las casio _DISFRUTANDO SIN CONTROL perspectivas posibles con su Signature Series, que Por más que al ser humano le guste tener las cosas bajo hoy presenta la edición especial inspirada en el entucontrol hay algo que jamás podrá dominar: el tiempo. siasmo y la vida de dos iconos del deporte. Un modelo Tiene sus propias reglas, su propio ritmo. La cuestión firmado por el surfista Bruce Irons, en rojo y negro en no es correr más o menos, sino dejar de necesitar ver honor al punk rock y con la bandera hawaiana en las para creer y encontrar la confianza suficiente. Todos varillas, y otro firmado por el piloto Sébastien Loeb, sabemos que cuando te sientes bien, de vacaciones por donde la bandera de los rallies se funde con el icono de ejemplo, es más fácil confiar. El nuevo modelo BGA 200 la marca. Todo esto, sumado a la funcionalidad, tecde Baby-G pretende llevar ese espíritu a las muñecas nología y el estilo personal de los detalles intercamde mujeres activas y con un estilo único y creativo. Las biables del modelo. Mira desde aquí o desde allá, pero líneas simples son las protagonistas, con una esfera de nunca dejes de mirar. cuadros matizados en distintos tonos en forma de G. www.oakley.com Lo nuevo de la línea G-Shock para mujer llega en cinco ricos colores, acabados brillantes, con una correa llena de nervios resistente a los golpes que se adapta a nosotros como un guante y cargado de aplicaciones varias. Hay cosas que nunca han estado en nuestras manos, confía en que el tiempo lo pone todo en su lugar y, si no puedes controlarlo, aprende a disfrutarlo. www.gshock.com

imperdibles

LEVI’S® _actitud vintage

t: xavi ocaña

Por mucho que maduremos, aprendamos y crezcamos, hubo una época en la vida de todos en la que no fuimos lo mismo. Una época donde no entendías nada y todo te afectaba sin más. Si miras atrás seguro que encuentras a aquella persona a quién admirabas, aquel amor no correspondido. La nueva colección Levi’s® Red Tab® se inspira en el carisma de todos ellos para crear sus nuevos looks, de aires vintage y Varsity. The Jock, el líder del equipo, y The Princess, la capitana de las animadoras, se visten con camisas de cuadros, camisetas con gráficos de póster (ellos) y animales (ellas), chaquetas denim y jeans desgastados, rotos y reparados, además de compartir el uso de los pantalones estrella de la temporada: el chino, que vuelve en varios colores. Llegó la hora de vestirse de actitud y saldar viejas cuentas. www.levi.com

EASTPAK _PUENTES URBANOS

Dicen que la historia es un péndulo que va y viene, de hecho, nos pasamos la vida cruzando puentes que nos llevan de un extremo a otro: de la construcción a la destrucción, del amor al desamor, de la responsabilidad al descontrol. En uno de esos puentes, en el que lo urbano se une con el lujo, encontramos la nueva colaboración de Eastpak con el diseñador Gaspard Yurkievich: In love with beauty. Aquí el artista interpreta el universo de bolsas de la marca para ofrecernos nuevos conceptos de mochila, bandolera, riñonera, billetero, bolsito multimedia, shopping bag y neceser.

Una línea homenaje al movimiento Buffalo de los años 80, que buscaba la belleza en las cosas del día a día, en la que a la funcionalidad de la marca se le suma la sofisticación parisina de su creador. El accesorio perfecto para cruzar el puente que va de la obligación a la devoción y viceversa. www.eastpak.com

Frosti Gnarr

Gavin Watson

t: xavi ocaña

55 DSL _¿LO HAS ENCONTRADO?

No es malo pasarse la vida buscando, de hecho, es inevitable, todos lo hacemos. Pero perdemos tiempo y energía si nos especializamos en buscar, sin haber aprobado nuestra asignatura pendiente: disfrutar de lo encontrado. Para ayudarnos, podemos apuntarnos a las clases de 55DSL. Su nueva colección sigue fiel al optimismo urbano y a la actitud fresca y dispuesta a disfrutar en todo momento. Todas las prendas se reinventan en fabricación, detalles y nuevos fits adaptándolas para exprimir al máximo cada situación: gráficos y deporte para el día a día y tonos neutros salpicados de color para las noches de clubbing, nuevos jeans a todo color y una edición súper limitada de t.shirts 10.55, firmada por artistas gráficos de todo el globo.

Deja de buscar y disfruta. www.55dsl.com

imperdibles

t: xavi ocaña

LOMOGRAPHY _OJOS PARA TODO

Muchos sabemos que lo que vemos no es todo lo que hay.

Existen puntos muertos, pestañeamos, damos la espalda, nos cegamos… Para ver lo real, a veces hay que leer entre líneas. La Spinner 360º de Lomography nos va a ahorrar energías porque lo capta todo: tan sólo debes tirar del gatillo y el objetivo girará sobre su propio eje capturando todo cuanto se cruce a su alrededor. Es única, funciona sin pilas, tiene más de diez estilos distintos de disparo y (un dato que nos encanta) es analógica, sí, funciona con carrete, como antes. Porque se nos ha olvidado que desde siempre, todo está ante nuestros ojos. ¿No lo ves? www.lomography.es

RAY-BAN _CON LAS MANOS

El contacto. Nos gusta y a veces es lo único que necesitamos: sentir el tacto, tocar o ser tocados. Es como si a través de las manos una persona depositara algo bueno de sí mismo en aquello que toca. La artesanía se convierte en la protagonista de la nueva colección Ray-Ban Craft. Una nueva interpretación de sus icónicos modelos Outdoorsman, Caravan y Wings a base de piel cosida a mano en la barra superior y en las terminaciones de las varillas. Los detalles de lujo y calidad material rinden tributo a la tradición y al propio legado de la marca, lleno de colores, estilo y autenticidad. En un ciber-mundo lleno de tecnología, las manos deben tocar más que nunca. www.ray-ban.com

imperdibles

t: xavi ocaña

INSIGHT _NUEVAS CONVICCIONES HAVAIANAS _PLANES DIVERTIDOS

Especialidad del ser humano: hacer planes. Creemos conocer la realidad y planeamos en función de ella.

Es importante tener un objetivo, una meta, pero más importante aún es no vivir condicionado y ser capaz de aprovechar aquello que la vida nos brinda. En este caso es Havaianas la que nos cambia los planes y los hace más divertidos con su nueva colección MYOH: Make Your Own Havaianas. Si hasta ahora habíamos aprendido que debíamos ir a una tienda y escoger, hoy la firma de sandalias nos enseña que podemos ir a la tienda y crear. Con su nuevo proyecto nos permiten elegir entre sus diferentes suelas y tiras de colores, pins varios y hasta cristales de Swarovsky, convirtiéndonos en diseñadores y creando un modelo único de las famosas flip flop. Cuando tus objetivos no te dejen disfrutar de lo que tienes delante, sé creativo, ve más allá, ordena de nuevo las cosas y vuelve a la diversión. www.havaianas.com

Queremos estar totalmente convencidos de lo que hacemos. Mientras esperamos esa especie de iluminación, el mundo se mueve y seguimos inmóviles. Tal vez lo mejor que nos podría pasar sería que nos invadiera el espíritu nómada que inspira la nueva colección de Insight: tener el valor de movernos y vivir, sin miedo a qué dejamos y a qué encontramos. Viaja desde la modernidad hasta los colores de los ’70, rodéate del secreto underground del arte rock del Mudd Club de ese New York del ‘82, pasa un mes con la banda en la carretera y entonces tendrás la nueva, usada y genial colección de la marca. Si no es aquí, será allí, si no es este será esta, la cuestión es que será. Parece que pasamos demasiado tiempo dando la importancia equivocada a las cosas equivocadas: nada tiene tanto valor, vuélvete nómada y muévete. www.insight51.com

REPLAY _Vuelta a los orígenes

Todo lo que va, vuelve. Hace ya más de treinta años que el fundador de REPLAY, Claudio Buziol, viajó al Far East y se quedó prendado con la excepcionalidad de un tejido japonés que hasta hoy representa la quinta esencia del jean. De eso ha pasado mucho tiempo, pero la materia primera de esos primeros pantalones ha vuelto a los talleres de la marca en Italia para demostrar que en los tiempos modernos que corren lo primero son las manos y la artesanía que surge de ellas. Red Seal es la nueva línea de culto para el denim masculino con la que Replay se presenta este otoño. Lleno de detalles, este modelo destaca por el lavado con soda, la abrasión con piedra pómez, los remiendos, el efecto sucio y las manchas de cloro. ¡Los años embellecen! T: Erika Leiva. www.replay.it Foto: Ceci Díaz · Modelo: Izaro · Total look de BENCH · www.bench.co.uk

CARHARTT _CURIOSIDAD SKATER

La curiosidad es uno de los motores de la vida de cualquier ser humano, nos encantan los retos: queremos conocer los secretos, abrir puertas, ver el interior de una caja cerrada. Si ayer la curiosidad mató al gato, hoy el gato no morirá, sino que lo verá todo en 3D. Dentro de una caja blanca Carhartt nos presenta su libro de fotografía Skateboarding 3D y con este la marca nos trae una tabla firmada por el artista Stefan Marx. Una tabla que, vista con las gafas adecuadas, está ilustrada en tres dimensiones. Toda una pieza de coleccionista de la que tan sólo hay disponibles 25 unidades que estarán disponibles en algunas de las tiendas Carhartt durante su Tour Europeo de exhibición Skateboarding 3D, que este mes dejJulio y agosto parará en Valencia y San Sebastian. Nunca te quedes con las ganas, hazlo y sacia tu curiosidad. www.carhartt.com

t: xavi ocaña Anaoana Collection · En Coulisse · S*S 2010 · Photos: Landry A. · Make-up: Rebecca Kronvall · Artwork: Limbo Family Models: Jackson & Laura · Special thanks to Facu & Fancy Nancy

imperdibles

ANAOANA _APRENDER A BRILLAR

El ser humano es una combinación perfecta de lo que el universo nos enseña y aquello que aprendemos de nuestro interior. Nos han enseñado que si al caer la noche elevamos nuestra mirada al cielo, veremos las estrellas. Pero debemos aprender que no es necesario ni la luna, ni mirar hacia arriba, que incluso de día y a nuestro alrededor, las estrellas brillan ante aquellos ojos que saben apreciarlas. Anaoana nació en una época con estrella (los 80), en una ciudad con estrella (Barcelona). Tras dedicarse a aquello que la hace brillar, la moda, creó glint en 2006. Desde entonces su creatividad no ha dejado de cultivarse junto al talento de grandes artistas y creadores como Miss Van, Magda Antoniuk o Lusesita. En su última colección, los volúmenes oversize sustituyen al miedo y las cinturas marcadas de los ’50 bailan al ritmo marcado por el talle alto y los contrastes de colores nude y tonos pastel fundidos en negro con volantes, pinzas y trenzados sobre un background liso tocado por estampados llamativos. Un mundo que brilla entre susurros desde el corazón, de Barcelona. Aprende desde dentro y que la luz lo inunde todo. www.glintshop.com www.anaoana.com

FRANKLYN & MARSHALL _PASADO, PRESENTE Y…

Preocuparse por el futuro y no ser capaz de despegarse del pasado es típico del ser humano, no somos precisamente la personificación de la diversión. Tal vez debamos dejar a un lado todo lo grande que puede resultar nuestra existencia para ser capaces de disfrutar a pequeña escala: aquí y ahora. Franklyn & Marshall nos ayuda captando lo fascinante del pasado y la modernidad del presente en su nueva colección.

Una mezcla que nos lleva de los cuadros escoceses a los detalles metálicos, de la estampación acuarela a camisas con capucha, donde la teddy jacket se convierte en la estrella de la temporada y llega en todas las versiones que podáis imaginar. Los volúmenes ligeros conquistan prendas bañadas por azules, morados y verdes. Reduce tu perspectiva y relájate. www.franklynandmarshall.com

NUDIE JEANS _TEJANOS MÁGICOS

Un clásico nos enseñó que frotar nuestros talones con unos zapatos rojos era la forma de salir de Kansas. Dejar algo atrás parece haberse complicado demasiado. Por suerte, lo real siempre estará ahí, aunque con otra forma. Hoy nos llega la nueva colección de Nudie Jeans, en la que el punto, las camisetas y sudaderas combinan una doble tintura negra y azul muy intensa. Los tejanos, con 7 fits diferentes y 5 nuevos lavados, llegan en ese azul oscuro casi negro contrastando con gastados y abrasiones. Además, se han sometido a unos tratamientos que los han dotado de una textura única en contacto con la piel, convirtiéndose así en ideales para dejar atrás lo que no queremos e ir adelante hacia lo que deseamos. Frota tus piernas y vuela. www.nudiejeans.com

imperdibles

OSIRIS _RODAR ANDANDO

Los chicos del equipo de Osiris lanzan la línea Rider Revolt y comparten con nosotros las zapatillas con las que cada uno recorre (o rueda) su propio camino, juntos. Cada rider ha dejado volar su creatividad para dar a cada uno de los modelos de la serie su propio estilo a través del diseño, los colores y materiales. Osiris está decidida a compartir, hasta tal punto de ofrecernos un modelo firmado por Stu Graham en colaboración con la marca Creature. Dime quién camina, cuando se puede rodar. www.osirisshoes.com

hi-Fun _Días de playa

Preparar todo aquello que necesitas para ir a la playa es a veces algo molesto. Toalla, gafas de sol, crema solar, reproductor de música. ¡Lo que nos gusta es llevarnos la casa a cuestas! Aunque, seamos sinceros, con algo de música, una toalla y cuatro cosas más, ya tenemos más que suficiente para un perfecto día de sol. Este verano, si no quieres llenar la bolsa de cosas absurdas que sólo provocan un exceso de peso cargado sobre tu espalda, puedes optar por un nuevo invento: el hi-Sun, una toallamochila que nos presenta hi-Fun. Llegas a la playa, la despliegas y ya estás listo para disfrutar de una interminable jornada. Hi-Sun incluye, además, un altavoz que te permite escuchar tus canciones favoritas desde tu reproductor MP3. T: Cristina Alaver. www.hi-fun.com

Ella lleva chaqueta Nikita, camiseta Vans, tejanos Nudie Jeans y zapatillas Van. Él lleva camiseta My Office Clothing, tejanos Nudie Jeans y zapatillas Vans. f: Alba Pardo (www.albapardo.com)

t: xavi ocaña

il: pol anglada (mocomann.blogspot.com)

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b路a路z路a路r 1 www.reebok.com 2 www.nike.com 3 www.kangaroos.com 4 www.shoethebear.com 5 www.vans.com 6 www.date-sneakers.it 7 www.lacoste.com 8 www.adidas.com 9 www.footlocker.com 10 www.suprafootwear.com 11 www.elementskateboards.com 12 www.k1x.es 13 www.l-r-g.com 14 www.replay.it 15 www.bape.com

imperdibles

t: cristina alaber

Un espacio mágico y fascinante María León es una artista que desde 2007 trabaja en la creación de personajes salidos de un mundo completamente mágico, un lugar al que ella llama el mundo del hombre sapo.

