lamono #114 VOYEUR

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VOYEUR L A M O N O V O L. # 114

Cover by Zoe Emma Luiza Lacava / Dan Nicoletta / Víctor Bensusi / Anita Dadá / Sara Macel / Kohei Yoshiyuki Sam Muller / Troy Elmore / Zoe Emma / Carles Medina

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ES T. 2003

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la ventana P. 28

DAN NICOLETTA

Synchronicity P. 34

VOYEUR

VÍCTOR BENSUSI P. 44

ANITA DADÁ EL EROTISMO COTIDIANO P. 58

SARA MACEL WHAT THE DEEP SEA SAY P. 68

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KOHEI YOSHIYUKI Encuentros furtivos P. 78

SAM MULLER

El observador silencioso P. 78

TROY ELMORE PARA BRIXTON El shaping como un arte

SUMARIO/INDEX

P. 98

Zoe Emma THE INNER DEMONS P. 106

LEVI’S SKATEBOARDING CPH OPEN Carles Medina P. 132

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VANS+BRIXTON ×TOTAL× LOOK WWW.VANS.ES WWW.BRIXTON.COM PHOTO: LUIZA LACAVA – WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: DAMIÀ FIGUERAS

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DARK SEAS ×TOTAL× LOOK WWW.DARKSEAS.COM PHOTO: LUIZA LACAVA – WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: DAMIÀ FIGUERAS

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VOLCOM ×TOTAL× LOOK WWW.VOLCOM.ES PHOTO: LUIZA LACAVA – WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: FAYE MAIDMENT

BRIXTON HAT×TOTAL× LOOK WWW.BRIXTON.ES PHOTO: LUIZA LACAVA – WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: FAYE MAIDMENT

DARK SEAS ×TOTAL× LOOK WWW.DARKSEAS.COM PHOTO: LUIZA LACAVA – WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: DAMIÀ FIGUERAS

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TOTAL× LOOK VANS T-SHIRT - WWW.VANS.ES SCOTCH&SODA PANTS - WWW.SCOTCH-SODA.COM CONVERSE SNEAKERS - WWW.CONVERSE.COM PHOTO: LUIZA LACAVA – WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: FAYE MAIDMENT

TOTAL× LOOK VANS T-SHIRT WWW.VANS.ES VALLEY EYEWEAR (VÍA ÓPTICA GRAN VÍA BARCELONA) WWW.VALLEYEYEWEAR.COM PHOTO: LUIZA LACAVA – WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: FAYE MAIDMENT

ROXY×TOTAL× LOOK WWW.ROXY.ES PHOTO: LUIZA LACAVA – WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: FAYE MAIDMENT THANKS TO: CAMPING MIRAMAR - WWW.CAMPING-MIRAMAR.ES

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DIAMOND SUPPLY×TOTAL× LOOK WWWDIAMONDSUPPLYCO .COM PHOTO: LUIZA LACAVA – WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: FAYE MAIDMENT THANKS TO: CAMPING MIRAMAR WWW.CAMPING-MIRAMAR.ES

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VANS ×TOTAL× LOOK WWW.VANS.ES PHOTO: LUIZA LACAVA – WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: DAMIÀ FIGUERAS

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HERSCHEL×TOTAL× LOOK WWW.HERSCHEL.COM PHOTO: LUIZA LACAVA – WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: FAYE MAIDMENT THANKS TO: CAMPING MIRAMAR WWW.CAMPING-MIRAMAR.ES

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VOLCOM ×TOTAL× LOOK WWW.VOLCOM.ES BRIXTON HAT - WWW.BRIXTON.COM PHOTO: LUIZA LACAVA – WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: GINÉS PEDRERO

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VOLCOM ×TOTAL× LOOK WWW.VOLCOM.ES PHOTO: LUIZA LACAVA – WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: FAYE MAIDMENT

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Y E U R

T: EVA VILLAZALA

Mirar sin ser visto. O mirar para ser mirado. Es condición humana mirar y exhibirse, en la misma medida.

A veces creemos que estamos mirando por el placer de observar pero en realidad lo único que hacemos es pedir a gritos que nos descubran para exhibirnos. De ahí la persistencia, los ojos clavados en un punto fijo, insistiendo para que la cabeza propietaria de nuestra atención dé media vuelta y plante una pupila en nuestro terreno. Va a ser cierto aquello de que sólo existimos en el otro. Y lo que sin ti no soy nada. Este número lo dedicamos a la mirada del Voyeur, a la que está desnuda o a la que busca un secreto, todas son válidas, necesarias. El japonés Kohei Yoshiyuki (no es su nombre real) paseaba un día por el parque de Shinjuku cuando descubrió algo que se movía entre la maleza. Una pareja se daba el lote y varios mirones observaban de cerca la escena. Lo que impactó a Kohei no fue el hecho de que la pareja gozara en un espacio público sino que los mirones campaban a sus anchas. Tras este primer encuentro descubrió que no eran los únicos, que se trataba de un fenómeno recurrente en ese parque y en otros del país nipón. Armó a su cámara de infrarrojos y se dispuso a ser un Voyeur de los voyeurs, el resultado dio la vuelta al mundo. La fotógrafa Luiza Lacava y nuestra redactora Antonella Sonza quedaron una tarde de sábado y por la noche ya nada era igual. Una ventana, el objetivo de una cámara y sus cuerpos desnudos fueron los responsables de ese baño de pasado y presente, sus moratones internos y externos se transparentaron en el vidrio para ser más evidentes y luego desaparecer durante un rato, hasta la noche. Dan Nicoletta es una leyenda en sí mismo, sus fotos son testigos fieles del nacimiento de la voz pública del movimiento gay. Nicoletta descubrió a Harvey y Harvey descubrió a Nicoletta, ambos se hicieron juntos y ese encuentro supuso un hito en la carrera de ambos. Salieron del armario mutuamente, para que el hecho de mirar y ser vistos se convirtiera en una misma cosa, dando un paso más en la normalización del colectivo. Anita Dada se comunica con su cuerpo desnudo, es su espacio de expresión, los centímetros de carne que sacuden una reivindicación a su manera. Y no tiene miedo de mostrarlo. Ella es la modelo desnuda de sus fotos, ella es la que mira a través de la puerta en pantis, ella es la que pellizca su pezón para darse cuenta de que está viva y de que tiene voz. Ella es la que muestra esas fotos al mundo, haciéndose una voyeur de su propia mirada. Un día Sara Macel descubrió unas instantáneas de su abuela disfrutando de una casa de vacaciones en Florida. En ellas parece coquetear con un atractivo sacerdote, mostrando a una mujer que poco tenía que ver con la imagen que había forjado de ella la nieta. Ese inesperado encuentro con la mujer joven e impulsiva escondida en los años y en las obligaciones familiares llevaron a la fotógrafa a trabajar en un proyecto con el que ella misma se sintió Voyeur de sus raíces familiares. Sam Muller es el voyeur continuo de los skaters que se esfuerzan delante de su objetivo por clavar un truco tras otro, él los sigue en sus giras registrando sus esfuerzos y sus talentos, siempre teniendo en cuenta un elemento fundamental en sus composiciones: la arquitectura. Por su parte, la ilustradora Zoe Emma, autora de nuestra portada, explora los entresijos de la mente mediante sus ilustraciones, en las que los ojos y la mirada misma juegan un papel fundamental en el descubrimiento de verdades universales.

To observed without being seen, or to see to be seen. It’s a human condition to see and to exhibit, equally.

Sometimes we think we are looking because of the pleasure of observing, but really, the only thing we are doing is begging to be caught so we can exhibit ourselves. Hence the persistence, eyes fixated on a specific point, insisting, aiming that the head of our attention-receiver turns around and looks at us. It’s going to be true that we only exist throughout others; because without you, I’m nothing. This issue is an ode to that Voyeur glance, to the naked body or to the one aiming to discover a secret, all valid and necessary experiences. The Japanese photographer Kohei Yosjiyuki (not his real name) was walking one day through a park and discovered something moving in the bushes. A couple was going at it and a lot of peepers were staring closely at the scene. What shocked Kohei was not the fact that the couple was enjoying the public space, but all the voyeurs around them. After this first encounter he discovered they were not the only ones, it was a recurrent phenomena happening in that park and in others around the country. He then got an infrared camera, and became a voyeur of voyeurs, the final result spread all over the world. Photographer Luiza Lacava, and our writer Antonella Sonza, met a Saturday afternoon and later that night, nothing was the same. A window, a lens, a camera, and their naked bodies were responsible for that transition from past to present, and their internal and external bruises cleared before the morrow. Dan Nicoletta is a legend himself; his photographs portray the conception of the outspoken voice behind the gay movement. Nicoletta discovered Harvey, Harvey discovered Nicoletta, they each helped build the other, and that meeting changed their lives and careers. They came out of the closet together, so that the action of seeing and being seen would be the same, leading for a collective acceptance. Anita Dada communicates through her naked body, it’s her expressive space, the centimeters of flesh bring upon a self-made claim, and she is not afraid to show it. She is the naked model before her camera, she is the one looking through the door, she is the one pinching her nipple in order to feel alive, to discover her voice. She is the one presenting those photographs to the world, becoming a voyeur of herself. One day Sara Macel discovered some snaps of her grandmother in a summerhouse in Florida. In them she seems to be getting along with a good-looking priest, depicting an image of herself very distant to the one the granddaughter had. That unexpected incident led her to work in a project where she became a voyeur of her family roots. Sam Muller is the continuous voyeur of the skateboarders, who strive before his lens in order to land a trick, and another; he follows them documenting their tours and their talent, always having an element present in his compositions: architecture. Illustrator, Zoe Emma, author of this issue’s cover, explores the behavior of the mind through here illustrations, where the eyes and stare place a vital role in the discovery of universal truths.

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T: ANTONELLA SONZA F: ANTONELLA SONZA Y LUIZA LACAVA

la ventana Eran las 16:00 de la tarde y aún me estaba esperando. Pero ella nunca se queja, me conoce y sabe cómo soy. Sabe que no lo hago con mala intención, simplemente es como si viviera en otro fuso horario. O como yo siempre digo, es algo genético: mi madre es así, mi abuela también lo era. Tres generaciones de impuntuales que llegaban a su punto álgido en mí, con esos 10 minutos que siempre iba arrastrado y que pesan especialmente cuando alguien te espera con tanta ansia como lo hacía ella ese día. Era una tarde cualquiera, un sábado del recién estrenado verano que iba a convertirse en trascendental. Iba a formar parte de nuestra propia historia. Lo habíamos planeado a medias: una iba a ser la cámara, otra iba a ser la modelo. Las dos íbamos a dejar algo atrás ese día. Y por fin llegué, y ahí estaba ella, junto a la ventana, con una botella de vino, cargando la cámara a modo de ritual. No podía esperar para ponerse delante de ella, para quitarse ese peso de encima.

Casi no hubo que decir nada: las cosas fluyeron sin más. Una se dejaba llevar por el propio diálogo de su cuerpo en ese contexto narrativo, esa especie de purgatorio, mientras la otra procesaba el mensaje a través de la fotografía. Ella estaba desnuda, libre, vulnerable, cómoda en su piel. No le importaba que alguien estuviera mirándola, directa o clandestinamente, por una ventana o por una mirilla. Ni siquiera se lo planteaba, tenía cosas más importantes entre manos. El objetivo era el único ojo que ella podía ver. Y la otra, a través de la cámara, admiraba toda esa fuerza visceral. Admiraba como se paseaba sin pudor por su larga terraza, con el cuerpo lleno de moratones, físicos y emocionales, intentando curar la cicatriz que el pasado había dejado en ella. Esa cámara era la llave a una catarsis necesaria, balsámica. Toda esa energía acabó embriagándome, y cuando agoté el penúltimo carrete, necesitaba hacer algo. Apoyada en esa ventana, tras las cortinas, por dentro, decidí que quería deshacerme de todo. Dejar de mirar y ser la que estuviera al otro lado. Quería ser el objeto de mi propia admiración. Así que sin más, se dieron la vuelta las tornas. Yo estaba delante, y de repente, estaba creando mi propio diálogo en un lenguaje que nunca había pronunciado. Y sí, no es que me diera igual, de hecho, quería ser observada desde el silencio. Me sentía por primera vez parte de mi propia piel, como un todo. Han pasado varios meses, y aún a veces hablamos de esa energía, de esa honestidad con la que nos tratamos a nosotras mismas. Aún no sabemos qué fue exactamente lo que pasó ese día, pero algo cambió, pero de verdad. En esa ventana, tras esas cortinas, hacia fuera. Simplemente dejándonos mirar.

It was four in the afternoon and she was still waiting for me. Though she never complains, she knows me, she knows who I am. She knows I mean well, I just live in another time code. Or as I always say: it’s genetics, my mother is the same, my grandmother was too. Three unpunctual generations that have come to a climax with me, with those ten minutes I’m always carrying behind, and that become really heavy when someone is waiting for your anxiously, like she was. It was a regular afternoon, a Saturday, summer had just began and it would become transcendental. It would turn into part of our story. We had sort-of planned it out: one would be the camera, and the other the model. Both of us would leave something behind that day. I finally got there, and there she was, next to the window, with a bottle of wine, carrying her camera as if it was a ritual. She couldn’t wait to be in front of it, to take that load off. Words were unnecessary; everything flowed. I would simply follow the dialogue of her body in that narrative context, in that kind of purgatory she was in, processing the message as photographs. She was naked, free, vulnerable, comfortable with her skin. She didn’t mind someone was watching her, directly, or hidden somewhere, through a window maybe. She couldn’t care less; she had more important things between hands. The lens was the only eye for her. And the other, behind the camera, admired that visceral strength. Admired how she walked without modesty along the terrace, with the body covered in bruises, physical and emotional, trying to heal that scar left on her by the past. That camera was the key towards a necessary catharsis, healing. All that energy got me drunk, and when there was just one more roll of film left, I had to do something. Standing against the window, behind the curtains, inside, I decided I had to get rid of everything. To stop watching, and go further. I wanted to be the object of my own desire. So just like that, the roles changed. I was before the lens, creating my own dialogue in a language never pronounced before. And it’s not that I didn’t care, actually, I wanted to be observed in silence. For the first time I felt part of my own skin, complete. A few months have gone by, and we still talk about that energy, about that honesty we experienced with each other. We aren’t still quite sure what happened that day, but something changed, for real. En that window, behind the curtain, outside, letting people watch.

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T: ÁNGEL PLANA

DAN NICOLETTA

Synchronicity ¿Nunca os ha ocurrido que estáis todo el día pensando en alguien que hace tiempo que no veis y justamente os lo encontráis por la calle? ¿O querer cambiar de trabajo y casualmente conocer a alguien que os puede ayudar? ¿Quizá habéis notado incluso que en alguna ocasión una canción que ya conocíais parece en ese momento que os hable y os indique qué debéis hacer? Pequeños guiños que el universo nos va brindando a lo largo de la vida y que muchos atribuyen a la forma que tiene de comunicarse con nosotros. Él nos los presenta y nosotros debemos ser capaces de descifrarlos. Dan Nicoletta ha sabido desarrollar las habilidades para encontrar esos momentos que para la mayoría de los mortales pasan desapercibidos o los denominan casualidad, destilándolos en su vida y en su arte. Un estilo, el suyo, basado en la espontaneidad y naturalidad de sus fotografías que realiza como si de un diario personal se tratasen. Un registro visual para evocar el sentimiento que le asaltó en el momento de disparar. Por ello, a diferencia del resto, cuando las revisa, sabe encontrarles el sentido, el por qué, la diferencia que las hace tan especiales. La vida le brinda momentos mágicos y él sabe apreciarlos. Para nuestro disfrute, además, es capaz de captarlos. Charlamos con él en el marco de la inauguración de su primera exposición en España (concretamente en Madrid) de la mano de Levi’s celebrando los 40 años de lucha LGTBQ. Nadie mejor para dar el pistoletazo de salida a las festividades del World Pride que todo un testigo, y en cierta manera, un voyeur a través de su cámara, de uno de los mayores movimientos sociales de nuestro tiempo.

It has never happened to you that you spend the whole day thinking about someone you haven’t seen for a while, and suddenly you ran into him or her on the street? Or wanting to change your job and suddenly meeting someone that can help you? Maybe you noticed a song you already knew, but this time is telling you exactly what to do? Small winks the universe is giving us, throughout our life, cues.

It sets them forth and we have to decipher. Dan Nicoletta has learned to develop the required abilities to find those moments that for most of us, mere mortals, pass by unperceived, or are simply catalogued as random, ignoring them. His style is based upon spontaneity and naturalness; his photographs are like a personal diary. A visual archive that evokes the emotions he felt when he captured each picture. That’s why, unlike most people, when he goes through them, he finds sense in what he is seeing, making them so special. Life offers magic moments, and he knows how to appreciate them. Luckily for us, he can capture them as well. We talked with him during the opening of his first exhibition in Spain, in Madrid, thanks to Levi’s, celebrating the 40 years fighting for the rights of the LGTBQ community. No one better than him to start with all of the activities organized for the World Pride: a witness, a voyeur, using

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Hola Dan. Antes de nada, me gustaría empezar con una anécdota de algo que me pasó hace unos días cuando vine a ver la exposición. Una pareja gay estaba mirando las imágenes, y me pidieron que les hiciera una foto, justo delante de una en la que se veía a un chico enseñando el pene. Los dos se pusieron en lados opuestos de la foto y me pidieron que me asegurase de que saliera el pene, como si fuera algo divertido. ¿Qué piensas de esto? El mundo entero está ahora bailando y celebrando el Orgullo, pero ¿hasta qué punto se ha convertido en una marca y la gente se une solo por la fiesta y la parte divertida y no por el movimiento social detrás? Hemos incluido imaginario explícito porque mucha gente olvida el componente de lucha social y no puede ser anulado, forma parte de nuestra identidad sexual. Hay muy pocas cosas explícitas en este libro, pero sí puedes hacerte una idea en términos generales de lo que forma parte de nuestra identidad como movimiento, como la cultura del cuero. Sin el aspecto sexual, no se hubiera convertido en un movimiento, nuestro movimiento.

PUEDES TENER ESPERANZA EN MEJORAR PERO HASTA QUE NO PASAS A LA ACCIÓN ESA ESPERANZA NO TE LLEVA A NADA.

Sin embargo, ¿opinas que esta generación no sale a la calle para luchar por el cambio o no valoran que viven el fruto de la lucha de los que vinieron antes que ellos? Creo que hay un momento para todo y la historia evoluciona de manera orgánica. Por supuesto prefiero que la gente luche por lo que cree de forma alternativa y pública. Pero por otro lado, yo también defiendo mi derecho a no pronunciarme, por lo que nunca le diría a alguien, “eh, tienes que estar más involucrado en política”, sería una contradicción. Pero tengo la esperanza de que la gente se implique más y que se den cuenta y valoren el hecho de que disfrutan de ciertos derechos gracias a que algunos se han movido para conseguirlos transformando la sociedad.

Y si hablamos de ti como fotógrafo, ¿cuál es tu siguiente paso?

Quiero hacer más libros. Quiero recopilar todo mi trabajo de estudio antes de morir. Si lo consigo, tendré 12 años de fotos de la comunidad LGTB que ha pasado por mi estudio, todo un documento histórico. Pero antes, quiero hacer un libro con la gente de la comunidad que fotografío en Oregon (donde vivo), por ejemplo. Lo que me gusta de los libros es que tienen una dimensión democrática y para mí es la mejor manera de dejar huella en la humanidad.

