lamono #91 Along The Way by lamono magazine

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ALONG

THE

WAY

Along the way… Away to somewhere, gotta keep moving, learning, educating and stimu-

lating our craving urges. Cherish the ride, abandon flights were possible and enjoy the real art unravel in front of your eyes; forests, lakes, coastlines, foreign faces. Life is about experience whether it be tasting a local delicacy, sexual experimentation, skating a new spot. Step out of your shell and use your body, kick, scream, jump, climb a mountain… get out there and learn from mistakes! We're all along the way on the same inevitable path to an uncontrollable death. Tomorrow… Next week… in 80 years? Embellish and enjoy things around that your grandparents would have only ever seen in a horror film, with the wind at your back and the sun upon your face. Say hello to that certain stranger who catches your eye on the back seat of a rickety bus along the way. Life long connections start with a single smile. Lend a helping hand, plant a seed, take your grandparents on an unplanned day trip adventure, volunteer, squeeze the juice of life out of our earth. Get out there and make a change, force a change, be the change! A smile speaks every language, so blaze those pearly whites, throw in your day job and get on the road! Monotony kills!

˜ JU LY AUGU ST 2013 ˜

TROY

WEST

En el camino... Lejos de cualquier lugar, tienes que seguir en movimiento, aprendiendo,

educando y estimulando tus más anhelados deseos. Apreciar el camino, evitar viajar en avión cuando sea posible y disfrutar del arte real que se encuentra delante de tus ojos: los bosques, los lagos, las costas y las caras extranjeras. La vida son experiencias, que llegan tanto probando las delicias locales como experimentando sexualmente o patinando un nuevo spot. Sal de tu caparazón y utiliza tu cuerpo, pega, grita, salta, escala una montaña.... ¡Sal ahí fuera y aprende de tus errores! Todos estamos en el camino, siguiendo los pasos inevitables hacia una muerte incontrolable. Mañana... la semana que viene... ¿en 80 años? Embellece y disfruta de las cosas a tu alrededor, esas que tus abuelos solo han visto en películas de terror, con el viento en tu espalda y el sol en la cara. Saluda a ese extraño que se cruza con tu mirada en el asiento de atrás de un autobús destartalado en el camino. Las largas conexiones en la vida comienzan con una simple sonrisa. Extiende tu mano para ofrecer ayuda, planta un árbol, llévate a tus abuelos a una excursión sin planificar, hazte voluntario, exprime el jugo de la vida lejos de nuestra tierra. Sal ahí fuera y haz un cambio, fuérzalo, ¡sé el cambio! Una sonrisa habla todos los idiomas, así que enseña esas perlas blancas, ¡abandona tu trabajo diario y lánzate a la carretera! ¡La monotonía mata!

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tX Xavi Ocaña

Ray-Ban

Fire along the road Quemar un cartucho. Y otro. Y otro (y otro). La vida en el camino es así. Arde. Aunque no siempre quema. Y ese es el problema: nos gusta el fuego. Cuanto más grande es la llama, más luz, más calor, más vivos. Quemamos recuerdos, amantes, sentimientos… Un día sin haber prendido una hoguera, es un día perdido. Y cuando estás yendo a alguna parte, no hay días que perder. En Ray-Ban han prendido una hoguera llamada Envision. Y no lo han hecho solos. Son seis las señas de calidad de las lentes de Ray-Ban: gran resistencia, protección antidestellos, brillo, larga duración, resistencia a los golpes y facilidad de movimiento. Y son cuatro los ilustradores invitados a reinterpretar cada una de ellas en forma de seis novelas gráficas: Ben Hasler, Ellen Lindner, Eoin Coveney y Robert Sergel. Pero no son los únicos. También cuentan con el privilegiado objetivo de Mark Seliger, que ha inmortalizado cada una de las facetas de Ray-Ban en una serie de seis fotografías realizada en California. Además, en su web lanzan The Envision Series, un espacio en el que descubren a personas de todo el mundo cuyo objetivo en la vida es mantenerse fieles a su visión. Si tu eres de ese tipo, Ray-Ban te da la oportunidad de sumarte al movimiento Envision y gritar al mundo aquello que siempre has deseado. Si resultas uno de los ganadores, Ray-Ban hará que cobre vida. A lo largo del camino, la idea de lanzarte de cabeza al fuego, sin protección, se vuelve irresistible. Pero no lo haces. No es por miedo, ni por cobardía. Es porque algo dentro te dice que no hay nada que arda más que un sueño. Y quieres estar ahí para verlo. Burning on and on and on (and on). This is what life is like along the way: on fire. Although, it’s not burning all time, and that is the problem; we like fire. The bigger is the flame, the more light, the more heat there is, the more alive we become. We burn memories, lovers, feelings… A day without lighting a fire is a day wasted, and when you’re heading somewhere, there’s no time to waste. In Ray-Ban, a fire has been started called Envision – and they haven´t done it alone. There are six Ray-Ban quality lenses: high resistance, anti-glare, brightness, long life, impact resistance, and ease of movement. And, six is the number of illustrators who have been invited to reinterpret these qualities in the style of six graphic novels: Ben Hasler, Ellen Lindner, Eoin Coveney and Robert Sergel. But they’re not alone – 'they also have their figure head Mark Seller, the man who has immortalized each of the facets of Ray-Ban in a series of six photographs taken in California. If that wasn't not enough the Ray-Ban website has launched The Envision Series, a space where they discover people from all over the world whose object is to maintain loyalty to their vision. If you’re this kind of person Ray-Ban is giving you the opportunity to join the Envision movement and allowing you to tell the world that thing you have always desired. If you happen to be the winner, Ray-Ban will make your desire come alive. Along the way, the idea of diving headfirst into the fire, without protection becomes irresistible. But you don´t do it. And that is not because of fear or cowardice. It is because something inside you says that there is nothing that burns more than a dream. And you want to be there to see it.

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Coast·to·

Coast

Ser beatnik sin saberlo, cinco décadas después de que se inventara el término, cuando los determinados mismos lo rechazaron. Pero el tiempo fue implacable y les fue eternamente aplicado. Beat de costa a costa, y porque el mar es el único abismo que los ha frenado, pero siempre consiguieron ir más allá con viajes químicamente provocados que los transportó a las interzonas de W. Burroghs o a las zonas temporalmente autónomas de H. Bey. Según Allen Ginsberg, fueron personajes transitorios: “estaban tan conectados con el pasado que no estarían en el futuro.” (Servando Rocha, La Facción Caníbal). Porque el problema del ritmo, del ser Beat de costa a costa y del foreveryoung, es el tiempo. Tiempo cronometrado entre un punto y otro. Tiempo que hace camino y construye Historia. La historia no es lineal, sino que retorna cíclicamente con cada generación. Porque aunque los sabios digan lo contrario, la irresponsabilidad y rebeldía de los jóvenes es lo que va marcando las pautas que serán escritas y recordadas. Porque es el nomadismo impuesto el que nos obliga a movernos y activar residencias efímeras en las que cultivar experiencias. Cultivo desarraigado, mala hierba y genética heredada que nos hace renacer en un cúmulo de pasadas vanguardias. Los que son hoy, también son un sucedáneo de Situacionistas, Letristas, Hedonistas, Revolucionarios del Terror, Hippies, Yippies, Punks, Realviscelastistas, Desobedientes, Vándalos, Antisitema, Anarquistas Ontológicos, Raveros, Modernos, Post, Trans, Meta, Hustlers, Dreamers, Criatures of the social wildlife, Paganos... y Utopistas. Porque el pensamiento utópico es su modo de percepción y de relacionarse con el mundo. Cuando de todo esperas todo y más. Cuando un meta ficcionada es causa suficiente para vivir errante, para estar en un permanente estado de suspensión, on the road, ruta 66 along the way, beat de costa a costa. Being a beatnik without knowing it. Five decades after the term was invented, when those who were called so rejected it. But time was ruthless and the term was eternally attributed to them. Beat from coast to coast because the sea is the only gulf that has ever stopped them. Though they always managed to go further with chemically induced trips that transported them to W. Burroughs’ inter-zones or H. Bey’s temporary autonomous zones. According to Allen Ginsberg they were transient characters: "they were so connected with the past that wouldn’t be in the future" (Servando Rocha, La Fiesta Caníbal). Because the problem of rhythm, of being a Beat from coast to coast and forever young, is time. Time measured between one point and another. Time that makes the path and creates history. History isn’t linear, but it returns habitually with each generation. Although the wise men say the opposite, irresponsibility and rebellion of the youth is what sets the standards that will be written and remembered. Imposed nomadism is what forces us to move and activate ephemeral residences cultivating experiences. Uprooted crops, weed and inherited genetic revives us in a cluster of past avant-gardes. Those who are of today are also a substitute of Situationists, Lyricists, Hedonists, Revolutionaries of Terror, Hippies, Yippies, Punks, Real visceralists, Disobedient beings, Vandals, the Anti-establishment , Ontological Anarchists, Ravers, Modernists, Post-modernists, Trans, Meta, Hustlers, Dreamers, Social creatures of wildlife, Pagans... and Utopians. Utopian thinking is their way of perceiving and interacting with the world. Where you expect everything and then more. When a fictionalized goal is enough to live wandering, to be in a permanent state of suspension, on the road, Route 66 along the way, beat from coast to coast. tX Alejandro Cinque ph Julio Amores

Il: Leah Giberson 路 www.leahgiberson.com

tX Ignacio Urquijo

NEVER BE SCARED Mark Whiteley

markwhiteleyphotography.com

El hilo conductor de la vida de Mark Whiteley es el skate. Consiguió hacer de su hobby una profesión, la de editor jefe en SLAP una de las principales revistas americanas del sector, e incluso ha elevado ha elevado el skate a la categoría de arte a través de la publicación de ‘This is not a photo opportunity’, un libro que se ha colado en la librería del MOMA de San Francisco gracias a un discurso visual muy particular: en sus fotos, riders no patinan. No quiso retratar fama o acción, sino a personas. Llevas ya muchos años ligado al skate, ¿piensas que patinar es una actividad para gente joven?

Las páginas de tu libro muestran un gran viaje a través del espacio (Brasil, Japón, Irlanda...) y el tiempo (una década de fotografías), ¿cuáles fueron los mejores momentos que te encontraste a lo largo del camino?

No podría calcular el número de recuerdos y buenos momentos. Volver a ver las fotos me hace rememorar un montón de pequeños detalles que no fueron fotografiados, porque simplemente fueron vistos y vividos. Las imágenes sirven para estimular mi memoria más que cualquier otra cosa y me hacen apreciar inmensamente mi vida y a mi gente. Tu libro se vende en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, ¿qué tal sienta eso?

Cuando me enteré de que eso iba a suceder, fue casi tan bueno como el hecho de que se publicara el libro. No me lo podía creer. No esperaba esta forma de reconocimiento al trabajo que había llevado a cabo durante tantos años. ¿Es más difícil fotografiar a los skaters cuando están patinando o cuando van “de paisano”?

Son cosas muy diferentes. Crear una buena y memorable foto de skaters patinando es muy difícil porque tienes que lidiar con muchos factores: policía, guardias de seguridad, equipo defectuoso, trucos que salen o no salen en determinados lugares, skaters temperamentales... Creo que los fotógrafos que no conocen este mundo no aprecian cómo funciona. Los fotógrafos de skate son como soldados hiperpreparados: artistas, managers, niñeras, obreros, conductores, editores, agentes... Es absurdo todo lo que implica su trabajo. Sueles trabajar con una cámara Leica... ¿Es un capricho romántico o realmente una necesidad?

Ninguna cámara es necesaria, cualquiera te puede valer. Son simplemente gustos. A mí me encanta la sensación e incluso el aspecto de las cámaras Leica. Ellas me hablan y se sienten a gusto en mis manos de una manera única y diferente a otras cámaras. Cuando empiezo a disparar con una Leica, me inspiro simplemente sosteniéndola. Soy un romántico empedernido en ese sentido, sí, pero cuando encuentras algo que te hace sentir bien, aprovéchalo. Esa sensación marca la diferencia. Un chispazo de magia.

No. Creo que el límite está en cuánto tiempo puedes hacerlo sin arriesgarte a sufrir graves consecuencias, pero los jóvenes corren los mismos riesgos todo el rato. Mira Tony Alva, Duane Peters, Lance Mountain. Esa gente todavía está partiéndolo a sus tardíos 40 o 50 años. Y no van a dejarlo pronto. Me hace muy feliz formar parte de una generación que ha cambiado el concepto de lo que se consideraba el límite de edad para ser relevante en el skate. Cuando era un niño, los skaters parecían acabados a los 25. Ahora se pueden encontrar profesionales de 40 años patinando con chavales. Es asombroso. Has escrito en tu blog lo siguiente: “los skaters peinan las calles, los callejones y los recovecos del planeta en busca de obstáculos que puedan usarse para propósitos improvisados, para hacer arte físico e interactivo”. ¿A qué clase de arte te refieres?

Veo a los skaters como reinterpretadores del ambiente, puesto que hacen algo parecido a un baile improvisado. Encuentran un sitio que les permite usar su imaginación y crear algo de la nada, hacer algo físico que moviliza a otras personas, que despierta tus sentimientos y produce algo extremadamente visual. Fíjate en la forma en la que se mueven, cómo sostienen sus cuerpos, el énfasis en su estilo. Es muy similar a la danza y, además, el concepto de reinterpretación de estructuras ya existentes es una forma muy artística de acercarse al mundo. Además también has contado que “se trata más de cómo haces algo que del mismo hecho en sí”. ¿Podrías extender más esta frase?

Hablo sobre el estilo. Pídele a cien personas que hagan el mismo truco. ¿Por qué uno puede emocionarte y otro no? Por la forma en la que lo hace. Su lenguaje corporal, su energía, la velocidad de sus movimientos. Eso es el estilo en el skate. Pídele a cien personas que tomen una fotografía de la misma calle. También se trata del estilo. Nunca te asustes de tener el tuyo propio.

Mark Whiteley

Mark Whiteley’s leitmotiv in life is skating. Your book is a big trip through time (ten years of images) and space (Brazil, Japan, Ireland), which were the best moments you found along the way?

There are countless best moments and memories. Looking back at the photos just makes me remember so many other little details that weren’t photographed, just seen and lived. The images serve to jog my memory more than anything else. I’m a sentimental person and reminisce fondly a lot. The photos just make me appreciate my life and my loved ones immensely.

He has converted his hobby into a profession: editorinchief of SLAP one of the most important American skating magazines-. Whiteley('s) has recently turned skateboarding into an art with the publicationof ‘This is not a photo opportunity’. This book can be found at San Francisco's MOMA library due to its particular visual presentation: in his pictures, skaters don’t skate. He didn’t want to show fame or action, but people. He didn’t want to show fame or action, but people.

Your book is being sold in the Museum of Modern Art in San Francisco, how do you feel about that?

You have been for a lot of years, but is skating an activity only for young people?

When I learned that was going to happen, it was almost better than the book being published itself. I couldn’t believe it. It was such a compliment to the work I had put in over the years in a way I have never, never expected.

No. I’d guess there is a limit to how long you can do it without the risk of serious consequences, but young people have serious consequences with it all the time. Look at Tony Alva, Duane Peters, Lance Mountain. Those guys are still killing it in their late 40s and 50s. And they aren’t going to stop anytime soon. I’m super happy to have been part of the generation that changed what was considered the limit of how old you can be and still be relevant. As a kid, skaters seemed to be washed up by 25 or so. Now you see pros in their 40s skating with little kids. It’s awesome.

Is it more difficult to shoot a skater when he/she is skating or when he/she is in ‘normal’ life?

They are very different things. Creating a great and memorable skate photo is so difficult because you are dealing with so many factors: police, security guards, malfunctioning gear, tricks that have or haven’t been done at a certain spot, tempermental skaters, on and on. I don’t think most nonskate photographers appreciate what all goes into it. Skate photographers are onem an armies: artists, managers, babysitters, construction workers, drivers, editors, agents... It’s nuts what goes into their jobs. You usually work with a Leica camera, is that because you are an old romantic or is it a real necessity?

