lamono #105 NOT ALONE by lamono magazine

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T: EVA VILLAZALA F: BRYAN MOLLETT

NOTALONE No estar solos. La soledad como un estadio donde el misterio se convierte en condena, donde lo que habíamos imaginado se transforma en terrorífico, en duda, en engaño, en error. La soledad como error. Como una consecuencia rápida de lo que no supimos hacer bien. Caminamos en soledad y para consolarnos, nos decimos que somos felices. Que no hay tristeza en la desnudez, en el silencio. Pero sí la hay, también los ascetas están tristes. No es verdad que la ausencia de sonido humano sea un camino para la perfección. No necesitar nada es no sufrir y la ausencia de dolor es la ausencia de vida. Por eso hablamos más rápido, nos vestimos más elegantes y salimos a combatir el silencio. Para no estar solos. La soledad mató a Kurt Cobain y a Edith Piaf, el engaño del error. El camino mal escogido en la décima de segundo donde la decisión era la vida o la muerte. Esa décima de tiempo es definitoria y cambia todos nuestros sonidos. Y puede pasar ante nuestros ojos mientras estamos comiéndonos una hamburguesa o cogiendo el autobús. La decisión final no tiene que ver con una suma de dividendos que nos dé un múltiplo, sino que es una actuación que ya llevábamos configurada, inevitable y sin cálculo posible. Tras ese segundo, estar o no solos es una cuestión de suerte, de genética. Not alone. Loneliness resembles a state in which mystery becomes a conviction, where what we imagine becomes terrifying, a doubt, deception, a mistake. Loneliness is a mistake. An immediate consequence of what we couldn’t do right. We walk in loneliness to comfort ourselves, repeating in our head that we are happy. There is no sadness in nakedness, in silence. But there is; ascetics are sad too. It’s not true that the absence of human noise is a path to perfection. Not needing anything is not suffering, and the absence of pain is the absence of life. That’s why we talk fast and dress up elegantly, to fight against silence. So that we are not alone. Loneliness killed Kurt Cobain and Edith Piaf when the mistake turned into deception. That wrong path chosen in a split second of time, where the decision was life or death. That split second is decisive, and it changes every sound will ever hear again. It can happen before our eyes while we’re eating a hamburger or taking the bus. The final decision has nothing to do with a sum of dividends that can result in a number, but it is the role we’ve been assigned, unavoidable and incalculable. After that split second, being alone or not is a matter of luck, of genetics.

Sentarse en la butaca roja de un bar de carretera a ver los coches pasar. Pedir un batido de fresa y sentirse Mia Wallace mientras esperas que, de un momento a otro, entre un pirado con una pistola, se suba a la mesa y amenace con disparar. Hay rincones del mundo que te inspiran y te hacen soñar. La misma sensación producen las fotografías de Théo Gosselin. El fotógrafo francés vive el sueño de cualquier persona: viaja por el mundo en una caravana, sin obligaciones y con un único objetivo: vivir. Carreteras desiertas, campos inmensos, hogueras, música, desnudez y amor. Mirar su portfolio es dejar que te invada la melancolía. Es preguntarse ¿y por qué no? Es querer dejar todo atrás y lanzarse a la misma aventura que vive él. My imagination has taken me away to a red bench on a highway bar; there, I see the cars pass by as I ask for a strawberry milkshake, believing I am Mia Wallace, waiting for some armed lunatic to come in and jump on a table, threatening to shoot everybody. There are some corners of the world that inspire you and make you dream. Théo Gosselin’s work evoke that same feeling. This French photographer is living everybody’s dream: traveling across the world in a caravan, no obligations, one goal: live life to the fullest; deserted roads, never-ending fields, bonfires, music, nakedness and love. To look at his portfolio is to open your heart to melancholia, is to ask yourself, why not? Is an unmistaken desire to leave everything behind to start a new adventure, just as he did.

theo-gosselin.blogspot.com.es 30

T: NÚRIA EMILIO

Théo Gosselin

WHY NOT? 31

Sabemos que siempre estás de viaje, ¿pero en este momento, a qué te dedicas? Acabo de terminar un viaje de tres meses por Los Estados Unidos, así que ahora estaré en Francia por un tiempo, para trabajar y hacer algo de dinero para mi próximo viaje. Iré en diciembre a Argentina, pero también tengo bastantes exposiciones y otras pequeñas aventuras sucediendo ahora mismo. Intento no quedarme quieto por mucho tiempo. Ya hace un tiempo que tu trabajo es reconocido, pero volvamos al pasado. ¿cuándo descubriste tu interés por la fotografía? Cuando era pequeño había muchas cámaras en casa, aunque no voy a decir, como muchos otros, “nací con una cámara en mis manos”, estaría hablando mierda (risas). Creo que fue en los últimos años de liceo, donde mi amor por el cine me llevó a explorar la fotografía, y hacia el año 2007 se convirtió en una droga para mí, una manera de escapar de todos los aspectos aburridos de la vida, una motivación que me empujaba a moverme, a exceder mis límites y barreras. ¿En algún momento tuviste una confrontación personal donde pensaste, “¡esto es! Esto será mi trabajo y mi futuro”? ¿Alguna vez imaginaste que llegarías a donde estás ahora? En realidad no, ¡aunque siempre quise hacer aquello que amo! Sin restricciones, sin nadie que me estuviese diciendo lo que tenía que hacer. Simplemente me enfoqué al cien por cien en mi pasión, con todo mi corazón. Para mí esto no es trabajo, es lo que amo hacer. Me da mucha alegría poder dedicarme a lo que me gusta. Levantarme por la mañana y decir: “amo mi vida”. Hablemos un poco de tus fotos. Lo que más nos gusta de ellas es que no sólo son atractivas visualmente sino que también evocan emociones profundas. Explícanos, ¿cómo haces para concentrar todas esas emociones a través de tu lente? Es muy simple; fotografío a mis amigos, a la mujer que amo, personas reales. No a modelos (a menos que deba hacerlo, claro). Lo más importante de mis imágenes es que son reales, porque en ellas todas las emociones y sentimientos son verdaderos, y eso cambia todo. Simplemente soy una persona dentro de un grupo de amigos que intenta capturar el amor y la belleza de nuestras relaciones, nuestras vidas y nuestras aventuras al máximo, sin barreras o artificios. Las personas que fotografío están familiarizadas con mi lente, ya que ha sido parte de nuestras vidas por muchos años. Están felices siendo ellos mismos, y viviendo sus vidas al 10000%. Dices que tus fotos son principalmente de libertad, amor, amistad y la alegría de vivir. ¿Qué significan esas cosas para ti? Es de lo que se trata la vida, y la base de todas las relaciones humanas. Mis imágenes son mi vida, e intento llenarla con las cosas más hermosas para ser feliz. Intento capturar momentos épicos, aquellos que empujan nuestros límites y nos hacen viajar, vivir sin limitaciones. Momentos que nos alejan del mundo y su violencia, para que podamos regresar a la base de las relaciones humanas, el amor, la amistad y las emociones. ¿Siempre te sientes libre, en todo momento? Me gustaría decir que sí, pero no es así. El mundo en el que vivimos me recuerda constantemente que estamos lejos de ser libres, y que evolucionamos en un universo de extrema violencia. Pero me encuentro muy feliz con la vida que estoy viviendo, y peleo porque eso no cambie, mientras sea posible, y por compartirlo con el mayor número de personas. Hay muchas afirmaciones sobre la fotografía. ¿Estás de acuerdo con aquella que dice, “se trata de estar en el lugar correcto y en el momento adecuado”? ¿O para ti se trata más de crear la imagen? Coincido con la afirmación, pero, creo que tenemos el poder de forzar el futuro, de crear el lugar correcto y el momento adecuado, y de vivir en él, cada día. De hacer de nuestras vidas

una aventura constante. No se trata de “crear la imagen”, ¡sino de vivirla! Especialmente antes y después de capturarla. El propósito no es mostrar una vida cool, sino vivirla, al máximo, como en las películas. Viajar y los paseos en carretera son obviamente muy importantes en tus imágenes. ¿Qué vino primero, los viajes o la fotografía? ¿Siempre han estado unidos en tu cuerpo de trabajo? Está todo conectado. Viajo para tomar fotos y tomo fotos para viajar. Las fotografías son simplemente las memorias de lo que más me gusta hacer: viajar con las personas que amo. Estamos curiosos: ¿cuál ha sido tu lugar favorito o tu experiencia favorita hasta ahora? ¡Han habido tantas! Cada viaje es único, y cada encuentro también. Los Estados Unidos siempre es una tierra fantástica por los encuentros y las fotos que ofrece. Ser capaz de recorrer miles de kilómetros a través de lugares fabulosos, conociendo a gente increíble, es una oportunidad maravillosa. Diversidad y curiosidad son palabras clave; te ayudan a aprender acerca de ti mismo y de los demás. Durante todos esos viajes, tu principal compañera ha sido tu cámara. ¿Cuál usas? La mayoría del tiempo trabajo con una Nikon F2. Es fuerte, simple y eficiente. Cuando trabajo con carrete, la Kodak Portra es mi favorita. Incluso en un estado de libertad total, es importante tener sueños y objetivos. ¿Tienes algún proyecto con el que sueñas? ¿Hay algo que aún no has podido hacer? Ir a la luna, o al espacio, es uno de mis sueños más salvajes. Si no, me gustaría viajar por Canadá en un hidroavión, de lago en lago, acampando en la naturaleza. Ahora hay mucha gente joven interesada en la fotografía e intentando ser exitosos en este mundo, ¿qué consejo les darías basado en tu experiencia? Que no intenten ser famosos por el simple hecho de ser cool. Todo aquello que hagan, deben hacerlo con amor y convicción. Trabajar duro, sin descansar, para crear cosas hermosas y compartirlas con quienes aman. Disfrutar de ser uno mismo, ser honesto y humilde, y siempre permanecer curioso. Si tienes todo esto, la gente vendrá a buscarte. Entremos en lo personal, ¿qué cosas te resultan indispensables para vivir, aparte de tu cámara? Mis amigos, mi familia y la mujer que amo, claro está. Aunque siempre llevo mi mochila, mis sábanas y todo lo que necesito para irme de aventura. Tampoco puedo vivir sin mis botas (risas). El amor es un tema recurrente en tus imágenes, ¿dirías que algo cambia en tu trabajo cuando estás enamorado? Cuando estaba soltero mis imágenes eran más duras, enfocadas principalmente en mis amigos y nuestras vidas en la carretera o en casa, sin barreras, un estilo de vida bastante duro. Ahora son más suaves y llenas de esperanza, aunque ame las otras imágenes. El amor que tienes por tus amigos y tu pareja te ayuda a llenar tus imágenes con vida y energía. Las emociones hacen que las fotos sean más humanas, y crean un vínculo entre la imagen y la audiencia. Si una canción describiese tu trabajo, ¿cuál sería? Iron and wine – Upward over the mountains. El monotema de esta edición es NOT ALONE, ¿qué se te viene a la cabeza cuando oyes estas palabras? Para mí, vivir o viajar solo es imposible, me encanta estar en la compañía de aquellos a quienes amo, o la gente que conozco. Compartir está en la base de mi vida diaria, y compartir cuando se está solo es realmente difícil.

We know you are always on the road, but right now, what are you up to? I just finished a three-month adventure crossing the United States, so now I’ll try to stay for a while in France in order to work and make some money for my next trip! I’m going to Argentina to work in December, but as well I have plenty of exhibitions and other small adventures happening right now. I try to never stop for a long period of time. Your work has been recognized for quite a long time now, but let’s go back to the past. When did you discover your interest for photography? Since I was a little kid there were plenty of cameras in my house, but I’m not going to say, like many others, “I was born with a camera in my hands”, that would be bullshit (laughs). I think it was by the end of high school where my love for the cinema pushed me to explore photography, and it was around the year 2007 that it becomes a drug for me, an escape from the boring aspects of life, a motivation that pushes me to move, to exceed my limits and barriers. Did you ever have a showdown moment when you thought, “this is it! This is going to be my job and my future”? Did you ever imagine you’d be where you are today? Not really, though I always wanted to do what I love! Without constraints, without anyone telling me what to do. I just focused myself one hundred percent to my passion, with all my heart. For me it’s not my job, it’s what I love to do. It brings me a lot of joy being able to live doing what I love. To wake up in the morning and say: “I love my life”. Let’s talk a little bit about your photos. What we like the most about them is that they are not only visually attractive but also evoke very deep emotions. Explain us how do you make it to concentrate all those emotions through your lens. It’s very simple; I photograph my friends, the woman I love, real people. Not

models (unless I have to, of course). The most important thing on my images is that they are real, because there, all the feelings and emotions are true, and that changes everything. I’m just a person within a group of friends that tries to capture the love and the beauty of our relationships, our lives and our adventures at their maximum, without any barriers or artifices. The people I photograph are familiarized with my lens, which has been part of our lives for many years. They’re happy being themselves, and living their lives at 10000%. You say your pictures are mostly about freedom, love, friendship and the joy of life. What do those things mean to you? It’s just what life is about, and the basis of all human relationships. My images are my life, and I try to fill my life with the most beautiful things in order to be happy. I try to capture epic moments, those that push us beyond our limits and make us go travel, live without any restrictions. Moments that make us drift away from the world and its violence, so that we can return to the base of human relationships, the love, friendship and emotions. Do you always feel free, at every moment? I would like to say that I do, but it’s not always like that. The world in which we live reminds me constantly that we are far away from being free, and that we are evolving in a universe of extreme violence. But I’m very happy with the life I’m living, and I fight for that not to change, for as long as possible, and to share that with the maximum amount of people. There are a lot of statements made about photography. Do you agree with the one that says, “It’s all about being in the right place at the right time”? Or for you, is it more about creating the picture? I agree with the statement, but, for example, I believe we have the power to force the future, to create the right place and the

right moment, and to live within it, everyday. To make of your life a constant adventure. Is not to “create the picture”, is rather to live it! Especially to live it before and after you take the picture. The goal is not to show a cool life, is to live a cool life. To live fully, like in the movies. Traveling and road trips are obviously very important in your pictures. What came first, traveling or photography? They are always united in your body of work? It’s all connected. I travel to take pictures and I take pictures to travel. The photographs are just the memories of what I like to do the most: to travel with the people I love. We are curious: what has been the favorite place you’ve been or your favorite experience so far? There have been so many! Every travel is unique, and each encounter too. The United States is always a fantastic land because of the encounters and photos it provides. To be able to cover thousands of miles through magnificent places, to meet incredible people, is a marvelous opportunity. Diversity and curiosity are key words; they help you to learn about yourself and others. During all those trips, your main partner in crime has been your camera. Which one do you use? Most of the time I work with a Nikon F2. It’s strong, simple and efficient. And when I’m working with film, the Kodak Portra is my favorite. Even in a state of complete freedom, it is important to have dreams and goals. Do you have any dreamed project? Is there something you still haven’t been able to do? Go to the moon, or to outer space, is one of my wildest dreams. If not, I would like to travel through Canada in a seaplane, from lake to lake, camping in the nature.

Nowadays there are a lot of young people interested in photography and trying to make themselves successful in this world. What advice would you give to them, based on your experience? Do not try to be famous just to be cool. Whatever you do, you have to do it with love, and believe in it. Work hard, tirelessly, to create beautiful things and share them with the people you love. Take pleasure in being yourself, be true and humble, and remain curious. If all this is there, people will come looking for you. Let’s get a bit personal. What are the things you can’t live without, apart from your camera? Of course, my friends, my family and the woman I love. But I’m never without my backpack, my blankets and all the necessary material to go on an adventure. I also cannot live without my boots (laughs). Love is also a recurrent topic on your pictures. Would you say that something changes in your artwork when you are in love? When I was single my images were tougher, focused mainly on my friends and our lives on the road or at home, without any barriers, a pretty tough lifestyle. Now it’s softer and filled with hope, even though I love the other images. The love you have for your friends or for your partner helps you fill your images with life and energy. Emotions make the images more human, and create a link between the photo and the audience. If a song could describe your work, what would it be? Iron and wine - Upward over the mountains The subject of our next issue is NOT ALONE. What does it comes to your mind when you hear these words? For me, to live or travel by myself is impossible; I love to be in the company of the ones I love or the people I meet. Sharing is at the base of my everyday life, and to share when you’re alone is really hard.

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SMELLING YOUR STEPS Photography: Juan Diego Valera www.juandiegovalera.com MODELS: FELIPE DUARTE / MARINA MORELL / NACHA ALJARO / PEDRO COATES / XEVI FERNÁNDEZ LAILA ALSANE / HUGO MÉNDEZ / IBONE IZA MAKE UP: LAILA ALSANE ASISTENCIA Y RETOQUE: RAN-EL CABRERA MAKING OFF Y VIDEO: JULIÁN PICCO THANKS TO ANTHYA TIRADO & AGIJA NEVERZEVSKA

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LAURA SILLERAS

LA EXTRAVAGANCIA COTIDIANA

Los retratos de Laura Silleras, vacíos de morbo y prejuicios, son una radiografía genial de un universo pintoresco que pasa prácticamente desapercibido ante nuestros ojos. Contorsionistas y tragadoras de sables, enanos y travestidos, pero también bañistas ociosos, parejas de ancianos y gente de a pie. Encuentros callejeros fortuitos que demuestran que todos nos comportamos de forma inquietante en ciertas ocasiones, y que precisamente estos instantes, aunque raros y estrambóticos ante la mirada externa, son algunos de los grandes encantos de la naturaleza humana. De formación autodidacta, la joven fotógrafa valenciana retrata el lado extravagante que hay en las personas, a veces el resultado es turbador, otras roza lo cómico, pero siempre prevalece la franqueza visual. Algunas de sus series más recientes, NYC y Daytona Beach, son un buen ejemplo de ello. The portraits shot by Laura Silleras are void of morbidity and prejudices; they are an outstanding radiography of a colorful universe that tends to unveil unseen before our eyes. Her subjects include contortionists and sword swallowers, dwarfs and transvestites, but as well, idle bathers, old couples and regular pedestrians. Fortuitous encounters that show us how we all behave in disturbing manners sometimes, and that precisely, those times, though rare and bizarre to others, are exactly what makes the human experience so delightful. A self-taught photographer, this young Valencian captures the extravagant aspect that lies within each person, and though the result might be distressing, occasionally it becomes comedic, what never changes is the visual openness. Some of her most recent series, NYC and Daytona Beach, are the perfect example of that.

laurasilleras.com

¿Cuál es el fin de tu fotografía? Entenderme dentro de las historias ajenas. No me considero una artista que necesite compartir su obra con el público, fotografío para mí. Si se publica mi obra aquí o allá es por pura casualidad.

mental de retrato? La empatía es un concepto relativo. No puedes tener una verdadera empatía con nadie a no ser que hayas pasado por la misma situación. Más que empatía yo hablaría de psicología. Saber escuchar y tener un interés real por la persona y por su vida.

¿Cuándo nace tu interés por retratar personajes extraños? En mis comienzos retrataba a mis amigos. Eso me mantenía dentro de mi círculo de seguridad hasta que llegó un momento en el que me planteé cruzar la línea, forzar mis límites. Eso es lo que amo de la fotografía. Aun así, todos somos extraños de una manera u otra.

¿Has pasado miedo? Sí, muchas veces.

¿Qué buscas en cada retrato? Cada retrato es distinto. En muchos de ellos busco resaltar la dignidad de la persona y en otros la conexión del retratado con sus emociones, una vez ha bajado la guardia ante la cámara. ¿Qué hay de ti en cada uno de ellos? Soy una fotógrafa activa. En la mayoría de mis retratos se ve que mis sujetos me miran a los ojos porque a la vez que les fotografío estoy relacionándome con ellos. ¿Qué te interesó retratar de Nueva York y del estilo de vida americano? La diversidad. Me parece un milagro cómo afroamericanos, judíos, puertorriqueños, polacos, etc., pueden llegar a convivir manteniendo todos su identidad, aunque está claro que cada uno en su sitio. Lo digo con ironía porque lamentablemente las oportunidades no son las mismas para todos. ¿Quién está tras la cámara que captó las imágenes de NYC y Daytona Beach? ¿Una artista? ¿Una humanista? ¿Una juez? Una perdida (ríe). En Nueva York no tuve tiempo de fotografiar todo lo que hubiera querido porque además de fotografiar tenía otras obligaciones. Un día decidí cogerme un vuelo e irme a Daytona donde tenía un contacto. Alquilé un coche y estuve vagando sola por sus calles durante diez días. Cuando ya no podía más ponía el GPS dirección a donde me hospedaba. Evidentemente había hecho un poco de investigación previa de los barrios, pero no sabía lo que me iba a encontrar. Unas situaciones me llevaron a otras. Todo menos juez. ¿Cómo funciona tu proceso creativo? ¿Cómo te guías? Tengo varias maneras de trabajar dependiendo del proyecto. Hay veces que me echo a la calle sin más, a la deriva, y otras el proceso me toma más tiempo: me voy dejando ver hasta que mi presencia ya no incomoda, y es ahí cuando saco la cámara. ¿Qué papel juega la empatía en la fotografía docu-

¿De qué manera te afecta lo que ves? Eso es algo en lo que estoy trabajando. Cuando te sumerges en ciertos entornos hay que entender que has de pagar un precio. Igual vas a presenciar situaciones desagradables o incómodas pero forma parte del trabajo. En ocasiones vuelvo a casa afectada. El punto es no deprimirse sino entender el mundo tal y como es. ¿Disparas con el corazón o con la cabeza? Disparo con el estómago. Es como tirar de una goma que se va tensando poco a poco, tiras y tiras hasta que llega un punto en que tu estómago te dice “ahí lo tienes”, aunque hay veces que la goma se suelta y hay que volver a empezar. En Zirkus Circus Cirque, una de tus primeras series, ¿qué es lo que más te sorprendió del mundo circense? Su fuerte y único vocabulario visual que desgraciadamente está desapareciendo. La nueva moral ecologista que denuncia el maltrato a los animales y las nuevas tecnologías en el mundo del entretenimiento dejan al circo en una posición terciaria. La gente ya no se impresiona al ver a un tigre atravesando un aro de fuego. Creo que el circo está muriendo, o al menos está en una etapa de transición. ¿Qué lugar todavía no has visitado y te gustaría documentar? Seguiría hacia el oeste en el sur de Estados Unidos: Alabama, Misisipi, Texas, Nuevo Méjico… La fotografía, ¿analógica o digital? Analógica. Te hace pensar más en lo que estás haciendo. ¿Color o blanco y negro? Ambos. ¿Qué es para ti callejear? Salir con la cámara a la deriva sin ningún tipo de expectativas, a la aventura, algunos fotógrafos lo definimos como “ir de safari”. Y en ciertas ocasiones el proyecto requiere preproducción. Ir de safari me relaja. ¿Qué es lo que más te gusta de vivir en sociedad? Partiendo de la idea de que soy un poco antisocial, lo que más me gusta es que hay veces que se da la magia de conocer a personas con las que estableces una relación de amistad sincera, aunque eso lleva su tiempo.

