lamono #102 PLAY ON

COVER:

ZACH MCCAFFREE

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BRIXTON ×TOTAL× LOOK WWW.BRIXTON.COM PHOTOGRAPHY: LUIZA LACAVA – WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: BARRY PAULSON

DANE REYNOLDS

GHETTO YOKE BOARDSHORT

STEPHANIE GILMORE | World Champion Surfer | #ROXYREADY

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THE EU TRIPPIN’ SKATEBOARD TOUR FEATURING: MARK APPLEYARD DAVID GONZALEZ RODNEY MULLEN LOUIE BARLETTA RYAN DECENZO CHRIS HASLAM PAUL HART ANTON MYHRVOLD PHILIPP SCHUSTER FRIES TAILLIEU CHARLES COLLET

#GLOBEEUTRIPPIN

TOUR STOPS: London, July 4TH-5TH Berlin, July 7TH-8TH Brussels, July 9TH Wevelgem, July 10TH Lyon, July 12TH-13TH Barcelona, July 15TH-16TH

FOR MORE TOUR INFO: www.facebook.com/globeeurope | @globebrand | GLOBEBRAND.COM | est. Australia 1994

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OBEY×TOTAL× LOOK WWW.OBEYCLOTHING.COM PHOTO: LUIZA LACAVA – WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: FERNANDO MARTINEZ

LA MÉRICAINE + RAY BAN SUNGLASSES WWW.LAMERICAINEANDCO.COM WWW.RAY-BAN.COM PHOTO: LUIZA LACAVA – WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: VALENTINE GRANGE

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adidas skateboarding ×TOTAL× LOOK WWW.ADIDAS.ES PHOTO: LUIZA LACAVA – WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: JAIME FELIPE DUARTE

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LEM VILLEMIN

KICKFLIP BACKSIDE TAILSLIDE BACKSIDE FLIP OUT #BUSENITZVULC

adidas.com/skateboarding

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Š 2015 adidas AG. adidas, the trefoil logo and the 3-Stripes mark are registered trademarks of the adidas Group.

VOLCOM ×TOTAL× LOOK WWW.VOLCOM.COM PHOTO: LUIZA LACAVA – WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: JUDITH OMS (UNIKO MODELS)

TWOTHIRDS ×TOTAL× LOOK WWW.TWOTHIRDS.COM PHOTO: LUIZA LACAVA – WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: LAIA VEIGA (UNIKO MODELS)

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ELEMENT EDEN ×TOTAL× LOOK WWW.ELEMENTBRAND.COM PHOTO: LUIZA LACAVA – WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: LAIA VEIGA (UNIKO MODELS)

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SHARE S TO R E T RA N S F ER C E L E B RAT E C R E AT IV IT Y ID E A S M U SIC F IL ES .com 23

QUIKSILVER + ARNETTE SUNGLASSES WWW.QUIKSILVER.COM WWW.ARNETTE.COM PHOTO: LUIZA LACAVA – WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: FERNANDO MARTINEZ

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Music, Creativity & Technology www.sonar.es

Barcelona 18.19.20 Junio

the chemical brothers, skrillex, duran duran, die antwoord, asap rocky, fka twigs, flying lotus, róisín murphy, hot chip, jamie xx, arca & jesse kanda, squarepusher, siriusmodeselektor, seth troxler, autechre, kindness, laurent garnier, dubfire:live hybrid, tiga live, jamie jones, maya jane coles, skepta & jme, rl grime, adam beyer, totally enormous extinct dinosaurs, pxxr gvng, evian christ, annie mac, cashmere cat, erol alkan, floating points, ktl, daniel avery, ten walls, rone, scuba, henrik schwarz, the 2 bears, sophie, roman flügel, black coffee, special request, francesco tristano, dj tennis, dj fresh, lcc, holly herndon, gramatik, ralph lawson, dorian concept, the bug, j.e.t.s. (jimmy edgar & machinedrum), kiasmos, kate tempest, yung lean & sad boys, paranoid london, vessel, bomba estéreo, double vision: atom tm + robin fox, kasper bjørke, xosar, badbadnotgood, tourist, zebra katz, salva, russell haswell, felix dickinson, meneo, redinho, cabo san roque, desert djs, mika vainio, lee gamble, mumdance & novelist feat. the square, helena hauff, voices from the lake, nyloïd, viktor flores, niño, randomer, powell, lorenzo senni, dj sliink, ¥€$Ø, swindle, fernando lagreca, klara lewis, jupiter lion, courtesy, jimi tenor & jori hulkkonen play nuntius, headbirds, dj detweiler, palms trax, bosaina, sta, olde gods, nv, ossie, larry gus, torus, brigitte laverne, mans o, la mverte, lao, el niño de elche vs los voluble, exoteric continent, mickey de grand IV, alejandro paz, valesuchi, noir noir… compra aquí tus entradas: www.sonartickets.com una iniciativa de

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medios asociados

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Rai radio

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VOLCOM ×TOTAL× LOOK WWW.VOLCOM.COM PHOTO: LUIZA LACAVA – WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: KEVIN MASSOL Y JUDITH OMS (UNIKO MODELS)

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VANS ×TOTAL× LOOK WWW.VANS.ES PHOTO: LUIZA LACAVA – WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: MATY CHEVRIERE Y KEVIN MASSOL (UNIKO MODELS)

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ROXY×TOTAL× LOOK WWW.ROXY.COM PHOTO: LUIZA LACAVA – WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: JUDITH OMS (UNIKO MODELS)

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NOWAY, BUT ALLWAYS www.globe.tv

TOTAL XLOOK PHOTOGRAPHY: DILAYLA ROMEO – DILAYLAROMEO.TUMBLR.COM MODEL: ALEXANDRU COSTIN Y JAIME FELIPE DUARTE

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Vamos a jugar como si todo esto no hubiera pasado. Como si todos estos años no hubiesen mellado ni nuestros cuerpos ni nuestros sueños.

Juguemos al teatro de la amnesia. Let’s play dramaturgy.

Juguemos pero sin volver a aquellos rediles escolares. Aquellas cárceles construidas para contener las jaurías de nuestras convulsiones coreografiadas. Bailemos de la mano a chocarnos contra los muros para crear bombas atómicas. Seamos niños kamikazes para atentar contra los colegios y cualquier otra institución de control que nos atormentó y que nos haya hecho degenerar en lo que ahora somos. Que nuestro mayor deseo sea que los colegios sean destruidos por bombas de destrucción. Éramos niños, y queríamos correr en línea recta persiguiendo conejos blancos para atravesar espejos, pero en los patios de recreo solo podíamos dar vueltas en círculos cual mula de feria. Lamentablemente solo éramos un ladrillo más del muro que nos retenía.

Volvamos a jugar si es que alguna vez dejamos de hacerlo. Porque todavía tiramos piedras, solo que ahora hemos cambiado nuestros objetivos. Porque todavía levantamos faldas, solo que ahora nos bajamos después los pantalones. Porque todavía hacemos lo que los mayores nos

PLAYON: T: ALEJANDRO CINQUE F: MAGDALENA WOSINSKA – WWW.MAGDALENAWOSINSKA.COM

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dicen que no debemos hacer tentados por la seducción de lo prohibido, solo que ahora el castigo es mucho mayor.

Pero lo que ya no hacemos es jugar a imitar a esos mayores, porque nos han defraudado. Ya no jugamos a los mamás y los papás porque hemos creado nuestros propios modelos familiares. Ya no jugamos a polis y cacos porque ahora todos somos cacos.

Peter Pan murió en Siria y nosotros le dejamos morir. Hubo un tiempo en el que la muerte no duraba más de cinco segundos tumbado en el suelo y era causada por balas invisibles salidas de los dedos de las manos. Después se seguía jugando como si todo esto no hubiera pasado.

Un tablero de Jumanji cuya última casilla te transporta de nuevo al inicio de la partida.

Cuando éramos niños solíamos imaginar aventuras en tiendas de campaña. Ahora que no lo somos, seguimos haciéndolo, ya que las tiendas fueron nuestros pequeños territorios conquistados. Cúpulas de lona que poseen el potencial de mil mundos al salir por sus cremalleras. El mes de mayo se acerca, y llega el momento de acampar de nuevo.

Las normas del juego han de ser cambiadas; comencemos a jugar.

De cuando imaginábamos aventuras en tiendas de campaña

Let’s play as if nothing happened. As if all these years had not dented in our bodies, in our minds or in our dreams. Let’s play to the amnesia theater. Let’s play dramaturgy.

Let’s play without going back to those scholar pens. Those prisons built to contain the impulses of our choreographed seizures. Let’s dance, hand in hand, hitting the walls in order to create atomic bombs. Let’s be kamikaze kids, let’s assault schools and any other institution that has tormented us and degenerated us into what we are today. May our biggest wish be that ravaging bombs destroy all schools.

We were kids, and all we wanted was to run in straight lines, following white rabbits through the looking-glass, but in the schoolyard during break all we were allowed to do was to walk in circles, like a mule in a fair. Sadly, we were just another brick in the wall that was holding us prisoners.

Let’s play again, if we ever stopped. Because we still throw stones, we’ve just changed our targets. We still lift skirts; we just take our pants off after. We still do what grown ups tell us not to, tempted by the seduction of the forbidden, but now the punishments are much worse.

But what we don’t do anymore is copy those grown ups, because they have let us down. We no longer play to the mamas and the papas, because we have created our own family roles. We don’t play cops and robbers any more, because we are all robbers now.

Peter Pan died in Syria and we allowed it. There was a time when death used to last five seconds, lying on the floor, caused by invisible bullets fired by fingers. Afterwards the game continued as if nothing happened. A Jumanji board where the last move would take you back to the beginning.

When we were kids we used to imagine adventures in camping tents.

Now that we’re not longer kids, we keep on doing it, since camping tents were our own small, conquered lands. Domes made in fabric that had the potential of a thousand worlds behind their zippers.

May is coming, time to camp again.

The rules of the game must change; play on.

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RenHang PLAYHARD T: ANTONELLA SONZA

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renhang.org

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Hay imágenes que son tan poderosas que van más allá que cualquier barrera autoimpuesta. Más allá de cualquier palabra, opinión o norma.

La obra de Ren Hang es pura libertad. No hay ningún tipo de complejo físico ni ideológico que suponga un freno para impedirle mostrar la verdadera belleza de las cosas. Esa que es cruda, que te golpea en la cara y te afecta. Y lo hace a través del desnudo, por una simple razón: “La desnudez es el tema central de mi obra porque me encanta el sexo”. Claro y directo, igual que sus fotografías. En realidad, no pretende mostrar el desnudo como algo sexual o vulgar, sino como algo normal y divertido. Te da la impresión de que sus modelos son la más pura personificación de la naturalidad, que están ahí con el propósito de entretenerte: no hay tabús, no hay filtros, no hay idealización. El cuerpo humano se convierte en un ente abstracto, en arte por sí mismo. Él nació en China, y por ello se le ha puesto en la misma línea reivindicativa que su compatriota Ai Weiwei (que también tuvo lo suyo por publicar autoretratos semi desnudo, aunque eso es lo de menos), pero nada más lejos de la realidad: su pretensión no es la controversia, sino explotar las posibilidades fotográficas de cada momento. Eso no significa que, dado la temática sobre la que ronda su trabajo, haya tenido problemas. En China, el desnudo público es un arma: ninguna editorial china publicará sus libros y sus exposiciones serán censuradas. “Me han arrestado varias veces pero no me importa, no tendrá ningún impacto en mi trabajo. Nunca he pretendido cambiar nada de la sociedad de mi país”. A pesar de las presiones por parte de las autoridades, él no se inmuta, ni tampoco sus modelos. El teléfono le arde cada vez que busca a gente dispuesta a participar en una de sus sesiones, en las cuales puedes acabar besando a un cerdo (su propia madre es la protagonista de esta serie), metido en un acuario, con una paloma en el culo o, en el mejor de los casos, formando parte de una coreografía de formas y colores resultado de la propia mezcla de seres humanos. “Nunca planeo ninguna fotografía antes de disparar, el resultado es espontáneo”. Y sin planear ha traspasado fronteras, llegando a publicar varios libros y a exponer por todo el mundo, donde le venden como “el fotógrafo censurado en China” o “el controvertido artista”. No sé si lo acaban de entender: aunque él mismo rechace la idea, sus fotografías analógicas son el retrato de una generación, la que está floreciendo en la China moderna. Y al fin y al cabo, todo va de tomarse la vida con humor. Incluso a nosotros mismos.

Some images are so powerful that they have the capacity to break any self-imposed barrier. Beyond any word, opinion or norm. Ren Hang’s work is the epitome of freedom. For him, there are no physical or ideological restraints when it comes to portraying the authentic beauty of things, that which is raw and has the ability to hit you in the face, causing an impact on your psyche. He decided to do it through nude photography because of one simple reason: “Nudes are the main subject of my work because I love sex”. Straight and clear, just like his pictures. In reality, he doesn’t pretend to expose the naked body as something sexual or vulgar, but as something normal and fun. And that’s the impression conveyed when observing the models he chooses to work with, they are the personification of naturalness, they are there with the sole purpose of entertaining you: no taboos, no filters, no idealization. The human body turns into an abstract entity, into art itself. He was born in China, reason why he has been ranked in the same vindictive line as his fellow countryman, Ai Weiwei (who also had his fair share of controversy when he decided to publish nude self-portraits, although this is not important), though this is far from true: he’s not aiming for controversy, he just wants to exploit the photographic possibilities within each moment. This doesn’t mean that, due to his subject of work, he hasn’t got into trouble. In China, public nudity is a weapon: no Chinese publisher will publish his books and his exhibitions will be censored.

“I’ve been arrested several times but I don’t care, that will have no impact on my work. I’ve never intended to change the Chinese society”.

Despite pressure from the authorities, he remains undeterred, as his models. His telephone burns every time he is looking for someone to participate in one of his shoots, where you can easily end up kissing a pig (his own mother is the protagonist of this series), inside an aquarium, with a pigeon up your ass or, better case scenario, being part of a strange choreography of shapes and colors, as a result of a mélange of human beings. “I never plan my photographs before shooting, every result is spontaneous”. And without planning it, he has broken frontiers, publishing numerous books and exhibiting his works all around the world, where he is announced as the “photographer censored in China” or the “controversial artist”. I don’t know if you get it: though he rejects the idea, his analog photographs are the depiction of a generation that is blooming in modern China. At the end of the day, it’s all about taking life humorously. Even ourselves.

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Shames Stephen

Luces y sombras del Bronx T: TEO CAMINO

Dispara desde el corazón para promover el cambio social y despertar a la opinión pública. Captura la cruda realidad de los bajos fondos, en los que el mal, la violencia y el caos comparten escenario con el bien, el amor y la familia. Desafía nuestra percepción del mundo y denuncia la situación de los más desfavorecidos. Es el Dylan de la fotografía de protesta y a menudo lo han comparado con los célebres fotoperiodistas Jacob Riis y Lewis Hine. Stephen Shames ha dedicado su vida a documentar temas sociales centrados en los niños de las comunidades pobres. Su último libro, Bronx Boys (University of Texas Press, 2014), demuestra que la esperanza puede sobrevivir incluso en las calles más oscuras. 224 páginas y centenares de instantáneas para descubrir a un fotógrafo de referencia y las luces y sombras del Bronx.

He shoots from the heart in order to promote social change and to raise awareness of social issues. He captures the raw and grim reality of the marginalized neighborhoods, where evil, violence and chaos, share the scene with goodness, love and family. He defies our perception of the world by denouncing the situation of the least favored. He is the Dylan of protest photography, and his work is often compared with other recognized photojournalists such as Jacob Riis and Lewis Hine. Stephen Shames has dedicated his life to documenting social topics focused on youth and poverty in the neglected sectors of society, and within his last work, Bronx Boys (University of Texas Press, 2014), he shows us that hope can be sustained even in the darkest alleys. 224 pages and hundreds of pictures that help us discover a renowned photographer and the lights and shadows of the Bronx.

www.stephenshames.com 48

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¿Cómo entiendes la fotografía? Es un medio de comunicación, una manera de contar historias. Así como la música, puede trascender culturas y cortar a través del babel de los idiomas. Todo el mundo “entiende” una foto. A nivel personal, a través de ella he logrado ir a todas partes y adentrarme en otras vidas, para luego contar sus historias. ¿Cuándo nace tu interés por estos temas y por documentarlos?

Siempre me han interesado estos temas, incluso de niño. Siempre tenía una historia que contar. En un principio fue la lucha por la justicia por parte de la gente de raza negra y el movimiento que buscaba terminar con la guerra en Vietnam. Mi primer proyecto a largo plazo, el cual comencé estando aún en la universidad, fue documentar el Partido Pantera Negra. Ellos me enseñaron la forma de compromiso con la comunidad, cómo ser parte de ella. Luego me enfoqué en lo que ha sido el trabajo de mi vida, fotografiar a niños que viven en la pobreza y a jóvenes que crecen en situaciones muy difíciles, pero aún así sobreviven. Quería ser su voz y ayudar a la gente a entender sus vidas, a sentirlas emocionalmente. Ese ha sido el foco de mi fotografía durante las ultimas cinco décadas. ¿Cómo consigues que los personajes que aparecen en tus imágenes se abran a ti?, ¿cómo te adentras en los márgenes de la sociedad?

No existe una receta para ganarse la confianza de la gente. Lo más importante es identificarse con las personas que están siendo documentadas y retratarlas como “nosotros” y no como “ellos”. Aprendí esta actitud de Bobby Seale, Big Man, Erikca Huggins, y el resto de los Panteras Negras, cuando trabajé con ellos y los fotografié. No veo una diferencia entre aquellos que se encuentran en desventaja y yo.

Esto suena simple, pero no lo es. Para lograrlo se requiere dejar atrás prejuicios que a veces ni sabemos que tenemos. Las personas procedentes de países desarrollados suelen sentirse superiores a otras culturas.

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No somos siempre concientes de esto, pero está ahí y afecta a nuestra manera de fotografiar. ¿Qué relación guardas con esos personajes? Los fotógrafos se involucran profundamente en las vidas de otras personas, y luego, el proyecto se acaba y, como vaqueros en el viejo oeste, se suben en su caballo y parten con el atardecer. Algunas veces las relaciones duran más allá del proyecto, otras no. Pero mientras el proyecto se está desarrollando estoy completamente involucrado con las personas que estoy fotografiando. Para mí, o te involucras del todo o mejor no lo hagas. Si vas a fotografiar hazlo con todo tu cuerpo y alma. Esto requiere un compromiso total. Cuando fotografío una historia, se convierte en mi mundo entero. No existe nada más. ¿Qué proceso sigues cuando estás trabajando? Aprendo todo lo posible de las personas a las que estoy fotografiando. Leo libros y artículos. Escucho su música. Intento entender su cultura, que es como una burbuja que nos envuelve. Ser capaz de desprenderte de ella y entender el punto de vista de otro es importante si quieres ver las cosas desde dentro. Salir de ti mismo y ver el mundo a través de los ojos de las personas que estás documentando, te ayudará a ganarte su confianza. Cuando me acerco a las personas que voy a fotografiar lo hago como un extranjero que visita su país, los grupos marginados viven en otro mundo. Tienes que ganarte su confianza para que así te permitan entrar en su mundo. La clave está en hacer amigos y ser parte de la escena. De esta manera las personas siguen con su vida e ignoran la cámara. Ser honesto. Una vez tengan claro que los vas a retratar de una forma verdadera y honesta, confiarán en ti y te dejarán entrar en sus vidas. Intento hacerme amigo de los líderes del vecindario, ellos pueden hacer de guías y presentarme a otras personas. Es prudente seguir su ejemplo en cuanto a qué es seguro y qué es peligroso. Esto me funcionó en Irlanda durante los problemas que hubo allá, en el

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Líbano durante la guerra civil, también en los barrios pobres de los Estados Unidos, Asia, Sur América y África. De ser posible, vivo con las personas que fotografío, ya que esto rompe barreras y me permite lograr mejores fotos. He aprendido a elevar a las personas que fotografío a una posición de igualdad para poder aprender de ellos. Los escucho y colaboro. Ellos tienen las respuestas, no yo. Una vez llegas a ese estado mental, formas parte del vecindario. Entonces, las fotos emocionalmente poderosas empiezas a suceder. ¿Quién estaba tras la cámara que captó las imágenes de Bronx Boys: un artista, un humanista, un juez o un amigo? Tal vez todos los que has mencionado. Un fotógrafo debe esforzarse por mostrar la “verdad” como la ve. Así que algunas veces eres un amigo y otras un juez, pero un buen fotógrafo siempre es un artista y un humanista.

También debe tener empatía por las personas que está fotografiando.

