issue 72# / changes

f: núria rius / Sobre la obra del proyecto de Juan Diego Tobailina ‘The Many Returns’

changes

staff

il: paula suarez (flavors.me/pieceofpau)

Portada: Rogier de Boevé (rogierdeboeve.com) Edita: Edicions La Nit., S.L.U. Aribau, 15 1º1ª (BCN) / Directora: Eva Villazala > eva@lamono.net / Director adjunto: Julio amores > julio@lamono.net / Editora Gráfica y coordinadora de contenidos revista impresa: Núria Rius > fotografia@ lamono.net / Dirección de Arte & Diseño: Hernán Verdinelli > hverdinelli@gmail.com / Maqueta original: Iñaki Guridi & Pau Aguilar (bang-bang.ws) / Música: Natalia Brovedanni > natalia@lamono.net / Moda: Xavi Ocaña > xavi@lamono.net / Directora marketing y publicidad: Anthya Tirado +34 615 087 531 > anthya@lamono.net / publicidad@lamono.net / Redacción blog: David Moreu + Claudia Niubó + Itzel Mendoza + Aina Ruiz + Yuppi! eff productions (Fran Gallego & Julio Amores) / Fotografía blog: Thomas Williams + Nona Codina / Redactan: Alba Agusti + Txema Argente + Natalia Brovedanni + Jose Antonio Delgado + Adriana Giorcelli + Ferenz Jacobs + Claudia Niubó + Oscar Nin + Nuria Rius + Aina Ruiz + Isabel Sanchez + Ana Paula Tovar + Lara Turner / Fotografían: Nuria Rius + Sara Sani / Ilustran: Raquel Leiva + Pedro Pereira / Imprime: Comgrafic S.A. / Depósito Legal: B 516664-03 / Distribuye: Tengo un Trato, S.L > www.tengountrato.com

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>FRASE DEL CIERRE: “Este es el año de los cambios, el año del ratón” by Anthya >HIT DEL CIERRE: There’ll Be Some Changes Made by Peggy Lee >PELI DEL CIERRE: Juno de Jason Reitman Lamono no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores.

No reproduzcáis los textos ni imágenes aquí presentes sin consultarnos.

actualidad invigente

t: txema argente / il: raquel reiva (raquelleiva.com)

CAMBIOS_Esperó largo tiempo hasta que ella se durmió completamente. Él era paciente, había aprendido a serlo. Y a dormir poco. En el fondo, sabía que estaba enfermo, pero no reconocía el motivo, la causa. Sin embargo el placer sí que era reconocible. Un placer ambiguo, retorcido, pero placer. Las cuestiones éticas se dilapidaron rápidamente, y quizá fue ése, tanta rapidez, el signo de alarma que le descubrió frente al espejo de su enfermedad. Una enfermedad muy llevadera, porque nadie de su familia se había percatado de nada, ni siquiera sus hijos, tan audaces. Al tratarse de una mutación interna que se reducía a una nueva manera de pensar y de actuar, podía camuflarla con bastante facilidad. Y en ese equilibrio entre ir conociendo a ese nuevo yo que se había instalado e intentar mantener intacta de puertas afuera a la persona que había sido, surgió el placer de la maldad. No le puso nombre, pero el nuevo inquilino tenía un objetivo tan claro que al ser analizado de cuando en cuando por el antiguo morador era inevitable observar la malicia del recién llegado.

Sin embargo, los juicios eran cada vez más raros, el viejo habitante estaba siendo desplazado y ya casi había dejado de existir. Y el nuevo estaba cumpliendo su plan. Así que esa noche, como todas las noches, esperó largo tiempo hasta que ella se durmió completamente. Se levantó despacio, nada de ruido. Bajó las escaleras envuelto en la penumbra. Comenzó a temblar. Se acercaba el momento.

Recordaba el sabor y no era bueno, pero quizá es lo que sucede cuando estás empezando. Se acercó al escondite y, sin dudarlo un momento, encendió el cigarro.

imperdibles

t: xavi ocaña

Power?

Mistake?

que damos hoy marca y define el punto en el que estaremos mañana. Pensamos que depende de nosotros y podemos llegar a controlarlo todo. Tal vez porque no hay cosa más agotadora que vivir equivocado, los chicos de Carhartt han decidido acertar de pleno en su nueva colección. Con la confianza que caracteriza a la marca, nos presenta su selección de streetwear más madura hasta la fecha a base de todo tipo de prendas nuevas y reinventadas, con colaboraciones de artistas y series inéditas, como su edición limitada de camisetas. Todo ello, siendo fieles y sin renunciar por un segundo a ese workwear que tanto gusta y que se ha convertido en un auténtico uniforme para la vida en la ciudad. La durabilidad y el confort de sus materiales siguen marcando la diferencia en una colección que deja a un lado lo estridente y apuesta por no abusar del color. Puede que hasta que asumamos que no tenemos el control de todo, no empecemos a disfrutar. Relax and take it easy. www.carhartt.com

pero el miedo siempre aparece en el peor momento, cuando debemos tomar una decisión. El miedo al error convierte en irresistible la idea de empezar de cero, de ver la salida antes de entrar y tener un plan B. En todo ello se convierte la Diesel Island, una nueva nación que vive con lo mejor y prescinde de lo peor de cada país. Los primeros habitantes ya están allí y puedes seguir sus experiencias, contribuir a crear su realidad y hacerte con su ropa, por supuesto.

Videos virales, una aplicación de Facebook a base de Dislike, un juego, una radio pirata y la web de la marca te permitirán ser un turista virtual muy activo diseñando hasta sus leyes.

Incluso contará con su propia entrada en Wikipedia. Las Diesel stores se convierten en las embajadas del país más joven del mundo, con banderas, mapas y su filosofía. La nación de los estúpidos, el hogar de los valientes, está muy cerca. “Diesel Island es el puto culo del mundo… Pero danos tiempo...”. No hay forma posible de no equivocarnos y sólo cuando dejamos de evitar cometer errores, acertamos.

Sólo cuando te atreves a hacer el estúpido dejas de serlo y entiendes que puedes caer, levantarte y ver que todo puede volver a estar bien. Cuestión de valor. www.diesel.com

CARHARTT_Creemos que tenemos el poder, que el paso DIESEL_Tratamos de evitarlo, incluso logramos afrontarlo,

imperdibles

t: xavi ocaña

Right?

FEIYUE_ Alguien debería decirle a aquél que inventó el hacer las cosas como Dios manda que se equivoca: Dios no manda y si lo hiciera, seguramente no le haríamos caso. Intentamos encontrar la forma de hacer las cosas bien, aunque pocas veces sabemos qué significa. Por suerte, el sol vuelve a brillar y con el buen tiempo, la sensación de que todo tiene menos importancia y es más fácil empieza a adueñarse de nosotros. Al menos ya se ha apoderado de Feiyue, que en su colección para esta temporada rinde homenaje al espíritu de lo poco complicado. Sus nuevos diseños son un homenaje a la calidez que se esconde tras lo sencillo, a los detalles. Un buen ejemplo son las renovadas 10N28E, cuya mayor complicación reside en su nombre. Disponible en todas las combinaciones de colores que puedas imaginar, de líneas simples y espíritu ligero. Tanto, que ha sido la silueta escogida para protagonizar The Flying Project, un experimento audiovisual firmado por la creatividad de algunos de los chicos del colectivo de artistas, cineastas y diseñadores gráficos SpanKidz. Un desafío a la gravedad en toda regla que ya podéis disfrutar de forma online. Porque a veces nuestra preocupación por hacer lo correcto se convierte en lo único que no nos deja actuar y lo mejor que podemos hacer es aprovechar los impulsos que florecen en primavera para asumir el riesgo de hacer las cosas a nuestra manera. www.feiyue-shoes.com www.theflyingproject.com

Perfect?

ELEMENT_Puede que porque crecemos siendo sometidos a exámenes, necesitamos poner nota a lo que hacemos para averiguar el grado de satisfacción que debemos sentir.

Aunque averiguar esa nota cuando tus expectativas van más allá de recitar la tabla del 3 es complicado. Esto es un proceso y lo único que podemos juzgar son los resultados y no cada paso. Puede que esta sea la causa por la que en Element decidieron dejar de dar pasos e ir rodando a todas partes. La firma nos presenta su nueva colección de tablas de skate. De su infinita lista de nuevas boards y colaboraciones especiales, nos quedamos con la serie Final Outcome firmada por Todd Francis, un diseñador cuyos gráficos llevan más de 15 años dando forma y color a la cultura skate. Sus ilustraciones llegan en forma de dos nuevos modelos: Building y Freeway. Dos creaciones con las que el artista sigue paseando por las calles de todo el mundo su particular sátira de la política y el medio ambiente bajo el lema Future is Nature. Sólo nos daremos por satisfechos cuando consigamos el objetivo que se esconde tras todo lo que hacemos: sentirnos llenos. Pero no llegaremos a esa meta hasta que no dejemos de castigarnos por no haber llegado ya, hasta que no asumamos que no existe, que la perfección es una visión de la que sólo disfrutan los ojos de quienes son capaces de sentir sin condiciones. www.elementskateboards.com

Rusty_Do you know?

Queramos o no, no nos queda más remedio que actuar aún sin saber qué hacer y cuál sea la mejor forma. No podemos controlar ni lo que pensamos, ni lo que sentimos, de modo que lo mejor (y único) que nos queda es dedicar un instante a respirar hondo y hacer circular la mejor de nuestras energías.

Con esta actitud, desde San Sebastián y arropados por las olas llega Twothirds, una de esas marcas que te vuelven positivo. Es la benjamín de las marcas streetwear y puede que en ello resida su frescura. En ello o en su nombre, un homenaje a los dos tercios de océano que cubren nuestro planeta, con el que la marca y sus chicos mantienen una profunda conexión.

La colección para esta temporada nos trae diseños puros, de gran calidad, fabricados con materiales y procesos sostenibles. Una adaptación del easy living del surf para la ciudad. Con sabor a sal y olor a horizonte, se dice que si pones tu oreja en alguna de sus creaciones puedes oír el agua rompiendo contra las rocas. Y es que seguramente no haya más opciones y el optimismo sea mejor sentirlo que pensarlo. www.twothirds.com

imperdibles

t: xavi ocaña

Dreams?

Natural?

que nos pregunta ¿qué sientes? Los sentimientos parecen haberse convertido en nuestra guía: si lo sientes, es real y si es real es verdad. Pero y ¿qué pasa con esos sueños que nos hacen sentir, con esos que podemos tener con los ojos abiertos y nos inspiran? Los chicos de Converse desafían a la realidad y apuestan por la fantasía en su nueva campaña para esta temporada, American Dreamer. Una colección llena de magia, autenticidad y carácter en forma de tres líneas con estilo propio. Hustler es la más Urban Night de todas, con una actitud que bebe de las salas de fiestas y de juego de Las Vegas. Road Trip, para los viajeros más aventureros y clásicos. Vagabond, aires vintage para auténticos american cowboys que viajan en solitario y sin rumbo fijo. Como no, las Chuck Taylor no iban a quedarse al margen del sueño americano y también han recorrido la ruta 66 para volver más renovadas y patrióticas que nunca. Sólo aquellos capaces de entender que las mejores cosas, como el amor o la libertad, no necesitan tocarse para ser reales y llenar nuestras existencias, tienen el poder de devolver a los sueños el valor que tienen, sacarlos de la cama y llevarlos de viaje por todo el mundo. www.converse.es

volvemos a ordenar. Creemos que cuando todo esté en su sitio, bien puesto, lo entenderemos, lo veremos claro y nos sentiremos bien. Aunque la realidad es que los que realmente lo entienden saben que sentirse bien es algo que sólo pasa cuando te dejas llevar. Esto es lo que ha hecho Ambiguous esta temporada en una colección pensada para disfrutar en buena compañía de lo que la vida nos brinda. Un homenaje a la amistad donde prescinden de estridencias y colores llamativos para centrar su atención en lo que importa: lo que sientes, por ejemplo, cuando tu piel entra en contacto con sus tejidos, suaves y frescos, o la sensación que experimentas al llevar prendas en las que se ha pensado hasta el último detalle: desde los botones hasta sus acabados y prints, que invaden esta nueva propuesta que lleva por nombre Circus y ha sido creada bajo el lema Kickin it Tight o lo que es lo mismo Patear con Fuerza. Porque la vida es demasiado grande como para ser ordenada e intentarlo sólo limita nuestras posibilidades de ser felices, puede que esta primavera, un rayo de sol nos nuble el juicio y en un arrebato de pasión nos sorprendamos a nosotros mismos descubriendo quiénes somos en realidad. www.ambiguousclothing.com

CONVERSE_Cuando estamos perdidos siempre hay alguien AMBIGUOUS_Separamos, ordenamos, clasificamos y

imperdibles

t: xavi ocaña

Doctor?

Confidence?

cuerpos y almas jugando a ser doctores, diagnosticando problemas y creyéndonos capaces de solucionarlos, te topas con una realidad que te hace plantearte si estás tan sano como crees y si el grado de bienestar al que aspiras existe. Una reflexión que requiere de una alta dosis de positivismo para que sea productiva. El mismo con el que llegan cargados los nuevos zapatos de Swear. La firma no pierde su frescura incluso justo después de haber celebrado su décimo aniversario. Desde Londres, la nueva colección llega a concept stores y tiendas selectas de todo el mundo, como Colette en París, Opening Ceremony en Nueva York o Notenom de Barcelona. Un look minimalista y tan genuino como el James Dean protagonista de Rebelde Sin Causa que decora la suela de uno de sus modelos más míticos, el Dean. Tras haber acompañado los pasos de iconos como Radiohead, Franz Ferdinand o Kings of Leon, vuelven esta primavera con nuevas siluetas, colores y texturas pero con el mismo sabor a garage rock de siempre. Y pese a que todo parecía indicar lo contrario, cuando asumes que no es posible, que hay cosas que no controlas y no están en tus manos, tu alma se libera, descansa y se prepara para disfrutar sin prejuicios del siguiente paciente. www.swear-london.com

y llevarlo hasta el final, aunque para abandonarte a tus sentimientos necesites antes aprender a confiar. Un verbo que conjuga a la perfección Obey en su nueva colección para chica. Esta temporada vuelve a demostrar que es una de las firmas más valientes y gamberras, un espíritu que vive en cada una de sus nuevas prendas. Los prints abstractos y sin sentido y los estampados geométricos se mezclan con las siempre directas e irreverentes ilustraciones de Shepard Fairey. Y como cuando el mundo nos devuelve el buen tiempo no queremos distracciones a la hora de disfrutarlo, los chicos de la firma apuestan por una paleta de colores contenida, sin estridencias, centrando toda su atención en nuevos cortes y siluetas pensadas para lucir cuerpo a base de monos, mini vestidos y shorts. Una colección de líneas poco complicadas y suaves que aportan un enfoque distinto al incomparable estilo street de Obey. No se trata de confiar en ti o en los demás, porque el que confía, lo hace sin más, pero sólo cuando te sientes seguro logras liberarte de tus necesidades. Y entonces eres capaz de dar rienda suelta a lo que sientes, tu interior vuelve a la vida y evolucionas. www.obeyclothing.com

SWEAR_ Después de habernos paseado por lugares, OBEY_Para estar bien, uno debe ser honesto consigo mismo

imperdibles

t: xavi ocaña

Forever?

