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Es uno de septiembre. Día en el que se celebra el año nuevo en el calendario del capital. Porque si el cristianismo, el islamismo y el budismo tienen su propia estructuración del tiempo, entonces es de esperar que la nueva religión del siglo veintiuno también la tenga. El Capitalismo toca las campanas, suena una melodía apocalípticamente pop que nos hace bailar en discotecas para sobrevivir al duro invierno. En la doctrina del capital no se puede vivir en el exterior. Como en toda festividad, hay tradiciones cíclicas y no caducas a repetir por la masa -till the world ends-. En este caso, es propia la edición de nuevos objetos fetiche a coleccionar periódicamente o la retransmisión de promesas en forma de aromas de seducción.
It’s September 1st, New Year’s Day in the capitalist calendar. If Christianity, Islam and Buddhism have their particular time organization, it shouldn’t surprise anybody that the new religion of the twenty-first century has its own time structure. Capitalism makes its bells toll and an apocalyptic pop melody prompts us to dance in clubs to survive the hard winter. Under the capital doctrine it’s not possible to live outside. As in all festivities there are cyclical and perennial traditions that the mass keeps repeating - till the world ends. In this case, thousands of new fetish objects come out to be periodically collected while promises disguised as scents of seduction are endlessly broadcast.
Es septiembre, y las noches empiezan a ser más largas que el día. Las criaturas de las catacumbas ven en la oscuridad de los suburbios su nuevo centro de reunión clandestina. Vampiros, zombies, hombres lobo y provincianos regresan a las capitales para bailar al son de villancicos remasterizados que ahora suenan como witchhouse de ultratumba. Salem retumba en las warehouses de Londres. El público ora en comunidad para que el nuevo curso les depare algo más que sucedáneo de soma.
It’s September, and the nights start becoming longer than the days. The creatures leave their catacombs and find their new clandestine meeting centers in the darkness of the slums. Vampires, zombies, werewolves and provincials come back to the capital cities to dance remixed Christmas carols that now sound as witch-house from beyond the grave. Salem resounds in London warehouses. The audience prays together so the new term can bring them something more than ersatz soma.
“Volver a empezar otra vez”, rezaba el Dios Cápita preparándonos para el segundo advenimiento del nuevo consumo. Llega el tiempo de taparse. Abrigarnos con restos de cadáveres para simular un disfraz del monstruo de Frankenstein que oculte todo lo benévolo que hay en nuestro interior. Porque en septiembre el Estado nos permite tener nuevos vicios en forma de oro negro para compensar el sacrificio de la individualidad. Hosanna en las alturas sobre tacones McQueen.
“Come back to start again!” is God Capita’s motto that prepares us for the second advent of the new consumption season. It’s time to wrap ourselves up. Cover our bodies with the mortal remains of corpses to emulate a costume of Frankenstein’s monster which could hide all the benevolent parts of us. Because in September the State allows us to have new vices in the form of black gold to compensate our loss of individuality. Hosanna in the highest heaven on McQueen stiletto heels.
Bienvenidos a Septiembre agridulce. Noveno mes e inicio del trimestre mercantil que los hashinshin tiñeron de luto para negar la celebración pagana con el derrumbamiento de las musas.
Welcome to bittersweet September. The ninth month and the beginning of the commercial term which the Hassassins dyed black to darken the pagan celebration by demolishing the Muses.
DARK SIDE
tX Alejandro Cinque tr Juanjo Berm煤dez de Castro PH Alexis Gross 路 www.alexisgross.com
OBEY×total× look www.obeyclothing.com Photo: Camila Falquez · www.camilafalquez.com Model: Liarg
Globe×total× look www.globe.tv Photo: Camila Falquez · www.camilafalquez.com Model: Lucas McGowen
RVCA ×total× look www.rvca.com Photo: Camila Falquez · www.camilafalquez.com Model: Laia Rafel 18
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VANS ×total× look www.vans.es jeans vintage model’s own Photo: Camila Falquez · www.camilafalquez.com Model: Zack Sky 20
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BRIXTON ×total× look www.brixton.com Photo: Camila Falquez · www.camilafalquez.com Model: Wiley Birkhofer
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GLOBE×total× look www.globe.tv Photo: Camila Falquez · www.camilafalquez.com Model: Ernest LeerWallenburg Merriot
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VOLCOM ×total× look www.volcomeurope.com Photo: Camila Falquez · www.camilafalquez.com Model: Alba Luna Moreira & Marc Bibiloni
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Levi’s® Skateboarding Collection fall 2013 ×total× look www.levi.com Photo: Maya Kapouski · mayakapouski.com Models: Alexis Bournon, Daniel Dios & Hugo Aldatz
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‘A junk love’
Los de mi generación fuimos educados en un mundo fácil, con placeres rápidos y sin esfuerzos, rodeados de drogas sintéticas no tan destructivas a corto plazo. Lejos quedaba el recuerdo de la generación anterior con drogas oscuras, devastadoras como la heroína. − Conseguí financiación con una beca de la asociación Diomira y puse rumbo a Rusia para fotografiar ese mundo “oscuro” y todas sus variaciones. − En San Petersburgo encontramos una historia que nos llegó. Se trataba de un romance unido por la heroína. Un domingo de diciembre en las afueras de la ciudad fuimos a conocer a Sergey y Katia. Me sorprendió lo unidos que estaban, el amor que se respiraba. − Estuvimos con ellos unos días en los cuales vivimos el lado más oscuro de la adicción y el lado más dulce. Recuerdo intensamente algunos detalles del primer día: acompañar a Sergey a por su dosis de heroína, el maquillaje rápido y bajo los efectos del “caballo” de Katia cuando nos recibió en su casa y, sobre todo una escena en concreto: cuando Katia pinchó a Sergey en el cuello. − Con Sergey conecté rápidamente, sus ojos me inspiraban cercanía y amabilidad. Pronto nos abrieron su corazón y nos contaron su historia. −
Sergey y Katia se conocieron en la cárcel mientras ambos cumplían condena y la vida no era fácil ni dentro ni fuera. Sergey acababa de pasar los tres últimos años en prisión. Allí recibió abusos y perdió dos dedos de la mano derecha. Katia cumplía condena por una serie de robos compulsivos y fue en prisión donde tuvo su hija con otro recluso. − Se amaban, no había la menor duda, se besaban, abrazaban, se cogían de la mano. Ahora, fuera de los barrotes, compartían una vida en común y una adicción a la heroína en un día a día nada fácil. Se buscan la vida. Sergey vende copias de perfumes puerta a puerta diciendo que es heroinómano y necesita el dinero para él y su pareja, mientras la madre de Katia cuida su hija unos pisos más arriba. − En nuestra última visita, tras bebernos con ellos un licor casero, Sergey se despidió sonriendo y diciendo: “You are stupid” señalando mis deportivas agujereadas y ofreciéndome a cambio unas botas suyas para la nieve. − Nos vestimos con nuestros abrigos y volvimos a las frías calles de Sant Petesburgo. −
tX / ph David Simon Martret
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‘A junk love’
My generation was brought up in an easy world with fast and effortless pleasures, surrounded by synthetic drugs which were not as destructive in the short term. Far behind was the memory of the previous generation which dealt with dark drugs as devastating as heroin. − I got a scholarship from Diomira Association and headed to Russia to photograph this “dark” world and all of its variations. − In St. Petersburg we found a story that struck us. It was about a romance linked together by heroin. It was on a Sunday in December in the outskirts of the city when we met Sergey and Katia. I was surprised how close they were and all the love you could feel in the air. − We stayed with them a few days living in the darkest side of addiction, but also the sweetest. I Intensely remember some details of the first day: I accompanied Sergey to get his drug dose. Katia was under the influence of heroin when she welcomed us into her house. There was one particular scene I was struck by: when Katia pricked Sergey in the neck. − With Sergey I felt the connection quickly, his eyes showed closeness and kindness. Soon they both opened their hearts and told us their story. −
Sergey and Katia knew each other in prison while both were serving sentences and life was not easy inside or out. Sergey had just spent the last three years in prison. There he received abuse and lost two fingers on his right hand. Katia was serving a prison sentence because of a series of compulsive robberies and it was in prison where she had her daughter with another prisoner. − There was no doubt that they loved each other. They kissed, embraced, and were constantly holding hands. Now, no longer behind bars, they share a common life and an addiction to heroin – daily life is far from easy though they try to survive. Sergey sells perfume fakes door-to-door saying that he’s a junkie and needs the money for himself and his partner, while Katia’s mother cares for her daughter a few floors above. − On our last visit, after drinking some homemade liquor with them, Sergey said goodbye smiling and saying: “You are stupid” pointing at my holey sports shoes and offering me his snow boots. − We put on our coats and returned to the cold streets of Saint Petersburg.
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tX Maya Kapouski ph Berta Pfirsich
Beat on the brat
CHAD MUSKA Vivir el patín no es acumular una lista de trucos, verse los últimos vídeos y conseguir que una marca te patrocine. Tampoco es solo diseñar unas tablas, hacer unas fotos o saberse un montón de nombres de skaters. Vivir el patín es mucho más. Muchos han dicho (y han pariodado) eso de que el patín es un modo de vida, pero gracias a algunos de los mejores skaters y/o creativos se hace honor con mayúsculas a esta frase. Chad Muska es uno de esos ejemplos: pro skater desde los 90s, emprendedor, diseñador para varias marcas, fotógrafo, artista y un largo etcétera de actividades que tienen como eje central el patín. Coincidiendo con mi participación como Brighthunter en la XVII edición del Bright Tradeshow en Berlín tuvimos el honor de conocer a Muska en el Meet & Greet organizado por Supra en su Showroom en el mítico barrio de Mitte. Nos saltamos los cinco minutos que teóricamente iba a durar nuestra entrevista y estuvimos hablando durante largo rato. Pero además tuvimos la suerte de dar un paseo por las calles de la ciudad guiadas por el mismísimo Muska que muy ilusionado nos hizo un pequeño recorrido por sus intervenciones de street art realizadas en su anterior visita a Berlín dos años antes y que todavía se conservaban. Durante nuestra charla descubrimos que esa misma pasión por el skate la siente por el resto de actividades creativas que realiza: su arte (hace unos meses que inauguró dos exposiciones individuales, Deconstruccionism y Transitions), por sus diseños y por su música. To ‘live’ skateboarding is not having a big list of tricks, having seen all the latest videos or getting a sponsor. It’s not just designing boards, taking some pictures or knowing a lot of skater’s names. To live skateboarding is much more. Many have said that skating is a way of life but thanks to some of the best skaters and creative minds this phrase still has a lot of sense to it. Chad Muska is one of those examples who defines this way of life: pro skater since the 90s, entrepreneur, designer for various brands, photographer, artist, and many more activities which have skateboarding as their main focus. Coinciding with my participation as Brighthunter in the 17th edition of the Bright Tradeshow in Berlin we had the honour of meeting Chad Muska at the Meet & Greet organized by Supra at its showroom in the legendary district of Mitte. We exceeded the five minutes that would theoretically be occupied by our interview, instead we spoke for a long time about a range of topics. We were also lucky to take a long walk through the streets of Berlin led by Chad Muska himself where we had a little tour and saw several street art interventions. He had done them in his previous visit to Berlin two years ago. During the interview we discovered that the passion he feels for skateboarding he also feels for the rest of the creative activities he performs: his art (a few months ago he opened two solo exhibitions, Deconstructionism and Transitions), designs and music.
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Me gustaría preguntarte no solamente por el skate sino también por tu trabajo como artista. Creo que la mayor parte de la gente solo relaciona patín con diseño gráfico pero, por ejemplo, tu propia obra o la de otros artistas relacionados con skateboarding tratan algunos conceptos que pueden ser cercanos al arte contemporáneo. Sí,
mi trabajo es muy procesual.
Una parte de los materiales que usas provienen de la naturaleza (plantas, madera, tierra), ¿Cuál es tu relación con ella? Ahora mismo estoy muy interesado en la idea de que todos
los materiales, incluso los sintéticos, provienen de la Tierra y en la creencia de que probablemente pagará por todo ello, en el proceso en el que sean devueltos a la naturaleza. Yo nunca había tenido esta conexión, siempre he vivido en ciudades y era como si la naturaleza me asustase. Pero algo sucedió después, estoy cambiando mucho, la manera en la que veo el mundo, el modo en el que pienso, todo está en proceso de cambio. ¿Por qué este cambio? ¿Es una evolución natural? Creo que es el típico momento de la vida en el que no ha sucedido nada en concreto pero todo está cambiando en mí. Posiblemente está más relacionado con mi edad. Cuando te haces mayor tu modo de entender el mundo da un giro y te preguntas, ¿cúal es mi propósito aquí?, ¿qué significa todo esto? Y empiezas a buscarlo. Para mí el significado es que somos lo que creamos desde nuestra mente. Todos perseguimos el sueño de saber lo que es realmente importante. La creación es fundamental pero la mayor parte de la gente está creando por una razón equivocada, no por generar algo sino por conseguir dinero o ser famoso y todo eso. Algo está cambiando en mí en ese sentido.
Muchos skaters tienen una estrecha relación con la creatividad y el arte. ¿Por qué crees que existe esta gran conexión? Skateboarding es arte, un skater es un artista de la
performance. Todo el mundo actúa a su manera. Cualquiera puede hacer un kickflip pero cada cuál tiene su estilo, propio y único. Los skaters pasan su vida entera siendo artistas. Ellos hacen arte, son pura expresión de sí mismos. Y volviendo al tema, los skaters siempre quieren destacar, marcar la diferencia, por ello se involucran en moda o con cualquier cosa creativa, ya sea música u otra disciplina. Buscan su propia identidad, como skaters, diseñadores o artistas. Cuando te conviertes en un pro, el modo de destacar es involucrarte en moda o diseño. Yo mismo lo estuve durante mucho tiempo. Al final me aburrí, pero eso me ayudó a convertirme en un artista de la calle y a entender que el Street art no se crea con el mismo propósito que el de la industria. Cuando estoy diseñando siempre intento echar un vistazo a lo que está sucediendo en el mercado y a lo que hace la gente y entonces yo hago exactamente lo contrario. El street art está ahora entrando en galerías y siento que se ha perdido algo porque ese entorno es muy frío. Recientemente has inaugurado tus primeras exposiciones individuales bajo el concepto “Deconstructionism”, ¿por qué este nombre o tema? Nunca había expuesto nada y
al tener que hacerlo no me pregunté el por qué de este nombre. Vino a mí, es simplemente el modo de describir el proceso. “Deconstructionism” viene de la acumulación de materiales y del proceso de crear las piezas. A veces necesito alejarme de las cosas por un tiempo, volver a ellas y destruirlas para volver a construirlas. La realidad trae muchos problemas, como el dinero que cuesta alquilar un apartamento o tener tu propio estudio en Nueva York. Nunca he querido que mi arte transmita algo negativo, por ello sigo este proceso de destrucción, en el sentido de coger la parte negativa y después re-trabajar solo lo divertido, la reconstrucción es lo más interesante de todo este proceso. Se trata de reconstruir aquellos materiales con los que puedo estar en contacto cuando patino. ¿El proceso es el mismo que cuando haces música? Todo lo que hago es lo mismo: ideas en mi cabeza. Cuando llegan las trabajo de un modo creativo para convertirlas en realidad. Puede ser un truco de patín, música, diseñar, hacer arte o lo que quieras. ¡Todo es lo mismo! La gente me dice: tienes que centrarte en algo: ¡Ya estoy centrado! Boceto todas esas ideas y las convierto en realidad. ¿Qué papel juegan las emociones en tu trabajo? Hay negatividad, cosas que suceden en tu vida, como cuando rompes con tu novia y solo quieres matarte. Lo interesante es usar esas emociones y sentimientos en tu trabajo artístico. Es como hacer terapia, algo que te ayuda a caminar, dándote ideas y aportando emoción a tu obra. Usas esa energía en tu arte y finalmente cuando lo enseñas, a la gente le gusta y recibes buenas críticas. En ese momento entiendes que lo que ha pasado ha sido por una razón y eso te ayuda a creer en lo que estás enseñando. Sin embargo, en realidad me importa una mierda lo que piensen acerca de mi trabajo, sus opiniones sobre lo que puedo hacer o cuando tengo que presentar mi obra. Sólo sé que si pongo todo mi corazón, lo que hago será realmente mi “yo”, entonces sin duda el resultado será bueno para mí. Si no pongo todo el corazón, entonces no será lo que debería haber sido y probablemente el público también lo sepa. I would like to ask you not only about skateboarding but also about your art work. I think the majority of people relate to skateboarding through graphic artwork, however, your artwork and the work of other skate related artists talk about some concepts associated with contemporary art. Yes, my work is very concerned with process. Some of the materials you use in your artwork is from nature (plants, wood, ground). What is your relationship to nature? Right now I’m very interested in the idea that all the material,
also synthetic, comes from the earth and in the idea that eventually the earth is gonna pay for all that, it all comes back to nature. I never had this connection, I’ve always been in cities and it was like nature scared me. But something happened lately, I’m changing a lot. Like the way I see the world, the way I think; everything has changed in my life recently. Why? Is it a natural evolution? I think it was a typical moment in life. I don’t think that something specific happened, but everything is changing in my life. I think this is more about my age. When you get older you change your understanding of this world and you ask yourself “What’s my purpose is here? What does this all mean?” and then you search for that. For me, we are what we create from our mind. We are all chasing this dream of what is really important. Creation is important but the majority of people are chasing creation for the wrong reason, not to create something but to win money or to be rich and famous. So I think this changed my mind a lot.
and creating things, making music, and generally making something different. They always wanted to have their own identity whether they were skateboarding, designing, or being artists. So when you became a pro skater, you always get involved in fashion or design. I’ve been involved in this process for a long time. But eventually I became bored with that concept because it helped me to became a street artist and the street artist doesn’t create for the same purpose as an artist in the industry. When I’m designing I always try to have a look at everything that happened in the business and what people are doing and then I work on doing exactly the opposite. Street art has entered into the galleries I feel that it lost something because media coverage of galleries has gone cold. You recently opened your first individual exhibition under the name “Deconstructionism”. Why this name and topic? I’ve never exhibited anything and
I’ve never thought about the name. Just came to me and I think that it’s just a way to describe the process. “Deconstructionism” comes from the cumulation of materials and the process of creating the pieces. Sometimes I need to leave things for a while and get back to them and then destroy them and then reconstruct them again. I never wanted my art to have any negative function and that’s why I have this process of destroying. In a way it removes all the negative parts of it and then re-works it so only the fun part remains. The reconstruction is where my interest lies. And now it is even more about reconstruction with all the material that I can be in contact with when I’m skateboarding. This process is the same as when you make music? All is the same: ideas in my head. When they comes to my head I process it in a creative way and I make it real. It could be skating a trick, making music, designing a shoe, creating art, or whatever. All is the same thing! Everybody says me: “You need to focus on one thing”, and I am! I sketch all of these ideas and I make them real. What role do emotions play in your work? All the negativity that they bring you, all the things that happen in your life, like when you break up with your girlfriend and you’re sad, you wanna kill yourself. The interesting part is to use those emotions and feelings in your artwork. It’s almost like therapy, like something that helps you to go on and brings you ideas and emotions to your work. And then you use this energy in your artwork and finally you present it and people love it and give you great feedback about what you’ve done. In this moment you can understand that what you’ve been through happened for a reason and it has helped you to create what you’re actually showing to the people. But the finality of all that is that I actually don’t give a shit about what people think about my work and their opinion about what I can do when come the time comes to present my work to the public. I only know that if I put all my heart into it and that I did something that is really “myself” then the result is good for me. If I don’t put all my heart into it then I know that this is not what it should be and probably the public will to.
