L´fatal 3 by L´FATAL

,L FATAL 3 Revista de Arte Contemporáneo

Año 0 No.3 Julio -Agosto Setiembre 2015 ISSN: 2215 440X

“ Vo ce s I n d í g e n a s” Pa b e l l ó n I I L A 5 6 B i e n a l d e Ve n e c i a

Año 0, No.3 / Julio-Setiembre -Octubre 2015

Christopher Cozier: ENREDOS, Teorética, 15 de julio al 26 de setiembre 2015.

Karla Solano: RITUAL, Klaus Steinmetz Contemporary, Mayo 2015.

Bienal de Venecia, VOCES INDIGENAS, Pabellón IILA, 2015. 2

Índice: Los Editores Pág. 6 Venecia: Voces Indígenas Pág. 12 Pamela Hernández: ¿Según Qué? Pág. 24 Karla Solano: Rituales Pág 28 Roberto Guerrero: Vergüenza Ajena Pág. 40 Christopher Cozier: ENREDOS Pág. 50 Equilátero: Reglas del Juego Pág. 58 Luis Chaves: Habacuc, escritor Pág. 66 MAYINCA: Tiestos de una Cultura Pág. 70

Consejo Editor Quirval Otello Mundo Chev贸n Comentarios en esta edici贸n por LFQ y Luis Chaves. Fotos de Bienal de Venezia Suzanne Hanson, cortes铆a de Anne Siberell. Los textos de LFQ fueron publicados en su blog Arbol de Miradas y Experimenta Magazine, 2015.

Los contenidos de los art铆culos no reflejan el criterio de los editores. NO Copyright CREATIVE COMMON

Dedicamos esta edici贸n a la artista y poeta

Sila Chanto 1969-2015

Sila Chanto. Aromas de caf茅. Impresi贸n digital 100 cms x 100 cms. 2015. 5

Los Editores:

Luego de abrir un intersticio de revisión a la historia del arte reciente de Costa Rica -tratado en la primera y segunda edición-, eventos que antecedieron al conceptualismo dentro de las más recientes manifestaciones del arte contemporáneo; para esta tercera entrega de L´FATAL, nos interesó observar y acotar el panorama del día a día, lo que nos enriquece y puebla la memoria por los aportes y producción de nuestros artistas, los museos y galerías. De importante actualidad fue la reciente 56 Bienal de Venecia, en especial el pabellón del IILA, en el cual Alfons Hug y 21 artistas del continente expusieron “Voces Indígenas”, importante aproximación a las lenguas de los pobladores originarios de América. Priscilla Monge fue la representante nacional quien realizó una importante investigación sobre la etnia Maleku, sus tradiciones y lenguaje, para encadenarse a otros registros sonoros propios de los pobladores indígenas que se escucharon allá en el islote del Arsenal. 6

Pamela Hernández, ¿Según qué?. Sala 1.1 del MADC. Abril 2015.

La artista Pamela Hernández en la Sala 1.1 del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo expuso ¿Según qué?, curada por María José Chavarría, del 30 de Abril al 5 de junio 2015. Se trata de una poética realización en la cual propone dos espacios; el del pavimento y acceso a la sala, y la instalación del muro donde compone diversidad de materiales, objetos y reminiscencias de la memoria donde lo pueril y/o simple se hace enorme al activar la obra de arte. En mayo de este mismo año Karla Solano nos sorprendió con su muestra en Klaus Steinmetz Contemporary, propuesta titulada “RITUAL”, con fotografías, video y performance, con lo cual se apropia de la pintura “Ofelia” (1852) del inglés John Everett Millais -18291896-, una trama sobre el renacer a la luz, al calor de la vida nutrida por una profusa e intensa naturaleza. Roberto Guerrero expuso en Sala 1 del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo entre julio y setiembre 2015 la propuesta “Vergüenza Ajena”, curada por María José Chavarría. Con fotografías, videos e instalaciones provocó la reflexión al abordar una estética punzante para sentir o disentir acerca de las situaciones de las minorías; en este caso propias de lo gay, tratado con un tono jocoso pero incisivo dentro de un amplio poliedro de discursos, uso de materiales, caracteres y vivencias. La Galería Equilátero, Escazú, abrió en julio anterior la muestra “Reglas del Juego”, un acercamiento al arte contemporáneo nicaragüense del grupo de artistas formado por Patricia Belli, Alejandro de la Guerra, Darling López y Fredman Barahona, coauspiciada por 8

Karla Solano. RITUAL.Galería Klaus Steinmetz, 2015. Foto cortesía de la artista

Roberto Guerrero. La Negociación (Estos chanchos también comen guineo) 2015

Adrede/Espira, y curada por la cubana Tamara Díaz Bringas. La propuesta incide en una faceta lúdica sin abandonar la poética pero de afilada crítica social y política. TEORéTica arte + pensamiento presentó ENREDOS del caribeño Christopher Cozier, muestra curada por Miguel A. López, del 15 de julio al 26 de setiembre 2015. Se trata de una propuesta que discurre sobre los grandes asuntos centrales a la actualidad los cuales disertan sobre la política, la economía, y en este caso juega con los malabares financieros que se (des)estabilizan día a día producto del precio del petróleo y los hidrocarburos. En la sección literaria Luis Chaves escribe sobre el libro “Hijas de Familia”, del artista costarricense HABACUC, reciente publicación de la Editorial GERMINAL.

“Abrir espacios de reflexión, literatura, crítica de arte, y generar teoría acerca de las manifestaciones del arte contemporáneo en el medio local, regional e internacional”. …Todo está fatal.

Venecia: Voces Indígenas

56 Bienal de Venecia. Pabellón del IILA, “Voces Indígenas” 2015.

Para la edición 56 de la Bienal de Venecia 2015, Alfons Hug curador del Pabellón del Instituto Ítalo-Latinoamericano (IILA), convocó a 21 artistas de la región a elaborar una propuesta de instalación sonora colectiva titulada “Voces Indígenas”. Priscilla Monge fue la artista costarricense seleccionada, quien desarrolló una investigación en la norteña comunidad Maleku en Guatuso, quienes pueblan las inmediaciones del Refugio Silvestre Caño Negro, provincia de Alajuela, Costa Rica, para conocer sus costumbres y tradiciones ancestrales, pero en especial el lenguaje. Trascendencia del evento Activado por la gran expansión de las redes e internet, el impactante instrumental que la tecnología pone a disposición de los medios de comunicación, la televisión, el video, el uso de la telefonía celular, entre otros, corre el peligro de que las lenguas originarias de nuestros grupos étnicos autóctonos del continente se pierdan, 12

de manera que la intención del curador Alfons Hug, de la recién pasada edición 56 de la Bienal de Venecia, fue rescatar esa vivencialidad cultural transmitida por tales voces, que al ser encadenadas en esa instalación sonora en los diversos registros, generaron intensas texturas vocales como si se tratara de una verdadera plegaria por su existencia. Las culturas indígenas arraigadas a estas tierras poseen una sagrada comunión entre el ser humano y su entorno: la tierra, el aire, el fuego, la luz, las aguas de los ríos, los volcanes, el viento, el bosque, los árboles, flora y fauna son, como expresa el curador -“una caja de resonancia que nos habla de los derechos de la naturaleza, de los lazos que nos unen a la tierra madre, de la armonía entre los pueblos.” Estas lenguas aborígenes actuales de los pueblos indígenas no son “lenguas muertas” cuyos estertores son estudiados por la antropología social, al contrario, hoy adquieren gran fortaleza delante de la “Babel globalizada” que detona el orbe. 13