ECKO UNTLD_Existe una diferencia entre lo que predicamos y lo que practicamos. Sabemos que nada es definitivo, experimentamos lo efímero en los trabajos, en el amor, en la comida… Aunque ser conscientes de ello no cambia la forma en que actuamos y huimos de la estabilidad y el famoso “para siempre”. No sabemos si su colección para esta temporada empezó como algo de futuro o como una forma de disfrutar el presente, pero lo nuevo de Ecko Unltd mezcla los elementos del pasado con nuevos clásicos, usando el diseño gráfico como vehículo para llevar el arte y la energía de la firma a sus tres líneas. Street Ops, inspirada en las fiestas clandestinas, el asfalto, la oscuridad y el movimiento de Nueva York. Technical Distress, de influencia militar, con cortes contundentes, tipografía bélica y prendas desgastadas, de nylon o shorts cargo. Hue Theory, su propuesta más atrevida, con nuevos cortes y una paleta de colores muy amplia, nos ofrece creaciones como sus cazadoras reversibles. Una colección que se reinventa prestando especial atención a los detalles, acabados y materiales. Al final somos nosotros mismos sin darnos cuenta quienes hacemos de lo transitorio, permanente y viceversa. Hay quienes se sienten atrapados por el presente y otros que se agobian por el futuro, es sólo cuestión de pensar la forma que nos permita actuar, miremos donde miremos para hacerlo. Porque sólo cuando practicas lo que sabes, tu interior se vuelve una realidad. www.shopecko.com

Curiosity?

DATE_Si unas veces es la responsable de la muerte de algún gato, otras se convierte en la única capacidad que nos hace mejorar dando pasos aún sin saber la dirección: la curiosidad.

Saciarla nos hace sentir vivos, es algo inevitable, por ello sólo nos queda aprender a hacerlo. De curiosidad y caminos saben mucho los chicos de D.A.T.E. Cuatro jóvenes (Damiano, Alessandro, Tommaso y Emiliano) que tuvieron el valor de lanzarse a averiguar si su insatisfacción podría tener cura y hoy, seis años después, nos presentan su nueva colección para esta temporada. La semilla de la curiosidad de esta firma italiana sigue dando frutos en primavera y nos presenta un verdadero arsenal de modelos en los que se mezclan infinidad de colores, nuevos materiales, acabados y estilos diseñados para satisfacer a los paladares urbanos más curiosos. Un buen ejemplo lo encontramos en su modelo Hill Low, disponible en dos versiones, canvas y nylon, y dispuesto a dar la nota de color a cada paso que demos. Todos aspiramos a lo mejor, a disfrutar de lo que tenemos sin renunciar a lo que está por venir. Para ello, lo único que está en nuestras manos es aprender a dirigir nuestras inquietudes distinguiendo cuándo necesitamos saber mejor lo conocido y cuando mirar más allá, para sentirnos vivos. www.date-sneakers.com

imperdibles

t: xavi ocaña

Details?

Heroes?

que guardamos en nuestro interior como un tesoro.

Aunque descifrar su valor es complicado, sólo cuando lo hacemos, descubrimos las lecciones que necesitábamos aprender. Lecciones como que a veces lo simple es la mejor respuesta a lo complicado o que lo aburrido puede convertirse en lo más divertido. Con ese espíritu de dar un giro a esta temporada y poner patas arriba la ciudad a base de buenas energías y diseños llega la nueva colección de Stussy. Tomando como inspiración la época dorada del surf y el skate en California, visten a los chicos a base de ponchos hippies, estampados hawaianos, pantalones pitillo muy lavados, chalecos y sudaderas anchas. Para las chicas llega el mismo estilo natural y desenfadado a base de petos vaqueros, monoshorts y mini vestidos retro con lunares, rayas y estampados étnicos y animales para chica. Pero sin duda, lo nuevo de la firma presta especial atención a sus camisetas. Un ejemplo, la artist-serie firmada por el ilustrador y diseñador gráfico Cody Hudson. Porque la inmensa realidad siempre es fruto de una pequeña parte de nuestro interior, actuar a pequeña escala es la mejor forma de conseguir grandes resultados y es que, por suerte, el detalle que menos esperas puede cambiarlo todo y marcar la diferencia. Take care of them: think global, act local. www.stussy.com

desarrollas un sexto sentido, tus habilidades se multiplican, tu mente se agudiza y te conviertes en un súper héroe capaz de proteger y potenciar ese algo. Este es el caso de las chicas de Nikita, amantes de la acción (ya sea en la nieve, en el mar o en la ciudad), han desarrollado una capacidad innata para convertir el estilo en comodidad y llevárselo así a todas partes. Esto es lo que vuelven a conseguir en su nueva colección para esta primavera/verano 2011. Una propuesta que toma el relevo a las anteriores, siguiendo fiel a sus clásicos y creando otros nuevos. Los bloques de color y los estampados geométricos inundan una línea que apuesta por la mezcla de siluetas arrapadas y formas holgadas. Los cortes cómodos predominan en unos diseños teñidos de negro y colores masculinos que se combinan bajo los rayos del sol con los tonos pastel característicos de la firma islandesa.

Las cremalleras, los botones, los lavados y los detalles se convierten en el distintivo de sus nuevas creaciones. Puede que los héroes sí existan y estemos tan acostumbrados a vivir rodeados de ellos que hayamos olvidado cómo distinguirlos.

El amor es lo único que puede convertirnos en súper héroes, porque todo aquél que ha entendido que puede proteger y ser protegido a la vez que amado, aunque no lo sepa, lo es. www.nikitaclothing.com

STUSSY_ La valía de las cosas es una especie de secreto NIKITA_Cuando te gusta algo, sin quererlo, de forma natural,

imperdibles

t: xavi ocaña

Question?

Changes?

pero se pueden dividir en dos grandes grupos: los que necesitan preguntas y los que necesitan respuestas.

No sabemos si serán adictos a los interrogantes o a los puntos y seguido, pero las creaciones de Electric se han convertido en la manera más cool de ver las cosas claras.

Para esta temporada, la firma californiana vuelve con una colección (cómo no) electrizante a base de nuevos y reciclados diseños y estilos. Entre ellos destacan dos modelos, la mítica Knoxville y la Rosette. La primera, de líneas rectas y la segunda más femenina, con una silueta más curva. No nacieron como un clásico, pero han crecido como tal convirtiéndose en dos figuras del mundo de las gafas de sol de ciudad. Los nuevos colores y acabados llegan a sus cristales y monturas combinándose a la perfección en cada creación. Las preguntas de uno parecen ser las respuestas de otro, y viceversa. Puede que al final ni preguntas ni respuestas y lo único que realmente necesitemos sea los unos a los otros. www.electricvisual.com

pretendemos lograrlo sin sufrir un solo rasguño. Por más que nos guste jugar sin correr riesgos, el cambio es sinónimo de lo desconocido. Un proceso intuitivo del que no sabrás el resultado hasta que lo hayas llevado a cabo. Algo que sí ha hecho esta temporada el equipo de Element Eden, dispuesto a cambiar el frío invierno por una primavera cálida y llena de luz. En su nueva colección apuesta por las formas naturales y nos recuerda que la libertad reside en la individualidad. Una individualidad que esta temporada se expresa romántica y desafía la belleza delicada a base de transgresión, nuevos cortes, combinaciones y prints abstractos con la confianza única de quienes conectan con el entorno en el que viven. Un look cuidado, con espíritu, en el que lo casual se convierte en la definición de estilo. No puedes esperar a ver el futuro para apostar por el cambio, porque lo único que sabes sobre él es que lo desconoces.

Si no quieres vivir una víspera eterna, lo mejor que puedes hacer es aceptar que no hay cambio posible sin dudas, miedos o crisis, que todo ello es la señal más certera de movimiento, el mayor síntoma de evolución. Y sólo tal vez, el cambio que necesites es simplemente creer que es posible. www.elementeden.com

ELECTRIC_ Ahí fuera existen muchos tipos de personas, ELEMENT EDEN_ Queremos avanzar, ser mejores y

Enough?

Reaction?

el que te das cuenta de que tu camino ha sido sustituido por una pared y tú has dejado de avanzar para darte cabezazos contra ella. Ese instante en que empiezas a sentir que algo pesa y te preguntas qué es, cómo liberarte de ello y cuándo hacerlo. Un buen ejemplo a seguir es Kassia Meador. Algo le pesaba, no sabía el qué y empezó a liberarse a través del arte y el deporte hasta convertirse en una auténtica eminencia en el universo longboard y una cotizada creativa. Hoy sus pasiones y experiencias firman en forma de fotografías y dibujos hechos a mano la línea de swimwear que este culo inquieto ha diseñado para Roxy. Nuevos bikinis, camisetas, boardshorts, vestidos y hasta una serie de neopreno especial para practicar surf. Creaciones llenas de colores ácidos y fluorescentes, enmarcadas dentro de la colección para esta temporada de la firma, que rinde homenaje y se contagia del espíritu vibrante y lleno de vida de California revisando sus clásicos y volviendo a la estética surf de los 80’s. Puede que nunca sepamos cuánto es suficiente, pero estamos seguros de cuándo: el calor y los rayos del sol son la señal, el momento de dejar atrás lo que nos pesa, volvernos más ligeros y volar un poco más alto. www.roxy.com

y tener las cosas claras para hacer, la otra mitad actúa dejándose llevar por el instinto, confiando en su intuición y construyendo la realidad que quieren sentir. Son las cotizadas personas proactivas. En este último grupo encontramos a los tres mejores surfers del team Quiksilver que dejan a un lado lo sobrio para traernos una explosión de color y estampados mágicos (invisibles en seco y visibles al mojarse) en los nuevos bañadores de la Signature Series de la marca. Kelly Slater firma el modelo Alpha con un mapa imaginario de sus spots preferidos en tonos anaranjados; Jeremy Flores nos trae un diseño de silueta curva lleno de geometría, estampados de zebra y espirales de colores; el modelo Mutin apuesta por lo sencillo con paneles monocromáticos; el español Aritz Aranburu nos trae una creación llena de espirales simulando escamas de pez. Además, la firma incorpora a sus diseños eco-friendly la tecnología de su Cypher Series, con nuevos tejidos como el 4 Way Diamond Dobby, elástico, de secado más rápido y repleto de avances técnicos perfectos para conseguir el alto rendimiento que se espera de surfistas de élite. Puedes reaccionar y dejar que las situaciones determinen tus actos o proactuar asumiendo el poder que tienen tus acciones para cambiar la realidad, pero el mundo es de aquellos capaces de usar su poder de transformación para mejorar. www.quiksilver.com

ROXY_ A veces pasa, todos hemos vivido ese momento en QUIKSILVER_ Mientras la mitad del mundo espera sentir

il: pedro pereira (www.changinglines.com) 01 02 03 04 05 06 07 08 09 10 11 12 13 14 15

paulsmith.co.uk tv.skullcandy.com lil-shop.com norsestore.com stussy.com apreski.bigcartel.com loreakmendian.com 55dsl.com surfacetoair.com penfieldusa.com prismlondon.com bench.co.uk universalworks.co.uk woodwood.dk vans.com

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disparador automático

t: eva villazala / f: núria rius

¿Cuál ha sido el momento de cambio más importante de tu vida?

No podría elegir uno solo, ¡hay tantos momentos y hasta pequeñitos cambios que luego resultan súper reveladores con el tiempo! Siempre tiendo a ser muy positiva aunque he pasado momentos muy duros a lo largo de mi vida. Esas circunstancias te enseñan lo importante que es aprender a fluir por la vida sin agarrarse a las cosas y saborear el presente.

¿En qué medida tu obra es una terapia para ti?

Me hace aterrizar y enfocarme. Me trae al presente, al aquí y ahora. Es un poco como una meditación zen que hace que mi cabeza deje de darle vueltas a demasiadas cosas.

En sentido figurado, ¿qué palabra es sinómimo de CAMBIO para Ana Montiel?

Vida.

Estás viviendo en Londres, ¿qué te aporta la ciudad que podamos exportar o aplicar por estos lados?

El apoyo, orgullo y promoción del “producto nacional” a todo nivel. Desde la comida hasta los jóvenes talentos. España está llena de cosas maravillosas, pero siempre me ha dado la impresión de que estamos demasiado ocupados para verlas por estar muy pendientes de lo que pasa en otros países.

Si tuvieras oportunidad de reivindicar algo que cambiara el mundo con tu arte sin límites de permisos/producción, ¿qué y cómo lo harías?

¡Que pregunta tan compleja! Creo que esta época en la que estamos es tan crítica a tantos niveles que uno solo no puede cambiar el mundo. Es un trabajo colectivo, de movernos todos hacia un futuro mejor. Las ideas que hay detrás de mi obra creo que serían más relevantes que la obra en sí, si es que tuviera que priorizar, los puntos que tocaría para comenzar a plantear algo serían la colaboración, el consumo local, el autoabastecimiento, el respeto por el medioambiente y los demás seres vivos, el exigir a los gobiernos y a las empresas las cuentas claras y pedir que se revisen las estructuras de poder, revisar los planes educativos fomentando un bienestar más holístico, etc. Un buen comienzo para implementar esto sería terminar de leerme la biografía tan inspiradora de Buckminster Fuller que tengo entre manos. ¡Tantas ideas valiosísimas que aportó este hombre al planeta!

En el sentido de aportar belleza a una ciudad, ¿en qué edificio simbólico te gustaría realizar una instalación gigante de uno de tus Visual Mantras?

Adoro muchos edificios históricos pero no se si me apetecería más crear un Visual Mantra vegetal y vivo. Trabajar más a nivel paisajístico y traer más verde a las ciudades. Quizás en las azoteas de los edificios se podrían planear unos jardines rítmicos y coloridos en los que la gente pueda respirar y reconectar un poco con la naturaleza.

¿Cómo te dirige tu instinto en la conjugación de colores que utilizas en tu obra? ¿Los tienes claros o van surgiendo sobre la marcha?

Es una paleta de color interna, no se ve afectada por las estaciones ni por el entorno.

