lamono #109 HOME SWEET HOME by lamono magazine

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HOME SWEET HOME L A M O N O V O L. # 10 9

Cover by Todd Hido Todd Hido / Larry Niehues / Maja Daniels / Satan’s Church / Amandine Urruty Manu Campa / Chris Christenson / Chad Moore / Jason Bard Yarmoski / Amanda Jasnowski Pascual

UNCOMMON

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Me siento en casa. Es como las lentejas, o te gustan o no te gustan, no hay lugar a dudas. Cuando te sientes en casa lo sabes. Y no siempre el sentimiento aparece entre tus cuatro paredes, muchas veces una casa ajena, con sus cuadros y sus libros te produce una punción, te identificas, sabes que allí podrías vivir. Y que devorarías sus espejos. Quizá tiene que ver con el pasado. Con lo que en otra vida nos hizo sentir bien y en esta persiste. Sentirse en casa es llegar a ser y a estar, y luego posteriormente recordar. La infancia en los comienzos, cuando la mayor aventura del día era comprar regalices trenzadas en la tienda de chucherías y el recuerdo del olor a detergente, la limpieza en la sencillez. Fueron los inicios de unos padres jóvenes que llevaban pantalones con estampados geométricos, marrones o beige. Y el pelo con un corte demasiado hipster. Eso era un hogar, pero hay tantos como personas habitamos este mundo. Y hasta los más oscuros, son hogares dulces si de ellos, alguna mañana, se escapa una sonrisa y un juego de niños. En este número nos paseamos por los hogares de tres artistas a los que admiramos mucho. Visitamos los apartamentos en NYC de Jason Bard Yarmoski -que creció con sus abuelos (protagonistas de sus obras) y sus padres- de Chad Moore -representante de nuestra juventud en La Tierra, quien las fiestas prefiere hacerlas en otro sitio y dejar su hogar para crear y estar tranquilo - y de Amanda Jasnowski Pascual -de madre española, que recuerda el olor a almizcle y frío del hogar donde nació.- Conocemos un poco más a fondo al francés Larry Niehues, que cambió su país natal por la América profunda después de viajar a Texas a los 22 años y darse cuenta de que quería retratar a las personas en su hábitat natural, porque en su entorno son ellos mismos; a Todd Hido, a quien la soledad y el amor le llevaron a retratar hogares en la distancia, habitados o desolados, porque todos tienen una historia que explicar y son una huella imborrable

de sus inquilinos. También Maja Daniels, fotógrafa sueca que con 19 se mudó a Paris, nos cuenta su reflexión acerca de la idea del hogar a través de su proyecto Christiania, una comunidad que se plantó en el centro de Copenhague para ocupar un pedazo de tierra como una forma de protesta en contra de la noción de tener que ‘comprar el derecho a tener un hogar’. Y de ahí, recorremos el hogar de la Iglesia de Satán en Hell’s Kitchen, NY, comunidad liderada por el reverendo M. A. Mandrake, con quien conseguimos hablar para que nos cuente acerca de los que se consideran a sí mismos como “ateos escépticos” y promueven el individualismo y la búsqueda de la verdad a través de una religión codificada en la Biblia Satánica. La ilustradora Amandine Urruty pasó una infancia que recuerda de forma triste y nostálgica, quizá esa etapa de su vida es la que inspira sus dibujos cargados de simbolismo y de influencias como El Bosco, El Show de los Muppets, Cuentos de la Cripta, Mi Pequeño Pony, Food Fighters y los Garbage Pail Kids. Como ella mismo dice: “Mi Sweet Home sería cálida, polvorienta, habitada por salchichas y momias, llena de comadrejas de peluche, lienzos feos y queso”. Otro que nos abre las puertas de su corazón hogareño es Estevan Oriol, fotógrafo que retrató a De Niro y Al Pacino juntos, así como a comunidades latinas y que estuvo en Kabul, Afganistán, en tiroteos donde conoció lo que es el miedo. Acabamos la edición en los pinceles del madrileño Manu Campa, artista que hemos elegido para nuestra acción URBAN CYCLING by OAKLEY y que nos regala una lámina exclusiva con su arte. El artista, amante de los coches y las bicicletas clásicas, otorga un valor excepcional a la belleza de lo estético. Con este recorrido dejamos una huella en nuestro particular espejo, el que ofrece una mirada a mundos redondos que han pasado por muchas geometrías, no siempre simétricas.

I feel like home. As with lentils, which either you like or you don’t, when you feel like home, you know. This sentiment is not necessarily bound with being amongst your own four walls, many times, someone else’s home, with its paintings and books, gives you a hunch, you identify, you know you could live there, jumping from one mirror’s ref lection to another. It might have something to do with the past. With that which remains from a previous existence. Feeling like home is to become and be, then, to remember. Childhood occurs in the beginning, where the biggest adventures take place while buying licorice at the candy store and are followed by the smell of detergent; simple cleanness. Such was the initiation of these young parents who wore pants with geometric prints, brown and beige. And we cannot forget their hipster haircut. That was home; as all the other millions that exist. Even the darkest ones can be the sweetest if, one morning, a smile and a child’s play happen. In this issue we roam around the homes of three artists who we really admire. We visit the apartment in New York of Jason Brad Yarmoski –who was raised by his grandparents (both main characters of his work) and his parents-, Chad Moore –a true representative of planet Earth’s youth, who would rather party somewhere else to keep his abode at peace- and Amanda Jasnowski Pascual –daughter to a Spanish mother and who still remembers the smell of musk and cold from where she was born-. We get to know Frenchman Larry Nihues a little bit further, and find out why he decided to change his hometown for America after discovering Texas at 22. Todd Hido explains to us the importance of loneliness and love, as he guides us through his body of work; homes captured in the distance become blueprints of their current and former inhabitants. Maja Daniels, who moved to Paris when

she was 19, offers us her reflection about the idea of home through her Christiania project, a community that decided to occupy a piece of land in the centre of Copenhagen as a form of protest against the notion of having to ‘buy one’s right to a home’. We then come across The Black House, the home for the Church of Satan, located in Hell’s Kitchen, NY, a community guided by Reverend M. A. Mandrake, who sheds a light on this religion codified in the Satanic Bible, and which encourages individualism and the search for truth amongst its “skeptic atheist” practitioners. Illustrator’s, Amandine Urruty, melancholic memory of her childhood might be the inspiration behind her works, pieces charged with symbolisms and conceived thanks to a wide variety of inf luences, such as Bosch, The Muppet Show, The Tales from the Crypt, My Little Pony, Food Fighters and the Garbage Pail Kids. Her sweet home is “warm, dusty, inhabited by sausages and mummies, filled with stuffed weasels, ugly canvases and cheese”. Estevan Oriol opens himself to us and tells us about his photo shoot with Robert De Niro and Al Pacino together, his work with the Latino community in L.A. and his experience in Kabul, Afghanistan and the shootouts he’s had to experience. Manu Campa closes the door to our HOME SWEET HOME with his brushstrokes brought directly from Madrid. This artist, vintage car and classic bicycles lover, who appreciates the exceptional beauty of aesthetics, was the chosen one to represent this time our URBAN CYCLING by OAKLEY initiative, and bestows us with an exclusive print made for the occasion. After this pilgrimage we hope to leave a blueprint in your particular mirror, where insights into rounded dimensions happen after going through successive geometric realities, not all of them symmetrical.

HOME SWEET HOME T: EVA VILLAZALA F: CARLA TRAMULLAS

T: FELIPE DUARTE

TODD HIDO Loneliness at heart

Tener un hogar, aquel lugar que te acogerá por la noche, es como recuperar el sitio donde todos tus recuerdos de la niñez aún viven. Lastimosamente, éstos ya se han ido, y hoy no son más que una mezcla de nostalgia y agonía. Todd Hido vaga entre la soledad, el amor y aquella rara singularidad que guía su pasión; fue así como se movió entre los suburbios de los Estados Unidos retratando casas en la distancia y en la oscuridad. Con su serie Homes at Night nos presentó un universo de hogares desconocidos, luego, con Interiors, la desolación de hogares que no lo son más. Porque a veces la ausencia acarrea más de un significado.

Having a home, a place to rest during the night, is like retrieving that abode where all of our childhood memories still reside. Sadly, these are already gone, and all that’s left is a mixture of nostalgia and agony. Todd Hido wanders between loneliness, love and the strange singularity that drives his passion; amidst this aura, he roamed around America’s suburbs, capturing houses in the distance and the darkness. With his series Homes at Night, he introduces us to a universe of unknown homes, then, with Interiors, the desolation of homes that are no longer, because sometimes absence evokes more than just one meaning.

www.toddhido.com

En pasadas entrevistas has dicho que las imágenes de tus series Homes at Night, Interiors y Portraits, cuentan la historia de tu vida. Si tuvieses que resumirla en palabras, ¿cuál sería? Como Jacob Reis dijo, “Si pudiese contar una historia con palabras, no necesitaría llevar una cámara”. ¿Una historia de amor complicada? Los espacios que habitamos son seguramente indicadores de la calidad de vida que hemos vivido o vivimos allí. Siempre he dicho que estas imágenes que he realizado son en realidad retratos. Siento que, aunque pueden no ser precisamente descriptivos de los habitantes, sin duda capturan el estado de ánimo que he impuesto sobre ellos. Siempre he pensado que el significado de una imagen reside en quien la ve. En muchos de tus trabajos el concepto de soledad evoluciona y se convierte en una sensación muy perceptible. Esto se logra, algunas veces, al retratar el aislamiento y, como dices, al estar solo cuando trabajas. ¿Es esto intencional? De ser así, ¿a través de qué otros medios lo logras? Puede que mi subconsciente me lleve intencionalmente hacia cosas que transmiten esa sensación de soledad. Pero no es algo que busque, haga o forje intencionalmente, simplemente está ahí, y es un filtro a través del cual me reflejo. Es diferente estar solo a sentirse solo, ¿mientras estás trabajando está este sentimiento de soledad presente? ¿Qué significa para ti? Desafortunadamente sé que puedes estar con alguien y aún así sentirte solo, así que entiendo la diferencia. Cuando estoy trabajando, rara vez me siento decaído, porque estoy creando, y el hacer cosas me deleita. Volviendo a tu serie Homes at Night e Interiors, ¿qué debe tener una casa para que la consideres un hogar? ¿Intentas transmitir dicho concepto a través de estas fotografías? En realidad necesita muy poco. Recuerdo una vez cuando me quedé en una pequeña morada en un complejo de apartamentos en Santa Fe, donde la habitación estaba en un edificio separado, cruzando el patio, y en ella no había absolutamente nada más que una cama. Ha salido el más poético y hermoso lugar donde he dormido, porque había algo especial en el hecho de tener un cuarto con un solo propósito. Había una pureza en ello que me pareció refrescante. ¿Qué debe tener una casa para ser considerada un hogar? Un lugar donde descansar la cabeza. En mis fotografías de la serie Interiors, transmito este concepto al mostrar la ausencia de eso mismo, enseñando que ya no son hogares. Son simplemente lugares donde había gente. Incluso, en aquellas donde aparece una cama, las personas están claramente ausentes, y eso se siente en el aire, es algo intencional. Hablando de sentimientos, ¿qué te debe inspirar un paisaje o un edificio para que lo retrates; belleza, nostalgia, melancolía? Ojalá todas las anteriores, pero a veces es sólo por la luz que cae sobre un árbol. Aperture pronto publicará un libro recopilando algunos de los trabajos más significativos de tu carrera. ¿Cómo fue el proceso de curaduría y creación de éste? Asimismo, es un buen momento para preguntar si recuerdas la primera vez que tuviste una cámara en

tus manos y sentiste que iba a ser tu ocupación para el resto de tu vida. La primera cámara que tuve, a mis tontos padres se les olvidó, o no supieron, decirme acerca de la manivela y el botón en la parte inferior de ésta. Al haber terminado de disparar el carrete, intenté rebobinarlo y se rompió. Estaba devastado, aunque ahora es una historia graciosa. Nunca tuve un momento de iluminación, pero sí hay una imagen en mi nuevo libro, publicado por Aperture y titulado Intimate Distance, que es un álbum cronológico de mis fotografías en el orden que fueron hechas. Por supuesto que no pudimos incluir todo, pero seleccioné cuidadosamente grupos de imágenes que no solo me hablasen, sino también contasen la historia de cómo se desarrolló mi proceso como fotógrafo. Hay una imagen allí, imagen #31, que salió del rollo número 31 que disparé, y es la imagen de una mujer joven parada en el borde de una piscina. Es muy similar a los cuadros de Hopper, y conlleva todos los estados de ánimo que has mencionado sobre mi trabajo y que han estado presentes desde el principio. ¿Consideras la fotografía tu pasión? Es, absolutamente, mi pasión, aunque me apasionan muchas cosas, la fotografía ha sido el único amor consistente a lo largo de mi vida. La gran mayoría de tu trabajo es a color, con la excepción de algunos retratos y tal vez un paisaje. ¿Por qué es esto? ¿Qué te lleva a trabajar en blanco y negro? Algunas cosas simplemente son mejores en blanco y negro. ¿Cómo descifras eso? Normalmente disparo con dos o tres cámaras a la vez, una de ellas con carrete en blanco y negro, de ahí escojo la imagen que me hable más fuerte. Entre tus profesores encontramos a algunos fotógrafos legendarios, como lo son Harry Callahan y Sultan Larry; si tuvieses que escoger dos consejos que te dieron a lo largo de tu carrera, para pasar a la siguiente generación, ¿cuáles serían? Debo corregirte y decir que Harry Callahan nunca fue directamente mi profesor, pero sí lo fue de todos mis maestros cuando viví en Boston y asistí al Museum School. Sin embargo, una de las cosas que me enseñó a través de sus alumnos, mis profesores, fue el sentido de que cada imagen debe poder hablar por sí misma. Si depende de otras imágenes para ser exitosa, no lo es. Larry, por su parte, enseñaba a través del ejemplo, pero también, de manera muy directa, me mostró que la mejor manera de hacer arte significativo es sacándolo desde adentro. El monotema de esta edición es SWEET HOME, ¿cuál consideras tu hogar más dulce hasta ahora y por qué? Mi hogar más dulce no está en mis fotografías, es donde vivo ahora, una casa donde he vivido los últimos quince años, la cual he mimado, arreglado y decorado hasta el más mínimo detalle con las cosas con las cuales disfruto de estar rodeado. Aparte del libro que estás próximo a publicar, ¿en qué estás trabajando ahora? Estoy trabajando duro en un nuevo proyecto que se titula Bright Black World, el cual se aleja completamente de mis trabajos en los suburbios. Surgió al leer un libro sobre mitología nórdica. Me inspiró particularmente el concepto del fimbulvinter, el cual era el mayor terror, un invierno sin fin.

¿QUÉ DEBE TENER UNA CASA PARA SER CONSIDERADA UN HOGAR? UN LUGAR DONDE DESCANSAR LA CABEZA.

You’ve said in past interviews that the works from your series Homes at Night, Interiors and Portraits, tell the story of your life. If you had to summarize this story into words, how would it be? As Jacob Reis said, “If I could tell the story with words, I would not need to lug a camera.” Complicated love story? The spaces we inhabit can certainly be indicators of the quality of life being lived, or having been lived, in that space. I’ve always said that these pictures I’ve done are actually portraits. I feel like while they may not be precisely descriptive of the inhabitants, they certainly capture the mood that I have imposed upon them. I’ve always said the meaning of an image resides in the viewer. In most of your works the concept of loneliness evolves and turns into a very perceptible feeling. Sometimes this is achieved by depicting isolation and, as you have said, being alone when shooting. Is this intentional? If so, through which other means do you manage to accomplish this? Perhaps my subconscious intentionally draws me into things that call up this lonesome feeling. But it’s not something I deliberately set out to find or make or forge, it’s simply there, and it is a filter that I reflect through. It’s different to be alone than to feel lonely, while you’re shooting is this feeling present? What does it mean to you? Well, unfortunately, I know that you can be with someone and feel lonely, so it is different. When I’m shooting, I’m rarely feeling low, because I’m making, and making things makes me feel delighted. Referring to your series Homes at Night and Interiors, what must a house have for you to consider it a home? Do you intent to convey this concept through these photographs? Actually it needs very little. I recall this one time I stayed in a little adobe apartment complex in Santa Fe, and the bedroom was in a separate building, across a courtyard from the living quarters, and the bedroom had in it absolutely nothing other than a bed. It was the most poetic and beautiful little spot that I’ve slept in; there was something about having a single room with a single purpose. There was a purity in that I found to be quite refreshing. What must a house have to be considered a home? A place to rest your head. In my Interior photographs, I’m conveying this concept by showing the absence of that, showing that these are no longer homes. They are just places where people were. Even in the ones that have a bed in it, they’re clearly absent and that feeling is heavy in the air, intentionally. Talking about feelings, what must a landscape or a building inspire in you for you to capture it? Beauty? Nostalgia? Melancholia? Hopefully all of the above, but sometimes it’s just the light on a tree. Aperture will soon publish a mid-career survey book with your body of work. What can you tell us about it? How was the curation and creation process? As well, it’s a good moment to ask if you remember the first time you held a camera and felt that it was going to be your life-long occupation.

The first camera I got, my silly parents did not think, or know, to tell me about the rewind knob and the button that released the film on the bottom of the camera. I shot a roll, tried to rewind it, and it broke. I was devastated, though that’s a funny story now. I never had that “a-ha” moment, but there’s a picture in my new mid-career survey published by Aperture, titled Intimate Distance, which is a chronological album of my photographs laid out in the order that they were made. Of course we could not include everything, but I carefully selected groupings of images that not only spoke to me but also told a story about how my process developed as a photographer. There’s a picture in there, image #31, which was the 31st roll of film I shot, and it’s a picture of a young woman standing by the edge of the pool. It’s very Hopper-esque and it has the entire mood you’ve spoken of in my work that’s been present since the very beginning. Do you consider photography to be your passion? Absolutely it’s my passion, but I’m passionate about many things. But photography has been the single and consistent love of my life. The vast majority of your work is shot in color, with the exception of some portraits and maybe one landscape. Why is this? What makes you shoot in black and white? Some things are better in black and white. How do you figure that out? I often shoot with two or three cameras, one of them being black and white, and I pick the one that speaks to me those most. Amongst your teachers we can find some great photographers such as Harry Callahan and Sultan Larry; if you had two choose two advices they gave throughout your career, to pass on to the next generation, which would they be? I must correct you and say Harry Callahan wasn’t directly ever my teacher, but he was the teacher of all of my teachers when I lived in Boston and went to the Museum School. However, one of the things that was passed on to me through his students, my teachers, was this sense that every image you make has to stand by itself. If it has to be propped up by other images to be successful, it isn’t. And Larry, he taught by example, but also very directly showed me that the best way to make artwork that means something is to draw it from within. This issues theme is SWEET HOME, which one do you consider to have been your sweetest home so far? Why? My sweetest home is not in my pictures, it is where I live right now, a house that I have lived in for the past 15 years and coddled and fixed and curated every single inch of it to be filled with the things I enjoy being with. Besides the survey book, what are you currently working on? I am hard at work on a new body of work entitled Bright Black World, that is a total departure from my work in the suburbs. It came form reading a book about Norse mythology. I was particularly inspired by the concept of fimbulvinter, which was their greatest fear, an endless winter.

WHAT MUST A HOUSE HAVE TO BE CONSIDERED A HOME? A PLACE TO REST YOUR HEAD.

T: TEO CAMINO

LARRYNIEHUES Regreso al pasado

Larry Niehues nació en 1988 en el sur de Francia, pero un encuentro fortuito con dos vaqueros en el desierto, en la América profunda, cambió su rumbo. Durante los últimos tres años, Larry ha deambulado por las calles de la Old America buscando personajes y rincones anclados en el pasado. Tanto es así que sus fotografías parecen hechas en la década de los 70. El fotógrafo se convierte en la sombra de sus retratados y nos transporta a pequeños microcosmos sacados de una época ya olvidada. Larry Niehues was born in 1988 in the south of France, but a fortunate encounter with two cowboys amid a desert in America changed his path. Now, for the last three years he has been wandering through the roads of ‘Old America’, looking for characters and corners that remain anchored in the past, making his photographs resemble as if they were shot in the seventies. A photographer who morphs into the shadow of his subjects and transports us to tiny microcosms from a forsaken time.

www.larryniehues.com

¿Por qué decidiste hacer las maletas e ir a Texas a los 22 años? Siempre tuve el anhelo de mudarme a los Estados Unidos. Nunca encontré mi verdadero ser en Francia, por eso, desde el primer viaje que hice a Los Ángeles de vacaciones, se activó una cuenta atrás en mi reloj, la del día en que me mudaría a América. Aterricé en Texas porque tengo un buen amigo que está en la industria vintage y vive en McAllen. Él me ayudó a prepararlo todo cuando hice el gran salto, antes de que condujera desde allí hasta Los Ángeles. ¿Cuándo apareció tu interés por retratar? Me encargaron hacer una sesión de fotos para una empresa de moda, y en mi camino por el desierto de California tomé una fotografía de dos vaqueros caminando por el borde de la carretera. Disparé con mi Nikon FE cargada con una película en blanco y negro. Justo después de hacer esta foto, supe que quería explorar y documentar América como Robert Frank, William Eggleston y otros grandes fotógrafos, pero en una era diferente. ¿Qué es lo que buscas en cada retrato? Me centro en hacer retratos de personas en su hábitat natural. Me encanta deambular por la calle, por restaurantes y

diferentes lugares, seguir el camino de alguien y convertirme en su sombra. Así logro fotografías naturales, espontáneas. Busco personajes carismáticos, gente extraordinaria en su forma de vida para nuestra década. ¿Quién está detrás de la cámara? Si pudiera describirme a mi mismo diría que alguien apasionado, ansioso, loco, nervioso, comprometido, concentrado. ¿Cómo funciona tu proceso creativo? Sales a la calle y ¿en qué centras tu atención? He estado viviendo en Los Ángeles los últimos seis años. Empecé a hacer fotoperiodismo hace unos tres años, y fue entonces cuando decidí hacer un proyecto sobre toda América. Cuando salgo a la calle siempre estoy en busca de un personaje, un edificio o algo que me recuerde a la década de los 50, 60 y 70. A veces camino, otras conduzco. Soy un fotógrafo nervioso. Si no hay nada interesante empiezo a fotografiar cosas desde la ventana del coche. Mi gusto y estilo han evolucionado y ahora soy más preciso a la hora de elegir las imágenes. ¿Cómo eliges el blanco y negro para algunas fotografías y el color para otras? Depende de mi estado

ME ENCANTA DEAMBULAR POR LA CALLE, POR RESTAURANTES Y DIFERENTES LUGARES, SEGUIR EL CAMINO DE ALGUIEN Y CONVERTIRME EN SU SOMBRA

de ánimo y de la ciudad o el paisaje en el que estoy. Aunque sobre todo disparo en color.   ¿Cuál es el objetivo de tu fotografía? Con todo el tiempo que he pasado en la carretera quiero mostrar a través de mis lentes que la ‘Vieja América’ todavía está muy presente. Hoy en día las nuevas tecnologías están en todas partes, nos invaden, por eso el encanto de la gente que vive anclada en las décadas pasadas me fascina. Esta es otra razón por la que decidí hacer este proyecto exclusivamente en analógico. ¿Qué explican las fotografías de Larry sobre Larry? Describen mi cultura y mi estilo de vida. Me he criado con mis padres, que son unos apasionados de los viajes a los EE.UU y de las cosas auténticas. Ahora vivo con las nuevas tecnologías, principalmente por trabajo, pero mis fotografías retratan en gran parte como soy. Todo tiempo pasado fue mejor... (Risas) Sí, siempre lo digo, pero por otro lado es genial poder mirar hacia el pasado desde la experiencia moderna.