Algunos fotógrafos dicen que en cada fotografía que disparan hay un autorretrato, ¿es así? Sí. ¿Qué explican tus imágenes de ti? Dejaré que todos se formen sus propias opiniones con respecto a esto. Pretendo que las personas que ven mis fotos piensen en la gente que aparece en ellas y en los sucesos documentados, no en mí. ¿Disparas con la cabeza o con el corazón? Con los dos. Empleo mi cabeza para formular el proyecto, hago una investigación exhaustiva y lo pienso a fondo. Pero cuando me encuentro allí, dejo que mis emociones (mi corazón) tome la iniciativa. Sólo capturo las fotos que siento.

Es mejor no pensar demasiado en lo que estás haciendo, sino ver un momento y capturarlo. Luego en la etapa de edición, tanto cabeza como corazón trabajan igual, a medida que escoges, secuencias y subtitulas tus fotos.

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¿En qué momento sentiste la necesidad de dedicar tu vida a la lucha en favor de los más desfavorecidos? Mi madre, como muchas otras madres de los años cincuenta, me decía que no debía desperdiciar la comida, que me comiera todo lo que tenía en el plato, ya que había niños que se morían de hambre en la India. Eso me marcó. Recuerdo soñar que ayudaba a los pobres en la India cuando tenía diez años.

Luego, cuando estaba en la secundaria, el valor mostrado por las personas presentes en el movimiento por los derechos civiles en los Estados Unidos dejó una huella en mí. En la Universidad de California, en Berkeley, conocí a Bobby Seale, quien se convirtió en mi mentor y me llevó a involucrarme con los Panteras Negras. El Partido Pantera Negra decía, “Sirve al cuerpo y al alma de las personas.” Su amor incondicional, el cual le mostraban a las comunidades negras, me impresionó tanto que decidí dedicar mi vida a ser la voz de los desposeídos, aquellos que no son escuchados o vistos. ¿De qué manera te afecta lo que ves? Cuando estoy tomando fotos estoy totalmente centrado, como si estuviese en una burbuja, siento como si nada me pudiera afectar. Pero cuando bajo la cámara, todas las emociones de lo que he visto me golpean como una tonelada de ladrillos. Luego lo siento y a veces debo recostarme un rato mientras me recupero. ¿Qué es la fotografía sin compromiso social? Mis fotografías tienen un alto grado de compromiso social, pero eso es sólo un tipo de fotografía. Existen muchos. Algunos fotografían animales. Otros capturan maravillas astronómicas. O desnudos sensuales. La fotografía no requiere un compromiso social. La fotografía se centra en el poder en la imagen, nada más y nada menos. ¿Hay algo que te gustaría denunciar y no lo has hecho? No.

¿Qué sientes cuando comparan tu trabajo con el de Jacob Riis y Lewis Hine? Me siento genial. Me honra saber que piensen en mí junto a ellos.

La fotografía, ¿analógica o digital? No importa. Es el resultado, la imagen, lo que es importante, no la tecnología.

Tras Bronx Boys, ¿qué proyecto tienes en mente? Tengo algunas ideas. Quiero hacer algo acerca del agua pero aún no he encontrado el núcleo. Tengo un nuevo libro que saldrá el próximo año. Abrams está publicando un nuevo libro de fotografías de los Panteras Negras para coincidir con su cincuentavo aniversario en el otoño del 2016.

Bobby Seale está escribiendo los textos. ¿Se puede cambiar el mundo a base de fotografiarlo? Todo lo que hacemos cambia el mundo, pero gran parte del cambio no es significativo. La fotografía tiene un poder increíble, pero hay límites. Puede mostrar la injusticia y llamar la atención, incluso a veces mostrar una solución al problema, pero una foto no cambia el mundo por sí sola. El cambio requiere involucrarse con otros e iniciar un movimiento. Así que si quieres cambiar el mundo es necesario crear movimientos políticos, como el movimiento por los derechos civiles en los Estados Unidos o la Primavera Árabe en Egipto. Un fotógrafo puede ser parte de eso, pero no puede hacerlo por sí solo. Durante las últimas cinco décadas he vivido el tenebroso mundo de la pobreza, la violencia y la desesperación, con la esperanza de que mis imágenes de los pobres y desposeídos cambiaran el mundo. Ayudaron en el momento en que me uní a grupos que estaban promoviendo ciertas reformas. He trabajado en numerosos proyectos con organizaciones que han utilizado mis fotos como “iconos para el cambio”. Para un proyecto fotografié huérfanos del

SIDA antes y después de que recibieran tratamiento por parte de Keep A Child Alive, para que la gente viese como estos niños se recuperaban. Documenté también para una organización estadounidense soluciones que llevaban a niños y familias a escapar de la pobreza. Las fotos fueron usadas para un libro y en exposiciones públicas y para legisladores. Tres gobernadores estadounidenses las exhibieron en el Capitolio (Parlamento) para que los legisladores pudieran verlas a medida que entraban a la cámara a realizar sus votaciones. Cuando las imágenes se utilizan junto a campañas bien pensadas por una organización que sabe lo que se necesita hacer para solucionar un problema, pueden ser muy efectivas.

Cuéntanos algún logro de L.E.A.D Uganda, la ONG que fundaste en 2006 y que localiza niños olvidados (huérfanos del SIDA, ex niños soldado y niños que viven en campos de refugiados) con talentos innatos y los ayuda a estudiar y a labrarse un futuro. Me retiré hace tres años así que ya no tengo una ONG. Pasé el liderazgo a otras personas que continúan con el trabajo. Cuando estuve involucrado, más del 90% de los niños que terminaban la secundaria iban a la universidad. Algunos de ellos ganaron becas gubernamentales por sus buenas calificaciones. Uno de los estudiantes recibió una beca para estudiar en una universidad en los Estados Unidos.

Cinco se encuentran trabajando aquí, enviando dinero a sus casas.

Otros empezaron sus propios negocios en Kampala, creando empleos.

Pero para mí, el logro más grande lo consiguieron tres chicos que empezaron sus propias ONGs. Nuestros chicos están dando algo a cambio. Llevaron a huérfanos al colegio, le ofrecieron ayuda a niños con SIDA, y enseñaron computación y vídeo a jóvenes en campos de refugiados. Eso me hace feliz. ¿Qué te empuja a seguir viviendo? La alternativa.

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I do not see a difference between me and the disadvantaged. This sounds simple, but it isn’t.

That requires overcoming prejudices which we may not even realize we have

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How do you understand photography? Photography is a form of communication, a way to tell people stories. Photography, like music, can transcend cultures and cut through the babel of languages.

Everyone “gets” a photo. On a personal level, through photography I have been able to go anywhere and enter other lives, then tell their story.

When does your interest for these topics and for capturing them started? I have always had an interest in these topics, even as a child. I always had a story to tell. First it was the struggles of black people for justice and the movement to end the War in Vietnam. My first long-term project, which I started while still at university, was documenting the Black Panther Party. They taught me how to engage with the community — how to become part of it. Later, I settled into what has become my life’s work, photographing poor children and youths growing up in difficult situations, but surviving. I wanted to be a voice for them and to help people understand their lives, feel their lives emotionally. That has been the focus of my photography for the past five decades.

How do you manage to achieve that openness in the subjects you photograph? How do you reach within the frames of what are considered marginal groups in society? There is no recipe for gaining people’s trust. The most important thing is to identify with the people being documented and portray them as “us” rather than “them”. I learned that attitude from Bobby Seale, Big Man, Ericka Huggins, and the rest of the Black Panthers, when I worked with them and photographed them. I do not see a difference between me and the disadvantaged. This sounds simple, but it isn’t. That requires overcoming prejudices which we may not even realize we have. People in developed countries often feel superior to other cultures. We are not always conscious of this, but it is there and affects how we photograph.

What type of relation do you keep with these characters?

Photographers get deeply involved with other people’s lives, and then, the project is finished and like cowboys in the old US west, they get on their horse and ride off into the sunset. Sometimes the relationships last beyond the project and sometimes they don’t. But while the project is going on I am completely involved with the people I am photographing. To me you are either all in or all out. If you are going to photograph do it with all your body and soul. That requires total commitment. When I am photographing a story, it is my whole world.

There is nothing else.

Is there a process you follow when working? I learn as much about the people I am photographing as possible. I read books and articles.

I listen to their music. I try to understand their culture. Culture is like a bubble that envelopes us. Being able to shed your own culture and understand another’s point of view is important if you want to see as an insider. If you can get outside of yourself and see the world from inside the eyes of the people you are photographing that will help you gain their trust. I approach people I am going to photograph as a foreigner coming to their country, marginal groups essentially live in another world. The key is making friends and becoming part of the scene. Then people go about their lives and ignore your camera. Once people believe you will portray them in a true and honest manner, they trust you and will let you into their lives. I try to make friends with leaders in the neighborhood who can act as guides and introduce me to people. It is wise to follow their lead as to what is safe or dangerous. This worked in Ireland during the troubles, Lebanon during the Civil War, as well as, in poor neighborhoods across the United States, Asia, South America, and Africa. When possible, I live with the people I photograph because it breaks down barriers and allows me to get better pictures. I learned to elevate the people I photographed to a position of equality so I could learn from them.

I listen to them and collaborate with them. They have the answers,

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not me. Once you are in that frame of mind, you become part of the neighborhood. Then the emotionally powerful photos start to happen.

Riis or Lewis Hine? I feel great. I am honored to be thought-of in their company.

Who was behind the camera that captured the images for the Bronx Boys? An artist? A humanist? A critic? A friend? Maybe all of the above. A photographer must strive to show the “truth” as he sees it in front of him. So sometimes you are a friend and sometimes you are a critic, but a good photographer is always an artist and a humanist. He has to have empathy for the people he is photographing.

Photography: digital or analog? Does not matter. It is the result — the image — that is important, not the technology.

Some photographers affirm that in each photograph lies a selfportrait, is this present in your images? Yes. What do your photographs tell about yourself? I will let everyone form their own opinions about this. I want people to think about the people in my photos and the issues being documented, not about me.

Do you shoot with your head or with your heart? I use both. I use my head to formulate the project; I do extensive research and think it out. But when I am actually there, I let my emotions (my heart) take the lead. I just shoot the pictures that I feel. It is best not to over think what you are doing but to just see a moment and capture it. Then in the editing stage, both the head and the heart are equal, as you select, sequence, and caption your photographs.

Where along your life you decided to devote your life to the defense of the least favored? My mom, like so many mothers in the 1950s told me I should not waste food, to eat everything on my plate, because children were starving in India. That stayed with me.

I remember dreaming about helping the poor in India when I was 10-years-old. Then when I was in high school, the courage of the people in the Civil Rights Movement made an impression on me. At the University of California at Berkeley, I met Bobby Seale, who became my mentor and got me involved with the Black Panthers. The Black Panther Party said, “Serve the people body and soul.” Their unconditional love—which they showed the black community—impressed me so much, I decided to devote the rest of my life to being a voice for the dispossessed—those who are not heard or seen.

In which way what you see affects you? I am totally focused when I am taking photos. It is as if I am in a bubble. I feel like nothing can affect me. But, when I put down the camera, all the emotion of what I have been seeing hits me like a ton of bricks. Then I feel it and sometimes I have to lie down for a bit until I recover.

Without a social commitment, what is photography? While my photography has a high degree of social commitment, that is only one kind of photography. There are many kinds of photography. Some people photograph animals. Others capture astronomical wonders.

Then there are those who create sensual nudes. Photography does not require social commitment. Photography is about the power of the image, nothing more, nothing less.

Is there something you would like to denounce but haven’t? No How do you feel when your work is compared to the ones by Jacob

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After Bronx Boys, ¿what project are you planning next? I have a few ideas in mind. I want to do something about water but have not figured out my focus yet. I have a new book coming out next year. Abrams is publishing a new book of photographs of the Black Panthers to coincide with their 50th anniversary in the fall of 2016.

Bobby Seale is writing the text.

Is it possible to change the world by photographing it? Everything we do changes the world, but most of the change is not significant.

Photographs have incredible power, but there are limits. Photography can show injustice and focus attention to it; sometimes even show a solution to a problem, but a photo does not change the world by itself.

Change requires getting involved with others and building a movement. So if you want to change the world, it is necessary to build political movements — like the Civil Rights Movement in the US or the Arab Spring in Egypt. A photographer can be part of this, but cannot do it alone. For the past five decades I have wandered the nether world of poverty, violence, and despair, hoping my images of the poor and disposed would change the world. They helped make change when I partnered with a group who was pushing for specific reforms. I have worked on a number of projects with organizations that used my photos as “icons for change”. In one project I photographed AIDS orphans before and after they received treatment for Keep A Child Alive, so people would see that these kids got better. For a U. S. organization I documented solutions that helped children and their families escape poverty. The photos were used in a book and exhibits to the public and to legislators. Three U. S. governors exhibited the photos inside the Capitol (parliament) so legislators would see them as they entered the chamber to vote on the issues. When photos are used in conjunction with a well thought out campaign by an organization that knows what needs to be done to solve a problem, they can be very effective.

You founded a NGO in 2006, called L.E.A.D Uganda, which tracks forgotten kids (AIDS orphans, former child soldiers and refugees) that have innate talents and helps them study so that they can have a future; tell us some of the achievements you’ve had through this organization.

I retired three years ago so I do not have an NGO any more. I passed the leadership on to others who are continuing the work. When I was involved, more than 90% of the children who finished secondary school went on to university. A number of them won government scholarships because their grades were so good. One student received a scholarship to a U. S. university. Five are here working, sending money home. Some others started their own businesses in Kampala, creating jobs. But, to me, the most significant achievement is three who started their own NGOs. Our kids are giving back. They put orphans into school, provide help to children with AIDS, and teach computer and video skills to youngsters in refugee camps. That makes me happy.

What pushes you to keep on living? The alternative.

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En el día a día presenciamos situaciones muy curiosas, divertidas, especiales o simplemente normales y corrientes, pero que tienen el poder de definir a la especie humana. Duran solo unos segundos, pasan y después nos olvidamos de ellas, como si no hubiesen existido.

La gracia está en cuando alguien es capaz de inmortalizarlas, capturarlas. Entonces se convierten en un testimonio de lo peculiar que es el hombre que, por un lado, es capaz de hacer grandes cosas y por el otro, protagoniza las escenas más ridículas y extravagantes.

Daniel Arnold tiene como un imán para este tipo de acontecimientos, y da la sensación de que no parpadea, de que tiene siempre los ojos abiertos y la cámara a punto para disparar para dejar constancia de ellos. Su escenario son las calles de Nueva York, efervescentes, heterogéneas, donde se aglomeran las personalidades más variopintas. Si recogiéramos todos sus documentos nos haríamos una idea de lo que somos realmente. De hecho, debería existir un museo dedicado a conocer nuestra especie desde un punto de vista más superficial, pero no menos revelador, basado en nuestra cotidianidad. Y no puedo evitar preguntarme cuántas de estas situaciones habremos vivido sin ser capaces de dejarlas plasmadas y ni tan solo recordarlas.

Every day we witness curious situations, fun and special, or just ordinary and usual, which have the power to define the human race.

They might just last a few seconds and after they’re gone we forget all about them, as if they never happened. The trick comes down when someone is capable of capturing and making them last forever. Thus, they become testimony of how peculiar man is and how he is, on one hand, capable of incredible things, and on the other, a protagonist of the most outrageous and extravagant scenes. Daniel Arnold has a magnet for this type of events, giving us the feeling he never blinks, eyes wide open, camera ready, finger on the shutter.

The streets of New York work as his backdrop, effervescent, heterogeneous; where the most varied personalities agglomerate. If we collected all his documents we could get a general idea of whom we really are. Matter of fact, there should be a museum dedicated to expose the human specie from a more superficial viewpoint, not less revealing, based on our everydayness. And I can’t help to wonder how many of these situations we have lived without being able of documenting them, not even remembering them.

www.daniel-arnold.org

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T: VICKY NAVARRO

DANIEL ARNOLD We Are Special

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Te gusta la gente con rasgos físicos especiales, que llame la atención. En realidad, el físico es como la personalidad de cada uno. Todos tenemos algo que nos caracteriza, tanto en la apariencia como en el carácter. La única diferencia es que nuestro aspecto puede verlo todo el mundo y la personalidad no se ve a primera vista. ¿Crees que pueden compararse ambas cosas o estoy lejos de la verdad?

En realidad no me importa tanto la apariencia como las historias y preguntas. Las personas con características magnéticas sirven de atajo para darle peso a una escena, pero no son necesarias. La emoción y la acción son mucho más efectivas. Aún así, cuando todas estas fuerzas se combinan, los resultados pueden ser deslumbrantes.

Independientemente del físico de cada uno, digamos que no te interesa fotografiar a la gente en su mejor momento ni con su mejor perfil. ¿Qué es lo que te propones? Me interesa menos la historia de una persona que la historia de la gente. ¿Tiene sentido? No espero revelar el verdadero yo interior de un individuo. ¿Acaso eso existe? Tampoco me interesa capturar a la gente en su máxima belleza. Me gusta contar historias acerca de lo bizarro, sobre los matices no mencionados de nuestra experiencia universal. La rareza y la sensación de estar vivo en ese instante, o en cualquier momento. Como te ves manteniendo la compostura cuando tienes miedo, o cómo casualmente se esconde una sonrisa tras un traje y la sensación de sentirte hermoso o de estar en un cuarto que huele mal. Estos son ejemplos al azar, inventados, y no estoy buscando uno en específico, ¿entiendes lo que digo? ¿Ves a menudo a un hombre de traje alzando a un recién nacido? ¿Qué significa? ¿Qué quiere decir?

Tomar fotos nunca es tan intencional como parece.

Algo te produce una emoción y presionas el botón.

Eso es todo.

Cuando observo a los personajes de tus instantáneas me imagino ya cómo deben ser. ¿Crees que un gesto, un acto, una mirada, pueden definir a una persona? No sé si algo puede definir a una persona. Todos somos mentirosos virtuosos de Broadway.

Pero los gestos, actos y miradas sugieren un universo repleto de significados.

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¿Cómo empezaste a hacer fotografías? ¿Te ha interesado siempre capturar esos momentos ‘freakies’, graciosos que se viven en las calles? Empecé a hacer fotografías, no sé, ¿para tener un registro de las cosas? ¿Para contar historias sin la tortura y vulnerabilidad de expresarme yo mismo? No siempre han sido graciosas, ‘freakies’ o en exteriores.

Uno de tus proyectos (para The New Yorker) consistió en meterte en el metro de New York y documentar lo que veías durante esos largos trayectos. ¿Se puede retratar esta gran ciudad observando solamente lo que se cuece en el metro? Estoy seguro de que mucha gente adinerada dirá que no. Pero es un lugar enriquecedor. Tienes acceso a una amplia franja de experiencias allí abajo, y la luz es agradable, además nadie está atento. ¿Cuál es el mejor proyecto en el que te has visto envuelto? Los mejores proyectos se dan cada vez que tengo la oportunidad de viajar con un amigo. Hace poco estuve en un road trip por Marruecos tomando fotos para una línea de ropa que se llama JNOUN. Antes de eso estuve explorando Paris para Vogue. ¿Has tenido problemas por fotografiar a desconocidos en la calle? ¿Qué es lo más fuerte que te ha pasado? Me metieron en la cárcel. Fue terrible.

El monotema de esta edición es PLAY ON, ¿Cuál crees que es el juego más maléfico de la sociedad en la actualidad? Es todo un juego. Un juego delirante basado en la inseguridad y auto-importancia del hacer creer. La historia de la Cienciología es una alegoría bastante buena para los problemas que surgen de este acuerdo, pero llamar cualquier cosa a nivel social como maléfica, implica más control y conciencia del que creo que tiene cualquier persona. Creo que la vergüenza más grande de la realidad es lo fácil que es vivir una vida sin examinar. Aunque es agradable soñar. ¿Has estado alguna vez en Barcelona? Aquí también encontrarías personajes muy interesantes por las calles. ¿Qué te parece la idea? No he ido a Barcelona, pero me muero por cambiar eso. Definitivamente iré a echar un vistazo lo antes posible.

Me interesa menos la historia de una persona que la historia de la gente. Me gusta contar historias a cerca de lo bizarro sobre los matices no mencionados de nuestra experiencia universal

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You like people with unusual physical features, who are attention-grabbers. In fact, each one’s physique is like their identity. We all have something that characterizes us, both in appearance and personality .

The only difference is that everyone can judge our appearance but our personality can’t be seen at first sight. Do you think both things can be compared or am I far from the truth? I actually don’t care so much about appearance as I do about stories and questions.

People with magnetic features can be shortcuts to giving a scene weight, but they’re not necessary. Emotion and action are much more effective. Though, when all of those forces combine, the results can be dazzling.