Camisetas y muñecos de trapo son los soportes donde María expresa su devoción por la magia.

He dado a conocer mi trabajo como el mundo del hombre sapo, porque ¡así lo quiso el sapo! Un día se manifestó, y saltó a un papel desde las profundidades de mi mundo.

Me cogió de la mano con su patita, me enseñó a saltar y poco a poco me fue enamorando. Este hombrecillo verde es un ser mágico y a la vez terrenal, lleno de mensajes positivos e ingenuos. Es la representación de lo básico explicado con un poco de color. Me identifico totalmente con este personaje, de hecho, él es mi parte absurda, ingenua, infantil, monstruosa y a la vez divertida. El sapo no entiende de cosas tristes, ni aburridas, su mundo es la parte amable de cualquier persona, es todo lo bueno que alguien puede sacar de uno mismo. Por eso yo lucho cada día para que mi mundo se parezca más al mundo del hombre sapo. A veces lo logro, otras no. Además, el hombre sapo ayuda a la gente a decir cosas que tal vez no se atreven a decir con palabras, o sí, pero le da más color. El mundo del hombre sapo es una manera de desahogar mi creatividad. Mi proyecto nació el año 2007 como un granito de arena. Desde que el hombre sapo apareció en mi vida, empecé a pintar camisetas absurdas para mí y para mis amigos donde el protagonista era este hombrecito verde.

En ellas se podía apreciar lo mismo que en las camisetas que ahora hago, un diario del hombre sapo, qué es aquello que le gusta y qué es aquello que no… o simplemente el hombre sapo saludando. Más tarde, el sapito que pintaba en mis camisetas pasó también a ser cosido. Y ahí se inició una gran amistad entre mi sapito y la máquina de coser.

Todo lo demás fue cuestión de tiempo. Ya para diciembre de 2009, a la producción de camisetas añadí la creación de muñecos de trapo: mascotas, talismanes y animales solidarios, personajes que nacen con vida propia, con personalidad e intención y que además provienen también de ese mundo mágico. Mi intención no es hacer un feo a las camisetas, pero tengo que reconocer que ahora prefiero a los

muñecos. Cada vez que elaboro a uno de ellos me siento como si los viera nacer. Aunque la ilustración, tanto en pincel como en ordenador, es algo que me encanta, ahora estoy en idilio amoroso con mis muñequitos. La verdad es que no sabría decirte cuál es mi preferido. Es como cuando le preguntan a una madre cuál es su hijo predilecto. Hay muñecos que en su proceso o resultado expresan más que otros, pero todos son casi iguales para mí. Greta, la cerdita glamour, Lui, el vampiro vegetariano, Florinda, la niña primavera, Elena la ballena que fue la primera, todos tienen su qué ¡es muy difícil elegir! Y en cuanto al más curioso, un gatonejo, mitad gato mitad conejo, yo nunca supe para qué lado iba a caminar. Pienso que por ejemplo los talismanes tienen una combinación monstruosa y dulce, en la que el positivismo y los buenos sentimientos están por encima de cualquier diente afilado. Aprendí a coser gracias a mi madre. Ella siempre fue una “manitas” y su máquina fue su mejor aliada. Con mis creaciones intento expresar la parte buena de las cosas. Mi fuente de inspiración está por todas partes, desde Bob esponja hasta Mark Ryden. Creo que la inspiración está a tu paso cada día, es cuestión de ponerte unas gafas con lentes multicolor y dejar de ser adulto por un rato. Antes de dedicarme al mundo de trapo del hombre sapo, pasé por el mundo del pincel con clases de ilustración, por el mundo de las letras con clases de guión para cine y narrativa y también por el mundo de la publicidad en la universidad. Aunque los últimos años, desde que estoy en España, me he dedicado a trabajos supervivencia que no tenían nada que ver con el arte. Mis planes de futuro… ¡invadir el mundo! Me gustaría preparar una exposición y desarrollar más ideas. Aunque siempre siguiendo al hombre sapo… sé que él me guiará. www.elhombresapo.com

disparador automático

t: eva villazala / f: núria rius

Sixe ha eliminado los ojos de sus personajes para el espectador los abra. Esta ha sido una de esas entrevistas disfrutonas, un momento breve pero intenso, un asomar la cabeza a un mundo de color que está en pleno cambio. Y nos ha encantado compartir las inquietudes de un artista que lo mismo se pasea por los murales de Monterrey intentando hacer cualquier cosa menos lo que pinta normalmente, como que se desplaza a la Tate Modern de Londres siendo uno de los seis artistas elegidos para “definir” street art junto a Blu, JR, Nunca, Os Gemeos y el colectivo Fraile. Nos ha encantado compartir sus inquietudes y reflexiones con un riquísimo y enorme pincho de tortilla delante.

La vida da unas vueltas...

Que son para marear a cualquiera. Me doy cuenta de que todo lo que va vuelve.

Quizá es que realmente estoy en un momento de maduración en todos los sentidos, pero me veo haciendo cosas (cotidianas, banales) que antes ya hicieron por mí y me siento orgulloso de ello.

¿Qué o quién te ha proporcionado esa madurez?

Los viajes que he hecho últimamente me han influido muchísimo. Siempre digo que mi ruta por Sudamerica ha sido un viaje psicodélico que me ha permitido ampliar la paleta de colores. He estado en Sao Paolo, Monterrey y Perú con el colectivo Plástico (Nano, Nuria y elTono) y todo lo que he visto, desde las frutas hasta la ropa y las fachadas, surge ahora en mi obra sin que pueda hacer nada por evitarlo. Me he dado cuenta de que he ido absorbiendo todas las experiencias de una forma inconsciente.

SIXEART _Cierra los ojos

¿Cómo es tu relación con el color? Es la base de mi obra. Primero defino la forma y luego aplico el color, aunque al final es el cuadro el que va respirando por sí mismo, pidiendo en todo momento lo que necesita. ¿Cómo definirías tu evolución?

Me cuesta mucho definir lo que hago y cómo lo hago. Trabajo muchísimo en una misma obra, en el boceto, hasta que doy con lo que quiero decir como quiero decirlo, después es la obra quién coge la palabra. Ahora vuelto a pintar personajes, pero he eliminado sus ojos para que el espectador los abra, quiero que el que mira la obra la interprete, guiándose por el título y por todo aquello que le sugiera el cuadro.

¿En qué estás trabajando ahora?

En una exposición que tengo programada para septiembre en la Alice Gallery de Bruselas. Se llama El Nuevo Mundo y es el resultado de mis viajes. Estoy trabajando sobre lienzos de gran formato. Uno de ellos muestra el largo recorrido que realicé por la montaña después de comer peyote. Anduvimos muchísimo y para mí fue toda una introspección que hoy recuerdo de forma muy positiva.

¿Obra secreta?

Claro, tengo series que nunca he mostrado. Me gustaría hacer una exposición algún día. Son cuadros sin color (sólo negro, blanco y rojo) que muestran fórmulas imposibles en un mundo efímero y caótico. Así es como percibo ahora este momento de cambio al que todos nos enfrentamos, como el resultado de una combinación de números impares que no llevan a ningún sitio.

¿Qué es lo mejor que te ha pasado este año?

El movimiento: Una situación impredecible: Los miedos: Las fórmulas matemáticas: Los partners del camino: Una ida: Una vuelta: Un eterno retorno:

Sin duda, viajar y conocer a una chica increíble.

El vuelo de un pájaro.

Observar y mimetizarse.

La muerte.

La clave secreta de los números.

Capítulos y seriales de la vida.

Pellote.

Real de catorce.

A los orígenes. www.sixeart.net

Guerrero. La batalla perdida. AcrĂ­lico sobre tela.1,14 x1,50 cm. 2009.

www.sixeart.net

lamono / núm. 65 / julio - agosto ’10

t: berta pfirsich

Polaroid Land

vecinos

El futuro del diseño está en la comarca

Monkeys

Hay vida más allá de esa Barcelona que alguien definió como la ciudad del Diseño.

MedusaTeam es un estudio de diseño multidisciplinar nacido en Lleida en el año 2005.

Actualmente desarrollan proyectos para múltiples clientes, entre los cuales destacan entidades y clientes como La Caixa, BMW, Mini, Tous, Vueling y Camper, o las agencias DDB Barcelona o Great Works. No son jóvenes promesas, son lo que habían prometido.

Medusa es… un animal, que seguramente amargue un día de playa a algún bañista. Con el team detrás se convierte en nuestro estudio, nuestro nombre de guerra, nuestro equipo.

Os inspiráis en… todo lo que nos rodea, desde una canción, un muñeco freak o un atasco de tráfico. Pasamos muchas horas investigando y buscando fuentes de inspiración, aunque muchas veces nos inspira lo que menos esperábamos.

Wedding Card

Xmas

Algún trabajo peculiar… pues la verdad, nos han pasado miles de cosas, pero la que ahora mismo nos viene a la cabeza ocurrió hace tiempo, cuando empezábamos.

Nos pidieron la imagen corporativa de una asociación de viudas, en la reunión esperábamos a la presidenta o algo así, pero se presentaron 15 o 16 mujeres de diferentes Diseño gráfico en formato… no trabajamos sólo en edades y bastante cachondas. Fue una risa. No recordigital, nos gusta mucho la ilustración, el diseño textil damos ni como era el logo que diseñamos, pero nunca y el collage. En uno de nuestros proyectos, una por- olvidaremos ese día. tada para un grupo de hip hop, recreamos en papel un entorno urbano, recortándolo todo a mano. Cada Teletexto… realizamos el videoclip de Pedro Marín, el soporte tiene su encanto y nos gusta explotar al máximo primero de la historia para el teletexto. Fue una expesus posibilidades. riencia muy divertida, tuvimos que trabajar a una resolución de 39 x 23 pixeles y usando sólo ocho colores, El papel… tiene un encanto especial, es como el formato fue un handicap tener que contar una historia y que se del vinilo, nunca sonará tan auténtico un CD como un entendiera gráficamente con todas esas carencias de vinilo y nunca tendrá tanto rollo un revista en pdf como resolución y gama cromática, pero el resultado fue muy una impresa. Eso sí, no podemos ni debemos parar la bueno. Es un proyecto muy especial para nosotros que tecnología, todo tiene sus ventajas y hay que saber quedó nominado entre los tres mejores videoclips del sacar partido a los nuevos avances. Sin duda, todo estos 2009 en MTV. cambios obligarán a muchas publicaciones a tener que reinventarse.

Vuestro trabajo de autopromoción tiene una tendencia más oscura… la verdad es que a parte del trabajo para Lleida… es nuestra cuna, donde hemos crecido, donde nuestros clientes, nos gusta mucho hacer diseños perhemos besado a nuestra primera novia, donde nos hemos sonales más experimentales, estas creaciones son una conocido, y donde juntos hemos creado MedusaTeam, es vía de escape para nosotros. No todas nuestras obras nuestra ciudad y por eso la amamos. son tan oscuras, también tenemos cosas flúor, tipográficas, collage o de ilustración, pero sí que es verdad que Barcelona como ciudad del diseño, ¿falso mito?… sí, hoy la estética oscura nos tira bastante, somos fans de Star en día lo importante es tu trabajo y tus skills, no importa Wars así que supongo que la influencia del lado oscuro ha tanto dónde estés situado, sino que lo que hagas, lo hagas hecho mella en nosotros. bien. Con la revolución de internet puedes trabajar para todo el mundo sin moverte de tu silla. Claro que en las Mito de la helvética… sin duda una de las mejores tipograndes ciudades hay más oportunidades, pero quizá grafías de la clase “sans serif” que ha servido de influenpor eso tiene más mérito lo que hemos conseguido desde cia para muchas tipografías que han nacido después. aquí. En Barcelona hay más cultura del diseño y más movi- Es todo un clásico y como los buenos clásicos siempre miento, pero estamos muy comunicados con las grandes estará ahí y nunca pasará de moda. capitales. No ha sido un problema para nosotros estar www.medusateam.com aquí, al contrario, es un reto y una motivación.

Sona elpoal

Medusa está compuesto por… Eduard Mateo y Jordi Oró.

Lo fundamos en 2005. Más tarde y cerrando el círculo, se unió como socio y director interactivo Joel Barberá.