FOTOGRAFÍO PARA ENTENDERME DENTRO DE LAS HISTORIAS AJENAS

I PHOTOGRAPH SO I CAN UNDERSTAND MYSELF WITHIN THE STORIES OF OTHERS

What are you trying to achieve through your work as a photographer? My main goal is to understand myself within the stories of others. I’m not an artist who needs to share my works with an audience; I photograph just for me. If any of my pictures gets published here or there, it’s pure coincidence. When did you start to be interested in photographing bizarre characters? When I first started with photography I photographed my friends, that kept me within my comfort zone, until the moment came where I wanted to cross the line, push my limits. That’s what I love about photography. Despite that, I think we all are bizarre, one way or another.

on the project. Sometimes I just go out to the streets, adrift, and others, the process takes more time: at the beginning I try to be unseen, appearing slowly, until my presence stops being uncomfortable, then I take out my camera. What is the role empathy has in documentary portrait photography? Empathy is a relative concept. You cannot have true empathy with someone unless you have lived the same situations. More than empathy, I would say it’s about psychology, learning to hear, and having a real interest in the subject and its life. Have you ever been scared? Yes, many times.

What are you looking for in every portrait? Each portrait is different. In some of them I try to convey the dignity of the subject, in others, the connection there is between the subject and his/her emotions, once they have let their guard down before the camera.

Do you shoot with your head or with your heart? I shoot with my guts. It’s like stretching a string that each time gets more tense, and I pull and pull, until my instinct tells me “there you go”, though there are times the string breaks and you need to start all over again.

What can we see of Laura in each of the portraits you shoot? I’m an active photographer. In most of the portraits I shoot you can see the subject staring at me, because every time I’m shooting, I’m relating to them.

In Zirkus Circus Cirque, one of your first series, what surprised you the most about the circus? What surprised me the most was their strong and unique visual language, which unfortunately is disappearing. The new ecologic morals that denounce animal abuse and the new technologies within the entertainment spectacles have left the circus in a tertiary position; a tiger crossing a fire ring does not longer amaze people. I believe the circus is dying, or at least, it’s in a transition phase.

What pushed you to shoot in New York and got you interested in the American lifestyle? The diversity there is. I think it’s a miracle how African Americans, Jews, Puerto Ricans, Polishes, etc., have managed to live all together without losing their identity, although its clear they all have their place within society. I think it’s ironic, because not all of them have the same opportunities. Who was behind the camera when shooting the images at NYC and Daytona Beach? An artist? A humanist? A critic? Someone who is lost (laughs). In New York I didn’t have the opportunity of shooting all wanted to, since I had other commitments. One day I decided to book a flight to Daytona, where I know someone. There, I rented a car and started driving all over, for a period of ten days. When I couldn’t drive anymore, I settled the GPS in direction to where I was lodging. Of course I had done some previous investigation about the neighborhoods, but I didn’t know what I was going to find. Some situations led me to others. When I’m behind the camera, I’m everything but a critic. Tell us about your creative process. How do you guide yourself? I work in different ways, depending

Which place do you still have to visit and document? I would love to go southwest in the United States: Alabama, Mississippi, Texas, New Mexico… Photography: digital or analog? Analog. It makes you think further on what you are doing. Color or black and white? Both. What does ‘wandering’ means to you? To go outside with my camera, adrift, without any kind of expectations, open for adventure. Some of us, photographers, define it as “going on safari”. Sometimes for some projects you need to have a preproduction. Going on safari relaxes me. What do you like the most about living in society? First, I must say I’m quite asocial. What I like the most is that, occasionally, the magic of meeting people with whom you establish a real friendship occurs, though that takes time…

T: VICKY NAVARRO

SAM WONG DESTELLOS DE DESENFRENO

Un vaso cae al suelo y se quiebra en mil pedazos. El líquido que había en su interior se desliza rápidamente por las juntas de las baldosas, para acabar secándose y haciendo que éstas pierdan su color y queden pegajosas. Así es como de forma natural, sin intervención alguna, ese fluido ha seguido su camino y ha acabado convertido en algo mugriento. Y entonces pienso: ¿Y si las personas hiciéramos lo mismo? ¿Y si consintiéramos que nuestro cuerpo se guiara únicamente por lo que le dice la emoción? Ella es quien gobierna nuestros deseos, pero una lucha permanente contra la razón genera en nuestro interior una armonía, un equilibrio que impide a la pasión apoderarse plenamente de nosotros. Solo en ocasiones, durante pequeños instantes de luz, somos capaces de dejar de lado aquello que nos presiona el pecho y vivir conforme a lo que anhelamos. Perdemos el control, y allí está Sam Wong para capturarlo con su cámara. En el mundo de este fotógrafo originario de Hong Kong, no hay trabas. Él está allí, omnipresente y listo para que esos destellos de libertinaje y realidad queden plasmados para la posteridad. Gracias a Wong seguiremos recordando que no estamos solos en esto, que todos vivimos la lucha por el equilibrio, y que tal vez algún día, consigamos romper con él sin acabar convertidos en manchas pringosas entre unas baldosas. A glass falls to the floor and breaks into a thousand pieces. The liquid that was inside spills and slides through the cracks of the floor, to eventually evaporate and make the ground pale and sticky. Just like that, naturally, without any intervention, that fluid has accomplished its fate and turned into dust. Such an event makes me think: What if every one of us did the same thing? What if we allowed our bodies to be guided by our emotions alone? Ultimately, we want it or not, they are the ones that lead our desires, despite we are always debating with reason, trying to keep some kind of balance and harmony, constantly hindering our passions to take full control. Anyhow, every now and then, we are blessed by light, and with eyes wide open we allow ourselves to get rid of that oppression in our chest, granting us the pleasure of living the life we want. Every time that happens, every time we lose control, Sam Wong comes into scene, to document it with his camera. In the world of this Hongkongese photographer restrictions are inexistent, and he is an omnipresent force ready to capture all the glints of debauchery and reality for posterity. It’s thanks to Wong that we continue to remember we are not alone, that all of us live in a constant struggle for balance and, that maybe, some day, we will be able to let it go, and like that, avoid becoming stains of dirt on the fucking floor.

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Cuando me mudĂŠ a Australia estaba viviendo en un internado donde habĂa muchas reglas. Tuve que aprender a vivir con personas de diferentes orĂgenes y superar el miedo a estar solo, lejos de mi familia

Eras muy joven cuando te mudaste de Hong Kong a Melbourne, ¿qué supuso para ti ese cambio tan drástico? Cuando me mudé a Australia estaba viviendo en un internado donde había muchas reglas. Tuve que aprender a vivir con personas de diferentes orígenes y superar el miedo a estar solo, lejos de mi familia. Viajaba cuatro veces al año a casa para visitar a mi familia y amigos, así que tantas idas y venidas me inspiraron mucho, ya que era capaz de comparar las diferencias entre dos ciudades con dos culturas muy distintas. ¿Cuándo empezaste a tomar fotos? ¿Qué era lo que te atraía de la fotografía? Empecé a tomar fotos cuando tenía unos trece años, capturando a mis amigos bailando en las calles. Creo que lo que me atrae de la fotografía es que me permite conocer gente de diferentes campos y sub-culturas. También me ofrece una excusa para viajar y documentar personas y lugares que me emocionan. Parece que encuentras lo ordinario especialmente atractivo; aquellos momentos en los que una persona pierde el control, está desbocada, ¿por qué? Siempre siento el impulso de tomar fotografías sin dudar. Veo las cosas ordinarias de una manera interesante, trabajando a mi propio ritmo. Son cosas que nadie puede ver por ti, y ese aspecto único me atrae. Otra razón por la cual apelo a lo ordinario es porque no me gusta la idea de montar o poner en escena algo. Digamos que si accidentalmente derramo un vaso de agua, capturarlo en ese momento involucra un movimiento, una reacción, una energía y una emoción, todos inmediatos. Pero si planeo la situación y la capturo, el momento se verá falso y me resultará menos satisfactorio. Sucede lo mismo cuando fotografío a personas. No disfruto con tener tanto control. Suelo dejar a los demás ser ellos mismos y que su personalidad guíe mi cámara. ¿Crees que es en estos momentos cuando somos realmente nosotros mismos? Así es, porque si eres rápido con la cámara y sabes cómo hacer que la gente esté cómoda, puedes llegar a ser muy invisible en diferentes situaciones. Por lo tanto, los demás estarán más abiertos y menos preocupados por cómo aparecerán en la foto. Así que en otras palabras, hay que ignorar que la cámara es una herramienta; la cámara es simplemente tus ojos. ¿Prefieres hacer fotos a tus amigos o a desconocidos? Las dos me intrigan, para ser honesto. A veces puedo salir a la calle a caminar durante horas y lograr un gran archivo de fotos con luces y personajes interesantes haciendo cosas salvajes, pero debo admitir que tras un tiempo me siento un poco solo, ya que me concentro mucho disparando y no hablo con nadie. Por otro lado, siento que fotografiar a amigos desprevenidos me da un gran balance. Me provoca una energía similar a la que me brinda mi trabajo en las calles, ya que estoy intentando ser espontáneo con la cámara. Considero que practicar las dos me ayuda a encontrar un balance. Siempre hay cosas del pasado que utilizo para obtener inspiración para futuros proyectos personales o trabajos de encargo. ¿Te has encontrado alguna vez en peligro por querer tomar una foto? Algunas veces. Recuerdo que un amigo fotógrafo me dijo, “debes saber escoger tus batallas”. Creo que es muy cierto, aprender cuales son mis límites. Podría pedir permiso, sin embargo, eso hace que algunas veces se pierda la emoción de la foto. Pero la mayoría de las veces no tengo tiempo para pensar, simplemente reacciono a mi instinto, así que o capturas la foto o la dejas pasar y permites que esa fotografía se quede en tu mente por el resto del día, o semanas. ¿Cuál fue la última vez que perdiste la oportunidad de hacer una buena foto por no llevar la cámara encima? No recuerdo la

imagen como tal, pero puede ser una vez que iba conduciendo a mi estudio, un policía en bicicleta estaba golpeando la ventana de un coche para que se detuviese. Creo que ese momento hubiese brindado una buena fotografía. Tu trabajo más personal está a menudo enfocado hacia los estratos más bajos de la sociedad y la cultura popular. Tras muchos años en la calle observando a las personas y retratándolas, ¿qué has aprendido de ellas? No enfoco mi trabajo especialmente hacia los estratos más bajos de la sociedad. Simplemente, mucha parte de él involucra recorrer las calles, un lugar que reúne a personas de todo tipo. Suelo verme atraído a predecir situaciones extrañas que están a punto de pasar, pausándolas en el momento preciso. Cualquier cosa puede ocurrir en la calle todos los días, y no saber qué va a suceder me motiva a salir a averiguarlo. Mi principal interés es la cultura popular, creo. Crecí obsesionado con la sub-cultura del hip-hop y el B-boying, no me importaba nada más. Ahora que soy un poco mayor, me interesa más aquello con lo que crecieron los demás y de lo cual no sé nada. Ya sea el skate, la moda, la música u otras culturas underground y deportes que no suelen estar presentes en los principales medios de comunicación. Con una cámara y el pequeño archivo de trabajo que he hecho en el pasado, ahora puedo acceder a más artistas, músicos y mentes creativas que me permiten visitar sus estudios y reuniones privadas para realizar retratos y documentar lo que están haciendo. Esto es algo que me ha interesado mucho últimamente. ¿Consideras tu trabajo un instrumento para poder conseguir mejoras en la sociedad o una forma de documentar la realidad y nada más? Caminar por las calles con una cámara es como llevar un diario. Tomo notas de las personas y lugares que me atraen. Ahora me asusta menos rasgar fotografías y juntarlas con otras para hacer montajes, así que a veces no tiene nada que ver con lograr algo, se trata de capturar la realidad y lo que sucede alrededor mío. Ocasionalmente pueden llegar a ser grandes series, y otras me hacen darme cuenta de ciertas filosofías o actitudes con respecto a la vida que puedo compartir con otras personas. Sin embargo, si fuese a realizar un trabajo fotográfico para una organización sin ánimo de lucro, me intentaría centrar en el tema seleccionado o mostrar situaciones que necesitan mejoras o atención por parte del público. Cada proyecto es diferente, por eso son desafiantes y emocionantes, aunque todavía estoy buscando las bases de lo que sería mi temática principal por excelencia. Has trabajado para grandes marcas y publicaciones, ¿con quién te gustaría colaborar o emprender algún proyecto nuevo? Me encanta ver mi trabajo impreso y tengo una obsesión por coleccionar revistas y libros, nunca llegaré a tener suficientes. Así que definitivamente quiero colaborar con publicaciones y marcas extranjeras de las cuales nunca haya oído hablar. De momento, disfruto visitando estudios de otras personas, pasando tiempo con mentes creativas y oyéndolos hablar mientras les hago un retrato. A veces busco personas en la calle o durante eventos para fotografiarlos en sus espacios privados. Me gustaría continuar en esa dirección y ver qué pasa, porque mi mejor trabajo llega cuando no lo planeo mucho. NOT ALONE es el monotema de nuestro próximo número, ¿consideras que salir a la calle a tomar fotos de los demás te ayuda a no sentirte solo? Definitivamente, especialmente los fines de semana, cuando no tienes cosas pendientes de hacer. Salir a caminar en un festival cualquiera, los eventos en la calle y fiestas, es mucho mejor que estar solo en casa. Creo que mantener la mente abierta y salir de tu camino para involucrarte en nuevas actividades, hace tu vida un poco más interesante y puedes aprender algo de ti que no sabías.

When I moved to Australia I was living in an international boarding school with a lot of rules. I had to learn how to live with people from different backgrounds and overcome the fear of being alone, away from my family

You were very young when you moved from Hong Kong to Melbourne. What did it mean for you such a drastic change? When I moved to Australia I was living in an international boarding school with a lot of rules. I had to learn how to live with people from different backgrounds and overcome the fear of being alone, away from my family. I would travel home four times a year to visit my family and friends, so the back and forth inspired me a lot, as I was able to compare the differences between two different cities and two very different cultures. When did you start taking pictures? What attracted you to photography? I started taking pictures when I was around 13 years old, photographing a bunch of my friends dancing on the street. I think I am drawn to photography because it allows me to meet people from different fields and sub-cultures. It also gives me a purpose to travel and document people and places that I’m excited about. It seems that you find what’s ordinary especially attractive, those moments in which a person loses control. Why? I always feel the urge to take a picture without hesitating. When you see ordinary things in an interesting way, you are working at your own pace. No one can see it except for you, and that’s the unique part I am attracted to. Another reason why I appeal to the ordinary is because I don’t like the idea of staging something. Let’s say if I accidentally dropped a glass of water, capturing it in that moment, it involves immediate movement, reaction, energy and emotion. But if I plan that situation and photograph it the moment seems rather fake, and it’s less satisfying for me. This goes the same when photographing people. I don’t enjoy being so in control. I often let others be who they are and let their personalities drive my camera. Do you think that is during these times when we are really ourselves? I do, because if you are quick with the camera and know how to make people feel comfortable, you can be completely invisible in different situations. Therefore, others are more open to you and less self-conscious about how they are looking. So in other words, ignore the fact a camera is a tool; the camera is just your eyes. Do you prefer taking pictures of friends or strangers? I feel intrigued by both, to be honest. I can sometimes walk on the street for hours and achieve a great archive of photos with interesting lights and people doing wild things, but I must admit it can get a bit lonesome afterwards, because I get too concentrated in shooting and can spend a long time without speaking to anyone. On the other hand, I find photographing friends off-guard a great way to balance it out. It provokes a similar energy to my street photography work because I am trying to be spontaneous with the camera. I find photographing the two balances me out very well. There are things I always look back at and draw inspiration from for future personal projects or commission works. Have you ever found yourself in danger for trying to take a picture? Sometimes I have. I remember once a photographer friend told me, “You have to pick your battles”. I think it’s very true, learning what my own boundaries are. I could ask for permission, however, that often dissipates the emotion in a photograph. But mostly, I don’t have time to think; I just have time to react to my instincts, you either take the picture or leave it and let that image roam in your mind for the rest of the day, or even weeks. Which was the last time you lost the opportunity of taking a good photo for not having your camera with you? I can’t remember the

single shot, but perhaps the time when I was driving to my studio, and a cop on a bicycle was knocking on a car’s window to tell them to pull aside. That was quite a moment I thought would have made a good picture. Your most personal work is often focused on the lower classes of society and the popular culture. After so many years on the streets watching people and photographing them, what have you learned from them? I don’t specifically focus my work on the lower strata of society. It is just that a lot of my work involves me running around on the street, a hub that gathers people from all types. I am often drawn to predicting strange situations that are about to happen and pausing them at the right moment. Anything can happen on the streets everyday, and not knowing what will happen is the motivation for me to get out and find out. My main interest is popular culture I guess. I grew up being obsessed with the Hip Hop and B-boying subcultures, and I didn’t care about anything else. Now that I am a bit older, I am more fascinated in what other people grew up with that I don’t know about. Whether if it is skating, fashion, music or other underground cultures and sports that are not often promoted in the mainstream media. With a camera and the small folio of work that I have done in the past, I am now able to reach out to more artists, musicians and creative minds that allow me to visit their studios and private gatherings to take their portrait and document what they do. This is something that has interested me lately. Do you consider your work as a tool to achieve improvements in society or a way of documenting reality and nothing more? To walk through the streets with a camera is like keeping a diary for me. I take notes of people and places that I am attracted to. Nowadays I’m less afraid of tearing pictures apart or pairing them up to make montages, so it often has nothing to do with achieving anything, it is about recording reality and what goes on around me. Occasionally they form great series and sometimes they make me realize a certain philosophy and attitude towards life that I can share with people. However, if I was to work on a photo-assignment for a nonprofit organization, I would try focusing on the related subject matter or showing situations that needed improvement and attention from the public. Every project is very different, that’s why they are challenging and exciting, but I am still finding my grounds on what is my ultimate subject matter.

You’ve worked for big brands and publications. With whom would you like to collaborate or undertake new projects? I love seeing my work printed. As well, I have an obsession for collecting magazines and photo-books, of which I could never have enough. So I definitely want to collaborate with publications and brands overseas that I have never heard of. At the moment, what I enjoy the most is visiting people’s studios, spending time with other creative minds and hearing them talk while I take their portrait. Sometimes, casting people on the street or events to photograph them in their private space. I would love to follow that direction and see what happens, because I do my best work when I don’t plan too much. NOT ALONE is the topic of our next issue. Do you think that going out and taking pictures of others helps you sometimes not to feel alone? Definitely, especially on the weekends, when I don’t have much to do. Taking a walk at a random free festival, street event or party is much better than being home alone. I think keeping yourself open-minded and getting out of your way to engage in new activities, will make your life more interesting and you might learn something about yourself that you don’t even think about.

T: ANDREA BESCÓS

JACK PEARCE Cuando del skate nacen tribus barbudas

Hablar de Jack significa hablar de misceláneas. Afincado en una residencia artística, se dedica a estar rodeado de skates, rosquillas e impresiones de su obra. Pero sobre todo, hablar de este muralista londinense es intentar comprender una obra expresiva y figurativa que atrapa a las interacciones humanas con algo muy escondido. De su pincel nacen guerreros tribales que acampan por ambientes que parecen banales, rodeados de cerveza y abrazos. Pero en la obra de Jack hay mucho más. Un grito surgido desde lo más hondo de las tripas: relaciones fraternales de tribus unidas por momentos que provocan desasosiego y tensión, pero también extremidades y lenguas que muestran la amistad, la vinculación del aquí y el ahora. La importancia de estar vivos. Talking with Jack is a miscellaneous experience. Based in an artists’ residence, he tends to be surrounded by skateboards, donuts and prints of his works. But above all, talking with this Londoner muralist is trying to understand an expressive and figurative work that comprises all human interactions with hidden characteristics. From his brush, tribal warriors are born, warriors who camp in landscapes that seem banal, surrounded by beers and hugs. But there’s much more in Jack’s pieces; a scream from the most profound sanctuary within his guts: fraternal relationships of tribes united by moments that provoke restlessness and tension, but as well, extremities and tongues that depict friendship, the bond between here and now, the importance of being alive.

