Artiste : Geneviève Duong
Célébrant la vitalité et la diversité de la scène contemporaine de la danse, La Rotonde promet d’étonner par la créativité, l’audace et la pertinence des artistes qui composent sa programmation, qu’ils et elles soient de la relève ou plus établi·e·s, d’ici ou d’ailleurs.
Celebrating the vitality and diversity of the contemporary dance scene, La Rotonde promises to amaze with a range of authentic artistic forms, aesthetics and approaches that make up its programs.
Direction générale et programmation : Marie-Hélène Julien
Direction artistique : Steve Huot
Communications et assistance à la programmation : Laurence Bégin
Communications : Karine Ste-Marie
Direction technique : Antoine Caron
Billetterie et service à la clientèle : Pier-Hugues Madore
Médiation culturelle : Natacha Pédron
Coordination de la brochure : Karine Ste-Marie
Création graphique : Criterium
Formes en couverture : Geneviève Duong et Alan Lake
Rédaction : Vanessa Bell
Traduction : Joshua Parlett
18 octobre 2022, 20 h
Grand Théâtre de Québecsalle Octave-Crémazie
Soulèvement, chaos, espoir, embrasement. Uplifting, chaotic, hopeful, intense.
Compagnie Virginie Brunelle
Virginie Brunelle, Montréal
70 minutes
11 artistes sur scène
Coprésentation
Chorégraphie : Virginie Brunelle / Interprétation : Sophie Breton, Alexandre Carlos, Sabrina Dupuis, Chi Long, Milan Panet-Gigon, Marine Rixhon, Peter Trosztmer / Lumières : Alexandre Pilon-Guay / Costumes : Elen Ewing / Scénographie : Marilène Bastien /
Conception sonore : Ben Shemie / Musique sur scène : Quatuor Molinari –Olga Ranzenhofer (violon), Antoine Bareil (violon), Frédéric Lambert (alto), Pierre-Alain Bouvrette (violoncelle) / Conseil à la dramaturgie : Gabriel Charlebois-Plante /
Direction des répétitions Isabelle Poirier / Photos : Raphaël Ouellet
Les corps avalés est une émouvante odyssée humaine où l’intelligence sensible de Virginie Brunelle se conjugue à la virtuosité du Quatuor Molinari, révélant une œuvre saisissante qui dépeint une humanité à fleur de peau, en quête de douceur et de solidarité. Par une partition vertigineuse et engagée, Brunelle démontre une fois de plus que sa danse est salutaire. Une création ambitieuse qui transporte et écorche.
Les corps avalés is a moving human odyssey combining Virginie Brunelle’s sensitive intelligence with the virtuosity of the Molinari Quartet, revealing a striking work that depicts a humanity on edge, in search of gentleness and unity. Using a score that is vertiginous and committed, Brunelle demonstrates once again that her dance is meaningful. An ambitious creation that transports and flays.
26, 27, 28 octobre
2022, 20 h
Méduse - salle Multi
Illusoire, viscéral, satirique, rigoureux. Illusionary, visceral, satirical, rigorous.
Shay Kuebler / Radical System Art
Shay Kuebler, Vancouver
80 minutes
8 artistes sur scène
Discussion avec les artistes après la représentation du 27 octobre.
Appuyé par une image plus léchée que jamais, Shay Kuebler met en scène huit danseuses et danseurs dans une pièce vivante, tonique, ancrée dans l’air du temps. Dans un présent dystopique, un homme isolé est confronté à une réalité composée uniquement d’objets inanimés. Le manque du vivant, du groupe, se fait rapidement sentir. Par le biais de la vidéo interactive et d’une conception sonore surprenante, MOI – Momentum of Isolation propose une étude sur la manière dont nos vies et nos identités numériques sont autant de glissements possibles vers une solitude accrue dans une mer de contacts. Une invitation à sublimer ces états pour faire maille de nouveau, recréer la grandeur du vivre-ensemble.
Supported by an image that is more polished than ever, Shay Kuebler puts eight dancers on stage in a piece that is alive, invigorating and anchored in the spirit of the times. In a dystopian present, an isolated man is confronted with a reality made up only of inanimate objects. The lack of the living, of the group, is quickly felt. Through interactive video and surprising sound design, MOI – Momentum of Isolation is a study of how our lives and digital identities are all possible slides into increased solitude within a sea of contact. An invitation to sublimate these states and mesh them back again to recreate the grandeur of living together.
