lamono #117 ESSENCE by lamono magazine

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ESSENCE L A M O N O V O L. # 117

Cover by Gabriel Engelke Cristian Ordoñez / Paul Sisson / Alex Knost / Perrine Honoré Dilayla Romeo / Edouard Sepulchre / Coko if

ES T. 2003

T: EVA VILLAZALA

Por mucho que le demos una y más vueltas, lo único que funciona es la esencia. Lo que nos constituye como lo que somos, con unas raíces fuertes y firmes. Cuando actuamos, reaccionamos y nos comportamos siguiendo las directrices de nuestra esencia, el universo entra en conexión para que no se produzcan errores de cálculo. Sólo cuando esa parte está en armonía sentimos que no podemos buscar culpables, porque todo transcurre como tiene que transcurrir y el destino no se presenta torcido, sino que los sucesos se encadenan en línea recta y no son necesarias las salidas de emergencia. En este número nos hemos propuesto rendir homenaje a la esencia primera, a la naturaleza, la que le da forma a nuestras humildes células animales y humanas. Esa esencia nos lleva a comportarnos de una forma u otra según nuestra cultura y circunstancias. Comenzamos nuestro viaje compartiendo skateboarding, experiencia y fotografías con Cristian Ordóñez, quién viajó desde muy pequeño a Nueva Zelanda con sus padres, descubriendo allí el skate. El patín le motivó desde el principio a ser curioso, inquieto y a querer siempre evolucionar. Y esa esencia llegó para quedarse. Cuando Paul Sisson sale a la carretera con su cámara tiene el valor de mirar las nimiedades a la cara. Una foto nunca miente y en esos detalles que nos pueden pasar a priori desapercibidos se encuentran la raíz de nuestra cultura. Gabriel Engelke, el fotógrafo que ha realizado nuestra portada, procede de un pueblo granjero de Suecia. Tras finalizar sus estudios de arte, emprendió un viaje a España, donde se ha quedado, estableciéndose en Barcelona. Emocional, skater, yogi y medio ninja, Gabriel es el reflejo de su esencia y de su circunstancia. Seguimos con una entrevista a una figura clave en el mundo del tablón, Alex Knost, fiel representante del longboard old school. Perrine Honoré es una ilustradora francesa de piel blanca, casi transparente, como ella misma y su obra, que es un reflejo continuo de los cuatro elementos: tierra, aire, agua y fuego. En una investigación de género y su interacción con la naturaleza, su obra incita a una reflexión que traspasa una primera lectura naïf para adentrarse en el sentido de la raza humana y su relación con el entorno. Las raíces de Dilayla Romeo se encuentran en Mozambique, pero ella ha crecido en Barcelona. Motivada por un sentimiento de búsqueda de identidad que ni ella misma identificaba claramente, viajó al país africano colaborando con una ONG. Allí encontró mucho más de lo que se esperaba y eso es lo que transmiten sus fotografías. Edouard Sepulchre investiga con su serie Rodeo Car Family la ausencia total de prejuicios y el concepto de familia. En este club de carreras del sur de Francia y durante los días que dura el evento, padres, hijos, tíos, abuelos y cualquier miembro de la familia goza de una libertad total. No hay barreras. Y las máquinas que son los coches empapados de barro, ejercen de testigos secretos de una burbuja de tiempo sin imposiciones. Acabamos este repaso por la esencia vista desde diferentes perspectivas con el trabajo de Cokoif, fotógrafo fiel a su Nikonos y al momento de disparar bajo el agua, el hábitat donde se siente libre y sin limitaciones. Con este viaje variopinto, concluimos que Esencia es ese lugar donde no se miente porque únicamente lo puro responde a la pregunta universal que no hace falta formular. Whichever way we look at it, the only thing that really works is the essence. It is what forms the basis of who we are with strong and firm roots. When we act, react and behave following our essence’s guidelines, the universe creates a connection to avoid any calculation errors. Only when that part is in harmony, we all feel we cannot find any culprits, as everything unfolds as it must be and destiny doesn’t seems twisted, but the events are chained together in a straight line and emergency exits are not needed. In this issue, we have undertaken to honour the first essence, nature, which shapes our humble animal and human cells. That essence led us to behave somehow or other according to our culture and circumstances. We start our journey sharing skateboarding, experience and photographies with Cristian Ordóñez, who travelled from a very young age to New Zealand with his parents, discovering skateboarding there. Skateboarding encouraged him from the beginning to be curious, restless and willing to evolve always. And that essence came to stay. When Paul Sisson hits the road with his camera, he has the courage to face trivialities. A picture never lies and the roots of our culture is found among these details that go unnoticed. Gabriel Engelke, the photographer who has created our front cover, comes from a Sweden farm town. After finishing his arts studies, he left on a trip to Spain, where he has decided to stay, settling in Barcelona. Sentimental, skater, yogi and half ninja, Gabriel is the reflection of his essence and circumstance. We continue with an interview to a key figure in board world, Alex Knost, faithful exponent of old school long board. Perrine Honoré is a French illustrator with white skin, almost transparent, as she is herself and her work, which is a continuing reflection of the four elements: land, air, water and fire. In a gender research and her interaction to nature, her thought-provoking work which crosses a first naïf reading to get into the sense of human race and its relationship with the environment. The roots of Dilayla Romeo are found in Mozambique, but she has grown up in Barcelona. Motivated by the sentiment of searching for identity that she has clearly identified herself, travelling to the African country collaborating with a NGO. There she found more than she expected and that’s what her photography convey. Edouard Sepulchre researches with his series Rodeo Car Family the total absence of prejudices and the family concept. In this club of Southern roads in France and during the days that the events lasts, fathers, sons, uncles, grandfathers and every family member enjoy total freedom. There are no barriers. Cars, these machines covered by mud serve as secret witnesses of a time bubble without impositions. We finish this overview by the essence, seen from different perspectives with Cokoif’s work, faithful photographer to his Nikonos and the moment to shoot underwater, the habitat where he feels free and without limits. With this motley journey, we conclude that Essence is that place where there are no lies, as the pureness solely responds to the universal question that doesn’t need to be formulated.

stance.eu.com

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Cristian Ordóñez Time goes by P. 26

PAU L S IS S O N

On the Road P. 38

GABRIEL ENGELKE PATÍN Y FOTOGRAFÍA EN CLAVE NINJA P. 48

COLOR BLOCKING EVA VILLAZALA P. 60

A L E KNOST UN TI P O SENC I LLO

P. 72

P E R R I N E H

NATUR ALE Z A VIVA

Dilayla Romeo

P. 74

Root-In, volviendo

a las raíces P.86

SUMARIO/INDEX VUELVE EL ESPÍRITU TRANSGRESOR DE LOS 90S CON

LAS REEBOK CLASSIC RAPIDE P.84

Edouard Sepulchre La Realidad Mecánica P.98

C OKO I F A MOR ES SILENCIO E I N M E NSI DA D P.110

Cristian Ordóñez Time goes by T: VICKY NAVARRO

Cristian Ordóñez es una de esas personas que creen que nunca se jubilarán, porque el suyo es de esos trabajos de los que cuesta desprenderse. Su oficio es vital, solo una fina línea lo separa de ser su mayor hobby y, además, en cierto modo, le permite capturar el tiempo (¿a quién no le gustaría poder hacerlo?). Con Time Regrets its Passing el fotógrafo chileno quiere “documentar desde un punto de vista lejano y personal el paso del tiempo y cómo a través de decisiones humanas hay cosas que cambian o se adaptan”. A veces parece que el tiempo va más rápido que tú, que te adelanta por la derecha sin mirarte a los ojos y te deja atrás, esperando a que reacciones. En esos momentos te das cuenta de que las decisiones que tomas te hacen el camino y que, si tardas mucho en decidirte, puede que deje de nevar y ya no puedas sentir la nieve derretirse entre tus dedos.

Cristian Ordoñez is one of these persons who believe that they won’t ever retire, as his work is difficult to leave. His profession is vital and there’s only a thin line that separates it of being his major hobby and, moreover, in a certain way, allows him to capture the time (who wouldn’t like to do it?). With Time Regrets its Passing the Chilean photographer wants “to document from a distant and personal point of view the passage of time and how things that adapt and change exist through human decision” Sometimes, it seems that the time goes faster and passes on the right without looking to our eyes and leaves us behind, waiting for our reaction. In these moments, we realize that making decisions makes the path and, if we take long to decide, it won’t probably snow and we wouldn’t feel the snow melting down our fingers anymore.

cristianordonez.com

El skateboarding tiene que ver con encontrarse en una constante búsqueda

Cuando era niño, Cristian Ordóñez se mudó a Nueva Zelanda con su familia y allí descubrió su pasión por el skateboarding. Según cuenta, esto despertó su lado creativo, enseñándole a ser curioso, inquieto y a querer evolucionar. Así empezó a trabajar con distintos medios: desde el diseño y la edición editorial, hasta el dibujo, la fotografía, la serigrafia y la pintura. Para Cristian, el skateboarding tiene mucho que ver con esto, con “encontrarse en una constante búsqueda”. La fotografía siempre ha estado presente en este recorrido, desde que aprendió a revelar en el laboratorio de la escuela donde estudiaba diseño gráfico. Antes solo era un medio para “captar observaciones”, mientras que en los últimos diez años se ha convertido en su forma de “documentar actividades, lugares y vidas de otros bajo temáticas que me interesan e inspiran”, explica, y añade que la fotografía le permite “generar conexiones con personas que de otra forma me sería difícil lograr”. Le permite ser “más libre”. Aun así, su objetivo no es comunicar un mensaje. “Muchas veces ni yo sé por qué he fotografiado algo, pero es quizás más un sentimiento o una reacción directa que se genera cuando encuentro ese algo. Tal vez espero que el lector reaccione de la misma manera cuando vea mi trabajo, que tenga su propia interpretación de la visión que tuve o documenté”, afirma. Después de Nueva Zelanda, Ordóñez ha vivido en Estados Unidos y, desde hace diez años, vive en Toronto, con sus tres hijos y su mujer. Su serie A Way to Disconnect and Connect trata sobre sus primeros años en Canadá y sobre “el proceso emocional de conocer el lugar, acostumbrarse, extrañar tu tierra, hacer conexiones y lograr hacer

propio lo que uno está viviendo en ese momento”. Hace ahora un año que Ediciones Daga publicó un libro con el mismo título, recogiendo sus fotografías en formato medio y grande y algunas de sus ilustraciones. Cristian trabaja siempre en analógico, aunque le hagan encargos en digital, prefiere invertir él mismo en la película y el revelado. “Nunca he estado satisfecho con el proceso digital y el trabajo de edición que hay que hacer después. Me gusta lo real que transmite lo analógico, pero también el factor sorpresa que siempre le acompaña”. También diseña y autoedita sus propias publicaciones: “me encantan los libros y la edición editorial es la mezcla perfecta, porque me permite trabajar con contenido, gráfica y fotografía, al tiempo que colaboro con fotógrafos que me inspiran”. Actualmente, está trabajando en una publicación con un fotógrafo local y este mes de septiembre comienza a dar clases de diseño y editorial en la Universidad OCADU en Toronto, mientras sigue con su proyecto You & I, que arrancó en 2008 para retratar las vivencias de sus hijos y que terminará cuando estos se vayan de casa. Cuando le hablo de nuestro monotema, ESSENCE, le pregunto cuáles son los elementos esenciales de su trabajo y de su vida, aquello que hace que quiera seguir creando. Su respuesta es corta pero tajante: “Inquietud, exploración y proceso”. Todo ello requiere tiempo, pero si lo tienes en cuenta, en la próxima coyuntura puede que seas tú el que vaya en cabeza y, cuando el tiempo te mire a los ojos, puedas devolverle el gesto con una mueca de satisfacción. Y acelerar.

Skateboarding has a lot to do with finding oneself in a constant search

When he was a kid, Cristian Ordoñez moved to New Zealand with his family and discovered his passion for skateboarding. He says that this awaken his creative side, learning to be curious, restless and willing to evolve. That’s how he started working with media: from design and editorial edition to drawing, photography, serigraphy and painting. For Christian, skateboarding has a lot to do with “ finding oneself in a constant search”. Photography has always been present in this ride. Since he learnt to develop in his school’s lab where he studied graphic design. Previously, it was just a mean to “capture observations”, but in the last ten years, it has become his way to “document activities, places and lifestyles of others under topics in which I am interested and inspired”, explains, and adds that photography allows him to “create new connections with people who would otherwise be more difficult”. It allows him to be “more free”. Nevertheless, his goal is not to spread a message. “Most times I don’t even know why I have photographed something, but, maybe, it is likely to be a feeling or a straight reaction that is generated when I find that something. Perhaps I hope the reader reacts in the same way when looking at my work, having their own interpretation of the vision I had or documented”, claims. After New Zealand, Ordoñez has lived in the United States and, he now lives in Toronto for ten years with his three sons and wife. His series A Way to Disconnect and Connect is about his first years in Canada and “the emotional process of discovering the place, getting used

to it, longing for the homeland, making connections and making our own what we are living in that certain moment”. It is now a year since Saga Editions published a book with the same title, collecting his photographs in medium and large format with some of his illustrations. Cristian always works in analogic. Unless he is asked to work in digital format, he prefers to invest himself in film and developing. “I’ve never been satisfied with the digital process and its successive edition work. I like the realness that analogic transmits, but also the surprise factor that comes next”. Moreover, he designs and edits his own posts by his own: “I love books and editorial edition. It is the perfect mix, as it allows me to work with content, graphics and photography, while I collaborate with photographers that inspire me”. Currently, he is working in a journal with a local photographer and this month of September, he starts giving design and editorial classes in OCADU University, Toronto. Meanwhile, he continues with his project You & I, started in 2008 to portray his sons’ experiences, finishing when they leave home in a future. When I tell him about our issue, ESSENCE, I ask him about which are the essential elements of his work and life, that which keeps him creating. His answer is short but blunt: “Relentless, exploration and process”. All this takes time, but if we keep it in mind, we may lead the way in the next juncture, and when time looks in the eyes, we could return the gesture with a face of joy. And to speed up.

T: INÉS TROYTIÑO

PAU L S IS S O N

On the Road El fotógrafo americano Paul Sisson dispara al ritmo del tintineo de las llaves de su coche. Su tiempo se mide por la voz de una imagen que le llama, motor en marcha, al borde de un abismo marcado por las líneas del arcén. Sus proyectos Not So Far From Here y Missed Connections son un viaje a través de la condición humana en los que Sisson se nutre de un romanticismo marchito que el ideario colectivo ha decidido desterrar; la búsqueda del amor fallido, la fe a la desesperada o el sitio correcto en el que aposentarse. Afirmando que sus proyectos le han ayudado a encontrarse a sí mismo, el fotógrafo invita con su trabajo a que el espectador tenga el valor para posar la mirada en aquellas nimiedades que, si se les presta atención, solo pueden apuntar a un destino: la esencia. The American photographer Paul Sisson shoots to the rhythm of the clink of the keys of his car. His time is measured by the voice of an image that seems to call him, while his car’s engine is running, on the edge of a chasm marked by the lines of the street shoulder. His projects Not So Far From Here and Missed Connections are a journey through the human condition in which Sisson is nourished by a withered romanticism that the collective ideology has decided to banish; its all about the search for failed love, desperate faith or the right place to settle. Claiming that his projects have helped him to find himself, the photographer invites with his work to get courage to set his sights on those trifles that, if paid attention, can only point to a destination: the essence.

www.paulsissonphoto.com

¿Cuándo te diste cuenta de que tenías que volverte un cazador de imágenes? Las escenas que encuentras a un lado de la carretera, raras e interesantes siempre me han intrigado desde que cogí mi primera cámara, cuando era adolescente. No fue hasta el momento de ejecutar mi tesis, ya a los treinta y dos años, que desarrollé una pasión por buscar activamente esas imágenes. ¿Tu primera cámara? Heredé una vieja Rolieflex 35mm a los trece años. De alguna manera llevo disparando desde entonces. ¿Cuál es tu aspecto favorito de la fotografía? La fotografía es el balance perfecto entre el arte y la ciencia, la verdad y la decepción. Puedes contar la historia que tú quieras a través de ella, teniendo en cuenta que una foto nunca miente. Me interesa la exploración de la condición humana; creo que la cámara es la mejor manera de capturar su espíritu y todo lo que ésta tiene que ofrecer. ¿Digital o analógico? Soy un tradicionalista. Crecí en un cuarto oscuro antes de que la fotografía digital y los teléfonos con cámara se volviesen ubicuos. Prefiero el olor de los químicos y el tacto de una foto física. Dicho esto, dada la naturaleza de mis trabajos más recientes y la flexibilidad necesaria para disparar en ciertos escenarios, llevo cinco años tomando fotografías casi exclusivamente en digital. Disfrutando de esta etapa, me encantaría que surgiesen nuevos proyectos que me permitieran redescubrir la calidez de un laboratorio más pronto que tarde. ¿Fotógrafos que te inspiren? ¡Demasiados como para mencionarlos a todos! Robert Frank, Stephen Shore o William Eggleston

son algunos de mis favoritos de las pasadas generaciones. El trabajo de Alec Soth me inspira muchísimo. No solo sus bonitas y conmovedoras fotografías, sino el modo en el que explora la fotografía, su trabajo con la comunidad y su búsqueda de nuevos caminos para fotografiar. Este arte no solo debe orientarse a una imagen impresa y posteriormente colgada en una galería. Con ella puedes conectar con la audiencia de maneras accesibles y democráticas sin tener que dejar de hacer un trabajo que resulte interesante. ¿Estudiaste fotografía? ¿Crees que es importante cursar una carrera fotográfica en la universidad? Recibí mi licenciatura de Bellas Artes en Fotografía de la Universidad de Colorado, Denver, en 2013. Fue una experiencia valiosísima y tuve la oportunidad de trabajar con muchos alumnos y profesores extremadamente talentosos. Al mismo tiempo que debes adquirir cierto nivel en cuanto a altos estudios para ser exitoso en el mundo del arte, pienso que estudiar te da ciertas herramientas que te harán más fácil la navegación a través de él. La educación fotográfica de hoy en día puedes encontrarla sin tener necesidad de ir a la universidad, sin embargo, lo más valioso de una escuela de arte es la comunidad y el apoyo que te rodea. Estar expuesto constantemente a nuevas ideas y relacionarte con gente de tu mismo campo es de los aspectos más importantes de una educación fotográfica tradicional. ¿Qué intenciones tenías cuando empezaste a tomar fotos? ¿Son diferentes de las que tienes ahora? El eje troncal de mi trabajo, Not So Far From Here, está concebido como un proyecto en proceso. Invierto días conduciendo a través de los Estados Unidos en viajes improvisados por carreteras aleatorias. Me foca-

lizo en la libertad de una carretera abierta, explorando grandes territorios en los que nunca me había fijado antes de decidir poner el énfasis en el trayecto y no en el destino. La intencionalidad del proyecto no ha cambiado desde que lo empecé. Si algo ha cambiado ha sido cómo se han integrado estas ideas a mi pensamiento mientras estoy en la carretera.

la religión se publicita e intenta integrarse en el discurso público como hecho inamovible. Lo divertido es que la religión en estas áreas parece resquebrajarse en otra visión del cristianismo que no cree en la aceptación, la compasión o la empatía. Tal vez otra manera de decirlo sería que la América rural es el lugar perfecto para inventar un nuevo Jesucristo que apoya la NRA (Asociación Nacional del Rifle) y tiene piel blanca.