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LOS PERSONAJES BARBADOS DE MIS MURALES SON UN GRUPO AMIGABLE. DISFRUTAN MOSTRANDO ESCENAS DE AMOR FRATERNAL Y LA DIVERSIÓN QUE PROVOCA EXPRESAR TUS AFECTOS LIBREMENTE ¿Cuándo comenzó tu interés por pintar? Desde una edad muy temprana pintaba y dibujaba, pero nunca lo perseguí realmente. Pensaba que era más un hábito extraño que tenía, y no quería que nadie lo viese. No fue sino hasta que empecé a patinar de adolescente que me di cuenta de que lo podía utilizar para hacer gráficos para tablas. A partir de ese momento el arte se convirtió en algo más en serio para mí. Puede ser extraño que lo pregunte, pero las barbas y las lenguas eternas son elementos persistentes en tus trabajos, ¿qué simbolizan para ti? (Risas) Sí, bueno, siempre me han fascinado las barbas, desde que era un niño. Me gustan porque cubren la cara de la gente, como un disfraz o un accesorio elegante. Dentro de mi trabajo las barbas son parte del uniforme de mis personajes, dan a cada individuo una identidad dentro de la tribu “Bromance”. Las lenguas son simbólicas de cada expresión facial. En algunos casos las lenguas demuestran señales de afecto, con una lamida en la cara. Ed Templeton es una referencia clara en tu trabajo, en adición a las pinturas tribales, ¿qué otras influencias (conscientes o inconscientes) te ayudan a explorar temas o técnicas? Sí, Templeton siempre ha sido una gran influencia para mí, desde mis años de adolescencia, la sensación energética DIY (hazlo tu mismo) que posee su trabajo me fascina. Desde sus personajes icónicos creados para las gráficas de Toy Machine Skateboards, a sus fotografías. Por más cliché que suene, la primera vez que vi Beautiful Losers, en el 2008, fue cuando sentí que era posible ejercer una carrera como artista. Ver a todos esos individuos a quienes idolatraba, juntos, en un film, explicando cómo lo habían hecho, me empujó a creer que era posible lograrlo. Aparte de las influencias obvias como los son Templeton, Margaret Kilgallen, Geoff McFetridge y Thomas Campbell, he pasado mucho tiempo obsesionándome con los trabajos de Jean-Michel Basquiat, Even Hecox y David Hockney. ¿Crees que el arte debe luchar en contra de las injusticias o, al menos, ayudar a dar una voz? Es importante ser consciente de cómo las personas percibirán el arte. Con mi trabajo intento dar pistas sobre las injusticias que podemos encontrar como hombres y mujeres. Creo que es necesario intentar crear trabajos que tengan algún tipo de mensaje. Incluso si el mensaje no es explícito, crear algo que lleve a un cuestionamiento. ¿Qué intentas explicar a través de los personajes que aparecen en tus murales? Los personajes barbudos de mis murales son un grupo amigable. Disfrutan mostrando escenas de amor fraternal y la diversión que provoca expresar el afecto libremente. Algunos de los rituales que llevan a cabo entre ellos incluyen beber cerveza, lamerse las caras, patinar y tirase de las barbas. Me preguntan a menudo si estos personajes son autorretratos, y mi respuesta es que no, aunque creo que si tomases una foto mía y la pusieses junto a ellos habría un parecido notable. El uso de tinta china y la simetría en tu trabajo son rasgos continuos. El blanco y negro también, excepto en series como Fauxmance. ¿Es esto una coincidencia? La simetría que se encuentra en las dos series de trabajos ocurrió de manera bastante natural. En Fauxmance me propuse crear obras que se hiciesen un eco sobre

algunos elementos simétricos de Bromance. Intenté utilizar la posición de los cuerpos de cada personaje para resaltar una actitud que definiese las tensiones subyacentes que se derivan de la interacción social. Hablemos acerca de tu proceso creativo, ¿haces un storyline antes? Antes de empezar a pintar, suelo tener una idea de la historia o del escenario en el cual quiero que los personajes actúen. No espero que la gente entienda la misma historia que yo veo a través de ellos, pero con un poco de imaginación espero que puedan lleguen a tener una visión de cómo funciona mi mente. Quiero que la audiencia sea capaz de crear sus propias opiniones sobre las tensiones sociales que busco transmitir en los trabajos de mi serie Fauxmance. El proceso de la serie Bromance fue menos pensado. Cuando se trata de un mural, no suelo tener una idea de cómo interactuarán los personaje, sucede de manera natural a medida que avanzo. ¿Qué papel juega el skateboarding en tus trabajos? Para mi el skate es muy similar a muchas maneras a hacer arte. El proceso que aplico cuando creo mis obras hoy es el mismo que cuando intentaba perfeccionar un truco de adolescente, sin rendirme hasta lograr clavarlo de la manera que lo imaginaba. ¿Por qué es tan interesante para ti retratar las interacciones sociales? Siempre me ha gustado ver a la gente, es una gran manera de pasar el tiempo y entretenerse. Me parece divertido observar desde la distancia aquellas áreas grises de la etiqueta que están involucradas en la interacción social. Mi idea inicial para Bromance surgió al observar las relaciones entre mis amigos hombres. Quería crear un grupo de personajes masculinos que no sintiesen vergüenza al mostrar su afecto hacia el otro. Creo que es importante recordarle a la gente que los hombres pueden divertirse juntos, sin que se hagan suposiciones sobre su sexualidad. ¿Qué tema o situación aún no has tratado y te gustaría? Quiero que mi siguiente tribu sea de personajes femeninos. Exploré algunos rasgos femeninos en algunos de mis personajes para Fauxmance. La idea era que los personajes no tuviesen un género específico, ya que no quería que se hiciesen generalizaciones sobre las interacciones masculinas o femeninas. Con esta tribu de mujeres espero resaltar la fuerza de la mujer y sus relaciones entre ellas. La técnica para crear este trabajo será similar a la empleada en Fauxmance, muchos detalles intrincados y colores brillantes. ¿Estás realizando algún proyecto ahora? Bueno, en mayo tuve mi segunda exposición en solitario con “Fauxmance” en Atomica Gallery en Londres. Desde mi última exposición he trabajado en una serie de murales para bares y discotecas en Londres. Recientemente tuve el privilegio de crear un gráfico para Toy Machine Skateboards, lo que era un trabajo por encargo muy soñado. Ahora estoy trabajando en una serie para skateboards de Shakastics, una compañía custom afincada en California. También estoy con mi tercera exposición en solitario en Londres, programada para comienzos del próximo año. Si os interesa comprar prints de mis trabajos, en la actualidad formo parte de la residencia de artistas de The June Store, tienda de rosquillas y skates más que recomendable que acaba de abrir a las afueras de Londres. www.thejunestore.co.uk/en-gb

THE BEARDED CHARACTERS IN MY MURALS ARE A FRIENDLY BUNCH. THEY ENJOY SHOWCASING SCENES OF BROTHERLY LOVE AND THE FUN THAT CAN BE HAD WHEN YOU EXPRESS YOUR AFFECTIONS FREELY

When did your interest to paint start? From an early age I painted and drew, but I never really wanted to pursue it. I though it was more of a weird habit I had, and didn’t like anyone to see it. It wasn’t until I started skateboarding as a teenager that I realised art could be used for skateboard graphics. From that point onwards art became something I took a little more seriously. Perhaps it’s strange to ask about it, but the beards and the eternal tongues are persistent elements in all your works. What do they symbolize for you? (Laughs) yeah, well, I’ve always been fascinated by beards, ever since I was a kid. I like that they cover up people’s faces, like a disguise or a fancy dress accessory. Within my work the beards are part of each characters uniform, giving each individual an identity within the ‘Bromance’ or ‘Fauxmance’ tribe. The tongues are symbolic to each characters facial expression. In some instances the tongues demonstrate signs of affection, with a lick to the face. Ed Templeton is a clear reference in your work, in addition to the tribal paintings. What other influences (conscious or unconscious) help you to wake up other topics or techniques? Yep, I’ve been heavily influenced, since my teenage years, by the energetic DIY feel that Ed Templeton’s work possesses. From his iconic characters created for Toy Machine Skateboards graphics to his photography. As clichéd as it sounds, the first time I watched ‘Beautiful Losers’, back in 2008, was the first time I ever really felt it was possible to pursue a career as an artist. Seeing all these individuals who I idolised, together, in one film, explaining how they’d done it, pushed me to believe it was possible to do it too. Apart from the obvious ones like Templeton, Margaret Kilgallen, Geoff McFetridge and Thomas Campbell, I’ve spent a lot of time obsessing over the works of JeanMichel Basquiat, Even Hecox and David Hockney. Do you think that art must fight the injustices or, at least, help to give a voice? I think it’s important, when making art, to be aware of how people will perceive it. Within my work I aim to hint the injustices we can face as men and woman. I feel it’s necessary as an artist to try and make work that portrays some form of message. Even if the message isn’t hitting you in the face, but pulls on your brain to make you question it. What do you try to convey through the characters that populate your murals? The bearded characters in my murals are a friendly bunch. They enjoy showcasing scenes of brotherly love and the fun that can be had when you express your affections freely. Some of the rituals that take place between them include drinking beer, face licking, skateboarding and good old-fashioned beard stroking. I often get asked if these characters are self-portraits, and my response is ‘no’, but I guess if you held a photo of me up and compared the two, there is a sticking resemblance. The use of Chinese ink and the symmetry in your work is continuous. The white and black too, except in the series “Fauxmance”. Is it a coincidence? The symmetry that accurse across both series of work happened pretty naturally. With my latest series of work, ‘Fauxmance’, I set out to create pieces that echoed some elements of symmetry from my ‘Bromance’ paintings. I tried to use each char-

acter’s body positioning to set a mood that outlined the underlying tensions that can accrue during social interaction. Let’s speak about the creative process. Do you work on a storyline before? Before I start a painting, I usually have an idea of a certain story or scenario I want the characters to be acting out. I don’t expect people to get the same story as I do from them, but with a little imagination I hope you can get an insight into the way my mind works. I want you to be able to form your own opinion of the social tensions I aim to convey in my ‘Fauxmance’ works. The processes involved when creating the ‘Bromance’ pieces was less thought out. If it’s a mural-based work, I tend not to have a set idea on how the characters will interact, it happens naturally the further I get into the painting processes. What role does skateboarding play in your work? For me skateboarding is similar in so many ways to making art. The same way I tried to perfect a trick as a teenager, not giving up until it came out the way I pictured it, is the same process I apply towards creating my artwork today. Why is it so interesting for you to paint a depiction of human social interactions? I’ve always really enjoyed watching people, it’s a great way to pass the time and be entertained simultaneously. I find it amusing observing from a distance, the grey areas of etiquette involved with social interaction. My initial idea for ‘Bromance’ was spurred on by observing the relationships between my male friends. I wanted to create a group of male characters that did not feel shame when displaying affection towards one another. I think it’s important to remind people that guys can have fun together, without assumptions being formed about their sexuality. What topic or situation you have not treated yet and would like to create? I want to make my next tribe of characters all female. I touched on a few female features in some characters from ‘Fauxmance’. The intention was for the characters to be none gender specific, as I didn’t want to make generalizations between male and female interaction. With this all-female tribe I hope to highlight the strength of women, and their relationships between each other. The technique for creating these works will be similar to that of ‘Fauxamnce’, lots of intricate detail and bright colour. Are you doing any project at the moment? Well, back in May I had my second solo show for my ‘Fauxmance’ series at Atomica Gallery in London. Since my last exhibition I have been working on a series of mural-based projects in bars and clubs across London. I recently had the privilege of creating a graphic for Toy Machine Skateboards, which was pretty much a dream commission for me! I am working on a series of skateboards for ‘Shakastics’, a custom board company based out in California. At present I am working on my next series of work for my 3rd solo show in London, scheduled for the beginning of next year. If you would like to purchase a print of my work, I’m currently part of an artist residency at an awesome skate and donut store that recently opened just outside London called ‘The June Store’, be sure to check them out! www.thejunestore.co.uk/en-gb

T: ANTONELLA SONZA Y JAIME FELIPE DUARTE

TY EVANS Skateboarding before words

Ty Evans es en la actualidad uno de los realizadores de filmes de skate más reconocidos, llegando a trabajar junto a riders como Torey Pudwill, Eric Koston, Paul Rodríguez… en fin. Su proyecto más reciente, We Are Blood, en colaboración con Brain Farm y Mountain Dew Green Label Films, aspira a ser el más grande y mejor film de skate de la historia. Después de verlo, debo decir, antes de nada, que este tipo de proyectos han evolucionado, ¡y cuánto! Los días en los cuales el material parecía grabado con una cámara casera y con una calidad muy baja han quedado atrás. Ahora la calidad es sorprendente; escenas grabadas desde un helicóptero, alta definición y trucos asombrosos, por supuesto. Tuvimos la oportunidad de hablar con este tío que está empujando los límites hace un tiempo, llevándolos al siguiente nivel. Mi consejo es: leer la entrevista, entender un poco cómo se llevó a cabo este enorme proyecto y, luego, ir a ver We Are Blood. Creedme, quedaréis tan emocionados que tendréis que ir a patinar inmediatamente. Ty Evans is currently one of the most acclaimed skateboarding film directors, getting to work, side by side, with guys like Torey Pudwill, Eric Koston, Paul Rodriguez, you name it. His most recent project, We Are Blood, in collaboration with Brain Farm and Mountain Dew Green Label Films, is set to be the biggest and best skateboarding film in history. After seeing it, I must say, first and foremost, that skateboarding films have evolved, and how much! The days were the material seemed recorded with a low-quality handy-cam are far behind. Now the quality is mind-blowing; scenes recorded from helicopters, HD quality and amazing tricks, of course. We had the chance to have a quick chat with this guy that’s pushing the limits, taking this kind of projects to the next level. My advice: read this interview, get a little glimpse on how the project was made and, afterwards, go see We Are Blood. Believe me, you’ll get excited,you will have to go jump on your skateboard right away.

WeAreBlood.com

ENSEÑARLE AL MUNDO AQUELLO QUE AMAMOS DEL SKATEBOARDING ES ALGO FANTÁSTICO Y HERMOSO

¿Cómo se inició este proyecto? ¿Cómo se te ocurrió la idea? Este proyecto ha estado en mi cabeza desde hace mucho tiempo. Siempre he querido hacer films de skate más grandes y mejores, y a través de los años éstos han estado bastante limitados en cuanto a lo que se puede hacer, principalmente por los pequeños presupuestos, sentía que ya había llegado a la cima con respecto a este tipo de filmes, los cuales eran tradicionales y realizados para compañías de skate, y quería trabajar fuera de los parámetros normales. Conocí a Kurt Morgan, quien maneja Brain Farm, hace unos seis o siete años, y empezamos a hablar de que queríamos hacer un film de skate más grande y mejor que todo lo que se había hecho hasta el momento. Yo sabía que una vez hubiese terminado Pretty Sweet, iba a trabajar junto a Brain Farm para hacer el mayor film de skate de la historia. Al terminar Pretty Sweet empezamos con la pre-producción, pero no teníamos el dinero necesario para llevarlo a cabo, así que finalmente desarrollé una relación con Mountain Dew Green Label Films y decidieron unirse para poder realizar la película, la financiaron e hicieron del sueño una realidad. Este film es un enfoque real hacia el mundo del skateboarding. ¿Por qué crees que el resultado terminó siendo tan auténtico y cuál es la principal diferencia con los demás films del género? Creo que muchas veces este tipo de proyectos grandes relacionados con el skateboarding son realizados por directores y personas que no tienen nada que ver con el skateboarding, yo he hecho skate desde mediados de los ochenta, llevo treinta años practicándolo, está codificado en mi cuerpo, y jamás haría un film que no me pareciese auténtico, así que intenté hacerlo lo más auténtico posible. El objetivo era hacer un film que los skaters como yo pudiesen apreciar, pero también extender el alcance de la película hacia personas que no patinan, y tratar de complacer a los dos sectores, tanto a la audiencia principal como a la adyacente. Quería hacer un filme que un niño pudiese ver y que también pudiese disfrutar con su familia de principio a fin, y creo que lo logramos. Hablas de ese vínculo especial que existe entre los skaters. Desde tu experiencia, ¿qué crees que lo hace tan especial? Creo que el skateboarding es único, no se parece a ningún otro deporte, no se parece a ningún otro tipo de arte, y tienes los dos aspectos, ¿es un deporte? ¿Es un arte? Es las dos cosas, y para cada uno de nosotros el skateboarding significa muchas cosas diferentes, ya sean los tíos que lo practican para competir, o quienes lo hacen para ser patrocinados, o aquellos que quieren hacer dinero, o tíos para quienes el skateboarding es saltar en la tabla para olvidar todos los problemas. Existen muchas razones por las cuales la gente patina, pero aquello que siempre hemos experimentado es que tenemos la misma conexión; el skate es muy importante para nosotros, no es que compartamos las mismas creencias en sí, pero todos compartimos la misma conexión. El skateboarding es algo muy importante que llevamos en el corazón, y no hay tal cosa buena o mala, mi versión del skate probablemente es completamente diferente a la tuya, pero al final del día todos tenemos esa conexión, y creo que ese es un vínculo que todos compartimos, y con el cual todos nos conectamos, es obvio, viajando alrededor del mundo, no necesitas del idioma, tienes el skate. Si hay alguien intentando planchar un truco por primera vez, recuerdas esa sensación, y cuando ves que la persona finalmente lo consigue, compartes esa misma experiencia. Llevo haciendo este tipo de films los últimos veinte años, viajando alrededor del mundo, y puedo ver cómo compartes ese vínculo con las personas. Cuando pensé en hacer este proyecto, en realidad quería mostrar esos aspectos, sé que existen un millón de ellos, y para ser realistas, es imposible mostrarlos todos en un film. Sé que ha habido personas que han visto el filme y dicen, “¿Dónde está esto?” – “¿Dónde está aquello?”, y es como, “Tío, no puedes mostrarlo todo”, así que para mí se trató de escoger algunos aspectos que fueron surgiendo. No tenía necesariamente un plan de juego completo, simplemente dejé que el film se fuera escribiendo a medida que avanzábamos. Y algunas de las situaciones que experimentamos a lo largo del proceso ocurrieron de manera orgánica, a medida que viajábamos por el mundo. Cuéntanos sobre el papel que desempeñó Paul Rodríguez en la realización del film. Creo que esta película está orientada hacia los ska-

ters, pero al mismo tiempo quiero mostrarle a la gente que no patina, qué es el skate, de qué se trata, y pienso que Paul es una pieza muy importante en ese rompecabezas. Creo que él está en esa misma liga, quiere compartir el skateboarding y yo necesitaba a alguien que fuese el portavoz de la película, y no tuve que pensarlo dos veces, P-Rod fue mi primera opción para ser la persona encargada de compartir el skate con el resto del mundo. Conozco a Paul desde que era un niño de trece años, vi su carrera florecer, y ahora es uno de los riders con más talento del mundo, y al mismo tiempo tiene el carisma para presentarle el skateboarding al resto del mundo. El film no es sobre la vida de Paul, pero definitivamente quería mostrar algunos aspectos de ésta, y creo que cuando viajamos a Nueva York, podemos ver algunas de las cosas con las cuales Paul tiene que lidiar al estar en esa escala mayor del skateboarding, ya sean las competiciones y los autógrafos. Creo que ese fue un momento muy cool para mostrar en lo que el skateboarding se ha convertido y a Paul, que es una parte muy importante de ello, y mostrar la yuxtaposición con alguien como Anthony Pappalardo, quien no tiene que lidiar con ninguna de esas cosas, quería mostrar cómo esos dos opuestos están completamente interconectados a través del skateboarding. ¿Crees que este filme es una buena manera de conocer el skateboarding para personas que no están involucradas con él y llegar a una nueva audiencia? Absolutamente, creo que este filme va a acercar el skateboarding a las personas que nunca han tenido ningún tipo de contacto con él, y creo que cuantas más personas empiecen a practicarlo, simplemente lo harán mejor y más grande. Estoy muy agradecido de haber encontrado el skateboarding, y la única razón por la cual lo hice fue porque un amigo mío tenía un skate, en el cual me subí y amando inmediatamente la sensación que me producía, aprendiendo a moverme, de un lado a otro, tic-tac, hacia delante y hacia atrás, tic-tac, tic-tac, tic-tac. De estar quieto pasé a balancearme, y a andar hacia delante la primera vez que me subí, estaba impresionado. Luego vi el primer film de skate, Future Primitives, que Stacey Peralta hizo, y tras haberme subido a un skate, me emocionó ver en la película lo que era posible hacer, no tenía ni idea de que podías cabalgar en piscinas vacías, volar por los aires o hacer grinds o boardslides. Enseñarle al mundo aquello que amamos del skateboarding, creo que es algo fantástico y hermoso. ¿Cómo te mantienes motivado en tu carrera? Creo que una de las claves en la vida es aprender a disfrutar de tu trabajo, si lo consigues no sentirás que trabajas ningún día, si haces de tu vida tu trabajo, y de tu trabajo tu vida, es una sincronicidad crucial. Crecí y me enamoré del skateboarding, luego empecé a hacer films de skate, y nunca he sentido que haya estado trabajando, simplemente lo siento como algo que he hecho, y continúo aprendiendo y avanzando y haciendo este tipo de películas. Del primer filme que hice, en 1995, recuerdo estar sentado en el teatro con quinientas personas y todos se estaban volviendo locos viendo skateboarding; obtuve exactamente la misma sensación hace un mes en el estreno de We Are Blood. ¿Ocurrió alguna anécdota curiosa durante la realización del filme? Realizar este proyecto fue un proceso muy revelador para mí. En los últimos ocho, diez años, el cine digital ha tomado mucha fuerza, y poder contar con eso como realizador, aprender acerca de todos estos nuevos equipos, me hace estar realmente agradecido. Creo que para mí, la máxima experiencia durante el rodaje fue montarme en un helicóptero y grabar tíos patinando con un equipo de medio millón de dólares, eso, considero, me cambió la vida; volar por lo cielos grabando material perfectamente estable, no existe otra experiencia como esa. Estás a punto de completar la gira del estreno de We Are Blood, ¿tienes algún otro proyecto a corto plazo? Simplemente quiero hacer un montón de trabajo comercial en este momento, ¿sabes? Quienquiera que esté allí afuera y quiera hacer trabajos comerciales, que sepa que estoy disponible. Hacer pequeños proyectos. Al final del día, claro que quiero hacer otro proyecto del tamaño de éste, de ninguna manera he acabado, aún siento que puedo hacer otro film de esta dimensión, incluso más grande y mejor.