¿La juventud pasa demasiado rápido? ¡Sin duda! ¿Qué te gustaría retratar con su cámara? Me gusta mucho documentar la vida cotidiana en la calle o en la carretera. Eso es en lo estoy enfocado en este momento. ¿Nuevos proyectos en breve? Estoy con una exposición en Nashville, en septiembre haré otra en Tennessee. Y también estoy trabajando en la publicación de mi primer libro. ¿Cuál es la mejor foto que todavía no has hecho? Me gustaría documentar con muchas más fotos a los nativos americanos. Es muy difícil obtener permiso para fotografiar en su reserva, como es lógico, pero, ¡esperemos que me dejen algún día! ¿Cómo te imaginas un hogar dulce? Mi casa ideal sería como las de mediados de los años 60. Una chimenea, un bonito jardín con piscina, sería feliz con todo eso.

What pushed you to pack your bags and move to Texas when you were just 22 years old? I always wanted to move to the United States. I never found my true self in France, that’s why, since the first time I traveled to Los Angeles for vacations, a timer got set on my clock, marking the time to move to America definitively. I landed in Texas because I have a good friend who lives in McAllen and works in the vintage industry. He helped me get everything sorted out for the big jump. Then I drove to Los Angeles and settled there.

taurants, different places, following somebody’s path until I become their shadow, that’s how I manage to capture natural and spontaneous photographs. I look for charismatic characters, people with extraordinary lifestyles, atypical from our times.

When was your interest for doing portraits born? It started when I was commissioned a photo shoot for a fashion company and, in my way across a desert in California, I captured a photograph of two cowboys walking along the highway. I shot it with my Nikon FE in black and white film. Just after doing that photo, I knew I wanted to explore and document America, just like Robert Frank, William Eggleston and other great photographers did, but in a different period of time.

Explain to us your creative process. You go out to the street and on what do you focus your attention? I’ve been living in L.A. for the past six years. I started doing photojournalism around three years ago; it was then when I decided to do a project focused on America as a whole. When I go out to the street I’m always looking for a character, a building or something that reminds me of the fifties, sixties and seventies. Sometimes I walk and others, I drive. I’m a nervous photographer. If there’s nothing interesting, I’ll start shooting stuff from my car window. My taste and style have evolved and now I’m more precise when it comes to selecting images.

What do you look for in each portrait? I focus on doing portraits of people in their natural environments. I love to wander around the streets and res-

When you are shooting, who is behind the camera? If I could describe myself I would say someone passionate, anxious, crazy, nervous, committed and focused.

I LOVE TO WANDER AROUND THE STREETS AND RESTAURANTS, DIFFERENT PLACES, FOLLOWING SOMEBODY’S PATH UNTIL I BECOME THEIR SHADOW

Based on what do you choose to shoot some images in black and white, while others in color? It depends on my mood, the city or the landscape I’m in. Though I shoot mainly in color.

But it is also amazing being able to look to the past from our modern perspective.

Which is the main purpose behind your photographic work? With all the time I have spent on the road, I want my images to convey what the ‘Old America’ is about, and which is still very present. Nowadays the new technologies are everywhere, they are invading us; that’s why I’m fascinated by the charm of the people who live anchored to the past. That’s another reason why I chose analog photography to do this project.

What would you like to shoot with your camera? I love documenting everyday life on the streets and the roads. It’s on what I’m focused right now.

What does Larry’s photographs tell about Larry? They describe my culture and my lifestyle. My parents, who are very passionate about traveling across the United States and all things authentic, raised me. Now I coexist with all these new technologies, mainly due to my work, nonetheless my photographs depict thoroughly who I am. The good old days… (Laughs) Yes, I always say so.

Youth goes by too fast? Yes, no doubt about it!

Do you have any up coming projects? Right now I have an exhibition in Nashville, and in September I’m doing another one in Tennessee. I’m also working on the publication of my first book. Which is the best picture you haven’t shot yet? I would like to document further the Native Americans. Though it’s very hard to obtain the necessary permissions to shoot within their reservations, which is understandable. Nevertheless, I do hope I’ll be allowed someday! How do you imagine your SWEET HOME? My sweet home would be like the ones of the mid-sixties. It would have a chimney, a nice garden with a pool, I’d be really happy with all of that.

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ESTILISTA: MARIANA LOURENÇO MAKE UP ARTIST: SAMANTHA POTTMAIER MODELO: SARAH GRÜTZMACHER

NEVER MEANT Photography by Eudes de Santana eudesdesantana.com

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T: FELIPE DUARTE

MAJADANIELS La importancia del hogar

Maja Daniels es una fotógrafa sueca que partió rumbo a Paris a los 19 años, dejando atrás sus orígenes en busca de historias comprometedoras y con ápices sociales para así poder llenar su curiosidad. Su trabajo, enfocado en las relaciones humanas y los entornos contemporáneos, intenta dictaminar y dar luces sobre lo que es, hoy en día, el mundo en el que vivimos. La sociología es su marco de referencia, y en todos sus trabajos siempre encontraremos parte de ella, de su identidad, la cual se da la mano con sus sujetos, gracias a las relaciones duraderas que logra establecer con ellos. Sus imágenes de Christiania nos cautivaron, nos mostraron un concepto diferente de hogar, una manera de vivir, y aunque esta comunidad ha cambiado desde el 2009, año en el que Maja realizó las imágenes, su archivo siempre estará disponible para futuras generaciones, todo gracias al trabajo de esta fotógrafa y socióloga que conoce la importancia que tiene el hogar sobre la identidad de cada uno. Maja Daniels is a Swedish photographer who moved to Paris when she was 19 years old, leaving behind her origins, looking for engaging stories with social tinges to fulfill her curiosity. Her work, focused on human relations in contemporary environments, aims to give hints about the world we live in today. Sociology is her framework, and in each one of her projects we can find a piece of herself, of her identity, hand in hand with her subjects’, thanks to the lasting relations she manages to establish with them. Her images of Christiania captivated us and showed us a different concept of ‘home’, an atypical lifestyle, and though this community has changed since the year 2009, in which Maja captured them, the archive will always be available for future generations, thanks to the work of this photographer and sociologist who admits the importance ‘home’ has upon identity.

www.majadaniels.com

CHRISTIANIA SE CREÓ CUANDO UN GRUPO DE PERSONAS SE UNIÓ PARA OCUPAR UN PEDAZO DE TIERRA EN EL CENTRO DE COPENHAGUE COMO UNA FORMA DE PROTESTA EN CONTRA DE LA NOCIÓN DE TENER QUE ‘COMPRAR EL DERECHO A TENER UN HOGAR’.

Tus trabajos y proyectos fotográficos documentan historias, por ejemplo: Drawing the Line – Abrahams Path in Palestine, River Valley Vernacular o el archivo sobre Christiania; ¿te consideras una fotógrafa documental o esto limitaría tu práctica? Mi inspiración para trabajar viene de la vida real, de eventos y encuentros reales. Mi trabajo suele tener un proceso de investigación donde empleo métodos sociológicos, pero igualmente me mueven las emociones, las fantasías, los encuentros fortuitos y las sorpresas inesperadas. Busco inspiración en la vida cotidiana, en las historias fascinantes o en una motivación que me lleve a comentar y criticar la manera en la cual funciona el mundo hoy en día. Crear historias es mi manera de tener una oportunidad de involucrarme con, reaccionar a, y comentar sobre temas específicos, pero también es lo que me brinda la oportunidad de ver ciertas realidades de una manera diferente y cuestionarlas. Jamás podría ser una simple mosca sobre la pared. Mi trabajo trata de crear relaciones duraderas, afectar y ser afectada a medida que el trabajo evoluciona. No me considero una fotógrafa documental y no veo la necesidad de tener que etiquetarme a mí misma o el trabajo que realizo de esa manera. Veo mi obra como una narrativa personal y comprometida donde se me permite mover y ser (con)movida. Mi trabajo también incluye sonidos, imágenes en movimiento, archivos y material en vídeo que encuentro. Combino estos medios de la misma forma que utilizo la sociología para contar una historia. Para poder retratar de manera honesta aspectos sociales como la situación en la frontera palestina, la realidad dentro de una institución de pacientes con Alzheimer, o la existencia de una comunidad independiente dentro de un país, es necesario ganarse la confianza, tanto de los sujetos como de las comunidades, ¿cómo llegas a hacer esto y lograr que las personas se abran a ti? Tiendo a trabajar muchos años en cada proyecto, así las relaciones pueden evolucionar naturalmente con el paso del tiempo y tengo la oportunidad de responder a mis propias impresiones y experiencias. No busco simplemente contar la experiencia de alguien más, yo también busco vivir algo, para así poder crear cierto tipo de entendimiento y progresar como ser humano. Trabajar así significa que la historia siempre cambiará a lo largo del tiempo, y eso me gusta. Me brinda la posibilidad de digerir y reflexionar sobre la dirección que está tomando el proyecto antes de que termine. La fotografía en sí me parece un acto agresivo, por lo que intento encontrar maneras en las cuales colaborar con mis sujetos. Me siento mucho más cómoda si, al fotografiar, puedo crear algo como parte del proceso que sea significativo tanto para el sujeto como para mí. Fotografiar a otras personas viene con una responsabilidad, aunque no creo que sea posible que el sujeto se llegue a sentir del todo representado

con el trabajo. El trabajo que yo hago está anclado en su historia, pero se trata tanto de mí como de la persona que está frente a la cámara. Intento dejar muy clara esta tensión, y creo que cuanto más hablamos de ella, es más fácil, para el sujeto y la audiencia, entender el proceso. Como has dicho en entrevistas pasadas, desarrollar e incluso empezar tus proyectos toma tiempo, por ejemplo te tomó un año obtener todos los permisos necesarios para empezar a trabajar en Oblivion, y más de un año para que Mady y Monette te permitieran fotografiarlas. ¿Esto te frustra o, por el contrario, te ayuda a desarrollar más a fondo la idea? Como dije anteriormente, el tiempo es importante cuando trabajo. Muchos de mi proyectos dependen de obtener acceso a lugares específicos o desarrollar relaciones con comunidades específicas. Hacer este esfuerzo de demostrarles a las personas que estoy dispuesta a invertir mi tiempo con lo que ellos están viviendo es importante para construir una relación genuina, y en el proceso, puedo investigar y aprender más sobre el panorama, eso luego me ayuda a decidir en qué enfocarme visualmente. Muchas veces, gracias a las fotografías, podemos notar cosas que pasaron desapercibidas en el momento en el cual se tomaba la foto, haciendo, como tú lo has dicho, de la fotografía, una herramienta importante para estudios sociológicos. ¿Cuál crees que es la mejor manera de analizar imágenes? Hay dos maneras de ver esto. Qué puede hacer la fotografía por la sociología y qué puede hacer la sociología por la fotografía. Para el trabajo que yo realizo, tiendo a pensar más en términos de qué puede hacer la fotografía por la sociología. Principalmente, la sociología me da el valor de comprometerme con historias que hablan del mundo, dado que fortalece la complejidad dentro de las situaciones y me ayuda a contextualizar y entender lo que estoy viendo y de lo que estoy siendo partícipe. Sin embargo, creo que la teoría por sí sola puede ser incluso limitante, puesto que tiene una audiencia estrecha y sólo existe dentro de un contexto específico, pero la fotografía puede abrir temas sociológicos a una audiencia más diversa y amplia. Y, ya que la fotografía como medio permite una tensión interesante entre ‘realidad’ y ‘ficción’, yo me siento más cómoda comunicando con imágenes, pues no quiero intentar contar verdades o limitar a personas o eventos a números o teorías. Me quiero comprometer con el mundo ‘real’ de una manera más personal y creativa. En términos de lo que la sociología puede hacer por la fotografía, hay muchas maneras de analizar imágenes que pueden abrir posibilidades para debatir estereotipos y actitudes generalizadas en el mundo, especialmente si el fotógrafo se encuentra enriquecido por un vínculo y

un contexto relevante. Estos aspectos también son parte importante del trabajo que hago y pueden ofrecerle valor y profundidad. A menudo estamos tan metidos en lo que estamos viviendo que nos es difícil ver lo que está sucediendo alrededor nuestro. Una fotografía nos permite parar y pensar. Enfocándonos en las imágenes sobre Christiania, ¿qué fue lo que llamó tu atención sobre esta comunidad? Al ser de Suecia, me pareció fascinante descubrir un sentido tan organizado y desarrollado de rebeldía en Escandinavia, en el corazón de Europa del norte, lugar conocido por ser el hogar de sociedades muy obedientes. Creciendo en Suecia, me parecía frustrante la manera en la cual, a menudo, aceptábamos las reglas y las regulaciones a ciegas. Cuando me mudé a París a los 19 años, me hice amiga de varios daneses que me presentaron Christiania, una sociedad alternativa tan cerca de casa, y mi interés en vivirla en persona creció. En Christiania ocurren algunas actividades ilegales, como el comercio de drogas. ¿Cómo puede una comunidad así ofrecerle seguridad a sus residentes y visitantes? Mi intención nunca fue presentar a Christiania como una sociedad perfecta. Simplemente me pareció un ejemplo sorprendente de un grupo de personas que había decidido no conformarse con algunas de las normas de la sociedad relacionadas con el capitalismo y la propiedad privada, y esto promovió mi curiosidad. No soy vocera del lugar y no tengo ninguna opinión sobre cómo deberían brindarle seguridad a sus visitantes o residentes. Desde que llevaste a cabo tu proyecto allí, la situación ha cambiado, y ahora los residentes han comprado los terrenos que alguna vez ocuparon; ¿crees que esto cambia por completo el ideal por el cual se originó en un principio esta comunidad? Christiania ser creó cuando un grupo de personas se unió para ocupar un pedazo de tierra en el centro de Copenhague como una forma de protesta

en contra de la noción de tener que ‘comprar el derecho a tener un hogar’. Cuando, en el 2011, la comunidad se vio forzada a comprar la tierra del gobierno, esta lucha inicial llegó a su fin en ciertos aspectos, dado que los residentes ahora cumplen efectivamente con las normas sociales sobre la propiedad privada y de tierra. Sin embargo, más de 700 residentes decidieron formar un fondo (o una asociación de vivienda) para hacer la compra, y así seguir manteniendo el área como una sociedad alternativa de propiedad común. En muchos de tus proyectos, el concepto de hogar es examinado, por ejemplo en Christiania se presenta de una manera alternativa, en Oblivion, hogar es un hospital geriátrico. En términos sociológicos, ¿qué importancia tiene la noción de hogar para ti? La herencia, a menudo relacionada con la construcción de identidad y las relaciones humanas, juega un papel importante en todos los proyectos que realizo, y la noción de ‘hogar’ es, por supuesto, una gran parte de la idea que todos tenemos sobre nosotros mismos. Hasta ahora me he enfocado en contar las historias de otras personas, pero en los últimos años he sentido la necesidad, cada vez más creciente, de acercarme a casa e incluirme en las historias que decida contar. Con mi más reciente proyecto, el cual continúa en proceso, River Valley Vernacular, estoy regresando a ‘casa’, a Suecia, después de diez años de vivir y trabajar en el extranjero. En este trabajo estoy estudiando la importancia que un pequeño lenguaje a punto de desaparecer, el Elfdalian (la lengua nativa de mis abuelos), puede tener para una comunidad rural donde las negociaciones y las tensiones entre los estilos de vida modernos y la tradición, representan una lucha contemporánea importante, pero a veces invisible, que sucede lejos de las grandes ciudades. Este intento de mover mi práctica más cerca de casa es un desarrollo natural y muy importante para mí y para el futuro de mi trabajo. El realizar este trabajo en Suecia me ha permitido sellar el vacío que se había creado en el pasado entre mis orígenes y mi práctica artística.

Your photographic series and projects document stories, i.e. Drawing the Line – Abrahams Path in Palestine, River Valley Vernacular or the Christiania archive; do you consider yourself a documentary photographer or this would narrow your practice? My inspiration to make work comes from real life; real events and encounters. My work often involves research and I use sociological methods, but I am just as much driven by feelings, fantasies, chance encounters and unexpected surprises. I draw my inspiration from everyday life, fascinating stories or a motivation to comment on, and criticize how the world works today. Creating stories is my way to have a chance to get involved with, react to, and comment on a specific topic, but also to be able to view certain realities differently and to question them. I could never be a fly on the wall. My work is about creating lasting relationships, to affect and be affected as the work evolves. I don’t think of myself as a documentary photographer and I don’t see the point of having to label myself, or the work I do that way. I think of my work as a personal and engaged kind of storytelling where I am allowed to move and be moved. My work also includes sound, moving imagery, archives and found footage materials. I combine these mediums in the same way that I use sociology in order to tell a story. In order to depict truthfully these social aspects, such as the political situation in Palestine, the reality within an Alzheimer geriatric institution, or the existence of an independent community within a country, a great deal of trust must be gained from

the subjects and community; how do you manage to achieve this and get the people to open themselves up to you? I tend to work on projects over many years, where relationships can evolve naturally over time and where I get the chance to respond to my own new impressions and experiences as part of the work as well. I am not just looking to retell someone else’s experience; I would like to live something too, in order to build a different kind of understanding and progress as a human being. To work like this means that the story will always change over time and I like that. It gives me the possibility to digest and to reflect on where the work is going before it ends. Also, I find photography in itself to be a rather aggressive act, so I try to find ways to collaborate with my subjects. I feel much more comfortable if, by photographing, I can create something as part of the process that is meaningful to the subject as well to myself. Photographing other people comes with a certain responsibility, but I don’t think that it is possible for the subject to ever feel fully represented within the work. The work that I do is anchored in their story, but it is just as much about myself as it is about the person in front of the camera. I try to make this tension very clear to my subjects, and I think the more we talk about it, the easier it will be, for both subjects and viewers, to understand the process. As you’ve said in past interviews, developing and even starting your projects usually takes time, for example, it took you one year to get all the permissions needed for shooting Into Oblivion, and

CHRISTIANIA WAS CREATED WHEN A GROUP OF PEOPLE CAME TOGETHER TO OCCUPY A BIT OF LAND IN THE MIDDLE OF COPENHAGEN AS A WAY TO PROTEST AGAINST THE NOTION OF HAVING TO ‘BUY ONE’S RIGHT TO A HOME’.

more than a year for Mady and Monette to allow you follow and photograph them. Does this frustrates you or, on the other hand, allows you to develop the project further? As I have described above, time is important when I work. Most of my work depends on gaining access to a specific place or to develop a relationship with a specific person or community. To make the effort of showing people that I am willing to spend time with what they are living is important in order to build a genuine relationship, and in the process I get to do research and learn more about the big picture, that then helps me decide on what to focus visually.

In Christiania, some illegal activities take place, such as the commerce of drugs. How can a community like this provide security and safety to its visitors and residents? My intention was never to paint a picture of Christiania as the perfect society. I just found it to be a striking example of a group of people who had decided they did not want to conform to some of society’s norms, related to capitalism and ownership, and this made me curious. I am not a spokesperson for the place and do not have any opinions of how they should go about providing safety and security to visitors and residents.

Many times, thanks to photographs, we can notice things that slid unperceived the moment the picture was being taken, making, as you have said, photography an important tool for sociological research. Which do you think is the best way to analyze a series of images? There are two ways to look at this. What photography can do for sociology, or what sociology can do for photography. For the work that I make, I tend to think more about what photography can do for sociology. Mainly, sociology gives me the courage to engage with stories, talking about the world, since it encourages the complexity within situations and helps me contextualize and understand what I see and what I am part of. However, I find that academia on its own can be rather limiting, since it has a narrow audience and it only exists within a specific context, but photography can open up sociological topics to a broader and more diverse audience. And, since the medium of photography allows for an interesting tension between ‘truth’ and ‘ fiction’, I feel more comfortable communicating with images, since I don’t want to try to tell truths or pin down people or events to numbers and theories. I want to engage with the ‘real’ world in a more personal and creative way. In terms of what sociology can do for photography, there are many ways to analyze images, which open up possibilities to debate stereotypes and generalized attitudes in the world, especially if the photograph is enriched by an engaging and relevant context. These aspects are also part of the work I make and they can add value and depth. Often we are too caught up with what we are living that it’s hard to really see what’s going on around us. A photograph can allow us to stop and think.

Since your project took place, the situation has changed, and now the residents bought the lands they once occupied; do you think this changes the whole ideal the community once stood up for? Christiania was created when a group of people came together to occupy a bit of land in the middle of Copenhagen as a way to protest against the notion of having to ‘buy one’s right to a home’. When, in 2011, the community was forced to buy the land of the government, this initial struggle came to an end in some respects, since the residents now effectively comply with the societal norms of land ownership. However, more than 700 residents formed a trust (or housing association) to make the purchase, and have since continued to push the area forward as an alternative society with common ownership.

Focusing on the Christiania images, what was the main thing that draw your attention into this community? Coming from Sweden, I found it fascinating to discover such a developed and organized sense of defiance existing in Scandinavia, the heart of northern Europe, known for being home to very obedient societies. Growing up in Sweden, I found the way we often blindly accept rules and regulations frustrating. When I moved to Paris at 19 years old I made friends with quite a few Danes who introduced me to Christiania, an alternative society so close to home, and I grew interested to look at it a bit more closely.

In many of your projects, the concept of home is examined, for example in Christiania it is presented in a very alternative way, and in Into Oblivion, ‘home’ is this geriatric hospital for the elderly. In sociological terms, what is the importance of the notion of ‘home’ for you? Heredity, often relating to identity construction and human relations, plays an important part in all the work I make, and the notion of ‘ home’ is, of course, a big part of everyone’s idea of themselves. So far, I have focused on telling other people’s stories, but in the last years I have increasingly felt the urge to move closer to home and to include myself more in the stories that I decide to tell. With my most recent and ongoing work, River Valley Vernacular, I am returning ‘ home’, to Sweden, after ten years of working and living abroad. In the work I am looking at the importance that a small, threatened language; Elfdalian (my grand-parents native tongue) can have for a small rural community, where negotiations and tensions between modern lifestyles and tradition represent an important but often invisible contemporary struggle that is taking place far away from the big cities. This attempt to move my practice closer to home is a natural and very important development for me and for the future of my work. Making this work in Sweden has allowed me to bridge the gap that I have created in the past between my origins and artistic practice.