23, 24, 25 novembre
2022, 20 h
Méduse - salle Multi
Intimité, virtuosité, authenticité, quête de soi. Intimacy, virtuosity, authentic, journey of self.
: Nicolas Descôteaux /
Anne Plamondon Productions
Anne Plamondon, Montréal
60 minutes
2 artistes sur scène
Discussion avec les artistes après la représentation du 24 novembre.
Chorégraphie : Anne Plamondon / Interprétation Anne Plamondon, James Gregg / Conception sonore Olivier Fairfield, avec les pièces de Ezio Bosso, Ben Frost et Daniel Bjarnason, Nina Simone, Dimitri Tiomkin et Ned Washington /
: Mary Rozzi
Costumes : Marilène Bastien / Scénographie : Anne Plamondon et Marilène Bastien, avec le travail de l’artiste visuelle Hua Jin / Dramaturgie : Mathieu Leroux, Anne Plamondon / Assistance à la chorégraphie : Alisia Pobega, Paco Ziel /
Après avoir captivé le monde à titre d’interprète auprès des plus grand·e·s chorégraphes européen·ne·s et canadien·ne·s, Anne Plamondon est de retour à Québec pour présenter sa quatrième création, un duo envoûtant explorant les visages de l’amour. Cette création, menée avec la complicité de l’interprète James Gregg, est un lieu subjuguant de tendresse, de vertiges intimes et universels, appuyé par une danse de contraste, de maîtrise. Seulement toi explore ce qui, à la fois, rapproche et sépare à travers des accès de bravoure et de vulnérabilité. Demeure une certitude : l’intériorité est une contrée bien solitaire.
After having captivated the world as a performer with some of the greatest European and Canadian choreographers, Anne Plamondon is back in Quebec City to present her fourth creation, a bewitching duo that explores the faces of love. Created in connivence with dancer James Gregg, the new piece is a subjugating space of tenderness, of intimate and universal vertigo, supported by movement vocabulary that contrasts and masters. Seulement toi explores what both connects and separates, through moments of bravery and vulnerability. One thing remains certain: interiority is a very solitary place.
6 décembre
2022, 20 h
Grand Théâtre de Québecsalle Octave-Crémazie
Célébration, rassemblement, traversée. Celebratory, uniting, crossing.
PPS Danse
David Rancourt, Montréal
90 minutes
14 artistes sur scène
Coprésentation
Idéation : David Rancourt, Pierre-Paul Savoie / Direction artistique David Rancourt / Assistance à la direction artistique et direction des répétitions : Annie Gagnon (Mtl) / Chorégraphes invité·e·s : Myriam Allard, Lina Cruz, Milan Gervais, Sara Harton, Emmanuel Jouthe, Alan Lake, Hoor Malas / Interprétation (danse) : Alexandre Carlos, Marilyne Cyr, Roxane Duchesne-Roy, Sara Harton, David Rancourt, Marcio Vinicius Paulino Silveira/Interprétation (chant) Bïa, Roxane Filion, Sébastien Lacombe, JP Loignon / Musique sur scène : Alexis Dumais, Sheila Hannigan, Vanessa Marcoux et un·e musicien·ne / Scénographie, costumes et accessoires : Marilène Bastien / Lumières : Chantal Labonté / Photos : Marjorie Guindon
Véritable œuvre de complicité et de passation entre le monument qu’a été Pierre-Paul Savoie et son successeur David Rancourt, Perles propose un voyage à travers le temps, les mots et les musiques qui ont marqué la société québécoise. Réunissant sur scène quinze danseur·euse·s, musicien·ne·s et chanteur·euse·s, ce projet de PPS Danse redit la volonté de la compagnie de faire de la danse une célébration plurielle. Redécouvrez par le prisme de la danse La scène de Claude Léveillée, Señorita de Richard Desjardins et autres textes de Lisa LeBlanc, de Milk and Bone et de Philémon Cimon. À notre tour de nous parler d’amour !
A true work of complicity and transfer between the monument that was PierrePaul Savoie and his successor David Rancourt, Perles offers a journey through time, and the words and music that have marked Quebec society. Bringing together 15 dancers, musicians and singers on stage, this project from PPS Danse reiterates the company’s desire to make dance a plural celebration. Through the prism of dance, rediscover La scene by Claude Léveillée, Señorita by Richard Desjardins and other texts by Lisa LeBlanc, Milk and Bone and Philémon Cimon. Let’s happily indulge far and deep into québécois culture!