¿Cuál crees que ha sido la gran victoria del movimiento LGTB durante estos últimos años? La mayor victoria ha sido, por supuesto, el derecho al matrimonio. No digo que será lo más importante para mí, pero creo que sí lo es a una escala social más grande.

Se trata de condición humana, de igualdad, de encontrar un espacio a salvo para que la comunidad LGTB viva su vida con libertad y a su manera. Adoptar es el siguiente paso.

En tu opinión, ¿cómo hemos cambiado como sociedad desde los 70s cuando empezaste a ser testimonio de todo este movimiento? ¿Vamos en la dirección correcta? La verdad es que sí. Nunca hubiera dicho que viviría para ver lo mucho que hemos progresado. Soy afortunado porque puedo comparar y valorar la mejora.

La comunidad LGTB de hoy en día no lo ha vivido y no saben lo que fue. Vale, lo pueden leer en libros e intentar hacerse una idea, pero si no lo has sentido en tu piel, no puedes saber lo difícil que fue y todo el trabajo duro que se ha hecho hasta ahora. Por eso, espero que pasen a la acción por lo que defienden. Como decía Grace Paley, “la única característica reconocible de la esperanza es la acción”. Es decir, puedes tener esperanza en mejorar pero hasta que no pasas a la acción esa esperanza no te lleva a nada. ¿Así que el siguiente paso para la comunidad LGTB es pasar más a la acción? Sí, tener una fiesta propia está bien, pero también tienes que involucrarte en el sector sin ánimo de lucro. Hacer algo con tu vida que sea contributivo a la comunidad.

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En estos 40 años, ¿cuál es la situación más increíble o inolvidable que has capturado, más allá de Harvey Milk? Tiene que ser Harvey Milk. ¿Otro más allá? Una de las tesis fotográficas que hice retratando a un grupo de teatro llamado “Ángeles de la Luz” que son ejemplo del género fluido, y de hecho son así mucho antes de que se popularizase el concepto.

A principios de los 90s, abriste tu propio estudio y empezaste a fotografiar a los miembros de la comunidad LGTB. ¿Cómo fue para ti el paso de la fotografía documental al contexto de estudio?

Fue genial porque siempre tuve el sueño de tener mi propio estudio y que toda la comunidad LGTB pasara por ahí, una persona tras otra.

Creo que ha sido bastante consensuado: ellos también querían venir y sentarse ante mi objetivo. Son gente maravillosa. Así que el estudio en sí se convirtió en una subcomunidad y era genial. Entonces, tuve que cerrarlo por otras razones y fue cuando me sentí completo. Era el cierre natural a una época, y no he vuelto a fotografiar así más.

Gus Van Sant dijo sobre tu trabajo: “las fotografías de Dan han sido un medio vital para la creación de Milk [nota del redactor: la película protagonizada por Sean Penn] porque eran ejemplos de gente real y lugares que existieron en la vida de Harvey, y eso ha influido en nuestra visión de mil maneras”, ¿Qué sientes cuando te das cuenta de que tu trabajo ha sido tan importante para la memoria colectiva general? Me siento genial, claro. Creo que mi trabajo materializa lo que la gente se imagina sobre esa época y siento mucho afecto por eso. Siempre he creído que estaba haciendo algo valioso pero cuando obtienes la validación externa, es una sensación tremenda. Es abrumador pensar que sí, que esto significa algo grande. Era lo que tenía que hacer, mi propósito en la vida.

Vamos a hablar un poco de Harvey, es inevitable hacerlo. Él cambió tu vida pero conocerte también cambió la suya. Lo hiciste icónico gracias a tus fotos. Sin ellas, probablemente no le recordaríamos de la misma forma. ¿Qué le hacía tan especial? Él se formó como profesor en la Albany State Teacher’s College, por eso era muy perceptivo, estaba cómodo en ese rol. Y cruzármelo en mi camino, cuando era muy joven y afrontando el hecho de ser gay, fue todo un golpe de suerte. Él y su pareja, Scott, se convirtieron en hermanos mayores para mí. Harvey entendió esa conexión que teníamos y me enseñó mucho sobre creer en la visibilidad y la libertad. Entendió que la fotografía era una gran herramienta para conseguirlo, por eso no solo me tenía a mí como fotógrafo, tenía 4 o 5 aliados muy cerca que lo eran, muchos de los cuales hoy en día ya no están con nosotros. Mi profesor, Crawford Barton fue uno de ellos, y fue importante porque trabajaba para el mayor periódico gay de la época, The Advocate.

Scott y Harvey consiguieron que fuera su asistente de laboratorio en su estudio. Scott y Harvey tenían visión, ellos entendieron que solo algunos de nosotros íbamos a sobrevivir y que íbamos a transmitir el mensaje. Sin darse cuenta de lo que iba a venir después, supieron que eso era un detalle esencial: que todos lo compartiéramos todo. ¿Cuál es la mayor lección de vida que has aprendido de él y que aún continúa vigente en ti? Él quería conseguir un espacio seguro para que las personas pudieran vivir abiertamente el amor hacia su mismo sexo. Estaba indignado porque no podía vivir su pasión con normalidad. Era un hombre pasional, se emocionaba con el amor y siempre quería casarse con todos sus novios. Era muy fuerte y luchó

por lo que quería y creía. La mayor lección es: ¿cómo le vas a prohibir a alguien ser quien es?

Por supuesto, Harvey no fue la única persona que se ha dejado la vida por luchar por los derechos de la comunidad LGTB. ¿Qué otros casos extraordinarios recuerdas? También han habido mujeres que se han dejado la vida por luchar contra la homophobia. Por ejemplo Del Martin, que murió con 90 años hace poco. Ella y su pareja, Phyllis Lyon estuvieron al frente de una organización que luchaba por los derechos no solo de las lesbianas, sino de la mujer.

Siempre luchó por tener el derecho a casarse, y un año antes de morir lo hizo en San Francisco, en silla de ruedas y todo, y fue todo un acontecimiento. Si Harvey es el padre del movimiento, ella definitivamente es la madre.

Tu trabajo como activista es increíble también. ¿Qué le dirías a alguien que tiene miedo de salir del armario y no puede ser libre de ser quién es? Le diría que su seguridad e integridad es lo primero.

Que no tiene por qué buscar visibilidad si eso le va a causar una amenaza a su integridad física. Que tenga fe porque la vida le llevará por el camino adecuado en el que sea seguro para salir y ser visible.

Este es nuestro principal objetivo: preservar tu seguridad. Si en un momento se ve amenazada, más tarde podrás disfrutar de tu identidad plenamente. Si sientes que no puedes más y quieres rendirte, por favor, no cometas una locura. Tendrás lo que buscas en algún momento, eso te lo puedo prometer. Solo tienes que ser paciente y cuidar de ti mismo, ponerte a salvo.

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Hello Dan. First of all I would like to start with an anecdote that happened to me few days ago, when I first came to see the exhibition. A gay couple was standing there, watching your exhibition and they asked me to take them a picture, just right in front the one with a guy showing his penis. They both stood at the sides and they told me to make sure that the penis appeared. What do you think about this? The whole world is dancing, and partying, and celebrating the World Pride. But, until what point has it become a trademark and some people are only joining to live the festive part of it, but do not support the social movement behind? We included explicit imagery because a lot of time people forget about the social component, and that’s not right, since it includes our sexual identity.

I think we added a few explicit images on book, but it helps to give an idea about of the LGBT civil rights movement, we must never negate our sexual identity, and that includes the leather culture. Without the sexual aspect it wouldn’t have become a movement, our movement.

Somehow you can see that our generation don’t fight hard enough or just enjoys of the fruits of the fights of previous generations?

I think there’s a place for everything, and I prefer it when people are more underground and taking action, and less involved in the rite of passage through hedonism. But in the other hand I had my rite of passage through hedonism, so I would never say to somebody, “no, you should be more political”. That’s counterproductive. So I think that sometimes people will take longer with their rite of passage into and through hedonism, and hopefully they’ll eventually realize that the reason they have this, is because people underground are doing a transformation of society. It’s one of those things that some people will never get. We don’t expect them to, because 30% of us prefer to just not try to convince them to.

30%? 30%. You know, there was a great LGBT elder called Harry Hay, and he was actually in the first homophile movement in the 1950’s. He formed this thing called the Mattachine Society, which ran for so long. They had a group and they were very secretive because their lives will be ruined. He was very prescriptive in his speech, he liked to lecture young gay people, and he looked at me very seriously and said: “You will be part of the 30% that carries the way of the other 70%”. He literally said that, to the word. And I sat there with chills down my spine. I was like: “Oh my god!” And he said: “You will do it and you must do it”. I think he was talking about gay men versus lesbians, because the lesbians don’t have this problem. But I think what it came to was: I had my party, I moved through it, and it almost destroyed me (laughs), but I don’t really expect people to change their trajectories, I think it’s fine.

Which do you think has been the greatest victory of the LGBT movement during these years? The greatest victory is, of course, marriage equality. Which is not to say that I think that it’s important to me personally, but I think in the social fabric of the larger human condition, it’s something that people can measure more easily in terms with why we need equality, and why we need a safer space for LGTB people. Somehow the family being able to adopt children and all those things get rolled into it: “Oh ok, of course they should have equality”, you know?

In your opinion, how have we changed, as society, since the ‘70s, when you started to document everything? Are we going in the right direction? Yeah, yeah, I mean, I never dreamed that I would live

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I ALWAYS HAD THE DREAM OF HAVING A STUDIO AND THEN TO BE ABLE TO HAVE THE QUEER COMMUNITY SORT-OF MARCH THROUGH. IT WAS VERY CONSENSUAL, THEY WANT TO COME AND SIT FOR ME.

to see the progress that I’ve seen. So I have the luxury of being able to compare. Today’s LGTB people don’t really have that luxury, to know what it was like. I mean, sure, they can look at history books and put it together, but I think when you actually organically have been through the harder times, you really appreciate the advances and the hard work that has been accomplished. And I do know that there’s a big fight ahead. So I hope that they take action. It’s a very simple detail. I think Grace Paley said: “The only recognizable feature of hope is action”. So that you might be hopeful, but you won’t necessarily manifest the reality of what you hope for, until you take action.

So that’s the next step for the LGBT community to take? More action? Yeah, yeah, to have your party, but then also be involved in the non-profit sector. Like do something with your life that is contributive.

And for you, as a photographer, what’s your next step? I want to do more books; I want to do a book of all my studio work before I die. That’s already in the pipeline. If this book is successful, I’ll get a 12-year documentation of the LGBT people in the studio context. We are going to do that book next and we are going to do a couple other theme-specific books. I’d like to do one on the queers that I’m photographing now where I live, in Oregon. So many books. The thing is, books have a sort of democratic dimension and for me that’s a way to leave a mark on the cave wall of humanity. That’s how I will spend the rest of my years, I don’t need to be in demonstrations anymore, I had 40 years… You guys do! (Laughs) In these 40 years, tell us the most unforgettable situation or person that you had captured (besides Harvey). It has to be Harvey Milk. Another? Another would be one of my thesis subjects, my body of work was the theater group called “The Angels of Light”, which is sort of gender fluid… they had the gender fluid idea long before it was popularized; in the book and in the show there are some pictures of them…

In early ‘90s you opened your own photo studio and started to take pictures of the members of the LGTB community. How was

called “The Advocate”. Harvey and Scott arranged for me to end up being the lab intern in Crawford’s studio. Both of them, Harvey and Scott, they predicted that some of us would survive and then some of us would carry the message forward. They very much, without knowing how big it would get, knew that was an essential detail.

Was Harvey the only one who could see that? (Yeah) At the time, the idea that an elected official could be openly gay was new, so I think he understood that he need it that sort of visibility to foster that idea. He played the media like a harp. It wasn’t just entirely based productivity when he interfaced with the press world, he enjoyed the engagement, he enjoyed capturing their imagination. You can see it in the photos of him and when he would do interviews, he was very jocular about it, he always liked to bring fun into the formula and he made it fun for them.

I mean, I keep on meeting in the press who are still working, that they worked with Harvey and they say it was one of the best experiences they’ve had, because he was funny, you know.

the change from documental photography on the streets to the studio context? It was great because I always had the dream of having a studio, and then to be able to have the queer community sort-of march through. It was very consensual, they wanted to come and sit for me. It was amazing people. So the studio in itself was like a very smallbig community center, and that was very exciting. Then I lost the lease and that is when I kind of felt… I felt complete. Like I didn’t have to do studio work anymore. I had fulfilled that dream. That book would be sort of ended by the fact that I stopped doing it that way.

Gus Van Sant said about your work: “Danny’s photographs were a vital resource for the formation of Milk (the movie). They were examples of the real people and places that influenced our vision for the film in innumerable ways”. What do you feel when you realize that your work is so important for the collective historical memory? I feel great. I feel like the work really captures people’s imaginations and I get lots of love. I think I’m doing something right because I would do it anyway, but I think when you have the validation coming from your peers… it’s a tremendous feeling. It feels like: “Oh, this really means something”. It’s what I have to do, my purpose.

Let’s talk a bit about Harvey. I think it’s inevitable to do it. Harvey changed your life, but you also changed his, you made him iconic thanks to your pictures. Without them, probably nobody would remember him the way they do now. What made him so special?

Well, he was trained as a teacher. He went to Albany State Teacher’s College and so he was naturally prescriptive. He really enjoyed that role.

I think for me as a young gay person, also one who was tempered about being gay, this was a stroke of luck, that couple, Scott and Harvey, they became like gay big brothers to me. So I think that Harvey understood that connection and he loved enrolling people in the idea of visibility and freedom. I think he understood that photography was a great tool for this because he didn’t just have me as his photographer. He actually had three or four different very close allies, many who are gone now…

My teacher Crawford Barton was a very significant photographer during the time, because he worked for the biggest gay paper at the time,

Which of his life lessons are still valid for today that you will never forget? I think that he really wanted to create a safe space for same sexlove. I think that a lot of people don’t understand that, all the coalition building that he did was really informed by his indignation about the fact that in society, back then, when he was a young man, was completely against the ability to have same sex-love. He was very passionate about his romances. He almost, inevitably, always wanted to marry the person that he was romantically involved. He literally had that in mind, he wanted same sex marriage. He actually proposed it even before, you know, society said, “yes, you can do that”. He was incredibly strong. He just loved the company of men; you can see pictures of him; there’s one in here. That’s the lesson: “how dare you not allow this?” That was kind of one of his primary goals.

For sure, Harvey was not the only one to die fighting for the LGBT rights, who else do you remember? There were also women who were at the forefront of the homophile movement, and one of them passed away few years ago. She was 90, and her name was Del Martin and she was part of a couple. There was Phyllis Lyon and Del Martin, and they formed the first homophile-lesbian organization, called “Daughters of Bilitis”. They also were at the forefront of women’s health issues, and they were at the forefront of marriage equality. Right before she died, she got to be married at the mayor’s office in San Francisco, right at the point where the supreme court in California said: “No, you cannot take this away from us”. It was amazing for her, she was in a wheel chair and the community that she had built was there in support of her marriage, and people were throwing rose petals, it was crazy. The best chef in the city was also lesbian and made their wedding cake, and it was this entire amazing thing. Then a year later she was gone. There is many actually… She is the mother. If Harvey is the father, she is the mother.

Your work as an activist is amazing too. What would you say to someone who is afraid to come out and be free as he or she is?

I would say your personal safety must come first. That you shouldn’t necessarily come out if it would cause harm to you physically. You might have to be faithful that at some point your life will change where it will be safe for you to come out. That would be a primary goal. Is number one: preserve your safety, so that later in life you will have the reaches of the full experience of your forming identity. If you feel like it’s a lost cause, and then you might want to give up, please, do not kill yourself, you will have the full expression of your identity in time. You just have to be patient and stay safe.

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VOYEUR

PHOTOGRAPHY BY

VÍCTOR BENSUSI MODEL: IRENE ROLDÁN AND MARCOS PASTRANA ESTILISM: LOURDES VERDUGO

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VOLCOM SKIRT

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51 VANS TOP

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54 VOLCOM TOP

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59 SCOTCH & SODA JACKET

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T: DAVID GONZÁLEZ DÍAZ

ANITA DADÁ

EL EROTISMO COTIDIANO

Somos deseo. Deseo de tocar y ser tocados. Deseo de besar y ser besados. Deseo de ver y ser vistos. Los deseos son personales, nacen en nuestro interior. Muchos de ellos completan su sentido al salir al exterior, cuando se comparten. Sin embargo, otros son impulsos que tratan de escapar de nuestros adentros mientras los reprimimos a toda costa. Fantaseamos con inmiscuirnos en la vida de las personas que nos interesan. Imaginamos, ocultamente, todas aquellas escenas cotidianas de los otros que desearíamos presenciar. Tratamos, incluso, de invadir el terreno de la intimidad ajena, aunque sólo sea mediante la pregunta. De alguna manera, el voyeurismo se acaba convirtiendo en ese poder a la invisibilidad con el que soñamos desde pequeños.

En las fotografías de Anita Dadá nos sumergimos en el erotismo de la vida cotidiana. Ella es lo fotografiado y la fotógrafa. La observadora y la observación. En su obra todo es autobiográfico e introspectivo. A partir del autorretrato se representa a sí misma y a partir del desnudo lo hace eliminando temores y vergüenzas. No obstante, a medida que irrumpimos en su atmósfera más personal, nos reconocemos en la misma cotidianeidad. Somos el deseo de la expresión íntima de uno mismo y la de los otros.

We are creatures driven by desire, a desire to touch and feel touched, desire to kiss and be kissed, a desire to see and be seen. Desires are personal, born from within. Many of them acquire full sense once fulfilled, once shared. Though others, are impulses trying to escape our groins as we repress them at any cost. We fantasize about meddling in other people’s lives, if they interest us. We imagine, in silence, all those regular scenes we desire to witness. We even try to invade their intimacy, sometimes just imposing a question. In some way, voyeurism represents that invisibility super power we desired as kids. In Anita Dada’s photographs, we delve in the eroticism present in everyday life. She is photographer and photographed, observer and observed.

In her body of work everything is introspective and autobiographical. Through her self-portraits she presents herself, through the naked body she does it by suppressing fears and shame. Nonetheless, as we penetrate her most personal atmosphere, we recognize ourselves in those regular scenes. We are the expression of the most intimate desire of others and ourselves.

www.instagram.com/anitadadaphoto 61

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Ya no estamos mirando por el agujero de la cerradura, sino a través de una vitrina.

Nadie está excluido.

Cuando observamos tus imágenes nos vienen a la mente los conceptos de desnudo, cotidianeidad, sensualidad o espontaneidad. ¿Cómo defines tus fotografías?

Eso es exactamente lo que quiero expresar: el erotismo de la vida cotidiana, la simple desnudez de los cuerpos femeninos. Ninguna foto ha estado pensada y elaborada en el estudio. Para mí no hay luces ni efectos, no hay maquillaje, ningún glamour. ¿Qué referencias han inspirado tu obra? Siendo un trabajo donde el protagonista es el cuerpo femenino desnudo en un contexto cotidiano, obviamente me inspiro en lo que me pasa; en un estado de ánimo preciso, un disco que he escuchado, una película que he visto o una situación social que he vivido.

