lamono #116 FORBIDDEN by lamono magazine

SECURITY GUARDS, MISS AMERICA PAGEANT. ATLANTIC CITY, 1989. JAY WOLKE® ES 6 €, UK 8 £ FIND US ALSO IN: FRA, GER, USA, AUS

FORBIDDEN L A M O N O V O L. # 116

Cover by Jay Wolke Víctor Balcells / Raúl Ruz / David Egan / Cristian Delgado / Richard Gilligan / Legi Alonso David Neman / Cristina Daura / Harry Flook / Trajano!

ES T. 2003

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Participa con tu fotografía y tu texto explicando

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F: Dilayla Romero®

Fecha límite para participar: 2 de abril de 2018

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MANTENER LA CADENA DEL FRÍO VÍCTOR BALCELLS P. 26

JAY WOLKE STILL LIFE P. 30

DON’T CROSS THE LINE RAÚL RUZ P. 44

DAVID EGAN De la claridad de la mente en rincones oscuros P. 60

Cristian

Delgado Disfrutar como mandamiento P. 68

Rich Gilligan Caminos andados (y desandados) P. 76

ROAD666 by Legi Alonso P. 86

DAVID NEMAN

LO PROHIBIDO COMO NORMA P. 96

SUMARIO/INDEX

CRISTINA DAURA MALA LECHE P. 110

ONLY THE REBELS WILL RISE UP

HARRY FLOOK P. 120

FORBIDDEN

T: EVA VILLAZALA

Lo prohibido está sobrevalorado. Cuando sabemos que algo no está permitido, surge de repente su lado artístico. Pero no es cierto, es un engaño de la mente ante el reto. Siempre es así, en el instituto nos gustaba siempre la persona inadecuada, la más peligrosa y prohibida, crecemos y nada cambia. El riesgo bombea la sangre y nuestra adrenalina es caprichosa, sin ella no seríamos nada. Por eso dedicamos este número al concepto Forbidden, en el sentido de la atracción a los colores demacrados porque solo los ven los que se atreven a saltar la valla, a las medias rotas de una generación punk que no termina, a las puertas cerradas que se construyeron para ser abiertas. Comenzamos con el texto del escritor Víctor Balcells, que mezcla en una misma reflexión poética el miedo y lo prohibido. Seguimos con Jay Wolke, profesor del departamento de fotografía de la universidad Columbia en Chicago, exploramos con él las imágenes de Las Vegas en decadencia, donde lo extremo se abarrota de luces imposibles. David Egan camina por la noche como una sombra, en busca de los rojos y los fucsias, testigos mudos de la indecencia de sudores de motel. Se para en la esquina de la oscuridad y planta su trípode para capturar la soledad de lo prohibido. Richard Gilligan “es la suma de los lugares por los que ha andado” como él mismo afirma parafraseando a uno de sus fotógrafos de referencia, Robert Adams. La fotografía le da el empuje y la fuerza que necesita cada día para seguir luchando. Legi Alonso es un habitual colaborador de nuestras páginas, viajero y aventurero incansable, para él lo prohibido forma parte de su literatura. En esta ocasión mezcla la poesía y el surf para reflexionar acerca de lo aprendido en destinos como Marruecos, California e Indonesia. Las siguientes páginas las reservamos a David Neman, fotógrafo sueco afincado en Berlin que pasó un tiempo en St. Petersburgo junto a skaters punks que vivían en la sexta planta de un edificio abandonado. Esconderse y luchar, patinar y vivir. Antes de seguir con la fotografía, hacemos una parada en las ilustraciones de Cristina Daura, naïf y esotérica a partes iguales, que encuentra en las esquinas de lo prohibido sus referentes visuales para predecir el futuro. Acabamos este recorrido por la antropología de aquello que no está permitido con la serie de Harry Flook, que renegó de su pasado religioso en la adolescencia y en un intento de reconciliación con dicha decisión realizó una serie fotográfica sobre grupos de persona no creyentes que viven a contracorriente en comunidades donde la religión es pilar y base. The forbidden is overrated. When we know that something is not allowed, its artistic side suddenly appears. But it isn’t true, it’s a trick of the mind before the challenge. It’s always like this, in High School we’ve always liked the wrong person, the most dangerous and forbidden, we grew and nothing has changed. The risk pumps the blood and our adrenaline is capricious, without it we would be nothing. That’s why we dedicate this issue to the “Forbidden” concept, in the sense of the attraction to emaciated colors because only those who dare to jump the fence see them, to the broken stockings of a punk generation that doesn’t end, at the closed doors that they built to be open. We begin with the text of the writer Víctor Balcells, who mixes fear and forbidden in one poetic reflection. We continue with Jay Wolke, professor of the Photography Department at Columbia University in Chicago, and explore with him the images of Las Vegas in decadence, where the extreme is crammed with impossible lights. David Egan walks at night like a shadow, looking for reds and fuchsias, silent witnesses of the indecency of motel sweats. He stands in the corner of darkness and locates his tripod to capture the loneliness of the forbidden. Richard Gilligan “is the sum of the places he has walked” as he affirms paraphrasing one of his reference photographers, Robert Adams. Photography gives him the drive and strength he needs every day to keep fighting. Legi Alonso is a habitual collaborator of our pages, traveler and tireless adventurer; for him the forbidden is part of his literature. In this occasion he mixes poetry and surfing to reflect on what he has learned in destinations such as Morocco, California and Indonesia. The following pages are reserved for David Neman, a Swedish photographer based in Berlin who spent time in St. Petersburg with punk skateboarders who lived on an abandoned building sixth floor. Hide and fight, skate and live. Before continuing with photography, we stop at Cristina Daura illustrations, naïve and esoteric in equal parts. We find in the corners of the forbidden their visual references to predict the future. We finish this journey through the anthropology of what is not allowed with the series of Harry Flook, who reneged on his religious past in adolescence and in an attempt to reconcile with that decision he made a photographic series about groups of non-believers who live countercurrent in communities where religion is pillar and base.

T: VÍCTOR BALCELLS F: SERGI AMOEDO

MANTENER LA CADENA DEL FRÍO El miedo monstruoso y arraigado separa a los dioses y a los hombres. Friedrich Hölderlin Cuando estoy sentado delante del ordenador, utilizo auriculares. Me gusta crear un espacio cerrado dentro del espacio cerrado, una cápsula en el interior de lo que ya es envoltorio. Y así me recojo en el extraño, sisifolítico, mundo de los videojuegos: Train simulator, Battlefield, Football Manager. Los mundos que proliferan dentro del mundo y a los que me abandono cuando no puedo soportarme, esto es, casi siempre. El otro día, el suceso más extraño. La parábola. Eso pretendo consignar aquí con caligrafía temblorosa. Pero antes, una aclaración espacial: en casa, he colocado el ordenador junto a una ventana desde la que veo mi patio. Vivimos en planta baja. Cuando me canso de mirar la pantalla, descorro levemente las cortinas que siempre tengo echadas, y me relajo con la observación de las plantas del patio. Esto funciona así: ordenador = sordidez y cansancio = descorrer cortina = mirar patio = calma recuperada = ordenador. Este es el bucle productivo. Y en él estaba hace unos días cuando, al quitarme los auriculares y retirar ligeramente la cortina, me topé de pronto con varios vecinos asomados a sus balcones. Cuchicheaban. Me oculté de nuevo detrás de la cortina y agucé el oído. Esto es lo que decían: «Mira, si te descuelgas por la barandilla y el aire acondicionado, puedes llegar hasta el patio». «Él no está en casa. Se ha dejado la luz encendida pero no está en casa». ¿Hablaban de mí? ¿Hablaban de la luz de mi casa? Estuve a punto de asomarme y anunciar «No, si estoy aquí, no me he marchado a ninguna parte», cuando algo me detuvo: otro vecino dijo: «Hace un momento estaba pero estoy seguro de que se ha marchado: ¡baja ahora!». Mis propios vecinos, esos mismos que se habían presentado en la puerta de mi casa semanas atrás ofreciendo hospitalidad, aceite y sal si fuere necesario, ¿ahora conspiraban para entrar en mi casa? ¿Era eso posible? Todo es posible muchacho, me dijo una voz interior. A continuación, sonó el timbre de casa. Sobresalto. Me arrastré hasta la puerta y me asomé a la mirilla. Un hombre raramente encorbatado aguardaba detrás. ¿Un recaudador de impuestos? ¿Un policía? Al mismo tiempo, nuevas voces se unieron al coro de vecinos en el patio. ¡Estaba rodeado! ¡Iban a detenerme! El mundo sin duda se había unificado y había determinado, puesto a la luz, descubierto finalmente, mi culpa. Como primera acción, decidí esconderme en el interior del armario. Me arrojé entre jerseys de invierno y chaquetas para descubrir, tarde, que mi cuerpo no cabía allí dentro. Por completo enaje-

nado, intenté encontrar un escondite válido en la casa, pero ningún escondite fue encontrado. Me acerqué a la cortina y escuché: «ahora sujétate al aire acondicionado y descuélgate». Iban a entrar. Rapté hasta la puerta de casa y miré por la mirilla. Ahora no había nadie: se habían desplazado hacia el patio interior. De modo que, sin pensarlo, salí al portal y, percibiendo su silencio, me deslicé rápidamente hasta la calle. En la calle, rompí a correr hacia el sur. Recapitulando: me encontraba yo plácidamente en mi ordenador, matando a soldados italianos en una simulación del Monte Capra de Battlefield, bebiendo un buen zumo de melocotón –ah, el hogar-, cuando el mundo exterior se conspiró psicóticamente para atacar mi casa y detenerme. Estos eran los hechos. No había otra posibilidad. Con tal claridad de ideas llegué hasta el extrarradio, donde abundaban los campos y las chabolas de uralita, y se hizo de noche. Un camino de arena me llevó junto al río Llobregat. Allí me senté sobre una roca por completo expatriado. Sentí que de un momento a otro aparecerían a mis espaldas sirenas policíacas, y con ellas un rudo detective me acusaría y juzgaría en el sitio, y acabaría por fin el tormento. Así había sido decidido, y yo estaba dispuesto a acatarlo: todo estaba acabado. La placidez de los días, la familia, el amor que mueve el sol e l’altre stelle. Empecé a despedirme con la mente de mis seres queridos: padre, madre, mi hermana, Ur. Entonces sonó el móvil. Ur. Úrsula. Al descolgar, escuché una música de fondo y ruido de fritura en la sartén: «Victor, ¿vendrás a casa a cenar?». Antes de que pudiera decir nada, ella siguió hablando: « ¿Sabes qué? Parece que uno de los vecinos se ha dejado la llave dentro y han estado intentando entrar en su casa a través de nuestro patio. ¿No estabas tú aquí? ¡Estaban todas las luces encendidas!». Mi cuerpo en tensión. Tú, ser paranoide, ¿hasta cuándo dejarás que el miedo te domine y el signo del tiempo te haga claudicar? ¿Cuándo empezarás a dominarlo tú?

Engrained and monstrous fear separates men from gods. Friedrich Hölderlin I use my headset when I am sitting in front of my computer. I like to create a closed space within the closed space, a capsule inside what is already a wrapping. This is how I find shelter in the odd world of videogames: Train simulator, Battlefield, Football Manager. Worlds that proliferate in the world. I turn to them when I cannot stand myself anymore, that is, almost the whole time. The last day, the strangest occurrence. Parable. That is what I pretend to write here with my shaky calligraphy. Firstly, a spatial clarification: At home, I have placed my computer next to a window through which I can see my courtyard. We live in the ground floor. When I get tired of looking at the screen, I draw back the curtains since observing the plants in the courtyard make me feel calm. This works in this way: computer = sordidness and tiredness = drawing the curtains back = looking at the courtyard = calm returns = computer. This is my constructive loop. I found myself in that loop a few days ago when, at the time I was taking off my headset and opening the curtain slightly, I came across some neighbours who were peering out from their balconies. They were whispering. I hide again behind my curtains and I opened my ear. This is what they said: «Look, if you lower yourself in the rail and the air conditioner, you can get to the courtyard». «He is not at home. He has left the light on, but he is not at home». Were they talking about me? Were they referring to my house’s light? I was about to peep out and announce «No, as I am here, I have not gone anywhere», when something stopped me: another neighbour said: «He was inside a while ago, but I am sure he has gone: low you both!». My neighbours, that ones who had showed up in my door offering hospitality, salt and oil if necessary, were conspiring to break into my house. Was it possible? Everything is possible, boy, an inner voice said to me. Then, my doorbell rang. Shock. I crawled till the door and I looked through the peephole. A bent man awaited behind. Was he a tax collector? A policeman? At the same time, new voices had joined my neighbours’ chorus in the courtyard. I was surrounded! I was going to be arrested! Undoubtedly, the world has been unified and it had determined, brought to light and uncovered my fault. Firstly, I decided to hide inside my wardrobe. Although my body did not fit in there, between winter hoodies and jackets. Completely frenzied, I tried to find a valid hiding place, but it

could not be found. I moved closer to the curtains and I heard: «Now, hold the air conditioner and let yourself down». They were about to get in. I crawled till the door and looked through the peephole. There was nobody now: They all went to the indoors patio. Then, without much thought, I went out the doorway, and perceiving their silence, I went quickly to the street and run towards the South. Summing up, I was calm in my computer, killing Italian soldiers in Monte Capra as I was playing Battlefield, a simulation game, and drinking a nice peach juice –huh, home--, when the external world conspired psychotically to break into my house and arrest me. These were facts. There was no other possibility. I reached the outskirts while I cleared my thoughts; there were large fields and asbestos shacks. It got dark. A sandy path took me to the Llobregat river, where I sat down in a rock. I was feeling completely expatriate. I felt as if police sirens were going to appear behind my back at any given moment and a rude detective was going to accuse and judge me. My torment would be over. This is how it was decided and I was ready to comply with it. The placidness of the passing days, family and love which moves the sun e l’altre stele. I began to say goodbye mentally to my loved ones: my father, mother, sister and Ur. Suddenly, my phone rang: Ur. Úrsula. I picked up and I heard a background music and noise from a sauté being cooked: «Victor, will you come home for dinner?». Before I could say something else, she went on talking: «Do you know what? It seems that one of our neighbours left his keys inside their house and they were trying to get theirs through our patio. Were you not at home? All the lights were on!». My body was under tension. You, paranoid being, until when will you stop fear from overcoming you? When will fleetingness of time make you throw in the towel? When will you start to control it?

John Berger daría una palmadita en el hombro a Jay Wolke; le resultaría, sin duda alguna, destacable que sus “modos de ver” sean diferentes al resto. Más que fotógrafo podríamos denominar a Wolke un filósofo de la imagen que, con la publicación de su último libro “Same Dream, Another Time”, nos habla -sin articular palabra- de los cruces de caminos entre el sujeto de fines bienintencionados y un entorno que le es mayoritariamente hostil. Jay Wolke nos desafía a mirar más allá de formas y momentos de aparente obviedad en sus tres ejes de acción: Las Vegas, Reno y Atlantic City. El pico y la pala de este trabajo de impecable agudez, tanto visual como intelectual, se consuman como resultado de treinta años a disparo limpio con su Plaubel Makina 67. Su elocuencia cromática aporta vida a la existencia medriocre de una Norte América en una búsqueda incansable de aliento hacia el sueño americano. Un sueño que nació bajo las circunstancias del ayer, pero que hoy sigue siendo el mismo pese a que el viento sople hoy en contra. John Berger would pat Jay Wolke’s shoulder; it would seem, without a doubt, remarkable for him that their “outlooks” are different from the rest. More than a photographer we could call Wolke a philosopher of the image who, with the publication of his latest book Same Dream, Another Time, speaks to us -without articulating a word- of the crossroads of the subject with well-meaning purposes and an environment which is mostly hostile. Jay Wolke challenges us to look beyond seemingly obvious ways and moments in his three axes of action: Las Vegas, Reno and Atlantic City. The key part of this work of impeccable sharpness, both visual and intellectual, appears as the result of thirty years of clean shot with his Plaubel Makina 67. His chromatic eloquence brings life to the mediocre existence of a North America which is tireless searching for encouragement to reach the American dream. A dream that was born under the circumstances of yesterday, but that today remains the same even though the wind blows against it.el viento sople hoy en contra.

JAYWOLKE.COM 32

COWBOY SLOTS. RENO 1991.

T: INÉS TROYTIÑO

JAY WOLKE STILL LIFE

WORKERS CHANGING SIGN. LAS VEGAS BLVD, 1987.