Quién es el curador Alfons Hug es un reconocido lingüista, investigador y crítico de arte contemporáneo de nacionalidad alemana, vive y trabaja en América Latina; actualmente dirige el Instituto Goethe de Sao Paulo, Brasil. Inició sus experiencias curatoriales en Casa de las Culturas del Mundo en Berlín 1994-1998. Curador Jefe de la Bie14

56 Bienal de Venecia.Pabellón del IILA, “Voces Indígenas” 2015.

nal de São Paulo 2002-2004; curador del Pabellón de Brasil en la Bienal de Venecia en 2003 y 2005; curador de la Bienal del Fin del Mundo en Ushuaia, Argentina en 2009, y curador de los Pabellones de América Latina del IILA desde la edición 54a de 2011 en Venecia. 15

Trascendencia de su acercamiento al arte regional Su aproximación a lo regional y en especial a América del Sur, adquiere crucial relevancia en tanto coincide con la potencial germinación de la cultura originaria, cuyos brotes abrieron el terreno del arte después de los acontecimientos de 2012, fin del último ciclo en el calendario Maya e iniciando un nuevo “Baktun” que aprecia una nueva luz para nuestras culturas. Tratando de comprender el fenómeno de la temporalidad maya, cabe explicar que el calendario gregoriano reúne cada cinco años en lustros, diez en décadas, cien en siglos y milenios; en la noción maya dichas series eran de veinte años, sistema vigesimal llamado katún que forman el baktún de aproximadamente 400 años. Y digo “germinación” en tanto se dan aperturas históricas en las cuales dicho arte originario adquiere relevancia en el panorama cultural nacional e internacional. . Punto de inflexión en Venecia Resulta destacable que esta bienal, quizás la más antigua en el mundo del arte, centrada en la imagen, con este evento de “Voces Indígenas” experimenta una transformación donde la visualidad está constituida solo por aparatos de reproducción de sonido, cables de conexiones y servidores de donde emergen reverberaciones de voces provenientes de todas las latitudes y longitudes del continente latinoamericano, “presenciables” en tanto la virtud 16

de la percepción humana con sus distintos canales perceptivos, cuando lo escuchado también estimula la mirada, lo saboreado, lo tocable, lo sentible entrelazando la diversidad de matices multisensoriales. Centroamérica en la 56 Bienal de Venecia Entre otros, el curador invitó a un selecto grupo de artistas centroamericanos formado por la guatemalteca Sandra Monterroso, quien presentó la lengua cachikel de la cultura Maya. De El Salvador Mauricio Kabistán presentó la lengua Nahuat. Leonardo González de Honduras llevó la lengua Tol. Raúl Quintanilla de Nicaragua expuso sus registros de la lengua Misquito. Además participaron Humberto Vélez de Panamá acerca de los Cuna, y Priscilla Monge con su investigación sobre los Maleku. Priscila Monge es una artista madura y de gran experiencia en participar no solo en Venecia -lo hace desde 2001-, sino de otras bienales del mundo. Esa fortaleza y bagaje le permitió comprender a profundidad las intenciones del curador en favor de nuestras lenguas aborígenes, y del interés global que, como se dijo, vivencia el valor de las culturas ancestrales para con el arte contemporáneo. Nos interesa saber de Priscilla Monge para este artículo ¿cómo fue el proceso de investigación y de recolección de esos registros sonoros del pueblo maleku?, ¿en qué consistió su aproximación 17

Voces Indígenas” 2015.

a la zona de Caño Negro, en el confín con Nicaragua? ¿Cómo catapultó todos esos registros sonoros a la tecnología para que alcanzaran notoriedad en el Pabellón del islote veneciano de Arsenal? ¿Qué representó para ella, como artista costarricense, la invitación de Alfons Hug para ser parte de su propuesta, sobre la cuál él viene investigando a lo largo y ancho del continente?, y ¿cuáles son las repercusiones para nuestro arte local esa inserción suya en los territorios de la lingüística, que tanto interesa a la investigación antropológica y sociológica dentro de la vitrina global que es la Bienal de Venecia 2015? A la pregunta que infiere cómo fue el proceso, y por qué ella definió a los malekus para centralizar su estudio, Priscilla defiende a esta etnia por la fortaleza de rasgos culturales, el arraigo al entorno y porque demostraron mayor oposición a la colonización española. Contactó a líderes de la comunidad del “Palenque Margarita” -uno de los tres palenques que la conforman-, con quienes tuvo sus entrevistas. Las creencias religiosas –expresa Priscilla-, de este grupo, tienen que ver con el agua, en tanto su dios la habita; esto evoca, quizás, el primer capítulo del libro bíblico del Génesis cuando dice que “al principio, todo estaba cubierto por densas nieblas, pero el espíritu de Dios se movía sobre las aguas”. Percibió, además, un conflicto con el Estado al declarar esas tierras maleku como área silvestre protegida, impidiéndoles habitar lo propio. 19

Acerca de su experiencia e investigación de campo en Caño Negro, dice que se enfrentó a algo nuevo, tenía que ver con estética y cultura, pero también con la ciencia: debió hacer registros de los cantos, relatos e historias aborígenes del lugar. Advertía la preocupación de que el pabellón del IILA en el Arsenal, es un espacio un tanto invisible, y una propuesta como esa centrada en el sonido, lo haría aún más invisible; además de que sus estudios significaron una gran responsabilidad histórica y cultural para preservar la etnia. Aprovechó la celebración de la “Fiesta de las Tortugas” para conocer mejor aquellas costumbres y tradiciones, y adentrar en el conocimiento de su cosmogonía, de la idea de lo sagrado y que por ello habitan los bordes de ese Refugio Silvestre, aunque como se dijo, el Estado les quitó el acceso a sus propias tierras. Ante la pregunta de cómo resolvió los asuntos técnicos y tecnológicos de los registros sonoros, dice que ella grabó todo con el celular, posteriormente lo encargó a un estudio de sonido con la indicación de mantener la voz de la maestra de la escuela, los cantos de los niños, pero también los sonidos del ambiente, el viento, los ruidos de la naturaleza, todo sintetizado en tres minutos. Las resonancias por la representación nacional de Venecia, para esta edición, fue bastante convulsa acá en el país, delante el asunto 20

