Lamono #94 LOVERS / HATERS by lamono magazine

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LOVERSHATERS By

Alex Knost

PH: EVA VILLAZALA

“Los sentimientos extremos son comunes en los seres humanos, amamos con pasión y odiamos con la misma obsesión. Sin que haya una fuerte resistencia o contraste hacia los deseos o reconocimientos, es fácil para los individuos, culturas o comunidades no tomar en cuenta la pasión propia o el respeto a la de otros cuando se trata de algo que aman. Las cosas que yo más amo son la compasión, la inspiración y la emoción. Odio los celos y la ignorancia, se contagian y viven dentro de todos nosotros”. “Extreme feelings are usual in Human being, we love with passion and we hate with the same obsession. Without the strong opposition or contrast towards wants, desires or appreciation, it’s easier for individuals, cultures, or communities to disregard or dilute ones self passion or appreciation for another’s passion in regards to something they “love”. Things that I love more are compassion, inspiration, excitement. I hate jealousy, and ignorance, it’s contagious and lives in all of us”.

AMANTES INFECTADOS TX: ALEJANDRO CINQUE TR: JUANJO BERMÚDEZ DE CASTRO PH. CHERYL DUNN – WWW.CHERYLDUNN.NET

No hay amantes sin odio al igual que no existen soñadores sin suicidio. El amor es una navaja con hoja de doble filo: o hieres o te hieren. Un filo escondido como en la escultura de Juan Muñoz en cuyo Pasamanos te puedes dejar resbalar apaciblemente sin atender a la inesperada cuchilla oculta entre los raíles. Amor como arma que raja y desangra. Del amor y otros demonios titulaba García Márquez. No andaba muy desencaminado al relacionar el amor con el luzbel de cada uno. Éxtasis de Santa Teresa al que se alcanza con la contemplación divina y el averno resguardado dentro. El amor como una posesión diabólica de la que nadie quiere ser exorcizado. Segregaciones en vómito, sonidos guturales y sacudidas del lecho. El amor no es limpio, ni casto, ni puro. Sino que está compuesto por glándulas pasionales que vierten todo su contenido en el interior del otro. El amor es intercambio de fluidos: querer tragar lo que ha masticado el otro. Retortijones, pinchazos y arcadas que te hacen querer morir. Morir o vivir con odio tatuado a pelo. A-M-O-R y O-D-I-O inyectado old school stlyle con tinta oxidada en cada nudillo. Porque el amor no es más que eso, un puñetazo inesperado del único al que se lo consentirías de nuevo y que te deja grabado en el ojo cromatismos púrpuras directos del corazón. Amante. Y no hay mayor aversión que la que se siente por aquellos amantes públicos cuando uno está despechado. Odiarte. El amor es una lucha de titanes. Una batalla para la conquista de un continente extranjero. Amour, como describió Haneke, es ser capaz de matar al amado. El amor es la única enfermedad de la que la turba desea ser contagiado. Amor en vena que mata defensas. Amor en cada penetración de violaciones consentidas. Amor sudado, odio eyaculado. Amor coagulado, odio empastillado en cápsulas eviplera…

Y ES QUE EL AMOR Y EL ODIO, SON TRÁMITES RUTINARIOS DE LOS AMANTES INFECTADOS. There are no lovers without hate, just as there are no dreamers without suicide. Love is a doubled-edged sword: you either hurt or are hurt. It has a hidden blade as Juan Muñoz’s sculpture Banister, which invites you to let yourself drop and slide peacefully without noticing the unexpected secret razor between the rails. Love is a weapon that slashes you and makes you bleed to death. Of Love and Other Demons, García Marquez wrote. He was on the right track when he identified love with each one’s Lucifer. Ecstasy of Saint Teresa that one reaches by divine contemplation but also by keeping your own hell inside. Love is like a demonic possession of which nobody wants to be exorcized. Throwing secretions up, making guttural sounds and making beds shake. Love is not clean, nor chaste or pure. It’s made of passionate glands that pour all their content into the other’s body. Love means exchanging fluids: wanting to swallow what the other chewed. Stomach cramps, stabbing pain and heaves that make you wish to die. Or live with hate tattooed on you fully awake. L-O-V-E and H-A-T-E injected with rusty ink on each knuckle in old school style. Because love is nothing else but that, an unexpected punch from the only one who you would allow to do it again and again, and who marks your eye deeply with a purple chromatic scale that gets straight to your heart. Lover. There’s no more loathing and resentment as when you by chance meet those public ex-lovers who merciless broke your heart. Hater. Love is a titanic fight, a battle to conquer a foreign continent. Amour, as Haneke described, is being able to kill the loved one. Love is the only sickness with which ordinary people wish to be infected. Love running though your veins and killing your defences. Love in each penetration, in each consented rape. Sweating love, ejaculated hate. Coagulated love, hate high on pills.

BECAUSE LOVE AND HATE ARE JUST THE INFECTED LOVERS’ DAILY ROUTINE.

TED

D PUSHINSKY TEDPUSHINSKY.COM

ÉL LA AMABA CON TODO SU CORAZÓN Y ELLA LO ODIABA POR ESO; ELLA AMABA LA LIBERTAD DE UN FUTURO INDEFINIDO, Y ÉL ODIABA ESO DE ELLA PORQUE ÉL ERA UN HOMBRE PRÁCTICO. T.P.

HE LOVED HER WITH ALL HIS HEART AND SHE HATED HIM FOR IT; SHE LOVED THE FREEDOM OF AN INDEFINITE FUTURE, AND HE HATED THAT ABOUT HER BECAUSE HE WAS A PRACTICAL MAN. T.P.

ABSURDITY OF THE HUMAN CONDITION

The

David Foldvari

T: MARÍA LUJAN TORRALBA

Placer y tormento. Gozo y repulsión. Seducción y repelo. Son todas caras de la misma moneda. Así como una serpiente que cautiva con su enigmática belleza pero también intimida con su inevitable mordida mortal. Es que pareciera que todos llevamos un masoquista dentro. Un espíritu que juega con la dualidad de las cosas y nos encanta. Y si hay alguien que sabe de opuestos, de significados y significantes, ese es el ilustrador David Foldvari. El artista nació en una Budapest comunista que lo influenció tanto como su mudanza a Londres doce años más tarde. Su entorno y el contraste de realidades fueron el fundamento para que hoy su exquisito trabajo sea un referente de la ilustración gótica, satírica y de humor negro. Retratos de las figuras más importantes del poder, reconocidos personajes de la cultura popular y seres perturbados son los protagonistas de un material que traspasa las fronteras. Lovers/haters que paradójicamente existen porque el otro existe. Pleasure and torment. Joy and revulsion. Seduction and disgust. These are two sides of the same coin. Just like a snake that fascinates with its enigmatic beauty and at the same time intimidates with its inevitable deadly bite. It seems that we are all carrying a masochist inside. A spirit we love, that plays with duality. And if there is someone that knows about opposites and meanings and signifiers, it is illustrator David Foldvari. The artist was born in the communist Budapest, something as influential to his work as moving to London twelve years later. His environment and the contrasting realities were the foundation for making his exquisite work a reference of gothic, satirical and black humor illustration, today. Pictures of very influential and powerful people, recognized icons of pop culture and disturbed beings are the main characters of his groundbreaking material. Lovers / haters that paradoxically exist together.

Ojos alienados y miles de ojos en los rostros retratados. ¿Qué transmiten esas miradas? ¿Qué esconden?

Cuanto más veas y de cuanta más información estés alimentado, las cosas se vuelven más difíciles y resulta más complicado trabajar sobre lo que es correcto y lo que es incorrecto. Esas imágenes reflejan la imposibilidad de tratar de formarte una opinión y de encontrarle sentido al mundo alrededor tuyo, a pesar de la posibilidad de ver mucho más que antes. Esos ojos también se refieren al proceso de mirar, a la necesidad de observar siempre, que es algo que he tenido que hacer cuando era niño con el fin de integrarme con mi entorno, y es algo que aún tengo que hacer. El peligro es que uno se convierte en nada más que un contenedor lleno de observaciones y se hace difícil encontrar quién eres en realidad debajo de todo eso, que acaba por convertirse en una colección de impresiones y reflejos. Dando por sentado que tu trabajo es una referencia a la contracultura y la crítica social, ¿de qué manera puede el arte de transformar?

Esa es una pregunta difícil. La capacidad del arte para transformar ha cambiado mucho con los años. La simple imagen se ha convertido en mucho menos poderosa porque nuestras vidas han estado sobresaturadas de imágenes en los últimos tiempos. Así pues, en el sentido tradicional, el poder persuasivo de arte ha disminuido en gran medida. En cuanto a la forma en que se relaciona con lo que hago, mis ilustraciones no están necesariamente buscando una transformación, sino que son reacciones, observaciones o exploraciones de ideas. En mi obra hago referencia a la contracultura porque crecí en una época que las subculturas eran una parte muy importante de nosotros mismos. ¿Qué es el poder? ¿Qué te inspira de los líderes políticos a la hora de crear?

Por lo que puedo ver, el mayor problema es que la ocupación del poder sólo atrae a los psicópatas y megalomaníacos. Por lo tanto, las personas que votamos son peligrosas y psicológicamente inestables. Es el absurdo y la naturaleza paradójica del liderazgo y el poder. Es por eso que es divertido crear retratos de las figuras de gran alcance y hacerlos parecer tontos haciendo alguna niñería, o hacerlos parecer

muertos con los ojos dados vuelta, o ponerles cuernos en la cabeza, por ejemplo. ¿Puedes decir tres palabras que describan a la sociedad contemporánea?

Ansiedad, confusión, carnívoros. ¿El mundo está perdido? ¿Qué podría salvarlo?

El mundo no se ha perdido, pero no se ve muy bien para los seres humanos. No sé qué podría salvarlo, yo sólo soy un ilustrador. No creo que nadie lo sepa y ésa es probablemente la raíz del problema. Creemos que hay personas con las respuestas por ahí, pero no hay respuestas reales. En última instancia, creo que nuestros problemas se han vuelto demasiado complejos para nuestra capacidad de resolverlos. En nuestra búsqueda de conocimiento sólo hemos establecido que entendemos cada vez menos del mundo que nos rodea. La ironía, el humor negro, la sátira. ¿Por qué te focalizas en estos temas? ¿Qué te llevó a elegir este estilo?

No tomé la decisión consciente de trabajar así, simplemente sucedió en el tiempo y fue lo que sentí correcto. Realmente viene de la necesidad de hablar de las cosas que me molestan. Las cosas con las que me siento bien y las cosas que me hacen feliz son fáciles de digerir. No necesito discutirlas o explorarlas. ¿Qué aporta el color en tu obra?

La mayoría de las veces me gusta trabajar de una manera lineal y lo más rápidamente posible, por lo que el color me parece superfluo la mayor parte del tiempo. También, utilizo poco color porque es parte del lenguaje del comic y de los dibujos animados que han sido muy importantes en mi infancia. El color rojo tiene una connotación política y social, ¿qué significa para ti?

En cuanto a mi material editorial, lo uso para señalar un punto, o para llamar la atención de un determinado aspecto de la imagen. A veces es una cosa que está en contraste con el resto, otras veces es algo que ayuda a contextualizar la imagen. A veces es sólo para decir algo estúpido.

“NUESTROS PROBLEMAS

SE HAN VUELTO DEMASIADO COMPLEJOS PARA NUESTRA CAPACIDAD DE RESOLVERLOS

”

En esta edición, el monotema es Lovers/Haters, ¿quiénes son tus lovers y haters favoritos?

¿Qué opinas de alguien como Kurt Vonnegut? Él tenía un gran amor por la humanidad y en sus libros demostró lo absurdo y la naturaleza paradójica de tratar de ser un buen ser humano. ¿Lo llamaría un lover? Probablemente lo haría. En cuanto a los haters, sólo odian porque no han conocido el amor. ¿Ante qué o quién te comportas como un lover? ¿y ante qué o quién como un hater?

Odio a todo el mundo antes de que llenarme por completo de cafeína por la mañana. Después de eso, mi trabajo se hace cargo de todo el odio, por lo que no suelo aplicarlo con nada ni nadie. ¿Cuáles son tus influencias artísticas?

En este momento, Charles Keeping, Kathe Kollwitz, Otto Dix, George Grosz, viejas ediciones de 2000AD y la cultura underground de Londres de mediados y finales de los 80. También, los libros de Kurt Vonnegut y Paul Auster, pero mucha de la inspiración no necesariamente proviene del trabajo de otro, sino de sólo ver algo al azar. Por ejemplo, el otro día tomé una foto de un montón de papeles en mi piso y esto comenzó toda una línea de pensamiento que ahora estoy tratando de convertir en algo tangible.

ritmo es un problema para mí porque me encantan las melodías y jugar con ellas, pero encuentro a los solos realmente muy aburridos de escuchar y no puedo soportar el sonido de los saxofones, me vuelven loco. Además, yo tampoco soy lo suficientemente buen bajista para romper en un solo de jazz. Así que tengo una cosa de lover/hater con el jazz. ¿Cómo se puede apreciar la evolución de su trabajo a lo largo del tiempo?

El trabajo tiene que evolucionar y cambiar con el tiempo, de lo contrario, simplemente muere. Mantener flexible mi forma de trabajo es una de las cosas más importantes para mí en este momento. He estado haciendo esto durante unos 15 años, es un tiempo muy largo por eso la flexibilidad es una gran prioridad. Hubo un tiempo, hace unos años, cuando la gente descubrió por primera vez mis obras y todo el mundo estaba de repente interesado en lo que hacía, que era increíble y muy halagador. Sin embargo, cuando esto sucedió, inevitablemente resultó que muchos trataban de copiarme y comencé a ver surgir algunas copias de mi trabajo muy malas, que, a veces, hacían que se devaluara mi propia obra. Le pasa a muchos de los ilustradores. Por este motivo, desde entonces he reducido las publicaciones de mis trabajos, tengo una presencia online relativamente mínima y sólo subo el material que más me gusta.

¿Qué música guía tu creatividad?

Hoy en día, escucho variado, me enferma escuchar las mismas cosas todo el tiempo. Me encantan los nuevos productores Minimal Drum and Bass, Clarity & Overlook, Stray, Doc Scott´s Futurebeats podcasts y su sello 31 Records. Pero en un plano totalmente diferente, también amo a Mike Watt y su programa de radio, así como sus álbumes solistas y sus trabajos con Il Sogno Del Marinaio y el material antiguo que hizo con Firehose. También, otra cosa muy distinta a esto que me gusta es Kurt Vile y su nuevo disco, así como también, Speedy Ortiz, creo es una gran banda nueva. Yo toco el bajo, así que disfruto mucho del funk antiguo de los años 70 y del jazz. Este

¿Qué mensaje quieres transmitir con tu arte?

No tengo un mensaje general. Uso mi trabajo para hablar de las cosas que me interesan o me preocupan. Eso es todo realmente. ¿Cuáles son tus proyectos para el futuro?

Tengo que reconstruir mi sitio web pero estoy demasiado ocupado como para dedicar tiempo a eso ahora. Estoy trabajando en algo nuevo y emocionante para Tower of London, que comenzará próximamente en el 2014. También, estoy trabajando con la imagen en movimiento, que vendrá un poco más tarde.

Alienated stares and faces with thousands of eyes. What do they transmit? What are they hiding?

The more you see and the more information you feed on, things become more difficult and it becomes impossible to know what’s right from wrong. These images reflect the difficulties of trying to form an opinion and making sense of the world around us, despite our possibilities to see more than before. Those eyes are also about the process of looking, of always having to observe, which is something I had to do as a child in order to blend in with my surroundings, and which is something I still have to do now. The danger is that you can become a container full of observations making difficult to find who you actually are underneath all that, you just become a collection of impressions and reflections. Assuming that your work is a reference to counterculture and social criticism, in what way can art be transformational?

That is a difficult question. Art’s ability to t ransform has changed a great deal over the years. The singular image has become far less powerful because our lives are oversaturated with images today. So in the traditional sense, the persuasive power of art has diminished greatly. In terms of how that relates to what I do, I don’t necessarily make images looking for transformation, they just are responses, observations or explorations of ideas. I reference counterculture because I grew up at a time when subcultures were a very important part of who we were. From your point of view, what is the power? What inspires you about political leaders in your creations?

As far as I can see, the biggest problem is that the pursuit of power only appeals to psychopaths and megalomaniacs. So the people we vote into power are dangerous and psychologically unstable. It is the absurdity and paradoxical nature of leadership and power. That is why it is funny to create an image of a powerful figure, make it look stupid by doing something idiotic, make it seem

dead behind the eyes, put horns on its head, or something like that. Can you say three words that describe contemporary society?

Anxious, confused, carnivorous Is the world lost? What could save it?

The world is not lost, but it doesn’t look so good for humans. I don’t know what could save it, I’m just an illustrator. I don’t think anyone knows and that is probably the root of the problem. We think there are people out there with answers, but no one has a real answer. Ultimately, I think our problems have become too complex for us to be able to solve them. Our pursuit for knowledge has only shown us that over time, we understand less and less of the world around us. Irony, black humor, satire. Why do you focus on these subjects? What led you to choose this style?

