lamono #95 PURE by lamono magazine

LIVING OFF THE WALL: A VANS DOCUMENTARY SERIES UPSTARTS

DOCUMENTARIAN:

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DE LO PURO Y LO TURBIO T: ALEJANDRO CINQUE TR: JUANJO BERMÚDEZ DE CASTRO F: LAUREN FIELD - LAURENFIELD.COM

EL ALCOHOL SIN DESTILAR QUEMA, LA COCAÍNA SIN CORTAR ABRASA Y EL AMOR SIN FILTRAR... DUELE.

Son los posos de té que quedan en la taza una vez el elixir ha sido consumido. Cuando solo quedan los restos en toda su amargura y todo su valor yace concentrado. Cuando el paso del tiempo higieniza los recuerdos y nos hace ser capaces de mirar atrás añorando todo lo bello de la memoria. Son los posos del olvido. Mirarte atrás y recordar todo el amor que llevo dentro: puro y exento de toda mezcla o reminiscencia contaminante. Mirarme ahora y reconocerte en mi. Son los sentimientos que brotan con pedigree autentificado. Todas las sensaciones que emergen en relación con el otro son puras en su nacimiento. Pero cuando entran en contacto unas con otras, el fluido se vuelve turbio y turbio es el amor aunque muchos lo tachen de puro. Amor turbio como turbias son el resto de las drogas de la adicción. Turbio sin ser despectivo, porque la pureza precisamente, es el adjetivo tóxico. Y es que el alcohol sin destilar quema, la cocaína sin cortar abrasa y el amor sin filtrar... duele. La pureza como término no tiene ideología asignada sino que define aquello en su formato más básico y elemental. Describe la homogeneidad en toda su magnitud. Pero si funciona como adjetivo es cuando intervienen posicionamientos condicionantes. Lo puro como símbolo de la belleza más limpia y filtrada puede convertirse en una excusa de genocidios. Lo puro es ansiado. La humanidad lucha por llegar a conseguir lo elemental de las cosas sin saber que ha sido ella misma la que les ha atribuido su valor. Oro puro y diamante en bruto. Lástima de ellos que no aprecian lo bello de lo mestizo, del tacto y del disenso. Porque de ello está compuesto el mundo: de relaciones. Y las relaciones no son otra cosa más que la unión de elementos que se ensucian en todo su esplendor.

There it is among the tea grounds that are left over at the bottom of the cup once the elixir has been consumed. There it is when there only remain the leftovers in all their bitterness and their whole value lies there, condensed. There it is when the passing of time cleanses the memories and makes us able to look back because we miss all the beauty of remembering. There it is in the oblivion leftovers. Looking back at you then, I remember all the love I still have inside of me: it is pure and free of any mix or polluting reminiscence. Looking at myself now, I recognize you in me. There it is in the feelings that break out with a certified pedigree. All the emotions that emerge concerning the other are pure at birth. However, when they get in contact with one another the fluid gets murky, and love is murky in spite of being stigmatised as pure. Love is as murky as the rest of addictive drugs are. Murky in a praising way, since “pure” is precisely the toxic adjective. Because undistilled alcohol burns you, uncut cocaine scorches you, and unfiltered love… hurts you.

UNDISTILLED ALCOHOL BURNS YOU, UNCUT COCAINE SCORCHES YOU, AND UNFILTERED LOVE… HURTS YOU.

The pure as a concept has no ideology attached to it but it defines that which appears in its most basic and simple format. It describes homogeneity in all its magnitude. However, it works as an adjective when conditioning stances intervene. The pure as the symbol of the cleanest and most select beauty can easily turn into the perfect excuse for genocides. The pure is anxiously wanted. Humankind struggles to capture the essential part of things without knowing that it has been the humankind itself who has given things their current value. Pure gold and rough diamonds. It is a real shame that they do not value the beauty of the mixed, the mestizo, the sense of touch, the disagreement. Because relationships are what the world is made of. And relationships are nothing but elements which get joined and dirty in their entire splendor.

GEMMA O'BRIEN, NEW VOLCOM ADVOCATE X LAMONO

T: VICKY NAVARRO

GEMMA O’BRIEN LA PUREZA DEL LENGUAJE Cada uno encuentra la motivación a su manera. Para algunos es fácil y otros no la encuentran jamás. Gemma O’Brien es de las afortunadas porque su fuente de inspiración es algo tan común como el lenguaje, las letras. Lo que oye cada día, una conversación, una cita o una canción son materia suficiente para que pueda desarrollar su trabajo. Tipógrafa, ilustradora y australiana, Gemma O’Brien se dio a conocer a través de su blog hace cerca de cinco años y desde entonces no ha parado. Convencida de que pintar con brocha y tinta puede ser muy terapéutico, sigue trabajando manualmente todos los días, acompañada de lápiz y papel. Porque hay mucho de tradición en la tipografía y porque considera que no hay que postergarla. Recientemente se ha embarcado hacia el universo de Volcom, convirtiéndose en su embajadora, de modo que oiremos hablar (y mucho) de ella. Passion comes in different shapes for each of us. Some get them more naturally than others, who hardly ever feel motivated. Gemma O’Brien can be considered fortunate in this sense, since her source of inspiration is as frequent and common as language is. Whatever she hears in her daily life, ranging from a conversation to a quote or a song, is substantial enough for her to develop her work. Australian typographer and illustrator O’Brien began making herself known through her blog five years ago, hardly being able to give herself a break since then. Certain of the therapeutic benefits of brushtroke and ink painting, she works manually every day, alongside with pencil and paper. She regards tradition as highly relevant in typography, reason why she has always been considerate towards it. She recently joined the Volcom family by becoming its ambassador, meaning we will most probably be hearing a great deal about her.

www.volcom.es/team/gemma-obrien ¿Es tu pasión en las letras algo innato o hay alguna experiencia o hecho concreto que te haya empujado a ella? No creo que fuera

innata. Estudiaba derecho cuando decidí dar un salto creativo y pasarme al diseño de la comunicación. En la escuela de diseño pasé un tiempo en un estudio de tipografía, aprendiendo a componer antiguas tipografías de metal a mano. Ahí floreció mi pasión y mi obsesión por la tipografía y la palabra escrita. Una de las principales características de tu trabajo es la calidad de lo hecho a mano. Ante el proyecto de un cliente, ¿antepones la artesanía como condición o eres partidaria también de trabajar en digital y/o con vectores?

Trabajo bastante entre técnicas, desde pincel y tinta, hasta tipografía ilustrada y digital, aunque el trabajo hecho a mano parece ser algo que de momento interesa mucho a los clientes. A pesar de que presento un trabajo final nítido y con vectores definidos, suelo empezar a bocetar con lápiz en papel para la mayoría de los proyectos. ¿En cuál de los proyectos en que te has involucrado te has sentido más cómoda?

rías antiguas, la nueva música, los pueblos pequeños, las galerías de arte y las salidas a lugares con naturaleza escondida donde dar con nuevas ideas. En el vasto mundo de letras y fuentes, ¿cómo consigues un estilo propio? Creo que trabajar intuitivamente y crear lo que sientes que debes

llevar a cabo fuera del trabajo con tu cliente son la única manera de evitar caer en las modas. El trabajo personal que hago al final del día, cuando he acabado con mis trabajos comerciales, son los experimentos que se traducen en nuevas técnicas y estilos de caligrafiar. Con la rica historia de la tipografía y la escritura nunca evitarás caer en la tradición. Muchos estilos han existido ya antes y es bueno aceptarlo y adaptar estilos pasados a un contexto o momento nuevo aportando algo de ti mismo, en vez de tratar de inventar de nuevo la rueda.

CREAR ALGO DE LA NADA, USANDO TUS PROPIAS MANOS, ES ALGO INTRÍNSECAMENTE HUMANO

Diría que mis favoritos son los proyectos con un estilo de escritura con pincel. El proceso repetitivo de dibujar con pinceles y tinta puede ser de lo más terapéutico. Hice un trabajo para Kirin Cider recientemente –en que pinté 37 carteles con caligrafía en pincel– que me sacó por completo de mi zona de confort por su enorme escala y la gran cantidad de obra por hacer, aunque al final fue una experiencia muy gratificante con resultados increíbles.

¿Qué significa para ti ser embajadora Volcom? ¿Qué esperas de ello? Es un honor

enorme y estoy muy emocionada de formar parte de Volcom como embajadora. La marca tiene muy buenas vibraciones y unos valores muy positivos, además de un equipo increíble de embajadores de marca al que me siento muy orgullosa de unirme. Como soy muy a menudo una rider solitaria trabajando como freelance en mi estudio, es genial pasar a formar parte de la gran familia Volcom y espero que mi trabajo se vea potenciado por este espíritu creativo compartido y las experiencias que nos esperan. ¿Qué opinas de la relación entre el arte y los deportes de tabla?

¿Cómo florecen tus ideas? ¿Qué es lo que te inspira? Trabajar con

letras y palabras. Estoy constantemente inspirada por el lenguaje, por conversaciones que oigo, letras de canciones y citas. Si oigo algo que resuena, lo anoto y lo hago realidad con un proyecto a largo plazo. También me inspiran campos creativos fuera del diseño gráfico y ¡cualquier cosa que no pueda encontrarse en internet! Me encantan las libre-

La cultura de los deportes de tabla es salir fuera, ser valiente, arriesgarse, empujarse a uno mismo hacia sus límites y revelarse en la adrenalina de la experiencia. No solo hay varias conexiones que se dan también en el proceso creativo, sino que tanto el arte como los deportes de tabla crean una comunidad alrededor de una experiencia compartida. Ambos campos atraen al mismo tipo de espíritus: creativos, audaces, valientes,

gente con los pies en la tierra que sacan el máximo partido al hecho de estar vivos. Los deportes de tabla tienen una extensa filosofía DIY, ¿qué opinas sobre ello? Creo que es una filosofía genial. Cuanto más nos movemos en

dirección a lo digital, más importante se hace la filosofía DIY. Crear algo de la nada, usando tus propias manos, es algo intrínsecamente humano. Trae consigo un gran sentido de logro y te ayuda a conectar con la realidad de los materiales, así como con el tiempo que se tarda en construir objetos, algo que a menudo se nos olvida. ¿Qué te parece trabajar en la calle? Seguramente te haga sentir com-

pletamente libre. No tengo demasiada trayectoria en street art pero he tenido experiencias parecidas al pintar en directo y al aire libre, además de murales interiores a gran escala. Me gusta porque es representacional, ¡y no puedes joderlo! Una vez está en la pared, no puedes borrar tus fallos. Creo que, irónica mente, esta restricción te otorga libertad y seguridad en cada pincelada, aumentando tu nivel de concentración. Me encantan la escala y la faceta física de la pintura, también. Los murales a gran escala te permiten usar tu cuerpo de una forma distinta a cuando dibujas en un trozo de papel pequeño. Además, el resultado es algo más grande que tú mismo, y la escala de la pieza puede hacerla tan fuerte y poderosa como un cartel publicitario.

¿Cuál es tu meta para el futuro actualmente? ¿Hay artistas a quien admires especialmente y con quien te gustaría trabajar? Me encanta trabajar con gente que dé

el 100% en cualquiera que sea su campo. Esos son los proyectos que más disfruto: trabajar en colaboración para pasar una historia de un medio creativo a otro diferente, ya sea con escritores, cineastas, músicos, floristas o filósofos. También me gustaría seguir haciendo obra a gran escala y explorar el lenguaje mediante el espíritu de la tipografía en el contexto del arte contemporáneo.

life in a project at a later date. I’m also inspired by creative fields outside of graphic design and anything that can’t be found on the Internet! I love old book stores, new music, small towns, art galleries and hidden nature escapes for finding new ideas. In the vast world of letters and fonts, how do you get your own style? I

think working intuitively and creating the work that you feel you need to create outside of client work is the only way to avoid trends. The personal work that I do late at night, after getting my commercial jobs out of the way, are the experiments that translate into new techniques and styles of lettering. With the rich history of typography and writing you will never escape tradition though. Most styles have come before and it’s good to recognize this and adapt styles to a new context or time and bring something of yourself to it rather than try to completely reinvent the wheel. What does it mean to you being a Volcom ambassador? What do you

expect from it? I am so honoured and excited to be coming on board as a Volcom ambassador. The brand has such a positive vibe and ethos and a handful of amazing and talented brand ambassadors who I’m honoured to be joining. As I am so often a lone rider working freelance in my studio, it’s great to be joining the wider Volcom family and I am expecting my work to be fuelled by this shared creative spirit and the experiences along the way. What do you think about the relationship between art and boardsports? The culture

CREATING SOMETHING FROM SCRATCH, WITH OUR HANDS, IS SOMETHING THAT’S INTRINSICALLY HUMAN

Nuestro tema esta edición es PURE, ¿qué sifgnifica esta palabra para ti? Creo que a nivel creativo ser PURE es dejar que lo estás creando comu-

nique una idea concisa y con sentido. A nivel personal es ser auténtico y sincero contigo mismo.

Is your interest in letters something innate or has it been encouraged by some specific experience or fact? How did you start? I don’t think it was

innate. I was originally studying law before I decided to make the creative move to communication design. While at design school I spent a bit of time in the letterpress studio learning to set old metal type by hand. This was where my passion really blossomed and I’ve been obsessed with typography and the written word ever since. One of the main characteristics of your work is its handmade quality. When you’ve got an assignment from a client is that a condition for your work or do you often work digitally/ with vectors? I do work across medi-

ums, from brush and ink, illustrative lettering to digital and vector work but the hand made quality seems to be something clients are more interested in at the moment. Even if the final output is crisp and refined vectors, I still usually start sketching with pencil on paper for most projects. In which of the projects you’ve been involved in have you felt more comfortable? I guess I enjoy projects with brush style lettering at the moment.

The repetitive process of drawing with brushes and ink can be very therapeutic. The recent job I did for Kirin Cider – where I hand painted 37 billboards with brush lettering – pushed the limits of my comfort zone with such large scale and quantity of the work to be done, but in the end it was a rewarding experience with great results. How do your ideas come up? What inspires you? Working with words and

letters, I am constantly inspired by language, conversations, song lyrics and quotes. I’ll hear something that resonates, jot it down and bring it to

of boardsports is linked to getting outdoors, being brave, taking risks, pushing yourself to your limits and revelling in the adrenalin of the experience. Not only are there a lot of overlaps I find in the creative process but art and boardsports both build a community around a shared experience. The two fields attract the same type of kindred spirits: creative, bold, brave, down-to-earth people who make the most of being alive.

Boadsports culture has a extense DIY philosophy, what do you think about this? I think it’s a great philosophy. The more we move towards

everything being digital the more important and relevant a DIY philosophy becomes. Creating something from scratch, with our hands, is something that’s intrinsically human. It carries a great sense of accomplishment and connects you more closely with the reality of materials and time that goes into making objects, which can often be forgotten these days. What about working on the street? Do you like it? It most probably makes you feel completely free… I haven’t done a huge amount of street art but there’s been a few instances of outdoor live painting and large indoor murals that are a similar experience. I like it because it’s performative and you can’t fuck it up! Once it’s on the wall you can’t undo your mistakes. I feel this restriction ironically gives you more freedom to be confident in each brush stroke and increases your levels of concentration. I love the scale and physical aspect of live painting too. Large murals allow you to use your body in a way that is different to drawing on a small piece of paper. Plus, the end result is something bigger than yourself, the scale of the artwork can be as bold and powerful as advertising signs and billboards. What’s your current goal for the future? Any artists you admire a lot and

who you would like to work with? I love to work with people who are at the top of their game in any field. Those are the kinds of projects I’d love to do more of: collaborative work where you translate one story into another creative medium… whether it’s with writers, film makers, musicians, florists or philosophers. I’d also love to continue to do more large scale work and to explore language through the spirit of typography in a contemporary art context. Our current topic is PURE, what does this word represent for you? I think on a creative level being PURE is about letting what you create communicate an idea concisely and meaningfully. On a personal level it’s about being authentic and true to yourself when it counts.

FLOWER WOMAN PH: EUNICE ADORNO

www.euniceadorno.net

T: MANUELA ALCATRAZ

Asis Percales

INKED HEART

El estilo final es una mezcla de pasado, presente y un futuro idealizado. Asis Percales es el nombre bajo el que se esconde Francisco Romero Ruiz, un artista de Granada que ilustra porque su corazón está hecho de tinta. Influenciado por la cultura pop y la gráfica del tatuaje (aunque él aún no se ha hecho ninguno), sus obras tienen un sello de autenticidad que es sinónimo de pureza. La naturaleza en su estado primario es la base de su obra, lo que marca el rostro de sus personajes y se retuerce en el alma de sus animales. His final style is a mixture of past, present and an idealised future. Asis Percales is the surname under which Francisco Romero Ruiz illustrates. Mainly because his heart is made out of ink. Influenced by pop culture and tattoo-like graphics –even though he does not wear any yet, his artwork carries an authenticity stamp that equals purity. Nature in its most primary state is the basis of his work and determines his characters’ faces and also twists inside his animals’ souls.

Defines tu trabajo como ilustración erótico festiva sin aditivos, explícanos bien qué abarca este concepto. Mi concepto de ilustración

erótico festiva es algo con lo que intento definir la visión alegre caótica de mis obras en las que el humor satírico y las situaciones festivas se entremezclan con personajes como poco singulares. Lo de sin aditivos es una forma de hablar y de diferenciarme, mostrando mi trabajo como algo original y buscando mi propio estilo. ¿Cuándo empezaste a ilustrar y qué te impulsó a ello? Siempre he dibujado, es una forma de expresarme y de divertirme. Dedicarme a ello de una forma más profesional fue algo a lo que me impulsó la buena respuesta de la gente, una cosa llevó a la otra. ¿Algún referente que haya marcado tu estilo? El hecho de haber

vivido en un pueblo ha marcado mucho mi forma de ilustrar. Mi estilo lo he ido formando a partir de diferentes influencias, desde artistas diversos a experiencias varias. ¿Quiénes son los personajes que aparecen en tu obra? No son perso-

“

La ilustración erótico festiva es algo con lo que intento definir la visión alegremente caótica de mis obras.

