Naturaleza

f: nĂşria rius

Naturaleza

staff

il: ana g. lorente (www.analorente.es)

Portada: MARISSA TEXTOR (www.marissatextor.com) Edita: Edicions La Nit., S.L.U. Bruc, 82 bajos (BCN) +34 93 272 49 80. Fax: +34 93 272 49 81 / Dirige: Eva Villazala > eva@lamono. net / Editora Gráfica y coordinadora de contenidos revista impresa: Núria Rius > fotografia@lamono.net / Dirección de Arte & Diseño: Hernán Verdinelli > hverdinelli@gmail.com / Maqueta original: Iñaki Guridi & Pau Aguilar > bang-bang.ws / Música y coordinación de contenidos online: Natalia Brovedanni > natalia@lamono.net / Moda: Xavi Ocaña > xavi@lamono.net / Directora comercial & P.R.: Anthya Tirado +34 615 087 531 > anthya@lamono.net / publicidad@lamono.net / Fotos, blog, vídeos, arte, crítica social & constructiva: yuppi! eff productions (fran gallego & julio amores) / Redactan: Cristina Alaber + Txema Argente + Laia Bonastre + Nati Brovedanni + Clara Duch + Ana Himes + Ferenz Jacobs + Raquel Ruiz + Ana Paula Tovar + Lara Turner / Fotografían: Núria Rius + Owen Richards + Thomas Williams / Ilustran: Emmanuel Lafont / Imprime: Comgrafic S.A. / Depósito Legal: B 516664-03 / Distribuye: Tengo un Trato, S.L > www.tengountrato.com

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>FRASE DEL CIERRE: “Con rabia no se puede vivir” by Núria >HIT DEL CIERRE: Papá Americano versión mambo 2010 by Moreno Negrón Lamono no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores.

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actualidad invigente

t: txema argente / f: alberto saguar

Naturaleza Sumergidos en las vacaciones. Acorralados por el verde. Silencio obligado. Los animales. Sus gritos. Él decidió abandonar la seguridad del albergue para adentrarse en lo desconocido. Pero se sentía bien.

Allí afuera reinaba la paz. O al menos la guerra no iba con él. Rápidamente comenzó a absorber aquellos inexplorados sonidos, los múltiples matices de ese color poderoso y avasallador, a tener conciencia de sus pasos lentos enterrándose en ese espeso fango mezclado con formas desconocidas, de su torpe respiración aturdida de aires calientes pero sabrosos, del sudor ardiente que brotaba por todo su cuerpo empapándolo tenazmente, de la lluvia delgada que comenzó a caer y que se multiplicaba al rozar las grandiosas hojas, golpeando sus reservas, provocando un derrame más aturdidor, más explosivo… aquella lluvia empapó su sudor y fue allí, en ese momento, cuando todo se mezcló. Ya no comprendía nada. Se desbordó por fuera y por dentro. Pasaron minutos en los que no supo si lo que oía, lo que sentía, lo que respiraba era a él mismo, o era aquella cosa. Abría la mandíbula ferozmente, el crujido interno era real, pero el sonido se repetía, violentamente multiplicado el volumen. Hasta sentir que la selva era él, que él era la selva. Se acercó al río. Anochecía. En el horizonte, relámpagos de fuego recorrían las alturas. Muy lentamente, miles de diminutas lucecitas centelleantes, espaciadas en décimas de segundos, nacían en la piel de aquel gigante lecho de agua. Y no pudo más. Llegó la quietud.

Asimiló en un veloz segundo la futilidad, la gran confusión. Corrió hacia el albergue. Abrió la puerta.

Ansioso. Pero ella seguía lejos.

monotema

amor animal

il: www.emmanuellafont.com

t: laia bonastre

AMBIGUOUS / Circus

VANS / Safari mood

La marca Ambiguous empezó en los noventa con una idea muy sencilla: diseñar ropa que sus amigos, la mayoría artistas, músicos, skaters y snowboarders quisieran llevar. Sin perder de vista sus orígenes, la nueva propuesta de Ambiguous, llamada Circus, está hecha pensando en todos ellos (vosotros). En general les ha salido una colección muy invernal, dominada por la lana, el algodón y la franela, entre otros materiales aislantes del frío. Eso, unido a los tonos cálidos y estampados especialmente en camisetas y camisas de cuadros, nos remite a un encuentro con nuestros amigotes en una acogedora cabaña perdida en los montes de Alaska.

Soñar, imaginar y creer que estás en otro escenario puede hacerte desconectar en un momento pero también caer en una profunda impotencia al despertar.

Para acercarnos lo máximo posible a nuestro sueño, Vans se viste de Safari y nos lleva a las estepas africanas este otoño. Toda la colección viene marcada por tonos grises, verdes y marrones, colores de la tierra.

Tanto los sombreros como las zapatillas o las chaquetas ofrecen un acabado muy detallista y limpio realizado con tejidos muy agradables y fáciles de llevar. ¡Vuelve a irte de vacaciones!

www.ambiguousclothing.com

www.vans.com

imperdibles

Diesel / El hilo de la creatividad Arte, creatividad, innovación. Tres palabras siempre presentes en las colecciones de la firma italiana Diesel y más que nunca en su nueva colección de jeans 5pockets para el próximo otoño. La propuesta gira alrededor de cables y cadenas interpretados aquí como diferentes hilos que recorren el tejido. Se trata de una fuerte declaración con un espíritu punk contra la masificación demostrando su lado creativo y artesano. Las chicas expresan su glamour a través de pequeñas cadenas cosidas en sus bolsillos traseros, en los lados y en parches aplicados a los tejanos. Todos los modelos son de talle estrecho y están disponibles en diferentes lavados y pigmentos de color. Como siempre, el hilo de la creatividad perdura en todos los jeans de Diesel. www.diesel.com

imperdibles

PROTEST / The final countdown

POINTER / Alice

Cuántas veces nos hemos encontrado con mil y una tareas que hacer y solo pensamos en lo que nos espera al finalizarlas, ansiosos por eliminar el estrés, los madrugones, el tráfico, las prisas y las cosas que nos aburren. Protest empieza la cuenta atrás para su nueva colección de invierno, poniendo fin a esa monotonía que tan eterna se hace arriesgando en color, diseño y estilo para aquellos amantes de la nieve y la diversión. Una colección de las más llamativas, invadida por estampados geométricos, sombreados gráficos y una gran selección de texturas.

Pointer apuesta por un calzado simple y casual diseñado con gusto. La marca, muy asociada al arte y al diseño gráfico, sabe perfectamente lo que busca con cada modelo transmitiendo en todos ellos su pasión por las formas originales que no pierden la funcionalidad en ningún momento. En esta colección destaca el mocasín Alice sólo para chicas. Un modelo casual que se puede llevar en diferentes ocasiones y está disponible en tres colores. Cuando se tiene muy claro el objetivo, la comodidad y el diseño van de la mano de forma natural. www.pointerfootwear.com

www.protest.eu

imperdibles

t: alia bonastre

REPLAY / Sentimiento grunge

CONVERSE / Juega con estilo

Por mucho que lo intentemos, miremos hacia adelante y reinventamos, nunca nos podremos desprender de aquellos tiempos míticos de los 90 a.k.a grunge y junto a él nuestro querido y eterno Kurt Cobain. Nos encontramos en Seattle, donde una multitud de diferentes influencias culturales se interponen y los edificios están rodeados de árboles y parques. Y eso es la fuente de inspiración de la próxima colección de Replay. Los diseños nos ofrecen un look contemporáneo mezclando los tejidos clásicos de montaña con otros más técnicos de una forma original. El denim continúa teniendo una gran influencia en todas las categorías con un intenso sabor vintage.

Hoy en día ya no importa qué haces, a qué juegas, dónde vas y en que te diviertes, sino cómo. Converse nos invita a jugar con originalidad y energía mediante el lanzamiento de una línea ampliada de sneakers Star player dentro de su colección de otoño 2010. Las zapatillas vienen en colores pop con partes superiores que simulan calcetines, otorgándoles un aire retro. Además, para aquellos que no sean muy fans de los colorines, se puede optar por un toque más relajado con las Star Player Ev leather realizadas con cuero de primera calidad y colores básicos.

www.replay.es

www.converse.es

imperdibles

GAS / La experiencia es un grado Cumplir 25 años cosechando éxitos en una trayectoria marcada por la pasión y la satisfacción por el trabajo bien hecho es motivo de celebración. GAS ha llegado a su cuarto de siglo, con la consiguiente sabiduría que los años otorgan. Manifesto “25 days: a true life project” es una publicación especial y limitada mediante la cual la firma italiana de denim recopila su filosofía e ideales.

Para realizar el proyecto, GAS congregó a un grupo de jóvenes talentos vinculados al diseño editorial en sus oficinas durante 25 días seguidos, participando en una residencia artística marcada por la libertad de creación de cada uno de ellos en su interpretación y visión de la marca. El resultado de todo ello es un libro que contiene nueve capítulos que explican su trayectoria centrándose en sus valores y concepto, siempre con la intención de definir y afrontar los desafíos de futuro.

LEE / Jeans will never die Si ya buscas de nuevo tus tejanos Lee en el armario es que ya ha comenzado a bajar la temperatura y aunque el final de verano llega en octubre, algunas veces, por la noche, en alguna parte de la geografía española ya es necesario taparse. Pre-lavados, clásicos, pitillos, oscuros, entintados, Lee los tiene todos, por eso es el rey del demin desde hace más de cien años. Es triste que se acabe el verano, pero da pie a que comience el otoño y con él, los paseos por la ciudad y la sensación de poder respirar aire fresco de nuevo. Como cada año, los agujeros, las manchas, la no-dieta hacen que tengas que renovar el armario y que mejor que des el primer paso adquiriendo la prenda más imprescindible de todas, esa que recuerdas haber usado desde adolescente y que, aún hoy, conquista lo más honesto de tu estilo. Así que alégrate por lo que viene y tápate con estilo.

www.gasjeans.com eu.lee.com

imperdibles

t:

FRANKLIN AND MARSHALL / Old school La nostalgia de lo clásico, de los comienzos, de los buenos tiempos, de la autenticidad y originalidad. La firma italiana se centra una vez más en esta idea nostálgica mostrando una fascinación por el pasado y la modernidad del presente. La nueva colección para este invierno nos propone volver al concepto del vintage y el sportwear y los uniformes de las universidades americanas. Sudaderas, camisetas y pantalones incorporan este efecto de lo envejecido que tanto gusta a la marca. ¿La prenda de la temporada? La eterna teddy jacket, chaqueta de felpa, disponible para chico y chica y en diferentes versiones; pero todas ellas con detalles originales inspirados en el estilo college. www.franklinandmarshall.com

INSIGHT / Be a rock girl Siempre hay una primera vez para todo. La marca australiana Insight se estrena este otoño con el cuero en su colección de chica. Sin perder ni un ápice de ese estilo rockero y punk que tanto nos gusta, Insight trabaja la piel dándole un aspecto usado que nos remite irremediablemente a los 80, resaltando el estilo grunge de toda la colección. Dos prendas imprescindibles para este invierno son la falda de talle alto de cuero en varios colores y los shorts negros, ambas combinadas con unas botas de biker que contrastan la dureza con la sensibilidad. www.insight51.com

imperdibles

t laia bonastre:

VASUMA / Venganza con estilo Los “cuatro ojos” se han convertido en el centro de todas las envidias gracias al férreo propósito de Vasuma eyewear. La marca sueca se desmarca con una nueva colección que invita a la venganza de los que en su momento sufrieron llevar gafas, ya que los nuevos modelos no tienen desperdicio. Su estilo se define por un toque retro y a la vez moderno, sin perder la austeridad propia de los productos suecos. www.vasuma.com

ELEMENT / Wolfeboro collection Autenticidad, calidad y durabilidad son los valores que uno siempre intenta buscar a la hora de comprarse ropa. La nueva colección de Element, a la que han bautizado como Wolfeboro, un pequeño pueblo de montaña de los Estados Unidos, incluye todos estos elementos tan difíciles de encontrar. Las prendas destinadas a ellos incluyen las tradiciones de la firma combinadas con el estilo de vivir de Wolfeboro, marcado por la simpleza y la naturalidad. Las chaquetas se han elaborado siguiendo un bonito y útil diseño que hará tus inviernos menos duros. www.elementeurope.eu

imperdibles

t: laia bonastre

URBANEARS / Diseño funcional Escuchar música en cualquier momento y situación sin perder el estilo. Esto es lo que ofrece Urbanears a los melómanos más exigentes: calidad, individualidad y expresión. La firma sueca se presenta en tres modelos diferentes, Plattan, Tanto y Medis que están diseñados para optimizar la reproducción del sonido. Los diseños se combinan en 14 colores, todos con un acabado mate que no pierde de vista ningún detalle. Además, vienen con control remoto y micrófono compatible con los móviles más “in” del mercado. www.urbanears.com

WESC / Buon appetito Dicen que un buen vino es el que madura y mejora con el paso de los años. Además el preciado líquido nunca es secundario en la cocina, ya que cuando está bien combinado eleva la experiencia gastronómica un nivel superior. La firma sueca Wesc ha usado esta teoría para lanzar su nueva colección. Inspirada en lo oscuro, lo absurdo y lo sensual, los suecos siguen en su línea combinando gráficos y estampados con básicos y cortes limpios. Lo que no tiene desperdicio son los nuevos monos estampados para chica que nunca antes habian diseñado. Definitivamente, la Superlative Conspiracy ha madurado y ha mejorado con los años. www.wesc.com

quiksilver.com

wrangler.com

nike.com

loisjeans.com

protest.eu

gio-goi.com

nudiejeans.com

l-r-g.com

herokid.es

roxy.com

www.ambiguousclothing.com

replay.it/wearereplay

www.bastard.it

vans.com

lee.com

franklinandmarshall.com

55dsl.com

wesc.com

elevenparis.com

obeyclothing.com

disparador automático

t: eva villazala / f: núria rius

¿Qué tienen para ti en común la música y la naturaleza?