del pabellón de Costa Rica auspiciado por la Embajada de Costa Rica en Roma, que ya había anunciado a los artistas seleccionados y de repente se canceló. Algunos grupos de la cultura local disentían que Priscilla Monge fuera de nuevo la representante nacional. Ante estos cuestionamientos, Priscilla Monge declara: Yo trabajé con el tema de las voces y las lenguas en una instalación que hice en Venecia 2011???, con un cubo de tres por tres metros donde se escuchaba de fondo una grabación de una oración cristiana en lenguas, por parte de un grupo mujeres del país. En la Bienal de Pontevedra –curada por Santiago Olmo y Tamara Díaz, mi obra consistió en alzar un muro -de tres metros de alto, por seis de largo y un metro de ancho-, hecho con gaviones con piedra bola, dentro del cual sonorizaba una grabación que repetían insistentemente otra sentencia bíblica: “Si nadie habla… las piedras hablarán”. Esa instalación fue pensada originalmente para “Fronteras”, propuesta curada por Gerardo Mosquera, pero que no se realizó; en Pontevedra fue vista por Alfons Hug, y esa es la razón para que me incluyera en su proyecto del Pabellón IILA 2015. Para concluir con este asunto, pregunté a Priscilla Monge ¿sí cambia en algo su modo de expresión anterior respecto a esta experiencia? A cual responde: Quizás no con voces, pero sí comencé a trabajar con barro y eso marca un cambio.

La artista agrega que la experiencia tenida con Voces Indígenas le fue tan extraña como lejana, en tanto ella sería una intermediaria entre las intenciones del curador -fundamentadas en la visión del Papagayo de Humboldt-, con la contemplación de nuestra naturaleza, cultura y arte aunadas a la ciencia y la historia. Sentí una enorme responsabilidad –comenta-, al saber que esas voces indígenas, como muchos aspectos de nuestras culturas, se están extinguiendo, y a mi me tocaba la responsabilidad de hacer algo para mantenerlas vivas. Priscilla cree que el estar esta propuesta exhibida en la Bienal de Venecia, dada la trascendencia del tema, y que va a ser visto por miles de miles de personas de todo el mundo, ofrecerá amplia visibilidad para nuestras culturas indígenas, para nuestra naturaleza y por ende al arte.

La artista Priscilla Monge y el curador Rolando Castellón, entrevista para L´FATAL No.3 22

El trasfondo político y social de estas actitudes de transformación que vive la América Central y el continente son de suma actualidad, cuando en Oriente caen los mercados financieros, el precio del barril del “oro negro” se hunde presagiando un futuro incierto para los malabares bursátiles en Wall Street y otros centros financieros del mundo, además de las tensiones migratorias y limítrofes que acrecientan; pero permanece una luz, una esperanza y a esta alternativa la atiza el arte y nuestra capacidad de volver a ver hacia nuestros orígenes, rescatar la fortaleza de las raíces: nuestros cantos, oraciones y verbalizaciones sagradas aunadas a el poder del tesoro de lo propio y de nuestra gran naturaleza.

Pamela Hernández: ¿Según qué?

La Sala 1.1 del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo ofrece la muestra de Pamela Hernández, curada por María José Chavarría, expuesta del 30 de Abril al 5 de junio 2015. El museo reta a la interpretación al barajar la propuesta de la artista con la pregunta con que ella la titula: ¿Según qué?, y en tanto cada material, cada manejo del espacio -el horizontal del pavimento y el vertical de la pared-, el o los conceptos activados por la memoria que puede arrastrar un objeto hasta el instante preciso de instalarlo en el muro de la sala, -o sea que precedido al acto de colectar el objeto, este puede ser pueril y sin valor alguno, pero dentro de lo instalado se comporta como arte-, desafía nuestra sensibilidad expectante, la de un observador premiado en el instante que cuaje la respuesta ante dicho inminente desafío. 24

Sala 1.1 del MADC con la muestra ¿Según qué? de Pamela Hernández

Quien siempre encuentra Diría que Pamela Hernández en tanto es “colectora de sustancias de arte”, quien al tener entre sus manos un papel, una botella, la tapa de un frasco, una escuadrita de carpintero, se deleita como si encontrara en estos objetos-sujetos la más preciosa joya, –según Yourcenar en boca de Adriano (Emperador Romano) -“es quien termina encontrándola donde quiera”: en la página de un diario sucio y roto enmarcado por el simple afán de evocar, en una llave que ya no tiene puerta que abrir, en la factura de una compra ignorada al interno de los numerales que fluyen en esos fastidiosos 25

mecanismos del poder, los cuales maneja el mercado actual, o en un tiquete que marca la situación de esta vida de grandes incertidumbres, ella –Pamela-, lo valora e instala al muro del museo. Las dos miradas Coexisten dos componentes en esta propuesta, tal vez disímiles como la vida misma: una es la instalación en la pared a la que me refiero en párrafos anteriores (esa es la primera mirada), la otra es la instalación del pavimento dispuesta en la sala, con una especie de baldosas que poseen un calado por el cual crece el césped, para lograr una espacialidad que sostiene un minimalismo perseguido como idea central, mirada áspera que nos sume en la soledad y desapego existente en esta sociedad contemporánea.

Sala 1.1 del MADC con la muestra ¿Según qué? de Pamela Hernández

O sea, si se aprecia desde el acceso a la sala, la visión del espectador se clava en la instalación de la pared de fondo, pero al dar vuelta y emprender la salida ésta se clava en el vacío de la calzada. Desde mi percepción de comentarista, me quedo con el retorno, con el vacío, con el concreto frío y desesperanzador pero donde también remedia la esperanza del césped que crece. Artista trasgresora Uno como visitante al museo es instigado por esa interrogante, es punzado en nuestra sensibilidad al reconocer en esos objetos una memoria que podría ser tan fuerte en la colectividad como activa en cada quien, y de inmediato son relacionadas con otras experiencias y aproximaciones al arte actual, para provocar nuestras certezas o incertezas. El o la artista se comporta como la instancia de trasgresión –entendido tal y como lo aprecian Briggs y Peat en Las Siete Leyes del Caos: “…se le identifica también como el portador de la cultura…, …el superviviente astuto, el travieso que desafía la convención, subvierte el sistema, rompe la estructura de poder y alumbra nuevas ideas”. Ese es el juego de preguntas y respuestas que nos requieren sagacidad de intérpretes, observadores, buscadores, colectores, pero al remediar en nuestro entendimiento alguna hipótesis, ella, Pamela, vuelve a cuestionar: ¿según qué?

Karla Solano: Rituales La artista Karla Solano exhibe durante mayo 2015 en Klaus Steinmetz Contemporary, una reciente producción del video “Ritual”, un performance, instalación y fotografías entorno a la idea de renacer.

En el dramático video el cuerpo desnudo de la artista yace en el frío ambiente de una morgue, sobre la camilla de concreto gris mortuorio despojada de todo orgullo humano, vacía de gestos y apariencias. De pronto de los laterales de la escena emergen dos jóvenes –sus hijas-, quienes la visten, la peinan, la maquillan y la preparan para entrar en la instancia oscura y tremenda de la última morada. En la apertura de la muestra en Klaus Steinmetz Contemporary Karla realiza una acción donde entre telas blancas colgantes y la apropiación conceptual de la pintura “Ofelia” (1852), del inglés John Everett Millais -1829-1896-, Karla trama resurgir a la luz, al calor de la vida nutrida por una profusa e intensa naturaleza.