So many skateboarders have a relationship with creativity and art. Why do you think this relation exists? Skateboarding is art, a skater is like a performance artist. Everybody perform
their own way. Everybody can do a kickflip but everybody does it in their own unique way. Skateboarders spend their entire life being artists. They perform art, they express themselves. Back in the day skaters always wanted to stand out and be different so they turned to fashion
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JH ENGSTRĂ–M www.jhengstrom.com tX Isabel Felis
Photographic arrows
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JH ENGSTRÖM nació en Karlstad, Värmland, Suecia, en 1969. Se trasladó a París con sus padres a los 10 años y regresó a Suecia cuando tenía 13, pero pasó gran parte de su adolescencia en La Ciudad de las Luces, por lo que Suecia y Francia se convirtieron en sus dos casas. Los inicios de su carrera profesional se dividieron también entre estos dos países, ya que trabajó como asistente con dos de los fotógrafos actuales más consagrados: Anders Petersen (en Estocolmo) y Mario Testino (en París). En 1997, cuando terminó sus estudios de fotografía y cine en la Universidad de Gotemburgo, publicó su primer libro, Shelter, una compilación de retratos femeninos en blanco y negro. Desde entonces, Engström ha producido varios libros: Trying to Dance (2004, finalista del Premio Deutsche Börse Photography), Haunts (2006), CDG / JHE (2008), From Back Home (con Anders Petersen, 2009, con el que ganó el Author Book Award en el Rencontres d’Arles 2009), La Résidence (2009) y Wells (2012). El trabajo de Engström ha sido reconocido a nivel internacional. Ha recibido becas de institutos como el Swedish Art Council, el Swedish Authors’ Foundation o el Hasselblad Center y realizado exposiciones en las principales capitales del arte como Berlín, Nueva York, París o Londres, además su obra forma parte de colecciones tanto en Europa como en Estados Unidos. Sus libros lo han convertido en uno de los fotógrafos mejor considerados de nuestros días. Engström tarda años en terminar cada proyecto y esto se aprecia en el resultado final: son proyectos en los que todo se mide en detalle. Cuando dejas que tu mirada se desplace a través de las páginas de sus libros, sientes que estás viendo algo perfecto: nada falta ni sobra. Para conocer la esencia de su obra, podemos utilizar lo que el propio Anders Petersen dice sobre Engström en la película JH Engström och Paris: “Él siempre quiere explicarse a sí mismo y su trabajo es sobre él. No en el sentido de ser inmoral o despiadado con la gente a la que fotografía, sino en el de que su trabajo trata principalmente sobre sí mismo. Y creo que eso es típico, ya que trabaja en una tradición que pertenece a un grupo de fotógrafos como Ed van der Elsken, Boris Mihailov, Nan Goldin o Daido Moriyama. Ellos se comportan de la misma manera, siempre se trata de su propia vida”. A pesar de que todos sus libros se enmarcan plenamente dentro de esta implicación personal, la trilogía formada por Trying to Dance, Haunts y Wells, es un gran ejemplo. Se zambulle en las aguas más profundas de la mente de Engtröm, mostrando su relación con su entorno y quienes lo habitan. En Wells 50
narra la historia de amor con su esposa y el nacimiento de sus dos hijos. Es aquí donde encontramos la famosa foto de la placenta de sus gemelos. Si se echa un vistazo general a su obra, se puede apreciar el eclecticismo que caracteriza a la fotografía de Engström. Nunca se ha encasillado con un estilo o etiqueta. Pero todas sus imágenes tienen algo en común y esto es lo que convierte su trabajo en único: la capacidad para capturar el detalle, los matices que conforman el momento retratado. Y así, cada imagen es un momento completo. Un momento que puede ser vivido una y otra vez por todo el que lo mire sin perder nada de su potencia. Engström es uno de esos creadores capaz de hacernos vivir el arte. ¿Cómo? Dejando una parte de sí mismo en cada imagen (no poniéndola, sino dejándola, abandonándola), haciendo fotografías tridimensionales que están muy lejos de ser estáticas, con vida propia. Mezclando estos dos ingredientes, las imágenes de Engström logran lo que cada obra de arte quiere lograr: ser una flecha. Algo perfecto (sin faltas, sin sobras) que se nos clava directa y limpiamente. En una entrevista, a la escritora Herta Müller se le preguntó qué es una obra de arte. Respondió de manera muy simple: “Algo que tiene intensidad estética y hace un poco de daño”. Exactamente como el vuelo de una flecha. La forma en la que la fotografía obtiene ambas son perfectamente visibles en las imágenes de Engström: transmiten la sensación de que estamos inevitablemente cerca y lejos de todo al mismo tiempo, al igual que el fotógrafo está dentro y fuera de la escena que captura. Y eso no es todo: el fotógrafo sabe que lo que está sucediendo en el momento de tomar la foto se desvanece mientras lo captura para convertirse en un recuerdo y no volver a suceder jamás.
Siendo adolescente, encontré en la fotografía una muy buena manera de expresarme, comprendí que teníamos una relación muy estrecha y todo comenzó. Siendo asistente de Mario Testino y Anders Petersen aprendí a tomarme en serio lo que hago, además de concienciarme de que el trabajo es la única clave si se quiere llegar a un resultado que valga la pena. Hice el salto de la fotografía amateur cuando publiqué mi primer libro en 1996 y desde entonces, simplemente he continuado. Reunir el coraje para hacerlo no fue un problema, ya que tenía una necesidad muy fuerte de hacer fotos. Si alguien me preguntara sobre mi obra no la explicaría. Diría que se pregunten únicamente qué sienten y piensan cuando la miran. Yo siempre estoy presente de alguna forma en ella. Involucrarme personalmente: es la base de lo que hago. Mi evolución artística está atada de una u otra manera a mi vida personal y todo lo que sé es que mi vida está cambiando y baila. Cuando empecé a tomar fotos quería expresarme y comunicarme. Y no, eso no ha cambiado. Me gustan los artistas que hacen las cosas porque necesitan hacerlas, los que están obsesionados. Uso todo tipo de formatos de cámara: 135, formato medio, gran formato, polaroid... Todo lo que tenga a mano y lo que se adapte a la situación en la que me encuentro. Y sí, todavía me decanto más por lo analógico. No tengo una regla acerca del blanco y negro y el color, dejo que mi intuición me guíe para elegir. Cuando ya tienes la foto buena, simplemente lo sabes, es cuestión de instinto. Ahora vivo en el campo, aislado, en Värmland, Suecia. Aquí nunca sucede nada, así que lo único que puedes hacer es trabajar. Me gusta esto de no estar cerca de las tendencias o de las escenas artísticas modernas. Me permite alejarme de una gran cantidad de información innecesa-
ria. Tengo un estudio en París, cuando se pone demasiado aburrido, voy allí. Acabo de terminar tres libros. Sketch of Paris (Aperture), 20 años de fotografías de París, Langt Från Stockholm (Mörel Books), un libro sobre mi pueblo natal, Värmland que trata sobre la periferia y el centro. Un mundo lejos del diseño y del Estocolmo desesperado por ser moderno. Y el tercero es Anfang und Ende-Early Trips (Edition Frère André), con las fotografías que hice antes del cambio de siglo. Fotografías de otra época. Sólo hace quince años, pero parece otro momento, antes de viajar con Google, antes del terrorismo... antes de un montón de cosas. También yo era joven entonces. Mi actual proyecto, Tout Va Bien, es un gran diario, personal, visual y poético dentro de un libro. Se lanzará en 2015 con una exposición a gran escala. Es mucho material. Requiere tiempo. Los libros y las exposiciones crean diferentes relaciones con el público. Un libro se queda. No termina. Por el contrario, un espacio te hace leer las fotografías de manera diferente a cuando las ves encerradas en las tapas de un libro. Mi trabajo no versa sobre el “lado oscuro” de la realidad. Yo espero que lo haga sobre muchos aspectos distintos. Pero si echas una mirada más profunda a lo que tú misma te refieres al decir “realidad” quizá hay sin duda una parte bastante grande de oscuridad. Hoy en día existe el mismo lado oscuro de siempre. Somos seres humanos. Luchamos. Hacemos grandes cosas. Lo jodemos. Lo arreglamos de nuevo. Cometemos enormes errores. Todas las fuerzas dentro de nosotros hacen que las cosas sucedan. Y lo que ocurre es el mundo con unas bases diarias que a menudo no son las cosas más bellas. No hay absolutamente nada que separe el lado oscuro de nuestro tiempo del de cualquier otro momento.
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JH ENGSTRÖM was born in Karlstad, Värmland, Sweden in 1969. He moved to Paris with his parents at the age of 10 and returned to Sweden when he was 13. However, he spent a lot of his adolescence in Paris. Sweden and France have become his two homes. The beginnings of his professional career were divided between these two countries too as he worked as an assistant with two of the most highly acclaimed photographers: Anders Petersen (in Stockholm) and Mario Testino (in Paris). In 1997 when he finished his photography and film studies at Gothenburg University, he published his first book Shelter, a compilation of black and white portraits of women. Since then, Engström has produced several books: Trying to Dance (2004, shortlisted for the Deutsche Börse Photography Prize), Haunts (2006), CDG/JHE (2008), From Back Home (with Anders Petersen, 2009, for which he won the Author Book Award at Rencontres d’Arles in 2009), La Résidence (2009) and Wells (2012). Engström’s work has become internationally recognized. He has received grants from such institutes as the Swedish Art Council, the Swedish Authors’ Foundation or the Hasselblad Center. He has had exhibitions in the art capitals of the world such as Berlin, New York, Paris, and London and his work is held in collections around Europe and United States. His books have made him one of the most highly rated photographers of the present day. Engström takes years to finish each project and it is seen in the final result; they are projects in which everything is measured in detail. When you let your gaze wander through the pages of his books you feel like you’re seeing something perfect. Nothing is lacking or in excess. To know the essence of his artwork we can use what Anders Petersen himself says about Engström in the film JH Engström och Paris: “He constantly wants to specify himself and his work is all about himself. Not in the sense that he is immoral or ruthless to the people he is photographing, but his work is primarily about himself. And I think that is typical since he works in a tradition that belongs to a group of photographers as for example Ed van der Elsken, Boris Mihailov, Nan Goldin, or Daido Moriyama. They behave in the same manner, it’s always about their own life.” Although all of his books fall completely under this personal involvement, Engström’s trilogy Trying to Dance, Haunt, and Wells, is a great example. It dives into the deepest waters of his mind, showing his relationship with his surroundings and its inhabitants. In Wells he tells the love story of him and his wife and their children’s birth. It is here where we find the famous photo of his children’s placentas. If you take a general look at his work you can appreciate the eclecticism that characterizes Engström’s photographs. He has never been type-casted under one style or label. But all of his images have one thing in common and this is the thing that makes Engström’s work unique: his capacity for capturing the detail. Each photograph catches all the nuances that make up the portrayed moment. Therefore, each image is a complete moment. A moment that can be lived again and again by all its viewers without losing any of his potency. Engström is one of these creators who really makes us live art. How? He leaves a part of himself in every image (not just put, but left), he takes tridimensional photographs that are everything but static - they have their own life. Mixing these two ingredients, Engström’s photographs achieve what every piece of art wants to achieve: to be an arrow. It is something perfect (without faults or leftovers) that hammers in us directly and cleanly. In an interview the writer Herta Müller was asked about what a piece of art was. She answered in a very simple way: “Something that has aesthetic intensity and does a little harm.” Exactly like the flight of an arrow. The way that photography gets these two things to become an arrow are perfectly visible in Engström’s artwork; transmitting the sensation that we are inevitably close and far from everything at the same time, just like how the photographer is both inside and outside of the scene that he’s capturing. And that is not all. The photographer knows that the action happening at the moment of taking the photo is vanishing while he is capturing it only to become just a memory, never to happen again. 52
I had already found photography a very good way to express myself as a teenager, then I understood that we had always been in a tight relationship and everything began. Being an assistant to Mario Testino and Anders Petersen I learned to be serious about what I do and that working is the only key if you want to reach a result that counts. I made the leap from amateur photography when I published my first book in 1996 and since then I’ve just been continuing. Gathering the courage to do it was not a problem. I simply had a very strong necessity to make photos. If someone asked me about my pieces I would not explain them. I would say that they should ask themselves what they feel and think when they look at my photography. I always go all in. Personally Involved: thats kind of the basis of what I do. About my artistic evolution, everything I do is in one way or another walking alongside with my personal life and all a really know is that my life is changing and dances on. When I started taking photos I wanted to express myself and communicate. And no, it has not changed. I like all artists that do things because they need it. I like obsessed artists and photographers. I use all kinds of camera formats: 135, medium format, large format, polaroid… Everything. Whatever I have at hand and whatever suits the situation I’m in. And yes, I’m still analogue. I don’t have a rule about black and white and colour, I just let my intuition guide me in that choice. When you get the right photo you just know it, it’s a gut feeling. I live in the isolated countryside, in Värmland, Sweden. Nothing is really happening here, so the only thing to do is work. I also like this thing of not being close to trends or hip art scenes. It gives me a break from a lot of unnecessary information. When I get too bored I also have access to a studio in Paris. I go there regularly. Now I’ve just finished three books. Sketch of Paris (Aperture), 20 years of photographs from Paris, Långt Från Stockholm (Mörel Books) a book about my home region in Värmland. Its about periphery and centre. A world far away from the designed and desperately “trying to be hip” Stockholm. And the third one is Ende und Anfang-Early Trips (Édition André Frère) a book with photographs I took before the turn of the century. Photographs from another era. It’s only fifteen years ago but it seems like another age. Before google traveling, before terrorism....before a lot of things. And I was young at the time... My current project, Tout Va Bien is a big, diaristic, visual, poetic tableaux inside a book. It will be released in 2015 and there will also be an exhibition that will be produced in large scale. It’s quite big, it takes time. Books and exhibitions create different relationships with the public. A book stays with the audience. It’s not taken down. Of course, a space makes you read the photographs differently than the photographs inside book covers. My work isn’t about “the dark side” of reality. I hope its about “a lot of sides”. But if you have a deeper look into what you refer to as “reality” there is without doubt quite a big part of “the dark” in that. Nowadays there is the same “dark side” as always. We are human beings. We struggle. We make great things. We fuck up. We solve things. We make huge mistakes. All the forces within us make things happen. And what happens in the world on a daily basics is often not the most beautiful of things. And basically there is absolutely nothing that separates the “dark side” of our times from any other time.
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Somos seres humanos. Luchamos. Hacemos grandes cosas. Lo jodemos. Lo arreglamos de nuevo. Cometemos enormes errores. Todas las fuerzas dentro de nosotros hacen que las cosas We are human beings. sucedan. We struggle. We make great things. We fuck up. We solve things. We make huge mistakes. All the forces within us make things happen.
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Funny Ugliness Brendan Danielsson http://bdanielsson.com tX Lara Tuner
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· La belleza aburre · Por eso Brendan Danielsson (Springfield, 1974) ha decidido convertir la deformidad, la decadencia física y lo grotesco en algo divertido. ¿Feísmo? Quizás no. Sólo se trata de retratar a gente normal y de jugar, aunque de un modo un poco irreverente y soez, con sus cuerpos, sus rostros, su mirada y su sexualidad. Como cuando de adolescentes dibujábamos tetas y culos en los cuadernos o en los baños del colegio sin tomarnos las cosas demasiado en serio. Dibujar y dejar que el arte fluya, eso es lo que hace. Al fin y al cabo, divertirse.
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· Beauty is boring · So Brendan Danielsson (Spring field, 1974) has decided to make the deformity, physical decay and grotesque into something fun. Ugliness? Maybe not. It’s just about portraying normal people and playing, in a slightly irreverent way, with their bodies, their faces, their eyes, and their sexuality. Like when we were teenagers and drew tits and arses in our notebooks or in school bathrooms without taking things too seriously. Draw and let art flow, this is what he does. After all, it’s all about having fun.
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En una ocasión comentaste: “Encuentro graciosas las cosas feas y asquerosas”. Pocas palabras y concretas que definen tu filosofía artística y vital. ¿Es así?
Tu trabajo artístico incluye pinturas y dibujos. ¿Qué te aporta cada disciplina? ¿Existen diferencias entre unas piezas y otras?
No he cambiado demasiado desde que era un niño y dibujaba tetas y gente orinando. Pero en realidad no pienso en mis personajes como si fueran feos. A veces lo introduzco así a los nuevos espectadores, pero eso es sólo para suavizar su impresión inicial. Luego tienden a ir más allá de la fealdad y acaban viendo a los personajes tal como son.
Son disciplinas muy diferentes para mí. Los dibujos son más automáticos. Empiezo a dibujar y en cierto modo es como si ellos se creasen por sí mismos. Vienen fácilmente. Mis pinturas, sin embargo, suponen un poco más de lucha. Tal vez es porque las hago con menos frecuencia. Pero siempre que me pongo a pintar, tengo la sensación de que debo aprender a hacerlo todo de nuevo.
En una sociedad que valora por encima de todo la belleza y la juventud, tú decides poblar tus retratos de personajes deformes y en plena decadencia física. ¿A qué responde esta exaltación de la fealdad? ¿Es una crítica? ¿Es humor?
Podría decir que mis personajes son una desviación de la norma, un escape del ideal aburrido de lo que es la belleza. Pero realmente no lo sé. Pinto y dibujo lo que encuentro interesante. Y las cosas de “belleza normal” me suelen aburrir. Los rasgos distintivos en mis personajes son simplemente detalles de interés. Dices que lo primero que creas de tus personajes son los ojos y que el rostro y sus expresiones crecen a partir de ahí. ¿Por qué centras la atención en su mirada?
Porque es probablemente lo primero que el espectador ve. Establece el tono de toda la pieza. A veces dibujo un par de ojos que desprenden una cierta sensación o emoción y entonces eso es lo que comienza a dar forma a la pieza. Cuerpos femeninos y rostros masculinos, deformados y grotescos, que se mezclan creando una especie extraña de hombres-mujer o de mujeres-hombre. ¿Es éste el máximo exponente de la fealdad?
No necesariamente. Generalmente no me propongo otorgarle al personaje un sexo en particular. A veces lo hago pero habitualmente dejo que se desarrollen por sí mismos. En otras ocasiones, el personaje comienza teniendo un sexo pero cambia a mitad del proceso creativo simplemente porque aquellos rasgos añaden más interés a la pieza. Ninguno de los sexos es feo y la combinación de ambos tampoco lo es. Simplemente son diferentes. Rostros perturbadores que nos hacen pensar en gente atormentada. ¿Podemos decir que tus personajes están en el “lado oscuro”?
No. Tal vez pertenecen a otro reino “más oscuro” pero me gusta pensar que son todos gente normal dentro de su propio mundo. No los veo como atormentados en absoluto. ¿Su fealdad es simplemente estética o es algo relacionado también con su carácter?
Tal vez un poco de ambos. Sobre todo estético. Estoy seguro de que cada uno de ellos tiene su propia e interesante personalidad. Pero, en realidad, son solo imágenes.
¿Qué papel juega el color en tus pinturas? ¿Ayuda a acentuar la deformidad de los personajes?
No, la paleta de color que utilizo se basa sólo en mi gusto personal. Una paleta que he ido desarrollando desde que estudiaba en la escuela de arte. Te iniciaste en el mundo del arte siendo muy joven pero después lo abandonaste durante más de siete años. ¿Qué es lo que te hizo volver a valorar la ilustración y te empujó a definir tu estilo?
En esos años el hecho de no dedicarme al arte me hacía infeliz. Me encontraba en un bache personal y me daba rabia no dedicarle más tiempo al arte. Pero no estaba seguro de por qué me sentía de esa manera. Era como si estuviera dentro de mí tratando de forzar su salida. Un día, después de tantos años de lucha interna, dejé de hablar de ello y surgió. Así de simple. Has participado en multitud de exposiciones colectivas y en 2011 tuviste tu primera individual. ¿Cómo fue la experiencia? Actualmente, ¿las exposiciones son necesarias para dar a conocer un trabajo artístico? ¿Son un reconocimiento?
Mi exposición en solitario no fue el logro personal que esperaba que sería. Me auto-impuse demasiada presión ya que quería crear una gran colección de piezas artísticas. Pero esa presión me castigó físicamente. Al final produje una exposición mucho más pequeña con trabajos de los que no estaba del todo contento. Esa experiencia me enseñó mucho. Ahora he aprendido a relajarme y a divertirme con mi trabajo. La próxima vez será mucho mejor... cuando quiera que suceda. Algunos (o la mayoría) de artistas necesitan las exposiciones para presentar su trabajo. A mí, realmente no me importan tanto. Hago el trabajo para mí y puedo vivir perfectamente sin ningún reconocimiento. ¿Algún proyecto de futuro a nivel artístico y personal?
Sí, siempre estoy trabajando en algo. Además de seguir preparando exposiciones y creando nuevas piezas de arte, estoy intentando poner en marcha una pequeña imprenta. Imprimiré comics de grandes artistas amigos míos y algunas piezas de mis propios trabajos artísticos. Muchas cosas grandes están por venir. Sólo tienes que esperar y verlas.
Aparte de reflexionar sobre la fealdad, ¿qué otros temas son importantes para ti y surgen habitualmente en tus obras?
La cosa más fea que has visto nunca es…
¿La importancia de una buena higiene personal? No lo sé. El sexo, quizás un poco la violencia. No estoy seguro de tener muchos temas en mi trabajo. Solo hay un pequeño concepto, ¿es eso malo?
¿Y la más bella?
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Florida Mi mujer
“Podría decir que mis personajes son una desviación de la norma, un escape del ideal aburrido de lo que es la belleza”
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On one occasion you said: “I find funny the ugly and disgusting things”. Few and concrete words which define your artistic and vital philosophy. Is it so?
I haven’t changed much since I was a kid drawing pee pees and boobies. But I actually don’t think of my characters as being ugly. Sometimes I preface my work, to a new viewer, as “ugly”. But that’s just to so often their initial impression. And then they tend to see past the ugliness and see the characters for who they are. In a society that values above all beauty and youth, you decide to occupy your portraits with deformed characters in full physical decline. What does this exaltation of ugliness means? Is it a critique? Is it humour?
“My characters are a deviation from the norm, an escape from the boring ideal of what beauty is”
I could say that they are a deviation from the norm, an escape from the boring ideal of what beauty is. But I don’t know really. I create what I find interesting. And normal “beautiful” things are typically boring to me. The features in my characters are merely details for interest. You say that the first thing that you create of your characters are the eyes and that the face and his expressions grow from there. Why do you focus the attention on his look?
What role does the colour play in your paintings? Does it help to accentuate the deformity of the characters?
Because that’s probably the first place that the viewer looks. It sets the tone of the entire piece. Sometimes I draw a set of eyes that have a certain feel or emotion to them. Then that is what starts to develop the piece.
No, the colour palette is simply my personal taste. A palette that I’ve developed since art school. I try to keep it simple so that the colours don’t get in the way of the painting. I find rendering paint difficult enough that I don’t want to be bothered too much with colour.