Por ejemplo los Visual Mantras los entiendo como paisajes cromáticos en los que uno puede sumergirse. Los colores no los elijo racionalmente, creo que esta decisión ha de ser muy intuitiva. En mi trabajo para clientes -por ejemplo los proyectos que estoy desarrollando para Nina Ricci- soy muy consciente de lo que quiero conseguir y me parece interesante que en mi obra artística el modus operandi sea más libre.

Cuéntamos un propósito esencial que te hayas marcado en este año del conejo.

¡Ir de vacaciones! Hace mucho que mi pareja y yo queremos ir a algún lado y descansar y espero que ese momento llegue pronto.

Una imagen para siempre: una noche estrellada. Banda sonora de tus creaciones: Broadcast, Animal Collective, Beach House, Donovan, Ram Narayan, Vilayat Khan, Still Corners, Amor de Días, Cineplexx… ¡tantos que me dejo fuera! Una medicina para el alma: el perdón, el amor incondicional y la aceptación de uno mismo tal y como es. Te pierde… el aroma del horneado de pan casero, galletas, muffins… Te llena de energía… el Kundalini Yoga. Una sorpresa: cada mañana soleda. Una intuición: el sol está por salir.

lamono / núm. 72 / abril ’11

ANA MONTIEL

Movimiento en la repetición hacia adelante Cuando alguien te dice que el cambio es vida, es fácil elaborar un análisis rápido de su psique. Optimista, pero comedida, lanzada pero preocupándose de saborear cada momento, tenaz pero cuidadosa con su imaginación, Ana Montiel desarrolla un arte que la define en cada forma geométrica. Ella es lo que dibuja y lo que lucha desde la convicción de que el camino es el fin y no el principio. www.anamontiel.com

www.anamontiel.com

cargocollective.com/retrofuturs

vecinos

t: alba agustí

Retrofuturs_Los tiempos han cambiado.

Se abren caminos para un nuevo arte. cargocollective.com/retrofuturs

Las nuevas tecnologías han cambiado nuestra manera de ver el mundo. Todas nuestras vidas, la social, la laboral, la familiar, ya no son las mismas desde la llegada de estos inteligentes seres, tan magníficos si se utilizan bien, diría yo. Con ellas, ya no existe ni el espacio ni el tiempo. Y es increíble. Sin ir más lejos, gracias a las nuevas tecnologías hemos podido hablar con Retrofuturs. Un artista contemporáneo donde los haya. Por su edad, dice no ser un nativo digital, pero este diseñador gráfico ha sabido utilizar, analizar, valorar y criticar las nuevas tecnologías de una manera asombrosa. Ellas son su herramienta de trabajo, pero también el mensaje de su obra final. Con modestia, humor y espíritu crítico, Retrofuturs nos invita, y de qué modo, a reflexionar sobre el mundo de hoy. Y la vida actual no se puede desvincular, nunca, de las nuevas tecnologías. Están significando un gran cambio, y por supuesto, el arte también está dentro de él.

Retrofuturs es… mi apodo. Una ancla en el espacio y el tiempo. Una ventana abierta en el presente. Una forma de diseñar. Una manera de sentir las cosas.

Detrás de Retrofuturs se encuentra… Yo, un estudiante del doctorado de semiótica, literatura y ciencia. Retrofuturs ha salido de los choques del círculo de la vida, de hermosos accidentes y de la fuerte cultura del mundo. Es humor, crítica y un toque de minimalismo. Descrito de manera muy simple: hago lo que me gusta.

Retrofuturs empezó… El 11 de noviembre de 2008. En ese momento coleccionaba imágenes, hacía comics para colegas que eran una mezcla de imágenes de archivo y de las noticias de actualidad. La semana antes de este 11 de noviembre empecé a descubrir las funcionalidades del software. Miré lo que se podía hacer. Colgué cuatro o cinco de mis primeras imágenes en flickr y gustaron en seguida. Un maravilloso accidente.

Las herramientas y los conceptos de tu trabajo están basados en las nuevas tecnologías… No existiría sin ellas.

Me considero un artista que se ha desarrollado utilizándolas y criticándolas. Las nuevas tecnologías ya han cambiado mi vida. Son el sustrato, el abono de nuestras vidas hoy en día. El prolongamiento, la prótesis de una vida electrónica.

Sin embargo, con 40 años, no soy un digital nativo, pero tengo una cultura de espíritu crítico.

Algún ejemplo en tu trabajo de esta filosofía… Señalé en una de mis obras de la serie “The wor(l)d has changed” (El mundo ha cambiado): Se ha pasado de “La gente tiene el poder”, a “La gente tiene el poder de otorgar poderes”. Un pensamiento que quiero transmitir en mi obra, pero que también utilizo para vivir mi vida, para encontrarme a mí mismo.

Crítica o representación del mundo… Estoy muy lejos de la realidad. Intento insistir en algunos aspectos, conectarme a ella. Siempre digo que hago poesía digital.

En esencia, Retrofuturs nos quiere decir… Quiero hablar del presente, construir relaciones entre las tecnologías ocultas para exorcizar. Quiero que el humor gráfico se convierta en la luz para mostrar y hablar de cosas profundas, graves y serias.

Retrofuturs ha trabajado con… ilustradores, libros, carteles y comics. Este año estoy trabajando en grandes proyectos con mis amigos.

A Retrofuturs le gustaría trabajar con… revistas, páginas web, diseñadores de carteles y activistas.

Aunque Retrofuturs trabaje para alguien, la esencia de su trabajo es… Tengo algunas obras hechas por contrato.

Pero me gusta trabajar siempre el concepto, el lenguaje.

Mi obra es el fruto del mecanismo de mi mente: asocia las cosas, las clasifica y hace analogías. Muchas de mis imáge-

nes de día, divagaciones. De hecho todo el trabajo se hace cuando llega la idea. Y esto es genial.

Retrofuturs: un nombre curioso y con significado… Es el concepto de una figura literaria, que encuentra su repetición, su compensación en el mundo actual. Hablando especialmente en el presente. Una palabra que inventé hace quince años.

Algunas palabras esenciales para definir tu trabajo…

Lenguaje y vida. Son dos características que siempre se encuentran dentro de mi obra, como una terapia de arte.

Todo artista tiene una influencia… Y se fue a cumplir su propio y real objetivo.

Un deseo de Retrofuturs… Tener mi propio estudio de diseño gráfico y vivir enteramente en el mundo del arte.

Un objetivo ya cumplido… Hacer lo que me encanta. ¡Y funciona! Retrofuturs ha cambiado mi vida.

Tres cosas que le encantan a Retrofuturs… ¡Sexo, juguetes y Rock’n roll! Retrofuturs ama la vida, la vida digital, y el significado.

Una frase para Lamono… Disfrutad. ¡Funciona!

el de portada

t: adriana giorcelli miguel

Rogier De Boevé_

Contraste digital Es joven. Todavía no ha acabado los estudios, pero a sus veintitrés años Rogier de Boevé tiene las ideas muy claras sobre lo que hace y lo que quiere hacer. Sobre lo que se queda y lo que cambia.

Su juventud no le quita precisión ni técnica y se permite, porque puede, jugar con estructuras que transforma de geométricas a fluidas con un equilibrio sorprendente. Este chico sabe mirar al pasado y convertirlo en futuro.

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Le debo a mi hermano la pasión por el diseño gráfico. Hace unos años me enseñó algunas imágenes digitales elabor adas con Photoshop y quedé tan sorprendido con las posibilidades de este tipo de programa que quise aprender. Así empecé. Leyendo tutoriales y buscando por la red. Llegué a un punto en el que me di cuenta que era tan adicto al arte digital que decidí convertirlo en parte de mi vida. Tengo 23 años y estudio mi tercer curso de Diseño Gráfico. En este momento no me veo haciendo otra cosa,¡a parte jugar a fútbol y tocar la guitarra! (risas) Para mí crear es una pasión. No quiero decir que siempre sea divertido, pero difícilmente podré dejar de hacerlo. Creo que la pasión es el único camino que te lleva a destacar en algo. Si no estás sintiéndola difícilmente le puedes dedicar todas las horas necesarias a tu trabajo.

Aunque el hecho de ilustrar nunca lo he sentido realmente como una carga, ¡espero poder decir lo mismo dentro de cinco años! Hay una frase de Picasso que amo: “Cada niño es un artista, el problema es que permanezca tal cual cuando se hace mayor”. Me hace pensar en la diversión y la espontaneidad de la creatividad.

Si te diviertes haciendo lo que haces, se manifiesta en tu trabajo. Mi obra tiene un cierto estilo retro y futurista a la vez. Siempre trato de crear cosas nuevas con respeto y admiración por elementos antiguos. No es sólo la tensión entre lo viejo y lo nuevo, sino también entre naturaleza y elementos digitales. Me gusta trabajar y pongo una gran pasión en todas mis obras cuando las estoy realizando, pero no consigo elegir una como preferida. Por lo general todas me gustan, aunque una vez concluidas me acaban aburriendo y tengo que dedicarme a un nuevo proyecto. ¡Quizás por eso nunca me he decidido a hacerme un tatuaje! Me pregunto a menudo qué es lo que me influencia y nunca consigo contestar con exactitud. Creo que las influencias vienen de todas partes: las cosas que observo cotidianamente, la vida, el trabajo de otros artistas, el material que encuentro en blogs. Navegar en busca de información consume gran parte de mi tiempo. Me encanta el trabajo de Mark Weaver, sus collages son bastante simples pero las composiciones son impresionantes. También soy un gran fan de Matei

Apostolescu, Henson Keaton, Alex Trochut y el estudio de Ars Thanea. Son todos muy diferentes entre sí, no puedo decir cuál es mi estilo favorito, cada uno de ellos me atrapa a su manera. En la vida personal no me gustan demasiado los cambios, pero el arte y el mundo del diseño es otra historia completamente. El diseño es un área en continuo cambio, es una búsqueda constante de las últimas tendencias. Es interesante encontrar esas cosas nuevas y grandes que se crean en el mundo. ¿El futuro? Me gusta dejarme llevar por la corriente y trato de disfrutar de las pequeñas cosas de la vida. Sólo espero ser feliz haciendo lo que hago.

Bueno, ¡en realidad me gustaría ser el guitarrista de una banda de éxito internacional! No, en serio, espero tener una gran carrera como diseñador gráfico para poder mantener a mi familia, llega a ser art director de un gran estudio de diseño gráfico. Ser freelance es divertido, pero las facturas no se pagan tan bien como con un sueldo. Actualmente estoy trabajando en un layout para una empresa y en el diseño de una línea de camisetas para una nueva marca de alta calidad.

También me estoy dedicando a una ilustración personal. Cuando no estoy ocupado en ningún proyecto, intento perfeccionarme y aprender más sobre técnicas que aún no domino como motion art y flash, que en este momento me interesan muchísimo. Estoy muy orgulloso de mi país y vivo muy a gusto en él porque refleja mi personalidad. Siempre se mantiene en movimiento. Bélgica tiene algunos problemas internos pero es muy tranquila y eso me gusta, aunque si llegara una buena oferta de trabajo consideraría la opción de trasladarme. Me gustaría moverme a un sitio donde no tenga dificultad en aprender el idioma, de otra forma me sentiría muy solo. Los Ángeles, Nueva York o Londres me atraen muchísimo, tienen que ser impresionantes en el ámbito laboral, aunque también son ciudades grandes y ajetreadas cosa que no me gusta demasiado. Iré a Barcelona en un par de meses, para el festival OFFF ‘11, ¡quizás podría ser la siguiente ciudad en mi lista de deseos! rogierdeboeve.com

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arte

t: lara tuner

www.stefanhoffmann.nl

SMILE. Phoenix (2010)

Stefan Hoffmann dice que hay un enorme poder de liberación en la capacidad de cambiar.

Y eso es lo que hace constantemente. Modifica su espacio de trabajo en cada proyecto y aplica la serigrafía sobre ventanas y paredes para transformar los emplazamientos elegidos. Son capas y capas de elementos visuales que, tras establecer un diálogo con el entorno, el propio artista se encarga de eliminar. Esto también forma parte del proceso creativo y del carácter efímero de cada intervención. Transformar, crear sin un plan de ejecución concreto y después devolverlo todo a su estado original. Esta es su pauta de trabajo y su manera de decir que el cambio siempre es positivo.

Imprimir el entorno Stefan Hoffmann_

Displacement Activity. Artist Image Resource (2009)

Brand-new. MOCCA (2010)

Wechselwirkungen. Inkijk (2009)

Estudié Literatura e Historia sin demasiada pasión.

A medio camino, dejé aquellos estudios, mi Alemania natal y me trasladé a Holanda. Allí mi contacto con las artes visuales comenzó en serio y entré a estudiar en una academia de arte. Tras finalizar mi master en la Jan van Eyck Academy, comencé a trabajar con instalaciones multimedia. Seguí dedicándome a esto durante más de diez años pero algo fallaba. Más o menos por casualidad tropecé con un equipo completo de trabajo de serigrafía.

Estaba cubierto por una gruesa capa de polvo y lo compré, sin saber exactamente qué estaba haciendo. Instalé todo en mi estudio y empecé a hacer ediciones en papel.

Me gustó la técnica, me sentí feliz tan pronto sostuve un rasero de caucho en mi mano, pero tuve que trabajar dentro de los límites de mi estudio. Esto tampoco acabó de funcionar. De repente, me encontré desarrollando dos prácticas artísticas diversas: instalaciones multimedia en lugares específicos y diferentes técnicas de impresión tradicionales. Me gustaron ciertas partes de cada práctica. Realmente disfruté trabajando sobre el terreno, pero crear grandes entornos con un sistema modular pesado y diseñado por mí mismo me destrozaba. También gozaba mucho de la serigrafía pero estaba completamente aburrido de mirar fijamente las paredes de mi estudio. Entonces sucedió algo muy extraño. Me invitaron a realizar un mural. Pensé en sostener un pequeño bastidor directamente contra una de

las paredes de mi estudio y traté de imprimir una imagen. La primera vez no salió bien pero en un segundo intento lo conseguí: una impresión nítida y bien marcada en la pared. La miré y tuve una sensación realmente fuerte, un ‘momento eureka’ en el que pensé: ¡esto es lo que voy a hacer! Combiné las partes buenas de mis dos prácticas artísticas y todo comenzó a estar en su lugar.