T. XAVI OCAÑA F: CARLA TRAMULLAS

Hay un tipo de personas a las que les cuesta echar raíces. Es una cuestión de física: si tienes la cabeza en las nubes, el suelo queda demasiado lejos. Sentirse en casa ni siquiera tiene tanto que ver con sentirse a salvo, sino más bien con sentirse a uno mismo, con cómo uno se siente cuando cierra los ojos. Qué es el hogar. Con ese interrogante entre ceja y ceja decidimos viajar a la capital de la insatisfacción, a la ciudad donde más gente cazando sueños se concentra por metro cuadrado: Nueva York. Allí nos colamos en las casas de tres de los alumnos aventajados de esa nueva generación de jóvenes artistas sobrados de talento y decididos a comerse el mundo que están definiendo el panorama artístico actual: Jason Brad Yarmosky, Chad Moore y Amanda Jasnowski Pascual. Y lo cierto es que nos mostraron mucho más que las cuatro paredes en las que viven (y crean). Nos abrieron las puertas de su historia, del hogar en el que crecieron y del hogar con el que sueñan cuando cierran los ojos. Porque cuando uno desea de verdad, cierra los ojos. Como cuando damos un beso o soplamos las velas de un pastel. Cerrar los ojos es nuestra manera de ser presente, de estar aquí y ahora, de no tener miedo a perdernos nada, porque no querríamos estar en ningún otro lugar, haciendo ninguna otra cosa. Y, más o menos dulce, ese es el verdadero hogar. For some people, it’s hard to stay in one place. It’s all about physics: if your head is on the clouds, the ground stands too far below. Feeling at home is not the same as feeling safe, it has more to do with feeling good with yourself; the way you feel when you close your eyes. Then, what’s home about? With that question in mind we decided to travel to the capital of dissatisfaction, the place with the highest ratio of people chasing dreams per squared meter: New York City. There we visited the homes of three alumni who are clearly ahead of the curve, they belong to that new generation of emerging artists with overflowing talent, decided to take over the world while establishing the current artistic scenario: Jason Brad Yarmosky, Chad Moore and Amanda Jasnowski Pascual. Throughout this journey, they introduced us to far more than just the space between walls where they inhabit -and create-, they also opened the doors to their story; the home where they grew up in and the place they dream about when they close their eyes. Because every time we wish for something intently, we close our eyes. Like when we kiss somebody, or blow the candles of our birthday cake. That’s because the gesture of closing our eyes has the power of transporting us straight to the present, to the here and now, a place distant from fear, without a tinge of FOMO, because we are exactly where we want to be, doing precisely what we want to do; it can be more or less sweet, but that’s where true home lies.

WHERE Amanda Jasnowski Pascual

THEY Chad Moore

LIVE Jason Jarmosky

Cuando piensas en el hogar, ¿cuál es la primera imagen que te viene a la cabeza: la casa en la que vives o en la que creciste? En la(s) que crecí. Los colores son una parte muy importante de tu trabajo. ¿Lo es también en tu hogar? Por supuesto. Sensibilidades como la del color, que puedes apreciar en mi trabajo, coexisten muy de cerca con la forma en que vivo mi vida, con la que elijo existir en un espacio. Hace años tomé la decisión de que el trabajo que hago por “trabajo” y el personal podían coexistir de forma pacífica. Nacida en España, criada en Ohio. ¿Qué podemos ver de ambos mundos en tu hogar? Creo que hay más relacionado con España que con Ohio. Baratijas nostálgicas. Más que cosas, puedes ver pequeñas tradiciones que he continuado practicando: los domingos de fiesta, grandes comidas, café después de comer y, a veces, una siesta. ¿Qué recuerdas de tu infancia en España? Recuerdo a mis seres queridos. La plaza en la que jugábamos cada día. Los uniformes del colegio. La hora de comer en la escuela. Los huevos Kinder. La casa en la que viví en España era épica, grande, siempre olía un poco a almizcle y frío. Con grandes vigas de madera en el techo. ¿Crecer en un pueblo rural como Ohio ha influido tu definición de hogar? No necesariamente. Ohio le ha dado un lugar a esa definición. Ha puesto imagen a un sentimiento. No estoy muy segura de que aquello que es natural para ti sea también lo que te nutre. El mediooeste de Estados Unidos es un lugar tranquilo y estable. ¿Hay alguna canción que te recuerde a la casa en la que te criaste? Los villancicos y el pop de los 90’s. ¿Y algún olor? Mi madre cocinando paella. ¿Crees que es importante alejarte del lugar en el que has crecido? Por mi experiencia creo que es muy importante. Te ofrece la oportunidad de experimentar la distancia, algo nuevo, puedes aprender mucho sobre ti mismo. Al mismo tiempo que aprendes del mundo que nos rodea. Hay mucho que ganar cuando sales ahí fuera.

¿Hay alguna parte de la casa o actividad que te ayude a airear la cabeza y dar con buenas ideas? No me siento así respecto a ninguna parte en particular de este apartamento, aunque la bañera junto a la ventana es un buen lugar para pensar. ¿Cuál es tu parte favorita de la casa? Un gato al que llamo Big D (y su cómplice, al que he bautizado como Lil P). La parte favorita de mi cama es la luz de la mañana, las dos ventanas y ver a los chicos pasar silbando cada día a las 12 del mediodía. ¿Tienes obras de otros artistas decorando las paredes de tu casa? ¡Sí! Es gracioso que ahora no tenga demasiada fotografía. Por nombrar a unos pocos: Emily Theobald, Isaac Nichols, Dave Singley, Dean Roper, Zachary Armstrong. Es muy importante rodearte de obras que te hagan sentir, que te inspiren. Cuando colocas una obra en tu pared o en tu hogar estás invitando al artista a formar parte de tu día a día de una forma muy personal. ¡Mi objetivo a largo plazo es tener una gran (y creciente) colección de arte-amigos! ¿Cuál es uno de los mejores recuerdos que has vivido en el apartamento en el que vives? Usar la luz que cae en mi cama como alarma natural. Si hubiese un incendio, ¿qué llevarías contigo? Discos duros, objetos personales con valor sentimental, mi hamaca de árbol. ¿Cuál fue el momento en el que sentiste: “estoy en casa”? No sé si llegaré a sentirme en casa-casa en NYC. Alquilas, alquilas y alquilas un poco más hasta que decides irte. Creo que NYC como ciudad es más casa que cualquier apartamento en el que haya vivido aquí. ¿Cómo es la casa en la que te imaginas envejeciendo? Hay muchas variaciones de ella. Una es una gran casa de madera rodeada por un porche en el campo. Otra es una brownstone en Brooklyn. Otra es un apartamento en París (con balcones, por supuesto). Otra es una casa en España (en Barcelona o en el campo) con azulejos y ventanas que se abren hacia fuera. Me siento especialmente inclinada a envejecer en Europa.

¿Eres del tipo de persona a quien le gusta tener gente en casa o de aquellos que entienden el hogar como un lugar donde estar tranquilo, descansar y olvidarte del mundo? Me gustan ambas opciones y, honestamente, en Nueva York es un lujo tener espacio para invitar gente a casa. En el nuevo apartamento al que me mudo el próximo mes tendré espacio para ello y eso es algo realmente maravilloso y nuevo para mí. Creo que puedes ser ambas personas.

Si pudieses tener cualquier obra de arte en tu casa, ¿cuál sería? La respuesta a esta pregunta cambia todo el rato, pero un Matisse a gran escala.

¿Creas en tu casa o tienes un estudio? Al poco de aterrizar aquí, me mudé a un gran loft que era estudio y casa al mismo tiempo. Fue muy productivo vivir en el espacio en el que trabajaba, sentía una mayor cercanía al trabajo que estaba haciendo. A veces lo hacía más fácil.

Stephen King dijo una vez que “el hogar es donde bailas con otros”. En tus propias palabras, ¿cuál sería tu definición de sentirse en casa? Quizás: el hogar es ese espacio donde no sientes el anhelo de irte ningún otro lugar.

¿Tu hogar juega algún tipo de rol en tu proceso creativo? No particularmente, aunque cuando vivía en el loft sí. Trajo muchísima luz a mis imágenes. Había algo mágico en estar en casa, en la ducha o cocinando, de repente tener una idea y poder explorarla al momento. Hay mucho en el día a día que me inspira y la proximidad de vivir y trabajar en el mismo espacio hicieron posible un bonito matrimonio entre ambas cosas.

¿Qué artista crees que sería divertido tener como compañero de piso? Probablemente algunos de los mejores artistas harían la convivencia difícil. Algo me dice que Vera Chytilová sería una compañera de piso divertida.

Amanda

JASNOWSKI PASCUAL Muchos conocen a Amanda Jasnowki Pascual (1992), aún sin saberlo. Al menos de vista. Esta fotógrafa nacida en España (de madre Valenciana) y criada en Ohio, es la autora de esas instantáneas llenas de colores y texturas, en las que las protagonistas ocultan su rostro a la cámara mediante composiciones del todo inusuales. Imposible que pasen desapercibidas, imposible olvidarlas. Tal vez por ello a sus veinte y pocos, sus fotografías han encontrado el hogar en exposiciones galerías de Nueva York, Los Ángeles o Londres, y en su historial ya cuenta con clientes como The New Yorker, Nike, adidas, entre un largo etcétera. “Nunca quise estar en ninguna otra ciudad tanto como en Nueva York”. Hace poco más de cuatro años cogió sus sueños, le dijo hasta luego al pueblo y se mudó a la gran ciudad. Actualmente vive en un encantador (no podía ser de otra forma) apartamento en Bedstuy (Brooklyn), su “barrio favorito” de todos en los que ha vivido. Vive de alquiler y comparte piso con una chica y dos gatos. Para ella, “el hogar es un lugar sagrado”. Y nosotros, tras pasar una tarde en él, somos fieles devotos. Many people know Amanda Jasnowski Pascual (1992), even if they are not aware of it. This photographer, born in Spain of a Valencian mother and raised in Ohio, is the creator of images full of color and textures, where the protagonists hide from the camera through unusual compositions. It’s impossible for these snaps to go unnoticed, much less be forgotten. That might be why, at her early twenties, her work has found abode in prestigious galleries around the world, New York, Los Angeles and London to name a few cities, and amongst her client list names like The New Yorker, Nike, adidas, and a long etcetera, arise. “I never wanted to live anywhere else as much as I want to live in New York”. It’s been a little bit over four years since she packed her dreams, said goodbye to her hometown and moved to the Big Apple. Currently she lives in a charming (it couldn’t be any other way) apartment in Bedstuy (Brooklyn), her “ favorite neighborhood” from all the ones where she has lived in. She pays rent and shares the flat with another girl and two cats. For her, “home is a sacred place”, and us, after spending an afternoon in it, became true devotees.

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The house I grew up in was epic, big, and it always smelled a little bit like musk and cold.

When you think about home, the first image that comes to your mind is the house where you currently live in or the one where you grew up? The one(s) I grew up in. The use of color is very present in your work, the same thing happens in your house? Definitely. The sensibility towards color you can appreciate in my work is reflected in the way I live my life and how I decide to exist in a specific space. Years ago I made the decision that the work I do for “work” and the one I do personally, could coexist in a pacific manner. Born in Spain and raised in Ohio. What does your home conveys about each of these two worlds? I think there are more things related to Spain than to Ohio. Nostalgic knick-knacks. More than objects, you can see it in the small traditions that I have kept on practicing: Sundays off and big meals, coffee after lunch and, every now and then, a ‘siesta’. What do you remember the most about your childhood in Spain? I remember all my beloved ones, the plaza where we used to play every day, our school uniforms, lunchtime at school, the Kinder eggs. The house I grew up in was big and clunky, and it always smelled a little bit like musk and cold. Big wood beams lined the ceilings. Did growing up in a rural town like Ohio influenced your definition of home? Not necessarily. Ohio has offered a location to that definition. It has endowed a feeling with an image. I’m not too sure if that which is natural to you, it is also for the person who nurtures you. America’s mid-west is a calm and stable place.

live definitely did. It brought a lot of bright, bright light in to my images. There was something special about being home, taking a shower or cooking, and suddenly having an idea and being able to explore it right away. There is also a lot in my day-to-day I find inspiring, and the proximity of living and working in the same space conceived an alliance between the two of them. Is there any place at home, or an activity, that helps you clear your mind and come up with good ideas? I don’ feel that way about any particular place in this apartment, though the bathtub next to the window has always been a nice spot to ponder. What’s your favorite part of the house? A tuxedo cat who I call Big D (and his accomplice, Lil P). My favorite part of my room is the morning light, the two windows and seeing the twelve o’clock kids whiz by every day. Do you have any pieces from other artists decorating the walls of your house? Yes! It’s funny how I don’t have many photographs right now. To name a few: Emily Theobald, Isaac Nichols, Dave Singley, Dean Roper, Zachary Armstrong. I find it really important to surround yourself by pieces that move you, that inspire you. When you place an artwork on your wall, or any space in your home, you are inviting the artist to engage with you on a personal day-to-day level. My long-term goal is to have a large (and ever-growing) collection of art-friends! Tell us about one of the best memories you have living in this house. Using the morning light that bathes my bed as a natural alarm clock.

Is there any particular song that makes you think about the house you grew up in? Spanish Christmas carols and nineties pop hits.

If there was a fire, what would you take with you? Hard drives, personal objects with sentimental importance and my tree hammock.

And a smell? Mi mother cooking paella.

Do you remember the moment when you felt like, “I’m home”? I don’t know if I have ever felt that way in NYC. You rent, rent and rent some more until you decide to leave. I think New York, as a city, is more like a home to me than any apartment I’ve lived in here.

Do you think that it’s important to get away from the place where you grew up in? Based on my experience, I think it is very important. It offers you the opportunity of experimenting distance, something different, you can learn so much about yourself and, at the same time, about the world that surrounds us. There’s a lot to gain when you put yourself out there. Are you the type of person who enjoys having people over, or you rather treat your home as the place where you can find some peace of mind, rest and hide from the world? I like both options and, honestly, in New York City, having a place where you can invite people over is a luxury. The apartment I’m moving to in a month has space to host friends, which is something very exciting and new to me. I think you can be both types of person! Do you work at home or do you have a studio? Not long after I landed here, I moved into a big loft, which worked as my studio and home at the same time. It was really productive living in the place where you work at, I felt much closer to the work I was doing. Sometimes it made everything easier. Does your house play any role in your creative process? Not particularly, although the loft where I used to

Describe to us the house where you see yourself growing older. There are so many variations of it. One is a wooden house in the countryside with a wraparound porch. Another is a brownstone in Brooklyn. Another is a flat in Paris, with balconies, of course. Another is a house in Spain, in Barcelona or the countryside, with endless tiles and swing-out windows. I feel specially drawn into growing older somewhere in Europe. If you could have any piece of art for your home, which one would it be? I feel like this answer changes often, but a large-scale Matisse. Which artist do you think would be fun to have as a roommate? I feel like some of the greatest artists would make difficult roommates. Something tells me Vera Chytilová would be a fun roommate. Stephen King once said, “home is where you dance with others”. In your own words, how would your definition of home be? Perhaps home is the place where you don’t think about being somewhere else.

¿Hay alguna canción que te recuerde a la casa en la que te criaste? Seven Spanish Angels by Willie Nelson. ¿Y algún olor? El olor de los lirios. Son las flores favoritas de mi madre y siempre había en casa. Ahora los compro para mí. ¿Crees que es importante alejarte del lugar en el que has crecido? Definitivamente. Hice todo lo que pude hacer en Tampa. Quería más. ¿Creas en tu casa o tienes un estudio? Este apartamento es también mi estudio. Para mí, tomar fotos es solo un 10% del trabajo. Pensar la foto y lidiar con ella después es el 90%. ¿Cuál es tu parte favorita de la casa? La puerta roja. Cuando piensas en el hogar, ¿cuál es la primera imagen que te viene a la cabeza: la casa en la que vives o en la que creciste? Esta casa, Nueva York. ¿Qué te hizo escoger este apartamento? Los techos altos y tener un espacio en el que puedo disparar. Mucha gente busca un dormitorio bonito, yo prefiero un espacio grande y vacío. ¿Trajiste muchas cosas de tu previa casa? Tengo muchas cosas. Soy muy sentimental. Lo guardo todo, aunque estoy intentando corregirlo. Tengo camisetas guardadas de cuando tenía 16 años. Lo puse todo en un almacén, pero sigo teniendo muchas. Cuando tienes un almacén te das cuenta de la cantidad de cosas que no utilizas. Nunca voy a buscar nada, simplemente las tengo. En tus obras podemos ver a tus amigos viviendo de una forma muy intensa y libre, pasándolo bien sin miedo. ¿Los tendrías como compañeros de piso? Depende de a quién. Me gusta estar solo. He vivido con algunas de las personas que he fotografiado. Mirando a tus fotografías, uno puede pensar que tu casa es una fiesta continua. ¿Eres del tipo de persona a quien le gusta tener gente en casa o de aquellos que entienden el hogar como un lugar donde encontrar paz y descanso? En las casas en las que solía vivir, tenía invitados constantemente. Pero ahora que me hago mayor, no quiero limpiar cuando se van. Todo el mundo bebe y fuma, pero nadie limpia después. Y entonces te levantas y piensas: mierda. Me gusta estar solo. Esta es mi burbuja donde me escondo del mundo. Tus amigos son especialmente importantes para ti ya que son parte de tu trabajo. ¿Podemos encontrarlos tan presentes en tu hogar como en tus fotografías? Sí, tengo muchísimos libros y revistas que han hecho para mí, cartas de cumpleaños hechas con Photoshop…

¿De quién tienes obras de arte decorando tu casa? Ryan McGingley, Jack Walls, un pintor genial, y justo acabo de hacerme con una fotografía de Zóltan Jókay. ¿Cuál es uno de los mejores recuerdos que has vivido en el apartamento en el que vives? Conocí a mi novia aquí. La estaba fotografiando para una revista. Suena muy cliché pero te diré que fue ella la que me pidió salir a mí. Si hubiese un incendio, ¿qué salvarías contigo? Esta Sandía hecha de madera. Mi abuelo la hizo. Nunca le conocí, murió un año antes de que yo naciera. ¿Cuándo fue el momento en el que sentiste: “estoy en casa”? Cuando tuve un sofá. ¿Cómo es la casa en la que te imaginas de mayor? Me encantaría que fuese en Nueva York. Un gran loft o una casa en el East Village. Si pudieses tener cualquier obra de arte en tu casa, ¿cuál sería? Creo que me encantaría estar rodeado de pósters de Marc Hundley y fotografías de Zóltan Jókay. ¿Qué artista crees que sería divertido tener como compañero de piso? Jack Walls. Stephen King dijo una vez que “el hogar es donde bailas con otros”. En tus propias palabras, ¿cuál sería tu definición de sentirse en casa? Me encanta Stephen King. Creo que el hogar es allí donde puedes bailar solo.

Chad

MOORE Si hay un representante en la Tierra de lo que significa ser joven, aquí y ahora, ese es sin duda el fotógrafo Chad Moore (1987). Sus instantáneas captan como nadie nuestra juventud. La tuya, la mía y la del vecino. La que muchos han vivido y la que otros tantos siempre desearon vivir. Amistad, fiestas, sexo, escapadas, espontaneidad, egolatría y un placer que no entiende de normas. Chad nació y se crió en Tampa, Florida. Se mudó a Nueva York el 24 de Septiembre de 2008. Tras un largo viaje en tren -“en tren no tenías límite de equipaje”-, aterrizó en el sofá de unos amigos en Williamsburg, cuando allí aún no había ni supermercados. Muchos carretes se han revelado desde entonces, protagonizando exposiciones por todo el mundo (Nueva York, Londres, París, Ámsterdam…) y hasta su propio libro, el imprescindible Anyone In Love With You (Already Knows). Desde hace poco más de 9 meses él y su perra, Stella, viven en “uno de los últimos lugares auténticos” de la Gran Manzana, Chinatown. Un estudio de techos altos reinventado por él mismo (con ayuda de sus amigos) en vivienda. “Mucha gente busca un dormitorio bonito, yo prefiero tener un espacio grande y vacío en el que poder disparar”. Entre sus vecinos, sir Ryan McGinley (del que además de amigo también fuera asistente). Sus fotografías son una prueba gráfica de que la juventud no es forma, sino concepto, no es significante, sino significado. Y su casa, no iba a ser menos. If there’s one quintessential representative of what it means to be young, here and today, in planet Earth, that’s photographer Chad Moore (1987). His snaps capture the singularity of youth like no one else can, yours, mine, the neighbor’s, the one many wished to have lived; friendship, parties, sex, runaways, spontaneity, egotism and the pleasure of knowing no boundaries. Chad was born in Tampa, Florida; on the 24th of September 2008 he jumped on a train and moved to New York. After a long ride –“when you travel by train there’s no such thing as excess baggage”-, he landed on a friend’s couch in Williamsburg, in a time when you couldn’t even find a supermarket there. Many rolls of film have been developed since, exhibitions all over the world (New York, London, Paris, Amsterdam…) and even a book of his own, the essential Anyone In Love With You (Already Knows). It’s been a little bit over nine months since he and his dog, Stella, have been living in “one of the last great places in New York”, Chinatown. A high ceiling studio he transformed (with the help of his friends) into home. “A lot of people look for a nice bedroom; I rather have a big empty space where I can shoot”. Amongst his neighbors is sir Ryan McGinley; besides being his friend, he also worked for him as assistant. His photographs supply graphic evidence that demonstrates youth is not about form, but a concept, is not significant, but meaningful, and, of course, his house is a clear reflection of it.

chad-moore.com

When you think about home, the first image that comes to your mind is the house where you currently live in or the one where you grew up? This place, New York. Did you bring a lot of stuff from your previous house? I have a lot of stuff. I’m very sentimental. I save everything, which is something I’m trying to get better at. I have a t-shirt from when I was sixteen. I put everything in a storage room, but I still have a lot of stuff. When you have a storage you realize all the things you don’t use, I never go there to get anything, they’re just lying there. In your photographs we can see that your friends live in a really free and intense way, having fun, fearless. Would you have any of them as roommate? It depends on whom. I like being alone, though I’ve lived with some of the people in my pictures.

Do you think that it’s important to get away from the place where you grew up in? Definitely. Anything I could do in Tampa I did. I wanted more. Do you shoot at home or do you have a studio? This is also my studio. For me, taking pictures is just 10% of the job. Thinking about them and dealing with them is the other 90%. What’s your favorite part of the house? The red door. Do you have any artwork from other artists? Ryan McGingley, Jack Walls, a really cool painter. I just got a photo from Zóltan Jókay. Tell us about one of the best memories you have living in this house. I met my girlfriend here. I was photographing her for this magazine. Sounds super cliché. But I’ll say she asked me out.

By looking at your pictures, people might assume that your house is an ongoing party. Are you the type of person who likes to have people over, or you rather treat your home as the place where you can find some peace of mind and rest? On all of the places where I have lived, there’s people over all the time. But now that I’m older, I don’t want to be cleaning up after. Everybody drinks and smokes, but no one is going to clean on the way out. Then you wake up and you are like, fuck! I like to be alone. This is my bubble, where I hide from the world.

If there was a fire and you were forced to leave in a hurry, what would you take with you? This wood watermelon. My granddad made it. I never met him; he died the year before I was born.

Your friends are really important for you, since they are part of your work. Are they as present in your home as they are in your photographs? Yes, I have so many books and magazines that they have made for me, really cool birthday cards made with Photoshop...

If you could have any artwork in the world at home, which one would it be? I think I would be surrounded by Marc Hundley’s posters and Zóltan Jókay’s photographs.

Is there any particular song that makes you think about the house you grew up in? Seven Spanish Angels by Willie Nelson And a smell? The smell of lilies, they are my mom’s favorite flower and we always had them in my house growing up; now I buy them for me.

Do you remember the moment when you felt like, “I’m home”? When I got a couch. Describe to us the house where you see yourself growing older. I would love for it to be in New York, a big loft, or a brownstone apartment in the East Village.

Which artist do you think would be fun to have as a roommate? Jack Walls. Stephen King once said, “home is where you dance with others”. In your own words, how would your definition of home be? I love Stephen King. I think home is where you can dance by yourself.

Home is where you can dance by yourself.

Cuando piensas en el hogar, ¿cuál es la primera imagen que te viene a la cabeza: la casa en la que vives o en la que creciste? La casa en la que crecí. En Nueva York encontrar apartamento puede ser un deporte de riesgo. ¿Te costó encontrar este apartamento? Este barrio ha cambiado mucho en los últimos cuatro años. Creo que sería mucho más difícil encontrarlo ahora.