El equipo se completa con varios perfiles especializados en diferentes disciplinas, formando un tándem de seis personas.

el de portada

t: clara duch

lamono / núm. 65 / julio - agosto ’10

Enemigo del happy ending En las ilustraciones de Marcos Cabrera (Santa Cruz de Tenerife, 1977) no hay lugar para los finales felices. Monstruos, calaveras y criaturas endemoniadas constituyen el universo creativo de este canario afincado en Barcelona que, desde que las películas de terror y cómics como Creepy lo fascinaran de pequeño, no ha dejado de recrear un mundo particularmente macabro. Ejerciendo una imaginación liberada y sin convencionalismos, sus héroes tienen colmillos y sus doncellas sujetan un hacha. Un imaginario que hoy ilustra camisetas, pósters y skateboards con formas y colores diabólicos que se balancean entre la inspiración skate y la Kustom Kulture americana. Atentos todos, porque Cabrera muerde. artistas que me alucinaban: Richard Corben, Moebius, Carlos Ezquerra o Fernando de Felipe. También algunos números del magazine Skateboarding llegaron a mis manos.

Por aquella época, todos en el barrio en el que vivía andábamos enfermos con el tema del skate, pero quizás, en ese instante, a mí me volvían más loco los dibujos que aparecían en las tablas y toda la estética que los rodeaba, que tirarme a la calle a hacer trucos. Al contrario, me quedaba en casa dibujando todo lo que me alucinaba. Luego di con los nombres de las personas que estaban detrás de esos trabajos: Jim Phillips, Robert Williams, Pushead, Cortland Johnson, Andy Howell, Jay Ryan, etc. Llevo dibujando monstruos y criaturas malotas desde que era un crío, y creo que ya es tarde para cambiar. Bueno, la verdad es que no me veo dibujando ilustración para moda o personajes que desprendan buen rollito. De hecho, en las historias me gusta mucho cuando el dragón acaba con los caballeros, el ogro se come al héroe o el chalado de la motosierra acaba con la parejita más popular del insti. Los Zenobitas de Hellraiser, creados por Clive Barker, me parecen maravillosos. Y también todos los temas de la Kustom Kulture americana. Ed Roth, creaMano

Que yo recuerde nunca he soltado un lápiz. Siempre he estado dibujando: en las paredes de mi habitación, en mi pupitre y en los libros de clase. Creo que en el fondo siempre pensé que me terminaría dedicando a ello, pero era raro, como que lo veía lejano o un poco imposible. ¿Quién me pagaría por un dibujo de un monstruo vomitando su cerebro, mientras se desliza colina abajo subido en un carro de la compra? En un principio, la salida laboral la vi enfocada únicamente en el diseño, primero en el diseño impreso y luego en el diseño web. Durante los años en los que trabajé en algunas agencias de comunicación, perdí un poco el hábito de dibujar y me centré, casi únicamente, en el trabajo de diseñador, sobre todo cuando empecé a tocar el tema del diseño de webs. Con el cambio de aires de la llegada a Barcelona, enfermé otra vez terriblemente de ganas de coger cualquier cosa y dibujarla. Desde entonces hasta ahora no lo he dejado de hacer. El principio de todo debió ser cuando tendría unos 11 o 12 años. Por aquella época ya dibujaba muchísimo, pero hubieron algunas cosas que me marcaron: las películas de terror, los cómics y las revistas del momento (Zona84, Cimoc, Totem…). Conocí a muchos

escáner son increíbles. Lo que antes te podría llevar un par de tardes, ahora lo haces en un par de horas. Podría decir que la aportación más importante de las nuevas tecnologías en mi trabajo ha sido el considerable ahorro de tiempo. En cuanto a la difusión, creo que todo el tema de las redes sociales ha sido de gran ayuda, sobre todo myspace.

Muchos de los trabajos para algunas marcas han salido directamente del contacto mediante esta red social, así como también el contacto con algunas publicaciones o proyectos artísticos en los que participar. Con estas marcas supongo que coincidimos por el tipo de estética, y en algunos aspectos, como en el caso de Ironfist o Vans, el estilo de mi trabajo y la filosofía de la marca casi van de la mano, o al menos yo lo veo así. En otros casos, como lo fue, por ejemplo, con Rome SDS, simplemente buscaban un tipo concreto de ilustración que encajaba con la mía. Si miro mis trabajos desde los primeros hasta los actuales, lo que más puedo destacar es una formalización del trazo y un uso del color más contrastado. Ahora también me atrevo con según qué temas que antes no tocaba. Encuentro, quizás, que mis trabajos ahora tienen un toque más oscuro y serio.

Con el tiempo he ido organizando mi forma de trabajar, por decirlo de alguna manera, en fases o etapas: boceto, negros, coloreado, matices..., lo que me permite llegar más rápido a los resultados que busco. En un futuro quiero continuar viviendo de mis ilustraciones y diseños, seguir colaborando en nuevos proyectos, participar con otros artistas, conocer gente nueva para desarrollar ideas, etc. Este mes participo en un evento de Kultura Kustom en Florencia: kustom kulture art show > Kustom Maniacs and Speed Freaks, exponiendo algunos de mis trabajos. También colaboraré en la exposición Ambiguous & lamono en Vallery interviniendo una bolsa de agua, y en la de Missi Missi que tendrá lugar durante el próximo The Brandery. Por otro lado sigo trabajando con algunas marcas emergentes, algunas de skate como Almask8, y estoy muy contento con los resultados.

Además, tengo un proyecto de tiradas de edición limitada de mis ilustraciones sobre camisetas y otros soportes y muy pronto empezaré a moverlo. Y por supuesto, quiero seguir dibujando monstruos y seguir pasándomelo bien con ello. En el momento que ocurra lo contrario, tendré que pensar un cambio de profesión, ¿quizás entrenador de boxeo de calamares gigantes? No sé. www.marcoslatragedia.com Colega

lollipop

dor de la Rat Fink, me ha alucinado desde siempre. El motivo inicial para mover la base a Barcelona fue seguir estudiando. Nada más terminar la universidad, continué algunos años trabajando en algunas agencias de comunicación en Tenerife, y cuando estaba empezando a cansarme de aquello, me surgió la oportunidad de irme a Barcelona a seguir desarrollando mi formación artística. No me lo pensé un segundo. Además, las posibilidades de seguir mi carrera como ilustrador o diseñador en Barcelona eran infinitamente mejores. Añoro mi familia, mis amigos y la isla, pero en cambio ahora disfruto muchísimo con mi trabajo y mi situación actual. Muchas veces cuando estoy con el lápiz en la mano y empiezo con las primeras líneas a esbozar algo, pienso ¿qué es lo que no se debería hacer si existiera esta o aquella situación? o ¿qué conceptos no encajarían o serían más agresivos o desagradables de una u otra manera?

Entonces busco una manera de que encajen. Con los colores creo que trabajo más o menos de la misma forma. Me gustan los contrastes y uso mucho el negro para definir las líneas y los detalles de los personajes que dibujo. A la hora de trabajar, paso delante de la pantalla del ordenador más tiempo que delante del papel. Las posibilidades que te ofrecen algunos periféricos como la tableta gráfica o un simple

arte

t: raquel ruiz diego

Dicen de James Roper que es el creador de la “Hiperactividad Óptica” por la mezcla de texturas, colores y abstracción que se encuentra en la mayoría de sus obras. Nacido en Inglaterra y afincado en Manchester, este artista de 28 años trabaja influenciado por las religiones orientales, la pornografía, Hollywood y la animación. Su obra es visceral, está llena de explosiones de color orgásmicas y de espiritualidad. Ha expuesto en Barcelona, Londres, Milán, Los Angeles y New York, entre otros lugares.

Actualmente trabaja en la animación de sus dibujos y espera que algún día la crítica comience a analizar sus obras de forma individual, porque, según él, hay piezas que no tienen nada que ver entre sí. www.jroper.co.uk El sistema límbico del cerebro se ocupa de las principales partes de nuestra psique y de acciones corporales tales como el ritmo cardíaco, la digestión o el despertar sexual. Siempre me ha interesado que mis proyectos conecten directamente con esa parte de nosotros mismos, del uno emocional antes de que la lógica aparezca y golpee nuestros adentros. Por eso, mi labor es muy sensitiva, mis obras son el canal de mi energía, dado que en la vida cotidiana no suelo ser muy expresivo. Mi vida diaria es muy ordenada, introduzco todo el caos en mi trabajo, descuidando experiencias reales para profundizar más en la creación visual. Siempre me ha interesado conocer lo máximo de todo: la idea última, la imagen, la experiencia, un algo más allá de lo ordinario y aún más allá de lo que podríamos considerar ‘último’. Hay una idea presente en la mayoría de las religiones: la posibilidad de trascender el cuerpo y encontrar algo mejor. Todo lo que experimentamos, lo hacemos a través del cuerpo, de los cinco sentidos, por lo que hay limitaciones. He leído mucho sobre filosofía oriental y he practicado meditación zen durante los últimos diez años. Desde mi punto de vista, parece que sólo cuando separamos las ideas preconcebidas y vivimos nuestras experiencias a través de los sentidos, se puede experimentar ‘la Verdad’. La gran ironía es que las actividades más sensuales, que deberían despertarnos para ver la realidad, nos enredan más en nuestros distorsionados pensamientos. La comparación que hago entre la liberación espiritual de las personas en contra de la religión y los pecados y entre las mujeres de Rapture se debe en parte a las descripciones del éxtasis religioso en los escritos de Santa Teresa, que son comparables a un orgasmo sexual. La represión del deseo de las monjas y los curas me fascina: la mayoría de la gente expulsa la energía a través de arrebatos sexuales, emocionales y violentos.

Esa energía debe ser liberada de alguna forma y creo que el cerebro trata de encontrar la liberación a través de sensaciones mentales que dan lugar a lo que se interpreta como “experiencia religiosa”. Negando al cuerpo lo que viene de la mente, o forzándolo. La serie del éxtasis casi

prevé lo que sucedería si a las estrellas del porno no se les permitiera expresarse sexualmente. Estoy muy interesado en la filosofía oriental y en la idea de los cuerpos como vehículos del alma, qué se mueve de un cuerpo a otro. La serie Rupture es una forma abstracta de la energía liberada después de la destrucción del cuerpo continente. El coche es controlado por un cuerpo y el cuerpo aparentemente por el alma. Me gusta separar capas para obtener el núcleo que hay detrás de lo que normalmente vemos. Las esculturas de papel Construc y Devotion me llevaron tres años. Hice ambas piezas como proyectos paralelos a mi pintura, iniciando un sistema que me permitía producir una gran pieza de trabajo, a través del lento proceso incremental, sin tener que tomarme demasiado tiempo. Siempre me atrajo la idea de hacer un objeto en 3D de algo que es 2D, de poder tomar cualquier viejo trozo de papel y hacer algo sin utilizar la cola o las tijeras.

Generalmente uso el Adobe Photoshop y el Illustrator y trabajo con PC, no creo que sea necesario un Mac para ser creativo. Utilizo colores vivos y flúor para intensificar la experiencia visual, deformo la realidad para hacerla más auténtica. Como Picasso dijo una vez: “El arte es una mentira que revela la verdad. La exageración intensifica el punto de vista desde el que vemos normalmente, activa más sentidos visuales que los que usamos en nuestra vida diaria. Se parece a la destilación de la esencia de lo que se ve, para alimentar al espectador con un golpe de realidad concentrada”. Respecto a eso que dicen que soy el creador de la “hiperactividad visual”, sólo puedo decir que depende del ojo del espectador. Sé que algunos de mis trabajos pueden repugnar a ciertas personas, quizá es demasiado decir, pero a veces vale más una reacción negativa que ninguna en absoluto. Trato de conmover al espectador, pero no puedo controlar cómo lo influyo exactamente.

Basándome en mi investigación, las pruebas y los errores, creo que conozco los trabajos que mejor lo logran.

Hay muchas referencias en mi trabajo al arte Barroco, a la ciencia, a la anatomía, la filosofía oriental, la animación, Hollywood y los grandes sucesos, etc. La producción de la

“Exagero la realidad para hacerla más auténtica”

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pieza que hice expresamente para Grafuck me permitió concentrarme únicamente en los elementos que hacen referencia al aumento de la forma humana hallada en la pornografía, bastante absorbente en el lenguaje visual. El porno puede ser visto como algo crudo, que lo es, pero lo que se etiqueta como crudo, por norma general, es un signo de ser afectivo, si está bien o mal depende de la opinión del espectador. Tengo ganas de que la crítica hable de mi trabajo pieza por pieza. Extrapolándolo a la música, en ocasiones de una misma banda sólo me gusta un disco o canciones sueltas, pero no por ello me gustan todos los temas que sacan. Entonces, ¿me gusta esa banda? Sí, dentro del contexto de aquellas canciones, pero si no me gusta la mayor parte de su trabajo, ¿me gusta realmente lo que hace? No se puede opinar tan ampliamente. Estoy seguro de que a algunas personas les gusta parte de mi trabajo, no todo, porque tengo piezas que son muy distin-

tas entre sí. Por ejemplo, los dibujos en blanco y negro son bastante diferentes a mis pinturas. De momento, sólo espero que compren mis dibujos. Me han influido numerosas personas, desde artistas a científicos, músicos y autores como Gian Lorenzo Bernini, Katsuhiro Otomo, Francis Bacon, Hans Bellmer, Jeff Koons, Jake y Dinosaurios Chapman, Tom Friedman, Takashi Murakami, Mateo bronca, Inka Essenhigh, Mateo Ritchie, J.G.Ballard y Brett Easton Ellis. De hecho, diría que el trabajo que produzco es el resultado de evitar una similitud con otros artistas. Actualmente estoy desarrollando algo que me permitirá animar mis dibujos y también trabajo en un corto. Sólo puedo decir que es muy apasionante ver cómo vas alcanzando algo para lo que antes no tenías capacidad.

Por último, lo único que puedo añadir es que estoy ahorrando para una PS3, así que por favor comprad algún dibujo desde la tienda online de mi página web.

arte

t: rosa ruiz

Escenarios urbanos que actúan como marco para situaciones cotidianas, personajes marginales que arrastran sus pertenencias en carritos o extraños rascacielos, conforman el grueso de la obra de este joven artista californiano. A Marco Zamora le gusta retratar las calles de Los Angeles con sus luces y sus sombras.