Desde entonces, mi estampación de serigrafía vertical sobre ventanas y paredes se ha ido expandiendo. A veces escojo los emplazamientos yo mismo y me acerco a la gente o a las organizaciones que controlan ese espacio, otras veces me invitan. Pero en cualquier caso, el entorno no es sólo importante en mi trabajo, es crucial. Necesito tener una idea concreta para saber si en realidad un proyecto puede funcionar. La preparación de una obra puede requerir un año o incluso más. Una vez localizado el emplazamiento, comienzo a recopilar material visual procedente de ese mismo lugar y a partir de allí trato de definir preguntas específicas que quiero explorar. Tomo muchas fotografías de lo que veo a mi alrededor, las modifico con Photoshop, las imprimo sobre transparencias y las quemo en las pantallas. A excepción de la preparación previa de los bastidores, no hay un diseño preliminar, ni sigo un plan de ejecución predeterminado. Las intervenciones empiezan realmente cuando llego al emplazamiento. Un poco como sucede en el street art. La gente me vincula a este movimiento, lleno de energía y con una fuerte marca distintiva, y es cierto que hay algunas semejanzas: comparto su interés por trabajar en el exterior y en el espacio público. Una vez en el lugar, me dedico a imprimir capas de imágenes y a eliminar partes de esas capas hasta que alcanzo el estado final deseado. Para ello, uso exclusivamente tintas acrílicas con base acuosa y pintura de paredes. En realidad todo empieza con el color. La decisión más crucial es la de elegir el color correcto. Mi trabajo armoniza con los emplazamientos así que generalmente comienzo utilizando los colores que veo a mi alrededor. Por otra parte, mi vocabulario visual está marcado por el uso de formas muy básicas: círculos, cuadrados, triángulos. Me siento atraído por los símbolos, señales y logos aunque tampoco excluyo el material visual que puedo encontrar en mi lugar de trabajo. Me gusta utilizar soportes que tienen un significado o una función claramente definida, para luego poderlos despedazar. Todo ello se podría vincular a la idea de cambio.

Trabajar siempre sobre el terreno significa que las cosas nunca son lo mismo. Modificar mi entorno de trabajo constantemente desafía lo que hago en cada sitio particular. No hay ninguna red de seguridad, ningún trabajo existente que pueda colgar sobre la pared, ninguna escultura con la que llenar el espacio. Vengo con pantallas vacías y una mente vacía. Trato de dar sentido al lugar, a la situación, mediante el cambio, la transformación de lo que veo a mi alrededor. Y el propio lugar también me cambia. Todo está en un movimiento continuo y cada proyecto es solamente un pequeño momento en el tiempo. Entonces, ¿podría decir que mi trabajo es efímero? En realidad, todo está relacionado con el proceso y el modo en que el trabajo lentamente va creciendo.

Algunos proyectos permanecen por poco tiempo, otros por periodos más largos, otros todavía están vigentes.

En general, yo mismo soy el encargado de eliminar mis obras una vez están terminadas. La gente siempre piensa que esta es la parte más dura y que todo ello debe hacerme sentir realmente mal. Pero no es el caso.

Desde luego no me gusta eliminar un trabajo al día siguiente de su inauguración. Necesito algún tiempo antes de dejarlo ir. Quiero que mis intervenciones se mantengan en pie durante una semana, más o menos.

Pero después de esto, me siento feliz al eliminarlo todo, devolviéndole el estado que tenía antes y esto también tiene una especial fuerza de liberación. Se trata de un movimiento continuo, un círculo que va y viene. Por eso, mi página web, así como las fotos y los pequeños vídeo clips que aparecen en ella, son sumamente importantes para mí. Es una parte esencial de mi trabajo, el modo de capturar la esencia de mis proyectos. Yo mismo me encargo de la documentación y del montaje de la web. Y me gusta hacerlo. También me agrada cocinar y hacer mi propio pan de levadura. Pienso que mi vida es bastante similar a la de la mayoría de la gente. Me levanto muy temprano y trato de trabajar duro. No hay ningún glamour, ni grandes fiestas pero realmente disfruto de mi trabajo y esto me proporciona un profundo sentimiento de satisfacción. ¿Planes para el futuro? Pues, trasladarme a un estudio más pequeño y realizar un nuevo proyecto en Montreal que durará dos meses. Tras trabajar en países como Alemania, Holanda o Estados Unidos, también tengo muchas ganas de desarrollar mis intervenciones en un contexto donde no conozca el idioma. Ya saben, ¡invítenme!

Chaleco & shorts Insight _ Camisa, gorra & zapatillas Vans

New girl in town Photography: Sara Sani Styling: Adele Cany Styling assistant: Zamira Paladini Make up & Hair: Marina Alejandre Model: Danae Fischer @ View

Americana Stussy_ Chaqueta de cuero interior Jack Henry _ Pantalones Obey _ Body Insight _ Pa単uelo Liberty of London _ Zapatillas Vans

Camisa denim Lee _ Top Insight _ Falda Stussy _ Ri単onera Eastpak _ Calcetines H&M _ Zapatillas Converse

Sudadera Vans _ Corpi単o vintage _ Chaleco & Shorts Levis _ Reloj Casio _ Gafas de sol Vans

Chaqueta denim Lee _ Top Insight _ Shorts Vievienne Westwood para Lee _ Cinturon Lee _ Mochila Eastpak _ Zapatillas DATE

Sudadera y camisa Vans _ Shorts & top Insight _ Collar Elena Gallen

Mono Obey _ Chaleco denim Insight _ Gorra, gafas & zapatillas Vans

Contactos: Casio _ casio-europe.com/es DATE _ +34 972 226 9200 Eastpak _ +34 915 225 721 Elena Gallen _ elenagallen.com H&M _ +34 932 608 660 Insight _ insight51.com Jack Henry _ +33 1 42 72 11 90 Lee _ +34 934 880 333 Levis _ +34 932 276 900 Liberty of London _ +44 020 7734 1234 Obey _ +33 5 58 43 97 56 Stussy _ + 34 913 194 193 Vans _ +34 934 880 333

fotografía

t: ana paula tovar

Tom Bland_El lente humano

Infinidad de imágenes pasan cada día frente a nuestros ojos, unas logran atrapar nuestra atención otras pasan desapercibidas.

Aquel atardecer espectacular del ‘98 nunca volverá, ese día deseaste tener la mejor cámara fotográfica. Y la tenías, tu memoria y tus ojos. Para Tom Bland la cámara es una extensión de su vista que va recogiendo encuadres inolvidables. Este chico inglés de 31 años comenzó su carrera en medios de producción, pero la vida se encargó de enfrentarlo una y otra vez con la fotografía. Ahora vive para tomar fotos y no al revés.

Edinburgh, Scotland.

www.tombland.co.uk

Dalston, London.

Downtown, Los Angeles, USA.

de algún tipo, ni siquiera la recuerdo. Aquella Pentax me descubrió la fotografía, algo que desde entonces ha ido y venido, encajando con otras partes de mi vida. A los dieciocho años me especialicé en foto durante un curso del Art Foundation, pero sólo fue un paso para realizar una licenciatura en cine, video y animación, en la Universidad de Northumbria en Newcastle. Para ser honesto nunca deseé que la fotografía se convirtiera en mi forma de vida por completo. La diversidad me hace feliz, es decir, el poder estar involucrado en varios proyectos y trabajos.

Por ahora me he decidido por la fotografía porque encajo mejor en ese medio y me satisface más, y aunque no le he jurado fidelidad seguramente estaré tomando fotos por el resto de mi vida. Siempre fotografío cosas que atraen mi atención y trato de incorporarlas a mi portafolio. Las temáticas varían en mis imágenes, la constante sólo son mis ojos y como ven las cosas. En términos de proyectos, una idea puede venir en cualquier momento, incluso cuando estoy en la ducha (donde alcanzo mucha claridad) o simplemente algo comienza a crecer despacio en mí antes de que se haga realidad. Tengo un gusto muy ecléctico. Al igual que siempre observo distintas cosas. Todo

Newark, New Jersey, USA.

Hace algunos años yo quería tomarle una foto a Sir Bobby Robson, antes de que muriera, pero desafortunadamente no llegué a tiempo. Bobby Robson era del noreste de Inglaterra, como yo –nací en Hexham, Northumberland en 1979–. Para mi diociocho cumpleaños, mis padres me prepararon una sorpresa y le enviaron un fax pidiéndole entradas para el clásico partido, cuando él era director técnico del Barcelona. Por imposible que parezca un día Bobby Robson llamó a mi madre y le dijo que conseguiría las entradas. Conocimos a Bobby en su hotel la mañana del partido ¡y desde aquel día lo llame tío Bobby! Era un hombre increíble, generoso y amable. Habría sido genial verlo de nuevo, ya más viejo, y haber tenido la oportunidad de conversar y hacerle una sesión de fotos. Pero fue demasiado tarde. Tuve el primer encuentro con la fotografía a mis diez años, cuando gané un concurso sobre vida salvaje. Crecí rodeado de campo, colinas y bosques, a las afueras de Hexham. El amor por las aves me llevó a la fotografía, pues fue la imagen de un cisne captada con una Pentax P30, propiedad de mi padre, la que me otorgó el primer puesto del concurso. Con el dinero del premio compré mi primera cámara, una instantánea barata de 35mm.

Stoke Newington, London.

cambia, incluso la forma de hacer publicidad, por eso disfruté mucho el proyecto Sign Of The Times, donde retrato los viejos anuncios pintados en grandes muros, una forma de publicidad ahora obsoleta. La inspiración la heredo de mis padres. Los dos son diseñadores gráficos y comenzaron su carrera haciendo anuncios a base de acrílicos y pintura, pero pronto llegó la novedad. Ahora sólo usan el MAC. Cuando llegué a Londres hace casi ocho años -mucho tiempo, porque esperaba vivir aquí máximo dos– pasaba los días a la búsqueda de esos “signos fantasmas”, como se les conoce coloquialmente. Fue como buscar un tesoro.

Sólo iba armado de un mapa, una dirección y mi cámara.

La mayoría de las fotos las realicé gracias a una investigación previa. Hice una lista de lugares, tomé notas y planeé mis visitas, pero en ocasiones especiales encontré anuncios increíbles totalmente por accidente y eso siempre es una experiencia emocionante, como un premio o una recompensa, aún más si se trata de un trabajo a largo plazo. El azar abunda en mi proyecto Drive-By Shooting.

Tomé fotografías de la gente en las calles de EEUU desde un coche en movimiento. Lo comencé durante una sequía creativa y lo continúo cada vez que visito EEUU. Es, al mismo tiempo, fascinante y divertido captar a personas en la calle que van a bola, perdidos en sus pensamientos o conversaciones. Se necesita mucha suerte para que las imágenes funcionen porque yo estoy dentro del auto en marcha tomando las fotos y las personas también están moviéndose, los escenarios van cambiando constantemente, todo forma parte de la composición. El control limitado del encuadre al tomar estas fotos es muy refrescante, agrega un elemento de honestidad a la colección que realmente me gusta. Un clic, un momento sin recursos tecnológicos. La fotografía digital dio su gran salto cuando estaba estudiando mi licenciatura. En aquel tiempo estaba alejado de la fotografía así que el cambio a lo digital no tuvo mucho impacto en mi trabajo. Me tuve que acostumbrar a él un poco después cuando tenía cientos de imágenes por archivar y ningún medio donde hacerlo. Los sistemas electrónicos en ese momento fueron para mí cruciales, pues necesitas un método de almacenaje funcional para organizar tus fotos y encontrarlas cuando las necesitas. Un proceso de aprendizaje que tomará más tiempo, según sean los avances. De cualquier forma con las novedades tecnológicas no juego mucho, prefiero retocar poco las imágenes. Además, los viejos métodos análogos siguen existiendo para quien quiera usarlos, no están lejos en ningún sentido. El mercadeo para los nuevos pro-

ductos es una realidad, tanto, que a veces es difícil tomar una decisión consciente sobre si comprar o no un equipo nuevo, especialmente cuando tus colegas están actualizados. Muy a menudo ya posees un equipo igualmente bueno que funciona perfectamente. Al final una cámara estenopeica (una cámara muy sencilla, con abertura pequeña y que utiliza película) puede crear imágenes sorprendentes con la tecnología más básica, esa que nunca va a desaparecer. Realmente creo que se trata de una decisión personal sobre cual es la tecnología más adecuada para tu proyecto, así como resistir al marketing, a esa voz interior que siempre está en busca de la inmediatez. Cambios tecnológicos o modas. Ahora existe una tendencia evidente al estilo lo-fi en la fotografía. ¡Ha vuelto la Polaroid!

La veo tanto en medios en línea como en revistas –en parte porque es lo cool en estos tiempos– probablemente nació como respuesta a las imágenes digitales, que son demasiado perfectas o a la creación de las nuevas tecnologías, algo que parece no tener fin. Realmente no lo sé, nunca he estado involucrado con la industria fotográfica y no le presto mucha atención a las modas. Pero es evidente que hay una línea y espero que los editores se den cuenta de que esta moda lo-fi se está convirtiendo en algo muy repetitivo. También, las novedades del mercado han ampliado el número de personas que ahora toman fotografías, pero creo que las nuevas tecnologías disponibles no pueden hacer que nadie, de hecho, tome fotografías fantásticas, aunque las circunstancias fueran buenas y se pudiera incluso hacer algo de dinero con la imagen.

Simplemente no considero que sea tan simple hacerse fotógrafo en sí. La pregunta sería cual es la definición de fotógrafo actualmente…

›Todas las fotográfias pertenecen al proyecto “Sign Of The Times”. © Tom Bland

lamono / núm. 72 / abril ’11 fotografía

t: claudia niubó

Freya Najade_La belleza de la vejez Es joven, fotógrafa, con buen ojo, amante de las relaciones humanas. Se llama Freya Najade.

Lleva afincada en Londres desde hace algunos años, ciudad que la envuelve en una burbuja de inspiración siempre en un constante vaivén de ideas. Domina el uso del color, los contrastes, retratando sus motivos con una fuerza visual que deslumbra. Su último trabajo ofrece una visión de la vida con otros ojos. Una serie de retratos a personas mayores que cuentan esos momentos de su vida que los convertieron en lo que fueron y en lo que son.

sección

freyanajade.com

miedo se da especialmente porque tenemos muy poca interacción con los ancianos. Sólo hablando con las personas mayores podemos llegar a entender que nuestra vida, nuestros sentimientos y nosotros mismos, nuestro interior, no cambiará, sólo lo hará la superficie. Hay millones de cosas que podríamos aprender de la gente mayor, sencillamente por sus años de experiencia.

Sinceramente, creo que sería genial si hubiera más intercambio, más comunicación entre personas jóvenes y mayores. Por mi parte, fruto de las múltiples conversaciones que tuve para llevar a cabo el proyecto, aprendí que todavía podemos cambiar cuando somos viejos y que no hay que temer hacerse mayor. Puede sonar cursi pero también empecé a darle más importancia al amor. Como dice Chris, uno de los abuelos que retraté, “encontrar a alguien que amas y que te ama es lo más importante que hay en la vida”. Yo no estoy segura de si es la cosa más importante, pero en todas las historias que escuché el amor siempre jugó un papel fundamental. Me encanta hablar y sobretodo escuchar.

