L´fatal 10 by L´FATAL

,L FATAL 10 L´FATAL la Fatalísima No. 10

Revista de Arte Contemporáneo Añ o 3

No.10

Abr il

M ayo

Ju nio

2 0 1 7

ISSN: 2215 440X

1 Mariela Richmond. Silla “Sin título”, 2016. Foto A. Artavia cortesía del MADC.

“Two Mundos” ReGeneration NY

El 2 diseñador Oscar Ruiz Schmid en la inauguración de la muestra Two-Mundos en ReGeneration, Nueva York 2017.

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Sumario

Décima Edición

El Signo del Silencio Los editores Página 5

Zonas de Confort y Premisas Dominantes LaNo Bienal Gráfica Génesis / Página 10

9/11 - 11/9 Sala 1 del MADC Página 20

Comunidades: Experiencias Colaborativas / Página 30 Taller Construir el Árbol Expomuseos 2017 / Página 44

Vida y Muerte en el Valle del Jícaro Museo del Jade / Página 50

“Two Mundos” Diseño de Costa Rica en Nueva York / Página 62

Illimani de los Andes Levantar la mano / Página 74

Núria Güell Visores de la Crisis / Página 84 Cartelera Cultural / Página 92

Consejo Editor Quirval Otelo E´mundo Chevón Comentarios en esta edición por Quirval Otelo. Fotos en esta edición de Adriana Artavia, Nicole Horton, LFQ y artistas citados. En la portada Mariela Richmond Silla “Sin título”, 2016, fotografía de Adriana Artavia cortesía del MADC.

Los contenidos de los artículos no reflejan el criterio de los editores. NO Copyright CREATIVE COMMON

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Los editores: el signo del silencio

Con gran sentido de la vida común, se dice que quien calla otorga. En la cultura italiana -por ejemplo-, los asuntos se discuten con contundencia, en voz alta, la razón para tal actuación, es porque si se hace en vos baja, supone que es porque se trae entre manos algo turbio y se quiere ocultar. Estos son signos del lenguaje verbal e incluso del no verbal, y los italianos lo utilizan con gracia y soltura. Sin embargo, en mi caso personal, considero al silencio como una crítica enfática, acorde con las realidades comunicativas y las relaciones intrapersonales en la actualidad, tanto como el nadismo, el ninguneo, o la descalificación consciente; mantener el silencio, permanecer callado, es un gesto que incomoda y carga la relación o el momento de incertidumbre, un signo muy actual, en tanto que las personas esperan el comentario, una crítica, y cuan5

do no existe, se resienten y muchos incluso mueven las fichas del ajedrez en las prácticas sociales para tener alguna repercusión a sus ideas o pensamientos. Criticar la fealdad o flojedad de un proyecto expositivo, es fácil, o si gusta existe también el peligro de sobrepasarse con un discurso demasiado florido y cargado de adjetivos que a veces no dicen nada, son puro “lustre” de esos con que se decora el pastel de cumpleaños. La esencia no viene en barriles, a veces es suficiente una sola palabra o el silencio para decir mucho. En mi caso cuando dicho proyecto no me estimula en absoluto, no me mueve a sentarme a escribir, pero no es lo mismo que quedarme callado. Las verdades también suelen ocultarse entre los intersticios de las palabras, de cada signo de la escritura, y no se verbalizan ni pasan a la esfera del discurso hablado, por contención, pero no miedo. También se dice que los mensajes se comprenden en el contexto, aunque a veces nos quedamos nadando en la vacuidad del mensaje, y aunque nos desgastemos para llegar al otro lado del río, no hay significado, no existe comprensión. No es “ningunear”, ni “serruchar el piso”, práctica indecente pero muy utilizada en nuestro medio. De manera que si me quedo callado, ese espacio vacío es portador de un signo, un mensaje oculto que hay que intentar descifrar como manifestación actual del no saber.

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Malagana Mácula, ciudad de Managua.

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Pablo Romero. “¿Arte Indígena? ¡Qué prosiga la empresa del tropicalismo multinacional!” Salón Nacional de Artes Visuales Museo de Arte Costarricense. 2017.

Zonas de confort y premisas dominantes

Elemento de comunicación creado por Gráfica Génesis.

En arte, tanto como el acto autónomo de avanzar en la vida, en el trajín de todos los días, se hace necesario cuestionar aquello que suele anclarnos, esa actitud de saber o tener total dominio acerca de lo que precisamente sabemos hacer bien; es lo normal, lo aprendido en la experiencia del tiempo, pero en la actualidad esa noción de mundo se ha puesto de cabeza, es escurridiza y hasta tramposa, delante de los desafíos que nos opone la producción creativa. Sentarse a descansar a la vera del camino sería nocivo, en tanto nos incluye en zonas de confort donde por lo general nos mueven, como marionetas, los dominadores de siempre, y por otro, nos sobrepasan los demás competidores. Tal es la premisa que critica la muestra en Gráfica Génesis, curada por Esteban Calvo y José Castillo: “Zona de Confort”, organizada por LaNo Bienal. 10

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Yamil de la Paz García. “Trampa o killing Höller´s survivors”, 2017.

Esta situación parece parangón de la “ciudad moderna”, tal y como la definió el siglo pasado el sociólogo Alexander de Mitscherlich en el Fetiche Urbano: “es instigadora a la discordia”. Pero no hay otra, es la misma desde que Platón en sus discursos sobre “La República”, escribió que todos nos necesitamos unos a otros, y que por esa dependencia nos conformamos en núcleos vivenciales donde somos presas de los más fieros antagonismos: conductas de dominación y tácticas de persuasión del mercado que también tienen su cara oscura. LaNo Bienal Como referentes del fenómeno, sabemos de los artistas “rechazados” de mediados del siglo XIX, cuando se realizaba en París el “Salon des Refusés”, a veces paralelo al mismo Salón oficial patrocinado por el Estado francés. La actual noción se tiene de quienes no son aceptados a las bienales o los salones que convocan los museos, como la recién pasada “X Bienal de Arte Centroamericano”, auspiciada por Empresarios Por El Arte, o el “Salón Nacional de Artes Visuales 2017” convocado por el Museo de Arte Costarricense. La controversia incrementó en tiempos que célebres artistas: el italiano Amadeo Modigliani, el español Pablo Picasso, el mexicano Diego Rivera, entre otros -muestra de la hibridez y carácter migratorio de los fundadores del movimiento moderno en aquella postguerra hace ya un siglo atrás, cuando eran frecuentes las rencillas entre ellos-, y quienes habitaron en el barrio parisino de “Montparnasse”, tal y como 12

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lo escribió el crítico de arte mexicano Olivier Debroise en su ensayo “Diego de Montparnasse”, publicado en 1979. En estos días volví a apreciar una película sobre la vida de Modigliani, uno de aquellos artistas rechazados cuando vivió en París, pero la anécdota acrecienta al final de su vida, cuando esperando el veredicto del jurado, probó tal grado de embriaguez que falleció sin tener conciencia de la grata noticia: una de sus pinturas había sido aceptada en el Salón Oficial de París, al lado de Picasso u otros colegas con quien mantuvo constante confrontación. O sea, similar acción dramática marcó la vida de tantos maestros registrados por la historia del arte, y el acto de ser rechazado o no de un salón o bienal, aún provoca euforia escozor o frustración.

Vista parcial de la muestra en Gráfica Génesis. Foto cortesía de LaNo Bienal.

Jorge Arias. Fabian Monge. NO FACE, NO EMPATHY, 2017.

Victoria Montero. POE. 2015.

Juan Carlos Jimenez. Ai fil so lonly. 2017

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Dar este repaso, me sume en el recuerdo de los cursos que recibí de un gran formador universitario, fundador de la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad Autónoma de Centroamérica, donde inicié mis estudios de arte a finales de los setentas del siglo pasado, don Wilberth Villegas; él relataba un hecho de esos que suele protagonizar la Historia del Arte respecto a un gran maestro del arte nacional, Joaquín Rodríguez del Paso. Biodiversidad de la serie Americana.