I made no conscious decision to work like this, it just happened over time and it was what felt right. It really comes from the need to talk about things that bother me. I don’t feel the need to discuss or explore things that I feel good about or things that make me happy, they are easy to digest. What does the color give to your work?

I mostly like to work in a linear way and as quickly as possible, so a lot of the time, I find color unnecessary. I don’t use it that much because it’s part of a language of comic books and cartoons, which was a big part of my childhood. The color red has a political and social connotation, what does it mean to you?

As far as my editorial material goes, I use it to make a point or to bring attention to a certain aspect of an image. Sometimes, it is something that contrasts the rest of the

“OUR PROBLEMS HAVE BECOME TOO COMPLEX FOR US TO BE ABLE TO RESOLVE THEM

”

image; other times, it is something that helps bring context to the image. Sometimes, it is just to say something stupid. This edition’s central topic is “Lovers/Haters”. Who are your favorite lovers and haters?

What do you make of someone like Kurt Vonnegut? He had a love for humanity, and his books showed the absurdity and paradoxical nature of trying to be a good person. Would you call him a lover? I probably would. As for haters, they only hate because they have never known love. Who or what makes you be a lover? And who or what a hater?

I hate everyone before I have had my fill of caffeine in the morning. After that, my work takes care of all the hate, so I don’t usually take it out on anyone or anything else. Who are your artistic influences?

Right now, Charles Keeping, Kathe Kollwitz, Otto Dix, George Grosz, old issues of 2000AD, the London underground culture of the mid to late 80s, the books of Kurt Vonnegut and Paul Auster. A lot of the time inspiration doesn’t come necessarily from someone else’s work, but from just randomly seeing something. For example, the other day I took a photo of a pile of paper on my floor, and that started a whole line of thought which I’m now trying to turn into something.

Also Speedy Ortiz, they are a great new band. I play bass so I also love old funk from the 70’s, and some jazz. Jazz is problematic for me because I love the melodies, and I love playing along to it, but I really find that solos are boring to listen to, and I can’t stand the sound of saxophones, they drive me crazy. Also I am not a good enough bass player to break into a jazz solo either. So I have a love / hate thing going on with that actually. How can the evolution of your work be appreciated over time?

Work has to evolve and change over time, otherwise it just dies. Keeping my way of working flexible is one of the most important things to me at the moment. I have been doing this for about 15 years now, it is a very long time so flexibility in what I do is a big priority. There was a time a few years ago when people first discovered my stuff and everyone was suddenly interested in what I did, and al first it was amazing and very flattering, but when that happens, it also invariably results in everybody trying to copy what you do, and you start seeing some really bad copies of your work pop up, which in turn makes you devalue your own work. It happens to a lot of illustrators. But since then, I have been a bit less public about my work. I have a relatively small online presence and I only put stuff online that I really love. What message do you want to convey with your art?

What music guides your creativity?

These days it is all about variety, I am no longer a musical purist, I get sick of hearing the same things all the time. I love the minimalist new drum & bass producers, Clarity & Overlook, Stray, Doc Scott’s Futurebeats podcasts and his label 31 Records. But then on a totally different note, I also love Mike Watt and his radio show, as well as his solo albums and his stuff with Il Sogno Del Marinaio, and the old stuff he did with Firehose. Again something very different from that, Kurt Vile and his new album is great.

I don’t have an overall message. I use my work to talk about the things that interest me or worry me, and that is all, really. What are your projects for future?

I have to rebuild my website, but I’m too busy to set time aside for it right now. I am working on something new and exciting for the Tower of London, that is starting sometime in 2014. I am also working on some moving image work, which will come a bit later.

La línea del destino de este chico procedente de Nueva Jersey estuvo clara desde que se hizo patente su furia innata, su ausencia de miedo y su talento natural para clavar trucos. Esa especie de alma infantil con el empuje de la obstinación es la que ha llevado a Ishod Wair a proclamarse Mejor Skater del Año por la revista Thrasher. Ishod es uno de los protagonistas indiscutibles del esperado lanzamiento del film Nike SB Chronicles vol. 2. Hablamos con él en una carismática destilería a las afueras de Paris, donde atiende a los medios que Nike SB ha invitado para asistir de forma exclusiva a la première mundial de la cinta. Está emocionado pero tranquilo. Ni la velocidad vertiginosa que está adquiriendo su carrera, ni la fama, ni el hecho de que, junto a Justin Brock, sea esa tarde el centro de todas las miradas, lo hacen inmutarse lo más mínimo. Él ya sabía que sería así. Lo supo desde el primer momento que su subió a un patín. Por eso no siente presión ni miedo, es un tipo seguro. From the moment this guy from New Jersey made his innate rage, fearlessness and natural talent for nailing tricks evident, his fate was clear. It was his childish soul combined with the drive of his stubornness that led Ishod Wair to be named Best Skater of the Year by Thrasher Magazine. Ishod holds one of the undisputed starring roles in the very anticipated release of the Nike SB Chronicles film vol. 2. We talked to him in a charming distillery in the outskirts of Paris where he was responding to the media invited to the premiere by Nike SB. He is excited but keeping it cool. Neither the breakneck speed of his career, nor fame, or the fact that, later that afternoon, he and Justin Brock will be the center of attention make him nervous in the least. He knew it would be like this. He knew it from the first moment he jumped onto the skateboard. That makes him feel zero pressure or fear, he is a confident guy.

Ishod Wair

Status Natural T: ANTONELLA SONZA Y EVA VILLAZALA PH: EVA VILLAZALA

Cuando reúnes en un mismo film a tantos riders del mismo equipo, está claro que la experiencia va a ser inolvidable. Junto a Ishod, en el Chronicles vol. 2 patinan Donovon Piscopo, Luan de Oliveira, Theotis Beasley, Justin Brock, Daryl Angel y Shane O’neill. “Fue toda una experiencia, estuvimos grabando durante dos años increíbles. Estoy muy orgulloso de haber participado junto a mis compañeros y aún me cuesta creer que todo haya acabado”. El video es la segunda parte de una saga de tres, que tendrá como protagonistas a los riders del extenso equipo de Nike SB. Los skaters se han empleado a fondo para sacarse de la manga trucos casi imposibles que dejarán con la boca abierta a amateurs y a pros. Pero en cuanto al mejor truco de esta parte, Ishod Wair lo tiene claro, y, modestamente, no se señala a sí mismo. “Sin duda, el highlight del video es el truco de Shane (O’Neill). Hizo un halfcab crook nollie backside flip, en el que justamente yo estaba presente, y lo hizo tan perfecto que nos dejó impresionados”. Para Ishod Wair, el skateboarding lo es todo en su vida. A parte de un deporte que practica con pasión, le ha puesto en bandeja un sinfín de nuevas experiencias que disfruta día a día, como viajar por el mundo, practicando en spots diferentes y, sobre todo, conociendo a gente nueva. En Europa tiene dos preferencias claras. “Copenhagen y Barcelona son ciudades con sitios geniales para patinar. A parte de eso, hay muchas chicas moviéndose en el ambiente skater y puedes conseguir cerveza en cualquier lado a todas horas”. Ser proclamado el mejor skater del mundo de este año, literalmente, puede cargar sobre tus espaldas una gran responsabilidad. Pero cuando hablamos del tema, parece bastante convincente al decirnos que la presión no le afecta. “La gente pensará lo que quiera, y el vídeo saldrá igual, así que ¿para qué preocuparse? Me siento muy afortunado por haber llegado hasta aquí, lo que más me impresiona es ver a mi madre tan orgullosa”. Pro desde 2011, el rider nacido en Nueva Jersey ha protagonizado un ascenso meteórico, siendo éste el año en el que ha escrito su nombre entre los grandes. Pero, ¿ha sido un camino duro? “Empecé a patinar a los 8 años. Creo que no ha sido difícil llegar hasta aquí porque nunca he tenido ninguna expectativa. De pequeño solamente soñaba con poder patinar siempre, no imaginaba que una tabla llevaría mi nombre. Ahora vivo de esto y es como cumplir un sueño”. Está claro que Ishod Wair está en lo más alto, pero no ha tocado techo: en la historia de este rider aún queda mucho por contar.

When you get together on the same video as many riders of the same team, it is something clear that the experience will be unforgettable. Beside Ishod, in Chronicles vol. 2 join him in action the skaters Donovon Piscopo, Luan Oliveira, Theotis Beasley, Justin Brock, Daryl Angel and Shane O’neill. “It was a great experience, we were recording for two amazing years. I am very proud to be part of this with my teammates and I can’t believe it’s over.” The video is the second part of a series of three, which will feature the extensive team of riders from Nike SB. The skaters have managed to do some almost impossible tricks that will leave you with blow your mind, no matter if you are an amateur or a pro. But when we ask him to mark his favorite trick in the film, Ishod Wair is very clear, and, modestly, not points to himself. “The highlight of the video is the trick of Shane (O’Neill ), no doubt. He did a halfcab crook nollie backside flip just in front of me, and he did it so perfect, it was amazing.” To Ishod Wair, skating is and means everything in his life. Besides a sport and a passion, skateboarding has given him the chance to enjoy countless new experiences every day, like traveling the world, to skate in different spots and above all, meeting new people. And as for new spots in Europe, he has two clear preferences. “Copenhagen and Barcelona are two cities with great spots to skate. Other than that, there are so many mad girls and you can get beer anywhere all the time”. To be picked the best skater in the world this year, literally, can put some heavy load on your shoulders as a great responsibility. But when we speak about it, he seems pretty convincing telling us that the pressure doesn’t affect him. “People will think what they want to, and the video will come out either way, so why bother? I feel truly blessed to have come this far, but what me happy the most is seeing my mother so proud of me.” Pro skater since 2011, the New Jersey -born rider has starred in a meteoric rise, being 2013 the year in which he has written his name among the gods of skateboarding. But, it was hard to get there? “I started skating at age 8. I think it has not been difficult to get here because I never had any expectations. When I was a kid I always dreamed about it, but never imagined that a table would have my name on it. Now I make a living from the skate, is like a dream come true.” Ishod Wair is now on top, but has not peaked yet: in the history of this rider is still much to tell.

Cleon

PETERSON T: LORENA PEDRE

Es uno de los grandes nombres del mundo del graffiti, de los artistas más cotizados de Los Ángeles y asiduo colaborador de Shepard Fairey. Su obra posee una fuerza visual que no deja indiferente a nadie. Y es que su base narrativa tiene la barbarie como protagonista absoluta. Su imaginario está lleno de personajes crueles, que no entienden de reglas ni de ética. Ocupan un mundo sin ley donde la fuerza bruta domina y los débiles son atormentados ferozmente. Un mundo lleno de ansiedad, corrupción y ferocidad salvaje, en el que el castigo, la brutalidad y la maldad son el status quo. La desviación es algo natural y la persona desplazada se ve obligada a navegar sola, encontrando trozos de placer y significado en la violencia, el sexo, la religión y las drogas. Una obra completamente salvaje que tiene como trasfondo la denuncia de la locura y la sinrazón del ser humano en una sociedad contemporánea en la que la lucha entre el poder y la sumisión se ha convertido en una constante. It’s one of the biggest names of the graffiti’s world , one of the most sought after artists in Los Angeles and one of the regular collaborators of Shepard Fairey . His work has a visual power that leaves anybody unmoved. Its narrative base has the absolute barbarism as protagonist . His imagination is full of cruel characters, who ignore rules or ethics . They occupy a lawless world dominated by brute force and the weak are fiercely tormented . A world full of anxiety, corruption and wild ferocity in which punishment , brutality and evil are the status quo. Deviation is natural and the displaced person is forced to sail alone , finding pleasure and meaning in violence, sex , religion and drugs. A completely wild work in which its background is a protest of madness and injustice of the human being in contemporary society in which the struggle between power and submission has become constant.

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Has hablado de momentos en tu vida en los que te has sentido oprimido e impotente, pero has sido capaz de salir adelante y alcanzar el éxito. ¿Qué te enseñó aquel periodo?

En el pasado me encontré en esa posición debido a la adicción a las drogas y por no tener recursos. Cuando era adicto fui juzgado, encarcelado y terminé sintiéndome como si estuviera en la parte más baja de la sociedad. Cuando dejé de consumir, decidí que iba a apresurarme en hacer las cosas que realmente me interesaban en la vida, sin temor a las consecuencias o a ser juzgado. Así que he continuado viviendo mi vida de esa manera, haciendo lo que quiero hacer, presionándome como un drogadicto para conseguir lo que quiero. Ahora puedo hacerlo sin que se destruya todo el mundo a mi alrededor. Trabajo duro, sigo mis instintos y por eso soy feliz y exitoso. ¿Crees que los seres humanos somos violentos por naturaleza?

Creo que los seres humanos somos cariñosos y violentos por naturaleza. Creo que las situaciones externas pueden empujar a la gente a hacer cosas desesperadas. También creo que hay gente mala por ahí que vive sin empatía. En tu obra la desviación es la norma general, ¿piensas que en el mundo real también debería ser así?

Creo que hay aspectos negativos y positivos en la desviación. Puede conducir a la delincuencia, la cual puede inducir a un cambio político, que puede derivar en un cambio social, que se traduce en innovación y que puede originar creatividad. Lo más importante es que la gente sea consciente de sí misma y que no se ajusten a las normas ajenas de lo que realmente les interesa. Tu ordenada puesta en escena y el equilibrio de la distribución de espacio contrastan con el mundo caótico que representas. ¿Cómo te ayuda eso?

De hecho veo un equilibrio y una estructura en la brutalidad, la opresión y la violencia. Es un aspecto de nuestra sociedad que siempre está ahí, en la parte trasera de nuestras mentes. Formalmente siempre he apreciado el equilibrio, por eso crear imágenes de esta manera es natural para mí. En tu universo los infractores de la ley y las fuerzas del orden son iguales, y la ética se ha abandonado a favor del derecho personal. ¿Es todo ello una especie de venganza frente a lo que sucede realmente en la vida?

En el trabajo que estoy tratando de llevar a cabo las personas que tienen poder en la sociedad son a menudo corruptas y responden a sus propios intereses. Y es en esa posición en la que no siempre son benevolentes, ni miran hacia afuera velando por el interés de la gente de abajo.

En tu visión apocalíptica nadie tiene salvación. ¿Absolutamente ninguna persona se la merece?

Cierto, nadie encuentra salvación en mi arte. Todo es cuestión de lucha, dificultades y crisis existencial y social. Tal vez sí que haya un poco de salvación por ahí tirada, pero siempre es temporal, nunca dura. ¿Por qué el único salvoconducto que encuentran tus personajes atormentados son la violencia, el sexo y las drogas? Teniendo en cuenta tu experiencia, ¿crees que en la vida sucede lo mismo?

Creo que la vida está llena de buenos y malos. Mis pinturas se centran en la parte oscura de nuestra naturaleza humana, esas partes que ignoramos y que nos reprimen. Tal vez en el futuro cree una serie centrada en nuestra parte buena para equilibrar la balanza. Tu trabajo describe a la perfección el monotema de este número. ¿Cómo desarrollas la relación que mantienen tus personajes de amantes y enemigos al mismo tiempo?

Los personajes que dibujo me presentan a mí y a mi mundo, así que estoy muy cerca de ellos. A veces, en las pinturas de la ciudad pinto cosas que experimenté o que recuerdo de estar en la calle y en el mundo de las drogas. Creo que es importante para mí estar cerca de la parte oscura de mi psique y no lo niego. Después de todo, sin el lado oscuro no tendría un lado de luz. Has mencionado más alguna vez una de la frase de Orwell en 1984: “Si te quieres hacer una idea de cómo será el futuro, imagina una bota aplastando un rostro humano incesantemente”. ¿Qué sentido tiene para ti y tu obra?

Me gusta la cita porque reconoce que siempre existirá la naturaleza opresiva de los seres humanos. Creo que voy a identificarme constantemente como alguien cuyo gran esquema de las cosas es un ser pequeño dentro de este mundo y que es sometido a aceptar cosas con las que no está de acuerdo y que no tiene el poder de cambiar. La Primera Guerra Mundial fue ideada como la guerra para terminar con todas las guerras pero, como la historia ha analizado detalladamente, no ha acabado siendo cierto. Creo que si eres una persona corriente has experimentado la violencia y la opresión y ya sabes lo cerca que están en todo momento. No creo que esta perspectiva del mundo sea cínica, sólo honesta. Cuando tus personajes se enfrentan al dilema de la lucha o la huida, siempre eligen luchar. ¿Tú también haces lo mismo?

Yo no soy un luchador en el sentido físico, pero me defiendo, lucho por lo que creo que es correcto y no tengo miedo de tomar medidas cuando creo que las cosas funcionan mal en el mundo en el que vivo.

“VEO UN EQUILIBRIO Y UNA ESTRUCTURA EN LA BRUTALIDAD, LA OPRESIÓN Y LA VIOLENCIA” 57

“I ACTUALLY SEE A BALANCE AND STRUCTURE IN BRUTALITY, OPPRESSION AND VIOLENCE”

You’ve talked about times in your life where you’ve felt oppressed and helpless, but you’ve been able to get ahead and succeed. What did you learn from that period?