¿Se ha vuelto fotografiar una necesidad para explorar, no solo el paisaje, sino tu propia persona? ¿Podría esa exploración tener algo que ver con tu serie Not So Far from Here? Cuando empecé a trabajar en Not So Far From Here, estar dentro del coche más de una hora o dos me provocaba ansiedad, tenía la necesidad de salir y “hacer algo”. De todos modos no me tomó mucho tiempo el darme cuenta de que viajar con mi cámara era la excusa perfecta para “hacer eso”. Explorar el territorio y documentar el paisaje del modo en que solo yo lo veía. Me lo podía cuadrar en mis horarios, disfrutar el trayecto y trabajar de un modo que me tomé a personal. He descubierto muchas cosas sobre mi mismo y evolucionado en el proceso de explorar nuevas áreas de mí país y esta es una de las razones por las que continúo trabajando en el proyecto. Estar en el coche largos periodos de tiempo, sin más obligación que fotografiar aquello que se comunica conmigo, es una experiencia catártica y liberadora.

Personalmente creo que “Missed Connections” es una serie romántica. Es mi favorita. Cuéntanos un poco la historia detrás y cómo se te ocurrió llevarla a cabo. La página de Missed Connections en Craiglist siempre me ha aturdido. ¿Realmente la gente se conoce de esta manera? ¿En serio creen que van a enamorarse así? Los listados de gente buscando amor y compañía son tan visualmente ricos que tenía que encontrar una manera de ponerles imagen y tratar de proporcionar una visión ficticia a estas búsquedas extrañamente esperanzadoras. Jugué con la idea de representar escenas para encajar con cada listado pero no acababan de capturar la esencia de Craiglist. Lo que acabó funcionando fue personarme en el lugar en cuestión y retratar el momento en el que dos desconocidos se encuentran, pasan uno junto a la vida del otro. Una confluencia interesante entre el romanticismo clásico y la tecnología en el mundo moderno.

¿Es America el lugar perfecto para encontrar a Jesús? ¿Por qué existe toda esa propaganda religosa? Juzgando por la cantidad de vallas publicitarias religiosas y propaganda, creo que la América rural es el lugar perfecto para encontrar a Jesús. Como persona no religiosa, siempre me ha interesado la manera en que

¿Cuáles son tus próximos proyectos? Siempre ando buscando lo que podrían ser semillas de nuevas ideas. Mientras, sigo construyendo sobre proyectos de continuidad como lo son Not So Far From Here y Missed Connections, guardando la esperanza de recopilar, en un futuro cercano, ambos trabajos en un un libro.

La fotografía es el balance perfecto entre el arte y la ciencia, la verdad y la decepción. Puedes contar la historia que tú quieras a través de la fotografía, teniendo en cuenta que una foto nunca miente.

When did you realize you should become an image hunter? I’ve been intrigued by odd and interesting compositional scenes that I’d pass on the side of the road since I first picked up a camera as a young teenager, but it wasn’t until working on my thesis in art school at age 32 that I developed a passion for actively hunting images. Which was your first machine? I inherited an old 35mm Rolieflex when I was 13 and have been shooting in some form or another ever since. Which is you favorite aspect of photography? Photography is the perfect balance between art and science, truth and deception. You can tell whatever story you want with photography, but a photograph never lies. I’m interested in exploration and the human condition; I find a camera is the best way to capture that spirit and all it has to offer. Digital or analog? I’m a traditionalist at heart. I grew up in a darkroom before the age of digital photography and camera phone’s becoming ubiquitous, so I prefer the smell of chemicals and the feel of a physical photograph. That said, due to the nature of my more recent work and the need to be quick and flexible depending on shooting scenarios, I have been shooting almost exclusively digital for the past five years or so. While I’ve enjoyed the ease of shooting digitally, I’m excited to find future projects that will allow me to revisit the comforts of a darkroom sometime soon.

Any Inspirational photographers? Too many to name! Robert Frank, Stephen Shore and William Eggleston are some of my favorites from previous generations, but I find the most inspiration from Alec Soth’s work. Not only are his photographs beautiful and poignant, but I love the way he works with the community and looks at photography in new and interesting ways. It doesn’t simply have to be a printed image on a gallery wall, you can also engage with an audience in more democratic and accessible ways while still making interesting work. Did you study photography? Is it important for developing a photography career? I received my Bachelor of Fine Arts degree in Photography from the University of Colorado Denver in 2013. It was an incredibly valuable experience and I was able to work with a number of extremely talented students and professors. While I do not believe that you have to reach a certain level of higher education to find success in the art world, I do believe that it makes certain aspects far easier to navigate. The actual education of photography is important and streamlined in a university setting, but that knowledge can be found in other ways. What I find to be the most valuable part of art school is the community and support you’re surrounded by. Being exposed to new and different ideas, getting the opportunity to meet people within your field and develop relationships I feel are the most important aspects of a traditional form of photographic education. What was your aim while taking pictures? Was it different than the current time aims? My main body of work, Not So Far From

Here, is a process-oriented project for me. I spend several days at a time driving through the United States on unplanned road trips. I’m focusing on the freedom of the open road, exploring large stretches of land that I’ve never laid eyes on before and putting an emphasis on journey over destination. Those goals really haven’t changed since I’ve been working on this project, if anything they’ve become more ingrained in my thinking while on the road.

the public discourse as though it’s fact and undeniable. The funny part is that religion in these areas seems to get mangled into a different form of Christianity that doesn’t believe in the acceptance of others, compassion or empathy. Maybe a more accurate statement would be that rural America is the perfect place to invent a new Jesus who supports the NRA and has white skin.

Has photography became an inner need to explore, not only the landscape, but yourself? Anything to do with Not so far from here? When I first started working on Not So Far From Here I dreaded being in the car for more than an hour or two, it made me anxious to get out and do something. But it didn’t take long to realize that traveling around with my camera was the perfect avenue to do just that, by exploring new areas and documenting the landscape the way I saw it. I could do it on my schedule, enjoy the journey and put myself into the work in a way that made it personal. I have certainly discovered things about myself and evolved in the process of exploring new areas of the country, it’s one of the reasons I continue to work on this project. Being in the car for long stretches of time, with no obligations other than photographing things that speak to me, is an incredibly cathartic and freeing experience.

I personally think “Missed Connections” it’s an over romantic series. My favorite. Tell us a bit more about its story. The Missed Connections page on Craigslist has always confounded me. Do people really meet this way? Do people really think they’re going to fall in love this way? The listings of people looking for love and companionship are so rich and visual that I had to find a way to put images to them and try to provide a fictional glimpse into these oddly hopeful pursuits. I played with the idea of staging scenes to match each listing, but they didn’t feel gritty enough to match the Craigslist vibe. The approach that ended up working the best was to go to the actual location of the specific missed connection and make a photograph illustrating the fleeting moment that this person felt a connection with a stranger passing through their life. I think it’s an interesting confluence of romanticism and technology in the modern world.

Is America the perfect place to find Jesus? Why that religious propaganda overdose? Judging by the amount of religious billboards and propaganda, I believe rural America might just be the perfect place to find Jesus. As a non-religious person, I’ve always been interested in the way religion is advertised and inserted into

What are your upcoming projects? I’m always on the look out for seeds of new project ideas, but in the meantime I continue to build upon and exhibit my Not So Far From Here and Missed Connections projects, with some hope of turning the former into a book sometime in the near future.

Photography is the perfect balance between art and science, truth and deception. You can tell whatever story you want with photography, but a photograph never lies.

T: EVA VILLAZALA

GABRIEL ENGELKE PATÍN Y FOTOGRAFÍA EN CLAVE NINJA La apariencia es el reflejo del alma. Y así es. A Gabriel Engelke te lo puedes imaginar deslizándose como un Ninja de balcón en balcón, con movimientos ágiles, milimétricos, los mismos que ejecuta cuando patina. O cuando dispara fotos, percatándose del mínimo detalle; una mota de polvo que puede convertirse en un mundo en su retina. Salió muy joven de su pequeño pueblo granjero en Suecia motivado por el amor, y el amor es lo que sigue guiando su destino. Sin duda son estas prioridades las que emergen de las muecas de sus retratados. Humanidad (que no humanista) en su máxima expresión, eso es Gabriel Engelke. Appearance is the reflection of the soul. And so it is. You can visualize Gabriel Engelke sliding like a Ninja from balcony to balcony, with agile and millimeter movements, the same ones he executes when he skates. Or when shooting photos, noticing even the smallest detail, just like that dot of dust that can become a world in your eye. He left very young from his small farmer village in Sweden motivated by love, and love is what continues to guide his destiny. Without any doubt, these priorities emerge from the faces of their portraits. Humanity (not humanistic) at its best: that’s what Gabriel Engelke is.

gabriel-engelke.squarespace.com

Skater y fotógrafo, ¿Qué fue primero? El skateboarding llegó primero, cuando tenía 15 años, pero la fotografía le siguió rápidamente, dos años después. ¿Cuándo empezó tu amor por la fotografía? Todo empezó con una Olympus Miu y mis primeros viajes con 18 años, cuando viajé a Málaga con mi novia después de estudiar en la escuela de arte de las afueras de Estocolmo. Tras tres meses de esa nueva aventura, dejé a mi novia porque me estaba engañando con un “amigo”. Con el corazón roto, alargué el viaje y empecé a hacer autoestop hacia Barcelona. Durante esos meses pasé mucho tiempo solo y me di cuenta de que la fotografía era una herramienta maravillosa para explicar mi historia lejos de mi familia y amigos. Tienes una clara preferencia por la fotografía de retrato, ¿no es así? ¿Qué es lo que más te atrae a la hora de disparar un retrato? Realizar un retrato no es siempre la cosa más fácil del mundo. Primero tienes que encontrar la luz y una localización que encaje con la “víctima”, luego debes lograr que se sienta a gusto y conectar lo suficiente como para preguntar a dicha persona si puedes hacerle un retrato. El siguiente reto es disparar justo en el momento en el que el sujeto expresa esa emoción que estás buscando, la experiencia me ha enseñado que dicha expresión puede cambiar en cuestión de segundos, por lo que es importante estar preparado en el preciso momento en que todos esos ingredientes se dan: eso es lo que convierte el hecho de retratar en algo divertido y desafiante. Un retrato puede dispararse de muchas formas, la que yo prefiero es usando la fotografía que nació hace 170 años, con un ajuste de luz clásico, un modelo posando y un encuadre que cree la sensación de algo atemporal, de esta forma la elección del modelo y su expresión será lo que determine la fotografía. Háblanos de tu proyecto Kitchen Faces, ¿cuánto hace que lo has comenzado y qué es lo que más te llena de él? Este proyecto lo empecé en invierno del 2016, justo tras acabar con la renovación de mi piso en Sant Antoni. Cambié la ubicación del baño y la cocina para obtener mejor luz cuando cocinas. A través de la ventana que encontré en la calle y que instalé junto al fregadero, la luz era excelente. Comencé este proyecto como un hobby haciendo un retrato de mi padre que había venido a ayudarme con la construcción de los muebles de la cocina. A partir de ese momento y hasta que surja un nuevo proyecto personal, seguiré fotografiando para ese blog. La mayoría de tus proyectos más ambiciosos o “sentimentales” los disparas con tu cámara de medio formato, ¿Qué tiene esa cámara que no tenga una digital? La Pentax 67 es, de lejos, mi cámara favorita, si no fuera por lo que pesa, dispararía siempre con ella. Cuando viajo disparo con una de carrete de 35 mm, una CANON AEOS3 que funciona con todas las lentes de Canon que uso para la Canon digital DSLR. La calidad de color del film da un cierto feeling a las fotos que no se puede comparar hoy en día con las fotos digitales, además siento que el espíritu de la fotografía se va con los pixels y eso me hace disfrutar mucho más usando fotografía analógica. Es simplemente un sentimiento y si la digital no me hace sentir bien, ¿por qué usarla? Has estado patinando durante mucho tiempo para Carhartt WIP, pero actualmente ¿has dejado de patinar para marcas, por qué? Dejar de patinar para sponsors es una idea que nunca

me pasó por la cabeza, amo las marcas para las que he patinado los últimos diez años. Pero realmente me centré en renovar yo solo el piso donde nació mi pequeña hija y disminuyó un poco el tiempo que le dediqué al patín, así que supongo que no grabé la suficiente cantidad de vídeos durante ese par de años para contentar a la industria del patín. Además de patinar, también meditas y haces yoga. ¿Conviven bien dichas disciplinas? El Yoga ha sido un hobby para mí durante más de diez años y la meditación me ha ayudado desde hace tres a mantener mi mente hiperactiva en su sitio. Ahora he encontrado finalmente un arte marcial indio llamado Kalaripayattu que está considerado el más antiguo del mundo. Tiene muchos movimientos que son iguales que los del yoga pero de una forma más poderosa, y eso era exactamente lo que echaba de menos del yoga. Yo veo a los skaters como guerreros en las calles y con el yoga consigo movimientos más ralentizados, así que ojo con mi nuevo Ninja kick flip. Tú lo sabes bien, muchos riders tienen claras aptitudes artísticas, ¿por qué crees que se da este fenómeno, que muchos/ as de los/las que patinan tienen esa clara inclinación por el arte de distintas formas: fotografía, pintura, vídeo etc.? Siento que tras una sesión de skate he liberado mi mente de emociones innecesarias, dejando espacio para la creatividad, creo que muchas actividades pueden conseguir eso mismo, pero ¿quizá el skateboarding lo haga de esta forma porque al ser tan duro y técnico desencadena algo más profundo en un artista? ¿Qué ha aportado a tu vida el mundo del patín? ¿Qué crees que te habrías perdido si no hubieras patinado? Sin el patín en mi vida probablemente seguiría viviendo en mi pequeño pueblo de 300 habitantes llamado Lekvattnet en Suecia, cultivando y cuidando el ganado, aunque si pienso en mis hermanos y hermanas que están repartidos por el mundo trabajando en cosas de lo más interesantes, creo que seguramente habría acabado encontrando un trabajo creativo en Suecia o Noruega. ¿Te ha cambiado mucho la vida en cuanto a ambiciones y proyectos el hecho de ser padre? El momento en que supe que estábamos embarazos me dirigía a Huanchaco, a las afueras de Trujillo, en Perú, para participar en un proyecto fotográfico voluntario para ayudar a los niños pobres de los suburbios a tener una vida mejor. Iba a trabajar como profesor de creatividad y supuestamente luego se generaría dinero con la venta de postales con las fotos de los niños. Pero no me tomó más que un momento cancelar todos esos planes para comprometerme de lleno con mi nuevo destino y puedo decir que después de eso, nada ha sido igual; ni mental ni físicamente. ¿En qué estás trabajando actualmente? He estado estresado últimamente porque no he trabajado desde enero, cuando la industria del skateboarding dejó de pagarme, pero definitivamente estoy intentando meterme en algo nuevo, la filmación de apartamentos y hacer algo en el mundo de la arquitectura es algo que me llama, cruzo los dedos para tener buena suerte este otoño. ¿Cuáles son tus objetivos de cara a un futuro próximo? Focalizarme 100% en poner en marcha mi trabajo, cuando lo haya conseguido volveré a mis proyectos personales de fotografía. ¿Qué significa para ti la palabra ESSENCE? AMOR.

Siento que tras una sesiรณn de skate he liberado mi mente de emociones innecesarias, dejando espacio para la creatividad.

Skater & photographer: what came first? Skateboarding came first when i was 15 but photography quickly followed, 2 years after. When did start your love for photography? It all started with an Olympus Miu and my first travels at the age of 18 when me and my girlfriend at that time left to Málaga after finishing studying at a stainer art school outside of Stockholm, 3 months inside the trip i left my girl because she was sheeting on me with a ” friend”. Heart broken I extended my trip and started to hitchhike up towards Barcelona. During these few months I spent a lot of time alone and started to value the fact that photography was a great tool to tell my story away from family and friends. You have a clear preference for portrait photography, don’t you? What attracts you the most when shooting a portrait? Shooting a portrait is not always the easiest thing. First you have to find the light and the location that fits the ”victim”and you also need to feel comfortable and confident enough to ask a person for a portrait, then after comes the challenge to pull the trigger at the moment the person express the emotion that you search for, so from my experience the face changes its expression in a millisecond and when shooting film its even more important to be on point at the right moment so all these ingredients is what makes shooting portraits so challenging and fun. A portrait can be shoot in so many ways, for me the way i want to shoot normally goes back to the way photography was born 170 years ago with classic light setting, staged model and a classic centered framing to create a feeling of something timeless, that way the choice of model and their expression will be what speaks in the photo. Tell us about your Kitchen Faces project, how long have you started it and what is it that fills you the most? Kitchen faces started winter 2016 shortly after i was done with the renovation of my flat in Sant Antoni. Back then i switched the bathroom and the kitchen placement to get better light when you cook. Through the window that i found in the streets and that i installed in front of the sink, the light was excellent. I started off this hobby project shooting a portrait of my dad that was visiting me to finish to build the kitchen furniture and from then on and until i move to the next living project i will keep on shooting portraits for this blog. Most of your most ambitious or “sentimental” projects are shot with your medium format camera. What does that camera have that does not have a digital camera? My Pentax 67 is by far my favorite camera to shoot with. if it wasn’t for the weight of that camera id always shoot with it. so when I’m traveling I’m shooting 35mm film with a canon eos 3 that can wear all the canon lenses i use for my digital canon dslr. The color quality that Film gives a certain feel to your photos cant be compared with todays digital photo files and i also feel that the spirit is gone with the pixels and thats what makes me enjoy much more to use analog photography. its just a feeling and if it doesn’t feel right why doing it? You’ve been skating for a long time for Carhartt WIP, but now you’ve stopped skating for brands, why? Stopping skating for sponsors would never cross my mind, i love the brands I’ve been

riding for the last 10 years. but the fact that i have been focused on renovating a flat all alone to get a roof over the head for my new born baby girl slowed my skateboard career down a little bit so i guess i didn’t put out enough footage during those couple of years to please the skateboard industry. Besides being at the top of the skate world, you also meditate and do yoga. Do these disciplines coexist in a good way? Yoga has been a hobby for more than 10 years now and meditation has helped me since 3 to keep my hyper active mind in its place. and now finally i found an Indian martial art thats called Kalaripayattu and It is considered to be the oldest martial arts still in existence, it has a lot of the same movements as yoga but its way more powerful, this is exactly what I’ve been missing with yoga. i see skateboarders like warriors in the streets and yoga made me to slow sometimes so watch out for my new ninja kick flips. You know it well, many riders have strong artistic skills, why do you think this phenomenon occurs, how many of those who skate have that clear inclination for art in different ways: photography, painting, video, etc.? I feel that after a skate session i have freed my mind from un necessary emotions that creates room for my creativity, i guess many activities can do the same for you but maybe bcs skating is so damn hard and technical in a mix with you emotions it triggers something deeper inside of an artist? What do you think you would have missed if you had never skated? Without the skateboard could have still been living in my little village with 300 habitants called Lekvattnet in Sweden, farming and taking care of the cattle, but when I’m thinking of all my sisters and brothers that are spread out all over the world working with all kind of interesting things i think i would have found a creative work in Sweden or Norway probably. Has your life changed since you became a father? In terms of ambitions and projects. In the moment when i got the news that we where pregnant i was fully on my way to Huanchaco outside of Trujillo in Peru to take part in a volunteer photo project helping poor suburb kids to make a better life, i was supposed to work as a teacher in creativity in photography that would later generate money from postcards with the children’s photos on. but it didn’t take me more than a moment to decide to cancel all these plans and fully commit to my new destiny and after that i can say that nothing was the same as before mentally and physically. What are you currently working on? I’ve been stressing with this subject this year bcd i haven’t been working since January when skateboarding stopped paying me, but I’m definitely trying to get into something new, shooting apartment and architecture is on my list, i cross my fingers for some good luck this autumn. Which are your goals for the near future? 100 % focus on getting that work situation going and when thats checked off the list i will get back in to my personal photo projects. What means for you the word ESSENCE? LOVE.