Jorge Gallardo, a quien en vida no se brindó ningún reconocimiento, hasta que los Museos del Banco Central, en 2003, abrió una muestra póstuma de su obra. El historiador Villegas nos comentaba que la enciclopedia de Historia del Arte Larousse, dentro de un pequeño grupo de artistas centro-

Marcos Phillips Figueroa. “roo - ah”, 2017.

americanos, citó a Gallardo. Evoco los cursos de Dibujo de Anatomía Humana que recibí de don Jorge, cuando no solo salí formado en mis destrezas de representación, sino en mi pensa-

miento e intelecto gracias a las constantes confrontaciones con aquel viejo responsable de llevar al punto candente nuestras competencias y visión crítica del arte, cuando opera la fortaleza de la verdadera forja. Villegas decía que la Historia del Arte es justa, que podemos hacer malabares recurriendo a influencias y amiguismos, pero si nuestra obra y producción se sostiene, tarde o temprano llegará el reconocimiento. Romper los trajes que se vuelven carceleros, Debravo En la actualidad, vivimos tiempos de constantes incertidumbres y los artistas somos proclives a dejarnos influenciar por el No Saber, del flujo de la deriva o lo que llamo “río del arte” en cuyas aguas nadie tiene certeza a dónde llegará. Pero lo bueno de todo es que nos queda la palabra, y el talento creativo que nos catapulta a expresar nuestras inconformidades. Cuando todo se parece: los mismos grupos, los mismos lenguajes, la dependencia a las mismas políticas culturales del perpetuo Estado, los mismos curadores, los mismos directores de museos, las mismas exposiciones de siempre… Por lo general, y vuelvo a mi discurso –que tampoco cambia-, pongo como ejemplo el poema “Trajes” de Jorge Debravo (de su libro Nosotros los Hombres 1966, Editorial Costa Rica), que critica nuestra dependencia con ciertas “fórmulas de éxito” y el las asimila con las prendas del vestido, como una camisa o unos zapatos, pues comienzan siendo objetos de servicio pero se vuelven carceleros, dice ese célebre poeta turrialbeño que 16

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debemos rasgar esos “gangoches viejos”, deshilacharlos con nuestras manos para quedarnos desnudos frente al viento, en la total intemperie, estando en tan crítica condición, buscaremos un vestido nuevo. Aplicado al arte, el “tropos” deduce que el artista es quien evade esos “anclajes” pues siempre estará buscando lo que no sabe, cuando tiene certeza de lo que saber hacer, buscará otra cosa en tanto pierde interés en lo que ya sabe hacer. Investigar es buscar lo que no se sabe. Afirmo que un artista es quien busca lo que no sabe. El filósofo de la comunicación Abrahan Moles, un día lo dijo de esta manera: “Hay una edad en la cual se enseña aquello que se sabe; pero luego viene otra en la cual se enseña lo que no sabe: a esto se le llama investigar”.

Anna Matteucci Wo Ching. “No fue mi culpa”. 2017.

La muestra en Gráfica Génesis La idea de los artistas cuestiona lo establecido, como las bienales y los encuadres competitivos de los museos u otras organizaciones de la empresa privada. Cuestionar vigoriza. Un ejemplo de estas zonas de confort nos la demuestran los periodistas culturales cuando existe una exposición fuera del circuito de su conveniencia, no la informan y esas actividades que pueden ser muy válidas pasan desapercibidas, además existe una fuerte noción “valle-centrada” o “capital-centrista”, que niega extender las miradas a lo que pueda ocurrir fuera de sus propios ámbitos.

Vista parcial de la muestra en Gráfica Génesis. Foto cortesía de LaNo Bienal.

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La muestra en Gráfica Génesis se advierte una fuerte dosis de tensión, algo así como caminar en un campo minado, cuando cada paso que se dé en esa territorialidad de la deriva del arte se piensa, reflexiona, analiza, prevé, discrimina, en tanto se advierte sobre sí la estocada del aguijón del arte, el cual -tal y como me comentaba Carlos Capelán en una entrevista que publiqué en La Fanal, hace ya muchos años-, emerge de la “boca” del cuadro, objeto o instalación y nos engancha -no sin alguna percepción de disconformidad-, para consumirnos a sondear en sus fondos cargados de fogosa expresividad, y puede que hasta rechacemos esa conexión que intenta desestabilizarnos, ante un arte a veces al margen, como se dijo del “establishment” y de los ejes de dominación o dictaduras de los grupos de poder que también existen en el arte local. Sin embargo –y ya para terminar con esta reflexión-, también se advierte resistencia, actitud positiva pero que siempre requiere rigor, porque aunque se está pensando en adherirse a una estética de lo feo, lo que se haga, experimente, investigue, cuestione o no, tiene que estar bien hecho, la factura es imprescindible. Quiero decir que esperábamos tener una apreciación quizás más optimista de nuestra visita, sin embargo la meta de aprender toda vez que intente avistar lo que posee el objeto portador en la práctica artística, éste no quedará incólume, será afectado por la noción intransigente pero provocadora del arte actual.

MADC 9/11-11/9

Mariela Richmond. Silla “Sin título”, diseñada para la obra “La noche árabe” 2016. Foto A. Artavia cortesía del MADC.

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Los desafíos me encienden, aunque no me sienta obligado a hacerlo termino comentando la experiencia de observar lo expuesto en un museo, galería o muestra. Siempre he dicho que si una exposición motiva, nada me detiene para decir algo, pero si por el contrario no me ancla, pasará desapercibida pues no mueve una sola neurona para sentarme a escribir lo que pienso o aprecio de lo visto, aún así no me gusta auto-denominarme crítico de arte pues no lo soy. Cuando me enteré en redes sociales acerca de esta muestra con un título tan Sui generis, advertí el fuego del reto, y la visité al día siguiente de la inauguración. Al caminar y ponerme delante de cada propuesta, pensé en diálogos entre los espacios y las voces que emergen de las obras, me pareció avanzar entre los vericuetos del laberinto, alce la mirada, viré de lado, y las piezas infundieron, por un lado contención, y por otro fuerza para reflexionar sobre el título, los autores, y el arte de estas décadas del siglo XXI y el tercer milenio.

El título del proyecto en Sala 1 del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC), 9/11 – 11/9, exposición colectiva del 10 de mayo al 22 de julio 2017, curada por Daniel Soto, fijó mi atención en los umbrales del presente siglo -del cual ya hemos avanzado casi dos décadas-, con aquellos acontecimientos de la caída de las torres gemelas de World Trade Center en Nueva York, aquel fatídico once de setiembre de 2001; cavilé acerca del terrorismo, Isis, talibanes, Alcaeda. Es cuando el espacio del Museo se vuelve cuadrilátero, desencadena el combate, en mi caso personal el acto de caminar la muestra me sume en un momento de extrema concentración y veo encabritar las aguas del río de la interpretación del arte. Por lo general ocurre una regresión a algunos eventos vivenciales que en algún momento de la vida me afectaron y marcaron poniendo un piolín en la memoria personal. Me engulle la espiral del tiempo y de pronto recuerdo eventos acaecidos que no se borran tan fácilmente, cuando desde lo alto de la visión o film de los recuerdos, en el presente caso me vi al interno de un autobús -cuando yo 22

Vista de la Sala 1 con la muestra 9/11-11/9 Foto A. Artavia cortesía del MADC.

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era estudiante en la ciudad de Roma-, y al transitar por la elegante “Via del Tritone”, sentí el estallido de una bomba terrorista puesta en una agencia de viajes y cercanías de la Embajada Americana, el bus se detuvo en tanto el tránsito colapsó, solo se movían las patrullas de la policía, vehículos de la cruz roja o bomberos, y al estar ahí eclipsado por la conmoción, sin poder salir, con aquel calor que provocan las personas apretujadas y encerradas en el infierno de la escena, me 23

Albertine Stahl. El año de la cámara digital para retratos personales 2017. Foto LFQ.

percaté de que todos ponían sus ojos sobre mi humanidad, sus miradas eran dagas y aguerridos comentarios se escapaban de entre las comisuras de sus labios y gestos de enfado, fue cuando me di cuenta que yo era el único extranjero entre ellos, quizás me creerían irakí, iraní, libio, sirio, palestino, yihadistas, de hezbollah, o de cualquier país de esos en la mira de Trump, incluso escuché a una anciana decir sin quitar el proyectil de sus ojos hacia mí: “esos extranjeros son los responsables de robarnos la paz”. Con eso vivencié la cuantía de las tensiones de ser migrante, aunque en mi caso me encontraba ahí con papeles en regla.

