Lamono #98 STRONG by lamono magazine

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DE LA FUERZA Y LA RESISTENCIA Estado del cuerpo, referido a la musculatura, que nos capacita a tener presencia. Potencia en cada fibra que nos permite activar movimiento y crear una línea de tiempo. La acción nace de la fuerza, y la fuerza nace del impulso. Impulso y pulsión que devienen transmisión. Comunicación a través del cuerpo rompiendo fronteras entre interlocutores. El acto como técnica y los miembros como medio. Importancia del presente continuo donde el evento es lo que cuenta. Lo relevante es “estar haciendo” y para hacer, es preciso poseer fuerza. Fuerza es alimento, alimento es pan y “partió el pan, lo repartió entre sus discípulos diciendo: tomad y comed todos de él porque éste es mi cuerpo”. PER-FORM-ANCE. Así lo anunció Cristo. Seamos caníbales en un intento de adquirir posiciones. La fuerza de ser, la resistencia de estar. Ser fuertes y estar en resistencia. En la península todo resulta “fuerte”. Es la expresión de lo intenso, de lo indigno y de lo remarcable. “Strong enough” proclamó Cher en un intento de refrenar el progreso enardecido. Porque si para avanzar se requiere de fuerza bruta, más se requerirá para trazar los límites. Para levantar barreras que funcionen de trincheras. La guerrilla urbana ha comenzado. Fortaleza en la defensa y firmeza en el ataque. Por muchas estructuras de poder que posean, su fuerza reside en porras extensibles inyectadas con batidos proteicos de asimilación rápida. Y la fuerza y el poder, por ley y mandamiento, pertenecen al pueblo. Strong tiene coordenadas en ChuecaTown en formato discoteque. Latitud 40° 25’ 24.0” Norte. Longitud 3° 41’ 57.6” Oeste. Donde la fuerza de las porras se mide en centímetros. Búnker que funciona de refugio para la minoría más fuerte. Contenedor oscuro con mirillas a la altura de la entrepierna. Cuarto oscuro cuya planta se atisba con el tacto. Con-tacto, con-cuerpo y con-fuerza en cada rítmica embestida. F de fuerza, f de f*ck. El sexo como el acto del malgasto de fuerza por excelencia cuya única finalidad es la liberación de vatios de energía en cada corrida. La orgía como comunión orgiástica y tribal en la que reconciliarnos con los dioses. Aquellas deidades que dieron origen al universo iniciando la fuerza a través de una eyaculación. Y a través de aquella fuerza primigenia, surgió el resto. Un resto diversificado. Pero en ello reside la fuerza, en los restos, en los residuos, en las minorías. “Hemos de ser fuertes y nos hemos de unir todas”. El acero representa nuestra lucha. Metáfora de dureza y frialdad. Somos chatarra recolectada por gitanos que se recicla en acero de estructura para construir campamentos verticales. Cuatro torres interrumpen el paisaje horizontal: el enemigo también está fabricado de acero. Ataque fortaleza y placaje. Es hora de afilar las armas para la insurrección que llega.

State of the body related to its musculature which enables us to have a physical presence. Energy power of every muscle fiber that allows us to activate a movement and create a time line. Action comes up from force, and force emerges from impetus. Impetus and traction become transmission. Communication with and through the body that breaks barriers between conversation partners. The act as a technique and the members as a means. The importance of the present continuous in which the event in progress is what matters. The relevant thing is “keep doing” and in order “to do” it is mandatory to be strong. Force is food, food is bread, and he “took some bread, and after blessing it broke it and gave it to the disciples, and said: Take, eat. This is my body.” PER-FORM-ANCE. Because Christ said so. Let us be cannibals in our way to take a stance. The force of being, the strength to resist, the resistance of staying. We must be tough and keep on resisting. Here in the peninsula everything is “strong”: Qué fuerte. It is the expression for the intense, the despicable and the remarkable. “Strong Enough”, assured Cher in her attempt to put some break on the mercilessly unstoppable progress. If brute force is needed in order to advance, more effort is required to set the boundaries. To set up barriers that serve as trenches. The urban rebellion has started. We will need strength of spirit when defending and determination when attacking. No matter how many power structures they retain: their only strength resides in extending police truncheons injected with quickly-absorbed protein shakes for maniacal bodybuilders. Because force, power and strength, by law, decree and divine commandment, belong to the people. “Strong” has its own coordinates in the one-horse town of Chueca in the form of a night club: 40º 25’ 24’’ degrees north latitude and 41º 57’ 6’’ degrees west longitude. Here the strength of the police truncheons is measured in inches. Underground shelter that serves as a refuge for the strongest minority. Dark dumpster with peepholes at the height of the crocht. A dark room whose different dimensions are made out by touching. There is no pussyfooting around but full physical con-tact, the whole body and a total force in every rhythmic assault. S for strong, S for s*x. Sex as the quintessential force-wasting act aimed at releasing energy watts with every cumming. The orgy as a barbaric and tribal communion through which we are reconciled with the gods. Those deities that gave birth to the universe and put the force in motion by means of an ejaculation. And thanks to that primitive and original force the rest of everything else emerged. A diversified rest. But the strength resides in that: in the rest, in the remains, in minorities. Girls, we must be strong and join together! Steel represents our fight. It is a metaphor of what is hard and cold in this life. We are mere junk which collected by gypsies is recycled and turned into structured steel to build vertical camps. Four towers interrupt the skyline of Madrid: the enemy is also made of steel. Remember Metapod: “Harden, Attack, and Tackle”. It is the time to sharpen our knives because the uprising is coming.

T: LAIA ANTÚNEZ

K Y N A N

T A I T

EN CONSTANTE MOVIMIENTO Viaje, motos, fotografía y skate. Si tuviéramos que definir a Kynan Tait en solo cuatro palabras éstas serían, sin duda, las que elegiríamos. Evidentemente, hay mucho más. Una personalidad inquieta, un interés por alejarse de lo estable, una capacidad para sacar provecho e inspiración de las incertidumbres y una voluntad de recordar todo aquello conocido. El resultado: unas fot ografías que derrochan carácter, fortaleza y, sobre todo, libertad. Unas imágenes que nos recuerdan que lo bueno del viaje, por duro que sea, siempre es haberlo vivido. Traveling, motorbikes, photography and skate. Were we to define Kynan Tait en just four words these would be, undoubtedly, the ones we’d choose. Of course, however, there is much more than that. A restless personality, an interest to stay out from the stable, a capacity to take advantage and inspiration from uncertainty and an eagerness to remember what is already known. The result: photos that emanate character, strength and, above all, freedom. Images that remind us that the good side of travelling always is, hard though it may be, having lived it.

www.kynantait.com

MÁS ALLÁ DE LA VOLUNTAD DE VIAJAR, APRENDER A ESTAR CÓMODO CUANDO ESTÁS INCÓMODO ES TODO LO QUE NECESITAS

¿De dónde viene tu pasión por las motos? Viene de mis padres que viajaban en moto cuando yo era joven. Recorrí América en la parte posterior de la Harley-Davidson de mi padre cuando tenía seis años y supe inmediatamente que, tan pronto como pudiera, tendría mi propia moto. Eres de Vancouver, has vivido en Los Ángeles y viajado por México, entre otros lugares. ¿Concibes el viaje como una manera de vivir y de inspirarte? ¿Te ves fijando tu residencia en un lugar estable? Me di cuenta de que los momentos más cómodos de mi vida han sido también los menos productivos. En un esfuerzo por mantenerme siempre ocupado, el movimiento constante y la inestabilidad general me han inspirado y me han servido como una especie de refugio de supervivencia. Al final, lo único que deseo en realidad es la seguridad y la estabilidad, pero sé que no son buenas para mí. A parte de tu moto, ¿qué es indispensable para ti cuando viajas? Un cámara de fotos y una de vídeo, mi iPhone, una tienda de campaña Poler y un saco de dormir. El tema central de la revista para este número es: Strong, ¿de qué manera crees que este concepto puede encajar con tus fotografías? Excusando la naturaleza completamente subjetiva que tienen las artes, si supiera que he sido capaz de imbuir una conciencia y un fuerte carácter en mis fotos, con eso sería feliz. ¿Hay que tener un alma dura para afrontar las vicisitudes del viaje? Dormir en una cama cálida y familiar siempre triunfará por encima de hacerlo en el suelo frío y extraño, pero la tardía recompensa que te ofrece el viaje, el triunfo a pesar de la incertidumbre, es una experiencia que no tiene precio. Más allá de la voluntad de viajar, aprender a estar cómodo cuando estás incómodo es todo lo que necesitas. Has participado en diversas Wild Rides. Explícanos en qué consisten y cuál es el mejor recuerdo que tienes de ellas. Oficialmente, la Wild Ride comenzó como un skateboard tour organizado por la firma de calzado Emerica y co-patrocinado por Harley-Davidson. Fue el primer viaje que hice cuando me compré mi moto: conduje a través del país, conocí a algunos famosos desconocidos en Carolina del Sur y fui acogido con los brazos abiertos. De Vancouver a Nueva York y luego otra vez de regreso. He seguido utilizando el nombre Wild Ride porque, aunque los participantes y el equipo han cambiado con los años, el ritmo rápido, llueva o haga sol, las motos y el espíritu skateboard siguen siendo los mismos.

Dices que utilizas la fotografía para recordar a la gente que has conocido y los lugares que has visitado. Le otorgas una función muy práctica. ¿Es ese el objetivo de tu trabajo o esconde otro trasfondo estético y artístico? La fotografía cumple una función muy práctica para mí y describirlo de esta manera me libera del peso de proporcionar algún tipo de declaración artística cuando me preguntan acerca de mi trabajo. El objetivo es recordar. Pero el hecho de tomar imágenes en lugar de tomar notas hace que mi formación estética y artística sea la encargada de informar a mi memoria. La fotografía, ¿analógica o digital? Para el trabajo, busco el equilibrio entre analógico y digital. Para uso personal, sigo utilizando sobre todo equipos analógicos. Me gustaría no seguir resistiéndome a lo digital pero el diseño industrial y el software de las cámaras digitales deja mucho que desear. ¿Te puedes imaginar haciendo otra cosa a nivel profesional que no sea fotografiar? Me puedo imaginar haciendo muchas cosas diferentes. He tenido que hacerlo cuando no había un proyecto fotográfico que perseguir. No tengo ilusiones de desarrollar una carrera como artista, pero haré lo que haga falta para darme el lujo de poder elegir. ¿Algún proyecto de futuro a nivel artístico y personal? He estado fuera de Los Ángeles la mayor parte de este 2014 así que el próximo año me gustaría pasarlo aquí trabajando. Artísticamente, lo próximo será una crónica cinematográfica sobre la motocicleta grabada en una película de 35 mm. ¿Cuál fue tu primera moto? ¿Y tu primera cámara de fotos? Y ahora, ¿en qué moto viajas y con qué cámara trabajas? Mi primera moto la tuve en 2008 y fue una Harley-Davidson Sportster, que todavía hoy sigue siendo mi principal medio de transporte. Mi primera cámara la tuve en 1966 y fue una Minolta SR-T 101, sustituida unas cuantas veces con cuerpos SLR de 35 mm similares a los de los años 70, hasta hace poco que trabajo con una Contax G2 rangefinder. Viajar, ¿mejor solo o acompañado? Hacer cualquier cosa con otros implica concesión y creo que, al final, eso te puede llegar a aislar de la experiencia. No me opongo por completo pero por lo menos el próximo viaje voy a hacerlo solo, por mi cuenta. Un viaje pendiente... Pasaré el resto del año en la India, viajando desde Chennai hasta Mumbai en una moto Royal Enfield.

BEYOND THE WILLINGNESS TO DO IT, LEARNING TO BE COMFORTABLE WHEN YOU’RE UNCOMFORTABLE IS ALL YOU NEED

Where does your passion for motorcycles come from? It comes from my parents who rode when I was young. I rode across America on the back of my father’s Harley-Davidson when I was six years old and knew immediately that as soon as I was able, I would have my own. You’re from Vancouver, you lived in Los Angeles and traveled to Mexico, among other places. ¿Do you conceive traveling as a way of life and inspiration? Do you see yourself establishing your residence in a stable place? I realized that the most comfortable times in my life have also been the least productive. In an effort to stay busy, the constant moving and general instability have also kept me inspired and served as a sort of survivalist retreat to a career. In the end, all I want is security and stability, but it isn’t good for me. A part of your bike that’s essential for you when you travel? A stills and a motion camera, iPhone, Poler tent and sleeping bag. The magazine’s central concept-theme for this issue is: Strong. ¿How does this concept suit your photos? Forgiving the completely subjective nature of the arts, if I’ve been able to imbue a strength of character or consciousness in my pictures, I’d be happy. Is it necessary to have a strong soul to confront the hazards of traveling? Sleeping in a warm, familiar bed will always trump the cold, foreign ground but the delayed reward that travel offers you; the triumph in spite of uncertainty, is an invaluable experience. Beyond the willingness to do it, learning to be comfortable when you’re uncomfortable is all you need. You’ve participated in various Wild Rides. Explain what they are and what is the best memory you have of them. Officially, the “Wild Ride” started as a skateboard tour put on by Emerica shoes and co-sponsored by Harley-Davidson. It was the first trip i did when i bought a motorcycle - rode across country, met some famous strangers in South Carolina and was welcomed with open arms. Vancouver to New York and back again. I’ve kept using the name because although the cast and crew have changed over the years, the fast paced, rain or shine, bike and skateboard spirit have remained the same.

You say you use photography to remember the people you’ve met and places you’ve visited. You are giving photo a very practical function. Is that the aim of your work or does it hide another aesthetic and artistic background? Photography serves a very practical function for me and describing it that way lets me off the hook of providing some sort of artistic statement about my work. The aim is to remember. But by taking pictures instead of taking notes, my aesthetic and artistic background informs my memory. Photography, analogical or digital? For work, it has been a balance of both but for personal use, I still use mostly analog equipment. I wish I weren’t such a holdout but the industrial and software design of digital cameras leaves much to be desired. Can you imagine doing something else at the professional level that is not photographing? I can imagine doing many different things. I’ve had to when there wasn’t a photo project to chase. I have no delusions of being a career artist but I will do whatever I have to to afford the luxury of choice. Any future project on a both artistic and personal level? I’ve been away from Los Angeles for the majority of 2014 so I would like to spend next year there working. Artistically, a proper motorcycle chronicle on 35mm motion picture film will be next. What was your first bike? And your first camera? And now, in what bike are you traveling and with which camera do you work? My first bike was a 2008 Harley-Davidson sportster and it remains my primary means of transportation. My first camera was a 1966 Minolta SR-T 101, replaced a few times with similar 70’s era 35mm SLR bodies until recently with a Contax G2 rangefinder. Traveling, better alone or accompanied? Doing anything with others involves concession and I’ve found that it can insulate you from the experience. I’m not entirely opposed but for the next trip at least, I’ll be on my own. A pending trip... I’ll be spending the end of the year in India, riding from Chennai to Mumbai on a Royal Enfield bike.

T: LORENA PEDRE

VALERIU MLADIN Persona, animal o cosa.

Seguimos pensando que un artista nace, no se hace. Y Mladin nació con el don en Rumania. En su extensa trayectoria ha probado casi todas la técnicas que han pasado por sus manos, pero elige la pintura como la más definitoria. En su última serie, Political Bestiary, Valeriu reflexiona sobre la fuerza que ejercen los políticos en nuestras sociedades, a pesar de la desmotivación y el desencanto que el pueblo tiene respecto a los mismos. Reproducidos a gran escala, sus animales trajeados son el espejo de esas personalidades que se suben a la tarima del poder a explicarnos cualquier cosa que no convence a nadie ya. Una pérdida de dinero y de tiempo, en resumen. Más nos valdría mandarlos al campo o a un museo para que reproducidos, a gran escala, no escapen del riguroso silencio de la sala. We keep thinking that an artist is born, not made. And Mladin was born gifted in Rumania. In his large trajectory he has tried almost every technique that has come along, but he chooses painting as the most definining. In his latest series, Political Bestiary, Valeriu reflects about the power of politicians over our societies, regardless of people’s lack of motivation and disenchanment towards them. Reproduced large scale, his suited animals are the mirror of those persnalities who step onto the platform of power to tell us what doesn’t convince anybody anymore. A loss of money and time, to sum it up. We would be better off sending them to the woods or to a museum so they, reproduced large scale, wouldn’t escape the strict silence of the room.

mladinvaleriu.blogspot.com

LA VERACIDAD, SUTIL IRONÍA Y FISONOMÍA DE MIS PERSONAJES TIENEN UNA UNIVERSALIDAD PERENNE En Political Bestiary, ¿qué te permite el uso de carbón sobre otras técnicas? Aunque soy un artista que usa varios medios artísticos: pintura, dibujo, fotografía, vídeo, performance e instalación, creo que la pintura es la que mejor me representa. Por eso considero que dibujar en carbón es lo más parecido a pintar (más pictórico). El simbolismo animal es la base de la serie entera. ¿Crees que el juego que creas entre los distintos animales representan las actitudes que muestran un ámbito crean más impacto si se ven juntas que separadas? Estos diez son solo el principio de una serie mucho más larga de dibujos en los que aún estoy trabajando. Al principio pensé que cada uno respiraría por sí mismo, pero como se puede ver, el impacto de todos juntos es mucho más fuerte. El cerdo es el animal dominante en Political Bestiary. ¿es porque sus facetas están mejor representadas en los políticos? De hecho en tu pregunta está la respuesta. Traté de capturar tantas caras como pude del Political Animal más común, que es el cerdo. ¿Qué percibe el espectador, qué imagen crea? A los políticos los escogemos nosotros. Así que nos representan tal como somos. Son nuestra imagen. Al verlos podemos vernos a nosotros mismos como en un espejo

mágico, teniendo cabezas de cerdos, burros, lobos, zorros, hienas y otros animales. ¿La gran escala de cada trabajo trata de representar que los políticos siempre están considerados por encima del resto de la sociedad? ¿O tiene algún otro propósito? Nunca vamos a votar al peor político, sino al mejor. La realidad es que no tenemos muchas opciones entre las que escoger y por desgracia casi siempre nos decepcionan. Creo que no solo en Rumania, sino en todo el mundo ha perdido la gente la fe en los políticos. Los animales de tu trabajo miran directamente al espectador, riéndose. ¿Es alguna clase de reto? El arte de dibujar ofrece infinitas posibilidades para crear un universo artístico y temático cuyo lenguaje tiene el poder de ir más allá de las eras históricas y los límites geográficos. ¿ Cómo muestra s tu sa rc a smo técn ic a mente hablando? Las expresiones satíricas de mis personajes son el resultado de una claridad y balance entre sombra y luz. ¿Cómo crees que tu trabajo explica o predice la situación política? Para bien y para mal, la veracidad, sutil ironía y fisonomía de mis personajes tienen una universalidad perenne.

THE VERACITY, SUBTLE IRONY AND THE PHYSIOGNOMY OF MY CHARACTERS HAVE A PERENNIAL UNIVERSALITY

In Political Bestiary, what allows you to transfer the use of charcoal over other techniques? Although I am an artist using many artistic mediums, painting, drawing, photography, video, performance and installation, I think painting represents me the best. This is why I consider that the drawing in charcoal is the closest to painting (more pictorially). Animal symbolism is the basis of the entire series. Do you think that the game that you create between what the different animals represent and the attitudes that show scope make more impact if it is seen together than separately? These 10 drawings are just the beginning of a much larger series of drawings that I am still working on. In the beginning I thought that every single painting would breathe by itself, but as you can see the visual impact of them together is much more stronger. The pig is the dominant animal in Political Bestiary. Is it because for you its different faces are best represented the politicians? In fact what you are asking for is actually the answer. I tried to capture as many faces as possible of the most widespread Political Animal which is the pig. What is perceived bu the viewer, what image does it create? The politicians are the ones chosen by us. So they are representing us as we are. They are our image. Watching them we can see ourselves just like

in a magical mirror, having heads of pigs, donkeys, wolves, foxes, hyenas and other animals. The big size of each of the works intended to represent that politicians are always or are considered to be above the rest of society? Or does it have another purpose? We are never going the vote with the worst of the politicians, but on the contrary with the best of them. The reality is that we donâ&#x20AC;&#x2122;t have many options from which to choose and unfortunately almost every time they are disappointing us. I believe that not just in Romania, but all over the world the people have lost their confidence in the politicians. The animals of your work are staring at the viewer, laughing. Is it a kind of challenge? The art of drawing is a medium which gives endless possibilities to create an artistic and thematic universe whose language has the power to go beyond historical eras and geographical boundaries. How do you show your sarcasm technically speaking? The satirical expressions of my characters are the result of the clarity and balance between shadow and light. How do you think your work explains or predicts the political situation? For good and for bad, the veracity, subtle irony and the physiognomy of my characters have a perennial universality.

T: LORENA PEDRE

A STATE OF MIND Michael Jang

Los 70. Esa época dorada para la fotografía en la que una nueva generación de artistas volcó todo su interés en el medio, desarrollando nuevas técnicas e investigando formatos revolucionarios. Michael Jang es uno de ellos. Compartiendo paredes en el SFMOMA junto a otros grandes como William Eggleston, Garry Winogrand y Lee Friedlander, las imágenes de Jang nos transportan a un tiempo pasado donde todo se resumía a la fuerza del cambio. Donde todo está por hacer y hay muchas ganas de hacerlo. Y así sigue, sin intención de parar. Esos primeros disparos de la subcultura punk de la época, con Ramones, Avengers y muchos otros al frente fue solo el principio. Amamos la fotografía de Jang, por su fuerza, porque nos trae al joven Bowie y a los adolescentes garageros, porque es testigo de una época y de un disparo certero. The 70s. That golden age for photography, in which a new generation of artists put of all their interest in the medium, developing new techniques and investigating revolucionary formats. Michael Jang is one of them. Sharing walls at the SFMOMA next to other big ones sich as William Eggleston, Garry Winogrand and Lee Friedlander, Jang’s images take us to a past time in which everything could be sumed up to the strength of change. Where everything is yet to be done and there’s eagerness to do it. And there he is, restless. Those first punk subculture snaps of the time, with Ramones, Avengers and many others was just the beginning. We love Jang’s photography because of its strength, because it brings young Bowie back and the adolescent garage boys, because he’s witness of a time and of a true shot.

www.michaeljang.com

Todo viene de una curiosidad sobre la vida. A veces siento que necesito salir a congelar momentos para la eternidad

Has dicho en más de una ocasión que tu encuentro con la fotografía fue en la universidad, donde la cursabas como optativa, ¿cómo se convirtió en tu modo último de expresión? Me gustaba donde me conducía la cámara. Tenía aventuras con ella. Podía conocer gente y estar en situaciones a las que no hubiera llegado de otra forma. ¿Por qué escogiste el retrato? De nuevo porque me gustaba conocer a toda esa gente fascinante de este mundo. Algunos fotógrafos hacen fotos de producto, yo decidí que prefería fotografiar a sujetos que se mueven en lugar de latas de guisantes. Tu serie The Beverly Hilton nació a la vez. ¿Cómo conseguiste retratar a personalidades como Jimi Hendrix, Robin Williams o Ronald Reagan siendo solo un estudiante? Eran otros tiempos, los setenta y ochenta. Solo tenías que dejar tu portfolio en cualquier revista en la quisieras trabajar y esperar a que te dieran trabajo. Durante esos años también hiciste muchas fotos de la vida universitaria, aun así, no vieron la luz hasta años después en tu serie College. ¿cómo te sentiste al traer de nuevo a la vida estos retratos? Sorprendentemente el trabajo ha apelado a muchas generaciones: los que de hecho vivieron esos años y ahora con las generaciones más jóvenes que sienten curiosidad por esa época cuando vivíamos nuestras vidas sin ordenadores o móviles.

En 2003, SFMOMA presentó tu fotografía “David Bowie firmando autógrafos” con grandes fotógrafos como Robert Frank, Lee Friedlander, Winogrand y Arbus, ¿cómo vivías entonces? Básicamente siempre he sido un fotógrafo freelance. Mucha de la fuerza de tu trabajo está en la simplicidad y vivacidad, en capturar momentos auténticos que fueron tomados como fueron vividos, ¿qué proceso sigues para conseguir este resultado? Trato de relajar la mente y solo sentir. No miro con los ojos tanto como noto ciertos rayos de energía y los fotografío. A la hora de hacer un retrato, ¿crees que ha cambiado la actitud de la gente ante la cámara respecto antaño? Sea la época que sea, la gente sigue queriendo salir bien cuando le hacen una foto. En 40 años que has estado activo has retratado la élite de Hollywood, la vanguardia de la música punk o la era revolucionaria de Cuba. ¿Dónde nace el interés hacia estos temas? ¿Es más personal o profesional? Todo viene de una curiosidad sobre la vida. A veces siento que necesito salir a congelar momentos para la eternidad. Tras todos esos momentos y gente que has conseguido retratar, ¿cuál es tu asignatura pendiente? Estoy ensamblando todas las décadas de trabajo para el Great American Visual Novel, ¡por supuesto!