How did this project start? How did you come up with the idea? This project has been in my head for a really long time. I’ve always wanted to make skateboarding films bigger and better, and over the years skateboarding films have been pretty restricted as far as what you can do with them, mainly just because the smaller budgets, but for me, I felt like I kind of hit the ceiling making this type of skateboard films, which were traditional skateboard films for skateboarding companies, and I wanted to think outside the box. Ultimately I met Kurt Morgan, who runs Brain Farm, probably six or seven years ago, and we started talking about how we wanted to make a skateboard film bigger than anything that has been done before. I knew, once I was done with Pretty Sweet, I was going to go on and partner up with Brain Farm, and make the biggest skateboard film ever. After I was done with Pretty Sweet, I jumped over to Brain Farm and we started pre-production, but we didn’t have any money to make the film happen, so ultimately I developed a relationship with Mountain Dew Green Label Films, and they came on board and they delivered the film, financed it, and made the dream a reality. The film is a real approach to the skateboarding world. Why do you think the result ended up being so authentic and what is the main difference with other films of the genre? I think a lot of the times these bigger projects about skateboarding are done by directors and people that have absolutely nothing to do with skateboarding, so for me, I’ve been skateboarding since the mid-eighties, so I’ve been skateboarding thirty years, it’s engrained in my body, and I would never make a film that wasn’t authentic to me, so I kept the film as authentic as possible. The goal of the film was to make a film that skateboarders like myself could like and appreciate, but also spread the reach of the film to people that don’t skateboard, and try to please both, the core and the non-core audience. I wanted to make a film that a kid could watch and that also he could sit down with his family, and his family could watch from beginning to end, and I think we did that. You talk about the special bond there is between skateboarders. From your experience, what do you think makes it so special? I think skateboarding is so unique, it’s unlike any other sport, it’s unlike any other art, and you have both of those sides, is it a sport? Is it an art? It’s both of those things, and for every one of us, skateboarding means so many different things, whether be the guys that are in skateboard for the contests, or are in it to get sponsored, or guys that want to make money, or guys for whom skateboarding is just to jump on a board to get away from all the problems in life. There are so many different reasons why people skateboard, so the one thing we’ve always experienced is that we have that same connection; skateboarding is very important to us, is not that we share the same beliefs per se, but we all share that same connection. Skateboarding is something really important that we hold close to our hearts, and there is no right or wrong, my version of skateboarding is probably completely different than yours, but at the end of the day we all have that connection, and I think that is the bond we all share, and that we all can connect to, it’s obvious, traveling around the world, you don’t need language, you have skateboarding. If someone is trying to land a trick for the very first time, you remember that feeling and when you see that person finally make it; you share that same experience with them. I’ve been making these films for the last twenty years, traveling around the world, and I can see you share that bond with people. When I thought about making this film, I really wanted to show some of those aspects, I know there is a million different aspects like that in skateboarding, and to be realistic, you can never make a film that shows them all. I know people have seen the film and say “Where is this?” – “Where is that?” and is like, “Man, you can’t show everything”, so for me I was just going to pick certain ones that kind of came up. I didn’t necessarily have a complete game plan, I just kind of let the film write itself as it went. And some of the subjects or things that we experienced through the film, kind of happened organically, as we traveled around the world. Tell us about the role Paul Rodriguez played in the making of the film. I think this film is geared towards skateboarders, but at

the same time we want to show people that don’t skateboard what skateboarding is about, and I think Paul is a huge piece of that puzzle. I think Paul is on that same page, he wants to share skateboarding and, for me, I needed someone to be the spokesperson of the film and it was a no-brainer that P-Rod was my first pick to be that person in charge of sharing skateboarding with the rest of the world. I’ve known Paul since he was a little kid, thirteen years old, I watched his career blossom, and now he is one of the most amazing skateboarders in the world, and he also has the charisma to present skateboarding to the rest of the world. The film is not about Paul’s life, but I definitely wanted to show some of the aspects of his life, and I think when we go to New York, you get to see some of those things that Paul deals with, being on a bigger scale of skateboarding, whether be contests and autographs. I thought that was a very cool moment to show all these huge things that skateboarding has become, and Paul, who is a big part of it, and show the juxtaposition of someone like Anthony Pappalardo, who doesn’t deal with any of those things, and showing how those completely two opposites, are completely connected with skateboarding. Do you think this film is a good way to get to know skateboarding for people who aren’t into it and reach a whole new audience? Absolutely, I think this film will bring skateboarding to people who would never ever know anything about it, you know, and I think the more people that can start skateboarding, it’s only going to make skateboarding bigger and better. I’m so grateful that I’ve found skateboarding, and the only reason I found skateboarding was because my friend happen to have a board, that I jumped on and loved the feeling of skateboarding, learning how to tic-tac, back-and-forth, tic-tac, tic-tac, tic-tac. From standing still I started tic-tacking and started moving forward the very first time I ever stepped on a skateboard, and I was so blown away. From there I saw the very first skateboarding film, Future Primitives, that Stacey Peralta did, and the combination of stepping on a skateboard for the first time and then seeing a film of what was possible, I had no idea that you could ride in pools, or fly up in the air, or grind on ledges, boardslides. If we can show the rest of the world what we love about skateboarding I think it’s a great and beautiful thing. How do you stay motivated in your career? I think one of the biggest keys in life is figuring out how to enjoy your work, if you enjoy your work it will not feel like work, and if you make your work your life and your life your work, it’s a synchronicity crucial for life. I grew up and fell in love with skateboarding, then I started making skateboarding films, and it hasn’t ever felt like going to work, it just feels like something that I’ve done, and I’m still learning and moving on and making these films. The very first film I made, in 1995, I remember sitting in the theatre with five hundred people, and everyone was going crazy watching skateboarding; I got that exact same feeling last month when we premiered We Are Blood. Is there any crazy anecdote of the filming process? Making this film was such a huge eye-opening process to me. Within the last eight, ten years, digital filmmaking has really come to the table, and being able count with that as a filmmaker, learning about all this new equipment, makes me feel very grateful. I think for me the ultimate experience has been getting in a helicopter and filming skateboarding with a half-a-million dollar camera system. I got a shot-over camera system, that, I feel, is life changing; flying around in the sky filming perfectly stable footage, there is no other experience like it. You are about to complete the release tour of We Are Blood, are there any other projects coming soon? I just want to do a bunch of commercial work at this point, you know? Anyone who is out there and wants to do commercial work, I’d love to work with you. Do smaller little projects like that. At the end of the day, I do want to make another bigger project like this, by no means I’m finished, I feel like I can still make another film of this scale, even bigger and better.

IF WE CAN SHOW THE WORLD WHAT WE LOVE ABOUT SKATEBOARDING, IT’S A GREAT AND BEAUTIFUL THING

T: JAIME FELIPE DUARTE

ROGER FERRERO

FREESTYLE

Sus fotografías son espectaculares, de eso no hay duda. Además de su trabajo en fotoperiodismo, sus imágenes de skate son fantásticas. Roger Ferrero logra capturar tanto la acción como el ambiente que se desarrolla alrededor. Ha trabajado junto a marcas como Girl y Chocolate, la lista de riders que ha fotografiado, podría decirse, es interminable, y estuvo presente en el rodaje de Pretty Sweet, junto a Ty Evans, donde capturó una de mis fotos favoritas de skate: Kenny Anderson haciendo un powerslide monumental. Hace poco se unió a Levi’s Skateboarding en una iniciativa muy humana, la construcción de un skatepark en Badía del Vallés. Un autodidacta que ha llegado lejos haciendo lo que sabe hacer, capturar el momento preciso. His photographs are amazing, there’s no doubt about it. Besides his work as a photojournalist, his skateboarding images are fantastic, always managing to capture the action of the moment, as well as the vibe and the ambience that surrounds it. Roger Ferrero has worked along brands like Girl and Chocolate, the list of riders he has photographed is, one might say, endless, and he had the opportunity to be part of the production team behind Pretty Sweet, along Ty Evans. Here, he achieved to capture one of my all-time favorite skate photographs: Kenny Anderson doing a delightful powerslide. Recently he joined Levi’s in a very altruistic initiative, the construction of a skate park in Badia del Valles. A self-taught artist that has accomplished a lot doing what he does best, capturing the precise moment.

www.rogerferrero.com 87

De alguna manera siento que la campaña #SPOTTERDIYBCN by Levi’s Skateboarding, transmite perfectamente el espíritu americano de la marca, ¿qué elementos eligieron para lograr esto? Más que intentar transmitir el espíritu de la marca, lo que pasó desde mi punto de vista, es que nadie dijo a nadie lo que tenía que hacer, sólo se pactaron unas pautas en los tiempos de trabajo y entrega del material audiovisual, y a partir de ahí cada uno hizo lo que le dio la gana, tanto los que construían, los #stfsboyz que son unos jefes, como los que nos encargábamos del tema visual. Y esa fue la clave, así todo encajó perfectamente, cada uno haciendo lo que sabe hacer mejor sin nadie meterse con lo que hacía el de al lado, en eso acertó Marcos Gómez y Julio Arnau de FTC, que fueron los que planearon toda esta historia, y Levi’s Skateboarding haciendo que sucediera de esta manera. Quizás lo único que elegimos fue usar el blanco y negro, pues creemos es el más adecuado para contar historias como esta, y para el video Martí eligió una relación de aspecto muy panorámica, 2:35, para darle al proyecto un estilo más cinematográfico. Sólo tratamos de contar bien la historia. Además del mensaje principal tras la iniciativa, ¿qué emociones buscaste despertar en la audiencia a través de las fotos? La intención que tuvimos desde un principio fue motivar a los que vieran la historia para que se lleven a cabo más proyectos como este, que vean que es posible hacer las cosas por uno mismo, en mayor o menor medida, sin esperar que otros las hagan por nosotros. Quisimos mostrar no solo el proceso de construcción, sino también lo bien que lo pasaban los chavales mientras ocurría. La verdad es que fue increíble, yo me lo pasé muy bien y me he quedado con ganas de más. ¿Cómo definirías Levi’s skateboarding? Hacen un buen apoyo a la escena, me gusta como ha aparecido con estas iniciativas en varios países del mundo, hacen las cosas bien. Además de colaborar en la ampliación del skate park de Badía del Vallés, han hecho lo mismo en países como Bolivia e India. ¿Qué te parece lo mejor de iniciativas como ésta? Bueno, primero de todo, debo decir que no es una ampliación de un skatepark, el #spotterdiybcn era un lugar abandonado donde no había nada más que un suelo liso, y los locales de la zona construyeron con sus propios medios una serie de bordillos para patinar ellos tranquilos y grabar unos vídeos, ya que la mayoría de skateparks dejan mucho que desear o están infestados de niños con scooters que no dejan patinar a gusto. Entonces al cabo de un tiempo surgió la posibilidad de ampliar el lugar con nuevos y mejores módulos con la ayuda de Levi’s Skateboarding. Iniciativas como esta, para mí son perfectas, ya que apoyan a los skaters que quieren hacer cosas por ellos mismos, y eso para mí es ayudar a la esencia del patín. Lo de Bolivia y la India me parece increíble, lástima no haber estado ahí cuando lo construían. Te iniciaste con el skateboarding cuando tenías once años, ¿cómo fue el proceso para llegar a ser fotógrafo? ¿Una cosa llevó a la otra? Sí, prácticamente es como si llevara toda mi vida. De muy pequeño había un “platanito” de madera en casa, que usaba con mis hermanos para tirarnos por las cuestas, aunque solo hacía eso hasta

que sobre los diez años mis padres me cambiaron de escuela, iba a una donde está el MACBA ahora, que en esos tiempos no existía, ahí había casas y callejuelas no muy bonitas… Y nada más llegar a la nueva escuela vi a un chico haciendo ollies en el patio con otro que iba a mi clase y que acababa de conocer, nunca había visto eso, y a partir de ahí ya no hubo marcha atrás y empecé a patinar con ellos. Al poco tiempo empecé a ir a Sants, ahí conocí a mis amigos, que todavía lo son. Con ellos viví prácticamente todo. En esa plaza pasaba de todo al estar delante de la estación de tren y muy cerca de la cárcel modelo. Ahí solía venir gente a intentar robarnos, a pegarnos porque sí, sin decir nada, cuando había la moda de ir de skinhead, pero pasara lo que pasara nunca dejábamos de ir ahí a patinar, era como nuestra casa. Ahí vivimos muchas cosas todos por primera vez, las primeras chicas, las primeras fiestas, los primeros viajes, la verdad es que nos reíamos mucho, ya no iba a la escuela ni nada… En definitiva ahí crecimos unos cuantos sin hacer nada más que eso, esas vivencias nos hicieron ser más espabilados que otros de nuestra misma edad y fue cuando hacia finales de los 90, algunos empezamos a viajar bastante al extranjero para patinar y conocer otras ciudades. Ahí empecé a tontear con cámaras de esas de usar y tirar para tener recuerdos en los viajes. Y entre que me sentía un inútil en los trabajos en almacenes o fábricas, que sólo usaba como mucho tres o cuatro meses para pagarme esos viajes, y los buenos consejos de amigos a los que les gustaban mis fotos y que me instaban a dedicarme a ello, al final les hice caso, y a la vuelta de un viaje a Japón, viendo que las fotos que había hecho, me compré mi primera réflex para ver que tal se me daba tomármelo más en serio. Fue fácil. No tuve la necesidad de estudiar fotografía, aprendí muy rápido, sacando fotos de todo tipo a mis amigos, ahí en Sants y cuando íbamos a otros lados. Seguramente sin ellos no estaríais leyendo esto, por eso lo cuento de esta manera. Empecé a publicar cosas para revistas de skate muy rápido, en eso tuve suerte, una de mis primeras publicaciones fue un anuncio de Santa Cruz de Lee Smith, en Thrasher y Slap, y poco después otro de Marcus McBride de DGK en Transworld. Muy rápido empezaron a ofrecerme pequeños trabajos, eso me dio fuerzas y me planteé no volver a trabajar de otra cosa, y hasta hoy lo he conseguido. Nunca he ido a buscar trabajo de fotógrafo, todo ha ido saliendo sobre la marcha, y puedo decir que aunque han habido épocas flojas, no me va mal, aunque el antes y el después en mi fotografía vino en 2010 que es cuando realmente ya sabía lo que estaba haciendo y empecé a jugar con el blanco y negro. Hay una fotografía maravillosa tomada durante el rodaje de Pretty Sweet, donde capturaste a Kenny Anderson haciendo un powerslide. ¿Qué papel juega el movimiento en la fotografía para ti? Uf, como autodidacta, lo único que pienso cuando estoy haciendo una foto, es que quede algo que me llame la atención y sea a la vez estético, elegante. Por ejemplo, algunos me dicen que les gustan mis fotos de arquitectura, que si las líneas, etc, y la verdad es que nunca he pensado en arquitectura, ni en líneas, ni en reglas de composición, que hace poco supe que se enseñan en las escuelas, ni en movimiento, ni nada de eso, sólo busco que me parezca estética la foto, que todo encaje en ella sin más, y uso lo que tengo dentro del encuadre que quiero para conseguirlo. Ese día con Kenny… Ese powerslide era increíble, y sólo

pensaba que una foto normal, él congelado, ahí pegado al suelo sería muy extraño, quería sacar la imagen de alguna manera que mostrara su estilo, y se me ocurrió por primera vez hacer la foto con velocidad baja y sin flash, para capturar la sensación de movimiento. Nunca había usado esa técnica, y aunque me la jugué un poco, me sorprendí, y es una de mis fotos favoritas de skate, porque en ella también sale Enrique Mayor -amigo de los que hablaba en la pregunta anterior- grabando a Kenny. El movimiento en la fotografía quizás sólo me vuelve un poco loco en el del agua (risas), me encanta jugar con eso desde siempre, ya sea captando las ondas de una chica dentro de un lago, como una tormenta salpicando una barandilla, pero no deja de ser porque me llama la atención poder guardar esos momentos. ¿En qué momentos y por qué razones decides trabajar algunas veces en color y otras en blanco y negro? Desde hace unos años me apetece hacerlo todo en blanco y negro, aunque a veces lógicamente no pueda, según qué tipo de foto o trabajo vaya a hacer. El blanco y negro me gusta más porque puedo jugar mejor con las luces y las sombras, el color me distrae demasiado. Ahora tengo una duda sobre unas fotos con fuego, de si hacerlas en color o en blanco y negro (risas), ¿que creéis que haré? ¿Cuál es tu sport favorito en Barcelona? Ahora mismo no lo hay, fue Sants hasta que empezaron las obras del Ave y la estación de tren, que increíblemente aún continúan, y como han dejado la plaza destrozada, ya no vamos ahí los de siempre y estamos más de un lado a otro. Tu trabajo es muy variado, con juegos y enfoques tanto en la composición, la textura o los contrastes de las imágenes. ¿Cómo definirías tu estilo? Mmm estilo libre diría yo, lo que prefiero siempre que se pueda es dejarme llevar por la intuición, y

lo que esté pasando en ese momento. Suelo probar por curiosidad todas las técnicas, cámaras y tipo de fotos que se puedan hacer, aunque lo que más me llena es cuando hago fotos a gente en momentos cotidianos; el 100% de ese tipo de fotos mías, nunca son pensadas antes. Es el tipo de foto que empecé a hacer con mis amigos y por el que acabé dedicándome a esto, y el que me sigue gustando más hacer, aunque quizás se vean menos o llamen menos la atención. Una de las mejores sensaciones que hay es cuando veo a alguien emocionarse por una foto que le haya hecho. Ahora estoy muy contento de unos retratos espontáneos que hice el otro día a dos amigas gemelas, nacidas en un campamento de refugiados Saharauis, donde se ve perfectamente el cariño que se tienen la una a la otra. Las hice para apoyarlas en su causa, que es ayudar a los refugiados Saharauis a través de esta organización: www.wallofsand.org. Echadles un vistazo, vale la pena. Además de la fotografía de skate, ¿qué otras imágenes te gusta capturar? Cualquier cosa que me encuentre y me llame la atención, ya sea alguna escena graciosa en la calle o una tormenta de rayos, un paisaje, retratos, no sé, hago de todo la verdad. También a gente interesante que veo y me apetece hacerles fotos, eso lo hago bastante a menudo, he hecho muy buenas amigas así. ¿Qué proyectos tienes para lo que queda del año? Tengo uno grande que no puedo contar aquí, ¡pero espero que os guste cuando salga! El mono-tema de esta edición es NOT ALONE. ¿En qué momentos necesitas estar acompañado? ¡Cuando me apetecen unas cañas o salir a cenar!

Somehow, I feel the campaign #SPOTTERDIYBCN by Levi’s conveys perfectly the American spirit of the brand. Which elements did you decide to use to achieve this? More than trying to convey the spirit of the brand, what happened, from my viewpoint, was that no one was telling anybody else what to do. The only guidelines were time schedules and deadlines, from there, everyone did what they wanted, both, the guys that were building the skate park, the #stfsboyz, who are great, and us, who were in charge of the visual aspects. That was essential in the development of the project, each one doing what they do best, without bothering anybody else. In that, Marcos Gomez and Julio Arnau from FTC, were right, they were the ones in charge of planning this whole story, and Levi’s Skateboarding by making it happen. Maybe, the only thing we decided all together was the use of black and white, since we believe it’s the most appropriate for telling this type of stories, and for the video, Martí chose a panoramic view, 2:35, to endow the project with a cinematographic style. At the end of the day, what we wanted was to tell the story properly.

like this in different countries all over the world, doing things right.

Besides the main message behind this initiative, which emotions were you trying to arouse in the audience with the pictures you shoot? The whole intention we had since the beginning, was to motivate everyone who sees this story to do projects alike, to make them realize it is possible to do things on your own, without waiting on others to do them for you. We wanted to show not only the process of construction, but as well the good times the guys were having while doing so. Honestly it was amazing, I had a great time and I would do it all over again.

You started skating when you were eleven years old, how was the process in order to become a photographer? Did one thing led to the other? Yes, it’s something I’ve been doing almost my whole life. Since I was a little kid, there was an old wooden skateboard at home, which I used with my brothers to stroll down small hills, though I only did that until I was like ten years old. Then my parents enrolled me in another school that used to be where the MACBA is now, which didn’t exist back then; there used to be houses and streets in that area, not very pretty ones… And as soon as I arrived to the new school I saw a another kid doing ollies in the playground, with a kid I had already met and who was in my classroom. I had never seen anything like that before, and since then, there was no turning back, and I started

How would you define Levi’s Skateboarding? They are a good support for skateboarding; I like how they are developing initiatives

Besides helping in the expansion of the skate park in Badia del Valles, Levi’s has carried out the same initiative in countries like Bolivia and India, what do you think about this? Well, first of all, I must say that it wasn’t an expansion of a skate park, the #spotterdiybcn was an abandoned place where there wasn’t much besides a smooth floor, and the locals decided to build in it, through their own means, ledges, so that they could skate at their ease and record some videos, since most skate parks around are pretty petty and usually filled with little kids in scooters that get in the way. So, after some time, the possibility of expanding the place with new and better obstacles became a reality, thanks to Levi’s. In my opinion, initiatives like this are perfect, since Levi’s is helping skaters that want to do things on their own, and that is, quintessentially, supporting the essence of skateboarding. What happened in Bolivia and India is amazing; it is a pity I wasn’t able to be there while it was happening.

skating with them. Not long after I started going to Sants Station, there I met my current friends. With them I lived almost everything. In that square anything could happen, since it was close to the train station and to the prison. There was people coming to try and rob us or hit us, just because, without saying anything. Back then there were a lot of skinheads, but no matter what, we always came back, we never stop skating there, it was like our home. There, we all experienced many things for the first time, our first girlfriends, the first parties, first trips, I remember having a lot of fun. At that point I wasn’t going to school anymore… Basically we grew up there, without doing anything much than that; those experiences helped us be more street smart than other kids our age, and then, by the end of the nineties, some of us started traveling a lot, there is when I started goofing around with disposable cameras, to have memories of our trips. And since I was feeling pretty useful working in factories or stores for three or four months, in order to pay my travels, my friends started telling me they liked my pictures, that I should focus on that. Eventually I followed their advice, and after a travel to Japan and seeing the pictures I had made, I decided to buy my first reflex camera, to take things a little more seriously, and it was quite easy… I didn’t have to study photography, I learned very quickly, shooting my friends all the time, there in Sants, and everywhere we’d go. Probably, if it weren’t for them, you wouldn’t be reading this, that’s why I’m telling this story. I started getting my work published in skate magazines pretty fast too, on that I was lucky. One of my first features was a campaign for Santa Cruz Skateboards with Lee Smith, published in Trasher Magazine and Slap. Not long after that, one with Marcus McBride from DGK in Transworld. Almost immediately I started getting offers for small jobs. That encouraged me to decide not to work on anything else, and up to today I have managed to do so. I’ve never had to look for photography jobs, everything has been evolving as I go, and even though there have been slow times, I cant complain, though there’s a before and after hiatus in my photography, which occurred in the year 2010, when I already knew pretty well what I was doing and started playing with black and white photography. There’s a wonderful photograph you captured during the shoot of Pretty Sweet where we can see Kenny Anderson doing a powerslide. Tel us the role movement has in photography for you. Wow, as a self-taught photographer, the only thing I think about when shooting is to achieve something that draws my attention, and at the same time for it to be esthetic and elegant. For example, some people tell me they like my architecture photographs, the lines, etc., and the truth is I have never though about architecture, or lines, or composition parameters, which is something they teach if you’re studying photography, and I didn’t even know, I don’t think about movement or anything of that matter, I just strive to make the picture esthetically beautiful, that everything fits within the frames to achieve this. That day with Kenny… That powerslide was amazing, and the only thing that crossed my mind at the time was that a regular picture, with him frozen, stuck to the floor, would be too strange, I wanted to capture a picture that reflected his style, and it occurred to me, for the first time ever, to set the shutter at a low speed and without flash, in order to capture the feeling of movement, as I said, I had never used that technique before, and though at the moment it was some sort

of gamble, I was surprised, and it come out to be one of my favorite skate photographs, as well because in it you can see Enrique Mayor – one of my friends I was talking about in the past question – recording Kenny. Movement in photography only attracts me when it’s on water (laughs), I have always loved to play with that, either if it is the waves a woman makes in a pond, or a storm sprinkling a rail, but it’s just because I like to document those moments. Under which circumstances and why do you choose to shoot sometimes in black and white and others in full color? It’s been some years now that I have enjoyed shooting everything in black and white, although obviously there are sometimes that is not possible, depending on the photos or work I’m doing. I like better black and white, since it allows me to play further with lights and shadows; usually color distracts me too much. Right now I’m having some doubts on whether I should shoot some pictures with fire in color or black and white (laughs), what do you think I should do? Which is your favorite spot in Barcelona? Right now I don’t have one. It used to be Sants, before they started all the works they’re doing for the Ave and the train station, which unbelievable are still going on, and have left the whole square pretty destroyed. We don’t go there anymore, now we just move around from one place to another. Your work is quite diverse, playing sometimes with composition, textures or contrasts. How would you define your style? Hmm I would say freestyle, since every time I can I let intuition take the lead, flowing with what’s happening in the moment. Usually I experiment with all techniques, cameras and type of pictures, due to curiosity, though what makes me feel fulfilled is shooting pictures of people during everyday moments; all of my pictures of this type are never thought beforehand. Is the type of photography I started doing with my friends, and the reason why I ended up working as a photographer, and the one I like doing the most, though they might be less captivating or attract less attention. One of the best feelings there is, is when someone gets really excited seeing a picture I shoot of them. Right now I’m very happy with some spontaneous portraits I did of two identical twin sisters, born in a camp for Sahrawis refugees, where you can clearly see the love they have for each other. I did it to help them in their cause, which is to help all Sahrawis refugees through this organization: www.wallofsand.org. Take a look; it will be worth your time. Besides skate photography, what other type of images do you like to shoot? Anything that crosses my path and draws my attention, it can be something funny I see on the streets or a lightning storm, a landscape, portraits, I don’t know, I shoot everything honestly. Also interesting people I see and inspire me, which is something I do often, I have met some very good girl friends that way. What projects do you have for what’s left of the year? I have a big one I cannot talk about, but I hope you’ll like it when it comes out! This issue’s theme is NOT ALONE, in which moments you need company? When I want to have some beers or go out to have dinner!