No camera is necessary, you can make it work with anything. It really comes down to preference. I just love the feeling and even the look of Leica cameras. They speak to me and they feel right in my hands in a way that I don’t get with other cameras. When I am shooting with one, I am inspired simply by holding it. I am an old romantic in that way, yes, but when you find something that feels good to you, run with it. It makes a difference to have that feeling. A little magic.

You wrote in your blog: “Skaters scour the streets, the alleys and the dives of the world in search of obstacles they can use for unintended purposes; to make physical and interactive art.” What kind of art are skaters creating?

I see skaters as reinterpreting their environment to do something that is the equivalent of improvisational dance. You find a place that allows you to use your imagination and create something out of nothing, to do something physical that moves other people, to work off a feeling and make something extremely visual. Watch the ways skaters move, how they hold their bodies, the emphasis on style. It’s a lot like dance, and I think the mentality of reappropriating existing structures is a very artistic approach to the world. You also mentioned: “it is more about how you do something than just what you do”. Could you tell me more about this statement?

That’s style. Ask 100 people to do a certain trick. What makes one person’s version stand out to you while many others don’t? It’s the way the person does it. Their body language, their power, their speed and movements. That’s style in skateboarding. Ask 100 people to take a picture on the street. Same idea. It all comes down to style. Never be scared to have your own.

“Cuando encuentras algo que te hace sentir bien, aprovéchalo” “When you find something that feels good to you, run with it"

young nun artist 11 pubescent

REIVINDICANDO NUEVOS · CAMINOS · RON · ENGLISH · www.popaganda.com

Abrió hace más de 30 años un nuevo camino, el del street art más allá del grafitti. Y desde entonces ha luchado para que en nuestra sociedad se abran muchos más. Y es que para Ron English llevar su arte a la calle no es sólo utilizar el espacio urbano con el objetivo de impactar a un mayor número de gente, es hacer transcendente un mensaje altamente crítico con el capitalismo, las grandes marcas y la publicidad, poniendo así su granito de arena en esto de cambiar el mundo. Porque sí, existen muchos caminos para hacerlo y el suyo lo ha autodenominado Popaganda. Creador de iconos visuales indiscutibles, participante con su gran amigo Bansky o Swoon en obras de intervención artística como la del Muro que separa Palestina e Israel. Y altamente influenciado por el cómic, los dibujos animados, los grandes emblemas de la historia del arte y diferentes símbolos culturales, su obra transciende cualquier muro, valla o pared e impacta como un risueño puñetazo en la mirada de cualquier habitante del mundo. More than 30 years ago he opened a new road, one of street art beyond graffiti. Since then he has fought so that our society could be more open-minded. In Ron English's opinion taking his art to the streets is not only about using the urban space with the aim of reaching the most amount of people. For him it means producing highly critical and transcendental messages against capitalism, the big brands, and advertising. He wishes to put his grain of sand into changing this world. Because there are so many ways to do that, he has called his method 'Popaganda'. He is a creator of undeniable visual icons with his great friend Banksy or Swoon in art works like that of the West Bank barrier between Palestinian and Israel. He is highly influenced by comics, cartoons, the greats symbols of the history of arts, and many different cultural symbols. His work transcends any fort, fence or wall impacting with a cheerful punch in the view of every inhabitant of the world. tX Lorena Pedre

· · Cuando comenzaste en los 80’s no existía una escena callejera, ¿cómo te sientes al haber sido uno de los pioneros?, ¿cuál crees que ha sido tu mayor influencia en ella?

Cuando empecé a trabajar en la calle había una gran escena de graffiti en el metro basada en interpretaciones jeroglíficas de nombres de calles inventadas por los artistas. Lo que no había antes de la década de los 80’s era una gran cantidad de arte realizado en entornos urbanos destinados a ser encuentros artísticos anónimos. Mis primeras experiencias en la calle eran muy diferentes al arte de graffiti, que se centraba más en autogenerar fama. Yo abogaba por una experiencia artística única e inesperada disociada de la autoría conocida y los prejuicios asociados; una estrategia que abrió el elemento sorpresa y amplió la audiencia eliminando el elemento comercial (que a menudo pinta el arte en su propia esquina decorativa). Creo que el enfoque de la ciudad como lienzo ha sido ampliamente aceptado, que ha creado más oportunidades para un mayor número de artistas y ha ampliado en gran medida la audiencia del arte. El término Popaganda resume a la perfección la esencia de tu trabajo pero, ¿con qué palabra te definirías a ti mismo como artista?

Sinceridad. Creo que emocional e intelectualmente mi arte es una expresión bastante honesta de mi yo interior. Tus piezas están hechas con una técnica fotorrealista impresionante y un uso inventivo del color, ¿cómo has conseguido desarrollar tal destreza?

Me encanta el color y me fascina la nitidez de la imagen. Creo que gran parte de mi técnica es paciencia, la voluntad de dedicar tiempo a aprender. Personajes como Mc Supersized o Marilyn with Mickey Mounds se han convertido en iconos culturales y señas indiscutibles de tu identidad como artista, ¿alguna vez pensaste que llegarían tan lejos?

No creo que ningún buen artista sepa a dónde le llevará el viaje. Tan sólo se trata de estar abierto a que sucedan cosas y escuchar a tu subconsciente. Tu obra Abraham Obama causó una gran repercusión mediática, ¿era tu intención?, ¿ha cumplido Obama a día de hoy tus expectativas como presidente?

Sí, fue concebido para dirigir la conversación en un momento determinado y para que la gente sintiera que la figura de Obama era inevitable. Mi mayor expectativa con Obama era que él no fuera George Bush. Aún así me gustaría que mostrase más fe en el poder de una población libre y autónoma y no la tomara tan sólo por una presa fácil para el poder corto de miras. Has reinterpretado obras de Van Gogh o Picasso, entre otros, pero Warhol es sin duda tu artista predilecto, ¿qué es lo que encuentras en su obra que no tienen el resto?

Creo que él cambió la concepción de lo que es un artista en relación con su sociedad. Antes de él, el mito del artista visionario misántropo estaba fuertemente arraigado en la imaginería popular, era un papel que yo no tenía ningún interés en jugar. ¿Cómo se pasa de intentar cambiar el rumbo social haciendo street art a hacerlo realizando productos y muñecos?

Los juguetes son un vehículo fantástico para introducir ideas provocativas en una sociedad. Su poder más allá del puro entretenimiento para niños está empezando a ser tenerse en cuenta. Tus pinturas forman parte de lugares tan emblemáticos como el Muro de Berlín o el muro de separación Palestino en la Ribera Occidental, ¿cómo te sientes habiendo dejado tu huella en sitios tan emblemáticos?

Hacer arte en barreras, a pequeña escala, desinfla el poder de las mismas. La mayor parte de tu trabajo es una crítica mordaz al capitalismo y al mundo publicitario, sin embargo, has hecho carteles para grandes empresas como Ray Ban o Absolut, ¿qué razón se esconde detrás?

El capitalismo es un gran instrumento de organización social con un defecto fatal, el bien social mayor es constantemente superado por los propios fundamentos del sistema. No quiero ser más ese tipo de persona que siempre está en contra de todo, prefiero ser alguien que tenga miedo a decir todo lo que está en su mente en cualquier situación o contexto. ¿Cuál crees que es el cambio más inmediato que necesita la sociedad?

Revolución.

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kursed kid zephyr

· · When you began in the 80’s there was no street scene, how do you feel being one of the pioneers? What do you think has been your greatest influence on it?

When I began working on the streets there was a huge graffiti scene in the subways that was based around hieroglyphic renditions of the artists’ invented street names. What there wasn’t (before the 1980s) was a lot of art executed in urban environments intended to be anonymous art encounters. My early street art was a lot different than the art of graffiti, which was greatly about self generated fame. My art was more about a unique and unexpected art experience disassociated from known authorship - and the prejudices that are associated with it - created outside the accepted locations for the display of art. This was a strategy that opened up the element of surprise and expanded the audience, eliminating the commercial element which often paints art into its own decorative corner. I think the approach of the city as the canvas has been widely embraced, which has created more opportunities for more artists and has greatly expanded the audience for art. The term ‘propaganda’ summarizes perfectly your work essence but, as an artist, which word would you chose to define your work?

Sincerity. I think emotionally and intellectually my art is a pretty honest expression of my internal self. Your pieces are made with an amazing photorealistic technique and a inventive use of colour, how have you gained this ability?

I love colour and I love clarity of vision. I think a lot of the technique is just patience, a willingness to put in the time to learn. Characters such as Mc Supersized or Marilyn with Mickey Mounds have turned into cultural icons and undisputed signs of your identity as an artist. Did you ever dream of getting so far?

I don’t think any good artist really knows where the journey will take them. It’s just about being open to things and listening to your subconscious. Your work Abraham Obama caused a great media impact, was it your intention? To date, has Obama fulfilled your expectations as president?

Yes, it was intended to steer the conversation for a moment and to also make people feel like Obama was inevitable. My greatest expectation for Obama was that he would not be George Bush. I would like it if he showed more faith in the power of a free and autonomous population and wasn’t such easy prey for myopic power. You have reinterpreted the works of Van Gogh or Picasso, amongst others, but Warhol has been, without a doubt, your favourite artist. What do you think makes his work different from the others?

I think he changed the mythology of what an artist is in relation to his or her society. Before him the myth of the misanthropic struggling visionary still had a strong hold on the public imagination, which wasn’t a role I had any interest in playing. How is it possible to try to change the social discourse by producing street art and to do it by creating products and toys?

Toys are a fantastic vehicle for slipping provocative ideas into a society. Their power, which is beyond that of solely entertaining children, is only just being realized. Your drawings have become part of emblematic places such as The Berlin Wall and the Palestinian West Bank barrier. How do you feel leaving your mark in these places?

Doing art on barriers, in a small way, deflates the power of the barriers. A large part of your work is a scathing criticism to capitalism and advertising; nevertheless you have made posters for big enterprises such as Ray Ban or Absolute. What was the reason?

Capitalism is a great societal organizing tool with a fatal flaw, the greater social good is persistently trumped by the bottom line. I don’t want to be that kind of person who is always against everything, I would like to be someone afraid of speaking his mind in any situation or context. In your opinion, what is the immediate change that society needs?

Revolution.

· N o creo q ue nin g ú n b uen ar t is t a se p a a d ó nde l e l l evar á e l via j E · I don ' t t h in k an y g ood ar t is t rea l l y k no w s w h ere t h e j ourne y w i l l t a k e t h em · · ·

pubescent artist 6

Háblanos de la idea y el concepto de cuatro sueños pequeños.

Tell us about the idea and the concept of four small dreams?

El concepto gira entorno al hecho de soñar. Pensaba hacer una película y me gustaba esa idea de hacerla especial porque el skateboarding se trata, la mayor parte de las veces, desde el realismo. Me parece que se tiende a un aspecto muy comercial, para vender y enseñar una actividad extrema, lo que está bien pero yo quería realizar el vídeo desde una perspectiva diferente.

The concept is about dreaming. I was just thinking about the idea of making a film and I really liked the idea of doing something special because the way that skateboarding is portrayed for me is mostly about realism. A lot of skateboarding that is portrayed is very commercial, it's about selling things and showing extreme acts, which is fine but I wanted to make this video from a different perspective.

¿Cómo contactaste con Javier y el resto de los actores, los conocías de antes?

Soy amigo de Javier desde que él tenía 16 años, desde el momento en que disparé su primera fotografía para una revista de skateboard. He seguido su carrera por muchos años. Me gusta el punto en el está ahora el skateboarding. Antes estaba más segregado, ahora la gente simplemente patina, es una comunidad más sólida. Por eso me apasionó la idea de realizar un documental sobre ello. Contacté a Javier y enseguida nos vimos y hablamos para darle forma a la idea. ¿Cómo se formó el equipo del film? Explícanos un poco también sobre la música.

I have been friends with Javier since he was 16 and I shot his first photograph for a skateboard magazine. I have been following his career for many years. I just really like where skateboarding is right now. Before it seemed very segregated, now people are just skating and it is a more solid community. I was really excited about making a documentary. I contacted Javier and he came over, we talked about it and we came up with this idea. How about the team of the film and what about the music?

El equipo principal del film lo formamos yo mismo, Javier, Apse y Fred Mortgne. Los cuatro somos personas muy melosas, agradables y creativas, por lo que fue muy divertido. Javier gestionó las reuniones de todo el equipo en el norte de España. Hicimos audiciones y finalmente elegimos la música que nos gustaba, por lo que funciona perfectamente. Grabamos durante seis días y hay como doce horas de música.

The main team for the movie is myself, Javier, Apse, and Fred Mortagne. The four of us are very mellow, very enjoyable and creative people so it was very fun. Javier managed the team meetings in the north of Spain. We did auditions and finally chose the music that I really like so it worked out perfectly. We recorded for about six days and there was like twelve hours of music.

¿Encuentras mucha diferencia entre este video y los que has realizado anteriormente?

Do you find many differences between this film and the others you've made perviously?

No, solo soy una persona creativa, entonces lo que hago es adaptar mi creatividad a lo que estoy haciendo, ya puede ser una portada de disco o sacar fotos. Todo está relacionado, por lo que no veo diferencias entre la forma de trabajar una cosa u otra.

No, I’m just a creative person so I’m always just adapting my creativity to what I’m doing, whether it be a record cover or taking photos. Everything is related to each other so I don't see a difference between how I work on one thing or another.

¿Crees que el mundo del skate está cerca de la creatividad?

Podría decir que la llave para el skateboarding es la creatividad. Es una cultura especial, la gente espera esa creatividad que hay tras ella. De la misma forma, en el surf hay gente como Dane Reynolds, que es un increíble surfer y que también ha hecho films y que ha influenciado el sonido de mi película de skate. Creo que gran parte de mi creatividad proviene del skate y supongo que es esa misma razón por la que provengo de ahí. Nuestro monotema es Along The Way, ¿Qué te inspira esta frase?

Aprendiendo. La vida es aprender. Y eso nunca para.

And how did you get in contact with Javier the others? Had you met them before?

Do you think that the skate world is partly creative?

I would say that the key to skateboarding is creativity. It is a special culture, people expect that creativity is behind it. In the same way, in surfing there are people like Dane Reynolds who is an incredible surfer, who has also made films and has influenced the sound of my skate movie. I think a great part of my creativity came from skateboarding and that's how I came to be where I am. Our topic is Along the way, what inspires you about this sentence?

Just learning. Life is learning. And that never stops.

tX Eva Villazala

If you dream it, maybe you will do it

Thomas Campbell

www.thomascampbell-art.com

Freud afirmaba que los sueños son realizaciones disfrazadas de deseos reprimidos. Esta teoría, al menos en el último vídeo de Thomas Campbell, 4 sueños pequeños, funciona. Javier Mendizábal se acuesta junto a su preciosa chica y antes de cerrar los ojos ya se ha sumergido en un apetecible océano, tabla en mano, para salir seco y como si cualquier cosa en algún punto de las Islas Canarias, Mallorca, el País Vasco o California y comenzar una travesía sobre el patín con tintes surrealistas. Nos gusta Campbell y su modo de ser creativo. Sin pedir permiso. Igual pinta, que esculpe, que cose, que hace vídeos de surf. Éste es su primer experimento con el patín y enseguida tuvo claro que Mendizábal tendría algo que ver. Él le abrió la puerta de Quiksilver, que ha apoyado el proyecto. Surrealismo en 16mm y la banda sonora original del grupo vasco Chiwoks derriba fronteras entre el sueño y la realidad, la lejanía y aquello que podemos tocar, oler, ver, oír y sentir. Aunque no siempre debemos fiarnos de los sentidos, lo que nos eriza la piel puede ser solo un sueño. Freud said that dreams were dressed up achievements of repressed desires. This theory, at least in the last video of Thomas Campbell Four Small Dreams, works. Javier Mendizabal lies down beside his beautiful girl and before closing his eyes he has already immersed himself in a tempting ocean, holding his skateboard, only to dry out as always at some point on the Canary Islands, Mallorca, the Basque Country, or California and start a journey on his skateboard, almost surrealistically. We like Campbell and his way of being creative. Without asking permission he paints, sews, makes surf videos. This was Campbell's first experiment with skating and realized immediately that Mendizabal had something to do with it. He opened Quicksilver's door for him, which supported the project. Surrealism in 16mm and the original soundtrack from the basque group Chiwoks breaks down barriers between dream and reality, remoteness and what we can touch, smell, see, hear, and feel. But we should not always trust our senses, what gives us goose bumps may just be a dream.