Cuando te acercas tanto a una persona captas muchos detalles de su entorno y de ella misma. Todos los detalles en conjunto dan una idea de lo que el todo podría ser. Es algo difícil, sobretodo porque empezar un proyecto no es sencillo. Siempre busco un tema que considere importante y sobre el que me gustaría conocer más cosas a fondo. Evidentemente hay un trabajo de La fotografía es el medio que me permite expresar investigación teórica muy importante, pero es en el y comunicar una experiencia que he vivido, mis senti- proceso de rodaje cuando conoces a gente, ves los mientos o aquellas cuestiones que considero importan- lugares dónde enmarcarás tus fotografías... Y es ahí tes transmitir. Hice un máster en fotoperiodismo con el cuando realmente te das cuenta de qué es lo que estás objetivo de que me ayudara a alcanzar estas motivacio- haciendo y exactamente qué es lo que estás buscando. nes. Así, tenía una razón para explorar y hablar a los El color me ayuda a realzar mi objetivo. Recuerdo que demás acerca de mi experiencia utilizando las imágenes en mi primera clase de fotografía tuve que disparar en en lugar de las palabras. También fue un motivo para blanco y negro con el fin de aprender acerca de la ver las cosas desde una perspectiva diferente, por mí impresión. En ese momento ya supe que el blanco y misma y para los demás. Es cierto que seguramente negro no era para mí. Aunque no uso una técnica espenecesitas ser un buen observador para ser fotógrafo, cial para resaltar el color, sino que más bien me siento pero para ello debes estar en una situación en la que te atraída por algunos de ellos, sobre todo, los colores sientas cómodo y en la que puedas relacionarte, ya sea vibrantes. “If you are lucky you get old” está lleno de de forma visual o emocional. Mi último trabajo me cau- color, de historias, de vivencias. Los retratos de los tivó. He aprendido muchas cosas. Hacerse viejo es pro- demás hablan de nosotros mismos cuando comunican bablemente muy diferente de lo que nos pensamos. sentimientos con los que los espectadores podemos Creemos que una vez nos vemos atrapados en un relacionamos e identificarnos. cuerpo arrugado, no vamos a ser nunca más la misma persona. Esta asunción creo que nos perjudica y este freyanajade.com

lamono / núm. 72 / abril ’11

fotografía

t: núria rius

Jack Radcliffe_

Cambios a tiempo real Jack Radcliffe (Nueva Jersey, 1940) penetra a través de su mirada y con la ayuda de su cámara en la vida cotidiana de los suyos, creando un clima de confianza y disparando en silencio. De esta forma logra captar instantáneas magníficas, de composición perfecta en muchas ocasiones.

Su obra es cercana a la de Diane Arbus. Durante más de treinta y seis años ha retratado a su hija Alison, dejando para la posteridad un auténtico documento de su historia. Situaciones reales, normales, donde están presentes sus diferentes ciclos: la emoción de su nacimiento, la inocencia de su niñez, el descaro de la adolescencia y la sensatez de la madurez.

No tuve mi primera cámara de fotos hasta los veinticinco años, cuando me alisté en el Ejército. Mi proyecto Alison narra la vida de mi hija durante más de treinta y seis años. Es un documento a tiempo real. En principio no eran más que fotos para enviar a la familia.

Siempre hemos tenido una gran relación y ella colaboraba en cada momento Por encima de todo, si a ella no le gustaba una foto que había tomado, no la mostraba.

Las fotografías muestran nuestra relación a través del tiempo, concretamente de la vida de Alison, nos han ayudado a encontrar esa harmonía y se han convertido en mis memorias, en mis recuerdos sobre ella. Cada imagen muestra un momento compartido que cobra significado en cada etapa de su vida, un cumpleaños, una graduación, sus primeros cigarrillos, sus novios, etc.

Disparé mi primera fotografía del proyecto cuando Alison nació, después hay un vacío de dos años porque no compré mi cámara de medio formato hasta ese momento, así que se trata de una causa natural, ya que empecé a tomarme la fotografía en serio al adquirirla.

Tengo cientos de negativos de 35mm de cuando Alison aún estaba en el vientre de su madre y de sus dos primeros años, pero no los he mostrado. Es una cuestión de selección personal. En la serie titulada Jenn el proceso fue parecido, retraté a Jenn desde el momento en el que supo que estaba embarazada hasta el nacimiento de su hija y su posterior primer año de vida. Ella era una de mis alumnas y así me lo pidió. La verdad es que fue un auténtico privilegio poder asistir al parto de su bebé.

Sufrí un gran cambio cultural cuando me mudé de New Jersey en 1970 a la línea de Mason-Dixon. Eran tiempos confusos, habían grupos pacifistas que protestaban contra la Guerra de Vietnam a la vez que otros defendían la posesión de armas. Mi comunidad estaba dividida, pero por encima de esto, ambas partes fueron de gran inspiración en mi trabajo. Hoy en día aún mantengo una gran relación con gente que sigue viviendo allí. He viajado mucho en mi vida pero nunca he vivido fuera de los EE.UU. He visitado España varias veces, tuve una exposición individual en Zaragoza en el 2005 y Barcelona ha sido siempre una de mis ciudades favoritas. Adoro el uso del blanco & negro. He pasado más de cuarenta años revelando mis fotografías en el cuarto oscuro.

Horas y horas encerrado conmigo mismo y rodeado de mis fotografías que colgaban de las paredes. El pasado agosto me compré una cámara digital para fotografiar la boda de mi hijastra en Portugal. La verdad es que quedé impresionado con la oportunidad de su instantaneidad. Podéis ver mis recientes fotografías en color en m i p á g i n a d e B e h a n c e ( w w w. B e h a n c e . n e t / JackRadcliffe). En mi opinión siempre ha sido difícil encontrar a un buen fotógrafo, pero animo a que la gente retrate sus vidas, no importa el formato ni la técnica. Lo más importante es que esas imágenes no se pierdan en el tiempo, ya que la tecnología va a gran velocidad y sufre cada día demasiados cambios. www.jackradcliffe.org

Proyecto Alison ‘75 _ ‘77

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fotografía

Como hombre trans y fotógrafo, Amos Mac combina su pasión y su identidad para dedicar su vida artística a la visibilidad de la cultura FTM. Con el objetivo de tener un espacio dedicado especialmente a la cultura y la sexualidad de los hombres trans ha creado Original Plumbing. Lo que comenzó como un proyecto para mostrar las fotografías tomadas de sus amigos en San Francisco, se ha convertido en una comunidad internacional para los transexuales masculinos. Con sus fotos Amos, que toma hormonas masculinas desde hace cuatro años, quiere que la gente salga de su burbuja y vea que la atracción sexual va mucho más allá de lo que está debajo de la cintura.

Amos Mac_

El sutil cambio de género

t: ferenz jacobs

Cuando era un niño comencé a tomar retratos de mi madre. En ese momento ella estaba saliendo y siempre necesitaba nuevas fotos de sí misma para poder enviarlas con sus cartas de respuesta a los anuncios personales. Después tomé un montón de instantáneas para documentar mi experiencia de la escuela secundaria en los años 90. Esas imágenes viven en una caja, por ahora.

Entré en un cuarto oscuro por primera vez a la edad de 18 años, pero hace tiempo que lo abandoné por la fotografía digital. Utilizo una Nikon D300 o una Nikon D70s.

Además, siempre llevo una cámara desechable en mi mochila. Me inspiran artistas que documentaron los queers y transexuales que vinieron antes de mí. Me inspiran las personas que me han proporcionado una historia visual de mi pasado. El trabajo de Nan Goldin, Robert Mapplethorpe, Danny Nicoletta y Catherine Opie me viene a la mente. Sus obras me empujan a seguir creando durante el tiempo que puedo, porque cada día que pasa somos menos de los que fuimos el día anterior, y siempre quiero recordar el presente. En realidad hay pocas imágenes ahí afuera que representen una experiencia trans de una forma que me cautive personalmente o que me permita sentirme conectado a cualquier tipo de historia. Es por eso que me centro en el trabajo que hago hoy en día. Me gusta pensar que estoy creando una de las muchas versiones de una experiencia trans visible que la gente pueda recordar. También estoy bastante inspirado por el arte de la revista Teen Magazine.

Muchas de las personas a las que fotografío son mis amigos. Otras veces los modelos me encuentran a mí y si estamos en la misma ciudad al mismo tiempo, les hago un retrato. En ocasiones mis amigos se convierten en musas y los modelos acaban siendo nuevos amigos.

Cuando Rhiannon Argo, mi novia y musa en ese momento, publicó su primera novela The Creamsickle, pensábamos que sería increíble hacer un proyecto fotográfico inspirado en los excéntricos personajes del libro. Tomé retratos de aproximadamente 40 queers diferentes en el área de San Francisco, mientras comían paletas heladas. Compilamos esas fotos en un libro y montamos una exposición. Sabes, acabo de rodar la escena final de un proyecto audiovisual para el libro autobiográfico Valencia de Michelle Tea y ahora lo van a editar. Muy emocionante.

Elegí Ben McCoy, un artista y escritor de San Francisco, para el papel de Michelle y al escritor-modelo fibrado Tuck Mayo como su interés amoroso. Cada capítulo del

libro fue dirigido por un artista diferente y yo elegí dos transexuales sobresalientes para los papeles principales en mi capítulo. En estos días me encuentro cada vez más gravitando hacia la colaboración con otras personas trans. Al caso particular de mi capítulo de Valencia se añade una nueva capa entera a la representación de los personajes. Mi último proyecto editorial es Translady Fanzine, una revista fotográfica en la que me centro en una mujer trans diferente en cada número. En el número uno colaboré con la artista Zackary Drucker de Los Ángeles. Fuimos a su ciudad natal de Siracusa, Nueva York, durante Navidad y creamos juntos cientos de bellas imágenes en la casa donde creció. Todo el texto dentro de la revista está escrito por Drucker, hablando de sus experiencias. Estará a la venta a partir de junio de 2011 y es probablemente una de las cosas más personales que he publicado hasta ahora. Sigo haciendo Original Plumbing, la primera revista dirigida a los transexuales masculinos. Lo hago junto con Rocco Kayiatos. Es una comunidad pequeña. Nos conocimos hace unos diez años y nos encontrábamos de vez en cuando, pero no conectábamos realmente. Nos hicimos amigos cuando me mudé a San Francisco en 2008. Para mí, no es una revista si no soy capaz de sostenerla en la mano y rasgar las páginas y pegarlas en la pared. Tengo una fuerte conexión con el material impreso. Llámame anticuado, pero quiero que mis proyectos existan fuera de una pantalla de ordenador. Me gusta pensar que mi trabajo tendrá la capacidad de sobrevivir después de un apocalipsis de la tecnología o estar escondido hasta que dentro de 50 años el bisnieto de alguien encuentre una copia de Original Plumbing, cubierta de polvo u otras sustancias. www.amosmac.com Pág. anterior izq › Griffen from behind (2010) Amos Mac Pág. anterior der › Untitled (2010) Amos Mac & Zackary Drucker Der › Tuck Imitates Madonna (2009) Amos Mac

fotografía

t: isabel sánchez-vallejo

Marcus Noessing_

Un intruso en el pasado A caballo entre Berlín y Barcelona, Marcus Noessing es un fotógrafo alemán que ha sabido crear un mundo paralelo nacido de imágenes ajenas encontradas por casualidad. Una fantasía dónde él es el eterno protagonista de instantes ya pasados que recobran vida y sentido. Camuflado como un extraño en los recuerdos de otros, su serie Plato’s Cave consigue que recapacitemos sobre esa verdad que ya no concebimos sin hacer “click”. www.marcusnoessing.com

Mi abuelo solía hacer muchas fotos, siempre me ha impresionado mucho su cuidado archivo de ektachromes que guarda enmarcados y organizados delicadamente. Fue él quien me dio una cámara vieja con la que empecé a hacer fotos a los diez años. Hay muchos artistas que me inspiran, pero considero que mis maestros han sido Thomas Zika o Antoine D’Agata.

También hay otros creadores que me han influenciado enormemente, como Philip-Lorca diCorcia, Jeff Wall o el escritor Wolfgang Welsch, todos han tenido mucho que ver en mis estudios. Actualmente estoy volviendo a las cámaras analógicas. Prefiero su manera de funcionar como proceso y las sorpresas que te pueden dar, aunque también creo que es fantástico poder usar ambos formatos y ser más flexible. La idea de Plato’s Cave surgió en una tienda de muebles de segunda mano en la ciudad de Colonia, donde había ido a buscar un armario para poner mis discos. El propietario francés había llenado todos los muebles de libros y cosas, porque no había espacio suficiente, y dos viejos álbumes de fotos fueron a parar a mi armario. Las fotos pertenecían a alguien que había estado tomándolas en sus viajes a las montañas de Italia, en Roma, en la Toscana... todas realizadas entre 1920 y 1940. Quería cambiar las historias, influir en su propio sentido y romper con la afirmación de la realidad y veracidad de las fotos. El concepto está basado en el texto de Susan Sonntag In Plato’s Cave. También usé imágenes viejas de mi familia, de hecho, se me puede encontrar al lado de mi madre. Conecto esas historias y cambio la acción en el cuadro en función de la forma en que me coloco en medio de diferentes personas y familias. Me inserté a mí mismo en el plano para poder controlar y cambiar el sentido del relato que vemos. No he hecho ninguna foto para este proyecto, mis amigos han sido los responsables de esa parte, ponerme al otro lado de la cámara fue muy interesante. Me gustan las referencias ocultas y, a veces, he usado los símbolos para trasladar el proyecto a otro nivel, una especie de conspiración. En esta serie en concreto, yo mismo soy la referencia, aunque durante una narración que perdura a través de varias décadas. Durante las instantáneas vemos como se suceden los cambios a través de los años, pero yo nunca envejezco. Lo hice de esta manera para romper con la afirmación de la autenticidad y verdad de las

fotos. Puedes verme como una referencia constante viajando a través del tiempo. La gente mira sus fotos privadas como una evidencia de las cosas que han visto y hecho en sus viajes, mi intención es romper con todo eso. La reacción que busco es la de pensar sobre la llamada “realidad” y la certeza de las imágenes que vemos. El proceso de manipulación digital es importante dependiendo del proyecto, la mayoría de las veces no es algo necesario, prefiero dejar todo preparado antes de tomar la foto, en mi opinión, esa es la parte más importante de la obra. Me gustan las fotografías grandes, impresas a tamaño gigante, las revistas viejas y las de otros países que desconozco, especialmente todas aquellas que no sueles ver todos los días y que siguen sorprendiéndome cada vez que las encuentro por casualidad. He vivido en Barcelona durante tres años, después me mudé a Alemania, pero todavía me gusta trabajar en la ciudad condal. Creo que las dos ciudades son una gran combinación, excepto por el hecho de que Barcelona parece estar perdiendo un poco el tema creativo. He realizado también trabajos en el mundo de la moda o la publicidad, y hay diseñadores con los que realmente me gustaría colaborar, tal vez con creadores de Asia, ya que tienen tradiciones muy interesantes. ¿Proyectos de futuro?