Regardless the physique of each person, we could say you’re not interested in photographing people in their prime or their best profile. What’s your purpose then? I am less interested in the story of a person than I am in the story of people. Does that make sense? I don’t expect to reveal the inner truth of an individual.

Does such a thing even exist? I don’t care about catching people at their most beautiful either. I like to tell stories about the odd, unmentioned nuances of our universal experience. The weirdness and feelings of being alive in this time, or any time. What it looks like to try to keep a straight face when you’re afraid, or casually repress the smile behind dressing up and feeling beautiful or being in a room that smells bad. These are random, made up examples, and I’m not looking for anything specific, but do you know what I mean? How often do you see a guy in a suit carrying a newborn? What does that mean?

What does it say? But again, this explanation is given looking back for the sake of an interview. Shooting is never as intentional as this suggests. Something gives you a feeling and you press the button. That’s it.

When I look at the subjects in your photographs I can imagine how they might be. Do you think that a gesture, an act, a look, can define a person? I don’t know that anything can actually define a person. We are all virtuoso Broadway liars. But gestures, acts and looks can certainly suggest a fully fleshed universe of meaning.

Why did you start taking pictures? Did you always capture funny and ‘freaky’ moments that happen on the streets? I started taking pictures, I don’t know, to

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keep track of things? To tell stories without the torture and vulnerability of expressing myself? It hasn’t always been funny or freaky or outdoors.

Your work is very spontaneous. Do you go out on the streets in search of nice moments or people to capture or they just emerge in your daily life? They just emerge, though I am always looking and always carry a camera.

One of your projects (for The New Yorker) was to get into the subway in New York and document what you saw during those long journeys. Is it possible to portray this great city only by observing what’s going on the subway? I’m sure a lot of rich people would say no. But it is a rich place. You have access to a very wide swath of experience down there, and the light is nice, and nobody is paying attention.

Which is the best project you have been involved in?

Any time I get to travel with friends, it’s the best. Most recently it was a road trip in Morocco shooting for a clothing line called JNOUN. Before that, it was exploring Paris for Vogue.

Have you ever had problems for photographing strangers on the streets? What is the worst situation you had to face? I went to jail. That was awful.

This issue’s topic is PLAY ON, what do you think is the most evil “play” of society nowadays? The whole thing is a play. A delusional self-important, insecurity-riddled game of make believe. The Scientology story is a pretty good allegory for the problems that arise from that arrangement, but to call anything on a societal level evil implies more control and awareness than I think any one person really has. I think the biggest shame of that reality is how easy it is to live an unexamined life. But it is nice to dream.

Have you ever been to Barcelona? Here you would also f ind lots of interesting characters along the streets. What do you think? I haven’t been to Barcelona, but I’m dying to fix that. I will definitely come have a look around as soon as possible.

I am less interested in the story of a person than I am in the story of the people. I like to tell stories about the odd, unmentioned naunces of our universal experience

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68 PANTS OBEY. HAT RHYTHM

I I IIIII CAN’T PLAY WITHOUT YOU PHOTO: ZACH MCCAFFREE - ZACHMCCAFFREE.COM MODEL: GENNA@GENNASARA LOCATION: ENCINO CALIFORNIA

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71 HAT BRIXTON

72 DRESS RHYTHM, HAT BRIXTON

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DRESS ENDLESS 74 ROSE. HAT BRIXTON. SNEAKERS CONVERSE

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77 HAT BRIXTON

RHYTHM TOTAL X LOOK

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79 DRESS OBEY

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“Nuestra intención con la serie My Road es aportar algo nuevo al surf, ¿sabes? Existen tantos clips de acción que queríamos mostrarles a las personas que en realidad el surf no se trata sólo del deporte en sí, sino que hay todo un estilo de vida detrás”. Ese estilo de vida, para Nic, está cimentado en buscar olas, lo que es su pasión. Viajar alrededor del mundo, presenciar playas por primera vez bajo la luz violeta del amanecer, saltar el agua fresca, remar, sin saber qué traerá la ola; ansiedad, valor y el sol que sale por el horizonte.

Emocionante. Probablemente es por eso que este tío siempre tiene una sonrisa en la cara y es tan fácil hablar con él. Presente durante el Movistar Surf City Festival en Barcelona, Nic nos mostró el segundo episodio del My Road Series y habló de olas con nosotros.

“Our intention with the My Road series is to bring something new to surf, you know; there are so many action clips out there, that we really wanted to show people that surfing is not only about the surfing, there’s a whole lifestyle behind it.” That lifestyle, for Nic, is firmly based upon chasing swells, probably his main passion. Traveling around the world, witnessing beaches for the firs time under dawn’s purple lights, jumping inside the fresh water, paddling, without knowing what the wave might bring: anxiety, courage and the son coming up the horizon. Sounds exciting. Well, probably that’s why this guy always has a smile on his face and is so easy to talk to. Present during the Movistar Surf City Festival happening in Barcelona, Nic showed us the second episode of this series and talked about waves with us.

T: JAIME FELIPE DUARTE F: LUIZA LACAVA

NIC VON RUPP Después de ver el episodio One City, se puede decir que los portugueses tenéis un estilo bastante único al surfear, ¿cómo lo describirías? Lo que quizá nos distingue es que el surf es bastante nuevo en Portugal, justo ahora tenemos la primera generación de padre e hijo surfista, lo que en lugares como los Estados Unidos o Australia hace tiempo que se repite. Tiago es nuestro primer surfista profesional de éxito. Es bueno ver que todos tenemos hambre, queremos hacernos un nombre por nosotros mismos. Otra cosa que nos distingue es que Portugal tiene olas muy fuertes; estamos acostumbrados a esas condiciones y nos tiende a ir bien en Hawai, no somos surfistas de nueva escuela, sino power surfers.

Has hablado de las diferentes olas que se encuentran en Portugal, ¿crees que eso ha convertido los spots cercanos a Lisboa en destinos surfistas? Bueno, cerca de Lisboa tienes algunas de las mejores olas del mundo; Nazaré, considerada una de las más grandes, Ericeira, donde encontrarás largos pointbreaks de derechas y los súper tubos de Peniche. Hay mucha variedad y Lisboa es una capital que te ofrece mucha cultura y vida nocturna, que es lo que quiere un viajero. El balance es perfecto.

el arrecife de manera perfecta y no hay rocas en el camino, pero la mayoría tienes que pasar por encima de rocas con las líneas que estás dibujando, y obviamente son muy afiladas. Un par de amigos que son surfistas increíbles se hicieron daño allí, y decidieron que no la volverían a surfear. Es una de esas olas que cabalgas porque te da una inyección de adrenalina, pero hay un límite, quieres tener salud el resto de tu vida, y no terminar lesionado, lo cual es una realidad allí, puedes acabar en una silla de ruedas.

Te hemos visto surfeando en Pipeline, ¿cómo han sido tus experiencias? Pipeline está considerada una de las mejores olas del mundo; la más hermosa, es el estadio del surf, la ola es asombrosa, perfecta, y rompe a tan sólo tres metros de la orilla, así que es única; un referente.

Si estuvieras sólo un día al año en Portugal, ¿qué ola elegirías? Yo vivo bastante cerca de Ericeira, pero no podría escoger solo un tipo de ola porque algunos días empiezo en ahí y luego subo a Peniche, donde el viento es diferente, así que también depende de las condiciones.

¿Cuáles son las principales diferencias entre las dos? Son completamente diferentes. En Pipeline, aunque tiene huecos y tubo, el arrecife es bastante estable, casi perfecto, en cambio en “The Cave” están por todas partes, hay lugares profundos y de la nada surge uno por encima del nivel del agua, así que nunca sabes qué puedes esperar. En Pipeline sabes que la ola siempre va a romper igual, aunque sea más pesada y rompa más fuerte, sabes en qué posición te puedes poner y en cuál no. En “The Cave” es una apuesta, puedes ser muy feliz pero también muy desafortunado y golpear el arrecife, lo que te puede arruinar la vida.

Cuéntanos cómo es surfear “The Cave” (La Cueva) Es definitivamente una de las olas más peligrosas de Europa o del mundo. No lo parece pero uno nunca sabe qué esperar; algunas veces golpea

¿Te consideras el inicio de lo que será el legado del surf en Portugal?

Creo que en nuestra generación estamos siguiendo los pasos de un tío que ha abierto muchas puertas en la escena internacional, que es

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Tiago, ahora seguimos su legado, pero por supuesto estamos creando el nuestro para las futuras generaciones. Se han abierto puertas y la idea es mantener la actitud y ser una influencia positiva para las generaciones más jóvenes.

Palabras como “aterradora” se usaron para describir “The Cave”, ¿cuando la estabas surfeando sentiste ese terror o cuando empiezas a remar todo queda atrás? Así es, no piensas, bueno, piensas pero no lo haces, piensas por momentos, la noche anterior, cuando estás dejando la orilla, mientras remas, pero cuando estás ahí, simplemente no sigues tus instintos, tratas de no oírlos al menos, estás por tu cuenta y dispuesto a empujar tus límites. Luego cuando la ola ha pasado caes en cuenta de lo que ha sucedido, hasta el momento todo me ha salido bien.

Aunque en “The Cave” algunos grandes surfistas se han lesionado, ¿la planeas seguir surfeando? Sí, con cuidado y en los días correctos.

Es el tipo de ola donde debes escoger tus días; no puedes actuar loco, hay que tener mucho cuidado. ¿Como surfista todavía te quedan retos por cumplir, olas que surfear y lugares que visitar? ¡Hay tantas olas alrededor del mundo que quisiera surfear y tanto por hacer! Este año estuve en Galicia y presencié algunas de las mejores olas que jamás he visto, tan duras y ásperas, en medio de la nada, y eso despierta una sensación que no sientes normalmente cuando surfeas en Pipeline. Porque ahí eres un seguidor, hay muchas personas que están haciendo lo mismo que tú; si vas a lugares como Galicia, o exploras otros, aunque no eres el primero allí, estás dando los primeros pasos del surf en ese lugar, con esas olas, no conoces los peligros que puedes encontrar. Sí definitivamente hay lugares que me gustaría visitar.

De los lugares a los cuales has ido, ¿tienes algún favorito? Me gusta el balance, amo el surf, pero también la experiencia que hay tras él, por lo que algunas veces para mí no se trata solo de una gran ola, sino también de cómo llegamos allí, con quién estás, la escena tras surfear, lo que pasa, las cervezas con los amigos, eso es algo que no olvidas. ¿Qué tal es la vida cuando la pasas en busca de olas? Es más duro de lo que la gente cree, porque estás tratando con la naturaleza y muchas veces no colabora, ya que esperas algo y simplemente no llega. Ya estabas preparado, viajaste al otro lado del mundo, condujiste por doce horas, llegaste y las olas eran una mierda. Pero al final eso es lo que mantiene la pasión, ya que nunca sabes qué esperar, siempre hay algo nuevo. Cansa, pero al final del día cuando has surfeado la ola que buscabas, es gratificante. ¿Cuáles son tus planes para este año? Me gusta encontrar el equilibrio, en realidad amo surfear libremente y buscar olas, pero también

After seeing the One City episode, it can be said the Portuguese surfers have a very unique style, how would you describe it? What is very particular about us is that surfing is very new in Portugal; we are only starting to have our first generation of father-son surfers, which has been happening for many years in places like the United States or Australia. Tiago is our first professional successful surfer. It’s good to see we’re all hungry, we all want to make a name for ourselves. Another thing that is very particular about all of us is that Portugal has these strong waves; we do well in these conditions, we usually do well in Hawaii, we’re not the new school surfers, but the power surfers.

You talk about this different kind of waves you can find in Portugal. Do you think that’s what has made the spots around Lisbon surf destinations? Well, around Lisbon you have some of the best waves in the world; Nazaré, considered one of the biggest waves in the world, Ericeira, which is all about the long point breaks rights, or the super tubes in Peniche. You got so much variety and Lisbon is a capital city, which offers a lot of culture, nightlife, anything a traveler wants. It’s just the perfect balance.

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competir, así que haré lo mismo que hice el año pasado, trabajar la mitad del año buscando olas, especialmente por Europa, porque creo que queda mucho por descubrir aquí. Luego voy a los primes, que son los eventos más importantes para los surfistas en el top 100. Daré lo mejor de mí, el año pasado subí 40 puestos así que si mantengo ese ritmo estaré bastante cerca de calificarme para la Liga de Surf Mundial, donde están los mejores treinta surfistas del mundo. ¿Cuáles son los surfistas que más admiras y sigues? Admiro a Tiago por lo que ha hecho por nosotros, en realidad puso el surf en el mapa de Portugal. Él ha creado una industria, ha conseguido que patrocinadores muy importantes como Telecom Portugal inviertan en surf y se han creado eventos gracias a él. Yo he crecido en Portugal, donde hay mucha gente negativa diciéndote que no hagas ciertas cosas y él ha peleado contra eso llegando donde ha querido. Luego otra gran inspiración para mí es Ricardo dos Santos, quién murió hace poco, él era una fuerza sólida y constante desde Brasil, donde no hay olas grandes, y terminó siendo uno de los surfistas más reconocidos sobre grandes olas. Admiro a muchos surfistas, pero también me importa la historia que hay tras ellos, me quito el sombrero ante las personas que no han tenido una vida fácil para llegar donde han querido. Tíos como Tiago y Ricardo son el ejemplo perfecto.

Hablas de las historias tras los surfistas, ¿cómo quieres que te recuerden? Lo he pensado, y es gracioso por el camino que he decidido tomar; pueden pasar meses sin importarme las competiciones, enfocado en hacer lo mío, explorando olas, y disfrutando eso al máximo. Hace algunos años me criticaban, solían decirme, “¿Qué haces? Enfócate en las competiciones hombre, que tienes posibilidades de clasificar”, pero siempre intento hacer algo diferente a los demás, encontrar olas que nadie haya surfeado, poner mis habilidades a prueba, eso es lo que en realidad me motiva y por lo que quiero ser recordado, como el tío que obviamente consiguió títulos en las competiciones, pero también como aquél que ama y mantiene el surf por lo que se originó, que es salir a estar rodeado por la naturaleza y retarte con ella. No lo sé, aún soy joven. ¿Has surfeado en Barcelona? Nunca he surfeado en Barcelona.

Las olas son muy pequeñas… (Risas) No, para nada, me encantaría surfear en Barcelona, amo esta ciudad. Soy un fanático del surf, así que cuando voy a algún lugar y no surfeo, ¿cuál es el punto? Pero en este caso, simplemente me encanta pasar el tiempo aquí, hay una gran comunidad de surf y tiene un estilo de vida muy orientado a ello. Me gusta la Barceloneta e ir a lugares como The Surf House. En Barcelona, aunque no es una ciudad propiamente surfera, ya que sólo hay olas algunos días del mes, te sientes como si hubiesen olas todos los días, y eso es cool.

If you had one day a year in Portugal, which waves would you chose? I live pretty close to Ericeira, but I couldn’t chose just one because sometimes in one day I start there and then go up to Peniche, where the wind is different, so whatever wind is on offer, that’s where I’m gonna be heading to.

Tell us how is surfing “The Cave”. Is definitely one of the most dangerous waves in Europe or in the world. It doesn’t look like it but you never know what to expect; sometimes it just hits the reef perfectly and there are no rocks in the middle, but most of the times, with the lines you’re drawing you have to go over the rocks and obviously some are very sharp. A couple of friends of mine that are awesome surfers really hurt themselves there, and they said they would never surf it again. Its one of those waves that you want to surf because it really gives you an adrenaline kick, but there’s a limit, you want to be healthy for the rest of your life, you don’t want to get injured, which is a reality there, you can end up sitting for the rest of your life in a wheelchair.

I would like to be remembered as the guy that has conquered stuff in competitions, but also that has stuck to surfing for what it started for, which was going out there, being surrounded by nature and challenging yourself with her.

We’ve seen you surfing in Pipeline, how were your experiences there? Pipeline is considered one of the best waves in the world; the most beautiful, it’s the stadium of surfing, the wave is amazing, it’s perfect and it breaks only maybe ten feet from shore, so it’s a unique one, it’s really the reference of waves.

Which would you consider the main differences between them both? They’re completely different. In Pipeline, even though it has its holes and cave, the reef it’s pretty certain, it’s perfect, in “The Cave” you have them all over the place, there’s deeper parts and all of a sudden there’s one sticking outside of the water’s surface, so you never know what to expect. In Pipeline you know the wave is always going to break the same, even though its heavier and breaks bigger, you know in what position you can put yourself into and in which not. On “The Cave” it’s a gamble, you might be very happy but you can be very unfortunate and hit the reef, and be unhappy for the rest of your life.

Do you consider yourself as the sprout of what will be Portugal’s surfing legacy? Yeah, carefully on the right days. It’s the kind of wave that you have to choose your days; you can’t be crazy, you have to be very cautious.

Words like “terrifying” were used to describe “The Cave”, when you were surfing it, did you feel that terror or when you start paddling it’s all over? Yeah, you don’t think, well you think but you don’t, you think at moments, the night before, the moments when your paddling out, but when you are in there, you just don’t really follow your instincts, you don’t listen to them at least, you are on your own and you’re willing to push your limits. Once the wave is over, that’s when you realize what just happened; until now it has gone my way.

Do you plan to keep on surfing “The Cave, even though some great surfers have been injured there? Yeah, carefully on the right days. It’s the kind of wave that you have to choose your days; you can’t be crazy, you have to be very cautious.

As a surfer you have any other challenges left, waves to ride, places to visit? There are so many waves around the world that I would like to surf and so much to be done! This year I went to Galicia and saw some of the best waves I have ever seen, so rough, in the middle of nowhere, and that brings out a feeling in you that usually you don’t get in the Pipeline. Because there you are a follower, there are so many people doing the same as you; if you go to a place like Galicia, or explore another, even though you are not the first one there, you are taking some of the first steps in that place, with that waves, you don’t know the dangers that can occur. So yeah, there are definitely so many places that I would like to visit.

From the places you’ve already been, you have some favorites? I like the balance, I love to surf, but I also love an experience behind it, so for me sometimes it’s not about the great wave but about getting there, who you’re with, the after surf scene, what’s happening, a couple of beers with your friends, that’s something that sticks on your mind.

How is the lifestyle chasing swells? It’s harder than people think because you’re dealing with nature and most of the times it doesn’t

collaborate. Sometimes you expect something and it just doesn’t arrive.

You were prepared for it, you traveled half around the world, drove for twelve hours, got there and the waves were shit. But at the end that’s what keeps your passion going, you never know what to expect, it’s always new. It’s tiring, but at the end of the day when you take that right wave, it’s fulfilling.

What are your plans for this year? I like to find out balance, I really love free surfing and chasing swells, but I also love competing, so I’m gonna do the same as I did last year, work half of the year chasing swells, specially around Europe, because I believe there’s still a lot to be discovered here. Then I’ll do the primes, which are the most important events for the top hundred surfers. I’ll do my best, last year I improved 40 spots so if I keep going at that rhythm I’ll be really close to qualifying for the World Surfing League which are the top thirty surfers in the world.

Which are the surfers you admire the most or try to follow?

I really admire Tiago for what he has done for us; he really put surfing on the map in Portugal. He has created an industry, he has attracted mainstream sponsors like Portuguese Telecom to invest into surfing, because of him so many events were created in Portugal. I’ve grown up in Portugal, where there are lots of negative people telling you not to do certain things, he has fought that and really gotten to where he wanted.

Then a big inspiration for me was Ricardo dos Santos, who recently passed away, he was a really strong solid driving force coming from Brazil, where there are no big waves, and he ended up being one of the most recognized big wave surfers in the world. There are a lot of surfers I look up to, but I also like the story behind them, I take my hat off to people that didn’t have their life as easy as others to get where they wanted. Guys like Tiago and Ricardo are a perfect example for that.

You talk about the stories behind surfers, how would you like yours to be? I’ve though about it and it’s really funny because of the path I chose; I can spend months without really caring about contests, focused doing my own thing, exploring waves, and really getting a buzz out off that. I was very criticized a few years ago, everyone was telling me: “What are you doing? Focus on contests man, you have a chance for qualifying”, but I always try to do something different than everyone else, find some waves that haven’t been surfed, putting my surfing to test, that’s what really motivates me and what I want to be remembered for, like the guy that has obviously conquered stuff in competitions, but also that has stuck to surfing for what it started for, which was going out there, being surrounded by nature and challenging yourself with her. I don’t know, I’m still young.

Have you ever surfed in Barcelona? I’ve never surfed in Barcelona…

The waves are too small…(Laughs) No, not at all, I would really love to come and surf in Barcelona, I love this city. I’m a fanatic of surfing, so usually when I go somewhere and don’t surf, what’s the point? But in this case, I just love the city, I love the surfing community here, it has a lifestyle very oriented to it. I like to hang out at La Barceloneta and go to places like The Surf House. In Barcelona, even though it’s not a direct surf town since there’s only waves a couple of certain days of the month, it feels like there’s waves every day, and it’s cool.