Utilizando técnicas tomadas del mundo del cómic, del graffiti y del collage, se inclina por un tipo de dibujo clásico en blanco y negro, enriquecido con anárquicos golpes de color que simbolizan la libertad y la ruptura con las ataduras estilísticas. El artista, cuya única meta es “seguir en este camino en el que transito” traerá a la galería Miscelánea parte de sus trabajos, englobados en la exposición Sensory Overload/Solo Show.

lamono / núm. 65 / julio - agosto ’10

El color que nace de la oscuridad

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pintar mejor. Más que darme respuestas, lo que les debo es el haber contribuido a que yo mismo me planteara las preguntas necesarias como por qué quiero ser pintor, por qué he elegido el camino que he elegido y de qué modo voy a hacerlo. Seguramente hay otros caminos para llegar a estas respuestas, la escuela es uno más. Afortunadamente, tanto mi familia como el entorno en el que crecí, han sido un gran apoyo y siempre me han animado a perseguir mis metas. Además, tengo la suerte de vivir en una ciudad como Los Ángeles, llena de oportunidades para exponer, ya que tiene muchísimas galerías y un ambiente artístico muy rico.

El contacto con otros artistas y la vida al aire libre que el excelente clima de L.A. favorece, ha contribuido a abrir mi mente a multitud de nuevas posibilidades creativas. Creo que el lugar en el que uno vive puede condicionar de manera decisiva la obra de un artista y, en este sentido, vivir aquí me ha estimulado a no estancarme. Si a mi ambición por crear y transformar ideas en algo concreto, sumamos mi afán perfeccionista, es fácil entender que siempre haya estado muy motivado para trabajar en aquello que me gusta y sobreponerme a las dificultades que, inevitablemente, surgen. Soy de los que piensan que siempre puedo trabajar más, y ésta es, seguramente, la motivación más potente, sin que esto quiera decir que no soy capaz de dar una obra por terminada. Aunque no siempre es sencillo, trato de apartarme de la pieza una vez intuyo que está acabada y pasar a otra cosa, en lugar de enredarme con revisiones y correcciones que podrían restarle frescura o autenticidad al resultado final. Mi relación con el color es una especie de batalla conmigo mismo. Por un lado, y puesto que trabajo casi siempre en tinta sobre papel, me encanta el blanco y negro. Creo que es directo y que posee una gran fuerza expresiva. Uso muy poco el color. En mis últimos trabajos, de mayores dimensiones que los anteriores, el color posee su propia entidad, no lo uso, en absoluto como relleno o complemento del dibujo. Es libre, una vía de escape hacia la diversión, no está restringido o contenido por la forma.

Tengo ganas de experimentar también sobre otros materiales, como la madera o la tela, pero, como digo, el papel es el soporte con el que más cómodo me siento. Durante el mes de julio estaré en Barcelona, exponiendo en la galería Miscelánea, tengo muchísimas ganas de volver a vuestra ciudad. He estado allí ya varias veces y creo que es increíble. Me encantará enseñar mi obra aquí.

Las personas siempre harán arte, es algo inherente a la condición humana, sin embargo, el tiempo pasa y también las modas y las corrientes artísticas. No me siento identificado con ninguna etiqueta, ni siento que forme parte de ninguna escuela o movimiento, es con el arte, con el hecho de ser artista con lo que me identifico. Desde que tengo uso de razón, me veo a mí mismo con un lápiz en la mano, dibujando en cualquier lugar. Era, y es, mi manera natural de expresarme: las imágenes siempre han tenido sentido para mí. Cuando era pequeño, era el típico niño que hacía dibujos de personajes de cómic y se los vendía a sus compañeros de clase pero no fue hasta que acabé la secundaria que me di cuenta de que definitivamente era a esto, y no a otra cosa, a lo que iba a dedicarme. Me gradué en la California Institute of Art. La escuela me ayudó a centrarme en lo que quería y a ser más consciente de lo que estaba haciendo.

Creo que fue allí donde empecé a conocerme a mí mismo, a elaborar mi propia teoría sobre el arte y, lo que es más www.marcozamora.com importante, sobre el tipo de arte que yo quería crear. No se trataba de una formación artística académica, convencio- Marcos Zamora expone en la Galería Miscelänea nal, en el sentido de que no nos enseñaban técnicas para del 15 de julio al 1 de agosto. www.miscelanea.info

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moda

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t: alex ceball / f: núria rius

Existen cierta clase de personas que llaman la atención sobre el resto, a lo mejor en el medioevo eran caballeros de armadura y ahora son surfers. A Juan Antonio lo conocí hace algo más de un año, en otra entrevista en formato audiovisual. Revisando sus materias primas en privado, sus diseños, patrones y otros aspectos personales que a ningún lector serio debería interesar, era quizás el único pertinente para el tema de este especial: FLÚOR. Ex asistente de algunos grandes nacionales como Antonio Miró y globales como Bernhard Willhelm y Thomas Engel Hart (en su época de director artístico para Thierry Mugler), Juan Antonio no acaba de deshacer la maleta de su paso por la semana de la moda de Bolivia (único invitado europeo al evento) para volver a hacerla… from/to. A finales de junio participará en Another Showroom en París y cuando este número ya lo tenga usted entre sus manos, la nueva colección que por estos días le quita el sueño debutará en el 080 Barcelona Fashion. De esto y otras afecciones, Juan Antonio tiene la palabra. No necesita más presentación. A estas alturas, sería pecar de idiota. www.juanantonioavalos.com

JUAN ANTONIO ÁVALOS _THE FLUOR FACTORY

Hola Juan, ¿cómo va? Nervioso. Nervioso por saber si vamos a llegar con toda la colección al showroom en el que estaremos en París.

Recién llegado de Bolivia, ¿no? Hace poco que llegamos pero tengo la sensación de que fue hace mucho. Tal vez sea porque no he parado. ¿Qué tal la experiencia? Conocer nuevos lugares, nueva gente y otra mentalidad siempre te enriquece tanto profesional como personalmente. ¿Cómo crees que recibieron a Mazinger? Se ve que les impactó. Nuestra colección inspirada en Mazinger Z sólo nos ha dado alegrías. Fue el motivo por el que nos llamaron y el recibimiento en Bolivia fue genial. El feedback que nos llevamos es muy positivo.

A nivel general, ¿cúal es tu impresión de la América Latina andina? Puedo hablar de lo que nos llevamos la semana que pasamos en Bolivia. Y lo mejor de todo es la gente que hemos conocido y la organización de Bolivia Moda. Tal vez visitemos otro país de América Latina en septiembre, pero no hay nada confirmado. Me queda la impresión de que allí aún hay mucho por hacer, y eso es muy interesante. ¿Cómo captaste sus colores? Me fascinan la forma que tienen de utilizarlos y mezclarlos. Sobre todo en esos tejidos andinos donde rosas, amarillos, azules, rojos y verdes conviven en un mismo diseño. Pienso que deberían explotar más esa herencia cultural de cómo tratar el color en la indumentaria, y aplicarla en formatos más actuales.

Ahora háblame de los tuyos, los personales. El color desempeña un papel importante para conceptualizar mis colecciones, aunque siento preferencia por el rosa y el rojo.

Lo que te traes entre manos ahora incluye el flúor, ¿por qué? Porque da la luminosidad que queremos reflejar en algunas partes de la colección. Pensamos que el flúor era un buen compañero del metalizado. ¿Crees que el flúor tiene algún aspecto simbólico especial? Si pienso en flúor se me viene a la cabeza luz, química, publicidad, exaltación, neón y noche en la ciudad. ¿En qué se basa tu nueva colección? En dos bloques que interrelacionamos; Caballeros medievales v/s skaters & surfers de la California de los años 70. Hay nexos de unión: las rodilleras, coderas, guantes, cascos y demás accesorios se aplican en ambos casos. En esta colección las prendas respiran un aire sport y el volumen lo extraemos de la época medieval. En la construcción de la carta de color he seleccionado los colores basándome más en la parte de los skaters y surfers. He visto varias veces “Lords of Dogtown” y “Juana de Arco” para extraer sensaciones. ¿Por qué? Obediencia v/s. libertad, frío v/s. calor. Es divertido mezclar referencias y crear algo unificado.

Para la anterior colección me imaginé a alguien vestido de Mazinger por la calle. En esta, todo empezó cuando pensé en un caballero medieval en medio de la playa con un Margarita.

Ahora empiezas a brillar en la industria. ¿Cómo lo llevas? Lo que siento es que la firma nació hace poco más de un año y hay mucho trabajo por hacer. Actualmente luchamos por posicionarla y construir un equipo estable.

El día a día es muy duro y construir algo en esta época resulta costoso y difícil. Hasta ahora los comentarios

que recibimos son muy positivos. Lo que hemos construido con lo medios que teníamos ha estado bien, pero se trata de ir creciendo poco a poco, y bien. ¿Afecta el brillo en la vida personal? ¿Vida personal? ¿Crees que el brillo encandila mucho a la gente que trabaja en esto? En mi experiencia me he encontrado con todo tipo de gente en este negocio. Lo que me llevo es que los profesionales que más respeto, son los que más humildad me han transmitido ¿Cuál es tu concepción de la humildad? El respeto.

La humildad en estos tiempos es un bien escaso. ¿Por qué creer que sucede? Puede que sea porque en estos tiempos la competencia es brutal. En todos los ámbitos todos luchan por conseguir un trozo del pastel. Y cada vez quedan menos trozos a los que acceder.

Estuviste en París trabajando para Bernhard [Willhelm], ¿qué te aportó? Al llegar a París tenía mucho miedo por saber si iba a estar a la altura. Conforme fue pasando el tiempo estos miedos desaparecieron. En Bernhard cocinábamos en el atelier y nos sentábamos todos juntos a la hora de comer, eso fue esencial para mi adaptación. En mi primer día me tocó trinchar el pollo. La primera tarea importante nada más llegar fue coordinar unos videos para la presentación de Bernhard con Nick Knight. Y lo que más me gustó hacer fue trabajar en los prints para la colección SS09 women. Trabajar conjuntamente con Bernhard, en aquello, lo recuerdo con especial cariño.

Verte en estas tareas, laboralmente, hace que te olvides de largas horas en el atelier. Algo que siempre agradeceré. Me aportaron mucho, y cuanto más tiempo pasa, más cuenta me doy de lo importante que fue para mí. ¿Y cómo viviste París? Vivir en París es toda una experiencia y muchas veces lo echo de menos. Al principio no tuve demasiada suerte con el alojamiento, ya que es difícil encontrar algo con un precio razonable. Finalmente encontré un bonito apartamento que compartía con una chica francesa, cerca de Bastille. Aunque los parisinos tienen un carácter especial.

Jodidos, ¿no? [risas] (Los parisinos) un poquito; lo franceses también comparten esta opinión. ¿Te volviste muy romántico allá? La ciudad ayuda. Verte en una ciudad donde han pasado tantas cosas, donde llega tanta gente con ilusiones por cumplir, con una estética impresionante, hace que te empapes del romanticismo que la rodea, aunque extrañaba el sol. ¿Qué te gustaría que tuvieran los españoles de los franceses? Tendríamos que creer más en nosotros. Creer

en el producto nacional y darle reconocimiento e impulso al mundo de la cultura con el mismo respeto e interés.

Hablo del mundo del cine, la moda y el arte. ¿Y los franceses de los españoles? El tiempo atmosférico y un poco de simpatía. ¿Y los españoles de los latinoamericanos? La dulzura.

Ahora háblame de Barcelona, ¿cómo la ves con respecto a la moda? Hay mucho potencial creativo en esta ciudad. Hace falta estabilidad en los proyectos y dejar que los profesionales los desarrollen al margen de intereses exteriores.

Que la industria y la creación estén comprometidos entre sí. Trabajar todos juntos por situar la ciudad donde realmente se merece estar. Esto es algo por lo que se está trabajando y todas las partes deben estar comprometidas.

Barcelona tiene herencia histórica y medios para poder situarse donde quiera estar. Todos los que estamos en este negocio debemos estar comprometidos con un mismo fin. ¿Qué la diferencia de las capitales de la moda por antonomasia? Proyección internacional; comercialización del producto nacional; negocio y organización interna de los profesionales por proyectar la ciudad. ¿En qué piensas que debe mejorar? La respuesta anterior sirve para esta. ¿Piensas que ha mejorado en los últimos años? ¿Mejor o peor? No soy la persona indicada para responder a esta pregunta, no llevo tantos años en esto. Se han atravesado muchos periodos y sé que son épocas diferentes, con fórmulas distintas y contextos socio-económicos concretos.

Pero la declaración de intenciones que hizo Barcelona con el 080 fue valiente. Apostando por el diseño independiente, creo que no fue fácil. Vamos por buen camino, pero queda mucho trabajo por hacer. Y todos los creadores tanto jóvenes como consagrados debemos compartir un mismo fin. ¿Cómo entiendes la innovación? Ofrecer nuevas posibilidades adaptadas a una demanda. Si no hay una intención por utilizar esa innovación, se queda en inventiva. ¿Cómo lo aplicas en tu trabajo? Intento crear estas posibilidades, aunque los medios son limitados. ¿Y en la vida personal? La innovación en mi vida personal reside en optimizar mi vida laboral para tener algo de vida personal. ¿Cómo te gustaría trascender? No me interesa trascender como individuo. Me gustaría que trascendiese mi trabajo. Que lo que hago haya servido para inspirar a alguien de algún modo o para proporcionar alguna emoción. Hoy por hoy no puedo afirmar tal cosa y queda tiempo para que esto suceda, si sigo vivo en el negocio

y el trabajo trasciende como tal. Pero nadie me dijo que esto fuese fácil, sino todo lo contrario. ¿Crees que la cosa irá mejor?, ¿De qué piensas que dependerá? Hay que creer que irá a mejor. Trabajar y aportar lo máximo de uno mismo para que las cosas cambien. No hay que quejarse porque todo va mal, eso te quita tiempo para mejorarlas. Hay que reaccionar en el momento y luchar. Yo lucho día a día porque las cosas cambien y también tengo mis días malos, pero al final siempre acabo levantándome.