Illinois, Nueva Jersey y Nevada. ¿Qué te hizo caer en ese extraño triángulo amoroso? Si piensas en ello, Illinois está en medio de los otros dos estados. Nevada está a unos 2300 quilómetros al oeste y Nueva Jersey queda a otros 2000 al este. Hay cierta simetría en ello. En esa época trabajaba en un proyecto que trataba sobre cómo la gente se expresaba a través de acontecimientos y espacios públicos. “Uso Temporal” pretendía ahondar en los efectos temporales que tenemos en el paisaje y que el paisaje tiene sobre nosotros. Las Vegas, Reno y Atlantic City (las únicas ciudades dónde, hasta finales de los noventa, el juego era legal) fueron ejemplos principales del proyecto; siendo lugares de intersección entre gente, artificio, arquitectura y paisaje, no tan solo diseñados para crear desvíos temporales, sino como fases sobre las que la gente podía llevar a cavo su atracción por la relación entre riesgo y la recompensa. El meta diálogo entre el deseo individual y la avaricia corporativa se transformaron en un contexto fascinante en el que sumergirme, fotográficamente hablando. Qué vino primero, ¿la gallina del juego o el huevo de la fotografía? No hubiese ido a las Vegas o Atlantic City si no hubiese sido para documentar sus particulares sistemas sociales y arquitectónicos. Ni tenía interés en el juego ni dinero para jugar. Solo jugué video póker para comerme un cóctel de gambas. Entonces paré. Como observador fotográfico, mi experiencia y las interacciones con la gente eran tan estimulantes como tristes. A veces emocionantes y otras desesperadamente desalentadoras. Curiosamente, a Jim McManus, escritor de la introducción a Same Dream, Another Time, se le conoce por su afinidad con el póker y las letras. Publicó un libro donde trata de cómo entró en las World Series of Poker, en el que comparte ideas y habilidades con sus lectores. A la caza de “La” gran foto. ¿Acaso no es la fotografía un juego sin el que no puedes vivir? La gran mayoría de los juegos de casino tratan de azar. Hay cálculos de posibilidades que pueden determinar tu apuesta, pero normalmente todo se basa en beneficiar a la casa. Hay cierta serendipia cuando se trata de tomar una foto, pero la fotografía se rige por otro tipo de principios; intención, búsqueda, exploración, estrategia y ejecución. Si se pudiera comparar, sería algo más como la pesca. Sobre Same Dream Another Time. ¿Cuándo te das cuenta de que una foto se transforma en una serie completa? Si bien, en ocasiones, mis disparos se realizaron con bastante rapidez, siempre tuve la intención de proyectar las estructuras de la sociedad, la clase y el poder, y no simplemente la captura de sucesos momentáneos. Un proyecto como este nunca se realiza en un corto plazo. Seguí tomando fotos durante muchos años antes de sentirme cómodo exponiéndolas. De hecho, tardé treinta años para reunirlo todo y editarlo hasta tomar la forma de Same Dream Another Time.

Observando tu obra nos damos cuenta de que sueles usar colores saturados en tus fotos. ¿Tratas de subrayar lo centelleante que podía llegar a ser la miseria aquellos años en Las Vegas? Siempre uso color para crear narrativas visuales llenas de significado, explotando las jerarquías de la composición cromática para resaltar o someter a los personajes de los elementos que interactúan con él. Las Vegas es un entorno concebido para contrastar los complejos procesos que retratan fantasía y realidad. Usé el color para amplificar deliberadamente esas comparaciones.

EL SUEÑO AMERICANO (LO QUE SEA QUE SIGNIFIQUE) ESTÁ DETERMINADO POR EL NACIMIENTO, LAS PELOTAS Y LAS PAUSAS. ¿ALGUIEN ALGUNA VEZ LOGRA MATERIALIZAR SU “SUEÑO”? ¿Cuál es la cosa más rara que te ha pasado mientras tomabas fotos? Tras cuarenta años fotografiando, no podría elegir un hecho aislado. Creo que si miras el rango de mis excursiones y temas con los que trabajo, podrás imaginar la cantidad de veces que me he visto inmerso en situaciones sugerentes. Podríamos sentarnos largo rato y comentarlas. En lo que respecta tu trabajo, deberían los espectadores separar arte y política? Nunca le privaría a un espectador de atribuir un significado político a cualquiera de mis imágenes. No es “El sueño Americano” la mayor tragaperras del mundo? El Sueño Americano (lo que sea que signifique) está determinado por el nacimiento, las pelotas y las pausas. ¿Alguien alguna vez logra materializar su “sueño”? Mismo sueño, otra época. Has fotografiado mandatos tremendamente diferentes en EEUU. ¿Será Donald Trump quien finalmente devolverá la grandeza a los Estados Unidos de América? Igual que los casinos de Trump se declararon en quiebra en los años 80 y 90, todos perderemos si él permanece en el cargo. Está utilizando a los EE. UU. para sacar tajada, a nuestra costa.

ACROSS FROM SASSY SALLYâ&#x20AC;&#x2122;S. LAS VEGAS, 1988.

CRAZY DRAG RACE WILLIE. LAS VEGAS, 1987.

MAN IN PINK SHOES, COWBOY, LAS VEGAS, 1992.

NINTEY FOUR YEAR OLD LAWYER. RENO, 1991.

DEALERS ON BREAK. LAS VEGAS, 1988.

NEW YEARâ&#x20AC;&#x2122;S EVE FIGHT, FREMONT STREET. LAS VEGAS, 1988.

Illinois, New Jersey and Nevada. Isn’t that some kind of “Bizarre love triangle”? What made you fall into it? Well, when you think of it, Illinois is pretty much between the other two. Nevada is about 1400 miles west and New Jersey is about 1000 miles east. So, at least there’s some symmetry in that. Actually, the work I was making at that time dealt with how people expressed themselves within public environments and events. “Temporary Usage” was an investigation into the temporary effects that we have on the landscape, and the concurrent effects that the landscape has on us. Las Vegas, Reno and Atlantic City (till the late 90’s, the only places in the US where gambling was legal) were prime examples of “Temporary Usage”; presenting an intersection of people, artifice, architecture, and landscapes – designed not only for temporary diversions, but as stages upon which people could act out their desires for risk and reward. The meta dialogue between individual desire and corporate avarice presented a fascinating context in which to immerse myself, photographically.

AMERICAN DREAM (WHATEVER THAT MEANS) IS DETERMINED BY BIRTH, BALLS AND BREAKS. ANYWAY. DOES ANYONE EVER ACHIEVE THEIR “DREAM”?

What came first, the gambling chicken or the photography egg? I really wouldn’t have gone to Vegas or Atlantic City, except to document those particular social and architectural systems. I had no interest in gambling, per se, and didn’t have money to play with, anyway (the only times I gambled were to play video poker– just to make enough money for a shrimp cocktail lunch. Then I would stop). As a photographic observer, however, my experiences and interactions were both exhilarating and dismal– sometimes deeply moving, and other times desperately disheartening. Interestingly, Jim McManus, the writer of the intro essay for Same Dream Another Time, became wellknown for his affinity for both writing and poker playing. He originally authored a piece about the World Series of Poker by entering the contest himself, sharing with his readers incredible insights as well as learning a new skill.

Chasing the big picture. Isn’t photography some sort of gambling? A game you cannot live without? Most gambling is about chance. There are calculated odds that might determine your bet, but most gambling is completely rigged to benefit the house. Of course, there is an amount of serendipity involved whenever you come upon a possible photograph, but photography is far more determined by intent, research, scouting, strategy, and execution…. If anything, it’s more like fishing. Speaking of your Same Dream Another Time series, when did you realize that a snapshot could be becoming into a whole series? While, at times, my exposures were made quite quickly, I always intended this as a to project portray the structures of society, class and power, and not simply the recording of momentary events. A project like this is never realized in a short amount of time, and I continued making these images for many years before I felt comfortable exhibiting them. In fact, it actually took me thirty years to comprehend the totality of the work, and edit it into the form that became Same Dream Another Time. Looking at your work, we realize you always capture scenes with saturated colors. Is it a way to highlight how glittery could misery be at that time in Las Vegas? I’ve always used color to create meaningful, visual narratives; exploiting the hierarchies of chromatic composition in order to highlight or subdue the characters of interacting elements. Certainly, Vegas is a natural environment to contrast the complex processes that portray fantasy and reality, and I used color to deliberately amplify those comparisons. Which is the weirdest thing that happened to you on a “taking pictures” scenario? After forty years of photographing, I can’t pick a single event. I think if you look at the range of my excursions and subjects, you can imagine the number of times I found myself in provocative situations. We can sit down some time and talk. Should viewers separate art and politics as far as your work is concerned? I would never deprive a viewer of being politically impacted by one of my images. Isn’t the “American dream” idea the biggest slot machine on earth? The American Dream (whatever that means) is determined by birth, balls and breaks. Anyway. does anyone ever achieve their “dream”? Same dream, another time. You have photographed (hugely) different presidential terms. Is Donald Trump going to “make America great again”? In the same way that Trump’s casinos went bankrupt in the 80’s and 90’s, we’ll all be losers if he remains in office for much longer. He’s leveraging the U.S. for his own benefit, at our expense.

SHIRTLESS MAN. ATLANTIC CITY, 1989.

MAN WITH BREADCRUMBS. LAS VEGAS, 1988.

DON’T CROSS THE LINE PHOTOGRAPHY: RAÚL RUZ www.raulruz.com

PHOTO RETOUCH: RAMÓN HUGUET PHOTO ASSISTANT: JUAN CARLOS CUELLAS PRODUCER: MERCÈ DAUDER ESTILISM: GARAZI CORTAZAR HAIR & MAKE UP: PACA NAVARRO @KASTEEL. MODELS: ANDRA AND KRISTINA BY FIFTH AVENUE MODEL MANAGEMENT

KRISTINA IS WEARING: HODDIE URBAN OUTFITTERS, JACKET VOLCOM, T-SHIRT VANS.

KRISTINA IS WEARING: JACKET VOLCOM, T-SHIRT HARLEY DAVIDSON, SKIRT STELLA, MCARNEYSHOCKS VANS, SNEAKERS VANS.

JACKET VOLCOM, T-SHIRT ATM, PANTS PULL & BEAR, SNEAKERS VANS.

ANDRA IS WEARING: JACKET VANS, T-SHIRT URBAN OUTFITTERS, SHIRT VINTAGE, PANTS BDG, SHOCKS VANS, SNEAKERS VANS.

JACKET URBAN OUTFITTERS, PANTS BDG, SNEAKERS VANS.

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BOMBER SCOTCH & SODA, T-SHIRT PLEASURES, PANTS SCOTCH & SODA.

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T: INES DIAZ

DAVID EGAN

De la claridad de la mente en rincones oscuros

David Egan sabe que no existen límites, con su cámara de gran formato y su atracción por los lugares oscuros y fríos, este fotógrafo nocturno se pierde por el continente americano a la búsqueda de lugares misteriosos y extraños, de esos a los que prohibirías al más pequeño de la casa ir porque transmiten una sensación escalofriante. Sin embargo, a David este proceso le ayuda a escapar de sus preocupaciones diarias, causándole un efecto liberador y calmante. Tú disfruta del resultado y déjate cubrir por el polvo de una explosión de sensaciones. David Egan’s soul knows there are no limits; Along with his large format camera and his attraction to dark and cold imagery, this photographer gets adventurous into the American continent, looking for mysterious and strange places like those I would forbid the youngest from passing by just because the chilling feelings they transmit. However, this process allows David to escape from everyday worries and anxieties, causing a very freeing and calming effect on him. Enjoy the result and let the dust of an explosion of sensations cover you.

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NUNCA PENSÉ QUE DONALD TRUMP SE CONVERTIRÍA EN EL PRESIDENTE DE LOS EE.UU, ASÍ QUE UNO NUNCA PUEDE LLEGAR A COMPRENDER LA MENTALIDAD DE TODOS LOS AMERICANOS.

Cuéntanos David, ¿por qué decidiste estudiar y dedicar tu vida a la fotografía? La fotografía siempre ha sido y es la pasión de mi vida. Empecé a fotografiar cuando era un chaval y a los once años asistí a mi primer curso de revelado. Hice varias pausas en mi acercamiento a este arte, pero por el 2006 sentí que mi entusiasmo se había renovado y no paré de crear cientos de fotos y vídeos con mis amigos. Por aquel entonces me di cuenta de que necesitaba refinar mis conocimientos fotográficos en ciertos aspectos. Así que finalmente en 2009 me matriculé en la escuela hasta conseguir un Máster en Fotografía Artística. Encuentro fascinante el hecho de tener en la mente una idea y luego ver que el resultado es diferente a las expectativas. ¿Cómo describirías tu vida como fotógrafo? La vida de fotógrafo es extremadamente desafiante/exigente. Poco a poco he llegado a entender la realidad de ser un fotógrafo artístico y no es fácil. Hace unos añitos paré de hacer trabajos externos para enfocarme en los míos propios y pienso que me ha ayudado a encontrar algo de paz y resolución en el proceso. El mundo del arte es peculiar. Cuando tengo éxito debo disfrutarlo en el momento. ¿Podrías dejarnos echar un vistazo a algunos de tus futuros trabajos y también, si las hay, exposiciones? Ahora mismo estoy trabajando en dos exposiciones que tendrán lugar este año. Mostraré mi serie: “Always Hoped For Better” (“Siempre esperaba algo mejor”). Una de las expos tendrá lugar en la galería Subjectively Objective y la otra exposición será con la fotógrafa Emily Najera en Sierra Arts Foundation. Además, estoy trabajando en el revelado de un par de nuevas obras. El año pasado estuve creando imágenes cuyo tema se enfoca en el desierto del Sur de California y Arizona; éste es un proceso alternativo llamado Chromoskedasic el cual permite conseguir color usando negativos en blanco y negro. Tiene en cierto modo una apariencia similar al daguerrotipo ya que el proceso también trae el plateado y el papel de gelatina plateado a la superficie creando una apariencia bastante metálica. ¿Cuáles son tus intereses a la hora de fotografiar? Supongo que depende del proyecto. El color suele ser un tema muy importante en mis trabajos aunque también la calidad de la luz. Diría también que la mayoría de mis fotografías sugieren sentimientos de nostalgia. David, permítenos tener información personal sobre ti y quizás, prohibida para algunos. Sinceramente las imágenes que creas mientras deambulas por las calles son únicas y cautivadoras, tanto que hacen aflorar diferentes emociones al verlas. Nos gustaría saber cómo es pasar una noche o un día contigo mientras estás fotografiando esos extraños lugares. Muchas gracias. Muchos de mis trabajos o viajes no son planeados con anterioridad. Suelo dejar que mi subconsciente fluya para que mis ideas

me lleven a donde ellas quieran. Disfruto plenamente de recorrer todos los lugares de manera solitaria y así encuentro consuelo en la acción de crear imágenes. A veces me topo con increíbles espacios y otras no puedo encontrar lo que estoy buscando. Cuando planeo proyectos hago listas de cosas, lugares y de tipos de personas. Normalmente las cosas empiezan de manera natural y aleatoria. Utilizo una cámara de gran formato y ángulo de campo, además de películas en placas u hojas sueltas, esto afecta por completo a mi planteamiento al crear las imágenes. Aunque soy bastante rápido en la previa organización, el proceso de sacar la cámara, prepararla adecuadamente para la foto y evaluar la escena suele llevarme más tiempo. Siempre utilizo trípode para esta cámara. Disfruto al máximo de la acción de disparar con gran formato y ver el mundo proyectado al revés a través de la lente. Hacer fotos nocturnas no es siempre fácil y puede ser un reto captar la escena y tener plena conciencia del entorno. Antes de que dejaran de producir películas desprendibles 4x5, solía hacer pruebas con una Polaroid o Fujifilm instantánea para a continuación juzgar y valorar la ubicación de la cámara. Ya que hoy en día los negativos 4x5 son muy costosos, hay que apreciar al máximo cada disparo. ¿Qué te sugiere la palabra forbidden? La palabra prohibido significa restricción, zona prohibida. Por las noches he fotografiado en lugares fantasmagóricos, pero no tenían el acceso restringido. Cuando voy por la calle para hacer fotos nocturnas y encuentro lugares aterradores siento que invado una zona prohibida, aunque no lo sea per se. Rara vez me encuentro cruzando la línea de lo prohibido, aunque cuando era más joven la rozaba. Por supuesto que alguna vez me he atrevido a entrar en lugares o propiedades de acceso restringido, pero no he ido más allá de lo ilegal. ¿Qué historia se esconde detrás de cada una de las cuatro imágenes que podemos ver en estas páginas? La primera fue tomada en Reno, Nevada. Me fijé en esa escena mientras volvía al hotel sobre las 1-2 a.m después de haber estado haciendo una sesión de fotos nocturnas en Reno. Tuve la intuición de parar para fotografiarla. Ya había gastado la película 4x5 que llevaba conmigo así que tuve que volver al hotel para coger otra y luego volví a la escena. Me obsesioné con esa escena por el coche solitario en el aparcamiento, las cortinas, la luz y la sensación de vacío. Supe de inmediato que podría ser una muy buena fotografía así que me tomé mi tiempo en plasmar la imagen. La segunda la tomé en el estado de Washington y forma parte de un viaje que realicé mientras trabajaba en mi proyecto The Long Way Around. Había estado buscando pueblos o ciudades fuera de caminos comunes y me encontré con un pueblo un poco sucio y conflictivo, mientras andaba por ahí buscando imágenes, vi esta tienda de armas destartalada y pensé en entrar y ver cómo era por dentro. La tienda estaba vacía excepto por el señor de la fotografía. Hablé con él un poco y le pregunté si podría tomarle varias fotos. Me enamoré de todas las cosas del fondo del mostrador: la cabeza de ciervo, los mapas, las armas con sus etique-