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De esta manera evocativa y cavilante comprendí el contenido de los textos escritos por el curador en sus esbozos teóricos, conceptuales y curatoriales, focalizando las problemáticas en las cuales el grupo de jóvenes artistas seleccionados para este proyecto, crearon sus obras, visualicé en la gran pantalla de la imaginación los escenarios donde enfocan sus visores estos artistas, dirigen sus investigaciones, sus deseos de externar por medio de un objeto que es portador del arte, su propia comprensión de las prácticas artísticas en tiempos de fieras miradas y antagonismos políticos, sociales, religiosos, culturales, migratorios, de eternas luchas hegemónicas que se reescriben en la historia con nuevos nombres. Aclaro que no haré una lectura pieza por pieza como una crónica de la visita al Museo, lo que traeré a mi comentario es la memoria del detenerme delante de cada una de las piezas y sus autores para reflexionar e imbricar el análisis de esos estamentos teóricos y expresivos. Pero tampoco puedo dejar de comentar acerca de los anclajes en el mar de los pensamientos de una persona mayor, como yo, que crecí en otros entornos o estructuras del arte y la cultura, que debí adecuarme a estos nuevos lenguajes y focalizaciones del fenómeno artístico que llamamos arte contemporáneo. Nunca como en ese día que visité el MADC, se encabritaron tanto mis percepciones, sin embargo me dispuse a observar cada obra, cada ficha, cada revelación, como la espera para poder salir fuera de aquel autobús entre vidrieras

colapsadas, humo y aullidos de pitoretas y sirenas que marcaban la conmoción en una ciudad conmovida por el terror. Los expositores y sus obras Albertine Stahl, “El año de la cámara digital para retratos personales”, 2017. Christian Salablanca, “Kira al medio día”, 2015, y “Que nuestro placer de ser comidos sea más grande que el de otros”, 2017. Anna Matteucci Wo Ching, “De lejos”, 2016 – 2017. Róger Muñoz Rivas, Estudios 2015-2017, “Qué asco la naturaleza”. Mariela Richmond, silla “Sin título”, diseñada para la obra “La noche árabe” 2016, Colección Compañía Nacional de Teatro. Pamela Hernández, “¿Qué es la felicidad?”, 2016-2017. “Black Star Line”, 2017, de Marton Robinson. Diana Barquero, “Micropaisajes” 2017. Sara Mata “Verde Lluvioso”, “Amarillo Amanecer”, “Violeta Celaje”, 2017. Adolfo Ramírez, “Sin título”, 20162017. Emmanuel Zúñiga, “Proyección”, 2015; “Amarillo cadmio claro + Violeta magenta sobre Verde cobalto oscuro + Carmín permanente, 2017; Verde cobalto oscuro + Carmín permanente, sobre Amarillo cadmio claro + Violeta magenta”, 2017; Módulo cromático por complementarios” 2017; Módulo en gris háptico, 2017; Pruebas de color y densidad, 2016 – 2017, Exploración técnica, Técnica mixta: acuarela, collage, fotografía análoga, paleta, bitácora y negativos fotográficos intervenidos con rapidógrafo. Todas son voces de estas décadas, hablan de interiorizaciones y comprensiones del fenómeno y práctica creativa de un mundo en tensión pero donde se produce, se expresa, se debate. 26

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Prosigo: Alejandra Ramírez, Serie “A” 2016; Preludio sobre Lori, de la serie “B”, 2017. Wilson Ilama, Naïf Diorama, video digital, 2016-2017. Sergio Rojas, “Cómo mirar a un rey” (de la serie LagoLeón), 2017. Róger Muñoz Rivas, “En el nombre de los vegetales”, 2017. Andy Retana, “American Standard” Transferencia sobre porcelana comercial reutilizada y lustre de oro, 2017. Mariela Richmond, Alarma “Sin título”, diseñada para la obra “Desaire de elevadores”, 2015, Colaboración de Joan Villaperros. Andrés Gudiño, “Sin título”, 2017, con aquel agujero en la pared de una escenografía, incrementando la tensión, el deseo del bouyerista, el morbo pintado de rosa. Todos estos nombres propios, fechas, títulos de obra, martillaban en mi conciencia y pensamiento, clamaban por mi atención. Como dije cada artista con sus registros implican el lenguaje del hoy, las técnicas, los procesos y uso de tecnología, recordarán con aliento o con odio la escuela, los profesores, el grupo de colegas y amigos, la teoría y crítica del arte, su posicionamiento estético, ideológico, religioso, los discursos de mayorías o minorías o de ubicarse al margen, inclusión o exclusión, argumentos que atañen al científico social, la hermenéutica, la tropología, la semiótica, la sexualidad, la territorialidad, Foucault, Augé, todo el marco de significados que ahí en el Museo, emergían y volvían a consumirse en las aguas. Cada pieza traía su propia esquirla, era portadora de la tensión e incertidumbre de movernos en la urbe actual. Cada una de esas piezas era portadora de su propio infierno,

el de la colectividad, el propio nuestro, de quién detenta el poder con las armas, roba, secuestra y se vuelve sicario, pero también es el espacio donde acrecienta el fuego de quien ama y regenera ese “mundo” para paliarlo de las tantas y nocivas contingencias. “Crecieron durante los 90´s -comenta Daniel Soto en sus reflexiones de curador-, vieron en vivo la caída de las Torres Gemelas, usaron un iPod para escuchar su música y el triunfo de Trump les genera incertidumbre”. En ciertos recodos del laberinto museo, intuí que hacía falta curaduría, que no todo estaba resuelto, pero topé con otro texto de Daniel que lo explica: “El gesto inició como una revisión de dossier y entrevistas, pero desembocó en una exposición no comisariada; esto significa que las obras no fueron seleccionadas por parte de la curaduría, sino propuestas por los artistas y desarrolladas en conjunto, bajo un modelo de formación e investigación...”.

Andrés Gudiño. Sin título. 2017. Foto LFQ.

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Diana Barquero Pérez. Micropaisajes II. 2017.

¿Qué me deja la visita al Museo? Importante preguntárselo siempre. Permanece el fogoso desafío de los jóvenes por defender su arte, por levantar la mano en la llanura de hacer cultura y hacerse visibles. Creo que el asunto de edad no calza con la realidad y la experiencia de algunos aventajados, como Salablanca, Gudiño, Pamela Hernández, la misma Barquero que aún exhibe en El Tanque, Sara Mata, Robinson, son nombres que asoman con frecuencia en el panorama cultura de San José, en Teorética, Despacio, el MAC o el MADC. Sin embargo el ejercicio es bueno, el espacio es óptimo para retarse entre sí y sobre todo retarnos a nosotros los espectadores ante un tiempo que quizás ellos necesiten mayor distancia para comprender en qué aguas nadan. 29

(Comunidades)

Experiencias colaborativas

Fotocopia pegada al muro del Centro Nacional de Cultura. 2017 30

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Grafiti en el muro del Centro Nacional de Cultura. 2017

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Grafiti en el muro del Centro Nacional de Cultura. 2017

Fotocopia pegada al muro del Centro Nacional de Cultura. 2017

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Grafiti en el muro del Centro Nacional de Cultura. 2017

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Pintura en el pavimento. 2017

Arte vivo en el pavimento. 2017

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Abstracción encontrada. 2017

Gestos encontrados. 2017

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Collage encontrados 2017

Evocaciรณn a Duchamp. 2017

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Luis Carlos Bonilla Soto. Árbol de Jacaranda, México, 2017.

Museo del Árbol brota como un espacio virtual de reflexión crítica y sensibilidad acerca del árbol en la naturaleza y en nuestras vidas, y por ende en la cultura.

www.issuu.com/museodelarbol 43

Taller “Construir el Árbol”

Estudiantes del Colegio Científico de Limón, participando en el taller.

Hoy en día es fundamental motivar la actitud para construir, no para destruir, y hacerlo a partir de los mismos desechos de la industria y el comercio, implican a la creatividad humana, fundamental para transformar esta cultura. Es misión de los museos, los educadores y los mismos artistas formar esta actitud, que cuestionen el cambio de nuestras conductas de conservación, pero sobre todo que fortalezcan nuestro amor hacia la naturaleza.