”

también por cómo es ésta, la propuesta me ilusionó mucho. El trabajo ha sido muy fácil, ya que en todo momento me dieron libertad creativa. Son grandes profesionales y espero poder colaborar con ellos en más momentos. ¿Con qué marca te gustaría colaborar y qué tema desarrollarías con la misma? Me gustaría trabajar con muchas marcas, aunque no me

najes reales concretos, me baso en caras o rasgos que llaman mi atención y los presento exagerándolos y mostrándolos como una especie de caricatura, aunque hay gente que se ha visto representada.

cierro a ninguna, la clave está en que se presente un proyecto interesante, podría estar bien diferenciarse y trabajar con una marca blanca.

Además de ilustrar, estás metiéndote en el mural, ¿qué te aporta un formato y otro? El arte mural es algo que aún tengo pendiente, no lo

exposición y lo compagino con algunos encargos, proyectos y mis estudios, hay que estar en todo.

he experimentado tanto como quisiera pero estoy en ello. La ilustración debe trabajarse en diferentes formatos, usando todas las posibilidades: mural, papel, serigrafía etc. Probar y usar diferentes elementos y espacios es algo que ilustradores y artistas en general deben hacer como algo natural, una forma de ofrecer su trabajo a un mayor público.

Como has dicho en alguna ocasión tu obra bebe del cómic, de artistas como Sergio Mora y Shepard Fairey, o sea un chute de cultura popular y de calle, pero también la podemos relacionar con el mundo del tatuaje, con una línea muy marcada, ¿cómo relacionas esta mezcla o estos dos mundos? Creo que estos dos mundos están

¿En qué estás trabajando actualmente? Estoy preparando una nueva

El monotema de nuestro número de marzo es PURE, ¿qué te inspira este concepto? Siempre me ha gustado la naturaleza y al vivir en

un pueblo, es algo que ha estado muy presente en mi vida. Creo que el concepto Pure hace referencia a algo original y único, que se muestra tal como es.

¿Estás contento de vivir en Málaga? ¿Qué lugar del mundo elegirías para vivir y por qué? Soy de Granada, ahora vivo en Málaga por

muy relacionados y siempre han ido de la mano, tanto el tatuaje como el cómic me han llamado mucho la atención, aunque yo aún no tengo ningún tatuaje.

cuestión de estudios y sí, es una ciudad en la que es muy fácil vivir, con muchos alicientes y que actualmente tiene una gran variedad de oferta cultural. No sé dónde acabaré estableciéndome pero hace un tiempo que me llama mucho la atención Latino America y si no acabo viviendo allí, me gustaría pasar una buena temporada, creo que es muy PURE.

¿Cómo definirías tu trayectoria desde que empezaste hasta ahora? ¿Hasta dónde te gustaría llegar? Trayectoria es una palabra que aún

un tópico, ser feliz y disfrutar con lo que hagas.

me viene grande, creo que he ido evolucionando, marcando cada vez más mi estilo. Como ilustrador he realizado varios proyectos y exposiciones desde que empecé, aunque el año pasado viajar a Barcelona fue un espaldarazo en mi carrera y me ayudó mucho. No me pongo una meta, lo más importante es disfrutar con lo que haces y que se vayan presentando nuevos proyectos y retos.

Trabajas con una marca de gafas, Uniqbrow, ¿cómo defines tu colaboración con ellos? Mi colaboración con Uniqbrow ha sido muy intere-

sante. No solo por poder relacionar mis ilustraciones con una marca sino

¿Qué es de las cosas más importantes para ti en la vida? Aunque sea

¿Cuál crees que es la mayor equivocación colectiva? El no cuidar nuestro planeta y que no sea una prioridad. Como broma que no repongan el programa Con mucha marcha de Leticia Sabater. ¿Te sientes aliviado cuando estás creando? Sí, cuando estoy creando me pongo a gusto, casi siempre con música y un café. ¿Cuál es el personaje más PURE que te has cruzado en la vida?

Lo mejor siempre está por llegar.

You define your work as erotic-festive illustration without additives, tell us what this concept covers. My erotic-festive illustration concept

is something through which I intend to make the happy caothic vision of my pieces come together. Satirical humour and festive situations are mixed with characters –who are singular to say the least, in diverse situations. The without additives part is a way of speaking and differentiating myself, showing my work as something original and seeking my own style.

“

Erotic-festive illustration is something through which I intend to define the happily caothic vision of my pieces.

”

When did you start illustrating and what pushed you to it? I have

always drawn, for me it works as a way of expressing myself and having fun. Making a living out of it was a result of people’s good acceptance. One thing lead to another. Did any particular model determine your style? The fact of having lived

in a village was decisive for my illustrating style. I have been influenced by various artists and experiences.

The job has been quite easy, as I was always given creative freedom. They are huge professionals and hope to be able to collaborate with them on further occasions.

Who are the characters that appear in your work? They are not real

What brand would you like to collaborate with and what topic would you approach? I would like to work with many brands, although I am

concrete characters, I simply create from faces or features that draw mi attention and I exaggerate them and show them as some sort of caricature. Some people have seen themselves represented though.

open to many options. The key is in interesting projects coming up.It would be worth it trying to differentiate myself and working with a house brand.

Apart from illustrating you are starting to do murals as well, what do both formats provide you with? Mural art is still something pending for

What are you currently working on? I am preparing a new exhibition and I combine this with assignment jobs, projects and my studies, everything needs to be taken care of.

me. I have not had the chance of experimenting as much as I would have liked to, but I am on it. Illustration is something that needs to be worked on in different formats as well as using all existing possibilities: mural, paper, serigraphy, etc. Trying and using different elements and spaces is something illustrators and artists in general should do naturally, as a way of making their work available to a wider audience. As you once mentioned one of your biggest influences is comic and artists like Sergio Mora or Shepard Fairey, hence a shot of popular and street culture that can also be related to the world of tattoo and its defined line. How do you mix these two worlds? I think these two worlds

The issue for March’s edition is PURE, what does this concept make you think of? I have always liked nature and since I grew up in a village,

it has always been present in my life. I believe the concept Pure refers to something original and unique, showing itself as it is. Are you happy to live in Málaga? Where in the planet would you choose to live and why? I come from Granada but I live in Málaga now because

are very close to each other and have always gone hand in hand. Both tattoo and comic have interested me a lot... even though I do not carry any myself.

of my studies and yes, it is an easy city to live in, it has many advantages and it currently offers a great variety of cultural life. I am not sure where I will end up but for some time now Latin America has been drawing my attention. I would like to spend there quite a long time, I find it truly PURE.

How would you define your path since your start until now? Where would you like to get? Path is a rather big word for me. I think I have

What are some of the most important things in life for you? As typical though it may sound, I would say being happy and enjoy what you do.

evolved in the creation of my style. As an illustrator I have carried out many projects and exhibitions since I started, although last year travelling to Barcelona was a huge help for my career. I do not set a concrete goal for mysef, but the most important part is enjoying with what you do and to keep facing projects and challenges. You work with a glasses brand, Uniqbrow, how do you define the collaboration you have with them? My collaboration with Uniqbrow has

been very interesting. It meant not only being able to relate my illustrations to a brand but I was also thrilled because of their characteristics.

What do you think the biggest collective mistake is? Not taking care of

our planet and not having it as a priority. Joke-wise, the fact that Leticia Sabater’s show “Con mucha marcha” is not broadcast anymore. Do you feel relieved during creation time? I always feel good when creating, I usually put music on and have some coffee. Which is the PUREST character you have ever bumped into? The best

is always yet to come.

Steve Rocco Push 58

T: ANE PUJOL

J. Grant Brittain

This is how all started

Cuando J. Grant Brittain empezó a fotografiar a sus colegas skaters, no tenía ni idea de que hoy sus imágenes serían el documento visual de cómo nacía un deporte y se gestaba toda una cultura. Ni de que esos skaters serían leyendas. Y mucho menos de que él, que empezó como vigilante en un skatepark, podría ganarse la vida juntando sus dos pasiones: el patín y la fotografía. Fue uno de los fundadores de The Skateboard Mag, de la que es Director de Fotografía, Production Manager y Copropietario. When J.Grant Brittain began taking photos of his skater mates, he could have never realised how after some years those pictures would become a visual document of the development of a sport and the growth of a culture. Not to mention that those skaters would become legends. During the time he worked as night security guard at Del Mar Skate Ranch it surely never crossed his mind that he would in fact be able to make a living out of his two passions: skate and photography. He is currently Director of Photography, Production Manager and Co-Owner of The Skateboard Mag.

www.jgrantbrittain.com

Tuve mucha suerte por haber estado rodeado de los mejores skaters de los 80, a ellos se lo debo todo, eran los que tenían el talento, yo sólo una cámara.

Empecemos por el principio. ¿Cuándo te iniciaste en el skate y la fotografía, cómo llegaron a unirse estas dos pasiones? De niño ya patinaba, me regalaron un ska-

teboard en Navidad de 1965 y empecé a surfear en 1970. Trabajé en el skatepark Del Mar Skate Ranch entre 1978 y 1984 y en 1979 tomé prestada la cámara de fotos de mi compañero de habitación y empecé a fotografiar a mis amigos y a la gente que venía. Así fue el principio.

¿Cuándo empezó a ser un trabajo la fotografía de skate, algo de lo que podías vivir? Estuve tomando foto-

grafías durante un par de años en Del Mar, pasé algunas a la revista Thrasher y publicaron cuatro o cinco. Por esa época Larry Balma estaba creando una revista y le empecé a dar fotos. Esos fueron mis inicios en Transworld Skateboarding Magazine, en 1983. Al principio no ganaba dinero y todavía trabajaba en Del Mar Skate Ranch, era el vigilante nocturno y dormía sobre la mesa de billar. Cambié mis estudios de arte por los de fotografía y empecé a entender mejor de qué iba. Un año después cobraba 200$ al mes, iba por el buen camino. Entiende que en esa época no se podía vivir de la fotografía de skate y éramos solo cuatro. Se puede decir que estabas en el momento y el lugar adecuado para convertirte en fotógrafo de skate y conocer a todos los skaters. ¿Qué crees que lo hizo posible? Trabajaba en el skatepark y conocía a todos

los pro skaters de la época. Del Mar era la Meca y los pros iban allí a patinar, así que pude fotografiarlos a todos. Cuando empecé a fotografiar para la revista, todo el mundo quería que le hiciera fotos para salir en ella. Tuve mucha suerte por haber estado rodeado de los mejores skaters de los 80, a ellos se lo debo todo, eran los que tenían el talento, yo simplemente tenía una cámara. Estaba en el lugar y el momento precisos, he tenido esa gran suerte. Has fotografiado a iconos como Steve Caballero, Lance Mountain, Rodney Mullen o Tony Hawk cuando aún eran desconocidos. ¿Cómo te sientes? De nuevo

afortunado. Ahí estaba, en la primera época del skate, cuando solo nos importaba a unos pocos. No tomaba fotos para preservar o documentar nada para la posteridad, simplemente lo hacía por diversión y pasar el rato con mis amigos, que resultaron ser los mejores skaters del mundo en esa época. No suelo utilizar la palabra Leyenda a la ligera, pero eso es lo que han llegado a ser esos hombres. Los quiero por lo que hicieron por mí y les tengo el máximo respeto, les debo tanto...

Llevas siendo fotógrafo de skate unas tres décadas. Puedes hablarnos de tu fotografía favorita, ¿la más especial? Con este son ya 35 años. Algunas de mis fotos

favoritas son la Miller Pole Cam, la Chin Ramp handplant o la Swank Pushing. Hay muchas, demasiadas para nom-

brarlas aquí. La instantánea de Tod Swank fue portada de la revista Transworld Skateboarding en 1987. Aunque casi nunca iba en portada, enseñé la foto a mis compañeros de Transworld y el Director de Arte, David Carson, y yo, estábamos a favor de que lo fuera, al resto no les gustó nada. Querían poner la típica foto de un tío saltando en el aire. Por esta discusión dejé la revista durante un par de días, volví y publicamos la foto en portada. A algunos lectores les encantó y a otros les pareció horrible, al final ha llegado a ser un icono de la fotografía de skate. Para mí muestra la esencia del skateboarding, desplazándose del punto A al punto B. Es algo que todos hacen. Estoy orgulloso de esa portada, muestra el skate de una manera diferente a la que se había mostrado hasta entones, va de la relación de un skater con su patín, e intenté plasmar la emoción del acto de simplemente patinar por una calle. ¿Cómo crees que ha evolucionado el skate como deporte y como industria desde finales de los 70 hasta ahora? Me gusta ganarme la vida con el skate y

me impacta que los skaters puedan ganarse la vida con su talento, pero también era increíble cuando dormíamos en coches y comíamos Taco Bell. No conocíamos nada más, nos lo pasábamos bien y a nadie le importaba lo que ocurría en nuestros parques locales. Hacíamos lo que queríamos, vivíamos a parte de la sociedad y nos gustaba. Creo que la primera industria del skate y los skaters de la primera época merecen un gran agradecimiento por parte los skaters y las empresas actuales, se les paga bien por todo lo que los pros hicieron durante los 80 y los 90. ¡Gracias, Tony Hawk! También la fotog rafía ha evolucionado mucho. ¿Puedes hablarnos de esta evolución en el estilo?

Los ángulos son bastante parecidos a los de los años 70. Las lentes son las mismas; largas y ojo de pez. El flash rápido de la Nikon FM2 de mitad de los años 80 hizo posible fotografiar con flash de día. También tuvimos que pensar en maneras de fotografiar el Street cuando se extendió. Además, empezamos la revista cuando aún no había ordenadores, pasamos la época de las cámaras Hasselblad de medio formato y luego vino la era del digital, que lo cambió todo. Fui el segundo fotógrafo de skate que se pasó de analógico a digital por necesidad, para reducir costes. Era muy caro, gastábamos 20 carretes en un truco de skate que no llegaba a salir. Yo creo que lo malo que tiene el digital es que ha vuelto a los fotógrafos un poco vagos. Recuerdo cuando la calidad de la foto era importante, ahora lo que cuenta es el truco. Gran truco, mala foto. ¿Y cómo describirías tu estilo personal? Creo que mi estilo es bastante básico, no soy un fotógrafo muy técnico, me gustan las fotos simples, gráficas por naturaleza, no muy recargadas. Intento deshacerme de los elementos que distraen en la composición. Pienso mucho en cómo

Berra

Tony Hawk

se va a ver una foto en una página impresa. Creo que eso me viene de cuando empecé con la fotografía y de cuando trabajaba en el cuarto oscuro, en la época de los dinosaurios. A nivel tecnológico, la fotografía dio un gran salto del analógico al digital. ¿Cómo viviste tú esta evolución? ¿Cuáles son para ti los pros y los contras? No quería

ser el fotógrafo de skate más viejo y estar en contra de lo digital. Cambié de formato entusiasmado. Es simplemente otra manera de tomar fotos, otra herramienta de la caja. Es difícil hacer una revista sin lo digital. A fin de cuentas, hoy en día, todo es digital en la revista. Aún disparo en analógico, lo hago para relajarme, es mi forma de meditar.

¿Cuál fue tu primera cámara, y qué equipo tienes ahora? Una Minolta SRT201 y una Minolta/Rokkor

lens de 50mm y 20mm, que tiene mi hija. Ahora disparo con una Canon 5D, 15mm fisheye, 16-35mm, 50mm, 70-200mm, Hasselblad 503CW, Leica M6, Quantum Qflashes, Poket Wizard Radio Slaves y Profoto lights, y algunas cámaras más.

¿Cuál crees que es tu contribución a la fotografía de skate? Me gustaría que mi contribución fuera mostrar el

drama y la belleza del skateboarding, siempre he querido mostrarlo tan bien como le hace sentir a uno. La fotografía de skate es... Mostrar a los demás cómo

es la libertad.

¿Sientes nostalgia de los viejos tiempos? Adoro los años

80, viví la época dorada del skate, pero también me gusta el presente.

¿Cuál es tu mayor reto en la fotografía de skate? Subir

y bajar por las estructuras de hormigón, me duelen los huesos.

¿Sigues patinando y fotografiando? Con la fotografía

estoy activo sí, con el skate no, aunque a veces patino por la calle para notar la sensación que produce. Sigo surfeando muy a menudo.

¿Lamentas algo en tu carrera? Nada, quizás debería haber sido más organizado, porque perdí algunas fotos en Transworld Skateboarding. ¿Algo de lo que estés especialmente agradecido? De haber encontrado algo que aún amo hacer después de 35 años, no mucha gente puede decir lo mismo.

Rodney Berra 63 Mullen

I was very lucky to be surrounded by the best skaters of the 80s, I owe everything to them, they had the talent, I just had a camera.

Let’s start from the beginning. When did you begin skating and taking pictures, how did they become one?