A ll My Ex’s

Live in

Texas

Photography by ALANA PATERSON Fashion by MILA FRANOVIC Model ALICIA at LIZBELL AGENCY Hair and makeup by CHRISTINE JAIRAMSINGH using MAC cosmetics

Jacket MONCLER from GRAVITY POPE TAILORED GOODS Tank top VOLCOM Bikini bottoms INSIGHT

Cardigan ACNE from GRAVITY POPE TAILORED GOODS Tank top TOP SHOP Jeans ELEMENT

Vintage hat LEVIS Jacket RVCA

Top OBEY Skirt H&M Sunglasses THE ROW from GRAVITY POPE TAILORED GOODS

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Vintage tshirt FAS IN FRANK Shorts ISABEL MARANT ÉTOILE from GRAVITY POPE TAILORED GOODS

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ERIK THOR SANDBERG. Course. 2009. Oil on canvas. © Erik Thor Sandberg, courtesy CONNERSMITH.

Between dr e a m and r e a l i t y tX Saadia Messadh

ERIK THOR SANDBERG. Swing. 2009. Oil on canvas. ÂŠ Erik Thor Sandberg, courtesy CONNERSMITH.

ERIK THOR SANDBERG. erikthorsandberg.com

ERIK THOR SANDBERG. Prying. 2011. Oil on panel. © Erik Thor Sandberg, courtesy CONNERSMITH.

La vanidad , el vicio y la virtud son palabras que nos vienen a la mente al ver las obras de erik thor sandberg . Este artista americano trata el tema más preocupante de nuestro mundo: la naturaleza humana, uniendo en una misma pintura nociones paradójicas como el bien y el mal, la belleza y lo feo. Así cualquiera puede ofrecer su propia interpretación y reconstruir la historia. Premiado varias veces y reconocido tanto en el mundo de a pie como en las altas esferas del arte, Erik Thor nos ayuda a entender su mundo mágico.

Para empezar, ¿cuál fue tu formación?

No tuve un interés real por el arte hasta mi segundo año de universidad. En ese momento quería ser escultor más que cualquier otra cosa. Cuando recibí mi primera clase de pintura, donde me enseñaron a utilizar el óleo, comencé a amarla. ¿Qué te llevó a cosechar tu particular estilo? ¿Cómo podrías definirlo?

La descripción que más podría encajar con mi trabajo es realismo mágico. Intento evitar la palabra surrealismo para describirlo, aunque a veces sea la más apropiada. Me gusta que mi obra se asiente en este mundo real pero que se mueva en una línea entre la realidad y el sueño. Creo que es el modo de expresión más adecuado para lo que quiero tratar: la naturaleza humana. ¿Intentas contar una historia? ¿Es el reflejo de lo que encuentras en tu vida diaria?

Cuento fragmentos de una historia, como los puntos decisivos en la narración. Tanto el principio como la conclusión quedan confusos, deben ser averiguados por el que observa. El trabajo que hago es en gran parte una exploración de mí mismo, aún así espero que abarque asuntos universales con los que todo el mundo pueda identificarse. Al mirar tus pinturas, lo primero que llega es esa parte perturbadora, antes que la belleza de las mismas, ¿es ese el efecto que quieres provocar en el espectador?

Encuentro mucho más complejo e interesante ese feo aspecto perturbador de la naturaleza humana que la belleza, especialmente a nivel narrativo. Intento contrastar los dos para que la parte oscura sea más apetecible. Es difícil encender una luz que brille en la peor parte de nosotros mismos, pero siempre intento encontrar la forma de hacerlo para que llegue al mayor número de personas. Sería fácil pintar solo escenas de belleza y bondad o de fealdad y horror. Pero estos trabajos suelen pasar desapercibidos. Quiero que mi obra perdure lo máximo posible. Hay un otro punto muy paradójico en tu trabajo, es eterno pero presenta al mismo tiempo alusiones históricas, ¿cómo lo explicas?

Es un efecto que intento alcanzar. No quiero hacer obras que puedan datarse fácilmente. Evito modelos con ropa o peinados demasiado específicos de una época concreta. Me gustaría trabajar con un diseñador de vestuario para conseguir una caracterización que llegue a ese punto. Creo que como pintor figurativo que soy no puedo eludir estos aspectos del pasado. Todo artista dibuja sobre las cosas que ve en su vida diaria, incorporándolas en su trabajo de una manera u otra. Yo no niego un pasado histórico del arte o su influencia en la narrativa o el simbolismo en mi obra. Simplemente uso el lenguaje procedente del pasado, continuándolo con mi propia expansión de ello.

La asociación de mujeres desnudas y paisajes con pájaros nos recuerda a El Jardín del Edén, ¿debemos ver una alusión al pecado original, una especie de paraíso perdido?

Creo que todo mi trabajo está relacionado de alguna forma con el “pecado”, pero intento evitar una referencia directa al pecado original. El núcleo de la idea, el paraíso perdido, es algo universal para todos nosotros. Es una parábola tanto para la gente joven como para los adultos: desafiar a los padres, convirtiéndote en aquello que dicta tu propia personalidad, sea bueno o malo. Si miro mi trabajo a través de la mente, me doy cuenta de que hay muchas referencias subconscientes. Pintas la naturaleza humana de un modo grotesco, ¿es el reflejo de tu propia percepción del mundo?

Creo que el hombre tiene un infinito potencial para ser bueno o absolutamente endemoniado. Encuentro inspiración en la gente generosa, que da. Me inspiran, en el sentido de llegar a ser yo mismo una mejor persona. Lo que pinto son mis propias luchas con la fealdad que reside en mí, es por tanto más la propia percepción de mí mismo. ¿Podemos decir, viendo tus ilustraciones, que lo que hace que merezca la pena vivir la vida son los vicios e imperfecciones de la naturaleza humana?

Aunque no quiero alentar comportamientos malos en el mundo, pienso que una vida sin vicios podría ser terriblemente aburrida. No estoy diciendo que las mejores personas sean las que se permiten comportamientos “malos” constantemente, solo que rechazar por completo esos deseos es antinatural. Reprimir todo lo que nos hace ser como somos, no nos convierte en superiores. La mayor oposición a la que nos enfrentamos es nuestra propia mente. La forma en la que elegimos hacer frente a nuestros demonios, a nuestros obstáculos, es lo que reflejamos. Definitivamente podemos decir que creas tu propio mundo, imaginario para nosotros, observadores, pero para ti, ¿qué representa?

Mis trabajos son autorretratos, reflejos de mi mente, del lugar donde se encuentra durante un periodo de tiempo determinado. Simplemente utilizo figuras para crear una narración alegórica que pueda dar una idea de lo que está ocurriendo aquí dentro. Tus trabajos son muy reconocidos, han recibido premios, tanto las piezas de estudio como las pinturas y se han incluido en diferentes colecciones, además estás exponiendo en prestigiosos lugares, ¿te esperabas este éxito, lo deseabas?

Tristemente, soy una criatura que se auto aborrece y raramente aprecio las cosas que hago, los éxitos que experimento. Estoy agradecido por todo lo que he recibido pero jamás me permito estar del todo seguro de mí mismo. En el mundo del arte, solo eres bueno hasta tu próxima obra. ¿Qué es lo próximo? ¿Seguir trabajando en lo mismo o intentar algo nuevo?

Tengo nuevas pinturas con las cuales estoy muy emocionado. Mezclan algunas ideas antiguas con nuevas. También estoy planeando algunas esculturas e instalaciones.

ERIK THOR SANDBERG. Diversion. 2012. Oil on panel. 漏 Erik Thor Sandberg, courtesy CONNERSMITH.

La mayor op os ici贸n a la que nos e nf r e n ta mos es nuestra propia me n t e

vanity, vice and virtue are words that came into our mind regarding erik thor sandberg â&#x20AC;&#x2122;s pieces. This American artist deal with the most disturbing subject ever: the human nature, mixing in only one paint paradoxical notions such as good and evil, beauty and ugliness. Anyone can make their own interpretation and to reconstitute the story. Rewarded several times and recognized both by professionals and by others viewers, Erik Thor help us to understand his magical world. ERIK THOR SANDBERG. Pointed. 2012. Oil on panel. ÂŠ Erik Thor Sandberg, wcourtesy CONNERSMITH.

First, how did you come to be a painter?

I did not have a strong interest in art until my second year at university level. At that point I wanted to be a sculptor more than anything else. It was only when I had my first class where I was able to use oil paints, that I learnt that I love to paint. What lead you to your peculiar genre? How would you define it?

The best description that I would apply to my work is 'magic realism'. I tend to avoid surrealism to describe it, even though it sometimes seems to apply as well. I like to make work that is within the realm of the real world but dances the line between reality and a dream. I think that this vein of expression is best suited for what I want to define and expose: human nature. Do you try to tell a story? Is it a reflection of that you find in your daily life?

I tell fragments of a story at decisive points in the narrative. The beginning of the story as well as its conclusion are unclear and something to be explored by the viewer. The works I make are largely explorations of myself, but I hope that they touch on universal concerns with which everyone is able to relate. Regarding your paintings, the disturbing side comes before the beautiful ones, is this the effect that you want to provoke on the viewer?

I find the disturbing or ugly side of human nature much more compelling than the beautiful side, especially as it relates to a narrative. I try to contrast the two to make the darker elements more palatable. It is a difficult thing to shine a light on the worst parts of human nature, but I always try to find a way that I think most people may be able to relate to. It would be easy to just paint scenes of beauty and goodness or ugliness and horrors. All too often those works are too easy to pass by. I want work that will engage people for as long as possible. There is another point very paradoxical in your work: it is timeless but also presents historical allusions. How can you explain that?

That is an effect that I do try achieve in my works. I don’t want to make pieces that become dated too easily. I avoid models with hairstyles or clothing that are too specific to a period of time. I would love to work with a costume designer at some point to make a wardrobe that would do the same. I think as a figurative painter you can’t help but draw from the past. Every artist will draw from the things he sees in his daily life and (eliminando el it) will somehow incorporate them into his work. I don’t try to deny (eliminar el an) art history (eliminar past) or the influence of narratives or symbolism in my work. I simply (eliminar el to) use the language that has come before and (eliminar el to) continue to use it with my own personal expansion of it. The association between nude women and landscapes with birds reminds us of the Garden of Eden, should we see an allusion to the original sin? A kind of lost paradise?

I think all of my work is in some way about “sin”, but I try to avoid direct reference to the original sin. I think the heart of the idea, a paradise lost, is something that is (eliminar a) universal for us all. It is a parable for youth to adulthood; defiance of our parents, becoming our own person, good or bad. If I look at my work (eliminar thought) with that in mind, there are many subconscious references.

The greatest o pPos iti o n we fac e in our lives is our own m i n d You also paint human nature in a grotesque way, is it the reflection of your own perception of the world?

I think that man has infinite potential to be good or evil. When people are selfless and giving, I find inspiration. I am inspired, but just to be a better person myself. What I paint are my own struggles with the ugliness in me. It is much more a self perception that I paint. Can we say, after viewing your artworks, that what makes our lives worth living are the vices and imperfections of human nature?

Although I don’t want to encourage bad behavior in the world, I think a world absent of all vice would be terribly boring. I am not saying that I think the best people are the ones who indulge in “bad” behavior constantly. I just think that to deny these desires completely is unnatural. Suppressing everything that makes us what we are does not make us superior. The greatest opposition we face in our lives is our own mind. How we choose to face our demons and our obstacles is how we are measured. We can definitely say that you create your own world, imaginary for us the viewers, but for you, what does it represent?

My works are self portraits, snapshots of my mind and where it is during a period of time. I just use the figure to create an allegorical narrative that can give an idea of what is happening in my mind. Your works are highly recognized; they have received awards, both your studio art (eliminar s) and the paintings. They have been included in several collections, and you've had exhibitions in prestigious places, was this success expected or wished?

Sadly, I am a creature of self loathing and rarely appreciate as I should, the successes I have experienced. I am grateful for everything I have received but I can say that I have never allowed myself to get overly confident. In the art world you are only as good as your next work. What comes next? Will you be carrying on in the same way or trying something new?

I have some new paintings that I am really excited about. They incorporate some old ideas with the new. I am also planning some sculptural and installation work.

mercedes

No way, no story SCOTT POMMIER scottpommier.com

erika and rhianon goldenears

SCOTT pommier

El camino, ese gran incomprendido. Un personaje más en la novela de nuestras vidas que disfruta de un papel terciario -a lo sumo- y que, como Sancho Panza en El Quijote, puede suponer un punto de inflexión en el sino del protagonista. Muchos son los literatos, filósofos, cineastas y demás que han recurrido a esta figura para narrar las vicisitudes de sus historias; con todo y aunque parezca mentira, el camino es mucho más que el escenario a través del cual los personajes se ven abocados a mil y una aventuras. Y es que esa es la visión facilona. El camino es la misma Maruja Torres, Miguel Delibes, Jack Kerouac, Ryszard Kapuscinski, Marguerite Duras e incluso Ana Frank, que con cada historia tejen nuevos destinos, nuevas andanzas. La carretera es el camino asfaltado, el personaje que crea Scott Pommier, su alter ego. Con cada una de sus fotografías, este fotógrafo francés a caballo entre Los Angeles y París nos cuenta la historia de una huida, una vuelta o simplemente un paseo por el interior de las personas que, como él, sólo ven el horizonte y las líneas discontinuas de la carretera. The road, that is greatly misunderstood. One more character in the novel of our lives which enjoys a tertiary role (at the most) and, like Sancho Panza in Don Quixote, it can turn out to be an inflexion point in the main character’s destiny. There are many writers, philosophers, filmmakers, and others who have used this figure to narrate the events of their stories. However, and oddly enough, the road is much more than the stage through which the characters are forced to embark on a thousand and one adventures. And that is the straight vision. The road is Maruja Torres, Miguel Delibes, Jack Kerouac, Ryszard Kapuściński, Marguerite Duras, and even Ana Frank, creating new destinations and new adventures with every new story. The road is an asphalted road, the character who creates Scott Pommier, his alter ego. With each of his photographs this French photographer, halfway between Los Angeles and Paris, tells us the story of a run-away, a ride or just a walk around the minds of people who, like him, only see the horizon and the dashed lines of the road.

tX Víctor Cardona + Saadia Messadh

hurt knee 2008

disaster days sams feet

Realmente es algo bastante sencillo. Me encantaban las revistas de skateboarding -me pasaría horas hojeándolas-, en especial las copias viejas de Transworld Skateboarding (EEUU) y Poweredge (EEUU). El final de los 80 y principios de los 90 fue un gran periodo para esas revistas; si ahora echas un vistazo atrás, el diseño y la fotografía iban parejos. En cambio, a medida que profundizas en los 90, esta relación empieza a separarse un poco. Eres conocido por ser un fotógrafo de skateboard. ¿Puedes explicarnos algo más de ello? ¿Es algo a lo que siempre habías aspirado?

Bueno, no estoy seguro de cuán famoso soy. Comparado con mis coetáneos no soy ni de cerca tan conocido, y no he seguido fotografiando skate durante estos últimos años. Así que creo que mi legado se está esfumando de la memoria lentamente. Pero como respuesta a tu pregunta, te diré que quise ser fotógrafo desde una muy temprana edad, definitivamente tenía ambición, quería realizar fotografías memorables de los mejores skaters, ese tipo de fotografías con las que crecí. Finalmente, no acabé por centrarme en los grandes hitos como tenía previsto, y cuanto más trabajaba con revistas, menos me interesaba la competitividad que supone querer ser el mejor. Entonces, ¿crees que el hecho de que en su momento fueras skater te ha ayudado en este género?