I feel that after a skate session I have freed my mind from unnecessary emotions that creates room for my creativity

COLOR BLOCKING PHOTOGRAPHY: EVA VILLAZALA PHOTOGRAPHY ASSISTANT: DAMIÀ FIGUERAS RETOUCH: DANIEL RODRIGUEZ FERIA STYLISM & ACTING: ANTONELLA SONZA MAKE UP & HAIR: MARTA VICENTE MODELS: ANASTASIA SOPOVA, KRISTINA MALEVYCH, GERARD ALBAJAR DE FROM FIFTH MODELS, RYM GALLARDO FROM UNIKO MODELS, REBECA BADIA FROM TREND MODEL MANAGEMENT Y DAMIÀ FIGUERAS. THANKS TO: MARIA COMA

KRISTINA WEARS UNIQLO JUMPER UNIQLO TROUSERS BERSKHA JACKET KOMONO SUNGLASSES

GERARDO WEARS REEF T-SHIRT VANS TROUSERS

REBECA WEARS BERSHKA JUMPER INDI & COLD TROUSERS HERSCHEL BEANIE RAY-BAN SUNGLASSES

ANASTASIA WEARS BERSKHA TOP BERSKHA SKIRT

RYM WEARS BERSKHA JUMSUITE REEBOK SNEAKERS

DAMIÃ&#x20AC; WEARS VANS JACKET HERSCHEL CAP

T + F: IBONE IZA Y LOURDES VERDUGO

A L E KNOST

U N T I P O S E N C I L LO Hay encuentros y encuentros, y el Vans Joel Tudor Duct Tape Invitational es de esos en los que sabes que el nivel de invitados que te vas a cruzar en la arena es muy alto. Este año se celebró en Zarautz y, como ya sabíamos, no nos defraudó en ningún momento. Disfrutamos, surfeamos, comimos, hablamos, reímos y bebimos a todo trapo. Nosotros y los invitados, como el siempre celebrado de ver Alex Knost. There are meetings and encounters, and the Vans Joel Tudor Duct Tape Invitational is one of those where you know that the level of the guests that you will cross in the arena will be high. This year it was held in Zarautz and, as we already knew, it didn’t disappoint us at any time. We enjoyed, surfed, ate, talked, laugh and drank at full speed. All the guests did it, as the always good to see Alex Knost.

¿Es tu primera vez en Zarautz? ¿Qué piensas de la ciudad? He estado en los alrededores, pero nunca había estado aquí y es fantástico, creo que es un lugar ideal para este tipo de eventos. No es tu primer Duct Tape Invitational. No, creo que las he hecho todas y cada una de ellas, unas quince. Has estado en el Festival de Salinas, ¿qué diferencia a Zarautz de otros eventos y competiciones? Es difícil de decir, no puedo encontrar una definición concreta, cambia en cada ubicación. No es tanto un concurso, es un invitational, lo que significa que ha sido comisionado en cierto grado desde el principio y todos parecen estar pasándolo bien. Has estado haciendo de shaper, ¿lo habías hecho antes? Sí, he estado haciendo shaping durante diez años, pero siempre es bueno coger un par de tablas y dejarlas en diferentes lugares. Esta es la tercera vez que lo hacemos y creo que es una buena donación. Fue interesante venir y ver lo que han hecho los otros. ¿Qué prefieres: shaping clásico o creativo? Lo que importa es lo que hagas con ello. Ambos están bien para mí, siempre y cuando se mantenga en su lugar como un impulso sincero.

¿Dónde está tu cabeza cuando estás sobre una ola? Supongo que solo en la ola, es reaccionario, no lo piensas. ¿Música u olas? Ambas, no puedo elegir una de ellas. ¿Qué haces cuando no estás surfeando o tocando música? Pintar, tomar fotografías, beber vino, hacer el amor ... No sé. ¿Dónde encuentras la inspiración? Hay inspiración constante, en el trabajo de otros, en aquello que no se ha hecho antes, en la oportunidad de participar en otras disciplinas. ¿Próximos proyectos? Acabo de grabar un disco, que saldrá en septiembre y voy a hacer algo de música para algún tipo de actuación en vivo para Acne Studios. ¿Cuál es tu spot favorito en verano? San Onofre y Malibú son dos de mis spots de verano, y también suelo ir a Baja México, muy cerca de California. ¿Tienes alguna recomendación allí? Solo conducir y seguir el curso. Únicamente hay una carretera, así que en todas partes es perfecto.

Is it your first time in Zarautz? What do you think about the city? I’ve been in the surrounding neighborhoods but never here and it’s terrific, it’s an ideal place for this sort of event I think. This invitational is not your first one. No, I think I’ve done every single one of them, like fifteen of them. You’ve been in Salinas Festival. What differentiates Zarautz from other events and competitions? It’s elusive, I can’t find a definition for it, it changes in every location. It’s not so much a contest, it’s an invite event, which means it’s curated at a certain degree from the start and everyone seems to be having a good time. How was the shaping? Did you shape before? Yeah, I’ve been shaping for like ten years, but it’s always nice to lay a couple of boards and leave them in different places. This is the third time we’ve done it and I think it’s a nice donation. It was interesting coming and seeing whatever anyone else did. What do you prefer: classic or creative shaping? It’s what you make out of it. Both are ok to me, as long as it stands on its place as a sincere impulse.

Where’s your head when you are in a wave? I guess just on the wave, it’s reactionary, you don’t think about it. Music or waves? Both, I can’t choose one of them. What are you doing when you’re not surfing or playing music? Painting, taking photographs, drinking wine, making love… I don’t know. Where do you find the inspiration? There’s constant inspiration, in the work of others, work that hasn’t been done before, on the opportunity to partake in others mediums. Next projects coming? I just recorded a record, that’s coming out in September and I’m going to do some music for some sort of live performance for Acne Studios. What is your favorite spot in summer? San Onofre and Malibu are two summer spots, and I use to go to Baja México, very close to California. Do you have any recommendations there? Just drive there and follow the course. It’s one road so everywhere is perfect.

T: EVA VILLAZALA

P H

E O

R N

I O

N A T U R A L E Z A

V I V A

Aunque nunca se parece a ninguna de las mujeres que dibuja, Perrine Honoré está en todas ellas. Y en los hombres. Su obra es un reflejo continuo de los cuatro elementos, de la esencia en movimiento, aunque ella no se da cuenta. Ella es pura, bella como un cuento acabado que crece cada día pasando de generación en generación. Y lo más bonito, es que ella, de nuevo, no se da cuenta. Su cara irradia la espontaneidad de la niña que afronta los nuevos retos con una ilusión primera y del mismo modo hacen mella en su interior las decepciones. Por eso la hemos elegido, porque nadie mejor que ella para dibujar la esencia, la que impregna la naturaleza, la que nos marca a los humanos y la que no podemos dejar de lado nunca, porque es nuestro comienzo y la base que nos sustenta. Although she doesn’t resemble the women she draws, Perrine Honoré is in all of them. And the men. Her work is a continuing reflection of the four elements, movement essence, although she does not realize. She is pure, beautiful as a finished tale which grows each day passing down from generation to generation. And the most wonderful aspect of all this is that she, again, doesn’t realize. Her face radiates spontaneity of a girl who faces new challenges with enthusiasm of the first-time experience, and likewise, disappointments marks her inner-self. This is why we chose her, because there is nobody better than her to draw the essence, which permeates nature, marks humans and can be never forgotten, because it is our beginning and the base that sustains us.

perrinehonore.com

CREO QUE LA ADULTA QUE HOY SOY, NO ES MUY DIFERENTE DE LA NIÑA QUE ERA

¿Cuándo y por qué empezaste a dibujar? Como todos los niños (o casi todos) solía dibujar y podía hacerlo durante horas. Nunca dejé de dibujar. Era una niña bastante introvertida y supongo que en el terreno del dibujo me expresaba más cómodamente. Siempre he tenido mucha imaginación y me he inventado personajes e historias; refugiándome así en mi propio mundo. Creo que la adulta que hoy soy, no es muy diferente de la niña que era. Tienes un estilo cromático muy marcado, con una clara tendencia por una paleta de colores básica, ¿tienes algunos referentes que te hayan empujado a elegir esa paleta en específico? El color es el aspecto más importante en mis ilustraciones. Busco siempre crear un equilibrio y una armonía entre ellos. Las paletas que uso son en la mayoría de ocasiones, colores muy vivos y alegres que van evolucionando y cambiando dependiendo del lugar en el que esté y mi estado anímico; las estaciones del año y sus tonalidades, las tendencias del momento, mi propio humor y estado interior, todo ello es determinante en el momento de elegir mi paleta. La paleta de colores es otro medio clave para transmitir y comunicarme. Tienes una energía inagotable, no paras de trabajar en diferentes proyectos continuamente, ¿crees que no rendirse nunca y trabajar de forma incansable son las claves para crecer como artista? No sé si puedo decir que son las claves. Me imagino que cada artista tendrá su propio proceso. Lo que sí es un hecho, es que para mí es inevitable moverme. El acto creativo del hacer incluye conocer personas, buscar referentes, dejarme inspirar, todo ese movimiento me carga de energía y me llena de impulso creativo. ¡Son tantas las cosas que quiero hacer! Soy una apasionada y esto también es una fuente de energía para desarrollar cada vez más proyectos, reinventándome en el proceso, siempre variando. ¿Cuándo llegaste a Barcelona y por qué decidiste quedarte? Llegué hace un par de años con la intención de realizar un máster en la escuela de diseño e ingeniería Elisava. Creo que lo que más me ha seducido y estimulado de Barcelona es su ambiente relajado y dinámico a la vez. ¿Qué te aporta la ciudad como inspiración a tu arte? Creo que para crear y tener inspiración primero necesito estar y sentirme bien. En esta ciudad me siento a gusto. Desde que llegué, Barcelona me ha dado y me sigue dando muchas oportunidades para desarrollarme como ilustradora, artista y diseñadora. ¿Qué es lo que más estás disfrutando de tu evolución como artista y lo que te resulta más difícil? Lo que más disfruto es explorar y experimentar mi estilo a través de distintos medios y proyectos, eso y darme cuenta de que en realidad tengo un campo

de juego muy amplio, ¡y de que las posibilidades son múltiples! Lo que me resulta más complicado es gestionar la parte más comercial, no tengo una mente de lógica capitalista, y a veces me cuesta gestionar este tema, pero como todo, poco a poco voy aprendiendo. Durante el mes de julio has tenido una exposición en la Galería Miscelánea llamada Intimidad Simbiótica, háblanos de ella, ¿en qué se basa? Intimidad Simbiótica nació del deseo de compartir mis preocupaciones con el público y abrir campos de reflexión a través de mi trabajo artístico. La exposición te permite transitar por temas que personalmente me tomo muy en serio, como el medio ambiente, el género, la sexualidad, la espiritualidad, el amor propio, la tolerancia, etc. Como primera exposición ha sido también una experiencia muy personal. ¿Estás explorando la fina línea que separa la feminidad de la masculinidad, es una forma de volver a la esencia humana? Sí, creo que es importante cuestionarse el significado de ser hombre, ser mujer, o simplemente “ser”. Una de las pinturas de la expo representa a un ser híbrido, algo que oscila entre mujer, hombre y animal. La idea aquí era poner en cuestión el rol o la imagen que asociamos al género y dar un espacio de libertad al espectador para “ser”, tal y como somos, y no parecer. En septiembre estarás participando en una sesión exploratoria de tu pensamiento plasmado en tu obra, en el proyecto Contrallum ¿te gusta construir diálogos con otras personas que como tú, también reflexionan sobre el cuerpo? Sí, a finales de septiembre se hará una sesión dinámica sobre el cuerpo en el espacio ContraLlum de Poblenou; un espacio pensado para la reflexión y el conocimiento. La intención es que podamos interactuar 20 personas, todas ellas procedentes de campos muy diversos, sobre la relación que tenemos con nuestros cuerpos, y ver hasta donde hemos estado condicionados a amarnos o no. Es un proyecto que estamos preparando con mucho cariño y tengo mucha curiosidad de ver qué sale de ahí. Eres la brillante ilustradora de un cuento escrito por mí llamado La Niña Sin Corazón que esperemos que vea pronto la luz, ¿qué te ha parecido la experiencia de ilustrar una historia infantil? Lo de ilustrar un cuento era un proyecto que deseaba hacer desde hacía mucho tiempo. Cuando me escribiste para proponerme esta colaboración, ¡me hizo una gran ilusión! He disfrutado mucho dándole color a este texto tan bonito y vida a la pequeña Catalina. ¡Tengo muchas ganas de ver el libro ya publicado! Tu obra nos traslada a la esencia de la naturaleza, las relaciones humanas y al momento infantil del juego, ¿cuáles crees que son tus bases a la hora de crear, qué es lo que más te ins-

pira? A la hora de crear, lo primero de todo, es pasármelo bien y disfrutar, tratando siempre de crear visuales que encajen con mis propios valores. Creo que casi todo puede ser una fuente de inspiración, dependiendo del tipo de mirada con la que estás viendo o viviendo. Me gusta ver lo que se hace actualmente en artes visuales, música, danza, pero también me inspiro con las cosas que vivo en la cotidianidad de mi día a día. ¿Hablas con tu obra? ¿Te dice ella cuándo está acabada y cuándo puedes sentirte orgullosa? Mi proceso es bastante espontáneo e instintivo. La obra está acabada cuando me siento satisfecha con lo que veo. Soy muy crítica con mi propio trabajo y no es común que me sienta orgullosa, por lo tanto, me ayuda tener retroalimentación de la gente. Me imagino que el diálogo que se genera entre la obra y yo misma depende del cariño que le esté dedicando. Cuanto más tranquila y segura estoy, más fluye la energía de creación y es eso es un verdadero placer. ¿Cuáles son tus próximos proyectos para este año? Desde hace un año estoy haciendo murales a gran escala; un formato que dis-

fruto mucho. Tiene una dimensión social importante y me gusta mucho la idea del arte en las calles. En octubre estaré pintando las paredes de La modelo (C. Provenca) en el Festival Ús Barcelona y tengo la intención de seguir pintando y explorando el formato mural. Por otro lado, dentro de poco saldrá la colección de joyas que he dibujado en colaboración con la marca Materia Rica, se hará una inauguración en su nuevo local en Gracia. ¡También sigo con mis proyectos de freelance! ¿Tienes algún sueño relacionado con tu carrera profesional artística, algo que te gustaría ejecutar y que sería como ver un sueño hecho realidad? Mi sueño sería crear una marca de ropa y accesorios. Siempre he estado bastante obsesionada con los estampados (de hecho, muchas de mis propias prendas de ropa, las dibujo y estampo yo misma) y tengo una pequeña base en estilismo (estudié un año de diseño de moda en Suecia). ¿Qué significa para ti ESSENCE? Para mí ESSENCE sería lo que está desprovisto de artificio, lo que es puro, profundo, auténtico e intocable.

I BELIEVE THE ADULT I AM TODAY IS NOT SO DIFFERENT FROM THE KID I WAS

When and why did you start painting? As every children (or almost all of them), I used to draw and I could do it for hours. I never stopped drawing. Being an introverted girl, I suppose I could express myself with ease in the drawing realm. I always had much imagination and I have made up characters and stories; taking refuge in my own world. I believe the adult I am today is not so different from the kid I was. You have a very bold chromatic style, with a clear tendency to use one basic colours palette. Do you have any references that have driven you to choose this palette in particular? Colour is the most important aspect in my illustrations. I always seek creating balance and harmony between them. The palettes I use are often vivid colours which evolve and change depending on the place I am and my state of mind; seasons of the year and their tones, current trends, my mood and inner state, all of this are the determining factors by the time of deciding my palette. The palette is another key medium that allows me to transmit and communicate. You have an unyielding energy, working constantly on several projects. Do you think that not giving up and working tirelessly are the key to grow up as an artist? I am not sure to admit it. I imagine that each artist has their own process. What it’s a fact is that for me, it is impossible to stop. The creative act of doing includes meeting people, seeking references, getting inspired, all that movement makes me feel revitalized and fills me with creative impulse. There is so much I want to do! Since I am also passionate, it is also a source of energy to develop projects, reinventing myself in the process, always varying. When did you arrive in Barcelona, and why did you decide to stay? I arrived a couple of years ago with the intention of studying a master in the design and engineering school Elisava. I think what encouraged and seduced me the most is Barcelona’s calm atmosphere and dynamic at the same time. What does the city provide as inspiration for your art? I believe that creating and having inspiration, I need first to feel well. In this city I feel good. Since I arrived, Barcelona has given me and still provides many chances to develop as an illustrator, artist and designer. What are you enjoying the most in your evolution as an artist and what is more difficult? What I enjoy the most is exploring and experimenting my style through several mediums and projects, that and realizing that actually, I have a wide playing field, and there are multiple possibilities! What I find harder is to manage the commercial part, I don’t have a capitalist logic mind, but as everything, I am learning little by little.