I already skated as a kid, I got a skateboard for Christmas in 1965 and started surfing in 1970. I worked at the Del Mar Skate Ranch skatepark between 1978 and 1984 and in 1979 I borrowed my roommate’s camera and started taking photos of my friends and of those who came by. This is basically how it began. When did skate photography become a job, something out of which you could make a living? I took pictures for

a couple of years at Del Mar, some of which were passed on to Thrasher magazine and four or five of them were published. During that time Larry Balma was starting a magazine and I began giving him pictures. Those were my first steps at Transworld Skateboarding Magazine, in 1983. At the beginning I did not get any money and was still working at Del Mar Skate Ranch as a night guard and slept on a pool table. I quit my art studies to take up photography studies, and started understanding what it was about. A year later I was earning 200$ a month, I was on the right path. Bear in mind that in that time it was not possible to make a living out of skate photography and it was just a bunch of us. We could say you were in the right place at the right time to become a skate photographer and get to know all the skaters. What do you think made this possible? I was

working at the skatepark and and knew all the pro skaters of the time. Del Mar was the place to be and pros went there to skate, so I could take shots of all of them. When I started taking photos for the magazine, everyone wanted me to take pictures of them to be in it. I was very lucky to be surrounded by the best skaters of the 80s, I owe everything to them, they had the talent, I just had a camera. I was in the right place at the right time, that was real luck. You took photos of icons such as Steve Caballero, Lance Mountain, Rodney Mullen or Tony Hawk when they were sill unknown. How do you feel about that? Again lucky. There I was, at the beginning of skateboarding, when only a few of us were interested. I did not take photos to preserve or document anything for posterity, I just did it for fun and to spend time with my friends, who turned out to be the world’s best skaters of that time. I do not easily use the word Legend, but that is what those people turned out to be. I love them for what they did for me and I truly respect them, I owe them so much...

Before it became the cover, I showed the picture to my colleagues at Transworld and David Carson, art director and I were in favour of it to be so, but the rest did not like it at all. They wanted the cover to be the typical photograph of some guy jumping in the air. I quit the magazine for a couple of days due to this argument, then I came back and we published the picture as cover. Some readers loved it and some hated it, but in the end it turned out to be an icon of skate photography. I believe it shows the essense of skate photography, going from point A to point B. It is what everyone does. I am proud of that cover, it shows a different aspect of skateboarding that had never been shown before. It expresses the relationship of a skater and his board, and I tried to capture the emotion of the act of simply skating in the street. How do you think skateboarding has developed as a sport and industry since the late 70s till now? I like to

make a living out of skate and it strikes me that skaters can make a living out of their talent, although it was also awesome when we slept in cars and ate Taco Bell. We did not know anything else, we had fun and nobody cared what went on in local parks. We did what we wanted, lived outside of society and we liked it. I think skate’s first industry and first skaters deserve a massive thank you from today’s skaters and companies, they are well paid for everything the pros did during the 80s and 90s. Thanks, Tony Hawk! Also photograpraphy has developed a lot. Could you tell us abut this evolution in its style? The angles are quite

similar to the ones in the 70s. Lents are the same ones, long and fish eyed. The fast flash of the Nikon FM2 of the mid 80s made it posible to use a flash in the daylight. We also had to think of ways to photograph the Street when it extinguished. Also, we started the magazine when we still had no computers, we skipped the time of Hasselblad cameras of half format and then the digital era came, which changed everything. I was the second skate photographer who went from analogue to digital due to necessity, to reduce costs. It was very expensive, we spent 20 rolls in a skate trick that we could not get done. I think the drawback of digital is that it has made photographers rather lazy. I still remember when a photo’s quality was important, whereas what now counts is the trick. Good trick, bad photo. How would you describe your personal style? I think my

You have been a photographer for three decades. Could you tell us about your favourite photography, the most special one? Counting the current one it makes 35 years

now. Some of my favourite photographies are Miller Pole Cam, Chin Ramp handplant or Swank Pushing. There are many, too many to name them here. Tod Swank’s snapshot was the cover of Transworld Skateboarding in 1987.

style is quite basic, I am not a very technical photographer, I like simple shots, graphic by nature, not too overloaded. I try to stay away of elements that draw attention out of composition. I think a lot of how a picture will look like in a printed page. I think that comes from when I started with photography and when I worked in the dark room, back in the dinosaur era.

Baldy

Hosoi

At a technologic level, photography made a huge jump from analogue to digital. How did you experience this evolution? What do you think the pros and cons are? I

Skate photography is... Showing others what freedom is

did not want to be the oldest skate photographer and be against the digital. I was thrilled to change formats. It is just a different way of taking photos, just using another tool. It is hard to make a magazine without the digital. At the end of the day, everything goes in a digital format today. I still shoot in analogue, which I do to chill and also use it as a meditation source.

Do you feel nostalgia of older times? I love the 80s, I lived

What was your first camera, and what is your current equipment? A Minolta SRT201 and a Minolta/Rokkor

lens of 50mm and 20mm, which my daughter has. I now shoot with a Canon 5D, 15mm fisheye, 16-35mm, 50mm, 70-200mm, Hasselblad 503CW, Leica M6, Quantum Qflashes, Poket Wizard Radio Slaves and Profoto lights, among some other cameras. What do you think your contribution to skate photography is? I would like my contribution to show the drama

and beauty of skateboarding, as I have always wanted to show it as well as it makes one feel.

like. skateâ&#x20AC;&#x2122;s golden age, but I also do like the present. Which is your biggest challenge in skate photography?

Going up and down cement structures, even my bones hurt. Do you still skate and take photos? I am active in photography, not with skate though, although I do sometimes skate in the street to get the feeling it gives you. I still surf very often. Do you regret anything in your career? Nothing, maybe I should have been more organised, since I lost some photos in Transworld Skateboarding. Something you feel especially grateful for? Having found something I still love doing after 35 years, which not everyone can claim to do.

T Y F: LUIZA LACAVA

BASTIEN DUVERDIER Overflowing Glass Durante nuestro viaje a Berlin para asistir a la última edición de Bright Tradeshow tuvimos el honor de charlar en House of Vans con el muy talentoso rider de la marca Bastien Duverdier. El vasco-francés, que hace ocho años que patina de forma profesional, ha descubierto hace poco su faceta musical, tocando su guitarra resofónica mientras canta canciones inspiradas en puro soul. Un todo que se cierra en un universo perfectamente conectado y redondo, pues puede patinar y viajar a los lugares más lejanos y misteriosos de este mundo siguiendo sus timmings marcados por el skate y llevarse siempre consigo su música. La pasión que muestra por su propia vida, con su optimismo de “vaso lleno”, es contagiosa. During our trip to Berlin to attend the latest edition of Bright Tradeshow we had the honour of chatting in House of Vans with the brand’s hugely talented rider Bastien Duverdier. Born in the French side of the Basque Country, he has been skating professionally for eight years and has just recently discovered a musical side of his, which he shows by playing a resophonic guitar and singing songs inspired by pure soul. It all together creates a perfectly connected, round universe, since he is able to skate and travel to the most hidden and mysterious spots on Earth, always following the timings marked by skate and taking his music with him. He shows an undeniable passion for his own life and follows a highly contagious “half full glass” philosphy.

kepa.bandcamp.com

Actúas bajo el nombre Kepa, ¿de dónde viene? Aprendí a tocar la guitarra en casa de mi abuela y como no tenía nombre artístico para cuando tocase Kepa me sonó perfecto... ¡así se llamaba mi abuelo! ¿Cómo descubriste tu faceta musical? He pasado tres años aprendiendo

de forma autodidacta, escuchando mucha música, intentando tocarla yo mismo y mirando vídeos en internet.

Tocas una guitarra muy bonita (y diferente), ¿cómo se llama? Es una guitarra resofónica, la primera amplificada. La inventaron unos hawaianos y de hecho llegó antes que el amplificador electrónico. Buscaban amplificar el sonido de la guitarra porque la voz, violines y otros instrumentos siempre iban por encima de ésta. La resofónica se inventó a principios de los años 30 y justo el siguiente año llegó el amplificador, fue un boom, de repente todos querían hacerse con uno. ¿Cómo conseguiste tu resofónica? La compré en California hace cerca de un año. No se encuentran en Europa. Hacía tiempo que la escuchaba y me encantaba cómo sonaba. Cuando me hice con la mía en los Estados Unidos, supe que era mi instrumento. Fue amor a primera vista. También cantas cuando actúas. ¿Cómo empezaste? No tengo técnica cuando canto. ¡Sencillamente empecé a hacerlo! Era mi hermana la que cantaba cuando éramos niños, no yo. Empecé hace tres años y me gustó, cantar me hacía sentir realmente bien. Cantaba solo todo el día en casa de mi abuela e imagino que sencillamente lo seguí haciendo. Más tarde descubrí los Naked blues (un cantante y una guitarra), e intenté aprender a cantar como ellos, aunque no salió del todo bien. Me gustó muchísimo pero soy incapaz de expresar su emoción. Yo soy muy feliz, me gusta mi vida. Así que ahora intento inspirarme en algo de su música, pero adaptado a mí mismo, a algo que pueda transmitir. ¿Cómo es tu relación con la música y el skate? He patinado durante dieci-

séis años, y durante ocho de ellos de forma profesional. Respecto a la música, por primera vez descubro algo que me emociona tanto como el skate. Mi guitarra y el skate son lo primero para mí ahora mismo.

¿Hay algún lugar que hayas visitado a partir del skate que te haya gustado o impactado especialmente? Cuando viajo no digo “me encanta este

You perform under the name of Kepa, where did you get it from? I learnt to

play the guitar at my grandmother’s house and as I found myself withous a name I could use to perform, I thought Kepa was just perfect... it used to be my grandfather’s name! How did you discover this musical side of yours? I have spent three years learning by myself, listening to a lot of music, then trying to play it and basically watching videos on the internet. You play a very beautiful -and different- guitar, what is it called? Mine is a

resophonic guitar, the first amplified one. It was invented by the Hawaiians and it actually came before the electronic amplifier. They were trying to amplify the guitar sounds because violins, voices and other instruments were covering the guitar all the time. The resophonic was invented in the early 30s and just a year later the amplifier came which was some sort of boom, suddenly everybody felt they needed one. How did you manage to get a resophonic? I bought it in California about a

year ago. They cannot really be found in Europe. I had been listening to it for a while and I really liked what it sounded like. When I bought mine in America, I knew it was my instrument. I loved it straight away. You also sing when you perform. How did that start? I have no technics

when I sing. I just started to do so! My sister was the one to sing as kids, not me. I started three years ago and loved it, singing made me feel so good. I sang alone at my grandmother’s all day long and I guess I just kept doing so... I then discovered the Naked blues –no more than a singer and a guitar– and tried to learn to sing like those guys, but it somehow did not work out. I found it amazing but I am unable of expressing their emotion. I am happy, my life is good . So I now try to keep something from their music but also adapting it to myself, to something I can actually transmit. What is your relationship with music and skateboard like? I have been

skating for sixteen years now, and in a professional way for eight of them. As for the music, I feel I have finally found something I love as much as I love skateboarding. My guitar and my skateboard go now in the first place for me. Is there a place you have visited while skateboarding that you really enjoyed and that you’d like to tell us about? When I travel I never tell

sitio, ¡aquí me quedo!”, soy una persona curiosa. Por poner un ejemplo, estuvimos de viaje en Burma y fue una experiencia increíble. Contacté con unos skaters locales a través de un vídeo que vi en un canal de televisión francés y alemán. Era un documental sobre el panorama del skate en Burma y me fascinó tanto que busqué a aquellos tipos a través de internet. Mantuvimos contacto durante dos años hasta que fui, ellos fueron geniales y estuve encantado de poder estar en Burma. Otro sitio genial en el que he estado es Ordos, una ciudad fantasma en China. Todo era enorme y una locura: no vive nadie y es una ciudad inmensa. Todo está vacío. Es increíble patinar ahí. Puedes hacerlo donde te apetezca, los policías además se aburrían bastante, no tenían nada que hacer así que... hasta se hicieron amigos nuestros. Fue una experiencia de lo más loca, he patinado dentro de un banco y en sitios en los que no se me pasa ni por la cabeza en ciudades convencionales.

myself “oh I love this place I want to live here”, I just rather appreciate going everywhere and being curious. For instance, we were in Burma for a trip and it was such an unbelievable experience. I had gotten in touch with some local skaters after a video I saw in a French and German TV channel. It was a documentary about the Burma skate scene and I was so amazed that I looked for them on the internet. We kept in touch for two years until I got there. They turned out to be awesome and I was thrilled about being in Burma. Another nice place I visited was Ordos, a ghost city in China. Everything was simply immense and noone lives there: everything is empty. It was breathtaking to skate there. You can do it everywhere, the cops were in fact so bored for not having a thing to do that they even became friends with us. It was a totally crazy experience, we have skated inside a bank and in some other places I could have never imagined in conventional cities.

¿Prefieres patinar en la calle o en indoor? Lo que más me gusta del skate es la sensación de libertad que me proporciona estando donde sea. Me encanta irme al campo y no a sitios comunes como California o Barcelona, así que prefiero hacer la mía. No me importan especialmente los sitios conocidos o la competición que se crea entre varios skaters en un mismo lugar. Me gusta sentirme libre. Cuando no hay demasiados skaters es realmente genial, al estar únicamente tú y otra persona se da otra conexión, y la llegas a conocer mejor. Pocos pero conectados. Por eso siempre intento montarme mis propios viajes y organizármelos para obtener esa clase de experiencia. Hasta ahora mis sponsors me han respetado al cien por cien en ello y yo no podría ser más feliz. Puedo ir donde quiera y ellos me apoyan, tal como soy.

Do you prefer skating in the street or indoors? What I like the most about skating is the freedom sensation I can get from it wherever I am. I like being off to the countryside instead of common skating spots like California or Barcelona, hence doing exactly what I want. I am not really into famous spaces or the competition created between lots of skaters at the same place. I like to feel free. When there are not so many others I find it more special, just you and someone else and a connection of even getting to know each other. You might as well be less but properly connected. That is why I always try to make my own trips and organise them in a way I can get that sort of experience. So far my sponsors have respected me a lot on all that so I could not be happier. I can go wherever I want and they support me, just the way I am.

Cuéntanos más sobre libertad y sponsors. En mi caso soy absoluta-

Tell us more about freedom and sponsorship. In my case I am absolutely free. I can be exactly who I am in reality, and I am never asked to fit in or get involved in more competitions, which is the best, I feel comfortable by being myself and I find this priceless. And now that I do music as well, they support my music too!

mente libre. Puedo ser exactamente como soy en realidad, no me piden que encaje o que me meta en más competiciones, es realmente genial, me siento cómodo siendo yo mismo y eso no tiene precio. Y ahora que también hago música, ¡también la apoyan!

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Blues PHOTOGRAPHY & STILISM: CECILIA ALVAREZ-HEVIA ARIAS MODELS: ITZIAR ORBEGOZO, ALICE DAVIS Y SUSANN MOORE THANKS: EDUARDO G. MON, RICK’S, AMANDA AULTZ, TOMATO PIE PIZZA, KINGSROAD LOS FELIZ, PARADISE BY THE SEA.

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Cicero de Guzman Jr.

RIDING THE DREAM T: XAVI OCAÑA

Los sueños no se olvidan. O los cumples por las buenas, o acabas con ellos por las malas. En cuestión de sueños no hay término medio: si no has tenido las agallas para hacerlos realidad, tienes que tener cojones para librarte de ellos. Cicero de Guzman Jr no los tuvo, pero al menos fue capaz de dejarlos ciegos a golpe de flash: no dedicó su vida a ser piloto, pero se montó en una moto cámara en mano y convirtió el sueño en fotografía, en un garaje y una carretera en blanco y negro. Dice que quiere fotografiar a gente real haciendo cosas reales. Y qué hay más real que los momentos en los que los valientes que aún tienen cojones para soñar, se echan a la carretera, cierran los ojos, sienten el viento en la cara y le dan gas. Fundador de la revista Godspeed 45/06 (dedicada -cómo no- al sueño), a sus cuarenta y tantos, se ha ganado a pulso el título de fotógrafo de la cultura chopper actual. Retrata la realidad y alimenta el mito. Se quita mérito diciendo que el mundo está lleno de cosas puras y de gente honesta, que están ahí, delante de nuestras narices, que él solo se limita a ponerle un marco. Y tras ver sus fotografías, uno se pregunta en qué mundo habrá estado perdiendo el tiempo. En pleno apogeo de la cultura Do It Yourself, qué mejor que hacerse un sueño. Él lo hace, los protagonistas de sus fotografías también. Y si de cojones se trata, ten cojones, y sueña. Dreams cannot and should not be ignored. You either pursue them naturally or be prepared for they will turn against you. If you were not brave to make them come true, then be brave enough to acknowledge so and let them go. Cicero de Guzman Jr may knocked his dreams out with his flash: instead of becoming a pilot he held a camera close and sat on a motorbike, making the dream turn into photography, a garage and a black and white highway. He says he wants to caputre real people doing real things. And what is there more real than moments in which courageous people who still dare to dream hit the road, close their eyes, feel the breeze in their faces and speed up. Founder of Gosdpeed 45/06 magazine –of course dedicated to the dream– and in his fourties, he deserves his current title of today’s chopper culture photography fi gure. Modest about his way of capuring reality, he claims the world is full of pure elements and honest people who are simply there and who he does nothing but frame. Truth is one asks oneself where the hell one has been, since his work gives a turn to the Do It Yourself culture and makes one wonder what a next pursuable dream could be. He does indeed so and so do his protagonists. But no dream comes true without bravery, so be brave and dream.

www.cicerodeguzmanjr.com www.godspeed4506.com

Director de arte, diseñador, fotógrafo y chopper, ¿te has dejado algo en la lista de: cosas para hacer? Mi primer trabajo como diseñador

fue a los 16 años. No aprendí a pilotar una moto hasta que tuve 25 o 26 años. Tenía 38 cuando empecé a fotografiarlas. Lo nuevo es siempre más excitante. Lo único que quiero es disparar y pilotar más: hay tantos sitios por ver y gente que conocer. ¿Cómo definirías a Cicero de Guzman Jr en una frase? Soy un “kook”,

¿tenéis una palabra para eso en España? (chiflado).