Deformed and grotesque feminine bodies and masculine faces that are mixed creating a strange species of men-women or women-men. Is this the ultimate exponent of ugliness?
You started in the world of art when you were very young but later you left it for more than seven years. What made you return to value illustration and pushed you to define your style?
Not necessarily. I don’t generally set out to create any particular sex of a character. Sometimes I do, but mostly I let them develop themselves. And at times, they start out as one sex but change part way through simply because those features add more interest to the piece. I don’t think of either sex as being ugly and neither the combination of both. They are just different.
In those years I was unhappy with not doing art. I was in a personal rut and angry that I wasn’t doing it. But I wasn’t sure why I felt so strongly that way. It’s as if the art inside me was trying to force its way out. So one day after all those years of internal battling, I stopped talking about it and just started doing it. As simple as that.
Disturbing faces that make us think about tormented people. Can we say that your characters are in the “dark side”?
No. Maybe they are from another “darker” realm but I like to think that they are all normal people within their own world. I don’t see them as tormented at all. Is his ugliness simply aesthetic or is it something related to his personality?
Maybe a little of both. Mostly aesthetic. I’m sure they each have their own interesting personalities. But then again, they’re just pictures. Apart from reflecting on ugliness, what other subjects are important for you and usually arise in your works?
The importance of personal hygiene? I don’t know. Sex, a little violence maybe. I’m not sure I have many subjects in my work. There’s very little concept. Is that bad? Your artistic work includes paintings and drawings. How does each discipline enrich you? Are there differences between these two kinds of pieces?
They are both very different for me. The drawings are more automatic. I sit down and they sort of create themselves. They come easily. My paintings, however, are a little more of a struggle. Maybe it’s because I do them less often. But every time I sit down to paint I feel like I have to relearn how to paint all over again.
You’ve participated in many group exhibitions and in 2011 you had your first solo show. How was the experience? Are exhibitions currently necessary to present artistic work? Are they for recognition?
My solo show was not the personal achievement I’d hoped it would be. I put way too much pressure on myself to create some great collections of work. But that pressure crippled me. And in the end, what I produced was a much smaller show with work I wasn’t entirely happy with. But that experience taught me a great deal. I’ve now learned to relax and just have fun with my work. The next one will be much better... whenever that may be. And for the second part of your question... For some (or most) artists, I’m sure shows are necessary to present the work. But for me, I don’t really care so much. I do the work for myself. Recognition is something I can live without. Any future projects on both an artistic and personal level?
Yes. I’m always working on something. In addition to more art and shows, I’m working on starting up a small printing company. I’ll be printing comics for some great artist friends of mine and also some prints of my own work. And lot of other great things to come. You’ll just have to wait and see. The ugliest thing you have ever seen is...
Florida. And the most beautiful?
My wife.
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pinky
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Hey Baby, Take a Walk on the wild side
weegee
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SCOT SOTHERN
www.scotsothern.com
América –entendida como los EEUU- da de sí para todos; contraída o agrandada, siempre ha sido un mundo a parte con una identidad –en consecuencia- propia. América tiene muchos países dentro de sí, muchos pensamientos, muchos claros y también muchas sombras. Cuando pensamos en América vemos banderas, presidentes, rascacielos y, a las malas, hamburguesas o perritos calientes, vemos Vogue, Anne Wintour, Sarah Jessica Parker, California y los Beach Boys o The Doors, vemos Seatle y Kurt Cobain, vemos a los Rolling Stones, vemos a Andy Warhol. Artisteo comercial de un mundo en venta. Por supuesto que todas esas imágenes reflejan unos USA forrados de billetes, pero ¿Y lo que hay detrás? ¿Y lo que se encuentra entre las paredes? En tiempos de Sopranos, Wires y Breaking Bads, damos con personajes que ya, a mitad de camino de los ficticios mencionados, han ido, han vuelto y sin volver a ir han vuelto a volver. Scot Sothern es una de esas figuras que ha vivido dos vidas para conciliar su pasión por el backstage de la cultura entre bambalinas, la “Low Life” que él la llama y pone título a su anterior manuscrito. Después de veinticinco años sudando la gota gorda, salen a la luz sus memorias ilustradas; Curb Service es un libro en el que la fotografía toma un papel secundario y la experiencia se vuelve protagonista. Scot Sothern se ha ganado su puesto entre los grandes del fotoperiodismo y nos invita con su nueva publicación a comernos la crudeza estadounidense, nunca mejor dicho, con patatas. America, known as USA, gives itself to all, shrunk or enlarged, it has always been a world apart with its own identity. America has many countries within it, many thoughts, many areas of clarity and many shadows too. When we think of America we see flags, presidents, skyscrapers, and in the not so nice side, hamburgers or hot dogs. We see Vogue, Anne Wintour, Sarah Jessica Parker, California, and the Beach Boys or The Doors, we see Seattle, Kurt Cobain, and Andy Warhol. Commercial artists of a world in sales. Of course all these images reflect an America wrapped up in money. But what about what’s behind this exterior? What is between the walls? In times of The Sopranos, The Wire, and Breaking Bad, we find characters that, halfway to the fictitious mentioned, have gone, returned and without having gone back, have already returned again. Scot Sothern is one of those figures who has lived two lives to reconcile his passion for the backstage culture, the “Low Life” as he calls it and the headline of his previous manuscript. It has taken twenty-five years to make his illustrated memoirs come to life. Curb Service is a book where photography takes a secondary role and experience becomes the main character. Scot Sothern has earned his place among the greats of photojournalism and invites us, with his new publication, to eat American crudeness - with chips.
tX Inés Troytiño
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pepper
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dancing girl
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valentine
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Varios artistas tomaron un camino ajeno al del caminante habitual para poder sentirse libres en todo aquello que hiciesen ¿Te consideras uno de ellos?
Siempre seguí mi propio camino sin darme cuenta de lo inusual que era hasta que miré atrás y escribí sobre ello. Muchos artistas hacen lo que deben hacer, con pocas opciones para lo contrario. En tu caso la fotografía no consta en tus estudios. Dejaste la escuela obligatoria a los 17 años. Sin embargo has mantenido una estrecha y constante relación con la cámara hasta hoy. Este es un tema complicado: ¿la fotografía se estudia o se trabaja?
Me considero autodidacta y creo que la fotografía debe estudiarse y practicarse. Sin embargo, en mi opinión, el aprendizaje formal de ésta me parece una pérdida de tiempo. El talento debe estar presente desde la primera vez que miras a través del objetivo. O eres artista o no lo eres, estudiar no cambiará eso.
Digamos que si la vida fuese un juego, tú has pasado todos los niveles para ser, finalmente, reconocido por tu trabajo “personal”. Muchas veces el material final de un artista lo escoge su público. ¿Elegiste tú qué presentar cómo resultado de tu vida o fueron los que te rodeaban los que escogieron tu “buen” material?
Todas las decisiones que he tomado se han basado en cómo me he sentido respecto a lo que he disparado. La opinión pública me importa poco, de hecho ha costado 25 años que algo de eso llegara a mis oídos. ¿Qué es lo que se te reconoce: tu fotografía, tu experiencia o tu manera de vivirlas?
Sin la fotografía –y la escritura- no tendría ningún tipo de reconocimiento. De todos modos noto que hay una especie de fascinación por la manera en la que he vivido mi vida y las cosas que he hecho. Sin todo eso, mi trabajo tendría muchísimo menos valor.
Total, ¿Y qué tienen que ver las “putas” en todo esto?
Unos cuantos han querido redescubrir al mundo el lado oscuro del ser humano mediante la fotografía, pocos años distan de ti, Meiselas, Goldin o D’Agata –entre otros-, que también fueron pioneros en esta especie de fotoperiodismo experimental. Realidades distintas con mensajes parecidos, ¿las comparaciones son odiosas?
Muy poco. El tema deja de ser la fotografía y pasa a convertirse en el fotógrafo y el sujeto. Lo que importa es el diálogo que la imagen genera con el espectador, cómo lo creamos es irrelevante.
No me importan las comparaciones, todos necesitamos una escala para medir el trabajo de un artista. De todos modos no me siento influenciado por ninguno de los fotógrafos mencionados, de hecho, todos somos contemporáneos, aunque mi trabajo ha tardado mucho más en salir a la luz.
Mucha gente considera que la vida que reflejan tus fotos es corrosiva. Tal vez el modo en el que empezaste a mirarla –o contemplarla- no era y tampoco es ahora el más común ¿Qué opinas?
Dicen que nacemos para morir y que lo único que tenemos que hacer por el camino es vivir procurando dejar una semillita. ¿Cómo conciliar la vida familiar con algo tan personal como el trabajo que suponen tus fotografías?
Siempre he sentido empatía e interés por la gente que vive en los límites de la sociedad, tal vez por mi propio sentimiento de culpa como hombre blanco. Veo una parte de America que parece estar oculta en las sombras de la pobreza y la drogadicción y siempre me ha parecido importante hacer esas sombras visibles para los que, aparentemente, lo tienen todo.
Hacer el trabajo que hago requiere una doble vida: soy una persona en casa y otra en la oscuridad de la noche tomando fotos. Dicho esto, mi familia entiende esta necesidad de hacer lo que he hecho toda la vida y aunque mi esposa a veces se preocupa por mi seguridad, nuestra relación sigue en pie.
Todo fotógrafo acaba, tarde o temprano, tomando decisiones ¿Hay algo que tuviste que sacrificar desde un principio para poder seguir haciendo lo que querías?
Hubiese tenido las cosas más fáciles si hubiese escogido un camino más habitual o moralmente aceptado; aunque tampoco creo que sea un sacrificio porque es el que he tomado y el que me hace feliz. ¿El tipo de fotografía que muestra –consideremos- crudamente la realidad de los suburbios es elegida o más bien necesaria?
A veces elijo hacer fotos solo por diversión, por el proceso creativo o simplemente porque me provocan unas risas, pero esas fotos no son las que muestro. Generalmente si no encuentro ningún valor político en lo que estoy mirando no disparo. Como artista estoy obligado a crear imágenes que obliguen al espectador a prestarles atención y a meterse en ellas, en su temática. De modo que sí, esas fotos necesitan ser vistas. En ocasiones realizo fotos de la crudeza de ese día a día en ese lado oscuro del que he hablado, es por lo que soy conocido, es lo que el público quiere ver y yo, como todos, necesito comer.
¿Algo que hayas hecho para lograr tus objetivos como fotógrafo de lo que te arrepientas?
No me arrepiento de nada, cosa que no significa que hoy por hoy, si se me diese la oportunidad de empezar desde el principio, no hiciese las cosas distintas. Te arrepentirás de no haber vivido…
He pasado muchos años trabajando en lugares que no me aportaban nada. Me hubiese gustado aprovechar las oportunidades de Nueva York mientras vivía allí. Viajar más. Y haber empezado con el fotoperiodismo a los veinte. Decir de lo que me hubiese gustado es más sencillo que enumerar las cosas que me arrepiento de no haber vivido. ¿Qué hace que un fotógrafo se plantee escribir sus fotos? ¿De dónde sale la idea de construir tus memorias?
Mis memorias a veces parecen confusas, pero cuando las asocio a las fotografías se vuelven claras y definidas. ¿Consideras tu libro una reflexión sobre tu propia vida y los cambios en ella debidos a la evolución del paso del tiempo?
Por supuesto. Mi libro, Curb Service, refleja mi vida y mi vida refleja los cambios en América plasmados en mi propia biografía. Hoy en día, lo que se planteaba hace pocos años como underground se vuelve mainstream. La calle, las drogas, la prostitución, ¿Qué podrías decirnos al respecto?
Es triste que nada haya cambiado. Ahora tenemos más capacidad para entender diálogos ajenos que nos permiten tener esperanza respecto al futuro. Por último, si pudieses dar un motivo para leer tu libro ¿Cuál sería?
Es punzante y divertido, enseña una parte de la cultura norteamericana que normalmente está oculta, no para el resto del mundo, sino para el propio país.
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Several artists took an unusual way to feel free to do what they really wanted to, do you consider yourself one of them?
What do you think you are recognized for: your photography, your experience or your way of living it?
I always followed my own path which I didn’t realize was unusual until I looked back and wrote about it. I think a lot of artists are compelled to do what they do and have little choice to do otherwise.
Without the photography (and writing) I wouldn’t have any recognition so that comes first. I do however, find that there is a real fascination about the way I’ve lived my life and the things I’ve done and without that the work would somehow have less value.
In your case, the camera doesn’t appear in your studies. You left compulsory education when you were 17 but you have had a close and constant relationship with the machine till this day. This is a complicated issue: photography needs to be studied or practiced?
Some have tried to rediscover the dark side of the human being through photography, a few years before you, Meiselas, Goldin or D’Agata, among others, were also pioneers in this kind of experimental photojournalism. Different realities with similar messages? Comparisons are odious?
I’m autodidactic and I think photography needs to be both studied and practiced but I think formal schooling is mostly a waste of time. Talent needs to be evident the first time you look though a camera viewfinder; you are either an artist or you’re not and education isn’t going to change that.
I don’t mind the comparisons, everyone needs a scale of sorts to measure an artist’s work. I don’t, however, feel that I’ve been influenced by any of the above photographers and in fact I was doing my work the same time as they were it just took much longer for my work to come to the surface.
Anyway, what does any of this have to do with “sluts”?
Very little, it’s not about photography as much as it’s about the photographer and the subject. All that matters is that the images speak to the viewer, how we create that image is irrelevant. Many people consider that the life that your photos reflect is corrosive. Perhaps the way you started to look at life and contemplate it was not the most common. What do you think about it?
I’ve always had an empathic interest in the people stuck on the fringe of society - my own white guilt to some degree. I see a segment of life in America that seems to be hidden in the shadows of poverty and drug addiction and I’ve always felt it is important to make the have-nots visible to those who seemingly have everything. Every photographer ends up, sooner or later, making important decisions. Is there anything you have had to sacrifice in order to keep doing what you wanted?
I think I would have had an easer life if I’d taken the more accepted path but I don’t think that is really a sacrifice as I’m more content in the path I chose.
They say we are born to die and that all we have to do is to live trying to sow the seeds. How can you cope with family life being so involved with such a personal job like photography?
I think doing the kind of work I do requires a double life; I’m one person at home with my family and someone else out there in the dark of night taking pictures. That said, my family understands my need to do what I do and while my wife may worry sometimes about my safety, our relationship remains sound. Is there something you did to achieve your goals as a photographer which you regret?
No regrets. Though that doesn’t mean that I wouldn’t do things differently if given the opportunity to start over from the beginning. Is there something you haven’t experienced that you regret?
I spent too many years working in dead end jobs and I wish I’d taken more advantage of the cultural opportunities when I lived in New York. I wish I’d traveled more, though I still might do that. I wish I’d taken up photojournalism when I was in my twenties. What makes a photographer write his pictures? Where does the idea of building your memories come from? My memories are often fuzzy, though when matched with my photographs they become more defined and finite.
The photograph that shows (in our opinion) the suburbs of reality, is chosen or necessary?
Do you consider your book a reflection of your own life and the changes in it due to the evolution over time?
At times I choose to make photographs for the shear fun of the creative process or simply because it makes me laugh, but those aren’t the pictures that get passed around. Generally If I don’t find any political value in what I’m looking at I’m probably not going to make the exposure. I think as an artist I’m obliged to create images that demand attention and strive toward enlightenment and yes, need to be seen. Also there are times I make the kind of harsh-reality photos I’m known for because that’s what the public wants to see, and now and again I need to earn a living.
Absolutely, my book, Curb Service, reflects my life and my life reflects the changes in America in my lifetime.
Let’s say that your life was a game and you’ve finally reached all the levels to be recognized for your “personal” work. Many times, the final work of an artist is chosen by his public. Tell us about it, the final result of your pieces. Was it a personal decision or were your surroundings influential in the final choice.
It’s both poignant and funny and depicts a part of American culture normally hidden away, not just from the rest of the world but from America itself.
Nowadays, what a few years ago was considered underground, has become mainstream. Street, drugs, prostitution… What do you think about this?
I think it’s sad that nothing has changed. However, we can now better engage others in dialogues that give us more hope for the future. Finally, if you could give a reason to read your book, which one would it be?
I made all my choices based on how I felt about the subjects. Public opinion had little inf luence on me which is why it took nearly twenty-five years before I received any notice.
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TJ Ruffle Girl
pocahontas
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“Hacer el trabajo que hago requiere una doble vida: soy una persona en casa y otra en la oscuridad de la noche”
“I think doing the kind of work I do requires a double life; I’m one person at home with my family and someone else out there in the dark of night taking pictures”
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Dark Black California Fire Photography | Magdalena Wosinska | www.magdalenawosinska.com Styling | Marissa Peden Model | Avery @ photogenics Agency Hair & Make Up | Jenna Tucker
| Hat Gladys Tamez Millinery | Shorts Rag & Bone | Boots Jeremy Scott |
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| Hat Gladys Tamez Millinery | Body Suit American Apparel | Skirt Yoanna Baraschi | Boots Model’s Own |
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| Overalls Zara |
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| Shirt Kill City Jeans | Jewelry Pamela Love & Vera Meat |
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| Overalls Zara | Boots Model’s own |
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| Jacket Isabel Marant |
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| Top & Underwear American Apparel | Necklace Pamela Love |
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tX+PH Eva Villazala
Tibo Aka Spoe Art Timeless·summer
Reconoce que cuando algo le gusta, se emplea a fondo, con obsesión, no puede parar. Así es con el surfing. Conocimos a Tibo aka Spoe Art en el Vans Salinas Longboard Festival. Según nos cuenta tiene el nervio del placer hacia lo que le apasiona tan activado que no encuentra forma racional de controlarlo, pero la verdad es que su pinta es de lo más zen. Camina junto a su novia en todo momento, sonriendo, tapado con una especie de chilaba y con la mirada un poco perdida, como si se hubiese relajado demasiado. Las apariencias engañan; aunque parezca que acaba de bajar de una vida aislada en la montaña, lo cierto es que vive de forma intensa y sin descanso una día a día lleno de arte, surf, fotografía y diseño gráfico, trabajando antes como director de arte de Reef y siendo ahora un orgulloso embajador de la marca. Tibo recognizes that when he likes something, he puts everything into it, almost obsessively, he can’t stop. And it’s like this with surfing. We met Tibo aka spoe art at Vans Salinas Longboard Festival. He told us that he has his pleasure nerve so heightened towards that which he is passionate about that there is no rational way to control it, but the truth is that his appearance is totally zen. He walks with his girlfriend all the time, smiling, covered with a kind of hijab and looking a little lost, as if he were too relaxed. Appearances can be deceiving, even though it seems like he has just come down from an isolated life in the mountains, the truth is that he lives intensely and relentlessly one day to the next, filling each day with art, surf, photography, and graphic design. In the past he worked as an art director for Reef, he is now a proud brand ambassador.
www.spoe-art.com
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Es la tercera vez que vengo a Salinas. Me encanta este Festival porque puedes hacer longboard, escuchar buena música, salir y ver a gente con mucho nivel. Esta playa es muy cool. La diferencia de este encuentro respecto a otros es que no es solo una competición, aquí lo más importante es que la gente viene a encontrarse con esta gran familia año tras año. La convivencia es más relajada porque todo se enfoca desde el prisma de la diversión. Soy artista, surfer, diseñador gráfico y fotógrafo. Aún así no hago surf art, en el sentido de que mi diseño gráfico y mis pinturas no se centran en la figura del surfer por ejemplo. La cultura de los boardsports es un lifestyle, es decir, igual pintas o dibujas algo por la mañana, sales a patinar, haces surf por la tarde y te vas de party con los amigos por la noche. Es como una manera de sentir, un feeling. Empecé haciendo skateboard porque vengo de ciudad, pero enseguida me metí en el agua. Actualmente mezclo la creatividad y el surf, diseñando tablas. En realidad todo es muy artesanal. En este mundo se respira el Hand Mad”, hacer las cosas que quieres por ti mismo. Trabajé como diseñador gráfico y Director de Arte de Reef hace cuatro años, ahora soy embajador de la marca. Esto me permite mezclar arte, surf y viajes, compartiéndolos con ese gran equipo, son muy buena gente. Este ha sido un año muy bueno. Justamente ahora se está inaugurando una exposición en Los Angeles llamada Dark Beach, centrada en el Dark Side del surf. La lista de artistas que participan es muy cool y todas las obras, tanto pinturas como fotografías se centran más en el estrés y los sentimientos de emoción del surfer. Mi parte de la exposición son seis prints en blanco y negro en los que aparecen personas pintadas a muy pequeña escala, no queda claro si son surfers o gente paseando por la playa, parece más como un souvenir. Lo que buscaba era una mezcla entre poesía y pintura. En septiembre iré a surfear a Filipinas y en invierno a Canarias, Marruecos y quizá a Indonesia con los chicos de Reef. Mi Dark Side es estar demasiado concentrado en el surf, es muy adictivo. Me vuelco totalmente en el arte, la fotografía y en todo lo que hago porque quiero más y más. Eso puede ser bueno en ocasiones, pero en otras, no lo es tanto. Es necesario relajarse y hacer otras cosas. Cuando paras, la creatividad despierta. Por ejemplo hoy me he quedado dormido en la playa y hacía como dos años que no lo hacía. This is the third time I’ve come to Salinas. I love this place because you can longboard, listen to good music, and go out and see people with a great surfing level. This beach is very cool. The difference on this Festival compared to others is that it is not just a competition, the most important thing here is that people come to meet this great family year after year. Cohabitation is more relaxed because everything is focused through the prism of fun. I am an artist, surfer, graphic designer and photographer. Still do not surf art, in the sense that my graphic design and my paintings do not focus on the figure of the surfer for example. The culture of boardsports is a lifestyle, I mean, you can paint or draw something in the morning, go out skating a bit, go surfing in the afternoon and hangout with friends at night. It’s like a way to feel, a feeling. I started skateboarding because I come from the city, but then I got into the world of surfing. Currently I mix creativity and surfing, in the form of surfboard design. Actually everything is very traditional. In this world the “Hand Made” prevails, do the things you want for yourself. I worked as a graphic designer and Art Director for Reef four years ago and now I am an ambassador for the brand. This allows me to mix art, surf, and travel, sharing them with this great team. They are very good people. This has been a very good year. Right now Reef are opening an exhibition in Los Angeles called Dark Beach, centred on the Dark Side of surfing. The list of participating artists is very cool and all the works, including paintings and photographs, are more focused on stress and feelings of excitement in the surfer. My part of the exhibition consist of six black and white prints in which people appear painted on a very small scale, it is unclear whether they are surfers or people walking on the beach, it seems more like a souvenir. What I wanted was a mix between poetry and painting. In September I’ll go surfing to the Philippines and in the winter to the Canary Islands, Morocco, and perhaps Indonesia with the Reef guys. My Dark Side is being too concentrated on surfing, it is very addictive. I am completely absorbed in art, photography, and everything I do because I want more and more. That can be good sometimes, but in others, not so much. You need to relax and do other things. When you stop, awakens creativity. For example, today I fell asleep on the beach and about two years ago I wouldn’t have done this.
tX María Escrigas Fernández
Downtown Sundown Richard FRENCH www.funeralfrench.com
Artista e ilustrador freelance, Richard FRENCH dedica su tiempo y sus trabajos a la industria del skateboard y de la música, del Heavy Metal para ser más exactos. Skater desde pequeño y artista mamado maternalmente, French consigue fusionar las ruedas, la ilustración y el metal a la perfección. Colaborador de diversas marcas, protagonista de varias exposiciones y con una empresa a su cargo, se considera positivo y orgulloso de lo que hace. Sin planes de futuro, vive el presente y es partidario de que las cosas solo se desarrollan con el crecimiento de la persona. Freelance artist and illustrator, Richard FRENCH dedicates his time and work to skateboarding and music industry, more specifically to heavy metal. Skater since childhood and and innate artist, Frens manages to combine almost perfect wheels, illustration and metal. Collaborating with various brands, starring in several exhibitions and being responsible of a company, he’s considered positive and proud of what he does. Without future plans, he lives for today and he supports fthat things are only developed with the growth of the person.