Scolaire : 19, 20, 26, 27 janvier
2023, 9 h 30
Famille : 22 janvier
2023, 11 h et 15 h
29 janvier
2023, 15 h
Théâtre jeunesse Les Gros Becs
Rocambolesque, coloré, fantastique.
Unbelievable, colorful, fantastic.
Bouge de là
Hélène Langevin, Montréal
55 minutes
4 artistes sur scène
Coprésentation
Discussion avec les artistes après
la représentation du 22 janvier, 15 h.
Alors que quatre intrépides s’aventurent dans la partie souterraine d’un théâtre supposément abandonné, un univers étrange et mystérieux se révèle devant leurs yeux. Lumière, scénographie et costumes se côtoient sur scène, à la merci du laser, qui incarne un cinquième personnage ! Il apparaît, disparaît et guide les jeunes à la découverte de ce lieu interdit, pour leur plus grand plaisir. Fascinante, fantastique et surréaliste, cette nouvelle création de Bouge de là provoque l’imaginaire et amène le public à se questionner et à appréhender l’imprévisible. Saurez-vous trouver le Glitch ?
As 4 fearless teenagers venture into the underground part of a supposedly abandoned theater, a strange and mysterious universe unfolds before their eyes. Light, scenography and costumes come together on stage, at the mercy of the laser, which is the embodiment of a fifth character! It appears, disappears and guides the young explorers to discover this forbidden place, for their greatest pleasure. Fascinating, fantastic and surreal, this new creation by Bouge de là provokes the imagination and leads the public to question themselves and deal with the unpredictable. Can you find the Glitch?
17 février 2023, 19 h 30
18 février 2023, 13 h et 19 h 30
Méduse - studio d’Essai
Déjanté, multidisciplinaire, ludique, performatif. Quirky, multidisciplinary, playful, performative.
Mandoline Hybride
Priscilla Guy et Sébastien Provencher, Marsoui
60 minutes
7 artistes sur scène
Coprésentation
Discussion avec les artistes après la représentation du 17 février.
Véritable quête existentielle, Deux squelettes raconte l’expérience improbable d’un duo d’artistes qui se sont délestés de leur chair et de leurs organes pour ne garder que leurs os. Leur but : se rapprocher de leur identité profonde et, peut-être, trouver un sens à leur vie. En entrevue, au gym ou à la plage, leur périple se déploie dans un mutisme inquiétant. Porté avec humour, ce spectacle aussi délirant que superlatif s’intéresse à la culture populaire, aux dérives du web et à la surcharge informationnelle. Une satire clairvoyante portée par la maîtrise poétique des 206 os qui nous composent.
A true existential quest, Deux squelettes tells of the improbable story of a duo of artists who shed their flesh and organs to only keep their bones. Their goal is to get closer to their deepest identity, and just maybe find meaning in their lives. Whether in an interview, at the gym or the beach, their journey unfolds in disturbing silence. Portrayed with humour, this show, as delirious as it is superlative, is about popular culture, the excesses of the Internet and information overload. A far-sighted satire carried out by the poetic mastery of the 206 bones that we are made up of.
28 février et 1er, 2, 3 mars
2023, 20 h
Maison pour la danse
Partage, fabulation, connexion, bienveillance. Sharing, fabulation, connection, benevolence.
Compagnie Katie Ward
Katie Ward, Montréal
60 minutes
2 artistes sur scène
Discussion avec les artistes après la représentation du 1er mars.
Qu’est-ce que le réel et qu’est-ce qui lui appartient ? Quelle part de nos expériences sont fantasmées ? Est-il important de dissocier l’un de l’autre ?
Entourée de fidèles complices, Katie Ward poursuit son travail de connexion entre les humains par cette œuvre enveloppante. En direct, deux partitions parallèles sont mises en jeu ; celle du corps de la performeuse et celle de la parole du public. Habitée de son énergie galvanisante, la chorégraphe et interprète arrive, une fois de plus, à transporter corps et esprits bien au-delà de la représentation ellemême. Osez la déroute, vous êtes entre bonnes mains.
What
is reality and what belongs to it?
How much of our experiences are fantasized? Is it important to dissociate one from the other?