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Expo Museos 2017 Ese fue el pensamiento que motivó el taller “Construir el Árbol”, dentro del programa de Expo Museos 2017, realizado con éxito y con mucho público el 18 y 19 de mayo en la Casa del Cuño, organizado por el Ministerio de Cultura e ICOM para celebrar el Día Internacional de los Museos. El taller, impartido por las encargadas del departamento de Educación del Museo de Arte Costarricense, I. Solano y M. Rodríguez, además de LFQ de Museo del Árbol (museo virtual que también estuvo presente en la feria). La dinámica motivó a un grupo de estudiantes del Colegio Científico de Limón a pensar construir un árbol a partir de desechos, en este caso tubos de cartón, de esos que funcionan para arrollar papel o telas, además de ligas de hule, papel craft y pinturas con lo cual generar lo que recubriría la superficie de los tubos y así regenerar un paisaje de memorias del árbol: hojas, frutos, semillas, flores, lianas, musgos, epífitas y trepaderas, pero todo hecho con desechos.

Estudiantes del Colegio Científico de Limón, participando en el taller.

Conceptualizar la metáfora La motivación inicial parte de que cada uno de estos tubos hechos de papel, fue un árbol, y que abría que buscarle una nueva vida con su reutilización, pues lo peor que puede ocurrir es que los subproductos industriales vayan a dar directamente a la basura, lleguen a contaminar más, considerando además que la fabricación del papel es una de las industrias más agresivas contra el planeta; de manera de que a partir de esa realidad regeneró la metáfora de “construir”, y a partir de los símbolos configurar la presencia de esas criaturas que dan vida a los bosques, las montañas, los campos y las ciudades. Hace unos años entrevisté al destacado arquitecto costarricense Benjamín García Saxe, y le pregunté cómo resolver la fealdad de nuestras ciudades actuales, y las estrategias de urbanismo actuales; su respuesta fue “menos autos y más árboles”.

Estudiantes del Colegio Científico de Limón, participando en el taller.

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Ni˜õs de una escuela de la zona de los Santos, también tuvieron su taller.

El reto Para los estudiantes de un colegio científico se les presentaba un importante desafío, ¿cómo llegar a esa representación simbólica tan cercana al arte con tubos de cartón –que repito: un día fueron árboles-, y una ligas de hule que se estiran con las cuales fijarías las articulaciones de los ramajes. Esta fue la actitud problematizadora de reingeniería básica que atañe a una estructura natural con sus tensiones y soluciones de equilibrio implícitas. Pero sumó además la excelente actitud con que asumieron estar en el taller por parte de los muchachos, con su ímpetu juvenil y fogosidad fueron probando hasta llegar a la solución y a demostrar sus capacidades. Un segundo grupo se dedicó a crear el ropaje del árbol como dije hojas, semillas, frutos, flores, lianas, bejucos y otros elementos que complementaban la construcción simbólica. Uno de los profesores que les acompañó hablaba de “decorar”, cosa que refuté de inmediato pues construir es hacer crecer una idea con creatividad y el talento propio de todas las personas, no se trata de adornar. La motivación al cambio de las conductas sociales en torno a la conservación de la naturaleza no necesita de adornos sino de ideas que nos cuestionen y cambien nuestras actitudes actuales. 47

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En un segundo momento tocó el tiempo para otro grupo de niños de una Escuela del Cantón León Cortés, que vinieron de aquellos parajes montañosos y cafetaleros a un espacio de fuerte intensión creativa como son los museos, a llevarse un nuevo aprendizaje en este caso de cómo construir una criatura –abundantes en su propio paisaje-, pero obteniéndolo con riqueza de emociones, texturas, corte y pegue pero de intención creativa, no el corte y pegue en las búsquedas de internet que se realizan y que son tan nocivas como no hacer nada. Qué nos queda de esta experiencia Refiere a la función del museo de mediar en el aprendizaje y acercamiento a la cultura a través del pensamiento crítico y la búsqueda por evitar el impacto al planeta de los subproductos de la industria y el mercado, exaltando la figura del árbol que tiene la función de renovar los procesos atmósféricos, y que cada mañana tengamos aire renovado, una criatura que fija los nocivos elementos como el nitrógeno que éste a través de las raíces fija a la tierra, y esas moléculas de oxígeno renovado suben a la atmósfera conformando las nubes para que tengamos agua, y aminorar el impacto del efecto invernadero; además de que forman el paisaje, motivan nuestra espiritualidad y emocionalidad, nos dan frutos, flores, alimentos, madera, calor, y sobre todo amor el cual hacemos nuestro en la medida de darle un abrazo a los árboles que tengamos cerca y decirle que todos sin igual, en tanto criaturas de lo creado, compartimos vida.

Vida y Muerte en el Valle del Jícaro

El Museo del Jade y la Cultura Precolombina ofrece del 27 de abril al 19 de setiembre del 2017, la muestra curada por los arqueólogos Felipe Solis del Vechio, del Museo Nacional y co-curada por Virginia Novoa del Museo del Jade, evento con que el museo conmemora sus cuarenta años de fundación, y el ciento treinta aniversario del Museo Nacional de Costa Rica, institución pionera en la investigación y esclarecimiento de los legados patrimoniales e históricos en el país. Jícaro es un sitio arqueológico cuyo hallazgo y excavación se ubica en Bahía Culebra, Pacífico Norte de Guanacaste, cuyo nombre proviene del árbol de jícaro (Crescentia cujete y el Crescentia alata) abundante en la zona y tan significativo para las culturas mesoaméricanas ancestrales, presente en la narrativa del Popol Vu, libro sagrado para la descendencia maya centroamericana.

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Piezas de cerámica encontradas en Valle del Jícaro. 51 Foto cortesía del Museo del Jade.

Motivaciones introductorias Al ingresar a la muestra, tal y como sucede en cada visita que realizo a un museo o galería, suelo preguntarme ¿qué de lo expuesto permanecerá en la memoria, el por qué y el cómo ocurre esa asimilación? Por supuesto que todo depende de uno mismo como espectador, del involucramiento que experimente con lo expuesto y el análisis que haga de los escenarios y lectura de los abundantes signos, relacionando los datos leídos en las fichas de pared que refieren a la historia del lugar, fechados, geografía, caracteres formales de los objetos, técnicas de producción, uso de materiales, costumbres, rasgos humanos o culturales de aquella sociedad, además de la observación de la museografía u otros activadores emocionales que inciden en la dote catapultada por el museo al valorar la “calidad” del proyecto expositivo; son elementos instruccionales que tienden, como un todo, a empoderarnos para que calen en la memoria de nuestra vivencia de eternos aprendientes. Pero quizás la gran pregunta deducida de ese entorno cultural y educativo focaliza el significado de la vida y la muerte, enunciados desde el título de la exposición, en tanto traen luz al crecimiento y sensibilidad actual por reconocer el valor de nuestra heredad originaria, y una marca más en el inventario que lo testimonia. Una ojeada a los activadores de la muestra Según se deduce de la percepción y andar reflexivos por el recorrido de la exhibición, la comunidad de Jícaro presenta un rasgo muy singular subrayado por los investigadores del museo, en tanto población costera, cuyos orígenes se relacionan con la etnia Chipcha (la misma 52

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que pobló Talamanca y que permanece hasta tiempos actuales en la frontera Caribe Sur), y que se establecieron con anterioridad a los Chorotegas quienes poblaron el Norte de Costa Rica y Sur de Nicaragua. Entre el 800 y el 1300 d.C., comprueba como la zona de Bahía Culebra recibió la migración de pobladores de ascendencia mesoamericana, incidencia que transformó su cultura, la forma de sus viviendas, la gastronomía, vestimenta y atuendos. Para la arqueóloga Virginia Novoa, en una entrevista de la periodista Michelle Soto para La Nación, opina: se cree que esa migración ocurrió debido a la inestabilidad política que se vivió en el periodo posclásico en México y Centroamérica.

Vitrina con instalación ilustrativa de un entierro encontrado en el Valle del Jícaro.