Karla Solano. Ritual, 2015. Fotografías cortesía de la artista.

Al tratar de indagar una respuesta al desafío de la interpretación, la propuesta me intimida a rastrear datos visuales y contenidos que me conecten a la situación presente y sujeto de estudio. De inmediato se advierten claras recurrencias de simbolismos en la obra de Karla Solano: volver al útero o la gran caverna del mundo donde seremos renovados y de donde emergemos ataviados de pureza y un inmaculado blancor. Lo experimentó en la pieza que mostró “Cuerpo Geométrico”, en Teruel Punto Photo, España, donde edificó el espacio de un gran cubo el cual estuvo recubierto por una enorme fotografía de su cuerpo, y a cuyo interior se podía ingresar a través de una abertura en el la zona del vientre. Para esta nueva propuesta, el sentido de esos simbolismos suman al

agua, al estanque de los nenúfares, y otras texturas ataviadas de referencias orgánicas propias del entorno de un jardín –como la idea de Millais-, donde sumirse de nuevo en la fuente de nuestra gran madre, en cuyo útero (la caverna) se nos prepara para el parto, para gestar un renacer. ¿Por qué Ritual? El Ritual -comenta la artista-, surge de la necesidad de contar una historia vivida. En un texto de su autoría, ella se refiere a momentos de su existencia en las cuales probó vivencias cercanas de la muerte: Cuando tenía seis años llamaron a la puerta para avisar que mi mejor amiga había muerto… esa fue mi primer pérdida. Dos años después murió mi mascota, para la cual hice un entierro en el jardín de la casa y ocho días más tarde, por curiosidad, la desenterré para tratar de descubrir que sucedía después de la muerte. Durante este evento realicé mis primeras fotografías y así comprendí que las cosas no acaban, se transforman. A este punto me interesa preguntar qué es lo que se propone conseguir o afectar al espectador, para que advierta las claves de sentido de su propuesta, para transmitirle un sentimiento al espectador, cualquiera que este sea. ¿Te interesa ese carácter de activadores emocionales para incentivar la memoria: una memoria del cuerpo, de la naturaleza, de la cultura humana, de nuestra compren30

sión de la muerte y como tú dices: transformarse? Definitivamente, el cuerpo, la memoria, lo físico y lo real son temas recurrentes en mi trabajo. Cuando tenía trece años falleció mi padre, sin duda ese fue el detonante para que años después la muerte fuera tema en mi obra artística. Lo físico y lo espiritual, lo real y lo aparente, los cambios internos y externos y el paso del tiempo se convirtieron en mi mayor cuestionamiento como una metáfora de vida en imágenes. Hace un año experimenté el ritual de la muerte vistiendo y maquillando a mi abuela fallecida, experiencia que compartí con mi madre y mi tía. Su cuerpo en la morgue; frío, desnudo, con costuras, su piel sin color y su cabello despeinado. Toda la vanidad que pudo tener se terminó en un segundo. ¿Con qué sentimientos describirías lo percibido? Experimenté allí el amor más puro, la feminidad, lo sublime y espiritual. Ese momento me hizo reflexionar sobre lo que significaba presentar a mi abuela ante la sociedad; tenía que verse linda y con dignidad aún en el ultimo momento de su vida. ¿Cuál es el sentido del simbolismo de renacer? Muchas personas están vivas pero no se dan cuenta de esto… no valoran el hecho de respirar cada día. En la actualidad sólo nos preocupamos por la apariencia física, el estatus económico e intelectual y la lucha constante por no envejecer.

Después de cuarenta y cuatro años de transitar la vida estas cosas son cada vez menos importantes para mi y continúo intentando recuperar la pureza que tenía cuando era niña. ¿Por qué el agua, el estanque, los nenúfares? Porque estoy hablando de la vida, no de la muerte y estos elementos nos purifican y nos recuerdan la vida. ¿Será reinventarse a partir del acto de experimentar tan profundas oscuridades del hoy en día, delante de un mundo cargado de la enorme crisis contemporánea: la violencia en la sociedad, la corrupción en la política y el Estado, la necesidad de renacer a nuevos valores para enfrentar de mejor manera el futuro? Todo esto, lo bueno y lo malo es la vida, lo importante es la forma en que asumimos estas condiciones, para mí lo ideal sería renaciendo cada día con una nueva piel. ¿De donde proviene esa idea de sumirse en la cripta para reordenar nuevas formas de vida, ayudados por ángeles o hadas (sus hijas en el caso del video), quienes palian los males del pasado y nos reorientan al emprender la ruta de retorno? Retornar al romanticismo y la tragedia en este momento de mi vida y de mi obra es mi mayor interés, mi intensión únicamente es aprender de lo vivido y compartirlo.

Karla Solano. Ritual, 2015. Fotografías cortesía de la artista.

Karla Solano. Ritual, 2015. Video. FotografĂas cortesĂa de la artista. 34

Karla Solano. Ritual, 2015. Video. FotografĂas cortesĂa de la artista. 35

Karla Solano. Ritual, 2015. Video. FotografĂas cortesĂa de la artista.

Para concluir con este acercamiento a la presencia de Karla Solano en los ámbitos de la cultura costarricense, y como dije, dando una ojeada a sus maneras de decirnos, de expresarnos y marcar sus puntos de inflexión, ¿en qué te ayuda el arte a catapultar dicho concepto? Por medio del arte he experimentado una serie de rituales que han transmutado mi vibración, como un fénix reviviendo de las cenizas e intentando ser consciente de que la respuesta está dentro de cada uno. Y, ya que Karla Solano habla de “romanticismo” y de “tragedia”, quisiera acotar aportando un pensamiento del filósofo español Eugenio Trías, en “El artista y la ciudad” 1976, quien observa la experiencia poética del romanticismo, cuando se habla de la belleza como una instancia terrible, y citando a Rilke, Trías agrega: “en ese grado de lo terrible que los humanos podemos soportar”. Además, cita a Thomas Mann cuando expresa: “Quien contempla la belleza con los ojos Se ha conciliado con la muerte”.