Siempre estoy preparando algo nuevo.

arte

t: j. a. delgado

Hemos quedado a las diez y media de la mañana en su estudio pero, por razones que no vienen al caso, nos acabamos encontrando al filo de las dos de la tarde con un cortado por delante. Es la primera alteración de una cita a la que acudir sabiendo que acabaremos llegando por otras vías, al lugar deseado. La segunda surge entre risas. Aníbal Parada me propone un juego: escribir la palabra “cambio” una sola vez.

Acepto. Él la sustituiría por sistema, procesos, circuito artístico, economía, trueque, necesidades del otro, del espacio, de los resortes institucionales, etc. Sugiere que armemos algo relacionado con su modus operandi: doblar un poco las estructuras de la realidad para ver de qué están hechas, construir con elementos que por cotidianos son políticos e instalarnos en una duda crónica, inquieta y razonable sobre la libertad de provocar variaciones y la dificultad de realizarlas.

Entre los últimos proyectos de Aníbal Parada (Buenos Aires, Argentina, 1978) ha presentado individual en el Espai Cub de la Capella, Barcelona; y en InvitedOne-Day en Homesessions, Barcelona; colectivas en Antigua Casa Haiku, Barcelona; Ref. 08001, Galería Nogueras Blanchard, Barcelona; Biennial of young artists from Europe and the mediterranean, Bari, Italia; y en Se Busca, CASM, Barcelona. Actualmente prepara un viaje personal y de trabajo a Argentina, donde realizará en mayo cuatro intervenciones-exposiciones en el Espacio Cultural Matienzo y para octubre tiene ya programada una intervención individual en el ciclo Audiencias Cardinales de Alex Brahim, para el Espai Cultural Caja Madrid de Barcelona. Con el café la conversación empieza por casualidad tratando sobre radicalismos y encasillamientos ideológicos. “Los panfletos de cualquier ideología me parecen maneras de legitimar un sistema que, de esta forma, sabe cuáles son nuestras nuevas necesidades. Es darles una información demasiado valiosa, a la que pueden contestar como siempre.

Prefiero intervenir, crear preguntas y mostrar dudas. Me interesa el pensamiento y las teorías son necesarias, las sigo, pero estaría bien no ofrecer las frases cerradas y digeridas, que no puedan volver a respondernos sólo a su manera.” En su estudio, hablamos sobre algunas imágenes y acciones que hayan detonado modificaciones personales y creativas. “Un fondo básico de transformación es mi formación en Ciencias Económicas. Durante ese período, el arte ocupó un segundo puesto, aunque existían latentes los intereses y prácticas de mi trabajo posterior. Me interesaban los ejercicios de dibujo, dis-

AnĂ­bal Parada _

Doblando barras de realidad con la cabeza

ponía sillas en forma de pirámide, las tapaba con una sábana y dibujaba la estructura resultante. Cubría la realidad para convertirla en una abstracción, en algo no reconocible que me permitiera estudiar mejor su forma de configurarse. Decidí venir a Europa y estudiar Artes en Barcelona. Esta migración me situó en disposición de realizar otras modificaciones, en un lugar político-personal desde donde comenzar a amasar mejor todos los referentes y procesos de mi trabajo como artista. Una de las primeras imágenes del mundo del arte que retengo es una pintura del Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires titulada Sin pan y sin trabajo (1983), del pintor argentino de estilo realista Ernesto de la Cárcova. En apariencia, es una escena cotidiana, una situación verídica. Es curioso que llamen a esta corriente pictórica realismo. El realismo nos miente bien para representar la necesidad y la privación desde una apariencia de respeto a la verdad. Lo que presenta es cierto en sí mismo, pero creo que la necesidad de la que habla es un estilismo conceptual, una alegoría, algo idealizado, teatral. Me parece que esto mismo sucede en otros ámbitos de la vida cuando pensamos que realismo o realidad es igual a natural. Para entrar en la Universidad de Barcelona hice una versión abstracta de la obra de Cárcova.” La conversación continúa helicoidalmente sobre cómo se producen o producimos modif icaciones, qué nos provoca impulsarlas, qué capacidades y posibilidades tenemos de realizarlas.

“Creo que el concepto de transformación se basa en el de libertad, que a su vez se ha transformado con el tiempo y posee todo tipo de idealizaciones, restricciones, lastres y relecturas. Algunas libertades están condicionadas por estructuras aprehendidas que no son negativas en sí, son como pilotos automáticos que se convierten por un lado en un beneficio y permiten un funcionamiento social, pero por otro congelan actitudes y etiquetas. Conocerlas bien me parece una manera de moverse con mayor libertad y una fuente ingente de material como artista. ¿Si para ejercer libertad de expresión es necesario el sistema artístico?... la respuesta es no. Que no existan las condiciones que la permitan es otro problema y una obviedad. Es muy difícil hablar de libertad de expresión dentro del sistema económico, está lleno de contradicciones y líneas de tensión. La libertad de expresión está establecida como derecho individual consustancial. Este enunciado tan

directo y contundente me viene de nuevo en forma de batería de preguntas ¿Quiénes son los que realmente disponen de ella? ¿Quiénes son los que se expresan por y para sí mismos, quiénes lo hacen en nombre de un grupo o en representación de otro? ¿Quiénes no tienen o no ejercen o no quieren ejercer su derecho? Es significativo en este sentido el vídeo Enjoy Poverty del holandés Renzo Martens, que muestra cómo al África negra ni siquiera les pertenece la explotación mediática y económica del único recurso que poseen: la pobreza. El mercado está ahí y hay que mirarlo fijamente porque sencillamente estamos inmersos. Se pueden dar manifestaciones fuera, hay movimientos y propuestas independientes, pero todos necesitamos de alguien o algo para funcionar en mayor o menor grado. También me parece interesante, para aquellos que lo utilizan, el poder de la audiencia. En una bienal tu trabajo puede llegar a ser visitado por más de 200.000 personas. Es importante que el artista tenga en cuenta el privilegiado que supone su capacidad “de expresión” respecto a otros muchos agentes y que tenga presente desde dónde habla. Es “graciosa” la democracia. En cuanto a mis procesos y cómo se manifiestan en alguno de mis últimos proyectos, lo que causa mi trabajo y provoca alteraciones es sencillamente lo que tengo cerca. Me interesa trabajar desde impresiones privadas y llevarlas a lo público. El punto de partida lo mantengo siempre, pero se transforma. Las sorpresas vienen de las modificaciones provocadas por un intento de honestidad con mi posicionamiento. En Cubeer para el Espai Cub de la Capella tomé como punto de partida la gestión del uso de la Rambla del Raval por los vendedores ilegales de cerveza, procedentes de las comunidades India y Pakistaní. El problema era también cómo cruzar esta situación con el espacio del cubo blanco de la Capella. Mi objetivo no era, en el papel del antropólogo-etnográfo, representar el conflicto de sus países de origen, sino observar lo que sucedía y ligarlo a la necesidad de introducir otras asociaciones de forma libre y fortuita: el cubo, el gallo de pelea y sus entrenamientos, el transportín, los películas sobre desfiles militares en Pakistán, las entrevistas, las reflexiones sobre el concepto de frontera y todas las sorprendentes e inesperadas relaciones que se generaron. En la formalización de la instalación trabajé en áreas de sensibilidad narrativa entre los diversos elementos para proponer al

público circular entre trazas de realidad y rastros de ficción. No me interesaba la imagen fija de un perfil social evidente, sino impresiones individualizadas de una situación comunitaria. Esto es lo más difícil de retener y se encuentran de forma transversal en cualquier situación de inmigración. Hay una posición que es de por si violenta, entendida la violencia como un estado de alerta inherente a cualquier alarma de supervivencia.

La llegada a un nuevo lugar es un encontronazo brusco y atractivo para la mente, y la sensación de extrañamiento es una defensa. Intento evitar en el proceso el momento en que todo se convierte en ordinario en un sentido repetitivo, prefiero no trabajar con enfoques que ya sabemos cómo funcionan. Parto de ello, es inevitable, pero el sistema de trabajo para mí tiene que ser

sensible y de ello devienen transformaciones formales y conceptuales. Se trata de pensar algo y decirlo, aunque mañana digas otra cosa o la rectifiques, o no estés de acuerdo para nada con ella hoy.” Decidimos terminar seleccionando para su lectura dos textos de Alexia Brett, periodista y Jérôme Lefaure, politólogo. Es una estrategia para incorporar un ejemplo de cómo construye Aníbal Parada su concepto de transformación política. Mantiene un diálogo con brechas, desde el interés en escuchar y reunir pensamientos críticos, que puedan tener la fuerza de provocarnos re-pensar otra manera de hacer las cosas. Lo pregunta todo y a todos, se lo pregunta siempre. anibalparada.blogspot.com

t: aina ruiz

Cat Mazza. Nike Blanket

postits

The Influencers // La nueva contracultura The Influencers es comunicación, es arte y es entretenimiento. Hace siete años que se celebra el festival y aún es difícil catalogarlo. Lo que está claro es su originalidad, por ser transgresor y único en el territorio. The Influencers pretende descubrir nuevas maneras de comunicar y transmitir el arte en la sociedad contemporánea. En la próxima edición se presentan con siete propuestas procedentes de Los Estados Unidos, Gran Bretaña, Holanda, México, Eslovenia e Irak. Vuelven a implicarse con la cultura, el arte y la política, desde un punto de vista radical con el objetivo de crear un underground global.

Podremos ver superhéroes populares, artistas que han adoptado el nombre de un primer ministro, herramientas para “suicidarse” de las redes sociales, el ganchillo como arma de guerrilla cultural global y performances que cuestionan nuestra relación con la violencia, entre otras muchas curiosidades. Algunos de los invitados de esta última edición son Jeff Stark, activista de intervenciones urbanas en espacios públicos que viene directamente de NYC para revolucionar Barcelona. La revista New York lo distinguió en 2006 como una de las personas más influyentes de la ciudad por su implicación en el movimiento

underground. En la actualidad dirige obras de teatro y colabora con Todd Chandler en Empire Drive-in, una inmensa instalación multimedia construida con materiales reutilizados que sirve como proyector de cine y de enclave de reunión alternativo para todo tipo de eventos. Otro de los invitados del festival es un superhéroe de los años noventa, el mexicano Superbarrio que desde la vertiente del humor y acompañado por su traje a lo “Superman callejero” lucha contra las injusticias, a favor de la vivienda digna y defendiendo a ultranza los derechos de la gente común. The Influencers también contará con la presencia de la organización Suicide Mashine, una plataforma que aboga por “suicidarse al estilo web 2.0” es decir, borrar todos tus datos de las redes sociales, una iniciativa arriesgada pero a la vez revolucionaria que nos hace plantearnos el control social y la irrisoria opción al derecho al olvido al que nos somete la nueva era digital. Cat Mazza le da el toque feminista a la edición. Fundadora del colectivo microRevolt, desarrolla un proyecto que combina las máquinas de tejer con las redes sociales digitales para promover la investigación e iniciar un debate alrededor de la explotación laboral. El certamen también contará con

Jeff Stark. Empire -Tod Seelie

lamono / núm. 72 / abril ’11

Del 14 al 16 de abril. CCCB. Montalegre, 5. Barcelona theinfluencers.org

Wafaa Bilal

la presencia del colectivo Janez Jansa, un grupo de tres activistas eslovenos que adoptaron el nombre del primer ministro de su país firmando así todos sus trabajos para plantearse cuestiones como la usurpación de la identidad. El británico Chris Atkins será otra de las figuras claves del festival, autor de los más increíbles engaños a la prensa inglesa, que ha publicado sus historias inverosímiles sin confirmación ni prueba. Finalmente, el círculo de los invitados ilustres en The influencers lo cierra el iraquí Wafaa Bilal, conocido por un provocativo vídeo: Domestic Tension, pieza que muestra su encierro durante un mes frente a un disparador de pelotas de tinta controlada por usuarios anónimos a través de una página web. The influencers quiere principalmente que reflexionemos, darnos otro punto de vista, otra manera de mirar la cultura y la sociedad. Quiere que miremos a nuestro alrededor y decidamos por nosotros mismos lo que queremos. Una manera diferente de entender el arte que nos lleva a replanteamientos existenciales siempre provechosos.

postits

Obey // Art invasion Cuando tienes una cita importante es inevitable, cambias, sufres una especie de metamorfosis que saca lo mejor de ti para mostrárselo al mundo.

Si para un ciudadano de a pie, el cambio se traduce en buena ropa, una personalidad arrebatadora y estar decididos a jugar los ases que tenemos en la manga, en el mundo urbano todo esto se convierte en arte. Obey Clothing tiene una cita con España y llega haciendo gala de su mayor baza: el arte de Shepard Fairey. La firma nos invita a sumergirnos en su universo artístico de la mano de este respetado y mundialmente conocido ilustrador cuyos diseños cargados de crítica, directos y siempre reivindicativos con aires de carteles propagandísticos han dado la vuelta al mundo en forma de ropa y decoran las paredes de muchas ciudades. Durante los meses de abril, mayo y junio los chicos de la firma se unen a las tiendas Cerra (Oviedo), Iguapop (Barcelona), Monkey Garden (Madrid) y Belaza (Bilbao) para presentarnos una serie especial de artworks y fotos del artista. Y como a los chicos de Obey les gusta sorprender, para conocer las fechas deberéis permanecer atentos al blog de lamono. ¿Habrá flechazo? obeygiant.com

t: aina ruiz

Rasim Michaeli // Misterio perfecto La luz y el color de unos trazos firmes, con una gran fuerza expresiva, definen a Rasim Michaeli, que sorprende desde el primer vistazo por su conexión inexorable con el universo. Su obra ha ido evolucionando a través del tiempo, partiendo de una primera etapa figurativa que se ha ido relajando hasta llegar a su estilo actual, abstracto y contundente. Michaeli demuestra un dominio perfecto de la luz y juega con ella llevándola al límite del color. Sus influencias son tan dispares como el expresionismo abstracto, la composición musical, la naturaleza y la caligrafía oriental. Crea una pintura que está llena de vida y sabe unir de manera perfecta el reflejo de la realidad y las emociones y sentimientos. Sus referentes artísticos son J.M.W.Turner, I.Hitchens, Joan Miró y R. Motherwell, entre otros. Rasim Micheali es un pintor de mundo y esa cultura se ve reflejada en sus obras. Nació en Azerbayán, más adelante fue a vivir con su familia a Israel para finalmente establecerse en Tossa de Mar donde reside desde hace más de doce años.

Del 7 de Abril al 29 de Abril.