tas de precios, el reloj y la brutal iluminación del interior. Sabía que todo eso contribuiría a crear una foto poderosa. La tercera imagen fue algo con lo que me topé mientras me encontraba yendo hacia algún lado. Solía encontrar cosas de manera inesperada de camino a otros lugares y tenía que parar para fotografiar. Vi el brillo de la cruz mientras conducía hacia Los Ángeles para quedar con unos amigos y fui a investigar el lugar. Al principio estaba un poco inseguro de esta escena porque la gente justo había salido de la iglesia y no quería molestarles ni entrometerme en su espacio. Sin saber el significado de la cruz roja, me interesé en ella en particular y en cómo combinaba con lo que yo creo que es un cerezo. La cuarta y última imagen fue tomada en Nevada, en mi camino hacia el Este cuando, solo, empezaba un largo viaje conduciendo a través del país desde San Francisco, California, a Fort Washington, Maryland. Mis padres habían vendido recientemente nuestro hogar de mi infancia en Maryland así que hice este viaje en el que pasé mucho tiempo en la carretera buscando cosas que conectasen con este cambio de mi vida, me encontré en una oscura autopista y pasé por al lado de un pueblo que parecía intrigante. Aunque hubiese otros lugares interesantes, esta escena atrajo mi atención en especial. Había tristeza y soledad en este sitio donde también me sentía vulnerable, como si algo malo fuese a ocurrir si permanecía allí demasiado tiempo. En relación con la foto de la tienda de armas y el tema de la revista, forbidden, ¿cuál es tu opinión como ciudadano ameri-

cano sobre la legalización de armas? Seguro que sabes que en países como aquí en España están prohibidas. Estoy muy en contra de las armas. No entiendo la fascinación por las armas aquí en América y lo más seguro es que nunca lo haga. Pienso que las armas son aterradoras e innecesarias en la sociedad moderna. Me doy cuenta de que muchos americanos se sienten muy conectados con este tema y sus armas, pero yo no termino de pillarlo. No entiendo la necesidad de cazar como deporte y para nada estoy de acuerdo con que todo el mundo pueda tener autorización para optar al derecho de poseerlas a pesar de lo que diga la Segunda Enmienda. Parece que muchos americanos tienen la convicción de que tienen derecho a poseer armas con el propósito de protección personal, pero de nuevo, eso no me convence y no parece lógico. Nunca pensé que Donald Trump se convertiría en el Presidente de los EE.UU, así que uno nunca puede llegar a comprender la mentalidad de todos los americanos. No suelo relacionarme con firmes defensores de las armas porque vivo en San Francisco, un lugar muy liberal en general, así que no creo que tenga un gran entendimiento de su lógica o razón. Parece como si algunas cosas estuviesen ocurriendo en respuesta al reciente tiroteo de la escuela en Florida y es duro decir que en el futuro seguiremos estando expuestos a ello. ¿Hay algo en el mundo que prohibirías? La legalización de la marihuana y la Segunda Enmienda es lo único que me viene a la mente.

Tell us, David, why did you decide to study and dedicate your life to photography? Photography has been a lifelong passion for me. I started making photos when I was young and attended my first darkroom course around the age of 11. I have taken several breaks from photography but around 2006 I found that I had a renewed enthusiasm for photography and was making a lot of images and videos with my friends. Around that same time I realized that I needed to refine my understanding of certain aspects of photography. So, eventually in 2009, I enrolled in school to pursue an MFA in photography. There is something fascinating to me about the idea you have in your head when making a photograph and then seeing how the result differed from your expectations. How is your life as a photographer going? How would you describe it? Life as a photographer is extremely challenging. I have slowly come to understand the reality of being a fine art photographer is just not easy. In the past few years I stopped trying to make work for anyone else but myself and I think that has helped me find some peace and resolve in the process. The art world is a peculiar place. When I do have successes I must enjoy them in the moment. Please David, give us a glimpse of some of your upcoming works and also, if any, exhibitions. I currently am working on two primary exhibitions for this year. I will be showing work from my series “I Always Hoped For Better”. One of the shows is in conjunction with Subjectively Objective and another is a joint show with photographer Emily Najera at the Sierra Arts Foundation. Additionally I am working on developing a couple new bodies of work. Over the past year I have been making images in southern California and Arizona that are centered around the theme of desert. With these photographs I am working with an alternative process called Chromoskedasic. This process allows one to achieve color using black and white negatives and black and white paper. It has a somewhat similar appearance to a daguerreotype as the process also brings the silver in silver gelatin paper to the surface creating a very metallic appearance. What are your interests when it’s time to photograph? I suppose it depends on the project. Color is usually a very important theme to my work though as well as quality of light. I would also say that most of my photographs are connected to the feelings of nostalgia. Let us know about, in some way, “forbidden” and also, personal info about you. Honestly, all the images you create while going around the streets are so rad, unique, emotional, captivating... After seeing all of them, I would like to know how is spending a night or day with you when you are out taking photos. Thank you very much. The majority of my work or trips aren’t extensively planned. I tend to work in a sort of stream of consciousness mode letting my thoughts take me where they may. I thoroughly enjoy traveling all over

the place by myself and I find solace in the action of making images. Sometimes I will stumble upon some amazing locations and sometimes I can’t seem to find what I am looking for at all. I do make lists of things, places, or types of people that I am looking for, as I get deeper into projects. Things usually start in a more random/organic way though and I may have some things that I am looking for and go from there. I shoot with a large format field camera and sheet film and that absolutely affects my approach when making images. I am relatively quick with the setup but the process can be quite slow some time just to take out the camera, get it properly ready to make an image, and evaluate the scene. The camera is also always sitting on a tripod. I genuinely enjoy the action of shooting with a large format camera and seeing the world through the ground glass projected upside down. Making night photographs with the camera is not always easy though either and it can be a challenge to see the entire scene and have a full understanding of your surroundings. Before 4x5 peel apart film stopped being produced I would often shoot a Polaroid or Fujifilm instant shot and then make judgements about the placement of the camera. Now that film doesn’t exist and 4x5 color negative film is very costly so you really have to value every shot all the more. What does the word “forbidden” mean to you? To me, the word forbidden means off limits, don’t go there or not allowed there. Occasionally I feel as though I am walking down this road with my photography because I am shooting at night in some eerie places but not forbidden places per se. Rarely do I find myself crossing the line into the forbidden. When I was a little younger I would definitely push and test the boundaries of life a bit more. Of course I have ventured into places or properties that I was not granted permission but again I will only go so far. Could you, please, tell us what is behind each of these 4 pictures we have chosen amongst all your work? The first image was taken in Reno, Nevada. I had been out shooting in Reno one night and was returning to my hotel around 1-2am and noticed this scene and knew immediately that I had to photograph it. I already had used up my prepared allotment of 4x5 film so I went back to my hotel, loaded some new film, and returned to the scene. I was drawn to this scene because of the lone car in the parking lot, the curtains, the lighting, and the feeling of emptiness. I knew in the moment that it could be a great photograph and so I took some time to make the image. The second image was taken in the state of Washington as part of some travel to work on my project “The Long Way Around”. I had been looking for towns off the normal path and I happened upon this town that was kind of in tatters and struggling. As I was walking around searching for imagery I saw this run down looking gun shop so I figured I would peak my head and see what the inside was like. The place was empty and the gentleman in the photograph was the only one around. I talked to him a little and asked if he would be willing to pose for several photographs. I was enamoured

I NEVER THOUGHT DONALD TRUMP WOULD BE PRESIDENT OF THE UNITED STATES SO ONE CANNOT BEGIN TO UNDERTAND THE MIND-SET OF ALL AMERICANS.

by all of the things behind the counter –a deer head, maps, guns with price tags, clock, and the gross indoor lightin¬g– and I thought that they would contribute to a strong portrait. The third image was something that I just found while on my way somewhere else. I tend to find things this way a lot, I am off to do one thing and then find myself stopping to photograph something else. I was traveling to Los Angeles to meet with some friends and saw the glow of the cross while driving so I did some investigating. Initially I was a little unsure of this scene as people had just come out of the church and I didn’t want to bother them or intrude on their space. Not realizing at the time the meaning of the red cross I was particular interested in it and how that would pair with what I believe is some type of cherry blossom tree. The fourth and final image was taken in Nevada. This image was made on my way east as I was just starting a long journey driving by myself across the country from San Francisco, California to Fort Washington, Maryland. My parents had recently sold my childhood home in Maryland so I decided to take this trip and spend a lot of time on the road searching for things that would connect with this shift in my life. I found myself on a dark highway and passed by a town that seemed intriguing. There were several other points of interest but this scene commanded my attention. There was a sadness and loneliness to this place. I also felt vulnerable there, as if something bad was going to happen if I lingered for too long.

In relation to the weapons shop picture and the magazine topic, “forbidden”, what is your view as an American citizen on weapons legalization? Surely you know that countries like here in Spain they are forbidden. I am very much anti-guns. I don’t fully understand the fascination with guns in America and probably never will. I find them to be scary weapons and not necessary in modern society. I realize that many Americans feel very connected to this issue and their guns but I don’t get it. I don’t understand the need to hunt for sport and I certainly don’t think everyone is entitled to the right to own a gun despite the 2nd Amendment. It seems that many Americans are committed to the belief that they have a right to bare arms for the purposes of personal protection but again it just doesn’t add up to me and it doesn’t seem logical. I also never thought Donald Trump would be President of the United States so one cannot begin to understand the mind-set of all Americans. I live in San Francisco, which is generally a very liberal place, and I am not necessarily exposed to strong pro gun advocates so I don’t think I have a great understanding of their logic or reasoning. It does seem like some things are happening in response to the most recent school shooting in Florida but it is hard to say how things will play out in the future. In your opinion, is there any worldly thing that you would forbid? Nothing in particular comes to mind other than Marijuana legalization and the abolition of the 2nd Amendment.

T: ANTONELLA SONZA / F: TIAGO ALMANÇA

Cristian

Delgado Disfrutar como mandamiento

La vida urbanita tiene sus pros y sus contras. Uno de ellos, quizás, es que sumidos en la rutina nos olvidamos de nuestras pasiones y del hecho de que la única manera de hacer las cosas es disfrutar con ellas. Divertirse no es un lujo, es el principal motor para encontrar la motivación, esa barita mágica que hace que lo que queremos acabe materializándose. Para el rider de adidas Skateboarding Cristian Delgado, disfrutar es un mandamiento, un mantra. Desde Badia del Valles, el lugar donde ha nacido y crecido como persona y skater, ha ido in crescendo dentro del panorama nacional gracias a su constancia, autenticidad y a su propio instinto. Empezó en competiciones locales a las que iba con su hermano pequeño, después comenzó a publicar videos con sus trucos en Instagram de forma diaria y de ahí a ser fichado por adidas Skateboarding, Nomad Skateboards y Rufus Skateboards y crear su propia marca de ceras. Cristian valora cada paso del camino. Y esa es la lección más valiosa que nos llevamos de su entrevista, la de acordarnos de que cada día es una oportunidad más de disfrutar. Tomamos nota en nuestro encuentro con él en el icónico Macba junto al fotógrafo Tiago Almança: nos fuimos a pasar el día con los dos, y el flow fue instantáneo. Prueba de ello son las imágenes que lo documentan, pero dejemos que Cristian coja la batuta y nos cuente su historia. Living in a concrete jungle has its pros and cons. One of them is that sometimes we totally forget our passions due our everyday routine. Cause the only way to actually do things is to simply enjoy doing them. Having fun is not a luxury; it is the most effective and organic way to find motivation, that magic little bar that makes things happen. For the adidas Skateboarding rider Cristian Delgado, to enjoy skating is a command, a mantra. From Badia del Valles, the place where he was born and grew as a person and also as a skater, he has been in crescendo within the national scene thanks to his perseverance, authenticity and his own instinct. From those local competitions he went with his little brother, to posting videos of his tricks in Instagram on a daily basis, going through being signed by adidas Skateboarding, Nomad Skateboards or Rufus Skateboards or even creating his own brand of skate wax, Cristian knows the value of every step of the road And that is the best lesson we take away from our chat with him: to live our passions to the fullest. We meet him at the iconic Macba with photographer Tiago Almança and we’ve spent the day with both of them: the flow was instantaneous. Proof is the images that document our day out and about in one of Barcelona’s best skating spots.

IG: @CRISTIANDEELGARAP / @TIAGOALMANCA 71

¿Cómo te metiste en el mundo del patín? En tu caso, ¿el skater nació o se hizo? Pues cuando era niño solía bajar a la calle con un patín súper malo y jugaba con los chicos a hacer carreras. Una vez vi a los demás haciendo trucos e intenté hacerlos yo también. Ahí empecé con ello. Eres de Badia del Vallés y de pequeño participabas en competiciones locales. ¿Qué lección aprendiste en estas competiciones que te hayan acompañado hasta hoy en día? Sí, actualmente sigo viviendo en Badia, ya que no me gustan mucho los sitios con grandes poblaciones. Recuerdo que me gustaba ir a las competiciones con mi hermano pequeño, que también patina, porque era divertido y nos motivaba ir juntos. Conforme crecí, me di cuenta de que solo va gente que quieren ser los mejores y que no se divertían, simplemente querían competir. Eres una de las mentes inquietas tras el proyecto de Spotter DIY precisamente en Badia del Vallés. ¿Cómo se forjó el proyecto? ¿Ha sido bien acogido en la localidad desde su creación hasta ahora? Pues el Spotter surgió de una idea del Patina y Construye. Queríamos hacer algo pequeño pero acogedor para poder patinar sin que nadie nos molestase, por eso decidimos hacer un bordillo y una baranda de suelo. Conforme la gente se enteraba, se iban motivando y construir era más divertido aún. Entonces decidimos tirar para adelante y hacer un lugar donde poder bajar cada día como si fuese la plaza del pueblo. La verdad es que nadie se ha quejado de que estemos allí patinando, diría incluso que lo prefieren ya que no molestamos a nadie. Debe de ser gratificante el hecho de haber construido tu propio skatepark en la comunidad que te ha visto nacer. Pero tenemos curiosidad, ¿todo el mundo es bienvenido a patinar en este espacio? ¿cuál es vuestra política? Sí, todo el mundo es bienvenido siempre que respeten y se lleven su basura. Mucha gente de fuera es incívica y luego está todo sucio, pero vaya, que esto pasa en Spotter y en todos lados. Los que te conocen dicen que eres una persona súper activa y que no puedes parar, tanto sobre la tabla como fuera de ella. Y damos fe descubriendo otros proyectos que tienes entre manos como Spotter Wax, tu propia marca de cera para los bordillos. Cuéntanos, ¿cómo decidiste crearla? Pues es una buena pregunta. Todos los que me conocen saben que sin cera no puedo patinar, por eso, un día decidí hacer unas ceras pera mí, y desde entonces no he podido parar haciendo más colores y formas.

Actualmente estoy pensando en nuevos planes de futuro con ello, no en hacer dinero, sino en un viaje con todos mis amigos que me ayuden con el proyecto. ¿Qué ha sido lo mejor y lo peor de lanzarte al mundo de la emprendeduría y crear tu propia marca? Pues la verdad que hay mucha gente que solo pide y pide y piensan que esto es gratis. No tengo una fábrica de cera en casa (ojalá), pero bueno, con todos los demás no hay problema. Son todo risas y diversión. Estás mucho por Barcelona y no es difícil verte en el Macba. Cuéntanos, ¿cómo es tu día a día? Siendo sincero me encantaría dejar de ir al Macba cada día porque me aburre patinar siempre en el mismo lugar, pero con la gente que voy siempre quedamos ahí, es el punto de encuentro y al final acabas pasando el día. Se ha convertido en una rutina: bajar a la plaza, tomar un café, risas y patín. Si alguien estuviera empezando a patinar ahora y quisiera hacerse un nombre dentro de la escena del patín nacional, ¿qué consejo le darías según tu propia experiencia? No le daría un consejo sobre cómo hacerse un nombre, sino que le diría que patine y disfrute con ello que es lo mejor que puede hacer. Si te ayudan está genial, pero lo primero es disfrutar del patín. Háblanos sobre tu relación con adidas Skateboarding. ¿Cómo se unieron vuestros caminos? Hace como tres o cuatro años me comenzaron a dar flow desde una tienda, entonces fui subiendo poco a poco hasta que contactamos mejor y me dieron una oportunidad. Desde entonces seguimos unidos y contentos por ambas partes. Tu Instagram está lleno de vídeos de trucos y acción. ¿Qué opinas de las redes sociales como plataforma para crecer como skater? Bueno... sobre este tema creo que el mundo del patín ha explotado, debería ser como antes que la gente salía a la calle a grabar y a motivarse, ahora sinceramente lo que mueve todo es Instagram porque es más rápido y fácil. Y para acabar, ¿algún proyecto o viaje en perspectiva? Cuéntanos y danos envidia. Tengo en mente ir a Los Ángeles dentro de poco a visitar a gente que conozco y pasar unos meses allí. Espero materializarlo ya. Para acabar, quiero dar las gracias a mis padres y hermanos, sin ellos no bajaría a patinar motivado. Y a mis sponsors por la ayuda.