No hay que conformarse con lo que hay. ¿Qué es para ti la elegancia? Seguridad en uno mismo. ¿Y la muerte? ¿Polvo o gusanos? ¿Y el amor? ¿Vino blanco o tinto? ¿Y el fin? 18 Junio 2010. 22:53 pm. Ya he terminado esta entrevista.

Muchísimas gracias. No tengo nada más que decir, este caballero ya lo ha dicho todo. Ahí estaré, en primera fila.

Qué quieren que les diga, otro de la factoría del flúor: brillante. Larga vida.

arte

t: lara tuner

Están tramitando la ciudadanía para vivir en el planeta Umbi, un espacio emocional que invita al viajero a escaparse del tour y a perderse para absorber la realidad del entorno. Un universo onírico que recuerda al de Alicia en el País de las Maravillas.

Ellos, Amelia y Julián, se sienten halagados al escuchar este comentario porque, dicen, que Lewis Carroll es un maestro de lo extraordinario y un alimento esencial para su trabajo. El resto, ilusión, escenas fluorescentes, efectos lumínicos y extrañas criaturas con poderes que crean realidades paralelas donde cada detalle tiene su razón de ser.

Toba Toba rojo

www.tobatoba.com

Aquellos mundos flúor

planeta Umbi se ven trazos luminosos. Son los Nutu que están viajando. Cuando un Nutu está cerca se siente en la atmósfera lo que está por llegar. Y es que el planeta Umbi es un espacio mental, como un contenedor que sincroniza impresiones emocionales y a medida que lo vamos describiendo, de manera cada vez más detallada y obsesiva, se va haciendo transitable. Algo así como los mundos fantásticos llenos de colores que aparecían sin preguntar cuando éramos niños. El planeta Umbi le da una dimensión tangible a todas esas visiones extraordinarias. ¿Y las criaturas que lo habitan? Se podrían definir como una ofrenda de amor.

Como la acción de la tormenta que purifica la atmósfera.

Ese es su mensaje. Estamos ligados a todos esos seres imaginarios que no conocemos. Unidos en lo efímero y lo pequeño. Para crearlos, no nos remitimos a un material específico, ni siquiera a un conjunto de materiales. Creemos mucho en la mezcla que permite generar nuevas texturas.

A veces adquirimos un mismo material en diferentes tiendas y nos damos cuenta de que tiene sutiles diferencias que al final son sustanciales. Esto siempre nos ha dado resultado. Estamos alerta en todo momento, caminando por la calle, mirando escaparates o reciclando, siempre puede aparecer el material que aporte su esencia. Son piezas únicas porque es de aquí de dónde venimos. También apostamos por la mezcla de técnicas y disciplinas ya que se convierten en diferentes maneras de contar una misma historia. Utilizamos todos los elementos que estén a nuestro alcance para crear atmósferas caleidoscópicas. Por ejemplo, las animaciones son leyendas de la creación o sim-

Toba Toba

Nutu

Pikun

Olor a café y mate cocido. Sobre una mesa desordenada para quienes no la conocen, un museo de ciencias naturales en ruinas. Séptimo piso bajo el tejado, el sonido de montones de pájaros que se posan unos minutos junto al de las tijeras en movimiento, cortar, pegar, modelar, armar. En cierto modo, el trabajo comienza cuando lo que buscamos está perdido y la conciencia del tiempo se detiene. Somos Toba Toba, un brillo que ilumina a gran distancia gracias a una intuición. La intuición es seguir una luz en una certeza. Nuestra conjunción comenzó en el año 2006. Amelia se dedicaba desde hacía tiempo a lo visual.

Julián, en cambio, a la música. Estuvimos desde siempre tan vinculados a la creación artística que sería difícil dilucidar el momento en el que todo comenzó y cómo se produjo.

Empezamos con una pequeña animación en stop-motion en la que ya aparecía Tumbi Tom, nuestro primer personaje.

Era astuto y malvado. Su ambición de poder lo había llevado a crear al temible monstruo El Cuco con el que pretendía dominar todo el planeta. En aquel periodo todo tenía una connotación más lúdica y espontánea, con aspectos humorísticos. En algún momento, nuestro trabajo dio un giro hacia algo más espiritual, diferente a lo anterior aunque sin perder la ternura. Tal vez, la aparición de un personaje como Nutu, que adquirió velozmente gran protagonismo, también haya tenido que ver con ese cambio. Los Nutu tienen la cualidad de ser oráculos. Se comunican entre ellos a través de las esferas que llevan en su cabeza. Cuando conceden la oportunidad de ser consultados, muestran en torno a la esfera halos de colores. A veces, en el cielo del

plemente episodios de cómo es la vida en el planeta Umbi.

Construimos paisajes emocionales que son la conjunción de estímulos táctiles, olfativos y sonoros y que se transforman en secuencias de imágenes en movimiento, objetos e instalaciones con el fin de aumentar la percepción del mensaje. Como las lightboxes. Cada una de ellas representa un paisaje de Umbi en diferentes latitudes y estaciones, con su fauna y su flora. Igual que en los museos de ciencias naturales donde los dioramas recrean una escena que existió hace millones de años o que pertenece a un lugar lejano, estas cajas representan una escena que existe a millones de años luz. O las miniboxes, que podrían funcionar como un souvenir, como cubos coleccionables y fácilmente transportables, y que en realidad se convierten en muestrarios pantone de la flora y la fauna de Umbi. Y hablando del color, con él tenemos un romance interminable. Estamos ligados a su contemplación eterna y ésta no deja nunca de sorprendernos. Los colores flúor son como una luz de oscuridad, una energía neuronal. Cuando cierras los ojos e imaginas, a veces esas imágenes son flúor. Su efecto genera una conciencia más allá de lo real y nos evoca al horizonte. En realidad, estos colores son como una evasión de la dimensión entre ambiente y cuerpo. También la palabra glow se puede asociar a nuestro trabajo, es un concepto que está cargado de significado. En nuestras lightboxes utilizamos materiales que se cargan con la luz mientras está encendida. Cuando la apagas, el desvanecimiento paulatino del brillo de sus habitantes nos recuerda nuestra condición efímera, que le da un valor precioso a cada instante de

nuestra existencia. Una existencia que, sin duda, en lo artístico, nos lleva a tomar influencia de las estampas japonesas. También tenemos predilección por los paisajistas de la época romántica y por la pintura persa. De los contemporáneos, podríamos nombrar a Feng Zhengjie, Yue Minjun, Olafur Eliasson, Tomas Saraceno y una lista interminable.

El resto de inspiraciones nos vienen al observar la naturaleza. Lo cotidiano, lo aparentemente inútil y las largas caminatas sin rumbo definido. O de la ciudad de Milán, donde estamos instalados aunque ambos seamos de Buenos Aires, que se convierte en un bombardeo de estímulos y en un muestrario de episodios en los que cada gesto tiene un significado. Milán cuenta con una larga tradición buscando la perfección de la forma. Estos valores enriquecen, incluso de manera inconsciente. Es curioso porque hoy en día muchos artistas italianos emigran. Seguramente no sea fácil desarrollar una trayectoria artística en ningún lugar del mundo. El sentido está en intentarlo. Ciertamente algunas ciudades gozan de más privilegios que otras. Nosotros nos establecimos en este país por una buena causalidad, sin pensarlo demasiado, simplemente nos dejamos llevar por una intuición que fue recompensada. Actualmente estamos trabajando para una muestra que tendrá lugar en la ciudad de Como (Italia), como parte del evento Miniartextil.

Nuestra pieza se titula Indivisible y consta de una gran lightbox con una proyección que le gira entorno. Para el futuro tenemos muchos proyectos. El más próximo es una nueva animación. Y el que más nos obsesiona: pensar el arte como posibilidad de cambio global.

arte

t: alex brahim

DAVID LATORRE

SOPLOS DE VIDA ANTES DEL OLVIDO

lamono / núm. 65 / julio - agosto ’10

Empezó con cuerpos para acabar en espacios, interviniendo las pieles materiales con cosméticas escenográficas creando nuevas lecturas iconográficas y simbólicas. David Latorre, artista multidisciplinar, trabaja en la búsqueda de sitios abandonados, afectados por una inminente demolición o a punto de ser reconvertidos arquitectónicamente y que han perdido su uso, provocando desde la acción artística visiones en torno a estos espacios, a través de registros fotográficos, intervenciones pictóricas, escultóricas y performáticas. Sus proyectos proponen recorridos, relecturas y reapropiaciones y sus registros intentan revelar otros matices y puntos de fuga, expandiendo el campo semántico de las arquitecturas. Dichas intervenciones son al final borradas expresamente y los espacios son vueltos a registrar, marcando una línea de tiempo argumental que remite por igual al recuerdo nítido de su uso histórico, a variaciones precisas de orden fantasioso o a la sensación de la ausencia y la nada. Una invitación, desde el trabajo de campo, a la conservación de memorias históricas y patrimoniales condenadas al olvido, y a la proyección de inquietudes críticas y emocionales en torno a la arquitectura, a su calado en la construcción y condicionamiento de identidades e historias de vida y, en últimas, a su sentido social.

Izquierda: ESCENARIOS DE CONDUCTA. Centro Penitenciario de Huesca. 2008. Lecciones que nunca se deben olvidar (nocturnas). 125 x 125 cm. Metasilicona sobre fotografía. Arriba: ESCENARIOS DE CONDUCTA. Centro Penitenciario de Huesca. 2008. Rueda de reconocimiento. 110 x 190 cm. Metasilicona sobre fotografía.

Mi nombre es David Latorre, oscense de nacimiento y ciudadano del mundo en adopción. Soy artista plástico multidisciplinar, rastreador de memorias condenadas al olvido, a través de la búsqueda de sitios afectados por una inminente intervención, en los que pronto se construirá y que han perdido su valor de uso, porque este momento de transición me proporciona las mejores condiciones de trabajo, en absoluta libertad de actuación. En este punto se sitúa mi obra. El uso del color fluorescente me proporciona múltiples significantes; define, remarca y dibuja los límites de los espacios de mis intervenciones o itinerarios físicos y mentales; transforma y activa una nueva vida. Me sirve como fuente de iluminación en la representación escenográfica que se genera en mi obra, siendo nexo de conceptos y disciplinas artísticas en constante hibridación. Es denuncia de la ausencia, que remite a la memoria –interiorde objetos y espacios. Metáfora tanto de los procesos cíclicos como pueden ser el día y la noche, la vida y la muerte… en un proceso de dar y quitar, encender y apagar. Vínculo emocional. Puede ser entendida como una operación metafórica que produce otra “espacialidad”. La primera idea de trabajar con las fluorescencias fue algo muy experimental.

Estaba utilizando el cuerpo como soporte, como molde. El interés inicial que adoptaba la fotografía que proponía venía determinado por el trabajo con el cuerpo (físicamente), con la idea de representar la superficie del cuerpo o apariencia para hablar del interior, la esencia. Se trataba de utilizar el cuerpo o piel de las personas, con las cuales había mantenido relaciones personales, como lienzo virgen sobre el cual plasmar ideas o pensamientos propios, mostrando su belleza oculta; y éste es en cierto modo el sentido que adoptó la luz negra. Lo que no se ve a simple vista, bajo la luz del día, pero está ahí y hay que sacar a la luz, para reivindicar así el carácter de la identidad de cada persona.

Pues bien, la continuación de este trabajo dio lugar a un estudio de cómo influye la moda sobre la persona y el cuerpo de ésta. La moda se toma como idealización del individuo, como proceso constructivo (o destructivo) de identidad de la misma. Me gusta el concepto “remake” y cómo establece su significado, estoy siempre abierto a nuevas revisiones sobre trabajos anteriores, en constante mutación y desarrollo dentro de mi devenir artístico. Mi proceso conceptual comenzó trabajando con el cuerpo, el mobiliario y posteriormente con la arquitectura como nexo entre ambos. Siempre denunciando la ausencia del uno a través del otro y estableciendo un marcado carácter referencial entre ellos. La primera intervención arquitectónica la realicé en el 2005-06. Fue la más intima, ya que me sirvió como

estudio y vivienda. No conocía a sus propietarios, pero estuve conviviendo con uno de sus hijos, un amigo y el perro de los primeros hasta el final de sus días. El devenir de la casa estuvo marcado por una vivencia brutal, no se sabía exactamente cuándo se iba a realizar su demolición y cada día que pasaba era un regalo divino y al mismo tiempo un stress continuo. Era un trabajo de investigación y puesta en escena a diario. La memoria del lugar contenía innumerables vivencias cargadas de poesía y dolor. La casa me proporcionó un salto cualitativo y cuantitativo a unos niveles que nunca podré de dejar de agradecer. De ella quedó mi trabajo y mi amor eterno a sus propietarios. El tiempo de mis intervenciones depende en gran medida de la magnitud del espacio y sobre todo, de la fecha de demolición del mismo. La puesta en escena es el proceso más prolongado, el registro fotográfico es relativamente más rápido. Una vez registrado, siempre realizo instalaciones o esculturas a través de elementos mobiliarios que he rescatado de los espacios, con lo cual la finalización del proyecto se puede alargar en el tiempo. Puede durar desde uno hasta seis meses, siempre condicionado por la fecha de demolición del espacio. Cuando los espacios están abandonados, hay que poner en marcha los generadores de luz y recoger agua del depósito, para poder comenzar a trabajar. El trabajo diario viene condicionado por las condiciones climáticas y la luz. A no ser que se trabaje con registros nocturnos, suelo aprovechar el día, ya que me ofrece mejores condiciones.