It all comes from a curiosity about life. Sometimes I feel like I just want to go out a freeze some moments in time for eternity

You have said on more than one occasion that your encounter with photography was in college, when he was just an elective course for you. How did it become your ultimate mode of expression? I liked where the camera took me. I had adventures with it. I was able to meet people and be in situations with the camera that normally I would have no access to. Within the world of photography, why did you choose the portrait? Again, I enjoyed meeting all the different and fascinating people in the world. Some photographers do product illustration. I decided I would rather shoot moving targets than a can of peas. Your series The Beverly Hilton was born at that time. How did you get to photograph celebrities such as Jimi Hendrix, Robin Williams or Ronald Reagan just being a student? It was a different time, the seventies and eighties. You simply had to drop off your portfolio at whatever magazine you wanted to work for and hope that they would give you a job. During those years also made many photographs of university life, however, did not see the light until later in your series College. How did you feel giving a new life to these portraits? The work surprising has appeal to many generations: those who actually lived through it and the younger generations who are curious about a time when we lived our lives without computers and cell phones.

In 2003, SFMOMA presented your photograph “David Bowie signing autographs” with great photographers like Robert Frank, Lee Friedlander, Winogrand and Arbus, how did you live then? Basically I have always been a freelance photographer. Much of the strength of your work lies in the simplicity and vivacity, in capturing authentic moments that were portrayed as lived. What process do you follow to achieve this result? I try to relax the mind and just feel. I don’t look with the eyes so much as I sense little pools of energy and photograph it. When a portrait today, do you think has changed the attitude of the people before the camera or act as yesteryear? No matter what time period we are talking about, people still just want to look great when they have their picture taken. In the 40 years that you’ve been active you’ve portrayed Hollywood’s elite, the vanguard of punk music or the revolutionary era of Cuba. Where the interest in these issues is born? Rather personal or professional? It all comes from a curiosity about life. Sometimes I feel like I just want to go out a freeze some moments in time for eternity. After all the moments and people that you’ve managed to capture, what is your unfinished business? I’m assembling all the decades of work for the Great American Visual Novel of course!

T: EVA VILLAZALA F: LUIZA LACAVA

STEVE OLSON Palabra de skater

Mastica, fuma, mira directo a los ojos y luego justo detrás, como buscando algo pero sin estar atento a nada en realidad. Faltó él. Nos hubiera gustado verlo, a sus 52 años, junto a Steve Alba y al resto de los Masters, dándolo todo en el bowl de Getxo. Cuando una leyenda viva te habla, tus músculos se relajan. Hablamos con Steve Olson durante el Volcom Bowl-a- Rama, se divierte con los juegos de palabras, evolución y progreso, se lamenta de su menisco y la primera cosa que le viene a la mente cuando pronunciamos la palabra strong es sexo. He chews, smokes, looks straight into the eyes and then right behind, as if seeking something without paying much attention to anything. We would have liked to see him, at the age of 52, next to Steve Alba and the rest of the Masters having some fun at the Getxo bowl. When a living legend talks to you, your muscles relax. We talk to Steve Olson during the Volcom Bowl-a-Rama, he amuses himself with word games, evolution and progress, he laments his meniscus and the first thing coming to his mind when we pronounce the word strong is sex.

¿Qué opinas de la kantera? Es genial, en serio. Ya había estado aquí antes. Creo que es una maravilla, la gente se sale. ¿Y del campeonato? Bueno el campeonato es el campeonato, eso ha de ser bueno, ¿no? Tengo una rodilla mal así que no puedo patinar, lo cual es un poco frustrante. Creo que es algo del menisco. Siempre has estado involucrado con el arte, tanto tú como tu hijo Alex, ¿por qué crees que en muchas ocasiones el skateboarding está tan cercano a la creatividad, ya sea a través de la fotografía, la música o cualquiera de sus manifestaciones? No sé cómo de interconectado está, pero creo que el arte es algo que a mucha gente del mundo del skate le gusta, y tiene sentido. Dibujas en la piscina, dibujas en tu tabla. Debe de estar en alguna parte de nuestro cerebro. Puede ser porque cuando patinas tienes que tomar decisiones y si haces arte también, a veces sobre la vida; y algunas son malas decisiones. Pero creo que es algo divertido. ¿Qué opinas de las diferencias entre la primera generación de skaters y la actual? Las generaciones son distintas pero hay un nexo. El progreso es progreso y la evolución es evolución, pero es lo mismo. ¿No hay diferencia? Yo diría evolución. ¿Lo dices en un sentido positivo? Solo hablo de los

tipos que patinan. No han hecho demasiadas cosas nuevas. ¿Es la primera vez que tanta gente pone atención en el skateboarding? El skateboarding era grande en los 70, nadie que está hoy aquí estuvo entonces excepto algunos de nosotros; luego en los 80 fue grande, también a finales de los 90. Parece que simplemente va creciendo. Pasa lo mismo que con la población: más gente, más participación. Más niños, más interés en el skate. En los 70 la atención era enorme, gigantesca solo que no había tanta población, a más personas, más popularidad. ¿Ahora hay más dinero, más marcas? Bueno, hay más dinero de fuera, dinero corporativo. Lo que tiene mucho sentido, creo que es bueno si ayuda a la gente que quiere patinar. Nuestro monotema de esta edición es Strong. ¿Qué es lo primero que te viene a la mente con ello? Sexo. ¿En qué momento de tu vida has tenido que ser fuerte? Nunca he sentido que tuviera que serlo. Cuando tenía 17 o 18 años fui a un médico que trabajaba con fútbol americano profesional, e hice sus tests con varios jugadores, dijo que estaba más en forma que ellos. Y solo hacía skate y surf. La gente no ve a los skaters como atletas. Pero me gustaría ver a otros atletas patinar en la piscina. No quedaría ni uno.

What do you think about la kantera? It’s amazing, really. I think it’s wonderful and the people are very cool. What about the contest? The contest is the contest, it’s good right? I have a bad knee so I can’t skate, it’s a bit frustrating. I think it’s the meniscus. You are close to art, you mix art and skate, you work with your son Alex in his exhibitions. Why do you think skate is in such creative, artistic moment? I don’t know how interconnected it is, I just think art is something some people in skateboard like to do, it’s understandable. You draw in the pool, you draw in your board. It’s somewhere in the side of our brain. I think it’s because skateboarding you make choices and if you make art you need to make choices regarding life, sometimes bad choices. But I just think it’s fun. What do you think of the differences between the first generation of skateboarders and the one today? The generations are different but there’s an inner link. Progression is progression and evolution is evolution, but it’s still the same. There’s no difference? I would say evolution. You mean it in a good way? I’m only speaking of the guys who skateboard. They haven’t done much new stuff. Isn’t it the first time that so many people are looking at skateboarding? It was big in the 70s, noone who’s here was there except for some of us, then in the 80s it was huge, then in the late 90s it was big again. Now it seems to just keep growing. It goes along with the same thing as population: more people, more participation. More children, more interest in skateboarding. But in the 70s it was hugen giant, just not as many people. More people, more popularity. Now there’s more money, brands? Well, there’s more outside, corporate money. Which makes perfect sense, I think it makes sense, it’s good if it helps people who want to skeaboard. Our next topic this issue is strong. What’s the first thing you have in your mind when you hear strong? Sex. Which moment of your life did you need to be strongest? Never felt like that. When I was 17 or 18 I went to a doctor who worked in professional football and I did his tests with American football players, and he said I was in better shape than them. And all I did was skateboarding and surf. People don’t look at skateboarders as athletes. But I would like to see the other athletes role around the pool. They would be winded.

66 © GLEN E. FRIEDMAN OF TONY HAWK. CIRCA 1984.

T: ANA MIGUEL + MANUELA ALCATRAZ

GLEN E. FRIEDMAN WHAT DOESN’T KILL YOU MAKES YOU STRONGER

Era California en los años 70 y 80, las subculturas se fraguaban: el skateboard, hip-hop, rock y punk estaban en plena efervescencia. Las rotundas guitarras hardcore de Fugazi, Black Flag y Bad Brains o Dead Kennedys empezaban a sonar, el rap de Run DMC ya marcaba tendencia y, por supuesto, las leyendas del skate Tony Alva, Jay Adams, Allan “Ollie” Gelfan, Duane Peters y Stacy Peralta recorrían el DogTown con su patín marcándose acrobacias en las piscinas vacías. Hemos podido disfrutar de muchas instantáneas de todos estos iconos y en parte descubierto dichas subculturas gracias, entre otros, al objetivo del afamado fotógrafo Glen E. Friedman. Él, que a los 14 años ya se inició en el mundo de las fotografías, tuvo el privilegio de acercarse a todos estos mitos underground con su Pocket Instamatic y estuvo presente para capturar los momentos cruciales y definitorios en movimientos de música y de la calle que eran ignorados o desconocidos. Sus obras han aparecido en cientos de revistas internacionales durante los últimos treinta años y ha expuesto en galerías y museos de todo el mundo. Es considerado uno de los fotógrafos más importantes de su generación por el mérito de haber realizado la crónica por excelencia de los movimientos underground y la contracultura estadounidenses, sus instantáneas son los mejores documentos que testifican estas corrientes. Ahora, parte de su trabajo se recopila en “My Rules”, libro en el que Glen E. Friedman comparte instantáneas de diferentes épocas, una ventana a estas contraculturas tan inusuales en sus inicios. It was during the California of the 70s and 80s, the subcultures were forging themselves: skateboard, hip-hop, rock and punk were in full swing. The emphatic hardcore guitars of Fugazi, Black Flag and Bad Brains or Dead Kennedys started to play, Run DMC’s rap was setting trends and, of course, the skate legends Tony Alva, Jay Adams, Allan “Ollie” Gelfan, Duane Peters and Stacy Peralta went all over the Dogtown with their skateboards and acrobatics in empty swimmingpools. We’ve been able to enjoy many snaps of all of those icons and somehow found out those subcultures thanks to, among others, the objective of the hungry photographer Glen E. Friedman. He, who at 14 got started in the world of photography, had the privilege of coming close to those underground myths with his Pocket Instamatic and was present to capture the crucial and defining moments in music and street movements that were back then either ignored or unknown. His photos have appeared in hundreds of international magazines during the last thirty years and have been exhibited in worldwide galleries and museums. He is considered to be one of the most important photographers of his generation due to the merit of having done the chronicle par excellence of the the American underground and counterculture movements, and his snaps are the best documents giving evidence of these currents.

burningflags.com 67

SE PUEDE CAMBIAR EL MUNDO A BASE DE GUITARRA ELÉCTRICA, RAP, PATÍN, FLASH, PIZZAS Y CERVEZAS.

Estar en el momento justo y adecuado y no conformarse con lo primero que la vida parece guardar para nosotros es crucial para las almas curiosas. Glen nunca tuvo pretensión de nada, ni imaginó que sus instantáneas constituirían a día de hoy un documento tan valioso, él simplemente procuraba aliviarse del revés que le había supuesto la separación de sus padres, viajar de New Jersey a California, de la mano de su madre dejando atrás a su padre, al que sólo vería en vacaciones hasta los últimos dos años de la escuela superior, cuando sería justo lo contrario. Desde los nueve años abrazó las causas que él creyó justas, ayudando a los más tímidos o débiles y no dejando que nadie pasara por encima de ellos. Esa era su propia cruzada, tranquila hasta que su madre volvió a casarse y se mudaron a Brentwood, al oeste de Los Angeles. El elitismo y el snobismo que se allí se vivía lo obligó a irse literalmente rodando a las afueras del barrio, donde enseguida conoció a la banda que se convertiría en su crew. Ese barrio era el DogTown y sus amigos pronto empezaron a aparecer en las revistas más prestigiosas de skate. A pesar de estudiar en la universidad, Friedman sentía que su ojo, su corazón y sus dientes debían estar vinculados a la fotografía y al patín, y además a su manera. Corría el 1975 y mientras sus amigos Tony Alva, Jay Adams y demás se divertían, él utilizaba su pequeña Instamatic de bolsillo, sin que el hecho de no tener un 35mm le pesara lo más mínimo. La primera portada para Skateboarder Magazine llegó en 1976, gracias a los cables movidos por el periodista C.R. Stecyk III después de ver sus fotos de Jay Adams en una piscina vacía. Así se convirtió, de la nada y por tener siempre una consigna llamada riesgo y no fear tatuado en la parte de atrás de su conciencia, en el miembro más joven del staf de la revista. El efecto que las locuras de esos jóvenes del DogTown tuvo en los adolescentes fue fulminante así que Friedman, que pasaba la mayor parte de su tiempo con ellos, se convirtió en una especie de gurú del hardcore por añadidura. La fotografía se convirtió en el desayuno, la merienda y la cena de Glen y se desdibujó la línea entre sus aficiones y el clic. Lo siguiente que llamó su atención fue el punk y bandas como Black Flag, Bad Brains, Minor Threat, que empezaban a hablar de sus propios preceptos políticos al mundo, ideas todas ellas con las que por supuesto nuestro personaje comulgaba totalmente. Los medios generalistas no querían saber nada de toda esa mierda así que lo siguiente que hizo Glen fue estrenar ese DIY que ahora está tan de moda. El primer photo-zine MY RULES llegó en 1982 y se ven-

dieron 10.000 copias. Lo siguiente fue el abrazo inicial y el empujón final de Suicidal Tendencies. Glen decidió ampliar su espectro artístico y se lanzó a producir el primer álbum del grupo, siendo su manager, fotógrafo y encargado de marketing. Demasiadas cosas para que saliera bien, aunque consiguió que la MTV emitiera el vídeo Institutionalized, canción producida por él mismo, siendo la primera vez que una cadena mainstream se interesaba por una banda de hardcore punk. Tras acabar con Suicidal Tendencies se fue de gira con sus viejos amigos Beastie Boys por Los Angeles, pasando del punk al rap simplemente como una ramificación distinta del mismo árbol llamado subversión. Ese fue el primer paso para convertirse en uno de los fotógrafos más influyentes del movimiento hip hop a finales de los 80. Run-DMC, Public Enemy, Ice-T, L.L. Cool J son sólo algunos de los que mostraron su actitud más Gangsta ante el objetivo de Friedman. Lo siguiente a ese extraordinario don de la oportunidad o tener la estrella en el culo, como queramos llamarlo, fue publicar, exponer, exponer y publicar. Los personajes de sus fotos, de unos y otros ámbitos, tanto de la música como del skate, eran leyendas, estrellas a los ojos de seguidores o simplemente admiradores. La cercanía, el estar sudor con sudor con cada uno de ellos e inmortalizarlo en sus instantáneas le llevó a la primera publicación con su propia editorial, Burning Flags: Fuck you heroes y de ahí a las exposiciones en ciudades como Sydney, Tokyo, Florencia, Roma, Milan, Sicilia, Berlin, Stockholm, Chicago, Washington DC, Philadelphia, Los Angeles, Antwerp, Krakow, Dublin y San Francisco. Eso fue el principio de un adentramiento al mundo editorial que siguió con The Idealist: In My Eyes – Twenty Years, DogTown – The Legend Of The Z-Boys, Recognize, Jay Boy, Keep Your Eyes Open -The Fugazi Photographs of Glen E. Friedman – y el que ahora presenta, vuelta a The Rules. Mientras tanto, su carrera ha merecido una retrospectiva en la galería de Shepard Fairey, Subliminal Projects y exposiciónes en la Photographic History Collection of the National Museum of American History at the Smithsonian Institution en Washington D.C, en Metropolitan Museum of Art de New York y el Berkeley Art Museum y Pacific Film Archive. En el libro que ahora presenta, alargando una trayectoria de vida que es la suya propia y la de los protagonistas de sus fotos, se rodea de todos los colaboradores que le acompañan en importancia histórica y de leyenda en la narrativa que nos enseña que el mundo no es tan difícil de cambiar a golpe de guitarra eléctrica, rap, patín, flash, pizzas y cervezas.

THE WORLD IS NOT SO HARD TO CHANGE WITH AN ELECTRIC GUITAR, RAP, A SKATE, A FLASH, PIZZAS AND BEER.

Being in the right and adequate moment and not resigning to the first thing life seems to save for us is crucial for curious souls. Glen never had any pretension of anything, or imagined his snaps would today constitute such valuable document, he just intended to find some relief from his parents’ separation, travel from New Jersey to California with his mother, leaving his father behind, whom he would only see during holidays until the last two years of high school, when it would be the exact opposite. Since he was nine he felt attached to the causes he considered fair, helping the shiest or weakest and not allowing anybody step on them. That was his own crusade, calm until his mother remarried and moved to Brentwood, at the west of Los Angeles. The elitism and snobbery he found there made him role to the outskirts of the area, where he instantly met the band he would turn into his crew. That area was the Dogtown and his friends soon began to appear in the most prestigious skate magazines. Although having gone to University, Friedman felt his eye, heart and teeth had to be linked to photography and skate, apart from his own way of seeing those. It was 1975 and while his mates Tony Alva, Jay Adams and the rest had fun, he kept using his tiny pocket Instamatic, with the fact of not having a 35mm not mattering at all. The first cover for Skateboarder Magazine came in 1976, thanks to the strings moved by journalist C.R. Stecyk III after seeing his photos of Jay Adams in an empty pool. This is how he became, out of the blue and for having always had a slogan called risk and no fear tattoed in the back of his conscience, the youngest member of the magazine staff. The effect the madness of these youngsters in the DogTown had in the adolescents was so sudden that Friedman, who spent the majority of his time with them, became some sort of hardcore guru, topping it all off. Photography was then Glen’s breakfast, snack and dinner, and the line between his hobbies and the click simply faded. The next thing that drew his attention was punk and bands like Black Flag, Bad Brains, Minor Threat, that began to speak of their own precepts to the world, ideas all of which our character definitely agreed with. General-interest media would not want anything to do with that shit so the next thing Glen was giving that DIY so trendy today a try. The first photo-zine MY RULES came in 1982 and 10,000 copies were sold. Next thing was the initial embrace and final push by Suicidal Tendencies. Glen decided to

widen artistic spectrum and produced the band’s first album while being their manager, photographer and marketing responsible. Apparently too much to turn out well, although he managed MTV to broadcast the Institutionalized video, a song produced by himself, being the first time in which a mainstream channel showed interest for a hardcore punk band. After finishing with Suicidal Tendencies he toured with his old friends Beastie Boys through Los Angeles, going from punk to rap mainly as a different branching of the same tree called subversion. That was the first step to become one of the most influential photographers of the hip hop movement of the late 80s. RunDMC, Public Enemy, Ice-T, L.L Cool J are just a few of those who showed their most Gangsta attitude before Friedman’s objective. After that extraordinary gift of chance or being born with a star, whatever we want to call it, came the publishing and exhibiting, exhibiting and publishing. The characters in his photos, from different backgrounds, both from music and skateboard, were legends, stars to the eyes of fans or simply admirors. The proximity, being sweat to sweat with each of them and inmortalizing them in his snaps took him to the first publication with his own editorial, Burning Flags: Fuck you heroes and from then the exhibitions in cities such as Sydney, Tokyo, Florence, Rome, Milan, Sicily, Berlin, Stockholm, Chicago, Washington DC, Philadelphia, Los Angeles, Antwerp, Krakow, Dublin and San Francisco. That was the beginning of an entrance to an editorial world that was followed by The Idealist: In My Eyes – Twenty Years, DogTown – The Legend Of The Z-Boys, Recognize, Jay Boy, Keep Your Eyes Open -The Fugazi Photographs of Glen E. Friedman – as well as the one he is now presenting, back to The Rules. In the meantime, his career deserved a retrospective at Shepard Fairey’s gallery, Subliminal Projects and exhibition at the Photographic History Collection of the National Museum of American History at the Smithsonian Institution in Washington D.C, also at the Metropolitan Museum of Art of New York and the Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive. In the book he presents now, prolonging a life trajectory which is both of his own and of the protagonists in his photos, he surrounds himself by all the contributors that accompany him in historical importance and legend in the narrative he offers in which it is made clear that the world is not so hard to change with an electric guitar, rap, a skate, a flash, pizzas and beer.

T: ANA PAULA TOVAR

CHRISTIAAN CONRADIE

La fuerza del mar, en las manos Christiaan Conradie nació en Johannesburgo (1984), pero creció en Ciudad del Cabo. El mar, que siempre ha sido parte de su vida, así como su profesión de pintor, lo han hecho navegar. Desde hace año y medio reside y trabaja en México atraído por las grandes olas del Pacífico. El 4 de septiembre presentó This is the wind & this is the breeze, su primera exposición en solitario en la Celaya Brothers Gallery. Christiaan Conradie was born in Johannesburg (1984), but grew up in Cape Town. The sea, which was always part of life especially as a painter, has made him navigate. He now lives and works in Mexico since a year and a half ago, attracted by the Pacific’s great waves. On September 4th he presented This is the wind & this is the breeze, his first solo exhibition at Celaya Brothers Gallery.

www.christiaanconradie.com

¿Quiénes son los personajes de tus obras? Algunos son personajes reales de fotos hechas por mí, a otros los conozco peronalmente, como a Anne, pero muchas veces combino un rostro con un cuerpo o con manos de alguien más. No me interesa tanto retratar a la persona, como pintar al personaje que tengo en mi mente y quiero inventar. ¿Ellos viven en tu imaginación y les das vida a través de la pintura, que calificas de “respiración cardiopulmonar”? Así es. Empiezo con las partes que cuentan más de la historia del cuadro e intento capturar sólo esa esencia que para mí es el personaje o el ambiente que quiero crear. Cuando siento que lo tengo termino la pieza.

La posición de las manos puede decir cosas distintas, así como los gestos. Y en los ojos está la vida. ¿Por qué la mayoría de tus personajes viven ya en la vejez? Quiero crear cuadros que tengan mucho poder para el espectador y les impacte de una forma fuerte. Los viejos tienen más esencia, comunican con sus ojos; pero también por las arrugas. Tiene más contenido alguien viejo que alguien joven. Hay más vida. ¿Por qué centras la atención en las manos y en los rostros? Creo que son partes del cuerpo que ayudan mucho a contar la historia. La posición de las manos puede decir cosas distintas, así como los gestos. Y en los ojos está la vida. ¿Dónde está el mar y el surf en tus obras? En algo, pero es sutil. Es difícil de explicar. El mar es muy importante para mí, no hay forma de que no influya en lo que hago, pero no estoy pintando paisajes del mar. Tiene que ver más con los sentimientos y lo qué puedes percibir. ¿Por qué el nombre de la exposición que presentas en Celaya Brothers es This is the wind & this is the breeze? De la misma forma que agrego una mancha o unos puntos a un cuadro, el título es una capa más. Debe sonar bien y estar relacionado con

las piezas. This is the wind and this is the breeze son dos cosas al mismo tiempo, un poco efímero; algo que se mueve y vive. Así mismo los cuadros empiezan a vivir en la imaginación del espectador. ¿El espectador da otra dimensión a la obra? Sí exacto. Prefiero sugerir cosas y dejar que el espectador vea la pieza y participe. ¿Algunas de éstas obras las has hecho en México? Casi todas, menos tres piezas de las dieciocho totales, pues regresé a Sudáfrica durante tres meses el año pasado y ahí las pinté, por ejemplo el cuadro de Anne. ¿México ha influido algo en tu práctica profesional? Seguramente sí, pero en cosas sutiles. No estoy pintando calaveras, pero los colores y lo que veo eventualmente va a aparecer de una forma u otra. Igual me sucedió cuando viví en Barcelona, creo que mi tiempo allá tiene que ver mucho en cómo estoy pintando. Por ejemplo, en El Prado de Madrid vi los cuadros de Velázquez y uno de Rubens que siempre voy a recordar. ¿Por qué México? Quería venir a mejorar mi español a esta parte del mundo, estaba entre Buenos Aires y acá, pero aquí hay olas. ¿Cuál es tu relación con el Artist Network Program de RVCA? Cada país tiene su propio equipo de artistas, yo pertenezco al de Sudáfrica. Me patrocinan y me apoyan mucho en la difusión de las obras. Lo mejor de ANP es que mi trabajo es muy libre. ¿Es una red de artistas? Si, así funciona. Si voy a Brasil o a cualquier lugar puedo conectarme con artista de allá que también forma parte del ANP. Has trabajado sobre muros (street art) y en espacios indoor, ¿con qué disfrutas más y qué te aporta cada uno? Son muy distintos. Cuando pinto murales con vinilo o aerosol es mucho más rápido y efímero. En un muro puedes hacer algo y si no te gusta lo cubres, es un poquito más libre. Existen cosas que aprendo en la calle que puedo aplicar luego en el estudio. Me gusta mucho hacer ambos, pero en el estudio puedes dar más vida y sustancia al cuadro, porque a veces trabajo una pieza durante meses. ¿Qué sigue después de México? Una exposición en San Francisco el próximo año. También voy a colaborar con un chico que vive en NY donde voy a intervenir algunas tablas de surf.

