LINEA CURVE 04 by LINEA CURVE

LET'S FEED THE FUTURE 6 路 7 路 8 June 路 DHUB OFFF BARCELONA 2013

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Barcelona 13.14.15 Junio

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Las imágenes fueron tomadas durante la creación de un banner en flash sobre el Inkling, por Radek Kubicki (http://www.radekal.de/) y Alex Frank (http:// www.lxfx.de/) Images were taken during the creation of a flash banner by Radek Kubicki (http://www.radekal.de/) y Alex Frank (http://www.lxfx.de/)

El Inkling puede utilizarse con cualquier papel estándar, bloc de dibujo, o incluso con una servilleta de papel, en un bar o cafetería. Al situar el receptor inalámbrico en el borde de la página, con una visión ininterrumpida de la punta del lápiz, los usuarios pueden capturar sus trabajos y almacenarlos digitalmente. A su vez, utiliza la tecnología de sensibilidad a la presión de Wacom para detectar qué tanta presión se ejerce al dibujar sobre el papel. Cuando el boceto está terminado, el receptor se conecta al ordenador mediante USB para transferir los dibujos como archivos vectoriales o de mapa de bits. Los archivos se pueden abrir con el software incluido, Inkling Sketch Manager, para editar, borrar o añadir capas, así como para cambiar los formatos y transferir los archivos a programas de software creativo – como Adobe Photoshop CS6, Illustrator CS6 y Autodesk Sketchbook Pro 6 – para perfeccionarlos y editarlos. Y aquí es donde entran en escena las tabletas Wacom Intuos5, al permitir a los artistas y diseñadores sumergirse en su trabajo, ahorrar tiempo y evitar tensiones al retocar sus imágenes en el ordenador. El Grip Pen Intuos se adapta a la mano como un lápiz tradicional, con naturalidad y simplicidad, y gracias a su sensibilidad a la presión y la inclinación proporciona la misma sensación, respuesta y efectos derivados de utilizar herramientas tradicionales como los pinceles de pintar, rotuladores y lápices. Al trabajar con software creativo, la Intuos5 permite guardar los atajos más utilizados en las ExpressKeys laterales de la tableta y el Touch Ring, hacer zoom y navegar de forma intuitiva con la función multitáctil, y editar, dibujar y pintar sobre los bocetos originales.

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Illustration & visual arts magazine revista de ilustración & artes visuales Printed in Spain. All rights reserved. No part of this publication may be reproduced or transmitted by any means without written permission from the publisher, © lineacurve. The copyright of images and texts belong to their authors, © of the images: the authors, © of the texts: the authors. The publisher is not responsible for the views and opinions contained in the issues, being them full responsibility of the author. Impreso en España. Todos los derechos reservados. Ninguna parte de esta publicación puede ser reproducida por ningún medio sin el consentimiento previo y por escrito del editor, © lineacurve. Los derechos de reproducción de las imágenes y de los textos pertenecen a sus autores, © de las imágenes: sus autores,

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EDITORS EDITORES Francisco J. Carrasco Valbuena NEW TECNOLOGIES DIRECTION & CHIEF EDITOR DIRECCIÓN DE NUEVAS TECNOLOGÍAS & JEFE DE REDACCIÓN

Vanesa León García ART DIRECTION & CHIEF EDITOR DIRECCIÓN DE ARTE & JEFE DE REDACCIÓN

Errata sheet FE DE ERRATAS CONTRIBUTORS COLABORADORES Anna Gomis Pastor EDITORIAL TEAM REDACCIÓN Felicidad Cirugeda TRANSLATION TRADUCCIÓN Joicy Serrano Urrutia EDITORIAL TEAM & GRAPHIC DESIGN REDACCIÓN & DISEÑO GRÁFICO

José Luis León Fontelos COPYEDITING CORRECCIÓN DE ESTILO

Below you will find the source of the pictures published in Linea Curve 03, on the article entitled Mauro Entrialgo: Image on page: 102, a page from "Siga usted todo tieso" (La Cúpula, 2009). Image on page: 104 and 108, strips from "Plétora de piñatas 2" (Astiberri, 2012). Image on page: 105, a page from "Ángel Sefija en el sexto sentido" (Astiberri, 2009). Image on page: 106, a page from "Todo Alter Rollo" (Diábolo ediciones, 2012). Image on page 109, a page from the "El conflicto del Sahara" (CMPA. 2011).

Mar Márquez EDITORIAL TEAM REDACCIÓN

A continuación detallamos la procedencia de las imágenes publicadas en Linea Curve 03, en el artículo con título Mauro Entrialgo:

María Solís Carmona GRAPHIC DESIGN DISEÑO GRÁFICO

tieso" (La Cúpula, 2009). Imagenes en pág. 104 y 108,

Nicola Beedle TRANSLATION TRADUCCIÓN

Imagen en pág. 105, página extraída de "Ángel Sefija en

Laura Doctorovich TRANSLATION TRADUCCIÓN

Imagen en pág. 102, página extraída de "Siga usted todo tiras extraídas de "Plétora de piñatas 2" (Astiberri, 2012). el sexto sentido" (Astiberri, 2009). Imagen en pág. 106,

Olmo Rodríguez Moreno EDITORIAL TEAM REDACCIÓN

página extraída de "Todo Alter Rollo" (Diábolo ediciones, 2012). Imagen en pág. 109, página extraída de "El con-

Rocío Armas EDITORIAL TEAM REDACCIÓN

flicto del Sahara" (CMPA, 2011).

[March Marzo 2013]

Tadahiro Uesugi

OPINION REVIEW

16 46 76 96

The Russian Avant-Garde Art Boom El auge de la vanguardia artística rusa

Mark Smith

Leandro Castelao

María Corte

COMIC COMIC

RETROSPECTIVA RETROSPECTIVE ILUSTRACION ILLUSTRATION

Lebedev

30 68 12 1 40 04 1

Laura Varsky Art and Design Can Be Found in All Corners El arte y el diseño esta en todos los rincones

Giba Barros Have You Seen That? Haven´t You? ¿Has visto eso, no?

Slone (Wizards Of The Styles) The Beginning Stages of Graffiti Los primeros pasos del graffiti

Olympe de Gouges Catel-Boquet

Underworld Kaz

Planta una semilla, y déjala crecer, sin prisas, sin miedo, sin reproches. Déjala crecer, sin suposiciones, sin contratos, sin deseos.

Plant a seed and let it grow, with patience, trust, respect. Let it grow, with freedom, freshness, surprise.

Planta una semilla, y déjala crecer, con paciencia, con confianza, con respeto. Déjala crecer, con libertad, con frescura, con sorpresa.

Plant a seed and let it grow, without conditions, legacies, longings. Let it grow, without labels, barriers, predictions.

Planta una semilla, y déjala crecer, sin condiciones, sin herencia, sin anhelos. Déjala crecer, sin etiquetas, sin barreras, sin predicciones.

Plant a seed and let it grow, with space, utopia, illusions. Let it grow, with colour, joy, fragrance.

Planta una semilla, y déjala crecer, con espacio, con utopía, con ilusiones. Déjala crecer, con color, con alegría, con fragancia.

Let it grow...

Déjala crecer...

[Vanesa León]

ARTE URBANO URBAN ART

Plant a seed and let it grow, without hurries, fears, reproaches. Let it grow, without assumptions, contracts, wishes.

60 84

C215

spacious thoughts Fluorescent Hill

KNYTT UNDERGROUND

Nicklas Nygren

DISEÑO DESIGN

JUEGOS GAMES

ANIMACION ANIMATION

EDITORIAL EDITORIAL

Let it grow Déjala crecer

Jean Manuel Duvivier Murals for Kids Pinturas murales para niños

tiva ec

tive ec

trosp Re

Lebedev

The Russian avant-garde art boom El auge de la vanguardia artística rusa

In Petrograd the poster section of ROSTA was formed in April-May 1920. It was directed by two artists, Vladimir Lebedev and Vladimir Kozlinksii. The poster themes and texts were the work of V. Voinov and A. Flit. In two years of work the Petrograd section of ROSTA release more than a thousand posters. About six hundred of them were executed by Lebedev. The posters were exhibited in the ROSTA offices and were therefore called ROSTA Windows. Reports from the front, decrees and resolutions of Soviet power found their expression instantaneously in the posters, which substituted for newspapers during the difficult years of the civil war and intervention. In essence, the ROSTA Windows were illustrated telegrams, which the agency transmited for publication in newspapers. Executed in a sharp and accessible manner, furnished with laconic texts in verse, the drawing technique was notable for the accentuated simplicity and laconicism of the visual means employed, limited to two or three colors and the expressiveness of silhouettes. Incidentally, the technique itself contributed to this effect. In Moscow the technique of stencils painted with distemper was employed, while in Petrograd, hand painted linocuts were printed in a studio of the former Academy of Arts. The ROSTA Windows poster reconsidered the artistic principles of the lubki1, successfully uniting them with the best achievementsn of contemporary art. by

Masha Koval

Lubkí or folk prints, had existed in Russia since the end of the sixteenth century, and were the most popular form of Folk Art.

Vcherá i segódnia (Yesterday and Today). Moscú: GIZ, 1928, 3rd ed. (1st ed., 1925). Lithograph cover. Ville de Paris, Bibliothèque l´Heure Joyeuse. Vcherá i segódnia (Ayer y hoy). Moscú: GIZ, 1928, 3ª ed. (1ª ed., 1925). Litografía de portada. Ville de Paris, Bibliothèque l´Heure Joyeuse.

On Guard for October, illustration no. 20 in N. Punin, Russki plakát 1917-1922. Petersburg: Strelets, 1923. Design originally printed as ROSTA poster, Nov. -Dec. 1920. Collection Merrill C. Berman. A la salvaguardia de Octubre, ilustración nº20 de N. Púnin, Russki plakát 1917-1922. San Petersburgo: Strelets, 1923. Diseño originalmente impreso como cartel ROSTA en noviembre-diciembre 1920. Colección Merrill C. Berman.

Text extracted from Vladímir Lébedev. A portrait of the artist by Masha Koval, published on Vladímir Lébedev 1891-1967, a catalogue from the first monographic exhibition in Spain of the Russian-Soviet artist Vladímir Lébedev (1891-1967), held at the Museu Fundación Juan March, Palma (February 22, 2012) and at Museo de Arte Abstracto Español, Cuenca (June 15, 2012). Images are from collector Merrill C Berman's selection (New York) and from the collection of the Bibliothèque de l'Heure Joyeuse, Paris.

Texto extraído de Vladímir Lébedev. Un retrato del artista de Masha Koval, pulicado en Vladímir Lébedev 1891-1967, catálogo de la primera exposición monográfica en España dedicada al artista ruso-soviético Vladímir Lébedev (1891-1967), que se celebró en el Museu Fundación Juan March de Palma (22 febrero 2012) y en el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca (15 junio de 2012). Imágenes procedentes de los fondos del coleccionista Merrill C. Berman (New York) y de la colección de la Bibliothèque de l´Heure Joyeuse de París.

he name of the Russian Soviet artist Lebedev (1891-1967) is world-renowned mainly in connection with his outstanding work in the genre of illustrated children´s books. Yet at the same time Lebedev was one of the most versatile artists of the Russian avant-garde. He was the author of ingenious graphic works, an experimental painter, a discoverer of new approaches in poster creation and a master of theater decoration. The flowering of his creative activities took place during the most brilliant period in the history of Soviet art -the 1920s. This time of revolutionary transformation in Russian society coincided with the moment of the blossoming of Russian avant-garde art, when the search for a new figurative language took place. Lebedev spent his entire life in Saint Petersburg (Petrograd, Leningrad). He studied and established himself as an artist in this city. Vladimir Vasilievich Lebedev was born on May 14, 1891 to the family of a craftsman from a private mechanical workshop. The future artist was passionately attracted to drawing already in childhood. His childish images of knights, battles and horses already displayed a resoluteness of drawing astonishing for a child. From an early age he developed keen observation skills and fortified his visual memory, observing horses at the hippodrome for hours and the drawing them from memory.

La sección cartelística de la ROSTA en Petrogrado se constituyó en abril-mayo de 1920. Estaba dirigida por Vladímir Lebedev y por otro artista gráfico, Vladímir Kozlinsky. Los temas y los textos eran responsabilidad de los poetas Vladímir Vóynov y Aleksandr Flit. En dos años de trabajo, la sección cartelística de la ROSTA en Petrogrado realizó más de mil carteles. Entre ellos, cerca de 600 fueron obra de Lébedev. Los carteles se exponían y colgaban en las oficinas de la ROSTA, por lo que pasaron a conocerse como ventanas de la ROSTA. Los comunicados del frente, los decretos y resoluciones del poder soviético, se reflejaban inmediatamente en el contenido de los carteles que sustituyeron casi por completo a la prensa diaria. De hecho, las ventanas de la ROSTA vinieron a ser la ilustración en imágenes de los telegramas que la agencia transmitía a los periódicos. Ejecutados con maestría ingeniosa, escasos recursos materiales y acompañados siempre por unos textos poéticos, la técnica de dibujo se caracterizaba por el laconismo y la acentuada simplicidad de los recursos figurativos: estampado en 2 o 3 colores y expresividad de las siluetas. El estilo estaba determinado por las propias técnicas utilizadas. En Moscú se empleaba el estarcido y en Petrogrado el cartel con pinturas al temple o el linograbado coloreado, que luego se imprimía en el taller de la antigua Academia de Bellas Artes. Las ventanas de la ROSTA retomaban los principios artísticos de los lubkí1, amalgamándolos felizmente con los logros y descubrimientos del arte moderno. por

Masha Koval

Los lubkí rusos son cuadros folclóricos impresos, conocidos en Rusia desde finales del siglo XVI.

Many researchers writing about the artist have observed the following paradoxical fact in his biography: this artist, who established a group of followers that deeply valued the tradition passed down from teacher to student, did not receive a systematic artistic education. Lebedev was an "academic without the Academy". Lebedev´s first teacher was the famous painter of battle scenes Franz To the right, Workman Sweeping Criminal Elements out of the Republic, 1920. Ilustración no. 5 in N. Punin, Russki plakát 1917-1922. Petersburgo: Strelets, 1923. A la derecha, Trabajador barriendo elementos criminales de la República, 1920. Ilustración nº5 de N. Púnin, Russki plakát 1917-1922. San Petersburgo: Strelets, 1923.

l artista ruso-soviético Lébedev (1891-1967) es conocido en todo el mundo sobre todo por sus excelentes trabajos en el campo de la ilustración de libros infantiles. Al mismo tiempo, Lébedev fue uno de los pintores universales de la vanguardia rusa. A su autoría se deben algunos de los trabajos gráficos y de los decorados teatrales más geniales del momento. La eclosión de su actividad artística se produce durante el periodo más esplendoroso de la historia del arte soviético: los años 20 del siglo pasado. Una época de reformas revolucionarias en la sociedad rusa, que coincide con el auge de la vanguardia artística, cuando se desarrolla la búsqueda de un nuevo lenguaje figurativo. Lébedev vivió toda su vida en San Petersburgo-Petrogrado-Leningrado. Estudió en esa ciudad y también en ella se convirtió en un artista. Vladímir Vasílievich Lébedev nació el 14 de mayo de 1891 en el seno de una familia de obreros de unos talleres mecánicos privados. El futuro artista manifestó muy pronto una enorme pasión por el dibujo. Ya en sus primeras representaciones de caballos y batallas feudales mostraba su trazo una firmeza y consistencia bastante impropias de una edad tan temprana. En esos años infantiles desarrolla su capacidad de observación y su memoria visual, contemplando durante horas los caballos del hipódromo, para luego, en casa, dibujarlos de memoria. La mayoría de los estudios que se han ocupado del artista han resaltado una paradoja más que evidente en su trayectoria: que Lébedev, un artista que a la larga terminaría creando escuela y que apreciaba profundamente el valor de la tradición transmitida por el maestro a su discípulo, no recibiera nunca una formación artística sistemática. En efecto, Lébedev fue un "académico sin Academia". El primer maestro de Lébedev fue Franz Roubaud, profesor de la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo y reconocido pintor de batallas. Ingresa en su taller en 1910 y allí aprende a dibujar caballos del natural. También allí traba amistad con algunos artistas que pertenecían a la Unión de Jóvenes, uno de los grupos de vanguardia más significativos de la primera década del siglo. Sin embargo, sería el taller de su segundo maestro-pedagogo, el pintor Mijaíl Bernshtein, el que iba a jugar un papel más importante en su formación artística. Hombre de una enorme erudición, pedagogo sensible y atento, profundo conocedor de la anatomía humana y animal, Bernshtein fue el único y verdadero maestro del artista que estaba formándose. En el taller de Bernshtein, Lébedev conoce a Vladímir Tatlin y a Sara Dormilátova, su futura esposa, que luego, ya con el nombre de Sara Lébedeva, llegaría a convertirse es una famosa escultora. Aunque en 1912 Lébedev ingresa como alumno en la Academia de Bellas Artes, prefiere seguir dibujando en el taller de Bernshtein. Pero visita con frecuencia la impresionante biblioteca de la institución, donde por su cuenta asimila y aprende historia del arte. No hubo un momento en su vida en que Lébedev dejara de leer y estudiar. Su biblioteca de arte se contaba entre las mejores de Leningrado. En 1911, un año antes de ingresar en el taller de Bernshtein, Lébedev colabora con la revista ilustrada infantil Galchónok y también en la revista satírica To the left, ROSTA poster, Peasant, if you don´t want to feed the lord of the manor... September 1920. Handcolored linocut, 71.3 x 41.4 cm. Collection Merrill C. Berman. A la izquierda, cartel ROSTA, Campesino, si no quieres alimentar al terrateniente... Septiembre 1920. Linografía coloreada, 71,3 x 41,4 cm. Colección Merrill C. Berman.