Cream Espai, Passatge de la Pau 14, Local 2. Barcelona. cargocollective.com/creamespaicreatiu

postits

t: aina ruiz

¿!Qué me pongo!? // Si los armarios hablaran El que diga que nunca se ha puesto delante del espejo desesperado por no saber qué ropa escoger, miente. Todos hemos revuelto el armario para encontrar la prenda perfecta de ese día concreto. Vestirse es un acto complejo, ya que la estética es lo primero que se percibe de una persona, es nuestra identidad. Disseny Hub Barcelona quiere que reflexionemos sobre el arte de vestir y por eso recoge un total de 341 piezas entre vestidos y complementos entre los cuales encontramos 50 prendas del modisto Pedro Rodríguez, uno de los grandes maestros de costura del siglo XX. Las piezas que forman la exposición han sido donadas al Museo Textil por Hilda Bencomo, nieta de Maria Brillas, una mujer de la alta burguesía catalana. Podremos ver modelos exclusivos de los recatados cincuenta y de los maravillosos y explosivos años ochenta en ciudades como Madrid, Barcelona y San Sebastián.

La moda es uno de los factores sociales más importantes de la actualidad, la estética es un factor primordial en las relaciones interpersonales y la superficialidad del primer vistazo se ha impuesto en nuestras vidas. Los organizadores de ¿Qué me pongo? Quieren conectar la moda de la sociedad actual con la estética de finales del siglo XXI y XX. Hasta el 28 de agosto.

DHUB Montcada. Montcada, 12. Barcelona www.dhub-bcn.cat

t: clàudia niubó

Post it Show // Tengo algo que decirte Quien diga que ya no queda nada nuevo por ver, es un ignorante. Y quien afirme que todo está hecho, miente. Si fuera así, seguramente el índice de suicidios entre los seres humanos aumentaría. Las personas necesitamos historias que contar para vivir. Qué aburrida sería la vida sin explicar las banalidades del día a día, sin adornar nuestras aventuras pudiendo oscilar magníficamente entre el absurdo y la exageración. Qué bonito es irse por los cerros de Úbeda y charlar durante horas. Cada día contamos muchísimas de ellas, un ejercicio innato e inconsciente. Todo ser humano tiene algo que expresar en su interior.

No importa el qué ni el cómo. La cuestión es que cada una es nueva y diferente.

De eso trata el Post it Show Barcelona, descubrir y reinventar nuevas formas con las que contar historias. Podrían haberse compilado en un gran volumen enciclopédico, pero no. La cosa ha sido más sencilla y a la vez compleja. Setenta artistas de todas las partes del mundo se han encontrado para colaborar en la creación de un gran mosaico de vidas diferentes plasmadas sobre un post it. Un elemento tan simple y cotidiano para todos ahora es el lienzo de estos grandes artistas unidos por una misma vocación: contar historias. Sí, señoras y señores, aún quedan muchísimas cosas por ver.

Del 5 al 26 de mayo.

Galería Atticus Barcelona. Lledó nº10. Barcelona www.atticusbcn.com

José Manuel Hortelano-Pi // ¿Lo echamos a suertes?

La palabra suerte en la Italia renacentista significaba destino. Suerte y destino en realidad podrían ser palabras sinónimas porque ¿qué es el destino si no una mezcla de azar y suerte? José Manuel Hortelano-Pi se plantea en su próxima muestra, titulada Voy a tener suerte, las ambiguas reglas del juego que marca el destino, que guía (o no) nuestras vidas.

La acuarela es el medio predominante en su obra y los juegos de luz y forma de la figura humana, la cotidianeidad y la intimidad, sus temas más recurrentes. Busca la relación y la complicidad con el espectador y realiza un trabajo cercano donde la persona es la protagonista. El artista tiene una manera original de crear su obra. Su último libro, Onán, es una colección de retratos masculinos cuyos modelos solicitó a través de las redes sociales.

Ilustrador y retratista, su arte se ha consolidado gracias a la originalidad y a la humildad que el artista ha sabido transmitir al público.

Del 31 de Marzo al 14 de Mayo.

MUTT. Comerç 15. Barcelona www.zapbookseries.es www.mutt.es

Samuel

t: aina ruiz

Zadkiel

postits

Marta R. Gustems // Gente que se cuela Estar paseando por las calles de Barcelona y encontrarte a Marta R. Gusems haciéndote un dibujo es una de las mejores cosas que te pueden pasar en un día como hoy, primero porque habrá una pequeña obra de arte que se parecerá a ti y segundo porque significará que eres una de esas personas que tienen algo especial.

Entonces te sentirás muy afortunado porque pasarás a formar parte de Dibujogente, un exclusivo grupo de gente con personalidad, con algo que llama la atención, personas de todas las edades que tienen algo que las diferencie del resto, esa chispa que hace que los demás se giren al pasar. Los dibujos de Gusems están basados en una sencillez preciosista, la artista sólo necesita una hoja de papel y un lápiz fino para lanzarse a crear.

Hay una acción en las personas retratadas, se percibe una intención en sus rostros, nos presenta tanto a parejas, como a niños o personas en solitario que son de su entorno o que simplemente tenían que estar allí.

Y no se queda ahí, Marta R. Gustems hace una detallada descripción de cada una de ellas, tanto física como del estilo de ropa y va un poco más allá contándonos algo de sus vidas. En sus retratos vemos un pedazo del mundo de estas personas interesantes como la cineasta Isabel Coixet o la diseñadora Carlo van Waart.

Ella misma lo explica así: “Dibujo a gente con un estilo propio que encuentro, que se cuela, que sobrevuela, que me rodea”. Marta se define como una coolhunter antes de que se conociera el concepto. Además de dibujar es diseñadora de éxito y tiene una tienda en el barrio de Gracia de Barcelona. Lo suyo es el arte de los detalles, sin pretensiones pero con sinceridad real.

Dibujogente Galeria Safia, Buniquer 9, baixos, Barcelona.

Del 7 al 21 abril 2011 www.galeriasafia.com www.martargustems.com

t: aina ruiz

Andrea Gómez. Les habilitats 1

Andrea Gómez. Les habilitats 2

postits

Audiencias cardinales // Audiencia-público-espectador Cuatro son las direcciones derivadas del movimiento de rotación terrestre. Éstas conforman un sistema de referencia cartesiano y con ello podemos representar la orientación en un mapa.

Cuatro es también el número de artistas que representarán Audiencias Cardinales, un ciclo en el Espai Cultural Caja Madrid de Barcelona en el que Andrea Gómez, Iván Gómez, Aníbal Parada y Mireia C. Saladrigues, comisariados por Alex Brahim tomarán como eje la noción de audiencia, público y espectador para crear un todo o narración especulativa sobre la recepción del arte a través de sus cuatro puntos de vista diferentes. Parece que todo gira en torno al cuatro, ya que las cuatro propuestas se articularán en una lectura conjunta, un diálogo aleatorio, caprichoso y subjetivo con la noción del número cardinal siempre presente.

En el coloquio Andrea Gómez hablará del proceso abierto a la participación. “Les habilitats” es el nombre de su proyecto, un periódico de tres ediciones cuyo contenido estará abierto a la participación mediante las redes sociales, email y sms, siempre con el objetivo de romper los límites humanos, físicos y mentales utilizando la imaginación y la palabra. Los demás componentes del ciclo serán: Mireia Saladrigues que hablará de la revisión sintomática de los modelos de recepción, Iván Gómez, que hará una reflexión simbólica en torno a la audiencia desde el espejo lacaniano y, finalmente, Aníbal Parada, que va a establecer el escenario de partida del proyecto. El coloquio se clausurará con una publicación final a cargo del diseñador gráfico y artista ferranElOtro. Audiencias Cardinales sustituye la edición del pasado año: Composición del Lugar.

Inauguración 27 de Abril. Hasta el 8 de enero de 2012.

Audiencias Cardinales.Espai Cultural Caja Madrid, Plaça de Catalunya, 9. Barcelona

Clik Clak

t: claudia niubó

Mecal // Primavera de cine Llega la mejor época del año. El calorcito primaveral acompaña la proliferación de múltiples festivales. Con la salida del sol y los tirantes, las citas musicales y cinéfilas empiezan a ganar terreno. Y el movimiento empieza ya. En abril aguas mil, cierto es, pero ya llevamos un mes alterados y con ganas de salir a la calle. Y la lluvia no será un impedimento para acudir a la decimotercera edición del Mecal, el Festival Internacional de Cortometrajes de Barcelona. Este año tienes una cita obligada para asistir al festival de cortometrajes más importante de nuestro país. Un evento nacional e internacional que esta edición se presenta con una selección de las 30 mejores piezas de entre las miles recibidas. Las secciones que conforman los pilares del Mecal se mantienen, pero se amplian a muchísimas más. Este año es el especial República Checa, así que podrás conocer la auténtica gastronomía cinéfila del país. Entre las novedades, una sección Especial de Terror, Sexo y Culto, dedicada a los más cinéfilos, un Espacio Infantil y un espacio ecológico, Green. Pero quién dijo que para ver un cortometraje necesitas estar sentado delante de una pantalla. Además de las proyecciones en distintos espacios de la ciudad, tendremos la oportunidad de probar una sorprendente experiencia gustativa en el Centre d’Arts Santa Mònica mediante la transformación del entorno a través de imágenes. Un festival que va más allá de la simple exposición del material, pues pretende involucrar al espectador a quien se le brinda la oportunidad de asistir a las mejores historias breves jamás contadas. Como entrante, os dejamos con un par de ellas.

Del 8 al 17 de abril mecalbcn.org

t: aina ruiz

El opium del pueblo. Zosen

postits

Barcelona’s finest // Tanto de aquí allí El color y la alegría de las calles de Barcelona se trasladan por unos días a Paris de mano de los artistas Kenor , Zosen, Göla y H101, que están dispuestos a revolucionar la ciudad de las luces y llenar de vida sus aburridas paredes. Kenor es un graffitero con el gen artístico en la sangre, de padre fotógrafo, comenzó a pintar muy joven en muros y trenes, con su estilo libre y en movimiento. Su arte es diversión, esperanza, ilusión y risas. Igual que Kenor, Zosen es un avanzado en su tiempo, pinta desde los once años y ahora expande sus horizontes al videoarte, la ilustración, la pintura, la moda y la escultura. Es un artista total y sus influencias van desde el arte africano hasta el movimiento punk y el folklore mexicano. Göla es diversión y felicidad, que se encarga de transmitir con una invasión de colores de formas indefinidas y criaturas mutantes. H101 es el más joven de todos, comenzó a pintar en 2002 por una necesidad intrínseca de plasmar sus ideas en la pared, especialmente políticas. París albergará retazos de la de las calles de la Ciutat Comptal y se llenará de exposiciones, performances, instalaciones de todo tipo, collages y mucha diversión. Los artistas barceloneses muestran un arte ambiguo entre la ilustración y la abstracción, la simbología y el volumen pero sobretodo expresarán alegría y pasión por su trabajo. El objetivo es dejar constancia de que Barcelona es una ciudad mediterránea y llena de luz que nunca duerme.

Barcelona’s Finest.

Del 11 de Abril al 14 de Mayo. Paris thefinest.fr

música

BEEF_ Nos reunimos el pasado 10 de Marzo, en La Pedrera, en el auditorio que hay en los bajos de la casa Milà, me sorprendió agotar las entradas, pero lo que me causó aún más impresión fue El homenaje a los caídos, el disco homenaje que nos han hecho la ‘Intelligentsia” de este país, lo podéis encontrar por ahí… de Entartete Kunst a Viva Maestro pasando por Los Plus, Rajoy Division o Nisei, quince grupos ‘reconociendo’ a los Beef, todo un lujo después de veinte años. ¿Dar carpetazo después de tanto tiempo? Ya se verá. No soy Billy Bragg, no voy a levantarme a leer en voz alta a Walt Whitman. Me siento satisfecho de todos los discos que hemos grabado, en el 95 fuimos a Nueva York a grabar el Tongues con Kramer, según dice la gente por ahí es el mejor disco que hemos hecho, bueno veinte años después demostramos que sin tanta reverb y al lado de casa también hemos hecho buenas canciones. Ya en Bach is Dead (y luego en Telefilme) el inconformismo y el riesgo marcaban la pauta, canalicé a través de los Beef toda la violencia emocional, política, cultural y musical que vivía en ese momento. Ahora, con otros medios, lo hago a través de La Estrella de David y, sí, también en La Bien Querida. Desintonicé algunos canales de televisión hace tiempo, la sensación placentera del principio, como la de la heroína, se ha vuelto ahora insoportable, incluso Gil ScottHeron y su The Revolution will not be televised ya no tienen sentido en esta sociedad tan 2.0, preguntadle a Vigalondo.

Nunca me ha gustado especialmente hablar de mi música, tener que justificar un lp en entrevistas absurdas hechas por gente que se pasan el día escuchando discos que ‘pasarán a la posteridad’, ya me entiendes, basura y escombros. En ese sentido, en el sentido de ‘la sociedad del espectáculo’ estoy más en sintonía con Mark E. Smith (The Fall), Luke Haines (The Auteurs) o los Wire, de todas maneras éticas como las de Crass o Rudimentary Peni ya no se dan en el mundo de la música y, lo que es aún peor, pasarán a ser carne museística. Ahora he recuperado la discografía de Hans-Joachim Roedelius, me parece de una vigencia y contemporaneidad insultantes, Julian Cope ya vio el camino hace mucho años, tampoco vamos a descubrir nada nuevo, bueno sí, a los Dënver, claro. La situación política del país es la que nos merecemos, algunos creen que La Transición empieza y acaba donde lo diga Victoria Priego y así nos luce el pelo. Atado y bien atado, café para todos pero tergiversado y con dos toneladas de azúcar por taza, a nadie le amarga un dulce. www.losbeef.com

t: òscar nin / f: Josep Rivera (flickr.com/photos/joseprivera)

lamono / núm. 72 / abril ’11

Por el

cambio

Revolución, situacionismo, arte, rock, violencia, estulticia, detournement.

En busca de la resolución final, en perpetua transición… banda de referencia, cabecilla de culto: david rodríguez.

música

t: xavi ocaña

www.jose-gonzalez.com www.myspace.com/josegonzalez

Jose González_ De cómo las emociones vuelven a la vida En un mundo que a veces puede pecar de frío y estricto, es siempre un placer descubrir el poder de nuestros sentidos. Experimentar cómo vuelven a la vida es el mejor regalo. Hoy ese despertador emocional tiene nombre: José González. La voz y la música de este cantautor nos recuerda lo bello que es dejarse acariciar con suavidad, sin prisas, sin pensar. Con dos discos a sus espaldas en solitario, líder del grupo Junip y tras susurrar a los corazones de todo el mundo, su folk cálido y delicado llega de gira a España en abril para revisar sus temas más clásicos en directo acompañado por la orquesta Göteborg String Theory. Nos atendió desde su casa en Suecia para descubrirnos la prueba viviente (y sonora) de cómo pese a todo, la sensibilidad es lo único capaz de tocarnos el alma y mover el mundo.