Los hallazgos –hoy expuestos en el Museo del Jade-, motivan a deducir que fue en ese arco temporal que los nativos de Jícaro adoptaron la choza circular -con ello abrieron un rasgo de su cosmología y cosmogonía, expresión de sus creencias y espiritualidad-, también se aprecia en las piezas utilitarias una considerable transformación: la cerámica policroma, la cual hoy en día distingue al arte chorotega, aparece en ella -por primera vez en estas zonas costeras del Pacífico Norte-, la iconografía de la “serpiente emplumada” o Quetzalcoatl de los Mayas, además de la representación de la deidad de la lluvia, entre otros rasgos que marcan dicho referente traído por las corrientes migratorias de entonces. Fue en esas fechas que se aprecia precisamente los cambios en los patrones culturales de los pobladores de la costa del Pacífico costarricense, y en especial de Bahía Culebra: factores como la dieta y el carácter de los cultivos, así como la iconografía pintada en sus utensilios de uso doméstico o ceremonial. También es apreciable el uso de colgantes, pulseras y otros elementos de lo que se ponían encima para recordar al ancestro y tenerlo presente en sus formas de vida y creencias. Fabricaron peinetas, pulseras y brazaletes hechos del hueso fémur, tibias, mandíbulas y dientes humanos, además, hicieron destusadores para desgranar elotes, punzones y agujas para coser redes de pesca hechas con cornamentas de venado y huesos de tiburón; de todo este registro de objetos se exhibe una importante cantidad y calidad de piezas recuperadas en las excavaciones de los arqueólogos y que hoy conforman el corpus de la exposición temporal en el Museo del Jade. 54

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Muestra en Sala de Exposiciones Temporales del Museo del Jade. Foto LFQ.

Los estudios llegan a estas conclusiones al hallar evidencias de huertos de cultivo -tal y como aprecia la arqueóloga Novoa en la referida entrevista-, en tanto encontraron restos de maíz, frijoles, jocotes, jobos y nances, así como una considerable cantidad de conchas, revelando el consumo de moluscos y productos de la pesca. También evidencia que dicho grupo humano conocían la técnica para obtener la sal, separándola de las arenas costeras a través de filtros hechos con hojas, como también elaboraban cuerdas para tejidos teñidos con el caracol de múrice, técnica en la cual interviene su uso, así mismo para secar el pescado y los moluscos importantes en su dieta.

¿La vida en la muerte y la muerte en la vida? La dicotomía persiste en la medida de que los originarios de Jícaro, creaban aquellas prendas adosadas a su cuerpo, tales como pulseras, colgantes, collares y las hacían con los mismos huesos de sus ancestros, dientes o mandíbulas, era como ser portadores del significado de la materia después de la vida, dándole una interpretación distinta a la connotación actual de la muerte como una instancia oscura y terrible, al contrario, ellos traían la memoria y presencia del fallecido al presente o a la vida cotidiana del poblador. Otro aspecto evidente en los patrones funerarios era que al muerto no se le colocaba en posición fetal al ser enterrado, sino estirado y de espaldas, disponiendo otros cráneos humanos que probablemente tenían la función de acompañarlo en su paso al otro lado del río donde moran las almas en esa singular comprensión cosmogónica, tal y como ocurre con las ofrendas funerarias en otras culturas vernáculas, aspecto que se aprecia en la ilustración de una de esas tumbas recreadas en la exposición.

Muestra en Sala de Exposiciones Temporales del Museo del Jade. Foto LFQ.

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Cráneos humanos donde se observa la deformidad provocada. Foto LFQ.

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Otro de los elementos que suma a los simbolismos expuestos es la inclusión en dichos entierros de cráneos donde se observa un grado de deformación morfológica artificial, en tanto que desde edades infantiles preparaban quizás (esta es una especulación mía) a sus futuros guerreros o quizás dignatarios tribales deformando la apariencia de sus rasgos de identidad a partir de hormas con lo cual marcaban un signo de diversidad dentro de los patrones estéticos, sociales y/o culturales de los pobladores del valle del Jícaro. ¿Cuál es el significado de estos signos expuestos y sus lecturas para el arte nacional? Andar por los recorridos marcados por el planeamiento museográfico y curatorial, como dije, nos empodera, en tanto tenemos certeza de la existencia de una cultura consistente, como el árbol del jícaro (Árbol de la Sangre, pues según la mitología maya de Ixquic, hija de Cuchumaquic, uno de los Señores de Xibalbá, nacieron Hunahpú e Ixbalanqué, preñados por la sabia del jícaro que a su vez contenía el espíritu de uno de aquellos antepasados del Quiché). Suma en esta percepción de la muestra el conocimiento de los elementos de la geometría básica como el triángulo, la circunferencia, el cuadrado, la esfera, el cilindro u otros componentes estructurales de un imaginario simbólico que nos devela un algo más que ser simples cultivadores de maíz. Existía un pensamiento y razonamiento que se fue transformando en la medida de ser impactados por dichos flujos migratorios.

Además es notorio el reconocimiento de la geografía del lugar, cuando se dice que Jícaro era un pequeño valle rodeado de laderas muy empinadas por lo cual el acceso era posible solo por mar. Todas estas consideraciones comprueban la capacidad de razonar acerca de sus creencias y tradiciones ancestrales, fundamentando tácticas de caza e incluso defensa en el conocimiento que tenían de esa profusa naturaleza del bosque seco, característico de la zona de Guanacaste, e incluso, me atrevo a pensar que todo ello influyó en el trazo de signos de notación de ese quehacer y formulación del lenguaje, de lo cual se requiere investigar aún más para sumar dicho talento al conocimiento de la historia de nuestra cultura costarricense.

Muestra en Sala de Exposiciones Temporales del Museo del Jade. Foto LFQ.

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En conclusión No es suficiente con saber que en esas excavaciones arqueológicas encontraron muchas “ollitas de barro” en tal o cual sitio o tumba -en la muestra se exhiben suficientes y finos ejemplos-, lo importante es que lo hallado trascienda elaborado por los especialistas de los museos quienes tienen el reto de preparar dicho compendio educativo para la comprensión por parte del público visitante. Este es el principal logro del actual proyecto expositivo del Museo del Jade. A manera de colofón diría que para saber conducirse en las autopistas del conocimiento y de la cultura contemporánea, hay que tener muy buena “luz larga” para saber alumbrar lo que vendrá y tenemos por delante, como también la “luz corta” la cual ilumina el entorno cercano, pues de alguna manera, teniendo conocimiento del pasado podemos incidir de manera positiva en el presente. Importante también tener una adecuada lectura de lo visto por los retrovisores, focalizar dicho pasado; o lo que vemos por la izquierda o la derecha. Sin esa luz y noción de la historia, no estaría completa nuestra actuación en dichas autopistas para llegar con seguridad a una meta que por lo general nos requiere de una estructura de competencias, en tanto es muy atractiva para algunos, tiene muchos “novios”, o está custodiada por grandes “gigantes” que debemos superar. El diseño y el arte, tanto como el trabajo profesional de los científicos sociales contribuye a la buena iluminación de esas vías donde crecer y defender nuestra territorialidad con sus simbolismos intrínsecos y con los cuales otros podrán reconocernos en el denso tránsito de las autopistas del mundo; pero precisa la energía, la fuente, tiene que ver con el apoyo y políticas culturales para que dicha percepción posea su propia lumbre. 61

“Two-Mundos” Diseño de Costa Rica en Nueva York

Diseño de Costa Rica en ReGeneration, Nueva York. Fotografía Nicole Horton.

Quien es diseñador(a) sabe ubicarse entre dos ámbitos (Dos-Mundos) del proyecto creativo: en tanto es artista, precogniza la luminosidad donde estará inmerso el objeto y preverá las miradas que se posen en una silla, una lámpara, una cerámica, un textil; elevará su sentido cargándole de “calidad” afectando también al espacio, envolviéndolo con la poética propia, aquello que buscó en el boceto o modelo, y le impregnará de sus palabras o lenguaje, acentos, consonancias o disonancias; lo que imprime esa carga de emocionalidad que orienta al producto a marcar la diferencia.

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Pero en tanto el diseñador(a) es también conocedor de los materiales y técnicas de elaboración -la componente de ingeniería del proceso-, sabrá madurar sus ideas hasta catapultarlas al plano simbólico, mediado por una escala de valores con que hoy en día se mide la gracia de comunicar, con tal lenguaje, al producto y su función de acrecentar la vida, de hacer memorables los momentos y estancia en esos sitios mediados por los objetos. La colección “Two-Mundos” Luego de definir la anterior premisa del diseño, diría que el espacio “ReGeneration Furniture” de la ciudad de Nueva York, en el cual exhibe el colectivo de artistas-diseñadores costarricenses dirigidos y curados por Gabriela Valenzuela, además de Laura Valenzuela encargada de aportar concepto, dirección artística, creación del branding y ejecución de las diferentes partes del proyecto y ejecución de la muestra (exhibición) en la ciudad de Nueva York”.

Diseño de Costa Rica en ReGeneration, Nueva York. Fotografía Nicole Horton.