During July, you had an exhibition in la Galería Miscelánea, named Intimidad Simbiótica. Tell us more about it, on what is it based? Intimidad Simbiótica emerged from the wish of sharing my worries with the public and bringing up areas requiring reflection through my artistic work. The exhibition allows viewers to approach to topics which I personally take extremely seriously, like environment, genre, sexuality, spirituality, love for oneself, tolerance, etc. Being my first exhibition, it had been a very personal experience. Are you exploring the thin line that splits up femininity from masculinity as a way to recall human essence? Yes, I believe it is essential to question the meaning of human being, being women or simply “being”. One of the paintings represents a hybrid being, something that ranges between a woman, a man and an animal. The idea here is to call into question the role or image we associate to genre and give a freedom space to the spectator in order to “be” as we are and not to appear. In September, you’ll take part on an exploratory session of your thoughts reflected on your body of work in Contrallum project. Do you like to build dialogues with other people who also reflect about the body as you? Yes, on September, 8th dynamic session about the body will take place in ContraLlum space, in Poblenou; a space thought for reflection and knowledge. The aim is to interact with 20 people coming from diverse fields, about the relationship that we have with our body and see how much further we have become conditioned to love ourselves or not. It is a project we are working on with much love and I am very curious to see the final outcome. You are the shiny illustrator of a book written by me named La Niña Sin Corazón (The Heartless Girl) we hope it is released very soon, what do you think about the experience of illustrating a children’s tale? Illustrating a book was a project that I really wanted to make since long ago. I was thrilled when you proposed me this collaboration. I have enjoyed a lot brightening up little Catalina. I am willing to see the book released! Your work takes us to nature essence, human relationships and infantile moment of games, what do you think have been your bases when it’s time to create. What does inspire you most? When the time comes to creating, first of all is having fun and enjoying, attempting to create visuals that match my own values always. I think almost everything may serve as an inspiration source, depending on the type of gaze one is living. I like to see what it is currently being done in visual arts, music, dance, but I am also inspired on what I live in my everyday life. Do you speak to your work? Does it tell you when it is finished and when can you feel proud? My process is quite spontane-

ous e instinctive. This work is done when I feelSATISFECHA with what I see. I am very critical with my own work and I donâ&#x20AC;&#x2122;t usually feel proud, therefore, it helps me having feedback from people. I imagine dialogue is created between the work and myself depending on the love I dedicate to it. The more calm and sure I am, the more energy of creations flows and this is a real pleasure. Which are your following projects for this year? Since one year ago, I am doing large scale murals; I truly enjoy this kind of format. It has a very important social dimension and I really like the idea of art on the streets. In October, Iâ&#x20AC;&#x2122;ll be painting the walls of La modelo (C. Provenca) in Festival Us Barcelona and I have the intention of keep on painting and exploring the mural format. Besides, the jewellery collection I have drawn in collaboration with

the brand Materia Rica will be released soon. There will be an opening in its new premises. I also keep on my freelance projects! Do you have any dreams related to your professional and artistic career? Is there something that you would like to do, and what would be to see a dream come true? My dream would be to create a clothing and accessories brand. I have always been obsessed with patterns (in fact, most of my clothes are drawn and stamped by my own) and I have a small knowledge base on styling (I studied one year and a half Fashion Design in Sweden). What does it mean ESSENCE to you? To me, ESSENCE would be what it is lacking of artifices, what it is pure, authentic and untouchable.

Día 18 de noviembre de 1993. Kurt Cobain y el resto de su banda, Nirvana, acaba la grabación de su MTV Unplugged con una vibrante versión en acústico de su Where Did You Sleep Last Night, una de esas canciones que le escribió a Courtney Love en pleno ataque de celos. Al acabar, la cadena les pidió volver al escenario a tocar un bis, pero se negaron: era imposible superar ese final, una imagen que pasaría a la historia y ese género recién bautizado, llamado grunge. En otros géneros, Tupac estaba presentando su candidatura a dominar el mundo del rap representando a la West Coast, en contra de los deseos de Notorious BIG. El BritPop era la tendencia, con los Gallagher peleándose entre ellos, pero también con Damon Albarn y los suyos, mandándose dardos envenenados en canciones y en entrevistas. Y de repente, las boy y girl bands ponían el pop en una órbita masiva y las portadas de las revistas se llenaban de rostros de ídolos adolescentes. Clueless o Trainspotting eran auténticas revoluciones en la gran pantalla, y Winona Ryder era la musa por excelencia. Los 90s han sido una década de creación, de descubrimiento constante, y aunque todo esto era lo que reinaba en el mainstream, había más, mucho más. La contra cultura estaba más viva que nunca, y unas cuantas personalidades transgresoras cogieron lo preestablecido, y lo pusieron patas arriba. Movimientos como las radios piratas, la cultura raver, o la escena Garage son solo unos pocos exponentes de lo que latía en el underground. Grandes cosas se podían hacer con poco, y las grandes masas se podían agitar desde tu propia habitación, o tu sótano. ¿Qué las radios normales no ponen el sonido que te gusta? Crea la tuya propia. Preguntas como ésta fueron el principio. Ellos fueron a contracorriente y crearon algo grande con sus propias manos. Por eso, es el momento. Reebok Classic vuelve a recuperar ese ánimo pionero a través de la reedición de una de sus siluetas más destacadas de la historia del street wear, la Reebok Classic Rapide, una zapa creada para los que quieran marcar la diferencia, hoy, ahora. La Rapide es un clásico moderno que vuelve para adaptarse a los pasos del presente, a través de una silueta made in 90s: suelas anchas de goma blanca, estética runner y el famoso logo del Vector en los paneles laterales, en color que contrasta con el fondo. Un diseño original de la década que es un exponente de que vuelve con fuerza en todos los campos de la cultura, no solamente la moda. De hecho, toda la campaña de la marca de esta temporada está basada en esto: el espíritu creativo de aquellos que se atrevieron a hacer algo diferente y que hoy en día vuelve a estar vivo a través de una serie de creadores que se atreven a hacerlo resurgir, otra vez, desde el underground. Gente como la fotógrafa Vicky Grout, que se ha adentrado con su objetivo en la cultura del Grime, un género dentro de la música electrónica que vibra en el Londres profundo, o Dj Oneman y Ryan Hawaii, dos músicos que crean desde su humilde estudio. Porque los 90s ya son historia, y mirarlos con nostalgia no es una opción: hay que volver a hacerlo nosotros mismos.

FOOTWEAR, STYLE | 90S, CULTURA, MODA, RAPIDE

VUELVE EL ESPÍRITU TRANSGRESOR DE LOS 90S CON

LAS REEBOK CLASSIC RAPIDE November, the 18th, 1993. Kurt Cobain and the rest of his band, Nirvana, finished up the recording of his MTV Unplugged with his vibrant acoustic version in their Where Did You Sleep Last Night, one of these songs written to Courtney Love in the middle of a jealousy attack. In the end, the network asked them to come back to the stage to play an encore, but they rejected it: it was impossible to overcome that end, an image that will go down in history and that newly baptised sound, named grunge. In other genres, Tupac was presenting his candidacy to take over the rap world representing the West Coast, against Notorious BIG’s wishes. The BritPop was the trend, with the Gallagher fighting among themselves, but also with Damon Albarn and his crew, throwing poisoned darts in the form of songs and interviews. Suddenly, the boy and girl bands turned pop in a massive orbit and the newspapers covers were full of faces of teenager idols. Clueless or Trainspotting were authentic revolutions on the large screen, and Winona Ryder was the muse par excellence. The 90’s have been a decade of creation, constant discovery. Although, all this was what reigned in the mainstream, there was more, much more. The counter culture was alive, more than ever, and some transgressor personalities took the default and turned it upside down. Movements like pirate radio stations, raver culture of Garage scene are only a few exponents of the heartbeat of the underground. Big moves could be done with little. And the big masses could dance from their rooms or basements. Do the radio stations never play what you like? Create your own. At the beginning, these kind of radio stations went against the flow and created something great with their own hands. That’s why, this is the moment. Reebok Classic recovers that pioneering spirit through the reedition of one of its more striking silhouettes in the street wear history, the Reebok Classic Rapide, a sneaker made for those who want to make the difference, today, now. The Rapide is a classic and modern that comes back to adapt to the next steps of the present, through a silhouette made in the 90s: wide soles made of white rubber, runner aesthetics and the famous Vector logo at the side panels in a colour that contrasts with the background. AN original 90’s design, a clear aesthetics exponent of this decade that is now back in full force towards every cultural fields, not only fashion. In fact, the whole brand’s new season campaign is based on this: the creative spirit of those who dare to make a difference and, nowadays, it is back to life through a series of creators who dare to revive it, again, from the underground. People like the photographer Vicky Grout, who ventured into Grime culture with her lens, a genre among electronic music that vibrates in the depths of London, or Dj Oneman and Ryan Hawaii, two musicians who create from their humble studio. Since the 90’s are already history and looking back at them with nostalgia is not an option: they should be brought back again by us.

T: ANTONELLA SONZA

Dilayla Romeo Root-In, volviendo

a las raíces

Somos la suma de nuestras experiencias, de quién nos ha criado, de los lugares que hemos visitado. Pero también de aquellos sitios que nos quedan por descubrir y que viven latentes, dentro de nosotros. Para la fotógrafa Dilayla Romeo, Mozambique es la más pura esencia. Tiene raíces en esta región del sureste de África, un lugar que, por el contrario, no la ha visto crecer. Cuando la mitad de ti está lejos, en otro lado, tienes que recorrer cielo y tierra para reconectar y volver a estar entero. Eso es lo que hizo ella cuando decidió irse de voluntaria al país para implicarse en la labor humanitaria de la Fundación Khanimambo, que da la oportunidad a los niños de la zona a tener un futuro mejor gracias a tres ejes de acción: educación, nutrición y salud. Y ahí empezó todo: de toda esta experiencia iba a nacer Root-In, su primer foto libro que narra su experiencia desde una perspectiva documental, pero también estética, creando un nuevo acercamiento a este tema más allá de cualquier estereotipo. Dicen que la belleza está en los ojos de quién mira, pero para ella, está intrínsecamente ligado a la emoción. Y en Mozambique, se ha visto completa. Hay lugares que pueden guardar secretos de nosotros mismos que sin pisarlos no seremos capaces de descifrar nunca. We are the sum of our experiences, those who have raised us, the places we have been, but also of those places that remains to be discovered and are latently alive in us. The photographer Dilayla Romeo finds Mozambique as the purest essence. Her roots lie in this southwestern African region, a place that has not seen her growing, though. When the half of oneself is somewhere far away, travelling through sky and earth seems to be the only way to reconnect and feel fulfilled again. That is what she did when she took the decision of becoming voluntary, joining the humanitarian labour of Khanimambo Foundation that offers the chance of having a better future to the children in the area of Mozambique through three main lines of action: education, nutrition and health. There everything began: Root-In, her first photobook in which she narrates her experience from a documentary perspective, but also aesthetic, developing a new approach to this issue beyond any stereotypes. It is said that beauty is in the eye of the beholder, but to her, it is inextricably linked to emotions. She has felt fulfilled in Mozambique. There are some places that keep secrets of ourselves that we could only discover if we would step on them.

dilaylaromeo.com

Tu proyecto está centrado en la labor humanitaria de la Fundación Khanimambo en Mozambique. Destacamos la palabra humanitaria: ¿qué es lo más importante que, en tu opinión, hacen estos trabajadores? Es difícil reducir a un solo tema en concreto la gran labor que concretamente Fundación Khanimambo hace en su Centro Munti en Mozambique. Bajo mi punto de vista, todo acto humanitario suma. Lo que sería un detalle sin importancia en “nuestro mundo”, allí es un paso gigante en la vida de los niños. Ellos son vulnerables a todo lo que les rodea: sus familias, su entorno, la vida en su día a día etc.. Estos niños proceden de comunidades donde la mayoría de las personas sufren de problemas básicos muy graves, muchos de ellos vienen de familias desestructuradas y tienen grandes carencias en su parte más afectiva. La energía de un simple abrazo puede ser lo mejor que les pase en años. Los trabajadores del Centro Munti son su familia, sus amigos, su sustento y su alimento. Muchos de los educadores del centro han crecido allí, en la misma situación o peor que la de los niños con los que conviven. Pienso que esto es un aspecto muy importante para el empoderamiento de los mismos, ya que les sirve como referente e inspiración en su futuro, pueden ver en ellos la luz y la esperanza que necesitan para confiar en que la vida puede ofrecerles la oportunidad de un futuro digno y esto me resulta fascinante.

La estética es uno de los pilares de esta serie, lo que la diferencia dentro de lo que se ha hecho ahora en esta temática. ¿Con esto quieres acabar con estereotipos? Sí así es. Personalmente pienso que a la fotografía que documenta los proyectos humanitarios le falta algo. Muchas de las imágenes que nos llegan ya no nos llevan a la reflexión y ahí es donde creo que falla la cosa. El mensaje visual pude ¿Cuándo decidiste hacerte voluntaria ser tratado de muchas formas y la manera y vivir la experiencia desde dentro? en la que llega al espectador es muy ¿Cómo esto acabó convirtiéndose en un Para mí la fotografía importante. No quiero con ello transfoto libro, antes o después del viaje? Mi formar el concepto de lo que se quiere decisión fue casi de un día para el otro, aunes una magnífica transmitir, obviamente las instituciones que supongo que el vivir una experiencia herramienta en la que me necesitan que las imágenes se ajusten y así la llevaba integrada desde hacía tiempo. Existía un reto importante a nivel personal apoyo para expresar lo que transmitan la realidad que las personas más necesitadas sufren en los países en en base al significado de ayuda humanitaria. soy a partir de lo que veo y desarrollo y cierto es, que como fotógraÚltimamente se cuestiona si la labor de cierfos, existe la responsabilidad a la hora de tas instituciones en este campo es correcta con lo que me identifico contar nuestras propias historias, siendo y quise verlo con mis propios ojos antes de honestos con nosotros mismos y con lo anticiparme a juzgar y desde luego concretaque nos rodea. En mi caso veo belleza mente en este lugar hacen un trabajo excepestética en cada experiencia, en cada cional. También, por un lado necesitaba conocer por mí misma más a fondo la cultura de Mozambique, un lugar que visito y en cada objeto que admiro en mi vida, aunque país que me pertenece por mis orígenes pero el cual no me ha visto en ocasiones las circunstancias no sean las mejores. Diversificar la crecer. Por otro lado, sentía la necesitad de estar rodeada de niños, imagen estereotipada que tenemos sobre las personas más desfaellos nos recuerdan las cosas fundamentales de la vida, nos conec- vorecidas y tratar de crear un vínculo entre la narrativa artística, tan con nosotros mismos para recordarnos de donde venimos. Y la cooperación y la ayuda al desarrollo bajo una mirada fresca y por último, a nivel creativo como fotógrafa, sentí la necesitad de renovada para mí sería una meta. Documentar artísticamente con transformar mi experiencia en imágenes y darles forma a través responsabilidad sí, así lo definiría. de todas las emociones que estaba sintiendo conforme a todo lo que veía. Tuve claro desde el principio y antes del viaje que las ¿Crees que los fotógrafos deberían ser más responsables imágenes formarían parte de un foto libro. Supongo que la idea de socialmente, convirtiéndose en altavoz de realidades que poder sentir y conectar con el papel en esta era digital nos evoca a necesitan ser vistas, ya sea por denuncia, o simplemente por imprimir cada vez más. Pienso que el foto libro para el fotógrafo calidad humana? Por supuesto y mi respuesta va en relación a la es la “excusa” perfecta para materializar sus proyectos y que no pregunta anterior, es totalmente nuestra responsabilidad a la hora de visibilizar. En ocasiones, después de crear este proyecto se me acaben en archivos olvidados en el ordenador. generaban dudas sobre lo que debía mostrar o no y de qué forma hacerlo, pero pienso que es algo natural, la duda va unida a todo proyecto creativo, lo fundamental es la honestidad, como comentaba antes. Pienso que cada uno en la vida y en nuestra profesión adquirimos un rol, un propósito personal. Personalmente yo con el tiempo he ido descubriendo el mío. La estética de los momentos, las personas y las cosas no me pasan desapercibidas y esto crea en mí la necesidad de contarlo, de compartirlo.

Para ti, ¿qué es la fotografía? ¿cómo la concibes? Para mí la fotografía es una magnífica herramienta en la que me apoyo para expresar lo que soy a partir de lo que veo y con lo que me identifico. Es una forma de poner palabras a lo que creo que no las tiene, nunca fui muy charlatana y descubrir que me podía comunicar sin conceptos inventados y solo a través de imágenes me parecía increíble. No soy una fotógrafa que necesite fotografiar todo el tiempo, aunque sí he de decir que en ocasiones siento que no lo hago lo suficiente y este tipo de inactividad fotográfica puede ser que me cierre algunas puertas, pero al mismo existe algo dentro de mí que es muy selectivo en ello. El discurso fotográfico que tengo en mi interior es primero una relación emocional y después profesional. En una faceta más personal, ¿qué ha implicado para ti volver a un lugar que forma parte de tus orígenes y de tu esencia para llevar a cabo un proyecto fotográfico que marca tu presente profesional? ¿Qué has descubierto de ti misma durante este viaje interior? Qué gran pregunta. He descubierto muchísimo, podría decirse que la mitad de mí, literal. Me he reconectado con la vida, con los valores esenciales y los principios Los niños son grandes protagonistas de tu serie fotográfica básicos, con la simplicidad de los momentos y he encontrado el y la Fundación trabaja para que puedan tener un futuro y lugar dentro de mí donde respiro paz. Me he dado cuenta de que cumplir sus sueños. ¿Cuál es la historia personal que más te en cierta forma, mi esencia es mucho más simple de lo que aquí ha marcado o impactado? La realidad es que todos los niños llevan a sus espaldas historias verdaderaen Europa mi mundo me hace creer, que mente fuertes. Hubo dos casos en partilo que verdaderamente me importa es muy cular que me marcaron, sobre todo por la difícil de encontrar en una sociedad que energía que transmitían esas personitas. camina a un ritmo tan intenso como el En Mozambique me Una de las niñas enferma de VIH rozando de aquí y que estoy dispuesta a sustituir comodidad por autenticidad. Es curioso, he reconectado con la vida, los cuatro añitos y una sonrisa que corta el hipo. Cada mañana antes de sentarse a nunca imaginé que a través de este viaje con los valores esenciales comer su desayuno pasaba por la enferdecidiría mi futuro a corto plazo y desde mería para tomarse sus pastillas diarias luego que la tranquilidad de saber que es y los principios básicos, que ella misma traía en un plástico, como lo que realmente quiero (hoy) salga bien o con la simplicidad de los el niño europeo que lleva sus galletas del no tan bien, es una maravilla. Me encanalmuerzo. Ella, flaquita como un alfiler y taría seguir teniendo la oportunidad de momentos y he encontrado cariñosa y absorbente como una esponja. contar historias a través de mi realidad. el lugar dentro de mí donde Su energía subía y bajaba según su estado. Muchos días no venía al centro porque Mozambique, al ser un lugar tan famirespiro paz sus fuerzas no le dejaban levantarse de su liar para ti, ¿se ve diferente a través cama y en cambio había otros días que se del objetivo de tu cámara? Me pasa algo ponía el mundo por montera y era impacurioso y creo que algunos fotógrafos rable, lo más adorable que nunca vi. Los también lo sienten así. El hecho de que un lugar sea familiar a mis ojos provoca que me cueste disparar. abrazos la mantenían a flote cuando su cuerpo se derretía. Era Mozambique tiene para mi la familiaridad pero al mismo tiempo abrazable hasta la infinidad. La otra niña un poco mayor que la la sorpresa, no he pasado el suficiente tiempo en el país como anterior, había pasado también sus primeros años de vida muy para que deje de ser para mí en ciertos momentos un descono- enferma y parece que poco a poco se iba recuperando pero sus cido, esto es inspirador. La respuesta a si se ve diferente a través oídos supuraban dolor. Vivía con su abuela, su madre solía abande mi objetivo sería, para mí, no. Cuando trabajo en las imágenes donar el hogar y a veces reaparecía, su padre nunca estuvo ahí. que he tomado allí y las observo tiempo después sigo teniendo el Ella era una observadora nata e inexpresiva aunque su mirada no. mismo sentimiento que cuando tomé la fotografía, la emoción del Vivía su vida en la distancia, en silencio. Pero una vez que te acercabas a ella tomaba su tiempo deseosa de poder confiar, porque momento se mantiene, afortunadamente. su supuesta frialdad es su escudo para no dañarla, ella lo sabe. Un día de repente se dejó querer y conectamos mucho y me acerqué a ella, queriéndola más de lo que yo misma me permitía, porque no soportaba la idea de darle algo que un día le iba a quitar, como su madre que viene y va, le quita y le da. ¿Cuáles son tus próximos proyectos? Me esperan diferentes proyectos y propuestas en Mozambique, viajaré a final de año para terminar de darle forma a todo y por supuesto tratar de hacerlos realidad. No puedo estar más impaciente.