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Skater y graduado en artes, ¿de qué manera influye la música en ambos campos y cómo llegó hasta ti?
No sé si la música tuvo originariamente algo que ver ni con el arte ni con el skateboarding. Comencé a patinar por mi amigo Duncan, que vivía en mi calle y el arte lo mamé de mi madre. A medida que fui creciendo, me comenzó a gustar el arte relacionado con el Metal y luego me fui decantando por los skateboards que parecían portadas de discos. Todo lo que te rodea y te gusta tiene una influencia en tu vida. Ya sea buena o mala. ¿Y qué influencias marcaron tu estilo?
La vida, los covers de álbumes de Metal, las ilustraciones de libros viejos, Warhammer, los comics de guerra, lo militar, los gráficos de los skateboards de los años 90 y el arte británico victoriano. ¿Qué energía sientes cuando estás realizando una obra de arte?
Depende. Me meto mucho en lo que estoy dibujando y comienzo siendo positivo, pero algunas veces pasa mucho tiempo hasta que la pieza funciona y tengo que cambiarla haciendo muchos esbozos. ¿Qué tipo de energía crees que transmiten tus obras?
No sé. ¿Qué es lo más atractivo de Heavy Metal para ti?
La diversión, la energía, el positivismo y el hecho de que evoca una reacción. Te guste o no, la gente tiene una reacción ante el Metal. No es como con Coldplay, por los que no daría una mierda. Realmente o te gusta o lo odias.
¿Se dirige tu arte a todo tipo de público o a un observador más específico?
Mi arte es para todo al que le guste. No está dirigido a cualquier tipo de público pero tampoco excluye a nadie. Evidentemente va a conectar más con ciertas personas que con otras. Pero eso no me incumbe. ¿Has cambiado el estilo de tus obras a medida que ha pasado el tiempo? ¿Crees que seguirá igual o cambiará en el futuro?
Mis obras no cambian, evolucionan. Creo que hay una gran diferencia. Siento que mi forma de trabajar evoluciona con el tiempo, en la medida en la que yo mismo me he vuelto más experto y maduro. Pero no he tomado una decisión consciente del tipo: “Tengo que cambiar y hacerlo así ahora”. Ha ocurrido más bien como un crecimiento, un desarrollo orgánico a través del tiempo. A medida que yo mismo he crecido y evolucionado, mi trabajo lo ha hecho conmigo. ¿Cómo ha sido este año para ti?
Realmente muy bueno. He estado muy ocupado trabajando, generando cosas cool para varias marcas, exponiendo y viajando mucho. Parece que Witchcraft está creciendo y voy a casarme dentro de dos semanas. Expondré en Japon en septiembre y posiblemente iré a Australia a final de año. Además tengo la suerte de haberme involucrado como director de arte con dos nuevas marcas, “Death Rites” de Australia y “1939” de USA. ¡Echadles un vistazo!
Si pudieras escoger una época para vivir, ¿cuál sería? Esta. No tiene sentido vivir la vida tratando de ser algo en otra parte.
¿Qué piensas sobre el futuro? ¿Tienes algún plan?
Tus obras de arte se centran en el negro, el gris y el blanco, ¿por qué estos colores?
Eso es imposible de responder, hay demasiada mierda terrible en este mundo.
Resulta más fácil trabajar con ellos y creo que son más eficaces que el color. Además, si tienes que imprimir sale más barato, parece que es lo que la gente pide. Artista freelance pero con una empresa de skateboarding, ¿cuál es la actividad principal de Hardware Brujería? Con este nombre, ¿tiene algo que ver con el “lado oscuro”?
No realmente, es solo un nombre. Yo quería hacer boards con el tamaño, la forma y las ilustraciones que a mí me gustarían ver. Es solo algo divertido. Amo el Metal como obra de arte y quiero que sea la imagen de mi empresa. El arte, la música y el skateboard son algo bastante próximo, ¿Por qué crees que se da esta cercanía?
Seguir trabajando duro y patinar tanto como sea posible. ¿Qué es lo más Dark que estamos viviendo en este época?
¿ En qué situación brillas? En cualquier parte donde pueda echar unas risas con amigos. ¿Cómo es un domingo cualquier en la vida de FRENCH?
Me levanto temprano, veo un poco de televisión mala, desayuno mientras escucho Metal, estoy con mi novia, voy a patinar hasta que se hace de noche y vuelvo a casa con mi novia.
“Te guste o no, la gente tiene una reacción ante el Metal. No es como con Coldplay, Has hecho varias exposiciones, ¿prefieres trabajarpor los que no daría una mierda” para acciones de marca o con tu propio material? Porque son escenas modernas anti-sociales y underground que se han desarrollado a la vez, principalmente desde los años 80 y se han hermanado. Supongo que quien está metido en una, se mueve hacia las otras.
Me gustan las dos opciones. Cada una tiene sus ventajas y ambas pueden ser divertidas y estresantes de diferentes formas. Generar tu propia exposición puede ser muy duro, pensando qué trabajo funciona mejor con otro y considerando cómo mostrarlo de forma que encaje bien en el espacio. Cuando realizas una acción para una marca, ellos tienen sus propias restricciones y te tienes que adaptar a ellas.
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You are a skater and you have a graduation in Arts, how music influences in both fields and how did it get you?
I don’t know if music originally had anything to do with either. I was into skateboarding from my friend Duncan, who lived on my street and I got into art from my mum. But I guess as I got older, I like the art that went with metal and then I prefered the skateboards that looked more like metal album covers. I think really everything thats around you and that you’re into has an influence on your life. Good and bad.
Art, skateboarding and music are so close, why do you think it happens?
What were your influences in your style?
I really like both. They have different merits and both can be fun and stressful in different ways. Like making stuff for an exhibition can be really hard, trying to think how work can fit all together, I can generally work to my own them but I have to consider how it fill fit with the space and how to display it. Where as making work for a brand has its own restrictions and theme’s it has to fit with.
Life, metal albums covers, old book illustrations, Warhammer, War Comic books, the military, skateboard graphics from the early 90’s, victorian british art. What kind of energy do you feel when you are doing an art piece?
Depends what it is. I’m usually pretty into whatever I’m drawing and it starts off kind of positive, but some times things can take a while to work out and I have change and resketch it a lot. What kind of energy do you think that transmit your works?
Because they’re modern anti-social underground scenes that have developed together mainly since the 80’s and have become in twinned. I guess people that are into one of them just get into the other and they feed from each other. You have had many exhibitions, what do you prefer working for brand art actions or in your own stuff?
Can your art arrives to all kind of public or is just for a specific people?
It’s for whoever likes it. It’s not aimed at anyone one person and it’s not made to exclude anyone. Obviously it’s gonna appeal to certain people more than others. But that’s not my work.
Dunno. What’s most attractive thing of heavy metal for you?
The fun involved in it, the energy, the positivity and the fact that it evokes a reaction. Whether you like it or not, people have a reaction to metal. It’s not like Coldplay where you couldn’t give a fuck about it. You either really like it or hate it.
Have you changed the style of your works over time? Do you think it will continue similar or will change in the future?
If you could choose a time to live, what period would it be?
My works not “changed” it’s developed, I think thats a big difference. I feel that the way I work has developed with time, as I become more skilled and mature. I’ve not made a decision like “I have to change and make it like this now”. It’s actually that its grown and developed organically as time goes by. As I grow and develop as a person so has my drawing.
Now. There’s no point to try and live you life trying to be something on somewhere else.
How was this year for you?
Your art pieces are focused in black, white and grey, why you choose these colors?
Its easier to work in them and also I think its way more effective than colour. Also if you have to print something its much cheaper, that seems to be what people ask for. You are a freelance artist but you have a skateboard company, What is the main activity of Hardware Brujería? Attending this name, does the company have some relation with a “Dark Side”?
Not really, its just a name. I just wanted to make skateboards in the size, shape and artwork that I’ d like to see in skateboarding. It’s just a fun thing. I really love “metal” like artwork and want that to be the image of the company.
It’s been really good. I’ve been so busy doing some cool work for some cool brands, exhibiting and travelling a lot. Witchcraft seems to be growing and I’m getting married in 2 weeks. I have an exhibition in Japan in September and hopefully going to Australia again later in the year. I’ve been really lucky to be involved in two new brands as Art Director “Death Rites” from Australia and also “1939” from the USA. Keep an eye out for them. What do you think about the future, do you have any plans?
Keep working hard and skate as much as possible. What’s most dark thing that we are living in this period?
That’s impossible to answer, there’s so much terrible shit in this world. In which situation you shine?
Any where you can have a laugh with friends.
“Whether you like it or not,Can you describe how is one Sunday in the FRENCH people have a reaction to metal.live? Get up early, watch some bad tv, have breakfast whilst It’s not like Coldplaylistening to metal, hang with my girlfriend, go skate until it gets dark, come home and hang with my girlfriend. where you couldn’t give a fuck about it”
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tX Meri Bonastre
BENJAMIN DEBERDT
http://blogrealbig.tumblr.com
No time for darkness Mark Gonzales 路 Handed Wallie
Mark Gonzales 路 circleboard sunrise
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Benjamin Deberdt ha documentado el mundo del skate desde que tenía uso de razón, por lo que no es de extrañar que sea el fundador de Lives Skateboard Media. A pesar de ser un gran aficionado al patín, Deberdt tomó la decisión de dejarlo a un lado y darle prioridad a la cámara. Sus capturas se basan en la realidad, sacando normalmente la parte positiva de los sujetos que retrata. Deberdt cuenta hoy con cientos de imágenes publicadas en revistas y libros que muestran la esencia del skateboarding. Es uno de los fotógrafos que ha participado en la muestra internacional que celebra los 15 años de Mark Gonzales junto a adidas Skateboarding.
¿Cuándo empezaste con la fotografía? ¡Pues hace tanto
tiempo que ya no me acuerdo! Mi padre me enseñó a usar la cámara cuando era muy pequeño, después me la dejaba cuando yo ya estaba interesado en documentar a mis amigos mientras patinaban, así que debió ser cuando tenía unos ¿17 o 18 años? ¿Te consideras un fotógrafo de skate? Sí y no. De ahí es de donde vengo, no lo puedo negar. Pero he ido más allá para no dedicar mi vida únicamente a documentar los trucos de skate, además mi espalda no me lo permite, ¡de modo que he tenido que buscarme otras aficiones! ¡Aún así todavía me encontraréis en las calles de vez en cuando! ¿Cómo definirías tu estilo en términos de fotografía?
Yo diría que actualmente me gusta mostrar la realidad tal y como es, ya que la mayoría de veces me parece más interesante que la fantasía. Así que podría decirse que saco fotos de una manera muy sencilla y poco llamativa, si eso tiene sentido. Para mí, el tema o sujeto retratado es más importante que el formato o la tecnología usada. Tienes un blog y una página web llamada Live SkateBoard Media. ¿Muestras normalmente tus fotografías a través de Internet? Buena pregunta… en mi
blog tiendo a publicar imágenes ya impresas anteriormente. Es como un diario de mis fotos publicadas. Por lo que respecta a la web, a veces sí subo algunas fotografías que he realizado con película, y vuelven loca a la gente. Los puristas son divertidos. Intento no subir mucho material online, porque no es el punto: ya hay bastantes imágenes en la web para que se puedan procesar. Me gusta pensar que algunas imágenes solo están en un libro o en una revista.
Has participado en la exposición “The Gonz 15 years of adidas”, ¿cómo fue la experiencia? He sido afortu-
nado al poder documentar a Mark desde ya hace muchos años. De manera intermitente, nuestros caminos se han cruzado, y eso nos ha hecho vivir momentos inolvidables de los han surgido fotos interesantes. Mark es muy fotogénico, y además le encanta la cámara. Quizá el mejor momento fue cuando pudimos publicar conjuntamente, con la ayuda de Joseph Allen Shea, para el libro Le Cercle. Fue alucinante, sobre todo para mí que crecí admirando su estilo y personalidad en el skate.
Tenemos tan poco tiempo que no tendríamos que centrarnos tanto en nuestros lados oscuros. Existen claro, pero no deben comernos vivos.
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Cuéntanos sobre alguna de tus imágenes preferidas. ¿Alguna de las que yo he realizado? Mmm, pregunta
difícil… Quizá la foto de Mark montando un Circle Board, junto al Sena al amanecer, esa foto forma parte de la exposición 15 Years of Gonz; parece que posa, pero es uno de esos momentos robados. Respecto a una imagen de otra persona, me encanta el retrato de Shawn Martin en la gasolinera tomado por Tobin Yelland. ¡Está en Internet, buscadlo! Para mí, define el skateboarding con todas sus personalidades y aventuras que lo acompañan, ¡y no hay ningún skate en la foto! ¿Qué quieres transmitir con tus fotos? No estoy seguro de que haya un mensaje, per se, pero como he dicho antes, me gusta la idea de mostrar la realidad, y en su mayoría, la cara positiva de la misma. Tenemos tan poco tiempo que no tendríamos que centrarnos tanto en nuestros lados oscuros. Existen claro, pero no deben comernos vivos. El mundo del skateboard reúne a una gran comunidad de gente. ¿Cómo lo describirías? ¿Cuándo te involucraste? Como la mayoría, empecé a patinar cuando era
adolescente, y me fui involucrando cada vez más cuando tenía unos 17, diría que esto fue a finales de los 80, unos años verdaderamente creativos e interesantes en el skateboarding. De ahí proviene gran parte de mi temprana educación visual. En cuanto a la comunidad formada por el skate, como cada grupo de humanos, tenemos un poco de todo: idiotas, mentes brillantes, gente maja, deportistas, gilipollas… ¡de todo! No estoy de acuerdo con esa idea romántica de que los skateboarders son, o fueron, en un punto más inteligentes y abiertos de mente que el resto de la gente. Lo siento, tengo muchos ejemplos en la cabeza que prueban lo contrario. Aún así gran parte de la gente más interesante que he conocido en mi vida ha sido a través del skateboarding. Sabemos que tienes más proyectos. ¿Qué haces a parte de sacar fotos? Últimamente mi tiempo se divide
en dirigir Live Skateboard Media, una web multilingue que documenta el skateboarding, como habréis adivinado y en ser padre… ¡buenos tiempos! También me gusta pensar que estoy trabajando en algunos proyectos de libros de fotografía. ¿Cuáles son tus grandes influencias? Haré lo obvio y diré que mi amigo Thomas Campbell fue una grande influencia cuando era un fotógrafo de skate Transworld y yo lo aspiraba a ser, ¡me enseñó todos los pequeños trucos! ¡Y copié tanto su estilo! Después me centré en lo que tenía que ser yo como fotógrafo, y la gran influencia fue otro fotógrafo de nuestra generación: Tobin Yelland. Había aprendido con Larry Clark, y estaba muy involucrado en el trabajo documental, que siempre me llamaba mi atención en las revistas. Ari Marcopoulos también lo fue. Y hoy aún lo es. Me gusta que esté tan motivado por lo que hace. ¡Se emociona sólo con sacar fotos!
Benjamin Deberdt has been documenting the world of skateboarding since he can remember so it’s no wonder that he is the founder of Live skateboard Media. Despite being an avid skateboarder, Deberdt decided to put it aside and give priority to the camera. His shoots are based on reality, normally taking the positive part of the subject it portrays. Deberdt now has hundreds of images published in magazines and books that show the essence of skateboarding. He is one of the photographers who participated in the international exhibition which celebrates the 15th anniversary of Mark Gonzales with Adidas Skateboarding.
When did you start photographing? Such a long time ago that I can’t remember anymore! Let’s say that my dad showed me how to use his camera when I was a kid, then he let me borrow it when I started to be interested in documenting my friends skating… So, I must have been 17, 18? Do you consider yourself a skateboard photographer?
We have such a short time, we shouldn’t focus so much on our dark sides.
Yes and no. This is where I come from, there is no denying that. But I have also evolved beyond dedicating my life to only documenting skate tricks… Plus my back doesn’t really allow me to do it so I had to find other hobbies! But you’ll find me in the streets once in a while!
They exist for sure but they shouldn’t eat us alive.
How would you define your style in terms of photography? I would say that nowadays I am really into showing
The skateboarding world is like a big community of people. Can you describe it? When did you get involved
reality as I find it more interesting than fantasies... most of the time. So I guess you could say that I shoot in a very straightforward, non-flashy way, if that makes sense. I also think the subject matter is more important than the format or technology used.
with skateboarding? Like everybody I started skating as a teenager and then got more into it when I was about 17 I’d say. This was the end of the 80’s, a very interesting and creative time in skateboarding. This is where I got most of my early visual schooling. As for our community, well, as every group of human beings we have a bit of everything onboard: idiots, jocks, creative minds, nice people, assholes… It’s all there! I refuse that romantic idea that skateboarders are, or were at some point, smarter and more open-minded than the rest of the population. I’m sorry but I have multiple examples in mind proving the opposite. Yet I met a lot of the most interesting people in my life through skateboarding.
You have a blog and a website called Live SkateBoard Media, do you normally show your pictures to the world through the Internet? That’s a good question… On my
blog I tend to only publish photos that have been printed somewhere before. It’s just a little diary of things I got published really. As for the site, I do use photos I shot on film sometimes which seems to drive some people mad. Purists are funny. I do try to not put too much online, because there is no point; there are already too many images on there for people to process them. It’s nice to think that some images are only in a book or a magazine. You have participated in the exhibition “The Gonz 15 years of adidas”. How was this experience? I have been
lucky to document Mark for years on and off when our paths would naturally cross. This has led to good times for sure and interesting photos. He’s very photogenic really and he loves the camera. Maybe the best time was when we ended up publishing our work together with the help of Joseph Allen Shea for the Le Cercle book. That was quite mind-blowing for me who grew up loving his skating and character. Tell us about one of your favorite shots. One that I shot?
Hmm, that’s a tough one… Maybe the photo of Mark riding the Circle Board in the sunrise by the Seine, that is part of the 15 Years of Gonz exhibition. It looks posed but it is one of those stolen moments. As for a photo someone else shot, I still really, really like that portrait of Shawn Martin at a gas station by Tobin Yelland. It’s floating around online, go find it! For me it defines skateboarding and the characters and adventures that come with it... and there is no board in the frame! What do you want to transmit with your work? I am not sure if there is a message per se but, as I said, I like the idea of showing reality and most of the time the positive side of reality. Because, believe it or not, there is one! We have such a short time, we shouldn’t focus so much on our dark sides. They exist for sure but they shouldn’t eat us alive.