La música es parte del reino natural, surge de mí sin preocuparme demasiado por ello, brota como una flor o un árbol. Crecí en un pueblecito del Estado de Nueva York que es famoso por su belleza natural, lleno de bosques y cascadas. Siempre he estado rodeada de los sonidos, las luces y los olores de la naturaleza. Eso se refleja en mi música.

¿Cómo surgen las letras y las melodías de tus canciones?

Depende, últimamente me dejo guiar mucho por frases que acuden a mi cabeza como poesía de repente, yendo en el metro o conduciendo. Cuando eso ocurre la escribo rápidamente para no olvidarla. Después desarrollo una melodía y las letras que están vinculadas a esa frase que llegó a mi cabeza al azar.

Empezaste tocando el violín…

Sí, empecé a tocar el violín a los 7 años y estuve tomando clases hasta los 11, ¡lo odiaba! Mis padres me obligaban a seguir estudiando cada año y aunque les preguntaba constantemente si podía dejarlo, nunca me lo permitían. A mí no me gusta la música clásica, por eso abandoné el violín cuando dejé de vivir con mis padres y no he vuelto a tocarlo hasta hace poco (después de 3 años de pausa). A partir de los 15 años empecé a tocar el bajo eléctrico estando en un grupo punk con 3 chicas más. ¡Tenía un mohawk y todo! Luego aprendí a tocar la guitara también. Your Kid Sister surgió hace un año y con este proyecto he aprendido a tocar el acordeón y un piano de juguete.

¿Es importante el entorno en el que te encuentras para crear?

Soy muy sensible al ambiente en el que me encuentro, puedo llegar a ser una persona muy distinta si estoy en Barcelona, en Montreal, en Ithaca (mi pueblecito) o en la cabaña de Canadá donde pasé los veranos de mi infancia. La inspiración para Your Kid Sister me llegó en casa de mi abuela, en el sur de Francia, grabé los primeros temas en mi piso de Montreal, grabé el vídeo de Poison en el “green quiet paradise” de Ithaca y he empezado a darle cara y ojos al proyecto gracias a personas que he conocido en Barcelona, así que definitivamente todo entorno influye a su manera.

¿Por qué Your Kid Sister?

Una noche, mientras estaba en Francia me di cuenta de que cantaba continuamente temas de Rancid. En lugar de gritar las entonaba dulcemente. Entonces me vi como una niña que no entiende el mundo punk, que sólo escucha las canciones como tales. Empecé a tocarlas con armonías dulces, con instrumentos de juguete que encontré a mi alrededor. Your Kid Sister es realmente tu hermana pequeña que ha encontrado los cds de Rancid y se ha puesto a imitarlos.

En estos momentos me siento así. Tuve una fase muy punk, cuando era demasiado joven, dulce e inocente para entender lo heavy que era el punk. Ahora ya no estoy en esa línea, pero me siguen gustando las melodías y las estructuras de las canciones. ¡Además soy hija única y siempre he querido ser la hermana pequeña de alguien!

¿Qué artistas te inspiran no sólo musicalmente sino también en cuanto a estética?

Annette Messager, Robert Rauschenberg, Pascale Comelade, Jean-Michel Basquiat, Joseph Cornell, Michel Gondry, Kumi Korf (mi abuela, artista visual).

¿Por qué elegiste actuar con un lobo de peluche en tu cabeza?

Es todo parte de esa visión que tuve esa noche en Francia. Hay un álbum de Rancid que se llama And Out Come The Wolves y pensé que si una niña leía eso pensaría que iban a venir los lobos de verdad. Cuando actúo soy esa niña que espera la llegada de los lobos con su gorro.

YOUR KID SISTER

Inteligencia emocional Cálida, sensual y profunda, Maia nos da una lección de pureza en pocos minutos. A lo largo de nuestra historia (y prehistoria) la música ha formado parte de las comunidades y Your Kid Sister, con su gorro de peluche en forma de lobo, nos demuestra que hasta el punk puede convertirse en una melodía natural tocada con un piano de juguete. www.myspace.com/yourkidsister

Sólo hace un año que he empezado a grabar y ¡ahora estoy intentando grabar un disco entero Cuéntanos alguna experiencia con un equipo de verdad (no el micro de mi macbook y garageband!) El cambio más radical es reciente que haya supuesto un que tengo que aprender a tocar con otros músicos. Siempre he actuado sola y durante los últicambio/avance en tu proceso mos ocho meses he actuado con cinco músicos diferentes. ¡Estoy en un viaje muy interesante! artístico.

Un animal ≥ Lobo. Una ciudad ≥ Montreal. Una melodía ≥ Take the A Train (Duke Ellington). Una canción ≥ 4 Roses Pour Marie (Pascale Comelade). Una palabra que siempre ayuda ≥ Evolution.

t: cristina alaber

Comprehension

vecinos

Desde uno de los barrios neoyorquinos más emblemáticos, nos llega el trabajo de Joel Speasmaker, un diseñador hábil para adaptarse a las distintas filosofías artísticas que cada soporte requiere. Revistas, libros, páginas webs, todo es válido para este artista que necesitó, en un momento determinado, crear un estudio de diseño que cubriera sus necesidades artísticas. Sus raíces proceden del estado americano de Virginia.

Forest es un estudio de diseño donde… se exploran ideas y conceptos concretos, se estudian ofertas visuales de interpretación muy personal, y además, se investigan procesos de pensamiento. El diseño gráfico y la ilustración son los instrumentos para tales fines.

Forest

Coherencia emocional

www.thisisforest.com

Un estudio en Brooklyn… He vivido y trabajado en Virginia toda mi vida. Necesitaba un cambio y me trasladé a Los Angeles. Al año me decidí a viajar de costa a costa para instalarme en Nueva York. Aquí soy mucho más feliz.

Forest nació para… dar un cambio a mi vida. Finalicé mis estudios y tuve el presentimiento de que la creación de mi propio estudio era el siguiente paso. Eso fue hace ya seis años.

Te inspiras en… Lo absoluto versus lo relativo.

The Drama Magazine fue… una revista anual que publiqué entre 2000 y 2007 y que todavía tiene la capacidad de despertar en mí una mezcla de sentimientos muy profundos. Todo empezó como un encuentro entre amigos y más tarde fue creciendo hasta que se convirtió en lo que consiguió ser en su día, una gran publicación. De hecho, me siento muy orgulloso del trabajo que se hizo en The Drama, aunque un día decidiera darle fin. Había muchos aspectos del negocio de las revistas que no me convencían. Gracias a este proyecto tuve la oportunidad de conocer a gente increíble y eso es una de las principales cosas que quiero recordar de todo ello.

Las páginas Think Faest en las que trabajas para Faesthetic magazine son… una manera de mantenerme en contacto con todos los profesionales que conocí mientras trabajé en The Drama. Dustin Hostetler, editor de esta revista, es uno de ellos.

Autopublicas series de Small Books… porque me encanta ver las cosas en su fase final. Me gusta diseñar, por supuesto, pero ver los libros y las revistas en su forma impresa me fascina. Cuando editaba The Drama, tocar la revista en papel me daba la sensación de trabajo acabado. Ahora con las series de libros es lo mismo, pero sin restricciones. Publico cuando quiero, sobre lo que me apetece, con las páginas

que considero convenientes. Me gusta emocionarme con algo otra vez. He finalizado el primer set de cinco libros y cuando me tome un descanso espero ponerme pronto con el segundo set.

Todo artista tiene un trabajo favorito… El mío es Mind/Spirit, una exposición que hice el año pasado formada por varias impresiones, un Small Book y un motion/sound. Disfruté mucho en la creación de este trabajo que me dio la oportunidad de colaborar con varios amigos.

Antes de Forest… lo cierto es que no hay mucho.

Aunque me gusta remarcar que antes de que mi estudio naciera, cuando estaba estudiando, fui bastante afortunado ya que tuve la suerte de trabajar para Drew Ungavarsky, el ahora propietario de la revista Grow Interactive.

El arte del cómic… es una forma artística que me ha ofrecido, y de hecho todavía lo hace, muchas posibilidades de creación, tantas como he sabido manejar.

Ahora estás trabajando en… un libro que estoy diseñando con mucho esmero para un amigo.

Un proyecto para el futuro… otro libro. Pero centrado en lo que fueron los trabajos que se publicaron a lo largo de los nueve años de vida de la revista The Drama.

la de portada

t: clara duch

MARISSA TEXTOR

Drawn to be wild La fascinación del ser humano por la naturaleza viene de lejos. Paisajes agrestes o bucólicos han sido protagonistas de las más refinadas obras de arte, desde la pintura hasta la literatura. La belleza natural es capaz de provocar y, aún hoy, inmersos en la era digital, jóvenes sensibilidades como la de Marissa Textor (California, 1986) no son ajenas a tal expresión.

Si Baudelaire escribía que “el embelesamiento universal de las cosas no se expresa por ruido alguno; las mismas aguas están como dormidas”, Textor consigue plasmar la naturaleza más rumorosa a través de una hiperrealidad conjugada en el dibujo. Con sus delicados y precisos trazos de grafito, nos inculca su atracción por el entorno. Marissa no inventa, la naturaleza salvaje (o no) está ahí fuera.

lamono / núm. 66 / septiembre ’10

Desde muy pequeña dibujé con una gran dosis de creatividad, pero nunca fui uno de esos niños que andan garabateando todo el día. No tenía ese tipo de imaginación, necesitaba más estructuras. Durante toda mi niñez tomé clases de arte, así que a través de esta experiencia tuve muchos años para experimentar y, a medida que iba aprendiendo, fui estableciendo mi estilo de dibujo. Pienso que es muy importante entender la naturaleza para entendernos a nosotros mismos. Al fin y al cabo, venimos de la naturaleza y sin una buena relación con ella no estaríamos aquí. Todo y todos contamos y dependemos siempre de otra cosa, y sin este balance podría desbaratarse el conjunto. Creo que nos hemos alejado tanto de este concepto que a veces nos es difícil entender por qué suceden ciertas cosas.

Siempre he adorado estar en el exterior y encontrarme con la naturaleza más épica y las condiciones temporales más dramáticas. Me parece que las experiencias especiales con la naturaleza suceden cada día, simplemente hay que estar atento para darse cuenta de ello.

Algo tan simple como la iluminación a una cierta hora del día puede ser muy mágico y tener el poder de transformarlo todo. Muchas veces intento antropomorfizar el paisaje para describir emociones humanas muy complicadas. La naturaleza tiene una manera muy simple y elegante de descifrar las cosas de esta forma. Supongo que me considero a mí misma una artista hiperrealista, pero no es algo que me haya propuesto ser. He intentado muchas otras aproximaciones con el arte y este proceso parece ser el que encaja mejor con mi manera de trabajar y con lo que me interesa. Conozco a otros artistas y escultores que son mejores en la abstracción que yo, por eso dejo que sean ellos quienes lo hagan. Mis padres infundieron en mí el amor por la naturaleza y desde muy pequeña me enseñaron la importancia de proteger nuestro medio ambiente. El tema me interesa como artista pero no quiero limitarme a ello. Gran parte de mi trabajo tiene que ver con este sujeto y, a pesar de que no me gusta que mi obra este relegada a un periodo específico de tiempo, el tema de la naturaleza parece ser una de las pocas cosas que lo trasciende. Creo que pone menos limitaciones al trabajo y que tiene la habilidad de alcanzar una audiencia más amplia. Estudiar geografía en la universidad me enseñó que todo tiene una causa y un efecto y

que las cosas suceden por alguna razón. Un árbol crece en un cierto lugar o una ardilla vive en una determinada altura de la montaña por una variedad de condiciones.

Es una forma muy básica de mirar. Suelo concentrarme en la elaboración de un solo dibujo, sin alternarlo con otros. Cada pieza requiere un proceso diferente para terminarlo, por eso es más fácil trabajar con uno del principio hasta el final que ir de uno a otro. Requieren un proceso lento y normalmente tardo de dos semanas a un mes para terminarlos, o hasta dos meses con las piezas más grandes. Primero solía pintar exclusivamente con óleos pero cambié al lápiz hace algunos años porque sentí que encajaba mejor con el sujeto principal.

También pienso que existe una tan larga y exhausta tradición con la pintura que es difícil escapar de ella, hay que reconocerlo cuando estás haciendo una nueva obra, especialmente centrada en paisajes. Desde que mi trabajo es realista, también uso mucho la fotografía como referencia. Me encanta viajar, pero mi inspiración creo que tiene que ver mucho con el folklore del paisaje.

Viviendo en la costa oeste de los Estados Unidos, uno crece tanto con esa historia del salvaje oeste que el paisaje todavía forma una parte muy importante de nuestra cultura. No tanto en el sentido literal como en el estilo de vida de la gente que vive aquí. Este paisaje tiene sólo cien años, lo que lo convierte en muy reciente si se compara con una gran parte del mundo. Por eso ese sentido de espacio abierto y libertad está aun en nuestra memoria colectiva como sociedad. Y creo que eso ha tenido una gran influencia en mí. La fotografía me inspira muchísimo y me relaciono con ella mucho más que con cualquier otra forma de arte. Me parece que hay un nuevo movimiento de jóvenes fotógrafos que focalizan fuertemente su trabajo en la naturaleza y yo me identifico mucho con estas ansias suyas de querer conocer el mundo. www.marissatextor.com

t: lara tuner

Noll tva owl / Tiger

ilustración

La naturaleza puede ser humana Una hermana mayor con talento

artístico es siempre una buena influencia y una gran fuente de inspiración.