En tus fotografías ejerces como modelo y fotógrafa al mismo tiempo. ¿Existe un componente autobiográfico e introspectivo a través de tus autorretratos? Sí, sin duda. ¿Podríamos entender tu obra fotográfica como un diario íntimo de escenas cotidianas? Así es, y esto se evidencia por el hecho de que las escenas que represento realmente surgen del contexto en el que se encuentran, aunque el sujeto realice acciones surrealistas. La foto con una chica desnuda metiendo la cabeza en la lavadora es una escena diaria porque nace en ese contexto y ningún elemento de la escena ha sido modificada o estudiada antes. ¿Qué consigues explicar a través del desnudo que no conseguirías de otra forma? El desnudo para mí es ante todo una expresión íntima de mí misma. Está obviamente vinculada a mi sexualidad, a mi deseo de exhibicionismo.

Creo que me he convertido en fotógrafa de desnudo por esta misma razón; ya que no estoy interesada en trabajar con ninguna otra forma de representación fotográfica. ¿Qué posibilidades de expresión obtienes al unir el autorretrato con el desnudo? Por definición el autorretrato es una forma de representarse a uno mismo, así como el desnudo es mostrarse abiertamente sin temor ni vergüenza. Exponerme de esta manera es la más alta forma de expresión de mi libertad, física y moral.

En todas tus fotografías hay un rasgo muy característico: la ocultación de tu rostro. ¿Cuál es tu intención al ocultar la expresión facial? Mis fotos se caracterizan por el hecho de que nunca muestro la cara, incluso cuando hago shootings con otras modelos. Mi objetivo es anular el lenguaje de las expresiones faciales a favor de las corporales. La sensualidad puede expresarse a través de la simple sinuosidad de un brazo o la luz del cabello.

A veces, tu obra acoge una atmósfera íntima que hace que tengamos la sensación de estar inmiscuidos presenciando una escena que no deberíamos desde un escondrijo. ¿Qué percepción crees que tiene el espectador ante el desnudo ajeno? Cada espectador tendrá su percepción basada en su trasfondo cultural y su propia educación social.

El monotema de e ste nú mero e s VOY EU R . ¿Consideras que en una época en la que estamos más expuestos y de manera más explícita a todos los niveles potenciamos nuestro lado más voyeur?

Ciertamente. De hecho, ya no estamos mirando por el agujero de la cerradura, sino a través de una vitrina.

Nadie está excluido. ¿La percepción y la mirada hacía el desnudo masculino en fotografía dista del femenino? Aquí estás tirando abajo una puerta abierta. Para mí el desnudo masculino ni siquiera se acerca a la nobleza del femenino. Por mucho que la historia del arte me diga lo contrario, considero el cuerpo masculino totalmente inferior. El cuerpo de la mujer es Poderoso.

En la actualidad, las redes sociales y plataformas digitales permiten la visualización y la proyección de la obra de muchos artistas. Sin embargo, en ocasiones este nuevo medio muestra restricciones y censura. Una fotógrafa que basa el eje de su obra en el desnudo, ¿Cómo convive con las limitaciones que se le ponen al cuerpo despojado de ropa? Evidentemente mi trabajo sufre de esta censura, mi capacidad de difundir mis imágenes en las redes sociales está de alguna mutilada debido a tantas restricciones.

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We are no longer looking through the peephole, but through a window.

No one is excluded.

As we see your work, we immediately think in the concepts of nakedness, everyday life, sensuality and spontaneity. How would you define it? That’s exactly what I want to convey: the eroticism of everyday life, simple nakedness of feminine bodies. None of the photographs has been thought out or developed in the studio.

There are no lights or effect, no make-up, no glamour.

Which references have influenced your work? Given that my work is inspired in the feminine naked body in a regular context, I’m obviously inspired by what happens to me; in a precise mood, listening to a certain record, watching a movie I’ve seen, or a social situation I’ve experienced.

In you photographs you are both model and photographer. Is there any autobiographical or introspective component in your self-portraits? Yes, without a doubt.

We could understand your work as an intimate diary of everyday scenes? Yes, and this is clear due to the fact that the scenes I represent arise from the context where they are happening, although the subject is performing surreal actions. The photograph of a naked girl putting her head inside a washing machine is an everyday scene because it’s born from that context and no element within the photographs has been modified or prepared before hand.

What do you manage to convey through the naked body that you couldn’t do otherwise? The naked body, for me, it’s an intimate expression of myself. Obviously it’s linked to my sexuality, to my desire to exhibit. I think I have become a Nude photographer because of that same reason, since I’m not interested in working in any other kind of photographic representation.

What expressive possibilities do you gain by merging self-portraiture with Nude photography? By definition, self-portraiture is a way of representing yourself, just as nakedness is displaying yourself openly, without fear or shame. Exposing myself in this way is the supreme way of expressing my freedom, physical and moral.

All your photographs have a very distinctive trait: we cannot see your face. What is the intention behind hiding facial expression? My photos are characterized by the fact that I never show the face, even when I work with other models. My purpose is to eliminate the language present in facial expressions, favoring corporal language. Sensuality can be expressed through the simple sinuosity of an arm, by the light shimmering on hair.

Sometimes, your works convey an intimate atmosphere that makes us feel as if we were witnessing something we shouldn’t. What do you think is the perception a spectator has as he sees other people’s Nude photography? Each spectator must have its own perception based upon his or her cultural background and own social education.

The title of this issue of the magazine is VOYEUR. Do you think that in an era where we are more exposed at every level, we enhance the voyeur within us? Certainly. As a matter of fact, we are no longer looking through the peephole, but through a window.

No one is excluded.

Do you consider that the perception people have and the way the look at male Nude photography is very different regarding female? You are knocking at an open door. For me male Nude photography is miles away from the nobility present in female Nude photography. No matter what art historians have to say about it, I consider the male body inferior. The female body is Powerful.

Nowadays, social media and the digital platforms, allow more visualization and projection for many artists. Nonetheless, sometimes these new channels are ruled by censorship and restrictions. As a photographer who builds her work upon Nude photography, how do you cope with these limitations imposed upon the naked body? It’s evident my work suffers from this censorship; my capacity to spread my images across the web is, in a way, mutilated, due to all these restrictions.

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T: INES DIAZ

SARA MACEL WHAT THE DEEP SEA SAY A Sara Macel le apasiona su familia tanto como su profesión. Uno de sus deseos es subirse a un avión para ayudar y fotografiar el reciente desastre que ha tenido lugar en su pueblo natal, Spring, Texas, por el arrollador huracán Harvey. Esta artista tiene mucho valor y también un don para la fotografía que le ha hecho ganar importantes premios; el último, por ejemplo, la estancia de un mes en la residencia de artistas Light Work durante el pasado mes de Julio, donde pudo desarrollar nuevos proyectos. Su trabajo se ha expuesto internacionalmente y pertenece a varias colecciones privadas. Sara se atreve a capturar todo: fantasmas, historias familiares e incluso encuentros amorosos secretos y relaciones de una noche de amigos y extraños. Sus fotos son poderosas y nos invitan a sentir el Voyeur más allá de miradas terrenales. En este caso, la curiosidad no mató al gato, sino que lehizo crear ‘’What did the Deep Sea Say’’. Sara Macel se sumerge en el mar profundo de Florida para descubrir los secretos y deseos de su abuela materna. El mar le cuenta los recuerdos que guarda sobre el alma de una joven mujer que disfrutaba de un modo de vida despreocupado y tranquilo en las playas de la ciudad de Hollywood, Florida, durante la Segunda Guerra Mundial. Sara es su nieta y es una fotógrafa con un talento sobrenatural que, junto con su madre, nos invita a sentirnos VOYEUR con esta serie de fotografías titulada ‘’What did the Deep Sea Say’’. Es una artista que pone todo su corazón y dedicación en cada disparo hasta el punto de hacer posible un reencuentro mágico entre mujeres de la misma familia pertenecientes a tres generaciones diferentes mediante la fotografía. Sus fotos hacen que buceemos en pensamientos feministas, que vendrán a nuestra mente al igual que cuando las olas rompen delicadamente en la orilla. Además, las calles de Hollywood fueron también recorridas y fotografiadas con el fin de recrear estos cálidos recuerdos.

Florida’s deep sea immerges Sara Macel into the secrets and desires of her grandmother. Sara made the sea talks about the memories that it holds about the soul of a young woman who was living a carefree life in California during World War II. Her granddaughter, Sara Macel is a supernaturally talented photographer who invites us to feel voyeur with these series of pics, named “What the Deep Sea say”. She is an artist that puts her heart on every shoot until the point of making possible a magical reencounter between women of three different generations through photography. Her pics make us dive into feminist thoughts which come to our mind as waves come to the shore in a peaceful sunset. The streets of Hollywood will also be walked and shoot in order to recreate her memories. Sara Macel is passionate to her family as well as to her profession. One of her wishes is jump on a plane, help out and photograph her recently damaged hometown, Spring, Texas, by the devastating hurricane Harvey. She has guts and also a gift for photography which made her get important awards; the last one, for example, was one-month residency at Light Work House for the past month of July where she had the pleasure to work with great artists. Her work has been internationally exhibited and is in various private collections.

Sara dares to photograph everything, such as ghosts, family stories and even secret trysts and one night stands of strangers and friends. She and her photography are powerful and invite us to feel the voyeur beyond terrenal gazes. In this case, the curiosity did not kill the cat but it made her to create “What the Deep Sea Say”.gazes. In this case, the curiosity did not kill the cat but it made her to create “What the Deep Sea Say”.

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¿Qué te impulsó a especializarte en la fotografía? ¿Qué signfica para ti ahora? Cuando asistí a mi primera clase de fotografía en educación secundaria, me enganchó inmediatamente. Desde que tuve 15 años, la fotografía ha sido una salida creativa y el centro de mi curiosidad. Es el medio que utilize para exploar ideas e interactuar con el mundo. Además, soy profesora de fotografía por lo que paso la mayor parte de mi tiempo hablando sobre ello, ejerciendo una función social, y ayudando a los estudiantes encontrar su voz creativa. ¿Podrías contarnos un poco más sobre tu serie de fotos más reciente ‘’What Did the Deep Sea Say’’? Después de pasar unos cuantos años creando otra de mis series ‘’May the Road Rise to Meet You’’ sobre la vida de mi padre como viajante de comercio y estar tan anclada en esta estética masculina y cow-boy, supe que quería que mi nuevo cuerpo de trabajo tratase sobre mujeres. Por aquel entonces, el destino hizo que mi familia encontrase una vieja maleta que contenía negativos tomados por mi abuela durante la Segunda Guerra Mundial. A raíz de este descubrimiento, se reveló un secreto capítulo de su vida. Descubrí que durante la guerra mi abuela dejó su casa en Nueva Jersey para vivir, al parecer, una vida tranquila en Hollywood, Florida. Mientras estaba allí, conoció a un sacerdote bastante atractivo que se convirtió en un amigo de la familia para toda la vida. Las fotos dan a entender que algo especial pasó entre ellos, se nota que podría haber sucedido algo más.

Empecé a viajar sola a Hollywood, Florida y también con mi madre (su hija) para averiguar más sobre esta etapa de su vida. Nosotras nos lo tomamos como una oportunidad para distanciarnos y reflexionar sobre nuestra propia vida y deseos.

Es importante destacar tus palabras quería que mi nuevo trabajo tratase sobre mujeres. ¿Cómo representas la identidad femenina en este trabajo? Como mujer artista y feminista, quise contar una historia sobre la mujer y las elecciones con las que nos enfrentamos en la vida y cómo estas han evolucionado, o no, de generación en generación.

Pienso que cuando uno mira las fotografías de What Did the Deep Sea Say observa a las mujeres como ellas mismas se ven y cómo nosotras miramos a otras mujeres. Procuré que las fotos fuesen sensuales pero diferentes a la vista masculina. Para mí, todo se basó en conectar con mi madre como persona, no como esposa, madre ni tampoco como una mujer que supere con creces mi edad. Con quién yo quería conectar realmente era con su alma. Cuando encontré esos negativos de mi abuela sentí que estaba viendo una parte de su espíritu que no conocía antes. Quise explorar esa idea. ¿Qué sentiste al descubrir la vida, secretos y deseos de tu abuela?

Fue alucinante porque parecía que estaba en una película. Buscar pistas sobre su pasado se convirtió en un juego adictivo. Pronto me di cuenta de que el hombre atractivo que aparecía en muchas de las fotografías tomadas por mi abuela era el sacerdote de nuestra familia.

Creo que hubo atracción por parte de ella, pero no encontré ninguna evidencia de que aquello fuese mutuo o de que hubiese pasado algo alguna vez. Sin embargo, puedo ver en las fotos que ella lo deseaba.

Esto me llevó a formular uno de los temas principales de mi trabajo: la identidad de la mujer y sus deseos cuando son eclipsados por el papel de esposa y madre/abuela. Mi abuela se casó al final de su veintena, lo cual era algo tarde para su generación. Puedo imaginar que estaba bajo presión porque, además, le contó una vez a mi madre que sus padres estaban impacientes por verla casada. Yo estaba soportando presiones similares en mi vida y este proyecto me permitió analizar mis sentimientos. Además, le pregunté a mi madre si participaría; Ella tuvo una relación complicada con su madre y yo quise explorar su deseo de libertad. Su colaboración ha sido increíblemente abierta y paciente.

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¿Encontraste algunas coincidencias con tus sentimientos, los de tu madre y tu abuela? Sí, completamente. Pienso que estos sentimientos cambian y evolucionan un poco en cada generación, pero en un determinado momento de nuestra vida, una mujer tiene que saber qué es lo que quiere. Me ayudó a lidiar con mi destino el hecho de volver al pasado y ver cómo mi madre y mi abuela afrontaron ese momento de sus vidas. Aunque estas mismas conexiones también las siento con muchas mujeres en mi vida. Todos estamos esforzándonos por encontrar nuestro camino. ¿Qué fue lo que tenía que contarte el mar profundo (The Deep Sea) de Florida? El mar guarda todos los secretos y compartió algunos conmigo mientras realizaba esta colección fotográfica. Sin embargo, esos son secretos que prefiero guardar para mí misma. ¿Te sentiste algo VOYEUR descubriendo los secretos de tu familia con esta colección? ¿No somos ya todos los fotógrafos algo voyeur?

Quizás sea una declaración demasiado amplia, pero yo afirmaría que, en cierto modo, todos mis proyectos son voyeuristas. Algunos miembros de mi familia han bromeado con que yo soy la investigadora privada de nuestra familia. Hay una foto que mi abuela tomó de un hombre joven y guapo con una postura reclinada y echándole a ella una mirada con la que todos pensaríamos que algo hay entre ellos. Ese negativo estaba gravemente deteriorado, por lo que tuve que pasar horas retocando y examinándolo en detalle. En este artefacto congelado se plasmaba la mirada de un hombre mirando a mi abuela y fácilmente me imaginé que él estaba mirándome con aquellos ojos. Así que, diría que es una experiencia bastante bizarra sentir que te estás introduciendo en la vida sexual de tu abuela cuando ella tenía tu edad. ¿Y qué nos cuentas sobre Florida? ¿Es un lugar especial para ti?

Florida es un lugar único y misterioso. Hablé con mi amigo Nat Ward, un artista increíble que también hace sus trabajos sobre Florida, y me dijo que la gente va allí para escapar, pero no tan lejos, para que puedan volver a ser encontrados. Yo crecí yendo a Florida cada verano para visitar a mi abuela paterna. Mi madre decía que era su ‘’pececillo’’ porque soy Piscis. Podía nadar durante horas y horas, mirando a los peces con mis gafas de buceo. La succión de las gafas, cuando finalmente me las quitaba, me dejaban una marca redonda y roja por toda la cara. Imaginaba ser una sirena y a veces me lo sigo creyendo. ¿Hay algún momento que destaques sobre el viaje? En la maleta hallé unas cuantas fotos de una vivienda. Cada habitación estaba documentada, cosa que me hizo pensar que mi abuela tomó esas fotos porque se estaría mudando allí o trataría de venderla. Nadie en la familia sabía si ella poseía una casa en Florida, así que, en mi primer viaje a Hollywood, decidí visitar la oficina del secretario del condado en busca de escrituras de antiguas propiedades. Me llevó su tiempo rebuscar entre los viejos ficheros hasta que encontré el documento de propiedad que ella poseía en Hollywood durante 1943 y 1945. Había estado allí todo el tiempo. Decidí ir a verla y ahí fue cuando las cosas empezaron a ponerse interesantes. Otro de mis recuerdos favoritos es cuando estaba retratándome junto a la cortina del hotel. Mi madre estaba rondando por la habitación y se metió en la foto, se cubrió con la cortina y dijo –¡Mira, soy el fantasma de mamá!– Las dos nos reímos y ella estaba fantástica así que le hice repetirlo para la foto. ¿Cuál es tu foto favorita de la colección y por qué? Mi favorita es la foto en la que mi madre y yo nos vemos reflejadas en el cristal.

Mientras que ella mira al océano y al atardecer, yo la miro a ella y sujeto la cámara. Ahí está el resumen de este trabajo.

¿Cómo surgen las ideas para tus trabajos? ¿Con qué te gusta conectarlos? Las ideas surgen de la historia del arte, libros que leo, sueños, canciones, etcétera. Con ‘’WDTDSS’’, escritoras y artistas femeninas captaron mi atención, por ejemplo la novela de Kate Chopin El Despertar y fotografías de la Condesa de Castiglione fueron dos de mis inspiraciones.

Además hago una lista de tomas antes de cada viaje, pero son solo puntos de partida o algo a lo que retorno cuando me siento estancada. Solo tengo que darle vueltas al tema, ser abierta y observadora. A veces las fotos te encuentran y otras eres tú quién crea el escenario. ¿Por qué sigues haciendo fotos de carrete a pesar del tiempo y el coste que supone escanear negativos? ¡Eso me preguntaba yo cada vez que pagaba por el procesado o cuando pensaba en las horas que había estado escaneando! Aunque sea más complicado para mí, hay algo que encuentro familiar en el registro del color y luz de la película, quizás sea porque crecí aprendiendo fotografía analógica. Me gusta lo tangible y también no saber exactamente cómo va a ser la imagen. Mi trabajo es más lento con carrete, pero eso ha hecho que sea una fotógrafa pensativa. En WDTDSS he estado experimentando con doble exposición y carreteres caducados.

tos artísticos son creados como respuesta y reflejo de la cultura en la cual éstos se originaron. La historia de la fotografía es una continua conversación sobre generaciones de artistas. Ellos deben conocer la historia del objeto para poder participar en esa conversación y así sumar su voz a la historia. Dos fotógrafos no ven el mundo exactamente de la misma manera. ¿Qué sentimientos quieres transmitirnos mediante tu arte?

Quiero que penséis en el tiempo, recuerdos y en el papel que la fotografía desempeña en función de cómo nos acordamos de nuestras historias personales y colectivas. ¿Te has quedado alguna vez mirando a alguien que amas mientras no se daba cuenta? La ternura y vulnerabilidad que hay en ese momento es lo que yo quiero que la gente sienta al ver mis obras. Como si algo secreto se revelara.

Mirar mi trabajo es como leer mi diario, pero escrito en códigos. ¿Qué fotógrafos te influenciaron a la hora de desarrollar tu estética? William Eggleston, Alec Soth, Sophie Calle, Sally Mann, Flannery O’Connor, Edward Hopper, Mary Maclane y Larry Sultan.