¿Crees que es importante alejarte del lugar en el que has crecido? Sí y no. Creo que es importante ser consciente del resto del mundo, pero también no perder el sentimiento de hogar. Mi idea del hogar es una conexión muy personal. Mi arte viene de algo muy personal. Mi familia es parte de mi trabajo. A veces quedarte donde creciste puede ser una cosa buena. Aquí nunca me ha faltado inspiración, así que mientras siga así no creo que me vaya a ir a ningún sitio.

¿Trajiste muchas cosas de tu previa casa? Sí. Puedo clasificarme como una persona que acumula demasiadas cosas así que intento deshacerme de lo que no necesito y no adquirir demasiadas más. Con los años me he quedado con lo que es especial para mí, como un mueble o libros. Me gustan las cosas antiguas más allá de mi trabajo.

¿Creas en tu casa o tienes un estudio? Mi estudio es mi casa.

Tus abuelos son una de las grandes inspiraciones de tu arte. ¿Los tendrías como compañeros de piso? Mis abuelos son personas muy divertidas. He convivido con ellos mucho a lo largo del tiempo así que ya sé lo que es vivir con ellos, y es genial.

Hay alguna parte de la casa o alguna actividad que te ayude airear la cabeza y dar con buenas ideas? No hay una parte especifica pero tengo mis rituales. Enciendo solo unas pocas luces para crear ambiente o enciendo un palo santo.

¿Cómo recuerdas tu infancia con ellos? Crecí con ellos y con mis padres. Todos estamos muy unidos. Ellos no reemplazaban a mis padres, sumaban. Fue muy divertido crecer con ellos, tienen un gran sentido del humor. Solíamos ver películas de Charles Chaplin, Woody Allen…

¿Cuál es uno de los mejores recuerdos que has vivido en tu apartamento? Tengo tantos buenos momentos que sería difícil escoger uno.

¿Hay alguna canción o algún olor que te recuerde a la casa en la que te criaste? Concierto para Clarinete de Mozart. Mi abuelo solía tocar el clarinete. Uno de mis recuerdos más divertidos siendo niño era bajar las escaleras hacia la cocina y escuchar siempre el sonido del café moliéndose mientras sonaba Mozart. Mirando tus pinturas es obvio que tienes una relación muy estrecha con tus abuelos. ¿Podemos ver esa conexión si miramos a tu casa? ¿Podemos encontrar cosas que pertenecieron a ellos o te regalaron? Sí. Tengo muchas cosas de ellos, la mayoría. Por ejemplo, este antiguo retrato de mis abuelos, este encendedor que perteneció a mi abuelo… También algunos libros, como este de los Hermanos Marx, álbumes de fotos familiares…

¿Crees que para un artista hay una conexión entre su arte y el hecho de sentirse en casa? La psicología que se esconde tras el significado de la palabra “hogar” es una plataforma importante para explorar a través de mi arte.

¿Cocinas en casa? Me gustaría saber cuánta gente responde que sí a esa pregunta en Nueva York. Cocino a veces. Tengo lo necesario para hacerlo. Soy bueno haciendo huevos revueltos para desayunar.

Si hubiese un incendio, ¿qué salvarías para llevarte contigo? El hard drive que estoy intentando terminar, si todo mi arte pudiese estar ahí dentro. Esperemos que no haya ningún fuego. Tu arte explora el significado de envejecer. ¿Cómo es la casa en la que te imaginas haciéndote viejo? Creo que me gustaría construir una casa a las afueras de la ciudad, en el campo. Me gusta la idea de tener la dualidad de la ciudad y al mismo tiempo una segunda residencia más conectada a la naturaleza. Si pudieses tener cualquier obra de arte en tu casa, ¿cuál sería? A medida que cambio, la respuesta a esta pregunta cambia también. Un año sería Caravaggio, otro Bacon o Kiefer. Creo que ahora mismo querría un Rothko. ¿Qué artista crees que sería divertido tener como compañero de piso? Dalí sería interesante. Stephen King dijo una vez que “el hogar es donde bailas con otros”. En tus propias palabras, ¿cuál sería tu definición de sentirse en casa? Para mí el hogar es dónde me siento yo mismo. En el fondo mi mayor casa está dentro de mí, en mi cuerpo, el lugar en el que me encuentro por dentro como individuo. Porque no importa cuánta gente conozcas o esté en tu vida, al final cuando te vas a dormir o te levantas, lo haces solo.

Jason Bard

YARMOSKY Uno de los efectos de la enajenación mental juvenil es creer que los padres de tus amigos son mejores que los tuyos. Eso sí, ninguno de nosotros hubiésemos cambiado a nuestros abuelos por nada del mundo. Los abuelos molan. En especial si eres Jason Bard Yarmosky (1987). Jason es de Poughkeepsie, Nueva York, donde se crió con sus padres y sus abuelos. De estos últimos no solo recibió un amor incondicional, sino también un gran sentido del humor, grandes dosis de Mozart, los hermanos Marx, Woody Allen y, el mayor regalo de todos, inspiración. En sus impresionantes pinturas podemos ver a sus abuelos pasándoselo bien, por ejemplo, disfrazados de Batman, él y conejita sin complejos, ella. Sí, Jason encontró en casa aquello que muchos recorren el mundo entero buscando. Hace tiempo que abandonó el nido, aunque sigue “hablando con ellos cada día”. Ha paseado a sus abuelos (pictóricamente hablando) por galerías y festivales en Nueva York, California, Bélgica, China, etc. Infinidad de medios de arte de todo el mundo se han hecho eco de su obra, llegando a protagonizar la portada del número 104: WALK OUTSIDE de lamono. Desde hace 4 años vive en un estudio en East Williamsburg, Nueva York. Reconoce que su debilidad por las “cosas antiguas va más allá de su arte”. Basta con echar un vistazo a su hogar para darse cuenta de que indudablemente tiene un don para descubrir la belleza en lo antiguo. Brochazo a brochazo, Jason no solo eleva el paso del tiempo a la categoría de arte, sino que nos invita a entrar, bajar las luces, mirar a la vejez a los ojos y decirle sin miedo: esta noche tú y yo nos lo vamos a pasar muy bien. One of the main symptoms of the mental alienation we all suffer from throughout our youth, is the belief our friends’ parents are better than our own. Quite the opposite happens with our grandparents, them we wouldn’t change for anything in the world. That’s because grandparents are cool, especially if you are Jason Yarmosky (1987). Jason was born in Poughkeepsie, New York, where he was raised by his parents and grand folks; from the latter, he didn’t just only received unconditional love, but a great sense of humor, big doses of Mozart, the Marx brothers, Woody Allen and the best present one can be endowed, inspiration. Depicted on his incredible paintings, we can see them having fun, for example, dressed up, him as Batman, her, as an unapologetic bunny. Without a doubt, Jason found that which many travel the world looking for in his own home. Though he left the nest long ago, he still “talks with them every day”, and has toured them (pictorially) through galleries and festivals in New York, California, Belgium, China, etc. Countless art media around the world have referenced his work; he was even granted the cover of lamono #104, WALK OUTSIDE. For the last four years he has been living in a studio in East Williamsburg, New York. He admits his soft spot for “everything that’s vintage goes beyond the subject matters on his works”. Just by looking around his house it’s clear he has a gift to discover unprecedented beauty on what’s old. Brushstroke after brushstroke, Jason not only heightens the passage of time and converts it into art, but as well welcomes us in, dimmed lights, to look at old age eye to eye, and speak fearlessly, “tonight, you and I, are going to have a great time”.

www.jasonyarmosky.com

The psychological meaning behind the word "home" is a powerful platform to explore my art

When you think about home, the first image that comes to your mind is the house were you currently live in or the one where you grew up? The home I grew up in.

Staying where you grew up sometimes can be a good thing. There’s never been a lack of inspiration for me here, so as long as that is the case, I don’t see myself longing to leave.

In New York, going apartment-hunting is very similar to practicing any extreme sport. Was this apartment hard to find? The neighborhood has changed over the past four years a lot. I think it would be harder today.

Do you think that for an artist there’s a connection between his/her art and the feeling of being at home? The psychological meaning behind the word "home" is a powerful platform to explore my art.

Did you bring a lot of stuff from your former house? Yeah. I also tend to fall into the category of a hoarder, so I try to get rid of things that I don’t need, or not acquire so many things. But I think that the thing’s I’ve caught over the years, maybe a piece of furniture, or some books, is because they’re special for me. I like a lot everything that’s vintage, beyond the subject matters on my works. Your grandparents are one of the main inspirations for your work. Would you have them as roommates? They are a lot of fun. I’ve stayed with them a lot over time, so I know what it’s like to live with them. They’re pretty cool. How was your childhood growing up with them? I grew up with them and my parents. We were all very close. They weren’t a replacement for my parents; they were an addition. It was fun growing up with them. They have such a great sense of humor. Charles Chaplin or Woody Allen… We used to watch all these movies. Is there any particular song or smell that reminds you of the house where you grew up in? Mozart’s Clarinet Concerto. My grandfather used to play the clarinet. When I was a kid, my oldest most fun memory I can think of, was staying over at their house, it was a big house. I remember coming downstairs, to the kitchen, and I remember listening to the sound of coffee beans grinding and Mozart playing out loud. I kind of have a ritual when I get up, making coffee and playing Mozart. That makes me feel like home. Looking at your artwork, it’s obvious that you are very close to your grandparents; is that connection present in your home? Do you have things that belonged to them or that they gave you as a gift? Yes, a lot of things, most of the things. I have for example this old picture of my grandparents, my grandfather’s lighter… I have some books from him, like this one from the Marx Brothers, photo albums with family pictures… Do you think that it’s important to get away from the place where you grew up in? Yes and no. I think it’s important to be aware of the rest of the world, but also hold home close to yourself. For me, the idea of home is a very personal connection. My art comes from something very personal. My family is part of my work.

Do you create at home or do you have a studio? My studio is also my home. Is there any part in your house, or do you have any activity, that helps you free your mind and come up with good ideas? There’s not one specific place, but I have my rituals. I put on a few lights, not too bright to create a mood ambiance or burning palo santo. What’s your favorite part of the house? The rooftop. Tell us about one of the best memories you have living in this house. I have so many great memories here that it would be hard to pick a specific one. Do you cook at home? I would love to know how so many people say yes to that question in New York. I do sometimes. I have the set up. I’m good at scrambled eggs at breakfast time. If there was a fire and you were forced to leave in a hurry, what would you take with you? Maybe my hard drive, if everything I’ve done, with my art, could be there. Hopefully there will be no fire. Your artwork explores the meaning of aging. How is the house where you see yourself growing older? I think I would like to build a place upstate, somewhere in the countryside. I like the idea of duality: living in the city, but also having some outlet that is more connected to nature. If you could have any artwork in the world in your home, which one would it be? As I change, the answer to this question changes. One year it would be a Caravaggio, the next one a Bacon or a Kiefer. I think right now I would want a Rothko. Which artist (dead or alive) do you think it would be fun to have as a roommate? I would have to say Dali has an appeal. Stephen King said once “home is where you dance with others.” In your own words, what would be your definition of home? Home for me is where I feel myself. Ultimately, my biggest home is within, my body, where I am internally as an individual. Because it doesn’t matter how many people you know, or are in your life, at the end of the day, when you go to sleep, when you wake up, you’re alone.

T: DAVID GONZÁLEZ

AMANDINE URRUTY Un hogar con vistas al interior Somos nuestra casa. El hogar como lugar al que deseamos regresar. También, el sitio del que necesitamos, de vez en cuando, salir. Un hogar es nuestro refugio. Un caparazón que habitamos internamente y que contiene todo lo amargo y todo lo dulce de nuestra esencia. Entre las paredes de nuestra casa habitan ordenada y, otras, desordenadamente fantasmas, momias y niños que fuimos, que quisimos ser y que nunca seremos. Todavía viven recuerdos en forma de objetos y juguetes que hoy, convertidos en grandes reliquias, tienen un valor sentimental inalcanzable. Un juguete que esconde una emoción, la broma de aquel día o el tótem protector que veneramos durante toda nuestra infancia. Volver a casa es recordar nuestra niñez. Es vivir nuestro presente. Es donde habitan, además, nuestros miedos, ansiedades, alegrías y sueños. Donde compartimos la soledad y las personas imprescindibles en nuestra vida. El hogar es crear un universo en el que damos cabida a todo lo anterior, como lo muestra la artista Amandine Urruty. El hogar es un reflejo de quien somos. Nuestros principios, fortalezas y vulnerabilidades Y el que si no estás seguro de entender mejor ponerse botas de goma, por si pudiera haber barro. We are our own abode, the home to which we ache to return. Also the place we sometimes need to escape from. Home is our refuge. A shell we inhabit internally and which contains all of the bitter and the sweet of our own essence. Amongst the walls of our house, ghosts, mummies and the children we once were, wanted to be and will never become, inhabit. Memories in the shape of objects, and toys that have become essential relics with a deep sentimental value still live there. A toy may hide an emotion, the prank of a given day, or the protecting totem that we revered throughout our childhood. Being back home is recalling our youth; is reliving our present. As well, is the place where our fears, cravings, joys and dreams reside. Where we share the loneliness and the essential people in our lives. As artist Amandine Urruty has let us know, home is creating a universe where all of the latter dwells in. Home is a reflection of who we are, our principles, strengths and weaknesses. And just in case you are not sure you understood the concept thoroughly, you better put on your rubber boots, there might be mud.

www.amandineurruty.com

Mi Sweet Home sería cálida, polvorienta, habitada por salchichas y momias, llena de comadrejas de peluche, lienzos feos y queso.

¿Qué consejos nos daría Amandine Urruty antes de sumergirnos en su universo dibujado? Poneros botas de goma, puede haber barro. Toda tu obra está repleta de personajes misteriosos, niños peculiares, seres atípicos, además de escenarios intrigantes. ¿Existe alguna vinculación entre el hecho de que la cama sea tu espacio de creación y ese ambiente onírico trasladado en tus dibujos? Creo que mi manera de trabajar no carece de significado, nunca dejo mi cama, incluso a veces me quedo dormida debajo de mis dibujos. Sin embargo, rara vez dibujo mis sueños, es decir, de manera literal. Pero mi habitación se ha convertido en mi paraíso seguro. Es calmada, suave y cálida. Nunca dejo que nadie entre mientras estoy trabajando; debo maximizar mi confort y concentración. Me imagino que es por eso que no trabajo con música. La música es una distracción, y debo estar concentrada, con la cabeza en blanco. Justo como cuando empiezas a quedarte dormido. En tu obra abunda la figura de los niños y elementos característicos de la infancia. ¿Hay en ello una idea nostálgica de querer regresar a esa época o se trata más de una manera de conectar con el niño que todos llevamos dentro? Para ser honesta, no soy realmente nostálgica por mi infancia. Fue un poco una mierda, triste. Tal vez es por eso que amo hablar de la niñez en mi dibujos, porque para mí fue un periodo de emociones encontradas: felicidad pura, placeres ingenuos, pero también miedos terribles, melancolía y dolor social (todos estos niños “inocentes” pueden ser terriblemente malvados, todos lo sabemos). También me gusta resucitar mi juguetes antiguos por la mismas razones: los juguetes de los ochenta (y los monstruos) eran mitad monos y mitad miedosos. Es esta sensación paradójica la que intento transmitir. Tu universo creativo recuerda a la obra de El Bosco o a Leonardo Da Vinci, entre otros. ¿Qué referencias han sido las que te han ido inspirando para crear este universo paralelo? Por supuesto El Bosco ha sido una influencia innegable para mí, pero también debo mencionar a David, Ingres, Brueghel, Delacroix, Géricault, y más, generalmente, el Renacimiento italiano y flamenco, y el Neo Clasicismo francés. Me encanta inspirarme en estos universos clásicos para construir el mío, ¡aunque no puedo competir con ellos! Paralelamente a estas referencias de museo, me encantan las películas de terror (crecí en ese ambiente, mi padre era una gran fan de Romero y de Rammstein), los shows de televisión sobre asesinos, El Show de los Muppets, Cuentos de la Cripta, Mi Pequeño Pony, Food Fighters y los Garbage Pail Kids. Los personajes de tus dibujos siempre posan como en un retrato Victoriano. ¿Qué se obtiene al retratar tus personajes más de manera estática que en escenas en movimiento? Siempre me ha encantado el concepto de posar, tanto en las pinturas clásicas como en las fotografías de finales del siglo diecinueve. Para mí, este aspecto marmóreo le da un poder innegable a las imágenes, las hace más impresionantes, solemnes y fascinantes. Claro que ese es sólo mi punto de vista, pero es lo que me gusta. Sabemos que la música ha formado una parte importante en tu vida. ¿Qué canciones pondrías de fondo a los personajes que posan en tus dibujos? The Threepenny Opera, de Kurt Weill, y especial-

mente Mack The Knife, ¡canto esa canción todo el día! Es mi himno actualmente. Alabama Song, de Kurt Weill también, Burt Bacharach, bandas pop como The Free Design y los Beach Boys y grupos Krautrock como Faust, Can y Neu!, Soft Machine, Robert Wyatt, todas las canciones de Claudine Longet y especialmente Ain’t No Mountain High Enough. Muchas veces atribuimos una gran cantidad de color a los mundos creados y fantásticos. Sin embargo, tus dibujos son monocromáticos. ¿A qué se debe esa ausencia de color más allá del blanco y negro? Mis primeros trabajos eran en blanco y negro, pero eran un poco diferentes a los recientes, más toscos, menos precisos, hechos con bolígrafos y no con lápiz, con pequeñas líneas y menos gradaciones. Por ese entonces juraba que nunca utilizaría color otra vez. Pensaba que los dibujos en blanco y negro eran dramáticamente más elegantes. Y más profundos también. Cambié de parecer tan sólo un año después, y empecé a realizar trabajos muy coloridos con lápices fluorescentes. Creía que esos colores fuertes como el arco iris formaban parte de un “plan mágico de pensamiento”. Fue una manera infantil de enfrentarme con un nuevo (y muy triste) periodo por el cual pasé. Me sumergí en el rosa azúcar y amarillo neón por dos, produciendo suficientes dibujos para publicar un libro de 128 páginas llamado Robinet d’Amour. Cuando mi padre finalmente murió, decidí regresar al blanco y negro. Definitivamente. Puede parece Emo, pero ¿a quién le importa? Quería regresar a mi primer amor. Hoy en día no creo que vuelva a utilizar color. Me gusta mucho el grafito, tiene posibilidades infinitas. Y me encanta la idea paradójica de crear universos “pop” en blanco y negro. En tu obra vemos una serie de elementos simbólicos que forman parte de tu lenguaje creativo. Apreciamos que el elemento de la casa o del ladrillo están muy presentes, así como la peculiar nariz de los niños. ¿El simbolismo de tu obra está relacionado con una cuestión autobiográfica o tiene más que ver con una historia que tratas de plasmar? Estos simbolismos siempre están conectados con emociones, chistes, eventos singulares, aunque parecen más claros en retrospectiva. Todos estos fantasmas, momias, personajes con cara de ladrillo, me acompañan desde hace mucho tiempo. Aunque creo que no sería sabio revelarme a mí misma el significado real de estos simbolismos. Como Nietzsche dijo: “Una cosa que queda explicada deja de interesarnos”. Para mí el arte nunca trata de entendimiento, sino de misterio. ¿Qué te ha aportado y permitido a nivel personal la creación de un mundo totalmente subjetivo construido probablemente desde la profundidad del subconsciente? Es una pregunta difícil, ya que no sé mucho de psicoanálisis. Asumo que dibujar me ha ayudado a superar algunos obstáculos en mi vida, siempre me permitió capturar en papel mis obsesiones, mi enojo, mis remordimientos, mis miedos. En ese sentido es una actividad que me calma. De todas maneras, no quiero excavar más profundo. Prefiero mantener mi enfoque espontáneo y divertido. A propósito del tema de este issue en el que nos encontramos, ¿Cómo sería una SWEET HOME habitada por el universo de Amandine Urruty? Sería cálida, polvorienta, habitada por salchichas y momias, llena de comadrejas de peluche, lienzos feos y queso.

What advice would Amandine Urruty give us before we delve into her drawn universe? Put on your rubber boots, there might be mud. Your works teem with mysterious characters, peculiar children, atypical beings… Besides that, intriguing scenarios. Is there some link between the fact that your bed is your creative space and that dream-like environment conveyed on your drawings? I guess that my way of working is not without significance, I never leave my bed, and I even fall asleep under my drawings sometimes. However, I rarely draw my dreams, I mean, literally. But my bedroom has become my safe haven. It’s calm, soft and warm. I never let anyone get in while I’m working; I need to maximize my comfort and my concentration. I guess that’s also why I don’t work with music. Music is a distraction, and I need to be focused, with an empty head. Just like when you’re beginning to fall asleep. The figure of children and characteristic elements of childhood are numerous within your drawings. Is it because there is some nostalgic idea of wanting to go back to that period of life or is it a way to connect with the child we all have inside? To be honest, I’m not really nostalgic about my childhood. It was a bit shitty, a bit sad. Maybe that’s why I love talking about childhood in my drawings, because to me it was a period of mixed feelings: pure joy, naive pleasures but also terrible fears, melancholy, and social pain (all these “innocent” children can be terribly mean, we all know that). I also love to resuscitate my vintage toys for the same reasons: eighties toys (and monsters) were often half cute, half scary. It’s this paradoxical feeling that I try to re-transcribe. Your creative universe reminds us of Bosch or Leonardo Da Vinci, amongst others. Which references have been the ones that inspired you to create this parallel universe? Of course Bosch is an undeniable influence for me, but I must also mention David, Ingres, Brueghel, Delacroix, Géricault, and more generally, Italian and Flemish Renaissance and French Neo Classicism… I love to get inspired by these classical universes to construct mine, even though I can’t compete with them! Parallel to these museum references, I love horror movies (I was brought up in that atmosphere, my father was a huge fan of Romero - and of Rammstein), TV shows about serial killers, The Muppet Show, The Tales from the Crypt, My Little Pony, Food Fighters and the Garbage Pail Kids. The characters in your drawings are always posing, as if they belong in a Victorian portrait. What do you get from depicting them in this aesthetic way, rather than in scenes that convey movement? I have always loved the « pose » concept, both in classical paintings, as well as in the first photographs from the end of the 19th century. To me this marmoreal aspect gives an undeniable power to the pictures, it can make them more impressive, solemn and fascinating. Of course, that’s only my point of view, but that’s what I love. We know that music has played an important part in your life. Which songs would serve as the soundtrack for the characters in

your drawings? The Threepenny Opera by Kurt Weill, and especially Mack The Knife. I keep singing this song all day long! It’s my current anthem. Alabama Song by Kurt Weill too, Burt Bacharach, sunshine pop bands like The Free Design and the Beach Boys, Krautrock bands like Faust, Can and Neu!, Soft Machine, Robert Wyatt, all Claudine Longet’s songs and especially Ain’t no Mountain High Enough. Many times, we endow a great deal of color to our made-up and fantastic universes. Nonetheless, your drawings are monochromatic. What’s the reason behind that absence of color? My very first works were in black and white, but they were slightly different from the recent ones, more rough, less precise, made with pens and not pencils, with little lines and less gradations. At that time I used to swear I would never use color anymore. I used to think that black and white drawings were dramatically more elegant than color pictures, and truly deeper too. I changed my mind only one year later, and I began producing very colorful pictures with fluorescent pencils. At that time I thought these loud colors and rainbows were part of a “magical thinking plan”. It was a childish way to cope with a new (and so sad) period I had to face. I really immersed myself in candy pink and neon yellow for two years, producing enough drawings to publish a 128 pages book called Robinet d’Amour. When my dad finally died, I decided to go back to black and white. Definitely. It could seem Emo but who cares? I wanted to go back to my first love. Today I don’t think I’ll use color anymore. I love graphite too much; it has endless possibilities. And I love the paradoxical idea of creating a “pop” universe in black and white. Amongst your works we can find a series of symbolic elements that constitute your creative language. The depiction of a house or a brick is very present, also the peculiar nose the children have. Is this symbolism autobiographic or it has to do with the story you are trying to tell? This symbolism is always connected to feelings, jokes, singular events, even though it seems clearer in retrospect. All these ghosts, mummies, brick-faced characters, accompany me since a long time now. But I think it would be unwise to unveil these symbols’ real signification to me… As Nietzsche once said, “A thing that is explained ceases to concern us”. To me Art is never about understanding. It’s all about mystery. What has the creation of a totally subjective world, probably from the depths of your subconscious, offered and allowed you on a personal level? That’s a difficult question, as I’m not particularly versed in psychoanalysis. I assume that drawing has helped me to overcome some obstacles in my life, it always allowed my to capture on paper my obsessions, my anger, my regrets, my fears. In that sense it’s a soothing activity. Anyway, I don’t really want to dig deeper. I prefer to keep my approach spontaneous and funny. In relation with our theme this issue, how would a SWEET HOME inhabited by the universe of Amandine Urruty be? It would be warm, dusty, inhabited by sausages and mummies, filled with stuffed weasels, ugly canvases and cheese.