También lo es apreciar el trabajo de maestros como Hiroshige y Hokusai o sentir obsesión por la ciencia ficción, el espacio y los paisajes imposibles. Además de esto, Claire Scully es una apasionada de la naturaleza y la convierte en el verdadero punto de partida de su proyecto artístico. La observa, desde la ventana de su estudio o desde su huerto, y analiza cómo ésta, poco a poco, consigue interactuar con el caos de la ciudad. Las ilustraciones y piezas resultantes son un “rastrillo de estilos” aunque, según ella, responden cada vez más a una mezcla ecléctica de influencias. Y es que ya se sabe, la naturaleza es asombrosa. Pero la ciudad también.

Pienso y vivo mi vida en imágenes. Soy Claire Scully, resido en Londres y me gusta definirme como ilustradora, quizás como ilustradora gráfica. The Quiet Revolution es mi manifiesto, la comunicación de mis ideas. Me apetece pensar que mi trabajo puede estar influyendo a alguien para bien. También es el título de mi proyecto final del master en Communication Design que estudié en Central Saint Martins y desde 2006 ha permanecido conmigo. Mi investigación giraba alrededor de la relación que se establece entre el entorno urbano y el mundo natural. En muchos aspectos, este argumento todavía es el punto de partida de mis trabajos. Mis primeros contactos con el mundo del arte fueron de niña. Mi hermana mayor tiene un gran talento y creaba dibujos sensacionales para que yo los coloreara. Mi madre, mi hermano y mi padre también saben dibujar así que creo que, en este caso, el talento creativo me viene de familia, una genética afortunada. A medida que fuimos creciendo, ella fue mejorando y yo tuve una buena profesora y un alto nivel al que aspirar. Después me han ido enseñando

a ser inquieta en mi trabajo y a seguir planteándome retos.

Esto me permite mantener mis creaciones siempre frescas. Cuando comencé, tenía estilos muy diferenciados. Mis ilustraciones eran muy distintas del trabajo con el ordenador. Ahora, todo lo que elaboro está mucho más integrado.

El proceso de aprendizaje te ayuda a coger confianza en aquello que haces y en cómo eliges hacerlo. Me gusta experimentar con diferentes medios, favorece que las cosas sigan siendo interesantes. Pintura, dibujo, fotografía, tipografía y collage digital; incluyo todas estas disciplinas en mi trabajo porque me ayuda a mantenerme inspirada, cada una de ellas enriquece a la siguiente. Si dedico mucho tiempo a trabajar con un solo proceso creativo, normalmente, antes de terminar el proyecto, me siento cansada.

Así que cambio de método y canalizo, por un momento, la energía en una dirección diferente. Un cambio es tan bueno como un descanso. Habitualmente empiezo la mayoría de mis trabajos utilizando la fotografía. Mi cámara me acompaña siempre y, aunque algunas veces investigo mucho

www.thequietrevolution.co.uk thequietrevolutionblog.blogspot.com

Root drawing

This tiny world

Feather drawings

antes de comenzar, en otras ocasiones, las cosas sólo surgen porque sí. Después, dependiendo del tipo de proyecto, elijo entre el ordenador o el dibujo. Me gusta pintar con acuarelas y dibujar con bolígrafo y/o lápiz. Suelo hacerlo en mi mesa de trabajo, rodeada de mis libros y de todos aquellos trastos que encuentro inspiradores. Mi mesa y mi pared son como un cuaderno de bocetos viviente, en tres dimensiones. También tengo comederos para pájaros alrededor de mi ventana, para traer la naturaleza un poco más cerca de mí. La naturaleza es básica, tal y como debe ser. Nos brinda todos los colores. Es crecimiento, es optimismo, es aterradora. Es asombrosa. Así que estoy de acuerdo con que esta palabra se puede vincular totalmente a mi trabajo artístico. Incluso cuando utilizo el ordenador, trato de mantener un sentido orgánico en todo lo que hago, un proceso creativo natural.

Habitualmente creo animales pero me es imposible elegir uno como favorito. Todos ellos aportan algo único al mundo, desde el insecto más diminuto hasta la bestia más poderosa. Me encantan los animales que viven felizmente entre el caos humano. También doy mucha importancia a la ciencia ficción, una de mis obsesiones junto con el espacio y las plumas. Una vez, un profesor me dijo “debes tener obsesiones para crear proyectos exitosos”. Creo que estaba en lo cierto. El trabajo que creas a partir de una materia que amas tiende a comunicar mucho mejor tus ideas. Por otra parte, también me gustaría pensar que la palabra naturaleza define mi estilo de vida. De hecho, considero que Londres es una gran ciudad verde. Parte de la inspiración para el proyecto The Quiet Revolution surgió al mirar el musgo que nacía en los ladrillos de las paredes o las plantas que crecían encima de los tejados. La naturaleza es bastante persistente. Suelo observarla en el huerto que tiene mi familia en el norte de Londres. Es un oasis en

medio del bullicio. Un entorno natural en el que paso mucho tiempo cuando no estoy trabajando o creando. Aunque, en realidad, me gusta aprovechar el tiempo y ser productiva.

Una de las mejores cosas que me ha sucedido este año ha sido participar en la muestra Pick Me Up en Somerset House. De lejos, el espacio expositivo más extravagante en el que he estado. Aunque mi favorito es The Illustration Gallery en Stroud. Creo que formar parte de muestras colectivas es una buena oportunidad para encontrarte con otras personas que piensan como tú, compartiendo un espacio por casualidad. Estaría encantada de exponer mis obras en otros países de Europa como Alemania, España, Francia o Suecia, donde estoy representada por la agencia NU. Quizás mi página web me ayude a dar a conocer mis trabajos, ya sean comerciales para compañías como Howies, Penguin Books, Universal Records o The Guardian, o propuestas más artísticas como mis series de Animales Enjoyados, el proyecto que actualmente más me enorgullece y que, además, pronto me deparará sorpresas excitantes. Las diferencias entre mis piezas personales y comerciales son evidentes. Cuando hay otras personas implicadas en el proceso creativo, el trabajo toma una nueva personalidad, un híbrido entre tus propias ideas y las de la otra gente. Ideas que, por otra parte, recojo también en mi blog, una especie de cuaderno de bocetos online.

Me gusta mirar los posts antiguos y ver cómo conceptos que se perdieron en la nada pueden volver a ti y sorprenderte. Hay un tiempo y un lugar para cada uno de ellos. A veces, la idea sucede algunos años antes de que trabajes con ella. Maduras un poco, tu cabeza se encuentra en un lugar diferente y crece. Por eso, espero tener siempre alguna asignatura pendiente. Para seguir rebuscando y no tener nunca la sensación de que ya está todo hecho.

MARCELA CARDENAS

t: ana paula tovar

Paisaje doméstico

ilustración

Sueños de color verde

Conejos

La niñez es un momento donde cada cosa es sorprendente, la mascota doméstica, un oso de peluche, un gran árbol, en fin todo lo que nos rodea es nuevo y asombroso. Esa capacidad con la edad se va desdibujando, aunque algunos, como Marcela Cardenas, la conservan reflejándola en sus pinturas. Esta artista nació en Colombia y desde siempre creció rodeada de naturaleza, cosa que más tarde influiría directamente en su arte. Después de más de diez años como pintora e ilustradora sabe que está en el camino correcto, pero aun le faltan cosas por hacer.

Mis pinturas están inspiradas en una nostalgia por tiempos inmemoriales y paisajes sin descubrir. Es como mirar las imágenes de un libro que te gusta mucho, quisieras estar ahí dentro. Siento fascinación por los libros de biología, de historia y las revistas viejas. Siempre la tuve, pero mi camino hacía la pintura no fue inmediato, cuando terminé la universidad trabajé varios años para el mundo de la publicidad hasta que me cansé de no contar con voz propia en los proyectos, sentía que tenía cosas por decir. La universidad fue decisiva en mi desarrollo, le tengo un afecto especial a la búsqueda visual de esa etapa de mi vida. Sin embargo hoy comienzo a comprender que lo que verdaderamente me fascina en términos visuales me había acompañado desde siempre, es una huella que ha dejado en mí mi familia, mi historia personal, la cultura que me ha rodeado.

Medellín, mi ciudad, con sus tres millones de habitantes, es una constante en mi día a día, pero siempre he tratado de hacerle frente a la velocidad de la vida contemporánea y una de las razones que me llevó a desistir de mi trabajo comercial fue precisamente la velocidad. La vida que llevo ahora me permite manejar mi tiempo y puedo dedicarle horas a un fragmento de dibujo, semanas a un grabado y un par de meses a un cuadro. Tengo el estudio en mi casa, así que no tengo la necesidad de salir de ella con tanta frecuencia para enfrentar la ciudad. De igual forma, es una realidad que Colombia ha influido mucho en mi arte pues he tenido fácil acceso a la naturaleza toda mi vida y poder convivir con ella cada día en éste clima ideal ha sido una constante inspiración para lo que hago. Por ahora no estoy interesada en hacer arte contestatario colombiano, pero reconozco que es una tentación muy grande. Mi vínculo con mi país también es creativo, incluso en 2002 trabajé para el Gobierno de Antioquia, en el diseño de billetes. Fue un proyecto colectivo de una investigadora en biología y tres diseñadoras gráficas que quisimos darle prioridad a la belleza, un enorme

disfrute con vía libre al lenguaje visual sin censura conceptual. En ese caso utilicé la tecnología como herramienta de ayuda, cosa que ya había experimentado durante la universidad en un proyecto donde realicé estampados textiles.

Ese trabajo marcó mi inclinación por la naturaleza y para ese entonces el ordenador era una herramienta muy nueva para mí, mis dos pasiones de aquel momento. La evolución en mi obre ha sido complicada pues retomar lo manual me tomó tiempo y esfuerzo después de haberle dado prioridad al lenguaje digital por muchos años. Sin embargo, nunca he abandonado del todo el ordenador ya que la mayoría de mis bocetos son digitales y luego toman forma definitiva por medio de lenguajes análogos como la pintura, el dibujo o el grabado. Finalmente valoro muchísimo las cosas hechas a mano y las técnicas tradicionales, me permiten mayor fluidez expresiva. De cualquier forma, el proceso es el mismo para una pintura o una ilustración. Soy de las que creen que la línea que divide la ilustración y el arte es muy borrosa, tengo cuadros pintados al óleo con cualidades gráficas de ilustración y viceversa. En todos estos años como pintora hay una obra a la que le tengo cariño especial: Flora y Fauna porque se trata del primer indicio de un pequeño desvío en el camino que hasta ahora he recorrido.

La fantasía y el imaginario siempre me han acompañado y por ahora no pienso descartarlos. En este momento mi nuevo interés es la mitología personal que me está permitiendo encontrar respuestas insospechadas. Estoy abriendo cajones que no sabía que existían y estoy reconfirmando el vínculo que tengo con la naturaleza.

Constantemente sigo creciendo y me quedan cosas por hacer, me gustaría aprender las técnicas de grabado del siglo XVIII y XIX porque ya casi nadie sabe cómo hacer ése tipo de imágenes, lo haré a su tiempo. www.marcelacardenas.com

Fauna

Flora

Vaqueros Nudie Jeans · Bikini TCN · Sombrero de H&M

Photography: Markus Rico · Photography assistant: Juan Achiaga · Styling: Yolanda Sotos Hair & make up: Lucía Pando para GHD · Model: Cecilia Ortiz @ Group · Thanks to: Centro Studios

The last day of summer

Body de Wolford 路 Medias La Perla

Vestido Carlos D铆ez

Mini short Diesel · Zapatillas Converse Vaqueros Levi’s · Cinturón de H&M

CONTACTOS: Carlos Díez_ +34 913 198 244 Converse_ +34 913 198 244 Diesel_ +34 934 453 554 H&M_ +34 932 608 660 La Perla_ +39 051 537411 Levi’s_ +34 932 276 900 Nudie Jeans_ +34 972 226 9200 TCN_ +34 937 951 270 Wolford_ 902 887 075

arte

t: cristina alaber

Azuma Makoto

Que no borren las flores Playas, salas de reuniones y escaparates. Para esta artista japonesa todo espacio es susceptible de ser transformado en jardín. Gracias a su talento, Makoto es capaz de cambiar nuestro mundo en algo más verde y a la vez asombroso. Francia, Israel, Alemania y Estados Unidos son algunas de los países que han tenido el placer de contemplar su arte.

Soy una artista floral y las plantas, o más concretamente las flores, son la base de mi trabajo. Me dedico a la creación de ambientes a partir de piezas florales que yo misma desarrollo. Adoro mi trabajo. Es mi vida. Ya que bajo mi punto de vista el arte floral es mucho más que una simple afición, es un estilo de vida. Mi casa está repleta de plantas. Tengo muchísimas flores, aunque no tantas como bonsáis, unos mil aproximadamente. Mi pasión por las flores empezó 13 años atrás, cuando yo tenía 21 años. Fue entonces cuando decidí que quería dedicar mi carrera profesional a este arte. A los dos años ya estaba abriendo mi propia floristería en una pequeña esquina de un supermercado. Y para 2004 ya empecé con mi tarea artística floral.

Algunos de los conocimientos que tengo los aprendí en el mercado de flores, donde estuve trabajando antes de que me decidiera a emprender mi propio proyecto. Aunque lo cierto es que me gusta decir que soy autodidacta, en el sentido de que yo misma, con el paso del tiempo, he ido aprendiendo cuál es la manera más adecuada de trabajar con las flores y que cuidado necesitan. Jardines para espacios públicos, decoración de zonas privadas, piezas individuales para la exposición... Todos y cada uno de los trabajos que realizo son igual de especiales para mí. Cada uno es un mundo. De ahí que no tenga un proyecto favorito.