Who are the characters in your pieces? Some are real people from pictures I’ve taken myself, some I know personally, like Anne, but sometimes I combine a face with a body with someone else’s hands. I’m not so interested in portraying the person, but in painting the character inside my head whom I want to invent.

something that moves and lives. In this exact way the paintings begin to live in the spectator’s imagination.

They live inside your head and you bring them alive through your painting, which you call “cardiopulmonary breathing”? Precisely. I begin with the parts that tell the most about the painting’s story and try to capture what to me the character or the environment I want to create is. When I feel I have it, I finish the piece.

Have you done some of these in Mexico? All except three of the eighteen of them, since I went back to South Africa for three months last year where I painted these three, for example Anne’s painting.

The hands position can say many things, and so do gestures. And the eyes are where life is. Why do the majority of your characters live in old age? I want to create paintings that have a lot of power to the spectator, stunning in a hard way. Old people have more essence, more to tell from the eyes, even from their wrinkles. Someone old is more full in content than someone young. There’s more life. Why do you focus the attention on hands and faces? I think they are parts of the body that help a lot in telling someone’s story. The hands’ position can say many things, and so do gestures. And the eyes are where life is. Where are the sea and surf in your artwork? They are somewhere subtle. It’s hard to explain. The sea is very important to me, and it affects what I do and how I do it, although I’m not painting sea landscapes. It has more to do with feelings and what can be perceived. Why is the name of the exhibition you’re presenting at Celaya Brothers This is the wind & the is the breeze? The same way I add a patch or spots to a painting, the title is just another layer. It has to sound good and be related to the pieces. This is the wind and this is the breeze are two things at the same time, a bit fleeting;

Does the spectator bring a new dimension to the piece? Yes, exactly. I prefer to suggest things and leave the spectator watch the piece and participate.

Has Mexico influenced in any way your professional practice? It probably has, although in subtle things. I’m not painting skulls, but colours and what I eventually see will look in this or this other way. The same thing happened when I was living in Barcelona, I think my time there has a lot to do with how I’m painting. For instance, in El Prado in Madrid I saw Velázquez’s paintings and one from Rubens I will always remember. Why Mexico? I wanted to come and improve my Spanish in this side of the world, I was between Buenos Aires and here, and here there’s waves. W hat’s your relationship with RVCA’s Artist Netwrok Program? Each country has its own artists team, I belong to the South African. They sponsor me and support me a lot in the pieces diffusion. The best thing from ANP is that my work is very free. Is it an artists network? Yes, it’s how it works. If I go to Brazil or any other place I can connect with the artist over there who also belongs to ANP. You have worked on murals (steet art) as well as indoor spaces, which one do you enjoy the most and what does each bring you? They are very different. When I paint murals with vinyl or aerosol it’s much faster and ephemeral. In a mural you can do whatever you want and if you don’t like it you cover it, it’s a bit more free. There are things I learn in the street I can later on apply in the studio. I really like doing both, but in the studio you can give the painting more life and substance, because I sometimes work on a piece for months. What comes after Mexico? An exhibition in San Francisco next year. I will also cooperate with a guy who lives in NY where I will take part in making some surf boards.

T: BEA SALAS Y XAVI BARAGONA F: XAVI BARAGONA

CHAD MUSKA Y ANDY WILLIS Éramos, somos y seremos siempre amantes de las buenas ideas que de forma natural acaban por juntarse. Cosas que casan. Como ocurre con la comida y el postre. Macarrones con queso y brownies. Currywurst y crumble. Y es que el skate también sabe poner finales de campeonato a platos de por sí de rechupete. En este caso el plato principal fue el Supra UK Residency, un tour con el que el equipo conquistó este mes de julio ciudades como Bristol, Leeds y Manchester entre street skate, conciertos, cenas de asado y demás celebraciones fetén. El postre que la marca escogió para poner fin a tal festín y al que asistimos como sus invitados fue una closing demo en los Frontside Gardens de Andy Willis en la capital británica, un skatepark al aire libre que éste creó en verano de 2012 en un antiguo almacén usando materiales reutilizados y donados. La guinda del pastel fue que Supra encargara al insaciable rider Chad Muska el diseño de un obstáculo para la demo final del tour. Situado en el Hackney Wick de Londres, el objetivo de este oasis de rampas y estructuras es ofrecer un espacio sostenible para que niños y amantes del skate se ayuden de sus tablas y tenedores para saciar su apetito urbano con una dulce y deliciosa libertad sobre ruedas. We were, are and always will be big fans of good ideas coming together. Things that go well with each other. Like when it comes to food and desserts. Macarroni cheese and brownies. Currywurst and crumble. Well skateboarding also knows about putting proper endings to already mouth-watering servings. In this case the main dish was Supra UK residency, a tour during which the crew took over cities like Bristol, Leeds and Manchester while having some street skateboarding, concerts, roast dinners and other mad celebrations. The dessert the brand chose to put an end to such meal and to which we attended as guests was a closing demo at Andy Willis’ Frontside Gardens in the British capital, an outdoor skatepark he created in summer 2012 from an old warehouse using reused and donated materials. The cherry on top the cake was Supra putting insatiable rider Chad Muska in charge of designing an obstacle for the tour closing demo. Located in London’s Hackney Wick, this ramp and structure oasis’ goal is to provide a sustainable space for children and skateboarding lovers to simply grab their boards and forks and fill their urban appetite with a sweet, delicious on-wheel freedom.

www.muskavision.com www.suprafootwear.com

PREFIERO NO HABLAR DE COSAS, SINO HACERLAS

Enhorabuena por cómo el proyecto Frontside está yendo hasta el momento, es genial. Andy, ¿cómo surgió la idea? Mi amigo Rodney Clark y yo tuvimos la suerte de crecer en un ambiente suburbano con un skatepark. Realmente era un sitio especial porque en ese momento no había demasiados en el país. Así que ofrecer más espacios inspirados en ese en el que crecí es algo en lo que siempre he querido estar involucrado. Este es el primer ladrillo para crear algo, empezando por un lugar que ha estado ahí durante 25 años. Queremos seguir haciendo lo mismo con otros proyectos.

de cosas, sino hacerlas y trabajar con todos esos materiales que de otro modo se hubieran echado a perder. Es genial crear un espacio para que los chicos vengan y se entrenen. Oí hablar de ello y Supra dijo ‘Ey, queremos donar dinero y crear un obstáculo’. Me pareció una buenísima idea y, aunque fue complicado diseñar para un sitio en el que nunca había estado, Andy y yo nos juntamos para hacerlo realidad, él es un carpintero e ingeniero de primera. Pero esto es algo para los niños, y eso es todo lo que importa. Inspirar a los chicos y darles algo con lo que emocionarse, un lugar en el que pasarlo bien y ojalá para evitar meterse en líos.

¿Chad y tú os conocíais ya de antes? Yo conocía a Chad por su skate en los 90 y he seguido su trayectoria desde entonces.

Parece que compartís la misma filosfía de skate, creando cosas para que niños y adultos se diviertan. Andy: Sí, es una buena filosofía que tener en la vida. Nosotros hemos tenido suerte y queremos continuar, difundiéndolo tanto como sea posible.

¿Por qué Chad para este proyecto entre Supra y Frontside? Bueno, ¡yo no escogí a Chad! (risas). Supra montaba su tour y tuvimos la suerte de que nos preguntaran si podían venir aquí, además sugirieron diseñar el obstáculo de la mano de Chad para la closing demo, y me pareció genial. Entonces él empezó a diseñar algo y empezamos a intercambiar ideas por email hasta que nos conocimos, cuando obviamente fue más fácil visto el tamaño de este sitio. Jugamos un poco con su diseño, lo afinamos y ahora es lo más grande que tenemos por aquí. Es genial para entrenar. Si pudiera haber escogido a alguien, ¡desde luego lo habría escogido a él! (risas). Chad, cuando oíste hablar del proyecto, ¿qué significó para ti? Pensé que era algo increíble, Andy estaba aquí haciendo un proyecto posible y eso me gusta; no hablar

I APPRECIATE NOT TALKING ABOUT THINGS BUT DOING THINGS

Congratulations for how the Frontside project is going so far, it’s awesome. Andy, where did the idea come from? Me and my friend Rodney Clark were very lucky to grow up in a suburban town that had a skatepark. It really was a special place because there were not so many indoor skateparks in the country. So providing more spaces like that is something I’ve always wanted to be involved in, and this is a stepping stone towards creating something real, starting in a place that has been around for 25 years. We want to keep doing the same with other projects. Did you guys know each other before? I had known Chad for skating in the 90s...big fan of Chad’s life since then. Why Chad for this Supra and Frontside project? Oh I dind’t choose Chad! (laughs). Supra was doing the tour and we’re very lucky that they asked us if they could come here and said maybe we were up for designing the obstacle for their closing demo, which was lovely. Then Chad started designing something and we threw a couple of things at each other by email until we met, which has been easier, obviosuly, seen the size of this place. We played around a bit with the design Chad did, it got mellow and now it’s the biggest thing in there. It’s really nice for training. But if I would have been able to choose someone, I would have chosen Chad! (laughs) Chad, when you first heard about this project, what did it mean to you? I thought it was amazing, Andy’s over here making things happen and I appreciate that; not talking about things but doing things, and working

¿Fue fácil trabajar juntos? Andy: Siiiií...(risas), estuvo muy bien. Chad: Los dos somos tipos fáciles por lo que parecía y nos dijimos ‘¡Manos a la obra!’. Andy: A mí me gusta fijarme en el detalle y no soy tan artístico como Chad, pero soy de hacer las cosas de forma distinta, igual que Chad con sus diseños. Lo suyo es gráficamente atractivo y es genial tener un equilibrio con alguien con quien quieres llevar algo a cabo cuando tienes ideas en la cabeza. El caso es que los skateparks suelen construirse de manera muy funcional, lo que ayuda a obtener grandes estructuras; pero los skateparks, sobre todo los de cemento, tienden a ser muy grises. Con lo que está bien poner tiempo y flexibilidad en producir algo con lo que la gente esté contenta, crear un sitio en el que te den ganas de patinar.

with all of these materials that would have otherwise been thrown away. It’s awesome to create a place for kids to come and to train themselves in skateboarding. I heard about it and then Supra asked ‘Hey, we want to help donate money and get an obstacle’, I thought it was a cool idea and, although it was hard to design for a place you’ve never been before, Andy and I came together to make this happen, he’s an amazing carpenter and engineer. But this was something for the kids and that’s what it’s all about. To inspire kids and giving them something to look forward to, a place to enjoy themselves and stay out of trouble, hopefully. Seems like you share the same skateboarding philosophy, creating things for kids and people to enjoy. Andy: Yeah, it’s a good influence to have in your life. We have been lucky and we want to go further and spread it as much as possible. Was it easy working together? Andy: Yeaaah... (laughs), yes, really nice. Chad: We’re both easygoing people from what it seemed like and we said ‘Let’s make it happen!’. Andy: I quite like detail and I’m not as artistic in the way that Chad is but I quite like doing things differently, and Chad is very much into that as well with his design. It’s graphically nice, so it’s good to have a balance with someone you want to do things with, when having certain things in mind. Skateparks are usually built very functionally which helps have great shapes, but especially concrete skateparks tend to be grey. So it’s good to put time and flexibility into producing something people are happy with, something that looks like somewhere you want to skate.

T: EVA VILLAZALA + BEA SALAS

BALARAMA HELLER En el extremo del sentimiento se descubre la esencia Llegar hasta las raíces del comportamiento humano, ir más allá de lo que el ojo está acostumbrado y expresar un mensaje: todos tenemos nuestros roles. Balarama Heller tiene el suyo claro y solo cambia su lenguaje y técnica en función del ambiente que está ahí para capturar. Será moda, serán las minas de Europa del este, pero en cualquier caso habla de esas “ideas sin palabras”, esas que pasan a menudo desapercibidas pero que sin embargo son la fuente y esencia de toda una cultura. Sus instantáneas muestran mucho más que subculturas: son el resultado de un ritual entre sociedad y extraño, entre duras condiciones y una cámara discreta que se propone congelarlas. Habla de confianza y llaves de oro, montañas y cuchillos. Getting to the roots of human behavior, going beyond what the eye is used to and conveying a message: we all have our roles. Balarama Heller has his clear and only changes his language and technique depending on the environment he’s there to capture. Might be fashion, might be mines in eastern Europe, but in any case he talks about those “ideas without words”, those that are often overseen but which however are the source and essence of a whole culture. His snaps show much more than subcultures: they are the result of a ritual between society and stranger, between hard conditions and the discreet camera who wants to freeze them. He talks about trust and golden keys, mountains and knives.

balaramaheller.com 83

Si miro hacia atr谩s me descubro entre ruinas y escombros y veo una fuerza que naci贸 de la ternura y la intimidad

Rumania, India, Estambul, post soviet… ¿en base a qué eliges los destinos de tus viajes? ¿Qué tienen en común todos esos países que te interese especialmente retratar? Casi todos los países en los que he acabado son resultado de seguir una oportunidad del azar. Siempre tuve una fascinación por el Este. Crecí en las comunas Hare Krishna de los EE.UU. y siempre despertó mi curiosidad conocer su cultura primaria. Eso es lo que me motivó a ir a India en cualquier caso. Básicamente era un fuerte deseo de lanzarme a lo desconocido, de seguir las pistas de la mitología. Las imágenes se habían materializado en mi cabeza y quería perseguirlas para darles vida con mi cámara. Por eso, llegaba a un sitio y empezaba a cazar estas imágenes, siguiendo pistas de los alrededores. Al final si las condiciones eran favorables, una especie de cortina teatral se levantaba y la imagen o la escena aparecía de repente ante mí. Una vez encuentro un lugar que se queda instalado en mi interior, como Rumania o Estambul, quiero quedarme un tiempo y volver tan a menudo como pueda, hasta que encuentro todo lo que estoy buscando. De momento no lo he encontrado todo, así que volveré. Tu fotografía es de extremos, manteniendo siempre la belleza y la fuerza de la imagen, te centras en condiciones extremas, tanto de alegría de vivir como en la lucha por sobrevivir en la adversidad, ¿crees que el hombre es fuerte por naturaleza? ¿Qué es lo que más te llama la atención de la supervivencia en medios hostiles? Siempre me han llamado la atención los humanos que se hacen a sí mismos bajo condiciones duras y difíciles. ¿Cómo afecta a nuestra moralidad? ¿A la manera en que amamos? Quería ser fotógrafo de guerra así que acabé en sitios con alguna clase de agitación o entre conflictos - como Gaza y el West Bank y Kosovo. Lo que encontraba siempre me sorprendía. Si miro hacia atrás me descubro entre ruinas y escombros y veo una fuerza que nació de la ternura y la intimidad. Descubrí que el afecto es el pegamento que mantiene los últimos hilos de la cordura en un lugar, porque no hay absolutamente nada más. Ni siquiera esperanza. En general, me llaman la atención las raíces de las cosas, las líneas de base. ¿Quién está ahí? ¿Qué está pasando? Los pilares invisibles que soportan al mundo. Un ejemplo de base sería una mina donde un mineral esencial es extraído por mero trabajo humano. Creo que lo que es característico de la humanidad es la habilidad de adaptarnos y lidiar, lo que puede verse como fuerza. ¿Cuándo supiste que querías ser fotógrafo? Supe que quería ser fotógrafo cuando tenía cinco años. Empecé a tomármelo en serio a los quince. ¿Te permite ver el objetivo de tu cámara más allá? ¿Es una herramienta que de forma inconsciente agudiza la percepción y entrena la mirada? El uso más interesante de la fotografía para mí se da cuando se utiliza para enseñar un mundo que pasa inadvertido. El punto en cualquier lado del péndulo que es imperceptiblemente estático, el momento en que el subir se convierte en bajar. Ese es el objetivo principal en mi trabajo personal. ¿Cuáles son tus próximos objetivos, tus próximos proyectos? Voy a continuar trabajando en mi proyecto llamado Sparrow Mountain que es sobre el intento de crear significado de la profecía a través del uso del ritual. Tiene lugar en un escenario del decaimiento de la América

rural, en comunas New Age fallidas, búnkers DIY y está basado en una creencia híbrida de religiones antiguas y nuevas. ¿Con qué sentimientos relacionas más tu trabajo? ¿Motivación, contradicción, impotencia, fortuna? De esas palabras que enumeras con las que me siento más identificado en relación a mi trabajo son motivación y contradicción. Tus fotografías reflejan siempre un elevado grado de intimidad con las comunidades y sujetos que retratas, ¿cómo consigues que se abran a ti? ¿Qué se acostumbren a tu presencia? Mi mentor Jack Lueders Booth destacó tres niveles de aceptación cuando trabajas en grupo. Primero sospechan, luego te aceptan, después te ignoran. En este último nivel eres realmente libre para trabajar desinhibido. Sin embargo, sí que necesitas cierta habilidad para crear lazos de confianza con rapidez. Normalmente debería pasar en los primeros minutos de contacto, de otra forma no pasará. Es cuestión de vibraciones. Tienes que moverte rápido, más allá del lenguaje y ver directamente el corazón de la persona, es entonces cuando les transmites que no eres una amenaza o que no estás ahí para explotarles negativamente. Si eso pasa, tienes la llave de oro. Además, tengo otras habilidades como construir y arreglar, así que me hago útil cuando tengo la ocasión y eso me convierte en algo más que otra boca que alimentar. A riesgo de sonar totalmente arrogante me gustaría decir que al ir a un sitio aislado, estás por defecto en el rol de emisario del resto del mundo, trayendo nueva información y con la responsabilidad de expresar lo que has aprendido una vez vuelves al mundo exterior. De la profundidad de pueblos en situación desfavorecida y el conocimiento de su gente al mundo de la moda, ¿cómo haces para cambiar el chip en un tipo de trabajos y otros? Cuando fotografío para un proyecto personal, trabajo con un plan macro pero siempre por instinto e intuición. Hay un camino más largo que recorrer, así que puedo adentrarme más en la idea que trato de visualizar. Es un espacio donde cae el lenguaje y nace el intangible misterio de las “ideas sin palabras”. El universo puramente visual está ahí para crear señales hacia la idea que está más allá de la lengua y la forma, incluso del pensamiento. Cuando trabajo en moda hay más parámetros que controlar y para ser eficiente planeo y previsualizo mucho más. Cuanto más lo hago, más preparado estoy para el momento bello e inalterado, que de forma invariable acaban siendo imágenes más poderosas. ¿En qué momento de tu vida has tenido que reunir todas tus fuerzas para hacer frente a una situación concreta? Cuando tenía dieciocho años y vivía en las calles de Praga, dos hombres trataron de atacarme con cuchillos. Tuve que juntar todas mis fuerzas para desarmarlos físicamente. No hubo intercambio de palabras. No hubo violencia. Funcionó. A parte de fotografía, ¿qué es lo que más te gusta hacer? Andar por las montañas. ¿A quién tienes que agradecerle tu fuerza como persona? A mi hermana, la soldado y profesora más fuerte que conozco. Me enseñó a ser fuerte desde una edad muy temprana y cada día le estoy agradecido por ello.

Looking back at me from the rubble and ruins was a strength born out of tenderness and intimacy

Romania, India, Istanbul, post Soviet...how do you choose your trip destinations? What do all these countries have in common that makes you want to capture them? Most of the countries I ended up in were a result of following a chance opportunity. I always had a fascination with going to the East. I grew up in Hare Krishna communes in the US and was always curious to see its source culture. That is what motivated me to go to India anyways. Mainly it was a strong desire to throw myself into the unknown, to follow traces of mythology. Images would materialize in my mind and I felt I could somehow chase them down and bring to life with my camera. So I would go to a place and begin to hunt these images, lead on by clues in the environment. Eventually, if the conditions were right, a kind theatrical curtain was raised and the image/scene would appear unexpectedly in front of me. Once I find a place that really resonates with me, like Romania or Istanbul, I want to stay there for a while and go back as often as I can until I find everything thing that I am looking for. So far I have not found it all, so I will go back. Your photography is quite extreme although it always maintins the beauty and strength of the image, you focus on extreme conditions, from the happiness of living to the fight to survive in adversity; do you think a human being is strong by nature? What strikes you the most of hostile environments? I’ve always been curious to see how humans compose themselves under duress and harsh conditions. How does it effect our morality? How does it effect the way we love? I used to want to be war photographer so I gravitated towards places that were in some kind of turmoil or in between conflicts - like Gaza and the West Bank and Kosovo. What I found always surprised me. Looking back at me from the rubble and ruins was a strength born out of tenderness and intimacy. I discovered the affirmation that affection is the glue that holds the last threads of sanity in place, because there is absolutely nothing else. Not even hope. In general, I’m drawn towards the source of things - the base line. Who is there? What is happening there? The invisible pillars that support the world. The most base example would be a mine where some essential mineral is being extracted by raw human labor. I think what is characteristic of humanity is our ability to adapt and cope, which can be seen as a strength. When did you realise you wanted to become a photographer? I knew I wanted to be a photographer when I was 5 years old. I began taking it very seriously when I was 15. Does your camera objective let you see beyond? Is it a tool that unconsciously allows you to sharpen perception and train the look? The most interesting use of photography to me is when it is used as a way of conveying the unseen world. The point at either end of the pendulum arc that is imperceptibly still, the moment when up converts to down. W hat are your next objectives and projects? I am continuing work on my project called Sparrow Mountain that is largely about the attempt to create meaning out of prophecy through the use of ritual. It takes place is a setting of American rural decay, failing

New Age communes, D.I.Y. bunkers and a hybrid belief system of ancient and new religions. Which of these do you identify yourself with when doing your work? Motivation, contradiction, helplessness, fortunate? The words I relate to the most here in relation to my projects are motivation and contradiction. Your photos always reflect a high level of intimacy with the communities and subjects you portray, how do you get them to open up to you? To make them used to your presence? My mentor Jack Lueders Booth outlined three levels of acceptance when working a group. First they are suspicious, then they accept you, finally they ignore you. This final stage is when you are truly free to work uninhibited. However, it does take a certain ability to create trust bonds quickly. Usually it has to happen in the first minutes of contact or it will not happen at all. It’s a vibes thing. You have to move quickly past language and see directly to the heart of the person and there you let them know that you are not a threat and not there to exploit them in a negative way. If that happens, then you have the golden key. Also, I have have other skills like building and fixing things, so I make myself useful when there is an opportunity - which makes me not just an extra mouth to feed. At the risk of sounding completely arrogant I would also like to mention that coming into an isolated place, you are by default in the role of the emissary of the outside world, both bringing in new information and having the responsibility of conveying what you learned back to the wider world. From the depth of villages in unfavourable situation to getting to know their people, to the world of fashion, how do you change your mindset from one project to another? When I am photographing a personal project, I am working with a macro plan but moment to moment working from pure instinct and intuition. There is a longer trajectory to inhabit - so I can sink deeper into the idea I am trying to visualize. It’s a space where language falls away and the intangible mystery of “ideas without words” arises. The purely visual universe, it’s there to create a sign posts pointing towards the idea which is beyond both language and form, beyond thought itself. When working in fashion there are more parameters to control and to make things more efficient I plan and pre-visualize much more. The more I plan and pre-visualize, the more I am prepared for the beautiful and unintended moment - which invariably results in more powerful images. In which moment of your life did you have to gather your strength to face a concrete situation? The time when I was 18, sleeping on the streets of Prague and two men were trying to attack me with knives. I had to summon my inner strength to psychically disarm them. No words were exchanged. No violence occurred. It worked. Apart from photography, what do you like doing the most? Walking amongst mountains. Who do you need to thank your strength as a person? My sister, the strongest warrior and teacher I know. She taught me how to be strong from a very young age and each day I am grateful for this.