Your project is focused on the humanitarian labour of Khanimambo foundation in Mozambique. The word humanitarian needs to be highlighted: In your view, what is the most important task these workers do? It is hard to sum up in one specific theme their dedicated work that Khanimambo Foundation do in their Munti Center in Mozambique. In my view, every humanitarian act counts. What would be an unimportant detail in “our world”, it means an unimportant big step in children’s life. They are vulnerable to their surroundings: their families, their environment, day to day life, etc. These children come from communities in which most of the people suffer from basic, but very serious problems. Most of them come from dysfunctional families and are in extreme deprivation in respect of affective aspects. The energy of a simple hug may be the best that these children could experience in years. Centro Monti workers are their family, friends, support and nourishment. Most of the centre educators have grown up there, in the same or worse situation than the children with whom they live together. I believe that this is a very important aspect of children’s empowerment, since they serve as a benchmark and inspiration in their future. They can see the light and hope the children need to trust on the fact that life can bring them the chance of a decent future and I find this fascinating.

The aesthetics is one of this series pillar, what differentiates it from what has been doing now within this topic. Do you want to end with stereotypes? Yes. Personally, I think that documentary photography of humanitarian projects lacks of something. Most of the images that we receive do not take us to reflection and it is there where it fails. The visual message could be treated W hen did you decide to become a in many ways and the way in which it volunteer and live the experience from reaches the viewers is very important. I inside? How did this end up becoming a do not want to transform the concept of photo book, before or after the trip? My Photography is an what it is aimed to transmit, institutions decision was made almost from day to day, extraordinary tool through need images to be adjusted to transmit although I guess living such an experience the reality that the most deprived people was on me from long ago. There was an which I express what I am suffer in the developing countries. It is important challenge at a personal level on the basis of what humanitarian help means. according to what I see and true that, as photographers, there is the responsibility when it comes to telling Lately, it is questioned if certain institutions feel identified with our own stories, being honest with ourlabour within this field is accurate and I selves and our surroundings. In my case, wanted to see it with my own eyes before I see beautiful aesthetics in every experianticipating and judging, and they do an ence, place I visit and object I admire, outstanding work. Moreover, on one side, I although, circumstances are not the best needed to know by myself Mozambique culture deeply, a country that belongs to me because of my origins, sometimes. Diversifying the stereotyped image we have about the but it has not seen me growing up. On the other hand, I felt the most deprived people and trying to create a link between the artisneed of being surrounded by kids since they remind us the most tic narrative, cooperation and help to the development under a fundamental things in life and make us connect with ourselves fresh view would be a goal to me. Documenting artistically with to remind us where we come from. Lastly, at a creative level as a responsibility, this is how I would define it. photographer, I felt the need to turn my experience into images and shape them through every emotions I were feeling. I knew Do you think that photographers should be more responsible from the beginning and before the trip that the pictures will be within society, becoming loudspeakers of realities that need in a photobook. I guess that the idea of being able to feel and to be seen because of indictment or simply human quality? connect with paper in this digital era evoke us to print out more Of course, and my answer is related to the previous question often. I think that the photobook to the photographer is the perfect since it is our entire responsibility when it comes to visualization. “excuse” to materialize their projects and not ending up in forgot- Sometimes, after creating this project, I had some doubts about what I should show or not and in which ways I should do it, but ten folders in the computer. I think it is something natural, doubting goes along with every creative project, honesty is fundamental, as I said before. I believe that we get a role in life and professions, a general purpose. I have discovered mine throughout the time. Aesthetics of moments, people and things do not go unnoticed and this creates on me the need to tell and share with the world.

In your view, what is photography? How do you conceive it? Photography is an extraordinary tool through which I express what I am according to what I see and feel identified with. It is a way to make up words for stuff that I think does not have them. I was not a very talkative person and discovering that I could communicate without invented concepts and only through images seemed incredible to me. I am not a photographer who needs photographing the whole time, but I have to admit that I feel sometimes that I do not do it enough and this kind of photographic inactivity may make me lose some chances. At the same time, I am very selective. My photographic discourse is an emotional relation first and then, professional. On the personal side, what has meant to you coming back to a place that takes part of your origins and essence to make a photographic project that marks your professional present? What have you discovered of yourself in this inner trip? Such a great question. I have discovered a lot, it could be said that the half of me literally. I have reconnected with life, essential Children are great protagonists in your series and the values and basic principles with the simplicity of moments and Foundation works to make the children’s dreams true and also, I have found peace on me. I have realized that my essence is be able to have a future. What is the personal story that simpler than what my world in Europe makes me believe. What shocked you most? The truth is that every children have shocking stories. There were two cases in parreally matters to me is very hard to find in ticular, especially because of the energy a society that walks in such an intense pace that these persons transmitted. One of the as here and I aim to substitute commodity In Mozambique, I have girls who suffered from IHV was almost for authenticity. It is curious, I have never four and she had a beautiful smile. Every imagined that this trip would decide my reconnected with life, morning before having breakfast she future in short term and of course, tranquilcame by the infirmary to take her dairy lity of knowing what I really want (today) essential values and pills that she brought in a plastic, as the goes well or not so well, is wonderful. I’d basic principles, with the European boy who takes his cookies to love to keep having the chance of telling stories through my reality. simplicity of moments. I have lunch. She was skinny as a needle and lovely. Her energy went up and down found the spot where I can depending on her mood. Most days she Mo z a m bi qu e , bei n g su c h a fa mididn’t come to the centre because her liar place to you, is it seen differently breathe peace on me energies didn’t leave her waking up and through your camera lens? Some curiin turn, there were some days that she ous happens to me and I believe that some was feeling unstoppable, the most adorphotographers feel the same. The fact that a place was familiar to my eyes lead to be difficult to shoot. able person I have never seen before. The hugs kept me afloat Mozambique has the familiarity to me, but also the surprise since when her body was melting. The other girl was a bit older than I have not spent enough time in the country so as to stop seeming her. She had also spent her first days of her life very ill and seems an unknown to me. This is inspiring. The answer would be no. that she was getting well little by little, but her ears ooze pain. She When I work on the images that I shot there and observe them lived with her grandmother, her mother used to abandon the home for long, I have the same feeling than when I took the picture, the and she hardly popped by, her father was never there. She was a inexpressive observer born, although her look didn’t. She lived emotions are kept, fortunately. her life on the distance, in silence. But once I approached her she took her time, willing to be able to trust, she knows. Suddenly, one day she left herself to be loved and we connected a lot, loving her more than I do to myself, because I could not stand the idea of giving her something that I was going to take away from her, as her mother who comes and goes, does. Which are your upcoming projects? Several projects and proposes are waiting for me in Mozambique, I’ll travel to try to give them form and make them possible at the end of this year. I cannot be more impatient.

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Edouard Sepulchre La Realidad Mecánica

T: SAMUEL PRIM

Es una verdad incómoda, que intentamos ignorar, pero vuelve para imponerse con más fuerza: dominar una técnica no significa dominar el alma. El artista Edouard Sepulchre nos recuerda con Rodeo Car Family la importancia de implicarse profundamente con su trabajo, su pasión. Con la intuición como motor, traza un mapa fotográfico del mundo que le rodea, sin olvidar nunca su mapa interior. Su perspectiva capta imágenes dónde la realidad cotidiana muta a espacios y formas de gran potencia visual. En esta entrevista, repasamos junto a Edouard Sepulchre sus inicios en la lógica capitalista de la publicidad y su salto a la fotografía artística. Una trayectoria formada por retratos de paisajes que esperan ser personas, y cuerpos humanos deconstruidos en estructuras poligonales. En su trabajo Rodeo Car Family, situada en un club de carreras al norte de Francia, nos habla de la libertad en la ausencia total de prejuicios y (sobretodo) nos habla de la familia. Miradas protectoras, cómplices entre los miembros pero desafiantes ante lo ajeno. Los coches salpicados de barro como nuevo nexo de unión familiar. Seres a los que nos une una cuerda invisible, en la que a veces tropezar, a veces sujetarse para evitar caer. La familia como esencia de todo artista, quizá otra verdad incómoda por explorar. It is an uncomfortable truth, which we try to ignore, but it comes back to impose itself even more strongly: to master a technique does not mean to dominate the soul. The artist Edouard Sepulchre reminds us with Rodeo Car Family about the importance of getting deeply involved with work, your passion. With intuition as the main driving force, he draws a photographic map of the world around you, never forgetting his inner map. His perspective captures images where everyday reality mutates to spaces and forms of great visual power. In this interview, together with the artist, we review his beginnings in the capitalist logic of advertising and his leap to artistic photography. His trajectory has been built by portraits of landscapes that looks like people, and human bodies deconstructed in polygonal structures. In his photo series Rodeo Car Family, located in a racing club in the north of France, he visually speaks of freedom in the total absence of prejudices and (above all) draws us a portrait about family. Protective looks among the members but defiant of the others who can attack them. In this case, the cars dotted with mud work as a new nexus of family unity. They are human beings to whom we are united with kind of an invisible cord, sometimes we stumble and sometimes we hold to it to avoid falling. Through his eyes, the family is the essence of every artist, perhaps another uncomfortable truth to explore.

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Me parece interesante que una foto no muestre todo. El hecho de que falte algo obliga a la imaginación a llenarlo. Para que una foto permanezca “abierta” es necesario crear un enigma, de una forma u otra

Antes de centrar tu carrera en la fotografía artística, te dedicabas al negocio publicitario trabajando en grandes corporaciones. ¿Cómo fue esa transición de un estilo más comercial a algo más orgánico y experimental? En ese momento, trabajaba como planificador estratégico, así que tenía que estar al día de todas las noticias económicas, sociales y artísticas. Estaba siendo estimulado constantemente. En estas condiciones, es bastante difícil profundizar en lo que realmente te interesa. La ruptura ocurre principalmente en este nivel. Desde entonces, he encontrado un ritmo y una relación con el mundo que me conviene más. El espectro de mis intereses es más pequeño, pero tienen mucho sentido para mí. Algo que realmente me llamó la atención es que capturas un edificio como si fuera una persona, lo humanizas y le das una personalidad. Por otro lado, también capturas personas o partes de un cuerpo humano como si fueran estructuras construidas, arrebatándole su personalidad humana. ¿Estás de acuerdo con esa percepción? Efectivamente, cuando fotografío un paisaje me gusta buscar una presencia humana a través de las formas aleatorias que se encuentran en la naturaleza. Creo que es interesante cuando un paisaje, ya sea urbano o natural, se convierte en presencia. En lo que respecta a la serie Bikers, la idea de no mostrar rostros permite enfocarse en lo que realmente importa. Es a través de los accesorios, la ropa y los tatuajes que ingresamos a su mundo. Las caras no son siempre expresivas y narrativas. A veces lo son, pero no siempre. Los seres humanos también tienen una vieja costumbre que implica mirar primero a la cara y, a veces, perderse el resto. Y finalmente me parece interesante que una foto no muestre todo. El hecho de que falte algo obliga a la imaginación a llenarlo. Para que una foto permanezca “abierta”, es necesario crear un enigma, de una forma u otra. Tu serie de fotos Rodeo Car captura la esencia de la libertad de alguien que deja el caos y la estructura social de la ciudad para vivir a su manera. ¿Qué piensas sobre esto? Estas personas no han abandonado la ciudad, simplemente nacieron en un ambiente cultural un poco apartado. Pero ellos viven una vida normal. Tienen un trabajo (a menudo mecánico), el Rodeo Car es un hobby y vienen a divertirse en total libertad. No hay reclamo de libertad. Esto es precisamente lo que es interesante. Por otro lado, los motociclistas a menudo reclaman la libertad, creyendo que escapan del sistema y sus códigos vinculantes. Para eso, se compran el llamado uniforme de motociclista. Como resultado, “ser motociclista” se ha convertido para muchos de ellos en un producto comercial como cualquier otro, pero esta comunidad de Rodeo Car es diferente. Algunas de las miradas que podemos ver en las caras del Rodeo Car son desafiantes, llenas de convicción. Esos son ojos que no temen mirar realmente, ¿no crees? Sí estoy de

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acuerdo. La mayoría de ellos se sienten muy cómodos con su imagen y se dejan fotografiar sin ningún problema. Incluso hay algo de curiosidad y orgullo en el hecho de que nos mostramos interesados por ellos, porque no había otro fotógrafo profesional cerca. Esto también se refleja en la forma en que se hablan entre sí de una manera bastante directa. ¿Son espontáneos y directos porque entre ellos no existe una autoridad severa? Estando presentes en el lugar, sentimos que hay una autoridad. Además, los niños se divierten pero no hacen cosas realmente disparatadas. Creo que es porque están incluidos en las actividades adultas y los padres confían en ellos. No tienen miedo y no proyectan todas sus ansiedades a sus hijos. Por ejemplo, si miras la foto en la que sale un niño bebiendo en una botella de cerveza, las apariencias engañan porque en realidad está bebiendo agua. Él se divierte fingiendo ser un adulto de la misma manera que todos hemos fumado de pequeños un cigarrillo de chocolate. Cielos nublados y barro, que contrastan con el color óxido de los coches metálicos y la ropa deportiva. ¿Tenías una concepción de color previa a disparar esta serie? Mi fotografía juega con los colores, por lo que inconscientemente me atraen escenas que me parecen gráficas (mientras tengan sentido, por supuesto). Pero para esta serie, no puedo decir que haya una intención consciente en términos de paleta de colores. Trabajo con lo que tengo delante, siguiendo mi instinto. Tu trabajo se centra sobre todo en Francia. Al verlo a través de tu prisma, podemos conocer un país muy ecléctico, y apreciar su mezcla cultural. ¿Qué piensas sobre eso? Intento mostrar una Francia que la gente no suele ver. Cada tema constituye una micro comunidad o un micro universo. Si bien la mayoría de los fotógrafos trabajan sobre el mismo tema a lo largo de una serie, yo necesito cambiarlo y hacer un nuevo ejercicio cada vez que disparo. Pero el enfoque siempre es el mismo, Jean-Luc Godard lo resume muy bien: “No es dónde tomas las cosas, sino hasta dónde las llevas”. Tienes una serie en curso llamada Looking for America en la que buscas símbolos e iconos americanos en todo el mundo. Y en A Month In The West, finalmente conoces la América real. ¿Qué significa América para ti, personal y profesionalmente? Los coloristas estadounidenses son los fotógrafos que han despertado en mí el interés por la fotografía. En 2015, este viaje a Estados Unidos fue otra forma de revelación. Entendí, en ese momento, dónde estaba mi disfrute real como fotógrafo. Más tarde, me di cuenta de que cuando una escena me llega, es porque de una forma u otra me lleva de vuelta a Estados Unidos y, más concretamente, al oeste, con todos los mitos que se le atribuyen. Obviamente, los temas de libertad y el llamado wanderlust

son centrales, pero también existe la idea de “descubrirse a uno mismo” en un entorno desértico donde todo queda por construir. Occidente es a la vez el lugar de la perdición y el lugar del hacerse a uno mismo. Está claro que si hablamos de Estados Unidos en general, debemos reconocer que la iconografía estadounidense ha colonizado nuestra imaginación. Si miras las otras series fotográficas que hice en Francia, a menudo tenemos la impresión de estar allí, en Estados Unidos, porque estas comunidades han sido alimentadas con iconografía americana desde una edad muy temprana. Has publicado en algunas revistas de fotografía muy conocidas de todo el mundo y gracias a eso, el público puede ver tu trabajo fuera del museo, en su propia intimidad y prestando una atención diferente. ¿Cómo crees que esto tiene que ver con la evaluación final de tu trabajo y su significado? Hay medios que aportan visibilidad, otros que aportan sentido y credibilidad. Pero todos son complementarios. Lo que importa es que el público pueda descubrir el trabajo de un artista desde diferentes fuentes. Hacer una entrevista tiene sentido y es muy importante en un mundo en el que tiendes a desplazarte por las imágenes rápidamente. Le da a las personas la oportunidad de conocer un punto de vista diferente. Volviendo a tu pasado en el negocio publicitario, hoy en día los anuncios están en todas partes. Son más agresivos pero también más artísticos en un sentido estético. ¿Crees que la publicidad puede ser arte aunque intente venderte algo? No sé si podemos decir que la publicidad es más artística hoy en día. Hoy, de hecho, se ve más bonito, más estético, más atractivo

por fuera pero los mensajes son mucho más consensuales. Pero el verdadero tema a analizar, si quieres mi opinión, es que el arte te mueve cuando sientes su sinceridad y autenticidad, cuando sientes que expresa una forma de intimidad con su creador. Y desgraciadamente hoy hay muy pocas marcas que me den esa sensación. Incluso diría que aquellos que son realmente sinceros hacen muy poca publicidad. Este número está conceptualizado bajo el monotema ESSENCE. ¿Cómo dirías que es la esencia de su trabajo, hablando en términos de pasado y futuro? ¿Cuál es el concepto que une a toda tu obra? Lo que me interesa de la fotografía es la posibilidad de operar un proceso de RECONSTRUCCIÓN de la realidad. No trato de mostrar la realidad tal y cómo es, sino que trato de recomponerla dándole una forma final que abre un trampolín para la imaginación. Independientemente del tema, la idea es poder cambiar el punto de vista del que mira. ¿Cuáles son tus próximos proyectos? Mis dos proyectos actuales son Looking for America (del que ya hemos hablado) y Dryland, una serie que ya empecé hace tiempo pero que aún no sale en mi página web. Por ahora, de vez en cuando publico fotos en Instagram y en Tumblr. A través de esta última serie, intento recrear un mundo en la frontera entre lo real y lo imaginario a partir de los paisajes y personajes que se encuentran en las tierras áridas del norte de África y el Medio Oriente. Para este proyecto, recorrer la zona en bicicleta y ya llevo 6.500 km hasta ahora. Pero el camino todavía es largo y estoy muy lejos de haber terminado. Me gustaría que se publique un libro y una exposición de este proyecto.