Además, no me gusta destacar unos trabajos por encima

de otros, creo que todos son igual de curiosos. Cuando elaboro algo pongo todas mis ganas y esfuerzo en ello. A veces necesito una hora, otras en cambio meses o incluso años. En estos momentos, por ejemplo, llevo ya trabajando dos meses en la creación de un jardín en Aoyama, Tokyo.

Aunque el caso de los jardines es algo especial, ya que en este tipo de proyectos no hay puntos finales de creación.

Los jardines son espacios que van cambiando constantemente y que a la vez duran para siempre. A pesar de que soy japonesa, me gusta remarcar que mi estilo floral es distinto al estilo artístico Ikebana. Aunque el arte floral japonés ha llegado a muchos puntos de la geografía mundial no sabría responder al por qué de su éxito. Cuando trabajas con flores hay un requisito básico: tienes que tomártelas en serio. Y yo me las tomo muy en serio.

Algunas veces me he atrevido a trabajar con otros materiales, como por ejemplo estructuras metálicas, pero el fin siempre ha sido dotarlos de esa vida que caracteriza a las plantas. En noviembre de 2005 tuve la primera oportunidad para exponer mi arte. Lo hice en el barrio de Tribeca en el distrito de Manhattan, Nueva York. De octubre de 2010 a mayo de 2011 expondré mi trabajo en París y Bélgica. www. azumamakoto.com

arte

t: laia bonastre

Arquitectura de papel SIMON SCHUBERT Hay muchas formas de ver el arte, de manifestarlo e interpretarlo. Simon Schubert, artista alemán, opta por expresarlo en su técnica más sorprendente y emocionante que es la de doblar papel. Inspirado por el surrealismo y por el escritor Samuel Beckett, sus trabajos imaginan estructuras arquitectónicas, situaciones comunes y objetos a través de simples papeles. Estudió escultura en la academia de bellas artes en Dusseldorf con la profesora Irmin Kamp, donde adquirió un estilo que aún hoy permanece en sus trabajos. Simon también crea esculturas con otros materiales pero está claro que el artista tiene mucho que agradecer a la materia prima procedente de los árboles, pues ahí reside realmente su arte. Algunas de sus obras forman parte de la prestigiosa Saatchi collection en Londres. www.simonschubert.de

Sin título (stairwell).2010

Trabajar en el arte, para mí, no ha sido vocación, sino una de esas casualidades de la vida con la que me siento muy afortunado. Mi arte consiste en doblar papel. A través de los pliegues, el papel adquiere un relieve que mediante la luz y la sombra se transforma en una fotografía. Ésta es, más o menos, la técnica que utilizo para mis trabajos de papel doblado. Es una explicación aproximada, el procedimiento exacto no os lo puedo revelar.

Estudié escultura en la academia de bellas artes de Dusseldorf, Alemania, atendiendo a los consejos de la que fue mi profesora: Irmin Kamp, una gran artista. A finales de mi carrera, hacia 2004, empecé a encontrar mi estilo y lo trabajé intensamente, explorando sus diferentes posibilidades. Desde entonces siempre he conservado la misma técnica, pero posiblemente cambie un día, cuando no tenga nada más que probar ni que decir con este estilo que ahora desarrollo. Admiro a muchos artistas, aunque mi mayor influencia ha sido y es Samuel Beckett, escritor irlandés, cuyos textos me han inspirado mucho.

Además de él, me inspira constantemente la arquitectura, la filosofía, la literatura, el cine y muchas cosas más. Si realmente supiera qué quiero transmitir con mi obra, probablemente no seguiría con el arte. Me gusta mi trabajo y creo que alguien lo tiene que hacer. No usaría el adjetivo orgulloso para definir cómo me siento cuando pienso en mis creaciones porque creo que uno siempre puede mejorar. En mi oficio, la pieza acabada es más importante que el proceso, ya que siempre tengo la fotografía final en mi cabeza. Me gusta ver una exposición finalmente montada porque puedo apreciar el resultado final en su conjunto después de un mes de trabajo. Mi próximo reto consiste en trabajar estructuras arquitectónicas que están repetidas mediante espejos, ventanas y ornamentación. Me gustaría generar una ilusión de lo interminable. También estoy haciendo esculturas figurativas elaboradas con diferentes materiales: yeso, porexpan, pelo, tejido o madera. Aún así el material que más utilizo para crear mis obras es el papel. Debe ser rígido, de grosor medio, fibras largas y con un peso considerable. Actualmente mi trabajo favorito es un papel llamado “espejos y espejos”. La colocación de diversos espejos en una habitación otorgan una profundidad con una arquitectura que se repite indefinidamente. Mi último proyecto es un papel que muestra habitaciones dobladas, donde las paredes y los techos están hechos de papel doblado. En las mismas paredes se encuentran otra vez fotografías dobladas en marcos de fotografía doblados.

El doblamiento se mantiene continuamente desde la tercera hasta la segunda dimensión.

Sin título (hallways middle). 2010

Sin título (mirrored hallways). 2010

fotografía

lamono / núm. 66 / septiembre ’10

t: ana himes

CARLOS ALBALÁ

NATURALEZA SOSEGADAMENTE INTENSA Nombrar a Carlos Albalá es hablar de nuevo romanticismo, de oxigenación y de una naturaleza muy especial, que supura sentimiento por cada poro de tierra. Está claro que no le gusta estar parado ni fotográfica ni mentalmente, su extenso currículum artístico así lo demuestra; pero Carlos Albalá, además, aboga por los proyectos conjuntos y las sinergias fotográficas así como por los procesos previos a la foto, por esa reflexión y pensamiento que nos ayudan a caminar de un modo firme y sin levantar demasiado polvo.

Paper

From Nowhere Onwards #11

Periferia #05

Me formé en la rama de psicología y en los últimos tiempos he realizado un master de especialización en orientación educativa. Para mí son dos áreas importantes, que no no están alejadas, de hecho cada vez me gusta más pensar en la idea de trabajar de alguna forma en ambas, interrelacionando las dos disciplinas. Mis comienzos en el mundo de la fotografía se remontan a mi primera comunión. Me regalaron una Yashica Mg-1 que mis padres compraron en Canarias cuando se casaron y la utilicé en mi primer curso de fotografía. Con esa y alguna más, comencé a hacer pequeños reportajes sobre Lisboa y muchas fotos sueltas que me ayudaron a ir construyendo y encontrando los espacios que más me gustaban. Durante este proceso y experiencia siempre me ha gustado desarrollar esa labor fotográfica de forma conjunta con otras personas. Creo en el desarrollo de este tipo de colaboraciones, suelen ser muy enriquecedoras y positivas tanto a un nivel de creación propia como de plataforma de difusión fotográfica. Mi primera experiencia fue con Ignasi López, trabajamos en proyectos relacionados con el concepto periurbanos, donde el entorno natural tiene un papel fundamental. La naturaleza, pese a los diferentes temas que he podido tratar en mis trabajos, siempre ha jugado un papel importante. En mis primeras series lo natural se encuentra en los límites de la ciudad, es la misma que reconquista su espacio cuando el ideal urbano fracasa o que forma parte de los lugares de infancia, ahora mutados. Después la he abordado de otros modos en cuanto a climatología y temática, y es que me siento cómodo trabajando este tipo de entornos y estéticas y lo que es más importante, es ahí donde más disfruto elaborando discursos fotográficos. Suelo llegar a esos emplazamientos de varios modos. Por un lado me gusta mucho el hecho de coger el coche y dejarlo en algún lugar y luego perderme caminando por la naturaleza de una forma intuitiva. También suelo elaborar una ruta o localizar lugares que más tarde fotografío de forma programada según las condiciones que me planteo a nivel estético o de concepto.

Ambas formas me ayudan a crear series y fotografías coherentes con mi manera de ver este medio. Tengo que reconocer que en ocasiones (tanto las salidas programadas como las más intuitivas y sin rumbo) han desembocado en una ausencia de toma fotográfica, pero creo que esto no es tan importante como pueda parecer, porque el conocimiento de los espacios sin la constante mirada por el visor

me da una dimensión más amplia e interesante para que en otras ocasiones pueda encontrar los espacios que me gusta fotografiar. El hecho de empaparme de fotografía de casi todo tipo también me ha ayudado en varios aspectos.

Admiro a muchos fotógrafos, tantos que seguro que alguno se me olvidaría. También es cierto que va por rachas, y los que más me gustan ahora no son los mismos que hace unos años o incluso unos meses. Para mí, el libro de fotografía es esencial en el proceso de aprendizaje fotográfico, verlos, leerlos, disfrutarlos… Creo que la edición impresa da buena cuenta del estado en que se encuentra mi trabajo fotográfico y me da pistas de la estética y temas que me están interesando a día de hoy. Un trabajo que admiro mucho actualmente tanto por su forma de tratarlo como su estética y formato expositivo es el de Sophie Ristelhueber.

Todd Hido es un fotógrafo que nunca me cansa. En su trabajo, la naturaleza adquiere un aspecto pictórico y poético impresionante. Los fotógrafos que formaron parte de la New Iopographics (sobre todo Stephen Shore y Robert Adams) han desarrollado en mí una tremenda influencia conceptual, sobre todo en mi visión de la naturaleza con el entorno urbano. Podría hablar de muchos más actuales o clásicos como Walker Evans, Daniel Blaufuks, Bas Princen, Eirik Johnson o Stéphane Duroy, pero también admiro a otros tantos compañeros fotógrafos muy cercanos. Me siento privilegiado viendo su esfuerzo y pasión por sacar unos trabajos a la luz y conocer el proceso de primera mano. Todos estos aprendizajes, experiencias fotográficas y desarrollos de proyectos me han llevado a tratar de evolucionar mi trabajo, dando un paso hacia delante.

Actualmente estoy inmerso en un proyecto sobre Polonia.

La memoria, el paisaje, la naturaleza, las historias personales comunes y las emociones son los temas que estoy tocando actualmente y quiero relacionarlos de la forma más coherente posible en este trabajo. Junto a Ignasi López también estoy inmerso en una fase muy inicial de un proyecto que girará entorno al desplazamiento y sus formas de abordarlo como práctica estética, de representación e investigación. www.carlosalbala.com

Tubo

Fault #04

arte

t: ferenz jacobs

MAIDER LÓPEZ

POLDER CUP Pensando en Holanda, veo ríos anchos que cruzan lentamente la inabarcable llanura.

Ahora también veo líneas blancas cruzando las zanjas. Están hechas por Maider López y son parte de su proyecto Polder Cup, un campeonato de fútbol en los polders holandeses, donde los campos son casi impracticables. Los proyectos de la artista donostiarra casi siempre necesitan la participación activa del público y se centran en lo humorístico o extraordinario detrás de lo evidente y natural.

www.maiderlopez.com www.poldercup.nl

lamono / núm. 65 / septiembre ’10

Hasta el momento se han apuntado cinco equipos y once individuos por separado, es decir seis equipos en total. Por ahora la edad de la gente va de los 10 a los 50 años, chicos y chicas, estudiantes, ingenieros de software, artistas, paisajistas, arquitectos, directivos y profesores.

La intención del proyecto es reunir a diferentes tipos de personas. Gente a la que le gusta el fútbol y gente a la que no. Un grupo de oficinistas que deciden organizar un equipo con sus compañeros de trabajo o un equipo de fútbol amateur. El proyecto surgió a partir de la invitación a realizar un proyecto en el Witte de With, el centro de arte contemporáneo de Rotterdam. Decidí usar una banderola que cubre la fachada del edificio como anuncio para la convocatoria pública de Polder Cup. El juego se ve alterado por los canales de agua que atraviesan el terreno, haciéndolo imposible, pero a partir de esta imposibilidad surgen nuevas reglas, nuevas estrategias que los jugadores tendrán que aplicar, reinterpretando las normas. Al no poder saltar los canales, la mitad de los jugadores se quedarán en un

lado del campo esperando la pelota, tal vez hablando con los opositores, mientras que en el otro, los jugadores estarán luchando por marcar un gol. Los defensas no verán a los delanteros de su equipo durante el partido, por eso los jugadores inventarán nuevos códigos. El punto de partida a la hora de desarrollar el proyecto fue la relación de los holandeses con el agua y la cultura holandesa de consenso.

Me interesa el cambio de uso de los polders, transformándolos en lugar de encuentro, de juego, de intercambio y de deporte. ¿Si me gusta el fútbol? No especialmente. Me gusta el fútbol como me gustan los coches con respecto a mi proyecto Ataskoa en el 2005. Me atrae la capacidad que tiene de unir a las personas, de generar vínculos. Me molesta sin embargo, que sólo esa exaltación de la colectividad a través del fútbol tenga la capacidad de generar cosas. Me da pena que nos cueste tanto agruparnos para manifestar nuestras ideas y que el amor a un equipo consiga esta unión de forma tan rápida. Me interesa cambiar de contexto el fútbol, reinterpretándolo y buscando nuevas estrategias. Los polders son lugares muy interesantes, tanto geográfica como históricamente. Son también lugares de un gran impacto visual. Mantienen su función agrícola y de pasto al tiempo que permiten el disfrute del espacio rural desde la experiencia de la naturaleza. Para este proyecto estuvimos buscando diferentes localizaciones. Al final dimos con un pasto en Ottoland y nos gustó. El dueño granjero además se mostró muy interesado, complicidad que nos parecía muy importante. Y así, tras mucho recorrer los polders, Ottoland se quedó como el lugar idóneo para el Polder Cup. No está muy alejado de Utrecht ni de Rotterdam, una de mis ciudades preferidas. Tiene un ambiente muy rural y es un paisaje que se adapta bien a las condiciones del proyecto. Después del campeonato, las líneas de los campos se quedarán hasta que desaparezcan por el efecto de tiempo. No tenemos ninguna intención de cambiar el uso del polder convirtiéndolo en un campo de fútbol permanente. Polder Cup es un campeonato de fútbol de un día, que pretende ser lugar de encuentro, no una obra permanente. En el 2007 hice algo parecido en la ciudad Sharjah, pintando un campo de fútbol en mitad de la plaza del museo. Se trataba de un campo convencional donde interferían los elementos del mobiliario urbano: una farola en el área o un banco justo en la mitad del terreno de Polder Cup 4 Septiembre 2010. Ottoland (Holanda) Convocatoria pública para realizar un campo de futbol en los polders.