Tal y como aprecian en el brochure de la exhibición: “combinan las sensaciones del diseño contemporáneo entre el sofisticado mundo urbano de la vida cotidiana actual, con el mundo sensual del paraíso natural de donde provienen, Costa Rica”. Definen con tan singular tonificador, esa confrontación entre lo urbano y la naturaleza para definir el paisaje, la actuación y entorno donde se valorará el objeto. Crearon esta nueva línea de productos que regenera dicho espacio donde quien lo adquiera, afecte creativamente su propio sitio de convivencia, impregnándole signos de bienestar y estética –noción conceptual y técnica puesta en el proyecto por quien lo creó-, pero expresando además la proveniencia de esos materiales tan cercanos a su práctica creativa, y con ello exportar a los centros hegemónicos su luz, sus texturas, sus sabores, sus timbres, y otros rasgos e identidad de la cultura que les origina. Tal y como apreció Gabriele Belli al referirse al teatro plástico de Gilver Clavel: “se cruzarán entre sí imprevistas conjunciones. Lo lejano parecerá encontrar la cercanía, la unidad del igual estará en armonía con la disonancia del contrario”. (Belli 1988).

Detalles. Fotografía Nicole Horton.

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Diseño de Costa Rica en ReGeneration, Nueva York. Fotografía Nicole Horton.

Diseñadores costarricenses La forjadora del grupo es una reconocida creadora de productos de base artesanal, únicos, o de bajas series de fabricación, que gracias a su fuerte visión del diseño de estos tiempos, carga de dicho sentido de propiedad a sus productos, distinguidos en la faja costera de Guanacaste desde hace dos décadas cuando estableció en Playa Tamarindo su marca “Heartwood”, y conforma el par creativo y crítico con Laura Valenzuela, fundadora de “ten-DN”, una compañía de “bran65

Diseño de Costa Rica en ReGeneration, Nueva York. Fotografía Nicole Horton.

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Diseño de Costa Rica en ReGeneration, Nueva York. Fotografía Nicole Horton.

ding” experimental. De esta manera emprenden el esfuerzo colaborativo de presentar cerámicas, pinturas, esculturas, muebles, lámparas y los textiles de Valenzuela-Hirsch, Oscar Ruiz Schmidt, Muriel Haerens, Bárbara Cuevas Víquez, María José Núñez, Viviana Araya Gamboa, Mariela Salazar Várgas, Bernadette Prada, Dimay Valenzuela y Esteban Cardona de “Artes y Oficios”, además de Andréa Raffo, en un medio de tantas exigencias de lo que posee calidad como es esa ciudad capital de los grandes eventos artísticos y del diseño de la actualidad. Talento de diseñadora Valenzuela-Hirsch, de origen costarricense, pero ciudadana del mundo, “chamana” del universo del objeto, me ancla, ya me referí a ella en una extensa entrevista que publiqué en mi blog de la revista española de arquitectura y diseño Experimenta Magazine en el año 2012. Talento fundamental e idóneo para empujar al grupo hacia esas conquistas donde solo con originalidad y creatividad se abren puertas en las táctica de un mercado tan seductor. Para el éxito de un proyecto expositivo es fundamental la comunicación de las bondades del producto expuesto, la curaduría y museografía, pero también la excelencia en las imágenes, apreciable en las fotografías de Nicole Horton, quien considera los valores de luminosidad de acuerdo a la forma, material y lenguaje del objeto, los capta con riqueza de detalles. Reconozco a algunos de los participantes además de Gabriela Valenzuela-Hirsch, ellos son Oscar Ruiz Schmidt, destacado diseñador de moda en el medio local, he apreciado sus piezas en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de San José; María José Núñez, de origen 68

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Diseño de Costa Rica en ReGeneration, Nueva York. Fotografía Nicole Horton.

salvadoreña, es graduada y profesora de la escuela de Diseño de Productos de la Universidad VÉRITAS y quien crea hermosas superficies en cuero que utiliza como alfombras y cobertores para lámparas. Los tres son asiduos representantes del diseño local en la Bienal Iberoamericana de Diseño de Madrid, por lo que esta nueva inserción en la territorialidad del diseño internacional complace y nos colma de esperanzas en la conquista de nuevos tiempos para el diseño local.

Diseño de Costa Rica en ReGeneration, Nueva York. Fotografía de Nicole Horton.

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Inauguración “TWO-Mundos” en ReGeneration, Nueva York. Fotografías de Nicole Horton.

Diseño de Costa Rica en ReGeneration, Nueva York. Fotografía

Nicole Horton.

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Colofón de cierre Recapitulando diría que cada uno de estos objetos exhibidos se convierte en una marca cuyo signo es portador de la identidad del producto, de su forma y caracteres que impregnó su diseñador en el momento de –tal y como se dijo-, tener entre sus manos esos trozos de madera, bejucos, arcillas, telas, y acariciarlos con su visión de conocedor o “catador de belleza”, es quien termina encontrando dicha noción de belleza donde quiera: En una mancha, un determinado grosor, lisura o rasgadura o incluso hasta accidente del cuerpo físico de la materia, betas u otros jaspes de esas maderas del trópico, fueron motivación para impregnar de memoria al producto, proyectarlo a la sensibilidad del futuro usuario, quien rastrea esa lectura, la razona, la analiza, la verbaliza, la asimila –pues de todo acto de apreciar un producto de diseño habrá aprendizaje-, hasta advertir el impulso que desencadena factores como evocación, sensualidad, vigor o fuerza de aquella cultura que representa y una abundante naturaleza de donde emerge, implícito en el nombre del grupo “Two-Mundos”, título de lo expuesto en el espacio de una nueva “ReGeneration”.

Detalles. Fotografía

Nicole Horton. 73

Illimani de los Andes: Levantar la mano

Illimani de los Andes. La distancia entre dos puntos. Managua. Fotografía de Sergio Bravo.

Dentro de las manifestaciones creativas que marcan un punto de inflexión en el arte contemporáneo, el video y el performance, elevan la intensidad de esos discursos y en especial el arte que clava la mirada en los asuntos políticos, son una herramienta certera y potente para decir verdades o cuestionarlas, para evidenciar realidades o provocar reflexión y toma de conciencia. La artista nicaragüense Illimani de los Ándes trabaja en esta zona del arte, estuvo en el país en una residencia en Casa Caníbal, del Centro Cultural de España en San José, junto con la artista española Nuria Güell quien también centra su quehacer en este carácter de los lenguajes actuales. 74

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Las interrogantes de la artista Uno de sus performances, realizado en la ciudad de Managua, conceptualiza a partir de la herencia de uno de los artistas centroamericanos quien destacó en los años noventas del siglo anterior e inicios del presente, el guatemalteco Aníbal López (A-1 53167), cuyo deceso en 2014 conmocionó al istmo. Se recuerda aquel video de un punto impreso o pintado en una tela colgada a la parte trasera de un autobús, el cual al desplazarse por la ciudad de Guatemala, elevaba la tensión ya desmedida de la urbe actual, provocando comentarios de los habitantes y subvirtiendo el día a día de la ciudad. Para la propuesta de Illimani en memoria de Aníbal, se fundamenta en dos puntos fijos de la ciudad de Managua: uno es la silueta escultórica de 18 metros de altura de Cesar Augusto Sandino, ubicada en la loma de Tiscapa, visible desde varios puntos, y el otro es uno de esos “Arboles de la vida”, también en hierro, que pululan por todo el trazo urbano de la capital nicaragüense, como símbolo del poder político y del actual gobierno sandinista. Desde esta perspectiva, la reflexión del espectador delante de la “conceptualidad” de la propuesta, es atizada por los siguientes cuestionamientos de la artista: “Nos preguntamos ¿Qué tanta distancia histórica hay de un ícono al otro?, ¿Qué tanta distancia se necesita para la incorporación y utilización del ícono como parte de la fe panfletaria en el discurso político?, ¿Qué tanta distancia hay entre la memoria inter-generacional que no comparte ningún registro escrito, o la que hay entre una manipulación histórica?, ¿Qué tanta distancia hay a nivel de ícono entre la silueta de Sandino y la tanqueta fascista de Somoza?, ¿Qué tanta distancia hay entre La silueta de Sandino y los 75

actuales árboles de la vida que invaden Managua?, ¿Qué tan importante es el individuo o la sociedad ante el monumentalismo de estos íconos?, o ¿cuántos quedan opacados por esos iconos? ¿Qué tan dictadora puede ser Illimani de los Andes?, ¿Qué tantos trazos de anonimatos me brinda el punto? , ¿Qué diría Aníbal de esta pieza inspirada en Él cómo punto de partida?” Obsérvese además que la artista se autodenomina “dictadora”, cargando de una connotación candente a su discurso creativo y su posicionamiento social.