Los primeros días siempre se suelen pasar los propietarios o antiguos inquilinos de los espacios, para ver los trabajos, las condiciones y para proveerme de documentación in-situ sobre la memoria del entorno. Me encantaría hacer algo en Chernobyl o en algún poblado marginal a punto de desaparecer. Para desarrollar mis intervenciones me inspiro en la realidad cotidiana, en los sueños, en el teatro, el cine o en cualquier manifestación artística que me sensibilice. Mi trabajo está influenciado por los artistas minimalistas, Gordon Matta-Clarck, David Lachapelle… Me gusta mucho la obra de Matthew Barney, Michel Gondry, Carsten Holler, Bansky, Pello Irazu, Bernardí Roig o Chillida. Mis próximos proyectos artísticos se desarrollan en un antiguo cine y un estadio, preparados para su desaparición. Por otra parte, en octubre voy a realizar una individual en la Galería Juan Silió en Santander y en 2011 formo parte de una exposición colectiva de artistas internacionales sobre prisiones en el DA2 de Salamanca. No puedo llegar a poder pensar ni dónde ni cómo me veo de aquí a cinco años. Lo único que puedo pensar y desear es que mis próximos proyectos se materialicen. El destino y mi devenir se lo encomiendo al futuro.

ESCENARIOS DE CONDUCTA. Centro Penitenciario de Huesca.2008.

Reconocimiento de la población reclusa en la galería de tercer grado. 125x 165 cm. M/F.

Scène III: Análisis de un atrezzo (escena nocturna).

125 x 125 cm. Metasilicona sobre fotografía

Vestido underground

Scène II: Tras la piel de la cocina (escena nocturna).

125 x 125 cm. Metasilicona sobre fotografía

postits

¿Cuál es el argumento, la historia de vuestro corto?

RG: Se llama “Room 21”. Es la historia de un médico inglés que viene a dar una conferencia y decide quedarse un par de días más. El personaje se encuentra en plena crisis, no sabe si está viviendo una vida de segunda mano o realmente está tomando decisiones que le hacen feliz. Decide instalarse en el mismo edificio donde se quedó la última vez

t: xavi ocaña y ana paula tovar / f: thomas williams

que estuvo en Barcelona, veinte años atrás. Es ahí conoce a la chica que hace las camas, recordándole a la mujer que le acompañó en el pasado. Los dos personajes cruzan su camino por un instante, para luego seguir con su búsqueda.

SE: Rambaldo Perozzi, único en el mundo haciendo estudios de mercado, ha reunido para la ocasión un variopinto grupo de personajes que representan a la comunidad de consumidores más compleja de analizar con el objetivo de testear el lanzamiento de un nuevo producto, la PIZZA BOOMERANG, una pizza en forma de bumerán que se lanza quemando y vuelve al punto. ¿Y vuestro objetivo, qué queréis mostrar del hotel, cuál es la esencia que habéis decidido capturar en su corto?

RG: Siempre me ha fascinado pensar en los acontecimientos que encierran los espacios en los que estoy. Eso mismo me ocurrió cuando vi el Hotel Casa Camper. La mujer de mi co-director Steve Green había vivido un tiempo en el edificio años atrás y escribimos el guión a partir de su historia.SE: Hemos aprovechado el salón de actos y su mobiliario para inventarnos una situación. La esencia que puede destilar este corto es un retrato pop, surrealista, de un estudio de mercado. ¿Por qué?

RG: En realidad el corto parte de un guión para un largometraje que tenemos en preparación Steve y yo.

SE: Un salón de actos nos gusta porque es un espacio atemporal, una pizarra en blanco.

Y ya que hablamos de esencias, ¿cuál créeis que es la esencia de vuestro corto, lo fundamental?

RG: El ser humano nunca está satisfecho con lo que tiene. Nos complicamos la vida por querer aquello de lo que carecemos. Y no valoramos lo que tenemos.

SE: Es una mirada cómica sobre los estudios de mercado. ¿Y de vuestro estilo como artista?

RG: No creo que yo pueda contestar a esa pregunta.

Deberían hacerlo los que vean la pieza y nos cuenten qué les sugiere.

SE: Nos gusta pensar que nuestro estilo es grotesco, tierno, etc…

Si tuviérais que definir en una sola frase el mensaje que deseáis lanzar al mundo sería…

RG: Que cada uno se pregunte si está viviendo la vida que realmente quiere, o si está viviendo de prestado.

SE: Come pizza.

CINE EN CASA CAMPER _Experiencias en clave de cortometraje El pasado 31 de mayo Roger Gual, Nico Casavecchia, Danny Ilario, Celia Galán, Erika Lust y Sofa Experience se reunieron en el Hotel Casa Camper para crear seis cortometrajes. boolab, empresa española dedicada a la creación y producción audiovisual, organizó un evento donde la creatividad espontánea se coló por todos y cada uno de los espacios de este edificio ubicado en el Raval (Barcelona) dando como resultado 40 minutos de arte audiovisual. lamono conversó con uno de sus organizadores, Coke de boolab y con los creadores elegidos. Aquí recogemos las impresiones de los directores audiovisuales Roger Gual (RG) y Bernat Lliteras de Sofa Experience (SE). En el blog de lamono accederéis a las entrevistas completas con el resto de los implicados. Muy recomendables todas ellas. www.camper.es www.boolab.tv www.lamonodigital.net/blog

Bouil’hot Art Show _¡Doctor, quiero ser artista!

En los tiempos que corren ya nos hemos operado de todo. El cuerpo es una máquina de seducción que curiosamente y, en contra de lo que los amantes del bisturí piensan, funciona mucho mejor cuanto más natural se muestre. ¡Nuestra generación de artistas quieren pasar por quirófano! Para salir con la piel intervenida y los sentimientos calientes. Por eso Ambiguous y lamono crean un hospital muy especial llamado BOUIL’HOT ART SHOW con base en Barcelona y Berlin. El nuevo centro de salud abre sus puertas en la galería Vallery de Barcelona operando a más de 45 artistas con un tipo de sangre muy distinta pero un punto en común: la autenticidad y la originalidad de sus componentes. Todos ellos mostrarán el resultado de su cirugía durante el mes de julio en las paredes de una Vallery convertida en un hospital freak. El proyecto ha contado con el apadrinamiento y el cariño del colectivo Barcelona Te Sang, el hospital de Sant Pau y la colaboración audiovisual de la productora Miniature Films y DO. Al final hemos convertido el quirófano de lamono en una fiesta para celebrar el arte y una forma de entender la vida.

Artistas invitados Barcelona: Catalina Estrada, Boris Hoppek, Inocuo The Sign, Agente Morillas, Juju’s Delivery, Kram, Ibie, Sosaku, Lolo, Ilia Mayer (Btoy), Anna Parini, Dave Glass, Andrea Michaelsson (Btoy), UiU, Gastón Liberto, Lusesita, Sergio Mora, Federico Marigonda, elDimitry, Luca Brenna, Marcos Cabrera, Las Taradas, Mapi Gil, Roughattitude, Rotor, Twesh, Aryz, Alex Ceball, Bang Bang Studio, Conteleta, Daniela Carvalho, Conspirancy Studio, Delphine Delas, Edjinn, Juan Diego Tobalina, Judith García-Talabera, La Princesita, Miu Mirambell, Socatoba, Zosen, bang bang studio, Rubén Sanchez, Paula Metlika, SerseGraphics and much more…

www.ambiguousclothing.com www.lamonodigital.net/blog www.vallery.es www.barcelonatesang.org www.miniaturefilms.net www.santpau.es www.esvinilo.es www.budweiser.com

THE VERY UNEXPECTED

BOUIL’HOT ART SHOW!

design: Hernán Verdinelli ≥ hverdinelli.blogspot.com

Inauguración: martes 6 de julio en Vallery Barcelona.

Exposición del 6 al 31 de julio.

Han Colaborado: Barcelona Te Sang, Hospital de Sant Pau, Miniature Films, esVinilo, Budweiser.

Presents:

by 6th › 31st July

THE VALLERY › BARCELONA (Calabria, 85 local)

8th › 10th July

BRIGHT TRADE SHOW › Berlin An exhibition curated by

Supported by

Contributor barcelonatesang.org

www.ambiguousclothing.com · www.lamonodigital.net/blog · www.vallery.es · www.barcelonatesang.org

Distributors

postits

BRIGHT Tradeshow _Now it’s time to skate BRIGHT Tradeshow nació hace ya once años para colmar las exigencias del sector streetwear, skatebording y sneaker. Después de todo este tiempo, la propuesta brilla con luz propia (nunca mejor dicho) y la edición que se desarrollará en Berlin estrenando ubicación en dicha maravillosa ciudad, da plena fe de ello. A partir del 8 de julio Bright Tradeshow abre sus puertas en Stasi Headquarters, un edificio peculiar que perteneció a la policía secreta de la RDA (República Democrática Alemana). Para estrenar su nueva sede tienen preparadas varias actividades, entre ellas, The bird is in the Word, tour de Nike Sb con los mejores skaters del mundo, The Tony Hawk and Friends Show promovido por Bright y Quicksilver, evento donde se desplegará una rampa de 21 metros de ancho y 7.40 metros de alto para admirar al grande de los grandes Tony Hawk mientras suenan N*E*R*D de fondo y, como no, la puesta de largo de la colaboración de Ambiguous & lamono en The Very Unexpected BOUIL’HOT ART SHOW que se desarrollará durante los tres días en el SPACE M -3rd FLOOR- del área artística de la Feria con la participación de más de 40 artistas interviniendo las botellas de agua caliente que ya han comenzado un proceso de peregrinación por el mundo. Participarán en la muestra Tougui, Sam Dougados, XLR8, Marck van Wijhe, Friedemann Zschiedrich, Moka, Wait and See , Aurélien Mahaut, La Pieuvre, Zastre, Traz , Gilen Bousquet, Mitch Froelich, Dillon Froelich, Monk, Gulliver, Thomas Pierre, Soy Panda, Sölve Hartkopf, Lebeat, Villena, Short, éveil y Sabine, entre otros. ¡Os esperamos en nuestro particular hospital para demostrar lo que pueden dar de sí las cirugías artísticas by Ambiguous & lamono!

Del 8 al 10 de Julio de 2010 Normannenstraße 13-19. Berlin www.brighttradeshow.com

t: berta pfirsich

t: berta bfirsich

Bread and Butter _Dream Team La principal feria de moda urbana del mundo se inspira en la grandiosidad del mundial de fútbol para su edición de verano. Por eso en la inauguración, que coincide con la semifinal, se celebrará un partido en un gran estadio construido para la ocasión mientras toca una banda de Bremen que parece que se hayan puesto el nombre en exclusiva sólo para el evento: Sportfreunde Stiller (algo así como ‘Forofos del deporte tranquilos’). ¿Será un evento multidisciplinar en que deporte y moda se entrelazarán o es que el amor al fútbol se les ha ido de las manos?

En esta edición, la feria estará dividida en siete secciones: Street fashion, Fashion now!, Style society, Denim base, Kids camp (una graciosa tienda de circo albergará esta sección infantil), Urban superior (Mujer y hombre) y L.O.C.K, donde se puede ver la industria desde dentro, el proceso de fabricación de las prendas y la dedicación apasionada que se le pone a cada pieza.

También aparecen dos departamentos nuevos. El primero, Contemporary Sportswear, para marcas de sportwear que buscan proyección internacional y B&B Boarding House que como dice el mismo nombre albergará marcas jóvenes que acaban de entrar en el sector de la moda. Bread&Butter, de esta manera, no sólo sirve como mercado de nuevas colecciones sino que intenta ayudar a marcas emergentes a dar a conocer su producto de la mejor forma posible: mediante la exposición al mundo de su producto. B&B es una batalla de tendencias y de looks estrictamente estudiados, donde lo casual no existe salvo en etiquetas.

Uno de los mejores lugares para ir a la caza de ideas son las actividades paralelas y conciertos que se han organizado. El día 8 habrá una actuación de uno de los integrantes la nueva generación del soul en el B&B Playground Live Act: Mayer Howthorne & The Country y el día siguiente otra voz del mismo género, Janelle

Monae, ni más ni menos que nominada a un Grammy.

Las claves para ser un buen berlinés son el respeto al medio ambiente, el amor a la cultura underground y más vanguardista y la memoria histórica. En B&B vemos reflejado esto en cada rincón. Desde la adaptación y conservación de un espacio como el aeropuerto de Templehof (que evitó el bloqueo soviético al Berlín occidental) integrando los stands a la arquitectura original, hasta la organización de una performance con prendas recicladas. Posiblemente por eso encajan tanto marcas españolas como Desigual con su collage de texturas. También encontraremos a otras marcas españolas como Loreak Mendian, Pepaloves, Camper y Munich en el sector del calzado. Además de muchas otras a las que seguimos la pista desde bien cerca como Nudie Jeans, D.A.T.E, Diesel, Levi’s, Fiftyfive DSL, Bench, Kawasaki, Replay, Carhartt, Wrangler, Supremebeing, Converse, Skunkfunk, Shulong y muchas otras a las que por supuesto iremos a visitar para hacerles una pregunta muy sencilla que pronto descubriréis en un nuevo proyecto online de lamono. ¡Permaneced atentos!

Del 7 de al 9 de julio. Airport Berlin-Tempelhof.

Platz der Luftbrücke 51210. Berlin, Germany. www.breadandbutter.com

postits

www.baued.es

DESFILE BAU 2010 _¡A todo volumen!