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84 THE ANGUISH OF THE MARROW, (FIORES NERO), 2014, WATERCOLOR ON PAPER, 22 X 15 INCHES

Paul Paddock SUEÑOS PEQUEÑOS T: EVA VILLAZALA

Sus personajes esperan suspendidos en la antesala de lo que ya ha ocurrido o lo que está a punto de ocurrir. Las consecuencias de lo primero han cambiado para siempre el curso de sus movimientos y sentimientos y lo segundo se les presenta como una predicción inevitable, un paso que deben ejecutar aunque una parte de sus tiernas conciencias les indique lo contrario. Paddock es una marioneta en manos de unos niños que se empeñan en habitar paisajes blancos y desnudos, anclados a este mundo por la imaginación de un bosque. Ellos son fantasmas y Paul puede verlos y oírlos. Nos adentramos en el mundo mágico de este millón de historias que ocurren a la vez y muchas de las cuales acaban con la muerte.

His characters remain suspended in the preface of what has happened or what will occur. In the first, the consequences have changed forever the course of their movements and feelings, and the latter appears as an unavoidable prediction, a step they must take, though a piece of their tender minds warns them not to.

Paddock is a puppet on the hand of some kids emphatic on living in white and naked landscapes, tied to this world by the imagination of a forest. They’re ghosts and Paul can see and hear them. We crawled inside the magical world of these millions stories that happen all at once and many of which end with death.

www.paul-paddock.com

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¿Qué significa a nivel personal para ti el arte? ¿Qué te aporta o de qué te libera? El arte tiene la poderosa habilidad de persuadir o de cambiar la manera de pensar de las personas sobre ciertos aspectos, aunque no creo que sea esa su única responsabilidad.

Personalmente, las artes visuales han sido un medio de comunicación primordial a lo largo de mi vida. Me cuesta trabajo articular ciertas temáticas con palabras. Algunas veces, al pintarlas logro poner mis pensamientos en movimiento, lo cual es muy liberador. ¿Cómo llegan a tu mente las escenas que creas en tus piezas? Comentas en una entrevista que son como fantasmas que curiosean en tu cabeza y que al final acaban saliendo. Algunas de mis imágenes vienen de memorias y experiencias, otras de sueños y otras me golpean como visiones, a eso me refería en el pasado cuando las comparé con fantasmas, algunas veces siento que estoy teniendo los sueños de alguien más. Hace poco, sin previo aviso me imaginé cami-

86 SLEEP PARALYSIS, (OWLS ARE NOT WHAT THEY SEEM), 2012, WATERCOLOR ON PAPER, 40 X 48 INCHES

nando a través de un bosque con casi metro y medio de calamares muertos esparcidos sobre el suelo. Fue una imagen tan poderosa que la incorporé a otras ideas emocionantes que he tenido a lo largo de los años. ¿Quiénes son los personajes de tus obras: las chicas diminutas, los animales desangrados, los ahorcados o los verdugos? Los personajes en mis obras los he creado para contar una historia. Casi siempre son niños porque me interesa mucho la inocencia y considero que la infancia la simboliza. Algunos de mis personajes se centran en diferentes aspectos de mi personalidad, pero solo me doy cuando termino una obra y la observo. Tengo más empatía con algunos personajes que con otros, consciente o inconscientemente, cambia con cada obra.

En muchas ocasiones las escenas de tus piezas se desarrollan en un bosque trazado sobre un lienzo

que mantiene mucho espacio o superficie en blanco. ¿Por qué este minimalismo? De niño solía jugar mucho en bosques, allí me sentía seguro, pero a veces me asustaba que hubiese alguna amorfa presencia maligna escondida. En mis obras busco crear o enfatizar un espacio psicológico, un paisaje más onírico que real. Cada árbol y cada piedra forman parte de la idea, lo suficiente como para sugerir un bosque sin eliminar lo que está sucediendo en el espacio. En algunas obras lo perturbador es aquello que no está presente. Siento que estos vacíos blancos hacen la composición más interesante y, en general, también la imagen. ¿Cuál era tu cuento favorito cuando eras niño? ¡Es difícil escoger sólo uno! Me encantaba Where the Wild Things Are, de Maurice Sendak, y Outside Over There, también de él, aunque me hacía morirme del susto, creo que era precisamente por eso que me gustaba. ¡Ah! ¡Y Harold and the Purple Crayon! A veces me siento como Harold, caminando a través

de la oscuridad creando paisajes llenos de fantasía y emoción.

Tus obras recrean escenas que acaban de pasar o que aún no han pasado, dejando la incógnita en la mente del espectador, de lo que ha ocurrido o lo que está a punto de ocurrir, ¿te gusta despertar así la imaginación de quien mira? ¡Absolutamente! Creo que el arte siempre debe interactuar con la audiencia. El espectador va a tener una reacción, sea buena o mala, sin importar lo que hagas, eso está fuera de tu control. Me gusta crear imágenes en las cuales se anticipe un momento de amor o de transgresión, o ilustrar las consecuencias de éste, no sólo para estimular la imaginación de quien lo mira, al llenar los espacios en blanco, sino también porque considero que así la imagen es mucho más cautivadora.

Te dedicas al arte de forma plena, combinándolo con tus clases de Bellas Artes, ¿cuándo supiste que el

87 AFTER THE WATER RECEDES, (THE LIFE CYCLE OF DUST), 2012, WATERCOLOR ON PAPER, 40 X 48 INCHES

ALGUNAS DE MIS IMÁGENES VIENEN DE MEMORIAS Y EXPERIENCIAS, OTRAS DE SUEÑOS Y OTRAS ME GOLPEAN COMO VISIONES, A VECES SIENTO QUE ESTOY TENIENDO LOS SUEÑOS DE ALGUIEN MÁS

DIRTY LITTLE SECRET, 2008, WATERCOLOR ON PAPER, 7 X 14 INCHES

arte sería un núcleo fundamental en tu vida? De niño y adolescente quería ser un artista. Aunque algunos familiares me desanimaron al tener esa imagen ‘Van Goghística’ en sus mentes del estereotipo de artista muerto de hambre. Cuando decidí ir a la universidad, inicialmente me matriculé en diseño gráfico, ya que eso era lo más cercano a un trueque. Después del primer par de meses estudiando, hablando con los profesores y conociendo a artistas trabajadores, me di cuenta de que era un objetivo alcanzable, así que me cambié de programa a Bellas Artes. ¿Has vivido alguna reacción de susto de alguien próximo a ti al ver tus obras, por el contenido de las mismas? Sí, a la madre de mi novia le perturban ciertas piezas. Probablemente porque la gran mayoría de las chicas diminutas se parecen a mi novia, aunque ya las pintaba así antes de conocerla. Algunos miembros de mi familia definitivamente se enervan con algunas piezas, intentando descifrar si son ellos.

Sin duda, con las nuevas tecnologías hemos vivido una revolución en toda regla, ¿Cómo crees que afecta esta revolución a la capacidad de análisis de la población en un sentido general? ¿Estamos insensibilizados a sentir empatía por un cierto tipo de imágenes?

Hoy en día las personas están muy insensibilizadas y se necesita una imagen muy fuerte para evocar una reacción.

Nuestro próximo monotema es PLAY ON, ¿cuál crees que es el juego más macabro al que está jugando la sociedad actualmente?

Creo que es muy macabro la forma en que la gente se comercializa como un producto, en lugar de comportarse como personas. Nos estamos desprendiendo de nuestra propia humanidad a cambio de más seguidores en Twitter. Parece un retorcido juego del escondite. ¿Cuál es la función educativa esencial del juego? Los juegos promueven la interacción humana y pueden ser ‘divertidos’ y llevar a ideas y experiencias nuevas.

89 LET THE DEVIL DANCE, (TIAMAT), 2012, WATERCOLOR ON PAPER, 22 X 15 INCHES

On a personal level, what does art mean to you? What does it gives you or from what does it liberates you? Art has the powerful ability to persuade or change the way people think about certain things, though I don’t feel that is art’s sole responsibility. Personally, visual art has been a major way of communication in my life. I have trouble articulating some things in words. Sometimes, painting it allows me to get my thoughts across and that’s very liberating for me.

Where do the scenes you create in your works come from? In a preview interview you said they were like ghosts roaming around in your head that eventually come out. Some of my images come from memories and experiences, others come from dreams and some hit me like visions—that’s what I meant when in the past I compared them to ghosts—sometimes I feel like I’m having someone else’s dreams. A good example is, recently out of nowhere I pictured myself walking through the forest with 3 to 4 foot (105-120 cm) dead squid scattered all over the forest floor. It was such a powerful picture I incorporated it into other exiting ideas I’ve been thinking about for years.

Who are the characters in your works: the tiny women, the bleeding animals, the hanged men or executioners? I created the characters in my work to tell a story. They are mostly children because

I’m very interested in innocence and I feel that children symbolize it.

Some of my characters might be different aspects of my personality, but I can only say that in retrospect, after I finish a series of work and look over it. I empathize or relate to some characters more than others.

Consciously or unconsciously, it changes from piece to piece.

Often, the scenes in your works are happening within woods and forests, carried out in canvases where there’s a lot of space or white surfaces. Why this minimalism? As a kid I mostly played in forests, where I felt both safe and, at times, afraid of some amorphous evil presence. In my work I want to create or emphasize a psychological space, more of a dreamscape than a landscape. Every tree and stone is part of the idea, enough to suggest a forest without taking away from what’s happening in the space. In some pieces it’s what’s not there that’s disturbing. I feel this white void makes a more interesting composition and, overall, more interesting picture.

Which was your favorite book as a child? It’s hard to pick just one!

I loved Where the Wild Things Are by Maurice Sendak, and Outside Over There, also by Sendak, was another favorite, though it scared the shit out of me—I think that might be why I liked it. Oh! And Harold and the Purple Crayon! I feel like Harold at times, walking through the darkness creating landscapes full of wonder and excitement!

HANGING TREES, 2007, WATERCOLOR ON PAPER, 22 X 15 INCHES

SOME OF MY IMAGES COME FROM MEMORIES AND EXPERIENCES, OTHERS COME FROM DREAMS AND SOME HIT ME LIKE VISIONS, SOMETIMES I FEEL LIKE I’M HAVING SOMEONE ELSE’S DREAMS

UNWANTED APPENDAGE, (SUCCUBUS), 2012, WATERCOLOR ON PAPER, 22 X 15 INCHES

Your works recreate scenes that happened recently or haven’t happened just yet, leaving the mind of the viewer filled with questions about what has or will occur, do you like to awaken the audience’s imagination in this way? Absolutely! I think all art should somehow interact with its audience. The viewer is going to have a reaction regardless, whether it’s good or bad, that’s out of our control. I like to create images that, either anticipate an act of love or transgression, or illustrate the aftermath, not only to stimulate the viewer’s imagination to fill in the blanks, but also because I think it makes it a much more engaging picture.

You’re fully dedicated to the arts, combining it with your classes in Fine Arts, when did you knew that art would be a main nucleus in your life? As a child and a teenager I wanted to be an artist. Though I was discouraged by some family members who had that ‘Van Goghesque’, starving artist stereotype in their minds. When I decided to go college, I initially enrolled as a graphic design major, because that was the closest thing to a trade. After the first couple of months in school, speaking with professors and meeting working artists, I realized it was an achievable goal, so I changed my major to Fine Arts.

Because of the contents of your pieces, has someone close to you experienced fright when looking at your works? Yes. My

girlfriend’s mother is disturbed by some pieces. Probably because most of the little girls in my work look like my girlfriend—though they did before I even met her. Some of my family members are definitely unnerved by some pieces, trying to figure out if they’re about them.

It’s clear that the new technologies have brought a revolution applicable to almost every aspect of life, how do you think this revolution has influenced the analytic capacity of the population? Are we now unable to feel empathy towards certain kind of images? These days, people are a lot more desensitized and it takes some very striking image to evoke a reaction.

This issue’s theme is PLAY ON, which one do you think it is the most macabre game society is playing right now? I think it’s macabre how people are marketing themselves as products instead of behaving like human beings. We’re taking away our own humanity in exchange for more Twitter followers. Kind of a twisted game of ‘Hide and Seek’.

What are the essential educational functions games have? Games promote human interaction and can be ‘ fun.’ They can lead to new ideas and experiences.

SO THAT’S WHERE RAINBOWS COME FROM [3 OF 3 TRIPTYCH], 2013, WATERCOLOR ON PAPER, 12 X 16 INCHES

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T: VALENTINE GRANGE

CESAR ANCELLE-HANSEN The dream destination

Todos buscamos nuestro remanso de paz para vivir; un lugar del que no queramos irnos jamás, donde todos los problemas desaparecen. El fotógrafo César Ancelle-Hansen lo halló, en el País Vasco y vive allí ahora. Ninguna decisión aleatoria para este amante del mar. Más que un lugar, lo que buscaba era un estilo de vida. Privado por un largo tiempo del océano que tanto ama, logró transformar esta ausencia en una fuente de creatividad y ahora captura lo que él llama “el sentimiento oceánico”. Gracias a sus poderosas imágenes, nos adentramos en aquella sensación profunda que todos hemos experimentado al mirar la basta superficie de agua azul.

We are all looking for our haven of peace to live; a place that will make us feel like we don’t fancy to move anymore, where all of our troubles fade. The photographer César Ancelle-Hansen found it and it is in the Basque Country, where he took up residence. Not a random choice for this beach culture lover. More than a place, it was a way of life he was looking for. For a long time deprived of this ocean he loves so much, he turned this lack into a source of creativity and now captures what he likes to call “the oceanic feeling”.

Thanks to his powerful shots, we now can enter into that deep feeling we all have experienced when looking at this vast blue water surface.

www.cesarancellehansen.com

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Eres del norte de Francia, obviamente no es el lugar ideal para practicar surf, ¿cómo descubriste tu pasión por este deporte?

Descubrí las condiciones perfectas para surfear en Córcega cuando tenía quince años. Fue durante unas vacaciones. Aluciné. Al regresar a casa, no podía pensar en otra cosa. Vivía en el norte de Francia, muy lejos del mar. Sabía que debía esperar muchos años antes de poder vivir junto al océano. Así que compré revistas y libros, que leía y releía continuamente. Una vez al año, mi madre o mi padre solían llevarme a destinos de surf por quince días. Cuando llegué al País Vasco a los veinticinco, era como un niño en una juguetería.

Hace ya quince años que te dedicas a la fotografía, ¿era un paso a seguir de forma lógica tras descubrir la cultura del océano? No, el surf era el paso lógico a seguir tras mi descubrimiento, más que la fotografía. En ese momento solía ir al agua todos los días, surfeaba continuamente, no me importaba el clima o si había o no olas.

Descubrí los diferentes spots para surfear, el arte de moldear tablas, las reglas que debía respetar y los locales que debía evitar tumbar.

Fue tu madre, una directora de arte, quién te adentró en la fotografía, ¿qué aprendiste de ella? ¡Ella me enseñó tantas cosas! Me enseñó la importancia de la luz, de las horas doradas y de la prisa que debes darte para lograr capturar esa luz. También me explicó la importancia de elegir una buena foto al final: la única imagen que permanecerá. Recuerdo observarla mientras trabajaba. Era muy puntillosa. También me enseñó la importancia de ser libre.

Vives en Biarritz desde el 2001 y tu trabajo fotográfico está estrechamente relacionado con la Costa Vasca, ¿siempre es fácil tomar fotos en ese lugar? Sí y no. Es fácil porque allí me encuentro en casa.

Vivo a tres minutos caminando de la playa. Conozco bastante bien el lugar. Eso ayuda. Pero hay que tener en cuenta que todo está en constante cambio: la marea, el oleaje, la luz, los chicos en el agua.

Para lograr capturar algo bueno, necesitas una buena sincronización con el momento y conocer bastante bien todos estos elementos.

Tu interés por la fotografía llegó después de tu interés por el surf, ¿cómo logras conciliar tu trabajo como fotógrafo con tu hobby?

No es tan complicado. Llevo todas mis cosas conmigo: mi neopreno, las quillas, la cámara, su carcasa sumergible, las tablas de surf.

Parezco un turista lleno de maletas. Ya me acostumbré a eso. ¿Qué responderías a la pregunta: qué le ofrece el surf y el océano a la fotografía? La mayoría de las personas, cuando están cerca del océano, se encuentran relajadas y en un estado más natural. No hay apariencias, por lo que pueden capturarse momentos genuinos. Por otra parte, la luz en la costa siempre está cambiando y puede llegar a ser bastante única y especial.

En tu trabajo podemos ver instantáneas tanto de fotografía digital como de 35mm, ¿qué te hace elegir una sobre la otra en diversos momentos? Sinceramente, no pienso mucho en eso. Trabajo por instinto. Llevo conmigo diferentes cámaras y lentes; luego todo depende de mi humor y de la escena. Un buen equipo es necesario, pero no debe ser un obstáculo.

Sumado a esta multiplicidad de formatos, fotografías con la misma facilidad en blanco y negro que en color, ¿se puede decir que eres un tipo manitas? Sí, se podría decir. Pero estoy seguro de que la mayoría de los fotógrafos reales son así.

DESDE HACE QUINCE AÑOS, LA MAYORÍA DE LAS COSAS QUE ESCUCHAMOS, VEMOS O ESCRIBIMOS SON VIRTUALES. ANTES SOLÍAMOS ENVIAR POSTALES Y CARTAS, COMPARTIR CINTAS DE VÍDEO Y DVDS Y ENMARCAR FOTOGRAFÍAS. NO TENÍAMOS ESE TERRIBLE MIEDO A PERDERNOS ALGO. ESE PAVOR ES VENENOSO

También dices que una fotografía debe estar impresa y expuesta, ¿por qué le das tanta importancia a eso? Esto viene del hecho de que desde hace quince años, la mayoría de las cosas que escuchamos, vemos o escribimos son virtuales. Antes solíamos enviar postales y cartas, compartir cintas de vídeo y DVDs y enmarcar fotografías. No teníamos ese terrible miedo a perdernos algo. Ese pavor es venenoso.

Ya no nos tomamos el tiempo de escuchar o ver piezas de arte. Los fotógrafos intentan detener el tiempo y capturar un momento, pero dejan que su trabajo permanezca virtual. Esto no tiene ningún sentido. Así que para mí imprimir y exponer en gran formato es realmente importante.

Carlos Sáez dice de tu trabajo: “Sus imágenes son artísticas, mágicas, soñadoras y místicas. Realmente te hacen sentir emociones fuertes dentro.” ¿No vendría ésta siendo tu visión del océano? Así es. Algunos psicólogos y poetas escribieron sobre esto. En francés se le llama, “le sentiment océanique” (“el sentimiento oceánico”). Lo que vendría siendo el estado de ánimo que se tiene cuando se está frente al mar. Todo el mundo lo ha sentido ya. Contemplas el mar y te sientes bien. Y no sabes por qué. Cuando la gente toma fotos de un atardecer no es solamente por su belleza, sino también por lo que les hace sentir. ¿Qué viene ahora para ti? ¿Planeas dejar Biarritz o has encontrado tu destino soñado, profesional y personalmente? Creo que he encontrado uno de mis destinos soñados. Pero aún sigo pensando en otros lugares. En este momento no puedo dejar Biarritz. Mi hijos me matarían. Sus vidas están aquí. Por otro lado, no he terminado de explorar la región, particularmente España. Recientemente descubrí lugares asombrosos allí.

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You come from the north of France, obviously not the ideal place for surfing. How did you discover your passion for surf? I discovered perfect surf conditions in Corsica when I was 15. It was during some holidays. It blew my mind. When I came back home, I couldn’t help thinking about surfing. I was living in the north of France, very far away from the beach culture. I knew I would have to wait many years before living next to the ocean. So I bought magazines and books, which I read again and again. Once a year, my mother or my father used to take me to surf destinations for 15 days. When I arrived to the Basque Country at 25, I was like a kid in a candy store.

It’s now been fifteen years since you are practicing photography.

Was it a logical follow-up to your discovery of the beach culture?

No, surfing was a logical follow-up to my discovery, more than photography. During this time I was going into the water everyday.

Surfing and surfing again. I didn’t care about the weather or the quality of the waves. I discovered the different spots, the art of shaping, the rules you should respect and the locals you should avoid to drop.

SINCE 15 YEARS AGO, MOST OF THE THINGS WE LISTEN TO, WATCH OR WRITE ARE DIGITAL. BEFORE, WE WERE SENDING POSTCARDS OR LETTERS, SHARING VIDEOTAPES OR DVDS, FRAMING PICTURES. WE DIDN’T HAVE THAT HORRIBLE FEAR OF MISSING OUT. THAT FOMO IS POISONING US

It was your mother, an art director, who introduced you to photography, what did you learn from her? She taught me so many things! She taught me the importance of light, of the golden hours and of being in the hurry to catch this light. She also explained me the importance of choosing the good picture at the end: the one and only picture that will remain. I remember looking at her when she was working. She was really punctilious. She also taught me the importance of being free.