¿Cuándo dirías que tu romance con el universo chopper empezó? ¿Y tu idilio con la fotografía? Estaba en Costa Rica para el año nuevo

del 2000. Paré en una pequeña tienda en mitad de una carretera sin asfaltar y allí tenían dos viejas copias de la revista Easyriders. Las compré y me enganché a las choppers. En 2003 me tomé algún tiempo para mí y fui a una escuela de mecánica de Florida llamada AMI. Allí aprendí un poco y empecé a intentar construir mi primera chopper. Antes de que acabara con ella, me divorcié y tuve que vender varias cosas (la moto incluida). Eso era en 2006. Durante algún tiempo estuve sin moto hasta que en 2009 decidí que quería hacer algo relacionado con ellas. Así que empecé a fotografiarlas. Cuando ahora miro mis primeras fotos no me parecen buenas. Pero por aquel entonces Keino Sasaki me convenció de que no estaban tan mal, le creí y eso me animó a seguir disparando.

Como director de arte, estás entrenado para juzgar el trabajo de otros. ¿Cicero, el director de arte, le complica mucho el trabajo a Cicero, el fotógrafo? Sí, mi parte de director es muy crítica con mi parte

de fotógrafo. Pero he aprendido a ignorarla y simplemente fotografiar: no juzgues, solo dispara.

¿Tienen mucho en común un fotógrafo y un piloto de choppers?

Tal vez para algunos fotógrafos de motos sí, pero para mí son dos cosas diferentes. Pilotar es muy del momento. Fotografiar es estudiar y componer. Para mí la fotografía sucede también fuera del momento en sí.

¿Cómo escoges a los protagonistas de tus instantáneas? ¿Qué personas y lugares podemos encontrar en ellas? Viaje donde viaje, busco a las

personas que construyen y pilotan choppers. Godspeed 45/06 surgió para documentar la cultura chooper actual. Tal cual. Sin adornos ni artificios. Cuando entro en el garaje de alguien y me preguntan si quiero que muevan o cambien algo, siempre les digo que no. Quiero fotografiarlo todo tal y como es.

Irónicamente, tu obra retrata la realidad de unos a la vez que alimenta las fantasías de otros. ¿La fotografía es una buena manera de conocer a personas, los sitios…? He estado pensado sobre ello. Mi

intención es documentar una realidad. Pero soy consciente de que estoy alimentando mitos al mismo tiempo. Creo que si la foto es buena, siempre revela algo de verdad.

¿Qué crees que es más importante: la realidad o lo que ésta inspira?

La inspiración es siempre importante. En cambio, la importancia de la realidad va creciendo según la foto se va haciendo vieja. Uno de los aspectos más fascinantes de tus fotografías es que casi puedes notar como el aire te da en la cara: transmiten libertad en estado puro. Alguien que se dedica a fotografiar la libertad, debe saber mucho sobre ella. ¿Con qué crees que tiene que ver la libertad? Creo

que tiene que ver con poder hacer lo que realmente quieres cuando llega tu momento. O, al menos, con sentir eso aunque sea en momentos fugaces.

La mayoría de tus disparos son en blanco y negro, ¿por qué? Es solo

una cuestión estética. Me siento más cómodo disparando en blanco y negro. Tengo más control sobre cómo quiero que se sientan las fotos.

¿Nunca has caído en la tentación de dejarlo todo y darte a la vida en la carretera? Estoy seguro de que todos tenemos esa fantasía. Soy un tipo

familiar, así que no podría vivir en la carretera. Aunque espero seguir recorriéndola.

No sólo fotografías, sino que también eres piloto. ¿Cuántas motos tienes? Tengo una moto acabada, una Harley-Davison de 1967 con estruc-

tura Motorshop de los 80. Ahora estoy además trabajando en una HarleyDavidson de 1967 con estructura Wayne Engineering.

¿Y cuántas cámaras? Casi siempre uso la misma cámara, una Canon 5D. También tengo una Nikon F3, por si en algún momento me da por atreverme con el carrete. ¿Cuál es el equipo con el que sueles salir a fotografiar? Solo las cámaras

y un par de lentes.

Tus fotografías desprenden una honestidad y autenticidad que casi se pueden tocar, pero ¿cuánta post-producción hay en ellas? ¿Cuáles son tus programas de cabecera? Gracias. No hay demasiada post-pro-

ducción, ajusto las imágenes para encontrar los grises que quiero y sólo uso Photoshop.

¿Cuál es tu parte favorita del proceso de fotografiar? Viajar, conocer

gente y escuchar sus historias. Aprender sobre motos. Es inspirador estar rodeado de talento y pasión.

¿Y la parte más complicada? El tiempo y el dinero. Las piezas de las

choppers no son baratas. ¿Cuál es tu opinión sobre el debate: fotografía analógica vs. fotografía digital? No soy lo suficientemente bueno como para fotografiar con carrete.

Mi personalidad encaja mejor con lo digital. Tienes que disparar con lo que mejor te sientes. Siento un gran respeto por los enamorados de lo analógico. En el universo chopper, los pilotos se deshacen de lo innecesario para quedarse con los elementos básicos de sus motos. De ese modo logran aumentar la velocidad, el riesgo y la diversión. ¿Cuánto de esa filosofía hay en tus instantáneas? En fotografía ¿menos también es más? Sí,

totalmente. Mi atracción por las choppers tiene mucho que ver con el minimalismo. Tratar de transmitir el máximo sentimiento y esencia capturando lo mínimo. Eso es lo que busco en todas las facetas de mi vida. E imagino que esto también debe ser una buena explicación acerca de presentar mis fotos en blanco y negro. ¿Crees que al mundo le iría bien someterse a un proceso Do It Yourself similar al de las Choppers para desprenderse de todo lo que está de más? En cuestión de choppers hay muchas combinaciones. Diferentes

partes, líneas, adornos y estilos. La cosa es que cuando estás pilotando ni siquiera ves la moto, solo existe la carretera ante ti y el sentimiento de que algo bueno está pasando. Eso es lo importante. Tus fotografías respiran honestidad y autenticidad. En el mundo real de carne y hueso, ¿dónde se esconde esa pureza? No creo que se

esconda, está ahí todo el tiempo. Lo único que yo hago es ponerle un marco alrededor.

LA IMPORTANCIA DE LA REALIDAD VA CRECIENDO SEGÚN LA FOTO SE VA HACIENDO VIEJA ¿Un sueño profesional? El año pasado lanzamos una línea de camisetas. El apoyo y la respuesta que obtuvimos fue increíble. Esa es la dirección en la que me gustaría que pasaran las cosas: poder ver a Godspeed 45/06 crecer como marca.

¿Por qué crees que tus fotografías resultan tan sinceras y reales?

Me gustaría ser mejor en eso. Intento no entrometerme en el momento que estoy fotografiando, alterar la realidad lo menos posible. ¿Cómo nace el proyecto Godspeed 45/06? Háblanos de él. El proyecto

Godspeed 45/06 empezó en 2009 y es básicamente una colección de libros de fotografía que documentan la cultura chooper de hoy en día. Es algo que hice por mí, por hacer fotos y estar cerca de las motos. Cuando lo inicié no tenía ni idea de cuánta gente fascinante conocería y cuántos buenos amigos haría. Ha sido divertido.

¿En qué estás trabajando ahora mismo? ¿Qué es lo siguiente que veremos de Cicero deGuzman Jr? Siempre tengo varios proyectos de

diseño en marcha y estoy empezando a trabajar en proyectos de diseño y fotografía para firmas relacionadas con las motos. Acabo de terminar un lookbook para DePalma Clothing y estoy trabajando para Visionary Cycle Products. La web de Godspeed 45/06 acaba de ser rediseñada y estoy metido en el proceso de archivar cada instantánea para que esté disponible de forma online. Más viajar, más disparar, más pilotar.

Dinos algunos de los fotógrafos a los que admiras. Danny Lyon, Bill

Muchos de los seguidores de lamono son fotógrafos o amantes de la fotografía. ¿Qué consejo darías a un fotógrafo que esté empezando?

Ray, Pulsating Paula. Adam Wright, Michael Schmidt. Larry Clark, Boogie, Hedi Slimane y Alexis Gross.

Comenzar es el gran paso, así que enhorabuena. Después de eso, es solo cuestión de práctica. Dispara cada día. Y dispara a algo que ames.

Art director, designer, photographer, rider… Does there remain something undone from your “things to do” list? I got my first design job when

I was 16 years old. I did not learn to ride a motorcycle until I was already 25 or 26. I was 38 when I started photographing motorcycles. New stuff is always more exciting. I just want to shoot and ride more. There are so many places to see and people to meet. How would you define Cicero deGuzman Jr. in one sentence? I am kind

of a kook. Do you have a word for that in Spain? When would you say your chopper love story started? And your photography idyll? I was in Costa Rica for 2000’s New Years. I stopped in a little

store off of a dirt road, where I found two old copies of Easyriders magazine. I bought them and just got hooked on choppers. In 2003 I took some time off to go to a mechanic’s school called AMI in Florida. I learned a bit and started trying to build my first chopper. Before I was done, I went through a divorce and had to sell some of my belongings, including my unfinished bike. That was 2006. So for a while I was motorcycleless, and in 2009 I just wanted to do something motorcycle related... so I started taking pictures of them. When I look at them now, I realise my first photos were not that good. But at the time Keino Sasaki convinced me that they were not bad and I believed him, which encouraged me to keep shooting. As an art director you are trained to judge artworks. Is it difficult for Cicero, the photographer, to work with Cicero, the director? What is the relationship like between them both? Yes, the art director side of me is

quite critical of my photography, but I have learned to ignore that and just shoot. Less judging and more shooting.

a reality. But I realise I am making myths at the same time. I think if the photo is good, then it reveals something. What is more important: reality or what it inspires? Inspiration is

always important, but I think the importance of reality will grow as a photo gets older. One of the most fascinating aspects of your photographs is that you can almost feel the fresh air caressing your face: they transmit freedom in its pure state. Someone whose work is a lot about photographing freedom must have something to say about it. What do you think freedom is about? I think it is about doing “your own thing in your own

time.” Or at least feeling that way for whatever fleeting moments. The most part of your shots are in black and white. Why? Does freedom fit better in B&W? It is just a personal aesthetic preference. I feel

more comfortable producing my photos in B&W. I have more control over how I want the photos to feel. Have you never been tempted to leave it all and throw yourself to the life on the road? I am certain we all have that fantasy. I am a family

man, so I cannot live on the road, but I do hope to ride down more of it. You not only photograph them: you are also one of them. How many choppers do you own? I have one finished bike, a 1967 Harley-Davidson

in an 80’s Motorshop frame. And another bike I am currently working on, a 1976 Harley-Davidson in a Wayne Engineering frame. And how many cameras? Any favourite one? I mostly use a single camera: a Canon 5D. I also have a Nikon F3, in case I feel like popping off some film.

THE IMPORTANCE OF REALITY WILL GROW AS A PHOTO GETS OLDER

What is your equipment when you are off to photograph? Just the cam-

eras and a couple lenses. Your photos transmit something so beautiful and real you can almost touch, but how much post-production do they involve? What are the

digital programs you usually work with? Thank you. There is not so much post, I just adjust the images to find the greys I want, which is all done in Photoshop.

Do a chopper rider and a photographer have much in common? I am not

What is your favorite part of the process of taking photos? Travelling. Meeting the people and listening to the stories. Learning about the bikes. It is inspiring to be around talent and passion.

sure, maybe for some motorcycle photographers. For me it is surely two different things. Riding is very in the moment. Photography is studying, composing. Hence very outside of the moment as I see it.

ain’t cheap.

How do you choose the protagonists of your photos? What kinds of people and places can we find in your pics? Wherever I travel to, I seek out

the people who build and ride choppers. Godspeed 45/06 was always meant to be a document of today’s chopper culture. Unembellished. Unstyled. Whenever I walk into someone’s garage, they will say to me, “Let me know if you want me to move or change something.” I never do. I just want to photograph everything as it is. Ironically, your work captures reality and feeds fantasy at the same time. Is photography a good way of getting to know people, places and reality? I have thought about this quite a bit. My intention is to document

And the most complicated one? Time and money I guess. Chopper parts

What is your opinion about the debate: 35mm vs. digital photography?

I am just not good enough to find a good photo in a roll of 36 exposures. My personality is more suited to digital. You have to shoot what turns you on, and I have a lot of respect for people in love with film. At the Chopper universe, pilots take off from their motorbikes the unnecessary and just the essential remains. That is how speed, risk and fun are increased. To what extent can we find this philosophy in your work? Is less more in photography too? Definitely. My attraction

to choppers is very much about minimalism. Getting the most feeling and substance from the least amount of matter. I look for that in every

part of my life, and I think that might be a better explanation as to why I chose to present my photos in B&W.

cool people I would meet and how many good friends I would make. It really has been fun.

Do you think that, as choppers do, the world should undergo its own Do It Yourself process to take away everything that is irrelevant? What

Name some photographers you admire and who inspire you. Danny

do you think the world should take off? There are so many representations in choppers. Different combinations of parts, different lines, different embellishments, different trends. The thing is, when you are riding, you cannot even see the bike... there is just the road in front of you, and a feeling that something good is happening. You photos are honest and burst with authenticity. Beyond them, in the flesh and blood real world, where is this purity hidden? Difficult

to say. Probably not so hidden but it is here all the time... all I do is putting a frame around it. Why do you think your shots look so sincere and real? I would like to

get better at this... I try not to tamper with the moments that I photograph. I want to affect the scene as little as possible. How was the Godspeed 45/06 project born? What can you tell us about it? Godspeed 45/06 is a project I started in 2009 and is basically an

ongoing collection of photography books documenting todayâ&#x20AC;&#x2122;s chopper culture. It was something I did for myself, so I could take photographs and be around motorcycles. I had no idea when I started how many

Lyon, Bill Ray, Pulsating Paula. Adam Wright, Michael Schmidt. Larry Clark, Boogie, Hedi Slimane, Alexis Gross. A professional dream? Last year, the t-shirt line was launched and

the support has been encouraging. I would like more to happen in that direction and to see Godspeed 45/06 grow as a brand. What comes next for Cicero? Tell us about your upcoming projects.

There are always a few design projects that I have ongoing work on, and I just started taking on design and photography projects for other motorcycle related brands. I also finished a lookbook for DePalma Clothing, and I am currently working on a rebranding for Visionary Cycle Products. The Godspeed 45/06 website has just been redesigned, and I am in the process of archiving every shoot which will entirety be on the site. I am working on new linesheets and lookbooks. More travelling, more shooting, more riding. lamono is followed by lots of photographers and photography lovers. What advice would you give to photographers who have just started?

I think getting started is huge, so congratulations. After that, it is just practice. Shoot everyday. And shoot something you love.

T: BÁRBARA E STEBAN ROMERO

CHERYL DUNN STREET PURITY Dicen que las mejores fotografías son las que se hacen de cerca, a una distancia tan corta que llega a rozar la empatía, en la que el objetivo es capaz de captar la esencia de lo que tiene delante, y es eso exactamente lo que consigue Cheryl Dunn cada vez que sale a la calle, cámara en mano, dispuesta a dar vida a historias escondidas tras una mirada o un simple gesto. La relación entre Cheryl y la fotografía es pura química en un escenario donde todo es posible, cuando llega ella, las calles de Nueva York se desnudan dejando ver la pureza del ser humano. It is said that the best pictures are those taken from a such short distance that the eye becomes almost empathic, the objective being able to capture the essence of what is in front of it. That is exactly what Cheryl Dunn does every time she goes out, holding her camera close, ready to bring stories hidden behind a glance or simple gesture to life. The relationship between Cheryl and photography is pure chemistry in a scenery where anything is possible. Whenever she is around, New York’s streets undress and reveal the purity of the human being.