Witte de With and Skor, Holland

juego, como si se tratara de un error y a la vez ofreciendo un nuevo uso de la plaza, una nueva reestructuración del espacio urbano. La instalación invitaba a jugar, pero al mismo tiempo el juego se dificultaba por las interferencias del mobiliario urbano, lo que llevaba a reflexionar sobre la convivencia en un mismo lugar de las diferentes maneras de vivir el espacio público. Un mismo recinto para los que juegan un partido, las bicicletas que atraviesan el terreno de juego, un campeonato de cricket y las familias que juegan con sus hijos. Por otra parte, mi proyecto Ataskoa consistió en una convocatoria pública de carácter festivo mediante la cual invité a la gente a crear un atasco donde habitualmente no lo hay, en mitad del monte, descontextualizando así una situación convencional y posibilitando una nueva relectura. Creamos un atasco como si fuera una coreografía. Cada una de las personas que participó tenía una razón diferente para hacerlo. Al final se convirtió en una especie de manifestación donde cada cual ponía de relieve su individualidad. Ataskoa pretendía ser algo abierto que no cerrara posibilidades. Vino un chico brasileño que dijo que Ataskoa era la mejor forma de protestar contra el

uso masivo del coche y que era la mejor manifestación ecologista que había visto. Sin embargo, también vinieron los de la asociación del 600, que asistieron como asisten a otras concentraciones de 600 los domingos. A la hora de analizar la implicación de la gente en el proyecto, lo más sorprendente fue la colaboración de un pueblo entero, Intza, un idílico lugar en Navarra, más aún que la participación de los 160 coches y las 425 personas. Se involucraron en Ataskoa tanto como yo. Pusieron un toldo por si resultaba que llovía, hicieron la comida con sus delantales, dirigieron el tráfico, y una gran parte de la coordinación del evento corrió de su parte. De la compra de la comida nos encargábamos nosotros, pero como vieron que no iba a

1_ Ataskoa baserritik 18 agosto 2005. Intza (Navarra) Convocatoria pública para crear un atasco en el monte 2_ Football Field (Campo de fútbol) Video 10´ 38” Sharjah Biennial 9, Provisions for the future Emiratos Árabes 3_ Line of Sight 29 agosto 2008. Intrude. Zendai Museum. Shanghai ≥ En el evento se colocaron paneles naranjas, que mirados desde un punto de vista concreto, ocultaban los carteles publicitarios, a partir de un juego de perspectiva y participación ciudadana

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haber sidra y les parecía imprescindible en una fiesta-comilona, pues unos llevaron la sidra y otros el queso elaborado en su caserío. Al final, los proyectos están construidos por la gente. En algunos casos consigo esta participación a través de una convocatoria pública. Mis proyectos no los construyen sólo los participantes, los jugadores de fútbol en el caso de Polder Cup, también el dueño de las tierras, la gente del pueblo, los voluntarios para la organización del campeonato, el público, la gente que vende sándwiches, todos. Son proyectos que además de ofrecer un lugar de juego y de encuentro, pretenden evidenciar la capacidad que tienen las personas de transformar el espacio urbano y de crear ciudad a partir del uso del espacio.

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arte

Samuel Dougados

La belleza de lo efímero http://www.flickr.com/photos/dougasam

Arriba: Optic circle down to the coast 100 x 75 cm ·Impresión digital en Forex Derecha: Bubble Paon 100 x 75cm · Impresión digital en Forex (PVC)

t: raquel ruiz

Samuel Dougados se formó en marketing y comercio en Estrasburgo, sin embargo su verdadera pasión reside en la pintura, la escultura y cualquier tipo de arte en general. A los 19 años sintió la necesidad de expresar sus emociones y sensibilidades a través de la escritura y pocos años después, inspirado por un artista californiano que vio en un video de surf, comenzó a dibujar con un rastrillo sobre la arena de la playa en Biarritz, su actual residencia. Muchas de sus inmensas obras son brillantes, perecederas, borradas por el mar en cuestión de pocas horas. Por ello, Dougados las retrata con su cámara fotográfica y en ocasiones retoca los contrastes para que el espectador haga una lectura diferente a la que pudo hacer en la playa.

Nací en Estrasburgo donde estudié marketing y comercio. El último curso lo hice en Montreal, donde tuve la oportunidad de recibir unas clases de arte durante unas pocas semanas. No mucho tiempo después, sentí la necesidad de expresarme y empecé a escribir. Después de mi primer trabajo, estuve desempleado un largo periodo, por lo que pude emplearlo en pintar. Poco tiempo después comencé a explorar otras dimensiones y a esculpir, primero con arcilla que recogía de la playa y más tarde con hormigón reciclado. Siempre he tenido muchas ideas, así que trato de llevar a cabo tantas como puedo.

Descubrí el “land art” gracias al trabajo de un artista californiano en un video de surf. Retuve su brillante técnica en mi cabeza durante un año, hasta que me decidí a coger un rastrillo y comencé a dibujar sobre una playa perfecta, muy cerca de donde vivo en Biarritz. Esta forma de expresarme me encantó desde el principio, disfrutaba al aire libre y me encantaba pensar que lo que dibujaba era accesible a toda la gente que disfruta de esta playa. Realmente no creo que mi trabajo entre dentro del llamado “surf art”. Tomo fotos con surfistas, pero no quiero ser etiquetado, limitándome únicamente a este tipo de arte; lo llamo “surf art”, comparándolo al “street art” porque ambos se hacen en lugares públicos, son la expresión de uno mismo en el exterior, donde cualquiera puede verlo libremente.

Es accesible y fácil de entender si se toma el tiempo para mirarlo. Mi lugar de trabajo es una playa, donde no tengo ningún marco que me limite, al aire libre, bajo el sol, cerca del océano, con los elementos atmosféricos, ¡todo es vida!

Generalmente, trabajo entre una y tres horas, dependiendo de la superficie que tenga que rastrillar, de si es sobre un espacio pequeño o uno enorme, si solamente hago líneas o un dibujo completo lleno de espacios. Trato de tomar fotos desde la mayor parte de ángulos posible para tener la mejor vista y siempre durante el día, con luz natural. La superficie de expresión no es cuadrada y delimitada, los únicos límites que tengo son el tiempo y la marea, que cuando sube borra mi trabajo. Dibujo principalmente sobre la costa del País Vasco Francés, en Biarritz porque vivo a cinco minutos andando de la playa, pero también he dibujado en La Concha (San Sebastian), Capbreton (Landes) y Imssouane (Marruecos). Mi objetivo es llegar a dibujar sobre las playas de Japón, California, Chile, España, Portugal etc... ¡Por todo el mundo! Me gustaría recoger en un libro los mejores cuadros de estos viajes y tal vez filmar un documental.

Cuando voy a la playa, una vez sobre dos tengo algo en

mente, un dibujo o una idea que he trazado en un cuaderno. Otras veces dejo que la inspiración venga directamente de forma “bruta”, natural e instintiva. ¡Algunas veces funciona, otras no! Mi trabajo se divide en dos partes: primero el uso de la playa, libre, accesible, efímero; después la fotografía y las horas frente al ordenador (aunque el dibujo no lo retoco). Trato de dar una atmósfera diferente en mis fotos y como generalmente no se consigue de forma natural, utilizo diferentes técnicas: aumento contrastes, mantengo el color del agua o de la arena y pongo el resto de la fotografía en blanco y negro (directamente con mi cámara o con photoshop). Intento captar una persona cerca del dibujo para que se pueda ver la diferencia de tamaños o para contar una historia (los niños son siempre muy naturales y les gusta jugar con mis dibujos); o suelto dimensiones, me acerco al dibujo y dejo que la gente que mira la foto se haga preguntas. Participé en un concurso de escultura con materiales reciclados con una obra que se llama Le Cycle, no gané esta competición, pero disfruté participando y todavía tengo la escultura en casa dividida en tres partes. Mi intención es instalarla sobre una rotonda de Biarritz en septiembre, sin ningún permiso. La rotonda tendrá un cartel que diga “Ciudad del océano, un museo grande en construcción...”, tal vez al alcalde le guste y me encargue crear uno bonito para dejar sobre este lugar… ¡Si no, será una instalación efímera y libre de la calle, solamente por el placer de compartir algo! Me gusta reciclar materiales viejos para darles una segunda vida; esculpo sobre el hormigón que recojo de la basura de una tienda que lo tira porque se ha roto y no lo pueden vender. Producimos y tiramos tantas cosas que es mejor darles un segundo uso. A menudo, recojo materiales que me inspiran y a veces directamente veo que se puede hacer con ello. Me gusta la idea de convertir un objeto habitual como una bolsa de agua en un pedazo de arte, porque permite ver más allá de su utilidad y valor. Me atraen los concursos porque te empujan a hacer cosas que nunca te plantearías, de forma que incrementan tu creatividad y tu progreso personal. Me encanta esculpir, soy un artista autodidacta, que trata de materializar sus sensaciones de distintas formas. Últimamente estoy más enfocado al arte playero porque entre otras cosas es fácil de practicar y probablemente soy el único que lo hace en Europa.

Entre mis proyectos está viajar alrededor del mundo y crear una especie de ballet clásico con músicos, bailarines y yo dibujando.

Arriba: Code Barre 100 x 75cm · Impresión digital en Forex Derecha: Tamaris People 100 x 75cm · Impresión digital en cepillo de aluminio

f: max chabaud + thomas williams

BOUIL’HOT ART SHOW

BY AMBIGUOUS & LAMONO BARCELONA · Del 6 al 31 de julio · Galería Vallery El pasado mes de julio Bouil’Hot Art Show empezó su gira europea con la exposición organizada por lamono en Vallery Barcelona. Más de cuarenta y cinco artistas intervinieron esas bolsas de agua caliente con las que Ambiguous vuelve a demostrar su original punto de vista artístico. Lo interesante de estos experimentos es comprobar de qué manera aflora la personalidad de cada artista, cómo plasman en un mismo objeto su creatividad y su estilo, consiguiendo arrancar entre el público tanto gritos de sorpresa, como sonrisas o caras extrañadas. La diversidad y la mezcla se adueñan de la pared consiguiendo una gran fórmula, ya que aunque todos proceden de una rama muy urbana, cada artista invitado tiene un estilo personal muy propio y característico que lo diferencia de los demás. En la inauguración, que como siempre se convirtió en una fiesta en familia, contamos con DJ Neet a los platos, que ejerció de cirujano musical, muy acorde con el hospital improvisado en el que se convirtió Vallery. Agradecemos el apoyo en toda la puesta en escena y en la campaña de comunicación a Vallery, Barcelona Té Sang, Miniature Films y DO, al Hospital San Pau, Montana, Microfusa y esvinilo.

Artistas participantes: Agente Morillas, Anna Parini, bang bang studio, Luca Brenna, Marcos Cabrera, Daniela Carvalho, Conteleta, Conspirancy Studio, Delphine Delas, Juju’s Delivery, Edjinn, Catalina Estrada, Katherinne Fiedler, Judith García-Talavera, Mapi Gil, Dave Glass, María Hergueta, Boris Hoppek, Kilomba, Inocuo The Sign, Ibie, Kram, Gastón Liberto, Lolo, Lusesita, Medusa Team, Paula Metlika, Andrea Michaelsson (Btoy), Miu Mirambell, Miniature + Serse, Sergio Mora + Mamayaya, La Princesita, Roughattitude, Rötor, Rubén Sanchez, Hombre Sapo, Socatoba, Sosaku, Las Taradas, Juan Diego Tobalina, Twesh, UiU, Federico Vincent Otoño y Zosen.

f: timo wright + berta pfirsich

BOUIL’HOT ART SHOW

BY AMBIGUOUS & LAMONO BERLIN · Del 8 al 10 de julio · Bright Tradeshow Tras su paso por Barcelona, Bouil’Hot Art Show recaló en Berlin dentro de la feria Bright Tradeshow, dedicada al streatwear, skateboarding y sneakers. En esta ocasión más de treinta artistas participantes ocuparon el stand que Bright ofreció a lamono en colaboración con Ambiguous integrándose en el hospital intervenido por Joaquina Garrote. Ubicados en la segunda planta de la Feria, dedicada al arte en todas sus vertientes más urbanas, recibimos todas las tardes al público del Bright en nuestro hospital particular con un happening a las 17h (Time For Your Pill) para presentar el resultado final de la apuesta conjunta Ambiguous & lamono en Berlin.

Artistas participantes: Tougui, Sam Dougados, XLR8, Marck van Wijhe, Friedemann Zschiedrich, Moka, Wait and See, Aurélien Mahaut, La Pieuvre, Zastre, Traz , Gilen Bousquet, Mitch Froelich, Dillon Froelich, Monk, Gulliver, Thomas Pierre, Soy Panda, Sölve Hartkopf, Lebeat, Villena, Short, éveil, Sabine. www.lamonodigital.net/tradeshows

report

t: laia bonastre

Nombres que emocionan De los seis diseñadores que desfilaron el primer día despuntaron Manish Arora y Juan Antonio Ávalos.

El primero es conocido por su tratamiento del color.