You are now living in Biarritz since 2001 and your photographic work is mainly related to Côte des Basques. Is it always easy to shoot at this playground? Yes and no. Yes because I am at home there. I live at a 3-minute walk from the beach. I know really well this place. So it helps. But no because everything is always changing: the tide, the swell, the light, the guys in the water. To get something good, you need a good timing and a good knowledge of all these elements.

Your interest for photography came after your interest for surfing. How do you conciliate your work as a photographer with your hobby? It’s not so complicated. I take all my stuff with me: the wetsuit, the fins, the camera, water housing, surfboards. I look like a tourist with a lot of bags. I got used to this.

If you had to answer the question: what does surf and the ocean bring to photography, what would you say? Most of the people around the ocean are often relaxed and natural. There is no show-off.

So you can catch real moments. On the other hand, the light around the coast is always changing and can be very special and unique.

In your work we can see that you equally use Polaroids, digital photography and 35 mm film. Why do you sometimes prefer one instead of the other? Sincerely, I don’t think too much about this. I work by instinct. I take different cameras, different lenses and then it depends on my mood and on the scene. We need some good equipment but it shouldn’t be an obstacle.

Added to this multiplicity of formats, you shoot with the same expertise in black and white as in color. Can we say you are a kind of “jack-of-all-trades”? Yes you can say that. But I am sure that most of the real photographers are like this.

You also say that a photograph must be printed and exhibited.

Why is this so important? Because, since 15 years ago, most of the things we listen to, watch or write are digital. Before, we were sending postcards or letters, sharing videotapes or DVDs, framing pictures. We didn’t have that horrible fear of missing out. That FOMO is poisoning us. We don’t take the time to listen or look at art pieces anymore. The photographers are trying to stop time to catch moments but they let their work remain digital. This has no sense. So for me printing and exhibiting in large format is really important.

Carlos Sáez says about your work: “His shots are artsy, magic, dreamy and mystic. They really make you feel powerful things inside.” Wouldn’t this actually be your vision of the ocean? Yes it would. Some psychologists and poets wrote about this. In French we call it “le sentiment océanique” (“the oceanic feeling”). It would be, the state of mind you have when you are in front of the ocean.

Everybody has already felt that. You stare at the sea and feel good.

You don’t know why. When people take pictures of the sunset it is not only because of the beauty of it but also because of what it makes them feel.

What comes next for you? Are you planning to move from Biarritz or have you found your dream destination professionally and personally speaking? I think I’ve found one of my dream destinations. But I keep thinking about other places. Right now, I can’t leave Biarritz. My kids would kill me. Their lives are here. On the other hand, I haven’t finished exploring the area, particularly around Spain. I recently discovered astonishing places there.

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Zach McCaffree

T: JAIME FELIPE DUARTE

El misterio de la Belleza Natural Acunado actualmente en Los Ángeles, Zach McCaffree puede ser lo que se conoce como un espíritu libre; un fotógrafo que se deja guiar por su pasión y convicciones, sin importarle lo que los demás puedan llegar a pensar, algo que admiramos porque, seamos honestos, no importa lo que hagas, siempre habrá alguien dispuesto a criticar u odiar. Aunque su temática principal pareciesen ser los desnudos de mujeres, su trabajo va más allá de eso, siempre hermoso a través de la simpleza. Queremos saber más sobre su idea de belleza, la naturaleza y la fotografía.

Currently based in Los Angeles, Zach McCaffree might be what is called a free spirit; a photographer who is led by his passions and convictions, oblivious to what others may think, something we admire, because let’s be honest, no matter what you do, there will always be someone open to criticize and hate. Though his main subject may seem to be nudes of women, his work goes beyond that, keeping it beautiful through simplicity. No wonder why we were so interested in knowing his ideas about beauty, nature and photography.

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Zach, aunque no nos hemos conocido, al ver tu trabajo puedo observar que tenemos una atracción en común: las mujeres, además de la naturaleza. ¿Qué te hizo elegirlas como temática principal en tu trabajo? Honestamente nunca lo he pensado. Me encanta fotografiar paisajes y naturaleza muerta, así como también me gusta fotografiar mujeres. La diferencia radica en que cuando se trata de ellas, todo es intencional, por lo que se logran llevar a cabo y cumplir más cosas.

La fotografía de paisajes y naturaleza muerta tiende a ser durante mis viajes, y no suelo viajar mucho. Al final tengo muchas más fotografías de retratos de mujeres que de cualquier otra cosa.

Sueles llevar a cabo tus shoots al aire libre, ¿qué características hacen que el lugar elegido sea especial para llevar a cabo una sesión de fotos?

Sinceramente, no hay características específicas. Sólo me gusta moverme y cambiar de lugar constantemente mientras disparo. Me gusta la naturaleza porque es fácil moverme en ella. ¿Qué relación intentas establecer entre la naturaleza y el medio ambiente con la modelo durante una sesión fotográfica? No suelo ser tan esotérico.

Simplemente cuando observo ciertos dispositivos visuales me llegan ideas de cómo fusionar a la modelo con el entorno. ¿Qué crees que hace a una mujer hermosa? Puede llegar a haber una gran diferencia entre lo que hace

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que una chica sea fotogénicamente hermosa y lo que yo considero físicamente y/o mentalmente atractivo.

Creo que tanto un hombre como una mujer deben escribir un ensayo para poder responder a esto.

Concretamente: para mí una mujer hermosa es aquella en la cual no puedo dejar de pensar. ¿Una sesión fotográfica que no olvidarás? Tengo una fotografía de viaje favorita. En la foto sólo aparece mi mano, una carretera con nubes y el volante. Nunca la olvidaré por el dónde y el por qué estaba conduciendo. ¿Algo que todas tus fotografías deben tener? Nada en particular. Amo el misterio, la torpeza y la aleatoriedad. Aunque es difícil lograr todo eso en una sola foto. ¿Cómo logras transmitir la intimidad en tus fotos?

Considero que la mayoría de mis fotos son bastante alegres y divertidas. Hoy en día trato de evitar la intimidad.

Y por último, ¿Cuáles son las ventajas de no tener un trasfondo académico? ¿Estás diciendo que soy estúpido? Es broma; tengo muchos amigos que toman fotos. Algunos fueron a la escuela de arte, la gran mayoría no. Creo que aquellos que fueron a la escuela gozan de una pequeña ventaja porque tienen una educación para mirar el espacio, la luz, los sujetos, etc.

Aunque aquellos que no fueron tampoco es que estén muy rezagados. Así que ¿quién gana?

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Para mĂ­ una mujer hermosa es aquella en la cual no puedo dejar de pensar

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A beautiful woman is someone who you cannot stop thinking about

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Zach, though we haven’t met, seeing your work I can see we share one similar fascination, women, that besides nature. What has made you choose them as the main subject of your work? I’ve honestly never thought about that. I love shooting landscapes and still life in equal amount, as I do love shooting women. The difference is that when I shoot models everything is intentional, so a lot will be accomplished.

When I shoot landscapes and still life it tends to be predominately during travels, and I don’t get to travel very often. In the end, I have way more portrait photos to show than anything else.

We can see you usually chose outdoor landscapes, but which specific characteristics make a location special for you when carrying out a photo shoot?

Honestly, no characteristics specifically. I just like to be constantly moving and changing when I shoot. I like nature, because it is so easy to move around.

What relation you try to establish in-between nature and the environment and the model during a photo shoot? I’m really not that esoteric. I just see visual devices and that is when I get ideas on how to use models with the background given to me.

What do you consider makes a woman beautiful?

There can be a big difference between what makes a

girl beautiful for photos and what I think is physically attractive and/or mentally attractive. I feel like any man or woman would need to write an essay to answer this. Short answer is: a beautiful woman is someone who you cannot stop thinking about.

A photo shoot you will never forget? I have this favorite road trip photo. The photo is just my hand, a foggy road, and the steering wheel. I will never forget it because of where and why I was driving to.

Something all of your photos must have? Nothing in particular. I love mystery, awkwardness, and randomness. It’s tough to fit that into every photo though.

How do you manage to transmit intimacy within your work? I think most of my photos are pretty lighthearted and fun. These days I try to avoid photos of intimacy.

And for last, what are the advantages of not having an academic background? Are you saying I’m stupid? I joke; I have a lot of friends who shoot photos.

Some went to art school, most didn’t. I think the people who went to school have a slight advantage because they have an education to look at spaces, light, subjects, etc. Those who don’t are not in ridiculous debt though. So, who has an advantage?

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T: JAIME FELIPE DUARTE

Craig Stecyk III Soy un reincidente dedicado

Su historia va más allá de su relación con los Z-Boys, al igual que sus respuestas van más allá de las preguntas. ¿Cómo presentas una enciclopedia? La vida de Craig Stecyk III da para más de un libro, del cual seguramente se aprendería mucho. Artista, escritor, fotógrafo, empresario, visionario, la lista podría seguir.

Pero sabemos que de nada sirven las etiquetas. Sus palabras no sólo narran anécdotas, llevan consigo la filosofía de un hombre que vive en el mundo de todas las posibilidades, donde las oportunidades pululan.

Hablamos con él del pasado, el presente y el futuro.

His story goes beyond his relationship with the “Z-Boys”; his answers go beyond the questions. How would you introduce an encyclopedia? Craig Stecyk’s life does not fit in a book, though we surely would learn a lot from it. Artist, writer, photographer, businessman, visionary, any way, the list could go on. But we all know labels limit. His words not only come along with anecdotes, they bring as well the philosophy of a man that lives in the world of all possibilities, where there’s an ocean of opportunities. We talked with him about the past, the present and the future.

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Me gusta pensar que tu visión adelantada y tu talento al escribir y fotografiar llegaron en el preciso momento en el que estaba naciendo el skateboarding moderno, ya que ambos (tus artículos, por un lado, y la manera de patinar de estos chicos, por el otro) son los orígenes de lo que es el skate hoy en día; ¿esto te hace creer en el destino o algo similar? Mi realidad inmediata estaba sociológicamente propulsada por las actividades de los grupos sociales de Santa Mónica y Malibú. Los coches, el arte, la música, las motocicletas, la fabricación de botes, la pesca y el surf estaban relacionados. En 1958 me interesé por una práctica que por ese entonces se llamaba “surf de acera”. Los únicos que la practicaban eran surfistas, por lo que éramos completamente conscientes de los logros de nuestros ancestros. Indian Jack Quigg, un rider de olas pionero, había bajado las colinas de Santa Mónica en una puerta cortada con patines en los años treinta. Cuando mi generación estaba surgiendo, a los tíos que mirábamos para orientarnos eran Miki Dora, Mike Doyle, Skip Frye, Butch Van Artsdalen, Mike Hynson y Phil Edwards. Todos ellos eran surfistas líderes y también buenos skaters. Terminé interactuando con todos esos individuos y me corroboraron la antigua historia de Quiggs, además de contarme otras parecidas. Búster Wilson, de La Jolla, California, también cabalgó surfskates. Doc Ball, el fotógrafo, siguió surfeando y patinando hasta los noventa años. Así como no había industria para el surf en el inicio, no hubo productos de skate hasta el comienzo de los años sesenta. Lo que sea que haya escrito o fotografiado reflejaba esa pre-historia. Intenté hacer eco de la evolución del skateboarding como una larga historia que empezaba en las olas procedentes de la Polinesia desde la Edad de Piedra, Papa He’e Nalu.

Cuando los fabricantes de juguetes aparecieron para contaminar la escena, muchos del los pioneros renunciaron con disgusto. El skateboarding continua evolucionando y ahora es una importante influencia sobre el surf y el snowboarding así como sobre la cultura en general. Esto prueba que las visiones distópicas pueden resultar siendo el futuro.

Muchas cosas han cambiado en estos últimos 30-40 años, ¿cuáles te sorprenden más en relación al skate y el surf? Las instalaciones de skate y la creación de máquinas de olas artificiales son desarrollos asombrosos. En el 2017 la industria de los boardsports ascenderá a 19 billones de dólares. The Economist publicó que 35 millones de personas surfearon en el mundo al menos una vez durante el 2011. La primera ola artificial que yo cabalgué fue en un desierto de Tempe, Arizona. En 1969 la marca de tintes capilares Lady Clairol, llevó una máquina de olas a ese lugar, que quedaba a pocos minutos de los estudios arquitectónicos Taliesin West, de Frank Lloyd Wright. El slogan de Clairol era “¿Es cierto que los rubios se divierten más?”.

Hoy en día puedes ir al Guggenheim de Bilbao y luego conducir inmediatamente hacia el Wavegarden para surfear. Me gusta la idea de poder entretenerme en escenarios culturales. Disfruté cabalgando en un tubo en un Flowrider en Noruega durante el crepúsculo perpetuo del ártico. Y surfear en un parking en Munich fue igual de gratificante. El aspecto de regeneración física de un Wavegarden es muy provocativo. Transformar acres de degradación industrial tóxica en un entorno recreacional limpio es un gran logro. ¿De qué manera consideras que tus “Dogtown Articles” crearon el vínculo, que aún existe hoy en día, entre el skateboarding y las contraculturas? Eran noticia cuando se imprimieron por primera vez. Ahora son historia. Esa es la naturaleza de las cosas. Un poema, del otro lado, siempre será un poema. ¿Qué estabas intentando transmitir a través de toda la imagen de “Dogtown”? Que existe un valor intrínseco en hacer las cosas por uno mismo, independientemente de las normas aceptadas por la sociedad.

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Cuéntanos cómo una obra tuya terminó en el archivo permanente de la Smithsonian Institution. Estoy involucrado en la producción de obras de arte, las cuales ejecuto y luego paso a otra cosa.

Generalmente no calculo una distribución particular para las mismas.

Me gusta la idea de que cuando haces una marca en la pared durante la noche, puede no llegar a ver nunca la luz del día. Grapar un póster de papel sobre un poste de teléfono en la mitad del desierto es infinitamente satisfactorio para mí. La naturaleza efímera del material, por ejemplo, la tinta desapareciendo hacia la nada y el papel rompiéndose en partículas microscópicas me atrae. Así como el calor agobiante y la inaccesibilidad de la localización. Si lo que ves no existe, ¿es entonces lo opuesto igualmente cierto? Si nadie ve algo, ¿quiere decir entonces que existe para siempre? Una parte integral de la creación es que las cosas serán borradas o se perderán irremediablemente. Pero ocasionalmente algunas son encontradas, he tenido piezas expuestas en colecciones institucionales como la del Smithsonian, El Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles y la Galería Nacional de Nueva Zelanda. El tortuoso camino que cualquier artefacto en particular debe tomar para ser expuesto al público es desconocido para mí.

Estoy agradecido de que cualquiera se interese por algo que yo haya hecho. Pero no tendría ningún sentido para mí poner un valor elevado sobre el respaldo social o denigrar cualquier proyecto estético que haya realizado. Voltaire dijo “Cualquier cosa que sea demasiado estúpida para ser dicha, puede ser cantada.” Pero en el caso de los museos, se podría fabricar un argumento acerca de que el arte que no es lo suficientemente bueno para sobrevivir en las calles termina colgado en las paredes de los mausoleos culturales. El contexto no garantiza la calidad necesariamente. ¿Cuándo y por qué empezaste a hacer películas? Tenía acceso a herramientas y materiales en mi entorno familiar inmediato. Había un estudio de cerámica, herramientas para tratar el metal, pistolas de aerosol, lijadoras, etc. Mi padre era fotógrafo, así que disponía de un cuarto oscuro con ampliadoras fotográficas Lietz y cámaras Leica, tanto fotográficas como de video. Empecé tomándolas prestadas y rompí algunas. Su beneplácito tenía un límite, así que me metí en el mundo de las casas de empeño y las cámaras usadas. Louis Shell, en Santa Mónica, prestaba dinero para comprar tablas de surf. Él empleaba a surfistas para reparar las abolladuras en su inventario de tablas. Por lo tanto fue un cambio rápido pasar de ser una rata en una tienda de surf a cambiar horas de trabajo por videocámaras golpeadas. Pasé a tener un superávit de equipo porque era barato y de fácil acceso. Terminé con una gran cantidad de cámaras de video Eyemo de 35mm, fabricadas por Bell and Howell. Cuando te relacionas con un equipo en específico puedes llegar a entender la totalidad del proceso. Por ejemplo, alrededor de 1969, algunos de nosotros teníamos acceso a cámaras y trabajábamos con ellas para nuestros propios propósitos. Jamie Budge, George Greenbush y Paul Gross eran asociados míos. Empecé a pasar el tiempo en el taller de Productos Cinematográficos de Ed Digulio, donde tenía acceso a una fuente interminable de partes viejas de cámaras. A través de Digulio estaba al tanto de su increíble programa de desarrollo y fui capaz de armar algunos obturadores de alta velocidad, así como cámaras avanzadas de seguridad en blanco y negro. También presencié la creación, por parte de Garret Brown, de las primeras unidades de estabilización para la Steadicam y su Skycam. En 1975, Ed también reconfiguró los lentes estáticos de la NASA junto a Stanley Kubrick. El director utilizó el modificado lente Zeiss de la NASA para grabar la película Barry Lyndon, a la luz de las velas, lo cual fue revolucionario. Más tarde ese mismo año, Haskell Wexler y Garrett Brown filmaron con la Steadicam, Bound for Glory, que realmente cambió las cosas. Ahora estoy capturando con los lentes empleados por la unidad de Robert Capra, Signal Corps, durante la Segunda Guerra Mundial en Why We Fight. Los conseguí a través de Howard y Sy Wexler. Así que en cierta manera eso los mantiene dentro de la misma familia documentalista.

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También tengo los lentes de 650 mm Tele Athenar de Dr. Don James y la Nikkormat de Miki Dora. ¿A qué dedicas tu tiempo en la actualidad? Estoy involucrado en un proyecto para desarrollar procesos de cuarto oscuro ambientales, los cuales mejorarán el procesamiento tradicional de las películas en blanco y negro. En la actualidad estamos operando cuartos oscuros en Hawai, California y Nueva York, de acuerdo a estos principios. Uno de ellos es un cuarto oscuro móvil que construí con Eric Haze, montado sobre una furgoneta Chevy 4x4 con plataforma. Tiene capacidad para realizar serigrafías e impresiones sobre madera, además de contar con un conjunto de pinturas en aerosol, entre otras cosas. Está diseñado para poder llevarlo a cualquier lado y hacer/documentar cualquier cosa. Matt Barker, Jay Mcilvee, John John Florence, Blake Vincent Kuney, Susanne Melanie Berry, John Paul Olson y Rebecca Beard han sido claves para la evolución de estos cuartos oscuros.

Tenemos ocho ampliadores vintage Leite que estamos optimizando con la ayuda de Leica Craft. Una de estas unidades ha sido datada de 1926 y David Gensler ha trabajando con el archivo de Leica para conseguirnos los datos técnicos pertinentes en relación con esa rara unidad. Se cree que es el primer modelo de ampliador producido por Leitz, y sigue siendo un dispositivo óptico de precisión muy útil.

Cuando imprimes con él, el vínculo con su creador, Oskar Barnack, es claro. Fue Barnack, después de todo, quien inventó la primera Leica y el ahora clásico formato de 24mm x 36mm. La verdad axiomática de la comunicación contemporánea es que los avances tecnológicos han hecho que en los procesos cinematográficos analógicos el uso de la película y las impresiones fotográficas queden obsoletos. ¿Qué mejor momento para utilizar los dos?

La comunicación es muy importante para ti; cuando todo acabe, ¿cuál te gustaría que fuese el mensaje que quedara de Craig Stecyk

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III? Mi objetivo es mantener siempre mi interés. Si mis esfuerzos son provocativamente interesantes para otros y les gustan, está bien.

Muchas veces la gente encuentra mis esfuerzos ofensivos y realiza una crítica severa, lo que es una reacción igualmente válida. Las afirmaciones de esos haters de vez en cuando son entretenidas. La Vida Loca, soy un reincidente dedicado. ¿De qué manera los medios han influenciado en la evolución del skate y el surf? Los medios se basan en una industria que es la base económica del skateboarding. El simple hecho de patinar no requiere documentación y continúa tranquilamente por sí solo. Dadaístas a la deriva, planeadores persuasivos, flotando, volando, deslizándose a través de formas, planicies y superficies pasajeras. Los riders están moldeando monumentos que existen durante microsegundos, ¿cómo pueden los medios reflejar eso? ¿Dónde ves, hoy en día, el espíritu de los Z-Boys? En todas partes y en ninguna en particular.