T: DAVID GONZÁLEZ

POLLY NOR Mujeres solitarias acompañadas de sus demonios

Todos tenemos demonios en forma de frustraciones, emociones y deseos a los que damos rienda suelta cuando estamos solos. Sin nadie más. En silencio absoluto. En nuestra habitación. Demonios que se pasean, nos abrazan y nos pellizcan. Esos mismos demonios son los que aparecen en la vida de las mujeres a las que da vida Polly Nor. La ilustradora parte de referentes femeninos tan potentes como Frida Kahlo y Yayoi Kusama. Por ese motivo, no nos extraña que las mujeres a las que ilustra sean de una fortaleza y grandeza inigualable. En las escenas oníricas que crea, Polly Nor desafía y reacciona a los estereotipos de género. Son mujeres alternativas y libres de cánones. Mujeres con hambre de aventura, de escapar de su entorno mundano y claustrofóbico. Pero, sobre todo, mujeres solitarias en sus habitaciones. Solas pero acompañadas de demonios enérgicos revoloteando incansablemente por su cabeza. We all have demons in the shape of frustrations, emotions and desires that run freely when we are alone, by ourselves, in total silence, in our bedroom. Demons that walk around, hug us and pinch us. Those same demons are the ones present in the life of the characters depicted by Polly Nor, who chooses as referents feminist figures as strong as Frida Kahlo and Yayoi Kusama. No surprise then, that her illustrations of women convey such power and greatness. With the dreamlike scenes she represents, Polly Nor defies and reacts to the gender stereotypes, with depictions of alternative women, free of any type of impositions or canons. Women hungry for adventure, striving to escape from their mundane and claustrophobic environment, but above all, lonely women in their bedrooms; lonely but accompanied by these energetic demons that revolve unceasingly in their heads.

www.pollynor.com

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¿Qué temas son los que te motivan e inspiran a ilustrar? ¿Qué mensajes quieres transmitir con tu obra? Siento que mi trabajo es en parte una reacción a la manera en la cual las mujeres son retratadas – muchas veces objetivadas y tratadas condescendientemente – por los principales medios de comunicación. Tomo mi inspiración de muchas cosas diferentes. Las redes sociales son una gran influencia en mi trabajo. Realizo capturas de pantalla de todo aquello que quiero recordar: mensajes de texto graciosos, tweets y selfies. Definitivamente juegan un papel en mi trabajo. El tema general suele provenir de chats entre chicas, donde usualmente hablan de sexo y relaciones. ¿Cuál es el proceso creativo que empleas a la hora de realizar tus ilustraciones? ¿Cómo transformas esa inspiración en la obra? Suelo comenzar con una línea de diálogo o una imagen que tenga en mente, dibujo a mano y luego compongo y coloreo digitalmente. Me interesa crear escenas oníricas que desafíen los estereotipos de género y traten problemáticas propias del siglo veintiuno, de una manera satírica y relacionable. En muchas de tus ilustraciones aparece la figura de la mujer y del demonio. A veces por separado y, en cambio, en otras interactúan. ¿Qué simbolizan la mujer y el demonio en tu trabajo? Empleo la figura del demonio para representar diferentes ideas e historias cada vez. Generalmente los veo como un fragmento de la imaginación femenina, una manifestación de sus frustraciones, emociones y deseos. Aunque algunas veces cambio el rol del demonio. Algunas veces también son novios, amigos o memorias. Las mujeres que representas en tus obras reflejan unas particularidades físicas y emocionales determinadas. ¿Qué ideas sobre la mujer y la feminidad quieres transmitir? Suelo dibujar a mi mujeres grandes y fuertes, salvajes y desaliñadas. Me gusta ofrecer una alternativa a la imagen de la mujer inmaculadamente cuidada y peinada que nos presentan los principales medios de comunicación y la pornografía. Estoy cansada de ver imágenes de mujeres cuyo único propósito es verse bonitas. Me gusta dibujar a los personajes cuando están solos en sus casas, en sus habitaciones, sin nadie a quien complacer. Quiero enfocarme en cómo se sienten y en qué están pensando por encima de cómo se ven. ¿Qué canciones ambientarían las historias de tus ilustraciones? Echoes In My Mind – Spooky Black. Run To Your Mama - Goat. I Don’t Give A fuck - Seven Davis Jnr. En tu obra se repite un elemento que nos ha llamado la atención: la mano. ¿Qué representa en tus ilustraciones? Intento que sugiera el deseo sexual y la frustración y que represente la necesidad de compañía. ¿Cuáles son aquellos referentes de los que has bebido y que te han motivado a encontrar tu propio

estilo personal? Aunque no es muy original, creciendo siempre amé a Frida Kahlo y Yayoi Kusama y obtuve mucha de mi inspiración de ellas y de su trabajo. Me gusta mucho Mauris Sendak, el autor e ilustrador de Donde viven los monstruos. Realmente me encanta el estilo visual y la creatividad de Toshio Saeki, aunque algunas de sus piezas no concuerdan con la feminista que habita en mí. También Jeff Jank. Él hace mucho del arte en las portadas de Stones Throw. Su trabajo es genial. Algunas de tus ilustraciones nos han dado la sensación, por su textura, de que si las tocáramos nos pincharíamos. De hecho, en muchas de tus obras, encontramos varias referencias al cactus. ¿Pretendes transmitir alguna idea a través de ello? Me gusta utilizar cactus en mis trabajos por su apariencia surrealista y exótica. También parecen falos, así que junto con la repetición de manos, tiendo a utilizar al cactus para sugerir el deseo sexual y la excitación. Apreciamos que el rojo, el naranja, así como el verde, están muy presentes en la paleta de colores de tus ilustraciones. ¿Esconden algún significado? Me gusta usar colores dulcemente enfermizos y femeninos en las escenas que se desarrollan en el hogar. Los aplico en tonos bastante apagados para transmitir un ambiente oscuro y estancado. Me gusta dar la impresión de que el personaje femenino ha superado y dejado atrás su dormitorio infantil. Luego utilizo un verde tropical para las plantas y naturaleza representando el hambre de aventura y escapismo de las presiones de su entorno mundano y claustrofóbico. Algunos ilustradores cuando crean sus obras ven en la galería su lugar apropiado, otros prefieren que cobren vida en las revistas… ¿Cuál es el hábitat que prefieres para tus ilustraciones? La intención principal tras mi trabajo es colgarlo en la web. Paso mucho tiempo navegando en internet, y considero que es una gran herramienta para auto-publicar mi trabajo y descubrir a otros artistas. Habiendo dicho eso, hace poco realicé mi primera exposición en solitario y fue una gran experiencia tener gente allí observando las obras y reaccionando a ellas. Es algo que ahora me planeo hacer más seguido. ¿Qué proyecto te gustaría realizar en un futuro? Me interesa trabajar en diferentes proyectos. Actualmente estoy trabajando en una tienda online para poder vender prints de mis obras. Me gustaría desarrollar muebles para el hogar y estoy pensando en ilustrar un libro para adultos y niños muy malos. Creo que eso sería muy divertido. El monotema que ambienta este número es NOT ALONE. ¿Las mujeres que ilustras en tus obras crees que se sienten solas? Sí, definitivamente. La soledad es un tema prominente en mi trabajo. Me interesa dibujar mis personajes cuando están a solas en sus hogares, con nadie más que ellas mismas y los demonios en su cabeza.

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Which themes motivate and inspire you to illustrate? How do you manifest that inspiration in your works? I feel my work is in part a reaction to the way in which women are portrayed – often objectified and patronised - in the mainstream media. I take inspiration from lots of different things. Social media is a big influence to my work. I screenshot anything that I want to remember: funny texts, tweets, and selfies. They definitely play a part in my work. The subject matter generally comes from girl’s chats, usually talking about sex and relationships. Could you tell us about the creative process you follow when creating your illustrations? What messages are you trying to convey through your works? I start with a line of dialogue or an image in mind, draw by hand then compose and colour digitally. I’m interested in creating dream-like scenes that challenge gender stereotypes and address 21st century problems in a satirical and relatable manner. In many of your pieces the representation of women and the devil are outstandingly present. Sometimes separately and others together interacting. What do they symbolize? I use the devil characters to represent different ideas and stories each time. Generally I see them as a figment of the female’s imagination, a manifestation of her frustrations, emotions and desires. But sometimes I switch the role of the devil. Sometimes they are also boyfriends, friends or memories. The women you depict in your works have certain physical and emotional peculiarities. Which ideas about women and femininity do you want to transmit? I often draw my women big and strong, wild and unkempt. I’m keen to offer an alternative to the immaculately groomed and airbrushed women that we are constantly presented with by the mainstream media and pornography. I’m bored of looking at images of women where their sole purpose is to look pretty. I like drawing the characters when they are home alone, in their rooms with no one else to please. I want to focus on how they feel and what they are thinking rather then how they look. Which songs would you choose to set the mood in your illustrations? Echoes In My Mind – Spooky Black Run To Your Mama - Goat I Don’t Give A fuck - Seven Davis Jnr In your pieces there’s one element that repeats itself and has called our attention: the hand. What does it represent in your illustrations? I intend them to suggest sexual desire and frustration and to represent an urge for companionship.

Which referents have exerted an influence on you and have motivated you to find your own personal style? Although its not very original, growing up I always loved Frida Kahlo and Yayoi Kusama, and took a lot of inspiration from them and their work. I really like Mauris Sendak, the author and illustrator of Where The Wild Things Are. I really love the visual style and creativity of Toshio Saeki, although some of his pieces don’t agree with the feminist within me. Also Jeff Jank. He does a lot of the Stones Throw cover art. His stuff is really cool. Some of your illustrations give the impression of having a spiky texture that would pinch us if we touch them. Actually, in many of your works we find a lot of allusions to the cacti. Do you intend to convey any particular idea through it? I like using cacti in my work because they are very exotic and surreal looking. They are also very phallic so as with the repetition of the hands, I often use the cacti to suggest sexual desire and excitement. It’s quite clear that the colours red, orange and green are very present in your palette. Do they carry any significance? I like to use very sickly sweet ‘girly’ colours in the household scenes. I set them in a very dull shade to give a dark, stagnant atmosphere. I like to give the impression that the female character has outgrown her childhood bedroom. I then use the tropical green plants and wildlife to represent a hunger for adventure and escapism from the pressures of her mundane and claustrophobic environment. Some illustrators see their works hanging in art galleries, others printed in magazines… Which habitat do you prefer for your illustrations? I have always intended my work primarily for the web. I spend a lot of my time on the Internet and find it a great tool to both, self-publish my work and discover other artists. Having said that, I recently put on my first solo exhibition and it was a really great experience having people there looking at it and reacting to it. That’s something I now plan to do more often. Do you have any project you would like to develop in the future? I’m interested in working on a few different projects. I’m currently working on an online store so I can sell prints of my work. I’d like to develop some home furnishings and I’m looking into illustrating a picture book for adults and very bad kids. I think that would be really fun to do. This issue’s theme is NOT ALONE. Do you think the women you illustrate in your pieces are lonely? Yes, definitely. Loneliness is a prominent theme in my work. I am interested in drawing my characters when they are left alone at home, with nobody but themselves and the demons in their heads.

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T: EVA VILLAZALA

RICARDO CAVOLO La vida es una tómbola

Siempre he creído que las infancias y adolescencias difíciles, duras, distintas, por llamarlas de alguna manera, son beneficiosas. Nace en el individuo una fortaleza, un empuje con cierto gusto a navegar a contracorriente que desemboca en una habilidad especial para manejar algún tipo de aparato, ya sea el pincel, un instrumento o un bolígrafo. La soledad es una buena consejera ahí, aunque en esos momentos no nos lo parezca, nuestros amigos imaginarios florecen en forma de arte y en lugar de admirar lo admirados que somos, profundizamos en nosotros mismos hasta dar con nuestras fortalezas, como si se tratara de una clase de marketing un poco macabra. Ricardo Cavolo luchó y venció. A la vista está. Y ahora es un guerrero curtido que explica su batalla animando al batallón de enfrente a salir de la trinchera yendo a por todas, siempre con un casco por eso, que nunca se sabe como se las va a gastar el enemigo. Charlamos con él en las primeras sesiones Talk, Share and Create inauguradas por el trinomio Miscelanea, Moritz y lamono. Salimos de la sesión con un poco de sofoco y todo, una hora y media de inspiración pura que se hizo corta. I have always believed that going through a tough, hard and different, to call it some way, childhood and adolescence, it’s profitable for the individual. It endows strength, drive and some kind of pleasure for rowing against the tide, usually resulting in some special ability, either if it is with a paintbrush, a musical instrument or a pen. In those cases, solitude is a good advisor, although at the time it might not seem so, and our imaginary friends flourish in the shape of art. As a result, instead of admiring how admired we are, we dig deeper in ourselves until we find our strengths, as if it was some bizarre marketing course. Ricardo Cavolo fought and won. And the results are there for everyone to see. Now, he is an experimented warrior that relates his battles encouraging other soldiers to leave the trenches, without forgetting the helmet, because you never know what the enemy might do. We talked to him during the first Talk, Share and Create session, a trinomial initiative between Miscelanea, Moritz and lamono. After the session was done, we all were a little suffocated, an hour and a half of inspiration that seemed much shorter.

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TODO LO QUE ME GUSTA ES ARTE ANÓNIMO

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Tu padre es pintor y supuso un gran apoyo en los inicios de tu carrera, ¿verdad? Mi padre hizo algo que no he visto hacer a ningún profesor de Bellas Artes. Él me dio todas las herramientas que necesitaba, me enseñó, y a partir de ahí se mantuvo imparcial. Con lo que me mostró yo podía dedicarme al minimalismo a hacer arte póvera o dedicarme a la fotografía porque lo que me enseñó fueron nociones básicas de colores, de narración dentro de la pieza, es decir, cosas técnicas, el resto vino de mí mismo, es algo propio. Yo era un niño un poco raro, iba a mi aire y leía muchos libros y cómics, también veía mucha la tele. Como dice Tim Burton lidié con los monstruos de mi cabeza, era muy rolero también por entonces, así que hay mucho de fantasía medieval en mi obra, en cuanto a temática y ejecución, todo ha sido una búsqueda y un encuentro mío y me siento orgulloso de eso. ¿Tuviste siempre claro que querías dedicarte profesionalmente al arte? Mi discurso en este sentido es el opuesto al del emprendedor, ya que nunca me planteé de una manera seria vivir de lo que hago, de lo que me encargaran, me parecía muy difícil porque tenía el antecedente de mi padre, él se quería dedicar a pintar y no lo consiguió, por eso cuando acabé la carrera, como sabía que quería seguir dibujando, solo tenía dos opciones: o la enseñanza (que es imposible) o las agencias de publicidad o departamentos de arte, que fue por donde tiré. Sí que es verdad que en el periodo intermedio entre acabar la carrera y trabajar en una agencia estuve tres años haciendo un poco de rehab y me hice un FP de grado superior de técnico de sonido. Durante ese tiempo fui “cañonero”, me encargaba de direccionar la luz esa tocha que sale de la Gran Via de Madrid y me dediqué a eso durante dos años, quizá para limpiar todo el proceso de aprendizaje. Luego, al cabo de dos años, me picó de nuevo el gusanillo y retomé el dibujo, los lápices, el papel y fue cuando me metí en publicidad. ¿Es importante parar y ver las cosas con perspectiva? Sí, yo siempre digo que es importante tomarse las cosas con calma, pero entiendo que tal y como está la vida, eso es algo muy difícil. Yo tuve la suerte de poder hacerlo porque no me obsesioné con el asunto de ser ilustrador. Por suerte a mí volvió a llamarme a la puerta la “vocación”, ahí vi que era algo realmente importante. ¿Cómo afecta internet y el hecho de que podamos ver los trabajos acabados y publicados de los que empiezan? ¿Consideras que es un beneficio? En mi caso, el uso que hice de las redes al principio vino motivado porque me trasladé a Madrid cuando empecé a trabajar en la agencia y no podía enseñarle a mi padre las cosas que iba haciendo durante la semana así que abrí un blog donde colgaba dos o tres obras para que las comentáramos el domingo. Tuve la suerte de poner hashtags y así salió mi primer trabajo para el El Circo del Sol, cuando en el blog solo tenía unas 40 ilustraciones y 30 eran horribles. Ahora las redes me sirven como portfolio, más que la web. Para mí Instagram es ahora mismo básico porque puedes ver el resultado final, pero también el proceso. Lo que ocurre es que cuando los que nos dedicamos a esto empezamos a ser conocidos te conviertes un poco en una “marca” y cuando eso pasa tienes que enseñar un estilo de vida. En resumen, me parece que sí, en cierta manera hay una presión porque si no existiera Instagram la gente no enseñaría su obra hasta pasados dos años desde que empezaron, y ésta tendría más calidad sin duda. Es muy importante el estilo de un artista, lo que define su seña de identidad, ¿cuándo se forjó el tuyo? Yo no me enteré de que tenía un estilo propio hasta que la gente me lo dijo. Es como una frase de Coelho, pero es ciertamente así: tú no encuentras el estilo, sino que el estilo te encuentra a ti. Yo básicamente lo que hice fue copiar “estilos” hasta que me salieran, ¿que me gustaba el rollo cartoon de los años 50 de Hanna-Barbera? pues me lo curaba hasta que salía, lo mismo con las ilustraciones del románico y los murales mexicanos, el rollo tribal… yo fui haciendo, solo disfrutando, hoy juego al rojo,

hoy al azul y hoy al blanco. Al final, sin saber cómo ni por qué todo se estructuró. Reconozco que gran parte de mi estilo viene del hecho de que yo al principio me quería dedicar a la ilustración infantil, porque era lo más fácil para conseguir trabajo. Al final parece que desarrollé un estilo propio del que no me enteré hasta que alguien me dijo, he visto un trabajo tuyo, no estaba firmado, pero sabía que era tuyo. Estamos en MISCELANEA con una exposición tuya de los 100 artistas sin los que no podrías vivir, ¿qué artistas te influyen más? Lo que más me enciende son los artistas outsiders, anónimos o no tan anónimos pero yo prefiero dejarlos en el anonimato para que no dejen de ser outsiders. El arte outsider está considerado desde los años 30, por los dadaístas, como el arte hecho por gente autodidacta que en algunos casos tienen algún tipo de enfermedad mental. De hecho se dio a conocer porque Dubuffet y otros dadaístas iban a muchos sanatorios que habían en Los Alpes y fliparon con los dibujos que estaban haciendo los pacientes. Es como ver el dibujo de un niño con temáticas que te rompen. Por ejemplo vi uno de un señor que tenía dibujado en pliegos y pliegos de papel la batalla que mantenía contra su hígado y su hígado contra él. Todo lo que me gusta es “arte anónimo”, me baso en tres pilares: en el arte outsider, en el arte medieval del principio que es el románico y que solo lo puedes encontrar aquí en el MNAC y un poco en Francia (los artistas no firmaban sus obras, la firma pertenece a las iglesias propietarias del original) y el arte tribal (como imaginaréis ni el indígena de Chiapas ni el de Nueva Guinea firman su obra, la hacen por tradición, por su Dios). ¿Te bloqueas aún hoy ante encargos que te hacen? Ante encargos no, porque desgraciadamente siempre me piden lo que llevo haciendo años y eso me sale solo, me bloqueo ante lo que estoy intentando hacer desde hace dos años, empezar a incorporar cosas nuevas, distintas, que mentalmente están planteadas de otra manera. Todavía no sé muy bien como será eso nuevo, será lo que me dicten las tripas. ¿Y qué cambiarás? ¿quizá los colores? No, estoy muy cómodo con mis colores, mis colores me hacen muy feliz, eso sí que no me apetece cambiarlo, de hecho a lo mejor hasta le doy más importancia, ¡Y hasta aquí puedo leer! Ok (risas), volviendo a tu exposición en MISCELANEA, ¿a qué músico te hubiese gustado o te gustaría actualmente hacer una portada? Me hubiese encantado trabajar con toda la pandilla de músicos de blues de los años 20 y 30 que, de hecho, es lo que más entronca con el arte outsider, ellos eran desconocidos, y en cada pueblo te encontrabas tres habitaciones alquiladas en hoteles llenas de gente grabando discos, aportar algo así tan puro me hubiese encantado, lo daban todo porque no tenían otro sustento. También me hubiese gustado lógicamente hacer algo para Jonhy Cash, pero si tengo que elegir me quedo con los bluseros un poco más desconocidos. Tu obra está cargada de simbología, ¿qué significan por ejemplo el fuego y la repetición de ojos? El fuego lo suelo utilizar como energía, una forma de visualizar los átomos, cuando está pasando algo interesante lo ilumino con algo que da calor, es como abrir una grieta en algún sitio y decir: aquí está pasando algo alucinante, mete la cabeza y fíjate. A los personajes les doy más ojos porque es como darles más vida, cuanto más ves más sabes y cuanto más sabes más profundo es tu interior, también porque me gustan los personajes raros, que no sean standard y si le pongo 4 ojos mejor que dos, ya te da que pensar digamos. ¿En qué proyectos estás trabajando ahora? Estoy trabajando con una editorial inglesa haciendo un libro infantil de cómo convertirse en un Guitar Hero. Y empezando a hacer el segundo libro 100 % mío (con ilustraciones y textos) que saldrá seguramente dentro de un año. Ahora en diciembre lanzo mi marca de ropa y estoy invirtiendo tiempo y energía en eso porque es algo que me apetece mucho.