Maria Pires

El desfile anual de BAU en la sala Razzmatazz se ha convertido en todo un clásico al que acuden destacados personajes relacionados con el diseño y la moda en Barcelona. Sin duda, se trata de todo un logro que han hecho realidad tanto los alumnos con su esfuerzo como el equipo de comunicación y relaciones públicas de la escuela, que se mantienen al día constantemente de los IN & OUT del mundillo. Esta edición ha superado en calidad a las anteriores. Algunas propuestas bien podían competir con esos jóvenes diseñadores que tienen una traza con la máquina de coser y los bocetos a prueba de bomba. Quizá sea la crisis que agudiza el ingenio y nuestros jóvenes suben con los ojos abiertos como universos y las manos dispuestas a llenarse de callos por conseguir una calidad que destaque en todas las fases del proceso, tanto en la que concierne a la inspiración como en el momento ejecutor. De entre las diecisiete propuestas presentadas, nos quedamos con las de Carla Dominguez, que nos ofreció una nueva panorámica de la elegancia en tonos neutros, Paula Tafalla y su reinterpretación del mundo nipón, Cristina Gonzalo, que ha mostrado una gran destreza mostrando la sofisticación de una posible clase alta inglesa (con algunas combinaciones que nos recordaron Memorias de África) y las dos colecciones que más nos gustaron, la de Maria Pires, que llevó los volúmenes al filo de lo imposible y Victor Tur, que arriesgó con el negro trabajando una colección difícil por mostrarse sencilla en su complicación y ejecutando una puesta en escena que supo jugar con los sentimientos del público.

El titular del desfile fue sin duda ¡A todo volumen!, ya que, como si se hubieran espiado de aula a aula, los alumnos lo utilizaron como elemento fundamental, destacando en hombreras, espalda (estilo japonés), tocados y en cualquier parte del cuerpo. La conclusión final del desfile 2010 de la escuela BAU es que esta nueva generación de nombres propios ha trabajado muy muy muy duro. ¡Enhorabuena!

Victor Tur

La necesidad agudiza el ingenio. Y así debe ser porque los alumnos de BAU este año han finalizado sus estudios dando miedo. Pero no a nosotros, sino a esos jóvenes diseñadores que ya llevan un tiempo luchando por abrirse camino en el mundo de la moda. Temblad porque las generaciones nuevas suben dispuestas a arrasar con todo lo que encuentren a su paso a golpe de colecciones a todo volumen.

postits

Sergio Mora _Tipical Spanglish

Hace cosa de un año se popularizó via Youtube el video de un chico que usaba su bici casi para volar: daba vueltas de 180 º y saltos en medio de la ciudad. Este deporte extremo, cada vez más practicado, es el Dirt Jump y será la pincipal novedad de la tercera edición de Movistar Barcelona Extreme. Nosotros no queremos perdernos la cita de los próximos días 3 y 4 de julio en el Parc del Fòrum así que podréis encontrarnos en el magazine lounge que se instalará junto a los once espacios deportivos. Entre las novedades de esta edición también destaca un escenario con música en directo de la mano de Estrella Damm y dos espacios para que los visitantes, animados por los 200 pros y 500 amateurs del riesgo, enseñen sus mejores dotes deportivas: skateplaza y bikeplaza. En esta próxima edición, la que ya se considera la capital mundial del deporte extremo, espera recibir más de 70.000 espectadores atraídos por las emociones fuertes. ¡Nos vemos in extremis!

¿Cuántas veces hemos confundido y estereotipado a algún sector de la población o cultura hasta llegar a lo absurdo? Alemanes con sombreros mexicanos comprados en Barcelona, ‘Ándele, Ándele’ en boca de los americanos para referirse a los españoles e infinitas situaciones como éstas que lo único que denotan es que la cultura popular tiene sus propias reglas, muy distintas en ocasiones a la política de cada país. Sergio Mora vuelve a la carga en clave de humor con una nueva muestra, Tipical Spanglish, en la que reflexiona de forma muy seria sobre esas contradicciones que se convierten en dicciones en el mundo real. ¿El objetivo básico? Reflexionar esas supuestas “fronteras” que separan a razas, pueblos y culturas. Sus obras hablan, como siempre, por sí mismas, y nos dejan encandilados ante la destreza de un artista que desnuda su alma en cada lienzo. En

Movistar Barcelona Extreme.

3 y 4 de julio. Parc del Fòrum. Barcelona. www.movistarbarcelonaextreme.com

La magia desnuda

Barcelona Extreme _Despega

esta ocasión, además, nos va robar el corazón con un inicio de fiesta el día de la inauguración protagonizado por la banda Pascalles Chundarata y el lanzamiento de un chupinazo en honor de San Fermín. Seguidamente Las Jamonas Sisters oficiarán de maestras de ceremonias en la presentación de la exposición y la fiesta seguirá con la aparición del grupo Los Toros, que interpretarán canciones conocidas por todos con un marcado aire cañí/surfero. Todo ello amenizado con cervezas, jamón y la presentación del documental Entendido Cero que promete revelar algunos secretos. Los Sanfermines van a tener en Barcelona un sabor muy especial, con aroma a arte, música y jamón ibérico. T:Berta Pfirsich Galería Art & Design. Inauguración 7 de julio.

Exposición hasta el 8 de agosto. www.adbarcelona.net www.sergiomora.com

®Nova. Cultura Contemporánea.

Del 1 de julio al 15 de agosto.

Museu da Imagem e do Som (MIS). Sao Paulo. ®Nova. Soundscapes.

Del 12 al 14 de agosto.

SESC Pompeia. www.rojo-nova.com

®NOVA _Este es nuestro arte

OjodePez Photo _Meeting Barcelona

Arte y mucho arte. Sao Paulo se prepara para estrenar una propuesta artística que nace de la revista Rojo® y que cuenta con la participación de los principales artistas y estilos a los que la publicación ya nos tiene acostumbrados. Arte, música y tendencia acampan a sus anchas durante más de un mes.

Frank Kalero es director y fundador de la revista OjodePez. Como su pasión por la fotografía no acaba en el ámbito editorial, ha creado un nuevo evento para que nos empapemos de fotografía documental: un congreso con la participación de especialistas en fotoperiodismo y con fotógrafos especializados. Por fin se han acabado los obligatorios viajes a Madrid si queremos nutrirnos de imágenes de periodismo y antifotoperiodismo. Organizado por la Virreina Centre de la Imatge y La Fábrica, podremos codearnos con fotógrafos de la Magnum, y editores expertos de publicaciones como Newsweek. Nissan Cube está entre los medios oficiales y promoverá el concurso de fotografía ‘Premio PhotoCube’. ¿Hay crisis en el fotoperiodismo, limitaciones en la información que el fotoperiodismo rompe?, ¿es la libertad en este sector, llena de verdades y mentiras enmascaradas lo que da tanto miedo en la actualidad? OjodePez y todos sus colaboradores, estrictamente profesionales, intentarán darnos una respuesta.

Del 15 al 17 de julio. Palau de la Virreina. La Rambla, 99. Barcelona. www.ojodepez.org

© Aitor Lara

Sao Paulo es la ciudad más grande y bulliciosa de Brasil, precisamente por eso se sitúa como una de las capitales más importantes del arte callejero, con una historia muy ligada al graffiti i el “pixaçao”. Además, cuenta con un mercado artístico menos underground que está en continuo crecimiento. La apuesta de Rojo con ®Nova se orienta hacia el arte emergente y contará con exposiciones rotatorias, workshops, arte en directo, audiovisuales y todo tipo de performances que sorprenderán hasta al más escéptico. Durante siete semanas, un total de cincuenta artistas nacionales y internacionales ocuparán el Museu da Imagem e do Som (MIS) mostrando las tendencias de diversos lugares del mundo. La exposición brindará a visitantes y profesionales la oportunidad de conocer la obra de estos artistas, con el magnífico aliciente de poder participar en ellas como un artista más. Quién sabe, igual si os despistáis puedes acabar dentro de una bolsa de basura de Mark Jenkins tirado en la calle o entre una instalación de Rebecca Ward a lo “Tron”. Por su parte, la programación no es para tomársela a la ligera, ya que incluye liveshows con químicos del sonido (por no decir del ruido) de la talla de Fuck Buttons o el folk electrónico y misterioso de Tunng. ¿No se suponía que Sao Paulo era la ciudad del ruido ambiental? La discográfica berlinesa Morr music también aporta su gran duna de arena con tres de los artistas de su catálogo: ISAN, Sin Fang Bous y B.Fleischmann. La verdad es que no resulta fácil ver reunidos a tal cantidad de músicos experimentales en un lugar que no sea Islandia. Entre las muchas actividades previstas se creará un “horror vacui” en grupo y podremos disfrutar de las exposiciones rotativas de artistas como Mark Jenkins, Sosaku o Eltono. La colaboración entre ellos es arriesgada y eso es lo que hace que ®Nova. Cultura Contemporánea irrumpa en la escena brasilera de forma tan innovadora.

lamono / núm. 65 / julio - agosto ’10

t: berta pfirisch

Krink

postits

música

t: ferenz jacobs

LO MEJOR DE RUSIA DESDE EL VODKA

Nikola Tesla, el genio de la electricidad, desarrolló la corriente alterna y las lámparas fluorescentes de neón que iluminaban veinte veces más que las lámparas incandescentes de Edison. Por lo tanto, ganó la guerra de las corrientes y sus lámparas fluorescentes iluminaron la Feria Mundial de Chicago de 1893. Años más tarde, tres chicos de Moscú, Anton, Dima y Boris, tomaron el nombre de este inventor y formaron la banda Tesla Boy para hacer canciones que generan electricidad y que te llevan a un mundo saturado de luces de neón.

Se dice que Nikola Tesla sufrió de un trastorno obsesivo-compulsivo y tenía muchas manías inusuales y fobias. Por ejemplo, siempre hizo las cosas de tres en tres y no quería quedarse en una habitación de hotel con un número divisible por tres. Nosotros como banda tenemos la peculiaridad inusual de que cuando uno tiene sexo con una chica se imagina que hay dos chicas más en la cama. Y que en total son tres chicas. Por cierto, son divisibles por tres. Sí, se comenta que somos lo mejor que llega de Rusia desde el vodka. Esto nos hace sentir como si nos hubiéramos bebido tres litros de vodka que nos sabe a gloria. Es verdaderamente genial cuando haces algo que realmente te gusta y que tiene éxito. Nos conocimos estando muy ocupados con nuestros propios proyectos, que en realidad no llegaron a despegar. Finalmente, hace un año decidimos unir nuestras fuerzas e

inspiración y tratamos de hacer algo juntos. Así es como nació Tesla Boy. Nuestro primer álbum Modern Thrills contiene la canción Neon Love. El tema trata de un tipo inanimado que vive en una ciudad imaginaria donde no hay día, sólo noches hermosas de luces de neón. Todas las calles brillan con esta fría luz fluorescente. Y nuestro hombre experimenta sentimientos no comunes para una persona inanimada. Neon Love describe estos sentimientos. Una de nuestras primeras canciones, Spirit of the Night, ha recibido algunas críticas por sonar como Maniac de Michael Sembello. Nunca hemos ocultado el hecho de que Spirit of the Night estaba inspirada en Maniac. Hemos tratado de seguir su vibración y su estado de ánimo y, por suerte, hemos tenido éxito. Si nos quedamos con el concepto de sonar “de forma similar a”... entonces debemos comparar a un noventa por

ciento de las bandas modernas de pop con algo hecho anteriormente y, fuera de la cuestión, la mitad de los álbumes de David Bowie tendrían que ser retirados.

Nuestras influencias son diferentes, pero todos hemos crecido con la música, digamos, occidental, desde jazz y hip-hop al funk y new wave. Nos encanta Moscú por su arquitectura ecléctica y caótica, por su generosa belleza combinada con una crueldad inmensa, por el tempo y el ritmo que Ella impone, y por la tranquilidad de la noche que Ella da cuando se hace algo importante. Además, la vida nocturna es realmente loca aquí. Por cierto, estamos esperando una invitación para tocar de nuevo en Barcelona. www.myspace.com/teslaboysound www.teslaboy.ru

música

t: david moreu

The boys are back in town!

THE RIGHT ONS

The Right Ons es uno de los grupos más atípicos del panorama musical español. Mientras el pop edulcorado y los ritmos prefabricados arrasan en las listas de éxitos, esta banda se ha convertido en un fenómeno gracias a su pose descarada y a sus explosivos conciertos. En tan sólo cinco años han grabado dos álbumes de culto, han recorrido medio mundo en furgoneta y han compartido escenario con artistas de la talla de Eli “Paperboy” Reed, Marah y The Bellrays. Si el circo de la música fuese perfecto, The Right Ons sonarían en la radio a todas horas y aparecerían en anuncios de televisión, pero ellos disfrutan siendo la banda española más internacional del momento. No en vano, son unos héroes al otro lado del charco y les idolatran en el país del sol naciente. Bienvenidos al universo de The Right Ons.

lamono / núm. 65 / julio - agosto ’10

Los inicios de The Right Ons son bastante confusos.

Un grupo de amigos de toda la vida que se reencuentran en Madrid y deciden empezar a tocar la música que realmente les apasiona: una mezcla promiscua de rock y soul distorsionado con aires 60’s. Después de mil ensayos, de varios conciertos y armados con una buena colección de temas propios, se encierran en el estudio de Paco Loco en Cádiz para grabar su primer álbum, titulado simplemente 80/81. “Teníamos muy claro que queríamos grabarlo en directo y en analógico porque era la mejor manera de captar la esencia de la banda”, comenta Utah, su bajista. “Tenía que ser un disco bastante crudo y directo, que sonara como en los ensayos, y creo que fue un gran acierto plantearlo de ese modo”.