Tu familia está en lo cierto. Yo también creo que haces un papel de espía mientras fotografías ya que has realizado trabajos basados en la vida personal de extraños y conocidos. ¿Qué conclusión sacas de esta manera de ver las cosas antes y después de la toma? Es una experiencia bastante íntima y me siento muy agradecida cuando alguien me permite verle como realmente es. Se ha convertido en un círculo vicioso, la verdad. Que la gente comparta su intimidad para que la fotografíe me hace sentir mucha empatía por sus vivencias y también ser consciente de que yo nunca podré realmente experimentar o conocer el mundo desde su perspectiva.

¿En qué estás trabajando en estos momentos? Ahora mismo estoy trabajando en la exposición de mi libro maqueta para la serie WDTDSS. Además, no quiero anticiparme a los hechos, pero tengo un nuevo proyecto para este trabajo. Solo puedo contaros que trata sobre el sur de Norteamerica y sobre fantasmas. También fui artista residente en Light Work durante el mes de Julio en Siracusa, NY. Ahora mismo estoy en casa y echo de menos el laboratorio y a todos los que estaban allí, porque seguimos manteniendo relación. Me encantó trabajar con el maestro impresor John Wesley Mannion y este otoño se exhibirán algunos de mis impresos en su nueva presentación grupal.

Eres también profesora de fotografía en los Estates. ¿Cuál es tu filosofía para enseñar? Yo enseño a mis alumnos que los movimien-

¿Dónde te ves en cinco años? Probablemente seguiré contemplando el mar y preguntándome sobre los secretos que esconde.

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ÂżTe has quedado alguna vez mirando a alguien que amas mientras no se daba cuenta? La ternura y vulnerabilidad que hay en ese momento es lo que yo quiero que la gente sienta al ver mis obras.

Como si algo secreto se revelara. Mirar mi trabajo es como leer mi diario, pero escrito en cĂłdigos.

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What drove you to pursuit photography and what it means for you now? I took my first photography class in high school and was immediately hooked. Since the age of 15, I’ve turned to photography as a creative outlet and as the focus of my curiosity. It is the medium through which I explore ideas and engage with the world. I’m also a photography professor, so a lot of my time is spent talking about photography, it’s function in society, and helping students find their creative voice.

Can you tell a little bit more about your latest series ‘What Did the Deep Sea Say’? After spending a few years making “May the Road Rise to Meet You” about my father’s life as a traveling salesman and being entrenched in this very male cowboy/businessman aesthetic, I knew I wanted my new body of work to be about women.

It was fate that around this time, my family found an old suitcase containing negatives taken by my grandmother during WWII. And with that discovery, a whole secret chapter of her life was relieved to me. I discovered that during WWII, my grandmother left her home in New Jersey to live a seemingly carefree life in Hollywood, Florida.

While she was there, she met a handsome priest who became a lifelong friend. The photos hint that when they met as young people, there could have been something more to their connection. I began traveling to Hollywood, Florida both alone and with my mother (her daughter) to find out more about this chapter in her life. It was also a chance for us to step back and reflect on our own lives and desires.

It’s very important to highlight your words: ‘I wanted to be my work about women’. How do you depict ‘female identity’ in this series? As a female artist and a feminist, I wanted to tell a story about women and the choices we face in life and how those have evolved (or not) from generation to generation. I think when you look at these photographs from What Did the Deep Sea Say, you are seeing women as they see themselves and how we look at other women.

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I wanted the images to be sensual but different than the male gaze.

For me, it was all about connecting with my mother as a person. Not my mother, not as an older woman or a wife but about who she is in her soul. When I found those old negatives of my grandmother, I felt I was seeing a piece of her soul that I didn’t know before. I wanted to explore that idea.

What do you feel discovering live, secrets and desires of your grandmother? It was thrilling. I felt like I was in a movie. Digging for clues to her past became an addictive game. I soon realized that the attractive man in many of her photographs was our family priest.

I believe there was an attraction on her part, but I can’t say I found any evidence that it was mutual or ever acted upon. But I see her desire in her photographs. And that realization led to one of the major themes of the work, which is: female identity and desire when it is eclipsed by the roles of wife and mother/grandmother. Grandma got married in her late twenties, which was somewhat older for her generation. My grandmother told my mother that her parents were eager to see her married, so she was under a certain amount of pressure, I can imagine. I was feeling similar pressures in my own life, and this project allowed me to explore those feelings. I also asked my mom if she would participate. She had a complicated relationship with her mother and her own desire for freedom that I wanted to explore. She has been incredibly open and patient throughout our collaboration.

Do you find some coincidences with your feelings and your mother and grandmother feelings? Oh completely, yes. I think it changes and evolves a bit with each generation, but at a certain point in her life, a woman has to figure out what she wants. It helped me reckon with my own fate to look backwards at how my mother handled this moment in her life and how her mother handled it. But they are also the same connections I feel towards so many women in my life.

I think we are all struggling to find our way.

What have to say The Deep Sea to you? The sea holds all the secrets, and I think it shared a few of them with me while I made this body of work. But those are my secrets to keep .

Our next topic is “Voyeur” did you feel a bit voyeur of the secrets of your family with this series? Aren’t all photographers voyeurs on some level? Perhaps that’s too broad of a statement to make. But I would say that all my projects are somewhat voyeuristic. Some family members have joked that I’m like our own personal family Private Investigator.

There’s a photo my grandmother took of a young handsome man reclining and giving her this look. You know the look. And the negative was badly damaged, so I spent hours retouching it and gazing in extreme detail at the frozen artifact of a man gazing at my grandmother. It was easy to imagine he was looking at me with those eyes. So yeah, I would say it’s quite a bizarre experience to feel that you are intruding on the sex life of your deceased grandmother when she was your age.

What about Florida? Is it a special place for you? Florida is a unique and weird place. I was talking to my friend Nat Ward, who is an incredible artist also making work about Florida, and he said that people go to Florida to escape, but they don’t want to escape so far they can’t be found. I grew up going to Florida every summer to visit my other grandmother, my father’s mother. Mom calls me her “little fish” because I’m a Pisces. I could swim for hours wearing my mask with my face in the water staring at the fish. The suction of the mask would leave a red ring around my face when I finally took it off. I thought I was a mermaid. Sometimes, I still do.

What was one stand out moment from the trip? In the suitcase were many photos of a home. Each room was documented, which made me think she took those photos of a house she was selling or moving into.

But no one in the family knew if they owned a house in Florida. So on my first trip to Hollywood, I decided to visit the County Clerk’s office to search old property deeds. It took some time of digging through old microfiche records, but I found it: a deed to a home my grandmother owned in Hollywood from 1943-1945. It was right there all along. I talked to her ghost the whole way from the Clerk’s office to the house.

That’s when things really started to get interesting. Another favorite memory is when I was taking the self-portrait in the hotel curtain. My mom was in the room and jumped in to the shot, covered herself with the gauzy curtain and said, “Look! I’m Grandma’s ghost!” We both laughed, and she looked so amazing. So I made her re-do it for the camera.

Which is your favorite picture of the series and why? I love the reflection of mom and I where I’m holding my camera as I look at her next to me, and she’s looks out at the ocean as the sun is setting. That pretty much sums the whole thing up for me.

How do you come up with the concept of a shoot? What do you like to connect it with? I make a shot list before every trip. The ideas for the shots on my list come from art history, books I’m reading, dreams, songs, etc. With “WDTDSS,” I found myself drawn mostly to female writers and artists. Kate Chopin’s “The Awakening” and the photographs of the Countess de Castiglione were two such inspirations. But my shot lists are just a jumping off point or something I turn to when I’m feeling stuck. I find that you have to just wander and be open and observant.

Sometimes the photos find you and sometimes you set the stage.

What is it that keeps you shooting film despite the cost and time consuming process of scanning negs? I ask myself that every time I’m paying for processing or spending hours scanning and spotting!

I’m definitely making things harder for myself. But there’s something

to the way light and color register on film that is very familiar to me. I grew up with film photography and I learned how to be a photographer with film. I like the tangible. I like not knowing exactly what the image is going to look like and I find film slows me down and makes me a more thoughtful photographer. I’ve also been experimenting in this series with double exposures and expired film.

While shooting, you play the role of an eyewitness, don’t you think? You have done works based on others’ personal life.

What conclusions do you get from this way of viewing things during and after the shoot? Taking someone’s picture is a very intimate experience. I’m so grateful when someone allows me to really see them. It’s a bit of a Catch-22 though. Sharing the intimacy of photographing someone makes me feel such empathy for their particular experience in the world, but it also reinforces that I can never really know or experience the world from their perspective.

You are also a photography professor in the USA. What is your philosophy on teaching photography? I teach my students that art movements are created as a response and reflection to the culture in which they were created. The history of photography is one long on-going conversation among generations of artists. I teach students that they must know the history of the medium in order to join in that conversation and add their own voice to history. No two photographers see the world in exactly the same way.

What do you hope people will take away from your art? That is, what feelings do you want to convey to the audience through your photography? I want my audience to think about time and memory and the role photographs play in how we remember our personal histories and our collective histories. Have you ever watched someone you love when they don’t know that you’re looking at them? There’s such a tenderness and vulnerability to those moments. I want people to have a similar feeling when they look at my work. Like something private is being revealed. I think my work reveals more about me and my thoughts about my subjects than it does about them. Essentially, looking at my work is like reading my diary, but it’s written in code.

Which photographer(s) was/were a driving force in developing your aesthetic? Any other from a different field worth to mention? If my aesthetic was a dinner party, William Eggleston, Alec Soth, Sophie Calle, Sally Mann, Flannery O’Connor, Edward Hopper, Mary Maclane, and Larry Sultan would be having a grand ol’ time. That party would be way out of my league. I’d be lucky to be sitting on the staircase eavesdropping.

What are you working on right now? I’m currently working on the exhibition and book dummy for What Did the Deep Sea Say. And there’s a new project in the works. I don’t want to say too much since it’s still in the early stages, but I can say it deals with the American South and ghosts. Moreover, I was the Light Work Artist-in-Residence for the month of July in Syracuse, NY. I’m home now but I loved the lab and everyone there, so we have an on-going relationship. They are my lab now for exhibition prints and I loved working with John Wesley Mannion, the master printer there. I’ll be exhibiting some prints in their new group show this fall Where do you see yourself in five years? Probably still staring at the sea and wondering what secrets it holds.

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Have you ever watched someone you love when they don’t know that you’re looking at them?

There’s such a tenderness and vulnerability to those moments. I want people to have a similar feeling when they look at my work. Like something private is being revealed. Essentially, looking at my work is like reading my diary, but it’s written in code.

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T: VICKY NAVARRO

KOHEI YOSHIYUKI Encuentros furtivos

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Como una hermosa seta, grande y misteriosa, Kohei Yoshiyuki surgió de la nada para después volver a desaparecer con la llegada del frío gélido. Concretamente, como una de esas setas bioluminiscentes que en la temporada de lluvias crecen en varias zonas de Japón. Su luz verde, suave y discreta, ilumina las oscuras noches, convirtiéndose en una antorcha natural que todo lo ve. Kohei Yoshiyuki (Hiroshima, 1946) también brillaba en la oscuridad, aunque nadie pudiera percibirlo y su luz no fuera natural, sino inducida por sus ganas de indagar en mundos desconocidos. O más técnicamente, por las bombillas de flash infrarrojas que, combinadas con la película también infrarroja de Kodak, conseguían que su cámara de 35 mm captara lo que el ojo humano no puede ver.

Eran los años 70 cuando este fotógrafo comercial se adentró furtivamente en la extraña escena que al caer la noche cobraba vida en los parques de Tokio. Todo empezó cuando una noche, paseando con un amigo por Shinjuku, percibieron que algo se movía entre la maleza. Era una pareja teniendo sexo. Lo que más llamó su atención no fueron sus demostraciones afectivas, sino unos seres silenciosos que les rodeaban con sigilo y observaban atentamente todos sus movimientos. A todos esos mirones, aquella actividad debía proporcionarles la emoción de la que sus vidas carecían. La verdad es que aquellas escenas de sexo entre desconocidos creaban una gran expectación y era inevitable hacerse preguntas y sentir curiosidad.

Más tarde, Kohei Yoshiyuki se enteró de que no era una actividad aislada, sino que se reproducía en otros parques de la capital nipona y decidió que debía investigar más. Así que por un tiempo combinó su trabajo de fotógrafo comercial con sus escapadas nocturnas, en las que, cargado con su cámara, documentaba los encuentros íntimos y todo lo que los envolvía. Podría decirse que, aunque la finalidad no fuera la misma, él mismo se estaba convirtiendo en un mirón más. Un voyeur observando a otros voyeurs. Lo más sorprendente y emocionante de todo era que las parejas de enamorados estaban tan enfrascadas en su historia de amor que no se daban cuenta de que a unos pocos metros, o puede que centímetros, tenían a unos fervientes espectadores escuchando su respiración entrecortada y observando cada detalle. A veces, éstos incluso se atrevían a tocarles, acariciarles o rozar ligeramente su piel, algo que ya podía considerarse acoso.

Pero más que la cuestión ética detrás de todo esto, a Yoshiyuki le preocupaban las dificultades técnicas que suponía pasar desapercibido entre aquella gente cargado con una cámara y conseguir que la luz infrarroja capturara los momentos clave. Sus incursiones duraron ocho años y de ellas surgió su serie ‘The Park’, que en 1979 fue expuesta en una galería de Tokio. La exposición fue tan singular como sus fotos; los espectadores debían avanzar en una sala oscura y acercarse a las fotografías impresas a tamaño casi real, escudriñarlas y examinarlas, experimentando en sus propias carnes lo que era ser un mirón. Al terminar la exposición, que causó gran revuelo y recibió críticas de admiradores y detractores, Yoshiyuki destruyó las impresiones. Durante un breve período, su trabajo estuvo en todas las grandes galerías y museos internacionales como el MoMA o el Museo de Fotografía Contemporánea de Chicago y se publicó un libro con sus fotografías, titulado ‘Document Kouen’ (1980). Pero al poco tiempo, Kohei Yoshiyuki desapareció de la escena artística para no volver. Como una seta, grande y hermosa, que nace de la nada para ser el foco de atención de todos y, de un día para otro, al contactar con la luz del sol, desaparece. Ni siquiera el nombre de Kohei Yoshiyuki era real, sino un pseudónimo tras el cual escondía su auténtica identidad. La de un discreto fotógrafo de anuncios que solo visita los parques de día y nunca ha fisgoneado en la vida de desconocidos.

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Like a beautiful mushroom, big and mysterious, Kohei Yoshiyuki emerged from nowhere and then disappeared again, with the arrival of the freezing cold. Specifically, as one of those bioluminescent mushrooms that grow in several areas of Japan during the rainy season. Its green light, soft and discreet, illuminates the dark nights, becoming a natural torch that can see everything. Kohei Yoshiyuki (Hiroshima, 1946) also shone in the dark, although no one could perceive it, and his light wasn’t natural but induced by his desire to investigate the unknown worlds. Or more technically, by the infrared flash bulbs that, combined with a Kodak infrared film, got his 35mm camera to capture what the human eye can’t see.

It was the early 1970s when this commercial photographer sneaked into the strange scene that was coming to life in the Tokyo parks after the nightfall. It all started when one night, walking with a friend in Shinjuku Central Park, they both noticed something moving in the undergrowth. It was a couple having sex. Instead, what attracted their attention most were not their affective demonstrations, but rather the silent beings who surrounded them with secrecy and watched closely all their movements. To all those onlookers, this activity had to give them the emotion that their lives lacked. The truth is that those scenes of sex between strangers created a great expectation and it was inevitable to wonder about and to be curious.

Later, Kohei Yoshiyuki learned that it was not an isolated activity, but was reproduced in other parks in the Japanese capital and decided that he should investigate further. For a while, he combined his work as a commercial photographer with his night escapades, in which, loaded with his camera, he documented the intimate encounters and everything that surrounded them. It could be said that, although the purpose wasn’t the same, he himself was becoming an onlooker. A voyeur watching other voyeurs. What was most surprising and exciting was that the love birds were so engrossed in their love story that they did not realize that within a few meters, or maybe a few centimeters, they had fervent spectators listening to their fast breathing and watching each detail. Sometimes they even dared to touch, caress or lightly rub their skin, something that could be considered harassment.

But more than the ethical issue behind all this, what worried Yoshiyuki were the technical difficulties involved in going unnoticed among those people with a camera and getting the infrared light capture the key moments. His incursions lasted eight years and led to his series ‘The Park’, that in 1979 was exhibited in a gallery of Tokyo.

The exhibition was as unique as his photos; the spectators had to penetrate into a dark room and approach the almost real-sized printed photographs, scrutinize them and examine them, experiencing in their own flesh what it was to be a voyeur. At the end of the exhibition, which caused quite a stir and received criticism from admirers and detractors, Yoshiyuki destroyed the prints. For a brief period, his work was in all major galleries and international museums such as the MoMA or the Museum of Contemporary Photography in Chicago and his photographs were published as a book entitled ‘Document Kouen’ (1980). But soon, Kohei Yoshiyuki disappeared from the artistic scene to not return. Like a mushroom, big and beautiful, born from nothing to be the focus of attention, and from day to day, when touching the sunlight, it disappears. Not even the name of Kohei Yoshiyuki was real, but a pseudonym behind which he hid his authentic identity. The identity of a discreet ad photographer who only visits the parks by day and has never snooped on the lives of a stranger.

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T: EVA BOLHOEFER

SAM MULLER El observador silencioso

Muchos de los logros más importantes de la ciencia, desde el descubrimiento de los microorganismos hasta la teoría de la evolución, han surgido a partir de la observación. La fotografía, como la ciencia, utiliza el poder de la observación para visualizar los detalles, encontrando lo interesante en lo ordinario. Y eso es exactamente lo que hace Sam Muller. Le gusta ser la mosca en la pared, el observador silencioso. Dedicándose a la fotografía de skateboarding, pronto se interesó por la gente que había detrás de los trucos. Esta curiosidad lo llevó a la fotografía de retrato, capturando imágenes íntimas de atletas, músicos, actores y bailarines.

Many of science’s most important breakthroughs, from the discovery of microorganisms to the theory of evolution, have come about through observation.

Photography, similar to science, uses the power of observation to visualize details, finding the interesting in the ordinary. Exactly this is what Sam Muller does. He likes to be the fly on the wall, the silent observer. Dedicating himself to Skateboarding photography, he soon became interested in the people behind the tricks. This curiosity led him to portrait photography, capturing intimate pictures of athletes, musicians, actors and dancers.

www.sammuller.com

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Empezaste a patinar y a filmar a la edad de diez años, muy temprano. La expresión visual y el skateboarding te han acompañado casi toda tu vida. ¿Quién fue primero, el skater o el fotógrafo?

Indudablemente, comencé a patinar antes que a fotografiar, pero no pasó mucho tiempo entre coger un monopatín y empezar a filmar a mi amigo con la cámara de vídeo de su padre. Para mí, fue como una respuesta natural por querer documentar algo que me parecía especial.

Cuando empezaste a involucrarte en el skateboarding, ¿qué era lo que más te fascinaba? Creo que mi introducción al skateboarding a nivel profesional fue a través de la 411 Video Magazine hacia el año 2000. Lo que me fascinó de inmediato fue cómo los chicos se movían sin esfuerzo y con elegancia, también me encantó la música y las emociones que conlleva el skateboarding. Recuerdo una sensación de abrumadora libertad cuando empecé a patinar, era como si me estuviera moviendo por la ciudad en una alfombra mágica.