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What interests me with photography is the possibility of operating a process of RECONSTRUCTION of reality. I do not try to show the reality as it is but rather I try to recompose it by giving it a final shape that offers a springboard for the imagination

Before you focused your career in artistic photography, you’ve worked in the advertising business for big corporations. How was that transition from a more commercial style to something more organic and experimental? At the time I was working as a strategic planner so I had to keep up to date on economic, social and art news, I was being stimulated constantly. In these conditions, it is quite difficult to deepen what really interests you. The break happens mainly at this level. Since then, I have found a rhythm and a relationship to the world that suits me better. The spectrum of my interests is smaller but they fully make sense to me. Something that really caught my eye is that you capture a building as if it was a person, humanizing it and giving it a personality. On the other hand, you also capture people or parts of a human body if they would be constructed structures, taking their human personality away. Do you agree with that perception? Indeed when I photograph a landscape I like to look for a human presence through the random forms found in nature. I think what’s interesting when a landscape, whether urban or natural, becomes a presence. As far as the Bikers series is concerned, the idea of not showing faces makes it possible to focus on what really matters. It is through the accessories, clothing and tattoos that we enter the world of Bikers. Faces are not always expressive and narrative. Sometimes they are, but not always. Human beings also have an old reflex that involves looking first at the face and sometimes missing the rest. And finally I find interesting that a photo does not show everything. The fact that something is missing forces the imagination to fill it. For a photo to remain “open”, it is necessary to create an enigma, in a way or another. Your photo series Rodeo Car captures the essence of freedom of somebody that leaves the chaos and the social structure of the city to live his way. What do you think on this? These people have not left the world of the city, they are just born in a cultural environment a little apart. But they live a normal life. They have a job (often mechanic), the Rodeo Car is a hobby and they come to have fun in total freedom. There is no claim of freedom. This is precisely what is interesting. On the other hand, bikers often claim freedom, believing they escape the system and its binding codes. For that they buy the biker’s uniform. As a result, “being a biker” has become for many of them a commercial product like any other, but I did not feel that way regarding this Rodeo car community. Some of the glances that we can see on the Rodeo Car’s faces are defiant, full of conviction. Those are eyes that are not afraid of truly looking, don’t you think? Yes I agree. Most of

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them are very comfortable with their image and let themselves be photographed without any problem. There is even a form of curiosity and pride in the fact that we are interested in them, because there was no other professional photographer around. This way of looking reflects pretty well the way they are talking to each other in a fairly direct way. The spontaneity of the family members comes easy cause among them it doesn’t exist a severe authority? On location we feel that there is an authority. Besides the children have fun but don’t do any really stupid things. I think it’s because they are included in the activities and parents trust them. They are not fearful and do not project all their anxieties to their children. For example, if you look at the picture of a child drinking in a beer bottle, appearances are deceptive because he is actually drinking water. He has fun pretending being an adult in the same way that we all smoked a chocolate cigarette. Cloudy skies and mud, contrasting with the oxide colour of the metallic cars and the sport clothes of the people there. What colour conception or palette did you followed in this photo series? My photography plays with colours, so unconsciously I am attracted by scenes that seem graphic to me (to the extent that they make sense). But for this series, I could not say that there was a conscious intention in terms of colour palette. I work with what I have, following my instinct. Your main body of Work is focused in France. Looking at it through your images, we can see a very eclectic country with such a cultural mix. What do you think on that? I try to show a France that people do not usually see. Each subject constitutes a micro community or a micro universe. While most photographers work on the same theme throughout their series, I need to change the subject and make a new exercise each time. But the approach is always the same, Jean-Luc Godard summarises it very well: “It’s not where you take things from, it’s where you take them to.” You have an ongoing series called Looking for America where you look for American symbols and iconography around the world. And in A Month in the West, you finally get to know the real America. What does America means for you, personally and professionally? American colorists are the photographers who have aroused my interest in photography. In 2015, this trip to the United States was another form of revelation. I understood, at that moment, where my enjoyment as a photographer really was. Later, I realized that when a scene touched me, it was because it sent me back to America and more particularly to the American West and the myths that are attached to it. Obviously

the themes of freedom and wandering are central, but there is also the idea of “conquest of oneself” in a desert environment where everything remains to be built. The West is both the place of perdition and the place of becoming. Then if we talk about America in general, we must recognize that American iconography has colonized our imaginations. If you look at the other photographic series that I made in France, we often have the impression of being in the US, because these communities have been fed with US iconography from a very young age. You have been published in some pretty well known photo magazines from all around the world and thanks to that, the public can see your work outside the museum, in their own intimacy and paying a different attention. How do you think that this has to do with the final evaluation of your work and the meaning of it? There are mediums that bring visibility, others that bring meaning and others credibility. But they are all complementary. What matters is that the public can discover the work of an artist from different sources. Doing an interview makes sense and it’s very important in a world where you tend to just scroll through the images quickly. It gives people a new perspective (view point). Back to your past in the advertising business, nowadays advertisements are everywhere. Is more aggressive but also more artistic in a aesthetical way. Do you think publicity can be art even if it’s trying to sell you something? I do not know if we can say that advertising is more artistic today. Today indeed it looks prettier, more aesthetic, more attractive on the outside

but with much more consensual messages. But the real subject if you want my opinion is that art is moving when you feel its sincerity and authenticity, when you feel that it expresses a form of intimacy with its creator. And unfortunately today there is very few brands that gives me that feeling. I would even say that those who are really sincere do very little advertising. This issue is made under the topic ESSENCE. How would you say that is the essence of your body of work, past and present? Which is the shared concept behind? What interests me with photography is the possibility of operating a process of RECONSTRUCTION of reality. I do not try to show the reality as it is but rather I try to recompose it by giving it a final shape that offers a springboard for the imagination. Regardless of the subject, the idea is to be able to shift a point of view. Which are your upcoming projects? My two current projects are “Looking for America” of which we have already spoken about and “Dryland”, a series that I have already started but which is not on my website yet. For now I occasionally post pictures on instagram and on tumblr. Through this latest series I seek to recreate a world on the border between the real and the imaginary from the landscapes and characters encountered in the arid lands of North Africa and the Middle East. For this project I decided to ride on a bike and I have already covered 6,500 km so far. But the road is still long and I’m far from finished. And I would like to get a book published and an exhibition of this project.

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Desde tiempos inmemoriales, el ser humano se ha sentido totalmente atraído por el mar. No solamente atraído, sino hipnotizado, completamente enamorado. Por eso, muchos han dedicado su vida a descubrir sus claroscuros, a ser los primeros en pisar sus profundidades y a entender (y proteger) a las criaturas que lo habitan. Por eso, es extremadamente irónico que, precisamente seamos nosotros los responsables de hacerle daño. El ser humano y el Gran Azul tienen una historia de amor para toda la vida, pero parece que es de esas de quererse mal, de amor tóxico (nunca mejor dicho). Afortunadamente hay algunos que cultivan este amor como algo puro, innato, necesario para vivir y ser quiénes son. Coke Fontes, también conocido como Coko If, es una de estas personas que bien podría tener agua salada en sus venas. Desde su primer contacto con el mar, algo hizo click. Por un lado, su cámara Nikonos, la niña de sus ojos. Por otro, su idilio con el mar, que existe más allá del surf y la propia fotografía. Su amor es protección, es belleza, son formas y gamas cromáticas frías. Son instantes en medio del silencio y la inmensidad del océano. Rostros mojados y ojos cerrados para protegerse de la sal. Y a veces, incluso es la textura que encuentra bajo la superficie, la arena removida y los rayos de sol iluminando su tranquila oscuridad. El artista ha fundado una sociedad artística dedicada a mostrar el mar desde diferentes prismas artísticos y ya preparan primera exposición. Y el resto, es dejarse llevar por las olas. Since time immemorial, human beings have felt completely drawn to the sea. Not just drawn, but hypnotized, utterly in love. That’s why many have devoted their whole life to discover their ups and downs, to be the first to explore its depths and understand (and protect) creatures that inhabit it. That’s why it is extremely ironic is precisely that we are the only ones responsible of damaging it. Human being and Gran Azul have a lifelong love story, but it seems a toxic love (it has never been better said). Fortunately, there are many who cultivate this love like something pure, innate necessary for living and being who they are. Coke Fontes, also known as Coko If, is one of these people who could well have salted water running through their veins. Since his first contact with the sea, the love of the apple of his eye, his Nikonos camera, grows, as well as his idyll with seas, which exists beyond that with surf and photography itself. His love is protection, beauty, shapes and cool chromatic ranges. These are moments amid silence and the immensity of the ocean. Wet faces and closed eyes to protect them from salt. And sometimes, it is even the texture that he finds below the surface, the sand that has been turned over and the sun’s rays lighting up the quiet darkness. The artist has founded an artistic society which is aimed to show the sea from different artistic perspectives, and they are now preparing their first exhibition. The rest is to let oneself float along with the waves.

@cokoif @itsonlywatersociety 112

C OKO I F A MOR ES SILENCIO E I N M ENSI DA D T: ANTONELL A SONZA

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Coko if, ¿qué tiene de humano y qué de pez? De momento creo que tengo un poco más de pez que de humano, me encanta estar en el agua, y casi todo mi trabajo hasta ahora ha estado relacionado directamente con el mar. Creo que todo en la vida son cambios y procesos, y yo siento que estoy en un momento de cambio, últimamente quiero trabajar más mi fotografía fuera del agua. Estoy buscando poco a poco donde estaría mi lugar e intentar mantener mi línea. Hace muy poco que acabo de dejar un trabajo estable para poder dedicarme íntegramente a la fotografía. Cuéntanos, ¿cómo empezaste a interesarte por la fotografía de surf? Empecé en la fotografía de la mano del surf, tanto analógica como digital. El surf es un deporte que me gusta desde hace unos cuantos años, y apareció la combinación casi sin darme cuenta. Se puede decir que empecé en la fotografía cuando vivía en Perú, hace un par de años, viví en un pueblo que se llama Huanchaco y sacaba fotos de surf a los clientes del Hostel donde trabajaba. Sacaba fotos digitales desde fuera y analógicas desde dentro con mi primera Nikonos. Me gustó tanto la sensación de sacar fotos desde el agua que prefería entrar a hacer fotos que a surfear. Hoy en día me sigue pasando lo mismo y me encanta, me gusta mucho más la fotografía que el surf. Hace poco lanzaste una expo junto a Lomography en la que mostrabas tus fotografías subacuáticas hechas de forma analógica. Cuéntanos, ¿cómo fue el proceso de sacar esta serie adelante? Técnicamente ¿qué te da el analógico que no te da el digital? Sí, Lomography me dio la oportunidad de mostrar mi trabajo en forma de exposición, me hizo mucha ilusión poder hacer la que era mi segunda exposición en solitario en una ciudad y en un lugar como Barcelona y Lomography Embassy Barcelona. Llevaba años viviendo fuera, y en Barcelona me he sentido como en casa desde el primer día. Me siento muy cómodo trabajando en analógico, y eso creo que se refleja en mi trabajo. Es muy típico esto que voy a decir y es que la fotografía analógica tiene un lado romántico que me cuesta mucho encontrar en el formato digital. Si vemos tu portfolio, queda claro que tu gama cromática es el blanco y negro, y el azul océano. ¿Por qué te identificas más con la fotografía monocromática? Me considero muy detallista para todo lo visual en fotografía/vídeo y hasta ahora me he sentido mas cómodo siempre trabajando en tonos fríos y el blanco y negro. Me gusta mucho mantener una sintonía entre las fotos, pero ahora mismo estoy improvisando más a la hora de editar y en los últimos trabajos que entrego intento jugar con más gamas de colores. Es muy difícil poder crear un tipo de fotografía con características para que la gente que ve tu trabajo lo reconozca, yo intento trabajar mucho esa parte. También haces muchas fotos bajo el agua. ¿Qué te enamora del interior que no encuentras en el exterior? Bajo el agua es donde me relajo por completo, a través de ella es como mejor puedo expresar todas las ideas que me pasan por la cabeza, creo que en mayor o menor medida a todos nos inspira el mar. Me

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encanta encontrar sensibilidad en la fotografía de todo tipo, pero cuando la encuentro bajo el agua… es de las cosas que más valoro. Has viajado por todo el mundo explorando la belleza de los mares y océanos. Parece que el surf te lleva a una vida nómada, en constante búsqueda de la ola, y en tu caso, de ver el mar desde sus diferentes prismas. Pero, ¿qué lugar has descubierto en tus viajes que te haya enamorado tanto como para plantearte estar un poco más? La experiencia de haberme movido tanto es lo que me hace ser como soy hoy en día, pero si tengo que elegir donde quedarme un poco más elijo sin duda España o Portugal. Aquí se vive de maravilla, estoy en casa y además cerca de los míos. Háblanos de Its Only Water Society, el colectivo artístico que has fundado. Cuéntanos, ¿cómo surgió la idea y qué proyectos llevaréis a cabo? @itsonlywatersociety es una plataforma donde unimos todo lo relacionado con el arte y la fotografía, organizamos exposiciones y mi sueño es que siga creciendo de manera progresiva y hacer muchas más cosas que tengo en mente. No tengo prisa porque es un proyecto creado para disfrutar y rodearme de lo que más me gusta, le dedicamos tiempo cuando podemos, eso es lo que lo hace tan especial para mí. Tenemos la oportunidad de poder desarrollar todas las ideas que tenemos en el momento que tenga que ser. Ahora dentro de muy poco vamos a hacer colaboraciones con varios artistas, estoy muy ilusionado con todo lo que viene. También estamos organizando una exposición colectiva llamada Nikonos the exhibition, una muestra de fotógrafos que utilizan las cámaras Nikonos. Será durante el festival de surf Quasimoto, el 11,12 y 13 de Octubre en Burriana, Castellón. Después la idea es moverla por varias ciudades de España, Portugal o Francia. Como fotógrafo, debes de estar en una constante búsqueda visual. ¿Cuál es la foto u obra que más te ha impactado últimamente? El libro The Solitude of Beauty de Víctor González. Este número de lamono trabaja el concepto ESSENCE. ¿Por qué crees que el mar forma parte de tu esencia como persona y como fotógrafo? Siempre me he sentido muy conectado con el mar, sé que mi esencia como fotógrafo ahora mismo está basada en el mar, lo que espero es poder tener una esencia marcada fuera del agua también, soy una persona muy sensible, e intento transmitir esa sensibilidad en mis imágenes. Ahora estoy interesado en ampliar mi trabajo: he sacado hace nada mi segundo vídeo The Water Line y estoy preparándome para poder acercarme a la moda, la publicidad…buscar mi lugar en esos campos que siempre me han interesado, pero que posiblemente aún no se había dado el momento de abordar. Cuéntanos, ¿cuáles son tus próximos proyectos? Ahora mismo estoy trabajando en una serie nueva de fotos bajo el agua, un proyecto personal y autofinanciado que me gustaría poder exponer pronto en alguna galería, pero estoy totalmente abierto a proyectos nuevos, tengo el tiempo y las ganas que se necesita para cualquier idea o colaboración.

Bajo el agua es donde me relajo por completo, a travĂŠs de ella es como mejor puedo expresar todas las ideas que me pasan por la cabeza. Creo que en mayor o menor medida a todos nos inspira el mar

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Coko if, do you feel more like a fish or a human? At the moment, I think I am more like a fish than a human. I love to be underwater, and almost all my work till now has been directly related to the sea. I believe everything in life is about changes and processes, and I feel I am in a time of change: Lately, I feel like working on my photography outside the water more. Little by little, I am seeking my place and trying to maintain my line. Since not long ago, I quit a steady job to be able to fully dedicate to photography. Tell us, when did you start to be interested in surf photography? I started analogic as well as digital photography from surfing. Surf is a sport that I like since many years ago, and this combination turned up without almost realizing. It can be said I started with photography when I lived in Peru a few years ago. I was living in a village named Huanchaco and I took photos of surf to the hostel clients where I was working. Outer, I took digital photos and analogic ones underwater with my first Nikonos. I was so fascinated by the feeling of taking pictures from the water that I preferred it instead of surfing. Nowadays, I am in the same boat and I love it, I like better photography than surf. You have recently launched an exhibition along with Lomography in which you show your underwater photographs in analogic format. How was the process of taking this series forward? Technically, what provides analogic that does not digital? Yes, Lomography gave me the chance of showing my work in an exhibition and I was thrilled of being able to do my second solo exhibition in a city and place like Barcelona and Lomography Embassy Barcelona. I had spent years living abroad, and I have felt like at home in Barcelona from day one. I’m comfortable working in analogic, and that, I think it is reflected in my work. What I am about to say is very common, but analogic photography has a romantic side I find it hard to find in digital format. Looking at your portfolio, it’s clear that your chromatic range is white and black, and oceanic blue. Why do you identify yourself more with monochromatic photography? I consider myself very thoughtful with the visuals in photography/ video and even I have always felt more comfortable working with cool tones and black and white. I really love to keep harmony between my photographs, but I’m improvising more upon editing. In fact, I try to be more playful with the colour ranges in my last works. It is quite hard to create a characteristic type of photography that people could recognize, but I’m trying to work hard on it. You also take many pictures underwater. What does it make you feel in love with the depths that you can’t find in the outside? Underwater is where I feel completely in calm and helps me to express all the ideas I have in mind, I think that the sea inspire each of us to a greater or lesser extent. I love to find sensitivity in all kinds of photography, but when I find it under water… it’s what I appreciate the most.