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Your father paints and he was a big support at the beginning of your career, right? My father did something I have never seen in any other Fine Arts teacher. He gave me the tools I needed, he taught me, and from there on he remained unbiased. With what he taught me I could dedicate myself to minimalism, arte povera or photography, because what he taught me were the principal notions of color, narration within a piece, I mean, technical stuff, everything else came from myself, it’s my own. I was a very awkward kid, very independent, I used to read a lot, books and comics, and watch a lot of TV too. As Tim Burton says, I dealt with the monsters inside my head; I used to do a lot of role-playing back then too, that’s why there’s a lot of medieval fantasy within my works, regarding themes and execution. It all has been a very own pursuit and accomplishment I am very proud of. Has it always been clear for you that you wanted to be an artist? My mind frame, in that aspect, is very different from the one an entrepreneur has, since I never though very seriously of making a living out of what I do. I used to believe it was something really hard to achieve, because of the example I had from my father; he wanted to make a living out of painting and couldn’t do it, that’s why when I finished college, as I knew I wanted to continue drawing, I had two options: either teaching (which was and is something impossible), or working at an advertising agency or at an arts department. I finally chose the latter. It’s true that during the period between finishing college and working in the agency I spent three years doing some sort of rehab, and I studied sound engineering. Throughout that time I was a light technician, being the person in charge of directing the huge light that you can see at Gran Via in Madrid. I did that for two years, maybe as a personal cleanse from all the learning process. Then, after those two years, I was into drawing again, excited about pencils, paper, colors, so I decided to start working in the advertising agency. Is it important to stop in order to see things under a new perspective? Yes, I always repeat to myself that it’s important to do things with calm, though I understand that because of how life is nowadays, it’s something hard to achieve. I was lucky I could do it since I didn’t become obsessed about being and illustrator. Fortunately, the artistic vocation came back knocking at my door, and then I realized it was something truly important. How do you think internet affects the medium, since now we can see the pieces of new artists as soon as they’re finished? Do you consider it beneficial? In my experience, the initial motivation I had to start using social media was that I moved to Madrid as soon as I started working in the advertising agency, and it was the only way I could show my father the new things I was doing throughout the week. That reason pushed me to open a blog where I posted two or three things a week, which I would discuss with my father on the weekends. I was lucky to use hashtags, since that led me to my first job, an illustration for Cirque du Soleil, and that happened when I had in my blog no more than forty pieces, and thirty of them were horrible. Now, the social media works as a portfolio, even more than an actual website. For me, right now, Instagram is essential, because as you can post the final result, you can also show the whole pro-

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cess. What happens too, is that each time an artist starts to become renowned, we turn into some kind of “brand”, and when than occurs we must show as well a lifestyle. Anyway, to sum up, I would say yes, in some kind of way there is some pressure, because if there was no Instagram, people wouldn’t be showing their works until maybe two, three years after they have began working, and without a doubt, their pieces would have a higher quality. For an artist is very important to have a personal style, something that represents their identity, when was yours defined? I didn’t notice I had a personal style until people started telling me so. It’s like Coelho once said, which is certainly true: you don’t find your style; your style finds you. What I did, basically, was copying out “styles” until I could pull them off. For example, I like the cartoons of the fifties and Hanna-Barbera? Then I would work on them really hard until I accomplished something similar. The same thing happened with more romantic illustrations, Mexican murals, tribal aesthetics… all I did was to continue drawing and painting, enjoying the process, one day playing with the color red, the next day with blue, then white. Eventually, and without knowing how, all the pieces came together. I must admit that a big part of my style comes from the fact that at the beginning I wanted to work as a children’s illustrator, since it was the area where it was easier to find a job. So it seems that I developed a personal style of which I had no idea about until somebody told me, “I’ve seen a work of yours, it wasn’t signed, but I knew it was yours”. Here, in MISCELANEA, there’s a solo-exhibition of yours where we can see 100 illustrations of musicians you could not live without. Which artists have influenced you the most? What I like the most are the artists considered outsiders, unknown, or well, not that unknown, but I rather leave them in anonymity, so that they remain outsiders. The, lets call it, outsider art, is considered, since the thirties by the Dadaists, as the art done by self-taught artists that occasionally have some kind of mental condition. Matter of fact, this idea arose because Dubuffet and other Dadaists, used to go a lot to the asylums in The Alps, and they were fascinated by the drawings the patients were doing. It’s like coming face to face with a drawing that seems done by a kid, but with very strong themes, that break you up inside. For example, I saw one of a man that had tons of pieces of paper in which he had drawn the battle he had with his liver, and his liver against him. Everything I like can be found under anonymous art, which I separate in three different pillars: the outsider art, the initial medieval art, which is Romanic and can only be found here, in the MNAC and a little bit in France (these artist didn’t sign their works, the signature you can see on them belongs to the church that owns the piece) and tribal art (as you can imagine, the Indians from Chiapas or New Guinea didn’t sign their works either, since they were doing it as a tradition for their God). Do you still experience creative blockages with the commissions you’re ordered? Not with commissions, since, unfortunately, people tend to always ask for the same things I’ve been doing for years, and I can do that fluently. I experience blockages when I start doing

WHAT I LIKE THE MOST ARE ANONYMOUS ARTISTS something I’ve been trying to do for the last couple of years, which is to start incorporating new things, different things, which are planned in a different way, mentally. I still don’t know exactly how this new things will come out to be; I guess it will be what my guts decide. And what would you change, the use of color? No, I feel very comfortable with my palette, it makes me very happy, and that’s not something I’m looking forward to change, actually I might even accentuate it more. That’s all I can decipher right now! Ok (laughs), coming back to your exhibition at MISCELANEA: with which musician would you like to work or for which one would you like to design an album cover? I would have loved to work with the whole gang of blues musicians from the twenties and thirties, which, matter of fact, is what relates the most with the outsider art; they were unknown, and in each town you could find three hotel rooms, rented by a lot of people recording albums. To collaborate with something like that, so pure, would have been really nice, they used to pour it all out, because they didn’t have anything else. Obviously, I would have loved to do something with Johnny Cash, but

if I have to choose I would say the bluesmen, since they were more unknown. Your pieces have plenty of symbolisms, for example, what does the fire and the eyes represent? The fire for me represent energy, a way of visualizing atoms; when something interesting is happening I light it with something that provides heat, its like opening a crack somewhere and saying: something amazing is happening here, come closer and take a look. Usually I give the characters more eyes because it’s like endowing them with more life, the more you see, the more you know, the deeper you soul becomes. I do it as well because I like strange characters, far from standard, so if I give one four eyes, it gives you something to think about. On what are you working right now? I’m working with a British editorial on a children’s book, focused on how to become a Guitar Hero. As well I’m starting to work on my second book, all mine (illustrations and texts), which will probably come out in a year. In December I’ll launch my clothing line, and that’s something on which I’m spending a lot of energy and time, because it really interests me.

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T: ANTONELLA SONZA + LLEDÓ ALFAGEME

EVOLUTION Ryan McGinley Winter & Fall exhibitions

El otoño y el invierno son las dos estaciones más infravaloradas. Nadie parece alegrarse cuando, de repente, llegan, con toda su parafernalia. Con las hojas cayendo, y la nieve cuajando. Parece que simplemente las aceptamos porque son ineludibles, un obstáculo en el camino. Y es que tienen que luchar contra dos pesos pesados, la primavera y el verano. Oh, verano. Ryan McGinley ha sido uno de los artistas que más ha exprimido todas esas sensaciones, esa piel de gallina que se nos pone al pensar en altas temperaturas. Sus fotografías son como el elixir de la juventud infinita, esa que no se marchita ni con el paso del tiempo. En su universo, no hay relojes, todo es eterno. En su primera etapa, su grupo de entregados amigos eran los protagonistas de sus ya icónicas fotografías. En un road trip sin fin, aparecían raramente vestidos, saltando y correteando por valles infinitos, pero nunca con una connotación sexual. El sexo es lo de menos cuando hablamos de libertad pura y dura, esa que solo se entiende sintiéndola tal cuál como te trajeron a este mundo. A esas fotografías, él las llamaba “evidencias de diversión”, como si estuviera haciendo experimentos con la propia vida. Y después de esa exposición en el Whitney en 2003 que le catapultó a lo más alto, vino todo lo demás: creó un sello tan personal del que le ha sido imposible huir, y ha sido influencia innegable para toda una generación de fotógrafos (incluida la horneada Instagram). Pero con todo eso a sus espaldas, su visión ha evolucionado hacia algo más orgánico. De repente, se convierte en creador de paisajes románticos, casi poéticos, donde el desnudo sigue presente pero, algo ha cambiado. Ahora, la libertad es una lucha. Ha llegado a un punto de inflexión que se traduce en un cambio estacional dentro de su obra: ahora sus musas serán el otoño y el invierno. Y para culminar este proceso de metamorfosis, el artista inaugura una doble exposición en la Team Gallery de NYC y Los Ángeles. Winter, es una colección de imágenes que fueron tomadas en el Norte del Estado de Nueva York, famoso por su duro invierno. Ahí, el contraste entre la piel desnuda y dañada, y el azul del hielo parece pura fantasía. No hay precedentes de algo así, es consciente de que está tocando territorio virgen. Y por eso, su carga emocional es aún mayor que la fuerza visual que da como resultado esta ecuación. Y en Fall, serie disparada también en Nueva York y que huye del cliché de la típica foto otoñal, se las ingenia para crear un mundo de dicotomías: lo privado y lo público, la humanidad y la naturaleza, incluso la vida y la muerte. Así, parece que a la carrera de Ryan McGinley ha llegado la serenidad, la madurez. Y es que al final, él también se ha rendido ante el embrujo de la fragilidad de un copo de nieve o del silencio de cuando cae una hoja. El verano tardará en llegar pero, esta vez, la espera será distinta. Autumn and winter are the two most despised seasons. No one seems to enjoy when they suddenly arrive with all their paraphernalia: leaves falling from the trees, the snow gathering up. It is as if we accept them since they are unavoidable, an obstacle in our way. Though we must reckon they have to fight two tough opponents: summer and spring. Oh, summer... Ryan McGinley is one of those artists that has managed to evoke such special emotions, the chills we get when we think about high temperatures and all that comes with it. His photographs might as well represent the elixir of everlasting youth, that which remains unchanged despite the passage of time. In his universe, there are no clocks; everything is forever. During his first phase, his beloved friends were the protagonists of his now iconic photographs. A never-ending road trip that presented them in bizarre outfits, jumping and running through infinite valleys, though always avoiding any sexual connotations. Sex is what matters the less when we talk about true and pure freedom, a freedom we can only understand in the outfit we were given when we were born. McGinley decided to baptize those photographs as “Evidence of fun”, as if he was experimenting with life itself. After that exhibition at the Whitney (2003), which led him to become one of the most renowned photographers of our time, everything else fell into place: he developed a personal style, which has followed him wherever, turning him into an undeniable influence to a whole generation of photographers (including the Instagram brood). Hence to such a rich legacy, his vision has evolved into something more organic. Suddenly, he became a visionary of romantic, almost poetic, landscapes, where the nudes are still present, but something has changed. Now freedom is a quest. An inflection point in the way, has become a seasonal change within his body of works: his muses are now autumn and winter. In order to culminate this metamorphosis, the artist is launching a double exhibition at the Team Gallery, in NYC and LA. Winter is a series of images captured in the northern area of the Estate of New York, well known for its harsh winter. There, the contrast between the naked and damaged skin, and the blue palette from the ice, resembles a fantasy. There are no precedents of something like it, and the artist is conscious he is entering into an unknown territory. Therefore, the emotional distress found in the pieces is even greater than the visual force that results from this equation. In Fall, a series that was also shot in New York and which strays away from the classic cliché of other autumn photographs, McGinley manages to conceive a world of dichotomies: what’s private and what’s public, humanity and nature, even life and death. Thus, it seems like the career of this photographer has reached a stage of serenity and maturity, all because, at the end, he has also surrendered to the fragility of a snowflake or the silence of a leaf falling. We still have some time left for the summer to arrive, just that this time the wait will be different. Winter: Team (gallery, inc). 83 Grand Street. New York. November 5th to December 20th Fall: Team (bungalow) 306 Windward Avenue. Los Angeles. November 15th to December 20th. All photos courtesy of Team (gallery, inc)

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EL ARGENTINO Y SU YAMAHA 1000, 1989 FOTOGRAFÍA B/N. CORTESÍA DEL ARTISTA

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Alberto García-Alix Sombras del viento

Moto y retrato. Son dos pilares que definen la obra de este fotógrafo, autor fetiche, que ya hace tiempo es objeto de deseo en lamono. Estas imágenes pertenecen a la parte vintage de la muestra Sombras del viento, un proyecto específico que García-Alix ha realizado para el MUSAC (León), en lo que se alza como un puente entre pasado y futuro de su obra, con una selección de sus imágenes tomadas entre 1983 y 2015. Bike and portrait: two pillars that define the works of this photographer, fetish author, and whom for a while has been desired in lamono. These images belong to the vintage section of Sombras del viento (Shadows of the wind), a specific project that García-Alix has created for the MUSAC (Leon, Spain), in which he establishes a bridge between the past and the future of his works, with a selection of images that were shot from 1983 to the year 2015.

www.albertogarciaalix.com MUSAC. Exposición hasta el 31 de enero de 2016. musac.es

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CASTELLON 20, S/D FOTOGRAFÍA B/N EN PAPEL 21 X 21 CM. COPIA DE ÉPOCA (VINTAGE) CORTESÍA DEL ARTISTA

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MADRID 4 (MAY Y AMBITE), S.D FOTOGRAFÍA B/N EN PAPEL 27 X 27 CM. COPIA DE ÉPOCA (VINTAGE) CORTESÍA DEL ARTISTA

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FOTOGRAFÍA B/N EN PAPEL BARITADO (ED. 2015) 47 X 47 CM.; 66 X 66 CM CON MARCO CONTESÍA DEL ARTISTA

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CASTELLON 40, S/D FOTOGRAFÍA B/N EN PAPEL 27,5 X 27,5 CM. COPIA DE ÉPOCA (VINTAGE) CORTESÍA DEL ARTISTA

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T: JAIME FELIPE DUARTE F: DANIEL “SNOWY” KINLOCH

LUCIEN CLARKE ON THE ROAD FROM SANDALS TO LEGEND

Lucien Clarke es probablemente, hoy en día, el skateboarder británico más reconocido (si lo pudiésemos llamar británico, ya que nació muy lejos de Inglaterra); su estilo, suave y lánguido, combina a la perfección con su estatura, ¡pareciese que mide más de un metro noventa! Creció en todas partes, aunque nació en Jamaica, todavía lo puedes notar en la manera que dice “Yah man”, o puede que sólo sea una impresión mía. Ha ganado posiciones en el mundo del skate en los últimos diez años, y en su lista de sponsors encontramos marcas como Supra, Palace, KR3W y Supreme. Tuvimos la oportunidad de quedar con él momentos antes del lanzamiento de su signature con Supra en Barcelona; un evento que estuvo acompañado por la increíble exposición realizada por los Palace Wayward Boys Choir, la peña de Lucien desde hace mucho tiempo. Así que fue el momento perfecto para disfrutar de un café y sentirse como uno más del grupo, escuchando a Lucien contar historias graciosas, anécdotas familiares y sus planes para el futuro. Lucien Clarke is probably, nowadays, the most recognized British skater (if we could call him British, since he was born far away from England); his smooth and relaxed style combines perfectly with his height, which seems to be more than six feet three! He grew up everywhere, though he is originally from Jamaica: you still can feel it in the way he says “Yah man”, or maybe it’s just my impression. His been taking over the skateboarding scene for the last ten years, and in his list of sponsors we find brands like Supra, Palace, KR3W and Supreme. We had the chance of meeting him moments before the launch of his new Supra signature shoes in Barcelona; an event that was joined by an amazing photographic exhibition carried out by the Palace Wayward Boys Choir, Lucien’s mates, from long ago. It was the perfect time to have a coffee and feel like one more of the homies, listening to Lucien talk about funny stories, family anecdotes and his plans for the future.

¿Qué tal Lucien, cómo va todo? Bien, bien, hace frío hoy. Entonces, naciste en Kingston, Jamaica, luego te mudaste a Nueva York, aunque no empezaste a patinar hasta que te fuiste a vivir a Londres, a los once años. ¿Cómo fue crecer en tantos lugares tan distintos? Bueno, Jamaica fue increíble, obviamente, ya que teníamos familia cerca de Kingston, y luego mucha de mi familia se mudó a la costa este de los Estados Unidos, a Nueva York, Tampa, las afueras de Miami, así que también tenía familia cerca cuando me fui a vivir a Nueva York. Luego, en Londres estaba más solo, había algo de parte de mi papá, pero no mucho. Crecer en todos estos lugares estuvo bien. Me de enteré de que empezaste a patinar en sandalias, y ahora tienes tu propia signture. ¿Cómo te sientes con respecto a esto y qué hace tus Supra especiales? Ah sí, empecé patinando en sandalias (risas), y ahora pude diseñar mis propios zapatos, lo que es bastante genial. Significa mucho para mí porque mi signature representa a todos mis amigos, mi peña, el camino que hemos recorrido y la esencia de los Palace Wayward Boys Choir, y eso es mucho para mí. Me resulta importante mantener la identidad de los PWBC presente, es lo que nos hace diferentes. Te uniste al equipo de Supra a finales del año 2012, muy emocionado de patinar junto a tíos como Stevie Williams, Tom Penny, Boo Johnson o Erik Ellington. ¿Qué nos puedes contar de estos años con el equipo? ¿Se cumplieron tus expectativas? ¡Sí, seguro! Al principio estaba nervioso. La primera vez que salí de viaje con ellos estaba muy nervioso, obviamente, tras un tiempo se me pasó. Creo que en ese primer viaje patiné bien, no sé. Todo es parte de la experiencia, ¿sabes? ¿Qué anécdota especial de las giras jamás olvidarás? Tengo ésta de nuestro primer viaje que es bastante buena. Recuerdo que llegué al hotel en Madrid, nuestra primera parada, y creo que Stevie aún no me conocía. Vaughan Baker (team manager) me había dejado ahí, y

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me acerqué a Spencer (Hamilton) y Stevie, que estaban sentados en un café y les dije, “Ey tíos, ¿qué pasa?”, o algo así, y me respondieron, “¿Vendes hierba?” Y yo les dije “No tío, me acabo de unir al equipo de Supra”. Fue bastante extraño, pero muy gracioso (risas), y él seguía “¿No tienes hierba hombre?” Y yo le seguía respondiendo, “No, no, no tío, yo soy un rider, ahora patino para Supra”. No sé si él se acordará. Pronto va a salir un vídeo de Supra, ¿qué nos puedes contar al respecto? Bueno, las cosas han cambiado, creo que el vídeo completo va a tener partes con todos nosotros, que van a ser lanzadas cada mes. Creo que eso es lo que están intentando hacer ahora. La primera persona que te grabó fue tu madre, ya que tú querías saber cómo te veías en vídeo, ¿te ayudó a definir tu estilo al patinar? (Risas) No sé, no creo que eso haya afectado a mi estilo. Salir a patinar con mi madre detrás de mí cargada con una cámara de esas grandes de VHS era muy gracioso porque ella no dejaba que me alejara mucho, por ejemplo, si íbamos a Southbank, ella se quedaba allí con la cámara. A la vuelta de la esquina hay ese lugar llamado Victoria Benches, un spot famoso en Londres, y estaba como a diez minutos, pero ella no me dejaba ir. Yo tendría unos catorce o quince años. Le tomó mucho tiempo darme el permiso, pero ya sabes cómo es ser joven, y los padres… Cuéntanos un poco sobre la exposición “PWBC (Palace Wayward Boys Choir): A Retrospective”. Bueno, simplemente se trata de todos nosotros. Tiene muchas fotos viejas, de cuando todo empezó, y ahora somos más, la peña ha crecido, así que puedes ver la transición, del pasado hasta ahora, y lo que ha sucedido con todos nosotros. Las memorias que me traen esas fotos son muy buenas. Así que es especial. Ya has patinado en algunos de los spots de Barcelona. ¿Cuál es tu favorito? Es difícil escoger, me gusta mucho el skatepark de las Tres Xemeneies en Paral·lel, y el MACBA. Pero si tuviese que elegir uno diría que el MACBA, es el lugar ideal para tomar unas cervezas, relajarte, el suelo es perfecto y puedes patinar siempre.

Y en cuanto a ciudades, ¿cuál sería tu favorita para patinar? Yo diría que Nueva York; me divierto mucho patinando allí. Además todavía tengo muy buenos recuerdos de esa ciudad, y familia también. ¿Qué opinas de que las marcas controlen los perfiles de los riders en las redes sociales? Lo apoyo totalmente. Me parece bueno. Simplemente es la época en la cual vivimos, además que ayuda. Ellos también te ayudan promocionando todo lo que haces, así que es una cooperación por las dos partes, ¿sabes? ¿A qué te estás dedicando ahora y qué harás lo que queda del año? Lo que queda del año lo dedicaré a grabar para Palace, que estamos haciendo un vídeo, en el cual tendré partes y cosas, y luego claro está

All right Lucien, what’s up, how is it going? Good, good, it’s cold today. So, you were born in Kingston, Jamaica, and then you moved to New York, though you didn’t started skating until you moved to London at age eleven. How was it to grow up in all these different places? Well, Jamaica was amazing, obviously, since we had lot of family around Kingston, and then, a lot of my family moved to the east coast of America, to New York, Tampa and outside Miami, so then, luckily, I had family there too, while living in New York. Then, when I moved to London it was different, I didn’t have close relatives living there; I had some of my dad’s side, but not much. Growing up in all these places was good. I’ve read you started skating in sandals and now you’ve designed your own shoes. How does this feel and what do you think makes you Supra shoes special? Oh yeah, I started off in sandals (laughs), and now I’ve got to design my own shoes, which is pretty cool. It means a lot to me because for me, my Supra shoes represent all of my friends, my crew, the path we have covered and the essence of the PWBC crew, and that really means a lot man. For me it’s important to keep the identity of the PWBC crew present, it’s what makes us different. You joined the Supra team by the end of the year 2012, all excited about skating with guys like Stevie Williams, Tom Penny, Boo Johnson or Erik Ellington. What can you tell us about these past years on the team? Were your expectations fulfilled? Yeah, for sure! I was nervous at the beginning. The first time I went on a trip with them I was mad nervous, obviously, and after some time it was all right. I think on that first trip I skated all right, I don’t know. I think all that is part of the experience, you know? Which special anecdote from touring with the Supra Team you will never forget? I have this one from our first trip. It’s a good one I think. I remember I showed up to the hotel at Madrid - it was the first stop -, and I don’t think Stevie knew me, or I don’t know what was going on. Vaughan Baker (team manager) had just dropped me off, and I came up to Spencer (Hamilton) and Stevie, they were sitting down at this café, and I just walked up to them and I said like, “Hey man, what’s up?” or whatever, and they say to me, “Do you sell weed?” And I was like, “Oh, no man, I just joined the Supra team”. It was weird, but really funny (laughs). He was like, “You got some weed homie?” And I was like, “No, no, no man, I am a skateboarder, I skate for Supra now”. I don’t know if he remembers that. There’s a Supra video coming out soon, what can you tell us about it? Well, things have changed, I think the full video will just have parts with each one of us, and there will be parts coming out every month. I think that’s what they are trying to do now. The first person to film you was your mum, since you wanted to see yourself on film. Do you think that helped you develop

Supra, con quien estamos planeando algo para el próximo año, en febrero o marzo. Así que por ahora estaré trabajando para Palace y Supra. Y los días que me quedan en Barcelona los dedicaré a visitar galerías; me interesa mucho el arte y la fotografía, y me gustaría ver cosas interesantes. También me gustaría crear una empresa de camisetas, en algún punto, haciendo diseños, sólo por diversión. Pienso en muchas cosas graciosas que quedarían muy bien en una camiseta. Qué cool que te guste el arte. ¿Consideras el skate un deporte, un arte o las dos? Para mí no es tanto un deporte, no es como correr, es diferente, es un estilo de vida, se trata más de una manera especial en la cual te expresas, en definitiva se parece más al arte que a un deporte… Pones muchos sentimientos en ello.

your own personal style when skateboarding? (Laughs) I don’t know, I don’t think that affected my style. Going out skating with her following me around with this big VHS camera was pretty funny, because she wouldn’t let me go too far, like if we’ d go to South Bank, she would just stay there with the camera, and around the corner there was this place called Victoria Benches, a famous skate spot in London, and it was like ten minutes down the street, and she wouldn’t let me go. I was like fourteen, fifteen years old. It took forever for her to let me go, but you know how it is when your younger man, parents… Tell us a little bit about the “PWBC (Palace Wayward Boys Choir): A Retrospective” exhibition. Well, it’s just about all of us. It has a lot of old photos, from when it all kind of started, and now there’s quite a few of us, the crew has gotten bigger, so it’s just like the transition, from the past until now, and what’s going on with all of us. The memories these pictures bring are always good ones. So it’s quite special. I guess you have skated some of the spots here in Barcelona. Which one is your favorite? It’s hard to say, I really like the skate park of the Three Chimneys in Paral·lel, and MACBA. But if I had to choose one, I would say MACBA, it’s the perfect place to have some beers, chill, smooth ground, and you can always skate there. Now talking about cities, which is be your favorite city to skateboard? I would have to say New York; I have a lot of fun skating there. Plus I still have a lot of good memories from there, and a lot of family there too. What do you think about brands controlling the social media profiles of their riders? I’m all for it. It’s good. It’s just the age we are living nowadays, and it helps. They also help promoting whatever your doing, so it’s a two-way cooperation, you know? What are you up to right now and what are you doing what’s left of the year? For the rest of the year we’ll be filming for Palace, making a full-length video, and I’ll be having sections and stuff, and then obviously there’s Supra; we’re planning something for next year, around February or March. So for now, I’ll be working for Palace and Supra. And for the days I have left in Barcelona, I want to check some galleries or something; I’m really interested in art and photography, and would like to look around for cool stuff. I also want to have a t-shirt company at some point, making some designs just for the fun of it. There are a lot of funny things I have in my head that I think would look funny on a t-shirt. So you really dig art, that’s cool. Do you consider skateboarding a sport a way of art, or just both? For me it’s not like a sport, it’s not like running, it’s different, it’s a lifestyle, it’s more like a special way in which you express yourself, it’s definitely an art more than a sport… You put a lot of feelings into it.