T: EVA VILLAZALA

Pat Duffy

¡Vino en Vigo, amigo! Se nota que es capricornio. Tozudo como él solo. A punto de cumplir 40 años, Duffy sigue al pie del cañón, participando en competiciones internacionales como la que vivimos en Vigo, junto a la familia de Arnette O’Marisquiño. Como a él, el encuentro se nos clavó en el alma, ¡por todo un poco! Y también él nos llegó al alma, divertido y característico como él solo. Sólo le faltó cantar: ¡Me gustan las mujeres, me gusta el vino! El próximo año seguro se anima, sólo tenemos que enseñarle un poco mejor cómo nos las gastamos por esta parte del charco y se queda aquí a vivir seguro. One can tell he’s a capricorn. Stubborn as only he can be. About to turn 40, Duffy is still on the front line, taking part in international competitions like the one we lived in Vigo, next to the Arnette O’Marisquiño family. Such event, due to various reasons, will be kept inside our souls. And also he is in our soul now, fun and peculiar as he is, only abut to sing the Spanish hit ‘I like women, I like wine!’ We’re sure he’ll be back next year, it shouldn’t take more than us showing him how we roll in this side of the pond so he decides it’s time to move here.

¿Qué opinas de O’Marisquiño? Es muy divertido. Todo el mundo es muy agradable. Disfruté mucho todos los eventos, no solo los de skate también el Downhill Mountain biking y los Dirt Jumps, pasé muy buen rato. ¿Es tu primera vez en Vigo y en España? En Vigo sí, pero he estado en Barcelona y Madrid, esta debe ser mi sexta vez en España. ¿Te gusta Barcelona y Madrid? Me encantan ambos y ahora también Vigo, está en mi corazón. ¿Qué tal Barcelona para patinar? Barcelona es como una de las mecas para patinar. ¡Además, hay tantas mujeres guapas y tanta cerveza que beber! ¿Qué opinas de los skaters de la competición? Todo el mundo estuvo increíble. El nivel era enorme, muy alto. ¿Algún rider favorito o alguno que acabes de descubrir? No tengo uno favorito pero mi amigo y colega de equipo Scott Decenzo que quedó primero realmente fue el mejor ahí fuera. Kelvin Hoefler estuvo muy bien también y me gustó Benjamin Garcia de Francia, había mucho nivel. Has estado de tour con Arnette, ¿Qué tal ha ido? Hicimos un hashtag de nuestro tiempo en Madrid #meltinginmadrid (deshaciéndonos en Madrid) porque hacía ese jodido calor... en Vigo #vinoinvigo, ¡vino en Vigo, amigo! Ahora hemos parado. Solo siete días, está bien. ¿Qué es lo mejor de hacer tours y vivir del skate? Se trata de poder estar con tus colegas y hacer lo que te apasiona, a nosotros nos encanta el skate, por eso somos skaters, tenemos mucha suerte de poder viajar por el mundo y esa es la mejor parte: estar con buenos amigos haciendo lo que nos encanta. Sobre tu evolución desde que empezaste en el skate. Has tenido grandes momentos. ¿Cómo has evolucionado? Cuando descubres el skate te quedas completamente enganchado y se empieza a convertir en tu vida, se convierte en el todo, en lo único en lo que piensas. Cuando estaba en el colegio de niño lo único en lo que pensaba era en patinar, todo el tiempo. También toco la guitarra pero lo más

importante ha sido siempre el skateboarding. Lo practicas y practicas hasta que llegas al punto de ‘¡Joder!, estás en el ránking mundial, y entre los mejores del mundo, y entonces todo lo que haces es seguir porque te gusta, sienta bien. El skate sienta taaaan bien. Lo he estado haciendo tanto tiempo, he sido un skater pro durante 21 años, así que ahora lo que es hago es estar seguro de que mis fans sepan que aún lo disfruto, y no es una carga, me gusta de cojones todavía. Y eso se traduce en que ellos digan ‘¡Sí! ¡Ahí sigue!’ ¿Por qué crees que el skate engancha tanto? Porque puedes hacer con él lo que quieras. No estás restringido. No es un deporte, no es un arte, bueno, es como un tipo de arte, así que puedes hacer lo que quieras. Esa es una de las razones por las que empecé, porque no jugábamos a béisbol. Muchos riders están relacionados con la fotografía, el arte, la música. ¿Es quizás porque el skate está relacionado con la creatividad? Sí, exacto. Has diseñado unas zapatillas para Vox, The Patriot. Fue una experiencia genial, diseñé un buen zapato con Alfonso Rawls. Él ha hecho zapatillas de skate para Vans, DC, Etnies, creo que Nike, Osiris. Ha realizado muchos de los diseños más conocidos porque es un skater de corazón. Diseñamos un zapato Vox. ¡Ha quedado bien! ¿Cuáles son tus planes para estos próximos años? Hago marketing y soy team manager de skate para Arnette y tengo la intención de seguir haciéndolo algo más de tiempo. Voy a filmar mi parte de skate del vídeo de Plan B, se llamará True. Sale el 24 de noviembre, Black Friday en EEUU, a ver qué pasa. Hemos estado trabajando muy duro. Voy a asegurarme de que éste salga jodidamente bien. ¿Qué haces cuando no patinas? Toco en mi banda con Rob Welsh, otro skater. Tocamos música country, como Hank Williams, Waylon Jennings, Johnny Cash y esa mierda. Y viajar todo el tiempo. ¿Dónde vives? En San Diego, al sur de California. Ya que estoy en Europa y tengo que ir a Helsinki creo que cogeré un día para ir a Barcelona, filmar algo y volver. No paras. ¡No puedo parar, no se puede parar!

What do you think of O’Marisquiño? It’s really fun. Everybody was so nice in the event, and it was a really good one. I liked all the different events, like the Downhill Mountain biking and all the Dirt Jumps, it was a really good time. Is it your first time in Vigo and Spain? In Vigo yes, but I’ve been to Barcelona and Madrid, maybe this is the 6th time I’m in Spain. Do you like Barcelona and Madrid? I love both and I love Vigo now, it’s in my heart too.

practise and practise until you get to the level of ‘Holy Shit!’, to the level of world ranking, and you’re among the best of the world and then what you do is you keep doing it because it feels good, so good. Skateboarding feels soooo good. I’ve been doing it for so long now, I’ve been a pro skateboarder for 21 years, so these days what I do is make sure I let my fans make sure I’m having a good time still, and it’s not a burden, I fucking love it still. And then it translates to them saying ‘Yeah! He’s still got it!’.

Do you like Barcelona to skate? Yeah, Barcelona is like one of the mecas of skateboarding. So many beautiful women there, too. And so many beers to drink!

Why do you think skateboarding is so catchy? Because you can do whatever you want to do with it. You’re not constrained. It’s not a sport, it’s not art, well it’s like some sort of art, so you can do whatever you want. That’s one of the reasons why we got into it, because we didn’t play baseball.

What do you thing of the skaters in the contest? Everyone was amazing. The level was big, very high.

Many riders are related to photography, art, music. Is it maybe because skateboarding is related to creativity? Yeah, exactly.

Any favorite riders or one that you just discovered? I don’t have a favorite but my friend and teammate Scott Decenzo who got qualified first was really the best guy out there. He was the best. Kelvin Hoefler was very good. I liked Benjamin Garcia from France, there was a lot of high level skateboarders.

You designed a signature for shoes, The Patriot for Vox. That was a really good experience, I designed a really good shoe with Alfonso Rawls. He has done skatebaording shoes for Vans, for DC, for Etnies, for Nike I belive, Osiris. He’s done a lot of the known designs for skate shoes because he’s a skateboarder at heart. We desgined a Vox signature shoe. It looks very good!

You were with the Arnette tour right? What about it? We hashtagged our time in Madrid, #meltinginmadrid because it was so fucking hot, and in Vigo it was #vinoinvigo, vino in Vigo amigo! We stopped now. Just seven days, it’s good. What’s the best thing of touring and your life skateboarding? It’s always just being able to hang out with our friends and do what we love to do, we love skateboarding, that’s why we’re skateboarders, and we’re very lucky to be able to travel the world and so that’s the best part about it: being with good friends and doing what we love. What about your evolution in skate since you began. You had important moments. What have you evolved? When you discover skateboarding you get completely wrapped up in it and it becomes your life, it becomes everything, it’s all you think about. When I was in highschool as a kid the only thing I though about was skateboarding, all the time. I play guitar too but it was skateboarding-home. You

What are your plans for the next years? I do marketing and team managing for the skate side of Arnette and I plan to keep doing that and for the next little while. I’ll be filming my Plan B skatesboards part, it’s called True. It comes out in November 24th, black Friday in the US, big deal. We’ve been working really hard on that one. I’m gonna make sure this one fucking turns out good. What are you doing when you’re not skating? I’m playing in my band with Rob Welsh, a skateboarder. We do country music, we play Hank Williams, Waylon Jennings, Johnny Cash, that kind of shit. And travel all the time. Where are you living? San Diego, southern California. Since I’m Europe and I need to go to Helsinki I think I’ll take one day to fly to Barcelona, film a thing and then fly back. You don’t stop. I can’t stop, there’s no way to stop!

T: EVA VILLAZALA

Brian Gaberman The Road to Wolfeboro

Volver a los orígenes y explorar, cámara en mano, lo que nos formó como personas. Una vuelta a la infancia y al lugar donde comenzó todo. Donde comenzamos nosotros. Cada etapa de la vida nos aporta algo nuevo, algo que se instala en nuestra conciencia y que se moldea con el pasado y lo que anhelamos del futuro. Brian Gaberman volvió a los bosques y las carreteras de su infancia, en Wolfeboro, con la mente en blanco, vacía de cualquier objetivo concreto, con el único propósito de dejarse llevar y disparar mientras tanto. The Road To Wolfeboro es el último proyecto que el fotógrafo ha realizado comisionado por Element, en un viaje durante diez días que acabará con una exposición de las mejores fotos. Sus fotografías, recién salidas de la emulsión de plata, son el resultado de una idea que se gestó entre la marca y Gaberman cuando se dieron cuenta del paralelismo de sus inicios. Ambos nacieron y crecieron en Wolfeboro y aunque salieron de ese paraíso de tranquilidad para realizar sus proyectos, nunca perdieron de vista su esencia, ligada a la naturaleza y al cuidado de la misma. Going back to the origins and explore, camera in hand, what shaped us as people. A comeback to childhood and to the place where everything started. Where we started. Each life period brings something new, something getting settled in our conscience, adapting to the past and what we wish for the future. Brian Gaberman went back to the woods and roads of his childhood, in Wolfeboro, with a blank mind, emptied from any concrete goal and with the only aim of letting go, shooting in the meanwhile. The Road to Wolfeboro it’s the photographer’s latest project, curated by Element and consisting of a ten-day trip that will end with an exhibition of the ten best photographs. His snaps, as a result of a silver emulsion, have turned into an idea that was developed between the brand and Gaberman when they realised the correspondence of their roots. They were both born and brought up in Wolfeboro and although they left that calmness paradise to work on their projects, they never lost its essence, linked to nature and the care towards it.

www.gaberman.com

SIEMPRE SERÉ UN SKATER. REALMENTE NO HAY NADA MEJOR.

¿En qué sentido está tu trayectoria ligada a la de Element Skateboards? La verdad es que han sido muy paralelas. Element empezó en la costa este exactamente a la vez que yo, habiendo crecido en la costa este, me iba a California siguiendo el skate, como también hicieron ellos. Con el paso de los años ellos han madurado como marca de una forma parecida a como yo he madurado pasando de skater a fotógrafo y en la fotografía artística. Se han centrado más y más en temas relacionados con la naturaleza, intentando hacer algo por el planeta y las buenas prácticas. Mi vida personal ha tomado un giro parecido desde que empecé a trabajar con ellos, viviendo la vida como y donde la vivo. Puede que sea casualidad, pero desde luego es un intercambio mutuamente beneficioso. ¿Cómo ha sido la experiencia que has vivido en este proyecto que ahora presentáis: Road To Wolfeboro? Fue un regalo increíble por su parte, sin duda. Estoy tan ocupado que hacía ya mucho tiempo que no podía dedicarme a mi fotografía personal. Ellos querían apoyar esa faceta mío, y me dieron el espacio. Básicamente exploré todas las áreas alrededor de las que crecí, sin un tema específico en mente, solo tratando de responder a cómo me sentía respecto a los lugares, captando ese sentimiento. Dando algo de luz sobre esos pequeños rincones del mundo que me parecen bonitos, y su mayoría ignorados. Fueron solo unos diez días sacando fotos, con muchas horas conduciendo. El proceso que uso es muy lento e impredecible. Les dije antes de irme que podía ser que volviera con únicamente alguna imagen con la que estuviera contento, así que tener ahora un puñado de fotos que estoy dispuesto a mostrar de mi viaje es una muy buena sorpresa. ¿Qué técnica utilizaste para realizar estas fotografías? Utilicé un proceso con el que empecé a experimentar hace unos quince años. Las fotos fueron tomadas en un negativo de cristal que corto, pulo, friego y cubro con varias capas de gelatina y emulsión de plata. Así que pueden ir mal, pero cuando la imagen funciona, tiene esa calidad que es un sueño y de la que no me canso nunca. ¿Qué ha sido lo que más te ha impactado o te ha llegado muy adentro? Imagino que el estado de ánimo de las imágenes. Considero la costa este un sitio realmente bello y pintoresco y lo es. Pero las imágenes cogieron todas un toque oscuro que no esperaba. Sigo creyendo que es un sitio espectacular, pero ahora soy capaz de ver su lado oscuro de una forma más clara. Es más cautivador. Hay mucha historia allí y realmente lo

puedes sentir cuando has pasado tiempo perdido en el bosque y explorando caminos alternativos. ¿Crees que actualmente Wolfeboro es el mismo lugar que dio tanta paz y equilibrio en su infancia a Johnny Schillereff, fundador de Element? ¿Lo has percibido igual? Desde luego sigue siéndolo. No parece haber cambiado demasiado en los últimos 50 años. Lo encontré muy tranquilo. Ya hemos hablado contigo en varias ocasiones en relación a varios proyectos, ¿en qué momento de tu trayectoria profesional y personal te encuentras actualmente? No creo que pueda contestar a esa pregunta durante los siguientes veinte años. Es difícil tener cualquier tipo de perspectiva desde dentro. ¿La familia y la naturaleza es lo más importante para ti ahora mismo? Sí. Todo lo demás a lo que dedico tiempo es un bonus, la verdad. Una infancia es tan corta que no quiero perderme más de lo que debo (en referencia a mis hijos). ¿Cuál es el equilibrio perfecto para ti entre la ciudad, lo urbano y la naturaleza? Hasta el momento, no he estado en ningún sitio del mundo en el que preferiría vivir antes que donde estoy hoy. Cuando estás en mi casa, parece que vivas en el culo del mundo, pero puedes ir en bici a la ciudad, San Francisco solo está a una hora, el redwood forest está aquí, la costa es increíble, la comida local es lo más. El paralelismo entre la historia de Element skateboards y tu viaje a Wolfeboro tiene que ver con los orígenes urbanos de la marca vinculados al skate, vinculación que permanecerá siempre, ¿ocurre lo mismo en tu vinculación con el skate? Creo que tiene más que ver con nuestros caminos paralelos de los últimos veinte años. Siempre seré un skater. Realmente no hay nada mejor. Tus fotografías tienen siempre una punto de vista artístico, con las líneas y la arquitectura jugando un papel importantísimo, ¿has mantenido esta esencia en Road To Wolfeboro? Tendremos que esperar a ver qué os parece. ¿Cuál es el valor personal más importante que aporta un viaje? Es tiempo para pensar. Tienes que enfrentarte a ti mismo, lo que no es algo que pase muy a menudo en nuestras ocupadas vidas.

I’LL ALWAYS BE A SKATEBOARDER. THERE REALLY IS NOTHING BETTER.

In which sense is your trajectory linked to Element Skateboards’s trajectory? They’ve really just been very parrallel. Element began on the east coast at exactly the same time that I, having grown up on the east coast, moved to California to pursue skateboarding, which they also did. And I can see how over the years they’ve matured as a brand similiar to how I’ve matured from a skateboarder into a photographer and into fine art photography. They’ve focused more and more on things related nature and trying to do better for the planet and good practices, and my personal life has taken that same turn since I started working with them, living the way I live and where I live. Maybe coincidence, but certainly a mutually beneficial exchange. How was the experience you lived throughout this project you are now presenting: Road to Wolfeboro? It was an amazing gift from them really. My life is so busy that it’s been a long time since I’ve had the space to really focus on my personal photography. They wanted to support that part of me, and gave me the space to do it. I basically explored all the areas I grew up around, with no specific subject in mind, just trying to respond to how I felt about the places and capture that feeling. Shine some light on those little nooks in the world that are beautiful to me, and for the most part, overlooked and ignored. It was only about ten days of photography, with a lot of drivning in between, and the process I use is very slow and unpredictable. I told them going into it that I may come back with one image I’m happy with, so having a handful of pictures I’m willing to show from the trip is a great suprise. What technique did you use to develop these pictures? Utilicé un proceso that I started experimenting with about 15 years ago. The photos are shot onto a glass negative that I cut, sand, scrub, then coat with multiple layers of gelatin and silver emulsion. So many things can and do go wrong, but when an image works, it has this dreamlike quality that I can’t get enough of. What has stunned you the most or hit you the hardest? I suppose the mood of the images. I think of the east coast as such a beautiful, quaint place, which it is. But the images all took on a very dark mood that I wasn’t expecting. I still think it’s a stunning place, but I can see the darker underside to it clearer now. It’s more

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bewitching. There’s a lot of history there and you can really feel it when you spend a lot of time lost in the woods and exploring the back roads. Do you think Wolfeboro is currently the same place that gave so much peace and balance to Johnny Schillereff, founder of Element, during his childhood? Have you perceived it the same way? I can certainly see that. It doesn’t seem to have changed much in the last 50 years. I found it very peaceful. We have already spoken to you on various occasions with regards to many projects, in which moment of your professional and personal trajectory do you find yourself these days? I don’t think I’ll be able to answer that for another 20 years or so. It’s hard to have any perspective from the inside. Are family and nature the most important things to you right now? Yes. Everything else I get time to do is a bonus really. A childhood is so short, I don’t want to miss any more than I have to. Where’s the perfect balance in your opinion between the city, the urban and nature? So far, I haven’t been anywhere in the world I’d rather live than where I am. When you’re at my house, it feels like you’re way out there, but you can ride a bike to town, San Francisco is only an hour away, the redwood forest is here, the coast is incredible, the local food is the best. The similarity between the story of Element Skateboards and your trip to Wolfeboro has to do with the urban origins of the brand related to skateboarding, a link that will last forever, does the same thing happen with your relationship with skateboarding? I think it has more to do with our parrallel paths over the last 20 years. I’ll always be a skateboarder. There really is nothing better. Your photographs always carry an artsy point of view, with lines and architechture playing vital roles, have you kept such essence in Road To Wolfeboro? We’ll just have to see what you think. Which is the most personal value a trip gives you? It’s just time to think. You have to face yourself and that doesn’t happen very often in our busy lives.

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T: BEA SALAS

SEB CARAYOL Historia de una provocación

El skate es contracultura, los libros son eternos y el piano y el skate salen de la mano a pasear. Verdades como puños, como también son puños lo que se hubiera llevado Seb Carayol de haber hecho pública su afición al skate en la Francia sureña de principios de los 90. De Marsella a Los Angeles y vuelta cada seis meses, alterna el periodismo con misiones de detective musical, comisario y editor de libros que pretenden recuperar la esencia de aquellos tiempos en que subirse a una tabla era protesta, rebelión y sobre todo algo carente de lógica y definición. Porque lo explicable pierde chispa y lo incomprensible tiene gancho. Hablamos con él en una ruidosa cafetería del BRIGHT Tradeshow en Berlín sobre sus publicaciones, de entre los que destacan The FTC Book, Agents Provocateurs y Look Away - the Art of Todd Francis. Crítico y nostálgico, Seb Carayol es la cabeza y el alma tras algunos de aquellos indispensables objetos llamados libros. Skate is a counterculture, books last a lifetime and piano can easily take skateboarding out for a ride. Sometimes harsh truths, as harsh would have been the punch in the face Seb Carayol would have got had he made his passion for skateboarding public in the southern France of the early 90s. From Marseille to Los Angeles and back every six months, he alternates journalism with missions as musical detective, curator and editor of books that intend to recover the essence of those times in which stepping on a board was protest, rebellion and, above all, something without logic or definition. Because the explainable loses its spice and the incomprehensible charms. We chat with him in a busy cafeteria at the BRIGHT Tradeshow in Berlin about his books, from which The FTC Book, Agents Provocateurs and Look Away - the Art of Todd Francis stand out. Critical and nostalgic, Seb Carayol is the brains and sould behind a bunch of those indispensable objects called books.

www.avisualsound.wordpress.com

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Cuéntanos un poco sobre tus principios en el skate. Empecé en 1989 en un pequeño pueblo del sur de Francia. Tenía 12 años y me obsesioné con ello. No había internet entonces, así que estuve tres años buscando una tabla hasta que encontré una en Lyon. Mi amigo y yo éramos los únicos que patinábamos y, al minuto que empezamos, nos fuimos marginando del resto. El skate en mi pueblo era una contracultura, la gente decía que queríamos ir de americanos. Lo gracioso es que ahora los chicos van al colegio con sus tablas de skate, pero si yo hubiera hecho eso los jugadores de rugby me habrían curtido a palizas. Y decidiste hacerte periodista, ¿dónde se juntan el periodismo y la literatura de skate? Sí, lo mío es la historia dentro del skate, pero trabajo sobre todo para periódicos nacionales que se interesan por el skate. Hay historias que interesan al mundo de ahí fuera, como un tío que trajo unas tablas a un poblado de Dakota del Sur en que el 90% eran alcohólicos. Con su skatepark prácticamente eliminó la tasa de suicidio, que había sido 50 veces superior a la de otros lugares. Esta historia la escribí para L’Équipe, principal periódico deportivo de Francia. Tu trabajo se centra claramente en el skate de los 90. ¿Cuál era el espíritu entonces, qué falta ahora? Falta innovación. Todo lo que pasa en el skate de hoy es una extensión de lo que se creó a principios de los 90. La innovación real empezó a finales de los 80 pero tomó forma unos años más tarde. Si hubiera nacido veinte años atrás probablemente diría que el skate de los 70 es lo más real que ha existido. Pero esto es lo que he visto, una contracultura muy fuerte que incluye política, mostrar que estás en contra de algo. Ahora se trata de formar parte de un grupo, chicos que no patinan y aún así van a clase cargando la tabla para conseguir chicas... ¡ojalá hubiera sido así en mi época! Uno de tus blogs es A Visual Sound, ¿con qué objetivo lo creaste? Viene de la idea de que me preguntaran a menudo ‘¿Qué escuchan los skaters?’. Porque los skaters suelen escuchar lo que suena en los vídeos de skate, que va de Death Metal a pop de los 80. Así que el blog recopila música desde el marco de vídeos de skate. De ahí llevé a cabo un proyecto en colaboración con un pianista clásico, Fortunato D’Orio. Toca canciones en directo de vídeos de skate como Black Flag, Iron Maiden o lo que sea que acompañe al vídeo que se está reproduciendo en una gran pantalla. Es increíble, se llama Skateboard Concerto y hemos tocado en Marsella, en Berlín y ahora lo haremos en Los Ángeles. ¡Venid a Barcelona! Si tenéis el sitio para hacerlo... soy un poco escrupuloso con eso, siempre quiero montarlo en lugares arquitectónicamente impresionantes. No son solo los vídeos, también conmueve el piano, se mete en tus emociones. Fortunato es un músico clásico que es lo que buscaba, no un tío afro y guay, sino alguien serio. He visto a muchos skaters pro venir al concierto y llorar, incluso a los fuertes como Jesse Johnson. En cualquier

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caso me gusta la mezcla que se crea, gente mayor que conoce al pianista viene y ve skate por primera vez, y acaba hablando con los skaters. Ése es el diálogo que quería crear con el proyecto. También tienes una misión detectivesca con tu otro blog Reel Heavy... A veces pasa con el reggae que te encuentras escarbando la red, buscando un tema que nadie parece tener. Hay gente que se saca mucho dinero vendiendo canciones de coleccionista, pero el artista o productor original no ve nada de eso, cuando puede haber gente buscando sus temas y dispuesto a pagar 600$ por una canción o un disco. Ya sea una canción que me guste personalmente o que sepa que alguien esté buscando. Así que intento dar con ellos y juntarlos. Quizás el tipo hizo una canción y desapareció, así que el blog es sobre mí mismo y mi trabajo de periodista encontrando al tipo. Miro libritos telefónicos y etiquetas, dónde se grabó y luego busco los estudios de aquella ciudad en ese momento, llamando y recordando la canción. Inspector Carayol. Sí. Es toda una investigación, luego los tíos no tenían ni idea de que había gente buscando sus canciones. Uno trabaja ahora en una fábrica, el otro es electricista. Hicieron sus canciones pero como no les funcionó, se buscaron otros trabajos. Cuando llamé al electricista pensaba que era una broma, “¿quién es este francés que me llama treinta años después?”, debe de ser un timo. Ahora somos buenos amigos. Pero lleva mucho tiempo, y no saco ni un duro de eso. Aunque ya he encontrado a dos tipos y el tercero está por venir.