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You have travelled around the world exploring the beauty of seas and oceans. It seems that surf takes you to a nomad life, in a constant search of the wave, and in your case, see the sea from its different prisms. Although, which place have you discovered in your trips that has made you feel in love as much as to consider to stay more time? The experience of travelling a lot is what makes me be what I am today, but if I have to choose where to stay longer time would be Spain, without any doubts, and Portugal. My life here couldn’t be better, I feel at home and I am close to my friends and family. Tell us more about Its Only Water Society, the artistic collective you have founded. How did you come up with the idea, and which projects will you carry out? @itsonlywatersociety is a platform in which we unite everything related with arts and photography, curate exhibitions and my dream is it to be progressively growing and carry out more stuff I have in mind. I’m not in a rush because it’s a project created to be enjoyed and surrounded with what I like the most. We dedicate time to it when we are available, that is what makes it so special to me. We have the chance of being able to develop all our ideas at any moment. Very soon, we are doing collaborations with several artists and I’m very thrilled. We are also organizing a collective exhibition named Nikonos the exhibition, in which photographers use Nikonos cameras. It’ll take place during the surf festival Quasimoto on October, the 11th, 12th and 13th in Burriana, Castellon. Later, the idea is to take it to different Spanish, Portuguese or French cities. As a photographer, you must be on a constant search of visuals. Which is the photograph or work that have made an impact to you lately? The book The Solitude of Beauty by Victor Gonzalez. This Lamono’s issue, works on the concept ESSENCE. Why do you think the sea takes part of your essence as a person and photographer? I have always been connected to the sea, I know that my essence as photographer right now is based on the sea. What I hope is to be able to have a marked essence outside the water too, I am a very sensitive person and I try to transmit that sensitivity through my images. I am not interested in widening my work: I have just released my second video The Water Line and I’m preparing myself to be able to approach fashion, advertisement… to find my place in these fields in which I have been interested, but it wasn’t the right time to be addressed. Can you tell us more about your next projects? Nowadays I am working on a new photography series underwater, a personal project and self-financed that I’d love it to be exhibited in galleries soon, but I am completely open to new projects. I have the time and commitment needed to take ideas and collaborations further.

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Underwater is where I feel completely in calm and helps me to express all the ideas I have in mind. I think that the sea inspire each of us to a greeter or lesser extent

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IRUDIKA 2018 Ese lugar donde no hay barreras

Irudika significa imaginar en euskera. Y eso es lo que trabajan los profesionales que se dan cita en este festival de Vitoria: la imaginación. Porque dejar de ser niños es una opción personal que deberíamos tomarnos menos a la ligera. Dicen que durante los seis primeros años de vida el cerebro desarrolla conexiones neuronales a velocidades 500 veces mayor que las que realiza una mente adulta. Y esas conexiones se potencian y engrasan mediante el juego y la imaginación. Irudika es un encuentro de profesionales de la ilustración que estrena su segunda edición con una primera puesta en escena el año pasado que fue todo un éxito. En esta ocasión lamono y su agencia asociada Dora Agency estarán presentes como invitados para contar nuestra experiencia como agentes artísticos introduciendo el arte en nuestras propuestas y proyectos para marcas. Irudika means to imagine in Basque. And that is on what professionals are working in this festival in Vitoria: imagination. Since stopping to be kids is a personal option we shouldn’t take lightly. It is said that during the first six years of life, the brain develops neuronal connections with speeds up to 500 of times faster than an adult mind. And these connections are trained through games and imagination. Irudika is an encounter of professional illustrators who premiere its second edition with a successful first staging that took place last year. On this occasion, lamono and its partner agency Dora Agency will be present as guests to speak up about our experience as artistic agents, introducing the arts in our proposals and projects for brands.

irudika.eus

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KATRIN STANGL

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IBAN BARRENTEXEA

Guadalajara-Mexico, Bolonia y Frankfurt y sus famosas ferias del libro son las invitadas de honor en esta convocatoria, por ello sus representantes serán los moderadores de las charlas que se desarrollen durante todo el certamen. El objetivo final de este encuentro es convertirse en un escaparate del sector y dar visibilidad a la industria de ilustración vasca a nivel internacional, por eso ilustradores de Euskera hablarán de los trabajos que han publicado en editoriales como Peter Hammer Verlag (Alemania), Pamiela (Euskadi), Petra Ediciones (Mexico) y A Buen Paso (Italia). Además de los talleres, charlas y citas profesionales que tienen un aforo limitado de 125 personas, habrán cinco talleres secretos que impartirán Katrin Stangl (Alemania), Leire Urbeltz (Euskadi), Gabriel Pacheco (Mexico) y Anna Castagnoli (Italia) y una jornada adicional el jueves orientada a estudiantes y a un público sensible a la ilustración, la música, la animación o los videojuegos. La base principal del certamen continúa siendo en esta segunda edición generar networking entre los ilustradores y las industrias, por eso uno de los momentos claves será la ronda de citas y entrevistas entre profesionales y artistas que, en esta ocasión no solo se centrará en publicidad y agencias, productoras de animación, revistas y prensa, editoriales y estudios de diseño gráfico o empresas de artes gráficas, sino que los ilustradores que lo deseen también podrán presentar su trabajo a los representantes de la Feria del Libro de Guadalajara (Mexico), la Frankfurt Buchmesse (Alemania) y la Bologna Children’s Book Fair en Italia para viajar a las mismas en las próximas ediciones como talentos realizando charlas, talleres y actividades. Una programación completa pensada al detalle para que durante tres días los diferentes agentes de cada sector, todos apasionados de la ilustración en sus diferentes facetas, puedan reflexionar, ampliar y trabajar a fondo las opciones que ofrece esta pequeña parcela de nuestro mundo, que en nuestra imaginación se configura como un universo paralelo, donde cualquier posibilidad, por extravagante que sea, tiene su espacio. IRUDIKA. 18 – 20 de octubre Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo Artium Vitoria – Gasteiz.

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LEIRE URBELTZ

KATRIN STANGL

Guadalajara-Mexico, Bolonia and Frankfurt and its famous book fairs are the honoured guests in this call. For this reason, its representatives will be the moderators of the talks developed during the event. The objective of this encounter is to become a showcase of the sector and give visibility to the Basque illustration sector on an international level. Therefore, Euskera illustrators are going to talk about their works published in editorials like Peter Hammer Verlag (Germany), Pamiela (Euskadi), Petra Ediciones (Mexico) y A Buen Paso (Italy). Apart from workshops, talks and professional meetings which has a capacity limited to 125 people, there will be five secret workshops conducted by Katrin Stangl (Germany), Laire Urbeitz (Euskadi), Gabriel Pacheco (Mexico) and Anna Castagnoli (Italy) and an additional one-day follow-up workshop on Thursday oriented to students and a public sensitive to illustration, music, animation or videogames. The main basis of this second edition is still to make networking between illustrators and industries, that’s why one of the key moments will be the appointments and interviews rounds between professionals and artists. Then, the call won’t be only focused on advertising and agencies, animation producers, magazines and press, editorials and graphic design studios or graphic arts businesses, but illustrators will be able to present their work to representatives of Guadalajara book fair (Mexico), the Frankfurt Buchmesse (Germany) and Bologna Children’s Book Fair in Italy. Therefore, illustrators will be able to travel to these cities, giving talks, holding workshops and activities. A complete programme that has been thought in detail, so that the different agents of each sector , all of them passionate about illustration, could reflect, widen and work thoroughly on the options offered in this small plot of our world, which turns into a parallel universe in our imagination, where any possibility, as extravagant as it may seem, has room. IRUDIKA. 18 – 20 de octubre Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo Artium Vitoria – Gasteiz.

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Festival Internacional de Cine Documental Musical

LLEGA EL IN-EDIT FESTIVAL: LA MÚSICA ES SIEMPRE LA RESPUESTA No nos cansaremos de decirlo: para nosotros, una de las mejores épocas del año es cuando llega el In-Edit Festival, esos 10 días en los que Barcelona se convierte en la capital mundial del documental de música. Un no parar de historias sobre los grandes creadores de las bandas sonoras de nuestra vida van pasando una tras otra por la gran pantalla, y nosotros, en la butaca, vivimos cada frame con emoción. Porque, más allá de la música, hay un ser humano, una mente (o varias) con mucho que explicar. Si hace unos meses adelantaban ocho títulos (George Michael o Lynyrd Skynyrd como dos de los protagonistas) de su próxima edición, que se llevará a cabo en Barcelona del 24 de octubre al 4 de noviembre y del 1 al 4 de noviembre en Madrid, ahora nos enseñan la artillería pesada para nuestra alegría y alboroto. Entre esta tanda de 20 confirmaciones, destacamos la maravilla visual que ha creado Eugene Jarecki (y ha co-producido Stephen Soderbergh) dedicado al Rey del Rock & Roll, Elvis Presley. The King no es solo una historia sobre Elvis, sino sobre la América que dejó tras su muerte, aquella que vive persiguiendo un sueño pseudo platónico. El director nos lleva de viaje en el Rolls Royce del 1963 del cantante de viaje desde su Memphis natal, hasta Nueva York, pasando por Las Vegas y otros núcleos del imaginario americano, de la mano de personalidades como Alec Baldwin, Lana del Rey o Ethan Hawke. También se ha confirmado el esperadísimo documental sobre M.I.A. a través de sus tres alias y tras la mirada de Steve Loveridge, amigo de la artista (aunque haya habido controversia entre los dos gracias al documental y lo que iba a salir en él). En Matangi / Maya / M.I.A., Loveridge promete deleitarnos con un retrato humano de la artista más allá de su mediática figura y, a partir de lo musical, explorar otras facetas como su lado activista, sobre todo en la reciente crisis humanitaria de los refugiados. Todo junto conforma el gran puzzle que es esta artista de origen tamil, pueblo por el que ha luchado incansablemente sin pelos en la lengua.

Otros títulos destacados son Beautiful Things, una maravillosa oda a la figura del outsider y a la soledad como motor creativo, o I Used To Be Normal: a boyband fangirl story, un sensacional retrato generacional sobre el fenómeno fan contextualizado en cuatro personas de diferentes edades que admiran a bandas que son o han sido mundialmente famosas, como los Beatles o los desaparecidos One Direction. Además, cintas sobre Ryichi Sakamoto, Milford Graves o João Gilberto desde perspectivas originales y transgresoras han sido especialmente curadas para esta edición. No podemos olvidarnos de destacar Noches de Rock ‘n Roll de Fernando Colomo, un reencuentro más allá de la nostalgia con una de las bandas más importantes del género a nivel nacional, los Burning. Y como la guinda al pastel de la edición de este año, el festival cerrará con Yo Soy Rumba, un retrato íntimo y personal del creador indiscutible del género de la rumba catalana, Peret, a través de los ojos de sus amigos y compañeros. Porque la música es siempre la respuesta, y conocer que hay más allá de la canción es un must para saber hacer las preguntas adecuadas. Ya puedes ir abriendo boca y desempolvando tus conocimientos musicales sobre éstos creadores, hasta que llegue el día de sentarse en el cine. Y lo estamos deseando.

Barcelona: del 24 de octubre al 4 de noviembre. Aribau Multicines. Madrid: del 1 al 4 de noviembre.

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We will say it all over again: for us, the dates of In-Edit Festival are one of our highlights of the year. 10 days in which Barcelona becomes the world capital of the art of the music documentary. A non-stop story about the great creators of the soundtracks of our lives, one after another on the big screen, and meanwhile we are seated in the chair, living each frame with emotion. Beyond every song there is a human being, a mind (or several) with so much to explain. A few months ago they advanced eight titles (George Michael or Lynyrd Skynyrd are two of the main protagonists of these ones) of their next edition, which will take place in Barcelona from October 24 to November 4 and from November 1 to 4 in Madrid. Now, its time to know the full line up and get excited looking forward the great stories we are about to see in the big screen. Among this set of 20 confirmations, we highlight the visual wonder created by Eugene Jarecki (and co-produced Stephen Soderbergh) dedicated to the King of Rock & Roll, Elvis Presley. The King is not just a story about Elvis, but about the America he left behind after his death, the one that lives chasing a pseudo platonic dream. The director takes us on a trip in Elvis’s 1963 Rolls Royce travelling from his native Memphis, to New York, passing through Las Vegas and other landscapes of the American iconography, with personalities such as Alec Baldwin, Lana del Rey or Ethan Hawke driving through memories. Next, is the highly anticipated documentary about the singer M.I.A. through his three aliases and behind the eyes of Steve Loveridge, friend of the artist (although there has been controversy between the two thanks to the documentary and what was going to come out in it). In Matangi / Maya / M.I.A., Loveridge promises to delight us with a human portrait of the artist beyond her mediatic figure and, from the musical point of view, explore other facets as her activist side, especially in the recent humanitarian crisis of the refugees. Everything together makes up the great puzzle that is this artist of Tamil origin.

Other outstanding titles are Beautiful Things, a wonderful ode to the figure of the outsider and the acceptance of loneliness as a creative engine, or I Used To Be Normal: a boyband fangirl story, a sensational generational portrait of the fan phenomenon contextualized in four people of different ages. They admire bands that are or have been world famous, like The Beatles or One Direction. In addition, films that lets us know figures of Ryichi Sakamoto, Milford Graves or João Gilberto from original and transgressive perspectives have been specially curated for this edition. We cannot forget to highlight Noches de Rock ‘n Roll by Fernando Colomo, a reunion beyond nostalgia with one of the most important bands of the genre at national level, the Burnings. And the icing on the cake of this year’s edition, will be the closing with Yo Soy Rumba, an intimate and personal portrait of the undisputed creator of the Catalan rumba genre, Peret, through the eyes of his friends and colleagues. Because music is always the answer and to know deeper this art will show us how to ask the right questions. Now, ladies and gentlemen, start your engines: don’t you hear the melody?

Barcelona: from october 24th to november 4th . Aribau Multicines. Madrid: from November 1st to 4th.

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REVIEW / BARCELONA / FIU HOUSE / 12TH JULY 2018

PRESENTACIÓN FUJIFILM X-T100 F: DAMIÀ FIGUERAS Y JONAS TORRES

A las cosas especiales les debemos dar la bienvenida como lo que son, con la alegría y la predisposición de sacar lo mejor de sí mismas. Así celebramos la llegada al mundo de la nueva Fujifilm X-T100, contando con tres embajadores de lujo que tuvieron el privilegio de probarla de forma exclusiva. Xavi Baragona, Dilayla Romeo y Leafhopper (combo formado por Blanca Galindo y David Simón) exploraron durante un mes sus universos particulares a través de la fotografía con la nueva FUJIFILM X-T100. Provistos con el nuevo modelo, se lanzaron a explorar sus características más señaladas, como el macro, el efecto bokeh, el vídeo time lapse en 4k, la gama de filtros, su exclusivo sistema de autoenfoque y por supuesto la transmisión instantánea de fotografías de la cámara al móvil mediante bluetooth. El resultado final fueron varias imágenes de cada uno de ellos que sirvieron para su exposición en FIU Barcelona el pasado jueves 12 de julio, donde reunimos a un grupo de treinta instagramers que admiramos para presentar la cámara en familia. Entre nuestros invitados contamos con nombres como Chechu Pajares, Aljaz Babnik, Sara Guerrero, Aida Lirola, Jorge Moreno, Nacha Aljaro y muchos más. Durante la primera parte del evento los fotógrafos invitados hablaron de su obra y de su experiencia con la nueva cámara. Más tarde, ofrecimos cámaras a cada uno de los asistentes para que las probaran en un paseo fotográfico por el Raval. De las fotografías que realizaron, eligieron una de ellas para subirla a instagram y participar en el concurso #fujifilmxt100xlamonocontest para ganarse una cámara. De todas las imágenes recibidas, algunas de las cuales podéis admirar en este artículo, el jurado, formado por los embajadores Xavi Baragona, Dilayla Romeo y Leafhopper, eligió a Tina Riera, que se llevó su Fujifilm X-T100 a casa. De esta forma tan cercana y particular, la nueva cámara pasó a formar parte de nuestro mundo y el de los aventureros que nos siguen y que necesitan una gran aliada en fotografía para mostrar su visión particular de lo que nos rodea. Everything that makes us feel special must be welcomed the same way, with happiness and willing to take out the most of it. This is how we celebrate the arrival of the new Fujifilm X-T100 in the world with three great ambassadors who had the exclusive privilege to try it. Xavi Baragona, Dilayla Romeo and Leafhopper (the artistic pair created by Blanca Galindo and David Simon) explored during a whole month their particular universes through photography with the new FUJIFILM X-T100. Provided with the new model, they explored its most relevant characteristics in detail, like the macro, bokeh effect, time lapse 4k video, filters range, exclusive autofocus system and of course, its instantaneous transmission of photographs from the camera to phone via Bluetooth. The ultimate result was seen on several pictures of each of them, which they used in their photographic exhibition launched on Thursday 12th, July, where we gathered a group of thirty instagramers we admire to present the camera among other members of lamono’s family. Among our guests, we boasted names like Chechu Pajares, Aljaz Babnik, Sara Guerrero, Aida Lirola, Jorge Moreno, Nacha Aljaro and many more. During the first part of the event the guest photographers presented their works and talked about their experience with the new camera. Later, we offered cameras to each of the assistants to test them in a photography walk around Raval. They had to choose one photography to be uploaded to Instagram in order to participate in the contest #fujifilmxt100xlamonocontest and win a camera. Amongst all the received photographs, you can appreciate some of them in this article, the jury, made up by ambassadors Xavi Baragona, Dilayla Romeo and Leafhopper, chose Tina Riera, who took a Fujifilm X-T100 home. In this particular and close way, the new camera became part of our world and those adventurers who follow our path and need a great ally in photography to show their particular vision of all that surround us.