We know that you have more projects. What do you do besides taking pictures? Lately my time is divided
between developing and running Live Skateboard Media a multilingual website documenting skateboarding, and as you would have guessed, being a dad… Good times! I also like to pretend I am working on some photo book projects. Can you tell us about your biggest influences? I’ll state the obvious and say that my friend Thomas Campbell was a huge influence when he was a Transworld skate photographer and I was an aspiring one - he taught me all the little tricks! And I did copy his style hard! Then I guess I slowly got into what photographer I was supposed to become and a big influence for that would be another photographer from our generation: Tobin Yelland. He had studied under Larry Clark and was really into documentary work which always caught my eye in magazines. Ari Marcopoulos was also obviously a huge one, and still is today. I like that he is so into what he does. He’s just excited to shoot photos!
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Jason Dill And William Strobeck 路 SupremeVideo
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tX Margarida Videira
La vida de Louie Barletta está rodeada de madera. Rider del team de Globe desde hace más de un año, cuando sus pies no están sobre una tabla, tiene las manos ocupadas construyendo piezas artísticas para las que utiliza pequeños trozos del mismo material. Uno puede pensar que los garajes albergan el lado más oscuro de sus dueños, pero no es el caso. Después del skatepark, es uno de los lugares donde Barletta pasa más tiempo, dando forma a sus piezas de arte. El skate es mi vida. En el momento en que te entra el gusanillo, pasa a ser fundamental. Mi mejor amigo empezó a patinar al mismo tiempo que yo. Él no es tan bueno en esto, pero lo practica cada día después de trabajar y los fines de semana se viene conmigo. Lo importante no es la habilidad, sino el amor que le pones, que hace que sea de por vida. La vida es arte. El skatebording es arte. Todo lo que haces es arte, solo depende de lo que puedas ver como tal. ¿Alguien a quien debemos estar atentos en el mundo del skate? Zack Wallin, él tiene la pasión. Ha pasado más de un año desde que estoy en el team de Globe. En los últimos meses he estado patinando y grabando para un nuevo video Enjoi que saldrá el próximo verano llamado Over Vert. Un día normal para mí es despertarme y llamar a los chicos para saber donde están patinando. Si no encuentro a nadie, voy al skatepark un rato y luego vuelvo a casa, a trabajar en el taller. Lo he construido en nuestro garaje en los últimos años, ahí puedo sentarme y trabajar en pequeños proyectos de madera en mi tiempo libre. He hecho una tabla que utilizo como estantería. En cuanto a lecturas, suelen gustarme los clásicos. Ahora mismo estoy con el Conde de Montecristo de Dumas. Lo he terminado y he vuelto a la primera página para leerlo de nuevo. Me encanta la historia. ¿Mi lado oscuro? Soy un fan secreto de la música gótica. En mis momentos más dark, me gusta sentarme en mi habitación a oscuras, escuchar música heavy como Bauhaus, sintiéndome un poco deprimido y tomando absenta. ¿Si soy una persona de día o de noche? De noche, absolutamente. Una velada nocturna perfecta para mí incluye un poco de bebida, un poco de música y un poco de amor.
Louie Barletta’s life is surrounded by wood. He has been Globe’s team rider for more than a year and when his feet are not on a table he keeps his hands busy building art forms with the same material. One might think that garages play host the darkest side of their owners but this is not the case. The skatepark is where Barletta spends most of his time, giving form to his art pieces. Skating is my life. The second you get the bug that’s it. My best friend started skating when I did but he is not so good at it. However, everyday after work he still goes out skating and always skates with me on the weekends. It’s not the skills, it’s the love for it that makes you a lifer. Life is art. Skateboarding is art. Everything you do is art. It is whether or not you can see it as an art form. People you should be aware of in the skate scene? Zack Wallin, he has the passion. It’s been more than a year since I’ve joined the Globe team. In the last few months I have been skating and filming for a new Enjoi video that is going to drop next summer called Over Vert. A regular day for me would be waking up and calling the boys and seeing where everyone is skating. If nobody is skating I hit the skatepark for a little session then head home and work in the wood shop. Over the years I built a little woodworking shop in our garage, and so when I have time off I sit and do little wood projects. One of those was a skateboard that I use as a bookshelf. When it comes to reading, I usually stick to classics. Right now I’m totally into The Count of Monte Cristo by Dumas. I’ve finished it once already and have just gone right back to the first page and started all over again. I love that story. My dark side? I’m a secret goth music fan, so I guess when I go to my dark side I like to sit in my room in the dark, listening to dark heavy music like Bauhaus, being slightly depressed, drinking absinthe. Day person or night person? I’m a night person for sure. A perfect night for me would include a little drink, a little music, and a little loving.
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LOUIE barletta
A Handful of Wood louie-barletta.tumblr.com 103
Elle Green (Australia) se dedica a explicar historias mediante sus fotografías.
Elle Green (Australia) lives through telling stories with her photographs.
Documenta sus aventuras y el día a día, todo aquello que pasa cuando acompaña a skaters y surfistas en sus viajes. Porque nos gusta verlos haciendo trucos imposibles, pero nos encanta saber qué ocurre cuando tienen los pies en el suelo. Hay que reconocerlo, somos curiosos por naturaleza y tenemos debilidad por las historias. Y cuanto más personales y más detalle tengan, mejor. Adoramos conocer lo que se mueve tras los escenarios y las sesiones de fotos, descubrir cómo vive y siente la gente en realidad. Y con un poco de suerte, conocer aquello que mejor protegemos: nuestro lado oscuro.
She documents her daily adventures when she travels with skaters and surfers around the world. We like seeing them do impossible tricks, but we love to know what’s happening when they have their feet on the ground. We have to admit we are curious beings and we have a soft spot for stories, the more personal and detailed, the better. We like to know what happens behind the scenes and the photo calls, to get to know how people really live. And if we are lucky, we’ll get to know what we treasure the most: our dark side.
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Elle Green www.ellegreenphoto.com
TRAVELLING STORIES tX Ane Pujol
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¿Qué te sugieren estos lugares: Sydney - Estados Unidos - Tokio? ¿Tienes un lado oscuro?
Sí que tengo un lado oscuro, pero no debo poner luz sobre él explicándolo, porque si no… ¡ya no sería oscuro! ¿Cómo te describirías a ti misma como fotógrafa?
Soy una fotógrafa de lifestyle y de documentación de viajes. Háblanos de tu estilo.
Mi estilo ha sido descrito como “personal”, así que si eso es un estilo, es el mío. Es en lo ha derivado mi fotografía a través del tiempo y lo que ahora, por suerte, me da trabajo. Empezaste con la fotografía cuando tenías 14 años. ¿Qué es lo que te atraía de ella?
Siempre he sido una persona muy visual. De niña solo conseguía entender las cosas cuando me las enseñaban o dibujaban, no si me las explicaban o me las leían. Cuando me preguntaban qué quería ser de mayor, yo siempre contestaba que actriz. Pero era demasiado mandona, quería hacerlo todo: ¡grabar la obra, escribir el guión, actuar y a la vez decir a todo el mundo lo que tenía que hacer! Mi madre me dijo que debería ser Directora, pero cuando me dieron mi primera cámara SLR con 14 años de repente todo hizo “clic” y encajó perfectamente. La fotografía me entró de forma natural, es mi medio de expresión. El hecho de ver tantas películas y videoclips durante mi infancia y adolescencia me llevó a fotografiar con una especie de estilo de reportaje o de película quieta, bueno así es como yo lo veo… Y siempre he estado interesada en fotografiar a personas. Al terminar tus estudios empezaste a viajar por el mundo. ¿Qué es lo que te llevó a hacerlo?
Después de estudiar durante 5 años, y que me hicieran fotografiar cosas tan aburridas como radios de bicis, necesitaba un descanso. También lo merecía porque fue mucho tiempo y dinero gastado en revelado, etc. A pesar de todo, no lamento esos cinco años de estudio. Uno de mis compañeros era de Sudáfrica. Me dijo: “Ven y vámonos de ruta por el país a hacer fotos”. Regresé al cabo de tres semanas alucinada con las fotografías así que diseñé un libro y realicé mi primera exposición monográfica con las imágenes del viaje. Fue ahí la primera vez que sentí suficiente confianza en mí misma para compartir mi trabajo con el público, y esas fotos eran y son muy personales. ¿Cómo influyó (o influye) en tu estilo el hecho de viajar?
El viaje por Sudáfrica me condujo a una manera completamente nueva de fotografiar. Nunca antes había tenido la oportunidad de disparar con un estilo de viaje o documental. Acababa de salir de la Universidad, donde te gradúas habiéndote centrado sobretodo en foto de moda, publicidad o arquitectura. Nunca imaginé que tomar instantáneas con un estilo de reportaje pudiera ser divertido (siempre lo consideré como un estilo de fotografía de guerra). De repente me di cuenta de la influencia de todas las imágenes de películas que había visto y de las fotos de mis ídolos que aparecían en ellas y que tenía colgadas en las paredes de mi habitación. Todo estaba en mi subconsciente, habían influido en mi estilo, que se había desarrollado viajando. Me gusta tener un comienzo, un nudo y un desenlace para mis historias de viaje, pero también un trasfondo que lo enlace todo. Aquí es donde mi estilo personal entra en juego, ya que fotografío lo que realmente me está pasando, y comparto mi visión de esa sensación.
Sydney es mi base y solo lo he sentido realmente como mi hogar después de seis años viviendo allí, ya que durante algún tiempo, cuando viajaba bastante, pensé que pertenecía a otro lugar. Desde pequeña me han atraído los Estados Unidos. Era el lugar donde todo pasaba, por así decirlo. He hecho muchos amigos allí que a día de hoy siguen siendo muy cercanos. Tokio es la ciudad donde mi carrera se hizo realidad. He estado allí siete veces en cuatro años y cada vez que voy conozco a alguien increíble que influencia mi trabajo y mi alma. Con la gente que he conocido en Japón he viajado a Europa y a América. Siento que en Tokio todos somos artistas jóvenes e inspiradores, que formamos una familia muy unida, estamos buscando algo y como nos sentimos lejos de casa se crea ese lazo de unión que tenemos en una ciudad que es una locura, tan energética, desconocida y excitante. Hablo en nombre de mi equipo en Tokio, pero me gustaría decir que todos piensan igual. Háblanos de ese equipo que mencionas: The Critical Slide Society (TCSS), ¿qué es y qué haces con ellos como artista?
TCSS es un grupo guay de gente de Sidney que diseña ropa de surf molona y poco convencional. La historia con ellos se remonta al 2009. Los chicos iban a Yokohama (Japón) para presentar su colección en el Greenroom Festival y les propuse acompañarlos y fotografiarlos en el montaje de su exhibición y en todo lo que hicieran. Estuve viajando por Japón con TCSS durante tres semanas centrando mis fotos en surf y arte. Una vez más conocí a gente increíble de la industria del surf de todo el mundo. Entonces empecé a fotografiar varios Lookbooks para TCSS en Australia, el lifestyle alrededor del Noosa Longboarding Festival del 2011 y algunos shapers de tablas de surf trabajando, todo con un estilo documental. Viajé al Greenroom Festival de Japón con TCSS dos veces más en 2010 y 2011, justo después del Tsunami (fue una experiencia liberadora). A través de ellos conseguí exponer mis propias fotografías en el Festival. Además, TCSS me invitó a formar parte de la familia de Surf Longboarding y gracias a ellos conocí a toda la gente maravillosa que forma parte de ella. ¿Qué haces como Embajadora de Volcom?
Empecé a bloguear mensualmente en su Volcomunity posteando fotos de mi vida, mis amigos y mis historias de viaje. Después pasé a fotografiar su línea de ropa de mujer y más recientemente también la de hombre. Con la línea masculina tengo la oportunidad de fotografiar a sus pro skateboarders y surfers utilizando mi estilo personal de retrato y lifestyle. Volcom me ofrece grandes sujetos a los que fotografiar, oportunidades de viajar con la marca y asistir a festivales de música… ¡Básicamente hacer cosas que molan y fotografiarlo todo! Además tienes tu propio blog “Hell in Tokyo”. ¿Cómo te sientes como blogger?
No se me hace nada extraño escribir ya que solía crear mis propias historias continuamente cuando era niña. También he soñado con escribir mi propia novela últimamente (¡solo dame tiempo!). Cada imagen tiene una historia que la rodea, especialmente mis fotos de viaje, y me encanta escribir y publicar fotos e historias juntas para completar la historia. Bloguear es una forma genial de conectividad social. ¿Patinas o surfeas?
Ojalá pudiera desplazarme sobre el skate para ir a la playa o a las tiendas, pero tengo muy mala coordinación y me caería de morros. Surfeé un poco cuando era adolescente, pero me daba algo cuando veía lo grandes que eran las
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olas. Mi conexión con estos deportes viene de los amigos con los que he crecido. Los chicos solían salir a patinar y yo iba con las chicas y los fotografiábamos. Igual que con el surf, yo me sentaba en la playa con mi cámara en vez de remar hacia dentro. Estaba y estoy más interesada en fotografiar lo que hacen los demás. Sin embargo, a medida que he ido viajando y relacionándome con surfers, sobretodo actualmente en spots preciosos como Malibú, Florida, Maine, Japón, Byron Bay (por nombrar algunos) me estoy animando a pasar a la acción. Aunque, ¿quién va a vigilar mi cámara en la arena mientras tanto?
Do you have a dark side? I do have a dark side, but I shouldn’t shed any light on it by telling you as it won’t be dark any longer! How would you describe yourself as a photographer? I am a Lifestyle portrait, travel documentary photographer.
¿Qué es lo que más te gusta de fotografiar a riders?
I have always been a visual learner. For as long as I can remember I only understood things after i’d been shown or drawn, not told or read. When adults asked me what I wanted to be when I “grew up” I always replied, “an actress”, but I was too bossy, I wanted to do everything from filming the play, writing the screenplay, acting in the play, and telling everyone else what to do! My Mum told me I should become a Director, but when I was given my first SLR camera at 14 years old it all seemed to “click” together. Photography just became so natural to me; it’s my medium of self-expression. Watching so many films and music clips growing up really attracted me to shoot in a reportage/film still kind of way- well that’s how I see it anyway… And it’s always been human subjects that I’ve been interested in.
Hay una energía y confianza en los skaters que me atrae. Son gente divertida, les encanta hacer el tonto, viajeros dispuestos a cualquier cosa, y ¡cuando viajo quiero saber quién hay por ahí para salir de fiesta porque también en eso son los mejores! Del surf me encanta el estilo de vida que lo rodea. El sol en la espalda, el calor, la arena por todas partes, el olor a cera en el coche, el conducir de un spot al otro, luego volver hasta que se deciden a coger unas olas y cuando vuelven comentan que no estaban tan bien. Su dedicación y amor por el océano es liberador. Son apasionados y eso me atrae. ¿Qué es lo más te induce a “disparar”?
Experimentar lo desconocido, la belleza, el amor, la confianza, aprender de mi misma o de un lugar, de la vida de los demás, superar un miedo, las dudas, la energía, la pasión, también hay películas, moda y por supuesto el viajar. Publicaste un diario de foto/viaje llamado “You should get away more often” sobre el viaje que hiciste a Sudáfrica. ¿Por qué crees que deberíamos salir más y dónde nos recomiendas ir?
Deberíamos salir más porque viajar refresca la mente, el espíritu y el alma. Ves sitios nuevos, aprendes sobre estilos de vida diferentes al tuyo y siempre haces nuevos amigos. ¡Todo lo que implica es maravilloso! Recomiendo ir a algún sitio fuera de lo habitual para desafiarte a ti mismo y hacerte más fuerte como persona. Pronto vas a publicar tu segundo libro de fotos en California llamado “Could this be the place?” Cuéntanos cómo es el lugar de tus sueños.
El lugar de mis sueños incluye una playa, comida orgánica y sana, olor a coco y a flores, tiene unas tiendas increíbles y mucho ambiente para salir de noche.
What about your style?
My style has been described to me as ‘Personal’, so if that’s a style, then that’s mine. It’s just what my work developed into over time and what I now, thankfully, get to work for! You started with photography at the age of 14. What attracted you about it?
I read that after your studies you began traveling the world. What pushed you to do it?
After studying for 5 years, being told to shoot boring as bat shit things like ‘bicycle cogs’ and almost failing at it, I needed to have a break. I deserved it as that’s a long time and a shit tonne of money spent on film processing etc. However, I don’t regret those 5 years at all. One of my friends I studied with was from South Africa. He said “come over and let’s go on a road trip around the country shooting”. I came back after three weeks away absolutely mind blown with photographs so I designed a book and had my first solo exhibition with my travel documentary shots. That trip was the first time I felt confident in myself to share my work to the public, and those photos were very personal and still are. How did (or does) all the traveling influence your style?
The South Africa trip really opened up a whole new way of shooting for me. I never really saw the opportunity to take photos in a traveling/documentary style before. I was fresh out of University where you graduated being a “ fashion”, “advertising”, “architecture” photography student. I didn’t think shooting in a reportage style could be fun (I always thought it was a way of shooting war). I realized that all the imagery from the films I watched in the past, and the photos of those movie idols I had stuck up all over my bedroom walls as a kid, had influenced my style which developed whilst traveling. I like to have a beginning, middle and an end to my travel stories, but also a back-story to tie it all together. This is where my ‘personal’ style comes into play, as I’m shooting what truly is happening to me and sharing my view on that feeling. What do these places suggest to you: Sydney - USA - Tokyo?
Sydney is my base and only after 6 years of living here have I truly felt happy calling it ‘ home’ as for awhile there, when I was traveling quite a bit, I always thought I belonged somewhere else. Since I was a little kid I have been drawn to the US. It just seemed like a place where ‘Everything got done’ so to speak. I have made so many friends in the States over time and hold those friendships close to me to this day. Tokyo is where I believe my career all came together. I have been seven times in four years
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and every time I go I meet someone incredibly amazing and influential to my work and soul. Those people who I met in Japan I have since stayed with in Europe and America. It’s like in Tokyo we’re all young, inspiring artists who all come together in a tight knit family as if we’re all searching for something and we’re all away from home, so there’s this bound we all have in that crazy city that’s so energetic, unknown, and incredibly exciting. I’m definitely speaking on behalf of my crew in Tokyo but I’d like to say that they all feel the same way. Tell me about this team: The Critical Slide Society (TCSS). What is it and what do you do with them as a Featured Artist?
The Critical Slide Society (TCSS) are a rad bunch of dudes from Sydney who design really quirky cool surfwear. Back in early 2009 the boys were heading to Yokohama, Japan to showcase in an annual Surf Festival called Greenroom and I proposed I come along and shoot them as a brand setting up their art displays at the Festival and everywhere else they went, etc. I was in Japan traveling with the crew for 3 weeks shooting a lot of surf and art and I once again met some really great people in the surf industry from around the globe. I then began shooting various Lookbooks for TCSS back in Australia, shot the lifestyle surrounding the 2011 Noosa Longboarding Festival, and a few surfboard shapers doing their thing doco style. I also travelled to Greenroom Festival in Japan with TCSS two more times in 2010 and 2011, right after the Tsunami (that was a liberating experience). Through TCSS, I got to exhibit my own Photographs at Greenroom in 2011 and 2012 too! Also TCSS invited me into the Longboarding surf family and introduced me to all the beautiful people involved. What do you do as an Ambassador for Volcom?
What is the thing you like most about shooting skaters and surfers?
There’s an energy and confidence with skateboarders that I am drawn too. They are free willing, fun, silly, travelers, up-for-anything-type-of-guys and when I’m overseas I wanna know who’s in town to go party with because they do it best! I love the lifestyle surrounding surfing. The sun on your back, the heat, the sand-everywhere, the smell of surf wax in the car, the forever driving from spot to spot and back again until they finally decide to paddle out then come back in and say it wasn’t that good… Their dedication and love for the ocean is liberating. They are passionate and I am drawn to that. What inspires you to take photos?
Experiencing the unknown, the beauty, love, trust, confidence, learning about yourself or a place, about someone else’s life, overcoming fear, self-doubt, energy, and passion, also there’s movies, fashion and, of course, traveling. You published a photo/travel diary called “You should get away more often”, about a trip in South Africa. Why should we get away more often and where do you recommend we go?
You should get away more often because traveling refreshes your mind, spirit, and soul. You see new places, you learn about a different lifestyle from your own and always meet new friends! What’s not to love about that! I recommend going somewhere slightly out of ‘the norm’ for you to challenge and strengthen your inner self. Soon you are going to publish your second book shot in California with the title “Could this be the place?” Tell us about the place of your dreams.
The place of my dreams involves a beach, healthy organic food, smells like coconut and flowers, has incredible shopping, and a pumping nightlife!
I started out monthly blogging on their Volcomunity site posting photos of my life, my friends, and my travel stories. From that I began shooting their Womens wear and more recently their Mens too, which is awesome. With the Mens wear I get to shoot their pro skateboarders and surfers in my style of ‘portrait, lifestyle, this is personal’ kind of way. Volcom give me great subjects to shoot, opportunities to travel with the brand, go to music festivals - basically to do rad shit and photograph it all! You also have your own blog “Hell in Tokyo”. How do you feel about blogging?
I’m no stranger to writing as I used to write stories all the time when I was younger. I have had a dream to write a novel for sometime now too (just gimme the time!). With every picture there is a story surrounding it, especially within my travel photos, and it excites me to write and post the pictures and stories together to complete the story. Blogging is a great medium of social connectivity. Do you skate or surf?