Sin duda. No creo que realmente se pueda hacer fotografía de skate sin tener experiencia en el deporte, por muchas razones. Los skaters son una raza escéptica que en realidad no confían en los extraños, y sin llegar a estar metido, realmente no sabes lo que es relevante, qué es interesante para ellos. No se puede explorar un terreno sin conocerlo, no lo entenderías. De alguna manera, fotografiar el skateboarding es muy liberador, puedes utilizar una amplia serie de técnicas y una gran variedad de lugares, pero también hay reglas muy estrictas con las que tienes que trabajar. Si no fotografías un truco de la forma adecuada, no se verá bien ni conveniente y para el skater será básicamente basura, mirarán la fotografía y pensarán “ese tío ni siquiera sabe lo que hace…”. En cambio, si estás fotografiando tenis, ski acuático o béisbol, las preocupaciones no son las mismas. Y, ¿qué pasa con el motociclismo?

Bueno, en este ámbito no he tenido exactamente la misma historia antes de empezar a hacer fotografías, pero el skate te enseña que los desconocidos son bastante predecibles, alguien hace un artículo sobre skaters y siempre hay algún glosario de la jerga que nadie utiliza, todo cae en una serie de clichés. Con las motocicletas es lo mismo, todos fotografían al tío que se sienta en su moto con su cabeza en alto, con pinta de tipo duro. Todo el mundo lanza la palabra “libertad” por ahí, y hacen que deje de tener sentido después de un tiempo. Así que eso es algo que trato de evitar, no importa lo que esté fotografiando. Se trata de pensar en cómo las imágenes saldrían desde dentro, así evitas hacer los mismos y típicos montajes cursis que, la verdad, ya cansan. Tus fotos parecen que han sido tomadas sobre la marcha ¿Cuál es el proceso de tus fotografías? ¿Lo preparas con antelación o simplemente fotografías los momentos adecuados por instinto?

Mis fotos se toman sobre la marcha cuando esa es la única manera de capturarlas. En cambio, prefiero tener la oportunidad de montar algo. Me va mejor con los métodos de trabajo, por ejemplo, me encanta usar trípodes siempre que es posible. Prefiero pensar en cómo se encuadrará algo. Si voy de viaje con mis amigos suelo centrarme solo en uno o dos encuadres, realmente no soy un aficionado. Creo que la mayoría de mis mejores fotografías tienen más montaje previo de lo que parece.

¿Cuándo sabes que tu trabajo está bien hecho? ¿Pretendes transmitir alguna sensación especial?

Muchas personas me escriben mails muy bonitos, dicen que mis fotografías provocan querer ir a ese lugar, o salir de la rutina y viajar, y eso es genial. Me gusta cuando estoy explorando un índice de imágenes por primera vez y de repente algo sobresale de lo normal, alguien parece especial o algo es bello. No sé qué pretendo compartir, quizás el simple hecho de compartir lo que veo y siento es lo que me llena. También trabajas con grandes marcas: ¿crees este hecho que puede verse como un logro?

Para mi sí que ha sido un logro, he estado fotografiando el nicho de estos dos mundos, el skateboarding y las motocicletas vintage, y en cada uno hay pequeñas escenas y un puñado de gente que las fotografía, es como si fuera un pequeño estanque. Fue algo así como una agradable confirmación ver que no solo tenía habilidades básicas en la fotografía, sino que también mi estilo y mi manera de hacerlo es apreciado a una escala más amplia. Fotografiar para una empresa de automóviles no tiene ningún secreto, es decir, cualquier persona tiene acceso a los coches, si quieres fotografiar un modelo antiguo Sedán, ves a por ello. Dicho esto, soy consciente de lo afortunado que he sido, he tenido mucha suerte y estoy haciendo todo lo posible para aprovecharla. Tu hermano y madre estuvieron ahí desde el principio; ¿otra influencia?

Daniel Harold Sturt. También has participado en un documental titulado Carts of Darkness. ¿Es algo que volverías a realizar?

Me encantaría. Ojalá pudiera haber pasado más tiempo realizándolo. Fue un poco difícil de ajustar -por el tiempo disponible-, pero sí, me encantaría un proyecto de documental a largo plazo en el que hincar el diente. ¿Cuáles son los elementos o símbolos que siempre deben estar en una Road Story?

Supongo que depende de la historia que pretendas contar. Desde mi perspectiva, siempre intento seguir algún tipo de escala de importancia en cada historia; para que cuando mires la imagen primero puedas ver los detalles, luego a las personas -o personajes- y luego la imagen en su totalidad. Agunos prefieren contar una historia en una sola imagen, y ésta estará llena de detalles. Lo respeto mucho, no es fácil. No creo que haya ningún elemento que sea indispensable; yo sólo me inclino a trabajar de maneras muy concretas y que me conduzcan a algunas cosas. De hecho, siempre estoy a la búsqueda de juegos de luces interesantes, y si puedo encontrar algo que avance la historia y, además, coincida con el factor luz, mucho mejor. De otra manera, hay que comprometerse y captar lo que necesitas con lo que tienes. Otros fotógrafos están mucho más interesados en el contenido de la imagen y, en consecuencia, la técnica queda en segundo lugar. En tu opinión, ¿dónde se encuentra la magia de un Road Trip?

Creo que en los días que corren, la magia se encuentra en huir de las obligaciones y en hacerte recordar cuán calmante y gratificante puede ser ir a algún lugar bonito. Por supuesto, para mí hacer una escapada significa trabajar… pero no lo querría de otra manera. Hablemos de ti. ¿Tienes algún objetivo en tu carrera o vives el presente sin pensar en tu meta?

Por el momento tengo un montón de metas y éstas me empujan en un par de direcciones diferentes. El resultado de hacia donde me lleve cada elección depende de lo que el universo quiera. Pero yo no puedo escoger, porque tengo un montón de intereses y quiero hacerlo todo. Solo tengo que cerciorarme de que no empiezo a girar en círculos y a estancarme al intentar hacer demasiadas cosas a la vez.

toad rock

Para empezar, ¿qué te llevó a la fotografía?

“Creo que en los días que corren, la magia se encuentra en huir de las obligaciones” 93

â&#x20AC;&#x153;I think that in these days the magic is found in getting away from obligationâ&#x20AC;?

framed. I will go on a trip with friends and only shoot a frame or two, I’m really not a shutterbug. I think most of my best pictures have more setup involved than it might appear. How do you know that your work is done well? Do you want to convey a special feeling? Firstly, can you explain to us what led you to photography?

It's pretty simple really. I loved skateboarding magazines, I would leaf through them for hours especially old copies of Transworld Skateboarding (USA) and Poweredge (USA). The late 80s and early 90s was a really great period for skateboarding magazines; if you look back at them now, the design and the photography really support each other. On the other hand, as you go a little deeper into the 90s this fact starts to fall apart a bit. You are well-known for being a skateboard photographer. Could you tell us a little more about that? Is it something that you’ve always wanted?

You also work with big brands, do you think it can be seen as an achievement to be recognized by famous names?

Well, I'm not sure how famous I am. Compared to some of my contemporaries I'm not nearly as well-known and I haven't shot much skateboarding over the last few years. So I think my legacy is slowly vanishing from memory. But to answer your question, I wanted to be a photographer from a fairly early age and I definitely had ambition. I wanted to take memorable pictures of the top skateboarders, the kind of pictures of which I grew up with. At the end, I didn't end up focusing on the top talent nearly as much and the more I worked with magazines the less interested I was in the competition of getting the best assignments.

It felt like an achievement to me... I had been shooting these niche worlds, skateboarding and vintage motorcycles, and there are little scenes around each and a handful of people that photograph them, so it feels like a small pond. It was sort of a nice validation to see that it wasn't only that I had some basic photographic skill (eliminar coma) and had access to these worlds (eliminar coma) but that my style and approach were appreciated on a wider scale. By the time you're shooting for a car company there's no secret society, I mean anyone has access to cars. If you want to shoot a late-model sedan, go for it. That said, I understand how lucky I've been. I've been incredibly lucky, and I'm doing everything I can to build on that luck.

So do you think the fact that you were a skateboarder before helped you in this genre?

Your brother and mother were there from the beginning; another influence?

Most definitely. I don't think you could really shoot skateboarding without a background in the sport, for so many reasons. Skateboarders are a skeptical breed, they really don't trust outsiders. But without really being immersed in skateboarding you don't really know what is relevant or what is interesting to skateboarders. You can't scout terrain, you wouldn't understand the unique timing. In some way shooting skateboarding is very freeing, you can use such a range of techniques in such a range of locations, but there are also very strict guidelines that you have to work within. If you don't shoot a particular trick in the right way it won't look right, it won't look convincing, and to a skateboarder it will be garbage. They’ll look at it and think 'this guy didn't even land that...'. If you're shooting tennis or water skiing, or baseball, you don't have quite those same concerns.

Daniel Harold Sturt.

And what about motorcycling?

Well, there I didn't have quite the same history with motorcycles before I started to shoot photos. But skateboarding teaches you that outsiders present things in some very predictable ways. Someone does an article on skateboarders and there's always some glossary of slang that no one uses, it all just falls into a series of clichés. With motorcycles it's the same thing, everyone shoots the picture of the guy sitting on his bike with his chin up, looking tough, everyone throws the word ' freedom' around; it becomes meaningless after a while. So that's something I try to do no matter what I’m shooting, is to think about how the pictures would come off to an insider. It keeps you from doing the same corny setups that have become really tired.

michael with pistol

I've had people write me some really nice emails, a lot of them say that some picture or other really makes them want to go to that place or really makes them want to get out and travel. That’s pretty neat. I like when I’m scanning a contact sheet for the first time (eliminar coma) and something just jumps out, someone looks really cool (eliminar coma) or something is beautiful. I don't know that I’m trying to convey anything, maybe sharing things that I find compelling.

Your pictures appear to be taken along the way. (eliminar on the fly) How do you make your shots? Preparing in advance or just catching the moment by instinct?

My pictures are taken on the fly when that’s the only way to capture them. I much prefer when I get a chance to actually set something up. I favor pretty simple working methods these days, but for example, I love using tripods whenever possible. I prefer to think about how something will be

You have also participated in a documentary called “Carts of Darkness“. Is it something you would do again?

I would love to. I wish I could have spent more time on the documentary. It was just difficult timing, but yes, I’m looking for a long documentary project I can sink my teeth into. What are the elements or symbols that must always be in a road story?

I guess it depends on what story you're trying to tell. For me, I'm always trying to get some kind of range of scale with any story. This is so that when you look at the pictures you can see the details, you can see the people - or characters - and you can see the big picture. Some people prefer to tell a story in one single image and the picture is filled with details. I respect that, it's not easy. I don't think that there are elements that are mandatory, I just tend to work in certain ways and to be drawn to certain things. In fact, I'm always looking for interesting light, and if I can find something that advances the story and coincides with the light, that's ideal. Otherwise, you have to compromise, and shoot what you need with what you've got. Other photographers are much more interested in the content of the images and the technique is secondary. In your opinion, where is the magic in a road trip?

I think that in these days the magic is found in getting away from obligation and reminding yourself how calming and rewarding it can be just to go somewhere beautiful. Of course, for me, getting away still means working... but I wouldn't want it in any other way. In your career, do you have a destination or do you live in the present without thinking too much of your end goal?

At the moment I have a number of goals and they're pulling me in a couple of different directions. So it might come down to the universe, where one path provides me with a better opportunity than another. But I can't help it, I have a lot of interests and I want to do everything. I just have to make sure that I'm not spinning my wheels, trying to do too many things at once.

bacon driving 2010

JENS ASSUR www.studiojensassur.se

reality is hidden

Únicamente los humanos tenemos el poder del conocimiento, aunque lo más difícil es saber cómo usarlo. Os mostramos la obra de una persona que a través de la fotografía y el cine hace una llamada a la consciencia de la (des)informada sociedad. Para el fotógrafo y director de cine sueco Jens Assur nunca una fuente de inspiración había estado tan cerca, ni el compromiso había sido tan fuerte. La vida cotidiana es el leitmotiv de sus fotografías y cortometrajes que le conduce a perseguir su objetivo: comunicar a una sociedad fragmentada. Jens Assur consolidó su carrera como fotógrafo con el libro Under the Shifting Skies, la experiencia de un viaje por Suecia y por países subdesarrollados. A medida que hojeamos el libro podemos ensimismarnos hasta las capas más crudas de la realidad descubriendo de forma íntima las historias que inmortaliza. Su punto de vista nos invita a reflexionar sobre las injusticias y desgracias que amenazan a nuestra comunidad y acerca de cómo solo nosotros tenemos el poder de construir un mundo mejor, siempre y cuando estemos unidos. No cabe duda que Jens Assur es uno de los fotógrafos más sinceros de hoy en día.

Only humans have the power of knowledge, but the hardest thing is to know how to use it. We show you the work of a person that, through photography and film, reaches out to the consciousness of an (un)informed society. For the Swedish photographer and film director Jens Assur an inspiration has never been so close or the commitment so strong. Everyday life is the leitmotif of his pictures and short films that leads him to achieving his goal: to communicate to a fragmented society. Jens Assur consolidated his career as a photographer with the book Under the Shifting Skies, the experience of a trip along Sweden and developing countries. Flicking through the book we can get lost among the harshest cracks of society while discovering in an intimate way the stories that he immortalizes. His point of view invites us to think about the injustices and miseries that threaten our community and how only we have the power to build a better world as long as we are united. There is no doubt that Jens Assur is one of the most sincere photographers today.

tX Meri Bonastre

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Sabemos que has nacido en Suecia y que gran parte de tu trabajo se ha centrado en retratar la sociedad sueca. ¿Cuál es tu posición respecto a tu país?

Suecia sigue siendo un país pequeño si nos fijamos en el número de personas que viven aquí y para la mayoría de la gente es fácil ganarse la vida. Pero hoy en día nos estamos enfrentando a muchos desafíos y creo que debido a la creciente brecha socioeconómica en Suecia, van a aparecer muchos conflictos en los próximos años. ¿Cuál es el tema principal y la motivación de tu trabajo?

Quiero que mis proyectos sirvan para incrementar la consciencia y participación de la gente en nuestra sociedad. Creo que el arte debe ser un catalizador de debate y discusión. Uno de tus trabajos más destacados y celebrados es el proyecto Under the Shifting Skies. ¿Cómo fue la experiencia de sumergirte profundamente en la crudeza de la sociedad?

Fue una lección de humildad y aprendizaje muy interesante. Me ayudó a comprender mucho más profundamente a la gente. He aprendido muchas cosas a las que no hubiera llegado de otra manera. Me infundió un profundo respeto y conocimiento acerca de todos los problemas a los que muchas personas se enfrentan cada día.

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El primer volumen del libro se centra en Suecia, pero en el segundo aparecen diversos lugares del mundo. El primero es en blanco y negro, mientras que el segundo se presenta en color. ¿Podrías explicar esta separación?

La principal audiencia a la que me dirigía con el proyecto eran suecos y quería llamar su atención mostrando los colores de lugares donde mucha gente de Suecia nunca ha estado. Destacar los colores del entorno, de la ropa, la arquitectura, etc. En las fotografías de Suecia quería que la gente se fijara en la expresión y las emociones individuales, lo que conseguí usando solo el blanco y negro. Eliminando el color de la naturaleza y de la sociedad sueca a la que la gente está tan acostumbrada, centré la atención en las personas que salen en las fotos. ¿Qué es lo que comparten las personas retratadas en Under the Shifting Skies?

Todos ellos son víctimas de los conf lictos sociales y viven fuera de los límites de nuestras normas y actitudes tradicionales. ¿Cuál crees que es la mayor amenaza para la sociedad actual?

¡La alienación! El sentimiento de no pertenecer a nada y no tener un futuro. Esa es la mayor amenaza. Tendríamos que darnos cuenta de que solo a través del entendimiento del otro podemos tener un futuro juntos.