Karla Solano. Ritual, 2015. FotografĂas cortesĂa de la artista. 39

Roberto Guerrero: “Vergüenza Ajena”

El Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, presenta entre julio y setiembre de 2015, en la Sala 1 y curada por María José Chavarría, la muestra de videos, fotografías e instalaciones de Roberto Guerrero (enlace), quién, en “honor a su apellido”, se comporta como un “guerrero” de “armas tomar”, pero revestido de coloridas escarchas, lentejuelas y asumiendo el discurso gay. Me acerco a Guerrero para indagar cuestiones centrales de su forma de arte; entre otras, preguntarle ¿Por qué “Vergüenza ajena”? y, ¿por quién o por qué sentirla? El afectado es el espectador ante la confrontación de verdades que siempre le son incómodas , o son incómodas a la sociedad. El tema viene de la teoría “queer” y/o estudios gay-lésbicos, de la vergüenza gay. Incorpora un análisis de ideas que provienen de la sociología, la filosofía, las teorías de género. 40

Roberto Guerrero, Verguenza Ajena, 2015. Sala 1 del MADC. En la parte superior de la imagen se aprecia la instalación “Ecce Homo”, 2015, y al lado “La ofensiva”, 2015. Fotografías cortesía del artista.

El tema de la identidad gay, ya estaba planteada en las portadas de revistas, pero lo tocaba de manera muy intuitiva, hasta que encontré este espacio de pensamiento que replantea el significado de autoafirmarse, influenciado por Michel Foucault y Judith Butler quienes estudian la idea de un espacio normativo para la convivencia en sociedad, como integrante de una cultura en la cual uno como individuo debe acatar reglas. 41

A veces nos sentimos afuera; algunos teóricos conceptualizan una manera de generar control al afuera de la norma, a partir de una vergüenza, por ejemplo, que te mantiene inmerso o al margen. Dicho espacio de pensamiento permite repensar para afirmar nuestra propia identidad. La vergüenza en ese sentido es una imposición del poder, es ajena. ¿Qué buscas con tu forma arte? ¿A qué se debe ese deseo de “punzarnos” con tus propuestas? ¿Es el observador o visitante al museo quien debe sentirla al anclar en cada una de tus propuestas? A partir del arte. uno puede reivindicarse, tiene que ver con el exorcizar los fantasmas de la violencia. Como cuando uno mismo se castiga o la sociedad lo castiga enterrándole cuchillos en la espalda. De la reivindicación surge la respuesta a la pregunta ¿Por qué sos tan loca?; ya que tiene que ver con la segunda parte de la exposición: con salir a la luz y con intentar subvertir a esas estructuras generadoras de la norma, mediante obras que evidencian la parodia y la ironía, y que por tanto, se anclan mejor en la conciencia del espectador. Hablemos un poco acerca del proceso. ¿Cómo construyes esos imaginarios y simbolismos? Yo pienso que al proceso creativo lo define lo asociativo, uno puede tener una idea que va cruzando o interrelacionando con otros pensamientos y referencias para construir nuevos sentidos. Sin embargo esa idea siempre necesita de un detonador, de un escaparate 42

Roberto Guerrero, “¿Por qué sos tan loca?” 2011, y, “Porque me da la gana”, 2011. Fotografías cortesía del artista.

que la catapulte y la engatille. Por ejemplo, la obra “Ecce Homo” (el mural Pop-Up de pared), surgió a partir una pieza de Alberto Durero: “El éxtasis de María Magdalena”. Ese personaje bíblico (reconocido como una cortesana pecadora), como referente, me permitió rodear la imagen central de ángeles y estrellas, como las imágenes provenientes del mundo del espectáculo cargado de brillos y signos de culto.

Más allá de esto, el juego de lenguaje de Ecce Homo plantea que un significado que remite a ser castigado y sufrido, se presenta como una figura que mas bien podría venir a juzgar. Con esa obra, inicio lo que llamo “Arqueo-loca-logía”, una manera de criticar al poder y explicar, a la vez, referentes en los que veo las construcciones de mi propia subjetividad. Dado que tiene que ver conmigo, en la obra incluyo la imagen de mi niñez y otros simbolismos que no me abandonan desde mis inicios, como los soldaditos. Me pareció sugestiva tu pieza de los almohadones que se salen del closet. Sin embargo, pienso que el vehículo de comunicación, (las almohadas) e imprimir las frases sobre esos objetos no es tan efectiva, pues a como quedaron en la instalación se superponen unos a otros y los mensajes, que son los que nos seducen y hasta intimidan, se esconden. ¿De dónde provienen tales mensajes? ¿cómo hiciste esa recolección o compilación? ¿Cómo explicas quién es el sujeto central de la propuesta? Mi idea inicial siempre ha sido que los espectadores puedan interactuar con las almohadas, que las tomen, las lean y las reposicionen. Quizás por la premura de tener lista la muestra un día antes de la inauguración (para el ART City Tour -al cual llegaron unas tres mil personas-), no se logró lo que yo buscaba (la interacción); sin embargo, en este momento, quien visite el museo puede leer cada almohada. También he pensado que voy a reelaborar la idea para 44

Roberto Guerrero, Recuento de los daños. Una historia de sexualidad, religión y política, 2012. Fotografías cortesía del artista.

otra muestra. Tomaré y presentaré fotos de cada almohada, ya que constituyen un importante instrumento durante las cavilaciones del reposo, de la conciencia durante el sueño. La idea central es reflexionar sobre la ambigüedad entre la palabra y el cuerpo, cuando el lenguaje y el deseo del cuerpo colisionan. Los textos fueron extraídos de un foro anónimo en internet, en el cual varones han escrito sus fantasías sexuales y sus experiencias de encuentro. Me apropié de esos textos para evidenciar que existen sujetos que ponen en evidencia como, a veces, falla la matriz cultural del lenguaje que se denomina heterosexualidad. La obra 45

Roberto Guerrero, “Rito de paso. Tránsito rápido y suave hacia el otro equipo” 2015. Fotografías cortesía del artista.

pretende que pongamos la mirada sobre un cierto aspecto de la diversidad. Me interesó mucho la relación entre sujetos que verbalizan vehemente su adherencia a la matriz heterosexual, pero que al mismo tiempo revelan que sus deseos los contradicen. Evidentemente Roberto Guerrero es el sujeto central de esos dramas expuestos donde hay mucho morbo, trasgresión, pero también hay pasión, hay dolor (evocaciones, recuerdos), hay fuego. ¿Hasta dónde pretendes llegar? De repente ver esa obra junta me hace pensar hacia donde voy, ya yo no estoy cerrado en ese juego, ya soy el sujeto o el “Ecce Homo”. Existe un tránsito que aun no resuelvo, me gusta hablar de mis temas a partir de otros, la violencia hacia el sujeto producto de esas normas culturales y sociales y hasta políticas. 46

¿Cuál es el significado de llevarnos al Roberto niño; a llevarnos a la lúdica pero sin abandonar la poética? El juego es una realidad ejemplar, es una actividad o mecanismo cultural con el cual aprendemos para potenciar el poder: a hacer hombre, a ser niños, a ser artistas, futbolistas, trabajador de la industria, incluso para ser “guerrero”. Utilizo el juego como recurso evidente al asumir los grandes patrones: los futbolistas escarchados en el video, el juego como acción discursiva. Me motiva jugar con los discursos, con la ironía, la parodia, intentar generar placer lúdico durante la reflexión y adquisición consciente de un rol. ¿Cómo te ubicas respecto a esta tendencia del arte contemporáneo, y alternativa de abrir tu intimidad y mostrarte tal y como eres ante esta sociedad que a veces se vuelve homofóbica, bipolar y hasta malintencionada? Los discursos homofóbicos no se pueden destruir. Lo único que se puede hacer es asumir una actitud de resistencia, yo soy un guerrero y lo intento. Por un lado, aprovecho esa beta que se le permite a lo íntimo y personal. Por otro, valorar la necesidad de trabajar con el concepto y el sentido, eso sí, sin menoscabo de la forma. A veces me gustaría ser más minimalista. ¿Por qué los racimos de bananos en la gran fotografía de la “Santa Cena” lo cual abre el discurso hacia otros territorios, por ejemplo, lo político? 47

Roberto Guerrero, “Siete palabras” 2013. Fotografías cortesía del artista.