Roubaud, a professor of the Academy of Arts, in whose studio the artist studied the drawing of horses from nature from 1910. There Lebedev also first became close with artists from the circle of the Union of Youth, one of the most significant avant-garde artistic groupings of the 1910s. However, it was chiefly the studio of Lebedev´s second teacher, the artist Mikhail Bernshtein, which played a significant role in his artistic education. A person of great artistic erudition and with an excellent knowledge of anatomy, the sensitive pedagoge Bernshtein became a genuine and unique teacher for the developing artist. In Bernshtein´s studio, Lebedev became acquainted with Vladimir Tatlin and his future wife, Sarra Dormilatova, later Sarra Lebedeva, the renowned sculptor. From 1912, Lebedev was on the list of students in the Academy of Arts, but he preferred as before to draw at Bernshtein´s studio. He often visited the academy´s excellent library and independently studied the history of art. Throughout the course of his life, Lebedev never ceased studying and read extensively. He assembled a private art library that was one of the best in Leningrad. In 1911, a year before his entry into Bernshtein´s studio, Lebedev began his creative career in magazine illustration. He contributed to the illustrated children´s magazine Galchonok and also in the most civilized of the pre-revolutionary satirical magazines Satirikon, which in 1913 was renamed Novyi Satirikon. Within its pages were gathered the best examples of the creative tendencies of progressive magazine graphics of the 1910s. In July 1918, Lebedev took part in the Exhibition of Contemporary Painting and Drawing, organized in Petrograd in the office of N. E. Dobichina. Already then critics recognized him as well-known master of drawing and illustration, situating him alongside artists of the left avant-garde tendency. In October 1918, the Petrograd State Free Art Workshops, known by the acronym Pegoskhum, were established withing the premises of the former Academy of Arts upon the bases

of the Higher Artistic School. Lebedev was appointed supervisory professor in this new educational institution, which was established by the revolutionary reforms. In this years the artist was closely associated with representatives of pioneering tendencies in art; V. Tatlin, K. Malevich, M. Matiushin, and the critic Nikolai Punin. Lebedev´s first major contribution to the development of the artistic language of the new revolutionary art was his work on posters for the ROSTA (Russian Telegraphic Agency). But, the artist´s experimental discoveries in the sphere of the poster were preceded by a cubist period, in which the painterly principles of Lebedev´s art were worked out and formulated. The revolutionary transformation accomplished in Russia placed before artists the task of the construction of a new proletarian culture, in the creation of which special attention was allotted to meas of mass propaganda and agitation. Under devastating conditions for printing, precisely the poster proved to be one of the most effective tools in revolutionary agitation due to its mass character and operative nature. The problem of the artistic culture of the poster was put forth and resolved in the first postrevolutionary years. Its founders were first and foremost the artist in charge of the ROSTA Windows, and a most major role among them was played by Lebedev. Lebedev´s talent as a satirist was destined to blossom in the 1920s. This is regarded as the most fruitful and happy period in the creative work of the artist. In 1922, Lebedev created a series of 23 drawings, consolidated later with the apt title Sidewalks of the Revolution. The theme of this group of drawings was the Petrograd streets of the first post-revolutionary years. Notes of sarcasm and irony appear in the sheets, where the artist represents prostitutes, criminals, and city scum –in the Russian language the expression "to walk the sidewalks" means to

más culta de los tiempos prerrevolucionarios, Satirikón, que en 1913 pasaría a denominarse Nóvyi satirikón. Las páginas de esta última albergaron los mejores trabajos del arte gráfico ruso de vanguardia de la primera década del siglo XX. En julio de 1918 Lébedev participa en la Exposición de pintura y dibujo rusos contemporáneos que organiza el buró de N.Y. Dobýchina en Petrogrado. La crítica ya la señala como un dibujante e ilustrador reconocido y le encuadra en las filas de las corrientes vanguardistas de izquierda. En Octubre de 1918, y dentro de los muros de la antigua Academia de Bellas Artes, se constituyen los PGSJUM sobre la base de aquel centro de enseñanza artística. En esta nueva institución, impulsada por las reformas revolucionarias, Lébedev consigue el puesto de profesor-director. Durante estos años, nuestro artista se relaciona estrechamente con los representantes de las corrientes más innovadoras del arte ruso; Tatlin, Kasimir Malévich, Mijaíl Matiúshin y el crítico Nikolái Púnin. La primera gran aportación de Lébedev al desarrollo del lenguaje pictórico del nuevo arte revolucionario se concentra en los carteles que elabora para la ROSTA (Agencia de Telégrafos Rusa). No obstante, los descubrimientos experimentales que hace el artista en el campo del cartelismo fueron precedidos por un período cubista, en el que elaboró y formuló sus principios artísticos. Las transformaciones revolucionarias que se habían producido en Rusia ponían ante los artistas la tarea de construir una nueva cultura proletaria, para lo cual había que prestar una espacial atención a los medios de propaganda y agitación política de masas. Dado su carácter masivo y su gran operatividad, el cartel se convirtió en el medio más poderoso de agitación y propaganda revolucionaria. El problema de la cultura artística del cartel se planteó y resolvió en los años inmediatamente posteriores al triunfo de la Revolución. Los fundadores del cartelismo ruso fueron, en primer lugar, los artistas encargados de las ventanas de la ROSTA; entre ellos, Lébedev desempeñó un papel muy importante. El talento del Lébedev satírico parecía predestinado a florecer precisamente en los años 20. Se trata de la etapa más fértil e inspirada de la vida creativa del artista. En 1922 Lébedev termina la serie de 23 dibujos que, más tarde, serían agrupados bajo en nombre de Acera de la Revolución. La temática de este grupo de dibujos se centra en las calles de Petrogrado de los años que siguen a la Revolución de Octubre. En esas hojas, las notas de sarcasmo e ironía aparecen cuando el artista representa a prostitutas, criminales y otros tipos del submundo urbano -en ruso, la expresión "ir a la acera" significa "dedicarse a la prostitución". Tras Acera de la Revolución se abre un nuevo ciclo de Temas de la vida cotidiana, inaugurado por la serie satírica de seis dibujos Nuevo estilo de vida, que presenta a los florecientes NEPman2 y a aquellos funcionarios soviéticos que no le hacen ascos a "la borrachera de la NEP". Nuevo estilo de vida constituye el preludio de sus dos series más extensas: la NEP (1925-1927) y El amor a los gamberros (19261927), sobre las que trabajó simultáneamente durante tres años. En la frontera entre los años 20 y 30, la creatividad de Lébedev había alcanzado su cenit. En cada esfera de su actividad artística -ilustración literaria, cartel, 2

Nuevo rico representante de la nueva burguesía soviética.

To the left, ROSTA poster, Peasant, if you take your bread to the government..., 1920. Handcolored linocut, 70.2 x 42.4 cm. Collection Merrill C. Berman. A la izquierda, cartel ROSTA, Campesino, si tu llevas el pan para el Estado..., 1920. Linografía coloreada, 70,2 x 42,4 cm. Colección Merrill C. Berman.

dibujo, pintura de caballete- había dado lo mejor de si mismo. Por estas fechas Nikolái Púnin escribió su monografía sobre el artista. También por entonces se celebró un evento que parecía hacer balance de sus logros artísticos: la primera Exposición individual organizada por el Museo Estatal Ruso en 1928. Pero, desgraciadamente, los años 30 trajeron consigo la ruptura y la crisis creativa. En el arte soviético primaba una nueva ideología, la del realismo soviético totalitario, en la que el arte innovador de Lébedev no tenía cabida. El 1 de marzo de 1936 aparece en las páginas del diario Pravda el artículo, oficial y por encargo, titulado Los artistas pintamonas, que marca el inicio de una campaña para extirpar cualquier asomo de "formalismo" en el arte soviético. En ese artículo se criticaban duramente las ilustraciones de Lébedev a la recopilación de poemas de Marshák, Cuentos, canciones y acertijos (1935). Estos acontecimientos jugaron un papel dramático en el destino del artista. Lébedev llevó muy mal esa imposición de compromiso estético, que se refleja en su producción artística de los años 40 y 50. Al hacer balance artístico al final de su vida, el artista afirmaría "Para comprender mi trabajo artístico, hay que saber y tener presente que soy un artista de los años 20. Y no lo digo solo porque mis mejores obras se encuadren en esa época. Aún más importante y sustantivo es el hecho de que me formé artísticamente en la atmósfera espiritual de aquellos tiempos. En ellos están las raíces de todas mis ideas y proyectos". [Masha Koval]

Below, Okhota (Hunting). Moscow/Leningrad: Raduga, 1925, 1st. ed. Lithograph cover. VP-BHJ. To the right, Athlete-Strongmen. Lithograph of a plate in Tsirk by S. Marshak, 1927. CMCB. Abajo, Ojóta (La caza). Moscú; Leningrado: Ráduga, 1925, 1ª ed. Litografía de portada. VP-BHJ. A la derecha, Atletas-forzudos. Litografía de una plancha de Tsirk de S. Marshák, 1927. CMCB 2

The Nouveau riche, suddenly rich representatives of the new Soviet bourgeoisie.

be engaged in prostitution. The cycle Themes from Everyday Life opens with the satirical series The New Everyday Life, consisting of six drawings. It is immediately subsequent to the preceding series Sidewalks of the Revolution. The series The New Everyday Life depicts the prosperous NEPman2 and Soviet office workers, who did not escape the influence of the NEP. The series The New Everyday Life was the prelude to two extensive series: NEP (1925-27) and The Love of Riffraff (1926-27). Work on them accurred simultaneously over the course of three years. At the end of the 1920s and start of the 1930s, Lebedev´s creative work reached a zenith. In each sphere of activity -books, posters, drawings, paintings- he achieved the height of his accomplishment. A first solo exhibition, which opened ot the Russian Musseum in 1928 began sizing up Lebedev´s successes as an artist. At the same time Nikolai Punin wrote a monograph about Lebedev. Unfortunately the 1930s brought a turning point and a moment of crisis in the artist´s creative work. In Soviet art the new ideology of complete Socialist Realism took form, in which there was no place for the innovative art of Lebedev. On March 1, 1936, the newspaper Pravda published the annihilating article About Artist-Daubers, which marked the beginning of the campaing to eradicate all "formalism" from Soviet art. The article subjected Lebedev´s illustrations for Marshak´s collection verse, Tales, Songs, Riddles (1935) to serious criticism. These experiences played a dramatic role in the fate of the artist. Lebedev endured forced aesthetic compromise, which is reflected in his art of the 1940s and 1950s. Summing up his creative output at the end of his life, Lebedev maintained "In order to understand my creative work it is necessary to know and to remember that I am an artist of the 1920s. I speak thus not only because my best work belongs to that era. More importantly and essentially, I was formed in the spiritual atmosphere of that time. The roots of all my ideas and conceptions depart from there." [Masha Koval]

Illustration for Mimatsu, published in Cite Magazine. Ilustraci贸n para Mimatsu, publicada en la revista Cite.

Tadahiro

esugi Urban Landscapes Paisajes urbanos text by artículo de

Anna Gomis

ILLUSTRATION ILUSTRACION

¡bla!

adahiro Uesugi Japanese illustrator shows us through his drawings urban corners observed by slender and curious characters. Sometimes, they look like tourists, and others, mere walkers moving forward lost in thought and oblivious to their surroundings. The eye of the illustrator is kind and optimist. This way he shows us cities and landscapes from all over the world, stroked by the sun, clean and appealing. Architecture has a predominant role in his work: from buildings in the streets of Paris or Japan to New York bridges, train stations or shop windows. Fashion, luxury, culture and leisure are also present in his work. These -next to the almost-runaway-figures that appear on his illustrations- bring about a feeling of being in front of a rather elitist vision of society. But on the other hand, we find drawings in which the only goal seems to be to show the beauty of the corners that keep the charm of tradition and where time has not went by. After showing his work on CD covers, comics, fashion magazines and wine bottle labels, Huesugi made his debut in 2008 as a visual designer for the animation film Coraline. The architecture and the inhabitants of the city are the protagonists of these special moments and simultaneously full of everydayness of UesugiÂ´s illustrations. To the right, book cover for Futami Shobo Publishing House. La arquitectura y los habitantes de la ciudad son los portagonistas de estos momentos Ăşnicos y a la vez llenos de cotidianidad de las ilustraciones de Uesugi. A la derecha, cubierta de un libro de Futami Shobo Publishing House.

adahiro Uesugi, ilustrador japonés, nos muestra a través de sus dibujos

rincones urbanos que a su vez son observados por personajes estilizados y curiosos. Algunas veces parecen turistas y, otras, simples caminantes que avanzan absortos en sus pensamientos ajenos a lo que les rodea. El ojo del ilustrador es amable y optimista. Así, nos muestra ciudades y paisajes de todo el mundo acariciados por el sol, limpios y atractivos. La arquitectura tiene un papel predominante en su obra, desde los edificios de las calles de París o Japón, a puentes neoyorquinos, estaciones de tren o escaparates. La moda, el lujo, la cultura y el ocio están también presentes en su trabajo. Todo ello, junto con las figuras casi de pasarela que aparecen en sus ilustraciones, provoca la sensación de estar ante una visión elitista de la sociedad. En contraposición, encontramos dibujos en los que el único objetivo parece ser el mostrar la belleza de aquellos rincones que conservan el encanto de la tradición y por los que parece que no ha pasado el tiempo. Tras mostrar su trabajo en carátulas de CD, cómics, revistas de moda o etiquetas para botellas de vino, Uesugi hizo su estreno en 2008 como diseñador visual para el film de animación Coraline. Stylized characters walk the squares and streets of the cities engaged in their thoughts. Above, illustration for Seikatsusha Company, published in Leon Magazine. To the right, Lexus Card Press for Toyota. Personajes estilizados recorren las plazas y las calles de las ciudades inmersos en sus pensamientos. Arriba, ilustración para Seikatsusha Company, publicada en la revista Leon. A la derecha, Lexus Card Press para Toyota.

Above, illustration for Relaux Comunications Company, published in Furomuna Magazine. Arriba, ilustraci贸n para Relaux Comunications Company, publicada en la revista Furomuna.