In the past I was in that position because of drug addiction and having no resources. In addiction I’d been judged, put in jail and ended up feeling like I was in lowest social bracket of society. When I stopped using drugs I decided that I was going to hustle in my life for the things that I wanted without fear of consequences or judgement. So I’ve just continued living my life in that way doing whatever I want to do hustling like a junky to get what I want. Now I can do it without burning everyone around me. I work hard and follow my instincts and because of that I’m successful and happy.

In your apocalyptic vision nobody has salvation. Absolutely no one deserves it?

Right no one finds salvation in my art its all about struggle, hardship, and existential and social crisis. Maybe there’s a little salvation thrown in but its always temporary and never lasts. Why the only safe-conducts that your tormented characters find are violence, sex and drugs? Taking into account your experience, do you think that in life the same happens?

I think that life is full of good and bad. My paintings focus on the dark part of our human nature that we ignore and repress. Maybe I’ll foo a good series in the future to balance things out.

Do you think human beings are violent by nature?

I think humans are loving and violent in nature. I think that outside situations can push people into doing desperate things. I also think that there are evil people out there that live without empathy. Deviation in your work is the general rule. Do you think that the real world should be like that?

I think there are negative and positive aspects to deviance. Deviance can lead to crime it can lead to political change, it can lead to social change, it can lead to innovation and it can lead to creativity. I think the most important thing is that people are self conscious and that they don’t conform to rules that aren’t in their best interest. Your orderly staging and the balance of the distribution of space, are in contrast to the chaotic world that you represent. How does it help you?

I actually see a balance and structure in brutality, oppression and violence. It’s a side of our society that is always there, always in the back of our minds. Formally I’ve always appreciated balance and making images this way is natural for me. In your universe the lawbreakers and law enforcement are the same, and ethics has been abandoned in favor of personal rights. Is all this a kind of revenge for what actually happens in life?

In the work I’m trying to make the point that the people that have power in society are often corrupt and self interested. That just because there in the position of having power that they aren’t always benevolent and looking out for the best interests of the people under their thumbs.

Your work perfectly describes the subject in this issue. How do you develop the love-hate relationship of your characters?

The characters represent me and my world so I’m very close to them. Sometimes in the city paintings I paint things I experienced or remember from being on the streets and in the drug world. I think its important for me to be close to the dark side of my psyche and not deny it. After all without the dark side I wouldn’t have a light side. You mentioned more than once the phrase of Orwell in 1984: “If you want a vision of the future, imagine a boot crashing on a human face – incessantly”. What’s the point of it for you and your work?

I like the quote because it recognizes that the oppressive nature of humans will always exist. I think I’ll always identify myself as someone that in the grand scheme of things is small in this world and subjected to accepting things I don’t agree with that I have no power to change. World War I was thought to be the war to end all wars but as history has panned out that didn’t end up being true. I think that if you’re a person thats experienced violence and oppression you know how close they are at all times. I don’t believe this perspective on the world is cynical, just honest. When your characters are facing the dilemma of the fight or flight, they always choose to fight. Do you do the same?

I’m not a physical fighter but I stick up for what I believe is right and am not afraid to take action when I think things are wrong in my world.

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T: VICKY NAVARRO

Claire Martin

Salvar con la mirada Sus disparos capturan una realidad paralela a la que vivimos la mayoría de nosotros, aunque todas convergen en un mismo espacio y tiempo. Las drogas, las desigualdades sociales, las enfermedades mentales, la industria del sexo, la pobreza y la contaminación son temas de los que todos tenemos una opinión. En cambio nuestra condición individualista a menudo nos impide ir más allá. Pero siempre hay excepciones. Aunque estudió para ser trabajadora social, la australiana Claire Martin descubrió que con la fotografía también podía actuar contra la decadencia de una sociedad repleta de contrastes, así que puso toda la carne en el asador y su carrera ha prosperado a una velocidad increíble. Uno de sus primeros objetivos fue retratar uno de los barrios más conflictivos de Vancouver. Pese a que la ciudad canadiense ha estado dos veces entre las que ostentan mejor calidad de vida del mundo, en el Downtown East Side un 30% de las personas sufren de SIDA y la sobredosis es la principal causa de muerte. Las consecuencias sobre la población haitiana del terremoto de 2010, los habitantes de una comunidad de okupas en el desierto de Colorado o la vida en comunas forestales de la problemática área australiana de Nimbin son otros de los muchos temas que ha tratado. Her shots capture a parallel reality, although her reality and the one most of us live in converge daily in one space and time. She portrays issues we all have an opinion about, like drugs, social inequality, mental illness, the sex industry, poverty and pollution. Our individualistic condition often prevents us from going further, but this Australian is an exception. Although she studied to be a social worker, Claire Martin discovered that through photography she could also do something against the decline of a society full of contrasts. So she put all her eggs in one basket and her career flourished at an incredible speed. One of her first goals was to portray one of the toughest neighborhoods of Vancouver. Although the Canadian city has been ranked twice between the most livable cities in the world, 30% of people in Downtown East Side suffer from AIDS and drug overdose is the leading cause of death. The consequences of the 2010 earthquake in Haiti, a community of squatters in the Colorado desert or the life of forest communities of the Australian problematic town of Nimbin are some of the many topics that she covered.

www.clairemartinphotography.com

Hay una relaci贸n de amor-odio con la adicci贸n: te da todo lo que necesitas y al mismo tiempo destruye todo a tu alrededor

Estudiaste para ser trabajadora social. ¿Cuándo te d iste cuent a de q ue a t ravé s de la fotog r a f í a t a m b ié n p o d í a s c a m b i a r l a s c o s a s?

La primera vez que desarrollé un interés por la fotografía pensé que la única manera de trabajar como fotógrafa sería fotografiando moda, bodas, bebés o en un periódico, y ninguna de estas opciones me interesaba especialmente, por lo que nunca lo consideré mi carrera. Sin embargo, cuando tenía unos 24 años fui a un nuevo festival de fotografía que se celebraba en mi ciudad natal y que contaba con unos increíbles documentales de dos australianos: Philip Blenkisop y Stephen Dupont. Esa fue la primera vez que me di cuenta de que este tipo de fotografía documental existía en los tiempos que corren. Y despertó mi interés. Años más tarde, después de viajar, trabajar en la hostelería y dar vueltas haciendo fotos de viajes como hobby, conocí a un canadiense llamado Lung Liu que hacía fotografía documental. Nos hicimos amigos y fue mi mentor mientras hice los reportajes del Downtown East Side y Slab City. Conocerlo fue el punto de inflexión. Él fue la primera persona que me dijo “puedes hacer esto”. Realmente era todo lo que necesitaba oír. Has hecho reportajes sobre temas muy variados. ¿Hay alguno que te haya impactado especialmente? Haití tras

el terremoto fue sin duda el más impactante. La pobreza y la tragedia que encontré allí no son ni remotamente comparables a cualquier otra cosa que haya fotografiado. Me gustó mucho trabajar allí, a pesar de las circunstancias la gente seguía siendo vibrante y divertida.

Cuéntame como fue toda la experiencia. Bajar del avión fue un shock. Habían campos de desplazados que se alineaban en la pista de aterrizaje, edificios caídos y los escombros seguían por todas partes casi un año después del terremoto. La densidad de población en esos campamentos era increíble. Necesité un momento para situarme ya que nunca había estado en un lugar tan caótico. Hubieron disturbios políticos debido a unas elecciones fraudulentas y toda la ciudad se cerró, habían incendios en la calle, enfrentamientos entre la policía, las Naciones Unidas y el pueblo, mucha agresividad. Fue una situación muy triste para el pueblo, después de la tragedia masiva y

de un año viviendo en condiciones miserables bajo lonas, su gobierno les falló otra vez. Los disturbios tuvieron éxito y el líder Celestin fue reemplazado por Micky Martelly, el elegido por el pueblo. También cogí la fiebre del dengue y estuve muy enferma durante la mayor parte del tiempo, lo que fue una pena. Pero cuando me adapté al ritmo del lugar, el día a día se hizo mucho más fácil. Pasé mucho tiempo en un campo en particular, el campamento de Petionville Club, fotografiando la vida cotidiana. ¿Sabes si desde que volviste de Haití las cosas han cambiado para la gente que conociste allí? Es impo-

sible estar en contacto con las personas que fotografié, ya que no tienen direcciones postales. Traté de llamar a los que tenían teléfono, pero ya no funcionaban o nunca contestaron. Sin volver es difícil rastrear a la gente. El campamento de Petionville Club donde estuve haciendo las fotos estaba coordinado por una ONG llamada J / P HRO. El Petionville Camp, junto con la vecina Cité Maxo Camp, albergaba a unas 60.000 personas en su punto máximo en 2010, cuando estuve allí. A finales de 2013, J / P HRO ha alcanzado un hito importante en la reubicación exitosa de todas las familias del campamento, un logro notable. Parece que ha habido un progreso tremendo. He intentado volver varias veces, pero la financiación de un proyecto de retorno ha sido difícil. En proyectos como los del Downtown East Side de Vancouver, Slab City o Femme Fatale retratas a comunidades marginales en naciones prósperas. ¿Se puede acabar con estas desigualdades? Creo que el primer

paso para crear una sociedad más igualitaria es eliminar el estigma. Cuando los temas se estigmatizan es muy difícil trabajar para cambiarlos porque la percepción pública no es favorable. Y si a la opinión pública no le gusta mirar el problema es muy difícil recaudar fondos para la investigación / prevención / recuperación del mismo. La mayor parte de los temas que he fotografiado tienen ese estigma: el sexo, la adicción, la enfermedad mental. A la gente no le gusta hablar de ellos ni confrontar ideas en público. Hasta que no podamos eliminar este hecho y cambiar la percepción pública, la posibilidad de que estos cambios se produzcan es casi inexistente.

¿Cuánto tiempo pasaste con los okupas de una base abandonada de la II Guerra Mundial para realizar el reportaje Slab City y qué aprendiste de ellos? Pasé alre-

dedor de seis semanas en Slab City. Me di cuenta de que a pesar de creer que tenía una mente abierta, en realidad albergaba un gran estigma interno sobre estos problemas. Pensaba que iba a fotografiar una historia deprimente y me cogió por sorpresa encontrar tanta alegría, amor y aceptación en la comunidad, superando esas vidas difíciles que muchos habían vivido. Slab City confirma la idea de que cuando se elimina el estigma, las personas que sufren de enfermedades mentales, pobreza o adicción, son mucho más felices. Claro que esto no soluciona el problema de fondo, pero mejora la calidad de vida de dichas personas. Ser capaz de sentirte orgulloso de lo que eres y aceptado, es algo que se les niega a la mayoría de personas en esta situación, y eso es esencialmente un derecho humano básico.

En tus fotos vemos momentos muy íntimos de la vida de las personas, ¿qué tipo de relación estableces con sus protagonistas? Los personajes de mis fotos siempre

se convierten en mis amigos. Si se trata de una amistad fácil, la foto surge más natural. No a todos los que se convierten en mis amigos les gusta que les haga una foto, así que son sólo algunas de las personas con las que he conectado en mis viajes. Por lo general son amigos de un tiempo y un lugar, a veces se trata de una amistad por interés, de una sola conversación; a veces esa relación perdura en el tiempo. Pero me gustaría decir que tengo una buena relación de amistad, sea del tipo que sea, con todas las personas que fotografío. Por la naturaleza de muchas de las vidas de la gente es difícil mantenerse en contacto, pero de vez en cuando se puede. Tu combinación entre denuncia y estética hace que el mensaje entre fácilmente. Pero, ¿alguien te ha criticado alguna vez por considerar que tus fotos están escenificadas? ¡Ha! ¡Es gracioso que digas esto porque justo el otro

día tuve, por primera vez, mi primer comentario negativo en las redes sociales sobre este tema! Alguien dijo: “No me gusta esta foto, se ve demasiado preparada”. Pero mis fotos no se preparan. A veces sugiero algo como: “vamos a bañarnos por la noche” o “vistámonos y juguemos en el jardín”. Pero eso es lo más escenificada que puede estar una toma.

Busco buena iluminación y no molestarme en fotografiar si la luz es mala. Eso, combinado con una buena composición puede dar una sensación artística, pero no significa que esté escenificada. Nunca nadie había criticado mi trabajo hasta este primer comentario. ¿Has tenido que renunciar a algún buen tema porque alguien te haya puesto obstáculos? Si se trata de un muy

buen tema nunca me doy por vencida, sólo lo dejo por un tiempo y busco otro camino. Pueden pasar años, pero si me siento conectada con el concepto simplemente lo dejo fluir. La paciencia y la resolución de problemas son claves en el trabajo documental.

¿Cuál ha sido el punto álgido de tu carrera? Ganar el

Premio Magnum Foundation Inge Morath. Saber que todo el colectivo Magnum revisó mi obra y convino en que era la mejor me hizo sentir muy bien. ¡Aunque estoy convencida de que ha sido un mal año para las presentaciones!

¿Algún tema que aún no hayas tratado y que te gustaría documentar? La lista es interminable, mi mente está

hilando ideas constantemente. Lo difícil es conseguir la financiación para desarrollarlas. No suelo encontrar historias en mi propio patio trasero, me gusta integrarme en comunidades, lugares nuevos y diferentes, experimentar algo fuera de lo habitual y eso conlleva tiempo y dinero. El monotema de la revista en esta edición es Lovers/ Haters. ¿Cuáles de tus reportajes encajaría más con el mismo? Probablemente el ‘Downtown East Side’. Muchas

de las personas de allí son adictas a la heroína u otras drogas. Hay una relación de amor-odio con la adicción: te da todo lo que necesitas y al mismo tiempo destruye todo a tu alrededor. Y en general, cuando piensas en Lovers y Haters, ¿quién te viene a la cabeza? Oh Dios, probablemente cualquier

relación co-dependiente disfuncional. Tuve una con mi madre después de que mi padre muriera. Ahora está mejor, ¡pero Dios! ¡La odié durante un tiempo, me arruinó la vida! Aún así es mi madre, ¡así que por supuesto que la quiero con todo mi corazón! Creo que mucha gente conoce cómo es este tipo de amor disfuncional.

You studied to be a social worker. When did you realize that through photography you could also change things? When I first developed an interest in photography

I thought the only way I could work as a photographer was in fashion, weddings, babies, or newspaper journalism – none of which particularly interested me, so I never really considered a career as a photographer. However, when I was about 24 I went to a photography festival in my home town, that featured some amazing documentary photography by two Australians, Philip Blenkisop and Stephen Dupont. This was the first time I realized that this type of documentary photography existed today. This sparked my interest. Years later, after traveling, working in hospitality and mucking around with travel photography as a hobby I met a Canadian documentary photographer named Lung Liu. We became friends and he mentored me while I photographed The Downtown East Side, and Slab City. Meeting him was the turning point. He was the first person, who said I could do this. It was really all I needed to hear. You’ve reported many different topics. Is there one that has shocked you especially? I’d have to say Haiti after the

earthquake was definitely the most shocking. The poverty and tragedy there is not even remotely comparable to anything else I have photographed. I really enjoyed working there, because the people were so fun and vibrant despite the circumstances. Tell me more about this experience... Coming off the plane was a shock. Displacement camps lined the runway, fallen buildings and rubble were still everywhere almost a year later. The population density in these camps

was unbelievable. It took me a moment to find my feet as I had never experienced such chaos. There was a lot of of aggressive behavior: political riots due to a rigged election, the whole city in shutdown, there were fires on the street, showdowns between the police, the UN and the people. It was a very sad situation for the people, mass tragedy and a year of living in precarious conditions under tarps, and their government failed them again. After the riots, the leader Celestin was replaced by Micky Martelly, the choice

of the people. I also got dengue fever and was very sick for most of the time, which was shame. But when I had settled into the rhythm of the place the day to day became much easier. I spent a lot of time in the Petionville Club camp, photographing the daily life. Do you know if things have changed there for the people you met since you came back from Haiti? It’s impossible

to stay in touch with the people I photographed, as they don’t have mailing addresses. I tried to call those who had phones, but they were no longer working, or they never answered. Without physically returning it’s difficult to track people down. The Petionville Club camp I photographed however was coordinated by an NGO called J/P HRO. The Pétionville Camp, together with the neighboring CitéMaxo Camp, housed approximately 60,000 individuals at their peak in 2010, when I was there. By the end of 2013, J/P HRO will have achieved a significant milestone in the successful relocation of all camp families, a remarkable achievement. I have tried to go back a number of times, but financing a return project has proven difficult. It does sound as if there has been some tremendous progress though. In projects such as Vancouver’s Downtown Eastside, Slab City or Femme Fatale you portray marginal communities in prosperous nations. Can these inequalities be eradicated? I think the first step towards creating a more equal

society is to remove stigma. When issues are stigmatized it is very difficult to change them, because public perception is not favorable. And if the public doesn’t become aware of the problem it is very difficult to raise funds for research, prevention or recovery. The people I have photographed are primarily stigmatized - Sex, addiction, mental illness. People don’t like to confront these problems in society. Until we remove stigma and change public perception, the chance of these situations changing is very slim. How long were you in the abandoned World War II base with the squatters to finish your project Slab City, and what did you learn? I spent about 6 weeks in Slab City.