www.cheryldunn.net

“Mi pasión por la fotografía empezó cuando era una adolescente, me fui a Europa a los veinte y viví ahí durante dos años. No hablaba el idioma de los países en los que estaba, así que a veces me pasaba días sin pronunciar palabra. Caminaba por las calles, tomaba fotografías y me concentraba en el arte la mayor parte del tiempo. Mi capacidad de observación se agudizó bastante porque en realidad eso era prácticamente lo único que tenía. Me gustaba inventar historias sobre gente e imaginarme lo que sucedía en cada escena, siendo entonces cuando realmente empecé a hacer fotografía callejera. Era la única cosa que me llenaba totalmente, en todos los sentidos. Me encantaba la energía, esperar la oportunidad perfecta para fotografiar algo, la velocidad requerida para reaccionar, el uso de mis instintos. Es un trabajo duro que no depende de a quién conozcas ni de esos contactos que ayudan a encontrar el éxito. Siempre me ha interesado la ciudad de Nueva York porque tiene una de las mayores tradiciones de fotografía callejera, sobre todo por sus factores históricos que contribuyeron a este hecho: la revolución industrial y la llegada de los inmigrantes, como describe Max Kozloff, la concentración de los ciudadanos, apelotonados por las calles, así como la forma en que la luz se refleja en los edificios de acero y vidrio, alejados de la naturaleza, desarrollándose una magia ideal para capturar fotográficamente. Muchos fotógrafos de la calle venían de Europa y veían esta nueva ciudad como una referencia diferente; tanto, que a todos les urgió salir a las calles para investigar qué pasaba. Se puede encontrar gente de todo tipo y de todos los estratos sociales, una cacofonía de asombro. Creo que el fin de la fotografía es conservar un momento en el tiempo para el futuro, algo que quieres compartir, que refleje que lo que estás viendo ya sea memorable, divertido o trágico. Una emoción es evocada y necesitas capturar ese momento fotográficamente, o por lo menos intentarlo. Hay muchas personas que no tienen esa necesidad de documentar lo que ocurre a su alrededor, yo considero que es algo que viene de dentro. Una fotografía es la representación de algo, un objeto de significado o referencia y muchas veces algo misterioso, la química está involucrada, la reflexión, la luz y la abstracción. Puedes llegar a extraer la pureza y la identidad de las personas fotografiadas si no saben que se les está fotografiando porque su comportamiento natural no se altera y son estas las experiencias que busco. Creo que a través del streetphotography uno se puede acercar a la identidad más pura, cosa que con otras representaciones visuales no consigues. Los fotógrafos urbanos

van a la calle sin un orden del día y abiertos a captar cualquier cosa que se ponga por delante. Esto hace que sea diferente a otras formas de fotografía. La esencia de Nueva York podría describirse como un lugar donde aterriza gente desde hace siglos, con un único objetivo: conseguirlo. Vienen y se van rápido, todo cambia a cada segundo. Todo es aquí posible y la gente nunca deja de tratar de encontrar esas posibilidades que anhelan. Todos los artistas aspiran de hecho a mostrar su trabajo y la competencia es feroz. Pero como en todas las grandes ciudades, Nueva York tiene su turismo y se puede encontrar un contraste entre la pureza y la superficialidad que rodea a la comunidad de personas que no viven aquí y solo vienen a echar un vistazo. En cualquier caso la pureza está ahí, es cuestión de buscarla y no cesar en el intento. No temo a ese desafío y creo que los contrastes crean una tensión interesante. Mi vida como fotógrafa me ha llevado a conocer las bajezas más duras del ser humano pero creo que viajar y ver cómo vive la gente te enseña a tener una mirada sin prejuicios tras haber ido adquiriendo una idea basada en la diversidad de la vida y las situaciones, un entendimiento que genera una compasión que trato de compartir y difundir con mis fotografías y películas. Respecto al film Everybody Street elegí a propósito una gran variedad de personajes con diferentes estilos y filosofías para que el espectador decidiera con qué se sentía más identificado. Buscaba dejar constancia de que la fotografía callejera no tiene una definición concreta, al igual que cualquier otra forma de arte, pero una cosa que sí tengo clara es la pasión subyacente y el impulso que comparten todos los fotógrafos de esta disciplina, esa sensación de que nunca se ha acabado, de que siempre hay algo más para capturar. Para mí era crucial presentar la historia de la cultura de Nueva York porque personalmente me gusta, hay mucho que aprender de la historia y a menudo se nos presenta de una forma ambigua. También quería aprovechar la oportunidad para hablar con los artistas vivos que hacía tiempo que no pasaban frente a una cámara. Es algo no muy común en la cultura americana, lo de respetar a sus mayores, como lo fue en el pasado, pero si cuentas la historia de manera fresca y emocionante, la gente joven se engancha y el conocimiento que proviene de la atención a la historia adquiere un valor incalculable. La fotografía de las calles de Nueva York es un campo muy abierto con posibilidades ilimitadas pero es un trabajo duro y al final del camino se crea una clara separación entre los fotógrafos ocasionales y los artistas comprometidos”

LA ESENCIA DE NUEVA YORK PODRÍA DESCRIBIRSE COMO UN LUGAR DONDE ATERRIZA GENTE DESDE HACE SIGLOS, CON UN ÚNICO OBJETIVO: CONSEGUIRLO.

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NEW YORK’S PURE ESSENCE COULD BE DESCRIBED AS A PLACE WHERE PEOPLE HAVE COME FOR CENTURIES AND STILL TRY TO MAKE SOMETHING HAPPEN.

“I have been shooting pictures ever since I was a teenager, I went to Europe in my early 20s and stayed for two years. I did not speak the language of the countries I was living in so sometimes would not even speak for weeks. I walked the streets, took pictures and looked at art most of the time. My observational skills became quite keen as that was all I had. I would make up stories about people and imagined what was happening in a scenery. I guess this is when I really started to do street photography. It was the only thing that fully engaged me in every way. I loved the energy, the importance of chance in every single shot. Also the speed at which I needed to react and the use of my instincts were hard to do in a proper way. I learnt how time needs to be invested. Also how getting good is therefore about how hard you work and not who you know or any of the other ways through which people often find success. New York City has one of the biggest traditions of street photography. Some of the factors that contributed historically were the industrial revolution, immigrants pouring in the “volatile proximity” as Max Kozloff describes, also the concentration of citizens, all bunched up and walking the streets. The way light plays off t buildings made of steel and glass finally bounces off the rivers and magic unfolds magically, ripe to be captured. Many street photographers came from Europe and looked at this new city with a different frame of reference, then going in the streets to study what was up. In the streets of New York you can find people of all kinds, and different social strata walk in mass, resulting in a cacophony of amazingness. I think photography starts with the thought of a momento of time I want to keep for the future, that I want to share. You feel what you are looking at is memorable, funny or tragic; then, some kind of emotion is evoked that sets free the action of capturing that momento photographically –or at least trying to. There are anyway many people that do not have that urge to document what is around them, I believe it comes from within. A photograph is a representation of something, an object of meaning or reference and often very mysterious. Chemistry is involved, reflection, light and abstraction. I think you can unravel someone’s pure identity if they unaware of them being photographed. Their natural behaviour is not altered, which is why those are usually the experiences I go for. I think street photography is a mean of being able to come closer to that pure identity, probably more clearly than other visual representations. Street photographers go hit the streets without an agenda and are open to capture what might be unfolded. This is

what makes street photography different to other forms of photography. Although pure is a curious word to use for photography, if applied it would be a non judgmental, agenda-less form of photography. New York’s pure essence could be described as a place where people have come for centuries and still try to make something happen. They come and go very fast and things change every second. Anything is possible here and people never stop trying to find those possibilities. Artists at the top of their game aspire to display their work here and competition is fierce. Every big city has its tourist side, and here a contrast between purity and the superficiality surrounding the community of people who came by to take a look can be spotted. You just have to look harder and I am happy to face this challenge. I actually find there is an interesting tension caused by this contrast. Leading a photographer life has taken me over all the highs and lows of humanity but travelling and seeing how people live really trains you to have a non judgmental eye. Hopefully, you will have acquired insight into a diversity of people’s lives and situations. Therefore, having this understanding breeds a compassion that I try to share and spread with my photographs and films. As for the film Everybody Street I purposefully chose a diverse array of characters that have different styles and ways of shooting, as well as different philosophies. It is for the viewer to decide what resonates most to each of them. I do not believe street photography holds a clear definition, just like any art form. What I do however consider clear is the underlying passion and drive to do it embedded in all of these photographers, having the feeling that you are never done and there is always something else to capture. It was crucial for me to present the history of New York’s culture due to my personal interest towards history, from which we can learn so much. I also wanted to take advantage of the opportunity to speak to living artists who may not have spent much time in front of the camera. It is not really part of the American culture to respect their elders as it used to be in the past but if you make history appealing and exciting to younger people, they will surely engage. Knowledge that comes from attention to history is priceless. New York City street photography is a very open field with unlimited possibilities, but due to the ease at which people can use tools to do street photography today, the new challenge is to make the best of one’s work. Editing your work and being sure of what you are saying is something that takes effort. Hard work makes the difference and separates casual shooters from lifelong committed artists”

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T: LARA TUNER

VICTOR CASTILLO

LA NO-INOCENCIA DE LA INOCENCIA.

El chileno Víctor Castillo es un viejo conocido de Barcelona, una ciudad que le dio la libertad creativa necesaria para crecer como artista. Ahora, afincado en Los Ángeles, busca otro tipo de aire y se da el placer de hacer una pausa en sus temáticas habituales, en su constante crítica del contexto contemporáneo. Quizás, por un momento, sus dibujos sean menos políticos y su técnica algo más limpia. Pero, escuchándolo hablar, es evidente que su discurso se mantiene igual de contundente. Educación, madurez y compromiso para cambiar un entorno corrompido. Eso defiende. Y, como no, el arte siempre es una buena vía para hacerlo. Chilean Victor Castillo is one of Barcelona’s good old friends, since that is the city that provided him with the creativity he needed to develop as an artist. He is now based in Los Ángeles, looking for a change of pace and allowing himself a small pause from his usual topics, that is from constantly putting the contemporary context under his critical eye. He might have gotten to a point where his drawings are less political and his technique rather cleaner. His speech is, however, still as forceful. Good manners, maturity and commitment to make our corrupted environment a better place. That is what he fights for. And it goes wthout saying that art is an unbeatable way of doing so.

victor-castillo.com

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Pure Pleasure es el título de la exposición que acabas de inaugurar en la Merry Karnowsky gallery de Los Ángeles (EEUU), ¿qué temáticas abordas en esta exposición? Pure Pleasure es una pausa, “un gesto

necesario de libertad”, que viene a ser un descanso de la temática que siempre ha delineado mi trabajo. Me refiero a la crítica tragicómica del contexto contemporáneo. En este caso, me he dejado llevar por el simple placer de pintar, centrándome en imágenes cargadas de erotismo, amor, o que insinúan algún tipo de acto de libertad. Esta libertad también la he aprovechado para introducir más elementos propios de la psicodelia en mis composiciones.

Nos tienes acostumbrados al uso del color. Aquí sorprendes con piezas elaboradas únicamente en tinta negra, ¿a qué se debe este cambio?

Con el uso exclusivo de un blanco y negro plano, sin matices, pretendo resaltar lo que ya comentaba sobre una pausa en mi trabajo reconocido por el color y la luz. A modo de giro dramático, la idea es sorprender con una composición limpia que refuerce aún más la idea de pureza y al mismo tiempo que dé cuenta del gesto directo de mi mano, como no lo hacen las pinturas saturadas de color, donde se pierde o camufla el trazo. Viviste en Barcelona durante muchos años y estuviste vinculado al movimiento artístico de la ciudad. lamono te entrevistó en ese momento. Pasados los años, ¿qué crees que te aportó esta experiencia a nivel profesional y personal? Barcelona me aportó muchas cosas, marcó

el inicio de mi proyección internacional. Primero, una sensación de libertad creativa que hasta entonces no había podido disfrutar en mi propio país, luego también me brindó a los mejores amigos que, como artistas, influyeron definitivamente en mi trabajo. Barcelona me cambió como persona y artista, hasta el punto de hablar de un antes y un después. Llegué en el momento preciso, cuando había una energía poderosa en la ciudad. ¿Con qué objetivo decidiste trasladarte a Los Ángeles? Los Ángeles, igual que Barcelona, se dio sin premeditación alguna. Simplemente sucedieron las circunstancias precisas para que todo fluyera de forma natural. En este caso dos eventos simultáneos: el cierre de la galería Iguapop de Barcelona y la oferta de trabajar con Merry Karnowsky gallery en Los Angeles. Aproveché la oportunidad para seguir viajando y explorar los Estados Unidos, un país emblemático del que tantas veces directa o indirectamente he hablado de forma crítica en mi trabajo. Entonces, ¿qué mejor que vivir aquí para entender la influencia de este país? Además la corriente con la que se me ha vinculado, el Lowbrow, nació aquí, en California. Es una vuelta, el cierre y el comienzo de un ciclo muy interesante.

La cultura pop, la música, el cómic, la pintura clásica y los dibujos de tu infancia son algunas de tus influencias estéticas, ¿cómo valoras los dibujos que ahora se hacen para niños? ¿Alguna referencia que nos puedas recomendar? No sabría analizar los actuales dibujos animados

para niños porque no les he prestado suficiente atención. Quizás existe, al igual que en la música, en la pintura y en el arte en general, una sobredosis de opciones que llenan el panorama con producciones de cuestionable calidad. Lo poco que he visto no me ha gustado demasiado. Aunque soy fanático de los Simpsons.

Sigues confiando en los niños como protagonistas de tus obras, ¿qué encuentras en el mundo infantil que te ayuda a expresar los malestares del mundo adulto? Me sigue pareciendo aburrido retratar adultos, cuando

éstos aparecen en mis pinturas no tienen rostro (como en los clásicos animados de Tom y Jerry). Los niños representan muy bien la influencia del entorno, de la cultura, del sistema donde se desenvuelven, son las tempranas víctimas de todo adoctrinamiento y al mismo tiempo son crueles por su propia inocencia. En el fondo pienso que la sociedad en su conjunto no ha madurado, la humanidad se mantiene en un estado infantil, incluso estúpido. Por otro lado, con Pure Pleasure he comenzado obras eróticas protagonizadas por adolescentes o jóvenes.

“El mundo es un lugar maravilloso que ha sido corrompido” o “Todo es una mentira”. Tus afirmaciones plantean una visión muy “dark” de nuestra sociedad, ¿qué deberíamos cambiar? Antes de nada la educa-

ción. Sin esta base ningún cambio será sostenible. La consciencia social, ambiental y espiritual vienen luego por añadidura. Por eso es tan lamentable y no es casual que la educación pública esté perdiendo calidad en todas las parcelas donde este proceso globalizador-neoliberal de dominio económico se instala. Algunas de tus señas de identidad son esa luz oscura, los rostros sin ojos y la nariz de Pinocho que lucen tus personajes, ¿cuál es la mayor mentira que has escuchado últimamente? Pienso que las protestas masi-

vas, el descontento social predominante, esta gran desilusión de la ciudadanía son los síntomas de la pérdida de legitimación de los poderes fácticos y las instituciones políticas, religiosas y económicas. Nos vendieron una democracia que se ve corrompida por todas partes. ¿De qué manera crees que el arte en general puede ayudar a transformar este contexto contemporáneo tan hostil que planteas? El arte

y la educación pueden ir de la mano, sensibilizando y creando conciencia.

¿Tu obra ha sufrido algún cambio desde que resides allí? Este es el país de las cosas, de las opciones, de la variedad. Esto ha significado explorar materiales con mucha facilidad, encontrar lo que mejor se acomoda a mis necesidades y especializarme en mi propia técnica. Por otro lado, estar rodeado de tantos artistas increíbles de todo el mundo y ver exposiciones notables todo el tiempo ha influido, sin duda, en mi obra. Yo diría que aquí el cambio ha sido más trabajo concentrado y más proyección. Además de comenzar a incorporar poco a poco elementos de la contracultura y sobre todo de la psicodelia.

¿Qué otros proyectos tienes en marcha ahora mismo? Una larga lista de

En 2007, El País publicó un reportaje sobre el Surrealismo Pop en el que se hablaba, por primera vez, de tu trabajo y el de otros artistas afines, ¿te sigues sintiendo identificado con esta etiqueta? Es una

Cuando no trabajas, ¿en qué empleas tus energías? En explorar música y descansar, pero sobretodo en viajar, salir de la ciudad.

etiqueta que me ha seguido desde entonces. Incluso hace poco vi que en Wikipedia me incluyeron dentro de los artistas representantes del Lowbrow. No es algo que me guste demasiado, aunque tampoco me preocupa. Pienso que mi trabajo, a diferencia de gran parte sobre todo del Surrealismo Pop, es más político. Espero que con el tiempo esto cambie a medida que se diversifique. Aunque parece estar sucediendo todo lo contrario, la etiqueta se está haciendo más fuerte.

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exposiciones en distintos países, incluida una individual en mayo de este año en Madrid, en la galería Blokker. Mi primera exposición en España desde hace un buen tiempo. Y también por confirmar en la misma fecha un dúo show de dibujos en Valladolid. Luego San Francisco, Hamburgo, México, Chile, la agenda no para. Aparte, siempre está presente el desplazamiento de mi trabajo visual a distintos soportes, sea por colaboraciones o directamente experimentación. Me refiero a esculturas, juguetes, presencia en cortometrajes, ilustraciones y ropa.

Y volviendo al título de la exposición... ¿existe algo completamente puro? Considero la naturaleza pura en todas sus manifestaciones, incluido

el ser humano, pero hemos sido muy laboriosos empeñándonos en corromperlo todo.

Y… ¿nos podrías decir uno de tus mayores placeres? Entre tantos…

escuchar música me llena sobremanera.

“

Considero la naturaleza pura en todas sus manifestaciones, incluido el ser humano, pero hemos sido muy laboriosos empeñándonos en corromperlo todo.

”

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â&#x20AC;&#x153;

I consider nature to be pure in all of its manifestations, including the human being. We have just put a great deal of effort in corrupting everything.

â&#x20AC;?

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Pure Pleasure is how you named the exhibition you just opened at Merry Karnowsky gallery in Los Ángeles (USA), what topics do you approach in it? Pure Pleasure is a pause, “a necessary gesture of freedom”, which

is basically a break from the topics that have always been present in my work. I am referring to the tragicomic critic of the contemporary context. In this case I have let myself go to the pleasure of painting, focusing on images full of erotism, love, or insinuating some sort of freedom act. I have also used freedom to introduce other psychodelic elements in my compositions. You got us used to the use of colour. But you now surprise with pieces made with black ink only, why this change? With the exclusive use of

plain black and white, without many nuances, I intend to highlight what I mentioned about a taking a break from my work characterised by colour and light. As a dramatic change, the point is to strike with a clean composition that strenghtens even more the concept of pureness and which, at the same time, directly shows my own hand’s gesture, unlike the colour saturated paintings do, where the stroke is lost or hidden. You lived in Barcelona for many years and were involved in the artistic movement of the city, which was when lamono interviewed you. After these years, what do you think this experience brought you in both a personal and professional way? Barcelona had a big influence on me,

it was decisive for the beginning of my international projection. Firstly, I found a freedom sensation I was unable to find in my own country. Secondly, I bumped into the best friends who, as artists, definitely influenced my work. Barcelona changed me as a person and as an artist, we could even say is was my before and after. I got here at a relevant time, when the city breathed a truly powerful energy. What was your goal when you decided to move to Los Ángeles?