Above, Lexus Card Press for Toyota. To the right, illustration for LaLaPado free paper Magazine. Arriba, Lexus Card Press para Toyota. A la derecha, ilustraci贸n para la revista gratuita LaLaPado.

Christmas card for BMW Japan. Tarjeta de navidad para BMW Jap贸n.

[Armas] You started studying graphic design at the University of Buenos Aires and your contact in the 90s with independent music from Buenos Aires encouraged you to illustrate record covers, what mark does those beginnings have on your work today? [Varsky] I think that the most important mark is that of self-management as a driving force. Back then, we were the people who edited the material. I say "we" because I always saw myself as part of a group, even when in reality it was the musicians who financed the projects themselves. But, in any case, it was me, as a designer, who was in charge of the graphics and the packaging being feasible. This idea of doing it by yourself without waiting for someone to do it for oneself is still, even today, the cornerstone of my projects.

interview by entrevista de

Rocío Armas

[Armas] Comenzaste estudiando diseño gráfico en la Universidad de Buenos Aires y el contacto en los 90 con la música independiente de Buenos Aires te animó a ilustrar discos, ¿qué huella de aquellos inicios destila hoy tu trabajo? [Varsky] Creo que la huella más importante es la de la autogestión como motor. En aquella época éramos nosotros mismo quienes editábamos el material. Digo "nosotros" porque siempre me vi como parte de un colectivo, aunque en realidad eran los mismos músicos quienes autofinanciaban los proyectos. Pero, en todo caso, era yo como diseñadora quien se encargaba de que la gráfica y el packaging fueran realizables. Esa idea de hacerlo por

On the right, Alice in Red, personal work from the series What the Wind Left Me. A la derecha, Alicia en rojo, trabajo personal de la serie Lo que el viento me dejó.

Avant-guard and brave in exploring new possibilities, aged barely 16 years old, Laura Varsky (Buenos Aires, 1976) was sure that she wanted to be a graphic designer. Today her name is synonymous with great work in this field and also in illustration. After Lady René, she is now preparing her second typography in the market, after having published a book written and illustrated by her and defending self-management as a professional option. In 2006 her talent received a Latin Grammy award for the artistic direction of the record Café de los Maestros. After ten years of teaching in the University of Buenos Aires, she has observed a growing interest in illustration in new graphic designers; something which, in her opinion, leads to less "depth in the narrative aspects." Vanguardista y muy valiente en la exploración de nuevas posibilidades, y con apenas 16 años, Laura Varsky (Buenos Aires, 1976) tuvo claro que quería ser diseñadora gráfica. Hoy, su nombre es sinónimo de buen hacer en tanto en ese campo como en el de la ilustración. Después de Lady René, prepara ahora su segunda tipografía, tras haber publicado un libro escrito e ilustrado por ella y, por supuesto, defiende la autogestión como opción profesional. En 2006 recibió un Grammy latino por la dirección artística del disco Café de los Maestros. Tras diez años impartiendo clases en la universidad bonaerense observa un creciente interés por la ilustración en los nuevos diseñadores gráficos. Un hecho que, en su opinión, limita "la profundidad en los aspectos narrativos".

INTERVIEW ENTREVISTA

Your designs gathered popularity and prestige until they fell in the hands of the musician and producer Gustavo Santaolalla, with whom you received a Latin Grammy award for Best Art Direction for the record Café de los Maestros, was this a turning point in your career? Looking back on it from a distance, I would say yes, it is possible that it was. But above all it was due to the fame that my work got through the press. Day to day I didn’t see it like that. My dealings with clients and the kind of projects that were presented to me were still the same. I think that the strongest turning points in my career have been caused by other factors, more internal than external. Lady René was your first typography in the market. Now, you’re preparing to launch a second one, what do you find so attractive way of illustration which is so marked out? I come from design and teaching in the area of typography. I feel that it is a field which I belong to more than illustration. I don’t feel that it is a marked out space in illustration. I think that they are both extremely rich and varied disciplines. What I do is bridge the two. Being able to find a project which allowed me to join two of my biggest interests was fascinating. I was able to take illustration to the systematic world of typography as well as revitalise the text playing field with my illustrated strokes/lines. I took it on as a personal challenge. This typography gives name also to a children’s book illustrated by you which received an award in Chile. Is showing two of your sides in one a way of killing two birds with one stone? Without a doubt! I saw typography as a personal project (carried out under the supervision of Ale Paul, a great typographic designer), I didn’t know whether it, commercially, had a future. So, I decided to enjoy the creative process to the maximum. When it came to thinking about how I should show how it works, I said "why

To the left, Reflections of an old cat, fat and lack of a tooth, Fierro Magazine, Argentina. Above, Buenos Aires, Bleu and Blanc Magazine, Mexico. A la izquierda, Reflexiones de una gata vieja, gorda y falta de un diente, Revista Fierro, Argentina. Arriba, Buenos Aires, Revista Bleu and Blanc, Méjico.

uno mismo sin esperar a que alguien lo haga sigue siendo, al día de hoy, un pilar en mis proyectos. Tus diseños fueron ganando en popularidad y prestigio hasta caer en las manos del músico y productor Gustavo Santaolalla, junto a quien recibiste un Grammy Latino a la Mejor Dirección de Arte por el disco Café de los Maestros, ¿fue un punto de inflexión en tu carrera? Viéndolo en la distancia creo que sí, que es probable. Pero sobre todo por la notoriedad a través de la prensa que tuvo mi trabajo. En el día a día no lo percibí tan así. El trato con los clientes y el tipo de proyectos que se me presentaron siguieron siendo los mismos. Los puntos de inflexión de mi carrera más fuertes creo que se han dado por otros factores, más internos que externos. Lady René es tu primera tipografía en el mercado. Ahora te preparas para lanzar una segunda, ¿qué atractivo encuentras en esta forma tan concreta de la ilustración? Vengo del diseño y de la docencia en el área de la tipografía. Siento que es un terreno al que pertenezco más aún que al de la ilustración. No siento que sea un espacio delimitado. Creo que son dos disciplinas sumamente ricas y variadas. Lo que hago es un puente entre ambos. El haber encontrado un proyecto en el que pudiera unir dos de mis mayores intereses fue fascinante. Logré llevar la

ilustración al mundo sistemático de la tipografía así como refrescar el terreno de los textos con mis trazos ilustrados. Lo tomé como un desafío personal. Esta tipografía da nombre también a un libro infantil ilustrado por ti y premiado en Chile, ¿una forma de matar dos pájaros de un tiro, mostrar tus dos facetas en una? ¡Sin duda! La tipografía fue planteada como un proyecto personal (realizado con la supervisión de Ale Paul, gran diseñador tipográfico), yo no sabía si comercialmente tenía algún futuro. Por lo tanto me propuse disfrutar el proceso de su creación en plenitud. A la hora de pensar cómo debía mostrar su funcionamiento me dije, "¿por qué no hacerlo a través de un libro para niños?". Nunca había hecho uno y me resultaba motivador. En principio se trató de un falso libro que uno puede descargarse en formato digital. Hasta que una editorial chilena se acercó con la propuesta de realizarlo materialmente y en español, un lujo para mí. Ultimas además un libro para adultos ilustrado y escrito por ti, y el diseño de otro libro ilustrado. Pasar del trabajo por encargo a la autogestión, ¿ha sido una decisión o la imposición de un mercado en crisis? Una decisión tomada muy conscientemente. Lo que no quiere decir que la crisis del mercado de la música no me haya

ayudado un poco (porque acercarme a la autogestión significó dejar de diseñar discos). De todos modos sigo trabajando por encargo, pero ilustrando y para proyectos con los que siento empatía. Podría decir que pasé a tener un trabajo de autor. Y eso tuvo que ver con la necesidad de conectarme con mi propio lenguaje gráfico después de haber diseñado durante mucho tiempo universos visuales que hablaran por otros.

Sleazy Things-Sei Shônagon, personal work from the series What the Wind Left Me. Cosas sórdidas-Sei Shônagon, trabajo personal de la serie Lo que el viento me dejó.

not do it through a children’s book?" I had never done one before and it was very motivating. In principle, it was a false book that one could download in digital format until the Chilean publishing house came to me with the proposal to do it materially and in Spanish, a complete luxury for me. You’re also finishing a book for adults illustrated and writing by yourself and the design of another illustrated book. Has preferring self-management work to for-hire work been your decision or has it been imposed by a market in crisis? It was a very conscious decision which does not mean to say that the music market crisis hasn’t helped me a little bit (because moving towards selfmanagement meant stopping designing records). In any case, I still do for-hire work, but illustrating and for projects which resonate with me. One could say that I moved on to having a author work. And this had to do with the need to connect with my own graphic language after having designed visual universes that spoke for others for so long. You have given classes at the University of Buenos Aires for ten years and you have given typography workshops and conferences throughout Latin America, do you see teaching as an aside to your work or is it purely vocational? No, it’s purely vocational! In Argentina it’s very difficult for someone to see teaching as a professional design job. Unfortunately, teaching salaries are very low and, in fact, my first years, as with almost everyone in Public Universities, have been ad-honorem. In any case, private universities don’t pay their teachers good wages either, at least as far as I know.

Has impartido clases en la Universidad de Buenos Aires durante diez años y has impartido talleres de tipografía y conferencias por Latinoamérica, ¿encuentras en la faceta de docente una salida a tu profesión o es pura vocación? No, ¡pura vocación! En Argentina es muy difícil que alguien se acerque a la docencia como salida profesional en el diseño. Lamentablemente, los sueldos docentes son muy bajos y, de hecho, mis primeros años como los de casi todos en la Universidad Pública han sido adhonorem. De todos modos, las universidades privadas tampoco proponen buenos salarios para sus docentes, al menos dentro de lo que conozco yo. En el trato con tus alumnos ¿has podido percibir nuevas inquietudes y tendencias en la próxima generación de ilustradores? La mayoría de los alumnos de mis talleres actuales provienen del diseño. Y eso sucede porque no hay formación formal en ilustración. Me encuentro con chicos que están descubriendo la disciplina y que poseen herramientas similares a las mías cuando comencé a meterme en este mundo. Asimismo, mis clases se concentran en el dibujo de letras (lettering) por lo tanto, obviamente, la gente que los cursa se interesa por esa sub-rama de la ilustración. Me cuesta To the right, La Habana, Diaries and Notebooks Monoblock, Argentina. A la derecha, La Habana, Agendas y cuadernos Monoblock, Argentina.

In your dealings with your students have you been able to see new curiosities and tendencies in the next generation of illustrators? The majority of the students in my workshops come from design and this is because there is no formal training in illustration. I encounter people who are discovering the discipline and which have tools similar to mine when I began to emerge myself in this world. At the same time, my classes concentrate on lettering therefore, obviously, the people on the course are interested in this sub-branch of illustration. I find it difficult to have a wider view of illustration from this place. What I do see is an increase in the quantity of graphic designers who want to devote themselves to illustration. And this takes us, in my understanding, to wider graphic development but with less depth in the narrative aspects.

tener una visión más amplia de la ilustración desde ese lugar. Lo que sí advierto es un incremento en la cantidad de diseñadores gráficos que quieren dedicarse a ilustrar. Y eso nos lleva, a mi entender, a un desarrollo gráfico más amplio pero con menor profundidad en los aspectos narrativos. Dices que tu ciudad ideal es Berlín, ¿tiene algo que ver con el movimiento artístico de vanguardia que impera en una urbe como esa? Creo que sobre todo tiene que ver con mis experiencias personales en esa ciudad. La visité varias veces y siempre en contextos especialmente enriquecedores, en eventos de ilustración y

diseño de personajes, en donde conocí gente sumamente interesante y aprendí muchísimo de la profesión. Pude adentrarme en el ritmo de vida que tiene y me resultó fascinante. Es un lugar en el que suceden muchísimas cosas estimulantes pero sin el estrés que pueden tener otras ciudades efervescentes como Nueva York o, incluso, Buenos Aires. Sin duda, el arte y To the left, Picture yourself-John Lennon, personal work from the series What the Wind Left Me. Below, Perfume-Maurice Maeterlinck, personal work from the series What the Wind Left Me. A la izquierda, Picture yourself-John Lennon, trabajo personal de la serie Lo que el viento me dejó. Abajo, Perfume-Maurice Maeterlinck, trabajo personal de la serie Lo que el viento me dejó.

You say that your ideal city is Berlin does this have something to do with the Avant-guard artistic movement that reigns supreme in a major city like that? I think that above all it has to do with my personal experiences of the city. I have visited it several times and always in especially enriching contexts, for illustration events and character design, where I met extremely interesting people and I learnt a lot about the profession. I was able to get into their way of life and found it fascinating. It is a place where lots of stimulating things happen but without the stress that other effervescent cities have such as New York, or even Buenos Aires. Without a doubt, art and design can be found in all corners, almost without wanting it to be so. Bookshops specialising in fanzines and independent editions, workshops on silk-screen printing located in old butcher’s shops, art galleries wherever you look, a record number of edited vinyl discs, an obligatory rite of passage for anyone called an urban artist. If we say that Rome allows us

to discover the history of western civilization, Berlin, without doubt, contains everything which has happened in the 21st century. It’s marvellous… Can you define your designer and illustrative styles? How much does Art Nouveau aesthetics influence them? I like to think that my design style and my illustrative style are different. Design work to generate a graphic language which represents a product itself in the most honest and seductive way (I work in the culture area of design). In illustration, I concentrate on understanding what my own language is: my interests, influences and deficiencies, everything which forms a style. Art Nouveau and even Arts and Craft are artistic movements which I find very interesting. From the Art Nouveau style, it’s energetic overflow and whims are what attract me, carefully graphic chaos. But I am also fascinated by the way in which it inundates all the scene and routine of the period. It invades everything from a monumental architecture to an untidy hairstyle. Everything is inundated by its lines. I love it. Have new technologies facilitated your work or have you not had any option but to adapt to it against your competitors? Where does that leave handmade art today? It facilitates my work! It brings my production time down. Each new tool that I find stimulates me to learn something new and discover alternatives to my working processes. And the exact same thing happens to me with digital media. I love investigating new software or a different graphic design tablet. On the other hand, I don’t consider other illustrators as competition. Each one has a different voice and all of them enrich the scene. With design, it’s difficult to mark out personalities in work, but even so I trust that each one has something different to bring to a project. On both pages, Instructions to treat melancholy, Quilombo Editions, Chile. En ambas páginas, Instrucciones para tratar la melancolía, Quilombo Ediciones, Chile.

el diseño están en todos los rincones, casi sin quererlo; librerías dedicadas a fanzines y ediciones independientes, talleres de serigrafía instalados en viejas carnicerías, galerías de arte por donde mires, record en cantidad de discos de vinilo editados, lugar de paso obligatorio para quien se diga artista urbano. Si podemos decir que Roma nos descubre la historia de la civilización occidental, Berlín, sin duda, concentra todo lo ocurrido en el siglo XX. Es maravillosa… ¿Podrías definir tu estilo a la hora de diseñar e ilustrar? ¿cuánta influencia hay de la estética del Art Nouveau en él? Me gusta creer que mi estilo para diseñar no es el mismo que para ilustrar. Diseñando trabajo para generar un lenguaje gráfico que

represente, de un modo lo más honesto y seductor posible, al producto en sí (mi campo de diseño es en el terreno cultural). Ilustrando me concentro en entender cuál es mi propio lenguaje: mis intereses, influencias y deficiencias, todo aquello que definen un estilo. El Art Nouveau e, incluso, el Arts and Craft son movimientos artísticos que me interesan muchísimo. De la estética orgánica del primero me atraen el desborde y el capricho, el cuidadoso descontrol gráfico. Pero además, me fascina el modo en el que inunda toda la escena y la rutina de la época. Invade desde la arquitectura monumental hasta un desprolijo peinado. Todo se inunda por sus líneas. Me encanta. ¿Las nuevas tecnologías han facilitado tu trabajo o no te ha quedado más remedio que adaptarte a ellas frente a la competencia?¿dónde queda hoy la tarea artesanal? ¡Me lo facilitaron! Me acortaron muchísimo los tiempos de producción. Cada herramienta novedosa que encuentro me estimula a aprender algo nuevo y descubrir alternativas en mi proceso de trabajo. Y con los medios digitales me ocurre exactamente lo mismo; me encanta investigar un nuevo software o una tableta gráfica diferente. Por otro lado, no considero a los demás ilustradores una competencia. Cada uno tiene una voz diferente y todas enriquecen la escena. Con el diseño es más difícil delimitar las personalidades en el trabajo, pero de todos modos confío en que cada uno tiene algo distintivo para aportar en un proyecto.