I learned that even though I thought I was open minded, I actually harbored a lot of internal stigma about these issues. I thought I would be photographing a depressing story and it surprised me to find so much joy, love and acceptance in the community, despite their troubled lives. Slab City really confirms that when you remove stigma, people suffering from mental illness, poverty or addiction, are actually a LOT happier. Sure this doesn’t fix the underlying problem, but it makes the quality of life of the people in this situation a lot better. Being able to feel proud of who you are and be accepted is something that is denied to most people in this situation, and it’s a basic human right. Many times you capture pretty intimate moments of people’s lives in your pictures. What kind of relationship do you establish with the people in your photos? The charac-

ters in my photos always become my friends. If it’s an easy friendship, it makes for easy photos. Not everyone I make friends with like having their picture taken, so many of the people photographed is people I have connected with on my journeys. They are usually friends from a specific time and a place, or sometimes it is a monetary friendship, a single conversation and a connection, sometimes it is kept over time. But I would say I’ve had a good connection and made friends with all sorts of people. Many of the peoples busy lives means it is difficult to stay in touch, but occasionally I can. The mix of denounce and aesthetics in your work makes the message easier to convey. But has anyone ever criticized you for considering that your photos are staged?

Ha! It’s funny you mention this, because I had a negative comment on social media about this for the first time the other day! Someone said “I don’t like this picture, it looks posed”. My pictures aren’t staged. Sometimes I’ll suggest something to do, like going down to the hot spring at dusk, or dressing up and frolicking in the garden. But that’s about as staged as it gets. I look for good light and don’t bother to photograph if the light is bad. That, combined with a good composition can give an arty feel, and that doesn’t mean you’ve staged the scene in any way. I’ve never

had anyone criticize my work until this fist comment I just mentioned. Have you had to give up a good topic because someone has put obstacles? If it’s a really good topic I never give up, I

just leave it for a while and look for another route to take. It may take years, but if I feel connected to the concept it’s hard to just let go. Patience and problem solving are key in documentary work. What has been the highlight of your career? I’d have to

say winning the Magnum Foundation Inge Morath Award. To know that entire Magnum collective reviewed my work and agreed that it was the best they saw felt pretty good. I’m convinced that it must have been also a bad year for submissions though! Ha! I there any subject that you have not documented yet and that you’d like to? The list is endless, my mind is constantly

spinning with ideas. It’s not the ideas or the subjects that is difficult to come by, it’s the funding to complete it in a meaning ful way. I don’t tend to find stories in my own backyard, I like to set in in new and different communities and places, to experience something out of the ordinary and this takes time and money. The topic of this month’s issue is Lovers / Haters. In which of these categories would you classify your reports? Probably the Downtown East Side? Many of the people

there are addicted to heroin or other drugs. There is a love hate relationship with addiction. It gives you everything you need and destroys everything around you at the same time. And in general, when you think of Lovers and Haters, who comes to mind? Oh god, probably any dysfunctional code-

pendent relationship. I had one with my mother after my Dad died. It’s better now, but god I hated her for a while there! she ruined my life! but she’s my Mum, so of course I love her with all my heart! I think many people know how this kind of dysfunctional love feels.

There is a love hate relationship with addiction. It gives you everything you need and destroys everythingaround you at the same time

JUSTSILKY JUSTINBROCK

T: EVA VILLAZALA

Su deslizamiento sobre los railes es suave, casi imperceptible, milimétrico, preciso. Y eso porque su mente, al subirse a una tabla, se divide en cuatro esferas perfectamente limitadas: cálculo, corazón, elegancia y empeño. La mezcla de todas ellas es lo que le ha llevado a convertirse en uno de los pros más queridos de Nike SB. Tras participar en Debacle, vuelve a encontrarse con su amigo Jason Hernández para ser uno de los protagonistas indiscutibles de su film, Chronicles vol. 2. Su talante serio y contenido se desmorona cada vez que Ishod aparece en la sala de prensa improvisada en la destilería de Paris donde asistimos a la presentación de la cinta. En poco tiempo y tras verlo en la demo en la que ambos riders participan junto al team francés de Nike, nos queda claro lo que para Justin Brock el skateboarding es trabajo, pasión y vida. Con la seriedad de un filosófo analiza trucos, suyos y ajenos y desgrana resultados. Su objetivo está claro: vivir para mejorar. En todos los aspectos de la vida. He slides smoothly, almost unnoticeable and with mathematic precision. When he gets on the board his mind divides into four perfectly limited areas: calculation, courage, elegance and effort. The combination of all of them is what has led him to become one of the most beloved Nike SB pros. After attending Debacle he met again with his friend Jason Hernandez to be one of the undisputed stars of the film, Chronicles vol. Two. His serious and contained mood crumbles whenever Ishod appears in the improvised press room at a the distillery in Paris where we attended the film’s presentation. Shortly after seeing the demo of both of the riders in Nike’s French team, it is clear to us what skateboarding means to Justin Brock; work, passion and life. With the seriousness of a philosopher he analyses tricks, his and those of others, and reels off results. His goal is clear : live to improve. In all aspects of life.

“Este es el segundo vídeo de Nike SB Chronicles. Hemos estado grabando durante dos años, viajando juntos de aquí para allá y haciéndolo todos lo mejor que hemos podido. Ya había grabado con tres o cuatro de los riders de Chronicles vol. 2 en Debacle, cuando aún era amateur, por lo que nos conocíamos. Con los nuevos, el feeling ha sido increíble. Nos hemos hecho grandes amigos y los viajes han sido muy divertidos. Sabía que estando Jason Hernández detrás de la cámara, el resultado sería muy bueno. Hemos viajado por muchos países; China, Brasil, en España hemos estado dos veces, en Madrid y Barcelona, y hemos recorrido Estados Unidos desde Los Angeles a Atlanta. Mi lugar preferido en esta ocasion ha sido Madrid, fue un viaje muy productivo y todos hicimos una gran actuación allí. Estoy satisfecho con mis trucos en el vídeo, pero siempre se pueden mejorar y sentirte más satisfecho aún. Con la distancia piensas en más cosas que hubieras probado, pero en general no me quejo. Mi último truco es mi favorito. Trabajé mucho para conseguir clavarlo, intentándolo una y otra vez. Mi plan para este año es concentrarme en patinar, mejorar mis trucos y estar disponible para lo que Nike solicite. De mi estilo de vida lo mejor es viajar con mis amigos, lo peor es estar lejos de casa, más porque tengo un bebé de 6 meses y no estoy para verlo crecer. Es uno de los sacrificios de este trabajo”.

“This is the second Nike’s SB Chronicles video. We’ve been working on it for two years, traveling together and trying to make this video as good as we can. I worked with three or four of Chronicles’s vol. 2 riders at Debacle when I was still an amateur so we knew each other from before. With the new riders, the feeling has been incredible. We have become great friends and our trips have been very fun. I knew that with Jason Hernandez behind the camera the result had to be very good. We have traveled around many countries, China , Brazil, in Spain we’ve been twice in Madrid and Barcelona, and have toured the United States from Los Angeles to Atlanta. My favorite place this time has been Madrid , it was a very productive trip and we all did a great performance there. I am satisfied with my tricks in the video, but you can always improve and feel more satisfied. With distance you think about more things you could have tried, but generally I do not complain. My latest trick is my favorite. I worked hard to get it perfect, practicing again and again. My plan for this year is to focus on skating, improving my tricks and being available for Nike. The best thing of this lifestyle is traveling with my friends, the worst is being away from home, mostly because I have a 6 month old son and I’m not at home all the time to watch him grow. It’s one of the sacrifices of this job. “

Boggie La belleza también se vende cruda TEXTO: LARA TUNER

Era la realidad que encontraba cada día al salir a la calle. Así que empezó a documentar el desmembramiento de la antigua república yugoslava casi por inercia. Luego el azar lo llevó a Brooklyn y allí siguió adentrándose en algunos de los callejones más oscuros de la sociedad, retratando la condición humana pero también la crudeza del sexo, la drogas o la violencia pandillera. Su fotografía urbana combina algo de fotoperiodismo y mucho de sensibilidad artística. Pero para él, sólo es la forma en la que ve el mundo. Por eso también se atreve con campañas para grandes firmas comerciales. Porque, al final, en la calle cabe todo y Boogie lo único que hace es mirarla, vivirla y mostrárnosla. He started documenting the dismemberment of former Yugoslavia almost instinctively, because it was the reality he faced every day when we walked on the streets. After that it was chance that led him to Brooklyn and there, he continued exploring some of the darkest alleys in the city, photographing human condition, the harshness of sex, drugs and gang violence. His urban photography is a combination of photojournalism and a great artistic sensibility. To him, this is just the way he sees the world. That is why he takes risks working on huge campaigns for commercial firms, because in the end, there is room for everyone on the streets and Boogie only observes, lives and shows us this.

www.artcoup.com

Naciste en Belgrado, ciudad en la que vivías cuando en los años 90 comenzó el conflicto que llevó a la desintegración de la antigua Yugoslavia. ¿Por qué nació en ti la necesidad de fotografiar en ese momento y en ese contexto?

Pues realmente no decidí nada. Había mucho que fotografiar, fue muy interesante. Además, creo que me mantuvo cuerdo. Cuando estoy detrás de la cámara consigo, de alguna manera, distanciarme de lo que está pasando delante de mí. Me convierto más en un observador que en un participante. Fotografía de guerra o urbana. ¿Cómo clasificarías, si es que se puede hacer, las imágenes que tomabas en esa época?

Fotografía urbana, por supuesto. Nunca tuvimos guerra, con lucha armada, en Belgrado o en cualquier otro lugar de Serbia hasta que la OTAN nos bombardeó en 1999. ¿Cómo llegaste a Nueva York? ¿Fue por azar o buscabas escapar de la locura, la extrema pobreza y el sufrimiento que la guerra había dejado en Belgrado?

Vaya, suena mucho peor de lo que recuerdo (risas). Mi mudanza a Estados Unidos fue por pura casualidad. Estaba bebiendo una noche con varios amigos en mi casa, decidimos solicitar la Green Card Lottery y yo fui el único en ganar. Así fue, tuve que ir a los Estados Unidos y ver de qué se trataba todo eso. ¿Qué ha aportado América a tu vida personal y a tu trabajo?

Conocí a mi esposa en Estados Unidos y mi hija nació aquí. Todos mis libros han sido publicados en este país y aquí comenzó mi carrera como fotógrafo. Nueva York es mi hogar tanto como lo es Belgrado. Pandilleros armados, delincuentes callejeros, skinheads, mujeres que venden sexo, jóvenes que viven en la calle afectados por las drogas, etc. aparecen en tus fotos.

¿Cómo consigues aproximarte a ellos y que te dejen fotografiarles en escenas tan íntimas y comprometidas?

No hay ninguna receta para eso, se trata de química con la gente. Creo que la clave es el respeto. Es lo que obtienes si tú lo ofreces. Trato de no juzgar a la gente demasiado y seguir los instintos de mi corazón. ¿Qué mensaje quieres transmitir al retratar estos mundos tan hostiles y violentos? ¿Hay una voluntad de denuncia social?

No, sólo fotografío lo que veo y que el espectador decida. Por otra parte, ¿cómo se conjuga este trabajo más “social” con tu otra faceta totalmente “comercial” en la que realizas campañas publicitarias para grandes clientes como Nike, New York Times o HBO? ¿Es una contradicción?

No hay contradicción. En todo lo que hago sigo siendo YO. Tomar una foto en la calle o para grandes clientes; todo vuelve a lo mismo, a como yo veo las cosas. ¿De qué forma sigue estando presente Serbia en tu trabajo?

Me crié en Belgrado, Serbia, y eso me hizo ser W quien soy actualmente. Allí es donde empecé a fotografiar y siempre será una parte de mí. La fotografía, ¿analógica o digital?

Disparo sólo con carrete y, mientras sigan fabricándolos, seguiré fotografiando en analógico. ¿Te puedes imaginar haciendo otra cosa a nivel profesional que no sea fotografiar?

Me encantaría ser un chef de sushi. ¿Qué te gusta hacer cuando no estás trabajando o creando?

Pasar el rato con la familia o hacer mis entrenamientos de kick boxing.

TRATO DE NO JUZGAR A LA GENTE DEMASIADO Y SEGUIR LOS INSTINTOS DE MI CORAZÓN

I TRY NOT TO JUDGE PEOPLE TOO MUCH, AND TO FOLLOW MY HEART’S INSTINCTS.

You were born in Belgrade, and you lived there in the 90s when the conflict that led to the disintegration of the former Yugoslavia began. Why did you feel the need to photograph that moment and in that context?

Well I didn’t really decide anything, there was just a lot to shoot and it was all very interesting. Plus, I think it kept me sane. When I am behind the camera, I somehow distance myself from what’s going on in front of me. I become more of an observer than a participant.

respect you receive respect. I try not to judge people too much, and to follow my heart’s instincts. What is the message you wish to transmit with your portrayal of these hostile and violent worlds?

Is it a social protest? I’m not trying to transmit anything, I just photograph what I see and I let the viewer decide.

War or urban photography. How would you classify the images that you took during this period?

On the other hand, how do you combine this more “social” work with your other completely “commercial” aspect in which you develop campaigns for big clients like Nike, The New York Times or HBO?

Urban photography of course. We never had armed struggle in Belgrade, or anywhere in Serbia, until NATO bombed us in 1999.

Is it a contradiction? No, there is no contradiction. Whatever I do it’s still ME. Whether I shoot on the street or for big clients; it all comes back to how I see things.

How did you get to New York? Was it by chance or were you seeking to escape from the madness, the extreme poverty and the suffering that the war had left in Belgrade?

How is Serbia still present in your work?

Wow, that sounds much worse than I remember it. Me moving to the States was by pure chance. I was drinking one night with several friends at my place and we all decided to apply for the green card lottery. I was the only one to win. So that was it, I had to go to the US and see what it was all about. How has America contributed to your personal life and work?

I met my wife in the States and my daughter was born there. All my books were published in the States and my career as photographer started there. NY is my home as much as Belgrade is.

I grew up in Belgrade, Serbia, and it made me who I am. This is where I started shooting and it will always be a part of me. How do you prefer photography, analogical or digital?

I shoot film only, and as long as they keep making it, I’ll keep shooting it. Can you imagine working professionally on something other than photography?

I would love to be a sushi chef. What do you like to do when you aren’t working and creating?

Hanging out with my family or training kick box.

In your photos we can see armed gangs, street criminals, skinheads, prostitutes, young people living in the street affected by drugs, etc. How do you manage to get so close to them and allow you to photograph them such intimate and compromising images?

There is no recipe for that, it’s all about the chemistry you have with people. I think the key is respect. If you act with

Lanzado a la fama tras girar con los Beastie Boys y obtener de ellos sus fotografías más personales, Ricky Powell hace ya años que es leyenda. Neoyorquino de nacimiento y de crecimiento, ha retratado billones de veces esa ciudad con trillones de impulsos. Tanto los de una esquina cualquiera como los artísticos. Y es que por su objetivo han pasado algunos de los más grandes artistas (músicos, actores, cineastas, pintores…). Aquí una pequeña lista de estrellas: John Lee Hooker, Elizabeth Taylor, Calvin Klein, Francis Ford Coppola, Sofia Coppola, Cindy Crawford, Jean-Michel Basquiat, Andy Warhol. Cumplidos los 50, su cámara sigue activa y su mente funciona más rápido, metida en mil y un proyectos. Uno de los últimos, su visión personal e intransferible sobre la historia del hip hop retratada bajo los designios de la última colección de Rook Brand. El escenario, como no, las calles de New York. La inspiración: música, street y lifestyle. Ricky Powell en estado puro. Ricky Powell was thrown into the limelight and became a legend many years ago, after touring with the Beastie Boys and taking some of their most personal pictures. Born and raised in New York, he has portrayed the city and its trillion impulses billions of times, including both simple corners and artistic spots. Some of the greatest artists have posed in front of his camera (musicians, actors, filmmakers, painters ...). Just to name a few: John Lee Hooker, Elizabeth Taylor, Calvin Klein, Francis Ford Coppola, Sofia Coppola, Cindy Crawford, Jean-Michel Basquiat, Andy Warhol. At 50, his camera remains active and his mind works faster, working in a thousand and one projects. He shows his unique and personal vision on the history of hip hop in one of his latest projects, portrayed on the designs of the latest Rook’s Brand collection. The setting is of course, the streets of New York. His inspiration: music, street and lifestyle. Ricky Powell in his purest expression.

www.rickypowell.com

RickyPowell A NEW YORK LOVE STORY

T: XAVI OCAÑA

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Has podido conocer y fotografiar a algunos de los mejores y más famosos artistas del mundo. ¿Podías imaginar algo así cuando empezaste? ¿Quién te ha impresionado más? Cuando decidí hurgar en la fotografía, en la primavera del 85, estaba menta-

lizado en hacer algo relacionado con el arte, porque era un alumno normal que iba a la universidad de su ciudad, vivía con su madre y veía la televisión. Ah, y jugaba al baloncesto en la calle. Empecé con una Autofocus Minolta que podía llevar oculta y sacar discretamente en inauguraciones de galerías, discotecas, allá donde fuese y en cualquier momento. Me sorprendí a mí mismo cuando vi que estaba consiguiendo buenas fotos de gente que era importante para mí y para los medios. Nunca imaginé que pudiese tener cinco libros de fotografía publicados. Sencillamente, me divierto haciéndolo y le añado un pie de foto y una anécdota. Me gusta así. Podría ponerles grandes nombres, pero eso no me interesa. Lo que me atrae es la discreción del auténtico sentido del humor. Vayamos a 1986. ¿Por qué motivo decidiste abandonar tu trabajo y unirte al tour de los Beastie Boys? ¿Fue una decisión precipitada? Bueno Empecé a rodar con con los

Beasties esa primavera del 86. Yo hacía de vendedor ambulante para Frozade y, sencillamente, lo dejé todo y volé hacia Tampa, Florida, para unirme a ellos en el Raising Hell Tour, con Run DMC, LL Cool J y Whodini. Fue el gran momento. Y sí, estoy contento de haberlo hecho, aquel estimulante verano del 86 fue jodidamente divertido. Tuve un buen año a nivel creativo. En aquel entonces, vivía en el East Village, a veces, solo a veces con compañero de habitación. Compañera de habitación, de hecho. No puedo vivir con tíos, desde que iba de campamentos.