I wish I could skate just down to the beach or shops or something, but I’m completely ‘un-co’ and would totally smash my face in. I did surf a little bit as a teenager, but I’d always psych myself out when I saw just how big the waves were. My connection to these sports came from the friends I grew up with. The boys would go out skating and I’d hang out with the girls and shoot the boys, same with surfing: I’d sit on the beach with my camera instead of paddling out- I was, and still am, way more interested in shooting what everyone else is doing. However, the more I’ve traveled and hung out with surfers, especially nowadays in beautiful spots like Malibu, Florida, Maine, Japan, Byron Bay (to name a few), I’m kicking myself in the guts to go ride. But who’s gonna watch all my camera gear on the sand?
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Deberíamos salir más porque viajar refresca la mente, el espíritu y el alma. You should get away more often because traveling refreshes your mind, spirit, and soul.
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Kevin Pearce - Breckenridge, Colorado.
Happiness is only reaL when shared
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COLE BARASH
www.colebarash.com Hijo de la Madre Naturaleza, cazador de instantes, generador de emociones. Cole Barash es el joven fotógrafo norteamericano que transmite adrenalina con sus imágenes. Con la verdad como pulsión, en su serie 5 People 5 Stories retrata a personas que han atravesado momentos duros y luego han podido resurgir y salir adelante. “Creo que algunos de los pensamientos más profundos de la vida de uno surgen en los tiempos oscuros”, dice Cole. La expresión al desnudo y la mirada abierta son las herramientas de este artista que ha documentado y vivido el snowboarding como pocos. Cole Barash introduce su lente en la intimidad de la vida al aire libre y en la cotidianeidad de las personas para mostrarle al mundo su lado más brillante y el más oscuro. Mother Nature’s son, hunter of moments, generator of emotions. Cole Barash is the young American photographer who transmits adrenaline through his images. With truth as drive, in his series 5 People 5 Stories he portrays different people who have gone through hard times and then have been able to emerge from them and succeed. “I think some of the deepest thoughts of one’s life come out in the dark times,” says Cole. The naked expression and the open vision are the tools of this artist who has documented and lived snowboarding like few others. Cole Barash introduces his lens in the privacy of the outdoor life and the everyday life of people to show the world its brightest and darkest side. tX María Lujan Torralba
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En 5 People 5 Stories retratas a luchadores de la vida, personas que desafiaron sus límites. ¿Cómo surgió este proyecto? ¿Qué te llevó a inclinarte a hacer una serie con este tipo de compromiso social y emocional?
Creo que las historias y las personas más interesantes no están en Hollywood y no tienen un millón de seguidores, sino que son personas reales que verdaderamente viven en el mundo real. Yo tiendo a gravitar hacia las personalidades fuertes, aquellas con pasión, estilo o creatividad. Recientemente he realizado una serie de retratos en Islandia de diferentes diseñadores de moda, músicos y artistas en sus propios estudios. Disfruté de pasar buenos momentos junto a ellos ya que son muy motivadores. Mi objetivo con 5 people 5 stories fue documentar y, luego, profundizar aún más para crear cierta emoción. Ocupé mucho tiempo en la parte de investigación, búsqueda de personas e historias que realmente me inspirasen, por eso ahora quiero salir y ver esos colores reales. Con Lamar Hooks, por ejemplo, lo obvio era fotografiarlo en el gimnasio, pero me cuestioné cómo sería su familia, cómo habría sido su educación, su hogar. Así que después de retratarlo en el gimnasio regresamos a su casa y lo fotografié allí. Estos momentos fueron los que le dieron un significado más profundo para mí. ¿Qué historia te ha impactado más? ¿Por qué?
Supongo que la historia de Kevin Pearce, ya que es uno de mis mejores amigos desde que tenía diez años aproximadamente. El ascenso y descenso que ha tenido en su vida, y el asombroso viaje de regreso fue una experiencia bastante dura. El día que volvió a la nieve después de su accidente estaba rodeado de toda su familia y su madre lloraba. Ahora Kev no practica más snowboard profesionalmente, pero sí está compartiendo su historia, encendiendo una luz para las personas que han tenido una lesión similar (lesión cerebral traumática). Kev es el hombre y tengo un gran respeto hacia él. Si bien, seguramente, ya te habías informado sobre sus historias antes de conocerlos, ¿en qué te sorprendieron una vez que te adentraste en su intimidad para fotografiarlos?
Es curioso que realmente nada me sorprendió más que la forma en que se abrieron a mí y lo amables que fueron. A Kevin y Lucas los conocía de antes, así que ya teníamos una muy buena relación. Clay Marzo fue especialmente interesante porque padece el Síndrome de Asperger, por lo tanto, es socialmente torpe. Pasar por la etapa inicial de conocerlo y, más tarde, verlo abrirse fue increíble. Todos fueron muy afectuosos y se tomaron el tiempo conmigo, adaptándose a mis directivas. Me trataron como a un profesional y un creativo, por eso que me dejaron explorar ciertas áreas o composiciones, fue grandioso. ¿Qué mensaje, si lo hay, te llevaste contigo después de realizar esta serie de imágenes?
Continuar fotografiando para mi trabajo personal. Estaba tan hambriento de este tipo de tareas que generé estas imágenes para mi trabajo personal. Luego, en mi estudio, observé que todo junto tenía sentido y lo vi como una serie completa. El trabajo personal me mantiene siempre creativo como artista. El mundo está lleno de ideas e historias increíbles y es importante dirigir la mirada hacia allí.
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Dado que el monotema de esta edición es Dark Side, ¿qué análisis puedes hacer sobre estas cinco vidas y sus dark sides?
La vida viene en oleadas. Olas de tiempos oscuros y otros brillantes. Cada una de estas historias es tan diferente que los tiempos oscuros de estas cinco vidas son únicos a su manera. Estoy seguro de que la determinación y el optimismo presente contribuyó a devolverle la parte positiva a cada historia. ¿Qué se esconde en el Dark Side? ¿Qué cosas has descubierto con tu cámara que yacían ahí?
Mi amigo e increíble fotógrafo Ryan Pfluger dijo una vez “La fotografía me ha ayudado a atravesar los más oscuros y peores momentos de mi vida.” Eso me quedó grabado, yo uso la fotografía no sólo como una herramienta para documentar, sino como un medio de expresión creativa. Entre nosotros, vivir deprimido mirando el trabajo en una pared más que enojado, no funciona. Los tiempos oscuros surgen y te vienes abajo en todo lo que concierne a ti mismo. Durante mi viaje a Islandia este invierno el sol salía de 11 am a 4 pm. Poco a poco me empecé a sentir como un vampiro con tanta oscuridad. Subidas y caídas en la oscuridad. Así que comencé a fotografiar todo lo que sentía o veía. Sin saber si tenía “sentido” o si tendría “Me gusta” o si estaba “correcto técnicamente”, sólo disparaba. No volví a mirarlo hasta que revelé la película y luego traté de encontrarle sentido a todo. Creo que algunos de los pensamientos más profundos de la vida de uno surgen en los tiempos oscuros. Además, “black forever-fuck white”. Se suele relacionar el Dark Side con lo turbio, oculto, que no se deja ver, secreto. ¿Cuál es el Dark Side de la vida al aire libre y en contacto con la naturaleza?
La madre naturaleza es, seguro, hermosa, verde y sorprendente. Pero, ¿qué pasa cuando el viento cambia de dirección y sopla a 110 nudos sobre el noreste y arrasa toda una ciudad dejando a miles de personas sin hogar? ¿Qué pasa cuando estás a 35 millas de profundidad en el monte en una moto de nieve, tratando de conseguir un “marketing shot” para una empresa de snowboard, y tu moto de nieve no arranca y luego el cielo oscurece y estás tú solo, frío como hielo, sin alimentos, y la mierda empieza a ser real? La naturaleza es la bestia más grande en la Tierra, y si no se la valora, puede ser la perra más oscura y mala que he visto. Así que hay que respetarla y… estar preparado. Mucho de tu trabajo personal es en blanco y negro, a diferencia del que realizas bajo encargo, siempre a color. ¿Por qué esa diferencia? ¿Qué aportan en tu mirada personal los dark and bright sides?
“Color vende productos”, “color es feliz”. Me encanta el color, tanto como amo el blanco y negro. Bueno, tal vez no, pero me gusta el color. La gente piensa que el negro y blanco no vende un producto como el color lo hace. Para mí: Color evoca emoción y, Blanco y Negro, estado de ánimo. De hecho, respeto mucho a los que disparan bien en color, como Jake Stangel, ya que es más difícil equilibrar nueve tonos que tres. Necesito pasar más tiempo mirando y haciéndole el amor dulce y apasionadamente a la paleta de colores, pero me encanta. También me gusta el grano crudo de kodak tri-x, lo usaré por siempre. ¿En qué te inspiras para planificar una serie de imágenes?
Por lo general comienza a partir de una idea o una emoción. Actualmente estoy trabajando en un proyecto llamado “6 girls 6 cities”, que es una serie de dobles exposiciones de una modelo y una ciudad. Seleccioné seis ciudades y una modelo para cada una, disparando todo únicamente en el estudio, con película. Luego viajé a cada ciudad para volver a exponerla como la segunda exposición. Me he obsesionado e involucrado con el proyecto desde que lo concebí hasta que sucedió. Retraté a todas las modelos en Nueva York, después me compré los billetes e hice Couch Surfing en Londres, París, Moscú, Tokio, San Pablo y de vuelta a Nueva York en 25 días. Pasé cerca de cuatro días en cada ciudad caminando y re-exponiendo la película. La manera en la que esta serie emerge puede estar motivada por una idea o una emoción que se despertó de una conversación, una pintura, una fotografía, música, o película. ¿Cómo es tu técnica a la hora de trabajar? ¿Realizas un guión previo o improvisas en el momento?
Ambos. Mi técnica actual es tener una fórmula básica y dejar paso al proceso orgánico, ya que es cuando se produce el verdadero arte. ¿Qué concepto enlaza toda tu obra?
Crear. Retratar una cosa una y otra y otra vez, como lo he hecho con el snowboard durante seis años. Es importante para mí seguir explorando, experimentando y creando. ¿Qué proyectos tienes para un futuro próximo?
Ser indomable.
Lamar Hooks - Los Angeles, California.
“algunos de los pensamientos más profundos de la vida de uno surgen en los tiempos difíciles”
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In 5 People 5 Stories you portray life fighters, people who have challenged their limits. How did this project arise? What has led you to do a series with this kind of social and emotional commitment?
Some of the most interesting stories and people out there are not in Hollywood and they are not people with a million followers. They are the real people living real lives in the real world. I tend to gravitate towards strong personalities, ones with passion, style or creativity. I recently shot a series of portraits in Iceland of different fashion designers, musicians, and artists in their studio and I enjoyed spending time with each quite a lot. As so many are so motivating. With this series I aimed to document and then dig deeper to create some emotion. I spend a lot of time in the research part, finding people and stories which really inspire me, so then I want to go out and see those true colours. With Lamar Hooks, for example, the obvious piece was to shoot at the gym but then I wondered what his family was like, his home, and his upbringing. So after we shot at the gym he agreed to go back to his home and shoot a portrait there as well. These moments were what gave a deeper meaning for me. Which of 5 People 5 Stories has had the biggest effect on you? Why?
I suppose the Kevin Pearce story as he is one of my best friends and we have been homies since like the age of ten. So the rise and fall and the amazing journey he had in his life was pretty heavy. The day he got back on snow after his accident was pretty full on with his whole family there and his mum in tears. Kev is not snowboarding professionally anymore, he is sharing his story to millions, creating a light for people who have had a similar injury (traumatic brain injury). Kev is the man and I’ve got huge respect for him. Although you surely had studied their stories before you knew them in person, what surprised you when you went into their private lives to photograph them?
It’s curious that nothing really surprised me as much as how open and kind each of them were. Kevin and Luke I knew well before I shot them so we already had a good relationship. Clay Marzo was especially interesting as part a of his Asperger Syndrome is that he is socially awkward so going through that initial stage and then seeing him open up was amazing. Everyone I photographed were all pretty kind and took the time with me as I directed them or pushed more. They treated me as a professional and a creative, letting me explore certain areas or compositions, which was huge. What message have you taken with you after doing this series of images?
To keep printing and shooting personal work. I was so hungry for these types of assignments that I created them to shoot for personal work. Then when they were up in my studio, it all made sense and I saw it as a full series. To be shooting personal work will forever keep me creating and pushing it as an artist. The world is full of amazing ideas and stories and it’s important to deliver your vision of that. Since the mono-theme of this issue is Dark Side, what analysis can you make from these five lives and their dark sides?
Life comes in waves. Waves of dark times and bright times. Each of these stories is so different that the dark times of these five lives are unique in their own way. Having determination and optimism present, I am sure that this contributed to breaking through back to the bright side in each story. What is it hiding in the Dark Side? What have you discovered with your camera that is lying there?
My friend and amazing photographer, Ryan Pf luger, once said “Photography has got me through the darkest and worst times in my life.” That really stuck with me, as I use photography not just as a tool to document but as an outlet of vision and creative expression. Between us, staring at work on a wall pissed as hell doesn’t work out sometimes. Dark times do arise and you get down on yourself. During my trip to Iceland this winter the sun rose at 11 am and set at 4 pm. I slowly started to feel like a vampire, so much darkness - rising and falling in the dark.
I just started shooting whatever I felt, saw or noticed. Not knowing if it made “sense” or if it would get “likes” or if it was “technically correct” - I just shot. I would not look at it until I got the film back and, then, I would try to make sense of it later. I think some of the deepest thoughts of ones’ life is when we are in the dark side of times. Besides, black forever, fuck white. The Dark Side is often associated with the murky, the hidden, the things that do not allow themselves to be seen, with secrets. What is the Dark Side of life outdoors and in touch with nature?
Mother Nature sure it is beautiful, green, and amazing. But what about when the wind switches and blows 110 knots out of the North East and rips up an entire town causing thousands to be without a home? What about when you are 35 miles deep in the bush on a snowmobile, trying to get a “marketing shot” for a snowboard company and your snowmobile does not start and then it’s dark and you are alone, cold as ice, without food, and shit starts to get real. Nature is the biggest beast on this earth, and if you do not value her, she can be the darkest meanest bitch you ever seen. So respect her and go prepared. A lot of your personal work is in black and white, while commissioned work is often in colour. Why this difference? In what ways do the dark and bright sides contribute to your personal look?
“Colour sells product”, “colour is happy”. I love colour just as much as I love black and white. Maybe not, but I do like colour. People think that black and white does not sell products like colour does. To me colour evokes emotion and black and white evokes mood. I actually really respect people that can shoot colour well, like Jake Stangel, as it is harder to balance nine tones rather than three. I need to spend more time staring and making sweet, passionate love to the colour wheel, but I do love it. I just like raw grit and grain of kodak tri-x and will forever shoot it. What inspires you to plan a series of images?
It usually starts from an idea or an emotion. I am currently working on a project called “6 girls 6 cities” which is a series of double exposures of a model and a city. I selected 6 cities and 1 model for each city, shooting all uniquely in studio on film and then traveled to each city to re expose the city as the second exposure. I become obsessed and fully involved with the project until it happens. I shot all the models in New York and then bought an around the world ticket and couch surfed to London, Paris, Moscow, Tokyo, Sao Paulo and then back to New York in 25 days. I have spent about four days in each city, walking around and re exposing the film. The way that series emerges, it can be an idea or an emotion that is sparked from a conversation, painting, photograph, music, or film. How is your creative process when working? Do you have a prior script or do you improvise at the time?
Both. My current technique is to have a basic formula and then let the organic process take over as that is when the true art is produced What concept links all of your work?
To create. To shoot one thing over and over and over, like I did with snowboarding for six years. It is important to me to keep exploring, experimenting, and creating. What are your plans for the near future?
To run wild.
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122 Clay Marzo - Maui, Hawaii.
“some of the deepest thoughts of one’s life arise in rough times”
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www.lamonomagazine.com/bright-hunter
REVIEW
BRIGHT TRADESHOW JULY 2013 ph Maya Kapouski + Berta Pfirsich
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La mayor expectación de esta edición de Bright Tradeshow era conocer la nueva ubicación, en pleno centro de Berlin, sin estar encogidos por el frío. En verano todo se vive con una libertad y un color diferente. El Alte Münze no iba a ser menos. De nuevo la familia Bright se concentró en los dos pabellones y en los Meet & Greet colindantes. Y nuestra Bright Hunter, Maya Kapouski, lo vivió todo con avidez depredadora. Nos alojamos en nuestra particular Bright Mansion en Prenzlauerberg y a partir de ese centro de operaciones, volvimos a vivir la feria con sus tradiciones: la cena particular de bienvenida a lamono con la que nos sorprenden en cada edición los organizadores, Thomas y Marco, la fiesta general que da el pistoletazo de salida y esos hits imprescindibles como las sorpresas culinarias del stand de Makia (en invierno degustamos carpaccio de buey y en esta edición pescado crudo). Asistimos a la fiesta + première de Element, donde conocimos a Timber, a la exposición “15th anniversary of Mark Gonzales with adidas Skateboarding”, al Red Bull Skate Contest y la fiesta final del Bright. Entre un evento y otro, entrevistamos a Chad Muska, Terry Kennedy, Pat Perry, Benjamin Deberdt, Timber y conocimos a Jim Greco, además de a muchísima otra gente que ya se ha sumado a una familia que es corazón, anécdotas y conocimiento.
The greatest excitement of this year’s Bright Tradeshow was to know the new location: a place in the heart of Berlin, where we wouldn’t be hunched over in the cold. In summer everything is lived freely and in a different colour. The Alte Münze wasn’t going to be anything less. Once again the Bright family centred itself on the two pavilions and the adjoining Meet & Greet events. And our Bright Hunter, Maya Kapouski, lived it all with predatory greed. We stayed in our typical Bright Mansion in Prenzlauerberg where, from the start, we returned to live the fair and all their traditions: the special welcome dinner for lamono which the organisers Thomas and Marco surprise us with every edition. The general party kicks it off with those essential hits such as culinary surprises from Makia’s stand (in winter we tasted beef carpaccio and this issue, raw fish). We attended the party + the premiere of Element where we met Timber at the exhibition “15th anniversary of Mark Gonzales with adidas Skateboarding” at the Red Bull Skate Contest and the final party of Bright. Between one event and another, we interviewed Chad Muska, Terry Kennedy, Pat Perry, Benjamin Deberdt, Timber, and met Jim Greco, plus a lot of other people who have already joined a family that is heart, anecdotes and knowledge.
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tX+ph Anna Bogutskaya
Madrid Skate Film Festival 2013
REVIEW / 5th - 7th july La segunda edición del Madrid Skate Film Festival unificó cine y skate, vídeos y cervecitas, bajo el techo de la inmensa Nave 16 del Matadero de Madrid del pasado 5 al 7 de julio. Nueve películas, algunas de ellas peliculones, compusieron el cartel cinematográfico del MSFF. Una combinación de clásicos rescatados bajo el sello ‘RETRO’ y documentales recientes sobre la cultura y los personajes del mundo del skate. Entre las películas rescatadas, destaca la maravilla chochi que es “Thrashin’ (así, sin ‘g’ final) protagonizada por un jovencísimo Josh Brolin. Guerras de bandas en el Los Ángeles de los años ochenta, con interpretación de los Red Hot Chili Peppers incluida, imprescindible para cualquier amante del skate o los peinados ochenteros. “Wassup Rockers”, obra del voyeurista Larry Clark, sigue a un grupo de adolescentes latinoamericanos en Los Ángeles que intentan huir de la violencia de su día a día con sus tablas y su punk rock. Como es habitual con Clark, los protagonistas no son actores profesionales, sino chicos de barrio que le dan a la película esa autenticidad que tanto le preocupa al director. Y un clásico de los videos de skate, no exactamente cine, tampoco documental per se: “Video Days”, un vídeo ya mítico por, entre otras cosas, ser el debút de Spike Jonze (Cómo ser John Malkovich, Adaptation). “Video Days”, grabado para Blind Skateboards en 1991, sigue siendo la plantilla para muchos videos de skate. Los documentales sobre la cultura que rodea al deporte tuvieron una presencia destacada. “Skatopia”, un retrato de la meca anarquista del skate en Estados Unidos, fundado y regentado por un personaje (a falta de una palabra mejor) larger-than-life
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que es Brewce Martin. Un tipo que adquirió un terreno donde construye rampas para patinar, organiza derbis de demolición y enormes fiestas para poder permitirse tener Skatopia abierto el resto del año. “Ej Kei”, un documental nacido del crowdfunding que repasa la historia del skateboarding en Puerto Rico desde la década de los setenta. Al otro lado del mundo, “This ain’t California” explora la cultura del skate en la Alemania en la República Democrática Alemana. “Dragonslayer” es el plato fuerte. Una película tierna, pequeña, sin pretensiones, que se llevó el premio al Mejor Documental en el Festival South by South West de 2011. En diez capítulos, sigue a Josh “Skreech” Sandoval mientras deambula por el mundo, no tanto patinando como intentando mantenerse a flote. Además de largometrajes, el MSFF acogió proyecciones de los videos finalistas. Para los que no pudisteis estar allí están colgados en su canal de Vimeo. Los premios quedaron repartidos así. Premio a Mejor Vídeo Sk8: Damn Bitches de Nacho Aldecoa. Premio a Mejor Vídeo Longboard: Much More de Sebastian Madlener. Premio a Mejor Vídeo de Marca o Tienda y Premio a la Mejor Edición: Take a Look Inside: Octavio Barrera de Daniel Millán Sonck. Premio Especial a Mejor Vídeo Internacional: External de Guillem Cruells. Mención Especial del MSFF: Cinco de Blanca GIL. Premio Maratón Xpress: CALOR EXPRESS de Sergio Fernandez. Premio del Público: Road To Socoroma de Carlos Requena Delgado. Mención Especial al Mejor Rider de Skate: Sergio Muñoz. Mención Especial al Mejor Rider de Longboard: Ville Hietala y Nico Nührig.