A Sweet Home would be warm, dusty, inhabited by sausages and mummies, filled with stuffed weasels, ugly canvases and cheese.

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T: FELIPE DUARTE

La IGLESIA de SATÁN Un hogar en la oscuridad En 1966 Anton LaVey fundó la Iglesia de Satán en la Casa Negra, el lugar elegido para brindarle un hogar a los Satanistas. Ubicada en San Francisco, allí se realizaban seminarios y rituales, todo bajo la códigos erguidos en la religión codificada en la Biblia Satánica. LaVey murió en 1997, pero desde entonces la organización sigue funcionando y ganando adeptos. Considerados a sí mismos como “ateos escépticos”, promueven el individualismo y la búsqueda de la verdad. Hoy en día se encuentran ubicados en Hell’s Kitchen, en la ciudad de Nueva York. Tuvimos la oportunidad de hacerle unas preguntas al Reverendo M. A. Mandrake, uno de los líderes de esta orden, quien nos ofreció ciertas luces sobre esta religión que busca brindarle un hogar a quienes antes eran considerados heréticos, paganos o librepensadores. In the year 1966 Anton LaVey founded the Church of Satan in the Black House, the place chosen to provide a home for all Satanists. Located in San Francisco, seminars and rituals were celebrated there, all under the principles established by the religion codified in the Satanic Bible. LaVey died in 1997, but since then the organization has keep on operating and gaining followers. They consider themselves as “skeptic atheists” and embrace individualism and the search for truth. Nowadays they are located in Hell’s Kitchen, New York. We had the opportunity of asking a few questions to Reverend M. A. Mandrake, one of the leaders of the order, who offered us an insight into this religion that aims to provide a home for all of those who were formerly accused of being heretics, pagans and freethinkers.

www.chruchofsatan.com

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Tras leer algunos de vuestros textos, podemos afirmar que el Satanismo se basa en la práctica de la indulgencia en vez de la abstinencia. ¿Podría explicar este principio más a fondo? El Satanismo enaltece nuestra condición carnal y natural a través de ciertos principios y simbolismos. Este alineamiento consciente con el punto de vista Satánico le brinda a nuestras vidas como animales humanos un significado religioso. El Satanista dota la vida diaria con una conciencia apasionada, a través de la búsqueda del placer en sus muchas formas. Nos entregamos a la indulgencia en la cocina, en las artes, en la sexualidad, y demás placeres de acuerdo a nuestras preferencias individuales. No se trata de un hedonismo descontrolado, sino de un gozo Epicúreo que se enfatiza en la responsabilidad y el balance. Esto contrasta con la mayoría de religiones, que tienden a promover la abstinencia en nombre de la espiritualidad, resultando en deseos reprimidos que suelen aflorar como compulsiones descontroladas. A través de la indulgencia disfrutamos de vidas más saludables y plenas.

de auto-negación compulsiva. Esto puede ser debido a que la libertad requiere responsabilidad personal, un principio fundamental del Satanismo. Promovemos los retos de una vida definida dentro de nuestros términos individualistas.

¿Qué posición tiene La Iglesia Satánica sobre la moral y la ética? El Satanismo enfatiza en la responsabilidad personal. Valoramos el contrato social donde cada individuo tiene la libertad de hacer lo que desee dentro de los confines de la ley, mientras que estas acciones no violen la libertad de los demás. Cuando este acuerdo es violado, avocamos por la Ley del Talión como nuestro estándar de justicia. Mientras sea posible, las consecuencias de un crimen deben reflejar la severidad del comportamiento problemático. Esto se basa en la ley natural. Nuestra moral es relativa, mas nuestra ética promueve un comportamiento responsable y dentro de los códigos legales.

En el mundo en el que vivimos, y a través de una visión periférica sobre la sociedad, ¿dónde podemos ver los principios del Satanismo proliferar? Los principios del Satanismo están arraigados en el ser humano animal y su posición dentro del universo natural. Así, entonces, se pueden ver aspectos del Satanismo dentro de cada campo de la actividad humana. Sin embargo, estos elementos Satánicos suelen ser vilipendiados y suprimidos tanto a niveles religiosos como seculares. Cuando no lo son, suelen llevarse a excesos irresponsables. Los Satanistas enaltecen el individualismo, la búsqueda del placer, la meritocracia, el gobierno secular, el balance de justicia, y otros conceptos promulgados por números cada vez más grandes de personas alrededor del mundo. Muchas sociedades todavía reprimen varios de estos principios naturales y racionales, aunque su influencia persista y muchas veces aflore.

De acuerdo al Satanismo, ¿dentro de qué premisas podemos encontrar la razón de ser del ser humano? El Satanista es su propio dios, queriendo decir que cada uno es el centro de un universo subjetivo. El universo objetivo es indiferente, gobernado por la física y la biología, sin ningún propósito discernible más allá de la acción y reacción. Puesto que rechazamos cualquier prescripción sobrenatural para el “significado de la vida”, depende de nosotros como individuos determinar nuestro sistema personal de valores. Creemos que tiene sentido organizar la vida propia para maximizar los placeres saludables y minimizar cualquier tipo de sufrimiento innecesario. Habiendo dicho eso, lo que motiva a un Satanista puede ser intrascendente o incluso objetable a otro. Después de todo, somos individualistas. ¿Existe tal cosa como el “bien” y el “mal”, o simplemente las consecuencias de nuestros actos? Nuestros estándares morales van más allá del “bien y el mal”, parafraseando a Friedrich Nietzsche. Juzgamos todo de acuerdo a cómo nos afecta a nosotros como individuos, y a quienes nos importan a nivel personal. En lugar de conformarnos con un estándar dualístico, buscamos una “Tercera Vía”. Este es el término que utilizamos para una evaluación más racional y matizada de todo aquello que observamos. Con esto en mente, juzgamos las acciones de todos, incluyendo las propias, de acuerdo a nuestro sentido Satánico de justicia. ¿Qué es la esclavitud y qué es la libertad? La esclavitud tiene una historia amplia y variada en cuanto a práctica y concepto. Afortunadamente, hoy en día raramente existe como la posesión de personas como propiedad. Entonces aquello fue una injusticia generalizada. Anton LaVey enmarcó la esclavitud dentro del sentido sadomasoquista, como la rendición voluntaria a un maestro escogido libremente. Esta es una dinámica que muchas veces define las relaciones íntimas, propiamente en el BDSM. Yo definiría libertad como la habilidad de poder tomar decisiones propias. Cualquier persona en su sano juicio tiene mucha libertad. Sin embargo, muchas de ellas prefieren rechazarla a favor del colectivismo y otras maneras

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¿Es posible que el ser humano sea esclavo de sus deseos y pasiones? De ser así, ¿hasta qué punto el Satanismo promueve la indulgencia? Nuestro lema principal es “indulgencia, no compulsión”. Somos realistas, así que entendemos la posibilidad de caer en comportamientos excesivos. Pero como con todo, hay consecuencias. Violar el contrato social puede acarrear dificultades personales. Infringir la ley puede resultar en prisión, o incluso peor. A nivel meramente individual, las compulsiones nos pueden llevar al malestar, la enfermedad o la muerte. El Satanista asume la responsabilidad personal de estas repercusiones, y es así, entonces, alentado a practicar la moderación en todas las indulgencias.

El Satanismo fomenta la venganza en contra de los enemigos. ¿Cuál es la diferencia entre vengarse e imponer límites? El Satanismo aboga por el civismo, así que hacemos nuestro máximo esfuerzo por vivir y dejar vivir. Sin embargo, siempre habrá personas que violen este contrato social en diferentes grados. Cuando esto sucede, emplearemos todos los medios legales necesarios para defendernos a nosotros mismos y a quienes amamos. Esto es de acuerdo con el principio Satánico de responsabilidad y justicia, que respalda la ley y el orden. ¿Dónde se encuentra el hogar de los Satanistas? Los Satanistas viven alrededor del mundo y en todo tipo de hogares. Estas moradas suelen reflejar nuestras personalidades e intereses únicos. Avocamos por el desarrollo de ambientes completos; espacios diseñados para evocar una estética que ofrezca alegría a sus ocupantes. Esta estética está arraigada tradicionalmente en nuestro ECI (por sus siglas en inglés) personal: Inercia de Cristalización Erótica (o Emocional). El ECI de cada uno consiste en las preferencias musicales, de vestimenta, decoración, y otros estímulos que son establecidos a temprana edad. Mejoramos nuestras vidas al rodearnos con estos placeres duraderos, en vez de seguir tendencias ciegamente. Estudios han demostrado que esto incluso puede ayudar a las personas a vivir más y gozar de mejor salud, justo como LaVey conjeturó. El Satanismo puede ser considerado como el empoderamiento del hombre como especie, de sus pensamientos y acciones. ¿Existe alguna meta en común hacia donde este poder deba ser dirigido? El Satanismo fue formulado para empoderar a los individuos con quienes comulga. Nuestras metas son diversas y suelen ser altamente personales. Sin embargo, tenemos un Programa de Cinco Puntos, el cual delinea las metas más generales del Satanismo como movimiento. Promovemos la estratificación a través de la meritocracia, los

impuestos para todas las iglesias, el gobierno puramente secular, la proliferación de la compañía humana artificial, y la opción de vivir en un entorno completo. Animo a quienes estén interesados en la explicación más detallada de LaVey a leer el artículo “Pentagonal Revisionism” en ChruchofSatan.com. Todos estos puntos fueron diseñados para reducir la influencia del colectivismo institucionalizado, en aras de premiar el individualismo, el librepensamiento y la creatividad. Debido a que no existe tal cosa como la justicia divina, ¿qué clase de justicia hay? Ya que la que ejerce el hombre puede y de hecho falla muchas veces. La justicia no es sobrenatural; es natural. Cuando una persona viola las libertades de otra, el individuo afectado busca su defensa propia, como cualquier otro animal. Es por esto que la rabia no es un pecado. Es una respuesta instintiva que nos ayuda a protegernos. Aún así, se debe actuar de manera responsable. Las leyes seculares le permiten a los individuos ser libres de hacer lo que les plazca mientras que no afecten a otros de manera negativa. No obstante, el sistema legal tiene sus fallas. Esto es inevitable, ya que las personas cometemos errores. Sin embargo, muchos gobiernos continúan redefiniendo sus legislaciones para maximizar la libertad responsable. Esto suele ser gracias al activismo legal, lo cual es algo que los individuos Satanistas buscamos a veces, entre otras causas significativas personales. A lo largo de la historia, los hechos demuestran que ha habido más asesinatos y matanzas en nombre de Dios que de Satán, ¿qué tiene que decir al respecto? No existe razón para matar en nombre de Dios o de Satán, ya que ninguno de los dos existe. Los crímenes religiosos son motivados por la fe en una deidad, comúnmente llamada “Dios”, que en teoría premiará la exterminación de algo considerado como “malo”. El Satanista rechaza todas las creencias que llevan a las torturas sin sentido y a derramar sangre de manera innecesaria. Es importante aclarar que esto también aplica a las muertes políticas, que son causadas por el mismo tipo de fanatismo ciego. Nuestro símbolo de Satán representa el cuestionamiento a todas las formas de fe. No existe tal cosa como “asesinato Satánico”, porque como individuos racionales, los Satanistas promueven los estándares racionales de justicia. Los credos teístas, por otro lado, suelen exigir la erradicación de las creencias que no están a favor de las suyas. Esta irracionalidad explica el basto número de matanzas a través de los milenios en el nombre de Dios por aquellos que se consideran sus seguidores. Dentro de los Nueve Pecados Satánicos, el noveno se llama “La Falta de Estética”. ¿Hay alguna manera de describir en palabras las “configuraciones placenteras y armoniosas universales” de belleza y balance? La belleza como concepto tiene una gran y rica historia, y la ciencia moderna ha hecho grandes descubrimientos acerca de lo que nos place y estimula nuestros sentidos. El Número Áureo puede ser el principio de belleza más conocido. Se encuentra en muchas de las proporciones y patrones de la naturaleza. Ejemplos adicionales incluyen curvas suaves, ángulos marcados y ciertas armonías y ritmos en la música. La presencia, ausencia o distorsión de estas configuraciones puede influir en nuestra reacción hacia otras personas y nuestro entorno, incluso inconcientemente. El Satanista reconoce esta pistas y las aplica a través de lo que llamamos Magia Menor. (Magia Mayor es nuestro término para rituales de catarsis.) La Magia Menor también ha sido conocida como glamour o fascinación, y antes fue una forma bastante conocida de brujería. Utilizamos estos estándares como punto de partida, influyendo en otros y estimulándonos nosotros mismos a través de nuestra apariencia personal y nuestro entorno. Los Pecados Satánicos no son dogmas restrictivos, sino más bien comportamientos cuyas consecuencias son negativas para los Satanistas. La Falta de Estética es un pecado para nosotros

porque debilita al individuo y le resta valor a los placeres visuales de la vida. La estética es una fuerza primaria motivadora en la naturaleza, con la cual nosotros siempre buscamos trabajar. ¿Por qué cree que las personas suelen asustarse con el Satanismo? Antes de que el Satanismo fuese codificado por Anton LaVey, las personas acusadas de Satanistas solían ser heréticos, paganos, librepensadores, u otros inadaptados dentro de una sociedad mayoritaria y opresora. LaVey reexaminó esta acusación desde la perspectiva del villano. Él promulgó principios que siempre fueron considerados Satánicos, pero rechazó las fábulas empleadas para difamar a sus practicantes. No obstante, muchos de estos mitos negativos aún persistieron. Probablemente siempre será así, ya que estos practicantes son constantemente estigmatizados en la mayoría de las culturas. También hay razones más realistas de por qué las personas temen al Satanismo. Nosotros rechazamos todas las formas de fe, y avocamos por la responsabilidad personal en vez de la mentalidad de víctima, promovemos la meritocracia por encima de igualitarismo, así como el individualismo por encima del colectivismo, y nos estimulan los símbolos que muchas ideologías consideran ofensivos. Algunos aspectos del Satanismo podrían ser menos aterradores si no los dotáramos de simbologías tan provocativas, pero ese elemento es profundamente esencial para nuestra ideología. Tomamos el lado que se supone es malévolo pero de una manera racional, exponiendo la locura y la hipocresía que yace debajo de gran parte de la sociedad. Los Satanistas no hacemos proselitismo, pero nuestros principios influyen en el mundo. Aquellos que temen nuestra influencia lo hacen porque saben que no somos conformistas, que cuestionamos las creencias que ellos se esfuerzan por mantener en negación de la naturaleza misma. Pero al final, simplemente valoramos la libertad de hacer lo máximo con nuestras vidas individuales mientras podamos.

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Where is the home of the Satanists found? Satanists live all over the world in every kind of home. These abodes frequently reflect our unique personalities and interests. We advocate the development of total environments, which are spaces designed to evoke an aesthetic that brings joy to the occupants. These aesthetics are typically rooted in our personal ECI: Erotic (or Emotional) Crystallization Inertia. One’s ECI consists of preferences in music, clothing, decor, and other stimuli that are established early in life. We enhance our lives by surrounding ourselves with these enduring pleasures instead of blindly following trends. Research has shown that this may even help people to enjoy longer, healthier lives, just as LaVey surmised. Satanism can be considered as the empowerment of man (as a specie), its thoughts and actions. Is there some common goal upon which that power must be delivered? Satanism was formulated to empower the individuals with whom it resonates. Our goals are diverse and often highly personal. However, we do have a FivePoint Program that outlines the more general goals of Satanism as a movement. We advocate stratification through meritocracy, taxation for all churches, purely secular government, the proliferation of artificial human companions, and the option to live within a total environment. I encourage anyone interested in LaVey’s more thorough explanation to read “Pentagonal Revisionism” on ChurchofSatan. com. These points are all designed to reduce the influence of institutionalized collectivism while rewarding individualism, freethinking, and creativity. As there is no divine justice, what kind of justice is there? As the one provided by man may, and in many cases does fail. Justice is not supernatural; it is natural. When one person violates the freedoms of another, the afflicted individual seeks self-defense just like any other animal. That is why anger is not sinful. It is an instinctual response that helps us to protect ourselves. However, it must be acted upon responsibly. At their best, secular laws allow individuals the freedom to do anything that doesn’t negatively affect others who aren’t harassing or harming them. However, legal systems are often flawed. This is inevitable, since people do make mistakes. Nonetheless, many governments continue to refine their legislation to maximize responsible liberty. This is often thanks to legal activism, which is something that individual Satanists sometimes pursue among other personally meaningful causes. What do you have to say when facts show that there have been more assassinations in the name of God than in that of Satan? There is no reason to kill in the name of God or Satan, as neither exists. Religious crimes are motivated by faith in a deity, usually called “God,” that is supposed to reward the extermination of something considered “evil.” The Satanist rejects all beliefs that lead to such needless bloodshed and senseless torture. It is important to note that this also applies to political murders, which are caused by the same blind fanaticism. Our symbol of Satan represents the questioning of all forms of faith. There is no such thing as a “Satanic” assassination because as rational individualists, Satanists advocate rational standards for justice. Theistic creeds, on the other hand, often demand the eradication of beliefs that don’t favor their own. This irrationality explains the vast numbers of killings over millennia in the name of God by those who claim to be his followers. In the Nine Satanic Sins, the ninth sin is called ’Lack of Aesthetics’. Is there a way to describe or put into words the “universally pleasing and harmonious configurations” of beauty and balance? Beauty as a concept has a rich history, and modern science has discovered much about what pleases and stimulates the senses. The Golden Ratio is perhaps the best-known principle of beauty. It is found in many of nature’s patterns and proportions.

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THE SATANIST IS HIS OR HER OWN GOD, MEANING WE ARE EACH AT THE CENTER OF A SUBJECTIVE UNIVERSE.

Additional examples include soothing curves, threatening angles, and certain harmonies and rhythms in music. The presence, absence, or distortion of such configurations can inf luence our reactions to other people and our surroundings �even subconsciously. The Satanist acknowledges these cues and applies them through what we call Lesser Magic. (Greater Magic is our term for ritualized catharsis.) Lesser Magic has also been called glamor or fascination, both of which were once widely considered forms of witchcraft. We use these standards as a starting point, influencing others and stimulating ourselves through our personal appearances and environments. Satanic Sins are not a matter of dogmatic restriction, but are rather behaviors that have negative consequences for Satanists. Lack of Aesthetics is a sin for us because it disempowers the individual and detracts from life’s visual pleasures. Aesthetics are a prime motivating force in the natural world, and we always seek to work with nature. Why do you think people are often scared by Satanism? Before Satanism was codified by Anton LaVey, people were accused of being Satanists because they were heretics, pagans, freethinkers, or others who were misfits within an oppressive mainstream society. LaVey reexamined this accusation from the perspective of the so-called villain. He embraced principles that have always been considered Satanic, but rejected the fables used to slander these outsiders. However, many of these negative myths persist. Perhaps they always will, as outsiders are consistently stigmatized in most cultures. There are also more realistic reasons for which many people fear Satanism. We reject all forms of faith, advocate personal responsibility instead of a victim mentality, promote meritocracy over egalitarianism, embrace individualism over collectivism, and are stimulated by symbols that many ideologies consider offensive. Some aspects of Satanism might seem less frightening if we didn’t infuse them with such provocative symbolism, but that element is essential to the depths of our alignment. We have taken the side that was supposed to be evil, but in a rational manner that exposes the madness and hypocrisy underlying much of mainstream society. Satanists don’t proselytize, but our principles do influence the world. Those who fear our influence do so because we are nonconformists who question the beliefs they struggle to uphold in denial of nature itself. But in the end, we simply cherish the freedom to make the most of our individual lives while we still can.

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prescriptions for “the meaning of life”, it is up to us as individuals to determine a personal system of values. We think it makes sense to arrange one’s life to maximize healthy pleasures and minimize pointless suffering. That being said, what drives one Satanist may be inconsequential or even objectionable to another. After all, we are individualists. Is there such thing as “good” and “evil” or just the consequences of our actions? Our moral standards are “beyond good and evil,” to borrow a phrase from Friedrich Nietzsche. We judge everything according to how it affects us as individuals and others who matter to us on a personal level. Instead of settling for a dualistic standard, we look for a “Third Side”. This is our term for a more rational and nuanced evaluation of everything we observe. With this in mind, we judge everyone’s actions, including our own, according to our Satanic sense of justice. What is slavery and what is freedom? Slavery has a widely varied history as a practice and concept. Fortunately, it now rarely exists as the ownership of people as property. That was once a widespread injustice. Anton LaVey framed slavery in the sadomasochistic sense, as the willful submission to a master of one’s own choice. This is a dynamic that often defines intimate relationships, most transparently in BDSM. I would define freedom as the ability to make decisions for oneself. Anyone of sound mind has a great deal of freedom. However, most people seem to reject it in favor of collectivism and other forms of compulsive self-negation. Perhaps that is because freedom demands personal responsibility, a core tenet of Satanism. We embrace the challenges of a life defined according to our individualistic terms.