“

Siento que soy un hombre en una cápsula del tiempo, así que trato de preservar lo que es importante para mí.

”

¿Qué sentiste la primera vez que viste uno de tus trabajos publicado en uno de los grandes periódicos, como el New York Times? Recuerdo cuando vi los primeros cré-

ditos al lado de una foto mía, que había tomado en un club del centro y en la que salían Debbie Harry, Keith Haring, Futura 2000. Era en una revista en papel, en la sección que hablaba del club. Y ponía: “Photo by The Rickster”. Luego estuve un par de años haciendo el mono por la escena. Dices que consideras la relación entre los fotógrafos y las fotografías con “una conexión química de algún tipo”. ¿Qué quieres decir con eso? A mí, personalmente,

me gusta congelar aquellas cosas que, visualmente, cerebralmente, me estimulen o me atraigan. El sujeto cuenta entorno al 50% del momento/imagen y, con un poco de suerte, lo hospeda. He escuchado que yo solía ser encantador… ¡ja! Así que sí, creo que hay algún tipo de química en el trabajo que lleva a crear una obra maestra.

¿Qué intentas transmitir en cada fotografía? Siento que soy un hombre en una cápsula del tiempo, así que trato de preservar lo que es importante para mí. Básicamente es eso. Quiero legar una colección que sea apreciada y valorada. Cool y única. Muy única y auténtica.

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You have shot and met great and well-known artists from around the world. Could you imagine this when you first started? Which one of them has impressed you the most?

Well, when I decided to delve into photography, in the Spring of ’85, I was psyched to work on something related to the arts, ’cause I was just a regular kid who went to his local college, lived at home with his mom, and watched tv, oh and was into playground basketball. I started bringing a little auto focus Minolta that I could conceal to art gallery openings, nightclubs, and just about anywhere, and I would just whip it out discreetly. I was surprised when I was getting nice shots of people who were relevant to me as well the media. I never imagined that I would publish 5 photography books. I just have fun with it and add a caption, and an anecdote. I like it like that. I could name big names that I have chilled with but whatever, it don’t matter to me. I’m drawn towards low-key and real sense of humor. What is the reason why, back in 1985, you decided to quit your job and join the Beastie Boys on tour? Was it a hasty decision?

Well, I had started to roll with the Beasties in the spring of ’86. I was an outdoor street vendor for ‘Frozade’ and I decided to just drop everything and fly down to Tampa, Florida to catch them on the big Raising Hell Tour, with Run DMC, LL Cool J, and Whodini. It was huge and yes, I’m glad I did, it was just fun shit to do that dope summer of ’86. I had a good year there, creatively. I was living in the east village then, sometimes alone or with a room mate, a female room mate. I can’t live with dudes, ever since camp.

“

I feel I’m a ‘one man’s time capsule’. So, I’m just preserving what’s relevant to me.

”

What did you feel the first time you saw your work published in one of the biggest newspapers in NY like The New York Times?

Well, I remember when I saw my first photo credit on a photo of Debbie Harry, Keith Haring, and Futura 2000 that I took in a downtown club. It was in paper mag in their club party section. It said Photo by “The Rickster”, from then on, I was hot in the ‘scene’ for a couple of years. You said that you consider the relationship between the photographer and his photographs to be “a chemical connection of some sort”. What do you mean by that?

Well I personally like to ‘ freeze’ anything that visually or mentally stimulates or draws me in and the subject also counts as 50% of the moment/ image and hopefully they can accommodate. I heard I use to be charming… ha! So, yes I think there is some kind of ‘chemistry’ in the works to produce a masterpiece. Your photographs focus on the organic New Yorker, but what do you want to transmit with every shot?

I feel I’m a ‘one man’s time capsule’. So, I’m just preserving what’s relevant to me. That’s basically it. I wanna leave behind a collection that will be infinitely appreciated. Cool, unique and authentic.

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Dav Guedin

Giving life to horror

T: LAURA ROSAL

Los dibujos de Dav Guedin parecen estar siempre cruzando la frontera entre los vivos y los muertos. Uno no sabe a qué sensaciones atenerse cuando mira fijamente su obra, pues resulta brutalmente contradictoria para los sentidos. Dav cultiva un arte de otro planeta, exquisitamente macabro. Grafista multimedia, creador de muñecas, ilustrador, autor. Tras estudiar en la Escuela de Arte de Cambrai, Dav se convirtió en diseñador gráfico en el año 2000 y creó las Crazy Dolls. En 2004 se unió a su hermano, Gnot, para dar vida a Les Frères Guedin. Juntos han hecho ya un montón de cómics para editoriales como Le Dernier Cri o Charrette. Su mundo visual es una mezcla de humor negro, cinismo y sexo. The pictures by Dav Guedin seem to constantly cross the line between the worlds of the living and the dead. We don’t know what to feel when we look at his work, because it brutally contradicts the senses. Dav´s art is from another exquisitely macabre planet. He is a multimedia artist, doll creator, illustrator and author. After studying at the School of Art in Cambrai, Dav became a graphic designer. In 2000 he created Crazy Dolls and in 2004, he and his little brother Gnot created Les Frères Guedin. Together, they have made a lot of comics for Le Dernier Cri, or Charrette. His visual world is a combination of black humor, cynicism and sex.

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La contradicción y la paradoja es lo que nos hace humanos. Es el punto donde las cosas empiezan a volverse interesantes. Dav, me encanta tu multidisclipinariedad. Cuéntanos sobre tu proyecto Crazy Dolls: ¿En qué momento decidiste dar vida a tus ilustraciones convirtiéndolas en objetos?

Trabajaba de grafista y webmaster en una oficina y me estaba muriendo de aburrimiento, no usaba mi creatividad. Un día, en casa de mi hermano, su exnovia estaba creando una muñequita estúpida así que decidí hacer una también y me encantó. Empleé un montón de mi tiempo libre en hacer muñecas estrafalarias probando con nuevas formas y materiales. Después lo normal fue crear una página web para enseñarlas, que invitara a mucha gente loca e inmadura a hacer lo mismo. ¡Y fueron realmente un montón! Así nació Crazy Dolls. Expuse el proyecto en lugares muy distintos: casas okupa, galerías, tiendas e incluso en las oficinas de Agnès B. Al mismo tiempo estaba creando una web gratis para mi editorial francesa favorita, Le Dernier Cri, que no tiene fronteras, porque les había escrito diciendo que su web era una mierda. Me contestaron diciendo “Venga, vale, haz otra si eres tan listo”. Y la hice. Pakito Bolino, el jefe, me ofreció como pago imprimir un libro con serigrafía y eso fue el principio. En tus ilustraciones podemos ver una clara dicotomía entre amor y odio, vida y muerte, elegancia y suciedad: ¿Cómo y de dónde obtienes esas emociones?

Me parece que así es como gira el mundo. La contradicción y la paradoja es lo que nos hace humanos. Es el punto donde las cosas empiezan a volverse interesantes y nos muestran que se puede decir una cosa y hacer la contraria todo el tiempo. ¿Por qué piensas que la transición del amor al odio es tan sencilla y no así la contraria?

Porque el odio es un sentimiento mucho más fuerte que el amor. Cuando amas algo o a alguien puedes desilusionarte de vez en cuando, dando lugar al odio. Pero cuando odias, ¡el sentimiento es mucho más estable! ¿Qué tipo de personajes te inspiran cuando dibujas?

Sobre todo los de las imágenes de los años 50: ahí la vida parece muy sencilla y a la vez muy ingenua, y de hecho se llevaron a cabo para hacernos creer que el consumo era la vía que seguir. Adoro esas imágenes de falsa felicidad. Es divertido contar cosas sobre tu tiempo a través de imágenes antiguas. Pero me inspira cualquier persona que me llegue de alguna manera. Los cómics más importantes que he hecho son sobre mi experiencia trabajando con discapacitados. Empecé llevándolos a cabo con Craoman en plan “hazlo tú mismo”, pero luego fundamos un gran sello editorial para este proyecto, de lo que estoy muy orgulloso. ¡Si conocéis una editorial española para publicarlo, sería un honor! Les Frères Guedin es un proyecto creativo con tu hermano Gnot. ¿De dónde surgió esta idea? ¿Cómo es trabajar con él?

La idea surgió espontáneamente cuando el editor me propuso hacer mi propio libro. Como empezamos juntos

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a dibujar imágenes guarras en las revistas de nuestra madre, era lógico llevarlo a cabo con él. Me encanta colaborar con alguien. Más energía, más diversión. Pero es complicado trabajar con tu propia familia, sobretodo cuando no estáis de acuerdo. El conflicto es más violento. Ahora él es profesor y tiene menos tiempo, así que lo hago con otros dibujantes o solo, y lo prefiero así. Es más profesional, incluso si quiero mantenerme cerca de la gente con la que trabajo. ¿Cuál es la diferencia entre contar una historia usando una sola imagen y hacerlo con una serie de ellas, como por ejemplo en un cómic?

¡La diferencia es el ritmo! En una imagen debes contar todo de una vez. En una sucesión puedes desarrollar una progresión de tu proyecto, y tienes distintas direcciones que probar. Adoro las dos formas. Pero obviamente invierto mucho más tiempo en el cómic. Tengo la suerte de trabajar con mi amigo Craoman, que es un tipo realmente serio (¡aunque solo en el trabajo!). No solo combinas sensaciones en tu trabajo, también mezclas estilos y formatos. ¿En cuál de ellos te sientes más cómodo?

Para una sola ilustración, un formato clásico A4 con tinta china, y para una página de cómic, un A3. Tu trabajo me recuerda a diferentes artistas, como Charles Burn, Stephane Blanquet y Andrés Magán. ¿Te ha influido notoriamente alguno de ellos?

Me has descubierto a Andrés Magan, pero los otros son claramente una gran influencia en mi trabajo, aunque no son los únicos. Me gustan trabajos muy diferentes, universos distintos, y soy feliz de realizar una conexión entre todos ellos mediante mi propio universo. ¿Cuándo comenzaste a crear “gifs”?

¡Cuando era webmaster! Y también compones música. ¿Qué tipo de música inspira tu trabajo?

He ido pasado por diferentes fases en lo que concierne a la música: punk, hardcore, cold wave, old reggae, rap... Y siempre he pasado mucho tiempo buscando el mejor sonido, el mejor término, pero ya paso. Ahora estoy más inspirado por las películas que por la música. ¿Cuáles son tus proyectos de futuro?

Estoy trabajando en cómics con Craoman que van sobre un grupo de skins adolescentes franceses que están buscando su propia identidad y acaban averig uando que no han seg uido el patrón correcto. También en otros dos cómics míos: uno que cuenta mi (in)experiencia sexual como adolescente, y el otro, sobre las aventuras locas de héroes que han escapado de algunas pelis antiguas. Además de en un libro con algunos artistas tatuadores de diferentes sitios, a los que oblig ué a contarme historias íntimas sobre el mundo del tatuaje. ¡Eso es todo!

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Dav, I love how you are so multidisciplinary. Tell us about your Crazy Dolls... When did you decide to make your illustrations come to life by transforming them into objects?

I was working as a graphic design and webmaster, bored to death in an office and hardly using my creativity. One day, at my brother’s house, his ex-girlfriend was making a stupid little doll. I decided to make one too and I loved it. I spent a lot of my free time making bizarre dolls and trying new shapes and materials. After a while, it only seemed natural to create a website showing them and inviting crazy immature people to do the same. And a lot of people did! That´s basically how Crazy Dolls was created. I exhibited the project in many different places, from squats, to galleries and shops. I even showed it at the Agnès B offices once. At the same time I was working for free on the website of my favourite publishing house, Le Dernier Cri. I wrote complaining that their website was shit and they replied “Ok, make a better one if you think you’re so smart”. And I did. The boss, Pakito Bolino offered to pay for the website with a silkscreen printed book, and that’s where it all started. In your illustrations we can see a clear dichotomy between love and hate, life and death, elegance and filth: how and where do you get these emotions? I feel that’s the way the world goes. Contradiction and paradox are what makes us humans. It is the place where things start to get interesting, where we are shown that we can say something and do the complete opposite all the time. Why do you think the transition from love to hate is so easy and not the opposite?

Because hate is a much stronger feeling than Love. When you love something or somebody, you can often become disappointed and that gives place to hate. When you really hate, the feeling is more consistent! What kind of characters inspire you when you draw?

I’ve been inspired mostly by 1950’s imagery. Life seemed so simple and naïve back then. In fact these images were created to make us believe that consumption was the way to go. I love pictures of fake happiness. It’s fun to explain things about your time through old pictures. But I am also inspired by anyone who connects with me. The most important comics I’ve made are about my experiences working with disabled people. I started making them with Craoman, kind of as a DIY project at the beginning. But this project finally led to starting a great publishing house which I am very proud of. If you know a spanish editor interested in publishing it, I’d be honoured! :) Les Frères Guedin is a creative project with your brother, Gnot. Where did this idea come from? What’s it like working with him?

The idea came naturally when the first editor proposed

to publish my own book. Since Gnot and I began drawing dirty images in our mother’s magazines together, the most logical thing was to do it with him. I love collaborating with people. There’s more energy, and it’s more fun. But it is also more complicated to work with family, especially when you disagree on something. The conflict becomes more violent. Now he is a teacher and he has less time to work with me, so I work with other artists or by myself. I think I prefer it that way. It’s more professional, even if I like to be close to the people I work with. What’s the difference between telling a story using only one image and telling one using many, like in a comic strip?

The difference is the rhythm! In one image, you have to tell everything at once. In a succession you can make a progression of your purpose and test different directions. I love them both but I obviously spend more time on comics. Luckily I work with my friend Craoman who is a very serious guy (for work only). Not only do you mix feelings in your work, but you also mix styles and formats. With which of them are you most comfortable?

I use classic A4 format with china ink if I’m going to do one illustration and A3 to make a comic strip. Your work reminds me of different artists, like Charles Burn, Stephane Blanquet and also Andrés Magán. Has your work been notoriously influenced by them?

This is the first time I hear about Andrés Magan. The other two are big influences in my work but they’re not the only ones. I really love different works, different universes and it makes me happy to connect them all through my own universe. When did you start creating ‘gifs’?

When I was a webmaster! You are also a composer. What kind of music inspires your work?

Ok, I’ve been through different stages with music: Punk, Hardcore, cold wave, old reggae, rap... I would always spend a lot of time looking for the best sound... but that is over now. Movies inspire me more that music now. What are your future projects?

I am working on a comic with Craoman about a group of french teenaged skinheads who are in search of their own identity and find out they really did not choose the right path. And I´m working on two of my own comics: One that talks about my sexual (non)experience when I was a teenager and the other one about the crazy adventures of heroes that escaped from old movies, and also a book with a few tattoo artists from different places who I forced to tell me the secret stories behind the world of tattoo art. That’s it!

Contradiction and paradox are what makes us humans. It is the place where things start to get interesting.

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T: ANE PUJOL

DANNYZAPALAC THE BEAUTY IN CONTRAST

La vida es un juego de contrarios: amas y odias, ríes y lloras, ganas y pierdes. Danny Zapalac se debate en su fotografía entre una lucha entre el blanco y el negro, un reto que ofrecen los paisajes nevados que fotografía mientras snowboarders dibujan sus líneas imposibles. Zapalac intenta dominar la luz del blanco más puro para dejar un hueco a las sombras, que son a fin de cuentas las que dibujan las formas. Los contrarios se necesitan para ser. Life is a game of opposites: Love and hate, laugh and cry, win and lose. Photographer Danny Zapalac finds himself involved in a fight between white and black, a challenge offered by the snowed landscapes of his photography while snowboarders draw their impossible lines. Zapalac tries to bring the light of pure white under control to let space for shadows, as they are in the end the ones drawing shapes. Opposites need themselves to be.

www.dannyzapalac.com

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“Estar en la montaña, lejos de todo el ruido, reconforta el alma”

¿Qué es lo que amas de la fotografía?

Poder ver con tus propios ojos es un regalo y eso es algo que debemos recordar. Tuve la suerte de empezar este viaje tras la lente antes de que llegara el digital. El tiempo que pasaba tomando fotos, procesándolas e imprimiéndolas era asombroso. Eso te enseñaba a trabajar bien la exposición y a pensar en lo que estabas fotografiando, ya que si no lo hacías, había consecuencias. No existían botones de automático o eliminar si tu fotografía era un desastre.