Tu trayectoria fotográfica es ya muy amplia y extensa, a lo que hace relativamente pocos años añadiste el cine. ¿Qué te motivó a dirigir tu primer cortometraje The Last Dog in Rwanda?

El cine es una herramienta muy poderosa que puede comunicar y atraer a una audiencia global. También pienso que ha sido una evolución natural pasar de las imágenes estáticas a imágenes en movimiento. Ha sido un proceso desafiante, excitante y muy interesante. Tus medios son la fotografía y el cine. ¿Te planteas trasladar tu obra a otras disciplinas artísticas para comunicar lo que quieres?

Estoy muy interesado en el diseño gráfico y en la arquitectura. Creo que el diseño es un instrumento vital para el desarrollo de nuestra sociedad. Realmente necesitamos encontrar soluciones eficientes para la planificación urbana. El futuro está en las ciudades. Tu estilo como fotógrafo es muy ecléctico, desde el color al blanco y negro, de las polaroids al realismo puro y duro. ¿Cómo definirías tu estilo y manera de trabajar?

Primero me centro en la historia que quiero contar. La idea detrás de cada proyecto es clave. Una vez está totalmente pensada elijo la expresión artística o medio que considero mejor para el proyecto, algo que le da una tonalidad interesante. Trabajo exclusivamente con proyectos y me gusta ser responsable de todo el proceso, desde la idea y ejecución hasta la presentación o lanzamiento.

Tendríamos que darnos cuenta de que solo a través del entendimiento del otro podemos tener un futuro juntos. ¿Cuáles son tus mayores influencias?

La vida cotidiana y Michael Haneke. ¿Estás trabajando en nuevos proyectos?

Hace poco hemos lanzado un proyecto fotográfico llamado Africa is a Great Country. Es una individual que abrimos en una de las principales instituciones de arte de Suecia, Liljevalchs, y durante 2013-2014 hará un recorrido por Suecia y África. Además, hemos terminado el rodaje de nuestra cuarta película Hot Nasty Teen. Se estrenará durante la primavera del 2014. El año que viene me centraré en algunos proyectos de largometraje. Nuestro tema del mes es Along the Way. ¿Qué te inspira?

Toda la gente que conoces y de la que aprendes mientras viajas y en la vida.

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We know you were born in Sweden and most of your work is focused on Swedish society. What is your opinion regarding your country?

Sweden is still a small country if you look at the number of people living here and, for most people, it’s considerably easy to live and work here. But today we are facing many challenges and I think that, because of the increasing socioeconomic divide in Sweden, we will see an escalation of conflicts within the next couple of years.

Film is a powerful tool that can communicate and attract a global audience. I also think it’s a natural evolution to go from still to moving images. It has been a challenging and very interesting and exciting process.

What is the main topic and motivation of your work?

The instruments you use are photography and film. Have you ever considered trying other artistic disciplines in order to transmit what you want to convey?

I want my projects to increase involvement and awareness of our society. I believe that art should work as a catalyst for debate and discussion. One of your most important and celebrated works is the project and book Under The Shifting Skies. What was it like getting deep into the harshness of society?

It was a humbling, learning, and interesting experience. It gave me deeper understanding about people. I learned so much that I would never have learned otherwise. It gave me a deep respect and insight into all of the challenges that many people are facing every day. The first volume of the book shows the reality of Sweden but the second shows different countries around the world. The first is in black and white, while the second is presented in colour. Could you explain this contrast?

The primary audience for this project was Swedes and I wanted to make a point by showing the colours of the places that many people in Sweden have never been to. I wanted to lift up the colours of the environments, clothes, architecture, etc. In the images from Sweden I wanted the audience to pay attention to the expression and emotions of each individual and I achieved that by using only black and white. By “removing” the colour scheme of the Swedish nature and society that the audience are so familiar with I put the focus on the people in the images. What do the people portrayed in Under The Shifting Skies have in common?

They have all fallen through the cracks of society and live outside the boundaries of our traditional norms and attitudes. What do you think is the biggest threat to modern society?

Alienation! The feeling of not belonging and not having a future. That is the biggest threat. We need to realize that it’s only by understanding each other that we can have a future together.

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Your trajectory as a photographer is already very wide and extensive, plus relatively few years ago you started to become a film director. What motivated you to direct your first short film The Last Dog in Rwanda?

I’m very interested in graphic design and architecture. I believe that the latter is a very vital and instrumental part of the development of our society. We need to really consider and find efficient solutions for urban planning. The future is in the cities. The style in your photography is very eclectic, from black & white to colour, from polaroids to pure realism. How would you define your style in terms of the way you work?

My primary focus is on the story that I want to tell. The intellectual idea of each project is key. Once that is in place I choose the artistic expression and execution that I feel is the best for the project, something that gives it an interesting tonality. I work exclusively with projects and I like to be responsible for the entire work process – from idea to execution all the way to the opening or launch. What are your biggest influences?

Everyday life and Michael Haneke. Are you currently working on new projects?

We recently launched a large photographic art project called Africa is a Great Country. A solo exhibit that opened in one of Sweden’s leading art institutions, Liljevalchs, and that will tour Sweden and Africa during 2013-2014. In addition to that we just finished the final day of shooting our fourth film, Hot Nasty Teen. The final movie will be released Spring 2014 and for the next year I will focus on a couple feature film projects. Our topic in this issue is “Along The Way”, what inspires you about this subject?

All the people that you meet and get to know while travelling and in life.

We need to realize that itâ&#x20AC;&#x2122;s only by understanding each other that we can have a future together.

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the deep

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MAX BERRY www.maxberry.com.au

Small details from infinite parallel worlds Cuántas cosas pasan a nuestro lado de forma casi desapercibida. Cuántos mundos invisibles suceden simultáneamente a nuestras vidas y a nuestras percepciones along the way. Ciertamente, sólo un especialista en detalles con una exquisita sensibilidad podría detectarlas. Éste es Max Berry y así lo reflejan sus poéticas pinturas. El contraste de los colores, una pequeña casita perdida en una pradera desierta, la minúscula fogata como faro de la oscura noche y sus extraños y melancólicos personajes son piezas de un lenguaje que transita por una fibra íntima. Quien contemple la obra del joven artista australiano iniciará un recorrido por un laberinto emocional seducido por la belleza de las imágenes, aparentemente sencillas y claras, pero que, observadas con detenimiento, develan un universo propio y complejo. La intensidad, muchas veces, puede estar en lo más sutil y delicado. How many things happen beside us almost unnoticed. How many invisible worlds happen simultaneously alongside our lives and our perceptions along the way. Indeed, only a specialist in details with an exquisite sensitivity could detect them. This is Max Berry and he reflects this matter in his poetic paintings. The contrast in colours, the little house lost in the desert prairie, the tiny fire like a lighthouse in the dark night, and the strange melancholy characters are all elements of a language that goes through an intimate fiber. Whoever contemplates the work of this young Australian artist will start a journey through an emotional labyrinth seduced by the beauty of the images, apparently simple and clear, but if we carefully observe them they can reveal their own complex universe. The intensity, very often, can be in the most subtle and delicate things.

tX María Luján Torralba

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Estoy tratando de construir una inmensa biblioteca de imágenes y símbolos a la que recurrir como una forma de vincular las nuevas obras a mi narrativa ya existente, así como también, para ayudar a dar contenido a ideas y personajes nuevos. La pequeña casa, por ejemplo, sugiere refugio y crea una sensación de bienvenida y calidez, lo que refuerza el contraste con el paisaje que la rodea. Estoy interesado en el juego entre estos dos opuestos. No utilizo ningún símbolo excesivamente complejo, sólo aquellos que puedan simplemente afianzar mi propia imaginería. Esto significa que pueden figurar en más de una pintura y por eso regresan y forman aprte de obras posteriores, en caso necesario. Con respecto al juego de opuestos que mencioné, me gusta pensar que el mensaje es ambiguo y a la vez único para el espectador, donde la pintura solo da el empujón en la dirección correcta. Una vez que el éste comienza a pensar en “grande y pequeño”, “negro y blanco”, puede ser más receptivo a “lo real y lo irreal”. La calidad surrealista que se puede obtener de derribar estas fronteras es algo que me interesa muchísimo. Además, a la hora de pintar, mis influencias son las montañas y las sombras. Algunos piensan que me alimento de los sueños, pero no es así. Pocas veces los recuerdo, probablemente hay un montón de cosas interesantes que suceden en mi subconsciente, pero soy ajeno a ello. Cuando era niño leí una gran cantidad de libros y cómics, sobre todo de ciencia ficción y de fantasía. Normalmente, detrás de su denso exterior había una fórmula bastante simple. Creo que hay una especie de paralelo inverso en mi trabajo. Me gusta crear imágenes que son al principio simples y elegantes, pero revelan una complejidad oculta. En mis pinturas también se puede percibir un ambiente de reflexión, delicado y tranquilo, esta atmósfera es un reflejo de mi proceso creativo y de mi espacio de trabajo, que es apacible y está en penumbras, siempre cuidado y acompañado por millones de tazas de té. A menudo, llego al estudio y la hora de pintar comienza después de que haya terminado de ordenar, limpiar, arreglar y barrer. No empiezo y termino una obra en una sola sesión, ésta puede quedarse sin terminar durante semanas. Sin embargo, mi proceso creativo difiere significativamente según los medios, si estoy utilizando papel, tela, madera, lápiz, acrílico o aerosol. La superficie y la escala de los materiales se prestan a diferentes técnicas y a menudo pueden conducir a resultados

más rápidos o más rigurosos. Soy muy afortunado al trabajar con otros artistas en el Higher Ground Studio: sus consejos y la experiencia colectiva es invaluable. Aunque me gusta estar solo cuando pinto, siempre es bueno tener a alguien cerca para que las ideas fluyan, además, me construí un gran muro alrededor de mi estudio. Cuando siento que debo alejarme, me retiro detrás del mismo. Trabajar por la noche es también una buena idea, solo yo y el polstergeist. Por duro que pueda parecer, he aprendido a hacer todo lo posible por mí mismo, si es tarde, mal o descuidado no tengo a nadie a quien culpar. Así, he aprendido de todos los errores que he cometido. De todas maneras, ninguna persona es una isla. Soy un hombre organizado, no recuerdo haber perdido muchas cosas along the way, aunque a menudo exploro la idea de la pérdida. Viajes, rutas y sugerencias de narrativas mayores son las herramientas que me gusta utilizar, animando a los espectadores a perderse en el paisaje. Todas las cosas son fugaces y existe grandeza en ciertos aspectos que parecen imperceptibles. Hablando de la escena artística en Australia, puedo decir que los artistas que trabajan aquí tienen las mismas posibilidades que los del otro lado del mar. Yo no describiría Sydney como la ciudad más activa para los artistas jóvenes, pero definitivamente hay espacio para crecer. Por el momento tengo un par de exposiciones, China Heights (Sydney) en julio y No Vacancy (Melbourne) en noviembre, ambas son una previa del lanzamiento de un nuevo libro sobre mi trabajo en los últimos tres años. También estoy involucrado en proyectos secundarios como la realización de ilustraciones para un libro de niños. El año pasado tuve la suerte de resultar seleccionado en unos premios de arte (Premio Blake 61 y el 2013 Salón de basura). También voy a viajar al extranjero por Año Nuevo. Potencialmente Europa, tal vez vaya a Barcelona. Voy a tener que practicar mi español, ya que solo conozco la palabra “más”. Desde luego, me doy cuenta de que mi forma de pintar ha cambiado a lo largo del camino. Hay una evolución sorprendente en mi trabajo durante los últimos cinco años. Es algo que me hace feliz, me pregunto a su vez cómo será mi obra en otros cinco años, me disgusta la idea de pensar que pueda ser la misma. Cada vez que comienzo una nueva obra trato de separarla de las últimas: diferentes colores, nuevos medios y sujetos. Sin embargo, al mismo tiempo, continúa recordando mi estilo.

man fetching ladder

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I’m attempting to build up an immense library of images and symbols that I can draw upon, as a way of linking new works to my existing narrative, but also to help bring out new ideas and characters. The little house, for instance, suggests shelter; it creates a sensation of welcome and warmth, reinforcing the contrast it has to the landscape around it. I am interested in the play between these two opposites. I don’t employ any overly complex symbols, just those that can simply support my own imagery. This means they can feature in more than one painting, the motif returning in later works where necessary. Regarding the game of opposites that I mentioned, I like to think that my paintings’ message is ambiguous, and is unique to the viewer where the painting has merely given the nudge in the right direction. Once you’ve begun thinking ‘big and small’, ‘black and white’ you may be more accepting of the ‘real and unreal’. The surreal quality you can get from blurring these boundaries is something I’m really interested in too. Besides, at painting time, my influences are mountains and shadows. Some people used to think that dreams influence me but it isn´t like that. I can rarely recall a dream or its contents. I think there’s probably a bunch of interesting things going on in my subconscious but I’m oblivious to them. As a kid I read an alarmingly large amount of books and comics, most of all science fiction and fantasy. Behind their dense exterior there was often a fairly simple formula. I think there is a kind of reverse parallel in my work. I enjoy creating images that are, at first, simple and elegant but can reveal hidden complexity. In my paintings it can also be perceived a reflective, delicate, and calm environment because that atmosphere is reflected by my creative process and workspace, which is quiet and lamplit, careful and regularly accompanied by millions of cups of tea. Often I arrive at the studio and begin painting hours later once I’ve finished tidying, wiping, arranging, ordering, and sweeping. It is rare for me to start and finish a work in a single sitting. And even after I have started a particular work it may hang unfinished for weeks. However, my creative process can differ significantly depending on the mediums whether it be paper, canvas, timber, pencil, acrylic or aerosol. The surface and scale of materials lend themselves to dif-

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ferent techniques and can often lead to faster or cruder results. I’m really lucky to be working amongst the other artists in the Higherground Studio: their collective advice and experience is invaluable. As much as I enjoy being alone when painting it’s always good to have someone to bounce ideas off, plus, I built a great big wall around my studio. When I feel like getting away I can just retreat behind that. To come in at night is also a good idea, then it’s just me and the poltergeist. As harsh as it may sound, I have learnt to do as much as possible by myself, if it’s late, wrong or careless I have no one else to blame but myself. So I have learnt from all of the mistakes I have made. In saying this, no man is an island. I’m quite an organized human, can’t recall having lost many things on the road along the way but I often explore the idea of loss. Journeys, paths, and suggestions of a larger narrative are tools I like to employ, encouraging viewers to lose themselves within the landscape. All things are impermanent and greatness exists in the inconspicuous. In relation to the artistic scene in Australia, I can say that artists working here are likely to be working just like those overseas. I wouldn’t describe Sydney as the most active environment for young artists but there is definitely room to grow. At the moment I’ve got a couple of exhibitions: China Heights (Sydney) in July and No Vacancy (Melbourne) in November, both are acting as a launch for a new book featuring my work over the last three years. I’ve also got a few little side projects I’m involved in, for example, illustrations for a children’s book. Last year I was lucky enough to be selected for a couple of art prizes (61st Blake Prize and the 2013 Salon de refuse). But if all goes according to plan I’ll be traveling overseas again by the New Year. Potentially Europe, so maybe I’ll make it to Barcelona. I may have to practice my Spanish though, all I know is the word “más”. Certainly, I have noticed that my way of painting has changed along the way. I’m conscious of a striking evolution in my work over the last five years. It’s something I’m most pleased with, I wonder what my work may look like in another five years, I’d be bummed to think that it may be the same. Each time I begin a new body of work I try to clearly separate it from the last, different colours, new mediums, and subjects, yet at the same time, somehow remaining mine.

heaven and hell

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Big maker

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Todas las cosas son fugaces y existe grandeza en ciertos aspectos que parecen imperceptibles.

All things are impermanent and greatness exists in the inconspicuous.