Los poderes, la autoridad de la Iglesia, del militarismo y del Estado son responsables de generar esos espacios normativos de los que hablamos al inicio. En la fotografía “La negociación” (Estos chanchos también comen guineo), se presentan figuras del poder que reprimen lo mismo que ellos hacen o quieren hacer. Los personajes negocian entre ellos y con su propia sexualidad; pero los espectadores también lo hacen; ya que asocian los simbolismos en la imagen y generan el sentido del discurso: los chanchos (el poder corrupto y, a la vez, las nalgas), los bananos verdes o guineos (los penes), y la cena (la festividad, la comelona, la holgura, lo orgiástico). 48

La intensidad del discurso de esta muestra en la Sala 1 del MADC afecta a todos por igual delante de las preferencias sexuales, nos implican. Andar esos espacios donde cuelga el símbolo de un enorme falo construido por rosarios, brillos y luces, que proyecta sobre el pavimento de la sala un video “gelatinoso” donde se observan individuos que tratan de alcanzarlo: tema central de la muestra, él, ella, yo, aquel, aquella, ante lo cual uno no sabe qué decir o qué actuar para no salir agredido; en tanto su autor es un “guerrero” que imprime el gesto actual de la incertidumbre y las contingencias del cotidiano existir.

Roberto Guerrero, “Historias de closet” 2015. Fotografías cortesía del artista.

Christopher Cozier: “ENREDOS”

En el universo del arte contemporáneo encontramos abordajes a una amplia diversidad de discursos muy propios del acontecer, los cuales nos anclan y activan a intentar (des)enredar significados, tal es el caso de la muestra de Christopher Cozier en TEORéTica Arte + Pensamiento, curada por Miguel A. López -15 de julio al 26 de setiembre 2015-, propuesta que discurre sobre esos grandes asuntos centrales en la actualidad que atañen a la política, la economía, los estudios crítico sociales, y que en tanto mueven al orbe también interesan al arte. Un determinado parangón Para comprender el tema de las pugnas hegemónicas en los mercados, y en especial el de los hidrocarburos, me motiva a recordar nuestra propia historia nacional, en particular un discurso del 50

Christopher Cozier, “ENREDOS” 2015. Fotografías cortesía de TEORéTica.

tres veces Presidente de la República de Costa Rica José Figueres Ferrer, quien en una de sus intervenciones televisadas, explicó a la población el origen del fenómeno que afectaba la economía y la política local, tan golpeada en los años setentas y ochentas del siglo anterior. Criticaba a los estadounidenses quienes al concluir la Segunda Guerra Mundial y en pleno desarrollo del conflicto Este-Oeste recordado como la Guerra Fría, cambiaron la fabricación de armamento militar para producir autos de uso civil, pero aquella enorme industria automovilística necesitaba vender sus frutos, entonces los estrategas nos enseñaron a experimentar 51

un modelo de vida como suyo, donde todos podíamos tener auto, pasear con la familia, dejar de andar en autobús; nos los vendieron a bajo costo -en esos años el precio del barril de petróleo era bajo, por tanto los combustibles también. Pero tardó en que alcanzara éxito la exportación de la industria automovilística norteamericana e intrincaran nuevos agentes políticos en el ajedrez mundial, que mostraron los garfios del poder entronizado a costa de todos nosotros: subieron los precios del petróleo y por ende los combustibles, aceites, refracciones, literalmente todos quedamos guindando como marionetas, bajo la influencia de sus tácticas hegemónicas. Mecanismos de dominación La propuesta de Cozier juega con esos artilugios de la distribución y venta de hidrocarburos, sus personajes en “Gas men 2014” y “Globe, 2015” -cual “cowboys” en una “coreografía masculina” –como la denomina el curador y que nos evoca aquellas estrellas que hicieron grande al cine norteamericano-, se sirve del ícono de la pistola de verter combustible como si fueran armas para intrincar en el ardid de detentar el poder, además de mangueras como lazos para atraparnos, en tanto somos los dominados dentro de esos juegos de tensiones del mercantilismo. Configura verdaderos monstruos con cuerpo y extremidades dibujadas por escrituras a mano, a manera de poesía visual, cuyos puntos terminales son objetos de esa jerga del mercantilismo la cual nos tiene atrapados dentro de las redes, internet y otros mecanismos enmarañados 52

Christopher Cozier, “ENREDOS” 2015. Fotografías cortesía de TEORéTica.

desde el Distrito de Comercio Mundial de Nueva York, con sus flujos de numerales que marcan el ritmo donde cada día ganamos o nos hundimos. Críticos escenarios La propuesta de Christopher Cozier en Teorética, exhibe video, fotografía y un conjunto de dibujos donde reptan esos monstruos, asimilan el “enredo” de vivencias cotidianas en nuestros países, otro discurso de poder que implica la crítica social sobre estas realidades locales, como los desplazamientos migratorios en el continente para llegar al Norte, o como “la bestia” que atraviesa el territorio mexicano cargada de hombres, mujeres y niños centroamericanos, encabritando sus sueños de alcanzar el modelo de vida de aquel país. Algunos dibujos sugieren gruesas de los ambientes portuarios, las cuales se deshilachan y saltan aquellos hombrecillos de negro con pistolas de máquina de hidrocarburos, retándose mutuamente. Con gestos fuertes y contundentes de buen grafista Cozier dibuja dichos escenarios renegridos en tanto asemejan los hollines producidos por la bencina, infractor que incrementa el efecto invernadero. Entonces, el impacto de la muestra pesa más en la conciencia del espectador al detonar otro discurso, no solo el económico y político, implica lo ambiental, ante un planeta Tierra que fenece, donde no nos tocará más que comportarnos como topos o aquellos bichos “neokafkianos”, al roer dentro de la gran madriguera o fractura producida por la ingeniería petrolera, con su enjambre de ductos y tripero que antes estuviera repleta del codiciado oro negro. 54

Christopher Cozier, “ENREDOS” 2015. Fotografías cortesía de TEORéTica.

Christopher Cozier, “ENREDOS” 2015. Fotografías cortesía de TEORéTica. 55

Christopher Cozier, “ENREDOS” 2015. Fotografías cortesía de TEORéTica.