Si tuvieses que escoger al mejor skater que has visto, ¿quién sería y por qué? He patinado con un gran número de skaters grandiosos, y todos son individuos singularmente diferentes. Generalmente, la siguiente persona que veo en la calle patinando es mi favorita.

Cualquier buena línea me emociona. Me gusta la actividad. ¿Cuál es el poder de la espontaneidad en el presente? Ese momento donde no hay planes, no hay lugar para la excusas. Crear cosas verdaderas en tiempo real da pie para que la improvisación se mantenga a la vanguardia. ¿Al comenzar una obra de arte nueva o un film o algún otro proyecto, realizas un plan previo o te dejas llevar? A lo mejor tengo

algún concepto vago o noción. Pero como Mies van der Rohe dijo, “Menos es más”.

El monotema de esta edición es PLAY ON, lo cual significa seguir adelante sin importar las reglas, restricciones o cualquier limitación; ¿en qué momentos de tu vida esta filosofía te ha ayudado a lograr lo que has querido? Cogito Ergo Sum. ¿Existo, luego juego?

Elegir es crear una oportunidad. Rene Descartes esta súper impuesto a Pablo Picasso: “Todo lo que se puede imaginar es real.” ¿Cómo es vivir con el rótulo de leyenda sobre los hombros? Las percepciones de los demás son ajenas a mí. Yo simplemente intento llegar al final del día.

Cuando empezasteis Jeff Ho and Zephyr Surfboard Productions, una de las características que os diferenciaba era no ser convencionales, ¿cómo te sentiste cuando empezasteis a ser las estrellas de rock del mundo del skate? Nunca me sentí de ese modo. Deberías preguntarle a las otras personas que estuvieron allí. Desde mi perspectiva, sólo hicimos lo que debíamos hacer. ¿Cómo ves el futuro del skate? Lightning Hopkins, el genio del blues dijo, “El caucho en las ruedas es más rápido que el caucho en los tacones”. Así que la base de una industria que se basa en los acontecimientos sobre ruedas parece asegurada. De hecho, la industria de los boardsports y deportes de acción genera cerca de 20 billones de dólares al año. SEMA (Specialty Equipment Manufacturers Association) dice que los productos y servicios de movilidad hechos a medida para la velocidad y el performance registran 31 billones de dólares al año. El skate es un medio de transporte limpio y funcional y la sociedad lo acabará entendiendo. La arquitectura lo reflejará. Ahora se puede surfear en ciudades alejadas del océano. La cultura acuática evolucionará con

esto proporcionando una nueva fuente económica. Los Hot rodders y Lowriders modifican sus vehículos para hacerlos más personalizados y eficientes. Ed ‘Big Daddy’ Roth creó, en 1965, el primer vehículo Surfite, hecho específicamente para ir a surfear en localizaciones que no cuentan con carreteras. El diseño original contaba con un sujetador aerodinámico para la tabla de surf que funcionaba como parte integral del chasis. Roth fabricó el Globe Hopper en 1987, el cual era un descapotable ligero que condujo desde Utah hasta Alaska y de regreso con muy poca gasolina. En el momento de su muerte, Roth estaba trabajando en una serie de vehículos deportivos capaces de cruzar los Estados Unidos con un solo tanque de gasolina. Así que la demanda vinculada a los boardsports parece asegurada. Los males de este éxito son un tema bastante discutido. ¿Cómo juega cierto individuo la mano de cartas que le han sido repartidas? ¿Puedes mantener la integridad al derrapar sobre una curva si lo haces en calles pavimentadas con oro? ¿Es moralmente correcto conducir un vehículo de carreras a alta velocidad en la zona de un hospital? ¿Qué tan rápido puede ir un Lowrider en una autopista en el desierto que está vigilada a toda hora por drones y monitores? Friedrich Nietzsche dijo, “Quien con monstruos lucha, debe cuidarse de convertirse a su vez en uno. Cuando miras largo tiempo a un abismo, el abismo también mira dentro de ti.”

Nuestra realidad perceptiva es aquello que detectamos a través de la limitada cantidad de rayos que vibran en medio de los espectros infrarrojo y ultravioleta. Cuando enfocaron el telescopio espacial Hubble en una zona del espacio en la cual no se veía nada, y la observaron por un largo periodo de tiempo, encontraron que el espacio está lleno de universos más allá de lo que nuestra civilización puede llegar a ver.

Existen, en teoría, 500 billones de galaxias descubiertas, de las cuales se ha probado su existencia, pero nadie de nuestro planeta las ha visitado. Hay un gran terreno allí afuera por ser descubierto, climas perfectos con océanos esperando riders, y fuerzas gravitacionales divergentes esperando ser aprovechadas. Todo es una oportunidad.

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I like to think your ahead-of-time vision and gifted writing and photography came along the precise moment modern skateboarding was being conceived, because both (your articles, on one hand, and the skating of these kids, on the other) are the origins of what skateboarding is right now; does this make you believe in destiny or something similar? My immediate environment was sociologically propelled by the activities of Santa Monica and Malibu’s costal clique. Cars, art, music, motorcycles, boat building, fishing and surfing were all intricate aspects of their methodology. In 1958 I became interested in the practice of what they then termed “sidewalk surfing.” The only practitioners of this arcane pursuit were surfers, so we were vitally aware of our ancestor’s accomplishments. Indian Jack Quigg, a pioneering wave rider, had ridden down Santa Monica’s hills on a cut down door with skates on it in the 1930’s. When my generation was coming up the guys we looked to for guidance were Miki Dora, Mike Doyle, Skip Frye, Butch Van Artsdalen, Mike Hynson and Phil Edwards. All of them were leading surf riders who were good skaters. I ended up interacting with all of those individuals and they each corroborated that early Quigg story and related other similar tales. La Jolla’s Buster Wilson rode surf skates early on too. Doc Ball the pioneering photographer also continued to skate and surf into his nineties. Just as there was no industry for surfing in the early days, there weren’t any skateboard products until the beginning of the 1960’s. Whatever I wrote or shot reflected that pre-history. I tried to echo the perspective that skateboarding evolved from the long and storied Stone Age Polynesian activity of wave sliding, Papa He’e Nalu. When the toy makers showed up to pollute the scene many of the original trendsetters quit in disgust.

Skateboarding continues to evolve and it is now an important influence upon surfing and snowboarding as well as the culture at large. This is proof that dystopian visions can become the future.

Many things have changed over the last 30-40 years, which ones surprise you the most regarding skateboarding and surf? Purpose built skate facilities and portable wave generation machines are amazing developments. In 2017 the boardsports industry will be a 19 billion $USD collective undertaking. The Economist published that 35 million people worldwide surfed at least once in 2011. The first artificial wave I rode was located in the desert at Tempe, Arizona. In 1969 the Lady Clairol hair-coloring brand commissioned a wave machine to be placed there, which was a few minutes away from Frank Lloyd Wright’s architectural studios Taliesin West. Clairol’s marketing slogan at the time was “Is it true blondes have more fun?” The high and low culture possibilities that collided with one another in this peculiar surf locale were immediately apparent. Nowadays you can attend the Guggenheim in Bilbao and drive immediately over to the Wavegarden for a post-exhibition surf. I like the idea of being able to recreate surrounded by high culture. I enjoyed getting tubed on a Flowrider in Norway during the Arctic’s perpetual twilight. And surfing in a Munich parking lot was equally elevating. The physical remediation aspect of the Wavegarden is very provocative. To transform acres of industrial toxic degradation into a clean recreational environment is a major accomplishment.

In which way do you consider your “Dogtown Articles” created the link between skateboarding and the countercultures, which is still present today? They were “news” when they were initially printed.

They are history now. Such is the nature of things. A poem on the other hand is always a poem.

What were you trying to convey through all the Dogtown imagery? That there is intrinsic value in doing things yourself outside of accepted societal norms.

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Tell us how did a piece of yours end in the Smithsonian permanent archive. I am involved with the making of artworks, which I typically execute and then move on to something else. Generally I do not envision any particular distribution of them. I like the idea that when you make a mark on a wall at night, it might not ever see the light of day. Stapling up a one-off poster onto a telephone pole in the middle of the desert is infinitely satisfying to me. The ephemeral nature of the materials, i.e. the process of ink fading away to nothing, and the paper breaking down into microscopic particles is an attractant for me. As are the extreme heat and inaccessibility of the location.

If what you see does not exist, then is the opposite equally true? If no one sees something, then does that mean it exists forever? An integral part of creation is that things eventually become obliterated or irretrievably lost. But occasionally some get found, I’ve had pieces show up in institutional collections such as the Smithsonian, The Museum of Contemporary Art in Los Angeles, The National Gallery in New Zealand… The tortured path that any particular artifact takes in route to public exposure is unknown to me. I am gratified that anyone is interested in anything that I’ve done. But it would be pointless for me to place any elevated value on societal endorsement or denigration of any aesthetic project I have undertaken. Voltaire said, “Anything that is too stupid to be spoken is sung.” But in the case of museums you could make an argument that art that isn’t good enough to survive on the streets ends up being hung on the walls of cultural mausoleums.

Context doesn’t necessarily guarantee quality.

When and why did your filmmaking begin? I had access to tools and materials in my immediate home environment. There was a ceramics studio, metal shaping tools, spray guns, sanders etc. My father was a photographer, so there was a darkroom with Leitz enlargers and Leica cameras of the still and motion picture variety. I started out by borrowing his equipment and managed to thrash it and break it. His beneficence had a limit and I drifted into the world of pawnshops and used cameras. Louie Shell’s in Santa Monica loaned money for surfboards. Shell employed surfers to repair dings in his board inventory. Ergo, it was a fast drift from being a surf shop rat into trading surfboard labor in exchange for beat up cameras. I gravitated towards army surplus equipment because it was cheap and readily available.

Eventually I ended up with a grip of Bell and Howell Eyemo 35mm motion picture cameras. Involvement with specific equipment can lead to an overall understanding of the process. For example around 1969 there was a group of us who were hacking up cameras and reworking them for our own purposes. Jamie Budge, George Greenbush and Paul Gross were associates of mine. Eventually I was hanging out at Ed Digulio’s Cinema Products atelier and had access there to a never-ending supply of old camera parts. Through Digulio I also was privy to their amazing developmental program and was able to rig up some bastardized high-speed shutters, as well as some advanced B&W surveillance camera units. I also was around there to witness the creation of the Garrett Brown’s first Steadicam stabilization units and his Skycam. In 1975 Ed also was reconfiguring National Aeronautics and Space Administration still camera lenses with Stanley Kubrick.

The director used the heavily modified NASA Zeiss lenses to shoot the Barry Lyndon film by candlelight, which was revolutionary. Later that same year, Haskell Wexler had Garrett Brown shoot with the Steadicam on Bound for Glory, which really broke things open. Right now I am shooting with lenses that Robert Capra’s Signal Corps film unit used in World War 2 on “Why We Fight.” I got them via Howard and Sy Wexler. So in a way that keeps it all in the same documentary film family. I also have Dr. Don James 650mm Tele Athenar ll lens and Miki Dora’s Nikkormat.

119 TONY ALVA

IF WHAT YOU SEE DOES NOT EXIST, THEN IS THE OPPOSITE EQUALLY TRUE? IF NO ONE SEES SOMETHING, THEN DOES THAT MEAN IT EXISTS FOREVER? AN INTEGRAL PART OF CREATION IS THAT THINGS EVENTUALLY BECOME OBLITERATED OR IRRETRIEVABLY LOST To which endeavors you focus your energy now? I am involved in a project to develop eco friendly darkroom processes, which will enhance traditional black and white film processing. Currently we are operating darkrooms in Hawaii, California and New York, in accordance with these guiding principles. One of them is a mobile darkroom that I built with Eric Haze that is outfitted on a 4x4 Chevy van platform. It has serigraphic capabilities, woodblock printing, an array of spray paint and so forth. It is designed to go anywhere and do/document anything.

Matt Barker, Jay Mcilvee, John John Florence, Blake Vincent Kuney, Susanne Melanie Berry, John Paul Olson and Rebecca Beard have all been instrumental in the evolution of these proto darkrooms. We have eight vintage Leitz enlargers that we are optimizing with the help of LeicaCraft. One of these units has been dated to 1926 and David Gensler has been working with the Leica archive to get us relevant technical data regarding this rare unit. It is believed to be the first model Leitz enlarger produced, and it is still a very serviceable precision optical device. When you print with it, the link to its creator, Oskar Barnack, is readily apparent. It was Barnack, after all, who invented the first Leica and the now classic 24mm x 36mm format. The axiomatic truth of contemporary communication is that technological advances have rendered both analog-based cinema employing real film and actual photographic prints obsolete. What better time to use both?

Communication plays a big role for you. When it all comes down to an end, which would you like to be the main message behind Craig Stecyk III? My only goal is to keep myself interested. If my efforts are provocatively interesting to others and they are pleased, then that is fine. Many times people that encounter my efforts are offended and offer harsh criticism, which is an equally valid reaction. The assignations of such haters are oftentimes very entertaining. La Vida Loca…

I am a dedicated recidivist.

How has the media influenced in the evolution of skateboarding and surf? The media reports on an industry, which is the economic basis of skateboarding. The basic act of skateboarding requires no documentation and continues on quite nicely on its own. Drifting Dadaists, planers of persuasiveness, skimming, flying and sliding through everchanging forms, planes and surfaces. Riders are carving monuments that exist only for microseconds, how can the media reflect that?

Nowadays, where do you see the spirit of the “Z-Boys”? Everywhere and no place in particular.

If you had to choose the best skateboarder you’ve ever seen, who would it be and why? I’ve gotten to skate with a number of great skaters, and they are all uniquely different individuals. Usually the next person I see riding down the street becomes my favorite for the moment.

Any good line gets me excited. I like the activity.

What’s the power in spontaneity and the present? Where there are no plans, there is no room for excuses. Creating things live in real time allows improvisation to remain at the forefront.

When you start a new piece of art or a film or any other project, do you carry out a previous plan or you just let go? At best I might have a vague notion or concept. But as Mies van der Rohe proclaimed, “Less is more.”

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This issue’s theme is PLAY ON, which means to keep on going regardless of the rules, restrictions, or any other limitation; in which moments in your life this philosophy has helped you to achieve what you want? Cogito Ergo Sum. I am therefore I play?

Choice equals chance. Rene Descartes is superimposed onto Pablo Picasso… “Todo lo que se puede imaginar es real.” Everything you can imagine is real.

What is like living with the legend label on your shoulders? Other people’s perceptions are theirs. I just try to make it through each day.

When you guys started the Jeff Ho and Zephyr Surf board Productions, one of the characteristics that differentiated you was not being mainstream at all, how did you feel when you started to become the rock stars of the skateboarding world? I never felt that way. So you should ask the other people who were there. From my perspective, we just did what we had to do.

How do you see the future of skateboarding? Lightning Hopkins, the genius bluesman opined, “Rubber on wheels is faster than rubber on heels.” So the basis of an industry that caters to matters of motion seems assured. Indeed the size of the action/boardsports industry is about 20 billion $USD annually. SEMA, the Specialty Equipment Manufacturers Association, says that custom/speed/performance automotive products and services account for 31billion $USD annually.

Skateboarding is a clean functional mode of transportation and society eventually will realize that. Architecture will reflect that. Surfing can now be done in cities far away from the ocean. Aqua culture will travel with it providing new food sources. Hot rodders and low riders modify their vehicles in manners that make them more personalized and efficient. Ed ‘Big Daddy’ Roth created Surfite, the first vehicle ever specifically conceived for surfing off-road purposes in 1965. The landmark design had an aerodynamically contoured surfboard holder that functioned as an integral part of the body. Roth built the Globe Hopper in 1987, which was a lightweight roadster that he drove from Utah up into Alaska and back on very little gas. At the time of his death, Roth was working on vehicular sporting cars that were capable of crossing the USA on a single tank of fuel. So the demand for boardsports and other performance transport seems assured. The illness of such success is a much-discussed topic. How does a concerned individual play the hand he or she is dealt? Can you keep the integrity of a curb grind intact if it is done on streets paved with gold? Is it moral to pilot a two hundred mile per hour street racer in a hospital zone? How high can a low rider hop on deserted highways, which are surveilled 24-7365 by drones and monitors? Friedrich Nietzsche observed “He who fights with monsters should be careful lest he thereby become a monster.

When you gaze long into an abyss the abyss also gazes into you.” Our perceptual reality is that which we detect in the limited amount of rays that vibrate between the infrared and ultraviolet light spectrums. When they focused the Hubble Space Telescope on a patch of sky with nothing in it and observed it for a long period of time they found deep space to be crammed with universes far beyond what our civilization can see.

There are 500 billion theoretically discovered galaxies that have been proven to exist in the universe, but no one has ever visited them from our planet. There’s a lot of terrain out there yet to be experienced, perfect climates with oceans awaiting riders and differing gravitational forces waiting to be harnessed. It’s all opportunity.

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A veces es necesario evitar mirar atrás para no estancarse en lo que fue o en lo que pudo ser, mantener la mirada fija hacia el frente y avanzar hacia un futuro moldeado por uno mismo. Crista Leonard intenta tener siempre presente esta premisa y por eso ha llegado donde está ahora. Embajadora de Element Eden, ha sido la inspiración para una nueva colección basada en su modo de vida. Creció entre las montañas andorranas, por eso como no podía ser de otro modo, la naturaleza está muy presente en los diseños. Para ella la fotografía empezó siendo un entretenimiento, pero acabó por convertirse en una obsesión y más tarde en su profesión. Con su cámara intenta capturar la mente humana, aquellos momentos en los que una decisión hace que tu vida tome un rumbo y cambie por completo.

Comunicarse, compartir las experiencias vividas, es lo que nos hace humanos. Sus otras fuentes de inspiración son sus viajes, el cine, el arte y las mujeres de su vida, a las que ha dedicado la exposición que acompaña la colección para celebrar que sin ellas su pasado, presente y futuro serían muy distintos.

Sometimes is better not to look back, and like this, avoid getting trapped in the past or in the what-could-have-been; keeping both eyes fixed forward, moving towards a future built by yourself. Crista Leonard tries to keep this on her mind at all times, that’s what has led her to where she is today. Ambassador for Element Eden, she’s been the inspiration behind the new collection of the brand, based on her lifestyle. She grew up in the Andorran mountains, that’s why, unavoidably, nature is so present in the designs. Photography started for her as a hobby, but it quickly developed into an obsession and eventually her profession. Through her camera, she tries to capture the human mind; those moments in which one single decision can make a u turn in your life, changing it completely. Communication, sharing our experiences, is what makes us human. Other of her sources for inspiration are her travels, the cinema, and the women in her life, to whom she dedicated a photographic exhibition linked to the collection, because without them, her past, her present and future wouldn’t be the same.

cristaleonard.com elementbrand.com

CRISTA LEONARD The blueprint of a driven memory T: VICKY NAVARRO

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ELEMENT EDEN ES UNA MARCA HUMANA Y EQUILIBRADA

¿Cómo te sientes con el hecho de que Element Eden haya desarrollado toda una colección inspirada en ti? ¡Es un gran honor como te puedes imaginar! No sé si me doy realmente cuenta de la enormidad del gesto.

Es increíblemente halagador.

Debe ser muy curioso ver tus inquietudes, tu esencia reflejada en una colección, ¿cómo te sientes?

Creo que siempre es raro ver algo que tenías en mente hecho realidad ¿no? Parir una idea en cierta manera.

Esta colección ha recogido mi lado más ligero, más divertido, esa parte mía que más me gusta, cuando la veo me pongo de buen humor y me hace pensar en viajes a Berlin, a Paris, a Londres pero también al campo, a la montaña, recoge muy bien mi esencia, sí.

L a fotografía analógica, los viajes, la vida al aire libre y en contacto con la naturaleza que comenzó muy pronto, en Andorra, ¿son esos los elementos que dan rienda suelta a tu creatividad? Sí, todo empieza ahí, pero luego se ha convertido en una parte que aparece en mis sueños y en mi imaginación. Intento inspirarme en todo lo que encuentro en mi camino, para no estar siempre mirando atrás, mi infancia en Andorra y en Suiza fue mágica y obviamente siempre estará conmigo, pero me gusta avanzar siempre.

La colección se presenta con una exposición de retratos de las mujeres que han marcado tu trayectoria profesional, ¿Por qué has querido centrar la presentación en estas mujeres? Element Eden es una marca inspirada por mujeres, en particular por Kori la esposa de Johnny Schillereff, el fundador de Element.

Por eso quería centrar esta presentación en una celebración de las mujeres que me inspiran cada día.

Cuéntanos quiénes son y qué tienen de inspirador cada una de ellas: Iris Humm: Conocí a Iris a través de mi amiga Sara Sani (también fotógrafa) y me cayó bien en seguida.