Surrounded by faithful accomplices, Katie Ward continues her work of connecting humans with this enveloping work. Live, two parallel scores are brought into play; one is the performer’s body and the other is the public’s speech. Inhabited by her vitalizing energy, once again the choreographer and performer manages to transport bodies and spirits far beyond the performance itself. Take the detour, you are in good hands.
17, 18 mars
2023, 20 h
Méduse - salle Multi
Envolée, énergies, contrastes, utopie. Flight, energies, contrasts, utopia.
compagnie yvann alexandre
Yvann Alexandre, France
60 minutes
8 artistes sur scène
Discussion avec les artistes après la représentation du 17 mars.
Qui sommes-nous, empêchés dans un corps d’oiseau sans possibilité d’envol ?
Avec cette nouvelle création, le chorégraphe Yvann Alexandre imagine un lointain Lac des « signes », un territoire d’ambiguïtés qui convoque les notions d’enfermement et d’affranchissement. Dans une atmosphère claire-obscure peuplée de sons évoquant la densité d’une forêt Amazone, des corps se laissent traverser d’états-fleuves. Comme emportés par le courant, chaque interprète vient défendre la vision d’une œuvre de résistance et de résilience. C’est le désir urgent de peau qui fait loi, l’arbalète qui traverse et sidère. Et l’écho d’un Lac dans la chair.
Who are we, trapped in a bird’s body without the possibility of flight? With this new creation, choreographer Yvann Alexandre imagines a distant Swan Lake , more of a Lake of Signs, a territory of ambiguities that summons the notions of confinement and emancipation. In a chiaroscuro atmosphere populated by sounds that evoke the density of an Amazon forest, bodies allow themselves to be crossed by river states. As if carried away by the current, each performer comes to defend the vision of a work of resistance and resilience. It is the urgent desire for skin that rules, the crossbow that pierces and astounds. And the echo of a Lake in the flesh.
Scolaire (secondaire) : 30, 31 mars
2023, 13 h 30
Tout public : 30, 31 mars
2023, 20 h
Méduse - salle Multi
Ode, voyage, rituel, perte. Ode, journey, ritual, loss.
Parts+Labour_Danse
David Albert-Toth et Emily Gualtieri, Montréal
60 minutes
7 artistes sur scène
Discussion avec les artistes après la représentation du 30 mars, 20 h.
Efer, cendres en hébreu, est un symbole à la fois de finitude et de renouveau.
À travers une danse physique saisissante,
Emily Gualtieri et David Albert-Toth mettent en scène une pièce qui aborde les thèmes de la perte, de la solitude, de la communauté et du pouvoir transformateur du deuil. Création d’envergure de ce duo montréalais en pleine ascension, la pièce est appuyée par les compositions sonores d’Antoine Berthiaume ainsi que par les éclairages, tout comme l’imposante scénographie suspendue depuis le plafond, signés Paul Chambers. Sur scène, sept interprètes totalement engagé·e·s investissent l’entre-deux, un espace qui n’est ni ici ni là-bas, entre le jamais plus et le pas encore.
Efer means ashes in Hebrew and is a symbol of both finitude and renewal. Through striking physical dance, Emily Gualtieri and David Albert-Toth stage a piece that addresses the themes of loss, loneliness, community and the transformative power of grief. A major creation by this rising Montreal duo, the piece is supported with sound compositions by Antoine Berthiaume, with lighting and the imposing scenography suspended from the ceiling by Paul Chambers. On stage, 7 completely committed performers engage the inbetween, a space that is neither here nor there, between never more and not yet.
Paysages de Papier (4 à 10 ans) 10
Scolaire : 29, 30, 31 mars et 4 avril
2023, 9 h 30
Famille :
1er avril
2023, 15 h
2 avril
2023, 11 h et 15 h
Théâtre jeunesse Les Gros Becs
Collaborer, créer, s’exprimer. Collaborate, create, express oneself.
Créations Estelle Clareton
Estelle Clareton, Montréal
50 minutes
3 artistes sur scène
Coprésentation
Discussion avec les artistes après
la représentation du 2 avril, 15 h.