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T: FELIPE DUARTE

SUPRA “PXBC: A RETROSPECTIVE” BY JAMES EDSON & DANIEL “SNOWY” KINLOCH / ADDICTED TO LIFE GALLERY #SUPRAXLUCIENXPWBC

Los Palace Wayward Boys Choir son una peña de amigos que se creó a mediados de la primera década del nuevo milenio. Concebida sobre el asfalto del South Bank, Londres, son ahora una figura central en el mundo del skate de la capital inglesa, además destacar por sus incursiones en el mundo del arte, a través de muestras fotográficas, musicales y de vídeo. Compuesta por emblemáticos skaters, tanto profesionales como amateurs, realizadores, fotógrafos, músicos y artistas, este año han decidido acompañar a Supra en el lanzamiento de la signature Quattro, de Lucien Clarke, con su exposición titulada “PWBC: A Retrospective”. Curada por dos de los miembros fundadores del crew, James Edson y Daniel “Snowy” Kinloch, las imágenes seleccionadas muestran la transición a lo largo de los diez años de existencia de este grupo de amigos y nos permiten echar una mirada dentro de la vida de Lucien, uno de los skaters más reconocidos del momento, con todo lo que eso conlleva; sus tormentos y alegrías. Imágenes que forman parte de la memorias de un grupo que se ha forjado con el tiempo, creando lazos de amistad inquebrantables. La muestra es una presentación multimedia que contó con más de veinte fotografías del archivo personal de Edson y “Snowy”, además de imágenes de cámaras desechables, las cuales fueron tomadas por todos los miembros del PWBC durante sus viajes y giras, junto con la muestra en exclusiva de un vídeo realizado por Lev Tanju, miembro del crew y fundador de Palace Skateboards, con material inédito de los archivos de Palace y Supra. Para darle ritmo a la noche, la exposición contó con la presentación musical de Rory Milanes y Stuart Hammond, DJs del PWBC. Aunque la exposición sólo estuvo presente durante una noche en Barcelona, seguro que ninguno de los asistentes la olvidará. En definitiva, una peña que a pesar de las dificultades, se mantiene unida, sonriente e impulsando sus virtudes artísticas, porque al fin y al cabo, el skate es un arte más, lleno de sentimiento y emoción. The Palace Wayward Boys Choir is a group of friends that came together around the year 2005 and created a unique crew of their own. Conceived on the South Bank streets of London, nowadays they are a key figure in the skate scene of the UK, alongside their incursions into the art world through different photographic, music and video collaborations. Composed by skaters, both professional and amateur, filmmakers, photographers, musicians and artists, this year the crew decided to join Supra on their launching tour for the famous Quattro, Lucien Clarke’s recently designed signature shoe, with an exhibition titled: “PWBC: A Retrospective”. Organized and produced by two of the founder members of the PWBC, James Edson and Daniel “Snowy” Kinloch, the selected images show the ten-year transition of this group of friends, and allow us to take a glimpse into Lucien’s life, one of the most renowned skaters today, with all its implications; the joy and torments. Images that build up the memories of a group of friends that has been forged over time, making their friendship bulletproof. This multimedia presentation included over twenty large framed photographs from Edson and “Snowy’s” personal archive, along images from disposable cameras, which were handed to every crewmember to take pictures while they were traveling or on tour, and an exclusive video made by Lev Tanju, PWBC member and Palace Skateboards founder, featuring previously unseen footage from the Palace and Supra archives. Rory Milanes and Stuart Hammond, PWBC DJs, were in charge of setting the beat throughout the night with their amazing tracks. Though the exhibition ran for a night only, we are sure none of the assistants will forget such a glorious evening. Definitely, a crew that stands together against all difficulties, always smiling and pushing their artistic endeavors no matter what, because, at the end of the day, skateboarding is an art too, filled with emotion and passion.

www.suprafootwear.com 128

PH: DANIEL “SNOWY” KINLOCH

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PH: JAMES EDSON

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PH: JAMES EDSON

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T: ANTONELLA SONZA

T w o Gallants Opening up

A veces es necesario frenar. Pararse en el camino, y observar lo que tienes delante. Observar, no mirar. Procesar realmente lo que estás viendo, oyendo, sintiendo y darle significado. Normalmente no llegamos a esta reflexión, solo si lo que vemos es suficientemente extraordinario. Y ver en directo a Two Gallants, lo es. Algo único: casi artificio, en un escenario semi desnudo, Adam Stephens y Tyson Vogel salen a desgarrarse, cada uno a su modo y con sus medios, para darnos lo mejor de su música, esa que mezcla folk, blues y rock al más puro estilo americano. La voz rota de Stephens y la batería rabiosa de Vogel son una muestra de dos personalidades que se contraponen y, a la vez, se complementan, con un nivel de complicidad solo nacido de una larga amistad. Los pudimos ver hace unos días en la sala Bikini, presentando su último largo, We Are Undone, con el que exploran temas más sociales que en sus anteriores trabajos. Con sencillez y armados solo con guitarra, batería y armónica, son grandes fabricantes de recuerdos. Muy buenos recuerdos. Sometimes we need to stop. Stop in the middle of the road to take a closer look of what lies ahead of us. Not just a glance, but a good proper look. To take in what we are living, hearing, feeling, in order to give it some significance. Usually, we never take the time to ponder in it, only in extraordinary cases when what we have in front of us blows our minds. Having the opportunity to see Two Gallants perform live is one of those extraordinary chances, a unique one, almost an artifice. In a stripped down stage, Adam Stephens and Tyson Vogel pour it all out, each one in its own fashion, to give us the best of their music, with a mixture between folk, blues and rock, true to the American identity. Stephens’ broken voice and the aggressive drums of Vogel are the essence of two personalities that are nothing alike, but complement each other, with a level of intimacy given only by many years of friendship. We had the chance of seeing them at Bikini, where they performed their last LP, We Are Undone. In this album they decided to explore social topics further, in comparison to their previews works. With a captivating simplicity, armed solely with a guitar, drums and harmonica, they have the ability to create memories, very good memories.

www.twogallants.com Os conocéis desde que tenéis doce años y lleváis tocando juntos veintiuno ¿Cómo ha evolucionado vuestra relación profesional en este tiempo? En realidad nos conocemos desde que tenemos cinco, y hemos estado tocando juntos, intermitentemente, desde que tenemos doce. Empezamos a tocar como dúo cuando teníamos más o menos veintiuno. Es difícil describir cómo ha evolucionado nuestra relación con los años. Como con muchas cosas, definitivamente se ha tornado más complicada. Cuando eres más joven actúas principalmente a través de tu instinto, y a medida que creces te haces más crítico y calculador. Así mismo tu tiempo se vuelve más limitado. Solíamos pasar días juntos enteros haciendo música. Pero la siempre creciente lista de compromisos que llegan a medida que te haces mayor hace que eso sea cada vez más difícil. Vuestro sonido ha cambiado mucho, desde el folk-rock de sus inicios, a un sonido más sucio, similar al rock clásico. ¿Estáis ahora donde siempre habéis deseado? Nunca hemos estado donde queremos estar. El sonido y las canciones en nuestros inicios parecían apropiadas para su momento, pero surgieron desde una perspectiva bastante ingenua. Escribir canciones similares ahora no sería sincero. Aún podemos

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tocarlas, pero sólo de una manera reflexiva. Mientras más viajamos alrededor del mundo, todo es más sobrecogedor, y los problemas parecen más grandes. Creemos que aquellas primeras canciones las escribimos antes de que la oscura realidad hiciera huella en nosotros. En vuestros primeros discos, las letras parecían un grito desesperado y muy intenso de frustración. En We Are Undone, habláis principalmente acerca de temas sociales, como el aburguesamiento de San Francisco, vuestra ciudad. ¿Cómo os afecta esto? Creo que la temática más consistente en We Are Undone es la naturaleza destructiva del hyper-capitalismo y cómo está haciendo, rápidamente, del mundo, un lugar inhospitable. Pueden ser temas sociales, pero para nosotros son mucho más que eso. Come dije antes, nuestras canciones pasadas eran más ingenuas y, creo, indirectas. Eso no quiere decir que fuesen mejores o peores que las nuevas. Si había un sentimiento más fuerte de frustración en ese entonces, puede que se apoyara más en la emoción que en el contenido. No sé. ¿Tenéis alguna anécdota curiosa del proceso creativo de We Are Undone? Muchas de las letras se escribieron en la mañana antes de

grabarlas. Grabamos en un lugar llamado Panoramic, ubicado en las colinas de la costa norte de California. Tenía este pequeño cuarto con un escritorio empotrado junto a una ventana con vistas al océano y las colinas. Cada mañana solía haber una pequeña capa de neblina que desaparecía cuando empezábamos a grabar. Es uno de los paisajes más hermosos que he visto. Nada mal para cuando estás intentando escribir algo. Si tuvieses que describir We Are Undone con tres emociones, ¿cuáles serían? Preocupación, desilusión, ansiedad. Es un disco para sentirse bien. ¿Cuál sería la lección que habéis aprendido de la industria musical tras cinco álbumes y tantos años juntos? Mantente alejado de ella siempre y cuando sea posible. No, en realidad no sé si he aprendido algo. ¿Cuáles crees que son las principales diferencias entre la escena del rock alternativo en los Estados Unidos con Europa? La escena en Europa es difícil de precisar porque es muy distinta en cada país. En los Estados Unidos también hay mucha variedad, pero suele suceder

You know each other since you were twelve, and you’ve been playing together for twenty-one years. How has your professional relationship evolved during these time? Actually we’ve known each other since we were five and have been playing music together off and on since we were twelve. We started playing together as a two-piece when we were about twenty-one. It’s hard to describe how our relationship has evolved over the years. As with most things, it has definitely become more complicated. When you’re young you act mostly on instinct and the older you get the more calculating and critical you become. And of course your time becomes more limited. We used to spend days straight making music together. But the growing list of commitments that come with growing older make that far less possible these days. Your sound has changed a lot, since the folk rock from the beginning, to more a dirty sound – classical noise rock. You are now where you always wanted to be? I’ve never been where I want to be. The sound and the songs back at the beginning seemed appropriate at the time but they came out of a pretty naive perspective. Writing similar songs now would feel a little insincere. We can still perform them now but only in a reflective way. The more we travel the world the more overwhelming it becomes and the more immense the problems seem to me. I guess, the early songs were written before the darkness of reality settled in. During your first records, your lyrics were like a desperate cry of frustration, really intense. In We Are Undone, you mostly talk about social issues, like the gentrification of San Francisco, your city. How does this affects to you? I think the most consistent theme on We Are Undone is the destructive nature of Hyper-Capitalism and how it is rapidly making the world an inhospitable place. I guess those are social issues but they seem to me to be much bigger than that. As I said above, the earlier songs were more naive and I guess indirect. That doesn’t mean they are better or worse than the new ones. If there was a stronger sense of frustration back then, perhaps they relied more on emotion than content. I don’t know. Do you have any curious anecdote from the creative process of We Are Undone? A lot of the lyrics were written in the morning before recording. We recorded at a place called Panoramic in the hills

en un ámbito mucho más local. Es decir, la escena es mucho menos localizada de lo que solía ser. Ahora cada ciudad cuenta con todo tipo de bandas, y muchas de ellas cambian de estilo en cada canción. Los ciclos que determinan qué es popular también parecen ser cada vez más cortos. Tenemos mucha curiosidad acerca de vuestros gustos musicales. ¿Qué suena en vuestro iPod ahora mismo? Richard Swift – Walt Wolfman. Venís a España a tocar vuestro nuevo disco. ¿Qué expectativas tenéis? Los shows que hemos realizado en España siempre han sido muy divertidos. Los españoles están un poco locos. Lo digo de la mejor manera posible. Casi a todos quienes hemos conocido allí a través de los años han sido muy hospitalarios, generosos y siempre dispuestos a pasarlo bien. Probablemente es uno de nuestros lugares favoritos para ir de gira. ¿Qué se viene para Two Gallants? Partimos hacia Europa en una semana. Luego regresamos a casa para recobrar el sentido. Eso es todo lo que tenemos planeado por ahora.

on the Northern California coast. I had this little room with a desk kind of lodged into a window overlooking the ocean and the hills. Every morning there would be a thin layer of fog that would burn off just around when we would start recording. It was one of the more breathtaking views I’ve ever seen. Not bad when you’re trying to get some writing done. If you would have to describe We Are Undone with three emotions, which ones would be? Concern, disillusionment, anxiety. It’s kind of a feel good album. Which would be the lesson you’ve learned from the music industry after five records and so many years together? Stay away from it whenever it’s possible. No, I don’t really know if I’ve learned anything. Which do you think are the main differences between the alternative rock scene in the States and here in Europe? The scene in Europe is kind of hard to pin down because it’s so different from country to country. There is plenty of variation in the US as well but it seems to occur on a much more local basis. I mean there are far less localized scenes like there used to be. Now every city has every type of band and a lot of those bands vary their style from song to song. And the cycles that determine what’s popular seem to be growing shorter and shorter. We are very curious about your musical taste. What’s in your iPod right now? Richard Swift - Walt Wolfman You are coming to Spain to play your new record. What do you expect from the Spanish public? The shows we’ve played in Spain have always been a lot of fun. Spanish people are kind of crazy. I mean that in the best way possible. Almost everyone we’ve met there over the years has been extremely hospitable, generous and always down to have a good time. It’s probably one of our favorite places to go on tour. What’s next for Two Gallants? We leave for Europe in a week. Then return home to gather our senses. That’s all we have planned right now.

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T: CRISTINA GONZÁLEZ F: ANNA PAREDES

HOLY BOUNCER El secreto de quienes aman la música

Tal vez sea por la empatía que desprenden sus canciones al hablarnos de inquietudes y pensamientos; o por su estilo desenfadado con las camisas desabrochadas y el pelo al viento. Tal vez sea por sus ganas de cumplir sus sueños. Tal vez sea porque aman lo que hacen. Tal vez… Lo que está claro es que los chicos de Holy Bouncer avanzan a pasos gigantescos por los senderos del panorama musical. La voz de Jordi, el sonido de las guitarras de Miguel y Pol, los dedos de Bernat en el bajo y el ritmo de Manu con la batería han conformado el cóctel perfecto para el éxito de este grupo de rock barcelonés. No es de extrañar que Primavera Sound, Arenal Sound, Band of Skulls o Texas tengan el ojo puesto sobre ellos y los quieran allá donde van. Ahora con su primer single en el mercado tienen claro que amar lo que hacen es la clave del éxito. It might be the empathy their songs arise, as they speak about dilemmas and reflections, or their cool style with their unbuttoned shirts and hair blowing in the wind. Probably it’s their desire to fulfill their dreams. Or maybe it is because they love what they do. Maybe… What’s clear is that the guys of Holy Bouncer are taking giant steps on the music scene. Jordi’s voice, Miguel and Pol’s riffs on the guitar, Bernat’s fingers on the base and Manu’s rhythm on the drums are the ingredients that make this cocktail so perfect and their success indubitable. Hence, it’s no surprise that the people behind some of the greatest festivals, such as the Primavera Sound and the Arenal Sound or bands like Band of Skulls or Texas are pretty aware of them. Now that their first single is out on the market, this band from Barcelona has pretty clear that loving what you do is the key to success.

soundcloud.com/holybouncer 136

Si tuvierais que elegir una palabra para vuestros comienzos, ¿cuál sería? ¡Diversión! ¿Cómo definiríais vuestro estilo? Tocamos rock con una mezcla de garaje y nuestra propia psicodelia. Realmente no hay un concepto concreto para definir nuestro estilo, nos inspiramos en música de épocas y estilos diferentes. Vamos desde los 60’s-70’s hasta la música actual. The Doors, The Who o Rolling Stones hasta Eels, Kings of Leon o Jack White. Manu es un apasionado del blues más profundo de R.L. Burnside y Micha, se deja seducir cada vez más por Jimi Hendrix. ¿En qué habéis basado vuestros temas? Mientras componíamos las canciones y escribíamos nos dimos cuenta de que la historia de cada canción giraba entorno a una temática similar. Juntado los temas tendríamos una especie de narración/crítica con un protagonista. Este protagonista, no siempre en primera persona, es un reflejo de nuestros pensamientos, de nuestras inquietudes e incluso de nuestros viajes mentales. Narramos miedos de la infancia y sentimientos de venganza por amor, como en la canción Madeland por ejemplo. My mother is a Yonkie habla de cómo la vida de las personas que están a tu alrededor te condicionan a ser quien eres, otro tema al que nos acercamos mucho. Aunque también hablamos de los errores propios que cometemos como personas, de la frustración que siente el protagonista al ver que la gente escoge un camino antes de conocerse a sí mismo, es decir, del error de anticiparse. De aquí es de donde sale el título del nuevo single, Anticipation. Todo esto, junto con ocho canciones más, forman la historia de este protagonista, una historia de vivencias, sentimientos y pensamientos propios que nos va transmitiendo.

Y luego os convertisteis en los teloneros de Texas, ¿cómo definiríais esa experiencia? Pese a que no nos sentimos muy identificados con su estilo, fue una experiencia de lujo. Telonear a un grupo de ese caché te hace plantearte muchas cosas. Una de ellas fue si convertirnos en poperos mariquitas (risas). Además, ¡el catering que tenían era la hostia! Hay muchos jóvenes que se lanzan al mundo musical, pero sus proyectos no llegan a salir de las cuatro paredes de la sala de ensayo. ¿Cuál ha sido vuestro secreto? Amar lo que hacemos. Aun así nos queda muchísimo camino por recorrer. ¿Trabajáis como cualquier otro grupo de música o hacéis algo especial para manteneros a flote y seguir creciendo? Tocamos cada día. Si no es en el local, en casa de alguien o en un parque. Intentamos componer y ensayar un día tras otro. Creemos que para lograr algo hay que ir a por todas, con ganas y mucha ambición. ¿Qué consejo daríais a los jóvenes que que empiezan? Que amen y disfruten lo que hacen. Aun así no conocemos cual es la clave para lograr el éxito. El concepto entorno al que gira el nuevo número de lamono es NOT ALONE, ¿qué os sugiere este concepto? A la vida en compañía, pero en compañía de todo. La necesidad que tiene el ser humano de vivir y rodearse de colegas, de la familia, de la música, de aficiones… Sin todo esto nadie sería quien es. “Not alone” es vida. Si estás solo, sin nada ni nadie, no eres nada. Todos necesitamos de algo que nos complete.

Trabajasteis con el cineasta Manuel Huerga, ¿cómo fue la experiencia? Podríamos decir que Manuel Huerga es nuestro sensei (risas). Ya hace mucho tiempo que nos conocemos, es más que un amigo. Pero no hay que olvidar a Gus… ¡Somos un gran equipo!

¿Qué proyectos de futuro tenéis? Ahora sacamos nuestro primer single, Anticipation, de nuestro álbum debut. Saldrá a principios de año y tenemos en mente hacer algún videoclip. A partir de ahí sólo pensamos en tocar, tocar, tocar y tocar (risas).

If you had to choose one word to describe your beginnings, which one would be? Fun!

You had the chance of opening for the Scottish band, Texas, how would you define that experience? Though we don’t feel fully related to their style, it was an amazing experience. To be opening for a band like that makes you think a lot of things. One of those was if we became some kind of pansy pop band (laughs). Besides, the catering they had was phenomenal!

How would you define your style? We play rock with a mix of garage and our own psychedelia. There’ s not one concept that could define our style, we get inspiration from different times and genres. We pick up things from the sixties and seventies all the way up to today. From The Doors, The Who or The Rolling Stones up to Eels, Kings of Leon and Jack White. Manu loves the most profound blues music from R.L. Burnslide, and Micha (Miguel) gets more excited each day by Jimi Hendrix. What are your songs about? As we were composing our songs and writing the lyrics we realized that each story for each song revolved around a similar theme. By gathering all these themes we had some kind of narrative/critic with a main protagonist. This protagonist, not always narrated in the first person, is a reflection of our thoughts or dilemmas and even our mental journeys. We narrate childhood fears and the desire for revenge because of heartache, as in the song Madeland, for example. My mother is a yonkie talks about how the life of the people that surrounds you determines who you turn out to be, that’s another subject we talk about a lot too. Though we also talk about the own mistakes we make as people, the frustration the protagonist feels when he chooses a path before actually really knowing himself, and that is the mistake of being impatient. From here is where we draw the title for our new single, Anticipation. All this, plus eight more songs, creates the story of the protagonist, a story based on experiences, feelings and the thoughts he shares with us. You worked along the filmmaker Manuel Huerga, how was that experience? We could say Manuel is our sensei (laughs). We’ve known each other for a long time; he is more than a friend for us. But we cannot forget Gus… It’s a great team!