Arora ofreció esta vez una colección influida por el Art Déco, donde el pasado y el futuro se mezclan concibiendo una bonita ola de color inspirada en estructuras arquitectónicas y siluetas de los años 20 y 30. Por su parte, Juan Antonio Ávalos, una de las futuras promesas del diseño español, se llevó el premio a la mejor colección masculina en esta sexta edición 080, posiblemente por la mezcla de dos conceptos con mucha fuerza: por un lado los caballeros de la edad media y por el otro los surfistas de los años 70 desembocando en una combinación colorida y juvenil con un toque de seriedad. Durante la segunda jornada los diseñadores que más destacaron fueron Yiorgos Eleftheriades, diseñador griego reconocido internacionalmente, que nos deleitó una vez más con sus diseños arquitectónicos creados a partir de combinaciones abstractas de formas y texturas logrando siluetas ligeras y femeninas; y el gallego Manuel Bolaño, que sin duda fue el diseñador más aplaudido y felicitado por su colección,con la que ganó el premio a la mejor colección femenina, tan

Yiorgos Eletheriades

Juan Antonio Avalos

Consolidar e internacionalizar la pasarela de moda independiente de la misma manera que potenciar la dimensión comercial. Estos han sido los objetivos, según los propios organizadores, de 080 Barcelona Fashion.

Durante tres días, la pasarela de moda acaparó la atención de Barcelona ofreciendo la oportunidad a 18 diseñadores innovadores de mostrar sus propuestas para el próximo verano.

Karlota Laspalas

080 Barcelona Fashion

esperado tanto por el público como por su equipo.

El deseo de transmitir su universo personal dominó la propuesta llamada ‘Algo de mí’ en la que mostró sus veranos a través del azul de la piscina, el blanco de las paredes y el oro de las vírgenes de la iglesia acentuándolo con sus voluminosos diseños y tejidos intensamente trabajados y detallistas. Continuando con el calor en Barcelona, nos refugiamos dentro la feria para presenciar los desfiles del tercer y último día de esta edición, la cual, nos dejó con buen sabor de boca gracias a las colecciones de la joven pamplonica Karlotalaspalas, que revolucionó al público con su idea del fuego dominando los estampados combinado con los colores de la tierra; y Lee Jean Youn, recién llegado de París, dónde presentó su colección de Alta Costura y que ofreció sus espléndidas creaciones totalmente inspiradas en la época victoriana y la estética nupcial tradicional.

El 080 dice punto y seguido hasta febrero, dejando atrás otra edición que ha tenido un gran éxito, consolidando el evento gracias a su empeño de ayudar a los creadores a internacionalizarse. www.080barcelonafashion.com

Postre Copa de Maker’s Mark, elaborado por Valuart

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Cocktails Red Sand y Loretto Farm, elaborados en Milano

postits

Maker’s Mark Plan Red Barcelona ¿Cuál es tu bebida favorita cuando sales de copas? Barcelona nunca fue una ciudad muy sibarita en cuanto a mezclas se refiere, pero de un tiempo a esta parte eso ha cambiado por completo. Nuestros paladares se vuelven cada día más exigentes y buscamos una combinación de sabores que de entrada parece imposible pero que luego resulta de lo más excitante. Viendo esta realidad que cambia a pasos agigantados, el prestigioso bourbon Maker’s Mark ha conquistado Barcelona este verano diseñando una ruta muy especial para los sibaritas del cocktail. Regaliz, chocolate y lychees son algunos de esos ingredientes que mezclados con Maker’s Mark en forma de mojito o whisky sour convierten nuestra copa en toda una experiencia digna de contar. Algunos de los locales más sibaritas de la ciudad se han unido a esta experiencia gastronómica. La iniciativa consiste en ofrecer una degustación gratuita a los consumidores que completen con diez lacres (1 por copa) un mapa disponible en cualquiera de los 12 locales de Plan Red (Valuart, El Ideal, Milano Cocktail Bar, Torre Rosa, Why Not Cocktail Bar, Bar Premier; Dacksy, Incógnito Cocktail Bar, Local, Vintage, Zanzíbar Cocktails y Twist). La ruta estará activa hasta finales de año, cuando viajará a otras ciudades de la península. Así, gracias a esta propuesta de Maker’s Mark podremos convertirnos en unos gourmets completos, con una gran experiencia y trayectoria en la asignatura del saber vivir. www.beamglobal.com www.drinksmart.es

SportJam Festival sobre ruedas Contra la depresión post-vacacional, nada mejor que el movimiento. Los organizadores de SportJam saben que llegan en el momento justo del calendario, cuando más necesitados estamos de adrenalina para superar el bache de la vuelta al trabajo. Por eso, esta edición vienen con las ruedas bien cargadas. Irun se convierte a mitad de septiembre en la capital del skate, con un Festival, exposiciones de arte relacionadas con la cultura de los deportes de tabla (surf, skate y snowboard), una competición que contará con un skatepark evolucionado, un premio a repartir de 10.000 euros y una sala de cine donde se mostrarán las mejores premiers relacionadas con el mundillo. Tiendas, marcas y artistas tendrán su stand en SportJam. El objetivo es que a un golpe de vista podamos ver tanto a las competiciones como las prendas de las últimas colecciones de marcas como Split o Santa Cruz. lamono se desplazará a Irún para no perderse ni un detalle y transmitirlo todo en directo desde nuestros canales online. ¡Así que estad atentos porque septiembre viene fast! www.spolik.com

postits

t: cristina alaber

t: laia bonastre / f: ceci diaz

Daisy Market 2010 Viaja a la luna

Discretas Lienzos y videojuegos

Pooltraits Retratos acuáticos

En la creación artística no hay reglas fijas. La cuestión está más bien en ir probando hasta que uno encuentra la combinación perfecta. Albert Bertolín está hecho todo un experto y en su último trabajo, Discretas, ha dado en el clavo con una mezcla de lienzos de inspiración gótica, un videojuego de estética retro del sistema DOS y serigrafías con gráficos de sus juegos. La curiosidad y el interés es lo que han movido a Bertolín a explorar los terrenos de la animación, el sonido y la interacción con el mundo digital en general y con los videojuegos en particular utilizándolos como medio de expresión único. La exposición nos permite adentrarnos como nunca en el universo visual del artista.

El agua es un medio especial. Su ingravidez hace que todo lo que en ella se refleja cambie de un segundo a otro.

Facciones, gestos, poses… Javier Tles ha decido utilizar la materia líquida por excelencia como punto de partida de su último trabajo, Pooltraits, una obra compuesta por retratos tomados desde las profundidades. Una docena de personajes anónimos han posado en el agua para dejar entrever la fluidez que cobran sus movimientos y pensamientos en este medio. Es una mirada intensa que muestra todo lo que flota al otro lado del reflejo. Resulta curioso pensar que esas manchas difusas que aparecen sobre el agua son lo que cada uno proyectamos de nosotros mismos.

Del 12 de agosto al 18 de septiembre en la Galería CMTV. Barcelona www.comomevesteveras.com www.glaznost.com

A partir del 22 de julio en Holalá! Gallery de Barcelona holala-ibiza.com/blog www.javiertles.net

Dicen que viajar a la luna es una experiencia al alcance de muy pocos, pero Daisy market, un nuevo showroom internacional de moda urbana y emergente inaugurado el año pasado en EXPOCoruña, nos lo pone fácil desde que ha llegado al espacio, abriendo de nuevo sus puertas el próximo mes de septiembre y dejando paso a las estrellas emergentes de la moda urbana europea. La II edición del showroom llega con una nueva perspectiva para descubrirnos las creaciones más innovadoras en moda urbana mediante talleres, conferencias, exposiciones y conciertos. Daisy Market se ha convertido ya en un punto de encuentro para todos los públicos, desde visual merchandisers a medios de comunicación.

Sumergiéndose en corrientes y tendencias, la inspiración llega este año del espacio exterior, nutriéndose de él para ofrecer una visión retro- futurista a través de la ambientación, creando un espacio cálido y atrevido. Más de 50 diseñadores y marcas emergentes procedentes de toda Europa como la francesa Coline o la diseñadora Sara Coleman, asidua al EGO de Cibeles, estarán presentes en este evento lunar donde presentarán sus últimas creaciones.

DAISY MARKET EXPOCoruña, A Coruña 24,25 y 26 de septiembre de 2010 www.daisymarket.es

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t: laia bonastre

Getxophoto 2010 Elogio del ocio El festival de fotografía reconocido por la exploración y la experimentación de formatos y lugares expositivos no habituales, se celebra una vez más en las playas del Getxo, en el País Vasco. Este año el festival cuenta con la presencia de, ni más ni menos que Martin Parr, el famoso fotógrafo, quien abre honorablemente el evento. Además, Getxophoto cuenta con un nuevo comisario, el carismático Frank Kalero, fundador y director de la revista Ojodepez, que sustituye a Alejandro Castellote, comisario de las anteriores ediciones. El ocio es la temática elegida para esta edición en la que participarán una veintena de autores europeos y norteamericanos cuyos trabajos han resultado seleccionados por comunicar y representar los rituales del ocio basado en una demostración concreta: un ocio occidental, el de la sociedad del bienestar, que para muchos se ha convertido en otra obligación social. Cada fotógrafo plasmará su visión personal, siendo cautivadores en el plano visual, diversos en las temáticas y variados en la técnica usada pero compartiendo una sola característica: el uso de la imagen documental. El primer fin de semana del festival, del 2 al 5 de septiembre, Getxophoto propone diversas actividades participativas que involucrarán a varios autores invitados. En definitiva, Getxophoto no quiere adornar la ciudad sino intervenirla para contar historias utilizando imágenes exclusivamente elegidas con el fin de generar emociones entorno a ellas y plantear un diálogo con el espectador.

GETXOPHOTO. Del 2 de septiembre al 3 de octubre.

Getxo, País Vasco. www.getxophoto.com

Greg Miller, Schnecksville Community Fair, 2005

Barcelona Tatoo Convention Your rules No somos supersticiosos. Por eso para nosotros, el 13 es el número de la suerte. El próximo 2 de octubre los mejores profesionales del sector, de Alaska a Bolivia y de Vallecas a Santa Coloma, se darán cita en la 13ª Convención Internacional de Tatuajes de Barcelona, un espacio que reivindica esta antigua técnica de decoración corporal como una forma de vida más allá de prejuicios, miradas acusatorias o modas pasajeras. Nombres sonados del mundillo del tatto como Jess Yen (My Tatto – Calilfornia) o Hua y Ching (East Tatto – Taiwán) tendrán su lugar en el recinto junto a más de 150 artistas de todas partes del globo. Muchos de ellos son los responsables de las obras que se podrán ver en la Tatto Art Expo, una muestra incluida dentro de las actividades del recinto. Esta edición trae consigo una maleta cargada no sólo de tintas, sino de muchas otras novedades: habrá una categoría de Tatuadores Nóveles dentro del habitual Concurso de Tatuaje; se incorporarán exhibiciones de skate, graffiti, streetball, espectáculos cómicos, danza y hasta burlesque, así como seminarios de piercing y cursos de regulación de máquinas para profesionales.

El underground dice presente en Barcelona y si acaso dudabas en llevar a cabo la audaz decisión de tatuarte, este espacio es, evidentemente, el ideal.

Del 2 al 4 de octubre. La Farga. Calle Barcelona, 2.

L’Hospitalet de Llobregat (Barcelona). www.barcelonatattooconvention.com

Corto Circuito Create Publicidad y arte En nuestros días un producto cualquiera requiere de un equipo de publicistas para venderlo bien, no importa si se trata de un esmalte de uñas, un detergente o un coche, las marcas invierten mucho dinero en publicidad, muchas veces con resultados sorprendentes y otras con anuncios que nos aburren. Los publicistas siempre se ven limitados por ciertas metas de ventas y la burocracia inevitable pero para ellos y para que aligeren su carga creativa existe el Festival Cortocircuito Create.

Este concurso de cortos selecciona aquellas producciones que duren entre tres y cinco minutos y que dejen volar la imaginación sin límites. El leit motiv del certamen pone como epicentro al análisis de la delgada línea que existe en la actualidad cuando se habla de publicidad y arte, dos disciplinas que se retroalimentan permanentemente. ¿Eres un freaky? ¡No te preocupes! El tema es completamente libre y el plazo es el 10 de octubre, suficiente tiempo para lucubrar un plan de acción acorde a la propuesta. Luego no digas que no te avisamos. T: Ana Paula Tovar 12 y 13 de noviembre. Arts Santa Mónica de Barcelona. www.cortocircuitocreate.com

Arcade Fire

t: ana paula tovar

Xacobeo 2010 Arcade Fire de peregrinaje El ruido de la hojarasca pisada acompaña todos los caminos de Galicia. Sonido repetitivo, constante, que aumenta durante el verano y se tranquiliza en el frío invierno. Junto con las pisadas se pueden oír risas, rezos, conversaciones, cantos, voces y más voces desde hace dos milenios. Millones de personas han cruzado los mismos caminos boscosos y húmedos siguiendo los pasos del Apóstol Santiago, quien se supone, en el siglo I de nuestra era atravesó toda Hispania evangelizando a su gente hasta que llegó a Gallaecia (Galicia actual), la tierra de los celtas. Ahí donde se acababa el mundo en Finisterre, comenzó la leyenda del Camino de Santiago. Siempre hay dos versiones de la historia y la menos romántica de ésta, dice que desde tiempos ancestrales los celtas recorrían la Vía del Finisterre para celebrar en ella antiguos ritos. Y no fue hasta que se descubrió la tumba de Santiago (hecho muy cuestionado) que el Rey Asturiano Alfonso II El Casto decidió construir la Catedral de Santiago de Compostela iniciando así la tradición cristiana de peregrinar para visitar los restos del mártir. Sea cual fuere la historia que cada quien prefiera, la realidad es que los gallegos están de fiesta porque este es el Año Xacobeo, celebrado desde 1122 por orden del Papa Calixto II cuando el 26 de julio, día de la fiesta del Apóstol Santiago, cae en domingo. Y este suceso no se repetirá hasta 2021, por eso Galicia nos ha regalado un año lleno de eventos culturales, artísticos y musicales. En septiembre el evento más esperado tiene el nombre de Arcade Fire. Ellos son LA BANDA. Siete músicos canadienses producen la mejor música desde su creación en 2003. Para sus melodías movidas, complejas y bien articuladas, utilizan una base de banda común con vocales, guitarras, batería, tambores y bajo, pero le dan la vuelta y se convierten en una pequeña orquesta con el uso de instrumentos como el violín, la viola, el acordeón, el cuerno y muchos otros que combinan de forma magistral para lograr emocionarnos al máximo. Sólo la buena música puede lograrlo y cuando veas a Arcade Fire interpretando Wake Up te sentirás de nuevo como un niño, sorprendido por cada nota y vibrando con las voces a coro de toda la banda que acompaña la voz de Win Butler. Vas a saltar seguro cuando escuches los primeros acordes de Rebellion. La agrupación tiene 4 álbumes: Arcade Fire (2003), Funeral (2004), Neón Bible (2007) y su más nuevo material llamado The Suburbs. Ninguno tiene desperdicio. Sus letras están empapadas de verdad, de melancolía y de buena vibra y sus arreglos musicales son inmejorables. Con la celebración del Año Xacobeo se presentan en Santiago de Compostela el 5 de septiembre, como cabeza de cartel del MTV Day Galicia.