Aquel disco de debut sorprendió por su originalidad y The Right Ons se convirtió en el grupo que todos querían ver en directo, aunque resultara difícil clasificarlos por su estilo. Entonces, muy pocas bandas en nuestro país se atrevían con aquel sonido de raíces retro, pero su perseverancia y su actitud enseguida les llevaron de gira por los Estados Unidos. Una gesta que han repetido en varias ocasiones y, actualmente, son una presencia habitual en el South by Southwest, uno de los mayores festivales de música del mundo. “Hemos sacado muchas cosas en claro de las giras por los Estados Unidos y la más importante es aprender a tocar bien, porque los grupos americanos tocan de manera increíble”, afirma el bajista. “No hacen pruebas de sonido, simplemente llegan y tocan. Y si a la primera no suenan bien, ya lo harán a la segunda”. Evidentemente, su música gana muchos enteros al otro lado del charco, puesto que el público norteamericano aprecia de una manera más visceral aquel sonido auténtico y bailan como posesos, aunque al final de los conciertos se sorprenden al descubrir que The Right Ons son una banda española. “Es una música que de alguna forma no nos pertenece. Aunque siempre la hayamos escuchado, son sus raíces”, afirma Utah.

“Hablamos de Stax Records, de la Motown… nosotros no hemos nacido en Detroit. ¡Ojalá hubiéramos nacido en Detroit!”. Aunque el origen acabe delatándoles, la banda siempre ha tenido claro que las canciones deben crecer encima del escenario y que el secreto del éxito es ofrecer un buen espectáculo. Asimismo, en uno de aquellos desmadrados road trips por tierras americanas hicieron escala en el estudio de Q-Division en Massachusetts (donde Eli “Paperboy” Reed grabó su aclamado debut) y

aprovecharon para dar forma a su segundo larga duración, que responde al sugerente título de Look Inside, Now! “La fórmula para grabar fue muy exigente, puesto que no había claqueta marcando el tempo, ni voz de referencia, así que el ritmo lo dictaba nuestro cuerpo”, recuerda el bajista. “Además, imaginaos a siete personas (cinco músicos, un productor y un técnico) conviviendo cada día en un mismo espacio, era como un reality show en plan Gran Hermano”. La experiencia de los conciertos y las buenas vibraciones se plasmaron en este colorido álbum, que salió al mercado a principios del 2009. Sin duda, fue un paso de gigante respecto a su primera entrega discográfica y nos presenta a una banda más sólida, más ambiciosa y con las ideas muy claras. Thanks se reveló enseguida como un single perfecto y el resto de temas ya han hecho bailar a medio mundo en sus extensas giras. Aunque The Right Ons nunca olvidarán su primera visita a tierras japonesas hace justo dos meses. “Estuvimos apenas cuatro jornadas, que se intensifican cuando tienes dos conciertos, entrevistas y compromisos varios”, comenta Álvaro, su cantante. “Pero, aún así, había espacio para llevar la cámara a cuestas prácticamente todo el tiempo, poder mirar a través del objetivo y presionar el disparador para compartir todo lo que vimos por allí”. No en vano, su blog y su MySpace se han convertido en las mejores herramientas para difundir su música e interactuar con todos sus seguidores, incluso estando de gira. Pero ellos tienen claro que este momento de euforia sólo es el principio de una aventura musical y personal que aún les depara muchas sorpresas. “The Right Ons no nos conformamos y ya estamos encerrados en el local de ensayo con temas nuevos y conceptos para el próximo álbum”, comenta Rafa, su guitarrista. “Todavía falta tiempo para que tomen forma y poder disfrutar de un repertorio amplio sobre el que trabajar en el estudio, pero ya estamos en marcha”. Mientras esperamos, podemos verlos en directo en alguna de las fechas de la gira veraniega que ya han empezado. ¡Dance to the music! www.myspace.com/therightons therightons.tumblr.com

cd’s

Betunizer › Quien nace para morir ahorcado nunca morirá ahogado (BCore) Betunizer re-generó la semilla de At-The Drive In, añadió tres cucharadas de personalidad, paranoias rítmicas, letras en castellano y parió un disco inquieto, en donde guitarras disonantes chirrían sobre una excelente elección de contratiempos difíciles de comprender a primera vista. El post-hardcore se deja sentir, los locales de-construyen melodías, las modelan como quieren, revuelven en las entrañas del rock para dar forma a once canciones fetichistas de un ruidismo punzante que deja marca. Un primer disco para gente preparada.

The!Fuck › Transexual Blues Cuando empieza a sonar el punteado de la primera canción la alerta se dispara: el rock oscuro, de atmósfera siniestra e hipnótica es algo que le sale muy bien a The!Fuck. Pero esto no es todo. El resto del disco es algo más agresivo, se aferra a riffs circulares, llenos de rabia e intensidad que después escupen en el escenario. Porque dicen que esta gente la lía bien sobre las tablas, es fácil encontrarlos desnudos, bañados de salvajismo y epilepsia sonora; enmarcados por temazos como Boss of Sodomy, un track que saca a relucir el espíritu terrorista y sucio del grupo. Parodia (o eso creo), cinismo y bucles directos desde el infierno son carne de cañón para estos locales: desmadre.

Polar › Fireflies in the alley (Absolut Beginners) Y que después digan que en este país no hay bandas que suenan a gloria. Polar se pasea con comodidad por terrenos sinuosos, donde el noise fluye a momentos entre pasajes dulces, emotivos, cargados de un indie rock suave pero nada insulso. Su cuarto trabajo resume una carrera intachable, llena de pequeñas gemas del rock local, que apuesta por un estilo personal con una voz nostálgica pero esperanzadora, entre una versión moderada de Jeremy Enigk y la calidez de melodías de guitarra acogedoras. Un gran disco.

t: natalia brovedanni

(lo:muêso) › Palindromê EP (Aloud Music) Sin nuevas canciones no hay paraíso. Los premianenses (lo:muêso) siguen dándole vueltas a un sonido que evoluciona, que no se detiene acomodado en un estilo reprimido. Palindromê Ep es un resumen de lo que se trae entre manos una formación con las ganas de crear siempre insatisfechas. El disco arranca con Triángulo de Tartaglia, una canción de tiempos tranquilos, que anuncia una tormenta y te prepara para una carrera de sensaciones sonoras, del nervio a la calma, del grito al susurro, el registro en esta banda se amplia disco a disco. El post-rock más emotivo de guitarras en permanente discusión se vuelve a encontrar con el punk acelerado que siempre brilla en sus trabajos (Jurelculebra), además se animan con un remix de “ê”, incluyendo un vocoder curioso pero interesante. Enhorabuena.

Der Ventilator › Der Ventilator (Sibling Sex) Entre el lo-fi y la electrónica de Front 242, Der Ventilator está buscando la senda. El disco abre con Kill D.I.Y. Idols, un track con una línea de bajo acertada, que podría sonar en la discoteca de moda y romper la pista revolucionando al personal. Baterías programadas, sintetizadores a destajo y gritos de femme eufórica completan un combo al que aún le falta un punto de maduración pero que apunta maneras para caminar en el sentido correcto. Los 90, al mejor estilo Atari Teengae Riot, se cuelan en las influencias de estos cuatro jóvenes locales, a los que le pegan más canciones de actitud punki como Lightning Field que piezas como Scrawl, un track peudo-acústico que pone un paréntesis al trabajo. Nota: han editado un 7” naranja, una edición impecable.

Jamie Lidell › Compass (Warp Music) Este artista ha sabido abarcar una variedad de estilos sin quedarse en el intento. Jamie Lidell primero se abrazó al techno, después hizo lo suyo con Cristian Vogel, marcando una senda desdibujada pero sólida y ahora pone el acento en el soul.

Puestos a hablar de la calidad del disco, de la composición y de todo lo que atañe al resultado final, tengo que advertir que ciertas canciones como Completely Exposed me repelen bastante. A mitad del disco, aún pude esbozar una sonrisa con The Ring, un track más rítmico que invita a abandonar ese mal sabor de “Ibiza a las siete de la tarde en una terraza chunga al mejor estilo verano total”. Hay que reconocer que baterías, beatbox y voz funcionan a la perfección pero eso no quita que la elección del estilo de este gran artista arruine mi capacidad de crítica constructiva.

lamono / núm. 65 / julio - agosto ’10

Toundra › Toundra (II) (Aloud Music) Bestias pardas.

Eso es lo que son la gente de Toundra, una formación sencillamente arrasadora que te despeina la melena si estás en primera fila del concierto. No sólo hacen maravillas con el sonido, un torbellino aplacador difícil de ver por estas tierras, también saben ejecutar sus instrumentos como si hubiesen nacido pegados a ellos.

Progresiones metaleras relucen sobre un post rock que ya signaba el trabajo anterior de la banda pero que ahora se ve menos. La verdad es que no se echa en falta una voz, los instrumentos llenan cada espacio, te arrastran hacia la cima del éxtasis sonoro, un lugar lleno de experimentación, contundencia y complejidad compositiva. Sin duda, uno de los discos del año.

Gaf › Sociedad del bienestar (Foehn) Este disco es parte de una trilogía que editará Foehn Records. Con diez años de carrera, estos músicos de Tenerife, eligen el folk y la indietrónica y el resultado es precioso. El cosmos, los detalles y la psicodelia moderna conforman un trabajo que debemos escuchar tumbados en un sofá, con cascos o el volumen bien alto. Una guitarra espacial, platos que nacen del más allá y detalles vocales que evitan los excesos lo convierten en un tándem del estilo. Es como si nos invitaran a volar en un viaje de LSD-trónico donde la estación más cercana parece alejarse. El cantante respira cada palabra y funciona como un instrumento más. Pero no todo es agradable, en muchos momentos el aporte de un free jazz caótico, hasta obsesivo aparece para sacarnos de ese sueño. Aplausos.

conciertos y sesiones

DEVENDRA BANHART + AND THE GROGS Devendra estalló en la escena musical el año 2002 y desde entonces no ha parado de ganar fans devotos. Su último disco, What Will We Be, está compuesto por poderosas melodías, mid-tempos tocados con relajada maestría. Junto a Devendra Banhart, tendremos el placer de escuchar también a The Grogs, grupo nacido en Loughborough University en 2003. La banda acústica, desde el Reino Unido, nos trae a la capital sus mejores sonidos del folk rock. Joy Eslava. Sábado 10 de julio. 23 €. MAD THE STRANGE BOYS + FUCKIN’ BOLLOCKS Parece ser que The Strange Boys trabajan a un ritmo acelerado.

Dos discos en una docena de meses, su álbum debut The Strange Boys... And Girls Club y el flamante Be Brave.

Los sonidos de los nuevos reyes del garage USA, han crecido brillantemente a lo ancho de su nuevo álbum, ampliando sus referencias, influencias y destilados. The Strange Boys, comandados por Ryan Sambol, contarán con la compañía de Fuckin’Bollocks, banda que desde su despunte en el Emergenza se ha consolidado como la gran esperanza del garage local. Sidecar. Sábado 10 de julio. 15 €. BCN. BILL EVANS + ROBBEN FORD Tras dos décadas de exploración musical, el saxofonista Bill Evans culmina su investigación musical en el soulgrass, una mezcla potente y eléctrica del estilo americano per excelencia. Robben Ford, guitarrista y vocalista, es conocido por su forma apasionada, mágica y eléctrica de tocar blues. Ambos músicos llegan juntos a nuestro país para deleitarnos con el soulgrass, el blues, el jazz y el rock, una formación enérgica, intensa e inolvidable encima del escenario. Apolo. Miércoles 14 de julio. 30 €. BCN Festival Cruïlla Bcn: BEN HARPER & THE RELENTLESS +

t: cristina alaber

MACACO + ALPHA BLONDY + LOVE OF LESBIAN + ROGER MAS… Este año el Festival Cruïlla Barcelona amplía su programación a dos días con más de 30 conciertos. 35 artistas completan un cartel extenso y ecléctico, local e internacional. Cruïlla Barcelona es un festival sin fronteras musicales. Ben Harper, Macaco y Alpha Blondy, son algunos de los artistas destacados que nos harán disfrutar de un fin de semana de festival veraniego. Para conocer detalladamente el cartel del festival consulta www.cruillabarcelona.com. Parc del Fòrum. Viernes 16 y sábado 17 de julio. 68 € los dos días. BCN ERYKAH BADU Con voz singular y brillante consciencia, Erykah Badu, nos presenta su nuevo disco New Amerykah Part Two: Return of the Ankh en el incomparable marco de Els Concerts de l’Estiu al Poble Espanyol. Este quinto disco de estudio es la consagración definitiva de la artista americana. Durante la última década, Erykah Badu ha emergido no sólo como una fuerza mayor dentro de la industria musical, sino también como una reconocida emprendedora de actos humanitarios. Poble Espanyol. Domingo 18 de julio. A partir de 45 €. BCN CORINNE BAILET RAE Desde Leeds, Inglaterra, llega la cantante y compositora Corinne Bailey Rae. En 2006 Corinne publicó su álbum debut homónimo Corinne Bailey Rae y desde entonces la cantante no ha dejado de trabajar duro. En esta ocasión nos presenta su nuevo trabajo The Sea, disco producido por la propia artista en compañía de Steve Brown y Steve Chrisanthou, con quien Corinne ya había trabajado anteriormente. Su voz, instrumento expresivo y conmovedor, surge desde las profundidades del mar. Teatre Grec. Miércoles 21 de julio. A partir de 49 €. BCN. Teatro Lope de Vega. Jueves 22 de julio. A partir de 54 €. MAD.

BARCELONA. POBLE ESPANYOL. Avenida Marquès De Comillas, 13. 935 086 300. PARC DEL FÒRUM. Rambla Prim, 2-4. 93 356 06 12. APOLO. Avenida Paral·lel, 59. 934 419 007. TEATRE GREC. Paseo de Santa Madrona, 36. 933 161 000. SIDECAR. Plaza Reial, 7. 933 021 586. MADRID. JOY ESLAVA. Calle del Arenal, 8. 913 665 439 . TEATRO LOPE DE VEGA. Calle Gran Vía, 57. 915 472 011

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