La muestra del artista caribeño originario de Puerto España, Trinidad y Tobago, es en suma intensa, activa a explorar ricas y variadas lecturas de sus enigmas y cuestionamientos, tan propio del arte de nuestros días en tanto sus puntos de inflexión conectan a otras interpretaciones, porque el asunto de los combustibles tanto como las estrategias de dominación de siempre, son responsables de la calidad de vida urbana en esta ciudad actual tan hacinada, contaminada, deteriorada, donde los autos no se mueven porque ya no caben en su entramado, y tanta tensión entorpece las conductas y emocionalidad del habitante; desesperanzados, solo nos queda sortearnos bajo los lazos de los “cowboys” de Cozier que de repente encañonan con las pistolas que vierten el fluido de la discordia. 56

Equilátero: “Reglas del Juego”

Visitar una exposición itinerante de arte contemporáneo como Las Reglas del Juego, en Galería Equilátero, Escazú, Costa Rica, del grupo de artistas nicaragüenses Patricia Belli, Alejandro de la guerra, Darling López y Fredman Barahona, coauspiciada porAdrede/Espira, muestra curada por la cubana Tamara Díaz Bringas, requiere de alguna estrategia de acercamiento: en mi caso personal me dispongo a dar una primera ojeada exploratoria al conjunto, en ese intersticio saltan las preguntas respecto a los detonantes que cada pieza alberga para impactarnos como observadores; se trata de activadores emocionales que imbrican con el cúmulo de conocimientos que se derivan, al ir anclando en las propuestas para edificar las interpretaciones y tener las respuestas a tales interrogantes y sus significados. En algunos casos hasta nos requiere volver a lo visto, investigar, leer cédulas, textos y otros documentos que afinen nuestra propia lectura. 58

Patricia Belli. Trompo. Foto cortesía de Adrede/Espira.

Carta de geometría rotatoria: “Trompo” De entrada y en la primera mirada me cautivó una especie de cartografía de sutiles signos y registros, luego me percaté al apreciar el video adyacente que los trazos marcaban la rotación de un trompo con punta de grafito sobre la superficie del soporte, desplazamientos rotatorios y/o no lineales que activan un sistema de representación como una especie de mapa cósmico. -¡Genial!, pensé-, busqué la cédula para cerciorarme que su autora era Patricia Belli, quien además mostraba “Sisifa” y “Porfiadas”, una instalación de tres cabezas en un material duro, y un péndulo central, el cual al activar sus giros en ciertas ocasiones golpea las cabezas. Esas son las reglas del juego –dictó mi voz interior-, el objeto lúdico que se comporta como adversario y golpea como en muy diversos estratos de la realidad. Característico de Belli a través de su obra, en el gran circo de la vida y en el drama o teatro de la existencia, en esos trances salimos golpeados o ilesos dependiendo de nuestra testarudez.

Darling López. “Agua que no has de beber”. Foto cortesía de Adrede/Espira.

“Agua que no has de beber” De frente una fontana “hechiza” con botellas, un contenedor de cinco galones, un motor de ciclo continuo, mangueras y otros objetos reutilizados vierten una agua fangosa. Se suma algunos dibujos caricaturescos y una “pistola de agua” también manufacturada -juguete muy popular donde los chicos salen totalmente mojados-, pero con agua del lago que recoge todas las aguas de Managua, recordando tiempos atrás cuando ese líquido era fuente de contaminación.Darling López propone una reflexión sobre el 60

concepto del progreso y de la inteligencia humana de revertir esos procesos insalubres y tener, quizás no agua para beber, pero un líquido vital que enriquezca la calidad de vida del entorno y por ende la vida comunitaria, para un ciudadano centro consciente de la ciudad donde todos nos necesitamos mutuamente.

Alejandro de la guerra. Piñata. Fotos cortesía de Adrede/Espira. 61

“Piñata” Me llamó poderosamente la atención los restos de papel dorado arrugados y rotos que yacen en el pavimento de la entrada a la galería Equilátero, con un golpeteo de fondo en una grabación y un libro de fotografías con el registro de una acción en la cual se impacta a una gran piñata con forma de caballo. “La Piñata” de Alejandro de la guerra. De inmediato la memoria me relacionó con otra muy buena instalación “La caída”, de este mismo artista presentada en la pasada Bienal de Nicaragua 2014, que aprecié en el Centro Fundación Ortiz-Gurdián, en Plaza España de la ciudad de Managua. Sutil tratamiento de un asunto político, ante el resquemor que permanece en la historia de dictaduras y dominación. Se trata de un monumento ecuestre destruido por los sandinistas y que el autor recogió sus restos y depositó en el espacio de la bienal, pieza que llevó además a la reciente Bienal Centroamericana realizada en la ciudad de Guatemala. La grabación agrega resonancias del cañón y la bomba, aunque en el fondo se trata de la algarabía fiestera y celebrativa, cuando se garrotea la piñata para que suelte el confite, la melcocha, el premio.

Alejandro de la guerra. Piñata. Fotos cortesía de Adrede/Espira. 62

Alejandro de la guerra. Batalla de los cuarzos. Foto cortesía de Adrede/Espira.

“Batalla de los cuarzos” Esta pieza del mismo Alejandro de la guerra también activó mi conciencia al preguntarme ¿qué era, de qué se trataba aquel video de un tipo con un tirapiedras en mano impactando a un monumento de un individuo con el mismo objeto en mano? Investigando, me cercioré que no eran piedras, eran cuarzos, de esos fetiches que suponen algún bien para el usuario o una fórmula de protección ante tantos males en esta sociedad actual. El héroe de la aludida estatua fue un “Soldado de la Patria” quien atacó en 1856 las hordas filibusteras comandadas por William Walker ante la pretensión de apoderarse de ese país y catapultarse para la ocupación centroamericana. El sujeto del video quizás lanza cuarzos como protectores ante las posturas filibusteras en nuestras memorias de pugnas hegemónicas y tensiones por el poder, como puede ser hoy en día el mercantilismo y sus sofisticadas tácticas

Fredman Barahona, Torovenado. Foto cortesía de Adrede/Espira.

de dominación. “Torovenado” Otra de las piezas expuestas, en este caso de Fredman Barahona, “Devenir Torovenado” es el video de una especie de carnaval, donde el trasvestido interactúa con la población; nos refiere a un desfile que parte de Monimbó –sufrida pero emblemática barriada durante la guerra popular que derrocó al dictador, y que se dirige a la vecina ciudad de Masaya. Alberga el simbolismo liberatorio y unificador de los grupos homosexuales de ese país que encuentran en ese espacio y tiempo el gesto del ritual, festejo pero a su vez posicionamiento, tal vez similar al desfile del orgullo gay en 64

Fredman Barahona, Torovenado. Foto cortesía de Adrede/Espira.