Illimani de los Andes. “Mitología en reverso: El Sueño de Quetzalcóatl”. Performance realizado en Malagana Mácula, 2017 en colaboración con Xochitl Guevara y Lila Gómez. Fotografía cortesía de la artista. 76

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El Sueño de Quetzalcóatl Este mismo año 2017 realiza en Malagana Mácula, espacio de arte contemporáneo de la ciudad de Managua, en el marco de la exposición colectiva “Agua que me quemo”, protagonizó el performance “Mitología en reverso: El Sueño de Quetzalcóatl”. Pieza que incrementa la reflexión sobre el trabajo colectivo, la memoria histórica y las ideologías religiosas imperantes.

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En una de las salas de Malagana, ella y su madre asistidas por varias mujeres colaboran conformando una pirámide escalonada –evocando la arquitectura originaria mesoamericana-, pero hecha de pelotas de masa de maíz, alusión a uno de los ingredientes de la nutrición centroamericana, actual y heredada de las culturas del pasado, y que, visto desde esta práctica, focaliza los discursos Postcoloniales de alto voltaje. El punto de mayor tensión se da cuando ella y su asistente, levantan entre sus manos un modelo quizás de arcilla o de yeso de una templo simbólico de la colonización, como fue la religión católica; ellas lo elevan con un certero gesto de desahogo, dejándolo caer con ímpetu sobre la forma piramidal, que al ser de una materia blanda como la masa, colapsa. Todo para hablarnos de imposición religiosa y/o cultural, tensiones que deforman nuestras identidades originarias agredidas por el eterno poder hegemónico que no deja de agredir nuestra memoria cultural.

“Feliz cumpleaños” El año pasado (2016) realizó en Galería Códice de Managua, como parte de la exposición colectiva de los Talleres de Arte contemporáneo (TACON) el performance “Feliz cumpleaños”. Conceptualiza la presencia simbólica de aquellos “llantos y sudores sufridos por el ancestro” –como comenta la artista-, congelados en una escultura con forma de ataúd hecha de flores que ingresan dos muchachas por la sala de Códice, dirigiéndose hacia uno de los pasillos donde yace el cuerpo inerte de la muerte, protagonizado por la misma artista, quien se mantuvo ahí en el piso, con su rostro cubierto con un pañuelo blanco, presa de las miradas y agresiones de los espectadores, quienes denigraban el simbolismo del sexo femenino.

Illimani de los Andes. “Feliz Cumpleaños”. Foto-video de Noel Saavedra, cortesía de la artista.

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Las muchachas actrices de tan dramática acción, sacan de la caja mortuoria aquella corona congelada, y la disponían sobre el cuerpo de la artista, y al pasar del tiempo es que ella advierte sobre su propio cuerpo ese fogonazo frío-calor que quema sus pechos y entrañas. “Lo frío de la muerte es calentada por el cuerpo de Illimani. Ella resucita las lágrimas para que regresen a la tierra y vuelva ese ciclo de la vida. El ciclo del agua. Nosotras hechas agua” –razona la artista. “Forma y Sustancia” En el Festival Internacional de Performance Forma y Sustancia, 2015, en San Salvador, El Salvador, Illimani interviene el muro de una edificación dibujando un caballete que soporta el cuadro, una vez trazado

Illimani de los Andes. “Forma y Sustancia”. Fotografía de Juan Peras cortesía de la ar-

al carboncillo, se sienta en un pretil disponiendo simbólicamente “la paleta” con pigmentos que, en una segunda parte de esa acción aplica a sus cabellos, como si pintase su autorretrato con tan heteróclitos materiales. Luego recorta esos cabellos pintados y los pega al cuadro dibujado en el muro adhiriéndolos con cinta adhesiva. Nos habla de su cuerpo, de su condición de fémina ante las tantas agresiones que vivencia su género en una sociedad machista, que la violenta y de lo cual solo permanecen pegados a un muro los registros de la violencia, los rastros del suplicio infringido en contra de su dignidad humana. La controversia del arte político Me recuerda de alguna manera, sobre todo con la acción en Galería Códice, a aquel video de la guatemalteca Sandra Monterroso de una mujer que muele con sus propios dientes el maíz con el cual preparar las tortillas a su marido. Hay fuego, hay dolor, hay pasión, el discurso quema, y se advierte el signo del no saber ante esos rasgos de nuestras culturas originarias y las realidades sus sociedades que machacan la historia para que emerja la conciencia. Evoco también la fuerza y la pasión imprimida por la también guatemalteca Regina Galindo, cuando va dejando una huella de sangre tras sus pasos por sitios emblemáticos de la ciudad. Rememoro los primeros videos de Priscilla Monge como “Lecciones de Maquillaje”, o cuando salió de compras por el centro de nuestra capital con un pantalón hecho de toallas sanitarias mientras fluía la regla. O aquellos carbones que desperdigó Aníbal López en las vías de la capital guatemalteca, precisamente antes de que saliera el ejercito a marchar, machacando ese tizne humeante y fogozo. Incluso me viene a la memoria las obras de la maestra cuba82

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na Ana Mendieta, y de la misma Tania Brughera al intentar realizar El Susurro de Tatlin # 6 en Plaza de la Revolución de La Habana. La artista comento luego de su detención: “El arte político es incómodo, jurídicamente incómodo, cívicamente incómodo, humanamente incómodo. Nos afecta. El arte político es conocimiento incómodo. He escuchado muchas veces en Cuba que no es el momento adecuado para hacer una crítica o para usar una metáfora o para hacer una obra. Muchas veces, como artista me autocensuré ante esas palabras que mágicamente culpabilizan una duda o una opinión”. (Publicado por Bruguera en el HungtintonPostt, replicado por el blog “Esfera Pública”). Focalizan un discurso apremiante de escuchar, sensible al antropólogo, al sociólogo, al crítico de arte, en tanto nos coloca delante de ese signo que instiga a la discordia de la urbe actual.

Illimani de los Andes. “Forma y Sustancia”. Fotografía cortesía de la artista.

Núria Güell: Visores de la Crisis

En virtud del singular encuadre estilístico y temático abordado por la artista e investigadora española Núria Güell, residente en Barcelona, quien estuvo entre mayo y junio de 2017 en el país, inaugurando el programa de residencias artísticas en Casa Caníbal del Centro Cultural de España en San José, me interesó en particular conocer cómo llegó a focalizar la situación de los refugiados, los migrantes y otros actores sociales, individuos –hombres o mujeres- que en algunos casos caminan sobre el filo de las aristas más sensibles del aparataje legal y político entre las naciones, e incluso, proponer tácticas que subvierten las apariencias con lo que los abogados llaman “subterfugios” y por donde puede que se cuele lo (i)lícito en esos malabares de la economía, el sistema bancario y las finanzas mundiales; o, en otros perfiles, lo que parece blanquear un dinero sucio, pero que ella, asesorada por especialistas del ramo de la legalidad y de la pirámide de la justicia, y ante la persistencia de aquel gran “ojo” vigilante, que no cesa de engatillar sus miradas, y donde ella, la artista, se permite traer luz hacia grandes zonas problemáticas de los sectores poblacionales que habitan constantemente la crisis. 84

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Vista de la exposición: Alegaciones desplazadas, ADN Galeria, Barcelona, España 2013. Foto cortesía de la artista.