Ella tiene una belleza sorprendente y profunda pero es una persona muy accesible y natural.

Claudia Almendros: Es mi compañera de aventuras, he vivido los mejores viajes y experiencias con ella. En ella encuentro espontaneidad y ganas de vivir todo al máximo.

Ariana: La conocí hace un par de años cuando hicimos fotos para su marca, ‘About Arianne’. Ella me inspiró en su manera de trabajar tan duro, pero siempre con muchísima creatividad y elegancia.

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Florencia Lucila: Para mi Flor es muy ‘francesa’, es guapa, tiene mucho estilo, saca fotos impresionantes y hace música. Es como una Jane Birkin joven, y a todo esto es tranquila, tímida.

Bertha Pfirsich: Aparte de que vivamos juntas, Bertha es una gran fotógrafa y amiga, fue ella la que hizo las fotos para esta colección cápsula. Es graciosa, increíblemente imaginativa y creativa y ¡es un placer compartir una nevera con ella!

Tu Madre: Mi madre y yo tenemos una relación a veces difícil, pero siempre con muchísimo amor y ternura. Ella es tremendamente fuerte, y es mi héroe. ¿Cómo definirías esta parte humana, que busca llegar a la reflexión, en este caso de esas mujeres que inspiran, por parte de una marca como Element Eden? ¿Es esta una de las características que la diferencia del resto de marcas? Creo que Element Eden es una marca humana y equilibrada.

Centrándonos en la sesión de fotos que has desarrollado para presentar la colección, ¿Qué buscabas transmitir, tanto en la localización como en la ambientación que le has dado a las mismas? La espontaneidad de una tarde entre amigas.

Tu relación con Element Eden hace ya unos cuantos años que nació; cuéntanos cómo ha evolucionado.

Al principio Element era para mí simplemente una marca de ropa, pero poco a poco empecé a ver su evolución y sobre todo lo que hacen “Behind the scenes”. La experiencia que más me afectó fue cuando Element me ayudó a llevar a mi primita al skate camp que hacen en Lake Sequoia, en California, ahí conocí a gente muy apasionada que lo daba todo por los niños, como Andy Dicker, el director del camp o Daniel Santovin que les enseñaba a sobrevivir en la naturaleza. Element es mucho más que una simple marca, y estoy orgullosa de estar incluida en esta gran familia.

También te hemos visto en las páginas de lamono; ¿qué recuerdos tienes de tus trabajos para la revista? ¡Muy buenos! El mejor la editorial que hice con Iris y mi primo en Andorra. Lo bueno de mi trabajo es que siempre estoy con amigos.

Nuestro monotema es PLAY ON, dinos ¿hay algo en tu vida que empezara como un juego y evolucionara hacia algo más serio? ¿Mi vida misma?

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I BELIEVE ELEMENT EDEN IS A HUMANISTIC AND WELL-BALANCED BRAND

Element Eden designed a whole collection inspired by your lifestyle, how does this make you feel? As you can imagine, it’s a great honor! Matter of fact, I still can’t get my head around it; it’s such a great gesture. It’s incredibly flattering.

It must be really curious to see your concerns, your essence, brought to life in a collection. What are your thoughts about it? Did they manage to convey Crista Leonard’s essence? It’s always strange to see something you had in your mind come to life. Give birth to an idea in a certain way. This collection has captured my “light side”, which is more fun, the part of me that I like the most. When I see it, it gets me in a good mood and it makes me think about my travels to Berlin, Paris, London, but as well to the countryside, to the mountain.

Yes, it managed to convey my essence thoroughly.

Analog photography, travels, life outdoors in touch with nature, which is something that started really early in your life in Andorra, are these the elements that give wings to your creativity? Yes, it all starts there, but subsequently it has turned into something that comes up in my dreams and imagination. I try to find inspiration in everything that crosses my path, that way I avoid looking back. My childhood in Andorra and Switzerland was magic and it will be forever with me, obviously, but I always try to move forward.

This collection was presented along a photographic exhibition of portraits of women that have been important for you along your career, why did you wanted to focus the presentation on them? Element Eden is a brand inspired by women, especially by Kori, Johnny Schillereff’s wife, who is the founder of Element.

That’s why I wanted to focus this presentation in a celebration to the women that inspire me every day.

Tell us who they are and what is so inspiring about them.

Iris Humm: I met Iris through a friend of mine called Sara Sani (a photographer too) and I liked her straight away. She has a very deep and amazing beauty but remains a very natural and approachable person.

Claudia Almendros: When it comes to adventures, she is my partner; with her I’ve lived my best travels and experiences. Within her I find spontaneity and the drive to live life to the fullest.

Ariana: I met Ariana a couple of years ago when we did a photo shoot for her brand, ‘About Arianne’. She

inspired me through her hard-work ethics, keeping her work always creative and elegant.

Florencia Lucila: For me Flor is very French; she’s pretty, has a great style, takes amazing photographs and is a musician. She’s like a young Jane Birkin, and with all this, she’s still quite tranquil and shy.

Bertha Pfirsich: Besides living together, Bertha is an amazing photographer and friend; she’s the one who took the pictures for this collection. She’s funny, incredibly imaginative and creative and it’s a pleasure to share the fridge with her!

Your mother: My mother and I have a tough relationship at times, but always based in love and tenderness. She is incredibly strong, and she’s my hero.

How would you def ine this humanistic aspect, which leads to reflection, present in a brand like Element Eden, in this case through inspirational women? Is this one of the characteristics that sets them apart from other brands? I believe Element Eden is a humanistic and well-balanced brand.

Regarding the photo shoot that took place in order to present this collection, what were you trying to convey through the location and atmosphere chosen?

The spontaneity of an afternoon spent with friends.

Your relationship with Element Eden started a few years ago; tell us about its evolution. At the beginning, Element was just a clothing brand for me, but as time passed I started to notice their evolution and specially all they do “Behind the scenes”. The experience that affected me the most was when Element helped me take my little cousin to the skate camp they have in Lake Sequoia, California. There I met very passionate people that are willing to give everything for the kids, like Andy Dicker, camp director, or Daniel Santovin, who teaches them how to survive in the wilderness. Element is way more than a brand, and I’m proud to be part of this great family.

In the past, you’ve been present in lamono; ¿what memories you have working with the magazine?

Really good ones! The best editorial I’ve done, with Iris and my cousin in Andorra. A good thing about my job is that I’m always with my friends.

This issue’s theme is PLAY ON; tell us, is there something in your life that started as a game and turned out to be more serious? Life itself?

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T: LLUÍS RUEDA PH: FREDERICH NAVARRO

MURNAU B

De Gatwick a Islington Mill UN DÍA EN 3 ACTOS

Lluís Rueda, cantante de Murnau B. Viaja en el maletero de un Fiat 500 junto a los demás integrantes de la banda, el artista Joan Marc, el fotógrafo Fede y el realizador Pol. De Londres a Manchester, este es el relato de una gira en la que el destino es el trayecto. Contada por uno de los protagonistas.

Lluís Rueda, lead vocalist of Murnau B took a journey inside the trunk of a Fiat 500 with the rest of the band alongside artist Joan Marc, photographer Fede and film director Pol. From London to Manchester, this is the story about a tour where the destination is the journey. Narrated by the protagonist himself.

1- FUTURISM Me encantan los lugares que no pertenecen a nadie. La idea de que podemos vivir en ellos por unos momentos y luego desaparecer para siempre, sin dejar constancia de nuestro paso, los dota de una mística especial. Allí hay vida y hay progreso, pero están deshumanizados porque todo empieza y se acaba al mismo tiempo. Una celeridad que hace prácticamente inexistente ese momento.

I love the places that belong to no one. The sole idea that we can live in them for a moment and then disappear forever, without leaving any track of our presence there, gives them a special mysticism. There, life and progress is found, but as well certain kind of dehumanization, because here it all starts and ends at the same time, a celerity that makes the moment almost inexistent.

Y nada mejor para darles forma que las carreteras y las áreas de servicio, lugares de paso por excelencia.

And to shape them, nothing better than roads, highways and service areas, quintessential pass-by places.

Así empieza nuestro viaje. Un largo camino de Londres a Manchester, en un pequeñísimo coche en el que la expedición al completo debemos acomodarnos para llegar a nuestro destino, cargados con nuestras pertenencias (maletas, instrumentos y cámaras). Pasaremos por muchos sitios: asfalto, gasolina, áreas de servicio... pero sólo nos importa la velocidad. Nos fijamos en el contador y en el destino.

Just like this, our journey begins. A long road from London to Manchester in a tiny car, where the whole expedition must fit to reach our destination, packed with all of our belongings (suitcases, instruments and cameras). We’ll pass through many places: asphalt, gasoline, rest areas… but the only thing we care about is speed. Eyes fixed on the speedometer and the destination.

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2- DADA Islington Mill mola. Fábricas rehabilitadas, convertidas en centro de creación, sala de exposición, sala de conciertos... Estas paredes son testigo de la sofisticación que nos ha traído el progreso. Antes deambulaban por aquí los working-class, y ahora lo hacen una nueva especie destinada a hacer del mundo un lugar más agradable: los hipsters.

Islington Mill appeals. Refurbished factories turned into creative facilities, galleries, concert halls…

These walls have witnessed the sophistication brought in by progress. Before, this was the place for the working class, now is filled with a new species destined to make the world a nicer place: the hipsters.

Nosotros nos ubicamos entre el lavabo y la barra, me parece lo mejor del lugar. En la cabina del cagadero caben cómodamente cuatro personas, las tazas del wáter tienen una amplia repisa, y una ventanita permite la salida del humo en caso de que los ocupantes quieran fumar.

We placed ourselves in-between the toilet and the bar… the best part of the whole place. The crapper can easily fit four people, the water bowls have a wide shelf and there’s a little window for ventilation, just in case one of the occupants wants to smoke.

Además, una hermosa paradoja se sitúa ante mi.

Una enorme araña tigre ha ubicado allí su hogar.

Donde los humanos depositamos nuestros excedentes inertes, un inocente ser decide que ahí es donde va a transcurrir su vida.

Besides, a beautiful paradox settled before me. An enormous wasp spider had built it’s home there.

Where the humans decide to place their inert surpluses, an innocent creature decided to spend its lifetime.

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3- SURREALISM Stewart Home niega (en directa oposición a muchos otros historiadores y cronistas) que el surrealismo sea la sucesión natural del futurismo y el dadaismo. Según él, éstas dos son la esencia de la vanguardia, en tanto que representan el antiarte y no tratan de crear nada que merezca ser admirado ni expuesto para el deleite de la burguesía. En cambio, el surrealismo es la versión mainstream: irreverente en su forma pero técnico en su fondo, creativo pero nada reaccionario, y enfocado a un público meramente burgués.

Pues eso más o menos es lo que fue nuestro primer concierto en el Reino Unido. Expuestos ante la mirada atenta de un buen puñado de hipsters, nuestro compacto sonido a caballo entre el hardcore y la no wave, nos hacía contorsionar nuestros cuerpos, sumidos en el éxtasis que produce el volumen y el ritmo acelerado. Con performance incluida, a cargo de Joan Marc, creando una unión mágica entre público y banda. ¿Suena bien, eh? Sólo que al menos 30 años antes eso ya lo había hecho una infinidad de gente. ¿Fake, pues? Bueno, no tanto... porque nosotros tenemos a Càndid. Y sólo él puede partir un pedal de bombo, de puro hierro, más duro que la espada del Rey Arturo, en dos partes. Y en la primera canción. A tomar por culo el concierto.

Stewart Home denies (in straight opposition with many other historians and chroniclers) that surrealism is the natural result of the futurism and Dadaism movements. According to him, these two are the essence of the artistic vanguards, since them both represent the anti-art and have never tried to create anything that deserves the admiration or recognition of being exhibited to the delight of the bourgeoisie. Instead, surrealism is the mainstream version: irreverent in its form but technical in its roots, creative without being reactionary and strictly directed to a bourgeois audience.

That was, more or less, our first concert in the United Kingdom. Exposed to the attentive gaze of a reasonable amount of hipsters, our compact sound, which fluctuates amidst the hardcore and no wave, made the bodies contort under the ecstasy brought by the high volume and accelerated rhythms. With a performance by Joan Marc included, a magic connection between the audience and the band developed throughout the show.

Sounds cool, right? Though at least thirty years before us, an uncountable amount of people had done the same thing already. Fake? Well, not that much… That’s because we have Càndid. And only he can break the pedal of a bass drum, solid iron, more resilient than King Arthur’s sword, in two. And this was while we were playing our first song. Fuck the concert.

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ALL INDIANS NO CHIEF LA TIERRA CONQUISTADA T: VALENTINE GRANGE F: LUIZA LACAVA

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Llegan a los escenarios arrastrando polvo. Como si lo que hubiera detrás de la puerta del local no fuera ninguna de las ciudades que vemos cada día sino más bien una carretera de Austin (Texas) o Alabama o Las Vegas. Cualquiera de esas tres ciudades les proporcionaría un decorado más adecuado a su tipo de música. Pero estos indios están en nuestros lares y nosotros lo agradecemos. Hace poco más de un año que han empezado a tocar y tienen ya un séquito de enamorados, nosotros los primeros. Fueron los encargados de afilar nuestros sentidos en el evento que realizamos hace un mes con Harley Davidson en 19:28 Tattoo Parlour y claro así acabamos, tan afilados como sus instrumentos.

They arrive on scene swaying dust. As if behind the door, instead of having one of the cities we see every day, there was a Texan road, or Alabamian, or even from Las Vegas.

Any of these three cities would provide a more suitable scenario for their music. But these Indians came to our lands and we appreciate it. It’s been a little over a year since they started playing together and already have a train of followers, of course we are in the first wagon. They were the ones in charge of rising our spirits during HarleyDavidson event that we hosted a month ago at 19:28 Tattoo Parlour, and just to be clear, by the end of the night, there was not a single soul down.

allindiansnochief.bandcamp.com

All Indians No Chief sois Lula (voz), Marcel (bajo), Jean Charles (guitarra), Chino (guitarra) y Andrés (batería), ¿cómo empezó todo? En Marzo de 2014 nos juntamos por primera vez como proyecto acústico sin percusión. Para el verano teníamos unas ocho canciones y en agosto nos invitaron a tocar en Black and Rad Studio. A raíz de esto nos dimos cuenta de que queríamos más. Al poco tiempo nos empezaron a salir bolos, uno de ellos en la sala principal de Apolo, lo que nos dejó claro que necesitábamos una batería. Rápidamente se unió Andrés. Y aquí estamos. ¿Podéis contarnos la historia detrás de vuestro nombre? Viene del dicho “All chiefs, no Indians” así que se nos ocurrió darle la vuelta.

En realidad al final es un lema de igualdad en el que todos somos nuestros propios jefes.

Vuestro estilo musical combina folk psicodélico y punk. Para alguien que no os haya oído, ¿cómo lo definiríais? ¡Pues justo así como lo acabas de definir tú! ¿Cuáles son vuestras influencias? La verdad, muy variadas. Todos hemos pasado por muchas vertientes incluyendo el punk, metal, reggae, blues, hardcore, hip hop y clásica, por eso nuestra música suena así.

Si tuvierais que definir la banda con una de vuestras canciones, ¿con cuál os quedaríais? Lonely ride. Quizás le tenemos más cariño porque fue una de las primeras y también pensamos que está como en el “medio” de lo que hacemos.

Tocasteis en el evento en el que se comunicaba el ganador del Desafío Street de Harley Davidson, que organizamos nosotros

All Indians No Chief is composed by Lula (vocals), Marcel (bass), Jean Charles (guitars), Chino (guitars) and Andrés (drums). ¿How did you guys started? In March 2014 we came together for first time as an acoustic project without drums. By the summer we had eight songs and in August we were invited to perform at the Black and Rad Studio.

Due to this we noticed we wanted more. Not long after, we started to get some gigs, first at Apolo’s main stage, which made us realize we needed drums. Soon Andrés joined us. And here we are.

Can you tell us the story behind the band’s name? It comes from the popular saying, “All Chiefs, No Indians”, so we thought about turning it around. At the end is a motto for equity, where each one is its own boss.

Your musical style combines psychedelic folk and punk. For the ones that haven’t heard you, how would you define your sound?

Exactly how you just did!

Who are your influences? Honestly, very diverse. We have all been through different genres which include punk, metal, reggae, blues, hardcore, hip-hop and classic, that’s why the sound of our music.

If you had to define the band with one of your songs, which one would you pick? Lonely Ride. Maybe it’s also special for us because it was one of the first ones and it is quite in the middle of what we do.

You guys played at the event where the winner of HarleyDavidson’s The Battle Of The Kings was announced, an event

en el 19 :28 Tattoo Parlour, ¿cómo fue la experiencia? Primero, ¡gracias por habernos invitado! Celebramos también el cumpleaños de Chino y lo pasamos increíble.

Habéis tocado en un montón de bares y galerías de arte, incluyendo Black & Rad, Banana Headquarters, Thinking Mu studios e incluso estuvisteis en el Open Air Festival. ¿Cuáles son vuestros mejores recuerdos sobre el escenario? Bueno, cada momento ha sido memorable y siempre aprendemos mucho. Lo que más queremos es seguir tocando lo máximo posible. ¿Alguno de vosotros en concreto se ocupa de las letras o es un proceso colaborativo ? Las letras son de Lula, pero hay un par de temas que hizo Jean. ¿Qué tenéis entre manos para este 2015? La ilusión de seguir tocando juntos y sacar nuestro primer disco.

Nuestro monotema es PLAY ON, algún juego perverso de ALL INDIANS NO CHIEF que debamos conocer? Nos gusta torturar a Jeanson poniéndole el metrónomo. ¿Dónde y con quién os encantaría tocar? En lugares increíbles que no conocemos y delante de gente a la que le guste lo que hacemos. ¿Cómo es la conexión de confianza que debe establecerse entre todos los miembros de la banda para que la cosa funcione?

La confianza y dejar que las cosas fluyan es primordial. Todo se resuelve hablando, tocando, así funciona.

we held at 19:28 Tattoo Parlour, how was that experience? First of all, thanks for having us! We celebrated as well Chino’s birthday and we had a blast.

You guys have played in many bars and art galleries, including Black and Rad, Banana Headquarters, Thinking Mu studios and you even were present at the Open Air Festival. Which are your most cherished memories on stage? Well, they’re all memorable moments and we always learn a lot from them. What we want the most is to keep on playing as much as possible.

Is it one of you who is in charge of the lyrics or it is a team work?

Lula is behind the lyrics, though a couple of them come from Jean.

What are you guys cooking for 2015? The illusion of keep on playing together and produce our first album.

Our theme this issue is PLAY ON, any wicked game played by All Indians No Chief we should know about? We like to torture Jeanson with the metronome.

Where and with who do you guys love to play? In incredible places we still don’t know and with an audience that likes what we do.

How is the connection and trust that must be established in-beween the members of a band for it to work? Being trustful and letting things flow is imperative. Everything can be solved by talking, playing, that’s how it works.

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Cuando las temperaturas se vuelven más cálidas, algo cambia en nosotros. De repente, nos ponemos del revés: queremos más fuera que dentro, días más largos y estar en remojo el mayor tiempo posible.

En este momento de transición, Is Tropical y sus hits llegan para ponernos en nuestro sitio. Son de Londres, allá donde el cielo es siempre gris, pero eso no les ha impedido exprimir, a través de sus sintetizadores y ritmos electropop, esa sensación de euforia permanente propia del verano. Se hicieron virales con el video Dancing Anymore, donde un adolescente calenturiento hacía realidad sus fantasías más húmedas, pero son mucho más que eso. Fueron el flamante fichaje de Kitsuné en 2011 y desde entonces, dos álbumes, el proyecto de un disco dividido en cinco partes (sí, así es) y ganas de comerse el mundo. Charlamos con Dominic Apa, miembro de la banda, que reflexiona sobre el éxito y la fama, la importancia de empezar siempre desde abajo y los tabúes de la sociedad actual. Ah, y si ya te está apeteciendo verlos en directo, no te los pierdas en esta edición del Mulafest, festival de Tendencias y Cultura Urbana de Madrid, del 25 al 28 de junio. A bailar hasta que el cuerpo aguante.