Sobre los libros que has comisariado y editado: Look Away - the Art of Todd Francis no es solo sobre las tablas que ha hecho sino mucho más, cuéntanos un poco. Después de conocerlo en París y con el proyecto en mente fui a su casa y vi el resto de su obra de bellas artes, no sabía que también hacía eso. Había estilos totalmente distintos, objetos, originales y esa es la manera en que quería hacer el libro, poniéndolo todo, aunque distinto, junto. Hasta una felicitación de Navidad con una nota suicida. ¿Cómo fue el trabajo juntos a medida que avanzaba el libro? Con un artista así he visto que hay un gran equilibrio. Él siempre querrá mostrarte su obra de arte acabada y no bocetos, pero los suyos son impresionantes. Hay muchas piezas icónicas que al principio él ni siquiera quería incluir en el libro. Yo estaba loco por su trabajo de los 90 y él ya estaba cansado de eso, quería mostrar su obra reciente. Así que se trata de un equilibrio sobre mi visión de su trabajo y su visión de su trabajo. ¿Por qué el nombre Look Away? Eso pregúntaselo a Todd, ¡es suyo! Desde luego. Ahora este otro: Agents Provocateurs, ¿a quién provocas? Este libro salió hace unos tres años, estaba co-comisariando un show de skate en París, Public Domaine, mi parte del evento era sobre cosas

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EN CINCUENTA AÑOS NO ABRIRÁS UN ARMARIO ENCONTRANDO UN MONTÓN DE LINKS DE INTERNET, SINO QUE ENCONTRARÁS TU VIEJA PILA DE REVISTAS O LIBROS

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provocativas: sexo, violencia, racismo, política... Ahora las tablas tienen palmeras, pero entonces poníamos la cara de Bush con un mensaje. Me fascinó también un vídeo antiguo llamado Ban This (prohíbe esto) y luego que un tío hiciera una tabla con el texto Taliban This. Me gustan los gráficos que tienen algo que decir. En ese show presenté 50 tablas y luego quise hacer el libro con 100 tablas y una explicación para cada una, habiendo discutido antes con el artista o skater su significado. Explícame una. Me gusta mucho una que muestra los clichés de los negros en EEUU. Sale un tío negro de labios muy anchos y ropa destrozada tirado en la playa, rodeado de pollo frito y una sandía. Es terrible. Pero tiene una explicación, por eso quería tener un texto no muy largo sobre cómo el tío, en lugar de escribir No Al Racismo, dibujó lo más racista que pudo imaginarse. Pero por supuesto necesitas un texto para ver que el significado de la tabla va más allá del dibujo. ¿Dónde está el espíritu verdadero del skate? ¿En la calle, en la técnica? Es un todo. Yo empecé porque no era un deporte, sino parte de una contracultura. ¡Ahora hay gente que quiere hacerlo deporte Olímpico! Así perderá su alma, se convertirá en algo como el patinaje sobre hielo. A mí me gusta el misterio y lo inexplicable. La gente quiere respuestas de una frase, pero a mí me gusta que haya mucha gente que no lo entienda. El skate debería ir con ojo de no convertirse en fútbol, que cualquiera en la calle lo conoce y puede analizarlo.

El problema es cuando todo el mundo quiere definirlo racionalmente. Quiero que siga siendo complicado, que

Tell me a bit about your beginnings in skateboarding. I started in 1989 in a small village in the south of France. I was 12 and became obsessed with it. There was no internet then, so I spent three years looking for a board until I found one in Lyon. My mate and I were the only ones who skated and, the minute we began, we got alienated from the rest of our friends. Skateboarding in my village was a counterculture, people said we just wanted to look American. Funny thing is kids go to school now with their skateboard, but if I had done that I would have gotten beat up by rugby players. Later on you decided to become a journalist. Where do journalism and skate literature meet? Right, my thing is about history within skateboarding, but I work mostly for national newspapers which are interested in skateboarding. There are stories that matter to the world outside, like a guy who brought some boards to a village in South Dakota in which 90% were alcoholics. With his skatepark he practically got rid of the suicidal rate, that had been 50 times higher than in other spots. And this is a story I wrote for L’Équipe, the main sports newspaper in France.

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es lo que te hace pensar sobre ello, como la filosofía. Yo también quiero saber más de algo cuando me fascina, pero cuánto menos puedo entenderlo más me fascina. Una vez está todo comprendido y analizado, ya está, ya no queda chispa. Tus libros desde luego se adaptan a lo que mucha gente busca hoy en un libro. ¿Crees que los libros y el papel están en peligro? Puede que lo pensara hace seis años, pero creo que los libros están volviendo de forma distinta. Antes ponías lo que fuera en un libro porque era la única forma de comunicar algo, pero ahora son algo más enfocado, un objeto que vas a querer conservar. Hay sitio para libros caros y sofisticados, son algo que la gente quiere tener en sus salas de estar, para impresionar a sus amigos cuando vengan a cenar. Sin haber demasiado espacio para libros baratos, sí lo habrá para los formatos y materiales locos, que poner sobre una bonita mesa de café. ¿Son tus libros de mesa de café? En cierto modo. Los míos son cosa de nicho, para diseñadores o amantes del skate, pero me refería más a libros de arquitectura o bellas artes: en la medida en que sean un bonito objeto alguien querrá comprarlo. Y nunca morirán porque conservan lo que es importante en lo referente a la historia. En cincuenta años no abrirás un armario encontrando un montón de links de internet, sino que encontrarás tu vieja pila de revistas o libros. El modelo de hoy es empezar con una web y, si tiene éxito, se hará un libro con sus mejores artículos. Todavía hoy seguimos teniendo la necesidad de poseer un objeto físico que tenga algo verdadero que decir.

Your work is clearly focused on skateboarding in the 90s. What was the spirit then, what’s missing now? Innovation is missing. Everything that happens in skateboarding now is an extension of what was created in the early 90s. The real innovation began in the late 80s but took shape a few years later. If I had been born twenty years earlier I would probably say skateboarding in the 70s is the real thing ever invented. But this is what I’ve seen, which is a strong counterculture that included politics and showing what you’re against. Nowadays it’s about being part of the group, kids who don’t skate take a skateboard to be cool and get girls... I just wish it had been like that at my time! One of your blogs is A Visual Sound. What’s its main purpose? It comes from the idea of having often gotten the question ‘What do skateboarders listen to?’. Actually skaters often listen to what is on skateboarding videos, which goes from Death Metal to 80s pop. So the blog compiles music from the frame of skateboard videos. From there I carried out a project in collaboration with a classical piano player, Fortunato D’Orio. He covers songs live from skate videos like Black Flag, Iron Maiden or whatever goes with the video playing

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IN 50 YEARS YOU WON’T OPEN A CLOSET AND FIND A BUNCH OF INTERNET LINKS BUT YOU WILL FIND YOUR OLD PILES OF MAGAZINES OR BOOKS

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on a big screen. It’s amazing, it’s called Skateboard Concerto and we played in Marseille, Berlin and we will play in LA this summer. Come to Barcelona! If you have the place to do this... I’m a bit picky with the location I choose, since I always want to do it where it’s architecturally stunning. It’s not only the videos but also the piano is moving, it gets to your emotions. Fortunato is a classical kind of player which is what I looked for, not an afro and cool but someone serious. I’ve seen a lot of pro skaters come to the concert and cry, even the heavy ones like Jesse Johnson. In any case I like the mixture it creates, old people who know the piano player see skateboarding for the first time and end up talking to skaters. That’s the dialogue I wanted to create with the project. You also have a detective mission with your other blog Reel Heavy... It happens often with reggae that you find yourself digging, trying to find a tune nobody has. Some people make a lot of money by selling collectors songs, but the original singer or producer doesn’t see any of that, when someone may be looking for their tunes and ready to pay 600$ for a song or a record. It may be a song I love or one I know people are looking for. So I try to track them down and bring them together. Maybe the guy did one song and disappeared, so the blog is about me and my journalist background finding the guy. I check phone books and labels, see where it was recorded and when, then find all the studios in that town back in the day, calling up and remembering the song. Inspector Carayol. Yeah. It’s a detective quest and the guys had no idea people were looking for their songs. One now works in a factory, the second one is an electrician. They did their songs and then got broke, so they did other jobs. When I called the electrician up he thought it was a joke, who’s that French guy calling me 30 years later?, it must be a scam. Now we’re good friends. But it takes so much time, three months or more, and I make zero money of it. Although I’ve found two people so far and the third one is coming. About the books you have curated and edited: Look Away - the Art of Todd Francis is not only about the skate boards he has done but much more, tell us about it. After I met him in Paris and with the project in mind I went to his place and saw all the rest like fine arts, I didn’t know he did that as well. There were totally different styles, things, originals and that’s the way I wanted to do this book, by putting everything, though different, together. Even a Christimas note with suicidal words. How did the teamwork go as you did the book? With an artist like that I found out it’s a great balance. An artist will always want to show his masterpiece finished and he won’t show the sketches, but his are amazing. There are some of the really iconic ones that he didn’t even want in the book at first. I had to make him see that fans of his work totally want to see this kind of work. I was really stuck in his work in the 90s but he was tired of it, he wanted to show his current stuff. So it’s a balance between my vision of his work and his vision of his work. Why the name Look Away? You have to ask Todd, that’s his name!

I definitely will. About this other book: Agents Provocateurs, whom does this provoke? This book came out about three years ago, I was co-curating a skateboarding show in Paris called Public Domaine and my part of the show was about provocative stuff: sex, violence, racism, politics...Now boards have palm trees, but back then we put the face of George Bush and a certain message. I was fascinated also by an old video called Ban This and a guy who made a board turning it into Taliban This. I like graphics that have something to say. At that show I presented 50 boards and I then wanted to do a book with 100 boards and an explanation for each, that I previously asked the artist or skateboarder. Explain one of them to me. I really like this one showing the clichés of black people in the US. There’s a black guy with big lips and broken clothes lying on a beach surrounded by fried chicken and watermelon. It’s terrible. There’s an explanation to it so I wanted to have a text, not too long, about why the guy, instead of writing Racism Sucks, drew the most racist thing. But obviously you need an explanation to realise the meaning goes beyond the drawing. Where’s skateboarding’s true spirit? Is it the street, the technique? It’s a whole. I picked it because it wasn’t a sport, but part of the counterculture. Some people are trying to make it become an Olympic sports! But it will lose its soul, it will become like ice skating. I like the mystery and the unexplainable. People want sentencelong answers, but I like it that many people don’t understand it. Skate should save itself from being like soccer, something every guy on the street knows and analyses. The problem is when everyone wants to define it rationally. I want it to be really complicated because that’s what makes you think about it, like philosophy. Me too I care about something I love and I want to know more, but I love it more if I can’t understand it. Once it’s all understood and analysed, it’s over, there’s no more spice. Your books surely adapt to what many people look for in a book today. Do you think traditional books and print objects are in danger? I may have thought so six years ago, but I think books are coming back in a different way. Back then you would put anything because it was the only means, but now they’ve become more focused, an actual object you want to keep. There’s room for fancy, expensive books, they are something people want to have in their living rooms, to impress friends who come for dinner. Without being much room for cheap books, there is for crazy formats and materials, to put on top of a nice coffee table. Are yours coffee table books? In a way. Mine are a very niche thing, it’s for graphic designers or skate lovers, but I mean more like architecture and fine arts books: how much of a nice object they are is what’s gonna make people want to buy them. They won’t ever die because they conserve what’s important historywise. In 50 years you won’t open a closet and find a bunch of internet links but you will find your old piles of magazines or books. The model nowadays is beginning with a website and, if it becomes successful, they will make a book of its best articles. We’re still in need of owning a physical object that has something true to say.

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T: VICKY NAVARRO

Will Adler

The power

of the will

Se puede ser fuerte y débil al mismo tiempo; todo depende de tu estado mental, de tus sueños y ambiciones. La fuerza es algo que a simple vista no se puede apreciar, que no se adquiere a base de machacarte en el gimnasio. Un día sientes dentro de ti que algo te llama y entonces, de repente, tus músculos empiezan a hincharse activados por esa voluntad de llevar a cabo un proyecto. El californiano Will Adler creció rodeado de playas y surf y, en un momento dado, sin darse cuenta se vio metido en el mundo de la fotografía, hasta que descubrió que deseaba que ese fuera su medio de vida. De eso hace ya diez años y, desde entonces su cámara ha pasado a convertirse en una extremidad más de su cuerpo y a él se le conoce en todo el mundo por sus instantáneas y videos de surf. Porque la única fuerza motriz es la pasión, por eso Will Adler está donde está. You can be strong and weak at the same time; it all depends on your mental state, your dreams and ambitions. Strength is something that at first glance may not be appreciated, not achieved by torturing yourself inside a gym. One day you feel something inside you that attracts you and then, suddenly, your muscles begin to swell activated by the will to carry out a project. The Californian Will Adler grew up surrounded by beaches and surf and, at one point, felt stuck in the world of photography without realizing it, until he discovered that he wished to live of it as his livelihood. That’s ten years ago and ever since the camera has become another limb of his body and he is known worldwide for his snaps and videos capturing the surfing scene. Because there’s only one driving force: passion. That’s why Will Adler is where he is.

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Una gran parte de tus fotografías están enfocadas hacia el mundo del surf; ¿siempre has hecho ese tipo de fotografía? ¿Cómo empezaste? El surf siempre ha sido una parte crucial de mi vida, así que cuando empecé a hacer fotos hace diez años parecía natural empezar por ahí. Fotografío todos los aspectos de mi vida así que el surf se ha convertido en una parte importante de mi trabajo. Si algo queda claro al ver tus videos e instantáneas es que alrededor de este deporte hay todo un mundo, un ambiente, una filosofía y unas costumbres. ¿Cómo describirías esa atmósfera? Cierto. El surf existe en su pequeño mundo, incluyendo su propia jerga, lo que puede resultar muy aburrido para el de fuera. Esta clase de cháchara solía volver loca a mi ex novia. Pero de forma global es una manera genial de interactuar con tu alrededor y es desde luego una de las cosas de las que estoy más agradecido de tener en la vida. Parece que tu hermano Travers (surfista y artista) y tú estáis muy unidos y, de hecho, ha sido el blanco de tu objetivo en alguna ocasión. ¿Consideras parte de tu trabajo retratar su peculiar estilo sobre la tabla? Sí, es una de las personas que más me gusta ver surfear. Siempre está haciendo cosas raras, especialmente cuando está cayendo, un personaje, así que es fácil de fotografiar. No diría que ha sido parte de mi trabajo el documentarlo, solo ha sido algo fácil porque surfeamos juntos a menudo y cuando la gente me pide trabajos de surf él suele ser la primera persona a la que pregunto. En realidad, la playa y el surf son sólo una parte de lo que retratas. ¿Qué más te gusta fotografiar? Literalmente estoy siempre haciendo fotos. Mi trabajo va de lo comercial a alguna serie más meditada (que a menudo no tiene nada que ver con el surf), a las fotos que hago cuando voy a surfear. Ahora mismo estoy trabajando en algo más amplio que me va a llevar por toda California, tengo muchas ganas de carretera y tirar hacia arriba, al norte. Estoy tratando de convertir todo lo que fotografío en series cohesivas, aunque todavía estoy decidiendo exactamente cómo lo voy a ir juntando. Tendré que ver cómo evoluciona y lo que me llama la atención ahora, ver qué temas aparecen. ¿Trabajas siempre en analógico? No, trabajo en analógico y en digital. Casi todo el trabajo comercial que hago es digital y casi todo el personal con carrete. Tengo que decir que la facilidad del digital es muy atractiva; paso tanto tiempo escaneando película que es una locura. El cuarto oscuro solía ser la única manera en que podía ver mis fotos y ojalá siguiera conectado a este proceso como lo estuve una vez. Tal como son las cosas hoy, parece que se impone el proceso digital al fin y al cabo. También haces vídeos. Si tuvieras que decidir, ¿qué disciplina escogerías: vídeo o foto? ¿Por qué? Esta es complicada. Creo que un vídeo puede transmitir una sensación mucho mejor que una foto a veces, y tratar con audio las cosas es un elemento añadido que de verdad disfruto. Pero no me veo dejando la fotografía y haciendo solo vídeo, ya que el proceso de hacer un print físico o una fotografía en sí misma es realmente una buena sensación. En ese punto, el fin de hacer vídeos es bastante fresco y divertido, aunque veo el vídeo cada vez más como una parte de mi futuro y creo que finalmente podrían empezar a mezclarse.

En tus vídeos, enfocados en el surf, transmites una paz y una calma que parecen fantasía. ¿Así es como te sientes cuando estás en el mar? Diría que este es el sentimiento ideal, aunque no puedo decir que sea siempre así. Surfear en Rincon puede ser como conducir por LA en hora punta, junto con todas las emociones que lo acompañan. Cuando estoy haciendo un vídeo tiendo a incidir en como las cosas se van a percibir, y supongo que trato de ponerle una buena luz la mayor parte del tiempo. Si inspira a alguien a empezar a ver su experiencia de surf de una forma más positiva sería genial. Cuéntame algún proyecto que te haya motivado especialmente. Bueno, acabo de hacer una exposición en solitario en la Danziger Gallery de NY, lo que fue increíblemente motivador para empezar a producir más, ¡y salir un poco de delante del ordenador! Tengo muchas ganas de montar otra exposición. Llevar todo el proceso hasta el final puede ser muy tedioso, pero cuando lo ves todo junto en las paredes, realmente vale la pena el esfuerzo. Me ha parecido oír que el tema de las redes sociales y la Web 2.0 siempre te han interesado. ¿Qué te aportan a la hora de trabajar? ¿En serio? De hecho desprecio las redes sociales, y Facebook me lleva de cabeza. Aunque me encantan las páginas de diseño y las técnicas. Las redes sociales pueden ser una manera sencilla de sacar tu trabajo ahí fuera, pero deja mucho que desear. Los libros siempre serán mi manera favorita de interactuar con fotos. Me guste o no, las redes sociales son una parte integral del trabajo final que supone mi oficio, y es un protocolo esperado. ¿Qué crees que hay que tener para hacer tu trabajo? Paciencia, algo con lo que hacer una foto, un sujeto y luz. A partir de ahí, ayuda mucho si tienes el deseo de hacerlo antes de que se convierta en un trabajo. El disfrute se acaba reflejando. ¿Cómo es un día entre semana para ti? Hay varios tipos: Editar, no es mi favorito; Disparar, ¡mucho mejor que editar! o Por Ahí Haciendo Cosas Varias. Estos días pueden resultar los más productivos, hay veces en que la cosa funciona. En general siempre habrá café, comida mexicana y una cerveza. ¿Hay algún surfista en especial a quien te gustaría fotografiar? Si pudiera viajar en el tiempo me gustaría fotografiar a Miki Dora, ni siquiera surfeando sino solo siguiéndolo en una de sus escapadas. ‘Strong’ es el monotema de esta edición. ¿Cuál es la situación más fuerte en la que te has encontrado estando en el mar? Fui a Tahiti hace un tiempo y fotografié Teahupoo. Ese sitio es Strong. Desde luego me hizo vibrar. Esta pregunta puede interpretarse de diferentes formas. Allá tu. ¿Te consideras una persona fuerte? Mmmmm ¿me has visto?... En serio, supongo que podría decir que seguir una trayectoria en fotografía teniendo una “voluntad fuerte” nunca hace daño, pero mis amigos lo llamarían amablemente ser tozudo. De un modo más positivo, podría referirme a ello como ser firme en lo que me gusta hacer.

Sin duda, esa es la fuerza de la que hablamos.

Surfear en Rincon puede ser como conducir por LA en hora punta de tráfico

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Surfing at Rincon can be like driving through rush hour LA traffic

Many of your pictures are focused on the surfing scene; have you always done this type of photography? How did you start? Surfing has always been a major part of my life so when I started taking photos about 10 years ago it seemed like a very natural place to start. I photograph all aspects of my life and in so doing surfing has become a major theme in my work. If something is clear after watching your videos and photographs, is that this sport is such a world, an environment, a philosophy and customs. How would you describe the atmosphere? Well, you are right. Surfing exists in its own little world, including its own lingo which can be quite mind numbing to the outsider. This sort of surf chatter used to drive my ex-girlfriend crazy. But, on the whole, it is a great way to interact with your surroundings and is certainly one of the things I am most grateful for having in my life. Looks like your brother Travers (surfer and artist) and you are very close and, in fact, he has been the target of your lens on a few occasions. Do you consider part of your job portraying his unique style on the table? Yeah, he is one of my favorite people to watch surf. He is always doing bizarre things, especially when he is falling, and he is a real character so he’s an easy person to shoot. I wouldn’t say I have made it part of my job to document him, it has just been an easy thing as we do surf together quite a bit and when people ask me for surf work he is generally the first person I ask. Actually, the beach and surfing are just a part of what you portray. What else do you like to photograph? I am literally always shooting. It bounces around from commercial work to more thought out series of work (which usually have nothing to do with surfing), to my photos I take when I go surfing. I am currently working on a much larger body of work that will be taking me all around California and I’m excited to get on the road and head up into northern California. I’m trying to blend bits of everything I take pictures of into one cohesive series, although I’m still sorting out how exactly it will all come together. I will have to see how it evolves and what strikes me at the moment, and see what themes appear. Do you always work at analog? No, I shoot analog and digital. Almost all the commercial work I do is digital and almost all personal work I do is with film. I have to say the ease of digital is very appealing; I spend so much time scanning film it’s kind of crazy. The darkroom used to be the only way I would ever see my images and I wish I was still as connected to it as I once was. The way things are now, everything seems to go through the digital process in the end. You also make videos. If you had to choose, which discipline would you choose: video or photography? Why? That is a tough one. I feel like videos can relay a feeling much better than a photo at times, and dealing with the audio side of things is an added element that I really enjoy. I think I would be pretty hard pressed to ever give up photography and exclusively do video, as the process of making a physical print and a stand alone image is really a good feeling. At this point the video end of things is pretty fresh and exciting to me; I do see film (video) being a major part of my future and I think they will eventually start to blur together.

In your videos, focused on surfing, you show a peace and calm that seem almost imaginary. This is how you feel when you’re at the sea? I would say this is the ideal feeling, although I can’t say it is always like that. Surfing at Rincon can be like driving through rush hour LA traffic, along with all the accompanying emotions. When I am making a video I get to influence how things might be perceived, and I guess I try to put it in a good light for the most part. If it inspires people to start viewing their surf experience in a more positive way it would not be a bad thing. Tell me about a project that has motivated you especially. Well, I recently had a solo exhibit in NY at Danziger Gallery, which was hugely motivating to start producing more work and break away from computer time! I am really looking forward to creating another exhibit. To carry the project through to the very end can be very tedious, but once you see everything together on the walls it all becomes worth the effort. I guess I heard that you have always been interested on the topic of social networking and Web 2.0. How does that contribute to your job? Really? I actually kind of despise social networking, and Facebook kind of drives me crazy. I do love websites and the design/technical end of things, though. Social media can be a simple way to put work out into the world, but it leaves a lot to be desired. Books will always be my favorite way to interact with photos. Whether I like it or not, social media is an integral part of the work end of what I call my job, and is an expected protocol. What do you think is required to do your job? Patience, something to take a picture with, a subject and some light. Other than that, it really helps if you have the desire to do it before it is a job. The enjoyment of doing the work really shows. How is a weekday for you? There are a few types: Editing- not my favorite; Shooting- much better than editing! or Out Doing Random Stuff. These days can prove to be the most productive, some times shit just clicks. In general there will always be coffee, Mexican food and a beer. Is there a particular surfer who would you like to photograph? If I could go back in time I would want to photograph Miki Dora, maybe not even surfing but just following him on some of his escapades. This month’s issue is ‘Strong’. What is the strongest situation you have encountered while at the sea? I went to Tahiti a while ago and photographed Teahupoo. That place is Strong. Certainly beat the shit out of me. This question can be interpreted in different ways. Up to you. Do you consider yourself a strong person? Um, have you seen me?… duh. Seriously, I suppose I could say that to pursue a career in photography having a “strong will” never hurts (sorry, bad pun), but my friends would probably more candidly call it being stubborn. In perhaps a more positive way, I could refer to it as being steadfast about what I like to do.