¿Quién es Núria Güell y su arte? Investigando en su biografía encontré que Núria Güell es Licenciada en Bellas Artes (2003) por la Universidad de Barcelona, que cursó el último año de sus estudios en el Instituto Superior de Arte (ISA) en La Habana, Cuba; que entre el 2008-09 se integró a los estudios de la Cátedra de “Arte Conducta” del ISA, dirigidos por Tania Bruguera -decana del Arte Político en esta región tan sacudida por constantes conflictos y ráfagas de la crisis. Teniendo claro este referente contextual es que comprendo la naturaleza de sus propuestas: se trata de un arte con fuertes vínculos con las estructuras sociales, con las conductas políticas y el entramado de la economía mundial y de los países donde realiza sus intervenciones -de ahí su constante ir y venir de lo singular a lo global y de lo global a lo particular-, actitud de cuestionar, de intentar desestabilizar los bordes de lo convencional, y lo hace caminando en los pasillos de la cotidianidad, ámbito precisamente donde ella sustenta tan genuina práctica creativa. Investigando en un dossier de “ADNgalería” de Barcelona, me cercioro acerca de lo que me pregunté al inicio de este texto, que ella investiga 85

acerca de las funciones de las instituciones, sus sistemas de operatividad y en lenguaje de control y seguridad, cuestionando los límites de la ética y la legalidad, para alterar sus reglas de juego, creando entre esos intersticios del lenguaje y sus vacíos, para aferrar entre las letras que componen esas palabras y contenidos, marcos de convergencias y/o divergencias, consonancias y/o disonancias, construcción crítica donde en cada propuesta exista un desenlace en pro del bien común. En palabras mas cercanas a nuestro imaginario popular y simbólico me atrevería a llamarla como una “Robin Hood” del arte contemporáneo, por sus intentos de esclarecer los nexos entre el arte y la práctica cotidiana de una tan vulnerable masa humana desfavorecida en las relaciones hegemónicas de siempre y los eternos roles del poder. Algunas de sus propuestas Para resumir el encuadre metodológico de su quehacer como artista contemporánea, se dice que ella controla la capacidad de subvertir el rol de las instituciones sociales, culturales, económicas, del orden político, sirviéndose de los privilegios que le son cercanos en el mundo del arte, de esa manera tan controversial fustiga las economías usureras o corruptas y los tan sonados “paraísos fiscales”. Apreciemos algunos de sus proyectos que calan con mayor profundidad en mi conciencia crítica: ARTE POLÍTICO DEGENERADO (España, 2014-2015) “Es una obra de Núria Güell y Levi Orta en la cual redirigen el presupuesto asignado inicialmente para la producción artística del proyecto, creando con ese dinero que era un bien público una sociedad en un paraíso fiscal. 86

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Se asesoraron con especialistas de la prestigiosa escuela de finanzas ESADE, asesores en los tres últimos casos de desvío de fondos públicos por parte de políticos catalanes. La empresa creada Güell & Orta Contemporary Art S.A., les permitió evadir todos los impuestos correspondientes a las ganancias de la firma, para destinarlos a solucionar necesidades apremiantes de algunos sectores desfavorecidos ante la crisis.

Núria Güell. Arte Político Degenerado 2014-2015. Foto cortesía de la artista.

ARTE POLÍTICO DEGENERADO - Protocolo Ético (España, 2014-2015 ) Esta es la segunda etapa del proyecto. Después de crear la sociedad anónima en un paraíso fiscal, los artistas Núria Güell y Levi Orta donan la gestión de su empresa con todas sus ventajas a un grupo de activistas que están desarrollando un proyecto de sociedad autónoma al margen de las dinámicas capitalistas. Este emprendimiento permite que sus beneficiarios evadan las regulaciones impuestas por los estados, el BCE y el FMI, desafiando el monopolio del sistema financiero y facilitando así una libre operatividad para el desarrollo de una economía autónoma. La siguiente es quizás una de las propuestas con que más me identifico, por su sensible trasfondo que sitúa a enormes masas poblaciona87

les mundiales que sufren de este flagelo, y que al leer las líneas descritas por la artista calan en nuestro pensamiento. NEGRO SOBRE BLANCO (España, 2014 ) Con la complicidad de los migrantes desalojados por las autoridades catalanas de la “Naves de Poblenou”* crearon un marco legal que les permite trabajar y auto-emplearse. El primero de sus clientes es el MACBA, que los ha contratado para que realicen actividades relacionadas con la exposición “La realidad invocable”. El consejo rector de la cooperativa conformada por migrantes procedentes de territorios en los que sus habitantes fueron esclavizados por los negreros catalanes y españoles. La artista explica que “España, igual que la mayoría de miembros de la Unión Europa en los últimos años, endurecen su política de inmi-

Núria Güell. Negro sobre Blanco. 2014. Foto cortesía de la artista.

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gración ilegalizando a miles de personas y creando, en consecuencia, cuerpos productivos sin ningún tipo de derecho expuestos a la explotación extrema. A través de la ley de extranjería se están aplicando sistemas institucionales de discriminación, exclusión, marginación y privación de libertad según criterios raciales, diferenciando de esta manera a los ciudadanos con derechos de los no-ciudadanos, siendo esta distinción parecida a la que aplicaron los españoles entre el siglo XVI y el XIX a los esclavos con los que traficaban. Igual que durante el proceso de colonización, el racismo sigue siendo la lógica principal de la diferenciación en los espacios sociales y de la economía política del capitalismo global”. Acota además que “más allá de usar el marco legal de la cooperativa como instrumento de generación de empleo democrático y horizon-

Núria Güell. Resurrección 2013. Acción y display expositivo. Foto cortesía de la artista.

Núria Güell. Intervención2012. Instalación en ADN Galería: Cotrato del albañil. – Creación de la cooperativa que lo contrato – puerta – video del albañil forzando el cerrojo. Foto cortesía de la artista.

tal, donde los propios socios son los dueños, interesa su potencial como herramienta correcta que permite legalizar a los que la ley ilegaliza”. Respecto a Naves de Poblenou, la artista comenta: en una madrugada de las vacaciones estivales del 2013 la Generalitat de Catalunya desplegó un macrodispositivo policial de 385 agentes para desalojar a l as 300 personas migrantes sin casa que vivían y trabajan recolectando chatarra en las naves de Poblenou, propiedad de la familia multimillonaria Iglesias Baciana que, paradójicamente, son los patrones de una fundación de ayuda a los pobres de los países africanos. Los ex-residentes de las naves antes del desalojo pactaron con el ayuntamiento una serie de acuerdos que ha día de hoy no se han cumplido. A manera de conclusión al acercamiento a la obra y activismo político social de Núria Güell, comento que es un aporte al programa de 90

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residencias donde la artista realizó talleres, encuentros de discusión y confrontaciones para evidenciar las incidencias y acercamientos teóricos y analíticos del Arte Político; participaron artistas, activista culturales y sociales, así como personas del sector de audiovisuales y el video, como es el caso de la también artista política nicaragüense Illimani de los Andes, de quien presentamos un comentario sobre sus notables propuestas. Cabe señalar el valor de estas manifestaciones acerca de un arte que cuestiona, que se sume en las estructuras sociales y económica para subvertir esas prácticas y que el público tenga noción de la actuación del pensamiento crítico del arte como motor de la conciencia, y que puede resolver conflictos reales, que de alguna manera emergen airosos del trance simbólico de manifestarse creativamente en tiempos de marcadas incertidumbres y pugnas por entronizar el poder.

Núria Güell. Intervención 2013. Realizado el agujero en el muro trasero (foto Ela Bialkowska) cortesía de la artista.

Premiación

Rolando Castellón recibe el galardón que premia su labor y una de sus muestras en 2016.

Ministerio de Cultura entregó el pasado 20 de mayo de 2017, los Premios Nacionales de Cultura correspondientes al año 2016. Nuestro editor Jefe Rolando Castellón Alegría recibió de manos de la señora Sofía Soto-Maffioli, Directora del Museo de Arte Costarricense el galardón: Premio Nacional de Artes Visuales Francisco Amighetti, en la rama de medios múltiples. Externamos nuestra felicitación al maestro Castellón por la distinción tan merecida y que premia su enorme labor creativa y de investigación y en particular la muestra retrospectiva de 2016 en el Museo Nacional de Costa Rica. 92

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cartelera

Cultural eventos

MĂ CULA Malagana / Managua:

L´FATAL la Fatalísima No. 10

Actividad Cultural en Costa Rica

. 9/11 - 11/9 . Mil y un hombres. Tres Fotógrafos. Timms. Albán, Sala 1 del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC). del 10 de mayo al 22 de julio 2017.

Tischler Salas 2, 3 y 4 del Museo de Arte y Diseño Contem-

poráneo (MADC). del 18 de mayo al 22 de julio 2017.

. Salón Nacional de Artes Visuales. Museo de Arte Costarricense, . Vida y muerte en el valle del Jícaro, Bahía Culebra. . SALON CHILE 2017 hasta Junio 2017.

Museo del Jade. Julio de 2017. La recepción y entrega de obras será en la Galería Nacional, los días 26 y 27 de junio de 9 de la mañana a 4 de la tarde.