La fotografía de skate urbano es una interrelación entre la arquitectura y el atleta. ¿Qué técnicas aplicas para visualizar esta conexión?

Creo que el skateboarding (no la fotografía de skate) es la interpretación que hace el skater de la arquitectura; mi trabajo es documentar y a veces mejorar esa conexión. Por definición, la conexión es visible, pero la parte difícil es simplificarla para el espectador de una manera accesible. He estado observando la arquitectura y la fotografía arquitectónica durante toda mi vida, así que no hay duda de que me he inspirado en la forma en que gente como Julius Schulman o Grant Mudford interpretan el espacio. Me gusta jugar con la profundidad de campo tanto como puedo, de modo que realmente parezca que estás en un espacio tridimensional o, en el extremo opuesto del espectro, en un espacio completamente plano. ¿Cuáles son las habilidades esenciales necesarias para ser un buen fotógrafo de skate? Para los principiantes es necesario ser capaces de estar cómodos viviendo con una sola maleta durante semanas, porque a veces la carretera es interminable. Hay que saber apreciar lo desconocido - muchas veces te encuentras en situaciones en las que nunca te hubieras imaginado, para bien o para mal- y tienes que saber trabajar rápidamente bajo presión (si alguien está arriesgando su vida para intentar algo, no puedes perder tiempo ajustando tu cámar)-. La persona que estás fotografiando estará muy nerviosa y cuanto antes tenga su truco, mejor. Por último, debes ser capaz de apreciar y llevarte bien con todo tipo de gente, aunque eso sirve con cualquier estilo de fotografía, no únicamente con la de skate.

Además de la fotografía deportiva, te dedicas a la fotografía de retrato. ¿De qué manera ha cambiado tu lenguaje visual? Creo que la fotografía de retrato me ha ayudado a ampliar mis horizontes dentro de la fotografía, así como en la vida, porque me ha hecho más observador. Cuando estaba empezando, todo lo que quería hacer era capturar la acción del skateboarding, pero cuanto más tiempo pasaba con la gente que me intrigaba, más me atraía la idea de mostrar quiénes eran como personas, además de lo que eran capaces de hacer sobre la tabla.

Esto me llevó a fotografiar a otras personas que eran importantes para mí fuera del mundo del skate, y me abrió puertas hasta llegar a retratar a bailarines, músicos, artistas, cineastas, actores y otros. Creo que el retrato realmente abrió mis ojos al hecho de que, con una cámara, puedes aprender sobre cualquier persona o cualquier cosa en la tierra.

La cámara me hace tener un propósito.

También fotografías a directores y actores de Hollywood. ¿Cuál es tu mayor desafío a la hora de retratar a estrellas? ¿Qué haces para ganar su confianza? Creo que los mayores desafíos vienen antes de sacar la cámara. Es más difícil conseguir que la gente acepte ser fotografiada y encontrar tiempo en sus horarios que fotografiarlos. A veces llegan tarde, o en el día del rodaje no están abiertos a las ideas que habíamos discutido de antemano, y ese tipo de cosas me hace volver al modo skate, donde voy a tener que trabajar rápidamente y sobre la marcha. Para ganar la confianza de la gente, sólo trato de tener una conversación con ellos antes de empezar a disparar para darles una idea de quién es la persona que los está observando. Si eres abierto con

tus sujetos, no hay razón para que no se abran contigo. Dicho esto, no siempre funciona, a veces les coges en un mal día y no hay nada que puedas hacer para cambiar eso. ¿Cuál es el momento más íntimo que has experimentado retratando a una persona y qué es lo que lo hizo especial? Me viene a la mente una vez que fotografié a Guy Mariano para la edición del 30 aniversario de Transworld Skateboarding. La revista iba dedicada a los 30 skateboarders más influyentes de todos los tiempos. Entonces yo estaba en la universidad y recuerdo que me monté un pequeño estudio de fotos en mi habitación para no ocupar toda la casa con el equipo. Guy vino a verme y estuvimos hablando durante unos 45 minutos antes de que pudiera tomar mi primera foto. Mientras lo estaba fotografiando, sin embargo, no dijimos mucho. Recuerdo estar en esa pequeña habitación llena con el equipo de fotos y la sensación de tranquilidad de aquel momento íntimo y personal. Decididamente se construyó una confianza durante ese shooting que fue muy importante para mi crecimiento como fotógrafo, me hizo querer fotografiar a más gente porque me enseñó que se trata de conectar con las personas en lugar de simplemente capturar su retrato.

Recuerdo una sensación de abrumadora libertad cuando empecé a patinar, era como si me estuviera moviendo por la ciudad en una alfombra mágica.

Richard Avedon dijo una vez: “Mis retratos dicen más acerca de mí que de las personas que fotografío”. ¿Qué dicen de ti tus retratos? Creo que mis retratos revelan una visión observadora, misteriosa, juguetona y curiosa del mundo, así que ¿tal vez eso es lo que dicen de mí? ¿Cómo describiría Sam Muller a Sam Muller? Bueno, sobre la base de la pregunta anterior, supongo que diría observador, juguetón, curioso, leal, y voy a añadir que un poco loco.

El tema de este número es ‘VOYEUR’. ¿De qué manera puede clasificarse tu trabajo bajo esa etiqueta? Creo que parte de mi trabajo es voyeurista porque cuando estoy en un tour de skate, y no estoy filmando la acción o haciendo retratos formales, estoy observando a mis retratados viviendo sus vidas y a menudo haciendo algún tipo de travesura. También cuando fotografío ballet, trato de ser una mosca en la pared observando a mis sujetos en lugar de influir en sus acciones de alguna manera. Me encanta fotografiar de esta manera porque estás completamente alejado del mundo que te rodea mientras simultáneamente estás hiper enfocado en cada ligero movimiento, emoción y posición de los bailarines. ¿Cuáles son tus próximos proyectos? El que viene será mi décimo año fotografiando skateboarding de forma profesional, así que voy a hacer un libro y con suerte algunas exposiciones sobre ese trabajo. Todavía estoy fotografiando ballet, y con el tiempo también lo plasmaré en un libro. Por otro lado, estoy trabajando en un proyecto autobiográfico basado en los Hollywood Hills y en una serie de retratos de personas influyentes en el mundo del monopatín, desde el pasado al presente. ¡Nunca tengo tiempo para aburrirme!

Mencionaste la fotografía como una herramienta de aprendizaje para ti. ¿Cuáles son las mejores lecciones que has aprendido gracias a la fotografía? ¿De qué manera te ayuda a expandir tu horizonte?

Creo que la fotografía me ha enseñado a ser más tolerante con las personas, más abierto y aventurero ante el mundo. Si te metes en situaciones desconocidas, es probable que te encuentres con cosas emocionantes cuando menos te lo esperas.

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You started skateboarding and filming at the age of ten. Visual expression and skateboarding accompany you almost your whole life. What was first, the skateboarder or the photographer? I definitely started skateboarding before I started photographing, but it wasn’t long after I picked up a skateboard for the first time that I started filming my friend on his dad’s video camera. To me, it felt like a natural response to want to document something that I felt was special.

When you first got involved into skateboarding, what fascinated you the most? I think my intro to skateboarding on the professional level was through 411’s around the year 2000. What fascinated me right off the bat was how the guys moved so effortlessly and elegantly, I also loved the music and the emotion that came along with skateboarding. I also remember the feeling of overwhelming freedom when I first started skating, it was like I was moving around the city on a magic carpet.

Urban skateboarding photography mirrors the interrelationship between architecture and the athlete. What techniques do you apply to visualize this connection? I think skateboarding is the interpretation of architecture by the skateboarder, my job is to just document and sometimes improve upon that connection. I think by definition that connection is visualized but simplifying it for the viewer in an approachable way is the tough part. I’ve been looking at architecture and architectural photography my whole life, so I’ve definitely drawn inspiration from how people like Julius Schulman or Grant Mudford interpret space. I like to play with depth in the frame as much as I can so it really feels like you’re in a 3-dimensional space or, on the opposite end of the spectrum, in a completely flat space.

What are the essential skills you need to be a good skate photographer? For starters you need to be able to be comfortable living out of a suitcase for weeks on end, sometimes the road never ends. You need to have an appreciation for the unknown, a lot of the time you find yourself in situations that you’d never have imagined you’d be in, for better or for worse. You need to be able to work quickly under pressure if someone is trying something potentially life threatening, you can’t take your sweet time setting up the photograph. The person you’re shooting is almost definitely really nervous and the sooner they get their trick over with, the better. And lastly you need to be able to get along with and appreciate all different types of people, but that helps with all of photography, not just skateboarding.

Besides sports photography, you dedicate yourself to portrait photography. In which way has it changed your visual language?

I think portrait photography has helped me broaden my horizons within photography as well as in life because it has made me more observant. When I was first starting out all I wanted to do was shoot the skateboard action, but the more time I spent with people I was intrigued by, the more I was drawn to showing who they are as people in addition to what they’re capable of on skateboards. This then lead me to photographing other people who were important to me outside of skateboarding, which has opened doors to photographing the ballet, musicians, artists, filmmakers, actors and so on. I think portraiture really opened my eyes to the fact that, with a camera, you can learn about anyone or anything on earth. The camera gives me a purpose.

You also shot portraits of Hollywood directors and actors. What are the greatest challenges if it comes to capturing stars? How do you earn their trust? I think the greatest challenges come before you even take the camera out. It’s more difficult to get people to agree to be photographed and to find time in their schedules than it is to actually photograph them. Sometimes people are late, or on the day of the shoot aren’t open to the ideas you discussed before hand, but then that kind of makes me revert to skate-mode, because I’ll have to work quickly and on the fly. To earn people’s trust I just try to have a conversation with them before I start shooting to give them an idea of who the person who’s observing them is. If you’re open with

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your subjects, there’s no reason they shouldn’t be open with you. That being said, it doesn’t work every time, sometimes you’re photographing someone on a bad day for them, and there’s nothing in your power to change that.

What was the most intimate moment you experienced with a person you portrayed and what was special about it? One that comes to mind was when I was photographing Guy Mariano for the 30 year anniversary issue of Transworld Skateboarding, the magazine was dedicated to the 30 most influential skateboarders of all time. I was in college at the time and I remember I set up a small photo studio in my room so as not to take over their whole house with gear. Guy came over by himself and we talked for about 45 minutes before I even took a picture. While I was photographing him, though, we didn’t say much.

I remember being in that small room stuffed with photo gear and it just felt small and quiet and personal. There was definitely a trust that was built during that shoot that was important to my growth. As a photographer it made me want to photograph more people because it showed me that it’s about connecting with people rather than just capturing their likeness.

I remember the feeling of overwhelming freedom when I first started skating, it was like I was moving around the city on a magic carpet.

Richard Avedon once said: “My portraits are more about me than they are about the people I photograph.” What do your portraits say about you? I think my portraits will reveal an observant, mysterious, playful and curious view of the world, so maybe that’s what they say about me?

How would Sam Muller describe Sam Muller? Well, based on the previous question, I suppose I’d say observant, playful, curious, loyal, and let’s go with slightly crazy.

The topic of this issue is “Voyeur”. Can your work be stated under that label? I think some of my work is voyeuristic because when I’m on a skate tour, and I’m not shooting the action or formal portraits, I’m observing my subjects living their lives and usually up to some sort of mischief. Also when I’m photographing ballet, I try to be a fly on the wall purely observing my subjects as opposed to influencing their actions in some way. I love photographing like this because you’re completely removed from the world around you while simultaneously being hyper focused on every slight movement, emotion and position of the dancers.

What are your upcoming projects? Next year will be my 10th year photographing skateboarding professionally so I’m going to do a book and hopefully a few shows of that work. I’m still photographing ballet, which I’ll eventually turn into a book as well. I’m also working on an auto-biographical project based in the Hollywood Hills and a portrait series of influential people in the skateboard world, past and present.

There’s never a dull moment!

You mentioned photography as being a learning-tool for you. In which way does it help you to expand your horizon? I think photography has taught me to be more accepting of people, and it has taught me to be more open and adventurous in the world. If you put yourself in unfamiliar situations you’re likely to come across exciting things when you least expect it.

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T: EVA BOLHOEFER

TROY ELMORE PARA BRIXTON El shaping como un arte

El surfer y skater Troy Elmore disfruta pillando olas en las aguas de Blackies, California. El añadido importante es que lo hace con las tablas que él mismo ha creado con twin fin. Y para que el mundo pueda verlo, el surfer se ha unido a Brixton y al director Jack Coleman para crear unas piezas audivisuales que muestran toda la acción de la que son capaces ests tablas. Nos sentamos a hablar con él sobre un tema que nos apasiona igual que a él: la belleza del mundo del shaping.

Surfer and skater Troy Elmore enjoys taking off in the waters of Blackies, California. Here he is riding his own shaped long boards and twin fins. Troy teamed up with Brixton and filmmaker Jack Coleman to show his boards in action. In Lamono he talks about the beauty of shaping.

www.brixton.com www.elmoresurfboards.com

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“Siempre he querido crear mis propias tablas, pero no fue hasta que un día surfeé con la tabla de un amigo que él mismo había creado, que me di cuenta de lo que supone surfear una tabla creada por ti, se nota mucho la diferencia. Y pensé, sí, yo también puedo hacerlo. Me encanta trabajar los objetos, construir y usar herramientas.

La parte más dura es la de materializar en una tabla todas esas ideas que tienes en la cabeza. Pero también es el mayor reto. Como surfeo las olas de Blackies y son de tamaño medio, intento construir las tablas que mejor se adapten a ellas para que sea divertido surfearlas. Blackies es mi spot favorito en el mundo. Crear tu propia tabla es algo muy personal, como crear una obra de arte. Trabajas durante unas horas en ella, escuchando música y totalmente concentrado. Entonces, te lanzas al mar y y la pruebas. Al principio te cuesta adaptarte, y te sientes orgulloso sobretodo de haberla creado y de cómo surfeas con ella. Pero después pillas una buena ola, y la sensación es perfecta, de total comunión entre la tabla y la ola, y los niveles de orgullo crecen. Hace que todo haya valido la pena“.

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I had always considered shaping my own boards, but it wasn’t until surfing a friend’s board that he had shaped, and feeling how good it worked, that I thought to myself: like yeah, I can do this. I really enjoy working on things, building things, using tools. The hardest part is taking the idea you have in your head for a new board, and then making it come to life. But that’s also one of the most fun things. As I mostly surf really average waves, I just try and build a board best suited for the waves I surf. I try and make boards that will be fun in the waves here in Blackies, California. It’s my favourite surf spot. Shaping your own board is a very personal thing, it’s like making a piece of art. You’re working on it for a few hours by yourself, listening to music and totally concentrated on it.

Then when you go surf it, it feels like more than just a dumb surfboard at that point - you just feel proud of it and more proud of your surfing I think. It makes me enjoy the times I’m surfing more, as I’m riding something I made.

It’s the best. Especially after all of the hours you put in building and thinking about the board. Then once you get a really insane wave where you feel like it just worked perfect, it’s a great feeling and makes it all worth it.

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T: ANTONELLA SONZA

Zoe Emma THE INNER DEMONS

La libertad es ese concepto romántico cuyo imaginario tenemos todos claro: lo entendemos como algo físico, que te libera de ataduras y te hace correr libre y salvaje. Se trata de viento en la cara, de pelo suelto, de no saber cuál es tu destino. Una explosión de sensaciones, pura alquimia que algunos pueden denominar como felicidad. Muy bonito, sí, pero ¿y si no tuvieras la posibilidad de experimentar algo así nunca? Porque lo que mucha gente ignora, es que la verdadera libertad no es física, sino mental. Solo tu propia mente es capaz de darte las herramientas para que esa libertad se materialice de forma física e emocional. Si la mente no quiere o no puede dártela, estás jodido. Si ella toma el control, te sentirás atrapado en un camino sin salida, oscuro, sin aire, sin esperanza de salir de ahí. Solo tú, sintiendo cada uno de tus miedos latiendo, palpitando, agonizando. La mente, así, se convierte en tu mayor demonio interior. La única forma de libertarte no es luchar contra ese demonio, sino escucharle y entenderle hasta que llega un momento en el que se rompen las estructuras de poder para abrirse a una convivencia pacífica. Esperanza y comprensión, esto es lo que nos enseña la visceral obra de Zoe Emma que ha vivido en primera persona esta lucha contra su propio demonio también conocido como las enfermedades mentales.

A través de su ilustración ha entendido y aceptado lo que le pasaba para abrir una puerta a una nueva etapa en la que el arte se ha convertido en un diálogo liberador y purificante consigo misma. Dice que lo más satisfactorio de su trabajo es saber que una persona puede sentirse comprendida a través de sus personajes, y es que las enfermedades mentales siguen siendo tabú en la sociedad actual, a pesar de que muchos las idealizan o no las toman en serio. ¿Por qué no somos capaces de hablar abiertamente del tema sin temer perjuicio alguno? Ella, desde luego, sí se atreve.

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Freedom is a romantic concept based upon an imaginary shared by all of us: we understand it as a physical state, free from attachments, allowing us to run wild. It’s about feeling the wind on our face, our hair blowing, without knowing where we are going. A discharge of emotions; basic alchemy some dare to call happiness. Beautiful, yes, but what if we could never experience that again? Because what many of us ignore, is that real freedom is not physical, but mental. Only our own mind is capable of supplying the necessary tools to materialize freedom in a physical and emotional way. If the mind can’t or doesn’t want to offer us those tools, we are fucked. If the mind takes control, we will feel trapped, with no way out, dark, airless, no hope for freedom. Alone, by ourselves, feeling our heart beating, agonizing. If we allow it, the mind can turn into our worst demon. The only way of liberating ourselves is not by fighting against the demon, but listening to it and studying it, until the moment when all of its structures fall apart and a pacific coexistence is established.

Hope and comprehension, acceptance, this is what the visceral works of Zoe Emma teach us; she has fought against her own demon too. Through her illustrations she has understood and accepted what has happened to her, and they helped her open a door to a new phase where her art has become into a liberating and purifying dialogue with herself. She says the most satisfactory aspect is when someone feels understood through the characters she creates; even today, mental illnesses are still a taboo in our society, many people idealize them, and it seems sometimes they are not taken seriously. Why aren’t we open to talk about them openly without fearing prejudice? She is not like that.

www.zoeemma.co

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Comenzaste a dibujar hace dos años, y tenemos curiosidad: ¿cuál fue la chispa que desató a la artista dentro de ti? Aunque oficialmente empecé a dibujar hace dos años, he admirado el arte desde que era muy pequeña. Los personajes que dibujo los creé cuando dejé la escuela de arte porque no estaba de acuerdo con el método de enseñanza y empecé a desarrollar cierta ansiedad. Dibujaba sobre cómo me imaginaba que era mi demonio interior y cómo podía controlar mis pensamientos y sentimientos. Acabé adorando el resultado final, y lo siguiente fue dibujar algo que viviera fuera de mí. Esto acabó siendo el personaje de un solo ojo con la cara escondida tras una máscara. Desde entonces, los empecé a usar para representar la salud mental y los pensamientos y sentimientos que tenía en mis días malos.

Te describes como una artista autodidacta. En tu experiencia, ¿crees que es más complicado conseguir éxito y popularidad en la era de las redes sociales? Creo que es 50/50. Empezar una carrera en ese contexto es muy complicado porque hay mucha competición.