Chorégraphie : Estelle Clareton, avec la complicité des interprètes / Interprétation : Nicolas Labelle, Olivier Rousseau, Jessica Serli, Élise Bergeron, Natalie Zoey Gauld, Marianne Gignac / Scénographie, accessoires et costumes : Karine Galarneau / Conception sonore : Éric Forget / Lumières : Karine Gauthier / Direction des répétitions : Annie Gagnon (Mtl) / Conseiller à la dramaturgie : Brice Noeser / Photos : Stéphane Najman
Paysages de Papier met en scène trois interprètes et une immense feuille de papier. Au cœur d’une danse à la fois délicate et ludique, les corps des artistes se mêlent à la matière, froissée, pliée, déchirée, créant au passage une cape, un abri, une queue de sirène ou une voile dans la tempête. Le spectacle célèbre la capacité à imaginer, le plaisir d’être ensemble, l’importance de prendre du temps pour ressentir les choses. Il nous convie à s’ouvrir à l’autre, en se laissant transporter dans des univers oniriques, un monde de possible où la créativité est source de plaisir et d’inattendu.
Paysages de Papier features 3 performers and a huge sheet of paper. At the heart of a dance that is both delicate and playful, the bodies of the artists mingle with the material that is crumpled, bent, torn, creating as they go a cape, a shelter, a mermaid’s tail and a sail in the storm. The show celebrates the ability to imagine, the pleasure of being together, the importance of taking time to feel things. It invites us to open up to others, letting ourselves be transported into universes that are dreamlike, a world of possibility where creativity is a source of pleasure and the unexpected.
5 avril
2023, 20 h
Grand Théâtre de Québecsalle Octave-Crémazie
Contrastes, banquise, dérive, exil. Contrasts, sea floe, drifting, exile.
La Otra Orilla
Myriam Allard et Hedi Graja, Montréal
65 minutes 4 artistes sur scène
Coprésentation
Conception : Myriam Allard, Hedi Graja / Interprétation : Myriam Allard, Olivier Bussières, Hedi Graja, Guillaume Rivard / Scénographie : Hedi Graja / Lumières : Julie Basse / Costumes : Stéphanie Rodrigue / Composition musicale : Arthur Champagne, Oscar Hammerstein II, Gaël Lane-Lépine, Miguel Medina, Richard Rodgers, Domenico Scarlatti (interprété par Gaël Lane-Lépine), Antonio Vivaldi / Direction des répétitions : Hélène Messier, David Rancourt / Photos : Marie-Andrée Lemire
Dix ans après le vif succès d’El12, La Otra
Orilla propose un conte flamenco pour quatre interprètes – une danseuse, un chanteur, un pianiste et un percussionniste – qui émerge de la chaleur andalouse pour se déposer sur une banquise à la dérive. D’une gestuelle riche de contrastes et de dissonances naît le choc des extrêmes qui met en relief les concepts de déracinement et d’exil. Une œuvre qui interroge les paysages qui vivent à l’intérieur de chacun, d’une poésie inouïe. À voir et revoir pour un dépaysement sans égal.
Ten years after the massive success of El12, La Otra Orilla offers a flamenco tale for 4 performers: a dancer, a singer, a pianist and a percussionist, who emerge from the Andalusian heat to settle on a drifting ice floe. A gesture rich in contrasts and dissonances results in a clash of extremes, highlighting the concepts of uprooting and exile. A work that questions the landscapes that live inside everyone, with incredible poetry. To see, and see again, for a change of scenery like no other.
Programme double
13, 14 avril
2023, 20 h
Méduse - salle Multi
Poétique, vaste, humain. Poetic, vast, human.
Angélique Amyot, Québec
30 minutes
1 artiste sur scène
Discussion avec l’artiste après la représentation du 13 avril. Chorégraphie et interprétation : Angélique Amyot / Composition musicale Émilie Clepper, avec la collaboration de Isabelle Gros-Louis / Lumières et scénographie : Flavie Lemée / Conseil à la dramaturgie Lux / Direction des répétitions : Sonia Montminy, Ève Rousseau-Cyr / Photo Chloé Delorme
Dans cette première création solo, l’interprète et intervenante par la danse Angélique Amyot se nourrit de ses réflexions autour des territoires physiques et intimes. Aulavik – « lieu de passage » ou « endroit où les gens voyagent » en langue inuite inuvialuktun – est un parc national au Nord du Canada, une étendue inspirante pour l’artiste.
In this first solo creation, performer and dance social worker Angélique Amyot explores her reflections around physical and intimate territories. Aulavik means ‘place of passage’ or ‘place where people travel’ in the Inuvialuktun Inuit language, and is also the name of a national park in Northern Canada, an inspiring expanse for the artist.