GRAPHIC NOVEL NOVELA GRAFICA

text by artículo de

Mar Márquez

Después del éxito logrado con Kiki de Montparnasse (Ediciones Sins Entido, 2011), Catel Muller y Jose-Louise Bocquet vuelven a la carga con la biografía de la que muchos consideran la primera feminista de la historia y un icono revolucionario en la defensa de los derechos de la mujer: Olympe de Gouges. Sins Entido sigue apostando por la pareja creativa Catel-Bocquet (ilustración y guión respectivamente) al publicar para el mercado español su segundo trabajo conjunto, que en esta ocasión nos trae el relato biográfico de la que, según Bocquet, es la "antecesora de todas las mujeres libres de Francia y tal vez de Europa". Ahí es nada. Olympe de Gouges, escritora, dramaturga, política y panfletista francesa del siglo XVIII es mayormente conocida por haber escrito la Declaración de los Derechos de la Mujer y la Ciudadana en 1791, pero muchos otros fueron los campos en los que ella se mostró;

After the success enjoyed with Kiki de Montparnasse (Sins Entido publishing house, 2011), Catel Muller and JoseLouise Bocquet return to work with the biography of whom many consider to be the first feminist in history and a revolutionary icon in defending women’s rights: Olympe de Gouges. Sins Entido continue counting on the Catel-Bocquet creative pair (illustration and scriptwriting respectively) when publishing their second joint work for the Spanish market, which on this occasion brings us the biographical story of the women who, according to Bocquet, is the "ancestor of all free women in France and maybe even in Europe". No more, no less. Olympe de Gouges, an 18th century French writer, playwright, politician and pamphleteer, is mainly known for having written the Declaration of the Rights of Women and the Female Citizen in 1791, but she proved herself to be, in many other areas, as has been commented about her, even more revolutionary than revolution itself. She defended the most disadvantaged people, from the poor to prostitutes and the unemployed, carrying out social initiatives to improve their living conditions; she was actively in favour of abolishing slavery and the death penalty and fought against the political corruption of her time, always being radically loyal to her convictions, even when they went against the general political tenor of the period. For Catel, Olympe de Gouges is a role model to be followed, a heroin to whom the modern woman finds herself, probably without realising it, in debt: "Talking about women like her is a homage because, thanks to her, today the rest of us are free and are able to do the kind of jobs that I am doing now".

Catel-Bocquet

Olympe de Gouges

¡bla!

como se ha dicho, fue más revolucionaria que la propia Revolución. Defendió a los más desfavorecidos, tanto indigentes como prostitutas o parados, llevando a cabo iniciativas sociales para mejorar sus condiciones de vida; militó a favor de la abolición de la esclavitud y de la pena de muerte, y luchó contra la corrupción política de su tiempo, manteniéndose radicalmente fiel a sus convicciones incluso cuando iban en contra del tenor político general de la época. Para Catel, Olympe de Gouges es un modelo a seguir, una heroína con la que la mujer contemporánea se encuentra, seguramente sin saberlo, en deuda: "Hablar de mujeres como ésta es un homenaje, porque gracias a ella hoy las demás tenemos libertad y podemos realizar un trabajo como el que yo estoy haciendo ahora". No deja de sorprender que este personaje, al parecer tan influyente en nuestra concepción moderna de la igualdad entre sexos, resulte bastante desconocido por el público. Pero ya en su momento era poco menos que peregrino el que una mujer pudiera desempeñar semejante papel político y social, y posteriormente, en el siglo XIX, su figura quedó expuesta al escarnio, la burla y la difamación a que la sometió el movimiento intelectual francés, que en ningún momento quiso aceptar la existencia de una ideóloga revolucionaria entre sus filas. No será hasta el siglo XX que la vida de Olympe de Gouges se investigue y recupere a partir de documentación de la época. "Tanto Kiki como Olympe son clandestinas de la historia", afirma Bocquet. "Queríamos descubrir qué había realmente detrás de estos símbolos, sentíamos una gran curiosidad al respecto". El fruto de esa curiosidad es una novela gráfica que ha sido concebida y construida

It’s surprising, therefore, that this character, who seems so influential in our modern conception of gender equality, was quite unknown in her time. But at that time, a woman could do little more than be a pilgrim in the political and social roles, and later, in the 19th century, she was subject to ridicule, mocking and slander by the French intellectual movement, which at no point wanted to accept the existence of a revolutionary ideology in its ranks. It wasn’t until the 20th century when the life of Olympe de Gouges was investigated and recovered from some of the documents from the period. "Both Kiki and Olympe are historical secrets", adds Bocquet. "We wanted to discover what really lay behind these symbols. We were very intrigued by it all." The fruit of this curiosity is a graphic novel which has been slowly, gently and rigorously conceived and constructed. Before beginning the script, Bocquet spent a year studying everything there was to know about the world in the 18th century. On the other hand, Catel was responsible for the graphical side of the investigation, studying the period with a special emphasis on Paris, from its architecture to the interior decor and clothing used.

lentamente, con mimo y rigor. Antes de empezar a redactar el guión, Bocquet dedicó un año a documentarse a fondo sobre el mundo del siglo XVIII. Por su parte, Catel se encargó de la investigación gráfica, concentrándose sobre todo en lo referente al aspecto del París de la época, desde la arquitectura y la decoración de interiores a los trajes en uso. Bocquet confiesa que, de todo el trabajo, el momento creativo que ambos disfrutan más es el de crear juntos el story-board cuando Catel ilustra el guión de Bocquet: "Antes del guión gráfico, la historia es un escenario sin dibujos, solamente una intención, pero una vez puesto en escena el trabajo ya existe; aún falta el dibujo, pero la creación ya se encuentra en el story-board. Es mágico" concluye Bocquet. Entre las primeras investigaciones y el resultado final pasaron nada menos que tres años, en los que Catel realizó las ilustraciones primero a lápiz para pasarlas después a tinta con pluma en un estilo que recuerda en ocasiones a la xilografía y que encaja sólidamente con la historia y la estética representada. Según Bocquet, el pequeño formato en blanco y negro aparecido en el año 2.000 ha significado una auténtica revolución en el mundo del cómic, superando el formato anterior de 48 páginas con tapa dura y en colores: "Se trata de una imagen americana, que nació con Will Eisner en los años ochenta y siguió con Art Spiegelman y Mouse. Esto nos ha permitido a los autores de cómic apropiarnos de otros géneros literarios como el reportaje o la biografía, cosa que antes no era posible. Nosotros lo hemos utilizado para hacer una biografía de una mujer libre".

Bocquet confesses that the creative movement that they both enjoyed more than anything else in this process was working together to create the story-board, with Catel illustrating and Bocquet writing: "Before the graphic script, the story is a scene without drawings, simply an intention. But once the scene is there, the work then exists; the drawings are still missing but the creation is already on the storyboard. It’s magic," concludes Bocquet. From the very first investigations to the final product, nothing less than three years passed, during which Catel created the illustration first in pencil and then in ink with a quill, in a style that sometimes reminds one of xylography and which solidly embodies the history and aesthetics. According to Bocquet, the small black and white format which appeared in the year 2,000 has brought about an authentic revolution in the world of the comic, exceeding the previous format of 48 colour pages with a hardcover: "It’s an American image, which was born with Will Eisner in the eighties and was continued by Art Spiegelman and Mouse. This has allowed us, comic authors, to take over other literary genres such as journalism and biography, something which wasn’t possible before. Here we have used it to create a free woman’s biography."

Mark

Smith

text by artículo de

Anna Gomis

El dominio del color es una de las primeras características que llama la atención del trabajo del ilustrador Mark Smith. En cada una de sus obras predomina una única tonalidad, como si el espectador, una vez terminado el dibujo, se colocase frente a los ojos un filtro tintado. Los colores más presentes de su producción artística son el azul, verde, naranja y rojo, además del blanco y negro de las siluetas y elementos que se describen en cada ilustración. Smith idea y captura en el papel situaciones irreales y espejismos visuales, con juegos de sombras que cobran vida y que llegan a usar unas tijeras para cortar la sobra de la comba de una niña. De trazo sencillo e ilustraciones frescas y poco pesadas visualmente, su obra retrata la sociedad, la política, el deporte o el hombre con un punto de vista irónico y mordaz, pero que también puede llegar a ser,

Domination of colour is one of the first characteristics that stands out in the work of the illustrator Mark Smith. In each of his works, a unique tonality dominates, as if the spectator, once the drawing is finished, has a tinted filter placed in front of their eyes. The colours which are most often found in his artistic work are blue, green, orange and red as well as the black and white of silhouettes and elements which are described in each illustration. Smith thinks up and captures on paper unreal situations and visual mirages, playing with shadows which spring to life and which end up using a pair of scissors to cut the surplus cord from a little girl’s skipping rope. With simple lines and fresh illustrations which are visually light, his work portrays society, politics, sport or man from an ironic and scathing point of view, but which can become, in some drawings, a pessimistic point of view. To the left, Managing change image for Puck Studio. Director; Robbie Wilkinson. A la izquierda, Gestionando el cambio imagen para Puck Studio. Director; Robbie Wilkinson.

ILLUSTRATION ILUSTRACION

Hegemony of colour Hegemonía del color

en algunos de sus dibujos, pesimista. El artista inglés, profesor de Ilustración en la Universidad de Plymouth, ha recibido numerosos reconocimientos a su trabajo, que ha aparecido en medios como The Guardian o The Washington Post, y en multitud de revistas y portadas de libros. On this page, Harvesting knowledge image for Public Finance Magazine. Group Art Director; Mark Parry, Art Director; Petra Kemkova. To the right, Avoiding mortgage traps, image for Moneysense Magazine. Design Consultant; Roy Gaiot. En esta página, La cosecha del conocimiento imagen para Public Finance Magazine. Director de grupo de arte; Mark Parry, Directora de arte; Petra Kemkova. A la derecha, Evitar las trampas hipotecarias, imagen para Moneysense Magazine. Consultor de diseño; Roy Gaiot.

The English artist, a professor of illustration at the University of Plymouth, has received numerous acknowledgements for his work which has appeared in the newspapers such as The Guardian and The Washington Post, and in numerous magazines and book covers.

On this page, Managing underperformers when the pressure is on, image for Public Finance Magazine. Group Art Director; Mark Parry, Art Director; Petra Kemkova. To the right, Girl bullies image for You Magazine, (Art Director; Linda Boyle, Designer; Paul Browning). En esta página, Gestión de bajo rendimiento cuando la presión está alta, imagen para Public Finance Magazine. Director del grupo de arte; Mark Parry, Directora de arte; Petra Kemkova. A la derecha, Chicas agresoras imagen para You Magazine. Directora de arte; Linda Boyle, Diseñador; Paul Browning.

25% of wives in UK households are taking the financial strain while their husbands take time out. Image selected for the Association of Illustrators "Images 35" annual. Illustration for You Magazine. Art Director; Linda Boyle, Designer; Paul Browning. El 25% de las mujeres en los hogares del Reino Unido están tomando la carga financiera mientras sus maridos descansan. Imagen seleccionada para el anuario de Association of Illustrators "Images 35". Ilustración para You Magazine. Directora de arte; Linda Boyle, Diseñador; Paul Browning.

URBAN ART ARTE URBANO

C215 text by artículo de

Rocío Armas

C215 watches life go by on the streets of Paris, Masellie, Barcelona, London or Rome. Already located within the élite of street art, this Parisian graffiti artist shares his throne with names such as Banksy and Obey, amongst others. His portraits of beggars, cats, street children, loved-up couples or old people have humanity as their common denominator in the lines and unsettling expression in their eyes. Just like another passer-by, C215’s characters wander smugly/proudly/cheerfully/arrogantly around corners, post boxes, telephone boxes and walls of many European capitals with the aim of stopping a pedestrian in their tracks and that their eyes soak up, in equal part, the work’s social critique and precocity. Christian Guémy gives name to a true genius in stencil techniques, whose work it has been possible to admire recently in Spain. The Montana Gallery, until the past 2nd February, counted on the privilege of welcoming the first exposition of solely C215 work in Barcelona. Throughout the facilities containing recycled and painted objects, the unique creator expresses his examination of love through femininity. His ability in handling stencils and his sparkling tones have already left a permanent mark on current urbanism. Guémy has patented his own pictorial language which is always close to the human face.

On the left, unsettling portrait of a child in Rome. To the right, a painting in London, the expression on the faces is the signature feature of C215. A la izquierda, inquietante retrato de un niño en Roma. A la derecha, una pintura en Londres, la expresividad en los rostros es la característica firma de C215.

Por las calles de París, Marsella, Barcelona, Londres, o Roma C215 ve la vida pasar. Ubicado ya entre la elite del street art, este grafitero parisino comparte trono con nombres como Banksy y Obey, entre otros. Sus retratos de mendigos, gatos, niños de la calle, parejas de enamorados o ancianos poseen el denominador común de la humanidad en el trazo y la expresión inquietante en los ojos. Como un transeúnte más, los personajes de C215 deambulan ufanos por las esquinas, buzones de correo, cabinas de teléfono y muros de muchas capitales europeas con el propósito de detener el paso del viandante y que sus ojos se impregnen, a partes iguales,

de denuncia social y preciosismo. Christian Guémy da nombre a todo un genio en la técnica del stencil, cuya obra se pudo admirar recientemente en España. La sala Montana Gallery contó hasta el pasado 2 de febrero con el privilegio de acoger la primera exposición en solitario de C215 en Barcelona. A través de instalaciones con objetos reciclados y pintados, el singular creador plasmó su exploración del amor a través de la feminidad. Su habilidad en el manejo de las plantillas y sus rutilantes tonalidades han dejado ya una huella imborrable en el urbanismo actual. Guémy ha patentado su propio lenguaje pictórico, siempre cerca del rostro humano.

On the left, the color spreads through the streets of Dublin. On this page, C215 up work in New Delhi. Below, painting by the artist on the streets of London. A la izquierda, el color se esparce por las calles de Dublin. En esta pรกgina, arriba obra de C215 en Nueva Delhi. Abajo, pintura del artista en las calles de Londres.

Above, Sway. Below, portrait of a girl in London. Below this lines, a woman in Rome. To the right, Portrait of Kase2, based on the picture of Martha Cooper. Arriba, Sway. Abajo retrato de una chica en Londres. Bajo estas lĂneas, una mujer en Roma. En la pĂĄgina de la derecha, Retrato de Kase2, basado en un cuadro de Martha Cooper.

ANIMATION

ANIMACION

text by artículo de

Rocío Armas

pacious Thoughts

Canada • 2009 [4min 32sec]

Direction Dirección Fluorescent

Hill •‌ Production Company Productora Fluorescent Hill •

Exec. Producer Productor Ejecutivo

Susan Applegate, Syd Garon • Animation Animación Mark Lomond, Johanne Ste-Marie • Modelling & Rigging Modelado & Equipos

Jacques Khouri • Music Música N.A.S.A featuring Tom Waits & Kool Keith

"The building never falls down, they are the teeth of the town that crush us up and they grind". Gravity in Tom Waits voice becomes even more graphic when it falls in the hands of talented Fluorescent Hill. From their studio in Montreal, Mark Lomond and Johanne Ste-Marie thought up one of the most suggesting videoclips of the Hip Hop band N.A.S.A.. The voices of the rapper Kool Keith and that of the ineffable Tom Waits as exceptionals guests, guide this animation in 2D and 3D for the song Spacious Thoughts. A sort of ball with legs wanders furiously through an industrial lanscape over a white bed patched with violent marks that interrupt its way. The itinerary of this curious character explodes with each lighted rime going out of its large mouth, guided by a pair of galactic boots and gloves matching. Sometimes, a huge toxic cloud invades the atmosphere, as violent as the colours shown, and the main character sucks it back to finally transforms it in the original version once again. And so on, the character movements encompass this dark itinerary that its artificers have transformed in a complete work of art for another talent, that of N.A.S.A.