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Scaping from perfection Romain Juchereau www.romainjuchereau.com tX Xavi Oca単a

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Getting lost is the only way of getting found. Only if you travel to both destinies, the road that connects them has sense. The toll: to forget. To circulate you have to be disposed to start from scratch. And it not always means to leave everything behind you ready and solved. Sometimes (the most part of them) to start from scratch you just have to scape. For Romain Juchereau it was enough. He scaped from routine and from all what was lent. Open road. And in this case the road was opened by a camera and a surfboard. He has been for more than a decade travelling around the world as photographer, filmmaker and surfer. His documentary For Better, For Worse slipped into the official selection of the Cornwall Film Festival and the Anglet International Surf Film Festival. His photos ooze freedom. But not any freedom, it’s a retro freedom. He is part of the nostalgic squadron who try to resurrect the golden age of surf from the 60’s and 70’s. He’s in love with the analogical world; with the beauty and the authenticity of imperfection. He knows imagination drinks from the processes, from the unknown, and after chatting with him it’s completely clear which is the first step of any road trip. Going to a roadside bar and writing on a paper napkin this quote by W. H. Auden: “Man needs escape as he needs food and deep sleep, and parable-art, that art which shall teach man to unlearn hatred and learn love”. On the road it doesn’t matter if you are hiding or searching. All rivers lead to the sea. And roads wouldn’t be less.

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Alex knost Dane Peterson

Perderse es la única forma de encontrarse. Únicamente si se viaja a ambos destinos, la carretera que los une tiene sentido. El peaje: el olvido. Para circular hay que estar dispuesto a empezar de cero. Y eso no siempre significa dejarlo todo listo, solucionado. A veces (la mayoría de ellas), empezar de cero consiste simplemente en escapar. Para Romain Juchereau fue suficiente. Escapó de la rutina y de todo lo prestado. Carretera y manta. Y en su caso, cambió la manta por una cámara y una tabla de surf. Lleva más de una década recorriendo el mundo como fotógrafo, director de cine y surfer. Su documental For Better, For Worse se coló en la selección oficial del Cornwall Film Festival y el Anglet International Surf Film Festival. Sus fotografías rezuman libertad. Pero no una cualquiera, es una libertad retro. Forma parte de ese escuadrón de nostálgicos decididos a resucitar la época dorada de la cultura del surf de los 60 y 70. Es un enamorado de lo analógico, de la belleza, de la autenticidad de la imperfección. Sabe que la imaginación bebe de los procesos, de lo desconocido, y tras charlar con él queda muy claro cuál es el primer paso para emprender ese viaje. Ir a un café de alguna carretera secundaria y escribir en una servilleta esta cita de W. H. Auden: “El hombre necesita escapar tanto como comer, dormir profundamente y el arte-parábola, ese que nos enseña a desaprender el odio y aprender el amor”. En la carretera no importa si se escapa o se busca. Todos los ríos llevan al mar. Y los caminos no iban a ser menos.

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Alex knost

Mitch

Otter x Bear wooden board

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Sí, he estado “en la carretera” de manera intermitente durante los últimos diez años, trabajando en las estaciones de esquí en invierno y en negocios relacionados con la hostelería en verano en diferentes países, lo cual me ha permitido viajar entre temporadas haciendo lo que me gusta: grabar, hacer fotos y surfear. Aunque estamos planeando volver a Francia para establecernos el año que viene, por lo que a partir de ese momento los viajes no estarán tan presentes en mi vida. Aún así las influencias culturales que he extraído de ellos siempre jugarán un papel importante en mi trabajo. Dices que filmar y hacer surf es arte, como la pintura o la fotografía, y que el arte es una vía de escape. ¿De qué te estás escondiendo? ¿Qué quieres olvidar?

Realmente no me escondo de nada, yo diría más bien que estoy escapando de los confinamientos a los que nos arrastran los rituales que la sociedad nos ha impuesto, huyendo del poder codicioso de las corporaciones. Mi mente tiene que escapar del control de los medios de comunicación. Si puedo, me gusta estar fuera de ese mundo, aprendiendo más bien de los lugares o la gente que procede de otras culturas y que me proporcionan una perspectiva más honesta. El arte es una vía de escape, consigue alejar cuerpo y mente de la presión del día a día y del estrés que esa vida puede provocar en todos nosotros. Puedes ser un sharper, un fotógrafo, un pintor, un surfer o un músico…

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el humano expresa su alma y su verdadero yo a través de varias formas de arte. Cuando mis pies alcanzan el océano o cuando estoy viajando por lugares bellos e interesantes, me siento feliz, libre y positivo. He leído que te encantaría haber vivido tu juventud en los años 60 y 70, en el apogeo de la cultura del surf. ¿Has encontrado en tu trabajo como fotógrafo y director de cine la manera de resucitar esos años y hacer tu sueño realidad?

Sí, definitivamente, me encanta esa época, ¡con el apogeo de la cultura del surf, las tablas, esos hermosos coches, los vinilos y la fotografía analógica! Cuando miro las fotos de mis padres siento el deseo de estar allí en ese preciso momento, conduciendo una vieja Chevrolet y escuchando a Otis Redding en la radio. Supongo que ante todo estoy tratando de resucitar esos años en mi propia vida, lo hago cuando paso un fin de semana en mi Vw combi de 1970 tocando la guitarra, escuchando música rockabilly, pasándolo bien con mi chica y surfeando. Como fotógrafo, trato de resucitar esos años mediante ciertas imperfecciones, grano y fugas que convierten una fotografía analógica en única, fotografiando objetos de los años 60 y 70 y usando carretes caducados. La comunidad de la vieja escuela de surf está creciendo y hoy es posible fotografiar a tipos como Alex Knost, Joel Tudor o Matt Chojnacki, que tienen una gran influencia del surf y el estilo de vida de los años 60. Esta nueva generación está trayendo de vuelta la cultura de los años 60 y de los años 70, dándole un nuevo giro y soy tremendamente feliz por formar parte de ello.

50's vibe

Después de leer la cita de W.H. Auden en tu página web, no nos podemos dejar de preguntar: ¿Romain Juchereau vive en la carretera? ¿Cuál es este camino? ¿Cómo es la vida de Romain Juchereau?

Soy un profundo amante de la fotografía analógica. ¿Por Preséntanos a tus fieles compañeras de viaje: las qué analógica en lugar de digital? ¿Melancolía quizás? cámaras. ¿Cuántas tienes, cuáles son tus favoritas, les Cuando aparecieron las cámaras digitales, estaba entusias- has dado un nombre, son regalos?

mado, pensé que era algo fresco, así que me compré un buen modelo y empecé a disparar a destajo durante mis viajes. Pero muy pronto descubrí que no era para mí: miles de fotos por clasificar en una memoria externa y todo ese trabajo para luego no mirarlas demasiado a menudo. Eché de menos el entusiasmo del proceso, el hecho de no conocer el resultado final. Las imperfecciones analógicas provocan un sentimiento especial y, según mi parecer, dan más vida. Vivimos en un tiempo donde todo es instantáneo: la fotografía la hacemos en digital, la música la escuchamos con mp3 y tenemos internet: ¿dónde está el placer de ir a una tienda de música, mirar un montón de discos antes de encontrar el que has estado buscando durante semanas, saborear la excitación de llegar a casa y descubrir el maravilloso artwork de la portada mientras lo escuchas en el tocadiscos, con todas sus imperfecciones? Por todo esto amo lo analógico.

Tengo algunas cámaras analógicas y una Canon 7D digital que apenas utilizo, únicamente como una vídeo cámara para filmar. Mi colección de cámaras analógicas va desde una Canon AV-1 a una Franka 120 mm, pasando por una polaroid SX-70 o una polaroid spectra. Algunas de ellas ya las tenía. Me gusta disparar con películas y polaroids, la emoción de no saber inmediatamente cómo va a ser la foto, la imperfección… Me encanta disparar con película caducada y con carretes de lomo porque nunca sabes qué esperar: mucho grano, un intenso contraste o extraños colores... También filmo con una Sony V1E semi profesional. Recientemente se subastaron algunas Leica por algunos miles de dólares, ¿habrían sido un buen regalo para Romain Juchereau o habrías pensado que es tirar el dinero? ¿Cuál es la cámara de tus sueños?

Si el viaje es la meta, ¿cuál es la meta de Romain Las Leica que se usaron en época de guerras fueron probablemente las mejores cámaras que podías llegar a tener. Juchereau?

El camino fue la meta para encontrar inspiración en mis películas y fotografías, sin embargo el objetivo final no es quedarme en el camino, sino encontrar un lugar donde poder ser feliz cada día, cerca de mi familia y de mis amigos, manteniéndome centrado en lo que me gusta hacer.

Eran fuertes, estaban bien construidas y tenían las mejores lentes del mercado. Si me lo pudiera permitir, ¡me encantaría tener una de esas joyas!

En 2009, mi pareja y yo decidimos pasar una temporada de verano en Cornwall, ya que habíamos oído cosas muy buenas de esa parte de Inglaterra. Cornwall es hermoso, los colores son fantásticos en verano y el mar es increíblemente claro; un gran lugar para trabajar como fotógrafo y filmando. Durante mi estancia, tuve oportunidad de conocer a mucha gente que me inspiró, se preocupaban de hacer cosas a mano, huyendo de la fabricación en serie. Conocía a personas como James Otter, que es un fantástico fabricante de tablas que deja que la gente se construya las suyas en su propio taller, compartiendo conocimientos o Ben Cook, surfista y artista que hace Bellyboards a partir de piezas de madera perdidas en su garaje, sólo por nombrar a un par. Son artesanos reales, personas que sienten pasión por lo que hacen, preocupándose además por la preservación del medio ambiente.

de los años 70 con un estilo parecido a The Scandals, la banda que toca en Endless Summer. Una canción que debería incluirse es Surfers Paradise.

¿Qué disco sería la banda sonora perfecta para una de sus fotos? ¿Qué canción podrías dedicarle a tu cámara Además de W. H. Auden, ¿qué más te ha dado el Reino favorita? Unido? ¿Por qué elegiste Cornwalls como tu campa- La banda sonora perfecta para la mayoría de las fotos en este artículo sería The Atlantics, un grupo australiano mento base?

En tu documental For Better, For Worse (2011), plasmas la historia de tres parejas que cambian sus vidas por el surf y una forma de vida más saludable lejos de la ciudad. Parece tu propia biografía, ¿has pensado alguna vez en estar delante de la cámara y filmar una documental sobre ti mismo?

Absolutamente, ya lo hice, aunque falta acabarlo, ¡se llama The Drifter, con el maravilloso Rob Machado! Estás escribiendo el guión de una nueva película de surf sobre artistas, con el surf como denominador común, ¿qué nos puedes adelantar sobre ella? ¿Conseguirá cambiar el mundo?

Empezaste a filmar a la edad de 14 años. ¿Cómo fue esa La película en la que estoy trabajando ahora mismo es un documental de surf centrado en las tablas clásicas y experiencia? ¿Una revelación?

Mi papá siempre tenía cámaras cuando era joven, las utilizaba como un hobby para viajes, cumpleaños… Tenía de todo tipo, incluida una súper 8 mm. Ya a los 10 años le pedí que me dejara su VHS para observar lo que ocurría en el cumpleaños de mi hermana a través del visor. Con 14 años me compré mi primera mini dv y la usé para grabarme a mí mismo y a mis amigos patinando y surfeando los fines de semana, luego lo editaba todo para guardarlo como recuerdo.

retro diseñadas y utilizadas por amigos y gente que he ido conociendo por el camino, también está protagonizada por artistas vinculados al surf que hacen esta cultura muy interesante y diversa. Trabajo con artistas surferos, pintores, shapers y fotógrafos de diferentes países con backgrounds diferentes pero conectados por lo mismo: el surf. Es un proyecto de un solo hombre, sin financiación o sponsors. Espero que salga a finales del próximo año.

No todo el mundo está hecho para vivir en la carretera. ¿Estás de acuerdo con eso?

Sin duda, hay diferentes tipos de personas, y yo soy uno de ellos. Algunos de mis amigos nunca han dejado su pueblo, no están interesados, están siempre demasiado ocupados con su carrera, la que les permitirá ganar mucho dinero. Encajan en una categoría diferente, tienen sus propias metas y yo lo respeto.

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Yes, I've been on the road on and off for the last 10 years, working seasonaly in ski resorts in winter and retail or hospitality in the summer in different countries. It gave me time to travel in between seasons doing what I like : to film, take photos and surf. Although we're planning to come back to France to settle down next year, so travelling won't be as often in my life, the cultural influences of my travels will always play an important part in my work. You say filming and surfing are art, as painting or photography, and art is an escape. What are you hiding from? What do you want to forget?

Really I'm not hiding of anything, i'd say i'm more escaping from the confinement of the daily rituals society has forced upon us, ran by power greedy corporatocracy. My mind has to escape from the control of the biased media. If I can, I like to be out in the world learning about from the places or people that come from different cultures to get a more honest perspective. Art is an escape, it makes your mind and your body get away from all that pressure and day to day stress that life can place on all of us. You could be a shaper, photographer, a painter, a surfer or a musician, human beings express their soul and true self through various art forms. When my feet reach the ocean or when i'm travelling in beautiful and interested places to shoot, i feel free, happy and positive. I’ve read that you’d loved to live your youth in the 60’s and 70’s, at the heyday of surf culture. Have you find in your work as photographer and filmmaker the way to resurrect those years and make your dream come true?

Yeah definitely, I love this period, with the heyday of surf culture, single fin boards, beautiful cars, vinyl records and analog photography! When I look at my parents pictures it makes me feel like i wish i was there right now driving an old Chevrolet and listening to Otis Redding on the radio. I guess i'm trying to resurect those years first in my own life like when i spend a week end in my 1970 Vw combi playing guitar, listen to rockabilly music, have a laugh with my lady and then get my log out for a surf. As a photographer, I'm trying to resurrect those years by getting these imperfections, grain and leaks which makes analog photography so unique, by shooting objects from the 60' and 70's and using old expired films. The old school surfing community is getting bigger and, being able to shoot guys like Alex knost, Joel Tudor, Matt Chojnacki who are influence by surfers and lifestyle from the 60's. This new generation is bringing the 60's and 70's culture Back in our modern days with a new twist, and i'm stoked to be part of it.

mp3 player and internet: Where's the pleasure of going to a music shop, look through a few records before getting the one you were looking for weeks, get the excitement of going home and discover the beautiful artwork in the cover whilst you re listening to the record on a turntable with its little scratches and sounds imperfections, that's why I love analog. If the road is the goal, which is the goal of Romain Juchereau?

The road was the goal to find inspiration for my film and photography, however the ultimate goal isn't to stay on the road, but to find a place where i could be happy everyday, be near my family and friends, and keeping myself focused on what i love to do. Besides W. H. Auden, what has UK given to you? Why did you choose Cornwalls as your base camp?

Back in 2009, me and my partner decided to spend a summer season in Cornwall as we heard nice things about this part of England. Cornwall is beautiful, the colors are fantastic in summer and the sea is incredibly clear; a great place to work if you are photographer or film maker. During my stay, I had the opportunity to meet inspirational people there, who care about making things by hand away from the mass manufacturing. People like James Otter who’s a fantastic hollow wooden board maker let and help people build their own board in the workshop, sharing his knowledges or Ben Cook, surfer and artist who makes bellyboards from wasted pieces of wood in his garage just to name a couple. Real Craftmen, artisans, people passionate about what they do and concerned by the preservation of the environment. You started on filming at the age of 14. How was this experience? A revelation?

My dad always had cameras when he was young, he used them as a hobby for travelling, bithdays etc... He had all sorts included a super 8mm. Already at 10 years old i was asking him to hold his VHS to look what was happening in the view finder during my sister' s bithday. At 14 years old, i bought my first mini dv video camera and I used it to film me and my best mates skateboarding and surfing at weekends, and then edit it for souvenirs. Not everybody is made to live on the road. Do you agree with that?

Definitely, they are differents types of people, and i'm one of them. Some of my friends have never left their town, they aren't interested and too busy building a career and make heaps of money. They fit in a different category and they have their goal and i respect that.