Certainly, that strength is the one we are talking about.

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DAYS END

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T: BEA SALAS

LA IMPORTANCIA DE TENER UNA PIEDRA Octavio Barrera La última vez que vimos a Octavio fue el pasado mes de julio en el espacio OTEC de Barcelona, donde presentaba su nueva serie MÁS+PIEDRAS+MÁS en forma de pósters y fanzine con el apoyo de RVCA, marca de la que es embajador. Comparaba con sus dípticos este implacable material a través de un objetivo por un lado, y de sus pinceles por otro. Sabíamos que iba a ser un encuentro fugaz porque Octavio Barrera es aquella especie de Speedy González de las manos y las ideas, y sabes que si lo pillas sentado con una cerveza en la mano será probablemente porque esté ya maquinando en qué otro proyecto va a poner las ruedas, las pinturas o en cualquier caso las ganas –o Piedras, que dice él. Ahora habla de recetarios y de documentales, de piedras mentales y del increíble Hulk. Y recurre a citas de Bruce Lee. Y eso, junto con la energía tropical canaria que tanto emana, le honra. Be Piedra, my friend. The last time we saw Octavio was this past July, when he presented in the OTEC space in Barcelona his latest series MÁS+PIEDRAS+MÁS (more+stones+more) in the shape of posters and fanzine with the support of RVCA, brand he is ambassador from. He compared with his diptychs this relentless material through an objective on one side, and through his brushes on ther other. We knew it would be a fleeting instant, since Octavio Barrera is that sort of Speedy González of the hands and the ideas, knowing that if you see him sitting with a beer, it’s probably because he’s already plotting which new project he’ll set wheels, brushes or in any case passion –or “Piedra”, he says– on. He now talks about recipe books and documentaries, mental stones and the incredible Hulk. And he appeals to Bruce Lee’s quotes. And that, alongside with the tropical Canary energy he gives off, honours him. Be Piedra, my friend.

www.octaviobarrera.com

Nuestro culo inquieto favorito: dinos, ¿en cuántas movidas has estado metido en la última semana? (Risas) En unas cuantas, estamos liadísimos con el proyecto-documental “Islas Canarias” que hago con Dani Millán organizando rutas, preparando entrevistas, etc. Además como alternativa para recaudar fondos para éste, estoy preparando unos libritos de Recetas Canarias en colaboración con www.ampiaristu.com que se intentarán presentar en un festival de allí, ¡la verdad es que liado! Pero feliz de estar recibiendo bastante apoyo y ayudas de amigos creativos para el proyecto.

busca de nuevas vías, nueva gente y sobre todo gente con la que compartes gustos. Está demostrado que en las islas hay mucho potencial creativo, hay muchísimos talentos pero es cierto que muchos allí se quedan y otros deciden salir. Los que decidimos salir llevamos con nosotros la frescura creativa de otra ciudad y creo que esa sinergia que se crea entre gente de otras ciudades en un punto como Barcelona es clave. Es bueno salir para ver qué hay fuera de las islas. Barcelona nos aporta lo que no aporta Canarias: eventos culturales, grandes exposiciones y sobre todo gente con ganas de hacer cosas como tú.

Háblanos de “La Canariada”, la familia de talentos isleños en Barcelona de la que formas parte. ¿Es vuestro propósito el apoyo mutuo o pretende crear algo grande? ¡Este proyecto es iniciativa de otro compadre! Txemy nos propuso a unos cuantos hace dos años preparar una expo colectiva en KR (Krizia Robustella) Store. A raíz de eso, el grupo ha ido creciendo y la seriedad del proyecto creo que también. No sé si eso es bueno o no, ¡pero la iniciativa es la bomba! Somos muchos los Canarios que dejamos nuestra tierra para poder conocer y explorar nuevos campos, ya que las islas están algo paradillas con este tema de expos y eventos creativos. Creo que la continuidad hace el camino, ¡así que ya se verá!

A principios de verano expusiste tu obra MÁS+PIEDRAS+MÁS en OTEC Barcelona con pósters y un fanzine de 50 copias. ¿Por qué optaste esta vez por centrarte en el fanzine como carta de presentación? Porque dudaba de que alguien comprase toda la serie (risas) así que es una manera de poder tener la serie entera a un precio accesible para todos los bolsillos. Como bien dices, la expo iba más de pósters que pinté encima además de las estampas originales que iban enmarcadas en forma de dípticos.

¿Qué aportan las islas con su talento y filosofía a Barcelona, y qué os aporta a vosotros esta ciudad? Muchos dejamos nuestras islas en

¿Cómo es la relación con tus sponors RVCA? ¿Apoyan a menudo tus proyectos artísticos? La verdad es que con la tontería llevo desde 2007 colaborando con RVCA cuando lo distribuía NOW Dist. El equipo de skate era otro, después ha habido cambios y gente nueva pero en cualquier caso me han apoyado bastante a nivel de proyectos

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tanto de skate como artísticos. Ahora estamos hablando de algún otro un poco más enfocado al diseño, sin ser nada seguro. Pronto sabré algo y, si sale, será bastante diferente a los anteriores. Es una marca que está muy involucrada en el ámbito creativo y eso, quieras que no, ¡facilita las cosas! Como diseñador de producto los materiales son para ti algo más que la función práctica que cumplen. ¿Qué te llamó la atención de la piedra para dedicarle una serie entera? Aquí veo dos preguntas diferentes: primero, como diseñador de producto, claro que los materiales son mucho para mí, no es lo mismo una lámpara de plástico que de cristal, simplemente cada persona tiene una sensibilidad diferente hacia ellos y creo que también depende mucho de lo que queramos transmitir. Lo de la piedra viene ya de hace tiempo, desde que vivía en Las Palmas, no como obsesión con el material, sino porque se le dice a aquella persona que tiene un aire de locura o un arrebato espontáneo “Chós tienes una piedra”, “Chós chiquita piedra”. De ahí acabó derivando en una serie de fotografías un par de años después, más tarde las pinturas que reinterpretan estas fotos. Presentas tu fanzine MÁS+PIEDRAS+MÁS como “una compara-

Our favourite antsy-pants: tell us, in how many hoollaballoos have you been up to only this past week? Ha ha, in a few actually, we’re totally busy with the project-documentary “Islas Canarias” that I’m working on with Dani Millán as we organise routes, interviews, etc. Also, as an alternative to raise funds for it, I’m working on a Canary recipe book in collaboration with www.ampiaristu.com that will hopefully be presented in a festival over there. Truth is I’m busy! Although happy for the support and help for the project I’m getting from creative friends. Tell us about “La Canariada”, the family of islander talents in Barcelona you belong to. Is its goal to support each other or does it intend to create something big? This is a buddy’s initiative! Txemy suggested a bunch of us a couple of years ago to prepare a collective exhibition at the KR (Krizia Robustella) Store. From there on, the group has been growing and so has the seriousness of the project. I don’t know whether that’s good or bad, but the initiative is awesome! We are many islanders leaving our land to be able to explore and get to know new fields, since the Canary Islands are a bit stuck when it comes to exhibitions and creative events. I think continuity makes progress, so we’ll see! What do the Islands with their talent and philosophy bring to Barcelona, and what does this city offer to you? Many leave our islands to look for new ways, new people and especially people who share your same interests. It has been proven that there’s a great deal of creative potential in the Islands as well as many talents, but it is also true that many stay there, whilst other decide to head off. Those of us who leave take the freshness of another city with us, and I think the synergy created between people from different places in a city like Barcelona is key. I think it’s good to leave to see what there is outside our islands. Barcelona has what the Canary Islands don’t: cultural events, great exhibitions and, above all, people with an eagerness to do things like you. At the beginning of this summer you exhibited your work MÁS+PIEDRAS+MÁS in OTEC Barcelona with posters and a fanzine of 50 copies. Why did you opt to focus on the fanzine as a presentation letter this time? Because I doubted anyone would buy the whole series –ha ha– so this is a way of being able to have to whole series at a reasonable price. As you say, the exhibition was more about the posters I made on top apart from the original cards that came framed in diptychs. What’s the relationship with your RVCA sponsors like? Do they support your art projects often? Truth is I can’t believe I’ve been

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ción entre la piedra y mi piedra”. ¿Qué es “tu piedra”? Eso es, no es lo mismo el material en sí, la piedra, que mi piedra. Con mi piedras me refiero a lo que pienso, lo que hay en mi cabeza, son conceptos totalmente diferentes, ¡uno es material y el otro mental! El monotema de esta edición es STRONG, fuerte como la piedra en que has basado tus últimas piezas. ¿Qué es para ti la fuerza? El increíble Hulk estaba fuerte, pero la fuerza la asocio más con las ganas de hacer cosas, la fuerza de voluntad. Si tienes ganas de hacer algo, ¡Dale con fuerza! En todo lo que haces se lee fuerza, unas veces de carácter mental y otras físico. ¿Es todo parte de una sola fortaleza o las ves como dos virtudes distintas? Probablemente se necesiten entre sí, para realizar cualquier movimiento físico hay que pensar ¿no? Es todo un conjunto, la misma fortaleza. Mi madre dice “Más vale maña que fuerza”. ¿Qué opinas tú? ¡Olé tu madre! Yo creo igual, ¡la maña es más inteligente que la fuerza! Eso siempre. “Bruce Lee siempre fue mañoso y ágil”.

collaborating with RVCA since 2007, when it was distributed by NOW Dist. The skate team was a different one, from them on there have been changes and new people but in any case I’ve received quite some support when it comes to both skate and art projects. We’re now discussing a couple of new ones, rather focused on design, although it’s not clear yet. I’ ll have news soon and, if it happens, if will be very different from the previous ones. It’s a brand very focused on the creative which, sooner or later, makes things easy! As a product designer materials are for you more than their practical function. What drew your attention to stone so as to dedicate a whole series to it? I see two questions here: first of all, as a product designer, of course materials mean a lot to me, it’s not the same thing a plastic lamp than a crystal one, it’s just that every person has a different sensitivity towards them and it also depends a lot on what there is to transmit. Secondly, the thing about the stone comes from a long time ago, back when I was living in Las Palmas, not as an obsession with the material, but because it’s what it’s told to someone with a certain crazy demeanour or spontaneous outburst –something like “Chós you have a stone”, “Chós little stone”. From there it ended up being a series of photographs a couple of years later, then came the paintings that reinterpretate the photos. You present your fanzine MÁS+PIEDRAS+MÁS as a “series of comparisons between the stone and my Piedra (stone)”. What’s “your Piedra”? That’s it, it’s not the same thing the material itself, the stone, as my stone. With my stones I refer to what I think, what’s inside my head. They are completely different concepts, one is material and the other is mental! This issue’s topic is STRONG, strong as the stone you have based your latest artwork on. What’s strength for you? The incredible Hulk was strong, but I would rather relate strength to the eagerness of doing things, the strength of the will. If you feel like doing something, use your strength! In everything you do we read strength, sometimes a mental one, sometimes a physical one. Is it all part of the same strength or do you see those as two separate virtues? They probably need each other to carry out any physical movement. We have to think, right? It’s all part of the same strenght. My mother often says “Brains over brawn”. What do you think? Bravo! I feel the same way, brains are more intelligent than strength! In every case. “Bruce Lee was always brainy and agile”.

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T: ANTONELLA SONZA F: BASTIEN BONNARME

THE DEDICATED NOTHING Riding the wave

Cuando pasas toda tu vida cerca del mar acaba formando parte de ti. De una manera u otra, esa influencia va a pesar en todo lo que hagas: no se trata de una opción, es un estilo de vida. Los chicos de The Dedicated Nothing vienen desde Biarritz para golpearnos con su indie rock frenético con herencia surfera. Y para un músico, el momento de crear y lanzar su primer LP es comparable al de tener una criatura: Dawn To Dusk es el retoño y verá la luz el próximo 22 de septiembre cargado de historias y expectativas. Nosotros ya lo hemos oído y solo podemos decir que es puro nervio. Como esa gran ola que todo surfer quiere coger. Hemos charlado con Greg Puget, el vocalista de la banda, que nos revela el gran secreto: el bajista es el que mejor surfea. When you spend a lifetime next to the sea, it ends up being a part of yourself. In one way or another, it’s an influence affecting everything you do: it’s not an option, it’s a lifestyle. The guys from The Dedicated Nothing come from Biarritz to strike us with their frenetic indie rock with surfer heritage. For a musician, launching his first LP is comparable to giving birth: Dawn To Dusk is the newborn and will see the light next September 22nd, full of stories and expectations. We have already listened to it and can only say it’s pure nerve. Like that great wave every surfer wants to take. We have talked to Greg Puget, the band’svocalist, who reveals us a major secret: the bass player is the one who surfs the best.

thededicatednothing.com Vuestro primer LP, Dawn to Dusk, sale el 22 de septiembre. ¿Qué nos vamos a encontrar cuando le demos al play? ¿Alguna sorpresa? Este disco es algo muy importante para nosotros, para nuestras vidas. Es el fruto de esta increíble historia que hemos estado viviendo los últimos cuatro años. Algo que nunca nos imaginamos que pasaría cuando nos vimos por primera vez en un estudio, allá por diciembre de 2010. Es música sincera, espontánea y energética hecha por nosotros cuatro, gracias a toda la gente que nos ha apoyado desde el primer día. Así que lo que encontraréis son riffs melódicos y crudos. Para un padre no hay favoritos, pero para ti ¿cuál es la canción más especial del álbum y por qué? Si tuviera que elegir una de las diez, sería Leaving You. Esta canción ha tenido muy buena acogida en el público de muchos de nuestros directos este verano y

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eso nos cargaba de energías para darlo todo encima del escenario. Tiene raíces del clásico sonido surf y es muy divertido tocarla en directo. Además, mezcla partes rápidas y más lentas, lo que genera una buen contraste de emociones. ¿En qué forma creéis que vuestra música está conectada al mar y al surf? ¿Es por vuestra forma de vida? Sí, la conexión más obvia viene directamente de nuestro día a día y por dónde vivimos. Surfear es parte de nuestra rutina diaria, todos vivimos a cinco o diez minutos de la playa y ahí pasamos la mayor parte del año. Le hemos dedicado parte de nuestra vida en cierta manera. Forma parte de nosotros, vivir cerca del mar crea adicción. Habéis estado de tour por Europa estos últimos meses. ¿Cómo ha sido la experiencia? Hemos tocado en un montón de escenarios pequeños, cono-

EL SURF FORMA PARTE DE NOSOTROS, VIVIR CERCA DEL MAR CREA ADICCIÓN

SURF IS A PART OF US AND LIVING CLOSE TO WATER IS CERTAINLY SOMETHING YOU GET ADDICTED TO.

cido a un montón de gente y hasta hemos tenido la oportunidad de actuar más de miles de personas. Cada concierto fue increíble, nos ha hecho madurar como músicos, adquirir experiencia y nos ha hecho entender un poco más cómo funciona todo este mundo. Tienes que ser capaz de controlar tus frustraciones, tener paciencia y enfrentarte al hecho de que tienes que estar a tope durante toda una hora de concierto ante un público enorme. Hablemos de surf. ¿Cómo os manejáis como surfistas? Mat, nuestro bajista, es instructor de surf, snowboard y un especialista en cualquier deporte de tabla, así que nos lleva ventaja. Los demás somos surfers del montón tirando a más o menos buenos, y tampoco surfeamos todos los días, pero siempre que podemos nos vamos a pillar olas. Es relajante y es tan fácil hacerte adicto a lo que te hace sentir bien. A veces incluso cambiamos de tablas, a longboards, twins, fishes o Quattro, lo que sea por encontrar una excusa para surfear.

Your first full-length album, Dawn To Dusk, is out on September 22nd. What should we expect of it? Any surprises? That record is such an important thing for us, for our lives. It is the result of this amazing story we have been living for the past four years, something we never thought would happen when we first met in our home studio in December 2010. It is just a sincere, spontaneous, energetic music that was made by the four of us, thanks to an amazing bunch of people that have been supporting us since Day 1. Well, just expect some rough and melodic riffs. For a father there’s no favourites, but which is the most special song in the record and why? If I were to choose one song out of those ten, I guess I would go with Leaving You. It’s been several shows this past summer where the song really felt strong for the audience, and it just gave us a lot of energy to play it better, and live it to the most on stage. It has this background of classic surf music with the beat, the melody is fun to play with and act while on stage, and it also mixes fast & slow sections that bring quite some contrast in the emotions. In which way do you think your music is connected to the sea & surf? Is it because of your lifestyle? Yeah, the first and obvious connection comes from our lifestyles and where we live. Surfing is part of our daily life. We all live 5 to 10 minutes from the beach yearround and have dedicated our lifestyles to this at some point. So it is a part of us and living close to water is certainly something you get addicted to. You were on a festival tour around Europe in the past months. How was the experience? We hit a lot of small stages, met so many people and also had the chance to play a few times for thousands. In the end, each and every one of those shows have been amazing, giving us maturity, experience and just giving us

¿Qué es lo siguiente para The Dedicated Nothing? Este disco es nuestro bebé. Tenemos grandes esperanzas invertidas en él, un gran apoyo de nuestro sello, Drop In Music, y no quiero sonar arrogante, pero queremos llegar a lo más alto y actuar en los festivales más importantes de Francia para 2015. Ese es el objetivo. Eso implica pasar la primavera de tour y un gran año por delante. O eso queremos por amor a la música y por lo que esta historia ha construido a lo largo de los años: una amistad irrompible. Gracias por enviarnos el LP en primicia. ¿Cuándo os pasaréis por España para poder enseñaros nuestra habilidad bailando? ¡Un placer! lamono nos ha apoyado desde el primer día y estamos muy agradecidos. Hemos estado barajando la posibilidad de sacar un single en España y quizás sea una realidad pero de momento no hay nada más allá de los conciertos en Euskadi a principios del 2015. Os mandamos mucho amor al equipo de lamono y nunca se sabe, ¡a lo mejor pronto estamos en vuestras costas!

this unique chance to understand how this whole thing works! You gotta find your ways, manage frustrations, manage impatience or just deal with how draining it is to be full-on for that 1 hour on stage! Let’s talk about surf. What about your skills as surfers? Mat, the bass player, is a surf instructor, a snowboard instructor and is freaking damn talented on a board whatever it takes. So he leads the pack by far. Barrels, carves, he is a proper surfer! Then the rest of us are average to okay surfers, some days with, some days without, but in the end we always manage to ride waves, relaxed and just get this feeling that makes you addicted. We can surf, do turns, we also like changing boards from longboards to fishes, from twins to Quattro, I mean, we just love getting wet and taking off on a wave! What’s next for The Dedicated Nothing? That record is our baby. We have big hopes, an amazing support from Drop In Music and our management, and not to sound arrogant at all, we really want to aim high and hit France’s main festivals in 2015. That’s our goal, that means a whole tour in Spring probably and an amazing year ahead. For the love of music and for what this story has built between all the people involved: an untouchable friendship. Thanks for sending us your record a few months ago. Are you planning to play any time soon in Spain so we can show you our dance moves?

Our pleasure! lamono has been behind us since Day 1 as well and we are really grateful for that. There have been talks about launching a single in Spain actually and we hope this can end-up happening but right now, apart from some shows planned early 2015 in Euskadi, nothing is set for Spain. Lots of love to the team at lamono, and just get the word out there so we end-up on your shores soon!

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T: ANTONELLA SONZA PH: LUIZA LACAVA

Alizzz

The beat goes on

Si eres dj, cuando todo el mundo quiere trabajar contigo, se da ese fenómeno que todos perseguimos incansablemente: el éxito. Es un mundo complicado, en el que para destacar tienes que pegar más fuerte que el de al lado. Alizzz puede presumir de tener un toque particular que se ha bailado desde Japón hasta EEUU. Fichado por Mad Decent (el sello de Diplo, titán del star system del mundo dj) y con nuevo tema estrenado de su último EP (una renovación de Collapse junto a la voz de Dreamon), no hay duda de que Alizzz está viviendo un momento dulce. Tuvimos la oportunidad de charlar con él tras el workshop que impartió en el Converse CONS Project x Sivasdescalzo de Barcelona y nos transmitió ese buen rollo de cuando sabes que todo está en su sitio y funciona. Su mezcla de sintetizadores, pop electrónico y R&B es contagiosa: te dejas llevar por sus beats hasta donde te conduzca la fantasía. No hay límites ni queremos ponerlos: sube el volumen, ponte cómodo y a viajar. If you’re a dj, when everyone wants to work with you, occurs that phenomenon that we all pursue relentlessly: success. The Dj scene is a complicated world in which in order to stand out you need to hit harder than the others. Alizzz can say that his music has a personal and recognizable touch that has been danced from Japan to USA. Signed by Mad Decent (Diplo’s label, a titan in dj’s star system) and to have a new new track released from his last EP (a renewal of Collapse song, including Dreamon vocals), there’s no doubt that he’s riding high at the moment. We had the chance to chat with him after the workshop he gave at the Converse CONS Project x Sivasdescalzo in Barcelona and he passed us that good feeling when you know that everything is in place and working. Its blend of synthesizers, electronic pop and R&B is contagious: you just get yourself carried away by his beats and let them take you anywhere. There’s no limits and we don’t want them anyway: turn up the volume, sit back and enjoy the trip.

soundclouud.com/alizzz

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Cuéntanos cómo ha sido la experiencia de formar parte del CONS Project en BCN. Todo salió de forma muy sencilla. La gente de Converse se puso en contacto conmigo porque ya tengo experiencia impartiendo talleres, y ha ido genial. El workshop ha tenido muy buena aceptación, estaba completo. Creo que han aprendido cosas y he intentado darles algunos trucos y consejos que a mí me han servido durante mi trayectoria profesional. Además, es importante que pudieran practicar lo que les he explicado. Incluso han venido productores de los que ya conocía su trabajo, como Manso o Mario Nieto, que son muy conocidos en Barcelona. Esta noche compartes platos con Hosoi, Sinjin Hawke y la Discos Paradiso Crew, ¿qué esperas de esta colaboración? Con Hosoi coincidí en Madrid y me encantó su sesión. Pensaba que iba a hacer algo más popero, pero fue una pasada. Esta noche va a haber mucha fiesta y se va a petar. Y Sinjin Hawke es una locura pinchando. Además, mola el hecho de que el escenario sea circular, nunca he pinchado así rodeado de gente desde todos los ángulos. ¿Cómo describirías tu estilo y tus influencias? Pincho música en relación a la música que yo hago. Esto me permite incluir mis temas ya que la gente sabe que soy productor y esperan escuchar algo mío. Últimamente me inclino más por el house, empezando con un ritmo más tranquilón para acabar explotando y desfasar. Sobre el CONS project, ¿qué te parece este proyecto global que mezcla arte, skate, música? Yo creo que es el futuro de la promoción de las marcas. No solo bombardear, sino aportar algo cultural a las masas. Es mucho más rápido llegar a la gente mediante el arte o la música. Vamos, a parte de recibir, dar. Se pueden convertir en

Tell us about the experience of being part of CONS Project in BCN. That was simply smooth. People from Converse contacted me because I already have experience teaching workshops and has been great. It was a success: I think they have learned some useful stuff and I tried to give them some tips and tricks that have helped me during my career. It was also important for them to practice what I taught them. Even some producers came at the workshop, as Manso or Mario Nieto, who are well known in Barcelona. Tonight you share plates with Hosoi, Sinjin Hawke and Discos Paradiso Crew, what do you expect from this collaboration? I’ve met Hosoi in Madrid and I loved his session. I thought he would do something more poppy, but it was amazing. Tonight’s gonna be a blast, everybody will be in the house. And Sinjin Hawke’s session will be just insane. Also, is so cool that the stage is circular, I’ve never played music surrounded by people from all angles.

exponentes de la cultura. Me han dado total libertad para desarrollar el workshop y hacerlo según mi experiencia, nos han cuidado mucho y estoy muy contento de que hayan contado conmigo. ¿Qué te parece el modelo Weapon? Yo las tengo desde hace mucho tiempo y me las pongo un montón. Las Patchwork incluso me gustan más, aunque son más extremas y complicadas de ponérselas. Además tiene una historia detrás: el material se realiza a mano con una técnica especial y eso es un valor añadido. ¿Crees que hay un boom en la música electrónica en Barcelona? Lo único que le falta a la electrónica local es salir un poco más de España. Incluso a mí, que ya he sacado cosas con sellos en el extranjero y ya he pinchado fuera, ojalá pudiera hacer aún más. Cuesta mucho llegar a salir. Como hay tanta música en internet, todo el mundo puede subirla a través de Soundcloud y la gente lo escucha. Así que tienes que pasar los filtros de los sellos, que son los que dan la repercusión y marcan la diferencia. Para salir fuera ya tienes que ser conocido más allá de tu escena, porque de otra forma no les sale a cuenta. Aquí en España no puedes vivir solo de pinchar aquí, tienes que combinarlo con otros trabajos. Pero estoy empezando a notar que se está empezando a activar la cosa. ¿Cuéntanos qué tienes entre manos ahora? Tengo muchos bolos este verano, aprovechando el tirón que ha tenido el EP con Mad Decent. Además, he ido haciendo remixes para otra gente. Los he ido publicando pero sobre todo lo que quiero es preparar un nuevo EP para principios de 2015 y empezar el año con nuevo material, que me apetece también. Estoy colaborando con gente, igual tiraré por un lado más vocal.