otras ciudades del mundo. Sin duda alguna la visita a Equilátero equilibró mis esfuerzos de trasladarme lejos de mi zona de confort, en tanto amplié mi propio registro sobre el arte joven contemporáneo de nuestra vecina Nicaragua, al tener conocimiento de los frutos de la formación e investigación que promueve Adrede y Espira –organismo cultural, educativo, no gubernamental. Lo visto es un arte donde existe poética, ludismo, pero también fiera crítica y posicionamiento político. El aporte de la curadora y su lucido texto es fundamental para comprender esas resonancias de un pasado “bombardeado” que regenera en un presente combativo, nada complaciente y que 65

HABACUC, escritor por Luis Chaves

No se me ocurre un personaje de la fauna urbana capitalina de artistas o sucedáneos que genere tantas opiniones adversas, por no decir incendiarias. Ni defensas tan ardientes o bien documentadas y argumentadas (para mencionar la más contundente, El perro está más vivo que nunca, libro del sociólogo Sergio Villena que ronda las 200 páginas). Tampoco vamos a extendernos mucho aquí sobre el artista visual que se fue ganando un espacio en ese microuniverso a punta de codazos y patadas. Allá en la segunda mitad de los 90 nadie daba un cinco por el chamaco rabioso de cejas rasuradas y ojos delineados que no encontraba su lugar ni siquiera en las tribus urbanas más border. Sólo él sabía muy bien de dónde venía y sólo él tenía una ligera sospecha de para dónde iba. Lo demás es anécdota, Habacuc es hoy un nombre ineludible en cualquier lista de artistas centroamericanos representativos. El menos epigonal, el más self-made y el más terrorista de los artistas regionales de hace varias décadas. 66

Pero nos ocupa ahora esta incursión en la literatura. Hijas de familia, por supuesto, es un texto provocador, autocrítico y, para malestar de muchos, inteligente. En un momento en el que hasta la literatura parece empezar a arrollidarse ante el altar de la corrección política, es refrescante leer a un kamikaze como Habacuc. Anécdotas en primera persona, un yo narrador salvaje y desbocado, emparentado con el Rodrigo García de Prefiero que me quite el sueño Goya a que lo haga cualquier hijo de puta, entornos y atmósferas sórdidas a las que el autor, sin duda, dedicó años investigación de campo. Hay muchos, quizás demasiados, libros dedicados a ese mundo marginal, supuestamente de rebelión, ecos tardíos y debilitados de Bukowski y discípulos. La gran mayoría falla en el ingrediente que los despegue del anecdotario y de la incitación adolescente (asustar a las abuelas). Lo tiene en su arte plástico y lo tiene en su literatura, la provocación es la puerta que abre para decir alguna verdad más oculta, más punzante. En Hijas de familia esto funciona aún mejor porque su yo narrador le pone el pecho a la bala primero que todos. No señala a los otros sin antes haber puesto el cuerpo. 68

En poemas narrativos cortísimos le da vida a personajes casi tangibles: entre otros, Orbi Notin, Pablock, Cosinga, la primera persona y Oldemar. Si no bastan los argumentos de párrafos anteriores, anoten este: un mae llamado Oldemar protagoniza un poema. No adelanto más. Este es un libro potente, agresivo, aderezado con humor negro, de elegante misantropía. Parece haberse escrito mitad en rush de perico / mitad en bajón de perico, lo que no solamente no es garantía de nada sino que en otras manos sería una combinación mortífera. Hijas de familia es un libro altamente intuitivo en cuanto a los recursos literarios. Habacuc, que es artista plástico, escribe mejor, mucho mejor, que escritores que llevan, que llevamos, años haciendo press de banca. Es así. Algunos lectores van a perder un ojo en la lectura. Casi podríamos ponerles nombre y apellido, pero aprendamos de Habacuc a nunca dar explicaciones. Aquí tienen un libro que le va a generar más anticuerpos a Habacuc. Él lo tiene claro. Que así sea.

MAYINCA 2015: “Tiestos de una cultura” 12 Octubre 2015 / 24 Enero 2016

El propósito de esta muestra en el Museo Nacional es abrir una ventana al arte de los pueblos originarios al exhibir un compendio educativo-histórico-cultural a través de lenguajes y recursos del arte actual. Observa la concepción actual de (des)fragmentar, para reinventar los discursos sin perder su raíz, regenerando los sentidos artísticos y creatividad.

La piedra deUrasca, un gran tiesto natural. Foto LFQ, 2015.

Stephanie Williams. Y todavía afirma que aquella es tierra firme, 2014, barro, 2 x 2 mts aprox.

El curador Rolando Castellón busca reinventar el carácter de los tiestos a través de nuevos modelos de interpretación, imaginarios y simbolismos propios del arte contemporáneo; demostrar su vigencia y pensamiento creativo delante de la naturaleza, cultura y sociedad. Exhibirlo a partir del 12 de octubre, intenta rescatar el “Día de la Raza”, celebrando la vigencia y creatividad del arte vernáculo originario. Nos apropiamos como modelo de una enorme piedra sisada encontrada en Urasca de Cachí, zona de hallazgos de petroglifos y otros vestigios. El estudio de la piedra no asegura que sea de factura prehispánica, interpretación que permite el arte de vislumbrar nuevos flujos de lectura y creación, pero falta el estudio científico que lo constate. La tradición dice que la piedra está ahí, con esas características, desde tiempos inmemoriales. Posee una seguidilla de orificios que marcan el meridiano, como intentando partirla en dos, de ahí nuestra percepción de gran tiesto. 71

Recapitulando, “MAYINCA Tiestos de una Cultura”, no es una muestra de arte del pasado y las culturas originarias, sino una reflexión de su influencia e importancia en el pensamiento y las manifestaciones del arte de hoy.

Artistas Participantes: APUY Otto, ARRIETA Fabricio, BARQUERO Diana, BERMÚDEZ Manuel, BURKE Héctor, CALDERÓN RIGGIONI Alejandro, CARBALLO Dinorah, CASTRO Mirta, CHAMORRO Rafael, CHÁVEZ GOULD Alexander, CHÁVEZ VILLALOBOS Alexander, CON Rocío, DÍAZ Nelson, ERICKSON Bryan, FLORES Adrián y UREÑA José Pablo, COGHI Giácomo, GÓMEZ Luis Fernando, HERNÁNDEZ Pamela, HERRERA AMIGHETTI Grace, LEÓN Edgar, MAFFIOLI Mario, MONGE Fabián, MONGE Priscilla, MONTOYA Rafael, MORALES ALONSO Luis, MORALES Rodolfo, MOYA Ileana, MUÑOZ Rodrigo, PALACIOS Lorenzo y RODRÍGUEZ Elisa, QUIRÓS Luis F., LEÓN PIEDRA Karla, RUDÍN Eugenia, SALABLANCA Christian, SANCHO José, SÁNCHEZ GRIJALBA Maribel, SELVA GODOY Gerardo, SILIÉZAR Adolfo, SOLANO Zoleila, TASSARA Bytty, VALENCIA Carolina, UDER Rodolfo, ULLOA GARAY Ricardo, VARGAS Henry, VIELLARD Maxime, WILLIAMS Stphanie, ZAMORÁN Jorge.

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