Sin embargo, creo que esta generación es afortunada porque las redes sociales tienen un gran poder de difusión. Te pone al alcance de la mano herramientas para destacar y a medida que te suben los seguidores, más posibilidades tienes de ser descubierto. Además, el arte es ahora un tema más popular y valorado que antes. Se hacen más exposi-

todo hoy en día. Una muestra de ello es ver cómo la gente reacciona ante alguien que tiene problemas de este tipo diciendo simplemente “anímate” o “supéralo”, cuando evidentemente no es tan simple. Sin embargo, hoy en día se puede hablar más abiertamente del tema y eso tiene un efecto positivo en los demás. Pero sin cruzar la línea, ya que en lugares como Tumblr parece que hablar de la salud mental se ha convertido en tendencia. La gente idealiza de forma romántica la ansiedad y la depresión, y a veces dicen tener problemas de este tipo cuando no es el caso, todo por llamar la atención o una excusa. Esto causa un perjuicio increíble a los que realmente sufren de estas enfermedades mentales, ya que otros pueden dudar de ellos. Este problema no es bonito o guay, es horrible y cuánto antes la gente se dé cuenta, mejor para todos.

Tu ilustración es minimalista, prescinde de detalles y es toda en blanco y negro. ¿Por qué? Definitivamente quiero transmitir un sentimiento visceral. Me encanta que mis obras de arte sean sencillas y vayan directas al grano.

Que tus figuras tengan muchos ojos forma parte de tu iconografía personal. ¿Hay algún significado oculto detrás? La idea era crear una figura que pareciera humana a primera vista, pero que en una

ACONTECIMIENTOS RECIENTES COMO LOS ATENTADOS HAN DEMOSTRADO QUE NOS IMPORTAN LAS PERSONAS DE NUESTRO ALREDEDOR CUANDO REALMENTE TENEMOS QUE DEMOSTRARLO Y ESO ES INCREÍBLE DE VER. ciones, hay más marcas interesadas en contratar a artistas y en general se habla más de ello, lo que es fantástico para todos los que forman parte de esta comunidad.

El monotema de este número es VOYEUR y a través de tu arte, vemos que hay en tu cabeza. Has dicho en más de una ocasión que tu ilustración forma parte del proceso natural de enfrentar tu salud mental. ¿De qué manera te ha ayudado? Me ayuda de la misma manera que escribir un diario ayudaría a otros. Soy una persona visual, así que en vez de contarte lo que me pasa, te lo enseñaré para que lo veas. Mi arte ha ayudado a otras personas, y eso me ayuda también. Cuando alguien te dice “te entiendo” se establece una conexión maravillosa entre las dos personas. Mis obras están ahí para entender a aquellos que se sienten a solas con estos pensamientos, y así se dan cuenta de que no es verdad.

Y para los que no entienden que hay gente con problemas mentales, es una pequeña ventana a un nuevo estado mental.

Todos somos VOYEURS de alguna manera. ¿Te gusta que te vean o ser vista? Como he dicho en la última respuesta, soy una persona visual. Me gusta mirar y experimentarlo todo, desde lugares, a obras de arte, a gente. En lo que se refiere a ser visto, como fotógrafa diría que prefiero estar detrás de la cámara que delante de ella. ¿Porqué crees que la salud mental es aún un tabú en nuestra sociedad si es el momento histórico en el que se conocen más casos de estrés, ansiedad y pánico en la historia moderna? Es tabú porque mucha gente no entiende que la salud mental es un tema serio, sobre

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inspección más de cerca uno se diera cuenta de que no lo es. Lo que quiere es camuflarse, le gusta llevar máscaras y esconderse debajo de la piel de la gente. Es la representación de un demonio interior.

También, soy muy fan de 1984, de George Orwell y es la inspiración de múltiples ojos que representan la noción de estar vigilado. ¿Crees que la sociedad moderna ha perdido la capacidad para sentir de verdad? No lo creo, porque eso implicaría que somos todos unos robots sin emociones y definitivamente no es el caso. Todos tenemos sentimientos fuertes por nuestra familia y amigos y tenemos una pasión. Acontecimientos recientes como los atentados han demostrado que nos importan las personas de nuestro alrededor cuando realmente tenemos que demostrarlo y eso es increíble de ver. ¿Qué más podemos saber de ti a través de tus obras? Me encantan los personajes únicos que sean fuera de lo común.

El surrealismo es parte de tu trabajo, ¿Qué obra o artista del movimiento artístico es el que más te ha influido en tu carrera? Muchos, pero sin duda la obra que me ha marcado es “La Persistencia de la Memoria” de Salvador Dalí. Me encanta la simplicidad de su mensaje. ¿Cuáles son tus próximos proyectos? ¿Qué piensas que te espera en el futuro? Por el momento tengo varias ideas para ilustrar, y quiero empezar a hacer instalaciones y experimentar con más materiales. De cara al futuro, me encantaría algún día poder tener mi propia exposición en solitario.

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You started drawing two years ago, so we are curious, what spark ignited your artist within? Although I started drawing officially two years ago, I’ve admired art since I was a little kid. The characters I draw were created when I dropped out from art school because I didn’t agree with the curriculum, so I started developing some kind of anxiety. I started drawing how I thought my inner demon was, how it could control my thoughts and emotions. I ended up loving the final result, and the next step was drawing something that lived out of me. This turned out to be the one-eyed character hiding under a mask. Since then, I started using it to represent my mental health and the thought and emotions I had during my bad days.

You describe yourself as a self-taught artist. In your personal experience, do you think it’s harder to achieve success and popularity in the social media era? I think it’s 50/50. Starting a career in this context is very complicated because there’s a lot of competition. Nonetheless, I think this generation is lucky that social media has such a diffusion power. It offers you the tools to standout, and as your number of followers increase, there’s a higher possibility for your work to be noticed. Besides, nowadays art is more popular and valued than before. There are more exhibitions

nowadays. An example of this can be seen in how people react before someone that has problems of this kind by saying, “cheer up”, or “get over it”, when clearly it’s not this easy. Nonetheless, today it’s easier to talk openly about it and that has a positive effect on the whole thing. But without crossing the line, since in places like Tumblr, it seems like talking about mental health problems has become a trend. People idealize, in a romantic way, anxiety and depression, and sometimes say they have these issues when they don’t, everything just to bring attention to them, or as an excuse.

This creates an unbelievable prejudice upon the people that really suffer from these mental conditions, since people will doubt them.

This problem is not cool or pretty, is horrible and the sooner people notice that, it will be better for all of us.

The minimalist style of your illustrations is free from details and it’s monochromatic, why is that? I definitely want to convey a visceral feeling, I love that my pieces are simple and go straight to the point.

Your multi-eyed characters are part of your personal iconography. Is there a meaning behind them? The idea was to create a figure that seemed human at first sight, but when looking closely

ACONTECIMIENTOS RECIENTES COMO LOS ATENTADOS HAN DEMOSTRADO QUE NOS IMPORTAN LAS PERSONAS DE NUESTRO ALREDEDOR CUANDO REALMENTE TENEMOS QUE DEMOSTRARLO Y ESO ES INCREÍBLE DE VER. happening, more brands interested in hiring artists, and it’s a more common topic, which is fantastic to everyone within the community.

This issue’s title is VOYEUR and through your art, we can see what roams inside your head. You’ve said more than once that your work is part of a natural process you have in order to deal with your mental health issues. In which ways has it helped?

It helps me in the same way writing a diary must work for you. I’m a visual person, so instead of telling you what has happened to me, I will illustrate it for you. My art has helped me find other people, and that helps too. When someone tells you, “I understand you”, there’s a wonderful connection established between the two. My pieces are there to understand those who feel lonely amongst these thoughts, and help them notice they’re not real. For those who can’t understand that there are people with mental problem, this is a window to a new mental state.

We are all VOYEURS in some way, do you like to observe or be observed? As I said on my previous answer, I’m a visual person. I like to look and experience everything, from places, to art pieces, people.

Regarding being seen, as a photographer I would say I prefer to be behind the camera.

Why do you think mental health problems are still taboo in our society, especially when the stress, anxiety, and panic attacks numbers are higher than ever? They’re taboo because many people can’t understand that mental health is a serious subject, especially

at it, it wasn’t. It’s trying to blend itself with us, putting on masks, hiding under people’s skin. It’s the representation of an inner demon.

I’m also a big fan of 1984, by George Orwell; there you can find the inspiration behind the multiple eyes, representing the notion of being constantly under surveillance.

Do you think that modern society has lost its capacity to truly feel? I don’t think so, because that would imply that we are all robots, lacking emotions, and that’s definitely not the case. We all have strong feelings towards our family and friends; we are passionate. Recent events such as the terrorist attacks demonstrated that we care about the people around us when we have to take a stand, and that’s amazing to witness.

What else can we know about yourself through your pieces?

I love rare and unique characters.

Surrealism is present in your work. What piece or artist from the Surrealist movement has influenced you? Many, but, without a doubt, “The Persistence of Memory”, by Salvador Dali, is the piece that has marked me the most. I love the simplicity of its message.

Tell us about your upcoming projects. What do you think the future holds for you? For the present moment I have a lot of ideas ready to be illustrated, and I want to start doing installations, experimenting with more materials. Regarding the future, I would love to have a solo show one day.

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T: EVA VILLAZALA Y ANTONELLA SONZA / F: LAURA ADAN

ADRIAN MORRIS La belleza de lo nuevo

Su mirada se activa (y en consecuencia dispara) cuando se encuentra en una situación nueva, que le resulta ajena y precisamente por eso bella, pura, sin la contaminación previa de su conocimiento. Adrian busca la novedad para sentirse motivado, de ahí que le apasione la fotografía de viaje; descubrir nuevas culturas, tradiciones y gente despierta definitivamente su curiosidad. Tras probar el monitor para fotógrafos BenQ SW2700PT, siente que su método de trabajo a la hora de editar ha dado un paso adelante. Hablamos con él para que nos cuente su experiencia con el monitor y de paso sus motivaciones y nuevos proyectos.

His eyes activate (and as a consequence shoot) every time he is in a new scenario, where he is a stranger, rendering the picture beautiful, pure, free of contamination of his preview knowledge. Adrian looks for the novelty in order to keep himself motivated, that’s maybe why he is so passionate about traveling photography; discovering new cultures, traditions, and people driven by their curiosity.

After trying the BenQ SW2700PT monitor, specialized for photographers, he feels that his working method when it came to editing has moved a step forward. We talked with him to know about his experience with the BenQ monitor, his motivations and new projects.

www.thisismowgli.com www.benq.es

Adrian, has probado ya el monitor BenQ SW2700PT . ¿De qué forma crees que es una buena herramienta para desarrollar tu trabajo como fotógrafo profesional? Después de usarlo me doy cuenta de lo importante que es y cuanto puede ayudar el hecho de tener un monitor de alta calidad a la hora de editar tus fotos; es tan importante como el tipo de cámara que eliges. Con este monitor estoy apreciando la diferencia en la forma de ver, editar y darme cuenta de cada detalle en mis imágenes, veo cosas que no había visto antes, es increíble. La alta resolución me permite ver mis fotos en la mejor calidad posible y eso es realmente importante para un fotógrafo.

Algunos de los highlights del monitor son la calibración individual y la autenticidad del color natural y vibrante que podrás ver en tus fotos, con un de 14 bit 3D LUT (look up table), ¿Qué ventajas técnicas específicas son las que personalmente más vas a aprovechar? Las ventajas técnicas que más aprovecho para mi trabajo son los aspectos visuales, la pantalla de 27 inc, la gran resolución (2560x 1440) y la precisión del color proporcionada por el panel IPS de 10 bit. Todas estas ventajas técnicas me ayudan a estar seguro de que las imágenes se ven con la mayor precisión posible.

Si tuvieras que definirlo en una palabra, sería… Impresionante. ¿Qué opinas de su diseño inmersivo? La idea es que te concentres de forma definitiva en la imagen para sacar el máximo partido de tu trabajo. El diseño es perfecto para sacar el mayor rendimiento, concentrándome en las imágenes, que sea posible girar la pantalla en cualquier dirección también ayuda muchas veces.

Eres un reconocido fotógrafo de viaje, ¿Qué elementos buscas o se repiten en tus imágenes a la hora de mostrar un lugar? ¿Crees que los pequeños detalles dicen mucho de un sitio? A la hora de disparar busco cualquier cosa que pueda crear una emoción o transmitir el sentimiento de lo que es estar en ese momento, lugar o situación.

Si se trata de una persona, quiero la imagen que represente a dicho sujeto de la forma más auténtica posible. Busco movimiento, colores,

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gente, naturaleza, luz, sombras y cualquier detalle interesante que me permita recrear la atmósfera y generar una conexión con el momento en el que estoy yo y la persona que se encuentra viendo mi foto en un lugar totalmente diferente.

Tus imágenes muestran elementos sutiles que gritan grandes realidades, ¿te consideras un gran observador o esos elementos sutiles te asaltan sin que tú pongas mucho esfuerzo? Intento observar todo desde un punto de vista puro y espontáneo, creo que se puede encontrar la parte más bella e interesante de las cosas siendo totalmente abierto, sin expectativas de lo que estás tratando de encontrar, de esa forma puedes ver detalles escondidos y cosas que son mucho más interesantes. ¿Cuáles son los países que más te atraen a nivel estético? Me atraen los países ricos en cultura, colores, luz, patters, gente interesante y tradiciones. ¿Cuándo empezaste a interesarte por la fotografía de viajes? Mi pasión por este tipo de fotografía empezó tras mi primer viaje a la India cuando tenía 21 años. India es un país muy bonito y especial y me sentí muy inspirado documentando las cosas que estaba experimentando y viendo. ¿Qué debe tener un proyecto nuevo para que te apasione? Me apasiona cualquier cosa bonita y extraña. Me encanta conocer y documentar aquello que no me es familiar. Me gusta descubrir y entender la belleza en lugares, personas y culturas. Cada proyecto en el que puedo hacer eso me resulta apasionante. ¿Cuáles son tus próximos proyectos? La semana que viene estaré realizando un proyecto en Abu Dhabi para la BBC, pero he estado pensando en viajar a Madagascar para trabajar en un proyecto personal de fotografía para el que me he estado documentando, no estoy seguro de si va a salir, pero es definitivamente algo en el que estoy pensando mucho últimamente.

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LOS COLORES ESTÁN PRESENTES EN NUESTRA VIDA DESDE EL INICIO, NOS HAN AYUDADO EN NUESTRA EVOLUCIÓN A IDENTIFICAR, CLASIFICAR, Y A CONECTAR CON NUESTRAS EMOCIONES.

Adrian, you’ve already tested the BenQ SW2700PT monitor. Why do you think it’s a good tool to develop your work as a professional photographer? After using it I can really see how important and how much it helps to have such a high quality monitor for viewing and editing your photos, I feel like it is just as important as the type of camera you choose. I can really see the difference in the way I can view, edit and notice every detail in my images; I am also noticing details that I wouldn’t have noticed without this monitor, which is incredible. The high resolution of the monitor allows me to view my photos in the highest quality possible, which is really rewarding for a photographer.

atmosphere and make a connection with the moment that I am in and the person viewing my photo from a totally different place afterwards.

Some of the highlights of this monitor are the individual calibration and the authenticity of the natural and vibrant color you can see in your photos, with a 14 bit 3D LUT (look up table. What specific technical advantages are those that you personally will use the most? The technical advantages for me are all the visual aspects, the 27-inch wide screen and the extremely high resolution (2560x 1440), also the color accuracy from the 10 bit processing IPS Panel. All of these technical advantages help to make sure that all the images are viewed in the highest and accurate way possible.

Which is the country that attracts you the most aesthetically because of its light, streets, people? I am attracted to countries that are rich in culture, colors, light, patterns, interesting people, traditions and lifestyle.

If you had to define it in one word, it would be… Impressive What do you think of its immersive design? The idea is that you concentrate on the image to be as productive as possible. The design is perfect for getting the most out of my work, concentrating on the images and being able to easily rotate the screen in any direction helps sometimes too.

You are a recognized travel photographer. What elements are you looking for or are you repeating in your images when showing a place? Do you think the little details say a lot about a site? I think that I look for anything that can create an emotion or a feeling of what it is like to be in that moment, place or situation. If it is a person, I want the image to represent that person in the most authentic way possible. I look for movement, colors, people, nature, light, shadow, and any interesting details I can find, to try and re-create the same

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Your images show subtle elements that scream great realities, do you consider yourself a great observer or do these subtle elements assail you without you putting much effort? I try to observe everything from a totally blank and spontaneous point of view; I think you can find the most beautiful or interesting things by being totally open and not having any expectations of what you are trying to find, then you will notice the hidden details and things that are the most interesting.

When did you start to get interested in travel photography?

I started feeling a passion for travel photography on my first trip to India when I was 21 years old. India is such a beautiful and special country and I really felt inspired to document the things I was experiencing and seeing, and I think I just continued to document all of my travels a bit more seriously after that particular trip, although I never planned on making it my profession.

What must a new project have to make you passionate? I am excited about anything that is beautiful and unfamiliar. I am passionate about understanding and documenting things that are unfamiliar to me. I like to discover and understand the beauty in places, people and cultures, and any project where I can do this is something passionate to me.

What are your next projects? Next week I am doing a project in Abu Dhabi for the BBC, but I have been thinking for a while about travelling to Madagascar to work on a personal photography project that I have been researching about, but I am not sure if and when I can make that happen, but it is definitely something I am thinking a lot about at the moment.

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T: EVA VILLAZALA Y ANTONELLA SONZA / F: LAURA ADAN

MARTINA MATENCIO Fragilidad sonora

Con frecuencia lo que parece más frágil es lo más duro. Es el juego de la naturaleza y sólo los que tienen un corazón puro aciertan a distinguir esta dualidad caprichosa. Martina Matencio fotografía la dureza de lo frágil en el cuerpo femenino. Intimidad, sensualidad y claridad en mujeres bellas sin artificios, cuerpos que se rinden a un gesto, que descansan en la impaciencia de lo que está a punto de pasar. Ella misma es así, tranquila, metódica e impaciente. La conocemos en su casa-estudio de Poblenou y nos explica las bondades de su monitor BenQ SW320 31.5” 4K IPS, con el que edita sus fotografías como si viera las imágenes al natural.

Frequently that which seems fragile is the hardest. It’s nature’s game, and only those of pure heart are able to distinguish this whimsical duality. Martina Matencio photographs the strength within fragility in the female body. Intimacy, sensuality, and clarity, present in women free of artifices, bodies surrendered by a gesture, resting in the impatience of what’s about to come. A representation of herself: quiet, methodic, and impatient. We met at her studio in Poblenou, there she explained to us the advantages of her BenQ SW320 31.5” 4K IPS monitor, where she edits her photographs as if she was seeing them au natural.

www.lovenenoso.tumblr.com www.benq.es Martina, has probado ya el monitor BenQ SW320 31.5” 4K IPS. ¿De qué forma crees que es una buena herramienta para desarrollar tu trabajo como fotógrafa profesional? Es una herramienta genial para el tipo de fotografía que hago yo. Mis imágenes suelen destacar por la variedad de color, contrastes, brillos etc así que la edición es la base más importante en mi trabajo. Es perfecto por la precisión de color y la amplia área de visualización.