Tengo una conexión especial con esa área. No sé por qué, pero me siento cómodo en “The Hol”. Los paisajes con nieve no son muy coloridos, y el blanco es el color predominante. Háblanos de tu uso del blanco y negro para la fotografía en la nieve.

Al principio hacía fotografía sin color. Vivía en el mundo de la película Agfa 400 y el procesado con Rodinal. Todo se basaba en el sistema de zonas desarrollado por Ansel Adams. A veces, me siento como un murciélago viendo el mundo en blanco y negro.

¿Cómo te convertiste en fotógrafo?

Cuando iba a la universidad trabajaba en una tienda de snowboard. Tras graduarme, me enamoré de la fotografía y me apunté a una escuela de foto. En la tienda había conocido a gente guay, entre ellos mi amigo Gus. Él trabajaba en Oakley y me preguntó si quería hacer un road trip durante dos meses como fotógrafo de riders como Terje, BJ Leines, Guch, Trevor Andrew, JJ Thomas, etc. Dije que sí.

¿Qué es lo que te gusta de la fotografía sobre nieve y snowboard?

El color blanco es lo más puro. También es una de las cosas más difíciles de fotografiar. La técnica del sistema de zonas de Ansel Adams sitúa la exposición en la nieve sobre el 8 sin perder detalle. Los artistas intentan mantenerse en esta zona conservando suficientes detalles hasta en la sombra más oscura. Me encanta jugar a ese juego.

Háblame del proyecto “Winter WanderlustNess”.

Durante los meses de invierno de la última década, me he sentido atraído por las montañas cubiertas de nieve fresca. Suelo respirar mejor en este tipo de lugares. Además es muy inspirador para la fotografía, ya que la belleza y la soledad ofrecen un paisaje de amor.

¿Cuál es el reto a la hora de fotografiar snowboarders?

El clima es lo primero en la lista. Uno no puede contar con la regularidad cuando documenta este deporte. Debemos adaptarnos rápido para conseguir la instantánea. ¿Y cuál es la clave para conseguir una buena toma?

¿Cómo describirías la fotografía de este proyecto?

Siempre se ha basado en conexiones emocionales. Winter WanderlustNess es uno de los muchos aspectos de la vida en los que me encuentro con mi cámara. Estar en la montaña, lejos de todo el ruido, reconforta el alma. ¿Dónde sueles realizar las sesiones de fotos de snowboard?

La montaña que considero mi hogar es Jackson Hole, en el estado de Wyoming, aunque vivo en California. Allí conocí a Bryan Iguchi, Travis Rice y a mi preciosa mujer.

Determinación y whiskey, porque cuando hace frío y estás allí congelándote, esperando sentado a que un rider baje, eso te salva la vida. ¿Qué te inspiran la naturaleza, la nieve y el snowboard?

Tengo alma hippy. Mis padres solían traernos de acampada a las montañas del sur de California, de donde conservo mis primeros recuerdos de árboles, nieve y formaciones rocosas. Algo se me quedó de todo eso y lo he amado desde entonces. Ahora que tengo un hijo, quiero inspirarlo para que conecte con la naturaleza.

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“To be in the mountains away from all the noise soothes the soul”

What do you love about photography? And what do you hate?

To be able to see with one’s eyes is a gift and we all must remember that. I was fortunate to begin my journey behind the lens before the digital age arrived. The amount of time one spent shooting, processing and then printing the photos was staggering. That taught you to properly expose film as well as think about what you were shooting as there would be a consequence if you didn’t. We had no auto this, delete that button to push on a screen if your shot turned out shitty*. How did you become a photographer? (and specifically a photographer of snowboarding)

I worked at a snowboard shop while going to college. After I graduated from that college I fell in love with photography and then enrolled in photography school. I had met some cool cats through the shop one of them being my good friend Gus. He worked at Oakley and asked if I wanted to take a two month road trip shooting guys like Terje, BJ Leines, Guch, Trevor Andrew, JJ Thomas, etc... I said yes. Tell me about your project “Winter WanderlustNess”.

During the winter months for the past decade +, I’ve find myself attracted to fresh snow covered mountains. I tend to breathe better in these types of regions. It also allows for photographic opportunities to flourish as the beauty and solitude provide a landscape of love. How would you describe your photography relating this project?

It’s always been about emotional connections. I tend to lean towards these types of photographs. Winter WanderlustNess is one of the many aspects of life that I find myself in while carrying a camera. To be in the mountains away from all the noise soothes the soul. What are your usual places for the snowboarding photo sessions?

My home mountain is Jackson Hole, Wyoming even though I live in California. It was where I met Bryan Iguchi, Travis

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Rice as well as my beautiful wife. There is a connection to the area there that speaks to me. Not sure why, but I feel comfortable out in “The Hole.” Landscapes with snow aren’t very colorful themselves, and white is the predominant color. Tell us about your use of black and white in these pictures.

I first used photography with no color. Agfa 400 processed in Rodinal was the world I lived in. It was all about Ansel Adam’s zone system. At times, I feel like a bat viewing the world in B/W. What do you like about photography featuring snow and snowboarding?

The color white is a super pure tone. It also is one of the most difficult things to photograph. Ansel Adam’s zone system places snow at around an 8 without loosing detail. Craftsmen strive to be in this zone while still having enough details in the darkest of shadows. It’s this game that I love to play. What is the challenge or what are the difficulties when shooting snowboarding?

The weather is at the top of this list. One can never count on consistencies when documenting this sport. We must be able to adapt quickly to get the shot. What is the key for shooting a great snowboarding picture?

Determination and Whiskey, because when it gets cold while sitting there freezing waiting for a rider to drop that fine nip of the hard stuff saves the day. What does nature, snow and snowboarding inspire you?

I’m a hippy at heart. My parents took us camping here in the local mountains of Southern California. Those were one of my first recollections of trees, snow, and formations of rock. Something stuck with me and I’ve loved it ever since. Now that I have a son, I most definitely will be inspiring him to connect with nature.

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ANALOGIC WAVES JORGE HUNT T: ANNA BOGUTSKAYA

Jorge Hunt se define por sus tres pasiones: el surf, la música y la fotografía. Lleva sacando fotos desde antes de que se acuerde, fascinado por la magia de la fotografía analógica, la experimentación con los procesos de revelado, la impredicibilidad de la película, las texturas de los distintos formatos. Sus fotos respiran calma, ambientes bonitos, amistades lejanas, viajes impromptu. No son tanto escaparates del talento de Hunt, sino momentos que mantiene vivos gracias a él. En diciembre del año pasado colaboró con lamono, Raen Optics y Kassia Meador en una exposición en el pop-up madrileño The Hovse. Eso fue solo el principio o, como dice Hunt, “una especie de aperitivo”. Jorge Hunt defines himself by his three passions: surfing, music and photography. He’s been taking pictures since before he can remember, fascinated by the magic of analogue photography, the experimentation with the development processes, the unpredictability of film, the textures of different formats. His photos exude a certain calmness, pretty landscapes, far-away friendships and impromptu trips. They’re not so much displays of Hunt’s talent as they are beautiful moments kept alive by it. In December he collaborated with lamono and Raen Optics in a show with Kassia Meador at the Madrid pop-up The Hovse. That was just the beginning or, as Hunt puts it, “a sort of appetizer”. 127

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¿Como empezaste a sacar fotos?

No recuerdo cuándo exactamente, pero siempre me ha gustado la fotografía, desde pequeño, sobre todo la analógica. Desde los quince años enredo con las cámaras de mi padre. Un día me dejó una que compró antes de que yo naciera, una de 35mm, y la sigo usando. ¿Siempre te has sentido más atraído por las cámaras analógicas que por las digitales?

Sí. Mis padres me regalaron una digital y al principio sí la usaba, pero perdía la gracia porque sacaba muchas, muchas más fotos y al final la illusión se desvanece. Con una foto analogical tienes ganas de ir a revelarla, o hacerlo tú en casa. Para mí, es como magia. La digital la uso para hacer vídeos. ¿Qué es lo que te atrae de la película en general y del medio formato en particular?

Del medio formato, la calidad, me parece impresionante. Pese a ser una cámara “antigua” no tiene nada que envidiar a una cámara digital tope gama. He aprendido mucho sobre fotografía gracias a las analógicas. Me gusta tanto una de 35mm como Polaroid como una 120, soy muy inquieto, Colecciono cámaras y ahora tengo siete cámaras que uso. Me gusta el hecho de que ya no se use tanto, aunque está resurgiendo bastante. ¿Cómo fue tu aprendizaje fotográfico?

Pues equivocándome mucho. Y me sigo equivocando. Creo que se aprende de los fallos. Cuando sacas una foto tienes ganas de ver qué has hecho mal y qué has hecho bien. Y cuando algo funciona, intentar ver qué es para volver a hacerlo. Pero no siempre sale como tú quieres. Siento pasión por ese tipo de fotografía y es lo que me engancha. Igual que con el surf: nunca es la misma ola, nunca son las mismas condiciones, y te tienes que adaptar. Un día lo haces muy bien y estás orgulloso y otro día no has surfeado tan bien, o no has hecho buenas fotos, pero lo sigues intentando. Y es lo que a mí, personalmente, me apasiona y me engancha. Al fin y al cabo no es por dinero por lo que yo no me dedico a ello.

La estética también me encanta. Por eso ahora estoy muy vinculado al surf y a la fotografía. El tipo de surf que me gusta a mí está muy vinculado al arte, la fotografía y la música. Es mi estilo de vida. ¿Y cuando empezaste a sacar fotos a ese mundo, a unir las dos pasiones?

Desde el principio. Desde que empecé a hacer surf vi que encajaba. La luz casi siempre es buena, las condiciones son distintas así que nunca sacas la misma foto. Es algo tan estético que creo que funciona muy bien. Me compré una cámara de 35mm antigua de agua, la Nikonos 2, de 1968, que diseñó Cousteau para Nikon. Considero que es muy difícil de usar pero es lo que me gusta, que sea complicado. A veces me pongo las aletas, me meto al agua y disfruto. Hace poco tuviste una exposición en The Hovse, en Madrid, junto a Kassia Meador en colaboración con Raen Optics, lamono. ¿Cómo surgió esa colaboración?

Raen contactó conmigo porque les gustaba mucho el estilo que tenía y les encajaba mucho con la marca. Yo sacaba fotos y ellos las usaban en sus redes sociales. Entonces pusieron un pop store en The Hovse y me preguntaron si les podía mandar unas fotos para usar como expo y como decorado. Les mandé fotos de California y de Hawai, donde estuve el verano pasado. Digamos que fue una especie de aperitivo. No había muchas fotos porque no había espacio, pero fue un inicio de algo más que va a haber. Se está hablando de hacer una exposición en el norte, aunque no tenemos confirmada todavía la sala. También de hacer algo conjuntamente con Kassia, que también es embajadora de Raen en California. Todo vinculado al surf, la amistad y la fotografía. ¿Hay algo que no te gusta de la fotografía? Perder una foto. Eso lo odio, me ha pasado muchísimo. Disparas y piensas que será una pasada y luego ves que se ha velado, o que no es tan buena. Igual pasa al revés: “esa foto que he sacado, no va a ser buena” y luego ves que es increíble. ¿Viajaste a los Estados Unidos para hacer fotos?

¿Cómo te enfrentas a la foto: estás esperando a que pase algo o creas tú la escena?

Es complicado, sobre todo con la gente. Suelo liar a mi mujer para que pose. También me gusta hacer fotos a gente en la calle. No suelo organizarlo. Veo algo que me interesa y me acerco. Creo que cuando más surge es cuando viajas, cuando te mueves. Últimamente me está gustando mucho volver a sacar fotos en blanco y negro y revelarlas en casa con el tanque, mis líquidos, reciclando, usando carretes caducados y carretes de diapositiva pero revelándolos con el proceso cruzado. Sobretodo si en la foto hay mucho color, en la playa por ejemplo, que hay mucho amarillo y mucho azul. Cuando lo llevas a revelar te salen unos colores que ni con Photoshop. Son experimentos. A veces salen cosas curiosas y otras horribles. Voy probando. ¿Ha habido algo o alguien que te haya influido mucho en el tipo de fotos que sacas, cómo te acercas a la gente a la que retratas?

Me han inspirado e influenciado mucho los fotógrafos americanos como Thomas Campbell, Ryan Tuttle y Brooks Sterling. Son gente que sigo y de vez en cuando estoy en contacto con ellos. Les pido consejos y me fijo en ese tipo de fotografía, que me inspira mucho. Les pregunto sin cortarme qué apertura han usado o qué velocidad o con qué cámara han sacado la foto. Y si hay algo que me ha gustado mucho, busco en eBay la cámara que han usado y pujo por ella. En realidad son como secretos, pero ellos los cuentan. También miro álbumes de mis padres, de los padres de mi mujer, veo texturas curiosas... Todo ese tipo de cosas me inspiran. ¿Cómo entraste en el mundo del surf?

Pues hace muy poco, tres años y medio. Quería empezar un deporte nuevo. Me apetecía aprender algo que fuera difícil. Además de ir a la playa e intentar coger olas y que no se me diera demasiado bien. Un amigo, Rubén Fuente, que trabaja para una marca de surf, me estuvo aconsejando y me prestó tablas. Siempre he tendido más hacia el longboard. Me parece muy elegante y muy curiosa la cultura del longboard.

En realidad fue un viaje de trabajo. Soy profesor de inglés y llevé a alumnos a un campus universitario. Mientras los niños estaban en clase, cogía el coche y me iba a San Onofre, Malibu y sacaba fotos de gente interesante, que hay mucha. Me compré una tabla, hablé con varios shapers de San Diego y Los Ángeles. Hice buenas amistades. ¿Qué te pareció el mundo del surf estadounidense comparado con el español?

Totalmente diferente. Allí todo el mundo quiere hablar contigo. Te sientes como en casa, muy arropado. Todos te dan consejos, sin conocerte, sin saber tu nombre. Saben que eres de fuera y se acercan, te hablan sobre picos secretos, buscan conversación, se acercan a ver qué tabla tienes, posan para las fotos... todo con una sonrisa en la cara. Es una cultura de la que tenemos mucho que aprender aquí. También es que allí llevan más generaciones. Tengo entendido al principio había mucha competencia, la gente estaba más a la defensiva. Pero ahora lo que veo es que la gente es muy abierta, y respetan todo tipo de estilos. Y es algo que aquí creo que no pasa, pero pasará, poco a poco. ¿Algo que adores?

Adoro estas tres cosas: la música, la fotografía y el surf. Es lo que me da alegría cada día. Cuando no es una cosa, sé que es la otra. ¿Algo que odies?

Odiar es una palabra un poco fuerte. Odio cualquier idea que se lleve al extremo, la gente que lleva algo al extremo y cree que siempre tiene razón. Todos los extremos en general, de cualquier cosa. ¿Algún proyecto que tengas entre manos?

Tengo pendiente la exposición con Kassia, lamono y Raen, que me hace mucho ilusión. Calculo que se va a realizar a principios de este año. Me gustaría, algún día, hacer una recopilación de mis fotos y plasmarlas en un libro.

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How did you start taking pictures?

I don’t remember exactly, but I’ve always liked photography, ever since I was little. I’ve always been fascinated by analog photography. I remember messing around with my father’s cameras at about fourteen or fifteen. One day my dad gave me an analog camera he’d bought before I was born, a 35mm camera, and I still use it. Have you always been more drawn to analog cameras instead of digital ones?

Yes. My parents gave me a digital camera as a gift and, in the beginning I used it, but the fun was lost because I took many, many more photos and they lost their spark. When you take a picture with a film camera you’re excited to develop it at a lab or at home. And for me, that’s like magic. I use the digital camera a lot for videos. What attracts you to film and, specifically, medium format?

The quality of medium format. I find the quality amazing. Despite being an “old” camera, it’s as good as a high range digital camera. I’ve learnt a lot about photography with a film camera. I like 35mm as much as Polaroid as much as 120, In the end, I’m very curious and I like to experiment. I collect cameras and now have seven film cameras that I regularly use. I like the fact that not that many people do it, although I think there’s a revival happening. How did you learn photography?

Making a lot of mistakes. And I still make them. I think you learn by making mistakes. When you take a picture you want to see what you’ve done right and what’s gone wrong. And if you do something right, you try to see what you did so you can replicate it. But it doesn’t always go the way you want it to. I’m very passionate about that type of photography, it’s what I think has me hooked. The same goes for surfing: it’s never the same wave, never the same conditions, and you have to adapt. One day you’ve done good and you’re proud, and the next day you haven’t surfed that well, or haven’t taken any good photos, but you keep trying. That’s what I personally find so fascinating and addictive. I don’t make any money from taking photos, but I’m hooked.

culture seemed very elegant, very interesting to me. And I really liked the general aesthetic. That’s why I’m very into surf and photography. The type of surfing I like is very linked to art, photography and music. That’s my lifestyle. When did you start photographing that world, linking your two passions?

From the beginning. From the moment I started surfing I saw how it fit. The light is almost always good, the conditions are always different so you never take the same picture twice. The whole aesthetic works really well. I bought an old underwater 35mm camera, the Nikonos 2 from 1968, which was designed by Cousteau for Nikon. I find it really difficult to use but that’s what I like about it. Sometimes I just get my flippers, get in the water and enjoy. You recently had an exhibition at The Hovse, in Madrid, in collaboration with Raen Optics, lamono and Kassia Meador. How did that come about?