How did you get into skate? Well, since I was a little kid I used to go down the street of my neighborhood with a super old skateboard and we race against each other, and once, I saw some guys doing tricks and I tried to do them too. That’s where all started. You are from Badia del Vallés and as a child you sign up in local competitions. What lesson did you learn in these competitions that has been with you till nowadays? Yes, I am currently living in Badia, since I do not like very much bigger cities. I remember that I liked to go to competitions with my little brother, who also skates, because it was fun and we were very motivated by going together. As I grew up, I realized that most of people in those competitions only want to be the best and it was no fun anymore. They just want to compete. You are one of the restless minds behind the Spotter DIY project in Badia del Vallés. How come that you need to build your own skate park there? Has it been well received by the locals? Well, the Spotter came from an idea of Skate and Build. We wanted to do something small but cozy to skate without anyone bothering us, so we decided to make a curb and a railing. As people found out, we were motivating to keep building and it was even more fun. It became bigger as we decided to go ahead and make a place where we can go down every day as if a town square. The truth is that nobody has complained to it, I would even say that they prefer it because we do not bother anyone, it our space. It must be gratifying to have built your own skate park in your local community. But we are curious, is everyone welcome to skate in this space? What is your policy? Yes, everyone is welcome as long as they respect it and pick up their trash. Many outsiders are non civic and then it all gets dirty, but boy, that happens in Spotter but also in many places. For those who know you, you are a super active person always in movement, both on the skate and out of it. Proof is that you even created your own brand of skate wax, Spotter Wax. Tell us, how was the inception of the project? Well it’s a good question. Everyone who knows me knows that without wax I can not skate, so one day I decided to make some waxes for myself, and since then I started to make more colors and shapes. I am currently planning the future of it, but I don’t want to make big money for myself, I rather prefer to plan a trip with all my friends whom had help me with the project.

What has been the best and the worst part of getting yourself into the world of entrepreneurship by creating your own brand? The truth is that there are many people who won’t stop asking for free wax. Maybe they think I have a wax factory at home (I would love to, but it’s not the case), but hey, with the rest of people this problem doesn’t exist. They are all laughter and fun. You are very much around here in Barcelona and we can see you in the Macba very often. Tell us, what is your everyday routine? To be honest I would love to go anywhere else rather than going to Macba every day because it bores me to go always to the same place, but I have no choice since my people wanna hang out always there, it is like the meeting point to be all day long. It has become a routine: get to Macba, have a coffee, have some laughs and skate. If someone that is just starting to skate and wants to crash the national skate scene asks you for advice, what would you say? I would not give any piece of advice on how to be successful or make himself a name in the scene, otherwise I would tell him that the most important thing is to skate and enjoy, is the best we all can do. If any sponsor helps you it’s great, but remember to always keep enjoying what you do. Tell us about your relationship with adidas Skateboarding. How did your paths come together? About 3-4 years ago they began to give me some flow, then we got to know each other well and they gave me a shot. Since then we remain united and happy on both sides. Your Instagram is full of videos of tricks and action. What do you think of social networks as a platform to grow as a skater? Well... on this subject I think the world of skate has exploded. It should be more like before, when people went out to the streets to film and motivate by themselves. To be honest, Instagram has become the only way to be successful in this business because it is faster and easier. And last but not least, any project or trip in perspective? Tell us. I‘m looking forward to go to Los Angeles soon to visit people I know and spend a few months there. I hope to do it very soon. And to finish, I want to thank my parents and siblings for their support, without them I would not be motivated to keep fighting in this business.

T: VIC VANELLA

Rich Gilligan Caminos andados (y desandados)

Somos lo que somos por ser quienes hemos sido. La historia que aprendimos de pequeños, posiblemente, sea la historia que contaremos una y otra vez al compás del tiempo. Los juegos que nos hayan hecho sonreír, pueden ser hoy la profesión que nos mantiene a flote; porque, después de todo, lo que amamos, lo que nos apasiona y lo que nos divierte es lo que impedirá que nos hundamos. “Ningún lugar es aburrido, si has dormido bien y tienes un bolsillo lleno de carretes sin usar”, dijo alguna vez el fotógrafo y maestro espiritual Robert Adams; aunque hoy son las palabras que elije Rich Gilligan, quien, ya veremos, no se alejará mucho de los pasos de Adams. We are what we are today because of what we have been before. These lessons we learnt when we were younger are, most probably, what we will tell to others over and over to the rhythm of the passing of time. The games that made us laugh may be the profession that makes our life afloat today; since, after all, we refuse to sink because of what we love and our amusing passions. “No place is boring, if you’ve had a good night’s sleep and have a pocket full of unexposed film”, the spiritual master and photographer Robert Adams once said; today, these are the words chosen by Rich Gilligan, someone who follows similar footsteps as Adams’.

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Rich Gilligan, el hijo pródigo de Dublín, persigue el movimiento y la belleza del mundo que lo rodea a través de sus lentes. Su enfoque, directo y distintivo, existe allí, en algún punto del enorme abanico entre el reportaje clásico y la fotografía documental. Su afición nació con el skateboarding, aunque en esta entrevista poco hablaremos de flat, rampa, grind o street. Cuando era adolescente, tomó la vieja cámara point and shoot de su padre y comenzó a fotografiar a sus amigos practicando este deporte. “Eran fotos realmente malas”, se confiesa. Pero la pasión tocó igualmente a su puerta y a los quince años compró su primera (y propia) cámara, invirtiendo todo el dinero que había logrado ahorrar durante el verano anterior. “Era una antigua Fujika STX-1 manual, la compré en una tienda local de cámaras por £100, que era mucho dinero para mí en ese momento”. Asume que no fue fácil descifrar cómo se utilizaba, le llevó un tiempo averiguarlo, pero en cuanto lo hizo fue un camino sin retorno. Por aquel entonces, jamás se hubiera imaginado que se dedicaría durante más de una década al rodaje de publicaciones internacionales de skate o que de allí nacería un gran proyecto, su libro DIY, que ha cosechado muy buenas críticas y ha dado la vuelta al mundo. “Me apasiona el profundo nivel de compromiso y paciencia que requiere el skateboard. A lo largo de mi vida, me ha enseñado grandes lecciones en términos de confianza y autoestima”. Su pasión lo llevó a crecer personal y profesionalmente, pudiendo exponer en lugares como Londres, Dali, Malmo, Dublín, Munich, Los Ángeles, Nueva York, París, Sydney y Copenhague; conociendo personas, lugares y subculturas que, claro, no están prohibidas, pero sí en el espectro de lo fuera de lo común. Alejado de un mundo convencional, estructurado, donde 1 + 1 siempre da 2 (“soy realmente malo en matemáticas”), le asusta el ritmo de vida de los tiempos modernos y, detrás de su lente, observa y entiende el mundo de una manera más suave, más simple, más íntima; y esa visión es la que busca transmitir en sus trabajos, enfocándose en la dinámica natural de la composición y convirtiendo la fotografía en un documento casi esperanzador. Cuando uno piensa en alguien que practica skateboarding y se dedica a fotografiar ese universo, se inclina a imaginar a un rebelde empedernido, transgresor hasta la médula y que va a contracorriente de

todo lo que la palabra “tradicional” evoca; por lo que cuando vemos el amor y la devoción que Rich siente por su familia nos provoca un cortocircuito. Pero es que, quizás, en tiempos que corren más rápido que las propias palabras, el individualismo es la regla de una sociedad consumista e industrializada; y la familia, la letra pequeña que casi nadie lee. Emociona oírlo (o leerlo) hablar de su hija Robyn y de su esposa Petria Lenehan: mientras la primera es la luz de sus ojos y su fuente diaria de inspiración; la mujer con la que decidió envejecer es la persona que más admira en el mundo. “Es un ser humano increíble y la madre más amable que podrías conocer. Ella tiene una gracia especial y lo replica en todo lo que hace. Estaría perdido sin su fuerza, su guía y su creencia en mí.” Lograr el respeto de quienes respeta y ser el mejor padre que pueda ser son sus dos grandes metas en la vida. Una vida que, dice, volvería a elegir. Su día a día varía continuamente: algunas semanas pasa mucho tiempo en Nueva York, ciudad por la que siempre ha sentido fascinación. Su rica historia en la cultura del skateboarding, la música y ese ambiente inconfundible que uno ha visto desde siempre en las películas, lo llevaron a elegirla como sitio para vivir, como si algo magnético lo hubiera estado llamando desde que era pequeño. Otras semanas, las dedica íntegramente al trabajo en casa. Ser autónomo brinda una gran libertad, indudablemente, pero también conlleva la ansiedad de no tener un ingreso fijo regular y eso Rich lo sabe. “Afortunadamente, me mantengo ocupado, pero hay momentos en que el trabajo está tranquilo, lo que realmente puede afectar a la propia confianza, por lo que mantenerse motivado con proyectos personales y tener una ética de trabajo sólida es crucial para la supervivencia”. Disparar fotografías es, en realidad, una parte muy pequeña de su espectro creativo, aunque sea la principal razón que nos llevó a él. A lo largo de los años, Rich ha andado (y desandado) muchos caminos, apartando de ellos ciertos hábitos poco fructíferos: los pensamientos negativos y el whiskey. Hoy por hoy le dice “no” a todo tipo de opresión disfrazada bajo cualquier forma o color. Entiende que la desigualdad y el odio son cadenas que atan y esclavizan; cadenas que, por supuesto, hay que romper. “Somos en gran medida la suma de los lugares por los que hemos andado”, escribió Robert Adams. Y a Rich le quedan muchas vueltas de tuerca más.

DETRÁS DE SU LENTE, OBSERVA Y ENTIENDE EL MUNDO DE UNA MANERA MÁS SUAVE, MÁS SIMPLE, MÁS ÍNTIMA, CONVIRTIENDO A LA FOTOGRAFÍA EN UN DOCUMENTO CASI ESPERANZADOR.

BEHIND HIS LENS, HE OBSERVES AND COMPREHENDS THE WORLD IN A SLIGHTER, SIMPLER AND MORE INTIMATE WAY; AND THAT VISION IS WHAT HE WANTS TO PORTRAY IN HIS WORKS, DRAWING ON THE NATURAL DYNAMIC OF COMPOSITION AND MAKING PHOTOGRAPHY AN ALMOST HOPEFUL DOCUMENT. Rich Gilligan, prodigal son of Dublin, follows the movement and beauty of the world that surrounds him through his lenses. His approach, straight and distinctive, exists in somewhere within the enormous fan between classic report and documentary photography. His fondness began with skateboarding, but there is hardly talk about flat, ramps, grinds or street in this interview. When Rick was a teenager, he took his father’s old point and shoot camera and started to photograph his friends practising this sport. ‘’These were really bad pictures’’, he confesses. Anyways, passion knocked David’s door and he invested all the money he earned during the summer in a camera. He finally owned one! “It was an old and manual Fujika STX-1. I bought it in a local cameras shop for £100, which was too much money for me in those moments”. Take for granted that it was not easy to figure out how to use it, it took time, but as soon as he got it, it was a journey without turning back. At that time, he would have never thought about working for international publications of skateboarding shooting more than a decade or the creation of his amazing project, his book “DIY”, which has achieved positive reviews. “I am passionate about the deep level of commitment and patience that skateboarding requires. Over the course of my life, skateboarding has taught me significant lessons in terms of confidence and self-steem”. His passion helped him to grow personally and professionally since he has been able to exhibit in places like London, Dali, Malmo, Dublin, Munich, Los Angeles, New York, Paris, Sydney and Copenhagen; meeting new people, places and sub-cultures which, of course, are not forbidden in unconventional spectrums. Away from a conventional and structured world where 1 + 1 always results in 2 (“I am really bad at maths, though”), he is scared of modern times’ rhythm and, behind his lens, he observes and comprehends the world in a slighter, simpler and more intimate way; and that vision is what he wants to portray in his works, drawing on the natural dynamic of composition and making photography an almost hopeful document. When one thinks about someone who practices skateboarding and dedicates his life to photograph

that universe, it is tended to imagine an out-and-out rebel, transgressor to the core guy who goes against everything the word “traditional” convey; therefore, when we see the love and devotion Rich feels for his family, we collapse. Maybe, in the times, which fly like an arrow, individualism is the rule of a consumerist and industrialized society; and the family is the small print nobody reads. It is moving to hear him (or read him) to talk about his daughter Robyn and his wife Petria Leneham; the former is the apple of his eyes and daily source of inspiration; the women with whom he decided to become old is the person he most admires in the world. “She is an extraordinary human being and the kindest women you could ever meet. She has a special grace and it is replicated in everything she does. I would be lost without her strength, her guide and faith on me”. Achieving respect of whom he respects and being the best father he could ever be are his two major goals. He says it is a life he would choose to live over and over. His day to day varies constantly: some weeks, he spends so much time in New York, a city that has always fascinated him. Its rich history of skateboarding culture, music and that unmistakable environment everyone has always seen in movies, took him to choose it as a place to live in, as if the city had a magnet which has been attracting him there since he was a child. During some weeks, he works the whole time at home. Being a freelancer gives one freedom, undoubtedly, but it also leads to the anxiety of not having fixed and regular incomings, and Rich knows this. “Fortunately, I keep myself busy, but there are some moments in which work is calm. This can affect one’s self-confidence, so keeping oneself motivated with personal projects and having a solid work ethic is crucial for the struggle”. Shooting is, indeed, a very little part of his creative spectrum, although it is the main reason which took us to him. Throughout the years, Rich has walked (and unwalked) several paths, putting aside unrewarding habits: negative thoughts and whiskey. Nowadays, he says “no” to every form of oppression. He understands that inequality and hate are chains which bind and enslave; chains that have to be broken. “We are, to a great extent, the sum of the places in which we have walked”, Robert Adams wrote. Still, Rich has many more steps forward to go.

TEXTO: LEGI ALONSO FOTOGRAFÍA: JOSÉ ALBERTO PRIETO, LEGI ALONSO

ROAD666

by Legi Alonso

A veces pienso que el cuerpo es una mera herramienta al servicio del alma. Tal vez el alma sea una especie de perla o tenga la forma de un terrón de azúcar. Puede que incluso se asemeje a una pastilla de detergente para el lavavajillas. ¡Qué sé yo! El caso es que ese recipiente mágico nos confiere a cada uno el deseo de viajar o escalar o escribir o drogarse o componer o surfear... Hace una década que viajo a lo largo de todo el mundo y, dado que mi terrón de azúcar plantó en mí la semilla del surf, me he bañado en cada uno de los océanos que he visitado así como en un buen puñado de mares. También he puesto el pie sobre decenas de islas y he contemplado alguna que otra tormenta que me ha hecho sentir tan pequeño como una polilla. Diez años ya, ¡cómo pasa el tiempo! Naturalmente yo ya no soy el mismo puesto que cada viaje ha ido depositando en mí un pequeño sedimento que, junto con los libros, las conversaciones y el paso del tiempo, transformaron esa arcilla adolescente en piedra.

No obstante, echo la vista atrás y me resulta curioso ver cómo aquellos valores que me empujaron a salir de casa aún permanecen intactos. Y así, cada una de esas vivencias han ido dando forma a una columna vertebral líquida que se mantiene erguida gracias al surf. Pero un surf de ayer, al margen de jueces, campeonatos o entrenadores. Un surf sin más, entre amigos. Por simple amor a las olas y a los lugares que las albergan. Para celebrar esta década vagabunda y de aprendizaje, decidí regresar a mis primeros destinos: Marruecos, California e Indonesia. Ser testigo de un cambio, dejar constancia de él y reunir todo el material resultante en una web (www.road666.com). Además de la web, también quiero compartir esta historia con quienes aún se dejan la piel llevando a cabo cosas hechas con cariño y con mimo. Con quienes aún valoráis los contenidos atemporales que demandan un ratito de calma para ser leídos y recordados. Y por eso esta reflexión, vomitada por el alma, cobra forma en un papel que ahora mismo reposa entre tus manos. Así nace Road666, un proyecto personal acerca de toda esa poesía que viene dada por los kilómetros en la vida de una persona: vivencias, fotos, música, literatura, arte, garabatos, palabras...

Tras alzar la vista y adivinar del cielo lo grande que era soñé con mapas, mares distintos y carreteras.

Al otro lado del mar que ahora miro hay un lugar cálido y seco donde el hombre rico compite con el que quiere serlo y a veces retumba el sonido de un tiro.

Salí de casa hace diez años y aún no he vuelto. Me sentí solo, maldije mi aventura. Y el llanto, lejos de herir, me descubrió un secreto: el hombre se vuele hombre a través de su andadura. De este modo, tratando de moldear roca dura, di un primer paso que me llevó a Marruecos.

California fue y es mi segundo destino: Cielo naranja, palmeras dormidas... ¡Os recuerdo con cariño!

Desierto y piedra. Mar y viento. Marruecos es un susurro perdido en el tiempo.

Donde la fruta brilla más que sabe y el tráfico es una culebra que lo devora todo. Si lloviese llovería lodo: el humo impregna el cielo con su tono grave.

Olas que mudan su color a capricho del cielo se vuelven eternas para el que sepa mientras rostros arrugados como cordilleras vuelcan en un rezo todo su anhelo.

Un homeless mastica aire con la cara cubierta de mierda bajo un cartel de Trump con la cara muy limpia. Uno emborrona. Otro mutila la rúbrica de un sistema con alma de piedra.