5 de septiembre. Santiago de Campostela. www.xacobeo.es

t: cristina alaber

Hyperpotamus

postits

In-Edit.Beefeater 2010 Homenaje a D.A. Pennebaker y Chris Hegedus

BAM Música independiente

Detrás de toda película o documental hay infinitas horas de trabajo y muchísimo esfuerzo por parte de los distintos profesionales que trabajan en el proyecto. El Festival Internacional de Cine y Documental Musical de Barcelona In-Edit.Beefeater es consciente de ello, por eso en esta octava edición, el certamen ha decido destacar la figura del realizador homenajeando a D.A. Pennebaker y Chris Hegedus, uno de los equipos de realización de documentales más respetados de toda la historia y un dúo clave en el mundo del documental musical.

Conocidos por su estilo discreto, o más bien, no intrusivo, estos profesionales utilizan las cámaras como meras espectadoras de la realidad que van registrando. No dirigen la acción hacia un guión preestablecido ni hacen entrevistas en busca de información. Con lo que obtienen como resultado retratos honestos de personajes reales. Gracias al documental The War Room de 1994, la pareja ha sido galardonada con el premio D.W Griffith al mejor documental y nominada a los Óscar. El documental es un seguimiento de la primera campaña presidencial del futuro presidente de los Estados Unidos en aquel entonces, Bill Clinton. Con su último trabajo, codirigido por Nick Doob y producido por HBO, Elaine Stritch at Liberty, el dúo recibió tres nominaciones a los premios Primetime Emma.

Como cada año las fiestas de la Mercè vienen cargaditas de buena música. La propuesta se divide, por un lado, en un conjunto de conciertos de música pop y rock programados para todo tipo de público, y por el otro, en el Barcelona Acció Musical, un festival de músicas independientes que año tras año cuenta con un seguimiento masivo que se acerca a los 500.000 espectadores. El festival cumple 18 años y para celebrarlo reúne lo mejor del panorama musical catalán y estatal con algunas de las figuras internacionales de primer nivel. Pocos festivales pueden presumir de haber servido de trampolín para grupos que ahora se encuentran en lo más alto. Se trata de un festival con mucha personalidad que ofrece a la ciudad de Barcelona una propuesta modelo para otras capitales internacionales. San Leon, Maika Makovski, Nacho Umbert, Nueva Vulcano, Hindi Zahra, Tulsa, El Guincho, Me & The Bees, Mujeres & Surfing Sirles, Toundra, Anti-Pop Consortium, Safanòria xoca Braind Damage y Hyperpotamus son los artistas confirmados hasta el momento.

In-Edit.Beefeater 2010.

Festival Internacional de Cine y Documental Musical.

Del 28 de octubre al 7 de noviembre en Barcelona. www.in-edit.beefeater.es

BAM 2010 del 23 al 25 de septiembre www.myspace.com/festivalbam

postits

lamono / núm. 66 / septiembre ’10

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ZNAK. Tears Off wallpaper. © ZNAK

Papers pintats Redecora tu vida

Premios bARTcelona 2010 Puente Barcelona-Nueva York Dos ciudades con alma y esencia propia. Barcelona y Nueva York se dan la mano en una convocatoria de arte contemporáneo que arranca este año con voluntad de demostrar por qué Barcelona es cuna de creativos. La Maquinista abandera esta nueva propuesta a la que se unen nombres propios como Javier Mariscal, Sixeart, Iguapop Gallery, Saeta Estudi y Oscar Valero, todos ellos jurados del certamen.

técnica mixta) y otra a “Instalación/acción” (obras-construcciones, o performances- de carácter temporal que transformen un espacio concreto del centro comercial o proponiendo una experiencia singular al visitante). Los artistas que mejor reflejen la temática en cada una de las categorías recibirán 5000 euros cada uno. Si eres artista apunta esta fecha con letras bien grandes en tu agenda: 15 de septiembre, pues es la fecha límite para enviar las propuestas que se recibirán vía web. La Maquinista Nos quejamos a menudo de la falta de apoyo de muchas exhibirá las 20 mejores propuestas de la categoría Artes iniciativas artísticas que motiven e impulsen a los crea- Visuales junto a 3 instalaciones seleccionadas que recibidores emergentes a seguir apostando por ese camino rán 2000 euros para su producción del 15 al 30 de octuque tan gratificante pero también difícil puede resultar. bre. Arranca así una nueva iniciativa de apoyo al arte que Los premios bARTcelona 2010 llegan dispuestos a que- desde lamono como siempre aplaudimos y apoyamos, dándarse para demostrar que siempre son más importantes dole nuestra más calurosa bienvenida. los hechos que las palabras. Y así lo van a hacer. El motivo del concurso será “Barcelona-Nueva York, dos imágenes Fecha límite envío de obra: 15 de septiembre. de la modernidad” y el premio ascenderá a 10.000 euros Del 15 al 30 de octubre exposiciónde la repartidos en una primera categoría dedicada a las Artes obra seleccionada.

Visuales (pintura, fotografía, vídeo, escultura, collage, La Maquinista. www.bartcelona.org

Una casa vacía es una casa sin alma. La exposición programada por Disseny Hub Barcelona (DHUB), “Papers Pintats. Colección del Museu de les Arts Decoratives y del Gabinet de les Arts Gràfiques de Barcelona” enseña ochenta papeles pintados originales de diferentes épocas que pueden servir de inspiración a quienes estén pensando en dar una vuelta de tuerca a la decoración del hogar. La muestra reúne material que va desde mediados del siglo XIX a la actualidad donde pueden consultarse series pop de los 60, ejemplos neoclásicos y modernistas, y un abanico de avances en técnicas y materiales. Ingenio, elegancia e historia en una exposición que no sólo repasa las diferentes vertientes artísticas, sino diversas formas de dotar al espacio de personalidad y buen gusto.

Del 7 de julio al 31 de octubre DHUB Montcada (Montcada, 12. Barcelona) www.dhub-bcn.cat

música

t: natalia brovedanni / f: owen richards

lamono / núm. 66 / septiembre ’10

Crystal Fighters

“Multicapas”, así se definen Crystal Fighters, una banda de psicodelia moderna que esconde en cada detalle una personalidad intensa, llena de aristas y recovecos en los que perderse, donde los sonidos se entrelazan como lanas de un tejido orgánico. Porque si hay algo que estos chicos de Navarra saben hacer es llevar la música a un plano natural, con las emociones que fluyen sin mirar la dirección, como si se tratase de un puzzle color pastel con piezas beats, rock y melodías bucle, que se ensañan con tu cerebro como afilados puñales pop. Crystal Fighters están muy conectados con el mundo inglés, se pasean por los festivales como Pedro por su casa y son la nueva sensación del prestigioso sello Kitsuné, casa de Hot Chip, Foals y Simian Mobile Disco. Las excelentes críticas los catapultan como abanderados de la folkotrónica española, aunque su sueño era parecerse a Arthur Brown de The Crazy World of Arthur Brown, un mundo progresivo y lisérgico, lleno de frenesí, que no negamos lleguen a alcanzar.

Crystal Fighters es una traducción de una frase de una ópera vasca que nos inspiró para iniciar la banda hace algunos años. ¿Cómo fue el principio? El principio de las cosas es siempre lo más divertido. Pero tocar para 5000 personas en el Madrid Arena Telefónica fue definitivamente un punto muy alto en la carrera de la banda. Todo comenzó cuando tenía 12 años. Me lesioné y caí en una depresión por lo que mi madre decidió comprarme una guitarra española barata con la que aprendí por mí misma. Una década más tarde aún sigo usándola, lo más increíble es que sonó en nuestro disco debut Stay of Love y fue muy significativa. ¿El primer disco que compré? Night Dubbing by Imagination. Actualmente estamos escuchando Crooks & Lovers de Mount Kimbies y Subiza de Delorean, nos gustan mucho. Xtatic Truth (Kitsune, 2010) habla sobre la semi-paradoja de estar existencialmente solos aunque rodeados de un mundo de gente. Vivimos juntos en Londres y el proceso compositivo nos consume todo el día. Usamos txalapartas (ins-

trumento tradicional vasco), guitarras, percusiones, piezas de papel, discusiones, pensamientos, improvisación. Las únicas reglas que tenemos cuando estamos haciendo música es hacer una mezcla de instrumentación, conectando acústico y electrónico desafiando la clasificación de género. Así definimos nuestro sonido, tocando con nuestras propias reglas mientras ignoramos las de los demás. Queremos seguir haciendo música en el futuro, sentimos que estamos en un momento emocionante para hacerlo y queremos continuar a toda velocidad hasta que se agote. Como vivimos y trabajamos en el Reino Unido, es más fácil tener el managment aquí.

Ellos nos han apoyado hace tiempo, cuando mucha gente aún no sabía de nosotros. Además, somos buenos amigos. ¿España? Es el hogar espiritual de nuestra música, estamos continuamente fascinados por lo que es y lo que se está haciendo allí. www.myspace.com/crystalfighters

música

t: natalia brovedanni

Cuando le damos al play, Hannuman ataca de frente, no se anda con rodeos ni quiere ser algo que no es. Pone sobre la mesa años de experiencia, progresiones exquisitas y un cúmulo de canciones que transmiten liberación, riesgo y obsesiones sonoras, piezas seductoras desde el narcotismo y la honestidad. Estamos aquí para llevarnos sus tenedores (HangTheDj! Records, 2010) es un tren a toda velocidad, donde hay asientos para la neo-psicodelia, el hardcore, el punk y en el que Fugazi, Russian Circles y Pelican debaten sobre estructuras, ritmos y distorsiones: ¡atención! el reinado de Hannuman ya está aquí.

El nombre surge a raíz de un viaje a India. En Varanasi, el nombre de este ghat desata la inquietud de saber algo más sobre la cultura induhísta. Esta deidad representa valores muy genuinos como la lealtad, el entusiasmo, el valor, la superación y la humildad. Son conceptos no tan personales sino más representativos de este proyecto.

La música siempre ha formado parte de la vida de Gaspar, la escuchaba de pequeño y en cuanto pudo convencer a sus padres comenzó a tocar música tradicional, laud, guitarra clásica y eléctrica, ahí llegó la banda de rock, el hardcore (Unabomber)… y ahora sigue con el bajo en Hannuman, tocando la batería en Rizoma y con más proyectos. Miquel tardó 19 años en tocar. Su padre le desarrolló una fobia a Los Panchos que lo recluiría al hip hop durante años y más tarde un amigo le pasó (por lo bajini) varios casettes de punk rock-hc, junto a una compilación propia llamada “guitarreo oscuro” que lo hizo cambiar. Y yo (Javier) comencé como cualquier chaval que algún día quiere ser una estrella de la batería, golpeándolo todo. A los 12 años me regalaron la primera, a los 16 empecé con clases y a los 18 toqué en una banda. A partir de ahí ya no paré. Hannuman es pureza, honestidad, integridad, entusiasmo. El concepto del disco es presentar a dónde nos ha llevado la experimentación de un trío instrumental, partiendo de donde venimos y sin saber a dónde llegaremos.

La idea es que nadie se quede igual. Como batería he escuchado King Crimson, Camel, Van Der Graaf Generator y pasé por el post-rock, la electrónica, y el jazz. Todo es cíclico. Gaspar y Miquel se unieron un poco por la escena hardcore, aunque nunca han sido fieles a etiquetas: desde John Zorn o Marc Ribot hasta lo más progresivo están dentro de sus gustos. De la escena local nos gustan Familia Miranda, Vortice, Moksha, Joan Colomo, Picore, Za!, Standstill… Por lo general, Miquel trae algún riff sobre el que trabajar, o yo una idea de batería, a veces una línea

de bajo, o simplemente dos notas que suenan bien y tratamos de adaptarlas. A partir de ahí vamos desarrollando e incorporando ideas. Somos muy inquietos. Nos gusta mucho complicarnos la vida con cambios de tempo, patrones y ambientes. Siempre intentamos que los temas tengan un cierto clima, que cada sección “respire” un poco.