"El edificio nunca se cae, son los dientes de la ciudad que nos aplastan y nos muelen". La tremenda gravedad sonora de Tom Waits se transforma todavía más gráfica cuando cae en manos de Fluorescent Hill. Desde su estudio en Montreal, Mark Lomond y Johanne Ste-Marie idearon en 2009 uno de los videoclips más sugerentes de la banda de hip hop, N.A.S.A. Las voces del rapero Kool Keith y del inefable Tom Waits como invitados de excepción, guían esta animación en 2D y 3D para el tema Spacious Thoughts. Una especie de balón con patas que deambula furioso por un paisaje industrial sobre fondo blanco golpeado por violentas manchas que irrumpen a su paso. El itinerario de este curioso personaje estalla a cada paso con las rimas encendidas que salen de su boca, marcado por unas botas galácticas a juego con sus guantes. Por momentos, una enorme nube tóxica invade la atmósfera, violenta como los colores que exhibe, y que su protagonista engulle para mutarse de nuevo en su apariencia original. Y así sucesivamente, los movimientos del personaje van marcando el compás de un contaminado sendero que sus artífices han transformado en toda una obra de arte para otro talento, el de N.A.S.A. To the left, sketch of the instant when the character becomes a cloud of toxic thoughts. A la izquierda, boceto del momento en que el personaje se transforma en una nube toxica de pensamientos.

[Fluorescent Hill] As the character walks through the urban/industrial landscape, we can see that we're dealing with a character with some sort of split personality struggle throughout the track. Each time the vocal changes it brings about a violent transformation in the character, changing his colour, swagger, size, and overall movement. When the chorus kicks in our character

explodes in an enormous toxic thought bubble that looms over the city. At the end of each chorus it's sucked back into the body of the main character and is transformed once again. It isn't until the end that the character finally succumbs to his landscape and explodes into a combination of all the characters, toxic clouds, industrial colour palettes and energy. We were first approached by N.A.S.A (DJ Squeak E Clean and DJ Zegon) right in the midst of them bringing on various artists and directors together to produce music videos for each track of their new album Spirit of Apollo. They thought we'd be a good fit for the song Spacious Thoughts and asked if we'd be interes-

ted. The brief for the project was pretty straightforward: they wanted to have something dark in tone, and that's pretty much it. They gave us complete carte blanche to have as much fun with it as possible. After hearing Tom Waits and Kool Keith bounce lyrics back and forth on the track, we thought about creating one character who could encompass both powerful voices. We purposely designed a character that was visually simple, who was just a ball with legs and arms sticking out of it and a large mouth so that we could focus on the singing that goes on in the song. We knew we wanted to have a mix of 2D and 3D with this project. We decided to do the backgrounds in 2D. We

went out to train yards, ship yards and industrial areas of Montreal to take reference photos of the grimiest places and later went through the pictures and collaged a lot of elements together. We drew them out and followed a slow colour progression throughout the video. As for the 3D, this project was our first project where we modeled and rigged a character. There was a great learning curve on how to animate him but it allowed us the ability to really push the boundaries of what the character could do. We played around with some particle effects for the big cloud character and just spent quite some time compositing all these different styles and techniques together into something cohesive.

luorescent Hill is an art collective comprised of Mark Lomond and Johanne Ste-Marie. Mark is originally from North Sydney, Canada. He studied design at the Emily Carr Institute of Art & Design in Vancouver before dropping out and getting a job storyboarding for horrible kids tv shows. Then went back east to school to finish his degree in film animation. Johanne was born and raised in Montreal. After figuring out that animation was the medium she enjoyed the most, she enrolled at Concordia University for her BFA in Film Animation. Fluorescent Hill have worked on projects all over the world. They first started out directing music videos in 2002 and have added to their repertoire the directing/ producing advertisement works and most recently, short films.

es un colectivo artístico compuesto por Mark Lomond y Johanne Ste-Marie. Mark es de North Sydney, Canadá. Estudió diseño en el Emily Carr Institute of Art & Design, en Vancouver. Antes de acabar sus estudios consiguió un trabajo creando storyboards en unos programas horribles de televisión para niños, y entonces, volvió al este, a su instituto, para terminar sus estudios en animación. Johanne nació y creció en Montreal. Cuando averiguó que la animación era el medio que más le gustaba, se inscribió en la Universidad de Concordia. Fluorescent Hill ha trabajado en proyectos por todo el mundo, empezaron dirigiendo videos musicales en 2002 y han añadido a su repertorio la dirección y producción de publicidad y, más recientemente, cortometrajes.

[Fluorescent Hill] A lo largo del video, mientras el personaje camina por un paisaje urbano-industrial, se advierte que se trata de un ser con algún tipo de trastorno de personalidad. Cada vez que cambia la voz, este curioso ser se contrae en una transformación violenta, cambiando su color, su contoneo y su manera de moverse. Cuando llega el estribillo, explota en una burbuja enorme, de pensamientos tóxicos, que se aproxima a la ciudad. Al final de cada estribillo, vuelve a transformase y retorna a la forma inicial. No es hasta el final que el personaje, por fin, cede a su naturaleza intrínseca y explota en una

combinación de todas sus personalidades, entre nubes tóxicas, infinidad de colores y energía. N.A.S.A (DJ Squeak E Clean y DJ Zegon) contactó con nosotros por primera vez en un momento en que estaban reuniendo a artistas y directores, con el fin de producir videos de música para los temas de su nuevo disco Spirit of Apollo. Pensaron que encajaríamos bien con la canción Spacious Thoughts y nos preguntaron si estábamos interesados. Las instrucciones sobre el proyecto eran sencillas: querían algo de un tono oscuro, y eso fue más o menos todo. Nos dieron carta blanca para divertirnos

como quisiéramos. Tras escuchar a Tom Waits y Kool Keith y sus letras, pensamos en crear un personaje que fuera capaz de abarcar esas dos voces tan poderosas. Y con ese propósito en el punto de mira, diseñamos un personaje que fuera visualmente sencillo, que fuese simplemente una pelota con piernas, brazos y una gran boca, para de esa forma poder enfocarnos en las letras de la canción. Decidimos que para este trabajo lo mejor sería una mezcla de 2D y 3D con los fondos en 2D. Visitamos las estaciones de tren, astilleros y zonas industriales de Montreal para tomar fotos de referencia de los lugares

más mugrientos y después revisamos las fotos e hicimos un collage con todos estos elementos, lo dibujamos y seguimos un lento progreso de color a lo largo del video. Con respecto al 3D, este proyecto fue el primero en el que modelamos y dimos vida a un personaje; describimos una gran curva de aprendizaje durante el proceso de cómo animarlo, y nos permitió ampliar los límites de lo que el personaje podría hacer. Jugamos y aplicamos algunos efectos de partículas para la gran nube y pasamos bastante tiempo componiendo los diferentes estilos y técnicas hasta conseguir un conjunto integrado.

Above, sketch of the main character movement. Sobre estas líneas, boceto del movimiento del personaje principal.

Giba Barros

Pages of the notebook of Arthur D´Araujo, Art Director and Illustrator in Wieden+Kennedy São Paulo (arthurdaraujo. com), he record everything that happens around for inspiration. Páginas del libro de notas de Arthur D´Araujo, director de arte y ilustrador en Wieden+Kennedy São Paulo (arthurdaraujo.com), que busca registrar todo que pasa a su alrededor para inspirarse.

Giba Barros is a Brazilian designer; his passion is art direction and searching for original ideas that improve people’s lives. Whenever he has the chance, he spends his time observing everyday situations and the lives of the people in the streets, which is one of his favourite ways to find inspiration for his work as an ideas man in an advertising agency. Giba Barros has worked with agencies such as DDB, DraftFCB, Ogilvy and Leo Burnett. He currently forms parts of the LOLA Madrid team (www.lola-madrid.com). Giba Barros es un diseñador brasileño, su pasión es la dirección de arte y la búsqueda de ideas originales que mejoren la vida de la gente. Siempre que tiene algo de tiempo lo dedica a observar las situaciones cotidianas y la vida de las personas por las calles, es esa una de sus formas preferidas de encontrar inspiración para su labor como creativo en una agencia de publicidad. Giba Barros ha trabajado en agencias como DDB, DraftFCB, Ogilvy y Leo Burnett. Actualmente forma parte del equipo de LOLA Madrid (www.lola-madrid.com).

[Giba] This is one of the lines most heard on creation's daily life. "That" can be anything: from a 1960s billboard to a dancing goat video published 4 hours ago on the web that is already a hit. And everything is happening at the same time, a click away from any creative executive. However, things have not always been like this. When I entered the advertising world, around 13 years ago and in Brazil, reality was pretty different. There was not much information available and it was not easy to find good re-

no? ¿Has visto eso,

[Giba] Es una de las frases más escuchadas en la vida cotidiana del mundo de la creación artística. "Eso" puede ser cualquier cosa, desde un cartel publicitario de los años 60, hasta un video de una cabra que baila, que se publicó hace cuatro horas, y que ya es un éxito en la red. Y todo ocurriendo a la vez, a un sólo clic de distancia de cualquier creativo. Sin embargo, esto no siempre fue así. Cuando entré en el mundo de la publicidad, hace unos 13 años, en Brasil, era muy diferente: apenas había información disponible y no era fácil encontrar buenas referencias para el trabajo. Se necesitaba de mucha paciencia, dedicación, y horas y horas de investigación.

Las grandes agencias generalmente tenían sus propias bibliotecas, numerosas películas, músicas, las revistas más conocidas de la época, etc., mientras las agencias pequeñas dependían de la buena voluntad de los creativos en su búsqueda por la inspiración. A menudo eso empezaba en los estantes de las bibliotecas públicas, en videoclubs o en la casa de un amigo que viajaba mucho y tenia libros profesionales con referencias que nadie conocía. En ese momento, los publicistas que tenían acceso a festivales y conferencias internacionales gozaban de una gran ventaja en relación a los otros, que dependían de una enciclopedia e inspiración propia.

MASTER CLASS CLASE MAGISTRAL

t ? a h t n ee u s u o o y e y Hav t n´ e v a H

ferences for a work. A lot of patience, dedication and hours and hours of research were needed. Major agencies usually had their own libraries, numerous films, music, the most popular magazines from the time, etc., while small agencies depended on the creative executiveâ&#x20AC;&#x2122;s good will for a search of inspiration. This often started at the shelves of the public libraries, at video stores or at the house of a friend who travelled a lot and had professional books with references that no one else even knew. At that time, admen who had access to international festivals and conferences had a big advantage over the others, who depended on an encyclopaedia and inspiration. Today we have everything in our hands: endless information that multiplies at every second and brings anguish and anxiety caused by the inability to follow everything that happens around us. Even if our work consisted only in doing research on new trends, there would not be time enough to know every novelty. In order to reduce this lack of control of information, many people use

some kind of virtual office to organise, classify and track (without missing a post) the websites they consider important, something like the Google Reader. For some people, it works fine, for others like myself, it just brings more discomfort because the "articles to read" red list is increasingly longer. In the day of creation, we are always running with "needed by yesterday" tasks, and staying up to date with references is just a tiny (but no less important) part of our routine. So to avoid this situation and missing the relevant references, we usually take the easiest way -we look for information previously selected by designers, artists and admen we trust. The big problem is that we all end up drinking from the same fount of information. No matter what country you are from, the agency you work for or even your professional maturity, we read the same websites, we look at the same yearbooks, we subscribe to the same magazines, we discuss the same series, the same films, we listen to the same bands; and all of this makes our assortment very alike, and hence many times we create in a very similar way.

The big problem is that we all end up drinking from the same fount of information

El gran problema es que todos acabamos bebiendo de la misma fuente de información. In this pages, images and notes in a tiny notebook by Mario Niveo, typographer and graphic designer. Mario Niveo form part of the Motor Niveo studyo (www.niveo.com.br). En estas páginas, imágenes y anotaciones en una minúscula libreta de Mario Niveo, tipógrafo y diseñador gráfico. Mario Niveo forma parte del estudio Motor Niveo (www.niveo.com.br).

Hoy tenemos todo en nuestras manos, información sin fin que se multiplica a cada segundo y que, por el contrario, conlleva angustia y ansiedad al ser consciente de la imposibilidad de ser capaz de representar todo lo que sucede a nuestro alrededor. Aunque nuestro trabajo consistiera solamente en investigar nuevas tendencias, no habría apenas tiempo para conocer las novedades más importantes. Para intentar reducir esta falta de control de la información, muchas personas usan algún tipo de oficina virtual, con el fin de organizar, clasificar y rastrear (sin perder un post) de los sitios web que consideran esen-

ciales (como el google reader). Para algunos parece funcionar, para otros, entre los que me incluyo, sólo sirve para sentirse cada vez más incomodo al contemplar cómo va creciendo irremediablemente la lista roja de "artículos por leer". En el día a día del arte creativo siempre vivimos corriendo con los trabajos "para ayer", y ser capaz de mantenerse al día con las referencias es sólo una pequeña parte de nuestra rutina (aunque no sea menos importante). Así es que para evitar esa situación, y no perder las referencias pertinentes, normalmente vamos por el camino fácil: se busca la información ya pre-seleccionada por los diseñadores, artistas y publicistas de los que nos fiamos. El gran problema es que todos acabamos bebiendo de la misma fuente, independiente de qué país seas, la agencia que trabajes e incluso la madurez profesional, leemos los mismos sitios web, miramos los mismos anuarios, subscribimos las mismas revistas, discutimos las mismas series, iguales películas, escuchamos las mismas bandas, y esto hace que nuestro repertorio sea muy similar, con lo que en consecuencia, a menudo creamos de manera parecida. Cada año, los long lists de festivales de publicidad se llenan con un número absurdo de piezas semejantes, copias auténticas de referencias de otras campañas publicitarias.

Every year, advertising festival long lists are filled with an absurd number of similar pieces, authentic copies of references or other advertising campaigns. If we are dealing with a coincidence or plagiarism, it is hard to know. What is clear is that having an original (and brilliant!) idea is not an easy task. It seems like everything has been done and thought in several ways. And when you receive a briefing, and immediately and effortless an amazing idea comes to mind, be careful, it might be a beautiful memory of one of the numerous campaigns you have seen around in those years of search. In an attempt to escape from monotony, that "more of the same", I try to look for: new websites -harder to

follow- like technological experimentation forums, where designers, engineers and also those interested in the subject get together to create something new; alternative short film festivals, full of unknown new directors; virtual visits to small art galleries in a country I barely knew existed, or in a country I will not be visiting soon; i.e., all those things that are still far from reaching millions of page views. But what really seems more productive is looking at the world with analytical vision: watching everyday life, listening to a conversation between elder people at the bus stop, looking at the teenagers dancing in the park, watching a strange film in

And when you receive a briefing, and immediately and effortless an amazing idea comes to mind, be careful, it might be a beautiful memory of one of the numerous campaigns you have seen around [...] In previous and in the following pages, illustrations by Mario Niveo. From a notebook to a passport, any format is good for recording and experiment with ideas that later he will use for his works. En la página anterior y en las siguientes, ilustraciones de Mario Niveo. Desde un cuaderno hasta un pasaporte, cualquier formato es bueno para anotar y experimentar con ideas que más tarde utiliza para sus trabajos.