Los Ángeles, like Barcelona, happened without any premeditation whatsoever. The perfect circumstances simply followed each other so everything would naturally flow. Two events in particular: the closure of Iguapop gallery in Barcelona and the offer of working with Merry Karnowsky gallery in LA. I took the opportunity to keep travelling and explore the United States, an emblematic country about which I have so many times both directly and undirectly treated in a critical way during my career. I then asked myself what a better way could there be of gaining a better understanding of the country, than by living there? Also the current I have been linked to, the Lowbrow, was born here, in California. This is an interesting circle closing and starting all over again. Has your artwork gone under any changes since you moved there?

This is the country of the stuff, options and variety. This has implied exploring materials very easily , trying to find what better suits my necessities and specialising in my own technique. Also, being surrounded by so many amazing artists of all over the world and being able to see remarkable exhibitions all the time, it helplessly affects your work. Change is in work being more concentrated as well as more projection. Also slightly starting to add contracultural elements and, more importantly, psychodelia. In 2007, El País publised a report about Pop Surrealism in which your work and similar artists’ were mentioned for the first time, do you still feel identified by this particular label? This label has followed me ever

since. I even recently checked Wikipedia and found myself as one of the main Lowbrow artists. It is not something I am particularly happy with, neither worried about. I consider my work to be rather political, unlike Pop Surrealism. I hope this changes as it diversifies. Although the contrary seems to be happenings, that is, the label is growing stronger.

Pop culture, music, comic, classical painting and your childhood’s drawings are some of your aesthetic influences, how do you feel about current cartoons made for children? Any references you would recommend? I would not know how to analise today’s animated cartoons for

kids mainly because I have not paid much attention to them. It is possible that, the same way it happened with music, painting and art in general, there has been an overdose of options that has resulted in productions of questionable quality. I have not been too fond of what I have seen so far. But I am one absolute fanatic of the Simpsons. You still rely on children as your work’s main characters, what is it that you find in their dimension that helps you express the handicaps of the adult world? Portraying adults is something I still find boring, so when

they do appear in my paintings they are faceless, like in Tom and Jerry’s animated cartoons. Children really represent the influence of the environment, the culture, the system in which they develop. I regard them as early victims of all indocrination but they are cruel by nature. Deep down I believe society failed to grow up and humanity has stayed in an infantile state, maybe even stupid. I also included erotic pieces featured by adolescents or young people in Pure Pleasure. “The world is a wonderful but corrupted place” or “Everything is a lie”. Your statements represent quite a dark view of our society, what do you think should be changed? Education above all. Without this basis not a

single change can be sustainable. Then social, environmental and spiritual consistency come afterwards. This is the reason why the situation is so shameful and the fact that public education is losing quality in all of its fields not surprising or casual. The current educational system enables a globalising-neoliberal state of economic power dominate us all. Some of your identity signs are dark light, eyeless faces and Pinocchio noses for your characters, what is the biggest lie you have recently heard?

I believe massive complaints, predominant social dissatisfaction and this huge desilusion are nothing but symptoms of the loss of legitimation of factual authority and political, religious and economic institutions. The democracy we were sold has been tremendously corrupted. How do you feel art in general can help improve this very hostile contemporary context? Art and education can certainly go hand in hand,

powering sense and creating consciousness. What other projects do you have in mind at the moment? A long list of exhibitions in different countries, including my own one in May this year in Madrid, in Blokker gallery. This will be my first exhibition in Spain after quite some time. At the same time and yet to confirm there will be a duo drawing show in Valladolid. Then San Francisco, Hamburg, Mexico, Chile, my agenda is pretty busy. Something that is always also present is moving my visual work to different supports, due to collaborations or mere experimentation. It basically involves sculptures, toys, being present in short movies, illustrations and clothes. What do you devote your energy to when you are not working? I nor-

mally explore music and chill, but travelling and escaping the city come first. Going back to the exhibition’s name... is there anything completely pure?

I consider nature to be pure in all of its manifestations, including the human being. We have just put a great deal of effort in corrupting everything. Could you tell us what one of your biggest pleasures is? Among so many

others... music fills me big time.

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T: LORENA PEDRE

MAURICE REBEIX

PURA VIDA El agua, la arena, la tabla, los surferos, Hawái. En las fotografías de Maurice Rebeix la pureza se respira en su totalidad. Su trabajo es el reflejo de la esencia de un modo de vida, una cultura y un pasado que influye en cada movimiento dentro del agua. Y es que la relación de los hawaianos con el océano es un vínculo que se genera casi en el mismo instante de nacer y dura de por vida. Y precisamente eso Maurice ha sabido reflejarlo mejor que nadie. Él es el que ha logrado enseñar al resto del mundo esta conexión y la influencia que tiene en el modo de surfear de los hawaianos. Porque a diferencia de lo que se pensaba antes de los 80’s, en Hawái no se surfea como en América, Australia o Europa; ellos tienen un estilo que jamás nadie podrá imitar. Water, sand, surfers, Hawaii. In Maurice Rebeix’s photographs pureness can be breathed in all of its glory. His work reflects the essence of a lifestyle, a culture and a past which has a clear influence on whatever happens under water. The relationship between Hawaiians and the ocean starts almost at birth and lasts a lifetime. This is precisely what Maurice has been able to reflect as noone has before. He has been the one to show this connection to the world, as well as the influence this has on the way Hawaiians surf. Contrary to what was thought before the 80s, surf in Hawaii has nothing to to with surf in America, Australia or Europe; their style is simply inimitable.

www.mauricerebeix.com

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¿Cuándo se encontraron tu pasión por el surf y la fotografía?

Comencé fotografiando deportes de naturaleza. Estaba muy implicado capturando escenas de alpinismo y escalada. Tras un periodo, un productor de documentales de surf contactó conmigo y a mediados de los 80 fui a Hawái. Allí, primero me dediqué a hacer documentales de windsurf y surf y posteriormente, en invierno del 92-93, comencé a trabajar sin apoyo y en blanco y negro centrándome en el surf en su contexto cultural y ético. De ese periodo nació un libro que tuvo mucho éxito debido a que ocupó un espacio por el que nadie antes se había interesado. En esa etapa el surf aún era concebido como un deporte americano, no como un deporte nacido en la Polinesia. No se conocía la relación que tienen los hawaianos con el océano y cómo influye eso en la práctica de este deporte. El libro lo mostraba todo tal y como era. ¿Cuáles son las mayores influencias en tu trabajo? Sin duda mi mayor

influencia ha sido Henri Cartier-Bresson. De él aprendes que la técnica es lo primero, porque si la dominas puedes olvidarla. Y también por la calidad de su mirada. No sólo exterior, hablo también de su ojo interior. Cuando un fotógrafo hace un retrato, no hace un retrato de una persona, hace un retrato de la relación que ha creado con ella. Es el ambiente, el momento, el lugar; no una cara. Es un retrato también de quién eres tú como fotógrafo.

¿Cómo definirías tu estilo? Lo definiría como “empático”. Mi intención

no es sólo hacer fotografía, quiero el momento, la persona, el sitio, el paisaje. Tengo un amor por todo ello que intento reflejar en mi trabajo.

¿Hasta qué punto crees que influyen las creencias de la cultura hawaiana en la práctica del surf en el país? Hoy en día la cultura

hawaiana es híbrida, una combinación del mundo moderno con una perpetuación de los valores tradicionales. Para un surfista hawaiano ser vigilante de la playa es concebido como un protector de su comunidad, es un sacrificio por ella. Asimismo el surf es uno de los medios para transmitir los valores tradicionales. No está americanizado, aunque a primera vista lo parezca. Hay un respeto por el océano y la tierra. Estos elementos son como parte de su familia, tienen una relación íntima con cada uno ellos.

¿Qué técnicas utilizas para reflejar ese espíritu del surf hawaiano en tus fotografías? Me centro en la elección de los sujetos. Su actitud,

su manera de hacer las cosas. Para un fotógrafo es muy importante coger instantes, capturarlos, pero también tiene que dar. Dar paciencia. No querer todo ahora mismo. Una dimensión de la cultura hawaiana, es la importancia del concepto de familia extendida. Sus playas son de clase obrera, proletarias, donde la familia es toda la gente de la playa. Por eso, cuando trabajas allí y les dedicas tiempo, acabas convirtiéndote en parte de ella. No les importa que seas extranjero o el color de tu piel. Ellos son una mezcla de todas las razas del mundo. Así que en su caso dar es recibir. ¿Qué diferencias encuentras entre el surf de Hawái y el que se practica en el resto del mundo? El estilo. Es sin duda diferente. Hoy en día

posiblemente no se note tanto, pero hasta los años 80-90, sí. El estilo Hawaiano significa surfear como un adulto. Ellos se casan con el océano.

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LA PUREZA ES CUANDO PUEDES IR A LO ESENCIAL. Y LO ESENCIAL, UNIVERSALMENTE HABLANDO, ES EL AMOR En occidente es muy diferente, nosotros queremos conquistar. El británico se va con un sherpa a escalar el Everest y cuando llega a la cima dice que lo ha conquistado, el nepalí, sin embargo, da las gracias por ser aceptado. El surf hawaiano es viril, potente, buscan las grandes olas. Pero no buscan conquistar, por eso ha influenciado a tanta gente del resto del mundo. ¿La fotografía te ha ayudado a comprender mejor las comunidades del antiguo y del actual Hawái? Si es así, ¿qué has aprendido? Ser

miembro de una cultura moderna no significa no admitir cambios. Los hawaianos viajaron por todo el Pacífico. Han repetido grandes travesías en canoas sin instrumentos modernos para demostrar que siguen siendo el mismo pueblo. Samoa, Pascua, Tahití…, todos están unidos. Son el reflejo de una cultura que sí se ha adaptado, pero sigue conservando sus raíces. Donde yo suelo trabajar el bautismo se realiza en el océano, la gente se casa en la playa y en los funerales las familias lanzan las cenizas al mar. Tienen un tipo de relación con el océano que influye en toda su vida, eso he aprendido. ¿Ha habido gente a la que te hubiera gustado mostrar en tus fotografías y por una cosa u otra no te han dejado hacerlo? No me ha pasado

demasiadas veces. Pero en Hawái, en las reservas indias donde trabajo, alguna vez sí que lo he vivido. Cuando sucede es duro para la estima del fotógrafo, pero es útil. Estas personas te recuerdan que hay límites. Como fotógrafo a veces olvidas la cámara, posiblemente es una debilidad, pero yo soy uno de esos fotógrafos.

¿Qué es la pureza para ti y cómo se refleja en tus fotografías? La pureza es cuando puedes ir a lo esencial. Y lo esencial, universalmente hablando, es el amor. Mis fotografías son una cosa entre el espectador y la persona que está retratada en ellas, ahí reside su pureza. ¿Qué te llevas de tu última exposición “He’enalu” en Two Thirds Barcelona? Estoy muy contento. Había mucha gente en la inauguración,

muchos jóvenes. Aunque noté un poco de síndrome de gran ciudad, es decir, en las ciudades la gente no puede dedicar mucho tiempo a una sola cosa, si hay otras la gente suele estar ocupada. Si fuera un pueblo extremeño creo que la gente miraría las fotografías con más tranquilidad. Pero estoy muy contento. Mi mujer es catalana y siento orgullo de haber podido exponer en su tierra. Si tuvieras que ponerle música a tus fotografías de surf, ¿qué sonaría? Izrael Kamakowiwo’ole. Es un grande.

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When did your passion for surf and photography find each other?

I started taking pictures of nature sports. I was very into capturing alpinism and climbing shots. After a while, a surf documentary producer contacted me and in the mid 80s I went to Hawaii. At first I recorded surf and windsurf documentaries and later on, during the winter of ‘92-93, I began to work without support, in black and white and focusing on surf’s cultural and ethical context. Out of this period a book came out, which happened to be very successful because it contained what nobody had ever been interested in before. In those days surf was still conceived as an American sport, not as one that had been born in Polynesia. The relationship between Hawaiians and the ocean was unknown, as well as how it affects the way surf is practised. The book showed this exactly as it was. What are your work’s major influences? My biggest inf luence was,

beyond the shadow of a doubt, Henri Cartier-Bresson. What you learn from him is that tecnhique comes first, because when you control it you can forget about it. Also because of the quality of his look. Not only the outside, but also his internal eye. When a photographer takes a portrait, he does not take a portrait of a person, but of the relationship he established with him or her. It is the atmosphere, the moment, the place; not just a face. It also portraits what you are like as a photographer. How would you define your style? I would define it as “empathic”. Mi

intention is not only to do photography, but I want the moment, the person, the place, the landscape. I feel love towards everything I try to reflect in my work. To what extent do you think the beliefs of the Hawaiian culture affect the way surf is practised in the country? The Hawaiian culture today

PURENESS IS WHEN YOU CAN GET TO THE ESSENTIAL. AND THE ESSENTIAL, UNIVERSALLY SPEAKING, IS LOVE

otherwise want to conquer. The British climbs the Everest with a Sherpa and when he reaches the top, it is him who conquered it. The Nepali, however, is thankful for having been accepted. Hawaiian surf is manly, potent, it seeks big waves. But they do not wish to conquer, which is why it has influenced so many people around the world. Has photography helped you have a better understanding of ancient and current communities in Hawaii? If so, what have you learnt? Being a

member of a modern culture does not involve not being open to changes. Hawaiians travelled all through the Pacific. They have been on great journeys on canoes without modern tools, so as to prove that they remain the same. Samoa, Easter Island, Tahiti..., they are all united. They are the reflection of a culture that has indeed adapted, although maintaining its roots. Where I use to work baptism is done in the ocean, people get married in the beach and in funerals families throw ashes to the sea. What I have learnt is that they have a kind of relationship with the ocean that influences during their whole lives.

is hybrid, a combination of the modern world and a perpetuation of its traditional values. For a Hawaiian surfer, being a baywatcher is considered being his community’s protector, a sacrifice for it. Accordingly, surf is a way of expressing traditional values. Contrary to what could be believed, it is not Americanised. There is a respect for the ocean and the earth. These are like a part of their family and therefore have an intimate relationship with them.

Has there been people you wanted to show in your photographs but which you were not allowed to for whatever reason? It has not happened

What techniques do you use to reflect this Hawaiian surf spirit in your photos? I focus on the individuals’ selection. Their attitude, their how-tos.

What is pureness for you and how is it reflected in your photographs?

It is vital for a photographer to catch moments, capture them, but giving is also a requirement. Giving patience, not wanting everything right now. A wide dimension of the Hawaiian culture is the important concept of extended families. Their beaches are frequented by working class families, and often they are the only people in a beach. Hence, when you are working there and devote your time to them, you end up being part of all that. They do not care about you being a foreigner, and your skin colour is not relevant at all. They are basically a mixture between all the races in the world. In their case giving is receiving. What differences are there between surf in Hawaii and in the rest of the world? Style. It is undoubtedly different. It is possibly not that obvious

today, but it was until the 80s-90s. The Hawaiian style means surfing like an adult. They marry the ocean. It is somewhat different in the West , we

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too often. It has at certain moments in the Indian resrvation I work at. This can be hard for a photographer’s esteem, but it should be considered useful. These people remind you of the limits there are. Photographers often forget about the camera, which is probably a weakness, and I happen to be one of them. Pureness is when you can get to the essential. And the essential, universally speaking, is love. My photographs are something between the spectator and the person captured in them, which is where pureness lies. What do you take home from your latest exhibition “He’enalu” in Two Thirds Barcelona? I feel very happy. A lot of people showed up at the

opening, many young people. I did however get some big city syndrome, that is, noone can pay much attention to some particular thing as they are frequently too busy with something else. If it had been in a small village people would have probably spent more time watching the photos. But I do feel very happy. My wife is Catalan and I am truly proud of having been able to exhibit in her country. Were your surf photographs to go along with music, what would be playing? Izrael Kamakowiwo’ole. He is a big one.

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T: BEA SALAS

Kim Francis vive la fotografía, la ilustración y el surf como facetas de su existencia que le hacen libre, huyendo de fronteras o reglas. Viaja y captura momentos especiales con cámara analógica o con el uso puntual de un móvil tan antiguo como el momento en que éstos empezaron a llevar un objetivo integrado. Huye de las definiciones y cree en la libre inspiración, que en su caso puede provenir de un vendedor de tablas veterano, un cartel ilustrado antiguo o un trozo de pizza. Estará contento con sus fotos aunque salgan quemadas, siempre y cuando éstas sean un reflejo de un momento que, capturado en el negativo, merece ser preservado para la posteridad. Vivir el presente y prepararse para marcar el futuro por si, a los que vendrán detrás, se les ocurre que nuestro trabajo puede usarse como referencia. Kim Francis lives photography, illustration and surf as aspects of his existence that make him free, frontierless and without any respect for rules whatsoever. He travels and captures special moments using his analogue camera or even an old mobile phone, probabably as old as the first phone with camera. He runs away from definitions and believes in free inspiration, which in his case might as well come from a veteran surfboard seller, an old poster or a piece of pizza. He is happy with his pictures even if the result is a burnt image, as long as they are a reflection of what was meant to be capture in the negatives, that is, what deserves to be kept for posterity. he lives the present and gets ready for the future, just in case a fellow bumps into his work and decides that is roll model material.

www.surrealisticrevivalmotion.com

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KIM FRANCIS

Close the eyes to see

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Presentas tu trabajo en tu web como “Surf, nostalgia, pizza, bikes, 35mm, skateboarding and some illustrations”. ¿Todo ello es lo que te impulsa a levantar la cámara y disparar? Todo ello es más o menos

lo que se puede encontrar en la página. De todo menos pizza, que, bueno, me gusta. Aunque de hecho sí, también hay algo, algunos dicen que mis fotos son como pizzas a veces. Y eso me motiva. ¿Qué es lo que más te llama la atención de la cultura y el lifestyle de los boardsports? Me atraen desde pequeño. Quizás sea la libertad. Todo

lo que produce sensación de movimiento.