After reading some of the Satanist texts, we can affirm Satanism embraces the praxis of indulgence instead of abstinence. Could you please explain this principle further? Satanism augments our naturally carnal perspective through principles and symbolism. This conscious alignment with the Satanic point of view infuses our lives as human animals with religious significance. The Satanist brings a passionate awareness to daily life, which includes our pursuit of pleasure in its many forms. We indulge in cuisine, the arts, sexuality, and other delights according to our individual preferences. This is not uncontrolled hedonism, but an Epicurean enjoyment that emphasizes responsibility and balance. This is in contrast to most religions, which tend to promote abstinence in the name of spirituality, resulting in repressed desires that often surface as uncontrolled compulsions. Through indulgence, we enjoy healthier, more fulfilling lives. Which stand does The Church of Satan have upon morality and ethics? Satanism emphasizes personal responsibility. We value a social contract in which individuals have the freedom to do what they wish, within the confines of the law, as long as these actions do not violate another’s freedom. When this understanding is violated, we advocate Lex Talionis as our standard of justice. Whenever possible, the consequences of a crime should reflect the severity of that problematic behavior. This is based upon natural law. Our morality is relative, but our ethics outline a responsible, lawful code of behavior. According to Satanism, upon which premises can man’s raison d’être be founded? The Satanist is his or her own god, meaning we are each at the center of a subjective universe. The objective universe is indifferent, ruled by physics and biology, without any discernible purpose beyond action and reaction. Since we reject supernatural

Is it possible for man to become slave of its own desires and passions? If so, until which point is self-indulgence encouraged by Satanism? Our most fundamental motto is “Indulgence, not compulsion.” We are realists, so we understand that one can sometimes engage in excessive behaviors. But as with anything, there are consequences. Violating the social contract can lead to personal difficulties. Breaking local laws can result in imprisonment or worse. On a purely individual level, compulsions can lead to discomfort, illness, or death. The Satanist assumes personal responsibility for these repercussions, and is thus encouraged to exercise moderation in all indulgences. In the world we live today and upon a wide view athwart our society, where can you see the principles of Satanism proliferate? The principles of Satanism are rooted in the human animal and its position within the natural universe. One can therefore see aspects of Satanism within every realm of human activity. However, these Satanic elements are frequently vilified and suppressed on both religious and secular levels. When they aren’t, they are often taken to irresponsible excesses. Satanists champion individualism, the pursuit of pleasure, meritocracy, secular government, balanced justice, and other concepts embraced by increasing numbers of people around the world. Most societies still suppress many of these natural and rational principles, but their influence persists and sometimes flourishes. Satanism encourages vengeance upon one’s enemies. What is the difference between avenging and setting boundaries or limits? Satanism advocates civility, so we do our best to live and let live. However, there are always people who violate this social contract to varying degrees. When this happens, we will use any legal means necessary to defend ourselves and our loved ones. This is in accordance with the Satanic principles of responsibility and justice, which are supportive of law and order.

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T: ANTONELLA SONZA

ESTEVAN ORIOL RESPECT!

Si la historia lleva algo implícito, es el concepto de evolución. Vamos hacia adelante, sea en línea recta o con alguna sorpresa, pero hacia un destino que ahí está, latente, en algún lugar del futuro. El presente pasa rápidamente a convertirse en pasado, en un recuerdo de algo que nunca te perteneció, pero que por una efímera fracción de tiempo tuviste en la palma de la mano. Es todo tan rápido, tan sutil, tan irreversible, que dar valor a las cosas parece una pérdida de tiempo. ¿Para qué, si todo pasa? Posiblemente uno de los mayores estigmas del milenial es pensar así. En concebir la vida como si fuera una cuenta atrás, una mecha que se va consumiendo. Pero artistas como Estevan Oriol nos recuerdan que para avanzar también hay que saber mirar hacia atrás y dar importancia a todo aquello que te hace saber quién eres y dónde quieres estar. Solo cuando lo tienes claro puedes decir que tienes un hogar, un lugar en el mundo. Para él, Los Ángeles es ese punto en el mapa, allá donde las calles son impredecibles y donde cada rostro, cada tatuaje, y cada rincón, tienen algo que decir. Entre él, su objetivo y la ciudad no hay secretos: hay un diálogo orgánico que continua más allá del negativo y que comienza y acaba con una palabra: respeto. Respeto por las historias que cuenta, por la realidad de quién las vive, y por la tremenda tensión narrativa entre lo que está pasando y cómo congelarlo de la forma más fiel. Respeto por las ideas frescas, pero también por los cimientos. Ha sido testigo de los años dorados del hip-hop, un insider entre gangsters, y ha documentado la realidad de la cultura hispana en Los Ángeles. Respeto, en definitiva, por la experiencia. If history has proven something, must be the theory of evolution. We are moving forward, either in a straight line, or with surprises along the way, regardless, destiny lies ahead, awaiting, somewhere in the future. The present goes by fast, as it turns into the past, into a memory of something you never really held, but that for a fraction of a second was available, lying on the palm of your hand. Life proceeds so rapidly, so subtly, irreversibly, that endowing things with a certain value seems a waste of time. What for? If everything will end up vanishing. This certainly is one of the main stigmas present in the millennial mentality, which conceives life as a countdown, as a wick that slowly consumes itself, until all that’s left is oblivion. Fortunately, there are artists like Estevan Oriol, who constantly reminds us that in order to move forward it’s important to look backwards and appreciate the things that determine who we are and where we want to be. Because it’s only until we know this, that we can say we have a home, a place in the world. For him, Los Angeles is that physical location, the place where the streets become unpredictable and each face, each tattoo and each corner, have something to tell. Between him, his lens and the city, there are no secrets, instead, a natural dialogue that establishes beyond film unfolds, one that starts and culminates with one word: respect. Respect for the stories it tells, for the reality of the person that experiences them, and for the amazing narrative tension that spreads between what is happening and how to capture it in the most sincere manner; respect or the fresh ideas, but also for the foundations. Estevan witnessed hip-hop’s golden years, an insider amongst gangsters, and documented the reality about the Hispanic culture in L.A. Ultimately, it’s all about the respect one must profess for the experience and everything that comes with it.

www.estevanoriol.com

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Empezaste como bouncer en discotecas, gracias a ello estuviste presente muchas veces en el lugar adecuado para presenciar momentos importantes en la historia del hip-hop. Ahora tienes una larga trayectoria como fotógrafo, realizador e incluso cineasta y dueño de una marca de camisetas. ¿Cuál ha sido la clave de tu evolución artística? Trabajar tan duro como puedo y no dejar que las oportunidades pasen sin ser aprovechadas. También aprender de los errores de los demás, de personas que han estado en la misma situación que yo, así ahorro tiempo no cometiendo el mismo error, ya que habrán demasiados de ellos, yo cometeré los míos propios. Siempre estoy aprendiendo, nunca eres lo suficientemente viejo para no aprender algo nuevo, no creo en el refrán, “perro viejo no aprende nuevos trucos”. Pensar en positivo y creer en ti mismo. Tu padre, fotógrafo y pintor, fue una gran influencia para ti. En el año 2014 incluso compartisteis una exposición. ¿De qué manera fue una figura clave en tu carrera? ¿Qué consejo de los que te dio fue el más importante? Al darme mi primera cámara y decirme que lo intentara. Al principio no me llamaba la atención, hasta que empecé a ver los resultados y la reacción que las personas tenían al ver mis fotos. La dueña del laboratorio fotográfico donde imprimía algunas de mis imágenes, me dijo que las imprimiese en 16x20, para ver cómo se verían en grande, y las vendía en el laboratorio , luego, me dijo que estaba encaminándome hacia algo importante, que debía seguir por ahí, y lentamente eso fue lo que hice. Hicimos la exposición Like Father, Like Son en tres galerías diferentes, Carmichael Gallery en Culver, Los Ángeles, Carmichael Gallery East en Nueva York, y Dax Gallery en Costa Mesa, California. En las tres ciudades tuvo mucho éxito, tanto para nosotros como para las galerías. Tu trabajo tomó un giro documentalista cuando te introdujiste en la escena emergente del hip-hop en Los Ángeles y las pandillas de latinos. ¿Cómo afrontaste el reto de ser forastero dentro de estas comunidades? ¿Cómo te ganaste su confianza? Lo que sucede es que yo allí no era un forastero, fui el tour manager de House of Pain por tres años, de ahí pasé a ser el tour manager de Cypress Hill por otros diez, y su DJ medio tiempo, y tenía amigos que eran pandilleros, así que fue fácil tomarles fotos, pasaba mucho tiempo con ellos. casi que casi siempre tenía su confianza antes de sacar la cámara. El hip hop ha sido muy importante en tu carrera como fotógrafo y como tour manager de Cypress Hill, o al realizar video clips para Eminem. ¿Crees que, hoy en día, esa esencia old school está desapareciendo? Sí, y está desapareciendo rápido. Son los tíos de antes quienes intentan que se mantenga relevante, pero a las nuevas generaciones no les importa, solo piensan en ellos mismos, en el presente y el futuro. Nosotros somos como dinosaurios para ellos, fósiles. Hoy en día todo es milenial esto, milenial aquello, pero ya no hay experiencia de vida, hay algunas cosas que molan, buenas, procedentes tanto de ideas frescas como recicladas, pero creo que es importante promover lo old school, especialmente si las personas que lo representan aún son relevantes. Además del hip-hop, tus fotografías son como un retrato de la cultura latina en Los Ángeles, tu libro, L.A. Woman, es un ejemplo de ello. ¿De qué manera

crees que tus retratos los representan como cultura en su manera de ser? ¿Crees que tu trabajo ayuda a entender esta raza, que sufre debido al exceso de estereotipos? No sé en qué ayuda y en qué hace daño, simplemente capturo lo que me rodea, las cosas que veo. Algunas veces hago fotos de diferentes temas, y creo que debería hacerlo más. Eso fue básicamente lo que hice en el proyecto detrás de L.A. Woman, lo que estuvo genial fue que se me acercó la casa editorial DRAGO y tuve la oportunidad de hacer un libro sobre ello. Nunca sabes qué venderá y qué no, debes arriesgarte. Pasó un poco de tiempo hasta que el libro se empezó a vender, durante el primer año el editor estuvo un poco desanimado, pero cuando se agotó la primera tirada me preguntó cuándo haríamos el siguiente. Desde tus inicios, a lo largo de toda tu carera, has actuado como un testigo silencioso en muchas historias urbanas, incluyendo reuniones de pandillas y la realidad social que vive la comunidad latina. ¿Qué historia, o fotografía, te ha impactado más? He estado presente en muchas situaciones donde no he podido sacar la cámara, se trata de respeto. He visitado 56 países y presenciado algunas situaciones muy extrañas. Diría que en Kabul, Afganistán, es donde más tensión sentí, incluso si nada estaba pasando, y eso que he estado presente en algunos tiroteos mientras tomaba fotos. ¿Te consideras un fotógrafo documentalista? Sabemos que las calles son tu fuente principal de inspiración, ¿simplemente actúas como un observador o intentas transmitir un mensaje a través de tus imágenes? Diría que la fotografía documental y de retratos son mi especialidad. Me gusta hacer las dos. El camino al éxito es complicado. Para ti, ¿cuál ha sido el hito de tu carrera y el momento más difícil? Uno de los pináculos de mi carrera fue fotografiar a Robert De Niro y Al Pacino juntos para el poster de la película Righteous Kill. Ese mismo año obtuve los cinco trabajos por los que más dinero he ganado en mi carrera. Eso fue antes de que la economía colapsara y hubiera tantas cámaras digitales, biógrafos o redes sociales, no existía Instagram o Snapchat, sólo había Facebook. El monotema de esta edición es HOME SWEET HOME. ¿Cuáles son los recuerdos más especiales que tienes del hogar donde creciste? Cuando tenía tres años mis padres se divorciaron, tengo algunos recuerdos de ese entonces. A los nueve mi madre quedó discapacitada, así que era muy poco lo que podía hacer. Para mí, Sweet Home era llegar a casa y comer lo cocinado por ella; solía tener muchos deberes, ayudándola, y creo que eso fue lo que hizo que aprendiera a moverme y ser responsable. Quería trabajar duro para que no tuviésemos que luchar tanto, y eso he hecho desde entonces. Algunas personas dicen que el hogar es donde está el corazón. ¿Dónde está el tuyo? En Los Ángeles, California. Cuéntanos acerca de tus próximos proyectos. ¿Hay algo que nos puedas revelar? Tengo algunos libros y revistas que quiero empezar a publicar, también documentales, y realizar algo para televisión o películas. Ya tengo casi todo el material, solo debo editarlo y sacarlo.

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HOY EN DÍA TODO ES MILENIAL ESTO, MILENIAL AQUELLO, PERO YA NO HAY EXPERIENCIA DE VIDA, HAY ALGUNAS COSAS QUE MOLAN, BUENAS, PROCEDENTES TANTO DE IDEAS FRESCAS COMO RECICLADAS, PERO CREO QUE ES IMPORTANTE PROMOVER LO OLD SCHOOL, ESPECIALMENTE SI LAS PERSONAS QUE LO REPRESENTAN AÚN SON RELEVANTES.

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You started as a club bouncer and, because of that, were in the right place, able to witness many important moments in the history of hip-hop. Now, on your back lies a vast career as photographer, video director, even filmmaker and t-shirt brand owner. Which is the key behind your artistic evolution? Work as hard as I can and not let opportunities pass me by. Also learn from other people’s mistakes, people that have been in my shoes before me, so I don’t have to waste time making the same mistakes myself, because there’s going to be plenty of them, I’ll make my own. I’m always learning; you’re never to old to learn something new, I don’t believe in the saying, “you can’t teach an old dog new tricks”. Think positive, and believe in yourself. Your father, photographer and painter, had a huge influence on you. In the year 2014 you even shared an exhibition. In which ways was your father crucial in your career? Which piece of advice that he gave you was the most significant? By giving me my first camera and telling me to just try it. I wasn’t into it at first, until I started seeing the results and people’s reaction to my photos. The woman who owned the photo lab where I printed some of my photos told me to print them 16x20, to see how they would look big, and sold them at the lab, after that she told me I was onto something and that I should pursue it, and so I did it slowly. We did the Like Father, Like Son exhibition in three different galleries, Carmichael Gallery West in Culver City, Carmichael Gallery East in New York, and Dax Gallery in Costa Mesa. All were a very big success, for both of us and the galleries. Your work took a documentalist turn when you introduced yourself into the hip-hop scene that was emerging in L.A. and the Latino gangs. How was the challenge of being an outsider? How did you win their trust? That was the thing, I was an insider, I was the tour manager of House of Pain for three years, from there I went on to become the tour manager for Cypress Hill for ten years and their part time DJ, and I had friends that were gangsters, so it was easy to take their pics, I was with a lot of them. So for the most part I had their trust before there was a camera involved. Hip-hop has been very important in your career as a photographer and road manager for Cypress Hill, or directing videos for Eminem. Do you think nowadays that old school essence is fading? Yeah, it’s fading fast. It’s the older guys who are trying to keep it relevant, but the new generations don’t care, they are only thinking about themselves, the present and the future. We are like dinosaurs, fossils to them, a.k.a. outta touch. Nowadays it’s all about millennial this, millennial that, but there’s no life experience, there’s some cool stuff, nice, fresh or recycled ideas, but I think its just as important to push old school, especially if the old school people are still relevant. Besides hip-hop, your photographs are like a portrait of the Los Angeles’ Latino culture; your book, L.A. Woman, is an example of it. In which ways do you think your portraits represent them as a culture in the way they are? Do you think your work helps

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shed some light on this race, which has suffered so much due to the overdose of stereotypes? I’m not sure what helps and what hurts, I just shoot what surrounds me, the things I see in my life. Sometimes I shoot photos of different subjects, and I think I should do this more. Basically that’s what I did with the L.A Woman project, the cool thing here was that I was approached by DRAGO publishing, and I was able to do a book out of it. You never know what will sell and what won’t, you just have to take the risk. It took a while for it to start selling, during the first year my publisher was a little bummed out, but after it sold out, he was like, “okay, when are we doing the next one?” In your beginnings, and throughout your entire career, you have been a silent witness of a lot of urban stories, including gang meetings and the Latino social reality. Which story, or photograph, has shocked you the most? I’ve been in a lot of situations where I didn’t, or couldn’t, take out the camera; it’s about respect. I’ve been in fifty-six countries and some crazy situations. I would say Kabul, Afghanistan, had the most tension, even if nothing was happening, it felt tense, and I’ve been in some shootouts between gangs while doing photos. Do you consider yourself a documentalist photographer? We know the streets are your main source of inspiration, but are you just an observer or do you try to convey a message through your images? I would say documentary and portrait photography are my specialty, I like to do both. The road to success is tough. For you, which has been the highlight of your career and the most diff icult moment? For me, one of my highlight photo shoots was with Robert De Niro and Al Pacino together for the Righteous Kill movie poster. That same year I did my five highest paying jobs. That was before the economy crashed and there were so many digital cameras, biographers, and so much social media, there wasn’t Instagram or Snapchat yet, it was mostly Facebook. This issue’s title is HOME SWEET HOME. Which are the most special memories you have from the home you grew up in? At the age of three, my mom and my dad got a divorce; I have few memories of those years. By the age of nine, my mom was disabled, so it was very limited what she could do. For me, Home Sweet Home was coming home to mom’s cooking; I had a lot of chores, helping mom out, and I think that’s what turbo-charged my hustle game up. I wanted to work hard so we didn’t have to struggle, and that’s what I’ve been doing ever since. People use to say that home is where the heart is. Where is yours? Los Angeles, California. Period! Tell us about your upcoming projects. Anything you can reveal to us? I have some books and zines I want to start pumping out, also documentaries and directing some T.V. and movies. I have already done most of the shooting, just need to wrap it up and put it out.

NOWADAYS IT’S ALL ABOUT MILLENNIAL THIS, MILLENNIAL THAT, BUT THERE’S NO LIFE EXPERIENCE, THERE’S SOME COOL STUFF, NICE, FRESH OR RECYCLED IDEAS, BUT I THINK ITS JUST AS IMPORTANT TO PUSH OLD SCHOOL, ESPECIALLY IF THE OLD SCHOOL PEOPLE ARE STILL RELEVANT.

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MANU CAMPA

The aesthetic value of what we see

Hay cosas que se llevan dentro y el gusto por rodearse de belleza es algo que a Manu le viene de lejos. Los objetos tienen una energía propia y está en nuestras manos, como artesanos con poderes, conseguir que hablen y se relacionen con su entorno de una forma u otra. Vale, está bien, no todos podemos conseguirlo, pero Manu Campa sí. En el 2007 viajó de Erasmus a Holanda y se trajo a Madrid una bici para restaurar. Eso fue el inicio de una serie de un amor incondicional a la belleza de lo estético. Su pasión es el paisaje urbano y los coches y bicicletas clásicas, elementos protagonistas de sus cuadros. Como representante de la bicicleta urbana tratada con un amor infinito en todos los ámbitos, él es nuestro nuevo artista invitado en la serie URBAN CYCLES BY OAKLEY x lamono. Gracias a ella disfrutáis de una lámina gratuita con su arte en este número de la revista. Some things come from within, like the pleasure Manu experiences when he finds himself surrounded by beauty. Every object has an energy of its own, and it depends on us, as powerful artisans, to make it speak and relate with its environment. We might not all be able to do so, but Manu Campa is not like most of us. In the year 2007 he traveled from Erasmus to the Netherlands, and brought to Madrid a bicycle to restore. That was the beginning of an unconditional affair with all that’s aesthetic. The urban landscape is his passion, while the bicycles and classic cars, the main subjects in his paintings. As a superlative representative of the infinite love for urban cycling, he is our new invited artist for the URBAN CYCLING BY OAKLEY x lamono. As a result, you’ll be able to enjoy of a free print made by him, in this issue of the magazine.

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LAS GUERRAS EUROPEAS SON COSA DE ANTES DE AYER, CRUDAS Y CRUCIALES PARA LO QUE SOMOS, Y AHORA NOS PARECEN IMPENSABLES TIEMPOS TAN DIFÍCILES. SOMOS UNA SOCIEDAD ACOMODADA QUE MIRA EL PASADO DESDE EL SOFÁ

Tu pasión y el eje central de tu obra son la ciudad, los coches clásicos y las bicicletas, ¿cuándo sentiste la necesidad de pintarlas? Empecé a ganarme la vida con la pintura, pero vendiendo retratos. Fue con los años que empecé a sentir la necesidad de pintar lo que yo quería, mi entorno estético. Vivo en Malasaña, me muevo en bici y tengo un coche clásico. Esto no es fruto de la casualidad, sino que son decisiones tomadas del estilo de vida que quiero vivir y también lo que está marcando también mi carrera pictórica. Quiero pintar lo que me rodea, lo que conozco, lo que me motiva e ilusiona. Restauras bicicletas, las pintas y recorres la ciudad con ellas en busca de inspiración, ¿qué parte hay en el hecho de restaurar, pintar y rodar en bicicleta que te haga tan feliz? Es el medio de transporte por excelencia. No conozco a nadie que lo haya probado y lo haya desechado. Eso lo dice todo. La bici es positiva, alegre, saludable, montar en ella crea endorfinas. You gotta love it. Te inspiras en algunas de tus pinturas favoritas para realizar tus cuadros, ¿cuáles son tus autores favoritos? Me ha encantado descubrir este año a Andrew y Jamie Wyeth. Aparte me encanta Hopper, Richard Estes y Egon Shiele. ¿Cuál es tu modelo de coche y moto favorito? El que conduzco: Un escarabajo del año 53. ¿Qué es lo más importante para que una ciudad se abra a ti sin miedo? ¿Por qué a veces se vuelven malvadas y caprichosas y solo unos cuantos elegidos las ven con los ojos adecuados? Las ciudades son redes muy complejas. Hay siempre muchas decisiones que tomar sobre ellas y acerca de cómo vivirlas, y los modelos son infinitos. La clave es saber lo que uno busca recibir de ellas, y direccionar tu vida en esa vía. Es muy sencillo y muy complejo a la vez. Otra clave es ser optimista. Falta mucho de esto en la sociedad. Podríamos definir tu obra como realista, ¿siempre fue el estilo que utilizaste o en algún momento de tu carrera experimentaste con otros estilos? Es dificilísimo ser capaz de cambiar de estilo en la pintura, o por lo menos lo es para mí. Cada uno crea un camino de manera poco consciente, y si se mantiene constante acaba teniendo un estilo concreto. Yo pinto como sé, como disfruto. Lo que me sorprende es ver como la gente me dice que reconoce mis cuadros a una milla. Yo no se qué es eso que me diferencia, pero me halaga

saber que tengo un estilo concreto. Creo que es clave tener una dirección, especialmente en una carrera tan a largo plazo como es ésta. ¿Te gusta la época en la que vives? ¿O si pudieras te trasladarías de tiempo y lugar? No me importaría ir 60 u 80 años para atrás en el tiempo. Me fascinan los objetos antiguos, especialmente de los años 30 y 40. Mis bicis y mi coche son en parte un reflejo de ello. Las guerras Europeas son cosa de antes de ayer, crudas y cruciales para lo que somos, y ahora nos parecen impensables tiempos tan difíciles. Somos una sociedad acomodada que mira el pasado desde el sofá. Este verano ha sido el primero como padre, y eso me ha hecho bajar mucho el ritmo de viajes. El verano pasado viajé por Canadá en una autocaravana y eso si fue una experiencia de verdad. ¡Casi más que la de cambiar pañales! Nuestro próximo monotema es HOME SWEET HOME, ¿cómo es tu hogar? ¿es importante para ti a la hora de crear estar en un espacio que identificas como muy tuyo? Mi hogar ahora está en proceso de creación. Es mi estudio el que sí tengo bien definido, lleno de recuerdos de viajes y objetos. Es divertido recibir a clientes y ver como se distraen con todo lo que van encontrando. ¿Cuáles son tus próximos proyectos? ¿Dónde te gustaría exponer en un futuro próximo? Ahora el mundo del coche clásico es el que me tiene absorbido, y hay algún evento en Los Angeles que está en mi punto de mira. Si no, Seattle, o Dubai son dos opciones que aparecen mucho por mi email últimamente. Eres el artista elegido por lamono & OAKLEY en esta edición para representar su URBAN CYCLES, ¿qué obra has realizado para la ocasión? He hecho uno de mis cuadros icono. Los manillares de bici con cromados han sido lo que más me ha divertido pintar los últimos años. ¿Qué viaje te gustaría realizar que aún no hayas hecho? Esta me la salto. Poco relevante ;) ¿Cuál es la bicicleta de tus sueños? Pues ando detrás de una bici de velódromo de los años 20. ¡La convertiré en mi daily driver cuando me haga con ella! ¿Cuál sería tu definición de Felicidad? La motivación diaria en lo personal y lo profesional es lo que creo que te hace más feliz. Ponerte metas asumibles e irlas alcanzando.