Cien naranjas buenas de cada cien ante mil moscas revoloteando como el hambre. El zoco es un enjambre donde a nadie importa quién.

Bajo la autopista un arroyo flaco se ahoga. Sobre ella, también agonizando, gente engullendo en sus coches. Sorbiendo, tecleando... Pasivos ante otro día que tensa, indolente, su soga.

Diez años después Marruecos es un contenedor: plástico; surfcamps; idiotas; dirhams por aparcar... En tierra le ponen precio a los valles y al mar sobre ella, sobrecogedor, el firmamento se alza para el que quiera mirar.

En busca de oro vinieron mineros y lo lavaron en ríos que lo vertieron al mar, pero el Pacíficio, que es generoso y se hace amar, esculpe con él ondas que no entienden de dinero.

Sometimes I believe the body is a mere tool at the service of the soul. Maybe the soul is a kind of a pearl or has the shape of a sugar cube. It may also resemble a dishwasher tablet. How should I know? The thing is that magic cube lends to each of us the willingness to travel, climb, write, take drugs, compose or surf. For a decade, I have been traveling throughout the world, and given that my sugar cube planted the surf seed in me, I have been able to swim in each one of all the oceans I have visited as well as in a fistful of seas. Moreover, I have foot on tens of islands and contemplated one or another storm that has made me feel as small as a moth. Already ten years, how time flies! Naturally, I am not the same now since each travel has placed on me a small sediment that, along with books, conversations and the passing of time, has transformed this teenager clay into a stone. Nevertheless, I look back and it is curious to me to see how those values, which pushed me to get

out of home, still remain intact. In this way, each of these experiences have shaped a liquid spinal column which remains upright thanks to surf. Yesterdayâ&#x20AC;&#x2122;s surf, though, beyond judges, competitions and coachs. Just surf among friends. Just by simple love to waves and all places that give shelter to waves. In order to celebrate this wandering and learning decade, I decided to come back to my very first destinies: Marrakech, California and Indonesia. Being witness of a change, and leaving proof of it and putting together all the resulting material in a webpage (www.road666.com) Apart from the website, I also want to share this story with those who gave their all for carrying out this with loving care. These ones who make me value and appreciate timeless content which requires a calm moment to be read and remembered. Because of that, this reflection, product of the soul, takes shape in a sheet which now lies in your hands. This is how Road666 is born, a personal project about all that poetry which stems from all these kilometres in the life of a person: life lessons, photographs, music, literature, art, scrawls, wordsâ&#x20AC;Ś

After looking up and guessing how big the sky was I dreamt with maps, other seas and roads

At the other end of the sea that I see now There is a warm and dry place Where the rich man competes with the one who wants to be rich And sometimes the sound of a shoot resounds

I left my house ten years ago and I had not come back yet. I felt alone, blamed my adventure. And my outcry, far from injuring me, uncovered a secret; A man becomes a man throught his path. In this way, trying to sculpt the tough stone. I took a first step that set me on Morocc. Desert and Stone. Sea and wind. Morocco is a whisper lost in time. Waves that shed their colour as the sky likes They become everlasting for he who knows Whilst wrinkled faces like mountain ranges Pour in a pray all their desire A good one hundred oranges out of a hundred Facing one thousand flies fluttering like hunger The zoco is a hive Where nobody cares about nobody. Then years later Morocco is a skip: Plastic, surfcamps, idiots, dirhams to park In the land they put a price to the valleys and the sea Over it, breathtaking, The firmament is risen for he who wants to see.

California was and is my second destination: Orange sky, dorment palms… I remember you with affection. Where the fruit shines more than tastes And the traffic is a snake that Wolf down everything. If it rained, it would rained everything: The smoke impregnates the heaven with its deep tone. A homeless chews air with the air with the face covered in shit Under a poster with Trump’s face with the face Very clean. One smudges. The other mutilates The rubric of a system with stone soul. Under the highway a skinny stream is drowning. Over it, also agonizing, People gobbling down in their cars, Sharping, typing… Searching gold arrived sailors, They cleaned it on rivers that trought it at the sea, But Pacific, who is gentle and all people loves, Makes waves that no understand about money.

T: EVA VILLAZALA Y ANTONELLA SONZA

DAVID NEMAN

LO PROHIBIDO COMO NORMA

A veces, para descubrir la verdad, hay que ir más allá de la línea. Cruzarla, estar al otro lado, y ver qué efecto tiene eso en ti. Sentir la electricidad, el frenesí de quien no debería de estar ahí, pero ahí está. Para David Neman, algunas normas existen para romperlas. De la transgresión de la regla nace un aprendizaje que nos ayuda a forjarnos como personas. Y ese tipo de lecciones es de las que no se olvidan. Como los dos meses que estuvo en Rusia documentando su convivencia con punks en St Petersburgo. Forever Punk es su serie más cruda, en la que se cuela en el día a día de un grupo de adolescentes, punks y skaters en búsqueda de esa adrenalina que solo existe en el presente, y en aquello que se supone que no se puede (o debe) hacer. Con el tiempo, Neman nos cuenta que su creación va por otros derroteros y que se siente atraído por la cotidianeidad de todo aquello que le rodea y con lo que tiene un vínculo. Y es que una vez has pasado la línea, no hay que olvidar una cosa: has de saber volver. Sometimes, to discover the real truth, you need to go beyond the line. Cross it, be on the other side, and see what is the effect that has on you. Feel the electricity, the frenzy of who shouldn’t be there, but there it is. For David Neman, some rules are made to be broken. From the transgression of the rule you can have a life lesson that helps us to shape ourselves as grown adults in this society. And those kinds of lessons are the ones that are not forgotten. Like the two months he was in Russia living with punks in St. Petersburg. Forever Punk is his most raw photo series, in which he sneaks into the daily basis of a group of teenagers, punks and skaters in search of that adrenaline that only exists in the present, and in everything that is not supposed to be or to be done. Over time, Neman tells us that his creation goes through other paths and that he feels attracted by the everyday nature of everything that surrounds him, as his family and friends. Because once you crossed the line, you must not forget one thing: you must know how to return.

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LO PROHIBIDO, INSTANTÁNEAMENTE, ME HACE TENER CURIOSIDAD. AUNQUE REALMENTE CREO QUE HAY COSAS QUE DEBEN SERLO, OTRAS NO TIENEN PORQUÉ. PERO REALMENTE CREO QUE TIENEN QUE EXISTIR COSAS PROHIBIDAS PARA QUE SIGA SIENDO DIVERTIDO TRANSGREDIR LAS NORMAS. ¿Cómo y cuándo empezaste a tirar fotos? Comencé en 1999 cuando tenía unos 13-14 años. A veces, mi madre me dejaba llevarme una cámara de su trabajo. En esa época, también empecé a adentrarme en el mundo del graffiti documentando mis propias obras y las de mis amigos. En poco tiempo, tuve mi propia cámara y empecé a fotografiarme a mí y a mis amigos, por ahí. Yo tenía un servidor FTP y les decía a mis amigos que ahí podían descargarse las fotos. Me gustaba ser el que lo documentaba todo. Siempre me ha gustado coleccionar cosas y la fotografía se puede entender como la manera de coleccionar recuerdos. En este issue de lamono vamos a mostrar tu serie Forever Punk, disparada en 2013 en Rusia. Cuéntanos, ¿cómo fue la experiencia? ¿De verdad viviste en el 6º piso de un edificio abandonado de St Petersburgo con 20 skaters? Fue una gran experiencia. Conocí a gente genial y estoy muy agradecido de que me dejasen estar con ellos para fotografiarles. No me quedé con ellos todo el rato y no todo el grupo vivía en el mismo sitio, otros tenían lugares diferentes para no solo quedarse, sino para patinar e irse de fiesta. ¿Crees que la rebeldía y sentirse atraído por las cosas que están prohibidas es una característica adolescente que perdemos cuando nos hacemos adultos? Creo que eso depende de cómo seas como persona, porque creo que hay gente que puede verse atraído por ese tipo de cosas o situaciones en algún momento de su vida, más tarde. Pero creo que cuando nos hacemos mayores, somos más conscientes de las consecuencias que tienen nuestras acciones y por eso nos lo pensamos dos veces. Además, cuando

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eres mayor tienes mucho más que perder si haces algo prohibido o ilegal, como un trabajo, un piso o una pareja. Intento llegar a un equilibrio. No quiero perder al pequeño rebelde que hay dentro de mí. Creo que es importante no seguir siempre las normas que se nos imponen. Así es cómo creces realmente y te desarrollas como persona adulta en la sociedad en la que vivimos. Qué vino primero, ¿el skate o la fotografía? La fotografía vino primero. Después, el skate apareció y me absorbió por mucho tiempo. Pero llegados a un punto, la fotografía volvió y me obsesionaba aprender más y más sobre el arte de hacer fotos. Quizás me di cuenta que era mucho mejor en eso que en el skate. ¿Aún disparas con con la Yashica y la Contax de 35mm? Sí, uso cámaras de 35mm point and shoot. Caben perfecto en el bolsillo y hacen un super buen trabajo. No actualizas tu cuenta de Instagram muy a menudo. Tu última fotografía es de 24 de octubre de 2017, ¿cuál es la razón? ¿Crees que instagram es una buena herramienta para la fotografía como arte? Solía actualizar mi instagram muy a menudo, pero en un momento dado paré y no he vuelto a hacerlo. Ahora, como he perdido costumbre, me cuesta mucho decidir qué subir, por lo que al final decidí que era mejor no subir nada. Además, he hecho más trabajos personales últimamente y prefiero que se muestre en una exposición o libro que en una red social. Pero aún así, entro a Instagram cada día y espero contribuir en el futuro. Creo que las redes sociales son buenas y malas. Ahí, realmente no nos paramos a ver una foto de verdad. Solo prestamos atención

durante un segundo, y después, deslizamos a la siguiente. Es fácil verse saturado de fotografías y no apreciar el arte realmente. Pero por otro lado, Instagram me ha dado otras cosas buenas: me han descubierto por ahí y he acabado exponiendo en lugares gracias a eso, además de conocer a mucha gente. ¿Qué significa la palabra PUNK para ti? Creo que PUNK es hacer las cosas siempre a tu manera y que no te importe la opinión de los demás, sea pensada o dicha. Creo que es una buena lección a recordar. ¿Y la palabra PROHIBIDO? Me gusta la palabra prohibido. Instantáneamente, me hace tener curiosidad. Creo que siempre me he sentido atraído por lo prohibido. Aunque realmente creo que hay cosas que deben serlo, otras no tienen porqué. Pero realmente creo que tienen que existir cosas prohibidas para que siga siendo divertido transgredir las normas. Nuestro monotema es Forbidden, por eso te hemos hecho esta última pregunta. En un país como Rusia, donde la libertad solo se consigue con dinero y donde existe censura, ¿crees que todo lo prohibido se convierte en lo normal? Sí, es decir, se trata de hacer lo mejor con lo que tienes. Si tú, por ejemplo, no obtuvieras ayuda de la sociedad, ¿qué te haría seguir las reglas impuestas? ¿Qué diferencia lo prohibido en Suecia y Rusia? Para mí es difícil decirlo porque solo estuve 2 meses en Rusia, y me concentré en disparar fotos. Pero poniendo el foco en la censura

y la comunidad LGTB, por ejemplo, es obvio que las cosas son diferentes en estos dos países. Además, pagar para librarte de situaciones complicadas es algo que nunca sucedería en Suecia. Este país es increíble a diferentes niveles: es seguro, pero por otro lado, hay un montón de reglas que seguir, por lo que se puede volver opresivo. Formas parte de Atonal Collective. ¿Cuál es el leitmotiv del grupo? ¿En qué se diferencia tu trabajo personal a el que produces en el colectivo? En él todos seguimos creando nuestro trabajo personal, por lo que no hay diferencia. Tan solo somos un grupo de fotógrafos que intentan apoyarse e impulsarse entre ellos. Todos vivimos en países diferentes, pero tenemos un acercamiento parecido a la fotografía, y usamos Atonal como plataforma para alcanzar a más gente, juntos. Estás viviendo en Berlín ahora mismo. ¿Te gusta la ciudad? ¿Cuáles son tus próximos proyectos? Me encanta Berlín. Se supone que iba a quedarme solo 2 meses y ya voy para 4 años. Siempre hay algo interesante que hacer, gente que conocer, exposiciones a las que ir, y la vida nocturna es increíble. Tengo proyectos en marcha pero no como Forever Punk, en el que tenía un marco temporal y un tema. Desde hace unos años, me dedico a disparar mi entorno, mis amigos y mi familia. Berlín es una ciudad donde la libertad y el arte son una realidad. ¿Crees que es verdad? Sí, por supuesto, no puedo estar más de acuerdo con eso. Nunca antes había sentido esta libertad en nigún otro sitio

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When and Why did you begin to take photos? I started to take photos around 1999 when I was 13-14 years old. Sometimes my mother would let me borrow a camera from her work. Around the same time I started to write graffiti so I mainly documented mine and my friends paintings. Soon after that I got my own camera and started to take photos of me and my friends hanging around. I had an ftp-server where my friends could download all the photos from things we did. I liked to be the one documenting what we did. I have always liked collecting things and I guess that was a way to collect memories. In this new issue of lamono magazine we are showing your series Forever Punk, shoot in 2013 in Russia, tell us, how was this experience? Did you live at 6th floor of an abandoned building of St. Petersburg with 20 skaters more? It’s was a very cool experience. I met a lot of nice people and I’m really thankful that I got to hang out and take photos with them. I did not stay there all the time, not everybody lived in the factory full-time, some did, and some had it more as a hangout place to skate and party. Do you think that rebelliousness and feeling attracted to everything that is forbidden is a characteristic of teenagers and we totally lost it when we grow up? I guess that depends on who you are as a person. But I think that most people can be attracted to things that are forbidden at some point later in life as well. But I think as we grow up we get to be more aware of the consequences and that makes people think twice. Also when being a grown up you have a bit more to loose if you do something forbidden or illegal, like a job, flat or a partner. I’m

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trying to balance the whole thing. I never want to loose the little rebellious person in me. I think it’s important not to always follow norms and rules. That’s how you grow and develop as a person and as a society. W h a t c a m e f i rst , sk a t e boa rdi n g or ph otog ra ph y? Photography came first. Then skateboarding came along and pretty much took over for some time. But at some point photography came back and then I was totally lost and obsessed with learning how to take photos. Maybe I realized I was better at that than skateboarding. Do you still shoot with a Yashica and a Contax in 35mm? Yes I use small 35mm point and shoot cameras. Fits perfectly in the pocket and gets the job done. You don’t update your instagram very often. Your last photography was uploaded in 24th October 2017, what’s the reason behind? Maybe you don’t like the Social media platform? Do you think that is good for photography as an art? I used to update my instagram more frequently in past. But then I just stopped for some reason and haven’t really picked up on it again. Now I’m having a hard time deciding what to upload, so I end up not showing anything. I also think I have been doing some more personal work this past year and I would rather put that in exhibitions and books. But I’m still on instagram everyday and I will try contribute more in the future. I think I find social media platforms both good and bad. We don’t really stop to look at the pictures. We only look for a second and then we swipe to the next one. It’s easy to

I THINK A HAVE ALWAYS BEEN DRAWN TO WHAT'S FORBIDDEN. SOME THINGS REALLY NEED TO BE FORBIDDEN, BUT A LOT OF THINGS DOESNT HAVE TO BE. BUT I ALSO THINK THAT SOME THINGS NEED TO STAY FORBIDDEN IN ORDER TO KEEP IF FUN AND EXITING. get overwhelmed and not appreciate the art. At the same time instagram has given me a lot of great things. I’ve been asked to show my work in exhibitions and I’ve gotten to know a lot of nice people that later became good friends. What’s the meaning of the word PUNK for you? I think Punk means to go your own way and not care too much about others opinions about what you think or say. I think it’s a good thing to remember. And Forbidden? I like the word forbidden. Makes me curious. I think a have always been drawn to what’s forbidden. Some things really need to be forbidden, but a lot of things doesnt have to be. But I also think that some things need to stay forbidden in order to keep if fun and exiting. Our topic in this edition is Forbidden, that’s why I made the last question. In a country like Russia, where freedom is not reachable for people with no money and with plenty of censorship, everything that is forbidden became a routine, like the new normal? Yeah I mean, its about making the best of what you got. If you for example won’t get help from the society, then why would you need to follow their rules? What’s the difference between forbidden things in Sweden and Russia? I think it’s hard to say as I only stayed in Russia for two months and mainly focused on taking pictures. But looking at the censorship and the LGTB community for example, it’s obvious that forbidden things look very different in Russia

compared to Sweden. Paying your way out of sticky situations is also something that would never happen in Sweden. In many ways Sweden is a really nice country to grow up in. It’s safe, but there are also a lot of rules to follow which in my opinion can make it stiff and boxy. You are part of the Atonal Collective. What’s the leitmotiv of the group? What’s the difference between your personal work and the one you do in it? We all just do our personal work like we always do, so for me there is no difference. We’re just a group of photographers who try to push and support each other. All the members live in different countries and have different networks. But we all have a similar approach to photography and we use Atonal as platform to reach more people together. You are living in Berlin now. Do you like the city? Which are your next projects? I love Berlin. I was supposed to stay for 2 months, now its been almost 4 years. I Berlin there is always something to do, people to meet, exhibitions to go to and the nightlife is great. I guess I have some projects going on but not like Forever Punk where I had a time frame and a topic/story. During the past years I have just been shooting life with friends and family. I have no stress to finish something, I think I will just continue to take pictures and when I feel its time to put something together I will do that. Berlin is a city where freedom and art are a reality; do you feel it like this? Yeah for sure, I can really agree to that. I haven’t felt this free anywhere else.