¿Cuándo empezaste a hacer fotos y por qué? Empecé a hacer fotos hace unos diez años, cuando veía instantáneas viejas de skateboarding y surf. El color, el momento y todo lo que me transmitían me llenaba. Así que decidí que yo también quería ser parte de ello, de esas fotos, para poderme meter en ellas y llegar a sentir todo eso. ¿Cuál es para ti la magia de la fotografía? Tener un momento concreto en el álbum, algo que contar. Lo que se puede conseguir al disparar o el poder guardar una vivencia por si acaso un día nos quedamos mudos. Cuando ves fotos de las de antes, intentas imaginarte esos momentos y te hacen soñar un poco. Preparar una fotografía, hacerla y ver que muchas cosas pueden ser parte de la realidad aunque no se vean. Esa es la magia de la fotografía. ¿Relacionas la fotografía con un concepto de cotidianeidad? No. Sí.

A veces. No sé. Es raro.

¿Cómo definirías tu estilo fotografiando? No académico. Con un toque de sueño, a veces gonzo o bizarro. No sigo lo que indican los números del objetivo o el carrete, ni los códigos del sol. No respeto “lo correcto” en cuanto a una buena lectura de fotografía, simplemente me gusta experimentar poniendo cosas del revés y, aunque los fotógrafos puristas se echen la mano a la cabeza o critiquen lo que hago, me parece que lo hago bien, porque me gusta el resultado. Podría definirse como un estilo libre. ¿Encuentras belleza en el error? Sí, por supuesto. Aunque las postales

también son bonitas, prefiero a veces hacer pensar. Me gusta cuando tengo que distanciarme o cerrar los ojos un poco para ver lo que hay en una foto, de tan quemada que está.

¿Disparas siempre en analógico? No. Aunque generalmente sí hago

todo en analógico también tengo una cámara que me he montado a partir de otras viejas. Por otro lado, últimamente uso un móvil barato.

Surf, nostalgia… ¿Cualquier tiempo pasado fue mejor? No sé si fue mejor, pero eso me parece cuando me meto en las historias de los viejos libros que tengo sobre los shapers y el surf. Me gustaría pensar que sí, porque lo que hay no me parece mejor. La nostalgia te hace viajar y sentirte bien. Eso sí está mejor. ¿Cuáles son tus referentes en la fotografía y por qué? Jeff Divine,

Ron Stoner, Leroy Grannis, Ed Templeton, Thomas Campbell. Desde que era muy joven me han flipado todos ellos cuando recibía alguna Surfer’s Journal o magazines de skate y surf. Siempre quise hacer lo mismo que ellos pero luego han entrado en juego muchos factores. Me inspiran muchísimo las películas: Vanishing Point (1971), Easy Rider, Blow, además de la fotografía de los algunos films de Tarantino. Hay una

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larga lista de ellos que me transmiten sensaciones que me hacen querer llevar a los negativos. ¿Y en la ilustración? En la ilustración no sigo a nadie. Me limito a ver carteles antiguos y fotocopias de libros sobre la psicodelia y sus experimentos. Dibujantes que me gustan son Jim Phillips, Rick Griffins, Peter Max y las portadas de discos. Un objetivo o meta al que te gustaría llegar… Poder trabajar más con mis fotos e ilustraciones, tanto personalmente como para lookbooks de marcas de ropa, para colaboraciones o cualquier cosa interesante que se presente. También quiero terminar mi libro y empezar con otros más, aunque lo hago paralelamente con diseños de Quillas y tablas de surf, y llevarlo todo a la vez es difícil. Me gustaría que dentro de unos años hubiera alguien como yo que ojeara una revista o un libro y que sintiera todas las vibraciones que me han transmitido a mí los grandes a quienes he seguido. Que alguien coja una tabla mía en 30 años y que tenga una referencia, o que un coleccionador cuelgue en su salón una de mis fotografías. Surf, viajes, pizza… ¿has estado viajando últimamente? Sí, he estado en California viajando por toda la costa para visitar los sitios más emblemáticos, además de las viejas tiendas de surf y las playas que siempre he visto en fotos de hace 40 años. Hice muchas cosas además de comer mucha pizza, como empezar a grabar una película sobre surfing que tenía en la cabeza y básicamente pasando el rato sacando fotos, haciendo tablas de surf y conociendo a mucha gente. Muchos de ellos han marcado mi trabajo y había gente a quien quería conocer en persona. Ha sido un viaje que me ha marcado mucho y creo que voy a volver dentro de poco a hacer unos trabajos de foto y algunas tablas más. ¿Cuáles son tus planes de futuro próximos? Voy a hacer unas exposiciones con unas tablas de surf que serigrafié con mis fotos con los talleres UWL de Francia en tablas de Neal. P Junior, Ellis Ericson y Addiction Surfboards. Se interesaron por mi trabajo y he tenido mucha suerte de trabajar en esas tablas con gente que influye tanto en el diseño del surf. Creo que viajaré un poco más este año para seguir con la película y, además, tengo cosas nuevas entre manos con Two Thirds. ¡Habrá que esperar! Menuda acogida la que tuvo la presentación de tu exposición en Two Thirds Barcelona. ¿Contento? ¡Fue genial! Era la primera vez que

estaba a Barcelona, aunque todo fue muy rápido y por el agobio de la ciudad me fui rápidamente. Es una pena lo poco que estuve pero fue muy bien, pienso volver otra vez y hacer algo más grande. Tengo muchas ideas en la cabeza y parece que hay gente interesante. ¿Qué te parece el creciente interés por la cultura del surf en Barcelona? Me parece bien, es natural que aflore visto todo lo que hay

fuera. No conozco mucho la escena que hay allí pero espero que vaya creciendo y se desarrolle bien. Intentaré poner mi grano de arena en el proceso y poder ampliar la visión del surf en la ciudad.

Nuestro tema esta edición es PURE. ¿Qué representa para ti la pureza?

Algo sin alteraciones, sin filtros. Libre. Algo es puro cuando no lo piensas, lo haces. ¿Algo de verdad? Quizás, pero quedan pocas cosas puras. PURE es real, entrar al agua solo e imaginarte tu propio mundo. Plug and play.

PURE ES REAL, ENTRAR AL AGUA SOLO E IMAGINARTE TU PROPIO MUNDO

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PURE IS REAL, GETTING IN THE WATER ON YOUR OWN AND LIVING YOUR OWN WORLD

Your work is presented in your website as “Surf, nostalgia, pizza, bikes, 35mm, skateaboarding and some illustrations”. Is that what makes you get the camera and shoot? That is basically what can be found in the

ies’ photography. There is long list of films that transmit sensations that I then want to take to the negatives.

website. Everything except pizza which, well, I simply like. Although there is fact some pizza, as some say my pictures look like pizza sometimes. I like that.

Any illustration roll models? Nobody in particular as for illustration. I basically check old posters and photocopies of books about psychodelia and its experiments. I do like illustrators like Jim Phillips, Rick Griffins, Peter Max and album covers.

What draws your attention the most about the culture and lifestyle of boardsports? I have been attracted to them since I was a kid. It may

have been the freedom. Everything that transmits a movement sensation. When and why did you start taking photos? I began shooting about ten years ago, when I used to see old skateboarding and surf photos. I was captured by the colour, the moment and everything they transmitted. So I decided I also wanted to be part of it, part of the photos, get inside their world to be able to feel all of that myself. What do you think the magic of photography lies? Having a con-

crete moment in your album. Having something to tell. Whatever you can achieve by shooting or being able to keep an experience in case we become mute one day. When you see pictures of older times, you try to imagine those moments and you let yourself dream. Preparing a picture, shooting and seeing how some things can be a piece of reality, although not seen. Theat is where the magic lies. Do you see photography as related to any daily concept? No. Yes.

Sometimes. Dunno. It’s weird. How would describe your shooting style? Non academic. With a touch of dream, sometimes even bizarre. I tend to not follow the digits my objective or film indicate, not even the sunbeam codes. I do not have much respect for what is considered “correct”, when it comes to proper photography analysis. I simply turn things around and, although purist photographers disapprove of such techniques, I do like the results and therefore feel I am not bad at it. We could describe it as a free style. Do you see beauty in error? Yes, definitely. Even though postcards are beautiful, I normally prefer to cause a reflection. I like photos which are so burnt that make have to walk back or close my eyes a bit. Do you always shoot in analogue? Not really. Normally I do but I also

own a camera I built out of older ones. Apart from using a cheap phone lately. Surf, nostalgia...was any past better than the present? I am not sure if it was better, but that is what it makes me think when I travel in time through older books I own about shapers and surf. I would like to think it is, since nothing that can be found today feels better. Nostalgia helps you travel and feel good. And that is indeed better.

Any goal you may want to reach? Being able to work more on my photos and illustrations, both personally and for fashion labels’ lookbooks. I am also up for collaborations or anything interesting that comes up. I want to finish my book and start some others, although this is something I do along with Quillas designs and surf boards, which is difficult to do at the same time. I would love it if, in a few years’ time, someone like me checked a magazine or a book and felt the vibrations I was transmitted by the big ones I have been following. Someone grabbing one of my boards in 30 years and having a reference, or some collector hanging one of my pictures on his or her wall. Surf, trips, pizza...have you been travelling much lately? Yes, I have been to California through the whole coast in order to visit the most emblematic spots, apart from old surf shops and beaches I have seen from 40 years ago. I did many things other than eating pizza, like starting to shoot a surf film I had in mind and basically spending time taking photos, making surf boards and meeting a great deal of people. Many of those have influences my work a lot, some of which I had wanted to meet for a while. I was touched by this trip and I believe I will go back soon to do some more photography work, as well as boards. What are your plans for the future? Basically having some exhibitions of surf boards in which I printed my photos using serigraphy along with UWL workshops in France and with boards from Neal P. Junior, Ellis Ericson and Addiction Surfboards. They got interested in my work and I was lucky to be able to work on the boards of such influential people in surf design. I think I will travel some more this year so as to carry on with the movie. Also, Two Thirds and I are working on something...we will wait and see! What a success the opening of your exhibition at Two Thirds Barcelona was. Happy? It was awesome! That was my first time in Barcelona,

although everything was very quick and I left becaise of the whole hustle. Being such a short time was a shame, but I am looking forward to going back and doing something bigger next time. My head is full of ideas and interesting people seem to be around. What do you think of the increasing interest towards the surf culture in Barcelona? I guess it is alright. Its growth is natural due to everything

going on out there. I am not too familar with the surf scene over there but I hope it will keep on going and developping. As for me, I will try to contribute by making the vision of surf in the city a bit wider.

Who and why are your roll models in photography? Jeff DIVINE, Ron

Stoner, Leroy Grannis, Ed Templeton, Thomas Campbell. I went mental for all of them since I was very young and saw them on Surfer’s Journal or skate and surf magazines. I always wanted to do what they did, although stuff got in the way somehow. I am tremendously inspired by movies: Vanishing Point (1971), Easy Rider, Blow, apart from Tarantino’s mov-

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Our current topic is PURE. What does purity represent for you?

Something with no alterations or filters. Free. Something is pure when instead of thinking about it, you simply do it. Something real? Maybe, but very few pure things remain. PURE is real, getting in the water on your own and living your own world. Plug and play.

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T & F: LUIZA LACAVA

Kris Ville Easy Man

Coicidimos con Kris en House of Vans durante el Bright Trade Show en Berlin. Fascinado por esa gran reunión de familia que se genera durante la feria, llega a nuestra cita un poco agotado de tantas emociones (¡y fiesta!) que se suceden de día y de noche. Hablamos con él de su momento precoz en esto del skate, de sus viajes y de su vida en Barcelona. We bumped into Kris in House of Vans during Bright Tradeshow in Berlin. Fascinated by the huge family gathering generated throughout the event, he gets to our meeting somehow exhausted after the emotions and party one alternates during day and night. We discuss his early appearance in the world of skate, as well as his trips and his life in Barcelona.

¿Cómo empezaste en el skateboarding? Mi hermano,

18 meses mayor que yo, se hizo con un skate y yo estuve observándole durante unos meses, me gustaba. Enseguida me enganché.

¿Tardaste mucho en involucrarte en este mundo? Tras

¿Has patinado ya en Barcelona? Sí, de hecho solía vivir ahí. La primera vez que pisé la ciudad fue hace siete u ocho años y, un par de años después decidí salir de Inglaterra. Quería ver qué pasaba y viajar un poco, así que escogí Barcelona. Y encantado.

esos meses de observación todo fue muy deprisa, sencillamente me encontré de lleno en él.

¿Cuánto tiempo estuviste? Los últimos cinco años debo de haber pasado cerca de tres y medio en Barcelona.

Empezaste en Birmingham, ¿ahora prefieres el indoor o patinar en la calle? El skate es el skate, a mí me gusta

¿Pudiste aprender algo de español? Sí, un poco. Es

todo. Desde el street hasta el indoor no tengo preferencias.

¿Cuál es tu truco favorito? Pregunta muy difícil de res-

ponder. Diría que el Backside Big Spin es mi favorito. Hace ya bastante tiempo que lo domino.

Habrás viajado mucho, ¿hay algo que subrayar sobre ello? Sí, hace 14 años que patino y tuve suerte de que me

esponsorizaran bastante pronto. Con mis patrocinadores he podido viajar mucho y disfrutar de grandes oportunidades. ¿Qué te parecen Berlín y el Bright Tradeshow? Esta es

la primera vez que estoy aquí en invierno, hasta ahora solo había estado en las ediciones de verano y lo estoy encontrando genial. Sienta bien estar en esto y encontrarse con todos, hay muchas caras conocidas. Además no solo es placer, también se trabaja, es bueno para todos.

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una lengua muy bonita, aunque la verdad es que lo hablaba mejor estando allí. Lo aprendí en la escuela pero poco recuerdo de lo que aprendí entonces.

¿Tu spot preferido en Barcelona? No sé si tengo uno

favorito, hay tantos que me gustan a la vez y tantos que he olvidado. Creo que no se trata del spot, sino de lo qué está hecho, el material, la superficie y si es genuinamente bueno o no. Aunque en Barcelona casi todos los spots me parecían buenos.

¿Así que tu experiencia de dejar Inglaterra fue positiva? Estuvo bien. A menudo me sentía raro por-

que durante cuatro años me fui a Australia a pasar los veranos y durante un tiempo eché un poco de menos Inglaterra. Además eché en falta las Navidades porque estuve en Australia celebrándolas con barbacoas. Francamente fue increíble pero bastante raro.

How did you start skateboarding? My brother, who is 18 months older than me, had just gotten a board. I watched him skate for a few months and really liked it. So I simply began. Did it take a lot of time for you to get involved in it? After the few months in which I observated him everything went truly quick. I guess I just picked it up pretty fast. You started in Birmingham. Do you now prefer to skate on the streets or indoors better? Skateboarding is skateboard-

ing. I like everything about it. From the streets to indoors I have no preferences. Do you have a favourite trick? Not an easy question to

answer. I would say backside big spin is my favourite trick. I have been doing it well for quite a long time now. I suppose you have travelled a lot, is there anything to highlight about this? I have been skateboarding for 14

years now and I was lucky to get sponsored pretty early. My sponsors really gave me the opportunity to travel a lot. W hat do you think about Berlin and the Bright Tradeshow? This is actually my first time here during

winter. I had only been here during summer editions and I I think it is pretty cool. It feels nice to be here and hang out with everyone, there are a lot of familiar faces around here. And you can also do business, so it can good for everyone.