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ALL EUROPEAN WARS ARE A THING FROM THE PAST, RAW AND CRUCIAL FOR WHAT WE ARE, AND NOW WE SEE THEM AS INCONCEIVABLE IN THESE DIFFICULT TIMES. WE ARE A COMFORT SOCIETY WHO LOOKS AT THE PAST LYING ON THE COUCH Your passion, and the main axis of your works, is the city, classic cars and bicycles, when did you first feel the urge to paint them? I started making a living out of painting doing portraits. This was when I first experienced the necessity of painting what I wanted, my aesthetic environment. I live in Malasaña, I move around cycling, and I have a classic car. This is no coincidence, these are the decisions I’ve made according to the lifestyle I pursuit, and it’s something determining in my artistic career. I want to paint what surrounds me, what I know, everything that motivates me and brings me hope. You restore bicycles, paint them and use them as your means of transportation; what makes you so happy about them? They’re the greatest means of transportation. I still haven’t met anyone who has tried them and discarded them. That says it all. Cycling is positive, happy and healthy, plus, it releases endorphins. You gotta love it. You find inspiration in some of your favorite paintings to do your own. Who are your favorite artists? I loved having discovered this year Andrew and Jamie Wyeth. I also really enjoy Hopper, Richard Estes and Egon Schiele. Which is your favorite car? The one I drive, a 1953 Volkswagen Beetle. What must a city have for it to unfold fearless before you? Why do you think, sometimes, they become mean and whimsical, and only a few chosen ones can see them with the appropriate eyes? Every single city operates like a complex network. There are always plenty of decisions to be made about them, about the way they must be experienced; the possibilities are endless. The key is recognizing what to expect from each city, and drive yourself in that direction. It’s very easy and complex at the same time. It’s also truly important to be optimistic. We are really far behind in that aspect. We could label your works as realistic; has this been the technique you have employed since your beginnings or have you experimented with others? Changing techniques is something really hard to accomplish, at least for me. Each one paves its own way in a pretty unconscious manner, but if you are constant, you will end up having a concrete style. I paint the way I know how to, the way I enjoy doing so. What surprises me is hearing people say that they can recognize an artwork of mine miles away. I cannot tell

what it is that differentiates me, but I’m flattered to know I have a style of my own. I think it’s key to have a direction, especially in a long-term career like this one. Do you like the era you’re living in or, if you could, would you travel in time? I wouldn’t mind going back in time sixty or eighty years. I love everything that’s vintage, specially the things from the thirties and forties. My bicycles and my car are a reflection of that. All European wars are a thing from the past, raw and crucial for what we are, and now we see them as inconceivable in these difficult times. We are a comfort society who looks at the past lying on the couch. This summer was my first as a dad, and that has made me travel way less. Last summer I did a road trip on a caravan across Canada, and it was an amazing experience, almost as good as changing diapers! This issue’s title is SWEET HOME, how is your home? Is it important for you to create and be in a space where you feel identified with the things that surround you? My home right now is a work in progress. But my studio, on the other hand, is already well defined, filled with memories of travels and objects that mean a lot to me. It’s fun to welcome clients and see them get distracted with all the things that are lying around. Do you have any upcoming projects? Is there a place where you would like to exhibit in the near future? Right now I’m consumed by the classic car scenario, and there is this event in Los Angeles I’m setting my ambitions on. If not, Seattle or Dubai are two options that have been really present in my email lately. lamono & OAKLEY have chosen you to be the artist to represent their URBAN CYCLES, what piece have you done for this occasion? I’ve done one of my iconic artworks. The chromed handlebars of a bicycle are one of the things I’ve enjoyed painting the most in recent years. Tell us a place you still haven’t visited but would like to. I’ll skip this one. It’s not too relevant ;) Then tell us about the bicycle of your dreams. Right now I’m chasing a velodrome bicycle from the twenties. When I find it I’ll make it my daily driver! Which is your definition of happiness? Having daily motivation on the personal and professional level makes you happy; setting realistic goals and achieving them.

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T: FELIPE DUARTE

Trentemøller Melancolía visionaria

Anders Trentemøller es un músico danés cuyo proyecto suele verse relacionado dentro del género de la electrónica. Este multiinstrumentalista es un visionario dentro de su campo, donde suele marcar la diferencia al realizar piezas casi indefinibles pero con un sello propio. Su corazón melancólico se ve reflejado en temas que tienden a ser oscuros, pero aún así llenos de vida y emoción. Con su álbum Fixion próximo a salir, tuvimos la oportunidad de hablar con él para conocer más a fondo su proceso creativo, la manera en la cual entiende su sonido y sus planes futuro. Un hombre completamente dedicado a su oficio. Anders Trentemøller is a Danish musician frequently related with the electronic genre. This multi-instrumentalist is a visionary within his field, where he stands out thanks to songs that are almost indefinable but with a clear blueprint of their own. His melancholic heart is cast upon tracks that tend to be obscure, nonetheless full of life and emotion. His most recent album, Fixion, is soon to come out. We had the chance of talking with him to get to know further his creative process, the way in which he understands his sound and his future plans. A man thoroughly dedicated to his craft.

www.trentemoller.com

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Empecemos por tus inicios, ¿recuerdas el momento en el cual decidiste que querías ser músico? Es algo borroso, puesto que empecé a tocar el piano cuando tenía tres años, y desde que puedo recordar, la música ha sido una de mis principales pasiones. Creo que ocurrió en mi adolescencia, cuando tenía catorce o quince años y empecé a tocar en bandas de rock, ahí me di cuenta de que esa podía ser la manera perfecta de ganarme la vida. ¿Y cuáles eran tus influencias por ese entonces? Solía escuchar mucha música; bandas como Slowdive, Ride, Inspiral Carpets, The Cure y The Smiths, ese tipo de bandas indie británicas, Joy Division también. ¿Por qué crees que a veces tu música es catalogada como nostálgica o melancólica? ¿Es algo intencional? Definitivamente no creo que mi música sea nostálgica, ya que no la considero retro. Al mismo tiempo intento hacer mi propia música sin inspirarme mucho en todos esos artistas que nombré (risas). Pero sí, estoy de acuerdo con que mi música es melancólica, algo muy diferente a nostálgica. Toda esa aura melancólica forma parte de mi sonido simplemente porque es lo que resulta cuando hago música, siempre termina llevando ese tipo de vibra azul. Cuando estás produciendo un álbum, me imagino que haces las canciones en un orden aleatorio, ¿cómo llegas a decidir el orden que tendrán en el disco? Eso siempre es un gran reto. Algunas veces constituye uno de los procesos que más tiempo consume, porque quiero que se sienta como un viaje o una historia. Suelo dibujar curvas para entender la dinámica que puede tener el disco, también hago una lista de reproducción en iTunes donde muevo las canciones hasta encontrar la manera en la cual suenan bien juntas. En este nuevo álbum estaba bastante seguro de comenzar, también tenía ciertas de ideas de cómo debía ser el medio, y cuál debía ser la última canción, pero aparte de eso, moví el resto de las pistas hasta que encontré el orden que funcionaba mejor. Asimismo, terminé escribiendo una de las partes de la mitad, una canción que se llama November, porque de verdad sentía que al disco le faltaba ese tipo de ambiente. En definitiva, es un proceso al cual dedico mucho tiempo. Has dicho que te gusta crear universos imaginarios con tu música, en el caso de Fixion, ¿qué características tendría ese universo? Por supuesto está atado a esa vibra melancólica que forma gran parte de mi sonido, pero también, esta vez, me concentré mucho en escribir líneas vocales fuertes, por lo que pasé mucho tiempo construyendo la música alrededor de éstas. Intenté cavar hondo, eliminar todas las partes innecesarias, y enfocarme en las pistas vocales, luego también jugué y experimenté un poco más con los sonidos instrumentales. Al escuchar el álbum, está clara la cantidad de trabajo que tienen las pistas vocales, ya que fluyen con los sonidos instrumentales y convergen muy bien. ¿Cómo es el proceso de escribir las letras para un disco de Trentemøller? Escribir las letras depende enteramente de los vocalistas, ya que siento que es mucho más honesto y puro que la persona que va a cantar la canción escriba la letra, lo hace mucho más personal. Habiendo dicho eso, por supuesto que discutimos de qué podría tratar cada tema. Suelo pedirles que sean abstractos y abiertos, ya que me gusta que las personas puedan, al oír la letra, incluir sus pensamientos en ella. En Fixion, la cantidad de trabajo y el detalle de cada canción es sorprendente, lo cual refuerza la idea de que eres un productor muy intrincado. ¿Cuánto tiempo tardaste en hacer el álbum? Creo que un poco más de un año, pues llegamos a casa tras nuestra gira por los Estados Unidos a finales de diciembre del 2014, luego pasé todo el 2015 trabajándolo hasta que terminé el pasado mes de marzo. Siempre hay una larga espera desde que el álbum está listo hasta que sale al mercado. Así que estoy algo impaciente, quiero ver cómo reacciona la gente y, aún más, salir a tocarlo en vivo, con mi banda, es algo que ansío mucho. Estoy un poco cansado de esperar (risas).

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El álbum está programado para salir en septiembre, ¿cuáles son tus planes tras eso? ¿Saldrás de gira? En realidad sólo tendremos cuatro presentaciones en Europa y tres en los Estados Unidos este año, luego quiero esperar un poco más, para que la gente tenga la oportunidad de familiarizarse con la música, de conocer el disco. Haremos una gira más grande por Europa en febrero y Estados Unidos en marzo. Vendremos a España entonces. Tenemos muchas ganas de tocar allí otra vez, siempre nos ha gustado mucho, el público es muy amable y de mentalidad abierta. Nosotros también tenemos muchas ganas de veros en vivo. ¿Cómo es la experiencia de estar de gira? ¿Te gusta o resulta agotador? Me gustan mucho las giras, es una de las cosas que más disfruto. Es un placer y un regalo poder tocar mi música en tantos países y ciudades. Estoy muy agradecido de tener esta posibilidad. También es divertido estar con la banda porque nos une una muy buena amistad. Ir de gira en un autobús, presentándote una noche y despertándote la mañana siguiente en otra ciudad es increíble. Además el crew es muy bueno, pues nos ayudan con las pruebas de sonido mientras nosotros visitamos las ciudades. Aunque recuerdo que en el 2014 tuvimos más de cien presentaciones, lo cual es bastante, así que después de eso agradeces regresar al estudio para poder trabajar en algo nuevo, volver a mi cueva, estar en silencio y ser de nuevo esta persona no-pública. Está claro que llevas varios años en la escena musical y tienes muchas experiencia, ¿cuál crees que es la mejor herramienta que te ha brindado esta experiencia como músico? Definitivamente, confiar en mis instintos. Claro que también es importante escuchar los consejos de los demás, pero me he dado cuenta de que si tienes un buen presentimiento en tu estómago, si lo sientes bien desde un principio, casi siempre es la mejor guía. Especialmente, durante el comienzo de mi carrera, me dieron muchos consejos, y la gente me ayudaba a veces, pero también esas mismas personas querían algo de mí, así que era confuso y no sabía qué hacer. Tan pronto como empecé a confiar más en mí, todo se hizo más fácil. Eso es algo que he aprendido poco a poco, año tras año. En el pasado has dicho que una de tus metas principales es hacer música de calidad. ¿Qué significa calidad para ti? Es algo que sobrevive al paso del tiempo y no está gobernado por la moda. En

Let’s start with your beginnings; do you remember the moment in which you decided to become a musician? That’s quite a blurry thing, since I started playing piano when I was three years old, and as long as I can remember music has been my biggest passion. I think it was in my early teens, when I was fourteen or fifteen years old, and I started playing in some rock bands; it was then when I felt this could be the perfect way to make a living. Which were your main influences at the time? Back then I was listening to quite a lot of music; bands like Slowdive, Ride, Inspiral Carpets, The Cure and The Smiths, that kind of British indie bands, also Joy Division. Why do you think your music is usually labeled as nostalgic or melancholic? Is it something you aim for? I definitely don’t think my music is nostalgic, since I don’t think it’s retro. I also try to make my own music and not be too inspired by all those artists I mentioned (laughs). But I agree, of course, that it is melancholic, and that’s a quite different thing for me than being nostalgic. The whole melancholic aura is part of my sound because that’s just how it turns out when I’m doing music, it always end up having this kind of blue vibe. When you are making an album, I guess you create the tracks in a random order, how do you choose the order the tracks will have in the album? That is always a big challenge. Usually that is one of the

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la música, a veces, hay tendencias que van y vienen, y a mí eso no me importa mucho. Yo intento escribir canciones que, espero, sean fuertes y cuando se escuchen dentro de cinco o diez años todavía digan algo. Hablando de sobrevivir el paso del tiempo, ¿cómo ves tu evolución o hacia donde crees que va a dirigirse tu sonido? Eso siempre es algo muy interesante y divertido de pensar, puesto que me es difícil decir hacia dónde se dirige mi música. Esa también es una de las cosas hermosas de hacer música, que nunca sabes a dónde te llevará la próxima vez. Siempre es un largo viaje que no puedes descifrar. Sólo intento seguir las ideas que me llegan, aunque espero que haya alguna lógica en el desarrollo de los álbumes, al menos para mí. Me imagino que el proceso para cada álbum es diferente, ¿en el caso de Fixion, qué fue lo más difícil de lograr? Llegar al fondo de cada canción y decidir qué era lo necesario en cada una, qué partes debían estar, y cortar el resto. Eso fue algo nuevo para mí, trabajo con tantas capas porque quiero que estén ahí, pero no que sean explícitas, así que me concentré en cortar y dejar los elementos más básicos de cada canción haciendo que todas esas capas funcionasen, para que fuera posible descubrir todos los detalles al escuchar el álbum con cascos varias veces. Quería que el disco fuese, no más simple, pero sí más minimalista, con más espacio en la música. ¿Cómo describirías la experiencia y las diferencias entre escuchar este álbum con cascos y escucharlo en directo? Son dos experiencias muy diferentes, puesto que cuando estás escuchando la música con cascos o en un muy buen equipo de sonido, concentrándote, es como entrar en otro mundo, como ver una película. Te pierdes en el tiempo. En directo el sentimiento es el mismo pero mucho más social, estás junto a más personas, viendo la música, con una banda en vivo, además hay mucho espacio para las improvisaciones. Espero que brinde una experiencia completamente diferente, más relacionada con la energía y la conexión entre la banda y el público. A menudo cambiamos cosas en nuestro setlist, si sentimos que una canción va bien con el momento. La manera en la que tocamos también es diferente en directo, pues recibes mucha información del público. Si sentimos mucho amor podemos dar un poco más, aunque sentir que debemos pelear por convencer, también puede ser algo positivo.

things that takes the most amount of time, because I really want an album to feel like an album, like a journey or a story. I draw curves to try to understand the dynamic of the album, I also make playlists on iTunes and I just move the tracks around until I find the way in which the sounds fit together. For this new album I was quite sure about what to start with, and I had some ideas to what the middle part of the album should be and what the last song should be, but other than that, I was just playing around with the sounds until I discovered the way in which they fitted best. I also end up writing one of the middle parts, a song called November, because I really felt like the album needed that kind of ambient. Definitely, it is always something upon which I invest a lot of time on. You’ve said that you love to create imaginary universes with your music, in the case of ‘Fixion’, which would be the main characteristics of this universe? They are of course tied to this melancholic vibe that is such a big part of my sound, but also this time I really focused on writing strong vocal lines, so I spent a lot of time building the music around the vocals. I really tried to cut into the bone and eliminate all the unnecessary parts to focus on the vocal tracks; I also tried to play and experiment a little bit more with the instrumental sounds. Listening to the album it’s quite clear the amount of work the vocals have, as they flow nicely with the instrumental sounds and

Quality is something that is timeless; it’s not something ruled by fashion.

converge real good. How is the process of writing the lyrics for a Trentemøller album? Writing the lyrics depends entirely on the vocalists, because I feel that it is much more honest, much more pure, if the person singing the song, also has written the lyrics, it makes it much more personal. That being said, of course we talk about what the song can be about. I very often ask them to be quite abstract and open, since I really like that the people that are listening can put their own thoughts into the lyrics. In Fixion the amount of work and detail each song has is amazing, which reinforces the idea people have of you being a very intricate producer. How much time did you invest into making this album? I think that I spent a little bit more than one year, because we came home from our US tour in late December 2014, and then I spent the whole of 2015 doing the album, which was finished in March this year. There is always a long waiting time from when the album is finished to when it finally comes out. So I’m really eager, I want to see how people will react to it, and even more, going out to play it live, with my band, that is something I’m really looking forward to. I’m a bit tired of waiting (laughs). The album is scheduled to come out in September, what are your plans after that? Are you touring? Actually we are only having four shows in Europe and then three in the United States this year, then I want to wait a bit more, so people have the chance to get into the music and know the album. We will be on a bigger Europe tour in February and in the U.S. in March. We will come to Spain then. We are really looking forward to play again there, I have always loved to play in Spain, the crowd is always really nice and open-minded. We are also looking forward seeing you live. Can you tell us how is that experience of touring for you? Do you like being on the road or it gets tiring? I really enjoy touring; it is one of my favorite things to do. It’s such a pleasure and a gift to be able to play in so many countries and cities. I’m very grateful that I have the possibility to do so. It is also fun to be with the band, because we have a very good friendship. Touring in a band bus and playing a show one night, and the next morning waking up in a different city is amazing. Besides, we are so lucky that we have a great crew that helps us with the sound check and stuff, so we can have time to explore the cities that we visit. Though I remember in 2014 we played more than a hundred shows, and that is quite a lot, so after that it is also great to be back in the studio and start working on new stuff, getting back to my cave sort of speak, and be this kind of quiet, non-public person again. You have been a few years on the music scene already and have a lot of experience, which do you think is the best tool this experience has given you as a musician? To trust your own guts, definitely. Of course it’s really important to listen to the advice other people might have, but I have found out that if you have the right feeling in your stomach, if it feels right the first time, it very often is the right thing to

do. Specially during the beginning of my career, I was given so many advices and people would kind of help me sometimes, but also sometimes those people would want to get something out of you, so it got a bit confusing and I didn’t know what to do. As soon as I started trusting myself more it became much more easier. That is something I have learned slowly, year after year. You have said one of your main goals when producing is to make quality music. What is quality for you? Quality is something that is timeless; it’s not something ruled by fashion. In music, sometimes, there are trends and hypes that come and go, and I don’t care too much about that. I try to write songs that, hopefully, are strong and when listened to in five or ten years time, they will still tell you something. Talking about timeless, where do you see your evolution as a musician, or the evolution of your sound, heading towards to? That is always a very interesting and fun thing to think about, because it is hard for me to tell where my music is going. That is also one of the beautiful things about doing music, that you never know where it might lead you the next time. It’s always a long journey that you cannot figure out. I just try to follow the ideas that come up, and hopefully there will be some kind of logic development from album to album, at least for me. I guess the process for each album is different, in the case of “Fixion”, which was the hardest thing to achieve? To cut into the bone of each song and try to decide what was necessary, which parts of the music really needed to be there and cut off the rest. That was something new for me; I work with a lot of layers in my music, and I want those layers to be there, but I didn’t want them to be explicit, so the whole challenge for me was to cut into the basic elements of each song and then work with all the layers and all the details in a very subtle way that you would only discover when you listen to the album with headphones several times. I wanted for the album to sound more, not simple, but more minimalist and with more space in the music. How would you describe the experience and differences between listening to this album live, and with headphones? They’re two very different experiences, because when you are listening to music with headphones or on a very good sound system, you are really focusing on the sounds, it’s like diving into another world, or like watching a movie. You get lost in time. Live the feeling is the same, but much more social, you are together with other people watching the music, with a band, and there’s much more time and space for improvisations. Hopefully it gives a completely different experience, more related to the energy and connection between the band and the audience. Very often we change things in our set list, if we feel a song fits well with the vibe in that moment. The way that we play is also different live; since we get a lot of feedback from the crowd. If we feel there’s a lot of love, we can give a little bit more, though if we feel that we have to fight to convince, that can also be a very positive thing.

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T: FELIPE DUARTE F: GINES PEDRERO Y EVA VILLAZALA

CHRIS CHRISTENSON In Da House

Pocas personas en el mundo pueden shapear como Chris Christenson. Sus tablas son famosas entre la élite, y sobre su espalda yacen siete títulos Billabong XXL, sin contar el Eddie Aikau que Greg Long ganó en la temporada 2009/10. Procedente de California, lleva casi toda su vida involucrado en la industria, a la cual no le augura un futuro muy prometedor. Tuvimos la oportunidad de verlo trabajar en Wallako, en el marco del Festival Wheels & Waves que se celebró en Biarritz, mientras hacía lo suyo de la mano de Electric. Un hombre que emerge como una isla, representando su amado oficio en medio de un mar de corporaciones. Few people can shape as Chris Christenson does. His surfboards are celebrated amongst the elite, and on his back you can find seven XXL Billabong awards, plus the Eddie Aikau Greg Long won in the 2009/10 season. Hailing from California, Christenson has spent most of his life in the industry, for which his forecast is not very promising. We had the chance of seeing him work in Wallako, doing his thing along Electric. A man that stands alone like an island, representing his beloved craft in the midst of a sea of corporations.

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Hola Chris, encantados de saludarte de nuevo. Nos encantó verte shapear en directo en Wallako surf shop, ¿cómo sentiste el evento? La experiencia fue genial, tanto en Francia dentro del Wheels and Waves, como en España con Pukas, donde estuve shapeando por más de una semana. Me recibieron muy bien en Wallako, conocí a todo el mundo e hice una tabla en vivo. Cuéntanos sobre la tabla que hiciste en Wallako. Hice una fish de 5’6 con twin keels. Un diseño que llevo realizando durante 20 años, y el cual todavía vence el paso del tiempo. Lo puedes llevar a todas partes. ¿Cuál es el secreto detrás de tus tablas? En realidad no hay ningún secreto. Pero sí realizo diseños del pasado y del presente, a través de los cuales espero dirigirme al futuro, donde mi trabajo inspire a surfear. Llevas haciendo tablas 25 años y surfeando 30. ¿Cómo y por qué decidiste empezar a shapear? Siempre me ha gustado hacer cosas con las manos, así que lo intenté y pegó. Como dices, todas tus tablas son hechas a mano, ¿qué tienes que decir sobre la producción en masa de las grandes corporaciones? Es un mundo libre. La gente y las corporaciones pueden hacer lo que quieran. Es el año 2016, y todas las industrias se han visto afectadas por la tecnología y la producción en masa. Sin competencia, el progreso sería nulo. Mi trabajo está impulsado por tres cosas, mi pasión por el surf, mi pasión por el oficio y mi pasión por el negocio. Mi plan de negocio está cimentado sobre estas tres pasiones. Cualquier alteración sería un sacrificio directo sobre todas ellas. En estos 25 años que llevas haciendo tablas, ¿cuáles han sido los mayores cambios que has visto en cuanto a producción y en la industria? Ha habido muchos cambios en los 25 años que llevo haciendo tablas. Muchos más que en los 25 años anteriores. Cuando empecé no había máquinas para shapear, todas las quillas eran fijas, la mayoría de las fábricas estaban muy ocupadas, las compañías no producían en masa en el extranjero, donde la mano de obra es barata, internet y los teléfonos móviles apenas estaban empezando, no existían las redes sociales ni era tan fácil tener acceso a diseños.