T: ANTONELLA SONZA

isTROPICAL Keep on Dancing

As the temperature rises something changes within us. Suddenly, a thorough transformation occurs: we want to spend more time outside, longer days and be in the water for as long as possible. Throughout this time of transition, Is Tropical reaches out to put us into place. They come from London, where the sky is always gray, but this hasn’t stopped them from exploiting, through their synthesizers and electropop rhythms, the everlasting euphoria inherent in the summer. They became viral with their video “Dancing Anymore”, where a horny teenager’s fantasies came to reality, but they go beyond that. In 2011 they were signed to French music and fashion label Kitsuné, since then, two records, a project of an album divided into 5 parts (that’s right) and an appetite for more. We had the chance to talk with Dominic Apa, member of the band, about success and fame, the importance of starting from the bottom and the taboos of modern day society. And just in case you’re feeling like seeing them live by now, they will be performing at the upcoming edition of the Mulafest, a Trends and Urban Culture Festival happening in Madrid from the 25th to the 28th of July. Come on, let’s dance till we drop.

www.istropical.com Sabemos que el nombre de vuestra banda está inspirado en el mal clima de Londres, ¿creéis que si hubierais nacido en algún lugar con temperaturas más cálidas estarías haciendo mojitos en lugar de música? Hacer música fue algo intencional. Todos en la banda somos personas creativas, y al trasladarnos a Londres nos impresionó el número de personas con talento que se encuentran allí. Es un gran ambiente para probar cosas nuevas. Londres, o cualquier gran ciudad te enseña, es que por cada oportunidad, también hay probablemente una salida en falso o un fracaso. Pero si intentas lo mismo una y otra vez, al final tendrás éxito. Sólo debes mantenerte firme, aprendiendo todo lo que pedas y disfrutando de ser parte del flujo creativo.

I’m Leaving fue un gran éxito, ¿lo esperabais? I’m Leaving fue el álbum con el que nos empezamos a tomar más en serio como compositores y eso probablemente se vio reflejado. En Native To,

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nuestro primer disco, intentamos capturar una energía más cruda y una pasión ciega en cierto tipo de collage. I’m Leaving lo que decía era: Está bien, escucho música pop e intentaré escribir una canción así desde mi perspectiva. Dancing Anymore es una gran canción y tiene un lugar especial en nuestros corazones, incluso antes de que fuese tomada como uno de nuestro hits, siempre se da un momento de felicidad cuando la tocamos en vivo. Como músico creo que es agradable ver a las personas bailando y sonriendo con algo que estás haciendo, cantando las letras, compartiendo la canción y las memorias y experiencias con las personas cercanas a ellas.

Ya ha pasado un tiempo desde que sacásteis vuestro primer disco, Native To. Ahora tenéis dos álbumes sonando. ¿Qué tienes que decir acerca de vuestra evolución musical durante este periodo de tiempo y cuál será vuestro siguiente paso? El siguiente paso es Black Anything, nuestro proyecto actual. Es un álbum que hemos

grabado a lo largo de los cinco continentes durante nuestros viajes, y será lanzado en cinco partes, cada continente contará con un vinilo transparente. Hay muchísimas razones por las cuales decidimos hacer esto, pero al firmar con el nuevo sello de nuestros amigos, Axis Mundi Records, significaba que existía la oportunidad de tener más libertad con el formato de lanzamiento y el método de grabación, así que quisimos encontrar una manera de capturar en el álbum lo que la banda es realmente. Así que lo concebimos basado en momentos y ambientes que encontramos en todos esos lugares diferentes, capturando grabaciones de campo y montando estudios temporales en algunas localizaciones bastante inusuales. Creo que el resultado es la música más honesta e interesante que hayamos hecho hasta ahora.

¿Crees que el sexo es aún un tabú en nuestra sociedad? En realidad no. Creo que las personas son inseguras. Pero todos hemos tenido un orgasmo y nos ha encantado. Somos animales. Los tabúes son dispositivos anticuados diseñados para eliminar emociones que antes no podíamos discutir o controlar. Creo que en la sociedad actual, aunque estés en algún lugar con una gran represión sexual, puedes encontrar una manera de conectarte en una biblioteca pública para aprender y educarte sobre el sexo. Y eso es muy importante. Porque si puedes hablar de ello, serás más sabio.

¿Cómo manejásteis todo el éxito y la crítica detrás del video de Dancing Anymore? Los chicos de Megaforce son directores increíbles, y los dos vídeos que han hecho con nosotros han sido provocativos y hermosos. El punto está en que los dos tienen un mensaje importante. No se trataba únicamente de crear controversia, e incluso los críticos lo vieron así. Hemos recibido muchos correos electrónicos odiosos, amenazas de muerte procedentes de cristianos fundamentalistas, gente diciéndonos que no tenemos gusto y que somos ofensivos. Aún así, yo diría que en general el recibimiento ha sido positivo y alentador. A la gente le gusta que los vídeos no sean únicamente la banda bajo una luz de vanidad. Creo que también le

¿Cuál es el principal recuerdo que tenéis como banda? Una pregunta terriblemente difícil. Estoy seguro de que cada uno tiene uno diferente. Un recuerdo muy preciado para todos nosotros es haber tenido la suerte de salir de gira con Crystal Fighters alrededor de España; la energía era increíble, la franqueza y sinceridad, nos hicimos amigos y ¡hubo tantas conexiones positivas! Tener la oportunidad de conocer a Andrea Marongiu antes de que muriese, estar cerca de su talento y su espíritu indomable y recordar cómo nos alentaba y nos hacía reír es increíble; para nosotros él estaba en otro nivel de talento y aún así era un ser humando con los pies puestos firmemente en la tierra.

We know that the name of your band is inspired by the bad weather in London. Do you think that if you were born in warmer lands, maybe you would be making mojitos instead of making music? Making music wasn’t exactly intentional either. I think we were all just creative people, and after moving to London, we were impressed by the number of people with talent that are around. It’s a great environment to try new things. One thing that London, or any big city, teaches you, is that for every opportunity, there is also probably a false start or a failure. But if you find yourself trying the same thing again and again, you’ll eventually succeed. Just stick with it, learn as much as you can and enjoy being part of the creative rush.

How did you manage all the success and criticism brought up by your Dancing Anymore video? The guys at Megaforce are very talented directors, and both the videos they’ve done for us have been both provocative and also beautiful. The thing is, they both have a message behind them, which is important. It wasn’t just for the shock value, and I think even the critics can see that. We’ve received hateful emails, death threats from fundamentalist Christians, people telling us we’re tasteless and offensive. I would say, generally though, the feedback has been positive and encouraging. People like to watch videos that aren’t just the band bathed in conceited light. I think as a band, the videos also suggested to people that didn’t know our music that maybe there was more to us than just the ‘pop’ band we label ourselves as.

I’m Leaving had a huge success. Did you expect this? I’m Leaving was, for us, an album on which we started to take ourselves more seriously as songwriters and that is probably reflected in how people feel about the album as a whole. While Native To, our first record, was about capturing a raw energy and unfocused passion in a kind of collage, I’m Leaving was saying, ok, I do listen to pop music and I’m going to try and write a song like that from my perspective.

Dancing Anymore is a great song and has a special place in our hearts, even before it was taken up as one of our ‘anthems’, so that’s always a happy moment when we play live. I think as a musician it’s just nice to see people dancing and smiling along to what you’re doing, knowing the words, sharing that song and the memories and experiences with people close to them.

It has been a while since the release of your first record, Native To. Now you have two records playing around. What do you have to say about your musical evolution during this period and which is the next step? The next step is Black Anything, our current project. It’s an album we recorded across five continents on our travels, and it will be released in five parts, each continent having a transparent vinyl. There are loads of reasons why we did this, but signing to our friends’ new label, Axis Mundi Records, meant we had the opportunity to have a bit more freedom with the format of releasing and recording, so we wanted to find a way to really capture what the band is about on the album. So we built the album on moments and atmospheres we found in these very different places, taking field recordings and setting up temporary studios in some pretty unusual locations. I think the result is the most honest and interesting music we’ve made so far.

sugieren a la gente que no conoce nuestra música, que tal vez somos más que una banda ‘pop’, que es como nosotros nos definimos.

Do you think that sex is still a taboo in modern day society?

No, not really. I think people are just insecure about themselves.

But everyone’s had an orgasm and loved it. We’re animals. Taboos are old-fashioned devices designed to suppress feelings we couldn’t discuss or control before. I think in today’s society, even if you live in a very sexually repressed place, you can find a way even to get online in a public library and educate yourself about sex. And that’s very important. Because if you can talk about it, you can be smart about it.

By the time of your first record, you were through a phase of using masks to hide your identity. Does this had to do with the concept of fame and media exposure defended by others artists like Sia? Yes, in a way. I think we didn’t want to be just like every other band posing in photos, worrying about how good looking you are. It also added a sense of mystery to the live shows, which is something we’ve always enjoyed.

Which is the top memory you guys have as a band? Disgustingly difficult question. I’m sure we all have different ones. I think a memory, which was really dear to us all, was being lucky enough to go on tour with Crystal Fighters around Spain - the incredible energy and openness. Everyone being friends and there being so many positive connections between the people; getting to know Andrea Marongiu before he passed, being around his talent and his indomitable spirit, and how he encouraged us and laughed with us, even when to us he was on another level of talent, being a human with his feet firmly on the ground at the same time.

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REVIEW / BARCELONA / MARCH 14TH 2015

Movistar Surfcity Festival PH: LUIZA LACAVA

El pasado 14 de marzo lo teníamos claro: le reservamos el día entero al Movistar Surfcity Festival y a las actividades que nos tenía preparadas.

Había de todo para hacer: desde el paseo obligado por el Surfcity Market en el que te podías tirar horas conociendo las marcas que ahí se exponían, hasta el Surfcity Cinema donde vimos la première mundial de Cluster, por Kai Neville o el Surfcity Shaper Room, que escondía en el subsuelo el trabajo artesanal de Flama Surfboards o Projecto Sandez. Volvimos a remirar la exposición de We Are Antonyms con obras de Clark Little o Baragona, entre muchísimos otros, y nos llenamos el estómago con los maravillosos manjares de Feeld Orgànic. Para los que querían acción, nos esperaba fuera el impresionante Surfcity Tarp by Vita Coco, gracias al cual por un momento, podías trasladarte al mismísimo océano. Más de uno fue víctima de alguna bromita con las cucas de plástico en forma de ticket de consumición, y nos dejamos llevar por el sonido del mar que sonaba incansablemente a través de los altavoces del Convent. Por la noche, la majestuosa capilla fue escenario de los conciertos de Ljubliana & the Seawolf y Stand Up Against Heart Crime, mientras Dj Raver Jewish estuvo dándolo todo durante el día. El surf fue protagonista y nos sumergimos en él durante cada segundo del festival: nos encanta ver cómo la gente responde con iniciativas como estas. Y lo mejor es que esto es solo el principio. ¡Nos vemos en la siguiente edición!

On Saturday March 14th we all knew what we were going to do: the date was saved for the Movistar Surfcity Festival and all the activities they had planned for us. The range of things to do was majestic: starting with the unmissable walk through the Surfcity Market, where you could spend hours checking out all the amazing brands being exhibited, all the way to the Surficty Cinema, where we had the chance to witness the world premiere of Cluster, Kai Neville’s most recent film, or the Surfcity Shape Room, which hid in the basement the magnificent craft carried out by the guys at Flama Surfboards or Projecto Sandez. We had the chance to have another glimpse at the We Are Antonyms exhibition, which had works by Clark Little and Baragone, among many others, and we filled our bellies with the wonderful dishes brought to us by Feeld Organic. For those in the pursuit of action, Vita Coco brought the ocean to the streets with their impressive Surfcity Trap. More than one of the attendants was held victim of the practical jokes led by the rubber cockroaches employed as consumption tickets, and we let ourselves go to the sound of the ocean that was constantly playing through the speakers at the Convent. As the night fall, the marvelous chapel was the selected scenario for the performances of Ljublina & the Seawolf and Stand Up Against Heart Crime, while DJ Rave Jewish delighted us during the day. Surf was the star, and we drowned ourselves in it throughout every second of the festival: we love to see how people respond to initiatives like this. The best thing is this is only the beginning. See you at the next edition!

surfcityfest.com

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REVIEW / BARCELONA / MARCH 26TH 2015

Harley Davidson presenta The Battle Of The Kings PH: LUIZA LACAVA

Un lienzo en blanco es como una ventana abierta de posibilidades: puede acabar siendo lo que tú quieras. Porque a la hora de crear, no hay reglas ni límites. Y el resultado es siempre una extensión de ti mismo. Pero para Harley Davidson, este lienzo en blanco va a ser un poco distinto a lo que estamos acostumbrados. En el contexto de la presentación de la nueva línea de motos Dark Custom, la marca planteó un auténtico desafío a sus concesionarios oficiales en España y Portugal: tunear la nueva Street 750 a su antojo y así tener la posibilidad de verse a sÍ mismos llegar a la final europea del concurso de costumización por excelencia, The Battle Of The Kings. En total, se presentaron nueve diseños a concurso vía redes sociales, de los cuales solo cinco pasaron a la siguiente fase, la definitiva. Y aquí es donde entramos nosotros: el pasado jueves 26 de marzo, nos pusimos la chupa de cuero, las botas moteras y practicamos nuestra mejor pose a lo Marlon Brando para organizar el evento en el que se iba a anunciar al flamante ganador, aquella moto y concesionario representarán a España y Portugal a nivel europeo. El lugar elegido para exponer las cinco motos finalistas fue el 19:28 Tattoo Parlour, la pieza que faltaba para completar las tres piedras angulares de quien tiene Born To Be Wild como filosofía de vida: motos, cuero y tattoos. Y ahí estaban, las cinco Street 750 que venían desde Valencia, Lisboa, Bilbao, Sevilla y Cantabria, esperando a que el jurado, compuesto por el Director General de Harley España, Josep Grañó, el doble Campeón del Mundo de costumización, Ferry Clot, el director de la revista Custom Machines, Álvaro Cabezas y los directores de lamono magazine, Eva Villazala y Julio Amores, eligieran su favorita. Mientras, los invitados pasaban por el photocall donde les esperaba una street 750 de serie, disfrutaban del maravilloso catering de Caravan Made, calmaban su sed con unas Moritz fresquitas y los famosos tubitos de Jägermeister y se dejaban llevar por el dreamy folk del directo de All Indians No Chief. Y por fin, salió a la luz la ganadora: la moto customizada que luchará por ser la mejor a nivel europeo será la del concesionario Harley Davidson Sevilla, una custom levantada de horquilla, amortiguadores, asiento y manillar y en la que reluce un intenso color berenjena. La final estará reñida, pero lo más divertido de una batalla es siempre la lucha. La victoria está cada vez más cerca.

A pristine canvas is like an open window full of possibilities: it can turn out to be whatever you want, because within a creative process there are no rules or limitations and the final result is always an extension of yourself. But this time, the canvas offered by Harley-Davidson was a little different to what we are used to. Within the presentation of the new Dark Custom collection, the legendary brand posed a true challenge to its official dealerships in Spain and Portugal: tune-up the new Street 750 as they wished. This would give them an opportunity to move on to the European finals of the quintessential customization competition, The Battle Of The Kings. In total, nine designs were created, in a competition that began through diverse social media; of these, only five were selected to move on to the definitive stage. And it’s here where our role began, our opening scene: with our leather jackets on, bike boots laced up, we all practiced our best Marlon Brando pose and organized an event where the winning design would be elected and announced, giving the winner a chance to represent Spain and Portugal in the European finals. The event took place Thursday 26th of March at 19:28 Tattoo Parlour, the missing stone to build up entirely the Born To Be Wild philosophy: motorbikes, leather and tattoos. There we found the five Street 750 that had come all the way from Valencia, Lisbon, Bilbao, Seville and Cantabria, waiting on the final verdict by the jury, which was composed by the Regional Country Manager for the brand in Spain, Josep Grañó, the two-times customization champion of the world, Ferry Clot, the director of Custom Machines Magazine, Álvaro Cabezas, and the directors of lamono Magazine, Eva Villazala and Julio Amores. They were in charge of choosing their favorite one, while all guests were having fun aboard the brand new Street 750 that was displayed at the photocall and eating the amazing food brought by the catering service Caravan Made; we all wet our whistles with some frosty Moritz and the famous and always dangerous Jägermeister test tubes, accompanied by the dreamy folk All Indians No Chief played for us, making our skeletons move with their rhythms. Finally, after all the expectation built up throughout the night, the winner was revealed: the customized Harley-Davidson Street 750 that will compete to become the best in Europe came from Seville, with its raised fork, suspension, seat and handlebars, and a beautiful burgundy color, it stole the heart of the jury. The final stage won’t be easy, but we all know the best part of a battle is the fight. Where victory comes closer each time.

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REVIEW / KRONPLATZ / MARCH 27TH - 29TH 2015

Amway SnowVolleyBall Tour PH: LUIZA LACAVA

Hay muchas otras cosas que puedes hacer en la nieve, a parte de esquiar. El abanico de actividades es amplio. Pero, ¿qué pasaría si trasladamos un deporte que normalmente se hace sobre asfalto o arena a las nevadas laderas de los Alpes orientales? Las mismas reglas que el volley playa, las mismas gafas de sol y protector solar, pero con botas de fútbol y temperaturas gélidas. Amway, de la mano de Nutrilite, volvió a la carga con el Snow Volleyball Tour y allá que fuimos para verlo otra vez en primera persona. Es toda una experiencia: en la estación Plan De Corones, en pleno corazón de Los Dolomitas, la frontera de Italia con Austria, se dio la quinta etapa del tour, ante un público entregado a las emociones del volley. Un surtido elenco de deportistas de élite se vieron las caras en la pista, jugando sobre nieve como si nada. Las competiciones, tanto masculinas como femeninas, estuvieron en todo momento muy reñidas, pero el dominio italiano se hizo patente en las dos categorías. Si habían dos que estaban decididas a petarlo en la competición, ésas eran Greta Cicolari y Giulia Decordi del Team Nutrilite, que se hicieron con el título de Queens of Snow 2015 en la etapa tricolor. En la categoría masculina, los gemelos Paolo y Matteo Ingrosso, una de las parejas más exitosas del volley playa a nivel mundial, se hicieron con la victoria después de una final de infarto. En definitiva, la etapa italiana del tour se cierra con muy buenas sensaciones y con la emoción a flor de piel: ¿quiénes se proclamarán Campeones del Mundo?

Aunque tenemos que decir que el fin de semana no se centró únicamente en la adrenalina de la competición, al contrario, aprendimos sobre nutrición, comimos en los mejores restaurantes y compartimos la aventura con un grupo maravilloso a 2275 metros de altura. Larga vida al snow volleyball.

There are plenty of things you can do in the snow besides skiing. The range of activities is wide enough. But, what would happen if we take a sport that is usually practiced on the grass, or on the sand, to the snowy mountains of the oriental Alps? The same rules from beach volleyball, the same shades and the same sunscreen but wearing football boots in freezing temperatures. Amway, alongside Nutrilite, came back with Snow Volleyball Tour, and we were there to witness it at first hand, and it was a thorough experience: at Kronplatz, a mountain of the Dolomites in South Tyrol, in the border of Italy with Austria, the fifth stop of the tour took place in front of an audience that gave in to the excitement. A diverse cast of top athletes was present in the field, playing on the snow as if it was an every day thing. Both, the men and women competitions were at all times tight and disputed, though the Italians ruled in both categories. If someone was giving it all to win, it was the couple formed by Greta Cicolari and Giulia Decordi from the Nutrilite Team, who managed to take the title of Queens of Snow 2015.

In the men’s category, the twins Paolo and Matteo Ingrosso, one of the most successful worldwide beach-volleyball couples, won the title after a breathtaking final. To sum up, the Italian stop finished with and over-all satisfaction and the excitement running through our veins: who will be the next World Champion? Though we must say that the weekend was not only focused in the adrenaline brought up by the competition, quite the opposite, we learned about nutrition, we ate in the best restaurants and shared this amazing adventure with a wonderful crew at 2275 meters above sea level. Live long snow-volleyball.

www.snowvolleyball.at

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#102 · PLAY ON · MAY / JUNE · 2015 DIRECTORA Eva Villazala eva@lamonomagazine.com ASSOCIATE DIRECTOR Julio Amores julio@lamonomagazine.com ART & DESIGN Josep M. Sicart siki@lamonomagazine.com · www.sickart.net REDACTORS Antonella Sonza antonella@lamonomagazine.com PHOTOGRAPHY Luiza Lacava luiza@lamonomagazine.com TRANSLATION Jaime Felipe Duarte felipe@lamonomagazine.com CONTRIBUTORS REDACTORS Alejandro Cinque + Bárbara Esteban + Xavi Ocaña + Lorena Pedre + Laia Antúnez + Ana Paula Tovar Ana Miguel + Ane Pujol + Vicky Navarro + Bea Salas + Antonella Sonza + Lara Tuner + Jaime Felipe Duarte + David González + Ibo Iza + Teo Camino PHOTOGRAPHERS Luiza Lacava + Zach McCaffree + Dilayla Romeo ORIGINAL ART DESIGN Hernan Verdinelli · www.hernanverdinelli.com For circulation customer service in Spain please send an email to felipe@lamonomagazine.com International Distribution: France, Portugal, Germany, UK, US and Australia.

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