Have you already skated in Barcelona? Yes, in fact I used

to live there. The first time I went there it was seven or eight years ago, and a couple of years later I just decided to get out of England to see what was going on and to travel for a while. Barcelona was my chosen one and I was happy to spend that time there. For how long did you live there? Over the last five years, I might have spent around three and a half of them living in Barcelona. Did you manage to learn a bit of Spanish? I did learn a bit,

what a beautiful language it is. Although to be honest it used to be better when I lived there. I also studied it at school but never remembered much from those lessons. Which was you favourite spot in Barcelona? I am not sure I have a favourite, there are so many at the same time that I find it hard to remember. I think it is not only about the spot, but also what it is made of, the material, the surface and whether or not it is good. Although in Barcelona they were all pretty good I cannot really complain about it. So your experience of leaving England was good? It was cool. Sometimes I used to find it quite strange since I went to Australia for the summer for four years in a raw and sort of missed England for a while. I also missed Christmas somehow during these years, since I spent them in Australia having a barbecue. To be honest that was as awesome as it was weird. 137

T: BARBARA ESTEBAN

COTÉ ESCRIVÁ EL SUBCONSCIENTE EN FORMA DE DIBUJOS ANIMADOS

Quizá sea verdad eso de que uno nace con un don, con una determinación adquirida o con un pincel bajo el brazo. Es el caso de Coté Escrivá, hay dos cosas que de tan sensitivas no pueden esquivarse: a él los clásicos de Disney le ponían y le siguen poniendo los pelos de punta y cuando dibuja siente que conecta con un centro propio que le reconforma más que cualquier terapia de Gestalt. Ante un panorama así no hay mucho más donde elegir que seguir el camino impuesto por ese sentimiento que tiene mucho de razón pura. Antes de volar a Singapur y Los Ángeles, hace parada en Sho Barcelona con la exposición Mindoblown Universe. It may be true that some people are born either gifted, self-determined or with an imaginary brush under the arm. That is precisely the case of Coté Escrivá, whose two style attributes seem to be pretty relevant in this sense: he was always touched and fascinated by Disney cartoons and, still when he draws now, feels filled more than with any existent therapy. Such characters therefore find themselves quite bound to follow a quite certain path, which is the one dictated by this feeling, hence a pure reason. Before flying to Singaput and Los Angeles, he stops at Sho Barcelona and exhibits displaying under the name of Mindoblown Universe.

cotescriva.tumblr.com

“Mi principal motivación para iniciarme en el mundo del arte fue darme cuenta de que la vida es muy corta y que hay que vivirla dedicándote a lo que te gusta. Mi pasión siempre ha sido dibujar, lo hago desde muy pequeño, es ahí donde me encuentro feliz y a gusto conmigo mismo así que decidí apostar por ello. Considero el pop art un medio para transmitir a la gente una forma de pensar. De algún modo te ayuda a conectar con otras personas con las que tienes cosas en común, una estética o un estilo de vida parecido. Por supuesto, hay quien lo utiliza para hacer una crítica cultural, y suele funcionar muy bien, a la gente le gusta que haya un mensaje detrás de una obra, pero no es mi caso, yo voy a por una estética concreta, impactante y contemporánea. Mi mayor objetivo quizá sea que una obra pueda llegar a seducir, que te entre el deseo de tenerla. Cuando he acabado una pieza y me quedo un rato embobado mirándola sé que lo he conseguido. Lo mío es pura imaginación, raras veces dibujo algo realista, ¿y dónde hay más imaginación que en unos dibujos animados? Siempre me han fascinado y en concreto los de Disney son de lo mejor. Tiene gracia, ahora tengo dos sobrinas pequeñas y siempre me están pidiendo que les ponga mis viejos vídeos VHS, yo sigo disfrutándolos, los clásicos nunca pasan de moda. Mindoblown Universe, mi exposición en Sho Barcelona, une diferentes estilos y técnicas, estoy en un momento que me gusta probar, disfruto mucho “investigando” y eso aporta mucha variedad a mi trabajo. Quizá con el tiempo vaya desechando aquellas que me gusten menos y acabe teniendo un estilo más definido, pero de momento aún me quedan muchas cosas por aprender. Sí que apuesto mucho por el blanco y negro, creo que es una forma de simplificar las cosas, a veces no hace falta más, puedes conseguir contrastes fuertes o muchas tonalidades de grises según los propósitos de la obra en la que estés trabajando. A menudo no es necesario añadir color para que una pieza tenga una solución acertada. Otras veces sí, simplemente lo decido sobre la marcha. En esta exposición hay tres referencias distintas: el tatuaje, el cartoon old school y el street art. Lo que tienen en común es la diferenciación. Nunca me han gustado las masas homogéneas, el tatuaje ayuda a sentirte

Coté Escrivá expone en Sho BCN desde el 28 de febrero

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único, el street art a reivindicarte y el cartoon old school tiene ese toque diferente que lo hace tan original. Realmente me gustan mucho las tendencias, soy un gran consumidor de material gráfico, cuando cojo una revista no suelo fijarme en los textos, me centro en las fotos, saco ideas de todas partes. También sigo algunos blogs de ilustración y acudo siempre que puedo a exposiciones de todo tipo. Soy muy fan de muchos artistas contemporáneos, como McBess, Ricardo Cavolo, Piet Parra, Nychos, Jason Edmiston, Brosmind, Greg Mike o Gary Baseman, entre otros. ¿El futuro del pop art? Podemos decir que estamos viviendo una gran revolución, quizá estemos tan metidos que no lo veamos con perspectiva. El hecho de que se hayan desarrollado tanto, la tecnología y las comunicaciones ha hecho que el mundo entero se conecte entre sí, ya no hay barreras, con pocos clicks puedes ver en tu casa el trabajo que alguien está haciendo en Tokio, Brasil o Nueva York. Esto está motivando a las nuevas generaciones, que ven como otra gente está triunfando con algo que a ellos les gusta o se les da bien. Estamos en una época dónde van a salir el mayor número de artistas y esto significará la mayor variedad nunca vista en todos los estados del arte, incluido el pop art. Y aquí es donde aparece nuestro amigo Darwin, con tanta variedad será la sociedad quien decida lo que sobrevive y lo que no. Tengo muchísimos proyectos de futuro, soy un culo inquieto y no me gusta decir que no a nada, próximamente participo en una exposición colectiva en Singapur y otra en Los Ángeles, además quiero iniciarme en el mundo del street art, en cuanto tenga un poco de tiempo empezaré a hacer murales callejeros. También estoy empezando con unos amigos una marca de ropa y más adelante quiero sacar un libro con mis ilustraciones. Aunque el proyecto que más me ilusiona es uno en el que voy a contar con muchos ilustradores, aunque de momento prefiero no decir mucho más y enseñároslo cuando esté hecho. ¿Pure? Para mí es un estado mental. Probablemente cuando me siento más “puro” es cuando trabajo en mi obra, desconecto de todo lo externo y me encuentro conmigo mismo, las ideas fluyen y los dibujos aparecen casi como por arte de magia.”

El subconsciente en forma de dibujos animados

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â&#x20AC;&#x153;My main motivation to get started in the world of art was to realise how short life is and how important it is to live it doing what you love. Drawing was always my passion, I have been doing so since I was a kid. I feel happy with myself as I do it and therefore decided to take it seriously. I consider pop art to be a mean of transmiting people a way of thinking. It somehow helps you connect with other people you have common things with, or who you share a similar lifestyle or aesthetics with. Some people definitely uses this for cultural critics, which usually works, not in my case though. I seek rather concrete, colliding and contemporary aesthetics. My biggest objective is probably making art so seductive it makes you want to own it. When I finish a piece and spend some time staring at it I know I have achieved this. Funny thing is I have two young nieces who keep asking to play my old VHS films. I still enjoy them, classics never go out of fashion. Mindoblown Universe, my exhibition at Sho Barcelona,

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puts together different styles and techniques, since I find myself in a moment of passion for mixture. I am also keen on investigating, which brings great variety to my work. Maybe with time I will cast away the pieces I do not like so much and reach a rather defined style, but I still have so much to learn. I tend to go for black and white as a way of simplifying things and sometimes nothing else is needed. You can get strong contrasts or many grey tonalities depending on the purposes of the piece you work on. It is normally not necessary to add colour so a piece has the proper solution. If I fele it is, I simply decide as I go. There are three different references in the upcoming exhibition: tattoo, old school cartoon and street art. What they have in common is differentiation. I was never fond of homogeneous masses, and tattoo makes you feel unique, street art makes you reivindicate and old school cartoon has a different touch which makes it that original. I really like trends, I have to say I

am a graphic material heavy user. When I grab a magazine I very seldom pay attention to texts but rather focus on the images, where I get ideas from. I also follow a bunch of illustration blogs and attend all sorts of exhibitions as often as I can. Contemporary artists I admire are McBess, Ricardo Cavolo, Piet Parra, Nychos, Jason Edmiston, Brosmind, Greg Mike or Gary Baseman, among others. The future of pop art? We could say we are in the middle of a great revolution, which we may be so into to actually notice. The fact that technology and communications have developed so much has made the world more connected and has eliminated former frontiers. With a few clicks you can check from home the work someone is doing in Tokio, Brasil or New York. This is encouraging the new generations, who see other people succeed in something they may like or be good at. We are in a time in which the highest number of artists will arise, which will result in a huge variety in all forms of arts

we have never seen before, including pop art. Here is where our friend Darwin would foresee society deciding what survives and what does not. I have a lot of future projects, I am restless and hate to have to say no to things. I will shortly be part of an exhibition in Singapur, then another one in Los Angeles, apart from wanting to start doing some street art, in fact I will do murals I will do as soon as I have time. Also, I am creating a fashion brand with a couple of friends and I am looking forward to publishing a book with my illustrations. The project I feel most excited about is, however, one which involves many illustrators, although I prefer not to tell you too much about it and show it to you when it is finished. Pure? I regard it as a mental state. When I find myself â&#x20AC;&#x153;pureâ&#x20AC;? the most might be when I work in my art, disconnecting from any external input and find the most real version of myself. Ideas flow and drawings come almost magically.â&#x20AC;?

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REVIEW / BERLÍN / WINTER 2014

Bright Tradeshow PH: LUIZA LACAVA

Viajar a Berlin para asistir a una nueva edición del Bright Tradeshow es siempre una experiencia rodeada de una incógnita. Y el resultado final se repite, una vez tras otra. Durante la vuelta a casa, la sensación que se mantiene a modo de resumen es de dulzura, de sonrisa, de novedad, de miradas con las que se aprende, de creatividad aplicada a un todo: al espacio, a las colecciones, al arte y a la aventura (de noche y de día). Nos encontramos con Luiza Lacava, la nueva Bright Hunter, en el aeropuerto de Barcelona. Discreta, callada, tímida. Como para nosotros, este primer momento es una toma de contacto de gestos y expresiones. Y la conexión siempre llega al agarrar la maleta. Nos plantamos en el centro de Berlin, esta vez en Mitte, a pocos metros de la nueva ubicación de la feria, un edificio de dos plantas donde nos encontramos a la familia Element, RVCA, Makia, Sikta, Reell, Nixon, Brixton, Burton, DVS, Emerica, Rook, Vans y esa lista interminable de caras conocidas que solo mirarlas prometen diversión. Arrancamos con la visita al bar de moda, Neue Odessa junto a los chicos de Broken Homme, que se han escapado de Capsule para arrimarse a la noche Bright, mucho más interesante. A la cena nos acompaña Thomas Martini, Bright founder, para explicarnos de primera mano las novedades. La House of Vans será una vez más la sede de la locura nocturna de la primera noche, con la Boiler Room y de la siguiente, que empieza con la entrega de premios BESA (Bright European Skateboard Awards) y sigue con las actuaciones de Sampology y de Angel Haze. Durante los siguientes días hablamos con el fotógrafo Brian Gaberman que ha publicado con el apoyo de Element el libro Life in Transition y nos queda claro que es un proyecto que surge de la forma del corazón. Conocemos al rider de Vans, Bastien Duverdier, el hombre conforme y satisfecho con su vida, su guitarra y su patín y a Kris Ville, directo y seco, sin apuntes de profundidad para los desconocidos. Todo esto antes de acompañar a los artistas Mike Kershnar y Ganesha Isis al muro de Berlin a dejar su rastro y acabar nuestra aventura (muy rápidamente resumida) en un karaoke cantando la despedida de una nueva edición con caras nuevas y las siempre queridas conocidas. What an experience always is being off to Berlin, but if the reason involves attending a new edition of Bright Tradeshow, it even brings along some sort of unknown and a recurrent outcome that deserves being mentioned. To put it in a nutshell, the way back home gives one a sensation of sweetness, smile, newness, looks from which one learns, as well as creativity applied as a whole: to space, to collections, to art and to adventure –during both day and night. We meet Luiza Lacava, the new Bright Hunter, at the Barcelona airport. Discrete, quiet, shy. The same way it is for us, this moment is a first contact of gestures and expressions. And connection begins as soon as suitcases are grabbed. Then we set foot on the centre of Berlin, in Mitte this time, a few metres away from the new fair venue: a two-floor building where we are happy to find the Element family, RVCA, Makia, Sikta, Reell, Nixon, Burton, DVS, Emerica, Rook, Vans and an endless list of familar faces we cannot wait to start having good times with. Our visit begins at the trendy bar Neue Odessa together with the Broken Homme guys, who happened to escape Capsule to join the Bright night –a way more interesting option. Dinner time comes with the presence of Bright founder Thomas Martini, who tells us all about the latest news. The House of Vans will once again be the chosen venue for the first night’s madness, along with Boiler Room and the following one, starting with the ceremony of BESA (Bright European Skateboard Awards) awards, and followed by the performances of Sampology and Angel Haze. During the following days we get the chance to chat with photographer Brian Gaberman who, under Element’s wing, published Life in Transition. With this book one does realise it turns out to be a project that is inspired by a heart’s shape. We also get to meet Vans rider Bastien Duverdier, the statisfied man who leads a happy life with his guitar and skate, as well as Kris Ville, direct and curt, willing to provide a limited amount of depth to strangers. All of this even before visiting the Berlin wall with artists Mike Kershnar and Ganesha Isis, having the purpose of leaving some of their trace and put an end to our adventure which, to sum it up, consisted of a karaoke hosting our farewell screams after a new edition accompanied by new faces and the always beloved familiar ones.

www.brightradeshow.com 142

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REVIEW / BARCELONA /16TH -17TH OF JANUARY 2014

Ray-Ban Envision Urban Art PH: MAUD SOPHIE ANDRIEUX

Cuando tienes una visión, un sueño, el siguiente paso es materializarlo. Hacer realidad aquello a lo que te has mantenido fiel, esa especie de filosofía de vida que ha guiado cada paso que has dado, para estar más cerca de aquello que siempre has querido ser. Y cuando está pasando ante tus ojos, es una sensación increíble. Para Isabel, la Visionaire de Ray-Ban, el pasado 16 de enero fue el pistoletazo de salida a dos jornadas en las que se metería de lleno en el que, muy pronto, será su mundo. Fuimos a recoger a Isabel con nuestra particular Multivan Volskwagen Envision y durante dos días, no paró de pintar, mano a mano, con dos de los grandes del street art nacional, reconocidos más allá de nuestras fronteras: Txemy, artista de constante inquietud, llegando a desarrollar técnicas como la espectro, o Andrea BToy, cuya delicadeza con los sprays la ha catapultado hacia otro nivel. Isabel pintó un mural con cada uno, fusionando estilos de forma equilibrada. Con los dos, vivió jornadas intensas de arte y consejos, que pasaron por una charla con Jordi Rubio, fundador de Montana Colors, una de las piedras angulares del street art, una cena en Moritz Barcelona en la que surgieron las confidencias mejor guardadas de los artistas y reparadoras noches en Eurostars Hotels BCN Design, en las que tomar energía para la siguiente emoción. Al igual que nosotros, todos los que participaron de Ray-Ban Envision Urban Art sienten pasión por el arte urbano y por los visionarios que se atreven a hacer realidad su sueño. Los murales quedan para el recuerdo, como prueba de que sí se puede. El punto y final a esta experiencia lo puso el fiestón final en la curiosa pista de baile de Casa de Aragon, con Yall djs haciendo temblar el recinto y Luis Miguel Amado a los visuales. Allí reunimos a todos los protagonistas de esta historia para celebrar que, mientras tengas un sueño, nada está perdido. As soon as one comes up with an idea, vision or dream, making it happen is the compulsory next step. Pursuing what you have been devoting to is a life philosophy that determines the steps and decisions you make, in order to become whoever you have always wanted to be. Truth is very few experiences are as fulfilling as being able to witness for oneself such miraculous process. On the 16th of January, fortunate Ray-Ban Visionaire Isabel had the chance, for two days, of having a first bite of what would soon start being her regular ambience. Shortly after picking her up with our very own Multivan Volkswagen Envision, she began painting along with two of the biggest national street artists – of course renowned also outside of Spain: tireless Txemy and his famous Espectro tecnique and Andrea BToy, characterised by her delicacy in the use of sprays. With each of them did Isabel have the opportunity of sharing a mural, as they mixed styles and sought a balanced setting. These two intense days were not only based on making and creating but also on discussing and advising. Other relevant linked activities were a talk with street art leading light Jordi Rubio, founder of Montana Colors, a dinner party at Moritz Barcelona in which artists’ secrets were revealed and healing nights at Eurostars Hotels BCN Design who helped us recharge our batteries and get ready for the following adventure. Everyone else involved in Ray-Ban Envision Urban Art was as passionate for urban art as we are, as well as keen on visionaires who dare to make their dreams come true. Where there is a will, there is a way, a proof of which are those day’s murals. In any case, the icing on the cake was the final party in Casa Aragon’s singular dancefloor, under the shaky sound by Yall djs and the astonishing visuals by Luis Miguel Amado. The eventual gathering of the protaginists of a story which again was the proof of how everything is yet to be done and every dream yet to be pursued.

www.ray-ban.com

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#95 · PURE · MARCH / APRIL · 2014 COVER: ASIS PERCALES · ASISPERCALES.TUMBLR.COM ASIS PERCALES TIENE EXPOSICIÓN PERMANENTE EN PLATAFORMA BARCELONA · WWW.LAPLATAFORMABCN.COM DIRECTOR Eva Villazala eva@lamonomagazine.com ASSOCIATE DIRECTOR Julio Amores julio@lamonomagazine.com ART & DESIGN Josep Manel Sicart siki@lamonomagazine.com · www.sickart.net REDACTORS Antonella Sonza antonella@lamonomagazine.com Barbara Esteban barbara@lamonomagazine.com PHOTOGRAPHY Sophie Maud Andriex sophie@lamonomagazine.com TRANSLATION Bea Salas CONTRIBUTORS REDACTORS Manuela Alcatraz + Alejandro Cinque + Luiza Lacava + Xavi Ocaña + Lorena Pedre + Ane Pujol + Vicky Navarro + Bea Salas + Antonella Sonza + Laia Tuner. PHOTOGRAPHERS Camila Falquez + Luiza Lacava + Alvarez Hevia + Andree Martins and Demian Dupuis + Sophie Maud Andrieux. ORIGINAL ART DESIGN Hernan Verdinelli · www.hernanverdinelli.com For circulation customer service in Spain please send an email to barbara@lamonomagazine.com For international circulation customer service please send and email to sophie@lamonomagazine.com International Distribution: France, Portugal, Germany, UK, Portugal and US. For annual subscription please send an email to suscripcion@lamonomagazine.com SUBSCRIPTION / 6 issues per year Spain: 40 euros / Europe: 50 euros / Other countries: 70 euros DEPÓSITO LEGAL: B 51664-03 ISSN: 2014–9395 LAMONO HEADQUATERS: Aribau, 15, 1º 1º, 08011 Barcelona T. +34 932724980

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