Si se trata de una coincidencia o de un plagio, es difícil de saber. Lo que está claro es que tener una idea original (¡y genial!) no es una tarea fácil, parece que todo ya se ha hecho y pensado de forma previa. Y cuando llega un briefing a tus manos y a continuación, y sin mucho esfuerzo, una brillante idea nos viene a la cabeza, tengamos cuidado, puede ser un bello recuerdo de una de las numerosas campañas que has visto por ahí en esos años de búsqueda. Para tratar de escapar de la monotonía, de ese más de lo mismo, lo que yo intento es buscar sitios web más difíciles de encontrar, tales como foros de experimentación tecnológica, donde los diseñadores, ingenieros y también curiosos se juntan para crear algo realmente novedoso; festivales alternativos de cortometrajes con directores desconocidos, visitas virtuales a las pequeñas galerías de arte en un país que apenas se sabía que existía o del país que no serás capaz de visitar en breve, es decir, todas las cosas que son o aún siguen lejos de llegar a los millones de visitas. Pero lo que realmente parece más productivo es ver el mundo con una

mirada analítica, observar lo cotidiano, escuchar la conversación de los mayores en la parada del autobús, mirar a los adolescentes que bailan en el parque, ver una película rara de la madrugada en un canal de televisión que nunca se ve, ir al teatro, detenerse para admirar un espectáculo de calle, visitar a los artistas que se exhiben en mercados de pulgas y aprovechar que están allí para charlar con ellos... En esos momentos, que existen solamente para los que están ahí con un ojo curioso y atento, es donde las ideas reales vienen. No es una tarea fácil la de buscar lugares y situaciones únicas, en lugar de simplemente deslumbrarse, tener la capacidad de mantener una mirada lejana y meditar en cómo se podría utilizar un día alguna de esas ideas. Y más difícil todavía es acordarse después de algún tiempo que en ellas está la resolución inteligente del problema que tienes entre manos. Así que yo sigo un consejo que he encontrado en común en más de una biografía y en alguna entrevista que he leído de mis "creativos" favoritos, incluyendo artistas polémicos y directores de Hollywood: APUNTE.

the early morning on a TV network you never watch, going to the theatre, stopping to admire a street show, visiting the artists showing at flee markets, and taking the opportunity they are already there and talking to them. In those moments that only exist for those who where there -with a curious and watchful eye- is where the real ideas come to mind. It is not an easy task to look for unique places and situations, and -instead of just dazzling yourself- to have the ability to keep a distant vision and see how you could use some of those ideas some day. And it is even more difficult to remember after some time that those ideas are the best resolution for the creative problem you are dealing with. So I act on a piece advice I have found in more than one biography and in some interviews to my favourite "creative executives," including polemic artists and Hollywood directors: WRITE DOWN. Write down everything you find interesting, although it seems useless at the beginning. I walk around with a notebook in my pocket, and I write down, I draw things, I glue papers -ideas, phrases, images, situations; everything I can. Many of these ideas inspire me and suggest possible directions for really new ideas and clear new paths to find the solution for a briefing. Other ideas remind me of a day that turned out very funny. And it always worth it when you reopen those notebooks covered with notes and papers and travel around words and images that some time seemed

inspiring. It is a habit hard to acquire but it is often great fun. Usually every notebook turns into a world filled with "ideas" captured from life. Personal and unique moments have more potential to convey a truth. It is not something cold and tinned bought at the supermarket, but something unique and true, like when you go to a new restaurant and you love it and you get that feeling of discovering something fresh and tasty. True insights in advertising -this world where people only see lies- can make a difference so consumers find truth and identification. And if you realise that this text is the same thing you have already read somewhere around, don't blame me! Probably we are just drawing inspiration from the same references.

Cuando llega un briefing a tus manos y a continuación, y sin mucho esfuerzo, una brillante idea nos viene a la cabeza, tengamos cuidado, puede ser un bello recuerdo de una de las numerosas campañas que has visto por ahí [...] En esos momentos, que existen solamente para los que están ahí con un ojo curioso y atento, es donde las ideas reales vienen.

In those moments that only exist for those who where there -with a curious and watchful eye- is where the real ideas come to mind.

Apunto todo lo que me parece interesante, aunque al principio parezca inútil. Ando con un cuaderno en el bolsillo, y apunto, dibujo cosas, pego papeles -anoto las ideas sueltas, frases, imágenes, situaciones, todo lo que puedo. Muchas de estas cosas me inspiran e indican direcciones de posibles ideas y me abren nuevos caminos para solucionar un briefing. Otras me recuerdan un día que resultó muy divertido, y siempre vale la pena cuando se vuelve a abrir estos cuadernos forrados de notas y papeles, y viajas por las palabras e imágenes que en algún momento parecieron inspiradores. Este es un hábito difícil de adquirir pero muy constructivo, cada

cuaderno se torna un mundo lleno de "inspiraciones" capturadas desde la vida. Los momentos personales y únicos tienen más potencial para transmitir una verdad. No es algo frío y en conserva, que se compra en el supermercado, es algo único y verdadero, como cuando vas a un restaurante por primera vez y te encanta, y da esa sensación de descubrir algo fresco y sabroso. Los insights verdaderos en la publicidad, este mundo donde la gente sólo ve la mentira, pueden marcar la diferencia para que los consumidores encuentren una verdadera identificación. Y si te encuentras ahora con que este texto es muy parecido a cualquier otro que has leído por ahí, ¡no me culpes! Es probable que estemos inspirándonos en las mismas fuentes.

ILLUSTRATION ILUSTRACION

Castelao text by artículo de

Olmo Rodríguez

Leandro

Geometric Imagination Imaginación geométrica

Importantes marcas como Nike, Red Bull, Nokia o Unicef y publicaciones como Times, The Times UK o Esquiere, figuran en el extenso portafolio del ilustrador Leandro Castelao. Además, este diseñador ejerce como profesor en la Universidad de Buenos Aires. Su amplia experiencia docente le ha permitido llevar su arte por el mundo realizando talleres en India, Brasil, Argentina y España entre otros. Este artista argentino combina a la perfección geometría y abstracción, para representar complejos conceptos, produciendo imágenes limpias y cargadas de significado. Los colores, fundamentales en sus obras, se mezclan con total armonía creando composiciones de exquisito gusto y en perfecto equilibrio.

Important brands like Nike, Red Bull, Nokia and Unicef, and publications like Times, The Times UK and Esquire form part of the extensive portfolio of the illustrator Leandro Castelao. This designer is also a professor at the University of Buenos Aires. His extensive teaching experience has allowed him to take his art throughout the world, carrying out workshops in India, Brazil, Argentina and Spain amongst others. This Argentine artist combines geometric perfection and abstraction to represent complex concepts producing clean images full of meaning. Colours, which are fundamental in his work, are mixed in complete Alternative health, 2010. Illustration for an article about different alternative therapy, for Esquire Magazine. Alternative health, ilustración para un artículo acerca de terapias alternativas para la revista Esquire.

harmony to create composition of exquisite taste and perfectly balanced. Castelao synthesises the ideas in minimalistic iconic forms and symmetric lines that when taken as a whole, give way to much more complicated structures. An ideal style for clients from the scientific, technological and financial arenas and due to this he has worked on everything from magazine covers and mobile phone case designs (iPhone 4) to editorial illustrations. However, his geometric abstractions have also definitely fit in with more human, natural and spiritual concepts. Imagination floods through his illustrations without losing any of the manual precision that characterises his work. What is the challenge? To deepen each detail of this universe of curves and straights with meticulous care, until meaning is reached.

Castelao sintetiza las ideas con minimalistas formas icónicas y trazos simétricos que en su conjunto dan lugar a estructuras más complicadas. Un estilo ideal dirigido a clientes de ámbito científico, tecnológico o financiero para los cuales ha realizado desde portadas de revistas o diseño de fundas para móviles (iPhone 4) hasta ilustraciones editoriales. A su vez, sus abstracciones geométricas también han encajado perfectamente con conceptos más humanos, naturales o espirituales. En sus ilustraciones, la imaginación lo inunda todo, y ello sin perder la precisión de manual que le caracteriza. ¿Cuál es el reto?, profundizar en cada detalle en ese universo de curvas y rectas meticulosamente cuidado, hasta llegar a su significado. On the left, illustration for an article about Red Bull's Empire. On this page, GiveMeFive (2008), a illustration about different ways of saying hello, for K-2000. A la izquierda, ilustración para un artículo acerca del imperio Red Bull. En esta página, GiveMeFive (2008), una ilustración acerca de diferentes maneras de saludar, para K-2000.

To the left, Bombay. On the right, Amar'e Stoudemire poster for Nike's All for One event/show. A la izquierda Bombay. A la derecha, poster de Amar'e Stoudemire para el evento All for One de Nike.

GAMES JUEGOS

Nicklas Nygren

text by artĂculo de

Olmo RodrĂguez

Endless corners to explore, walls to climb and puzzles to decipher form part of Knytt Underground, a 2D platform indie game designed for those who love the genre .

In this third instalment of the acclaimed Kyntt series, created by renowned indie developer Nicklas Nygren, a.k.a Nifflas, and production house Green Hill, the action takes place in a faraway future where fairies and elves inhabit a word of underground passages. Mi, an apparently mute and amnesiac young girl, and Bob, a nervous sphere, are the characters used by the player to discover, completely freely, a gigantic map of labyrinths with a very carefully designed visual aesthetic. Over three chapters, in the first two, the player handles each character separately; the main challenge is to discover each point of this universe of more than a thousand galleries. You won’t be able to do as you please though, given that in addition to solving puzzles, the scenes are "strewn" with dangers in the form of ponds filled with deadly substances and lethal enemies. Your skill will lie in being able to skilfully negotiate said obstacles by jumping, climbing and bouncing through the platforms. A mysterious atmosphere and a framework of suggestive ends envelope this adventure which will trap you, little by little, in its enigmatic galleries. It’ll be easy to lose yourself in its corners. Un sinfín de rincones por explorar, paredes para trepar y puzzles por descifrar forman Knytt Underground, un juego independiente de plataformas 2D para los amantes del género. En esta tercera entrega de la aclamada serie Knytt, creado por el reconocido desarrollador independiente Nicklas Nygren, también conocido por Ninflas, y la productora Green Hill, la acción se desarrolla en un futuro lejano donde hadas y duendes habitan un mundo de pasadizos subterráneos. Mi, una joven aparentemente muda y amnésica, y Bob, una inquieta esfera, son los personajes con los que el jugador recorrerá con total libertad un gigantesco mapa de laberintos diseñados con una estética visual muy cuidada.

El juego discurre a lo largo de tres capítulos, en los dos primeros el jugador maneja a cada personaje por separado, el reto principal es descubrir cada punto en cada uno de los recodos de este universo de más de mil galerías. No podrás campar de cualquier manera y a tus anchas, porque además de superar puzzles, los escenarios están "sembrados" de peligros en forma de charcos de sustancias mortíferas y enemigos letales. Tu destreza radicará en sortear hábilmente dichos obstáculos; saltando, escalando y rebotando por sus plataformas. Una atmósfera misteriosa y un marco de sugerentes fondos envuelven esta aventura que te atrapará poco a poco en sus enigmáticas galerías. Será fácil perderse por sus esquinas.

DESIGN DISEÑO

Jean Manuel Duvivier Murals for Kids Pinturas murales para niños

text by artículo de

Anna Gomis

Despite the visible simplicity of the lines and forms in illustrations by Jean Manuel Duvivier, a deep reflection lies behind them. Its strong symbolical and metaphorical meaning sometimes turns them into logos or slogans conveying a direct message towards the spectator: peace; justice; environmentalism. Detrás de una fachada de aparente sencillez en el trazo y en las formas, las ilustraciones de Jean Manuel Duvivier esconden una profunda reflexión. En ocasiones, su fuerte contenido simbólico y metafórico las transforma casi en logotipos, o slogans, que contienen un mensaje directo para el espectador: paz, justicia, ecología...

Duvivier’s latest work comes from a beautiful and inspiring surface: the walls of a Children Hospital in Amsterdam. On these murals, which have been created on white background using blue and salmon-pink colour ranges only, motion scenes starred by animals and nature life are showed. Every illustration is devoted to an animal along with an activity around it showed in detail: a sacred elephant in India, a giraffe in the wild forest, a lion in a circus or a polar bear surrounded by sporty penguins. Funny, tender and imaginative images inviting to be observed in detail, these scenes could easily be seen as windows to a daydreaming child’s mind. After 10 years being the Art Director at The Hergé Foundation –the organization responsible for Tintin´s adventures- Duvivier is devoted now to develop his illustrator facet and he also gives lessons in La Cambre School of Visual Arts in Brussels.

Su último trabajo llega desde una superficie inspiradora y bella: las paredes de un Hospital Infantil en Amsterdam. Allí, sus murales, elaborados sobre fondo blanco con gamas azul y salmón, muestran escenas en movimiento con animales y naturaleza como protagonistas. Cada ilustración se centra sobre un animal y en toda una detallada actividad a su alrededor: un elefante sagrado en la India, una jirafa en la selva, un león en el circo o un oso polar rodeado de pingüinos deportistas. Escenas divertidas, tiernas e imaginativas que invitan a ser observadas en todos sus detalles y que bien podrían ser, precisamente, ventanas a la mente de un niño que sueña despierto. Después de ocupar el puesto de director de arte durante 10 años de la Fundación Hergé, responsable de las aventuras de Tintín, Duvivier se dedica a desarrollar su faceta de ilustrador y a dar clases en La Cambre School de Artes Visuales en Bruselas.

ILLUSTRATION ILUSTRACION

Interpretive art Arte interpretativo

Corte

María

text by artículo de

Anna Gomis

El trabajo de la ilustradora barcelonesa María Corte es muy reconocible; un estilo personal que viene marcado por su visión del cuerpo humano. De apariencia tosca y rotunda, las figuras parecen, en una primera impresión, rígidas, pero posteriormente flotan, fluyen y se expanden con absoluta libertad en medio de una explosión de colores. El humor sutil o la imagen como metáfora son también una constante en su obra. Así, el espectador debe interpretar las ilustraciones, leer en ellas los guiños a situaciones cotidianas, las críticas veladas a un desajuste social o la síntesis artística de toda una cultura. María Corte sabe plasmar, a través de la imagen y el color, ideas y conceptos abstractos con aparente sencillez, pero que esconden tras de sí muchas horas de trabajo y reflexión.

The work of the Barcelonan illustrator María Corte is very recognisable; a personal style which is marked by her way of seeing the human body. Being crude and flat, the figures appear, on first impression, rigid, but they then float, flow and expand with complete freedom among an explosion of colours. Subtle humour and images as metaphors are also a constant theme in her work. This way, the spectator must interpret the illustrations, read in them the hints to every-day situations, the critiques on social injustice and the artistic synthesis of an entire culture. María Corte knows how to express, through image and colour, abstract ideas and concepts with apparent simplicity, but behind which hide many hours of work and reflection. On the right, illustration for the journal Diari de Tarragona. A la derecha, ilustración para el periódico Diari de Tarragona.

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El interés de la ilustradora por las teorías de Freud y la propia influencia familiar, con padres psicoanalistas, han sido también determinantes en su trabajo, el cual muestra la complejidad y entresijos de la mente humana. Sus ilustraciones han sido reclamadas por medios e instituciones de todo el mundo, como The New York Times, The Wall Street Journal, La Vanguardia, Deloitte University Press o Grupo Planeta.

The illustrator’s interests in Freudian theories and family influence, as her parents are psychoanalysts, have also been fundamental in her work, which demonstrates the complexity and ins and outs of the human mind. Her illustrations have been in demand from the press and institutions from all over the world, such as The New York Times, The Wall Street Journal, La Vanguardia, Deloitte University Press and Grupo Planeta.

On this page, illustration for Illostribute. On the right, Tribute to Ernesto Garcia Cabral, participation on the web Illostribute. En esta página, ilustración para Illostribute. A la derecha, Homenaje a Ernesto García Cabral, participación en la web Illostribute.

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Illustrations for Orsai Magazine. Ilustraciones para la revista Orsai.