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T: VICKY NAVARRO

CRISTINA DAURA MALA LECHE

Tras los colores alegres, planos y llamativos de las ilustraciones de Cristina Daura se esconden personas sin cara, gatos negros y mucho sarcasmo. O como dice ella, mala leche. Con el cómic como principal referente, en sus piezas se entrelazan un montón de historias, creando todo un universo en una sola página. Un universo en el que salen a relucir nuestros mayores temores y remordimientos en forma de kebabs grasientos, puertas cerradas, ojos en llamas y volcanes en erupción. Cristina Daura estudió en la escuela Massana de Barcelona y completó sus estudios de ilustradora en Estados Unidos. A los veinticinco decidió que ya no iba perder más tiempo esperando a que su oportunidad llamara a la puerta y se lanzó. En poco tiempo, ha realizado un montón de proyectos y colaboraciones en el sector editorial y cultural, con el convencimiento de que no debe limitar sus aspiraciones. Solo hay una cosa que desearía hacer y que tiene prohibida por miedo a las consecuencias que podría conllevar: pilotar un avión. Behind the cheerful, flat and striking colors of Cristina Daura’s illustrations, there are people without faces, black cats and a lot of sarcasm. Or as she says, bad temper. With comics as main reference, her pieces intertwine a lot of stories, creating a whole universe on one page. A universe in which our greatest fears and remorses come out in the form of greasy kebabs, closed doors, eyes in flames and erupting volcanoes. Cristina Daura studied at the Massana School in Barcelona and completed her studies as an illustrator in the United States. At 25 she decided not to waste any more time waiting for the luck to knock at her door and she went for it. In a short time, she has left behind several projects and collaborations in the editorial and cultural sectors, with the conviction that she should not limit her aspirations. There is only one thing she would like to do that she has forbidden for fear of the consequences that could entail: piloting a plane.

cristinadaura.tumblr.com

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Cada una de tus ilustraciones cuenta muchas historias. Se podrían leer. Y es que el cómic es una de tus mayores inspiraciones. ¿Quiénes protagonizan estas historias? ¿Son gente que conoces? Sí, el comic es mi principal referencia, en cualquiera de sus formatos, no solo el cómic que una puede tener en mente tipo TBO. Pero vaya, sí, el hecho de poder explicar una o más historias en una misma ilustración o página. Siempre quise hacer cómics, pero ganarse la vida así es francamente imposible, y más para una novata, así que empecé a incluir viñetas en mis encargos. Tengo elementos o personajes que me gusta usar para algunas situaciones, sobre todo en encargos donde no hay limitaciones. Por ejemplo, en un artículo donde hablan de algo concreto no podría añadir un elemento personal con calzador porque no tendría mucho sentido. Pero sí, creo que casi todas mis ilustraciones tienen elementos que hacen referencia a personas, mayoritariamente a amigos/as. A veces ni esas personas lo saben, se lo tengo que decir. Tu obra mezcla la estética de una baraja de tarot y la sátira de una viñeta de Joan Cornellà. ¿Qué te tira más: el humor negro o los viajes hacia lo oculto? Yo creo que me tira más el humor negro, lo oculto me gusta o me llama la atención, pero no creo que se pueda ver en mi trabajo. El humor negro forma parte de mi día a día, la sátira, el sarcasmo y la mala leche. Quizá no veo mi obra tan extrema como la de Joan Cornellà, pero en todo caso agradezco la vinculación ya que le tengo gran aprecio. Puedes decir que vives de tu arte. ¿Cuándo decidiste dar el paso y apostar por la ilustración? ¿Qué es lo más gratificante? Llevaba cuatro años trabajando de canguro a media jornada diariamente. Por las mañanas intentaba exprimir el mayor tiempo dibujando y por las tardes me lo pasaba con dos niños que a veces eran un sol y a veces el puro infierno. Durante esos cuatro años pasé de tener el entusiasmo inocente de alguien recién salida de la universidad, pensando que se va a comer el mundo, que lo tiene todo clarísimo, a todo lo contrario. Me di de morros con todo, con la crisis económica de por medio y con una gran falta de autoestima hacia mi trabajo. Haciendo truños como la copa de un pino e intentando gustar a todo el mundo. Cuando cumplí veinticinco me dije: este tiene que ser tu último año con todo esto. Gané un poco más de confianza y antes de cumplir los veintiséis le comenté a mi “jefa” (la madre de los niños) que al terminar el curso me largaba. Eso coincidió con un encargo del ayuntamiento de Madrid (gracias al ilustrador Puño) que me permitió coger impulso y mandarlo todo y a todos a la mierda (risas). Y fue gratificante, pero con un poco de miedo en el cuerpo. ¿Cómo es ser artista en España? Ser artista en España es tener que exponerse, es poner una sonrisa a todo el mundo cuando no quieres, es dudar de lo que haces todo el rato, es sobrevivir, es luchar para que te paguen y es sacar tiempo de debajo de las pie-

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dras para hacer algo de lo que estés 100% contenta. Parece todo muy oscuro, pero también te lo pasas bien, quejarse es algo que también hacemos como vicio. Hay un gato que aparece en muchas de tus ilustraciones y me pregunto si tiene algún significado o simplemente es que te gustan los gatos negros. El gato negro que aparece en una gran parte de mis ilustraciones es un elemento vinculado a una de mis mejores amigas. Es una persona que quiero mucho y con la que viví un tiempo. Es la madre de dos gatas negras con las que lleva dando tumbos desde hace diez años y era una forma de dedicarle mi amistad, a ella y a las gatas. A tus personajes no se les ve casi nunca la cara. ¿Qué esconden? Pues empecé a no ponerles cara a ninguno de mis personajes porque me gustaba la idea de que no fuera un elemento importante para explicar lo que quería explicar. La historia ya funcionaba bien tal cual, así que no tenía por qué ponerle cara. Así cualquiera se podría ver reflejada. Luego, en otras ocasiones, me ha gustado esconder a los personajes porque así funcionan como si estuvieran viendo algo desde un lugar oculto, desde detrás. Están viendo algo que tú no ves, claro. No paras de trabajar en nuevos proyectos. ¿Qué tienes ahora entre manos? Ahora mismo estoy con un libro largo que me va a llevar muchas noches sin dormir. A la vez dejé otro libro en stand by que espero poder terminar. Aparte de estos dos proyectos largos, a finales de marzo se inaugura una exposición en el Museo del Diseño en Francia de la que formo parte. Y entre medio pues proyectos diversos. Te has forjado un estilo muy propio. ¿Cómo lo definirías en dos palabras? Personal y Extraño. La composición es muy importante en tus ilustraciones, aunque eso no quita que sean algo caóticas. ¿Te consideras una persona caótica o anárquica o eres más bien ordenada y cuadriculada? Yo diría que ambas… Reconozco ser una persona estricta, muy aferrada a sus decisiones, pero muy caótica en cuanto a la organización del tiempo. No sé, quizá alguien que me conoce más me dice que no me flipe y que soy una cosa más que la otra. El monotema de este número es FORBIDDEN. ¿Cuál es tu fruto prohibido? Es decir, aquello que te gustaría lanzarte a hacer, pero todavía no te has atrevido por miedo a las consecuencias o a salirte de tu camino. Creo que cuando quiero hacer algo lo hago, o cuando quiero decir lo que pienso lo digo, por eso me he llevado unas buenas hostias. Pero no sé, en el ámbito profesional veo que podría hacer de todo sin pensar en las consecuencias, y en el ámbito personal me encantaría poder pilotar un avión, con lo que las consecuencias no serían muy buenas (risas).

SER ARTISTA EN ESPAÑA ES TENER QUE EXPONERSE, ES PONER UNA SONRISA A TODO EL MUNDO CUANDO NO QUIERES, ES DUDAR DE LO QUE HACES TODO EL RATO, ES SOBREVIVIR, ES LUCHAR PARA QUE TE PAGUEN Y ES SACAR TIEMPO DE DEBAJO DE LAS PIEDRAS, PERO TAMBIÉN TE LO PASAS BIEN.

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BEING AN ARTIST IN SPAIN MEANS ONE HAS TO EXPOSE ONESELF, PUT ON A BRAVE FACE EVEN IF ONE DOESNâ&#x20AC;&#x2122;T WANT TO, BE FILLED WITH SELF-DOUBT ALL THE TIME, SURVIVE, FIGHT TO GET PAID, BUT ONE MAY ALSO HAVE A GOOD TIME.

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Each of your illustrations tells many stories. They can be read. This is because comics is one of your biggest inspirations. Who are the protagonists of these stories? Are they people you know? Yes, comics is my main reference. Comics in any of its formats, not just that comic one can have in mind like TBO (a weekly Spanish comic magazine that appeared in Barcelona in 1917 and was published until 1998). But yes, I like being able to explain one or more stories in a single illustration or page. I always wanted to create comics, but making a living like that is downright impossible, and even more for a newbie, so I started to include vignettes in my commissions. There is a few elements or characters that I like to use for some situations, especially in commissions in which there are no limitations. For example, I could not shoehorn a personal element into an article that deals about something concrete as it would not make much sense. Anyways, I think that almost all my illustrations have elements that refer to people I know, mostly friends. Sometimes these people do not even know it and I must tell them. Your work mixes the aesthetics of a tarot deck and the satire of a Joan Cornellà cartoon. What does strike you more: black humor or traveling to the occult? I think that black humor strikes me more. I like the occult and it catches my attention, but I do not think it can be seen in my work. Black humor is part of my day to day, satire, sarcasm and bad temper. Maybe, I do not see my work as extreme as that of Joan Cornellà, but in any case, I appreciate the connection as I have great appreciation for him. You can say that you live by your art. When did you decide to take the step and bet on the illustration? What is the most rewarding? I had been babysitting part time everyday for four years. In the mornings, I tried to get the most out of my time drawing and I spent the afternoons with two children who were sometimes angels and sometimes pure hell. During those four years, I went from having the innocent enthusiasm of someone fresh out of college, thinking I was going to take the world by storm and everything was crystal clear, to the opposite thing. I came up against everything, the economic crisis and with a great lack of self-esteem towards my work since I was making awful stuff and trying to please everybody. When I turned 25 I said to myself: this has to be my last year acting like this. I gained a little more confidence and before I turned 26 I told my “boss” (the children’s mother) that at the end of the school year I was leaving. That coincided with an assignment from the Madrid city council that allowed me to take impulse and send everything and everyone to hell (laughs). Although I felt quite afraid, it ended up becoming a reward. What is it like to be an artist in Spain? Being an artist in Spain means that one has to expose oneself, put on a brave face even if one doesn’t want to, be filled with self-doubt all the time, survive, fight to get paid and also take time out from under the

stones to do something that makes one 100% happy. It all seems very adverse, but one may also have a good time; complaining is something that we do as a vice. A cat appears in many of your illustrations and I wonder if it has any meaning or it’s just because you like cats. The black cat that appears in a large part of my illustrations is an element linked to one of my best friends. She is a person that I love very much and with whom I lived for a while. She is the mother of two black cats with whom she has been stumbling for ten years and it was a way to dedicate my friendship to her and the cats. Most of your characters do not show their face. What are they hiding? Well, I started not to put face to any of my characters because I liked the idea that it was not an important element to explain what I wanted to explain. The story already worked well as it was, so I did not need to put them a face. In this manner, anyone could see themselves reflected. Then, on other occasions, I liked to hide the characters because they seem to be watching something from a hidden place, from behind. They can see something that you do not see. You do not stop working on new projects. What are you dealing with now? At the moment, I am making a large book that will keep me awake for many nights. And at the same time, I left another book on stand by that I hope I can finish. Apart from these two long projects, an exhibition is going to be inaugurated at the Design Museum in France at the end of March. And in between, different projects are coming. You have forged your very own style. How would you define it in two words? Personal and Weird. The composition is very important in your illustrations, although that does not mean they can’t still be chaotic. Do you consider yourself a chaotic or anarchic person or are you rather organized and disciplined? I would say both ... I recognize being a strict person, very attached to my decisions, but very chaotic in terms of time organization. I don’t know, maybe someone who knows me better would think differently. The topic of this issue is FORBIDDEN. What is your forbidden fruit? I mean, that thing or project you would like to start, but you have not yet dared to do because of the consequences or because it would get you out of your way. I believe that when I want to do something I do it, and when I want to say what I think I say it, that’s why I’ve been let down in several times. In the professional field I would do whatever I feel without thinking about the consequences, and in the personal field I would love to be able to pilot an airplane, but the consequences would not be very good (laughs).

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ONLY THE REBELS WILL RISE UP

T: RAUL GARRIGÓS

HARRY FLOOK Estamos rodeados de prohibiciones, de leyes y límites morales que nos impone la sociedad para poder mantener un orden dentro del caos que ya supone vivir. A algunas les encontramos sentido, otras prohibiciones nos pueden parecer estúpidas y romperlas acaba resultando divertido, ¿pero qué ocurre cuando lo prohibido eres tú? ¿Qué ocurre cuando aquello en lo que crees no está aceptado en tu propia comunidad? ¿Es fácil sentirte un extranjero en tu propio hogar? Al final, cometer un acto vandálico está al alcance de todos, pero cambiar tu sistema moral para contradecir aquello que te han enseñado desde que eras un crío requiere de un esfuerzo mayúsculo y de un sacrificio que no muchos serían capaces de tolerar. Harry Flook explora todos estos sentimientos a través de su cámara, dando voz a personas que viven de espaldas a su comunidad, poblaciones con un sentimiento religioso muy arraigado. Estas personas, apóstatas al fin y al cabo, se convierten en seres rechazados por la sociedad que los rodea. De esta manera, Flook no solo consigue poner el foco de atención en ellas, sino también reflejar como las comunidades no religiosas mantienen los mismos sentimientos positivos que las que sí lo son. We are surrounded by prohibitions; laws and moral limits imposed by a society that wants to maintain order within the chaos that is already going on. Some of them make sense; other ones can seem stupid and breaking them ends up being fun; but what happens when you are the one who is forbidden? What happens when what you believe in is not accepted in your own community? Is it easy to feel like a foreigner in your own home? In the end, committing a vandalism act is within everyone’s reach, but changing your moral system to contradict what you have been taught since you were a child requires a major effort and a sacrifice that not many would be able to tolerate. Harry Flook explores all these feelings through his camera, giving voice to people who have turned their backs on their community, populations with a deeply rooted religious feeling. These people, apostates after all, become rejected beings by the society that surrounds them. In this way, Flook not only manages to focus attention on them, but also reflects how non-religious communities maintain the same positive feelings as those that are.

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¿Por qué escogiste la fotografía como medio para expresarte? Desde muy pequeño estaba claro que iba a hacer algo creativo porque venía de una familia artística. Mi madre bromeaba diciéndome que estudiar contabilidad sería mi manera de rebelarme. Me aventuré con el dibujo, la pintura y las artes gráficas y, al principio, pensaba que sería diseñador, pero la fotografía siempre estaba en segundo plano. No es una historia romántica de “mi abuelo me dio su antigua 35mm”. No sé cómo la fotografía se fue convirtiendo de manera gradual en el medio que más me atraía, así que fui a por ello. Aunque no es mi única manera de expresarme, también escribo y pinto mal. ¿Cuáles son tus influencias artísticas? De los grandes nombres de la fotografía, siempre vuelvo a la obra de Nadav Kander, ya que fue el primer fotógrafo que me inspiró. Su trabajo es muy discreto, tranquilo, y siempre me cautiva su manera de hablar de él. Más recientemente, he sentido interés por John Spinks. En relación a cómo entiendo yo la fotografía, mi acercamiento a ella está influenciada por los fotógrafos de la revista japonesa Provoke, aunque estilísticamente no nos parezcamos. Realmente me subí al carro de su idea que entiende que la fotografía tiene que separarse del lenguaje, es algo que puede expresar lo que las palabras no pueden, evocar nuevas ideas en vez de reemplazarlas.

razón por la que incluí la poesía (escrita por un amigo) fue para dejarlo todo abierto a la interpretación de cada uno, y ver cómo las palabras cambian el significado de las imágenes. Algunas personas no obtienen nada con las imágenes, pero para otras éstas tienen sentido, a mí me parece bien. Es una manera diferente de trabajar en comparación con los proyectos más documentalistas que le siguieron. ¿Cómo hiciste la transición de proyectos más abstractos a otros más realistas? “Realista” me resulta una palabra interesante, ya que supongo que la conexión al tema es mucho más obvia. Honestamente, empecé a frustrarme con mis antiguos trabajos. De alguna manera, las obras introspectivas que tienen pocos puntos de referencia para entenderlas te cierra las puertas a un público más grande. Requieren un mayor esfuerzo por parte del espectador, y no creo que la gente tenga la paciencia para sentarse y sentir a través de un proyecto con un final abierto, cuando hay tantos medios de comunicación a los que prestar atención, y tantos buenos trabajos. Así que decidí acercarme a algo que también me conmoviese personalmente, pero que comunicase de una manera más directa, para lo que quería hacer algunos retratos.