Raen contacted me because they like my style and felt it really fit into their brand. I took pictures and they used them on their social networks. They set up a pop-up store in The Hovse and asked me if I could send them some pictures to use for an exhibition and as decor. I sent them photos from California and Hawaii, where I traveled last summer. Let’s say it was sort of an appetizer. There weren’t many photos because the space was limited, but it was the beginning of something else. We’re talking about setting up a show in the north of Spain, although we still haven’t confirmed a space. And we’re talking about doing something with Kassia, who’s a Raen ambassador in California. Everything is linked to surf, friends and photography. Is there something about photography that you don’t like?

Losing a picture. I hate that, and it’s happened so many times. You take a picture and think it’s going to be amazing and then it’s overexposed or that it’s not so good. It happens the other way around too: you think something’s not going to be good, and then it’s incredible. Were you in the States to take pictures?

How do you approach photography: do you wait for something to happen or do you stage your pictures?

It’s complicated, especially with people. I tend to get my wife to pose for me. I also like taking pictures of people on the street. I don’t organize. When I see something I find interesting, I get closer. This happens more when you travel, when you move around. Lately I’ve been enjoying taking black and white pictures and processing them at home, with my tank, my chemicals, reusing them, using expired film, cross-processing slide film... Especially if there’s a lot of color in the photo, like the beach, with many yellows and blues. When you cross-process the film you get colors that you can’t replicate, even in Photoshop. They’re experiments. Sometimes you get interesting results, others are horrible. I keep trying. Have you had any major influences on the type of pictures you take, on your approach to the people you photograph?

I’ve been greatly inspired by American photographers like Thomas Campbell, Ryan Tuttle and Brooks Sterling. These are people I follow and sometimes I get in touch with them. I ask them for advice and research that type of photography, the one that really inspires me. I see a photo of theirs and ask them what aperture they used, what shutter speed or camera. And, if I really love it, I’ll look for the camera on eBay and bid on it. Really, it’s secrets, but they tell me. I also look at my parents’ albums, my wife’s parents’ photos, where I find interesting textures... All those things inspire me.

Actually it was a business trip. I’m an English teacher and I took some students to a college campus. While there were in class, I took the chance to get in the car and go to San Onofre, Malibu and take pictures of interesting people, there’s a lot of those. I bought a board, talked to some shapers in San Diego and Los Angeles. Made some good friends. What was the American surf scene like, compared to the Spanish one?

Totally different. Everybody there wants to talk to you. You feel very at home, very warm. Everybody wants to give you advice, without knowing who you are, what your name is. They want to get closer, talk to you about secret spots, make conversation, pose for pictures... always with a smile on their faces. It’s a culture we can learn a lot from over here. They have a few generations behind them. I take it that in the beginning, there was a lot more competition, people were more aggressive. But what I’ve seen now is very open people, very respectful of all styles. That’s something we’re missing here, I think, but we’ll get there. Something you love?

I love three things: music, photography and surf. It’s what makes me happy, everyday. When it’s not one, it’s the other. Something you hate?

Hate is a strong word... I hate any idea that’s taken to the extreme, the people that take something to the extreme and think they’re always right. In general, the extremes.

How did you get into the surf world?

Not that long ago, about three and a half years ago. I wanted to start a new sport, learn something that was difficult. I went to the beach and tried catching some waves and wasn’t that good at it. A friend called Rubén Fuente, who works for a surf brand, gave me some advice, lent me some boards. I’ve always been more drawn to the longboard. This

What plans do you have for the future?

I’m very excited about this exhibit with Kassia, lamono and Raen. I reckon it’s going to happen at the beginning of the year. I’d like to, someday, publish a collection of my photos in a book. I don’t know if it’s ever going to happen that that’s something that I’d love to do.

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KEPA ACER0 T: IBONE IZA ARANGUREN + EVA VILLAZALA F: MAUD – SOPHIE ANDRIEUX - MAUDSOPHIE.COM

THE MAN WITHOUT LIMITS.

Mamá África. Esa tierra naranja engancha. Con sus mares desordenados y sus gentes moldeadas a base de supervivencia y aprendizaje. De Namibia a Angola, donde rodó Under Desert Sun, Kepa Acero hace escala en Pukas Barcelona para presentar el film antes de volver de subirse a un coche-grúa que acaba de comprar con destino Sudafrica. Charlamos con él delante del mar. Y algunos de los que pasan, paran para hacerse una foto con él. Su lucha por derribar fronteras, sobretodo las interiores, lo han hecho admirado y admirable. La gran lección a aprender es que los límites los ponemos únicamente nosotros. Mother Africa, with its mesmerizing orange earth. Land of chaotic seas and people shaped by survival and learning. On his way from Namibia to Angola, Kepa Acero makes a quick stop in Pukas Barcelona to present Under the Desert Sun. Once in Angola, where Under the Desert Sun was filmed, he plans to drive down to South Africa. As we chat with him in front of the sea, people stop to take pictures with him. He has become admired by his remarkable struggle to bring down barriers, mostly his inner ones. The great lesson to learn from him is that we decide our own limits.

kepaacero.com ¿Cómo se gestó el viaje a Angola?

Hice un viaje a Namibia hace tres años. Desde ahí, el siguiente país al norte es Angola. Empecé a ver que había mar que entraba grande y me picó la curiosidad. Al año siguiente cogí un billete, la mochila y me fui solo. Estuve allí un mes y medio. Es un país muy duro. En esa ocasión no tuve suerte con las olas, pero le vi mucho potencial. Angola es muy interesante pero muy caótico al mismo tiempo: después de una guerra de 40 años está todo por hacer. Volví a casa y cuando llevaba quince días ya estaba pensando en volver. Esta vez quería compartirlo con un amigo así que llamé a Dane Gadauskas, así de sencillo, nos fuimos los dos y estuvimos un mes allí. ¿Era la primera vez que hacías un viaje con Dane?

Sí, pero lo conocía de cuando competíamos y desde siempre me pareció una persona muy optimista, un buen compañero de viaje. La primera vez que lo vi estaba con sus dos hermanos en Zarautz, no paraba de llover, hacía un tiempo horrible. Todo el mundo estaba muy deprimido pero ellos tres no paraban de decir “este sitio es increíble, el mejor que he visto en mi vida”. Su energía es siempre muy positiva. Nos hicimos amigos y me pareció la persona perfecta, con iniciativa, para afrontar los momentos duros. La verdad es que fue una gozada. ¿Resultó una experiencia muy diferente a la de tu primer viaje solo?

Sí, ir solo es bonito, pero no sé quien decía que la soledad es buena cuando tienes con quién compartirla. Yo estuve solo allí mucho tiempo pero siempre con la sensación de querer compartir algo. Es una genial estar con un amigo en el desierto, compartiendo ese momento. Además ya tenías más confianza con los locales por haber estado solo allí un tiempo…

Sí, yo tenía esa confianza y aunque para Dane era todo nuevo, tenía amigos que había hecho allí, así que al final fue bastante fluido dentro de lo cabe. ¡Y encontrasteis olas!

Las condiciones para surfear mejoraron sí, lo mejor era estar en un pueblo de pescadores, ver que entraba una izquierda y plantarte allí con

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la tabla. Los locales flipaban cuando te ponías de pie; se montaba una fiesta, todo el mundo gritaba: “Ostia hay un tío caminando en el mar”. Lo bonito de este viaje no son solo las olas que encuentras, sino también la sensación de que estás surfeando en un sitio donde todo es nuevo, entras a un universo diferente. ¿Y los locales querían aprender a surfear?

Durante el primer viaje les enseñé a hacer surf pero no tenía tablas para dejarles. Aprendieron muy bien, eran muy ágiles y como ellos tienen cultura de hacer barcos seguro que hoy en día ya han construido sus propias tablas. Lo mejor es esa sensación de “intercambio”, tú te llevas mucha información valiosa para ti, pero ellos también se quedan algo. No una cosa económica sino más humana, de conocimiento. Y supongo que esa es una de las sensaciones que más enganchan para viajar solo, como sueles hacer normalmente; aunque en este último caso hayas hecho una excepción.

Sí, es sobre todo esa sensación de que todo es nuevo, que no sabes exactamente lo que va a pasar. Es enfrentarte al miedo de coger una mochila e irte a Alaska por ejemplo, sin saber cómo como vas a llegar a los sitios más recónditos, lo que es increíble es que si tienes actitud de seguir, de repente te vas encontrando a gente, un pescador que tiene un barco se ofrece a llevarte y así llegas a una isla llena de osos y los nativos te ofrecen una pistola por si alguno te ataca y tienes que defenderte. Cosas así. Si te enfrentas a tus propias fronteras de repente las cosas salen. ¿Cuál es tu próximo proyecto?

Vuelvo a viajar solo. He comprado un coche antiguo que era una especie de grúa, es un coche duro, industrial, salgo desde Bilbao y voy hacia Africa pero sin saber hasta donde, pasaré por Marruecos, Mauritania, Senegal e iré viendo, me gustaría llegar a Sudafrica pero no sé si con ese coche llegaré. En principio serán cuatro meses de viaje pero no tengo prisa, ningún sponsor me presiona, tengo mucha libertad.

How did you come up with your trip to Angola?

I made a trip to Namibia three years ago and Angola is the next country north of Namibia. I got curious as soon as I saw the ocean there. The following year I got a ticket, my backpack and traveled there by myself. I was there for a month and a half and it’s a very rough country. Although I wasn’t very lucky with the waves on that occasion, I saw a lot of potential. Angola is a very interesting and chaotic place, it seems like a lot remains to be done after a 40 year war. When I came back home, after fifteen days I was already planning my return, only this time I wanted to share it with a friend. So I just called Dane Gadauskas and we both went and stayed there for a month. Was this your first trip with Dane?

Yes, but I knew him from before, when we were in competitions. He always seemed like a very optimistic person, like he would be a good travel companion. The first time I saw him he was with his two brothers in Zarautz. It was pouring down with rain and everyone was very depressed. They were the only ones that kept saying: “this place is amazing, the best I’ve seen in my life.” He always has a very positive attitude. We became friends and I thought he would be the perfect person to travel with, he had the initiative needed to go through hard times. We honestly had a blast. Was the experience very different to that of your first trip by yourself?

Yes traveling on your own is nice, but I’ve heard somewhere that solitude is good only when you have someone to share it with. I was by myself a lot there and I always felt like sharing. It’s a real pleasure to be able to live these moments in the desert with a friend. And because you had spent some time there before, you were also more confident with the locals...

Yes, I felt very confident and even though everything was new for Dane, I had already made friends there, so it ended up flowing quite nicely, considering.

village, seeing a wave coming up on your left and standing on the board. The people from the town were amazed when they saw me stand, they cheered and everyone was yelling “God! There’s a guy walking on the sea.” Not only waves make these trips beautiful, the feeling of surfing in a place where everything is new also does, it’s a whole new universe you enter in. And did the locals want to learn how to surf?

The first time I was there I taught them to surf, but I didn’t have any extra boards to leave them. They learned fast, they were very agile. I bet that by now, they have already built their own boards. They are a boat building culture. The feeling of exchanging information and knowledge is one of the best things, you learn something from them and they learn something from you. Something more human than an economic transaction. And I guess that’s one of the main reasons you usually travel alone, even though this time you’ve made an exception.

Yes, it’s mostly feeling that everything is new, of not knowing exactly what will happen. Like taking your bag and traveling to Alaska without the slightest idea of where you’re going and how to reach the most remote areas. What’s most amazing is that with the right attitude you start meeting the right people. I met a fisherman that offered to take me to an island full of bears. The natives there even gave me a gun so I could defend myself against bears. If you push your limits you find out that things start to happen. What is your next project? I plan to travel by myself again. I bought an old tough industrial vehicle, kind of like a tow truck. I´m driving from Bilbao all the way down to Africa. I will be going through Morocco, Mauritania, Senegal and then I’ll see what happens. I’d like to reach South Africa, but I’m not sure if I the car will make it that far. It’s planned to be a four month trip, but I’m not in a hurry and I don’t have the pressure of any sponsors so I’m pretty free to do what I want to.

And you found waves!

The conditions improved yes, but the best thing was being in a fishing

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The Growlers Are you in or out? T: ANTONELLA SONZA PH: MAUD SOPHIE ANDRIEUX

Si algo define a The Growlers es que no se les puede definir. Son los creadores de la etiqueta Beach Goth, en un intento de describir su sonido: una especie de garage surfero con toques de oscura psicodelia, una mezcla muy apetecible. Parece que vivan en anarquía, y a pesar de las borracheras y la juerga (parte de su ADN), su gran baza es la sinceridad, querer pasárselo bien sobre todas las cosas y la crudeza de mostrarse tal cuál, sin artificios. Fans del Do It Yourself, rechazaron la propuesta de Dan Auerbach, de The Black Keys, para producir Hung at Heart porque el resultado iba a ser demasiado digital. Ahora, con su nuevo EP, Gilded Pleasures, demuestran que se lo toman en serio, evolucionando hacia un sonido más R&B, sin abandonar su sello psicodélico. Los vimos en acción en el pasado Surfinity In Sound, junto a Tomorrow Tulips - Alex Knost al frente-. Horas antes del concierto, nos sentamos ante Brooks Nielsen, frontman del grupo, que respondió a nuestras preguntas a la vez que nos enseñaba sus múltiples tatuajes, cada uno con su historia. If there is anything that defines The Growlers is that they can’t be defined. They are the creators of Beach Goth label. Their almost indescribable interesting style is a mix of surf and garage with hints of dark psychedelia. It seems they live in anarchy and even though they party hard (something they carry in their DNA), their real secret weapon is their honest way of presenting themselves without masks and their willingness to have a good time no matter what. They turned down there offer of Dan Auerbach of The Black Keys to produce Hung at Heart only because the result would be too digital and they prefer everything DIY. Their new EP, Gilded Pleasures, show that they can be serious and evolve into an R&B sound, without forgetting their psychedelic roots. We got to see them play along with Tomorrow Tulips (Alex Knots’ group) and filmmaker Jack Coleman at the past edition of Surfinity In Sound. We sat down with Brooks Nielsen, frontman of the group, a couple hours before the concert to talk about surf, music and life, while he showed us his tattoos and told us the story behind each one.

www.thegrowlers.com 138

Cuéntanos un poco, ¿cómo va el tour junto a Tomorrow Tulips?

Acabamos de llegar de Bruselas después de doce horas conduciendo. Como llegamos antes de lo previsto, nos fuimos de fiesta ayer toda la noche y hoy ¡hasta nos ha dado tiempo de ir a la playa! Es un tour de un mes que nos llevará por diferentes ciudades de Europa. En Barcelona ya estuvimos hace seis meses, nos sentimos muy cómodos aquí. Viajáis en una furgoneta juntos. Seguro que tenéis un montón de anécdotas que contar.

Alex Knost y yo empezamos nuestras bandas al mismo tiempo en diferentes lugares. Los dos venimos del mundo del surf, desde muy jóvenes. Así que cuando nos conocimos, en seguida nos dimos cuenta de que teníamos que pasar mucho más tiempo todos juntos. Fue como una amistad instantánea que dura hasta ahora. Nos vamos de fiesta, surfeamos y tocamos juntos. En casa, nos vamos todos de tour en un gran y viejo autobús de estos de colegio, y es genial. Si ellos se dejan a su batería, nosotros les dejamos el nuestro (al que le encanta hacer doble set), es como ser una gran banda. Incluso a veces, nos sentimos demasiado cómodos (risas). ¿Qué cosas creéis que tenéis en común con Tomorrow Tulips?

Somos como polos opuestos que se atraen. Alex es un tío sensible, y yo no lo soy para nada, mi madre os lo puede confirmar. Pero nunca discutimos. Creo que lo que tenemos en común es que no podemos parar de crear cosas juntos, y a veces esperamos demasiado de la gente. Siempre tenemos proyectos entre manos. Puede sonar algo egoísta, pero los dos somos líderes natos, nos gusta controlar, pero porque sabemos lo que hacemos. Y lo que queremos es que la gente sea feliz. ¿Por qué crees que el surf, la música, el arte y la fotografía están tan relacionados?

Cuando has crecido en un ambiente de surf y haces música, tu sonido será inevitablemente surfero. Y alguien que no provenga del surf, oirá tu música y dirá: esto es una banda surfera. Crecimos en las playas, es una comunidad pequeña. Con el tiempo, hemos construido ciertas reglas, que tenemos que respetar. Está en nuestras raíces. Cuanto más viajo, más aprendo y más mayor me hago, me doy más cuenta de ello. A veces la gente viene y me dice: ¿sois de aquí? ¿de Texas quizás? Son gente que no escucha este tipo de grupos, es algo desconocido. Surfeamos cada vez que podemos. Incluso cuando estamos de tour.

¿Cuál es la esencia que crees que tiene The Growlers y que los hace únicos desde sus comienzos?