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COMIC CÓMIC

text by artículo de

Delirious surrealism, dark humor, social criticism and crude gags cheekily imbue the underground comic strips created by Kazimiras Prapuolenis, Kaz, (born 1959, New Jersey). And, the decadent characters (mutant rats, speaking cuddly toys, vocational junkies, deep South rednecks, a smoker cat, etcetera) this north American artist creates bear the weight in an alternative universe which has been being published in US alternative weeklies under the title Underworld for more than twenty years. As backdrop, the suburbs of a city where stories about guns, drugs, death and sex crossover in short, straight hilarious four-frame comic strips which will make people burst into laughter or surely at least will cause an impact on the reader since the first page.

Olmo Rodríguez

Submundo

Surrealismo delirante, humor negro, crítica social y gags salvajes, impregnan de descaro las viñetas de los cómics underground de Kaz (Kazimiras Prapuolenis, nacido en 1959, New Jersey). Todo ello lo sufren los personajes decadentes (ratas mutantes, peluches parlantes, yonkis vocacionales, paletos de la América profunda, un gato que fuma, etc.) de un universo alternativo, creado por el dibujante norteamericano, por medio de unas tiras cómicas que ya llevan 20 años publicándose, bajo el nombre de Submundo, en la prensa alternativa estadounidense. Como telón de fondo los suburbios de una ciudad, donde las historias de armas, drogas, muerte y sexo se entrecruzan en tiras cortas y directas de cuatro desternillantes viñetas que a buen seguro despertarán una carcajada al espectador y le impactarán desde la primera página.

Underworld

Kaz

¡bla!

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[Olmo] ¿En Submundo tomaste como referencia experiencias propias o personajes de las calles de New Jersey? [Kaz] Submundo es una ficción; la inspiración viene de los cómics, o a veces de cosas que oigo en la calle, para luego proyectar mis pensamientos y mis fantasías sobre la página. La mayor parte tiene que ver con lo que ocurre dentro de mi cabeza, pero sí, utilizo lo que me rodea para crear el escenario de mi película.

[Olmo] In Underworld you took as reference your own experiences or from characters from the streets of New Jersey? [Kaz] Underworld is a fictional creation inspired by comics, sometimes overhearing things on the streets, and me projecting my thoughts and fantasies onto the page. It mostly takes place inside my head but I use my surroundings as my movie set.

La estética de tus dibujos fue rompedora. ¿Qué te llevó a combinar ese aspecto entrañable de los dibujos animados de los años 50 con un guión underground? Quería pillar por sorpresa al lector. Para mí, ese estilo entrañable y el encanto que destila resulta gracioso cuando lo mezclas con una estética más underground. Y, además, está el efecto colateral del pathos. Los personajes agridulces permanecen conmigo mucho más tiempo.

The aesthetics of your drawings was ground-breaking. What made you mix that charming side from the cartoons from the 1950s with an underground script? I wanted to take the reader by surprise when they read it. To me, that charming, cute style is funny when you mix is with a more underground esthetic. Also, a side effect is pathos. The bittersweet characters stay with me much longer.

¿Por qué tus dibujos van en blanco y negro? ¿Intentas dar más dureza y dramatismo a las historias? No. Los periódicos en los que aparecieron mis viñetas a comienzos de los años noventa no podían permitirse publicar en color. Siempre que se me ha presentado la oportunidad de hacer cómics en color la he aprovechado. Aunque, también, el color habría sido un elemento distractor y para mí era esencial que el aspecto de Submundo estuviese a caballo entre las viñetas de los diarios y los cómics under-

Why are your drawings in black and white? Are you trying to put more harshness and drama on your stories? No. The newspapers that ran my comics in the early 1990’s couldn’t afford to publish the comics in color. Whenever I had the chance to do comics in color I took the opportunity. But also, color would have been distracting and I really wanted Underworld to look like a cross between daily newspaper comics and underground comics and they, for the most part were in black and white. If the result is harsh drama then I’m very happy with the outcome.

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ground, y la mayor parte tanto de unos como de otros eran en blanco y negro. Si la consecuencia es el drama duro, es un resultado que me agrada. Actualmente en tu web se puede disfrutar de Submundo en forma de animaciones de 30 segundos. ¿Qué opinas del resultado? ¿Cómo surgió la idea de pasar a la animación las viñetas? Me parece que fue algo muy natural ya que comencé a trabajar en animación en 2001. Hacía años que mis amigos y fans me comentaban que les encantaría ver mis tiras animadas. Por mi parte también había curiosidad y ahora estoy encantado con el resultado. Matt Campbel, un buen amigo, se encarga de la producción desde Nueva Zelanda, y trabajamos codo con codo para trasladar a las animaciones el espíritu de mis dibujos. Está claro que tus viñetas no dejan indiferente a nadie, te habrás encontrado con opiniones de todo tipo. ¿Tienes alguna anécdota al respecto? Hace algunos años Submundo se publicó en un periódico muy conservador de Arizona. La intención del editor era causar conmoción, así que sólo publicó las tiras más impactantes. Le avisé pero no quiso escucharme. A la redacción empezó a llegar un goteo de cartas amenazantes que continúo hasta que el editor publicó una tira sobre un bebé y un travesti, entonces aparecieron grupos eclesiásticos que querían boicotear el periódico. Ni qué decir tiene, mi tira desapareció y al editor le despidieron. Estoy orgulloso de ello. A menudo la gente dice que al principio no les gusta mi obra porque les resultaba muy rara y oscura, pero que después de unas semanas ven que detrás de mis dibujos hay mucho más y empiezan a seguir mis tiras. Aparte del cómic underground, ¿qué otros géneros te gusta leer? ¿Podrías apuntar algún libro o cómic que te haya marcado especialmente? Mi mujer trabaja como comercial en una cadena de librerías así que vivo rodeado de libros. Y tiendo a coger alguno de las pilas de ellos que hay por mi casa. Últimamente he leído a George Saunders, un novela policiaca de Richard Lange, una biografía de Mickey Cohen (un mafioso de Los Ángeles), un libro sobre Iggy Pop (el cantante), un libro de arte sobre Artzybasheff, un historia de los beatniks, una biografía del dibujante Charles Addams, un libro que trata sobre los últimos años de Bela Lugosi, un libro sobre la poesía expresionista y una colección de comics de Lyonel Feininger.

Currently in your website, Underworld is available in the form of 30 seconds animations. What do you think about the outcome? How did the idea of turning the cartoons into animations came up? I think it was very natural for me since I had begun working in animation in 2001. For years, friends and fans told me that they would love to see my comics animated. I was curious too and I love the results. A very good friend of mine, Matt Campbell, produces them in New Zealand and we work very closely to get them to feel like my drawings. Clearly your cartoons cannot be ignored, you might have came across all kinds of views. Do you have any anecdotes about that? Underworld ran in a very conservative newspaper in Arizona years ago. The editor wanted to shake up his readers so he only published my most shocking strips. I warned him but he did not listen. Hate mail started to pour into the newspaper until he finally published a comic about a baby and a transvestite that had church groups boycotting the paper. Needless to say, my comic strip was dropped and the editor was fired. I’m proud of that. Often I will have people say that at first they did not enjoy my work because it was too weird and dark but after a few weeks they see that here is a lot more going on in the work than they initially thought and have become fans. What did the leap into animation by the hand of Bob Sponge mean to you? Was it a big change? It completely changed my life. I was able to collaborate with other talented, funny cartoonists and I saw that we all had similar sensibilities. I moved to Hollywood and was impressed by how harsh, sleazy, and very Underworld -like it is out here too- in addition to being sunny, warm, and near the beach and desert. Besides underground comic, what other genres do you enjoy reading? Could you name any book or comic that has marked you in particular? My wife is a book buyer for a chain of bookstores so new books surround me and I tend to pick up books I see piled up around my house. Lately I’ve read literature by George Saunders, a crime thriller by Richard Lange, a biography of L.A. mafia lord Mickey Cohen, a book about the rock singer Iggy Pop, an art book on Artzybasheff, a history of beatniks, a biography of cartoonist Charles Addams, a book about the lost years of Bela Lugosi, a book of Expressionist poetry, and a collection of comics by Lyonel Feininger.

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¿Qué supuso para ti el salto a la animación de la mano de Bob Esponja? ¿Fue un gran cambio? Fue un cambio total en mi vida. Me permitió colaborar con dibujantes divertidos y con talento y vi que todos compartíamos sensibilidades similares. Me mudé a Hollywood y me impresionó su dureza y sordidez -muy en la línea de Submundo- que, por otro lado, conviven con el sol, un clima cálido y la cercanía a la playa y al desierto. A lo largo de tantos años de carrera, ¿han cambiado mucho tus fuentes de inspiración o referencias, los temas a tratar o los estereotipos de la sociedad a la hora de crear nuevos personajes? Me siguen hacienda gracia las mismas cosas. Quizás he llegado a un conocimiento un poco más profundo del comportamiento humano. Y puede que también un poco más complaciente. Pero sigo observando el mundo con una mirada absurda y oscura. Dibujos tiernos, vagabundos, críos, sexo, drogas, delincuentes, hombres, mujeres, animales domésticos y salvajes, monstruos… todos me siguen pareciendo graciosos. ¿Te has planteado la posibilidad de crear un spinoff (serie-secuela) de tus personajes más carismáticos (Creep Rat, por ejemplo)? Sí, he pensado en dividir la obra en tres cómics diferentes: Submundo, un comic sobre Creep Rat y una tira sobre las empollonas. ¿En qué proyectos trabajas actualmente? Acabo de terminar un programa de dibujos animados para niños, para una productora pequeña, en el que he participado como co-creador, y también he escrito otro guión para animación con un amigo, que espero salga adelante. Mientras tanto, me voy a concentrar en crear más animación para adultos además de trabajar en la recopilación y edición de una colección de Submundo para el mercado norteamericano. ¡Ah!, y sigo escribiendo y dibujando Submundo todas las semanas.

Throughout so many years of career, have your sources of inspiration or references, the subjects or society stereotypes changed a lot when you have to create new characters? I still find the same things funny. Maybe I’ve gotten a little bit deeper in my understanding of human behavior. And maybe a little bit more forgiving. But I still look at the world with an absurd and dark eye. Cute cartoons, bums, kids, sex, drugs, criminals, men, women, pets, wild animals, and monsters are still amusing to me. Have you ever thought of creating a spin-off of your most charismatic characters (for example, Creep Rat)? Yes, I’ve thought about splitting the comic strip into three comics: Underworld, A Creep Rat comic, and comic strip about nerdy girls. In which projects are you currently working? Well, I just finished co-creating a kids cartoon show for a small production company, and I wrote another cartoon show with a friend that I’m hoping would be picked up. In the meantime I’m going to concentrate on more adult animation as well as putting together a big Underworld book collection for the American market. Oh!, and I will keep writing and drawing Underworld every week.

All images courtesy of Autsaider Cómics. Pages drawn from Underworld, ©Kaz, published in Spanish by Autsaider Cómics (translation by Paula Maroño). Todas las imágenes cortesía de Autsaider Cómics. Páginas extraidas de Submundo, ©Kaz, publicado en español por Autsaider Cómics (traducción de Paula Maroño).

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lone Wizards of the Styles

The beginning stages of graffiti

Established in 1995, the WOTS (Wizards of the Styles), have left their mark on every corner of the globe. SLONE, its founder, entered the graffiti world in 1977 when he was just a teenager, and since then he has managed to live solely from his art, which has allowed him to do what has always inspired passion in him, graffiti. In 2011 he was included in the Graffiti Writers Hall Of Fame. Proud of his career, and of his entire journey, he draws us close, in the first interview for a magazine, to his first steps into graffiti in New York, in the 70s, where the fight to have a respected mark was a matter of life or death.

Los primeros pasos del graffiti

INTERVIEW ENTREVISTA

interview by entrevista de

[Joicy] How were the first graffiti that appear in NY? [Slone] In those days the graffiti aspect were crazy because then there was no real style so everybody was writing their name anyway they wanted. The people who were out there when the movement began were tagging, a way of signing your name anonymously. Graffiti writers at that time were tagging with magic markers, pens and really thin markers. Soon after we elevated from thin markers to making our markers that were thicker. In 1977 was when I started to make my own ink. We would make them ourselves with a deodorant case and never left home without it. We would take DuckTape and tape

Joicy Serrano

the whole thing air tight, then take the top of the deodorant off and stuff it with a lot of cotton. At school we would swap some erasers, break those things apart, tape them together and basically stuff them inside the deodorant case. Then we would take alcohol and mix it with carbon paper and make our own ink. We taped the bottom of the deodorant case and then use a funnel to pour the alcohol into it, then flip it so the ink would run into the eraser. You would go from using a thin marker to one that was 10 to 20 times thicker. This would allow your tag to be thinker and stand out. That was the original way of making ink back in these days.

Establecidos en 1995, los WOTS (Wizards of the Styles), llevan su firma hasta todos los rincones del mundo. SLONE, su fundador, entr贸 en el mundo del graffiti en 1977 siendo un adolescente, y desde entonces ha conseguido vivir s贸lo con su arte, lo que le ha permitido hacer lo que siempre le ha apasionado; graffiti. En el 2011 fue incluido en el Graffiti Writers Hall Of Fame. Orgulloso de su carrera, como de toda su trayectoria, nos acerca, en la primera entrevista para una revista, a los primeros pasos del graffiti en Nueva York, en los a帽os 70, donde la lucha por tener una firma respetada a veces llegaba a ser una cuesti贸n de vida o muerte.

[Joicy] ¿Cómo

fueron los primeros graffiti que aparecieron en Nueva York? aquellos tiempos el aspecto del graffiti era una locura porque no existía un autentico estilo y todo el mundo escribía su nombre de la manera que quería. Cuando el movimiento empezó, la gente que estaba ahí hacían tags (firmas), una forma anónima de escribir su nombre. Los graffiteros en ese momento firmaban con magic markers, bolígrafos y rotuladores de puntas finas. Poco después avanzamos de puntas finas a crear nuestros rotuladores más gruesos. Fue en 1977 cuando empecé a hacer mi propia tinta. Hacíamos los rotuladores nosotros mismos con un envase de desodorante y nunca salíamos de casa sin ellos. Con el DuckTape (cinta adhesiva) sellábamos el envase y luego quitábamos la parte superior del desodorante, rellenándolo con algodón. En la escuela robábamos los borradores de las pizarras, los desarmábamos y pegábamos las partes con celo para meterlos dentro de los envases de desodorante. Luego mezclábamos alcohol con papel de carbón para hacer la tinta. Sellábamos el fondo del envase de desodorante y luego con un embudo metíamos el alcohol en él, volteándolo para que la tinta se encontrara con la esponja del borrador. Así pasabas de usar un rotulador con punta fina a una punta que era 10 o 20 veces más gruesa. Esto permitía que tu firma fuese más ancha y destacara. Esa era la forma original de hacer tinta en esos tiempos. Después empezamos a ir a las tiendas con gabardinas a robar botes de spray. Antes de que los tapones de punta gruesa salieran, solo había un tipo de tapón estándar para todos los botes de spray, así que comenzamos a modificar los tapones. ¡La gran innovación llegó cuando alguien tomó una simple aguja de coser y calentó la punta [Slone] En

Top, three boys and "a train" graffiti in Brooklyn's Lynch Park in New York City, by Danny Lyon, 1942, NARA (U.S. National Archives and Records Administration). Below, Graffiti On The Subway, New York City, 1973, picture by Erik Calonius. In 1973 transit police arrested more than 1,400 persons for graffiti scrawled on the walls. En la parte de arriba, tres chicos y "un tren" graffiti en el Parque Lynch de Brooklyn, en Nueva York, foto de Danny Lyon, 1942, NARA (U.S. National Archives and Records Administration). Abajo, Graffiti en el metro, Nueva York, 1973, fotografía de Erik Calonius. En 1973 la policía de tránsito detuvo a más de 1.400 personas por pintar en las paredes

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Above, subway graffiti in Times Square Subway Statio, in May 1973, NARA. Below, graffiti by Vail on a wall in Brooklyn, New York City, July 1974, photo by Danny Lyon, NARA. To the right, COPE2 graffiti in a train. Arriba, graffiti en un metro en la Estación de Metro de Times Square en mayo de 1973, NARA. Abajo, graffiti de Vail en un muro de Brooklyn, Nueva York, en julio de 1974, fotografía de Danny Lyon, NARA. A la derecha, graffiti de COPE2 en un tren.