The second edition of the Madrid Skate Film Festival brought together film and skate, videos and beers, under the inmense roof of Nave 16 of the Matadero de Madrid from the 5th til the 7th of July. Nine movies, some of them amazing, made up the cinematic offer of the MSFF. A combination of classics rescued under the ‘RETRO’ seal and recent documentaries about the culture and characters of the skate world. Amongst the finds, the chochi marvel that is “Trashin’” (no ‘g’), headlined by a young Josh Brolin. Gang wars in 80s Los Angeles, a vintage Red Hot Chili Peppers performance, a must-see for any fan of skate or eighties hairdos. “Wassup Rockers”, directed by the ever voyeuristic Larry Clark, follows a group of latinamerican teenagers in Los Angeles as they try to avoid the violence inherent in heir everyday life with their skates and punk rock. As it is usual in Clark’s cinema, the protagonists aren’t professional actors but local boys that give the film that authenticity its director is so concerned with. And, a classic of skate videos, not exactly cinema, nor a documentary per se: “Video Days”, a video that has already achieved near mythical status for, amongst other things, being the directorial debut of one Spike Jonze (Being John Malkovich, Adaptation). “Video Days”, made for Blind Skateboards in 1991, has provided the blueprint for many a skate video. The documentaries about the culture that surrounds skateboarding had a significat presence. “Skatopia”, a portrait of the anarquist skate mecca of the United States, founded and run by the larger-than-life character that is Brewce Martin. A guy that bought the
land to build skate rampas, organize demolition derbys and giant annual parties that help keep Skatopia open the rest of the year. “Ej Kei”, a crowdfunded documentary that chronicles the history of skateboarding in Puerto Rico since the seventies. On the other side of the world, “This ain’t California” explores the skate culture of the Democratic Republic of Germany. “Dragonslayer” is the main course. A hearfelt, small, unpretencious film that took home the Best Documentary Prize at the SXSW in 2011. During ten chapters, it follows Josh “Skreech” Sandoval as he wanders around the world, not so much sakting as trying to keep afloat. Apart from feature films, the MSFF screened the finalists’ videos. For those of you that couldn’t be there, they’ve uploaded to their Vimeo channel. The winners were as follows. Best Sk8 Video: Damn Bitches by Nacho Aldecoa. Best Longboard Video: Much More by Sebastian Madlener. Best Brand or Store Video and Best Editing: Take a Look Inside: Octavio Barrera by Daniel Millán Sonck. Best International Video: External by Guillem Cruells. Special MSFF Mention: Cinco by Blanca Gil. Maratón Xpress Prize: Calor Express by Sergio Fernandez. Public Prize: Road To Socoroma by Carlos Requena Delgado. Special Mention Best Skate Rider: Sergio Muñoz. Special Mention Best Longboard Rider: Ville Hietala and NIco Nührig.
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www.longboardsalinas.com
Vans Salinas Longboard Festival REVIEW / 24th - 28th July Cuando hay una cita con la trayectoria del 12º Vans Salinas Longboard Festival, una gran familia esparcida por todo el mundo se desplaza hacia ese centro neurálgico con un mismo objetivo: olas, amigos, fiesta, arte y música. Estas palabras son una sinopsis muy esquemática de este Festival de Longboard donde todo es mucho más amplio, tanto las conversaciones entre baño y baño como los directos a lo grande que, de familiares, parecen hechos para un petit comité imaginario. Ya nos habían advertido y lo certificamos, ese mood que se respira allí no es comparable al de otros festivales o competiciones de surf. En Salinas, al caer la tarde y subir la marea, la luz entra por un cuadrante distinto. Tal como nos comentaba el francés Antoine Delpero, que se alzó ganador, la competición no es lo más importante, prevalece disfrutar de unas olas que para todos ellos tienen un flow especial, los amigos y esa energía del Festival año tras año. Pudimos comprobarlo de primera mano. La competición se desarrolló durante las primeras rondas del jueves y del viernes, para dar paso durante el fin de semana a las semifinales y las finales. Participaron grandes de casa como Mikel Urigoitia, Chicho y Ion Izaguirre, junto a nombres de la talla de Delpero, Dani Fisher, Eurico Goncalves, Remi Arauzo, Roberto Lorenzo y Clovis Donizetti, que quedó segundo, disputándose la final con Delpero. De chicas, la única que se subió al carro fue Helen Chab, con la que comentamos la jugada, orgullosa de competir junto a esos grandes. Eso en lo que se refiere al agua, fuera cargamos pilas con los conciertos en el escenario grande, donde disfrutamos a tope de los Tiki Phantoms y los que se hicieron en las fiestas del Túnel, con conciertazos y sesiones de bandas como Dead Bronco Hellbilly, Fasenuova, Belako taldea, Los Idiotas, El Columpio Asesino, Morrigans, Around Boogaloo Vibrations, dj’s David Moreira, Enrique, Juanjo Lozano, FiumFoto, Un Par de Fulanos, Mosk Selector, Fulander and Commander, Culebro and Dark, meal and records y Dj Stylo. Entre competición y concierto aprovechamos para charlar con los artistas y diseñadores Atakontu, que customizaron Vans en directo y para conocer al mítico Gallo, que nos dedicó su libro y nos contó cómo ha dado la vuelta al hecho de quedarse ciego para seguir entrenando y dando esos consejos que en su momento hicieron grandes a riders como Aranburu. Nos despedimos del Vans Salinas Longboard Festival con nuevos proyectos esparcidos por la espuma y muchas risas generadas en familia, ¡de tablón y corchopan! When there’s a date announced for the 12th Vans Salinas Longboard Festival a large family, spread all over the world, moves towards the nerve centre with the same goal: waves, friends, party, art, and music. These words are a very schematic overview of this Longboard Festival where everything is much broader, like conversations bath to bath, or live performances so familiar that it all seems made for a petite imaginary committee. We had already been warned and it had been certified that, the tangible mood there, is incomparable to all other festivals or surfing competitions. In the late afternoon in Salinas the light enters a different quadrant. As the French winner Antoine Delpero said to us, the competition is not the most important thing. Enjoying the waves with that special flow, friends, and the energy of the festival year-after-year overrides. We saw this first hand. The first rounds of the competition took place on Thursday and Friday paving the way for the semi-finals and finals at the weekend. There were home participants like Mikel Urigoitia, Chicho, and Ion Izaguirre and international names like Delpero, Dani Fisher, Eurico Goncalves, Remi Arauzo, Clovis Donizetti, and Roberto Lorenzo who finished second, disputing the final with Delpero. In the girl’s section the only one who jumped on the bandwagon was Helen Chab, with whom we talked about the move, proud of competing alongside the other great participants. Outside the water we recharged our batteries with concerts on the big stage where we thoroughly enjoyed the Tiki Phantoms and the parties at Tunnel. There were amazing concerts and music sessions with great bands like Dead Bronco Hellbilly, Fasenuova, Belako taldea, Los Idiotas, El Columpio Asesino, Morrigans, Around Boogaloo Vibrations, DJs David Moreira, Enrique, Juan Lozano, Fiumfoto, Un Par de Fulanos, Mosk Selector, Fulander and Commander, Culebro and Dark, meal and records, and Dj Stylo. Between competitions and concerts we had the chance to chat with Atakontu artists and designers who have customised Vans. We met the mythical Gallo who signed his book for us and told us about how, in spite of becoming blind, he’s been able to continue with the training and to give advice which once made great riders like Aranburu. We say goodbye to the Vans Salinas Longboard Festival with new projects scattered over foamy waters and lots of laughs, ¡de tablón y corchopan!
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tX Eva Villazala
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JUS T. C RUISIN G
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ANTOINE
DELPERO
El francés Antoine Delpero tiene un lado oscuro pero lo disimula muy bien. Según él su Dark Side es un punto maniático que no puede controlar y una tristeza que lo visita sin motivo aparente. Eso dice él pero su día a día es un rostro iluminado por una sonrisa, unos ojos que miran profundo y una energía marcada por el ritmo de las olas. El actual número 9 de la ASP tiene un flow sobre el tablón de longboard que solo se puede mirar. Sus movimientos responden a la melodía del momento, a la cadencia de la marea y al conocimiento de sí mismo. Charlamos con él en el Vans Salinas Longboard Festival y nos enamoramos de su amor por el agua, la familia y los amigos. The Frenchman Antoine Delpero has a dark side but he hides it very well. He talks about his Dark Side as a manic point out of his control and as some kind of sadness without an apparent reason. In spite of what he says, he lives every day with a shiny smile on his face, deep eyes, and an awesome energy guided by the rhythm of the waves. The current ASP number 9 has a flow on the longboard board that you can’t stop watching. His movements are a concrete moment’s rhythm, a tide’s cadence, and the knowledge of himself. We chatted with him on the Vans Salinas Longboard Festival and fell in love with his love for the water, family, and friends.
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Como cada año me encanta estar en el Vans Salinas Longboard Festival. Hay buen ambiente, buena música, buena gente y buenas olas, ¡qué más se puede pedir, es perfecto! No me tomo el Salinas como un campeonato, para mí es un momento genial para disfrutar surfeando con el resto de riders, sin un título que conseguir, simplemente por placer. Por eso es muy diferente al resto de campeonatos, ¡aquí puedes beber cerveza antes de ir al agua! Mi estilo de surf es muy difícil de definir, lo único que sé es que cuando disfruto sobre la tabla, a la gente le gusta mirar. Cuando me siento bien, mi surfing es bueno, en cambio cuando estoy mal o enfadado todo se tuerce. En esos momentos suelo coger un shortboard para destrozar todos esos sentimientos. Si estoy bien cojo el longboard y simplemente me dejo llevar, just cruising. El agua te limpia, puedes dejar atrás todo lo que te preocupa y empezar una nueva “vida”. Esa es la razón por la que surfeo, porque me proporciona mucho placer. Creo que la relación entre el surf y el arte es que el surfing es como intentar encontrar una melodía con la ola, como una canción. No en competición pero sí cuando estás en el agua por placer, haciendo lo que quieres, probando tus cosas. Mis comienzos en el surfing fueron con el tablón de mi padre, en Marsella. Mis padres estaban siempre en el agua, empezaron haciendo windsurf pero cuando yo nací cambiaron al surf. Al principio me pasaba el día en la playa y cogía olas solo por diversión, más tarde se convirtió en una pasión. A finales de este año tengo que concentrarme para darlo todo en dos competiciones: la World Champion Ship con el equipo francés en varios spots al final de septiembre y otra de la ASP en China. Cuando estoy en competición debo tener la mente clara, comer bien, levantarme pronto y hacer deporte antes de meterme en el agua. ¿Mi Dark Side? Estoy lleno de “lados oscuros”, soy muy maniático y cuando me siento mal no lo puedo controlar, estoy triste aunque no sepa la razón.
Like every year, I love being on the Vans Salinas Longboard Festival. There’s a good atmosphere, good music, cool people, and great waves - what more could you ask for, it’s perfect! I do not take Salinas as a championship, for me it is a great time to enjoy surfing with the other riders, without a mark to obtain, purely for pleasure. That is very different from other tournaments, here you can drink beer before going overboard! My style of surfing is very difficult to define, all I know is that I enjoy being on the board and people like to watch. When I feel good, my surfing is good. However, when I’m sad or angry everything gets a bad twist. When this happens, I take a shortboard to destroy all those feelings. If I’m right I take the longboard and I just let go, just cruise. The water cleans you, you can leave behind all that worries you and start a new “life”. That is the reason I surf, because it gives me pleasure. I think the relationship between surfing and art is that surfing is like trying to find a rhythm with the wave, like a song. Not in a competition but when you’re in the water for pleasure, doing what you want, proving your stuff. My beginnings in surfing were with my father’s board, in Marseille. My parents were always in the water, windsurfing at first but when I was born they changed to surfing. At first I spent the day on the beach and it was all just for fun, later it became a passion. Later this year I have to concentrate in order to give my all in two competitions: the World Champion Ship with the French team in several spots at the end of September and another for ASP in China. When I’m competing I maintain a clear mind, eat well, get up early, and play sports before getting into the water. My Dark Side? I’m full of “dark sides”, I am very cranky and when I feel bad I can’t control it. I’m sad without knowing why.
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tX+ph Blanca Galindo + David Simón Martret · www.leafhopper.eu
Un año más nos desplazamos a Swatch Girls Pro, mundial de Surf femenino en Hossegor para vivir cuatro días de intensas emociones: olas, tablas, arena, mareas, nervios, buen rollo, conciertos, barbacoas, tacos, smoothies, conversaciones intensas con las riders pro de todo el mundo y con otras que empiezan o reencuentros con musas como Kassia Meador. La competición se mantuvo, con su espectacularidad, todos los días excepto el sábado que tuvo que posponerse por inestabilidad meteorológica. Sin embargo, no impidió que la que ya se erigió como campeona el pasado año, Courtney Conlogue (USA), celebrase el día de su 21 cumpleaños repitiendo título y estableciéndose como nº 3 de la ASP Women’s Rankings. Si el año pasado nos confesaba que “venía dispuesta a ganar”, este año nos lo ha demostrado en una final de olas impresionantes, ofreciendo un gran espectáculo-disputa contra la sorpresa de este año, Johanne Defay (FR). La francesa de las islas Reunión, no contenta con secundar a la californiana se llevó el trofeo en la categoría Pro Junior. Así, nos llevamos a casa los momentos vividos con esta gran familia. Gente de todo el mundo que, independientemente de nacionalidades o de diferencias culturales, comparte algo más: un estilo de vida basado en la pasión por las olas. We went once again to Swatch Girls Pro, the female’s surf World Championship, to live four full days packed with intense emotions. There were waves, boards, sand, tides, nerves, good vibes, gigs, BBQs, tacos, smoothies, intense conversations with beginners and pro surfers from around the world, and we reencountered the surfing muse Kassia Meador. Every day the contest was full of expectation, except for Saturday when the weather conditions forced the competition series to be put off. However, that was not a problem for last year’s winner Courtney Conlogue (USA) as on Sunday, the day of her 21st birthday, she won back her title and established herself as No. 3 on the ASP Women’s Rankings. If last year she told to us that “she came to win”, this year she showed us her mastery in an enormous wave final, putting up a great fight against this year’s surprise, Johanne Defay (FR). Originally from the Reunion Island, Johanne, not happy with winning the second prize on the WQS, also took the trophy in the Pro Junior category. We have taken home with us the awesome moments shared with this great family that is the surfing community. People from all over the world, regardless of nationality or cultural differences, share something else: the passion for the waves that move their lives.
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REVIEW
SWATCH GIRLS PRO 2013
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Slow Reality DANE REYNOLDS Dos grandes del surf juntos deslizándose despacio por el paisaje, las olas y el ritmo de un viaje con el mar de fondo. Dane Reynolds como director y Craig Anderson como protagonista principal. Slow Dance, proyecto que ha contado con el apoyo de Quiksilver, es el primer film dirigido por Reynolds. En él ha querido plasmar la vivencia del surf en su cruda realidad, con sus luces y sus sombras a través de un viaje con paradas en spots de Australia, Chile, India, Tahití y África occidental. Ando, junto a otros riders como Rob Machado, Mark Occhilupo, Matt Hoy, Chippa Wilson, Diosn Aguis o Ozzie Wright, nos descubren una realidad sin maquillar, tan auténtica como si estuviéramos compartiendo olas y furgoneta con ellos mismos. Two great surfers sliding slowly through the landscape together, the waves and the rhythm of a trip with the sea for a background. Dane Reynolds as the director and Craig Anderson as the main protagonist. Slow Dance, a project that has been supported by Quicksilver, is the first film directed by Reynolds. He wanted to capture the experience of surfing in its harsh reality, with its lights and shadows through a trip which stopped off in Australia, Chile, India, Tahiti, and West Africa. Ando, along with other riders such as Rob Machado, Mark Occhilupo, Matt Hoy, Chippa Wilson, Diosn Aguis, and Ozzie Wright uncover an unvarnished reality, as real as if we were sharing waves and a van with them. tX Eva Villazala & Barbara Esteban
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Detrás de Slow Dance no hay un concepto concreto. Ocurre a menudo que cuando te centras en una sola idea otros detalles se pierden por el camino, así que en este caso decidimos dejarnos llevar y que fluyera al ritmo de las olas y del paisaje. Buscábamos un título que significara todo y nada al mismo tiempo, lo más ambiguo posible. Slow Dance representa un estilo encima de la tabla. El hecho de que Craig sea el protagonista es un poco casualidad. Tuvimos una especie de reunión espontánea informal con los chicos de Quiksilver para hablar sobre futuros proyectos y él se presentó como un posible candidato. Es un tío que se lo pasa bien y realmente disfruta con lo que hace. Le había visto surfear varias veces y me picó la curiosidad. Durante el rodaje lo he conocido mejor. Por supuesto hubieron algunos momentos difíciles, pero en general fue muy divertido. La principal diferencia de Slow Dance respecto a otros proyectos es que se presenta de una forma más real. En otros films quizá todo parece más bonito, pero tratan el tema desde un punto de vista superficial, no investigan a fondo. Este film es una mirada realista y verdadera, con sus pros y sus contras. Por supuesto, el surf es una vía de expresión. Todo lo que haces es una forma de comunicación y de expresarte: cómo vistes, cómo hablas… Con el surf es lo mismo, la forma de practicarlo obedece a tu propia personalidad, a cómo reaccionas ante los cambios. Además es artístico por naturaleza, por eso creo que los riders con talento y mucha creatividad pueden dar mucho más de sí. Para mí, lo más innovador ha sido desempeñar el papel de líder, el hecho de tener esa responsabilidad en el proyecto ha sido totalmente nuevo para mí. Mis planes para este año son ponerme en forma para lucir tableta de chocolate, hacer más surf y en definitiva seguir haciendo lo que me gusta y conociendo a gente interesante. There is no concept behind Slow Dance. In private projects, and with this one, we have tried to start with a concept but if you try to stick to a single idea lots of other details get lost along the way so we tried to just keep it loose. We were looking for a title that meant everything and nothing at the same time and I think this title represents great style on a surfboard. The fact that Craig was the main protagonist was almost by chance. We had some kind of casual conversation with the guys from Quicksilver about future projects and Craig came up as a possible candidate. Due to the fact that he really enjoys what he does I thought it would be very cool to work with someone like him. I’ve seen him surfing several times so I was sort of curious. I pretty much got to know him through the film. I didn’t know him too much before and it was definitely rough and difficult at times but a lot of fun along the way. A lot of profile films I’ve seen try to only portray the subject as perfect but I don’t feel like they really investigate reality. Slow Dance is like a real look at surfing. The main difference between Slow Dance and other projects is that it’s kind of more real. Sure, surf is an expression. I think everything you do is an expression, even the way you dress or speak and surfing is just like a direct reflection of your personality and how you react to change. It’s artistic by nature and I really think that surfers with real talent and a lot of creativity can be much more interesting as this plays a major role. The newest thing for me has been the responsibility that I’ve had during the process and the leadership role - it’s been really important. My plans for this year are getting fit and getting a six pack, surfing, and fortunately continuing to do what I like and meeting interesting people.
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Get Loud by Converse
Š Aitor Saraiba
boost generation
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© Error Design
La vinculación de Converse con la música y la actitud de una generación rebelde, que se lanza con urgencia a lo inesperado y bebe de la inspiración y el arte, sigue esta temporada con Get Loud, un concepto en el que el diseño y la música se dan la mano. Barcelona y Madrid serán, a partir de septiembre, los epicentros de un acertado homenaje a un campo en alza: el diseño de carteles musicales en España. Joan S. Luna, reputado crítico musical y autor del libro Los Colores del Underground, ha seleccionado para ello a once de los mejores talentos de la ilustración vinculada con la música: David Sánchez, Alvaro Fly Factory, Aitor Saraiba, Error Design, David Rubín, Fermín Solís, Mario Riviere, Abel Cuevas, Álvaro Ortiz, Conspiracy Studio y Munster Studio. Todos ellos crearán una obra especial inspirada en los conciertos Get Loud y la expondrán junto a una seleccionada retrospectiva de su trabajo en los espacios elegidos para cada evento. En Barcelona la cita será en la recién inaugurada tienda Sneakers & Co y en Madrid en la Pop Up Store de Converse. Septiembre llega así con una nueva cita imprescindible para esta generación impulso donde música, arte y vida son, básicamente, lo mismo. The linking of Converse with music and the attitude of a rebellious generation launches itself with urgency to the unexpected, drinking from the inspiration and art. This season continues with Get Loud, a concept where design and music shake hands. Barcelona and Madrid will be, in September, the epicenters of a successful tribute to a rising field: music poster design in Spain. Joan S. Luna, renowned music critic and author of the book The Colours of the Underground, has selected eleven of the best talents in illustration who have links to music: David Sanchez, Alvaro Fly Factory, Aitor Saraiba, Error Design, David Rubin, Fermín Solís Mario Riviere, Abel Cuevas, Alvaro Ortiz, Conspiracy Studio, and Munster Studio. All of them will create a special piece of work inspired by the Get Loud concerts and will exhibit this, plus a selected retrospective of their work, in the spaces chosen for each of the events. In Barcelona the event will be at the newly opened shop Sneakers & Co. and in Madrid in the Converse Pop Up Store. September arrives like this with a new must where, for an impulsive generation, music, art, and life are, basically, the same.
www.converse.es
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Toda belleza oculta una parte oscura, o quizás, simplemente una realidad humana que subyace detrás de una apariencia por miedo a ser juzgada. Inspirándose en las dos protagonistas de las novelas Justine (Los infortunios de la virtud) y Juliette (Las prosperidades del vicio) de Marquès de Sade, el dúo artístico Crajes, formado por Carla Rendón y Jessica Ruiz, nos adentran en un mundo paralelo donde el erotismo, las emociones y la oscuridad de la figura femenina cobran protagonismo. Sentimientos contrapuestos que se unen en imágenes tan bellas como perturbadoras, en las que no sabes si la protagonista sufre o siente placer. Un camino en el que el límite entre lo lícito y lo prohibido juegan con el éxtasis provocado por el dolor.