There are a lot of young musicians that adventure into the scene, but their products don’t get pass the four walls of their studio, which was your secret? Loving what we do. Though there’s still a lot to be done. Do you work as any other music band or is there something special you do to keep on growinga and evolving? We play every day. If it’s not in our studio, it’s on someone’s house or a park. We try to compose and rehearse day after day. We believe that in order to achieve something you have to give it all in, with drive and ambition. What advice could you give to the young people that are starting? That they should love and enjoy everything they do. Anyway, we don’t know what’s the key to success. This issue’s theme is NOT ALONE, what does these words suggest to you? It makes us think in spending life in company, in the company of it all. The necessity the human being has of living and being surrounded by friends, family, music, hobbies… Without all these, nobody would be who we are. NOT ALONE is life. If you’re alone, without anyone or anything, you’re no one. We all need something to complete us. What projects do you have for the future? We just released our first single, Anticipation, of our debut album. From now on we just think about playing, playing and playing (laughs).

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T: ANTONELLA SONZA

POPULOUS En el cambio está la evolución

Nada más sentarse con nosotros, nos escribe su nombre en un papel. “Mucha gente no lo escribe bien, es por asegurarme”. Andrea Mangia es la persona detrás de Populous (sí, está bien escrito), dj y productor que lleva los beats en la sangre. Se nota que habla de ello con pasión, como si sus raíces procediesen de un sintetizador. Es como si tuviera dos vidas, la de productor y músico, promesa consolidada dentro del panorama de la música italiana del futuro (en 2010 se hizo con ese galardón), y otra, como dj, en la que está en una búsqueda permanente. Siempre estudiando, siempre buscando agrandar su horizonte. Quizás por eso ha destacado ante los ojos de los demás, tanto que llegó a ser el primer italiano fichado por la prestigiosa discográfica Morr Music. Últimamente le ha dado por pinchar géneros sudamericanos, y lo está petando. Precisamente lo descubrimos en este registro durante su paso por el roBOT Festival de Bolonia, y nos golpeó tan fuerte que tuvimos que sentarnos a charlar con él. He aquí el resultado. As soon as we got to sit with him, he wrote his name on a piece of paper. “Most people don’t know how to write it, so just to be sure”. Andrea Mangia is the person behind Populous (yes, that’s how you write it), a DJ and producer whose blood is constantly being pumped by beats, as if his heart was a synthesizer, hence, he speaks about music with so much passion. It is as if he had two lives, one, as a producer and musician; important figure in the Italian music scene, where he won the ‘Premio 2061- the electronic Italian music of the future’, in the year 2010. His second life is the one of a DJ, where he is on a constant quest, always aiming to expand his horizons, studying and exploring. Maybe that’s the reason why he has become such a prominent figure before the eyes of the public, becoming the first Italian to be selected by the prestigious music label Morr Music. Lately he has been working with South American genres, producing outstanding pieces. Precisely, it was this sound the one we discovered throughout his performance at the roBOT Festival in Bologna, and it struck us so hard, that we found ourselves in the obligation of talking to him. This is what happened.

soundcloud.com/populous

Andrea, ¿qué te parece que existan propuestas como el roBOT Festival? Me gusta el roBOT porque es una mezcla perfecta entre la cultura club y la experimental, y al mismo tiempo, con una dosis de propuestas de baile. Es muy interesante ver esta mezcla a la vez, y descubrir el contraste entre la parte visual y la musical.

que aún no es muy popular en Italia. Estoy estudiando la reacción que tiene la gente cuando la pincho. Este tipo de público está acostumbrado al house, el minimal techno, etc. Así que a veces es muy divertido ver a gente gritando y bailando como locos algo tan diferente para ellos.

¿Qué opinas de la escena electrónica en Italia? En Italia se está cociendo algo. Hay un panorama increíble para el cultivo de la música electrónica. Te puedo nombrar, por ejemplo, tres festivales a parte del roBOT que confirman que la electrónica italiana está viviendo un buen momento: el Club To Club en Torino, el Dance City Festival en Perugia y el Spring Attitude en Roma. Este tipo de música no es para todo el mundo, es para un público gourmet. Estos festivales comienzan a ser sold out todas las temporadas y es interesante analizar esto, porque parecía que Italia se había quedado estancada en la Edad Media. Ya no es una utopía pensar que podemos ser pioneros en este sector.

¿Qué relación tienes ahora con el mítico sello Morr Music? Siguen siendo grandes amigos míos. En su momento fue increíble, porque fui el primer italiano en firmar con ellos. En 10 años ha crecido un montón, estoy muy orgulloso porque fue una época muy importante para mí. Ahora tienen un estilo algo diferente y yo también, todos hemos evolucionado.

Del cartel del roBOT, ¿a quién no te vas a perder? A Nathan Fake, a Siriusmodeselektor (Sirius es un genio, es el nuevo Aphex Twin), Alessandro Cortini (el tecladista de Nine Ich Nails), Clap Clap, Floating Points, etc. Y de la escena italiana, Capibara (¡dios bendiga a los ordenadores!) por ejemplo. Está surgiendo una nueva ola dentro de la escena italiana y eso es buenísimo. No puedo decir lo mismo de la escena indie, ya que en Italia, si no cantas en italiano, no tienes nada que hacer. ¿Qué nos has preparado para tu directo en el roBOT Festival? Esta vez estoy en el cartel como dj set. Voy a pinchar música sudamericana,

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Para ti, ¿en el cambio está la evolución? He cambiado un montón porque he empezado a viajar. Antes de 2015, no había cogido ningún vuelo. Tenía mucho miedo a volar. Pero este año no he parado: Australia, Estados Unidos, etc. He ido por todo el mundo, y, sobre todo, he descubierto nueva música. Tienes que cambiar, no puedes quedarte estancado en el mismo punto toda tu vida. ¿Qué proyectos tienes entre manos? Estoy trabajando en un EP, que quizás con el tiempo se acabe convirtiendo en un LP, nunca se sabe. El mood del disco será la música sudamericana, tipo cumbia o mumbaton. Me encanta porque ha cambiado totalmente mi perspectiva europea. Cuanto lo escuché por primera vez, pensé: ¿qué narices es esto? ¡es muy sexy! Primero voy a incluirlo en mis dj sets y después en mi música. Es cuestión de estudiarlo.

Andrea, what do you think about initiatives like the roBOT Festival? I like the roBOT because it’s the perfect mix between the club culture and the experimental culture, and, at the same time, it has a perfect dose of dancing proposals. It’s very interesting to see this, and to discover the contrast between the visual aspects and the musical ones. What’s your opinion regarding the electronic scene in Italy? New things are happening in Italy. The scene is amazing and it nourishes the development of electronic music. I can name you, for example, three other festivals, besides the roBOT, that confirm how Italian electronic music is going through a good phase: the Club To Club in Turin, the Dance City Festival in Perugia, and the Spring Attitude in Rome. This type of music is not for everyone, it could be said it is for a gourmet audience. These festivals are now getting sold out on every edition, and it’s interesting to analyze that, because before, it seemed like Italy had been left behind in the Middle Ages. Now, it’s not crazy to think we can become pioneers in this area. From the roBOT line-up, which performances you cannot miss? There are so many I’m looking forward to see; Nathan Fake, Siriusmodeselektor (Sirius is a genius, he is the next Aphex Twin), Alessandro Cortini (keyboardist for Nine Inch Nails), Clap Clap, Floating Points, etc., and from the Italian scene, Capibara (thank god for computers!) for example. There’s a new wave being conceived within the Italian scene, and that’s great. I cannot say the same thing about the indie scene, since in Italy, if you don’t sing in Italian, there’s not much you can do. What have you prepared this time for your performance at the roBOT Festival? This time I’m in the line-up as DJ-set. I’m mixing South American music, which still is not very popular in Italy. I’m studying the reaction people will have when I’m playing it. The audience that comes to this festival is used to house music, minimal techno, etc. So sometimes it’s very interesting to see them screaming and dancing as lunatics to something so different for them. What is your current relationship with the mythical label Morr Music? We are still close friends. When we were working together it was amazing, since I was the first Italian to sign a contract with them. In the last ten years they have grown a lot, I’m very proud of them because they are part of a very important time in my life. Now they have a quite different style than the one they used to have, me too, we all have evolved. Do you think that within change there’s evolution? I have changed a lot because I started to travel a lot. Before the year 2015, I hadn’t ever flown anywhere. I was very scared of it. But this year I’ve been flying non-stop: Australia, United States, etc. I’ve been traveling all over the world, and, above all, I have discovered new music. You have to change; you cannot stay fixed in the same place for the rest of your life. What new projects are you working on? I’m working on an EP, that can eventually become a LP, you never know. The mood that sets the whole record is based on South American music, like cumbia or mumbaton. I really like it because it has changed completely my European perspective. When I listened to it for the first time, I thought: what the hell is this? It’s so sexy! First, I’ll be including it in my DJ-sets, and then in my music. I still need to study it further.

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T: NÚRIA EMILIO

PALO ALTO MARKET STREET MUSIC EXPERIENCE Palo Alto Market Aperol Street Music Experience. Pellaires, 30. Barcelona. El 7 y 8 de noviembre de 11h a 21h.

Imagínate disfrutar de la magia del jazz en vivo mientras vas de compras. Concéntrate. Ahora visualiza viajar a un lugar en el que puedes encontrar desde las últimas tendencias, a piezas únicas de jóvenes diseñadores o trapitos vintage con mucho rollo, ¿Te lo imaginas? Pues deja de imaginar porque ha llegado a Barcelona la Aperol Street Music Experience, la segunda edición tematizada del Palo Alto Market, convirtiendo el ya conocidísimo mercado en una experiencia única y multisensorial donde la música, la comida, el arte y la moda se funden en una harmónica melodía de jazz. Esta vez, el corazón del Poblenou de Barcelona vibrará al ritmo de saxofones, trompetas y guitarras; y es que el market va a estar invadido por 15 músicos callejeros de latin jazz que, desde diferentes puntos del recinto, improvisarán en directo sobre la base rítmica de DJ Kapi, unidos por un mismo hilo conductor: los ritmos afrocubanos. Así, los paseantes podrán disfrutar de una actuación original e inédita en cada uno de los rincones del mercado, creando en el lugar una sorprendente mezcla sonora en vivo. Con esta segunda entrega, Palo Alto pretende rendir homenaje a la música de la calle, la que sale del corazón del artista y llega directamente al del espectador, sin hacer escala. Además de la música, como siempre, el mercado contará con la participación de diseñadores de moda, artistas callejeros, creadores de artesanía y chefs que ofrecerán sus productos en un ambiente apasionante y romántico. Moda, arte y gastronomía se funden en uno.

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Imagine enjoying the magic of live jazz while you are shopping. Concentrate! Now, visualize traveling to a place where you can find everything, from the last trends to one of a kind pieces made by young designers to very cool vintage clothes. Can you picture it? If you can, you can stop doing so, because the Aperol Street Music Experience has arrived to Barcelona, the second themed edition of the Palo Alto Market, transforming the well-known market into a unique and multisensorial experience, where music, food, art and fashion come together under the harmonious melody of jazz. This time, the heart of Poblenou (Barcelona) will vibrate to the sound of saxes, trumpets and guitars; all because the market will be taken over by fifteen street Latin jazz musicians, each of whom will be standing in different places of the space, improvising over the rhythmical base laced by DJ Kapi, all of them united under the same narrative thread: African-Cuban rhythms. This way, the assistants will be able to enjoy of an original and unseen performance in each corner of the market, creating in the place a surprising live musical mix. With this second edition, Palo Alto wants to play homage to all street music, that which is born from the heart of the artist and reaches the public directly, while they’re walking unaware through the city. Besides music, the market will count with fashion designers, buskers, artisans and chefs that will offer their products in this very passionate and romantic space. Fashion, art and gastronomy all together.

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REVIEW / BARCELONA / 15TH OCTOBER 2015

TALK, SHARE AND CREATE WITH RICARDO CAVOLO T: ANTONELLA SONZA / F: LUIZA LACAVA

El talento es uno de los tesoros más preciados de la sociedad moderna. Pero para que el talento que uno tiene se desarrolle, hay que saber canalizarlo y estimularlo. La inspiración mueve montañas y ya se sabe, si la montaña no va a Mahoma... nosotros cogemos y creamos una serie de charlas con el objetivo de intercambiar ideas, opiniones, y sobre todo, darnos alas para llegar hacia donde queremos llegar. Y qué mejor inspiración que la propia experiencia. Talk, Share And Create son las charlas que nacen de la unión de Miscelánea, Moritz y lamono, y que han contado en su primera edición con Ricardo Cavolo, actualmente uno de los ilustradores más importantes del panorama nacional. En un formato íntimo, y como si de una conversación se tratase, el artista se sentó cara a cara con los más de cincuenta elegidos a los que empezó instigando para que plantearan cualquier duda que pudieran tener, fuera del tipo que fuera. Conducido por las preguntas de la directora de lamono, Eva Villazala, el artista salmantino hizo un repaso por sus comienzos, esa época en la que se enciende la mecha, ese frenesí que surge en ti cuando decides dedicarte al arte. No ha sido un camino de rosas, ni tan difícil como algunos piensan: según sus propias palabras, la clave es soñar con los pies en el suelo. Tener expectativas pero ser realista, todo en su justa dosis. Y a partir de ahí, trabajar, trabajar, y trabajar. Así, tres veces. Porque para estar en el momento perfecto en el lugar adecuado, hay que estar preparado. Cada cosa que haces te representa, y por eso, también nos dio una lección magistral sobre el correcto uso de las redes sociales, para que sean algo beneficioso y no al revés. Con un lenguaje cercano, directo y sin andarse con rodeos, hemos descubierto a un Ricardo Cavolo con madera de orador y que se abrió en canal (metafóricamente) ante los asistentes. La importancia de escuchar ese consejo que te da tu profesor de primero de Bellas Artes o lo mucho que hay que valorar el apoyo de la familia, son solo algunas de las piezas del puzzle. Una velada que acabó con cervezas en alto y con ideas fluyendo aquí y allá. Y si aunque sea una sola persona salió de ahí con ganas de emprender e impulsar sus propios proyectos, nos damos por satisfechos. GRACIAS. Nos vemos en la próxima, esta vez con Grip Face, el próximo 26 de noviembre. Talent is one of the most appreciated gifts in society. But in order to develop the talent each of one has, we need to canalize and stimulate it. Inspiration can move mountains, and we all know, if the mountain won’t come to Muhammed… then we will create a series of talks with the aim of exchanging ideas, opinions and, above all, give us wings to achieve what we want. And what better inspiration than experience alone? Talk, Share and Create is a new project, composed by a series of talks, conceived by the union between Miscelanea, Moritz and lamono, and as our inaugural guest, Ricardo Cavolo was invited, one of the most influential and important illustrators nowadays, national and internationally. In a small and intimate group, as if it was a talk between friends, the artist sat face to face with the fifty selected assistants, whom he instigated to ask questions and pose any doubt they could have, no matter the subject. Throughout the talk, which was conducted by lamono’s director, Eva Villazala, the artist from Salamanca made a summary of his career, starting from the beginning, the phase in which the flame ignited and the incontrollable frenzy that kindles when you decide to become an artist sparkled. Though it hasn’t been a bed of roses, it hasn’t been either as hard as many believe: as he said, the key is to dream with the feet steady on the ground. Have expectations but be realistic, keep things within perspective and balance. After that, all that’s left is to work, work and work. Yes, three times. Because, if you want to be in the right place and at the right time, you must be prepared everywhere and at all times. Everything you do represents who you are, that’s why Ricardo also gave us an amazing lesson on the correct usage of social media, so that it can be used as a beneficial tool, and not the other way around. Through the relaxed conversation, with plain words and direct answers, we got to meet an artist with the necessary faculties to be an orator, and who opened his channels to the all the assistants. The importance of listening to that advice your first semester teacher gave you, or the support family can offer, are just some of the pieces that complete the puzzle. A marvelous evening that ended with some cold beers and the mind brimming with ideas. And if just one assistant left the place with the drive to start its own project, then we are more than satisfied. THANK YOU. See you next time with Grip Face, next 26th november.

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REVIEW / BOLOGNA / SKATE AGORA / 8TH - 11TH OCTOBER 2015

roBOT FESTIVAL T: ANTONELLA SONZA / F: EVA VILLAZALA + ROBOT FESTIVAL

A veces, hay que salir de nuestra zona de confort para descubrir cosas extraordinarias. Cosas que brillan por sí solas, por su autenticidad, su buena factura y una esencia impermeable a modas y a tendencias. El pasado 7 de octubre nos embarcamos en un viaje hacia Bolonia para conocer el roBOT Festival, convirtiendo a la ciudad Toscana en la capital de arte digital y música electrónica en todas sus vertientes imaginables. Un festival concebido para los paladares más exquisitos, sirviendo en su menú auténticas delicias, como Apparat, Squarepusher, Evian Christ, Nathan Fake, Nina Kravitz o John Talabot, por nombrar unos cuantos. Propuestas innovadoras y conceptuales, divididas en programación de día y de noche, se mezclaron con grandes nombres de la electrónica internacional y del panorama nacional, y todo con un gran telón de fondo: el Palazzo Re Enzo, un edificio que data del año 1.245 y que pertenecía al rey Enzo de Cerdeña. Nos imaginamos secretos entre cortinas e historias de escalera, y es que la imaginación se nos dispara en un lugar que ha vivido mil y una leyendas. El salón de la Podestà fue la arteria principal del grueso del festival diurno. Sus paredes llenas de frescos, y señoriales lámparas de araña fueron testigos de un choque entre espacio y tiempo, de pasado y futuro, con las sesiones del dj y showman Phillip Gorbachev, el live sountracking de Lena Willikens, o el dj set de Chevel, el llamado a ser el “deconstructor del techno”. Y de noche, la imponente Bologna fiere, un espacio industrial con tres escenarios reservados para las propuestas más clubbers. Destacaron los sets de Alessandro Cortini (de Nine Ich Nails) y su oscura y atmosférica sesión, los frenéticos beats de Squarepusher, la crudeza de Trentemøller o el golpe directo de Evian Christ, uno de los que mejor han quedado en el balance final. Pero además de música, lo que daba sentido a la propuesta y lo que la sitúa a años luz de este tipo de festivales, son sus screenings y workshops, fomentando el diálogo hacia la experimentación de los nuevos lenguajes surgidos de la era digital. Y por si fuera poco, ese fin de semana, en Bolonia se podía ver el Foto Industria, la exposición bienal curada por la Mast Foundation que explora la fotografía industrial y que tomaba varios edificios clave en el panorama cultural de la ciudad. El contraste entre los magníficos edificios medievales llenos de arte renacentista, con las muestras centradas en paisajes industriales fue simplemente el colofón perfecto a un fin de semana intenso, en el que descubrimos que los djs a veces bajan de su Olimpo para bailar con simples mortales, que conducir en Italia es una locura, que Mambo no es solo un género musical y que todo lo que nos trae la era digital tiene muy buena pinta. Y ya está aquí. Sometimes we need to leave our comfort zone behind to discover extraordinary things, things that shine by themselves, because of their authenticity, good quality and impermeable essence to fashion and trends. On the 7th of October we sailed upon a trip to Bologna to experience the roBOT Festival, an event that turns the Tuscan city into the capital of digital art and electronic music in all their possible expressions. A festival conceived for the most discerning palates, with a menu offering amazing dishes such as: Apparat, Squarepusher, Evian Christ, Nathan Fake, Nina Kravitz or John Talabot, just to name a few. Innovative and conceptual proposals divided into a day and night program, mixed along with some of the biggest names in the international and national electronic music scene, and it all happened within the best possible backdrop: the Palazzo Re Enzo, a building from the year 1.245, which belonged to king Enzio of Sardinia. Being there it was easy to imagine secrets between curtains and stairway stories; no surprise, since in a place like this, that has lived a thousand and one legends, the imagination flows free. The Podestà saloon was the main artery for the day program. Its walls, filled with paintings and chandeliers, witnessed the merge between space and time, past and future, with the sessions of DJ and showman Philip Gorbachev, the live sound tracking of Lena Willikens or the DJ set of Chevel, proclaimed to be the “deconstructor of techno”. During the night program, the colossal Bologna fiere, an industrial space with three different stages, was reserved for the more clubber proposals. The highlights were the sets of Alssandro Cortini (Nine Inch Nails) with his obscure and atmospheric sessions, the frenetic beats of Squarepusher and the rawness of Trentemøller, or the direct hit supplied by Evian Christ, one of the most acclaimed performances of the festival. But, besides music, what hold the whole proposal together and placed it light-years from other festivals of its kind, was the screenings and workshops, which encouraged conversations towards the experimentation of the new languages that have developed from the digital era. And as if this was not enough, that weekend, the Foto Industria in Bologna was open for visitors; the Viennal exhibition curated by the Mast Foundation, which explores industrial photography, and which took over various key buildings within the cultural prospect of the city. The contrast created between the magnificent buildings, filled with renaissance art, and the pieces focused on the industrial landscapes, was the perfect climax for an intense weekend throughout which we discovered that sometimes DJs come down from their Olympus to dance with us, regular mortals, that Mambo is more than a musical genre and that everything that comes with the digital era looks and sounds great. And it’s already here!

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#105 · NOT ALONE · NOVEMBER / DECEMBER · 2015 DIRECTORA Eva Villazala eva@lamonomagazine.com ASSOCIATE DIRECTOR Julio Amores julio@lamonomagazine.com ART & DESIGN Josep M. Sicart siki@lamonomagazine.com · www.sickart.net REDACTORS Antonella Sonza antonella@lamonomagazine.com PHOTOGRAPHY Luiza Lacava luiza@lamonomagazine.com TRANSLATION Jaime Felipe Duarte felipe@lamonomagazine.com CONTRIBUTORS REDACTORS Alejandro Cinque + Manuela Alcatraz + Xavi Ocaña + Lorena Pedre + Erika Leiva + Eva Villazala Ángel Nicolás + Felipe Duarte + Vicky Navarro + Teo Camino + Antonella Sonza Celia Liébana + David González + Andrea Bescós + Núria Emilio + Cristina González PHOTOGRAPHERS Laia Benavides + Juan Diego Valera + Anna Paredes + Luiza Lacava ORIGINAL ART DESIGN Hernan Verdinelli · www.hernanverdinelli.com For circulation customer service in Spain please send an email to felipe@lamonomagazine.com International Distribution: France, Portugal, Germany, UK, US and Australia. For annual subscription please send an email to suscripcion@lamonomagazine.com SUBSCRIPTION / 6 issues per year Spain: 40 euros / Europe: 50 euros / Other countries: 70 euros DEPÓSITO LEGAL: B 51664-03 ISSN: 2014–9395 LAMONO HEADQUATERS: Aribau, 15, 1º 1º, 08011 Barcelona T. +34 932724980

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