We then started to go to the stores with trench coats and literally steal spray cans. Before the fat caps came out there was just one standard cap for every can, so we began to alter the caps. How innovative is it that somebody took a regular sewing needle and heated it up with a match and drove it right through the nozzle and all of a sudden you tripled or quadrupled in thickness the cap!. This is how a Fat Cap was invented in New York. In those days I would sneak out of my house around 12 o’clock at night through the back window. Everything seemed to work out fine until one night when I was coming back home around 4 in the morning from hitting up the trains as usual, I opened the window really slow not to wake my mom or dad up and once I opened the closet doors, to put my spray cans away, my dad jumped out of the closet and said to me: "You better not move and you better not scream. I don’t want your mother getting up. Come here. Listen, you think you are a man? That you can get up and leave

my house whenever you want? You are going around and painting trains. I know you are because I’ve seen all your artwork. Son, if this is what you want to do for the rest of your life, I understand. Just don’t wake me up, and don’t get caught because I am not bailing your ass out. You will be staying there." In that moment I had a whole new perspective. I had so much ambition to reach at a high level and I knew that years later this incident would mean a whole lot more for me. What were your artistic influences and how they lead to create your personal style Wild Style? My influences were TAKI 183, COPE2, T-KID, and Lady Pink. Writers like COPE2, a Bronx writer, was just killing the game completely. Anywhere you went you just saw his name. As far as Brooklyn writers who influenced me were Baby 168, Ink76, SONIC, CRIME79 and many others. These guys and Lady Pink were basically the movement. I felt like they were the movement in hiphop in general.

con una cerilla para luego meterla en la boquilla del tapón y de repente triplicó o cuadruplicó el grueso del tapón! Así es como el Fat Cap (tapón grueso) fue inventado en Nueva York. En aquellos tiempos yo me escapaba de casa alrededor de las 12 de la noche a través de la ventana trasera. Todo parecía funcionar hasta que una noche cuando volvía a casa alrededor de las 4 de la mañana, de bombardear trenes como de costumbre, entre por la ventana lentamente para no despertar a mis padres y cuando abrí las puertas del armario, para esconder mis botes de spray, mi padre salió de un salto de dentro y dijo: "Será mejor que no te muevas y es mejor que no grites. No quiero que tu madre se despierte. Ven aquí, escucha, ¿te crees que eres un hombre? ¿Que puedes levantarte y salir de mi casa cuando quieres? Andas por ahí pintando trenes. Sé que lo haces, porque he visto todas tus pinturas. Hijo, si eso es lo que quieres hacer por el resto de tu vida, lo entiendo. Eso sí, no me despiertes y que no te cojan porque si lo hacen yo no voy a salvarte el culo, te vas a quedar allí". En ese momento tuve una perspectiva totalmente nueva. Tenía mucha ambición por llegar al más alto nivel e intuía que años más tarde aquel suceso significaría mucho para mi. ¿Cuáles fueron tus influencias artísticas y cómo te llevaron a crear tu estilo personal Wild Style? Mis influencias fueron TAKI 183, COPE2, T-KID y Pink Lady. Escritores como COPE2, del Bronx, dominaban el escenario al completo. En cualquier lugar que ibas veías su nombre. Los escritores de Brooklyn que influyeron en mí fueron Bebé 168, Ink76, SONIC y CRIME79 entre otros. Estos chicos y Pink Lady generaban básicamente todo el movimiento. Daba la sensación de que eran el movimiento hip-hop en general. Comencé pronto a adquirir el apodo de SLONE, un nombre que salió por ser siempre un solitario. Nunca me juntaba con un grupo de gente porque en aquellos días había muchas peleas entre los grupos y escritores rivales. Mi objetivo era bombardear trenes, bombardear trenes, bombardear trenes, simple-

mente entrar y salir. Yo nunca llevaba a alguien del grupo conmigo porque por entonces había que ser muy selectivo. Cuando estás en un tren, en un túnel, estás sólo tú y quien sea que esté ahí contigo, si no sabes lo que estás haciendo y no tienes las llaves de las puertas para entrar y salir puedes llegar a colocarte en un gran aprieto. Yo siempre iba vestido de negro a los trenes y llevaba una muda de ropa en la bolsa. Conocía el horario, sabía cuando los policías iban a estar por la zona y todo el resto de detalles, porque todo entra en juego cuando vas a bombardear un tren.

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I soon began to take on the whole persona of SLONE, a name that came out of always being a loner. I never hung out with a bunch of people because back in those days there was a lot of fighting going on between crews and rival writers. My focus was bombing the trains, bombing the trains, bombing the trains and just getting in and getting out. I would never take anyone that I knew from the crew with me because back then you had to be really selective. When you are on a train underground in the tunnel it’s just you and whoever is in there with you, and if you don’t know what you are doing and if you don’t have keys of the doors to open and close then you can be in big trouble. I would always go dressed in black to the trains and always had a change of clothing in my bag. I knew the schedule, I knew when the cops where going to be around and every detail, because all of that comes into play when you are going to bomb a train. Most of the prolific writers came from Franklin K. Lane High School in Brooklyn. These were guys that just bombed the J, the M, the L, the C, and the A trains. One of them who went to my school became kind of my mentor at the time. His name was CRIME79. I knew that CRIME79 was one of the big writers in Brooklyn so I felt like I had to show this guy that I was really interested and that I was doing it for the right reasons and not just to be popular. On the right and on the following pages, two of the last works by SLONE as part of Wizards Of The Styles and distinctive signature of the crew. A la derecha y en las páginas siguientes, dos de las últimas obras de SLONE como parte del grupo Wizards Of The Styles y firma distintiva del grupo.

La mayoría de los escritores prolíficos venían de Franklin K. Lane High School en Brooklyn. Eran chicos que acababan de bombardear los trenes de la J, M, L, C y A. Uno de ellos, que iba a mi escuela, se convirtió en mi mentor en aquel entonces. Su nombre era CRIME79. Yo sabía que él era uno de los grandes escritores de Brooklyn así que pensé que tenía que demostrarle que yo estaba realmente interesado y que lo hacía por buenas razones y no sólo para ser popular. Me dio un montón de técnicas, aunque básicamente me dijo: "Te puedo dar tantas técnicas como quieras pero a menos que crees tu propio estilo no significarán nada al final del camino". Después de esto, empecé a desarrollar mis propios personajes y letras. Tuve que aprender como usar un rotulador, dominar la técnica de mezcla y conseguir que quedase impecable, lo que me llevó años. Para ser un escritor completo tienes que ser capaz de tener tu propio nombre, tu firma ha se ser inteligente y tener tu propio estilo de escritura, además de tus propios personajes y fondos. ¿Cómo afecta el graffiti a la sociedad y al ambiente artístico de Nueva York? Afecta en gran medida. Nos hemos convertido en los contadores de historias de nuestros barrios. Yo soy un contador de historias y no sólo para Brooklyn, porque el mensaje que traigo es para todo el mundo. Al principio éramos despreciados por la sociedad estadounidense. Cuando la gente empezó a valorar el graffiti, de repente se convirtió en algo importante y muchas personas querían pagar miles de dólares por él. En la actualidad se aprovechan de un montón de escritores que no tienen ningún sentido para los negocios. Firman contratos, pero en el fondo están tirando su vida por la borda. El graffiti no ha sido reconocido como una forma de arte hasta ahora. Lo sé porque lo he experimentado en persona. Estamos en constante lucha contra esta situación puesto que nos ha llevado mucho tiempo conseguir ser reconocidos por lo que hacemos. El graffiti es la única forma de arte que es completamente libre, sin limitaciones. La gente va a la escuela muchos años para aprender a mezclar un color y entender como combinar los colores. A través del graffiti yo aprendí a pintar sin miedo, a confiar en mi juicio, elegir los colores libremente y a ver una pared y no asustarme de ella. Que el graffiti esté siendo comercializado es fantástico porque permitirá a personas como yo, que llevan más de 30 años en esto, ganar dinero y vivir de ello. ¿Cómo surgió el grupo WOTS? Estábamos en casa de mi amigo Tumer (ahora vicepresidente del grupo WOTS), sentados uno frente al otro y se le ocurrió la idea de crear un grupo que fuese global. Volví a mi casa y comencé a darle vueltas a la idea, a pensar en posibles nombres y entonces se me ocurrió Wizards Of The Styles. Empezamos con 5 personas, una de cada barrio, y después de 10 años se pasó de 16 divisiones en Nueva York a 26 delegaciones por todo el estado. Cuando se convirtió en un grupo internacional, en 1998, éramos 120.

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Ahora tenemos 170 delegaciones por todo el mundo. Una de las cosas que hemos hecho, que nunca se había hecho antes, es tener a una mujer dirigiendo un departamento. Elegimos a Keibi como líder para los WOTS en Italia. He gave me a lot of techniques but basically he said: "I can give you as many techniques as you want but unless you make it your own style it means nothing at the end of the day." After that, I started to develop my characters and my lettering. I had to learn how to use a designer marker, master the blending technique and make it look flawless, which took me years. To be a well rounded writer you have to able to have your own name, your tag has to be dope, you must have your own lettering style, along with your characters and background. How does graffiti affect the community and the art environment in NY? It affects in a big way. We have become the storytellers of our neighborhoods. I am a storyteller and not only for Brooklyn because the message that I bring is for all the people. In the beginning we were looked down on by mainstream America. When people started to take notice, then graffiti all of a sudden became a big thing and people wanted to pay thousands of dollars for it. In actuality they took advantage of a lot of writers that didn’t have any business sense. They were signing contracts, but basically singing their life away. Graffiti hasn’t been recognized as an art form until now. I know personally because I have experienced it. We constantly fight against these situations because it has taken us a long time to be recognized for what we do. Graffiti is the only art form that is so free, with no limitations. People go to school for so many years to learn how to blend a color, to understand color coordination. Through graffiti I learned how to paint with no fear, to trust my judgement, to pick colors freely and to look at a wall and not be scared of it. The whole aspect of it been commercialized is great because it will allow a person like me who has been in the game for 30 years to be able to make money and to live from it. How did WOTS crew came about? We were at my friend Tumer’s house (now the VP of WOTS crew) sitting across from each other and he came up with the idea of creating a crew that would be global. I went back to my place and began to brainstorm on the idea, thinking on names for the crew, and later coming up with Wizard Of The Styles We started with 5 people one from each neighborhood and after 10 years it went from 16 division in New York to 26 chapters statewide. When it became global we were at 120 by 1998. Now we are at 170 chapters worldwide. One of the things we have done that has never been done in a graffiti crew is to have a woman run a graffiti chapter. We chose Keibi to be the chapter leader for the WOTS in Italy. How you felt when you were introduced into the Graffiti Wall of Fame in 2011? After 38 years to become part of the Graffiti Wall of Fame meant so much to me, not only as an artist but as a Latino, from Puerto Rico, I felt at that moment that I had became an Ambassador for the Latino community in the graffiti world. When they opened the gates I had to have a moment alone to think about my dad, who was my first inspiration. There is no greater honor than having the opportunity to paint on the Graffiti Wall of Fame and become part of history. Not just to myself but to the history of graffiti because it’s an honor to be part of the first generation. My whole intention is to leave a legacy behind for the next generations.

¿Cómo fue el ser incluido en el Graffiti Wall of Fame en 2011? Después de 38 años, formar parte del Graffiti Wall of Fame ha significado mucho para mí, no sólo como artista, sino como latino de Puerto Rico, en ese momento sentí que me había convertido en el embajador de la comunidad latina en el mundo del graffiti. Cuando abrieron las puertas tuve que tener un momento a solas para pensar en mi padre, que fue mi primera inspiración. No hay mayor honor que tener la oportunidad de pintar en el Graffiti Wall of Fame y convertirse en parte de la historia. No sólo por mí sino por la historia del graffiti, porque es un honor formar parte de la primera generación. Mi única intención es dejar un legado para las siguientes generaciones.

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leer & ver

read & wacht

elebrate 65

Type Directors Club www.tdc.org

To celebrate its 65th anniversary and its sponsorship of typographic excellence the Type Directors Club published Celebrate 65, a portfolio of inspirational work by prominent type designers, graphic designers, letterers, calligraphers, and artists. The 65 contributors were invited to submit a design for one number between one and sixty-five. This book presents their smart and beautiful efforts.

The Geometry of Type

Echoes of the Future

Thames & Hudson · £18.95

Gestalten · 35€

Stephen Coles

R. Klanten & H. Hellige

This book explores 100 traditional and modern typefaces in detail, with a full spread devoted to each entry. Characters from each typeface are enlarged and annotated to reveal key features, anatomical details, and the finer, often-overlooked elements of type design. Este libro explora 100 fuentes tradicionales y modernas en cuidadoso detalle, con una página doble dedicada a cada una. Los caracteres de cada fuente están aumentados y comentados para revelar características claves, detalles anatómicos, y los elementos más finos que a menudo se pasan por alto en el diseño de fuentes.

A stunning compilation of recent graphic design and illustration that is inspired by our collective visual memory. This book showcases an up-to-the-minute style trend that promotes contrasts sharply with the rapidly shifting styles of previous years that seemed out-of-date almost immediately. Una recopilación impresionante del más reciente diseño gráfico e ilustraciones que se inspira en nuestra memoria visual colectiva. Este libro muestra la última tendencia de estilo que contrasta pronunciadamente con los estilos de años anteriores que parecen haber pasado de moda rápidamente.

Para celebrar su 65⁰ aniversario y su patrocinio de la excelencia tipográfica, el Type Directors Club publicó Celebrate 65, un inspirador portafolio de prominentes tipografos, diseñadores gráficos, rotulistas, calígrafos y artistas. Los sesenta y cinco contribuyentes fueron invitados a entregar un diseño para un número entre uno y sesenta y cinco. Este libro presenta sus bellos e inteligentes trabajos.

rt Basel 2013 Hong Kong

23.05.2013 - 26.05.2013 www.artbasel.com

Art Basel 2013 Hong Kong, will celebrate its first edition in the HKCEC of Hong Kong this year. Art Basel 2013 Hong Kong boasts the presence of more than 250 of the most important galleries in Asia, Europe and America. As in Basilea and Miami Beach, this new edition will present sculptures, drawings, installation art, photography and video from more than 2,000 artists.

Les Amateurs Los Entusiastas

The Cavalier Mr. Thompson

Actes Sud BD Sins Entido · 23.75€

Fantagraphics Books La Cúpula · 18€

Brecht Evens

RICH TOMMASO

Brecht Evens impresses us once again with his enormous palette of colours and ingenuity in telling stories. This time, Evens focuses on art lovers and delves into small tensions, misunderstandings and expressionless humour which impregnate modern relationships. Brecht Evens vuelve a impresionarnos con su enorme paleta de colores y su gran ingenio para contar historias. Esta vez, Evens se centra en los amantes del arte y profundiza en las pequeñas tensiones, malentendidos y el humor inexpresivo que impregnan las relaciones modernas.

Welcome to the Cavalier Hotel, a hotel where horse-riding thieves, petrol tycoons, players, daring women, pleasure-seekers, and a wide range of eccentric characters come to fall and all of whom heat up the pages of this exquisite mixture of a black novel and true North American history. Sean bienvenidos al Hotel Cavalier, establecimiento hotelero por el que se dejan caer ladrones de caballos, potentados del petróleo, jugadores, señoritas atrevidas, estafadores y todo tipo de personajes estrafalarios que caldean las páginas de esta exquisita mezcla de novela negra y genuina historia de Norteamérica.

Art Basel 2013 Hong Kong, celebrará este año su primera edición en el HKCEC de Hong Kong. Art Basel 2013 Hong Kong contará con la presencia de más de 250 de las galerías más importantes de Asia, Europa y América. Al igual que en Basilea y Miami Beach, esta nueva edición presentará obras de escultura, dibujo, instalaciones, fotografía y video de más de 2.000 artistas.

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