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Beauty always hides a dark side, or perhaps a simple human reality that lies behind appearances for fear of being judged. Inspired by the two protagonists of the novels Justine (The Misfortunes of Virtue) and Juliette (The prosperity of Vice) by Marquès de Sade, Crajes, the artistic duo formed by Carla Rendon and Jessica Ruiz, plunges us into a parallel world where eroticism, emotions, and darkness of the female figure play a leading role. Mixed feelings come together in such beautiful and disturbing images making it difficult to say if the protagonist is suffering or feeling pleasure. One way in which the boundary between what is legitimate and what is forbidden is to play with the ecstasy caused by pain.
VICE &VIRTUE CRAJES. http://crajes.carbonmade.com
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tX Bárbara Esteban Romero
Crajes en N2 Galería. Inauguración jueves 7 de noviembre 2013 Crajes in N2 Galería . Opening Thursday 7th November 2013 www.n2galeria.com
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Nuestros inicios en el mundo del arte fueron casi por casualidad; comenzamos haciendo animación, ya que somos muy seguidoras del género y queríamos crear algo propio. Nos costó mucho esfuerzo y horas de trabajo hacer un corto de apenas cuatro minutos pero durante ese proceso le cogimos el gusto a dibujar y desarrollamos nuestra estética. Así nació Crajes, que es la unión de nuestros nombres (Carla y Jessica). Siempre estábamos hablando de lo bien estaría hacer esto o lo otro. Montábamos historias de la nada y nos lo pasamos muy bien. A día de hoy sigue siendo así. Nos entusiasma nuestro trabajo y nos dejamos el alma. Aunque estemos muchas horas en el estudio encerradas, eso parece una fiesta. Por suerte somos dos y anímicamente hace mucho, ya que resulta un poco solitario. Siempre trabajamos juntas y nuestra obra es una mezcla de estilos. Tenemos una estética similar y eso facilita las cosas. Nosotras solo le vemos ventajas. Lo primero es discutir acerca de lo que nos gustaría hacer y cómo lo queremos; y después vienen los esbozos y los detalles. Una vez hecho esto decidimos el tamaño de la pieza y comenzamos a trabajar en ella. Nuestra inspiración llega de muchas cosas. Nos suele llamar la atención lo diferente y las contraposiciones. Todo lo que te haga pensar; es algo que nos obsesiona. Solemos jugar con la dualidad para crear. Supongo que es algo que nos ha quedado del manga y anime japonés y su especial debilidad en convertir algo oscuro, incluso obsceno en una pieza extremadamente bella e inocente. La figura femenina es vital en nuestras obras, la usamos tanto por el recurso estético como por su mundo interior, sensibilidad y oscuridad. No tenemos la intención de reivindicar la figura de la mujer sino la de analizar a un sujeto en concreto e intentar que la gente que observe nuestros trabajos lo haga de manera individual intentando descubrir lo que hay detrás de la pieza. Ese análisis es personal y cada uno llegará a sus propias conclusiones; no nos corresponde a nosotras explicar el significado. Nos suelen decir que las mujeres que representamos parecen infelices pero su expresión puede provenir de la tristeza, el éxtasis o la emoción, muchas mujeres al llegar al orgasmo ponen cara de pena o sufrimiento. Cada uno puede leer lo que quiera al mirar cada pieza. La exposición que estamos organizando en N2 Galería y que inauguramos el próximo mes de noviembre está especialmente dedicada a la mujer, no en términos generales sino personales. Detrás de cada ilustración siempre hay una historia, ésta puede ir acompañada de un mensaje pero es subjetivo, no impositivo. Creamos a partir de algo concreto, lo que nos permite desarrollar nuestro propio mundo. Hay mucho de nuestras vivencias y emociones en nuestro trabajo. Si algo nos inspira como para crear a partir de ello es porque de alguna manera nos sentimos identificadas. Pretendemos transmitir una sensación. Da igual si es buena o mala. Que la gente que vaya andando de manera rutinaria a su trabajo, casa o al colegio, se pare en seco al ver la pieza. Esa es la mejor de las señales. Es la primera vez que exponemos óleos en Barcelona y nos hace mucho ilusión. El tema surgió a raíz de las preguntas y dilemas que nos vinieron a la cabeza después de leer Justine (Los infortunios de la virtud) y Juliette (Las prosperidades del vicio) de Sade. Cogiendo como punto de partida e inspiración a las dos protagonistas femeninas de las novelas hemos intentando hacer una reflexión sobre lo lícito y lo ilícito en el camino de la búsqueda del placer. Hay muchas obras o películas que nos han servido para ponernos en la piel de diferentes personajes; El imperio de los sentidos, Crash (Cronenberg en general), el Jardín de Epicuro o escritores
como Baudelaire. El placer siempre ha sido una incógnita para el ser humano y su búsqueda está llena de incertidumbre. Ese lado oscuro, pero a la vez la belleza que envuelve el éxtasis es lo que intentamos plasmar en esta exposición. Se ha creado una especie de tabú social en torno a las parafilias y prácticas poco habituales, pero estas cosas pasan a menudo a nuestro alrededor, en la sombra, y solo los más poderosos juegan a este juego sin miedo a ser juzgados. En general, parte de nuestro trabajo es transmitir esa parte oscura de una sociedad de apariencias. Nos gusta jugar con elementos contrapuestos para crear imágenes que no solo sean bellas sino que provoquen un sentimiento distinto en cada persona y para eso deben ir ligadas a aspectos sociales, sean comunes o no, ya que formamos parte de la sociedad y nuestros actos serán juzgados. Creemos que lo oculto siempre provoca cierta incertidumbre, incomodidad por el no saber. Así que en ese aspecto, siempre tiene una parte oscura, aunque también alberga belleza. Our first steps in the world of art were almost by chance. We started doing animation because we were followers of the genre and wanted to create something on our own. It took a lot of effort and hours of work to make a four minute short but during that process we took pleasure in drawing and developing our aesthetic. Then Crajes, which means the union of our names (Carla and Jessica), was born. We started making up stories and we had so much fun. And up until now, it has still been that fun. We are excited about our work and put our heart and soul into it. Though we are locked in the studio for many hours it looks like a party. Luckily there are two of us; emotionally this helps, as it is kind of lonely work. We always work together and our work is a mixture of styles. We have a similar aesthetic that makes things easier. We can only see advantages. The first thing we do is discuss what we want to do and how. Then the sketches and details come into play. Once this is done we decide on the size of the piece and start working on it. Our inspiration comes from many things. We often draw attention to ‘the different’ and to oppositions. Everything that makes you think is something that haunts us. We usually play with the duality to create. I guess it’s something left over from the Japanese manga and anime, particularity in turning something dark and even obscene into an extremely beautiful and innocent piece. The female figure is vital to our work; we use it for its aesthetics, her inner world, sensitivity, and darkness. We do not try to claim the figure of the woman but to analyse a particular subject and try to get people to notice our work individually, trying to discover what is behind each piece. This analysis is personal and each person should come up with their own conclusions. People often say that the women we represent seem unhappy but their expressions can come from sadness, ecstasy or emotion; when many women have an orgasm their faces may appear to be consumed by pain or suffering. The next exhibition that we are organizing at the N2 Gallery, Barcelona opens in November and is especially dedicated to women. Behind each picture there is always a story, it can be accompanied by a message but it is subjective not imperative. We create from something specific and this allows us to develop our own world. There are a lot of our own experiences and emotions in our work. If something inspires us to create from it it is because somehow we identify with it. We try to convey a feeling. No matter whether it is good or bad. It is the first time we’ll exhibited oil paintings in Barcelona
and we are very excited. The issue comes from the questions and dilemmas that came to our mind after reading Justine (The Misfortunes of Virtue) and Juliette (The prosperity of Vice) by Marquès de Sade. Taking the two female protagonists of the novels as a starting point and inspiration we have tried to reflect on what is legitimate and illegitimate to achieve pleasure. There are many works or films that have helped us to put ourselves in the skin of different characters: In the Realm of the Senses, Crash (Cronenberg generally), The Garden of Epicurus or writers like Baudelaire. Pleasure has always been a mystery to man and his search is full of uncertainty. The dark side, but also the beauty that surrounds ecstasy, is what we tried to capture in this exhibition. There has been a kind of social taboo created around paraphilia and unusual practices but often these things happen around us, in the shade, and only the most powerful of people play this game without fear of being judged. In general, part of our job is to convey the dark side of a society of appearances. We like to play with contrasting elements to create images that are not only beautiful but also cause a different feeling in each person. It’s necessary that they are linked to social aspects because, common or not, we are part of society and our actions will be judged. We believe that the occult always causes some uncertainty and discomfort from the unknown. So in that aspect it has a dark side, but it also has beauty.
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El turismo como una masa informe de lados oscuros que de tanta repetición, pierden el sentido. Iconos, imágenes, deformidades de la mente, objetos que han perdido por el camino el sentido de la tradición para transformarse en una reliquia a peso de oro cobijada en el concepto del recuerdo o souvenir. El fotógrafo Toni Amengual nació en Mallorca. Una isla que en verano se llena de jóvenes y no tan jóvenes, en su mayoría británicos y alemanes en busca de sol, alcohol y sexo (por orden cronológico) y que en invierno se queda desolada. Un trozo de tierra rodeado de mar que encierra el secreto de la raza humana y de un mecanismo absurdo basado en la imitación sin planteamientos más profundos. Lo que hace la mayoría al precio que esa misma masa incorpórea establezca. En eso se basa el fotógrafo en su nuevo proyecto MajorcanJewellery, en el que ha contado con la ayuda de Lander Larrañaga, técnico de iluminación y profesor de moda e iluminación IDEP Barcelona, Nico Jodar, técnico digital y responsable de equipos Innovafoto y Joan Roig, experto en retoque digital y Director del master de fotografía profesional e imagen digital IDEP Barcelona y que presentaremos junto a la Escuela IDEP próximamente. Amengual ha seleccionado una serie de souvenirs, los más kitsch que ha ido encontrando en sus paseos por la isla, para fotografiarlos como auténticas joyas, utilizando para ello un respaldo digital Mamiya Leaf Credo 60 Mgpx, cámara Mamiya 645 AFD+ y una optica Schneider Ls 110 f/2.8; procesado con Capture One 7.1.3, disparado a iso 50, 125/f12 y con un equipo de iluminación Profoto ProD4 en la escuela IDEP de Barcelona, donde Amengual es profesor de fotografía documental. El resultado son fotografías de estudio en las que el souvenir pierde su identidad para configurarse como un objeto de lujo. La parodia llega cuando se profundiza en el sentido de dicho objeto, ya que en la mayoría de casos sólo simboliza un lugar vacío de contenido donde solo el sexo y la diversión tienen cabida. En definitiva, un trabajo que aúna la técnica, la iluminación, la estética y la crítica social característica del documentalismo, gracias a un gran trabajo de equipo. Tourism is a shapeless mass full of dark sides that after many repetitions, becomes meaningless. Icons, images, mind deformations, objects that have lost, along the way, the sense of tradition to become a relic sold as if it was gold, a concept of a memory or souvenir. Photographer Toni Amengual was born in Mallorca. An island that in summer is full of young and not so young people, most of them British and German looking for sun, alcohol, and sex (in chronological order) and in winter it is desolate. A piece of land surrounded by sea that holds the secret of the human race and an absurd mechanism based on imitation without deeper approaches. What the majority does at the price that mass establishes. This is the base of the photographer’s new project MajorcanJewellery, with the help of Lander Larrañaga, set lighting technician and professor of fashion and illumination in IDEP Barcelona, Nico Jodar, digital technician and team manager in Innovafoto y Joan Roig, digital retouching expert and director of the master of professional photography and digital image in IDEP Barcelona, which we’ll present with IDEP soon. Amengual has selected a number of souvenirs, the most kitsch that he has founded on his trips around the island, and photographed them as authentic jewellery using a digital Mamiya Leaf Credo 60 Mgpx, Mamiya 645 AFD + and optical Schneider Ls 110 f/2.8, processed with Capture One 7.1.3, iso shot 50, 125/f12 and with a lighting Profoto ProD4 equipment at IDEP in Barcelona where Amengual teaches documentary photography. The results are studio photographs in which the souvenir loses its identity to be configured as a luxury item. It becomes all a parody when we examine the meaning of that object, since in most cases it only symbolizes a place without sense, where only sex and fun have a place. In short, a work that combines art, lighting, aesthetics, and social criticism of the documentary feature thanks to a great team.
www.toniamengual.com www.idep.es
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Toni Amengual
The dark side ˜ of our ˜ memories
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El jazz no es un género musical cualquiera. Es más, el jazz y la historia contemporánea van cogidos de la mano como una extraordinaria pareja de abuelos que celebran más de cien años juntos. Desde su aparición en las antiguas explotaciones de algodón americana, donde los esclavos africanos se redimían de sus cadenas con la música, pasando por las grandes bandas en las metrópolis como New Orleans, Chicago y Nueva York, hasta cubrir el mapa mundial con la bossa nova en Brasil, el fusión flamenco en España y algunos coqueteos con la chanson francesa, el jazz ha florecido hasta lo que es hoy en día, una compleja forma de arte reconocida globalmente. Madeleine Peyroux es un referente en la escena internacional después de más de veinte años en los escenarios y, de hecho, su nombre ya forma parte del grupo de las grandes del jazz. Con un timbre de voz que mama de las inigualables Billie Holiday y Patsy Cline, una personalidad cincelada por sus experiencias vitales y una insaciable necesidad de experimentar, Madeleine Peyroux vive por y para la música. Jazz is more than a musical genre. . Jazz and contemporary history have gone together like an extraordinary set of grandparents who are celebrating more than a hundred years together. It first appeared in the old cotton cultivations in U.S.A. where African slaves saved themselves using music, it was then taken on by the great bands of New Orleans, Chicago, and New York, finally covering the whole world with the Brazilian bossa nova music, flamenco fusion in Spain, and some flirting with French chanson. Jazz music has grown up and developed until this day where it has become globally known as a complex form of art. After more than twenty years on the stage Madeleine Peyroux is a referent in the international music scene. In fact, her name is one of the greatest voices of jazz. With a sound close to Billie Holliday and Patsy Cline, a personality built by her life experiences and an insatiable need for experimenting, Madeleine Peyroux lives for and by the music. Se dice que he tenido una infancia realmente muy interesante. Y sí, no lo niego. Cuando emigré a Francia desde Estados Unidos acabé estudiando en un internado. Tiempo después me escapé de la residencia para viajar a París. Allí encontré el jazz más vivo de las calles de la capital. Creo que todavía soy la misma persona porque fue entonces cuando la música se convirtió en esta oportunidad para el resto de mi vida. Pienso que tiene mucho poder por sí sola. No quiero sonar demasiado espiritual porque la lengua confunde las cosas, pero creo que la música hizo todo lo posible por aparecer en mi camino. No tuve la certeza de que quería estudiar música hasta que vi a esos músicos tocando en la calle y pensé: “¡Wow! Esta gente es espectacular. Podría quedarme mirando y aprendiendo de ellos”. Entonces me di cuenta de que también podría ganar algo de dinero haciendo esto (risas). Creo que esos fueron mis primeros pasos, tan sencillo como eso. Ahora nada ha cambiado en relación a quien soy porque me siento feliz tocando con grandes músicos, viviendo y aprendiendo de ellos. Como cuando empecé. Realmente no me arrepiento de ninguna de las decisiones que tomé. Si hubiera dicho “no” a mis ideas irracionales y no me hubiera escapado -algo realmente muy loco-, no estaría dedicándome a la música. Algunas personas me han preguntado últimamente sobre los sacrificios que he tenido que realizar para vivir del jazz, a lo que yo respondo las tres “P”: plants, pets & progeny -plantas, mascotas y descendencia-. Soy consciente de ello y extraño tener ese tipo de vida en la puedes intimar y crecer con alguien, persona o animal. Yo tengo que crecer de otra manera porque viajo siempre. De hecho, si no viajara no podría vivir de la música en la actualidad. Realmente tengo que trabajar muy duro detrás del escenario. Pero, sin duda, vale la pena. ¿Qué experimento cuando subo a los escenarios? Pues bien, ¿conoces la sensación de estar en un columpio? Me refiero al acto de impulsar todo tu cuerpo como un movimiento totalmente natural. Una vez has dado ese impulso, estás preparado y equilibrado, te encuentras como flotando en el aire. Creo que eso es la música. De hecho, cuando cantas, por ejemplo, cada parte del cuerpo vibra y cuanto más vibra, más fuerte suena y se siente. Es una forma de placer. Es algo muy bueno disfrutar del placer de cantar, sin embargo, resulta mucho mejor cuando se comparte con el público. De hecho, cantar es compartir historias y emociones. Tanto buenas como malas. Brillantes u oscuras. El Dark Side está en mi vida realmente. Sé que mis canciones tienden a ser bastante melancólicas. Pero algo que me parece especialmente cierto es que todo tiene una sombra gris. Además, en la oscuridad no hay siempre vacío, también puedes encontrar matices. Disfruto de la idea de la melancolía porque creo que es una buena manera de sentir la realidad. En las sombras se encuentra la realidad. En mis carnes viví la pérdida de mi voz, algo que me asustó muchísimo, algo muy dark. Tenía malos hábitos y no estaba formada como cantante, así que perdí la voz y tuve que empezar desde cero. Pero todo se soluciona, después de muchos entrenamientos y técnicas... ¡aquí estoy!
It is said that I have had a really interesting childhood. And I don’t deny it. When I migrated to France from the U.S.A. I started studying in a boarding school. Then I ran away from the school to Paris. There I found jazz music in the streets of the capital. I’m still that same person because music became this opportunity for the rest of my life. I think that has a lot of power. You know, I don’t want to start sounding too spiritual because language confuses things but music really made itself known to me. I really wanted to study music but I didn’t have the opportunity until I saw musicians playing in the streets and I thought: “woah these people are amazing. I could just watch them and learn.” But then I realised that I could earn money doing that (laughs). I think it was that simple to me. Now nothing has changed in terms about who I am because I’m very happy playing with great musicians and learning and living with them. I really don’t regret any of the choices I made. If I had said no to my irrational ideas and not run away (that was kind of crazy) I wouldn’t be into music. Some people have recently been asking me about what I have sacrificed and I answer the three Ps: plants, pets, and progeny. I’m aware of that. I miss having that kind of life where you can foster intimate and growing relationships with someone - person or pet. I have to grow in a different way because I always have to travel. In fact, if I didn’t travel I wouldn’t be able to live by music nowadays. What do I experiment with when I go on the stage? Do you know what it’s like to be in a swing? I mean, you are the one that is pushing your whole body in a natural motion. Once you’ve done that push and you are prepared and balanced it’s like you’re floating in the air. I think that is playing music. When you sing, for example, every part of your body vibrates in some way and the more they vibrate the louder it sounds and feels. It is a kind of pleasure. It’s good to have pleasure singing but it gets better when you share it. Or there’s no point. Singing is sharing a story and emotions. Good and bad stories. Bright and dark ones. The meaning of a dark side is something that really suits me. I know that my songs tend to be more on the melancholy side. What seems to be true to me, no matter what, is that everything is a shade of grey. Moreover, in the dark side there is not always a vacuum, there is something or someone in there. I enjoy the experience of melancholy because it almost feels like it’s a good way of feeling reality. Shadows are a way of knowing about reality. I experienced in my own skin the drama of loosing my voice. That was something that really scared me, something really dark. I had bad habits and I wasn’t a trained singer so I lost my voice and I had to start all over again training my voice. But everything has a solution and after my training period… well here I am!
El pasado mes de julio Madeleine Peyroux cerró el Seagram’s Gin XVII JazzFestival presentando su nuevo álbum The Blue Room. festivaljazzvalencia.com
Madeleine Peyroux closed the Seagram’s Gin XVII JazzFestival on july where she presented her new album The Blue Room. festivaljazzvalencia.com
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Madeleine Peyroux tX VĂctor Cardona PH Rocky Schenck
All that jazz!
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# 92 · DARK SIDE · SEPTEMBER OCTOBER · 2013 COVER : BRENDAN DANIELSSON · www.bdanielsson.com
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