No acostumbramos a hacer jams en los ensayos. A veces traigo una idea de batería, algún ritmo concreto en el que he trabajado, lo toco en plan “loop” e improvisamos sobre él. Cuando llegamos a algo que nos gusta, nos quedamos con eso y luego vamos incorporando ideas. Muchas no llegamos a cerrarlas nunca. ¿Voz? Sí que lo hemos pensado y de hecho nos gustaría, si alguien se atreve. Quiero decir, si seguimos componiendo como lo hacemos y luego buscamos un cantante, creo que el pobre lo pasaría fatal. Al menos al principio. Nadie de nosotros ha demostrado (por el momento) dotes de canto. En mi opinión, el mejor momento de la banda fue cuando presentamos el disco en directo, aunque durante la grabación hubo momentos increíbles; sobre todo al final, cuando escuchamos el resultado de meses y meses de ensayo. El peor no sé.

Creo que hasta ahora no ha habido ninguno, más allá de alguna de esas pasajeras crisis internas por las que pasan todas las bandas alguna vez. Nos gustaría tocar en cualquier lugar del mundo con Trans Am, o con Fugazi o en cualquier sala que suene bien, aforo limitado, techo bajo, olor rancio... en cuanto a las bandas, prefiero el público con ganas, capaz de salir de casa cualquier día y hora para vernos tocar. www.myspace.com/hannumanrock

lamono / núm. 66 / septiembre ’10

Hannuman

El rey de su reino

cd’s

› THE OLDIANS › ARTS OF SEDUCTION (Liquidator Music) Que bien sienta un poco de jazz jamaicano en esta época.

La banda local lleva al terreno instrumental grandes clásicos de John Coltrane, Burt Bacharach, Charlie Parker y Edith Piaff, transformando piezas sonoras exquisitas en buen-rollismo ska sin perder ni un ápice de su elegancia. Un trabajo orquestal impecable, a cargo de estudiosos de la materia a la búsqueda de un horizonte rocksteady lleno de optimismo y buen gusto. › TIM ROBBINS and The Rogues Gallery Band (Pias Spain) Con este nombre es fácil adivinar que lo que hace Tim Robbins y los suyos es Americana, de esa que puede gustarle tanto a tu padre como a la vecina. Hacer un disco a los 51 años puede ser una ventaja o un tremendísimo error, pero contando que Robbins es un icono del cine, que cuenta con un productor excelente y músicos de novela, el producto final es realmente bonito. El mundo del espectáculo apoya su honestidad y capacidad compositiva: además de dirigir “Pena de Muerte”, Tim sabe hacer canciones. Atentos.

t: natalia brovedanni

› GECKO TURNER › GONE DOWN SOUTH (Lovemonk) ¡A mover la cabeza! El funk siempre cae como anillo al dedo aunque también es difícil que un solista o banda del estilo sobresalga. El soul fluye por sus venas mientras se cuela música cubana, flamenco y baladas entre sus composiciones: este mix es lo que hace que Gecko se salga del común denominador. El extremeño fusiona con frescura y naturalidad varios géneros, poniendo de manifiesto cuánto pesa su corazón negro. › GRACE JONES › LOVE YOU TO LIFE (Wall of Sound) Un año y medio después de la salida de Hurricane, la reina del disco lanza un vídeo-presentación del último single extraído del álbum, Love you to life. Y así es como deciden titular el trabajo que incluye cinco tracks remixados por Mala/Digital Mystikz, Cagebaby & Guy Williams Paradise 45 Rework, Pitron & Sanna a los que se suman una Radio Edit (espantosa) y un Dub final, que no está tan mal. Todo es bastante rollito ibicenco del que duele, de bajos profundos y subidón agua en mano.

Innecesario.

lamono / núm. 66 / septiembre ’10

› HELLSONGS › MINOR MISDEMEANORS (Lovely Records) Si quieres que tu abuela se sienta a gusto cuando escuchas metal, esta es una buena opción. Claro que, en este caso, Pantera, Guns n Roses, Alice Cooper y AC/ DC se tomaron un Tranquimazin: estamos frente a un disco de versiones que enseña cómo lucen Welcome to the Jungle, Sin City o School´s Out en la voz de una dama moderada con una orquestación indie-pop bonita pero difícil de tragar. En la línea de Nouvelle Vague, Hellsongs, se atreve a cambiar la sensibilidad de canciones-leyenda convirtiéndolas en piezas audibles para todos. Dudas y pastelosidad. › LADYNITRO › DESPUÉS DE LA EXPLOSIÓN (Creative Commons) Pop, guitarras acústicas, letras en castellano y una forma de cantar que recuerda a Bunbury, a los 80 en su versión más melosa. Paco Jiménez C. y Jorge Sánchez estaban enamorados, están o estarán porque las letras empalagan por donde las mires. La ejecución instrumental es buena aunque algo evidente, sencillez y detalles orquestales que le aportan sutileza y buen gusto, pero que, al mismo tiempo abandonan la innovación en el estilo. Ladynitro recita poesía sobre música, es como si un trovador encontrase el trampolín para dejarse caer sobre las melodías: la voz es la protagonista por sobre todas las cosas.

› RÖYKSOPP › SEÑOR (Wall of Sound) Aunque reacia a la electrónica, debo reconocer que Röyksopp sabe introducir un disco como pocos. …And the Forest Began To Sing te acompaña creando una atmósfera misteriosa que se abraza a la introspección y deja los vocales para otro día. El dúo noruego abandona la estridencia sonora de Junior, su disco anterior; y madura de golpe en nueve canciones atmosféricas, cíclicas, envolventes. Oscuridad y progresión melódica: dinámico, contagioso… ¡muy interesante! › THE CHEMISTRY SET › THE DAY WILL NEVER HAPPEN AGAIN (Tsunami Music) Donde si no en Londres podrían componer y vivir The Chemistry Set. Su música bebe directamente de los Stones más lisérgicos, se baña en una piscina de ácido junto a Syd Barret y recuerda lo importante que fueron los 60 para el rock contemporáneo. Veteranos del boom neo-psicodélico de finales de los 80, sus canciones fueron pinchadas en el show de John Peel (quien se declaró fan) y hoy continúan causando furor alrededor del mundo. ¿El disco? Simplemente genial. Retro-gusto y toda una colección de instrumentos: mellotrones, farfisas, Elka…

conciertos & sesiones

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1_TOKYO SKA PARADISE ORCHESTRA_Los japoneses parecen saber hacer bien cualquier cosa que se propongan. Es el caso de Tokyo Ska Paradise Orchestra, banda que lleva tocando desde mediados de los 80, a ritmo de ska, jazz y rock, cosechando fans allá a donde va. Más de ocho músicos en el escenario, darán vida a una carrera llena de grandes discos, colaboraciones y experiencia, una noche imperdible para amantes del buen rollo. Sala Heineken. Martes 7 de septiembre. 22/25 €. MAD 2_THE WHITEST BOY ALIVE_Berlin dice presente. El proyecto paralelo de Erlene Oye, componente también de Kings of Convenience, llega a la ciudad para seguir repasando Rules (2009), un trabajo de pop electrónico que tiene fama de brillar en directo. Se dice que el grupo termina sus conciertos con jams interminables que hablan muy bien de la espontaneidad de sus músicos. Habrá que comprobarlo.

Sala Bikini. Miércoles 8 de septiembre. 22/25 €. BCN 3_[2 x 3] aparador musical: NORDKAPP + WIGGUM + TERESA_La revista musical gratuita Mondosonoro se une a la mítica sala de la ciudad Condal para aunar lo mejorcito de la nueva escena independiente. Dos días a la semana, durante tres semanas seguidas, tres bandas por noche.

Esta es la ecuación que se ha planteado para esta primera edición del Aparador Musical. Nordkapp, Wiggum y Teresa tienen noche dentro de la programación, post-rock, indie en español y revelaciones, diversidad y buen gusto. La [2].

Jueves 9 de septiembre. Entrada libre. BCN 4_THE RADIO DEPT._Martin Larson y Johan Duncanson despuntan post punk, kraut y se atreven a sumar sonoridades noise a melodías capaces de figurar en una película

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de Sofía Coppola. A estos suecos, las buenas noticias les llueven como agua de agosto y cada año escalan un peldaño del éxito. Acaban de lanzar Clining to a scheme, un trabajo que sigue en la línea de sus anteriores y que vienen a presentar a la ciudad. Una cita interesante. Razzmatazz. Sala 3. Jueves 9 de septiembre. 18/20 €. BCN 5_FESTIVAL DÍAS NÓRDICOS: KASPAR + MURDER + Jonathan Johansson + MODDI + JOSÉ GONZÁLEZ..._Los países nórdicos tienen un festival que los homenajea y que expande sus fronteras hasta nuestras costas. Su primera edición se dará cita con la escena artística de Dinamarca, Finlandia, Islandia, Noruega y Suecia; y trae a Kaspar, finlandeses comparados con Simon & Garfunkel; Murder, neofolk de aspiraciones pop; Jonathan Johansson; Moddi; y a José González, una eminencia compositiva: voz, guitarra y melodías emotivas sin deperdicio. Casa América. Sala Galileo Galilei. 15, 16, 22 de septiembre. MAD 6_DISCO ENSEMBLE + JAAKKO JAY + FURGUSON_Si viejas glorias como Refused o Snapcase ocupan un lugar privilegiado en tu discografía, acércate al concierto de Disco Ensemble, una banda finlandesa que en muy poco tiempo ha colapsado la prensa internacional. Han rulado por los mejores festivales de rock europeo y ahora desembarcan en Barcelona para presentar The Island of Disco Ensemble, un trabajo enérgico e ineludible. Los acompañarán los finlandeses Jaakko Jay con un folk punk bastante original y los locales Furguson, nueva promesa del post-punk. BeCool.

Jueves 16 de septiembre. 10/15 €. BCN 7_HIPNOTIK FESTIVAL 2010: SFDK + DJQBERT + MORODO + CHACHO BRODAS + CREWCUERVOS_¡Atención! Para

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aquellos asiduos al hip hop y a los sonidos urbanos, vuelve Hipnotik Festival, el evento que congrega a artistas nacionales e internacionales del estilo, con campeonatos, graffiti y buen ambiente. Esta séptima edición, contaremos con la visita de DjQbert, un americano que viene dando guerra desde el 85 y al que no se le cuestionan sus habilidades frente a los platos. El cartel se completa con eminencias locales como Morodo, Chacho Brodas y CrewCuervos.

CCCB. Sábado 18 de septiembre. 15 €. BCN 8_TURBOROCK: REDD KROSS + THE MUFF + MUDHONEY + THE SOUNDTRACK OF OUR LIVES… A veces es difícil toparse con un festival que pueda presumir de bandas tan añoradas como éste. Turborock 2010 reúne en dos días a los americanos Redd Kross, con su imparable máquina de rock seminal; a The Muff directos desde California y a The Soundtrack of Our Lives, banda que nos pasea por la historia de la música siguiendo una senda psicodélica hipnótica, personal y madura. Cita ineludible.

Rock Kitchen. 22, 23, 28 de septiembre. 25/30/35 €. MAD 9_CRYTAL FIGHTERS_Kitsuné Records afiló la puntería e invitó a entrar en su familia a Crystal Fighters, grupo de Navarra residente en Londres, que ha sabido hacerse un hueco en la meca de la industria musical europea. Xtatic Truth y I love London son la demostración de una formación joven pero convencida del camino a tomar: folk, psicodelia, electrónica y la herencia de Animal Collective. Over Club.

Sábado 25 de septiembre. MAD 10_THE BLEACH_Brit rock, analogía y garage sixtie es sólo parte del cóctel que sabe preparar la gente de The Bleach, formación madrileña que revisiona a The Small Faces y se

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atreve a coquetear con la energía de Primal Scream, sin caer en imitaciones baratas. Shinning Black es el fuerte debut con el que se inauguran, un compendio de canciones dinamita ideales para soltarse la melena. Costello Club.

Lunes 27 de septiembre. 6 €. MAD 11_MUDHONEY + THE MEANIES_Mudhoney han creado escuela y hoy es, quizás, una de las bandas más influyentes en el indie de los 90. Sonic Youth, Nirvana y un puñado de grandes nombres la mencionan entre sus favoritas: grunge, punk rock, garage y psicodelia tocado con rabia y entrega absoluta. Touch me, I´m sick ya es un clásico underground indispensable y este mes tendremos la oportunidad de disfrutarlo en directo. Los australianos The Meanies, banda que promete liarla “on stage”. Apolo. Miércoles 29 de septiembre. 20/23 €. BCN 12_THE POSIES_ Cinco años hemos tenido que esperar para que la banda americana lanzara Blood/Candy, su nuevo disco.

El dato es que la mayor parte de este trabajo se grabó en España, un compendio de canciones espaciales, letras provocativas y sonidos sofisticados elaborados con elegancia y madurez. La banda de pop rock está avalada por una carrera intachable, llena de hits memorables y casi dos décadas de excelencia compositiva. Os invitamos a conocer a un grupo de culto. La [2]. Sábado 2 de octubre. 18/22 €. BCN BARCELONA: La [2]: Nou de la Rambla, 111. +34 934 414 001. Apolo: Nou de la Rambla, 113. +34 934 414 001. BeCool: Joan Llongueras, 5.

Bikini: Av. Diagonal, 547. +34 933 220 800. CCCB: Montalegre, 5. +34 93 306 4100. Razzmatazz: Pamplona, 88. +34 933 208 200. MADRID: Casa América: Paseo de Recoletos, 2. Costello Club: Calle del Caballero, 10. +34 915 221 815. Sala Heineken: Princesa, 1. +34 915 475 711. Over Club: La Bola, 13. Rock Kitchen: Fundadores, 9.

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Shepard Fairey. Guns and Roses, 2007

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