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SARA GUERRERO

MATEUSZ STANIEWSKI

MARIO MARTINEZ

LADELLAZO

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NACHA ALJARO

ALBA BABIK

XAVI MARTIN

JOSEP SABUGO

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AIDA LIROLA

CHECHU PAJARES

MAROUANE JOUBBA

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DANIELA CARVALHO

TINA RIERA (FOTOGRAFÍA GANADORA)

SERGI BARNET

MORENO BLANCO

ANDREA COARMAS

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REVIEW / COSTA BRAVA / 16TH AUGUST

ESCÁPATE DE VERDAD CON GINMG F: EVA VILLAZALA Y GINES PEDRERO

Gin MG está fabricado en Vilanova i la Geltrú, una ciudad costera con tradición pesquera. La tierra que lo vio nacer es rica en muchas cosas, no sólo en gastronomía y cultura, también en diversión. Este verano, Gin MG se propuso mostrarnos los ingredientes reales de una escapada auténtica, muy cerca de casa, recuperando esa tradición y autenticidad de los lugares con historia, como la misma ginebra anfitriona. Nos invitaron a una jornada muy especial que trascurrió en Catalunya, concretamente en la Costa Brava, donde pudimos “escaparnos de verdad” sin que faltara el buen comer, el buen beber, la música y la adrenalina. La cita comenzó en el Hotel Aromar de Platja D’Aro, un emplazamiento en primera línea de mar donde pudimos contemplar el amanecer mediterráneo. De ahí viajamos a L’Escala para disfrutar de una comida en el restaurante Ultramar, situado de forma privilegiada con vistas a la bahía. Las anchoas al viento y su maravillosa paella, así como su cuidada decoración retro marinera abrieron nuestras ganas de aventura. Con el estómago saciado nos dirigimos a L’Empordà donde nos esperaban los chicos de Globus Empordà con el gas encendido y un gran globo amarillo dispuesto a elevarnos por los aires. La paz que se respira a unos 1.000 metros de altura no se puede explicar, el silencio, únicamente alterado por la recarga de gas, es el más puro que se puede sentir. Tras esta recarga de energía, nos dirigimos al Festival Cap Roig, donde los míticos y genuinos Hombres G nos hicieron cantar y volver a una adolescencia poco olvidada a golpe de Sufre Mamón y Marta Tiene un Marcapasos. El tiempo pasa pero puede hacer una parábola en cualquier momento, éste fue uno. Un revival adolescente invadió las gradas, a todos por igual y David Summers pudo descansar su garganta porque los que cantábamos a todo trapo, éramos nosotros. Tras esa descarga, la jornada acabó de la mejor forma con una mesa reservada en Via Veneto, el restaurante de Estrella Michelin donde degustamos platos como exquisitos langostinos en ensalada y tomates de Pagés y en nuestro caso, un delicioso pescado de la lonja de Palamós al horno con arroz de carabineros, coronado con un original helado de romero como postre y un Gin MG rosa (hecha a partir de fresas maceradas) para brindar por una escapada de verdad. Gin MG is manufactured in Vilanova i la Geltrú, a coastal city with a fishing tradition. The land that gave birth to it is rich for many reasons, not only for its gastronomy and culture, but also for the fun. This summer, Gin MG set out to show us the real ingredients of an authentic getaway, near home, recovering that tradition and authenticity of the places filled with history, just like the host gin. They invited us to a very special day that took place in Catalunya, specifically on the Costa Brava, where we were able to “truly escape” without missing good food, good drinking, music and adrenaline. The appointment took place at the Hotel Aromar in Platja D’Aro, a site on the seafront where we could contemplate the Mediterranean sunrise. From there we traveled to L’Escala to enjoy a meal at the Ultramar restaurant, located in a privileged spot with views of the bay. The anchovies hang and exposed to the wind and its wonderful paella, as well as its retro marine decoration, opened our desire for adventure. With our stomach sated we went to L’Empordà where the guys from Globus Empordà were waiting for us with the gas on and a big yellow balloon ready to rise through the air. The peace that is breathed at about 1,000 meters high can’t be explained, the silence, only altered by the recharge of gas, is the purest that you can feel. After this energizing experience, we headed to the Cap Roig Festival, where the mythical and genuine Hombres G band made us sing and return to a little forgotten adolescence. Time goes by, but it can make a parable at any time, and this was one. A teenage revival invaded the stands, everyone equally, and David Summers could rest his throat because the ones to sing loud were us. After that unleash, the day ended in the best way with a reserved table in Via Veneto, the Michelin star restaurant where we tasted dishes such as exquisite prawns salad and fresh tomatoes and, in our case, a delicious fish from the Palamós fish market cooked in the oven with rice and red prawns, topped with an original rosemary ice cream for dessert and a pink Gin MG, natural strawberry gin, to toast for a true escapade.

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T: INÉS DÍAZ

REVIEW / BERLIN / 31ST AUGUST - 2ND SEPTEMBER

BREAD && BUTTER by ZALANDO: EL MAYOR POP-UP URBANO www.zalando.de/breadandbutter Este verano, el paso de agosto a septiembre ocurrió durante un fin de semana, y Zalando y lamono lo hicieron mágico. Aún con arena en el pelo, tras unos merecidos días descanso en la playa, viajé a Berlin, con todas mis ganas. El objetivo: asistir a la tercera edición del pop-up masivo de cultura y estilo urbano patrocinado por Zalando en la mítica feria Bread && Butter. Pudimos admirar así lo mejor de Zalando, que es ni más ni menos la mayor tienda online europea de moda. Empecé pues el mes llenándome de inspiración sobre moda, diseño, música, danza, artes escénicas y visuales contemporáneas de lo más underground. Ubicada en Berlín Arena, un antiguo edificio industrial que en 1927 fue una terminal de autobuses, Bread && Butter by Zalando se llenó de gente y de momentos especiales y eventos únicos, como uno puede esperar. La primera noche, la legendaria Ms. Lauryn Hill estuvo cantando para nosotros entre otros músicos, cantantes y djs, como Sheck Wes, Paigey Cakey, Jaden Smith, Princess Nokia, IAMDDB, Kitty Ca$h, Shygirl, Jam City, Hamza, Slowthai, Stefflon Don y MØ. ¡Una lista casi interminable! La exclusividad nos rodeaba en forma de prendas de ropa, las cuales podías luego customizar en los talleres organizados por las diferentes marcas. Fila, Superga, Carhartt WIP, Vans, Obey, Cheap Monday o los daneses Mads Nøgaard atrajeron nuestra atención por sus talleres de customización y sus diseños, también Pepe Jeans que se presentó con su versátil customizadora Paula Kunkel, 2nnday con Frankie Linden y su aclamado toro mecánico o el taller de Timberland x el diseñador británico Christopher Raeburn entre máquinas de coser. Además, la mayoría de marcas se presentaron con sus diseños exclusivos, como A Bathing Ape y su colección basada en los colores de la feria (azul y rosa); la tienda londinense de zapas y ropa Vans vintage coleccionable Pillow Heat; Nike con sus Air Force 1 Jester y adidas que nos mostraron sus nuevas 90’s Falcon antes de que estuviesen en venta en cualquier otro lugar; The North Face obsequiaba con sus productos a aquellos que poseían habilidades de escalada, difundiendo así la idea de que los muros están para ser traspasados; Columbia y su catapulta con la que lanzábamos pintura hacia camisetas que pasaron a ser únicas; o Vans que, por registrarte días antes en su web, conseguías unas Old School completamente nuevas y blancas para posteriormente customizarlas en el inmenso taller que colocaron, creando un ambiente de lo más underground con sus módulos para aquellos que desearan patinarlos o probar unas clases de skateboarding junto a su propio escenario de música. Todos pensaron de manera creativa y original. Y entre tantas actividades, podíamos descansar junto al río Spree disfrutando de vistas privilegiadas del lugar saboreando el famoso kebab vegetariano de la tienda ambulante berlinesa Mustafa. Tan famoso es que tiene su propia colección de ropa con Diesel. Así se reunieron nuestras marcas favoritas de todos los tiempos y cada una montó su propio universo consiguiendo que el público interactuara de la manera más divertida con los productos. Todo estaba pensado para destacar como algo fuera de lo común, sin olvidar mencionar a Wrangler, Asics, Reebok y su propio Diner americano de donuts coloridos que reflejaban la esencia de sus zapas Aztrek silhouette, o el Pop-Up de Converse donde por la compra de unas zapatillas podías elegir entre hacerte las uñas o el pelo. El mayor boom fue conocer la moda más transgresora de origen alemán, como la de Sucuk & Bratwurst o 032c, revista que tiene su propia línea de ropa y Superconscious que junto a otras marcas, Veni Vedi Vici Paris, 8IGB, A.A. Spectrum, Used Future o Perks and Mini, hicieron una brillante actuación en forma de fashion show con los performers del colectivo Birdmilk (podéis echarle un vistazo ya en Internet). Las artes visuales y escénicas nos envolvieron y bailamos mucho voguing, trap, el techno del artista de audiovisuales Lucas Gutierrez x Puma y otros estilos musicales en fiestas nocturnas o mientras veíamos las coreografías de la pasarela de Topshop Topman. Por último y no menos importante, debo recalcar que lo que más nos fascinó fue ese deseo e ilusión que hay de cambiar en el mundo de la moda para conseguir un futuro sostenible y así no perder la esencia, como se mostró en la charla entre Jaden Smith y G-Star, quienes han estado colaborando juntos en una colección sostenible que será lanzada a finales de este año. La exhibición “State of Fashion” promovió también este concepto mostrando su colección hecha con ropa reusada. Su creadora, Renee van der Hoek habló junto con la diseñadora Bethany Williams, pero también Timberland x Christopher Raeburn y el equipo de Pepe Jeans sobre crear una industria de la moda más sostenible. Y otras charlas muy enriquecedoras a las que se unieron iconos culturales y sociales internacionales como Jazzelle Zanaughtti (@uglyworldwide), Gully Guy Leo y Emily Oberg sobre moda en Instagram y cómo las redes sociales han cambiado esta industria. Yo os aconsejo que no os perdáis cómo ellos lo están cambiando en sus redes. Por último un agradecimiento especial a Ana Feijoo del equipo español de Zalando Berlín por el apoyo en esta experiencia de tres días. Por último un agradecimiento especial a Ana Feijoo del equipo español de Zalando Berlín por el apoyo en esta experiencia de tres días en los que pudimos capturar la verdadera esencia del B&&B.

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Zalando and lamono made magic the weekend on which August and September joined together in the summer of 2018. Still with sand in my hair after a few well deserved days on the beach, I travelled to Berlin with a great eagerness. The goal there was to attend the third edition of the massive pop-up of culture and style, mainly urban and streetwear, that is sponsored by Zalando every year in the mythic fair Bread && Butter. The B&&B made real that Lamono could experience the best of Zalando in person, that is none other than the major European online fashion store. Therefore, I started September being filled with inspiration about fashion, design, music, dance, performing and visual arts, utterly contemporary and underground. The complex(es) in Berlin Arena, formerly a bus terminal in 1927, was full of special moments and unique events, as one could expect. For instance, the night before the 1st, the legendary Ms. Lauryn Hill was singing there for all of us amongst other musicians, singers and djs like Sheck Wes, Paigey Cakey, Jaden Smith, Princess Nokia, IAMDDB, Kitty Ca$h, Shygirl, Jam City, Hamza, Slowthai, Stefflon Don, MØ and many others. Such an endless list! The exclusivity surrounded us in form of pieces of clothing, which one could customize in the customization workshops installed by the different brands. Fila, Superga, Carhartt WIP, Obey, Cheap Monday or the Danish Mads Nøgaard drew our attention because of their customization workshops and designs, especially Pepe Jeans that brought its versatile customizer Paula Kunkel, 2nnday with Frankie Linden and their acclaimed mechanic bull or the workshop hosted by Timberland x the British designer Christopher Raeburn within sewing machines. Moreover, most of the brands brought their exclusive designs to B&&B, like A Bathing Ape and its collection based on the B&&B colours (blue and pink); the London’s collectible vintage Vans garments store, Pillow Heat; Nike with its Air Force 1 Jest and the new 90’s Falcon Adidas before they were on sale on any shop; The North Face were giving away their limited designs of their Pinnacle Project to those who have climbing skills, spreading the idea that all walls are made to be climbed and never to divide; Columbia and its catapult with which we threw balloons full of painting towards t-shirts that became one-off; or Vans which gave away some pairs of white and new Old School to be customized by oneself in the immense workshop they set, creating a pure street environment with their modules to those who wanted to skate or try a skateboarding class next to their own music stage. All of them thought outside the box. Within all these activities, we could take a break next to the river Spree, enjoying the privileged views of the area while we ate an acclaimed Gemüse kebab made by the Berlin street stall Mustafa. It’s so famous that they have a clothing collection with Diesel. Our favourite brands of all times where reunited and they created their own universe in which the public could interact or play in the funniest way with their products. Everything was thought to be exceptional and let’s not forget to mention Wrangler, Asics, Reebok and its own colourful Pop-Up Donut Diner, reflecting the essence of their Aztrek silhouette sneakers, or Converse’s one in which one could have their nails or hair done after buying some shoes. The boom was to be able to know the most innovative and defiant German fashion with Sucuk & Bratwurst or 032c, a newspaper which owns its own clothing line and Superconscious, who along with other brands, Veni Vedi Vici Paris, 8IGB, A.A. Spectrum, Used Future o Perks and Mini, made a brilliant performance as their fashion show with the Birdmilk Collective performers (anyone can watch them now on the Internet). Visual and performing arts got us involved in dancing voguing, trap, techno by the audiovisual artist Lucas Gutierrez x Puma and other music styles on evening parties or while we were looking at the choreographies of the Topshop Topman fashion show. Last but not least, I must stress what fascinated me the most was the hope and enthusiasm of changing the fashion industry for better, aiming to achieve a sustainable future as it was shown in the talk between Jaden Smith and G-Star, who have been collaborating together on a sustainable collection that will be launched later this year. The exhibition “State of Fashion” also promoted this concept, showcasing their collection which don’t aim to be divine to the eye, but to be sustainably made with reused clothes, and its creator, Renee van der Hoek, talked with the designer Bethany Williams about this theme. Many other educative talks had place in hands of international social and cultural icons like Jazzelle Zanaughtti (@uglyworldwide), Gully Guy Leo and Emily Oberg about fashion in Instagram and how social networks have changed this industry. You better don’t miss how they are changing it in their social nets. Special thanks to Ana Feijoo of the Spanish department in Berlin Zalando for the support in this 3-days experience and letting us capture the essence of the B&&B.

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lamono presenta:

“FOR THIS” Realizado y producido por Hic&Nunc Films

ADHOC es el nombre tras el que se esconde David González, un constructor autodidacta que creció rodeado de motos, entendiéndose y comunicándose de forma natural con ellas. Su pasión le llevó a dejar su trabajo anterior para dedicarse plenamente a la construcción, creando ADHOC Caferacers, la marca con la que desarrolla customizaciones únicas, fundiéndose con cada una de las máquinas que crea. Solo hay que ver cómo las mira. Presentado por lamono magazine y producido por Hic&Nunc Filmworks, el pasado jueves 13 de septiembre pudimos disfrutar en el ACE CAFE BARCELONA de la première del documental “ForThis”.

Crecí rodeado de motos made in spain, amo las motos desde pequeño y me gusta dar forma a mis ideas, siempre he buscado en las cosas ese punto diferente o diferenciador…

La cinta es un viaje completo por las andanzas de este emprendedor, pasando un día junto a un outsider de libro que ya se ha convertido en un referente entre los creadores de motos españoles y europeos. David nos contará como nació su afición por este mundo de la construcción y cómo vive su día a día dedicándose a lo que le apasiona. No es un mecánico, no es un diseñador y tampoco se considera un artista, pero con sus propias manos hace que estas máquinas cobren vida como piezas únicas y muy buscadas.

Durante la première, estuvo presente David junto a los autores del documental, que nos contaron su experiencia durante el rodaje. Fue una velada 100% motera en la que amantes de la velocidad y las cosas bien hechas se dieron cita en un espacio increíble como el mítico Ace Café Barcelona, un diner americano con circuito de coche y motos en el corazón de L’Hospitalet. El evento ha sido resultado de la colaboración entre la tienda R2Biker Store, lamono magazine y cervezas Heineken, y en él pudimos ver el corto íntegro entre amigos. Además, pudimos celebrar las cosas bien hechas, la pasión como esencia y por esa sensación vibrante ante una carretera vacía. Esa chispa, ese cosquilleo. Por esto es por lo que muchos viven: por la pasión de recorrer su propio camino a su manera.

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I grew up surrounded by motorcycles made in spain, i love motorcycles since i was a boy and i like to shape my own ideas, i have always searched on things that are different or differentiating…

ADHOC is the name behind which David González, a self-taught builder who grew up surrounded by motorcycles, understands and communicates naturally with them machines. His passion led him to leave his previous job to dedicate himself fully to construction, creating ADHOC Caferacers, the brand where he develops unique customizations, merging with each of the machines he creates. You just need to see how he looks at them. Presented by lamono magazine and produced by Hic & Nunc Filmworks, on Thursday, September 13rd we were able to enjoy the premiere of the documentary short film “For This” at the ACE CAFÉ BARCELONA. The film is a complete journey through the adventures of this entrepreneur, spending a day with this outsider who has already become a reference among the creators of Spanish and European motorcycles and is well known all around the world. David will tell us how his love for this world of motorcycle construction was born and how he lives his day to day dedicating himself to what he is passionate about. He is not a mechanic, he is not a designer and he does not consider himself an artist either, but with his own hands he makes these machines come to life as unique and highly sought-after pieces. During the premiere, David was present with the filmmakers of the documentary, who told us about their experience during the filming and developing the concept. It was a 100% biker evening that joined together lovers of speed and all those things made with passion, gathered in an incredible space like the legendary Ace Café Barcelona, an American diner with car and motorcycle circuit in the heart of L’Hospitalet. The event was the result of the collaboration between the R2Biker Store, lamono magazine and Heineken beers, and in it we could see the full short film for the first time and surrounded by friends. In addition, we could celebrate passion as life’s essence and that vibrant feeling that biker lovers feel in front of an empty road. That spark, that tingling. That’s why many people live for: his way, or the highway.

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#117 · ESSENCE · FALL - WINTER - 2018 DIRECTOR Eva Villazala eva@lamonomagazine.com ASSOCIATE DIRECTOR Julio Amores julio@lamonomagazine.com ART & DESIGN Josep M. Sicart siki@lamonomagazine.com · www.sickart.net REDACTORS Antonella Sonza antonella@lamonomagazine.com TRANSLATION Inés Diaz CONTRIBUTORS REDACTORS Eva Villazala + Antonella Sonza + Vicky Navarro + Inés Troytiño + Samuel Prim + Inés Diaz PHOTOGRAPHERS Eva Villazala + Damià Figueras + Daniel Rodriguez Feria For circulation customer service in Spain please send an email to distribucion@lamonomagazine.com International Distribution: France, Portugal, Germany, UK, US and Australia. For annual subscription please send an email to suscripcion@lamonomagazine.com SUBSCRIPTION / 2 issues per year Spain: 20 euros / Europe: 30 euros / Other countries: 40 euros DEPÓSITO LEGAL: B 51664-03 ISSN: 2014–9395 LAMONO HEADQUATERS: Aribau, 15, 1º 1º, 08011 Barcelona T. +34 932724980

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F: XAVI BARAGONA ®

SURF & SUP / LESSONS / ACTIVITIES RENTALS / SURFTRIPS / SUP YOGA&PILATES SEA WORKSHOPS / ART & EVENTS

WWW.BLUESALTSCHOOL.COM info@bluesaltshool.com / T:+34 674 005 817 - +34 636 82 96 67 / Provençals 3, primera planta, Poblenou, Barcelona

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