He vivido situaciones en Tennessee en las que al mencionar que no era religioso, las persianas bajaban y la conversación se detenía.

Tus fotografías tienen tonos suaves, poco contraste y una luz casi celestial. ¿Qué te llevó a abrazar ese estilo? Tiene mucho que ver con la luz con la que disparo y con mi gusto personal. El estilo tan plano y ligeramente desaturado me recuerda al look de Tennesse. También hace las imágenes visualmente más consistentes; se le presta más atención a aquello que ocurre dentro de la foto y no tanto a unas decisiones estilísticas.

En tus trabajos anteriores has explorado ideas más abstractas acompañadas de poesía. ¿Cómo nacen estas ideas y cómo haces que tengan sentido? Mis ideas suelen salir de aquello que estoy leyendo en el momento. Normalmente me golpean como si tirasen de golpe de una alfombra. Escribo una pequeña idea y me emociono con ella, pero cogerla y expresarla visualmente para decir algo supone un gran reto y me peleo con ello constantemente. Como he dicho antes, las palabras y las imágenes se comunican de maneras diferentes. Dudo sobre el uso de las fotografías si puede explicarse mejor en una frase. Sobre el proyecto al que te refieres, The Future of the Living, intenté abrazar esa idea y “que tuviese sentido” no era necesariamente mi objetivo. Aunque suene pretencioso, eso era lo que pensaba en ese momento. Empecé a expresar un sentimiento sobre lo raro en relación a un entorno construido, una especie de ansiedad sobre la situación que vivía, ya que me acababa de mudar a mi primer piso de adulto. Las ideas se desarrollaron y me empecé a interesar en la confusa frontera que existe entre la realidad y nuestra imaginación a medida que la tecnología avanza. Fue una especie de catarsis y de exploración personal hacer esas imágenes. Resuenan dentro de mí, pero la

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En Beyond what is written haces fotografías de comunidades no religiosas de Tennessee. ¿Cómo tuviste la idea de este proyecto? Por mi pasado con la religión. Me crié en ella y dejé la fe durante mi adolescencia. Durante años dudé de la moralidad conservadora de la Iglesia y pensé que quizás sufriría eternamente por hacerlo, lo cual sentí igual de dramático que como suena. Empecé a reconectar con esa experiencia durante la universidad al hablar y fotografiar a otras personas que habían pasado por lo mismo, cosa que acabó convirtiéndose en el trabajo Apostate. Después de un año haciendo esto, decidí explorar los aspectos más positivos de la Iglesia que viví cuando estaba creciendo, en concreto el sentimiento de comunidad, con el objetivo de descubrir cómo la gente llena ese vacío después de la religión. También quería tomar fotos en algún sitio en el que la religión fuese la regla, no la excepción. Así es como me topé con los no afiliados a la religión en el Sur, y tuve la suficiente suerte de ser acogido, durante un mes, por una pareja encantadora, Gayle y Elliot, que son fundamentales a la hora de organizar partes de esta comunidad. Beyond what is written y Apostate son proyectos relacionados que se centran en personas que han dado la espalda a su comunidad ¿Crees que este acto conlleva un gran sacrificio? En gran manera, aunque varía dependiendo de la persona. Dejando de lado las preocupaciones existenciales que son una parte de dudar de tu propia fe, la vida social de la gente está totalmente incrustada en la Iglesia, y eso puede ser muy poderoso si todo va bien, pero si quieres marcharte normalmente significa perder a tus amigos, familia y la comunidad de la Iglesia. Si vives en un lugar tan fuertemente religioso como Tennessee, puede ser muy difícil encontrar esta red de apoyo fuera de la Iglesia.

También he hablado con apóstatas en el Reino Unido que han tenido miedo y han sufrido repercusiones violentas como resultado de haber abandonado su comunidad religiosa. Les tengo mucho respeto a todas estas personas con las que he hablado que han pasado por circunstancias mucho más difíciles que la mía por un cambio de creencia. ¿Podríamos considerar que son unos outsiders? ¿Qué lo que hacen no tendría que ser así, que está prohibido? Las personas no religiosas de Tennessee son definitivamente unos outsiders o, como mínimo, una minoría tolerada. Lo de la prohibición es interesante. He vivido situaciones en Tennessee en las que al mencionar que no era religioso, las persianas bajaban y la conversación se detenía. Realmente tratan con precaución a cualquiera que se defina abiertamente como irreligioso. Los tiempos están cambiando. ¿Crees que el panorama religioso de los EEUU está también cambiando o quizá evolucionando? Definitivamente está cambiando, sí, aunque tengo dudas sobre hacer grandes predicciones de hacia dónde está yendo. Fui a un servicio en una mega iglesia y mientras estaba allí, el pastor se

dedicó un buen rato a hablar sobre cómo los miembros más jóvenes se estaban yendo a un ritmo alarmante. Internet ha cambiado las cosas, todo el mundo tiene acceso a más información, lo que impacta con un pensamiento racional y escéptico. Esto es valioso para muchos, y es como yo acabé dejando mi religión. Supongo que mi preocupación es que internet polariza las cosas. Creo que en Tennessee las iglesias están doblando su esfuerzo y aislándose como respuesta. ¿Qué otros proyectos tienes en mente para el futuro? En relación a ideas totalmente nuevas, tengo un par dando vueltas, pero nada que merezca la pena compartir aun. De hecho estoy repasando The Future of the Living para hacer que tenga más sentido después de dos años. Es interesante tomar fotos sobre ideas antiguas con una mentalidad totalmente diferente. Aunque supongo que lo confundiría todo un poco más y me volvería a perder… También estoy trabajando en cómo presentar la serie Apostate, peleándome con qué otro material incluir. Tengo una idea para un photobook colaborativo, varios proyectos/ensayos que exploran el lugar de la religión en la modernidad, esperando encontrar a otros fotógrafos y escritores que quieran trabajar en ellos.

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Why did you choose photography as a way to express yourself? I was set on doing something creative pretty early on in life, coming from an arty family. My Mum joked that to study accountancy would be my way of rebelling. I’d dabbled around with drawing, painting and graphics, and initially thought I’d become a designer, but photography was always there in the background. It’s not a very romantic ‘my grandfather passed down his old 35mm’ kind of story, I’m not sure why but photography gradually became the medium that most excited me, so I pursued it. Though it’s not my only form of expression, I also write, and paint badly. What are your artistic influences? Of the big names in photography, I’ve always come back to the work of Nadav Kander, being the first photographer that really inspired me. His work is quiet, and I’m always taken by the way he talks about it. More recently, John Spinks. In terms of my understanding of photography, my approach was shaped by the Japanese ‘Provoke era’ photographers, despite little common ground stylistically. I really took on board their idea that the photograph should be separate from language, something that can express what words cannot, to evoke new ideas rather than standing in place for them. Your photographs have soft tones, little contrast and an almost heavenly light. What took you to embrace this style? It has a lot to do with the light I was shooting in, and personal taste. To me the very flat, slightly desaturated style echoes the look of Tennessee, as well as making the images visually consistent, so that the viewer pays attention to what’s going on in the frame rather than some heavy stylistic choice.

How did you make the transition from abstraction to more realistic projects? Realistic is an interesting word to use, I suppose the connection to the subject is just more obvious. Honestly, I got a bit frustrated with the older work. It sort of closes the door to a wider audience when you make introspective projects that have few points of reference with which to understand them. They require more effort from the viewer, and I don’t think people have the patience to sit and feel through an open ended project when there’s so much other media to look at, and so much great work. So, I decided to approach something that still felt poignant to me, but that would communicate more directly, and I wanted to shoot some portraits. In “Beyond what is written” you take pictures of non-religious communities in Tennessee. What is the inception of this project? My past with religion. I grew up religious and left my faith during my teens. For years I doubted the conservative morality of my church, and thought I might suffer eternally for doing so, which felt about as dramatic as it sounds. I began to reconnect with that experience during university by talking to and photographing others who had been through the same, which culminated in the project Apostate. After nearly a year of this, I decided to explore the more positive aspects of the church that I’ d experienced growing up, namely the intense feeling of community, aiming to find out how people fill that gap after religion. I also wanted to shoot somewhere that religion was the norm, not the exception. That’s how I stumbled across the religiously unaffiliated in the the South, and was lucky enough to be hosted for a month by a lovely couple, Gayle and Elliot, who are pretty instrumental in organising parts of that community.

I experienced situations in TN where at the mention of my not being religious, the shutters came down and the conversation was halted

In your past works you’ve explored more abstract ideas accompanied by poetry. How are these ideas born and how do you get them to make sense? My ideas tend to come out of what I’m reading at the time, often they’ll hit me with a kind of rug pulling effect. I’ll write down a little thought and get excited, but taking that idea and expressing it visually to say something more is the whole challenge, and I struggle with it constantly. As I said before, words and images communicate differently, I question the use in taking photographs if it can be better explained in a sentence. For the project you’re referencing, The Future of the Living, I tried to embrace that and so ‘making sense’ wasn’t necessarily the aim. Though that sounds kind of pretentious, it was my mindset at the time. I began by trying to express a felt sense of the uncanny with regard to the built environment, a sort of anxiety about my situation having recently moved into my first adult house. The ideas developed and I became interested with the blurring boundary between reality and our imagination as technology marches on. It was a sort of catharsis and personal exploration making those images. They resonate with me, but the reason for including the poetry (written by a friend) is to leave it open to interpretation, and see how the words change

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the images meanings. Some people get nothing from the images, and for others they are meaningful, but that’s fine to me. It’s a slightly different mode of working to the documentary projects that followed.

“Beyond what is written” and “Apostate” are related projects that center on people turning their back on their community. Do you feel that this act requires a great sacrifice? Hugely so, though it varies from person to person. Aside from the existential worries that are a part of doubting your faith, people’s social lives become entirely embedded in the Church, and that can be really powerful when all is going well, but if you want to leave it often means losing your friends, family and church community. If you’re in a place as heavily religious as Tennessee, it can be hard to find that support network outside the church. I’ve also spoken to apostates in the UK who have feared and experienced violent repercussions as a result of leaving their religious community. I have a great deal of respect for those I’ve spoken to who have been through far more challenging circumstances than my own, because of a change in belief.

Could we consider that they are outsiders? That what they do is kind of not supposed to be, in any way, forbidden? The non-religious in Tennessee are definitely outsiders, or at least a tolerated minority. The forbidden thing is interesting, I experienced situations in TN where at the mention of my not being religious, the shutters came down and the conversation was halted, there’s certainly a treating of caution with anyone who outright defines themself as irreligious. Times are changing. Do you think that the religious landscape of USA is also changing or maybe evolving? It’s definitely changing, yes, though I’m dubious about making grand predictions as to where it’s going. I went to a mega church service whilst I was out there, and the pastor did a whole bit about how the younger members are leaving at an alarming rate. The internet has changed things, everyone has access to more information, which makes a collision with rational thinking and skepticism

more likely. This is valuable for many, and is how I came to leave my religion. I suppose my worry though is that the internet makes things more polarised. I think in TN the churches are doubling down and becoming even more insular in response. What other projects do you have in mind for the future? In terms of totally new ideas, there’s a couple rattling around, but nothing worth sharing yet. I’m actually revisiting The Future of the Living now to try and make a little more sense of it, 2 years after putting it down. It’s interesting to shoot in response to an earlier set of ideas, from a completely different headspace. Though I’ll probably just confuse it further and get deeply lost again… I’m also working on how to present the series Apostate, wrestling with what other visual material to include. I have an idea for a collaborative photobook, featuring various projects/essays which explore the place of religion in modernity, so hoping to find a few other photographers and writers to work with on it.

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T: ANTONELLA SONZA

TRAJANO! Pelearlo

Cuenta la Biblia que Lázaro era una persona muy querida por Jesús, lo que hoy diríamos su BFF. Cuanto enfermó y finalmente murió mientras Jesús estaba predicando, sus hermanas le avisaron de la amarga noticia. Y se hizo el milagro: de repente, le devolvió la vida. De ahí que el personaje se cite como metáfora de un renacimiento, de volver de las tinieblas, de una segunda oportunidad. Una metáfora recurrida por artistas como Bowie en su disco póstumo. Precisamente su nombre es lo que da título al segundo disco de los madrileños Trajano! que siguen vivitos y coleando más fuerte que nunca. Y es que un segundo disco no es moco de pavo, es el que pone la primera piedra del camino que quiere seguir la banda para seguir escribiendo su historia y forjando su sonido. En Lázaro encontraremos más sintetizador, más experimentación y una madurez enmarcada dentro del conocido como “sonido Malasaña”. Hemos tenido la oportunidad de charlar con ellos sobre su vida y milagros (obviamente) y de lo inevitable: ¿cómo se vuelve a vivir? The Bible tells us that Lazarus was a person dear to Jesus, what we would know today as his BFF. When he became ill and finally died Jesus was preaching and his sisters warned him of the bitter news. Then, the miracle was done: suddenly, he brought him back to life. Hence, the character is cited as a metaphor for a rebirth, the return from darkness, a second chance. A metaphor recurred by artists like Bowie on his posthumous album. Precisely his name is what gives title to the second album of the Madrid band Trajano! who are still alive and kicking stronger than ever. A second disc is not chicken feed, but the one that puts the first stone of the road that the band wants to follow to continue writing its history and forging its sound. In Lázaro we will find more synthesizer, more experimentation and a maturity framed within what we know as “Malasaña sound” (Malasaña is the trendiest district in Madrid). We had the opportunity to chat with them about their life and miracles (obviously) and about the inevitable: how do we come back to life?

trajano.bandcamp.com Cuatro años desde Antropología y ahora llega Lázaro. La pregunta es obligada: ¿de qué manera este disco supone una especie de resurrección? Múltiples acepciones. Cambios en la formación, una operación de espalda, una crisis interna, un disco que no, etc. Así que llegamos a esa dicotomía de lo dejamos o lo peleamos. Y salió pelearlo.

ritmos y la segunda es que compusimos un disco entero hace un año y acabó en la basura porque no nos sentíamos cómodos. Así que tuvimos una crisis existencial muy intensa allá por marzo y decidimos encerrarnos en el local de ensayo y componer sólo los esqueletos de las canciones y terminar todo en el estudio, y de ahí el sonido final.

En este disco habéis experimentado más con sintetizadores y con melodías oscuras. ¿Cuál es el concepto musical que habéis desarrollado? ¿Cuál ha sido el punto de inflexión más importante que recordáis de todo el proceso? Hay dos cosas que nos han llevado a este sonido y que no han sido decisiones nuestras per se. La primera es cambiar las baterías por cajas de

¿Cómo se encara un segundo disco después de un debut que ha hecho mucho ruido? Se dice que hay dos vías en estos casos. La primera es ser continuista con tu primer disco e intentar repetirlo y la segunda es intentar evolucionar el sonido de la banda. Y nosotros somos más de la segunda línea. Dicho esto también hemos de reconocer que notamos la presión y que

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hubo dudas y muchos pasos adelante y atrás y medio millón de ataquitos. Sois exponente destacado de la escena alternativa madrileña, concretamente la que nace de Malasaña. ¿Por qué creéis que este barrio es el caldo de cultivo perfecto para que se forje este sonido que os define? Creo que es más una cuestión histórica y del hecho de que en Malasaña están todos los bares que ponen la música que nos gusta. El barrio está cambiando a pasos agigantados, tanto en los precios del alquiler como en el tipo de establecimientos que abren. Está cogiendo una línea “cuqui” que no mola nada. Así que muchos de nosotros hemos huido, al menos a vivir, a otros barrios. Si este fuera vuestro último día en la tierra, y tuvierais tiempo de escuchar tres canciones, ¿cuáles serían? Come On Let’s Go de Broadcast, Revival de Deerhunter y Pains de Silk Rhodes El monotema de este número es FORBIDDEN. ¿Qué es lo que nunca haríais en vuestra carrera? Reguetón, trap y demás purria.