Algunos de los highlights de este monitor son la calibración individual y el 4K. ¿Qué ventajas técnicas específicas son las que personalmente más vas a aprovechar? La resolución ultra HD de 4K ya que me asegurará una gran nitidez de cada detalle y de cada textura. De alguna manera será como poder ampliar la realidad.

Si tuvieras que definirlo en una palabra, sería… IDEAL. ¿Qué opinas de su diseño inmersivo? La idea es que te concentres de forma definitiva en la imagen para sacar el máximo partido de tu trabajo. Es un diseño perfecto para trabajar, parece que estés dentro de la pantalla y puedas ver la imagen real.

Se trata de un monitor con 10 bit IPS, ¿cómo afecta eso al color de tus imágenes? (tiene 100% sRGB 99% Adobe RGB) En mi fotografía es muy importante el color, éste me ofrece disfrutar de los degradados y mostrarme mil millones de colores. Podré ver con precisión la combinación de colores RGB. Acerca de tu obra.. tus fotografías son una delicada visión del imaginario femenino. ¿Cómo definirías tu estilo visual y cómo se ha convertido en tu sello personal? Definiría mi estilo como sutil, algo sensual y misterioso. De alguna manera mi fotografía es mi mapa para seguir mi camino sin necesidad de hablar.

Supongo que lo he ido creando poco a poco hasta conseguir lo que realmente me gusta. Aún me queda muchísimo por aprender y experimentar pero la línea siempre va a ser la misma. No podría vivir sin fotografiar cuerpos, pieles…

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¿Qué podemos saber de ti a través de tus fotografías? Es muy complicado contestar a esta pregunta, sería mucho mejor que se la preguntaras al observador, de todos modos puedo decir que mi trabajo es mi propio reflejo. Se puede aprecia que soy sensible, soñadora, débil pero fuerte, veo fuerza, aire y delicadeza. Me gusta sentir como el tiempo pasa y me gustaría ser menos impaciente, ¿qué necesidad tenemos siempre de que sea todo inmediato? De ahí mis poses tan estáticas dejando pasar el tiempo, observando, sin hacer nada. ¿En qué momento la luz que se filtra por una ventana te hace dejar lo que estás haciendo para lanzarte sobre una cámara para capturarla?

En todos los momentos. No hay un rayo que se me escape. Me encanta inmortalizar ese momento de luz que de repente ya no está. Si puede reflejarse en un cuerpo, mucho mejor. Me parece la mezcla perfecta para fotografiar. Cuerpo y luz.

El cuerpo femenino se convierte en una arquitectura que se moldea con la luz… ¿lo sientes así? Exacto, la luz crea una atmósfera distinta, envuelve el cuerpo, le da contorno, sombras, líneas, para mi la luz es casi el mapa que marca mi recorrido.

El monotema de esta revista es VOYEUR. Si hay algo que evoca tus fotografías, es intimidad, como si mirásemos a través de una mirilla. ¿Eres voyeur y somos voyeurs contigo? De alguna manera sí, al fin y al cabo mi fotografía es algo íntimo, es un reflejo de mí misma, es mi manera de expresarme, es algo que llevo dentro que sale hacía el exterior. En realidad creo que todos somos voyeur, tanto yo como vosotros conmigo. ¿Cuáles son tus próximos proyectos? Actualmente he vuelto a retomar Luna de Marte (mi tienda online de ropa de segunda mano), tengo varios proyectos en septiembre de diferentes marcas, 2 en Madrid y 3 en Barcelona. También uno que tengo muchísimas ganas de presentar es un libro de fotografía y poesía que publico junto a la actriz Alba Ribas con la editorial Stendhal. Estoy muy feliz y emocionada con este proyecto, tenemos muchas ganas e ilusión de poder compartirlo pero tenemos que esperar un poquito, por ahora no puedo decir mucho más.

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EL BENQ SW320 TIENE UN DISEÑO PERFECTO PARA TRABAJAR, PARECE QUE ESTÉS DENTRO DE LA PANTALLA Y PUEDAS VER LA IMAGEN REAL.

Martina, you have worked with the BenQ SW320 31.5” 4K IPS monitor, in which way do you think that it is a good tool for your work as a professional photographer? It’s a great tool for the type of photography I do. My images usually stand out for the variety of color, contrast, highlights, etc., so editing play a vital role in my practice. It’s perfect thanks to its color precision and wide screen.

Some of the highlights of this monitor are its individual calibration and 4K. What specific technical advantages are the ones you will use the most? The ultra 4K HD resolution that ensures me great detail and texture definition. In a way it will be like amplifying reality.

If you had to define it in one word it would be… IDEAL What do you think about its immersive design? The idea is that you concentrate in a definitive manner in your image in order to be as productive as possible. It’s an ideal design to work, it feels like you are inside the screen, and you can see the real image.

It’s a 10 bit IPS monitor, how does that affect the color of your images? (It has 100% sRGB and 99% adobe RGB) In my photographs color is very important, so this monitor gives me the chance of enjoying the shades, showing me a thousand million colors.

Your photographs are a delicate vision of the feminine imagery.

How would you define your visual style and how has it become a personal trait of your authenticity? I would define my style as subtle, sensual and mysterious. In a way, my photography is my map to follow my way, without the need of talking. I guess I’ve been developing it step by step, until I reached a point where I really like what I do. There’s still plenty to learn and experiment, but the overall theme will always be the same. I couldn’t live without photographing bodies, skin…

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What can we learn about you through your photographs? That’s a hard question to answer, it would be easy to ask the audience; anyway I can say that my work is my own reflection. It tells I’m sensitive, a dreamer, weak but strong, I see strength, air and delicacy. I like to feel how time goes by, and I would like to be les impatient, what necessity do we have of immediacy? Hence my static postures, letting time pass through them, watching, without doing anything.

At what particular moment during the day does the like come through your window and makes you run for your camera? All the time. I don’t miss a ray of light. I love immortalizing that moment of light that suddenly is gone; if it can be reflected on a body, much better. It’s the perfect combination to photograph. Body and light.

The female body turns into architecture molded by light… Do you feel it this way? Exactly, the light creates a different atmosphere, it wraps the body, it endows it with contour, shadows, lines; for me, light is almost the map that marks the path I’ve covered.

The title of this issue of the magazine is VOYEUR. If there’s something you photographs convey, is intimacy, as if we were looking through a peephole. Are you voyeur or are you making us the voyeurs? In a way yes, at the end of the day, my photographs are intimate, a reflection of myself, it’s my way of expressing myself, something within me. I think we all are voyeurs: me, and you with me.

Tell us about your next projects. I just started again with Luna de Marte (my vintage clothes online store), I have various projects in September with different brands, two in Madrid and three in Barcelona. Another project I really want to push forward is a photography and poetry book I published with the actress, Alba Ribas, and Stendhal Editorial House. I’m very excited about this project, we are looking forward sharing it, but we have to wait a little bit, I can’t say much more for now.

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T: EVA VILLAZALA Y ANTONELLA SONZA / F: LAURA ADAN

OLGA DE LA IGLESIA El Frío trópico

De la magia que Olga de la Iglesia aplica sobre el color en sus imágenes sólo ella sabe la pócima. De alguna forma consigue que los colores del trópico adquieran otra profundidad y el amarillo plátano o el rosa fucsia existen en una realidad distinta: la suya.

Apasionada de los viajes y de los contrastes, Olga trabaja con el monitor BenQ SW320 como una herramienta fundamental para ajustar esos colores que son tan importantes como sello final de su fotografía. Le preguntamos por qué son tan importantes.

For the magic brought upon by Olga de la Iglesia to her images, only she knows the recipe. By some strange artifice she manages to make colors from the tropic acquire another depth, as if the yellow and the fuchsia belonged to another reality: one of their own.

Passionate about travelling and contrasts, Olga works on her BenQ SW320 monitor: an essential tool to adjust those beautiful colors, so important in her photography. We asked her about the importance of this tool in her practice.

www.olgadelaiglesia.net www.benq.es

Olga, has probado ya el monitor BenQ SW320 31.5” 4K IPS. ¿De qué forma crees que es una buena herramienta para desarrollar tu trabajo como fotógrafa profesional? El monitor Ben Q, me ayuda a visualizar los colores correctamente sin que otros factores como la calibración de la pantalla o la luz ambiental interfieran en mi trabajo, su gran tamaño también me resulta muy satisfactorio.

Algunos de los highlights de este monitor son la calibración individual y el 4K. ¿Qué ventajas técnicas específicas son las que personalmente más vas a aprovechar? El color y el brillo son uniformes en toda la pantalla, tiene un control remoto perfecto para cambiar las preferencias y el software para calibrar la pantalla es increíble.

Si tuvieras que definirlo en una palabra, sería… Maravilloso ¿Qué opinas de su diseño inmersivo? La idea es que te concentres de forma definitiva en la imagen para sacar el máximo partido de tu trabajo. Me parece muy buen método para meterse de lleno en los detalles y colores de las imágenes en las que estoy trabajando.

Se trata de un monitor con 10 bit IPS, ¿cómo afecta eso al color de tus imágenes? (tiene 100% sRGB and 99% Adobe RGB) . Es fantástico se adapta perfectamente al color final real que van a tener mis fotografías.

Images look like fractions With endless continuity Part of a whole that lets itself be intuited.

The idea of totality remains certain. ¿Podría ser esta tu definición de tu imaginario estético en tus fotografías? Podría ser una de las definiciones, me gusta dejarlo a libre interpretación y que vosotros lo hayáis visto así. No me gusta mucho la palabra definición ni definirse. Encuentro mi inspiración en las cosas abiertas y espontáneas, en la calle. La calle siempre me brinda lo que necesito, errores, personas, azar, elementos geométricos, luz.

La paleta de colores, combinadas con una perfecta armonía en tus imágenes, es una de tus señas de identidad. ¿Por qué es un elemento tan importante en tu obra? El ojo humano ve en color,

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codifica de diferente manera cómo la luz se posa en cada objeto, material, planta o ser, y ese fascinante proceso es algo que me llama la atención. Los colores están presentes en nuestra vida desde el inicio, nos han ayudado en nuestra evolución a identificar, clasificar, y a conectar con nuestras emociones. En innumerables y diferentes culturas los colores representan naciones (banderas) con diferentes significados, que se usan de diferentes maneras para decir cosas, y éstas son infinitas, pero los colores, para toda la humanidad, aunque cambien de nombre, el color que ve el ojo humano es el mismo, el mismo código de luz. ¿Y qué nos dices de las formas? ¿Qué papel juegan en la composición de tus imágenes? Para mi sacar una fotografía es como pintar un cuadro, meter dentro de estas cuatro líneas, la cantidad exacta, de formas colores y texturas.

Déjanos jugar a un juego, vamos a ver si adivinamos algunos de tus colores favoritos: Rosa pastel, azulón, amarillo plátano y rojo Todos los colores me parecen fascinantes unos para vestir, otros para comer otros para diseñar…

Viajar es otro de tus motores creativos. ¿Cuál ha sido el viaje que más te ha marcado como artista? Cuando me fui a vivir a República Dominicana, Siempre he sentido una absoluta devoción por el trópico, en cualquier parte del mundo dónde esa palabra se puede encontrar, la espontaneidad de la gente, su uso del color, en arquitectura, ropa, su música y al exuberante naturaleza me inspiran infinitamente.

Además de fotógrafa y filmmaker, eres directora de arte. ¿Cómo consigues que una idea sea algo estético? En tu opinión, ¿crees que esta profesión está en auge? Simplemente sigo mis intuiciones y ganas de expresarme, realizo mis ideas sin pensar en si es estético para los demás, lo es para mí y disfruto haciéndolo, me sirve como ejercicio de meditación, me olvido del tiempo, de mi cuerpo y mi cabeza deja de pensar, está inmersa en lo que estoy creando. ¿Cuáles son tus próximos proyectos? Tengo muchos en curso aunque el futuro más próximo es demasiado grande para saber lo que la vida me ha preparado.

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Olga, you work with the BenQ SW320 31.5” 4K IPS monitor. In which way do you think it’s a good tool to develop your work as a professional photographer? The BenQ monitor helps me visualize the colors correctly without other factors such as the screen calibration or the light interfere with my work, its wide screen is really satisfactory as well.

Some of the highlights of this monitor are its individual calibration and 4K. What technical advantages are the ones you’ll use the most? The color and the brightness are uniform in the entire screen, it has a great remote control, perfect for changing preferences, and the software to calibrate the screen is amazing.

If you had to define it in one word… Wonderful.

What do you think about its immersive design? The idea that you concentrate in a definitive manner in your image in order to be as productive as possible. I think it’s a great method to go deep into the details and the colors of the images on which I’m working.

It’s a 10 bit IPS monitor, how does that affect the color of your images? (It has 100% sRGB and 99% adobe RGB) It’s fantastic, it adapts perfectly to the final color my photographs will have.

Images look like fractions with endless continuity, part of a whole that lets itself be intuited. The idea of totality remains certain.

Could this be your definition of the aesthetic imaginary in your photographs? It can be one of the definitions; I like to leave it open for interpretation, and that you have seen it this way. I don’t like much the world definition, or to define. I find inspiration in open things, spontaneity, on the street. The street always give me what I need, mistakes, people, randomness, geometric elements, light.

The color palette, combined with the perfect harmony of your images, is a characteristic trait of your style. Why are they such important elements within your work? The human eye perceives

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in color, it codifies in a different way how the light reflects on each object, material, plant, or being, and that fascinating process calls my attention. Colors are present in our life since the beginning, and they have helped us evolve and identify, classify, and connect with our emotions. In numerous and different cultures, colors represent nations (flags) with different meanings, used for different purposes, to say different things, the examples are endless, but the color itself, for all humanity, is the same, even if the name changes, the human eye is the same, same light code.

And what do you think about shapes? What role does composition play in your images? For me, shooting a photograph is like painting a canvas, fitting all those lines within the frame, the exact quantity of shapes, colors and textures.

Let’s play a game, let’s see if we guess some of your favorite colors: pastel pink, blue, yellow banana, red. Every color is fascinating for me, some for dresses, others to eat, others for design…

Traveling for you is a creative drive. Which has been the travel that has caused the biggest impression on you as an artist? When I moved to the Dominican Republic. I’ve always had an absolute devotion for the tropic, in any part of the world where that word can be found; the spontaneity of its people, their use of color, architecture, clothes, music, and the exuberant nature, it all inspires me.

Besides being a photographer and a filmmaker, you are an Art Director. How do you achieve to turn an idea into something aesthetical? In your opinion, do you think this career path is growing rapidly? I simply follow my intuition, and drive to express myself, I develop my ideas without thinking if it’s aesthetical to others, it is for me, and I enjoy doing it, it works as a meditation exercise, I forget about time, and my head stops thinking, it’s immersed on what I’m creating.

Which are your upcoming projects? I have many in progress, although the near future is too big to know what life has for me.

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LOS PUPILOS DE JÄGERMEISTER

WAX

THE

T: FERNANDO GARCÍA MUÑIZ Y FELIPE DUARTE

Hace poco se llevó a cabo el Resurrection Fest en Vivero, donde todos los asistentes tuvieron la oportunidad de disfrutar de algunas de las mejores bandas del hardcore, metal y punk a nivel mundial, entre los cuales encontramos bandas legendarias como Rammstein, Rancid, Suicidal Tendencies y Anthrax. En este gran festival también participó una banda española que está llamando mucho la atención, se trata de The Wax, un quinteto de la municipalidad catalana de Navarcles cuyo sonido yace en el post-hardcore metálico abierto y casi experimental. Con contorsiones vocales y rugidos eclécticos, acompañados por guitarras metaleras, han logrado abrirse paso, destacando en la escena musical gracias a su actitud avasalladora.

Tuvimos la oportunidad de hablar con ellos para que nos contasen un poco más sobre su experiencia en el festival de la mano de Jägermeister y sus planes a futuro. Atentos a ellos.

Not long ago the Resurrection Festival took place at Vivero, where all the assistants had the pleasure of seeing and listening to the performances of some of the best hardcore, metal and punk bands the world has to offer, among which we can find Rammstein, Rancid, Suicidal Tendencies, and Anthrax. Throughout this amazing festival, a Spanish band also had the chance of taking over the stage, their name is The Wax and they have been gaining a lot of popularity lately. This quintet comes from the Catalan city of Navareles, and their sound can be labeled as metal post-hardcore, almost experimental. Through their vocal contortions, eclectic roars and strident guitar solos, they have managed to stand out, taking their overwhelming attitude a step further. We had the chance of talking with them, they told us about their experience on stage, where they got to thanks to their talent and Jägermeister. We also have some news regarding their future plans; gotta keep an eye on them.

www.resurrectionfest.es / www.jagermeister.es ¿Cómo os sienta tocar en el Resurrection Fest? Muy bien. Ha sido un placer participar en un gran festival como el Resurrection compartiendo escenario con bandas nacionales e internacionales con tanto talento. Ha sido una buena oportunidad para que más gente pueda conocernos.

How was it performing at the Resurrection Fest? It was really good, a real pleasure to be part of such a big festival, sharing stage with truly talented national and international bands. It was a good opportunity to get people to know us.

¿Sois una de las bandas que vienen de la mano de Jägermeister, os cuida bien la bebida del ciervo? Estamos muy agradecidos por la confianza que ha depositado en nosotros. Hemos tenido un trato inmejorable y esperamos que ellos estén tan contentos como nosotros.

You are one of the bands that got here, in a way, thanks to Jägermeister. Do you like the German beverage? We are truly thankful with Jägermeister for having placed their trust in us. We couldn’t have been treated better, and we hope they’re as happy as we are with how things turned out.

Acabáis de estrenar el vídeo clip de Don’t Belong, mientras estábais de camino al RESURRECTION, ¿o habéis hecho adrede para llegar con vídeo bajo el brazo? Ha sido una coincidencia que hemos aprovechado. Desde aquí le damos las gracias a Berta Canivell de Nightwalk Studio por el excelente resultado. Las imágenes fueron tomadas en los tres últimos directos en Barcelona y Manresa.

You just released the videoclip for your single ‘Don’t Belong’ as you were on your way to the Resurrection. Was it on purpose, to arrive to the festival with the video fresh out the oven? It was a coincidence we took advantage of. We would like to thank Berta Canivell, from Nightwalk Studio, for the excellent results. The images were gathered from our latest three performances at Barcelona and Manresa.

¿Cómo ha sido la gestación de vuestro primer largo? ¿Mucho estrés? Creíamos que era el momento de reflejar la evolución del sonido actual de la banda con lo que acabó siendo nuestro primer largo. Ha sido un proceso de creación fresco y motivador.

How was the production process behind your first LP? Was there too much stress? We felt it was the right time to reflect the current evolution of our sound as a band, and that resulted in our first LP. It was a fresh and motivational creative process.

Acabáis de pasar por Barcelona teloneando en la 2 de Apolo a Ho99o9 ¿qué planes tenéis para este año? Exprimir ‘Don’t Belong’ en todos los directos posibles y seguir llegando a más y más gente.

You were recently in Barcelona, opening at the Apolo for Ho99o9.

What are your plans for this year? We are planning to squeeze ‘Don’t Belong’ as much as possible, performing everywhere we can, trying to reach more people each time.

Vuestros conciertos son un derroche de energía aunque os salís del hardcore de la vieja escuela, ¿cómo definís vuestra puesta en escena y vuestro estilo? No nos gusta encasillarnos con etiquetas.