I am a deep lover of analog photography. Why analogue instead of digital? Melancholy maybe?

Present us your faithful traveling partners: the cameras. How many do you have, which is your favorite one, you gave them a name, they were presents, etc.

When digital cameras came out, I was excited about it, I thought it was fresh so i bought a good digital camera and started to shoot anything and everything during my trips. But I quickly found out that it wasn't for me. Thousands of photos on an external hardrive to sort out and not looking at them that often. What I missed was the excitment of processing and not knowing how the shots are going to turn up. The imperfections in an analog shot gives it a special feel and for me more life. We live in a time where everything is instant, photography with digital, music with

I got a few analog cameras and a digital Canon 7D that I hardly use to be honest, just as a video camera for filming. My analog camera collection goes from a 1974 Canon AV-1 to a 120mm Franka to polaroid sx-70, or a polaroid spectra. Some of them were presents. I love shooting films and polaroids too, the excitement of not knowing straight away what the photo is going to look like, the imperfection… I love shooting expired and lomo films, you never know what to expect, old grain, intense contrast or weird colors… I also film with a Sony V1E semi professional.

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Sunset godrevy. cornwall.

After reading the W. H. Auden quote on your website, we can’t help to ask: Romain Juchereau lives on the road? Which is this road? How is the life of Romain Juchereau?

Recently there were auctioned some Leicas for some thousand of dollars. This would have been a good present to Romain Juchereau or instead he would have thought we were wasting our money? What is the camera you dream of?

In your documental For Better, For Worse (2011) you film the stories of 3 couples that change their lifes for the surf and a more healthy way of life far from the city. It seems like your own biopic, have you ever thought about being in front of the camera and filming a documentary about you?

Leica’s cameras from war time were probably the best cameras you could get for a long time. They were strong, well built and had the best lenses on the market. If I could afford it, i would get one of these jewels!

Absolutely, yeah i did, but it’s already been done, it’s called the drifter with the great Rob Machado!

What record would be the perfect soundtrack for one of your photos? What song would you dedicate to your favorite camera?

The perfect soundtrack for most of the photos in this article would be by The Atlantics, an australian band from the 70's in the same style as The Sandals, the band playing in The Endless Summer. One song that would have to be included is Surfers paradise.

You are writing the script of a new surf movie about artists with surf as a common denominator. What can you tell us about it? Does it will reach to change the world?

The film i'm working on at the moment will be a surf documentary talking about single fin and retro boards shaped and riden by friends and people I met along the way as well as surf artists who make the surfing culture so interesting and diverse. I'm working with surf artists, painters, shapers and photographers from different countries with different backgrounds but all connected by the same thing, surfing. It is a one man band project, without funding or sponsoring. It will hopefully come out at the end of next year.

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Cornish transit

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tX Katie Gatens PH Sem Rubio

Nombrado en 2011 el Skateboarder más influente de todos los tiempos por la revista Transworld, Mark Gonzales lleva 15 años con adidas Skateboarding. Para celebrar esta consolidada relación, la marca ha organizado una serie de eventos especiales que se desarrollarán durante todo el verano. Compilando el trabajo de seis reconocidos fotógrafos de skate que han retratado a Gonz en estos 15 años, el núcleo central de esta celebración será una exposición y un video retrospectivo que se presentará en la galería HVW8 de los LA y luego el lanzamiento será en Berlín, aunque la muestra viajará más tarde por muchas otras ciudades. Además de ostentar el reconocimiento de ser unos de los pioneros del Street skate, Gonzales es un carismático businessman y ha creado el colectivo de arte al que pertenecen Donald Trump y P-Diddy. Named in 2011 the Most Influential Skateboarder of all Time by Transworld in 2011, Mark Gonzales has spent the last 15 years with adidas Skateboarding. To celebrate this consolidated relationship, the brand will be holding special events throughout the summer. Gathering together works of six prominent skate photographers who have shot Gonz over the past 15 years; a photography exhibition and retrospective Feature film will be the centre of the celebrations. Following up from the festivities in LA at the HVW8 gallery and the Global launch in Berlin, the exhibition will visit then other cities around the world. As well as being known as the pioneer in the Street Skate, Gonzales is also a charismatic businessman and has created the art collective that artists like Donald Trump and P-Diddy belong to.

mark gonzales

ALONG THE YEARS

Acabas de celebrar 15 años con adidas Skateboarding. ¿Cómo empezó esta relación? ¿Cuál fue el factor decisivo que te hizo formar parte de esta familia? Mi amigo Dan Field

You have just celebrated 15 years with adidas Skateboarding. How did the relationship first come about? What was the drawing factor to become part of this family? My friend Dan

escribió (una pieza) un artículo para la revista Grand Royal, un reportaje bastante serio acerca de la historia de adidas. Me sorprendí porque no podía creer como alguien podía empatizar tanto con un producto. Entonces me hice con unas adidas y flipé, la marca me gustó mucho más y me sentí realmente feliz de formar parte de ella. Simplemente me gusta su historia y los atletas que han calzado sus zapatillas a lo largo de los años.

Field had written a piece for that magazine Grand Royal, it was a pretty serious article on adidas history. I was really surprised because I couldn’t believe how somebody could be so into a product. Then I got adidas and was really tripped out, it made me like the brand a lot more and it made me really happy to be part of it. I just like the history of the brand and the athletes who have endorsed their shoes throughout the years.

Háblanos sobre la acción que estáis llevando a cabo, se trata de una exposición de fotógrafos que te han retratado a lo largo de los años. Es realmente extraño mirar

Tell us about the show and the event that featured an exhibition by photographers who have shot you over the years. It’s really strange looking at the show and all the pho-

¿Cuáles son tus fotografías más memorables y por qué?

tos everybody created. Being photographed is something that goes with being a skateboarder, but when you see all the work compiled together you think, “Wow, that’s kinda cool.” I didn’t even know some of those photos were even taken, I wasn’t even looking at me in the photos I was just looking at the quality of the photos. It was nice to appreciate it like that, and not to think I that I have been photographed. I like to appreciate that beauty of the image more than the skate trick.

la exposición y ver las fotos de todos ellos. Hacer fotos es algo asociado al hecho de ser skateboarder, pero cuando ves todo el trabajo compilado piensas “wow, es super cool”. No sabía que algunas de esas fotos se habían tomado, no me miro a mi en ellas, solo la calidad de las mismas. Es genial verlo así y no como que me han hecho fotos. Me gusta apreciarlo como algo bello, valorando lo que hay alrededor de la foto y no solo por el truco. ¡Una que tomó Benjamin donde tengo los pantalones rasgados y la tabla rota! Puedo recordar ese momento de un modo positivo, pero en realidad todo fue negativo. Primero enganché mis pantalones, luego rompí la tabla pero al final fui capaz de conseguir lo que quería. En definitiva, fue memorable porque se trató de algo bueno y malo a la vez. Has vivido en muchos lugares y tienes amigos que están lejos. ¿Dónde está tu casa? ¿Qué te hace sentir como en tu hogar? Debería decir que tu casa es el lugar donde naces. Mi

idea de lo que convierte un lugar en casa no es fácil de explicar. Me gustaría que el lugar donde nací fuera ese sitio al que puedes ir con tus amigos y tu familia a relajarte.

Ayudaste a dar forma a lo que el street skate es hoy día, ¿quién, a tu parecer, está haciendo en estos momentos cosas nuevas en la cultura del skateboarding? Ojalá lo supiera.

Me gustaría dedicar más tiempo a concentrarme en lo que se está haciendo en ese sentido. Parece que están centrándose mucho en el pressure flip y en un pop varial pero también hacen flips. En mi generación no te dejabas dominar por la tabla, no sé cómo explicarlo, ¿estás patinando la tabla o la tabla está patinándote a ti? Si tienes demasiado control sobre tu tabla, entonces no tienes ninguna oportunidad. Algunas veces es divertido dejar que sea ella la que controle y no intervenir ahí. Los surfers son buenos haciendo eso.

Which are your most memorable photographs from the exhibition and why? The one Benjamin took where my

pants are ripped and my board is broken! I can remember that moment in a positive mode, but everything was negative. Firstly I ripped my pants, then I broke my board but eventually I was able to pull what I was going for. Ultimately it was memorable because it was both, a good and bad experience. You have lived in so many places and have friends that live far and wide. Where is home? What makes a place be your home? I’d say home is the birthplace in which I was born.

My idea of what makes a place a home is not so easy to explain. I would like the place where I was born to be a place where I can go to relax and be with friends and family. You helped to shape what street skateboarding has now evolved into. Who, from your point of view, is breaking new ground in skateboarding today? I wish I knew. I wish I

could spend more time and concentrate on what they are doing. It seems like they are all doing these pressure flip and a pop varial but they make the board flip as well. In my generation, you can’t be over powered by your board. I don’t know how to explain it, are you riding the board or is the board riding you? Sometimes it’s fun to let the board control you rather than you control the board. Surfers are good at that.

SEM RUBIO ~ www.semrubio.com Apuntar y disparar. Parece bastante fácil, ¿no? Entonces, añade una figura en movimiento, completa la ecuación y todo se va por la ventana- al menos para nosotros-. En cambio Sem Rubio tiene un master en el arte de congelar un movimiento o un truco en mid-motion, manteniendo la claridad y la precisión de su sujeto. Él mismo empezó a patinar a la temprana edad de 12 años y hizo suya la misión de captar a algunos de los nombres más grandes de la historia del skate a través de su objetivo, documentando sus peripecias mediante de una conmovedora fotografía de calle. Durante los últimos cuatro o cinco años ha disfrutado del placer de viajar a través del mundo fotografiando y documentando los trucos y movimientos del legendario Mark Gonzales, o si os gusta más, “The Gonz”. Ambos mantienen una fuerte relación con adidas (Sem durante 5 años y Gonzales, 15), que ahora se plasma en una exposición junto a otros seis reconocidos fotógrafos. La muestra empezó en mayo en LA y continuará en Berlin este mes de julio. Point and shoot. Sounds easy enough right. Then add a moving figure and deck to the equation and all goes out the window – at least for the rest of us-. Sem Rubio on the other hand seems to have mastered the art of capturing a movement or a trick mid-motion whilst maintaining the clarity and precision of his subject. A skater himself from the ripe young age of 12, Sem Rubio has made it his mission to make a tangible record of some of the biggest names in skateboarding through his poignant, atmospheric street photography. For the last 4-5 years he has had the pleasure of travelling around the world snapping away, documenting the tricks and turns of the legendary Mark Gonzales, or if you prefer, “The Gonz”. The two have held a strong relationship with adidas (Rubio for 5 years, Gonzales for 15), working altogether, along with 6 other prominent photographers, to produce an on-going exhibition which started this May in LA and is set to continue onto Berlin this July. 132

133 Bail ~ NYC

NestorJudkins ~ NYC

134

Dennis Busenitz ~ NYC

Jake Donnelly ~ Switch Heel Flip ~ NYC

135

Gonz ~ Knee136 Rolling ~ Sao Paulo

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~SEM RUBIO

Steet Life tX Roberta Phillips

~Tus fotografías son atmosféricas, con tu adorado uso del blanco y negro. ¿Es solo una preferencia o va más allá de eso?

No sé, supongo que lo me atrajo en primer lugar de la fotografía no fue una simple documentación de las cosas, sino una visión personal de lo que veo. Me gusta el color también, pero por alguna razón siempre vuelvo al blanco y negro, parece que me siento más cómodo. ~Nos gusta la manera que tienes de captar los intensos movimientos en tu fotografía de skate. ¿Cómo lo consigues? ¿cuál es tu proceso a la hora de editar?

¡Tengo una aplicación de móvil, es realmente muy buena! ~¿El estilo del skater afecta a tu manera de disparar?

Parece que con ciertas personas el disparo es más acertado que con otras. No podría explicar la razón de este hecho, pero es así. Siempre te dan buenas imágenes. Quizás es solo porque son realmente muy fotogénicos y no importa lo que hagan, porque siempre se ven bien. ~¿Prefieres disparar en digital o en analógico?

¿Todavía hay gente que se preocupa por eso? La cámara es solo una herramienta, y lo que hagas no depende de la herramienta en sí. Quien piense que una imagen es mejor o peor, más legítima o menos por el hecho de estar realizada en digital o con película es que probablemente no le interesa el contenido de la imagen en sí. ~El año pasado ganaste el Bright European Skateboard Best Photographer of the Year Award, ¿cómo celebraste este merecido éxito?

Bueno, no sé si puedo considerarlo un éxito, yo no lo veo de esa manera. Creo que es una buena iniciativa por parte de la escena europea, se trata más bien de “chocarla” por lo que la gente hace, es más eso que en realidad nombrar un ganador por encima de los demás. No puedes ganar nada si no participas en una competición. La celebración en Berlin fue divertida, viendo a viejos amigos, todos borrachos. ~Durante el mes de mayo vimos la inauguración de la exposición en la galería HVW8, LA celebrando 15 años de Mark Gonzales con adidas, ¿cuál ha sido el feedback?

El feedback parece ser bastante bueno y Gonz está contento, así que genial. ~La idea de la exposición era mostrar diferentes puntos de vista de un gran skater, ¿Qué punto de vista muestras a través de tus fotografías?

Los últimos 4-5 años en los que él ha estado viajando alrededor del mundo con el resto del equipo de adidas.

Nightskate 138 ~ NYC

~“Es muy fácil hacer una sesión con Sem Rubio. Tú solo patinas y él dispara desde una gran distancia, apenas te das cuenta de que está ahí”. - MARK GONZALES -. ¿Podríamos decir que el arte de capturar las mejores imágenes es ser literalmente una mosca en la pared?

Haha. Sí, en la mayoría de casos sí. La gente se siente más cómoda cuando no son conscientes de que estás apuntando la cámara hacia ellos. No es como robar fotos, por supuesto estás allí para fotografiar a los riders y ellos lo saben, pero creo que cuanto menos piensen en el fotógrafo más libremente patinan, de la misma forma que yo también disparo con más libertad. Las cámaras condicionan mucho a la gente, si no mira Facebook y me lo cuentas. Otra razón por la que suelo estar alejado del lugar en el que están patinando es porque me gusta captar la mayor parte de entorno posible, para mostrar tanto el lugar donde están patinando como los trucos. Es algo que siempre he hecho, desde que empecé a tomar fotos. Vivimos literalmente en la calle, siempre hay cosas pasando de fondo o en primer plano o a unos pocos metros de distancia del truco, cosas que te puedes perder si te acercas demasiado. Claro que siempre depende del lugar en el que estés, a veces ocurre exactamente lo contrario. ~“The Gonz” ha sido nombrado uno de los skaters más influyentes en la actualidad, ¿cómo te sientes sabiendo que has contribuido a ello haciendo su forma de patinar accesible al público a través de la fotografía?

Gonz fue parte de mis influencias cuando crecí patinando - como para cada uno de los niños del mundo durante esta época-. Ahora puedo viajar y compartir sesiones con él y con todo el equipo adidas... Soy un hombre afortunado. ~Viviendo en Cataluña, ¿captaste algo de los X Games celebrados en Barcelona este mes de mayo?

No, no lo hice. No estoy interesado en ese tipo de espectáculos. No tienen nada que ver con lo que es el skateboarding para mí. Lo respeto, por supuesto, pero como alguien dijo: “No se parece a la chica de la que me enamoré una vez.’ De hecho, no es la misma chica en absoluto. ~Cuando no estás disparando a skaters, ¿qué más te llama la atención fotográficamente hablando?

No podría decirlo, pero por lo general algo relacionado con las calles.

~You photographs are atmospheric, with your favoured use of black and white. Is this just your preference or is there more to it than that?

I don’t know, I guess what attracted me about photography in the first place wasn’t a straight documentation of things, but more of a personal view of what I see. I love colour as well, but somehow I find I always get dragged back to black and white; it appears to be the way I’m more comfortable with. ~We love how you manage to capture intense movement in your skate photography. How do you achieve this, what is your editing process?

I have a cellphone app, it’s really good! ~Do you think a skater’s style alters the way you shoot?