I have been given complete freedom to develop the workshop and do it about my own experience, they take care of all us and I am very happy to be part of it. How about the Weapon model? Do you like it? I own a pair for a long time and I wear them a lot. But I like the Patchwork model even more though is more extreme and difficult wearing. It also has a story behind it: the material is very special, it is done by hand with a special technique and that’s a plus.

How would you describe your style and your influences? I deejay music in relation to the music I make on my own. This allows me to include my tracks cause the people who come to my sessions want to listen something mine, cause they know my work as a producer. Lately I lean more to the house music, and starting with a slower mood and to end up exploiting the beat.

Do you think there is a boom in electronic music in Barcelona? The only thing left from the local electronics scene is make the final leap out of Spain. Even me, that I’ve already done things with labels abroad and have already played live around there, I wish I could do more of it. We are all struggling to reach out. Theirs is much music there on the internet, anyone can upload music via Soundcloud and people really listen to it. So you have to pass the filters of the record labels, which make the difference. Because if you like electronic music, you’re going to listen what the record labels have. Also, if you want to get a gig outside, you have to be well-known out of your scene, rather it doesn’t work out. Here in Spain you cannot live just of being a DJ, you may have to combine it with some other job. But I’m starting to notice that it is starting to bloom.

About the CONS project, what do you think of this global project that mixes art, skate & music? I think it is the future of brand promotion. Not only being tiresome, but bring some culture to the masses, to go beyond that bombing with ads. Reaching people is much faster through art or music. So they are not only receiving, they are also giving something in exchange. They can become exponents of culture.

What’s next for Alizzz? I have many gigs this summer, taking advantage of the EP success with Mad Decent. Also, I’ve been doing remixes for other people. But I really want to start the recording for a new EP in early 2015 to start the year with new material. That is what I want. I’m working with a lot of people, and maybe I will introduce some more vocals. Lets see.

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F: XAVI BARAGONA

PEPE RIVERO + JUDITH JAURÉGUI Chopin’ Chopin by Seagram’s Gin

La improvisación versus la rigurosidad del jazz clásico. Un alma latina enfrentada, piano con piano, al estilo académico, clásico, que de pronto se abre, sin romper las reglas. Dos caracteres distintos, dos formas de entender el jazz compartiendo escenario en su interpretación a Chopin. Pepe Ribero, máximo representante de una nueva generación de músicos cubanos que han irrumpido con fuerza en el mundo del jazz, compartió el pasado mes de julio escenario con una de las mejores intérpretes de piano del sxx, Judith Jaurégui. Los conocimos en el camerino del Palau de la Música de Valencia, mientras se preparaban para su actuación, la segunda vez que Chopin cobraba vida surgiendo de dos bastidores que se ceden la voz en el escenario. Improvisation versus the accuracy of classical jazz. A confronted latin soul, piano to piano, in academic style, classical, suddenly opening without breaking any rules. Two different characters, two ways of understanding jazz, sharing stage in their Chopin performance. Pepe Rivero, highest representative of a new generation of Cuban musicians that have entered with strength into the world of jazz, shared stage last July with one of the best piano performers of the 20th century, Judith Jaurégui. We met them at the dressing room of the Palau de la Música in Valencia, while they got ready for their performance, the second time Chopin was brought to life out of two wings ceding their voces on stage.

festivaljazzvalencia.com

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Hay conciertos cuya crítica no puede ser escrita porque sólo pueden entenderse en la presencia. Este es uno de ellos. El pasado mes de julio, Chopin llenó el Palau de la Música de Valencia de la mano de dos grandes del jazz, Pepe Rivero y Judith Jaurégui. El concierto comenzó con la interpretación clásica de Judith, que nos señalaba una y otra vez durante nuestra entrevista “en el jazz clásico no hay improvisación, ésta no es posible” a la que siguió la réplica del piano de Rivero, acompañado de los músicos Michael Olivera (batería) y Reinier Elizarde Ruano - El Negrón (contrabajo) “es maravilloso el contraste que se crea entre la preciosa interpretación de Chopin en manos de Judith y mi réplica inmediata, que es una fusión de texturas clásicas, jazzísticas y latinas”. Chopin’ Chopin es un proyecto-experimento que se le ocurrió a Judith tras escuchar “Los Boleros de Chopin” de su amigo Pepe. Eso fue el principio de un ajustar agendas, ambas apretadas y de sacar tiempo de donde no se podía, para construir algo nuevo. “Este es el principio, sí tenemos idea de continuar, de seguir investigando por esta línea, pero tendréis que esperar para saber lo que nos traemos entre manos porque ahora mismo cada uno por separado tiene mucho trabajo por delante y no podemos juntarnos tanto como nos gustaría”. El contraste de interpretaciones en el escenario, es el mismo que el de sus personalidades. Rivero es dicharachero, sonríe y habla sin parar, Judith es la perfección sin altibajos, correcta en todas sus aristas. Pero a pesar de su apariencia estricta y rigurosa, la misma que la del jazz clásico, Judith tiene un alma inquieta y la voracidad joven de emprender con ahínco distintos proyectos. “Después de tocar hoy aquí vuelo mañana a China donde voy a realizar varios conciertos interpretando a Mozart, Beethoven, Granados, Albéniz. Estoy muy ilusionada”. En un mundo como el del jazz, cada nuevo proyecto, cualquier movimiento, es analizado al detalle por la crítica, nada pasa inadvertido y eso mismo es lo que de alguna forma ha llevado a ambos artistas a innovar en el escenario, desafiantes. El resultado es una marea de sentimientos que se resume en la sencillez de la compenetración. Las notas sostenidas en los dedos de Judith, que marcan su porte, elegancia y abstracción, contrastan con las manos más ligeras y bailarinas de Pepe, que lejos de estar rígido, con la mirada fija en las teclas, sonríe a los músicos y mira su compañera y al público. Dos estilos, dos sentimientos, dos miradas, cuatro manos. Uno y otro, cada cuál con su estilo, nos dejó clavados en la silla del Auditori, con la imaginación en otra época y las manos apretadas para que no se nos escapara ninguna nota. There are concerts whose critique can’t be written because they can only be understood if present. This is one of them. Last July, Chopin filled the Palau de la Música of Valencia by two of the big ones of jazz, Pepe Rivero and Judith Jaurégui. The concert began with a classical performace by Judith, who insisted again and again throughout the interview that “in classical jazz there’s no improvisation, it’s not possible” followed by Rivero’s piano replica, accompanied by the musicians Michael Olivera (battery) and Reinier Elizarde Ruano - El Negrón (double bass) “it’s wonderful the contrast being created between Chopin’s beautiful performance in Judith’s hands and my immediate replica, which is a fusion of classical textures, jazzy and latin”. Chopin’ Chopin is an experiment-project Judith came with after listening to “Los Boleros de Chopin” by his friend Pepe. That was the beginning of adjusted schedules, both tight and to make time where there wasn’t any, to construct something new. “This is the beginning, yes we do have the idea of continuing, of keeping investigating in this line, but you will have to wait until seeing what we’re up to because right now we are busy separately and can’t come together as much as we would like”. The contrast of performances on stage is the same of their personalities. Rivero is talkative, smiles and talks non-stop, Judith is perfection without ups and downs, always correct. But apart from her strict and rigorous appearance, the same as in classical jazz, Judith has a lively soul and the young voracity of starting with strength various projects. “After playing here I’m flying to China tomorrow where I will do many concerts performing Mozart, Beethoven, Granados, Albéniz. I’m very excited.” In a world like jazz, every new project, any movement, is analysed in detail by a critique, nothing is overseen and thas is preciselywhat has taken both artists to innovate on stage, defiant. The result is a tide of feelings that can be sumed up in the simplicity of understanding. The notes sustained in Judith’s fingers, showing her bearing, elegance and abstraction, contrast wih Pepe’s lighter and dancing hands, that far from being rigid, with the look on the keys, smiles to the musicians and looks at her companion and to the public. Two styles, two feelings, two looks, four hands. One and the other, each with a concrete style, got us all stuck on the chairs of the Auditori, with the imagination on another era and the hands tight so not a note would escape.

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T: EVA VILLAZALA F: FLORENCIA LUCILA

The brand that was never a dream Johnny Schillereff. Element Skateboards founder Soñar es para los soñadores. Lo que de verdad se quiere se persigue con fuerza, marcando unas metas, unos objetivos que pesan en la conciencia si no se van cumpliendo en el periodo establecido. Lo único que puede dejarse al azar es la esencia y Johnny Schillereff transmite a Element Skateboards una muy fuerte ligada a su propia vida, donde la naturaleza, el arte, el patín y el ser fiel a lo que uno mismo siente es básico para avanzar y sentirse orgulloso de lo se hizo ayer. Dreaming is for dreamers. What is truly wanted is pursued with strength, by setting goals and objectives that are hard on the conscience if not reached in the established period of time. The only thing that can be left to fate is essence and Johnny Schillereff transmits Element Skateboards a very strong one linked to his own life, where nature, art, skateboarding and being true to what one feels is key to carry on and take pride of what one did in the past.

www.elementbrand.com

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Lo que me emociona cada día es que estoy aquí y ahora

Element es viento, agua, fuego y tierra, ¿cómo se representan estos cuatro elementos en el día a día de la marca? Se representan porque están en casi cada pieza que hacemos. Mientras creamos producto incorporamos estos cuatro elementos, ya sea en la inspiración para la colección, en el diseño, la tipografía o los beneficios del producto. Incorporamos estos cuatro elementos en la marca porque es parte de nuestro ADN. Los usamos en nuestro día a día sin excepción –el aire que respiramos, las cosas que tocamos– todo lo que nos rodea es un elemento. ¿Qué significa especialmente para ti la colección Wolfeboro que estamos presentando en esta edición de lamono? Significa mucho. Wolfeboro es un sitio en el que pasé gran parte de mis veranos cuando era niño, incluso de joven. Es una cabaña en un lago en New Hampshire que para mí tiene mucha alma y significado. Es donde pasé mis momentos más valiosos, tranquilos y reflexivos. Significa tanto que hasta llamé a mi propio hijo, Camp, por el campo junto al lago. Así que considero enorme su grandeza no solo porque el campo siempre pasará la prueba del tiempo, sino porque ahora estamos creando un producto que representa su permanencia y espíritu. ¿Es difícil mantenerse siempre fiel a los orígenes y aun así reinventarte con cada colección y con el paso del tiempo? No, de hecho no creo que sea nada difícil. Si vives tu vida continuamente mejorando y evolucionando mientras te mantienes fiel a quien eres, esa reinvención se convierte en un producto natural del proceso. Como artista y diseñador, me llaman la atención y me inspiran muchos elementos culturales, como el arte, el skate, la música o la arquitectura, que pueden aparecer en mis diseños dependiendo de lo que esté explorando en ese momento. Así que reiventarme a mí mismo con una colección de producto es bastante fácil. Analizando la trayectoria de la marca, ¿de qué estás más orgulloso y por qué? En este momento hago lo posible por no pensar en el pasado o cualquier cosa que haya conseguido en el pasado. Siempre estoy agradecido de poder estar aquí hoy. De lo que estoy más orgulloso es de que las puertas estuvieran abiertas esta mañana; he podido llegar aquí, encender las luces y ver que mi negocio sigue aquí y adelante. Así que suelo estar más orgulloso del momento actual versus lo que ha podido pasar en el pasado porque eso queda detrás de mí. Element siempre ha estado involucrado en el cuidado al medio ambiente a través del arte y el skate, ¿es éste el concepto que cierra el círculo de lo que define a la marca? Sí, es cierto que Element siempre ha tenido la idea de hacer las cosas bien. Pero ¿cierra esto el círculo de lo que define a la marca? No lo sé. Cuando empecé y tuve la oportunidad de hacer un producto, la parte más importante para mí no era convertirme en una especie de emprendedor superficial o solo ganar dinero, sino utilizar esa oportunidad para tener un impacto sobre las vidas de los chicos –sería muy egoísta no tener un poco de profundidad y significado tras todo eso-. Si te fijas en las empresas de hoy y en las del pasado, muchas existen solo por el

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propósito de ganar dinero. Cuando Element empezó, nunca hubo el plan de ser lo que somos hoy. Más bien se gestó en la medida en la que yo pude tener una vida y un ritmo mientras me ganaba el pan y marcaba una diferencia en el mundo. Creo que si tienes la oportunidad de poner tinta en una camiseta o un anuncio en una revista o decir algo –ya sea un eslogan o para hablar de tu marca–, el hecho de desperdiciar esa oportunidad con palabras superficiales es un crimen para la humanidad. ¿Hay alguna novedad o proyecto que tengas en mente que nos puedas contar en exclusiva para esta nueva temporada? Un proyecto en el que estoy trabajando de momento y que aún no he contado a nadie es una iniciativa en la que trabajo con artistas de todo el mundo. Quiero ofrecer una plataforma para emprendedores y gente que quiera sacar a la luz sus diseños, ante un comisario de Element y puedan así empezar a producir y a recibir dinero por su arte. No se editará para cosas nuestras. Creo que la nueva manera de ser creativo es abrirse a nuevos canales y escuchar y aprender de la gente que te rodea y que puede saber más de tu negocio y de la cultura joven que tú mismo. Así que es prácticamente un servicio de head hunting para gente que quiere crear arte para Element. La gente nos dará su trabajo y nosotros les daremos proyectos casi específicos con criterios para que se correspondan con Element, pero a la vez toda esa gente tiene talentos muy eclécticos y completos portfolios que otra gente puede descubrir con este programa. ¿Cuál es el secreto en lo que a conseguir un sueño se refiere? No hay secreto. El secreto es no tener un sueño sino un objetivo y una fecha límite. Un sueño es algo que no es real así que prácticamente ni creo en ellos, hay que ejecutar y llevar a cabo la acción, tener una visión de algo que quieres hacer. Creo en trabajar todo el día y toda la noche hasta que ya no puedes mantener los ojos abiertos. Soñar es para soñadores; realizar o cumplir tu visión es un nivel mucho más alto de cumplimiento. Todo el mundo puede soñar, oigo a gente soñar todo el tiempo y yo no he conseguido ninguno de mis sueños. Lo que sí he hecho es ponerme unas metas y conseguirlas. No hay secreto para soñar; todo el mundo sabe como hacerlo. El verdadero secreto, aunque ni siquiera sé si lo conozco, es acabar las cosas que quieres empezar. ¿Hubo algún momento concreto de tu trayectoria como fundador de Element Skateboards que te haya emocionado y que vaya a quedar para siempre en tu memoria? No hay un momento preciso, vuelvo al presente. El momento que más pesa para mí porque tengo TOC y una memoria terrible es el ahora. Lo que me emociona cada día es que estoy aquí. Que esto aún funcione tras 20 años, es alucinante que pueda ir en coche al trabajo cada día y que mis hijos tengan un sitio donde jugar, divertirse y potencialmente encontrar trabajo en el futuro; que pueda dar empleo a mis amigos y familia. Tener una plataforma para hacer cosas que mucha gente sueña con hacer. Así que lo que más me emociona es que siga existiendo hoy, basado en miles de momentos que han creado este momento.

The thing that blows me away everyday is that I am here now

Element is wind, water, fire and earth, how are those four elements represented in the brand’s daily life? They are represented in the brand’s daily life because they’re on almost every piece of artwork that we do. As we create product we incorporate these four elements whether in our collection inspiration, product design, typography, or product benefits. We incorporate these four elements into the brand because it is part of our original DNA. We use them in our daily life no matter what - the air we breathe, the things we touch - everything around us is an element. What does it mean, especially to you, the “Wolfeboro” collection we are presenting in this lamono issue? It means a lot to me. Wolfeboro is a town that I spent almost every summer of my youth, even in my young adult life. It’s a cottage/ cabin on a lake in New Hampshire that has a lot of soul and deep meaning to me. It’s where I spent some of my most precious, quiet, and reflective times. It means so much to me that I even named my own son, Camp, after the camp by the lake. So, it means greatness to me because not only will the camp itself always stand the test of time but now we are creating product that represents that permanence and spirit. Is it hard to always remain true to the origins and still reinvent yourself with every collection and the trace of time? No, I actually don’t think it’s hard. I think that if you just live your life, just continuously improving yourself and evolving while staying true to whom you are, that reinvention becomes a natural byproduct of that process. As an artist and designer, I am curious and inspired by many cultural elements, whether art, skating, music, architecture, which can show up in my designs depending on what I am exploring at the time. So to reinvent myself with a product collection, I think it’s actually quite easy.

the plan to be what we are today. Rather it was about how I could have a life and a lifestyle while make a living and making a positive difference in the world. I think if you have an opportunity to put ink on a tee shirt or put an ad in a magazine or say anything - whether it be a slogan or talk about your own brand - the fact that you might have squandered that opportunity with shallow words would be just a crime to humanity. Is there any news or project you have in mind that you can tell us about exclusively for this new season? A project that I am working on right now and that I have not told anyone about is on an initiative where I work with artists from all over the world, whether they work for Element or not. I want to give a platform where entrepreneurs and people who want to get their designs out are able to show it to an Element curator and start producing and getting paid for their art. There will be no editing it down to just our own staff. I think that the new way of being creative is to open up the channels and listen and learn from the people around you that might know more about your own business and youth culture then you do. So it’s almost like a head hunting service for people who want to create artwork for Element. They will provide us with the art work and we will give them almost specific projects with criteria so that it hits the mark for Element, but at the same time all these people have very eclectic talents and well- rounded portfolios that other people will discover through this program.

Analyzing the brand’s trajectory, what are you most proud of and why? This actual moment, I try my best not to think about the past or anything I have achieved in the past. I’m always just grateful that I am here today. The thing I am most proud of is that the doors were open this morning; I was able to come here, turn the lights on and know that my business is still here and thriving. So I’m usually most proud of the actual moment now verses what happened in the past because that’s behind me.

What’s the secret when it comes to achieving a dream? There is no secret. The secret is not having a dream but having a goal and a finish line. A dream is something that isn’t real so I don’t even really believe in dreams, I believe in executing and believe in taking action and having a vision of something you want to do. I believe in working all day and all night until you can’t keep your eyes open anymore. Dreaming is for dreamers; realizing or accomplishing your vision is a much higher level of accomplishment. Everybody can dream, I hear people dream all the time and I haven’t achieved any of my own dreams. What I have done is set out on goals and finished them. There is no secret to dreaming; everyone knows how to do it. The real secret, which I don’t even know if I know the answer to, is finishing things you want to start.

Element has always been involved in environmental care through skateboarding and art, is it the concept that closes the circle of what defines the brand? Yes, that is true that Element has always had the idea of doing well by doing good. But does it close the circle of what defines the brand? I don’t know. I think that when I started the brand and had an opportunity to make product, the most important thing to me became not being a bit of a shallow entrepreneur or looking just to make money but to use my opportunity to have an impact on kids’ lives – it would be very selfish to not have depth and meaning behind all of that. If you really look into companies of today and companies from the past and why they exist, many exist solely for the purpose of making money. When Element was started, it was never

Was there any precise moment in your career as founder of Element Skateboards that blew you away, staying in your memory forever? There is no precise moment, I go back to the now. The precise moment that stands with me the most because I’m OCD and have a horrible memory is now. The thing that blows me away everyday is that I am here now. That this is still going on over 20 years and it is just absolutely mind boggling that I can drive to work and my children have a place to play, hang out and potentially have future jobs; that I can employ my friends and family. That I have a platform to do things that most people dream of doing. So the biggest thing that blows me away is that it still continues today based on thousands of moments that created this very moment.