Un seguidor hizo una descripción que nos encantó: “Épico, noise, meláncolico, furioso y con feeling”. ¿Cómo fue compartir escenario con Nina Montesó? ¿Habéis llegado a este mundo para experimentar? Nina es una amiga de la banda de hace tiempo. Queríamos contar con ella para el tema ‘End of Dance’ por sus registros vocales que se adaptaban a la perfección.

Siempre hemos tenido ganas de experimentar y esta vez nos apetecía componer un tema de este estilo. ¿De qué va el videoclip de Lost Highway con tanto skate suelto?

Es un proyecto en el cual estamos muy ilusionados. La producción y edición corre a cargo de Berta Canivell y preferimos que veáis el resultado en su día.

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Your performances are a full blast of energy, though you step away from the old-school hardcore stream. How would you define your staging and style? We don’t like to limit ourselves with labels. One of our fans described us in an amazing way: “Epic, noise, melancholic, furious, and with feeling”.

How was it to share the stage with Nina Montesó? Did you decide to work with her in order to experiment with your sound? Nina is a long friend of the band. We wanted to count with her for “End of Dance”, due to her vocal range, which works perfectly for that song. We are always experimenting with our sound, and this time we wanted to write a song like that.

What is the ‘Lost Highway’ videoclip about, with all those skateboards lying around? It’s a project we are really excited about. Berta Canivell has been in charge of the production and edition process, and we want to share the final result when it’s due.

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DEGRAEY Jóvenes y osados Derrochan actitud. Porque esa es la forma de entrar en un mundo donde lo que sobra es eso, la actitud. Hay que destacar y eso se hace a base de trabajo duro y de carisma. Los Degraey tienen el carisma de serie y el trabajo duro no les asusta, así que la combinación funciona. Ahora ha llegado el momento de mostrarla al mundo. Empezaron en el Resurrection Fest de la mano de Jägermeister, el resto es un libro que acabamos de empezar y cuyas primeras páginas ya nos han enganchado.

They exude attitude. Because, let’s be honest, that’s the only way to make it in an industry flooded by that, attitude. You must stand out, and to achieve so, you need hard work and charisma. Degraey has plenty of charisma, and they aren’t thrown away by hard work, so the combination works for them. Now, the time has come to show it to the world. They performed at the Resurrection Fest thanks to Jägermeister. They’re writing their first chapter, of a book that has just began, and we must say these first pages got us hooked.

www.jagermeister.es degraey.bandcamp.com

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¿Cómo os ha tratado Jägermeister y como ha sido trabajar con la marca alemana? Estamos agradecidos con Jägermeister por darnos la oportunidad de participar en el Resurrection Fest y esperamos tener más oportunidades para trabajar con ellos. ¿A quién os hizo más ilusión ver en vivo? Todos tenemos nuestros gustos particulares pero podemos destacar algunos de los conciertos que vimos en el festival como Alcest o Conan. ¿Cómo os preparáis para un festival como el Resurrection? La preparación es constante, no solo de cara a un festival como el Resurrection sino por el trabajo continuo de tener una banda. Muchos ensayos, muchas noches componiendo en el local, mucho trabajo y muchísimo sacrificio detrás para conseguir un sonido y un show de la mayor calidad posible.

Vuestra música es catalogada como post-metal. ¿Vosotros como la definiríais? En una banda como Degraey poner una etiqueta es bastante arriesgado ya que tendríamos que elegir entre tantas como emociones intentamos transmitir. Realmente ni nos gusta ni nos molesta, componemos nuestra música sin pensar en si es Post, Doom, Stoner, Math, Sludge, Metal, Prog o rock experimental. Igualmente, entendemos lo difícil que es encasillarnos en un estilo así que lo más fácil es asumir la etiqueta de Post metal, qué remedio..... ¿Cuales son vuestras principales influencias? Como decíamos antes, los cuatro tenemos gustos muy variados, pero encontramos puntos en común en bandas como ISIS, Neurosis, Cult of Luna, Old Man Gloom, Sumac, How has it been your relationship with Jägermeister and working along the German brand? We are really thankful with Jägermeister, for giving us the opportunity of performing at the Resurrection Fest, and we definitely hope to have another chance of working along with them.

Which bands you wanted to see the most performing live at the Resurrection Fest? Each one of us has a different musical taste, but some of the concerts we must highlight were Alcest and Conan.

How do you guys get ready for a festival like the Resurrection? It’s a constant preparation, not just to perform in a festival like the Resurrection, but the constant work of being in a band. There are a lot of rehearsals, a lot of nights writing and composing at the studio, a lot of work, a lot of sacrifice, in order to find our sound and build up a show with the best quality possible.

Your music is labeled as post-metal, how would you define it? To try and label a band like Degraey is pretty risky, since we would have to choose from all the wide array of emotions we try to convey. Such labels don’t bother us, though. We write our music without thinking if it’s Post, Doom, Stoner, Math, Sludge, Metal, Prog, or Experimental. Nonetheless, we understand how difficult it is to categorize us within a genre, so at the end of the day, it’s just easier to accept the PostMetal label…

Which are your main influences? As we said before, the four of us have very different musical tastes, though

Tool, Swans... e incluso en otras que no tienen nada que ver con el género como Pink Floyd, The For Carnation, Bohren & Der Club of Gore...

El año pasado lanzasteis vuestro primer álbum Chrysalis. ¿Cómo fue el proceso de producción? La producción del disco la hicimos conjuntamente con Pablo Pulido de Estudio Uno en Madrid. Desde el principio teníamos claro que queríamos hacerlo con él por su trabajo anterior con Carontte. Fue un trabajo de producción muy minucioso tanto por su parte como por la nuestra, con arreglos y elementos sonoros muy cuidados.

Para nosotros era muy importante conseguir un sonido que reflejase nuestra esencia: música de contrastes entre muros de sonido y riffs pesados y contundentes con pasajes limpios y melódicos. En ese sentido hemos quedado muy satisfechos ya que hemos conseguido plasmar nuestro sonido auténtico y personal en la grabación de Chrysalis. ¿Qué planes tenéis para este año? ¿Cuándo volveréis al estudio? Nuestros planes para este y el siguiente año es tocar lo máximo y en el mayor número de sitios posibles ya que es lo que realmente nos hace felices como músicos, rozando incluso la adicción. Como no tenemos a nadie detrás lo autogestionamos absolutamente todo, con los problemas que ello conlleva. Aún así vamos a intentar tocar en todas las ciudades que nos sea posible.

Podemos destacar el AMFest donde participaremos en octubre en Barcelona. En cuanto a entrar en el estudio, tenemos un split EP cocinándose a fuego lento junto a Oddhums, una banda de Jaén con la que tras girar unos días juntos, tenemos una relación tanto musical como personal realmente especial y sincera.

we find a common ground in bands such as ISIS, Neurosis, Cult of Luna, Old Man Gloom, Sumac, Tool, Swans… and even other bands, such as Pink Floyd, The For Carnation, Bohren & Der Club of Gore…

Last year you released your first album, Chrysalis.

How was the recording process? We carried out the whole production with Pablo Pulido, from Estudio Uno in Madrid. Since day one we had very clear that we wanted to work with him, due to his previous work with Carontte. It was a very punctilious process, on both sides, with impeccable arrangements and musical elements. For us it was really important to achieve a sound that reflected our essence: a music based upon contrasts among walls of sound, heavy riffs and clean convincing melodic musical landscapes. The final result left us really satisfied, since we managed to shape our own authentic and personal sound.

What are your plans for what’s left of this year?

When are you going back to the studio? Our plans for this and next year are to play and perform as much as possible, in as many places as we can, since that’s what makes us really happy as musicians, it’s almost an addiction. As we don’t have anyone behind us, we must do everything ourselves, with all the problems that can convey. Nonetheless, we are going to try and perform in each and every city we can. We can highlight our upcoming presentation at the AMFest in Barcelona, during October. As for going back to the studio, we have a split EP taking shape side by side with Oddhums, a band from Jaen, with whom, after touring for a few days together, we developed a musical and personal relationship really especial and sincere.

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REVIEW / USA / ?? 14TH - 17TH JUNE 2017

SURVIBE: EL VIAJE LLEGA A SU FIN T: FELIPE DUARTE / F: LUIZA LACAVA, SARA GUIX, GERARD RIERA Y EVA VILLAZALA

Todos estaremos de acuerdo en que cualquier viaje te cambia por dentro, y cuando vuelves a tu zona de confort, ya nada vuelve a ser igual.

Porque cuando emprendes uno supone desplazarte físicamente de un punto A a un punto B, pero también es descubrir y aprender. Pero un viaje es también supervivencia: una lucha por vivir de verdad, en todas sus posibilidades. Que se lo digan a Joan Tarragó, Sabek y Elliot Alcalde, los tres mosqueteros que a bordo de una furgoneta (cariñosamente apodada como La Chucha) se han recorrido 6 ciudades de Estados Unidos en 45 días para por fin poder materializar un proyecto que llevaban mucho tiempo planeando: Survibe, un viaje en el que el arte iba a ser el motor. El objetivo era sumergirse en las comunidades y festivales artísticos de estas ciudades para poder dejar su huella con artistas locales a modo de cicerones. Después de muchos meses de reunirse y hacer un planning metódico de cada parada, cuando por fin llegaron a la carretera pudieron llegar a la primera conclusión del viaje: nada de lo que habían planeado de forma previa les iba a servir. Porqué un viaje es un proceso orgánico, vivo, que se retroalimenta de las experiencias que vas cocinando a fuego lento por el camino. Que se lo digan a Tarragó cuando se hizo el esguince de ligamientos y tobillo en la primera parada, o a Sabek, cuando vio llegar a sus compañeros después de unos días de separación forzada o la pena a la hora de vender La Chucha, su querida furgoneta. Una lista interminable de anécdotas que pronto podremos ver en un documental y que hemos ido siguiendo a través de sus redes sociales y las de los otros pasajeros sin los que este viaje no se podría haber llevado a cabo: Spain Arts & Culture, Montana Colors e Iazzu. Hemos pasado del tex-mex de San Antonio, a la bifurcación en Atlanta y el maravilloso Miami con Wynwood como eje principal, para llegar a la costa este con tres paradas de acción: Richmond, Washington y New York City, donde el viaje llegó a su fin. Nosotros hemos intentado vivirlo con ellos como polizones en La Chucha y a pesar de la envidia (sana) que nos producía tremendo viaje, solo podemos decir: ¿para cuándo la siguiente expedición?

We all must agree that a journey changes us, and when we come back to our comfort zone, nothing is the same. Because when we start one, it implies moving physically from point A to point B, but to discover and learn too. A journey is also about survival: a struggle to live true, in all of life’s possibilities. Let’s hear it from Joan Tarrago, Sabek and Elliot Alcalde, the three musketeers riding a caravan (nicknamed as La Chucha), across the United States, visiting 6 cities in 45 days, in order to materialize a project they had been planning for a long time: Survibe, a journey driven by art. The purpose was to delve in the communities and artistic festivals of these six cities, to later leave their print along local artists who served as cicerones. After many months of meetings, doing a planning for each stop, once they landed and started the journey, they realized one thing: nothing they had planned would be of any help. Because a journey is an organic process, alive, that gets its feedback from the experiences slowly gained on the road. Tell that to Tarrago, who got a sprained ankle at the first stop, or to Sabek, after meeting his travel buddies after a few days of forced separation, or the sad moment when they had to sell La Chucha, their beloved caravan.

An endless list of anecdotes that we will soon be able to see in their documentary, and some of which we have witnessed thanks to their social media, and some of the other partners that joined the ride: Spain Arts & Culture, Montana Colors and Iazzu. We crossed from the Tex-Mex of San Antonio, to the bifurcation in Atlanta, the wonderful Miami and its Wynwood area as axe, to go along the East Coast with three stops: Richmond, Washington and NYC, where the trip finally ended. We tried to experience it all with them as stowaways in La Chucha, and in spite of the (healthy) envy we had of such an amazing journey, we can only say one thing: when is the next one?

survibe.es

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REVIEW / COPENAGHEN / JULY 2017

LEVI’S SKATEBOARDING CPH OPEN

by Carles Medina T: FELIPE DUARTE / F: CARLES MEDINA

Una vez al año, Copenaghen vive la fiesta grande del skate, una competición loca, salvaje y sobre todo, auténtica que transcurre por las calles de la capital danesa: el CPH Open. Este año, fuimos testigos en primera persona de toda la acción a través del objetivo del gran Carles Medina, nuestro enviado especial que voló a la ciudad vikinga gracias a Levi’s Skateboarding. Allí, fue testigo del día de competición patrocinado por la marca, y de todo lo que pasa entre bambalinas de un evento que atrae a gente de todo el mundo por su esencia cruda, callejera e impredecible. El mismo Carles nos cuenta todo lo que vivió a través de su texto y sus estupendas fotografías, desde la acción sobre la tabla a la contemplación de la calmada arquitectura urbana de la capital danesa. Empieza el viaje.

Once a year, Copenhagen hosts an amazing skateboarding party, a crazy competition, wild, and, amongst all, authentic, that takes place along the streets of the Danish capital: the CPH Open. This year, we had the chance of experiencing the action through the lens of Carles Medina, our special correspondent who flew into the Viking city thanks to Levi’s Skateboarding. There, he enjoyed of the competitions and, with the help of the denim brand, managed to get backstage access to an event that summons people from all over the world, due to its raw and unpredictable essence. Carlos himself narrated his experience to lamono, and his mind-blowing photographs offer us a calmed contemplation of the urban architecture found in this beautiful city. Let the journey begin.

www.instagram.com/_carlesmedina_ www.levis-skateboarding.com

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“Llegué el jueves por la tarde al CPH Open y me encontré con los chicos de Levi’s Italia en el aeropuerto. Ahí, desde el primer momento, comenzó mi introducción a la ciudad y a la competición. El día siguiente comenzaba con la competición de Levi’s, así que quedamos todos los de media (unos 30) por la mañana a las 10:30, nos llevaron a hacer un Brunch al lado de un canal, en un hangar donde había un restaurante vikingo muy guapo. Allí, teníamos que estar máximo una hora y media porque al terminar íbamos al primer campeonato de Levi’s que estaba al lado de la famosa sirena de Copenaghen.

Pero hacía un día malísimo y se puso a llover así que nos pasamos la mañana en el restaurante. Teóricamente después del campeonato, a las 15:00h, pillábamos un barco para dar una vuelta por los canales y nos llevaba al siguiente evento. Pero si el tiempo seguía así, los planes iban a cambiar.

Por suerte, paró la lluvia y pudimos ir en el barco. Allí nos juntamos con todo el team de riders de Levi’s skateboarding, junto a sus diseñadores y todos los que están detrás de la marca. Y empezó la fiesta: pusieron la música a tope en el barco y sacaron cervezas para todo el mundo. Después de más de 30 min de barco, llegamos a otro hangar donde habían preparado toda la presentación de la colección. Era un sitio donde hacen cervezas artesanales, así pudimos probar los sabores locales y vaciamos casi todos los barriles (risas). La presen-

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tación estuvo muy bien y el diseñador que vino desde San Francisco nos presentó con todo detalle la colección FW2017 inspirada en los garbage man de San Francisco.

Después de eso salimos y justo al lado, estaba el segundo campeonato de Levi’s. Por suerte, paró de llover del todo y el suelo secó rápido así que se pudo realizar. Había muchísima gente por todos lados y ¡tenías que sacar los codos para poder sacar alguna foto! Fue un poco difícil, además las cervezas no colaboraron tampoco (risas). Al terminar, cenamos en unos food trucks que habían al lado y subimos de nuevo al barco que nos acercaba al centro de la ciudad, al otro lado del canal.

El barco, desde luego, se convirtió en el catalizador festivo del evento: fue pisarlo otra vez, y todos nos vinimos arriba. Allí seguimos la fiesta con todo el team hasta que conseguimos llegar al centro, donde nos aguardabala afterparty de Levi’s. Primero, hicimos parada en el hotel para dejarlo todo y llegamos al punto de encuentro. Era un club gigante y allí ya nos sumergimos en el ambiente local, hasta dispersarnos. El sitio estaba a reventar de gente. Así acabó la noche, pero al día siguiente quedarse en la cama no era una opción: alquilé una bici para recorrer un poco la city y a las 15:00h, ya de vuelta a España. Fue rápido pero muy divertido todo”.

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“I got there Thursday afternoon and met the guys from the Levi’s Italy Team at the airport. Since that first moment my introduction to the city and the competition began. The event started next day, so all the media gathered at 10:30 in the morning, it was thirty of us, more or less. They took us for brunch, next to the canal, at a very cool Viking restaurant located in a hangar. An hour later we had to head to the first Levi’s championship, happening next to a famous siren of the city. But the weather was lousy, it started to rain, so we spent the morning at the restaurant. Theoretically, after the championship, at 3 in the afternoon, we were taking a boat to go around the canals, leading us to the next event. But if the weather continued liked this, the plans were due to change.

Luckily, the rain stopped and we could go on the boat trip. There we met with all of the riders from the Levi’s skateboarding team, along with the designer and people behind the brand. The party began. The music started and the beer ran. Thirty minutes later we got to another hangar were they had set up the presentation of the new Levi’s collection. We were offered artisanal beer, so we could taste the local product; by night’s end there was no keg standing. The collection was really neat, and the designer came all the way from San Francisco to

explain in full detail the FW2017 line, inspired in the garbage men from the Golden Gate city.

As soon as we finished, the second Levi’s championship was taking place. It had stopped raining for good, and the streets dried quickly, the action was meant to happen. There was a lot of people everywhere; I had to push them with my elbows every time I wanted to take a picture! It was hard sometimes, and the blood in my beer didn’t help either. When it finished, we all went have dinner in some food trucks nearby, to later hop once more into the boat, taking us back to the city center, on the other side of the canal.

The boat, of course, turned into the party catalyzer: as soon as got on, the spirits got high. We continued the party with the whole team until we managed to arrive to the city center, where the Levi’s after party was waiting for us. First, we did a quick pit stop at the hotel to unload our stuff, and then we went to the meeting place. It was a gigantic club, where we immersed into the local ambience. The place was packed. Fade out. The night was over. Staying in bed wasn’t an option the morning after: I rented a bike and went around the city before taking the plane back home. It was quick but fun”.

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#114 · VOYEUR · SEPTEMBER - OCTOBER · 2017 DIRECTOR Eva Villazala eva@lamonomagazine.com ASSOCIATE DIRECTOR Julio Amores julio@lamonomagazine.com ART & DESIGN Josep M. Sicart siki@lamonomagazine.com · www.sickart.net REDACTORS Antonella Sonza antonella@lamonomagazine.com TRANSLATION Jaime Felipe Duarte felipe@lamonomagazine.com / Inés Diaz

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CONTRIBUTORS REDACTORS Eva Villazala + Felipe Duarte + Vicky Navarro + Antonella Sonza Inés Diaz + David González + Eva Bolhoefer + Ángela Plana PHOTOGRAPHERS Laura Adan + Luiza Lacava + Carles Medina For circulation customer service in Spain please send an email to distribucion@lamonomagazine.com International Distribution: France, Portugal, Germany, UK, US and Australia.

For annual subscription please send an email to suscripcion@lamonomagazine.com SUBSCRIPTION / 6 issues per year Spain: 40 euros / Europe: 50 euros / Other countries: 70 euros DEPÓSITO LEGAL: B 51664-03 ISSN: 2014–9395 LAMONO HEADQUATERS: Aribau, 15, 1º 1º, 08011 Barcelona T. +34 932724980

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