¿Cuáles consideras que son las principales lecciones que aprendiste de shapers legendarios como Skip Frye y Dick Brewer? Cuando empecé, hacía principalmente shortboards. Dick y Skip me guiaron para aprender a hacer líneas largas, lo que me ayudó a ser un shaper más diverso, agregando longboards y guns a mi arsenal de diseños. En el año 2008 Greg Long ganó el Mavericks surfeando una de tus tablas, lo cual es un gran logro. ¿Cuál considerarías el momento más gratificante de tu carrera? Greg ha ganado varias competiciones, premios XXL, y ha sido campeón del mundo dos veces, cabalgando tablas hechas por mí. Pero lo más gratificante de mi carrera es el hecho de que mi oficio emplea a 19 trabajadores, manteniendo a sus familias y su estilo de vida. No estaría donde estoy ahora si no fuese por mi maravilloso equipo. ¿Cuántas tablas haces en una semana semana? Mi producción varía debido a la gran diversidad de diseños que hago. A veces me toma todo un día hacer sólo una tabla, luego, cuando las cosas fluyen, puedo hacer diez. Además de ser shaper, también has hecho muchos surftrips. ¿En qué lugar te gustaría estar surfeando ahora mismo? ¡En un point break de izquierda donde no haya nadie! ¿Dónde lo encuentro? (Risas) Cuéntanos sobre la importancia que tiene la relación shaper-surfer. Para que mis diseños progresen, la retroalimentación de los riders de mi equipo es lo más importante. Tener una relación uno a uno con un buen shaper es muy importante para mantener al máximo tu nivel al surfear. Tengo muchos clientes fieles con quienes he trabajado por muchos años, creando grandes amistades en el camino, confeccionando su equipo. Y shaper-naturaleza. Me encanta estar al aire libre. Creo que todo el mundo debería pasar al menos una hora fuera. Suena muy fácil, pero es una locura cómo sólo son tan pocos los que lo hacen. ¿Hacia dónde ves que se está dirigiendo la industria? En su conjunto, veo a la industria del surf dirigiéndose por una calle de una sola vía en la dirección equivocada… esa es mi opinión.

REALIZO DISEÑOS DEL PASADO Y DEL PRESENTE, A TRAVÉS DE LOS CUALES ESPERO DIRIGIRME AL FUTURO, DONDE MI TRABAJO INSPIRE A SURFEAR.

I APPLY A LOT FROM DESIGNS OF THE PAST AND OF THE PRESENT, AND HOPEFULLY THEY WILL PUSH EACH OTHER INTO THE FUTURE, WHERE MY WORK WILL CONTINUE TO INSPIRE SURFING.

Hi Chris, we are pleased to greet you again. We loved to see you shape live at the Wallako surf shop. How was your experience during the event? I had a great experience, while in France for the Wheels and Waves event with Electric, and in Spain, with Pukas, where I was shaping for a little over a week. It was a nice greeting at Wallako, meeting everyone and shaping a board live on site for everyone to check out.

Which would you consider the main lessons legendary shapers like Skip Frye and Dick Brewer passed on to you? I was mostly a shortboard shaper when I started out. Being around Dick and Skip really helped train my eye for long rail lines which really helped me become a more diverse shaper, by adding longboards and guns to my arsenal of shapes.

Tell us about the surfboard you did at Wallako. It was a 5’6 fish with twin keels. A design that I have been shaping for over 20 years now, and it still stands the test of time. You can take that design anywhere

In 2008 Greg Long won the Mavericks riding one of your boards, that’s quite an accomplishment. Which has been the most rewarding moment in your career? Greg has won several contests, XXL awards, including being the two-time world champion while riding my boards. But the most rewarding moments in my career are that my craft provides for 19 employees and their families and lifestyles. I wouldn’t be where I am without my amazing crew.

What is the secret behind your surfboards? I don’t really have any secrets. I apply a lot from designs of the past and of the present, and hopefully they will push each other into the future, where my work will continue to inspire surfing. You have been shaping boards for 25 years and surfing for 30. How and why did you decide to start shaping? I always liked making things with my hands, so I had a crack at it and it stuck. As you say, all your boards are handmade; what do you have to say about the industrial mass production of boards by big corporations? It’s a free world. People and corporations can do whatever they want. It’s the year 2016 and all industries are challenged by technology and mass production. Without competition, progression would be stagnant. Three things fuel my work: my passion for surfing, my passion for the craft and my passion for business. My business model is formulated by these passions. Any alteration would be a direct sacrifice on all three of them. In these 25 years you have been doing boards, which has been the biggest changes you have noticed in production and in the industry? There have been a lot of changes in the 25 years that I have been building surfboards. Way more changes than the previous 25 years in my opinion. When I started there was no shaping machines available yet, all fins were glassed on, most factories were really busy, companies weren’t mass producing their boards in cheap overseas factories, the internet and cell phones were just starting out, there was no social media or easy access to blueprints at your finger tips.

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How many boards a week do you usually manage to get done? My production varies weekly due to the wide diversity of all my shapes. Some days it takes me all day to shape just one board and other days, when things flow, I can get over 10 boards shaped. Besides being a shaper you have also done a lot of surf trips. In which place would you like to be surfing right now? At a left point break with nobody out! Where is that? (Laughs) Tell us about the importance of the relationship between shaper and surfer. To keep my designs progressing, the most important feedback I have is the one from my team riders. Having a one on one relationship with a good shaper is very important to keep your surfing at its best. I have a lot of loyal customers with whom I have been working for several years, and those relationships have turned into great friendships along the way, tailoring their equipment. And shaper and nature? I love the outdoors. I think everyone should spend at least an hour a day outside. It sounds so easy but its crazy how very few actually do it. Where do you see the surf industry moving towards? As a whole, I see the surfing industry moving down a one-way street in the wrong direction… That’s just my opinion

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REVIEW / BIARRITZ / 11TH - 12TH JUNE 2016

WHEELS AND WAVES: GAS, OLAS Y MUCHAS FOTOS F: GINES PEDRERO Y EVA VILLAZALA

Subir, bajar, navegar, surfear, comer, meditar, darle gas. Hay terminaciones verbales que pueden acabar siendo parte de una misma cosa. Eso ocurre una vez al año en Biarritz, cuando lo más profundo de cada estado se reúne en la ciudad francesa acompañados de sus máquinas. Los continuos viajes al pasado, en lujosos Mustang o a territorios prohibidos de Mad Max son la orden del día en este festival donde lo que destaca es la libertad y el sueño de una noche de verano. Las marcas más importantes del sector moto custom, el surf y el skate se reúnen en la Cité de l’Ocean mientras trascurre el campeonato de longboard en la Plage de la Milady o la Punk Peak Race en Hondarribia. Asistimos a la exposición organizada por Surf Film Festival de San Sebastian en Pasaia, a la creación en directo de una tabla para Electric de Chris Christenson mientras presentaba su última creación para la marca en Wallako Surf Shop y a los conciertos de Brian Bent y Tomorrow Tulips, entre otros. El festival se resume en un paseo vintage donde sí, las ruedas y el mar son los protagonistas absolutos, en blanco y negro Going up, going down, sailing, surfing, eating, meditating and even stepping on the gas. There are some verbal expressions that might as well just be part of the same thing. And this is exactly what happens once a year in Biarritz, where the quintessential representatives of each state come together riding their machines. Here, the continuous blasts to the past on luxurious Mustangs ’69 to forbidden Mad Max territories are an every day thing. In this festival the air exudes the freedom of a midnight summer dream. The most important brands within the custom motorcycle, surf, and skateboard industries come together at Cité de l’Ocean, while the championship takes place at the Plage de la Milady and the Punk Peak Race occurs at Hondarribia. We were also present for the exhibition organized by the San Sebastian Surf Film Festival at Pasaia, and we witnessed the live shaping demonstration by Chris Christenson of a surfboard for Electric Visual, while he presented his last creation for Wallako Surf Shop. We cannot forget the performances of Brian Bent and Tomorrow Tulips, amongst others. The festival can be summarized as a vintage journey where wheels and waves light the way in black and white.

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REVIEW / COPENHAGEN / 10TH - 14TH AUGUST 2016

CHP OPEN 2016 F: CÉSAR TORALES

El skate ha nacido de la calle, del corazón del mismo asfalto. Ese espíritu se traduce en todos que hacen del patín algo más que un deporte, convirtiéndolo en una cultura y un movimiento que resume tu forma de entender la vida. El skate ha desarrollado su propia industria y como siempre pasa cuando algo se masifica, nunca hay que olvidar de dónde vienes y cuál es tu filosofía. Por eso, allá en las frías tierras de Copenhagen, existe un reducto sincero de libertad, rebeldía e inconformismo que hay que verlo para creerlo. Este año hemos asistido al CPH Open gracias a Monster Energy, la competición donde todos quieren estar y donde conviven pros (Eric Koston, Luan de Oliveira, Evan Smith o Nyjah Houston, por mencionar algunos) con amateurs e incluso aquellos que pasan de presentarse a otras competiciones más oficiales. La cosa está clara: va de disfrutar del patín, de su gente, y de expandir las posibilidades que te da el entorno urbano más allá de los límites de lo establecido. Diez años de historia lo avalan, y han alzado a esta competición a lo más alto, consiguiendo cosas como una metáfora de la lucha histórica del patín con las autoridades: patinar (legalmente) en el Ayuntamiento de Copenhaghen. Y encima, tomando champagne mientras los guardias vigilan algo escépticos. Toma eso. Nuestro enviado especial Marco Savino de Ethnology Media, con su cámara como compañera de viaje, se ha colado en todos los entresijos de la competición marcándose un video que nos pone los dientes muy largos. Queremos estar ahí, necesitamos ver todo ese despliegue al menos una vez en la vida. Tráfico cortado, calles abarrotadas con masas de skaters yendo hacia el siguiente spot, a cuál más imposible. Sean unas escaleras a escasa distancia del agua, o saltando un barco flotante, la cosa parece que no va a tocar techo. Si parpadeas te lo pierdes: porque en menos de ese tiempo, la comitiva ya ha marchado hacia el siguiente lugar. Y cuando cae la noche, ese espíritu se traduce en pura diversión y en fiestas que, damos fe, son de las que recuerdas toda la vida. Cada año se inventan nuevos lugares para patinar y movidas para subir el listón, pero hay una cosa que no cambia: el nivel exhibido en la competición. Este año, nos deja algunos titulares como que Nyjah Houston, rider de Monster Energy, sigue con su racha ganadora y ha pulverizado a todos sus contrincantes en la Pro Race. En el City Hall, el duelo estaba entre Luan de Oliveira y Evan Smith, que se alzaron con la primera y segunda posición. Pero lo más espectacular fue el kickflip rapidísimo de Madars Apse el último día o la Death Race, una locura en la que todos van con el cuchillo entre los dientes, y que finalmente fue para Kevin Baekkel. Titulares que saben a poco si no lo ves en directo: por eso, ves preparándote para el próximo año, ¡visita obligada! Skateboarding emerged on the streets, in the heart of the city, and this is clearly reflected in all of those who make of it way more than a sport, turning it into a culture, a social movement, than can be easily translated into a way of understanding life and all its nuances. Skateboarding has evolved, developing into a huge industry that brought along massification, and usually, when this happens, it’s truly important to keep in mind the origins and the philosophy from the beginnings. That’s why, in the cold land of Copenhagen, there’s a redoubt of freedom, rebelliousness and unconformity that is pretty hard to believe and understand, but we have seen it with our very own eyes. This year we had the opportunity, thanks to Monster Energy, of being present at the CPH Open, the contest everyone wants to witness, the place where all the pros come together (Eric Koston, Luan Oliveira, Evan Smith or Nijah Houston, just to throw in a few names) along with the AMs and even those who avoid participating in other more official competitions. The idea here is pretty clear; it’s all about enjoying skateboarding, its people, and widening the possibilities beyond the established limits offered by this urban environment. Ten years have passed already since its first edition, helping turn into a metaphor the historic battle between the board and the authorities: skating legally in the city of Copenhagen might just as well feel like a triumph, and on top of that, drinking champagne while the guards patrol. Our special correspondent, Marco Savino, from Ethnology Media, with his camera as fellow traveler, managed to capture all the details of the competition in a video that, to say the least, filled us with motivation and sowed in us a dream. We ache to be there, we need to see all the action on the court, at least once in our lifetime. Streets closed and filled with people, skaters moving from spot to spot, each one of them more fantastic than the latter; we had some stairs right along the water, or a gap over a boat, it all was unbelievable. If you blinked you missed the action, because in just a fraction of a second, everyone would be gone, heading towards to the next destination. And when the night came along, after a long and sunny day, the spirit was suddenly overflowed by the fun the parties came to bequeath; parties, we assure, you will never forget. Each year there are new spots to be skated and, of course, new tricks to raise the standards, but there is something that will not change: the importance and significance of this contest. This edition left behind some important headlines, for example, that Nyjah Houston is still riding his ever-winning strike, destroying all of his rivals at the Pro Race. At the City Hall, the duel was between Luan de Oliveira and Evan Smith, who eventually came along in first and second place. But, above everything else, the most spectacular thing we got to observe, was the incredibly fast kickflip Madars Apse offered us, that and the Death Race, a mad event where all of the contestants ride with a knife between their teeth (figuratively speaking); here Kevin Baekkel arose victorious. Headlines pretty tasteless if you don’t enjoy all the fun live and in flesh, that’s why we must be emphatic, get ready for next year; it’s an obligation to assist!

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REVIEW / HOTEL W BARCELONA / 8TH SETEMBER 2016

SUMMER RELOADED PIZZA PARTY T: ANTONELLA SONZA F:JULIA BAEDCKER

Decir adiós no es algo agradable. Y más cuando uno no está listo para hacerlo. Sí, sabemos que el paso del tiempo es inevitable y que los ciclos tienen que seguir su curso, es la evolución. Miramos el calendario y somos conscientes de que estamos en septiembre, y eso significa que hay que decir adiós, una vez más, al verano. Nos habíamos acostumbrado a los días de sol interminable, a que las horas nos cundan más y a que la playa fuera allá donde acaban todos los caminos. Así que un día, recién llegados de vacaciones, llegamos a una conclusión: no queremos despedir el verano, aún no. Lo que vamos a hacer es re-celebrarlo, como si acabase de empezar. Y lo vamos a hacer quemando hasta el último cartucho, rodeados de amigos y con nuestro número #108 YOUNG & FAST como protagonista. En la ciudad, si hay un lugar que es la materialización de la esencia del verano, ese es el Hotel W Barcelona. Situado entre la Platja de Sant Sebastià y antes del Puerto Comercial, este hotel con forma de vela está diseñado para tener unas vistas de escándalo. Por un lado, desde su terraza puedes ver toda la trayectoria de la costa barcelonesa, hasta más allá de sus fronteras. Por el otro, el horizonte a mar abierto. Por eso, junto a ellos, decidimos montar la última gran fiesta del verano. Aquella que recordaremos cuando las temperaturas empiecen a bajar y la noche empiece a ganar terreno al día. Así nació la Summer Reloaded Pizza Party, una fiesta que invadió la E-Wow Cabana del hotel el pasado 8 de septiembre y donde intentamos retener el verano un poquito más. Y qué mejor que hacerlo viendo la puesta de sol mientras saciamos la sed con unas Peronis fresquitas y la pizza salía del horno justo a tiempo para callar el hambre. Y entre charla y charla, ponerse una peluca y posar para el photobooth o comernos un cupcake con el logo de lamono (un poco Saturno devorando a su hijo por nuestra parte, pero estaban demasiado ricos como para resistirse), era lo suyo. Desde aquí, queremos dar unas enormes GRACIAS a los chicos del hotel W Barcelona, que nos han acogido de maravilla y con los que, como dirían en Casablanca, es el principio de una gran amistad. Esto también es el principio de otra cosa: una serie de fiestas con las que presentaremos cada nuevo número de la revista, según el monotema y con el factor sorpresa como leivmotiv. ¿Qué será lo siguiente? Aún no os lo podemos revelar, pero lo que sí sabemos es que ya podemos despedirnos del verano. Ahora sí. Al fin y al cabo, lo mejor del verano es que siempre vuelve para acabar con la tiranía del frío. Otoño, que lo sepas: el listón está alto. It’s not easy to say goodbye. Especially when you are not ready to do so. Yes, we know time goes by, inevitably, and every cycle must continue its curse, its evolution. We look at the calendar fully aware September has arrived; it’s the time to say farewell, once again, to the summer. We had grown fond of the long days, ever-lasting hours; a time when all roads lead one way and one way only, to the beach. That’s why, when our vacations were over, we arrived to a conclusion: we don’t want to say goodbye to the summer, not yet. Instead, we are going to recelebrate it, as if it had just begun. If we were going to do so, it had to be as intended, with all of our friends and our #108th issue, YOUNG & FAST, as the main protagonist. If there’s one place in Barcelona that represents the essence of the summer, it’s the W Barcelona Hotel. Located between the San Sebastià beach and the Puerto Comercial, this mainsail-shaped hotel is designed to offer breathtaking views. On the port side, from its terrace, you can see the whole coastline of Barcelona. From the starboard side the landscape offers the wide horizon, far across the Mediterranean. No better place to host the last great party of the summer, the one we will keep in mind as the temperatures decrease and the night takes over. That’s how the Summer Reloaded Pizza Party became a reality; it took place at the E-Wow Cabana the 8th of September, and its whole spirit was set out to worship the summer. What better way to do it than watching the sun go down while we satiated our thirst with some cold Peronis, as pizza just kept on coming out of the oven, just in time to ease the hunger. And so, between chit and chat and other important conversations, it was time to try on a wig and go get shot at the Photomaton, or have one of the delicious chocolate cupcakes labeled with lamono’s logo (yes, we know, a little bit of Saturn behavior, eating our sons, but they were just too good to not give into temptation). We must thank, heartily, to all the W Barcelona Hotel Team, who were the best of hosts, and with whom we hope, in the gracious words of Casablanca, the beginning of a beautiful friendship develops. This is also the beginning of something else; a series of parties with which we’ll launch every new issue of the magazine, a theme party in accordance with the issue’s title, and with the surprise factor as leitmotiv. What’s next? We still cannot reveal it, but what we can do is bid farewell to the summer. Now we can. Anyway, the best thing about it is that it always comes back, with its warmth, to end with the tyranny imposed by the cold. Autumn, just for you to know, our expectations are high.

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REVIEW / OCEAN CLIMAX FESTIVAL / BORDEAUX / 7TH - 9TH SETEMBER 2016

ANP RVCA ADVANCE F: MARCO SAVINO

Ya lo habíamos avisado: el pasado miércoles 7 de septiembre llegamos a la belle France para descubrir un festival que está ganando cada vez más adeptos, el Ocean Climax en Burdeos. Un evento de casi un mes creado con el ánimo de concienciar a la gente de la urgencia del cambio climático y la consciencia sostenible. Por eso, estos son los leivmotivs de este festival que nace en una de las cunas del surf europeo, y además de traer música, comida bio, arte, boardsports, y otras manifestaciones de la cultura urbana, pone sobre la mesa cuestiones y dudas que plantean qué estamos haciendo (y qué más podemos hacer) para que el concepto de economía verde no sea considerado una utopía. Por eso, el lugar elegido es doblemente perfecto: el Darwin Eco-Systeme, un antiguo cuartel militar que se reencarna, en su segunda vida, en un coworking de asociaciones dedicadas al desarrollo sostenible y a la transición ecológica, y que hasta tiene un skatepark hecho de materiales reciclados. En este contexto, se inauguró Advance, la exposición del Artist Network Program de RVCA con un cartel de lujo y que supone el futuro de ese vínculo irrompible entre arte y skateboarding. Talento emergente y nombres más que consagrados se mezclan (no hablamos en pasado porque aún puedes verla hasta el 28 de septiembre) en esta muestra de diferentes disciplinas, con un sola objetivo: inspirarnos para seguir creando siendo fieles a nosotros mismos. En la inauguración, nuestro enviado especial Marco Savino de Ethnology Media pudo hablar cara a cara con Ed Templeton y hacer balance de su dilatada carrera, mantener una refrescante entrevista con Andrea Do Souto sobre el punto de vista femenino en una industria de hombres, discutir con Jêrome Romain sobre qué es el hiperrealismo o intercambiar algunas palabras con Ben Horton y sus misterios. Y en medio, pudimos sumergirnos en un ambiente que destilaba creación por los cuatro costados. RVCA es surf y skate, pero también es arte, y la mezcla les ha quedado muy bien en Burdeos. Todo esto lo podréis ver en video a través de nuestro canal de vimeo. Y después de esta experiencia relevadora, hay algo que queda claro: el año que viene volveremos. On Wednesday, September the 7th, we arrived to la belle France, invited to a festival that rises in popularity as years go by, the Ocean Climax in Bordeaux. An event that lasts nearly a month, conceived with the objective of raising the awareness about global warming and sustainability. These are the two leitmotivs around which the festival revolves, in one of the surf capitals of Europe. Besides offering music, organic food, art, boardsports, and other urban culture expressions, the Ocean Climax aims to widen the dialogue regarding what we are doing (and what can we do) in order to bring a little bit closer the concept of green economy. That’s why the chosen location works perfectly, to say the least: the Darwin Ecosystem is an old military headquarter reborn into a co-working of associations dedicated to sustainable development and ecological transition; it even has a skate park made out of recycled materials. Within this context, the ANP Advance was organized, along with the RVCA Artist Network Program exhibition, which presented us with an amazing line-up and the future proposals of this unbreakable link that exists between art and skateboarding. Emerging and renown artists from different disciplines came together for this exhibition -which will be running until the 28th of September-, with one goal in mind: inspire us to stay true to ourselves. During the inauguration, our special correspondent, Marco Savino, from Ethnology Media, had the chance of talking with Ed Templeton about his long and outstanding career, do a refreshing interview to Andrea Do Souto, in order to know the opinion of a woman about an industry ruled by men, discuss with Jêrome Romain about what hyperrealism really is, and have a casual conversation with Ben Horton and his mysteries. After all, this is an event that allows all attendants to delve into an environment ruled by creativity. RVCA is surf and skateboarding, but at the same time art and inspiration, and all this elements came together in a balanced and fruitful manner in Bordeaux. If you want to see these interviews and discover this festival further, check out our new video on our vimeo channel; because after this revealing experience, we know one thing for sure: next year we’ll be back.

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#109 · HOME SWEET HOME · SEPTEMBER / OCTOBER · 2016 DIRECTOR Eva Villazala eva@lamonomagazine.com ASSOCIATE DIRECTOR Julio Amores julio@lamonomagazine.com ART & DESIGN Josep M. Sicart siki@lamonomagazine.com · www.sickart.net REDACTORS Antonella Sonza antonella@lamonomagazine.com Vicky Navarro vicky@lamonomagazine.com TRANSLATION Jaime Felipe Duarte felipe@lamonomagazine.com CONTRIBUTORS REDACTORS Alex Puig + Xavi Ocaña + Lorena Pedre + Erika Leiva + Eva Villazala Felipe Duarte + Vicky Navarro + Teo Camino + Antonella Sonza + David González PHOTOGRAPHERS Eudes de Santana + Carla Tramullas + Maria Dias + Ginés Pedrero

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