I know that for certain people you seem to click together better than with others. I couldn’t say the reason why, but it does. It’s these people who seem to always give you good images. Maybe it’s just that they are really photogenic as, no matter what they do, it will always look good. ~Do you prefer to shot in digital or on film?

Do people still mind about it? A camera is just a tool, it’s not about the tool but what you do with it. Whoever thinks an image is better or worse, or more or less legit because it’s shot on film or digital probably has little interest in the content of the image itself. ~Last year you won the Bright European Skateboard Best Photographer of the Year Award, how did you celebrate this deserved achievement?

~“Sem Rubio is very easy to shoot with. You just skate and he snipers off shots from in the distance and you barely know he’s there.” - MARK GONZALES - Would you say that the art of capturing the best shots is to literally be the fly on the wall?

Haha. Yes, in most cases I do. People feel more comfortable when they are not conscious you are pointing a camera at them. It’s not like stealing shots of them, of course you are there to shoot riders and they know, but I think the less they think about the photographer being there the more they can skate freely and the more I can shoot freely too. Cameras condition people a lot, take a look at facebook and tell me about it. Another reason I usually am away from the place they are skating is because I like to get as much of the surrounding in as possible to show the place they are skating as much as the trick they are doing. This is something I’ve always done since I started to shoot photos. We literally live on the streets, there’s always stuff going on in the background, or the foreground or a few meters away of the actual trick, things you’d miss if you get too close. It’s always dependant on what kind of place you are in of course, sometimes it works exactly the opposite. ~‘The Gonz’ has been named one of the most influential skaters to date, how does it feel knowing that you have contributed to this by making his skating accessible to the public through photography?

Well, I don’t know if it can be considered an achievement, at least I don’t see it that way. I think it’s a good initiative from the European skateboard scene and it’s more about the scene giving hi-five’s to what people in the scene have been doing than actually naming a winner over others. You can’t win something if you are not in a competition. The celebration was fun in Berlin, seeing good old friend all drunk.

Gonz was a part of my influences when I was growing up as a skateboard kid - like every single kid in the world by that time. Now I’m able to travel with him and share sessions with him and the whole adidas team… I’m a lucky man.

~This May saw the opening of the exhibition in the HVW8 gallery, LA celebrating 15 years of Mark Gonzales with Adidas, what has the feedback?

No, I didn’t. Not really interested in those kind of shows. They don’t have anything to do with what skateboarding is for me. I respect it of course, but like someone said: “doesn’t look like the girl I once fell in love with”. In fact, it’s not the same girl at all.

Feedback seems to be pretty good and Gonz was happy with it which is great. ~The idea of the exhibition was to show different points of view of a great skater, what point of view would you show through your photographs?

The last 4-5 years where he’s been travelling around the world with the rest of the adidas team.

~Living in Catalonia, did you manage to catch any of the X Games held in Barcelona this May?

~When you’re not shooting skaters, what else catches your eye in terms of photography?

I couldn’t say, but it’s usually something related to the streets.

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Nestor Judkins 140~ Back side Tail slide ~ NYC

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Pontus Alv It’s all about feelings tX Eva Villazala & Antonella Sonza PH Alex Irvine

Inspiración. Esta es una palabra clave en la filosofía de Pontus alv, al que entrevistamos como ideador, junto a Kenny Anderson y Javier Mendizábal, del cons Space 001, primera edición de un proyecto de arte, música y skateboarding que Converse celebró en el muelle de Barcelona. Es lo que quiere despertar en todo aquel que se cruce con su trabajo, sea como rider, como realizador de videos o como creador de su propia marca, Polar Skate co. consiguió reconocimiento como skater en un tiempo en el que, para los europeos, era difícil hacerse un sitio en el mundillo, dominado por los americanos y con california como centro neurálgico. Un día se dio cuenta de que los videos de skate eran una mezcla entre publicidad y lucimiento, sin más. les faltaba algo: inspirar, motivar a todo aquel que los viera, a ser mejor, transmitir ideas. así comenzó a producir videos en los que plasmaba su visión única, elevando el skate a la categoría de expresión del alma. Strongest of The Strange o in Search of Miraculous son toda una novedad, por su narrativa y por la carga emocional de cada plano, de cada truco. consciente de la importancia de los spots, es conocido por construir muchísimos, hasta el nivel de fundar una comunidad de skate en malmö (Suecia), su ciudad natal. la contribución de Pontus alv al skate es enorme, sobre todo por su dedicación a fomentar la creatividad y como creador de piezas atemporales, de gran belleza y fuerza visual. llegados a este punto, nos acogemos a una de las lecciones que nos da in Search of Miraculous: “El skate siempre será algo bello, así que sal ahí fuera y patina todo lo que puedas, mientras puedas”. Inspiration. this is a keyword in the philosophy of Pontus Alv who we had the chance to interview as a creator, with Kenny Anderson and Javier Mendizábal, of Cons Space 001 at the first art, music, and skate project organized by Converse at Barcelona’s dock. Inspiration is what he wants to awaken in anyone who gets in touch with his work, as a rider, as a video pro- ducer or a creator of his own brand, Polar Skate Co. he achieved some recognition as a rider in a time where it was more difficult to get a place in the skate scene for europeans, a scene dominated by the Americans and having California as the nerve centre. one day, he realized that skate films were a mix between advertising and riders wanting to have some attention, nothing more than that. though they still lacked something: to inspire and motivate riders to be better by seeing these films. then he began producing films that embodied his unique vision turning the skate scene into an expression of the soul. Films such as Strongest of the Strange and In Search of Miraculous are a novelty for their narrative and emotional burden in every plane, every trick. he realised the importance of the spots and is well known for building many, founding a skate community in Malmö (Sweden), his hometown. Pontus Alv’s contribution to skateboarding is huge, especially to furthering creativity and as the creator of timeless pieces, of great beauty, and visual power. At this point, we embrace one of the lessons that he gives us In Search of Miraculous: “skateboarding will always be beautiful, so go out there and skate as much as you can, while you can”. 142

¿Cuáles son tus sensaciones al estar aquí en Barcelona para Converse Cons? Me siento genial. Es agradable pasar un fin

de semana en Barcelona en una celebración del skate y con Converse, una marca tan unida a este mundo. Llegué ayer y estoy echando un vistazo al evento, tiene muy buena pinta. Se respira música, skate, arte, moda, una mezcla perfecta.

¿Qué piensas de la filosofía Converse de mezclar la cultura del skate con arte o música? El skate es algo creativo, una

forma de expresión, al igual que el arte y la música. Se trata de gente utilizando diferentes instrumentos para ello. Algunos usan una guitarra, otros una tabla, otros un pincel. Es interesante y está muy bien rodearse de gente creativa, ya que todos tenemos algo en común. El skate es una cosa, el arte otra, pero el skate a veces puede ser arte. No me gustan las reglas o límites, al final es gente disfrutando de lo que hace. ¿Crees que esta mezcla se ha dado siempre? Solo ahora. Normalmente los skaters se juntan para sus cosas. Quiero decir que la mayoría de skaters están con skaters y la mayoría de músicos están con músicos. Pero no creo que sea malo conocer a otra gente, de otras culturas. Tengo 33 años, y cuando era joven todo mi mundo era skate, skate, skate. No hablaba con nadie más que con skaters. Pero cuando me hice mayor, quise explorar un poco más, buscando otras cosas como el arte. Es interesante seguir cualquier cosa, desde la moda hasta otros estímulos creativos varios. ¿Es esta la filosofía de tu marca Polar Skate Co? Es una larga historia. Mi filosofía es intentar hacer algo por la cultura del skate, como recuperar elementos que se han ido perdiendo. Estoy empujando mucho para generar acciones gráficas e inputs artísticos. La principal regla de la compañía es inspirar a otros a inspirarse en sí mismos. Con este objetivo creamos proyectos, videos, piezas de arte, gráficos, campañas de publicidad… todo. Quiero que la gente lo vea y piense: qué interesante. La marca solo tiene dos años. Yo acumulo una larga trayectoria en el mundo del skate. Antes de la marca, estuve haciendo videos y muchos proyectos; y la gente siguió mis ideas. Solo intento, de alguna forma, motivar una inspiración en la cultura del skate, lo llevo haciendo estos últimos doce años. La marca la empecé hace dos para demostrar que esta industria no es solo dinero, fama, negocio y todo eso. También va sobre los amigos, divertirse y hacer cosas interesantes. Cuéntanos algo sobre la forma en la que haces tus videos, inviertes mucha energía en ellos y el resultado es muy especial. Qué decir sobre los vídeos… ¡es lo mismo! Hacer cosas

que inspiren. En un vídeo puedes utilizar muchos elementos: movimiento, imágenes estáticas, sonidos, música, atmósferas. Intento hacer que todos estos elementos funcionen. Cuando veo un vídeo sé que es realmente si mi corazón comienza a bombear un poco más rápido. Es en ese momento cuando sabes que has hecho algo bien. Creo que algunos de mis vídeos provocan ese sentimiento en la gente que los ve. El skate es como una danza, un ritmo. Aunque no seas rider, puedes apreciar ese movimiento.

Uno de tus vídeos más famosos es In Search Of Miraculous. ¿Cuál fue la idea que te incitó a hacer este vídeo? Creo que

el skate es una forma de expresar tus propios sentimientos. O al menos para mi. Si estás triste, contento, deprimido, cualquiera puede notar esos sentimientos cuando estás patinando. Por lo tanto creo que es muy importante hablar de ellos. En mi caso, perdí a mi padre y mi situación familar fue bastante dura cuando fui joven. Hay muchas cosas que te afectan. El skate no es sólo salir a dar una vuelta, va sobre las cosas que están pasando en tu corazón. Y lo que pasa en tu corazón, afecta a tu forma de patinar.

Tell us how you are feeling here in Barcelona at this Converse Cons event. I’m feeling good. It’s nice to have a

weekend here in Barcelona. It’s like a skate celebration, and with Converse, a brand so involved in the skate world. I arrived yesterday and I’m here just checking out the skating event and it’s really nice. You can breathe skate, music, art, and fashion - kind of a perfect mix. What do you think of the philosophy of Converse and their mixing of skate with art or music? Skateboarding is a crea-

tive thing, a way of expression, just like art and music. It’s people expressing themselves using different instruments. Some play the guitar, some ride a skateboard, some use a brush. It’s interesting and it’s nice to be around creative people, we have something in common. Skateboarding is one thing, art is another but skate can be art too. I don’t like the rules or the frames, in the end, it’s people getting together and enjoying the scenery. Do you think this mix has been the case since the beginning or is it happening just now? It’s just now. Normally the

skateboarders stick to themselves. Skaters do their things. I mean, most skaters stay with skaters, and most musicians stay with musicians. But I don’t think is a bad thing when you sometimes meet people from other cultures. I’m 33 years old and when I was younger I was only skate, skate, skate. I didn’t talk to anyone else but skaters. But when I got older, I wanted to explore a little bit more in life, start looking at other things like art. Anything from fashion to any other creative outputs that are interesting to follow. Is this the philosophy of your brand on some level? That’s

a long story. My philosophy is to try to make something for the skate culture, like to recover things that are being lost. I’m pushing a lot for action graphics and artistic inputs. The main philosophy for the company is to inspire others to inspire themselves. With this goal we do projects, videos, artworks, graphics, advertising...everything. I want people to look at it and say: wow, that’s nice. Polar Skate Co. is only two years old. I have a long history in skateboarding. Before the brand, I was making videos, a lot of projects, and people were following my ideas. I just tried to inspire the skate culture in some way. I’ve been doing this for 12 years now. In the last two years I also started to show that a skate company doesn’t have to be only about money, business and all that stuff. It can be about friends, having fun, and doing cool stuff. Tell us about your videos. You put so much energy into your projects and the result is very special. What to

say about the videos. It’s the same thing. It’s about making stuff that inspires people. With video you can use so many elements: motion, pictures, sound, music, atmospheres... I try to make them all work. When I watch films, I know that one is really good when your heart goes a little faster, that’s when you know you are doing something right. I think some of my videos give that feeling to people. Skateboarding is like a dance, a rhythm. Even if you aren’t a skater you can appreciate the movement. Explain to us the conception of one of your most famous videos, In Search of Miraculous. I think skateboarding is a

way to express your inner feelings. Or at least for me. If you are sad, happy, or depressed, somehow when you skate you release these feelings. Then I think it’s also important to talk about these feelings. In my case, I lost my father, my family situation was pretty hard when I grew up. There are a lot of things in life that affect you. Skateboarding is not just about going around, it’s about what happens in your heart. And what happens in your heart somehow effects how you ride.

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ph Mateusz Staniewski + Agnieszka Sobota

www.converse.es

CONS SPACE 001 REVIEW / 27TH MAY En un remoto lugar llamado CONS la acción es un círculo, donde todo se genera y se destruye, en un bucle del tiempo al que se llega en autobús. Cons Space 001 es la primera edición de una puesta en escena por parte de Converse en la que skate, arte, música, barbacoa, familia y amigos son los diámetros de ese círculo que se cierra en una localización remota, alejada de la ciudad, en el límite de lo que ya casi no está permitido. En medio de la locura del fin de semana donde el símbolo de la X se llevó todo el protagonismo, nos desplazamos a Cons Space 001, una localización perdida en el Dique 00A del Puerto de Barcelona y mantuvimos una esperada charla que ya hacía tiempo que perseguíamos con Pontus Alv, uno de los impulsores del proyecto. Javier Mendizábal y Kenny Anderson fueron los otros dos padrinos del patín que dieron su bendición a los originales módulos playgrounds, generados a partir de containers y materiales urbanos reciclados, que toda la troupe de riders nacionales, incluidos Christian Sánchez, Pali Negrín, Albin Ramos, Carlos Neira, Daniel López, Carlos Cardeñosa, Felipe Bartolomé y Bruno Serna, probaron sin descanso, hasta que el alcohol lo permitió, claro. Nos reencontramos con Rubén Sanchez, recién llegado de Dubai, que aprovechó la última luz de la tarde para acabar su intervención artística. El resto de piezas fueron obra de Txemy Basualto, Fernando Elvira, Octavio Barrera y Adrián Blanca. El tercer componente, la música, corrió a cargo de los jovencísimos The Bots (Fans!), Crocodiles, Black Lips y Spank Rock, todos ellos aportaron una locura genial que celebramos a golpe de salto, empujón y derrame de cerveza. En resumen, un placentero viaje a otra parte, lo que aunque parezca mentira, no siempre es fácil de conseguir.

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In a remote place called CONS action is kind of a circle, where everything is created and destroyed in a time of loop where you arrive by bus. Cons Space 001 is the first edition of a unique stage production by Converse where skate, art, music, barbecue, family, and friends are the diameters that encircle the remote location, far away from the city, on the line of what is allowed. Between the weekend madness where the symbol X was the star of the show, we arrived at Cons Space 001, a lost corner, in Dike 00A of Barcelona’s Port where we had an awaited chat with Pontus Alv, one of the riders invited by Converse. Javier Mendizabal and Kenny Anderson were the other two skate sponsors who gave their blessing to the original modules playgrounds, generated with containers and urban recycled materials, which the whole group of national riders, including Christian Sánchez, Pali Negrín, Albin Ramos, Carlos Neira, Daniel Lopez, Carlos Cardenosa, Philip Bartholomew, and Bruno Serna tested restlessly, until the alcohol allowed it, of course. We ran into Ruben Sanchez, who had recently arrived from Dubai. He took the last light of the day to finish his artistic intervention. The remaining pieces of work were Txemy Basualto’s creations, Fernando Elvira, Octavio Barrera and Adrian White. The third element, music, was taken care of by the very young The Bots (Fans!), Crocodiles, Black Lips, and Spank Rock, they all provided a great crazy night that was celebrated with high jumps and spilled beers. In short, it was a pleasant trip to another place, something that, believe it or not, is not always easy get.

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# 91 · ALONG THE WAY · JULY AUGUST · 2013 COVER : RON ENGLISH · www.popaganda.com

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