Four years have gone since you launched Antropología and now Lázaro is here. The question is a must: in what way does this record suppose a kind of resurrection? There are multiple meanings. Changes on the lineup, a back surgery, an internal crisis, a disc that did not work, etc. So we came to that dichotomy between leave it or fight it. And we fought it. On this album you have experimented more with synthesizers and dark melodies. What is the musical concept that you have developed on the new album? What has been the most important turning point that you remember of the whole process? There are two things that have led us to this sound and that have not been our decisions per se. The first one was changing the batteries for drum machines, and the second one is that we wrote a whole album a year ago which ended up in the trash because we did not feel comfortable about it. So we had a very intense existential crisis back in March and decided to lock ourselves in the rehearsal room and compose only the skeletons of the songs and finish everything inside the studio, hence the final sound. How is it facing a second album after a debut that has made a lot of noise? It is said that there are two options in these cases. The first one is to be a continuist with your first album and try to repeat it, and the second one is to try to evolve the sound of the band. We are more on the second line. That said, we must also recognize that we noticed the pressure, there was uncertainty and many steps back and forth and half a million attacks. You are a leading exponent of the Madrid alternative scene, specifically the one that was born in Malasaña. Why do you think this neighborhood is the perfect breeding ground for this sound that defines you? I think it’s more a historical ques-

Nos flipa el diseño de vuestro nuevo logo y todo el artwork del disco. ¿Cómo se ha gestado y qué declaración de intenciones hay detrás? El diseño como ya es tradición en Trajano! corre a cargo de Lois. La idea partió de que nos empezamos a fijar en portadas de discos de hard rock y heavy metal de los 70 y toda la línea esa satánico/gótica. Nos flipamos fuerte y acabamos con esto que no tiene nada que ver. En cuanto a simbología, la portada, representa el ciclo de resurrección. En sentido horario cada viñeta es: nacimiento, vida, muerte y resurrección. Una curiosidad: ¿por qué la exclamación al final de vuestro nombre? ¿El emperador ha sido malo? No hay emperador bueno. Y nosotros intentamos controlarnos pero nos pica el niki. Lo de la exclamación vino por una tontería que ni recuerdo exactamente, pero sobre todo nos gustaba visualmente. ¿Qué proyectos tenéis ahora que el disco ya está parido? ¿Dónde podremos escucharlo en directo? Sobre todo ya hemos empezado a componer el siguiente disco. A parte de eso la gira de presentación empieza este mes en León y el concierto de presentación en Madrid será en la sala Sol el 6 de abril.

tion and because in Malasaña there are all the bars that play the music that we like. The neighborhood is changing by leaps and bounds, both in rental prices and in the type of establishments that are starting. It is taking a “cute” line that is not cool at all. So many of us have run away, at least to live, to other neighborhoods. If this were your last day on earth, and you had time to listen to three songs, what would they be? Come On Let’s Go (Broadcast), Revival (Deerhunter) and Pains (Silk Rhodes). The topic of this issue is FORBIDDEN. What would you never do in your career? Reggaeton, trap and other rubbish. We go crazy for the design of your new logo and all the album artwork. How has it been conceived and what is the statement behind it? The design, as it is tradition in Trajano!, is run by Lois. The idea was born after looking at the covers of hard rock and heavy metal albums from the 70s and all that satanic / gothic line. We freaked out and we ended up with this that has nothing to do with it. In terms of symbology, the cover represents the resurrection cycle. In clockwise sense, each vignette is: birth, life, death and resurrection. One curiosity: why the exclamation at the end of your name? Has the emperor been mean? There is no good emperor. And we try to control ourselves but we can’t. The exclamation came from a nonsense that I do not even remember, but above all we liked it visually. In what projects are you involved now that the album is already born? Where can we listen to it live? Above all we have already begun to compose the next album. Apart from that, the presentation tour begins this month in León and the presentation concert in Madrid will be in El Sol concert hall on April 6.

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¿Quién eres tú cuando eres tú? Participa en la primera edición del #GinMGlamonoPhotoAwards Tú. Dos letras, una palabra corta, de esas tan mínimas que retumban en el tímpano. Pequeña, pero con un significado enorme, aunque a veces, un tanto difuso. Definir a alguien es difícil, pero la tarea se vuelve aún más ardua cuando se trata de uno mismo. Por eso, lanzamos esta pregunta: ¿quién eres tú cuando eres tú? lamono quiere descubrir quién eres a través de una imagen y un pequeño texto. Así, nace la primera edición de #GinMGlamonophotoawards 2018 para apostar por el talento emergente en fotografía inédita a nivel nacional a través de una convocatoria digital y una gala final en la que 20 finalistas se verán las caras ante un jurado compuesto por miembros de lamono, Gin MG, Fujifilm, Ajuntament de Barcelona y reconocidos fotógrafos como Emilio Chulià o Dilayla Romeo. La dinámica es sencilla: los participantes tienen que subir la foto propuesta a su perfil de IG (es imprescindible tener cuenta en esta red social) junto a una frase o texto breve que explique de qué manera esa imagen los define, añadiendo el hashtag #GinMGlamonophotoawards y taggeando a todos los implicados: @lamonomagazine @ginmg_es @fujifilmxworld_es @barcelona_cat. A continuación, tienen que mandarnos la foto en alta calidad a concursos@lamonomagazine.com con el formulario que encontrarán en las bases, rellenado. Si la foto pasa el primer filtro, será subida a concurso a nuestro IG @GinMGlamonophotoawards y ahí comienza la acción. ¿Los premios? Una cámara Fujifilm para cada una de las tres categorías a concurso y una dotación de 1000€ en primer premio gracias a Gin MG. Y el tercer premio, el del público, se juega totalmente en las redes: el que más likes consiga, gana directamente. Queremos que os olvidéis de filtros, de buenas caras o de cualquier otro artificio: es momento de demostrar quién eres de verdad. No hace falta que sea un autorretrato: puede tratarse de una imagen de otra persona, un instante, un recuerdo, un objeto o algo relacionado con tu profesión. Una imagen vale más que mil palabras y en este caso, definen a todo un ser humano. Participa o vota a través de nuestras redes: queremos verte. 1º PREMIO. Mejor Fotografía 1 cámara FUJIFILM modelo XT20 Óptica XC1650 1.000€ Gentileza de Gin MG 2º PREMIO. Mejor Fotografía + texto. 1 cámara FUJIFILM modelo XA5 Óptica XC15-45mm 3º PREMIO. Elegido por Votación popular Cámara FUJIFILM modelo FinePix XP130

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Convocatoria abierta hasta: 2 de abril Gala final: 17 de abril a las 19.30 La Capella (Hospital, 56) Barcelona Consulta las bases: lamonomagazine.com/photoawards

@GinMGlamonophotoawards @lamonomagazine @ginmg_es @fujifilmxworld_es @barcelona_cat

@BARAGONA

@ARAND_ART

135 @HELENASOLER

@MARIACOMAG

@ALEXANDRUCOSTIN

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@MAGIC.MAYER

@IAMHEASYOUAREHEASYOUAREME

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@OSCARMATT

138 @MONICA_FIGUERAS

@AIDAHADID

@GUIOTJE

Yourself. Two words, one short word, but like these short ones that resound in eardrums. One little word of a great significance, although somewhat diffuse in some occasions. Defining someone is hard, but the task becomes more difficult when it is focused on oneself. For this reason, we ask the question: Who are you when you are being yourself? Lamono wants to discover who you are through a photograph and a short text. This is how the first edition of #GinMGlamonophotoawards 2018 has come into being in order support emerging and unprecedented talent nationwide; It is a digital contest and a final gala in which 20 finalists will go nose to nose with a jury comprised of members of Lamono, Gin MG, Fujifilm, Barcelona City Council and recognised photographers such as Emilio Chulià or Dilayla Romeo. The dynamic is simple: participants are required to upload their photograph to their Instagram profile (therefore, it is essential to have a user account in this social network) along with a short phrase or text explaining the way in which the image defines oneself or others. The hashtag #ginMGlamonophotoawards must also be included with the following tags: @lamonomagazine @ginmg_es @ fujifilmxworld_es @barcelona_cat. The next step is to send the picture, in high quality, to concursos@lamonomagazine.com along with the application form, which can be found in the contest rules, filled in. If the picture succeeds the first part of the screening, it will be uploaded to the contest in our IG @ginMGlamonophotoawards. The prizes? One Fujifilm camera will be awarded to each winner within the three first positions and a grant worth of 1000€ to the first place, courtesy of Gin MG. The public also takes part on this contest as the most liked picture will automatically rank third. We want you to forget about filters, fine faces or any other stratagems: it is the time to show who you really are. The image does not necessarily need to be a self-portrait: it may be about another person, a moment, a memory, an object or something related to your profession. A picture is worth a thousand words and in this case, they define an entire human being. Participate or vote through our social networks: we are willing to see you.

1ST PLACE: THE BEST PHOTOGRAPH 1 FUJIFILM camera model XT20 Optical XC1650 1000€ Courtesy of Gin MG 2ND PLACE: THE BEST PHOTOGRAP AND TEXT 1 FUJIFILM camera, model XA5 Optical XC15-45mm

The call will remain open until: 2nd April Final Gala: 17 de abril. La Capella (Hospital, 56) Barcelona

@GinMGlamonophotoawards @lamonomagazine @ginmg_es @fujifilmxworld_es @barcelona_cat

Bases of the contest: lamonomagazine.com/photoawards

3RD PLACE: CHOSEN BY POPULAR VOTE FUJIFILM camera, model FinePix XP130

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REVIEW / BARCELONA / IMAGINCAFÉ / 16TH FEBRUARY 2018

Nace lamonoNEWSPAPER, el nuevo proyecto de lamono magazine T: ANTONELLA SONZA

El viernes 16 de febrero fue un día grande para nosotros, uno de esos para recordar, por varios motivos. Por un lado, presentábamos nuevo proyecto en papel, nuestra versión de un diario visto a través del prisma de las tendencias y la cultura en general, sin olvidar el arte y los boardsports. Por otro, la presentación en sí: comenzamos desvelando los contenidos de nuestra nueva criatura y con charla sobre “Cómo ser artista hoy en Instagram” en la que contábamos con la presencia de cuatro artistas colaboradores en esta primera edición: la ilustradora y realizadora Lyona, las fotógrafas María Coma y Laura Adán y el filmmaker y diseñador gráfico, Ökand Studio, seguida de la charla sobre Cuba Skate, uno de los reportajes de nuestra redactora Nora Muixí, y la fiesta, en la que el dúo barcelonés Vladimir subió los decibelios, y las ilustradoras Bea Salas y Perrine Honoré dibujaron en directo sketches sobre palabras aleatorias, como en la sección en la que han participado en el diario, Random Thoughts. Todo esto está muy bien, pero lo que realmente hizo que ese día fuera de los que pasan a nuestra particular historia, fue vuestra respuesta. Sí, la de todos los que estáis al otro lado, leyéndonos y atentos a todas nuestras novedades y que en esta ocasión, no habéis faltado a la llamada. Una velada en la que nos vimos superados por las muestras de apoyo en esta nueva aventura que estamos emprendiendo, en unos tiempos que son difíciles para los soñadores y sobre todo, los románticos del papel. Queremos darte las gracias, sí, a ti, el que sigue creyendo en la fuerza de las cosas con alma, el que disfruta de una buena lectura cuando está sentado en el tren, escuchando música y mirando por la ventana. A ti, que estás tomándote un café en tu bar favorito y buscas inspiración. O a ti, que te gusta que te sorprendan, que disfrutas de una buena conversación, y te emocionas con una foto bonita. Y también a todos y cada uno de los nombres que han formado parte de este primer número, a ImaginCafé por poner el increíble espacio a nuestra disposición y a Instax Fujifilm por dejarnos capturar estos momentos a nuestra manera. Aquí comienza nuestra nueva andadura: y esperamos que, al otro lado, sigáis ahí. GRACIAS. Friday, February 16 was a great day for us, one of those we will remember, for several reasons. On the one hand, we presented a new project on paper, our version of a Newspaper seen through the prism of trends and culture in general, without forgetting art and boardsports. On the other hand, the presentation itself: we started the festivities with a presentation in which we unveiled the contents of our new creature and a talk about “How to be an artist today on Instagram” given by four of the artists who collaborated with us in this first issue: the illustrator and director Lyona, the photographers María Coma and Laura Adán, and the filmmaker and graphic designer Ökand Studio. This was followed by another talk about Cuba Skate, one of the reports you will find in the NEWSPAPER by our editor Nora Muixí, and the party, in which the Barcelona duo Vladimir raised the decibels, and the illustrators Bea Salas and Perrine Honoré drew live sketches about random words, as in the section in which they have participated in the Newspaper, called Random Thoughts. That was very good, but what really made that day hold a special place in our particular story, was your response. Yes, the response of all those who are on the other side, reading us and attentive to all our news and that on this occasion, have not missed the call. An evening in which we were overcome by the signs of support for this new adventure that we are undertaking, in a time that is difficult for dreamers and above all, for paper romantics. We want to thank you, yes, you, that you still believe in the strength of things that have a soul, that you enjoy a good reading when sitting on the train, listening to music and looking through the window. To you, that you are having a coffee in your favorite bar and you are looking for inspiration. Or you, that you like to be surprised, that you enjoy a good conversation, and you get excited with a pretty picture. And also, to each and every one of the names that have been part of this first issue, to ImaginCafé for putting their incredible space at our disposal and to Instax Fujifilm for allowing us to capture these moments in our own way. Here begins our new journey: and we hope that, on the other side, you will continue to be by our side. THANK YOU. Consulta todos nuestros puntos de distribución en Barcelona y Madrid: Check all our distribution spots in Barcelona and Madrid: lamonomagazine.com/lamononewspaper

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REVIEW / MADRID / 22TH MARCH 2018

Arte con Punch de Ponche Caballero desvela su ganador T: ANTONELLA SONZA

Tres corrientes artísticas, seis finalistas y una batalla final alrededor de una botella plateada. Parece el argumento de una película de Tarantino, pero la cosa es un poco más terrenal: el pasado 22 de marzo estuvimos en Madrid en la final de la convocatoria artística Arte Con Punch de Ponche Caballero. Desde febrero, se abrió el plazo para que artistas emergentes de toda España mandasen su portfolio y eligiesen entre cubismo, surrealismo y minimalismo para participar por ganar una residencia de 25 días en el espacio [ES] POSITIVO junto a otros artistas residentes internacionales, y así empaparse de aprendizaje, experiencia y networking. Después de haber recibido hasta 50 candidaturas, solo seis, dos por corriente, fueron las elegidas para jugársela con sus mejor arma: la creación. Así, los artistas pintaron, previo a la final, su reinterpretación de la botella en la corriente elegida y así convencer al jurado, compuesto por Ivan Cicchetti, curador y director del [ES]POSITIVO, el artista madrileño An Wei (que presentó su pintura Still Punch durante el evento) y Ponche Caballero. Las seis propuestas eran totalmente distintas la una de la otra, y es que, cómo nos dijo An Wei, una de las variables que más iba a valorar el jurado son las historias únicas, el resultado de esa mirada hacia dentro de nosotros mismos. Los finalistas se dejaron la piel sobre el lienzo usando técnicas como el collage o dibujar sobre lienzo plateado, e inspirándose en el reflejo en la botella o en las historias con secretos. Finalmente, el artista Taquen que participaba con una obra minimalista, fue proclamado ganador. Desde aquí, le deseamos mucha suerte y aplaudimos iniciativas como ésta que impulsan el arte de los jóvenes creadores que tienen mucho que decir. Porque como nos dijo An Wei, el propósito del arte es generar pensamiento, y apoyar el arte joven es incentivar a que esta generación sean parte activa del futuro del arte. Hasta el año que viene, artistas. Three artistic currents of History of Art, six finalists and a final art battle around a silver bottle. Looks like the script of a Tarantino movie, but it’s reality in its best: on March 22 we went to Madrid to be present at the final event of the artistic call Arte Con Punch by Ponche Caballero. Since February, the call was open to receive the portfolios of emerging artists from all over Spain with only one requirement: to choose between cubism, surrealism and minimalism, the three artistic currents connected with Ponche Caballero’s story. ¿The prize? A 25-day residency in the gallery [ES] POSITIVO to be in touch with other international artists that have a residency there. The final goal is to keep learning about how to make it in the art business, to have advice from the experience of those artists and, also, networking. After having received up to 50 candidatures, only six, two per current, were chosen to face the final challenge with their best weapon: creation. The artists painted one artwork with their reinterpretation of the bottle in the current they’ve chosen, prior to the final. With this final effort, they had to convince the jury to win, composed by Ivan Cicchetti, curator and director of the [ES] POSITIVO, the artist An Wei (who presented his painting Still Punch during the event) and Ponche Caballero. The six proposals were totally different from each other, and just like An Wei told us, one of the variables that the jury would most value is the unique stories that they would see in the artworks, the result of looking inside ourselves. The finalists did their best on their canvases using techniques such as collage or drawing on silver canvas, also inspired by the reflection in the silver bottle of Ponche Caballero. Finally, the young artist Taquen, who participated with a minimalist work, was proclaimed the winner of the contest. We wish him good luck and we truly applaud initiatives like this that motivates the creation of young artists who still have a lot to say. Because, as An Wei told us, the purpose of art is to promote thinking, and to support young art is to encourage this generation to be an active part of the future. See you next year, artists.

www.instagram.com/ponchecaballero www.instagram.com/taquen 144

#116 · FORBIDDEN · SPRING - SUMMER - 2018 DIRECTOR Eva Villazala eva@lamonomagazine.com ASSOCIATE DIRECTOR Julio Amores julio@lamonomagazine.com ART & DESIGN Josep M. Sicart siki@lamonomagazine.com · www.sickart.net REDACTORS Antonella Sonza antonella@lamonomagazine.com TRANSLATION Inés Diaz CONTRIBUTORS REDACTORS Eva Villazala + Antonella Sonza + Vicky Navarro + Raúl Garrigos Víctor Balcells + Vic Vanella + Legi Alonso + Inés Diaz

PHOTOGRAPHERS Raúl Ruz + Bárbara Balcells Mata + Sergio Amoedo + Tiago Almança + José Alberto Prieto

CMY

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David Egan