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REVIEW / BERLIN / 8TH-10TH JULY 2014

Bright Trade Show PH: FLORENCIA LUCILA

Y ahí estábamos, de nuevo en la Berlina. Esquivando furgonetas y skaters en la puerta de aquel imponente edificio de la Brunnenstraße. Enfrentándonos a un gran cubo blanco de dos por dos, tal como el transportista lo trajo al recinto –sí, desnudo... el cubo, no el transportista– esperando a ser vestido con las instantáneas que resumían a golpe de objetivo las últimas cuatro ediciones de esta siempre sorprendente feria berlinesa bianual. El BRIGHT Tradeshow celebraba este pasado julio su XIX edición con una digna combinación entre seriedad y barbarie. De día arte, conversaciones, moda y escaleras arriba y abajo. De noche más arte, música, cerveza, abrazos con viejos reencuentros y bailes con nuevos amigos. En cualquier caso, el skate y la cerveza resultaron omnipresentes. A nuestro equipo no pudo faltar por supuesto la acompañante escogida para dejar constancia visual de lo que durante cuatro días y cuatro noches ahí se coció. Florencia Lucila, siempre equipada con su infinidad de cámaras de todas las guisas, demostró tener el poder de llevar el dedo al disparador cuando el azar brinda momentos irrepetibles, gracias a ella ahora hechos eternos. Fueron las carreras y competiciones de skate que acababan en fiesta, los desayunos reparadores del magnífico Eurostars Berlin Hotel, las comidas vietnamitas y las cenas al aire libre. Además, por supuesto, de las caras de los imprescindibles con quienes charlamos: los fundadores del tinglado Thomas Martini y Marco Aslim, además de Mathieu Tourneur, el editor y generador de ruido Seb Carayol, el artista Todd Francis, el brasileño icono de street art Cranio, la familia Schillereff de Element al completo y los inseparables Brian Lotti y Clint Peterson, tan buenos con sus manos de artistas como con sus pies de skaters. Y es que nuestro gran cubo blanco también cumplió con su misión: fue el centro y soporte de nuestra BRIGHThunter exhibition, en que tras una demostración de conocimiento avanzado de bricolaje, exponíamos los trabajos de diafragmas, flashes y carretes de las BRIGHThunters, una por cara del cubo, que retrataron las cuatro últimas ediciones de la feria: Berta Pfirsich, Alina Lakitsch, Maya Kapouski y Luiza Lacava. A modo de una retrospectiva nostálgica pero amablemente descarada, celebramos con la colaboración de The Impossible Project que nada hay más bonito que un brindis por las viejas amistades, los pasiones en común y la energía de una Berlina soleada en general. And there we were, back in good old Berlin. Dodging vans and skaters at the door of that imposing building at the Brunnenstraße. Facing a huge white 2x2 cube, empty as a drum and waiting to be filled with the photos that sumed up the last four editions of this always surprising bianual berliner fair. The BRIGHT Tradeshow celebrated this past July its XIX edition with a respectable balance between seriousness and dementia. During the day art, conversations, fashion and stairs up, stairs down. During the night more art, music, beer, hugs with old encounters and dances with new friends. In any case, skate and beer were omnipresent. In our team we had once again the selected companion in charge of leaving visual trace of what during four days and four nights was being cooked up. Florencia Lucila, loaded with a neckful of all sorts of cameras, made her power of taking her finger to the shutter release clear, as soon as fate brings unique moments, thanks to her now made eternal. It was the races and skate competitions that ended in parties, the comforting breakfasts at the great Eurostars Berlin Hotel, the Vietnamese lunches and outdoor dinners. Also, of course, so were the essential faces of those we had chats with: the founders of the BRIGHT Thomas Martini and Marco Aslim, as well as member of the BRIGHT family Mathieu Tourneur, the editor and noise generator Seb Carayol, the artist and pigeon lover Todd Francis, the Brazilian street art icon Cranio, the whole Schillereff family from Element and the inseparable Brian Lotti and Clint Peterson, as good with their artists’ hands as they are with their skaters’ feet. Truth is so did our cube accomplish its mission: it was the centre and support of the BRIGHThunter exhibition, in which, after an evidence of advanced DIY knowledge, we exhibited the exquisite job of diaphragms, flashes and films of the BRIGHThunters, one per cube side, who had captured the last four editions of the fair: Berta Pfirsich, Alina Lakitsch, Maya Kapouski and Luiza Lacava. As a nostalgic yet kindly punkie retrospective, we celebrated in collaboration with The Impossible Project that nothing is more beautiful than a toast to friendly reunions, the sharing of a passion and the vibe of good old Berlin in the sun.

www.brighttradeshow.com 132

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REVIEW / BARCELONA / 12TH JULY 2014

Cons Project x Sivasdescalzo F: LUIZA LACAVA

Recién llegados del Bright nos fuimos de fiesta. Pero no fue una cualquiera, sino de esas en que te engalanas con tus mejores trapos y, en los pies, no había más opción: un bonito par de Weapon, y es que para eso nos reunimos todos para celebrar la reedición del icónico modelo de Converse CONS. El CONS Project llegaba a Barcelona después de pasar con la fuerza de un ciclón por Los Ángeles, Londres o Lisboa, llevando consigo vanguardia pura en arte urbano y nuevas tendencias musicales. Para la puesta de largo en Barcelona, se unió a la alineación uno de los pilares de la cultura sneaker por estos lares, sivasdescalzo, donde siempre encontraremos lo último de lo último. Para empezar el día, Alizzz se marcó un workshop creativo y práctico para lo más granado de la comunidad electrónica de Barcelona en el que los asistentes tenían que remezclar temas suyos. También tuvimos la oportunidad de hablar con él, como podéis comprobar en esta edición. Y después, se abrió la veda: a los platos en un escenario circular rodeados de gente, los chicos de Discos Paradiso + Bobby Garcia, Hosoi, Alizzz y su potente set de hitazos, y para cerrar, Sinjin Hawke, toda una promesa que ya se está haciendo un nombre en el circuito, sobre todo después de su actuación en el Sónar 2014, y todo ello acompañado del livepaiting de Lucas Zamok. Y en la terraza, los chicos de Mobile Vinyl Recorders planchando vinilos como si no hubiera un mañana con sus artilugios de los años 40, Münster Studio serigrafiando bolsas y la edición limitada de vinilos diseñados por Arnau Pi, que estuvieron disponibles en sivasdescalzo con la compra de un par de la colección Weapon. Cervezas, bailes, luces rojas, y un ambiente inmejorable por el que pasaron 500 personas, que desde las 20h hasta la madrugada se dejaron llevar por el espíritu urbano que predica el CONS Project allá donde pasa. Una fiesta en mayúsculas, de esas que o bien esperas no olvidar o bien que se repita. Right after returning from the Bright we were ready for yet another night out. But it wasn’t just another one, but one of those that require your best outfits and, at the feet, there was no option: a pretty pair of Weapons, which is why we all gathered, to celebrate the reedition of the iconic model of Converse CONS. The CONS Project was coming to Barcelona after hitting cities like Los Angeles, London or Lisbon, taking with it pure vanguard in urban art and new music tendencies. For such event in Barcelona, another pillar of the sneaker culture around here to join was sivasdescalzo –if you walk barefoot– where we know we will always find the latest treats. To begin the day, Alizzz chose a creative and practical workshop suitable for the most selective of the electronic community of Barcelona, in which the attendees had to remix his tunes. We also had the chance to talk to him –as you can check in this edition. Later on, the serious stuff came: at the plates in a circular stage surrounded by people, the guys from Discos Paradiso + Bobby Garcia, Hosoi, Alizzz and his potent set of mega hits and, to close, Sinjin Hawke, a prodigy who has already made a name for himself, especially after his performance at Sónar 2014, all of which accompanied by Lucas Zamok’s livepainting. At the terrace, the guys from Mobile Vinyl Recorders could be found enthusiastically ironing vinyls with their 40s gadgets, as well as Münster Studio printing bags and the limited edition vinyls designed by Arnau Pi, which were available at sivasdescalso with the purchase of a pair from the Weapon collection. Beers, dances, red lights and an unbeatable atmosphere of over 500 people who since 20h till sunrise let themselves be blown away by the urban spirit preached by the CONS Project anywhere it goes. An enormous party and one of those you not only to remember, but to have it back sometime soon.

www.conversecons.com 134

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REVIEW / LONDON / 17TH JULY 2014

Supra Uk Residency Closing Demo T+PH: EVA VILLAZALA

Últimamente no paramos de viajar a Londres, cosa que nos encanta, más si es para disfrutar de arte, skaters de renombre y la presentación del SUPRA UK residency closing demo, que se realizó en un nuevo skatepark construido en la capital británica sin más materiales que las ruinas de un edificio abandonado. Ahí se desarrolló, con la colaboración de Slam City Skates, el evento de culminación del tour que la marca ha llevado a cabo por diferentes ciudades de UK con street, demos y fiestas varias. Fuimos así unos invitados de honor y conocimos de primera mano, como otras veces, las vibraciones de lo que se desarrolla con pasión. Nada más llegar, el Supra team nos esperaba en el lobby de ACE HOTEL para conducirnos a Frontside Gardens y presentarnos al team de riders que dieron el pistoletazo de salida a ese nuevo skatepark construido por Andy Willis con toda su pasión, ¿la finalidad? Crear un lugar donde sobretodo los niños y cualquier persona vinculada al skate pueda ir a patinar. Solo nos hicieron falta tres palabras con él para saber qué se siente cuando el trabajo llena de esa forma. A este proyecto no le podía faltar la guinda del pastel de la mano del ya conocido y querido por lamono, Chad Muska. El rider se sumó para crear uno de los obstáculos y dejar su arte plasmado en una pared. Entre risas y buen rollo, buena parte del team de Supra probó cada uno de los módulos del skatepark. Hablamos, como no, con Chad, que nos abrazó nada más vernos, bañado en pintura, para explicarnos el arte del skate y la importancia de divulgarlo entre todas las personas, en este caso bajo las palabras Infinite (su pieza para Frontside). Una pintada que la define como algo rápido con mucho sentimiento. Y es que sentimiento por el skateboard es algo de lo que no carece alguien que se sienta a charlar con su patín bajo bajo el brazo pintado con las palabras forever. El día del evento las lluvias de la mañana no impidieron disfrutar del espectáculo que ofreció Chad y el resto del equipo “Infinite” de Supra. Un día intenso como gran fiesta final donde no faltaron algunos de los nombres más destacados del team como Jim Greco, Stevie Williams, Spencer Hamilton, Lucien Clarke, Oscar Candon y Kevin Roman. La jornada terminó en la terraza del ACE HOTEL, donde nos alojábamos, disfrutando de unas vistas privilegiadas y del color del sol de última hora, algo que en Londres no se puede ver todos los días. Lately we keep travelling to London quite often, which we love, especially when it’s for the sake of art, renowned skaters and the SUPRA UK residency closing demo, happening in a new skatepark in the British capital made with no other materials than the ruins of an abandoned building. In collaboration with Slam City Skates, the culmination event of the brand’s tour took place after the brand visited various UK cities with street, demos and parties. We were of the few honoured guests and were able to see, again first-hand, the outstanding vibrations of what is carried out with passion as main ingredient. At our arrival, the Supra team was waiting for us at the ACE HOTEL lobby to take us to the Frontside Gardens and introduce us to the riders team who tried for the very first time the skatepark that Andy Willis had built with all of his passion. His goal was to create a space where especially children and anyone who liked skateboarding could go to have a good time. We only needed a couple of words with him to realise how much such job can get to fulfil. That cake couldn’t lack the cherry on top of it with the already known and loved by lamono, Chad Muska. The rider took part in creating one of the obstacles and leaving his artwork on a wall. Between laughs and a good vibe, a big part of the Supra team tried each and every module in the skatepark. Naturally, we spoke with Chad, who gave us a warm hug as soon as he saw us, covered in paint, to tell us about the art of skateboarding and the importance of spreading it among people, in this case under the word Infinite –his piece for Frontside. A painting he defines as something quick with a great deal of feeling. Because feeling towards skateboarding is something that can’t be missing in someone who sits with his board under his arm, the word Forever written on it. On the day of the event the morning rain didn’t stop us from enjoying the spectacle Chad and the rest pof the Infinite Supra team offered the attendees. An intense day with a great final party that quite some unmissable names attended such as Jim Greco, Stevie Williams, Spencer Hamilton, Lucien Clarke, Oscar Candon and Kevin Roman. The day ended at the terrace of the ACE HOTEL, where we were staying, enjoying the exceptional views and the colour of the latest sun, something Londoners are not too used to seeing often.

www.supra.com

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REVIEW / BARCELONA / 17TH JULY 2014

#PlayLab Sea Tribute Party PH: FLORENCIA LUCILA, RODRIGO MERCADO, IRIS BONANY

El mar apasiona. Todo lo que rodea al líquido elemento que cubre tres cuartas partes del planeta nos atrae como un imán. Sus aguas son objeto de múltiples historias e imaginario, y es que cuando alguien lleva el mar clavado, es un compromiso para siempre. En la segunda de las #playawlab parties hicimos todo un homenaje al mar a través del objetivo de Cecilia Álvarez – Hevia y la obra de Christian Beltri, de Conspiracy Studio. Y aunque no teníamos mar ni arena cerca, lo sentimos: puede que fueran las tablas de surf de Best diseñadas por Beltri que ambientaban la mesa de Pau Roca y sus beats perfectos para una tarde de verano, Moritz en mano; quizás fue esa chica que mira al mar con nada más que un short puesto en las fotos de Cecilia, o puede que fuera el faro y la gaviota de las ilustraciones de Beltri, pero nos hicimos a la idea. Y a la llamada del mar acudisteis muchos de vosotros, a apagar vuestra sed con una Moritz fresquita, a mover los músculos con la selección de Pau y a ojear lamono en algún rincón de la terraza de AW LAB, si pudisteis encontrar hueco. Lo cierto es que fue una tarde perfecta. Sin vosotros, no habría fiesta, así que quedáis avisados: habrán más. Y allí nos veremos. The sea thrills. Everyhting around the liquid element covering three quarters of the planet attracts us like a magnet. Its waters are object of multiple stories and imaginary, because when someone is stunned by the sea, it lasts forever. In the second of #playawlab parties we homaged the sea through the objective of Cecilia Álvarez-Hevia and the artwork of Christian Beltri from Conspiracy Studio. And even though we had no sea or sand around, we felt it: it may have been the surf boards from Best designed by Beltri decorating Pau Roca’s table and his perfect beats for a summer evening, holding a Moritz; it may have been that girl staring at the sea wearing nothing but shorts in Cecilia’s photos, or it may have also been the lighthouse and seagull in Beltri’s illustrations, but in any case it all made us have it in mind all along. And many of you listened to sea’s call to still the thirst with a fresh Moritz and to move your muscles with Pau’s selection and take a look at lamono in one of the spots of the AW LAB terrace, were you to find one between the crowd. Truth is it was a perfect evening. Without you there wouldn’t have been any, so you better get ready: more are yet to come. And we will see you there.

www.aw-lab.com

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REVIEW / LONDON / 7TH AUGUST 2014

House of Vans London Desde Vans nos quisieron dar la despedida antes de las vacaciones con una perla, un diamante en bruto que llevan puliendo desde el pasado mes de diciembre, el secreto mejor guardado bajo la estación de Waterloo de Londres: un espacio de 3000 metros cuadrados recorrido por varios túneles en los que se concentrarán arte, música, skate y workshops durante todo el año. House of Vans London es el segundo espacio de la marca, seguido del de NY, que se quedará de forma permanente en la ciudad de moda. Y además el disfrute de todo lo que pase ahí dentro será absolutamente gratis. lamono asisitió a la pre-inauguración exclusiva para prensa, riders y customers el pasado 7 de agosto. Lo que allí vivimos fue una fiesta Vans en todo su esplendor. Tan pronto como Steve Van Doren cortó la cinta inaugural empezamos a ver a leyendas del skate como Tony Alva y Christian Hosoi, que fueron de los primeros en probar el bowl. Además por supuesto de algunos destacados del equipo de Vans en todas las disciplinas: Geoff Rowley, Anthony Van Engelen, Daan Van Der Linden, Curren Caples y Sam Partaix del equipo de skate; Lee Ann Curren en representación de Vans Surf; los snowboarders Arthur Longo, Wolle Nyvelt y Aimee Fuller; y los riders de BMX Bruno Hoffman, Sean Sexton y Dan Lacey. Amigos, conocidos y familia que disfrutamos de unos conciertos de lujo, encabezados por Public Enemy y Dinosaur Jr. Fiesta, mojitos, el arte de French, revistas especializadas en el pequeño magazine lounge (lamono incluida) y catering de hamburguesitas y platos American Style hasta la madrugada. Toda una apuesta que añade un nuevo valor a esa ciudad que amamos... y una nueva excusa para seguir visitándola sin parar. The Vans family wanted to properly say goodbye to summer with a pearl, a diamond in the rough they have been working on since last december, the best kept secret underneath the Waterloo station in London: a 3,000sqm space made of tunnels inside of which art, music, skate and workshops will be gathered throughout the whole year. House of Vans London is the brand’s second space, following the one in NY, and which will permanently stay in this hot spot city. And everything that is yet to happen will be absolutely free of charge. lamono attended the exclusive pre-opening event for press, riders and customers last August 7th. What we lived there was a Vans party in all of its glory. As soon as Steve Van Doren cut the inaugural ribbon, we began seeing skateboarding legends like Tony Alva and Christian Hosoi, being the first ones to try the bowl. Also, other unmissable from the Vans team in all of its disciplines: Geoff Rowley, Anthony Van Engelen, Daan Van Der Linden, Curren Caples and Sam Partaix from the skate team; Lee Ann Curren representing Vans Surf; the snowboarders Arthur Longo, Wolle Nyvelt and Aimee Fuller; as well as the BMX riders Bruno Hoffman, Sean Sexton and Dan Lacey. Friends, acquaintances and family who could also enjoy a few luxury concerts, headed by Public Enemy and Dinosaur Jr. Party, mojitos, the art of French, specialised magazines in the small magazine lounge –including lamono– and tiny little hamburgers and other American style catering until dawn. A huge bet that adds a new value to a city we already loved... and a new excuse to keep visiting it over and over again.

www.houseofvanslondon.com

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REVIEW / BARCELONA / 8-10TH AU AUGUST

Arnette O’Marisquiño PH: MAUD SOPHIE ANDRIEUX & ANNA PAREDES

Hay proyectos que llegan al alma de forma suave, sin proponérselo y esos los de verdad, porque están hechos desde lo que no tiene vuelta atrás. Parece mentira que en esos espacios tan grandes, con infraestructuras como en el caso de Arnette O’Marisquiño que ocupan prácticamente todo el puerto de Vigo, entre el circuito de skate diseñado por Álvaro Pastor para la World Cup Skateboarding, el espacio BMX, Flatland, el reservado para el arte, los conciertos y muchos otros, la energía de 100.000 personas se sienta unificada, como un gigante que se mueve de forma natural, de un lado a otro, con las mismas ganas de patín, BMX, Motocross, arte y música hasta las tantas. A pesar de que la lluvia nos dio algún susto que otro, al final el cielo de Galicia se comportó y previa pasada de toalla colectiva por el circuito de skate, se pudo concluir el campeonato, con la World Skateboarding Cup por primera vez en España. Ganó el brasileño Kelvin Hoefler, seguido del japonés Ryo Sejiri (Red Bull) que nos dejó boquiabiertos con su estilo elegante, fino y sobrio y del portugués Jorge Simoes. Pero esto fue el último día, antes pasaron muchas cosas, ya que desde nuestra llegada todo fue a la velocidad del viento y de esas nubes caprichosas. Conocimos a Patt Duffy y a Willy Santos, charlamos con Viky Gomez que organizó la G Shock Flat Jam y vimos claro que es la versión BMX de Rodney Mullen, nos reímos y adoramos como siempre a Danny León, compartimos avión con Alizzz y tapas y cervezas con Aaron Bueso. Eso sin contar el derroche de energía de la organización, Rami al frente, las risas en las largas mesas de 28 + 30 en el paseo del puerto con chipirones y volteretas incluidas y las noches en el backstage de los conciertos culminadas con sesiones nastynianas en el Auditorio. Vamos, ¿qué como nos podrían quedar dudas? El año que viene repetimos, los de Arnette O’Marisquiño ya son familia y ¡el mundo es para los valientes! Some projects get to your soul in a smooth and gentle way, now those are the real ones since they are made something that can’t be made go back. It seems unbelievable how in such huge spaces, with facilities like the ones at Arnette’s O’Marisquiño –occupying almost the whole port of Vigo with a skate circuit designed by Álvaro Pastor for the World Cup Skateboarding, the BXM space, Flatland, the reserved one for art, the concerts and many others– the energy of 100,000 people is still felt as one, like a giant naturally moving around, back and forth, and with the same lust for skating, BMX, Motorcross, art and music until the sun rises. Even though rain threatened us on a bunch of occasions, eventually the Galician sky behaved and after the skating circuit got dried out, the championship could be put an end to, with the World Skateboarding Cup for the first time in Spain. The winner was Brazilian Kelvin Hoefler, followed by Japanese Ryo Sejiri (Red Bull) who stunned everyone with his elegant, delicate, sober style, as well as by Portuguese Jorge Simoes. But that was only on the last day and before that, many things happened, as everything went by swiftly since our arrival due to those willful clouds. We met Patt Duffy and Willy Santos, we chatted with Viky Gomez who organised the G Shock Flat Jam and saw him as a clear BMX version of Rodney Mullen, we laughed and adored as always Danny León, we shared plane with Alizzz as well as tapas and beers with Aaron Bueso. All of which apart from the energy boost by the organisation, Rami at the forefront, with good times in those huge 28 + 30 tables at the port promenade –including somersaults and seafood– and and concerts’ backstage nights put the cap on with nastyanas sessions in the Auditorium. Is there anything left to say? We’ll be back next year, now those from Arnette O’Marisquiño are family and the world is for the brave only!

www.omarisquino.com 142

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REVIEW / GETXO / 6TH SEPTEMBER

Volcom Bowl-A-Rama PH: LUIZA LACAVA

La historia llama a la historia. La Kantera, mítico skatepark diseñado por Txus Dominguez hace 27 años en la playa de Arrigunaga de Getxo, volvió a hacer historia el pasado sábado 6 de septiembre, acogiendo por primera vez (y seguro que no será la única), la Volcom Bowl-A-Rama, prueba del circuito profesional internacional con 30.000 dólares en premios, donde se dieron cita algunos de los mejores riders del mundo, en un abrazo generacional de más de tres décadas de diferencia. Y es que los trucos y los increíbles aéreos que se marcaron la nueva generación de pros como el rider de Volcom Pedro Barros (1º puesto), Alex Sorgente (2º) y Danny Leon (3º) –citando sólo aquí a los ganadores -compartieron espectáculo en el bowl con leyendas como Steve Alba, que quedó 3º en la final de Masters, precedido de Pat Ngoho (1º) – gran momento el que dedicó a Jay Adams, recordándolo en el momento de recibir su premio – y Sean Goff (2º). Ya sabíamos que lo que allí íbamos a vivir iba a ser espectáculo y emoción pura, pero la realidad superó a la imaginación de los más de 5000 asistentes que se desplazaron de todas las partes del mundo a darle una nueva vida a la explanada de La Kantera, donde se instalaron pantallas para ver el espectáculo en streaming. Bajo la mirada atenta de míticos como Steve Olson que tampoco quiso perdérselo, además de los que se repartieron los tres primeros puestos, fueron muchos los riders que demostraron su estilazo y engorile patinando el bowl, como el brasileño Felipe Foguinho o el americano Sky Siljeg. Un festín generacional en toda regla que vuelve a demostrar que lo que se hace con el patín responde a eso que está en la mente y que se llama creatividad, cultura, templanza y no limits. History calls history. La Kantera, the legendary skatepark designed by Txus Dominguez 27 years ago in the Arrigunaga beach on Getxo, made history again last Saturday, September 6th, hosting for the first time –and surely not the last one– the Volcom Bowl-A-Rama as the event of the international professional circuit with 30,000$ in prizes, where some of the best riders in the world attended, embracing generations with three decades of difference. Because the tricks and unbelievable aerials offered by the new pro generation like Volcom rider Pedro Barros (1st place), Alex Sorgente (2nd) and Danny Leon (3rd) –only to state the winners– shared performances in the bowl with legends like Steve Alba, who got 3rd in the Masters finals, following Pat Ngoho (1st) –a big moment he dedicated to Jay Adams, whom he remembered as he received his prize– and Sean Goff (2nd). We already knew what we would there witness was going to be true spectacle and emotion, but reality beat the imagination of the over 5,000 attendees who came from all parts of the world to give the area of La Kantera a new life, where screens had been installed so the show could be watched on streaming. Under the quiet stare of legendaries like Steve Olson who also didn’t want to miss it, apart from those who got the first three positions, many were the riders who demonstrated their style and strength skating in the bowl, like Brazilian Felipe Foguinho or American Sky Siljeg. An absolute generational feast that once again proved that what is done with the skate responds to what is in the mind and which is called creativity, culture, temperance and no limits.

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PRO Finals: 1. Pedro Barros 2. Alex Sorgente 3. Danny Leon 4. Felipe Foguinho 5. Cory Juneau 6. Sky Siljeg 7. Joshua Borden 8. Chris Russell. MASTERS Finals: 1. Pat Ngoho 2. Sean Goff 3. Steve Alba 4. Txus Dominguez 5. Sergie Ventura 6. Stephane Andre 7. Jan Jan Loften 8. Brad Bowman.

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#98 · STRONG · SEPTEMBER / OCTOBER · 2014 COVER: VALERIU MLADIN MLADINVALERIU.BLOGSPOT.COM DIRECTORA Eva Villazala eva@lamonomagazine.com ASSOCIATE DIRECTOR Julio Amores julio@lamonomagazine.com ART & DESIGN Josep Manel Sicart siki@lamonomagazine.com · www.sickart.net REDACTORS Antonella Sonza antonella@lamonomagazine.com PHOTOGRAPHY Luiza Lacava luiza@lamonomagazine.com TRANSLATION Bea Salas bea@lamonomagazine.com CONTRIBUTORS REDACTORS Alejandro Cinque + Bárbara Esteban + Xavi Ocaña + Lorena Pedre + Laia Antúnez + Ana Paula Tovar Ana Miguel + Ane Pujol + Vicky Navarro + Bea Salas + Antonella Sonza + Lara Tuner. PHOTOGRAPHERS Luiza Lacava + Florencia Lucila + Sara Guix Anna Paredes + Andree Martins and Demian Dupuis ORIGINAL ART DESIGN Hernan Verdinelli · www.hernanverdinelli.com For circulation customer service in Spain please send an email to bea@lamonomagazine.com International Distribution: France, Portugal, Germany, UK and US. For annual subscription please send an email to suscripcion@lamonomagazine.com SUBSCRIPTION / 6 issues per year Spain: 40 euros / Europe: 50 euros / Other countries: 70 euros DEPÓSITO LEGAL: B 51664-03 ISSN: 2014–9395 LAMONO HEADQUATERS: Aribau, 15, 1º 1º, 08011 Barcelona T. +34 932724980

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Argazki Jaialdia Festival de FotografĂa

BORROKAK LUCHAS

2014 Iraila Septiembre

Komisarioa / Comisario: CHRISTIAN CAUJOLLE Antolatzailea / Organiza

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