Nos suelen decir: ¡tendríais que ser más grandes de lo que sois, tendríais que ser enormes! Pero preferimos ir poco a poco, hacer las cosas a un nivel más discreto, y, sobre todo, estar seguros de nuestras grabaciones. No tengo miedo de que nos convirtamos en una banda de masas, pero a veces pasa demasiado pronto. Somos aún bastante inmaduros, no sabemos muy bien lo que hacemos. Parece que si nos hacemos grandes, tendremos que aprender a hacer las cosas de manera profesional. Y lo que nos hace únicos es nuestro proceso de componer, es todo casual, como una lotería. Nuestra música viene de la emoción. No seguimos ningún plan. No sabemos lo que estaremos haciendo en enero. Mi único plan ahora mismo es volver a casa y buscar un buen estudio y productores que quieran colaborar con nosotros. ¿La inspiración siempre llega?

A mucha gente le cuesta inspirarse, pero a mí me viene fácilmente. Creo que es porque cuando monté la banda, los chicos dejaron sus trabajos y se comprometieron del todo con este proyecto. Por eso, me tiene que venir la inspiración, por ellos. Necesitamos el dinero y además, ellos se lo merecen. No puedo abandonar.

PEOPLE DON’T GET THAT A LOT OF INSPIRATION COMES FROM HATE Why do think surf, music, art and photography are so related?

When you come from a surfing background, and you make music, you will inevitably have a surf sound. When someone without a surf background hears our music they say we’re a surf band. We grew up in a small beach community and over time we have come up with certain deeply rooted rules that have to be followed. The more I travel and learn and the older I get, the more I realize this. We grew up watching surf movies, listening to other surf bands, and that reflects in everything we do. Sometimes people who are not used to listening to this kind of music asks us if we are from Texas or something. It’s something new to them. We try to surf every day, even when we are on tour.

¿A veces piensas que estás sacrificando cosas por llevar este estilo de vida?

What do you think makes The Growlers unique?

Completamente. Cuando estás en la carretera, desde que te levantas hasta que te acuestas estás trabajando; siendo educado en las entrevistas, intentando mantener a la gente motivada, etc. Cuando estoy en el escenario, también. No puedes abrirte del todo a la gente. Creo que todo esto lo hago más por los fans o por el negocio, que por mi propia familia. A veces, algún amigo viene a hablar conmigo después de un show y no puedo hablar mucho con él porque tengo mil cosas que hacer. Cuando estoy de tour durante un mes, hablo con mis amigos una sola vez. Quizás es culpa mía, pero me he comprometido con esto y con ser ejemplo a seguir para estos chicos, para que hagan algo en la vida.

Sometimes people tell us we should be huge, but we prefer to go slow, and keep a low profile and above all be sure about what we record. I’m not afraid of being a mainstream band but sometimes it can happen too soon. We are still very immature and we are not exactly sure what we are doing. It seems like if we become more popular, we will need to learn how to do things professionally. And what makes us unique is our casual and spontaneous writing process. Our music comes from our emotions. We don’t follow any plan. We don’t know exactly what we will be doing in January. My plan right now is to go back home and find the right studio and good producers willing to work with us.

El monotema de este número es lovers/haters. ¿Qué es lo que amas y odias más en este mundo?

Does inspiration always come?

Soy más del tipo de persona a la que le gusta odiar. No es que odie absolutamente todo, pero la gente no entiende que la mayor parte de la inspiración surge del odio. Es algo en lo que pienso todo el tiempo, me inspira muchísimo. Por ejemplo, a veces veo un grupo muy popular y todo me parece un broma, y en lo único que pienso es en escribir una canción sobre ello. Eso sí, lo único que no odio es que la gente odie (risas). Es gracioso, porque si le haces esta misma pregunta a Alex (Knost), él te dirá: ¡no odio nada! (risas). Y ahora en serio, lo que más odio es a la gente que no le gustan los animales, no me parece natural.

Many people find it hard to get inspired, but it comes easily to me. I think it’s because when we formed this band, we all quit our jobs and really devoted ourselves to this project, I have to be inspired, for them. We need to make a living and they deserve it, so I can’t bail out on them. We party a lot, but when it comes to work, we are really serious. I feel like I’m wasting my time if I’m not working. I’m not the kind of guy who sits on the couch to watch a movie. I have to make myself productive. Do you sometimes feel you’re sacrificing things for this lifestyle?

We just arrived from Brussels after a 12 hour drive. Since we got here early we decided to party all night last night, and we even had enough time to go to the beach today! It’s a one-month tour that will take us through different european cities. We were in Barcelona six months ago and we feel very comfortable here.

Completely. When you’re on the road, from the minute you wake up, till the minute you go to bed, you’re working. Being polite at the interviews, motivating people, etc. It’s also like that on stage. You can’t completely open yourself to everybody. I think I do this more for the fans and the business than for my own family. I have friends that sometimes come talk to me at the end of a show and I can’t hang out with them because I have a ton of things to do. When I’m on tour for a month, I only talk to my friends once. Maybe it’s my fault, but I’ve devoted myself to this, and to be an inspiration to these kids and help them make something of themselves.

You are touring together in a van … you must have a lot of stories.

How would you describe your music?

Alex Knost and I started our bands at the same time in different places. We both come from a surfing background, so when we met, we immediately knew we all had to hang out. It was an instant friendship that still remains today. We surf, party and play together. Back home, we tour in a big old school bus, and it’s great. If they need a drummer, they use ours (who loves playing a double set), so it’s like we’re all together in a big band. We are sometimes even too comfortable around each other (laughs).

It’s very hard to answer that. I understand why this question is important for the media, but we don’t like to put things in categories. Some describe our music as Beach Goth, and we are ok with that. But, it’s so many other things: reggae, old school rock and roll, country, etc. We could spend hours talking about this.

What do you have in common with Tomorrow Tulips?

I’m more of a hater. It’s not that I hate everything, but people don’t get that a lot of inspiration comes from hate. It’s something I think about all the time, and it inspires me. For example, sometimes I see a popular band and if I think they are a joke, I hurry to write a song about it. The only thing I don’t hate is haters (laughs). It’s funny cause if you ask Alex this same question, he would say he doesn’t hate anything. No, but really, I really hate people who don’t like animals, it seems unnatural.

How is your tour going with Tomorrow Tulips?

We are like poles apart. Alex is a sensitive guy, and I’m definitely not, my mother can tell you that, but we never argue. I think the thing we have in common is that we can’t stop creating together, and sometimes we expect a lot from other people. We are always working on something. It might sound kind of egotistical to say but we are natural leaders and we like to be in control, we both know what we are doing. We want people to be happy.

The topic of this issue is lovers/haters. What are the things you hate and love the most?

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BRUNNENSTRASSE 19-21 BERLÍN / 15TH -17TH JANUARY

Bright Trade Show 2014 History & Essence PH: MAYA KAPOUSKI Y BERTA PFIRSICH

Se han especializado en buscar sitios con historia para mostrarlos al mundo manteniendo su esencia más arraigada. En enero llega una nueva edición de Bright Tradeshow y esta vez la cita será en unos antiguos almacenes del centro de Berlin (en pleno Mitte). Los fantasmas que habitan estos muros tienen más de un siglo de historia, ya que el edificio fue construido en 1904. Los nuevos inquilinos, que llegarán el 15 de enero, van a revolucionarlos a base de patín, meetings, reencuentros familiares, exposiciones, entregas de premios y todo que envuelve esa cita marcada dos veces al año en el calendario de lamono. Como ya es habitual nos plantaremos en la capital alemana con nuestro Brighthunter y su diario de a bordo volverá a hablar, no solo de la puesta en escena de las marcas para presentar la colección de invierno 2015, sino también de los premios Bright European Skateboard Awards, presentados este año por MF D. Deery, de las fiestas, los art shows, las presentaciones, la vida nocturna, los taxis, los conciertos, las entrevistas, los kebabs de madrugada, las demos y los encuentros con viejos y nuevos amigos. They are well known for specializing in showing the world places with history, keeping their most rooted essence intact. Bright Tradeshow will return this January, this time in one of the old warehouses in downtown Berlin. (Mitte). The building was built in 1904 so the ghosts that inhabit these walls are more than a century old. The new residents arriving on January 15th will revolutionize the place with an explosive cocktail of skate, meetings, family reunions, exhibitions, awards and all that surrounds the twice a year highlighted date in lamono’s calendar. As usual, we will go to the German capital with our Brighthunter and its logbook will speak not only of the staging of the brands to present 2015 winter collection, but also of the Bright European Skateboard Awards presented this year by MF D. Deery, of festivals, art shows, presentations, nightlife, taxis, concerts, interviews, kebabs at dawn, demos and meetings with old and new friends.

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REVIEW / BARCELONA / 15TH NOVEMBER

Monopatín by Vans & lamono PH: MAUD SOPHIE Y EDER POZO

Por fin llegó el ansiado momento. Ese del que lamono formó parte como uno más de una familia histórica, tanto por lo que se refiere a los protagonistas que han construido la historia del skate en España (como dijo Alfredo en la rueda de prensa “ni son todos los que están ni están todos los q son“) como por vivir como media partners, mano a mano junto a Vans, marca icónica que marcó y acompañó esos inicios en todo el mundo, el proceso de esta presentación emotiva e histórica a partes iguales. El pasado viernes 15 de noviembre se estrenó en Fàbrica Moritz Barcelona, el documental Monopatín, una cinta única en su especie que descubre a los más jóvenes cómo se pusieron las primeras piedras del deporte que es mucho más que eso, es toda una cultura, una comunidad formada a base de pasión, perseverancia y sentimiento. Desde por mañana, en la rueda de prensa, se vivieron momentos muy emotivos. Porque además del estreno, el verdadero acontecimiento de la jornada era la reunión, después de tantos años, de todos los protagonistas del documental, ya relajados, tras el trabajo bien hecho. Fuimos testigos de excepción de cómo Jose Antonio Caribbean, Alfredo Prados, Pedro Temboury, Ricardo Damborenea y Joan Graells recorrían la exposición fotográfica, deteniéndose ante cada una de las fotos, contando un sinfín de anécdotas. Entusiasmados, recordaban viejos tiempos, aquellos en los que las rampas y las tablas eran precarias. Ya por la tarde, llegó el esperado momento de la proyección, por primera vez, del documental, frente a todos sus protagonistas, familia, medios y amigos. No faltaron Panko, José María Sancheski, Danny Wainwright, David Castells, Ross McGouran, José Manuel Roura, Ignacio Morato, Pali Negrín, Àngels Borrell, Mercedes Resino, Edu Graells, la familia Caribbean al completo y muchos otros que no acabaríamos de enumerar. Y cuando acabó, el aplauso fue ensordecedor. Fue la culminación de un proyecto que llevaba tiempo gestándose y que, en nuestra opinión, es un ejercicio necesario de historia. Una culminación que acabó en la sala de Fàbrica Moritz Barcelona con una fiesta para los que comparten la pasión por construir, en todos los aspectos de la vida.

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The long-awaited moment has finally arrived, and lamono was part of it. As a member of this historic family, as one of the main actors who has helped build up skateboarding in Spain, and as media partners, hand in hand with Vans. This iconic brand marked and accompanied the beginnings of skate all around the world and witnessed the process of this emotional and historic presentation last Friday november 15th at the release of Monopatín documentary in Fàbrica Moritz Barcelona. A one of a kind film that discovers how the younger generation started building up the first foundations of the sport. Skateboarding is much more than a simple sport, it is part of a culture, a community based on passion, perseverance and emotion. Since the beginning of the press conference, early in the morning, we experienced many emotional moments. Because in addition to the premiere, the real event of the day was the reunion of all the stars of the film after so many years, all of them feeling relaxed after well done work. We witnessed how Jose Antonio Caribbean, Alfredo Prados, Pedro Temboury, Ricardo Damborenea and Joan Graells roamed the photographic exhibition, stopped at each photo to remember anecdotes. They remembered old times in which the ramps and boards were precarious. Finally, in the afternoon, the awaited moment of the premiere arrived. All the main characters, family, friends and media were there. Stars such as Panko, José María Sancheski, Danny Wainwright, David Castells, Ross McGouran Jose Manuel Roura, Ignacio Morato, Pali Negrin Angels Borrell, Mercedes Resino, Edu Graells and the entire Caribbean family were there, and an endless list of many others. When it was over, the applause was deafening. It was the culmination of a project that took a long time in the creation and from our point of view, a necessary historic exercise. A culmination that ended in Fàbrica Moritz Barcelona with a party for those who share a constructive passion for all aspects of life.

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REVIEW / PARÍS / 7TH DECEMBER

Première Nike SB #Chronicles2 Era uno de los vídeos más esperados del año, esa segunda parte, la cinta Nike SB chronicles vol.2. Ya desde la primera entrega, la expectación por el siguiente capítulo estaba servida en bandeja. Y es que los riders se dejan la piel bordando sus trucos a base de imaginación ante la cámara de Jason Hernandez, que ha grabado lo mejor de Theotis Beasley, Daryl Angel, Shane O’Neill, Ishod Wair, Donovon Piscopo, Luan Oliveira y Justin Brock en originales spots de todos los continentes. Dos años han tardado en finalizar el proyecto, pero tal como nos explicaban Ishod y Justin, ha merecido la pena. La ciudad elegida para la première mundial de la cinta fue Paris y el lugar, una antigua destilería a las afueras. Además de los dos protagonistas del film, también acudieron a la cita Max Géronzi, Tim Zom, Kyon Davis y algunos riders del team francés de Nike SB como Guillaume Caraccioli, Luy Pa, JP Villa y Marc Alexandre Barbier, que participaron en la demo antes de la proyección, demostrando que no hay tirada de toalla que valga, que el truco sale sí o sí, cueste lo que cueste, un espectáculo que vimos desde una posición privilegiada. Hubo de todo, one to one para los medios, exposición de fotos del rodaje, presentación y muestra de las Nike SB Lunar One Shot, las Janoski Max & Koston Max de “Rest & Recovery Collection” y las Janoski iD x Pendleton, concierto-solo de piano, momento firmas y fiesta final como colofón. Todo un placer asistir a la première de una cinta donde los riders se han empleado a fondo con varias actuaciones estelares, además de la de Ishod, proclamado hace pocos días con todos los honores skater del año por Thrasher. La première siguió su camino haciendo parada en Madrid, pero a nosotros nos sentó genial verla en primicia y de paso darnos una vuelta romántica por la ciudad de las luces. It was one of the most anticipated videos of the year. From the first presentation, there was a lot of excitement for the next chapter. Riders battled it out creating magical and imaginative tricks in front of Jason’s Hernandez’ camera, who has recorded the best of Theotis Beasley, Daryl Angel, Shane O’Neill, Ishod Wair, Donovon Piscopo, Luan Oliveira and Justin Brock in remote locations of all continents. It has taken two years to complete the project, but as Ishod and Justin explained to us, it was well worth it. Paris was chosen as the place for the world premiere of the film, in an old distillery on the outskirts of the city. Besides the two main characters of the film, Max Geronzi, Tim Zom , Kyon Davis and some French Nike SB team riders also participated in the demo before the screening, showing that you can never give up. No matter what it takes tricks finally come out, and we had a privileged spot to witness this. There was a little bit of everything: one on one interviews with the media, a photo exhibit, the presentation of the Nike SB Lunar One Shot, the Janoski Max & Koston Max of “ Rest & Recovery Collection” and Janoski iD x Pendleton, a piano concert, autograph signing and a closing party as the high point of the event. It was a pleasure to attend the premiere of a film where riders have pulled out all the stops in several stellar performances, in addition to Ishod’s one, proclaimed with full honors skater of the year by Thrasher. The première moved on, making a stop in Madrid, but attending the exclusive preview in the city of lights was really cool. Nike SB Chronicles vol. 2 está disponible a través de itunes.

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#94 · LOVERS / HATERS · JANUARY / FEBRUARY · 2014 COVER: DAVID FOLDVARI · WWW.DAVIDFOLDVARI.CO.UK DIRECTOR Eva Villazala eva@lamonomagazine.com ASSOCIATE DIRECTOR Julio Amores julio@lamonomagazine.com ART & DESIGN Josep Manel Sicart siki@lamonomagazine.com www.sickart.net REDACTORS Xavi Ocaña xavi@lamonomagazine.com Antonella Sonza antonella@lamonomagazine.com Barbara Esteban barbara@lamonomagazine.com TRANSLATION Laura García + Bárbara Esteban CONTRIBUTORS REDACTORS Anna Bogutskaya + Alejandro Cinque + Ibone Iza Aranguren + María Lujan Torralba + Lorena Pedre + Ane Pujol + Vicky Navarro + Laura Rosal + Antonella Sonza + Inés Troytiño + Laia Tuner. PHOTOGRAPHERS Maya Kapouski + Crista Leonard + Dupuis & Martins + Maud Sophie Andrieux + Eder Pozo. ORIGINAL ART DESIGN Hernan Verdinelliwww.hernanverdinelli.com For circulation customer service in Spain please send an email to barbara@lamonomagazine.com International Distribution: France, Portugal, Germany, UK, Portugal and US. For annual subscription please send an email to suscripcion@lamonomagazine.com SUBSCRIPTION / 6 issues per year Spain: 40 euros / Europe: 50 euros / Other countries: 70 euros DEPÓSITO LEGAL: B 51664-03 ISSN: 2014–9395 LAMONO HEADQUATERS: Aribau, 15, 1º 1º, 08011 Barcelona T. +34 932724980

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