Estoy muy contento, me siento muy bien por haber tenido esta oportunidad de hacer arreglos en mis canciones y tocarlas en directo acompañado por 20 músicos. Los chicos de la Göterborg String Theory tenían un proyecto y estaban tocando con varios artistas, yo era uno de ellos y me gustó tanto la experiencia que les dí todos mis temas. Así surgió la colaboración que vamos a presentar en España, tocando nuevas versiones de los clásicos de mi primer disco Veneer (2003) y In Our Nature (2007). Empecé a tocar con 14 años. Al mismo tiempo que estudiaba guitarra clásica tocaba el bajo en un grupo de hardcore y la guitarra eléctrica en un grupo de indie rock. No cambié de un estilo a otro, ambos coexistían al mismo tiempo. Cuando empecé a tocar sentía que sería lindo dedicarme a ello pero inicié los estudios de bioquímica en la universidad y dejé la música a un lado, hasta que saqué mi primer disco y tuvo tanto éxito que me sumergí de pleno en ella.

Cuando The Knife lanzó Heartbeats sonaba en todas

partes y no podía parar de escuchar su disco Deep Cuts, así que compuse mi versión del tema. Gustó tanto que mucha gente no sabía cuál era la original. Antes de subir al escenario no tengo ningún ritual: unas cervezas y escuchar algo de música. Actualmente escucho mucho a Tinariwen, un grupo de África y admiro voces como la de Nina Simone. Un micrófono y la guitarra son mi estudio para componer. Toco la guitarra hasta que encuentro un buen rip, lo desarrollo y luego escribo la letra, ya sea en un hotel o en casa. Aunque ahora llevo siete años de gira, en un futuro no me imagino igual.

Me veo en el mundo de la música, en un estudio, produciendo. Tengo un proyecto en solitario y otro con mi grupo, Junip, pero aún siento que puedo hacer mucho más. Es fácil compaginar ambas cosas: lo que sale cuando estoy con los chicos es para Junip, lo que me nace sólo es para mí. Fueron mis compañeros los que me informaron del desastre de Japón, en esos momentos estaba de gira en México.

2 abril 2011. Festival Sinsal nº 9, Teatro Novacaixagalicia (Centro Cultural Caixanova). Vigo.

3 abril 2011. Festival Mil·leni. Palau de la Música. Barcelona.

4 abril 2011. Teatro Lope de Vega. Madrid.

5 abril 2011. Kafe Antzokia. Bilbao.

cd’s

t: natalia brovedanni

PETER BJORN AND JOHN_GIMME SOME

THE MIDNIGHT TRAVELLERS_ANT MADE

(StarTime/Cooking Vinyl) Los creadores del pegadizo Young Folks vuelven para limpiar de su nombre las palabras “one hit”. Gimme Some demuestra que detrás de la popularidad repentina que los dejó encasillados en los silbidos existe un buen saber hacer que llega cargado de excelentes canciones de indie-rock. Escuchar este sexto disco parece, desde la primera canción a la última, una escalada de alto riesgo que comienza en un día soleado y pop y acaba en un clima repetitivo, sedante y curiosamente krautrockero.

(MIdnight Travellers) Como si se hubiesen bebido todo el rock de los 70, The Midnight Travellers se han convertido, después de haber pisado todos los garitos de la península, en una de las bandas más sólidas y fieles del país. Y digo fieles porque Ant Made no deja de ser una oda a esas clásicas canciones donde el alcohol y la mala vida son protagonistas, sino porque disco a disco, los barceloneses han respetado una línea creativa durante diez años, un gustoso homenaje encubierto a Led Zepellin y Pearl Jam.

KING CREOSOTE & JON HOPKINS_DIAMOND MINE (Domino) Ten un pañuelo cerca. La música de Jon y las letras y voz de Creosote van a hacer que recuerdes todo aquello que te conmueve, que te acerca a esa persona que ya no está contigo generando una nostalgia dulce, cercana a un sueño de tonalidades marrones. Estamos frente a un trabajo cuidado hasta en el último detalle, parido desde lo más profundo de la experiencia. Un recorrido que cede el protagonismo a una voz folk escoltada por guitarras arpegiadas y sonidos de la vida misma que incluyen un fuego, una charla, voces, memoria, suciedad. Impecable.

THE PAINS OF BEING PURE AT HEART_BELONG

(Play it again/Fortuna Pop) Qué difícil tiene que resultar cargar con el peso de la revelación. Los medios sonados del mundillo musical se te quedan mirando a los ojos exigiendo más y mejor.

Eso sucedió con los de Nueva York y la respuesta fue sobresaliente. Shoegaze, confeti de colores y un sabor a retrospectiva salvaje que nos zambulle en el indie-pop de los ochenta y vuelve a dejar “de cara” a todo Dios.

Desde Belong, track que da nombre al disco y te carga de buenas intenciones hasta Girl of 1000 Dreams, una pieza más enérgica que juguetea con el punk y nos asegura que The Pains of Being Pure at Heart han venido para quedarse.

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LITORAL_LITORAL (Limbo Starr) Una película de cine independiente, con paisajes a los Kusturica y reivindicaciones históricas, Litoral cantan en catalán al Meridiano de Greenwich, a los paisajes y al mar. La tradición y el folk-pop cercano a Kings of Convinience, transforman este disco de cuatro canciones en una excelente carta de presentación en los que han metido mano miembros de Tachenko, La Habitación Roja y Autumn Comets. Las cuerdas conducen un viaje hacia el mediterráneo, en el cual relajarse es la premisa fundamental. A la espera de más.

HER ONLY PRESENCE_YOU´RE NEVER BACK

(Engineer Records) Luis Cifre, mentor e inquieto hacedor del proyecto, evoluciona sin dar tregua. Este segundo trabajo, editado por una discográfica inglesa, lo enseña más seguro y decidido en su andadura. La emotividad sigue presente pero esta vez su voz dispara al blanco, dejando matices instrumentales cálidos, envolventes e incluyendo a un batería y a un bajista amalgamados a la perfección. Su trabajo se acerca al indie rock de los 90, a grupos como los olvidados Mineral y el Power of Falling.

ZOOBAZAR_ZOOBAZAR (Promo Sapiens) Hace tiempo que la familia indie acepta en su bagaje al world music. Sin ir más lejos, hace unos años los sonidos africanos formaron parte de toda producción “in/ moderna”. Zoobazar es un proyecto hecho en Catalunya que habla de mestizaje, de guitarras flamencas, enrevesadas con el sentimiento moro y prensadas para sonar como el mismísimo cielo. El Raval se levanta para decir presente y lo hace con mucho estilo, con una ejecución que deja ver a músicos profesionales y no abusa de la voz, que en estos menesteres puede tornarse bastante insufrible. Destacan las guitarras, el laud, la mandolina, la percusión y los nombres de las canciones en catalán.

Una muy grata sorpresa.

THE NEW BRAND SINCLAIRS_HEALING SOULS

(FloryNataRecords) Directo desde Barakaldo, los antes The Sinclairs tienen segundo disco bajo el brazo y su corazón no tiene ojos para nada que no sea sixties. El purismo los empuja por los caminos firmes del permanente revival mod del que agradecemos los pincelazos garage, beat y R&B, un aporte de despreocupación y salvajismo prudente. A quien se sienta a gusto con melodías de la época, este grupo podrá alegrarle el día e invitarlo a corear junto a Andy y Julio las pegadizas canciones y a aquellos que buscan la experimentación y el riesgo se quedarán igual que antes. A mí me ha sacado unas sonrisas.

conciertos & sesiones

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1_CATS ON FIRE Los finlandeses Cats on Fire vuelven a Barcelona. Será su segundo concierto en la ciudad tras estrenarse en el 2009. Lo suyo es un rock de reminiscencias ochenteras y se gastan un look a lo neo-rockabilly. La voz de Mattias Björkass, cercana y personal, nos aporta un gran contenido intelectual sin perder el sentido del humor. Apolo 2. Sábado 2 de Abril. 00.30h. 8-18€. BCN 2_JOSÉ GONZÁLEZ Hombre de contrastes que mezcla su descendencia argentina con su Suecia natal y crea un boom entre lo frío y lo caliente, entre pasión y contención. El resultado es José González un cantautor al que le basta con su guitarra acústica y su inconfundible voz para emocionar e hipnotizar al público. Teatro Lope de Vega. Lunes 4 de Abril. A las 20.30h. 18-36€. MAD 3_HORSE FEATHERS Horse Feathers es Justin Ringle, un cantautor que adoptó su nombre del título de una película de los Hermanos Marx. En 2005 se encuentra con el multi-instrumentista Peter Broderick y se unen grabando el álbum Words are Dead. Su última propuesta se ha denominado freak folk idea y que deja atrás la nostalgia y los corazones rotos. Universidad de Vitoria. Miércoles 6 de Abril. 18.30. Gratis. Vitoria.

Espacio Joven Ciclo Valladolidindie 2011. Jueves 7 de Abril. 21.00. 10-12€. Valladolid 4_JACK DANIEL’S MUSIC DAY El cartel que formará el Jack Daniel’s Music day ya está cerrado. Lo forman los grupos We Are Scientists, Nada Surf, I Am Kloot, Sr. Chinarro, Cold Cave, Frankie Rose&The Outs,

Odio París, Arizona Baby, Franc3s, Los Planetas djs, Pin&Pon djs, Nacho Ruiz dj y dj Capo. Un elenco ambicioso y un festival lleno de novedades. Terraza del Estadio Olímpico. Sábado 9 de Abril. 18-20€. BCN 5_NOMEANSNO NoMeansNo, la respetada e influyente banda de punk canadiense, se dispone a dar una gira por España y parece que no se dejará ni un rincón sin visitar. Después de casi cuatro años de descanso, resurgen con fuerzas y dispuestos a revolucionar la escena musical con su duodécimo álbum Faceless May/ Old. Sala Live. Viernes 15 de Abril. 20h. 15-18€. MAD. Sala Apolo 2. Domingo 17 de Abril. 20h. 15-18€. BCN 6_THE WAVE PICTURES Los londinenses The Wave Pictures vuelven a Barcelona para presentar su nuevo trabajo, titulado Beer In The Breakers. La banda traerá a la Ciutat Comptal el rock independiente o lo-fi al que nos tienen acostumbrados. Sobretodo nos morimos de ganas de volver a escuchar la guitarra desenfadada y la voz peculiar de David Tattersall. Apolo 2. Sábado 16 de Abril. 21.00. 18-20€. BCN 7_SOUTH POP FESTIVAL SEVILLA 2011 La Semana Santa empieza con buen pie en Sevilla, el South Pop Festival estrena su séptima edición que contará con la presencia de La Bien Querida, Standstill, Manel, Ellos, Single, Margarita, Ornamento y Delito, Mercedes Audras, Emilio José y Dënver. Teatro Alameda, 15 y 16 de Abril. 25-40€. Sevilla 8_PETER DOHERTHY + The Ezra Beats El controvertido Peter Doherty aterriza en Madrid y Barcelona.

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Admirado y odiado, lo que es indudable es que no pasa desapercibido en ningún lado. Temas como Fuck Forever, Down in Albion o Last of the English Roses forman parte de lo mejor que ha dado el pop británico la década pasada. Después de una temporada con su banda Babyshambles ahora presenta un disco en solitario: Grace/Wastelands Joy Eslava. Domingo 17 de Abril. A las 20h. 20-24€. MAD. Sala Apolo. Lunes 18 de Abril. A las 20h. 20-24€. BCN. Sala Capitol, Sábado 16 de Abril. A las 19.30h. 18-20€. Santiago de Compostela 9_BEAST COAST Las actuaciones de Best Coast se van convirtiendo poco a poco en las más esperadas de todos los festivales. Gracias a sus canciones pegadizas y los mismos esquemas rítmicos y melódicos consiguen crear un coro general en todos los escenarios que pisan. Betty Consentino es la cantante y la responsable de que las canciones gusten y las escuchemos una y otra vez hasta la saciedad. Círculo de Bellas Artes. Miércoles 20 de Abril. 18-25€. MAD 10_ANGUS & JULIA A estas alturas ha quedado muy claro que el folk está de moda, también está claro que Angus and Julia son la revelación de este año. El dúo

australiano muestra una voz suave, dulce y aterciopelada, sus voces están más compenetradas que nunca en su último álbum Down the Way. Bikini. Sábado 23 de Abril. 20.30h. 22€. BCN. Ramdall. Domingo 24 de Abril.

20.00h. 22€. MAD 11_NUBLA Amor es la palabra que define el nuevo disco de Nubla, Sapián. Amor por la vida, por una persona, por uno mismo o por las cosas más sencillas. Con su tercer disco, Nubla muestra su lado más íntimo y nos presenta un relato imaginario que cuenta en pocas palabras y de la forma más hermosa historias de la vida. Sala Apolo 2. Jueves 28 de Abril. 10-12€. BCN 12_DROPKICK MURPHYS Dropkick Murphys es una banda de punk consolidada que ha pasado por todas las etapas posibles, desde sus tormentosos inicios en los escenarios de los clubs de Boston hasta su gran aparición en la película de Martin Scorsese The Departed. Han evolucionado hasta convertirse en una de las bandas de punk por excelencia. Ahora presentan su nuevo disco The Meanest of times, su sexto álbum lanzado desde su propio sello. Razzmatazz.

Jueves 28 de Abril. 21.00h. 20-24€. BCN. La Riviera.

Viernes 29 de Abril. 21.00h. 20-24€. MAD

BARCELONA: Sala Apolo. Nou de la Rambla, 113. 934 414 001. La [2]. Nou de la Rambla, 111. +34 934 414 001. Bikini. Avenida Diagonal, 547. 933 220 800. Razzmatazz. Pamplona 88. 933 208 200 MADRID: Sala Heineken. Pricesa, 1. 902 15 00 25. La Riviera. Paseo Bajo de la Virgen, s/n. 91 365 24 15. Teatro Lope De Vega. Gran Vía 57. 93 112 52 92. Ramdall. Ferraz 38. 91 435 85 08. Joy Eslava. Arenal, 11. 91 366 37 33. Sala Live. Avda Nuestra Señora de Fátima 42. 91 525 54 44 SEVILLA: Teatro Alameda. Calle Crédito, 11. 954 90 01 64 ZARAGOZA: Lata de bombillas. María Moliner, 7. 976 259 855 SANTIAGO DE COMPOSTELA: Sala Capitol. Calle de Concepcion Arenal, 5. 981 574 399

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